RockZone 153 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Foto de portada: Alex Belza

Como ya os habréis enterado, hace unos días estrenamos una nueva web, de la que esperemos ya estéis disfrutando. Con este cambio, iniciamos una nueva etapa online desviculándonos de Zona-Zero.net, nuestra web oficial hasta ahora. Han sido muchos años de colaboración y desde aquí queremos dar las gracias a Ramón Franco y su equipo. Aprovechando este cambio, también le hemos dado un lavado de cara a la revista. Tanto web como revista compartirán contenidos, pero también los tendrán exclusivos, así que os animamos a seguir leyéndonos en ambas plataformas para que no se os escape nada. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Watain (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 153

06 / EN DIRECTO 18 / OZZYO 22 / ALL THAT REMAINS 26 / LA M.O.D.A. 32 / RISE OF THE NORTHSTAR 36 / FAT MIKE 44 / GASTEIZ CALLING 50 / DISCO DEL MES 52 / CRÍTICAS 74 / THE STORY SO FAR 78 / THE SOULBREAKER COMPANY 82 / ESPECIAL FOTO 88 / OPINIÓN 90 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

EL CONCIERTO DEL MES BY:

SLAYER 17/11/18 - PALACIO DE VISTALEGRE (MADRID) TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ (BARCELONA)

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OBITUARY

i hace ya tiempo que venimos comprobando que las giras de reunión son un negocio más que rentable, no menos lo están empezando a ser las de despedida (aunque sean de cara a la galería, ¿verdad Scorpions?). Que hace apenas un par de años Slayer no pasasen de llenar una sala como La Riviera y ahora agoten un pabellón entero, da buena fe de ello. También hay que señalar que venían muy bien acompañados junto a otros tres grupos que convertían el pack en casi un minifestival del cual nadie quiso perderse ni uno solo de sus participantes. Así pues, Obituary se encargaron de empezar la fiesta metálica a una hora en la

ANTHRAX

que normalmente te estás tomando la primera jarra de cerveza antes de entrar a la sala. Aun con todo, el Palacio de Vistalegre ya presentaba un aspecto envidiable y los de Florida lo aprovecharon en una escasa media hora que se nos pasó volando mientras acribillaban con ‘Redneck Stomp’ y ‘Slowly We Rot’. Cambio rápido de escenografía (hay que apuntar que cada banda se trajo su propia producción escénica, lo cual es de agradecer) y el asunto ya se ponía muy serio con unos Anthrax que salieron a fuego tocando el riff de ‘Cowboys From Hell’ empalmándolo con ‘Caught In A Mosh’ mientras Joey Belladona recorría a toda velocidad

las primeras filas arengando a las masas. Un arranque adrenalítico que se mantuvo con ‘Got The Time?’ y ‘I Am The Law’. No son pocas las voces que les acusan de ser una banda rácana en directo, pero en apenas 40 minutos es complicado hacerlo mejor. Con ‘Antisocial’ e ‘Indians’ se despidieron siendo aclamados casi como si fuesen los cabezas de cartel, lo cual hace preguntarnos por qué no lo son más a menudo. Lamb Of God también podrían haberlo sido sin problemas, ya que no son pocos los que se apuntaron a la cita cuando vieron su nombre en el evento. Pero personalmente me dejaron un tanto frío. Es innegable que son un rodillo sobre las tablas con un

LAMB OF GOD

Randy Blythe que se paseaba cual perro de presa hambriento y fueron de los que mejor sonido disfrutaron. No obstante, los parones entre canción y canción cortaron el ritmo de la carnicería que estaban despachando con ‘Walk With Me In Hell’, ‘Now You Got Something To Die For’, ‘Laid To Rest’ y la final ‘Redneck’. Dejaron con ganas de mucho más. Nunca antes habíamos visto a Slayer en estas condiciones en España. Con fans llegados en viajes organizados desde todo los puntos de la Península para rendirles el tributo que sin duda merecen como la leyenda del thrash que son, los californianos dispusieron de un escenario gigantesco digno

SLAYER

de la ocasión. El primer hostiazo nos lo llevamos con ‘Repentless’, y ahí ya sentimos el calor de las llamaradas que serían constantes a lo largo de un set que repasó sus casi cuatro décadas de agresión. ‘Disciple’, ‘Mandatory Suicide’ y ‘War Ensemble’ fueron de los primeros clásicos en poner en pie a las gradas, siendo Gary Holt el que parecía tirar del carro. Porque no hay que olvidar que el motivo de la despedida no es otro que el estado de un Tom Araya al que se le vio sufrir en varios momentos a las voces. Su presencia sigue siendo imponente y todavía es capaz de cascarse esos alaridos que te dejan helado, pero él mismo es

sabedor que el momento de dejarlo ha llegado. Sin apenas detenerse y con escasa interacción con el público, se dedicaron a ir a machete recuperando piezas primitivas como ‘Black Magic’, ‘Hell Awaits’ y ‘Chemical Warfare’ combinadas con himnos del género, caso de una prodigiosa ‘Seasons In The Abyss’ y el inevitable cierre con ‘Raining Blood’ y ‘Angel Of Death’ homenajeando a Jeff Hanneman. Al finalizar se vio a un Araya especialmente emocionado aun desprendiendo esa frialdad que siempre les ha caracterizado. Un adiós que es un hasta luego teniendo en cuenta la prórroga del próximo verano en el Resurrection Fest.

HOT SNAKES

17/11/18 â&#x20AC;&#x201C; SALA APOLO (BARCELONA)

TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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iez años llevan ya los hermanos Guàrdia, Joan y Albert, obrando el milagro de tirar adelante un sello y una promotora independiente como es La Castanya. Acostumbrados a estar en la trinchera, por un par de noches, decidieron invitarnos a entrar en ella rodeados de buenos amigos: White Magic, Flasher, The Van Pelt y Hot Snakes. Pero incluso en una celebración como ésta, está visto que a los pequeños emprendedores no se les permite relajarse, y en la fecha anterior, celebrada en Madrid, tuvieron que lidiar con la no comparecencia de The Van Pelt por culpa de un temporal en la Costa Este de Estados Unidos. Por suerte, en Barcelona todo salió como estaba programado y pudimos disfrutar de las cuatro bandas. O al menos intentarlo. Ya me perdonarán, pero no conecté en absoluto con el folk etéreo propuesto por Mira Billotte, la cantautora 101

FLASHER

al frente de White Magic. Acompañada de un batería, fue cambiando de instrumento, de un tambor de mano al piano, pero no logró atraparme en ningún momento. Flasher animaron un poco más el cotarro con un indie rock con ecos de Nada Surf, Pixies o Luna, en sus pasajes más reposados. Lástima que el trío no tenga la misma energía que muchos de sus vecinos de Washington D.C., pero indudable es que tienen buenas canciones. La expectación por ver a The Van Pelt, uno de los nombres de culto del emo de los 90, era muy alta. Y no sé si por el trajín de su accidentado viaje o porque es un grupo que no se prodiga demasiado en directo, pero sólo pudimos saborear algo de su magia. Sobrios en exceso, parecían más preocupados por ejecutar que por interpretar. Chris Leo con su estilo de cantar recitando, que hoy en día podemos ver en La Dispute, fue el que más ganas le puso, y fue entraña12

THE VAN PELT

ble poder escuchar temas intimistas como ‘Nanzen Kills A Cat’ o ‘The Good, the Bad & The Blind’ junto a otros más vigorosos como ‘We Are The Heathens’, pero si por ejemplo lo comparamos con lo visto con una banda afín como American Football, supo a poco. Afortunadamente, lo que viviríamos a continuación con Hot Snakes hizo que acabáramos saliendo de la sala Apolo totalmente eufóricos. La lección que dieron los de San Diego debería ser de estudio obligatorio para muchos grupos a los que doblan la edad. Salieron a por todas con ‘Death Camp Fantasy’, uno de los fabulosos temas de su último trabajo Jericho Sirens, de los pocos discos de reunión -estuvieron 14 años sin sacar uno- que realmente está a la altura de lo esperado. Siguieron con ‘Who Died’ y ‘LAX’ de Suicide Invoice, y, tal era la intensidad, que John Reis ya tenía la camisa empapada de sudor.

Las guitarras nos cortaban en dos y la sección rítmica de Gar Wood y Jason Kourkounis nos pasaba por encima como un bulldozer. Por su parte Rick Froberg, más estático, dirigía la nave con pie firme. Si hasta su llegada, el público había estado más pendiente de escuchar que de moverse, con ellos no paró de agitarse como poseído. Imposible no hacerlo con su particular estilo que los hace sonar como si Fugazi tocarán rock’n’roll. Tanto se animó el personal que Reis acabó cabreándose porque la peña no paraba de subir al escenario para lanzarse. Pero eso, incluso hizo que la potencia aumentará aún más. La recta final dedicada a Audit In Progress en la que sonaron ‘The Mystic Decade’, ‘Braintrust’, ‘Hi Lites’ y ‘Retrofit’, fue simplemente insuperable. Ojalá que de aquí a diez años podamos volver disfrutar de otro aniversario de La Castanya en tan buena compañía. Felicitats nois!

BLACK PEAKS 4/11/18 - MOBY DICK (MADRID) TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ERIC ALTIMIS (BARCELONA)

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TUSKY

onestamente, me esperaba un batacazo de asistencia en la primera visita como cabezas de cartel de Black Peaks. Siendo un domingo de puente y con el frío ya asolando Madrid, intuía que más de uno optaría por quedarse en el sofá. Más aún teniendo en cuenta que los de Brighton no vienen abalados por un hype exagerado como tanto les gusta a los británicos y todavía son una formación a descubrir en nuestras tierras. Pero mira tú por dónde que, sin estar ni mucho menos cerca del lleno, la Moby presentó una entrada más que decente teniendo en cuenta las circunstancias, y tanto por cantidad de público como por su reacción, me aventuro a asegurar que ésta será la primera de muchas grandes noches en el futuro de estos chicos por aquí. Antes, los parisinos The Prestige se encargaron de prender la mecha bien pronto. Que su cantante Alex se dirigiese al público en castellano y provocasen los primeros movimientos en la pista fue suficiente para hacernos entrar en calor. Cambio de tercio radical el que supuso a continuación

la presencia de Tusky sobre el escenario. Si sus compañeros franceses atacaban con un intenso post hardcore, lo de estos holandeses era un rock con dejes pop punk y metaleros de lo más divertido. Que sacasen un pequeño telón bajo el nombre de ‘Tuskallica’ ya daba una idea de las ganas de cachondeo que traían. Consiguieron armar un circle pit alrededor de la barra de la sala al que se sumó también Will Gardner de Black Peaks, quien poco después se subiría a cantar una versión de ‘Needles’ de System Of A Down con la que terminamos de venirnos arriba. Si su objetivo era hacernos olvidar que al día siguiente era lunes, no hay duda de que por un momento lo consiguieron. Esa sensación la alargaron Black Peaks durante algo más de una hora frenética. Todavía recuerdo que su paso por el Download de hace dos años me dejó algo frío. Nada que ver con lo que vimos esta vez: un grupo completamente engrasado después de cinco semanas girando por toda Europa, saliendo a

morder y consiguiendo una conexión instantánea con el público ya con ‘Can’t Sleep’. No hubo sold out, pero cada vez que había algún estribillo digno de corear, lo parecía. Las canciones de All That Divides hicieron las veces de esqueleto principal del repertorio, con ‘Electric Fires’, ‘Eternal Light’ y la genial ‘Aether’ significando los puntos más altos de la noche. Sumado a las celebradas visitas a su debut, Statues (‘Saviour’, ‘Say You Will’), hicieron que el ritmo no bajase hasta la traca final con una gloriosa ‘Glass Built Castle’ cantada por toda la sala con el batería Liam Kearley y el guitarra Joe Gosney tocando entre el público. Corriendo para volver a colocar el set en su lugar, aprovecharon para felicitar a un joven seguidor inglés que cumplía su concierto número cien de la banda con brindis de whisky incluido, antes de acabar con ‘Fate I & II’ con Will subido a la barra del bar para cantar la parte final y ‘Home’. Si siguen dando conciertos así, no me cabe duda de que la próxima vez que les tengamos por aquí será en una sala más grande.

WATAIN 14/11/18 - RAZZMATAZZ 2 (BARCELONA) TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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ROTTING CHRIST

l corazón de la bestia ya no le domina enteramente el caos. La ceremonia de revelación y transformación es sólo un concierto. Watain siguen siendo los que mejor han entendido la naturaleza del Pacto en las últimas dos décadas, pero no nos engañemos: el tiempo pasa para todos. No se puede salir a tocar de setas cada noche durante toda tu vida. Si hay que fingir el trance, pues se hace, y si hay que plegarse a las exigencias del gran público y aparcar a Set Teitan por su foto pueril haciendo el saludo nazi, adelante. Detalles impensables en ellos hasta hace poco, como que se vayan de gira con Rotting Christ. De la misma forma, no pretendo llevarles al equívoco: que los suecos se hayan domesticado un poco no significa, ni por asomo, que lo mostrado en Barcelona no rozara lo sublime. Profanatica habrían sido la perfecta antesala para Watain si no hubiéramos pasado por el peaje

griego. Fieles a su reiteración ultrajante, el culto estadounidense despachó y de qué manera su tumefacto y particular sonido, corrompiéndonos el alma con ese espectáculo tan estático como hipnotizante. Lo de Rotting Christ hace ya tiempo que lo aviso… Escrupuloso respeto a sus primeros pasos, pero lo de ahora no hay por dónde cogerlo. Profesionalidad y sonidazo, sí, pero show infantil y petulante con esa especie de power étnico con Septicflesh de verbena y algunos blasts. Tanto alarido de machote es un insulto al intelecto, pueden pasar dos temas sin que muevan los dedos por los trastes, y es que tengo clarísimo que hoy en día son el peor grupo del circuito profesional de… ¿Metal extremo? Sin apenas preámbulos tratándose de Watain, ‘Storm Of The Antichrist’ y ‘Nuclear Alchemy’ abrieron a saco. La mezcla no tardó mucho en nivelarse, las guitarras desgarraban,

totalmente necros, y en una Razz 2 de lo más concurrida, incluso ‘The Child Must Die’ del denostado The Wild Hunt fue bienvenida. Erik Danielsson nunca ha sido un vocalista sideral, de hecho recibió ayudas desde la mesa, pero como frontman, esté colocado o no, sigue siendo difícil de batir. Se mostró muy comunicativo ante el público dejando las invocaciones un poco de lado, pero lo mejor es verle partirse el espinazo ante la cruda tralla de sus secuaces. Fuego controlado -nuestra normativa para salas no permite las llamaradas-, entrega absoluta al género maldito por parte de toda la banda. Hedor, y dos puntos álgidos: ‘Malfeitor’ y ‘Sworn To The Dark’. Entre medio, ‘The Golden Horns Of Darash’, ‘Furor Diabolicus’, ‘Sacred Damnation’… Y tras ‘The Serpent’s Chalice’, vuelta al altar, cerrar la misa negra y, con ello, dejar atrás una intensísima hora del mejor black que pueda verse sobre un escenario. Algo distintos, pero igualmente majestuosos.

OZZYO LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS

Dirigida por Joel y Ethan Cohen (NETFLIX)

TEXTOS: KIKO VEGA, SAMU GONZÁLEZ

ue Joel y Ethan Coen son unos genios de nuestro tiempo y dos de los cineastas que forman un todo más increíble que veremos en nuestra vida es innegable. También lo es que todo les importa un comino. Y hacen bien, porque así siguen siendo unos bromistas de categoría. Bajo el título La Balada De Buster Scruggs se esconden en realidad media docena de historias, por lo que el título real de la película podría ser el del libro que nos va guiando entre historias, y que en realidad se titula La Balada De Buster Scruggs Y Otros Cuentos De La Frontera Estadounidense. Pero ya sabes: los Coen nunca van en serio. A lo largo de sus excesivos 134 minutos conoceremos el lado artístico y prestigioso de las mil maneras de morder el polvo donde Seth MacFarlane ya nos había mostrado lo darwinista que puede ser el lejano Oeste.

Irregular desde la duración de sus historias, la película siempre resulta fresca, aunque se enquiste demasiado en la quinta historia, The Gal Who Got Rattled, la más larga y densa de las seis. Pero amigos, qué sería de los hermanos Coen sin algo de remolona pedantería. Afortunadamente, todos los Coen están presentes: los divertidos, los absurdos, los geniales, los musicales y los aburridos, todos ellos intolerablemente crueles y siempre recomendables. KV

Llegó a la editorial Timely en la década de los 40, y veinte años después veía su primer gran éxito con Los Cuatro Fantásticos en la ya rebautizada Marvel. El resto es historia. Lee también estableció el llamado ‘Método Marvel’ llegando a alternar los diálogos de varias series con las facetas de editor. Tan creativa fue su tarea como guionista (su sueño en sus inicios fue el de conver-

tirse en novelista) como en las labores internas que adoptó en la editorial y que la llevaron hacia la modernidad que hemos conocido. Convertido ahora en una especie de recuerdo cariñoso gracias a los cameos en las películas de Marvel Studios, no dejó nunca de escribir: suyos seguían siendo los guiones de la tira diaria de Spider-Man que se publica regularmente en la prensa americana. SG

STAN LEE (1922 – 2018)

El hombre que escribió la Casa de las Ideas

l pasado 12 de noviembre fallecía uno de los padres del cómic de superhéroes a los 95 años de edad. Varias generaciones que se han criado con el lema que aún abre los tebeos de la editorial Marvel “Stan Lee presenta...” lloramos su pérdida, que no por esperable, no deja de ser abrumadora. Stan Lee, pseudónimo de Stanley Martin Lieber, redefinió el concepto de superhéroe y lo dotó de rasgos humanos haciéndolo imperfecto. También supo rodearse de los mejores, ya que junto a Jack Kirby y Steve Ditko cocreó los personajes imperecederos de la factoría (a saber, desde los X-Men hasta Spider-Man, pasando por Los Vengadores -y gran parte de sus afiliados- a los imaginautas Cuatro Fantásticos). 10 18

OZZYO FREAK SCENE Richard King (CONTRA)

Vaya por delante que el trabajo que ha hecho Richard King en Freak Scene es sencillamente encomiable. Una disección en toda regla de cómo los sellos independientes sirvieron para dar forma a las escenas musicales que, o bien no hubiesen tenido salida de no ser por ellos, o bien sirvieron para alimentar el mainstream una vez visto sus posibilidades comerciales. Los verdaderos A&R o cazadores de talento siempre han estado en las compañías independientes y, gracias a éstos –y a una agradecida poca consciencia de no pensar nunca en los números-, la historia de la música se ha escrito de una manera completamente diferente. Aquí podemos encontrar, en forma de capítulos más o menos individuales, cómo sellos tan fundamentales como 4AD, Rough Trade, Warp o Mute se fueron creando. Y aquí es quizás donde radica uno de los pocos problemas del libro, del cual poca culpa tiene su autor: lo similares que acaban siendo la mayoría de sus historias. Todos nacen del amor por la música, consiguen un inesperado crecimiento, eso da paso a la poca capacidad de gestionar ese éxito y el posterior declive que lleva al cierre o a ser absorbidos por una multinacional que le hace perder toda su esencia. Y pese a que también echamos en falta, y eso sí que es fallo del autor, la falta de sellos de metal o punk como Secret, Clay, Earache o Peaceville, por poner sólo unos pocos ejemplos, no sería justo pasar por alto el excelente trabajo documental de Richard King. RR

TEXTOS: RICHARD ROYUELA, SAMU GONZÁLEZ, LUIS BENAVIDES

MUNDO IDIOTA Peter Bagge

ELPASO. A PUNK STORY Benjamín Villegas

(LA CÚPULA)

(BANDAÀPARTE)

Edición integral, revisada y completa del mitiquísimo trabajo de Peter Bagge (Odio) con el que se asentó como una de las piezas clave del ‘nuevo’ underground americano allá por los 80. Es ésta la mejor edición que se ha hecho de este trabajo y que La Cúpula va a ofrecer en varios tomos, recopilando en éste los cuatro primeros ejemplares de la obra original y sirviendo de contacto para enamorarse del grotesco y cínico trabajo de Bagge a través de sus personajes recurrentes. Y ojo a tal vez su obra maestra: Glosario Del Vómito. SG LA ISLA DE LAS PESADILLAS Hideshi Hino (LA CÚPULA)

Nueva antología de terror dedicada al maestro Hino, mangaka que por su trazo agradable puede llegar a confundir a más de uno. Sus historias cortas, ancladas en el aspecto visual del manga clásico, remueven la tripa con las retorcidas ideas que nos propone. En esta ocasión, este tomo se centra en diferentes mitos y folklore, regalando a los lectores algunos momentos espeluznantes, como el relatado en ‘Nuestro Querido Profesor’ y otros más edificantes, como en ‘Hola, Señor Siluro’. Siempre recomendable. SG

Sólo el 1% de las bandas, siendo muy generoso, aparecerá en la cronología del rock. Los protagonistas del segundo libro del músico e ilustrador Benjamín Villegas, Elpaso. A Punk Story, representan al 99%. Así, resulta inevitable sentirse identificado con los entrañables Elpaso, una banda de perdedores, un cuarteto de protogrunge en activo a finales de los 80. Presentada en el libro como la versión tejana de Hüsker Dü, la banda creada por Villegas -no, nunca existieron- es la excusa para retratar (y reivindicar) la nutrida escena underground de Texas. Y es que Elpaso. A Punk Story es una falsa biografía novelada muy bien documentada. Todo lo que rodea a la banda fundada por los adolescentes Daniel y Ricardo es real. Empezando por el concierto de Black Flag el 13 de noviembre de 1984 en El Paso, momento en el que estos amigos de instituto deciden montar su propia banda. Villegas viajó en varias ocasiones a Estados Unidos para reunirse con los músicos que levantaron esa excitante pero desconocida escena para poner negro sobre blanco sus experiencias, salvaguardar anécdotas y recopilar carteles de conciertos. LB

ALL THAT REMAINS

HASTA EL FINAL

PESE AL MAZAZO QUE HA SUPUESTO LA RECIENTE MUERTE DEL GUITARRISTA OLI HERBERT, ALL THAT REMAINS CREEN QUE EL MEJOR TRIBUTO QUE PUEDEN RENDIRLE A SU COMPAÃ&#x2018;ERO ES SEGUIR ADELANTE. HABLAMOS CON SU VOCALISTA PHIL LABONTE EN ESTE MOMENTO TAN DURO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

L PASADO 17 DE OCTUBRE SALTABA L A NOTICIA .

