Cuarta edicion

zona7 filmaci贸n de un plano detars del h茅roe: john Constantine

bio 7:

David Lynch

contenido 7+1: algo mas que cine el arte y la guerra: la paz desde adentro filmaciĂłn de un plano bio 7/ David lynch Zona terror/ lo sci/fy exitsez Top 7 Las mejores pelĂ­culas surrealistas Archivo 7 raul julia: homero adams

extras frases de pelicula

detras del heroe constantine

cine italiano:

El Evangelio segĂşn san Mateo

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7+1: algo mรกs que cine

El arte y la guerra: la paz.

Ayer noche estuve viendo “Troya” (2004), no recordaba que fuera dirigida por el mismo director de un par de títulos de culto como: “La historia sin fin” (1984) o “Enemigo mío” (1985), Wolfgang Petersen. No es una película que recomiende pues muy poco de lo que sucede en ella me parece interesante. Alejada de “La Ilíada”, epopeya atribuida a Homero, poeta griego nacido en el siglo VIII a. C. la historia se mueve de manera simple y lo más brillante es la actuación de Rose Byrne quien interpreta a Briseida. Además de la ocurrencia de Ulises de construir un enorme caballo con el interior hueco no vi ninguna táctica propia de la guerra y recordé aquel famoso tratado titulado “El arte de la guerra” de Sun Tzu. Antes de continuar con la guerra y el arte creo necesario aclarar que no me gusta Troya no solo porque se aleja de la epopeya clásica, elimina la presencia divina tan importante en esta historia y desvirtúa tanto a los protagonistas que los convierte en personajes tan simples que generan aburrimiento y ninguna pregunta acerca de quiénes son o por qué hacen lo que hacen. No me gusta

Troya porque no me trasmite nada ni me hace sentir emoción alguna o me permite identificarme con alguno de los personajes arquetípicos.

Se puede crear una gran historia a partir de otra, se puede adaptar una historia clásica a nuestra época sin quitarle lo épico y majestuoso, pero este no es el caso.

La guerra es tan antigua como la humanidad o eso es lo que sabemos. Estuve escuchando algunas canciones melancólicas de Pink Floyd y sentí que el dolor podía conectar a la gente, el dolor de la guerra. La obra de Sun Tzu se mantiene vigente y es útil en campos como la administración de empresas, recuerdo haber leído una versión extendida y comentada titulada “El arte de la guerra para ejecutivos”.

Arte marcial, arte, guerra, se necesita tanto de técnica como de creatividad para vencer un combate, se necesita practicar. Una batalla de dos oponentes o dos ejércitos puede ser hermosa si ambos bandos saben utilizar sus técnicas, dominan sus movimientos y los impulsa algo mayor que simple ambición. Algún supremo ideal.

Recuerdo la película “Hero” dirigida por Zhang Yimou, con un reparto espectacular: Jet Li, Tony

Leung, Maggie Cheung (ambos protagonistas de una trilogía maravillosa de Wong Kar-wai) y Zhang Ziyi (protagonista de “Memorias de una geisha” y “El Tigre y el dragón”), la música y la fotografía logran que batallas y asesinatos resulten movimientos perfectos casi divinos y la belleza trascienda lo físico de las acciones.

No se necesita mucha sangre para lograrlo. Una danza infinita, una coreografía natural en la que las personas luchan siguiendo órdenes, ideales, se dejan llevar por la pasión o deciden no pelear.

“Hero” encierra algunas lecciones básicas si queremos conjugar la guerra y el arte, si queremos dedicarnos a algún tipo de arte marcial. Si no viste la película tal vez sería mejor que dejes de leer.

No revelaré el final, pero citaré algunas líneas dichas por el Rey, al comprender el trazo de la palabra “Espada” de la vigésima manera de escribirse: • "Acabo de entenderlo, esta palabra no esconde ninguna destreza concreta. Sin embargo representa el arte de la espada.

