Decima Edicion

SEPTIEMBRE 2014 / ED. 10

revista

DESDE ADENTRO/

MAQUETA Y ORDENADOR:

DISEﾃ前 DE EFECTOS VISUALES

especial

dia del niﾃｱo

¡feliz día de los niños! ¡Feliz día de los niños!

Entre los meses de Junio y Septiembre se celebra en muchos países uno de los eventos más importantes del año: El día de los niños. Así que... ¡Nosotros también festejamos!

Cuando decidimos realizar una edición especial dedicada a los niños inmediatamente nos inundó una gran ilusión, nos emocionamos y comenzamos a pensar como ellos. ¡A toda marcha bucaneros!

Escritores, redactores, diseñadores y demás, han trabajado con una gran sonrisa para llevar a cabo ésta edición, en honor a ellos, a los niños de hoy y a los que llevamos dentro, a la magia con la que llenan al mundo y a la sabiduría que nos regalan.

Citaré el hermoso poema de Enrique Rambal en sus “Cartas a mi hijo” porque es la que considero la mejor descripción de éstos maravillosos seres:

¿Qué es un niño?

“Entre la inocencia de la infancia y la edad de la madurez, encontramos una criatura encantadora llamada niño.

Los niños vienen en diferentes medidas, pesos y colores, pero todos tienen el mismo credo: disfrutar cada segundo, de cada minuto, de cada hora, de cada día y de protestar ruidosamente (su última arma) cuando el último minuto se termina y los padres los meten a la cama.

A los niños se les encuentra dondequiera: encima, debajo, dentro, trepando, colgando, corriendo o brincando.

Las mamas los adoran, las niñas los detestan, los hermanos mayores los toleran, los adultos los ignoran y el cielo los protege.

Un niño es la verdad con la cara sucia, la belleza con una cortada en el dedo, la sabiduría con el chicle en el pelo, y la esperanza del futuro con una rana en el bolsillo.

Cuando estas ocupado, un niño es un carnaval de ruido desconsiderado, molesto y entrometido.

Cuando quieres que de una buena impresión, su cerebro se vuelve de gelatina o se transforma en una criatura salvaje y sádica orientado a destruir el mundo y a sí mismo.

EDITORIAL Un niño es una combinación: tiene el apetito de un caballo, la digestión de un traga-espadas, la energía de una bomba atómica, la curiosidad de un gato, los pulmones de un dictador, la imaginación de Julio Verne, la vergüenza de una violeta, la audacia de una trampa de fierro, el entusiasmo de una chinampina y cuando hace algo tiene cinco dedos en cada mano.

Le encantan los helados, las navajas, las sierras, las navidades, los libros de historietas, el chico de enfrente, el campo, el agua (pero no en la regadera), los animales grandes, papa, los trenes los sábados por la mañana y los carros de bomberos...

Le desagrada las clases de doctrina, estar acompañado, los colegios, los libros sin ilustraciones, las clases de música, las corbatas, los peluqueros, las niñas, los abrigos, los adultos y la hora de acostarse.

Nadie más se levanta tan temprano, ni se sienta a comer tan tarde.

Nadie más se divierte tanto con los árboles, perros y la brisa.

Nadie más puede traer en el bolsillo, un cortaplumas oxidado, media manzana, un metro de cordel, un saco vacío, dos pastillas de chicle, seis monedas, una honda, un trozo de sustancia desconocida y un auténtico anillo supersónico con un compartimento secreto.

Un niño es una criatura mágica.

Puedes cerrarle la puerta de tu despacho, pero no puedes cerrarle la puerta del corazón.

Puedes sacarlo de tu estudio, pero no puedes sacarlo de tu mente.

Mejor ríndete, -es tu amo, tu carcelero, tu jefe y tu maestro-, una carita sucia corretea gatos, un manojito de ruido.

Pero cuando regresas a casa por las noches, con tus sueños y esperanzas hechas trizas, el puede remediarlas y dejarlas como nuevas con dos mágicas palabras: ¡HOLA, PAPITO ¡” Ellos nos recuerdan cómo debemos andar por la vida, son la magia, el color, la alegría, la valentía, el aroma, la ilusión, la imaginación, el perdón, el amor, la sencillez... Son lo que fuimos y lo que nunca debemos dejar de ser. Por eso no podíamos dejar pasar ésta celebración tan importante, estoy complacida del resultado y de la experiencia tan hermosa de hacer algo para ellos. “¡Pero no muchos niños podrán verla!” fue mi primer pensamiento, hasta que luego recordé algo que lamentablemente los adultos llegamos a olvidar en algún momento: Todos conservamos al niño que una vez fuimos.

Eileen Gamboa Navarro Directora editorial www.revistazona7.com zona7.revista@gmail.com

CONTENIDO DESDE ADENTRO/ MAQUETA Y ORDENADOR: 6 dISEIÑO DE EFECTOS VISUALES Y LA CREACIÓN DE EFECTOS ESPECIALES DIGITALES ZONA TERROR/ le magasin des suicides 14 stoker 16 TOP 7/ películas infantiles 18 CINE ASIÁTICO-ORIENTAL/ sailor moon 22

MÚSICA EN EL CINE/ música para recordar: 24 El Rey león ANIMACIÓN/ especial: "the long tomorrow" 26 la era de hielo

EXTRAS tributo a robin williams 36 CHUK AND GEK 40 SCORSESE: la CREATIVIDAD DE UN 3 NIÑO

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DESDE ADENTRO

En nuestra sección conmemoramos el día del niño dedicando esta edición a uno de los atractivos visuales que más gusta al público infantil, que atrae a miles de nuevos ojos y mentes que se maravillan con la delicadeza y potencia visual de una de las inventivas creativas propias del séptimo arte, los efectos visuales.

No es una mentira que a gran parte del público amante del cine que desarrolló tal gusto desde su infancia concibieron tal gusto por la dimensionalidad que permite este arte. Historias acontecidas en otros mundos, en otros tiempos, en otras realidades, con personajes maravillosos antes solo posibles en la imaginación que en el cine de varios géneros cobran vida y construyen historias maravillosas que ninguno de estos pequeños espectadores olvidará a lo largo de su vida.

Historias que guardará como parte del patrimonio de las cosas maravillosas y valiosas qué ha visto a través de su vida.

El valor de estas películas que usan efectos visuales y especiales para dar como resultado historias valiosas que trasciende las fronteras de lo imaginable, tal como lo hace la increíble imaginación de un infante, y es allí en la imaginación de un infante donde dan comienzo estas historias.

El arduo trabajo que lleva la creación del universo diegético construido en base de efectos visuales y especiales es trabajo de todos los departamentos de la producción. Desde la visión del guión, concretada por el director y construida desde el departamento de arte, coloreada, embellecida y conceptualizada por el departamento de fotografía, y concebida por los departamentos de efectos especiales y de post-producción. Este trabajo, como todos los de una producción, es posible por el trabajo en grupo; de otra forma no sería posible.

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REVISTA ZONA 7

Maqueta y ordenador:

Diseño de efectos visuales

y la creación de efectos especiales digitales EL DISEÑO DE LOS EFECTOS VISUALES. Para la creación de todos los elementos de la puesta en escena (decorados, escenografía, ambientación utilería, vestuario, maquillaje, color y luz y la proxemia de los personajes), se debe (como ya fue explicado cuando vimos la dirección de arte) realizar “diseños de arte”.

Son planos y plantillas que construyen espacialmente la totalidad del universo diegético de la película. Hablamos de totalidad cunado nos referimos a lo que será encuadrado y visto en la película.

