FIDAart N.2 2013 Ivo Fruet

PERIODICO della FIDA-Trento N. 02 - Febbraio ANNO 2013

FIDAart

In copertina: Ivo Fruet, Venditore d’acqua, 2011. acrilico su tela, cm 80x88

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FIDAart sommario

Febbraio 2013, Anno 2° - N.02

Il Giorno della Memoria

pag. 4-5

Intervista ad un artista

Ivo Fruet

Mercato dell’arte?

Mark Rothko

ADAC

Artista member ship

pag. 23

Storia e arte

La Donna, la Natura e la modernità - 3

pag. 24

Libri & libri

La porta di Tariso

pag. 24

Voci poetiche

Anna Maria Ercilli

pag. 25

pag. 6-20 pag. 21-22

Rassegna mostre in regione Francesco Dalbosco Silvio Cattani Collettiva Paola Grott Viviana Puecher ADAC Memorandum FIDA-Trento

Il lavoro dell’artista : Aldo Schmid

pag. 28-29

Per decifrare gli astri

pag. 30

Cantos

pag. 31

Tracce di luoghi

pag. 32

Contemporary season

pag. 33

Artista member ship

pag. 34 pag. 35

Copyright FIDAart Tutti i diritti sono riservati L’Editore rimane a disposizione degli eventuali detentori dei diritti delle immagini (o eventuali scambi tra fotografi) che non è riuscito a definire, nè a rintracciare

IL GIORNO DELLA MEMORIA Anche se potrebbe sembrare non avere un’attinenza esplicita con il mondo dell’arte, l’annuale commemorazione del Giorno della Memoria ci spinge a proporre un tema importante: quello del ruolo civile degli artisti e della loro possibilità di svolgere - ancora - una funzione critica, propositiva e, perché no, etica, nella nostra società.

I grandi avvenimenti, in particolare le guerre, hanno sempre contribuito a incidere sulla visione del mondo degli artisti spingendoli a produrre opere motivate o influenzate da questi eventi tragici.

Dopo la seconda Guerra Mondiale, gran parte dell’arte moderna ha abdicato a questo suo ruolo “storico”rinunciando alla possibilità o, addirittura, perdendo la capacità di esprimere l’orrore che il “Male” provoca poiché, operando sul piano dei linguaggi astratto-informali oppure simbolico-concettuali, risulta idonea a toccare le corde della ragione ma non quelle dell’emozione.

Oggi, oramai, il ruolo di critica e denuncia sociale di eventi come le guerre, il terrorismo, i campi di concentramento e tutte le tragedie che continuano ad esistere, sembra essere stato assunto da altri media come la fotografia, i film, i video o anche alcune installazioni.

Alla mostra “Zachor - Ebrei nel Tirolo meridionale” inaugurata recentemente a castel Tirolo, questa “afasia” è stata superata grazie a una intelligente e poetica installazione riguardante il difficile tema della Shoah.

In uno stretto percorso ad anello posto lungo il perimetro di un locale rettangolare delimitato da due alte pareti cieche e quasi completamente buio, il pavimento era stato ricoperto da uno spesso strato di ghiaia che scricchiolava sotto i passi del visitatore che procedeva a tentoni contribuendo a creare una sensazione di angoscia crescente. Solo alla fine del lento cammino, in una nicchia scura era appesa, malamente illuminata, la casacca a righe gialle e nere di un prigioniero del lager.

In questo brevissimo ma intenso tragitto tutti gli elementi contribuivano alla rappresentazione (e al messaggio): il senso di oppressione per lo spazio stretto, buio e chiuso, il movimento costretto tra due pareti scabre e su un terreno precario, l’assenza di orientamento, il silenzio rotto solo dal rumore dei passi sul pietrisco, gli oggetti personali di un uomo torturato, il processo di identificazione con la vita (e probabilmente la morte) di un singolo individuo lì rappresentato solo dalla sua misera camicia che assurgeva a metafora della tragedia di tutta l’umanità.