El primer principio de este arte es la fusión entre el hombre y la espada, el hombre es la espada, la

Una batalla de dos oponentes o dos ejércitos puede ser hermosa si ambos bandos saben utilizar sus técnicas, dominan sus movimientos y los impulsa algo mayor que simple ambición. Algún supremo ideal. espada es el hombre. Hasta una brizna de hierba puede ser un arma" • "El segundo principio exige que cuando la espada no esté en la mano esté en el corazón, aún con las manos vacías la energía de la espada permite matar a un adversario que esté a cien pasos" • “El principio supremo del guerrero dice que con la ausencia de la espada en la mano y en el corazón, el guerrero está en paz con el mundo, jura no matar, y trae la paz a los hombres."

La primera de estas lecciones describe el dominio de la técnica, la perfección; la segunda, la posibilidad de ejecutar la técnica en cada momento, desde lo cotidiano, aún sin los materiales habituales; el tercero liberarse del instinto de agresión y dedicarse al arte de la paz.

El camino del guerrero termina en la comprensión de la paz. Porque aunque el dolor permita conectar a la gente a través del tiempo y las diferencias culturales, la armonía y la paz son propias del género humano. Sun Tzu explica claramente que un general alcanza la perfección cuando su enemigo se rinde sin presentar batalla. La cita: “Si quieres paz prepárate para la guerra” atribuida a Julio César pero propia de Flavius Vegetius Renatus es parte de una mayor: “Así pues, el que desee la paz, que se prepare para la guerra. Quien quiera conseguir la victoria, que entrene a sus

soldados con diligencia. Quien aspire al éxito que luche con estrategia, y no lo deje al azar. Nadie se atreve a provocar u ofender a quien ve como superior en el combate.”

Nuevamente la paz se manifiesta y se establece que para mantenerla, nada mejor que mantener activos y fuertes a los artistas marciales, a los estrategas capaces de alcanzar la perfección venciendo un combate que no se da, logrando que el enemigo no ataque, sin heridos, sin muertos, sin sangre, sin dolor.

La armonía es propia de la naturaleza humana madura, la guerra, un pretexto para el egoísmo.

Frases de película: “Cuando mis hijos eran pequeños, solía jugar a un juego con ellos. Le daba una

ramita a cada uno, y les decía: Rómpela.

Podían hacerlo, era muy fácil.

Luego les decía: Atenlas todas juntas y traten de rompedlas. No podían.

Entonces les decía: Esas ramitas juntas es la familia.”

(Cita de “Una historia verdadera” de David Lynch).

desde adentro

filmación de un

plano

Ilustración por Simon Cooper

Presentación de la sección Comúnmente se suele creer que el director de una película es el único personaje creativo en la producción, pero esta idea es totalmente errónea.

Si bien es cierto que el director tiene objetivos claros al crear un universo fílmico, es evidente que no es el único creativo-creador.

Desde el productor de campo hasta el creador de efectos visuales (o todo aquel que tenga parte de una producción) tienen una meta clara: la de ser creadores de una parte de la película.

Todos son creativos especializados, y colaboran con el director para que tal creatividad se pueda ver reflejada en la creación de un nuevo universo, en el que – por ejemplo - se podría narrar una historia.

Podemos quedarnos hablando por mucho tiempo de cómo se da cada uno de los trabajos creativos dentro de una producción, pero el tiempo es un enemigo poderoso, es por ello que ha nacido esta sección: “Desde Adentro”.

Ahora, todo lector podrá comprender la complejidad que hay dentro de la creación de una película, es decir, vislumbrar como un grupo de creativos, que al asociarse, hacen posible la creación del mundo de nuestros sueños.

En las tres primeras entregas de la revista hablamos de como se trabaja en los departamentos de montaje, fotografía y guión; pero a partir de la presente edición, esta renovada sección, realizará dos cosas: 1) La primera expondrá como se trabaja en cada departamento creativo de manera general, luego se profundizará en el trabajo individual teniendo como marco, su respectivo departamento especializado, y finalmente, se dará algunas recomendaciones de excepcionales trabajos en la historia del cine. Obviamente, se tendrá muy en cuenta la historia del departamento. 2) Como segundo punto, recibiremos toda clase de peticiones para lograr un mejor trabajo, que esté más a gusto con nuestros lectores*.

