RockZone 157 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Foto de portada: DR

Si estás leyendo esta revista en el mismo día en que la hemos lanzado, no tendrás que esperar mucho para poder disfrutar de Morbid Stuff, el nuevo álbum de PUP (sale el 5 de abril). Cuando lo hagas, posiblemente entiendas mejor porque hemos decidido poner al cuarteto canadiense en nuestra portada. Desde que sacaran su debut en 2013, nos llamó la atención su particular manera de moldear el punk rock, pero fue cuando les vimos en directo hace un par de años, en una abarrotada sala Rocksound, cuando definitivamente nos rendimos a sus pies. Sirva esta portada para devolverles el favor por esa noche mágica. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Twenty One Pilots (Madrid) © Blanca Gemma Fuerte

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 157

06 / EN DIRECTO 14 / OZZYO 16 / THE DAMNED THINGS 20 / THE PICTUREBOOKS 26 / WHILE SHE SLEEPS 30 / XAVIER CALVET 34 / PUP 42 / PERIPHERY 46 / CRÍTICAS 70 / AMON AMARTH 76 /

DARKENED NOCTURN SLAUGHTERCULT

82 / KAOTIKO 86 / OPINIÓN 88 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

MEDIO OFICIAL:

MEDIO COLABORADOR:

PATROCINADORES:

EL CONCIERTO DEL MES BY:

TWENTY ONE PILOTS 16/3/19 - WIZKINK CENTER (MADRID) TEXTO: REBECA CASTELLANOS FOTOS: BLANCA GEMMA FUERTE

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101

ara comenzar, tengo que decir que sigo con resaca. Esa resaca que te deja un concierto como el que viví el pasado 16 de marzo. La resaca que te dejan los directos que atesoras en tu memoria como los mejores de tu vida. A mis 27 años, gozo de más de una década de disfrutar de música en vivo y cada cierto tiempo hay algo nuevo, potente y que me deja resacón de días. Twenty One Pilots han sabido encontrar la fórmula del éxito con una propuesta muy fresca y moderna en su música. Todos los matices y estilos que recogen sus discos se mezclan de forma magistral. La creatividad que derrocha el dúo formado por Tyler Joseph y Josh Dun, unida al virtuosismo con el que ejecutan sus cortes, los ha convertido en una banda que mueve masas allá donde van. Y en la capital española no iban a ser menos.

Agotadas casi todas las entradas desde el día que se pusieron a la venta, el WiZink Center era una mezcolanza de gente de todas las edades que esperaban impacientes el directo de los de Ohio. A las nueve y diez de la noche, un enorme telón negro cayó y empezaron a sonar las primeras notas de ‘Jumpsuit’, primer single de su último largo Trench. Así Tyler Joseph aparecía en el escenario, subido a un coche en llamas que ascendía en una plataforma, mientras Josh Dun golpeaba implacable la batería. Principalmente recorrieron sus dos últimos álbumes, Trench y Blurryface, dejando caer alguna que otra canción de su segundo trabajo Vessel. Twenty One Pilots se deben a sus fans y esta relación de amor era palpable, ya que no pararon de interactuar con el respetable. Desde Tyler Joseph apareciendo mágicamente en mitad de la grada durante el último estribillo

de ‘Fairly Local’, hasta parando momentáneamente ya que la seguridad luchaba por sacar al foso a un chico del público que cayó desmayado. La producción del espectáculo y el sonido fueron impecables. Los americanos disponían de un segundo escenario, más reducido, donde tuvieron momentos más íntimos tocando ’Neon Gravestones’ o ‘Bandito’. La locura se desató cuando sonaron ‘Lane Boy’, ‘Nico And The Niners’ o ‘Ride’. Hasta se atrevieron a tocar encima del público el final de ‘Trees’ sobre unas plataformas donde golpeaban unos enormes timbales. Según el líder de la banda, tenían muchas ganas de dar por primera vez un directo en nuestro país. Si después de la recepción que han tenido, tardan muchos años en volver, no será porque no estamos rendidos a sus pies. No sé vosotros, pero yo me muero por volver a verlos.

SLASH 12/3/19 - SANT JORDI CLUB (BARCELONA) TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: NADIA NATARIO

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omo esos ex fumadores y bebedores que de golpe descubren la vida sana y empiezan a correr maratones pasados los 40, Slash ha aparcado todos sus excesos del pasado (que no eran pocos) y ha decidido pasar tanto tiempo cuanto pueda tocando en directo. Después de haber estado dos años y medio reviviendo los días de gloria de Guns N’ Roses en su exitosa gira mundial, le ha faltado tiempo para volver a la carretera, esta vez en compañía de Myles Kennedy y The Conspirators, para presentar su nuevo álbum Living The Dream. Sinceramente me sorprendió la buena entrada que consiguió en el Sant Jordi Club teniendo en cuenta algunos pinchazos anteriores. Está claro que su constancia está teniendo premio y que, por otra parte, Kennedy también se ha convertido en un reclamo importante gracias a la creciente popularidad de Alter Bridge. Aun así, los teloneros

Bishop Gunn actuaron ante poca gente, algo lógico ya que era un día laborable y llegar al recinto lleva su tiempo. El cuarteto de Nashville descargó un blues rock solvente, pero poco imaginativo. Sin más. Hay que decir en favor de Slash que, si antes trufaba los repertorios con abundante material de los gunners, en esta ocasión sólo hubo una única referencia con ‘Nightrain’ en la parte final, e incorporó hasta ocho temas de su trabajo más reciente. Me parece una posición honesta, pero que también conlleva su penitencia. Y es que, mal que le pese, no tiene material propio suficiente para sostener tu atención durante más de horas. La cosa empezó bien con una potente ‘The Call Of The Wild’ y ‘Halo’ en las que pudimos apreciar la gran solvencia de la banda y la robustez de su sonido. Caerían temas como ‘Standing In The Sun’, ‘Serve You

Right’ o ‘Shadow Life’ o la balada ‘The One You Loved Is Gone’, aunque los mejores momentos llegaron con los rescates de su primer disco en solitario con Kennedy disfrazándose (vocalmente) de Ian Astbury en ‘Ghost’ y de Andrew Stockdale en ‘By The Sword’. El bajista Todd Kerns también tomaría el micro para emular a Iggy Pop en ‘We’re All Gonna Die’ y a Lemmy en ‘Doctor Alibi’ con mucho entusiasmo. El guión podría funcionar, pero Slash se pasó de frenada con algunos solos interminables en ‘Wicked Stone’ (casi 15 minutos de escala tras escala) y ‘World On Fire’, provocando que el nivel de energía fuera decayendo. Algo que también hay que imputar a Myles Kennedy. Todo lo que tiene de buen cantante, le falta de carisma... Para Slash debe ser una delicia no tener que preocuparse por si el vocalista que tiene a su lado la liará o no, pero para el espectador, es bastante menos excitante.

VIDRES A LA SANG 8/3/19 - SALA BÃ&#x201C;VEDA (BARCELONA) TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: EDUARD TUSET

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BARBARIAN SWORDS

ay conciertos que son algo más que conciertos. Son aquellos que trascienden un mero espectáculo musical para convertirse en un acto de celebración, reivindicación o autoafirmación. Si a finales de diciembre la parroquia punk rockera vivió una de esas noches especiales con Crim de protagonistas, el pasado 8 de marzo la escena catalana del metal extremo vivió algo parecido con el retorno a los escenarios de Vidres A La Sang. Su primer álbum en nueve años, Set De Sang, publicado en noviembre, ya había dado fe de que habían vuelto en excelente forma, pero ahora tocaba comprobar cómo lo defenderían en directo Tanta era la expectación que las entradas se agotaron para su presentación. Un acto de justicia poética después de haber sido unos avanzados a su tiempo, y por tanto incomprendidos, tanto en su discurso musical, como por el uso del catalán en ese contexto. Pero antes de disfrutar de los de

Terrassa tocaba enfrentarnos a los putrefactos Barbarian Swords. Y digo enfrentarnos porque su frontman Von Päx siempre sube al escenario como si lo hiciera a un ring, encarándose con el público y mostrando su desprecio por la raza humana. Por suerte, esa actitud desafiante se respalda por una banda cada vez más apabullante. Los barceloneses son capaces de estrujar los límites del doom, el black e incluso el punk en temas como ‘Pentecostal Black Punishment’, ‘For My Honor’ o ‘Ultrasado Bloodbath’. Acojona pensar hasta dónde pueden llegar. Si Barbarian Swords apuestan por el caos, Vidres A La Sang lo hacen por el orden, pero el resultado es igualmente devastador. Arrancaron con un recuerdo al pasado con ‘Torna Al Teu Clos’ de Endins, ‘La Terra I Tu’ de su debut homónimo y ‘Policromia’ de Som, suficientes para asombrarnos por un sonido potente y cristalino donde se podían

apreciar todos los detalles de las guitarras de Eloi Boucherie y Albert Martí. También con ese trío vimos su dominio desde los registros más death a los más progresivos. Con un triunfal ‘Els Vents Bufen A Favor’, recibido como un auténtico himno con todo el público coreando el estribillo, iniciaron un repaso a su nueva obra que ocupó el grueso del concierto. Después de una oscura ‘Emergiré’, apareció su amigo Martín Méndez de Opeth para hacerse cargo del bajo en ‘Miraré De No Tornar-me A Perdre’, como ya hizo en su versión de estudio. Fue un toque extra de calidad para una canción que muestra su vertiente más atmosférica. Con la enrevesada ‘El Poble Redemptor’ y la épica ‘L’Òrbita Del Cor’ terminaron el set regular. Para el bis, se reservaron dos trallazos como ‘Amb Tota Rancúnia’ y ‘Un Dia Qualsevol’, antes de dejarnos boquiabertos con ‘Tots Els Paisatges Són Iguals’. No es que los vientos soplen a su favor, es que el huracán son ellos.

OZZYO POP ¡NO ME QUITO ESA CANCIÓN DE LA CABEZA! Luis Bustos (¡CARAMBA!/ESTIBERRI)

La recomendación especial para melómanos y fans de la cultura pop musical viene este mes con el nuevo trabajo de Luis Bustos, donde en formato LP (son sus obligadas cara A y B) analiza todos los clichés de la música pop que podamos imaginarlos. El resultado en este trabajo es muy satisfactorio porque el autor juega en muchas ocasiones con romper el formato, experimentando con el acabado para hacernos sentir dentro del juego que nos plantea, además de narrar de forma muy amena el puñado de anécdotas de las que se nutre. SG

VAMPI: CUÉNTAME UN CUENTO José Fonollosa (GRAFITO EDITORIAL)

El segundo tomo de las aventuras de la pequeña Vampi viene con regalo extra: la nominación (merecidísima a juicio de quien escribe) del autor con el álbum debut de este personaje en los premios del Salón del Cómic de Barcelona 2019. En este segundo encuentro con Vampi disfrutaremos de una buena tanda de aventuras cortas, generalmente de dos páginas, muy accesibles para la chavalada, junto con una historia larga en la que la pequeña vampiro coincide con diferentes personajes del mundo de los cuentos infantiles. Delicioso. SG

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA

Toni Castarnado

BILLY BATSON Y LA MAGIA DE SHAZAM Mike Kunkel

(SILEX EDICIONES)

(ECC)

ELLAS HABLAN, ELLAS CANTAN

Cualquiera que hayamos tenido el privilegio de escribir sobre música, y que esas escrituras hayan llegado a terceros, estaremos de acuerdo en un porcentaje realmente alto, que las entrevistas a músicos son el santo grial. Ahí es donde la magia de una buena entrevista puede dejarte con una sensación difícil de recrear en otras facetas… de la misma manera que lo puede hacer una mala. Toni Castarnado habla de ello en el prólogo de su nuevo libro. Una obra con 101 entrevistas –todo un trabajo mastodóntico- que deja bien claro lo que significa para el autor el arte del intercambio dialéctico, y que, sólo por oficio, hemos de dar por hecho que Castarnado sabe a lo que juega. Que sean mujeres, sólo ahonda en el hecho que ‘ellas’ dan algo que probablemente ‘ellos’ no sepan dar de la misma manera. El autor no es nuevo en esto. Ya publicó dos antologías de discos protagonizados por mujeres, y en Ellas Cantan, Ellas Hablan profundiza en su pasión. Teniendo en cuenta que entre 101 mujeres y entrevistas –muchas de ellas inéditas, otras rescatadas de su largo periplo como periodista- encontramos a artistas de todo tipo de música, edades, ideologías, etc… (desde Lucinda Williams a Andrea Motis) sería absurdo encontrar un hilo argumental. Así que la mejor manera de poder disfrutar de estas casi 500 páginas es tomar cada entrevista como un pequeño mundo. Es más una antología de consulta que una colección de capítulos, que necesitan uno de otro para entenderse. RR

La nueva cinta basada en personajes de DC Comics la tenemos a la vuelta de la esquina y por ello ECC se ha animado a sacar en su línea Kodomo este comic book fresquísimo pensado para lectores de todas las edades con el fin de presentar al público al ‘Capitán Marvel de su Distinguida Competencia’. El tebeo está planteado para entender a la primera la dinámica y aventuras del personaje, encontrándose fuera de continuidad y siendo, por descontado, una lectura a la que recurrir si apetece desconectar un rato. SG

CARNE DE CAÑÓN Aroha Travé (LA CÚPULA)

Estupendo debut en el formato largo de esta dibujante que ya había hecho algunos pinitos en la breve colección de antologías de Voltio. En Carne De Cañón un trío de mocosos de extrarradio y madre choni nos presentan una tanda de sucesos alocados, exagerados y muy cercanos. El lenguaje y expresiones están muy bien representados, siendo además el trazo muy sugerente y poseedor de una gran potencia, amén de sus excelentes tintas. Y solo por la historia LGTBI friendly que incluye ya vale (muchísimo) la pena. SG

THE DAMNED THINGS

DAM E ALGO B UENO

TODOS SABEMOS QUE RARA VEZ LOS SUPERGRUPOS CUMPLEN CON LAS EXPECTATIVAS QUE GENERAN DE ANTEMANO… PERO THE DAMNED THINGS FUERON LA EXCEPCIÓN Y, NUEVE AÑOS MÁS TARDE, VUELVEN PARA SEGUIR CONFIRMÁNDOLO. ESO SÍ, CON ALGUNOS CAMBIOS… TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

I UN DÍA ALGUIEN NOS HUBIERA dicho

que miembros de Anthrax, Fall Out Boy y Every Time I Die habían grabado un disco juntos, posiblemente le hubiéramos acusado de querer tomarnos el pelo. Pero justo es lo que ocurrió en 2010 cuando The Damned Things saltaron a la palestra con Ironiclast, un debut en el que las piezas del puzle encajaban a la perfección para entregarnos un artefacto de hard rock bastante notable. La superbanda incluso llegó a visitarnos al año siguiente, aunque sin Scott Ian, por baja paternal. Ahí quedó todo, y aunque de vez en cuando alguno de sus componentes expresaba en una entrevista su deseo de volver a hacer algo juntos, nunca se concretaba nada. Pero cuando ya todos nos habíamos olvidado de The Damned Things, hace unas semanas se confirmaba su regreso con un segundo disco, High Crimes (Nuclear Blast), para el 26 de abril. Con el anuncio también llegaba la nueva composición del grupo. Fuera han quedado Rob Caggiano (totalmente volcado en Volbeat) y el bajista Josh Newton. Sustituyendo a éste ha entrado Dan Andriano de Alkaline Trio, un nombre con el pedigrí suficiente para acompañar a Keith Buckley (voz), Scott Ian (guitarra), Andy Hurley (batería) y Joe Trohman (guitarra). Éste último encontró un rato en su apretada agenda para respondernos unas pocas preguntas. ¿Cómo recuerdas ahora vuestro debut y la gira que hicisteis? JOE TROHMAN “Estoy inmensamente

orgulloso de ese disco. Para ser un debut, creo que hicimos un muy buen trabajo. La gira que hicimos fue muy divertida, sólo me hubiera gustado poder hacer más conciertos”.

“QUERÍAMOS UN SONIDO MÁS CRUDO Y ESPONTÁNEO” JOE TROHMAN

zá en conjunto las canciones son mejores.

“¡Muchas gracias! Pensamos lo mismo. Este disco fue más fácil y claro de hacer. Sabíamos lo que queríamos: un sonido más crudo y espontáneo”. Como guitarrista supongo que debes disfrutar mucho tocando en esta banda. Pero al principio, ¿no te intimidó tocar con Scott Ian?

Cuando la terminasteis, ¿hablasteis ya de hacer un segundo trabajo o todos lo habíais vivido como un proyecto sin continuidad y que quedaría ahí?

“Lo dejamos todo abierto. Nunca nos separamos, simplemente lo pusimos a un lado… o más bien al fondo del armario. Pero yo siempre quise hacer más música, y que no quedara sólo en un disco. El que pasaran nueve años no fue buscado. El trabajo con las otras bandas, otros proyectos, las familias… todo eso tuvo que ver. Pero en realidad, fue porque tampoco pensamos en ello”. ¿Entonces, cuándo empezasteis a pensar seriamente en reuniros?

“Fue hace un par de años, cuando Keith y yo estuvimos componiendo para otra persona. Esa persona acabó pasando de nosotros y acabamos con unas canciones molonas que sonaban un poco a The Damned Things”. ¿Te sigue sorprendiendo algo de la manera en cómo los demás trabajan en la música?

“No hubo nada que me sorprendiera porque les conozco muy bien. Diría 18

que lo único fue que cuando les presenté nuevas canciones, esperaba que Keith y Scott las rechazaran, pero es porque siempre espero lo peor. Pero, en realidad, todo el mundo se animó mucho con la nueva dirección”. ¿Cuándo supisteis que Rob y Josh no iban a participar? ¿Y cómo se involucró Dan Andriano?

“Era bastante evidente que estaban muy ocupados, así que seguimos adelante con lo que estábamos haciendo porque ya estábamos decididos a hacer un nuevo disco. Dan entró en el grupo como una sugerencia de la mujer de Keith, Lindsay. Yo pensaba que diría que no, pero dijo que sí. Hizo que la banda fuera aún mejor”. ¿En qué aspecto?

“Como bajista tiene un estilo único y maravilloso. Como las canciones ya estaban escritas y teníamos poco tiempo, simplemente grabó las partes de bajo. Lo infrautilizamos. Si volvemos a hacer otro álbum, me gustaría que pudiera traer canciones y cantar”. High Crimes sigue ahí donde lo dejasteis con Ironiclast, pero qui-

“Técnicamente Scott Ian y yo llevamos más de diez años tocando juntos, así que ese factor ya ha desaparecido, pero al principio estaba cagado de miedo. Somos guitarristas muy distintos, pero creo que nos complementamos muy bien”. Teniendo en cuenta la dirección que ha tomado Fall Out Boy en los últimos trabajos, ¿estás contento de poder tocar música más cañera con este grupo?

“Me gusta hacer música guitarrera, claro, pero sobre todo poder hacer algo distinto”. Por cierto, ¿qué opinan Patrick Stump y Pete Wenz del grupo?

“Tendrías que preguntárselo a ellos, pero creo que les mola”. Ya tenéis algunos conciertos confirmados. ¿Vais a girar más tiempo esta vez?

“Nos encantaría tocar tanto como la gente quiera vernos. Mientras la demanda esté ahí, estaremos en la carretera”.

