RockZone 152 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Thermic Boogie (Barcelona) © Carles Rodríguez

EDITORIAL De estar editando la revista todavía en papel es muy posible que la decisión de dedicarles una portada a Crim nos hubiese situado en un gran dilema entre lo que nos hubiera gustado hacer y lo que deberíamos haber hecho desde un punto de vista económico. Por suerte, el no depender de las ventas nos permite hacer, ni que sea de vez en cuando, una locura de este tipo... O al menos hacerla sin temer una avalancha de palés con devoluciones. En todo caso, esperamos que gracias a esta portada sean muchos los que se animen a descubrir, de una vez, a una de las mejores bandas de punk rock de los últimos años. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 152

7 / INTERFERENCIAS

20 / GRETA VAN FLEET

26 / MUSE

32 / TRASH BOAT

36 / DISTURBED

40 / BLACK PEAKS

46 / CRIM

54 / DISCO DEL MES

56 / CRÍTICAS

78 / BOSTON MANOR

84 / THE WIZARDS

90 / PANELLET

94 / EN DIRECTO

106 / DE GIRA + AGENDA

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INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ GASTEIZ CALLING 2018 LOS PRÓXIMOS 9 Y 10 DE NOVIEMBRE VITORIA-GASTEIZ VOLVERÁ A CONVERTIRSE EN LA MECA DEL PUNK Y EL HARDCORE CON LA CUARTA EDICIÓN DEL GASTEIZ CALLING. EL FESTIVAL REÚNE ALGUNOS DE LOS NOMBRES MÁS MÍTICOS DE LA ESCENA COMO NOFX, REFUSED O AGNOSTIC FRONT.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: Eric Altimis

esde que a finales de marzo se anunciaran los primeros nombres que formarían parte de la nueva edición del Gasteiz Calling que estábamos de los nervios. Con Propagandhi a la cabeza en su única fecha en España para presentar su último disco Victory Lap, además de Suicidal Tendencies y Agnostic Front entre otros, no era para menos. Pero por fin la espera está a punto de terminar y en unos días el Iradier Arena de Vitoria-Gasteiz abrirá sus puertas para recibir una veintena de bandas y sus miles de seguidores. Fiel a su filosofía inicial, el festival ha confeccionado un lineup con bandas de ayer y hoy que han dejado huella en el mundo del punk. Los pogos y los cánticos están asegurados durante 48 horas de puro delirio. Los primeros en romper el hielo el viernes 9 de noviembre serán Rat-Zinger, seguidos de XXL, Not On Tour, los reunificados Nations

On Fire, GBH (que sustituyen a The Exploited tras los problemas de salud de Wattie), Dag Nasty, Cockney Rejects, Refused, Soziedad Alkoholika y Suicidal Tendencies. La jornada del sábado 10 contará con Adrenalized, Lion’s Law, Dead To Me, Bad Co. Project, Street Dogs, The Boys, Segismundo Toxicómano, Propagandhi, Agnostic Front y NoFx. Esperemos que Fat Mike no la líe.. o qué coño, que sí. Por si fuera poco, el día 8 en la sala Jimmy Jazz habrá una Warm-Up Party con Jerry A de Poison Idea y Estricalla. Por si todavía no te has decidido, el precio de los abonos es de 69 euros (+ gastos) si se compra anticipadamente y de 80 en taquilla. En el caso de las entradas de día, el precio es de 49 euros (+ gastos) anticipada y 55 en taquilla. Para tener más información, visita la web www.gasteizcalling.com

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LO PEOR DE MÍ_ SETLIST FM ES EL MAL

a regla de los no spoilers parece que no se tiene en cuenta en el mundo de la música. Resulta curioso cómo nadie quiere que le cuenten el final de una película, una serie o un libro, y en cambio haya tanta gente que antes de asistir a un concierto se aprenda de memoria el setlist del grupo que va a ver. Entiendo que a veces la curiosidad de saber si va a sonar tal o cual canción es demasiado fuerte -yo mismo he caído en ello- e incluso puede ayudar a decidirte si asistes a ver una determinada gira de un grupo al que ya has visto varias veces, pero una cosa es eso, y la otra es ir a un show sabiendo exactamente todo lo que va a sonar y en qué orden. Y más teniendo en cuenta que cada vez hay menos grupos que

varían su repertorio. La eliminación del factor sorpresa, unido al uso indiscriminado de los móviles, hacen que la conexión entre músicos y público sea cada vez más difícil de conseguir. Pero lo peor es cuando tienes un pesado al lado que, para ir de listo, va soltando aquello de ‘ahora tocarán ésta’ o ‘ahora viene tal’. Me pasó en el último de Incubus en Barcelona. Un tipo hasta se sabía las versiones que, de cara al público, iban improvisando, y no dudaba en gritarlo a los cuatro vientos. Eso no se hace. Sinceramente creo que saberse el guión antes de que suceda le resta mucha emoción y espontaneidad a un espectáculo en vivo. ¿O es que alguien miraría un partido de fútbol si ya sabiese de antemano el resultado? (JORDI MEYA)

EN LAS REDES

El pasado 19 de octubre, la cantante irlandesa Sinead O’Connor anunciaba su conversión al Islam a través de un mensaje en su cuenta de Twitter. “Ésta es la conclusión natural de cualquier viaje teológico inteligente. Todo estudio bíblico conduce al Islam. Lo cual hace que todas las demás escrituras sean redundantes. Tendré (otro) nuevo nombre. Será Shuhada”. Esperemos que sus nuevas creencias le sirvan, al menos, para encarrilar su vida. 8

Según trascendía hace unos días, Karl Logan, ya exguitarrista de Manowar, fue arrestado el pasado 9 de agosto en Charlotte, Carolina del Norte, por posesión de pornografía infantil, aunque tras pagar una fianza de 35.000 dólares, el músico fue liberado. Está por ver cómo esta noticia afectará la gira de despedida que la banda reemprenderá en febrero. Teniendo en cuenta algunos casos recientes, veremos si hay algún promotor que se atreva a traerlos.

Joey ‘Shithead’ Keithley, vocalista de los canadienses D.O.A., ha sido elegido como concejal del ayuntamiento de Burnaby, una ciudad de British Columbia, por parte del Partido Verde. “Me siento muy bien y muy feliz”, ha declarado. “Creo que la gente se ha dado cuenta de que los Verdes tenemos un enfoque colaborativo. Tienes que trabajar con quien puedas e intentar cambiar las cosas”. Viendo nuestro panorama político, igual habrá que llamarle.

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDIAN FO FOTOS: DR

LA CIUDAD SIEMPRE GANA Omar Robert Hamilton (SEXTO PISO)

omo una Nefertiti contemporánea con máscara antigás, Mariam deambula por las calles de una El Cairo en plena ebullición por la Primavera Árabe: “El Cairo es jazz, el del ardor de Nueva Orleans y el nervio de Chicago: ese jazz que es belleza en la destrucción del pasado, el jazz de un futuro incierto, el que promete libertad frente a los viejos malos tiempos”. La acompañan, entre muchos otros, Khalil y Hafez, quienes fotodocumentan las revueltas populares, cuelgan información en las redes sociales, elaboran podcasts y gestionan una plataforma subversiva llamada Caos. Ésta es una crónica ficticia de lo que podría haber pasado a pie de barricada en la plaza Tahrir y alrededores, desde la caída de Mubarak hasta la implantación de un régimen militar, pasando por la toma de posesión del poder de los Hermanos Musulmanes. El trepidante día a día de una revolución que se narra en La Ciudad Siempre Gana deja espacio para el idealismo, la

DIARIO DE UN LIBRERO Shaun Bythell (MALPASO)

o es Clerks, pero el espíritu de este libro es el mismo que el del film de Kevin Smith: mostrar el día a día de alguien que atiende al público en un comercio, en este caso, una librería de viejo. Shaun Bythell es el propietario de The Book Shop, la librería más grande de Escocia, ubicada en la pequeña localidad de Wigtown. El autor de este diario es capaz de disparar a un kindle y des-

solidaridad y la esperanza, pero también a la desilusión por lo que podría haber sido y no fue; los tres protagonistas que veían que las calles eran suyas en el 2011 acaban haciendo demasiadas visitas a la cárcel y a la morgue. En este contexto, Omar Robert Hamilton comparte también una lúcida reflexión sobre la supresión del género masculino para conseguir una sociedad menos violenta y más justa. JF

pués enmarcarlo para mostrarlo en su librería, mientras que sus empleados hacen más o menos lo que les rota y su gato Captain campa a sus anchas entre libros polvorientos. En el relato cada mes va introducido por un extracto de Bookshop Memories, un ensayo escrito por George Orwell en 1936, y todas las entradas comienzan explicando si la empleada de turno ha ido a trabajar o no y finalizan con la recaudación del día y el número de clientes. La lectura de Diario De Un Librero es bastante entretenida y se puede hacer por etapas sin perder el hilo, simplemente leyendo unas cuantas entradas como ésta: “El peor cliente del día ha sido un hombre calvo con una coleta amarillenta que se ha pasado una hora respirando fuerte en la sección de erotismo, hojeando casi todo lo que llevaba ilustraciones. Se ha marchado sin comprar nada”. El alivio llega en la última línea escrita por Shaun, donde cuenta que, después de todo, la librería sigue abierta a día de hoy. JF

BATMAN BLACK AND WHITE Nº 4 VV. AA. (ECC)

LA DANZA DE LOS

DIARIO DE INTER-

MUERTOS Pierre Ferrero

CAMBIO (CONMIGO

(LA CÚPULA)

MISMA) Kabi Nagata (FANDOGAMIA)

El cuarto tomo de la colección de historias cortas de Batman en blanco y negro recoge el volumen dos completo de la edición americana. Este proyecto es una pequeña rareza que ofrece lecturas breves gracias a sus historias autoconclusivas fuera de continuidad realizadas por diferentes autores de variadas épocas. Como no podía ser de otra forma, la potencia visual del personaje y su universo se ve reforzada por el uso imperativo del monocromatismo con el que se ofrece cada una de estas aventuras. SG

La danza de la muerte fue un género medieval en el que se mostraba, mediante grabados y versos, a la Muerte haciendo bailar a diferentes representaciones de la sociedad estamental. Sobre esta premisa el francés Pierro Ferrero orquesta, inspirándose en los grabados de Hans Holbeind, este cuento épico en el que varias historias se entrecruzan teniendo como base el levantamiento de los muertos y su lucha contra la humanidad; todo aderezado con mucho gamberreo del que arranca sonrisas inocentonas y sanas. SG

Tras la tremenda sorpresa que fue la edición de Mi Experiencia Lesbiana Con La Soledad, la editorial Fandogamia ofrece ahora en dos tomos la siguiente obra de la mangaka Kabi Nagata, donde explota los puntos fuertes de su particular estilo autobiográfico. Este trabajo es cálido, a pesar de los temas que trata (la soledad, las relaciones afectivas y paternofiliales, el sexo, etc.), y el trazo ligero de Nagata hace que su crudeza sea digerible mientras la artista se dirige a ella misma en esta suerte de diario terapéutico. SG

LA GRAN

EL ASOMBROSO

SUPERMAN ESPECIAL

NOVELA DE LA

SPIDERMAN 144

PATRULLA-X Nº 1 Ed Piskor

Dan Slott

ACTION COMICS 1000 VV. AA.

(PANINI)

Ed Piskor ha tenido la suerte de que este proyecto haya salido adelante para poder ofrecer ‘su relato’ de la historia. Son varias décadas y muchas iteraciones de personajes, pero Piskor se centra en este volumen en los años de la Patrulla original (hasta llegar al X-Men 66), haciendo coincidir, superponiendo, condensando y/o inventando diferentes sucesos que encajan a la perfección para sus propósitos. Hecho por un fan dedicado a los fans. Obligado. SG

y VV. AA.

El guionista que tomó las riendas de Spiderman tras ‘el mefistazo’ dice adiós al personaje culminando una de las etapas más sólidas que le hayamos disfrutado. Slott pone punto y final a sus diez años de aventuras arácnidas y el tomo que nos ocupa presenta la saga final con el regreso de El Duende Verde (como nunca le habíamos visto, y esto es cierto), ofreciendo una tanda de episodios repletos de acción, locuras y sacrificios. Una despedida salvaje y por todo lo alto. SG

(ECC)

El hombre de acero cumple 80 años alcanzando el número 1.000 USA de la cabecera que le vio nacer y ECC aprovecha la ocasión para ofrecer a los lectores españoles una edición en tapa dura de los contenidos que DC preparó para tan importante cifra (que contempla además la vuelta a su traje clásico). El tomo que nos ocupa es un recopilatorio estupendo con un buen puñado de historias que emocionan y pueden disfrutarse sin necesidad de estar al corriente de su continuidad. SG 11

PISANDO FUERTE_ SAME FIRE “NO CREEMOS QUE THE ROOTS TENGA UN ESTILO CERRADO COMO PARA DECIR QUE SONAMOS DE TAL MANERA. QUERÍAMOS ENSEÑAR UN CATÁLOGO DE SONORIDADES AMPLIO”

EDU SÁNCHEZ

FORMACIÓN: Edu Sánchez (voz, guitarra), Álvaro Guerrero (guitarra), Paco López (bajo), Daniel Sánchez (batería)

PROCEDENCIA: Córdoba AFINES A: Morgan, Jeff Buckley, City And Colour PRESENTAN: The Roots (Mono No Aware)

SAME FIRE

l destino suele ser caprichoso en ocasiones, pero a veces cuando las cosas ocurren, con el tiempo sueles ver que pasan por algo. En febrero de este mismo año nos pasamos por Westline Studios para entrevistar a Minor Empires con motivo de la publicación de United States Of Emergency, Vol. 2. En nuestra visita, también conocimos a Edu, su hermano Dani, Álvaro y Paco, cuatro chicos de Córdoba que estaban grabando allí mismo su primer EP, aún bajo el nombre de Crossroots. “La experiencia que vivimos en Westline tuvo mucho que ver con el cambio de nombre. Crossroots hacía alusión a la fusión de estilos que queríamos conseguir por la diversidad de nuestras influencias musicales”, nos cuenta Dani. “Pero la convivencia en el estudio, el tipo de sonido cálido que buscábamos y la unión que teníamos los cuatro nos llevó a acercarnos a ese mismo fuego. Y así dimos con Same Fire”. No hay que irse muy lejos para encontrar el punto de partida de su todavía corta pero ilusionante aventura. Desde abril de 2017 se pusieron a trabajar en una serie de canciones a las que rápidamente vieron que

debían poner en manos de Juan Blas. “Yo había trabajado antes con Juan gracias al consejo de los amigos de Viva Belgrado”, explica su guitarrista Álvaro. “La experiencia fue tan buena que no dudé en usar mis artes oscuras para convencer al resto de la tropa de que teníamos que ir a Westline (risas). No es sólo una cuestión profesional, sino también personal. Juan se vuelca al máximo con todo el proceso y te hace crecer. Además, sabemos que es muy meticuloso con captarlo todo muy limpio y que disfruta sacándote el sonido en la grabación, lo cual te permite prescindir de grandes artificios de producción digital después”. Una afirmación ante la que Dani termina apuntillando que “Juan es un tío que crea circuito musical con las bandas con las que trabaja y te sigue apoyando en cada pequeño pasito que das. Amor infinito”. Ese sonido cálido del que nos hablan se ve reflejado a la perfección en su EP de presentación titulado The Roots, que nos atreveríamos a afirmar que se encuentra entre los más destacados que han salido del estudio del vocalista de Minor Empires, Caboverde y The Big Bench. En él se pueden escuchar influencias muy evidentes de Jeff Buckley o Morgan

pasadas por un tamiz clásico de blues y soul realizado con un gusto exquisito. “Morgan nos encantan y están abriendo un camino para este estilo de música que en España estaba sin explorar”, comenta en esta ocasión Edu. “La verdad es que empezamos tirando al blues rock, un poco más distorsionado y con letras menos metafóricas. Y poco a poco hemos ido asentando las bases del sonido que queríamos tener, quizá más melódico. No creemos que The Roots tenga un estilo cerrado como para decir que sonamos de tal manera. Queríamos enseñar un catálogo de sonoridades amplio, aunque quizá ésa sea una de las líneas de trabajo a la que tenemos que darle más caña: definirnos más”. Y en ésas andan precisamente cuando les preguntamos por sus planes de cara a un futurible primer largo. Si lo mostrado hasta hora ya emociona, lo que pude estar por llegar ilusiona todavía más. “Estamos trabajando en canciones nuevas y tenemos claro que lo próximo será un álbum. Queremos que nuestro siguiente trabajo incorpore más pistas y suene un poco más asentado. Álvaro anda como loco pensando en capas y pensamos que nos quiere montar una filarmónica (risas). Pero sí que nos gustaría contar con músicos de sesión para teclados, algunos arreglos de cuerda y vientos. No tardaremos mucho en llamar a Juan de nuevo”. Entretanto, podremos cazarles sobre el escenario compartiendo algunas fechas con Caboverde. Asegúrense de llegar pronto a la sala porque les merecerá mucho la pena. (GONZALO PUEBLA)

DE CINE_ CON KIKO VEGA MANDY

PREDATOR

LA LEYENDA DEL LEÑADOR

omo ya hiciera en su anterior película, Beyond The Black Rainbow, el director Panos Cosmatos sitúa la acción en el año 1983, lo que ya nos permite hablar del ‘Cosmatoverse’, y experimenta con sensaciones audiovisuales en formato caleidoscópico que harán las delicias de los espectadores más afines a la psicodelia más pasada de rosca. Mandy es una historia de venganza a todo color y a todo de todo que sitúa al hijo del director de Cobra y Rambo en el centro de todas las miradas de forma más que merecida,

DEPREDEDANDO LA CIUDAD

aunque no sé cuánto recorrido va a tener su cine de cara al futuro si continúa pintando igual todas sus historias el día que no pueda contar con un talento tan en bruto como el de Nicolas Cage, un astro sin el que la película solamente sería el delirio de grandeza de un director con talento y un tanto repetitivo. Estrella y peli se retroalimentan hasta implosionar en una visceral partida de Golden Axe bañada en ácido. No sería justo alabar un título como Mandy sin mencionar la extraordinaria partitura del tristemente desaparecido Jóhann Jóhannsson o la fotografía de Benjamin Loeb, un nuevo talento con sólo tres largometrajes y una apuesta lumínica radical al servicio de inquietudes como la de Cosmatos. La película llega a nuestras pantallas con el premio al Mejor Director del último Festival de Sitges bajo el brazo. Habrá que ver cómo se comporta la taquilla ahora.

arde o temprano tenía que pasar. Es inevitable que, en algún momento, nuestros cineastas favoritos tengan algún tropiezo. Y el de Shane Black ha llegado con Predator. Pero ojo, que ni es culpa suya ni tampoco estamos hablando de una de las peores pelis de la temporada. En todo caso estaríamos hablando de un pasatiempo divertido, que no es poco. Que sí, que la película es un altibajo demencial y constante, y con una edición más que sospechosa, pero es innegable que Predator logra enderezar el rumbo cada diez minutos porque, o bien hay un buen chiste, o se marca una idea de guión estupenda, como el incidente inicial que involucra los primeros litros de sangre derramada. Por desgracia, durante buena parte del metraje nos encontramos con algo más cercano a la decepción, viniendo de quien viene, que al gamberrismo de etiqueta habitual de dos bue-

nos tipos como Shane Black y Fred Dekker. Ni los deseos iniciales de sus responsables por contar con la colaboración de la estrella que lo inició todo, Arnold Schwarzenegger (aunque Jean-Claude Van Damme aportó lo suyo abandonando el proyecto) ni un tercer acto demencial con depredadores aliados y tanques a plena luz del día funcionaban para los estudios, que obligaron a sus creadores a rehacer prácticamente media película. Y aun así, con todos esos obstáculos de todos los lados de la galaxia imaginables, Predator sale casi ilesa siendo, eso sí, lo más frío y desganado de un director que siempre ha hecho lo que ha querido y al que se nota por primera vez un tanto atado de pies y manos. Tendremos que conformarnos con Black moviendo con gracia a su pelotón chiflado rebosante de carisma (y un reparto muy acertado) y palabrotas, recuperando a la gran revelación de Room, Jacob Tremblay, y con cómo junto a su gran amigo Fred Dekker nos devuelven a los tiempos en los que no había ningún tipo de interferencia entre estudios y artistas. Los tiempos donde una escena de disfraz de Halloween era innovadora. Los tiempos en los que una película como Predator habría arrasado. Los tiempos que nunca volverán. Y encima no es Navidad, joder.

TOI’S IN THE ATTIC SEX TOYS ROCKEROS

ola amigos! ¿Qué tal va vuestra vida sexual? No os lo pregunto con la intención de montar un Tinder rockzonero, no os asustéis. Siendo el sexo uno de los grandes clichés del rock, para algunas bandas o, mejor dicho, para los lumbreras responsables de su márketing, también es un recurso de lo más apañado a la hora de dar que hablar. Tenemos aún frescos en la mente los juguetes de Ghost, que consistían en un consolador de Papa Emeritus y un anal plug con el logo del grupo, la súper caja de dildos, réplicas de los miembros de Rammstein, con sus esposas y un bote de lubricante, o los vibradores de Motörhead. Estos grupos no sólo quieren darnos placer musical y auditivo, sino que además están preocupados por nuestra satisfacción sexual. No sé si reír o llorar. Me quedaré con lo primero, pues siendo

de humor muy básico, estas cosas me hacen gracia. Ahora Marilyn Manson, mucho después, en otro intento de llamar la atención al margen de los terribles conciertos que ofrece y sus discos mediocres, saca su dildo con base de ventosa y su cara al ‘módico’ precio de 125 dólares. Y yo os pregunto, lectoras: ¿A vosotras os haría gracia enredar con un cacharro TAN HORROROSO? Porque el juguete del Papa Emeritus para las rebotadas de colegio de monjas podría tener su aquél, pero lejos queda la época de gloria y shock de Manson, cuando gritaba aquello de “I am the god of fuck” en ‘Cake And Sodomy’ hace más de veinte años. Menos mal que en 2018 el catálogo de sex toys es amplio, o estábamos apañadas. No quiero ataúdes, no quiero dildos, por favor, vendedme un abanico o un albornoz, que les daré más uso. (TOI BROWNSTONE)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Appetite For Destruction de Guns N’ Roses. Llevo haciendo esta columna mensual desde 2010, diseccionando discos de bandas que, pienso, merecen algún tipo de distinción. Como pasa con cada lista, para algunos, hay álbumes que merecen un ránking más alto, otros que lo merecen mucho menor, y existen ésos que se han pasado por alto. En mi defensa he de decir que, aquéllos que han sido ignorados, han sido inocentes descuidos, no hay que darle más vueltas. Aun así, después de ocho años, no haber incluido Appetite For Destruction de Guns N’ Roses es, definitivamente, un gran descuido. Joder. Incluso estábamos girando con Guns N’ Roses cuando esta columna empezó, 18

así que quizás me quise distanciar de manera intencionada de lo que, entonces, era mi mundo inmediato. La razón para que este clásico sea condecorado es porque es perfecto de principio a fin. No sólo no hay una mala canción, sino que todas las que tiene son clásicas. Es como si la banda hubiese editado un grandes éxitos como debut. Para entender de verdad la bomba de relojería que es este disco, uno tiene que retroceder en el tiempo y ver lo dividida que estaba la música en 1987. Los punks odiaban a los metalheads. Los metalheads odiaban a los glam rockers. La gente del britpop encontraba a los rockeros estúpidos. Los fans del rock pensaban que la gente del britpop era floja. Y así seguiríamos hasta el infinito. Y entonces llegó esta banda de rock’n’roll que, a pesar de ser de Los Ángeles, a pesar de tener influencias del punk y el metal, eran capaces de mezclar a Aerosmith, Queen, The Sex Pistols y The Rolling Stones. Eran demasiado buenos como para ignorar. Daba igual con qué escena te identificabas, Appetite For Destruction le gustaba

absolutamente a todo el mundo. Da igual lo que digan, ha dejado marca como una auténtica obra maestra. Todos conocemos los singles, incrustados en nuestra memoria colectiva como ‘Welcome To The Jungle’, ‘Sweet Child O’ Mine’ y ‘Paradise City’, pero ‘My Michelle’, ‘Nightrain’, ‘Mr. Brownstone’, ‘Rocket Queen’ o ‘It’s So Easy’ podían haber ocupado su lugar si también hubiesen sido lanzados como singles. A decir verdad, oí estas canciones hasta el punto de darme náusea. Cada vez que escucho ‘Sweet Child O’ Mine’ es lo mismo que escuchar ‘Happy Birthday’ o ‘Jingle Bells’. Eso no quiere decir que no sea una canción fantástica, tan sólo que la hemos oído

hasta la saciedad, y eso no puede ser nada malo (para la banda). Cuando Appetite For Destruction se editó no me hice fan al momento. Estaba demasiado metido en el punk y thrash para hacerle caso. Había huido sin contemplaciones de todo aquello que tuviera que ver con Aerosmith o Guns N’ Roses, y juzgándolos por su apariencia, Guns eran una banda que seguía esas directrices. Pero estaba equivocado. Así que, poco a poco, el grupo y ese clásico monumental se fueron instalando en mí hasta que ya fue demasiado tarde para evitar cantar sus canciones (junto con el resto del mundo). Hasta el mes que viene, DANKO JONES

GRETA VAN FLEET

ESCALERA HACIA EL CIELO

PARA UNOS SON LA GRAN ESPERANZA BLANCA DEL ROCK, PARA OTROS UNOS BURDOS IMITADORES DE LED ZEPPELIN. PERO LO QUE ESTÁ CLARO ES QUE GRETA VAN FLEET HAN CONSEGUIDO QUE TODO EL MUNDO HABLE DE ELLOS. CON SU DEBUT ANTHEM OF THE PEACEFUL ARMY POR FIN EN LA CALLE, ERA EL MOMENTO IDEAL PARA CHARLAR CON ELLOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ABRÍA QUE REMONTARSE A BASTANTE TIEMPO ATRÁS PARA ENCONTRAR UNA NUEVA BANDA DE ROCK QUE HUBIERA

armado tanto revuelo sin ni siquiera haber lanzado su primer disco como Greta Van Fleet. Pero con sólo dos EPs, Black Smoke Rising y From The Fires, publicados en abril y noviembre del año pasado, Greta Van Fleet consiguieron que su hard rock de inspiración setentera llamara la atención de los medios especializados, del público, de figuras como Elton John , Slash o Robert Plant, o les valiera para actuar en festivales como Coachella o en programas como el de Jimmy Fallon. Hasta Justin Bieber colgó una foto con ellos en su Instagram. Todo empezó oficialmente hace seis años en Frankenmuth, una pequeña localidad de Michigan, cuando los hermanos Kiszka, los gemelos Josh (voz) y Jake (guitarra), y el menor Sam (bajo, órgano), decidieron incorporar al batería Danny Wagner. Lo que hasta entonces había sido un hobby inspirado por la colección de viejos vinilos de su padre, se convirtió después de unos pocos ensayos en una obsesión. Tomando el nombre de una vecina de su pueblo que se llama Gretna Van Fleet -la mujer les dio su consentimiento-, pronto empezarían a hacerse un nombre a nivel local. Ver cómo unos chavales de apenas 14 años eran capaces de sonar clavaditos a Led

Zeppelin era un espectáculo digno de ver. Cómo dieron el salto al circuito profesional no está exactamente claro, pero la figura de Jason Flom, el cazatalentos que en su momento descubrió a Twisted Sister, Kid Rock o Black Veil Brides, fue decisiva. Con su apoyo y el consiguiente fichaje por Lava Records, su ascenso ha sido meteórico, tanto que la primera vez que visiten nuestro país, el próximo 22 de febrero, será en un local de las dimensiones del Sant Jordi Club de Barcelona. Todo un reto que veremos cómo superan. Lo que me queda claro, después de hablar con el pequeño de los Kiszka, es que se creen lo que hacen y que su amor por la música es genuino. ¿Cómo estás llevando todo lo que está sucediendo con vuestra banda? SAM KISZKA ”Está siendo una locu-

ra. El año pasado estuvimos girando sin parar y creo que eso es la base de todo. De hecho, el disco es una consecuencia de eso. Es un reflejo de de dónde venimos y dónde estamos ahora. Acabamos el álbum en febrero, así que casi ya estamos listos para el segundo disco porque no han parado de pasarnos cosas. Es una locura. Cada día aprendemos algo”. ¿En algún momento habéis pensado que tanto hype puede jugar

sólo nos ha traído cosas buenas. Creo que hemos crecido sobre todo por el boca oreja. Al principio era bastante underground y luego empezamos a entrar en el mainstream. Pero creo que el hype demuestra que se han abierto las puertas para algo diferente”. Habéis estado girando mucho, y ya habéis tocado en algunos grandes festivales. ¿Sentís que estáis ya preparados para tocar en escenarios tan grandes?