Qualsiasi testimonianza, simbolica ma anche, probabilmente vissuta, sarà in grado di restituire solo parzialmente un’esperienza talmente inimmaginabile che lo stesso Primo Levi, al ritorno dai campi di sterminio, era convinto che non sarebbe stato creduto da chi era rimasto.

Ripeté in seguito il medesimo concetto tentando di dare un senso a qualcosa di totalmente privo di senso: “Se comprendere è impossibile, conoscere è necessario”.

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Giorno della Memoria

La Repubblica italiana riconosce il giorno 27 gennaio, data dell'abbattimento dei cancelli di Auschwitz, "Giorno della Memoria", al fine di ricordare la Shoah (sterminio del popolo ebraico), le leggi razziali, la persecuzione italiana dei cittadini ebrei, gli italiani che hanno subito la deportazione, la prigionia, la morte, nonchĂŠ coloro che, anche in campi e schieramenti diversi, si sono opposti al progetto di sterminio, ed a rischio della propria vita hanno salvato altre vite e protetto i perseguitati.

Articolo 1 Legge n. 211 del 20 luglio 2000

Intervista ad un artista: IVO FRUET Cresciuto artisticamente negli anni Sessanta a Roma a stretto contatto con i fermenti dell’Informale italiano, Ivo Fruet è sempre rimasto fedele alla filosofia che costituiva questa importante corrente del ‘900: la negazione della forma e la fondamentale importanza attribuita al gesto e alla materia.

Il gesto diventa atto artistico, unico in grado di trasmettere l’incomunicabile perché capace di superare il filtro della ragione e portare alla luce le emozioni profonde della psiche.

Conoscendo Fruet si capisce che questo tipo di espressione artistica che esige passione, determinazione ma, soprattutto, impeto psichico e azione fisica, gli appartiene ancor oggi. Egli, infatti, ha un rapporto fisico strettissimo con la materia che è protagonista delle sue opere in quanto la realizzazione delle sue tele, spesso gigantesche, impegna tutto il corpo che deve percorrere e appropriarsi dello spazio. Il tempo della meditazione e del pensiero è separato dal momento pittorico vero e proprio che deve potersi esprimere senza vincoli e condizionamenti di sorta, preciso, deciso, quasi violento, senza ripensamenti che bloccherebbero il libero flusso dell’energia creativa.

La sua capacità di padroneggiare gli strumenti e i materiali più vari gli hanno permesso di affrancarsi dai vincoli della “manualità” dotandolo di una totale libertà slegata da schemi compositivi e che si esprime in segni immediati, veloci, dinamici, immersi in grandi campiture di colori che sgorgano direttamente su ogni tipo di supporto.

Le forme non sono mai morbide, accattivanti, delicate; se ogni dipinto racconta l’artista, allora dentro i suoi quadri, come nelle sue sculture, si sente sempre ribollire quella inquietudine esistenziale che spinge alla continua ricerca di qualcosa d’altro.

Paolo Tomio A sinistra: Con fusione, 2000, acrilico e carboncino su tela, cm 185x127

Sotto: Cristalizzazione, 1988, tempera su carta, cm 52x74

Quando e perché hai cominciato a interessarti all’arte?

Per seguire un mio costante filo conduttore dato, prima dal piacere innato e poi anche dalla necessità di scelta professionale che mi ha portato a riempire con bellissime immagini tutti i fogli bianchi che mi trovavo davanti. Preciso il concetto basilare che rappresentando ogni opera un mio pezzo di vita ed essendo perciò come tali realtà vive, sono loro che ti guardano e non viceversa. Tale concetto è fondamentale per chiunque ama l’arte e di fronte a certe opere chiunque dotato di sensibilità si sente inva-

riabilmente osservato, la qual cosa riguarda molte collezionisti che conosco che mi hanno confermato tale circostanza fondamentale.

Quali sono stati le correnti artistiche e gli artisti che ti hanno condizionato?

