RockZone 156 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Foto de portada: DR

Hay bandas pequeñas que son muy grandes. Es el caso de La Dispute. El grupo de Michigan lleva 15 años reformulando lo que puede ser el post hardcore incorporando un montón de diferentes influencias a su receta. Al igual que sus anteriores trabajos, su nuevo disco Panorama nos dejó fascinado desde que tuvimos la oportunidad de escucharlo hace ya unas semanas. Casi en ese instante decidimos que eran unos firmes candidatos a protagonizar nuestra portada de marzo, y después de poder charlar con su vocalista Jordan Dreyer, ya no tuvimos dudas. Su visión de la música, y la vida, es digna de ser compartida. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Mastodon (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 156

06 / EN DIRECTO 14 / OZZYO 16 / MILLENCOLIN 20 / CATORCE 26 / PUPPY 30 / ALTARAGE 34 / LA DISPUTE 42 / BLOWFUSE 46 / CRÍTICAS 64 / THE LIZARDS 68 / HEXVESSEL 74 / ADRENALIZED 78 / OPINIÓN 80 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

EL CONCIERTO DEL MES BY:

MASTODON 16/2/19 - LA RIVIERA (MADRID) TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ERIC ALTIMIS (BARCELONA)

120

un tratándose de un triple cartel de auténtico lujo (¿Cuántas veces suspirábamos años atrás viendo giras como éstas que pasaban de largo de España?), debo confesar que andaba con la mosca detrás de la oreja ante la nueva visita de Mastodon. Es vox populi que el directo siempre ha sido el gran talón de Aquiles de los de Atlanta, y aunque en los últimos tiempos parecen haber mejorado esa faceta, había que comprobar si de una vez por todas estaban a la altura de lo que se le presupone a una banda de su nivel. Desde luego sus dos acompañantes no se lo pusieron nada fácil, pues tanto Mutoid Man como Kvelertak situaron el listón muy arriba. En el caso de la formación liderada por Stephen Brodsky, no pudieron dejar mejores sensaciones en la media hora de la que dispusieron. Es encomiable ver cómo el cantante de Cave In ha sido capaz de sacarse de la chistera otro nuevo proyecto tan cojonudo, a medio camino entre el metal-punk técnico con un punto de humor bastante cachondo. Ni la baja por lesión del Converge Ben Koller a la batería (su puesto lo ocupó en esta ocasión Christopher Maggio, exTrap Them, que demostró ir sobradísimo a los parches) ni el sonido un tanto justito del 101

MUTOID MAN

que disfrutaron impidió que ‘Melt Your Mind’, ‘Date With The Devil’, ‘Kiss Of Death’, la space rockera ‘Bandages’ o ‘Bridgeburner’ calasen hondo entre una audiencia que vino con los deberes hechos. En una sala pequeña y con buena acústica pueden ser un bombazo muy serio. Si el asunto ya empezaba bien, Kvelertak directamente les robaron el show a los protagonistas de la velada. También tenía mis dudas al respecto siendo la primera vez que íbamos a poder ver en acción a su nuevo frontman tras la salida de Erlen Hjelvik. Pues bien, no sólo dieron la talla, sino que puedo afirmar que es uno de los mejores conciertos que les he visto hasta la fecha. De alguna manera Ivar Nikolaisen ha inyectado a los vikingos un nuevo chute de energía, con una actitud más kamikaze si cabe (perdí la cuenta de las veces que se lanzó al público), contagiando a sus compañeros. No son los noruegos de los que se reserven las energías sobre el escenario, pero nunca antes les había visto disfrutar tanto mientras

KVELERTAK

atacaban ‘Åpenbaring’ (¡Ese riff de apertura!), ‘Bruanne Brenn’, ‘Mjød’, ‘Blodtørst’ y la final ‘Kvelertak’. A falta de comprobar cómo resultará la química en el estudio, siguen siendo un valor seguro. Y aunque para mi gusto eclipsaron por completo a Mastodon, también hay que decir que éstos han mejorado en comparación a lo que eran capaces de ofrecer en vivo hace unos años. Está claro que ni Troy Sanders, ni Brann Dailor, ni Brent Hinds serán nunca grandes cantantes, pero al menos ya son capaces de ofrecer actuaciones vocales sin sonrojarse. Aun con todo, decidieron abrir fuego con una tripleta que rememoraba sus comienzos más primitivos: ‘Iron Tusk’, ‘March Of The Fire Ants’ y ‘Mother Puncher’. Casi nada para empezar. Pero lejos de complacer a los nostálgicos, el setlist fue un extenso repaso a su discografía que dio tiempo para casi todo. Desde sumergirnos en esos pasajes progresivos que tanto abundan en sus últimas referencias (‘Chimes At Midnight’, ‘Sleeping

Giannt’, ‘Toe To Toes’), a servir grandes estribillos para ser coreados por una sala entera entregada a la causa (‘Steambreather’, ‘Ancient Kingdom’, ‘Ember City’). Pero sin duda donde verdaderamente son una banda superlativa es cuando meten la quinta marcha y arrasan con misilazos de puro metal sin contemplaciones. Escuchar auténticas obras de orfebrería como ‘Crystal Skull’ y ‘Capillarian Crest’ es siempre un orgasmo para los oídos, pero que además se decidan a recuperar el que para muchos es su mejor trabajo, Leviathan, son palabras mayores. ‘Aqua Dementia’, ‘Megalodon’ y, cómo no, esa final ‘Blood And Thunder’ con la que pusieron patas arriba la sala, deberían ser patrimonios de la humanidad metálica. Y si bien es cierto que otras tantas se quedaron en el banquillo (‘Colony Of Birchmen’, ‘Oblivion’, ‘The Motherload’, ‘Roots Remain’), eso no hace más que reafirmar el cancionero que ya acumulan Mastodon a estas alturas. Así sí.

THE WONDER YEARS 12/2/19 - RAZZMATAZZ 3 (BARCELONA) TEXTO: MARC LÃ&#x201C;PEZ FOTOS: ERIC ALTIMIS

120

THE WINTER PASSING

n el mundo de la música hay misterios inescrutables. Y es que todavía no le encuentro explicación a que The Wonder Years aún no sean una banda capaz de reventar una sala como Razzmatazz 3. ¿Qué más tienen que hacer? Quizá sea porque la etiqueta pop punk con la que se les asocia echa para atrás a algunos o porque quienes esperan, precisamente, encontrarse a ‘otra banda de pop punk’, se encuentran con una que, musicalmente, e incluso estéticamente, se mueve por otros parámetros. Lo que está claro es que, quienes les seguimos, disfrutamos de ellos doblemente al poder hacerlo en un ambiente tan cercano como el de Razz 3. La primera banda en salir fueron los irlandeses The Winter Passing, a quienes sinceramente no conocía de nada. Buena señal que en apenas dos canciones consiguieran llamarme la atención. Su indie pop, entre The Cardigans y Jimmy Eat World, con alternancia en las voces de la teclista y el guitarra, fue un agradable aperitivo para lo que tenía que venir. Luego

FREE THROW

subieron al escenario Free Throw, un grupo de Nashville que podría enmarcarse dentro del revival emo. Sonidos más ásperos interpretados con mucha pasión por parte del cantante y guitarrista Cory Castro y con una buena puesta en escena. En unas semanas publicarán un nuevo álbum, del cual interpretaron su primer avance ‘The Corner’s Dilemma’, junto a otros de su discografía como ‘Randy, I Am The Liquor’ o ‘Such Luck’. Habrá que seguirles de cerca. The Wonder Years se colocaron en sus posiciones y arrancaron directamente con ‘Sister Cities’, el tema que da título a su último álbum, ideal para poner a todo el mundo en guardia. La energía se mantuvo con ‘Local Man Ruins Everything’, rescatado de Suburbia…, en el que pudimos comprobar que el resfriado que afectaba a Dan ‘Soupy’ Campbell no le había mermado en absoluto su capacidad vocal. El cantante pasó prácticamente la mitad de la actuación subido a un flight case tumbado en el suelo

a modo de púlpito, como si quisiera poder mirar a los ojos constantemente a cualquier persona en la sala. Su concierto discurrió entre los momentos más expansivos, como el riff saltarín de ‘Dismantling Summer’, que hizo que todo el mundo botara alegremente, o las maravillosas y trepidantes melodías de ‘Don’t Let Me Cave In’ y ‘Washington Square Park’, en la que el batería Mike Kennedy se ganó el sueldo, mientras que ‘Cardinals’ o ‘Raining In Kyoto’ demostraron que los de Filadelfia también pueden ser intensos cuando se lo proponen con ese estribillo que vale un imperio. También hubo espacio para momentos más intimistas como ‘Pyramids Of Salt’, ‘The Devil In My Bloodstream’ o la preciosa balada ‘Flowers Where Your Face Should Be’, para la cual el guitarrista Nick Steinborn sacó un xilofón para darle un toque aún más delicado. Son detalles como éste (¿Qué otra banda de punk se lleva un xilofón de gira?) los que hacen de ellos una formación especial. Como también lo fue el final con ‘Came Out Swinging’, un resumen en tres minutos de todas sus virtudes. 11

CLOUD NOTHINGS 24/2/19 - LA (2) DE APOLO (BARCELONA) TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

120

YAWNERS

loud Nothings llegaban a Barcelona dos días después de un accidentado concierto en Madrid en el que la mala calidad del sonido llevó a numerosas quejas por parte de los asistentes e incluso a la promesa por parte de la organización de devolver el importe de las entradas. Realmente, muy chungo tuvo que ser. Por suerte, en La (2) de Apolo no sufrimos nada parecido y la banda de Cleveland pudo desarrollar su concierto sin ningún contratiempo. Había ganas de volver a disfrutar de su directo después de su paso por el Primavera Sound en 2014 y la sala presentaba un muy buen aspecto, a pesar de que ya sabemos de la pereza que le da a la gente salir de casa un domingo. Eso permitió que muchos vieran, probablemente por primera vez, a Yawners, el dúo madrileño que en unas semanas publicará su segundo disco Just Calm Down. La

compenetración entre Elena, voz y guitarra, y Martín a la batería, es total, y si a eso le añadimos canciones electrizantes como la nueva ‘La Escalera’, con estupendas melodías, el resultado es de lo más satisfactorio. Ojalá que les vayan saliendo más oportunidades. Cloud Nothings venían a presentar su quinto trabajo Last Building Burning, y lo hicieron... literalmente. La primera parte del bolo estuvo dedicada a repasar íntegramente su contenido. Hasta juraría que fue en el mismo orden, empezando por ‘On An Edge’ y siguiendo con ‘Leave Him Now’, ‘In Shame’... Ningún problema, se trata de una obra en la que casi diría que el grupo intentó capturar, precisamente, su sonido de directo, y que cuenta con suficientes buenos temas para sostener una actuación. La larga ‘Dissolution’, en la que sonaron como Sonic Youth haciendo krautrock, fue como un

puente hacia una segunda parte más animada en la que sonaron temas antiguos como las pegadizas ‘Modern Art’, ‘Now Hear In’ o ‘Stay Useless’. Eso sí, la animación vino más por parte del público, que empezó a poguear y a hacer stage dives, que por la actitud de los músicos, que siguieron mostrándose de lo más estáticos. Y ése sería mi reproche a Cloud Nothings. A excepción del batería Chris Brown, que le ponía bastante empuje, el resto se limitaban simplemente a tocar. A ejecutar bien y ya. Que Dylan Baldi ni siquiera se sacara el ancho jersey que llevaba durante toda la actuación, fue bastante significativo. Una pena, porque canciones como ‘Psychic Trauma’ o ‘I’m Not Part Of Me’ bien merecen un poco más de entrega. El final con ‘Wasted Days’, en la que volvió a aflorar su lado más noise, nos dio un baño de distorsión para mandarnos a casa con los oídos zumbando. Era lo mínimo.

OZZYO MACHISTADAS Rocío Vidal (PLAN B)

Primera obra larga fuera del circuito underground y autoeditado de Rocío Vidal, quien también en los últimos tiempos ha colaborado con El Jueves. En este Machistadas, la autora recopila un buen puñado de situaciones desagradable relacionadas con el machismo implícito en nuestra sociedad y que algunos minimizan con el término ‘micromachismos’. Estructurado en varios bloques de diferentes momentos de nuestra vida social y personal, con un gran toque autobiográfico e ilustrado de manera excelente, hace sonreír y obliga -qué menos- a meditar un poco. SG

LIMITADO Y ESPECIAL Rubén Fernández (¡CARAMBA!/ASTIBERRI)

Hombre blanco hetero abre la boca para opinar sobre cualquier cosa y la caga, siempre, con premeditación, maldad y alevosía. Así es Federik Freak, el trasunto de avatar del humorista Rubén Fernádez que lleva la tira de años publicándose en El Jueves y del que ahora ¡Caramba! ofrece su tercer recopilatorio. Federik es molesto, grotesco y cansino en sus golpes a la cultura popular tratando de no dejar referencia alguna sin mancillar a casi todo lo freak lanzado entre 2015 y 2018. Ojito que trae muchas, muchas risas. SG

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA

LA CHICA DEL TATUAJE ENCIMA DEL CULO

OBJETIVO HEDY LAMARR Vilbor, Muñoz y Pajares

AMY SCHUMER

(GRAFITO EDITORIAL)

(CONTRA)

Hay una pequeña tendencia en estos tiempos que corren a empezar a cuestionar –sino a odiar directamente- a Amy Schumer. Es cierto que su fama aquí es más bien modesta –de ahí que admiremos que este libro haya sido traducido- pero en Estados Unidos, Amy Schumer se ha convertido en toda una celebridad. El paralelismo podría ser que Schumer es para la stand up comedy actual lo que Dave Grohl para el rock. Decir que La Chica Del Tatuaje Encima Del Culo es una autobiografía no es del todo acertado. Es cierto que el libro está construido en torno a las vivencias de Amy Schumer, desde su infancia hasta el momento actual, pero el libro está divido en capítulos independientes que no siguen nigun orden cronológico, y se centran en anécdotas concretas. Una vez leído, hay una cosa muy clara: Amy Schumer sabe contar historias y hacerlas amenas y divertidas, ya sea encima de un escenario o en una hoja de papel. Quien haya seguido sus espectáculos, puede intuir lo que aquí encontramos. Una constante lucha, reivindicación y/u obsesión por ser una mujer fuera de los estándares de belleza, sus relaciones con los hombres –afectivas y sexuales-, y por supuesto el amor que siente hacia su trabajo. Desde luego peca más de falsa modestia que de pedantería, pero es muy complicado –incluso siendo hombre- no sentirse identificado con muchas de las historias y pensamientos que comparte. RR

Trepidante thriller de acción que coloca a la actriz de la Edad de Oro de Hollywood, Hedy Lammar, en el centro de una persecución contra los nazis para lograr darle un vuelco a la IIGM. Ambientado durante el rodaje de Sansón Y Dalila, los autores mezclan en este cómic la biografía de la actriz con ficción para ofrecer un relato en el que muestran muchas de las facetas de esta inventora autodidacta a quien le debemos la base sobre la que se sustentan nuestras telecomunicaciones inalámbricas. Apasionante. SG

MUNDO IDIOTA Nº 2 Peter Bagge (LA CÚPULA)

Mi vieja colección de la línea de Brut Cómix de los 90 con la primera edición de Mundo Idiota contempla maravillada la publicación definitiva del cómic que convirtió a Peter Bagge en uno de los mejores autores underground de los años 80 y 90. Este tomo, aparte de incluir notas del autor o episodios dedicados a Buddy que sirvieron de embrión para su serie Odio, este nº 2 presta especial atención al trasunto de parodia fascista de Studs Kirby, uno de sus personajes más complejos y grotescos (perfil de nuevo muy de actualidad). SG

MILLENCOLIN

AL RESCATE LOS QUE FUERON LOS REYES DEL SKATE PUNK EN EUROPA DURANTE LOS 90 TODAVÍA NO QUIEREN ABDICAR. Y LO CIERTO ES QUE ESCUCHANDO SU NUEVO DISCO SOS, NO CREO QUE NADIE SE ATREVA A PEDÍRSELO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

ILLENCOLIN PASARON SU PARTICULAR CRISIS de los 40

cinco o seis conciertos sentirnos totalmente cómodos”. ¿Estáis en forma para seguir mo-

cuando a sus miembros todavía les quedaban unos cuantos años para llegar a esa edad. La edición en 2008 de Machine 15 no dejó satisfecho a nadie. Ni a sus fans, ni por lo que nos cuenta el guitarrista Erik Ohlsson, tampoco a los integrantes del combo sueco que completan Nikola Sarcevic (voz, bajo), Mathias Färm (guitarra) y Fredrik Larzon (batería). Pero gracias a la gira de décimo aniversario de su popularísimo Pennybridge Pioneers, la banda volvió a inspirarse y a encarrilar su carrera con True Brew en 2015. Un impulso positivo que continúa en SOS (Epitaph), en el que encontramos canciones tan buenas como ‘Nothing’ o ‘Sour Days’, que recuerdan a sus mejores tiempos. Unos días antes de que partieran para Australia para iniciar una nueva gira mundial que los traerá a España en verano para tocar en el Resurrection Fest, interrumpimos uno de los ensayos del grupo para intercambiar impresiones con Erik.

viéndoos tanto?

Me dicen que estáis justo ensa-

¿Sabrías tocar, o al menos los

yando. ¿Todavía le echáis mu-

acordes, de todas las canciones

chas horas antes de salir de gira?

de Millencolin?

ERIK OHLSSON “Sí, nos lleva un

“No (risas). Muchos temas los grabas en el estudio, pero nunca los llegas a tocar en directo y te olvidas de ellos. Cuando tocamos Pennybridge Pioneers entero hace unos años, habían pasado diez años desde su grabación, y al menos la mitad de los temas era como si fuesen completamente nuevos porque nunca los habíamos tocado (risas). Es divertido rescatar temas viejos”.

poco de tiempo porque los temas nuevos sólo los hemos grabado, pero nunca los hemos tocado en vivo. Siempre cambiamos un poco los temas de cara al directo. Pero están sonando muy bien (risas). Además, nosotros nos movemos mucho en directo y con los temas antiguos nuestros cuerpos ya saben qué hacer de manera automática, pero con los nuevos, tus piernas, tus brazos, todavía tienen que aprenderlo (risas). Normalmente nos lleva unos

“Creo que sí (risas). No siento la edad que tengo. Estamos tan acostumbrados a movernos que nos sale de manera natural. Quizá antes botábamos más, pero luego pensé que pegar botes no molaba demasiado, así que dejé de hacerlo. Pero hacemos ejercicio, seguimos haciendo skate, así que no hay problemas físicos (risas)”.

musical del grupo. ¿Es realmente lo que parece?

“Mmm… Nikola es el cerebro detrás de las melodías y los acordes. Él nos manda una demo con una guitarra acústica y luego es Mathias el que lo convierte en una canción de Millencolin. Y yo meto algunas melodías de guitarra. Pero Mathias es el que transforma un tema acústico en un tema de rock. Es muy bueno con los riffs y escribiendo partes de batería también”. En SOS parece que habéis encontrado un buen equilibrio

¿Vais a recuperar temas antiguos

para seguir sonando a Millenco-

que hace tiempo que no tocáis?

lin sin ser una parodia de voso-

“Sí, en dos semanas nos vamos de gira a Australia y vamos a tocar ‘Fingers Crossed’, que es un tema antiguo que nos pide mucha gente. Hace mucho que no la tocamos. Cada vez es más difícil encajar todos los temas que tenemos en una hora y media. Tenemos unas 150 canciones grabadas. Cuando celebramos nuestro 20 aniversario, montamos un festival de dos días y tocamos 60 canciones, y eso fue antes del anterior True Brew”.

tros mismos.