Me han pedido que no te pregunte sobre su muerte… así que hablemos del nuevo trabajo.

Oli Herbert, guitarrista y miembro fundador de All That Remains, había fallecido a los 44 años. A las pocas horas se supo que había sido encontrado ahogado en un lago en su finca en Connecticut y, aunque se descartaba el homicidio, las circunstancias no estaban nada claras. Si bien no se ha hecho explícito, todo apunta a que fue un suicidio. Otra víctima más en el mundo de la música. Pero la vida sigue y apenas unas semanas después, el 9 de noviembre, veía la luz Victim Of The New Disease (Razor & Tie), el noveno álbum de la exitosa banda de metalcore. Si bien durante unos días el grupo canceló todos sus actos promocionales, poco después teníamos la oportunidad de charlar con Phil Labonte, vocalista y, desgraciadamente, ahora ya único miembro original que queda en la banda. Su agente de prensa nos pidió que, dada la proximidad de la desgracia, no hurgáramos en la herida preguntando sobre las circunstancias de lo sucedido. Un deseo que entendimos y respetamos.

“Te lo agradezco”.

Me imagino que estás en un

El disco empieza con la canción

momento un poco confuso

‘Fuck Love’. Más claro no pue-

dado que la salida del nuevo

de ser.

disco llega poco después de la

“Sí, pero quiero dejar claro que no creo que el amor sea una enfermedad o algo horrible (risas). No creo que ése deba ser el enfoque que hay que tener. Pero creo que cualquier persona que haya apostado muy fuerte por una relación y no haya salido bien puede identificarse con ese sentimiento. Cuando te das cuenta de que una relación no merecía la pena lo primero que te sale es un

muerte de Oli... ¿Cómo lo estás llevando? PHIL LABONTE “Sí. Estábamos muy

ilusionados con este disco y entonces Oli murió. Pero la reacción ha sido muy buena, hemos notado mucho apoyo. Es todo muy agridulce. Parece que a la gente le está gustando mucho el disco, pero por desgracia, Oli no está aquí para disfrutarlo”.

De todos modos, Victim Of The

New Disease también tiene un tono bastante oscuro, pero por otro motivo: tu divorcio. ¿Se te hizo raro escribir sobre algo tan personal?

“En realidad, no. Siempre he intentado escribir sobre mis experiencias. No hay nada sobre lo que sepa más que mi propia vida, así que siempre me he mostrado muy abierto. Sobre lo que siento, sobre lo que pienso… En ese aspecto no se me hizo raro, es sólo otro capítulo en mi vida. Si no hubiera sido honesto sobre eso, creo que la música se hubiera resentido”. ¿Fuiste escribiendo cuando estabas en pleno divorcio o preferiste esperar para tener una perspectiva más clara de lo que había ocurrido?

“Muchas cosas las escribí cuando estaba ocurriendo y otras las hice después, cuando pude reflexionar un poco más sobre los motivos y mis sentimientos”.

¿Qué idea del grupo teníais cuando empezasteis? ¿Queríais hacer algo muy duro, o siempre pensasteis en tener un lado más accesible también?

“SABÍAMOS QUE OLI HUBIERA QUERIDO QUE EL DISCO SALIERA Y QUE EL GRUPO SALIERA A TOCAR” PHIL LABONTE ‘que le jodan’ (Risas)”.

Muchos músicos dicen que estar en una banda es como estar ca-

Si antes de que salga el próximo

sado con cuatro personas distin-

álbum te vuelves a enamorar,

tas. Eso debería haceros exper-

¿titularás la primera canción ‘I

tos en relaciones.

Love Love’?

“Ya (risas). Sí, puedes compararlo con un matrimonio o una familia con cuatro o cinco hermanos”.

“(Risas) No sé si escribiría algo tan evidente, pero ya veremos qué puedo hacer”.

Más teniendo en cuenta que em¿Crees que tu trabajo en All That

pezaste el grupo con Oli hace

Remains y todo lo que implica lo

veinte años.

hace todo aún más complicado?

“Sí. Por eso es tan difícil todo. Pero para mí es una sorpresa haber llegado hasta aquí. En los 90 la idea de empezar una banda de heavy metal, y especialmente una como la nuestra, era una locura. La mayoría de grupos que empiezan no lo consiguen. Y los que lo tiran adelante, difícilmente pueden vivir de ello. Y los que viven de ello, muy pocos duran veinte años. Yo no he tenido que trabajar en otra cosa que no fuera el grupo desde 2005, 2006. Es algo que todavía me maravilla. Pero no lo cambiaría por nada”.

“Puede que sí. Desde luego estar mucho tiempo fuera no ayuda. Pero conozco muchos músicos que tienen relaciones que funcionan y muchos que no. Algunos dejan de girar o de tocar para salvar una relación y tampoco funciona. Creo que también depende si ser músico te ayuda a pagar las facturas o no. Eso suele ser bastante complicado porque la presión es doble. Pero a nosotros nos va bien, y mira… No creo que haya una fórmula”.

“Creo que los objetivos fueron cambiando a medida que avanzábamos. Al principio yo quería hacer una banda que tocara muy rápido, en plan thrash pero más melódico. Me gustan las canciones cortas y rápidas, que van al grano. Nuestro primer disco no acabó siendo así, porque los otros miembros también opinan, claro. Aunque yo soy el que tengo la visión, siempre hemos sido una banda y cada uno aporta sus influencias. Pero a medida que pasaba el tiempo y empezamos a conseguir cosas, sobre todo con el segundo disco This Darkened Heart, y luego cambiamos la sección rítmica, y en 2008 con Overcome pudimos expandir nuestro sonido. Siempre ha sido una progresión natural, y hemos ido viendo la reacción de la gente. Pero creo que cuando hemos tomado riesgos más grandes han acabado saliendo bien. Por ejemplo, cuando lanzamos ‘Two Weeks’, que era toda cantada, acabó sonando mucho en la radio en Estados Unidos. Y luego dos discos después sacamos ‘What If I Was Nothing’, nuestra primera balada, otro riesgo más, pero funcionó muy bien. Y en Madness hicimos una versión de un tema country, ‘The Thunder Rolls’, y en un año llegó a los 25 millones de reproducciones en YouTube. Fue una pasada. Así que siempre que intentamos sorprender nos sale bien. Es una manera de conservar la frescura, aunque sigamos siendo una banda de metal”. A muchos grupos de metal que

intentan hacer ese cambio de orientación les sale mal. No ganan nuevo público y los viejos fans los repudian.

“Los fans tienden a ser conservadores y a nosotros nos han criticado bastante. Pero creo que hemos seguido siendo suficientemente metal para nuestros primeros fans. La verdad es que yo mismo me sorprendo con cómo ha ido todo (risas). Pero creo que al final todo depende de tener buenas canciones. Muchos grupos no se centran en escribir buenas canciones y, para mí, una canción es buena o no sin importar el estilo. No quiero que un estilo me defina. Ese tema country lo convertimos en un tema metal, pero es que la canción ya era buena antes. Es como en la cocina: necesitas una buena materia prima. Si es mala, por mucho aderezo que le pongas, no será buena”. ¿Crees que vosotros abristeis las puertas a una banda como Five Finger Death Punch?

“No lo sé. Ellos llegaron un poco más tarde que nosotros y quizá les ayudamos, pero no creo que como banda fuéramos una influencia para ellos. Es más bien que el género del que veníamos, el metalcore, creció mucho y cuando ellos empezaron en 2005, seguro que les ayudó. Quizá los programadores de radio se dieron cuenta de que había un mercado para esto”. De hecho, estuviste cantando con ellos cuando Ivan Moody canceló algunos bolos. ¿Cómo

nuevo ahí. Yo conocía a Ivan incluso antes de que empezaran la banda, y al resto les conocí justo entonces. Nos llevamos muy bien. Cuando me dijeron de hacerlo, no lo dudé. Fue una gran experiencia”.

“Le conozco desde 2010 cuando tocamos con ellos. Tenemos amigos en común y es un gran tipo. Creo que es un gran cantante, me gusta mucho su voz y encajaba muy bien en la canción. No hay mucho más secreto”.

Hablando ya del disco, algunas

Recientemente habéis anuncia-

canciones son mucho más cañe-

do que Jason Richardson de

ras que las del anterior, Mad-

Chelsea Grin y Born Of Osiris

ness. ¿Querías recuperar esa

os acompañará en la nueva

faceta más agresiva del grupo?

gira en el puesto de Oli. ¿Pro-

“Creo que este disco es una reacción a Madness. Antes de empezar a componer todos estuvimos de acuerdo en que queríamos hacer un álbum más cañero. Es algo intencionado, sí”.

basteis a otra gente o fue la

También hay temas como ‘Wasteland’, donde combináis caña y melodía, algo que soléis hacer.

“Sí. Me gusta mucho cómo salieron las estrofas. Me inspiré en Eminem a la hora de hacer las rimas y estructurar los versos. Es una de mis canciones favoritas del disco”.

primera opción?

“Fue el primer tío al que llamamos. Cuando dijo que podía hacerlo, nos alivió mucho. Habíamos hecho un par de giras con Born Of Osiris en 2010 y 2011, y a Oli siempre le había gustado mucho la manera de tocar de Jason. Decía que era uno de los mejores guitarristas que había visto, y eso que en esa época Jason sólo tenía 18 años. Así que cuando Oli falleció, le llamamos y nos dijo que aceptaba encantado porque le gustaba mucho Oli. Fue todo muy fácil. Estamos ensayando con él y suena de muerte”.

Además, el álbum es muy conciso. No llega a los 40 minutos. En

¿Era importante para vosotros

la era del streaming casi todos

no cancelar la gira y seguir

los grupos tienden a hacer dis-

adelante lo antes posible?

cos muy largos.

“No consideramos cancelar nada. Durante un segundo dudamos, pero sabíamos que Oli hubiera querido que el disco saliera y que el grupo saliera a tocar. No hubo gran debate. Fue una decisión rápida. Pasamos por algo terrible, pero qué vas a hacer… Lo mejor es casi seguir adelante y no pensar en ello”.

“Teníamos otras canciones que no están en el álbum, pero escogimos las mejores y las que eran más directas. Hablamos de meter todos los temas en un momento dado, pero al final el resultado era un disco peor. Buscábamos lograr el mayor impacto”.

viviste la experiencia de cantar para otro grupo?

En ‘Just Tell Me Something’ cola-

“Fue muy divertido. Esos tipos son geniales. Me alegro mucho de que Ivan haya vuelto. Es genial verlo de

bora Danny Worsnop de Asking Alexandria. ¿Cuándo le conociste y por qué pensaste en él?

LA M.O.D.A.

CARRETERA

INFINITA

JUSTO EN EL MOMENTO DE MAYOR POPULARIDAD DE SU CARRERA, LA MARAVILLOSA ORQUESTA DEL ALCOHOL SE DESMARCAN CON UN EP GRABADO JUNTO A STEVE ALBINI EN EL QUE SALE A RELUCIR SU SONIDO MÁS CRUDO. NOS SENTAMOS CON EL GRUPO QUE MÁS CONCIERTOS HA DADO ESTE AÑO EN ESPAÑA A LAS PUERTAS DE SU CITA MÁS MULTITUDINARIA. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

ROBABLEMENTE MI CÍRCULO DE AMISTADES ESTÉ MÁS QUE HARTO de oírme contar

esta historia, pero todavía sigo recordando con cierto orgullo la noche del 12 de mayo de 2012, en la que asistí al primer concierto en la capital de una joven formación debutante de seis chicos que venían desde Burgos enfundados en camisetas blancas de tirantes y armados con acordeón, saxofón, banjo y guitarras acústicas. “Apenas seríamos veinte personas en toda la sala entre los grupos, la gente que trabajaba allí y el público. Creo que sólo se vendieron diez entradas”, rememora su cantante y guitarrista David Ruiz seis años y medio más tarde sentado en un bar en el centro de Madrid. En ese periodo de tiempo, la sala en la que tocaron aquel día, Ritmo & Compás, ha cerrado, y The Backseats, la banda local que les acompañó en esa velada, anunció su separación hace unos meses. Sin embargo, La M.O.D.A. no sólo han seguido adelante, sino que se encuentran a punto de dar un nuevo concierto en Madrid. Solo que esta vez lo harán en el Palacio de los Deportes ante un público que prácticamente multiplica por mil a los que asistieron a su primera visita madrileña. Obviamente, para llegar hasta aquí han tenido que pasar muchas cosas. Entre ellas, dos EPs en inglés, tres discos de estudio ya en castellano y, sobre todo, una cantidad descomunal de conciertos a lo largo y ancho de toda la Península, con una media que ronda el centenar de actuaciones por año. Ahí es donde David junto a Joselito Maravillas (acordeón), Alvar de Pablo (saxo-

fón), Jorge Juan Mariscal (bajo), Caleb Melguizo (batería), Jacobo Naya (teclados, guitarra) y su ya no tan nuevo guitarrista Nacho Mur, se han ganado el lugar que ahora ocupan, batiéndose el cobre cada fin de semana tocando en fiestas de pueblos, festivales o salas sin importar los kilómetros acumulados o cuánta gente fuese a verles. Que este verano hayan sido el grupo nacional con mayor presencia en nuestros festivales no es pura casualidad. Sencillamente, es su hábitat natural. Pero más allá del innegable trabajo que les acredita, el folk rock de los burgaleses ha sido capaz de llegar a toda una generación de lo más amplia. Todavía quedará algún despistado que cada vez que suena su nombre los emparente junto a grupos como Izal o Lori Meyers. Y quizás ésa sea una de las razones que explican la aparición de un nuevo EP en el que le dan una vuelta a su sonido con la producción de todo un Steve Albini, justo cuando se encuentran en su momento de máxima popularidad. Registrado en tan sólo dos días en los Electrical Studio de Chicago, 7:47 (Ni Un Minuto Más) (PRMVR) reconecta al grupo con la vertiente punk de sus inicios desde otra perspectiva. Con la excusa de apoyar su lanzamiento, David, Joselito y Nacho se pasaron por Madrid a mediados de octubre para hacer una jornada intensiva de promoción con los medios. A pesar de que llevaban desde primera hora de la mañana sin parar, se mostraron igual de cercanos como cada vez que me he cruzado con ellos y tremendamente ilusionados por el momento que están atravesando. Y eso que después les quedaban otras dos entrevistas más antes de coger un autobús de vuelta a Burgos... Si algo me 27

“PONERNOS AHORA A CANTAR EN INGLÉS... SENTIRÍAMOS COMO QUE NO SON NUESTRAS LAS CANCIONES Y NO NOS LO PIDE EL CUERPO” DAVID RUIZ

quedó claro tras el rato que compartimos, es que todavía no se han olvidado de donde vienen. Ahora que estáis a punto de dar el concierto más grande de toda la trayectoria de La M.O.D.A., yo quería remontarme casi al principio de toda esta historia, a vuestro primer concierto en Madrid hace seis años en Ritmo & Compás. ¿Qué se os viene a la cabeza al recordar aquel día? JOSELITO MARAVILLAS “Recuerdo

que vinimos en varios coches, como si fuéramos a hacer aquí un desembarco (risas). Creo que fuimos tres coches para llevar el equipo, la batería, también algún amigo... Y con la mayor ilusión del mundo por poder tocar en Madrid por primera vez. También recuerdo que fue el 12-M y que realmente no había mucha gente viéndonos porque estaba el tema de la manifestación que hubo aquel día”. DAVID RUIZ “Bueno, y porque no

nos conocía ni Dios (risas). Éramos tres grupos, las personas que vinisteis al bolo, y entre todos éramos veinte ó 25. Sí que me acuerdo que nos llevamos un poco una desilusión porque éramos más músicos que público. No esperábamos ni mucho menos 200 personas, pero sí algo más. Pero bueno, cuando vimos el percal fue la primera vez que aprendimos a cambiar el chip y tocar como si la sala estuviese llena. Al final en esos bolos se aprende mucho más incluso que en otros más grandes. Eso lo aplicamos un montón de veces, sobre todo en los primeros años. Antes de aquel concierto en la Ritmo & Compás habríamos tocado no más de diez veces fuera de Burgos como mucho”.

tocaba así. Yo utilizaba la excusa de B.B. King para poder hacerlo (risas). A mí me molaba tocar sentado porque te cansas mucho menos y cantas más fácil incluso. También Joselito tocaba el bombo y lo hacía sentado. Han cambiado muchas cosas, pero en el fondo la esencia y el espíritu sigue siendo muy parecido. Quizás ahora somos menos ingenuos y más responsables para poder hacer las cosas bien, porque te digo que en ese concierto de Ritmo & Compás no sé cuántas cervezas nos pudimos beber entre los tres grupos (risas)”. Siguiendo echando la vista atrás, ¿cómo veis ahora con perspectiva vuestros dos prime-

Yo lo que recuerdo de ese con-

ros EPs en inglés? Hace tiempo

cierto es que ha sido la única

que los dejasteis de tocar en los

vez que te he visto tocar senta-

conciertos, supongo que por una

do. No sabía si es que tenías

cuestión de coherencia con lo

alguna lesión o que ibas ahí en

que es el repertorio actual del

plan bluesman (risas).

grupo.