Aquí llega un gran dilema. Cuando los decorados no son factibles ni fáciles de construir, o simplemente no se pueden construir (por presupuesto o por espacio y temporalidad) ¿Qué es lo que debe hacer el director de arte? El director de arte junto con el diseñador de producción diseña todo el universo diegético, sin importar las posibilidades. Presentan los diseños al director y al director de fotografía, ellos harán correcciones y darán el visto bueno. Y el problema pasara a manos del productor que determinará cómo se construirán los decorados y bajo qué técnica, si con maquetas o por ayuda del ordenador.

Los criterios en los que se basa el productor dependen del presupuesto de la película y de las propuestas de imagen de la película que fueron estipuladas por el director, el director de fotografía y el director de arte durante la preproducción. Si está bajo las posibilidades del ordenador crear tal universo siendo fiel a las propuestas de imagen y es más barato y no se corren riesgos grandes, entonces se tomará tal decisión. Si los efectos visuales de maqueta resultan más económicos, más fieles a las propuestas de imagen y no se corren riesgos con su desempeño. Entonces esta será la decisión tomada.

Un ejemplo importante es el de los libros inadaptables al cine. Dos de ellos tuvieron adaptaciones muy actuales que demostraron que la imposibilidades solo existen en las mentes incapaces, no en las mentes creadoras de cine. La trilogía de El señor de los anillos de Peter Jackson (2001, 2002, 2003) y La vida de Pi de Ang lee (2012) (sin dejar de lado a muchas otras épicas como estas).

Los libros en los que se basan estas películas fueron tildados de inadaptables durante muchos años por sus historias complejas cuyos paradigmas narrativos se pensaba no eran fáciles de plasmar visualmente, sus altísimos costos y posibilidades de producción, que con solo leer los libro tomaría años a cualquier productor lograr conseguir tal cantidad de dinero, pero sobretodo, por la construcción de los universo diegético, todos y cada uno de los sets (incluso haciéndolos en maquetas) demandaría una complejidad de efectos y diseños nunca antes vistas.

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DESDE ADENTRO Ambas películas se lograron por la visión y determinación de ambos cineastas, que duraron años trabajando con sus equipos para lograr tales imposibilidades, tomaron años sus guiones, sus preproducciones y el tiempo de las filmaciones por ser tan ambiciosas.

También tomaron años los diseños, que para el caso de la trilogía de El señor de los anillos se alimentó de efectos visuales de maqueta y efectos especiales de ordenador, y para el caso de La vida de Pi se logró enteramente por animación digital. De esa manera lograron construir los universos de estas películas, tomando mucho tiempo, trabajando en equipo y haciendo el mejor trabajo que cada uno de los miembros pudo dar.

En el caso de los efectos visuales (efectos concebidos en el set por medio de la óptica, por lo cual también son llamados efectos ópticos o fotográficos), se crean planteándose desde la preproducción, durante en trabajo de planteamiento de creación de la imagen (que aquí tanto hemos explicado) en la que después de presentados los diseños de arte y tomada la decisión del productor de determinar mediante cual técnica se Se pasa al trabajo de diseño de construirá el universo diegético de la película, y la decisión tomada es me- efectos visuales en el que el direcdiante efectos visuales en set mejorados tor de arte se reúne con el director de fotografía y con un desarrollaen post-producción. dor de efectos visuales para determinar cómo serán concebidos tales efectos en el set. El director de arte planteará la construcción de las maquetas con las que se presentaran mediante grandes planos generales los lugares donde se desarrollarán las situaciones en la película.

Por lo general es de esta manera como comienzan las situaciones en la películas, presentando el lugar y también cuando se da una batalla épica o algún otro acontecimiento que tenga que ser visualizado por medio de grandes planos genera8

les. También planteará la creación los sets en los que se darán planos más cerrados, los cuales se pueden adecuar con decorados. El director de fotografía determinará de qué manera se darán los efectos ópticos para tales encuadres, desde que óptica usar hasta como serán iluminadas la maquetas para que se vea como un lugar real. También ambos plantearán qué ajustes deban ser dados en la post-producción, desde correcciones de color muy ambiciosas para terminar de construir estos lugares como lugares reales, hasta encajamiento de imágenes y cortes sobre acción, técnicas creadas por el mismísimo Méliès y que permiten poner y multiplicar personajes y objetos (para el caso

REVISTA ZONA 7 MEDIANTE ESTA TÉCNICA SE HAN CONCEBIDO LOS UNIVERSOS DE ÉPICAS HISTORIAS QUE VAN DESDE BEN HUR (1959) HASTA GLADIADOR (2000), SIN DEJAR DE LADO A LAS ÉPICAS STAR WARS IV, V Y VI, Y PARTE DE LOS EFECTOS VISUALES DE LA TRILOGÍA DE EL SEÑOR DE LOS ANILLOS. Y NO SOLO EN PELÍCULAS FANTÁSTICAS O DE CIENCIA FICCIÓN. TAMBIÉN HAN SERVIDO PARA LA CREACIÓN DE LOS UNIVERSOS DIEGÉTICOS DE MUCHAS PELÍCULAS DE OTROS GÉNEROS COMO LA COMEDIA, EL DRAMA Y EL ROMANCE DE ALTA PRODUCCIÓN E INCLUSO DE AUTOR (EJEMPLOS: SACRIFICIO DE ANDREI TARKOVSKY, THE IMPOSIBLE DE JUAN A. BAYONA, LES MISERABLES DE TOM HOOPER, THE GRAND BUDAPEST HOTEL DE WES ANDERSON, ETCÉTERA)

de batallas épicas y poblar ciudades) y también desaparecer objetos, determinar o igualar el tamaño de algunos personajes (esto es determinado junto al post-productor y la persona que lo asistirá, para ello está el desarrollador de efectos visuales, quien no solo servirá de asistente de post-producción en el campo de adecuación de efectos ópticos o fotográficos, sino que es el encargado de la construcción de las maquetas y adecuaciones fotografías que estas deban tener).

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DESDE ADENTRO CREACIÓN DE EFECTOS ESPECIALES DIGITALES Como se explicó en el anterior artículo, los efectos especiales son una serie de técnicas concebidas mediante procedimientos especiales que sirven para la adecuación y construcción de muchos aspectos del universo diegético, que van desde el sonido (efectos de sonido creados enteramente en la post-producción) hasta la construcción de la totalidad del universo diegético y sucesos extraordinarios no posibles de crear en producción.

Existen cuatro tipos de efectos entendidos como efectos especiales: los de sonido, los de maquillaje, los mecánicos y los digitales. Los de maquillaje y los mecánicos son los únicos concebidos en el set durante la filmación y son retocados delicadamente en la post-producción.

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Por ejemplo: los efectos mecánicos son técnicas electrónicas, mecánicas o eléctricas con las que se crean sucesos muy complejos como explosiones, choques, desplomes, etc. Cuando no se hacen en post-producción por decisión del productor ya que digitalmente no lograrían la impresión de realismo y no serían fieles a las propuestas de imagen de la película, entonces son concebidos realmente en el set mediante técnica, con un gran equipo de asesores y con un protocolo de cuidados para evitar pormenores.

Para los efectos especiales de maquillaje, creados enteramente en tiempos en off con los que trabaja el departamento de arte (horas antes de cada jornada de producción), los retoques hechos en post-producción son mínimos, Sobretodo son retoques de iluminación, contraste y color.

Los efectos especiales sonoros (conocidos como efectos de post-producción sonora) son trabajados enteramente en la post-producción, tomando referencias del sonido de captura directa realizadas en el set durante la grabación de la película.

