PERIODICO della FIDAart N.4 - Aprile ANNO 2015
FIDAart
In copertina: Gelsomina Bassetti, “Le espressioni del silenzio�, 2007, olio su tela, 40x40 cm
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FIDAart sommario Aprile 2015, Anno 4 - N.4
Editoriale
Buona Pasqua
pag. 4
Politiche culturali
Architettura del III° millennio
pag. 5
Intervista ad un artista
Gelsomina Bassetti
Mercato dell’arte?
Roy Lichtenstein
pag. 20-21
Arte oggettiva
Zero-One
pag. 22-23
Storia dell’arte
Simmetria della bellezza - 3° parte
pag. 24-25
pag. 6-19
News dal mondo Roy Lichtenstein
“Woman with flowered hat”, 1963
pag. 28
Roy Lichtenstein
“Seductive girl”, 1996
pag. 29
Roy Lichtenstein
“I Can See the Whole Room!”, 1961
pag. 30
Roy Lichtenstein
“Sleeping Girl”, 1964
pag. 31
“Madama Butterfly”, 2015
pag. 32
Omaggio a Roy Lichtenstein
Copyright FIDAart Tutti i diritti sono riservati L’Editore rimane a disposizione degli eventuali detentori dei diritti delle immagini (o eventuali scambi tra fotografi) che non è riuscito a definire, nè a rintracciare
EDITORIALE
POLITICHE CULTURALI ARCHITETTURE DEL III° MILLENNIO Non c’è giorno in cui i politici non ci ricordino che “non ci sono più soldi” perché “abbiamo vissuto al di sopra dei nostri mezzi” e, quindi, “si devono tagliare le spese superflue”. Bene, anzi male, però lo spreco di danaro pubblico continua a esistere ancora oggi. La raffinata e lussuosa ex mensa universitaria con caffetteria realizzata nel 1986-89 dall’Opera Universitaria all’interno per parco pubblico del S.Chiara, è un esempio sotto gli occhi di tutti. Chiusa ormai da una decina di anni, oggi si presenta con le curvilinee pareti in porfido e i chiari muri dell’edificio storico imbrattati da scritte e graffiti, gli infissi sfondati e le strutture metalliche arrugginite. Un bel biglietto da visita per chi frequenti il teatro-auditorium, la palestra o le sale del Centro Servizi Culturali S.Chiara! Un degrado iniziato presto con la rottura degli artistici specchietti incollati alle modanature che corrono sulla facciata verso il parco e proseguito con il romantico specchio d’acqua diventato un deposito della sporcizia. Dopo la chiusura della mensa, teppisti e street writers si sono accaniti su un’architettura di qualità trasformandola in un simbolo del declino cittadino, dello spreco e della latitanza dell’ente pubblico. La recente proposta di crearvi un “Urban center”, luogo di studio e dibattito sull’urbanistica di Trento, non sembra risolutiva poichè significherebbe investire ingenti capitali per recuperare un immobile pregiato e dalle grandi potenzialità, per poi farlo utilizzare e frequentare da pochi interessati. Se finora non si è riusciti a riportarlo alla originaria destinazione a mensa, universitaria o scolastica, nè a destinarlo ad attività culturali
veramente utili per la comunità (sarebbe stato perfetto per la nuova Galleria Civica), o in un Centro Giovani con annessi laboratori per artisti, musicisti, attori, o in una biblioteca-ludoteca per i bambini che frequentano il parco, o in una sala per mostre d’arte, convegni, presentazioni e dibattiti (anche sull’urbanistica) ecc., allora è meglio prendere atto che l’ente pubblico non è in grado di gestire le sue proprietà e cercare di coinvolgere investimenti privati. Meglio una gelateria, o una pizzeria-ristorante oppure un bar con i tavolini all’aperto a servizio del Centro e del parco, che il nulla e lo sfascio a stiamo assistendo da troppo tempo. Non è bello vedere il denaro dei contribuenti buttato dalla finestra, e ancor meno constatare il continuo e costante allargamento a macchia d’olio, di un degrado inguardabile e diseducativo del principale polo culturale e del tempo libero cittadino.