Ho avuto l’immensa fortuna di vivere da ragazzo l’avventura romana degli irripetibili anni Sessanta con l’innovazione portata allora da maestri come Franco Gentilini e Capogrossi fino all’arrivo delle nuovo poetiche di Afro, Emilio Vedova, Aldo Caron e poi di tutti gli artisti americani come Franz Kline, Rau-

OVEST, 2006, acrilici e serigrafia su juta, 170x250 cm

schemberg ecc.

Tale bagaglio di rapporti mi ha permesso, ancora giovane, di vivere di pittura in Danimarca in un mondo artistico allora aperto ed entusiasmante, dove ho incontrato pittori fondamentali del gruppo Cobra.

Oggi, cosa ti interessa e cosa non ti piace dell’arte contemporanea?

Non c’è nulla che non mi piaccia e non mi interessi perché in ogni opera riesco sempre a vedere l’anima di ogni artista grande o piccolo che sia come - esempio di scuola ultimo - le opere di un barbiere che dipinga solo al lunedì nella sua unica giornata libera, con certamente tutte le inevitabili ed ovvie limitazioni tecniche, ma con la propria stella polare artistica che lo guida.

Hai conosciuto o frequentato molti artisti locali o nazionali?

Conseguentemente al punto precedente ho avuto la fortuna di tantissimi incontri ad ogni livello e grado ed ognuno di loro mi ha regalato la profondità del proprio linguaggio artistico e perciò un pezzo della propria vita.

Borragine, 2010, tecnica acrilico su carta, cm 90x69

In Trentino operano molte persone di livello alto che vanno ben al di là con tale loro attività di quello che è storicamente sotto il profilo artistico il nostro territorio, portandogli dentro tutto il mondo esterno, in quanto sono tutte persone che vivono l’esperienza rara ed esclusiva di inventare e creare qualcosa di importante ed innovativo.

Come ti sembra il panorama attuale dei pittori trentini d’oggi? Chi apprezzi a livello provinciale?

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La Macchina 2, 1976, acrilico su tela, cm 153x153

Cosa manca al Trentino per poter essere più presente sul mercato esterno?

soprattutto, nell’esibire la sostanza delle proprie disponibilità finanziarie con una riservatezza trentina al limite del discutibile, rimane la componente dominante legata più all’interesse locale che a quello esterno.

L’autonomia in un certo senso ha

Manca basilarmente “en sac de soldi” e pur non essendo paragonabile ad economie tradizionalmente più facili nello spendere e, 10

legato anche il mondo artistico, con la insuperabile difficoltà storica ad esempio di gallerie che hanno tentato invano di far conoscere localmente artisti di livello nazionale ed internazionale.

molte tecniche artistiche?

La tecnica in quanto tale è retaggio del passato ed è fatalmente la storia del prima per cui oggi non sono nemmeno più catalogabili le differenze tra di loro.

Nel corso della tua attività hai sperimentato Secante, 1995/95, acrilico, carboncino, gesso su tela, cm 120 diam.

I tuoi quadri sono molto riconoscibili per uno stile “gestuale” e informale, apparentemente veloce e istintivo.

Il concetto tradizionale e corrente di arte gestuale è sminuente della sua effettiva realtà, in quanto - in qualunque campo artistico dalla pittura alla musica - rappresenta l’inizio fondamentale dell’esplosione di ogni forma di energia artistica che uniforma prima, e chiarisce poi, tutto quello che verrà dopo. Il primo segno di ogni artista collegherà così la partenza e l’arrivo del percorso di tutta l’opera.

Segui la “politica culturale” trentina? Pensi

Grande grigio, 1996, acrilico e serigrafia su tela, cm 150x231

che si possa fare di più e meglio per il settore artistico?

La domanda è particolarmente vasta e non definibile in poche parole perché è proprio il vasto mondo delle tantissime relazioni che compongono la cultura locale a non poter essere ingabbiato in una semplice definizione o in una semplicistico assieme di fattori.