“Creo que ahora ya lo afrontamos como algo natural. Intentamos controlar nuestro crecimiento, no queremos que todo sea demasiado rápido, porque queremos disfrutar del viaje. No queremos llegar a la cima lo más rápidamente posible. Hemos pasado de bares a clubes, a teatros… Hemos tocado en festivales muy grandes, pero hay algo mágico en tocar en salas pequeñas”. Cuando escuché Anthem Of The

Peaceful Army por primera vez, me sorprendió por su madurez. Suena más como el tercer o cuarto disco de un grupo, no un debut.

“(Risas) Muchas gracias. Creo que los dos primeros EPs fueron en cierta manera nuestro primer disco. Anthem Of The Peaceful Army es el siguiente paso”.

en vuestra contra, que la gente os vea con escepticismo?

La verdad es que esperaba

“¿Sabes qué? De momento el hype

un disco más animado, más

rock’n’roll, pero hay bastantes

No puedo evitar preguntarte

temas lentos, largos, casi tirando

por las comparaciones con Led

al progresivo o al folk.

Zeppelin. Sinceramente, cuando

“Ya… Anthem Of The Peaceful Army es un disco especial. No se parece a los álbumes de rock modernos porque venimos de un lugar diferente. Los temas largos son otra cara de Greta Van Fleet, igual que los temas acústicos. Nos gusta hacer cosas diferentes”.

empezasteis a tocar o escribir

Creo que vuestro éxito es una buena noticia porque hay demasiadas bandas de rock que suenan demasiado producidas, casi mecánicas.

“Muchas gracias. Yo creo que la respuesta increíble que estamos teniendo es precisamente por eso. La gente está cansada de escuchar la misma mierda una y otra vez. Pasa en el pop, en el rock, en el country, en el rap, en el R&B… Todo está demasiado producido. Pero al mismo tiempo, está saliendo un nuevo movimiento de música auténtica y emocional y estamos muy felices de formar parte de él. Cada vez veo más grupos que van en esa dirección. Creo que estamos entrando en un renacimiento de la música. La gente está desconectando del mainstream porque todo es demasiado genérico, suena como una fórmula”. ¿Qué formaciones actuales estás siguiendo?

“El 28 de septiembre salió el debut de Cloves, One Big Nothing. Es muy bueno. Tiene la misma edad que nosotros y tiene la misma visión artística. Escuchándolo ves que tiene mucho sentimiento y que presta mucha atención a los detalles sin que la canción pierda emoción. Un disco así me hace tener mucha esperanza de cara al futuro”.

canciones, ¿ninguno de vosotros

que es porque la gente se toma muy en serio su música. Más que la de cualquier otra banda. Pero cuando compartes tu música, nunca tienes la seguridad de que vaya a ser entendida”.

dijo ‘tíos, sonamos totalmente a Led Zeppelin’?

Una última pregunta al respecto:

“(Risas) Obviamente Led Zeppelin fue una banda muy importante cuando crecíamos, pero creo que tuvieron el mismo impacto en nosotros que The Rolling Stones o The Beatles. Los descubrimos cuando íbamos al instituto, así que para nosotros era un capítulo más dentro de nuestro descubrimiento del rock. Entiendo por qué la gente nos compara con ellos, sobre todo si sólo han escuchado ‘Highway Tune’. Es humano establecer comparaciones y no hay nada malo en ello. Pero creo que el nuevo disco demostrará que somos Greta Van Fleet. Necesitas tiempo antes de establecerte como un grupo reconocible. A algunos grupos les cuesta veinte años, otros mueren sin haberlo conseguido. Creo que nosotros estamos creciendo y nos sentimos muy agradecidos de haber sido aceptados tan rápidamente. Hay mucha gente creativa trabajando en cafeterías o lo que sea, y que hacen música cuando pueden, y eso dificulta mucho que puedas crecer. Para nosotros, podernos centrar únicamente en la música es un paso de gigante. Creo que eso hará que crezcamos mucho más rápido. Y seguiremos haciéndolo mientras la gente nos lo permita (risas)”.

¿Qué te pareció el comentario

Es curioso, pero a los grupos que suenan a Led Zeppelin se les mete mucha más caña que a los que copian a otros. ¿Por qué crees que pasa eso?

“(Risas) Es totalmente cierto. Supongo

que hizo sobre vosotros Robert Plant diciendo que erais “Led

Zeppelin I”?

“(Risas) Fue interesante. Tampoco creo que nos diera el testigo ni nada parecido. Fue una circunstancia muy especial. Pero estar en una posición en la que artistas tan establecidos hablen sobre ti mola mucho”. Vayamos a vuestros orígenes. ¿Cuál fue el primer hermano en coger un instrumento?

“Todo empezó con Jake. Siempre estaba tocando la guitarra acústica. La afinaba y desafinaba, hacía todo tipo de cosas. Nuestros padres estaban convencidos que se le pasaría, pero siguió y siguió y al final aprendió cómo tocarla. En muy poco tiempo sabía tocar mejor que cualquiera que intentara enseñarle. Tenía la mente abierta de un niño, sin límites. Tiene un sentido muy creativo y ha conectado con él a través del instrumento. Luego Josh a veces cantaba o tocaba la batería. Pero pronto empezaron a probar baterías de verdad y me di cuenta de que yo era el único que se estaba quedando fuera de la ecuación, así que escogí el bajo. Con 11 ó 12 ni siquiera sabía lo que era un bajo cuando lo cogí por primera vez. Y entonces apareció Daniel. La primera vez que tocamos todos juntos fue como si hubiéramos desplegado las velas y el viento nos hubiera impulsado. Fue una sensación

“CREO QUE ESTAMOS ENTRANDO EN UN RENACIMIENTO DE LA MÚSICA. LA GENTE ESTÁ DESCONECTANDO DEL MAINSTREAM PORQUE TODO ES DEMASIADO GENÉRICO, SUENA COMO UNA FÓRMULA” SAM KISZKA

increíble. Así nació Greta Van Fleet hace unos cinco años”. ¿El tocar juntos os ha hecho uniros más como hermanos? Porque hay muchos ejemplos de todo lo contrario...

“Desde luego. Ahora nos conocemos mucho más, tanto personal como musicalmente. Creo que el proceder de un mismo entorno, haber escuchado la misma música, nos beneficia mucho como grupo. Incluso Daniel vive

apenas a dos millas de nuestra casa. Facilita mucho las cosas, porque tienes a tres tíos en un mismo sitio y lo único que necesitas es que venga el batería para ensayar. Creíamos mucho en nosotros mismos y eso es lo que nos hizo tirar adelante. Creo que una de las cosas que mola de Greta Van Fleet es que todos tenemos la misma mentalidad. Estamos muy acostumbrados a tocar juntos, eso es otra ventaja. Solíamos tocar cinco o seis horas en bares de Michigan. Fue allí donde me-

joramos como músicos y aprendimos a tocar juntos”. Normalmente, en los grupos, los bajistas siempre son los que pasan más desapercibidos. En tu caso, más siendo el hermano pequeño, ¿te resulta complicado que se escuchen tus opiniones?

“Lo más difícil cuando compones o estás grabando es poder hacer realidad lo que tienes en la cabeza. Creo que nos pasa a todos. Pero en nuestro

caso, lo bueno es que podemos decirnos las cosas con total franqueza. Puedes decir si una idea te parece buena o mala sin problemas. Eso hace que el ambiente sea óptimo para crear”. Cuándo volvéis a casa, ¿todavía vivís con vuestros padres o ya os habéis emancipado?

“(Risas) Técnicamente somos nómadas. Viajamos por las autopistas en una caravana con ruedas. Pero cuando tenemos un poco de tiempo libre, está bien volver al hogar. Está bien volver a tu ciudad y reconectar con el ambiente en el que creciste. Hace que puedas coger aire y ordenar un poco las cosas en tu cerebro. Darle un sentido. Y al cabo de tres días, te vuelves a ir”. ¿Y no acabas harto de tus hermanos? No sólo tienes que ver-

do perfecto para decir que no. Hacen lo que se supone que un sello tiene que hacer. Nos dan todo lo que necesitamos y nunca han tomado una decisión respecto a nuestra música. Como banda, como artista, debes tener todo el control en ese aspecto. Las cosas se estropean cuando se cruzan esos límites porque entonces sólo se busca un beneficio económico. Para mí eso es horrible porque es una explotación del arte. Me da asco. Pero Lava no funciona así. Pero volviendo a Jason, cuando escuchó algunas de nuestras canciones, decidió organizarnos un showcase para tocar para la gente del sello. Pero al día siguiente nos dijo ‘olvidaros de eso, voy a enviaros ya los documentos’. Y un par de días más tarde ya habíamos firmado con ellos. Fue muy emocionante ver que le ilusionaba tanto trabajar con nosotros”.

los en la carretera, sino también en casa…

‘When The Curtain Falls’, el pri-

“(Risas) Es raro, porque es una relación más intensa que la que tendrías con tu pareja. Veo a estos tíos literalmente todos los días de mi vida. Todavía no tengo ganas de matarlos, pero seguro que llegará el día (risas)”.

mer single del álbum, habla so-

¿Cómo apareció Jason Flom en vuestras vidas?

“Jason es una persona muy especial. La razón por la que decidimos seguirle fue porque tiene mucha determinación. Tiene mucho que ver con la manera en la que crecimos, con nuestra moral respecto al arte. Jason ha sido un tipo que ha tenido mucho éxito porque es una persona muy intuitiva y muy inteligente. Nuestro management hizo un poco de prospección por si era mejor fichar con un sello o no, no lo teníamos claro, pero Lava Records era demasia-

tenemos la radio en la cabeza. Creo que eso juega a nuestro favor”. Y al final acabáis sonando en la radio igualmente.

“Sí, es una pasada. No pensamos en hacer hits, pero a la gente le gusta igualmente. Tener unos fans dispuestos a apoyarte tanto es una bendición”. Para mí dos grandes lacras de la música actual son el uso de compositores externos y el que muchos grupos compongan o graben a través de enviarse archivos. Creo que la música se resiente cuando una banda de rock no está en el mismo lugar tocando junta.

“Estoy de acuerdo. Hay algo muy especial cuando cuatro o cinco personas están tocando juntas. Tiene que haber una mentalidad colectiva. Creo que la gente percibe cuándo algo es auténtico y cuándo no”.

bre una mujer, pero me preguntaba si es una metáfora sobre la

Una curiosidad final: he leído que

industria musical.

Tom Hanks os visitó en el estudio

“¡Bingo! Has dado en el clavo. Obviamente las letras están abiertas a la interpretación de cada uno, pero sería un error tomarse todo lo que se dice en el disco de manera literal. Josh es un gran letrista. ‘When The Curtain Falls’ es un poco distinta a lo que hemos escrito antes. Pero hay un motivo por el que fuera la puerta de entrada al disco. Es como un puente entre los EPs y el álbum”.

mientras estabais grabando el

En Anthem se nota que no hay una visión comercial o de querer sonar en la radio.

“Gracias por darte cuenta. Sólo queremos hacer la mejor música posible. No

disco. ¿Cómo acabó ahí?

“(Risas) Lo que pasó es que Rita Wilson, su mujer, estaba grabando en los Blackbird Studios, como nosotros. Fue Rita quien le dijo que tenía que conocernos. Al parecer son fans nuestros y les pusimos algunos temas nuevos. Parecieron gustarles (risas). Tom nos dijo ‘Chicos, estas canciones están muy bien’. Mola mucho que alguien con quien has crecido viendo sus películas te diga eso”.

MUSE

REGRESO AL FUTURO AL CONTRARIO QUE MARTY MCFLY SUBIÉNDOSE A UN DELOREAN FUTURISTA PARA VIAJAR AL PASADO, MUSE SE HAN MONTADO EN INFLUENCIAS OCHENTERAS, DE GÓSPEL, JAZZ Y FOLK PARA LLEVAR SUS LÍMITES CON LA ELECTRÓNICA Y LOS SINTETIZADORES AÚN MÁS LEJOS. VOLAMOS HASTA LONDRES PARA SUMERGIRNOS EN SU NUEVO ÁLBUM SIMULATION THEORY ANTES DE QUE VEA LA LUZ EL PRÓXIMO 9 DE NOVIEMBRE. TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: DR

ÁS ALLÁ DE LA REALIDAD VIRTUAL Y LA TECNOLOGÍA INVASIVA SOBRE LAS QUE VERSA,

Simulation Theory (Helium 3/Warner) es sobre el tiempo. No resulta tan obvio cuando escuchas el disco, pero sí es algo palpable cuando hablas con su bajista Chris Wolstenholme sobre este último trabajo de Muse y el periodo más reciente de la banda. El primer momento en el que el tiempo entra en escena es la duración del proceso de grabación, el más largo que Muse han tenido hasta la fecha. Habitualmente el trío terminaría la gira y haría una parada de descanso para entrar en el estudio de tres a seis meses y grabar su disco. En esta ocasión quisieron romper con las costumbres. “El Drones World Tour estaba siendo muy largo. Pero tampoco queríamos que la gente se olvidara de nosotros, así que hicimos pequeñas tandas en la gira, con espacio para pasar tiempo con nuestras familias y para ir al estudio”. Estos breves lapsos –comparados con la etapa de hibernación que vivían antes para grabar cada LP– en los que apenas podían terminar una o dos canciones son el origen de los adelantos con cuentagotas que han estado llegando desde el año pasado. “Las dos primeras fueron ‘Dig Down’ y ‘Thought Contagion’, y cuando las grabamos no pensábamos en hacer un disco, sólo en grabar dos canciones sueltas. Fue después cuando decidimos que formasen parte de un álbum”, recuerda. Desde las primeras grabaciones hasta ahora han pasado más de dos años. Buscaron alargar la experiencia del disco estirando la pro-

ducción y también dispersando los lanzamientos de las canciones como singles independientes, ahora que parece que somos incapaces de pararnos a escuchar un disco completo: “Estoy muy contento con ello porque actualmente el ciclo de vida de un álbum es muy corto. La gente escucha más música y tiene acceso a millones de artistas y canciones, pero no invierten tanto tiempo y se mueven muy rápido hacia lo siguiente. Así que hemos tratado de prolongar esa vida”. En sí mismo, este octavo álbum representa un viaje temporal de los años 80 hasta el siglo XXI: “Hemos tomado todas esas influencias ochenteras y las hemos juntado con la influencia de la tecnología. En ‘Dig Down’ encuentras electrónica y sintetizadores que suenan con un coro góspel. ‘Something Human’ era una canción muy folk y muy orgánica, pero con elementos sintetizados como los vocales. Es esa unión entre lo viejo y lo actual, crear algo nuevo a partir de cosas que se supone que no deberían mezclarse”. Una exploración instrumental que Matt Bellamy, cantante y guitarrista, ha llamado ‘era-blending’, guiada por el Wall of Sound de Phil Spector y el pop de vanguardia de Brian Wilson de The Beach Boys. Su viaje al futuro es también una traslación hacia el propio pasado de Muse. Simulation Theory tiende un puente con The 2nd Law y pasa por encima de Drones, el álbum con el que decidieron volver a sus principios en 2015. Wolstenholme explica que con cada disco “hemos hecho algo nuevo, pero Drones fue hacia atrás, así que hay una brecha muy grande entre los últimos trabajos. Drones está más cercano a Showbiz u Origin Of Symme-

try, pero si comparas Simulation Theory con The 2nd Law, el salto no es tan grande como parece”. El regreso a la electrónica, los sintetizadores y los efectos ha sido muy discutido por aquéllos que ya se habían contentado con su vuelta a las guitarras y la distorsión, una conversación déjà vu que ha estado tan presente desde el lanzamiento de ‘Dig Down’ como lo estuvo en el de ‘Madness’ en 2012. En la banda, sin embargo, contemplan más un abanico estilístico que una petición popular: “Tenemos fans a los que les gustan las canciones propiamente de rock, otros a los que les chiflan las influencias más clásicas, otros que prefieren el lado más pop, y otros están más por la electrónica. Eso es bueno, porque significa que somos una banda que prueba cosas nuevas, y lo seguiremos haciendo. Siempre tendremos diferentes elementos en nosotros. No veo que todos estén clamando por una versión más rock de Muse, creo que cada uno tiene la suya propia”. Sentado sobre uno de los sofás en las oficinas de Warner Music en Londres, Wolstenholme se reclina para reflexionar sobre géneros musicales y la implicación que tienen en la banda. “Ya no conozco el significado de rock. La gente utiliza esta palabra cada vez que ve un grupo con una guitarra. Nosotros somos rock, pero Coldplay, The Libertines y Radiohead también lo son, y todos somos muy distintos”, comenta. Para Muse, su propia evolución es una cuestión muy dilatada en el tiempo, no un código binario entre un sonido de antes y otro actual. “El cambio sólo existe entre cada disco. Se habla de esa distinción con las influencias electrónicas, y señalan que comenzaron en Black Holes And Revela-

“EN ESTE ÁLBUM HAY MÁS

INFLUENCIAS MUSICALES QUE EN CUALQUIERA DE LOS ANTERIORES, Y HEMOS PROFUNDIZADO EN OTRAS ÁREAS PARA SALIR DE NUESTRA ZONA DE CONFORT” CHRIS WOLSTENHOLME

tions, pero ya en ‘Bliss’ del segundo álbum se pueden escuchar. Después fueron mucho más fuertes, y sobre todo en este trabajo”, y mantiene que la banda no se acota a una sola definición estilística: “La gente que realmente nos conoce sabe que no sólo somos un grupo de rock de cantante, guitarra, batería y bajo, sino que tam-

bién somos todas las influencias con las que experimentamos. Creo que se sorprenderían más si de repente volviésemos a hacer lo mismo otra vez”. “La única presión que existe es la que nos ponemos nosotros mismos para innovar”, me cuenta. Y esa presión responde al miedo de Muse por parar el reloj e intentar después recu-

perar el tiempo perdido. Concretamente, Wolstenholme habla de estancarse en la misma fórmula, lanzar varios álbumes muy parecidos entre sí durante una temporada y darse cuenta demasiado tarde para dar un cambio que siga teniendo sentido. En Simulation Theory han puesto tanta innovación como confianza. “Sentimos que vamos a salir con un buen álbum, que tiene muchas canciones buenas en él”. Y a lo que no temen es a que el público no comparta su punto de vista. “Llegará un tema o un disco que será demasiado para la gente, pero eso no supone el final de algo. Nosotros ya hemos hecho suficiente. Podemos hacer un álbum que no sea tan bien recibido por el público, y está bien, no significará un desastre. A veces las cosas no tienen un buen recibimiento en su tiempo”. A propósito de Brian Wilson, menciona el Pet Sounds de 1966 de The Beach Boys como otro incomprendido de su época. Aunque la comparación resulta engreída, Muse han querido ser ambiciosos con el sonido por una única razón: “La música es para nosotros. Nos gusta hacer música y tienes que sentirte orgulloso de ella. Es muy difícil salir de gira a tocar canciones con las que no te sientes cómodo o que no piensas que son todo lo mejor que podrían haber sido”. El directo también es el termómetro de medir el éxito de Wolstenholme para los trabajos de la banda. “Mi juicio sobre si algo funciona o no llega cuando estamos sobre el escenario y vemos a toda a esa gente frente a nosotros pasándolo bien. Eso es lo que queremos”, señala. “El éxito suele estar basado en cuántas copias has vendido, pero siento que ahora eso es irrelevante porque ya nadie vende

“NUNCA ME HE SENTIDO ASÍ CON NINGUNO DE NUESTROS DISCOS” CHRIS WOLSTENHOLME

discos. Ahora la gente escucha música en muchas plataformas, descargan música o compran diferentes tipos de discos. Pararse a sumar todo eso para ver cuán exitosos somos no tiene sentido para mí”. Decía que a Muse no le sienta bien la rutina. De hecho, Bellamy y el batería Dominic Howard han terminado recordando el anterior Drones World Tour como “cansado y deprimente”. Cuando le pregunto al bajista por estas palabras de sus compañeros, se ríe y rápidamente me dice que eso no ha salido de su boca. Pero sí reconoce que fue una gira difícil y, de nuevo, “muy larga”. La banda apunta a la distribución de las fechas del desgaste que sufrieron entre 2016 y 2017. En lugar de separar el segmento europeo de la gira americana por una ronda de festivales de verano, tuvieron que 30

dar 85 shows seguidos que se tornaron inevitablemente repetitivos: “Los conciertos en arenas son geniales, hay mucha gente en ellos y te puedes permitir una buena producción, pero el problema está en que todas las jodidas arenas del mundo son iguales. El escenario era el mismo cada noche. Y cambiábamos las canciones del setlist, pero el núcleo seguía siendo el mismo”, y su sonrisa cambia a un tono de resignación: “Llega un punto en el que te sientes encerrado en el mismo espacio, y nos descubrimos señalando detalles como que las sillas eran azules en un recinto en particular, siendo ésa la única diferencia que encontrábamos”. Después de estar ocho meses tocando a puerta cerrada, ser cabezas de cartel en Glastonbury les supo a gloria sólo por tener un espacio abierto frente a sus

ojos. Para no reincidir en su claustrofobia, la próxima gira apuntará a recintos más grandes. Simulation Theory es, hasta la fecha, el trabajo con mayores aspiraciones para Muse. “Nunca me he sentido así con ninguno de nuestros discos”, se sincera Wolstenholme. “Hemos experimentado con todos los estilos y con nuevos tipos de música. En este álbum hay más influencias musicales que en cualquiera de los anteriores, y hemos profundizado en otras áreas para salir de nuestra zona de confort”. Un trabajo con el que han cortado, pegado, editado y roto la línea del tiempo en su búsqueda de algo que trascienda a esta dimensión.

TRASH BOAT

S U P E R VIVIENTES

NADIE DIJO QUE ESTAR EN UNA BANDA PUNK FUERA FÁCIL, PERO LOS INGLESES TRASH BOAT ESTÁN DIS PUESTOS A LLEGAR A BUEN PUERTO POR MUCHAS TORMENTAS QUE AZOTEN SU TRAVESÍA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ROWN SHYNESS , EN C ASTELL ANO, ‘ TIMIDEZ BOTÁNIC A’,

es el fenómeno por el que las ramas más altas de los árboles en el bosque evitan tocarse para dejar que la luz solar llegue al suelo. También es el título del segundo álbum del quinteto formado por el vocalista Tobi Duncan, los guitarristas Dann Bostock y Ryan Hyslop, el bajista James Grayson y el batería Oakley Moffatt. Siguiendo la estela de la nueva escena pop punk británica, Trash Boat salieron a la palestra con su debut Nothing I Write You Can Change What You’ve Been Trough hace un par de años, pero a diferencia de bandas como Neck Deep o Roam, en su música había una subyacente influencia hardcore que se hacía más que evidente en directo. Quien los viera cuando nos visitaron como teloneros de The Wonder Years sabrá de lo que hablamos. Crown Shyness (Hopeless Records) saca ese lado más duro a la superficie, aunque cuando hablamos con su cantante admitiera que quizá no era la opción más inteligente. Aunque escuchando las vicisitudes que nos cuenta sobre su experiencia en el último Warped Tour, queda claro que lo suyo no es tener cabeza, sino sólo corazón. ¿Cuándo empezó a tomar forma el nuevo disco? TOBI DUNCAN “Queríamos to-

marnos nuestro tiempo con este disco. Queríamos centrarnos al 100% en escribirlo. Compusimos alguna cosilla durante la última gira, pero fue una vez ya estába33

TRASH BOAT mos en casa que nos pusimos en serio. Las canciones, a nivel musical, salieron de manera bastante fluida, pero el concepto de las letras me vino cuando estábamos de gira en Australia. Estaba mirando fotos al azar en mi móvil, mientras estaba aburrido en el puesto de merch en un concierto, y salieron unas fotos de crown shyness y de repente todo me vino de golpe. Era algo muy llamativo, y de golpe me vino la portada, un montón de metáforas, trozos de letras… Supe que escribiría el disco sobre eso”. ¿Era la primera vez que te ocurría algo así?

“Sí, es la primera vez”. Muchos grupos hoy en día suelen tomar una senda más comercial en su segundo trabajo, pero vosotros habéis tirado hacia otra dirección. ¿Tuvisteis dudas?

“Sí. Posiblemente nos iría mejor si fuéramos más comerciales, pero no es nuestro estilo. Es evidente que tenemos influencias del pop punk, pero somos muchas cosas a la vez. Tenemos influencias del hardcore,

del post hardcore… No creo que seamos una sola cosa. Quizá eso juegue en contra nuestra, pero lo estamos pasando muy bien. Podemos tocar en diferentes giras, con diferentes grupos y llegamos a gente diversa”. Hay alguna parte instrumental que incluso recuerda a Thrice…

“Sí, escucho mucho a Thrice. También a Converge, Comeback Kid…”.

co era en Cambridge en febrero. Hacía frío. Tenía que levantarme a las siete de la mañana para empezar a las nueve. En los días que tenía que grabar las voces, especialmente, hacía mucho frío, pero sólo teníamos cuatro días para grabarlas, así que no quedaba otro remedio. Íbamos con prisas. Lo grabamos todo en dos semanas. Esta vez tuvimos cinco. Podía cantar un poco cada día, y hacerlo al final de la tarde, cuando mi voz no estaba tan áspera. Incluso escribimos una canción en el estudio, ‘Controlled Burn’, porque sólo teníamos nueve temas. Pero no fue nada estresante”. Te iba a decir que tu voz suena mucho mejor en este disco.

“Gracias. Mi voz actual es el resultado de haber girado tanto. Cuando cantas cada noche es la mejor práctica, puedes probar diferentes estilos y nuevas técnicas que te hacen sentir más cómodo”.

Grabasteis el disco en Estados Unidos, ¿verdad?

Incluso te has atrevido a cantar

“Sí. Fuimos allí para trabajar con Andrew Wade. Siempre nos ha gustado su trabajo. Ha grabado algunos discos increíbles. Estaba en nuestra lista de productores deseados y esta vez nos encajaba en el presupuesto. Nos encanta su estilo y su sonido. Pasamos cinco semanas en su estudio, en Florida, viviendo en un apartamento que tiene al lado. Cada día nos levantábamos, salíamos por la puerta y ya estábamos en el estudio. Fue una gran experiencia”.

un tema acústico como ‘Crown Shyness’... ¿Cómo surgió?