A partir del material grabado se construye el llamado diseño sonoro que son todos los sonidos de la película mejorados, mezclados y masterizados que es mezclado con la música y demás efectos sonoros no pertenecientes al universo diegético (sonidos de librería y los ADR o Automated Dialogue Replacement que son todos los diálogos de la película recapturados en estudio para ser mejorados) para dar como resultado la banda sonora (todos los sonidos de la película).

Este proceso de dejar todo el sonido de la película hecho en post-produc-

REVISTA ZONA 7 ción basándose en las capturas hechas en set se hace en la actualidad en todas las grandes producciones por las mejoras que trae al sonido, solo en el cine independiente y aun se trabaja con el sonido directo montado en el corte final de la película. De esto hablaremos cuando en nuestra sección nos dediquemos a hablar de “el sonido”.

Para el caso de los efectos especiales digitales, son el diseño y creación del universo diegético mediante software de ordenador especiales en la creación de efectos visuales basados principalmente en diseños de animación. Para su creación el procedimiento es muy parecido al de los efectos visuales u ópticos, basándose en los diseños de arte, las propuestas de estética e imagen de la película y el presupuesto, es el productor quien determina la construcción del universo diegético. Cuando determina qué se debe hacer mediante técnicas de efectos especiales digitales; como se hace casi en su totalidad hoy en día, Aparece un sub-departamento en el proceso de postproducción que se denominaría departamento de creación de efectos especiales digitales, cuyo líder (creador de efectos especiales digitales de animación) interviene en la preproducción reuniéndose con el director de arte para construir la estética propicia de los elementos visuales del universo diegético basados en los diseño de arte, la creación de los espacios y la dimensionalidad de ellos.

Y reuniéndose con el director de fotografía para determinar el tipo, color e iluminación de las pantallas cromáticas o cromas, las iluminación de los sets, los espacios a construir efectos y los movimientos de tales espacios.

PARA SU CREACIÓN EL PROCEDIMIENTO ES MUY PARECIDO AL DE LOS EFECTOS VISUALES U ÓPTICOS, BASÁNDOSE EN LOS DISEÑOS DE ARTE, LAS PROPUESTAS DE ESTÉTICA E IMAGEN DE LA PELÍCULA Y EL PRESUPUESTO, ES EL PRODUCTOR QUIEN DETERMINA LA CONSTRUCCIÓN DEL UNIVERSO DIEGÉTICO

ilustración por Mat Pringle 11

DESDE ADENTRO

DURANTE EL TIEMPO DE PRODUCCIÓN. El creador de efectos visuales y su equipo preparan los softwares para la creación de los efectos, crean settings, capas de ajustes y demás tratamientos digitales para el material grabado. El jefe del departamento también supervisa el trabajo de arte y fotografía y hace estudios de los sets, los cromas, los dispositivos de seguimiento de movimiento y otros dispositivos que en set capturan datos que se utilizan en la creación de los efectos.

Cuando termina la producción y el material grabado está completo, los departamentos de post-producción trabajan simultáneamente para concebir el corte final de la película, el montaje comienza dando los primeros cortes y con este material montado los departamentos de etalonage (Colerización), post-producción sonora y creación de efectos especiales digitales trabajan simultáneamente la creación del sonido, los colores y los elementos visuales que construirán la película. Es un proceso que toma de 3 a 6 meses en finalizarse y que es supervisado por el director y el productor para que este producto final sea comercializado y distribuido.

Durante este proceso de post-producción en el departamento de efectos visuales digitales todo un equipo de diseñadores de animación digital trabajan en transformar los cromas en increíbles decorados de lucidez real y los dispositivos de seguimientos de movimiento en personajes y trajes con vida propia. En dar vida a la película usando software de última tecnología que van desde el Adobe After Effects (en nivel básico) hasta el cinema 4D estudio (estándar más pro12

fesional). Pasando desde pruebas con distintos diseños de animación digital, usando distintas capas de color, de materiales y de iluminación hasta llegar al resultado final supervisado por todo el equipo de construcción de la imagen (director y directores de arte y fotografía) y el productor.

Y de esta manera se finaliza con la película entregando el corte final. El diseño y creación de efectos visuales y especiales es un procedimiento que va desde el comienzo de la pre-producción hasta el final de la post-producción. De aquí nace una de las cosas que más gustan a la mirada del espectador desde chicos a grandes, la maravilla de los efectos visuales y especiales.

Hasta aquí nuestro estudio de los efectos visuales y digitales. En los próximos artículos nos seguiremos inquietando por la creación de la imagen en las películas. Comenzaremos con el departamento de fotografía y después veremos conceptos de creación de la imagen. Feliz día del niño.

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"Cuando pierdes a alguien que quieres, no desaparece.

Pasa a un lugar especial en tu corazón. Siempre estará ahí."

Frankenweenie

ANIMACIÓN/ESPECIAL ZONA TERROR

le Magasin des suicides 14

Le magasin des suicides

Ahora hay un nuevo formato en zona terror, espero que el leer dos reseñas no necesariamente opuestas de seres distintos les proporcionen una mejor perspectiva de un género tan extenso.

Ahora, después de la bienvenida, les hablaré sobre esta cinta francesa, animada, que no encaja necesariamente en lo que terror es.

Pero vamos despacio, que hablamos de un musical….(DIOS MIO).

Los musicales no son del agrado de todos, es uno de los géneros más difíciles de explotar, debido a que no están relacionados con un público maduro.

Es difícil sobrellevar la trama porque les parece bastante pesado a muchos el lograr llevar el ritmo no sólo de una canción, sino de varias. Si los diálogos en ocasiones resultan pesados, el tener que prestar atención a la letra hace que la experiencia musical se vuelva un tormento infinito a través del largometraje.

Esta cinta es una adaptación sobre una novela homónima, en un mundo lleno de desesperanza y soledad, donde el suicidio es visto cómo algo natural; una familia emprende un negocio virtualmente exitoso:

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Una tienda que surta a los futuros cadáveres con los instrumentos que faciliten su muerte.

Las cosas se complican cuando un nuevo integrante se une a esta familia…Un bebé que trae consigo la esperanza y felicidad que el mundo necesita. El negocio peligra y con él la estabilidad del núcleo familiar.

Con una trama novedosa y una animación maravillosa, esta es una de esas historias que terminas odiando u amando, sin punto intermedio. El mensaje alentador que contiene la cinta no puede ser del agrado de todos y fácilmente se llega a considerar empalagosa…Pero que vale la pena.

Estamos ante una oda a la vida, a la muerte, una visión distinta a lo que uno está acostumbrado sobre la muerte (por ejemplo, como mexicano, la muerte oscura y siniestra no existe más que en películas de terror).

Si se rompen los estereotipos sobre lo que es un musical, sobre la animación, lo que es la felicidad y cómo se llega a ella, será una experiencia maravillosa que agradecerán, si no se sienten con ánimos de sonreír a su existencia aléjense de esto.

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ZONA TERROR

Lazos perversos (Stoker) de Park Chan-wook

STOKER

Te gustará si te gustó… Psicosis, Carrie, La sombra de una duda, Lolita, y Malas tierras, de Terrence Malick.

Una joven llamada India (Mia Wasikowska) tiene que hacer frente a la muerte de su padre, a una madre ausente y víctima del alcohol (Nicole Kidman) y a un tío (Matthew Goode) que viene de visita e introduce un componente de siniestra intriga en su entorno.

Esta es la trama en la que se desarrolla Lazos Perversos. Hasta acá parece una más de la tantas películas de suspenso psicológico, pero lo que hace que no lo sea es la maestría con que Chan-wook dirige esta cinta cargada de un drama psicológico de matices profundos con una atmósfera incesante de intriga y terror.