THE PICTUREBOOKS

GASOLINA PARA EL ALMA

MONTADOS EN SUS HARLEYS CUSTOMIZADAS, THE PICTUREBOOKS VUELVEN A CABALGAR POR EL DESIERTO A RITMO DE SU GARAGE ROCK BLUESERO. CON EL EMPUJE QUE PRESENTAN EN SU NUEVO ÁLBUM THE HANDS OF TIME , SEGURO QUE LLEGARÁN LEJOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

“CREO QUE, SI LA GENTE SE VA A CASA Y SE SIENTE MÁS FELIZ Y MOTIVADA, Y PIENSA QUE HA INVERTIDO BIEN SU DINERO, ENTONCES ES QUE HE HECHO BIEN MI TRABAJO”

ESDE QUE THE WHITE STRIPES lo petaron

en su día, la proliferación de formaciones en dúo nos ha permitido ver las virtudes del formato, pero también sus limitaciones. No es fácil construir una carrera contando con la inevitable restricción de elementos. Pero los alemanes The Picturebooks han demostrado que, con imaginación y, sobre todo, pasión, se puede crear algo formidable. En su recién publicado tercer álbum The Hands Of Time (Century Media) volvemos a encontrarnos esas canciones de rudo blues que evocan paisajes inmensos, carreteras infinitas y chamanismo tribal, pero también una vocación de experimentar más. De ahí que en él podamos escuchar un piano, campanas tubulares y hasta una colaboración con Chrissie Hynde de The Pretenders en ‘You Can’t Let Go’. Aunque donde de verdad sale a relucir la esencia de The Picturebooks es encima de un escenario, y por suerte, en nada -el 6 de abril en Vitoria-Gasteiz, el 7 en Madrid y el 8 en Barcelona- volveremos a tener a Fynn Claus Grabke (voz, guitarra) y Philipp Mirtschink (batería) sudando ante nuestros ojos. Antes de que se lanzaran a la carretera, teníamos la oportunidad de charlar con el primero. Un tipo que, si no fuera músico, bien podría ganarse la vida como coach motivacional.

FYNN CLAUS GRABKE

pos que sólo quieren emborracharse y drogarse y no aprecian lo que hacen. Viven en una burbuja. Clutch son todo lo contrario. Son súper agradecidos con la vida que tienen y nosotros somos iguales. Llevan mucho tiempo en esto y desde luego es inspirador ver cómo se comportan”. Hablemos de The Hands Of Time. En los dos primeros discos esta-

rara, pero para nosotros fue muy fácil. No creo que hayamos cambiado, seguimos teniendo nuestro sonido y nuestro rollo, pero hemos aprendido a hacer más cosas con él. Como usar un piano, nuevos instrumentos, tener una cantante invitada, y también a nivel compositivo y de producción. Creo que seguimos siendo The Picturebooks, pero mejorados. Estamos muy felices con la manera en que ha quedado”.

Hace unos meses estuvisteis gi-

blecisteis vuestro sonido, pero

rando con Clutch. ¿Cómo os fue?

llegados al tercero supongo

Diría que la producción es más

FYNN CLAUS GRABKE“Fue genial

que queríais hacer cosas nuevas

sofisticada.

girar con esos tíos. Nos hicimos buenos amigos. Cuando giras tanto como lo hacemos nosotros es agradable encontrarse con gente tan profesional como ellos. A veces te encuentras gru-

también.

“(Risas) No sé. Los dos primeros discos los grabamos usando dos micrófonos en el garaje que hay al lado del estudio. Sólo utilizamos el estudio para las mezclas. Y todavía hemos utiliza-

“Nunca quieres limitarte. Muchos artistas tienen dificultad a la hora de evolucionar porque cambian demasiado o lo hacen en una dirección

nos liberan la mente y nos abren nuevas puertas para la creatividad. Siendo skater ya ves el mundo de una manera distinta. Ves una escalera y no piensas en una escalera, sino en lo que podrías hacer en ella. Lo mismo pasa cuando construyes una moto. Creas una máquina a partir de piezas y luego la montas y viajas a otros lugares. Todo esto enriquece tu mente. Es gasolina para el alma. Luego coges un instrumento y tienes un montón de cosas para expresar. Y aparte de todo eso, cuando estás en la carretera te pueden pasar muchas cosas locas. La inspiración llega de situaciones inesperadas”. Teniendo en cuenta todo lo que viajáis, ¿está el mundo tan jodido como parece o está peor?

do esa técnica, pero también hemos aprendido a usar el estudio como un instrumento. Hemos seguido usando partes improvisadas, también en las letras, pero quizá hemos pensado un poco más en la composición. Creo que hemos mezclado dos enfoques y eso nos ha abierto muchas puertas. Es muy reconfortante cuando logras romper las reglas que tú mismo te has impuesto. Encontramos la libertad de ser artistas de nuevo”.

nesto con la gente que tienes alrededor. Aceptar que la vida es lo que es e intentar sacarle el máximo provecho. Tienes que vivir el presente, sin mirar al pasado ni temer al futuro. En las letras hablo mucho de eso. La de ‘The Hands Of Time’ dice “Naciste para vivir, y todo lo que haces es vivir para morir, lo siento cariño, pero no puedes detener las manos del tiempo”. Eso lo resume todo”. Antes hablabas de los grupos

Cada disco es una oportunidad

que viven en una burbuja. ¿Es

para crecer. ¿Cuál dirías que es

necesario para ti salir de ella

la mayor lección que has apren-

para inspirarte?

dido haciendo The Hands Of

“Sí, eso es algo que hacemos continuamente en The Picturebooks con las motos, el skate, son cosas que

Time?

“Ser honesto contigo mismo. Ser ho-

“Te hablaba de honestidad, y la realidad es que siempre ha habido mucha mierda. Se masacran animales que luego se tiran a la basura a la vez que hay gente que muere de hambre y sed al otro lado del mundo. La extrema derecha está subiendo, pero no quiero hablar de política. Sí, hay mucha mierda, pero no puedes caer en ese agujero porque te acabarás deprimiendo. Porque también hay cosas maravillosas sucediendo en el mundo. Si buscas el amor de verdad lo encontrarás. Y vivir bajo la luz del amor te da mucho poder y mucha felicidad. La motivación no se puede comprar en una botella o una pastilla, la tienes que buscar, te tienes que obligar a tenerla cada día. Soy consciente de todas las cosas negativas que hay a mi alrededor, pero no quiero que me controlen. No lo ignoro, pero no dejo que me atrape. Soy vegano, intento comprar cosas de comercio justo, in-

“SABEMOS QUE EL ÉXITO NO NOS HARÁ MÁS FELICES” FYNN CLAUS GRABKE

fue un subidón. Y luego vino y nos dijo que le encantaba el grupo. Ella es vegana, nosotros también, así que tenemos muchas cosas en común. Al final de la noche, me dio su teléfono y me dijo que la llamara si un día queríamos hacer algo. Pero pensé que lo hacía por quedar bien simplemente. Pero un par de semanas después, estábamos tomando un café antes de ir al estudio y pensábamos que teníamos una canción que podría funcionar. Así que le mandé un mensaje a Chrissie en plan ‘No sé si te acuerdas de mí, pero tenemos una canción…’. Y a los dos minutos dijo que sí”. Vaya…

tento ayudar, pero lo más importante es el amor”. Suena como si te acabaras de enamorar…

“(Risas) Llevo locamente enamorado de mi mujer desde hace doce años y medio. Está conmigo en esta aventura que es la banda y me apoya todo lo que puede. Me siento muy afortunado. Es algo por lo que merece la pena luchar”. ¿Sientes que cuando te subes a un escenario tu misión no es sólo tocar, sino también transmitir esta positividad?

“Para serte sincero, hubo bastante tiempo en el que Philipp y yo nos subíamos al escenario como si fuéramos a la guerra. No era un sentimiento agradable. Pero de golpe cambió. Ahora nos divertimos y notas que la gente lo percibe. Sigue habiendo momentos muy intensos, casi de trance, pero luego la canción termina y basta una mirada para que todo el mundo 24

sonría. Es algo muy poderoso si logras tener esa conexión. Creo que, si la gente se va a casa y se siente más feliz y motivada, y piensa que ha invertido bien su dinero, entonces es que he hecho bien mi trabajo”. Explícame cómo Chrissie Hynde acabó en el disco.

“Oh tío, todavía recuerdo cuando Philipp y yo estábamos en el tejado de casa de un amigo en Santa Mónica, California, y estábamos escuchando el Greatest Hits de The Pretenders que me había comprado. Ya sé que comprar un greatest hits no es muy cool, pero es uno de mis discos favoritos porque… ¡Es un greatest hits! (Risas) El caso es que dos años después nos ofrecieron tocar en un concierto para Harley Davidson en Saint-Tropez. Era un escenario al lado de la playa y The Pretenders eran los cabezas de cartel. Cuando hicimos la prueba de sonido, tocamos una canción y en medio de la playa vacía estaba Chrissie Hynde bailando y haciendo headbanging,

“Fue alucinante. Así que grabamos la canción y se la mandamos, y fue una pasada. Cuando escucho mi voz junto a la suya, se me pone la piel de gallina. Es una artista de verdad. Va a la suya. Es muy raro encontrar gente así de auténtica hoy en día. Creo que la gente que seguimos haciendo música es porque somos artistas de verdad, porque ya no hay pasta en este negocio. Al menos en la música que hacemos nosotros”. ¿Pero aspiráis a llegar más lejos, crecer más?

“Siempre aspiramos a más. Pero no puedes tener expectativas muy altas porque te quemas muy rápido. Es importante ser consciente de dónde estás y hacerlo lo mejor posible. No tenemos miedo del éxito, o del pop o de la radio, pero también sabemos que el éxito no nos hará más felices. Y lo importante es ser feliz”-

WHILE SHE SLEEPS

CUARTO MILENIO

CON LA INTEGRIDAD POR BANDERA Y LA VOLUNTAD DE HACER LAS COSAS A SU MANERA, WHILE SHE SLEEPS HAN CONSEGUIDO FIDELIZAR A UN BUEN NÚMERO DE SEGUIDORES. PERO CON EL MÁS COMERCIAL SO WHAT?, EL QUINTETO INGLÉS DEMUESTRA QUE TAMPOCO RENUNCIA A LLEGAR A QUIENES TODAVÍA NO LO SON. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

HILE SHE SLEEPS ESTÁN

convencidos de que con So What? (Sleeps Brothers/ Spinefarm) han creado su mejor disco. De acuerdo, es lo que dicen todos los grupos, pero en el caso de los ingleses bien podría ser verdad. Tan entusiasmados están que incluso han llegado a decir que el anterior You Are We les parece una maqueta al lado del nuevo álbum. Pero tampoco olvidan que, esa obra, que financiaron mediante una campaña de crowdfunding, les ayudó a darse cuenta realmente del impacto que tenía su música entre quienes la escuchan. Cuando terminaron la gira de You Are We, Lawrence ‘Loz’ Taylor (voz), Sean Long (guitarra, voz), Mat Welsh (guitarra, voz), Aaran McKenzie (bajo) y Adam Savage (batería) se atrincheraron en su estudio Sleeps Audio en Sheffield, donde pasaron cinco meses grabando su siguiente capítulo. Creado junto a Carl Brown, So What? presenta una versión más refinada de While She Sleeps de a lo que estábamos acostumbrados, con una producción más elaborada y unos estribillos gigantes que ya te imaginas siendo cantados por miles de personas. En el próximo Resurrection Fest tendremos la oportunidad de comprobarlo. No hace mucho habéis tocado

muy distinta a la nuestra, pero hemos conectado con esa gente. Nos enamoramos la primera vez de su actitud. Aprecian mucho que una banda vaya allí. Cuando vas a Estados Unidos o Australia la gente está muy acostumbrada a ver grupos, pero en China es algo excepcional. Es una locura”. Me lo imagino. Antes de empezar a charlar sobre So What?, quería preguntarte también por la noticia de que en vuestro último concierto en Londres se robaron más de cien móviles entre el público. ¿Sabes lo que ocurrió?

“Sí. Básicamente es una banda organizada que opera en Londres. No fue sólo en nuestro concierto, sino que van por ahí robando en otras salas. Compran entradas de los conciertos porque saben que habrá mucha gente y que estará distraída viendo el show. Creo que quizá se exageró con el número de móviles que se robaron, pero igualmente es lamentable. Por desgracia, no hay manera de controlar quién compra una entrada”. Ya, por aquí empieza a ser muy habitual también. A vosotros os robaron en Barcelona, ¿verdad?

“Sí, hace dos años. Nos robaron nueve portátiles. Uno de nuestra crew estaba durmiendo en la furgoneta cuando los robaron por la ventana, pero no pudo coger al tipo”.

en China. ¿Cómo sois recibidos allí?

Espero que no nos odies por eso.

LAWRENCE ‘LOZ’ TAYLOR “Era

“No, no, nos encanta Barcelona. Por desgracia, también hay bandas que se dedican a robar a los grupos”.

nuestra segunda vez allí y siempre nos alucina que haya gente que quiera vernos y se sepa nuestras letras. Es una pasada que nuestra música llegue tan lejos. La cultura es

Tengo que decirte que me ha gustado mucho el disco. Aunque 27

“SIGUIENDO LA TRADICIÓN DE WHILE SHE SLEEPS, COMPONER Y GRABAR EL NUEVO DISCO FUE UNA MONTAÑA RUSA” LAWRENCE ‘LOZ’ TAYLOR sea más melódico y más produ-

¿Qué buscabais?

cido, sigue conservando vuestra

“Creo que lo que intentamos fue centrarnos en los temas que nos parecían que aportaban algo nuevo. Aunque dudáramos si podrían gustar a nuestros fans, ésas eran las que iban a ir en el disco. Queríamos ver hasta dónde de lejos podíamos llegar. Creo que esa excitación es la que se transformó en esa energía que comentabas”.

energía.

“¡Muchas gracias! Creo que para nosotros transmitir esa energía es algo fácil, pero este álbum no fue sencillo de hacer. Yo tuve que pasar por una tercera intervención quirúrgica de garganta, Sean rompió con su novia, Mat tuvo que ser ingresado porque le explotó el apéndice. Siguiendo la tradición de While She Sleeps, componer y grabar el nuevo disco fue una montaña rusa (risas). Creo que cada canción tiene su propia historia y su propia energía. Casi lo tratamos más como si fueran singles individuales que como un álbum”.

mos un par de años. Vas acumulando ideas y luego puedes aplicarlas a otra canción. A veces cogemos un tema y le damos la vuelta completamente, y lo que era la intro, pasa a ser la parte final. O cogemos una letra y la colocamos en otra canción para ver cómo encaja”. También tuvisteis a un coro grabando un par de temas.

Desde luego se nota que en cada canción hay un montón de ideas.

“Sí. Tan pronto como terminamos el disco anterior, empezamos a probar cosas nuevas. Nos cuesta mucho componer. Creo que para éste estuvi-

“Sí, siempre habíamos querido hacerlo. Era una manera de amplificar esas secciones. Les invitamos al concierto que hicimos en el Roundhouse, en Londres. Fue muy especial”. ¿Es una influencia de escuchar

cómo la gente corea vuestras

vinieron?

canciones en directo?

“En la banda tenemos influencias muy distintas. Empezamos el grupo por nuestro amor por el metalcore, pero a medida que ha ido pasando el tiempo hemos ido aprendiendo a incorporar esos sonidos. Cuando éramos más jóvenes nos gustaban mucho Daft Punk y la escena electro, y nos parecía muy interesante incorporar eso y hacerlo chocar con guitarras y breakdowns”.

“Creo que es nuestra manera de componer. Siempre hemos pensado en las gang vocals. Como frontman es genial que el público cante. El sentimiento de unidad de muchas voces es algo hermoso. Queríamos llevar eso al extremo y fue genial poder tener al coro en el álbum”. También me ha parecido que la

que hasta entonces no estábamos seguros. El apoyo que tuvimos para financiar ese disco nos hizo saber que realmente les importa el grupo y eso nos ha dado la confianza para ser nosotros mismos, y eso se refleja en el nuevo trabajo. Espero que la gente nos vea como una banda importante del Reino Unido y que ha aportado algo a la escena metal”. No sé si con la creación de vues-

voz de Mat tiene más protago-

La verdad es que funciona muy

tro sello con You Are We sientes

nismo. ¿Le animaste a que can-

bien. ¿Crees que en algún mo-

que la gente está más implicada

tara más?

mento iréis tan lejos como han

con vosotros y os apoya más

“Creo que a veces es difícil distinguir quién canta exactamente. Yo canto muchas más voces limpias de lo que parece. La gente se sorprendería de lo que llego a cantar, además de Mat y Sean. Pero creo que tiene que ver con que he ganado confianza para cantar más melódicamente y también es una manera de proteger mi voz y poder tener una carrera más longeva. Siempre he creído que gritar es más impersonal. Cuando cantas eres más tú. Así que siento decepcionarte, pero soy yo quien canta muchas partes limpias (risas)”.

ido Bring Me The Horizon y

que a otros grupos.

cambiaréis vuestro sonido por

“Sí. Creo que somos una banda humilde y que siempre somos muy sinceros con nuestra situación. No sé si has visto el pequeño documental que hemos hecho sobre el nuevo disco, pero ahí mostramos de manera muy real cómo trabajamos. Creo que a veces la gente puede verte en directo o escuchar el disco y no se da cuenta de todo lo que hay detrás. La banda es una parte muy importante de nuestras vidas y cuando la gente ve eso y que tenemos una mentalidad muy DIY, muy punk, quiere unirse a nuestro viaje”.

completo?

“Es difícil de decir. Va a depender de nuestros fans y de lo queramos hacer nosotros. Personalmente me gusta escuchar música pop y escuchar heavy metal. No me importaría hacer una mezcla de las dos. Creo que Bring Me se han olvidado casi por completo de la parte metal. No creo que eso llegue a pasar con nosotros. Nos sigue gustando el metal y el rock”. Es interesante ver cómo cada banda ha ido evolucionando. Al

También está Griffin Dickin-

principio a Bring Me, Architects

El título So What? tiene esa con-

son de Shvpes en ‘Back Of My

y a vosotros se os ponía en el

notación punk también.

Mind’.

saco del metalcore, pero ahora

“Conocemos a esos tíos y para ese tema queríamos algo muy distinto, casi rapeado. Cuando estábamos hablando de eso, salió el nombre de Griff y se lo propusimos”.

sonáis muy distintas.

“Para nosotros era una manera de decir que no importa la imagen, sino la música. Por eso dejamos la portada casi en blanco con el título en medio. Y yendo más allá, puede aplicarse a las personas también. Lo importante es lo que hay dentro, no el exterior”.

No sabía que pudiera rapear.

“Sí (risas). Tiene una buena voz”. En el disco hay más tonalidades electrónicas. ¿De dónde

“(Risas) Ya… Creo que era una cuestión de tiempo. Cuando eres joven sólo quieres hacer un disco de metal, pero a medida que vas haciendo discos, vas mutando. Nuestro primer álbum era más metalcore y Brainwashed era más punk y político. Con You Are We nos dimos cuenta de que nuestra música era de verdad importante para nuestros fans, por-

XAVIER CALVET

LA RESPUESTA ESTÁ EN EL VIENTO SOLO, PERO MUY BIEN ACOMPAÑADO. ASÍ PODRÍAMOS DEFINIR CÓMO ESTÁ DESARROLLANDO XAVIER CALVET SU CARRERA EN SOLITARIO. HACE AÑO Y MEDIO DEBUTABA CON FIREBIRD Y AHORA PROLONGA LAS BUENAS SENSACIONES DE AQUÉL EN CROSSWINDS ARROPADO POR UNA BRISA DE BUENAS CANCIONES. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

REO NO EQUIVOCARME SI DIGO que

Xavier Calvet es el primer sorprendido con cómo de bien le fueron las cosas desde que publicara su primer disco Firebird en octubre de 2017. A pesar de que el ingrato recuerdo del fallecimiento de su compañero en Bullitt, Ferran Bonet, todavía estaba fresco, Xavier volvió a ilusionarse presentando su disco en los escenarios, donde las canciones crecían y crecían gracias a las aportaciones de una banda formada por 30

músicos tan buenos como Vidal Soler, Guillem Caballero, Marc Clos o los hermanos Santi y Víctor Garcia. Hasta logró que Jack Johnson le invitara a cantar con él durante su actuación el Festival de la Porta Ferrada (podéis ver el vídeo en YouTube). Como era de esperar, nuevas canciones empezaron a salir, y el de Sant Feliu no ha tardado en embotellarlas en un nuevo álbum, Crosswinds (BCore/TBC), en el que sigue esa senda abierta entre las melodías pop y un sonido americano inspirado en Ryan Adams o The War

On Drugs. Una excusa perfecta para volver a charlar con él. No has tardado demasiado en editar un segundo álbum… ¿Querías afianzar esta aventura en solitario?