DAVID “Claro, es que al principio

JOSELITO “Pues los recordamos con

muchísimo cariño. Aquellos años, cuando grabábamos en Westline con Juan Blas... También te digo que los veo muy lejanos porque como hace tanto que no tocamos esas canciones... La última vez creo que fue hace tres años cuando fuimos a Inglaterra”. DAVID “Yo cuando los he vuelto a escuchar los he recordado con más cariño del que esperaba. Hacía como cinco años que no me los ponía, los volví a recuperar hace poco y había cosas que me molaron a nivel instrumental. Tenían su punto”. ¿Y os veis haciendo alguna gira por salas pequeñas recuperando esas canciones y las versiones de Social Distortion y The Gaslight Anthem que hacíais al principio o no sois muy amigos de estas historias? DAVID “Ni lo hemos pensado. Es que

nos cortaría todo el rollo. Ponernos ahora a cantar en inglés... Sentiríamos como que no son nuestras las canciones y no nos lo pide el cuerpo. Al menos a mí ahora mismo no me apetecería nada. Además, creo que veríamos todos los fallos sintácticos que cometimos (risas). Pero como te decíamos, recordamos con mucho cariño esa etapa, que fue fundamental para seguir avanzando hasta donde estamos ahora”. Hay algo que me llama mucho la atención y es que al acabar la gira de La Primavera Del In-

vierno, os tomasteis un descanso de los escenarios porque no queríais cansar al público. Sin embargo, este verano habéis sido el grupo que más festivales ha hecho. ¿Cuán de complicado es medir todo esto para

no llegar a saturar? DAVID “Yo creo que hasta el momen-

to lo manejamos bien. Con Salvavida (De Las Balas Perdidas) hemos hecho un montón de festivales, hemos tenido nuestra gira en salas como hay que hacerla, hemos tocado por primera vez en Colombia, Estados Unidos, en México volvemos ahora, también vamos a Dublín, Londres... Y creo que hasta ahora está siendo algo controlado y estamos a gusto como año fuerte de gira presentando disco nuevo como está siendo. El año que viene seguiremos tocando, pero después del último bolo el 15 de diciembre en A Coruña pararemos, por lo menos hasta marzo, que no sabemos si tendremos que volver a México porque pueden salir cosas para esas fechas. Pero en principio pararemos en invierno, también la actividad en redes, precisamente para no quemarnos nosotros, y luego seguiremos dando conciertos a partir de abril, con las canciones del EP, dándole una vuelta al repertorio incluyendo algún pasaje instrumental que antes no había, cambiando un poco el orden... Pero básicamente son dos años y luego hay que parar otra vez. Es jodido como tú dices, porque quieres tocar pero tampoco cansar. Es tu oficio y es tu naturaleza, pero por otro lado, se desvirtúa todo. Lo hemos visto en otros grupos. El otro día haciendo una entrevista con Joan Luna de MondoSonoro, me preguntaba si hemos aprendido mucho de nuestros errores, y yo le decía que creo que hemos aprendido más de los errores de los demás que de los nuestros, que es todavía más jeta (risas). Por ejemplo, hemos visto miles de bandas cuando éramos pequeños que tocaban en todas las fiestas de los barrios en conciertos gratuitos. Nosotros hemos aprendido que si

tocas mucho en ese tipo de conciertos, luego la gente no va a verte a la salas porque ya te ha visto muchas veces y no lo aprecia. Por otro lado, hay que buscar un equilibrio porque también nos mola tocar en fiestas y que venga a verte un pueblo entero, gente que no te conoce de nada y se engancha al grupo y así empieza a ir a salas. Con los festivales igual, te exponen ante una audiencia que de otra forma no te hubieran escuchado nunca, pero siempre teniendo en cuenta que el seguidor y el concierto de verdad es el de la sala con tu equipo, tu técnico de sonido y con repertorio más extenso”. Por otra parte, como ya habéis comentando, este año es en el que definitivamente os habéis lanzado al extranjero. ¿Cómo está siendo el recibimiento fuera de España? JOSELITO “Realmente sorprendente.

En el caso de Colombia nos llamó mucho la atención porque tocamos en el Rock Al Parque, que es el festival más grande de Latinoamérica. Fueron también Bala, Angelus Apatrida...”. DAVID “Y desde que salimos ya había gente cantando todas las canciones en primera fila con camisetas autodiseñadas, incluso”. JOSELITO “A mí lo que me sorprendió es que el carácter del festival era más cañero”. DAVID “Sí, nosotros les deberíamos de parecer un poco light (risas). Pero no sé, debe ser que allí tienen las orejas más abiertas”. Y supongo que a raíz de ir a Estados Unidos, fue cuando salió la oportunidad de grabar con Steve Albini en sus estudios de Chicago. ¿Cómo se gestó 7:47 29

(Ni Un Minuto Más)? NACHO “Primero fue lo del Ruido

Fest. Nos llamaron para tocar allí, que es un festival de música latina. En Chicago hay muchos mexicanos, latinoamericanos... Aprovechamos y sacamos dos fechas más, una en Nueva York y otra en Washington. Y mientras estaba pasando todo eso, teníamos tres canciones que íbamos trabajando en el local y no teníamos muy claro qué hacer con ellas. Iban por otro lado y sacaban otra parte de las influencias que tenemos, más garagera y punki. Queríamos desnudarlas un poco, que tuviesen menos mandolina, banjo, acordeón... menos arreglos, en definitiva, más directas y urgentes. Y como fue un poco todo a la vez, íbamos a Chicago y allí está Steve Albini, que es una referencia brutal para nosotros, pues...”. DAVID “Y que además sabíamos que se podía hacer porque Berri Txarrak y La Habitación Roja ya habían estado con él”. NACHO “Si nos hubiera dicho que no y hubiera pasado de nosotros, no sabemos si el EP lo hubiéramos grabado en otro sitio o si ni siquiera existiría. Pero probamos a escribirle, nos dijo que sí, y para allá que fuimos. La verdad que viéndolo ahora, salió todo muy bien. Nos pidió un par de canciones de referencia para escucharnos, porque él elige lo que hace y lo que no, y le gustaron. Todo salió aprovechando estos conciertos que teníamos, porque si no, no nos hubiéramos podido permitir ir a grabar allí”.

reservados en el estudio. Lo grabamos todo el primero, el segundo mezclamos y el tercero nos dijo: “Chicos, tomad vuestro dinero que no os hace falta este día”. Es un detalle de crack. ¿Y cómo era? Pues vestido con un mono de trabajo, como si fuese un mecánico del rock (risas). A nosotros nos gustaba esa visión que tiene él de no cobrar los royalties de los discos. Él creó un poco esa filosofía junto a gente como Fugazi, Ian MacKaye, Dischord... Y la grabación fue increíble. Nada más llegar nos enseñó las diferentes salas, con varias plantas. Tiene una habitación llena de alimentos de batería, con seis o siete bombos de diferentes años y maderas. Luego también hay un taller donde fabrica sus propios pedales, arregla guitarras y amplis, cacharrea con todo lo que pilla... Y bueno, luego montamos el set de batería, Nacho y Jacobo escogieron un poco el equipo con unos amplis antiguos que ellos conocen bien porque son unos enfermos de los sonidos y los pedales (risas), y luego, pues a tocar y que todo estuviese bien. El tío no se mete para nada en la composición, ni los ritmos, ni el sonido... Él sólo programa los horarios y se preocupa de que la toma de sonido sea correcta desde el punto de vista del ingeniero. Le preguntabas por algo y te decía ‘yo no soy productor, son ingeniero’”.

Básicamente lo que hace es sacarte el sonido, pero con ese toque especial de la cinta”. NACHO “Tú escuchas las baterías de muchos discos que ha grabado y es que suenan a él, de grano gordo, con los amplis de válvulas y demás”. Puede que sea una paja mental mía, pero el sacar un EP como éste con un componente tan marcadamente punk por la crudeza de la grabación justo en este momento que estáis en lo más alto en cuanto a popularidad, ¿no es un poco declaración de intenciones? DAVID “Desde luego, tenemos parte

del alma de esa música porque nos hemos criado escuchando esos grupos. Al final tenemos un sonido que ha venido dado por la mezcla de lo siete. Pero sí, claro que lo hemos buscado un poco queriendo. En el momento de más éxito sacar algo que es justo lo opuesto. Lo más crudo, directo y corto posible, e incluso sin los instrumentos que más nos han hecho reconocibles porque hay menos acordeón y casi no hay ni saxo, ni clarinete. Es darle otra vuelta al sonido y mostrar otra cara que no es la que enseñamos habitualmente, pero que está ahí”. En ‘Altamira’ vuelves a hablar sobre la libertad de expresión,

Recuerdo leer una entrevista a

que ya lo hiciste en ‘Himno Na-

Gorka de Berri Txarrak de cuan-

cional’. Tengo que decirte que en

do hicieron Payola con él y co-

su momento, que además coinci-

mentaba un poco eso, que le

dió con el referéndum de Cata-

decepcionó que no se involucra-

lunya, yo pensaba que iba a

¿Y cómo es Albini? ¿Es tan freak

se más en ese sentido. Él sólo se

crear muchísima más polémica y

como parece en los documenta-

dedica a grabarte y ya está.

al final no ha sido así. No sé si

les de Sonic Highways?

DAVID “Totalmente. Se preocupa de

crees que hay una parte del pú-

DAVID “Es tal cual. Es como estar allí

colocar los micros, mirar un par de cosas, que esté todo bien, y poco más.

blico que a lo mejor no presta

en un documental. Teníamos tres días

tanta atención a ese lado más

“ES LA HOSTIA PODER TOCAR DELANTE DE TANTA GENTE Y NOS GUSTARÍA LLEGAR A CUANTA MÁS MEJOR, PERO NO A CUALQUIER PRECIO” DAVID RUIZ

reivindicativo que queréis transmitir a veces.

mos controlar y que, además, sería muy insano tratar de hacerlo”.

DAVID “Quizás hay una mínima parte

que sí es así, pero pienso que con nuestra forma de actuar en cuanto a lo extramusical como el no tener una discográfica, el no querer sonar en ciertas radios generalistas... Estoy seguro de que, por supuesto, hay gente que le gusta el grupo y no se plantea lo que dice una letra, pero creo que la mayoría de la gente está bastante ubicada. También es tarea nuestra no obligar o manipular para que se nos vea de una determinada manera, sino saber dónde estamos como, por ejemplo, publicando estas canciones nuevas en un vinilo de 10” o el hecho de currar con Steve Albini y no hacerlo con otro productor de moda. Creo que así es como tenemos que ir posicionándonos, en silencio y sin hacer ruido, insinuándolo de una manera muy clara. Luego, donde estemos en la cabeza de la gente es algo que no pode-

Para el concierto del Palacio de los Deportes el próximo 1 de diciembre, ¿podemos esperar muchas sorpresas? DAVID “No vamos a llevar a ningún

invitado. Queremos que de alguna forma ese día sea nuestro y valernos por nosotros mismos. Nos hace ilusión además ser parte de nuestra filosofía y mostrarnos tal y como somos. Si es suficiente, bien, y si no, pues es lo que hay”. A lo largo de los años, seguramente desde dentro lo habéis ido viviendo de otra manera, pero yo desde fuera veía muy

llegar. DAVID “Pues tuviste más vista que

nosotros (risas). Pero sí es cierto que no hemos querido tener prisa por crecer demasiado rápido”. JOSELITO “Hemos querido tener nuestro propio camino, ir paso a paso y creyendo en lo que debíamos de hacer”. DAVID “Desde que empezamos el grupo y hasta el día de hoy el objetivo final no ha sido el de llenar ciertos sitios, sino que nos guste lo que hacemos y poder hacer cosas como grabar con Albini y tenerlo para toda la vida o ir a tocar a Colombia. Es la hostia poder tocar delante de tanta gente y nos gustaría llegar a cuanta más mejor, pero no a cualquier precio y pasando por algunos aros de la industria”.

claro que algún día ibais a lograr tocar en un sitio así. Incluso me da la impresión de que os lo habéis tomado con calma, de que no teníais mucha prisa por

RISE OF THE NORTHSTAR

20TH CENTURY BOYS

NO LO PODEMOS EVITAR: SENTIMOS ESPECIAL DEVOCIÓN POR RISE OF THE NORTHSTAR. SU FACILIDAD POR PATEAR CULOS Y HACER HERVIR EL PIT NOS HAN CONQUISTADO, PERO SU OBSESIÓN POR LA CULTURA JAPONESA TAMBIÉN HA AYUDADO. IGUALMENTE, NO NOS ENGAÑEMOS: PARA FIRMAR UN ÁLBUM TAN AMBICIOSO COMO THE LEGACY OF SHI HACE FALTA MUCHO MÁS QUE LEER MANGAS, ZAMPARSE DRAGON BALL POR ENÉSIMA VEZ O DISFRAZARSE DE SAMURÁI. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

ÁS QUE CON QUIMONOS, EN SU PRÓXIMO TOUR RISE OF THE NORTHSTAR deberían salir

vestidos con monos de trabajo dado el tremendo currazo que se han pegado para lanzar The Legacy Of Shi (Nuclear Blast). Los que andamos metidos en el metal extremo (o el jazz, o la música clásica…) solemos mirar por encima del hombro (y triste prepotencia) a las demás escenas musicales, como si fueran menos por expresarse con BPMs terrenales o desprovistos de un millón de notas por canción, pero la verdad, no me hubiera gustado estar en la piel de los franceses cuando se desplazaron hasta Nueva York para grabar su segundo largo junto a Joe Duplantier. Por lo que nos comenta su bajista Fabulous Fab, sudaron la gota gorda para parir estos once cortes, y especialmente su vocalista Vithia, un tipo que es todo actitud, pero que no es Rob Halford precisamente. Como si de un coach se tratara, el Gojira les exprimió al máximo para parir un disco que peta abrumadoramente a tiempo completo y que amplifica todos los espectros del combo. La banda que completan los guitarras Evangelion B y Air One, además del nuevo batería Phantom, lo dio todo para brindarnos otra ración de riffs que caen como obuses, rapeos que entran

sin vaselina y diversión infinita, porque eso es justo lo que Rise Of The Northstar siempre brindan. Además, el rollo conceptual que se trae The Legacy Of Shi cobra muchísimo más valor en boca del cuatro cuerdas, porque imaginábamos que sería algo atractivo y envolvente, pero no hasta el punto de contar con Vithia como principal protagonista junto a su reciente ‘amigo’. Ahora sí, los galos se disponen a alcanzar el máximo nivel de super saiyan, y todo gracias a cuatro elementos que te quedarán más que claros al término de esta entrevista. ¿Qué es The Legacy Of Shi? ¿Puedes explicarme más acerca de la historia conceptual que hay detrás del disco? FABULOUS FAB “Para empezar,

Shi es un personaje ficticio creado por nuestro cantante Vithia. Es un yōkai, un demonio japonés que no pudo acceder a los cielos, y como resultado, elige a un anfitrión para poseerlo cada cien años. Su legado es la constante dualidad que encontrarás a través de las letras del disco y su artwork, pero también en la lucha entre él y la banda a lo largo de los temas donde ahora se encuentra, dentro de Vithia. El punto es determinar quién posee a quién… ‘Shi’ también significa ‘cuatro’ en japonés, y se considera un número maldito en su cultura. Sin

embargo, lo usamos porque cuatro de nosotros grabamos este álbum ya que Phantom aún no estaba en el grupo en ese momento, y también simboliza las cuatro dimensiones de nuestra música y universo: metal, rap, hardcore y mangas”. Vaya… La verdad es que el nuevo trabajo es un gran salto si lo comparas con cualquier otra cosa que hayáis hecho antes. Hay múltiples voces, más rap y diversidad de sonidos… ¿Sientes lo mismo? Y en caso de que sí, ¿a qué lo achacas?

“Definitivamente quisimos abrir una brecha real entre Welcame y The Legacy Of Shi en cuanto a calidad se refiere, ¡así que bien si lo has notado! Estos elementos que comentas ya han sido más o menos destacados en nuestros anteriores lanzamientos, pero ésta es la primera vez que nos lleva tanto tiempo componer un álbum. Seleccionamos la lista de canciones actual de entre más de 40 cortes instrumentales y profundizamos en los efectos, las capas de sonido, las atmósferas… y el uso de guitarras de afinación grave de siete cuerdas también nos permitió explorar direcciones que nunca antes habíamos intentado. The Legacy Of Shi es, de largo, el álbum más rico y diverso que nunca hayamos escrito”. Sí, me sorprendió especialmente 33

‘Kozo’, una canción muy madura

se pierda todo su significado”.

y trabajada que muestra cuán-

La propuesta de Rise Of The Northstar es muy personal, pero

to habéis crecido como banda.

Ya. Si al principio me pare-

ahora diría que ya sois total-

¿Cómo surgió este tema, qué nos

ció raro que os fuerais hasta

mente una banda de crossover

puedes contar de él?

Nueva York para trabajar con

metal, con cada vez menos par-

“No existe algo parecido a un proceso de composición establecido dentro del grupo. En general, los riffs y las canciones salen naturalmente. Este corte es una de las canciones temáticas de Shi, y es que ‘Kozo’ es la palabra japonesa para ‘niño’, la palabra que Shi usa para llamar a Vithia en su lucha interna. El uso de las guitarras de siete cuerdas combinado con los versos de bajo y batería realmente te están llevando hasta lo más profundo de la confrontación durante la cual se escucha la voz de Shi. Definitivamente puedes considerar al demonio como a la guest appearance del álbum”.

Joe Duplantier, al que no se le

tes de puro hardcore. Quizá la

conoce precisamente por sus

canción ‘This Is Crossover’ lo esté

conexiones con el crossover o

anunciando… ¿Cómo lo ves?

el hardcore, cuando finalmente

“Nunca hemos sido y nunca hemos afirmado ser una banda de hardcore. Nos gusta y respetamos sus códigos, pero ésos no se aplican a Rise Of The Northstar. Es sólo una parte de nuestras influencias. Sin embargo, las personas nos etiquetaron como a hardcore y una canción como ‘This Is Crossover’ está aquí para poner las cosas en su sitio y hacer una declaración de las cuatro dimensiones del grupo: metal, rap, hardcore y mangas”.

Vithia canta en francés por primera vez en The Legacy Of Shi. ¿Por qué os decidisteis a utilizar vuestra lengua materna en el nuevo trabajo?

“Debes haberte perdido el verso en francés de ‘Authentic’ en Welcame… Nuestro cantante ya pensaba en incluir frases en francés en nuestras canciones, pero no tenía realmente ganas de hacerlo hasta que no escribió letras para The Legacy Of Shi. Yo y los chicos disfrutamos totalmente con la idea y con cómo suena. Las personas con las que trabajamos en el estudio Silver Cord lo aprobaron tan pronto vieron que el francés sonaba mejor que el inglés en las líneas en las que se usaba. Finalmente, hay algunas ideas y mensajes que Vithia quiere difundir en nuestra lengua materna sólo para que no 34

escuché el disco lo entendí perfectamente. Suena devastador, como un magma que se te lleva por delante. Cuéntame más sobre esta experiencia.

“Queríamos alejarnos de nuestra rutina diaria y zona de confort, así que grabar en el extranjero es algo que queríamos hacer, además de contar con alguien externo a la banda para que nos condujera. Todos disfrutamos con la producción de Gojira en Magma (vaya, mi típica descripción flipada no iba tan desencaminada… -ndr.), por lo que Joe Duplantier se convirtió en una opción obvia para coproducir nuestro segundo álbum. Encontramos en él al entrenador que necesitábamos, por así decirlo. Realmente se implicó en el proyecto en cuanto le contactamos y ayudó a agregar algunos detalles para mejorar nuestros temas, a pesar de que casi los habíamos terminado cuando llegamos a Silver Cord. También ayudó a Vithia a mejorar su pronunciación y acento para que pudiera ser mejor entendido internacionalmente. Joe es un perfeccionista, lo cual es una gran cosa, y la grabación fue muy intensa: los riffs se tocaron una y otra vez, y las líneas de voces fueron un desafío, pero también un dolor para nuestro cantante, pues se mantuvo encerrado con Joe durante semanas”.

‘Here Comes The Boom’ o ‘Nekketsu’ son brutales, pero me ha sorprendido mucho ‘Cold Truth’ porque es absolutamente nu metal. Es intencionado, ¿no? ¿Cómo de importantes son Korn o Deftones para vosotros?

“No realmente… Como he dicho, las canciones simplemente salieron de forma natural y no escribimos como ‘la canción nu metal’, ‘la canción hardcore’, ‘la canción thrash’, o buscamos cualquier diseño de composición. Sólo concebimos el disco tal y como es y en su globalidad. Todos tenemos nuestras influencias individuales, pero acordamos algunas cosas en común, y Korn y Deftones obviamente son parte de ello ya que crecimos escuchándoles junto a Slayer, Biohazard, Wu-Tang Clan, Rage Against The Machine, Onyx, Suicidal Tendencies…”.

“NUNCA HEMOS SIDO Y NUNCA HEMOS AFIRMADO SER UNA BANDA DE HARDCORE. NOS GUSTA Y RESPETAMOS SUS CÓDIGOS, PERO ÉSOS NO SE APLICAN A RISE OF THE NORTHSTAR. ES SÓLO UNA PARTE DE NUESTRAS INFLUENCIAS” FABULOUS FAB

Body Count es otra influencia

puedes recomendarme? ¿Pue-

muy clara, al igual que Slipknot

des comentarme nuevas obras

en ‘All For One’. Siempre habéis

geniales para leer o mirar? O

dicho que cualquier cosa que

algo antiguo que consideres

surgiera en los 90 os ha marca-

imprescindible…

do, ¿verdad?