La película brilla porque el director consigue crear con alto nivel de estilismo y una estética sensible y seductora una historia capaz de inyectar adrenalina en momentos claves, y sugerir a base de las escenas propuestas ideas y pensamientos retorcidos que cargan misterio, sensibilidad y un toque infalible de morbo.

Cada plano es una lección de cine en una construcción de intriga que navega de manera brillante entre la reconstrucción de las novelas góticas victorianas y los guiños y homenajes a fórmulas cinematográficas que van desde el cine de Stanley Kubrick 16

hasta el cine de Alfred Hitchcock, desde Lolita con toques de El resplandor hasta Psicosis y sobre todo La sombra de una duda, película favorita de Hitchcock de la que esta película parece empeñada en convertirse en el reverso más tenebroso.

El director de la trilogía de la venganza completa su iniciación en el cine occidental sin renunciar a sus características e inquietudes como autor, al tiempo que perfila un producto de suspense milimétricamente pensado en el que incluso el menor detalle (como el protagonismo de la escalera en los planos que vinculan a tío y sobrina) adquiere características de pieza esencial del rompecabezas narrado en flashback. Hay mucha poesía y mucho toque grotesco e inquietante en este trabajo ejemplar.

Lo más flojo de todo el conjunto es una innecesaria escena de explicación de lo ocurrido con el padre que es prescindible y podría haber quedado en elipsis. A fin de cuentas "Stoker" queda clavada como un puñal, como una obra artística de horror y erotismo dotada de una excelente puesta en escena y un reparto que cumple en sus roles. No tendrá la repercusión mundial ni será acogida por todos porque es un universo de difícil penetración, pero allí, mientras India toca suavemente alguna melodía en su piano, la película nos esperará gustosa para disfrutarla.

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TOP 7 1. “tonari no totoro” 1988

2.- “le ballon rouge” 1956

3.- “fantasía” 1940

4.- “dumbo” 1941

5.- “the kid” 1921

6.- “Cesta do praveku (Viaje a la prehistoria) ” 1955

7.- “the princess bride" 1987

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4 1.- Tonari no Totoro (Mi vecino Totoro) 1988 2.- Le ballon rouge (El Globo Rojo) 1956 3.- Fantasia 1940 4.- Dumbo 1941 5.- The Kid 1921 6.- Cesta do pravěku (Viaje a la prehistoria) 1955 7.- The Princess Bride 1987

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top 7

pelĂ­culas infantiles 5

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CURIOSIDAD

Sabías que...?

En su estreno en los cines, ¨La tumba de las luciérnagas¨ estuvo acompañada por ¨Mi vecino Totoro¨ de Hayao Miyazaki en un estreno doble. Tanto Isao Takahata como Hayao Miyazaki, ambos fundadores del Studio Ghibli querían mostrar ¨la cara y cruz de la temática que ambas trataban¨. Mientras que Mi vecino Totoro iba dirigido a un público infantil, La tumba de las luciérnagas iba enfocada a un público adulto.

Hoy en día ambas son reconocidas como películas de culto.

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"Cuando yo era joven, me inventĂŠ un amigo invisible llamado Sr. Ravioli. Mi psiquiatra dice que ya no lo necesito, asĂ­ que el solo se sienta en la esquina y lee."

Mary and Max

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CINE ASIÁTICO/ORIENTAL Pero ¿por qué decidí hablar específicamente de Sailor Moon? Pues bien, este tiraje será un especial infantil, y conmemorando el 22 aniversario de Sailor Moon quisiera que juntos recordáramos uno de los mejores animes de la historia por medio de sus tres películas que ahora son todas un clásico en la animación japonesa.

Quizá te preguntes ¿por qué hablar de Sailor Moon?, pero ¿por qué no? Es un anime que han disfrutado algunas generaciones, y ha formado parte de la niñez de algunos, incluyéndome. Y como casi todos los animes clásicos este cuenta con películas. Los productores de Toei decidieron tomarse ciertas libertades para crear nuevos personajes y nuevas historias adaptándolas en tres películas.

Usagi no es más que una chica de 14 años, estudiante de secundaria, la cual un día se encuentra a una gatita negra llamada Luna que tiene la habilidad de hablar y le dice que es en realidad una guerrera que tiene como misión derrotar a todo aquel ser maligno que intente destruir el planeta Tierra, y que lo tiene que proteger junto con las demás Sailor Guerreras: Sailor Mercury, Sailor Mars, Sailor Jupiter y Sailor Venus.

Sin embargo ellas no son las únicas guardianas de la paz del planeta; Sailor Uranus, Sailor Neptune, Sailor Pluto y Sailor Saturn son también Guerreras que tienen la misma misión, pero trabajan muy independientes y tienen maneras diferentes de pensar. Durante 200 episodios repartidos en 5 temporadas los personajes vivirán amor, desamor, alegría y todo lo que conlleva una historia de anime shōjo.

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Sailor Moon R The Movie

La primera película derivada del anime. Usagi y sus amigas van juntas a una excursión a un invernadero con distintas especies florales, donde posteriormente tendrán un encuentro muy peculiar con un hombre llamado Fiore, insinuando que es íntimo de Mamoru, el novio de Usagi.

Fiore no es un joven cualquiera, es un extraterrestre que regresa al planeta Tierra por Mamoru, sin embargo no tiene muy buenas intenciones que digamos ya que quiere destruir a los humanos y al planeta, no sin antes quedarse con Mamoru. Fiore tendrá que pelear y derrotar a las Sailor Guerreras para cumplir su cometido, y para las Guerreras será un enemigo un tanto difícil de derrotar.

A mi parecer es la mejor película realizada de las tres, con una animación destacada y mejorada (sin perder el diseño original, solo resaltando los pequeños detalles que ya tenía) y una banda sonora exquisita. Y como siempre me pongo cursi y llorón como la protagonista no me es indiferente decir la manera tan perfecta y hermosa en la que te resaltan que aunque lo parezca, no estamos solos y que los amigos, los verdaderos amigos son un preciado tesoro en nuestras vidas. Podemos ser rechazados y no queridos pero seguramente hay alguien especial en nuestras vidas que hizo algo para cambiar nuestra infelicidad por un momento de gloriosa felicidad, como Usagi lo hizo sus amigas.

Sailor Moon S The Movie

Segundo largometraje derivado del anime y basada en la popular leyenda nipona “La Princesa Kaguya”. Al parecer una entidad maligna por segunda vez intenta destruir el planeta Tierra, tratando de congelarlo para aniquilar hasta la más mínima partícula de vida existente. Unos seres de hielo con aspecto bizarro empezarán a atacar a los seres humanos, pero las Sailor Guerreras no se quedarán con los brazos cerrados y lucharán con todas sus fuerzas para proteger este planeta. Solo el amor de Sailor Moon y las demás Sailors logrará destruir la entidad maligna.

La película tiene una historia hermosa de amor en general. La gatita Luna se enamora de un joven astrónomo llamado Kakeru, pero ella sabe que su amor es imposible, sin embargo sucede un milagro que tan solo dura unos pocos segundos el cual hará que Luna pueda disfrutar su amor, aunque sea un solo instante.

Cree en ti mismo, si sabes lo que quieres y sabes que no estás mal lucha por ello, no te rindas; es el mensaje que me dio la película. Según mi percepción no es tan buena película como la primera (Sailor Moon R) pero no deja de ser excepcional y maravillosa.