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Intervista a GELSOMINA BASSETTI Se è vero, come è vero, che ogni dipinto è un autoritratto dell’artista, cosa ci raccontano i grandi quadri di Gelsomina Bassetti?. Quando lei dice: «all’inizio io mi metto davanti alla tela bianca “vuota“ disponibile» e «i miei quadri “diventano” da soli», significa che ogni dipinto è vissuto come un’esperienza esistenziale e psicologica oltre che artistica. Non è l’automatismo psichico dell’inconscio teorizzato dai surrealisti ma ogni atto creativo sembra assai vicino ad una seduta psicanalitica. L’arte di Bassetti c’è e si vede, nella raffinata tecnica pittorica, nell’uso di colori materici ma al contempo sobri e delicati, nelle composizioni essenziali di un classicismo senza tempo: ha studiato e vissuto in Germania per quindici anni ma la sua pittura deve molto all’arte italiana. Colpisce, infatti, l’atmosfera rarefatta e metafisica in cui uomini, donne, animali (tanti animali), sono sospesi e immobili in uno spazio senza tempo come in attesa che accada qualcosa. Gelsomina è una persona solare e i suoi dipinti dalle morbide forme e dai colori tenui e caldi sembrano emanare una quiete serena eppure, ad uno sguardo più attento, nella staticità dei personaggi immersi nei loro pensieri che paiono porre domande senza risposta, nei fondi bianchi come antichi affreschi consumati dal tempo, si coglie una sottile inquietudine che racconta di assenze e di vuoto, di solitudini esistenziali e di incomunicabilità. Ma, forse, la sua non è una pittura autobiografica, ma solo storie sapientemente rappresentate attraverso allegorie e simboli, di archetipi che salgono alla coscienza dal profondo del subconscio. Paolo Tomio
A sinistra: ”L’infanzia violata”, 2011, olio su tela, 150x100 cm
In basso: “Danza”, 2012, olio su tela, 70x100 cm
Quando e perché hai cominciato a interessarti all’arte e dedicarti alla pittura? Il mio primo approccio, non con la pittura vera e propria, ma con i colori è avvenuto nella prima infanzia. Fui costretta a letto a causa di una grave malattia per due anni, così mia madre, per non farmi annoiare, mi regalò un piccolo libro illustrato dove tre nanetti, uno giallo, uno rosso e uno blu, giocavano a versarsi addosso il colore vicendevolmente. Come per magia si componevano il verde, il viola, l’arancio ecc.. Questo episodio lo racconto, perché fu allora che cominciò la mia passione per i colori. Più tardi ricevetti in regalo molti colori da tutti i parenti, a 12 anni cominciai a dipingere con i colori ad olio, paesaggi, ma soprattutto cavalli e altri animali. Quando si trattò di scegliere la scuola che avrei frequentato, mio padre che lavorava in banca, mi iscrisse a ragioneria. Io volevo iscrivermi alla scuola d’arte, ma non ci fu niente da fare, così per due anni frequentai l’Istituto Tambosi, poi rafforzata da un giudizio positivo sui miei quadri da parte del professor Gay, presi coraggio e un giorno affrontai mio padre: “se non mi permetti di fare la Scuola D’Arte io vado a lavorare!”. Un lampadario rotto, qualche scapaccione, ma poi capì e cedette. Entrai con entusiasmo alla Scuola D’Arte.
Quali sono state le correnti artistiche o gli artisti che ti hanno influenzato? Prima di partire per la Germania, dove ero stata accettata all’Accademia, non potrei dire quali artisti mi avessero influenzato, ero affascinaSopra: “Cielo e terra un amicizia”, 2011, olio su tela, 120x150 cm “L’angelo infedele”, 2012, olio su tela, 120x80 cm
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ta dal tormento di Van Gogh, dalla sensibilità di Monet, tra gli artisti locali mi piaceva molto Guido Polo. In Germania, imparai a conoscere gli espressionisti tedeschi, soprattutto Max Beckmann, mi colpì per la rigorosità delle figure, la durezza delle linee, la serietà dei temi trattati.
Nel corso della tua carriera, hai conosciuto molti artisti locali o nazionali?
ghi di Accademia, ho conosciuto bene Hermann Albert che aveva fondato la corrente pittorica a Berlino dei “Nuovi ordinatori“, Arwed Gorella, Petr Vogt e Anselm Kiefer. Per quanto riguarda gli artisti locali, ho frequentato un gruppo di artisti, curati da Danilo Eccher: Rolando Trenti, Luca Coser, Elisabetta Alberti. Negli anni in cui ho vissuto a Milano, frequentavo Giovanni Frangi, anche perché avevamo contatto con due galleristi in comune: Studio d’Arte Canaviello a Milano e Poggiali e Forconi a Firenze.
In Germania, oltre naturalmente ai miei colle“Amor filiale”, 2012, olio su tela, 100x120 cm
Prima di trovare il tuo linguaggio, hai affrontato anche esperienze astratte? Sebbene i miei quadri non siano opere astratte, tuttavia io conosco l’astrattismo, che è la base o sottofondo dei miei quadri. Inizio a mescolare colori con le terre e li lascio lavorare sulla tela in forma di macchie, di linee, poi mi siedo e mi lascio ispirare dal colore e dalle forme, inizio a togliere, mettere, lavare, grattare, comincio a comporre le mie figure.