La gente tiene la impresión de que Nikola es un poco el cerebro

“Para serte sincero, creo que en True Brew encontramos nuestro sonido actual. El disco Pennybridge Pionners fue el que definió el sonido Millencolin, pero luego en Home From Home tiramos más hacia el rock, seguimos por ahí con Kingwood y creo que cuando llegamos a Machine 15 estábamos perdidos (risas). Fue cuando salieron un montón de bandas emo y screamo y no sabíamos lo que teníamos que hacer. Creo que nos salió un disco muy aburrido y el periodo que vino después fue raro. Pero entonces hicimos la gira de décimo aniversario de Pennybridge Pioneers y nos sentimos como en casa tocando ese material. Así que en True Brew nos reencontramos con nosotros mismos y SOS es una continuación de esa línea. Además, tenemos nuestro propio estudio y Mathias es muy bueno grabando, y Jens Bogren, que es amigo nuestro, se encarga de producir las voces y las mezclas. Es una manera muy cómoda de trabajar. La verdad es que estoy muy feliz con True Brew y SOS, nada que ver con cómo me sentía después de Machine 15”. 17

es mucho más divertido”. Es muy poco común que hayáis logrado mantener la formación intacta. ¿En algún momento alguien ha querido dejarlo?

“PARA NOSOTROS LA VELOCIDAD NUNCA HA SIDO IMPORTANTE” ERIK OHLSSON Después de ese álbum tardasteis siete años en sacar True Brew. ¿Fue el tiempo que necesitasteis para solucionar esa crisis de identidad?

“Sí. No. No sé (risas). La verdad es que giramos muchísimo. Solemos hacer tres giras americanas, tres europeas, dos en Sudamérica, Australia, festivales… Parece que no, pero eso lleva tiempo (risas). Después hicimos como cien shows más con Pennybridge Pioneers. Y luego descansamos. También necesitamos hacer cosas fuera de Millencolin. Es muy importante. El tiempo pasa muy rápido (risas)”. Supongo que es un problema por el que pasa cualquier banda que

ahora es muy honesto. Sigue siendo Millencolin aunque sea algo distinto. Creo que si quisiéramos hacer un disco de metal o uno de rock’n’roll lo haríamos con otro nombre. Millencolin es lo que es. Es una parte tan importante de nuestras vidas que nos sale de manera muy natural”. ¿Os veis mucho cuando no estáis de gira?

“Mathias y yo somos mejores amigos. Hablamos al menos un par de veces al día. Los dos vivimos en Örebro, pero Larzon se mudó a Malmö, que está a seis horas. Y Nikola se mudó a Göteborg en el 97, así que les vemos poco. Pero te diré que nos llevamos mucho mejor ahora que antes”.

lleve mucho tiempo. Es imposible hacer la misma música que cuan-

¿Sí?

do teníais 18 años, pero al mis-

“Sí. Cuando empezamos éramos adolescentes y ahora somos como familia. Nikola tiene su empresa de cerveza, Mathias es corredor de coches y tiene una marca de salsa picante, Larzon tiene su sello discográfico, yo tengo mi empresa. Ahora cuando nos juntamos

mo tiempo quieres seguir siendo lo que eres.

“Así es. Nosotros tocamos mucho en directo y al final es ahí donde de verdad ves con qué material te sientes cómodo. Creo que lo que hacemos 18

“Nikola ha tenido varios episodios (risas). En 1998, cuando acabamos una gira por Sudamérica, estábamos quemadísimos. Habíamos sacado For Monkeys, llevábamos tres discos y habíamos estado de gira sin parar. Era demasiado. Nikola dijo que quería volver a estudiar y que no sabía si volvería al grupo o no. Durante ese tiempo yo preparé un DVD y un recopilatorio, y entonces Brett Gurewitz dijo que quería producir nuestro próximo disco, así que fuimos a Estados Unidos y grabamos Pennybridge Pioneers. Y luego después de la gira Machine 15, Nikola también dijo que quería dejarlo, pero descansamos dos meses y se le pasó. Y ahora todo está bien (risas)”. ¿Qué les dirías a quienes añoran a los Millencolin más veloces?

“Para nosotros la velocidad nunca ha sido importante. Queremos tocar la canción en el tempo más adecuado, que tenga groove. Si sólo tocas rápido no hay dinámica y puedes destruir las melodías. Al final, lo más importante es la melodía de voz. Lo curioso es que los fans más viejos son los que quieren algo parecido a los tres primeros discos, pero tenemos un montón de fans jóvenes que prefieren lo que hacemos ahora porque igual nos descubrieron con Kingwood o True Brew. Pero creo que con SOS todos estarán contentos, hay un poco de todo”.

CATORCE

UTOPIA DISTOPICA I

2019 NO ES SÓLO EL AÑO EN EL QUE SUCEDE LA ACCIÓN DE UNA PELÍCULA TAN ICÓNICA COMO BLADE RUNNER . TAMBIÉN DEBERÍA SER LA FECHA EN LA QUE CATORCE SE ASIENTEN DEFINITIVAMENTE COMO UNA DE LAS BANDAS MÁS EN FORMA DE NUESTRO PAÍS. SU NUEVA OBRA, ARCADIA , ES SU PECULIAR VISIÓN DE UN FUTURO NO TAN LEJANO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: VÍCTOR HERNÁNDEZ

N LA MITOLOGÍA GRIEGA, se conoce a Ar-

cadia como una región del Peloponeso donde reinaba la paz y la felicidad. Un mundo imaginario idealizado por los poetas y artistas de la época que de una manera u otra se ha ido reflejando a lo largo de la historia a través del arte. Una de esas utopías bien podría ser Blade Runner. La cinta de Ridley Scott nos mostraba un futuro lleno de avances tecnológicos, pero que por desgracia no era tan bonito como aparentaba. Curiosamente, la película se desarrolla en 2019, justo el año que hace un par de meses acabamos de iniciar. Por supuesto, obvia decir que nuestro presente no es que se asemeje al que Scott reflejó en su obra maestra, sino que es incluso aún más aterrador si cabe. De un modo u otro, tampoco el futuro es lo que Catorce se debían de haber imaginado cuando echaron a andar allá por 2007. En su trayectoria (tanto por cuenta propia como en De La Cuna A La Tumba, la banda paralela que comparten con Kantz de Tenpel, Delobos y Habitar La Mar), han experimentado la cara más agridulce del mundo de la música. Ésa que no aparece en las primeras planas de los grandes medios pero que todos los grupos conocen. Mucho esfuerzo y dedicación para un premio en ocasiones escaso e insuficiente. No en vano a punto estuvieron de arrojar la toalla tras la publicación de su segundo largo, Agua. Naufragio. Equilibrio..

Pero su confirmación para el pasado Download Festival supuso toda una inyección de moral a la hora de afrontar la composición de su tercer álbum. Aunque el futuro brillaba en el horizonte, no todo iba a ser tan fácil. Tras meses de preproducción junto a Juan Blas en Westline Studios y a pocas semanas de entrar a grabar con Carlos Santos en Sadman Studios, Jaime Ladrón de Guevara (voz, guitarra) y José Miguel Ocón (bajo) vieron cómo el batería Luis Manuel Terán abandonaba el barco. Tirando de la ayuda de Carlos Expósito (Leo Jiménez, Stravaganzza) para completar la grabación, consiguieron finalizar Arcadia, un disco que musicalmente profundiza en el post hardcore mostrado en sus referencias previas, al tiempo que las letras se adentran en ese futuro no tan bonito que se nos quiere vender. Como ya suele ser norma cada vez que hablamos con ellos, el combo sevillano (al que finalmente se ha incorporado Luis Ruiz como nuevo batería) se explayó sin reservas en la entrevista que leeréis a continuación, desgranando su recién estrenada obra con todo lujo de detalles. Y es que en su caso, da tanto gusto ver la honestidad con la que se explican como escuchar sus canciones.

Equilibrio., que ya estaba casi terminando. Me decíais que había sido una experiencia un tanto agridulce. Luego a posteriori habéis reconocido incluso que os planteabais el seguir adelante con el grupo. ¿En qué punto estabais por aquel entonces? JAIME LADRÓN “Pues si mal no

recuerdo aquel día tocamos en la sala Caracol junto a Tenpel y el sitio estaba a reventar. La verdad es que ha sido una etapa extraña, y por más que las cosas fueran a mejor, que lo fueron, lo cierto es que hasta que no la cerramos no nos libramos nunca de aquella sensación. Creo que por entonces estábamos en un punto de adaptación y de aprender un poco más lo que queríamos hacer como banda y lo que no. El planteamiento de si continuar, aunque parezca mentira, siguió ahí hasta casi un mes antes de entrar a grabar”. Justo poco después, llegó vuestra confirmación para actuar en el Download Festival. Imagino que supuso una inyección de moral y no sé si lo visteis un poco como una especie de premio por todo lo que habíais peleado. Parecía como si por fin alguien os estuviese haciendo un poquito de caso.

Recuerdo que en la anterior en-

JAIME “Sin duda lo fue y como tal lo

trevista que hicimos en Madrid

vivimos. Yo tuve hasta mi momento de fan y me hice algunas fotos con Thrice, que estaban cenando al lado nuestro. Todo era un poco surrealista (risas).

hace casi un año, hacíamos un poco de balance de lo que había sido el ciclo de Agua. Naufragio.

Era casi como en una peli, terminar una etapa un tanto rara por todo lo alto. ‘Los buenos ganan’, o algo así. Lo que pasa es que lo malo de las pelis es que nunca te suelen contar lo que pasa después del final feliz y lo cierto es que aquello fue un poco el punto de inflexión al que terminamos llegando unas semanas después”. JOSÉ MIGUEL OCÓN “Por mi parte y siendo sincero, por lo duros que fueron esos meses y todo el proceso de composición de este disco, sin esa luz al final del túnel probablemente no hubiese podido continuar en Catorce. Estuve al límite en más de una ocasión, pero egoístamente pensaba que después de todo el tiempo y esfuerzo dedicado, de todo lo que dejas por el camino, no hubiera sido justo no llegar al menos hasta allí. Como bien dices, ese premio supuso mucho tanto por la actuación en sí como por las consecuencias posteriores que tuvo para nosotros”. Entrando en lo que ha sido la creación de Arcadia, me llamó la atención que decidieseis montar

materia gris y luego Carlos se encargó de darle forma a esos sonidos que teníamos en la cabeza”. JOSÉ MIGUEL “Además de lo mencionado por Jaime, la aportación de Juan fue muy importante tanto en los días que bajó a Sevilla para ir acotando lo que llamó nuestro “serranito prog rock” (risas), como posteriormente en Westline para montar con Pablo Ponz (guitarra de Caboverde –ndr.) por primera vez los temas, no sin darnos muchos cabezazos contra la pared antes. Sin todo aquello no habríamos llegado con las ideas tan claras a Sadman. Allí con los dos Carlos, Expósito por un lado y Santos por otro, fue todo muy fluido. Primero las baterías quedaron muy por encima de nuestras mejores expectativas y posteriormente, tanto bajo como guitarras y voces fueron encajando como si de un puzle se tratase. Nosotros mismos estábamos un poco sorprendidos de lo bien y rápido que fue todo, porque estábamos acostumbrados a grabaciones exprés con De La Cuna A La Tumba, pero grabar un disco así en cinco días nos parecía excepcional”.

un equipo con Juan Blas como

teníamos dos opciones: parar indefinidamente y aclarar las ideas, o tener el valor de intentar llevar al mejor puerto posible estas canciones que tanto nos costaron parir. Y aquí estamos, contentísimos con el resultado y de nuestra situación actual con Luis”. Al final Carlos Expósito se hizo cargo de las baquetas en la grabación. ¿Cómo fue encontrar un nuevo batería a contrarreloj? JAIME “En este sentido no quisimos

pillarnos los dedos y justo al día siguiente de que Luisma nos comunicara su decisión, José y yo quedamos para hablar. Él ya ha comentado que incluso la idea de parar se mencionó, pero ninguno queríamos eso. En esa misma reunión decidimos hablar con Carlos para grabar el disco y llamar a Luis para ver si le interesaría ser nuestro nuevo batería. A los dos días Carlos había accedido y Luis ya se estaba preparando los temas para empezar a ensayar justo cuando volviésemos de grabar el álbum. La verdad es que, quizá por eso, no nos pesó tanto toda aquella situación, aunque evidentemente no fuese la ideal para un grupo que está a dos semanas de entrar a grabar un disco”.

productor y Carlos Santos como

Justo cuando todo parecía ir so-

encargado para grabarlo, cuan-

bre ruedas y estabais a punto de

do lo normal es que sólo una

entrar a grabar el nuevo álbum,

persona realice esas mismas la-

se produjo la salida de Luisma.

Finalmente, Luis Ruíz ha sido el

bores. ¿Cuál fue el papel de cada

JOSÉ MIGUEL “Pasaron muchas

elegido para ocupar de manera

uno y por qué decidisteis organi-

cosas entre nosotros en relativamente poco tiempo y todo afloraba durante el proceso de composición de las canciones. Si habitualmente somos exigentes, pasamos por un momento especialmente delicado en este sentido que tampoco facilitó las cosas. Salió Luisma como pudimos haber salido Jaime o yo, y no fue una decisión sencilla de adoptar. Pero una vez ocurrió, sólo

oficiosa la batería.

zarlo de esta manera? JAIME “La idea surgió un poco de las

ganas de trabajar con alguien a quien admirásemos en el ámbito compositivo y cuyo trabajo fuese una influencia en el nuestro propio. Juan es amigo nuestro desde hace casi diez años y cuando le propusimos esto accedió encantado. Hicimos mucho trabajo de

JAIME “Luis es un viejo amigo. Su

banda, Carving Colours, está formada por antiguos y muy buenos amigos nuestros. Lo conocíamos desde Atlas, siempre que podía venía a algún bolo, sabíamos que le molaba la banda y a nosotros nos molaba mucho su estilo tocando. Desde el primer ensayo vimos en él algo que llevábamos buscando

“AGUA. NAUFRAGIO. EQUILIBRIO. ERA UN DISCO MÁS GUITARRERO. ARCADIA ES ESA FÓRMULA MEZCLADA CON RIFFS COMPLEJOS” JAIME LADRÓN DE GUEVARA

desde el principio: alguien con la misma intención que nosotros. Nos ha costado doce años y siete baterías, pero creo que esta vez se han alineado los astros para todos (risas)”. LUIS RUIZ “Somos viejos amigos. Conocí a Catorce prácticamente al mismo tiempo que comencé a tocar con Carving Colours, y desde entonces no les perdí nunca la pista. Y aunque todos estos años he estado tocando un estilo de música bastante distinto al de Catorce, siempre me ha encantado su música y en cuanto me dieron la oportunidad de formar parte del proyecto, no lo dudé un segundo”. A nivel de lo que supone en cuanto a evolución, veo que este

álbum está muy cercano a Agua.

Naufragio. Equilibrio. en el sentido de que la gran mayoría son canciones cortas y muy directas, pero también hay cosas nuevas como los teclados de Luis López Pinto o incluso algún deje que me ha recordado a De La Cuna A La Tumba. JAIME “Bueno, creo que todo eso es

inevitable. Y tampoco es que quisiéramos evitarlo (risas). Por la parte de Catorce, quisimos respetar el sonido que obtuvimos con Agua. Naufragio. Equilibrio.. Coger eso y madurarlo. Por otro, éramos tres cuartas partes de De La Cuna A La Tumba, así que creo que no podíamos evitar esos dejes. Aun con todo, como culos

inquietos que somos, desde el día uno quisimos ir un pasito más allá. Mi primera premisa para este disco fue que quería hacer un álbum complicado de tocar. No en plan Dream Theater, pero sí en riqueza de riffs. Agua. Naufragio. Equilibrio. era un disco más guitarrero. Arcadia es esa fórmula mezclada con riffs complejos... bueno, complejos para nosotros, quiero decir (risas). Hemos encontrado inspiración en bandas como Mutoid Man, The Mars Volta o proyectos de synthwave como Gunship, Timecop 1983 o FM-84, en escritores como Asimov, Huxley... Digamos que somos simplemente los Catorce de 2019 haciendo lo que siempre han hecho. No vamos a hacer lo mismo

“ARCADIA ES NUESTRA PREOCUPACIÓN POR EL USO QUE LE ESTAMOS DANDO A LAS TECNOLOGÍAS. ES NUESTRO EPISODIO DE BLACK MIRROR, SI ME APURAS” JAIME LADRÓN DE GUEVARA

está rogando que paremos de hacer las cosas mal. Pero pese a tener todo eso, seguimos siendo la misma especie salvaje e incivilizada que hemos sido durante toda nuestra historia. De ahí ese punto de encuentro pasado-futuro. Nuestra generación está en medio, flotando en algo así como un limbo”. Para acabar, por lo que he ido siguiendo desde fuera, me ha dado la impresión de que hacer este disco ha sido una montaña rusa a nivel emocional. ¿Diríais que al final Arcadia es de alguna manera un resumen de todo lo que habéis vivido en estos últimos años? JAIME “Arcadia es el resultado de

con 30 años que con 23, pero tampoco vamos a renegar de ello”. En cuanto a las letras, veo que existe un concepto alrededor lleno de contrastes. Por un lado, tenemos el título, que hace referencia a Arcadia, que en la mitología griega era una especie de país idílico donde todo reinaba en armonía, y por otro la portada, con ese enfrentamiento entre lo clásico y lo moderno, donde en este punto también encontramos claras referencias al futuro mediante los pasajes de Blade

Runner que se encuentran en el álbum. ¿Qué es todo esto? ¿Qué es lo que queréis contar? JAIME “Básicamente,

Arcadia es nuestra preocupación por el uso que le estamos dando a las tecnologías. Es nuestro episodio de Black Mirror, si me apuras (risas). Digamos que es

la historia de alguien que despierta de repente en nuestro tiempo y se da cuenta de que no está en el futuro luminoso y esperanzador que se nos prometía. No está en una Arcadia, sino en algo que roza la distopía. Una utopía distópica o algo así. Ascensos de movimientos políticos basados en el odio, ciudadanos de primera y de segunda, nuevas formas de esclavismo... Todo ello enmascarado bajo ese progreso tecnológico. Durante todo el disco, esa persona busca ‘volver a dormir’. Sufre viendo el mundo en que nos hemos convertido y su viaje se ve en la tríada que forman ‘Autómata’, ‘Conjura’ y ‘Una Ventana Atlántica’. Estamos en el futuro, tenemos a nuestra disposición las herramientas para llegar a ser mejores. Mejores como especie, como sociedad respetuosa con el prójimo y con otras especies, como habitantes de un planeta que nos

muchísimos estímulos. Hay momentos donde el mundo exterior se encuentra con el interior. Por ejemplo, hay una canción, ‘Myria’, que habla de la ansiedad, de todas las bestias que te acechan a día de hoy, con tanta exposición en las redes, y de cómo eso puede afectar a tu salud mental y física. El personaje que lo cuenta ha de mentalizarse de que nada de lo externo ha de atravesarle, que ha de crearse una especie de armadura que lo proteja. Es un tema que considero importante. Y así muchos más. Ya sé que va a sonar raro, pero siempre he creído que nuestras canciones son una especie de álbum de fotos emocional. Fotografías de los sentimientos que tuvimos en un momento de nuestras vidas. Han sido años raros y complejos, y para mí es un poco como el fin de una etapa”.