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Sailor Moon Sailor Moon Super S The Movie

Tercer Filme derivado del anime. Al parecer algo muy raro está ocurriendo en Tokio, los niños de la ciudad están desapareciendo y no se sabe paradero ni rastro alguno de ellos. Resulta que están siendo secuestrados por duendes que siguen órdenes de una entidad malévola de los sueños, que tiene la capacidad de manipular a los demás por medio de los sueños. Su objetivo es recolectar energía por medio de los sueños de los niños. Las Sailor Guerreras tendrán que hacer todo lo posible para destruir dicho enemigo y rescatar a los niños secuestrados.

La película nos trata de enseñar que el amor que sentimos por nuestros seres queridos puede ser capaz de brindarnos un poder extraordinario para luchar por ellos y ayudarlos en situaciones muy difíciles e incluso peligrosas. De las tres entregas ésta me parece la película menos buena de Sailor Moon, ya que me resulta muy infantil y de una manera exagerada, la historia no cuaja muy bien. Tiene aspectos positivos por supuesto y es entretenida pero pudieron haber hecho una mejor historia y un mejor trabajo, aun así es aceptable, pero no tanto como las anteriores.

Sailor Moon pasó a la posteridad del manga y la animación con una historia de amor increíble y mensajes excepcionales, el principal es el que las mujeres son guerreras de la vida y son importantes en la sociedad; esta historia le da la importancia que merece al género femenino e inspiró otras series de animación. Hablando de sus filmes, quizá no sean parte de las películas animadas reconocidas como las mejores, pero tendrán un lugar muy especial en la animación japonesa y sobre todo, en nuestros corazones.

Sailor Moon R The Movie”. Año; 1993 dirigida por Kunihiko Ikuhara “Sailor Moon S The Movie”. Año; 1994 dirigida por Hiroki Shibata “Sailor Moon Super S”. Año; 1995 dirigida por Hiroki Shibata País: Japón Estudio: Toei Animation Idea original: Naoko Takeuchi 23

MÚSICA EN EL CINE

El rey león es una de las películas infantiles más mencionadas tanto por niños como adultos y para algunos uno de los episodios más dramáticos del cine que marco su niñez. Sin lugar a dudas la música jugó un papel fundamental para sacarnos unas cuantas lágrimas. Melancólica, divertida, simplemente grandiosa, una de las mejores bandas sonoras del cine y una de las más famosas. Premiada con el mayor galardón de la Academia, el premio Oscar a mejor banda sonora en 1994 Hans Zimmer compositor renombrado por películas como Inception, El gladiador, Pearl Harbor, Piratas del Caribe y una de sus últimas, 12 años de esclavitud, todas estas películas que han sido famosas sobre todo por su música, siendo así el repertorio de Zimmer muy amplio y sobre todo con un alto nivel musical, haciendo de él uno de los mejores compositores para bandas sonoras.

Dentro del sountrack hay algunas piezas de Elton John y letra de Tim Rice, la primera en aparecer es Circle Of Life , con la cual nos presentan al pequeño Simba el personaje principal del filme, además cuenta con arreglos de Hans Zimmer y el uso de coros africanos lo que afianza más el escenario en el que nos presentan la historia, dirigidos por el famoso cantante sudafricano Lebo M. Más tarde suena I Just Can't Wait To Be King Interpretada por Jason Weaver haciendo la voz de Simba.

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Después está la célebre Hakuna Matata que cantan Timón y Pumba. Can You Feel the Love Tonight en el reencuentro entre Nala y Simba, entre otras canciones de las cuales Circle Of Life, Hakuna Matata y Can You Feel the Love Tonight estuvieron nominadas a los premios Oscar a Mejor canción original siendo la ganadora Can You Feel the Love Tonight.

Hans Zimmer obtuvo el Oscar a Mejor banda sonora, estando nominada ese mismo año junto a Thomas Newman por Mujercitas y The Shawshank Redemption, Elliot Goldenthal por la famosa película de Tom Cruise y Brad Pitt, Entrevista con el vampiro, y por último Alan Silvestri por la admirable cinta Forrest Gump.

La tensión de la escena cuando los antílopes están en estampida a punto de matar al pequeño Simba muestra un frecuente uso de disonancias y percusiones para dar un efecto más dramático. En su opuesto tenemos las escenas emocionalmente melancólicas, con el uso de alientos en la melodía superior, pronto entra el coro y las cuerdas con esa misma melodía.

También es muy claro el uso de contrastes, por momentos escuchamos animación, alegría y de un momento a otro desolación, congoja y viceversa, siendo así muy claro el cambio de tempo y por lo mismo de expresión afectando auditivamente al oyente e introduciéndole en el nuevo ambiente de la escena.

Todo el conjunto de voces, música, sentimientos que genera en el espectador desde aflicción hasta exasperación la hace una de las películas de Disney más vistas de la historia.

Si les interesa deleitarse con el repertorio de Hans Zimmer no se pierdan Batman vs. Superman: Dawn of Justice donde se encargará de la banda sonora y escuchar algunos de sus últimos trabajos como lo es The Amazing Spider-Man 2: Rise of Electro, Interstellar y Cuento de invierno.

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M煤sica para recordar: El rey le贸n

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MÚSICA EN EL CINE ANIMACIÓN

‘The Long Tomorrow’

Moebius le pidió a Dan O'Bannon una continuación de la historia pero al leer el guión no le gustó y desistió de hacerla, le pareció demasiado tópica y sin fuerza. Solo 16 páginas bastarían para pasar a la historia.

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En sus primeros tiempos, el cine nos describía los mundos futuristas de una forma muy distinta a como lo hace ahora. Primero llegaron las visiones simbólicas de Metrópolis. Después, los extraterrestres con cascos-pecera de la serie B, y los colores chillones de filmes como Planeta prohibido o Barbarella. Finalmente, Stanley Kubrick presentó en 2001 una imagen aséptica y científica del espacio. Hasta que, allá por finales de los 70, la cosa cambió: los paisajes del cine fantástico ya no eran utópicos ni tecnológicos, sino panoramas sucios, castigados y en los cuales, en definitiva, se notaba que vivía gente, y que los aparatos sufrían un uso constante. ¿Qué produjo ese cambio? Un cómic, una ingeniosa y dinámica historia mezcla de serie negra y ciencia-ficción que homenajeaba en su título a Raymond Chandler y su "The long Goodbye", donde no faltan la mujer fatal, el duro detective, los matones y el misterio.

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el comic que cambio al cine de Ciencia Ficcion The Long Tomorrow nace del intento frustrado de realizar una película que, con el tiempo, ha pasado a ocupar un lugar privilegiado en el panteón del cine imaginario: aquella adaptación de Dune de Alejandro Jodorowsky y Moebius en la que Salvador Dalí hubiera interpretado el papel del Emperador Shaddam IV sentado en una taza de wáter por imposición propia. Quizá esta digresión sirva para describir el tono de The Long Tomorrow, la historia que ideó el guionista Dan O’Bannon mientras esperaba a que diera comienzo el rodaje de la película y que a Moebius le gustó tanto que se ofreció a dibujarla.

Si bien Dune se vino abajo por la imprevista retirada de la compañía que la financiaba, el único producto terminado que salió de aquel fiasco, The Long Tomorrow, actuó como caja de resonancia para algunas de las mejores obras de ciencia-ficción del último cuarto de siglo. Poco después de su publicación, O’Bannon llamó a Moebius para pedirle su colaboración en otra historia que había escrito. Su título, Alien. Con Ridley Scott y H.R. Giger en el equipo.

