RockZone 162 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez, Sergio Pozo, Blanca Gemma Fuerte. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Blanca Gemma Fuerte, Alex Belza, Andrea Estebaranz, Unai Endemaño Foto de portada: Jess Flynn

Por si alguien no lo sabía todavía ¡nos encantan The Menzingers! En 2012 escogimos su tercer disco On The Impossible Past como el mejor del año, y hace dos les dedicamos nuestra portada cuando publicaron el enorme After The Party. Entre ambos habían editado otro gran disco, Rented World, con lo que la salida mañana mismo de Hello Exile serán ya cuatro álbumes consecutivos en los que costaría encontrar una sola canción floja. Así que se han ganado de sobras su segunda portada en un número en el que cuentan con la buena compañía de Knocked Loose, Chelsea Wolfe, Airbourne o Foscor. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: The Menzingers (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 162

06 / EN DIRECTO 10 / OZZYO 12 / DE CINE 14 / THE HU 18 / KNOCKED LOOSE 22 / FOSCOR 28 / CHELSEA WOLFE 32 / THE MENZINGERS 40 / DISCO DEL MES 42 / CRÍTICAS 56 / AIRBOURNE 60 / MICHAEL BEINHORN 66 / OPINIÓN 68 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

EL CONCIERTO DEL MES BY:

MGLA

13/9/19 - SALA BÃ&#x201C;VEDA (BARCELONA)

TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

120

101

nas obras en la autovía que me conecta con Barcelona y el típico tráfico de la capital catalana me impidió estar presente cuando, muy puntuales, Dagorath tomaron el escenario. Pero lo que vi me gustó, pese a que los secuaces de Witchslaughter no le pusieran tantas ganas como el cantante y guitarra. De hecho, les vi algo verdes sobre las tablas, aunque eso no impidió que disfrutara con su black auténtico y esos aullidos agónicos que desgarraban la Bóveda de vez en cuando. Cambio de tercio con Above Aurora, un trío mucho más puerco y directo. Sin camiseta, presos del headbanging y con una actitud muy ‘fuck you’, el segundo de los cuatro combos polacos que nos iban a golpear esa tarde se ganó mi respeto en un concierto ejecutado entre tonos verduzcos, realmente adecuados para su podrida propuesta. 8

Si Above Aurora derrocharon actitud y ganas de liarla, Martwa Aura fueron todo lo contrario. No sé, para salir a tocar por Europa en ese plan casi mejor quedarse en casa… No negaré que su black melódico tuvo sus momentos, pero desde luego, quedó emborronado por su nula expresividad, por su total incapacidad de conectar con el público. Greg, el vocalista, se llevó la palma, pues apenas dio síntomas de estar entre los vivos durante todo el show. Tras algún error de bulto del batería y unos gorgoritos pastelosos más bien olvidables, se les fue el sonido y casi que lo recibieron con alivio. Nos miraron, levantaron el puño, y se largaron sin terminar el bolo. Bueno, pues muy bien, pues hasta otra. Sólo les faltó salir en pantuflas. Tras una larga espera, aunque empezando a la hora anunciada realmente, por fin los protagonistas de la velada tomaron la sala. Bóveda

estaba hasta arriba y Mgła no fallaron. Su aparato nihilista empezó a carburar a pleno rendimiento desde que ‘Exercises In Futility I’ echó a andar, y apenas se dieron un leve respiro hacia la mitad de su set. Júbilo cuando el combo enmascarado entonó ‘Exercises In Futility IV’, y entre imperios, naciones y tribus que caen llegamos al segundo movimiento de ‘Mdłości’ y mi favorita ‘Exercises In Futility II’. Una absoluta catarsis.Fue muy curioso que tocaran hasta cinco temas del disco que les hizo grandes y sólo dos de su excelente nuevo plástico, unas muy bien recibidas ‘Age Of Excuse II’ y la portentosa ‘Age Of Excuse III’. Hay que contentar a la parroquia, imagino, aunque hubiera sido sublime que se hubieran atrevido con alguno de los dos cortes que cierran su último álbum de forma magistral. El respetable vino con la lección bien aprendida, pues fue muy sorprendente que un subidón como ‘With Hearts Toward None VII’ fuera la canción más celebrada entre la gente. Por una vez, y sin que sirva de precedente, ¡bien por Barcelona! Con las emociones a flor de piel, los de Cracovia dieron por finiquitado el recital con unas impolutas ‘Exercises In Futility VI’ y ‘Exercises In Futility V’. Una canción más habría sido la leche, pero no se puede negar que se salieron. Vuelvo a descubrirme como un ferviente admirador de las labores de Darkside tras los parches. De verdad, qué espectáculo verle mimar los platos de esa forma… Qué fenómeno de batería. Él solo ya vale el precio de una entrada. De las cuatro o cinco veces que he visto a Mgła, siempre en grandes recintos o festivales, esta vez fue la mejor. Vaya si ganan en las distancias cortas.

OZZYO BATMAN DETECTIVE COMICS 1000 VV.AA. (ECC)

Al igual que en el 80º aniversario de Superman, ECC nos ofrece en un exquisito tomo, que hará las delicias de los coleccionistas y amantes del personaje, el contenido del nº 1000 de la cabecera que vio nacer a la creación de Bob Kane y Bill Finger. A lo largo de sus más de 150 páginas disfrutamos del acercamiento al personaje, a sus épocas, secundarios y universo de la mano de una extensa galería de artistas, a las que hay que sumar al autor de la espectacular portada de la edición patria, David Rubín. Hito. SG PEPINO, HÉROE DE LEYENDA Gigi D.G. (LA CÚPULA)

Pepino es un joven mago que sólo quiere estudiar y Almendra su hermana pequeña siempre dispuesta a la aventura. Juntos van a salvar al mundo del malvado Señor de las Pesadillas. Así de sencilla y adorable es la premisa de este web cómic que ahora aparece recopilado en papel y que parodia con mucho cariño los tics de los relatos y cómics de espada y brujería. Dibujado con un estilo cartoon muy adorable, el primer tomo es una entrada fantástica a este mundo ideal para jóvenes lectores. Adorable. SG

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA

LISTEN TO MY HEART Marie Fredriksson, Helena Von Zweigbergk

DESCORAZONADA Kelly Thompson y Meredith McClaren (GRAFITO EDITORIAL)

(LIBROS CÚPULA)

Roxette fue una de las bandas que reinaron por todo lo alto hasta mediados de los 90, vendiendo millones de discos y llenado arenas por todo el mundo. La autobiografía del 50% de la banda, la cantante Marie Fredriksson, podría haber sido uno más de esos libros que cuentan, con mayor o menor gracia, la historia de alguien con mucho éxito, intentando superar una infancia/ juventud complicada. Pero en Listen To My Heart hay muy poco de eso. La base de este estremecedor relato tiene su verdadero punto de partida el 11 de septiembre de 2002, cuando después de salir a correr un rato, se desmaya y lo siguiente que sabe es que tiene un tumor cerebral. Fredriksson sabe transmitir a lo largo del libro la angustia que una situación como ésa genera, sin saber si ése será el último día que vea a su marido y sus hijos pequeños. Pese a que la historia tiene un final feliz -pudo superar ese tumor- las cosas no son tan sencillas. La cantante habla con alegría de haber tenido una segunda oportunidad. Pero la secuelas de algo así son para siempre, tanto físicamente -su decadencia ha sido imparable y en la última gira de Roxette en 2015 tenía que cantar sentada y gran parte de su memoria se ha ido para siempre-, como por la rabia de no haber podido estar en primera fila cuando sus hijos crecían y más la necesitaban. Un relato sincero, sin victimismos y que muestra lo caprichosa y cabrona que puede ser a veces la vida. RR

Uno de los primeros trabajos de la actualmente reconocida Kelly Thompson (Capitana Marvel, Ojo De Halcón) nos llega por fin de la mano de las estupendas ediciones de Grafito. Descorazonada es la aventura de una joven que ha sufrido un desengaño amoroso buscando los pedazos de su corazón repartidos en diferentes personas. En esta obra, dibujada por una sorpresiva y muy original McClaren, se mezcla ficción fantástica con un relato cotidiano de reconstrucción del yo y aprendizaje tras una pérdida. Reconfortante y cálido. SG LA ESPERANZA PESE A TODO. PARTE 1. Émilie Bravo (DIBBUKS)

La nueva entrega de la colección Una Aventura de Spirou y Fantasio por... (en la que diferentes autores ofrecen su visión del personaje) llega con esta aventura en cuatro partes en la que contemplamos la juventud del botones belga en medio de la Segunda Guerra Mundial y la invasión de su país. Cercano, cotidiano, sin fuegos artificiales, Bravo construye un relato donde los personajes intercambian diferentes visiones sobre la guerra, la miseria del ser humano y sus consecuencias. Sorprendente. SG

new album out October 4

DE CINE_ CON MIGUEL BAIN

ONE CUT OF THE DEAD - DERRIBANDO LAS PAREDES

ue la sensación de todo festival en la que se dejó ver durante la temporada pasada y esta semana llega casi de tapadillo a unas pocas salas antes de saltar a plataformas de streaming. La película de Shinichirô Ueda ha conquistado a casi todos los espectadores que se han puesto por delante. Y digo casi porque One Cut Of The Dead no es plato de fácil digestión. Aunque al final de sus ajustados noventa minutos uno se quede con la impresión de que ha visto una cosa tonta y ligera, la película surgida de la mente de Ryoichi Wada, autor de la obra (de teatro) original, y Ueda es una apuesta arriesgada y ambiciosa con forma de 12

súper low cost con un precio que el espectador debe estar dispuesto a pagar. Precisamente por eso One Cut Of The Dead cumple su cometido desde el primer al último plano. A poco que te hayas mantenido más o menos al margen de la movida (¡cruza los dedos!) vas a terminar formando parte de esta familia de kamikazes del cine y gozando con su contagiosa pero peligrosamente excesiva pasión por lo suyo. Exactamente lo mínimo que exige esa profesión puramente vocacional que han elegido. La película, que si bien podría no reinventar nada sí que refresca cierto estilo cinematográfico posmoderno, se apoya en casting impecable, lleno de nuevos talentos, liderado por un personaje principal maravilloso al que el debutante Takayuki Hamatsu dota de total naturalidad y corazón. Si apuestas por la confianza que la historia pide desde el primer minuto, terminarás por ver recompensado tu encomiable esfuerzo. Exactamente igual que ellos. Viva el cine.

INFO + ENTRADAS DISPONIBLES EN

r e s u r r e c t i o n f e st. e s

THE HU

NUEVOS EMPERADORES

HAN PASADO OCHO SIGLOS DESDE QUE GENGHIS KHAN CONSTRUYERA EL MAYOR IMPERIO QUE LA HUMANIDAD HABÍA CONOCIDO HASTA ENTONCES. Y AUNQUE THE HU NO ASPIRAN A TANTO, LA FUSIÓN DE MÚSICA TRADICIONAL Y METAL LES HA LLEVADO A OBTENER UNA REPERCUSIÓN IMPENSABLE PARA UNA BANDA PROCEDENTE DE MONGOLIA. COSAS DE LA GLOBALIZACIÓN... TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

HE GEREG, EL TÍTULO DEL PRIMER ÁLBUM DE THE HU publicado

el pasado 13 de septiembre, proviene del término que en los tiempos de Genghis Khan se utilizaba para referirse a lo que hoy en día sería el equivalente a un pasaporte diplomático. Tiene sentido, teniendo en cuenta lo mucho que ha viajado el grupo dede que ahora hace un año lanzara sus dos primeros vídeos. En pocos meses, ‘Yuve Yuve Yu’ y ‘Wolf Totem’ acumalaban decenas de millones de reproducciones en YouTube y convertía a The Hu en la primera banda de su país en entrar en las listas Billboard. El pasado abril TS. ‘Gala’ Galbadrakh (voz, morin khuur), B. ‘Enkush’ Enkhsaikhan (morin khuur, voz), G. ‘Jaya’ Nyamjantsan (voz, flauta) y N. ‘Temka’ Temuulen (tovshuur) eran nombrados oficialmente como embajadores mongoles para el mundo, e incluso fueron recibidos por el presidente del país, Khaltmaagiin Battulga. Dejando de lado la originalidad de su música, que mezcla los cantos de garganta e instrumentos tradicionales de su país, como flautas y cuerdas, con sonidos más cercanos al metal épico, todo esto hubiera sido impensable en una época previa al dominio de las redes sociales, pero tampoco, no seamos ingenuos, si la banda no hubiese contado con el respaldo de un sello como Eleven Seven Music, hogar de bandas como Five Finger Death Punch o Papa Roach. Es

gracias a este vínculo con una empresa occidental que el grupo está ahora mismo girando por Estados Unidos después de haber dado sus primeros conciertos en Europa, y lo que les permite entrar en contacto con un medio como el nuestro. Dada la barrera idiomática -el mongol no es uno de nuestros fuertes-, la entrevista que leeréis a continuación se realizó por email mediante el uso de un traductor. Pese a ese hándicap, merecía la pena conocerles un poco más.

primer contacto con el rock y el

¿Cómo os sentís respecto a toda

¿Quién tuvo la idea de formar

la atención que estáis recibien-

el grupo?

do? ¿Ha superado en mucho lo

“Podríamos decir que quien tuvo la visión del grupo fue nuestro productor Dashka. Hace ocho años viajó al pueblo de sus padres en las montañas, donde había nacido, y se le ocurrió la idea de mezclar música tradicional mongola con música rock. En 2016, los cuatro miembros del grupo junto a Dashka empezamos a trabajar en las primeras canciones. Fue entonces cuando empezamos a encontrar el sonido que buscábamos. Para nosotros Dashka es como un miembro más del grupo”.

que esperabais? TS. ‘GALA’ GALBADRAKH “Sí,

pero a la vez soñábamos con algún tipo de repercusión porque trabajamos muy duro para hacer nuestros vídeos musicales. Hicimos más de 5.000 kilómetros hasta el oeste de Mongolia para filmar el vídeo de ‘Yuve Yuve Yu’. Hubo días en los que estábamos soportando altísimas temperaturas en el desierto y al día siguiente nos estábamos helando en lo alto de una montaña. Pero nos sentimos muy honrados y abrumados por la reacción de la gente alrededor del mundo”. Tenemos la imagen de Mongolia como un lugar muy remoto y aislado. ¿Os era fácil tener acceso a la cultura occidental cuando crecíais? ¿Cuál fue vuestro

metal?

“La verdad es que no era difícil tener acceso y escuchábamos bandas occidentales populares como Metallica, Slipknot, Tool o Rammstein. Los miembros de The Hu llevamos tocando música desde muy jóvenes, hace ya varias décadas. Todos habíamos estado en bandas de diferentes estilos y aprendimos a tocar tanto la música tradicional mongola como la música rock”.

¿Os costó mucho dar con lo que queríais?

“Todos los miembros del grupo llevamos entre 15 y 20 años educándonos y tocando instrumentos tradicionales a nivel profesional, así que todo ese esfuerzo facilitó bastante las cosas”. 15

“SI LAS REDES NO EXISTIERAN, EL CAMINO DESDE ULÁN BATOR HASTA LONDRES O HOLLYWOOD HUBIERA SIDO MUCHO MÁS LARGO” TS. ‘GALA’ GALBADRAKH

¿Tienen vuestras canciones un mensaje específico?

“El mensaje que queremos compartir a través de nuestra música es recordar la importancia de mostrar tu agradecimiento a nuestros padres, el amor por tu país, proteger la naturaleza, respetar las mujeres, respetar tu historia y tus antepasados y, finalmente, dar a los individuos el poder interior para creer en su futuro. Queremos que todo el mundo se una para hacer del mundo un lugar mejor”. Ahora que estáis teniendo la oportunidad de tocar en otros países, ¿cuál es el choque cultural más fuerte que habéis tenido?

¿Qué reacción ha generado la música de The Hu en vuestro país?

“Nuestros compatriotas nos quieren y nos apoyan. Nos sentimos muy queridos por el país entero y ése es el mejor sentimiento del mundo”.

Hellyeah y Bad Wolves. Nuestro sello nos apoya mucho y nos sentimos muy agradecidos”. Como decías, vuestros vídeos han tenido una gran repercusión. ¿Teníais claro que el elemento visual era tan importante

¿Podrías explicar cómo conse-

como el musical?

guisteis firmar para Eleven Se-

“La presentación visual y las redes sociales son muy importantes para nosotros. Las redes nos han permitido difundir nuestros vídeos y nuestra música y alcanzar un público global desde un lugar remoto. Si las redes no existieran, el camino desde Ulán Bator hasta Londres o Hollywood hubiera sido mucho más largo”.

ven Music? Me imagino que no fue fácil…

“Después de que nuestros vídeos se hicieran virales en YouTube recibimos ofertas de varios sellos. Escogimos Eleven Seven Music porque sentíamos que eran los que mejor nos podían ayudar a conseguir nuestros objetivos. Nos sentimos muy honrados de estar en la misma compañía que Mötley Crüe, Five Finger Death Punch, Papa Roach, In Flames, 16

¿Veis The Hu como una oportunidad para dar a conocer vuestra cultura a todo el mundo?