VILLA DE

EDIZIOA / EDICIÃ&#x201C;N

BILBAO CONCURSO POP-ROCK LEHIAKETA

INSCRIPCIONES DEL 1 DE ABRIL AL 5 DE MAYO

POP ROCK

METAL

URBAN

www.bilbaogazte.bilbao.eus / 94 415 13 06 / bilborock@bilbao.eus

PUPPY

EN LOS MUNDOS D E PU PPY

SI TE GUSTAN LOS RIFFS PESADOS, PERO TAMBIÉN TE ENCANDILAN LAS MELODÍAS POP, PUEDE QUE PUPPY SE CONVIERTAN EN TU NUEVA BANDA FAVORITA. EL TRÍO BRITÁNICO PUBLICA SU PRIMER ÁLBUM THE GOAT PARA DEMOSTRAR QUE OSCURIDAD Y DIVERSIÓN NO TIENEN POR QUÉ ESTAR REÑIDAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ESDE QUE SE FORMARAN EN 2015, los

londinenses Puppy se han ido acostumbrando a ser la banda que no encaja en ningún sitio. Cuando tocaban con grupos de metal los miraban con cara rara por sus estribillos luminosos, y cuando lo hacían con grupos indies sus guitarrazos asustaban a la parroquia. Pero pese a ello, Jack Norton (voz, guitarra), Will Michael (bajo) y Billy Howard (batería) siguieron su instinto con la intención de dar cabida a sus variadas influencias. Sus dos primeros EPs les llevaron a tocar en festivales como el Download UK y Glastonbury, y a compartir escenario con bandas tan distintas como Conan, Kvelertak, Creeper o CKY. Sobre el papel puede parecer un sinsentido, pero una vez escuchas su recién publicado debut The Goat (Spinefarm), no parece tan extraño. El disco, grabado en dos sesiones diferente con los productores Neil Kennedy (Boston Manor, Milk Teeth) y Tom Dalgety (Royal Blood, Ghost), presenta suficientes argumentos como para que este cachorrito empiece a correr. Explícanos un poco de dónde salen Puppy. JACK NORTON “Billy, el batería, y

yo somos amigos desde los 12 años. Íbamos juntos a la escuela. Hemos estado tocando juntos desde siempre en varias bandas. Teníamos amigos que escuchaban todo tipo de música, pero a nosotros nos gustaba más el rock y el metal. Cuando conocimos a Will, el bajista, decidimos empezar un nuevo grupo. A él le gusta más el doom y el metal extremo, y nosotros en ese momento estábamos en una onda más

“ESA MENTALIDAD DE FIJARSE EN LO QUE FUNCIONA, AL FINAL, NUNCA FUNCIONA ” JACK NORTON

indie, garaje, así que de la mezcla de todo salió el sonido de Puppy. Creo que a todos nos apetecía hacer un poco lo que hacía el otro (risas)”.

Goat que era más oscuro y siniestro. Creo que ese tema marcó un poco la dirección hasta ahora”. ¿Es difícil encajar melodías tan

¿Cuándo visteis que lo que ha-

pop sobre esos riffs más duros?

cíais era algo propio?

“Es un poco como trabajar con dos partes del cerebro distintas. Desde un punto de vista más técnico, tendemos a dejar las partes más complejas para las partes instrumentales, y cuando entra la voz, las simplificamos un poco. Para que sea una canción de Puppy tenemos que haber marcado las dos casillas, por decirlo de algún modo. El hacer un álbum nos permitió explorar y desarrollar todo esto mucho más. Tenemos canciones más duras y otras más luminosas, pero en general el sonido de Puppy se basa en las dos cosas,

“Todo fue muy natural. Creo que si pudieras escuchar nuestros grupos anteriores podrías establecer conexiones con lo que hacemos ahora. Creo que siempre habíamos buscado ese equilibro entre rock duro y algo más indie, así que se trataba de ir ajustándolo todo. La primera canción que lanzamos, ‘Forever’, fue importante para darnos un empujón porque allí había riffs más pesados y era algo distinto. Y en el segundo EP Vol. II había un tema titulado ‘Entombed’ que hemos regrabado para The

propia voz. Creo que con Weezer nos une mucho esa actitud de querer coger influencias del classic rock y pasarlo por tu propio filtro”. ¿Qué opinas de sus últimos trabajos? ¿Los has seguido?

“Para serte sincero, dejé de escucharlos tanto después del Green Album. Maladroit no estaba mal, pero después de Make Believe ya no los he seguido. Hay alguna canción suelta que me gusta, pero ya no me interesa lo que hacen. Me cuesta mucho criticar a Rivers Cuomo porque es alguien a quien admiro. Me gustaba mucho su primer bajista Matt Sharp, lo coros que hacía y todo. ¿Conoces su banda The Rentals?”. Sí, sí. ¿No crees que si The Goat

‘Black Hole’ es un poco más bailable, que era algo que queríamos probar. O una canción como ‘Nightwalker’, más pop, quizá no hubiera tenido sitio en un EP, pero sí en un álbum. Pero sobre todo lo que queríamos era escribir las mejores canciones posibles y ser honestos con lo que hacíamos”. Mirando la portada, los títulos de las canciones y estando en un sello como Spinefarm, puede que haya gente que espere que seáis una banda de puro metal.

“No es que queramos confundir a nadie, pero en el fondo creo que lo que hacemos es nuestra versión del heavy metal. Simplemente seguimos nuestro instinto, no buscamos engañar a nadie. Y al final, la banda se llama Puppy, no Evil Dog (risas)”.

hubiera salido en 1994 como

pero queremos que tenga sentido, que suene natural”. Una de las primeras bandas en la que escuché esta mezcla fueron The Wildhearts.

“Oh, interesante. Conozco la banda, pero nunca los escuché. Quizá debería hacerlo porque no eres el primero en mencionarlos. Supongo que me gustarían”.

el Blue Album hubiese sido un

Parte del disco lo ha producido

hitazo?

Tom Dalgety, que ha trabajado

“No lo sé (risas). Somos realistas. Hemos hecho el disco que queríamos y todo lo que venga será un plus. Si empezáramos a pensar en la radio o en ganar fans, perderíamos nuestra esencia. He estado en grupos antes donde había esa mentalidad de fijarse en lo que funciona y, al final, nunca funciona (risas)”

con Ghost, y la verdad es que

Antes decías que el poder grabar un álbum os abrió las posi-

Sé que Weezer sí son un grupo

bilidades. ¿Lo enfocasteis con

que te gusta mucho.

una visión más global?

“Sí, sobre todo el primer disco. Creo que lo que intentamos hacer musicalmente tiene que ver con ellos porque crecimos en una época parecida. De niños escuchábamos a Ozzy Osbourne, Van Halen o Kiss, pero de adultos queríamos encontrar nuestra

“Sí, había ciertas cosas que queríamos hacer. Por ejemplo, la canción ‘I Feel An Evil’ la canta nuestro bajista. Era una idea que me gustaba, que todos pudiésemos cantar como en el tercer disco de Jimi Hendrix donde el bajista canta ‘Little Miss Strange’.

hay algunos coros y melodías que también recuerdan a ellos.

“Sí, nos están comparando con ellos. Es una banda que nos gusta mucho. Creo que escriben canciones muy inteligentes, no son sólo riffs heavies. Creo que las dos bandas llegamos a las mismas conclusiones. La verdad es que empezamos a grabar con Tom, pero está tan ocupado que nos iba retrasando la segunda parte de la grabación y decidimos seguir con Neil Kennedy. Pero creo que le dedicamos bastante menos tiempo a nuestra imagen que Ghost (risas). Somos los Ghost de paisano (risas)”.

ALTARAGE

NADIE

EL FUNESTO ENIGMA DE ALTARAGE PROSIGUE CON THE APPROACHING ROAR , UN TERCER ÁLBUM DONDE LOS ENMASCARADOS VUELVEN A RETORCERNOS LAS ENTRAÑAS CON SU NEGRURA INESCRUTABLE. SI NO HALLAMOS PIEDAD ALGUNA EN SU MÚSICA, COMO PARA BUSCARLA EN SUS RESPUESTAS… TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

A SENSACIÓN DE QUE LA PERSONA que tienes

delante está realmente molesta. Contigo, consigo mismo, con el gato del vecino, o con el nuevo álbum que presenta, llamémosle The Approaching Roar (Season Of Mist). Poco importa, qué más da. De que cada pregunta, cada palabra, ha sido errónea, casi un insulto. Escrutando las respuestas que ‘alguien’ nos mandó en nombre de Altarage, he tenido esa impresión, y me flipa, todo hay que decirlo. Me flipa mucho. 30

Debo reconocer que ante ciertas respuestas me habría gustado tener derecho a réplica, pero es lo que hay cuando simplemente te comunicas por mail… Igualmente, tengo muy claro que, si en algún momento el ente anónimo que tenemos al otro lado del teclado suena seco, frío, tajante, o incluso arrogante o altivo, seguramente el problema lo tengamos nosotros, pues no olvidemos que Altarage practican metal extremo. Lo repetiré, para los más lentitos: metal, y luego extremo. Y es que estamos mal acostumbrados, así

de simple. Nadie ha dicho que el trato con los grupos deba ser siempre cordial, que esto deba ser fácil, e iré más lejos aún: me enamora que se mande al carajo el lameculismo. Personalmente, me produce hartazgo observar a tantas formaciones cantándole a la destrucción absoluta de todo para luego verles sonriendo en las fotos promocionales, o haciendo chistes cada dos temas en sus conciertos. En este caso, los vascos son totalmente consecuentes con la imaginería que despliegan, con el hermético

dejamos de componer, el riff nunca duerme”. En nuestra última conversación me dijisteis que cada obra

una escucha rápida, decidir si te gusta o no, móvil en mano, y después empezar a preguntar qué es esto y aquello, cuando lo esencial es zambullirse en la música totalmente y dejarse llevar”.

vuestra es distinta, y con The

Approaching Roar creo que eso

Yendo más al grano, ¿qué habéis

se nota más que nunca. Hay

querido plasmar esta vez con la

pasajes no explorados antes,

lírica del trabajo? Desde luego,

‘Urn’ casi alcanza el drone,

seguimos sin encontrar resquicio

hay ciertos parones de lo más

alguno para la esperanza, al me-

ominosos…

nos musicalmente…

“Nuevas canciones con nuevos matices, con todo lo que ello implica. Vemos claramente que cada disco es distinto, producciones aparte”.

“El estar respirando cada día en lo mundano, ocupando el tiempo en sinsentidos y vacuidades, esperando a que llegue el fin. Dejar atrás versiones de uno mismo. Intentar encontrar un agarre para no caer en ese vacío de divagaciones y preguntas. Con esto he dicho demasiado ya, contradiciéndome un poco con lo expuesto anteriormente”.

La portada me ha parecido fascinante, y pese a lo directa que es, creo que está bastante abierta a la interpretación. Yo veo a un ser humano anónimo, normal y corriente, que ha puesto fin a sus tristes días

¿Qué tal fueron esas fechas eu-

al no hallarle sentido a nada.

ropeas con Horna y Blaze Of Per-

Como tantos otros hicieron an-

dition? ¿Os entendió ese público

tes, por eso descansan al fon-

algo más ortodoxo?

do, y como tantos otros harán.

“Era un cartel totalmente repleto de grupos que hacían black metal, excepto por nosotros. En general fue un buen tour que sirvió para sacar un poco más la cabeza, aunque realmente creo que nuestro público no se encuentra en esas audiencias. ¿Ortodoxo? Muchos de ellos no supieron qué les golpeó. Respecto a las bandas, sólo tenemos buenas palabras”.

Eso encauza con vuestro nihilismo exacerbado, creo… ¿Voy bien encaminado?

mensaje de vacío existencial que nos arrojan, y eso, evidentemente, pasa por no mostrar ningún tipo de empatía hacia el contertuliano de turno. Bravo por ello, ni que sea a mi costa. Habéis sido capaces de publicar tres álbumes en sólo tres años… ¿Componéis a tiempo completo, ensayáis cada día… o cómo diablos se consigue eso?

“Lo dices como si fuese algo difícil o imposible, cuando para nosotros es algo natural. Sencillamente, nunca

“Cada uno ve lo que quiere ver, por supuesto. La ilustración está basada totalmente en las letras. Podría decirte exactamente su significado pero es preferible que cada uno haga la lectura que quiera y lo interprete a su manera. Poniéndome del lado del oyente, no me gustaría que la banda en cuestión tuviese que dar una explicación minuciosa de todos y cada uno de los detalles de un álbum. La gente se ha vuelto muy perezosa y quiere que le den todo bien masticado, sin hacer un mínimo esfuerzo. La práctica hoy en día parece que consiste en dar

Imagino que os dais cuenta, pues sois peña curtida, pero no es nada sencillo que un grupo, en tan poco tiempo, consiga esa posición tan preciada y cómoda en la que sólo toma las ofertas que quiere. Sólo buenas oportunidades, sólo condiciones que valen 31

“NO HAY MENSAJES QUE DAR, NO TIENE NINGÚN SENTIDO” la pena. La vida apesta, pero si me lo permitís, al menos metálicamente hablando, la vuestra un poco menos.

“Realmente no sé si estamos en esa posición que dices, y las ofertas tampoco es que abunden. Altarage es un artefacto muy preciado como para aceptar cualquier basura que nos pongan delante, y unas mínimas condiciones muchas veces ni se cumplen; todo depende de lo que tú te valores. Tenemos las cosas bastante claras y no nos gusta perder el tiempo”.

hemos sido un trío, excepto por un breve periodo de tiempo, y todos los álbumes se han grabado como tal. Respecto al sonido en directo, siempre depende de muchos factores, pero en nuestro caso, por ser tres, no creo que sea razón para sonar de manera menos agresiva; de hecho, sólo hemos dado dos conciertos como cuarteto y nadie ha comentado nada al respecto, que sepamos, excepto tú. Una visita al local despejaría cualquier tipo de duda”.

hemos visto realmente un entendimiento, como te he comentado anteriormente. También es cierto que aún somos poco conocidos en muchos círculos; tiempo al tiempo”. ¿Estáis ya planeando nuevas incursiones fuera o seguís yendo pasito a pasito?

“Se están gestando cosas, claro. Aquí y fuera”. Visto lo visto, ¿para cuándo un nuevo álbum de Altarage?

Ya me comentasteis en nuestra

“Pronto”.

Al principio Altarage se presen-

anterior entrevista que no os

taron ante nosotros como un

identificáis con ninguna escena

Odio cuando la peña termina las

cuarteto, pero ahora sois sólo

concreta, que sois más de in-

entrevistas de una forma tan ma-

tres espectros. Sé que no importa

fluencias clásicas, pero yo sigo

nida, pero creo que en vuestro

quién era el otro miembro y qué

creyendo que si tocarais en un

caso puede molar… ¿Algún men-

ha podido ocurrir con él, ¿pero

Never Surrender o un festi así,

saje, ya no sólo para nuestros

no creéis que el directo se resien-

sólo para zumbados del black

lectores, sino para toda la sucia

te un poco sin esa otra presen-

death y war metal, lo petaríais

humanidad en general?

cia? Sin ánimo de ofender, yo al

que no veas…

menos, durante las veces que os

“Nos da absolutamente igual dónde tocar y para qué público, siempre y cuando seamos bienvenidos y se aprecie nuestra presencia. Hemos tocado delante de audiencias black metal y no

“No hay mensajes que dar, no tiene ningún sentido. No somos nadie”.

he visto, he echado de menos un poco más de extrema agresión, de aplastamiento absoluto.

“En primer lugar, aclaro que siempre

LA DISPUTE

AMOR MUERTE AMORYYYMUERTE MUERTE AMOR DESDE QUE LA DISPUTE EMPEZARAN A ANDAR EN 2004, NUNCA HAN TENIDO DUDAS DE QUE EL CAMINO A SEGUIR ERA EL DE SU INTEGRIDAD ARTÍSTICA. GRACIAS A ESTA INCORRUPTIBLE DETERMINACIÓN Y SU VASTA IMAGINACIÓN PARA DIBUJAR SU POST HARDCORE, QUE VUELVEN A EXPONER EN SU NUEVO ÁLBUM PANORAMA , EL CULTO ALREDEDOR DEL GRUPO NO HA DEJADO DE CRECER TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

LGUNAS BANDAS LAS VES POR PRIMERA VEZ y te quedas

abrumado por su importancia sin que importe si es grande o pequeña”, decía Jeremy Bolm, vocalista de Touché Amoré, sobre nuestros protagonistas de portada. Y aunque todavía no he tenido la oportunidad de verles en directo, compartí esa sensación cuando los descubrí con su segundo álbum Wildlife en 2011. La Dispute es posiblemente la más arriesgada de entre aquella nueva hornada de bandas de post hardcore que se conoció como The Wave a finales de la pasada década. Ya no sólo por su mezcla de screamo, jazz, indie, metalcore y post rock amasada por el estilo recitado de su vocalista, sino por el sentido literario que éste impregna a sus letras. Las historias, pensamientos y sentimientos que Jordan Dreyer canaliza a través de las canciones del grupo de Grand Rapids, Michigan, quizá encontrarían un mejor formato en relatos cortos o, incluso, una novela, pero gracias al talento de sus compañeros -Chad Sterenberg (guitarra), Corey Stroffolino (guitarra), Adam Vass (bajo) y Brad Vander Lugt (batería)- y su propia expresividad vocal, sus palabras consiguen un mayor impacto emocional del que tendrían si fueran leídas en una hoja de papel. Su nuevo trabajo Panorama (Epitaph) ratifica esta afirmación construyendo un mosaico a partir de distintas historias que la pareja de Dreyer le contaba mientras viajaban en coche de Grand Rapids a la ciudad de Lowell donde ella creció: la de un hombre que había muerto ahogado en un lago mientras volvía a casa, las 36

de varias víctimas de accidentes de tráfico recordadas por unas flores en la carretera en la que circulaban, la de un cadáver descompuesto hallado por un trabajador del ayuntamiento que nadie llegó a identificar… A partir de todo este material, Dreyer volcó encima su propia empatía para escribir, no como un mero narrador, sino como alguien implicado desde dentro. Musicalmente, Panorama profundiza aún más en su vena experimental, alejándolos de la vena más dura de sus inicios, pero, como en todos sus discos, siempre ofrece una recompensa a quien decida invertirle su tiempo. Al contrario de lo que me ocurre con muchas bandas, escuchando vuestra música noto que hay una gran intención artística detrás. ¿Dirías que es un principio fundamental para vosotros? JORDAN DREYER “Desde luego.

Desde el principio, el objetivo ha sido satisfacer nuestro impulso creativo. Ser sinceros con ese impulso y tratar el producto final como una obra de arte, no como un producto de consumo más. La banda nos da muchas cosas, pero la más importante es que nos permite crear”.

hacer música, sentarnos y ver qué podemos hacer juntos, siempre es emocionante cuando surge la chispa, pero también es como tener delante un problema que tienes que resolver. A veces te provoca dolores de cabeza, pero al final siempre vale la pena”. Publicasteis el disco anterior,

Rooms Of The House, en vuestro propio sello Better Living; sin embargo, Panorama sale a través de Epitaph. ¿Qué os hizo dejar esa iniciativa de lado?

“Creo que nos dimos cuenta de que llevar un sello suponía mucho trabajo. Nos divirtió tirar ese proyecto adelante, pero al final, era demasiado trabajo para tan poca gente. Me alegro de haberlo hecho, pero ahora pensamos que era mejor probar otra cosa. Y Epitaph es un sello que logra que sus artistas tengan éxito sin comprometer lo que hacen. Hemos aceptado su ayuda”. Tengo entendido que para este álbum tirasteis a la basura más de la mitad del material que teníais una vez ya habíais empezado. ¿Qué era exactamente lo que no os gustaba de esas canciones?