“La idea de publicar un segundo disco la tenía clara desde que saqué el primero. Me daba un poco de miedo que la gente lo viera como un proyecto paralelo o como algo para entretenerme al margen de Bullitt, pero en realidad lo que estaba pasando

Ferran, no lo haremos. Y seguro que algún día nos apetece volver a tocar juntos, pero no será bajo el paraguas de Bullitt, sino con una historia nueva. Así que respondiendo a tu pregunta, yo tenía el chip de sacar mi primer disco, girar y enseguida hacer otro. Una de las cosas que he descubierto es que hacer las cosas tú solo es mucho más difícil que hacerlo dentro de una banda, y por ejemplo, con el tema de la pasta, tienes que afrontar todos los gastos. Así que también estaba ese factor a tener en cuenta”.

gente que una banda de punk rock”.

¿Te planteaste Crosswinds como

¿En Crosswinds son todo temas

una continuación de Firebird?

nuevos o hay algún descarte de

“Quería hacer una continuación, pero que no fuera una segunda parte de Firebird. Quería coger los temas y darles un horizonte que apuntara hacia dónde queremos ir, afianzando el sonido de la banda. Teniendo la suerte de estar rodeado de estos músicos, quería sacarles jugo. El primero era más un disco de banda-autor, y éste es más de banda”.

Firebird?

¿Se alargó más la gira de Fire-

bird de lo que esperabas?

es que Bullitt se estaba acabando y tendría que tirar por aquí. Bueno, Bullitt se acabó el día que Ferran murió. Intentamos hacer de tripas corazón y tocar el disco que grabamos con él, y hacer el concierto de versiones de Bad Religion porque era una manera de hacerle un homenaje, pero con el tiempo Carlos, Enric y yo vimos que se nos hacía muy difícil seguir sin una figura tan importante como la de Ferran. No es que nos hayamos separado, porque igual tocaremos si surge algo especial, pero volver a hacer discos y girar sin

“La verdad es que sí. Tampoco tenía ningún horizonte fijado. Más bien lo hice por necesidad. Después del duelo que supuso la muerte de Ferran, volví a tener el gusanillo de hacer algo. Santi (Garcia) me animó mucho y luego tuve la suerte de conseguir a estos músicos. Cuando terminamos los conciertos de Bullitt, ya me pude dedicar a esto al 100%, compaginándolo con Jamie 4 President. No sabía dónde me llevaría todo esto, pero se me han abierto muchas puertas y me he situado en un plano musical donde nunca llegamos con Bullitt. Lo que hago ahora, más pop folk, puede llegar a más

¿Con Jamie 4 President habéis grabado algo nuevo ya?

“Tenemos las demos preparadas y grabaremos el disco a finales de abril. Supongo que saldrá en otoño. Nos hace mucha ilusión porque será el primer álbum que Borja y yo podremos grabar juntos con ellos. Jamie ha hecho canciones muy chulas. Para mí ha supuesto un aire fresco también porque está más cerca de lo que hacía con Bullitt”.

“Hay una, ‘Lost Highway’, que quería grabar entonces y no lo hice. Durante el año y medio de gira la tocaba yo solo en un interludio acústico que hacía. La toqué tanto que todos le cogieron cariño y Guille y Vidal me animaron a grabarla. Si la escuchas, quizá sí encajaría mejor dentro de Firebird, pero todo el resto surgió después de que terminara ese disco. Bueno, ‘Fading In The Open’ es una idea que en su día mostré a Bullitt y nunca le acabamos de dar forma. Y Carlos me dijo que me la guardara para mi disco en solitario. Cuando la escuchó me dijo ‘ves como tenía razón…’ (Risas)”. El tono general del disco me ha recordado al Sky Full Of Holes de Fountains Of Wayne.

“Es uno de mis discos favoritos de Fountains Of Wayne. No me extraña que haya ecos de ellos porque han sido un grupo referencial para mí. Condensan muchas cosas que me gustan, el gusto por las melodías, las guitarras y los arreglos súper cuidados. Pero también hay grupos como R.E.M., o incluso de 31

canciones que le enseñé y es una especie de regalo que nos hemos hecho a nosotros mismos para celebrar que seguimos juntos”. Antes hablabas de la diferencia entre estar en una banda o en solitario. Supongo que la presión es mayor porque aquí todo el chiringuito se aguanta o no

“LO QUE MÁS ILUSIÓN ME HACE ES PODER HABER MONTADO MI BANDA DE ENSUEÑO” cosas de antes. Uno de los motivos por los que soy fan de The War On Drugs es porque soy fan de Dire Straits. Cuando tenía 8, 10 años, me hinché a escuchar sus discos de mi padre en el coche. Así que me hace gracia ver un grupo de ahora que los recupera, al igual que Springsteen, Dylan o Neil Young. A mí la voz de Adam Granduciel a veces me recuerda a Bryan Adams; no a Ryan, a Bryan (risas). Al final tú comienzas un camino con tus colegas haciendo punk rock, y con el tiempo vas sedimentando otras cosas que se te quedan, y cuanto mayor te haces, más amplio es ese espectro y menos te cierras a hacer cosas porque ya no se llevan o porque te dan vergüenza. Una de las cosas buenas de hacerte mayor es que pierdes los prejuicios”. Como fan de Ryan Adams que eres, ¿cómo has llevado las acusaciones que han surgido contra él últimamente?

“Lo llevo fatal. A pesar de que su culpabilidad no esté probada, sólo leer la noticia hace que se te caiga el mundo

encima. Muchas veces llegamos a confundir el artista con la persona y en ese sentido, yo no puedo hacer que me dejen de gustar las canciones de Ryan Adams, aunque el tío sea un cerdo o tenga conductas reprobables. Es muy contradictorio. Ojalá te pudiera decir que pienso que es inocente, pero todo apunta a que esto es sólo la punta del iceberg. Es una lástima”. Ya te comenté que mi canción favorita era ‘Lovers For All Time’. Y creo que también es la tuya...

“Sí, sí”. Normalmente los músicos dicen que no se pueden quedar con una sola canción. ¿Qué la hace especial para ti?

“Básicamente es una canción que habla de la relación con mi pareja de los últimos 15 años. Sobre todo de todas las cosas que cuestan dentro de una relación, las cosas en las que te tienes que esforzar, que tienes que entender, tener paciencia… En el fondo hablaba de mi relación, pero es algo muy universal. Es un desafío. Es de las primeras

por tus canciones. ¿Cómo llevas esa responsabilidad?

“(Risas) A nivel de funcionamiento interno mío no ha cambiado tanto. Al final la faena de generar canciones y melodías lo tienes que hacer igual. Lo que más ha cambiado es que he intentado profesionalizarme más, hacerte autónomo, hacerte responsable de los músicos, invertir en bolos que quizá por pasta no cogerías para hacer visible el proyecto… Todos estos temas de gestión son un desgaste y tienes que aprender. Pero tienes que hacerlo o el negocio te devora”. Puesto a soñar, ¿te gustaría que la banda que tienes ahora llegara a ser tu E Street Band o tus Heartbreakers?

“Para mí ésa es la idea. Sé que solo haría pocas cosas. Me gusta generar canciones, pero lo que más ilusión me hace es poder haber montado mi banda de ensueño. Es una idea muy romántica, pero la tiraré hacia adelante hasta donde pueda. Todos ellos han puesto la máxima predisposición y no se lo podré agradecer lo suficiente”.

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EIS AÑOS DESPUÉS DE QUE deci-

dieran dejar sus trabajos para centrarse en la banda, y tras un arranque en falso en el que tuvieron que cambiar su nombre original, Topanga, y de ir añadiendo decibelios y agresividad a su sonido, los miembros de PUP están justo donde querrían estar: con un nuevo álbum a punto de ser publicado por su propio sello y con el calendario lleno de conciertos para los próximos meses. Si Morbid Stuff (Little Dipper/Rise), su tercer álbum, no acaba siendo mi disco favorito del año, desde luego se le parecerá mucho. El cuarteto de Toronto ha vuelto a capturar toda la energía y desfase de sus conciertos, pero además ha utilizado algunos nuevos trucos para conseguir que sus exultantes canciones resulten más interesantes. Si su anterior trabajo, The Dream Is Over, lo compusieron y grabaron en apenas tres meses, para el siguiente se propusieron trabajar con más calma. Después de sus conciertos en España en febrero del año pasado (“La semana que pasamos ahí fue de ésas que no olvidaremos nunca. Lo pasamos tan bien, que ni que sólo sea por nuestra salud mental, queremos volver”, nos dice el cantante y guitarrista Stefan Babcock), se tomaron unos meses de descanso y a principios de verano empezaron a dar forma a sus nuevas composiciones. Junto a su productor habitual, Dave Schiffman, Stefan y sus compañeros, Steve Sladkowski (guitarra), Nestor Chumak (bajo) y Zack Mykula (batería), prestaron más atención a los detalles, buscando nuevos sonidos y texturas. Lo que no ha cambiado son las letras a corazón abierto

de su cantante, en las que expulsa sus pensamientos más oscuros hablando de la muerte, la depresión y las barreras que nos ponemos en las relaciones. Como el propio Stefan admite, no es un poeta, pero tiene la habilidad para contar las cosas tal como las siente. Una virtud que comprobamos cuando pudimos charlar largamente con él y Steve hace unos días.

petentes o no supieran hacer otra cosa que música. Todos llevamos tocando desde los 15 años y creando oportunidades para nosotros mismos, así que sabemos trabajar duro, aunque sea en cosas que no son divertidas”. The Dream Is Over lo compusisteis y grabasteis en tres meses. Para éste, os habéis tomado bastante más tiempo. ¿Qué as-

¿Cómo suele ser vuestro día a

pectos querías subsanar en el

día cuando no estáis de gira?

nuevo disco?

STEVE SLADKOWSKI “Tenemos la

STEFAN “Para mí no es difícil escribir

suerte de poder dedicarnos plenamente al grupo. Quedamos para ensayar, componer… Yo doy un par de clases de guitarra, pero básicamente aprovechamos para descansar y recargar las pilas antes de volver a girar”.

canciones, pero creo que es importante tener tiempo para trabajar en ellas. Mis demos iniciales están bien, pero lo que hace que las canciones sean especiales son lo que cada uno aporta. Y para ello es necesario tiempo para que todos puedan desarrollar bien sus partes. Quizá en el anterior no acabamos de hacerlo. Escucho el álbum anterior y me gustan casi todas las canciones, pero hay un par de líneas o un par de partes de guitarra que podríamos haber hecho mejor de haber tenido más tiempo. No es nada grave, pero cuando tienes más tiempo, todo sale mucho mejor”.

¿Por eso habéis empezado vuestro sello Little Dipper, porque teníais tiempo? STEFAN BABCOCK “Había varios

motivos. Antes de PUP ya había estado en otros grupos y conocí desde dentro el negocio de la música, y de lo que me di cuenta es que a nadie le va a importar tu grupo más que a ti mismo. Nosotros cuatro estamos muy motivados con la banda, así que tenía sentido hacerlo nosotros mismos. El sello es una manera de estar en contacto con nuestras raíces DIY y mantener el control creativo de nuestra carrera”.

En Morbid Stuff encontramos todo aquello que os identifica, pero hay una mayor atención a los sonidos, a las texturas. ¿Es eso a lo que te refieres? STEVE “Creo que todos nos dimos

Pero los músicos soléis ser bastante desastre con la contabilidad y el papeleo… Montar un negocio implica hacer un montón de cosas aburridas. STEFAN “Tienes razón. Pero no

hubiera montado el sello si los otros miembros fueran perezosos o incom-

cuenta, por la manera en la que Stephan ha descrito nuestro proceso, que esta banda siempre iba a sonar a nosotros. Y una de las cosas interesantes de eso es que nos permite jugar un poco más a nivel de producción. La base siempre serán las buenas canciones, pero al tener más tiempo,

“TODO LO QUE TIENE QUE VER CON ESTE GRUPO ES IMPERFECTO. ES MÁS IMPORTANTE EL ESPÍRITU QUE LA EJECUCIÓN” STEFAN BABCOCK

podíamos explorar un poco más y ser más creativos en el estudio. Creo que hay pequeñas intros y codas que pudimos trabajar más. Usar el estudio más como una herramienta que simplemente un lugar donde grabas”. STEFAN “Dave Schiffman, el productor de nuestros tres discos, tiene muy buen oído. Hace que las cosas suenen como las tenemos en nuestras cabezas. Creo que una de las cosas que mejor ha hecho es capturar la energía de nuestro directo. Hemos trabajado en singles con otros productores y nin-

guno ha conseguido eso. Dave prepara el estudio de una manera en la que los cuatro podemos estar tocando juntos y retroalimentarnos”. STEVE “Además es un tío que no se anda por las ramas. Si había algún momento en el que no estábamos consiguiendo lo que quería, nos paraba y decía ‘esto no funciona’. Creo que es muy importante porque a veces nosotros cuatro podemos estar demasiado apegados a una canción o a una parte, porque llevamos meses tocándola de esa manera,

pero luego cuando lo grabas, a nivel de sonido, no funciona. Dave es muy bueno detectando esas cosas”. Posiblemente ‘City’ es la canción que mejor ejemplifica este nuevo enfoque. STEFAN “Sí, es distinta a todas las

demás. Es un experimento y estamos muy contentos con cómo quedó. Todas nuestras otras canciones que hemos hecho, las hemos trabajado en el local hasta que sonaban muy bien antes de entrar en el estudio, así que

“NICKELBACK SON MONSANTO Y PUP SOMOS UN PEQUEÑO HUERTO ORGÁNICO EN LA AZOTEA DE UN EDIFICIO” STEFAN BABCOCK

ya sabíamos cómo iban a sonar. Pero con ‘City’ lo único que teníamos eran unos cuantos acordes y la letra, y queríamos probar de construirla en el estudio. No teníamos muchas expectativas, pero quedó muy bien. No creo que sea la dirección que vayamos a tomar en el futuro, pero creo que le añade un sabor distinto al disco y me gustaría volver a hacerlo con algún tema”. STEVE “Sí, fue muy interesante. Creo que también demuestra la confianza que tenemos entre nosotros cuatro. Normalmente nos hubiéramos sentido ansiosos o neuróticos por entrar en el estudio sin tener una canción terminada, pero esta vez nos dejamos llevar. Creo que queda muy bien al final del álbum. Tiene sentido”. Aunque venís de la escena punk, vuestro enfoque melódico me recuerda más a Pavement o Superchunk que a Green Day o 38

Blink-182. ¿Creéis que esas influencias más indies son las que os hacen sonar distintos? STEFAN “Seguro que sí. Yo pasé

por mi fase Blink-182 y Sum 41, me gustan algunos de sus discos, pero lo que me inspiró a hacer música fueron bandas como Built To Spill, Modest Mouse, Neutral Milk Hotel… Creo que la razón es porque sus canciones suenan mal, en un buen sentido. Puedes escuchar todos los errores, todas las imperfecciones, y eso hizo que pensara que yo también pudiera hacerlo. Si escuchas canciones de Neutral Milk Hotel, básicamente son voz y guitarra, son muy simples, pero son increíbles. En cambio, escuchas una canción súper producida de Sum 41 o Green Day, y aunque la canción sea genial, para un chaval de 15 años que intenta grabar en un cuatro pistas, parece algo inalcanzable”. STEVE “Sí, en cierta manera lo que ha

descrito Stefan es más DIY que mucho punk rock. Para mí Modest Mouse también fueron muy importantes. Hacía versiones suyas cuando empecé a tocar en otros grupos. También Wilco me encantaban. Nels Cline me influenció mucho o Thurston Moore. Yo creo que para nosotros el punk es como el común denominador sobre el que podemos meter otras influencias, sean del indie o del metal”. Sí, lo que es interesante de vuestras canciones es ese punto en el que todo parece cogido con pinzas, como si la canción fuera a desmontarse, pero nunca lo hace. Hace que suene muy real. STEFAN “Muchas gracias. Es lo que

te comentaba antes sobre la energía del directo. Para mí un concierto bueno es cuando al terminar siento que ha estado a punto de irse al garete. Necesito ese sentimiento de

PUP

caos. Y creo que es lo que hace que nuestro directo sea especial. Para mí muchos grupos de punk pop carecen de ese factor. Tienen grandes canciones, pero las baterías suenan perfectas, las guitarras suenan perfectas, las voces también… suenan como hechas por ordenador. Todo lo que tiene que ver con este grupo es imperfecto. Es más importante el espíritu que la ejecución”. Stefan, siempre has sido bastante abierto acerca de tus problemas de depresión. ¿Cómo te influyen a la hora de escribir las letras? STEFAN “Sí, los dos últimos años,

sobre todo, he tenido problemas mentales. Para mí la música es una manera de enfrentarme a esos problemas de manera positiva y catártica. Alguna gente, y no lo digo como algo negativo, están tristes o furiosos y quieren que todo el mundo lo sepa. Pero yo soy lo contrario. Para mí la banda es algo divertido y quiero que la gente se divierta escuchándonos, así que para mí es una oportunidad de coger esos pensamientos negativos y transformarlos en algo divertido. Encontrar el humor en toda esa mierda. Las letras pueden ser oscuras, pero tienen un punto humorístico y positivo”. Supongo que estás en una posición extraña, porque, aunque hacer música pueda ser catártico, luego salir de gira puede ser un gran desafío si no estás bien mentalmente. STEFAN “Es un desafío extraño. Estar

de gira puede ser muy duro, pero también maravilloso. Para mí cada vez que veo a la gente apasionarse tanto con nuestra música es increíble,

pero soy muy pesimista y siempre pienso que el siguiente concierto será un desastre. Pero no he escrito sobre esto en el disco. He escrito sobre cosas oscuras, pero al final cuando tocamos juntos suenan divertidas, porque nos estamos divirtiendo. Es como una transformación. Esa dicotomía está por todo el álbum. Desde el propio título y su portada”. ¿Has tenido que medicarte o ir a terapia? STEFAN “Todo eso y más (risas)”. Lo digo porque a veces la medicación puede eliminarte la creatividad. ¿Has pasado por ello? STEFAN “En mi caso no. Ocurre con

algunas drogas, pero en mi caso fue lo opuesto. Antes no tenía energía para hacer nada y estaba muy apático, pero cuando empecé a medicarme, todo eso cambió. Creo que es peligroso porque muchos artistas tienen miedo de buscar ayuda precisamente por eso. En mi caso fue lo que me frenó durante un año o dos. Fue un error porque todo el mundo debería buscar ayuda. Creo que es mucho más fácil ser creativo cuando no te sientes como una mierda”. Steve, ¿cómo lidiáis el resto con la situación?