“La stanza di Monet”, 2009, olio su tela,180x180 cm
La figura umana è sempre centrale nelle tue opere: è un’autobiografia, una sorta di diario della tua vita? Se da una parte non credo nell’arte come autobiografia e nemmeno come diario di vita, d’altra parte il nostro inconscio, il nostro bagaglio culturale ed umano, agisce in modo inconsapevole per dare vita alle immagini, che sono una parte integrante di noi stessi.
Oggi, cosa ti interessa e cosa non ti piace dell’arte contemporanea?
“Offerta”, 2012, olio su tela, 100x140 cm
Non credo di poter dire cosa mi piace o non mi piace dell’arte contemporanea, intendo dire che non amo giudicare il valore servendomi di categorie. Nonostante ciò, mi interessa tutto ciò, che è sincero, tutto ciò che è profondo, poetico, tutto ciò che ha un lavoro serio ed onesto come base. Amo l’arte in grado di comunicare e di emozionare, financo a sconvolgere.
re i colori, un lavoro lungo che dà spazio per me ad una sorta di meditazione.
Nel corso della tua carriera hai attraversato periodi espressivi diversi? Ho iniziato con una pittura di tipo figurativo, molto espressiva, di pancia, con colori molto accesi, composizioni complesse, stanze, spazi ben definiti dove si muovevano le mie figure. Negli anni ho cominciato a togliere tutto ciò che per me era diventato inutile, fino ad arrivare oggi a quelli che definisco i miei deserti o quadri bianchi, dove le figure sono nello stesso tempo isolate ma libere. Aperte su un futuro incerto.
Qual è la tecnica artistica che utilizzi principalmente nella tua attività? La tecnica che io ho scelto per la mia pittura è quella dell’olio sgrassato, ovvero della mescolanza di pigmenti colorati con olio di lino e uovo. Questa scelta si basa su due motivi principalmente: il non amore per la lucentezza vischiosa che dà il colore ad olio quando è trattato in modo materico e il piacere di potermi mescola-
Hai anche affrontato anche altre tecniche arti11
stiche: incisione, scultura ecc.? Negli anni settanta ho lavorato molto con l’incisione, poi ho dipinto molto ad acquerello e con la monotipia, tre sculture, poi come ho già detto, in Germania sono stata colta dall’amore delle grandi tele e appunto dall’uso delle terre.
Come definiresti il tuo stile? Quali sono, secondo te, le caratteristiche che ti rendono riconoscibile? Io non sono in grado di definire il mio stile, è molto difficile come riuscire a definire noi stessi.Cosa mi rende riconoscibile? Innanzitutto, il linguaggio della materia che uso, “Disabitati“, 2011, olio su tela, 40x40 cm
la sua apparente “grezzezza”, ma che nasconde una grande varietà di toni nascosti, le superfici sono vive. I miei personaggi si muovono sempre con cautela e circospezione, sono spesso in attesa. La ieraticità delle figure, il peso esistenziale che le investe, il silenzio che io vedo nei miei quadri, la poesia delle mani che diventano altro, soprattutto ali per una sorta di volo impossibile. Ecco, non so se ciò corrisponda a quello che riconoscono gli altri, ma è ciò che onestamente riconosco io.
Quando inizi un nuovo dipinto hai già in mente un tema, un soggetto o ti muovi senza vincoli predeterminati? Come credo di avere accennato all’inizio, non mi pongo mai il pensiero di un tema ben preci-
so, i miei quadri “diventano” da soli, certo che io li definisco, ma all’inizio mi metto davanti alla tela bianca “vuota“ “disponibile”, senza vincoli, così qualche volta i miei quadri riescono a sorprendermi e li capisco molto più tardi nel tempo.
Ritieni di rappresentare nelle tue tele concetti o emozioni? Sì, io ritengo di rappresentare emozioni, concetti non credo!
A cosa è dovuta la tendenza alla progressiva riduzione del colore che si nota nei tuoi ultimi lavori?
“Minotauro insicuro”, 2012, olio su tela, 40x40 cm
A questa domanda mi è molto difficile rispondere, dovrei psicanalizzarmi, ma non credo di esserne in grado. La spiegazione razionale è quella che cerco di togliere il superfluo, o forse anche tutto quello che può distrarre l’osservatore dalla poesia del poco, del piccolo.