Que el resultado sea satisfactorio, ¿significa que el proceso para llegar hasta él es siempre disfrutable o puede llegar a ser problemático?

“Puede ser muchas cosas a la vez (risas). Casi te diría que disfrutamos cuanto más estresante es (risas). Este disco en particular fue complicado. Tuvimos que salvar muchos obstáculos, pero eso hizo que llegar al final fuera muy satisfactorio. Es divertido

“A ver… Escribimos Rooms Of The House en 2013 y siempre que empezamos un nuevo proyecto intentamos cambiar el proceso para tener un nuevo ángulo. En ese disco quisimos trabajar con estructuras más definidas y analizarlo todo mucho. Luego fuimos de gira, nos tomamos tiempo libre para estar con la familia, hacer otras cosas, y creo que cuando nos pusimos a trabajar en el nuevo álbum, todavía estábamos con la mentalidad

“LA BANDA NOS DA MUCHAS COSAS, PERO LA MÁS IMPORTANTE ES QUE NOS PERMITE CREAR” JORDAN DREYER

de cómo habíamos hecho el disco anterior. Así que los dos primeros meses nos salió algo como un Rooms Of The House 2.0, lo cual no era buena señal. Ninguno de nosotros se sentía demasiado inspirado o emocionado con lo que estábamos haciendo, así que nos sentamos y tuvimos una charla muy sincera sobre lo que no estaba funcionando, y decidimos tirarlo todo y empezar de cero. Y sólo por eso, al día siguiente ya se notaba una nueva energía en el local. Creo que pasamos de analizarlo todo en exceso a confiar más en nuestro instinto. Creo que intentamos recuperar un poco la manera en la que trabajamos en nuestros inicios. El estar todos juntos, en lugar de cada uno trabajando las partes separadamente, ayudó mucho”.

A mí me gustó mucho Rooms Of

otorga un papel más importan-

The House, pero es verdad que

te que el que pueda tener un

tenía canciones más directas.

cantante tradicional?

Panorama lo veo más como una

“Creo que sí. Si cantara una melodía, podría simplemente hacer algo que resultara interesante por sí mismo, independientemente de la música. Pero como mis recursos son más limitados, eso quiere decir que para que sea interesante mi voz tiene que estar muy ligada a la música. Eso supone que mis compañeros tienen un mayor trabajo para lograr que todo funcione. Tienen que tener en cuenta los textos a la hora de decidir cuántos compases tendrá una parte. Supongo que al final tienen que capitular por mi estilo de cantar para que la canción funcione. Y supongo que la naturaleza de mis letras y mi manera de contar historias

mezcla de pintura abstracta en lo musical y figurativa en las letras. ¿Buscabais ese contraste?

“La verdad es que quizá tenga que ver con lo que te contaba. El trabajar con estructuras más cerradas me hacía complicado poder encajar las letras. En mi cabeza tenía muchas ideas y creo que cuando empezamos de cero, las empecé a enfocar de manera distinta. La música me hizo ir en esa dirección más figurativa. Fui más impulsivo”. Tu manera de cantar es un elemento que define mucho vuestro sonido. ¿Crees que eso te

“DEJAR DE BEBER ME HA PERMITIDO TENER UNA NUEVA MIRADA HACIA LA VIDA” JACOBY SHADDIX

hace que la estructura tenga que definirse de una manera distinta a otras bandas. Pero llevamos tanto tiempo juntos que somos bastante buenos a la hora de llevar ese ‘toma y daca’ a buen puerto. Son músicos muy buenos y son capaces de adaptarse a mi estilo. Desde luego, son mucho mejores músicos que yo (risas)”. La primera vez que os escuché pensé que erais como una versión más dura de American Football, sobre todo por tu estilo cercano al spoken word.

“Mola”. ¿Fueron una banda influyente para ti para adoptar este estilo o te habías fijado en, por ejem-

recurso?

emo rap como nothing.nowhere

“Sin duda yo era fan de American Football. No sé si puedo hablar por mis compañeros, pero creo que en la época en la que crecimos y en la zona en la que lo hicimos, en el Midwest, alrededor de los Grandes Lagos, la influencia de Mike Kinsella, American Football, Joan Of Arc, era casi inevitable. Tocamos con muchos grupos que eran fans de American Football. En nuestro caso no creo que fuera algo consciente, pero la influencia de Kinsella estaba en el aire. Pero hablando de mi estilo en particular, para empezar, es que no sabía cantar (risas), pero me liaron. Pero me gustaba mucho el emo de finales de los 90, principios de los 2000, como Envy o mewithoutyou, que tenían un estilo más literario”.

que, en cierta manera, se acer-

“Me gustan algunas canciones. No conozco a muchos artistas, pero crecimos con nothing.nowhere y abrió conciertos de nuestra última gira. Joe (Mulherin) es muy buen tipo. Es interesante ver que surge algo nuevo que, en cierta manera, está ligado a nuestra escena. También conozco a Adam (McIlwee) de Wicca Phase Springs Eternal y hace canciones excepcionales. Es un tío muy íntegro. Mola ver algo que surge y va creciendo. Veremos hasta dónde llega”. ¿Cómo te sientes cuando la gente grita tus letras en los conciertos? ¿Te abruma ver tus palabras salir de las bocas de

plo, alguien anterior como Lou Reed, que también utilizaba ese

can a tu estilo?

¿Te gusta la nueva oleada de

desconocidos con tanta pasión?

“LA GENTE NI SIQUIERA HABLAMOS DE LA MUERTE PORQUE NOS HACE SENTIR INCÓMODO” JORDAN DREYER “(Risas) Sí, no sé. Antes he dicho que la motivación principal como banda es hacer arte juntos, pero lo que más mola es poder ver cómo la gente conecta con lo que haces. Estar enfrente de gente y tocar ya está muy bien, pero que encima te lo devuelvan y hagan tangible esa conexión emocional es jodidamente poderoso. Es la prueba de que esto que hacemos, que lo que es capaz de crear la escena punk y hardcore, ese sentimiento de conexión, es importante. Poder crear a nivel privado y poder hacerlo público, y que tenga un efecto, es muy bestia”. No sé si estarás de acuerdo, pero para mí los dos temas más importantes de Panorama son el amor y la muerte.

“Así es”.

En tu cabeza, ¿cuál es la conexión entre ambos?

“Parte del disco trata sobre el luto, sobre el proceso de curación después de una muerte. También va sobre los elementos externos en los que buscamos para darle un sentido y sobre los efectos que provoca. Supongo que es una manera de buscarle un sentido a nuestro inevitable destino y el de las personas que queremos. Y ahí puedes incluir a tu pareja, a tus amigos, a tu familia, a tu comunidad. Sin querer sonar dramático, pero todos vamos a morir (risas). Hay gente que busca en Dios o en su congregación una esperanza para después de la muerte, pero yo busco esa esperanza en mi vida y en las personas con las que conecto. Este disco habla sobre lo importante que es conectar con la gente para

darle un sentido a la vida mientras la vives”. Creo que también hay un problema cultural. Se nos educa pensando que la muerte es lo peor que te puede pasar, pero siempre he creído que hay cosas peores que la muerte. ¿Crees que debería haber un cambio respecto a cómo afrontamos la muerte para aprender a vivir mejor?

“Sí, desde luego. Es muy interesante. Tienes razón, la muerte no es lo peor. Es lo único que sabemos con seguridad. Es inevitable. Es un futuro compartido. Seguramente todos nos beneficiaríamos de afrontarla de otro modo. La gente ni siquiera hablamos de la muerte porque nos hace sentir incómodos. Cuando muera volveré a 39

“NUNCA ME HE SENTIDO ATRAPADO POR LA TRISTEZA” JORDAN DREYER un periodo infinito de oscuridad del que no seré consiente, ni puedo comprender, así que ¿por qué hay que tenerle tanto miedo?”. Supongo que lo peor de la muerte es el vacío que esa persona deja. Pero al final, también hay gente con la que tienes relación un tiempo y que igual nunca vuelves a ver o saber de ella. Ese vacío existe igual, aunque esa persona siga viva, y también puede ser muy doloroso

“Sí, tienes toda la razón. Tío, nos estamos poniendo muy profundos (risas). Es la ausencia. El álbum va también sobre eso. Pero no sé cómo podemos cambiar esos sentimientos. Quizá estamos programados así”.

“(Risas) No, no es para nada así. De hecho, algo en lo que he mejorado muchísimo en los últimos años es en escuchar. Aunque esté totalmente consumido por una idea, sé compartimentar, y si mi pareja me cuenta algo, la escucho. Tengo el resto del día para trabajar en mi idea. Parte de mi trabajo es observar y escuchar, así que intento estar siempre atento y aprender. No hubiera podido escribir este disco sin las historias que ella me contaba. ¿Y quién hay más importante a escuchar que a la persona que siempre te escucha a ti?”. Supongo que la gente tiene de La Dispute una imagen como muy tristona. ¿Se sorprenden cuando os conocen y ven que sois personas capaces de reír o contar un chiste?

Bueno, como no quiero deprimirte, cambiaré de tema. El disco está inspirado en los viajes en coche con tu pareja de tu ciudad a la suya. Me he imaginado a tu pareja contándote

“(Risas) No sé, espero que hayas comprobado que no soy una persona triste. Me interesan mucho esos temas, pero mi vida está llena de alegría. Nunca me he sentido atrapado por la tristeza”.

algo y tú pensando en el álbum sin hacerle ni caso (risas).

En julio actuaréis por primera

vez en España, dentro del Mad Cool Festival. ¿Crees que vuestro directo se adapta bien al entorno de un festival o es mucho mejor veros en una sala?

“Mira, cuando tocábamos en sótanos sentíamos cierta reticencia a tocar en salas porque pensábamos que no podríamos conseguir ese mismo sentimiento. Pero llegó un momento en que era evidente que no podíamos seguir tocando en sótanos y dimos el paso. Y nuestra sorpresa fue que el sentimiento seguía ahí. Y años después, nos pasó lo mismo en los festivales. Dicho esto, tocar en un festival no es mi opción preferida, pero creo que somos capaces de que la gente sienta lo mismo, toquemos donde toquemos. Pero espero que no pase mucho tiempo antes de que podamos volver a España y tocar en salas. Porque más que por el concierto en sí, en un festival es más difícil poder salir y saludar y darte un abrazo con la gente. Y al final, para nosotros eso es igual de importante”.

BLOWFUSE

O L E D L R ITU A L A U T I INHAB

SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS. ASÍ PODRÍAMOS RESUMIR LO QUE HAN VIVIDO BLOWFUSE PARA HACER REALIDAD DAILY RITUAL . UN DISCO EN EL QUE NOS ENCONTRAMOS A UNOS MÚSICOS LUCHANDO POR SER LA BANDA QUE REALMENTE QUIEREN SER. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

OS CITAMOS CON BLOWFUSE

en una terraza cerca de la sala Apolo de Barcelona. Óscar (voz, guitarra) y Víctor (bajo) llegan los primeros. Los gemelos Sergi (guitarra) y Ricard (batería) se retrasan un rato, algo que, al parecer, es habitual en ellos. Una vez todos juntos, se nota que tienen ganas de hablar sobre su nuevo disco, Daily Ritual (HFMN, Spiral), y el largo periodo que conllevó su creación. Más que una entrevista, aquello se acaba convirtiendo en una terapia de casi dos horas. Todo arranca en el verano de 2017. En ese momento, los ánimos en el seno del grupo estaban bastante bajos. Llevaban mucho tiempo girando, sin publicar nueva música y, además, debido a algunos problemas personales, se sentían quemados. Llegaron a un punto en el que incluso se cuestionaron si querían seguir adelante. Pero después de reflexionar, decidieron ir a por todas y grabar el álbum que siempre habían querido hacer. Con eso en mente, Óscar empezó a componer compulsivamente con la presión de que todos los temas tenían que ser la hostia, mientras Ricard empezaba la caza de un productor que estuviera a la altura de lo que querían. De los 70 que llegó a contactar, muchos quedaron descartados por una cuestión de presupuesto (el más caro era Howard Benson), pero sorprendentemente,

Arnold Lanni, el veterano canadiense que produjo discos multiplatino como el debut de Simple Plan o Clumsy de Our Lady Peace, demostró un gran interés tras quedar fascinado por la pasión y los temas que le mandaron. Aun así, sus expectativas económicas se escapaban de las posibilidades del grupo. Pero finalmente, en diciembre de 2017, accedió a venir a Barcelona justo un mes antes de que entraran en el estudio. En paralelo, Randy Steffes, guitarrista de SNFU, con quien Sergi había contactado para que le aconsejara sobre una guitarra que quería comprarse, también decidió apuntarse a la grabación como técnico, formando un auténtico dream team. Antes de ir a los estudios Music Lan de Girona, Lanni quiso dedicar una semana a preproducción, durante la cual sugirió cambiar algunos temas radicalmente, algo que chocó con las ideas que Blowfuse habían ido definiendo hasta el mínimo detalle durante ensayos que podían prolongarse hasta 20 horas. Pese a esa tensión inicial, el resto de la grabación fluyó bien, aunque no les dio tiempo de grabar las voces. “Sigue con el chip de cómo grababa en 1995”, bromean. De ahí que, finalmente, Óscar grabara las voces en EM Estudi de Terrassa con Xavi Escribano, batería de The Anti-Patiks, durante un mes y medio más. El tortuoso proceso volvió a complicarse a la hora de las mezclas. Los mixes

que les mandó Lanni no les gustaron porque sonaban demasiado pop, y se pusieron a la búsqueda de alguien que las hiciese. Contactaron con Paul Northfield (Suicidal Tendencies, Dream Theater) y el resultado les pareció aún peor. “Para llorar”, asegura Víctor. La desesperación empezó a apoderarse de ellos hasta que Nick Didia (discípulo de Brendan O’Brien) les envió un mix de ‘Bad Thoughts’ y fliparon. Pero una vez se puso en faena, todavía había cosas que no les convencían, así que Didia acabó de enviarles los stems (los temas desmembrados) para que ellos trabajaran con el Pro Tools. Con todo eso, ya se habían plantado en julio, cuando su idea era que el disco saliese en junio. En agosto tuvieron el master final, pero coordinar el lanzamiento a través de ocho sellos a nivel internacional recomendaba no ir con prisas. Finalmente, Daily Ritual veía la luz el pasado 8 de febrero y, como no podía ser de otra manera, tienen planeada una larga gira para presentarlo. No os la perdáis. Teniendo en cuenta por todo lo que habéis pasado, ¿sois capaces de escuchar Daily Ritual sin pensar en lo que os ha costado terminarlo? ÓSCAR “Todavía no”. SERGI “Depende del momento.

Cuando puedo escucharlo objetivamente, flipo, y creo que hemos hecho un trabajazo. Pero luego, escuchas 43

algo que no te gusta y te recuerda otros momentos menos agradables. Es que somos muy perfeccionistas”. RICARD “Creo que estamos muy contentos con las canciones que hemos hecho, pero a nivel de sonido seguimos necesitando ayuda para alcanzar lo que queremos”. SERGI “En este disco hemos estado cerca de lo que queremos transmitir, pero todavía queremos más”. Creo que a la gente le puede sorprender que, con lo desmadrados que sois en directo, luego seáis tan perfeccionistas en el estudio. ÓSCAR “Siempre hemos sido así,

pero la gente no lo sabe. Es como lo de si nos metemos de todo para tocar. ¿Tú sabes la de gente que me pide droga en los conciertos? Nos gusta hacer el show porque vivimos mucho la música”. En el álbum hay temas que son los Blowfuse que conocemos, más punk melódico, pero también otros más crossover tirando a Red Hot Chili Peppers o Sublime. ÓSCAR “Cuando éramos más jóve-

nes queríamos hacer un rollo punk más agresivo, pero ahora queremos hacer música sin pensar en estilos. Hacer canciones buenas y tocarlas como realmente las sentimos. Es muy difícil sonar único, porque todo suena a todo, todo se etiqueta. No queríamos hacer otro disco de punk porque ya lo hemos hecho. Cuando compuse ‘Sunny Daze’ ni siquiera la hice para Blowfuse, pero cuando la escucharon ellos les encantó. Al final hemos aprendido que cualquier cosa

que hagamos puede ser Blowfuse”. Tampoco os da miedo haber tirado hacia un rollo más accesible. No escondéis la ambición de llegar a más gente. VÍCTOR “La música es comunicación

y si sólo la hicieses para ti no se la enseñarías a nadie. Quieres expresar algo a los demás”. ÓSCAR “El arte no es arte si no hay alguien que lo recibe. Te podríamos decir que nos da igual que guste a la gente, pero yo quiero que nuestra música guste”. SERGI “Durante muchos años nos hemos sentido apegados a un estilo de música, pero vemos que podemos dar mucho más de nosotros mismos. Y creo que eso será lo que nos seguirá marcando en el futuro”.

descubren. Yo también he sido muy crítico. Pero vas creciendo y vas entendiendo lo que puede haber detrás de un grupo como Pennywise. Los grupos que han vivido todo el bajón de la industria musical han sufrido mucho. No creo que les falte de comer, pero cuando has estado a un nivel, cuesta mucho bajar. Nosotros ya crecimos en un mundo en el que no se vendían discos. No sabemos lo que es lo otro”. ÓSCAR “Cuando sacamos el primer single ‘Bad Thoughts’, sabíamos que nos arriesgábamos porque era distinto, y que seguramente el segundo, ‘Angry John’, gustaría más”. VÍCTOR “Es la cruda realidad”. De todos modos, en los otros discos, ya había temas que eran distintos. Para mí era una de las

¿Qué relación tenéis con las re-

gracias del grupo.

des sociales?

VÍCTOR “Sí, pero en este álbum

ÓSCAR “Puedo evitar la religión,

ahora eso es el plato principal. Los temas que más nos gustan y los que más nos representan son los más diferentes. Son también los que más les gustaban a Arnold”. ÓSCAR “Sí, nos decía que teníamos que potenciar nuestro lado raro”.

la política, hasta el fútbol, pero las redes sociales no porque tenemos que estar ahí. Es algo básico y es una pena. Para mí es un declive de la sociedad, pero sabemos que es la manera de llegar. Hay que pasar por el aro, pero también tú decides hasta dónde quieres llegar”.

Es algo que están haciendo otros grupos como Turnstile.

¿Os da rabia que, teniendo en

RICARD “Sí, somos muy fans su-

cuenta todo el esfuerzo que hay

yos. Nosotros también vemos esa conexión. Es un grupo que empezó siendo hardcore, pero también se están buscando. Y creo que todavía pueden dar mucho más de sí. Como nosotros”.

detrás, luego en las redes alguien juzgue un trabajo en base a haber escuchado 30 segundos? SERGI “El músico tiene que ser sufi-

cientemente maduro para entender cómo es la gente y cómo funciona la sociedad. Es durísimo, pero la gente tampoco sabe lo que hay detrás. Igual ahora con esta entrevista lo

Con todo el tiempo y dinero que habéis invertido supongo que las expectativas son muy altas.

“LO HEMOS DADO TODO PORQUE NO TENEMOS NADA” ÓSCAR

Siendo realistas, ¿hasta dónde creéis que podéis llegar? ÓSCAR “Hay días que pienso que es

un disco más y ya está, y otros que pienso que es la puta hostia”. SERGI “Es imposible para nosotros ser objetivos. Al final, lo dirá la gente y el tiempo. Por mucho que hagas un buen disco necesita tiempo para que llegue a la gente”. ÓSCAR “Tenemos muchísimas ganas de tocar este álbum. Llevábamos

cuatro años tocando prácticamente lo mismo, ahora es todo nuevo”. SERGI “Después de habernos quemado, ahora tenemos claro que lo más importante es divertirnos. Es muy fácil caer en el bucle de querer hacer cosas y más cosas y olvidarte de que estás con otras tres personas en el grupo” RICARD “Al final yo valoro mucho los grupos que han logrado hacer música sincera durante muchos años”.