“No ando realmente metido en las cosas recientes… El anime One Punch Man es bastante bueno y entretenido, y el manga también. Samurai Champloo también fue un buen hallazgo, y Prison School es un visionado realmente divertido si te gusta el fan-service (risas). Y si no estás deprimido, ¡corre a ver Berserk! (Es algo majestuoso, andaba justo leyendo el cómic en ese momento –ndr.) Ahora vayamos al

“Los años 90 realmente moldearon nuestros gustos musicales, eso es seguro, y no es sorprendente sentir su influencia en nuestra propuesta, ya sea metal o rap en las bandas que mencioné antes. Eso también se aplica a varias obras de manga y anime que son parte de nuestro universo”. ¿Qué nuevo manga o anime

grano: Hokuto No Ken, Dragon Ball, Akira, Rookies y Great Teacher Onizuka son mangas que debes leer. Son parte de la cosmogonía de la banda por ser obras impresionantes para todos nosotros. Sólo léelo y disfruta de la grandeza atemporal”. Guay, y ya para terminar, ¿dónde prefieres tocar, en el Resurrection Fest o en casa, en Francia?

“Prefiero tocar en Japón (risas)”.

FAT MIKE

O M I T L Ú L E O N A C I H O M

FAT MIKE LLEVA TODA SU CARRERA JUGANDO A SER EL ENFANT TERRIBLE DEL PUNK ROCK CON DECLARACIONES SALIDAS DE TONO Y UNA ACTITUD GAMBERRA. Y DEJANDO GRANDES CANCIONES EN EL CAMINO JUNTO A NOFX, CLARO. MUY REACIO A DAR ENTREVISTAS, NO PODÍAMOS DEJAR PASAR LA OPORTUNIDAD QUE SE NOS BRINDÓ DE CHARLAR CON ÉL APROVECHANDO SU PASO POR EL FESTIVAL GASTEIZ CALLING. LO QUE OCURRIÓ A CONTINUACIÓN… BUENO, JUZGAD VOSOTROS MISMOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ALEX BELZA

A CITA ES A LAS ONCE Y MEDIA DE LA NOCHE EN EL CAMERINO DE

NOFX. Cuando entramos, El Hefe

y Fat Mike están sentados en un sofá mientras Eric Melvin está haciendo estiramientos. Al batería Erik Sandin lo hemos visto dando tumbos por los pasillos del backstage del Iradier Arena enchufado a sus auriculares ajeno a todo. Poco a poco van desfilando y nos quedamos a solas con Michael John Burkett, su nombre real, y su tour manager. Tras presentarnos y darle la mano, el cantante y bajista de NoFx le pide a su tour manager si tienes unas toallitas húmedas. Sin cortarse un pelo, se baja la parte posterior de sus pantalones y empieza a limpiarse el culo, tirando, una a una, las toallitas en el suelo. “Joder, me pica un montón el culo”, dice riendo. Y mientras se sienta en una silla a nuestro lado, suelta jocoso: “Suerte que ya te he dado la mano antes”. Por un momento nos sentimos dentro de un capítulo de su maravillosa serie NOFX: Backstage Passport y nos preguntamos si habrá alguna cámara oculta. Podríamos empezar preguntándole por si pronto habrá nuevo disco del grupo -el último, First Ditch Effort, salió hace dos años-, por sus polémicos comentarios en un concierto en Las Vegas bromeando sobre la masacre que se había producido unos meses antes -“Al menos eran fans de la música country y no del punk”, dijo- o por la gira Punk In Drublic que ¡atención! les traerá el 14 de mayo al Wizink Center de Madrid, el 17 al Poble Espanyol de Barcelona y el 18, de nuevo, al Iradier Are-

na de Vitoria-Gasteiz, en muy, muy buena compañía. Pero como está claro que esta entrevista no va a ser como las demás, optamos por romper el hielo por algo más personal…

¿Sentiste algo especial al cumplir los 50?

“Los 50 son los nuevos 70”. ¿No lo viste como un logro teniendo en cuenta tu estilo de

El año pasado cumpliste los

vida?

50. Tengo curiosidad por saber

“¿Cómo un logro? No”.

cómo lo celebraste. FAT MIKE “¿Tienes curiosidad?

¿Cuando te miras al espejo, qué

Bueno, hice una fiesta en un club de sado. Y bueno, me colgaron de unos ganchos…”.

ves?

“Veo a un judío”. Me refiero a que si ves a una

¿Por los pezones?

persona de 50 años o no. Dicen

“No, por la espalda. Tengo una foto. Era mi primera vez. Eran cuatro ganchos y estaba atado. Llevaba tacones y, como seguía tocando el suelo, salté ”.

que la imagen que tienes de ti mismo a los 14 años es la que guardas para el resto de tu vida.

“Joder, sí me dolió. ¿Estás de broma?”.

“Vaya… Creo que me veo un poco más viejo que eso. Pero por dentro soy un adolescente. Tomo drogas, me mola el sexo guarro, hago siempre lo que quiero”.

¿Era algo que querías hacer

Mientras puedas…

antes de morir?

“Puedo. No empecé a tomar drogas hasta que tuve 31 años”.

¿Te dolió?

“¿Estás diciendo que me estoy muriendo?”.

Recuerdo que en otra entrevista Bueno, todos estamos más cer-

me dijiste que le dirías a tu hija

ca de morir cada día que pasa.

que no podría tomar drogas

“Ya… Siempre había querido hacerlo, así que lo hice”.

hasta que cumpliese 31.

¿Has repetido?

¿Crees que te ha hecho caso?

“¡Noo! Me dolió un montón. Después de tres o cuatro minutos, no tanto. Pero duele mucho. Me he tomado una pastilla de éxtasis hace 20 minutos”.

“Mmm… No, creo que ha fumado algún porro. Y sé que también ha bebido. Pero sigue sacando buenas notas en la escuela, ¿qué puedo decirle? También ha empezado a escribir canciones al piano. Ha escrito una sobre Tony Sly porque su mejor amiga es Fiona, la hija de Tony. Mola mucho”.

Bien por ti.

“Puede que sea divertido o puede que no”.

“Y se lo he dicho. Ahora tiene 14”.

¿Cuál es el primer recuerdo que tienes de pequeño?

“¿Queeeé? ¿Cuando abusaron de mí? Aquéllos eran buenos tiempos. No sé… Mi primer recuerdo… Que mis padres me ignoraran. ¿Qué te parece?”. ¿No tuviste una infancia feliz?

“No. Mis padres me rechazaban. Era hijo único y mis padres nunca estaban”. ¿Y qué hacías?

“Miraba la tele ocho horas cada día. Me encantaban Los Tres Chiflados, La Pequeña Pandilla. Mi hija se llama Darla por La Pequeña Pandilla. No podía llamarla Alfalfa (risas). Spanky hubiera sido un buen nombre porque a mí me va el BDSM”. ¿Fue a través de la tele que te interesaste por la música?

“No. Tengo una historia distinta a la mayoría. Cuando tenía 14 años iba con un amigo en autobús de camino al cine, y de golpe me dijo ‘vamos a ver a este grupo al Whisky en lugar del cine’. Y le dije ‘vale’. Así que me metí en el punk rock por ir a un concierto”.

“Jesús, qué peste (risas)”.

“No, no funciona así”.

¿Qué banda era?

Volviendo a lo de tu hija, ¿crees

¿De quién es la culpa entonces?

que la sociedad ha ido para

“De los alemanes (risas). ¿Por qué no culparles a ellos? Les culpo de muchas cosas”.

“X y los Subhumans. Era el 81. Era en verano, antes de ir al instituto. Es una locura pensar que mi hija tiene la misma edad que cuando yo empecé a ir a conciertos. Podía llegar a casa a las dos de la mañana y no pasaba nada. Ahora sería imposible. Perdona… (Se tira tres pedos -ndr.)”. Tranquilo, puedo olerlos, pero no pasa nada.

“TOMO DROGAS, ME MOLA EL SEXO GUARRO, HAGO SIEMPRE LO QUE QUIERO”

atrás en el sentido de que un chaval de 14 años no tiene la libertad que quizá tú tuviste?

“En los 70 y los 80 las cosas eran de esa manera”. Pero como padre se supone que eres más liberal que tus padres,

En serio, ¿no crees que deberíamos estar en otro estadio?

“Estamos en otro estadio. Creo muy en serio que el mundo tal y como lo conocemos terminará muy pronto”.

y en cambio no dejarías que tu hija saliese sola.

¿Cómo de pronto? ¿Diez años?

“TIM ARMSTRONG NO ES ODIADO, BILLIE JOE NO ES ODIADO, GREG GRAFFIN NO ES ODIADO, AL BARR NO ES ODIADO, PERO YO SÍ”

“Tan pronto como una gran ciudad se quede sin agua. Eso cambiará el mundo. Entonces es cuando todo dará miedo de verdad. Posiblemente sea Sao Paulo, en Brasil”. Hace diez años en Barcelona tuvieron que traer barcos con agua porque se había terminado toda.

“Pero Barcelona es diferente porque tenéis algo de dinero. Pero Sao Paulo es distinto. Son diez, doce millones de personas, y Brasil no pagará por llevarles barcos. No tenéis guetos en Barcelona como los de Sao Paulo. Habrá mucha violencia. Cuando tenía 12 años pasé un día y medio sin agua durante un campamento de verano. Fuimos de excursión y el río estaba seco, por lo que seis niños tuvimos que andar por la montaña durante doce horas para 40

conseguir agua. Así que he sentido lo que es no tener agua. Sabíamos que no íbamos a morir, o al menos eso esperábamos, pero el nivel de desesperación no se parece a nada que hubiera sentido antes. No es como tener hambre. Y si mi hija no tuviera agua y estuviese llorando, haría lo que fuera para conseguirla. Así que las guerras del agua empezarán cuando una gran ciudad se quede sin ella y eso será lo que cambie el mundo”.

vendrán. Dicen que los únicos sitios habitables serán Siberia y Alaska. El problema es que ni Canadá, ni Siberia, ni Alaska podrán defenderse. Inglaterra puede defenderse. Así que… He leído libros sobre eso”. ¿Crees que estarás vivo cuando ocurra?

“No, la putada es que mi hija sí estará viva. Tengo algo de dinero, pero no suficiente para salvarla”. Cuando la tuvisteis, ¿queríais

¿Crees que la humanidad necesi-

ser padres?

ta una gran crisis para cambiar

“Sí, pero mi mujer y yo nos prometimos que no cambiaríamos nuestra vida por nuestra hija. Tendría que vivir con cómo somos. Mi mujer y yo tomábamos drogas. Yo ahora ya no tomo drogas, bueno, alguna vez. Mi mujer ya no toma drogas, pero la dejé porque era

de verdad?

“No, no. No tenemos elección. Cuando se derritan los polos y lo inunden todo… Europa se va a congelar, Holanda, Alemania, Francia… Inglaterra va a estar bien. ¿Qué crees que pasará con España? Los del norte

una adicta horrible. Mierda… el éxtasis me está subiendo. ¿Tengo las pupilas dilatadas?”.

soy el único que es odiado”.

en la miseria... ¿Y crees que es sólo por eso?

“No”. Un poco.

“(Risas) Pero tomamos la decisión tanto en nuestras canciones como en el libro… Todos sabíamos que nosotros y nuestros hijos iban a sufrir por lo que iba a salir en el libro (se refiere a su imprescindible biografía NOFX: The Hepatitis Bathtub And Other Stories -ndr.). Pero ése era el pacto. Si íbamos a escribir el libro teníamos que contarlo todo. Y bueno… Darla no quiere leer el libro”. ¿No?

“No. Si la primera frase fuera que tu padre bebió meados…”. Yo lo leería.

“(Risas) Bueno, le dije que cuando cumpla los 18 ya no podrá leerlo”.

Pero te da igual.

“No, no me da igual. Me duele ser odiado. Me duele. Es porque soy gracioso y digo lo que pienso. No tengo miedo de decir cualquier cosa porque el arte está por encima de eso y si estoy en el escenario y veo algo gracioso, lo digo y punto. También hago monólogos cómicos, y en ese mundo puedes decir lo que quieras. Pero si estás en una banda no puedes hacerlo. Tim Armstrong no es odiado, Billie Joe no es odiado, Greg Graffin no es odiado, Al Barr no es odiado, pero yo sí. Y es porque soy punk rock y digo lo que me sale de los cojones”.

“(Risas) Para hacer buen arte no puedes tener miedo de lo que piensen tus jodidos hijos. ¿Crees que Salvador Dalí pensaba en lo que pensarían sus hijos? Es algo con lo que tienes que lidiar”.

“Pero no hay nadie que se muera de hambre. Si no tienes nada puedes acudir a comedores sociales, a las puertas traseras de los restaurantes, incluso puedes comer de la basura… La gente no para de tirar comida. En serio. Nuestro nivel de vida es genial. La gente está cabreada, pero nadie se muere de hambre en Estados Unidos. Y si no hay hambre, no hay guerra civil. La revolución ocurrió en Francia cuando estaban en la miseria, pero lo que me da miedo es que la gente súper rica no sea más inteligente y hagan que la gente de clase baja no se sienta desesperada. Lo inteligente sería mantenerlos abajo, pero no desesperados. Pero ahora lo están llevando al límite”. Es lo que te estaba diciendo.

¿Por qué nos has hecho una Rock Against Trump?

Le has puesto muchas reglas.

Pero cada vez hay más gente

“Es demasiado obvio. Pero sobre todo porque no puedes convencer a un seguidor de Trump. Dame una hora con un republicano votante de Bush y podría convertirle, pero a uno de Trump es imposible porque son imbéciles, son psicópatas”.

“Ya, pero no habrá una guerra civil. Antes llegará la guerra del agua. Eso es lo que hará que la gente se sienta desesperada. Y en Estados Unidos, para alguien como yo, que no tiene armas, será muy jodido. Sólo tengo dinero, pero no armas (risas)”. ¿Puedo preguntarte cuánto dinero tienes?

Dadas tus circunstancias, ¿crees

¿Y cómo te sientes viviendo ro-

que tener a tu hija fue un acto de

deado de tantos imbéciles?

egoísmo o de generosidad?

“Es interesante. América solía ser la defensora de unos valores, pero ahora el mundo puede ver la verdadera América: jodidamente racista, machista, idiotas temerosos de Dios…”.

“Todo lo que hacemos es jodidamente egoísta. Incluso cuando ayudas a otra gente estás siendo egoísta porque te hace sentir bien. Pero los dos años que invertí haciendo la campaña Rock Against Bush no fueron para mí. Sabía que iba a perjudicar mi carrera. Y lo hizo. Por eso miras a todas las bandas de punk rock, y de todas las estrellas del punk rock, yo

¿Crees que podría haber otra

“Puedes preguntarlo”. ¿Pero me contestarás?

“No (risas)”. ¿Es más de lo que hubieras imaginado?

“Sí, pero no tanto como la gente cree. Te diré lo que tengo. Tengo varios millones de dólares”.

guerra civil en Estados Unidos?

“No, porque nuestro nivel de vida es demasiado alto”.

¿Ganar dinero te ha hecho sentirte más seguro de ti mismo? 41

“EN MAYO ESTAREMOS POR AQUÍ CON LA GIRA PUNK IN DRUBLIC”

“Tengo dinero, pero no tengo la vida solucionada. Tengo que seguir trabajando”.

Es mi sexualidad”. ¿Y cómo lo viviste en el instituto? ¿Es algo que contabas a tus

Si vivieras en una casa en el

amigos?

campo, quizá no.

“No. La primera vez que follé, no fue de ese palo. Pero mi primera novia, con 16 años, era una punk rocker y nos ahogábamos, y me arañaba la espalda hasta que me salía sangre. No sé. Si quieres profundizar en eso, me parece interesante que la comunidad gay defiende el colectivo LGTB, pero nunca pondrán una K ahí (por Kinky Sex – ndr.). No quieren la K. Y yo no quiero formar parte de eso tampoco. Pero dicen que es porque es una opción sexual. Y yo pienso ‘curioso, eso es lo mismo que os decían a vosotros hace veinte años, que lo hacíais porque queríais’. Pero es mi sexualidad”.

“Ya, pero no es el caso”. Las drogas son caras.

“No, las drogas son baratas. Me gasto mucho más dinero en látex y cuero (risas)”. A propósito de eso, ¿cuándo empezaste a meterte en el BDSM?

“Es mi sexualidad”. Pero ¿cuándo descubriste que te gustaba?

“La primera vez que me hice una paja fue con 11 años. Pero las tetas, los culos, los coños… no me excitaban. Miraba una revista Penthouse y me parecía el National Geographic. Pero leí una historia sobre una mujer dominando a un hombre y eso me excitó. 42

Para ti no es una opción.

“Para alguna gente lo es, pero no para mí. Cuando tengo un sueño

erótico, sueño con eso. Ha sido así desde que era pequeño. Si quieres decir que fui socializado… puede que sí. Pero mis padres nunca me pegaron, nunca vi nada de cuero durante mi infancia, nunca me ataron… Quizá porque mi madre no estuvo por mí, y no me amamantó, quizá el que me aten está relacionado. Joder… llevo un globo de la hostia (risas). Joder… No sé cómo voy a tocar. Os estoy dando una entrevista grandiosa”. Creo que sí.

“¿Vas a preguntarme por la gira Punk In Drublic? ¿Vas a preguntarme por mi marca de ropa?”. Si quieres, claro.

“¿La has visto? ¿Qué te parece?”. No la compraría, pero mola.

“No creo que funcione en España. Sois demasiado machistas. Lo sé. Vuestro país está basado en la masculinidad y el patriarcado. No

puede funcionar. Disculpa, tengo que ir a cagar… Seguimos luego”.

Me sorprende que hayas sido

“Tengo práctica (risas)”.

Wreck su sonido. Pero me duele que NoFx tardaran tanto a venir a Fat Wreck. ¿Sabes qué contrato les ofrecí a NoFx?”.

Hablemos de la gira de Punk In

Ni idea.

Drublic que os traerá de nuevo

“El mismo que nos ofrecía Epitaph. Y me dijeron ‘si nos ofreces el mismo avance y la misma oferta, ¿por qué deberíamos fichar por Fat?’. Y les dije ‘porque yo ganaré más dinero en lugar de que lo gane Brett (Gurewitz)’. Y dijeron que sí. Ahí me demostraron que son mis hermanos. Quiero estar en un grupo con mis amigos”.

capaz de tocar con el globazo que llevabas.

EN ESE MOMENTO, Fat Mike

sale disparado por la puerta rumbo al baño que hay al final del pasillo. Pasan cinco minutos, diez, y el que empieza a sentir unas ganas irresistibles de mear soy yo. Así que me levanto, voy al lavabo y veo que está vacío. ‘El muy cabrón se ha escabullido’, pienso. Al volver, me dicen que Mike se ha metido en el camerino de Propagandhi. Tras esperar otros cinco minutos, llamo a la puerta y Mike me dice “Estoy hablando de cosas importantes. Ahora salgo”. Tras otros diez minutos, veo que sale abrazado al batería de la banda canadiense. Cuando le digo “Mike, ¿y la entrevista?”, me mira con cara de pillo y, encogiéndose de hombros, grita “¿Pero qué esperabas?”, mientras camina rumbo al escenario donde están actuando Agnostic Front. Teniendo en cuenta cómo había ido todo, tampoco me siento del todo insatisfecho con el material que tenemos, pero mi sorpresa llega horas después, cuando al terminar el concierto de NoFx -mucho mejor de lo que esperaba-, vuelvo al backstage justo en el momento en que entra Fat Mike. Para mi asombro, me coge del brazo y me dice “Venga, vamos a terminar la entrevista”. También está Karina Deniké, vocalista de Dance Hall Crashers, quien acompaña al grupo como teclista. Ni corto ni perezoso, Mike saca una bolsita de su pantalón y hace un volquete sobre la mesa. Antes de que ni pueda pensar si me va a ofrecer un tiro, Mike posa su nariz sobre la mesa y, sin rulo ni nada, se lo mete entero.

a España. ¿Es por los 25 años del disco?

“No, no está relacionado. Pero sí, en mayo estaremos por aquí con la gira Punk In Drublic. No fue mi idea ponerle ese nombre a la gira. Fue idea de Cameron, el tío que empezó Punk In Drublic en Estados Unidos. La idea era hacer un festival con 21 grupos, cerveza y NoFx. Pero yo le dije que nadie quiere ver 21 grupos, que hiciéramos cinco grupos y cerveza gratis. Las marcas de cerveza la traen y nos dan el 50% de lo que venden. En el primer concierto que hicimos se recaudó 330.000 dólares en cerveza (¿Pero no habíamos quedado en que era gratis? -ndr.)”.