Se partiamo, ad esempio, dalle implicazioni operative - con relative ricadute - di MART e gallerie civiche, è evidente che entriamo in un mondo senza confini nel suo rapporto con il territorio e si procederà perciò inevitabilmente per successive approssimazioni ed

Probabile condivisione, 2000, acrilico su tela, cm 140x115

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aggiustamenti più o meno felici e colti.

nell’esprimere al meglio le proprie emozioni in quel determinato istante e momento della propria vita artistica.

Da cosa nasce la tua scelta dell’uso di numerosissime tecniche: olio, acrilici, acquerelli, incisioni, sculture raku, serigrafie, ceramica ecc.?

Ritieni che sia cambiata la figura dell’artista e il suo ruolo sociale?

La scelta di ogni forma di tecnica deriva sostanzialmente dalla facilità e predisposizione del singolo artista

L’artista ha rilevanza diversa rispetto al passato in quanto ha più e meno contemporaneamente: ha

Radar, 1979, gres policromo, cm 60x88x36

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Mediterraneo, 2006, acrilico su tela, cm 140x200

certamente più libertà creativa e sicuramente ha meno potere, visto che una volta serviva a tradurre i messaggi del potere che gli venivano commissionati, mentre oggi tale ruolo non lo riguarda più, essendo sostituito dai mass media in compagnia di Internet e TV. Una volta era indispensabile al potere, mentre oggi le forme di condizionamento della società sono molto più articolate e complesse.

Se si vuole poi guardare con un certo disincanto la nostra storia artistica locale basta guardare certi artisti che - solo a causa della loro data di nascita – sono tranquillamente

passati dalla data delle loro opere espressa in anni dell’era fascista, direttamente alle influenze dell’arte americana, allora localmente agli albori. Guardo questi passaggi arditi con sguardo tranquillamente benevolo!

Cos’è la bellezza? E’ un valore che ricerchi o è subordinato ad altri valori?

Domanda con profonde implicazioni filosofiche e religiose visto che la bellezza - da non confondere con ciò che è bello - è contemporaneamente espressione 15

La Gallura, 2011, acrilico su tela, cm 70x50

sia dell’ animo umano come della umanissima pulsione artistica a creare qualcosa di superiore, forme comuni di tutta l’umanità, che rappresenta così gli aspetti più vari per arrivare - su percorsi diversi - ai valori assoluti che le sono propri nella ricerca costante di emozioni e verità.

E, per finire, cos’è per te l’arte? E chi è l’artista?

L’artista è l’uomo che ha trovato il modo di raccontare il proprio vivere essendo l’autentico ed unico inventore del linguaggio dell’arte arrivando così ai livelli più alti della propria espressione.

A sinistra: I due volti della medicina, 1980, maiolica, cm 280x200x50 17

hagen.

Rientrato in Italia insegna, per pochi anni, all’Istituto d’Arte di Trento decidendo, nel periodo burrascoso della contestazione studentesca, di dedicarsi all’insegnamento nelle scuole medie, esperienza formativa ritenuta essenziale per coinvolgere anche gli studenti più giovani a sviluppare una cultura artistica.

Protagonista attento e partecipe del dibattito artistico trentino, diviene attivo artefice di numerose esposizioni personali e collettive in Italia e in varie località europee. Il confronto con le realtà artistiche degli anni sessanta e settanta lo sollecitano ad intraprendere nuove strade espressive come la ceramica e successivamente il raku, l’incisione, la serigrafia e la grafica pubblicitaria.

Tra i fondatori di “Pergine Spettacolo Aperto”, nel 1976 realizza scenografie e manifesti; nel 1984 disegna i costumi dello spettacolo “Lanzadoro” di Andrea Castelli, premiati con il “Sipario d’oro” a Rovereto.

Negli anni novanta realizza opere di grande formato e commesse pubbliche in ceramica, che gli valgono prestigiosi riconoscimenti.