SERGI “Pero ahora que hemos gra-

bado el disco que queríamos, no nos vamos a conformar con una gira por España o una gira por Europa, queremos más”. ÓSCAR “Lo hemos dado todo porque no tenemos nada. Es lo más duro que hemos hecho en la vida”.

DISCO DEL MES

S So What? (SLEEPS BROTHERS/SPINEFARM) METALCORE

in quitarle ningún mérito a su propio esfuerzo, imagino que en el auge en la popularidad de While She Sleeps habrá tenido algo que ver la evolución musical de sus vecinos Bring Me The Horizon. Posiblemente muchos de sus fans rebotados con su acercamiento al pop y la electrónica han optado por ‘refugiarse’ en una banda a la que consideran más auténtica. Y no hablamos sólo de su fidelidad a sonidos más duros, sino también por su discurso crítico, o porque, desde su anterior trabajo, están forjando su carrera desde su propio sello. Pero lo cortés, no quita lo valiente y While She Sleeps tampoco quieren renunciar a seguir sumando fans a su causa. Y ahí es donde entra en escena

WHILE SHE SLEEPS

su cuarto álbum. So What? es sin duda el disco más accesible que han entregado hasta ahora, algo así como su propio That’s The Spirit. Pero que nadie se lleve las menos a la cabeza porque aquí no encontraremos nada como para llegar a renegar de ellos. Es más una evolución que una revolución. Un buen ejemplo de esta nueva orientación es la canción que abre el disco ‘Anti-Social’, más melódica de lo habitual, con un puente lleno de efectos de producción, pero sostenido sobre un riff afilado como una cuchilla. También se nota que el grupo se ha currado muchísimo los temas con un montón de secciones, arreglos y texturas diferentes que los hacen interesantes a pesar de su inmediatez. Es el caso de la pegadiza ‘Inspire’, donde

escuchamos un coro tratado electrónicamente y una estrofa rapeada, ‘The Guilty Party’, en la que combinan partes muy feroces casi punk con otras marcadas por un tecladillo y una guitarra limpia, o ‘Set Me Free’, dominada por estribillo comercial, pero que se rompe al final con un breakdown cañero. El ímpetu de ‘I’ve Seen It All’, la más técnica ‘Elephant’ o ‘So What’ es realmente contagioso con un Loz Taylor que se erige como maestro de ceremonias, si bien hay que destacar el creciente protagonismo del guitarrista Mat Welsh con las voces limpias. Con So What?, While She Sleeps han puesto toda la carne en el asador; sospecho, que serán muchos los querrán disfrutar del banquete. DAVID GARCELL

MARK MORTON

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Mark

Morton (guitarra, voz), varios músicos Josh Wilbur, Mark Morton AFÍN A: Lamb Of God, Papa Roach, Arch Enemy PÁGINA WEB: www.markmortonmusic.com PRODUCIDO POR:

C Anesthetic (SPINEFARM) METAL

uando un guitarrista de una banda de metal saca un trabajo en solitario, sueles esperar o bien un disco instrumental tirando a pajillero o uno en el que el músico intente demostrar que también sabe cantar y acabe quedando en evidencia. Pero Anesthetic, el debut de Mark Morton de Lamb Of God, no es ni una cosa ni otra. Inspirado en el primer disco de Slash y el proyecto Probot de Dave Grohl, Morton tiró de agenda para fichar a un montón de colegas de profesión (algunos que estilísticamente nada tienen que ver con su banda) y formar una especie de dream team. Realmente, el elenco de invitados es destacable tanto por su variedad como por el renombre de algunos de

ellos. El que ha tenido más repercussion ha sido, sin duda, Chester Bennington en ‘Cross Off’. Más allá del interés por escuchar una grabación inedita del fallecido cantante, es curioso volver a escucharle sobre un tema metalero alejado de los últimos discos de Linkin Park. En esa onda más cercana al metal alternativo, también encontramos ‘Sworn Apart’ con Jacoby Shaddix de Papa Roach o ‘Truth Is Dead’, un dueto entre Randy Blythe de Lamb Of God y Alissa White-Gluz de Arch Enemy, con un punteo bastante heavy. En el apartado más cañero encontramos ‘The Never’ con Chuck Billy de Testament y Jake Oni y ‘Blur’ con Mark Morales. Pero quizá lo más curioso es cuando Morton se aleja de su zona

de confort como en la desértica ‘Axis’ con Mark Lanegan, la jazzy ‘Reveal’ con la vocalista Naeemah Maddox o la rockera ‘Back From The Dead’ con Josh Todd de Buckcherry. En ‘Imaginary Days’, incluso podemos escuchar a Morton cantar, y la verdad es que no lo hace nada mal. Además de insignes cantantes (también está Myles Kennedy en ‘Save Defiance’), intervienen reputados músicos como Steve Gorman y Marc Ford (Black Crowes), Mike Inez (Alice In Chains) o Jean-Paul Gaster (Clutch). La suma de tanto talento no es proporcional al resultado final, pero gracias a Anesthetic hemos descubierto que Morton es más polifacético de lo que creíamos. DAVID GARCELL

BONUS TRACK CON... MARK MORTON ¿Cuál fue tu principal motivación para grabar un disco en soliario?

“Llevaba tiempo escribiendo canciones que no encajaban en Lamb Of God, pero sentía que eran suficientemente buenas para desarrollarlas. Se las mostré al productor Josh Wilbur y estuvo de acuerdo en que merecía la pena trabajar en ellas. Luego se involucró Jake Oni y todo empezó a tomar forma más o menos en otoño de 2016. Como puedes imaginar con todo el trabajo que temenos con Lamb Of God no podía dedicarme a tiempo completo”. ¿Tenías claro que contarías con vocalistas y músicos invitados desde el principio?

“Sí. Escribí algunas letras y grabé vo-

ces para las maquetas, pero mi idea era que cantara otra gente. Mi enfoque era el tratarlo como un proyecto de estudio, más que intentar formar una nueva banda. Más que nada porque había estilos demasiado distintos”. ¿Te costó convencer a toda esta gente?

“(Risas) Algunos ya eran amigos, pero realmente no tuve que convencer a nadie. Simplemente les escribíamos y nos pedían escuchar la cancion, y realmente les gustaba porque todos accedieron a participar”. ¿Te molesta que quizá la atención de los medios se centre más en los invitados que en tu propio trabajo?

“No, no. Estos son cantantes de primera clase, así que es normal que la

gente se fije en ellos. Es un disco en solitario porque yo fui el director musical y sale mi nombre en la portada, pero realmente el espíritu y la energía fue un esfuerzo colectivo”. Obviamente la canción con Chester Bennington ha llamado mucho la atención. ¿Sabes si fue la última canción que grabó en vida?

“La verdad es que lo desconozco. Trabajar con él fue una gran experiencia. Estaba muy ilusionado con la canción porque era más metal y podría volver a gritar. No nos conocíamos de antes, pero se lo curró mucho. Tenía muchas ideas para completar las letras y las melodías. Era una persona muy auténtica y fue un placer trabajar con él”. (JORDI MEYA)

MILLENCOLIN SOS

(EPITAPH) PUNK ROCK

i algo funciona, no lo estropees. Esa lección es la que debieron de aprender Millencolin viendo la buena acogida que tuvo su anterior True Brew. Tras una espera de varios años de silencio discográfico, aquel álbum recuperó la vertiente más veloz de los suecos en detrimento de sus fallidos experimentos en Machine 15. Así pues, a la hora de darle continuidad estaba claro que la idea era repetir la misma jugada sin variaciones. Y esto es algo que juega tanto a favor como en contra para entrar a valorar SOS. Por un lado, no hay sorpresas y nos vamos a encontrar con

un álbum de puro punk rock con todos los clichés del género; baterías tupa-tupa, riffs sencillos pero efectivos, armonías vocales a varias voces... Nada que no hayamos escuchado antes en cientos de discos. Pero lo cierto es que tras escuchar cortes como ‘Trumpets & Poutine’, ‘Reach You’ o la punk popera ‘Do You Want War’, se nos dibuja una sonrisa en la cara. Entonces, ¿dónde está el problema? Pues precisamente en esa sensación de piloto automático, de miedo a no salirse ni un centímetro de las líneas marcadas ni arriesgar aunque sea un poquito. También es verdad que cuando aparece algún toque novedoso como el horrible autotune del estribillo de ‘Yanny & Laurel’ uno casi se lleva las manos a la cabeza ante tan innecesario despropósito.. Así que casi mejor dejar las cosas como están. En definitiva, Millencolin vienen a ser ahora mismo como ese skater cuarentón que hace tiempo que no pilla la tabla y que cuando intenta probar un truco nuevo le sale el tiro por la culata, pero aún es capaz de grindear con en sus mejores días. GONZALO PUEBLA

SWMRS

Berkeley’s On Fire (FUELED BY RAMEN) POP ALTERNATIVO

uando en 2004 esta banda empezó a andar, siendo sus miembros apenas unos adolescentes, con el nombre Emily’s Army, casi todos los que nos fijamos en ellos fue porque su batería era Joey Armstrong era el hijo de Billie Joe de Green Day. Papá Armstrong les produjo dos discos y los publicó a través de su sello. Pero hace cinco años, los hermanos Cole y Max Becker, que al fin y al cabo eran los motores del grupo, decidieron dar un golpe de timón y refundarse como SWMRS. Si su debut con su nombre actual, Drive North

(2016), seguía teñido del punk pop de sus inicios, en su nuevo álbum sus canciones disparan en otras direcciones. Su propuesta encaja perfectamente en la dirección que ha tomado Fueled By Ramen y la evolución de bandas como Paramore, Panic! At The Disco o Twenty One Pilots, cada vez más orientadas al pop. SWMRS tienen una actitud algo más gamberra que sus compañeros de sello, y, sin esconder una evidente vocación mainstream, han conseguido facturar un trabajo divertido y bailongo. Lo que encontramos es algo así como una puesta al día de toda la movida de principios de los 2000 acudiendo a The Rapture en ‘Berkeley’s On Fire’, a Franz Ferdinand en ‘Lose Lose Lose’ o a Bloc Party en ‘Trashbag Baby’ desde una óptica millenial. Su visión tan poco dogmática les permite ponerse más rockeros en ‘Hellboy’, sacar las acústicas en ‘Bad Allergies’ o fabricar ‘April In Houston’, el típico hit desaliñado que hubiera hecho furor a finales de los 90. Si siguen así, aún les va a tocar la lotería. MARC LÓPEZ

WHITECHAPEL The Valley (METAL BLADE) DEATHCORE, METAL ALTERNATIVO

urante todos estos años en RockZone he aprendido una gran máxima: escucha siempre atentamente la opinión de alguien que compró The Number Of The Beast en el mismo 1982. Es por eso que, cuando Richard Royuela me dijo que durante la última visita de Whitechapel a Barcelona había visto a una banda que quería ser Slipknot, me ratificó mis ideas. Seguramente ésa sea la razón por la que un inicio de álbum como ‘When A Demon Defiles A Witch’, o incluso la balada súper Corey Taylor ‘Hickory Creek’, no me han pillado en fuera de juego. Ya en Mark Of The Blade los de Knoxville coquetearon con

82 52

el metal alternativo, pero no ha sido hasta este The Valley que, sin remilgos, han expandido todos esos estribillos melódicos y voces limpias. Y ojo, que no deberíamos criticar que los grupos quieran experimentar y tomar riesgos… No, lo que deberíamos criticar es que estos cambios siempre vayan en la misma dirección: la comercialidad. A favor de Phil Bozeman y los suyos debo decir que las canciones más abiertas de su séptimo trabajo no son deficientes, que incluso él conserva el gutural más poderoso de su generación, y que cuando Whitechapel quieren ser Whitechapel, casos de ‘Forgiveness Is Weakness’ o ‘We Are One’, siguen siendo un imparable tren sin frenos. De hecho, es probable que ‘Brimstone’ sea su mejor y más devastador tema en bastante tiempo. De cara a su próximo disco, que tomen nota del caso Suicide Silence, que fueron de grandes renovadores del metal fusilando a Korn y han acabado condenados al más cruel ostracismo. Si es que los yanquis son como los convergentes… uno no puede fiarse. PAU NAVARRA

TANO!

Cants Als Malsons (SALTAMARGES) POST HARDCORE

unque ya no debería pillarnos por sorpresa, porque no son precisamente nuevos en esto, Tano! siempre te dejan del revés. Tanto con su explosiva puesta en escena, pero también en disco; algo que no muchas bandas de su órbita pueden decir. Su segundo trabajo Cants Als Malsons, publicado tres años después de su debut homónimo, captura de maravilla toda la fuerza de esta arma de destrucción masiva llamada Tano!, un power duo -aquí lo de power no es gratuitoformado por el guitarra Oskar Garcia (Hurricäde)

y el batería Víctor Pelusa (Mendra, Anchord). En esta nueva entrega, grabada por Santi Garcia y Borja Pérez en Ultramarinos Costa Brava, Tano! entregan 11 bombas cargadas de pólvora post hardcore y metralla punk. También hay algo de mathcore, pero hecho con una calculadora pisoteada. La propia banda ha presentado este disco de temas muy físicos y expeditivos -apenas duran dos minutos- como “once ocultismos, saberes perdidos y otras pequeñas fábulas de ultramar” y no se me ocurre una mejor descripción, o al menos más sugerente. En el universo Tano! abundan los temas instrumentales serios con títulos de broma (mis favoritos ‘Gigi d’Agostano’, ‘John Travoltano’ y ‘Stanoley Kubrick’), pero también hay una pila de historias vestidas de cuentos para no dormir. En Cants Als Malsons encontramos campesinos que plantan semillas demoníacas (‘Mala Llavor’), plagas de roedores (‘El Pou’ De Les Rates’), inquietantes agujeros en el tiempo (‘Les Ruïnes Del Demà’) y piratas mamados (‘L’Ampolla Del Vi Blau’). Personajes y situaciones tan fascinantes como ellos. LUIS BENAVIDES

MASKED INTRUDER III

(PURE NOISE) POP PUNK

ieles a sus pasamontañas colorados y a sus canciones hiper pegadizas, Masked Intruder vuelven con su tercer álbum. El cuarteto de Wisconsin había perdido un pelín de chispa en el anterior EP Love And Other Crimes de 2016, pero aquí recupera toda su capacidad para fabricar infalibles pildorazos ultramelódicos de dos minutos. Quien quiera sorpresas no las va a encontrar, pero quien disfrute de un pop punk chicletoso a más no poder, va a quedar saciado con los 15 temas, incluida una gran versión de ‘Bad Reputation’ de Joan Jett, que aquí presentan.

Arrancan a toda máquina con ‘No Case’ con un riff tan básico como efectivo, para luego deleitarnos con ‘Mine All Mine’, un tema con reminiscencias de los 50 a lo Buddy Holly, que se te queda grabado a la primera. La fiesta sigue con ‘All My Love’ y ‘Just So You Know’, con unas armonías vocales fabulosas. Y así hasta el final, porque los enmascarados no bajan el pistón ni un momento. El control de calidad al que les han sometido Roger Lima, bajista de Less Than Jake, y Mike Kennerty, guitarrista de All-American Rejects, aquí con el sombrero de productores, ha sido de lo más estricto y cada tema esconde algún detalle que te hace quererles aún más. Su obsesión por quebrantar la ley y conseguir a la chica de sus sueños sigue siendo una constante en sus letras, pero podrían cantar sobre lo que les diera la gana porque aquí las palabras son meros instrumentos para dibujar rimas y melodías que te llevan en volandas. Ahora mismo, las de ‘I’m Free (At Last)’, ‘Dream A Little Dream’ o ‘I’ll Be Back Again Someday’ me tienen particularmente pillado. En eso, son culpables. JORDI MEYA

FALLUJAH

Undying Light (NUCLEAR BLAST) DEATH TÉCNICO, METAL PROGRESIVO

scuchando este Undying Light, creo que Fallujah entendieron bien el órdago que muchos les lanzamos tras Dreamless. Estaba claro que no podían seguir paseándose por los escenarios como una banda fake, en la que decenas de pistas pregrabadas adornaban sus canciones en directo hasta el punto de parecer playback, y que si querían seguir apegados a su generación, tampoco podían presentar en álbum temas tan livianos y poco agresivos como los que contenía su anterior obra. Porque Undying Light es en gran medida un disco de

guitarras, que igual peca de poco ambicioso, pero desde luego, que aporta esas ambientaciones vaporosas con más cabeza y se mantiene algo más alejado de los sonidos para octogenarios. Básicamente, éste se puede escuchar, dejémoslo en eso. ‘Glass House’ es un buen alegato inicial, ‘Ultraviolet’ y ‘Sanctuary’ dejan entrever el máximo nivel de violencia que los californianos pueden desplegar hoy en día, ‘Dopamine’ se va liando de una forma interesante hasta alcanzar el djent y un bajo de lo más progresivo, pero luego… En serio, su nuevo álbum parece instalado en ese estado de tedio que sólo se rompe muy de vez en cuando, como con la técnica ‘Eyes Like The Sun’. El resto proclama a los cuatro vientos lo peor que le puede pasar a una formación: que no tenga nada por decir. Viendo la alarmante y dolorosa indiferencia con la que una sala llena y medianamente afín recibía estas canciones, caso de su última visita a Barcelona con Obscura, yo de ellos estaría muy preocupado. PAU NAVARRA

E VENOM PRISON Samsara (PROSTHETIC) DEATHCORE

n realidad, el ejercicio debería ser muy sencillo: death metal + hardcore = deathcore. En lugar de eso, y salvando a los pioneros y unos pocos alumnos aventajados, hemos asistido a una sucesión de clones que grababan álbumes de cartón piedra, telegrafiaban sus breakdowns y, en definitiva, poco a poco iban matando una escena que ya a nadie importa, de casi nula repercusión en los principales festivales internacionales. Es lo que tiene intentar hacer metal extremo cuando tus fundamentos son Green Day y Blink-182, cuando crees que Chuck Schuldiner era un personaje de Padre De Familia. Y entonces, cuando has perdido todo interés hacia ese subestilo, aparece la formación que mejor ha sabido aunar ese binomio, el grupo que crea la auténtica aleación entre

A IN FLAMES I, The Mask (NUCLEAR BLAST) METAL ALTERNATIVO

estas alturas deberíamos estar curados de espantos. Ya hace mucho tiempo que In Flames decidieron que para aspirar a la primera línea del metal les tocaba suavizar su sonido y hacerlo más afín a los gustos del público más mainstream. Es una jugada que en los últimos tiempos también han seguido Arch Enemy, y tanto a unos como otros, todo hay que decirlo, les está saliendo bien. Si logramos aislarnos que éste es un disco facturado por una banda en su momento fue rompedora, la verdad es que es bastante disfrutable. Las canciones tienen su gancho y la producción, una

death y hardcore. Lo que debería haber sido siempre. Estoy seguro que Venom Prison son los primeros en sentirse incómodos ante la idea de que se les asocie con el deathcore, pero es que eso es justo lo que Samsara es. Lo mejor de ambos mundos, y ejecutado desde el necesario prisma under. Además, su diabólica vocalista Larissa Stupar ha reconocido haber sufrido depresión en los últimos años, y eso se traduce en unas letras personales,

que reflexionan acerca del sufrimiento, ya sea social o interno, sobre la alienación, incluso la homofobia y la transfobia. Por nada del mundo me dejaría la tapa del wáter levantada en casa de la rusa, os lo aseguro… Saturado, denso, virulento, aplastante, y encima, inteligente. El disco que no escucharán los gorraplanas; el disco que deberían escuchar los fans de Code Orange, Xibalba o Full Of Hell..

vez más, de Howard Benson (My Chemical Romance, P.O.D.) potencia la claridad de la voz de Anders Fridén por encima de los instrumentos. Sus intenciones quedan al descubierto desde el primer tema con ‘Voices’ y su generoso estribillo melódico. ‘I, The Mask’ sube la velocidad con un vertiginoso trabajo de las guitarras de por parte de Björn Gelotte y el doble bombo del batería Joe Rickard, quien con este trabajo se ha despedido del grupo y ya ha sido sustituido por Tanner Wayne (ex Scary Kids Scaring Kids y Chiodos). En esa línea más agresiva, pero sin renunciar a la melodía, también

encontramos ‘Call My Name’, ‘I Am Above’, ‘Burn’ o ‘(This Is Our) House’. Todas ellas podrían ser candidatas a competir en la radio con Five Finger Death Punch o Disturbed.En esta ocasión, los suecos tampoco se han cortado a la hora de incluir algunos medios tiempos y baladas como ‘Follow Me’, donde se alternan estrofas acústicas con un estribillo eléctrico, ‘In This Life’ o ‘All The Pain’ o ‘Stay With Me’ donde se acercan al AOR con unos coros dignos de Journey. Puestos a venderse al mercado, al menos en este disco, In Flames amasan suficientes buenas canciones para conseguirlo.