“Lo que más nos ha impactado es la reacción de nuestros fans alrededor del mundo. Después de tocar ante gente maravillosa en Europa y ahora en Estados Unidos, sentimos una gran conexión, un gran amor y mucho apoyo. Nuestros fans cantan y bailan con nosotros. Por eso, aunque después de los conciertos estemos agotados, nos vamos al puesto de merch para poder saludar y sacarnos fotos con nuestros fans. Les amamos y queremos mostrar nuestra gratitud”. ¿Creéis que vuestro éxito puede ayudar a que se preste más atención a bandas de países fuera del circuito habitual?

“Esperemos que así sea. Hay bandas maravillosas en muchos rincones del mundo”.

KNOCKED LOOSE

CAMINA O REVIENTA PESE A QUE HAN SIDO SUS SALVAJES CONCIERTOS LOS QUE LES HAN HECHO SUBIR COMO LA ESPUMA DENTRO DE LA ESCENA HARDCORE, KNOCKED LOOSE TAMBIÉN QUIEREN QUE SU MÚSICA HABLE POR SÍ MISMA. EN SU SEGUNDO ÁLBUM A DIFFERENT SHADE OF BLUE DAN MUESTRAS DE EVOLUCIÓN SIN RENUNCIAR A NADA. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

L PRIMER CONCIERTO AL QUE ASISTIÓ BRYAN GARRIS, vocalista

de Knocked Loose, fue uno de Suicide Silence cuando Mitch Lucker todavía estaba vivo. Tan joven era, que su madre le acompañó por miedo a que saliera de ahí lleno de moratones. Sólo una década después, eran otras madres las que acompañaban a sus hijos para verle a él; probablemente estuvieran igual de preocupadas por la agresividad que transmite su grupo. Desde que en 2015 Garris y sus

negativa es que con tanta actividad, la banda de Kentucky ha tardado tres años en poder componer, grabar y publicar su segundo trabajo A Different Shade Of Blue. Es de agradecer que, pese a que las cosas les vayan de cara, su música no se haya ablandado y sigan en sus trece de machacarnos mediante breakdowns. Mientras esperamos a que llegue julio, cuando visitarán por primera vez nuestro país dentro del Resurrection Fest, contactamos con el vocalista para concerles un poco mejor.

ejemplo, tengo una novia con la que llevo cuatro años y ahora me tengo que plantear qué queremos hacer de aquí a cuatro meses, porque estaré muy ocupado girando y tenemos que mirar qué días libres tendré, y ella también tiene su propia vida, obviamente. Diría que Knocked Loose me ha ayudado a organizarme mejor. También estoy mejorando como compositor. Antes simplemente decía lo primero que me salía, pero con A Different Shade Blue intenté centrarme en la mejor manera de decir lo que quiero”.

Al contrario que muchos grupos que intentan publicar material lo

¿Os sorprendió la reacción tan

más rápidamente posible, voso-

positiva que conseguisteis con

tros os habéis tomado tres años

vuestro primer trabajo?

para publicar vuestro segundo

“Me sorprendió mucho y sigo sorprendido con todo lo ocurrido con Laugh Tracks. Nunca lo hubiera imaginado ni yo, ni nadie del grupo, y por eso estaremos eternamente agradecidos. No puedo ocultar que sentíamos cierta presión a la hora de hacer el segundo disco, pero creo que hicimos un buen trabajo aislándonos de todo eso y haciendo el álbum que nos gustaría escuchar por encima de todo”.

álbum. ¿Fue una decisión vuestra no apresuraros, o más bien una cuestión logística? BRYAN GARRIS “Hicimos diferen-

compañeros -los guitarristas Cole Crutchfield e Isaac Hale, el bajista Kevin Otten y el batería Kevin Kaine- decidieran dejar sus estudios para centrarse en girar dos años después de formarse, la carrera de Knocked Loose cogió velocidad de crucero. Al año siguiente fichaban por Pure Noise Records y publicaban su primer disco Laugh Tracks. A partir de ahí sucesivas giras con Every Time I Die, Comeback Kid, Terror o Parkway Drive les proporcionaron la exposición con la que todo nuevo grupo sueña. La única parte

tes sesiones de composición mientras estábamos de gira o durante algunos parones, y sin darnos cuenta acabamos con 19 temas. Entonces estuvimos seis meses más trabajando en ellos. Y luego la grabación se fue haciendo esporádicamente, no de manera continua, así que todo se fue alargando. Pero lejos de ser un problema, hacerlo así nos permitió trabajar mejor en las canciones”. ¿De qué manera os afectó todo lo que vivisteis durante el ciclo de Laugh Tracks?

“Sin duda todos los años de estar girando nos han cambiado. Como persona he madurado mucho en mi manera de pensar. Nunca había pensado en el futuro más allá del día siguiente, pero ahora tengo que pensar a más largo plazo. Por

¿Cómo lograste superar esa presión que sentías?

“Como te decía antes, empezamos a trabajar en el nuevo disco mientras estábamos girando, pero no concretamos nada. Tan pronto como teníamos algo de tiempo libre, nos poníamos a trabajar todos juntos, en mi caso sobre todo en las letras, pero me sentí bloqueado y bastante perdido. Pero una vez estábamos en el estudio, tenía mi propia habitación y me sentaba en mi escritorio mientras el resto dormía y escuchaba las can19

ciones una y otra vez. Era en plan ‘voy a estar aquí hasta que encuentre algo que funcione’. Al final fue una manera muy productiva de hacerlo”. Vuestra música es indiscutiblemente agresiva. ¿Crees que en general las bandas de hardcore

nominados a un Grammy. Nunca empezarías un grupo como el nuestro pensando que podrías tocar en estadios, pero ahora es una posibilidad y eso es increíble. Creo que Code Orange son agresivos sin sacrificar nada, así que eso nos anima al resto a ir a saco”.

o metalcore se han domesticado

Como decías, empezaste a hacer música de muy joven. ¿Quién te ayudó a meterte en este mundo?

en exceso?

¿Cómo canalizarías esa agresi-

“Creo que ahora hay muchas más oportunidades para las bandas cañeras que hace un año. Por ejemplo tienes un grupo como Code Orange tocando en grandes recintos o siendo

vidad si no fuera a través de la

En cualquier caso me gusta la posición en la que estoy y me gustaría que se mantuviera así (risas). Quizá escribiría libros, es lo más cerca a escribir letras que se me ocurre”.

música?

“Llevo haciendo música desde siempre, así que me resulta difícil imaginar otro escenario. No tengo ni idea.

“Empecé a escuchar música dura cuando era muy joven. Siempre he amado la música. A toda mi familia le gusta la música de diferentes estilos. Yo empecé con el rap, pero mi tía Heidi fue muy importante. Pasé

cias, desde el nu metal al rap, pasando por el rock alternativo, pero sobre todo nos gusta la música dura y al final siempre acabamos en el hardcore. Knocked Loose siempre nos hemos presentado como una banda hardcore y todavía mantenemos esa mentalidad DIY. Queremos tocar para el máximo de gente posible y dar a conocer a los chavales el hardcore y la música heavy en general. Queremos que la gente se divierta en nuestros conciertos y lo pase genial”. ¿Hay alguna canción en A Dif-

ferent Shade Of Blue que no podríais haber escrito cuando hicisteis Laugh Tracks?

“Creo que todas las canciones del nuevo disco son distintas a las que hacíamos entonces. ‘By The Grave’ fue una de las primeras canciones que escribimos para el nuevo álbum y nos marcó el camino a seguir. Nos centramos mucho más en los riffs que antes”. ¿Por qué esa prevalencia del color azul en vuestros diseños?

un verano con ella y me descubrió a grupos como Korn, Slipknot y Metallica, y eso lo cambió todo. Me compraron una guitarra, aunque vi que no era lo mío, pero a los 13 años me pidieron gritar para un grupo, y ahí empezó todo”. Una parte nuclear de vuestras canciones son los breakdowns, pero de alguna manera no suenan como una fórmula. ¿Cómo

“Llevamos usando el azul desde hace bastante tiempo. Empezamos a usarlo en la portada de Laugh Tracks, en nuestros vídeos más recientes para ‘The Rain’ y ‘Mistakes Like Fractures’, en los 7”, en las fotos, en el merch… Para mí el color azul representa una mirada diferente hacia mis sentimientos. No escribo sobre historias o política, escribo sobre lo que siento”.

los trabajáis?

En ‘Forget Your Name’ contáis

“¡Oh, muchas gracias! Digamos que cada uno tiene sus propias influen-

Buckley de Every Time I Die. ¿Es

“NORMALMENTE EN NUESTROS SHOWS EL STAGE DIVING EMPIEZA CON LA PRIMERA CANCIÓN Y YA NO PARA HASTA EL FINAL” BRYAN GARRIS

una banda que te marcara especialmente?

“Llevo admirando a Keith desde hace mucho tiempo y me encanta la banda. Estuvimos de gira con ellos y llegamos a conocernos muy bien. Se me ocurrió pedirle a Keith si quería formar parte de nuestro nuevo disco y estuvo encantando. Le expliqué de qué iba la canción y él escribió sus propias letras. Fue una experiencia increíble”. Al igual que ellos sois conocidos por ofrecer conciertos muy intensos. ¿Alguna vez se os ha ido de las manos?

“Sí, nuestros conciertos son siempre una locura. Nuestros fans reaccionan bailando y saltando al escenario y gritando. Normalmente en nuestros shows el stage diving empieza con la primera canción y ya no para hasta el final. Sé que si lo miras desde fuera puede parecer una situación peligrosa, pero sé que nuestros fans son maravillosos y espero que se sientan seguros en nuestros conciertos. Recuerdo un show en Seattle en el que tocamos ‘The Rain’ y el público cogió a una chica en silla de ruedas y la levantaron hasta el escenario. Fue maravilloso”.

con la colaboración de Keith

FOSCOR

EN LOS LÍMITES DE LA IRREALIDAD

CON ELS SEPULCRES BLANCS, SEGUNDO CAPÍTULO DE SU ACTUAL TRILOGÍA, FOSCOR TE INVITAN A CAMINAR POR SIETE PAISAJES ENVUELTOS DE NIEBLA SONORA. HABLAMOS CON FIAR, SU VOCALISTA E IDEÓLOGO, PARA QUE NOS HAGA DE GUÍA. TEXTO: JORDI MEYA, RICHARD ROYUELA FOTOS: ROCÍO MONTSERRAT

OCO, O NADA, QUEDA DE AQUELLOS FOSCOR que a

principios de la pasada década facturaban un potente black metal. Pero la banda catalana emprendió hace unos años un camino de no retorno hacia un paradero desconocido, pero muchísimo más estimulante. Si con Those Horrors Wither (2014) introdujeron las voces limpias y connotaciones más progresivas, fue en Les Irreals Visions (2017) donde el grupo rompió totalmente con su pasado. Con el movimiento modernista como marco conceptual, usando su lengua materna y primando la creación de atmósferas por encima de la brutalidad, Foscor se situaron en esa escena en la que la personalidad tiene más importancia que las etiquetas. Su fichaje por el sello Season Of Mist les llevó a tener una exposición internacional que ahora quieren asentar con Els Sepulcres Blancs, un trabajo en el que merece la pena sumergirse sin prejuicios. Lo que parecía un salto al vacío por parte de Fiar (voz), Falke (guitarra), Albert (guitarra, bajo, piano), Jordi (batería) y Esteban (teclados) puede que acabe siendo lo más sensato que han hecho en su carrera. Con el disco anterior iniciasteis una nueva etapa, y suponemos que eso conllevaba nuevos objetivos, nuevas expectativas. ¿Se

la situación en la que estamos ahora gracias al último disco. Sólo que nos fichara Season Of Mist y se nos abrieran una serie de puertas y horizontes de trabajo fue muy positivo. Era el inicio de algo nuevo. En cierta manera fue como empezar de cero, aunque con todo el background que teníamos. Mi balance es positivo aunque no conseguimos la exposición que queríamos a nivel de directo porque no teníamos recursos suficientes. Aun así, siendo un grupo que no podemos estar fuera mucho tiempo, estoy contento. Por ejemplo, a nivel de promo estamos notando más interés con este segundo disco con Season y se están abriendo puertas en Estados Unidos cuando antes éramos una banda inexistente. Creo que el nombre se está introduciendo a nivel internacional como una banda que intenta hacer algo distinto. Espero que la cosa pueda mejorar de cara al directo, pero todo cuesta”. ¿Cuál es vuestro mayor obstáculo en ese aspecto?

“Las limitaciones existen. No os tengo que contar nada, pero si fuéramos una banda con capital ya hubiéramos pillado slots para girar con grupos de primera línea. Esto no lo hemos hecho nunca por motivos económicos, familiares, etcétera. Quizá seguimos a un ritmo lento, pero creo que las cosas se están asentando de manera sólida”.

han cumplido? FIAR “Yo estoy súper contento con

Els Sepulcres Blancs quizá no

tiene el factor sorpresa del anterior, pero habéis cogido ideas de aquél y las habéis plasmado mejor.

“Si bien es cierto que hay una continuidad mucho mayor en relación a la época blackera con los otros discos, hay ciertos cambios que tiene más profundidad que otras veces. Por ejemplo, no hay distorsión en las guitarras, la producción no tiene nada que ver, es la menos metal que hemos hecho en nuestra vida. Y todo esto nos ha llevado hacia donde realmente queríamos ir. Quizá con el anterior nos quedamos a medias”. Habéis tirado por la faceta más atmosférica.

“He leído algunas críticas, aunque la mayoría han sido muy buenas, en las que decían que el álbum era demasiado lineal. Pero nuestra idea era hacer un disco muy concreto, son sólo siete temas en 37 minutos, cuando normalmente nos pasábamos mucho más. Igual que ves el tono azul de la portada, queríamos que todo el disco tuviera el mismo tono. Queríamos que cada tema tuviera su propia personalidad, pero que en conjunto fuera más compacto que el anterior. Sea como sea, estamos muy contentos. El proceso compositivo fue mucho más rápido porque ahora tenemos las herramientas mucho más claras. Estamos contentos porque nos alejamos más de lo que queríamos dejar atrás. No es que queramos dejar atrás el metal, ni mucho menos, la

rítmica es mucho más bestia de hecho, pero la producción es muy distinta y hace que sea aún más personal”. En realidad, la pregunta sería qué es lo que define el metal hoy en día. ¿Hacia dónde quiere ir Foscor?

“Nosotros queremos ir a un público para el cual los límites están desdibujados. Creo que somos la parte menos metal del metal, pero seguimos siendo metal. Nosotros podemos estar en línea con unos Alcest, que venían del metal hasta que hicieron un disco casi pop y ahora están recuperando una parte más cruda. Nos gusta estar en este espectro más amplio en el que el público busca reconocerse en algo menos definido, más personal”. En el metal vemos grupos que siguen la fórmula que funciona y los que toman riesgos. La ironía es que incluso dentro de este segundo grupo, lo que era innovador hace dos años, se convierte en fórmula. Pero ése sería otro tema. El caso es

que si le dedicas tiempo a sacarle jugo puedes encontrar cosas que te sorprendan. Acabamos grabando este álbum entero con una Telecaster, que es la guitarra menos metal. Era algo que no sabíamos que podía funcionar hasta que estuvimos con Javi y lo probamos”. Uno de los aspectos que se está enfatizando, incluso aún más fuera de aquí, es la identidad catalana del grupo. ¿Es una manera de vender algo nuevo?

“No creo que lo utilicemos a nivel de venderlo como un folklore exótico, sino más a nivel de concepto. Creo que si no hubiese esta identidad propia se buscarían más comparaciones con otras bandas, y lo que queríamos era precisamente alejarnos de eso. ¿Cuántas bandas de black metal hay que hacen y hablan de lo mismo? Y da igual de dónde sean. En nuestro caso trabajamos la música de una manera que intentamos que sea original, pero lo que nos puede hacer destacar es que lo vistamos con algo propio que una formación de otro lugar no tiene”.

que Javi Félez, como productor, es alguien a quienes los

¿Y crees que vuestro mensaje

grupos acuden porque domina

llega a alguien de, digamos,

la fórmula, pero que quizá con

Göteborg o Varsovia?

vosotros se está atreviendo a

“Lo que nos está llegando de fuera es que les queda muy claro que ven que hay una conexión entre la música con una lírica que bebe de una cultura propia. Eso está muy claro. Luego, toda la profundidad de carga que yo le quiero dar, e incluso un mensaje vitalista ligado a un momento cultural, no creo que llegue, sobre todo si no leen las letras. Pero creo que los aspectos más importantes es-

hacer cosas nuevas. ¿Crees que ha sido un acierto que os hayáis encontrado dos partes que buscaban romper con los clichés?