Le sue opere sono esposte in numerose rassegne che documentano i percorsi dell’arte in Trentino, ma anche a Cannes al Gran Palais du Cinemà, al Palais Liechtenstein a Felldkirk e a Arte Padova.

Nel 2000 si tengono tre importanti mostre personali: allo spazio Foyer del Centro Santa Chiara di Trento, a Bologna alla galleria Castiglione Arte, sull’isola di Ischia presso galleria Del Monte.

Nel 2003 partecipa al MART Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto alla mostra Situazioni Trentino Arte 2003.

Vive e lavora a Pergine Valsugana.

Ivo Fruet nasce a Pergine Valsugana il 4 giugno del 1942.

Negli anni sessanta, diplomatosi all’Istituto d’Arte di Trento si trasferisce a Roma dove prosegue gli studi presso l’Accademia di Belle Arti sotto la guida di Gentilini. Significativa la frequentazione, in questi anni, dello studio dello scultore e pittore Aldo Caron.

Partecipa a una serie di mostre collettive e concorsi nazionali raccogliendo positive ed importanti conferme e riconoscimenti. Tra questi ricordiamo nel 1962 il Premio speciale per la pittura d’avanguardia all’estemporanea di Marina di Ravenna e nel 1966 il Diploma d’onore al Premio Internazionale Europa Arte a Bologna.

A metà degli anni sessanta si trasferisce in Danimarca a Randers e Copen-

A sinistra: Orma, 1992, calcogramma su carta, cm 60x50 19

MERCATO DELL’ARTE ?

Orange, Red, Yellow - 1961

No. 1 (Royal Red and Blue) - 1954

Evidentemente, la crisi economica che ha colpito interi continenti non ha inciso ai livelli “alti”, anzi, sembra che la capacità di spesa per l’arte sia aumentata in modo proporzionale alla crescita della povertà. Chissà come mai?

Infatti, rispetto al 2011, i primi 10 prezzi più alti battuti all’asta per le opere d’arte Moderna e Contemporanea hanno registrato un aumento del 44%.

Il primo posto è occupato dall’opera moderna più costosa mai venduta al mondo: L’Urlo di Edvard Munch (119.9 milioni di dollari), ma il comparto del contemporaneo l’ha fatta da padrone nel 2012. In particolare gli artisti newyorkesi appartenenenti all’Espressionismo Astratto, in particolare Mark Rothko che, nell’elenco delle 24 opere più costose del 2012, occupa rispettivamente il secondo, il terzo e il ventiquattresimo posto.

Orange, Red, Yellow, un olio su tela del 1961, di 236x206 cm e stimato dai 35 ai 45 milioni dollari, è stato aggiudicato a maggio da Christie’s New York alla cifra record di $ 86.882.500 (compresa commissione) pari a € 65.513.910.

Il secondo posto è occupato da No. 1 (Royal Red and Blue) olio su tela del 1954, 290x 170 cm, stimato 35 - 50 milioni e venduto da Sotheby’s New York a novembre a $ 75.122.500 vale a dire € 56.634.852.

Infine il 24esimo, battuto a novembre a Christie’s New York, più piccolo (173 x 97 cm) e, quindi, molto più “economico”, Black Stripe (Orange, Gold and Black), un olio del 57 venduto a 21.362.500 dollari.

Gli incredibili, inauditi, insensati prezzi raggiunti da queste opere d’arte contemporanee possono legittimamente porre alcuni dubbi.

Fatto salvo che il compratore può pagare un’opera la cifra che più ritiene congrua e, posto che Christie’s è una struttura commerciale interessata al profitto, come si spiegano le abnormi differenze tra stime e prezzi finali?

Che, ad esempio, Orange, Red, Yellow sia stato venduto a $ 86,9 milioni, cioè a 52 milioni di dollari in più rispetto alla stima (minima) di 35 milioni?

Anche considerando la stima massima di 45 milioni, il differenziale con l’importo finale battuto è di 42 milioni di dollari (31,7 milioni di euro).