STEVE “Creo que, si eso hubiera sido

un problema para el resto, la banda nunca hubiera pasado del primer disco. Tener empatía y comprender a Stefan ha sido básico. Yo no tengo hermanos. Para mí Stefan es mi hermano, ¿sabes? Igual que Nestor o Zack, así que, si mis amigos sufren, yo también sufro. Hace poco también he decidido ir a terapia y solucionar mis propios problemas. Creo que al final ha tenido un efecto dominó positivo. Nos ha hecho a todos conscientes que es importante enfrentarte a estas cosas. Ahora nos sentimos mentalmente más fuertes para salir de gira durante el resto del año. Podemos hablar abiertamente de todo esto y eso es algo bueno tanto para nosotros como para quien lea esta entrevista o venga a vernos tocar. No hay motivo para mantenerlo como un secreto u ocultar lo beneficioso que puede ser buscar ayuda”. Habláis de salir de gira con mucho respeto, como si estuvierais a punto de subiros a una montaña rusa… STEVE “¡Es que lo es! Nos sentimos

muy afortunados por haber girado tanto como lo hemos hecho, pero al mismo tiempo dejas atrás a tus seres queridos, a tu ciudad… Y no puedes pulsar un botón de pausa. La vida sigue mientras tú estás fuera y es difícil 39

no desconectarte. Así que es importante desarrollar estrategias para que no pase. Ahora casi lo enfocamos como si fuéramos de turismo, explorar ciudades y sacarle el máximo jugo. Si caes en la rueda de estar sólo de fiesta o no hacer nada más que tocar por la noche, es fácil desmotivarte”. STEFAN “Creo que estar en un grupo no es distinto a cualquiera que tenga su propio negocio y haga algo que ama. Es un estilo de vida. No hay vacaciones. Especialmente ahora en que la música se ha convertido en un negocio de clase obrera. Hace 30 años o bien te forrabas o era imposible hacerlo. Ahora hay toda una clase obrera de bandas que pueden hacer que funcione si no paras de trabajar. En parte me siento afortunado de estar viviendo en el momento actual porque no creo que PUP hubiera sido una banda que hubiera sobrevivido dentro de las reglas que regían la industria antes”. La industria no deja de ser un reflejo de cómo funciona todo. Tienes empresas enormes que lo dominan todo y el resto son pequeños negocios que sólo intentan sobrevivir. STEFAN “Sí, Nickelback son Mon-

santo y PUP somos un pequeño huerto orgánico en la azotea de un edificio (risas)”. STEVE “(Risas) Todavía pienso que un día alguien llamará a mi puerta y me dirá que tengo que dejar el grupo y ponerme a vender seguros. Lo cual sería una mierda, porque se me daría fatal (risas)”.

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ON LA EDICIÓN EN 2016 de Periphery III:

Select Difficulty, Periphery se consolidaron como la banda puntera de esa creciente subescena del metal progresivo conocida como djent. El disco entró en el top 25 de las listas americanas, el tema ‘The Price Is Wrong’ les valió una nominación a los Grammy en 2017 y hasta organizaron su propio campamento de verano, Periphery Summer Jam, para deleite de sus fans. Pero tras 15 meses de una gira mundial, y habiendo finalizado su contrato discográfico con Sumerian Records, la banda formada por Spencer Sotelo (voz), Misha Mansoor (guitarra), Jake Bowen (guitarra), Mark Holcomb (guitarra) y Matt Halpern (batería) decidió parar y coger aire. La salida, totalmente amistosa, del bajista Adam ‘Nolly’ Getgood también les hizo replantear algunas cosas. Su primera decisión fue crear su propio sello 3DOT Recordings para publicar su próximo álbum. La segunda, trabajar a su propio ritmo sin estar pendientes del calendario. Y así fue como, desde finales de 2017, fueron gestando a lo largo de doce meses Periphery IV: Hail Stan, que verá la luz el 5 de abril. En el álbum encontramos desde momentos muy heavies como ‘Chvrch Bvrner’ o ‘Blood Eagle’ a la épica ‘Satellites’, grabada por los músicos tocando en círculo en directo. Unas semanas antes de su edición charlábamos con

su batería, quien nos confesaba, de entrada, sus ganas de volver a finales de año a nuestro país. “El de Madrid fue uno de nuestros conciertos favoritos”, nos decía. En vuestro público hay gente que va a pasarlo bien al concierto, pero siempre hay algunos que parece que sólo se fijen en cómo tocáis; seguramente sean músicos. ¿Los detectáis desde el escenario cuando estáis tocando? MATT HALPERN “Sí, siempre los

vemos (risas). Pero la verdad es que no le prestamos demasiada atención. Sabemos que hay muchos músicos entre nuestro público, pero al final nosotros queremos divertirnos. Nos centramos mucho más en la gente que está en el mosh, porque son los que más nos dan la energía. No es que desprecie a los que actúan como simples espectadores, pero prefiero centrarme en la gente que va a pasarlo bien. Prefiero estar relajado y tocar para ellos que estar tenso y tocar para los más analíticos. Queremos que los segundos se den cuenta de que no nos tomamos demasiado en serio. Si cometes un fallo, no pasa nada. Nadie es perfecto. Creo que es importante aprender eso también”.

que en los dos primeros discos eran más ejercicios de estudio.

“Puede ser, pero no ha sido algo consciente. Lo que creo que hemos hecho es darle más espacio a Spencer como vocalista. Los dos primeros discos los escribimos como instrumentales y luego se lo pasamos a Spencer para que añadiera las voces. Pero en Juggernaut eso cambió, y trabajamos con Spencer desde el inicio. Seguramente eso es lo que haya hecho que funcione mejor en directo. Porque cuando dejas más espacio para la voz, el groove tiene más presencia y eso es beneficioso también para el directo”. Habéis estado preparando este álbum durante un año entero. ¿Necesitabais un respiro?

“Sabíamos que no queríamos tener ningún tipo de presión. Es el primer disco que sacamos con nuestro propio sello y nos apetecía trabajar sin ninguna fecha de entrega. Antes siempre teníamos que preocuparnos por si había una gira ya contratada o por otras necesidades de la discográfica. Ahora teníamos la libertad para marcar nuestros propios requisitos. Empezamos a tener algunas maquetas en 2017, pero no nos pusimos a trabajar en serio hasta principios de 2018”.

Desde Juggernaut quizá tam-

¿Os pagasteis el disco vosotros

bién tengáis más canciones pen-

entonces?

sadas para el directo, mientras

“Sí, sí. Lo hemos pagado todo a tra43

vés del sello y lo estamos haciendo todo nosotros”. Tengo entendido que cada uno vive en un sitio distinto. ¿Componéis básicamente a través de archivos?

“Componer es un desafío, sí. Dos de los miembros viven en ciudades distintas de Texas, otro en Las Vegas, otro en Nueva York, y yo en Maryland. Normalmente cada uno escribe por su cuenta, hace sus maquetas y luego programamos sesiones para componer para las que todos volamos a un mismo lugar. Suelen ser sesiones de una semana o diez días donde nos centramos sólo en esto. Para este álbum hicimos cuatro o cinco sesiones a lo largo del año. Nos reuníamos, componíamos, y luego cada uno digería lo que habíamos hecho hasta que volvíamos a reunirnos”. Supongo que debéis tener un montón de material.

“Para este trabajo terminamos nueve temas, pero tenemos como unas dos horas más de material que no usamos. Siempre ha sido igual. Me siento muy afortunado de estar en un grupo con gente tan prolífica. La verdad es que nunca nos falta material. Lo más difícil es decidir qué material nos quedamos”.

todo el mundo opina. Tenemos charlas muy productivas. No hay nadie que dirija el cotarro. Somos nuestros críticos más duros y eso hace que todos tengamos claro que sólo queremos lo mejor para el disco. Queríamos evolucionar y crecer. Queríamos que cada uno diera lo mejor de sí. No es que sea una competición, pero cuando Misha trae una parte muy chula, nos inspira a los demás a intentar hacer algo al mismo nivel. Pero no es algo que hablemos, es más una cuestión de sentimiento. Creo que el objetivo es siempre hacer la música que nos gustaría escuchar y que nadie más hace”. El álbum lo abre ‘Reptile’, un tema de 16 minutos. ¿Era una manera de mostrar esa libertad de la que hablabas antes?

“No sé si era eso. Simplemente era la canción favorita de todos, así que por eso la pusimos la primera. Creo que representa muy bien todo lo que encuentras después en el álbum. Tiene su parte heavy, su parte melódica, su parte atmosférica… ¡Tiene de todo! Creo que, si a la gente le gusta esa canción, le gustará el resto del disco”. Llegados a este punto, ¿crees que tenéis margen de mejora en cuanto a vuestra técnica o sólo en el aspecto compositivo?

¿Es Misha quien hace un poco de director musical, quien marca la dirección?

“La verdad es que es raro, pero nos comunicamos muy bien como banda. No ha sido fácil, pero hemos aprendido a hacerlo después de diez años. Todo el mundo contribuye y

“Siempre hay margen para mejorar (risas). Te prometo que ninguno de nosotros se ve como un virtuoso. Como te decía, somos muy autocríticos. Te aseguro que sé cada fallo que cometo como batería, ya sea en el estudio o en el directo. Creo que todos somos muy honestos con nues-

tros fallos. Por eso es importante la manera en la que componemos, porque nos obliga a seguir mejorando. Escribimos partes que no sabemos ejecutar a la perfección y eso nos obliga a mejorar y esforzarnos para poder tocarlo después en directo. En realidad, todos pensamos que apestamos y que tenemos que mejorar (risas)”. ¿Nunca llegará el momento en el que os consideréis buenos músicos, entonces?

“A veces todos tenemos destellos de lo que somos capaces de hacer. Siempre es genial cuando acabas un concierto y sientes que has tocado perfecto, pero lo divertido es que nunca coincide que todos sintamos lo mismo. Siempre que yo pienso que he tenido un buen concierto, el resto piensan que han tocado fatal, y viceversa. Nunca nos ponemos de acuerdo en eso, pero ha sido así desde el principio”. Adam dejó el grupo en 2017, pero participó en la grabación de los bajos del disco y lo produjo. ¿Cuál es su situación exactamente respecto a Periphery?

“Antes de que dejara el grupo oficialmente, ya sabíamos que lo iba a hacer y hablamos con él sobre si querría involucrarse en el nuevo álbum o no. Y nos dijo que sí. Básicamente, cuando estamos grabando, es como si no hubiese dejado el grupo. Es uno de mis mejores amigos y hablo con él casi cada día, es de la familia, y es mi socio en una empresa de software. Así que todo es muy fácil”. ¿O sea, que básicamente lo ha

“SI COMETES UN FALLO, NO PASA NADA. NADIE ES PERFECTO. CREO QUE ES IMPORTANTE APRENDER ESO TAMBIÉN” MATT HALPERN dejado porque no quería salir

¿Y al resto os gusta ir de gira

de gira?

o si pudieseis preferiríais hacer

“Sí. Está muy centrado en su carrera de productor y mezclador, y la verdad es que le va muy bien. Trabajó en el último disco de Architects, en el de Devin Townsend. Muchos grupos se están interesando por él. Está muy ocupado y le doy mucho crédito por haber perseguido su sueño. En esta banda siempre hemos dicho que, si alguien encuentra otra pasión, nos apoyaríamos, aunque eso significara dejar el grupo. Somos una familia, de verdad”.

sólo trabajo de estudio?

“La verdad es que nos gusta girar porque nos divertimos interactuando con el público, sintiendo su energía, visitando lugares distintos. Y nos divertimos estando juntos. Como te decía, vivimos en ciudades distintas, así que salir de gira es como irnos de vacaciones juntos y encima tocar juntos. Mola porque también nos permite alejarnos del proceso creativo, disfrutar, cargar las pilas y cuando

volvemos a casa tenemos más ganas de componer. Mucho de nuestro material se origina en la carretera, cosas que probamos en las pruebas de sonido improvisando. Sacamos el móvil y grabamos 30 segundos, y luego esos 30 segundos pueden dar origen a una canción. Eso nos ha pasado muchas veces” .

DISCO DEL MES

S Fishing For Fishies (FLIGHTLESS/PIAS) ROCK PSICODÉLICO

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD

i dejamos a un lado a gente como Omar Rodríguez-López, resulta difícil encontrar a alguien con una producción discográfica tan basta en la última década como la que atesoran King Gizzard & The Lizard Wizard. Desde 2012 los australianos han salido como mínimo a disco por año, llegando a su cénit en 2017 con la aparición de cinco álbumes. En todo este tiempo el combo ha ido mutando su rock psicodélico de una manera pasmosa, reinventándose en cada nueva aventura. Pueden jugar con las guitarras microtonales, inventarse una ópera de space rock, disfrazarse como una banda de free jazz, crear un disco para ser reproducido en un loop infinito o hasta regalar los masters de Polygondwanaland para

que sus fans de todo el mundo fabriquen sus propios vinilos y los distribuyan por cuenta propia, dando lugar a diferentes ediciones del mismo. Y todo ello siendo totalmente reconocibles en cada entrega. Esa creatividad sin filtro que gestionan desde la independencia que les proporciona su propio sello, Flightless, hace que los King Gizzard sean una de las formaciones más divertidas de seguir en la actualidad, pues uno nunca sabe con qué le van a sorprender. En el caso de Fishing For Fishies, que supone el decimocuarto larga duración en ocho años, según sus palabras el objetivo era intentar hacer un disco de blues rock... a su manera, claro. Mismamente, ‘Fishing For Fishies’ es una pieza campestre por donde se cuela la armónica de

Ambrose Kenny Smith, que tendrá mucho protagonismo en el resto de cortes. ‘Boogieman Sam’ y ‘Plastic Boogie’ ponen el toque pantanoso sureño como si de unos ZZ Top marcianos se tratase, al igual que el rock clásico de ‘The Cruel Millennial’. Pero justo en la recta final se desvían por completo del camino marcado para engancharnos con la ridículamente bailonga ‘Cyboogie’, que pinta a pelotazo en sus presentaciones en vivo. Sin ser necesariamente una de sus mejores obras, vuelven a demostrar que su imaginación no conoce límites. Quién sabe si nos esperan más regalos por parte de Stu Mackenzie y sus amigos durante este curso. Con ellos cualquier cosa es posible. GONZALO PUEBLA

QVERNO

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Alain

Martínez (voz, guitarra), Fernando Moreira (guitarra), Javier Seisdedos (bajo), Ekain Elorza (batería) PRODUCIDO POR: Santi García AFINES A: Dinero, Queens Of The Stone Age, Foo Fighters PÁGINA WEB: www.facebook.com/Qverno/

P Vol. 1 (AUTOEDITADO) ROCK ALTERNATIVO

uede sonar extraño contarlo así, pero lo cierto es que ya entrevistamos a Alain Martínez hace justamente tres años con motivo del primer disco de Qverno, su proyecto personal. Por aquel entonces había sido capaz de grabar un álbum entero con Santi García en sus Ultramarinos Costa Brava y de reunir a una banda con rostros tan familiares como su compañero de fatigas en Dinero, Ekain Elorza, para la batería (también en Morgan, Cobra y mil grupos más), Javier Seisdedos (Minor Empires, Caboverde) al bajo y Paco López de Morgan en la guitarra. Cuando todo parecía listo para lanzar Vol.

1 y echarse a la carretera para defenderlo, se vieron obligados a dejarlo en stand by debido a los numerosos compromisos que tenían entre todos, permaneciendo su debut guardado en un cajón hasta que llegase el momento adecuado. Durante la espera, a Alain le dio tiempo para volver a darle otra vuelta a las canciones y decidió rehacer todas las letras que había escrito en inglés para adaptarlas al castellano. Con el recambio de Paco por otra cara ilustre de nuestro underground como es Fernando Moreira (Trono De Sangre, Minor Empires), Qverno ahora sí están preparados para presentarse al público. Y lo hacen con

un debut en el que resulta fácil señalar influencias tan evidentes como las de Nine Inch Nails y Queens Of The Stone Age. De hecho la sombra de Josh Homme se proyecta en varias ocasiones, como en el falsete de ‘Diamantes Dementes’ o el ritmo robótico que impregna ‘Tarde’. Pero es cuando van directos al grano dónde sacan su mejor versión, caso del potentísimo single ‘Convulsiones’, ‘¡Es Una Bruja!’ y su imponente riff central o esa ‘Vampiros De Neón’ que viene con el aguijón afilado para inyectarnos su delicioso veneno. Ojalá encuentren la continuidad que merecen porque esto pinta muy bien. GONZALO PUEBLA

BONUS TRACK CON... ALAIN MARTÍNEZ De este disco llegaste a grabar una versión en inglés hace unos años, pero finalmente aparece en castellano. ¿Por qué?

ces en tu idioma le prestas más atención. Quizá si cantas en inglés tienes más puertas cerradas, pero principalmente era para quedarme a gusto y decir algo”.

“Sí, hice una versión en inglés, pero me quedé con ganas de probar de hacer algo en euskera y en castellano. Y al final fue más difícil de lo que pensaba porque al pasar al castellano, las melodías no terminaban de molar. Fue un curro de buscar melodías nuevas y cambiar las letras. Pero estamos contentos de cómo ha quedado. La música es la misma, sólo hemos cambiado la mezcla a mejor”.

¿Y no te has cansado de las canciones?

¿Pero fue una decisión comercial?

“Ha sido bastante natural todo. Cuando llegué a Madrid, me puse en las típicas páginas webs de grupos, pero no pillaba onda con ninguno. O eran de un palo muy distinto o estabas en diferentes niveles musicales, así que

“A mí es que ya me da un poco de pereza cuando ni los de tu grupo no saben lo que dices. Quería intentar decir algo en las canciones. Si lo ha-

“No, no les he cogido asco (risas). Es difícil que las canciones aguanten y no les cojas tirria después de escucharlas millones de veces. Es buena señal”. De todos modos, Qverno lo empezaste como un proyecto tuyo. ¿Cómo acabó siendo una banda?

fui haciendo demos. Y cuando ya tuve 12 se las mandé a Ekain, a quien no conocía, pero que teníamos amigos en común. Luego con el bajista de la banda que tenía en Irún, nos fuimos a grabar al estudio de Santi García y lo grabamos entre los tres. Y luego ya me ofrecieron entrar en Dinero como bajista. Y luego ya cuando lo reactivamos, pillamos a Javi, con quien había coincido tocando Dinero con Minor Empires, y a Fer, que lo trajo Javi. Al final han sido gente que tenía cerca”. ¿Con qué te quedas de la experiencia de Dinero?