“Bueno, esa canción la escribí yo. Cuando estábamos girando en septiembre del año pasado, cada día durante la prueba de sonido iba probando cosas con la guitarra y me salió ese riff. Y los otros me dijeron que les gustaba y lo convertí en el principio de la canción. La melodía me salió sola. Luego Ryan me ayudó con los arreglos. Nos parecía una canción demasiado buena para no grabarla, aunque fuera muy distinta al resto”.

Muy diferente a cómo hicisteis el primero…

¿Cuál ha sido la experiencia

“Sí. Cuando grabamos el primer dis-

más gratificante que habéis

tenido en la carretera?

“Posiblemente el Warped Tour. Fue durísimo. Empezábamos cada día a las ocho de la mañana y no parábamos hasta las diez de la noche. No teníamos crew, sólo un chico para el merch, así que teníamos que hacerlo todo. Pero a pesar de todo, sentimos que mereció la pena. En ningún momento pensamos en irnos a casa. Nos sentimos, de verdad, como una familia. Disfruté de cada segundo que pasamos allí”.

tantos grupos lo pasan mal, si las cosas no te van bien y el público no viene a verte”. ¿Se notaba en el ambiente que era el último Warped?

“Desde luego. Quizá para nosotros no era tan significativo porque era la primera vez que lo hacíamos, pero había grupos que han hecho el Warped diez ó 15 años. Se notaba la tristeza, pero no era nuestro caso”. ¿Crees que allí hay una actitud

Pero tengo entendido que tu-

más abierta hacia los grupos

visteis un montón de inciden-

británicos que hace unos años?

cias allí.

“Sí. Nosotros tuvimos conciertos fantásticos, especialmente en New Jersey, Chicago, Texas… Hubo bastantes shows que incluso fueron mejores que algunos que hemos tenido en casa. Queremos volver a Estados Unidos el año que viene. Tiene muy buena pinta”.

“Sí, yendo a Salt Lake City nuestro autobús se incendió en medio de la noche. Tuvimos que esperar veinte horas en medio del desierto a que llegara uno de sustitución. Y cuando por fin reemprendimos la marcha, al cabo de cuatro horas también se estropeó. Nos dijeron que teníamos que esperar 30 horas para que llegara otro, así que decidimos seguir adelante con taxis y coches alquilados. Nos perdimos tres fechas, pero por fin en Kansas teníamos otro nuevo autobús”. Vaya…

“Sí, pero ahí no acabó todo (risas). Al cabo de unos días la empresa del autobús decidió que no podía seguir llevándonos y tuvimos que terminar el resto de la gira en coches alquilados. Fue una locura”.

A pesar de todo, el grupo todavía no os da para vivir. ¿Qué trabajo haces aparte?

“(Risas) He empezado a hacer locuciones y también tengo una furgoneta y hago de tour manager para otras bandas. En diez días me voy de gira con Seaway. Voy haciendo trabajos aquí y allá cuando puedo. Pero ahora quiero tomarme en serio lo de las locuciones. Voy tirando”. Cada vez es más habitual encontrarse con músicos haciendo

Supongo que es una de expe-

de tour manager. ¿No acabas

riencias que o mata al grupo o

harto de tanta carretera?

lo hace más fuerte.

“No (risas). Supongo que en algún momento me hartaré, pero por ahora sigo disfrutándolo. Estuve trabajando en una oficina durante cuatro años, y

“(Risas) Sí, pero ya te digo que en ningún momento pensamos en dejarlo. Pero puedo entender por qué

“QUIZÁ ALGÚN DÍA TENGA QUE VOLVER A TRABAJAR EN UNA OFICINA, PERO SI PUEDO EVITARLO, MEJOR” TOBI DUNCAN

ganaba bastante dinero. De hecho, gracias a eso pude ahorrar y me permitió centrarme en el grupo. Quizá algún día tenga que volver a trabajar en una oficina, pero si puedo evitarlo, mejor”. ¿Qué tendría que ocurrir para que no tengas que hacerlo?

“El grupo tendría que tener mucho éxito. La gente tendría que seguirnos y que nos convirtiéramos en una banda del nivel de Rise Against o algo así. O eso o que mi carrera de locutor despegue y pueda meter mi voz en series muy populares, películas o anuncios (risas). Siempre me ha gustado hacer voces y hacer imitaciones. La gente siempre me ha dicho que se me daba bien. Y ahora que tengo más tiempo, he querido probarlo”. Por curiosidad, ¿en qué serie te gustaría meter tu voz?

“Sería genial poder hacerlo en Bojack Horseman, Rick And Morty o Regular Show. Bojack Horseman es mi favorita ahora mismo”. Yo acabo de empezarla.

“Oh, pues va a mejor. Ya verás”.

DISTURBED

RAZONES PA R A LUCH A R PESE A QUE DISTURBED SE HAN CIMENTADO COMO UNA DE LAS BANDAS DE METAL MÁS EXITOSAS DE LAS DOS ÚLTIMAS DÉCADAS, CON EVOLUTION, SU SÉPTIMO ÁLBUM, DEMUESTRAN QUE TODAVÍA TIENEN GANAS DE LLEGAR MÁS LEJOS. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

ENÍA SIENDO CASI UNA TRADICIÓN QUE DISTURBED incluyeran alguna

versión en sus discos. Las habían realizado de Tears For Fears, de Genesis, de Faith No More, de U2, pero lo que ocurrió con la que grabaron de ‘The Sound Of Silence’ de Simon & Garfunkel para su anterior álbum Immortalized (2015) superó todas las expectativas. Los millones de reproducciones del tema les hizo llegar a un nuevo público que, posiblemente, nunca había escuchado a Disturbed y hasta el propio Paul Simon les felicitó tras ver su interpretación en el programa de Conan O’Brien. Animados por la gran acogida, David Draiman (voz), Dan Donegan (guitarra), John Mayer (bajo) y Mike Wengren (batería) han decidido explorar esa vena más pausada en su nuevo álbum. Evolution (Reprise/Warner) contiene hasta tres baladas que parecen directamente dirigidas a ese público más mainstream e incluye como bonus track una toma en directo de ‘The Sound Of Silence’ con la colaboración de Myles Kennedy de Alter Bridge. Aunque, como es de esperar, también ofrece sus típicos temas de metal alternativo para contentar a sus fans de siempre. La víspera del lanzamiento de Evolution teníamos la oportunidad de hablar con su batería.

Justo hoy se han confirmado las fechas de vuestra gira y por fin incluye también a España. Estaréis el 18 de abril en Madrid y el 19 en Barcelona. MIKE WENGREN “Sí, son muy bue-

nas noticias para todos. Llevábamos mucho tiempo esperando volver y por fin vamos a hacerlo”. Y mañana es el lanzamiento de

Evolution. ¿Cómo te sientes?

“Estamos muy orgullosos de este disco y ya teníamos ganas de que todo el mundo pudiera escucharlo. Terminamos de grabarlo en abril. Una de las cosas más frustrantes que nos ocurre como músicos es que pasamos cuatro meses trabajando en el estudio, pero luego tienes que esperar mucho más tiempo hasta que todo está preparado para el lanzamiento. Es un alivio que finalmente llegue ese momento”.

“NO TENEMOS UN GRAN RESPETO POR PARTE DE LOS MEDIOS Y LAS CRÍTICAS NO SIEMPRE SON BUENAS, PERO PARA SERTE SINCERO, NO NOS PREOCUPA DEMASIADO” MIKE WENGREN

Con un título como Evolution

¿Os sorprendió el éxito de ‘The

está muy clara la intención que

Sound Of Silence’?

teníais. ¿Cuándo empezasteis

“Sí. Es algo que hicimos para nosotros, como un experimento. Pero la respuesta que tuvo en todo el mundo nos cogió totalmente por sorpresa”.

a discutir la necesidad de hacer esta evolución en vuestro siguiente trabajo?

“Es algo que viene de lejos. Hace ya bastantes años discutimos la idea de hacer un disco totalmente acústico, pero el éxito de ‘The Sound Of Silence’ y la gran respuesta que obtuvo nos dio la confianza para dar este paso. Empezamos a componer baladas acústicas, pero una vez en el estudio y que todo empezó a tomar forma, nos dimos cuenta de que también nos gusta mucho la parte más cañera del grupo por la que somos conocidos, así que no queríamos renunciar a ella. Al final lo que hicimos fue casi repartir el material entre un estilo y el otro”.

Ahora no es tan habitual, pero a lo largo de los años han sido muchas las bandas de metal que han tenido grandes hits a base de baladas.

“Desde luego. Creo que, en general, si te gusta el metal, se entiende que tiene que gustarte la música lo más dura posible, con los riffs más duros, con los ritmos más rápidos… Pero estoy de acuerdo contigo, yo crecí con un metal que no sólo era eso. Tenía más bien que ver con la oscuridad del tema que tratase o con el carác-

ter cautivador de la música. Bandas como Black Sabbath no eran rápidas, tenían temas lentos, pero conseguían un gran impacto. Este nuevo material también estuvo muy influenciado por situaciones por las que hemos pasado a nivel personal. Yo sufrí la pérdida de mi hermano mientras estábamos girando con Immortalized y ésa ha sido una herida difícil de cerrar. Y los otros también han pasado por situaciones muy oscuras. Por no hablar de la cantidad de músicos que hemos visto desaparecer como Tom Petty o Prince, o amigos nuestros como Chester Bennington, Chris Cornell o Vinnie Paul… Todo eso nos llevó a un periodo bastante oscuro”. Ayer mismo salió la noticia de que Oli Herbert de All That Re-

tería (risas), pero no sé qué hubiera sido de mi salud mental si no pudiese hacer eso. Todos crecimos igual. La música nos ayudó a superar los malos momentos. Ya no sólo componer y tocar, sino escuchar la música de otros artistas y conectando con lo que ellos expresaban”.

tros como una versión metal de Stone Temple Pilots. En el sentido de que fueron un grupo que salió cuando el grunge ya estaba en marcha, en vuestro caso el nu metal, y que los críticos machacaron bastante, pero que al final acabó siendo muy popular. ¿Crees que se os

mains había fallecido.

“Sí. Es otro ejemplo más de gente que se va demasiado pronto”. ¿Algún miembro de Disturbed habéis pasado por alguna situa-

En ese aspecto, quizá en este

ha menospreciado un poco en

disco habéis dejado aflorar

comparación a otras bandas

vuestras influencias que no nece-

coetáneas?

sariamente pasan por el metal.

“Siempre nos hemos sentido un poco como los marginados. De hecho, todavía nos sentimos un poco así. No tenemos un gran respeto por parte de los medios y las críticas no siempre son buenas, pero para serte sincero, no nos preocupa demasiado. Tenemos el respeto de nuestros fans y de nuestros colegas, y eso es lo más importante. Lo que cuenta es que a nosotros nos gusta lo que hacemos, y a nuestros fans, también”.

“Así es. Las bandas clásicas como Sabbath, Judas Priest, Iron Maiden o Metallica nos influenciaron mucho en nuestros inicios, pero escuchamos muchas otras cosas. Yo soy una especie de DJ oficial del grupo, soy el que manejo el iPod, y en la última gira me dio por recuperar muchos artistas de los 70 como The Eagles, Toto, Kansas, Boston… Apreciamos mucho que en esa época las canciones no tenían que seguir una fórmula determinada para sonar en la radio. Los artistas podían experimentar mucho más, tenían más libertad, y eso es algo que tuvimos muy en cuenta cuando nos pusimos a componer el nuevo álbum”.

ción parecida? ¿Alguno habéis sufrido de depresión?

Esta obra no incluye ninguna

“Por suerte nosotros no, pero tenemos familiares que han pasado por ellas. Es algo que nos toca muy de cerca”.

versión. ¿Queríais que si Evolu-

A nivel personal, ¿cómo te has protegido del gran éxito que ha tenido Disturbed? No siempre tiene que ser fácil de manejar.

“Ha sido la música la que nos ha salvado. Es nuestra vía de escape. Es como podemos liberar nuestras emociones. Yo tengo la suerte de poder ganarme la vida aporreando la ba-

tion tuviera éxito fuera gracias a vuestras canciones?

“Un poco sí. Pero sabíamos que si hacíamos otra versión inevitablemente iba a ser comparada con la de ‘The Sound Of Silence’, y posiblemente saldría perdiendo. Así que queríamos evitar eso. Además, teníamos tanta confianza en nuestras nuevas canciones que no lo veíamos necesario”.

Lo prueba es que habéis tenido cinco discos que han llegado al número 1 consecutivamente en las listas. ¿Esperas que mañana pase lo mismo con Evolution?

“Tenemos mucha confianza en el disco y la respuesta que hemos tenido con los adelantos ha sido muy positiva, así que podría pasar. Sería todo un logro. Como te digo, nos sentimos un poco marginados, así que conseguir algo así sería una pasada. Tenemos unos fans increíbles, así que estamos en sus manos. Veremos lo que ocurre”.

Algunas veces pienso en voso-

BLACK PEAKS

TODO LO QUE NOS UNE EN LOS TIEMPOS DEL ‘DÁMELO TODO AHORA Y RÁPIDO’, AÚN HAY GRUPOS QUE SE ATREVEN A PONÉRSELO COMPLICADO AL OYENTE. EL NUEVO TRABAJO DE LOS BRITÁNICOS BLACK PEAKS VIENE A SER UNA PRUEBA MÁS DE QUE SE PUEDE HACER MÚSICA COMPLEJA, TENER ÉXITO Y NO MORIR EN EL INTENTO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

MAGINA QUE TIENES UN GRUPO, SACAS TU PRIMER DISCO CON UN SELLO GRANDE Y ADEMÁS DE PRESENTARLO POR

todo el Viejo Continente, tienes la suerte de tocar al lado de tus ídolos de adolescencia. Pues más o menos eso es lo que experimentaron Black Peaks a raíz de que Sony les publicase hace dos años su debut Statues. Cierto es que tampoco causaron un

mo. Con un segundo álbum recién salido del horno en el que asientan todavía más las bases de su sonido, Will Gardner (voz), Joe Gosney (guitarra), Liam Kearley (batería) y Dave Larkin (bajo) desembarcarán el 3 y 4 de noviembre en Barcelona y Madrid para presentar las nuevas canciones de All That Divides (Rise). Tras un par de intentos fallidos para concretar el día y la hora de la entrevista, finalmente fue su guitarrista el encargado de mantener con nosotros la conversación que leeréis a continuación. Con Statues, además de girar por toda Europa, tuvisteis la ocasión de telonear a Deftones, A Perfect Circle, System Of A Down, At The Drive-In, The Dillinger Escape Plan... No está nada mal para un debut. JOE GOSNEY “Nos sentimos unos

gran revuelo mediático ni contaron con ventas millonarias, probablemente debido a que su rock progresivo con tintes post hardcore y math no resulte tan inmediato al oído del gran público como otros hypes que nos llegan desde las Islas Británicas todos los meses. Y precisamente ésas mismas son las razones que les han convertido en una de las formaciones jóvenes surgidas en el Reino Unido a tener en cuenta para el futuro próxi-

auténticos privilegiados por tener la oportunidad de haber hecho tantos conciertos. Y tienes razón, muchas de las bandas con las que hemos podido tocar son algunas de nuestras favoritas desde que éramos adolescentes. Es más de lo que cualquier grupo en nuestra situación hubiera podido esperar con su primer álbum, así que es todo un honor. Antes de sacar Statues nuestra intención era dar tantos conciertos como nos fuese posible. Tuvimos la suerte de trabajar con una gran agencia de contratación que siempre nos ha respaldado. Creo que si no hubiese sido por ellos no hubieran surgido tantas oportunidades. Así que estamos muy contentos con cómo nos han ido las cosas”. Algo que me llamó la atención

de vuestro debut es que lo editase una multinacional como Sony. ¿Cómo se interesaron por vosotros? Porque no sonáis a nada de lo que se suele pinchar en las radios precisamente...

“(Risas) Sí, ésa es una buena pregunta. Lo cierto es que es difícil de explicar porque creo que siempre hemos escrito nuestra música como hemos querido, y eso de alguna manera fue lo que le debió de llegar a Sony en un primer momento. Para serte honesto, no sé qué es lo que pensarían, pero cuando a un grupo como el nuestro se le presenta una oportunidad así, debe aprovecharla y no dejarla pasar. Y la verdad es que nos ayudaron mucho a llegar al público dentro de los parámetros en los que funciona un sello tan grande. Todo el apoyo que nos dieron fue fantástico y eso nos sirvió para el siguiente paso que debíamos dar”. Sin embargo, ahora os habéis pasado a Rise. ¿Qué es lo que ocurrió? ¿Sony no quedó contenta con cómo funcionó el álbum?

“En realidad sólo firmamos para hacer un disco con Sony. Terminamos de manera muy amistosa con ellos y no hubo ningún problema en ese sentido. Pero con este segundo trabajo queríamos probar algo distinto. Hablamos con varios sellos y Rise fueron los que mostraron mayor entusiasmo por la banda. Han creado un equipo de gente exclusivamente para nosotros con los que vamos a trabajar durante una larga temporada. Desde el primer momento en el que firmamos con ellos hemos sentido que estaban construyendo una familia donde la música es lo más importante”.

“NO QUIERO QUE LA GENTE ESCUCHE ESTE ÁLBUM UNA VEZ Y PASE A OTRA COSA, QUIERO QUE PUEDAN SEGUIR ESCUCHÁNDOLO DURANTE AÑOS Y SIGAN DESCUBRIENDO COSAS NUEVAS SOBRE ÉL”

JOE GOSNEY

Personalmente, os veo de algún

a esa vertiente?

modo como los grupos británi-

“Para ser sincero y sin querer pecar de irrespetuoso, no creo que seamos como esos grupos porque ninguno de ellos consiguió hacer gran cosa fuera del Reino Unido. Pero entiendo lo que dices porque si hablas con esas bandas, y nosotros también nos incluimos ahí, está claro que compartimos muchas influencias. No puedo

cos de rock alternativo de la década de los 2000 como Hundread Reasons, Reuben, Hell Is For Heroes, Oceansize... Bandas que parecía que siempre se quedaron un poco a medio camino entre el underground y el

mainstream. ¿Os sentís cercanos 42

hablar sobre las ambiciones que tenían o hasta dónde querían llegar con sus carreras, pero creo que Black Peaks aspiramos a llegar mucho más lejos de lo que cualquiera de esos grupos consiguió. Pero no quiero decir con ello que eso sea malo. Supongo que tal vez sea un reflejo de cómo era el mainstream en aquel entonces. Espero y sé que vamos a

cambios en vuestro sonido, cuesta pillarle el punto un poquito más que a Statues. No es tan accesible de primeras.

“Sí, es cierto. Nosotros escuchamos muchos discos que suponen un reto y debes escucharlos varias veces hasta llegar a descubrirlos. Supongo que es la elección que hemos tomado, aunque no fuese de manera intencionada, pero la música que solemos escuchar se asemeja mucho a eso. No quiero que la gente escuche este álbum una vez y pase a otra cosa, quiero que puedan seguir escuchándolo durante años y sigan descubriendo cosas nuevas sobre él. Confío en que el público le dé el tiempo necesario para acostumbrarse. Estoy de acuerdo con que es menos accesible que el anterior en muchos sentidos. Hay muchas cosas que ocurren durante las canciones, algunas son mucho más largas. También creo que hemos desarrollado mucho más nuestro sonido y eso ha sido todo un reto para nosotros con este álbum. No creo que la gente lo pille tan fácilmente en una primera escucha”. También se corre un riesgo al publicar discos de este tipo. Como bien dices, hoy en día parece que consumimos la música como si fuese fast food y si algo no nos convence de pri-

trabajar muy duro para conseguir un mayor éxito a nivel comercial. Nunca se sabe qué es lo que puede ocurrir, pero definitivamente nosotros queremos más”. Entrando en materia con vuestro nuevo trabajo, All That Divides, me ha dado la impresión de que a pesar de que no hay grandes

meras, no nos interesa volver a escucharlo.

“Sí, la verdad es que visto así no parece un movimiento muy inteligente por nuestra parte (risas). Vivimos en la sociedad de la inmediatez, donde la gente lo quiero todo y a la primera. Y All That Divides no es para nada así. Ya veremos qué pasa, pero hemos tenido mucha suerte de tener

una gran fanbase, especialmente aquí, en Reino Unido. Estoy convencido de que disfrutarán del disco. Teniendo en cuenta lo rápido que va todo hoy en día, creo que tiene bastante sentido sacar un álbum así. Espero que la gente sea capaz de escucharlo de una forma más natural sin necesidad de estar distraída con otras cosas y abandonarlo a los pocos segundos. Nuestra música no está diseñada para ser escuchada así, por eso me sorprende el éxito que tenemos aquí en la radio. Tenemos mucha suerte de que la gente esté dispuesta a escucharnos”. También he notado que hay algunos riffs muy metaleros. Sé que sois grandes fans de Deftones y Mastodon, y he leído por ahí que durante la grabación de este disco habéis estado escuchando mucho Reflections

Of A Floating World de Elder, quienes debo decir que me encantan. ¿Crees que se nota más vuestra parte metalera?

“Sí, ese disco de Elder es increíble. En cuanto a nuestra influencias metaleras, no sabría decirte. No necesariamente creo que sea más duro. En Statues también había partes muy duras pero también eran algo más esporádicas. Supongo que aún estábamos descubriendo qué es lo que queríamos hacer. Esta vez no hemos incluido secciones más heavies simplemente por el hecho de hacerlo o meter más partes gritadas porque sí. Todo lo que escuchas ha sido estudiado meticulosamente y tiene un propósito concreto. Antes de entrar a grabar en el estudio, hablamos sobre cómo queríamos que cada instrumento encontrase su espacio, y a la hora de 43

grabarlo fuimos muy conscientes de que no queríamos tener demasiadas capas sonando al mismo tiempo, dejando que cada parte y arreglo tuviese su espacio para poder respirar porque así es como se refleja también en las letras. No somos un grupo que nos guste meter caña todo el rato”.

co, pero sí que tratáis asuntos como la restricción de libertades que estamos sufriendo últimamente a nivel global o la fractu-

“Es muy posible. Ojalá que no, pero todo lo que tiene que ver con ese asunto apesta y muy probablemente nos afecte. Para nosotros cuesta mucho dinero el organizar una gira con la que salir a tocar fuera. Va a afectar a muchas bandas, ya que los músicos apenas ganamos dinero, y si no eres capaz de vender entradas suficientes, al final se convertirá en imposible salir de gira a no ser que te gastes mucha pasta en ello. Supongo que los que votaron a favor no tuvieron en consideración lo que supone exportar nuestra música (risas). Pero es muy triste lo que está ocurriendo”.

ra que se está dando en la sociedad con temas que nos tocan

Bueno, de momento por suerte

muy de cerca como pueda ser el

os tendremos tocando en Espa-

Brexit en vuestro caso o el con-

ña dentro de muy poco. Será

flicto catalán en España. ¿Cómo

vuestra primera vez en salas.

Para ti, que eres el compositor

lo habéis reflejado en las letras

Ya estuvisteis el año pasado en

principal del grupo, debe ser

de All That Divides?

el Download de Madrid, así

toda una gozada tener a un can-

“Bueno, no es que queramos dar la impresión de decirle a la gente qué es lo que tiene que hacer. Siempre lo dejamos a la libre interpretación. Más bien lo que hemos intentado hacer en este disco es dar un punto de vista sobre las cosas que nos provocan felicidad o enfado, pero no estamos diciendo que ése sea el camino correcto. Más bien es cómo nos hace sentir a nosotros, y esperamos que el público pueda conectar con ello”.

que, ¿qué esperas encontrarte

tante como Will con tanta variedad de registros. ¿Te gusta ponerle a prueba?

“Totalmente. La verdad es que es muy excitante, sobre todo cuando aún estamos escribiendo las canciones. Él es capaz de llevarlas a otro nivel. Cuando grabo alguna demo, se la envío a Will a ver qué se le ocurre, y casi siempre que la ensayamos por primera vez con el grupo al completo, así es como acabamos grabándola la mayoría de las veces. Hay momentos en los que se encuentra estancado escribiendo las letras y las melodías e intento echarle un cable, pero casi todo es cosa suya. Es su manera de expresarse”.

Pero por ejemplo, ¿qué importancia crees que puede tener el Brexit en los grupos de música a la hora de salir de gira fuera del Reino Unido? Porque si finalmente sale adelante, parece

En cuanto a las letras, quizás no

obvio que habrá muchas más

se os tenga por un grupo políti-

dificultades.

esta vez y qué podemos esperar de vosotros?

“Sí, vamos a tener una larga gira de cinco semanas. Lo que podéis esperar de nosotros es que traeremos un repertorio completamente nuevo. Vamos a llevar nuestra propia producción y habrá canciones nuevas de All That Divides que tenemos muchas ganas de tocar. También es la primera vez que vamos a hacer un tour tan largo con Dave, nuestro nuevo bajista, así que veremos cómo se porta (risas). Por mi parte, espero poder saborear unas buenas tapas y disfrutar del buen tiempo (risas)”.

CRIM

CON LA SOGA AL CUELLO CON LA APARICIÓN DE PARE NOSTRE QUE ESTEU AL INFERN EL PRÓXIMO 9 DE NOVIEMBRE, CRIM CERTIFICAN QUE NO ESTÁN AQUÍ PARA PERDER EL TIEMPO. SU TERCER ÁLBUM EN CINCO AÑOS ES UNA NUEVA COLECCIÓN DE HIMNOS COMBATIVOS CONTRA ESE SISTEMA QUE NOS TIENE PILLADOS POR LOS HUEVOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

ACE UN PAR DE AÑOS, LOS CUATRO MIEMBROS DE CRIM

tomaron una de las decisiones más difíciles que tiene que afrontar cualquier músico: dejar la estabilidad económica que les proporcionaban sus anteriores trabajos para lanzarse al vacío y convertir el grupo en su máxima prioridad. Aunque no fue fácil y todavía está por ver si su locura tendrá alguna recompensa, Adri Bertran (voz, guitarra), Quim Mas (guitarra), Javi Dorado (bajo) y Marc Anguela (batería) no se arrepienten. Desde que iniciaran esta aventura en 2011, el ascenso de Crim ha sorprendido, como se suele decir, a la propia empresa. Ya en su cuarto concierto notaron que algo distinto estaba ocurriendo a lo que habían vivido en sus otros grupos, The Gundown (donde milita el hermano mayor de Adrià, Beni) o Caza De Brujas. La gente cantaba sus temas, las 300 copias de su primera maqueta se vendieron en apenas tres semanas, y cada vez recibían más comentarios en las redes sociales. Las buenas sensaciones se confirmaron durante la gira de presentación de su primer album homónimo, publicado en febrero de 2014, en la que empezaron a ver a un montón de gente, que no conocían, luciendo sus camisetas con su ahora ya icónico logo de la soga. La curva siguió ascendiendo imparablemente con la aparición de Blau Sang, Vermell Cel y una agenda de conciertos que les llevó a recorrer Europa y dar el salto a Estados Unidos. Unas semanas antes de la aparición de Pare Nostre Que Esteu Al In-

fern (HFMN/BCORE), en el que volvemos a encontrarnos con esa voz rota de Adrià, esos coros tan característicos y, eso sí, algunos punteos más heavies, quedamos con ellos en una terraza enfrente de nuestra redacción para que hagan balance de su momento actual. Alrededor de una mesa con cañas y vasos de whisky, orujo y pacharán, las reflexiones y las risas no tardan en salir. Habéis sido capaces de componer y grabar un nuevo disco en poco tiempo. ¿Queríais ir a piñón para aprovechar la buena racha?

año que viene volveremos a reservar para el siguiente”. JAVI DORADO “Tampoco te puedes tirar tres años tocando las mismas doce ó 15 canciones. Al final la gente no te va a ver si tocas siempre lo mismo”. ADRI “Por culpa, o gracias al disco anterior, tocamos mucho más de lo que hubiéramos pensado, y eso también ha comprometido nuestras vidas. Ya que nos hemos tirado a la piscina, y tocamos cada fin de semana, el resto de días podemos probar cosas nuevas. Es una consecuencia de la buena acogida que tuvo el disco anterior”.