“Stella cadente”, 2011, olio su tela, 150x100 cm
Hai vissuto molti anni in Germania prima di ritornare in Trentino. Che differenze vedi tra il mondo artistico tedesco e quello italiano? Ho vissuto quindici anni in Germania, a Berlino, Hannover e Braunschweig. Qui si apre una riflessione triste per me che sono italiana, che detto papale papale, se potessi ritornare indietro, non metterei più piede in patria. Quali differenze? È semplicemente un altro mondo, sicuramente non ideale ma per quanto riguarda l’arte in genere, la cultura e il rispetto verso gli artisti, non è possibile un confronto. Cercherò in maniera telegrafica di elencare ciò che ho trovato in Germania e non in Italia. Nessuna differenza di trattamento
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“Dentro la terra il canto 1”, 2009, olio su tela, 40x40 cm
A questa domanda non risponderò, non per arroganza, ma perché io tornata in Italia, mi sono ritirata volutamente dal panorama dei pittori trentini, per questo non sono nemmeno in grado di dire cosa manca al Trentino per poter essere presente sul mercato esterno. Forse per la troppa attenzione a non rischiare o a cercare di mantenere il proprio piccolo spazio?
tra artisti uomini e donne, vale solo il prodotto. L’interesse verso l’arte anche di persone non addette ai lavori. La grande generosità e la curiosità da parte dei colleghi. L’interesse da parte delle istituzioni. La possibilità di canali espositivi, che esulano dalle gallerie. La buona abitudine di non pensare solo al mercato dell’arte, ma giudicare gli artisti solo per il loro valore artistico e non per la mole di conoscenze a loro disposizione.
Alla luce di quello che hai apprezzato in Germania, quali interventi che la politica culturale trentina potrebbe fare per l’arte e gli artisti.
Come ti sembra il panorama dei pittori trentini d’oggi? Cosa manca al Trentino per poter essere più presente sul mercato esterno?
La prima cosa che mi augurerei, sarebbe che gli artisti avessero più interesse nei confronti dei
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loro colleghi, senza gelosie, con il desiderio di confronto, di condivisione, per poter diventare una vera forza, pronta a contrastare una politica che lentamente ci fa morire. La politica culturale trentina potrebbe mettere a disposizione spazi alternativi, gratuiti, dove gli artisti abbiano un luogo di confronto con il pubblico, per poter parlare di arte, e non solo in modo elitario, ma ampliare la possibilità a tutte quelle persone che non sono abituate alla frequentazione di mostre d’arte, di esprimere liberamente le loro opinioni. La seconda cosa potrebbe essere organizzare incontri tra i ragazzi e gli artisti, disposti a rispondere a domande quesiti ecc., perchè io credo che la curiosità e l’interesse, oltre che una dote naturale, sia anche un’attitudine che si possa allenare.
Cos’è la bellezza? E’ un valore che ricerchi o è subordinato ad altri valori? La bellezza è il più grande motore della nostra vita. Ed è la sua uccisione che ci rende sempre più meschini, inoltre per me la bellezza è armonia, e ne è rimasta troppo poca.
Cosa è per te l’arte? La domanda finale è il grande tranello! Presuppone che gli artisti siano esseri superiori agli altri e non è vero. È una parola che inciampa tra la lingua e i denti, così io mi salvo dicendo che l’arte è fantasia, sogno, libertà, è bellezza per lo spirito e per gli occhi, è un albero di man“Volo proibito”, 2009, olio su tela, 40x40 cm
“Dentro la terra il canto 2“, 2009, olio su tela, 40x40 cm
questo, l’artista segue una sua urgenza interiore con la scelta coraggiosa di difendere uno spazio, quasi mistico, fuori dal tempo, in cui vivono immagini, miraggi, emozioni, trasformando tutto ciò nella sua ragione di vita, con la certezza che questa è l’unica strada che avrebbe potuto prendere, ed è una strada che contro tutto e tutti non lascerà mai. Il “grande artista “ è poi chi, riesce a fare da specchio alle caratteristiche del proprio tempo, e spesso anticipa i tempi, perchè il suo pensiero stà sempre un pò più avanti di quanto le persone possano esserne pronte
dorlo fiorito