PAU NAVARRA

DAVID GARCELL

DOWNFALL OF GAIA Ethic Of Radical Finitude (METAL BLADE) POST BLACK METAL

urante 40 minutos, Downfall Of Gaia te van a tener comiendo de su mano. Igual no eres consciente de ello en la primera escucha de Ethic Of Radical Finitude, su quinto álbum, pero a partir de la segunda o la tercera vas a tener plena conciencia de hasta qué punto son dueños de tus emociones durante ese periodo de tiempo. Los germanos, una de las principales cabezas visibles de este nuevo black junto a sus amigos Der Weg Einer Freiheit, ése que seguramente tiene más que ver con los

squats y el crust que con los bosques escandinavos, pintan aquí un lienzo sumamente emotivo que, si durara una canción más, empezarías a temer por el impacto que podría tener sobre tu sistema nervioso. Atmosférico y etéreo, incluso podríamos afirmar que aquí los lapsos de pura contemplación post son más esenciales que la propia agresividad metálica por la que les conocemos. Ethic Of Radical Finitude es una obra conmovedora, redentora, perfectamente organizada y articulada, que prima la belleza en ‘We Pursue The Serpent Of Time’, que te pondrá la piel de gallina con el femenino spoken word de ‘Guided Through A Starless Night’ o te dará la tan ansiada paz existencial a través de ‘Of Withering Violet Leaves’. Sorprendente y más que bienvenido ese coro pagano que emerge de la misma tierra. Esa voz que te golpea en el pecho, ahí, muy adentro, para removerte aquello que almacenes en lo más profundo de tu ser. Todo eso ocurre antes de que se apague el reproductor, ladees la cabeza y digas ‘buff, menudo álbum’. PAU NAVARRA

XAVIER CALVET Crosswinds (BCORE/TBC) POP ROCK

nimado por la buena recepción que tuvo su debut en solitario Firebird en 2017, Xavier Calvet no ha perdido el tiempo a la hora de grabar un nuevo disco. No debería sorprendernos, entonces, que Crosswinds siga una línea continuista con unas canciones que flotan entre el pop rock y la americana, aunque también dibuja su propia personalidad gracias a una mayor compenetración con su banda después de haber sumado una gira a sus espaldas. Eso se aprecia, ya de entrada, en el primer tema ‘The Runner’

con un sonido envolvente y una línea de guitarra a lo War Of Drugs que también se prolonga en ‘Lovers For All Time’, maravilla de canción que cuenta con un no-estribillo simplemente perfecto, o, más tarde, en ‘Windy Winter’. A pesar del mayor protagonismo de la base instrumental, la sedosa y tranquila voz de Xavier, con algunas inflexiones que recuerdan a Chris Collingwood de Fountains Of Wayne (‘Losing Touch’, ‘Get A Job’), sigue siendo el sol alrededor del cual giran los demás elementos. Una sugerente slide guitar del gran Vidal Soler adorna la acústica ‘The Sunlight Brigade’ en la que la voz aparece levemente modificada por un vocoder logrando un efecto verdaderamente bello. El aire country de ‘Meet Me In The Crowd’ (si te dicen que es de The Jayhawks te lo crees) y ‘Lost Highway’ (una declaración de compromiso y amor) nos prepara para el final con ‘Old Days’, una balada nostálgica que te va arropando hasta dejarte con una sensación de paz impagable. JORDI MEYA

YAWNERS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Elena

(voz, guitarra), Martín (batería) PRODUCIDO POR: Santi García, Borja Pérez AFINES A: Japandroids, The Breeders, Fighter Pillow PÁGINA WEB: www.yawners.bandcamp.com

E Just Calm Down (LA CASTANYA) INDIE ROCK

lena puso en marcha esta prometedora banda de indie rock en Salamanca en 2015 con otro batería, y ese mismo año publicaron Dizzy. Cuando se fue una temporada a vivir a Alemania continuó componiendo y tocando con la inestimable ayuda de otros colegas. El actual batería, Martín, apareció cuando la fundadora del grupo buscaba en internet a alguien para hacer unas fechas en España. Y con él grabó el presente Just Calm Down, un despampanante elepé que recupera (y mejora) tres viejos temas pretéritos como ‘Forgiveness’, Seaweed’ y ‘Arco Iris’, bastante más garajeros en sus versiones originales.

Grabado con todas las garantías en los míticos Ultramarinos Costa Brava por Santi García y Borja Pérez, este trabajo contiene una decena de canciones claramente deudoras del mejor indie rock noventero, de Pavement a The Breeders. Estos ejercicios de nostalgia corren el riesgo de resultar anodinos, de moverse por lugares comunes, demasiado trillados, pero Yawners han sido capaces de hacer suyo ese legado y ponerlo al día. El resultado no podía sonar más fresco. Unas veces más desenfadados como en la citada ‘Seaweed’, donde Elena canta a un chaval que solo tiene ojos para su ‘hierba’, y otras, mucho más intensas, como mi favorita ‘A Funny

Laugh’, con una guitarra poderosa y mucha emoción. El disco es variado, incluso encontramos un sorprendente tema en castellano, ‘La Escalera’, pero al mismo tiempo suena compacto, con la urgencia post-adolescente y las letras de Elena como hilo conductor. Just Calm Down recoge vivencias personales, mucho recuerdos de los últimos años, y esta montaña rusa de sentimientos reales acaban traspasando el disco cuando canta piezas confesionales como la redonda ‘Please, Please, Please’ o la explícita ‘I’m Not Gonna Miss You Anyway’. Sin duda, una de las sorpresas más agradables del año. LUIS BENAVIDES

BONUS TRACK CON... ELENA ¿Cuando decidiste montar una banda tenías claro que sería un dúo? ¿Qué referentes tenías en aquel momento? Os veo más como Japandroids que White Stripes, por ejemplo…

“Cuando empecé el proyecto estaba bastante claro que sería un dúo; no obstante, hoy en día me gusta plantearme nuevas formas de directo, no sólo de formación, si no de sonidos, instrumentos... Un buen referente sí que es Japandroids, no tanto por el estilo sino por cómo plantan nueve amplis encima del escenario y dejan flipando a la gente”. Como fan del rock alternativo de los noventas solo puedo felicitaros por este disco. Hablando de etiquetas, ¿en qué circuito o escena os veis ahora mismo?

“Creo que cada vez es más difícil encasillar a los grupos dentro de un género determinado. Hay discos con muchas influencias que pueden resultar eclécticos y creo que eso es positivo. Nos hemos movido en la escena emergente de España durante años y al final eso sirve para formar parte de una infraestructura de grupos y festivales por la que te puedes mover y dar salida a lo que haces”. Las letras transmiten honestidad… ¿Son letras personales, inspiradas en vivencias?

“Sí, el disco es exactamente eso. Las letras hablan de cambio constante, de cosas que me han pasado en los últimos tres años en circunstancias muy diferentes cambiando de país, de círculo cercano de personas, de estilo de vida... Son letras muy literales sobre situaciones concretas”. Uno de los temas que más

destaca por el idioma sobre todo es ‘La Escalera’.

“Es la primera canción que escribo en castellano y para mí ha funcionado igual que las que escribo en inglés. Hay una historia real detrás, como en todas las demás. El estribillo es literal, lo escribí a tiempo real... ‘Creo que te llama tu madre por el hueco de la escalera’”. Habéis pasado de editar algunas canciones por vuestra cuenta, a ‘fichar’ por un sello muy bien considerado como La Castanya, ¿Habéis notado el cambio?

“Pasar del DIY a hacer equipo con gente que le gusta lo que haces es un paso grande y en este caso muy positivo. La Castanya mola mucho y el trabajo que hace a nivel nacional e internacional es muy grande”. (LUIS BENAVIDES)

BLOOD YOUTH Starve (RUDE) METALCORE, NU METAL

inceramente no esperaba que Blood Youth eligieran el camino que han tomado en su segundo álbum. Su debut Beyond Repair les puso en el mapa hace un par de años y en su momento me pareció un grupo que, como tantos otros dentro del metalcore, caía en esa dualidad forzada de querer sonar cañeros y comerciales al mismo tiempo. Si hubiera tenido que apostar, me la hubiera jugado a que tirarían hacia su parte más accesible. Pero no. Starve suena bastante más duro que su predecesor, aunque para ello el ahora cuarteto de Yorkshire ha dejado de lado su parte más hardcore

82 62

para integrar influencias del nu metal. Y no es que Kaya Tarsus se haya puesto a rapear o que hayan incorporado a un DJ, pero el tono de las guitarras y las cadencias de las baterías recuerdan mucho a Slipknot o Korn. Basta escuchar ‘Spineless’, ‘Keep You Alive’ o ‘The Answer’ para cerciorarlo. Pero lo que eleva a Starve de otros productos similares es que suena con pelotas y con un punto más oscuro que enfatizan con un interludio inquietante como ‘[stone.tape. theory]’, la machacona y devastador ‘Hate’ o los once minutos de la final ‘Exhale’. Incluso un tema más comercial como ‘Waste Away’ mantiene un punto de rabia con un enorme riff y la voz gritada de Tarsus, enorme a lo largo de todo el álbum (en ‘Visitant’ hasta adopta un tono más agudo en la estrofa que recuerda a Sam Carter de Architects). En resumen, Blood Youth han conseguido con Starve aquello donde muchos fallan. A finales de mes tendremos la oportunidad de disfrutarlo en directo. Hay ganas. DAVID GARCELL

OVERKILL

The Wings Of War (NUCLEAR BLAST) THRASH METAL

l año que viene Overkill cumplirán 40 años en activo, que se dice pronto en una banda que nunca ha alcanzado la popularidad de paisanos suyos. Además, lejos de vivir de rentas, esta misma década han sido capaces de publicar cinco álbumes, ¡y de qué nivel! Es pura y simplemente admirable la vitalidad y pasión que Bobby Blitz, D.D. Verni y el resto de banda siguen demostrando a día de hoy. Está claro que, como Testament, los neoyorquinos están hechos de otra pasta si se les compara con todos sus demás compañeros de la escena thrash americana,

y para muestra, este The Wings Of War, que nos regala otros diez temas de unos Overkill en más que buena forma. ‘Last Man Standing’ te pone rápido en situación, y bienvenido es ese deje de heavy clásico en varios desarrollos y solo. Cañonazo guapo. Canción totalmente Overkill ‘Believe In The Fight’, y más seria que se pone la cosa con ‘Head Of A Pin’ y ‘Bat Shit Crazy’. Cortante y elaborada la primera, dice mucho del excelente momento que atraviesa el combo, mientras que la segunda es otro obús marca de la casa con una salida épica exquisita. ‘Distortion’ es otro subidón, y el punto histérico de Bobby en ‘A Mother’s Prayer’ hace que la canción suba varios enteros. Punk, urgente y juvenil suena la festiva ‘Welcome To The Garden State’, y así podríamos seguir con los demás cortes, porque la verdad es que este decimonoveno disco no baja el pistón, siendo cerrado por una ‘Hole In My Soul’ que vuelve a exhibir su vena más ortodoxa. Si oyes a alguien hablar mal de esta gente, ya sabes: bofetón a mano abierta y a seguir disfrutando de la vida. PAU NAVARRA

WASTE OF SPACE ORCHESTRA Syntheosis (SVART) PSICODELIA, METAL EXTREMO

e la alianza creativa entre Oranssi Pazuzu y Dark Buddha Rising sólo puede surgir algo extraordinario. Syntheosis, la pieza que en un principio encargó el Roadburn y que se interpretó en abril de 2018 ante más de 3.000 personas, se convierte ahora en un álbum mayúsculo, totalmente acorde con lo que puedas esperar de la unión de estas dos bandas. Una primavera y un verano hicieron falta para que estos diez artistas pudieran llevar ese directo al estudio bajo el nombre de Waste Of Space Orchestra, fluctuando entre la psicodelia, los

pasajes de pura ensoñación experimental, sonoridades marcianas y elementos de extremismo metálico. Sobra decir que todo obedece a una visión absolutamente personal, y es que, además, el colectivo se turna el micro, asumiendo los vocalistas su papel en un ceremonial tan rocambolesco que es mejor que descubras por tu cuenta. ‘The Shamanic Vision’, con Vesa Ajomo tomando el mando a la voz, te sume en su estado catatónico y psicótico, ‘Seeker’s Reflection’ también maltrata tu mente, y luego ‘Journey To The Centre Of Mass’ es, efectivamente, un viaje, pero hacia un laboratorio de meta en el que te niegan la máscara antigás. ‘Wake Up The Possessor’ es el momento del terror, esta canción es difícilmente mejorable, pero cuando te atrapa el oscurísimo mantra de ‘Infinite Gate Opening’ ya tienes muy claro que esta obra es asombrosa y radical. Vangelis parece estar detrás de ‘The Universal Eye’, y la final ‘Syntheosis’ consigue abrir ese portal en el que han estado trabajando activamente sus compositores. Un colorido caos en el que, paradójicamente, todo encaja. PAU NAVARRA

HELEVORN Aamamata

(BADMOONMAN/SOLITUDE PRODUCTIONS) DOOM DEATH METAL

oincidiendo con su vigésimo aniversario el sexteto mallorquín nos presenta un nuevo plástico, un trabajo propio de quien acarrea con una extensa experiencia compositiva. Aamamata rezuma elegancia y belleza desde el aspecto visual con su artwork hasta la última nota de teclado que cierra ‘La Sibil·la’, último corte del álbum. Una oda inteligente a la desesperación de aquellos que acaban desaparecidos en la inmensidad del mar que no pierde la ocasión de homenajear a su tierra natal y al entorno que lo envuelve. A nivel estilístico el trabajo se pasea por

todas las vertientes que el death doom puede abarcar, recogiendo múltiples veces las influencias melosas de las aproximaciones más góticas del estilo sin renunciar a momentos potentes donde el death metal toma las riendas. Helevorn añaden a la mezcla sonoridades de varias zonas mediterráneas, como en la intro de ‘Aurora’, que le dan una personalidad propia y añaden una localización exótica e interesante para al oyente. No me esperaba lo mucho que me ha aportado este trabajo, han dado un gran paso adelante respecto a sus anteriores trabajos y la belleza que emana este álbum hace que no sea para todos los públicos. Sin embargo, debo reprocharles que en la búsqueda de esa elegancia hayan comprometido parte de su crudeza y he echado de menos algo más de equilibrio, sobre todo en términos de producción donde siento que las distorsiones se podrían haber apretado algo más. Un álbum a tener en cuenta este año si eres un fan del género. ABEL VALDELVIRA

THE LIZARDS

AHORA O NUNCA EL ROCK’N’ROLL ES UNA CARRERA DE FONDO. CON MÁS DE DIEZ AÑOS A SUS ESPALDAS Y UNA FORMACIÓN RENOVADA, EL TRÍO BARCELONÉS PRESENTA UN NUEVO TRABAJO, INSIDE YOUR HEAD, Y SIGUE DISPUESTO A SEGUIR CORRIENDO TAN LEJOS COMO PUEDA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

I VIVES EN BARCELONA Y TE GUSTA EL ROCK’N’ROLL ,

es imposible que en algún momento u otro no te hayas topado con el nombre de The Lizards. Ya fuera en sus propios conciertos o abriendo para artistas internacionales como Nashville Pussy o Cavalera Conspiracy, el trío liderado por Carla Santacreu (voz, guitarra) había hecho gala de su poderío en el escenario y unas canciones, a veces más cercanas al punk rock, otras más hard rockeras, perfectas para animar cualquier noche. Sin embargo, a pesar de hacer sus pinitos también en Europa, parecía que su carrera no acababa de arrancar. Algo que, lejos de desmotivar a Carla, la ha acabado por decidirse a luchar más fuerte que nunca. La publicación de su tercer álbum Inside Your Head (Adrenalin Music/Beast Records), primero que graba con la compañía de Judith Jordan (bajo) y Edgar Beltri (batería), ha llegado acompañada de un montón de fechas y su presencia en varios festivales. A primeros de febrero, Carla y Edgar, viejo conocido en esta casa por su paso por bandas como Maple, Uziel o The Eyes, visitaban nuestra redacción para explicarnos los pormenores de esta nueva etapa. ¿Qué os ha motivado a apostar más fuerte con este álbum? CARLA “Llevo desde 2007 y al prin-

cipio muy bien, pero luego hubo cambios de formación y cuando sacamos el segundo disco, el resto no podían implicarse mucho por temas personales, y después de volver de una gira europea, pasamos dos años con muy poca actividad. O se iba el grupo al traste o seguíamos adelante, pero con

cambios. Entonces decidieron irse, y entró Edgar y luego Judith, a quien conocía de hace muchos años. La formación se fue consolidando en directo y a nivel personal nos entendíamos muy bien. Así que a la hora de preparar este disco nos los tomamos como un ahora o nunca. Teníamos que dar un paso adelante. Nos compramos una furgo y encontramos un nuevo management aquí en España con la mentalidad de hacer más cosas. Queremos ir a tope”.

do y es muy difícil que todo el mundo vaya a la una”. CARLA “En el tiempo que llevamos los tres juntos hemos visto que lo que hacíamos gustaba, así que lo que necesitábamos era más visibilidad. Necesitábamos abrir nuestro campo de acción. Tocar para el público de rock está muy bien, pero necesitábamos un empujón para llegar a otra gente a la que también le puede gustar”. También es que el público del rock os puede tener más vistos

Ahora ya no sois todas chicas.

o le sorprenda menos lo que

¿Qué cosas querías preservar

hacéis.

y cuáles renovar dentro de The

EDGAR “Es a lo que vamos. Aunque

Lizards?

tengamos distorsión y potencia, en las canciones hay mucha melodía. Es rock, pero no es nada extremo, puede gustar a mucha gente”.