QUIM MAS “Justo cuando salió

el anterior disco ya empezamos a hablar del siguiente. Estábamos tocando cada fin de semana y no queríamos que la gente acabara hasta las pelotas del mismo setlist. Queremos sacar un disco cada dos años. En parte sacar el EP también fue una excusa para tener dos temas más de margen para ir cambiando. Es que tocamos mucho”. MARC ANGUELA “La primera reunión que tuvimos al cabo de dos meses para hablar sobre cómo estaba yendo el disco, ya dijimos que teníamos que ponernos las pilas para el siguiente. Más que nada, para reservar fecha con Santi (Garcia) porque él trabaja a un año vista. Así que teníamos que grabar a principios de 2018, aunque no empezamos a componer hasta mediados de 2017”. ADRI BERTRAN “¡Eso lo dirás tú!”. MARC “(Risas) Me refiero los cuatro juntos. Igual tú habías avanzado, pero nosotros no habíamos hecho nada. Supongo que a principios del

¿No creéis que seguir con este ritmo puede ir en contra de vuestra evolución y entrar en el síndrome Bad Religion, que la gente diga ‘esto ya lo he oído antes’? QUIM “Nosotros cuando hacemos

temas no nos planteamos lo que pensará la gente. No evolucionamos mucho, pero cada vez metemos cosas nuevas. Cada vez nos cortamos menos si algo suena más heavy o más popero. Nuestra evolución es limitarnos cada vez menos. Somos una banda de punk rock, pero hay otros elementos en los que también nos sentimos cómodos. Todo lo hacemos desde la sinceridad”. MARC “Yo creo que del primero al tercero hay una evolución flagrante, pero no dejamos de ser Crim. Escuchamos cosas nuevas y entran nuevas influencias. Hace seis años no hubiéramos escuchado a Ghost. Y hay cosas evidentes de ellos, aunque la gente no las note. O si llevo un mes escuchando a Propagandhi y

“SOMOS UNA BANDA DE PUNK ROCK, PERO HAY OTROS ELEMENTOS EN LOS QUE TAMBIÉN NOS SENTIMOS CÓMODOS. TODO LO HACEMOS DESDE LA SINCERIDAD” QUIM MAS

tengo que hacer una canción, pues también se va a notar”. ADRI “Tampoco un disco nuevo tiene por qué ofrecer nada nuevo más allá de los temas. Somos la misma banda con la misma gente. No vamos a poner trompetas o un pasaje acústico”. JAVI “Cada uno aporta lo que le sale, pero somos una banda de punk rock”. ¿Tampoco tenéis ganas de descansar un poco? ADRI “Yo no”. MARC “No creo que podamos des-

cansar. Si paramos, el ritmo se rompe. Decidimos subirnos a este tren y complicarnos la vida a saco, sobre todo con el tema del trabajo, porque tienes que encontrar algo que sea compatible con este tipo de vida. Ahora no podemos bajar del tren”. JAVI “Somos un grupo joven, llevamos siete años, ahora es el momento de tocar todo lo que podamos y tirar para adelante”. Esta idea de subirse al tren, ¿fue algo que consensuasteis

tenéis ahora? JAVI “Yo trabajaba en una impren-

ta, de diseñador y de impresor. Por una vez que pedí salir una hora antes para ir a tocar, con dos meses de antelación, ya me liaron un pollo. Vi que era incompatible, una cosa o la otra. Ahora me busco la vida como puedo (risas). Lo que está claro es que el grupo tampoco da para vivir, aunque alguna gente lo crea. Te vas a tocar a Berlín y te conocen 30 personas. En Viena vinieron seis”. MARC “Yo era arquitecto técnico, no iba de traje, pero tenía reuniones con gente que odiaba. Me fue de puta madre hacer el cambio porque hacía tiempo que me rondaba por la cabeza. Si cantamos contra algo es contra a lo que yo me dedicaba. Trabajaba con bancos, con constructoras, con aseguradoras… Fue la oportunidad perfecta para dejarlo. Ahora trabajo en una agencia (HFMN -ndr.) con un jefe que es un cabrón, pero guay (risas). Mi nivel de vida ha bajado un 60%, he perdido cosas, pero he ganado otras, que es dedicarme a lo que me gusta”.

entre todos o ha sido que el tren os ha pasado por encima?

¿Y vuestro entorno qué dice?

QUIM “Un poco sí. Hubo algunos

MARC “A nivel familiar o de amista-

conciertos en los que se nos complicaron un poco las cosas, porque Javi y yo trabajábamos de noche, y de manera natural, casi a la vez, decidimos dejar todos nuestros curros normales. Lo teníamos que hacer por huevos si queríamos seguir”. JAVI “Era el momento. Si quieres tocar por Europa y en festivales, no puedes tocar de lunes a viernes hasta las diez de la noche. Era imposible hacerlo todo”.

des todo el mundo te dice que estás loco. Pero mi madre ayer me mandó un mensaje porque había visto un documental sobre un chico que también lo había dejado todo para hacer lo que le ilusionaba. Al final, si te ven bien, todo está bien”. JAVI “Es complicado llegar a casa y que tu padre te pregunte cuándo buscarás un trabajo decente. Eso, así de veces”. QUIM “Yo he tenido suerte y me han apoyado bastante. Yo trabajaba de vigilante de seguridad y tocando

¿Qué trabajos teníais y cuáles 50

con un grupo de versiones de hard rock en el que sigo”. ADRI “Yo soy técnico de sonido, y a la que pueda siempre denunciaré porque, Víctor, hijo de puta, págame todo lo que me debes. Siempre jugaba a no decirme las fechas que tenía que trabajar, y el 11 de septiembre de hace dos años, yo tenía un concierto muy grande con él, con mucho dinero, pero lo que hice fue no presentarme y subirme a la furgo con mi grupo. Sabía que no me pagaría, pero me fui feliz. En mi casa siempre te dicen que la vida no es una película y que puede no salir bien, pero al final un curro de mierda siempre lo puedes encontrar. Si no lo hacemos ahora, estaremos amargados toda la vida”. ¿Creéis que dar este paso es a lo que no se atreven muchos grupos que por otro lado se quejan mucho? ADRI “Yo creo que no. No te lo

tienes que plantear sentado en una mesa, sino es algo que ocurre de manera natural. Es una cuestión de oferta-demanda. Nosotros no sabíamos que había una demanda, pero de golpe ves que cada vez te llaman más. Creo que es un error como banda apuntar a lo alto, tú tienes que hacer lo que a ti te gusta, y si tienes la gran suerte de que guste y de que cada fin de semana estés tocando, al final lo tienes que poner en la balanza. No nos hemos obligado a nada. Al final tu situación personal te lleva a tomar esa decisión”. JAVI “Tú no haces un grupo pensando que de aquí tres años ganarás un pastizal y podrás dejar tu trabajo. Tú tocas porque te gusta tocar. Esto que nos está pasando les ha pasado

“SÉ QUE JOSH TIENE LOS PIES EN EL SUELO Y ÉSA ES UNA DE LAS PARTES MÁS IMPORTANTES DE NUESTRA DINÁMICA, ESPECIALMENTE EN EL ASPECTO COMPOSITIVO. SABER SU OPINIÓN ME DA LA ORIENTACIÓN PARA VER SI ESTOY EN EL CAMINO CORRECTO”

TYLER JOSEPH

a muchos grupos y a otros no. Pero hay que tener el valor de hacerlo. Hay que renunciar a la comodidad de tener un sueldo cada mes. Todo tiene su sacrificio”. También te das cuenta de que con menos se puede vivir. MARC “Claro, yo empecé a quitar-

me recibos de encima y vivo con lo mínimo. Las pasas canutas y ya está. Al final, con menos eres más feliz porque te tienes que preocupar de menos cosas. A mí, esta filosofía de vida, ya hacía tiempo que me rondaba. Si tienes muchos ingresos, tienes muchos más gastos, y al revés”. JAVI “Yo siempre he sido mileurista y creo que vivir con menos de eso es una indecencia. Antes ya vivía justo y ahora vivo todavía más justo. Es un puto agobio (risas)”. MARC “El agobio lo puedes tener siempre en todos los niveles. Lo que pasa es que este sueño que estamos viviendo también es una pesadilla porque nunca tienes vacaciones. Trabajas en algo de mierda entre

semana y los fines de semana estás tocando. ¿Dónde está la vida familiar? ¿Dónde está el ocio? Yo he dejado muchas cosas para poder dedicarme a esto”. ADRI “Yo siempre he estado acostumbrado a los límites de la miseria, y con menos estás en la miseria directamente. O vuelves a casa de tus padres o malvives como puedes. Pero al final te acostumbras a tirar como sea y a tener una visión de futuro”.

lo es salir a tocar y ver que a la gente le gusta lo que haces”. QUIM “A mí me flipa preparar el disco y producirlo. Yo con eso ya sería súper feliz, pero si encima a la gente le mola, pues ya es la hostia”. MARC “Yo a veces me planteo si todo esto merece la pena. Después de dos semanas llegas a casa sin dormir, sin ver a tu pareja, sin nada en los bolsillos... pues claro que te lo planteas, pero al final estoy aquí. Es mi sueño desde que tenía 12 años y empecé a escuchar punk rock”.

Si habéis dado este paso es porque el grupo os ofrece algo

¿Cuándo te das cuenta de que

a cambio. ¿Qué es lo que com-

ese sueño no es real?

pensa más, la dinámica interna

ADRI “Cuando compartes cameri-

de estar los cuatro juntos ha-

nos con bandas muy grandes y te das cuenta de que van a trabajar. Son gente normal que tienes idealizada, pero que al final le han encontrado la trampa a ese sueño. Para mí merece la pena. Yo quiero estar ahí porque la música es lo que le ha dado significado a mi vida. Si lo dejáramos, siempre me quedaría la duda del ‘¿Y si…?’”.

ciendo música o el salir a tocar y el contacto con la gente? JAVI “Eso depende de cada uno,

pero es que tocar en un grupo mola mucho. Nos conocemos de hace muchos años”. ADRI “Para mí son las dos cosas. Me encanta componer en casa, es de mis cosas favoritas. Pero también

“CREO QUE ERES MEJOR PERSONA CUANDO ERES FELIZ, Y ERES FELIZ CUANDO HACES LO QUE QUIERES” ADRI BERTRAN

En la vida habíamos ganado pasta haciendo punk. En un año hemos hecho tres giras europeas, hemos ido a Estados Unidos, y para mí eso ya es un sueño, aunque no seamos Guns N’ Roses (risas)”. ADRI “Para mí es la única cosa que hecho en la vida por la cual se me ha aplaudido. La sensación que he tenido con la banda no la he tenido con nada más. No renunciaría a esto por nada”. JAVI “Mi caso es un poco distinto porque éste es mi primer grupo. Nunca había tenido aspiraciones. No sabía ni tocar un instrumento. Para mí a los 30 años ponerme a tocar estaba súper lejos. Eso de irse a tocar a Estados Unidos me lo dices hace cinco años y… es un constante ‘quién lo diría’. Marc y Quim llevan toda la vida tocando, pero cuando empiezas a los 30 para hacer algo cuando sales del trabajo no aspiras a una mierda. Las cosas como son (risas)”. ¿Creéis objetivamente que Crim es un grupo mejor que Caza De Brujas o The Gun¿Pero en qué se tendría que concretar ese ‘¿Y si…?’? ADRI “En tener una vida más relaja-

da. Que no tuviéramos que dedicar tantas horas a sobrevivir, sino a simplemente poder tocar. Todavía estamos muy lejos de ese punto. Pero hay que pasar por esto si queremos 52

llegar a lo otro”. QUIM “Yo creo que el sueño lo tienes cuando eres un chaval y te crees que serás Guns N’ Roses, pero a nosotros cuando empezamos con Crim ya se nos había pasado porque llevábamos años tocando en garitos de mierda, perdiendo pasta.

down y que por eso ha tenido mejor acogida? JAVI “No creo que podamos decirlo

nosotros”. MARC “A mí personalmente me gustan más los temas de Gundown. Quizá a la gente le gusta esto porque es más comercial, aunque no sea la

intención. Es muy subjetivo”. QUIM “Al principio nos tomábamos más en serio nuestras otras bandas que Crim. Yo creo que una parte de que nos vaya bien es porque cantamos en catalán. Los primeros temas que trajo Adri eran en inglés, pero nos pareció más fácil hacerlo en catalán para recordar las letras”. JAVI “Sobre todo en el momento en el que lo hicimos. En 2010 empezó a haber un resurgir del punk en catalán y ahora hay bandas por todos los lados. Si lo hubiéramos hecho en el 95 nos hubiéramos comido un ñordón gigante”. MARC “O si hubiéramos empezado en 2014, hubiéramos sido una banda más. Creo que nos encontramos en el punto adecuado en el momento adecuado”. ADRI “A todo esto yo llevo orgulloso un tatuaje de The Gundown. Mi hermano es el que me descubrió muchos grupos y me flipa The Gundown. Cuando empecé me daba un poco de vergüenza enseñarle temas porque me parecía una versión mala de lo que hacían ellos. Yo no tenía banda y empezamos esto para pasar el rato entre semana. Sinceramente, creo que cantar en catalán ha sido lo más decisivo, no creo que tengamos mejores temas que The Gundown”. JAVI “Pero no sólo es eso, porque vamos a tocar a Durango, donde la gente no entiende nada, y está reventado. O en Europa la gente aplaude, y tampoco entiende nada”. MARC “Por el que nos haya ido tan bien aquí es lo que nos ha permitido salir fuera. Cosa que no nos ha ocurrido con Gundown”. Adri, ¿y cómo se toma tu her-

mano todo lo de Crim?

Con toda la situación política

ADRI “Creo que entiende perfecta-

que se vive en Catalunya, me

mente la situación. Creo que disfruta igual haciendo lo suyo como yo lo mío”. QUIM “Beni no tiene aspiraciones…”. ADRI “Como tampoco las teníamos nosotros, pero todo el apoyo que hemos tenido aquí al final se contagia un poco fuera. Como mínimo provoca curiosidad, en plan ‘¿Quiénes son estos Crim?’. Al menos te dan la oportunidad de escucharte. Creo que ése es el secreto”.

imagino que se os coloca direc-

El sentido reivindicativo de las letras, ¿es algo que os viene a nivel familiar o algo que habéis cultivado por vuestra cuenta? QUIM “No. Es por la música que

hemos mamado desde pequeños”. ADRI “En la época en la que vivimos, si no hay punk es como para tirarse por la ventana. Te pueden vender la moto con que el trap es el nuevo punk, pero al final es gente que reivindica la pasta que gana en conciertos de mierda con AutoTune. La única manera que tenemos de desahogarnos es quejarnos, al menos”. JAVI “La música punk, si no tiene un mensaje reivindicativo o social, no es punk. Hay miles de grupos de punk que no dicen nada, aunque te molen musicalmente. Pero ya que tienes la oportunidad de que haya gente que te escucha, al menos haz llegar un mensaje”. ADRI “Es una manera de irte a dormir tranquilo. No vamos a vender nada, pero te crees lo que dices. Si tu mensaje es real, es más fácil que la gente te crea. Creo que es otro de los secretos”.

tamente en un bando. ¿Es algo que os incomoda? ADRI “Depende. Si el bando es

Catalunya o España… Creemos que los problemas están más en la raíz. Para nosotros los bandos son los que están a favor del sistema y los queremos cargárnoslo. Prefiero hablar de eso que de banderas, porque cada uno puede tener el sentimiento que quiera. Cada uno tiene su opinión, pero no queremos hacerlas partícipes en el grupo”. JAVI “Lo que está claro es que nos consideramos un grupo de izquierdas. Siempre vamos a reivindicar políticas sociales, y la patria… que cada uno escoja la que quiera”. MARC “Nuestra reivindicación es más social que política. A mí las banderas me dan vergüenza. Todas”. ADRI “Lo que pasa es que la izquierda es mucho más autocrítica que quien simplemente quiere llenarse los bolsillos, y entonces ahí también hay muchos matices”. QUIM “Nosotros tenemos ideas políticas parecidas, pero no iguales”. ¿Y creéis que el grupo os ha hecho mejores personas? MARC “Yo no tendría un grupo con

malas personas. No sé si el grupo tiene que hacerte mejor persona”. ADRI “Creo que eres mejor persona cuando eres feliz, y eres feliz cuando haces lo que quieres”.

DISCO DEL MES

U Rise Of The Serpent (HIGH ROLLER) HEAVY METAL

ltimamente, cuando uno se enfrentaba a The Wizards en directo, había algo que no cuadraba. El que fuera nuestro Disco del Año en 2017, Full Moon In Scorpio, era una excitante amalgama de hard rock setentas con proto heavy, pero en cambio, los vascos presentaban esas canciones como si de verdadero metal de los 80 se tratase. Yo lo percibía con júbilo, faltaría más, pues no ha existido nada más glorioso que eso, pero las dudas hacia el rumbo que tomaría su próximo largo crecían con cada nuevo bolo que daban. Dudas en un sentido positivo, evidentemente, porque hoy

THE WIZARDS

en día los bilbaínos han entregado aquello que servidor más anhelaba: su versión más desatada, memorable y sublime, su álbum más netamente heavy metal hasta la fecha. A lo grande abre ‘Apocalyptic Weapons’, una explosión de guitarras vetustas con un George Dee que ya empieza a dar muchas señales del pedazo de disco que se va a marcar. Poderoso nos ataca Sir Ian Mason, un vocalista de otro planeta que no tarda en arrancarse el primer estribillo estratosférico genialmente secundado por los certeros coros de sus compañeros. El solo de Dee es una proeza, pero vendrán muchos más,

incluso superiores. Su guerra mágica prosigue con ‘Destiny’, un corte que saca músculo y trota presto hacia la victoria. Evidencia algo que se repetirá en todo su tercer álbum: cada estribillo, cada coro, cada puente, aquí es oro puro. De lo más ortodoxo y valioso que haya salido de nuestra factoría en décadas. Hay que reverenciarlo, postrarse ante ello, hincar rodilla en suelo. Un homenaje a las seis cuerdas de 50 minutos. El inicio de ‘Circle Of Time’ nos retrotrae a los más valerosos Manowar del Sign Of The Hammer. Sobra decir que pone la piel de gallina, pero cuando imaginas que eso pronto

empezará a danzar al son de su incomparable épica guerrera, The Wizards le dan un inesperado cambio de tercio al asunto yendo hacia Rainbow y ese hard rock de poso blues que empezó a cimentar el primer heavy metal en la segunda mitad de los 70. Para ‘Distorted Mirrors’ no hay palabras… o quizá hay demasiadas. Los bardos podrían cantar durante eones sobre su esplendor. Seguramente es la más Dio de la obra, pero Mason opta por su tono más personal y varonil para llevársela a su terreno. Al menos en su primera mitad, porque un estribillo con el que cuesta mucho no emocionarse abre la puerta a un desfile imponente de una banda superdotada.

que sienta esto muy adentro. Sus parones son un acceso directo al Valhalla, aullarás de placer, y sí: levantarás los brazos para hacer el sagrado símbolo del martillo. Es la tierra prometida, otro tema donde se comen el mástil. No hay suficientes notas para abarcar su supremacía. Y lo que queda aún por llegar… ‘Aftermath’ es muy probable que te haga aflorar alguna lágrima, sabrás muy bien en qué momentos, y todo ello mientras un George Dee monumental vuelve a demostrar que es un auténtico demonio en lo suyo. Una obra maestra precisa de un cierre a la altura, y eso es lo que ‘VOID (Vision Of Inner Death)’ justamente es. En sus más de

“CADA ESTRIBILLO, CADA CORO, CADA PUENTE, AQUÍ ES ORO PURO. DE LO MÁS ORTODOXO Y VALIOSO QUE HAYA SALIDO DE NUESTRA FACTORÍA EN DÉCADAS”

Imposible mejorar esta canción, un 10 absoluto. Camaradas, esto es el true metal. Imperecedero, inmutable, celestial. Con ‘Age Of Man’ el quinteto se permite un momento de distensión, juega al despiste con las tonadas más abiertas, luminosas y positivas que haya creado, pero eso no significa que el corte esté exento de calidad. Están jugando con nosotros, es lo que tienen los portentos, porque luego reorganizan sus filas con una ‘Strings Synchronise’ que va directa al corazón de todo aquel

8 minutos, el combo vizcaíno realiza un extraordinario viaje por el Hades amparado por unos teclados magníficos, en el que incluso se dan la mano con los Iron Maiden más venerados. Este álbum es un abuso, han terminado con todas las existencias de talento en todo el planeta. Se ha instaurado un nuevo reino en la Península, se acabó la tiranía estatal del power hortera, infantil y casposo. Majestades, un humilde siervo les rinde eterna pleitesía. Que Dios bendiga a The Wizards. PAU NAVARRA

BEHEMOTH

I Loved You At Your Darkest (NUCLEAR BLAST) BLACK METAL

n esto del metal extremo, pocas personas más inteligentes que Nergal encontraremos. Cualquier otro líder se habría empecinado en intentar igualar la gloria de The Satanist, habría tratado de emular de forma forzada una obra maestra para la que, como él mismo nos confesó, no hay explicación, y fruto de esa obsesión, y consiguiente frustración, se habría mandado al garete ese legado del que Behemoth vivirán para siempre. Pero como decíamos, el curtido Nergal ve antes que nadie las orejas al lobo. Con la excusa de su reciente amor

por el rock, el trío entrega ahora I Loved You At Your Darkest, un álbum que, si bien no le llega ni a la suela del zapato a su anterior envite, tampoco lo pretende, y que, por sus sonoridades más abiertas, efectismo y vista puesta en el directo, cumplirá perfectamente con su cometido de afianzarles en los grandes recintos al atraer, aún más, a ese público ajeno al black o el blackened death. Porque para eso ha sido diseñada una intro como ‘Solve’, con esos coros infantiles más propios de Ghost. Y ésa es la única explicación para ‘God = Dog’ o ‘Sabbath Mater’. Por supuesto que hay tralla, ‘Wolves Ov Siberia’ o ‘Angelvs XIII’ le darán al antiguo fan lo que busca, ‘Ecclesia Diabolica Catholica’ y ‘Havohej Pantocrator’ son el mejor balance entre los Behemoth de antes y los actuales, pero otras naufragan, y es que los cheques en blanco para múltiples estudios y orquestas sinfónicas no son necesariamente sinónimo de grandes resultados. Los solos, eso sí, nunca habían brillado tanto. No es que no entienda este disco, es que no me interesa mucho lo que expresa. PAU NAVARRA

FUCKED UP

Dose Your Dreams (MERGE/POPSTOCK!) HARDCORE, ROCK

n el interior de Fucked Up siempre han existido dos almas. La del vocalista Damian Abraham, un clasicista del punk y el hardcore que incluso colecciona singles de grupos de rock radikal vasco de los 80, y la del guitarrista Mike Haliechuk, más aficionado al indie y a la experimentación. De la colisión de estas dos visiones nos hemos beneficiado sus seguidores con discos tan buenos como su debut Hidden World, The Chemistry Of Modern Life o David Comes To Life. Precisamente su nuevo trabajo está directamente conectado

a este último, siendo otro álbum conceptual en la que se retoma la historia del protagonista David Eliade. En este caso, el antiguo activista, ahora reconvertido en oficinista, es despedido y tras encontrarse con una hechicera, emprende un viaje por distintas dimensiones. Y, aunque la historia pueda quedar en un segundo plano, especialmente si no tienes las letras delante, la música te transmite la sensación de estar cruzando diferentes portales. A lo largo de 18 temas, los canadienses hacen gala de un eclecticismo nada frecuente en ningún grupo. Si en los primeros temas nos encontramos con su versión más punk, aunque con el toque sorprendente de un saxofón, a partir de la popera ‘Normal People’ van mutando de piel y logran sonar como los Beach Boys en ‘Two I’s Closed’, NIN en ‘Mechanical Bull’ o Beach House en ‘How To Die Happy’. Que Damian ceda el micrófono a sus dos guitarristas en varios temas o a invitados como J. Mascis o Miya Folick, entre otros, ayuda a crear esta sensación de obra coral. Una maravilla que ojalá encuentre oyentes tan abiertos como ellos. JORDI MEYA

LA SELECCIÓN

LA INQUISICIÓN LVX

(HFMN/CONTRA) PUNK

urgidos de las cenizas de Secret Army a raíz del deseo de Rubén, que dejó la guitarra para concentrarse sólo en las voces, y Willy, el batería, de hacer música más agresiva y en castellano, La Inquisición publican por fin su primer álbum después de dos EPs -el homónimo en 2015 y Verdadera Fe en 2016- y una buena lista de conciertos. Y desde luego LVX plasma de nuevo su objetivo inicial con una mayor pesadez y unas melodías más rotas que las de su anterior banda. Construidos sobre riffs sencillos que pueden recordar a los de Eskorbuto o Cicatriz y unos estribillos gritados a coro, sus temas son desde luego muy efectivos. Siguiendo su tradición de titular una canción en cada lanzamiento con el nombre de un mes, ahora le toca a ‘Octubre’, que intuyo, está dedicada a la represión policial vivida ahora hace un año. Siempre se recomienda que uno escriba sobre lo que conoce,

así que tampoco sorprende que encontremos esa ‘Rosa De Mort’, dedicada a la decadencia de Barcelona, o ‘Falsos Profetas’, una crítica a la edulcoración de la escena punk. “Rebelión adolescente empaquetada y podrida. Espectadores fagocitan un estilo de vida, rebaños mansos y energía perdida”, canta Rubén en una canción marcada por un punteo a lo Sisters Of Mercy y que termina con un “Seguimos aquí, ¡hemos perdido la fe!”. La paradoja es que, al escuchar estos nueve temas, posiblemente muchos la recuperen. JORDI MEYA

l pasado 16 de febrero Touché Amoré celebraron su décimo aniversario como banda haciendo aquello que más les gusta: tocar en directo. La efeméride coincidía además con su concierto número 1000 y decidieron inmortalizarlo en este álbum que ahora TOUCHÉ AMORÉ 10 Years/1000 Shows publican después de que Kurt Ballou de Converge le (EPITAPH) diera una vuelta en su mesa POST HARDCORE de mezclas. Grabado en el Regent Theater de Los 80 Ángeles, su ciudad natal, recoge un total 27 canciones, en el que seguramente ha sido uno de los set-lists más extensos de su carrera. Eso les da la oportunidad de repasar temas de todos sus álbumes. Desde lo más recientes de Stage Four como ‘New Halloween’ o ‘Palm Dreams’ hasta algunos de su debut …To The Beat Of A Dead Horse como ‘And Now It’s Happening

G ARCHITECTS Holy Hell (EPITAPH) METALCORE

rabar un nuevo disco después de haber perdido a un miembro fundamental siempre es un desafío para cualquier grupo. Pero si encima lo haces en las circunstancias de Architects, éste se multiplica exponencialmente. En agosto de 2016, Tom Searle, guitarrista, compositor principal y hermano gemelo del batería Dan Searle fallecía como consecuencia de un cáncer de piel con sólo 28 años. Un mazazo de este calibre podría haber desmontado a cualquiera, pero la banda de Brighton sacó fuerzas de donde nos la había y siguió adelante con la gira de presentación

In Mine’ o ‘Cadence’. Si en estudio, la banda ha ido sofisticando su sonido con unas guitarras cada vez más orientadas a las texturas y un Jeremy Bolm que ha ido modulando su registro vocal, en directo lo apuestan todo a la energía del momento. Escuchándolo es fácil visualizar a Bolm apuntando el micrófono hacia la platea en ‘Pathfinder’ o cuerpos

haciendo crowdsurfing durante una feroz ‘The Great Repetition’. Nada es comparable a tenerlos delante de tus narices, claro, pero si escuchar ‘Honest Sleep’ que cierra el concierto con una fuerza increíble y el público gritando sus versos finales a pleno pulmón no te pone la piel de gallina, no sé qué lo hará.

de All Our Gods Have Abandoned Us que culminó con un triunfal concierto en el Alexandra Palace de Londres ante 10.000 fans el pasado 3 de febrero. Que Holy Hell aparezca sólo nueve meses después es todo ejemplo de su determinación. Cada uno procesa el dolor como puede y escuchando Holy Hell queda claro que ellos lo han hecho facturando el disco más agresivo de su carrera. A excepción de momentos muy puntuales, las voces limpias han desaparecido casi por completo y escuchamos a un Sam Carter desgarrando sus cuerdas vocales como nunca. La incorporación de Josh Middleton de Sylosis

como guitarrista también contribuye a aportar ese punch extra para demostrar que, como cantan en el primer tema ‘Death Is Not A Defeat’, la muerte de Tom no ha podido con ellos. En general, no hay grandes novedades, siguen utilizando elementos programados y arreglos de cuerda a su base metalcore, pero el nivel de temas como ‘Hereafter’, ‘Mortal After All’ o ‘Dying To Heal’ es muy alto. Y que finalmente se hayan decidido a incluir ‘Doomsday’, el single que lanzaron como single en septiembre del año pasado como homenaje a su desaparecido compañero, es todo un acierto.