“Yo creo que con el anterior disco se rompieron muchos tabúes. Teníamos una idea clara, pero no teníamos claro cómo trasladarlo a una grabación. Con él perdimos el miedo a probar cosas en el estudio. Vimos

tán llegando a la gente que nos está conociendo con este disco”. Incluso para nosotros, siendo catalanes, las letras no se entienden de primeras. La voz está trabajada como una textura sonora más.

“Os confesaré algo: yo siempre había querido que fuera así, mientras que el grupo siempre querían que la voz estuviera en un primer plano. Yo creo que en la época blackera ya lo tendríamos que haber hecho, porque en el fondo, ahí sí que cuando estás gritando no sé entiende lo que dices. En el anterior, la voz y la batería todavía están en un plano un poco superior, pero aquí era que la voz era algo que tenía que ayudar a compactarlo todo. Lo importante es que el conjunto transmita algo”. Transmite niebla.

“La niebla es uno de los conceptos que está dentro de este segundo disco. Era un elemento poético que utilizaba la literatura modernista para hablar de ese paso intermedio entre la luz y la oscuridad. Era una metáfora que se utilizaba mucho. Cuando hicimos las primeras reuniones para enfocar el álbum, yo les hablé de estas cosas. Niebla, sueño, azul… son referencias que tengo en mi cabeza y que intento que se infiltren en la música”. En el rato que llevamos ya has reconocido dos cosas que los músicos suelen negar: una, que lees las críticas que se escriben sobre vosotros y, dos, que os reunís para marcar la dirección del disco.

“YO CREO QUE CON EL ANTERIOR DISCO SE ROMPIERON MUCHOS TABÚES” FIAR “Las directrices de este álbum ya se escribieron para el anterior. Y de hecho, ya sé desde hace mucho tiempo las del siguiente. Ya tengo títulos de temas y sé cómo quiero desarrollar el tercer precepto de la trilogía. He encontrado algo que nos permite vestir desde la música al merch, a los visuales del directo… Por eso este disco fue mucho más fácil de componer”. ¿Cómo lo haréis para encajar los temas nuevos con los antiguos en el directo?

“La idea es tocar temas sólo de los dos últimos”. ¿No echas de menos tocar temas más antiguos?

“Para nada. La dinámica que me aportan estos temas es incluso más intensa”. ¿Pero no es una pena borrar todo un pasado que ha sido importante?

“Lo que me aportó todo aquello forma parte de mí. En los dos primeros discos yo compuse mucho, pero a partir de Those Horrors Wither me dediqué sólo a la voz. Aquella otra faceta la canalizo ahora en otras bandas, cantando death metal old school con Graveyard, por ejemplo, así que no lo echo de menos. Lo que echaba de menos antes era lo que tengo ahora con Foscor y que era lo que yo quería”.

¿Cómo te imaginas el grupo de aquí a diez años?

“Hace diez años me preguntaron justo eso y estoy donde quería. Y ahora tenemos las bases para el próximo disco, pero más allá hay un vacío gigante. Supongo que después de esta trilogía tendrá que suceder algo que nos sacuda a lo bestia. Quizá desaparezca el grupo. No lo sé”. Igual ésa sería la gran sacudida. Muchas veces los grupos no saben cómo terminar. Igual podríais seguir los cinco, pero con otro nombre.

“Mientras sintamos que seguimos mejorando, seguiremos adelante. Pero si se acaba la chispa para rein-

“SUPONGO QUE DESPUÉS DE ESTA TRILOGÍA TENDRÁ QUE SUCEDER ALGO QUE NOS SACUDA A LO BESTIA. QUIZÁ DESAPAREZCA EL GRUPO. NO LO SÉ” FIAR

ventarnos, probablemente lo mandaríamos a la mierda. Ya encontraré otras vías de escape… Sigo teniendo hambre, y le sigo dedicando al grupo el 75% de mi tiempo, pero me he quitado la presión tan bestia que me autoimponía”. España ha sido de los últimos países en conseguir que sus bandas tuvieran una proyección internacional, pero por fin ha empezado a suceder. ¿Crees que en el futuro se reivindicará lo que algunos grupos estáis haciendo ahora?

“Yo creo que la escena actual tendrá utilidad con efectos retroactivos. Hasta hace poco había un vacío existencial total, ahora creo que hay suficientes referentes para que haya algo a seguir. Pero esto no se verá desde aquí a un tiempo. Para mí a partir de los 90 hubo un bajón en la música, sobre todo en el extremo, brutal. Y quizá desde 2010, tanto a nivel mundial como aquí, se está revitalizando. Desde fuera no sé si se recordará la escena estatal como tal, pero sí proyectos individuales. Una banda como Wormed se recordará porque no hay nadie que haga eso. Creo que se tiende más a singularizar. No creo que se hable de escenas de países, sino de proyectos”.

CHELSEA WOLFE

AL OTRO LADO DE LA CAMA POCOS DISCOS MÁS HERMOSOS SE PUBLICARÁN ESTE AÑO QUE BIRTH OF VIOLENCE . EN SU SEXTO ÁLBUM, CHELSEA WOLFE NO SÓLO SE HA REENCONTRADO CON LA MÚSICA DE SU NIÑEZ, SINO TAMBIÉN CON EL LUGAR QUE POR FIN PUEDE LLAMAR SU HOGAR. TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR

ESE A QUE C HEL SEA WOLFE HA RECIBIDO su atención prin-

cipalmente de parte de la escena del metal, como decía Jordi Meya en la crítica de Birth Of Violence (Sargent House), en el corazón de su música siempre ha estado el folk. Y eso se revela de manera imponente en este último trabajo en el que la voz y la guitarra acústica son los elementos principales del sonido de las canciones. Pero esa influencia va más allá de una cuestión formal, y también sus letras adquieren un poso social fruto de la locura en la que vive inmersa su país. Como ella misma nos cuenta, después de crear y girar con los discos Abyss y Hiss Spun, algo en su alma la empujó a dar un paso atrás y expresarse con un sonido más íntimo; “algo que pudiera traer algo de consuelo a una situación caótica”, en sus propias palabras. Al parecer, su salud mental y física empezaron a resentirse después de tantos años de estar constantemente en movimiento. Algo agudizado por la parálisis del sueño que sufre desde pequeña y que tanto ha impregnado su música. Pocos días antes de que iniciara una gira acústica para presentar este nuevo trabajo, teníamos la oportunidad de intercambiar impresiones con la cantautora californiana. En Birth Of Violence has presentado un sonido mucho más desnudo. ¿Hay una conexión entre este disco y el acústico

Unknown Rooms de 2012, o lo enfocaste como un proyecto totalmente distinto? CHELSEA WOLFE “Está conectado 21

en el sentido que Unknown Rooms fue un recordatorio para mí misma de que tengo un lado folk tan importante como mi lado más ruidoso y heavy, y Birth Of Violence fue un poco lo mismo. Durante la última gira me resultaba imposible dormir o relajarme, así que me llevaba mi guitarra acústica al fondo del autobús para encontrar un poco de paz y acabé escribiendo las canciones de Birth Of Violence”.

Pero para este disco en particular, necesitaba encontrar un hogar. Hace tres años me mudé a una casa en los bosques del norte de California, pero básicamente había dejado unas cajas y me fui de gira. Tomarme un poco de tiempo libre para grabar este disco fue una gran oportunidad para asentarme en esta casa y este espacio”. En ‘Highway’ y ‘Deranged For Rock & Roll’ hablas de la vida

¿Fue el folk la primera música

en la carretera. Para alguien

que te interesó?

que aprecia tanto la tranqui-

“Bueno, me crié escuchando country y folk porque mi madre amaba la música folk y mi padre tocaba en una banda country cuando yo era pequeña. Fui a muchos conciertos de country y también vi a mi padre ensayar con su banda muchas versiones. A los 9 años ya estaba escribiendo mis propias canciones y quería ser como Joni Mitchell o Joan Baez”.

lidad, ir de gira tiene que ser

¿Y sobre qué escribías a esa edad?

“Escribía de cosas que todavía no entendía, como el amor, el sexo, la tristeza y la condición humana, pero a medida que fui creciendo empecé a entenderlas. De hecho, sigue habiendo mucho de eso en mis canciones”. Tengo entendido que grabaste este álbum en tu casa. ¿Necesitabas alejarte de todo para ser creativa?

“La realidad es que compongo constantemente. Mi teoría artística es que nunca puedes ignorar una idea, incluso aunque sean las cuatro de la mañana y por fin me haya podido dormir después de un episodio de insomnio. Sigo mi creatividad cada vez que se presenta, sea en la situación que sea. 22

experiencias personales a medida que te has hecho mayor?

“Desde luego, pero es algo que ha estado presente en mi música desde el principio. Incluso cuando era una niña entendía que había un gran mundo ahí fuera, y que por cada persona que experimentaba la felicidad, había alguien que experimentaba sufrimiento. Hay quien me dice que es una manera oscura de mirar el mundo, pero siempre he entendido la realidad así, en el contraste de las cosas. Quiero honrar tanto las experiencias malas como las buenas, porque todas son reales”.

todo un desafío. ¿Cómo lo sobrellevas?

También pareces una persona

“De la manera que los músicos llevan haciéndolo desde siempre, rodeándote de gente que te inspira, en este caso mis compañeros de banda y amigos, bebiendo, tomando pastillas para tirar adelante y meditando, aunque justo estoy aprendiendo a hacerlo. Pero también mis músicos y yo tenemos una ética del trabajo muy fuerte, y eso nos hace ser responsables. Queremos que cada concierto sea una experiencia poderosa, auténtica y espiritual, así que es en eso en lo que más nos centramos”.

muy ligada a la naturaleza. ¿Cómo ha influenciado eso a tu música?

“Tengo la suerte que, desde niña, he estado en contacto con la naturaleza hermosa del norte de California, los árboles, las montañas, los ríos… Y ahora vivo en un lugar donde solía acampar cuando era joven. Seguir los ciclos de las estaciones y la luna me han ayudado a sentirme mucho más conectada como mujer y eso ha inundado mi música de manera muy natural”. Aunque éste es un álbum bá-

¿Te has llegado a quemar en

sicamente en solitario, has

algún momento?

contado con algunos colabo-

“No, pero podía sentir que estaba cerca de estarlo o de perder los nervios, así que empecé a decir no a muchas cosas y planeé tomarme tiempo libre durante este periodo y centrarme en mi salud mental y espiritual. Y en grabar Birth Of Violence, claro”.

radores como Ben Chisholm o

Algunas de las canciones tienen un significado más social. ¿Has empezado a interesarte más sobre lo que ocurre más allá de tus

Jess Gowrie. ¿Qué requisitos son necesarios para que dejes que alguien entre en tu mundo creativo?

“Ben y Jess han estado en mi vida musical desde hace más de diez años, y los dos son personas con las que me siento muy cómoda para ser yo misma musicalmente. Hay un puñado de gente en mi mundo, pero me siento especialmente afortunada de tener a Ben

“MI TEORÍA ARTÍSTICA ES QUE NUNCA PUEDES IGNORAR UNA IDEA, INCLUSO AUNQUE SEAN LAS CUATRO DE LA MAÑANA Y POR FIN ME HAYA PODIDO DORMIR DESPUÉS DE UN EPISODIO DE INSOMNIO” CHELSEA WOLFE

y Jess. Los dos me han animado y me han enseñado mucho sobre ser una buena compositora e intérprete. Nuestras influencias musicales confluyen de una manera muy especial”.

y estar soñando, y creo que eso ha abierto una manera imaginativa de escribir que me pertenece”. ¿Te sorprende que algo tan personal pueda llegar a tanta gente

Desde hace muchos años has

alrededor del mundo?

explicado que padeces pará-

“Sé que mi alcance todavía es bastante pequeño comparado con otros artistas, pero me siento muy agradecida de haber encontrado gente en partes muy distintas del mundo que entienden mi música y encuentran consuelo en mis canciones. Es un verdadero privilegio”.

lisis del sueño y, de hecho, tu música tiene un aire muy ensoñador. Supongo que no es nada agradable, pero como artista, ¿sientes que de alguna manera padecer ese síndrome ha sido

hablar con mis compañeros Jess Gowrie, Ben Chisholm y Bryan Tulao sobre el próximo disco y a probar algunas ideas. Hay una espera tan larga entre que grabas un álbum y lo publicas, que durante ese tiempo surgen un montón de ideas que no tienen nada que ver con el disco que acabas de sacar. Así que aunque estoy muy centrada e ilusionada por la gira acústica que tengo por delante para presentar Birth Of Violence, también tengo muchas ganas de escribir nuevas canciones”.

una suerte?

“Pues sí, y me di cuenta mientras componía Abyss que había una conexión. Y sigue estando ahí. Siempre he escrito desde ese lugar entre estar dormida

¿Qué tienes por delante? ¿Has empezado a pensar en el próximo trabajo?

“Por supuesto. Ya he empezado a 23

THE MENZINGERS

PROBLEMAS COMUNES

POCOS GRUPOS HAY TAN FIABLES DENTRO DEL PUNK ROCK COMO THE MENZINGERS. DISCO TRAS DISCO, LOS DE FILADELFIA SE HAN GANADO LA ADMIRACIÓN Y AFECTO DE LOS AMANTES DE LAS GRANDES CANCIONES. SU NUEVO ÁLBUM HELLO EXILE QUIZÁ PRESENTA UNA VISIÓN MÁS OSCURA QUE EN ANTERIORES OCASIONES, PERO MANTIENE EL LISTÓN TAN ALTO COMO SIEMPRE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: JESS FLYNN

MENUDO RECURRIMOS A LA MÚSICA COMO VÍA DE ESCAPE ,

para olvidarnos durante un rato de la realidad que nos rodea. Pero si lo pensamos bien, son los artistas que son capaces de retratar esa realidad con los que acabamos conectando a un nivel más profundo. Desde que publicaran su primer disco A Lesson In The Abuse Of Information Technology en 2012, The Menzingers se han especializado en escribir canciones que reflejan su momento vital y, por extensión, de quienes las escuchan. Al contrario de tantos grupos que intentan aferrarse a la idea de la juventud eterna, aunque ya luzcan canas, Greg Barnett (voz, guitarra), Tom May (voz, guitarra), Eric Keen (bajo) y Joe Godino (batería) han sabido plasmar en sus letras las inquietudes y problemas que uno va afrontando a medida que cumple años. Si con su anterior trabajo, el excelente After The Party (2017), se preguntaban “¿Dónde vamos a ir ahora que nuestros veinte han terminado?”, en su nuevo disco Hello Exile (Epitaph) encontramos la respuesta. Y fieles a sus principios, quizá no es la que te gustaría. Desde la pareja con dificultades económicas de ‘Strain Your Memory’ a lo que se te pasa por la cabeza mientras vuelves a la ciudad donde creciste para asistir a un funeral en ‘Farewell Youth’, la incredulidad hacia el rumbo que ha tomado la política en ‘America (You’re Freaking Me Out’) o tu relación con el alcohol en ‘I Can’t Stop Drinking’, cualquiera que pase de los 30 puede sentirse identificado con lo

que cuentan, y que podría resumirse en pocas palabras: la vida es mucho más difícil de lo que te imaginabas. Que sus irresistibles melodías y acordes también hayan ido madurando desde el punk rock juvenil de sus inicios a un rock de corte más clásico, ayuda a que la coherencia de su propuesta sea absoluta. Pocos días antes de que publicasen su sexto álbum teníamos la oportunidad de charlar con Tom May, 50% del núcleo compositivo de una banda a la que hay que querer. Porque entre tantas mentiras, es de agradecer que alguien se atreva a decir la verdad. Durante el último año habéis lanzado tres singles, ‘Toy Soldier’, ‘The Freaks’ y ‘No Pennace’, que no aparecen en Hello Exile. ¿Cuál fue el origen de estas canciones y por qué las descartasteis para el disco? TOM MAY “La historia fue que el

álbum anterior, After The Party, no acabó saliendo hasta casi un año después de que lo hubiéramos grabado. La espera se nos hizo eterna y no queríamos que nos volviera a ocurrir. Pensamos que para la banda, y para nosotros como compositores, sería bueno ir grabando nuevo material entre discos. Antes de ponernos a trabajar en Hello Exile, nos salieron estas canciones que nos gustaban mucho, y en lugar de guardarlas, decidimos ir sacándolas. Estábamos convencidos de que podríamos escribir más temas a la misma altura, y nos gustaba la idea de no desaparecer por completo entre disco y disco”. La banda ha ido creciendo un

poco más con cada álbum. ¿Os influye a la hora de componer saber que cada vez hay mayores expectativas?