Las historias del libro ilustran facetas muy destacables de Moebius: este comic es lo que cualquiera entendería por “un clásico”, por su origen mítico, por marcar a fuego el modo en que los jóvenes aficionados y profesionales verían el cómic en la segunda mitad de los 70 y principios de los 80, y por su influencia en casi toda la ciencia ficción posterior; “Rock City” es una muestra del inmenso talento de Moebius para narrar sin palabras.

La clave de esta maravillosa historia es el concepto pastiche; un cruce, una mezcla, una fusión de ciencia-ficción y género negro que por aquella época era algo inédito y más aun con la fuerza y convicción con la que los dos autores se emplearon. O'Bannon (guionista y director de cine) quiso hacer una parodia y le salió un blues futurista que Moebius orquestó con una sinfonía de líneas, manchas y colores que cobraron vida en el papel como pocas veces se había visto en el comic de los 70. Los elementos clásicos son muchos. Del género negro: el detective simplón, la cliente hermosa y mentirosa, los polis agresivos y el inevitable final.

De la ciencia ficción: la metáfora de la sociedad usando la ciudad hundida en el subsuelo y los estratos sociales divididos por pisos, las invasiones extraterrestres, los gadgets futuristas.

Pero Moebius quiso romper esquemas y articuló un relato híbrido pero convencional, puro pero mestizo con unos hallazgos narrativos inmensos.

Sus personajes tienen alma, las calles olores, sonidos y vida y la historia funciona sin ningún sobresalto, todo fluye hasta el final. Algunos elementos rompedores los podemos encontrar en como Moebius resuelve algunas escenas como el asesinato de la chica descrito con una crueldad y detalle que era inédito en la época o la pelea en las taquillas de los barrios inferiores o como la naturaleza sigue su curso (en el caso de Pete Club) a pesar de la horrible metamorfosis de su amante en una resolución muy parecida a la que Corben dibujará en Den 1.

The Long Tomorrow se publicó dividida en dos partes en la Revista Metal Hurlant, los números 7 y 8 correspondientes a los meses de mayo y julio respectivamente de 1976.

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ANIMACIÓN Cuando estrenó La guerra de las galaxias en París, George Lucas no invitó a ningún director de cine a la premiere. En cambio, sí que mandó entradas para Moebius y sus compañeros de la revista Métal Hurlant, como Caza y Phillippe Druillet.

Porque, en aquel entonces, Lucas sabía que de bien nacido es ser agradecido: su visión de la galaxia muy, muy lejana venía en gran medida de los dibujos de estos artistas… Y en The Long Tomorrow. Moebius correspondió afirmando que la película le había dejado “en éxtasis”, y la cosa fue a más.

En El Imperio contraataca, Lucas y su colega Gary Kurtz incluyeron un guiño muy refinado al cómic: el droide espía imperial que descubre a los rebeldes en Hoth está inspirado en un detalle (minúsculo) que puede apreciarse en su primera viñeta.

Y, en las precuelas, vimos que el planeta-ciudad de Coruscant se parecía mucho a la ciudad futurista en la que se desarrolla la acción del cómic.

La conexión entre Moebius, Dan O’Bannon y Ridley Scott comenzó en este hito del horror cósmico, con diseños del primero, argumento del segundo y dirigido por el tercero.

Según recuerda el cineasta británico, la insistencia de O’Bannon y la influencia de The Long Tomorrow fueron cruciales en su concepción de “un futuro mugriento, en el que los astronautas fuman y se quejan de que cobran poco”.

Ya sabemos que el diseño de la criatura fue obra de H. R. Giger (que, como Moebius y O’Bannon, había salido escaldado de Dune), pero échale un vistazo a las imágenes de arriba y recuerda: ejemplos de bioterror como estos eran casi inéditos en el cine hasta que Scott decidió llevarlos a la pantalla.

Para colmo, las imágenes que hemos visto de Prometheus tienen una apariencia de lo más moebiusiana…

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datos obtenidos de la revista cinemanía

la guerra de las galaxias

Alien, el octavo pasajero

o

REVISTA ZONA 7 Tras el éxito de Alien, Scott decidió renovar su sociedad con Moebius y Dan O’Bannon resucitando el proyecto Dune. Pero la muerte de su hermano mayor, Frank, le hizo saltar del tren en marcha. En lugar de la novela de Frank Herbert, se haría cargo de un proyecto basado en un libro de Philip K. Dick, con Harrison Ford de protagonista y que (eso creía él) le resultaría más fácil y breve de realizar.

Pero el siempre frágil O’Bannon no estaba para esos trotes, Moebius se tomaba un descanso del cine, y el director acabó recurriendo a David Snyder como director de arte. Cuando este y el diseñador de producción David Paull le confesaron que no sabían cómo diseñar el Los Ángeles del año 2019, Scott se limitó a prestarles su ejemplar de The Long Tomorrow. El resto, como suele decirse, es historia.

Blade Runner

desafio total

Volvemos a encontrarnos con Dan O’Bannon. Y, como siempre que este señor aparece en escena, volvemos a toparnos con la influencia de The Long Tomorrow. Porque cuando Arnold Schwarzenegger viajó a Marte en nuestro universo corría el año 1990, y Blade Runner era una pieza de culto que había fracasado en taquilla, y cuyo atractivo se restringía sólo a los críticos más modernos. Si la mayoría del público le cogió el gustillo a las cosas de Philip K. Dick (este filme se basa en su relato Podemos recordarlo por usted), de los futuros distópicos y de las mutantes con tres pechos fue gracias a la película de Paul Verhoeven.

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ANIMACIÓN

Los coches que vuelan, el diseño de vestuario, los apartamentos minúsculos, la calva de Bruce Willis, el tinte del pelo de Milla Jovovich… Más que de una influencia o un homenaje, aquí estamos hablando de una versión apócrifa en toda la regla.

La película de Luc Besson es lo más parecido a una versión de The Long Tomorrow que podemos ver en la gran pantalla, a lo que contribuyen no poco los diseños de producción realizados por Moebius. Por otra parte, Alejandro Jodorowski encontró el guión muy parecido a su saga de cómics El Incal, lo que le llevó a formular una demanda por plagio contra Besson. La cual, finalmente, resultó desestimada porque dicho cómic había sido dibujado por Moebius.

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El quinto elemento

Matrix

Aquí la influencia llega de rebote, pero existe. Porque los diseños conceptuales de Matrix fueron realizados por Geoff Darrow, uno de los mayores discípulos de Moebius en el cómic de EE UU. Y no sólo por eso: entre otras mil y una influencias, los hermanos Wachowski cimentaron las aventuras del mesías Keanu Reeves en la obra de William Gibson, padrino de la literatura cyberpunk, autor de Neuromante… Y fan de The Long Tomorrow: “Las descripciones de Neuromante surgieron en gran medida de ese cómic”, reconoció el escritor canadiense. Y, si consideramos todas las películas influídas por Matrix, podemos considerar que este tebeo seguirá marcando (indirectamente) la historia del cine durante muchos años más.

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"De vez en cuando pasan cosas que no pueden razonarse en una forma convencional. " The Iron Giant

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ANIMACIÓN

Descripción: La era de hielo es una película estadounidense de animación estrenada el 15 de marzo del 2002, creada por Blue Sky Studios y lanzada por 20th Century Fox. Fue Dirigida por Chris Wedge y Carlos Saldanha.

Pensada para un público objetivo joven: niños/adolescentes, es ideal para compartir en estos días con amigos o en familia.

La historia se desarrolla hace unos 20.000 años, durante la era glacial que obliga a las prehistóricas criaturas a iniciar un viaje de migración hacia tierras más cálidas. Manny, un enorme mamut calculador, solitario, malhumorado y porfiado decide llevarle la contra a todos yendo en otra dirección y en su camino conoce por accidente a Sid, un holgazán perezoso charlatán que resulta ser diametralmente opuesto a él y no pierde oportunidad para aprovecharse de alguien que le ayude con sus problemas.