JORDI MEYA

DAVID GARCELL

D RISE OF THE NORTHSTAR

The Legacy Of Shi (NUCLEAR BLAST) CROSSOVER METAL

ebo reconocer que, a día de hoy, a Welcame, el debut en largo de Rise Of The Northstar, le hubiera puesto mejor nota. Al fin y al cabo es uno de los álbumes que más he pinchado en los últimos cuatro años, cada vez que recurro a él me sigue dando caña, y encima, cortes como ‘Samurai Spirit’ ya los considero himnos. Ahora bien, es pillar The Legacy Of Shi y darte cuenta de que, ahora sí, los galos son una banda hecha y derecha. A todos los niveles. Si al principio me pareció raro, incluso una pijada, que se fueran hasta Nueva York para grabar con Joe Duplantier de Gojira, la canción introductoria ‘The Awakening’ y la fabulosa ‘Here Comes The Boom’, cuyas guitarras cortan como catanas, se bastan y se sobran para justificarlo. Este sonido es como una bomba atómica en tus oídos, es la

C TWENTY ONE PILOTS Trench

(FUELED BY RAMEN) POP ALTERNATIVO

onvertidos en inesperadas superestrellas gracias a su anterior álbum Blurryface, Tyler Joseph y Josh Dun optaron por la única opción posible para poder crear nueva música: encerrarse en su propio mundo. El título, ‘trinchera’ en castellano, ya da una idea clara de su voluntad de aislarse. Con la única ayuda externa de Paul Meany, líder de Mutemath, que les ha ayudado en la composición y producción, Trench es quizá el disco más personal de Twenty One Pilots aunque sobre el papel sea el más fantasioso, una obra conceptual sobre una ciudad imaginaria,

sentencia de muerte para tus cervicales. La producción es perfecta, y si no te lo crees, a ver si sobrevives a ‘Nekketsu’. Esta madurez bien entendida se observa sobre todo en ‘Kozo’, un tema que hubiera sido imposible encontrar en anteriores trabajos. Hay mucha más riqueza de voces y efectos, frescura, y también más rap, con por ejemplo ese Vithia sacándosela en francés hacia el final de ‘Teenage Rage’. ‘This Is Crossover’

es otro bello obús, y ‘Cold Truth’ sorprende por su total zambullida al nu metal. Ahora bien, es esta segunda mitad de disco la que presenta problemas… ‘Step By Step’ mola, pero igual recuerda demasiado a ‘This Is Why We Ride’ de Body Count, y la cafre ‘All For One’ lo mismo, pero con Slipknot. ‘Furyo’s Day’ sólo es aceptable, como ‘The Legacy Of Shi’, aunque eso no frenará a estos capos.

Dema, dominada por nueve obispos contra los que luchan un grupo de rebeldes llamado Banditos. Es fácil imaginar que esa lucha no es otra que la que el propio Joseph ha vivido en su interior intentando navegar entre sus problemas mentales y la locura que implica la fama a esos niveles. Todo ello queda plasmado en un disco más coherente, denso, profundo, oscuro, y un pelín demasiado largo, que su antecesor con el bajo, el flow a lo Eminem de Joseph y la pericia a las baquetas de Dun como elementos principales. Lo más destacable vuelve a ser su capacidad para

integrar diferentes estilos en un lenguaje propio y su gracia para usar la producción como si fuera un instrumento más. Si bien cuenta con suficientes canciones con gancho (la agresiva ‘Jumpsuit’, donde suenan a Royal Blood, la bailonga ‘My Blood’, la amorosa ‘Smithereens’ o ‘The Hype’, con un estribillo a lo Oasis) hay otras donde se adentran en terreno menos accesible, sobre todo en las sombrías ‘Neon Gravestones’ o ‘Bandito’. Y es que, bajo esa apariencia de producto mainstream, Trench tiene bastante más miga para quien se decida a escucharlo sin prejuicios.

PAU NAVARRA

JORDI MEYA

BASEMENT

Beside Myself (FUELED BY RAMEN) ROCK ALTERNATIVO

n una escena musical atomizada en estilos y subcategorías, a veces es refrescante encontrarse con una banda que simplemente quiere enchufar sus instrumentos y rockear. Ésa es la sensación al escuchar el cuarto álbum de Basement, cuya falta total de pretensión acaba convirtiéndose en uno de sus mayores atractivos. Desde que reaparecieran en 2016 tras un parón de cuatro años, la formación ha conseguido crecer de manera cada vez más acelerada sin que su credibilidad se haya puesto en cuestión, ni siquiera por el hecho

de que Beside Myself aparezca en el mismo sello que Twenty One Pilots o Paramore, o que cuatro de sus cinco miembros hayan abandonado su Inglaterra natal para irse a vivir a Estados Unidos. Esta decisión vital impregna buena parte del contenido del nuevo disco. En las letras el vocalista Andrew Fisher habla del sentimiento de sentirse desconectado, de la dificultad de mantener una relación a distancia o de la depresión por sentirse atrapado. También musicalmente se establece ese puente entre unas guitarras muy americanas a lo Foo Fighters o Jimmy Eat World (‘Be Here Now’, ‘Keepsake’, ‘Slip Away’) y unas melodías que siguen una tradición más anglófila. En la parte negativa, se les puede achacar el ser un pelín lineales, con casi todos los temas construidos sobre tempos muy parecidos, y se echa de menos alguna pizca más de desgarro, algo que por otra parte ya ocurría en el anterior Promise Everything, pero al final todo eso queda subsanado por la calidad de las canciones. JORDI MEYA

Pixies, Neurosis, Metz o PJ Harvey?) en su Electrical Audio Studio de Chicago. La elección del también líder de Shellac obedece a la necesidad de otorgar a estas nuevas composiciones la crudeza que tanto ha caracterizado sus grabaciones. Esto se traduce en una versión del LA M.O.D.A. 7:47 (Ni Un Minuto Más) sonido de los burgaleses menos pulida y más visceral. (PRMVR) ‘Altamira’ es donde mejor FOLK ROCK se aprecia gracias a esas líneas punk que La 78 M.O.D.A. nunca han dejado de lado, con unos coros insistentes y una recta final uienes llevamos que es toda una invitación siguiendo a La a desatar la locura en los Maravillosa conciertos. Más en la línea Orquesta Del Alcohol desde que acostumbran transitan hace ya varios años no ‘El Camino’ y ‘Colgados Del debería sorprendernos que Sol’, pero desprendiendo un de golpe y sin previo aviso punto de rabia electrizante anuncien nuevo material. como novedad. David Ruiz Nunca han sido de esas continúa tirando de poesía formaciones que sienten la descarnada para dar con necesidad de mostrar hasta algunas de las mejores letras cómo se cortan las uñas que se pueden encontrar en de los pies en un estudio. castellano en la actualidad. Lo que sí resulta totalmente Breve pero suficiente para inesperado es que hayan comprobar que su racha registrado las tres piezas compositiva no cesa. ¿Será que conforman su nuevo EP 7:47 (Ni Un Minuto Más) bajo las órdenes del mítico un conejillo de indias para Steve Albini (¿Es necesario su siguiente paso? Sólo el presentar al productor de tiempo nos lo dirá. alguno de los álbumes más GONZALO PUEBLA destacados de Nirvana,

TOM MORELLO The Atlas Underground (BMG) ROCK, ELECTRÓNICA

ese a ser considerado uno de los guitarristas más innovadores de su generación, hasta ahora los tres discos en solitario de Tom Morello, bajo el alias de The Nightwatchman, se habían centrado en su faceta de cantautor protesta más que en su faceta más experimental. Tampoco su trabajo como miembro a tiempo parcial de la E Street Band de Springsteen o con Prophets Of Rage, con los que básicamente se dedica a recrear lo que hacía con Rage Against The Machine, podía ser calificado de rompedor. De ahí que el anuncio de que

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en su próximo álbum iba a colaborar con diferentes productores de electrónica y raperos pareciera sobre el papel más atractivo. El problema es que The Atlas Underground llega unos cuantos años tarde. La idea podría haber resultado novedosa antes de la explosión del EDM, pero en pleno 2018 le hace más parecer como alguien que llega tarde a pillar un tren que no como uno que tiene voluntad de conducirlo. Hay algunos temas interesantes como ‘Battle Sirens’ con Knife Party, ‘One Nation’ con Pretty Lights o ‘Roadrunner’ con Leikeli47, pero otros como ‘Every Step That I Take’ con Portugal. The Man o ‘Find Another Way’ con Marcus Ford carecen totalmente de personalidad y pasarían inadvertidos si los escuchases de pasada en cualquier hilo musical. Tampoco ‘How Long’ con Steve Aoki y Tim McIlrath de Rise Against está a la altura de lo que prometía. Lejos de sonar como una ventana al futuro, la fusión que Morello propone aquí está demasiado anclada al presente. Para bien y para mal. JORDI MEYA

SLAEGT

The Wheel (VÁN) HEAVY METAL, BLACK METAL

stoy seguro que lanzando una sola pregunta al aire voy a conseguir que escuches The Wheel, el tercer álbum de los jovencísimos Slægt. Y es que… ¿Te imaginas a los Tribulation actuales sonando con varias dosis extra de dureza, de mala uva? Vaya si molaría… Vaya si molan Slægt, mejor dicho, porque eso es justo lo que ofrece este cuarteto. Nos lo dejaron muy clarito en el notable show que se cascaron en la sala Rocksound no hace tanto, y este The Wheel de nuevo lo confirma. En un trabajo que ya saca pecho

y es toda una declaración de intenciones desde su misma apertura con ‘Being Born (Is Going Blind)’, es genial encontrarse con una voz tan reventada como la de Oskar J. Frederiksen mientras su música nos remite al heavy clasicorro, y obviamente a Iron Maiden. También a la oscuridad y el horror gótico, claro está. No son como Ketzer, que casi parecen un calco de los suecos, pues nuestros protagonistas pueden hacer volar por los aires ‘V.W.A.’ con un blast beat a muertísimo para desplegar después una pausa y clase brutales, firmando así una gran canción de contrastes, o cerrar con el corte que da nombre al disco cabalgando sobre otro blast apoyado por esas guitarras dobladas tan de la escuela MurraySmith. Joder, qué bien sienta eso… Fíjate bien en el trote de ‘Masician’, o en la delicadeza de ‘Perfume And Steel’, o en la simpleza con la que arman ‘Citrinitas’, o en la redonda ‘Gauntlet Of Lovers’, y es que, lo dicho: no vas a poder resistirte a unos Tribulation mucho más blackeros. PAU NAVARRA

24/01/19 - BARCELONA, RAZZMATAZZ 25/01/19 - BILBAO, SANTANA

VLACK

The Way Of The Cross (RIPPER) ROCK

e las cenizas de los catalanes Rippers, que en 2012 publicaron un último trabajo titulado Fire Traäctat a través del sello BCore, surgió Vlack, el proyecto más personal de Marc Teichenné. Vlack fue la respuesta a la devastadora muerte de su hermano, David, bajista y también cofundador de Rippers. Dicen que el duelo tiene cinco etapas, siendo la negación la primera de ellas. Quizá por eso, instintivamente, de forma inconsciente, el primer disco de Teichenné en solitario se tituló There Is No Death. No había vuelta

atrás y la música se convirtió en su válvula de escape. Y la catarsis continúa. Así, tras un EP, Martyrs, Vlack vuelven a la carga con un segundo largo autoeditado. Y digo vuelven, en plural, porque detrás del presente The Way Of The Cross también encontramos al exbatería de Moksha Narcís Prat. Del resto de instrumentos, guitarra y bajo, y de las tormentosas letras, se encarga Marc, que también canta y ruge. Sin grandes alardes, Teichenné sabe jugar sus cartas muy bien. Fusiona el punk rock y el metal a altas temperaturas, con una ejecución al límite. Grabado en Cal Pau Recordings y Ultramarinos bajo la supervisión del maestro Santi Garcia, The Way Of The Cross es una sucesión de golpes asfixiantes, algunos de apenas dos minutos como ‘The Storm’, ‘Burn’ o ‘Under Dog’, que finaliza con una declaración de intenciones: la emocionante ‘End Drama’. “Acabaré con este drama, liberaré este dolor”, grita Teichenné. Después de más de dos décadas en esto (con Rippers, pero también en Skull Boys y Pudör Crònica), Teichenné ha renacido. LUIS BENAVIDES

COHEED AND CAMBRIA

Vaxis - Act I: The Unheavenly Creatures (ROADRUNNER) ROCK PROGRESIVO

estas alturas ya he renunciado a intentar entender el argumento de la saga Armory Wars que Coheed And Cambria retoman en su nuevo disco, después de haberlo aparcado en su anterior The Color Before The Sun; más cuando The Unheavenly Creatures se supone que es la primera de cinco partes que están por llegar. Y me imagino que, a menos que seas un fanático del rol o de Juego De Tronos, te pasará lo mismo. Por suerte, los 80 minutos de música que contiene su noveno álbum, y que lo convierten en el más

largo de su discografía, son perfectamente disfrutables por sí solos. Porque a pesar de sus ambiciones progresivas y su indudable pericia técnica, en su corazón, Coheed And Cambria siempre han tenido una gran sensibilidad pop. La voz de Claudio Sanchez tiene tanto de Geddy Lee como de Michael Jackson, y temas como ‘The Gutter’ o ‘Toys’ (menudo riff), aunque presenten cambios de tempo y partes enrevesadas, nunca se olvidan del aspecto melódico y lanzan estribillos más grandes que la vida. La metálica ‘The Dark Sentencer’, la power ballad ‘Night Time Walkers’, con unos sintetizadores a lo John Carpenter, ‘Love Protocol’, como unos Police en versión emo, o la popera ‘Old Flames’ son puntos álgidos de un disco excesivo, sí, pero digerible. Para quienes hayan seguido su carrera, The Unheavenly Creatures podrá parecer un poco ‘más de lo mismo’, pero advertirán una energía renovada que los hace sonar más frescos. Para quienes éste sea su primer acercamiento al grupo neoyorquino, simplemente fliparán. DAVID GARCELL

ALIMENT

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Edu

Bujalance (voz, guitarra), Ignasi Reixach (bajo), Pol Huedo(batería) PRODUCIDO POR: Aliment AFINES A: Futuro Terror, L’Hereu Escampa, Biznaga PÁGINA WEB: aliment.bandcamp.com

D Brother (LA CASTANYA) ROCK, POST PUNK

os discos muy celebrados situaron en apenas seis años a los gerundenses Aliment a la cabeza del punk garajero estatal, como una de esas bandas que no puedes perderte si pasan por tu ciudad porque sabes que garantizan bailes, sudor y buen rollo en el pogo. Mientras en el infeccioso Holy Slap estaban en la onda de bandas contemporáneas como Wavves y The Oh Sees y en Silverback ponían la directa como los mejores Ramones, su tercer disco es bastante más heterogéneo. Los diez temas del presente Brother tienen en común, entre otras cosas, un sonido oscuro y por momentos siniestro. ¿Post punk? En buena

parte, pero sería injusto encasillarles en un subgénero cuando han hecho su disco más completo y redondo hasta la fecha. Grabado en La Atlántida Estudio de Barcelona y mezclado por Víctor Saldaña (The Destroyed Room, Zephyr Lake), Brother arranca con el bajo distorsionado de ‘Snake Bite’, un picotazo intenso de puro post hardcore que recuerda a los ruidosos Jesus Lizard y Metz, un trío canadiense que también me viene a la cabeza al escuchar ‘New Human’. Quizá son cosas mías. Eduard, Ignasi y Pol sí confiesan haber escuchado últimamente clásicos del post punk e incluso EBM, un género que combina música industrial y punk he-

cho con sintetizadores, y eso se traduce en la instrumental y vaporosa ’A Blazing Torch’, colocada con mucho sentido en el ecuador del disco. Tampoco ocultan su fascinación por Institute -nada que ver con la banda de Gavin Rossdale- y Protomartyr, quienes seguro caerían rendidos a los encantos de ‘Dystopia’ y ‘Sacred Heart’. Estos tres amigos expanden su sonido como nunca -podría parecer que guiñan un ojo al mítico London Calling con el ritmo sincopado de ‘Dogma’- sin perder en ningún momento el norte y mucho menos su naturaleza punk. Sin duda, uno de los discos más excitantes del año. LUIS BENAVIDES

HABLAMOS CON... POL HUEDO ¿Por qué este título?

“Por primera vez, el nombre de un LP nuestro tiene un significado para nosotros en cuanto al concepto global. Brother es un disco que se ha hecho entre amigos. El diseño, la mezcla y las fotos son de gente muy cercana, con la que habíamos trabajado igual en proyectos más pequeños pero que los hemos querido incluir en el que, para el grupo, es el disco más nuestro hasta el momento. Tuvimos dudas en nombrar el disco así, pero durante el proceso de grabación y diseño nos dejaron dos amigos muy cercanos. Al final creímos que era el nombre que más nos representaba en ese momento, ¡y reflejaba nuestro amor por todos los involucrados y los que ya no están!”. Hay más mala leche de la habitual y mucha oscuridad. Supongo que pura evolución…

“Creo que es el primer álbum en el que no hemos pensado mucho qué queríamos hacer exactamente y que, además, lo hemos creado casi todo en el local. Eso ha hecho que muchos temas los haya empezado Ignasi y que Edu haya empezado a puntear más y no tocar tan a saco como de costumbre. Creemos que nos han salido un poco nuestras raíces. Venimos del hardcore y el screamo. De hecho, teníamos una banda antes de formar Aliment y, a veces, cuando estamos probando cosas, nos suena a eso mismo. A la gente igual le puede impactar ahora, pero a nosotros a veces nos impacta incluso más que Aliment empezáramos haciendo pop”. Bajasteis a Barcelona para grabar en La Atlántida.

“Ignasi tiene muy buena relación con Mario (Patiño) y ya había grabado allí, así que decidimos probar. Además, te-

níamos ganas de cambiar de aires y nos interesaba grabarlo en fin de semana, cosa que podíamos hacer en La Atlántida. Lo grabamos en dos fines de semana intensos, en meses separados, lo que nos permitió tener un poco de perspectiva y margen de maniobra. Son gente encantadora y repetiremos seguro”. ¿Es el disco que siempre habíais querido hacer?

“Creemos que hemos logrado un sonido potente y particular del cual estamos muy satisfechos. Lo que más nos gusta es que vemos pasajes, subidas y bajadas, y estados de ánimo, en definitiva. Seguramente es nuestro disco más heterogéneo: desde canciones largas con pasajes complejos a interludios pseudoelectrónicos. Aunque puede que sea nuestro álbum más oscuro, es sin duda el que tiene más matices”. (LUIS BENAVIDES)

C SUPERSUCKERS Suck It (ACETATE) ROCK

umplir tres décadas al frente de un grupo de rock sin duda tiene su mérito, pero a veces olvidamos que tan importante es el hecho en sí como el modo en el que se llega a semejante efeméride. En el caso de Eddie Spaghetti, no se puede decir que el 30 aniversario de los Supersuckers le pille en uno de los mejores momentos de la historia de la banda. Que a día de hoy todavía siga saliendo de gira y lanzando un nuevo disco ya es de por sí una noticia que celebrar tras haber superado un complicadísimo cáncer de faringe hace unos años, pero si nos ceñimos a lo estrictamente musical, está claro que han vivido tiempos mucho mejores. Reconvertidos ahora como trío, a este Suck It se le echa en falta la pegada de una segunda guitarra respaldando el característico sonido granuja de los de

S TOM PETTY

An Amerian Treasure (REPRISE) ROCK

i, como yo, eres de los que todavía lamentas la muerte de Tom Petty, esta caja de cuatro CDs en la que se repasa exhaustivamente su carrera está hecha para ti. Si algo lo desmarca de ser un lanzamiento puramente mercantilista es que se nota que está hecha con mucho cariño con la selección de temas estando a cargo de su esposa, su hija y Mike Campbell y Benmont Tench en representación de los Heartbreakers. Su criterio ha sido escoger algunas de las canciones favoritas del propio Petty, dejando de lado sus hits, y sacar a la luz algunas que hasta ahora habían permanecido en sus

Tucson. En ‘Breaking My Bells’ y ‘’Til I Die’ siguen sin moverse un milímetro de ese punk rock tabernario, pero con menos mordiente. Se notan los estragos en la voz de Eddie, especialmente con ‘The History Of Rock N’ Roll’, donde homanejean a varios compañeros de batalla y se jactan de seguir siendo la mejor banda de rock’n’roll del mundo con un tema tremedamente flojo. Curiosamente, lo mejor son los dos corte más melódicos,

el medio tempo ‘Dead Inside’ y el country marca de la casa ‘Cold Wet Wind’. Si encima tenemos en cuenta que sus próximos conciertos en España han sido anunciados como un homenaje por el 20 cumpleaños de uno de sus mejores álbumes como es The Evil Powers Of Rock N Roll en lugar de sus nuevas canciones, intuímos que la confianza que tienen respecto a su presente no debe de ser muy alta.

archivos privados. De ahí que no aparezcan por aquí ‘American Girl’, ‘Refugee’ o ‘Free Falling’ y que algunos temas tan populares como ‘Breakdown’ o ‘I Won’t Back Down’ lo hagan en versiones en directo. Ordenados cronológicamente, sus 63 cortes abarcan desde ‘Surrender’, un tema inédito de su primer álbum de 1976, hasta ‘Hungry No More’, grabada en la House Of Blues de Boston en 2016. Sin ser tan jugosa como aquella primera caja, Playback, publicada en 1995, An American Treasure también esconde algunos secretos interesantes para sus fans. Me han gustado especialmente las versiones

alternativas procedentes de Southern Accents; ‘Rebel’ y ‘The Best Of Everything’ ganan muchos enteros despojadas de la producción 80’s. También es deliciosa la demo de ‘Apartment Song’ de Full Moon Fever con Stevie Nicks de Fleetwood Mac en las segundas voces o perlas como ‘Lost In Your Eyes’, un outtake de su otra banda Mudcrutch, o ‘Gainsville’ de las sesiones de Echo. Y parece que el tesoro no se acaba aquí. En el horizonte están la esperada edición doble de Wildflowers y otros lanzamientos en vivo, así que parece que tendremos Petty para rato.

GONZALO PUEBLA

JORDI MEYA

LIZZIES

On Thin Ice (THE SIGN) HEAVY METAL, HARD ROCK

n pleno apogeo del enésimo revival de los 80 que estamos viviendo, ya iba siendo hora de que alguien saliese a reivindicar todos aquellos grupos de hard rock que reventaron las radios por aquel entonces. En el caso de Lizzies, no es que se las pueda acusar de querer subirse al carro con el fin de intentar rascar premio, ya que del heavy primigenio de Good Luck a lo que suena en este segundo On Thin Ice, tan sólo hay un paso y medio. En cualquier caso, el cambio de sonido les ha sentado de maravilla y, al fin y al cabo, tampoco nos engañemos,

porque esto sigue sonando a mayas, cuero y tachuelas por todos los lados, sólo que esta vez con una acercamiento distinto. Mismamente ‘Like An Animal’, el corte que se encarga de darnos la bienvenida, ya nos muestra unas guitarras más brillantes, menos machaconas que en su debut y con más espacio para que Elena nos clave el primer estribillo con vocación de hit del álbum. Ese crecimiento también se deja notar en el mayor uso de segundas voces y hasta de sintetizadores, como prueban en el irresistible single ‘No Law City’ o ‘Playing With Dead’. También se atreven a ir por derroteros algo más oscuros como esa ‘Final Sentence’ que parece haber sido perpetrada después de haber pasado una tarde con los vinilos de Ozzy de fondo. Pero si echáis de menos esos trallazos en la onda de los primeros Iron Maiden y Judas Priest de Good Luck, encontraréis vuestra ración en las urgentes ‘Rosa María’ y ‘Talk Shit And Get Hit’, ambas con cierto regustillo punk, y la final ‘The Crown’, con la que coronan una arriesgada reválida superada con nota. GONZALO PUEBLA

RIVERSIDE Wasteland

(INSIDE OUT MUSIC) ROCK PROGRESIVO

l tiempo no siempre cura las heridas a buen ritmo. En el caso de Riverside, además, su principal vía de escape está directamente relacionada con su pesadumbre más profunda. La muerte de Piotr Grudzinski aún es demasiado reciente. Tras aquel póstumo Eye Of The Soundscape, sus compañeros han trabajado duro para pasar página, como es el caso de Mariusz Duda con Lunatic Soul y sus discos en solitario. Pero, dos años después, el actual trío todavía necesita dar marcha atrás y reconducir su duelo dentro de la propia banda.