E, per finire, chi è l’artista?. Definire chi è l’artista mi pesa molto perchè mi pare che ogni risposta possibile, vada inevitabilmente a creare uno spartiacque tra artisti e persone “normali” e io non amo definire categorie. Premetto che questa domanda me la sono posta moltissime volte, confrontandomi anche con tutti gli stereotipi che ci hanno appiccicato addosso: strani, pazzi, eccessivi, sognatori, idealisti, furbi, scansafatiche ecc... Io sono diversa dagli altri nella misura in cui lo siamo tutti, in quanto esseri irripetibili, detto
A destra: “Il nido”, 2009, olio su tela, 150x100 cm
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schweig, Germania; Personale alla Galleria „Al Castello“, Trento 1990 Speciale Arte Giovane, Milano 1991 Stipendiat bei Kunslerhaus in Salzburg 1992 “Salisburgo Trento”, Galleria Civica di Arte di Trento e di Salisburgo 1993 Personale alla “Galleria al Castello “ di Trento; “Junge Kunst” a Bonn, Germania 1995 „Correnti e Arcipelaghi“, Castel Ivano, Trento; Personale Galleria ART FORUM di Hannover, Germania 1996 Personale al ”Kunstverein” di Luneburg, Germania 1997 Personale Galleria d’arte Poggiali e Forconi di Firenze; Personale al “Castello di Landestrost”, Neustadt a Rbge, Germania 1998 Personale “Galerie im Kunslerhaus”, Hannover 1999 Personale Galleria “Arte Armanti”, Varese 2000 Personale Galleria “Arte Armanti”, Varese 2001 Personale Galleria “Arte Armanti”, Varese 2002 “Uomini e bestie” “Art Gallery L’uovo di Luc”, Manno, Lugano; Personale Galleria “Patrizia Buonanno Arte”, Mezzolombardo , TN 2003 “Situazione Arte Trentino 2003” MART Rovereto; Personale Galleria “Tiefensee”, Rineln, Germania 2004 Personale “Volo colorato”, Kunstverein Wunstorf Germania; “Icaro del volo impossibile” Palazzo dei Panni “Atelier Segantini Arco (TN) 2005 Personale Galleria “Arte Armanti”, Varese 2006 Personale al Kunstverein di Rotheburg, Germania 2007 “Doppelicht” mostra a due Bassetti Franco Rasma, Palazzo Trentini, Trento 2009 “13 paradiso (cantico) mostra collettiva all’Isola Bella, Lago Maggiore 2011 personale alla Galleria Nothburga, Innsbruck 2015 Personale Galleria “Arte Armanti”, Varese Abitazione e studio: viale Daino n. 4, 38074 Pietramurata (Tn), tel. 0464 507034, cell. 329 5991945, Email: gelso.bass@alice.it
GELSOMINA BASSETTI Nasce a Trento nel 1953. Ha studiato presso la scuola d’Arte Alessandro Vittoria di Trento. Nel 1980 si iscrive all‘Università di Libera Arte di Braunschweig con il professore Arwed Gorella e il professore Hermann Albert di Berlino. Si laurea nel 1987. Nel 1991 ritorna in Italia e vive a Milano fino al 1994. Dal 1994 al 1997 vive e lavora ad Arco di Trento. Lavora a Pietramurata (Trento) 1983 7° Triennale di Frechen, Germania; Mostra di grafica all’Università di Braunschweig, Germania; Personale galleria “KK” Braunschweig, Germania 1985 “Junge Kunst “ Ghifhorn, Germania; 24 Marienberger September Helmstedt, Germania 1986 8° Triennale di Frechen, Germania; “40 artisti per Goethe”, Italia; “Wudunhit”, Italia 1987 personale “Arbeiten auf Papier“ Niedersachsisce Landesbibliotek, Hannover, Germania 1988 “Engramm” personale Galleria “Eis Fabrik“, Hannover, Germania “Situazioni nel Trentino dal ‘45”, Museo delle Albere, Trento; Personale Galleria Ferrari di Verona; “Herbstaustellung Niedersachsiscer Kunstler Kunstverein, Hannover, Germania 1989 Personale “Galerie am Wall“ Braun18
Tutti i numeri 2012-2013-2014-2015 della rivista FIDAart sono scaricabili da: www.fida-trento.com/books.html Tutti i numeri 2012-2013-2014-2015 della rivista FIDAart sono sfogliabili su: http://issuu.com/tomio2013
FIDAart copertina del N.4 2015 Periodico di arte e cultura della FIDAart Curatore e responsabile Paolo Tomio
PERIODICO della FIDAart N.4- Aprile ANNO 2015
FIDAart
È scomparso il 9 marzo l’architetto tedesco Otto Frei poco dopo aver vinto, a 90 anni, il Pritzker Architecture Prize 2015, considerato il Premio Nobel per l’architettura. Frei è stato un visionario, ecologista e pioniere dell'uso di materiali leggeri e delle forme “naturali”, come nella copertura in tensostrutture delle strutture sportive, realizzate nel 1972, nel Parco Olimpico di Monaco di Baviera. 19