CARLA “Realmente, en toda la historia

de The Lizards hemos sido más tiempo dos chicas y un chico, que tres chicas, pero es lo que ha quedado de esa primera fase. Yo siempre he sido la que ha escrito los temas, pero ahora se han alineado los astros para encontrar a gente que se lo crea igual que yo. Hay muchos factores que influyen para que una banda funcione”. EDGAR “La implicación es muy importante. Hay como distintas fases. Primero, banda simplemente de colegas, luego bandas que quieren tocar más y salir fuera, y finalmente, bandas que se quieren profesionalizar. A nosotros esto es lo que más nos gusta en el mundo y por eso hemos querido ir a por todas. Todos llevamos mil años tocan-

Aunque habíais tocado por Europa, a nivel de España, creo que se os tiene como una banda muy local de Barcelona. CARLA “Básicamente fue porque

desde el principio encontramos una persona fuera, en Burdeos, Francia, que le gustó el grupo y se encargó de hacer el booking y el management europeo, y en cambio en España no habíamos encontrado a esa persona. Ahora con Edu de Black Izar ha sido un punto de inflexión. Se lo ha tomado como una apuesta personal”. 65

THE LIZARDS Escuchando ahora Inside Your

Head, casi parece como que los anteriores fueran bocetos de lo que querías hacer. ¿Crees que éste es el disco de Lizards que siempre habías querido hacer?

lo lleva Carla”. CARLA “Al final el rol compositivo estaba muy rodado. Lo bueno es que las dos personas que han entrado ya les gustaba la banda, así que no me han puesto pegas para nada (risas)”.

CARLA “Yo creo que es una evolución

natural. El primero son temas más cortos y simples, el segundo es un poco más elaborado, tirando al hard rock, pero menos fresco, y éste es una conjunción de todo. Sigue siendo cañero, pero es más inmediato”. Edgar, tú estás acostumbrado a tener un peso en los grupos donde estás y, además, te gusta intervenir. ¿Cómo llevas el entrar en un grupo donde Carla es la líder? CARLA “Ésa es la pregunta… (Risas)”. EDGAR “Menos cuando entré en

Hyde Abbey, Lizards es el primer grupo que no he formado yo o que no soy el compositor. Al principio me costó mucho encontrar mi rol en la banda, porque además aquí toco la batería. Pero yo había sido muy fan de Lizards desde el principio, y me gustaban mucho las canciones de Carla, así que me gusta aportar, pero no hay que tocar lo que no está estropeado. En este disco no he compuesto ni un riff, ni uno. Ella trae las ideas, opinamos todos, pero el peso 66

¿Cómo enfocasteis la grabación para conseguir esa frescura? EDGAR “Es muy complicado plasmar

la energía de un grupo en un disco. Pero se puede hacer, como Sick Of It All. En el estudio nos dejamos la piel igual que en el escenario. Hubo un día que tuvimos que dejar la sesión a medias porque no podía cerrar la mano de lo fuerte que le pegaba. Pero es porque en directo hago lo mismo”. CARLA “Pero esa frescura te tiene que salir. No es algo que se pueda preparar. También hicimos muchos arreglos in situ”. Ahora se está viviendo un momento de reivindicación de las artistas femeninas y parece que, por ejemplo, los festivales lo tienen en cuenta. Tú que llevas tanto tiempo, ¿crees que existía ese prejuicio? ¿Has notado un cambio? CARLA “Te daré mi opinión personal.

Yo nunca me he sentido discriminada ni me he sentido inferior tocando por ser mujer. Es algo que existe, pero

yo he tenido la suerte de no sufrirla. Siempre he hecho lo que me ha dado la gana, he tocado con tías, con tíos, y me he sentido a gusto. También es una evidencia que hay menos grupos de chicas que de chicos. A mí no me gustaría que me metiesen en un festival sólo por ser mujer. O te gusta el grupo o no te gusta. A mí nunca me han atado las manos para que no pudiera tocar la guitarra”. A veces uno mismo se frena, aunque nadie explícitamente te prohíba hacerlo. CARLA “Depende mucho de cada

caso. Si te has criado en un ambiente muy machista, entonces igual te cohíbes y puede ser un problema. En mi caso, tengo una familia que siempre me ha apoyado”. Hablando de apoyos, ¿no creéis que en Barcelona falta un poco el hacer piña entre las bandas de rock? EDGAR “Es algo que hemos hablado.

Hay conciertos y hay bandas, ¿dónde está la gente? Yo también me quejo, y es que se sigue valorando más todo lo guiri. Fuera hay bandas muy buenas, pero también muchas que son peores que las de aquí”. CARLA “Falta que la gente vaya a ver bolos sin que importe tanto la banda que toca. Igual es que también está todo muy segmentado. Y también con el turismo y la especulación han desaparecido muchos locales. Estamos un poco huérfanos de una zona de ocio que propicie todo esto”.

NATURALEZA MUERTA

HEXVESSEL

POCOS MÚSICOS PARECEN TAN CONECTADOS A LA NATURALEZA COMO MAT MCNERNEY. DESDE QUE ESTE BRITÁNICO DE ORIGEN SE MUDARA, PRIMERO A NORUEGA, Y POSTERIORMENTE A FINLANDIA, SU OBRA EMPEZÓ A IMPREGNARSE DE LAS VIBRACIONES QUE LE TRANSMITÍAN LOS BOSQUES Y PAISAJES DE SU TIERRA DE ADOPCIÓN. HEXVESSEL, MÁS QUE UN GRUPO, ES EL CATALIZADOR DE ESTA SIMBIOSIS. TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: DR

A PRIMERA VEZ QUE VI A HEXVESSEL en direc-

to fue acompañando a Alcest en 2013. Un concierto que nunca olvidaré, ya que fue una especie de vivencia catártica. Puede parecer algo exagerado, pero desde que Mat ‘Kvohst’ McNerney (Beastmilk, Grave Pleasures) y los suyos dieran vida a sus instrumentos, quienes conectamos con su propuesta nos fuimos de viaje introspectivo a vete tú a saber dónde hasta que nos obligaron a volver. La delicadeza de sus composiciones y las sensaciones que proyectan hacen de sus conciertos un ritual orgánico y espiritual. Ese misticismo oscuro junto a su conexión directa con la naturaleza construyen la esencia de Hexvessel. Este año la banda continúa explorando su lado más creativo y contemplativo en All Tree (Century Media), su cuarto álbum de estudio, con canciones folk que nos devuelven a los senderos de sus primeros discos. Sobre el poder de su música y su proyecto más personal charlamos un rato con Kvohst, el alma mater, días antes de que All Tree viera la luz.

que eso es algo que también la gente puede sentir acerca de nosotros, que como banda no estamos desesperados por los fans y su atención. Estamos haciendo esta música, que es más una especie de viaje espiritual que un... no sé, no estamos tratando de llegar a los primeros puestos de las listas de éxitos o algo así”. Dejando a un lado las listas de éxitos y el dinero, me imagino que con este disco, igual que con cualquier proyecto, habrá algún tipo de mensaje hacia la gente que te escucha...

“Sí, supongo... creo que nos veo como una especie de grupo de scouts musicales. Es como cuando los scouts hacen que los niños se interesen por la naturaleza y aprendan a vivir en ella y cosas así. Supongo que eso es algo que veo con Hexvessel: que somos algo así como una celebración de la naturaleza y espero que de alguna manera la gente conecte y obtenga algo de eso y lo comparta con nosotros. Sólo estamos compartiendo eso y ésa es nuestra misión”. ¿Y puede que All Tree sea vues-

¿Cómo esperas que la gente

tro álbum más personal?

acoja vuestro nuevo trabajo y

“Sí, sí, sí, eso seguro. Creo que todos lo son. Quiero decir, uno sabe que toman ese camino y que van progresando de esa manera. Así que, a medida que envejezco, por supuesto, cada vez lo son más. Realmente no veo cualquier otro objetivo para mí mismo que ése, y me estoy volviendo lo más honesto posible con la música. Nunca me ha atraído hacer música excedente o hacer cosas que sean sólo... ya sabes, en plan ‘me gusta este estilo de música, sólo tocaré un poco en este estilo’ y sin ningún tipo de propósito.

con qué idea o mensaje te gustaría que se quedasen? MAT McNERNEY “En realidad,

no es algo que me importe, he llegado a un punto haciendo música que realmente no me importa cómo reacciona la gente. Es algo que se reduce a nosotros, y si la gente lo disfruta es sólo un extra, y entonces es genial. Y sé que para algunos será así y entonces podremos tocar algunos shows, la gente disfrutará, les gustará el álbum, y ya está. Creo

“PARA ESTE NUEVO DISCO SENTIMOS QUE DEBÍA SER UN ÁLBUM DE FOLK” MAT McNERNEY Verdaderamente yo quiero poder alcanzar una meta, y el objetivo que trato de alcanzar es ser lo más puro y honesto posible con lo que hago, así que creo que siempre puedo ser cada vez más honesto”. Musicalmente vuestro anterior disco era mucho más psicodélico. ¿A qué se debe el cambio?

“Para mí no es un cambio. Éste es el cuarto álbum y por tanto ya teníamos dos antes de aquel disco. Ése fue nuestro primer lanzamiento con Century Media y fue un álbum un poco más agresivo. También, al ser lanzado por Century llegó a un público acostumbrado a música más dura. Creo que la gente no se dio cuenta de que es una banda con un pasado, y las raíces de la banda son el folk. Hay muchas canciones folk en las que nos hemos basado. Es una especie de 50-50 ó 60-40 en el disco como muchas canciones folk. Estaban ‘Green Gold’, ‘Hunter’s Prayer’, ‘Cosmic Truth’ y canciones así. Son diferentes lados del mismo cubo

de nuestro trabajo. Para mí no fue algo consciente, es sólo que cuando escribo temas siempre son bastante folk desde el principio. Simplemente se construyen de manera diferente cada uno. Una canción como ‘Earth Over Us’ de When We Are Death es simplemente una canción folk. Sólo tiene un poco de guitarras psicodélicas, pero si la desgranas y la devuelves a su forma pura, es sólo folk. Para este nuevo disco sentimos que debía ser un álbum de folk”. Entonces no es tanto una vuelta a tus raíces, sino la forma natural de escribir tu música.

“Exacto, las raíces siempre han estado ahí. En el último disco también estaban en ‘Mirror Boy’, ‘Cosmic Truth’, ‘Green Gold’ y ‘Hunter’s Prayer’. Supongo que el álbum simplemente tenía un estilo más duro. Del mismo modo que No Holier Temple, por ejemplo, tenía algunas influencias doom, o el EP Iron Marsh tenía algunos elementos progresivos. Supongo que All Tree está

mucho más cerca del primer álbum de Hexvessel, Dawnbearer. Es como si hubiese más parentesco entre estos dos discos”. Quizá también te has inspirado en cosas similares para ambos discos.

“Sí, podría ser. Quise buscar qué me motivó a hacer esta banda en primer lugar. Y nunca me gustaría hacer el mismo disco dos veces. Siempre me gusta seguir adelante con la música y mostrar un aspecto diferente del grupo, y una forma de escribir canciones que siempre intenté pero que nunca sentí que las había escrito correctamente. En muchas de las canciones del primer álbum, por ejemplo, no sentí que las hubiese ejecutado correctamente, porque no tenía tanta experiencia por aquel entonces y también era mucho más joven. Así que ahora pude lograr algunas de las cosas que había querido hacer en un primer momento”. Desde el principio de la banda,

la muerte ha sido un tema principal en tus composiciones. ¿Ha cambiado tu perspectiva de la muerte desde Dawnbearer hasta ahora?

“No, creo que la creación de Hexvessel sólo podría haber sido posible a través del entendimiento que tenía. Creo que fue mi despertar pagano. Dawnbearer fue el nombre del álbum por una razón. Fue como un nuevo amanecer para mí y lo llevo conmigo ahora. Creo que ser pagano significa que aceptas la muerte y se convierte en parte de tu vida. Lo celebras en cada ocasión y tus parientes muertos y cosas así siempre te acompañan. Es algo que te interesa si te interesa el pasado. Ese tipo de cosas tienen que ser así para ser pagano, porque todos los rituales se basan en su mitología. Así que sí, lo soy. Mi aceptación de la muerte y todo es igual desde que empecé. Y de eso se trata realmente este proyecto. Es una especie de voz que vuelve a eso. El título All Tree del nuevo disco es un símbolo del principio de todo y el final de todo, es la fuente de toda la vida. Hay una cita dentro del álbum que viene a decir algo así como que los árboles han sido los primeros elementos que respiran en la Tierra y serán los últimos, y ese tipo de cosas”.

“Creo que toda la música debería aspirar a la magia porque no creo que deba ser menos. Por otro lado, no creo que sea música verdadera porque el verdadero arte trata de cambiar las percepciones. Y cuando piensas en qué es eso, es un juego de biología muy complicado que se desarrolla a través de materia inanimada. Es una especie de materia animada que anima la materia inanimada para animar la materia de otra persona. Es una cosa bastante espiritual. Se ha medido cómo los sonidos del tambor cambian la química y el cerebro de las personas durante los estados de trance y cosas así. Creo que hay mucha ciencia en todo esto. Pero ‘magia’ es una palabra muy agradable de utilizar porque significa placer, emoción. Pero no necesariamente tiene que significar abracadabra, ya sabes. Creo que ese tipo de cosas suceden cuando la gente alcanza ese sentimiento eufórico por la música, cuando saben por lo que viven. Y creo que eso es a lo que aspiramos. Creo que toda buena música aspira a eso de una manera u otra, porque de eso debería tratarse el arte. Es realmente importante porque lo necesitamos para sobrevivir y seguir adelante. Necesitamos poder adaptarnos, es parte de nuestro mecanismo de supervivencia”.

Hace tiempo vi en redes sociales que habéis organizado un

El año pasado la banda sufrió

Grupo de Meditación de Ciencia

varios cambios entre sus miem-

Oculta y Ecología Profunda de

bros. ¿Cómo ha afectado eso en

Hexvessel, y lo encontré muy

vuestra dinámica?

interesante. Una de las pregun-

“Es una banda pero siempre es mi música. Siempre ha sido más un proyecto en solitario que una banda. Es lo mismo que pasa con las letras. Supongo que la diferencia es que trabajé con Andrew McIvor y Daniel Pioro, con quienes ya había trabajado en

tas para acceder a este grupo es: “¿En qué medida estarías de

acuerdo en que las experiencias musicales profundas son, de alguna manera, una forma de magia?”. ¿Cuál sería tu respuesta?

el primer disco. Trabajamos juntos en ese álbum, así que también hay mucho de su sonido en éste. Cosa que vuelve a conectar con el primer disco. Así que esto es una pequeña diferencia. Pero no sé, supongo que hoy en día tengo menos problemas en relación a los músicos que se van o abandonan el proyecto. Siempre he sentido esta banda más como una colección, una familia de músicos que van y vienen. Pero eso no significa que no volverán... ahora estoy trabajando con dos tipos que trabajaron en el primer disco. He trabajado con el mismo batería desde el principio y nunca se ha ido de la formación, así que no sé... es diferente para esta banda que para una banda de rock en la que tienes como cinco personas que crean el sonido. Yo creé el sonido de este grupo desde el principio. Es algo así como que, mientras lo esté haciendo, siempre será Hexvessel”. De todos modos, su influencia también será importante en el proceso musical...

“Sí, claro. Hay algunos elementos de estilo, por supuesto, pero en lo que respecta a la música, los arreglos y ese tipo de cosas, realmente ha sido cosa mía desde el principio. Pero claro, tendrás pequeñas diferencias en el estilo. Tuvimos suerte cuando Simo, nuestro guitarrista, se fue al encontrar a otro que encajaba bastante bien. Fue capaz de hacer muchas de las cosas que Simo hacía, pero también muchas otras que Simo no era capaz. Entonces él le da su propio estilo a eso y enriquece al grupo. Eso es lo que quiero decir con el tipo de canciones que tienen su origen desde el corazón. Son canciones de Hexvessel sin importar quién esté tocando. Así veo a los 71

músicos de la misma manera. Es como la paleta de colores de un cuadro. Sabes que a veces estás pintando con algunos colores adicionales y otras no. Por supuesto que aportan mucho. Pero es sólo un extra cuando encuentras personas que pueden aportar algo a la música”. ¿En qué te inspiras para empezar a componer una canción?

“Es diferente dependiendo de qué canción. Realmente no tengo una fórmula. Tengo muchas formas de trabajar. Y para mí es como algo que aparece y ya está. No es que me siente y piense en escribir una canción. Es como que empiezas a sentirlo. Es casi como un cambio hormonal. Así que nunca puedo predecirlo. A veces es muy incómodo porque estás en algún lugar y te viene una canción y es como si tuvieras que tararear la canción todo el camino de vuelta a casa en tu cabeza. Y no quiero hablar con la gente porque no quiero olvidar la idea que tengo. En otras ocasiones, me siento con una guitarra y luego la canción acaba llegando. Muchas veces no lo hace. Y creo que, en general, para mí es algo que siempre se presenta todo de golpe. Es mucho trabajo en un periodo en el que una cosa refleja otra cosa. Siempre tengo que hacer mucha música diferente porque si no hago nada, creo que eso no conduce a nada. Es como que todo lo que hago conduce a más música. Cuanto más activo estoy en la música, más música llega, y si no hago nada, no significa que no tenga tiempo. No es que esté procrastinando. Así que sí, hay muchas maneras diferentes de escribir”.

musicales al mismo tiempo. Y

entre Rygg y tú?

el año pasado, colaboraste en

“La verdad es que no. Él es un gran cantante y hace cosas geniales, pero probablemente haríamos lo mismo. Es como preguntarle a Kiko de Megadeth si trabajaría con Kirk Hammett. Qué van a hacer, ¿un álbum lleno de solos? Supongo que yo y Rygg podríamos hacer todo un álbum de voces o algo así. No creo que la gente esté desesperada por escuchar eso. Ellos lo están haciendo muy bien con sus proyectos. Me gusta lo antiguo de Ulver, no me gustan los Ulver electrónicos, así que no conozco demasiado sobre lo nuevo que están haciendo”.

‘Hairspray Hurricane’ de Carpenter Brut. ¿Cómo surgió?

“Carpenter Brut me escribió hace algunos años cuando sacamos el disco de Beastmilk, creo que realmente le gustó. Nos escribimos y tuvimos una charla. Me envió su material, me gustó y después hablamos sobre trabajar juntos, pero pasaron los años y luego él estaba trabajando en un nuevo disco. Creo que trabajamos como tres o cuatro canciones y ésa fue la última. Fue como en el último minuto, creo que ya había terminado el álbum, e hicimos esa canción y se añadió al disco, pero creo que terminó siendo una de las canciones más conocidas de ese álbum y a la gente le gusta mucho. Él sólo me dio la pista del teclado con la guitarra y yo escribí la línea vocal y esas cosas. Así que escribimos la canción juntos. Creo que es una combinación genial entre mi material con Beastmilk y Grave Pleasures y su material, encontramos un término medio. Es una especie de tema inspirado en Judas Priest. Lo hemos tocado varias veces en directo y ambos lo disfrutamos mucho con la banda. Es una gran banda, pero no importaba si yo estaba allí o no. A los fans simplemente les encanta la base de la canción o lo que sea que haga el grupo. No se trata de los músicos en sí, va más allá de la música y de todo. Para mí fue un proyecto genial en el que involucrarme y disfrutar de los mejores aspectos de hacer música”. Desde luego tanto tu colaboración como la de Kristoffer Rygg me parecieron brillantes. ¿Nun-

Como bien dices, siempre estás

ca habéis pensado en crear algo

involucrado en mil proyectos

entre Ulver y Grave Pleasures, o

Hablando de la evolución del género, hace unos meses volvió a surgir el recurrente debate sobre si el rock está muerto o si el futuro y las creaciones más innovadoras se encuentran en otros géneros como la electrónica y el hip hop. ¿Qué opinas de ello?