De ahí nace Wasteland, un álbum más duro, más oscuro y aún más emotivo de lo que nos tienen acostumbrados. Sin embargo, el resultado no podía ser más positivo. Se trata de un disco lleno de contrastes, como ocurre con los sollozos a capella envueltos por violines de ‘The Day After’, o en la propia ‘Wasteland’, una especie de western mezclado con sonidos eslavos. Su esencia post apocalíptica, inspirada en películas como The Road o The Day After, llega a su culminación con ‘The Lament’, el tema más conmovedor. Mariusz ha asumido perfectamente el papel de Grudzinski como guitarrista principal, manteniéndose en sintonía con la sombría perspectiva de Michał Łapaj y Piotr Kozieradzki. De este modo han superado este viaje introspectivo con creces, convirtiendo su dolor en un nuevo punto de partida. Wasteland supone el segundo debut de Riverside con el que vuelven a explotar todo su potencial. Estoy segura que su eterno compañero está muy orgulloso de ellos allí donde esté. ALBA RODRIGO

C THE SOULBREAKER COMPANY Sewed With Light

(UNDERGROUND LEGENDS) ROCK PSICODÉLICO

omo fan acérrimo, es reconfortante ver cómo pasan los años y una de tus bandas de cabecera no solamente sigue sin fallar, sino que es capaz de mantener un nivel tan alto disco tras disco. Con The Soulbreaker Company nunca sabes por dónde te van a salir, pero puedes apostar seguro a que llevará su sello de calidad. Y Sewed With Light, por supuesto, no es una excepción. Asentados desde el inmenso Itaca en el rock psicodélico, la sexta obra de los vitorianos vuelve a suponer una nueva vuelta de tuerca a su propuesta. Esta vez con una orientación aún más lisérgica si cabe, donde los teclados han ganado mayor peso en la composición. Sin ir más lejos, los 7 minutos introductorios de ‘Inner Dark’ avanzan a ritmo casi industrial, dando pistas de que estamos ante su trabajo más complejo. Esto se irá confirmando en

H STEVE PERRY Traces

(FANTASY) AOR

ace dos décadas, Steve Perry decidió abandonar Journey por segunda vez y apartase completamente de la industria musical. Durante todo este tiempo, no dio entrevistas, ni hizo apariciones públicas y, lo peor de todo, dejó de cantar. Ni siquiera en la ducha, según él mismo ha explicado. Sólo en 2014 rompió su silencio para cantar un par de temas en un concierto de ¡Eels! Tampoco el ingreso de Journey en el Rock And Roll Hall Of Fame el año pasado hizo que se animara a actuar de nuevo con sus excompañeros. De ahí que el lanzamiento de

posteriores títulos como ‘Persephone’, donde los sintetizadores crean una atmósfera espacial en uno de los temas más diferentes que hayan firmado nunca, o ‘The End Of The Day’, en la que una bonita melodía de piano reclama nuestra atención. El heavy rock más duro resurge en ‘Arrythmia’ y ‘Together’, pero siempre pasado por su particular filtro al igual que en la balada acústica ‘You Guess But You Don’t Uderstand’.

Aunque seguramente mi preferida sea ‘Avoid The Crash’, que arranca oscura y amenazadora para tornarse más luminosa acabando por todo lo alto con un golpe de timón sólo al alcance de genios como ellos. Son muchos los detalles a ir descifrando con calma los que componen lo nuevo de la Compañía, pero no hay duda de que han vuelto a dar en el clavo. Y ya llevan unas cuantas.

su primer disco en solitario en 24 años haya sido todo un acontecimiento en los círculos del rock melódico. La aparición de Traces responde a la promesa que le hizo hacer su pareja, enferma de cáncer, de que si algo malo le pasaba, volvería cantar. La mujer murió en 2012 y desde entonces, Perry ha ido buscando las fuerzas para cumplir su palabra. Su exilio autoimpuesto había propiciado todo tipo de rumores sobre su salud, así que la gran pregunta era si esa voz que inmortalizó clásicos como ‘Open Arms’ o ‘Don’t Stop Believing’ seguiría ahí. La respuesta es un rotundo sí, aunque la

edad -Perry cumplió 69 años en enero- la haya vuelto un poco más arenosa, el tipo sigue conservando su aura. Es poder escuchar de nuevo su voz casi el único aliciente que uno encuentra en estas diez canciones, la mayoría de ellas baladas. Sólo ‘No Erasin’’ y ‘Sun Shines Grey’ (sorpresivamente escrita a medias con John 5, guitarrista de Rob Zombie) tienen un poco de brío, pero el resto suena excesivamente a hilo musical. Me resulta complicado ser más duro teniendo en cuenta el trasfondo del álbum, pero después de tanto tiempo, esperaba algo más.

GONZALO PUEBLA

JORDI MEYA

SIROLL!

Doble O Res (AUTOEDITADO) CROSSOVER METAL

iroll! han sido una de mis pequeñas ‘obsesiones’ desde que los descubrí en 2013 gracias a su joya en forma de EP Aniquilació. Su siguiente obra, Més Llenya!, confirmó que estábamos ante un proyecto que iba tomando forma y empuje. Por eso cuando me enteré que había cambios de formación y que el nuevo material tardaría un poco más en salir, me temí lo peor. Afortunadamente parece que todo ha vuelto a la normalidad y por fin tenemos aquí Doble O Res, sin duda su mejor trabajo hasta la fecha. Empezando por los nuevos miembros, Dani a la guitarra y Thomas

al bajo (que le han dado mucha solidez a su sonido) y siguiendo por el martillo pilón que es Albert a la batería y un Gou que suena brutal y desatado como nunca en las voces. Sin dejar de lado sus piezas minimalistas de poco más de un minuto a las que ya nos tenían acostumbrados (por ejemplo la inicial ‘Tu Mateix’ o la cachonda ‘Fatxes De Proximitat’), se aprecia una evolución en la consistencia i la duración de las canciones que les lleva a un nivel superior en comparación a sus otros discos. ‘Hòsties’, ‘Mitjans De Manipulació’ o ‘Cobord’, más allá de su alto contenido de crítica social y mala leche contra los de siempre (y que es de agradecer), nos permiten apreciar que los catalanes han dado un paso hacia adelante con una base rítmica aplastante y unas guitarras contundentes y afiladas como cuchillos. Y mención aparte merece un tema que podría pasar desapercibido al cerrar el disco, ‘Actitud’. Para mí es de lo mejor que han compuesto jamás y demuestra sin ninguna duda que su apuesta a doble o nada es claramente ganadora. KARLES SASTRE

SHINING Animal (SPINEFARM) PARTY METAL

upongo que todo esto sólo se trata de una broma de mal gusto, ¿no? Quiero decir, o el multinstrumentista Jørgen Munkeby es un cachondo mental o realmente se ha propuesto dinamitar la carrera musical de Shining. Si lo de experimentar a lo largo de su trayectoria hasta dar con el blackjazz fue algo soberbio, en esta ocasión le ha salido el tiro de su ‘party metal carnival’ por la culata. Porque cuando por fin has conseguido que esa amiga sepa diferenciar a los Shining suecos de los noruegos, entre los que se cortaban y los del

saxo, ahora éstos últimos encierran su instrumento más característico para rodearse de maquinitas, ruiditos y voces distorsionadas. Y ojo, que soy la primera en subirme al carro del synthwave y la electrónica ochentera, pero si te vas a poner a crear algo yendo a remolque de proyectos como los de Carpenter Brut, Perturbator o Dance With The Dead, más vale que el resultado no sea sonar como una boy band de pseudo metaleros de hace diez años. Animal es una animalada de álbum –y no en el buen sentido precisamente– en el que estos excelentes músicos de jazz y metal intentan ser la banda sonora de tus noches de fiesta. “¡Este nuevo disco es más Muse que Meshuggah, más Ghost que Gojira, y más Biffy Clyro que Burzum!”, declaran ellos mismos sobre su nueva propuesta. O lo que es lo mismo, más pop y nada de jazz. Más retro y nada de black metal. Y tanto esfuerzo por ser el alma de la fiesta ha dado como resultado final un engendro que no tocaría ni con un puntero láser. ALBA RODRIGO

THE JOY FORMIDABLE AAARTH

(C’ MON LET’S DRIFT) ROCK ALTERNATIVO

no de los clichés más sobados por los grupos es aquél en el que afirman que su nuevo trabajo es una reacción completamente opuesta respecto al anterior. En el caso de AAARTH, el cuarto álbum de estudio de los galeses The Joy Formidable, podríamos dar la sentencia por válida. Su predecesor, Hitch, llevaba su indie rock hacia terrenos más enrevesados y complejos, dando así con una obra más densa y alejada de la búsqueda del single fácil y efectivo. No es que esa definición se aleje de lo que siempre han sido, pero en esta ocasión se nota que

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su intención ha sido tirar por una vía más directa. Se puede adivinar desde la colorida portada y se confirma a la que empieza a sonar ‘Y Bluen Eira’, donde la pedalera de Ritzy Brain comienza a trabajar a plena potencia. Las dulces melodías de la vocalista acompañadas de distorsionados guitarrazos siguen a la orden del día en ‘Go Loving’, ‘The Better Me’ y ‘The Wrong Side’, que no harán sino incrementar su repertorio de hits. Con ‘Cicada (Land On Your Back)’ encuentran espacio para experimentar con arreglos exóticos en un corte semiacústico no exento de garra y lleno de magia. Su lado sensible aparece en la balada al piano ‘Absence’ en contraposición a la fuerza épica de ‘Dance Of The Lotus’, posiblemente la mejor canción de un disco que se despide al ritmo de la progresiva post punk ‘Caught On A Breeze’, rematando una colección de piezas de lo más ambiciosa. Instalados actualmente en Estados Unidos y abriendo para Foo Fighters en arenas, parece que esta vez les ha llegado la hora de dar el salto a Primera División. GONZALO PUEBLA

ANAAL NATHRAKH

A New Kind Of Horror (METAL BLADE) INDUSTRIAL BLACK METAL

os ingleses Anaal Nathrakh van tan a saco que me hacen reír a carcajadas. Menudos elementos, hay que ser canalla… Me imagino al dúo pariendo estas bravuconadas, ya no digamos grabándolas, partiéndose la caja. ‘¡Cruje más eso, carajo! ¡Que se jodan!’. Porque son realmente dañinos, se nota a la legua que todo está sacado de quicio para molestar al oyente, para que someterse a A New Kind Of Horror sea lo más incómodo y desagradable posible, un maltrato psicológico, y sobre todo en términos de

producción. Como tengas muy alto el volumen, con ‘The Road To…’ y ‘Obscene As Cancer’ te vas a quedar sordo con esas estridencias perforándote el tímpano. Esos coros alucinados y limpios, operísticos a lo Dimmu Borgir, son más provocadores que nunca en ‘The Reek Of Fear’, donde logran reunir todo lo que hace de su propuesta un virulento pandemonio. Apelan al mal gusto adrede, estoy seguro. Además, me gustaría saber si, más allá del estribillo, ‘The Apocalypse Is About You’ tiene letra en realidad. Por si nos hemos quedado con hambre, ‘Forward’ es como si te atizaran con un hierro candente y ‘Mother Of Satan’ extiende la mortandad a niveles brutales. ‘Vi Coactus’ nos trae la pizca de melodic black habitual, mientras la mínima tregua llega con ‘The Horrid Strife’… el penúltimo corte. Las bandas que sólo buscan el destruir por destruir sí deberían ser inviolables ante la ley. Hay pinceladas de chumba chumba y nada de grind, pero en su décimo capítulo hay metralla de sobras y no lo echarás de menos. PAU NAVARRA

THE LOUD RESIDENTS

The Last Teenage Party (AUTOEDITADO) ROCK ALTERNATIVO

i el último trabajo de Weezer te parece una abominación y echas de menos la frescura del Blue Album y la sinceridad de Pinkerton, deberías prestar atención a los protagonistas de esta reseña. Después de publicar una primera demo en 2013 con muy buena acogida por la crítica, con apariciones en conocidos programas de radio y revistas especializadas, The Loud Residents publicaron dos años después For You, Lovers And Sinners, un EP en el que abandonaban el garaje punk de sus inicios y se entregaban

al rock alternativo de la maravillosa década de los 90. El presente The Last Teenage Party hace honor a su nombre: una última juerga, a fondo, regada con buenas melodías y algo de nostalgia. Huele a espíritu adolescente, sí, pero en su versión más soleada y californiana. Eso queda muy patente en el primer corte, la playera y sin embargo rebelde ‘E.S.A.’ (acrónimo de ‘Evil States Of America’), y también en la veloz ‘Ralph’, donde asoma su pasado más garajero. La mejor versión de la banda liderada por Rivers Cuomo parece colarse en el disco en algunos momentos como el adictivo solo de ‘Underwear Love’ y el falsete pre-estribillo de ‘Still Friends’, pero este trabajo parido en Grabaciones La Mina (Pony Bravo, Guadalupe Plata) también es muy recomendable para los seguidores de bandas como The Posies y Teenage Fanclub por ‘The Winning Days’ y ‘No Hope (For You)’, de donde extraen el título del disco. Fiestas así nunca deberían acabar. Estaremos muy atentos para no perdernos el próximo guateque de estos amigos malagueños. LUIS BENAVIDES

THE ELECTRIC ALLEY

Turning Wheels (AUTOEDITADO) ROCK

upados por el buen recibimiento que tuvo su segundo plástico Get Electrified! hace tres años, que les valió para llenar varias salas e incluso hacer alguna incursión en el Viejo Continente, los gaditanos The Electric Alley doblan ahora la apuesta con Turning Wheels. El grado de maduración alcanzado se ve reflejado es un nuevo álbum al que cuesta hallarle fisuras por algún lado. Ni una sola de las once canciones incluidas resulta prescindible, lo cual hace que la intensidad no baje hasta que suena la última nota de ‘Goodbye’. Pero antes de llegar ahí, a The Electric Alley les da

tiempo a cargarnos las pilas a base de misilazos de puro hard rock como esa ‘Celebration’ que abre el disco o la rotunda ‘You Give Me Something’. Cortes que ya les gustaría firmar a día de hoy a gigantes como Guns N’ Roses o Aerosmith. ¿Exagero? Para nada, porque el combo no sólo se dedica a rockear con las guitarras al once, sino que además sabe hacerlo mientras destila toneladas de clase. ‘Super Blood Blue Moon’ y ‘Thunderbird Or Vulture’ dejan a las claras el enorme peso que tienen The Black Crowes en su sonido, mientras que las adictivas ‘Wildfire’ y ‘Find The Key’ demuestran que saben cómo acercarse a tratados más accesibles para todo tipo de audiencias sin bajar el pie del acelerador. La épica también está presente en ‘I’ve Been Taught’, con esos dejes metaleros, y sobre todo una tremenda ‘Rusty’ que es el tema estelar del trabajo. Si Jaime Moreno y Nando Perfumo están a un nivel estelar a lo largo del álbum a las voces y las guitarras respectivamente, aquí alcanzan su cenit. Sencillamente, lo han clavado. GONZALO PUEBLA

BETWEEN THE BURIED AND ME Automata II (SUMERIAN) METAL PROGRESIVO

i con Automata I disfruté de un álbum orgánico, intenso y brillante, en esta segunda entrega los chicos de Between The Buried And Me se han pasado de frenada. Apostando por la experimentación basada en su sonido más melódico, Automata II es uno de esos discos que mucho abarcan y poco aprietan. Durante los cuatro temas que lo forman combinan diversos registros, desde el rock progresivo más clásico pasando por jazz, swing, jump blues, groove y el metal más técnico. Pero entre tanto

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giro y tanta teatralidad no hay nada que sobresalga, nada mejor de lo que ya hayan compuesto BTBAM a lo largo de su trayectoria. ‘The Provervial Bellow’ suena a homenaje a los clásicos como Dream Theater en el que la banda se luce al completo, pero sin aportar nada demasiado original. Seguidamente, los 2 minutos que conforman la circense e introductoria ‘Glide’ resultan tremendamente aburridos. La cosa mejora a partir de la segunda mitad del disco con ‘Voice Of Trespass’ y sus partes más agresivas, transcurriendo sin pena ni gloria dentro del conjunto que forman ambos discos. Únicamente se salva ‘The Grid’, con un inicio que recuerda a bandas como Haken, y en la que definitivamente reconocemos la misma idea que nos presentaron unos meses atrás. En general Automata II es un álbum bastante decepcionante, de los que escuchas por primera vez y no te parece malo, pero que seguramente no vuelvas a reproducir en tu vida. Un resultado que le quita todo su sentido a dividir este trabajo conceptual en dos partes. ALBA RODRIGO

MADELEINE Su Hura

(AUTOEDITADO) ROCK

espués de un parón de tres años, los donostiarras Madeleine han vuelto más inspirados que nunca. Les ha sentado muy bien tocar en otros proyectos musicales como Reuben RG y John Berkhout y tomarse un respiro para cogerlo con más ganas, pero sobre todo les ha cundido y mucho una beca de residencia de Kutxa Cultura Musika. Tenían un año para preparar un nuevo trabajo y han puesto los cinco sentidos. El resultado es Su Hura, un tercer disco delicioso, seguramente el más pop de su carrera y también el menos instrumental. Hay

pasajes ambientales con la precisión marca de la casa y los ensoñadores tintes shoegazers de su disco debut homónimo y Mugarri. Sus viejos seguidores no echarán de menos nada de eso. Más bien alucinarán con las melodías vocales en euskera de ‘Su Hura’. Sólo ‘Post-Rock’, situada en el ecuador del disco, es 100% instrumental. En la inicial ‘Inongo Garen’ abordan una abstracción como el nacionalismo sobre una base math rock deudora de los And So I Watch You From Afar más delicados, pero en este disco grabado en Gaztain Estudios predomina la nostalgia bien entendida como en la emotiva ‘Perkalenea’, inspirada en el apartamento en el que precisamente se comenzaron a gestar algunos temas del disco. El álbum es una sucesión de momentos memorables, como la línea de bajo y los coros vaporosos de la elegante ‘Nahi On Bat’, el corte más pop con permiso de ‘Sumendi’, para fans de Tame Impala y The Foals, y el glorioso estribillo de ‘Hura’. Objetivo cumplido, y con nota. LUIS BENAVIDES

CATHEXIA

Complete Obliteration (AUTOEDITADO) DEATH METAL

isanthropy, su rudo y simplista EP de 2011, ya me gustó, pero hay que reconocer que el salto que los asturianos Cathexia han pegado con su segundo álbum es bastante tocho. La explicación la encontramos en un hiato en el que sus miembros crecieron una barbaridad como músicos, sobre todo peleando bajo la bandera de nombres propios como Legacy Of Brutality o Thirteen Bled Promises. Reagrupados y con las ideas claras, el quinteto ha decidido atacarme ahí donde más duele:

rememorando no sólo a los Grave más asesinos, sino también a Vomitory. Aunque les parezca raro, son mis dos bandas favoritas de death metal sueco, y como espero sabrán, sobre todo en el caso de los segundos, toda una garantía de tralla ultrajante. Sin llegar al brutal death, Cathexia exploran el límite de dolor que puedas aguantar a base de triza de la vieja escuela, cuidando unos guitarrones que te van a moler las costillas cual potentes derechazos. Guapísimo el mimo con el que los riffs te desgarran en ‘No Rest Beyond Death’, y fans de Aborted, mucho ojo con ‘Mankinds Obliteration’, porque unen todo eso a su veta más grind para vapulearte a la belga. Desde que se lía a tortazos ‘Entrails Of The Earth’ hasta llegar a una ‘Inert’ que te va a dejar planchado, pasaremos por la fisura anal que provoca ‘Blessing Extermination’, una ‘Eternal Slavery’ que curiosamente es muy Hate Eternal o por ‘Rebellion Is Growing’, un severo correctivo que ofrece unas curradísimas voces entre Martin van Drunen y John Tardy. Casi nada. PAU NAVARRA

SÍCTOR VALDAÑA AND THE CHECK THIS OUTS Extinction Never Felt So Good (RUDE MENTAL) ROCK

ntes de entrar en materia merece la pena recordar que Síctor Valdaña And The Check This Outs empezó como un divertimento de un miembro The Destroyed Room, una banda que puso punto y final a su interesante trayectoria con The Dark Of The Sun en 2014. Mucho antes Víctor Saldaña ya había grabado en su propio local un puñado de canciones en las que cantaba y tocaba todo los instrumentos bajo el ‘seudónimo’ de Síctor Valdaña. Su buen hacer con muy pocos medios le valieron para producir a otras bandas

como Mujeres, Aliment o Biznaga, pero ése ya es otro tema. Con la incorporación de Aïda y Denis unos años más tarde, este proyecto en solitario se convirtió en la banda de tres buenos amigos y pudo salir del local de ensayo. La nueva referencia de Síctor Valdaña y sus Check This Outs llega cinco años después de su anterior referencia, el 7’’ Old Fashioned. El título es engañoso, pues lejos de extinguirse, el trío demuestra tener cuerda, ganas e ideas para rato. En su excesiva nueva referencia, con 18 temas, tocan palos muy diferentes. Si te gusta el punk rock de los sellos Fat Wreck y Lookout! fliparás con ‘Ancient Tales’, ‘Stink’, ‘A Will Unseen’ y mi favorita ‘Vigilante’, y los que busquen estribillos dulzones se enamorarán de ‘The Lovers And Their Sins’ y ‘Twenty Some’. Sorprenden con el clasicismo acústico de ‘The Isle’ y ‘Voyeur’, cuya línea de bajo recuerda a Pink Floyd; nada que ver con la surfera ‘The Land’ y la caricatura rockanrolera titulada ‘Ain’t Got No’ que pone el broche. Ultraecléctico y agradablemente lo-fi. LUIS BENAVIDES

BOSTON MANOR

L O S CH I CO S D E L BAR R I O

QUIEN ESPERARA OTRA RACIÓN DE POP PUNK AL ESTILO DEL QUE BOSTON MANOR OFRECIERON EN SU DEBUT, SE HABRÁ LLEVADO UNA BUENA SORPRESA AL ESCUCHAR SU SEGUNDO ÁLBUM WELCOME TO THE NEIGHBOURHOOD. EL QUINTETO BRITÁNICO LE HA DADO UN VUELCO A SU SONIDO PARA REFLEJAR NUEVAS INQUIETUDES. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ONCEBIDO COMO UNA REFLEXIÓN SOBRE LA DECADENCIA DE BLACKPOOL, SU CIUDAD NATAL, WELCOME TO THE NEIGHBOURHOOD (PURE NOISE) ES MUCHO MÁS QUE ESO.

Un relato casi distópico en el que los problemas sociales, la desesperanza y la adaptación a un mundo cada vez más opresivo pintan un panorama de lo más oscuro. Todo ello ha salido de la mente del vocalista Henry Cox, quien gracias a la oportunidad de haber visto mundo a raíz de la gira que efectuaron tras publicar su debut Be Nothing en 2016, volvió a su ciudad con una nueva perspectiva. Paralelamente, sus compañeros Mike Cuniff (guitarra), Ash Wilson (guitarra), Dan Cunniff (bajo) y Jordan Pugh (batería) empezaban a juguetear con nuevos sonidos y texturas, decidiendo dejar atrás el sonido con el que se habían dado a conocer. Para embarcarse en esta aventura acudieron al productor americano Mike Sapone (Brand New, Taking Back Sunday), quien les animó a ir hasta el fondo. Pese al cambio estilístico, Boston Manor no han perdido su atractivo melódico y canciones como ‘Halo’ o ‘Bad Machine’ seguro que animarán a que muchos de sus seguidores decidan seguir acompañándoles.

Welcome To The Neighbourhood representa un cambio sustancial respecto vuestro debut. Da la impresión de que teníais muchas ganas de evolucionar. HENRY COX “Creo que sí. Poco

después de sacar el primer disco nos dimos cuenta de que la dirección en la que queríamos ir era otra. Entre que compusimos el primer disco e hicimos éste, pasaron tres años, y en ese tiempo cambiamos. Quizá desde el punto de vista del público es un cambio muy rápido, pero nosotros lo sentimos como algo muy natural. En un principio pensamos en editar otro tipo de material entre medio para hacer la transición más suave, pero al final, pensamos que no tenía sentido y que simplemente era mejor publicar la música que de verdad queríamos. Es como si nos hubiéramos saltado un disco entre medio, pero al final hicimos lo que queríamos hacer”. ¿Sientes que en estos tres años habíais crecido más allá del pop punk, incluso a nivel de gustos personales?

“Sí, desde luego. Para serte sincero, nunca fuimos grandes fans del pop punk. Nos gustaban algunas bandas y giramos con muchas de ellas, pero no era algo que escucháramos en la furgoneta o por nuestra cuenta. Yo creo que en general las bandas se están expandiendo fuera de ese estilo porque hay demasiados grupos que suenan parecidos. Las mejores seguirán haciéndolo, claro, pero creo que el público también tiene ganas de algo nuevo. Y los propios músicos quieren probar algo nuevo. También creo que el hecho de que Spotify te dé acceso a todo tipo de música ha

propiciado que las escenas se hayan diluido. Ahora no tiene por qué gustarte sólo el hardcore o el pop punk, puede gustarte Terror y Grimes. Creo que ahora está más aceptado que te gusten cosas muy distintas. Nosotros queríamos introducir algunas influencias de la música electrónica o industrial como Nine Inch Nails o Aphex Twin, y a Mike Sapone, el productor del disco, le encanta todo eso. Tiene

una gran colección de sintetizadores analógicos, así que nos ayudó mucho a encontrar ese sonido. Para él también era emocionante salirse del emo o el pop punk por el que es conocido. Nos animó mucho a crear con libertad”. Esa evolución también se refleja en el contenido del álbum.

“Sí, quería que las letras encajaran

Quería usar Blackpool como una metáfora, pero creo que mucha gente puede identificarse con lo que hablo”. Existe este sentimiento de que vamos a vivir peor que nuestros padres o que tendremos menos oportunidades, ¿pero no crees que hay un punto de haber sido un poco malcriados, o un punto de vista irreal sobre lo que se supone que debemos esperar? Si miras la historia de la humanidad, la vida siempre ha sido sufrimiento y una lucha constante.

“LA GENTE NO SE DA CUENTA DE LO RARA QUE ES ESTA VIDA Y A VECES TE SIENTES SOLO O VULNERABLE, ASÍ QUE CREO QUE TODOS SOMOS SUSCEPTIBLES DE TENER UN PROBLEMA DE ADICCIÓN. ES IMPORTANTE SER CONSCIENTE DE ELLO” HENRY COX

con este nuevo sonido. Queríamos hacer un disco más duro y rabioso, y ahí fue cuando empecé a pensar en escribir sobre nuestra ciudad”. Aunque las letras están inspiradas en Blackpool, me imagino que en el fondo querías hablar de algo local como una reflexión más general. Muchas de las situaciones de las que ha-

blas son aplicables a muchas ciudades occidentales.

“Sí, totalmente. Quería hablar sobre esos temas y lo de centrarlo en Blackpool vino después. Empecé a escribir cuando estábamos de gira en Estados Unidos y cuando volvimos a casa, me di cuenta de que todo sobre lo que estaba escribiendo, la pobreza, la depresión, el desencanto, estaba en nuestras calles.

“Tienes razón. Hace unos días vi un documental de la BBC de 1952 y hablaban con chavales de 10 a 16 años, y les preguntaban cómo se imaginaban el mundo en 50 años. Y todos decían que el mundo era un lugar horrible y no se imaginaban que pudiera ir a peor. Quizá es algo común entre todas las generaciones no imaginar lo dura que puede ser la vida. Quizá ahora con internet todo el mundo tiene más información, pero en redes como Instagram la gente finge tener una vida mucho mejor de la que realmente tiene. Se nos vende la perfección, pero todos sabemos que económica y socialmente hay muchas cosas que están mal. A pesar de todo, si te paras a pensarlo, creo que ésta es la época en la que más paz ha habido. Igual deberíamos rebajar nuestras expectativas”. ¿Qué relación tienes con las redes sociales? Obviamente para la banda es una herramienta muy buena de promoción, pero ¿a nivel personal?

BOSTON MANOR ¿No crees que potencian en exceso la vanidad?

