RockZone 161 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez, Sergio Pozo, Blanca Gemma Fuerte. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Blanca Gemma Fuerte, Alex Belza, Andrea Estebaranz, Unai Endemaño Foto de portada: Tim Tronckoe

¡Bienvenidos! Arrancamos un nuevo curso con las pilas recargadas y un montón de material de lo más fresco. Para empezar una entrevista en primicia con Dennis Lyxzén a propósito del nuevo álbum de Refused, War Music, que no se publicará hasta el 18 de octubre. Seguimos con una auténtica institución como Pixies, el retorno de Killswitch Engage e interesantes entrevistas a Daughters o Implore. Y por supuesto, no falta nuestro veredicto sobre el disco más esperado de la temporada (podéis leer una versión extendida en la web). Esperemos que este número os ayude a llevar un poco mejor la depresión post vacacional. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: A Day To Remember (Londres) © Rubén Navarro

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 161

06 / EN DIRECTO 10 / OZZYO - DE CINE 14 / FIDLAR 18 / PIXIES 24 / DAUGHTERS 30 / KILLSWITCH ENGAGE 34 / REFUSED 42 / DISCO DEL MES 44 / CRÍTICAS 58 / TORCHE 62 / IMPLORE 68 / TINY MOVING PARTS 72 / ESPECIAL FOTO 76 / CEREMONY 80 / OPINIÓN 82 / DANKO’S HALL OF FAME

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BARNA ‘N’ ROLL 3/8/2019 - POBLE ESPANYOL (BARCELONA) TEXTO: SERGIO POZO FOTOS: ERIC ALTIMIS

BLOWFUSE

PANELLET

legó la cuarta edición del festival barcelonés que se consolida como la cita ineludible de los fans del punk. Como se podía comprobar observando el público asistente, un cartel ecléctico que cumplió con las expectativas del respetable. El éxito de esta edición no se debe sólo a las actuaciones. Cabe destacar que se ha mejorado con creces la producción del evento. Ya no es misión imposible ir al lavabo, sonó mejor que nunca y el servicio de restauración estuvo muy bien resuelto. No es fácil manejar un sold out y los de HFMN superaron la prueba con nota. Por desgracia, empieza a ser una moda ver desparecer móviles y carteras en los pogos de los festivales y, si no se encuentra una solución nos tocará tomar parte en el asunto y movilizarnos rollo vecinos indignados porque es muy 08

triste escuchar a la gente decir “¿Alguien ha visto mi móvil?” continuamente y que te jodan una noche de fiesta. Los manguis, no satisfechos con eso, también se están aficionando a robar material fotográfico a los compañeros gráficos. Una verdadera mierda vamos… Pero hablemos de cosas bonitas. Abrieron la tarde unos Panellet que sonaron de narices. No es fácil ser el primero y mantuvieron bien eltipo con un público que buscaba la sombra y dosificarse para afrontar las horas que quedaban por delante. Cierto es que su apuesta es complicada, pero lo mismo se decía de CRIM y ahí los tienes. Aunque para mí todavía les faltan más temazos, como sí ocurre en el caso de Masked Intruder, con quienes se les compara habitualmente. Blowfuse salieron a matar y lo consiguieron, aunque sí es cierto que eché

THE BABOON SHOW

de menos algo de claridad auditiva. Sin tener esa minucia en cuenta y que Óscar no sabía qué hora era (“Gracias por estar aquí a las cinco”, decía cuando eran casi las ocho de la tarde), lo demás son todos alabanzas para una banda que ha sabido crecer a la perfección. Su directo es igual de agresivo que siempre y los temazos de su último disco encajan de muerte con los antiguos, más zapatilleros. Energía pura en escena, están más rato por los aires que en suelo firme. El salto del tigre de su líder es un clásico que no puede faltar en sus directos. Orgullo de una banda local que se merece lo mejor porque, hasta el momento, ha sabido hacerlo todo bien. Lo de Baboon Show se me escapa. Entiendo que es una banda que tiene un directo con garra, pero no comparto el furor que causa entre la gente. Una

PROPAGANDHI

banda que llevaba años en la escena y a la que nadie había hecho caso hasta ahora. Les faltan hits y calidad, pero eso no parece importar a la gente que disfruta de lo lindo con su agresividad rockera. ¿Hasta dónde llegarán los suecos? Todo un enigma. Propagandhi es punto y aparte. Una banda que ha mostrado coherencia a lo largo de su carrera y de la que es difícil de disfrutar en directo debido a su filosofía anticapitalista. Lejos quedan ya aquellos ruidosos primeros discos en los que salpicaban pura rabia para dejar paso a composiciones muy trabajadas que rozan la música progresiva. Esas proezas compositivas se ven reforzadas con un directo sin efectos especiales que centra el show en su música. El inicio con ‘Failed Imagineer’, ‘A Speculative Fiction’ , ‘Dear Coach’s Corner’ y ‘Fuck The Border’ nos dejó boquia-

THE OFFSPRING

biertos. Un concierto demasiado corto para desgracia de todos. La incorporación de Sulynn Hago le ha sentado de maravilla a los canadienses. Lo de Propaganhi es de alabanza. Por si había dudas de la necesidad presentar a Talco en el cartel, no queda otra que admitir que el espectáculo que ofrecieron y la hora a la que fueron programados fue todo un acierto. A esas alturas de la noche la gente ya iba calentita y la prioridad era bailar y pasarlo en grande y a ese juego los italianos ganan por goleada. Para cerrar teníamos la incertidumbre del concierto de los americanos. Y digo incertidumbre porque todos los que seguimos a la banda desde hace tiempo sabemos que los directos no son su fuerte. Y ¡pam! Patadón en toda la boca. The Offspring sorprendieron con un espectáculo lleno de energía,

ritmo y pocas palabras. Sonó muy bien y se pasó como un suspiro. Y es que la anécdota de su setlist es si aparce un tema que no sea un hit. Fueron cayendo todos sus temazos a un ritmo vertiginoso al que no nos tienen acostumbrados. Mucha culpa de su saber hacer lo tuvo su batería que marcó una intensidad muy destacable durante todo el bolo. Intro con piano y velitas para ‘Gone Away’, pelotas de playa en ‘Why Don’t You Get a Job?’ y hits marca de la casa que no tienen fecha de caducidad. Creo que no era necesaria la versión de ‘Whole Lotta Rosie’ de AC/DC, pero lo cierto es que hasta eso les sonó de cojones. Una gran noche para los que tuvimos la suerte de no cruzarnos con un mangante y pudimos gozar de la fiesta y la música. Pero sobre todo… larga vida a Propagandhi. 09

OZZYO MI NOVIO ES UN OSO

Pamela Ribon y Cat Farris (FANDOGAMIA)

Cuando un trabajo te agarra el estómago fuerte y genera fuertes sentimientos una vez leído apetece muchísimo recomendarlo. Pamela Ribon (Slam!, Moana) se sirve del precioso estilo de animación de la ilustradora Cat Farris para ofrecernos una comedia romanticona que se sale de la norma al presentar un bonito subtexto sobre las relaciones, la aceptación y convivencia. Mención especial para el alegato promascotas que se marca. SG

EL MAL CAMINO Simon Hanselmann (FULGENCIO PIMENTEL)

Nueva entrega de la sitcom tragicómica del australiano Hanselmann donde, y puede parecer osado decirlo, las cosas ya se le van de madre a todos sus protagonistas. Puedes disfrutarlo sin conocer las entregas previas y sumergirte de lleno en el drama diario de la Bruja Meg, su pareja el gato Mogg y resto de tropa (un genialísimo previo te pone al día de los sucesos pendientes) donde todo lo coticiano aparece aderezado con un brutal pesimismo, abuso de drogas y cero expectativas de futuro. SG

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, LUIS BENAVIDES, RICHARD ROYUELA

PUNK FACTION (BHP ‘91 TO ‘95) David Gamage

SHURI: EN BUSCA DE PANTERA NEGRA

(EARTHISLAND

(PANINI)

Nnedi Okarofor y Leonardo Romero

PUBLISHING)

Simplificando mucho y para que nos entiendan los millenials que leen esta revista, los fanzines fueron los precursores de los blogs, pero en formato físico. Estas revistas de tirada reducida y enfocadas a una temática muy concreta, habitualmente contracultural, contaban con muy pocos medios, rezumaban DIY. Los dedicados a la música underground se podían encontrar habitualmente en los conciertos de hardcore, punk y metal. Es el caso del fanzine británico British Hardcore Press, más conocido como BHP. Por sus páginas desfilaron bandas, entonces no tan conocidas como ahora, como Green Day, Quicksand, All, Samiam, Rancid, Shelter y Jawbreaker, entre muchas otras. El presente libro reúne todos sus números en sus cuatro años de vida. El autor es David Gamage, conocido en la escena de los noventa como Dave Potato. Tocaba la guitarra en la banda de punk rock Coah Potatos y también organizaba conciertos y escribía en este fanzine. Gamage, ahora responsable del sello independiente Engineer Records, explica en la introducción del libro que compartir escenario con esas bandas y montarles conciertos hizo muy fácil conseguir todas entrevistas. Todavía se hacen fanzines, y muy buenos; pero las páginas de BHP, vistas ahora con retrospectiva, tienen un valor extraordinario. Dieron voz a los que no la tenían en los medios tradicionales y, más importante, generaban comunidad. LB

Animada por el éxito cinematográfico del personaje, Marvel ha confiado la nueva serie regular de la hermana de T`Challa a la escritora Okarofor, galardonada por sus novelas de Binti. La autora profundiza en estos primeros números en la psique de la heroína y dota a Wakanda de una mayor dimensión enriquecida por los conocimientos de la cultura africana investigando el paradero desconocido de Pantera Negra. Aunque no seas un experto, si te gustó el personaje, no lo dudes. SG

MUNDO IDIOTA Peter Bagge (LA CÚPULA)

Última entrega con la que se termina por recuperar el primer gran trabajo de Peter Bagge previo a la obra que le dio a conocer en todo el mundo: Odio. En este último recopilatorio vemos más de primer Bagge que conocimos en las etapas clásicas en blanco y negro de Buddy: un cinismo salvaje al respecto de sus semejantes aderezado por un individualismo atroz. Si bien puede que el Bagge de ahora no hiciese igual alguna de estas historias (estas tienen ya 30 años) muchas mantienen la vigencia y fuerza del momento. SG

MATARSE PARA VIVIR Chuck Klosterman (ES POP)

Pese a ser un fan incondicional de Chuck Klosterman, o mejor dicho de gran parte de del trabajo de Chuck Klosterman, es la primera vez que echo la vista atrás a una de sus obras con tanto tiempo transcurrido. Editada originalmente en 2005, Matarse Para Vivir (Killing Yourself To Live en inglés), releer de nuevo esta obra de Klosterman es de lo más interesante. Pese a que ya había escrito ese Fargo Rock City, con el cual se desmarcó de los autores o periodistas de cultura pop de su generación, y que su carrera como articulista ya empezaba a ponerlo por encima de todos ellos, se nota que en la presente obra el autor todavía buscaba cierta provocación fácil para ganarse al lector. También no deja de ser curioso algunas de las referencias del libro –validas en aquel momento, totalmente prescindibles en estos- como pueden ser los nombre de Tone Loc o Chris Carrabba. Pese a ello, la novela/ensayo mantiene su encanto prácticamente intacto. Tomando como punto de partida un viaje en solitario por los Estados Unidos en busca de sitios donde fallecieron músicos importantes de la historia del rock, Klosterman, que en aquellos días trabajaba en la revista Spin, acaba convirtiendo el relato en una irónica reflexión de lo que han sido sus relaciones sentimentales. Y también, algo común en su obra, saca a flote sus obsesiones musicales, dándole una nueva vuelta de tuerca a las discografías de Kiss o Radiohead. Creo que todos los fans de Klosterman estamos de acuerdo que sus colecciones de ensayos son dónde verdaderamente exprimimos su genialidad –imposible cansarse de libros como Chuck Klosterman IV: A Decade of Curious People and Dangerous Ideas (2006) o el más reciente Chuck Klosterman X: A Highly Specific, Defiantly Incomplete History of the Early 21st Century (2017)- pero pasar por alto una obra como Matarse Para Vivir sería sencillamente un pecado. RR

DE CINE_ CON MIGUEL BAIN ÉRASE UNA VEZ EN... HOLLYWOOD LA SUMA DE TODAS LAS PARTES

s posible que nunca más vivamos a un cineasta tan puro y referencial, egoísta pero generoso y genial como Quentin Tarantino. Desde que Reservoir Dogs llamase la atención de propios y extraños con su economización del thriller de garaje, el cine de Tarantino no ha parado de crecer. Y todo ese crecimiento tenía una razón de ser. Érase Una Vez En... Hollywood es la suma de todas las partes de su carrera. Historia bastarda, reparto coral, emisoras de radio dándolo todo y fetichismos varios. Tarantino no ha creado un universo personal. Tarantino ha tuneado el mundo que todos hemos conocido, creando una dimensión alternativa donde sus personajes van y vienen, conducen temerariamente y fuman cigarrillos Red Apple. Su nueva película es un resumen perfecto de las razones por las que lo ha hecho: para quedarse a vivir en él y recor12

dar sus días de gloria cuando sea un anciano invidente. Para recordar su Hollywood. Para hacer de su filmografía su patio de recreo. Su rancho Spahn. Esto fue una vez en Hollywood, pero en el de Tarantino. Su nuevo trabajo no es una película perfecta, algo que ha hecho en más de una ocasión, porque está obligatoriamente deslavazada: a ratos un triste relato sobre la decadencia de un mundo perdido, pero siempre optimista, muta en documental falso para recordar los títulos ficticios que directores reales rodaron con personajes del imaginario de su director. Tampoco es especialmente elegante ese montón de caras conocidas que resucitan para crear ambiente, porque ninguna llega a tener más calado ni importancia que dos de los personajes más finamente escritos de su carrera. Rick y Cliff son los protagonistas más entrañables y tiernos de su carrera desde los días de Jackie Brown. El chiste definitivo del tío que estaba en el bar de Desperado, que se enrolla y lo cuenta como dios, gustándose y estirándolo. Haciendo que entres y salgas, pero que sabe cómo volver a meterte de lleno, porque lo mejor es el final. Un paso más allá del metalenguaje y la referencia. Y de la reverencia, por supuesto.

QUIEN A HIERRO MATA VENGANZA FUSIÓN

aco Plaza se nos ha hecho mayor. La madurez del cineasta llega en el momento en que se aparta del horror espectral para abrazar uno mucho más tangible. Uno que dolió mucho y que todavía rasca. Quien A Hierro Mata no es una película perfecta, pero no lo necesita. Su reparto es brillante. Enric Auquer es una revelación, Ismael Martínez una confirmación y Xan Cejudo solventa el papel más difícil de la película con nota. María Vázquez pone la nota dulce en un papel que será difícil olvidar y Luis Tosar se encarga del resto. El guión de Juan Galiñanes y Jorge Guerricaechevarría se beneficia de la valentía de no conocer límites y poner sobre la mesa una serie de dilemas de difícil digestión que, afortunadamente para el espectador, juegan siempre a favor de obra. Merece la pena destacar el gran trabajo de

Pablo Rosso en la fotografía y los sonidos de Maika Makovski, que fusionan la cocción coreana con el caldo gallego para lograr el plato estrella de la temporada. Ya que me pongo culinario, creo que es de recibo advertir que la película no será plato de todos los gustos. Su aspereza, su nula capacidad para complacer a la audiencia constantemente y el equilibrio de una historia con multitud de ramificaciones es su mejor baza. El thriller español vive un momento dulce. Tarde Para La Ira, La Isla Mínima, Que Dios Nos Perdone, 70 Binladens… Plaza se apunta a la moda del nuevo género, uno que se mira en un espejo diferente al de hace años. Desde que el policiaco pasó de fijarse en las concurridas calles de los Estados Unidos para prestar atención a zonas mucho más modestas, pero igual o más efectivas, el thriller nacional no ha hecho más que darnos alegrías. Plaza, que en sus inicios parecía ir a la sombra de su colega Jaume Balagueró, ha ido poco a poco encontrando un estilo propio, y desde Cuento De Navidad ha sabido ofrecer lo que el espectador estaba buscando. Quien A Hierro Mata es una historia de fatalidades encadenadas, de la vida, que te pongas como te pongas, sigue igual.

new album out October 4

FIDLAR

DESCEREBRADOS CON CABEZA

DESPUÉS DE AÑOS DE DESPARRAME BAILANDO EN EL FILO DE LA NAVAJA, LOS CALIFORNIANOS FIDLAR SE CANSARON DE VIVIR SEGÚN LAS EXPECTATIVAS DE LOS DEMÁS. ALMOST FREE, SU TERCER DISCO, ES EL SONIDO DE SU LIBERACIÓN. O CASI. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

OMO RECONOCE ZAC C ARPER ,

a partir de cierta edad las resacas no duran horas, sino días. Pero cuando eres el cantante de un grupo con canciones como ‘Cheap Beer’ o ‘Cocaine’ y cuyos conciertos son célebres por el descontrol y la fiesta, puede costar darse cuenta que igual hay que poner el freno de mano. Por suerte, Carper y sus compañeros Elvis Kuehn (guitarra), Brand Schwartzel (bajo) y Max Kuehn (batería) lo vieron antes de que fuera demasiado tarde. Fidlar no sólo estaban cansados de su estilo de vida, sino también de estar encasillados en el sonido surf punk de su primer disco publicado en 2013. Por eso para su tercer álbum decidieron incorporar influencias de su amado hip hop de los 90 y reformular sus canciones. En Almost Free (Mom+Pop), publicado el pasado enero, nos encontramos a unos Fidlar más eclécticos y concienciados que nunca, pero sin renunciar a la diversión. En sus inminentes conciertos -el 6 de septiembre en la sala 2 de Apolo de Barcelona, celebrando el décimo aniversario de nuestros amigos de Binaural, y al día siguiente en el festival DCode de Madrid- podremos comprobarlo de primera mano. En Almost Free hay ecos de Beastie Boys, Beck y Cypress

hip hop y la banda que nos obsesionaba a todos era Cypress Hill. Lo que les diferenciaba de otros raperos es que tenían estribillos. Leí entrevistas con B-Real en la que citaba mucho a los Beatles. Para mí hacían canciones, no sólo rapeaban sobre un ritmo”. ¿Que titulaseis el disco Almost

Free significa que quizá no tuvisteis una libertad absoluta para hacer lo que queríais?

“El título tiene muchos significados. La idea era titular el disco Free, porque la música ahora se ve como algo gratis, pero empezamos a pensarlo y vimos que realmente no es totalmente gratis, es ‘casi gratis’ (risas). Era una broma divertida. Pero también tiene que ver con que se nos ha etiquetado como una banda de surf rock durante toda nuestra carrera. Nuestro primer trabajo funcionó bien y todo el mundo quiere que hagamos lo mismo en cada disco. Cada vez que hemos cambiado un poquito, hay gente que se enfada. Así que para mí este álbum era decir ‘joderos’ (risas). Nosotros crecimos escuchando y haciendo todo tipo de música. Fueron las discográficas las que inventaron los estilos para poder vender, pero nosotros nunca nos hemos sentido de una escena surf punk o lo que sea. Cuanto más escribía nuevas canciones, más veía que nos alejábamos de eso”.

Me imagino que la composición de este trabajo fue distinta a los anteriores…

“Sí, fue un proceso distinto. Nuestro primer disco era muy guitarrero, y también el segundo, pero en éste empezamos con las letras y melodías y construimos los temas a su alrededor. La primera canción ‘Get Off My Rock’ trata sobre la conolización y gentrificación en Hawái, así que empecé a pensar mucho en eso. Ni siquiera tenía la melodía, pero me puse a escribir sobre ello. Y luego vino el ritmo, y finalmente el resto. Así que fue completamente al revés de como solía hacerlo”. Hablando de Hawái, tú naciste allí, y aunque tenemos una imagen muy paradisiaca de las islas, lo cierto es que hay un lado oscuro con muchos problemas de alcoholismo y drogas. ¿Cuál es tu experiencia?

“Todo eso tiene que ver con la conolización y cómo llegamos a ser un estado de América. Nadie se acuerda de que era una nación soberana, y esos problemas llegaron de fuera cuando se empezó a masificar. Pero ocurre en cualquier destinación turística. Pasa lo mismo en Las Vegas, es una ciudad con una cara muy chunga”. Tú mismo tuviste tus problemas de adicción. Y aunque lo tienes superado, de algún modo creo

Hill. ¿Fueron artistas importantes para ti cuando crecías?

¿Crees que es el disco que me-

que todavía se percibe en tu

ZAC CARPER “Sí, casi te diría que

jor refleja tu idea de lo que que-

música. No sé si te molesta ha-

son los tres más importantes para mí. No sólo por sus composiciones, sino por sus producciones. Cambiaron las reglas. Lo primero que nos unió fue el hip hop. Cuando nos conocimos cada uno estaba en una banda de

rías que fuera Fidlar?

blar de ello…

“Teniendo en cuenta la manera en la que vemos y hacemos música, para mí este álbum es sólo el principio. Quizá al final titulemos el próximo disco Free (risas) porque todavía será más libre”.