MERCATO DELL’ARTE ? popolare, per rivisitare in un modo più colto e provocatorio i maestri del Movimento Moderno. Chi avrebbe mai immaginato che i “fumetti” avrebbero raggiunto gli attuali “valori” artistici ed economici? Roy Lichtenstein è stato il pittore che ha sdoganato i disegni dei comics, gran parte delle sue opere degli anni 60, infatti, sono tratte da strisce o tavole apparse su giornalini a fumetti poiché, come spiega: «La sola ragione dei miei lavori è dimostrare come in America si manifesta la comunicazione visiva». Nato a New York in una famiglia ebraica, si diploma e, al ritorno dalla guerra nel 1946, si laurea in Belle Arti; a partire dal 57 inizia l’insegnamento in diverse Università dedicandosi a tempo pieno alla pittura e alla scultura. E’ nel 1961, quando si distacca dall’Espressionismo astratto, che inizia a introdurre nelle sue opere immagini di personaggi dei cartoni come Mickey Mouse o Bugs Bunny; la sua mostra personale dell’anno successivo alla galleria di Leo Castelli è un successo: tutti i dipinti sono venduti ancora prima dell’inaugurazione. La fortunata intuizione dell’artista, avvenuta prima della nascita della Pop Art americana, è quella di “estrapolare” un frammento emblematico dalla striscia di un fumetto e di ingrandirlo mantenendo anche la “nuvoletta” contenente le parole e i pensieri dei personaggi o i tipici suoni onomatopeici. L’immagine decontestualizzata ed eseguita in scala monumentale su tela con vivaci colori ad olio e acrilico, pur rimanendo (quasi) identica all’originale “commerciale”, assume un’autonomia figurativa ed espressiva completamente rinnovata dall’artista che decide di riproporla come opera d’arte. L’altra felice invenzione del pittore è di ingrandire assieme al disegno del fumetto anche il sistema di colorazione del retino in quadricro-
ROY LICHTENSTEIN (1923-1997) WOMAN WITH FLOWERED HAT, 1963, Magna su tela, 127x102 cm, venduto da Christie’s New York nel maggio 2013, a $ 56.123.750 (43.230.000 €) Vedi immagine a pag.28. Quest’opera basata su un processo di appropriazione e contestazione quasi duchampiana del ritratto “Dora Maar au Chat” eseguito nel 1941 da Pablo Picasso della sua musa e amante Dora Maar, ha entusiasmato il mondo dell’arte portando Lichtenstein alla fama. In questo dipinto, pur mantenendo i suoi stilemi già consolidati: contorni neri, campiture piatte, figure prive di profondità e la puntinatura Ben-Day, egli abbandona le immagini ritagliate dai comics degli anni precedenti caratterizzate da una freschezza allegra e ironica di un’autentica arte 20
ROY LICHTENSTEIN mia usato nella stampa tipografica “Ben-Day”, che trasforma i quattro colori primari (ciano, magenta, giallo e nero) in punti vicini, distanziati o sovrapposti, per creare tutti le altre tinte. Lichtenstein dipinge pazientemente a pennello le centinaia e centinaia di cerchiolini colorati che diventeranno una sua cifra stilistica inconfondibile. Come sempre nell’arte moderna, una buona idea deve possedere oltre all’originalità e alla piacevolezza, anche la capacità di essere facilimente riconoscibile e in questo caso il primato tra i “comics” di Lichtenstein e le “zuppe” Campbell di Andy Warhol non è di facile attribuzione. Al contrario della zuppa in scatola, fast food tipicamente americano, il fumetto appartiene a una cultura visiva di massa appresa fin dall’infanzia e frequentata ad ogni età, latitudine e classe sociale. E’ una forma di “mass media” che ha saputo sviluppare un proprio linguaggio specifico basato su convenzioni autoreferenziali e dotato di caratteristiche formali e semantiche originali, che appartiene ormai all’immaginario collettivo moderno. L’operazione intellettuale di cannibalizzazione di creazioni altrui compiuta dall’artista all’inizio ha sollevato molte critiche: innanzitutto, l’accusa di limitarsi a duplicare un lavoro originale esistente ma anche per il mancato riconoscimento (e risarcimento) dei veri autori-fumettisti, ritenuti da un pregiudizio della cultura d’élite, creativi inconsapevoli. Ciò nonostante, è probabile che i quadri di Lichtenstein, molto accattivanti, decorativi, e tuttora modernissimi dopo più di cinquant’anni, potranno raggiungere in futuro quotazioni ancora maggiori man mano che il romanticismo un po’ kitsch di cui sono (volutamente) intrisi, si stempererà in una nostalgica “Recherche” del tempo perduto.