“La realidad es que vivimos de la banda, es nuestra única fuente de ingresos. Así que del éxito del grupo depende que podamos seguir pagando nuestras facturas (risas). Queremos hacer música que nos guste y que refleje quiénes somos, pero somos muy conscientes que también queremos que guste a otra gente. Si no, simplemente podríamos hacer música en nuestra casa y ya está. No creo que sea posible hacer música sin tener a tu público en mente. Cualquiera que diga lo contrario me parece pretencioso, cuando no falso. Queremos hacer música que guste a nuestros fans, partiendo de la base que sus gustos musicales se parecen mucho a los nuestros. No vamos a hacer un disco experimental porque sí. Nos emocionamos mucho cuando nos sale una parte que sabemos que va a funcionar en directo. Estamos impacientes por tocar algo que sabemos que la gente podrá cantar o bailar con nosotros. Puedo visualizarlo. Me importa mucho más eso que lo que un crítico pueda decir sobre nosotros, desde luego”. Bueno, en general, la crítica os trata muy bien. ¿Alguna vez has leído algo que te haya molestado o dolido?

“Supongo que cuando dicen que nuestra música es aburrida o poco original. Pero nunca ha habido algo que me haya ofendido, o al menos no lo recuerdo. También pienso que hoy en día algunos críticos simplemente escriben algo muy negativo

para destacar o llamar la atención. Si escribes algo polémico es más fácil que tengas clicks. Siempre tienes que tener en cuenta qué motivaciones hay detrás de una mala crítica, aunque todo el mundo tiene derecho a expresar lo que quiera y a veces un comentario negativo puede ayudarte a mejorar”. Aunque ya habíais tocado en el Resurrection Fest, a finales de mayo disteis vuestros primeros conciertos en sala en nuestro país. A pesar de que lleváis bastantes años girando por todo el mundo, ¿te sigue sorprendiendo ver a gente cantando vuestras canciones tan lejos de vuestra casa?

“Sí, sigue siendo una sorpresa. Por cierto, tengo que decir que la gente que vino a vernos en Barcelona y Madrid cantaba muy bien (risas). Es increíble y nunca deja de emocionarnos cada vez que ocurre. Poder viajar y experimentar otras culturas me ha ayudado a crecer más que ninguna otra cosa en mi vida. Poder ver cómo la gente come, cómo hablan de sus gobiernos, cuáles son sus valores, te ayuda a darte cuenta que existe un mundo mucho más grande que el tuyo. Seguramente ir a Japón fue el viaje que más me cambió. Hay diferencias muy sustanciales en la manera en que los individuos actúan en esa sociedad. Siguen siendo humanos, pero su manera de actuar no tiene nada que ver con la nuestra. Te hace poner muchas cosas en perspectiva y pensar”. ¿Es de esas reflexiones de

“HA SE H HABIDO AN CAB PERSO POR UNA READO NAS Q UE SIQ CON UIER CANC M I I Ó (RIS A ER GO A SO N QUE LOS AS). SU N BR I P RIES GOS ONGO E ELLAS QUE LO H D SON ACE E ESCRI MO B I R S” T COM OM O MA Y

“HAY MUCHA GENTE QUE, A LA QUE ENTRA EN LA VIDA ADULTA Y ADQUIERE RESPONSABILIDADES, SE SIENTE COMO CULPABLE PORQUE LE SIGUE GUSTANDO LA MÚSICA PUNK O IR A CONCIERTOS, PERO NO HAY NADA MALO EN ELLO” TOM MAY

donde salen canciones como

visceral. Demasiado”.

‘America (You’re Freaking Me Out)’ de vuestro nuevo trabajo?

Creo que en ese aspecto los me-

“En parte sí. Expresa nuestro deseo de poder vivir en otro tipo de sociedad, una en que las personas estuvieran más conectadas. Ahora mismo hay una división extrema a nivel político, cultural, racial, social, económico, que no existía antes. Es como si todo el mundo se hubiera aferrado a la idea de que hay un enemigo al que hay que derrotar y eliminar. Tenemos que encontrar la manera de trabajar juntos y dejar el odio a un lado. Realmente se hace muy incómodo a la que sales de la burbuja en la que vives porque no sabes ni cómo comunicarte con quien piensa distinto a ti porque no puedes utilizar argumentos racionales, todo es muy

dios tienen una gran responsa-

bilidad. Es lo que decías antes, lo que vende es el conflicto. Si no hay conflicto no hay interés.

“Así es. El modelo de las noticias se basa en el conflicto y eso hace que la gente se separe. Se apela a los instintos más bajos. Entre todos tenemos que trabajar para darle la vuelta. Al menos nosotros lo intentamos”. En ese sentido sois una banda que no busca destacar o polemizar. Parece que todo empieza y acaba con escribir buenas canciones.

“Creo que tienes razón. No prestamos demasiada atención a los as-

pectos del grupo que no tienen que ver estrictamente con la música. La mayoría de nuestro tiempo la dedicamos a escribir canciones. No tenemos una imagen o una estética que fabriquemos para ocultar quienes somos. Creo que salta a la vista que somos gente normal (risas)”. ¿Sentís que ser normal casi se ha convertido en una anomalía en el mundo de la música?

“(Risas) Puede que sí. Incluso la gente ‘normal’ proyecta una imagen en las redes sociales para que sus vidas parezcan más extraordinarias. Personalmente he dejado de usar Twitter y apenas entro en las redes. Y gracias a eso me siento mucho mejor. Ahora hablo con la gente sobre cosas que les ocurren en la vida real y no sobre

lo que aparentan vivir en las redes”.

guien en concreto o es un personaje inventado?

Eso enlaza con el contenido de vuestras canciones. Habláis de experiencias con las que es fácil identificarse, y las de Hello Exi-

le no son una excepción.

“Sí. Siempre intentamos escribir sobre lo que ocurre en nuestras vidas. A medida que nos hemos hecho mayores, por ejemplo, hemos visto el efecto que han tenido las redes en el clima político. Personalmente me apetecía tomar cierta distancia de todo ese ruido y hablar de las cosas que son verdaderamente importantes en mi vida. No es que no quiera participar de la vida política, pero creo que en este disco hemos intentado reflejar quiénes somos en una época de muchos cambios”. ¿Alguna vez os ha dado apuro exponeros demasiado?

“Es interesante que lo menciones porque ayer estaba pensando en ello. Hace mucho tiempo escribí una canción sobre alguien en concreto, y me he dado cuenta que quizá cuando la gente canta esa canción puede que esté hiriendo sus sentimientos y la haga sentir mal con sí mismo. No había pensado en las consecuencias que una canción puede tener. Volvería a hacerlo, pero ahora tengo más cuidado. Como mínimo a la hora de que las personas sobre las que escribo, lo sepan. Algunas veces ha habido personas que se han cabreado conmigo por una canción que ni siquiera era sobre ellas (risas). Supongo que son los riesgos de escribir como lo hacemos”.

“Todo lo que escribimos estaba inspirado en la realidad, pero son historias inventadas a partir de varias situaciones reales. Se trata de que cada uno pueda hacer su propia interpretación”. Pero una canción como ‘I Can’t Stop Drinking’ sí parece muy personal. En muchas de vuestras canciones había referencias

esto una y otra vez, aprendes a no caer en la tentación de simplemente dejarte llevar. Creo que es muy importante rodearte de gente que se preocupe por ti y mire por tus intereses. Tenemos una crew que es increíble y eso nos ha ayudado a superar todo tipo de problemas. Siempre va a haberlos en cualquier tipo de relación, pero creo que hemos llegado a un lugar en el que hay verdadero amor y todos tenemos los mismos objetivos”.

al alcohol, pero aquí ofrecéis una visión más oscura del tema.

¿Cuál dirías que fue el momen-

“Sí. Ésa es una canción que escribió Greg, pero vivimos vidas muy parecidas, así que puedo hablar de ella. Personalmente me estoy tomando un largo descanso respecto al alcohol. Llevo 150 días desde mi última bebida. Y no es que lleve la cuenta cada día, o me considere una persona ‘limpia’, porque fumo hierba, pero personalmente creo que al estar en una banda, lo que implica un fácil acceso al alcohol, está bien tomarse un descanso y poner un poco en perspectiva por qué bebes. Creo que muchos músicos lo usan como una forma de automedicarse porque no es un estilo de vida fácil de llevar. Seguro que algún día volveré a beber cuando esté con mis amigos, pero no quiero que forme parte de mi día a día. Pero hablando de la canción en sí, la bebida es más una metáfora sobre cosas que querrías cambiar de ti, pero no eres capaz. Al menos eso es lo que significa para mí”.

to más bajo por el que habéis

¿Te has hecho más consciente de los riesgos que implica la

El primer single del disco fue

vida en la carretera?

‘Anna’. ¿Está inspirada en al-

“Desde luego. A medida que haces

pasado como grupo?

“Probablemente han sido por cosas que escapaban a nuestro control. Una vez nos robaron. Me acuerdo una vez en la que estábamos de gira y se nos estropeó la furgoneta en medio de la nada y no teníamos dinero para arreglarla. Fue duro. O tener que seguir girando cuando estás enfermo. También nos han pasado cosas a nivel personal que quizá no supimos comunicar de la mejor manera y que no voy a explicar en una entrevista, pero creo que al final siempre nos hemos acabado apoyando”. Aunque antes decías que nunca haríais un disco experimental, yo al menos veo una intención de que cada álbum tenga su propia personalidad.

“Sí, creo que en cada disco intentamos variar un poco. La tecnología nos ayuda en ese aspecto. Y también el tener algo más de éxito nos ha permitido tener más tiempo para grabar el disco. Ahora tenemos un local equipado para trabajar en las maquetas, y podíamos ir trabajando 37

excentricidad. A alguna gente le puede parecer algo banal o tonto, pero para nosotros no lo es. Creo que escribimos sobre ello, a veces con cierta nostalgia, pero también como una manera de reconciliarnos con el estilo de vida que hemos escogido. Y en cierto modo creo que no sólo nos ayuda a nosotros, sino también a nuestros fans porque están creciendo con nosotros. Hay mucha gente que, a la que entra en la vida adulta y adquiere responsabilidades, se siente como culpable porque le sigue gustando la música punk o ir a conciertos, pero no hay nada malo en ello. Creo que es un proceso que estamos viviendo todos juntos”. ¿Alguna vez te ha dado vergüenza decir que tu oficio es tocar en un grupo?

en ellas cuando no estábamos de gira. Digamos que ahora tenemos más herramientas”. La producción de Will Yip tam-

que nos encantan. Y creo que también las voces están tratadas de una manera que quedan mejor integradas con la instrumentación, no como un elemento que va aparte”.

bién es un poco distinta respecto a la de After The Party.

Un tema recurrente en vuestros

“Will tiene un enorme conocimiento tanto sobre composición como a nivel técnico. Es capaz de llevar los temas a su mejor versión posible. Todos vamos metiendo cosas y él es muy bueno sacando todas las que no son necesarias. Para este disco queríamos conseguir sonidos que molasen y con eso me refiero a que cada instrumento tuviese una gran dinámica, en lugar de ir todos a saco. Quizá la gente no note la diferencia, pero cuando nosotros lo escuchamos podemos oír un montón de detalles

discos es la idea de hacerse

mayor. Parece que os preocupe mucho la idea de envejecer dignamente en el contexto de una banda de rock.

“(Risas) Sí, aunque no sé si nadie tiene la respuesta. Pero nos preocupa no sólo como músicos, sino como personas. Creo que al principio teníamos una visión muy nihilista y adolescente de lo que era tocar en una banda de punk rock. El hecho de que sigamos tocando juntos tantos años después no deja de ser una

“(Risas) Nunca me he sentido avergonzado. Creo que hemos intentado distanciarnos de la gente que pudiera hacernos sentir de esa manera. Pero desde luego hubo un tiempo en el que tuve que convencer a mi familia de que lo que estaba haciendo no era una locura. Mirando atrás, me siento afortunado porque hubiera sido muy posible que tuvieran razón (risas)”. Por último, ¿con qué te gustaría que la gente se quedase después de escuchar Hello Exile?

“Me encantaría que la gente escuchase el disco mientras va en coche y al final del viaje se sintiese mejor respecto a ellos mismos o las cosas malas de sus vidas”.

DISCO DEL MES

H Macro (NAPALM) GROOVE METAL, METAL PROGRESIVO

asta no hace mucho, Ucrania era conocida por su bulliciosa escena black metal, dotada de excelentes bandas, aunque la mayoría de muy reprochable ideología. Ahora ese país será conocido por haber exportado a Jinjer, una de las formaciones llamadas a liderar el metal de la próxima década. Desde que se fundaran en 2009, la banda no ha dejado de pelear desde lo más abajo. Con la publicación de su tercer álbum King Of Everything, las cosas se pusieron realmente serias para ellos, sumando adeptos a un ritmo vertiginoso gracias, en gran parte, a esos directos capitaneados por su explosiva frontwoman Tatiana Shmailyuk. Jinjer inauguraron este año con Micro, un primer aperitivo en forma de EP, pero ahora toca el plato fuerte, que no es otro que su nuevo largo

JINJER

Macro. Por si había alguna duda, Shmailyuk sigue siendo la protagonista de esta banda demostrando ser una bestia de la naturaleza capaz de dominar cualquier registro, ya sea meloso o gutural. Básicamente, esta señora hace lo que quiere con su garganta, pero ojo, que un bajista como Eugene Abdukhanov la sigue de cerca aquí. Pero hay muchísimo más, vaya que sí… Desde que te atrapa el ritmo sincopado de ‘On The Top’ y luego se despliega la cuerda gorda de sonoridad djent, Jinjer despliegan un montón de recursos muy particulares y que, en apariencia, sólo en apariencia, parecen sencillos. ‘Pit Of Consciousness’ contiene una cadencia muy System Of A Down, por ejemplo, y en ella también nos encontramos con ese progresivo tan suyo, cercano y ameno, que para nada se sitúa ante un púlpito

técnico para vacilarnos. Puedes fliparlo mucho con el reggae que se marcan en ‘Judgement (& Punishment)’, también sorprenderte con la tonada tradicional y en su propia lengua de esa ‘Retrospection’ llena de percusiones estrambóticas, o una canción tan redonda y rebuscada como ‘Pausing Death’. El espíritu de Lamb Of God también sobrevuela muchos de estos cortes. siendo imposible de disimular en ‘Noah’ o ‘Home Back’. En definitiva, Macro contiene y amplia todo lo que ha llamado la atención a los miles de fans que ya atesoran. Algún riff rompecervicales para los del core, instrumentación de altura para los más primorosos, sonoridad moderna para la nueva escuela metálica... Los Shevchenko del groove progresivo. Pelotazo final en 3, 2, 1... PAU NAVARRA

CRAZY STACEY & THE CUSTOMS HAS DE SABER... FORMACIÓN: Álvaro

Escribano (voz, guitarra), David Pardo (saxo, teclados), Saray Saéz (batería), Diego Serrano (bajo sexto) PRODUCIDO POR: Álvaro Escribano AFINES A: Nick Curran, JD McPherson, Brian Setzer PÁGINA WEB: www.crazystaceyandthecustoms.bandcamp.com

S First Class Hypochondriac (AUTOEDITADO) ROCK’N’ROLL

i sois habituales de salas madrileñas, es más que probable que hayáis reconocido el tupé y las patillas mejor perfiladas a esta orilla del Manzanares. Efectivamente, Álvaro Escribano es uno de esos músicos incombustibles. Por si no tuviese suficiente con dos proyectos tan activos como Odeón y Swampig, la pasada temporada se sacó de la chistera una nueva aventura bajo el nombre de Crazy Stacey & The Customs. Un personaje con el que saca a pasear su innegociable pasión por el rock and roll de la vieja escuela, pero con una actitud salvaje a la par que incendiaria. No en vano, su EP de presentación,

Scream & Shout, se nutría de versiones de The Sonics y Nick Curran entre otros. Y precisamente el cantante de Biddeford es el punto de partida de donde surge First Class Hypochondriac, su primera obra con material original. El asunto despega (literalmente) con ‘An Introduction To Crazy Stacey & The Customs’, que no es que sea una invitación a la fiesta, es que te agarra directamente, te mete de lleno en ella y de paso te sirve un cocktail para que te vayas entonando con lo que viene a continuación. Recupera ‘62 Impala’, un corte perteneciente a su etapa con los geniales The Hardtops y que aquí sigue sonando estupendamente.

‘First Class Hypochondriac’ sería la que mejor resume lo que es Crazy Stacey: rock’n’roll con actitud punk y un saxo a cargo de David Pardo que es pura gasolina. Sus otros compinches son dos rostros sospechosos como los de Saray Saéz tras los parches y Diego Serrano al mando del bajo sexto. Con semejante escuadrón suicida, el loco Stacey no tiene reparos en meterse por terrenos más barriobajeros (‘Smoke Signals’), rendir tributo a la Brian Setzer Orchestra en la instrumental ‘Pompadour’ o estamparte en todo los morros una macarrada del calibre de ‘The Jukebox Wolfpack’. Rockonudo. GONZALO PUEBLA

BONUS TRACK CON... ÁLVARO ESCRIBANO ¿Cuando empieza a rondarte la idea de este proyecto?

