Edicion 12

NOVIEMBRE 2014 / ED. 12

DESDE ADENTRO/

DIRECCIÓN DE FOTOGRAFIA:

TRABAJO DURANTE EL RODAJE actualidad/

FESTIVALES:

NUEVA YORK

RESEÑA/

INTERSTELLAR

NOLAN

¡Larga vida al blanco y negro!

Me gusta hablar del cine en blanco y negro por que me da la misma sensasión placentera que el olor de un viejo libro o el tictac de un reloj. Me transporta a un ambiente nostalgico, dónde el humo del café o del cigarro se convertían en protagonistas y las sombras adornaban con garbo los sencillos escenarios.

La neblina, la lluvia cayendo sobre el rostro de una mujer hermosa que llora mientras el espectador experimenta el frío de aquella noche triste, el blanco y negro se convierte en un poema.

El aliado perfecto para el suspenso, el mundo de las sombras no puede ser mejor abordado que en una técnica donde las sombras cumplen un papel fudamental en cada plano, donde la presencia o ausencia de luz es vital ¿Recuerdas «Los pajaros» de Alfred Hitchcock? ¿o aquélla escena en la que Nosferatu va por la escalera y solo vemos su sombra? sencillamente exquisito.

Tampoco se puede hablar del blanco y negro sin mencionear el baile, son uno de ésos asuntos que van de la mano, el claqué (tap) de un majestuoso Gene Kelly, Fred Astaire o una Ginger Rogers o de la pequeña Shirley Temple siempre estarán en los corazones de todos los que amamos (y aún en los que no) el cine.

Se ha utilizado satisfactoriamente en la actualidad por algunos directores, sin embargo, acercarse a la grandeza que nos regaló la época de oro y su primitivo pero elegante destello de luz, es algo que dificilmente podamos observar en nuestra época.

Cada periodo tiene su belleza, pero aquellas fotografías de blanco y negro siempre serán las primeras.

Eileen Gamboa Navarro Directora editorial www.revistazona7.com zona7.revista@gmail.com

EDITORIAL

Tampoco se puede hablar del blanco y negro sin mencionear el baile, son uno de ésos asuntos que van de la mano, el claqué (tap) de un majestuoso Gene Kelly, Fred Astaire o una Ginger Rogers o de la pequeña Shirley Temple siempre estarán en los corazones de todos los que amamos (y aún en los que no) el cine.

CONTENIDO

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7+1: ALGO MÁS QUE CINE/ el soñador hablando de un sueño 6 góticas palabras en medio de caos 8 DESDE ADENTRO/ la dirección de fotografía: 10 trabajo durante el rodaje BIO 7/ christopher nolan 14 ZONA TERROR/ la casa de los horrores 18 MÚSICA EN EL CINE/ inception 20 DEL CINE A LA REALIDAD/ yawar mallku 32

ACTUALIDAD/ festivales: nueva york 22 reseña: interstellar 24 christopher nolan: un director 34 de otra galaxia CINE ASIÁTICO-ORIENTAL/ rumah dara 36 ANIMACIÓN/ alma 42 ARCHIVO 7/ mimi derba 44

EXTRAS vittorio de sica: umberto d. 34 el caballero oscuro: un héroe 36 para la eternidad

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7+1: ALGO MAS QUE CINE

góticas palabras en medio del caos ¿Cuánto más puede sobrevivir Batman en el mundo del cine, o mejor dicho de los cómics? Yo con esto no espero ofender o que se arme una guerra literaria o de cómics por mencionar en esa pregunta a Batman, pero seamos realistas, Christopher Nolan dio en el clavo y pulió bien al nuevo Batman de nuestra generación. En lo personal, el trasfondo, la historia de Batman y sus villanos es de admirarse y, bueno, me fascina este mundo tan real.