“No me importa hablar de ello porque fue una parte muy importante de mi vida. Sé que lo que voy a decir sonará fatal, pero de una manera extraña todo aquello es lo que me ha 15

dado una carrera (risas). Especialmente con el primer disco, tomaba muchas drogas, pero me inspiraron mucho. Como lo fue conocer al resto del grupo. Queríamos escribir sobre lo que sucedía a nuestro alrededor, y lo que sucedía era mucha fiesta y drogas (risas). Tengo suerte de haber salido de la adicción porque o paraba o me iba a morir”. ¿Dirías que acabaste siendo un adicto por accidente o era algo

ciudad donde esperan otra vez

girado tanto?

que estés de fiesta. Supongo que

“Sí. Viajamos mucho y cuando volvemos a casa, ya no es nuestra casa, las cosas cambian cuando estás fuera. Especialmente la zona donde vivimos, East LA, cada vez que volvemos está más gentrificada, es muy raro. Todos nuestros vecinos se tienen que ir porque los alquileres no paran de subir. Pero estando de gira vimos que no es un problema sólo de Los Ángeles, es algo que está ocurriendo en todo el mundo. Y por desgracia no creo que tenga solución. Las comunidades pueden defenderse, pero al final el dinero lo puede todo. Es así. Especialmente en América, es una locura. Cuando giramos, muchas veces me quedo en el país donde estamos o viajo por la zona unos días. Y recientemente estuve en Indonesia y noté que la gente parecía un poco más feliz. Se puede vivir con menos”.

es muy fácil caer en un círculo vicioso.

“He pensado mucho sobre ello. Ser músico es el único ofico del mundo donde la persona que te contrata te da tanto alcohol como quieras y luego te pide que hagas bien tu trabajo. Ni siquiera pasa con los actores. Es como si molara que estés jodido. Pero creo que la ideología de las estrellas del rock está cambiando, lo cual es bueno”.

más profundo?

“Ya era un adicto cuando era pequeño. En Hawái teníamos un gran problema con las anfetas. No era un niño muy feliz y quizá intentaba compensarlo con las drogas. Pero ahora he ido a terapia, hago ejercicio, me rodeo de gente positiva… Todo eso me ha ayudado mucho”. Siendo las drogas una fuente de inspiración, ¿tuviste miedo que al dejarlas se te acabara?

“Y tanto. Estaba aterrorizado. Pero llega un momento en el que piensas en tu vida, en si merece la pena ser un adicto para escribir música. Y la respuesta es no. Preferiría trabajar en un jodido Starbucks y ser feliz, que tocar en un grupo sintiéndome desgraciado. Si miras la historia de la música, está lleno de ejemplos. No voy a sacrificar mi vida por lo que los demás esperan de mí”. El problema es que ser músico

¿Crees que también está cambiando en cuanto al sexo, las groupies y todo eso?

“Para serte sincero, siempre hemos tenido novia y hemos mantenido nuestras pollas dentro de los pantalones. Es raro. Pero yo no quiero que me pongan en un pedestal. Sé que muchas bandas quieren follar a lo loco, y sé que la gente espera de nosotros que seamos así y seamos unos fiesteros, pero la realidad es que no hubiéramos llegado muy lejos si hubiésemos vivido ese cliché”.

SWMRS. En cierta manera, son como una versión para todos los públicos de lo que hacéis vosotros. ¿Cuál es tu relación con

La mitología del rock’n’roll está

ellos?

cambiando…

“Es curioso porque ayer por la noche estuve trabajando con ellos (risas). Sí, produje su primer disco y les ayudé en el segundo, para mí son como familia. Cuando conocí a SWMRS había una escena muy chula de rock garagero en el sur de California, con Burger Records y todo eso. Era una gran comunidad, pero las cosas fueron cambiando. Fidlar no éramos suficientemente garaje para la gente de Burger Records, ni suficientemente punks para la escena punk, ni suficientemente indies para la escena indie… estábamos como en medio de todo y nada, y creo que

“Sí, pero eso es bueno. La realidad es que el hip hop ahora es más grande que el rock, pero para mí es positivo (risas). El rock ha sido popular durante muchos años, así que ya está bien que otra cosa tome ese puesto. Es puro capitalismo (risas), una cosa sustituye a otra”.

implica un estilo de vida arriesgado si no sabes manejarlo. Lle-

Volviendo a Almost Free, tiene

gas a una ciudad, todo el mundo

un rollo muy de Los Ángeles,

quiere estar de fiesta contigo, y

pero al mismo tiempo habla de

al día siguiente ellos siguen con

temas más universales. ¿Dirías

su vida, pero tú llegas a otra

que es una influencia de haber

Has colaborado a menudo con

“SER MÚSICO ES EL ÚNICO OFICIO DEL MUNDO DONDE LA PERSONA QUE TE CONTRATA TE DA TANTO ALCOHOL COMO QUIERAS Y LUEGO TE PIDE QUE HAGAS BIEN TU TRABAJO” ZAC CARPER

acabamos montando nuestra propia escena con SWMRS y The Frights. Por eso son las dos bandas con las que pienso seguir colaborando, me siento conectado a ellos”. Una de las sorpresas de vues-

años, así que le dije que no estaba de humor… Pero me dijo ‘tío, ahora es cuando tienes que escribir una canción. Vengo para tu casa’. Así que vino a mi estudio, nos emborrachamos y escribimos ‘Called You Twice’”.

tro disco es la colaboración de K.Flay en el tema ‘Called You

¿Has superado ya la ruptura?

Twice’. ¿Cómo reaccionó cuando

“Sí, ya sabes, es cuestión de tiempo. Ahora tengo una relación que de verdad quiero tener (risas)”.

se los propusisteis?

“Esa historia es divertida (risas). Llevo tiempo siendo amigo de K.Flay y siempre me ha gustado su música. Un día me llamó y me dijo ‘¿Quieres escribir una canción?’, y justo el día antes había roto con mi novia de tres

explicarlo?

“Bueno… (Risas) Es curioso cómo cuando dices algo a la prensa inglesa lo magnifican todo (risas). En la canción hay una frase que dice ‘Sólo estoy contento cuando estoy deprimido’ y pensé en esa frase cuando vi a Bring Me The Horizon en el festival de Reading. Todo el público estaba súper feliz viéndolos, pero cuando conocí al grupo me parecieron gente muy triste (risas). Así que me pareció divertido que su tristeza hiciera feliz a la gente”.

También he leído por ahí que ‘Good Times Are Over’ está relacionada de algún modo con Bring Me The Horizon. ¿Puedes

PIXIES

CON SU TERCER DISCO EN CINCO AÑOS, LOS PIXIES DEMUESTRAN QUE NO ESTÁN AQUÍ PARA VIVIR DE RENTAS. HABLAMOS CON SU BATERÍA DAVID LOVERING SOBRE SU NUEVO ÁLBUM BENEATH THE EYRIE , CÓMO HAN CAMBIADO LAS RELACIONES INTERNAS DEL GRUPO Y SU FACETA COMO MAGO. TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR

A R B A D A C A R B A

ARECE IMPOSIBLE, PERO LOS PIXIES

llevan más tiempo juntos desde que oficializaran su reunión en 2004 que en su primera etapa, en la que se convirtieron en una de las bandas más influyentes del rock alternativo de los 90 gracias a un póker de discos imbatible. Si bien es cierto que Kim Deal no está con ellos desde 2013, su sustituta Paz Lenchantin ha encajado como un guante y ha traído la estabilidad a una formación que parecía siempre al borde de implosionar. Fruto de esta buena relación, el 13 de septiembre aparecerá Beneath The Eyrie (BMG), el tercer y mejor trabajo desde su vuelta. Quizá porque es el segundo que graban seguido con Tom Dogely (Royal Blood, Ghost) como productor, quizá porque sienten que ya no tiene que competir con su pasado, la banda ha capturado en los estudios Dreamland de Woodstock todo aquello que los hace especiales. Con tres conciertos a la vista –el 23 de octubre en Barcelona (Sant Jordi Club), el 24 en Madrid (La Riviera) y el 26 en A Coruña (Coliseum)-, los fans de Pixies tienen motivos de sobra para estar contentos.

el segundo álbum que hacíamos con Tom Dagelty, y la diferencia de los discos que hicimos con Gil Norton en el pasado fue que sólo teníamos tres semanas. Aunque fuera menos tiempo, habíamos pasado el año anterior haciendo preproducción, trabajando y aprendiendo doce canciones. Así que estábamos muy cómodos con el material y eso lo hace todo mucho más fácil. De todos modos, estando en el estudio, hicimos seis nuevas canciones, pero igualmente nos resultó fácil. Tom es un gran productor, todos en la banda nos llevamos bien y el sitio era genial. Fue un placer trabajar allí”. Durante estas tres semanas vivisteis todos juntos en el estudio en Woodstock. ¿Era la primera vez que hacíais algo así?

“No. En otros discos habíamos grabado fuera de casa, así que nos alojábamos en algún hotel o apartamento. Pero el motivo por el que escogimos este estudio en Woodstock es porque tenía una zona residencial ahí mismo. No fue nuevo el convivir mientras grabábamos, pero todo salió bien”.

parecido que la atmósfera en el estudio era muy relajada. ¿Ha sido la grabación más fácil de vuestra carrera? DAVID LOVERING “Creo que sí. Es 20

Supongo que sois conscientes

“Exacto. Pensamos que seguimos siendo una banda viable, que graba y toca en directo, es lo que hacemos y queremos seguir haciéndolo. Ahora tocamos en salas más grandes, pero lo que me gusta más es viajar. No me molesta en absoluto. Poder ir a España, por ejemplo, no mucha gente tiene esa oportunidad. Es lo genial de estar en un grupo”.

nas. ¿Te has dado cuenta que

“Eso es interesante… La verdad es que nunca lo comparo con el pasado. Al final todas las bandas son disfuncionales. Pero cuando eres joven, no sabes muy bien lo que estás haciendo. A medida que te haces mayor, se supone que también te haces más sabio, pero para mí esa sabiduría se traduce más bien en que aprendes a tolerar mejor las cosas. Creo que ésa es la clave. Pero tengo que destacar que desde

He escuchado algunos y me ha

“Creo que, sobre todo, todos hemos aprendido a apreciar esta segunda oportunidad que se nos ha dado. Poder volver a hacer algo que amas, algo que ha sido tan importante en tu vida, es algo que ahora aprecio muchísimo, muchísimo más que antes. Y gracias a eso nuestra relación es mucho mejor. Y no pierdo la perspectiva de que no puedo cagarla. Para seguir haciendo esto, tienes que tomártelo en serio. Hemos crecido y todos sentimos lo mismo. Siempre habrá cosas que te molestan, porque las personas seguimos siendo las mismas, pero nos lo tomamos de manera más profesional”.

famosa por sus tensiones inter-

Eyrie ha quedado documenta-

do semanalmente desde junio.

el grupo estuvo separado?

oportunidad.

esa tensión?

Fletcher que habéis ido publican-

aprendiste durante los años que

De todos modos, la banda es

La grabación de Beneath The

narrados por el periodista Tony

En tu caso en particular, ¿qué

de que no habría una tercera

podéis hacer buena música sin

da en una serie de podcasts

que Paz entró en el grupo hace siete años, todo ha sido fantástico. Ya no hay apenas tensión. Nada comparable a como era antes y, sinceramente, no creo que haya afectado la música. Es simplemente una progresión de lo que es Pixies”.

¿Os sentís más cómodos también que cuando sacasteis Indie Cin-

dy? Como que el nuevo disco va a ser juzgado por lo que es y no

“DESDE QUE PAZ ENTRÓ EN EL GRUPO HACE SIETE AÑOS, TODO HA SIDO FANTÁSTICO. YA NO HAY APENAS TENSIÓN” DAVID LOVERING por lo que hicisteis en el pasado.

¿Has llegado a entender por qué

experiencias?

“Espero que sí. Cuando grabamos Indie Cindy sabíamos que la gente iba a juzgarlo muy severamente y teníamos cierto miedo. Pero una vez sacamos ese disco, creo que todo eso desapareció. Nunca tuvimos una fórmula en el pasado y por tanto no tenía sentido intentar replicar lo que habíamos hecho antes, simplemente se trataba de hacer lo que quisiéramos en el presente. Ese miedo desapareció con Head Carrier y tampoco lo hemos sentido ahora. Creemos que, si nos gusta a nosotros, también gustará a nuestros fans”.

vuestra música seguía siendo

“Lo que aprendí esos años es que soy mucho mejor batería cuando toco con los Pixies (risas). Tocar con Cracker fue divertido, lo pasé bien con esos tíos, pero para mí nada era comparable a los Pixies. Mi manera de tocar estaba definida por la música de los Pixies. Así que creo que soy muy buen batería para los Pixies, pero no estoy seguro de que sea muy buen batería para otros (risas). Los Pixies son mi hogar”.

Aunque no lo buscaseis, en este álbum especialmente hay canciones que suenan muy a vuestro

relevante incluso después de separaros?

“No tengo ni idea. Creo que quizá tuvo mucho que ver con que otras bandas nos citaran como una influencia. Pero yo no tenía ni idea. La primera vez que fui consciente de ello fue en nuestro primer concierto de reunión en 2004, en el festival de Coachella. Había un mar de chavales que quizá no habían ni nacido cuando sacamos nuestros discos en los 80 y los 90, pero que cantaban todas las canciones. No tenía nada que ver con lo que había sido nuestra experiencia anteriormente, especialmente en Estados Unidos. Fue surrealista”.

sonido clásico. ‘On Graveyard Hill’, por ejemplo.

Durante los años de separación

“No eres el primero que lo comenta. Eso está muy bien”.

tocaste con Cracker, con Tanya Donelly… ¿Cómo recuerdas esas

Como parte de la sección rítmica, ¿cómo compararías tocar con Paz a como lo era con Kim Deal o, ni que fuera brevemente, con Kim Shattuck?

“Paz es una músico completa. Es muy, muy buena. Siempre toca bien. Cuando hizo la prueba para unirse al grupo, tuvo sólo tres días para aprenderse las canciones y las cla21

una guitarra acústica, presenta los temas y nosotros tocamos. Normalmente tiene las estructuras y los arreglos muy claros. Ahora con Paz, como es tan buena, está más abierto a sugerencias, y Joey hace lo que le sale con la guitarra, pero la verdad es que nunca he sentido la necesidad de llevarle la contraria en cuanto a las decisiones artísticas”. También quería preguntarte por tu faceta de mago. ¿Sigues ejerciendo?

“No de manera pública. Suelo hacerlo en el backstage o en una cena. Es mi manera favorita de hacer magia porque es mucho más íntima que hacerlo en un escenario. Pero hemos estado tan ocupados con los Pixies y siendo padre que no he tenido tiempo de dedicarme en serio a ello”. ¿Pero tienes que practicar para mantenerte en forma?

“Sí, claro. Muchas veces me levanto con una baraja de cartas esparcida en la cama porque me he dormido practicando”.

“CREO QUE, SOBRE TODO, TODOS HEMOS APRENDIDO A APRECIAR ESTA SEGUNDA OPORTUNIDAD QUE SE NOS HA DADO” DAVID LOVERING

vó. Y creo que gracias a lo buena que es me ha hecho mejorar como batería, porque no quiero hacer el ridículo (risas). Y eso es genial. Con Kim Deal o Kim Shattuck simplemente tocaba las canciones que había estado tocando siempre, pero con Paz hemos creado cosas nuevas. Te diré una cosa: si Paz y yo tocamos bien, Charles (Thompson, nombre 22

real de Black Francis –ndr.) y Joey pueden hacer lo que quieran, y seguirá sonando bien”. Charles compone todos los temas y es una persona con mucho carácter. ¿Nunca se ha discutido su liderazgo?

“Siempre ha sido así. Desde que nos conocimos en el 85, Charles llega con

¿Entrar en el mundo de la magia es como entrar en una secta por aquello de que no puedes revelar los trucos?

“Un poco sí. Yo pertenezco a un par de asociaciones de magos y realmente está prohibido contar los trucos. Ni siquiera hago un truco dos veces si alguien me pide repetirlo. La única persona a la que se los he contado es a mi madre. Pero es que no puedes decirle que no a tu madre (risas)”.

DAUGHTERS

CAMINO DE LA LA EMPERATRIZ REDENCIÓN LA HISTORIA DE DAUGHTERS PODRÍA HABER TERMINADO CUANDO LO DEJARON EN 2009. PERO TRAS UNOS AÑOS SEPARADOS, EN LOS QUE PUSIERON ORDEN EN SUS VIDAS, EL GRUPO DE RHODE ISLAND VOLVIÓ EL AÑO PASADO CON EL MEJOR DISCO DE SU CARRERA. PESE A TITULARLO YOU WON’T GET WHAT YOU WANT, ES JUSTO LO QUE QUERÍAMOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

I COMO ESPECTA DOR POC AS COSAS HAY MÁS ENTRETENIDAS que ver a una banda

fuera de control, para quienes lo viven en sus propias carnes es otra historia. El caso de Daughters no es una excepción. Si las canciones de su debut Canada Songs (2003) ya eran una chaladura –imagina una especie de The Jesus Lizard en versión grindcore-, cuentan que sus directos todavía lo eran más: su cantante Alexis Marshall podía hacer de todo, desde salir a tocar desnudo, a orinar en un vaso, y luego bebérselo, a sangrar encima del público, a restregarse un micrófono por el culo provocando la ira de los técnicos de las salas. Pero los excesos, las constantes giras, la falta de reconocimiento y las tensiones entre Marshall y el guitarrista Nicholas Andrew Sadler hicieron que su carrera apenas durara siete años. De hecho, cuando en marzo de 2010 publicaron su tercer, y más maduro, álbum, titulado simplemente Daughters, el grupo ya llevaba extraoficialmente separado varios meses y sólo ofrecieron un concierto secreto para presentarlo. Pero lo que parecían diferencias irreconciliables se empezaron a suavizar tres años después, y el grupo no tardó mucho en volver a actuar en vivo. Aun así, grabar un nuevo álbum no fue fácil y no sería hasta 2018 que la banda lanzó su cuarto trabajo You Won’t Get What You Want (Ipecac), un disco en el que se acercaban más a los postulados de Swans, con influencias del noise rock y la música industrial y que les dio a conocer a un nuevo público. 25

Justo un año después de su lanzamiento tendremos la oportunidad de disfrutarlo en directo, ya que Daughters serán los protagonistas del warm-up show del AMFest el próximo 10 de octubre en Barcelona (Fabra i Coats) y también estarán el 11 en San Sebastián (sala Dabadaba) y el 13 en Madrid (sala Cool, dentro del decimoquinto aniversario del 981 Heritage SON Estrella Galicia). Para charlar sobre esta visita, llamamos a Alexis Marshall durante una reciente estancia en Berlín. Y aunque al principio parecía que estuviera de mal humor por el servicio de habitaciones -“No paran de llamar a la puerta cada cinco minutos. El otro día estaba en pelotas en la ducha y esta mujer entró a dejar una bandeja. ¿Para qué coño quiero una bandeja?”-, en seguida comprobamos que la bestia, definitivamente, está más calmada. Muchos grupos cuando se reúnen, graban un disco con el que intentan recordar al público lo que les gustaba de ellos. Sin embargo, vosotros aprovechasteis la oportunidad para redefinir vuestro sonido. ALEXIS MARSHALL “Sobre todo

queríamos recordarnos a nosotros por qué nos gustaba el grupo. Supongo que tampoco había mucha presión porque, al fin y al cabo, nunca habíamos gustado demasiado a la crítica. No sé lo que la gente esperaba, porque nuestros discos siempre eran distintos, así que después de ocho años, todavía era más lógico que éste lo fuera. You Won’t Get What You Want lo dice todo (risas)”.

De todos modos, You Won’t Get

What You Want sí ha tenido buenas críticas…

“Eso parece. La realidad es que estamos tocando para más gente, y eso es genial, pero durante muchos años estábamos en la absoluta oscuridad. Pero no podemos basar nuestra felicidad en la idea del éxito. Tienes que aceptar tu vida por lo que es. Las cosas no son nunca fáciles, pero no hay nada de lo que quejarse. Podría estar currando en una oficina o montando tejados en pleno agosto. Mi padre fue carpintero toda su vida, perdió dedos, se cayó de tejados, para poder traer dinero a casa. Lo nuestro no es nada en comparación, ¿no?”. Para mucha gente éste ha sido como si fuera vuestro primer álbum.

“Sí, y eso mola. Los discos antiguos tienen diez, 15 años. No tenemos demasiado interés en tocar ese material porque ya lo hemos tocado mucho. Poder centrarnos en el disco nuevo es genial porque es algo nuevo. Estamos viendo mucho público joven. La gente que nos seguía antes, de nuestra edad, ya no va a conciertos. Se les hace cuesta arriba (risas). Es de locos pensar que nuestro público actual eran bebés cuando sacamos el primer trabajo”. Tengo entendido que teníais un montón de material. De hecho, en 2014 ya hicisteis un primer intento de grabar un disco.

“Sí, pero lo que grabamos entonces nos parecía forzado. No nos gustó lo que teníamos y lo dejamos aparcado. Pero seguimos trabajando y

acumulamos horas de música en un Dropbox. Pero a la hora de grabar nos centramos en las canciones que estaban realmente terminadas. No queríamos perder el tiempo. Pero es posible que recuperemos algunas de esas ideas en el futuro”. Ahora estáis en Ipecac, el sello de Mike Patton. ¿Tiene un significado especial para ti?

“Mola mucho. Son situaciones que no te esperas. Hay gente que hemos ido conociendo a lo largo de los años como Paul Barker de Ministry, con quien grabé un tema para su disco en solitario. Y fue surrealista porque, aunque no me sintiera como un fan estando con él, me resultaba extraño que hubiera terminado grabando con él. Y con Mike es un poco lo mismo. Estás cenando con Mike Patton y te resulta extraño. Es muy distinto a ver vídeos de Faith No More en la MTV siendo un adolescente. Ahora estás sentado con él hablando sobre música (risas). Estar en un sello no es algo que buscáramos, pero nos hicieron una oferta y estuvimos felices de aceptarla”. ¿Te ha dado algún buen consejo?