Poichè è difficile credere che Christie’s (come Sotheby’s) sottostimino il valore di un dipinto che debbono vendere e, soprattutto, non sappiano gestire bene i loro affari, come si spiegano razionalmente i motivi di queste discrepanze abnormi tra i “valori” stimati dalle case e i costi finali esborsati?

Sono collegabili a oggettive ragioni di mercato, ove si intenda per mercato anche il gioco della speculazione borsistica, oppure a ragioni di prestigio sociale ed economico? O ad entrambe le ragioni?

I “Rothko”, sono dipinti immediatamente riconoscibili, una vera e propria icona e, quindi, la loro esposizione è più motivata dall’autocelebrazione di uno “status symbol” che dall’amore per l’arte in sè. Il possesso di un oggetto “unico” che tutti vogliono, è motivo sufficiente per volerlo possedere.

A tutti i costi, nel vero senso della parola.

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MARK ROTHKO Marcus Rothkowitz, figlio di ebrei russi emigrati in America nel 1913 (lui aveva 10 anni), dopo gli studi artistici aveva intrapreso l’attività di pittore operando in un ambito figurativo prima e surrealista, poi, nei primi anni 40.

Solo dal 46 in poi comincia a sviluppare un linguaggio astratto personale (i Multiforms) che diventerà la premessa per le tele a campiture di colore orizzontali su fondo monocromo, che lo hanno reso celebre.

Pittore colto, dotato di un forte atteggiamento religioso che trasferiva anche alla sua pittura, fu definito (con Newman, Gottlieb, Reihardt) dal critico Rosemberg, rappresentante della sfera teologica dell’Espressionismo Astratto.

Quell’indirizzo “contemplativo” (molto diverso da quello “gestuale” della Action painting) si caratterizzava per il rilievo dato alla componente spirituale-meditativa del dipingere e si manifestava attraverso tele di grandi dimensioni e ampi campi monocromatici (Color field painting).

Nella lettera-manifesto del 1943 gli artisti dichiaravano “Noi sosteniamo l’espressione semplice del pensiero complesso. Siamo per la forma ampia, perché essa possiede l’impatto dell’inequivocabile. Desideriamo riaffermare la superficie del dipinto. Siamo per le forme piatte, perché distruggono l’illusione e rivelano la verità”.

Questa ricerca di una dimensione diversa, contemplativa, nella pittura di Rothko diventa mistico-trascendente fino a trasformarsi in enormi monocromi dai colori sempre più scuri. Nel 1970 Rothko, malato di depressione, Black Stripe (Orange, Gold and Black) si suicida tagliandosi le vene nel suo studio a New York.

La vicenda degli espressionisti astratti è stata oggetto, pochi anni fa, di un libro in cui, dall’esame di documenti desecretati, si dimostrava che dietro il loro successo nazionale e, soprattutto, internazionale c’era la mano della CIA. Il fatto è stato poi confermato da un ex agente che ha ammesso l’esistenza di un’operazione segreta (guinzaglio lungo) finalizzata a valorizzare l’arte astratta americana per contrastare la propaganza comunista e promuovere l’idea degli USA, usciti vincitori dalla guerra, quale paese democratico e aperto alla massima libertà di espressione.

Per questa ragione la CIA, sotto la copertura di fondazioni, gallerie, critici, riviste e musei, ma all’insaputa degli artisti, individualisti trasgressivi ma apolitici (e forse un po’ troppo “ingenui”), organizzò una lunga serie di mostre in tutto il mondo per lanciare l’Espressionismo Astratto (e non solo), ottenendo diversi risultati: dimostrare la superiorità culturale della Democrazia e del Libero Mercato degli Stati Uniti e sponsorizzare la nascita di un’arte moderna tutta americana, finalmente non più subordinata a quella europea, ponendo, di fatto, le premesse per la creazione del Mercato di oggi.