Aunque hay muchos detractores y por otro lado muchos fans, desde mi punto de vista les escribiré acerca de por qué Batman es tan adaptable y sus villanos a veces nos hacen pensar que los necesitamos…

Creó que una razón fuerte y que no es de pensarse mucho es que la mitología del caballero de la noche y la emblemática Gotham o Gótica sean tan adaptables es porque no ocultan nada del otro mundo. Sus tonos narrativos van más allá de la historia compleja de un superhéroe y en ella se nos cuenta una época tras otra que algunos no deciden ver pero está ahí. Nolan muestra a los personajes con algo de ética que indica muchas preocupaciones de la sociedad real -¿delincuencia, secuestros, matanzas y demás, no te suena familiar? - vamos por personajes solo unos cuantos…

Gordon y sus valores de lucha y justicia, que ante todo son inamovibles y los quiere llevar a una época mejor. Tenemos a Harvey “Dos Caras” Dent y esa esperanza –como 6

cualquier político en campaña que promete– que tiene cinismo oculto pero muchos ven a simple vista. Tenemos al maestro de Batman, Ra´s Al Ghul, y su teorías de llevar todo a prueba. Y solo por mencionar al personaje principal, tenemos a Bruce Wayne, esa figura del sueño americano y capitalista de E.U solo aquel caballero de las sombras puede proteger a los ciudadanos.

Me podrán decir lo que sea, pero algo así me comentó un maestro y retumbó mucho en mi mente, hasta que di con el clavo exacto y fue, ¿qué pasa con los villanos?, solo mencionaré dos –que a mi gusto, tienen una historia genial para un servidor–.

¿Les da miedo sonreír?

Muchos me dirán “sobrevalorado”, “ya está choteado”, pero en lo personal, The Joker o Guasón –interpretado en la trilogía de Nolan por el fallecido actor Heath Ledger– para mí es un personaje que nos mostró que mentalmente puede derrotar al murciélago, cansarlo y jugar mucho en su mente.

Entonces, entendemos que este personaje se quedó algo corto en la versión cinematográfica, pues conocemos sus raíces y cómo ataca en los cómics, pero aun así fue una interpretación fabulosa y que se queda para el recuerdo. Pero, ¿ustedes hubieran querido ver el escape de The Joker de Arkham en el último capítulo de la trilogía?

Un personaje que al parecer en la película El Caballero de la Noche no tenía una historia como tal, solo esas bromas o gags serios que nos daba, su agilidad mental y sus frases como “¿por qué tan serio?”, “¿quieres saber por qué tengo estas cicatrices?” y más, hicieron de este personaje algo único -me quedo a deber algo-. No lo digo porque fuera menos o mucho lo que vi, pero hubiera querido ver más interacción con Batman, más daño, más amenazas y más golpes, pero al final de cuentas fue brillante y miles de veces me quedo con el villano de esa secuela, e historia y le aplaudo a Christopher Nolan por regalarnos esta trilogía para la pantalla grande y más grabar la actuación de Ledger, ¿qué momento te gusto más del personaje Joker en la cinta?.

REVISTA ZONA 7

“Hope is lost. Faith is broken.

A fire will rise…”

Traducida diría “la esperanza se perdió. La fe está rota.

Y el fuego ascenderá”, ¿te suena?, pues la adaptamos al villano Bane. Sí, ese mercenario que se alimenta de “veneno” para ser demasiado fuerte, y en la película de Nolan; en palabras de Nolan, este personaje “es afectado por el dolor de un trauma sufrido hace mucho y su máscara libera un tipo de anestesia que mantiene su malestar por debajo del umbral”. Puedo a partir de aquí hacer la comparación de Gótica y Bane a la vida real, y es que seamos realistas, el panorama del mundo actual es muy similar al de gótica pero con diferentes tonos. Bane, nos trae que la actividad criminal no es más ya una fuerza que equilibra la distribución de riqueza, sino un impulso que nos lleva a la espiral de “que sobreviva el más fuerte”; dime ¿qué ciudad te recuerda Gotham, actualmente?.

Tom Hardy se entrenó demasiado para este papel, se enfocó al 100% en su personaje, su rápido ascenso por los escalones de la élite de hollywoodense es prueba de no encasillarse en un solo papel.

Para los fans nos hubiera deleitado ver con Bane o aunque sea un guiño ese personaje tan tierno que lo acompañaba consigo de niño, me refiero a “osito”, ¿lo recuerdan? Prometo en otra publicación futura hablar más sobre Bane, pero solo lo diré…

“ESTE VILLANO ES EL QUE GÓTICA NECESITA”.

Y bueno al final de todo esto fue lo que yo pienso de Gótica, del Guasón, Bane y de los personajes. Me hizo mucho bien escribir sobre esto, ya que quiero crear conciencia en ti, lector, cinéfilo en que a veces la realidad es llevada a la ficción de manera magistral, pero a veces la ficción supera la realidad y así.

Entonces, yo para concluir te pregunto, ¿cuál sería tu historia en Gotham, cuál sería tu personaje?