¿Ficharías a Blink-182 para Fat Wreck?

“Sí, sólo escojo bandas que sean buenas y entretenidas. Agnostic Front son buenos y son amigos míos, pero no los escogería porque no gustarían a todo el mundo…”.

“Es una pregunta complicada ahora mismo porque Matt Skiba fue mi padrino cuando me casé. Y Travis Barker y Mark (Hoppus) son tíos guays. Pero no los habría fichado hace cinco años. Ahora quizá lo haría. Si me lo pidieran, lo haría. He rechazado a muchos grupos que estaban en multis. Sum 41, New Found Glory… Pero sólo ficharía a Blink porque son amigos míos. Bueno... vamos a dejar la entrevista. Aunque creo que no voy a dormir en los próximos tres días (risas)”.

Deberías tener a Dance Hall

Fat Mike se levanta, me da un

Crashers en la gira.

abrazo, y vuelve a decirme: “Tie-

“Puede ser, lo estamos hablando”.

nes una buena entrevista”. El

¿Escoges tú las bandas?

round 2 apenas ha durado cinco ¿De qué banda te sientes más

minutos, pero no seré yo quien

orgulloso de haber fichado para

le lleve la contraria. Veremos si

Fat Wreck?

en mayo se atreve a un tercer

“Odio decirlo, pero posiblemente Propagandhi. Me sentí muy orgulloso cuando sacamos su primer disco. Y cuando sacamos su segundo álbum, creo que eso le dio a Fat

asalto.

GOTTA, GOTTA, GO!!! ASÍ VIVIMOS EL GASTEIZ CALLING 2018

120

REFUSED

LOS PASADOS 9 Y 10 DE NOVIEMBRE, VITORIA-GASTEIZ SE CONVIRTIÓ, POR CUARTO AÑO, EN CENTRO DE PEREGRINACIÓN DE AFICIONADOS AL PUNK Y EL HARDCORE DE TODA LA PENÍNSULA Y MÁS ALLÁ. UNA AUTÉNTICA FIESTA DONDE NOFX, REFUSED O AGNOSTIC FRONT, ENTRE OTROS, PUSIERON LA BANDA SONORA. POR LO QUE PUDIMOS VER Y OÍR, TIENE PINTA DE QUE HABRÁ MUCHAS MÁS. TEXTO: JORDI MEYA, FERNANDO GÓMEZ FOTOS: ALEX BELZA

uando la tendencia general de los festivales parecer ser la de ‘cuanto más, mejor’, es un alivio que todavía queden eventos en los que no necesites un Excel para planificar qué grupos quieres ver y no te entre la ansiedad al saber los que te perderás por culpa de los solapes. Con las actuaciones programadas de manera consecutiva, y un único escenario del que ocuparte, sin tener que andar kilómetros de una punta a otra, el Gasteiz Calling es, ya de entrada, un festival super cómodo. Cierto es que la masiva asistencia de público hizo que el acceso a la pista se cerrara en diversos momentos, provocando algún que otro enfado entre quienes habían salido a mear y de golpe veían que no podían volver a entrar. Pero también es verdad

que, la distribución circular de las gradas en el Iradier Arena, permitía tener una excelente visibilidad desde cualquier punto. Además, el sonido mejoró notablemente respecto a anteriores ediciones. Otros detalles como el método de pago en barras mediante una pulsera recargable, o que los vasos reutilizables llevaran impresos los horarios, hicieron que la experiencia fuera aún mejor. VIERNES 9 Dos representantes patrios, Rat-Zinger y XXL, fueron los encargados de premiar a los asistentes más tempraneros. Los primeros con un punk rock macarra sin contemplaciones y los segundos con su hardcore melódico de manual fueron caldeando el am-

biente antes de que se pusieran en marcha las estufas situadas en el techo. Los israelís Not On Tour también recurrieron al hardcore melódico de los 90 para trazar su repertorio. La vocalista Sima Brami no se quedó sin oxígeno, a pesar del ritmo trepidante de sus composiciones, y se ganó la simpatía del público con un alegato contra los gobernantes de su país. Había muchas ganas de ver a los reunificados Nations On Fire, en el que iba a ser su primer concierto en más 20 años, pero tanta inactividad se notó. Su set estuvo falto de ritmo por las excesivas intervenciones en castellano del vocalista Edward Verhaeghe. Todo lo que dijo tiene sentido, pero quizá por la limitación del idioma hizo que no dijera nada más allá de tópi-

GBH

cos. Su intento de que el público cantara ‘Sarri Sarri’ de Kortatu como homenaje a Fermín Muguruza tampoco obtuvo mucha respuesta. En temas como ‘On And On’ o ‘Dedication’, vimos destellos de los que los belgas pueden llegar a ofrecer, pero no fue el gran retorno que esperábamos. En el polo apuesto, los ingleses GBH fueron al grano con un Colin Abrahall de gran presencia escénica. También el sonido les acompañó más y pudimos disfrutar de temas como ‘Sick Boy’, ‘Diplomatic Inmunity’, ‘City Baby’s Revenge’ o ‘Liquid Paradise (The Epic)’ en toda su potencia. Siendo una banda un poco plana, no nos engañemos, el tener que ajustarse a un set de festival les benefició. Dag Nasty continuaron la línea ascendente con una actuación sin florituras, pero sin ninguna fisura. Con un papel mucho más protagonista que en Bad Religion, Brian Baker llevó a

la banda en volandas. Hardcore punk con sabor añejo a Washington CD que sonó fantástico en temas como ‘Can I Say’, ‘All Ages Show’ y la versión de Minor Threat ‘I Don’t Wanna Hear It’. Shawn Brown, su vocalista original, aunque todo el mundo recuerde a Dave Smalley, también estuvo muy bien. La parroquia Oi! tuvo en Cockney Rejects su momento de mayor felicidad. Estos working class heroes ingleses convirtieron la antigua plaza de toros en un campo de la Premier con himnos como ‘War On The Terraces’ o ‘I’m Forever Blowing Bubbles’. Buen rollo y mucha conexión ideal para ir rellenando cervezas. Refused habían sido de las últimas bandas en incorporarse al cartel, pero desde luego eran de las más esperadas. Con un juego de luces muy cuidado y un elegante e hiperactivo Dennis Lyxzén, imbatible como

DAG NASTY

frontman, los suecos ofrecieron un show redondo. La única pega fue que faltó un poco de volumen, aunque quizá fue para buscar una mayor claridad. Alternando temas de su nueva época como ‘Servants Of Death’ o ‘Elektra’ con antiguos como ‘Rather Be Dead’, ‘The Deadly Rhythm’ (con intro del ‘Raining Blood’ de Slayer incluida), ‘Summer Holidays Vs. Punkroutine’ o la ineludible ‘New Noise’, Refused ganaron por KO. Tuvieron tiempo incluso de presentar un tema nuevo ‘Blood Red Until I’m Dead’, si no entendimos mal, lo que nos hace esperar que quizá su próximo disco no tarde mucho en llegar. Lyxzén también aprovechó para cargar contra el festival por la ausencia de mujeres el cartel. Y aunque nos parezca bien el toque de atención, habría que preguntarle cuántas mujeres son o han sido miembros de Refused. Pues eso.

S.A.

Se acercaba el final, pero todavía quedaban dos platos fuertes. Muy fuertes. Primero, Soziedad Alkoholika demostraron, por si alguien tenía alguna duda, que son una de nuestras bandas con un directo más aplastante. El espectáculo lumínico y efectos como los cañones de humo también parecía el de unas grandes estrellas. La contundencia con la que sonaron fue casi cruel, no dando ni un segundo de respiro a ritmo de thrash y hardcore metal con momentos de delirio en ‘Piedra Contra Tijera’, ‘S.H.A.K.T.A.L.E.’, ‘Ratas’ o ‘Nos Vimos En Berlín’. El recuerdo a los presos de Alsasua antes de ‘Palomas Y Buitres’ fue otro momento álgido. Pasan los años y su depósito de mala leche nunca alcanza la reserva. Para rematar Suicidal Tendencies, con una formación incluye al monstruoso Dave Lombardo a la batería, nos trasladaron a un skate park de

STREET DOGS

Venice Beach con temazos como ‘You Can’t Bring Me Down’, ‘War Inside My Head’ o ‘Possessed To Skate’. El incombustible Mike Muir ejerció muy bien de maestro de ceremonias y acabó rodeado de un montón de fans que subieron al escenario. Comunión total para acabar el primer día. SÁBADO 10 La segunda jornada empezó incluso antes de que se abrieran las puertas del recinto. Crim nos habían convocado a la hora del vermú para un concierto gratuito en el Gatztetxe de Gasteiz donde presentarían su nuevo álbum Pare Nostre Que Esteu A L’Infern. Tanta fue la gente que se acercó que varios cientos se quedaron sin entrar. Una pena porque lo que vivimos dentro fue una pasada. Los tarraconenses interpretaron el nuevo disco entero, salpimentado con algunos viejos temas. Ni ellos mismos

se creían la increíble, pero merecida, recepción que tuvieron. Entre el bolo y una de esas comidas con sobremesa XXL, hizo que nos perdiéramos a Adrenalized y Lion’s Law. ¡Perdón! A Dead To Me sí que los vimos, pero como sí no lo hubiéramos hecho. Su punk rock ramoniano, que en disco mola lo suyo, no funcionó en un gran escenario. Tampoco el punkarrismo más desgarrado de los alemanes Bad Co. Project nos impactó demasiado. Le pusieron ganas, pero les faltan mejores canciones para transitar por un territorio tan trillado. Afortunadamente, les seguían Street Dogs, quienes ofrecieron el primer gran concierto del día. Los primos hermanos de Dropkick Murphys, de quienes Mike McColgan fue su cantante original, crearon un ambiente genial con singalongs como los de ‘Tobe’s Got A Drinking Problem’ o

PROPAGANDHI

‘Back To The World’. Street punk cervecero a tope y un McColgan que se tiró varias veces al público. A los veteranos The Boys se les merece un respeto, pero lo cierto es que aparecieron un tanto desubicados en el cartel. El power pop guitarrero de los londinenses sonó demasiado calmado para lo que demandaba el público y sólo ‘First Time’ subió un poco la temperatura. Quizá por eso, los Segis se encontraron con una audiencia con muchas ganas de liarla, y jugando en casa, lo tuvieron aún más fácil para triunfar. Al igual que S.A. desplegaron una escenografía a lo stadium rock, pero, aunque nadie podrá negarles que lo que hacen lo hacen muy bien, su apuesta entre el punk y el rock urbano no nos motivó en exceso. Los miedos que teníamos de que las enrevesadas composiciones de Propagandhi no fueran a trasladarse bien 48

NOFX

en un auditorio como éste, se nos pasaron nada más arrancaron con ‘Failed Imagineer’. Los canadienses transitaron como maestros entre la visceralidad y la complejidad. Además de ser unos músicos del copón, transmiten y temas como ‘Fuck The Border’, ‘Failed States’ o ‘Anti Manifesto’ nos dejaron planchados. Esperemos que no tarden otros seis años en acercarse por aquí. Quizá sugestionados por haber visto el documental Godfathers Of Hardcore la semana anterior en el festival In-Edit, teníamos unas ganas especiales de volver a ver a Agnostic Front. Y no defraudaron. Es admirable las ganas que le siguen metiendo estos tíos y lo bien que siguen representando el NYHC. A estas alturas podrían ser una caricatura, pero la convicción con la que cantan ‘My Life My Way’ y hacen cantar ‘Gotta Go’ es de todo menos un chiste. Y un chiste, y de mal gusto, es lo que

temíamos que fuera el concierto de NoFx, teniendo en cuenta las condiciones en las que Fat Mike iba a salir al escenario (a nuestra entrevista de portada nos remitimos). Pero ¡oh sorpresa! los californianos ofrecieron un concierto de lo más sólido. De acuerdo, por momentos, los diálogos entre Fat Mike y El Hefe parecen más propios de El Club De La Comedia, pero cuando se ponían a tocar, joder, aquello sonaba de fábula. Sonó ‘The Brews’, sonó ‘Bob’, sonó ‘Leave It Alone’, sonó ‘FrancoUnamerican’, sonó Linoleum’, su versión de ‘Radio’ de Rancid, un tema nuevo dedicado a Tony Sly y no faltaron ‘Sticking In My Eye’ o la verbena final con ‘Kill All The White Man’. La próxima vez, le pediremos a Mike que nos dé la receta de sus pastillas. Ah, y el troleo que se marcaron sacando una pancarta gigante amarilla con su logo diminuto impreso en el medio fue de campeonato. Así sí.

DISCO DEL MES

C Berlín (MALDITO) METAL

on 30 años de carrera a sus espaldas, casi sería hasta comprensible que Hamlet estuvieran de vuelta de todo o que avanzasen con el piloto automático. Sin embargo, cualquiera que los haya visto en los últimos tiempos en directo se habrá sorprendido por las ganas y la entrega que el grupo madrileño sigue mostrando cada vez que se sube a un escenario. Como los buenos luchadores, Hamlet saben que cada golpe cuenta y que no dar un paso adelante significa dar uno hacia atrás. Esta misma determinación es la que transmite Berlín, su duodécimo álbum. Se trata de un disco oscuro, muy oscuro, desde su misma portada, y en el que tanto

HAMLET

la música como las letras de Molly te sumergen en una atmósfera asfixiante en la que no hay mucho lugar a la esperanza. Excepto que sí la hay. Eso sí, no esperes que venga de fuera, pues tendrás que buscarla dentro de ti y echándole un par de huevos. De manera acertada, Hamlet siguen presentando ese sonido crudo que exploraron en el anterior La Ira, pero activando un carácter más experimental en el tratamiento de las guitarras. Desde luego, es una línea que merecería la pena que sigan acentuando en el futuro. Como una sierra cortando una barra de metal el riff de ‘Persiste Insiste Repite’ abre el disco sin tomar prisioneros.

Combinando pasajes muy agresivos (‘Abandonáis’, ‘El Principio De Un Comienzo’) con otros más melódicos (‘No Sé Decir Adiós’, ‘Héroe’) que recuerdan a la melancolía de aquel Syberia de 2005, la banda consigue mantenerte en tensión en todo momento. Como no podría ser de otra manera, Hamlet suenan a Hamlet incluso cuando tiran hacia tempos más pesados (‘Salvajes’) o se montan en una base crossover a lo Helmet en ‘Cada Día Un Día Más’. No esperes encontrar aquí himnos fáciles para ser tocados en festivales, Berlín es otro tipo de bestia. Pero una vez caigas en sus fauces, desearás que no te suelte. DAVID GARCELL

CHRIS CORNELL

L Chris Cornell (UME) ROCK

a muerte nos ayuda a reevaluar lo que pensábamos y sentíamos acerca de una persona y, en el caso de los artistas, también de su obra. Esta caja con 64 canciones, ordenadas cronológicamente en cuatro CDs, nos brinda una magnífica oportunidad para hacerlo con la del desgraciadamente desaparecido Chris Cornell. Empezando con ‘Hunted Down’ y ‘Kingdom Of Come’, sacadas del primer EP de Soundgarden Screaming Life de 1987, asistimos a la increíble trayectoria que tuvo a lo largo de las tres siguientes décadas, pero desde un primer momento, su poderosísima voz ya destaca por su mezcla de fuerza primitiva y emotividad. Es un placer volver

a escuchar esos primeros cortes de la banda como ‘Hands All Over’ o ‘Loud Love’, antes de que llegara ‘Black Hole Sun’ y los catapultara al mainstream. También encontramos su primera incursión en solitario, la preciosa ‘Seasons’ de la banda sonora de Singles, y la espiritual ‘Say Hello 2 Heaven’ del magistral álbum con Temple Of The Dog. ‘Burden In My Head’ de Down On The Upside pone fin a ese primer CD. El segundo se centra en sus discos como solista y su etapa con Audioslave con hits como ‘Like A Stone’ o ‘Be Yourself’. En él se nota que Cornell iba perdido sin saber cómo resituarse como exicono del grunge, incluso buscando el efecto viral con su versión

acústica de ‘Billie Jean’ de Michael Jackson. Pero reconozco que, aunque sigo sin soportar su infausto Scream con Timbaland, ahora me parece un tropiezo que lo hace hasta más humano. Los dos últimos CDs están centrados en colaboraciones, su retorno con Soudgarden, temas para pelis, en directo y versiones, que oscilan entre lo prescindible, como esa ‘Whole Lotta Love’ con Santana, o lo sublime como ‘Nothing Compares 2 U’ de Prince. Lástima que sólo se haya incluido un tema totalmente inédito, la góspel ‘When Bad Does Good’, pero aun conociendo el material, recomiendo tener un pañuelo a mano. JORDI MEYA

BONUS TRACK CON... KIM THAYIL Has sido uno de los consultores en este recopilatorio. ¿Tu participación se centró sólo en la parte referente a Soundgarden o también en el resto?

“Sobre todo me ocupé de la parte de Soundgarden. Me pidieron la opinión respecto a otras canciones y el conjunto global, pero mi contribución principal fue acerca de Soundgarden”. ¿Qué opinas de su carrera en solitario? ¿Alguna vez te pidió consejo cuando Soundgarden estabais separados?

“Alguna vez. Lo que más me gusta es su disco Songbook y su última etapa cuando hacía los conciertos acústicos. Eran realmente muy buenos. Su carrera en solitario como artista de rock… Mmm, no me impresionó demasiado (risas). Tenía músicos con mucho ta-

lento en sus bandas, pero siempre pensé que si quería tocar rock debería haberlo hecho con Soundgarden, porque éramos una gran formación. Pero tocando él solo, era genial, muy hermoso”. Chris era un cantante extraordinario. ¿Cuál es su interpretación favorita de las que grabaste con él?

“Creo que lo he dicho otras veces, pero para mí ‘Slaves And Bulldozers’ de Badmotorfinger es quizá mi corte favorito porque muestra todo lo que era capaz de hacer. Me encanta porque incluso cuando grita tenía mucho sentimiento. Creo que Chris nunca dejó de intentar ser el mejor cantante que fuera posible”. Antes de que falleciera habíais estado en el estudio grabando un nuevo disco de

Soundgarden. ¿Llegasteis a terminar algo que penséis publicar en el futuro?

“Efectivamente, estuvimos grabando cosas. Ha pasado un año y medio desde que todo terminó, pero creo que seguimos estando interesados en terminar ese material y publicarlo en algún momento”. Ahora mismo estás inmerso en la gira como guitarrista de MC50 junto a Wayne Kramer. ¿Cómo te involucraste?