“No (risas). El año pasado estábamos en San Francisco para dar dos conciertos y después del primero sentí que se me iba la voz.Y estábamos con Mike y se lo comenté, y me dijo ‘Es sólo un músculo, simplemente úsalo sin parar y se pondrá bien’. Y pensé ‘Ése es el peor consejo que le puedes dar a un cantante’ (Risas). Pero es un testimonio de lo natural que para él es cantar. Es un cantante magnífico, pero simplemente lo hace, sin pensar. A mí me cuesta un poco

más (risas). Tengo que calentar y hacer ejercicios. Mike es como un bebé que puede llorar toda la noche y no se queda afónico (risas)”. En este álbum cantas de manera distinta. ¿Es porque te ha cambiado la voz en estos ocho años?

“No lo sé. Siempre he probado cosas nuevas. Hace mucho que no grito. Es una parte de mi cuerpo y como cualquier otra cosa, con el tiempo va a cambiar. Sólo espero ir mejorando. Es como si tocas la guitarra, también esperas ir mejorando. Creo que ahora me siento más cómodo, respiro mejor… La voz de Elvis también cambió con los años (risas)”. ¿Eres muy fan de Faith No More, por eso?

“Me gustaban mucho, sí. Pero para mí su mejor disco es el último, Sol Invictus. Sé que la gente piensa más en The Real Thing o Angel Dust, que también son grandes álbumes, pero cuando ahora me apetece escucharlos, me pongo el último. Es un testimonio de su consistencia y de que puedes ir mejorando con el tiempo. Creo que transmiten honestidad, mientras que muchos grupos o artistas simplemente se mueven por inercia. Me encanta Van Morrison, pero Van Morrison ahora es como una máquina. Creo que sólo saca música por cuestiones económicas. Lo ves en directo y es totalmente blando, mientras que antes lo daba todo”. De hecho, oí que giraba simplemente para poder pagar su

“LA GENTE QUE NOS SEGUÍA ANTES, DE NUESTRA EDAD, YA NO VA A CONCIERTOS. SE LES HACE CUESTA ARRIBA” ALEXIS MARSHALL

su antiguo mánager se quedó tanto dinero como pudo. Y seguro que tiene una villa en el sur de Francia y necesita pagarla. Es obvio que para él es un trabajo. No quiero cargar las tintas contra él porque le adoro, pero resulta muy aparente. Hay muy poca sinceridad en la música. Pero en la política pasa lo mismo”.

querías estar ahí?

“Sí, y no hace mucho. En un concierto en Glasgow. No estaba bien, pero creo que no se notó. Hice lo que tenía que hacer y salió bien, pero no lo disfruté”. Todo el mundo tiene un mal día…

divorcio.

“No me extraña. Estoy seguro que

escenario y has sentido que no

¿Alguna vez has estado en el

“Sí, pero siempre tienes que dar lo

“VER CÓMO ME DESNUDABA EN EL ESCENARIO PODÍA SER CURIOSO, PERO NO HABÍA MUCHO MÁS. AHORA CREO QUE OFRECEMOS ALGO QUE DE VERDAD VALE LA PENA” ALEXIS MARSHALL

mejor para el público. Sólo estás esa noche en esa ciudad, no hay segundas oportunidades. Creo que cuando actúas con el piloto automático te tienes que plantear si es lo que realmente quieres hacer. Porque si no te llena a ti, es imposible que llene a los demás. Quizá debes quedarte en casa. Puedes tener una mala noche, pero quizá una vez sólo cada dos años (risas). La gente está toda la semana trabajando y no puedes joderles la noche porque tú estés mal. Todo lo que tienes, tienes que darlo en el escenario. No lo necesitas en el hotel, o en el autobús, sólo

necesitas darlo en el escenario. Es lo único que cuenta. Tienes que vaciarte y esperar que para el siguiente día estés lleno otra vez”. ¿Eran las drogas una manera de llenarte?

“Soy sólo un adicto. Es así. Y cuando estaba de gira, lo tenía todo gratis, así que lo tomaba. De hecho, fue uno de los motivos por los que lo dejamos. Necesitaba salir de ese entorno. Ahora llevo once años limpio y las cosas son un poco más fáciles. Ahora puedo disfrutar más de lo que hago y no sólo salir ahí y hacer el

animal. Estoy seguro que hay gente que viene a vernos para ver eso, a un idiota bebiéndose su pis y cayéndose del escenario, pero ahora es todo mucho más interesante. Sigue habiendo intensidad física, pero tocamos realmente bien. Ver cómo me desnudaba en el escenario podía ser curioso, pero no había mucho más. Ahora creo que ofrecemos algo que de verdad vale la pena”.

KILLSWITCH ENGAGE

TODO EN ORDEN

PUEDE QUE LA CREACIÓN DEL NUEVO DISCO DE KILLSWITCH ENGAGE HAYA SIDO COMPLICADA, CON UNA OPERACIÓN DE GARGANTA DEL VOCALISTA JESSE LEACH INCLUIDA, PERO BASTA CON DARLE UNA ESCUCHA A ATONEMENT PARA CONSTATAR QUE LA BANDA NO HA PERDIDO NADA DE SU PODERÍO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

ILLSWITCH ENGAGE FUERON UNA DE LAS BANDAS PUNTERAS de

aquello que, a principios de la pasada década, se vino a conocer como New Wave Of American Heavy Metal. Aunque desconozco quién acuñó la etiqueta, en el fondo me parece más adecuada que la que se acabaría popularizando y asociando al grupo de Massachusetts, la de metalcore. Porque siendo objetivos, a lo largo de su discografía, y su octavo trabajo Atonement (Metal Blade/Sony) no es una excepción, encontramos mucha influencia del metal –desde el heavy clásico, el thrash o el death metal melódico sueco- y bastante poca del hardcore. Pero etiquetas aparte, la realidad es que el sonido Killswitch –y nadie podrá negar que existe un sonido Killswitch- les ha valido para ser una de las formaciones más consistentes de su escena. Que consiguieran cambiar a su vocalista original Jesse Leach por Howard Jones y que diez años después éste fuera de nuevo reemplazado por Leach, tras vivir su etapa de mayor éxito, sin que los fans los penalizaran, da una idea de la solidez de su música. A principios de agosto teníamos la oportunidad de charlar con su guitarrista y productor Adam Dutkiewicz durante una de las paradas de su gira veraniega junto a Clutch. Una unión un tanto extraña por la que le empezamos preguntando.

En estos momentos estáis giran-

te quería preguntar también

do con Clutch. ¿Cómo surgió la

por tu carrera como productor

idea? Porque musicalmente sois

fuera de Killswitch. En cierta

muy distintos…

manera fuiste uno de los arqui-

ADAM DUTKIEWICZ “La cosa es

tectos del sonido metalcore. ¿Te

que compartimos el mismo agente de contratación y fue él quien lo sugirió. Íbamos a coincidir en muchos festivales igualmente, así que pensamos que sería una buena idea montar una gira conjunta”.

sientes un poco responsable de

¿Desde el escenario es fácil distinguir quién es fan de Clutch y quién de Killswitch?

“Es bastante fácil distinguirlos, sí (risas). Pero creo que es una buena combinación porque atraemos públicos distintos. Por ahora está funcionando bien”.

haber definido ese género?

“Bueno, hay muchas bandas que han copiado ese sonido, pero hay bandas buenas y hay bandas malas, eso ocurre con cualquier estilo. Creo que la gente busca bandas con personalidad, y ésas son las que también me atraían a mí como productor, pero es cierto que quizá se saturó todo un poco”. Produjiste un par de discos de Parkway Drive, que ahora mismo son una banda muy grande, especialmente en Europa.

El año pasado, en una encuesta

¿Cuando trabajaste con ellos,

en la web de Revolver, vuestros

viste ese potencial o para ti

fans escogieron ‘End Of Hearta-

eran un grupo más?

che’, ‘Hate By Design’, ‘My Cur-

“Cuando trabajé con ellos no sabía que iban a cambiar su estilo y pasarían a tocar un metal más comercial, porque cuando empezaron eran más hardcore. Pero son buenos músicos, buena gente y muy trabajadores, y sobre todo tienen determinación. Al final eso es lo que cuenta. Me sorprende el nivel que han alcanzado, pero lo merecen totalmente”.

se’, ‘Rose Of Sharyn’ y ‘My Last Serenade’ como sus canciones favoritas del grupo. ¿Estás de acuerdo con esa lista?

“Todas son canciones que disfrutamos tocando en directo porque tienen muy buena respuesta y las canta todo el mundo. Son las más conocidas, así que estoy de acuerdo. Al final eso es lo que quieres en un concierto, que todo el mundo esté implicado, cante y disfrute”.

¿Hay alguna formación dentro de esa escena que te llame actualmente la atención?

Antes de hablar de Atonement

“Me gustan mucho Powertrip porque 31

van a la suya, pero son más thrash. Pero la verdad es que apenas escucho metalcore. Sobre todo escucho death metal y thrash. Me gusta todo. Muchos cantautores y classic rock, eso nunca pasa de moda. Estoy escuchando mucho a Led Zeppelin, Bowie, The Eagles…”.

estúpido rechazar una oferta de Iron Maiden! Y por otro, Jesse tuvo que ser operado de la garganta y eso hizo que todo se parara durante unos meses. Y también sufrió un poco de bloqueo creativo para terminar las letras para algunas canciones, así que si lo combinas todo hizo que el proceso se alargara”.

¿Crees que en 30 años Kill-

“No intentamos ser nada más que nosotros mismos. No intentamos sonar como otros grupos. Somos fans de distintos estilos y eso se nota en lo que hacemos, pero al mismo tiempo acabamos sonando a Killswitch Engage. Escribimos lo que nos sale, lo que sentimos”. Originalmente fuiste el batería

switch pueden llegar a ser con-

Que un cantante pase por el

del grupo. ¿Cómo crees que te

siderados classic rock?

quirófano siempre es una situa-

influyó como guitarrista?

“No, no lo creo. Creo que de aquí a 30 años se nos habrá olvidado por completo (risas). Supongo que alguna banda actual que llegue al mainstream será considerada un clásico, pero dudo que seamos nosotros (risas)”.

ción muy estresante, no sólo

“Me influyó mucho, sobre todo como compositor. Creo que quizá me da cierta ventaja porque no trabajo sólo con acordes. Cuando grabo las maquetas siempre pienso en lo que haría como batería y eso hace que los riffs sean distintos. Escribo con todos los instrumentos en mente, no sólo con la guitarra”.

La creación de Atonement fue algo complicada, provocando que hayan pasado tres años y medio desde el anterior Incar-

nate. ¿Te agobiaste mucho viendo que iba pasando el tiempo y el disco no estaba terminado?

“Nuestra idea es siempre grabar tantas buenas ideas como podamos hasta que creemos que tenemos algo suficientemente potente como para hacer un disco. Pero nunca nos ponemos una fecha límite, no creo que sea bueno trabajar con esa presión. Pero en esta ocasión se nos fue un poco de las manos. Teníamos la idea inicial de grabar 21 canciones, lo cual quizá fuera demasiado para nosotros. Además, nos topamos con un par de contratiempos durante la producción del álbum. Por un lado nos ofrecieron girar con Iron Maiden el verano del año pasado cuando estábamos grabando y, claro, no puedes decirles que no. ¡Sería muy

para él sino para todo el grupo. ¿Cómo lo llevaste?

“La cuestión es que o se operaba para intentar solucionar el problema o íbamos a ir arrastrando una situación que no era nada buena, con riesgos de cancelaciones y de que la cosa empeorara. Pero simplemente tienes que esperar que todo salga bien, porque si sale mal, tampoco puedes hacer nada más que aceptar la realidad. Pero todos estábamos confiados en que iría bien porque es una operación bastante común entre los cantantes y la verdad es que ahora Jesse se siente mucho más tranquilo porque puede tener el control de la situación”.

El título Atonement (‘Expiación’

en castellano –ndr.) es un término religioso. ¿Cómo debemos interpretarlo?

“El título surgió de las letras del disco. Tratan sobre afrontar y aceptar las cosas que te ocurren en la vida. Jesse ha pasado por muchas cosas…”. ¿Crees que vuestra música ayu-

¿Grabó todo el disco después

da a que Jesse exprese cosas

de la operación?

que quizá no se atrevería a de-

“No, la mitad del álbum la grabó antes y la otra después. Pero para serte sincero, no soy capaz de distinguir unas canciones de otras. No ha perdido nada de su capacidad vocal”.

cir de otra manera?

Tenéis un sonido muy definido

“Creo que Jesse escribe sobre lo que lleva dentro. Pero es capaz de escribir así sin música también, poesía, ¿sabes? No creo que sea nuestra música la que le incita a ello, pero sin duda es una buena combinación”.

desde hace tiempo. ¿Es algo de lo que no intentas apartarte

Una de las cosas que más está

cuando compones? ¿Una especie

llamando la atención es poder

de brújula para no perderte?

escuchar a Howard Jones can-

“SUPONGO QUE ALGUNA BANDA ACTUAL QUE LLEGUE AL MAINSTREAM SERÁ CONSIDERADA UN CLÁSICO, PERO DUDO QUE SEAMOS NOSOTROS” ADAM DUTKIEWICZ

tando con Jesse en ‘The Signal

y un día le dijo si quería grabar un tema en el nuevo disco. Todo fue muy fácil y orgánico. Hace sólo dos días vi a Howard. Está todo bien”.

se con chorradas. Lo más importante es tratar bien a la gente. Si lo haces, lo normal es que también te traten bien a ti”.

mera mujer, pero os siguierais

Pero no es demasiado común

Antes has mencionado Times Of

llevando bien con la segunda,

que haya tan buen rollo, espe-

Grace, tu proyecto paralelo con

de la que os habéis divorciado.

cialmente con los excantantes.

Jesse. ¿Te gustaría hacer otro

“(Risas) Bueno, todos hemos seguido siendo amigos todo este tiempo. Cuando Jesse se fue la primera vez, seguimos siendo amigos y por eso hicimos el disco de Times Of Grace. Y cuando Howard se fue, también seguimos siendo amigos. Así que todo ha sido muy natural. Howard vino a un concierto en febrero del año pasado y aunque Jesse no le conocía muy bien, se hicieron muy amigos,

“Eso es porque todos son un grano en el culo (risas)”.

disco con él?

Fire’. Es difícil pensar en otro grupo en el que eso pudiera ocurrir. Es como si os hubieseis vuelto a casar con vuestra pri-

¿Son realmente los cantantes los más divas dentro de un grupo?

“Es muy común, pero también puede haber otros miembros que sean igual de egocéntricos. El ego es algo que puede arruinarlo todo, amistades, relaciones, y también bandas. La vida es demasiado corta para andar-

“Sí. De hecho, estoy trabajando en ello en los días que no estamos de gira. Tengo como cinco canciones listas. Quizá saquemos un EP o quizá hagamos un disco entero, pero material no nos falta”.

REFUSED

MIRA COMO ARDE EL MUNDO SI ERES DE LOS QUE EL DISCO DE RETORNO DE REFUSED NO TERMINÓ DE CONVENCERTE, EL PRÓXIMO 18 DE OCTUBRE TENDRÁS UNA NUEVA OPORTUNIDAD DE RECONCILIARTE CON ELLOS. ESE DÍA VERÁ LA LUZ WAR MUSIC , UNA OBRA VIOLENTA Y RADICAL PENSADA PARA INCENDIAR, DE NUEVO, LOS ESCENARIOS. HABLAMOS EN PRIMICIA CON SU VOCALISTA DENNIS LYXZÉN. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: TIM TRONCKOE, SARA ALMGREN, ALEX BELZA (DIRECTO)

ARA ALGUIEN QUE LLEVA CASI TODA SU VIDA cantando

contra el sistema, el actual devenir de los acontecimientos podría ser vivido como una reafirmación de sus tesis. Pero lejos de soltarnos un ‘yo ya lo decía’, su actitud es la de seguir luchando desde el púlpito que ofrece ser el vocalista de una de las mejores y más innovadoras bandas que haya dado el hardcore. La principal diferencia respecto al joven Lyxzén es que ahora sabe que hace falta mucho más que un micro, una guitarra y un puñado de grandes canciones para cambiar el mundo. Quizá por eso, a sus 47 años -aunque viéndole brincar encima de un escenario nadie lo diría-, Lyxzén prefiere reivindicarse, por encima de todo, como un músico que simplemente aspira a que quienes comparten sus ideas no den la batalla por perdida. Puede que su propia experiencia con la traumática separación del grupo en 1998, poco después de haber publicado su obra maestra The Shape Of Punk To Come, y con la promesa de no volver nunca más (el documental Refused Are Fucking Dead ofrecía pocas dudas) le hicieran pensar que difícilmente podía intentar organizar el mundo si no había sido capaz de mantener a su grupo unido. Pero también pude que su inesperada reunión en 2012 y que fueran capaces de grabar un gran disco, aunque incomprendido, como Freedom, le hayan hecho ver que el futuro nunca está escrito. Una tarde de agosto tuvimos la oportunidad de charlar largo y tendido con el cantante sobre los dos

aspectos que más han marcado su vida: la música y la política. Después de la gira de Freedom ¿teníais claro que queríais grabar otro disco y seguir con Refused o fue algo que os tuvisteis que pensar? DENNIS LYXZÉN “No, sabíamos

que queríamos seguir haciendo música juntos. Durante la gira de Freedom ya empezamos a pensar en nuevas ideas. Pero al terminarla, quisimos tomarnos seis meses libres, sin ningún compromiso. Diría que ahora hace prácticamente dos años que empezamos a componer y grabar algunas cosas. Mientras nos sintamos creativos y a gusto, vamos a seguir”. De hecho, el del Gasteiz Calling fue uno de los pocos conciertos que disteis el año pasado.

“Fue un buen concierto, sí. Mola ese festival. Dimos muy pocos conciertos el año pasado y éste fue porque estábamos esperando a poder sacar el disco. Queríamos tomarnos un descanso antes de volver empezar. También he grabado un nuevo disco con INVSN que saldrá el próximo año”. Os he podido ver varias veces en directo desde la reunión y cada vez parecéis estar mejor.

“Muchas gracias. De vez en cuando tenemos un mal show, pero la mayoría son muy buenos. En los 90 teníamos mucha energía, y todo era más loco, y estaba muy bien, era fantástico. Pero cuando hicimos la reunión nos lo tomamos súper en serio. Ensayamos un montón, le echamos un montón de horas y pensamos en

todos los aspectos de la presentación. Creo que en una buena noche somos imparables. Hay muchas bandas que se reúnen que lo hacen bien, pero la novedad pasa rápidamente. Nosotros queremos seguir siendo una banda relevante. Creo que hay unas cuantas canciones en este disco que van a ser la hostia en directo. Es un buen sentimiento que tener”. ¿Os veis mucho cuando no estáis de gira o cada uno hace vida por su cuenta?

“Estamos en contacto. Magnus (Flagge, bajo) y yo vivimos en la misma ciudad y nos vemos a menudo. Pero David (Sandström, batería) y Kris (Steen, guitarra) viven en Estocolmo y Mattias (Bärjed, guitarra) vive en una isla en la costa de Suecia. Pero si estamos todos en el mismo sitio, quedamos”. No sé si estás al tanto de la opinión de la gente sobre Free-

dom, pero hubo mucha a la que no le gustó. ¿Descubriste que quizá tenéis fans más conservadores de lo que pensabais, al menos musicalmente?

“(Risas) Sí, sé que fue un disco muy divisivo. A mucha gente le gustó y a mucha gente no le gustó nada (risas). Pero bueno, tenemos que ser sinceros. El legado de The Shape Of Punk To Come es muy grande. Y los años que pasaron entre ése y Freedom hicieron que se convirtiera en un disco muy importante en la vida de mucha gente. Incluso quien lo descubrió tarde, tuvo como diez años para hacérselo suyo. Así que sabíamos que cuando sacáramos

“CREO QUE WAR MUSIC DEFINE LO QUE SOMOS Y LO QUE QUEREMOS SER” DENNIS LYXZÉN

nueva música íbamos a tener que competir con un disco que se había convertido en algo más que un disco. ¿Cómo lo haces? Es prácticamente imposible. Una de las cosas que gusta de Refused es que somos impredecibles, pero Freedom no gustó a pesar de no parecerse a The Shape Of Punk To Come. Y si hubiéramos hecho un álbum parecido, nos hubiesen criticado por ser previsibles. Era una situación compleja. Así que con Freedom quisimos ser atrevidos y hacer algo que sintiéramos que estaba bajo nuestro control. Creo que es un gran trabajo y tiene un par de canciones maravillosas, pero es imposible luchar contra el pasado. Pero hacer ese disco y retomar el control de la banda ha hecho posible que hagamos War Music”. Para mí Freedom sonaba como ‘somos una banda en el estu-

dio’ y War Music más como ‘somos una banda de directo’. ¿Estás de acuerdo?

“Sí, es un análisis totalmente correcto de la situación. En Freedom tuvimos que volver a aprender a hacer música juntos porque llevábamos mucho tiempo sin hacerlo. Fue algo que hicimos en el local y en el estudio, pero yendo un poco a ciegas. En cambio, cuando empezamos con War Music, sabíamos qué canciones de Freedom habían funcionado mejor en directo. Creo que teníamos que volver a saber qué clase de banda éramos, y en Freedom probamos cosas distintas, y en cambio ahora lo teníamos mucho más claro. Pero hacer un disco de Refused nunca es fácil (risas). Nos llevó mucho tiempo hacerlo porque las canciones pasaron por bastantes cambios. Igual grababa un tema y al cabo de dos días David me llamaba y me decía ‘La

hemos cambiado, tienes que volver a grabar las voces’. Hubo mucho de eso (risas)”. Las nuevas canciones están mucho más orientadas a los riffs. Me ha sonado como una especie de versión europea de Rage Against The Machine.