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7+1 : ALGO MÁS QUE CINE

EL SOÑADOR HABLANDO DE UN SUEÑO

Supongo que todos, los lectores y cinéfilos han visto la película: “El Origen” –sí, aquella en la cual actúan Leonardo DiCaprio y Tom Hardy (el Bane de nuestra generación)- que es de Christopher Nolan ¿o no? ¿Quién no ha escuchado el tema de Hans Zimmer “Dream is Collapsing” y se le ha puesto la piel chinita o que tengan mucha adrenalina? Antes de adelantarme a todo lo que creerás que voy a decirte, tengo que hablarte acerca del porqué seleccioné la película “Inception” (El Origen) para hablar de ella en este post.

Dicen que los sueños son bastos, puros, y a veces muy reales ¿me equivoco? –espero que no- pues en ellos puedes ser el héroe, el villano, tu propio arquitecto, tu propia pesadilla y hasta compartir sueño, ser el extractor de cualquier otro –y vaya que si puede ser realidad-. Te has preguntado ¿qué es el origen? si lo sabes lo puedes lograr; pero una idea, es resistente, altamente contagiosa, una vez que una idea se ha apoderado del cerebro es casi imposible erradicarla. Una idea completamente formada y entendida, que se aferra… ¿Sabes a qué?

Cada quien construye su propio sueño de la forma que sea y le da una historia.

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Para mí hablar de la película “El Origen” es dedicarle muchas páginas pero sobre todo aplaudirle a su director Christopher Nolan por esta gran historia, el guión, las actuaciones y esas teorías sobre el sueño y esos diálogos tan precisamente bien logrados. Lo recordaremos también por “Memento” –la cuál es una historia que su hermano escribió y el dirigió- también por “Insomnia” con el ya fallecido actor Robin Williams, pero algunos fans del cómic lo recordarán por la trilogía de “El Caballero de la Noche”, ¡Batman!

Ya bien lo dirían en la película: “En el estado de sueño, las defensas conscientes de uno se ven disminuidas y hacen sus pensamientos vulnerables al hurto.

Se llama extracción” –ahora te pido que pienses en algo y lo olvides rápidamente, puede que al final de estas palabras, ya no recuerdes en lo que pensabas-.

Esta película me ayudo a entender muchas cosas, me ayudo en la vida personal ya que para mí el cine es una especie de droga tan fuerte que no puedo despegarme de él. Me siento algo viejo y no distingo algunas imágenes. El Tótem -¿En serio no has pensado en traer uno luego de ver la película? yo puedo decir que tengo el mío y a todos lados lo llevo, pues a veces necesitamos comprobar si lo que está a nuestro alrededor es realidad o solo un sueño- una figura que Nolan incorporo a este filme y el cuál tiene un peso importante en toda la historia y para ese cierre que muchos no entienden; puedo dar mi explicación pero sería mi forma de enten-

derlo y algunos no quedarían conformes o podría equivocarme, pero al final Cobb no está en un sueño y cumple, pues recordarán esta gran frase: “Regresa para que ambos podamos volver a ser jóvenes.” ¿Ustedes han regresado de sus sueños para ser jóvenes, han regresado de ese oscuro limbo, han envejecido con esa persona que aman? Al final de cuentas una idea es como un virus.

Resistente. Altamente contagiosa. La más pequeña semilla de una idea puede crecer. Puede crecer para definirte o destruirte. La más pequeña idea como: “Tu mundo no es real”. Un simple y pequeño pensamiento que lo cambia todo.

Entonces, al ver esta película tenemos esa idea; la idea de que la película es buena o mala –desde puntos diferentes de crítica y cada quien-. Es resistente porque aún se sigue hablando de ella y seguirá, ¿la has recomendado supongo? Esta pequeña semilla fue un guión que poco a poco fue saliendo para definir una historia más del mundo del cine o para cavar su propia tumba. Luego de ver esta película, ¿cuál es la sensación que tienes?, ¿crees que tu mundo es real?, ¿eres tu propio arquitecto?, ¿dejas que haya un extractor en tus sueños?, aun así alguien me prometió volver por mí en este limbo, ¿acaso eres tú lectora o lector?, volvamos a ser jóvenes de nueva cuenta, pues tenemos una realidad que disfrutar, los sueños son buenos, no son malos, pero eso depende de cuánto estés en ellos, que tiempo le dedicas y como se maneja tu subconsciente.