“Yo lo que no quería era estar parado y con Dinero tuve la oportunidad de tocar mucho. Eso te da seguridad en el escenario, de tocar en la tele, de estar en forma... Los errores y los aciertos te ayudan a aprender”. (JORDI MEYA)

LA DISPUTE Panorama (EPITAPH) POST HARDCORE

a sé que el tiempo es algo muy preciado y que el constante bombardeo de estímulos al que estamos sometidos provoca que, cada vez más, nos cueste centrar todos nuestros sentidos en una sola actividad. Pero un disco como Panorama merece que durante 41 minutos desconectes de todo lo demás y te sumerjas en él. El cuarto trabajo de La Dispute es a la vez el más experimental que han hecho y también el que más fácil tiene llegar a un público que no suele escuchar post hardcore. De hecho, en su caso, en la etiqueta casi tiene más relevancia el post que

el hardcore. Cortes como ‘Rhodonite And Grief’, con una base jazz y una trompeta que, inevitablemente, te hace pensar en American Football, o ‘In Northern Michigan’, donde te envuelven increíblemente con una tensión que nunca llega a explotar, te impulsarán a cualquier cosa menos a meterte en el mosh pit. Incluso cuando las guitarras cobran más fuerza, como en ‘Footsteps At The Pond’ o en ‘There You Are (Hiding Place)’ no lo hacen a base de distorsión, sino de contención. Y pese a ello, la intensidad que consiguen en ‘Fulton Street II’ es incontestable. Como si fueran escenas de una película de David Lynch, a veces puedes sentirte perdido si te acercas a las canciones individualmente, pero es el conjunto lo que le da un sentido a estas historias contadas en el interior de un coche y con el paisaje (real y emocional) en el retrovisor. Las interpretaciones de Jordan Dreyer están más cercanas a las de un actor que a la de un cantante, buscando la intención y el matiz en cada palabra recitada, rozando el susurro y, ocasionalmente, el grito. Un diamante rosado en un mundo gris. JORDI MEYA

CHILDREN OF BODOM Hexed

(NUCLEAR BLAST) MELODIC DEATH METAL

hildren Of Bodom son una de esas bandas que generan reacciones totalmente opuestas. Por un lado conozco a puristas del melodeath que los odian por casi situar el estilo en el power, y por el otro, por supuesto, está toda esa enorme y planetaria legión de fans que los adora. Con cada nueva obra suya ves, oyes y lees de todo, pero siendo objetivos, la verdad es que hace ya años que los finlandeses no nos sorprenden con sus discos. Sobra decir que el que espere volver a alucinar como lo hizo hace

dos décadas con su debut, Hatebreeder o Follow The Reaper, no hace falta ni que se acerque a Hexed. Menos la velocidad, en su décimo álbum encontramos todas las señas de identidad del sonido Bodom: la voz punzante de Alexi Laiho, esos teclados tan personales y gélidos, la producción pulcrísima y ese aire neoclásico. Pero sí, se echa en falta más tralla, sólo con ‘Kick In A Spleen’ y la excelente ‘Hexed’ (ésta sí lo es) no es suficiente. No parece que la incorporación a la rítmica de Daniel Freyberg (ex de Naildown y Norther) les haya acabado de poner las pilas… Por el camino nos encontramos una ‘Platitudes And Barren Words’ que podría ser de Avantasia, una rara y estéticamente gótica ‘Hecate’s Nightmare’ que a la postre es mi favorita, y canciones que funcionarán en directo como ‘Glass Houses’ y ‘Under Grass And Clover’. Y es que, en efecto, se adivina demasiado pronto qué temas tendrán una vida corta y cuáles no, así como las intenciones reales del combo: volver a la carretera cuanto antes. PAU NAVARRA

L STAINED BLOOD Nyctosphere

(BLOOD FIRE BLOOD) MELODIC DEATH METAL

a continuación de Hadal (2015) se ha hecho de esperar. Los catalanes han demostrado su tenacidad y la confianza que tienen en este proyecto, sobreponiéndose a un cambio radical de formación, y dónde todo el mundo veía una muerte anunciada ellos han visto una oportunidad... Y vaya si la han aprovechado. Una primera escucha rápida podría darte la sensación que han dado un vuelco radical a su música, pero tras varias vueltas al plástico sólo puedo decir que es una minuciosa evolución de lo que planteaban en su anterior trabajo. Un paso en la dirección más lógica hacia una producción mucho más orgánica, menos perfeccionista, pero mucho más cálida, que empasta a la perfección con el aura más oscura que acompaña durante todo el recorrido

A DEVIN TOWNSEND Empath

(INSIDE OUT MUSIC) METAL PROGRESIVO

unque aquí y allá encuentres elementos de metal y de prog que puedes reconocer fácilmente, hay que decir que este disco de Devin Townsend es muy jodido de clasificar. Puede que hayas detectado esto de la locura de adelantos que ha ido anunciando, y es que si hay alguien que pueda llamarse camaleónico sin sonar falso ese es el canadiense desquiciado de Devin Townsend. Muchos quizás no lo aprecien por lo que es, pero jugando en una liga ya mainstream dentro de su género, no tantos artistas se atreven a hacer cosas tan arriesgadas

de dinámicas que forman este trabajo. Stained Blood explica más que nunca con su música, produce más emociones, te eleva y te hunde en esta oscura noche repleta de blast beats, arpegios y arreglos de carácter cinematográfico. El quinteto abraza más que nunca elementos del black metal, tanto de vieja escuela como de la última hornada más detallista, y los añade a la amalgama de recursos que venían mostrando en sus anteriores trabajos. Los

grandes pasos al frente de este álbum son un mayor empeño en los arreglos y una mejorada paciencia para crear momentos de calma que aportan mayor contraste, muestra de ello es la majestuosa ‘Drowned’ que cierra el álbum de la mejor manera posible. Si me preguntaran si hay alguna banda nacional de metal extremo que haya sacado algo relevante este año, les prestaría mi copia de Nyctosphere.

como ésta (y que salgan tan bien). La canción de 25 minutos ‘Singularity’ con la que cierra el álbum es un buen ejemplo de lo que quiere hacer y a donde quiere llegar, porque puede plantearte un paisaje cercano a Dream Theater, para de repente arrastrarte al abismo extremo cercano al black o death sin piedad ninguna, lo que deja bien claro que este disco NO es para quien disfrute de un rock o de un metal mas convencional y lineal. Ha tenido que prescindir de la mayoría de sus músicos en otros proyectos, y aquí HevyDevy toma el control de absolutamente todo lo que está pasando (hasta

produce el álbum) en todo momento, por mucho caos que parezca. ¿Todo le resulta tan bien? Casi, porque si alguna pega hay que poner a esta aventura quizás sea en el apartado corístico y sinfónico de canciones como ‘Spirits Will Collide’ o ‘Why’. No es que no vayas a reconocer a Devin Townsend en Empath, es todo lo contrario: sufrimos una sobredosis de Devin Townsend en el álbum. Si en 25 años ha creado discos tan diferentes unos de otros, aquí los uno todos a la vez, sonando al mismo tiempo. Seguro que ha sido un disco terapéutico para él.

ABEL VALDELVIRA

JORGE FRETES

DANKO JONES A Rock Supreme (AFM) ROCK

omo un reloj, Danko Jones no falla a su cita de publicar un nuevo disco cada dos años. Pero tanta regularidad - A Rock Supreme es su noveno álbum en 18 años- puede llevar al riesgo de que cada nuevo álbum que publique sea visto simplemente como “otro disco más de Danko Jones”. Y lo comprendo, porque a mí me pasa un poco lo mismo. Pero lo cierto es que en cada trabajo esconde un buen puñado de buenas canciones. Incluso diría que aquí el canadiense se muestra especialmente inspirado. La fórmula es la de siempre, riffs rockeros de alto octanaje,

letras vacilonas de contenido sexual y ese punto de no tomarse demasiado en serio (empezando por el título, un guiño al A Love Supreme de John Coltrane). Pero lo cierto es que esta nueva colección de temas tiene poderío, reforzado por la producción de su compatriota GGGarth Richardson (Rage Against The Machine, Biffy Clyro). El álbum se abre con toda una declaración de principios, ‘I’m In A Band’, donde profesa su amor por su profesión de rockstar. Directo y al grano se van sucediendo otros eufóricos himnos como ‘I Love Love’, ‘Dance Dance Dance’, ‘Fists Up High’ o ‘Party’. En ‘Lipstick City’ recuerda a los Turbonegro de la última época y en la frenética ‘You Got Today’ vuelve a inspirarse en los primeros Van Halen con acierto. También la clava cuando tira más hacia Thin Lizzy en ‘That Girl’. Como demuestra cada mes en su columna, Danko es un estudioso del rock’n’roll y sabe acudir a las fuentes adecuadas. No creo que llegue nunca a facturar una obra maestra, pero el mundo sería un poco más aburrido sin discos como éste. JORDI MEYA

SAINT VITUS Saint Vitus

(SEASON OF MIST) DOOM METAL

eguramente por primera vez en la historia, un grupo va tan fumado que se olvida de que su primer álbum ya fue homónimo y decide, 35 años después, titular un nuevo trabajo de la misma forma. Tenían que ser Saint Vitus, claro está, pero mientras sea Dave Chandler el que ponga algo de orden en esta casa de locos, todo irá bien. Enchúfate ya ‘Remains’ si no me crees… El sonido es todo lo Saint Vitus que se puede ser en 2019, y ese coyote de la guitarra, a la que te descuidas, con qué riffs te muerde. Oh, y luego el

solo, tan suyo, arrancándose con ese noise salvaje de siempre… Tremendo. Por muy fan de Wino que sea, debo reconocer que Scott Reagers, su vocalista original, es más versátil, y como muestra, esa estupenda ‘A Prelude To’ seguida de la marchosa ‘Bloodshed’. Entre guitarrones del tamaño del Gran Cañón del Colorado, da otra lección de cambios de registro, para luego soltar la mala leche en ‘12 Years In The Tomb’. Y no hablemos ya de ‘Hour Glass’… ¡Qué alto llega, hace lo que quiere con la garganta a sus casi 60 añazos! Chutazo directo hacia sus tiempos más pretéritos con ‘Wormhole’, clasicismo a tope en ‘Last Breath’ y, para cerrar, una gamberrada que te deja a cuadros. En ‘Useless’ se disparan durante minuto y medio a lo Minor Threat o sus queridos Black Flag. Un nuevo álbum del mito americano del doom que, si bien no enamora por disperso, se muestra delicioso en los momentos de mayor cuelgue y desenfreno por parte de Chandler, así como por el acertado regreso de Reagers. PAU NAVARRA

C BOUNCING SOULS

Crucial Moments (RISE) PUNK ROCK

umplir 30 años de carrera es para celebrarlo y The Bouncing Souls lo hacen publicando un nuevo EP y un libro conmemorativo que, por el momento, todavía no he tenido oportunidad de ver. Teniendo en cuenta que hace casi tres años desde que sacaron su último disco, Simplicity, podría parecer que un EP sepa a poco, pero la verdad es que los seis temas que incluye están muy bien y, gracias a su concisión, sus virtudes no quedan diluidas en otros temas de relleno. Casi podríamos decir que aquí ofrecen una especie de resumen de los diferentes palos que han ido tocando a lo largo de su trayectoria y que les han ganado ser una de las bandas más respetadas dentro de la comunidad punk rock y de haber inspirado a artistas como Brian Fallon o Dave Hause. Lo abre ‘Crucial

E RIVAL SONS Feral Roots (ATLANTIC) ROCK

n la reseña que escribí sobre Hollow Bones hace unos años, comentaba que daba la sensación de ser un álbum de transición para Rival Sons. Habiendo firmado uno de los mejores tratados de rock añejo de esta década como Great Western Valkyrie, su continuación se antojaba disfrutable, pero también algo conservadora. Como si hubiesen preferido asegurar el tiro antes de dar el siguiente paso en su evolución. Es ahora cuando los de Long Beach sí han optado por seguir avanzando en su sonido, entregando una obra mucho más interesante y detallista que su predecesora. Los

Moments’, un pegadizo himno nostálgico con un coro que se te queda grabado a la primera y que encaja como un guante con la voz de Greg Attonito. Luego viene ‘1989’, un frenético tema de minuto y medio, casi hardcoreta en su inicio, pero que hasta tiene tiempo de incluir una parte medio reggae. ‘Favourite Everything’ nos recuerda que pese a ser de New Jersey también saben hacer punk rock californiano. ‘Here’s To Us’

viene proyectado por un riff rockero más 70’s, mientras que en ‘4th Avenue Sunrise’ vuelve la zapatilla. Para terminar, ‘Home’ una especie de medio tiempo, al estilo de ‘In Sleep’ de su álbum Comet, que desemboca en el mejor estribillo del EP. La producción de Will Yip es de lo más básica, sin interferir ni modificar el sonido natural del grupo. Y es que si les ha valido para llegar hasta aquí, tampoco se van a poner a hacer experimentos.

elementos folk y soul ya estaban presentes en su discurso, pero aquí han conseguido integrarlos de una forma más clara a la par que sutil. Sirva de muestra esa ‘Feral Roots’ que da nombre al disco, donde colocan encima de la mesa todo su misticismo con un Jay Buchanan transformado en chamán. Los coros de aroma negroide aparecen en cada surco del vinilo, desde las más melódicas ‘Imperial Joy’ y ‘Stood By Me’, hasta en cañonazos como ‘Back In The Woods’ con Mike Miley aporreando los parches que da gusto. Porque por mucho que se agradezca el refinamiento en ciertos

instantes, Rival Sons siguen pariendo auténticas monstruosidades en forma de riffs (‘Too Bad’, ‘End Of Forever’) a cargo del siempre elegante Scott Holiday. Uno de los hachas más versátiles e inteligentes de la actualidad como se puede ver en el mágico desarrollo de ‘All Directions’. La guinda la pone ‘Shooting Stars’, un gospel con vocación de arenas que en otro tiempo se habría convertido en todo un hit. Junto a Graveyard, la banda de rock clásico más fiable de su generación. En el próximo Download Madrid, tendremos una nueva oportunidad de comprobarlo.

JORDI MEYA

GONZALO PUEBLA

CANDLEMASS

The Door To Doom (NAPALM) DOOM METAL

l calambrazo inicial que ha recorrido mi espinazo mientras escuchaba The Door To Doom, el nuevo trabajo de Candlemass, se acerca al que sentí con The Devil You Know de Heaven & Hell. Aparte de que la producción es pareja, también tienes delante a una banda para la que la palabra ‘veteranía’ hace ya años que quedó obsoleta, y así, en vez de arrastrarse por los estudios de grabación como tantos otros o directamente ni asomarse a ellos, compruebas que a los de Estocolmo todavía les quedan muchas lecciones por dar. Y

lo hacen con maestría, claro, homenajeando un estilo que ayudaron a cimentar. No es casualidad que Tony Iommi, el dios del riff, aparezca en ese monumental tema llamado ‘Astorolus – The Great Octopus’. Casi es cerrar un círculo. Además, si tu excitación hacia el nuevo álbum de los suecos creció en cuanto te enteraste de que Johan Längquist iba a poner voz a estas canciones, tal y como ya hizo en su mítico debut Epicus Doomicus Metallicus, no vas a poder frenar la emoción en cuanto escuches de qué ha sido capaz al micro. Siempre bajo la atenta mirada del cuatro cuerdas y compositor Leif Edling, Candlemass escriben aquí una guía básica, un tratado que bien podría explicar a generaciones venideras qué fue ese epic doom que ellos inventaron. No todas las canciones son perfectas y tampoco compararía esta obra con sus clásicos, pero que a estas alturas aún hayan sido capaces de crear ‘Death’s Wheel’, ‘Black Trinity’, ‘House Of Doom’ o ‘The Omega Circle’ merece una reverencia. PAU NAVARRA

QUEENSRYCHE The Veredict (CENTURY MEDIA) HEAVY METAL

o deja de resultar curioso como los Queensrÿche de 2019, con sólo dos miembros en el grupo de su formación clásica, el guitarrista Michael Wilton y el bajista Eddie Jackson, suenan más que nunca a aquellos Queensrÿche de los 80 que fueron los que cimentaron la leyenda del grupo. Es evidente que entrada de Todd La Torre como cantante, supuso el inicio de otra etapa y este The Veredict, el tercer álbum de estos nuevos Queensrÿche, ya puede considerarse como la consolidación de una banda

que ha sabido reconciliarse con su lado más metal. Tal es el peso que ha cogido La Torre en la banda, que en este álbum se ha encargado también de grabar las baterías ante el limbo en el que se encuentra ahora mismo Scott Rockenfileld, el batería original de los de Seattle. Quien haya vuelto a conectarse con Queensrÿche en estos últimos años, encontrará en The Veredict, prácticamente más de lo mismo. Parece que la banda ha sabido reconectar con la fórmula que sus fans más acérrimos le pedían, y pese a que este sea el disco de esta nueva trilogía con unos tempos más calmados y el que puede recordar a los Queensrÿche más experimentales, lo que predomina es una banda que sigue dominando el heavy metal con toques progresivos como nadie. Temas como la inicial ‘Blood Of The Levant’, ‘Bent’ o ese medio tiempo marca de la casa como es ‘Dark Reverie’, muestran que el quinteto ha sabido encontrar el camino ya de manera definitiva. Esperemos que esta vez no se aparten más de él. RICHARD ROYUELA

BRIDGES TO NOWHERE

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Guillermo

Martínez (voz, guitarra), Jorge Ruiz (bajo), Carlos de la Flor (batería) PRODUCIDO POR: Guillermo Martínez AFINES A: Nothink, Biffy Clyro, Autopilot Off PÁGINA WEB: www.bridgestonowhere.com Foto: Rafa Hernández

S I Know What You’re Thinking (MONASTERIO DE CULTURA) ROCK ALTERNATIVO

i quieres hacer algo bien, debes de hacerlo tú mismo. Hace tres años Bridges To Nowhere se presentaron con un Everything I Thought I Knew en el que se lo guisaron y comieron todo ellos solitos. Grabado con sus propios medios en la habitación de su cantante y guitarrista (las baterías se registraron en la clase de niños de 3 años de un colegio, pero esa es otra historia...) y de forma totalmente auto-gestionada, han vuelto a repetir la misma estrategia para dar salida a su segundo trabajo. Solo que ahora el aprendizaje previo ha jugado a su favor, consiguiendo un sonido mucho

más profesional además del master final de Víctor García en Ultramarinos Costa Brava. No es el único aspecto en el que han avanzado, ya que al rock alternativo con dejes a lo Biffy Clyro de su debut se le han sumado nuevos matices. ‘Watch Me Fail’ ya nos pone en alerta con su inicio acústico y rápido cambio de tercio a todo trapo, recordando a las mejores composiciones de No Use For A Name. Algo de ese punk rock californiano vuelve a atisbar en la alegre ‘Another Day’ o la peleona ‘Nobody Else’. Pero no es que se hayan pasado del todo al skate, ya que sus señas de identidad permanecen en cortes como ‘Blindfold’,

‘En Espiral’ (donde se atreven con el castellano pasando la prueba con nota), o la redondísima ‘Slipping Away’. Esta última con un estribillo cantado a pachas junto a la vocalista María Alumbreros (buscad su anterior colaboración en la cover que hicieron de ‘57’ de los Biffy) que es carne de single. Que se despidan con otra versión, esta vez una acústica del ‘Deathwish’ de Architects, deja claro que Bridges To Nowhere se han liberado de cualquier atadura para entregar un disco en el que han hecho lo que han querido sin miedo a nada. Justo como todos los grupos deberían de hacer. GONZALO PUEBLA

BONUS TRACK CON... GUILLERMO MARTÍNEZ ¿Qué pros y contras encontráis en la autoproducción?

“Sobre todo tiempo y dinero. Teniendo tú los cacharros, lo haces cuando quieres: Las baterías ahora, el bajo un fin de semana dos meses después, etc. Cuando lo terminas, lo sacas y punto. También es más barato ya que aunque no lo parezca en este disco hemos usado casi el mismo equipo que en el primero. Además, en un estudio puedes escuchar al productor que te dice por dónde tirar, lo cual puede condicionar el disco para bien pero también para mal y, sinceramente, si vamos a hacer una mierda como un piano prefiero que por lo menos sea porque lo he elegido yo”. I Know What You’re Thinking es un disco más versátil que vuestro debut. ¿A qué se debe esa variedad?

“Queríamos volver a los orígenes. Nah, sinceramente no tengo ni idea porque no es algo deliberado. Las canciones las suelo componer con la acústica, se las enseño a Carlos y Jorge en el local y ahí les damos la forma final. A Carlos le encanta meter zapatilla y a veces tenemos que pararle los pies, pero se ve que en estos temas la tralla quedaba bien y le dimos rienda suelta. Somos tres, lo cual hace la democracia muy sencilla, y tenemos gustos muy diferentes”. También habéis probado suerte con el castellano en una canción. ¿Es algo puntual o habrá más?