La filmación del plano. Un discurso hecho imágenes.

Plano secuencia, plano medio, plano cenital, plano detalle, plano imposible y Primer primerísimo plano. Toda una escala de planos que construyen el discurso audiovisual, fundamental para toda construcción cinematográfica.

Con la premisa de “Cada plano le habla al espectador”, todo el equipo creativo de la película se encarga en construir (desde su departamento, y teniendo en cuenta

el desarrollo de la película) la estructura de los planos que narrarán la película. Pero todo esto se hace siguiendo los fundamentos propuestos por una persona, el director general.

El director general de la película, sea o no un autor de renombre, tiene entre sus múltiples tareas una de importancia particular: La creación de la puesta en cámara y el discurso audiovisual. Pero para poder realizar esta labor, es necesario contar con un guión técnico.

El guión técnico difiere del guión literario, ya que en este último se hace un desglose de cada escena, se escribe en qué momento se corta y realiza un nuevo plano, como es el sonido, la puesta en cuadro, la relación entre toma y toma, la duración de la toma, los diálogos que van en ella, y muchas especificaciones especiales de cómo se construye el plano que se filma en cada una de las tomas.

Mientras que el guión técnico se construye en un formato especial de tablilla (siendo una guía esencial muy recurrente por los productores). Es preciso señalar el caso de muchos directores, enmarcados en lo que se conoce como cine de autor que no usan guion técnico, sino que optan por una guía de planos, la razón, esta alternativa da mayor lugar a la improvisación.

Pero por lo general, en el cine de autor, sí se realiza un guión técnico, aunque el tecnicismo queda relegado a un segundo plano, ya que se da

especial atención al desarrollo de la puesta en cuadro y a la composición de la misma, es decir, al cómo se construye el plano, qué se comunica, el por qué de comunicarlo en un plano especifico, la duración y ejecución del plano, etc. Todo esto da pie a la comprensión del cine como un arte, ya que cada plano comunica algo especial, cada movimiento de cámara, su duración, la composición, los colores que se usan en el plano, como se ilumina, y en general, cualquier parte de este trabajo, forman parte de un proceso creativo sensible.

El directo, además, realiza un sencillo “storyboard”, con el cual se da la construcción de la composición del plano. (básicamente, como se distribuirán los objetos en dicho plano) Los storyboards complejos y bien diseñados se usan en animación. Es por esta razón que todo director, director de fotografía y director de arte de cine tienen que tener conocimientos en pintura y composición de imagen, ya que su trabajo se basa en “pintar cuadros en movimiento” (Esto es algo que ya hemos dicho anteriormente, pero seguiremos recalcándolo) El director presenta su propuesta al productor para que su proyecto sea aprobado, para ello se tiene en cuenta los criterios de posibilidad de cada plano. También lo presenta al director de fotografía para desarrollar la propuesta fotográfica, además de la realización y ejecución factible de cada plano. Por último, se trabaja con el director de arte para lograr

construir la propuesta artística y escenográfica, y finalmente, poder recrear el universo en el que se desarrolla la película.

Existe una completa escala de planos que han ido evolucionando en paralelo a la historia del cine; aunque es “El plano secuencia” el verdadero desafío en la producción y dirección de la película. Su ejecución es compleja y toma tiempo. El trabajo de fotografía tiene el reto de acomodar la iluminación y los movimientos de cámara; el trabajo en arte debe diseñar la forma en que cada movimiento de cámara sea posible y que el espació no resulte ahogante; el sonidista y el microfonista deben captar el sonido en movimiento, y no perder ni dejar fuera ningún sonido importante para la película; y el reto del director es hacer posible la fluidez entre el plano secuencia y los siguientes planos (que pueden que sean planos secuencia o no).

RECOMENDACIONES

DE PELICULAS CON UN BUEN CONSTRUIDO DE DISCURSO

AUDIOVISUAL.

1) Construcción con un gran número de planos (que van desde planos detalles hasta planos generales abiertos): Inglourious Baterds (Quentin Tarantino) The Good, The Bad, And The Ugly (Sergio Leone).