“Crazy Stacey nace como un accidente, la verdad. Llevaba tiempo queriendo grabar baterías de rock’n’roll a la antigua en La Chulona, mi estudio de grabación, dando un tratamiento distorsionado y agresivo a la movida. Oli, batería de Accidente y Redneck Surfers y amigo desde hace mil años, se ofreció con toda amabilidad como conejillo de indias. La idea era grabar un puñado de versiones para ver qué podía hacer con esas baterías a nivel de tratarlas y demás. Me gustó tanto el resultado, que pensé: ‘Hombre, esto hay que vestirlo’. Así que hablé con más amigos para darle forma a esos temas que terminaron convirtiéndose en Scream & Shout, el EP de debut que salió el pasado año”. En las canciones hay mucho de rock clásico, con referencias

que son muy evidentes para quienes conozcan tus gustos. Pero entre todas destacaría especialmente la de Nick Curran. ¿Qué significa para ti?

“Sin duda Nick Curran es la influencia que me hizo echar a andar este proyecto. Para mí, junto a JD McPherson, es la figura más importante que ha habido en el rock’n’roll desde los Stray Cats. De Nick me encanta que pudiera absorber todas las influencias musicales que recibió, desde el blues y rhythm & blues más puro, al punk rock o incluso alguna metalada y aglutinarlas en una propuesta de rock n roll cincuentero pero hecho en el siglo XXI sin mirar atrás. Reform School Girl es uno de mis discos favoritos. Sin él no existiría esto, eso seguro”. A pesar de su variedad, First Class Hyponchondirac es un trabajo muy breve. ¿No te

planteaste el hacer un álbum?

“La verdad es que no. Me encanta el concepto de hacer un trabajo breve, entre 6 y 8 temas. Que sea inmediato, fácil de escuchar y que a la gente que le guste se quede con ganas de más. Mi intención es sacar un mini álbum cada año. Ya veremos si a la larga es posible hacerlo, pero me gusta la idea de que la máquina no pare, que puedas ver la evolución en tiempo real”. ¿Por qué este alter ego?

“Es mi versión más desenfadada, rockera y enérgica. Quería recuperar la parte más directa y rocanrolera que he tenido en algunos de mis grupos, pero bajo mi nombre. Aunque sea un alter ego. Esta historia tiene la continuidad que quiera y sea capaz de darle individualmente. Eso sí, siempre bien rodeado por mis queridos Customs”. (GONZALO PUEBLA)

LACUNA COIL Black Anima (CENTURY MEDIA) METAL

efinitivamente hay unos nuevos Lacuna Coil después de Delirium, su anterior álbum editado en 2016. Y decir unos nuevos Lacuna Coil viene a significar que la banda ha dado un salto hacia atrás, recogiendo sus orígenes y sacando a la luz aquellas influencias de sus inicios, para tener una banda plenamente asentada y segura del terreno que pisa en 2019. Delirium fue un punto de inflexión en el que se quedaron al mando del barco el corazón creativo de los italianos, es decir el bajista Marco

Coti Zelati, y Andrea Ferro y Cristina Scabbia, cuya dualidad vocal es su principal seña de identidad. Juntos volvieron a ese sonido más heavy de sus inicios logrando reconciliarse con algunos de sus viejos seguidores que los habían dejado algo apartados en su etapa más pop. Y tres años después, Black Anima sigue esa misma senda, ofreciendo un álbum de pura esencia Lacuna Coil, donde los temas heavies (‘Layers Of Time’) conviven con otros de corte más melódico (‘Reckless’) con las pinceladas góticas necesarias (‘Veneficium’) o simplemente con canciones redondas que muestran que por momentos son únicos e identificables, caso de la sensacional ‘The End Is All I Can See’. No sé si habrá algún fan que encuentre a faltar un poco más de riesgo, pero la paleta en la que se mueven los italianos puede ser tan variada que discos de estilo como éste son, sin duda alguna, lo mejor que podemos esperar de ellos a estas alturas. Y por qué no, la mejor manera de encarar un carrera que aún tiene recorrido. RICHARD ROYUELA

BLINK-182 Nine

(COLUMBIA) POP PUNK

or mucho que me gustase California e incluso llegara a pensar que la incorporación de Matt Skiba era lo mejor que les podía haber pasado a Blink-182 tras la marcha de Tom Delonge, en el fondo sentía que detrás de todo había mucho truco. Aunque las canciones por lo general eran buenas, el tufillo sobre producido que impregnaba aquel disco resultaba un tanto preocupante. Precisamente, sus recientes colaboraciones junto a artistas como Steve Aoki, Lil Wayne, The Chainsmokers o Simple Pleasures, el proyecto de Mark Hoppus a pachas con Alex Gaskarth de All

Time Low, daban ciertas pistas de que a día hoy parecen más interesados por el pop mainstream contemporáneo que en el pop punk híper acelerado con el que se coronaron. Teniendo en cuenta esos precedentes, no debería sorprendernos lo más mínimo comprobar que Nine suena a una versión potenciada de su antecesor. El problema es que esta vez se les notan demasiado las costuras. Cortes como ‘Darkside’, ‘Blame It On My Youth’ y ‘I Really Wish I Hated You’ llevan tanto autotune como cualquier álbum de urban music actual. Lo peor de todo es que cuando salta algún chispazo (‘The First Time’, ‘Run Away’, ‘No Heart To Speak Of’) la producción acaba ahogando las canciones hasta dejarlas casi sin alma. Como siempre, el trabajo de Travis Barker sigue siendo lo más remarcable instrumentalmente. Por eso fastidia aún más que en muchos instantes suene una caja de ritmos. Resulta irónico que hace 20 años parodiasen a los Backsteet Boys cuando ahora parecen querer jugar en su misma liga. GONZALO PUEBLA

REFUSED

War Music (SPINEFARM/SEARCH & DESTROY) POST HARDCORE

engo bastante claro que soy minoría a la hora de defender Freeedom, el disco con el que Refused materializaron definitivamente su vuelta al mundo de los vivos en 2015. Como era previsible quienes esperaban un nuevo The Shape Of Punk To Come -un disco venerado por cientos de bandas hardcore y fuera de él- se sintieron decepcionados al no encontrarse con una obra igual de rompedora. Pero siempre he sospechado que, en el fondo, su problema no era su falta de riesgo, sino justo lo contrario: no haber ofrecido 10 copias de su archiconocido ‘New Noise’. Tampoco las encontrarán en este War Music, pero

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es posible que quienes anhelaran mayores dosis de intensidad por parte de los suecos lo acojan con más agrado. Desde luego en su quinto álbum se aprecia que la banda tomó buena nota de lo que vivieron en sus últimas giras. Una gran parte de los nuevos temas están basados en riffs diseñados para hacer botar al personal y en subidones para crear catarsis colectivas cuando sean interpretados en directo. En algunos momentos, como la parte final de ‘Turn The Cross’ o ‘Damaged III’, incluso se acercan a Rage Against The Machine. ‘REV001’, ‘Blood Red’ o ‘Economy Of Death’ también siguen ese patrón más simple para arengar a las masas. Pero no todo es caña y en ‘I Wanna Watch The World Burn’ o ‘Malfire’ afloran sensibilidades más melódicas, haciéndoles sonar no muy lejos de los últimos AFI por el tono vocal de un Dennis Lyxzén que vuelve a plasmar su intelecto revolucionario en las letras. No se puede hablar de un disco nostálgico, pero desde luego, su ruido, aunque efectivo, ya no suena tan nuevo. JORDI MEYA

AS I LAY DYING Shaped By Fire (NUCLEAR BLAST) METALCORE

ace apenas unos días, Johannes Persson de Cult Of Luna recriminaba a los medios y al público que siguieran prestando atención a As I Lay Dying -aunque nos los citó explícitamenteteniendo en cuenta el penoso historial de su cantante. Supongo que no hace falta recordar que Tim Lambesis fue condenado a seis años por planear el asesinato de su esposa y que Shaped By Fire es el primer disco que graba desde que saliera de prisión y se reconciliara con sus compañeros. Decía Persson que está a favor de la reinserción, pero que no sentía que en este caso

hubiera habido un verdadero arrepentimiento y que todo esto no era más que una operación comercial. Y seguramente tenga razón, pero creo que una vez pasado por las manos de la justicia, el linchamiento perpétuo o el ostracismo poco ayudan a avanzar. Y claro, siempre está la opción de ignorarles. Al fin y al cabo, el mundo está lleno de personas que no saben quién coño son As I Lay Dying. Pero para quienes sí lo saben y en su día disfrutaron de su música es posible que lleguen a volver a hacerlo con un disco como Shaped By Fire. Desde luego el grupo de San Diego ha sabido retomar el hilo allá donde lo dejaron y nos ofrecen un puñado de temas bastante sólido. Su fórmula de combinar partes cañeras con estribillos muy melódicos presente en ‘Blinded’, ‘Undertow’ o ‘Take What’s Left’ ha sido usada hasta la saciedad, pero hay que reconocer que en su caso saben cómo meterle intensidad y las influencias metálicas con los dobles bombos y los solos de guitarra les aportan un extra de garra. La lástima es que no se decanten más hacia la tralla pura de ‘Gatekeeper’. DAVID GARCELL

LAGWAGON Railer

(FAT WRECK) PUNK ROCK

oey Cape ha declarado que Railer es un álbum basado en el pasado de Lagwagon, concebido en poco tiempo y que intenta capturar la energía y entusiasmo de aquellos primeros años como banda. Desde luego no podemos dudar de lo que Cape dice sobre su propia obra, pero se me antoja una verdad a medias. Lagwagon siempre sonarán a Lagwagon hagan lo que hagan, pero para mí su noveno ábum tiene más que ver con la madurez que mostraron en su anterior Hang, que con los días en

los que todos éramos más jóvenes y nos volvíamos locos con discos como Thrashed o Hoss. Por si alguien arquea la ceja en señal de desaprobación, que nadie se lleve al engaño: Lagwagon puede ser una banda que no tenga la misma actividad de su años de gloria, pero siguen siendo infinitamente buenos en lo que hacen. Puede que su sonido haya perdido algo del brillo californiano de los 90, pero ese sonido más oscuro, con algunos acercamientos al metal, impensables hace años, juega definitivamente a su favor en esta etapa de madurez. Y claro, de lo que no se han olvidado es de hacer temas vigorosos y adictivos. En Railer canciones como ‘Surviving California’, ‘Jini’ (ese estribillo de aires Oi! es tremendo,) o ‘The Suffering’ demuestran que lo llevan en el ADN. Y por si fuera poco cierran con una versión de ‘Faithfully’ de Journey, jugando entre el homenaje y la fina ironía, otra cosa que siempre se les ha dado la mar de bien. En definitiva siguen en un estado de forma envidiable. RICHARD ROYUELA

IMPLORE

Alienated Despair (CENTURY MEDIA) GRINDCORE, DEATH METAL

on las seis de la mañana, suena el despertador y te levantas junto a una persona desconocida. Hace eones que la aguantas, pero ya no sabes quién es o por qué sigues con ella. De hecho, ni siquiera te importa, por mucho que finjas en las redes. Tienes que aguantar, que los peques no comen del aire y hay que pagar una hipoteca. De aquí a 35 años, cuando ya no puedas ni bajar a por el pan, ese piso por fin será tuyo por muchas fiestas que se peguen los de arriba de madrugada. Esta vida programada, de precariedad disfrazada de bienestar, de resignada servidumbre y

esclavitud neoliberal es la que denuncian Implore en su tercer álbum, una furiosa reprimenda que, además, ha significado su obra más variada. Despejados de toda duda acerca de lo que deben despachar o qué se espera exactamente de una banda grind, el combo liderado por el vociferante Gabriel Dubko nos golpea una vez tras otra con toda la brutalidad de ‘In Apathetic Isolation’, ‘Abandoned Desires’ o los riffs cáusticos de la demencial ‘Parallax’, pero en las novedades está lo más interesante. Al rollo blackened de otro atropello como ‘All Is Not Long Is Long Forgotten’ o de ‘The Constant Dissonance’ me remito, también a la influencia de Converge en ‘Let The Pleasure Destroy Me’, ‘The Venom Comes In Droves’ o ‘Despondency’. Breakdowns que revientan altavoces, death metal, D-beat, la parte hardcore del balazo ‘All Consuming Filth’, y ya sólo faltaba Tomas Lindberg de At The Gates colaborando en ‘Never Again’. Un torpedo directo a la línea de flotación de esa alienación depredadora con la que el sistema pretende subyugarnos. PAU NAVARRA

KORN

The Nothing (ROADRUNNER) NU METAL

on The Nothing, Korn vuelven a dejar constancia del buen momento por el que están pasando. En lo musical, claro, porque en lo personal es otra historia. El año pasado Jonathan Davis perdió primero a su madre y luego a su esposa, y esas dos muertes marcan totalmente el contenido del disco. El cantante ha reconocido que usó la grabación como una especie de terapia personal, tomándose hasta cuatro meses para escribir sus partes aislado del resto. Ya en el primer tema, ‘The End Begins’, en el que vuelve a sonar su famosa gaita, le escuchamos sollozar

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“¿Por qué me dejaste?” y a lo largo de sus trece canciones encontramos múltiples referencias a su difícil trance. Davis nunca ha tenido problema en exponer sus sentimientos, pero hacía tiempo que no se mostraba tan vulnerable. Pero si a nivel de letras estamos ante un disco oscuro, triste y desesperanzador, sorprende que The Nothing sea un trabajo tan melódico. Sus característicos riffs graves suenan con extrema potencia (el productor Nick Raskulinecz le ha pillado definitivamente el truco a su sonido), pero el álbum está repleto de estribillos y partes de lo más pegadizas como en ‘Cold’, ‘You’ll Never Find Me’, ‘Gravity Of Discomfort’ o ‘Can You Hear Me’ que recuerda a la versión que Fear Factory hicieron de ‘Cars’ de Gary Numan. Pese a que conocemos de sobra su sonido, se agradece que la banda todavía sea capaz de ofrecer un tema como ‘This Loss’ con un inesperado puente a ritmo de waltz. Estos perros viejos todavía pueden enseñarnos algunos trucos nuevos. DAVID GARCELL

OPETH

In Cauda Venenum (NUCLEAR BLAST) ROCK PROGRESIVO

usten más o menos, hay carreras que alcanzan un punto de no retorno y desde hace ya tiempo que la de Opeth resulta irreversible. Todavía hay quienes siguen llorando por esos días que no volverán en los que el death metal era una parte fundamental de su sonido. Por su parte, la tropa comandada por Mikael Åkerfeldt sigue adelante y sin mirar atrás en esa nueva aventura que iniciaron en Heritage. Una renovación que ha ido mejorando en cada capítulo y que pareció encontrar su punto justo de madurez en Sorceress. Tal vez éste In Cauda Venenum no sea tan convincente,

pero no deja de ser otro digno trabajo dentro de esta segunda etapa de los suecos. ‘Dignity’ y ‘Heart In Hand’ siguen cultivando ese prog rock de corte 70’s con sus características frenadas en las que sumergirse en pasajes acústicos. Se han potenciado los coros y los arreglos de cuerda (‘Next Of Kin’, ‘Universal Truth’), dotando al conjunto de un tono más orquestal e incluso conceptual. Sin embargo, lo mejor de este decimotercer largo se descubre cuando bajan las pulsaciones, como en la balada ‘Lovelorn Crime’, que cuenta con un solo épico a lo guitar hero, y esa ‘The Garroter’ que parece una suerte de jazz satánico delicioso. En cuanto a la versión en sueco que complementa el disco, apenas pasa de la curiosidad, pues poco o nada cambia en las canciones por mucho que Åkerfeldt haya insistido en que es la adecuada para escucharlo. Sea como sea, In Cauda Venenum no posee los picos de genialidad de antaño ni aporta novedades significativas, pero probablemente sea la obra más consistente de estos ya no tan nuevos Opeth. GONZALO PUEBLA

PIXIES

Beneath The Eyrie (INFECTIOUS/BMG) ROCK ALTERNATIVO

argar con una mochila tan pesada como la de tu propia leyenda no es tarea fácil. Pero tras dos discos que dejaron bastante fríos a sus seguidores –Indie Cindy en 2014 y el algo superior Head Carrier en 2016- por fin Pixies han grabado un álbum en el que la banda vuelve a sonar viva. Creo no equivocarme si digo que la principal responsable de ello es la integración definitiva de Paz Lenchantin como una miembro de pleno derecho en lugar de una mera sustituta de Kim Deal. Sus aportaciones, tanto con el bajo como vocales como compositivas, le dan un plus a las canciones de Black