“Esto es un tema muy personal. Yo creo que siempre había escrito en inglés porque pensaba que la gente se paraba menos a ver qué había escrito y de qué iba la letra. Era más vergüenza

que otra cosa. Para ‘En Espiral’ comencé la letra con el estribillo y no me salía nada en inglés, pero se me ocurrieron dos versos en castellano que quedaban clavados y resumían la canción entera. Tenemos temas compuestos en un cajón casi para grabar otro disco, y uno de ellos es en español también”. No sé si es intencionado, pero en los títulos de vuestros dos discos aparecen repetidos los verbos “pensar” y “saber”. ¿Hay algún tipo de conexión entre ambos?

“Muchos de nuestros temas giran en torno a crecer y lo que ello conlleva. Nunca lo había visto así, pero quizá eso sea un elemento recurrente que haga de hilo no sólo en este disco, sino en éste, el anterior y quizá en los que vengan detrás”. (GONZALO PUEBLA)

VARGRAV

Reign In Supreme Darkness (WEREWOLF) BLACK METAL

o repetiré una y mil veces: actualmente, la mejor escuela de black metal es sin duda la de Finlandia. Simplemente, en términos de pureza y devoción, no tienen rival ahora mismo. El enésimo ejemplo, y nunca el último, son Vargrav, la banda unipersonal del veterano V-Khaoz, quien militó en Azaghal entre otras muchas formaciones. Y es que lo que este señor ha logrado en su segundo Reign In Supreme Darkness es un manjar de dioses. Siempre me he imaginado qué debió pasar por la mente de aquellos pocos privilegiados

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que vivieron el estallido noruego en primera persona y desde el instante cero, y seguramente, se asemeje algo a lo que esta obra ha despertado en mí. Ah, qué difícil fue siempre dominar el black sinfónico, hacer de él algo majestuoso en vez de ridículo… Y es que el álbum que nos ocupa te trasladará sin remedio a la época gloriosa de Obtained Enslavement, de Limbonic Art, al For All Tid y Stormblåst de Dimmu Borgir, y salvando las distancias, a los primeros e invencibles Emperor. ¡Es que ése es el puto sonido! ¡¿Cómo diablos lo habrá conseguido?! Aquí están todos esos deliciosos clichés compositivos, todos esos parones y blasts de otra era. En cuanto estalla ‘The Glory Of Eternal Night’ casi que te esperas que en cualquier momento emerja ese coro con “Inno a Satana”. Una recreación perfecta de algo que creíamos extinguido desde hace mucho, mucho tiempo. Más que noventera, esta obra es medieval. Otro golazo de mi sexto sentido para las portadas. Piel de gallina. Maravilloso. PAU NAVARRA

RYAN BINGHAM

American Love Song (AXSTER BINGHAM) COUNTRY ROCK, AMERICANA

ras volver a afianzarse con uno de sus mejores trabajos como lo fue Fear And Saturday Night, Ryan Bingham vuelve al ruedo cuatro años después con un disco de lo más ambicioso. Ni más ni menos que 15 nuevas composiciones encontraremos en un American Love Song donde el ex-cowboy de New México da cabida a todas sus facetas. Está la más rockera, que se ve potenciada desde el arranque con ‘Jingle And Go’, ‘Nothin’ Holds Me Down’ y una ‘Pontiac’ con claras referencias stonianas. No tardará en salir a la luz su buen hacer como storyteller

construyendo esos cuentos de carreteras infinitas y amores imposibles que tan bien sabe tejer (‘Lover Girl’, ‘Blue’), aunque esta vez también ha dejado espacio para criticar duramente la situación de su país. En ‘Got Damn Blues’ no se anda con medias tintas (“hay un racista en una casa blanca en lo alto de la colina”, carga duramente contra Donald Trump), mientras que en ‘America’ se muestra desesperanzado ante el futuro. Aunque como suele ocurrirle, brilla más cuando decide dejar de lado a su banda y vestirse tan sólo con su acústica y su voz rota de perdedor, siendo ‘Wolves’ y ‘Beatiful And Kind’ las mejores del pack. En resumen, Bingham entrega un álbum lleno de contrastes, pero también de altibajos al no estar todas las canciones a la misma altura y por el exceso de minutaje que lo convierten en una obra complicada de abordar. De haber sabido contenerse y elegir mejor el material, lo mismo estaríamos hablando de otro excelente volumen de música americana para añadir a su colección. Y es que el exceso de creatividad no siempre tiene porque ser positivo. GONZALO PUEBLA

TESLA Shock (UME) HARD ROCK

an bastado unos pocos días desde que el nuevo álbum de Tesla haya salido a la luz pública para que la polémica se haya desatado. Lo que hasta ahora había sido una carrera impoluta a base de un hard rock de varios quilates, que no sólo les hizo ser un rara avis dentro del rock 80’s –la imagen de laca y pelos crepados nunca fue con ellos- sino que además han sido de las pocas formaciones de aquellos días que ha sobrevivido de manera digna en las décadas posteriores. Grandes directos y discos sólidos han sido los dos pilares sobre los que

siempre se ha cimentado su carrera. De ahí que la llegada de Shock, haya sido lo que el propio título del álbum indica. Que Phil Collen de Def Leppard hay producido el álbum, ha sido mucho más que poner un nombre famoso en los créditos. Seguramente Collen es quien ha marcado las pautas y destino del álbum con una orientación más comercial. Shock anda a medio camino entre lo que sería un álbum clásico de Tesla y uno de Def Leppard, pero su gran problema es que no sería un gran álbum ni de unos ni de otros, pese a contar con buenas canciones como ‘You Won’t Take Me Alive’, ‘We Can Rule The World’ o ‘Tied To The Tracks’, el tema donde mejor ha funcionado la fusión de ambos mundos. A lo largo de todo el álbum revolotea esa sensación de que ha faltado un punto extra de riesgo, para llegar al punto que todos tenían en mente, y que se han quedado a medio camino. En definitiva, un proyecto interesante, pero algo fallido teniendo en cuenta la calidad de todo el mundo implicado en la elaboración de este Shock. RICHARD ROYUELA

ILLINOISE 166

(VARIOS SELLOS) HARDCORE PUNK

sto va de ruido controlado y activismo radical. Los hermanos Àlex, Xevi y Alfred han colocado en el mapa underground su pueblo, Vidreres, organizando durante nueve ediciones (y ya preparando una décima muy especial) uno de los mejores festivales de punk, hardcore y metal del país, el Actitud Fest. En paralelo, también con el do it yourself por bandera, estos tres hermanos no han dejado de vaciarse en el local con Illinoise, un secreto a voces que auto-editó hasta el 2013 tres trabajos que seguramente merecieron mucha más atención. Tras un letargo de

casi seis años, un tiempo que han aprovechado algunos miembros para centrarse en otros proyectos como Human Astray y colaborar con otras bandas, esta bestia de cinco cabezas ha despertado con un hambre voraz y las ideas mucho más claras. 166 es el número de pulsaciones que recogía una de las ecografías de la futura hija de Prat, el segundo guitarra de la banda, y el título de un disco marca de la casa, con ese juego de guitarras afiladas y una base rítmica monolítica (‘Who’, ‘Hiding Place’, ‘No’), quizá más directo que sus precedentes. La mayoría de los temas son rápidos y no superan los tres minutos, pero la principal novedad es el uso del catalán, su lengua materna, en un par de temas (‘Res Pitjor’ y ‘Després De La Mort’). Precisamente su cantante, Nina, merece una especial atención. Su aportación es clave. Canta y susurra de una manera sublime, casi angelical, pero también se deja la garganta, a veces en la misma canción (la genial ‘As You Want). Por todo ello, el retorno de Illinoise ha suscitado bastante interés. No es para menos. LUIS BENAVIDES

CALA VENTO Balanceo (MONTGRÍ) INDIE ROCK

uede que Balanceo sea el mejor disco de Cala Vento. Puede. ¿Puede que sea su disco más variado? Seguro. En su tercera entrega, el dúo catalán ha sacado de la chistera una cantidad de recursos que hasta ahora se intuían, pero aquí destapan sin rubor, y que los distancia definitivamente de esas primerizas comparaciones con Los Planetas y Nueva Vulcano. Escuchar cada canción es una sorpresa, ya sea gracias al riff un poco nu metalero de ‘Todo’ (en la que cuentan con un semi rapeado de Cándido de

Viva Belgrado), a la parte post hardcoreta en ‘Do De Pecho’, al toque a lo Red Hot Chili Peppers de ‘Remedio Contra La Soledad’ (hasta con unos coros a lo Frusciante), al desarrollo post rockero en el final de ‘Muerte Por Ambición’, al aire bossa nova de ‘Gente Como Tú’, al ponerse más cantautoriles en ‘La Importancia De Jugar Al Baloncesto’ o al mecernos cuales Weezer con el bonus track ‘Liquidación Total’. Y todo eso sin dejar de sonar a Cala Vento en ningún momento. Tiene mérito. Está claro que para Aleix y Joan ser sólo dos, lejos de ser un inconveniente, es toda una ventaja. La naturalidad con la que cruzan sus voces y construyen versos, con conceptos y palabras que a muy pocos se les ocurriría asociar, es la misma con la que juegan con sus instrumentos. Todo fluye sin cortocircuitarse, aunque los chispazos no paren de saltar. Como niños en el patio del colegio, Cala Vento se divierten creando estas aventuras imaginarias que, en el fondo, son totalmente reales. JORDI MEYA

SWORN ENEMY Gamechanger (M-THEORY) METALCORE

l nombre de Sworn Enemy siempre ha estado ligado al nombre de Jamey Jasta de Hatebreed, quien editó sus primeros EP´s en su propio sello, además de producirles el disco debut. Esa influencia también se hizo clara en el sonido de sus primeros trabajos, un hardcore/metal que ponía más acento en la parte hardcore. Ahora intentan cambiar su destino y las normas del juego con este Gamechanger.Traer al ingeniero de sonido Zack Ohren, habitual de nombres como Suffocation o Fallujah, ha sido una gran decisión para ganar nuevos seguidores, especialmente

dentro del metal mas cercano al extremo porque, aunque sigan con un regusto a thrash metal con cánticos pandilleros, sus canciones han tomado un tono mas oscuro que violento. Siguen teniendo la misma estructura al construir sus canciones, pero parece que algún ente maligno ha influenciado sus tendencias por encima de toda la testosterona a la que nos tienen acostumbrados. Con sólo 38 minutos de duración hacen que pidas más. Canciones como ‘Selling A Dream’ o ‘Integrity Defines Strenght’ parecen sacadas del manual del hardcore para principiantes, pero hay mucho más en este álbum que odas a la escena neoyorquina. Mucha culpa de ello la tienen el baterista Taykwuan Jackson y el vocalista Sal Lococo, cada vez más cercano a Riley Gale de Power Trip en cuanto a ese registro necrótico. No se alejan mucho de lo que ya conocíamos de ellos, pero al menos ya no suenan tan genéricos… Aunque nos joda reconocerlos también puede que sea porque Robb Flynn de Machine Head les produzca el disco. JORGE FRETES

DENIRO

De Las Cenizas A La Gloria (LENGUA ARMADA/KASBA) ROCK

o han tenido que ser tiempos sencillos para Nano Ruiz. El siempre trabajador ex-Habeas Corpus lleva luchando contra las adversidades prácticamente desde que arrancase en 2011 con su propia banda, Deniro. Si ya en su tercer largo tuvo que afrontar un cambio de vocalista, al finalizar la gira de presentación de Sueño Que Arde también vio como el resto de sus compañeros abandonaban la nave. Pero para Nano rendirse no es una opción y aunque ha tardado cinco años en reconstruir el grupo prácticamente desde cero, ha sido capaz de dar

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salida a un disco cuyo título lo dice todo. De Las Cenizas A La Gloria no es sólo el renacer de un proyecto que nunca lo ha tenido fácil, sino una nueva visión de lo que significa Deniro. Seguimos estando ante un disco de rock donde las guitarras mandan, pero la entrada de Tanke Ruiz a las voces ha acabado por darles otra personalidad. Conociendo las dificultades por las que han pasado esperaba unas canciones más duras y oscuras. Todo lo contrario. Títulos como ‘De Las Cenizas A La Gloria’, ‘Espalda Con Espalda’ o la propia ‘Deniro’, en la que se cuelan fraseos de hip hop, insisten en un mensaje positivo y de auto superación que es una constante a lo largo de todo el álbum. En esa onda aparecen cortes con un tono más amable (‘Mi Compañera’, muy cercana al pop). Pero también hay sitio para la contundencia en ‘Ha Llegado El Rock & Roll’ y la instrumental ‘Iceland’, antes de que ‘El Adiós’ nos despida en una sentida letra dedicada a un amigo fallecido. Parece que el sueño de Deniro sigue ardiendo. GONZALO PUEBLA

ONIROPHAGUS Endarkenment (XTREEM MUSIC) DEATH DOOM

os fans de los sonidos densos, las progresiones a tempos pausados y los acordes sostenidos a modo de colchón donde las melodías y arreglos reposan estamos de enhorabuena. Lo nuevo de los catalanes Onirophagus no te sorprenderá por su innovación, no te va a arrojar nada que no hayas escuchado con anterioridad si eres un fan de las vertientes más death metaleras del doom pero te va a deleitar las cavidades auditivas con cuatro cortes de larga duración confeccionados con bastante gusto compositivo y un buen repertorio

de melodías sombrías y melancólicas. El sexteto se encarga de mantener tu atención a base de combinar las sonoridades más típicas descritas en el género junto con diferentes elementos inspirados en el death metal europeo, proyectando algunas melodías épicas a base de contrapua o algún momento de blast beat acompañado de guitarras rasgadas propios de la escuela polaca. En este nuevo plástico la banda ha sabido combinar muy bien la terquedad de momentos bastante crudos y directos junto con ciertas atmósferas que aportan frescura a composiciones de tan largo minutaje. Un paso adelante en la producción respecto a su anterior larga duración hace más disfrutable su escucha si cabe y ayuda a recoger mejor el estilo y el mensaje de un álbum muy cuidado en detalles al que solo se le puede achacar la falta de atrevimiento en la innovación dentro del género. Un trabajo muy equilibrado que no destaca en ningún aspecto en particular pero que entrega una muy sólida experiencia al oyente y que seguro que más de un fan del género celebrará. ABEL VALDELVIRA

PISSGRAVE Posthumous Humiliation (PROFOUND LORE) DEATH METAL, WAR METAL

n cuanto empieza a descuartizarte ‘Euthanasia’, la reacción más natural es la de flipar, ¡pero muchísimo! En colorines y dolby surround, y todavía me quedo corto. Pasas a la siguiente, ‘Canticle Of Ripping Flesh’, y ya tienes ganas de que termine el nuevo trabajo de Pissgrave. ¡En serio, no vas a hallar placer alguno sometiéndote a esta canallada, y sólo es el segundo tema! Se regalan con la duración de las canciones, se explayan para hacerte sufrir. Esa tortura que debería durar unos segundos se extiende durante 5, 6

minutos, y no entiendes por qué tanta maldad. Imposible no pensar en Revenge, menudos riffs de acero fundido se cascan en ‘Catacombs Of Putrid Chambers’, ‘Into The Deceased’, ‘Posthumous Humiliation’ o la tortuosa afrenta de ‘Emaciated’. Cuatro años después de su debut Suicide Euphoria había ganas de más material de los estadounidenses, pero visto lo visto, estábamos mejor sin ellos. Éramos más felices y seguíamos pensando que escuchábamos metal extremo… Pero no: olvida todo lo que creías saber sobre virulencia y violencia en el género. El cuarteto de Filadelfia se mea en ello y te obliga a bebértelo. Y encima, se saca la chorra en la final ‘Rusted Wind’. La producción es alevosa, un atentado, un suplicio. Aceite hirviendo que te vierten directamente en las orejas. Y luego esta esa voz. Algo terrible. Mi colección de discos es de cuentos infantiles si la comparas con ‘Celebratory Defilement’. Aterrador, inmoral y depravado. Y sobre la portada, mejor no preguntar. PAU NAVARRA

VLTIMAS

Something Wicked Marches In (SEASON OF MIST) DEATH METAL, BLACK METAL

on un plantel formado por David Vincent, la legendaria voz de Morbid Angel, y un batería como Flo Mounier, el toro tras los parches de Cryptopsy, Rune Eriksen, alias Blasphemer, lo tenía muy fácil para centrar nuestra atención en VLTIMAS, su nuevo proyecto. El Aura Noir no necesita presentaciones tampoco, y ya desde la homónima ‘Something Wicked Marches In’ demuestra cómo de importante fue en Mayhem a la hora de experimentar en Grand Declaration Of War, Chimera y Ordo Ad Chao. De hecho, esta canción podría haber entrado

perfectamente en Esoteric Warfare, así que su guitarra y forma de entender el metal extremo sigue proyectando una sombra muy alargada en la leyenda black. Retorcido, cafre y amante de las disonancias, Eriksen imprime una marcha más en ‘Praevalidus’, ya no digamos en ‘Total Destroy!’ o ‘Truth And Consequence’, así que Vincent es el que más dudas nos plantea al mostrarse demasiado lineal. En los únicos momentos que nos sorprende es en los coros de ‘Monolilith’ y ‘Diabolus Est Sanguis’, y sinceramente, no precisamente para bien. De verdad, no pega mucho lo del final de ‘Marching On’… El debut de VLTIMAS se muestra poderoso y musculado, tiene sus momentos, pero ante este tipo de iniciativas uno debe expresar sus reservas. Con la gira de I Am Morbid a la vuelta de la esquina, no parece que vayan a defender esta obra en directo de forma seria, y como a cada uno de los miembros le va suficientemente bien con su banda principal, servidor no le ve demasiado futuro a esta aventura. Ojalá me equivoque. PAU NAVARRA

AMON AMARTH

CON LOS D I O S E S A FAVO R

AL IGUAL QUE SUS ANTEPASADOS VIKINGOS, LOS SUECOS AMON AMARTH LLEVAN SURCANDO LOS MARES Y CONQUISTANDO NUEVOS TERRITORIOS DURANTE MÁS DE 25 AÑOS. LA DIFERENCIA ES QUE, EN LUGAR DE IR ARMADOS CON HACHAS, LO HACEN CON GUITARRAS ELÉCTRICAS Y DISCOS COMO BERSERKER , QUE VERÁ LA LUZ EL PRÓXIMO 3 DE MAYO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

PARTE DE LA CONSIDERABLE ENVERGADURA del vocalista de

Amon Amarth, en los últimos años lleva practicando esa mezcla de artes marciales conocida como MMA, así que probablemente podría destrozarme en unos pocos segundos. Por suerte, Hegg es también un tipo simpático, de risa fácil y conversación fluida, y además, el undécimo álbum de la banda, Berkserker (Metal Blade/Sony BMG), no decepciona en absoluto. Su death metal vikingo sigue sonando inspirado y con gran fuerza, y el haber trabajo con un productor americano, Jay Ruston (Steel Panther, The Damned Things), no les ha hecho perder su esencia. Por delante, la banda que completan Olavi Mikkonen (guitarra), Johan Söderberg (guitarra), Ted Lundström (bajo) y Jocke Wallgren (batería) tiene una larga gira mundial que los llevará por Estados Unidos abriendo para Slayer y en verano por los principales festivales europeos con parada incluida en Download Madrid. Pero antes, tuvimos la oportunidad de charlar sobre la popularización de su cultura, su estancia en Los Ángeles y los secretos que esconden algunas de sus canciones.

tanta gente en todo el mundo interesada en nuestra cultura. Creo que, lo que la gente no se da cuenta, es que ser vikingo era una profesión, no importaba de dónde eras. Muchos eran mercenarios que venían de otras partes de Europa, no sólo escandinavos. Ser un vikingo es una mentalidad”.

En los últimos años hemos vis-

De hecho, para grabar este dis-

to que la cultura vikinga se ha

co os fuisteis a Los Ángeles, que

puesto muy de moda. En series,

nada tiene que ver con vuestra

películas, incluso hay tiendas

cultura. ¿Qué os llevó ahí?