“(Risas) ¡Oh, muchas gracias! Como te decía, teníamos que volver a descubrir qué banda éramos. La gira de reunión fue fácil porque sólo tocábamos temas antiguos, pero luego nos tuvimos que plantear quiénes éramos para poder hacer algo que fuera relevante. Creo que War Music define lo que somos y lo que queremos ser”. De Freedom también se os criticó que hicierais dos temas con Shellback. ¿Habéis colaborado con alguien externo en el nuevo disco?

“EN ESTE DISCO LA MÚSICA ES MÁS DIRECTA Y AGRESIVA, ASÍ QUE LAS LETRAS TAMBIÉN SON ASÍ” DENNIS LYXZÉN

“No, no. Pero hay una canción en la que Shellback hace coros (risas). Todo ese asunto para mí demostró lo cerrada que es la escena hardcore y punk. Shellback hizo los arreglos y produjo dos canciones, pero en la hoja de prensa quisimos enfatizar que ha trabajado con Taylor Swift y gente así, para ver la reacción de la gente. Es irónico que la gente nos acusara de vendidos por trabajar con él cuando las dos canciones que hicimos eran las que más sonaban a Refused old school. Entiendo que si te gusta el hardcore haya canciones de Freedom que te descoloquen, pero no precisamente esas dos. Es una cuestión de percepción. Creo que tiene mucho que ver con las redes sociales. La gente reacciona por instinto, sin sentarse a escuchar antes 38

de opinar. Además, Shellback es un tío que viene del metal y el hardcore. Le gusta Refused, Snapcase… ¿Sabes? Así que con todo eso, pensamos que sería divertido meterlo de nuevo en el disco (risas)”.

vez quisimos hacer todo lo contrario. Grabarlo en casa y producirlo nosotros mismos”. En ‘Malfire’ y ‘I Wanna Watch The World Burn’ cantas de manera un poco distinta… como si

¿Hay algún otro invitado sor-

hubieras encontrado una nueva

presa?

voz.

“Mmm… Está una chica que se llama Miriam en la intro de ‘REV001’ y Pelle de The Hives hace coros en un tema, pero eso es todo”.

“Para mí ‘I Wanna Watch The World Burn’ es un poco más pop. Está más en la tradición de ‘Summerholidays Vs. Punkroutine’ de The Shape Of Punk To Come. Es como post hardcore. En Refused suelo gritar mucho, pero si me has seguido en The (International) Noise Conspiracy y especialmente en INVSN habrás visto que uso muchas voces distintas. En las estrofas de ‘Malfire’ uso una voz distinta, pero es que me gusta probar cosas

Además, lo habéis producido vosotros.

“Sí, David y Kris lo produjeron. El disco anterior lo grabamos en América con un productor que ha trabajado con grandes nombres del rock (Nick Launay –ndr.), pero esta

nuevas en el contexto de una música más agresiva. Usar la voz como un instrumento. En los últimos 15 años he experimentado con mi voz, desde el garaje rock hasta el post punk súper depresivo de INVSN (risas)”. Lo que es una constante en todos tus discos es el contenido político de las letras. ¿Te resulta difícil encontrar nuevas maneras para hablar de los mismos problemas?

“Sí, es algo difícil. Llevo 30 años escribiendo este tipo de canciones. No quieres repetirte. Pero en este disco, por la manera agresiva en la que suena, por los riffs, me resultó bastante fácil. Y más si miras cómo está el mundo. Si quieres ser honesto como artista tienes que reflejar el mundo en el que vives. Pero mi trabajo es encontrar nuevas palabras para describirlo. Ése es mi trabajo como letrista”. En Freedom quizá eran más narrativas; en éste son más direc-

luego para contextualizar su significado?

“Es un poco las dos cosas. Tengo un cuaderno en el que voy apuntando ideas y citas o referencias, y algunas las he usado para inspirarme y otras son para explicar mejor el mensaje. Al final en una canción sólo tienes tres minutos para contar lo que quieres (risas), así que está bien poder utilizar algún elemento más para que la gente entienda sobre lo que van. De todos modos, a lo largo de los años he pensado mucho y he llegado a la conclusión de que, al final, somos músicos. Sí, venimos de un pensamiento de izquierdas, pero somos músicos, no somos académicos, no somos políticos, no somos periodistas. El mensaje tiene que ir de la mano con la expresión artística, con la música. Y eso es bueno, porque como artista puedes exagerar o distorsionar las cosas para hacer llegar tu mensaje, cosa que no debería hacer un político o un periodista. Para mí es valioso conservar esa libertad”.

tas, como eslóganes.

“Sí, en Freedom igual me pasé de listo (risas). Pero al final, cuando alguien te manda música o un riff, lo que te sale de la boca es una reacción a eso. En este disco la música es más directa y agresiva, así que las letras también son así. Es un disco más confrontacional”. En la hoja que me han pasado con las letras, antes de que cada canción hay citas de gente como Oscar Wilde, Trotski o Frida Kahlo. Es algo que ya habéis hecho antes, pero ¿son estas citas el punto de partida de las canciones, o algo que añades

En ‘Malfire’ hablas de los refugiados, pero lo haces con una perspectiva interesante.

“Sí, la he escrito desde la perspectiva del refugiado. Nunca he sido un refugiado y espero no tener que serlo nunca, espero que no tenga que coger mis cosas y viajar a otro país donde la gente no me quiera. Cuando digo ‘los lobos están en las puertas’, lo digo porque ninguno de los refugiados de Siria o de otras zonas de conflicto querrían serlo. Pero cuando toda la ciudad sale corriendo, tú también corres. Cuando llegan las milicias y empiezan a bombardear la ciudad, y te vas con

tus hijos, y llegas a Europa y nadie te quiere y sientes que no encajas, es algo horrible. Queríamos escribir una canción sobre esto porque por el ascenso del fascismo y la extrema derecha tratamos a estos refugiados como el enemigo, cuando en realidad son las víctimas”. Durante muchos años en los que criticabas el capitalismo y el sistema, mucha gente os veía como radicales o como que quizá exagerabais. ¿Crees que la historia te está dando la razón? ¿Crees que quizá ahora la gente esté más receptiva a lo que decís?

“Espero que sí. De hecho a mucha gente le chocaba que cantáramos sobre esto siendo suecos, porque Suecia es uno de los mejores países del mundo. Nos decían que no teníamos ni idea porque nunca habíamos vivido una crisis. Y es triste que la historia nos dé la razón, pero ahora mucha gente ve que lo que decíamos tenía sentido. La gente busca maneras alternativas de ver el mundo, pero está todo muy fragmentado. El problema es que, en los tiempos difíciles, la gente con menos educación busca la solución más fácil, y con la economía de las redes sociales y el ascenso de la ultraderecha hacen que sea más fácil echarle la culpa a los inmigrantes que no a las estructuras capitalistas que causan estos problemas. La complejidad de estas estructuras hace que sean muy difíciles de explicar, es frustrante. Te hace sentir impotente ante las organizaciones mundiales de la banca. Yo soy de una generación que leía libros sobre política, sobre economía, intenté educarme sobre estos 39

“DESEARÍA, SINCERAMENTE, QUE EL DINERO NO IMPORTARA. QUE PUDIÉRAMOS HACER MÚSICA SIN PENSAR EN LO QUE NOS PAGAN O EN VENDER DISCOS, PORQUE CREO QUE LA MÚSICA SERÍA MUCHO MEJOR” DENNIS LYXZÉN

asuntos. Pero ahora a la gente no le interesa la educación, sólo tiene interés en las opiniones”.

Siendo tan críticos con el capitalismo, ¿te has sentido culpable cuando os han pagado un pastón por tocar en un festival,

Es complicado que la gente le

por ejemplo? ¿Piensas que real-

eche la culpa a los verdaderos

mente lo merecéis o en el fondo

culpables y no al eslabón más

le estáis sacando provecho al

débil de la cadena.

sistema que criticáis?

“Es muy difícil. ¿Cómo haces que la gente deje de votar en su contra? ¿Que deje de luchar en su contra? ¿Cómo le explicas la complejidad de la geopolítica para que entienda por qué estos refugiados están llegando a su país? Es muy complicado. Pero espero que este disco inspire a que la gente se eduque, a que aprenda sobre el mundo”.

“Bueno… (Risas) Creo que cualquier ser humano que hace algo porque le gusta, le sorprende que le paguen por hacerlo. Seguro que a ti, como periodista, a veces te cuesta creer que te paguen por entrevistar a bandas de rock. Pero el sistema está montado así. Desearía, sinceramente, que el dinero no importara. Que pudiéramos hacer música sin pensar

en lo que nos pagan o en vender discos, porque creo que la música sería mucho mejor. Pero la realidad es que vivimos en el capitalismo. Tengo que pagar mi alquiler, tengo que pagar para comer, hay todos estos parámetros de los que no puedes salir. Hoy por hoy no puedes salir del capitalismo. Hace muchos años que decidí que no quería trabajar en un comercio o en una fábrica, quiero vivir de hacer música y para hacer eso tienes que hacer concesiones. Pero no puedo sentirme culpable porque me paguen. Ojalá hubiera otro sistema, es lo que más deseo, pero por ahora no lo hay. Pero déjame decirte que me siento increíblemente privilegiado

Refused pudiera ser una banda más flexible, pero todo el mundo DIY sigue presente en mi vida”.

que lo único que le gusta de ti sea la música. O al revés, gente que comparte tus ideas, pero no le gusta la música. Conozco ambos casos”.

¿Qué papel puede jugar Refused

por poder vivir de la música. Es maravilloso. No me lo tomo a la ligera, porque sé que no todo el mundo tiene la misma suerte que yo”. ¿Pero no os habéis planteado, por ejemplo, hacer una gira por

squads en lugar de en salas convencionales?

“Con INVSN lo hacemos a menudo. Y con David tenemos una banda de hardcore que se llama AC4 y la mayoría de veces tocamos en squads o centros cívicos. Así que en mi mundo eso sigue estando presente. Sigo girando en furgoneta, sigo vendiendo el merch, pero Refused se ha convertido en algo demasiado grande. Me gustaría que

en el momento actual teniendo

Antes decías que no hay nada

en cuenta que la música ha per-

fuera del capitalismo. ¿Hay algo

dido influencia social?

fuera de este espejismo de de-

“La fragmentación de la oferta hace imposible que una sola banda pueda ser una fuerza radical. En los 60, en los 70 y en los 80, cada movimiento social tenía su música. Iban de la mano. Eso ha desaparecido por la manera en la que se consume música. Antes había subculturas, eras heavy, o punk, o hardcore, ahora la gente simplemente escucha música. Pero con Refused hay tres cosas a tener en cuenta. La primera es que quieres tocar para cuanta más gente sea posible para tener el mayor impacto posible. Me encantaría ser como Rage Against The Machine, que pudieron cerrar Wall Street. Eso sería increíble. La segunda es que mucha gente que viene a vernos ya sabe de qué vamos. No creo que a nadie le sorprenda que hablemos de política. Cuando tienes ideas similares a las nuestras, creo que está bien que haya un grupo que te inspire a seguir pensando en estas cosas. Y quizá si vienen un par de chavales y se sienten inspirados y hacen algo creativo, puede ser suficiente. Ésa es mi principal motivación. Sé que porque saquemos un nuevo disco no vamos a destruir el capitalismo, lo sé. Pero quizá inspiremos a alguien para que lea un libro o para que vaya a una manifestación. Eso es a lo que aspiro. Ser un catalizador. Y también hay otra cosa a tener en cuenta: no puedes decidir lo que le va a gustar a la gente de ti. Puedes ser la banda más política y radical del mundo y que haya gente

mocracia en el que vivimos, que dista mucho de ser una democracia real?

“Es una de las cosas de las que queríamos hablar en el disco. Yo soy un demócrata, creo que el pueblo tiene que gobernarse a sí mismo, pero si no tenemos una democracia económica, no existe una democracia real. Las corporaciones, el capital, es el que toma las decisiones. Podemos votar cada cuatro años, pero no creo que vivamos en una democracia real. Vale, tú vives en España y tuvisteis una dictadura fascista que era mucho peor. Ahora tenemos la suerte de poder decir lo que pensamos, pero el poder económico es el que domina el mundo y no tenemos ningún voto sobre eso. Por eso creo que primero hay que destruir el capitalismo. Pero yo soy músico, no soy político, no soy yo quien tenga que tener respuesta sobre un nuevo sistema democrático. Es normal que nos pregunten estas cosas, pero a la mayoría de músicos no les preguntarían cuál tiene que ser la alternativa al capitalismo (risas)”. Bueno, sería interesante preguntárselo a Jon Bon Jovi.

“Sí (risas). ¿Qué te diría? ‘América es genial y todo va bien’ (Risas)”.

DISCO DEL MES

A Fear Inoculum (VOLCANO/SONY-BMG) METAL PROGRESIVO

menudo pienso en lo tremendamente cruel que es la labor de un crítico musical. En apenas un par de escuchas se supone que debemos juzgar un trabajo que ha tardado meses en ser creado y presentado tal y como el artista tenía en mente. Si además se trata de una obra que ha esperado su momento durante más de una década y sus autores son uno de los grandes iconos de su género como es el caso de Tool, obvia decir que la tarea impone. Porque de entrada esa pesada losa de 13 años que separan 10,000 Days de Fear Inoculum se presenta como un escollo casi insalvable a la hora de evaluarlo en su justa medida, aunque

TOOL

en el fondo no supiésemos muy bien qué esperar. Y ahí viene la primera sorpresa nada más abrir la lata: que por mucho tiempo que haya transcurrido, Tool siguen sonando a Tool. La propia canción titular ya nos adelanta sus intenciones a modo de extensa carta de presentación. Ir reencontrándote poco a poco con ese feeling único que tantos han intentado imitar sin éxito durante tres décadas y que sólo ellos son capaces de recrear... es poco menos que sentir que has vuelto a casa. Pero aunque todo resulte agradablemente familiar, Fear Inocolum es capaz de marcar distancias respecto a sus hermanos mayores. Estamos ante el trabajo más progresivo de

su carrera, donde cada una de las canciones se van construyendo a paso lento, sin prisas por hacerte llegar a un destino en concreto. Un trayecto en el que esta vez Maynard Keenan no ejerce de guía, sino más bien de narrador. La tarea de cogernos de la mano y llevarnos por su universo recae en la parte instrumental, con un Danny Carey estratosférico tras los parches siempre bien escudado por Justin Chancellor y Adam Jones tomando el mando. Lo que sí es seguro es que los más fanáticos vamos a disfrutar como enanos durante las próximas semanas descifrando cada uno de los secretos que guarda Fear Inoculum. GONZALO PUEBLA

SEBADOH

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Lou

Barlow (voz, guitarra, bajo), Jason Loewenstein (voz, bajo, guitarra), Bob D’Amico (batería) PRODUCIDO POR: Sebadoh AFINES A: Guided By Voices, Dinosaur Jr., R.E.M. PÁGINA WEB: www.sebadoh.com

Q Act Surprised (FIRE) INDIE ROCK

uizá sí deberíamos sorprendernos ante el noveno álbum de Sebadoh, tal como sugiere su título. Y no sólo porque hayan reaparecido tras seis años de silencio, sino sobre todo porque se trata de su mejor trabajo en mucho tiempo. Si el intento fallido de dar el salto a una multinacional, The Sebadoh en 1999 no acabó de funcionar, y el disco de retorno Defend Yourself de 2013 dejó un regusto agridulce, en Act Surprised nos encontramos a una banda capaz de producir música que, por fin, fluye con toda naturalidad. Como si le hubiesen quitado el tapón. No es un disco que te apabulle de entrada, pero

a medida que vas conviviendo con él, las melodías y los detalles que dejan la interacción entre los músicos te va ganando. Si algo saben hacer bien es integrar disonancia y melodías y aquí ese aspecto se materializa en canciones con un fuerte aroma a los 90, e incluso del college rock de finales de los 80. Tampoco cuesta imaginar que en un universo paralelo en el que Eddie Vedder no hubiera llegado a ser nunca el cantante de Pearl Jam, un día hubiese grabado canciones como ‘Medicate’ o ‘Sunshine’. Como es habitual Lou Barlow y Jason Loewenstein se reparten las tareas compositivas, y van alternado temas en los que el peso recae en el groove, con otros donde

es la voz la que lleva la batuta. Si bien los 15 que incluye no están todos a la misma altura, los más prescindibles son minoría ante los momentos álgidos. Entre ellos podríamos citar ‘Celebrate The Void’, que empieza reposada, no muy lejos de Dinosaur Jr, para ir cogiendo velocidad, ‘Follow The Breath’, la agitada pero delicada ‘See-Saw’, la sigilosa ‘Raging River’ o las melódicas ‘Vacation’, ‘Belief’ y ‘Fool’ no muy lejos de la estética de los primeros R.E.M.. Ya que el mes que viene los tendremos por aquí realizando una extensa gira, será una buena manera de comprobar que las buenas sensaciones que deja este disco no son una casualidad. JORDI MEYA

BONUS TRACK CON... LOU BARLOW Algunos músicos están empezando a plantearse si realmente merece la pena seguir grabando álbumes. ¿Para ti sigue siendo algo importante?

“Desde luego. Me gusta hacerlos y aún más terminarlos (risas). Para mí sacar un disco nuevo sigue siendo emocionante. Es lo que hago y no me canso de ello”. Aun así, habéis tardado seis años desde que sacasteis Defend Yourself.

“Sí. Cuando sacamos ese disco vivía en Los Angeles y luego me mudé cerca de Boston, muy cerca de donde crecí”. El disco suena muy orgánico, alejado totalmente del sonido superproducido que domina hoy en día. ¿Os sentís un poco como los ultimos de una especie en extinción?

“No (risas). Bill Calahan acaba de sa-

car un disco. Guided By Voices, Pixies, Breeders, ninguno de estos grupos ha desaparecido. Incluso bandas más desconocidas de aquella época se han reunido. Creo que siempre hemos sido un poco más oscuros que todos ellos, pero aquí seguimos. Y creo que no hay que buscar mucho para encontrar bandas de chavales con guitarras que suenan a los 90. Tienes bandas como Car Seat Headrest o Cloud Nothings que les va muy bien. Todo eso me recuerda bastante a los 80, y me parece interesante porque eso quiere decir que se está haciendo música como reacción a lo que es popular. No quiero ser el típico viejo que se queja de que las cosas antes eran mejores, porque las cosas siempre han sido igual”. ¿Es Sebadoh la banda que más te ha ayudado a crecer como músico?

“Sí, sobre todo al principio. Me echaron de Dinosaur Jr. y estaba muy deprimido porque pensaba que nunca más tocaría en un grupo. Pensaba que nunca más volvería a viajar en avión (risas). Tenía 20 años y pensaba que todo eso había terminado. Pero luego, montamos Sebadoh y recuperé la confianza. Cuando hicimos Sebadoh III sentí realmente que había una conexión emocional con la gente, cosa que no había sentido antes. Y también fue cuando pude volver de nuevo a ganarme la vida como músico”. ¿Qué relación tienes hoy en día con J Mascis?