Francis y un toque de frescura a unos músicos que pasan de los 50. En Beneath The Eyrie escuchamos ecos de su pasado -ésos que tanto inspiraron a Kurt Cobain o Rivers Cuomo, por citar dos de sus alumnos más aventajados-, pero lejos de ser una rémora o sonar como un refrito la punzante ‘On Graveyard Hill’, las melódicas ‘Catfish Kate’ y ‘Long Rider’, la surfera ‘St. Nazarie’ o la folkie ‘Death Horizon’ te recuerdan por qué te enamoraste de ellos en su momento. También Tom Dagelty (Ghost, Royal Blood) ha sabido darle un toque más orgánico. El álbum presenta además temas menos directos como ‘This Is My Fate’ con ese toque de cabaret gótico a lo Tom Waits, la oscura ‘Bird Of Prey’, con Francis emulando a Nick Cave, o las oníricas ‘Los Surfers Muertos’ y ‘Daniel Boone’ que le añaden otra dimensión. Está claro que Beneath The Eyrie no hará sombra a los míticos discos de su primera etapa, pero al menos tampoco suena acomplejado por ellos, y por primera vez desde su vuelta, tengo verdaderas ganas de escuchar sus nuevos temas en directo. No se me ocurre mejor elogio JORDI MEYA

EXHORDER

Mourn In The Southern Sky (NUCLEAR BLAST) METAL

ay dos cosas que debemos tener muy claras hablando de la vuelta de Exhorder. La primera es que si no hubiese crecido esa leyenda de que Pantera les copiaron gran parte de su sonido y que fueron los inventores de eso llamado groove metal –qué etiqueta más odiosa por favor- es muy probable que nunca hubiese existido este retorno. O en todo caso hubiese sido algo mucho más local, como está pasando con muchas bandas de su quinta. La segunda es que es cierto que hay parte del sonido Pantera que parece sacado de lo que hicieron Exhorder

en su momento, y que Dimebag Darrell estudió unos cuantos riffs de los de New Orleans. Sea cierto o no, los paralelismos están ahí… sin quitarle a Pantera ni un ápice de su mérito. Y aquí los tenemos de nuevo casi 30 años desde que editaron Slaughter In The Vatican, haciendo un álbum que podría haber sido la continuación sin problema de The Law (1992). Eso nos muestra que los dos miembros originales que quedan, Vinnie LaBella (guitarra) y Kyle Thomas (voz), debían ser los que cortaban la pana en su momento. Quizás su sonido se haya puesto algo acorde con los tiempos, esas guitarras saturadas que parece que vayan a petar el altavoz en cualquier momento, pero canciones como ‘Halloweed Sound’ o ‘My Time’ hacen honor a la leyenda. Quizás el álbum peque de largo y algo monótono conforme avanza, pero visto lo que hay en este Mourn On The Southern Sky y el conciertazo que dieron en el Download de 2018, ésta es una de esas reuniones que sí tienen sentido. RICHARD ROYUELA

S IDLE HANDS Mana

(EISENWALD) GOTHIC ROCK, HEAVY METAL

alvando las pretensiones comerciales y su impacto en la escena, el caso de Idle Hands me recuerda al de Volbeat. Básicamente, su propuesta musical consiste en unir dos mundos, a priori, bastante difíciles de conciliar. En vez de centrarse en los 50, Mana captura el rock gótico de los 80, las vibraciones de The Sisters Of Mercy, The Cure o incluso algo de horror punk de Danzig, y lo une al heavy clásico de esa misma década. Para quien desconozca alguno de los dos planos será refrescante; quien ame ambos habrá encontrado una especie de cielo en la tierra. También es posible que la combinación resulte cargante para muchos, la verdad… Haciendo un símil actual, el debut en largo de los de Pórtland suena a disco conjunto entre Beastmilk y los Tribulation más suaves.

T LOS TIKI PHANTOMS

Disco Guateque (DISCMEDI) SURF ROCK

eniendo en cuenta que lo más parecido a un hit single que han experimentado Los Tiki Phantoms en toda su carrera es la cover del ‘Take On Me’, no es de extrañar que se hayan lanzado a hacer un disco completo de versiones. De hecho, el mítico tema de A-ha (rebautizado como ‘Tiki On Me’) vuelve a aparecer en este Disco Guateque junto a otras grandes canciones de la década de los 80. No faltan éxitos como ‘Wake Me Up Before You Go-Go’ de Wham! y la romanticona ‘Wicked Game’ de Chris Isaak, cuyas melodías encajan como anillo al dedo en sus reverberizadas

Resulta encomiable el nivel melódico del vocalista Gabriel Franco, su timbre es también aquello que todo gótico desea escuchar, y anda que no mola que aúlle como un lobo durante todo el plástico, pero también cabe señalar que, pasados unos cuantos temas, su ópera prima pierde bastante ritmo y no vuelve a presentar cortes tan excitantes como ‘Nightfall’, ‘Jackie’ o las movidas ‘Cosmic Overdrive’ o ‘Give Me To The Night’. Hay gente hablando ya

de clásico instantáneo y no sé qué cosas más… A ver, Mana no pasará de pequeño seísmo en el under, y más en estos tiempos que corren, donde ya no ocurre nada con los álbumes, sobre todo en el metal. Pero bueno, que de momento en noviembre se van de gira con King Diamond… Viendo cómo tocan, dudo que Idle Hands se queden en ‘banda de disco y medio’ como ciertos daneses que yo me sé.

guitarras. Pero también encuentran espacio para homenajear a Roy Orbison (‘You Got It’), The Clash (‘I Fought The Law’) o Blondie (‘Call Me’). Incluso, aunque sea de manera breve, no falta el guiño western a Ennio Morricone y la inmortal ‘Ecstasy Of Gold’. De todas formas, si hay una serie de temas que entusiasmarán de verás al público en sus conciertos, estos serán los dedicados a las grandes divas de nuestra música popular. ‘Como Una Ola’ de Rocío Jurado era de inclusión obligada con semejante título. ‘Ni Tú Ni Nadie’ de Alaska es un cierre de disco de lo más entrañable. Y

‘La Chica Ye-Ye’ de la gran Concha Velasco promete revolucionar las pistas de baile mientras enfilamos la tiki-conga. A pesar de ello, hay que apuntar que no hubiera estado de más pedir un pelín más de riesgo a la hora de adaptar las canciones y llevarlas a otro contexto. Aún con todo y pese a su evidente tufillo verbenero, estoy seguro de que recurriré a Disco Guateque mucho antes que otras de sus referencias la próxima vez que me apetezca escuchar a Los Tiki Phantoms. En algún remoto seguro que el Dios Tiki sonríe viendo lo que han hecho sus discípulos.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

SKILLET

Victorious (ATLANTIC) METAL ALTERNATIVO

unque su nombre haya llegado, de momento, de refilón a Europa, Skillet es desde hace unos cuantos años una de las bandas de metal más populares que existen ahora mismo en Estados Unidos… y sin duda la que más si hablamos de metal cristiano, que es donde se engloba esta veterana formación encabezada por el matrimonio Cooper. Y aunque ahora lo peten, a la pareja le llevó unos cuantos años sacar cabeza. Vamos, una historia de pura fe y superación, pues eso, cristiana. Victorious es

su décimo álbum y nada indica que no vaya a seguir la senda triunfal de sus antecesores. Y es que Skillet son tan formulaicos, que parece que nada pueda salir mal. Que necesitamos un tema con caña para abrir el álbum, pues ahí tenemos ‘Legendary’, que hay que buscar un primer single para llegar a todos el mundo, toma ‘You Ain’t Ready; que nosotros también podemos ir acorde con los tiempos pues, ala, hagamos algo como ‘Reach’ y, claro, que nunca falten medios tiempos tipo ‘Terrify The Dark’. Da la impresión que todo está controlado hasta el mínimo detalle, y por eso no cuesta nada imaginárselos viéndolos en alguno de esos anfiteatros americanos con la gente cantando los himnos y compartiendo cartel con Shinedown, Godsmack o similares grupos de metal mainstream. Pero, ¿saben qué? Skillet hacen tan bien lo suyo que, por poca originalidad que tengan, es difícil cargárselos si se tiene algún aprecio por el tipo de música que hacen. Sé que esto debería de ser un suspenso, pero… RICHARD ROYUELA

MEAN JEANS Gigantic Sike (FAT WRECK) PUNK POP

n serio, ¿este puñado de canciones no las he escuchado antes en otra parte? ¿No pertenecen a caras B de los Ramones? O ¿tal vez hayan sido compuestas por alguna banda de la escudería de Lookout Records? ¿The Queers? ¿Mr. T Experience? ¿Pansy Division? No estoy seguro, pero los temas son tan básicos y tan simples que parece mentira que no se les hayan ocurrido a otro grupo anteriormente. No estoy diciendo que Mean Jeans acaben de llegar y ¡bingo! hayan dado con la fórmula perfecta para

fabricar hits a primeras de cambio… Gigantic Sike es su cuarto LP y llevan tocando más de diez años, pero este trío de Portland ha sido capaz de firmar un disco de once canciones imposibles de olvidar. Se tratan de composiciones de un par de minutos (o incluso menos en varios casos), con cuatro acordes, un par de ritmos y muchas melodías vocales que ya le habría gustado imaginar a Joey Ramone. El patrón de corte es el mismo para todas: punk pop simple, pero de excelente confección, excepto ‘WTF Is Up Tonight’ que es 100% popera. Ignoro si resulta fácil para un grupo cualquiera facturar este tipo de temas, pero en este disco hay unos cuantos memorables: ‘Basement Animal’ (con punteo de guitarra ganador, coros ‘shalalalala’ y cambio de ritmo/aceleración a partir del minuto), ‘One More Before We Go’, ‘Buddy’s Leaving’ o ‘Blackout Magazine’. La portada homenaje a la NASA tal vez signifique que la banda de Oregon pretende llevarnos al espacio con su música; seguro que allí podríamos montar una buena fiesta en la que suenen todos estos hits. JORDIAN FO

K KUBLAI KHAN Absolute (RISE) HARDCORE

ublai Khan hicieron muy bien en lanzar ‘Self-Destruct’ como primer single de Absolute, su segundo disco para Rise Records y cuarto en total. Escuchar ese bicharraco realmente logró que deseáramos con fuerza comprobar de qué habían sido capaces en el resto de temas, pero el problema llega cuando en su nuevo álbum no encuentras ninguna otra canción que pueda hacerle sombra. Comandados por la voluminosa garganta de Matt Honeycutt, a los de Texas hay que emparentarlos con ese metalcore primigenio de Hatebreed, Earth Crisis o Integrity, con toda esa ola anterior a la denigración absoluta de la etiqueta por parte del consumismo absurdo, los coros patéticos y las modas adolescentes. Pero claro, han pasado unos cuantos años y Kublai

T THE BLACKJAW Burn The Artisan

(BARTOLINI/INCENDIARIA/ WHITE RUSSIAN) PUNK ROCK

he Blackjaw llevan poniéndoselo difícil a ellos mismos desde que echaron a andar hace ya una década. Cada paso que han dado ha sido un reto a superar en el siguiente y para su cuarto largo de estudio han doblado la apuesta. Si bajo las ordenes de Juan Blas fueron capaces de parir dos discazos como Undertow y Men Of Prey que les colocaron en el punto de mira del punk rock nacional, ahora les tocaba visitar los Ultramarinos del maestro Santi García. De allí han regresado con un Burn The Artisan que desde ya mismo me atrevería a decir que es lo mejor que los madrileños

Khan atruenan aún más gordos, y como tampoco han abandonado esas influencias más clásicas, casi que hay que situarlos en eso que ha venido a denominarse como heavy hardcore. En efecto, someterse a ‘Armor Of Goddamn’, ‘Boomslang’, ‘The Truest Love’ (¿El hermano bastardo de ‘This Is Crossover’ de Rise Of The Northstar?) o el parón de ‘Lower Level’ es como enjuagarse la boca con nitroglicerina, pero como

decíamos, más allá de la citada ‘Self-Destruct’, pocos cortes más se te van a quedar marcados a fuego por el destroce que hayan podido ocasionar en tu cerebro. Eso no significa que con ‘High Hopes’ o el break de ‘Cloth Ears’ no vayas a pasar un buen rato mientras imaginas cómo le dejarías la cara a tu jefe si te lo encontraras en un pogo, pero es bien cierto que un poco más de inspiración no les habría venido mal.

han grabado hasta la fecha. Todo lo que les ha hecho destacar está aquí, mejorado y aumentado. ¿Exagero? Lo dudo. A lo largo del disco encontramos ejemplos de sobra. En ‘The Penitent’ vuelven a manifestar su querencia rockera en un corte que empieza bien arriba y no para de crecer. No falta el punk rock de cosecha propia en ‘Sundown Skyline’, ‘Bad Vibes Only’ y una ‘AFAB’ que posee una línea de guitarra tan adictiva como venenosa. Pero lejos de repetir esquemas, han optado por abrir aún más su abanico de posibilidades. Así pues, también encontraremos

medios tiempos tan bien fabricados como ‘Three On A Match’, que es lo más melódico que han firmado nunca. La acústica a capela ‘Bodies’ tiene cierto toque rural que me recuerda a Murder By Death, y la colaboración vocal de Momo de Violets en ‘At The Bottom Of The Barrel’ la convierte en un clásico instantáneo. Por no hablar de esa tenebrosa balada que da nombre al álbum y que hace las funciones tanto de intro como de despedida. Con trabajos como éste, no es que The Blackjaw tengan la suerte de su lado. Es que se la han ganado por derecho propio.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

1349

The Infernal Pathway (SEASON OF MIST) BLACK METAL

349 siempre han sido unos inconformistas. Cada álbum suyo es distinto, pero todos son puro black metal. Con la ayuda de Jarrett Prichard a los mandos, en esta ocasión nos embisten con un sonido agreste y minimalista que casa perfectamente con ciertos aires punk de muchas de estas canciones. Frost se pasea por su batería y sigue yendo a toda pastilla, pero estos cortes no son tan corrosivos como en algunas obras pretéritas. ‘Abyssos Antithesis’ da todos los vuelcos posibles para ser un temazo, ‘Through Eyes

Of Stone’ saca a relucir un montonazo de épica, y tras ‘Tunnel Of Set VIII’, el primero de los tres interludios con los que cuenta su séptimo trabajo, un recurso que recuperan aquí, ‘Enter Cold Void Dreaming’ va a hacer que, muy seriamente, te preguntes qué carajo está pasando. Rebuscada hasta decir basta, da paso a ‘Towers Upon Towers’, cancionaca de incontestable gancho e inesperado giro de guión casi afrodisíaco. Indudablemente, la joya de la corona de The Infernal Pathway. Los riffs heroicos de Archaon y las labores al micro del venenoso Ravn hacen de ‘Deeper Still’ otro de los puntos álgidos de este disco, que apenas muestra signos de flaqueza gracias a otras meritorias canciones como la machacona ‘Striding The Chasm’, la versión para este álbum de ‘Dødskamp’ o una final ‘Stand Tall In Fire’ muy de los Satyricon de la última época. Exacto: mantente tan erguido como puedas para saludar marcialmente a estos infalibles maestros del black noruego. Fría llama para tus oídos. PAU NAVARRA

Misfit’, ‘Antisocial Inactivism’ y ‘A Hot Comedy’), pero el resto no llegan al notable. Y eso que prueban incluso con el hardcore más crudo (los primeros treinta segundos de ‘Warren’s Song Pt. 29’), pero ni aún así… lo acaban bordando. Debo reconocer que el inicio del disco con BRACKET ‘Cloud Ate’ sorprende Too Old To Die Young gratamente con ese riff y (FAT WRECK) ese ritmo tan post hardcore, PUNK POP más propio de una banda de D.C. que una de California, pero quizás las últimas movidas musicales en las 6 que se han enfrascado los miembros de Bracket hayan lgunos opinan que influido negativamente en su Bracket siempre han capacidad para componer sonado demasiado grandes hits de punk pop melódicos para los punks y melódico. Y eso que el demasiado punks para los esfuerzo para sacar adelante poperos, y por eso nunca su noveno LP ha sido más han alcanzado las cotas de colaborativo que nunca: éxito de otros compañeros por primera vez, el bajista de generación. Comparto Zack Charlos y el segundo esta opinión. Es lo que pasa guitarrista, Angelo Celli, se cuando entre tus influencias han atrevido a encargarse se mezclan los Beach Boys y de las voces principales en los Beatles, pero me atrevo algunos temas. Tras 25 años a añadir que no acaban de carrera, dudo mucho que de triunfar porque a sus este álbum sea el que les canciones les falta un punto saque de la segunda division de brillantez. En Too Old de la escena, pero al menos To Die Young el cuarteto el título y el artwork son californiano firma tres buenísimos. canciones buenas (‘A Perfect JORDIAN FO