… Al terminar de escribir esto me levanté y para tratar de percibir mi realidad, tomé mi tótem y comprobé una cosa, la cual no te puedo decir; pues ya sabes qué no debemos revelar.

Cierro mis ojos lentamente e imagino un océano grande y edificios cayendo a mis espaldas, es ahí cuando un golpe impacta en mi espalda y miro mi tótem para comprobar que todo lo que estoy viendo es…

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DESDE ADENTRO

Durante “el rodaje”, el director de fotografía es un personaje vital que debe estar en cada momento. Su principal tarea es “ser el creador y diseñador de la imagen”, por tal motivo está en la obligación de conocer muy bien cómo se maneja el rodaje, saber cada uno de los planos de la película que concretó en pre-producción junto con el director y el director de arte, conocer al pie de la letra el plan de rodaje de todos los días y, sobretodo, tener un claro conocimiento de la dramaturgia de la película (del guion), comprender claramente el porqué de ser narrada tal historia y por qué los planos que filma cuentan la historia, cómo la cuentan y con qué fin, además de muchas otras tareas (en su mayoría técnicas) para las cuales tiene a un gran equipo de profesionales en el mundo de la fotografía, la luminotécnica, el manejo de equipos, etc. Mantener a este equipo trabajando y darles indicaciones y conocimientos sobre cada plano mantendrá a su departamento en total funcionamiento. A continuación conoceremos más del trabajo del director de fotografía durante rodaje y el flujo de trabajo en su departamento.

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La dirección de fotografía.

trabajo durante el rodaje EN EL AJETREO DEL RODAJE Desde el primer día de rodaje hasta el último, el director de fotografía tiene claro previamente cada plano de la película y el orden como será filmado; esto gracias a un proceso de pre-producción en el que hizo un completo storyboard y plantillas de piso, de movimientos de cámara (emplazamientos), de puesta de luces, y demás documentos junto con el director que está informado del plan de rodaje, hecho completamente antes del rodaje por el primer asistente de dirección. “A un rodaje no se llega a improvisar”, improvisar quita tiempo y demuestra inseguridad en un equipo de trabajo cinematográfico, crea caos, por ese motivo se trabaja arduamente en la preproducción y en el rodaje todo está comprendido, analizado y preparado.

El director de fotografía siempre está detrás de la cámara. Aunque no siempre hace trabajo de camarógrafo -cosa que si suelen hacer muchos directores de fotografía, sobre todo los dedicados al cine de autor- siempre está detrás del monitor de la cámara observando foco, encuadre, luminosidad, correcto emplazamiento (si lo hay en el plano), color, composición, puesta en cuadro y demás temas relacionados con sus deberes.

Cuando trabaja con un camarógrafo le debe indicar a este todo relacionado

con el plano, el trabajo del camarógrafo es el de un operador responsable del correcto manejo de la cámara; su trabajo depende de las indicaciones del director de fotografía y este debe revisar el contundente trabajo del camarógrafo en un monitor, esté este en la cámara (cosa que sucede cuando la cámara está sobre trípode) o esté en un cuarto de monitoreo, que es una estación en el set donde el director de fotografía y el director revisan lo que se está rodando en tiempo real cuando la cámara hace un emplazamiento complicado sobre Dolly, steady-cam, grúa, etc.

toma inicial de "Touch of Evil", del director Orson Welles, un plano secuencia que desafió todo lo que se habia hecho hasta el momento en manejo de cámara, aun hoy es sujeto de estudio en academias de cine por la gran maestria con la que fue rodada este mítica escena

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EL FLUJO DE TRABAJO COMO NORTE

Robert Richardson en el set de "Inlgorious Basterds" ganador de tres oscars por su trabajo en "JFK" "The Aviator" y "Hugo". Es un colaborador habitual de los directores Quentin Tarantino, Martin Scorsese y Oliver Stone

Una tarea fundamental en el trabajo del director de fotografía respecto a la dirección de su departamento es la de dirigir y manejar el funcionamiento del “flujo de trabajo”. Este es el procedimiento por el cual el departamento de fotografía trabaja correctamente, se maneja mediante una serie de protocolos en los que se concretan cosas como: Quién maneja la cámara, quién está autorizado a manejar la cámara, quién y cómo monta y desmonta la cámara los días de rodaje, quiénes están autorizados tocar, manipular, tomar decisiones respecto al uso de la cámara, con qué tiempo se debe contar para montar, movilizar, y desmontar la cámara, quién maneja el Dolly, el Steady-cam o la grúa, o cualquier otro mecanismo para movilizar la cámara, quén da órdenes a quién en el departamento y de qué manera las debe hacer, etc. Es un flujo de trabajo de manejo internacional para todas las cámaras de cine y todos los departamentos de fotografía. Es respetado por permitir el funcionamiento del departamento, del cual depende casi en totalidad un rodaje. En nuestra próxima edición trataremos el tema del flujo de trabajo en el departamento de fotografía a fondo. Por el momento continuaremos hablando de las funciones del director de fotografía.