“La misma de siempre. No ha cambiado demasiado, no lo suficiente (risas). Pero antes me resultaba más difícil trabajar con él. Hemos pasado tanto tiempo juntos que ahora me trata bien. Estuvo bien poder volver al grupo”. (JORDI MEYA)

KNOCKED LOOSE A Different Shade Of Blue (PURE NOISE) METALCORE

estas alturas ponerme a escuchar cualquier disco que llegue con la etiqueta metalcore, me provoca casi el mismo entusiasmo que volver a trabajar después de vacaciones. Ah, pero si hablamos de Knocked Loose la cosa cambia. La banda de Kentucky debutó con fuerza en 2016 con Laugh Tracks, un disco con unas dosis de mala leche que tanta falta hacían en un género cada vez más procesado con estribillos de Autotune. Lo suyo era un poco una vuelta a los orígenes, con los breakdowns como protagonistas y poco interés en agradar a las masas. Su propuesta no pasó

inadvertida y el grupo ha estado buena parte de los últimos tres años curtiéndose en la carretera. Y ahora toda esa experiencia acumulada la han vertido en un segundo álbum que confirma aquellas buenas sensaciones. A Different Shade Of Blue es como una versión pinchada de esteroides de su debut. El quinteto vuelve a fiarlo todo a los breakdowns, que no actúan como meros accesorios, sino como pilares de sus canciones. Las guitarras suenan gruesas, el bajo retumba y el vocalista Bryan Garris se desgañita en cada puta palabra que sale por su boca. Temas como ‘Bellevie’, ‘…And Still I Wander South’ o ‘Road 23’ son puro cemento sónico. La pena es que hayan optado por el productor Will Putney, alguien acostumbrado a pulir las astillas en vez de dejarlas, en lugar de alguien como Kurt Ballou, porque todavía podrían sonar más amenazantes. Pero sin ser nada revolucionario, A Different Shade Of Blue como mínimo demuestra que con la actitud adecuada todavía se le puede sacar punta a un género en respiración asistida. DAVID GARCELL

CHELSEA WOLFE Birth Of Violence (SARGENT HOUSE) DARK FOLK

or mucho que su estética sea gótica y en algunos de sus discos haya coqueteado con el metal y la electrónica, en las tripas de la música de Chelsea Wolfe siempre ha estado el folk. Su colección de canciones Unknown Room de 2012, ya dejó claro que con su voz y una guitarra acústica se bastaba para llegarte al corazón, y en Birth Of Violence ha optado por volvernos a ofrecernos su versión más desnuda, aunque con una mayor preocupación por la creación de atmósferas que en aquél. Compuesto y grabado en la soledad de su casa en el norte

de California, Birth Of Violence es una invitación a entrar en su mundo más íntimo y personal. La suave cadencia de las canciones nos sitúa en ese plano entre el sueño y la vigilia en el que realidad y fantasía se entremezclan; un poco como en las películas de David Lynch. Así encontramos referencias autobiográficas como ‘Deranged For Rock & Roll’ o ‘Highway’, junto a poemas ácidos como ‘Dirt Universe’ o reflexiones sobre temas más sociales como las matanzas en las escuelas en ‘Little Grave’. Con la ayuda de Ben Chisholm en la producción y colaboraciones puntuales de Jess Gowrie a la batería y Ezra Buchla a la viola, Wolfe ha conseguido unir la tradición del folk con ambientes más contemporáneos, con su sugerente voz siempre en primer plano. El gemido que adorna ‘When Anger Turns To Honey’ tanto podría ser el canto de una sirena como el de un animal herido. Es un sonido gélido, pero orgánico. Hermoso, pero temible. Un bello paisaje nevado en blanco y negro con una mancha de sangre de rojo intenso. JORDI MEYA

KILLSWITCH ENGAGE Atonement

(METAL BLADE/SONY) METALCORE

uizás los fans de Killswitch Engage no opinen igual, pero por muy celebrada que fuese la vuelta de Jesse Leach al grupo, ésta no termino por resolver los problemas que venían arrastrando desde sus últimos trabajos con Howard Jones al frente de micro. Al final, el haberse convertido en una de las formaciones más exitosas dentro del metalcore de comienzos de siglo se convirtió en un arma de doble filo para los de Massachussetts. Incapaces de escapar de una fórmula que ellos mismos se habían encargado de convertir en caballo ganador, con el paso del tiempo han perdido

su posición de privilegio. A priori, Atonement tampoco será el álbum que haga cambiar el curso de los acontecimientos, pero al menos sí resulta más convincente en conjunto que sus anteriores entregas. Sea por los problemas tanto psicológicos como vocales que ha sufrido Leach, aquí parecen decididos a asestar un golpe encima de la mesa. Y lo más sorprendente es que tampoco han necesitado renovar sus planteamientos para conseguirlo. Los riffs, punteos y breakdowns que podemos escuchar en ‘The Signal Fire’ y ‘The Crownless Kings’ (dos cortes en los que colaboran a las voces Howard Jones y Chuck Billy de Testament respectivamente) son de lo más familiares, pero se les aprecia un punto más de agresividad y, sobre todo, de inspiración. Es algo que también se extiende a las contundentes ‘Bite The Hand That Feeds’ y ‘Know Your Enemy’, donde se descuelgan con un riff a lo Pantera sin dar lugar a las contemplaciones. Hasta cuando salen a relucir las melodías como en ‘I Can’t Be The Only One’, pasan con nota. Una agradable mejoría. GONZALO PUEBLA

MIKE PATTON AND JEANCLAUDE VANNIER Corpse Flower (IPECAC) LOUNGE, JAZZ

aaale, a mí también me gustaría tener un nuevo disco de Faith No More entre las manos, pero nadie podrá acusar a Mike Patton de haber estado rascándose los huevos. En este tiempo hemos tenido un álbum y un EP de Dead Cross, además de una gira, la banda sonora de 1922, el anuncio de la resurrección de Mr. Bungle, y ahora esta colaboración con JeanClaude Vannier, el cerebro musical detrás de los mejores discos de Serge Gainsbourg. Esta insólita asociación se empezó a gestar en 2011, precisamente en un concierto homenaje al cantante francés en Los Angeles, y aunque ha

tardado en fructificar, este debut plasma la perfecta unión de dos universos, a priori, muy alejados. Pero antes de que alguien salga corriendo por patas, hay que dejar claro que para nada se trata de un disco ‘difícil’ o autoindulgente. Lo que encontramos son canciones, con estructuras definidas y en algunos momentos hasta pegadizas como la muy Nick Cave ‘Browning’ o esa ‘On Top Of The World’, que te imaginas perfectamente en un disco de Faith No More. Ya sabemos que Patton es de lo más versátil y aquí recupera su lado más crooner expuesto en aquel Mondo Cane de 2010, para poner voz a unos temas que se mueven entre el lounge de los 60, el jazz y las baladas orquestales. La elegancia de la música tiene su contrapunto en el particular sentido del humor de Patton que aprovecha la ocasión para recitar una lista de comidas en ‘Corpse Flower’ (“filet mignon, porcheta, laaardo…”), meter unos coros de niños diabólicos en ‘Cold Sun Warm Beer’ o relatarnos el diario de una adolescente en ‘A Schoolgirl’s Day’. Otra medalla que colgarse. JORDI MEYA

TIGER ARMY Retrofuture (RISE) PSYCHOBILLY

esde que en 2007 publicaran Music From Regions Beyond, Nick 13 dejó claro que no quería que Tiger Army fuera simplemente un grupo de psychobilly introduciendo nuevas influencias del post punk o el pop. El disco funcionó bien, y aunque la inestabilidad interna hizo que la banda no alcanzara todo su potencial y estuviera prácticamente inactiva en años posteriores, es evidente que para su líder no había marcha atrás. Tras un disco en solitario de corte más country, y reaparecer con una nueva formación con el álbum V, que pasó bastante desapercibido, Nick 13

82 48

vuelve a intentarlo con Retrofuture. El disco sigue la misma estructura tanto en forma (como todos sus trabajos incluye 13 canciones) como en fondo, alternado diferentes estilos adaptados a su sonido. Como es tradición en ellos, el disco se abre con un tema instrumental, ‘Prelude Tercio De Muerte’, de aires surf, para arrancar con ‘Beyond The Veil’ (imagina a Alkaline Trio con tupé) y pasar a ‘Last Ride’ donde nos reencontramos con esos característicos coros a lo Misfits, pero suavizados por la aterciopelada voz de Nick 13. Las influencias de los años 50 afloran en la melódica ‘Valentina’ o el rock’n’roll de ‘The Past Will Always Be So’, mientras que ‘Death Card’ y ‘Eyes Of The Night’ siguen el patrón del psychobilly con un toque más punk. Tampoco falta un tema en castellano, ‘Mi Amor La Luna’, bonitas baladas como ‘Black Neon’ o la elegante ‘Night Flower’. Por su título, esperaba un pelín más de riesgo, pero una vez escuchado queda claro que lo retro ha ganado la partida a lo future. Ni tan mal. JORDI MEYA

CARNIFEX

World War X (NUCLEAR BLAST) DEATHCORE

ún me acuerdo de las carcajadas que me produjo Scott Ian Lewis al asegurarme en una entrevista que Carnifex no eran una banda de deathcore. Colega, ¿has escuchado tu propia canción ‘World War X’, que encima da título a tu séptimo álbum? Si bien es cierto que en la etapa de Slow Death intentaron distanciarse de este estilo e incluso tocar con grupos más cercanos al death de toda la vida, para mí esta nueva obra es una reivindicación total de los sonidos por los que son conocidos. Otra prueba de ello es la gira

que han anunciado con Thy Art Is Murder o Fit For An Autopsy, por supuesto. Que los resultados entusiasmen ya es más discutible… En mi opinión, en este disco somos vapuleados durante 35 minutos por breakdowns descomunales y guitarras gordísimas, pero sintiéndolo mucho, también por muy poca enjundia musical. El intento de toque imaginativo vuelve a ponerlo esa curiosa fijación que tienen por los elementos sinfónicos de Dimmu Borgir, algo a lo que nos tienen más que acostumbrados ya, así como la fallida aparición de Alissa White-Gluz de Arch Enemy en ‘No Light Shall Save Us’ o los solos de Angel Vivaldi en ‘All Roads Lead To Hell’. En ‘Brushed By The Wings Of Demons’ lo intentan, pero no logran cautivarnos en absoluto, aunque está claro que aquéllos que sólo busquen mamporros para hostiarse en el pit los hallarán en ‘Hail Hellfire’, ‘Visions Of The End’ o ‘Eyes Of The Executioner’. Como si Bleeding Through se hubieran pasado todo el verano en el gimnasio hinchándose a proteínas. PAU NAVARRA

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD

Infest The Rats’ Nest (FLIGHTLESS) THRASH METAL

i habían editado todavía su anterior disco y ya estaban anunciando el siguiente. Así funciona la imparable maquinaria de King Gizzard & The Lizard Gizzard. Su ritmo de producción se asemeja al de una cadena de montaje, con la diferencia de que en lugar de ofrecer siempre el mismo producto, los australianos se reinventan en cada nuevo episodio. Después de haberse disfrazado de banda de blues rock sureño en Fishing For Fishies, esta vez han optado por irse al otro extremo. Como suele ocurrir en muchos de sus discos, Infest The Rats’ Nest explora

de alguna manera una faceta que ya habían dejado entrever previamente. En este caso, los australianos se han dejado llevar por su lado más metalero, aquel que se podía apreciar en Murder Of The Universe. Cogiendo el thrash de los 80 como base, los Gizz se disponen a pasarnos por encima gracias a la muralla que construyen sus tres guitarristas y una dupla de baterías a la que por fin le sacan todo el jugo, con un Stu McKenzie en su registro más cavernoso. Los riffs de ‘Planet B’, ‘Organ Farmer’ y ‘Self-Immolate’ parecen sacados del mismísimo Reign In Blood, aunque conservan ese timbre marciano tan suyo. Eso sí, no todo es metralla sin cuartel. Bajo esa apariencia aguerrida, el disco esconde detalles que lo enriquecen, como el deje hard blues hacia el final de la sabbathiana ‘Superbug’, la armónica spaghetti western que se cuela en ‘Perihelion’ (estribillazo, por cierto) o las puntuales escalas arábigas de ‘Venusian 1’. Pero lo mejor de todo es saber que mientras estás leyendo esto, lo más probable es que ya tengan entre manos su próxima locura. GONZALO PUEBLA

JOEY CAPE

Let Me Know When You Give Up (FAT WRECK) POP ROCK

o es Juan Palomo pero casi: es Joey Cape y él compone, canta, toca la guitarra y las percusiones y produce las canciones de Let Me Know When You Give Up, el cuarto álbum en solitario del cantante de Lagwagon. El disco empieza muy lo-fi con la canción que le da título, en la que suenan unos acordes desnudos de guitarra y cierto aire tristón. De hecho ese halo de melancolía sobrevuela la mayoría de temas y el propio Cape reconoce que los compuso en un ambiente empapado de noticias sobre Trump, el Brexit, nacionalismos sin

fundamento, etc. Con tal inspiración, el californiano intentó un escape filosófico, una especie de antídoto contra toda esa mierda y supo encontrar rayos de esperanza, como la canción ‘Andalusia’, en la que Joey canta que de regalo de cumpleaños le gustaría perderse por el sur de España (“Sane, I remain here in Spain”). ‘I Know How To Run’ es una de mis preferidas, gracias a su ritmo más animado y casi country, junto a ‘Possession’, donde el crescendo a la mitad de la canción y el acompañamiento en las voces de su amiga Cristal Cooke quedan de lujo. Además, hay algunos cortes como ‘Fighting Atrophy’, ‘Before My Heart Attack’ o ‘Fall Down’ que, tocadas con un ritmo más acelerado, podrían encajar perfectamente en el próximo disco de Lagwagon. Let Me Know When You Give Up finaliza con ‘The Last Word’, la composición más corta del repertorio (apenas un minuto), en la que el menudo Joey Cape reclama tener la última palabra sin levantar la voz. JORDIAN FO

E THE BRONX

Dead Tracks Vol.1 & Vol. 2 (WHITE DRUGS) PUNK ROCK

l pasado mes de febrero The Bronx anunciaron por sorpresa la edición de Dead Tracks, una compilación de descartes y rarezas distribuidas a lo largo de los más de 15 años de trayectoria de la formación angelina separadas sabiamente en dos volúmenes. Como era de esperar tratándose de una tirada limitada a 750 copias en vinilo, fue sold out en cuestión de horas. El primer tomo se compone de cortes propios que se vieron relegados como caras B de singles o bandas sonoras de películas y videojuegos. Entre lo más destacable figura una inédita ‘Between The Desert And The Sky’ encargada de estrenar el plástico, seguida de ‘Sunset City’, ‘Overcharge’, ‘Eyes In The Sky’ y ‘Rockers NYC’ que son todo un chute de adrenalina marca de la casa. También sorprende

L VOLBEAT

Rewind, Replay, Rebound (UNIVERSAL) HARD ROCK, POP ROCK

a popularidad de Volbeat, o ‘los Nickleback europeos’, como los llama Jordi Meya, no ha parado de crecer en los últimos años, a pesar de que el efecto sorpresa de sus primeros discos se haya disipado y que en directo sean sosos a más no poder. En cualquier caso, Rewind, Replay, Rebound parece más pensado para un potencial nuevo público masivo que en quienes empezaron a seguirles cuando publicaron su debut en 2005. Michael Poulsen y sus compañeros no se han cortado un pelo a la hora de pulir su sonido hasta el punto que la mitad del disco -‘Rewind The Exit’, ‘When We Were Kids’,

el hallazgo de ‘Necessary Evil’, una pieza en principio destinada para Mariachi El Bronx, su alter ego de música tradicional mexicana. El segundo álbum está enteramente dedicado a versiones de artistas afines como X (‘Los Angeles’) y Descendents (‘Catalina’), pero al mismo tiempo encontramos homenajes a Neil Young (‘The Needle And The Damage Done’), Warren Zevon (‘Carmalita’) e incluso Charles Manson (‘A Peace In Your Heart’). Es tan

sólo un reflejo de las distintas influencias que hacen de The Bronx una banda tan peculiar dentro del punk rock. Para completar el pack se suman colaboraciones de Brody Dalle en ‘VCR’ y Keith Morris en ‘Witness’. Igual que en la mayoría de discos de rarezas, hay momentos más inspirados que otros, pero si eres seguidor de la banda es complicado que no acabes disfrutando como un crío de esta casi treintena de caramelitos.

‘Cloud 9’, ‘Maybe I Believe’, ‘7:24’- contiene melodías que fácilmente podrían confundirse por las de artistas pop de los 80 tipo Roxette o Bonnie Tyler. Quítale la distorsión a las guitarras y nadie creería que ésta es una banda que en estos momentos está girando con Slipknot. Como producto comercial no se puede negar que consigue su objetivo, y temas como la inicial ‘Last Day Under The Sun’, ‘The Awakening Of Bonnie Parker’, con un inicio que recuerda a los Van Halen de Sammy Hagar, o los tres minutos trepidantes de ‘Die To Live’, en la que colabora Neil Fallon de Clutch, entran bien el oído. Evidentemente, Volbeat

no son la primera banda de rock que se orienta al pop -tenemos cientos de casos desde Whitesnake a The Offspring pasando por Muse, así que tampoco vamos a rasgarnos las vestiduras, pero resulta irritante el exceso de reverb en la voz de Poulsen constante en todo el álbum y la reiteración de algunos giros melódicos. Incluso todavía más que intenten hacerse perdonar recurriendo a sus raíces metaleras, como en ‘Cheapside Slogger’ (con un solo de Gary Holt de Exodus y Slayer) o ‘The Everlasting’, o rockabilly, como ‘Pelvis On Fire’, una parodia con Poulsen imitando a Elvis. Ya que te vendes, apechuga.

GONZALO PUEBLA

DAVID GARCELL

THY ART IS MURDER

Human Target (NUCLEAR BLAST) DEATHCORE

l haterismo es uno de los fenómenos más estúpidos de la sociedad actual, así como una victoria del sistema. Además de sólo emitir manifestaciones banales y superficiales, es lo que desean los de arriba: que torpemente canalices tus frustraciones en las redes para que cuatro borregos te rían las gracias. Ningún post o twit va a conseguir que se tambalee un gobierno, no va a poner en jaque a un banquero ni reescribirá el guión de una serie, así que, o aprendes a canalizar tu furia de manera positiva, caso de Thy Art Is Murder,

o mucho me temo que sólo desperdiciarás tus energías de forma ridícula. Porque razones para estar enojados las tenemos a trillones, pero eso hay que dotarlo de un discurso y un análisis crítico si deseas que acabe siendo constructivo. Precisamente eso es lo que han logrado los australianos en Human Target, un primoroso bofetón a todos los estamentos que han convertido este planeta en una pesadilla. Desde que la aplastante gravedad de ‘Human Target’ te estruja, asistimos a una inspiradísima retahíla de obuses que atenta contra la epidemia de salud mental que han provocado las mencionadas redes (‘New Gods’), la manipulación de masas por parte del engranaje político (‘Make America Hate Again’) o la nueva religión de la adicción, ésa que va desde los móviles pasando por las farmacéuticas (‘Chemical Christ’). Mención especial merece ‘Atonement’, un examen sobre la verdad de la violencia sexual además de una expiación de la propia banda por algunas letras misóginas de sus inicios. Su álbum más completo. PAU NAVARRA

THE APPLESEED CAST

The Fleeting Light Of Impermanence (GRAVEFACE) POST ROCK

uando empieza a sonar ‘Chaotic Waves’, el primer corte del nuevo album de The Appleseed Cast, con esos punteos tan repetitivos como abismales, sabes que la espera mereció la pena. Y es que seis largos años han pasado desde aquel Illumination Ritual; y desde el mismo sello independiente, Graveface, ha visto la luz el presente The Fleeting Light Of Impermanece, otro fascinante ejercicio de post rock emotivo. El título hace referencia, de manera poética, a la fragil existencia

o, en otras palabras, la tiranía de la impernanencia. Esa idea, la de la aterradora obsolescencia, aparece en la tremendista ‘Time The Destroyer’, un gigantesco bucle del que es imposible escapar en sus más de seis minutos, con capas y capas de sintes y guitarras, y en mi favorita ‘Last Words And Final Celebrations’, encargada de poner el broche al noveno disco de los de Lawrence. En conjunto, se trata de un aviso a navegantes. Nada ni nadie, incluida la formación liderada por Chris Crisci, el único superviviente de la formación original, escapará. Por eso mismo, disfrutemos estos ocho nuevos temas como si fueran los últimos. Aquí hay material de mucha calidad, a ratos experimental, con un sonido orgánico y una reverberación muy natural, como en la esperanzadora ‘Collision’, con un estribillo brillante que destaca entre tanta oscuridad, y ‘The Journey’, una verdadera odisea espacial que hará las delicias de los seguidores más exigentes de esta formación con más de 20 años de trayectoria. LUIS BENAVIDES

MOCKER’S

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Jon

(voz, bajo), Ritxi (guitarra), Asier (batería) PRODUCIDO POR: Curro Ureba AFINES A: Bourbon, Atavismo, Willis Drummond PÁGINA WEB: www.mockers.bandcamp.com

N Oreka Ahula (SPINDA) ROCK

os alegra comprobar que no somos los únicos que mes tras mes no paramos de alabar las bondades de la nueva ola del rock andaluz. Y es que resulta obvio que algo bueno se está haciendo en el Sur desde hace ya tiempo cuando incluso una banda del País Vasco se desplaza hasta allí en busca de inspiración. Porque eso mismo es lo que han hecho Mocker’s, un joven power trio procedente de Durango, Vizcaya. A pesar de su edad, hay que remontarse hasta 2010 para encontrar sus primeras huellas y ya cuentan con dos largos en su catálogo. Para esta ocasión Jon, Asier y Ritxi vijaron a los Trafalgar

Estudios de Curro Ureba para la grabación, además de volver a casa con un acuerdo con Spinda Records para la edición de este tercer Oreka Ahula. Dos referentes de peso de una escena que ha dejado cierta impronta en este trabajo, aunque la formación se ha asegurado de mantener ciertas señas que les hagan distinguibles. Empezando por el idioma, siendo su primera referencia interpretada íntegramente en euskera. Hay que apuntar que lo que proponen no resulta tan denso y complejo de asimilar como lo que ofrecen, por ejemplo, unos monstruos como Atavismo. A los Mocker’s también les va el ir por la vía más directa y

además se les da bien como demuestran en la inaugural ‘Taurus’. Es a partir de ‘Erebo’ cuando se empiezan a desenvolver por pasajes más psicodélicos, adivinándose esa conexión andaluza. En ‘Marte’ se zambullen en el space rock rematando la jugada con un potente cierre. Lejos de coger aire, ‘Chrono’ y ‘Pegaso’ hacen las funciones de cortes rápidos e inmediatos que ayuden a descongestionar el tracklist, mostrando ese otro reverso de la moneda. ‘Pangea’ nos despide con una bonita melodía que se va enlazando a lo largo de la canción hasta toparnos con una tormenta de afilados riffs. GONZALO PUEBLA

BONUS TRACK CON... MOCKER’S ¿Qué es lo que lleva a tres chicos de Durango a viajar hasta Andalucía para grabar su disco?

“Hace aproximadamente un año, cuando nos encontrábamos componiendo el álbum, las bandas del Sur del Sur se cruzaron en nuestro camino. Tirando del hilo de Viaje a 800, llegamos a Atavismo, Híbrido o Bourbon y para alguno de nosotros la admiración ha llegado a ser casi enfermiza. A la hora de decidir donde grabar, nos apetecía probar a salir fuera de Euskadi para internarnos en un estudio durante unos cuantos días y poder canalizar todos los esfuerzos en el álbum. Investigando un poco, vimos que todos esos grupos que mencionamos habían grabado con Curro Ureba en sus Trafalgar Estudios de El Palmar y nos pareció que sería buena idea ponernos en sus manos”.

¿Os sentís más afines a lo que se está haciendo allí que a lo que tenéis en el País Vasco?