L’ironia di quelle vicende, senza nulla togliere al valore acclarato degli artisti, sta nel fatto che l’operazione che propagandava la Democrazia americana avvenne all’insaputa del Congresso democraticamente eletto e che il mercato tanto libero non fu se, dietro le mostre, i critici, le gallerie e i musei coinvolti, c’era l’immenso potere politico ed economico della CIA. E, comunque, vale la pena di ricordare che la maggior parte degli Espressionisti “americani”, in realtà, erano europei o di origine europea: tedeschi (Gottlieb, Kline, Reinhardt, Hofmann), russi (Rothko, Krasner), greci (Stamos, Baziotes), olandesi (de Kooning), armeni (Gorky) e canadesi (Guston).

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La rivista può essere richiesta gratuitamente

inviando

una

mail al seguente indirizzo: archpaolotomio@gmail.com Chi fosse interessato a ricevere i cinque numeri del 2012, può richiederli gratuitamente.

FIDAart copertina del N.02 2013 Periodico di arte e cultura della FIDAart

PERIODICO della FIDA-Trento N. 01 - Gennaio ANNO 2013

FIDAart

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STORIA E ARTE La Donna, la Natura e la modernità - 3

Non ne distrugge i caratteri, ma ne dissolve i contorni.

Questo l’arte lo può ottenere alleggerendo ogni forma della sua gravità. Anche questa immagine del mondo è soltanto una immagine; dissolverne la fissità equivale a percepirne infinite altre sullo sfondo.

Paolo Zammatteo È, peraltro legittimamente, la proiezione dell’intelligenza umana nell’altro da sé. Il gesto assume carattere rituale, di sacralità, e si riflette dentro la natura.

Le donne possiedono spesso la freschezza della natura: una capacità che non risponde a categorie accademiche.

La loro visione è forte ma mai aggressiva: chi riceve un dono, la vita, e lo elabora sapendo di poterla concepire a sua volta, è consapevole di non appartenere solo a se stesso.

In ogni percorso artistico femminile gli incontri sono vitali; incontri con persone, situazioni, drammi, flash di felicità o di dolore: dietro si celano sensazioni, che ne sono frutto e danno il senso stesso all’identità, all’appartenenza alla metà del genere umano.

La forza sta nel saper essere vere anche nelle piccole cose. Tale dimestichezza si vede sia nella scrittura che nella narrazione di saggiste, scrittrici, poetesse e attrici.

Allo stesso modo le arti figurative interpretate dalle donne recano impresso un timbro preciso.

Uno dei motivi fondamentali è l’interiorizzazione dell’esterno, che è sempre in divenire. Il simbolico è sostituito dal caleidoscopico: ciò che viene rappresentato diventa il verosimile, fatto di spazi, colori e suggestioni intense (spesso affidate al frammento o calligrafiche), sospeso nel tempo. Si può parlare di una essenza fantastica femminile: come fantasia essa conduce le forme della metamorfosi.

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LIBRI & LIBRI

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VOCI POETICHE

Dipinti e vocali

Dubbi e scontri di pensiero forme alate di sparviero upupa ala spezzata fra le tele di Magritte e gli squarci appesi alle pareti Azzurro dentro il vetro Il vento prigioniero del colore Fatica la prima vocale a scrivere il verbo diluito nella memoria residuo di com’era. rondò allegro scherzando.

Anna Maria Ercilli

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Febbraio 2013, Anno 2 - N.2

Mostre in regione Francesco Dalbosco Silvio Cattani Collettiva Paola Grott Viviana Puecher ADAC

Il lavoro dell’artista : Aldo Schmid

pag. 28-29

Per decifrare gli astri

pag. 30

Cantos

pag. 31

Tracce di luoghi

pag. 32

Contemporary season

pag. 33

Artista member ship

pag. 34

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Il lavoro dell’artista E’ stato recentemente presentato alla sala conferenze del Mart il documentario realizzato nel 2011 dal regista Francesco Dalbosco, “Il lavoro dell’artista”, in cui si ripercorre la vita privata e artistica del pittore trentino Aldo Schmid.