“Hace más de un año Wayne me llamó y me dijo si estaría interesado en formar parte de la banda que estaba montando para celebrar el 50 aniversario de la grabación de Kick Out The Jam. Necesité un poco de tiempo para pensarlo, pero todos mis amigos me decían que tenía que hacerlo porque MC5 es mi banda favorita”. 53

Tras proyectos fallidos como Zwan, su carrera en solitario o recuperar la banda que un día le hizo grande con mercenarios a sueldo sin demasiada suerte, a Corgan ya sólo le quedaba una última carta para volver al lugar que un día ocupó: reclutar nuevamente a James Iha y Jimmy Chamberlin en THE SMASHING una esperadísima reunión PUMPKINS (a Darcy Wretzky le tocará Shiny And Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No verla desde casa). Sus primeros conciertos por suelo Past. No Future. No americano han tenido una Sun. acogida discreta, lejos del (NAPALM) fervor y expectación que ROCK ALTERNATIVO debería haber despertado. Tampoco ayudará que el 5 nuevo material que lanzan para la ocasión no tenga nada especial que destacar. maginen la escena: en Shiny And Oh So Bright, una partida de póker Vol. 1 / LP: No Past. No hay varios jugadores. Entre ellos, hay uno que lleva Future. No Sun., lejos de devolvernos a los Pumpkins sentado desde hace un buen noventeros, es otro disco más rato que ya ha perdido todo el dinero que llevaba encima, en la línea de lo que Billy el reloj y las llaves del coche, viene haciendo en los últimos tiempos. Las aportaciones pero que inexplicablemente de Iha y Chamberlin aún sigue en la mesa. Bien, resultan anecdóticas en una pues ese tipo es el Billy colección de temas planos Corgan de los últimos veinte y sin chispa, donde apenas años. Un hombre que en los sobresalen los singles 90 alcanzó la cima y que ‘Solara’ y ‘Silvery Sometimes desde que finiquitase a la (Ghost)’ en un triste intento formación original de The de emular a ‘1979’. Esta vez Smashing Pumpkins no ha a Corgan ya no le quedan hecho más que dar tumbos a lo largo de una trayectoria más ases bajo la manga. cada vez más cuesta abajo. GONZALO PUEBLA

CRIM

Pare Nostre Que Esteu A L’Infern (HFMN/BCORE) PUNK ROCK

o pasa con mucha frecuencia, pero de vez en cuando llega un disco que te atrapa desde el primer momento y sientes la necesidad de escuchar, al menos, una vez al día. Como si se tratara de una adicción, buscas cualquier momento para darte una nueva dosis que te calme el mono. Pare Nostre Que Esteu A L’Infern, el tercer largo de los tarraconenses Crim, es un chute de adrenalina que te reactiva el cuerpo y el espíritu con una docena de canciones redondas. El arranque es simplemente imbatible, siendo el tramo

que va de ‘Potser No Hi Ha Final’ a ‘Ullals De Llet’ lo mejor que han parido nunca. La efectividad de sus riffs, la pegada de la sección rítmica y el ímpetu con el que Adri canta con su voz de papel de lija logran que la tensión no decaiga en ningún momento. Por no hablar de esos coros que entran como un vendaval en cada estribillo. Sin variar demasiado su fórmula, la banda ha sido capaz de mejorar sobre lo ya existente. Los punteos heavies de ‘Pare Nostre Que Esteu A L’Infern’ o ‘De Debò’ o el toque más melódico de ‘Caiguda Lliure’, ‘Himnes Contra El Temps’ o ‘L’Instint Dels Animals’ son leves, pero bienvenidas, aportaciones a su contundente punk rock. Aunque quizá el tema que mejor resume lo bueno que es este disco sea esa ‘La Puta Copa Del Rei’ que no puedo quitarme de la cabeza. Y aunque no entiendas el catalán, no te preocupes: la verdad que hay detrás de cada palabra trasciende a cualquier idioma. Si todavía no has entrado en su mundo, ya tardas. JORDI MEYA

MUSE

Simulation Theory (WARNER) POP ALTERNATIVO

o creo que sea el único al que la admiración por los espectáculos que Muse son capaces de ofrecer en directo sea proporcional al desinterés creciente por sus discos de estudio. Ni The Resistance, ni The 2nd Law, ni el flojísimo Drones se acercaban al nivel de sus primeros trabajos y, como me temía, teniendo en cuenta los primeros avances, Simulation Theory tampoco lo consigue. Da la sensación de que el trío británico se conforma ya con competir en el mainstream con Imagine Dragons o Coldplay más que en aspirar a convertirse

en los Queen del siglo XXI. Como embrujado por los 80, su octavo disco viene marcado por unos sintetizadores muy John Carpenter (‘Algorithm’) y guiños a Prince (‘Propaganda’) o George Michael (‘Dig Down’). Aunque Matt Bellamy siempre ha sido el capitán de la nave, es una pena que se haya olvidado de que Muse son una banda. Una de sus mayores virtudes era la interacción entre los músicos, pero desde hace ya demasiado tiempo ese factor ha desaparecido de la ecuación. Y no es que tenga un problema con que cada vez sean menos rock -de hecho, dos de los mejores temas, ‘Get Up And Fight’ y ‘Something Human’, son de lo más pop- o con que las guitarras sigan perdiendo peso, sino que cada vez cuesta más encontrar ‘algo humano’ sepultado bajo tanta producción de videojuego. Como esas películas llenas de efectos digitales, pero con un guión flojo, Simulation Theory no consigue un impacto duradero más allá del primer visionado. MARC LÓPEZ

SICK OF IT ALL

Wake The Sleeping Dragon! (CENTURY MEDIA) HARDCORE

i algo han aprendido Sick Of It All después de tanto tiempo es el saber cuándo es el momento adecuado para publicar nuevo material. Seguramente si tuviéramos un disco de los reyes del New York Hardcore cada temporada acabaríamos hasta las narices de ellos, pero con una espera de cuatro años entre un álbum y otro, hacen que a uno ya le empiece a picar el gusanillo. De cualquier manera, el duodécimo largo de estos veteranos viene a ser curiosamente uno de los más directos de su catálogo. Cierto que es algo que se podría decir de cada una de sus referencias, pero viendo

que se bastan de 32 minutos para despachar 17 cortes, queda claro que aquí van más al grano si cabe que otras veces. Como mayor novedad, esta vez han prescindido de su hombre de confianza a los controles de los últimos años, Tue Madsen, para delegar las tareas de producción en Jerry Farley. Lo cual se traduce en un sonido menos metalero y más cercano a sus raíces punk, algo que se deja ver en ‘Always With Us’, ‘2+2’ y ‘Bull’s Anthem’, donde Chuck Ragan de Hot Water Music y Tim McIlrath de Rise Against hacen un cameo dándole mayor peso a las melodías. Por supuesto siguen facturando esos himnos del circle pit como ‘The Crazy White Boy Shit’, ‘The Snake (Break Free)’ o ‘Work The System’, además de puñetazos todavía más duros. La inicial ‘Inner Vision’ tiene un punto extra de mala baba, y ‘To The Wolves’ y ‘Deep State’ te garantizarán un buen moratón la próxima vez que entres en el pogo. Que sean capaces de mantener el nivel de energía sin dar señales de monotonía sólo está al alcance de maestros en la materia como ellos. GONZALO PUEBLA

LA SELECCIÓN

VIDRES A LA SANG Set De Sang (VARIOS SELLOS) BLACK DEATH METAL

cho años es mucho tiempo, pero si había un regreso demandado, y sobre todo esperado, sin duda era el de los catalanes Vidres A La Sang. Algunos ya habíamos perdido toda esperanza, pero cuando a principios de este año empezaron a circular rumores de una posible vuelta, todos nuestros sentidos se activaron y, tras una larga espera, finalmente podemos disfrutar de su cuarto disco, Set De Sang. Obviamente cuando hay tanta expectativa y ganas también suele haber muchas posibilidades de contemplar una gran decepción... Tranquilos: Vidres nunca defraudan. De hecho, estoy convencido de que sólo saben parir obras maestras, y por lo tanto, Set De Sang sólo podía confirmar esto. Después de tanto tiempo no han perdido ni un ápice de brutalidad, pero sí han sido capaces de añadir algunos pasajes que les acercan al metal progresivo y otros momentos más

melódicos y maduros que evidencian una evolución que les hace aún más grandes. Siguen utilizando la poesía de Miquel Martí i Pol en algunos temas, pero también nos siguen iluminando con esas letras que nos hablan de los sinsentidos de la condición humana y de la apatía de una sociedad cada vez más enferma. Vidres están de vuelta y demuestran que siguen siendo necesarios e imprescindibles en su manera única de entender el metal. Nadie como ellos sabe emocionarte y sobrecogerte al mismo tiempo. KARLES SASTRE

HIGH ON FIRE Electric Messiah (EONE) SLUDGE METAL, DOOM METAL

res años después de Luminiferous, parece que la euforia hacia High On Fire ha menguado bastante, y este Electric Messiah no creo que les ayude mucho a avivar la llama. De hecho, y como de costumbre, sólo los muy, muy fans del trío lo pondrán por las nubes. El resto pasaremos por estos nueve cortes de puntillas. Nueve canciones que, desgraciadamente, me han recordado algo que siempre me ha rondado por la cabeza… mi impresión de que la otra banda de Matt Pike está un pelín sobrevalorada. Lo siento, pero así lo creo. El inicio de su octavo álbum me

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encanta, pero luego el asunto se diluye hasta que acabas perdiendo el interés hacia lo que está ocurriendo. Como una locomotora a cien por hora y sin frenos te enviste ‘Spewn From The Earth’, y ‘Steps Of The Ziggurat / House Of Enlil’ eleva una montaña de sonido que va a requerir de tus mejores virtudes para coronarla. La dura pegada prehistórica de Des Kensel tras los tambores es una de las mayores bazas de este gran tema épico de casi 9 minutos y medio, y él será realmente el puntal de este trabajo. ‘Electric Messiah’ despega con su rollo más Motörhead con extra de mala uva, también está guapa, pero quizá con los 10 de ‘Sanctioned Annihilation’ empiezan los problemas. Para cuando llegas a ‘The Pallid Mask’ estás out, y aún vas por el ecuador del disco… Le pondrás empeño, pero ni la camorrista ‘Freebooter’ te va a resucitar. Nos causó conmoción ver el dedo parcialmente amputado del pobre Pike, pero debemos ser justos con lo escuchado. PAU NAVARRA

HANK VON HELL Egomania

(CENTURY MEDIA) ROCK

7 años y seis discos es lo que estuvo Hank, entonces conocido como Hank Von Helvete, en Turbonegro. Para muchos Turbojugends, el grupo no es el mismo sin él, y es que una personalidad como la de Hank es muy difícil de olvidar. Tras un breve paso en 2011 con Doctor Midnight & The Mercy Cult vuelve ahora a la industria musical con este disco en solitario llamado Egomania... y no voy a mentir, porque tanto las ganas como las expectativas eran muy altas. No esperes la crudeza de su etapa al lado de Euroboy;

en estas canciones Hank tiene un toque más suave a pesar de seguir haciendo una mezcla de sleazy y rock melódico con muchos de esos ‘woh oooh’s’ que tanto nos gustan. Sentimos hasta culpa de lo tontas que son las letras de este disco, al igual que los ritmos, pero es que, tienen tanto gancho, que no puedes evitar cantarlas mientras mueves la cabeza como un chaval en su primer concierto de punk rock. Hank intenta ser el villano que gusta a todos, el papel en el que siempre se ha sentido más cómodo, y se ha reunido de una banda muy competente que le sigue el paso. La producción limpia y muy americana, además de una voz en mejor estado de lo que esperábamos, hacen que canciones como ‘Blood’, ‘Bum To Bum’ o ‘Adios (Where’s My Sombrero?)’ gusten si es que no te importa que abandone la rebeldía fúnebre de la que siempre ha presumido. El disco te encantará si eres fan del hair metal y los riffs facilones, pero entiendo que reciba palos de quienes ven Egomania como un disco con demasiado sabor a vainilla. JORGE FRETES

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THE PRODIGY No Tourists (BMG) ELECTRÓNICA

ocas sensaciones para un artista que ha llegado a ser tan rompedor debe de haber como el darse cuenta de que se ha quedado estancado en el pasado. A Liam Howlett hace tiempo que le viene ocurriendo esto, sólo que o bien no se ha enterado, o nadie ha tenido el valor para decírselo. Solamente así se puede explicar que tres años después de The Day Is My Enemy reaparezca con un nuevo álbum de The Prodigy tan anodino y desfasado. Iré al grano: nada de lo que puedas llegar a escuchar en No Tourists supone algo nuevo en la discografía de los británicos. Es más,

todas las bases, beats, samplers, efectos y trucos que aquí se encuentran ya han sido utilizados en anteriores entregas, por lo que la sensación de déjà vu es constante. Díganme si acaso ‘Timebomb Zone’ no suena como un intento de clonar ‘Warrior’s Dance’. O si los teclados de ‘Resonate’ no suenan a refrito de sí mismos. Por no mentar la sonrojante ‘Boom Boom Tap’ que está directamente entre lo peor que han parido jamás. Incluso la colaboración de Ho99o9 en ‘Fight Fire With Fire’ arriesga lo justo lejos de aportar algo de frescura. Cierto que no todo es malo, ya que sobre todo en su primera mitad encontraremos algunos singles (más efectistas que efectivos, eso sí) como ‘Light Up The Sky’ o ‘We Live Forever’ que ayudarán a renovar su cancionero en los conciertos. Pero por lo mostrado aquí, da la sensación de que Howlett no es que no pueda, sino que ni le interesa ni le apetece currárselo un poquito para volver a ser aquél que puso patas arriba el mundo de la electrónica en los 90. ¿Lo mejor? Que por una vez el álbum se hace hasta corto. GONZALO PUEBLA

BALLOON FLIGHTS

Psychologically Broken (VARIOS SELLOS) PUNK ROCK

ue los 40 son los nuevos 20 lo sabe todo el mundo, y si no que se lo digan a los castellonenses Balloon Flights, que vuelven a las andadas con un cuarto disco lleno de inconformismo. Psychologically Broken lo componen once temas redondos que nos animan a no resignarnos ante el paso –ni el peso- de la vida y el inevitable hecho de hacernos mayores. Sí, acéptalo, eres más viejo y tienes más canas, pero por dentro sigues esperando ansioso a que llegue el fin de semana porque viene a tu ciudad esa banda que tanto te gusta, y aunque los

has visto siete veces, no te la puedes perder. Y es que, admitámoslo, el punk a los (casi) 40 sabe mejor. Para quien los conoce desde sus inicios, allá por el principio de los 2000, es fácil observar su maduración como grupo: Pablo, Juan e Israel tocan con las mismas ganas o más que antes pero el resultado es algo mucho más ordenado y más compacto, quizá menos rápido, pero con más significado, y siempre con ese toque propio que les caracteriza y que les sitúa cerca de sus eternas referencias: Nirvana, Hüsker Dü, Jawbreaker o The Replacements. Un toque que te engancha desde ‘Reach New Lows’, tema que abre el disco, y que te invita a no parar de mover la cabeza durante la casi media hora que dura. Cortes contundentes cargados de guitarras veloces y melodías que se quedarán a vivir en tu cabeza el resto de la semana. Porque el punk no muere, sólo se transforma –y poco, me atrevería a decir–, y de esto sabe mucho Coky Ordóñez, productor del disco en los Rockaway Studios que ha hecho que este trabajo suene a gloria. BERTA MARTÍNEZ

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Edu

Pérez (voz, guitarra), Javi Pérez (guitarra), Óscar Rodríguez (bajo), Pablo Conterio (batería) PRODUCIDO POR: Juan Blas AFINES A: Minor Empires, De La Cuna A La Tumba, Berri Txarrak PÁGINA WEB: ellalarabia.bigcartel.com

ELLA LA RABIA

M Ella La Rabia (ROCK ESTATAL) POST HARDCORE, ROCK ALTERNATIVO

uy pocas veces las bandas de aquí se atreven a mostrar de un modo evidente de dónde provienen, fijándose más en las influencias que llegan de afuera que las que tienen en su propia casa. Aunque fundados en Madrid, por algunos de los componentes de Ella La Rabia corre sangre canaria, ya que su cantante Edu y el guitarrista Javi nacieron en La Palma. Y eso se ha dejado notar en la presentación en sociedad de este nuevo proyecto tras la disolución de Killing Pete. Acudiendo a los siempre fiables Westline Studios de Juan Blas, Ella La Rabia se atreven a mezclar el post

hardcore y el rock alternativo con el folklore y la mitología de su tierra en una obra conceptual sobre la vida, la muerte y el paso del tiempo. De ahí que sean capaces de sorprendernos en ‘Elba’ con sonoridades de bandurrias y castañuelas a ritmo de vals mediante riffs metaleros. Si eso te deja grogui, ‘Nuestra Lucha’ te mandará a la lona con un break donde aparecen trombones y percusiones con Kantz de De La Cuna A La Tumba sumándose a la fiesta. Una celebración a la que también se apuntan Jorge Vileilla de Virgen en ‘La Huella’ y el propio Juan Blas de Minor Empires en la final y catártica ‘Atenai’. A través de pasajes como ‘Hijos De

Magec’ (diosa que representa el sol para los nativos canarios y que protagoniza la portada junto a otros elementos autóctonos), ‘Sol De Invierno’ o ‘Garoé’ nos vamos introduciendo en la historia a base de textos de poetas canarios como Ignacio Pérez y Pedro Lezcano Montalvo, amén del marcado acento guanche de Edu. Pero también son capaces de hacer canciones en el sentido más clásico sin necesidad de tirar de tantos artificios caso de ‘Castillos De Hielo’, una balada bien arreglada con cuerdas y pianos, o la redondísima ‘Limerancia’. Un grupo dispuesto a arriesgar y sorprender. GONZALO PUEBLA

BONUS TRACK CON... ELLA LA RABIA ¿Cómo acaban unos canarios montando un grupo de post hardcore en Madrid?

“Vinimos de las islas a realizar una carrera universitaria, pero desde que nos conocimos y nos metimos por primera vez en un local de ensayo la banda ha sido siempre lo primero en nuestras vidas. La realidad es que, aunque amamos nuestra tierra, creemos que no existe un lugar mejor en cuanto a oportunidades y ubicación que Madrid. Nos hemos hecho a la capital, pero no olvidamos de dónde venimos, ya que es ahí a donde vuela nuestra mente cuando escribimos canciones, dando sentido a lo que hacemos”. Ella La Rabia es el paso natural tras Killing Pete. ¿Por qué ese cambio de nombre?

“No se dio un hecho concreto que forzase ese cambio, sino que fue el pro-

ducto de un cúmulo de cosas, entre las que destaca una nueva manera de entender y concebir la música. Habíamos terminado una etapa en nuestras vidas que a día de hoy seguimos recordando con mucho cariño, pero que necesitábamos cerrar para dar lugar a otra nueva. Nuestra propuesta se volvió más arriesgada y personal. Queríamos que nuestras canciones hablasen sobre nosotros y sobre nuestras familias. Nunca antes nos habíamos sentido tan identificados con las canciones que engendrábamos. Creemos que reflejan lo que somos actualmente y hemos volcado todo lo que tenemos en ellas. A fin de cuentas, Ella La Rabia era el siguiente paso en el curso natural de nuestras vidas”. El disco es una obra conceptual con un montón de referencias a vuestra tierra.

“La idea nace de una fusión entre el fol-

clore de nuestra tierra y nuestras vidas. La idea principal del disco es el tiempo que pasamos vivos. Nosotros lo entendemos como una fracción limitada pero suficiente para que nuestros actos transcurran más allá de la muerte, sirviendo de ayuda a los que vengan detrás de nosotros para ayudarles a ser mejores personas y alcanzar una felicidad más plena. Hablamos sobre las vidas de nuestros abuelos, que lo dieron todo por darnos un futuro mejor y sin los cuales, jamás hubiéramos podido desplazarnos a Madrid, conocernos y crear Ella La Rabia. En las ilustraciones aparecen representados como Magec, la diosa del sol para los aborígenes canarios. También hacemos referencia a elementos autóctonos que encarnan sentimientos y valores, pero que nos gusta dejar a la libre interpretación del oyente”. (GONZALO PUEBLA)

Q VOIVOD

The Wake (CENTURY MEDIA) THRASH PROGRESIVO

ue Voivod nunca han dado un paso de cara a la galería es más que evidente si analizamos sus más de tres décadas de carrera, donde en más de una ocasión han roto barreras para alcanzar destinos a los que no estaba contemplado que llegara una banda de metal. Pese a ello, uno tiene la impresión de que con The Wake hay un cierto aroma a reivindicación y a salir de ese caparazón en el que siempre parecen haber vivido; darse cierto autohomenaje demostrando al mundo la clase de banda que son. Interpretad esto como una lectura positiva hacia el grupo. El cuarteto canadiense empieza con este álbum la última etapa de su carrera, demostrando que han podido superar las deserciones dolorosas de sus componentes originales –sean por lloradas muertes como la de Piggy o por

S WARDRUNA Skald

(NORSE/MEMBRAN) FOLK NÓRDICO

i alguna vez te atrajo el universo vikingo y sobre todo su folclore, o simplemente viste alguna de las temporadas de la famosa serie Vikingos, para la cual compusieron su banda sonora, entonces estarás familiarizado con los noruegos Wardruna. Es casi imposible no sentirse seducido por la voz de Einar Selvik, siniestra y sangrienta, a la vez que cubierta de nostalgia e historia. A pesar de utilizar instrumentos tan curiosos como el kraviklyre, el tagelharpa o el bukkehorn, es en el peso de su emocional voz donde recaen la mayoría de las canciones de este Skald, un experimento en el que

acabar en litigios como ha pasado con Blacky- y entregando uno de sus trabajos más brillantes en mucho tiempo. Algo a tener en cuenta ya que sus estándares de calidad siempre han sido altos. Chewy, el sucesor de Piggy, ha sabido entender a la perfección el espíritu de Voivod, y es oír esos acordes disonantes que reinan en la inicial ‘Obsolet Beigns’

para darse cuenta de que los canadienses van en serio una vez más. Puede que éste no sea su álbum con intenciones más rompedoras, pero canciones como ‘The End Of Dormacy’ o esos 12 minutos de ‘Sonic Mycelium’, con giros constantes y arreglos orquestales, nos recuerdan que Voivod juegan en una liga a la que muy pocos pueden aspirar.

revisan material pretérito. Esa confianza que lleva consigo hace que nos dé igual que las canciones estén cantadas en noruego o islandés. Wardruna utilizan a la perfección las modulaciones repetitivas para hipnotizarnos en estos temas, reduciendo las composiciones a lo más básico, e, intentando con eso, dar cierto dinamismo a las estructuras de temas como ‘Ein Sat Hon Uti (Along She Sat Outside)’, donde la poesía y la imperfección unen sus mundos para darle autenticidad al álbum. Sin la grandiosidad de la banda al completo, consiguen un toque poderoso en

las versiones ‘skáldicas’ (como las llaman) de las ya existentes ‘Voluspá’, ‘Fehu’ y ‘Helvegen’, haciéndonos olvidar por completo que este álbum no es otra cosa que una persona encerrada en una habitación con tres instrumentos, haciendo un folk muy personal. Einar ha conseguido capturar la crudeza de sus actuaciones en acústico, pero con una solemnidad propia de un material en estudio que puede llevar orgulloso el nombre de Wardruna. A pesar de ser un metalhead, o si sólo estás aquí por la conexión con Gorgoroth, la oscuridad de Skald te atrapará.