“Es cierto que con todas esas bandas del Sur hay similitudes tanto estilísticas como en la manera de entender el rock con las que es difícil no sentir afinidad. Por otra parte, dentro de esa concepción, aquí tenemos a un montón de grupos que nos encantan como Arenna o The Soulbreaker Company. De todas maneras, el vínculo más fuerte que tenemos con muchas bandas de Euskadi es la manera de entender la música desde la autogestión y el apoyo mutuo, por lo que la afinidad se amplía a cualquier estilo, desde el hardcore hasta el folk, lo cual enriquece y humaniza más el camino”. Si no me equivoco, Oreka Ahula es vuestro primer disco íntegramente en euskera.

¿Cuál ha sido el motivo de este cambio?

“Se han dado varios factores. Por una parte, uno siempre siente la necesidad de expresarse en su lengua, que es la que conoce y domina, y huir de ello en muchos casos nos ha llevado a sentirnos extraños. Por otra parte, al ser un álbum conceptual, las letras nos pedían un peso y una densidad que no podíamos abarcar con el inglés. Sin embargo, por el miedo al cambio drástico, no acabábamos de decidirnos y al estudio fuimos con la mitad de las canciones escritas en inglés y la otra mitad en euskera. Paradojas de la vida, el primer día de grabación, Curro nos animó a hacerlo todo en euskera, argumentando que, al ser nuestra lengua materna, sonaría más natural, las letras tendrían mucha más profundidad y sería más original”. (GONZALO PUEBLA)

SACRED REICH Awakening (METAL BLADE) THRASH METAL

sunto delicado, Sacred Reich. Sobre su discografía podríamos debatir durante días, pero creo que todas y todos tenemos claro que, si hoy en día son reverenciados dentro de ese thrash que no acaparó todas las miradas, es por su legendario debut Ignorance y pildoritas tan icónicas como Surf Nicaragua. Su temprana adhesión a la ola groove que lideraron Pantera (y Exhorder) nos legó The American Way, obra que tiene sus momentazos, pero que seguro muchos también convendremos en señalar que nada volvió a ser lo mismo tras él. Estamos en 2019 y esas voces melódicas siguen

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sin entrarme completamente, ha tenido que pasar mucho tiempo para que entienda y aprecie lo que vino después, pero precisamente a sus noventas nos remite fielmente este Awakening, primer largo de los de Phoenix tras 23 añazos. Ya sé que es de ilusos esperar que volvieran con otro Ignorance, sería como pedirles a Death Angel un nuevo The Ultra-Violence, pero a veces cuesta reprimir al niño que llevamos dentro. Por el contrario, aquí encontramos a un Phil Rind vocalmente en forma, el mismo compromiso lírico con ese 99% que perdimos la guerra contra los poderosos, esos trabajados solos y cortes bastante tralleros y puramente americanos (igual se pasan en ‘Death Valley’…) como ‘Divide & Conquer’ o las poderosas ‘Salvation’ y ‘Manifest Reality’. No estamos ante un triunfal retorno del palo Revelations Of Oblivion de Possessed, aunque hay que reconocer que, según las preferencias de cada uno, puede que Awakening empate con algunos de sus discos pretéritos, o incluso los supere. Sin alcanzar cotas máximas, claro. PAU NAVARRA

FRANK TURNER No Man’s Land (XTRA MILE/POLYDOR) FOLK ROCK

curre a veces que cuando un artista se encuentra estabilizado tanto en su carrera profesional como en su vida personal, es cuando menos cosas interesantes tiene que contar. A Frank Turner le pasó eso mismo con Be More Kind. Con sus planes de adentrarse en el mercado americano viento en popa y un recién anunciado matrimonio, el ex Million Dead entregó el pasado curso un trabajo con un acercamiento al pop un tanto forzado. Siendo probablemente consciente de ello, Turner ha optado esta vez por buscar su musa en otros personajes en lugar

de sus propias experiencias. Y así es como surge No Man’s Land, un disco basado en las historias de varias mujeres pioneras en diferentes campos que nunca tuvieron el reconocimiento que merecían. Por suerte, lejos de resultar un panfleto feminista barato sin sustancia, el cantautor británico se ha preocupado de darle profundidad a cada uno de los relatos haciendo valer su faceta de historiador. Por ejemplo, en ‘Sister Rosetta’ nos cuenta la vida de la cantante Rossetta Tharpe, pionera del rock and roll que llegó a influenciar a Chuck Berry y Elvis Presley, y ‘I Believed You, William Blake’ trata de la importancia que tuvo en la obra de pintor inglés su esposa Catherine. Musicalmente también encontramos novedades, ya que aquí Frank ha decidido prescindir de sus Sleeping Souls para rodearse de un banda formada íntegramente por mujeres. Sea de un modo u otro, en ‘ Jinny Bingham’s Ghost’, ‘The Dead Of Dora Hand’ y ‘ The Hymn Of Kassiani’ se mete de lleno en el papel de trovador moderno que lleva dentro. Un álbum necesario para estos tiempos que corren. GONZALO PUEBLA

SNUFF

There’s A Lot Of It About (FAT WRECK) PUNK

n los años 90 Snuff consiguieron algo al alcance de muy pocos: crear un sonido propio y reconocible que les hiciera diferentes a los miles de clones que poblaban la escena punk rock en aquella época. Algunos dicen que fue gracias al uso de un instrumento tan poco habitual como el trombón, otros que el hecho diferencial era que el cantante principal se encontraba tras la batería pero yo lo tengo claro: la clave estaba, y sigue estándolo, en esas notas de órgano Hammond que impregnan la mayoría de sus composiciones. Tras un

largo hiato (su último largo se publicó en 2013) por fin podemos disfrutar del nuevo trabajo de la banda de North West London. Para su décimo disco el quinteto sigue aprovechándose de las influencias positivas que recibieron de la escena 2Tone británica, sobre todo de The Specials, y vuelven a firmar un puñado de espléndidos temas marca de la casa: ‘Summer’s Over’, ‘Dippy Egg’, ‘A Smile Gets A Smile’ o ‘Big Shot’. Nueva artillería para sus próximos conciertos. Sólo por eso ya ha valido la pena su regreso, pero es que, además, las frenéticas ‘Kiss My Ring’ y ‘Patient Zero’ son hardcore del bueno. En el saco de las curiosidades de There’s A Lot Of It About podríamos meter ese guiño a la escena española en el título de la primera canción del disco, ‘Kings Of the Spanish Oi Scene’, aunque la letra no tenga nada que ver, la más elaborada ‘Gyoza’ y el cierre del álbum en clave acústica con ‘Job And Knock’ que pone un poco de paz. Formados en el ya lejano 1986, Snuff vuelven por la puerta grande con un trabajo de notable alto. JORDIAN FO

IMMORTAL BIRD Thrive On Neglect (20 BUCK SPIN) BLACKENED DEATH GRIND, HARDCORE

na de las mayores tendencias del metal de este siglo ha consistido en fusionar estilos que, hasta no hace mucho, partían de postulados casi irreconciliables. En muchos casos ha chirriado, ha sonado impostado, pero en otros, los menos, todo ha fluido con una naturalidad tan pasmosa como letal. Con sus disonancias blackers, su death grind de coartada crust y salidas hardcore, los estadounidenses Immortal Bird estarían situados en ese segundo segmento más reducido y privilegiado. Rae Amitay es otra vocalista para enmarcar y nada sería

lo mismo sin su rasgado, pero sus compañeros no se quedan atrás. Desde que el primer riff afilado de ‘Anger Breeds Contempt’ te perfora el oído sabes que vas a disfrutar de lo lindo con los de Chicago, un cuarteto que domina los tempos como nadie y que tampoco teme a perderse en aventuras progresivas bien entendidas o core complejo. Brutal escuchar a John replicar al bajo los fraseos de Nate a la guitarra en esa curiosísima ‘House Of Anhedonia’ que acaba volando por los aires, también esa caída en picado y suicida que es ‘Vestigial Warnings’. Vaya alocado torpedo que termina en muerte por aplastamiento… La larga, liviana y sugerente ‘Avolition’ nos sirve para confirmar lo especial que es esta banda, para que ‘Solace In Dead Structures’, con su inicio depresivo y posterior vapuleo death, o la escandinava ‘Quisquilian Company’, rematen la faena de forma impecable. Con mareos como ‘Stumbling Toward Catharsis’, este segundo álbum pronto los pondrá en el mapa. PAU NAVARRA

P NOCTURNUS AD Paradox

(PROFOUND LORE) DEATH METAL

ara huevazos, los de Nocturnus AD. ‘Nos importa un pimiento todo lo que haya ocurrido en términos de sonido y producción durante las últimas dos décadas, hay que ser fieles a lo que fuimos’. Ése fue el espíritu con el que grabaron Paradox, primer trabajo desde que la banda de Tampa se haya ido refundando en sucesivas etapas con ese ‘AD’ añadido, y lo que es más importante: continuación conceptual y compositiva del esencial The Key. No podían defraudar y retorcidos y raros lo siguen siendo un rato, como ya se encarga de señalarnos la despampanante apertura ‘Seizing The Throne’. Lo que no esperaba es que tuviera que revisar el cableado de mi equipo por si no llegaba bien la señal… Lo dicho: huevazos. ‘The Bandar Sign’ incide en esos teclados tan característicos suyos,

D REDD KROSS

Beyond The Door (MERGE ROCK, POWER POP

urante muchos años ser fan de Redd Kross era como ser fan de una banda fantasma. Aunque nunca se separaron oficialmente, y de vez en cuando se les podía ver en directo, el grupo tardó la friolera de 15 años en dar continuación a aquel magnífico Show World de 1997. Pero quienes pensábamos que con el convincente Researching The Blues de 2012, la banda de los hermanos McDonald iba a retomar su carrera de manera más o menos convencional, volvimos a equivocarnos. Y aunque no han sido 15, han vuelto a pasar 7 años hasta poder volver a escuchar nuevas

situando su death metal en una especie de dimensión paralela donde rige la ciencia ficción, y la voz de Mike Browning –cofundador de Morbid Angel, no lo olvidemos- se nos aparece igual de particular. Madre mía, cómo aprietan. Mismos ingredientes para ‘Paleolithic’ o la virguería ‘Precession Of The Equinoxes’, pero todo reformulado para que te pase por encima una especie de torbellino esquizofrénico, progresivo y cósmico. No

importa si pinchas ‘The Antechamber’, ‘The Return Of The Lost Key’ o ‘Apotheosis’: vas a ser zarandeado por fuerzas sobrenaturales. Vista la portada, tampoco debería sorprendernos tanto lo enumerado… Curioso que un artefacto anclado en tiempos pretéritos, ejecutado por músicos que siguen viviendo en el siglo pasado, se nos revele como algo tan sumamente fresco y revitalizador. Discazo es poco.

canciones suyas. Y quizá por eso choca un poco de entrada que el disco suene como… apresurado. Ya no es que la producción sea demasiado garajera, sobre todo comparado con sus discos de los 90, porque al fin y al cabo puede ser una decisión estética, sino que cuesta creer que en todo este tiempo no hayan conseguido amasar mejor material. Naturalmente, como siempre, encontramos algunas perlas dignas de mención, sobre todo cuando sacan su lado más Beatle como en ‘What’s A Boy To Do?’, ‘Ice Cream (Strange And Pleasing)’ o ‘Jane Hoople’ donde su ingenio para hilvanar melodías una detrás de otra

sigue asombrando, pero en cambio otros temas como ‘The Party’ o ‘Fantástico Roberto’ parecen simples ejercicios de revivalismo 60’s no del todo inspirados. Tampoco cuando tiran más hacia el punk de sus inicios como ‘Fighting’ o ‘Punk II’ la cosa acaba de funcionar al 100%. De todos modos, ese homenaje a los Bay City Rollers en ‘Beyond The Door’, la preciosa ‘There’s No One Like You’ o la sorprendente version de Sparks ‘When Do I Get To Sing ‘My Way’’ hacen que la balanza se incline ligeramente en favor de un disco que, eso sí, sigue destilando su espíritu freak.

PAU NAVARRA

JORDI MEYA

THE HOLD STEADY Thrashing Thru The Passion (FRENCHKISS) INDIE ROCK

l día que Franz Nicolay decidió volver a The Hold Steady, estos no sólo recuperaron a su teclista de toda la vida. Recuperaron su mojo. Bastaba con escuchar los simplemente correctos Heaven Is Whenever y Teeth Dreams , los discos que publicaron los neoyorquinos tras su marcha, para darse cuenta de que ahí faltaba algo. Esto queda demostrado en Thrashing Thru The Passion, su primer trabajo de estudio en cinco años. Un lustro en el que su líder Craig Finn ha afianzado también su carrera en solitario. En esta ocasión han decidido

condensar todos sus puntos fuertes para entregar su obra más inmediata y concreta. Desde la inicial ‘Denver Haircut’ se nota que el combo se siente como en casa con Nicolay secundando la escena. Con ‘You Did Good, Kid’ ya empieza a reclamar protagonismo con unos arreglos que se echaban de mucho de menos, y en ‘Traditional Village’ y ‘Entitlement Crew’ se dejan acompañar por una sección de vientos omnipresente en todo el álbum, recordándonos por qué en su momento se les llegó a comparar con la E Street Band. ‘Blackout Sam’ confirma el regreso a ese rock tabernario mediante una gloriosa balada digna de cerrar un bar con cierta elegancia. Por su parte, Finn continua trazando esas historias de borrachos románticos y personajes tan cotidianos como imposibles, siempre con esos fraseados que ya son marca registrada. Y es que a pesar de que los días de gloria de Boys & Girls In America y Stay Positive quedan lejos, esta pandilla de cuarentones aún están dispuestos a apurar su última jarra de cerveza. GONZALO PUEBLA

WOOD

Okeanos (BCORE / SALTAMARGES) MATH ROCK

é muy bien que las nuevas generaciones vienen pisando muy fuerte, pero los jovencísimos Wood sobresalen por su extrema pericia y, sobre todo, por sus atrevidas composiciones de post hardcore y math rock con trazas de emo e incluso jazz. Son un auténtico torbellino musical y en su sorprendente primera referencia sacan toda la artillería, todos sus recursos; de los preciosistas punteos cruzados de la casi instrumental ‘Mountain’ a los guturales thrash de ‘Bad Trip’. El disco arranca de maravilla con cuatro

composiciones asombrosas como la citada ‘Mountain’, adrenalina pura; ‘Salvia’, un medio tiempo emotivo que explota en un estribillo delicioso; ‘Like Coultraine’, un minuto y medio de júbilo math; y mi favorita ‘The Noise From The Tower’, con unos zarpazos que recuerdan a los padres No More Lies (¿será un guiño al himno ‘Pisa’s Tower’?) y unos juegos vocales que parecen haber heredado de Zimt. Tras el final de alto voltaje de la mencionada ‘Bad Trip’, el quinteto saca su lado más exquisito con ‘Samba’, entre el interludio y la canción de cuna, y el disco se diluye con ‘I Should Be Leaving Soon’ y ‘Prozac’. Nada grave pues se recuperan con la épica ‘Okeanos’ -como si American Football versionaran a Baroness (o viceversa)- y la entretenida ‘Mushrooms’, una gamberrada mathcore con unos coros y teclados alucinógenos en la onda de Zeidun. Por si fuera poco, el disco cuenta con un sonido excelente. A poco que les acompañe esta desbordante creatividad y afinen la puntería, tienen un futuro más que prometedor. LUIS BENAVIDES

TORCHE

PEQUEÑOS CAMPEONES PESE A FACTURAR CANCIONES INDUDABLEMENTE PEGADIZAS, TORCHE NO HAN LOGRADO ROMPER EL TECHO DE LA ESCENA STONER. NO ES QUE A ELLOS LES PREOCUPE DEMASIADO, PERO SU NUEVO DISCO ADMISSION PODRÍA, DEBERÍA, CAMBIAR LAS COSAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

N EL MUNDO DE LA MÚSICA es difícil

inventar algo que resulte realmente original, pero cuando Torche publicaron su segundo álbum Meanderthal en 2008, como mínimo consiguieron llamar la atención. La mezcla entre riffs pesados, casi sludge, con melodías muy pop, hizo de aquel trabajo una bocanada de aire fresco dentro de una escena cada vez más orientada hacia el progresivo. Sin embargo, el éxito de crítica no se tradujo en una repercusión a nivel popular y desde entonces el cuarteto de Miami, actualmente formado por Steve Brooks (voz, guitarra), Jonathan Nuñez (guitarra), Rick Smith (batería) y Eric Hernandez (bajo), ha seguido publicando buenos álbumes, pero sin salir del circuito de clubes. El grupo ha encontrado en esa endiablada dicotomía entre ser demasiado duros para unos y demasiado blandos para otros su hábitat natural, y aunque han tardado más de cuatro años en dar salida a su reciente Admission (Relapse), los ánimos dentro de la banda están más arriba que nunca. Con el guitarrista Jonathan Nuñez tomando también las riendas de la producción, Torche han conseguido plasmar en disco toda la potencia de su directo.

el reflejo perfecto de donde estamos ahora. Como músico y productor mi trabajo era capturar exactamente dónde estamos, la energía y el sonido del directo, y creo que lo conseguimos. Tengo un socio con el que fabricamos equipos para nosotros y para otras bandas y también quería mostrar lo bien que suenan, que se pudiese distinguir cada instrumento, que fuera dinámico. Creo que cuando la gente lo escucha dice ‘vaya, suenan igual que en directo’”. Habéis encontrado el equilibrio ideal entre saturación y claridad.

“¡Gracias! Para mí es un halago porque mucha gente sólo se fija en las canciones, pero para mí el sonido también es muy importante. La producción, la mezcla, el equipo… todo ha llevado mucho trabajo, así que me alegro de que se note”.

como un aire más británico…

“Sí, puedo verlo. Para nosotros fue como entrar en nuevo territorio. Para este disco hice maquetas por mi cuenta programando nuevos ritmos, probando cosas nuevas… Me imaginaba lo mucho que molaría unir eso con el sonido del grupo y, realmente, cuando lo probamos, nos encantó cómo sonaba. La primera vez que la tocamos juntos, no podíamos parar, estuvimos como 12 minutos tocándola sin parar (risas)”. Torche surgisteis en el mismo momento que Mastodon o Baroness, pero a pesar de que vueszas, no habéis llegado a tanta

extra como productor respecto a

gente como ellos. ¿Qué piensas

tus compañeros?

de eso?

“Sí, claro, pero por suerte, estoy en un grupo al que es muy fácil grabar porque todo el mundo sabe lo que hace. Mi trabajo es más bien no hacer nada que lo estropee (risas)”.

“No es algo que me moleste. Nosotros vamos a la nuestra y sólo nos fijamos en la música. Quizá otros grupos han hecho cosas para llegar a nuevos fans, sea porque era lo que querían hacer o por obligación, no lo sé… A mí me gustan muchos grupos que hacen un gran trabajo, pero que quizá les cuesta más tiempo lograr un reconocimiento. Todo lo que puedo decirte es que disfrutamos mucho de lo que hacemos, de nuestra integridad, nuestro compromiso, y al final eso es lo que cuenta”.

¿Qué ha supuesto el cambio de formación con la salida de como bajista y tú pasando a la

tando más que Restarter. ¿Cuál

guitarra?

es tu percepción?

“El núcleo del grupo siempre ha sido el mismo, así que no ha sido nada dramático. Pero ha estado bien que entrara alguien que comprendía el grupo y a quien conocíamos. En cuanto a mi papel, antes ya había ayudado con cosas de guitarra, así que simplemente ahora ha salido a la superficie lo que

es la propia ‘Admission’, tiene

tras canciones son más pegadi-

Andrew Elstner, Eric entrando

la gente le está gustando mucho. Creo que es porque tiene un sonido más potente, pero a la vez es distinto. Han pasado muchas cosas desde el disco anterior, hemos tenido un cambio en la formación… Creo que Admission es

Una de mis canciones favoritas

¿Sientes una responsabilidad

Parece que este álbum está gus-

JONATHAN NUÑEZ Sí, creo que a

hacía quizá sólo de puertas adentro. Al principio sentí un poco de vértigo, pero luego todo fue bien”.

Actualmente parece que cuente más tu habilidad para vender lo que haces que lo que haces en sí.

“Así es, no podría estar más de acuerdo. Pero yo creo que tu trabajo acaba

“NO SÉ SI ES POR LAS REDES SOCIALES, PERO HAY MUCHA MEDIOCRIDAD QUE SIMPLEMENTE ESTÁ BIEN EMPAQUETADA” JONATHAN NUÑEZ

hablando por sí mismo. No intentamos vender una idea, sino simplemente materializarla. No intentamos proyectar nada más que simplemente lo que somos. No sé si es por las redes sociales, pero hay mucha mediocridad que simplemente está bien empaquetada. Es como propaganda. Pero no creo que sólo ocurra en la música, sino que también lo vemos en la política”. El otro día leí un post de Steve

permanecer en el underground puede ser una opción personal y algo totalmente satisfactorio.

“Estoy totalmente de acuerdo. Todo empieza en alguna parte y el underground es un gran vivero de ideas y tendencias, pero normalmente cuando una de ellas llega al mainstream se acaba diluyendo para poder llegar a la masa. Al final es una cuestión de márketing y, sinceramente, no es algo que me interese”.

McDonald de Redd Kross y OFF! en el que se lamentaba que

Pero haciendo autocrítica, ¿crees

mucha gente considerara el un-

que habéis cometido algún error

derground sencillamente como

que haya perjudicado vuestra

un escalón transitorio hacia

proyección?

algo mejor, cuando en realidad

“No lo creo. Quizá en el pasado po-

dríamos habernos organizado mejor, pero al final no estaríamos aquí si hubiésemos hecho algo distinto. No me arrepiento de nada. Es un viaje, eso es la vida, aprendes, cometes errores, tienes un golpe de suerte… No hay un método. Creo que cada uno de nuestros discos refleja el momento en el que estábamos con todas sus virtudes y defectos. No creo que hayamos hecho nada de lo que debamos avergonzarnos. No todo el mundo puede decirlo”.