A un maligno dientes de sable llamado Diego se le es encargada la misión por su tirano líder de robar un bebé a los cazadores humanos que acabaron con gran parte de su manada, pero debido a inconvenientes este llega a cuidado de Manny y Sid, juntos esta tríada de especies incompatibles se embarcan en una aventura como equipo, en donde se enfrentan a diversos obstáculos que los obligan a renunciar a intereses personales y externos para afianzar sus lazos de amistad y hacer lo correcto.

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manfred (manny) Un gran mamut de carácter fuerte, calculador y solitario, con las virtudes de un líder pero bastante terco, porfiado, suele estar de mal humor dentro de la nueva manada, teme hacer amigos que puedan resultar lastimados. De un corazón enorme como su tamaño se compromete a proteger la manada y se aventura a devolver un bebé a los humanos.

sid Es un chistoso perezoso charlatán, algo tonto, mentiroso y manipulador, que busca al comienzo siempre el beneficio personal. Es el creador de la supuesta “manada” junto a Manny y Diego. Un personaje de aspecto sucio y descuidado propenso a buscar problemas o crearlos sin intención, sin embargo es muy positivista y se le ocurren ideas elocuentes de vez en cuando, es leal a sus amigos y aprende rápido de sus errores para crecer

la

era

de

hielo

scrat

Se trata de una especie de mezcla entre ardilla y rata prehistórica con dientes de sable, su pequeño y limitado cerebro siempre está focalizado y obsesionado con las bellotas, su vida gira en torno a ellas, busca alcanzarlas constantemente y enterrarlas en la nieve, esto desprende numerosos problemas, peligros y aventuras que ha de enfrentar locamente con numerosos fracasos. Es un personaje de ruptura frente a la trama central de la historia.

d iego Es un tigre dientes de sable que en un comienzo se presenta como alguien malo, misterioso y frío, pero que se transforma con el tiempo al estar junto a la manada en alguien más cercano y de confianza.

Es inteligente, astuto y divertido, uno de sus principales pasatiempos es bromear sobre Sid. 33

ANIMACIÓN roshan Conocido como “bodoque” dentro de la manada, se trata de un bebé hijo de una familia de tribu humana que fue separada por el ataque de tigres dietes de sable. El pequeño fue abandonado por su madre en un momento de desesperación para salvarlo de la situación peligrosa, más tarde es encontrado por Manny y Sid en las orillas de un río.

El bebé es muy entrañable, amistoso y divertido, representa la pura inocencia y es quién sin querer, en gran parte fortalece los lazos de amistad entre los miembros de la manada.

soto y manada Soto es un maligno tigre dientes de sable, el líder de la manada compuesta por Zake, Oscar, Lenny y Diego en un principio. Originalmente eran 10 miembros pero muchos de ellos fueron cazados y asesinados por las tribus humanas y es por esta razón es que buscan venganza atacando sus campamentos. A Diego se le es encargada la misión de capturar a un bebé con fines de alimento y uso sus pieles, pero su forma de pensar cambia radicalmente junto a su nueva manada.

CONCEPTOS TRATADOS EN LA FRANQUICIA: Era glacial: La historia se contextualiza en el período de la glaciación hace unos 20.000 años aproximadamente, cuando la baja temperatura global de la Tierra provocó la expansión de casquetes polares y glaciales. Las prehistóricas especies inician un viaje de migración hacia tierras más cálidas, este es el punto de partida del que junto al porfiado de Manny (ya decide ir en otra dirección en lugar de migrar) y su nueva manada, como espectadores conocemos la realidad de la situación y los peligros que representa.

Amistad: Los personajes principales de la historia: Manny, Sid y Diego se hacen verdaderos amigos de fuertes lazos emocionales, potenciados por la causa principal de devolver al bebé con sus padres humanos. Si bien en un comienzo 34

los intereses de estos personajes difieren, incluso sus formas de pensar son muy opuestas en cuanto a valores, juntos se embarcan en una aventura que los transforma y une para bien, rescatando valores fundamentales, aprendiendo a amar y cuidar.

Lealtad: Manny, Sid y Diego son amigos, cada uno de ellos es fiel a su grupo y por lo tanto a cada uno de los miembros de la manada, siempre que alguno de ellos está en problemas, o su vida peligra encuentra apoyo incondicional en alguien que cuida sus espaldas.

Aventura: Desde el comienzo de la historia, en el momento en el que se producen los cambios glaciales, los protagonistas se conocen y se encuentran con el bebé humano hasta el final.

Viven un viaje arriesgado, peligroso y cargado de adrenalina que pone a prueba sus habilidades individuales y colectivas, sus autoestimas y prejuicios, sus valores para salir adelante, crecer y hacer lo correcto: llevar al bebé con sus padres.

Humor: Toda la historia tiene un tono cómico, gracioso, divertido que se proyecta a través de los personajes: lo ridículo en sus formas de pensar, sus decisiones, expresividades, comentarios ante los problemas adversos que se les presentan.

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¿Sabías qué...

"Pinocho" es considerada como una de las películas de animación más técnicamente perfectas de Disney?

EXTRAS/RESEÑA

“Yo solía pensar que lo peor que podía pasarte en la vida era quedar completamente solo, no lo es, lo peor en la vida es terminar con gente que te hace sentir completamente solo”

-Robin Williams “el mejor papá del mundo” ¿Cuántos de los lectores, cinéfilos o fans en nuestras vidas o momentos cruciales nos hemos sentido solos?, esta frase de una u otra forma me llegó, conmovió y la verdad lloré al escucharla. Comencé así, ya que Hollywood y los comediantes están de luto por el fallecimiento de Robin Williams, me decía alguien al escribir esto -¿no crees que eres algo rudo o triste al iniciar así?- la respuesta es no, ya que al final de esto hemos recorrido un camino, de alegrías, tristezas y demás. ¿Han inventando historias, las han impulsado, se han encontrado consigo mismos en algún personaje dentro de su historia?, Williams llevó todo eso a otro nivel.

Aún sigo teniendo sentimientos encontrados al escribir esto, pero lo recordaremos bien. Y te puedo decir que en cada personaje que él hacía había una lección que aprender de esas creaciones, esos personajes indomables, extraños, irreverentes. Yo pienso que desde algo psicológico, llevo a sus conocimientos personales una pizca de cada personaje y se reencontraba con algo perdido.

Nacido en Chicago, Illinois, el 21 de Julio de 1951, hijo único de un empresario de la industria del automóvil, - esperen, ¿qué estoy haciendo?, eso es lo elemental, lo cuál creó ya sabrás; pero te aseguro que no sabías que él era un experto en el stand-up comedy ¿o sí? Los que decían conocerlo, los que han escuchado acerca de esto, han 36

dicho que es un maestro ya que iba 10 pasos delante de todos y dominaba el escenario como los grandes. ¿Qué ocurre?, luego de esto me vienen a la cabeza sus logros y películas, de los cuales menciono lo primero, y fueron el ganar un Oscar, cinco Globos de Oro, Premio Cecil B. DeMille el cual fue premio a la trayectoria profesional en 2005.

Ahora sí, hablemos de sus películas… ¡Se me va la infancia en un parpadeo!, mis pupilas se detienen justamente en una imagen, que hay en mi cabeza, ¡y es cuando en Patch Adams le habla a “Dios” para obtener una respuesta de lo sucedido en su vida!