RICHARD ROYUELA

JORGE FRETES

24/01/19 - BARCELONA, RAZZMATAZZ 25/01/19 - BILBAO, SANTANA

TERROR

Total Retaliation (NUCLEAR BLAST) HARDCORE

oce temas de old school hardcore en tu fea cara, más una sorpresita directamente desde el gueto. Incluso con ella, todo sin aditivos ni edulcorantes, sin prestar oídos a malditas nuevas tendencias. Sólo Terror. Cinco héroes, cinco tipos duros. Un pitbull rabioso, 16 años en la trinchera. Mandíbula de acero. Ladra Scott, ladra. El graderío explota con ‘This World Never Wanted Me’, los hooligans ondean sus bufandas. Por toda la escuadra. Exceptuando la última canción, ni una se acerca a los 3 minutos. Ni de puta coña. Gang

vocals posesas, Will Putney a los mandos pasándolo en grande, y ‘Mental Demolition’, claro está. No se puede ser más hardcore. No existe. Mueve tu cucu, que ‘Get Off My Back’ te va a exigir lo máximo. ‘One More Enemy’ y ‘Break The Lock’ son adrenalina de asimilación fácil, pero no te relajes, caranchoa, que aquí llega ‘In Spite Of These Times’, o lo que es lo mismo: un paseo por tus costillas. Marchando una de clasicismo con ‘Total Retaliation’, y después el recadito ‘Post Armageddon Interlude’, un poquito de gangsta rap que apunta a la cabeza y te prepara para la recta final. Gimnasia a hostia limpia con ‘Spirit Of Sacrifice’, pero es que ‘I Don’t Know You’ llega con aún más ganas de vendetta. Desde luego, a los de Los Ángeles no se la metes, más bien al contrario… Terror no van a parar con ‘Behind The Bars’, una ‘Suffer The Edge Of The Lies’ a cuchillo, ‘Resistant To The Changes’… Junto a las de Hatebreed, las únicas letras que importan. Más puro que la colombiana. PAU NAVARRA

HAKEN Vector

(INSIDE OUT MUSIC) METAL PROGRESIVO

espués del resultado final de Affinity, con el que no acabé de conectar especialmente, iba un poco recelosa de lo que podría encontrarme en Vector. Lo que para otra banda del mismo género podría ser un buen álbum, para Haken se quedaría en algo mediocre. Por suerte mis miedos han quedado disipados al escuchar la totalidad de su nuevo disco, el más corto hasta la fecha. Los ingleses apartan su esencia retro para volver a ofrecernos lo que mejor se les da: estructuras complicadas, experimentales y progresivas. Inspirándose

en la complejidad de la mente humana y el psicoanálisis –de ahí su portada basada en el test de Rorschach–, Haken retoman su sonido más agresivo y metálico (tal y como puede apreciarse en ‘Puzzle Box’), con sus acelerones y frenadas características, así como sus coros polifónicos. Y aun siendo mucho menos melódico, brillan especialmente las texturas de los teclados de Diego Tejeida, así como las líneas de bajo de Conner Green. Para este quinto disco han contado con la producción de Adam ‘Nolly’ Getgood, quien siendo un exPeriphery ha sabido dejarlos al margen del recurrente djent. De este modo temas como ‘Veil’, el más largo, hacen las delicias de sus fieles seguidores. Personalmente me encanta el uso del fliscorno de la elegante ‘Host’. Pero así como la voz de Ross Jennings vuelve a encogerme el corazón, sigo echando de menos esa emotividad general con la que en trabajos anteriores conseguían erizarme la piel y sacarme alguna que otra lagrimilla. ALBA RODRIGO

T KÖRGULL THE EXTERMINATOR

Ten Years Of Total Extermination (DOOMENTIA) BLACK THRASH, BLACK METAL

engo que reconocerlo: la voz de Lilith me produce excitación sexual, y a veces, incluso anal. Si se acompaña de toda esa pútrida avalancha punzante, primitiva, reiterativa y devota, la cabeza me vuela. Me pasó la primera vez que escuché un álbum de Körgull The Exterminator y, tantos años después, me sigue ocurriendo lo mismo. Trempera mañanera e instantánea, oigan. Precisamente este lujoso lanzamiento viene a conmemorar sus diez años de andadura discográfica. Estamos ante ni más ni menos que un doble CD súper nutrido que compila todas sus canciones aparecidas en splits, como bonus tracks, e incluso las numerosas covers. Mucho de este material sólo estaba disponible en vinilo, así que los que no seáis

H UNEARTH Extinction(s)

(CENTURY MEDIA) METAL

ay dos cosas que siempre me han parecido interesantes de Unearth, y que también se reflejan en su nuevo álbum. Una, que la banda nunca ha caído en una categorización fácil (aunque muchos todavía les echen en el saco del metalcore). Y dos, que uno no se cansa de escuchar sus canciones a pesar de tratar la misma temática desde diferentes ángulos. Toman sonidos del metal que todos conocemos, pero de alguna manera lo convierten en algo fresco, con una sensibilidad que muchas bandas ya querrían lograr a estas alturas de sus

fieles a la verdad sonora, ahora tenéis una buena oportunidad para degustar estas salvajadas. ¡Si es que no tienen rival, el primer disco es maloliente crema! Además, estos pájaros alcoholizados también han tenido la deferencia de regalarnos cortes nunca antes publicados, como es el caso de ‘Trapped In Hell’ o las versiones de ‘Ace Of Spades’, ‘Beat The Bastards’ de The Exploited y ‘Red Hot’ de los putos Mötley

Crüe. Y mucho cuidado con la de Motörhead, porque viene con una colaboración especial de aúpa: ni más ni menos que el lord del hambre transilvana, el hombre tras un resplandor en el cielo norteño… Si no te pillas esto, no eres un fan ni eres nada. Vaya temarracos, y el libreto vale su peso en vírgenes por sacrificar. Los auténticos tiranos de nuestro under. Revenge of the dead!!

carreras. En este disco los guitarristas Buzz McGrath y Ken Susi se han centrado en la técnica más que en la agresividad, un apartado que le dejan reservado a su vocalista Trevor Phipps, pero si buscas algo diferente a su Watchers Of The Rule de hace cuatro años lo encontrarás en las baterías de Nick Pierce. Los de Boston han intentado emular la crudeza de sus primeros materiales pero con una producción actualizada. ‘Survivalist’ o ‘Dust’ te alegrarán el día con sus breakdowns, ‘King Of The Arctic’ te llevará a cantar sus coros, y te sorprenderás con lo atmosférica que

puede resultar la banda en ‘One With The Sun’. Aunque también hay que decir que hacia el final del álbum las cosas van decayendo un poco y de repente puedes encontrarte con canciones como ‘Sidewinder’, que no terminan de encajar. Estos cortes funcionan porque mezclan varios elementos del metalcore sin centrarse en uno solo, pero tampoco harán que te vuelvas loco poniendo en un altar este séptimo álbum de Unearth. Hay que apreciarlo por lo que es: no intentan crear algo rompedor, sino temas que los mantengan vivos. En ello, salen triunfadores.

PAU NAVARRA

JORGE FRETES

CIGÜEÑA El Vuelo

(REPETIDOR DISC) POST HARDCORE

l debut del power duo Cigüeña apareció en 2012, pero Unai y Martín llevan mucho más tiempo tocando juntos. Anteriormente formaron parte de un cuarteto de punk rock llamado Down In Three. Con ese primer proyecto musical publicaron un disco homónimo en 2006 y consiguieron compartir escenario con bandas del sello BCore tan emblemáticas como The Unfinished Sympathy, Aina y Shanty Rd a su paso por Valencia. Down In Three pasaron a mejor vida, pero Unai y Martín siguieron echando horas en el local. Así nacen

Cigüeña, una banda con el sonido Dischord en el punto de mira y unos juegos de palabras en castellano y dobles sentidos con vocación de himnos cotidianos que pueden recordar a los mismísimos Nueva Vulcano. En este sentido, resulta inevitable asociar el título de su nuevo trabajo con el mito del ave Fénix cuando escuchas ‘202’ (“Ya es hora de romper lo que haya que romper”) y ‘Fuera Del Tiesto’ (“Es momento de arreglar aunque sin convencimiento”). En líneas generales, el dúo valenciano consigue profundizar en sus virtudes con El Vuelo, un tercer disco apuntalado de maravilla por el Betunizer Pablo Peiró, con el que ya trabajaron en su anterior disco, Neptuno. La voz está delante de unas guitarras crujientes, en ocasiones cortantes, y de una batería siempre a piñón, que no da tregua. Instrumentalmente quizá ofrecen lo mismo, pero dan en el clavo como nunca. Y es que Martín y Unai, Unai y Martín, ya dominan sus cartas y esta vez ganan la partida en los ocho cortes aquí incluidos. LUIS BENAVIDES

SOULFLY Ritual (NUCLEAR BLAST) GROOVE METAL, DEATH METAL

a palo tener que relatar cada dos días las nuevas aventurillas musicales de Max Cavalera, pero al menos en el caso de Soulfly, su paupérrimo estado de forma sobre los escenarios no se traslada a sus obras recientes. Acompañado de su hijo Zyon a la batería y el inseparable Marc Rizzo a las guitarras, sumándole el debut al bajo de Mike Leon, parece que el carioca sí encuentra dentro de un estudio toda la garra y energía que se le niega cuando está de gira. Ritual llega para afianzar sobre gruesos pilares esta idea, y es que su primer y homónimo tema ya presenta todo lo

que cualquier fan espera de él. Cantos indígenas a lo Roots, percusiones, y riffs tope machacas, para pegar botes, que te trasladan a los 90, cuando tanto Sepultura como Soulfly dieron un importante espaldarazo al nu metal. ‘Dead Behind The Eyes’ se dispara con un sano aire a Slayer, pero poco a poco va avanzando hacia una fase de mamporreo máximo en la que la contundencia te va zarandeando de un lado para otro. Completísimo corte. Del extraño black inicial en ‘The Summoning’ pronto pasamos a una canción puramente Cavalera, y joder, cómo lo peta ese final industrial tan Fear Factory. ‘Evil Empowered’ tampoco anda lejos de esta grata inspiración, y en ‘Under Rapture’ surge su vía más violenta, con una colaboración demencial de Ross Dolan de Immolation. Randy Blythe o su hermano Igor también harán acto de presencia. ‘Demonized’ o la heavylona ‘Feedback!’ rematan un disco muy diverso y divertido, sólo empañado por un apestoso tema instrumental a modo de cierre que recuerda a una escena erótica de telefilme infumable. PAU NAVARRA

TERRORIZER

Caustic Attack (THE END) GRINDCORE, DEATH METAL

adre mía, seis años ya desde Hordes Of Zombies… pero por mucho tiempo que pase, el problema de Terrorizer sigue siendo el mismo: World Downfall. Pete Sandoval puede intentarlo por activa o por pasiva, puede exprimir todo lo que quiera a sus actuales compañeros Sam Molina (cantante, bajista) y Lee Harrison (guitarra), que la sombra de su legendario álbum de debut sigue siendo demasiado alargada. Cualquier cosa que se compare con su fundamental ópera prima tiene las de perder, así que ante Caustic Attack tienes dos opciones: o te autoflagelas comprobando

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lo obvio, que es imposible igualar algo tan tocho, o te acercas sin demasiadas pretensiones a estas 14 píldoras que harán ondear tu suave melena al rico ritmo del salvadoreño. Yo recomiendo lo segundo, pues por ejemplo, si de algo va sobrado el cuarto trabajo del trío es de velocidad, y eso siempre le sienta bien a cualquier metalhead. ‘Turbulence’, ‘Invasion’, ‘Conflict And Despair’ o ‘Devastate’ demuestran que Terrorizer no se han pasado al pop rock precisamente, pero en mi opinión, el principal problema viene dado por su producción, demasiado limpia y depurada para ellos. Estoy seguro que una pátina extra de mugre y grumo haría que tuviésemos en mayor estima esta colección de canciones, sobre todo ‘Infiltration’, ‘Sharp Knives’ o ‘The Downtrodden’, aunque dándole la vuelta, los riffs más thrashers de cortes como ‘Crisis’ resaltan más así. Las voces son lineales también… A ningún fan le cambiará la vida este disco, pero con torpedos como ‘Trench Of Corruption’ o los de la recta final, tampoco se aburrirá. Ni por asomo. PAU NAVARRA

THE SOUL JACKET Plastic Jail (AUTOEDITADO) ROCK, R&B

i hay algo que ha caracterizado la trayectoria de The Soul Jacket desde que les descubriéramos con aquel Wood Mama de 2012 ha sido la constancia a la hora de trabajar y evolucionar su música. Ya fuese en forma de EP o en larga duración, no ha habido año en el que no tuviésemos una nueva muestra de la colorida paleta sónica que han ido adquiriendo con el paso del tiempo. Sin embargo, a un servidor siempre le quedaba la sensación de que les faltaba aún por entregar una obra redonda de principio a fin. Pues bien, ésta al fin ha llegado con Plastic Jail, cuarto álbum de

los vigueses en el que esta vez el sonido más negro del combo ha decantado la balanza. Sirvan de ejemplo la incendiaria ‘Fire’ en la que la garganta de Toño López se inspira en el James Brown más desatado, las cadencias funky de la vigorosa ‘Keep On Fighting’ por las que se acaba colando un delicioso desarrollo instrumental con piano y percusiones o la sensualidad del saxo en ‘In A Golden Brown’. Pero no sólo del soul viven los gallegos, como ya han demostrado en más de una ocasión, así que también encuentran espacio para darle de lo lindo al R&B en ‘Rainbow Pills’, que vendría a ser su equivalente al ‘Brown Sugar’ de los Stones, la psicodelia beatleniana en ‘Plastic Jail’ y firmar temas tan vitalistas como ‘Lying On The Grass’ y ‘Everybody Runs’, donde la banda al completo funciona con precisión relojera. Prescindiendo por primera vez de los Guitartown de Hendrik Röver, The Soul Jack han conseguido grabar en casa su gran clásico. Todo un jukebox con lo mejor de la música americana y británica de los 60. GONZALO PUEBLA

THE STORY SO FAR

CAMBIO DE RUMBO

A PESAR DE SER UNA DE LAS BANDAS A LAS QUE MEJOR LES HA IDO DENTRO DEL POP PUNK, THE STORY SO FAR NO ERAN FELICES. PROPER DOSE , SU CUARTO ÁLBUM, ES EL PRIMER PASO PARA REVERTIR LA SITUACIÓN. TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR

A PORTADA DEL ÚLTIMO DISCO DE THE STORY SO FAR PRESENTA UN PAISAJE IDÍLICO CON UN LAGO Y UNAS MONTAÑAS DE FONDO. Es una imagen que trans-

mite paz y calma, quizá la que el grupo californiano no había encontrado hasta ahora. Sobre todo el vocalista Parker Cannon. Entre 2016 y 2017, el cantante estuvo recluido en su apartamento sin hacer nada más que colocarse a base de pastillas. Desde que empezara con la banda con sólo17 años, Cannon había ido acumulando el estrés de estar en una banda que de salida ya captó la atención de los seguidores del pop punk. Durante los seis años siguientes, él y sus compañeros Will Levy (guitarra), Kevin Geyer (guitarra), Kelen Carpenter (bajo) y Ryan Torf (batería) no pararon de girar por todo el mundo... hasta que petaron. De repente, el grupo se sentía alienado tanto por una escena con la que no se identificaban, como por sus antiguos amigos, quienes habían seguido adelante con sus vidas sin ellos. Pero tras un periodo de crisis, el combo volvió a encontarse motivado para volver a hacer música. Eso sí, con algunos cambios. Proper Dose (Pure Noise) es el reflejo de estas nuevas inquietudes.

co. El anterior salió hace tres años y decidimos tomarnos un tiempo para nosotros después de haber estado tanto tiempo girando sin parar. También influyó que no nos pusimos una fecha límite y, por suerte, nuestro sello Pure Noise Records estuvo dispuesto a dejarnos trabajar a nuestro ritmo. Queríamos explorar nuevos sonidos e ideas en el estudio y no queríamos tener prisas”. Parker ha sido bastante abierto con su desencanto con la escena y el sonido pop punk. ¿Es algo que compartís el resto? ¿Os sentíais encasillados?

“La verdad es que pasamos por un momento horrible, a todos nos pasaron cosas. Estuvimos muchos años inmersos en la escena pop punk, pero nos sentíamos estancados y eso nos hizo perder la ilusión. Empezamos a sentirnos resentidos con ese mundo y eso hizo que incluso empezáramos a dudar de nosotros mismos y de si realmente queríamos seguir adelante. Parker era el que se sentía más frustrado. Pero el proceso creativo y el apoyo de la banda le ayudó a llevarle a un lugar más estable”.

escrito cuando eras un adolescente. No sé si considerar esto como el sonido definitivo de The Story So Far, pero estamos en el buen camino”.

Escuchando Proper Dose es evi-

¿Os preocupaba la reacción de

dente que queríais probar cosas

los fans?

nuevas, pero al mismo tiempo,

“Al principio estábamos un poco preocupados, pero nuestros fans han reaccionado bien. Alguna vez viene uno y te dice ‘tío, no me gusta el nuevo disco’ o ‘la banda molaba más antes’, y todavía no entendemos si comprenden lo que están diciendo; quizá creen que es un cumplido. Pero nosotros hemos madurado y nuestro sonido también. Nuestra esperanza es que la gente nos vea como un grupo más diverso

hay algunas canciones con vuestro sonido clásico. ¿Lo ves como un álbum de transición quizá?

Parece que acabasteis bastante quemados después del ciclo del anterior álbum. ¿Con qué mentalidad afrontasteis la grabación de Proper Dose? WILL LEVY “Nos llevó bastante

tiempo empezar a trabajar en el dis-

“Exploramos música de diferentes épocas que nos influenciaron mucho. Queríamos crear algo con ese aire más atemporal, algo que pudiésemos escuchar de aquí a mucho tiempo y siguiéramos pensando que era válido, que no sonara como algo que habías

“NOS SENTIAMOS ESTANCADOS Y ESO NOS HIZO PERDER LA ILUSIÓN” WILL LEVY

que puede conservar un cierto estilo, pero que también puede evolucionar a lo largo del tiempo”. En el pasado ya habíais grabado canciones en acústico. ¿Fue

aprendisteis de ellos?

¿Qué fue lo más gratificante de

“Como te decía antes, escuchamos música de otras épocas. Queríamos impregnarnos de ese aire atemporal que tienen las grandes canciones y desde luego, ellos tienen muchas”.

grabar Proper Dose?

ta de que podíais hacer cosas

¿Cómo influenciaron las letras

distintas?

de Parker a la música? ¿O fue al

“Eso ayudó mucho, desde luego. También escuchamos música distinta a lo que solemos tocar. Al final fue una cuestión de no estar contentos con lo que estábamos haciendo y decidir cambiar de dirección”.

revés?

tles como una influencia. ¿Qué

¿Eres optimista de cara al futuro, entonces?

el primer paso para daros cuen-

Habéis mencionado a los Bea-

“Poder sacar fuera todo lo que habíamos tenido dentro todos estos años”.