IMPLORE

REVOLUCIÓN INTERIOR HASTA TOMAS LINDBERG HA SUCUMBIDO ANTE ELLOS. SE PODRÍA SACAR MUCHA PUNTA DE LA COLABORACIÓN DEL AT THE GATES PARA LLAMAR AÚN MÁS LA ATENCIÓN, PERO LO CIERTO ES QUE ALIENATED DESPAIR , EL NUEVO TRABAJO DE IMPLORE, TIENE EN SU CÁUSTICA MEZCLA DE GRINDCORE, DEATH, PUNK Y D-BEAT A SU MEJOR TARJETA DE PRESENTACIÓN. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

O MOLA BARRER PARA CASA, pero en

serio: es una pasada pactar una entrevista con Century Media, con la burocracia que implica, para luego realizarla en catalán y con una persona que no sólo aprecias, sino que colaboró en esta revista. En efecto, desde hace dos álbumes y en un tiempo récord, las cosas han cambiado mucho para Implore, la banda ahora formada por nuestro Eduard Petrolillo (guitarra), Gabriel ‘Gabbo’ Dubko (voz), Carol Lieb

business musical corporativo donde “te van de muy buen rollo, te venden la moto y tal, pero después te das cuenta de que les importas una mierda a no ser que les estés llenando los bolsillos”. ¿Seguro que sueñas con tener una banda establecida y que gire por todo el globo? Mmm… Mejor sigue leyendo, colega, mejor sigue leyendo. ¿Os habéis fijado en vuestras fotos promocionales? EDUARD PETROLILLO “Claro”. ¿Pero no os habéis percatado

a unas metas que pocos imaginaban, y menos tan rápido.

“Pues sí, es un buena lectura. Lo cierto es que nos identificamos bastante con lo que acabas de describir, porque pretensiones nunca hemos tenido realmente, sí que tenemos ambiciones, obviamente, pero lo he pensada muchas veces, sobre todo más recientemente… Con la mierda de banda que somos, y haciendo la música de mierda que hacemos, me parece increíble hasta dónde hemos llegado y lo que hemos conseguido. Tocar en prácticamente todo el mundo, en festivales grandes, con bandas que nos han influenciado… Así que, sí”.

de que hay un detalle bastante llamativo?

Implore sois ejemplo de una par-

“Mmm… Podría ser, pero dime”.

te del negocio, entre comillas, de la que mucha gente que está en

(bajo, voz) y Markus Matzinger (batería). Si en 2015 con Depopulation ya empezaron su loca conquista de cualquier territorio grind que se les pusiera a tiro, no tardaron en llamar la atención de uno de los sellos metálicos más importantes para editar Subjugate, la obra que realmente nos puso en guardia. Con Alienated Despair renuevan su bronca, aunque más curtidos aún por otros miles de kilómetros, liberados del qué dirán e incluso más sabios e incisivos, cuando no rebotados con esa cara del

(Risas) Todos menos Gabbo es-

grupos no se percata: que debes

táis hurgando en los bolsillos,

tener canciones, debes ensayar,

como si anduvierais muy cortos

dar conciertos, pero sobre todo

de pasta porque es muy duro

debes realizar un trabajo de do-

tener una banda. Es muy diver-

cumentación constante, vía Face-

tido, es en plan ‘a ver qué ras-

book, mails… Muchísimas horas

camos para llegar a la próxima

cada semana, dedicación absolu-

ciudad…’.

ta a hacer contactos para salir a

“¿Estamos todos buscando algo en los bolsillos? (Risas) Pues no me había fijado, la verdad, pero tu explicación tiene mucho sentido, porque somos pobres de cojones. Pero creo que la explicación real es que nos sentimos bastante incómodos ante la cámara y realmente no sabemos cómo posar ante ella. Entonces, pues no sé, lo típico: meter las manos en los bolsillos. Somos muy malos en todo lo que tiene que ver con la imagen personal. No como banda, sino como personas”. Ya… Dais la imagen de ser un grupo sin ningún tipo de pretensión, pero joder, que ha llegado

tocar, y es que muchas veces las cosas llegan por esa razón.

“Sí, la verdad es que, eso que pasa tantas veces, cuando leo en las redes sociales de que las bandas se quejan de que no hay ayudas para ellas, de que no se les da suficiente apoyo y tal, pues me hace pensar que hay grupos que se piensan que, por el simple hecho de tener una banda y ensayar alguna vez a la semana, ya se merecen la atención de la peña y conseguir cosas, y según mi opinión, el mundo de la música no funciona así. Te tienes que buscar la vida como puedas. No creo que seamos el ejemplo perfecto de cómo hay que hacer las cosas, pero 63

pues estoy en la de mis padres, en eso tengo suerte, pero yo hace más de cuatro años que soy homeless, y no puedo trabajar, no puedo tener un empleo fijo, no puedo tener tampoco un salario fijo cada mes… O sea, el rollo éste de la seguridad y el Estado del Bienestar, para mí no existe. Eso es algo que obviamente hay que sacrificar en muchos casos y muy poca gente está dispuesta a hacerlo”. ¿Y nunca te has llegado a cansar de la carretera? Del rollo

‘hostias, estoy en Kuala Lumpur y donde realmente me molaría estar es en casa, comiéndome

“HACIENDO LA MÚSICA DE MIERDA QUE HACEMOS, ME PARECE INCREÍBLE HASTA DÓNDE HEMOS LLEGADO Y LO QUE HEMOS CONSEGUIDO” EDUARD PETROLILLO creo que mal no nos ha ido tal como lo hemos hecho, que ha sido literalmente buscarnos la vida como hemos podido, ya sea girando con bandas que no fueran de nuestro estilo pero que eran interesantes, hacer tours que a nivel económico no salían a cuenta… Probar, picar puertas, porque mucho de lo que hemos conseguido ha sido por eso. De conocer a gente, apretar un poco a esa gente, así que sí que creo que, en ese sentido, nos lo hemos montado bien”. Pero una agenda de fechas tan bestia como la vuestra también tiene sus inconvenientes… Se os han quemado bastantes miembros, siempre os ha costado encontrar peña que os siguiera el ritmo, tan loca por la carretera como tú y Gabbo.

“Es muy complicado encontrarla, y Gabbo y yo tenemos la sensación de que ahora, con la formación que tenemos ahora, tras cinco años, la hemos encontrado. Es decir, nos ha costado los primeros cinco años de la banda hallar la composición correcta de miembros (se refiere a desde que está él –ndr.), que los cuatro estemos lo suficientemente locos como para hacer esto. Porque, como bien decías, sí que quema mucho este tipo de vida y hay que sacrificar muchas cosas. Por ejemplo, en este tiempo Gabbo ha vivido en tres ciudades distintas, prácticamente siempre basándose en lo que fuese más conveniente para el grupo. Yo llevo más de cuatro años sin casa, y bueno, no tengo que vivir en la calle porque siempre estoy en casa de colegas o cuando estoy en Barna

unos buenos macarrones… ¿Dónde cojones me he metido?’.

“Sí, sí, muchas veces nos ha pasado. No quemarnos del todo, porque siempre hemos tenido bastante buen rollo entre nosotros, y porque sabemos que es lo que hay, somos conscientes de lo que es hacer giras largas y estar mucho tiempo fuera de casa. Por lo tanto, tienes que aclimatarte un poco a la situación, pero claro que nos hemos quemado muchas veces y se me ha pasado por la cabeza. Ya que has puesto el ejemplo de Asia, pues ahí nos rallamos que flipas”. ¿Por algo en especial? ¿Demasiado arroz? (Risas).

“Bueno, fue porque estuvimos mes y medio de gira… lo cierto es que prácticamente fueron dos meses. Terminamos un tour europeo y empalmamos, al día siguiente pillamos un vuelo hacia Japón. Allí, una semana y pico. Estuvimos casi dos en Corea, y luego tres semanas por el Sudeste asiático, cogiendo vuelos día sí, día no. Quieras que no, al final quema”.

Aun así, joder, habéis tocado con

ese cambio de estructura con

bandazas. Hace nada con Rotten

Gabbo liberándose del bajo,

Sound, que me habría flipado

algo que también se hará notar

veros juntos en ese tour… Por

en los directos. Además, parece

eso me gustaría que me contaras

que todos componéis ahora.

qué es para ti lo más grande que

“Sí, esta reestructuración vino dada de cuando Guido, el anterior batería, nos dijo que dejaba el grupo. Fue un punto en el que nos quedamos como ‘mierda, ¿y ahora qué hacemos?’. Ya de por sí, encontrar un batería bueno y que no sea un capullo es difícil (risas)”.

habéis logrado, cuando has dicho ‘no me puedo creer que esté

en este cartel tocando con esta gente’. Darle un poco la vuelta.

“Mmm… Es una pregunta complicada. Una vez un colega me preguntó que de qué estaba más orgulloso de haber conseguido con Implore, y mi respuesta fue haber llegado donde hemos llegado siendo nosotros mismos, básicamente. Para mí no se trata de highlights, sino de simplemente, de toda la carrera, hacer lo que hemos hecho siendo nosotros mismos, tocando mucho y ya está. Porque no hemos hecho nada del otro mundo para conseguirlo, en serio, simplemente tocar mucho y dedicar la mayor parte de nuestra vida a la banda. Si se trata de la situación que me has planteado, de pararme un momento y pensar ‘hostia, no me puedo creer que esté aquí’, pues eso me ha pasado un montón de veces. Eso me pasa prácticamente en cada gira, desde la primera americana, que fue mi primera con Implore. O estar paseando por las calles de Tokio y, ‘la puta, estoy aquí en Japón con la banda’. Para mí, de las experiencias más chulas ha sido tocar en, por ejemplo, países como Camboya. El 99% de la gente que no vive ahí y viaja para allá es por vacaciones, y yo estoy ahí tocando con mi grupo, por la noche y llenando la sala. Eso es una de las cosas que más me llenan, en serio”. Pasemos ya al nuevo álbum… Hay algo muy importante, y es

Están todos zumbados, ¿verdad?

“Están todos muy zumbados (risas). Por eso ahora mismo tenemos a un guitarrista como batería (risas), por eso decidimos no pillar ningún otro batería. A partir de ahí dijimos ‘hostias, qué hacemos, qué hacemos’, contactamos a algún colega, pero todos los baterías que son buenos y que tienen ganas de girar de la forma en la que lo hacemos, están ya en tres o cuatro bandas. Nos ofuscamos un poco al principio, y teníamos temas escritos ya y ganas de grabar algo, y por eso se nos ocurrió la idea ésta de que Marcus se pasase a la batería, y claro, como nos quedábamos en tres, tampoco queríamos eso, así que entró Carol, que es su compañero de piso desde hace años. Es muy buen amigo del grupo desde que nos conocimos y así surgió la idea de que entrara, pues incluso se había venido de gira ya para vender el merch. Así que probamos eso: que Gabbo se dedique más a ser un frontman, que no esté pendiente de cantar y el bajo, además de conectar con el público. Que se pueda dedicar sólo a esto último y a cantar. Y ha funcionado, la verdad, de momento está saliendo muy bien. Otra cosa que para nosotros es súper

importante es el buen rollo que hay ahora mismo. Antes costaba un poco estar los cuatro a la una, remar en la misma dirección, y ahora es totalmente así. Estamos los cuatro súper motivados para realizar todo lo que se nos ponga delante y trabajar al máximo. El tema de componer, pues sí. Gabbo siempre ha hecho todas las letras, pero en este disco Carol ha hecho un par, así como un par de temas también. El resto de canciones las he compuesto yo. Marcus también ha aportado algunos riffs, pero claro, las baterías las ha escrito todas él igualmente. Hemos trabajado bastante juntos en el local, que es algo que ya habíamos hecho en Subjugate, pero digamos que ahora ya estábamos más acostumbrados a ello”. Quizá por eso ha salido un álbum más variado. Hay D-beat, hay más punk, habéis introducido unos breaks brutales, pero igual la mayor sorpresa la he encontrado en esa influencia más clara de Converge en canciones como ‘Let The Pleasure Destroy Me’, ‘The Venom Comes In Droves’ o ‘Despondency’. Ahí veo sus riffs raros para que luego te caiga encima toda la mazurcada.

“Sí. Hombre, la realidad es que no se puede esconder. Ciertamente se nota, lo has notado tú y creo que también mucha gente. Obviamente los cuatro somos muy fans de Converge y es una formación que sí nos ha influenciado mucho, sobre todo a nivel de actitud, más que a la hora de riffs y tal. Es por la actitud de dejarte influenciar por lo que sea y darle tú la vuelta, sin preocuparte demasiado por lo que el género musical pide o el público esperará.

Pero sí, como te he dicho antes, Guido, al anterior batería, tenía unas influencias distintas y en el último disco había puesto mucho de su parte. A veces, a la hora de componer, habíamos chocado mucho él y yo, aunque al final encontramos un punto intermedio y estamos contentísimos con las canciones de Subjugate, pero creo que con este álbum hemos conseguido ser realmente nosotros mismos, o al menos así es como me siento yo. Noto que a partir de ahora estoy tocando la música que toda la vida había querido tocar”. Ya. Tendríamos ‘All Consuming Filth’, que es tope hardcoreta, casi contiene un two step bailable por ahí aunque tampoco le falte tralla, también hay lo de siempre, grind a saco como en ‘Parallax’, y ojo, que hay dos temas que casi alcanzan los 4 minutos… quizá un récord para vosotros.

“Es un récord, sí. Es lo que te decía: es el rollo de que, si notamos que el tema va, ¿pues por qué no hacer una canción de casi 4 minutos? El 90% de las bandas de grindcore tienen temas de menos de 2 minutos, pero que cada uno haga lo que quiera en ese sentido. Yo creo que, si la canción es buena, no hay ningún problema en que tenga esa duración en vez de 2. Nos gusta experimentar, probar cosas, así que no nos cerramos a nada en ese sentido. Por supuesto no es un disco experimental, pero sí que nos hemos dejado ir con el ‘joder, pues lo que te diga el corazón, pues pum’. Si hay un trozo de ‘Parallax’ que suena más a slam, pues lo que sea, tú. Si nos mola y lo sentimos, adelante”. Me ha interesado mucho la te66

mática de las letras, pues es algo sobre lo que suelo pensar ya que lo considero la esclavitud moderna. Estos salarios de mierda con los que han condenado a la mayor parte de la sociedad occidental, siempre con la esperanza de que llegarán tiempos mejores, cuando uno nace pobre y muere pobre, y al final siempre ganan los mismos.

“Sí, exacto, gira en torno a eso, totalmente. Ésa es básicamente la temática en la que giran todas las canciones, y es eso: el rollo éste de darte cuenta de que estamos viviendo una mentira, y en el fondo, somos realmente pocos los que nos damos cuenta de que la estamos viviendo. O fíjate, hay mucha gente que se da cuenta de que estamos viviendo esta mentira, pero bueno, como llega un salario a final de mes, ni que sea bajo, y te han vendido el rollo éste de la seguridad, de poder tener una vida tranquila, y el Estado del Bienestar, pues lo acepta y ya está. De alguna manera, se pierden la esencia de vivir, de gozar de las cosas y de pasártelo bien, joder, porque nos morimos algún día, ¿sabes? Creo que es interesante el ser capaz de dar sentido a tu vida, porque yo, personalmente, no le veo mucho sentido a aceptar lo que te dicen que tienes que hacer, del plan tienes que estudiar esto, y estás en la escuela sin demasiadas motivaciones. Luego la universidad, vas tirando y te la sacas, y llegas a un curro, y trabajas en una oficina durante 40 años. De lunes a viernes estás esperando que sea el fin de semana porque necesitas olvidarte de la mierda de vida que tienes. Me parece interesante y siempre he intentado huir de este estilo de vida, pero también te tengo que decir que, por ejemplo el año pasado, por cues-

tiones personales de la banda, hicimos un parón de más de seis meses, y en ese medio año, pues todos tuvimos que trabajar, aceptar el tener una vida normal, y hostia, la verdad es que la presión es enorme. Hasta yo, que tengo muy claro desde siempre que quiero vivir como me dé la gana, acababa teniendo alguna comida de olla de ‘hostia, es que cobro bien en este curro, si me quedo aquí podría pagarme un buen piso…’. Personalmente, en ese periodo me di cuenta de lo realmente fuerte que es la presión de la sociedad en ese sentido, ya sea la familia, el entorno de trabajo o sobre todo, sobre todo, lo que para mí es lo peor: las redes sociales”. ¿Por qué lo peor?

“Porque están matando las ganas de vivir de la gente. La peña no vive la realidad, la gente vive en una realidad ficticia, digital, que son las redes sociales, donde básicamente lo que importa es la foto que cuelgas de vacaciones o lo que sea, o lo feliz que eres, que lo demuestres y tal. Todo se basa en la imagen y en criticar a los demás, en colocarte por encima de ellos. A mí eso no es lo que me va, la verdad. Lo que me mola es vivir la vida, pero la vida de verdad. Hacer cosas con ella, e igual parece una tontería, pero ahora tengo la oportunidad de mudarme a Alemania y estoy feliz de poder estudiar alemán, por ejemplo. Por aprender una nueva lengua, una nueva cultura y por las nuevas experiencias. En el fondo es eso lo que da sentido a la vida. No me veo en la cama del hospital a punto de morirme pensando ‘hostia, qué guapa esa foto que colgué hace veinte años donde se me veía gozando de un paisaje’. Yo creo que pensaré ‘hostia qué bien, cuántas co-

“TODO SE BASA EN LA IMAGEN Y EN CRITICAR A LOS DEMÁS, EN COLOCARTE POR ENCIMA DE ELLOS. A MÍ ESO NO ES LO QUE ME VA, LA VERDAD” EDUARD PETROLILLO sas he podido hacer, cuánto he aprendido, cuánto conocimiento he podido adquirir’”. Sí, no sé cómo lo ha conseguido el neoliberalismo actual, pero ha logrado que dentro de la gran masa se sientan especiales, cuando en realidad no han estado nunca tan alienados o han sido tan clónicos.

“Exacto, sí, es increíble, es alucinante. Es un tema bastante interesante para entrar profundamente. Pero sí, la tecnología creo que ha sido la gran aliada del neoliberalismo y el capitalismo para llevarnos a la sociedad que somos hoy en día”. Una última pregunta: ¿Vosotros sois una de esas bandas que creen que su mensaje es positivo y que ayudará a hacer una sociedad mejor, o sois un grupo que critica lo que ve y odia, pero que se muestra escéptica respecto a un cambio en la humanidad?

“Mmm… Hostia, interesante. Yo creo que ni 100% una ni 100% la otra. Si te dijese ‘sí, sí, nosotros estamos aquí para cambiar el mundo, nosotros podemos cambiar las cosas y queremos hacer de esto algo mejor’, te estaría mintiendo, porque lo cierto es que muchísima esperanza tampoco tenemos, porque en el fondo es lo que hay. Si miras a tu alrededor o lees en el diario las cosas que ocurren, esperanza no hay mucha, aunque siempre hay un poco. Yo personalmente lo que creo es que es prácticamente imposible cambiar el mundo, pero es muy posible cambiar tu mundo. Si quieres, claro. Cuando tú haces todo lo posible por cambiar tu mundo, automáticamente tienes la posibilidad de cambiar el de la gente que está a tu alrededor, y es un poco como una cadena. Si la gente que te rodea ve que tú has podido cambiar tu mundo y vivir de una manera con la que estás satisfecho, pues eso les hace pensar e igual ellos también pueden hacerlo. Todas esas personas a las que hayas podido influenciar

con tu cambio harán lo posible para crear un cambio en ellas y ya tienes a otra serie de gente que también puede influenciar en ese sentido”. La revolución interior.

“Exacto. Un cambio global es muy, muy, muy difícil, por no decir que casi imposible sin que suframos una catástrofe mundial, ya sea por una tercera guerra mundial, o por el cambio climático inundando grandes ciudades del planeta… A menos que haya una catástrofe, creo que un cambio global hacia mejor es muy complicado, pero sí creo en los cambios individuales, y que por muy insignificante que sea una sola persona en un mundo de 8.000 millones, ya es algo. Ese cambio será como cuando tiras una piedra al agua: hará anillos, se irá expandiendo, y se podrá llegar a algo”.

RESPIRANDO HONDO

TINY MOVING PARTS

EN EL CRUCE DE CALLES ENTRE EL EMO Y EL PUNK POP NOS ENCONTRAMOS A BREATHE , EL NUEVO ÁLBUM DE TINY MOVING PARTS. CON LO QUE SE LES VIENE ENCIMA, EL TRÍO DE MINNESOTA SE CONTENTA CON RESPIRAR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

OS ÚLTIMOS MESES NO HAN SIDO PRECISAMENTE FÁCILES

para Tiny Moving Parts. En especial para su cantante y guitarrista. El pasado marzo, Dylan Mattheisen publicaba un post en el que explicaba que había recibido una acusación por asalto sexual. Aunque no se ha llegado a conocer el alcance de su acción, el músico reconocía que su conducta no había sido la adecuada y que, además de ofrecer una mediación con la víctima (que ésta rechazó), había empezado a ir a terapia. La banda, que completan sus primos Matt (bajo) y Bill Chevalier (batería), también decidió dar los beneficios de su siguiente gira a tres ONGs relacionadas con esta área. Teniendo en cuenta que no ha habido ninguna denuncia formal y por tanto tampoco ningún tipo de repercusión judicial, parece que sus seguidores están dispuestos a darles una segunda oportunidad. Quizá por eso, y porque su séptimo álbum Breathe (Hopeless Records), que publicarán el próximo 13 de septiembre, es realmente bueno, nos encontramos con un Dylan de lo más relajado al otro lado del teléfono.

estamos de gira nos cuesta un poco. ¿Qué más? Hemos jugado mucho al golf, porque nos gusta a todos (risas). Ahora estoy en Ohio, en casa de un amigo de relax. El problema es que tiene un montón de gatos, que son muy bonitos, pero yo les tengo alergia (risas). Así que perdona, si me cuesta hablar”. No pasa nada. En Breath habéis dejado de lado vuestras partes más raras, más cercanas al math rock, y habéis hecho canciones mucho más directas, más pop.