L’opera, nata da un’adesione e un coivolgimento intellettuale del regista nei confronti del lavoro compiuto da Schmid a partire dagli anni 60 fino alla morte prematura nel 1978, analizza e approfondisce dettagliatamente il personaggio e il clima dell’epoca attraverso le voci e le testimonianze , innanzitutto della moglie e, poi, di artisti e critici che lo avevano frequentato e conosciuto. Grazia Schmid, ripercorre la sua storia privata che però, come sempre, si intreccia profondamente e idissolubilmente con quella artistica, raccontando episodi e aneddoti che restituiscono la figura di una persona particolamente interessante.

Questa ultima fatica di Dalbosco che è profondo conoscitore d’arte oltre che grande appassionato della cultura americana moderna e contemporanea, segue numerosi altri documentari sulla vita di grandi pittori internazionali come Bacon, Kandinskij e Jackson Pollock.

Dalbosco, lo dichiara nel documentario, è convinto che Aldo Schmid sia un artista che, grazie alle sue ricerche quasi scientifiche sulle proprietà espressive del colore, possa essere avvicinato ai pittori dell’Espressionismo Astratto americano come Barnett Newman, Ad Reihardt e lo stesso Rothko , quasi ipotizzando che, se fosse vissuto a New York, il pittore trentino sarebbe stato apprezzato al suo giusto valore. Pur soffrendo a causa dell’ambiente poco stimolante della provincia, Schmid riuscì a dare vita assieme ad altri cinque pittori trentini (tra i quali, appunto, Luigi Senesi) al Gruppo Astrazione Oggettiva, il cui programma è sintetizzato nel manifesto del novembre 1976.

Il 15 aprile 78, mentre si recava a Roma per parlare con un editore con cui avrebbe dovuto pubblicare il suo libro improntato agli studi sul colore, Schmid perse la vita a causa di un incidente ferroviario.

Nello stesso incidente morì anche l’amico Luigi Senesi, altra importante figura dell’astrazione trentina (e firmatario del manifesto Astrazione Oggettiva) che casualmente viaggiava sullo stesso treno.

Alla conclusione del filmato accompagnato da una colonna sonora di grande suggestione creata per il film dal pianista-artista Jacopo Mazzonelli, si è svolto un breve ma coltissimo dibattito (che meriterebbe di essere trascritto) sui contenuti filosofici dell’arte di Schmid a cui, assieme al regista, hanno partecipato il filosofo Massimo Donà e lo storico e critico d’arte Toni Toniato.

Donà, pur non avendo conosciuto il pittore, ha avuto parole assolutamente positive per la qualità e profondità dei testi teorici di Schmid nei quali ha riconosciuto riferimenti a molti pensatori.

Toniato, invece, amico di lunga data di Aldo Schmid e profondo conoscitore della sua storia artistica, ha analizzato e approfondito con competenza e conoscenza tecnica il senso e la concezione del rapporto luce-colore-spazio così come era andato sviluppandosi nelle sue opere.

Arrivando fino alla summa del “Non Nero”, un ciclo di permutazioni ottenute attraverso complicati calcoli matematici in cui una serie di 720 gradazioni di nero erano create dall’unione dei colori primari, secondari e terziari. Monocromi-non monocromi, si potrebbe dire. Un punto di arrivo estremo oltre il quale non c’è più che il nulla e che, ovviamente, non furono particolarmente apprezzati dal pubblico del tempo.

Oggi l’approccio “oggettivo” di Schmid, dopo l’affermazione di correnti artistiche quali la Conceptual Art o la Minimal Art, dovrebbe essere compreso e rivalutato permettendo di attribuire il giusto riconoscimento a questo artista.

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ARTISTA ADAC Segnaliamo un’interessante iniziativa del Mart dedicata agli amici e ai sostenitori dell’arte moderna e contemporanea che, sicuramente, riscuoterà il favore di quanti hanno seguito e apprezzato l’attività del museo nel corso di questi anni.

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