2) Discurso basado en planos detalles (fragmentos o cosa pequeñas): Alicia En El País De Las Maravillas (Jan Svankjmajer) 3) Discurso basado en primeros planos (rostros): Her (Spike Jonze) 4) Discurso basado en planos medios (De la cabeza al vientre):Jiles Et Jim (François Truffaut) 5) Discurso basado en planos americanos (De la cabeza a las rodillas): The Good, The Bad, And The Ugly (Sergio Leone).

6) Discurso basado en planos generales (cuerpo completo):Eyes Wide Shut (Stanley Kubrick) 7) Discurso basado en planos panorámicos (lugar completo):2001: A space Odyssey (Stanley Kubrick) 8) Construcción con planos secuencias fluidos: The Turnin Horse (Bela Tarr)

Proximamente:

La dirección de arte: El diseno de la magIA Así que no olvides escribir a Zona 7. Se tendrán en cuenta tus opiniones, recomendaciones, sugerencias o consejos.

PERFILES DESAPARECIDOS

RAUL JULIA

“Homero Adams” R

aúl Rafael Juliá, conocido como “Raúl Juliá” nació en San Juan, Puerto Rico, el 9 de marzo de 1940 desde niño descubrió su amor por la actuación y al llegar a la universidad (en Puerto Rico) se decidió por ésta profesión. Tiempo después, se trasladó a Estados unidos persiguiendo su sueño.

A PESAR DE SUS NUMEROSOS LOGROS EN EL TEATRO, JULIÁ ES MÁS RECORDADO POR SU TRABAJO EN EL CINE. Actuó en El beso de la mujer araña (1985), con William Hurt, interpretando a un preso político. Julia ganó mucha aclamación crítica para este papel.

Más adelante y dejando al descubierto su versatilidad como actor, tomó un giro cómico participando en “La familia Addams” (1991) y su secuela en (1993), obteniendo un gran éxito comercial y hasta el día de hoy…¿Quién no conoce su papel cómo Homero Adams?

Después de sufrir un derrame cerebral, las complicaciones llevaron a

Juliá a la muerte, el 24 de octubre de 1994 en el North Shore University Hospital, en Manhasset, Nueva York, con tan solo 54 años de edad y con una gran carrera por delante.

7 recom del di

bio 7

2. T

david lynch

David Keyth Lynch. Nace el 20 de enero de 1946, en Missoula, Montana, Estados Unidos. Debido al trabajo de su padre en el ministerio de agricultura, David creció en un ambiente lleno de naturaleza, entre parques nacionales y reservas forestales, por lo que el pequeño, no poseía muchos amigos de su edad, sin embargo era un joven bastante normal, según lo asegura él mismo: “Era un chico completamente normal. Por supuesto que a todos nos gusta pensar que uno es diferente y único… “Según estudiosos y biógrafos, Lynch recuerda su infancia y se expresa de ella cómo algo utópico, dónde no habían mayores problemas, sus padres nunca peleaban y la mayor queja que podía tener, era por sus constantes cambios de domicilio.

Para la edad de 19 años, comenzó a estudiar en diferentes escuelas de arte, pero las abandonaba. Fue en 1965 que ingresó a “Pennsylvania Academy of Fine Arts” de Philadelphia, en ése pe-

mendaciones

irector 1. Mulholland

Dr. The Straight Story 3. Blue Velvet 4. Eraserhead 5. Elephant Man 6 Lost Highway 7. Inland Empire

.

riodo es cuando Lynch asegura que encontró su camino y su estilo tomó forma.

Así realizó su primer corto titulado: Six Men Getting Sick ("Seis hombres enfermos") (1966).

Descrito por él mismo cómo "57 segundos de desarrollo y pasión, y tres segundos de vómito". Con éste trabajó logró ganar la competencia anual de la Academia. Éxito que le motivó abordar su segundo cortometraje: The Alphabet.

En 1971 se trasladó a “American Film Institute Conservatory” dicha institución le concedió $10.000 para que realizara su primer largometraje “Eraserhead” sin embargo éste dinero no fue suficiente para concluir su proyecto.