ROY LICHTENSTEIN, Drowning girl, 1963 olio e Magna su tela, 172x170 cm Secret hearts, 1962, originale di Tony Abruzzo
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ZERO-ONE
l’anno scorso), l’unico artista famoso vivente è il rappresentante del Nouveau Réalisme Daniel Spoerri, autore di quadri realizzati con gli avanzi delle sue cene (un po’ schifosi) incollati sulla tela. Sono molti più numerosi gli architetti conosciuti come Chiattone, Le Corbusier e il cugino Pierre Jeanneret e oggi, Botta, Herzog e de Meuron, Bernard Tschumi, Snozzi, Galfetti, Vacchini, Peter Zumthor ecc. La creatività non sembra far parte del carattere nazionale che, per ragioni storiche, è sempre strutturato e controllato da una forte componente razionale. Lo stesso Jean Tinguely, uno dei fondatori del Nouveau Réalisme e creatore nel 1959 delle Méta-matics e delle “anti-macchine” in materiale riciclato e dotate di movimenti assolutamente inutili, forse ripropone nella sua visione anarchica il vecchio mito dell’orologio svizzero. In quel paese di “costruttori”, si intuisce che l’approccio all’arte sia più sistematico, tecnico e rigoroso che altrove. Non poteva che nascere in Svizzera il gruppo radicale “Zero-One”, il quale, dopo aver sottoposto la produzione artistica ad una critica serrata, sta arrivando a conclusioni assolutamente coerenti con la sua filosofia e la storia svizzera. Come è avvenuto per gran parte dei movimenti radicali, anche l’ideologia dello Zero-One è andata rifiutando qualsiasi forma di espressione rappresentazione, indirizzando la ricerca su un linguaggio che fosse quanto di più astratto e oggettivo potesse esistere: la matematica. Un linguaggio privo di connotazione estetiche e simboliche, universale e comprensibile da chiunque senza filtri artistici e culturali. Man mano che procedeva lo studio di opere improntate ad una progressiva rarefazione e riduzio-
La Svizzera non ha dato i natali a molti artisti contemporanei famosi. Ormai scomparsi, il celeberrimo Alberto Giacometti (scultore morto nel 1966), a Itten, teorico del colore (1967), a Tinguely inventore delle macchine in movimento (nel 1991), a Max Bill, architetto, scultore, pittore astratto-geometrico (nel 94) e a Giger, pittore e scultore fantascientifico (morto
“02011-KS” dett,2010, stampa su inox, 200x200 cm
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ARTE OGGETTIVA
“11202-RE” dett, 2010, stampa su inox, 200x200 cm il contenuto delle “opere d’arte” riducendole a lunghissime sequenze di Zero-One impaginate con font diversificati. Cosa rappresenti la serie infinita di numeri così convertiti non è dato sa pere, men che meno dai titoli che sono altret tanto indecifrabili.
ne degli elementi secondari, il percorso si è indirizzato sulla massima riduzione dello stesso linguaggio matematico, ritenuto elitario ed eccessivamente connotato in termini storici. La “logica” conclusione ha portato “Zero-One” alla progressiva assunzione di una matematica fondata sul sistema numerico binario il quale utilizza solo due simboli, 0 e 1, in luogo delle dieci cifre del sistema decimale che usiamo abitualmente. Il sistema binario, che pochi conoscevano in passato, oggi è importantissimo poiché utilizzato dalla totalità dei computer in quanto i circuiti digitali operano gestendo due soli valori con due diversi livelli di tensione elettrica. Tali valori assumono convenzionalmente il significato numerico di 0 e 1 (da cui il nome ZeroOne) vale a dire il “vero e falso” della logica di Boole. Qualsiasi numero decimale può essere convertito nel sistema binario: lo 0 rimane 0 e l’1 rimane 1, poi 2 è eguale a 10, 3=11, 4=100, 5=101, 6=110, 7=111, 8=1000, e così via. Ovviamente, anche con il sistema a base due sono eseguibili le normali operazioni aritmetiche: somma, sottrazione, moltiplicazione e divisione. Numeri che a prima vista sembrano cervellotici, al cervello di un elaboratore risultano semplici e logici: 0-1, sì–no, vero-falso. Tutta l’elaborazione di testi, immagini, suoni, video ecc. svolta dal computer è basata sul sistema più basico di ragionamento: vero o falso. Non esistono ambiguità, mediazioni o compromessi, come succede nella realtà quotidiana e, proprio per questo, è difficile immaginare un linguaggio più radicalmente rivoluzionario. La scelta di trasformare tutti i numeri e le formule, tutti i testi, tutte le immagini sotto la forma di numeri binari, ha reso ancora più astratto “2102-MT” dett, 2011, stampa su inox, 200x200 cm