–podrán decirme chillón, pero la verdad mi infancia y un actor favorito se fueron, ahora comprendo más las palabras del comienzo-.

Algo asombroso y conmovedor ocurrió en Twitter, para despedir al actor; la actriz Evan Rachel Wood colocó este tuit en su red social: “Genio, eres libre”, dice la frase, la cuál es una referencia a la película Aladdin de Disney (1992) en la cual Williams realizó el doblaje del divertido genio de la lámpara. El genio, un esclavo encerrado en esa lámpara y que es mejor amigo del protagonista, al final es liberado. Y como una muestra maravillosa, la actriz adjuntó una imagen del genio y Aladdin abrazados al despedirse. ¿Qué bello y conmovedor, no?

Cuando supe la noticia de este fallecimiento muchas horas luego, me pregunté: ¿qué pasó? –Me puse a llorar, te seré honesto- ¿por qué lo hizo? Mi infancia se puso algo triste, pero recordé esas escenas que me hacían reír, llorar o pensar y aquí fue lo que yo mismo, un servidor, inventé para él: “Se ha ido el maestro irreverente de aquella sociedad, la nana más hilarante que ha ayudado a James Bond, el jugador más listo de aquél juego tan antiguo, aquél que no quería crecer en el país de nunca jamás. Recordaremos sus buenos días en Vietman, era el locutor quién le daba alma al micrófono, su voz le dio vida a un pingüino y a un genio, un científico que creó a Flobber; también fue un villano del insomnio dirigido por Nolan, fue el Doctor de la Risa y El Mejor Papá del Mundo, pero siempre tendrá una mente indomable descubierta por Gus Van Sant, es, fue y será… Robin Williams”.

Por mencionar algunas cosas, yo así lo recordaré, pues por espacio no me da tiempo mencionar todo lo que el realizó en vida, pero habrá su tiempo para hacerlo, después en otra edición.

Lamentable la pérdida de este actor, ¿dónde estás, Parche?

Pero este es mi homenaje a él, a ese actor de mi infancia con el cuál crecí; lo dijo bien su esposa: “Se ha ido mi mejor amigo, una buena persona y un gran actor para el mundo del cine”

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UN CAMINO PARA REENCONTRARSE EN CADA PERSONAJE por altair vasquez

–parafraseando de lo que recuerdo haber escuchado-. Espero no ofender, no insultar o hacer sentir mal a cualquier persona que lea esto pero así lo recuerdo y veré sus películas para no apagar a ese niño interior que creció con las películas de este comediante. ¿No creó que quieras pelear conmigo o sí?, espero lo entiendan, si no es así; pues lee lo que viene abajo…

¿Sabías que Robin Williams, era fan de The Legend of Zelda? (exactamente es lo que piensas, el videojuego), por eso su hija se llama así, Zelda Rae. 37

EXTRAS/RESEÑA

SCOR SESE Uno posiblemente no se imaginaría toda la creatividad que tiene un niño, hasta que con su talento nos llegan a mostrar que tienen cualidades para cualquier cosa.

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LA CREATIVIDAD DE UN NIÑO por césar quintana

Cuando hablamos de un director de cine siempre pensamos en el hombre que realiza una película, pero nunca nos preguntamos de dónde sale la magia que nos causan sus escenas o cómo se realiza esa magia. Muchas veces todo ese tipo de magia viene de una idea que se plasma en un guion, para así cuando llega a las manos de un director sepa cómo guiar a sus actores, ¿pero todo queda ahí? No, también hay otra parte de cine que es el taller de Storyboard o Guión gráfico, que es el encargado de ilustrar las escenas de una película y así facilitar su filmación. Muchos de los directores de hoy en día recurren a este taller, entre otros talleres para así visualizar la esencia de la película.

Si hablamos de Martin Scorsese nos vienen a la mente sus memorables películas como lo son Toro salvaje (1980), Taxi Driver (1976), Hugo (2011) y El Lobo de Wall Street (2014) por decir algunas de sus películas ya que tiene un amplio repertorio, pero en realidad sabemos cómo se divertía de niño.

El pequeño Martin Scorsese fue un niño que creció en una familia muy apegada al catolicismo, vivió una época donde la mafia era un tema muy común entre las personas, Su infancia fue un poco dura ya que el sufría de asma, y por su condición tenía que estar en casa ya que solía enfermar seguido, eso evitó que no pudiera practicar deportes ni que pudiera socializar con mas niños, gracias a eso pudo dedicar mucho tiempo al cine y en su mayoría ver películas de cowboys que fueron sus preferidas en su niñez, y hasta ahora podemos ver en varias de sus películas algunas escenas que le quedaron plasmadas desde niño.

Este es el caso del pequeño Martin Scorsese ya que a los 11 años de edad llego a visualizar la película de La Eterna Ciudad (1923) una epopeya romana imaginaria, en un storyboard cuyo formato es en pantalla grande.

Muchos pensaríamos que solo fueron dibujos de aquella película, pero cuando vemos que en uno de ellos se da el crédito de productor y director vemos que no solo son dibujos, ya que escogió desde los colores, se fijó perfectamente en los detalles de la Antigua Roma.

Eso habla mucho de la creatividad de un niño que no solo hace dibujos, si no que perfectamente es un amante del cine y que después con esa creatividad llego a ser un gran maestro del séptimo arte.

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EXTRAS/RESEÑA

Chuk and Gek por victor hugo morales mondragón

Chuk y Gek es un mediometraje dirigido por Ivan Lukinsky. Fue adaptado de un cuento escrito en 1938 por Arkady Gaidar, la versión cinematográfica vería la luz en 1953.

Chuck (Yuri Chuchunov) y Gek (Andrei Chilikin) son dos niños vivarachos que habitan con su madre, su padre trabaja en Siberia y hace mucho que no les ve, un día recibirán un mensaje de él pidiéndoles que atraviesen cientos de kilómetros para verlo.

Cautelosa y a la vez llamativa, discreta y tal vez un poco tosca en su imagen más no en su contenido, es una cinta divertida con momentos agradables, tanto los amantes del cine soviético como del cinéfilo oportuno merecen verla, son 47 minutos de un pasaje cariñoso.

La historia infantil no tiene que ser siempre animada y ésta es un ejemplo de ello, es un relato eficiente que sabe llegar, que sabe entretener, que se abre al público en general y a tener 40

en cuenta. El tema de la redención infantil que viene después de un problema causado por las diabluras es bien conocido, se ha visto pero sigue siendo eficiente, uno como espectador agradecerá los buenos ratos que una película infantil ofrece cuando ésta corresponde a la apertura sentimental sin ser sensiblera, o que sea entrañable, que a los niños les dé para sentarse cómodamente y a los mayores conceda alguna suerte de nostalgia.

El cine soviético está infestado de buenas películas que aún siendo un entusiasta es complicado de encontrar entre tantos y tantos títulos, ésta es una de ellas, concédale una oportunidad, confiérale a los niños la oportunidad de participar en una pequeña moraleja que contiene tanto drama como comedia, una golosina para cualquier edad.

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¿Sabías qué...

Alan Alexander Milne se inspiró en su hijo Christopher Robin y en sus juguetes para los cuentos de “Winnie the pooh”

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Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:

José Bueno/aarón mariscal/

raul flores creACIÓN DE CONTENIDO:

césar quintana

/altair vasquez Artículos: Desde Adentro: Leonardo Mancilla top 7: Victor hugo morales mondragón Zona Terror: David Gomez/evelyn perea música en el cine: Claudia Jimenez animación: silvana córdoba/santiago faraldo cine asiático/oriental: andrés H. romero ilustración: silvana córdoba Diseño: Katerin Dueñas.

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