David pasó un periodo de tiempo en el que tuvo que pedir dinero a amigos y familiares e incluso trabajando hasta vendiendo periódicos,

¿SABÍAS QUÉ..?: En Mulholland Drive, como David Lynch no quería que nadie se quedra sin entender la película, llego a decir 10 pistas para conseguir resolver el miserio: 1 - Pongan particular cuidado al inicio de la película, por lo menos 2 pistas son reveladas antes de los créditos.

2 - Consideren lo que sucede en las tomas de la lámpara roja.

3 - ¿Pueden recordar el título de la película para la que Adam Kesher está audicionando actrices? ¿Se menciona de nuevo?

4 - Un accidente es un evento terrible... consideren el lugar donde ocurrió el siniestro.

5 - ¿Quién entrega una llave? ¿Por qué?

6 - Presten atención a los siguientes objetos: un cenicero, una taza de café y una alfombra.

7 - ¿Qué sucede dentro del club “El Silencio”?

8 - ¿El talento fue lo único que ayudó a Camilla?

9 - Noten qué sucede con el hombre que está detrás de “Winkies” 10 - ¿Dónde está la tía Ruth?

para al fin terminarla en 1977. La película sombría y grotesca estuvo alejada de las exhibiciones comerciales, sin embargo después de mucho esfuerzo su distribuidor lo consiguió, convirtiéndola en todo un clásico, los críticos la catalogan como una obra maestra, incluso el mismo director Stanley Kubrick afirmó que era una de sus películas favoritas de toda la historia del cine.

Una curiosidad de ésta película, es que el realizador Wnunca ha querido explicar cómo fue elaborado el grotesco bebé, aunque hay muchas leyendas alrededor de esto, Lynch nunca se ha referido al tema.

El productor Mel Brooks se interesó en el trabajo de David, contratándolo para dirigir un biopic sobre Joseph Merrick y así llevó a cabo la película “The Elephant man” (El hombre elefante) la cual logró un gran éxito comercial y ocho nominaciones al Oscar, incluyendo el de mejoW director y mejor guión adaptado para Lynch.

Proseguida por un gran fracaso comercial como resultó “Dune” (1984) logrando opacar un poco al director mas no derrotarlo, ya que después de probar suerte en muchos otros proyectos (incluyendo televisión) el director volvió a sorprender a la crítica con trabajos excepcionales que hoy en día colocan a David Lynch, cómo uno de los directores más aclamados del medio.

“IRíA AL INFIERNO POR TI” Lo, película del debutante TravisBetz (2009) es una pelicula interesante, con un presupuesto pequeno y una idea no muy novedosa; pero con un resultado digno de recomendar.

Esta promesa de amor, esta idea un tanto descabellada, infantil, difícil de comprobar; que en más de una ocasión ha salido de los labios de algún incauto enamorado. ¿Qué ocurre si de repente nos vemos obligados a cumplir aquella promesa?, ¿Estaríamos dispuestos a arriesgar nuestra alma por alguien más?, ¿El amor lo es todo?, ¿El amor…es suficiente?

Lo, nos plantea esa situación. Justin se en cuentra en un momento desesperado, April, su amada, acaba de ser secuestrada por un demonio; nuestro protagonista, sin pensarlo dos veces, toma un libro propiedad de April e invoca a un demonio (Lo) para que realice una tarea: Ayudarlo en el rescate de su amada, pero bueno, los demonios no son seres tan fáciles ¿Cierto?, Lo no desea cooperar, ¡Oh!, Justin, ¿En qué te metiste?

La premisa no es nada novedosa. Virgilio fue al infierno por su amor (si hablamos de poesía, metáforas, esa es la mayor forma de demostrar un sentimiento) Así parece, que la complejidad en la relación del joven sin instinto de conservación,

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que arriesga su vida por amor; y la del demonio, que desea devorar almas inmortales, es muy simple.

La trama sencillamente se desenvolverá de un modo predecible.

El motor de la búsqueda del joven no pudo ser más puro, el amor es lo que impulsa su deseo, un deseo que no está claro ni para él, pero está seguro de su objetivo, aunque con un profundo miedo que involucra el perder a su amada.