“Suena como muchas palabras, nunca sé realmente qué significa eso. No significa que esté en contra. Simplemente no sé realmente cómo relacionarme con eso. Como si lo que estoy haciendo fuese relevante. Realmente no me importa y no creo que, por ejemplo, a Kurt Cobain le importase cuando estaba haciendo las canciones de Nirvana, si esto iba a cambiar el mundo o no. Supongo que a él también le habría gustado. Pero ya sabes... el punk es real porque no sabes de dónde vendrá y no puedes predecirlo. Y entonces, no creo que sea prudente hacer declaraciones acerca de a dónde va el futuro de las cosas, porque uno no tiene idea de lo que sabe. Todavía no sé si el rock realmente existió. Ésa es la cuestión. Ha existido durante tan poco tiempo y la música cambia tan

“CUANTO MÁS ACTIVO ESTOY EN LA MÚSICA, MÁS MÚSICA LLEGA” MAT McNERNEY

rápido cuando piensas en las líneas de tiempo, como la música clásica y cosas así... Estas cosas para mí son realmente aburridas de hablar. Prefiero sentarme y escuchar cualquier tipo de música. No me importa si ya no hay nadie que vaya a los conciertos, la música no tiene que ver con estar en una habitación llena de gente. Así que tal vez soy la persona equivocada a la que preguntar sobre esto (risas)”. El año pasado tocasteis en una de las mejores salas urbanas como es la 013 de Tilburg, y por otro lado también lo hicisteis en un espacio salvaje y natural como es el festival L’Homme Sauvage en los Pirineos. En unos días vais a presentar All Tree en un sitio tan peculiar como la iglesia del castillo de Turku en Finlandia. ¿Existe una gran diferencia en cada experiencia?

“No. Bueno, la hay, sí. En lo que se describe siempre será lo mismo, siempre obtendrás lo mismo en cada una de ellas. La experiencia, por supuesto, será única, pero el resultado final es algo así como... una iluminación re-

ligiosa unificada, es la única forma en que podría describirla. Es como si quisiera el mismo sentimiento de un pequeño espectáculo que recibo de uno grande. Y si no lo consigo, entonces generalmente sé por qué está ahí, pero no lo está por razones como el tamaño del lugar o el tamaño de la multitud. Realmente se trata de cómo me siento acerca de mis logros para trabajar tan a mi favor. Lo sabes, así que es como si hubiéramos tocado conciertos para algunas personas. Tocamos en Polonia en un edificio antiguo realmente hermoso con aproximadamente diez personas allí y fue simplemente increíble, uno de los mejores conciertos que he tocado en mi vida. Podría comparar tranquilamente ese concierto con lo que obtuve con el de la 013, porque fue realmente significativo. La gente lloraba. Pasamos toda la noche con esas mismas personas después de tocar porque sentíamos que era como una experiencia realmente única. Estaban muy felices de estar allí y nos alegramos de tenerlos. No podían creer que no hubiese más gente, pero esto era simplemente genial. Unas pocas per-

sonas pueden ser suficientes”. Por último, ¿cuál ha sido el último descubrimiento musical que más te ha impactado?

“Escucho a un artista que es un músico de jazz finlandés llamado Verneri Pohjola. Él es genial y lo pongo siempre en el coche. Fui a verlo en directo hace unos años y no había escuchado el disco. Pero ahora el coche tiene reproductor de CD y siempre lo pongo. Lo escucho por las noches cuando vuelvo de los ensayos y esas cosas, me tranquiliza tanto que realmente lo disfruto. Solía regresar a casa con mi mejor amigo cuando éramos más jóvenes, y su padre siempre ponía jazz en su coche. Recuerdo que nos sentábamos en la parte de atrás, y estar tranquilos y escuchar música jazz era algo de otro mundo, por lo que me recuerda al padre de mi amigo y mis experiencias de cuando era más joven. Eso es algo realmente primordial, así que es genial”.

ADRENALIZED

LA VUELTA AL MUNDO EN 80 ACORDES EN LOS SEIS AÑOS QUE SEPARAN TALES FROM THE LAST GENERATION DE OPERATION EXODUS, A LOS CHICOS DE ADRENALIZED LES HA DADO TIEMPO A RECORRER MEDIO MUNDO GRACIAS A SU MANERA DE INTERPRETAR EL HARDCORE MELÓDICO EN SU FACETA MÁS TÉCNICA. SIN EMBARGO, EN SU NUEVO TRABAJO APUESTAN POR LA EVACUACIÓN DEL PLANETA ANTES DE QUE SEA DEMASIADO TARDE. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

I LA FORTUNA DE CADA GRUPO se pudiese

medir en lo que marca el cuentakilómetros de su furgoneta, Adrenalized serían ahora mismo inmensamente ricos. Desde la publicación en 2013 del soberbio Tales From The Last Generation, Tejas (voz, guitarra), Lolo (guitarra), Josu (bajo) e Iri (batería) han hecho las maletas en infinidad de ocasiones para recorrer todo el globo acompañando a varios de los grupos con los que crecieron mientras practicaban sus

ro que sus tours por Canadá, Japón o Sudamérica darían para un buen libro de anécdotas. Pero si sus acciones como formación de directo han ido claramente al alza en los últimos tiempos, su faceta de estudio parecía haber quedado un tanto aparcada. Escuchando las composiciones de su cuarto largo, Operation Exodus (La Agonía De Vivir), uno puedo entender el porqué de tantos años de silencio discográfico. Y es que no debe ser nada sencillo dar con la fórmula perfecta que sea capaz de aunar la contundencia del hardcore melódico con las habilidades técnicas de unos prodigios de las seis cuerdas como ellos han sido capaces de hacer una vez más. Porque ¿quién dijo que tocar punk rock se tuviese que limitar a tres acordes? Han pasado casi seis años desde que publicasteis Tales From

The Last Generation y desde

Canadá, buena parte de Europa... Incluso acompañando a algunos de los que imagino deben de ser vuestros héroes como NoFx, Lagwagon, Propagandhi, Satanic Surfers... ¿Cómo ha ido surgiendo todo esto, llegando al punto de que es casi más fácil veros tocar fuera que en España?

“Actualmente en España no parece que haya una escena muy activa si hablamos de nuestro estilo en concreto. Claro que hay cosas interesantes, pero al final nos conocemos todos y hay pocas cosas nuevas. A día de hoy, curiosamente, metemos más gente en una sala de Tokio o Québec que en una de Barcelona. Por eso es muy interesante salir, aprender y conocer otras bandas y culturas. Ir a sitios a los que nunca iríamos es un regalo que debemos aprovechar. Ha surgido de forma natural, sin pensarlo demasiado, dando más prioridad a las aventuras que a los conciertos”.

entonces no habéis parado.

canciones en su San Sebastián natal. Bien es cierto que ya no sorprende tanto ver a bandas de aquí girar con asiduidad por el extranjero. Ahí están ejemplos tan obvios como los de Berri Txarrak, Toundra, Angelus Apatrida o Crim. Pero no es tan habitual comprobar que su popularidad fuera de nuestras fronteras sea aún mayor que aquí. No hay más que fijarse en carteles como los del reputado Punk Rock Holiday, donde el nombre de Adrenalized aparece en una posición de media tabla nada despreciable. A buen segu-

¿Sorprendidos por el crecimien-

A modo de anécdota, ¿qué es lo

to que habéis experimentado en

más loco o surrealista que os ha

todo este tiempo?

pasado estando de gira?

IRI “Tales

“Pues la verdad es que mil cosas… tener que escaparnos de una sala en Italia cuando unos tíos con muy mala pinta te intentan robar todo. Tener un accidente de furgo en un túnel bajo los Alpes. Dormir en el suelo de un local de ensayo alemán pero también en un hotel de cinco estrellas en Buenos Aires. Promotores que ni aparecen. Toques de queda en hoteles de Brasil. Gente borracha con tatuajes de tu banda. Peña que te trae chocolates y ofrendas en Tokio. Convivir con grupos con los que has crecido…”.

From The Last Generation nos ha permitido tocar mucho y por muchos sitios. Hemos tenido la suerte de vivir muchas experiencias increíbles a nivel musical y personal y es algo que valoramos casi a diario. Todo esto no estaba preparado, sino que entendemos la banda como una forma de vida y al no parar de hacer cosas van surgiendo otras. Ahora que tenemos nuevo material parece que queda bastante por llegar”. Sin duda lo más llamativo es el salto internacional que habéis pegado a nivel de giras. Habéis

Estando tanto tiempo fuera de

estado por Sudamérica, Japón,

casa, cuadrar vuestro calendario 75

“Ha sido una mezcla de todo. De primeras, no hemos tenido la necesidad de sacar algo hasta estar convencidos. Muchas bandas tienen la presión personal de sacar material nuevo cuanto antes, pero no es nuestro caso. Por otro lado, Adrenalized es una banda totalmente colaborativa donde cualquier proceso, canciones incluidas, se aprueba entre todos. Eso hace que todo se ralentice mucho, sobre todo si estamos en momentos musicales diferentes y no existe la figura de ‘el que trae ya todo hecho’ como en muchos grupos. Por último, que hasta hace un tiempo hemos preferido dedicarnos más a tocar que a centrarnos en componer de forma más metódica. Pero bueno, el disco ya está en la calle y la verdad es que estamos muy contentos con el resultado”. Operation Exodus lo habéis grabado vosotros mismos en vuestro local. ¿Por qué decidisteis

“EL PUNK ROCK TIENE MIL FORMAS, NO SÓLO CERVEZA Y TRES ACORDES, SINO MUCHO MÁS” IRI

debe ser una tarea de chinos. ¿Con quién tenéis más problemas a la hora de salir a tocar,

final siembre buscamos huecos y tratamos de cumplir los objetivos de tours y conciertos que nos marcamos”.

con vuestros jefes de curro o con vuestras novias?

Ya hablando sobre el nuevo ál-

“Cada año cambia la situación y tenemos que andar haciendo malabares. La verdad es que es un lujo el que hayamos podido gestionar todos estos factores durante tanto tiempo teniendo parejas y jefes que han entendido nuestra situación. Hemos tenido que decir que no a muchas cosas, pero al

bum, supongo que os habrán

preguntado infinidad de veces cuándo iba salir. ¿Al final la espera ha tenido más que ver con el estar tanto tiempo de gira o porque os ha costado mucho el componer las canciones y estar contentos con el resultado?

tomar esta opción en lugar de grabar en un estudio profesional con un productor? Barajasteis algún nombre en concreto...

“Tenemos la suerte de que nuestro guitarrista Lolo tiene un estudio montado en nuestro local, Corsarios Studios. Eso nos permite hacer todo nosotros mismos, desde las demos hasta la grabación final. Siempre hemos tenido una mentalidad muy DIY y es un lujo hacerlo nosotros, no sólo por la tranquilidad del proceso sino por la satisfacción personal de haber desarrollado algo de principio a fin. Quizás para otro tipo de grupo o proyecto la figura de un productor sin duda puede ayudar, pero nosotros hacemos algo muy concreto y personal, y por ahora no nos planteamos que ningún agente

externo meta mano”. ¿Cómo salió la colaboración de Gorka de Berri Txarrak en ‘Gezurra Ari Du’? ¿Llevabais tiempo con esa idea rondando por la cabeza?

“Nos apetecía que hubiese una colaboración especial en el álbum. En el anterior ya colaboró nuestro amigo Étienne de Mute y quedamos muy contentos. Una de las primeras opciones que se nos pasó por la cabeza fue comentarle a Gorka participar en ‘Gezurra Ari Du’, un tema que ya de por sí es muy especial para nosotros al ser uno de los únicos en euskera. Sorprendentemente le motivó la movida y de repente nos vimos en nuestro local con uno de los mayores exponentes del rock vasco echando gritos en la cabina. Salió todo redondo. Un momento difícil de olvidar y un resultado espectacular. ¡Milesker Gorka!”. Teniendo en cuenta la portada, el título de algunas canciones y demás, parece casi que estemos ante un álbum de rock progresi-

dus, por eso todo el artwork tiene ese rollo NASA retrofuturista. El anterior fue ‘el del robot’, éste ‘el del cohete’. De todas formas, sólo la canción que abre el álbum trata explícitamente sobre el tema. Las demás van de cosas más variadas y aleatorias”. Me llamó mucho la atención que llegaseis a editar un libro con las tablaturas de bajo y guitarra de las canciones de Tales From The

Last Generation. ¿Cómo surgió esa posibilidad? ¿Os lo pedían mucho vuestros fans?

“Comenzó siendo algo personal, pero al final la verdad es que hemos tenido que reeditarlo. Teníamos hechas las partituras de todos los temas para ensayarlos y se nos ocurrió que podría ser un artículo muy especial, no sólo por el romanticismo del formato, sino porque era algo que muy pocas bandas del rollo ofrecían a sus fans. Tejadas se pegó el currazo de maquetar y diseñarlo e hicimos una primera tirada que voló muy rápido. Tenemos planes de sacar el del nuevo disco, pero poco a poco. ¿Algún editor interesado?”.

vo o post rock más que uno de hardcore melódico. ¿Hay una

Es curioso ver que grupos como

historia alrededor de las letras?

A Wilhelm Scream o The Flat-

Parece como si quisieseis lanzar

liners también han publicado

el mensaje de que la Tierra ya

libros así de sus últimos trabajos.

está demasiado jodida y es hora

Hace un tiempo era casi impen-

de pirarse a otro lugar antes de

sable que un grupo de punk rock

que llegue el apocalipsis. No sé

sacase un libro con sus tablatu-

si la cosa va por ahí...

ras. Supongo que es un indicio

“¡Pues sí, más o menos! La última canción de nuestro anterior disco cuenta la historia de unos pocos privilegiados que escapan de la Tierra en una misión suicida poco antes de que todo reviente. Esa misión espacial da nombre a nuestro nuevo disco Operation Exo-

de lo mucho que ha avanzado el género desde sus comienzos.

“Sí que dentro de la parte musical del punk rock han surgido muchísimas variantes. Nosotros crecimos con el hardcore melódico de los 90, pero al final muchas bandas, la nuestra inclui-

da, con el tiempo han ido tonteando con matices de otros géneros como el thrash metal, creando un abanico de posibilidades muy interesantes. Internet, los instrumentos baratos y la capacidad de autoproducción en casa han permitido que mucha gente investigue por su cuenta y entienda que el punk rock tiene mil formas, no sólo cerveza y tres acordes, sino mucho más. No sé si a esto se le puede llamar avance, pero desde luego sí que creo que todos estos subgéneros difíciles de etiquetar enriquecen una escena ya de por sí deteriorada”. Por otro lado, también sigue existiendo mucho pureta al que grupos como el vuestro o Propagandhi le parecen un tanto pajilleros. ¿No creéis que aún hay mucha gente que vive anclada en la idea de que el punk rock no puede salirse de los tres acordes?

“Al final gente anclada hay en todos lados, no sólo en la música o el punk. Cualquier cambio o evolución va a incomodar al anterior y hay quien eternamente dirá que lo suyo era mejor. Hoy en día a nivel musical vivimos un momento en el que somos capaces de escuchar muchos más grupos que antes y creo que lo enriquecedor es aprender y sacar la parte positiva de cada uno de ellos. Los conceptos de ‘mejor’ o ‘peor’ me resultan anticuados, ya que siempre habrá cosas técnicas brutales, pero también auténticos himnos de tres acordes muy difíciles de conseguir”.

OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

QUE LLEGA THE DIRT

ola amigos! Comienza la cuenta atrás para el estreno de The Dirt, el biopic sobre la mítica banda de hard rock Mötley Crüe. Estandartes del calificativo ‘EXCESO’, pues el tópico de sexo, drogas y rock’n’roll se adapta como un guante de seda a los angelinos. El punto de partida es la biografía del mismo título, traducida al castellano hace unos años como Los Trapos Sucios, considerada por muchos como una biblia de obligatoria lectura. Y es que contiene todos los ingredientes atractivos y morbosos para el público: calles, motos, rock, sexo, drogas duras, luchas internas, squirting –sí, tenía que recalcarlo- y mucho macarrismo. Si bien ahora mismo el estreno viene a la cola del blockbuster Bohemian Rhapsody, y en paralelo con otro proyecto sobre Elton John, The Dirt lleva gestándose muchos años, y tal vez,

la posibilidad de utilizar una plataforma como Netflix ha sido finalmente la catalizadora de su realidad. Hoy Nikki Sixx declaraba que no hay un blanqueamiento de la banda; difícil, pero resulta complicado concebir determinadas situaciones, y además, abarcar la línea temporal o la sucesión de personajes e incidentes en un formato cinematográfico de un par de horas. Sin grandes expectativas, espero quedar satisfecha con tal de que la experiencia sea disfrutable, los personajes medianamente creíbles, y que no se queden en lo ‘popular’, como el jacuzzi en la limousine paseando por L.A., la sobredosis de Nikki Sixx, las mujeres de Tommy Lee -Heather Locklear y Pamela Anderson- o cuatro tías en pelotas. La banda sonora ya la tenemos, así que vayamos preparando las palomitas y que Satán nos pille confesados.

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes el elegido para mi Hall Of Fame es 1984 de Van Halen. He estado seleccionando discos en mi sección para RockZone durante los últimos ocho años y medio. Desde luego hay un montón de álbumes que no han sido escogidos todavía, pero no están olvidados. Los iré poniendo eventualmente. Desde luego, incluir 1984 de Van Halen, después de tantos años, parece una especie de olvido. Debería de haber puesto este álbum en el Hall el primer año. De todos los discos que escuché de niño, éste es el que sigo escuchando constantemente como si tuviera 11 años. Simplemente: amo este álbum y para mis oídos es una absoluta obra maestra. 1984 se abre con la canción título, una instrumental de 69 segundos, un mundo aparte de lo que Van Halen eran conocidos en aquel momento. Una sucia y loca banda para irse de fiesta. Fue debido a la insistencia del guitarrista Eddie Van Halen, que el álbum contiene sintetizadores, muy a pesar del cantante, David Lee Roth. Pero cuando la canción de los teclados, ‘Jump’, consiguió ser número 1 en todo el mundo, Roth cambió de opinión. Otra canción con fuerte presencia de teclados, ‘I’ll Wait’, fue el cuarto single para las radios. Aún así, para los fanáticos de la guitarra que quieren oír los solos majestuosos de Eddie Van Halen (y su infravalorado 80

tono rítmico), 1984 tenía lo suficiente para saciar a toda esa gente. Canciones como ‘Panama’, ‘Hot For Teacher’ o mi canción favorita del disco ‘Drop Dead Legs’, eran ejemplos de la extraordinaria habilidad de Eddie. En la más pura tradición Van Halen, el álbum es corto y directo. Muchos de los trabajos de Van Halen de esa época apenas llegan a los 30 minutos. De alguna manera, creo que ése era el tiempo perfecto para dejarnos a todos los fans con ganas de más. Aunque ‘House Of Pain’ era una viaja canción que se incluyó para que llegar al tiempo exigido, el álbum estaba repleto de maestría musical y, por supuesto, Roth igualó esa maestría con unas letras que sólo sabía escribir él.

Si el disco sufre de algo, es tan sólo de la sobreexposición que tuvo. Hubo un tiempo en que ‘Jump’ era tocada y escuchada más veces que ‘Happy Birthday’ y, pese a que no paraba de escuchar el disco, he de reconocer que me la saltaba. El tren de Van Halen nunca llegó a Europa de la misma manera que otras bandas lo hicieron. Eso tiene que ver, en parte, con no girar por Europa y vivir muy felizmente siendo la banda favorita de América. Así que, cuando viajo y hablo de rock en Europa, Van Halen es un grupo que apenas se menciona. Si hay un disco con el que quieras descubrirlos, cualquiera de sus seis primeros trabajos es un sitio perfecto para ello. ¡Hasta el mes que viene!