“Sí, supongo que hemos hecho temas más pegadizos, pero también creo que algunos son más duros que antes. Queríamos hacer algo creativo y siendo nuestro quinto álbum queríamos probar otras cosas, ponerle un poco de sal y pimienta. Es un poco distinto, pero de todos modos creo que cuando nos vean en directo verán que la energía sigue ahí. Sigue siendo Tiny Moving Parts”. A mí me suena como una mezcla entre Jimmy Eat World y Blink-182.

“¡Eso es la hostia! Me lo tomaré como un cumplido (risas)”.

¿Qué has estado haciendo este verano?

¿De dónde surgieron estas nue-

DYLAN MATTHEISEN “Bueno, el

vas canciones?

disco sale en septiembre, así que hemos estado un poco ocupados con eso. Y siempre estamos componiendo, sobre todo porque cuando

“Nunca paramos de componer, siempre estamos pensando nuevas melodías, nuevos riffs para mantenernos creativos. Justo después de que salie-

ra Swell ya empezamos a componer para Breath. Hay mucho de pruebaerror. Siempre hay muchas cosas que no acaban en los discos, pero cuando los tres estamos al 100% convencidos con algo, vamos hasta el final”. ¿Estás contento con cómo funcionaron las cosas con Swell?

“Oh, sí. Swell fue genial. Pudimos ir a sitios a los que nunca habíamos estado, como Australia y el Sudeste de Asia, fue fantástico. Por eso tenemos tantas ganas de que salga Breath, porque queremos seguir viajando por el mundo”. Como compositor es muy difícil saber si una canción gustará o no, pero después de cinco discos, ¿empiezas a tener una idea de cuál es el secreto?

“Es raro, porque cuando vas el estudio, piensas que algunas canciones serán las más populares porque crees que son las más redondas, pero luego terminas el álbum y es justo lo contrario (risas). Es como hacer una apuesta. Llevamos tiempo en esto y sabemos más o menos lo que gusta a nuestros fans: la instrumentación loca, con guitarras intensas y melodías pegadizas. Así que intentamos encontrar nuevas maneras de combinar esas cosas para que siga resultando fresco y divertido. Empezamos a tocar cuando yo tenía 12 años, o sea que ya llevamos 16, y te diré que nos divertimos ahora más que nunca”.

Cuando un grupo empieza, la mayoría del público es muy parecido, en edad o procedencia, a los miembros de la formación, pero a medida que va creciendo atrae a gente más distinta. ¿Te sigues identificando con todos vuestros fans o empiezas a ver gente que nunca hubieras imaginado que pudiera gustarle el

gran inspiración para mí. Thomas Erak era una locura tocando. Recuerdo ir a verlos cuando tenía 15 años en Minneapolis y verle haciendo crowd surfing mientras hacía finger tapping con la guitarra. ¡Era una pasada! Todavía se me pone la piel de gallina cuando lo recuerdo. Pero ahora hay guitarristas muy buenas. Yvette Young es amiga nuestra y es fenomenal”.

“EMPEZAMOS A TOCAR CUANDO YO TENÍA 12 AÑOS, O SEA QUE YA LLEVAMOS 16, Y TE DIRÉ QUE NOS DIVERTIMOS AHORA MÁS QUE NUNCA” DYLAN MATTHEISEN

grupo?

“Creo que nos seguimos identificando con todo el mundo. Nuestras canciones son muy personales, así que la gente que se siente atraída por ellas es porque tiene algo en común con nosotros. Tenemos fans que nos han seguido desde el principio y tienen más o menos nuestra edad, alrededor de los 30, pero también hay chavales de 15, 16 años que nos están descubriendo. Sin embargo, creo que conectamos con todos ellos. Hay una especie de vínculo especial”. ¿Cuál fue el primer grupo con el que tú sentiste ese tipo de vínculo?

“Posiblemente Mewithoutyou o Thursday. Esos dos grupos los sentí como muy míos. Bueno, Matt y Bill sentían lo mismo. Conecté a un nivel emocional con las letras. Mewithoutyou tienen frases muy punzantes, pero muy inteligentes. Eran extrañamente increíbles, nunca había sentido algo igual con la música. Y lo mismo con Thursday. Eran canciones tristes, pero te hacían sentir bien. Fueron una gran inspiración para nuestro grupo”. ¿Y como guitarrista? Porque puedes ser muy técnico si quieres. ¿Tenías algún guitar hero?

“El guitarrista de Fall Of Troy fue una

¿La primera vez que cogiste una guitarra notaste que tenías un talento natural o tuviste que esforzarte mucho para empezar a tocar bien?

“Le dediqué mucho tiempo y esfuerzo, pero una vez aprendí a leer tablaturas, dejé de ir a clases. Empecé a aprender todos los temas de Blink-182, lo cual es perfecto porque son riffs bastante sencillos, y luego empecé a intentarlo con temas de Fall Of Troy y a aprender con el finger tapping. Cada vez que aprendía algo nuevo se lo enseñaba a mis amigos, y si flipaban, eso me motivaba a seguir aprendiendo. Me resultaba muy satisfactorio”.

divertido, les pareció bien. Ahora son nuestros mayores fans, les encanta (risas)”.

Siendo Matt y Bill hermanos, y

Volviendo a Breath, además de

tú su primo, ¿cómo se tomaron

trabajar con vuestro productor

vuestras familias que os quisie-

habitual, Greg Lindholm, habéis

rais dedicar a esto?

grabado tres temas con John

“Para ser sincero, la idea de que nos fuéramos de gira no les molaba mucho. Les gustaba que hiciéramos música juntos, pero cuando terminamos el instituto y les dijimos que nos íbamos a comprar una furgoneta y a empezar a girar por todo el país para tocar en sótanos, no lo vieron tan claro (risas). Estaban nerviosos, como lo estaría cualquier padre, pero cuando volvimos y vieron lo mucho que nos habíamos

Fields, conocido por sus labores junto a Jimmy Eat World o All Time Low. ¿Qué tenían de especial esos temas?

“Nuestra idea era hacer todo el disco con Greg, pero el sello nos insistió en que probáramos con algún otro productor, ni que fuera una canción. Siendo el primer disco con Hopeless Records nos mostramos abiertos, pero la verdad es que ya teníamos suficien-

tes canciones grabadas con Greg y no lo veíamos necesario. Pero volvieron a insistir, así que me fui un día al estudio con John, a quien no conocía de nada, y la experiencia fue genial. Nos caímos muy bien, y a la semana siguiente hicimos un par de temas más con él. Acabamos con 15 canciones entre las de Greg y John y tuvimos que dejar fuera algunas, pero las tres que hicimos con John están en el álbum”.

En general, todo el disco parece girar alrededor de eso. Alguien que intenta esforzarse en ser feliz a pesar de las circunstancias.

“Exacto. El disco va de eso, de intentarlo día a día. A veces te sientes triste sin saber por qué, así que es importante recordarte que puedes ser feliz. Es más fácil decirlo que hacerlo, pero puedes intentarlo con cosas muy sencillas, como simplemente respirar, de ahí el título del álbum”.

Cuéntame la historia detrás de ‘Midwest Sky’.

¿No crees por eso que hay de-

“Esa canción va sobre luchar contra tus demonios y sobrevivir un día más. Intentar ser optimista y poder aportar un poco de felicidad a la persona que quieres, a pesar de todo”.

masiada presión por sentirse fe-

importante es saber que le ocurre a todo el mundo, que no estás solo. Para mí ha sido muy importante saber eso. A veces me entraba mucho miedo cuando me iba a dormir, y no sabía por qué, y me angustiaba mucho. Pero por lo visto, le ocurre a otra gente y eso me ayudó a aceptar que simplemente es algo que forma parte de la vida. Por eso en los conciertos, cuando veo a todo el mundo cantar, me siento tan bien, porque es como que todos estamos unidos por algo. La música y el arte sirven para eso”.

liz todo el tiempo? Debería aceptarse mejor que puedes sentirte triste y no pasa nada.

“Sí, no pasa nada por estar triste. Lo

ESPECIAL FOTO

A DAY TO REMEMBER A MODO DE CALENTAMIENTO PARA SUS ACTUACIONES EN LOS FESTIVALES DE READING Y LEEDS, A DAY TO REMEMBER OFRECIERON UN CONCIERTO EXCLUSIVO EN LA HOUSE OF VANS DE LONDRES EL PASADO 21 DE AGOSTO. EL GRUPO DE FLORIDA INTERPRETÓ TODOS SUS HITS, ADEMÁS DE SU FLAMANTE NUEVO SINGLE ‘DEGENARATES’, Y REVELÓ EN PRIMICIA EL TÍTULO DE SU PRÓXIMO DISCO: YOU’RE WELCOME. ¿QUIÉN DA MÁS? FOTOS: RUBÉN NAVARRO

CEREMONY

EL CAMBIO COMO NORMA

CONVENCIDOS DE QUE, TRAS CUATRO AÑOS DE SILENCIO, TENÍAN QUE VOLVER CON SU MEJOR DISCO, CEREMONY SE EMPLEARON A FONDO PARA LA GRABACIÓN DE IN THE SPIRIT WORLD NOW. ¿EL RESULTADO? TAN SORPRENDENTE COMO CABÍA ESPERAR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

cada vez que empezáis a traba-

do haciendo discos como Violen-

jar en un nuevo disco?

ce Violence?

para Bane en 2007 me llegan a decir que un día grabarían un disco como su recién editado In The Spirit World Now, no me lo hubiera creído. Por aquel entonces, el grupo californiano todavía estaba presentando su brutal debut Violence Violence, publicaban en Deathwish Inc. y practicaban un rabioso hardcore con canciones de apenas un minuto. Doce años después su música está más cerca del post punk y el pop de sintetizadores, su estética no es amenazante en absoluto y difícilmente te los imaginas girando con una banda como Bane. Naturalmente el shock hubiera sido total si entre medio no hubieran publicado álbumes como el grungero Rohnert Park o los más ochenteros Zoo y The L-Shapped Man. Aun así, su desconcertante evolución, contraria a lo que mandan los cánones de la industria, explica que hayan ido pasando por sellos tan distintos como Bridge 9, Matador o actualmente Relapse, o por qué cuesta bastante encontrar fans de la banda por ahí. Pero nada de eso parece ser capaz de doblegar la voluntad de Ross Farrar (voz), Anthony Anzaldo (guitarra), Andy Nelson (guitarra), Justin Davis (bajo) y Jake Casarotti (batería) de seguir mudando de piel cada vez que deciden ponerse bajo los focos.

ANTHONY ANZALDO “No, para

“Sí, pero a veces cansa un poco que siempre se ponga el énfasis en que cambiamos mucho, más que en la música en sí. ¿Cuándo se dará cuenta la gente que esta banda es así? Llevamos más tiempo haciendo discos que no son de hardcore que el que hicimos discos de hardcore. Pero bueno, mientras se fijen en nosotros, ya está bien (risas)”.

Dada la trayectoria del grupo a

¿Crees que esta libertad de hacer

lo largo de los años, ¿es vuestra

lo que queréis refleja una actitud

máxima prioridad no repetiros

más punk que si hubieseis segui-

I CUANDO VI A CEREMONY abriendo

nada. Nunca hablamos o planeamos cómo sonará nuestro siguiente disco. Es un proceso muy natural y orgánico. Normalmente nos juntamos para trabajar en las canciones y cuando tenemos unas cuantas que nos parecen que forman algo coherente es cuando empezamos a tener una idea de cómo sonará el álbum. Y a partir de ahí tenemos una referencia de hacia dónde irá el resto. Pero lo más importante es que sea honesto y que suene bien, claro. Puede que en algún momento hagamos un disco que suene parecido al que hemos hecho antes si eso es lo que nos apetece”. ¿Es también un reflejo de la música que más escucháis en ese momento?

“Quizá en parte, pero no es algo tan concreto. Creo que tenemos gustos bastantes amplios y una visión abierta de lo que es la música. Si hacemos un trabajo con más sintetizadores no es porque de golpe hayamos descubierto grupos que los usan. Es simplemente que las canciones que estamos haciendo en ese momento suenan mejor con ellos. A veces te sientes inspirado por canciones que escuchas, claro, pero la mayoría de veces no es una influencia tan directa”.

En realidad, quizá lo extraño es que esperemos que los grupos siempre suenen igual, cuando lo normal es que alguien con 40 años tenga gustos y experiencias distintas a las que tenía con 20.

“Así es. Además, muchas veces los fans se aburren de un grupo que siempre hace lo mismo y pasa a otra cosa. Sólo hay unas pocas bandas que sean capaces de repetirse y que sigan siendo celebradas: Ramones y Slayer. No hay muchas más. Cualquier banda que merezca la pena tiene que evolucionar y cambiar para tener una carrera duradera. Guiarte por las expectativas de los fans es siempre un error”. ¿Fue Zoo el disco que supuso un punto de inflexión en cuanto a la percepción del grupo?

“Seguramente, pero para nosotros empezó con el anterior, Rohnert Park. Fue cuando empezamos a experimentar más con la instrumentación y a enfocar las cosas de manera distinta. Pero a partir de Zoo aún lo acentuamos más”. 77

“CUALQUIER BANDA QUE MEREZCA LA PENA TIENE QUE EVOLUCIONAR Y CAMBIAR PARA TENER UNA CARRERA DURADERA” ANTHONY ANZALDO ¿Crees que el no haber tenido

En el disco habéis trabajado con

un álbum de mucho éxito o un

Will Yip como productor y Ben

gran hit os ha dado también esa

Greenberg en las mezclas. Es una

libertad?

combinación original.

“No estoy seguro. El crecimiento nunca ha influido en nuestra evolución, así que no creo que aunque hubiéramos vendido mucho de un disco hubiéramos intentado aferrarnos a ese sonido. Pero ya veremos, porque creo que con este álbum vamos a tener muchos singles de éxito a nivel mundial (risas)”.

“Sí. Queríamos trabajar con los dos porque Will es más pop, más pulido, presta mucha atención a los detalles, a las melodías, a las estructuras, y Ben viene de un mundo más ruidoso. Así que me interesaba esa dualidad. Creo que los dos aportaron lo que buscábamos. Will es muy metódico, nunca he visto a nadie trabajar tanto y tener tanta energía creativa. Se asegura de que cada nota, cada línea, sea perfecta. Y necesitábamos eso porque este disco lo hicimos de manera distinta. Ya no vivimos en la misma ciudad, así que teníamos

Bueno, si tenéis que competir con Lil Nas X o Billie Eilish lo tenéis jodido…

“(Risas) Sí. Pero quizá Lil Nas X haga una versión de ‘Turn Away The Bad Thing’ en su próximo disco (risas)”.

que volar para poder trabajar juntos a tope durante cinco días y no teníamos tiempo de revisar nada. Así que cuando llegamos al estudio, no estábamos tan engrasados como en el pasado. Fue bueno tener a alguien como Will que nos pusiera a raya. Y Ben tiene un gran conocimiento de sintetizadores analógicos, que eran los únicos que quería usar yo, así que pudimos grabarlos muy bien. No creo que haya otra banda que escogiera a dos personas tan distintas como ellos, así que estaba seguro que el resultado sería especial”. Como has dicho antes, ahora vivís en diferentes ciudades. ¿Es complicado mantener el espíritu

de grupo cuando no estáis juntos

ta Ryan Mattos, dejándolo en

físicamente? ¿Y es uno de los mo-

2011, no habéis tenido cambios

tivos por los que habéis tardado

de formación.

cuatro años en publicar algo?

“Sí, y Ryan se unió un año después de que empezáramos, así que los otros cuatro formamos un núcleo muy fuerte. Y Andy ya lleva con nosotros ocho años”.

“Bueno, estuvimos de gira un año con el disco anterior, y cuando pasas de los 30, tres años pasan como si nada (risas). En cuanto a la distancia, creo que sería complicado empezar un grupo estando separados, pero antes de sacar el primer disco, ya llevábamos años tocando juntos. El vínculo es muy fuerte. Justin, el bajista, y yo tocamos juntos desde que íbamos a primaria. Nos conocemos de arriba abajo, así que nos compenetramos muy bien, y la geografía no va a cambiarlo”. Además, excepto el guitarris-

necta con otras personas es lo mejor, es un privilegio. Y al final es lo que te permite seguir siendo un grupo. Pero también es que los Sex Pistols llegaron a un nivel que nadie podía imaginar. Supongo que la locura que vino luego es lo que le hace pensar así”. ¿Nunca os habéis planteado vol-

Steve Jones de Sex Pistols siem-

ver al sonido más punk de vues-

pre dice que sus años favoritos

tros inicios?

del grupo fueron antes de sacar

“No, no. Nadie ha pensado que eso fuera una buena idea (risas). Estamos bastante sincronizados en cuanto a lo que queremos”.

su primer disco, cuando nadie les conocía. ¿Tú también tienes un cariño especial por vuestros primeros años?

“Creo que Steve Jones miente (risas). No hay que hacer arte para los demás, pero cuando lo que haces co-

OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

WHO THE FUCK IS TOOL?

ola amigos! A estas alturas ya habréis vuelto de vacaciones y de hacer el zángano e imagino que estaréis con la bajona correspondiente. Si os queréis continuar en este estado Tool os da la herramienta (ja, ja, ja, NO) para que no levantéis cabeza. 13 años después de 10,000 Days, un disco que, para que engañarnos, ya es un poco insulso, los americanos vuelven con Fear Inoculum. Seguramente por aquí haya sido reseñado como Dios manda, pero no puedo evitar utilizar mi ático para ponerlos un poco a parir, que les tengo ganas desde hace años. No me voy a poner ninguna medalla, pero reconozco haberme enganchado a Tool en la época de Undertow, y desarrollar una obsesión por Ænima durante un par de años, digna de estudio. Sin embargo, a partir de su siguiente trabajo, Lateralus mi interés empezó a decaer,

al mismo tiempo que para muchas personas Tool se convirtió en ‘la banda’, y Maynard en una especie de Mesías, por su actitud misteriosa y excéntrica, que para mí obedece más bien a una mezcla de gilipollez y pose. Con Fear Inoculum he intentado hacer las paces, pero dejando al margen una sonoridad espectacular, el disco me ha parecido un refrito de muchas ideas pasadas. Maynard no se desgañita, no hay estribillos poderosos, únicamente algunos pasajes destacables, mucho ruidito y mucha tontería. A lo mejor con la edición especial que incluye una increíble “experiencia visual inmersiva”, y pagando casi 90 euros por la broma, la cosa mejora. Toca ya poner la cruz, y dejar de perder el tiempo. Les he dado casi tantas oportunidades como al cabrón de M. Night Shyamalan, pero me planto, ya no me engañan más.

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes en mi Hall Of Fame repiten Weezer, esta vez con su segundo álbum Pinkerton. Dos años depués del homónimo debut de Weezer, la banda editó su continuación, Pinkerton, en 1996. A pesar de haber ido entrando poco a poco en su primer álbum, era bastante reacio a darle una oportunidad a Pinkerton. No había otra razón más que ser un fiel convencido del gafe del segundo álbum. Cuando un grupo tiene toda una vida para escribir su primer disco, pero sólo unos meses para hacer la continuación, normalmente, ese trabajo nunca estará a la altura del debut. Al final, me llevó cuatro años escuchar Pinkerton y ni siquiera lo hice de manera voluntaria. Cuando una banda sale a la carretera, una de las cosas más importantes para mantener la gira a flote es el estéreo comunal. Muchas bandas se van turnando para ir poniendo discos mientras se conduce. En el año 2000, nuestro batería de aquellos días tenía apenas un puñado de CDs para poner en el equipo, y uno de ellos era Pinkerton. Es verdad que tenía cierta curiosidad por escuchar la continuación de una banda que me había ido conquistando de mala gana, y que ahora estaba dispuesto a odiar de nuevo. Tras unas pocas escuchas, cada 82

canción de Pinkerton se quedó grabada en mi cabeza. No podía creer lo que estaba escuchando: la continuación de un álbum que había vendido casi 5 millones de copias en todo el mundo y que convirtió al grupo en un nombre establecido, era incluso mejor. A veces, cuando pienso en ello, aún no me lo puedo creer. Pinkerton es mejor que el álbum azul de 1994. No me importa lo que la gente diga. Amo a los dos, pero Pinkerton es un puto monstruo. Es una sólida colección de canciones que fusionan a partes iguales la melodía y la dureza. ¿Cómo una banda puede simplemente escribir y escribir hits sin parar sin llamarse The Beatles? Canciones como… Oh, mejor olvidémoslo… Todo el álbum es un puto

hit. Podría enumerar los mejores temas, pero al final acabaría escupiendo los títulos de todas las canciones del disco. Sin embargo, cuando se editó, nadie se molestó en escucharlo. Creo que todos pensaron lo mismo que yo. Ninguna banda, incluida Weezer, podía acercarse a lo que habías escuchado en el Blue Album. A pesar de que lanzaron tres singles, nadie lo compró. Tuvieron que pasar años y años para que la gente, como yo, se acercase a él, lo escuchara, y le diese todos los elogios que merecía. Finalmente llegó a platino el 16 de septiembre de 2016, casi 20 años después del día que fuera editado. Pero supongo que más vale tarde que nunca. ¡Hasta el mes que viene!