En concreto, Justin está condenado a la locura. Lo, el demoniaco guía es el estereotipo de un demonio, sarcástico, brutal e inmisericorde.

Otro punto a favor es la profundidad de los diálogos, será inevitable imaginarse una situación similar; luchando contra un ser que debe ayudar pero sólo quiere arrastrarte al eterno sufrimiento.

El diálogo que existe entre ambos es profundo, intenso. Al final, solo hablamos de un mortal que experimenta un sentimiento único que el alma inmortal del otro no logrará experimentar.

Betz lidió con la falta de presupuesto de una manera muy creativa, el ancho de la pantalla se reduce a los dos protagonistas, con unas agradables incursiones de varios secundarios que rompen la monotonía del diálogo.

La estética y la ambientación que se logran crear, acompañada de la visión del infierno, son muy novedosas, bien ejecutadas, llegando a librar la falta de presupuesto.

El maquillaje es maravilloso, la película fue rodada en sólo tres días.

Vamos al lado que podría generar inconvenientes, el ambiente es muy teatral, realmente es como si se presenciara una obra de teatro, los cambios en el ritmo pueden llegar a ser intolerables para algunos.

También la parte dónde se musicaliza la película, es sabido que no todos toleran los musicales.

Pero, hombre, ¿Por qué vienes a hablar de amor en Zona Terror?

Por supuesto que esta película es una oda al amor - creo que es la palabra que más he repetido en la reseña.

Esta obra retrata la desesperación de alguien que está perdiendo al ser más importante de su vida, es la odisea de un simple mortal que enfrenta las fuerzas del infierno por un solo beso, un abrazo; es la maravilla de aquellos sentimientos que no podemos entender, ni reprimir, que nos impulsan a enfrentar a lo desconocido.

Para alguien que está seguro de que quiere perder todo por otro ser ¿Realmente le producirá pavor ser destripado por un demonio?

Lo es la película que logra combinar el elemento romántico y fantasioso/terror de una manera exitosa.

Algo que se debe ver para juzgar.

zona terror

Ficha técnica: Género: Thriller/ terror/Ciencia Ficción País: Canadá/ Reino Unido Año (1999).

Director: David Cronenberg.

Intérpretes: Jennifer Jason Leigh, Jude Law, Ian Holm, Willem Dafoe, Don McKellar, Callum Keith Rennie, Christopher Eccleston, Sarah Polley, Robert A. Silverman, Oscar Hsu. Fotografía: Peter Suschitzky.

Montaje: Ronald Sanders.

sci-fi El autor, la película y su tiempo: David Paul Cronenberg es un director y guionista de cine, nacido en Toronto (Canadá) el 15 de marzo de 1943.

Es uno de los principales exponentes del denominado horror corporal, el cual se sirve de explorar los miedos humanos ante la transformación física y la infección. Además, inaugura y abandera el concepto de la “nueva carne”, eliminando las fronteras entre lo mecánico y lo orgánico.

En sus películas, usualmente se mezcla lo psicológico con lo físico. En la primera mitad de su carrera exploró estos temas de la mano del género fantástico, a través del horror y de la ciencia ficción, aunque posteriormente su trabajo se vio ampliado más allá de estos géneros.

Junto a John Carpenter y a Wes Craven se le ha llegado a considerar como parte del grupo “Las tres C” del cine de horror contemporáneo.

En 2002, fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá.

exi Análisis dramático: ¿Qué nos cuenta?

La película pone en tela de juicio los límites de la realidad y la ficción, presentándonos un grupo de jugadores de videojuegos que pasarán a formar parte de la primera experiencia de realidad virtual con la nueva tecnología de consolas orgánicas propuesta por Allegra Geller, quién es reconocida como la mejor diseñadora de videojuegos del mundo.

Allegra en su seminario de Anntena (Productora del juego) les explica de una forma un tanto indirecta y desconcertante, que los jugadores de ExistenZ entran en un estado de trance en el cual se acepta muy poco la realidad.