CHASTITY

Home Made Satan (CAPTURED TRACKS) ROCK ALTERNATIVO

econozco que esperaba más de Chastity después de su formidable debut, Death Lush, un disco de post hardcore con un importante ramalazo shoegazer. Y el problema no es la falta de inspiración, pues Brandon Williams, el verdadero cerebro detrás del proyecto, sigue ofreciendo buenas canciones. El envoltorio, eso sí, es algo más que discutible. Si obviamos un cañonazo como ‘Spirit Meet Up’ y la final ‘Strife’, el nuevo trabajo del joven canadiense ahonda en su sensibilidad pop con referentes en cuanto a sonido tan lejanos en el

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tiempo y el espacio para él como los británicos The Cure y The Smiths. El arranque del disco con la melancólica ‘Flames’ y la tétrica canción de cuna titulada ‘Dead Relatives’ (“entierra a tus padres esta noche”) te transporta irremediablemente a los ochenta con un sonido pretendidamente lofi y unas guitarras tan ensoñadoras como cristalinas. La mala baba de su primer trabajo, en el que cargaba contra los abusos policiales y el racismo, sigue intacta aunque la violencia se concentra en el mensaje de Williams y no en las guitarras. El alma mater de Chastity aborda temas tan profundos como la soledad y la alienación de los jóvenes que como él viven en los suburbios, alejados de todo y al mismo tiempo hiperconectados. Crear canciones en esta ocasión se antoja más como una manera de hacer algo, de señalar a sus iguales lo que está pasando, que una mera válvula de escape. Seguimos confiando en él, pero esperemos que la tercera vuelva a ser la vencida. LUIS BENAVIDES

COFFINS

Beyond The Circular Demise (RELAPSE) DEATH DOOM

i a lo largo de la serie hubiéramos visto crecer a la hija de Pedro Picapiedra y ésta se hubiera convertido en una rebelde, tarde o temprano habría sido fan de Coffins. Los numerosos trabajos de los japoneses se han desarrollado durante este siglo, pero desde luego, su música nos remite a los albores de la humanidad, a cuando todo acababa a porrazos, corríamos en taparrabos y sobábamos en cuevas entre pinturas rupestres, huesos y pieles. Primitivismo en

todos los sentidos, vaya, como ‘Terminate By Own Prophecy’, el tortazo con el que nos sacuden el sueño aquí. Es que es esa voz, esas formas tan rudimentarias, ese sonido… La caza del mamut no ha ido bien y toca un invierno de hambruna, vivir con lo puesto para caer en la dormitación doom de la traicionera ‘Forgotten Cemetery’. Pero en Beyond The Circular Demise también destaca ‘Impuritious Minds’, un brutal ejercicio de mínimos que simplemente te destroza, o ‘Hour Of Execution’, que se me ha aparecido como esa canción que Obituary ya nunca más serán capaces de crear. ¡Si hasta se ponen rockeros en ‘Insane’! Venga, a mover el esqueleto, y chúpate ésa, Chris Barnes. Y cuando te estás peleando por medio conejo asado en mitad del bosque, ‘Gateways To Dystopia’ te recuerda que el mordisco en los huevos es el mejor recurso. Si es que a los nipones sólo les falta salir de gira en troncomóvil… Tras seis años sin sacar un largo, otra obra de death doom prehistórica de parte de un grupo de culto de intachable reputación y aún mayor militancia. PAU NAVARRA

DURANGO 14 Gigante Panamericana

(DELIA/SNAP/OCTUPUS) ROCK INSTRUMENTAL

rupos dentro del surf rock los hay a patadas, pero no tantos que se atrevan a escapar de las reglas a veces tan autoimpuestas dentro del estilo. Sin duda alguna, Los Coronas han sido de los pocos que se han animado a abrir una senda en los últimos años que ahora gente como Durango 14 están dispuestos a seguir. Después de varios mini-álbumes a modo de presentación y dejarse ver en festivales de la talla de Sonorama o Cultura Inquieta, llegan a la prueba de fuego de su debut en largo bien preparados. La presencia del saxofón es un arma que les da ese toque de distinción,

pero aquí hay muchísimo más. Gigante Panamericana es un colorido viaje que recorre el continente americano de punta a punta, desde la selva amazónica hasta el desierto californiano. Como si de una furgoneta imaginaria se tratase, los Durango van haciendo paradas en cada región recogiendo lo mejor de cada casa. La ruta se inicia con ‘Malparío’ y ‘Tigre Blanco’. La primera es una cumbia alucinógena bañada con chupitos de fuzz, mientras que la segunda presenta candidatura como la nueva sintonía de Narcos. ‘Maracaná’ nos introduce en un sambódromo a orillas de Copacabana y en ‘Adiós Lupita’ se visten de unos The Black Keys canallas acompañados de Gabi Montes de Sexy Zebras a las voces con una letra de desamor de lo más chingona. A punto de cruzar la frontera norteamericana, le damos la vuelta a la cinta y suenan los inevitables ecos western con ‘Porca Miseria’ a ritmo discotequero. ‘Los Reyes De La Edad De Piedra’ nos conducen a ritmo de rockabilly hasta llegar a las playas de ‘Malibú’. Toda una sabrosa travesía multicultural. GONZALO PUEBLA

DEVOURMENT

Obscene Majesty (RELAPSE) BRUTAL DEATH METAL

Ruben Rosas no le dio tiempo a disfrutar de Molesting The Decapitated; el mismo día en que salió a la venta, lo enchironaron. Desde entonces, el vocalista y Brad Fincher, el retornado batería y único miembro original, no habían vuelto a coincidir en un álbum, y no ha sido hasta ahora, con Obscene Majesty, que hemos comprendido que precisamente ése es el proceso químico que lleva a Devourment a alcanzar sus más altos índices de depravación y criminalidad. Reformados varias veces, su trayectoria errática alcanza un nuevo clímax con la

obra que nos ocupa, un trabajo que ya desde su misma producción es un homenaje a sus seguidores más longevos. Tras seis años sin publicar, Obscene Majesty suena perverso, como una infausta pelota noventera que casi roza lo maquetero. ‘A Virulent Strain Of Retaliation’ abre la veda y pronto tus huesos estallan como si fueran de cristal. Pero sigues vivo, aún respiras cuando el aplastamiento de ‘Modum Sui Morte’, ‘Narcissistic Paraphilia’ o ‘Arterial Spray Patterns’ te somete con una fuerza de la gravedad más propia de Júpiter. ‘Profane Contagion’, ‘Dysmorphic Autophagia’, ‘Sculpted In Tyranny’… burradas, todo burradas. Las guitarras de Chris Andrews y el bajo de Dave Spencer te perforan hasta los pulmones, pero nada de eso serviría si Rosas cesara en su empeño de asfixiarte con ese tumefacto gutural. Un amasijo destinado a dignificar el slam, alejándolo de molinillos y demás chiquilladas, y que recupera a los mejores y más inmisericordes Devourment. PAU NAVARRA

AIRBOURNE

NO AFLOJAN PARA SU QUINTO ÁLBUM, AIRBOURNE DECIDIERON VIAJAR HASTA NASHVILLE PARA IMPREGNARSE DEL AMBIENTE MUSICAL DE LA CIUDAD. PERO TRANQUILOS: BONESHAKER NO ES EL DISCO COUNTRY DE LOS AUSTRALIANOS, SINO OTRO EJERCICIO DE PURO ROCK’N’ROLL. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

I DE ALGO PUEDES ESTAR SEGURO EN ESTA VIDA es que si

entrevistas a un miembro de Airbourne, la palabra ‘rock’ saldrá de su boca un puñado de veces. Desde su formación en 2003, el cuarteto de la pequeña ciudad de Warrnambool, en el sudeste de Australia, ha tenido entre ceja y ceja mantener viva la llama de un estilo que tiene en sus compatriotas AC/ DC uno de sus máximos representantes. Y nadie podrá negarles que, con sus cuatro discos publicados hasta la fecha y sus electrizantes conciertos, lo han conseguido. Y piensan seguir haciéndolo. Por eso, la pasada primavera Joel O’Keeffe (voz, guitarra), Matt Harrison (guitarra), Justin Street (bajo) y Ryan O’Keeffe (batería) se trasladaron a Nashville para encontrarse con el productor Dave Cobb. El seis veces ganador de un Grammy conocido por sus trabajos con Chris Stapleton o Brandi Carlile en el histórico RCA Studio A (allí grabó Dolly Parton sus famosas ‘Jolene’ y ‘I Will Always Love You’ en un mismo día) les esperaba con una idea muy sencilla: grabar al grupo como si estuvieran dando un concierto. Quizá por eso Boneshaker (Spinefarm) tiene más frescura que su anterior trabajo y anticipa que sus próximos conciertos por aquí – actuarán el 22 de octubre en la sala Santana 27 de Bilbao, el 24 en París15 de Málaga, el 25 en La Riviera de Madrid y el 26 en Razzmatazz de Barcelona- serán toda una fiesta. Su frontman Joel O’Keeffe también nos lo asegura cuando nos atiende desde un taxi mientras cruzaba Londres en una ajetreada, y resacosa, jornada de promoción.

En unas semanas vais a estar de

do más pulido y moderno. ¿Te

nuevo en España, y de hecho el

arrepientes?

día que sale Boneshaker estaréis

“Bueno, su estilo de producción es muy distinto al de Dave (Cobb). No sé si me arrepiento, pero desde luego disfruté más grabando de manera más espontánea. En este trabajo hemos dejado algunos errores porque le daban rollo a la canción, mientras que antes quizá nos hubiesen empujado a dejarlo todo perfecto. Al final se trata de capturar las mejores interpretaciones posibles y Dave era el hombre ideal para eso”.

tocando en Madrid. ¿Vais a tocar muchos temas nuevos o creéis que es demasiado pronto? JOEL O’KEEFFE “Sí tocaremos unos

cuantos temas nuevos junto a todos los que la gente espera. ¡Lo pasaremos muy bien!”. Vuestros conciertos son muy físicos, sobre todo en tu caso. ¿Haces algún tipo de entrenamiento especial antes de empezar una gira?

Al parecer, os presentasteis al

“Oh, desde luego. Salgo a correr con mi perro cada día. Es un perro de tres años, así que tiene mucha energía (risas). Es la mejor preparación (risas)”.

estudio sin ni siquiera tener las

¿Y te sigues corriendo tantas fiestas como antes o te has tranquilizado un poco?

“(Risas) No, la fiesta nunca para. Ayer estuve despierto hasta las seis de la mañana. Estuvimos en mi habitación escuchando música y bebiendo. Pero el plan para hoy ha seguido adelante como si nada hubiera pasado (risas)”. ¿Qué idea teníais antes de empezar a grabar Boneshaker?

“La idea para este álbum era volver a las raíces tanto como pudiéramos. Pensamos en cómo haríamos un disco si no se hubiese inventado nada después de 1978, en cómo lo haríamos si no existiesen ordenadores ni programas. Queríamos grabar en cinta y capturar las mejores interpretaciones posibles”.

canciones compuestas.

“Así es. Sí, cada día íbamos al estudio a las dos de la tarde, empezábamos a tocar un riff o a probar un amplificador improvisando algo y Dave nos decía ‘vamos a probar eso’. Así que nos poníamos todos en círculo y empezábamos a tocar. Así es como salieron las canciones”. ¿Y qué pasaba si no estabais inspirados?

“La verdad es que sólo por estar en esa sala, en ese edificio, ya te sentías inspirado. En los pasillos había fotos de Johnny Cash, de Elvis Presley, de Roy Orbison, era muy inspirador. Y sólo por cómo sonaba aquello cuando te enchufabas al amplificador ya te venías arriba. ¡Estábamos ahí para rockear!”. Dave Cobb suele trabajar con artistas más cercanos al country. ¿Estaba familiarizado con la mú-

En el disco anterior trabajasteis

sica de Airbourne?

con Bob Marlette, que es un

“Sabía quiénes éramos y el rollo que llevábamos. Hablamos por teléfono

productor que busca un soni-

“CADA VEZ ES MÁS DIFÍCIL SER UNA BANDA DE ROCK HOY EN DÍA, NO HAY ATAJOS, PERO SI TE MANTIENES FIRME Y NO TE COMPROMETES AL FINAL TIENES TU RECOMPENSA” JOEL O’KEEFFE

que haya gente que también lo haga. Cuando éramos niños, Ryan y yo soñábamos con ser la mejor banda de rock del mundo y tocar por todo el mundo. Nunca pensamos en otra opción”.

inesperado es Greta Van Fleet.

Después de tantos años, ¿qué

Igual que a ellos se les acusa de

relación tienes con la industria?

copiar a Led Zeppelin, a vosotros se os acusa de copiar a AC/DC.

“Es una ciudad muy musical. Toda la ciudad está construida sobre la música. Es el ambiente perfecto para grabar un disco como éste”.

“Para nosotros lo único que importa es el rock’n’roll. Hace diez años, cuando estábamos en Capitol Records, su director intentó cambiar nuestro sonido, nos dijo que quizá deberíamos cortarnos el pelo, pero dijimos que no. Por suerte ahora estamos en un sello que le gustamos tal como somos”.

¿Cómo sobrevive una banda de

¿Os sentís como una especie en

rock old school como Airbourne

peligro de extinción?

en el mundo moderno?

“No, hay bandas jóvenes de rock que lo hacen muy bien. Creo que las cosas no han cambiado demasiado desde que empezamos”.

sobre los grupos que nos gustaban y cómo enfoca sus grabaciones. El tipo creció aprendiendo los mismos riffs de AC/DC y Led Zeppelin que nosotros. Se moría de ganas de hacer un disco de rock’n’roll, y nosotros queríamos hacer justo eso. Ni siquiera nos pidió demos ni nada, nos dijo ‘venid para aquí y vamos a hacerlo’”. Más allá del estudio, ¿os influenció estar en Nashville?

“(Risas) Ésa es una buena pregunta. Creo que el secreto es centrarte en lo que te gusta, en lo que te hace feliz, que es el rock’n’roll. Si te diviertes tocando tus canciones, es muy posible

¿Te gustan?

“Sí, son una buena banda. Son una banda enorme. Son la banda más grande del circuito”.

¿Te sientes identificado?

“Sí, nosotros pasamos por lo mismo. Pero no parece que las críticas les hayan supuesto ningún problema”. Como a vosotros…

“Exacto. Seguimos siendo un grupo de verdad, estamos muy unidos. Cada vez es más difícil ser una banda de rock, no hay atajos, pero si te mantienes firme y no te comprometes al final tienes tu recompensa”.

Una que ha conseguido un éxito

MICHAEL BEINHORN

EL ALQUIMISTA SI HABLAMOS DE PRODUCTORES, POCOS PUEDEN COMPETIR CON EL CURRÍCULUM DE MICHAEL BEINHORN. PERO LOS CAMBIOS EN LA INDUSTRIA MUSICAL HAN PROVOCADO QUE INCLUSO EL HOMBRE DETRÁS DE DISCOS COMO SUPERUNKNOWN, CELEBRITY SKIN, MECHANICAL ANIMALS O UNTOCHABLES HAYA TENIDO QUE REORIENTAR SU CARRERA. HABLAMOS CON UNO DE LOS GRANDES ALQUIMISTAS DEL ROCK SOBRE ESTA NUEVA ETAPA DE SU VIDA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UNQUE SUS CONTRIBUCIONES SON A MENUDO DECISIVAS

a la hora de dar forma a los discos que tanto disfrutamos, pocas veces tenemos la oportunidad de charlar con productores musicales. Quizá por eso, a menudo incluso hay cierta confusión o misterio sobre qué es exactamente lo que hacen. Su rol puede manifestarse de las más diversas formas, desde el enfoque minimalista de Steve Albini, quien ni siquiera se considera productor, al totalmente

hecho que, por desgracia, una figura como la suya haya quedado obsoleta a ojos de la industria. Quizá por eso, el año pasado Beinhorn decidió reorientar su carrera y establecerse como consultor freelance. Aprovechando el contacto con alguien cercano a su persona, y también sus ganas de dar a conocer sus servicios, conseguimos hablar con él. Naturalmente me hubiera pasado horas preguntándole sobre detalles concretos de su experiencia grabando con artistas tan variados como Red Hot Chili Peppers, Soundgarden, The Bronx o Korn o chismorreos sobre Courtney Love o Marilyn Manson, pero más que una sucesión de anécdotas, lo que me apetecía era tener una visión más global sobre su trabajo. Ahora mismo estás más centrado en trabajar con artistas nuevos, haciendo más de consejero que de productor. ¿Cómo definirías tu labor? MICHAEL BEINHORN “El trabajo

intervencionista de Robert ‘Mutt’ Lange, o al casi espiritual de Rick Rubin. El de Michael Beinhorn podría considerarse de artístico y académico a partes iguales. Su determinación por exprimir el talento de los músicos hasta la última gota le ha llevado a ganarse la reputación de ser una especie de sargento de hierro en el estudio, pero los resultados ahí están, no sólo a nivel cualitativo, sino también comercial con ventas de más de 45 millones de copias. Sin embargo, la transformación del negocio musical ha

que estoy haciendo ahora se centra más en la preproducción, en ayudar a los artistas a prepararse antes de entrar a grabar. A menudo, componen las canciones, entran en el estudio y de golpe se dan cuenta que no saben realmente cómo grabarlas. Creo que ése es uno de los motivos por los que muchos discos actuales ya no consiguen tener un impacto. Pensé que ayudar a los artistas a desarrollarse antes de empezar el proceso podía servirles para que su música conectara mejor con los oyentes”. ¿Qué te ha llevado a reenfocar tu carrera?