“Fue en ambas direcciones. Parker se inspiró en todas las cosas que le han ocurrido, que han sido muchas. Es muy bueno sacando melodías y completentaron muy bien a la música. Casi todas las melodías son suyas, y también contó con la ayuda del productor Sam Pura”.

“Todavía estamos ilusionados por haber hecho este disco. Creo que estamos mucho mejor que antes. Estamos orgullosos del álbum y tenemos muchas ganas de llevarlo al directo”.

THE SOULBREAKER COMPANY

LA LUZ QUE COSE TAL Y COMO NOS TIENEN ACOSTUMBRADOS, THE SOULBREAKER COMPANY NO SÓLO AGUANTAN EL LISTÓN QUE ELLOS MISMOS SE HAN ENCARGADO DE COLOCAR BIEN ALTO CON CADA NUEVA ENTREGA, SINO QUE SIGUEN SIENDO CAPACES DE RENOVARSE A CADA PASO QUE DAN. EN SEWED WITH LIGHT LE VUELVEN A DAR EL ENÉSIMO GIRO A SU FORMA DE ENTENDER EL ROCK PSICODÉLICO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DANI ARRIZABALAGA

EGÚN VAN TRANSCURRIENDO LOS AÑOS,

a uno le resulta cada vez más complicado que lo que hacen algunos de los grupos que descubrió en su juventud le impacten. Bien sea por una evolución mal llevada o porque el nivel de sus trabajos más recientes no ha sido capaz de estar a la altura de los de antaño. Sin embargo, y como todo en esta vida, siempre queda un puñado de excepciones en las que sabes que puedes confiar ciegamente. Y en ese selecto

lizada en nuestro país en esta década, y que abriría un camino que la Compañía ha seguido explorando con buenos resultados a lo largo de los años posteriores. Continuando con la racha, Sewed With Light (Underground Legends), su ya sexta referencia de estudio, no sólo vuelve a estar a la altura de su legado. También supone una nueva perspectiva de las sonoridades que Jony Moreno (voz), Asier Fernandez (guitarra), Daniel Triñanes (guitarra), Andoni Ortiz (batería), Javier Arteaga (teclados) e Illán Arribas (bajo) han venido practicando en sus últimos discos. Fue precisamente este último el encargado de hacer de portavoz de la banda para ponernos al corriente de sus últimos movimientos.

la composición como para el directo. Que todos tengamos ganas de hacer cosas es fundamental. Creemos que la clave de todo radica ahí, en la motivación para girar, componer, sacar algún tema de su formato habitual y darle otro enfoque… y la nueva formación nos aporta todo eso como banda”. Siempre habéis dicho que la elección del estudio donde grabáis tiene mucho que ver con la experiencia en sí misma que supone salir fuera a hacer un disco. Esta vez es la primera que lo hacéis en suelo americano, concretamente con Tim Green en los Louder Studio de Grass Valley, California, con quien ya hicisteis la mezcla de La Lucha. ¿Qué es lo que os gustaba de su trabajo y

Quería empezar la entrevista

queríais llevar al nuevo álbum?

comentando un dato que creo

“El resultado de la mezcla de La Lucha fue un poco lo que nos llevó a pensar en él. Tras ver el estudio y contactar con Tim, las sensaciones fueron muy buenas. Todo esto sumado a su trabajo con bandas que han sacado muy buenos discos grabados en Louder como Comets On Fire, Sixorgans Of Admitance, Red Sparrowes o Earthless, nos hizo despejar todas las dudas”.

que habla por sí solo: Sewed

With Light es vuestro tercer álbum en apenas cuatro años. ¿Estamos ante la etapa más prolífica en la historia de The Soulbreaker Company? ILLÁN ARRIBAS “No sabría definir-

vagón particular hace tiempo que los vitorianos The Soulbreaker Company se han convertido en unos habituales por méritos propios. Desde que un servidor les descubrió con el ya lejano The Pink Alchemist de 2008, quedé fascinado por el dominio del lenguaje del rock setentero de alto octanaje que manejaban en sus canciones. Un sonido que alcanzó su punto culminante en el excelso Itaca, uno de los discos definitivos para entender la música de paisajes psicodélicos rea-

la como más o menos prolífica, pero sí una etapa donde estamos creando bastante. Intentamos motivarnos con la composición cuando la gira va llegando a su fin y hasta ahora nunca nos hemos estancado a la hora de componer”. Como me comentasteis cuando hicimos la entrevista para La Lu-

cha, los cambios en la formación tienen bastante que ver a la hora de que todo se haya agilizado.

“Los cambios sin duda aportan una frescura que viene bien tanto para

¿Cómo fue la grabación? ¿Alguna anécdota que contar?

“La grabación fue muy amena, tanto por la personalidad de Tim como por todo lo que trasmite el lugar. El estudio está apartado en una zona de media montaña, que a la hora de descansar de la grabación te transmite unas sensaciones que no te da un estudio en una ciudad. En cuanto a las anécdotas, sin quedarnos con 79

“HASTA AHORA NUNCA NOS HEMOS ESTANCADO A LA HORA DE COMPONER”

ILLÁN ARRIBAS

una concreta, nos parecieron bastante curiosos los horarios de grabación. Tim duerme por la mañana, cosa que no es muy común en Estados Unidos, y la hora de grabar comienza a eso de la una del mediodía pudiendo acabar a altas horas de la madrugada, y siempre está acompañado de un tarro de cristal con agua, o eso creemos (risas). También cabe destacar los primeros días de jet lag de algunos de nosotros o la comunicación con Tim a medio camino entre el inglés, el castellano y las señas”. No es novedad la importancia

que tienen los teclados en vuestra música, pero en Sewed With

Light han ganado mayor protagonismo si cabe. Supongo que se nota que es la primera vez que Javier Arteaga graba con voso-

ponsabilidades ya que está seguro de sí mismo y de lo que hace salir de sus teclados. Además, su entendimiento con Tim fue total en cuanto a la búsqueda de sonidos, capas, atmósferas, arreglos…”.

tros. Lejos de ir buscando su sitio en la banda, parece que ha asu-

Por otra parte, mi reflexión en

mido su parte de responsabilidad

general sobre este álbum es que

sin ningún miedo. Por ejemplo,

habéis reenfocado el rock psico-

en ‘Inner Dark’ hay influencias

délico con el que os confirmasteis

casi industriales.

en Itaca y que habéis venido de-

“Javi es una bestia de las teclas y tiene una perspectiva de la música muy curiosa. Como bien indicas, no tiene problema en tomar res-

sarrollando en posteriores entregas. Las composiciones parecen menos directas u obvias, más complejas, e incluso diría que las

guitarras no tienen tanta impor-

trata de vuestra obra más oscu-

tancia, aunque por supuesto si-

ra. ¿Existe alguna idea concep-

guen ahí.

tual en cuanto a las letras?

“La expresión ‘rock psicodélico’ parece algo que nos identifica, y sin querer salirnos de ello, intentamos que no sea la seña de identidad del disco. Es decir, que esté la semilla pero con muchos más matices. Aunque las guitarras sigan muy presentes, los teclados ofrecen unas posibilidades muy amplias. También hemos ido un poco más lejos con el tema vocal: coros grandes, soprano, partes habladas...”.

“El título viene de una letra del disco, que precisamente habla de oscuridad. Justamente el punto de oscuridad del álbum contrasta con su título y es algo que nos gusta bastante”.

antes. Además de lo musical, también el hecho de cambiar de sello con Underground Legends, de formación y tener ideas de hacer cosas que no hemos hecho antes, como podría ser una gira europea, nos motiva a seguir para adelante”. Recuerdo que en la anterior con-

A lo tonto, éste es ya vuestro

versación que tuvimos, ya habla-

sexto disco tras 15 años de carre-

mos de lo mucho que había me-

ra. Visto con perspectiva, ¿cómo

jorado en los últimos tiempos el

dirías que ha pasado todo este

panorama de bandas dentro del

tiempo? Porque yo creo que ya

rollo setentero, stoner, doom, psi-

se os puede considerar como a

codélico... Y en eso tiene mucho

unos verdaderos veteranos den-

que ver la escena tan potente

Sería atrevido decir que se trata

tro del estilo en España.

que hay ahora mismo en Andalu-

de vuestra mejor portada por-

“La verdad que el tiempo pasa más rápido de lo que parece. Procuramos seguir siempre mirando hacia delante, y aunque la gente sea libre de considerarnos veteranos, nuestra sensación va más por intentar mantener la chispa que te da hacer cosas distintas”.

cía. Hay quienes ya hablan de

que tenéis unas cuantas muy bonitas en casi todos vuestros discos, pero la que ha hecho en esta ocasión La Prisa Mata es espectacular. ¿Hay alguna relación respecto al título?

“La verdad que la elección de La Prisa Mata viene de haber explorado varios diseñadores, ver sus trabajos y quedarnos alucinados. De todos los que manejábamos creímos que era lo que más se asemejaba al álbum. La forma de trabajar con él fue más bien al revés. Una vez le enseñamos el disco, las letras y unas referencias de sus trabajos que más nos gustaban, fue él quien nos propuso varias opciones y nos quedamos la que más nos gustó a todos. La verdad que estamos contentísimos con el resultado, no sabría decir si mejor o peor que las anteriores, pero seguro que es la mejor que podíamos elegir para Sewed With Light”. Me resulta llamativo el título, ya que precisamente diría que se

The New Wave Of Andalusian Stoner Rock, con gente como Atavismo, Bourbon, Grajo o Santo Rostro a la cabeza. Me gustaría saber tu opinión como out-

sider de toda esta movida que está ocurriendo en el Sur. ¿Cómo explicas esta eclosión de grupos?

Volviendo un poco a lo que comentábamos al principio, según pasan los años parece que a las bandas les cuesta más tirar adelante. En vuestro caso da la sensación de que es al revés, que cada vez tenéis más ganas.

“Quizá muchas bandas se estancan por continuar durante varios discos con la misma idea de canciones. Hay algunas que no, pero hay bastantes que sí. Por eso intentamos hacer temas que suenen distintos a los anteriores trabajos. Canciones que vayan en la misma onda pero con diferentes matices, ideas nuevas como por ejemplo una batería electrónica, bajo con fuzz o efectos de guitarra que nunca habíamos usado

“La verdad que están haciendo las cosas muy bien, se lo están currando mucho y es normal que estén recogiendo los frutos de su trabajo. Son gente que además de producir música de mucha calidad, tienen años de experiencia y un público que les hace crear una escena. En absoluto nos sorprende que esto esté pasando porque es más que merecido. Por cierto, Fuente Vieja de Bourbon es un disco espectacular, aprovecho desde aquí para recomendarlo”. Dicho queda.

ESPECIAL FOTO

THE DRESDEN DOLLS

THE DRESDEN DOLLS SE REUNIERON DURANTE DOS ÚNICAS NOCHES PARA CELEBRAR SU 18 ANIVERSARIO COINCIDIENDO CON HALLOWEEN EN EL TEATRO TROXY DE LONDRES. NADIA NATARIO ESTUVO PRESENTE PARA INMORTALIZAR CON SU CÁMARA TAN INOLVIDABLE MOMENTO. TEXTO Y FOTOS: NADIA NATARIO (WWW.NADIANATARIO.COM)

abían pasado doce años desde que nuestro dúo favorito de punk cabaret The Dresden Dolls había actuado en Europa por última vez. Ese evento quedó inmortalizado en el DVD grabado en el Rondhouse de Londres. Para sus fans, Halloween no es simplemente una excusa divertida para disfrazarnos y lucir nuestro lado freak, sino también una fecha importante ya que marcó el nacimiento de The Dresden Dolls como banda. Fue en una fiesta de Halloween en Boston en el año 2000, cuando Brian Viglione vio actuar en solitario a Amanda Palmer y quedó tan impresionado que allí mismo decidió pedirle unir sus fuerzas. Las influencias heavy metal y la explosiva y expresiva manera de tocar la batería de Brian, unido a la ética pop de Amanda, sus letras brutalmente honestas, su talento a los teclados combinado por su amor común por el teatro, creó una clase especial de cabaret negro que la vocalista bautizó como ‘cabaret punk brechtiano’. El dúo siempre animó a sus fans a formar parte de sus actuaciones y pronto ganaron un seguimiento de culto. Editaron dos discos de estudio, The Dresden Dolls (2003) y Yes Virgina (2006), y un recopilatorio titulado No Virgina (2006), tras el cual se separaron sólo para reunirse ocasionalmente para tocar unas pocas fechas en 2010, 2012 y 2017. Pero han ocurrido muchas cosas desde entonces. Brian tocaría la batería en el disco de Nine Inch Nails Ghosts I-V con un kit hecho de chatarra. También tocó en ‘Fighting Naked’ de HUMANWINE, giró con Jesse Malin y con The Clicks, formó parte de The World Inferno Friendship Society y se unió como batería de Violent Femmes en 2013. Más tarde lo dejó para centrarse en su proyecto de pop oscuro Scarlet Sails con su mujer Olya Viglione. Por su parte, Amanda Palmer se aventuró con su carrera en solitario en 2007 y con la banda Aberdeen City y el dúo Evelyn Evelyn junto a Jason Webley. En 2008 sacó su primer disco Who Killed Amanda Palmer, que la llevó a una exitosa gira y una actuación en Coachella en 2009. Se casó con el reconocido autor Neil Gaiman en 2011 y sacó su segundo disco Theater Is Evil en 2012 después de haber recaudado más de un millón de dólares en una campaña de crowdfunding. En 2014 también publicó su autobiografía The Art Of Asking que fue todo un best seller. Un año después dio a luz a su hijo Ash y actualmente anda trabajando en un nuevo disco y otro libro de cara a ser publicados en 2019. Con todo esto, sobra decir que la expectación por esta

reunión de The Dresden Dolls era altísima y las entradas para su concierto del 31 de octubre se vendieron en apenas horas. Lo mismo ocurrió cuando se puso otro show a la venta para el día 30. Los fans más acérrimos viajaron desde toda Europa y algunos incluso desde Estados Unidos. Me aseguré de no perderme esta ocasión tan especial ya que también para mí representaba un aniversario. La primera vez que The Dresden Dolls tocaron en Londres en 2004 fue también mi primera entrevista para RockZone que se publicó en su primer número… ¡Hace 14 años! En la noche del 31, los fans aparecieron disfrazados de novias sangrientas, hadas e incluso como una joven Amanda Palmer. En el bis, el grupo nos sorprendió saliendo disfrazados de Oasis, con Amanda como Liam Gallagher en la batería y Brian en el papel de Noel para cantar ‘Don’t Look Back In Anger’, acompañados de Andrew O’Neill y Ben Ellis. Su set de tres horas incluyó temas tan queridos como ‘Good Day’, ‘Backstabber’, ‘Coin Operated Boy’, ‘Half Jack’, ‘Girl Anachronism’ o ‘Delilah’, con la colaboración a las voces de Olya Viglione. También tocaron varias versiones: ‘Pirate Jenny’ de Kurt Veill, ‘Take Me To Church’ de Hozier, ‘Amsterdam’ de Jacque Brel y una impresionante ‘Killing In The Name’ de Rage Against The Machine; la única vez que he visto moshear en un show de los Dolls. También pudimos escuchar dos temas nuevos, ‘Blaming The Victim’ y ‘Small Hands, Small Heart’, que Amanda escribió sobre Donald Trump y que publicó como maqueta, aunque dijo que “si todo va como planeamos, habrá un disco nuevo de The Dresden Dolls”. La mágica noche acabó con ‘Sing’ con el dúo rodeado de su crew, amigos y familia, incluido Neil Gaiman.

OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC -LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

CHINESE DEMOCRACY

ola amigos! Hoy me apetece compartir con vosotros el aniversario de un hecho histórico, del que lamentablemente ahora ni Dios se hace eco. El día 23 de noviembre de 2008 Axl y la discográfica Geffen sacaban a la venta el último disco de Guns N’ Roses, sin miembros de Guns N’ Roses, Chinese Democracy. Su gestación y parto darían para un libro gordo puesto que no fue tarea fácil, ni para Axl, ni para los músicos que participaron, y menos aún para los productores que metieron mano en las grabaciones. Los chavales que ahora habéis visto a ese grupo excéntrico de carrozas, con Slash y Duff de vuelta al redil y el pelirrojo de Indiana sonriente y hasta afable, no os podéis imaginar lo que supusieron esos 15 años, desde el lanzamiento del Spaghetti Incident, para los diehard fans como la que escribe. Un puto

suplicio de demandas, declaraciones de odio, Axl convertido en el moderno Howard Hughes alejado del ojo público, alimentando nuestras esperanzas a base de esporádicas y separadas apariciones del cantante, rumores y filtraciones de pésima calidad. En definitiva, sangre, sudor y lágrimas hasta que en octubre se anunció que finalmente tendríamos “el puto Chinese” en nuestras manos. 71:18 minutos repartidos en 14 canciones ¿Mereció la pena el disco más polémico de la historia del rock? Rotundamente sí, aunque miles de detractores digan lo contrario. Temas como ‘Chinese Democracy’, ‘There Was A Time’, ‘Madagascar’ o ‘Prostitute’ siguen sonando como un cañón 10 años después. Y si alguien tiene dudas de lo que estoy diciendo, que me diga sitio y hora, nos tomamos unas cervezas, y le aclaro por qué Chinese Democracy es más grande que la vida.

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes el elegido para mi Hall Of Fame es Goo de Sonic Youth. Es aceptado de manera generalizada que Nevermind de Nirvana fue el pistoletazo de salida de la nación alternativa, limpiando por otro lado una interminable armada de bandas. Pero, poco mérito se le da a un álbum que hizo todo el trabajo de base para que eso sucediera. Goo de Sonic Youth es igual de importante que Nevermind y, además, se puede mirar cara a cara con éste en lo musical. Editado 15 meses antes que Nevermind, también por DGC, Goo fue la primera y significante entidad underground en dar el paso a un sello multinacional. Dado que Sonic Youth se habían convertido en los amos del mundo alternativo, todo el mundo tomó ese paso como una señal. Lo que para otras bandas hubiese supuesto ser acusados de vendidos, en Sonic Youth ese salto fue visto como una oportunidad. Para algunos fue visto casi como un proyecto de arte experimental, algo que la banda había hecho con cierta ironía para ver hasta dónde podían llegar en el mundo más corporativo. Para otros, fue una luz verde para buscar el interés de una major. Su llegada a la discográfica de David Geffen hizo que Kurt Cobain rebajara su aprensión hacia ese tipo de sellos y Nirvana firmaron poco después 90

tras ser aconsejados por el propio Thurston Moore. Para febrero del año siguiente, hasta Henry Rollins estaba en una major para editar The End Of Silence. Afortunadamente para Geffen, Goo fue el disco más accesible de los que Sonic Youth habían hecho hasta ese momento, e incluso tuvieron un pequeño hit con ‘Kool Thing’, donde colaboraba Chuck D de Public Enemy, llegando al número 7 en la lista Billboard de canciones rock. El álbum consiguió meterse en la lista de los más vendidos, llegando al puesto 96. Nada mal para una banda de noise rock experimental procedente de la No Wave. Otras canciones del álbum eran igualmente potentes. ‘Mary Christ’, ‘My Friend Goo’ y ‘Dirty Boots’ podrían haber sido hits también. Por otro lado, temas como ‘Scooter & Jinx’ y ‘Titanium Exposé’ dejaron claro a todos los escépticos que Sonic Youth todavía tenían los dos pies en el underground, desde los días de Daydream Nation. El álbum también dejó tres buenos vídeos. Que Geffen fichase a Sonic Youth fue algo estratégico. Sabían que nunca iban a tener de ellos un álbum que entrara en el top 30 y que llegara a Platino, pero a cambio tuvieron a los ojeadores perfectos para navegar en las complicadas aguas del under. Los primeros temblores ya se habían hecho notar en el mundo de la música, pero

todavía nadie sabía cómo moverse en el universo de la música alternativa para cazar bandas. El festival Lollapalooza del verano del 91 fue el primer momento donde se vio que la escena había dado un paso adelante. A cambio de las miserables 200.000 copias que vendió Goo (miserable para una major, pero de lejos el disco más vendido que había tenido el grupo hasta entonces), Sonic Youth le sirvió a la compañía a Nirvana en un plato de oro. Como recompensa a la recomendación de Nirvana, Geffen dejó que la banda hiciera ocho discos más con total libertad artística. Aunque no sea tan aclamado como Nevermind, Ten o Badmotorfinger, igual sin él aún estaríamos atrapados en un agujero infernal de glam, laca y mallas.