Al grupo de jugadores se les instalan una especie de cordones umbilicales en sus bio – puertos (una especie de agujero en la espina dorsal) que los conectan con las consolas, aparatos electrónicos integrados con sistemas orgánicos que funcionan con energía humana.

istenz Como espectadores novatos, creemos que el juego dará inicio al poner en marcha la consola y que los 12 jugadores junto a la diseñadora experimentarán una aventura increíble, pero sin embargo, este juego ha iniciado mucho antes de la presentación de ExistenZ. Un imprevisto desencadena la trama de la historia, alguien no invitado ingresa al seminario con una extraña arma indetectable por la seguridad, y dispara a Allegra.

Como espectadores seguimos la perspectiva de Ted Pikul, el guardia de seguridad, quién interpretando un rol detectivesco, busca desentrañar los misterios del juego.

Durante toda la historia que se narra, y de la cual los jugadores forman parte, cada personaje presenta un rol, acciones y líneas de guión determinados.

Pienso que Cronenberg utiliza un tono sexual y seductor con metáforas hacia los órganos

sexuales femeninos, presentándonos las consolas orgánicas, los bio – puertos, los cordones umbilicales e incluso a Allegra con una clara alusión a la dependencia asociada al placer, del cual la principal víctima es el hombre (mayor público objetivo de los videojuegos).

En ningún momento he sentido que los personajes estuvieran en la realidad, fuera del juego, pero es aquí donde me planteo las preguntas ¿A qué podemos llamarle realidad? ¿Qué es lo correcto? ¿En quién podemos confiar?

Explícitamente no nos dice nada, pero creo que toda la película ayuda a concientizar sobre el poder que puede ejercer alguien más conduciendo nuestra forma de pensar o basándose en hilos de argumentación “aparentemente lógicos” para llegar a poner en duda nuestras decisiones y nuestra independencia.

Análisis Formal: ¿Cómo lo cuenta?

En cuanto al color y el ambiente, la estética visual de toda la película es realista, se cuida el uso de planos detalles. Estos ayudan a desentrañar misterios de la trama, centrando nuestra atención en determinados objetos, como en el caso de los “patines” de Allegra; la lapicera de Hugo Carlaw (Vendedor de juegos), o incluso en los carnet de identidad de los personajes y los bio – puertos de los jugadores.

Dado la importancia que cobran los diálogos del juego, la mayor cantidad de planos son emocionales, cerrados desde planos medios hasta primeros planos (travellings).

Los efectos de sonido también destacan, casi tanto como los disparos del arma orgánica o el funcionamiento de la consola, que proporcionan una sensación de vivacidad latente.

La música ambiental se ajusta perfectamente a los momentos de acción, por ejemplo, en el local de comida con el cocinero, o en algunas secuencias de seguimiento (que nos envuelven en un clima de misterio y búsqueda de respuestas). Finalmente, predominan siempre los sonidos naturales: aves, grillos y folleys.

1

lost H (David Lyn

3L’age d’or 4

(luis buñuel, 1930)

conspirations of pleasure (Jan Svankmajer, 1996)

5

orphee (Jean Cocteau, 1950)

Las mejore

7

edmikrasky ( Vera Chytilova, 1966)

6.

Skazka skazok (Yuriy

Norshteyn, 1979)

2

THE TRIAL (ORSON WELLES, 1962)

top 7

Highway nch, 1997)

es peliculas surrealistas

ilustraci贸n por Marc Laming

Detrás del

Héroe

Jhon

Constantine Creado en 1985 por el gran Alan Moore, para el cómic, Swamp Thing (la cosa del pantano).

Ocultista británico, cínico de moral gris, desinteresado por la vida, fumador y bebedor compulsivo, adicto al sexo, mentiroso, mezquino, tirado, con un preocupantemente parecido al cantante Sting. ¿Qué más se puede pedir? ¿Cómo no amarlo?

Gracias a estas características, en 1988, bajo el consentimiento de Moore, pasó de ser un personaje secundario en Swamp Thing de DC comics, a ser publicado como protagonista en Hellblazer, de la Editorial Vertigo, con Jamie Delano como guionista, John Ridgway de dibujante y Dave McKean como encargado de las portadas.