¿No hiciste nada más aparte de

dedicadas a la estética nórdica.

“¡No tengo ni idea! (Risas) Para serte sincero, pienso que podríamos haber grabado el disco en cualquier parte. Fue una decisión de la banda, pero personalmente me importaba un comino dónde grabar. Dicho esto, el estudio era fantástico y el productor Jay

grabar el disco?

¿Qué piensas cuando ves a alguien de otra cultura adoptar vuestras tradiciones? ¿Te gusta, te molesta…? JOHAN HEGG “¡Me encanta!

Pienso que es una pasada que haya

“CUANDO ALGUIEN DICE QUE SIEMPRE SONAMOS IGUAL, ME LO TOMO COMO UN CUMPLIDO” JOHAN HEGG

Ruston vive ahí, así que supongo que era un factor importante”. ¿Quizá los tíos del grupo querían un poco de sol?

“Puede ser (risas). Creo que la idea era cambiar de ambiente, ir a un lugar nuevo. Pero estábamos seis días de la semana de diez de la mañana a diez de la noche, así que tampoco te creas que vimos mucho el sol (risas)”.

“Bueno, estoy metido bastante en el MMA y pude entrenarme varios días con el sensei Gokor Chivichyan. Fue divertido (risas). Duro, pero divertido. Soy demasiado viejo para competir, pero me gusta entrenar”.

tipo, un buen amigo, creo que hizo un muy buen trabajo en los discos. Pero, por ejemplo, antes de él hicimos tres discos con Jens Bogren, y al final nos sentíamos demasiado cómodos. Cuando nos fuimos con Andy para Deceiver Of The Gods fue para recuperar un poco de tensión. Es difícil de describir, pero queríamos encontrar una nueva voz en el estudio. Y ahora nos planteamos que quizá no debíamos grabar un tercer álbum con Andy porque habría pasado lo mismo. Se habría convertido en una rutina. Además, de todos modos, Andy tampoco hubiera estado disponible porque se fue de gira con Judas Priest. Estoy seguro de que a Andy no le importó que no quisiéramos grabar con él porque está viviendo su sueño de infancia tocando con Judas Priest”. Eso seguro. ¿Cómo acabasteis con Jay Ruston? ¿No fuisteis a ningún concierto?

“Sí, fuimos a ver a Accept. Otros fueron a ver a Dark Tranquillity. Y yo fui a ver también a Paradise Lost y Sólstafir”. Ah, muy bien. ¿Cómo de conocidos sois Amon Amarth en Estados Unidos? ¿Te reconocen por la calle?

“A veces sí (risas). Lo gracioso es que me ha pasado dos veces en el control de pasaportes del aeropuerto. Dos veces, el guardia ha sabido quién era (risas)”. En los dos últimos álbumes habíais trabajado con Andy Sneap. ¿Por qué decidisteis cambiar también de productor?

“Andy es un gran productor, un gran

“Nos reunimos con varios productores con los que nos apetecía trabajar y Jay fue el que se mostró más entusiasmado por trabajar con nosotros. Además, él había mezclado nuestro DVD en directo y había hecho un gran trabajo. Y también nos propuso un nuevo enfoque para la grabación. En lugar de grabar todas las baterías primero, luego todas las guitarras, todos los bajos y finalmente todas las voces, sugirió ir grabando todas las partes para un mismo tema y luego pasar a otro. La ventaja es que después de unos días, podíamos escuchar canciones ya terminadas y evaluar si había que cambiar algo concreto. Funcionó muy bien. Y para mí fue mucho más entretenido estar en el estudio, porque de la otra manera, estoy ahí sin hacer nada hasta que todos han terminado.

Y a nivel vocal, también es mejor porque no tengo que forzar la voz para grabar todo el disco entero de golpe”. Una palabra que usaría para describir vuestra discografía es la consistencia, y este álbum no es una excepción. Pero no sé si en algún momento os hubiera apetecido hacer algo completamente distinto, o si ya os gusta que la gente sepa qué va a encontrar en un trabajo de Amon Amarth antes de escucharlo.

“Si no nos gustara la música que hacemos, no la haríamos. Amon Amarth siempre ha sido un grupo cuya música es reconocible. Y para mí, cuando alguien dice que siempre sonamos igual, me lo tomo como un cumplido. Quizá lo hagan de manera sarcástica, pero para mí los grandes grupos son aquéllos que se mantienen fieles a lo que son, aunque luego lo desarrollen para hacerlo mejor. La gente que se queja de que somos demasiado estáticos, también debería quejarse de Iron Maiden o Motörhead, pero no lo oigo. Y eso es porque han ido sacando grandes discos. Y yo creo que hacemos lo mismo”. También a veces se olvida que para alguien que tenga 15 ó 16 años quizá éste sea su primer disco de Amon Amarth y le suene como algo completamente nuevo.

“Sí, desde luego. Además, creo que, en este disco, musicalmente, hay cosas nuevas. Sigue sonando a Amon Amarth, pero hay nuevos elementos”. Jomsviking era un álbum conceptual, pero éste no, ¿verdad?

“ES MUCHO MEJOR INSPIRAR A LA GENTE PARA QUE PIENSE QUE PEGARLE UN SERMÓN” JOHAN HEGG

“Así es. Éste no es un disco conceptual. Desde el principio vi que tenía ideas muy diversas para las letras. Creo que la gente espera que saquemos discos conceptuales uno detrás de otro, pero queríamos tener un poco más de libertad. Para mí no hubiera tenido sentido intentar forzar la diversidad de las letras para que encajaran en un concepto”. Desde fuera puede parecer que sólo habláis de vikingos, mitos, batallas… pero supongo que a menudo esas historias deben ser tomadas como metáforas

vo, pero en realidad es una metáfora sobre la avaricia y sus peligros. Y la última canción ‘Into The Dark’ parece con una canción sobre Loki, pero en realidad trata sobre los problemas de salud mental. Es muy probable que tengas un amigo o un familiar que los padece. Es importante que no tengamos miedo a hablar de ello. Creo que todos tenemos que reconocer que tenemos un punto de oscuridad en nuestro interior, es sólo que unas personas saben gestionarlo mejor que otras. Hay un gran estigma sobre eso y por eso quería hablar de ello en una canción”.

para hablar sobre otras cosas. ¿Correcto?

Los suecos tenéis la fama de ser

“En algunas canciones es así. En este disco hay un par de buenos ejemplos. Uno es ‘Fafner’s Gold’, que está sacado de la mitología. En la superficie es una lucha entre un dragón y su escla-

muy reservados con vuestros

sentimientos. ¿Es quizá por eso que prefieres usar metáforas en lugar de hacerlo explícitamente?

“Sí, puede ser. Es difícil hablar de

cosas personales de manera muy abierta. Pero también creo que se subestima el poder de una buena historia, aunque sea ficción. Hay un motivo por el que la gente se siente atraída por los libros, las películas, el teatro, no es sólo porque sea una vía de escape, sino porque aprendemos cosas sobre nosotros mismos a través del arte. Y por ejemplo, si hablas de política, a nadie le gusta que le llamen idiota. Pero si haces que esa persona lea o escuche una historia que haga que esa persona piense, es la manera que quizá logres que cambie de opinión. A veces, ser muy directo puede ser contraproducente. Es mucho mejor inspirar a la gente para que piense que pegarle un sermón”.

DARKENED NOCTURN SLAUGHTERCULT

AQ U E L L O Q U E MORA EN LA NOCH E SI CREES QUE EL BLACK METAL YA NO ES LO QUE ERA, DESDE LUEGO NO CONOCES A DARKENED NOCTURN SLAUGHTERCULT. Y TAMPOCO LOS HAS VISTO EN DIRECTO, CLARO... TRAS AÑOS DE MILITANCIA, HA LLEGADO EL MOMENTO DE QUE ONIELAR Y SUS HUESTES DEMUESTREN POR QUÉ SON LA BANDA DEL MOMENTO EN EL ESTILO CON MARDOM , LA OBRA QUE CONTIENE TODA LA PENUMBRA Y VIOLENCIA QUE LES DEMANDÁBAMOS. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

O NEGARÉ QUE DESEABA FERVOROSAMENTE QUE

esta entrevista fuera con Onielar, la aterradora y fantasmal frontwoman de Darkened Nocturn Slaughtercult, pero debo reconocer que una vez ante el histórico Velnias, la cosa adquirió una profundidad que para nada esperaba. Como todo buen músico de black metal, el germano, más que buscar empatía, desafía, y como tampoco podía ser de otra forma, más que opinar, el guitarrista sentencia. Es a través de estos pequeños detalles que uno sabe cuándo tiene delante a un charlatán pintarrajeado o a un auténtico soldado del género maldito, uno de ésos que se ha chupado su underground desde su misma creación y que, con una habilidad lingüística digna de un literato, consigue apresarte sin

remedio con argumentaciones que, no por razonadas, resultan menos contundentes. Ha sido un largo camino, el que Darkened han recorrido hasta llegar a Mardom (War Anthem Records). Fundados en el 97 y con seis álbumes en su haber (o capítulos, como le gusta decir a nuestro interlocutor), poco a poco se han ido convirtiendo en una banda de culto entre los sectores más puristas del black, sobre todo entre aquéllos que han encontrado en Onielar esa voz y esa actitud que creían perdida. Son un cuarteto particular y que opera bajo sus propias normas, que parece personificar el alma misma del estilo, así que tras seis años esperando una continuación para su anterior Necrovision, por fin traemos a los teutones a nuestras páginas con todos los honores.

Pero no perdamos más tiempo, pues la noche acecha, y es oscura… y alberga horrores. Sois una banda veterana, para mí la mejor que ha salido del black metal alemán, pero creo que no ha sido hasta hace poco que el público realmente se ha dado cuenta de vuestra gran valía. ¿Crees que precisamente por eso Mardom es vuestro disco más importante, porque lo espera más gente que nunca? VELNIAS “Consideramos que Mar-

dom es nuestro séptimo capítulo. Slaughtercult se fundó en 1997, y dos años más tarde se desató nuestro primer capítulo, The Pest Called Humanity (se trata de una demo –ndr.). Por supuesto, una banda recién llegada sólo alcanzará y despertará a una cantidad limitada de oyentes en la escena mundial. Sin embargo, con cada nuevo lanzamiento notamos un incremento de ‘popularidad’. Año a año descubrimos que la cantidad de personas que aprecian una banda como Darkened Nocturn Slaughtercult crece. Por lo general el tercer álbum resulta ser el clímax temporal de las bandas; en nuestro caso ése fue Nocturnal March (su segundo álbum, de 2004 –ndr.), que de hecho llevó al grupo a un nuevo nivel. Como nuestro enfoque reside únicamente en la creación de música que personalmente nos guste, nos sorprende una y otra vez el feedback positivo que recibe Slaughtercult. Se espera de Mardom que una vez más sea un lanzamiento que satisfaga completamente nuestra definición de capítulo espléndido, y que pueda hacer frente fácilmente a las expectativas de los viejos seguidores, así como de los nuevos oyentes”. 78

¿Por qué Mardom? ¿Qué queréis mostrar o qué significa este título?

“El uso de los llamados neologismos se remonta al primer capítulo. Cada vez que el lenguaje normal hecho por el hombre falla al tratar de expresar el significado deseado, vemos la necesidad de crear una nueva palabra. Dicha creación agrega una nueva definición, que se relaciona fuertemente con un estado de ánimo personal específico, emoción o experiencia. Aunque ya sabemos que ‘mardom’ también existe en persa, ésta se entiende como un nuevo significado encontrado. Durante el tiempo que trabajamos en este álbum, teníamos un concepto en mente que exigía un título autosuficiente. Obviamente Mardom es el resultado de este proceso. El concepto de Mardom está basado en límites y confinamien-

tos, transiciones y todos aquellos que atraviesan esas esferas. En la caja de edición limitada habrá más información sobre este concepto, así como en el lanzamiento en formato vinilo normal. Ambas versiones incluyen un booklet de 24 páginas con, por primera vez, nuestras anotaciones”. ¿Por qué habéis necesitado seis años para crear un nuevo disco?

“Simplemente porque hacemos las cosas paso a paso. Slaughtercult no es una banda comercial, lo que significa que todos los miembros tienen trabajos diarios a tiempo completo. Eso implica una cierta interacción con la sociedad y, por lo tanto, una dosis diaria de mierdosa interacción social. Eso conduce a un alto nivel de energía que se está drenando. Al igual que todos los demás, estamos

Onielar también está en Bethlehem, así que imagino que también estáis interesados en otros tipos de música además del black más ortodoxo… Pero a la hora de componer para Darkened, ¿descartáis canciones o partes por el mero hecho de no ser lo suficientemente tradicionales? Cuando escribís nuevo material, ¿buscáis siempre la esencia más pura del black metal?

“CUANDO UNA CANCIÓN ES CAPAZ DE CAMBIAR TU ESTADO DE ÁNIMO DE FELIZ A SOMBRÍO, ES QUE REALMENTE TE ESTÁ HABLANDO. ESO ES MAGIA AUDIBLE” VELNIAS

sujetos a los bombardeos externos de otros seres humanos. No importa lo fuerte que seas; de vez en cuando, te entregarás. La vida te hará caer de rodillas. Ahí es donde se muestra la verdadera fuerza. Debemos caminar por los cielos y los infiernos para apreciar plenamente lo que ambos pueden proporcionar. Durante los últimos años hemos sufrido algunos sucesos bastante desagradables, y esos incidentes demandaron toda nuestra atención y tiempo. Darkened Nocturn Slaughtercult se ejecuta con la mayor sinceridad y honestidad, aquí no hay lugar para la desgana. Por supuesto, podemos mantener a la banda con vida sin importar lo que suceda, pero el progreso real, por ejemplo, en un nuevo álbum, sólo ocurre si el grupo entero puede trabajar completamente dando el máximo de sangre y sudor”.

“Nuestro gusto personal por la música nunca se limitó exclusivamente al black metal. Cualquiera que sea capaz de despertar y alterar el actual estado mental es bienvenida. La música es un lenguaje con muchos dialectos. Podemos entender y hablar algunos, pero ni de lejos todos. Aquéllos que entendemos completamente se hablan con el don de la palabra, y el don de la palabra representa todas esas cosas que pueden afectarnos. Por ejemplo, cuando una canción de Bethlehem como ‘Tagebuch Einer Totgeburt’ o ‘Schatten Aus Der Alexander Welt’ es capaz de cambiar tu estado de ánimo de feliz a sombrío, es que realmente te está hablando. Eso es magia audible. De eso trata el arte en general. Eso es lo que buscamos con Darkened Nocturn Slaughtercult y, ciertamente, eso es también lo que buscan Bethlehem. No nos estamos limitando respecto al nuevo material. Algunas ideas se descartan, mientras que otras se dejan de lado y se vuelven a trabajar”.

Beneath The Earth’ (‘El que mora sobre los cielos y debajo de la Tierra’ –ndr.), y eso es también de lo que trata, tan simple como eso. Una vez más hay que señalar que realmente no estamos sirviendo toda la información en bandeja, pedimos a nuestros oyentes que encuentren su propio significado para cada una de las canciones. Todas las letras están impresas y, como mencioné anteriormente, por primera vez se tendrá acceso a nuestras notas. Cualquier nueva canción es creada en momentos de recogimiento; la mente se queda en blanco. Los dedos en la guitarra son como un recipiente inmanejable en el tormentoso océano de la tranquilidad. No tienes más remedio que abandonarte en eso. Ríndete a una fuerza misteriosa que ha tomado el control. Aguanta la tempestad. Muy a menudo tales viajes acaban resultando en creatividad. O nace una nueva canción o letra, parcialmente o en su totalidad”. ‘Exaudi Domine’ es cruda y despiadada… Supongo que sabes que ya nunca más se moverá de vuestro setlist, ¿verdad? Seguramente sea mi favorita del disco, y ‘The Boundless Beast’ también es bastante asesina…

“Estás en lo cierto, ‘Exaudi Domine’ es parte del repertorio actual”. Me encanta el toque Immortal de ‘Imperishable Soulless Gown’, y con ‘The Sphere’, el álbum se

‘T.O.W.D.A.T.H.A.B.T.E.’ es formi-

cierra con la sensación de que se

dable, un caos donde ocurren mil

va haciendo más y más virulento

cosas y que muestra todas vues-

conforme avanza… ¿Sientes lo

tras facetas. ¿Cómo la creasteis

mismo?

y de qué trata?

“Mientras la comparación con Immortal se refiera a sus primeras obras, no se tomará como una ofensa. Tu impre-

“La abreviatura significa ‘The One Who Dwells Above The Heavens And

de su variedad sea potenciada para enfatizar una marca registrada determinada. Onielar considera las voces como un instrumento normal. Como los demás, ese instrumento tiene que adaptarse a la canción en su conjunto. A veces es más adecuado quedarse en el fondo agregando toques sutiles, y otras, es necesario aumentar el caos en primera línea del frente. Tal punto de vista desinteresado es remarcable”. Ella ya estaba en la banda desde su misma creación, en 1997, y ahora es una de las voces más reputadas del estilo. Por aquel

“UNA COSA QUE TODOS LOS BUENOS VOCALISTAS TIENEN EN COMÚN ES LA SINGULARIDAD Y EL VALOR DEL RECONOCIMIENTO. ONIELAR DEFINITIVAMENTE CUENTA CON AMBAS COSAS” VELNIAS

sión de que el álbum se vuelve más virulento hacia el final no es la de la banda. Los dos últimos temas del disco están preludiados por ‘Widma’, una pista ambiental que definitivamente deberías escuchar con los auriculares en total oscuridad. Tu experiencia con ‘Imperishable Soulless Gown’ y ‘The Sphere’ será aún más intensa después. El toque virulento también puede ser inducido por un ligero cambio en la afinación de los instrumentos. Una vez tengamos suficiente material para un nuevo lanzamiento, también consideraremos cuidadosamente la sucesión. Un álbum debe poder mantener el interés de los oyentes desde el principio hasta la última nota. Con el último acorde, éstos deben querer ir hacia atrás con el deseo de volver a escuchar el trabajo de nuevo”. Si algo amo de la voz de Onie80

lar es cuando empieza a reírse como una bruja o a chillar como un espectro enrabietado. Ahí no tiene rival. Supongo que lo potenciáis especialmente porque sabéis que es algo único y brutal que sólo vosotros podéis ofrecer.

“Una cosa que todos los buenos vocalistas tienen en común es la singularidad y el valor del reconocimiento. Onielar definitivamente cuenta con ambas cosas. Eso se muestra claramente en sus apariciones como invitada en Purgatory y Enthroned. Diferentes bandas con diferente sonido, pero aun así, si las escuchas, de inmediato sabes que es ella. Otra prueba es Bethlehem. Su dark metal perfeccionado no tiene mucho en común con la música de Slaughtercult, pero tienes que admitir que reconocerás las voces de Onielar fácilmente. Sin embargo, esto no significa que un aspecto específico

entonces, ¿cómo era ser una chica cantando black?

“En 1997 comenzamos como un trío. Sólo batería y dos guitarras. Durante mucho tiempo pareció una tarea imposible encontrar un bajista. Sin embargo, empezamos a escribir nuestras primeras canciones mientras tanto. Teniendo algunas pistas preparadas, la pregunta sobre las voces apareció. En ese momento fue Ariovist, nuestro primer batería, quien expresó la idea de que fuera Onielar la que hiciera las voces. Y, he aquí, qué hombre tan visionario es. Durante los primeros años nadie supo que nuestra banda tenía una vocalista. A nadie le importaba. Ya en aquel entonces nunca se nos ocurrió utilizar este hecho como una especie de anuncio o marca comercial. Simplemente dijimos ‘hey, les gustamos a la personas como banda o no’. Hicimos nuestro primer show en marzo de 2002, y ahí fue cuando la gente se dio cuenta de nuestro ‘problema’ de género. En realidad, nunca fue verdaderamente un gran problema. Onielar pudo silenciar a algunos infieles haciendo lo que ella hace con convicción. Esa sinceridad y convic-

ción es lo que otros respetan. Todos nosotros tenemos los pies en la tierra. Sin estrellatos, así que, definitivamente, no hay culto a la personalidad. Ésa es una actitud honesta”. ¿Y de dónde surge la idea de la novia escupiendo sangre? ¿Tiene esa aparición escénica algún significado especial?