“Desde luego. Si te digo la verdad, esta mañana he estado a punto de borrarme de todas mis redes sociales. Estoy harto. Es demasiada información. Estando en un grupo en el que pasas tanto tiempo viajando y tienes horas muertas, casi es como una adicción. Si no estuviera en el grupo, no sé si estaría en las redes sociales. No creo que, en general, la mayoría de gente tenga cosas tan importantes que compartir. No digo que yo las tenga, tengo mi propia visión política pero no la retransmito. No creo que tenga el nivel para hacerlo. Cada uno es libre de hacerlo, pero no creo que sea bueno volcar cada pensamiento que tienes en las redes. ¿A quién le importa? Pero por otro lado, está claro que también puede tener efectos positivos como todo el movimiento #MeToo. No ceo que las redes sean algo diabólico, pero, en cierta manera, nos oprimen. Es un nuevo mundo en el que tenemos que aprender a movernos. De hecho, mi hermana, que está en la universidad, tiene una app que le bloquea todas las redes durante las horas que tiene que estudiar. Y en relación al tiempo que las tienes bloqueadas, te va dando puntos que luego puedes canjear por un café gratis en un Starbucks o cosas así. Creo que en gene82

heroína y son gente infeliz, que no han tenido oportunidades en su vida. Es como una muleta para gente que no tiene nada. La represión contra las drogas ha fracasado, lo que hay que hacer es preocuparse a nivel local y crear comunidades más justas para todos. Yo tengo la suerte de no haber caído en nada de eso, pero he visto a mucha gente que sí”. ral la gente debería pasar menos tiempo en las redes. Perdona por el rollo que te he pegado (risas)”. No, tranquilo. Otro de los temas que tratas en el disco es la adicción. Ahora mismo en Barcelona se vuelven a ver muchos yonquis.

“¿Ah sí? No lo sabía. Vaya, lo siento”. Siempre que hay una situación social complicada, este problema sale a la superficie y mucha gente se escandaliza. Pero al final, el problema no es la sustancia en sí, sino lo que provoca que la gente recurra a ellas, ¿no crees?

“Claro. Hay mucha gente que consume drogas y son capaces de funcionar de manera normal dentro de la sociedad, y eso no molesta. En el Reino Unido ahora hay un problema muy grave con lo que se llama spice, que es una marihuana artificial, y en Estados Unidos lo tiene con las opicieos con receta. Blackpool es una de las partes más pobres del país y la heroína también es un problema. Creo que la gente más vulnerable es la que tiene más riesgo de caer en ellas. Creo que es responsabilidad de la sociedad prestar atención a esa gente y no culpabilizarlos, sino ayudarlos. Conozco a gente adicta a la

De todos modos, estando en un grupo, es fácil tener acceso a drogas y sobre todo alcohol. ¿Alguna vez has sentido que estabas en riesgo?

“Si te paras a pensarlo, estar en un grupo es el único trabajo en el que llegas y te dicen ‘aquí tienes tu cerveza’ (Risas). Cada día, tienes latas de cerveza y una botella de ginebra o lo que sea en tu cátering, y encima tienes muchas horas libres entre la prueba de sonido y el concierto, así que te lo acabas bebiendo. Si estás en una ciudad bonita como Barcelona, sales a pasear, pero si estás en una ciudad fea de Inglaterra y está lloviendo, al final te quedas en el camerino y bebes. Si estás diez u once meses al año girando, ésas son muchas cervezas. Cuando vuelves a casa, te das cuenta de que beberte diez cervezas en un día no es normal. Pero he empezado a ver organizaciones de apoyo a los músicos, lo cual es genial. La gente no se da cuenta de lo rara que es esta vida y a veces te sientes solo o vulnerable, así que creo que todos somos susceptibles de tener un problema de adicción. Es importante ser consciente de ello”.

THE WIZARDS

ACERO BILBAÍNO

SI FULL MOON IN SCORPIO TE VOLÓ LA CABEZA, OJO, PORQUE AÚN NO HAS ESCUCHADO NADA. EN RISE OF THE SERPENT, THE WIZARDS PROSIGUEN SU GUERRA MÁGICA ARMADOS CON EL MÁS SOBRESALIENTE HEAVY METAL, REIVINDICANDO Y DE QUÉ MANERA AQUELLO QUE YA ERA UN SECRETO A VOCES: QUE EN SU ESTILO, SON LA MEJOR BANDA QUE HEMOS TENIDO EN MUCHOS AÑOS. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: RAQUEL GARCIA/KOLDO ORUE

IO, RAINBOW, LOS PRIMERÍSIMOS E INSUPERABLES MANOWAR,

también el magistral clasicismo de Manilla Road, sin duda Iron Maiden en ‘VOID (Vision Of Inner Death)’… Con la salida de Rise Of The Serpent (High Roller), The Wizards confirman lo que muchos sospechábamos desde hace tiempo: que el verdadero heavy metal les tira más que cualquier cosa, o, al menos, que es lo que mejor se les da. Éramos varios los que veíamos a la legua que su próximo álbum se iba a encaminar hacia la más sagrada de las religiones, pero desde luego, ¡nadie podía imaginar algo tan tocho! Y es que todo eso y más puedes escuchar en su nuevo y excelente trabajo. Estamos ante algo mayúsculo de verdad. Podrían ser los compañeros de gira perfectos para Visigoth, pero os lo juro, a poco que los vascos se muevan por el extranjero, ya veríamos quiénes actuarían como teloneros de quién, ya… Rise Of The Serpent me ha encantado y no puedo disimular mi excitación ante tan majestuosa creación. El quinteto bilbaíno no reniega de todas sus otras pulsiones musicales, ya sea blues, rock o punk, pero si es verdad que, como nos comenta su guitarrista Phil The Pain, compusieron esta pasada de disco en tan sólo dos meses, estaríamos hablando de unos auténticos prodigios que muy locos tendrían que estar por apostar por otras sonoridades en obras venideras. Pero son The Wizards, y como leeremos a continuación, poco se dejan influenciar por opiniones alejadas de su círculo de confianza o aquello que se cueza alrededor

suyo. Igual ésa es la verdadera explicación de que sean tan grandes dentro y fuera de los escenarios.

porque a mí Rise Of The Serpent me ha gustado incluso más. ¿Cómo os las habéis ingeniado? ¿No paráis de componer?

Escuchando Rise Of The Serpent, he notado algo que ya intuía viéndoos últimamente en directo… Vuestra apuesta definitiva por el heavy metal más ortodoxo. Sin embargo, en vuestra nota de prensa he leído que continuáis haciendo una defensa acérrima de vuestra veta más próxima al hard rock de los 70, incluso del blues o el punk. ¿Cómo lo explicas? PHIL THE PAIN “Es cierto que este

nuevo álbum recoge nuestra vena más netamente metálica, pero eso no entra para nada en contradicción con lo que comentas. Aunque pueda despistar, el hecho de que reivindiquemos el punk, el blues o el rock setentero obedece a algo muy sencillo, y es que nuestra visión de la música es muy amplia, y disfrutamos tanto de Black Flag como de Judas Priest, Deep Purple o Howlin Wolf. Otra cosa es que en este momento concreto tiremos hacia el estilo que rezuma nuestro nuevo álbum. Pero desde el principio hemos tenido claro que no nos cerramos a girar nuestro enfoque en cada momento según nos apetezca o nos salga de dentro. No somos exclusivamente heavies, o punks, o cualquier otra etiqueta. Somos cinco tipos con un amplio espectro de gustos y nos sentimos libres para orientar nuestra música en cualquier dirección que nos emocione y que entre dentro de nuestras capacidades”.

“Cuando salió nuestro anterior disco Full Moon In Scorpio había pasado un año desde su grabación. Si a eso sumas la excelente aceptación que obtuvimos con ese álbum, nos encontramos con las pilas más que cargadas para afrontar un nuevo disco. Estamos en un gran momento creativo y creemos que aprovecharlo es lo más sensato. Los temas para Rise Of The Serpent se escribieron en dos meses y se grabaron en once días, compaginándolo con una considerable actividad en directo, así que otro factor ha sido un buen apretón de trabajo y disciplina”. ¡Vaya! ‘Apocalyptic Weapons’ es un inicio fantástico, un temarral de lo más épico, pero es que ‘Destiny’ o ‘Circle Of Time’ tampoco se quedan cortas… ¡‘Distorted Mirrors’, por favor! Inspiración a tope, ¿eh?

“Gracias por tus palabras. Como te comentaba, nos encontramos en un buen momento a nivel creativo, pero el trabajo duro ha sido fundamental para llevar a buen puerto este nuevo capítulo. Realmente es una fórmula bastante sencilla si lo piensas: buenas ideas, horas de ensayo y creer en lo que haces. Eso, y mirar hacia delante, ni a los lados ni hacia atrás, siempre adelante”. Es imposible que alguien que lleve el metal dentro no se emocione con ‘Strings Synchronise’…

Un año y poco después de Full

El estribillo de ‘Aftermath’ es

Moon In Scorpio ya tenemos

inmejorable, pero lo cierto es

este tercer álbum… Y no pode-

que me cuesta decidirme por

mos hablar de apresuramiento,

cuál es mi canción favorita del 85

nuevo trabajo. Para ti, ¿cuál tiene un valor especial, por la razón que sea?

“Lo cierto es que todas me parecen muy buenas canciones, pero voy a mojarme. En primer lugar quizá sienta debilidad por ‘Distorted Mirrors’, ya que la escribí en un momento ciertamente difícil y me sirvió para expulsar un par de demonios interiores, por decirlo de alguna manera. ‘VOID (Vision Of Inner Death)’ es otra de mis favoritas. Es una composición de George Dee, nuestro guitarra solista, y me parece de lo mejor que hemos hecho hasta ahora”. ‘Age Of Man’ es la más directa y

han corrido siempre a cargo de George Dee. Mi trabajo como guitarrista es formar un muro de acero y sudor junto al bajista Baraka Boy y el batería Dave O. Spare para que las guitarras de George Dee y la voz de Sir Ian Mason se expresen con total comodidad. Me consta que George Dee se ha currado los solos de este disco como un jodido animal. Su tono es salvaje, pero con una sensibilidad al mismo tiempo que considero al alcance de muy pocos. Reúne técnica, pasión y ese poso de blues que echo en falta en la mayor parte del heavy metal actual. También es cierto que ronca demasiado y es un pésimo cocinero… todo no se puede tener (risas)”.

aparentemente sencilla en cuanto a composición, pero está cla-

Una arma que soléis usar en

ro que da de lleno en la diana.

momentos muy puntuales, y

Su coro descoloca por abierto y

que queda de vicio, son los te-

optimista, igual incluso desagra-

clados y sintes . ¿De dónde sur-

de a alguno, pero no se puede

gen, y quién es el encargado

negar que sois un combo que

de realizarlos?

publica lo que le viene en gana.

“Los arreglos puntuales de teclado o sintetizador los hemos usado hasta ahora exclusivamente en estudio. Son pequeñas pinceladas que en disco ayudan a realzar un momento concreto. En directo prescindimos de ellos, nos valemos los cinco para defender las canciones con dos guitarras, bajo y batería. Dean Rispler, nuestro productor y amigo, se ha encargado de ellos tanto en el nuevo álbum como en el anterior. Pero quién sabe, quizá en un futuro demos mayor peso a esos instrumentos en nuestros próximos discos y nos veamos motivados para incluirlos en nuestra puesta en escena. Nunca se sabe, y menos con nosotros”.

“‘Age Of Man’, pese a sus formas melódicas alegres e incluso luminosas, es más oscura de lo que puede parecer en principio, sobre todo en cuanto a la letra. Pero sí, musicalmente puede ser la más alejada del conjunto del disco, por eso precisamente la elegimos como adelanto, para despistar al personal y crear polémica. ¡Hay que alimentar a los haters! Sí, como ves, hacemos básicamente lo que nos da la gana (risas)”. Los solos son espectaculares, prodigiosos. ¿Hay un trabajo enorme detrás o simplemente contratasteis a Ross The Boss en secreto?

Cuando veo a Sir Ian Mason so-

“En esta banda los solos de guitarra

bre las tablas, pienso que tener

la voz es súper importante, pero también lo es contar con un verdadero frontman como él. A menudo estoy viendo a una banda nacional y, primero, observo que no se lo creen, por lo que no logran transmitirte su mensaje, y después, que el vocalista no debe pisar muchas salas, porque no tiene la presencia mínima necesaria ni se ha preocupado por aprender cómo se comportan los realmente curtidos sobre un escenario. Nula expresión corporal, vaya. Igual te pongo en un aprieto, ¿pero compartes esta visión?

“Por supuesto que un buen frontman o frontwoman debe aportar actitud y presencia escénica sobre el escenario, no vale sólo con una buena voz. Hay que saber transmitir y conectar con el público, y dar un buen espectáculo para que la gente se acuerde de ti. En nuestro caso contamos con Sir Ian Mason, que trae todo eso y mucho más de serie. No se acerquen demasiado a él cuando está cantando, da calambre”. Me atrae mucho ese interés que tenéis por las ciencias ocultas, en las religiones o creencias alternativas alejadas de los grandes negocios monoteístas. ¿Cómo se traduce eso en vuestras canciones? ¿Tiene una incidencia directa en las letras?

“Nuestros intereses a nivel temático o conceptual no se circunscriben solamente al ocultismo o la espiritualidad. Es cierto que hemos hecho hincapié en ellos especialmente, que no exclusivamente, hasta ahora. De hecho, este nuevo álbum está escrito desde una

“ESTA VEZ HEMOS CAMBIADO EL CADUCEO Y LOS ALTARES POR ARMAS APOCALÍPTICAS, CON EL MISMO OBJETIVO QUE HASTA AHORA: GANAR CADA BATALLA DE ESTA GUERRA MÁGICA NUESTRA UTILIZANDO PARA ELLO EL ROCK’N’ROLL EN CUALQUIERA DE SUS FORMAS AL MÁXIMO VOLUMEN”

PHIL THE PAIN

perspectiva más personal que en los dos anteriores trabajos, donde el enfoque ocultista estaba más presente. En Rise Of The Serpent hablamos más de nosotros como individuos y como banda que en dichos trabajos, y apenas quedan rastros de esas temáticas ocultistas, al menos de manera explícita, claro. Seguimos siendo magos, de eso no cabe duda, pero esta vez hemos cambiado el caduceo y los altares por armas apocalípticas, con el mismo objetivo que hasta ahora: ganar cada batalla de esta guerra mágica nuestra utilizando para ello el rock’n’roll en cualquiera de sus formas al máximo volumen. Tal es nuestro destino”. Full Moon In Scorpio fue nuestro Disco Nacional del Año, y aunque por supuesto no le saco hierro al asunto, más importante creo que fue que una revista tan influyente en vuestro rollo

como la germana Deaf Forever lo eligiera Disco del Mes, dándole un 9/10 encima, y luego situándolo también entre lo mejor de 2017. ¿Os sorprendió

satisfactorio. Percibimos cada vez más cariño y apoyo de gente que se siente identificada o movida con nuestra música, y nuestra gratitud es infinita hacia esas personas, de verdad”.

recibir espaldarazos tan importantes tan pronto?

High Roller me parece el sello

“Lo cierto es que sí, sabíamos que teníamos un muy buen disco entre manos, pero hoy en día es difícil despuntar, y nos pilló un poco por sorpresa. Ver cómo medios importantes no sólo estatales, sino europeos o americanos, se hacían eco de aquellos ocho temas fue la confirmación de que el trabajo y la fe en nuestra música empezaban a dar frutos. Ha pasado año y medio y poco a poco vamos consiguiendo extender nuestros tentáculos por cada vez más sitios. Pero lo más importante es ver que, a nivel de directo, cada vez viene más gente a vernos y escucharnos, a pasar un buen rato con nosotros, y eso sí que es muy agradable y

perfecto para una banda como la vuestra. Supongo que la buena acogida que The Wizards han tenido en Alemania tuvo algo que ver… ¿Cómo se dio realmente?

“Lo cierto es que Full Moon gozó de especial aceptación en Alemania desde el principio. Nosotros no parábamos de enviar paquetes para allá, y Fighter Records, el sello de Madrid que tuvo a bien de editarlo, recibía muchos pedidos de allí también. De ahí al eco en Deaf Forever fue un salto, y en marzo de este año estuvimos allí por primera vez, en el festival Hell Over Hammaburg de Hamburgo. Allí 87

THE WIZARDS

fácil. It’s a long way to the top if you wanna rock ‘n’ roll!”. Habéis ya presentado una serie de fechas por el país, pero estoy seguro que preparáis algo bastante más gordo fuera… ¿Estoy en lo cierto? ¿Ha llegado el momento de dar el salto en serio?

nos dimos cuenta de que realmente había una base importante de gente interesada en nosotros y el concierto fue poco menos que apoteósico, con 1.200 personas petando la sala a primera hora de la tarde para vernos. Incluso había mucha gente que se sabía las letras, y vendimos una barbaridad de discos y camisetas. Fue toda una experiencia, no nos lo podíamos creer. Así que la firma con un sello alemán para el siguiente álbum fue el siguiente paso natural. High Roller Records se mostró interesado incluso antes de nuestro bolo en Hamburgo, y aquí estamos, dispuestos a todo”. La portada ha corrido a cargo de Rafa Garrés, conocido por su trabajo para DC Comics y Marvel, nada menos… Se nota que le dais una importancia especial a todos vuestros diseños, y la verdad es que yo también lo considero básico para que un grupo impacte y logre su pleno objetivo. Una gran portada es tan importante como un gran álbum. Debe cerrar el círculo, rematar la faena.

“Somos fans del rock, ante todo somos melómanos y siempre nos ha gustado una buena portada. El arte es todo, no sólo la música, así que siempre hemos 88

tratado de cuidar ese aspecto. Con Rafa contactamos porque nos gustaban sus trabajos y creímos que encajaría como un guante con este disco. Y así ha sido, estamos más que contentos con la portada. ¡Costó parirla, pero estamos muy orgullosos!”. Hitten, Iron Curtain, Witchfyre, Lizzies, vosotros mismos… Estamos viviendo una genial hornada de verdadero metal en el Estado, ¿no?

“A nivel estatal hay cientos de bandas de rock trabajando día a día sin recibir nada a cambio. Hay calidad para exportar, literalmente. Desde diversas instancias, medios e instituciones que dictan y moldean los gustos, las modas, los contenidos y los apoyos, van camino de convertir esto en un estercolero cultural. Se premia lo vulgar y mediocre y se cercena lo que es malentendido como no apto para el consumo de masas. Se entiende o se quiere hacer entender el rock como el ir oyendo la radio generalista en el coche, algo inofensivo y dócil, algo gracioso y hasta paródico. Así es muy difícil que los medios te tomen en serio, conseguir profesionalizarse o labrarse una carrera medianamente estable. Pero en vez de quejarnos, hagamos algo al respecto. Nadie dijo que fuera

“Sí, de momento presentaremos el disco a finales de octubre y principios de noviembre en Bilbao, Barcelona y Madrid con nuestros amigos de Santo Rostro, así como en Alemania dentro del festival Hand Of Doom junto a nuestros amados Coven, y esperamos salir fuera lo antes posible de manera regular, sin descuidar el circuito estatal. El año pasado ya nos pateamos la Península de arriba abajo. Paso a paso iremos abriendo nuevas puertas, y si hace falta, las tiraremos abajo”. Por último, una curiosidad que me ha chocado mucho… ¡No tenéis página en The Metal Archives, la mítica Encyclopaedia Metallum! No me puedo creer que aún no se le haya ocurrido a nadie incluiros… Hay que remediar eso, ¡es como no existir! ¡Justicia para The Wizards!

“Ésta tiene gracia. Alguien nos comentó esto mismo hace unos meses, pero ninguno de nosotros teníamos conocimiento de la existencia de dicha página, somos así de despistados. ¡Si te animas a crear nuestro perfil, te invitamos a una birra la próxima vez que nos veamos!”.

PANELLET

PUNK DULCE A BASE DE CANCIONES CORTAS Y PEGADIZAS, PANELLET SON UNO DE LOS VALORES EN ALZA DE LA EFERVESCENTE ESCENA PUNK CATALANA. CON LA AYUDA DE ERIC FUENTES, CADA VEZ MÁS ACTIVO COMO PRODUCTOR, EL TRÍO HA DADO UN SALTO CUALITATIVO EN SU SEGUNDO ÁLBUM, SPUTNIK. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ARA QUIENES NO LO SEPAN, LOS PANELLETS SON UN DULCE TRADICIONAL DE CATALUNYA Y BALEARES que se preparan

para la festividad de Todos los Santos. Estas bolitas hechas con una masa de almendras, azúcar y huevo son extremadamente dulces y calóricas. Más o menos como la música del trío formado por Pau del Toro (voz, guitarra), Ramon Reina (bajo) y Xavi Garcia (batería). La aparición de su segundo álbum Sput-

mejorada de vuestro debut

PAU “La música de Holybuttons tam-

Aloha de hace un par de años.

poco podía gustar a mucha gente por el estilo”. XAVI “El techo era mucho más bajo”.

¿Lo veis así? PAU DEL TORO “Sí, es una evolu-

ción del primero. Aquél lo hicimos básicamente nosotros, sin la ayuda externa de nadie. En éste, hemos contado con Eric Fuentes como productor y ha sido clave. Las guitarras tienen más sonoridades, yo he cantado dos tonos por encima de lo que hago normalmente por su culpa, y todo eso se nota”. XAVI GARCIA “El primero era más monótono, en cierto modo. Éste tiene más subidas y bajadas. El debut empezaba ‘tupa-tupa-tupa’ y acaba de la misma manera. En éste hay diferentes intensidades. De grabarlo en un local de un colega, sin pecera ni nada, a hacerlo en Ultramarinos, se nota mucho”. De todos modos, con el primero tuvisteis bastante repercusión, a pesar de todo. PAU “Sí, no estuvo mal. No sabía-

mos qué respuesta tendríamos del público, estábamos cagados porque era un proyecto nuevo y nosotros veníamos del hardcore, pero fue bien”.

nik (HFMN/Barretina) propicia que Pau y Xavi visiten nuestra redacción para presentarlo. Lo hacen vistiendo barretina y chaleco tejano customizado del grupo, la misma imagen que lucen en sus vídeos y conciertos. A pesar del calor que hace, los dos aguantan estoicamente con la indumentaria durante toda la entrevista. Una muestra de que, a pesar de que su música tiene un tono humorístico, se toman muy en serio el grupo. Sputnik suena como una versión

¿Creéis que para superar ese techo hay que tener en cuenta otras cosas que no sean la música en sí? PAU “Yo creo que para llegar a

un público mayor tienes que hacer mucho trabajo aparte de la música. Tienes que pensar en la música, las letras, en cómo llegar a la gente, en la estética… Nosotros no hemos pensado en esta imagen para llegar a más gente, sino para llamar la atención”. XAVI “Es un primer impacto para que la gente nos recuerde. Que no seas un grupo más, sino que puedan identificarte. Lo que decía antes del aprendizaje, te das cuenta de que hay muchas cosas a tener en cuenta. Te diría que el 90% del trabajo en Panellet ocurre fuera del local. Ahora tenemos mucha ayuda, pero el trabajo extramusical ha aumentado de forma exponencial”. Siempre me ha llamado la atención que el punk melódico, a pesar de ser un estilo tan pega-

Efectivamente veníais de Holy-

dizo, nunca acaba de salir de

buttons. Con Panellet, aparte de

un circuito pequeño. Fuera de

hacer una música más accesible,

Green Day y cosas así, claro.

parece que todo está mucho

XAVI “Yo creo que tiene que ver con

más cuidado a todos los niveles.

los medios. La gente del underground sí que tiene ganas de descubrir cosas nuevas, pero claro, en la radio no suena nada de esto. Hubo una época en la que podía sonar Blink, Sum 41, pero ahora ya no. Hay muchos grupos que hacen música fácil de escuchar, pero nadie los pone”. PAU “La música mainstream va por

Como si tuvieseis más claro hasta dónde queréis llegar. XAVI “Todo lo mucho que aprendi-

mos con Holybuttons y otros grupos lo estamos aplicando ahora para hacer algo más profesional. Con Holybuttons también lo teníamos claro, pero con cada disco vas aprendiendo”.

“NO SOMOS UN GRUPO POLÍTICO, PERO NUNCA ESTAREMOS DEL LADO DE LA REPRESIÓN”

PAU DEL TORO

otro lado. Quizá el cantar en catalán a nosotros nos facilitará entrar en medios más generalistas en Catalunya, pero el punk rock siempre ha sido algo minoritario en general”. ¿Fue una decisión comercial cantar en catalán?

cantaban en inglés no tenían suficientes recursos o buena pronunciación para hacerlo. La idea que se tiene del rock català es Lax’n’Busto o Els Pets, pero ahora ya se ha roto esa barrera. The Anti-Patiks o Crim, que estaban antes que nosotros, han hecho que parezca más natural”.

PAU “No, se dio de una forma natu-

ral. Veníamos de cantar en inglés y teníamos la curiosidad de hacerlo en catalán”. XAVI “Cuando hicimos la gira con Teenage Bottlerocket nos dijeron que les parecía muy guay que cantáramos en nuestra lengua porque se encontraban que muchos grupos que

Realmente hasta que no hay un grupo que rompe esa barrera y lo hace bien, no se acaba de normalizar. Ahora hay una hornada de grupos que han logrado que no te chirríe escuchar punk o hardcore en catalán. PAU “Claro. También es que con las

letras queríamos hablar de cosas muy cercanas que nos han influenciado, cosas frikis que quizá sólo conozca la gente que haya vivido aquí”. Sí, todas las referencias son muy locales. PAU “Sí, de TV3 muchas. Tenemos

muchas influencias musicales, pero la tele también nos ha influenciado mucho. Antes no estaba tan mal visto dejar al niño enchufado delante de la tele. Con los años quizá se ha visto que no era tan bueno (risas). Pero nosotros estamos encantados de haber crecido con ella. Y es muy gratificante ver cómo la gente se

Juego De La Oca, o Oliver Y Benji (risas). Supongo que si se meten con TV3 es porque aquí la mira mucha gente”. ¿Os da miedo que os politicen por el hecho de salir a tocar con barretinas? XAVI “Hay mucha gente que le

sabe las letras”. Ahora que se habla tanto del adoctrinamiento a través de TV3, ¿vosotros qué pensáis como consumidores? PAU “Nunca he querido hablar de

esto, pero yo creo que no”. XAVI “Se está buscando un culpable. Estaba TV3 y Canal 33, pero también ocho canales más en castellano. Precisamente en nuestro caso, venimos de familias castellanohablantes, así que mirábamos TV3 y todas las demás”. PAU “Podría haber hecho canciones sobre Farmacia De Guardia o El

intenta dar un significado más allá de nuestra intención. Nosotros lo hacemos para llamar la atención y porque, en broma, contamos que aquí la barretina es como el sombrero de cowboy en Estados Unidos. Nosotros no queremos darle un sentido político. De hecho, discutimos con Eric Fuentes porque él no veía nada claro lo de la barretina. Pero no queremos posicionarnos como banda”. PAU “Aunque a nivel individual cada uno tiene sus ideas, claro”. XAVI “Hay unos mínimos en los que sí nos posicionamos. El 1 de octubre del año pasado, viendo todo lo que ocurrió, nos posicionamos. No queremos hacer un discurso político, pero hemos tocado en un acto a favor de los presos. En eso estamos de acuerdo”. PAU “No somos un grupo político, pero nunca estaremos del lado de la represión. Y la verdad es que cuando hemos tocado fuera, en Madrid o donde sea, se nos ha recibido muy bien”.

to y un día quedamos con él para tomar un par de birras y ver cómo enfocaría el proyecto. De hecho, le habíamos pasado unos temas y ni se los había escuchado (risas). Vio unos vídeos por encima y ya está. Nos dijo que en tres meses teníamos que estar grabado el disco y nosotros no teníamos nada, pero al final lo hicimos. Empezamos a hacer temas y en cuatro meses ya teníamos el disco grabado. Respecto al primero, que tardamos dos años, fue una gran diferencia”. PAU “A quien ha metido más caña ha sido a mí, con las guitarras y voces. Me hizo cantar dos tonos por arriba porque la voz brilla más, se entiende mejor… Me costó bastante, pero ahora ya me he acostumbrado”. Quizá por estar la voz más aguda, el disco me ha recordado mucho a Masked Intruder. ¿Los conocíais? PAU “Nos lo han dicho mucho des-

de el principio. La verdad es que sí los conocía, pero yo no le veo tanto parecido. A ver, es del mismo estilo, pero creo que se ha sobredimensionado porque, en una de nuestras primeras fotos, nos bajamos la barretina como un pasamontañas y ahí empezó todo. Creo que nos parecemos más a otros grupos. A Hatebreed (risas)”. Es que los panellets pueden sa-

¿Cómo conocisteis a Eric y en

lir muy duros...

qué os metió más caña?