Es normalmente mostrado vistiendo una gabardina de color café oscuro y corbata, atuendo que no ha sido cambiado desde el inicio de la serie. Y es uno de los pocos personajes de cómic que envejecen en tiempo real, alcanzando ya 60 años.

A pesar de que Delano solo tenía planeado darle un año de vida al Hellblazer, este se consolidó como uno de los proyectos más longevos de la línea

Vertigo, un total de 25 años de publicación, que llegarían a su fin en el 2013, cuando DC Comics cerró la serie en la entrega número 300 de la colección, con la línea argumental Death and Cigarretes (Muerte y Cigarrillos), para dar paso a otros proyectos donde deseaban el personaje.

En el 2005, Francis Lawrence nos hace entrega de una versión cinematográfica del cómic donde el actor no rubio y nada parecido a Sting, Keanu Reeves , interpreta una aceptable versión no degenerada ni tan viciosa de John Costantine.

“Yo soy quien camina desde las sombras, todo gabardina, cigarro y arrogancia, listo para lidiar con la locura. Lo tengo todo cocido. Yo puedo salvarte. Si toman la última gota de tu sangre, me llevare lejos a los demonios. Voy a patear sus cojones y escupir sobre ellos cuando estén abajo. Y entonces me iré de nuevo a la oscuridad, dejando sólo un gesto, un guiño y un chiste. Ando mi camino solo... ¿quién querría caminar

conmigo?”.

cinema italiano El Evangelio segun

san Mateo Pier Paolo Pasolini Italia. Cuna de importantes producciones que a través de la historia, han dejado huella en la cultura cinematográfica.

En éste espacio, a través de cada edición, deseo recomendar, ésas joyas eternas de mi querida Italia.

En ésta ocasione les presento una maravillosa obra del director Pier Paolo Pasolini.

Il Vangelo secondo Matteo (El evangelio según San Mateo) 1964.

Durante 137 minutos, Pier Paolo Pasolini nos expone (cómo guionista y director) una visión de la vida de Cristo, desde una perspectiva más humana, dejando de lado lo divino y religioso, Pasolini nos regala una obra dónde nos encontramos con un Jesús (protagonizado por Enrique Irazoqui) más sensible a la humanidad, a la injusticia social. Siendo un idealista, poeta, con una sensibilidad que le caracterizó a través de su vida y obra, y que, también era atéo, nos muestra precisamente eso, la historia de Jesús, alejando la “divinidad” que el cristianismo nos muestra desde sus inicios,

mas honesta desde el punto de vista humano, dónde impera el deseo por ayudar al prójimo, al necesitado. Una historia narrada con mucha sencillez, cargada de primeros planos, espacios de silencio y de miradas profundas y perdidas, que nos acercan a los sentimientos humanos, al deseo de lo sagrado. Nos aleja de la idealización de cristo pero, sin embargo, mantiene una maravillosa fidelidad al libro y centrada precisamente en los textos y parábolas biblicos.

La música a cargo de Luis Bacalov juega un papel casi poético, aportando un ambiente sensible y honesto, utilizada en cada plano, con una increíble justicia.

Un increíble casting bien logrado, dónde los actores carecen de drama, es cómo un fluir poético y estético que no intenta más que contar una historia sincera.

Si bien es cierto que la historia de Jesucristo es bien conocida, ésta es una película que todos debemos de ver, sin importar religión o si incluso no la tiene (cómo el mismo director).

“El evangelio según San Mateo” una película del periodo neorrealista Italiano, imprescindible para cualquier amante del cine y sobre todo, para el que como yo, disfruta en gran manera del cine de Pasolini.

os

t i d é cr

Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:

Jose Bueno/ Miguel Gil

Artículos: Desde Adentro: Leonardo Mancilla • Zona Terror: David Gomez • Detrás del héroe: Jose A. Drucker • 7+1: Miguel Gil • Sci-Fi: Santiago Faraldo • Cine de Italia: Diego Ravizza• Top7: Victor Morales• Diseño: Katerin Dueñas.

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