“Esta idea surgió durante la era de Necrovision. El concepto de los álbumes requiere un tipo diferente de visualización. Necrovision es de naturaleza arcana, horripilante e inquietante. A menudo el blanco se asocia con ser puro y limpio. Echando un vistazo a las ilustraciones de Necrovision, te darás cuenta de que todo lo demás es muy sucio. La novia está incrustada dentro de colores oxidados y mugrientos. Nos gusta mucho jugar con los opuestos. Es necesario tener una visión amplia para comprender cómo funcionan las cosas. Suena un poco a cliché, pero hay belleza y vida en la oscuridad, así como hay muerte, destrucción y desesperación dentro de la luz. Puedes encontrar un montón de simbolismo en los detalles de nuestros artworks. Siempre debes ver un álbum en su totalidad: el arte, las letras y la música”.

metal, incluso si nunca antes había escuchado a ese grupo. Esa tienda de artículos importados de Europa… Todas esas compras a ciegas nunca me decepcionaron ni una sola vez. Eso funciona siempre y cuando ese género sea sublevación. Una vez se vuelve más popular crece como un hongo. Se producen todo tipo de desviaciones y separaciones del estilo. Se ajustan las ideologías. Naturalmente, a medida que pasa el tiempo, las cosas cambian. Los tiempos pasados no pueden volver. Todos esos intentos retros son agradables, pero al final son sólo intentos. Entonces, ¿puedes devolverme la gloria que sentí durante esos años? No, en realidad no. Llegados a este punto, la gente está en lo cierto cuando dice que el black metal no es como antes. Pero si quiere decir que ha perdido sus garras y colmillos, y que hoy en día es una bestia domesticada, bueno, en ese caso lo veto”.

Netherlands Deathfest. Algunos borrachos intentaron subirse al escenario y Onielar los pateó sin piedad con sus botas militares. compasión? (Risas).

black disfruta de un gran estado

“Es una simple norma que tenemos: el escenario es nuestro, especialmente desde que tuvimos algunos conciertos donde gente sobre el escenario cayó sobre el backline. Se necesita sólo un jodido borracho para pausar o incluso detener completamente la actuación de todos los demás. Si la gente se sube a las tablas, cosa que no ha ocurrido en mucho, mucho tiempo, no es como si los quisiéramos echar inmediatamente de nuevo. Todo depende de su comportamiento. Subirse y saltar poco después, OK. Interferir en nuestro concierto o invadir nuestro espacio personal, bajarlo al instante”.

de salud, pero es verdad que ha perdido parte de su agresividad en directo, que ya no es tan ofensivo y terrorífico en los conciertos. Watain, a veces Darvaza y vosotros sois de los pocos que aterrador sobre las tablas. ¿Opi-

te bajo mi punto de vista, que el

nas igual?

black metal ya no es lo que era,

“El mayor problema en nuestro mundo moderno es que, simplemente, hay demasiado de todo. Esto no sólo concierne a la música, sino a tu vida diaria. ¿Cómo puedes realmente valorar algo si puedes elegir entre cien cosas cada día, cada hora de la semana? Toma todas esas frutas insípidas de tu tienda que se importan de todo el globo. ¿Cuántas de ésas tienes que

“Eso es algo cierto. Cada época tiene un sonido y un sentimiento muy concisos. Personalmente, recuerdo un momento a mediados de los 90, cuando entraba en nuestra tienda de discos local y compraba algún álbum que estuviera etiquetado como black

vuestro, ése en la capilla del

¿Es que no merecían algo de

Mucha gente opina, erróneamen-

qué les dirías?

Recuerdo especialmente un show

Ya… Musicalmente creo que el

seguís ofreciendo algo creíble y

que ha perdido su esencia. ¿Tú

comer hasta que finalmente encuentras una que no tenga un sabor artificial? Sin desviarnos demasiado, eso es sólo un ejemplo de nuestra forma de vida saturada, y lo mismo se aplica a la música. Probablemente puedas pasar años en Bandcamp, Google, YouTube y Facebook, y descubrir bandas cada día. Echa un vistazo al cielo nocturno estrellado: la cantidad de estrellas es abrumadora. Lamentablemente, muchas no pueden ser vistas ya que están envueltas o se han visto superadas por estrellas más cercanas. Sin embargo, todos sabemos que esas joyas ocultas están ahí. Simplemente se han vuelto más difíciles de desenterrar”.

KAOTIKO

LEVANTAN LA VOZ

QUIEN TIENE UN AMIGO, TIENE UN TESORO. EN EL CASO DE KAOTIKO, ESTE TESORO TIENE NOMBRE Y APELLIDOS: EVARISTO PÁRAMOS. EL CANTANTE DE GATILLAZO Y LA POLLA RECORDS HA SIDO EL ENCARGADO DE PONER LAS PALABRAS A LA MÚSICA QUE ENCONTRAMOS EN EL NUEVO TRABAJO DE LOS DE SALVATIERRA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UCHO HA LLOVIDO DESDE QUE

los componentes de Kaotiko pidieran dinero prestado a sus padres para comprarse una furgoneta. Quizá entonces podía parecer una temeridad, pero ellos tenían claro que la única manera de hacer llegar su punk rock combativo al público era chupar carretera y manta. Como nos cuenta Jon, su vocalista, una tarde de marzo mientras termina de hacer la compra, “se trataba de sembrar”, y, veinte años después, aquí siguen sembrando. El último fruto es Aprende Violencia (Maldito), un octavo trabajo de estudio en el que se han reencontrado con dos conocidos colaboradores. Por un lado, el productor Haritz Harreguy, y por otro, Evaristo, quien antes de reactivar a La Polla Records, tuvo a bien escribir las letras de las nuevas canciones de sus vecinos. Nadie como él para denunciar el retroceso social que estamos viviendo y darle al disco ese aire de vuelta a los orígenes que buscaba el grupo. Éste es un álbum más agrio, más oscuro, con más mala leche que vuestros últimos trabajos. ¿Os ha llevado a ese resultado las letras de Evaristo o es algo que ya

teníais en mente vosotros? JON “La verdad es que, después

de veinte años, antes de este disco reflexionamos un poco sobre lo que queríamos hacer. Dentro de nuestras posibilidades, claro. Porque lo que tocamos al final es do, re, mi, y poco más (risas). Pero la verdad es que echamos un poco la vista atrás y recordamos nuestros inicios, lo que nos costó. Nuestra idea era volver a los orígenes y buscar esa sencillez de los inicios en las composiciones, pero dándoles el toque de estos últimos años y lo que hemos ido aprendiendo. Y en esos primeros discos, que son los que nos empujaron, colaboró Evaristo. Y ya que le teníamos cerca, hablamos con él y dijo que sí. Aunque nos hubiese gustado que hubiera cantado también, contar con él para las letras ya es un puntazo. Al final ha quedado más o menos lo que esperábamos, esa alegría que tenemos, pero también un poquito agrio, con una parte oscura”.

luego, a partir de un boceto, vamos colaborando. Siempre estamos en contacto. Ensayamos al lado. Además, ¿qué le vas a decir a Evaristo? ‘¿Esto no me gusta?’. Aunque hemos cambiado alguna cosa. Pero siempre lo hacemos así. Terminamos la canción y luego pone la letra. Teníamos algunas letras en el local, pero en este caso han quedado en un cajón. Súper orgullosos de poder contar con él porque no mucha gente puede hacerlo. Tenemos la oportunidad y la hemos aprovechado”. ¿El hecho de cantar las palabras de otro, te cuesta más de interiorizar que si fueran las tuyas?

“No. Al final las estoy masticando desde el principio y conozco a Evaristo y sé la intención y por qué dice cada palabra. No tengo problemas en ese aspecto. Cuando salgo al escenario las siento igual que si fueran mías”. ¿En algún momento pensasteis

¿Cómo trabajáis con él? ¿Le pa-

‘joder, Evaristo, aquí te has pa-

sáis la canción ya terminada con

sado de frenada…’?

la melodía para que haga la

“No, no. Para nada. Creo que incluso nosotros a veces podemos ser más bestias a la hora de escribir (risas). Evaristo igual es más sutil, pero mete más el dedo en la llaga. La censura ahora mismo ya no sabemos dónde empieza y dónde termina. Nosotros vamos a seguir igual y diciendo lo mismo. Si tenemos la suerte que a alguno se le cruza el cable, habrá

letra o participa en algo más?

“Normalmente, vamos al local, hacemos la base, luego ponemos la melodía y dejamos la canción terminada, pero en ‘guachiuei’, en nuestro inglés macarrónico. Lo que hace él es coger nuestro inglés y traducirlo poniendo palabras en castellano. Ya conoce nuestras ideas y la temática y

que torearlo como se pueda”. El otro día hablando con un músico de Barcelona, me decía que parecía que fueran los grupos los que se estaban autocensurando por miedo a tener problemas.

“No sabría decirte. Lo que es cierto es que los periodistas lo preguntáis siempre, así que ese temor debe existir. Nosotros nunca lo hemos pensado porque no sabes si vas a molestar diciendo una cosa o la otra. Como te he dicho, siempre puede haber alguien a quien se le cruce un cable, pero ni nosotros, ni grupos de nuestro alrededor del País Vasco, se cortan. Lo decimos y luego ya veremos lo que pasa. Como nosotros decimos de risa, ‘en casa ya están avisados’. Pero no hay que tener miedo”. Pero supongo que la presión ambiental existe. El chaval que ve que a uno le juzgan por un tuit y a otro por un rap, le influye.

“Sí, claro. Pero es algo generalizado que también os afecta a los periodistas. Parece que hayamos retrocedido a mucho antes de los años 80. Yo creo que la cosa está peor que en los 80. Seguro que ahora habría grupos de esa época que estarían en la cárcel”.

dices ‘¿Quién es éste?’. Pues igual resulta que es alguien que su papá sí puede liártela. Al final se va creando esa presión, pero no puedes dejar que te influya. Nosotros siempre decimos lo que sentimos, y al que no le guste, pues ya nos veremos si hace falta”. El título Aprendiendo Violencia parece muy adecuado con todo lo que estamos viviendo. Hasta ahora todo el mundo tenía claro lo que era la violencia, pero ahora hasta eso se está distorsionando para criminalizar la protesta legítima y pacífica.

“Es lo que se hizo con la palabra ‘vasco’, que significaba terrorismo. O todavía pasa que, si alguien habla euskera, parece que sea de la ETA. ¿Hasta dónde vamos a parar? La canción habla sobre que todo lo que vemos en los medios es ‘violencia’. Ver el niño muerto en la orilla, la sangre… Antes si había sangre apartaban el plano, ahora hacen zoom. Lo van normalizando para que nos acostumbremos a vivir entre violencia, entre miseria. Igual si se hablase de cosas más bonitas, las cosas cambiarían o seríamos más positivos. Enseñar siempre violencia es como si te anestesiasen en ese aspecto”.

ticos y que la gente se levante y proteste. Lo que yo llamo una ‘violencia sonora’. Si en lugar de quedarnos en casa viendo El Partidazo estuviéramos en la puerta del Ayuntamiento gritando, seguramente cambiarían muchas cosas. Pero estamos todos corriendo para arriba y para abajo, para que no pensemos mucho, y luego nos desahogamos viendo el fútbol. Yo creo que, aunque hiciésemos baladas u otro estilo, seguiríamos reivindicando algo, seguro. Cada vez hay más cosas que reivindicar. Es triste, pero las canciones del primer disco siguen totalmente vigentes. Han pasado veinte años y podríamos haberlas metido en este álbum”. ¿No hay ninguna canción que escribieras sobre algún tema y que hayas cambiado de opinión desde entonces?

“Mmm… No sabría decirte, y eso que ya somos viejóvenes. Estamos rondando los 40, alguno incluso los ha pasado. Pero te diría que no. Si me pongo a pensar hasta me quedé corto, porque algunas cosas han ido a peor”. El disco lo habéis grabado con Haritz Harreguy, que es una persona habituada a conseguir ese sonido más duro.

También puede ser que entonces

Además de disfrutar haciendo

esta música sólo llegaba a la

música, ¿habéis visto el grupo

gente afín que escuchaba a los

como una herramienta social?

grupos, y ahora por las redes,

“Sí. Nuestra intención es decir cosas para que las escuchen. La mala suerte es que la mayoría de la gente que lo hace ya sabe de qué va el rollo. Nos gustaría que lo escuchase la otra parte, la que necesita abrirse la mente. Sobre todo para ser más crí-

cualquier facha se puede poner a buscar qué dicen los grupos para una caza de brujas.

“Así está siendo. Normalmente suele ser alguien de derechas, se fuma un porro, se le cruza y te la prepara. Y

“Haritz es de la familia casi. Los dos últimos discos los hicimos con Jimmy de Soziedad Alkoholika, pero todo surgió en el local también. Esta vez que teníamos temas más sencillos que podíamos controlar más, pensamos en Haritz, que también había producido discos nuestros. Nos conoce de sobras. Haritz es un cirujano. Le das una canción y mete el bisturí,

“YO CREO QUE LA COSA ESTÁ PEOR QUE EN LOS 80. SEGURO QUE AHORA HABRÍA GRUPOS DE ESA ÉPOCA QUE ESTARÍAN EN LA CÁRCEL” JON

y sabe hasta dónde nos tiene que apretar”. Volviendo a Evaristo, ya aprovecho y te pregunto qué te parece el retorno de La Polla Records.

“Yo como fan estoy flipando. Es algo que no pensábamos que fuera a ocurrir. Estamos mirando ya la agenda porque la tenemos llena y no queremos que coincida para poder ir a verles”. Que os ponga a tocar con ellos, ¿no?

“Bueno, ésa era la ilusión porque cuando empezó Kaotiko siempre íbamos con La Polla. Pero ahora ya hay promotores de por medio, pero bueno, va El Drogas, que también es de la familia. Así que a gusto. Y a gusto iremos a verles (risas)”. De todos modos, tampoco os podéis quejar. Me parece que con cada disco vais ganando terreno, ¿no?

mos a ser veteranos. Lo que es un poco triste es que detrás tampoco hay demasiado. De cuando salimos en los 2000, hay muchos grupos que salieron y después de cuatro años desaparecieron. Nosotros el matrimonio lo seguimos llevando bien. Ahora ya vemos a padres que vienen con sus hijos que han cumplido 18. Y se va sumando. Es bonito ver un cambio generacional y ver a los jóvenes en las primeras filas”.

“Con el público sí que lo vamos notando, pero al final los lunes vamos a trabajar. Eso no ha cambiado. Pero después de veinte años ya empeza-

OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

EL CIRCO DE LA VACA

ola amigos! Desde que se anunciara el retorno del Doctor Music Festival allá por 2016, he seguido con mucho entusiasmo los avances del mismo. Todo lo que le rodea me provoca la necesidad de ponerme unas gafas 3D, sentarme en una butaca y empezar a atiborrarme de palomitas. Nunca pude asistir a las ediciones noventeras, pero los recuerdos de todos los asistentes eran maravillosos y con esos arrebatos de nostalgia mucha gente se ilusionó ante el evento. Pero ya había algo que olía a chamusquina ¿Anunciar un festival a 3 años vista y con las fechas ya confirmadas? Sólo podía obedecer a una gran confirmación... o no. Con gran sorpresa sorpresa comencé a observar como conocidos adquirían sus abonos, sin alojar una sombra de duda respecto a un hipotético cartel ¿Con qué fundamento? Con el recuerdo de los line-ups pasados, y sin tener en

cuenta cuánto ha cambiado y evolucionado el panorama de conciertos y festivales, y del propio negocio musical. Vivimos una burbuja de festivales excesiva, una competencia incluso desleal a la hora de contratar grupos... ¿Cómo podría la promotora blindar artistas? Comenzamos a recibir confirmaciones de grupos y a partir de ahí las bizarradas surgieron, como por ejemplo las tres actuaciones de King Crimson, ejecutando tres setlists diferentes, y un cartel, a mi parecer, sin pies ni cabeza. Pero la noticia más curiosa y reciente ha sido el anuncio del posible traslado del festival, de un entorno único como Escalarre, al circuito de Montmeló, a tres meses del evento. Afloran unas cuantas dudas: ¿Llegará a celebrarse el esperado Doctor Music Reincarnation Edition?¿Será nuestro particular Fyre patrio? Hagan juego, señores, y sigan atentos a las noticias, porque estoy segura de que aún hay más.

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes el elegido para mi Hall Of Fame es Morning Star de Entombed. Hacer esta columna y llamarla mi ‘Hall Of Fame’ es chulo pero, seamos honestos: muchos de los discos de los que hablo aquí son tan exitosos que no necesitan que muestre mi apoyo. Muchos ya hablan por sí mismos: Appetite For Destruction, Master Of Puppets, Never Mind The Bollocks, Led Zeppelin I… ¿Quién soy yo para darles la aprobación final? Pero por otro lado, hay álbumes que han sido criminal y constantemente ignorados, y creo que ésa es la razón por la que esta columna existe. En el mundo del heavy metal, uno piensa rápido en Slayer, Iron Maiden, Metallica o Judas Priest. Todos ellos se merecen la mayor de las consideraciones. Pero existen una serie de bandas a las que no se les ha prestado la atención que merecerían. Una de esas formaciones siempre han sido Entombed. Entombed molan. Ésta es una declaración que todo el mundo debería de gritar tan fuerte, como cuando lo hace diciendo “Ozzy” o “Slayer” en los conciertos de rock. Tan sólo han sido capaces de editar nueve álbumes en 31 años, pero su contribución ha sido enorme. Con clásicos del death metal como Left Hand Path y Clandestine bajo su hombro, todavía fueron más 88

lejos y crearon su propio género, el death’n’roll, cuando editaron Wolverine Blues en 1993 seguido por DCLXVI: To Ride Shoot Straight And Speak The Truth en 1997. Wolverine Blues está catalogado como un clásico, de la misma manera que su álbum de retorno, Uprising, en el año 2000, pero Morning Star de 2001 es probablemente su álbum más completo. Un trabajo dolorosamente ignorado. Es un álbum impecable e implacable de grandes canciones de metal. Una tras otra. Podría citar algunos temas pero, realmente, no hay unos mejores que otros. Cada canción tiene su razón de ser en el disco y son perfectas una al lado de la otra. No hay absolutamente nada de relleno. Qué secuencia más perfecta de aplastante metal. Podría citar tan sólo unas pocas

decenas de álbumes tan perfectos como éste, y ésos serían ejemplos de álbumes multiplatino. Ése es el nivel al que Morning Star pertenece. Recientemente ha habido una más que publicitada separación dentro del propio grupo, que ha dado como resultado la existencia de dos Entombeds –‘Entombed’ con tres miembros originales y ‘Entombed A.D.’ liderado por el cantante LG Petrov-. Para un fan como soy yo, me gustan las dos entidades y definitivamente no me posiciono en favor de ninguna. Aun así, lo que me gustaría ver es a Entombed renacer y recuperar lo que les pertenece. No hay un grupo de metal que lo merezca más que ellos. Así que induzco Morning Star para probarlo. Si dudas de lo que digo, es que todavía tienes que escucharlo. ¡Hasta el mes que viene!