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SIMMETRIA DELLA BELLEZZA - 3° parte Anni di storia italiana dimostrano la falsità dell’assunto: il politico è un attore esperto in simulazione, un imbonitore della persuasione. Mascheroni e mascherine sono la regola della politica: più che persone che ricoprono ruoli istituzionali, sono oramai uomini di televendite e di cabaret. C’è chi si esibisce in promesse mirabolanti, battute e barzellette da bar, e chi si esibisce in promesse mirabolanti, battute e twitt da bar.: l’importante è bucare lo schermo, piacere e divertire gli elettori trasformati in spettatori. Perché, il vero show man, da il meglio di sè stesso in televisione, quando lasciato libero di sciorinare il suo repertorio senza contraddittorio. I cittadini, trattati alla stregua di docili e disciplinati consumatori, devono limitarsi a ingoiare le marchette e a battere le mani di fronte all’ennesimo: “Ghe pensi mi!”. Onnipresente, dietro ogni boss della politica, il team di “persuasori occulti”, esperti di comunicazione, di pubblicità e di linguaggio del corpo, che analizza costantemente le curve dei sondaggi per decidere il menù del giorno. Secondo la teoria (e la prassi) di un noto politico frodatore fiscale e grande esperto di marketing,
MASCHERONI E MASCHERINE Negli Stati Uniti per comprendere il grado di fiducia nei confronti di un politico, si poneva agli elettori la domanda: “comprereste un’auto usata da quest’uomo?”. Il presupposto era che si potesse giudicare l’affidabilità di un politico dalla sua faccia, cioè dalla sua “immagine”.
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STORIA DELL’ARTE l’elettore medio ha il cervello di un bambino di sette anni, e come tale va trattato. Applicando il sistema del ribaltamento simmetria alle espressioni dei visi degli ultimi due professionisti della comunicazione televisiva, i risultati empirici sono significativi. Nel caso dell’ex Premier, ex cavaliere ed ex incensurato, si deve ammettere una notevole capacità di fingere quello che normalmente si considera ottimismo e buon umore, cioè la classica espressione allegra e ridanciana del comico da avanspettacolo. Il suo è ormai il ghigno fisso, stereotipato e falso del barzellettiere, sia per la lunga consuetudine a simulare, sia per le infinite operazioni plastiche subìte. Come dire? Un mascherone. Imprevedibile, invece, la “seconda faccia” di Berlusconi in cui la risata forzata si trasforma in una smorfia sofferente e malinconica da clown triste. Diverso il caso del giovane ex rottamatore il quale ama presentarsi come un arguto battutista. Da entrambi i volti (vedi immagini in basso) esce l’immagine di un ragazzotto di campagna non proprio sveglio: una via di mezzo tra il mister Bean e il Jerry Lewis di Crozza. Eppure, alla luce di come ha cinicamente liquidato l’amico
Letta mentre lo rassicurava con “Stai sereno!”, oppure il suo mentore e socio Silvio, c’è da dubitare di questa sua presunta bonarietà. Anzi, si potrebbe dedurre che la caratteristica del “politico 2.0” sia proprio quella della mascherina. Finiti i tempi del Caimano, del sobrio Monti e del suo loden, gli italiani, mitridatizzati, applaudono l’ennesimo Uomo del Destino.
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Aprile 2015, Anno 4 - N.04
News dal mondo Roy Lichtenstein
“Woman with flowered hat”, 1963
pag. 28
Roy Lichtenstein
“Seductive girl”, 1996
pag. 29
Roy Lichtenstein
“I Can See the Whole Room!”, 1961
pag. 30
Roy Lichtenstein
“Sleeping Girl”, 1964
pag. 31
“Madama Butterfly”, 2015
pag. 32
Omaggio a Roy Lichtenstein
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ROY LICHTENSTEIN, Woman with flowered hat, 1963 Magna su tela, 127x102 cm, Christie’s New York 2013, venduto a $ 56.123.750 (€ 43.230.000)
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ROY LICHTENSTEIN, Seductive girl, 1996, olio e Magna su tela, 127x183 cm, Christie’s 2013, New York venduto a $ 31.525.000 (€ 23.438.600)
ROY LICHTENSTEIN, I Can See the Whole Room!, 1961, olio e grafite su tela, 122x122 cm, Christie’s 2011 venduto a $ 43.202.500 (€ 31.6 00.000)
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ROY LICHTENSTEIN, Sleeping Girl, 1964, olio e Magna su tela, 91,5x91,5 cm, Sotheby’s 2012 venduto a $ 44.800.000 (€ 40.975.000)
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PAOLO TOMIO, Omaggio a LICHTENSTEIN, “Madama Butterfly”, 2015 fine art su tela, 240x170 cm