PAU “Sí, a veces salen duros como

XAVI “Teníamos curiosidad por

una roca (risas)”.

saber cómo sería trabajar con un productor. Alguien con experiencia y que no conociéramos. Teníamos la referencia de Eric por Cala Ven-

EL CONCIERTO DEL MES BY:

AMFEST 12, 13 Y 14 DE OCTUBRE DE 2018 FÀBRICA DE CREACIÓ FABRA I COATS, BARCELONA TEXTO: ALBA RODRIGO, JORDI PONS, JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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THE NOTWIST

CALIGULA’S HORSE

65DAYSOFSTATIC

a organización del AMFest apostó más fuerte que nunca en su séptima edición, ampliando su oferta y cambiando su ubicación de la sala Apolo al espacio de Fabra i Coats, con casi el doble de aforo. Y su valentía tuvo premio, ya que la asistencia se multiplicó, incluso logrando un sold out en su segunda jornada. También la apertura estilística que empezó hace unos años, sin abandonar su apego inicial por la música instrumental, ha conseguido una mayor variedad en el público, que lucía desde camisetas de bandas de metal extremo a de indie. Como es habitual en el AMFest, se respiraba un gran ambiente, un reflejo del amor que le ponen sus responsables y que por cosas como no solapar las actuaciones de los tres escenarios o permitir la entrada gratuita a los menores de 23 años, consigue una complicidad con los asistentes. La única pega fue la falta de ventilación del primer día haciendo que el calor fuera muy molesto, pero que supieron subsanar en los dos siguientes. Vista la buena respuesta, y teniendo en cuenta la alianza con

la promotora Madness Live!, el AMFest se antoja como el mejor antídoto para quienes se sientan tristes ante la desaparición del Be Prog! My Friend. VIERNES 12 Los barceloneses Blood Quartet liderados por Mark Cunningham, una de las figuras más activas de la escena experimental de la ciudad, inauguraron el escenario principal con su jazz psicodélico que, la verdad, resultó un poco indigesto a primera hora de la tarde. Desde Zarautz, Sofa desplegaron un potente y enrevesado math rock con mucha solvencia. Los noruegos Soup tiñieron de un aroma progresivo setentero la nave industrial de Fabra i Coats. Solventes, pero un pelín aburridos. Mientras intentábamos calmar el hype de ver a Amenra, aprovechamos para descubrir a Thermic Boogie. El dúo barcelonés nos sorprendió gratamente con un directo muy potente. Una versión de Mantar más lenta y sin escupitajos de por medio, que repartió una buena proporción entre

stoner y noise. Ponerle palabras a una actuación de Amenra es una ardua tarea. Su arte va más allá de la música o de sus letras. Se trata de una experiencia sensorial que en directo se multiplica por infinito. Esta vez la hora y cuarto de contrastes pasó en un suspiro, atrapándonos de manera catártica entre el primer eco hasta el estallido final. La espalda de Colin H. van Eeckhout presidió la escena mientras diversas proyecciones de naturaleza en blanco y negro penetraban en nuestra retina. Una interpretación punzante, agónica y excitante por parte de la banda al completo, en lo que fue una de las mejores actuaciones que hemos visto este año. Afortunadamente los asistentes se mostraron algo más respetuosos que en el Okkult Session de Madrid, aunque de nuevo tuvimos que acallar a más de uno. En el pequeño escenario 3, la holandesa Eevve demostró tener muy buenas ideas a base de una electrónica exótica que fue subiendo en intensidad a lo largo de su set. También in95

EMMA RUTH RUNDLE

evitable que los pies se nos fuesen solos con los ritmos bailongos de Mutiny On The Bounty, desatando un enloquecimiento colectivo. Esta gente lo dio todo con su math rock futurista: se lanzaron al público, presentaron temas del que será su próximo álbum y nos mantuvieron a la expectativa de cada uno de sus movimientos. La mayor decepción de la jornada vino de la mano de los británicos 65daysofstatic, quienes venían a presentar su nuevo espectáculo Decomposition Theory Show. Y no porque hubieran decidido dejar las guitarras en casa para centrarse en la electrónica, sino porque no conseguían engacharte en ningún momento. Incluso los visuales fueron bastante pobres. Por suerte, el cierre del primer día fue a cargo del dúo de marcianos expertos en psicodelia tropical Playback Maracas, quienes repitieron por segundo año consecutivo. Vocoder, sintetizadores y ritmos cargados de bombo y son acompañaron a los asistentes más fiesteros hasta la salida. 96

MONO

SÁBADO 13 El segundo día lo iniciamos con Owen, o lo que es lo mismo, el proyecto en solitario de Mike Kinsella de American Football. Todavía más íntimas que las de su banda, sus canciones fueron una delicia para los oídos gracias a su preciosa voz y los arpegios de su acústica. Los riffs más progresivos del festival los pusieron Caligula’s Horse. Los australianos tocaron mejor y explotaron mucho más su puesta en escena que cuando los vimos en el Be Prog! My Friend de 2017. Pese a volver con un setlist un tanto monótono, esta vez sí pudimos escuchar en directo algunos temas de su último disco In Contact. Comunicativos y agradables de principio a fin, consiguieron meterse al público en el bolsillo. En el escenario 3, primero iou3R y luego Jaime L. Pantaleón (12Twelve, Rebuig) sirvieron los entremeses a base de noise y electrónica para los oídos más inquietos. Aunque nada comparado con la marea atolondra-

da que provocaron A Storm Of Light con su directo. La energía apabullante que Josh Graham y los suyos descargaron sobre el escenario fue en aumento conforme los presentes iban contagiándose de ella. Con su Anthroscene recién salido del horno, los neoyorquinos demostraron que su calidad mejora todavía más en directo. Recordando en muchas ocasiones a los mismísimos Weedeater, no dudaron en golpearnos con una buena dosis de riffs pesados y tralla por doquier, sin apenas dejarnos coger aire entre tema y tema. Los japoneses Mono no decepcionaron con un sobrecogedor set que se inició con ‘After You Comes The Flood’, el primer adelanto que habían lanzado de su nuevo disco previsto para enero y del cual estrenarían otras piezas que, a pesar de no haber escuchado antes, nos atraparon igualmente. La épica sonora llena de belleza y contundencia en los crescendos fue toda una lección de post rock. Desde el primer tema My Sleeping

TOUNDRA

Karma consiguieron abstraernos a

través de su musicalidad repetitiva y las proyecciones psicodélicas de inspiración hindú que les acompañaban. Aunque ciertamente su propuesta seduce con mayor fuerza en petit comité, lograron construir una atmósfera mística con temas como ‘Brahama’ o ‘Ephedra’. Pero como era previsible, los grandes triunfadores fueron Toundra. No hay nada como ver a un grupo disfrutar encima de un escenario y está claro que los madrileños se lo pasaron en grande. ‘Cobra’ fue la primera de las cinco piezas que cayeron de su último disco Vortex, en el que han recuperado su faceta más rock. Eso se trasladó a un repertorio muy enérgico que tuvo en ‘Cielo Negro’ su cúspide. El día que hagan un concierto malo será noticia. Finalmente, la oda a lo absurdo, ésa que o te enamora o te horroriza, vino firmada por Za!. Precisamente el dúo grabó su nuevo disco Pachinko Plex en la Fabra i Coats, por lo que se

mostraron como en casa entre chistes faranduleros y polirritmos. DOMINGO 14 Desgraciadamente no llegamos para ver el espectáculo íntimo de la pianista Lisa Morgenstern, de quien, nos dijeron, fue una de las grandes revelaciones y para la que dispusieron sillas entre el público. El cambio de tercio vino de la mano de los veteranos Giardiani Di Mirò, quienes consiguieron que los supervivientes dominicales se balancearan a su ritmo de trompeta y saxo. Pese a su altísimo sonido, los italianos fueron una propuesta amena y atractiva entre aquéllos que no los conocíamos. Uno de los platos fuertes de toda esta edición era Emma Ruth Rundle. Intensa, oscura y sobresaliente. La estadounidense nos sorprendió trayendo consigo a la banda al completo, quienes nos hicieron disfrutar de la musicalidad de On Dark Horses, su brillante último trabajo, junto a sus canciones más destacadas. Y aunque en

los primeros 20 minutos los instrumentos sonaron muy por encima de la voz, en cuanto todo se equilibró nos quedamos boquiabiertos con la magnitud de la personalidad vocal a la que nos tiene acostumbrados en estudio. Cuando dimos por acabada su actuación, Emma nos tenía reservada una última sorpresa al reaparecer sola, guitarra en mano, para interpretar la desgarradora ‘Shadows Of My Name’ en acústico. Y como remate final The Notwist, quienes regresaban a España tras una ausencia de diez años. Quizá por eso contaron con el beneficio de ofrecer 90 minutos de concierto, el más largo del festival. Montados en una base rítmica heredera del krautrock y abrazando tanto la amabilidad del indie como la inquietud electrónica mediante una extensa colección de instrumentos, los alemanes, reforzados por un cuidado juego de luces, hicieron honor a la reverencia que se les profesa. Una actuación que resumió en sí misma todo lo que representa el AMFest. 97

HALESTORM 24 DE OCTUBRE DE 2018 SALA SALAMANDRA, Lâ&#x20AC;&#x2122;HOSPITALET DE LLOBREGAT TEXTO Y FOTOS: NADIA NATARIO

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abían pasado cinco años desde la última visita de Halestorm a nuestras tierras como teloneros de Alter Bridge. Fue refrescante ver a una joven banda de metal liderada por una mujer con el carisma de una Hayley Williams, pero con una voz de acero capaz de partirte por la mitad. Si entonces no contaban con demasiados fans a pesar de haber estado girando por Europa desde que publicaran su debut en 2009, me alegró comprobar que eso ha cambiado. El cuarteto de Pennsylvania consiguió prácticamente agotar las entradas para presentar su aclamado cuarto disco Vicious. Abriendo el concierto estaban los neozolandeses Devilskin, una banda de metal alternativo que también cuenta con una frontwoman, Jennie Skulander, quien sorprendió al público con sus diabólicos gritos. Nos calentaron con canciones como ‘Never See The Light’

y ‘Start A Revolution’, pero sonaron un poco redudantes y su set acabó haciéndose largo. Con la sala ya llena, me di cuenta de la cantidad de mujeres e incluso niñas que había entre el público. Algo que se explica dado que Hale se ha convertido en un icono y una inspiración para muchas dentro de la escena metal. Con absoluta puntualidad, empezaron con la potente ‘Vicious’. Desecha de su larga melena dorada, Lzzy luce ahora el pelo negro con un corte que recuerda a Joan Jett. Verla dominar el escenario como si hubiera nacido en uno, deslizándose con unas botas con tacón de aguja sin perder el equilibrio, causa impresión. Como también cómo toca la guitarra y canta himnos de rock pegadizo como ‘Mz. Hyde’, ‘Love Bites (So Do I)’ y ‘Apocalyptic’ con el poderío y el atractivo de Doro Pesch y Lita Ford. Su hermano Arejay, con outfit hawaiano, nos entretuvo a mitad

del concierto con un impresionante solo de batería usando unas baquetas gigantes y la ayuda de Nic Martin de Devilskin. En general, el show de esa noche fue mucho mejor que el de 2013 y la química entre Lzzy y el guitarrista y pareja Joe Hottinger fue aparente durante su jam session. Juntos crean una mezcla perfecta de crudeza, melodía, riffs matadores y voces feroces en temas como ‘Black Vultures’, ‘Uncomfortable’, ‘Skulls’, ‘It’s Not You’, ‘Killing Ourselves’, ‘White Dress’, ‘Do Not Disturb’, ‘Amen’ y una poderosa ‘Freak Like Me’, tras la cual abandonaron el escenario. En el bis sonó la primera balada del show, ‘Heart Of Novocaine’, que trajo un poco de calma después de la tormenta, pero el ritmo volvió a subir con la esperada ‘I Miss The Misery’. El final llegó con otra balada, ‘Here’s To Us’, que fue una despedida perfecta para una noche perfecta.

OKKULT SESSION

29 DE SEPTIEMBRE DE 2018 SALA MON, MADRID TEXTO Y FOTOS: EDUARD TUSET

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GODFLESH

EPICARDIECTOMY

AMENRA

ajo el nombre de Okkult Session se esconde la primera edición, y esperemos que no última, de un minifestival de bandas de metal diferentes y oscuras. Este año Godflesh encabezaban el cartel aunque, viendo la afluencia de público y sus parches en las chaquetas, Amenra era quizás el combo más esperado del día. El ambiente fuera del recinto era bueno, con mucha gente conocida de la zona y de fuera de Madrid que habían viajado expresamente para ese concierto, y que poco a poco llenaron la sala Mon. Louise Lemón empezó el show muy temprano y, por desgracia, y debido a que viajaba desde Barcelona, no llegué a tiempo de poder disfrutarla. Entramos directamente para poder ver a los portugueses Sinistro con Patricia Andrade como vocalista, que mezcla su teatralidad y dominio vocal con un sonido suave, pero que en este festival me pareció mucho más contundente que las últimas veces que la he visto junto a su banda.

Seguramente su último disco Sangue Cássia, sacado este mismo año, a veces deja la calma y tiene ese punto más duro e industrial que era perfecto para un cartel de esas características. Patricia es una actriz sobre el escenario, va haciendo mil posturas y movimientos que acompañan a las guitarras contundentes de sus temas. Su gesticulación facial va ligada a todas las canciones y logra, junto a una luz tenue, dar ese toque teatral a toda su actuación, la cual aún no sé si gustó mucho a los fans que esa noche se reunían ahí, porque parte de la gente que acudió fue algo maleducada y tuvo poco respeto, pero ya llegaremos a eso más adelante... Turno para Dool, donde destacan la vocalista Ryanne van Dorst y Micha Haring de los tristemente desaparecidos The Devil’s Blood. Era la segunda vez que los veía y aún me dejaron más impresionado que la primera, cuando los vi en Eindhoven. Destilan la esencia del rock oscuro de muchas bandas que nos gustan

de los 80 y los 90, pero aportando cosas propias, y a pesar de sufrir uno de los inicios de concierto más accidentados que pueda recordar, que incluyó calambres con el micro, acoples infernales y, cómo no, rotura de cuerdas en la guitarra de Ryanne durante el segundo tema, la banda cumplió con creces. Ryanne sólo paró con los acoples, pero una vez ya se le rompió la cuerda nos dejó sorprendidos la manera de cambiarla en directo mientras la banda y ella misma estaba tocando y cantando. Los temas fueron los de su único disco Here Now, There Then, incluyendo ‘In Her Darkest Hour’ y ‘Oweynagat’ junto a una gran versión del ‘Love Like Blood’ de Killing Joke, que por lo que vi, muy poca gente reconoció o le gustó, algo que nos muestra el público raro y modernete que había por ahí reunido. Y llegaba la grata sorpresa del día al ver que Amenra, en poco tiempo, se han transformado en una banda grande vaya donde vaya. El público que 101

DOOL

en su gran mayoría se reunió para asistir al Okkult Session fue sólo para ver a este grupo, como por desgracia mostrarían después de su actuación. Los belgas cada vez son más contundentes en su directo y su imaginería ha calado fondo entre los fans de sonidos parecidos a Neurosis, pero ya sabemos que Neurosis o Godflesh no son tan cool para ellos. Por suerte, Amenra poco tienen que ver con ese público. Su actitud en vivo es impecable tanto en los momentos de silencio absoluto cuando sólo salen pocas notas de la guitarra de Mathieu Vandekerckhove, o bien cuando ellas son rasgadas, y a la vez, vociferadas por su cantante Colin H. van Eeckhout, mostrando su torso hacia la gente. Su música tiene ratos de ceremonial y parte de sus seguidores no entienden que el silencio es necesario, y aunque los miembros de Dool lo pidieran desde 102

SINISTRO

el puesto de merchandising, esos fans sólo hacían que hablar y no respetar ese momento mágico. Una verdadera lástima... para eso quédate fuera con unas latas y no molestes. Una actuación desgarradora y contundente que me hizo volver a confiar en ellos y hacerme creer que serán unos de los grandes, si es que no lo son ya. Pero llegó el gran momento: los veteranos Godflesh subían al escenario para ofrecernos un concierto que nos dejaría completamente extasiados. Pero antes de todo, agradecer a esas cien personas o algo más que se largaron, así no molestaron como en Amenra y los fans de los británicos pudimos disfrutar de verdad de ellos. Para muchos su último disco Post Self es mejor que Hymns, pero yo no soy nadie para valorar ésos ya que ambos me gustan bastante.

Justin K. Broadrick Y G. C. Green son una auténtica máquina engrasada y perfeccionada con sus décadas de funcionamiento. Y su concierto fue de lo más gabber e industrial que he visto de ellos desde que se volvieron a juntar con bases duras y guitarreos de ese Broadrick con melena que ya volvimos a descubrir en el bolo de The Bug en Barcelona. Sonaron temas nuevos, pero también todo el arsenal que nos gusta a los fans de Godflesh: ‘Messiah’, ‘Merciless’, ‘Mantra’ y, por supuesto , ‘Like Rats’ y ‘Head Dirt’ de su más aclamado disco Streetcleaner. Todo eso bajo una luz oscura que sólo las proyecciones de atrás hacían que resaltara la figura de Justin cuando se acercaba al micro. Una experiencia única y que espero pronto repitan en algún festival o lugar donde pueda acercarme, ya que sin ellos esto de la música sería muy aburrido.

ATARI TEENAGE RIOT 5 DE OCTUBRE DE 2018 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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ubo un momento durante el concierto de Atari Teenage Riot en el que, entre los fogonazos de luces blancas, las proyecciones de imaginería digital y las consignas a la revolución que se proclaman desde el escenario a ritmo de hardcore electrónico, me sentí como si formase parte de un comando de hackers subversivos que están celebrando haberse colado en la red de un banco suizo. Como si estuviese viviendo dentro de un capítulo de Mr. Robot, vaya. Todo empezó con Alec Empire y Rowdy Superstar activando desde una tarima con dos portátiles una intro instrumental oscura que pronto dio paso a la pegadiza ‘J1M1’ con la que la pequeña y gritona Nic Endo saltó a escena. Quizá porque no tenían ningún material nuevo que presentar –Reset apareció en 2015-, la asistencia al concierto fue bastante reducida comparada con anteriores visitas, y eso hizo que, de entrada, el

ambiente fuera muy frío. Pero Empire no es de los que se rinde fácilmente y a base de arengas con un punto desafiante consiguió que todo el mundo se animase y empezase a bailar. También ayuda que, en la actualidad, su sonido no sea tan extremo como antaño. Los graves no saturan ni te oprimen el pecho, las voces de Empire y Endo se escuchan más nítidamente y, en general, su terrorismo sonoro ha dejado paso a influencias más digeribles de la dark wave. No por ello lo que vimos fue menos satisfactorio, simplemente menos impactante. ‘Reset’, con esa advertencia “Atari Teenage Riot is ready to go!!!”, ‘Death Machine’ con un riff a lo Fear Factory, ‘Modern Liars’, “dedicada a todos los hackers, DJ’s, activistas y riot grrrls”, y una potentísima ‘Transducer’ formaron un primer bloque dedicado a su último disco y pudimos comprobar que todavía suenan la mar de frescas. Sin músicos que les

acompañen recae en los dos vocalistas estar constantemente en movimiento, y la verdad es que Empire, para el que parece que no pasen los años, no para de dar saltos y vueltas como si fuera un boxeador en el ring. En ‘Blood In My Eyes’ de Is This Hyperreal? todo el protagonismo fue para Endo, mientras que ‘Into The Death’ de Burn, Berlin, Burn! fue un trallazo punk gabber en toda regla. La cosa se calmó un poco con ‘Street Grime’, en la que se notó la influencia que ATR han tenido en una banda como Sleigh Bells, e ‘Is This Hyperreal?’, prácticamente un recitado con una base noise de fondo. Pero la letal ‘Destroy 2000 Years Of Culture’, ‘No Remorse (I Wanna Die)’ con su base jungle, ‘Speed’, coreada con el puño alto y ‘Revolution Action’ se encargaron de animar la pista como nunca. La bailonga ‘Activate!’ y ‘We Are From The Internet’ terminaron por sellar un concierto extraño, pero satisfactorio. 105

DE GIRA

THE MAGPIE SALUTE

11 DE NOVIEMBRE – KAFE ANTZOKIA (BILBAO) 12 DE NOVIEMBRE – SALA BUT (MADRID) 13 DE NOVIEMBRE – RAZZMATAZZ 2 (BARCELONA)

n unas semanas vas a

Crowes fue bastante deprimente. Había demasiada negatividad. Ser capaz de volver a tocar música que hemos escrito y que nos gusta tanto ha sido muy beneficioso para todos”.

En el grupo también tienes al

The Black Crowes.

¿Cómo te sientes al volver a

RICH ROBINSON (guitarra) “Sí,

tocar con Marc Ford y Sven

“John es un gran cantante y una gran persona. Hace años intentamos empezar Hookah Brown, pero por lo que fuera no funcionó. Justo habíamos hecho la gira de The Black Crowes con Jimmy Page, nos separamos y había unas grandes expectativas, que quizá yo no estaba preparado para asumir todavía. Lo de Black Crowes fue como un tornado y todo estaba demasiado loco. John fue una víctima más de eso. Pero desde entonces siempre he intentado encontrar una excusa para volver a colaborar con John y ésta era la oportunidad perfecta”.

estar por aquí con tu nueva banda. Siempre

me ha parecido que España fue uno de los países europeos donde más fervor había por

me encanta España. Siempre me he sentido muy apreciado allí, tanto con The Black Crowes como con mis otros proyectos. Siempre es genial”. En agosto publicasteis High

Water, el segundo álbum de The Magpie Salute, y parece que está gustando mucho. ¿Crees que este grupo te ha devuelto la ilusión por la música?

“Pues en parte sí. Siempre he amado la música, pero el final de The Black 106

Pipien después de haberlo hecho en The Black Crowes?

“La verdad es que no pienso demasiado en ello. Simplemente me alegro de tenerlos en el grupo. Siempre me resulta interesante lo que Marc aporta a las canciones y también me encanta aportar partes cuando él compone. Creo que nos entendemos muy bien. Al principio también teníamos a Eddie Harsch como teclista, pero como sabrás, falleció en 2016. Fue una gran pérdida porque era un gran tipo”.

vocalista John Hogg, con quien habías empezado otra banda, Hookah Brown, que no acabó de arrancar. ¿Qué puedes contarme de él?

AGENDA NOVIEMBRE En The Black Crowes siempre existió una gran tensión entre tú y tu hermano Chris. ¿Se te hace raro estar en una banda donde todo el mundo se lleva bien?

“No se me hace raro, me hace sentir muy bien. Lo llaman ‘play’ (‘jugar’ – ndr.) por algo. Hacer música tiene que ser eso, un juego. Tienes que pasarlo bien. La felicidad que te produce debería ser capaz de agitar la música. Pero es una batalla constante. Intentamos vivir como gente creativa y la sociedad no quiere que vivas como alguien creativo. Así que es muy absurdo llevar esa batalla dentro de tu propio mundo. No tiene ningún sentido”. Con The Black Crowes tomabais las canciones de los discos como punto de partida, pero luego siempre improvisabais mucho en directo. ¿Sigues el mismo enfoque con The Magpie Salute?

“Sí. No es que lo haga para parecernos a cómo hacía las cosas antes, sino que simplemente me gusta hacerlo así. Para mí el estudio es el terreno donde plantas la semilla, pero luego una canción sigue creciendo. Cada banda hace lo que quiere, pero a mí me parece más interesante seguir probando cosas y ver cómo de lejos puede llegar una canción”. En tus años de carrera, ¿qué te ha resultado más complicado, evolucionar como guitarrista o como compositor?

“Creo que si tienes la mente abierta, las dos cosas ocurrirán de manera natural. Las experiencias que tienes en la vida, el amor, las pérdidas, la felicidad, las penas, los viajes… Todo eso hace que tu percepción cambie, y la gente creativa cogemos eso y lo expresamos a través de nuestro filtro. Y ese filtro es el que va evolucionando, hagas lo que hagas”. ¿Vais a tocar canciones de The Black Crowes o quieres distanciarte de ellas?

“Bueno, yo toco mis canciones y yo escribí las canciones de The Black Crowes. Tocamos nuestros temas, versiones, temas de los Crowes, canciones de mis discos en solitario… Cada noche cambiamos el setlist, pero seguro que tocaremos al menos un par”. (JORDI MEYA)

ABORTED 9 Madrid, 10 Barcelona BEYOND CREATION 13 Barcelona, 14 Madrid, 16 San Sebastián BLACK STONE CHERRY 29 Barcelona, 30 Madrid, 1 diciembre Bilbao CELESTE 1 Madrid, 2 Barcelona DIAMOND HEAD 14 Barcelona, 15 Madrid, 16 Vitoria, 17 Oviedo, 18 Zaragoza ELDER 7 Barcelona, 8 Callosa de Segura, 9 Madrid, 10 Bilbao IDLES 29 Madrid, 30 Barcelona KADAVAR 8 Bilbao, 9 Murcia, 10 Málaga, 11 Sevilla, 12 Zaragoza JOHNNY MARR 21 Madrid, 26 Barcelona MC50 16 Barcelona, 17 Murcia, 18 Madrid METALCOVA FEST 10 Barcelona METRIC 10 Madrid, 11 Barcelona MYSTIFIER 6 Barakaldo, 7 Madrid, 8 Barcelona NEVER SAY DIE! TOUR 19 Madrid, 20 Barcelona OMNIUM GATHERUM 21 Madrid, 22 Barcelona PLESTED 1 Madrid, 2 Barcelona RIVERSIDE 4 Madrid, 5 Barcelona

THE RUMJACKS 22 Oviedo, 23 Madrid, 24 Badalona SHINING 12 Madrid, 13 Barcelona SLAYER 17 Madrid, 18 Barcelona STONED JESUS 2 Madrid, 3 Barcelona STRIKER 20 Barcelona, 21 Zaragoza, 22 Madrid, 23 Vigo, 24 Burgos TREMONTI 5 Madrid, 6 Barcelona WATAIN 14 Barcelona, 15 Madrid WOLF ALICE 2 Madrid