“Lo que me empujó a ello fue ver que muchos músicos no estaban preparados como deberían. La industria no propicia un entorno adecuado para que puedan hacerlo. No se invierte dinero en el proceso creativo, los presupuestos para grabaciones se han reducido muchísimo, sólo se busca el rendimiento inmediato”. ¿Crees que existe una relación directa en el dinero que se invierte y la calidad de una grabación?

“Para mí sí. Alguien podría discutir que se están haciendo grandes discos grabados en casa, y no podría llevarle la contraria. Al final todo depende del artista. Hay discos antiguos geniales grabados con muy pocos medios, pero estás hablando de Muddy Waters o gente así. Pero no sé si tenemos artistas que puedan grabar en un cuarto cuya música vaya a escucharse de aquí a 60 años. No digo que no haya artistas buenos, pero quizá no cuentan con un entorno que les apoye para desarrollarse a lo largo del tiempo. Creo que, si tienes dinero, básicamente lo que compras es tiempo. He hecho álbumes para los que necesitamos un año para terminarlos; hubiera sido imposible hacerlos en una semana”. ¿Cuál es el problema principal que te encuentras cuando trabajas con un nuevo artista?

“Depende de cada caso. Depende si me encargo de la preproducción, de la producción o incluso de la postproducción cuando el disco ya está grabado. Para mí lo principal son las canciones. Las canciones son lo que definen a un artista. Tienen que expresar realmente lo que quiere el músico, pero muchas veces éste toda61

pos pensaran que eran mucho mejores de lo que realmente eran”. ¿Has trabajado con algún grupo ya establecido que pensaras

‘no puedo creerme que toquen tan mal y tengan tanto éxito’?

vía no está suficientemente maduro para saber ni siquiera lo que quiere expresar”. Una situación bastante frecuente es que un grupo trabaja en sus canciones durante un año o más tiempo, y la primera vez que las toca para un productor, éste empieza a sugerir cambios, a querer eliminar partes, y surgen

con un artista del que no te gusta su música o incluso que no te gusta como persona?

“Desde luego. He trabajado con mucha gente con la que no me he llevado nada bien. Si no fuera porque era un entorno de trabajo, no hubiera pasado ni un minuto con ellos (risas). Pero no necesitas ser amigo de los músicos, lo importante es si sus canciones te dicen algo”.

“Sí (risas). No puedo decirte nombres, pero me he llevado varias decepciones. Tienes que estar preparado para todo. A veces hay gente que no tiene una gran técnica, pero sabe sacarle partido, tiene un encanto pese a sus limitaciones. Por ejemplo, hay cantantes que no afinan siempre, pero saben expresar sus letras de manera conmovedora. Y en ese caso, la expresividad es más importante que la afinación. Pero a veces me he encontrado músicos que no tenían ningún interés en mejorar y simplemente esperaban que en el estudio arreglaras sus carencias. Para mí eso es insultante y puede resultar un verdadero problema”. Aunque eres conocido sobre

tensiones. ¿Cómo afrontas estas situaciones?

Muchos grupos antes de entrar

todo por haber trabajado con

“Ser productor es una posición delicada. No quieres decir nada que pueda ofender al artista, por eso cuando detecto que hay problemas tengo que encontrar la manera de explicarme sin que parezca un ataque, sino hacerlo de manera constructiva. No es fácil, pero es posible. También depende mucho del artista. En general son gente muy sensible, y es como debe ser, así que tienes que transmitir la información de una manera en la que sientan que les estás ayudando, que no tienes ningún otro interés personal que ése”.

a grabar su primer trabajo se

bandas de rock, tu background

dan cuenta de que pueden tocar

viene más del jazz. ¿Crees que

muy bien en directo, pero luego

te ayudó?

en el estudio ven que no tienen

“Sobre todo me ayudó a no sentirme atado por las limitaciones de un estilo. Por eso cuando empecé a sentirme etiquetado como un ‘productor de rock’, pensé en dejarlo (risas), porque realmente no me siento así. De hecho, durante mucho tiempo no me gustaba el rock, pero creo que eso me ayudó a ser mejor productor, porque podía verlo desde otra perspectiva. Siempre he trabajado mejor cuando he tomado esa posición. Si he trabajado con tantas bandas de rock es porque trabajan con el forma-

¿Es posible hacer un gran disco

el nivel.

“Así es. Y creo que ése es otro problema de la industria musical actualmente. Hasta mediados de los 90, debías tener un cierto nivel técnico para grabar un disco. Pero a partir de entonces, se empezaron a fichar grupos que estaban muy verdes. Los A&R fichaban a grupos que sólo habían dado un par de conciertos, sólo por miedo a que los fichara otra compañía y tuvieran éxito con ellos. Fue un gran error. Hacía que los gru-

to de canción y puedes trabajar con muchas texturas, incluso electrónicas. Eso es divertido. Creo que quizá en el pop estás más limitado porque todo tiene que estar más suavizado, en el rock puedes experimentar más”. ¿Cuál dirías que es el álbum en el que tuviste más peso, en el que marcaste la mayor diferencia en

con las que trabajan…

“Sí, es mucho trabajo, pero para mí es divertido. Es un puzle que sabes que podrás resolver. Es una cuestión de física. Es una combinación de soluciones y tienes que decidir cuáles vas a usar. Conceptualmente, a mí me gusta que las frecuencias de cada instrumento ocupen un lugar específico, pero que todo suene enorme”.

el resultado final?

“Es muy difícil contestar a esa pregunta porque no en todos los discos en los que he trabajado he tenido el mismo papel. En algunos álbumes las canciones están totalmente definidas y mi labor se centra más a nivel de sonido, y en otros ni siquiera había canciones terminadas y tenía que centrarme en eso. Pero hay dos discos de los que me siento muy orgulloso. Uno es Superunknown de Soundgarden porque estuve muy involucrado en ayudarles a ensamblar las canciones. Y una vez las tuvimos, no había mucho más que hacer porque las ejecutaban de manera perfecta. Y el otro es Untochables de Korn, porque ayudé a construirlo desde el principio. Literalmente estaba con ellos en el local dirigiendo lo que tenían que hacer. Fue como plantar una semilla y verla crecer”. Korn tiene que ser una banda difícil de grabar por las frecuencias

necesitas que el tempo de la batería sea perfecto y si no lo es tienes que empezar de nuevo, o la voz tiene que estar perfectamente afinada. Así que desde esa perspectiva no me considero un perfeccionista. Para mí la perfección es cuando escucho una canción y siento lo que realmente quiere transmitir, si me emociona. Mi trabajo es capturar esa emoción, no es una cuestión técnica. Lo más importante es el sentimiento”.

De la misma manera que los grupos pasan de moda, parece que

Grupos como Soundgarden o

ocurre lo mismo con los producto-

Marilyn Manson grabaron con-

res. ¿Es inevitable que el teléfono

tigo algunos de sus mejores

deje de sonar por muy bueno

álbumes y consiguieron un gran

que seas?

éxito; sin embargo nunca repitie-

“Sin duda. Pueden dejar de llamarte porque estás muy asociado a un estilo o, como en mi caso, por mi manera de trabajar. Mis grabaciones requieren mucho tiempo, me fijo mucho en los detalles, y eso cuesta dinero, lo que hace que no sea muy popular en las discográficas (risas)”.

ron contigo. ¿Por qué crees que

De hecho, tienes la reputación de ser perfeccionista y meticuloso hasta el extremo. ¿Cómo encaras eso cuando trabajas con bandas procedentes del punk como Social Distortion o The Bronx?

“Creo que el término ‘perfeccionista’ no quiere decir nada en concreto. En el caso de Social Distortion la perfección viene de los detalles. No

fue así?

“(Risas) Porque hacer esos discos no fueron experiencias agradables. Incluso te diría que fueron desagradables. Pero los haría de la misma manera si tuviera que volver a grabarlos. Creo que, en la mayoría de casos, cuando terminábamos una grabación, todo el mundo estaba de acuerdo en que habíamos hecho una gran obra, pero que ya no podíamos pasar ni un minuto más juntos (risas). Y no pasa nada. Posiblemente todos sentíamos que no podíamos superar lo que habíamos hecho juntos”. Cuando un artista te presenta una canción como ‘Black Hole

“HE TRABAJADO CON MUCHA GENTE CON LA QUE NO ME HE LLEVADO NADA BIEN. SI NO FUERA PORQUE ERA UN ENTORNO DE TRABAJO, NO HUBIERA PASADO NI UN MINUTO CON ELLOS (RISAS)” MICHAEL BEINHORN

de funcionar en la radio’. Si sólo buscas singles, siempre vas a decepcionarte porque estás juzgando la música desde una perspectiva equivocada”. A lo largo de tu carrera habrás vivido muchos momentos mágicos en el estudio, pero ¿hay alguno que se te haya quedado en la memoria por algo en especial?

“Bueno, he tenido la suerte de vivir muchos… no sabría ni por dónde empezar. Por eso me he divertido tanto haciendo este trabajo. Quizá mis momentos favoritos han sido los que he podido ayudar a un artista a hacer algo que ni siquiera se creía capaz de hacer. Sentarte con él y que escuche lo que acaba de grabar y se quede asombrado. Eso me encanta”. Una última cosa, ¿puede una Sun’ o ‘Malibu’, que huele a hit,

no les importa tener hits o sonar

¿le dedicas más tiempo que al

en la radio, pero siempre he sos-

resto de temas?

pechado que tienen una visión

“Depende. A veces he defendido canciones en las que nadie más del grupo creía, y al final tienes que dar un paso atrás porque no puedes obligar a los músicos a dedicarle tiempo a algo si no creen en ello. Pero también muchas veces no sabes si tienes una visión objetiva o simplemente hay algo en ese tema que conecta contigo a nivel personal. Tienes que valorar eso. Pero algunas veces he luchado por canciones y al final me han tenido que dar la razón porque hemos creado un hit (risas)”.

mucho más comercial de la que

La mayoría de músicos siempre nos dicen en las entrevistas que

quieren admitir. ¿Cuál es tu experiencia en ese sentido?

“La mayoría te están mintiendo (risas). Especialmente ahora. Creo que el éxito comercial es ahora más importante que nunca. Lo cierto es que, en el pasado, muchas veces no pensaba en términos de hits o comercialidad. Cuando trabajé con Korn era en lo último en lo que pensaba. La primera vez que los escuché no podía imaginar que ‘eso’ pudiera sonar en la radio (risas). Pero yo siempre he pensado en términos de ‘ésta es una gran canción’ y quizá mi segundo pensamiento era ‘y pue-

banda de España contactar contigo o estás centrado sólo en grupos de tu país?

“No, mi planteamiento es a nivel internacional. Gracias a internet puedo trabajar con artistas de cualquier parte del mundo sin tener que estar presente y cualquiera puede contactar conmigo a través de mi página web. Me encantaría poder trabajar con artistas de distintos orígenes. Sería maravilloso trabajar con una banda española. Mi mujer y yo siempre hemos querido ir a Barcelona y ver la obra de Gaudí, así que sería una buena excusa (risas)”.

OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

¡QUE VIENE EL BREXIT!

ola amigos! Llevamos ya bastante tiempo escuchando noticias sobre el Brexit que supondrá la salida del Reino Unido de la Unión Europea. “¡Que viene el Brexit!” se ha convertido en el nuevo “¡Que viene el coco!” parece la típica amenaza que se cierne cual meteorito sobre el planeta Tierra, pero que justo en el último segundo y gracias a los esfuerzos de un colectivo de seres humanos cuasi extraordinarios, desvía su trayectoria y se evita la catástrofe. No está tan claro con esta emancipación de la pérfida Albión. Si Theresa May sembró el caos, con el rubio de los pelos alborotados, Boris Johnson, la cosa está ya prácticamente sentenciada. Ahora mismo estaréis flipando de que esté yo comentando esto, pero es que si finalmente el Brexit se impone sin acuerdo y a las bravas, como así parece

que sucederá, afectará a todos los niveles, incluso al musical, que es el que nos interesa por aquí. Para empezar, se reinstaurarán fronteras, que restringirán la libre circulación de ciudadanos británicos, implicando controles físicos y documentales aduaneros en todos los países, y la aplicación de los visados, con sus solicitudes, trámites y costes, será obligatoria para aquellos grupos que tengan intención de realizar giras europeas. El merchandising también tributará, no sólo cuando el grupo lleve consigo sus discos o camisetas, sino también en sus ventas online, provocando el incremento de su precio, y posibles inspecciones aduaneras. Como veis, las consecuencias de este Brexit duro serán nefastas para pequeñas bandas, que quedarán aisladas ante la complejidad de cruzar el canal de la Mancha ¿Error o acierto? Para mí, sin duda, un terrible error.

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es Electric de The Cult. Haciendo un repaso a la discografía de The Cult, la banda siempre ha parecido estar en una constante fluctuación. De Dreamtime a Love, a Electric, a Sonic Temple, a Ceremony, hasta el disco hómimo de 1994, cada uno de esos discos tenía una aportación diferente de la colaboración Astbury/ Duffy, aunque con diferentes niveles de éxito. Los The Cult del homónimo son una banda absolutamente diferente de los de Dreamtime pero, de nuevo, el salto musical que hay entre Love y Electric es también abismal. Cuando The Cult empezaron a tener notoriedad con su segundo álbum, Love, eran una banda post punk, hippie y gótica que rockeaba como pocas. Básicamente cubrían todos los espectros visuales y musicales. Pero no fue hasta su tercer álbum, Electric, cuando se la sacaron de verdad, llegando al principalmente al público hard rockero. El camino a Electric fue largo, ya que la banda grabó un álbum entero con el productor Steve Brown, originalmente titulado Peace, aunque estos días se refiere a él como The Manor Sessions. El álbum seguía la senda de donde había acabado Love, y contenía seis canciones que más tarde serían regrabadas con el mega productor Rick Rubin. Esto 68

demuestra lo importante que puede ser un productor durante la grabación de un álbum. No es que Steve Brown hiciese un mal trabajo, pero la banda veía que no estaban mordiendo como ellos deseaban. ‘Wild Flower’, un reluciente tema de rock gótico en sus inicios que recordaba a ‘She Sells Sanctuary’, bajo la influencia de Rubin tomó un giro de 90 grados para convertirse en un tema estilo AC/DC que los propios AC/DC hubiesen deseado grabar. Por supuesto yo soy un rockero y me encanta Electric por encima de todo. Con el paso del tiempo creo que Love es el más completo de mis dos discos favoritos de The Cult, pero cuando era adolescente me volvía loco Electric, ninguna banda rockeaba mejor que ellos (hasta que llegó Appetite For Destruction). Ese álbum avergonzó a todas las bandas del Sunset Strip de LA, con lo rockero y callejero que podía llegar a ser. Era un álbum que tendía puentes y esos son el tipo de discos que más me gustan. Y por cada fan gótico que perdieron, ganaron 10 fans hard rockeros. Me encantaba Love, pero éste me gustaba todavía más. Rubin fue capaz de librarse de los coros pulidos y los pedales de reverb, para dejar al guitarrista Billy Duffy solo ante el sonido crudo que sus guitarras Gretsch y Les Paul eran capaces de sacar. Tuvo que ser muy inspirador,

porque canciones como ‘Lil’ Devil’ se añadieron al tracklist y, para mí, es una de las mejores canciones que nunca ha escrito la banda. Yendo hasta el final con su imagen de aires rockabilly, tupés incluidos, las camisetas Harley y sus chalecos tejanos, The Cult fueron capaces de hacer la transición de ser una banda de la escena twee inglesa, a ser una de las banda top del hard rock norteamericano de los 80’s. Siendo ya un fan de canciones como ‘Revolution’, ‘Rain’, y ‘Brother Wolf, Sister Moon’, estaba feliz de escuchar a una banda que había sabido dar un giro al hard rock con canciones como ‘Aphrodisiac Jacket’, ‘King Contrary Man’ y ‘Memphis Hip Shake’, aunque podría vivir sin su versión de’ Born To Be Wild’. ¡Hasta el mes que viene!