flujo de trabajo de la pelicula "Zodiac" de David fincher

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EL PERFIL DEL DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA El director de fotografía toma decisiones respecto a la imagen junto al director y al primer asistente de director (y si es el caso, junto al director de arte) cuando se presenta un problema en el rodaje, si es imposible que quede un plano, o no se puede realizar por problemas de producción o si las condiciones de luz cambian cuando se depende de la luz natural del sol, etc. Esta decisión se debe tomar rápido, ya que a rodaje se debe llegar con “Plan B”, plan c, plan d, hasta plan z si es necesario, en un rodaje no se puede perder tiempo. Alcanzar el profesionalismo, lucidez y belleza de un plano cinematográfico toma de “Una hora a un día entero (incluso más) por plano”.

En todo caso, su responsabilidad es la de lograr entregar un material grabado (conocido como rushes) a la producción, que ese material sea un trabajo profesional y contundente en la narración visual de la película. Su trabajo se basa más en que la película sea bella y represente algo novedoso y valioso para el espectador.

Tal y como un buen fotógrafo lo hace al publicar fotografías que le quedan a los espectadores en sus mentes para todas la vida, el director de fotografía junto al director lo deben hacer, pero hay una gran dificultad: la fotografía en movimiento no da la facilidad de ser contemplada a tal punto de que quede tatuada en la memoria, esto puede sonar vacuo y totalmente fuera de sentido para el amante del cine promedio porque suele creer que en la imagen en movimiento hay mayor sensibilidad y poder emocional, pero es una realidad que todo cineasta debe afrontar.

La sensibilidad o el valor sensible de una película, algo entendido como el valor de la imagen o la forma de mirar el mundo por una película es un valor dado en un 60% por el director y un 40% por el director de fotografía.

Aunque la visión de la imagen de la película si depende de la mirada de quien está en la dirección, es el director de fotografía quien se especializa en que esa mirada logre dar a luz para todos los que miren la película.

Aunque los conceptos de estilo del director son los que construyen una película, los directores de fotografía también manejan conceptos de estilo propios, los cuales son más constructores de la imagen de una película. Por eso es que una película no es hecha solamente por un director, detrás hay un gran número de personas con un gran conocimiento artístico. Relaciones entre director de fotografía y director a través de la historia son muchas, desde Svan Nykvist junto con Ingmar Bergman, hasta Gordon Willis con Francis Ford Coppola y más son muestra de que el manejo de la luz, el color y el encuadre depende de dos artistas y no solo uno.

Gordon Willis director de fotografia de en el set de"The godfather"; era uno de los colaboradores habituales del director Francis Ford Coppola, asi como tambíen de Woddy Allen, trabajando en "Annie Hall" y "Manhattan"

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BIO 7

El trabajo del director también se ha centrado en protagonistas masculinos que tratan de luchar a brazo partido con su pasado mientras se trabaja a través de complejos desafíos de la actualidad. Las mujeres en sus películas se han escrito como aliados y / o intereses románticos, algunos de los cuales se convierten en víctimas también Nacido el 30 de julio de 1970 en Londres, Inglaterra, Christopher Jonathan James Nolan. comenzó a crear películas siendo un niño, por lo que su primer corto fue a la edad de 7 años. Nolan viajó entre Chicago y Londres mientras crecía, su madre era de América y su padre era de Gran Bretaña-y, finalmente, pasó a estudiar en la Universidad College de Londres, donde estudió literatura Inglesa y se unió a la sociedad de cine de la escuela. Él creó cortometrajes como "Tarántula", "Hurto" y "Doodlebug" antes de liberar el trabajo de forma más larga.

El gran debut en el cine de Nolan, fue una obra de bajo presupuesto en blanco y negro que trataba sobre un escritor solitario que está obsesionado con seguir a extraños. El no convencional esquema narrativo de la película, ayudó a atraer el interés de Garner en la obra de Nolan y lo propulsó a su próxima película, "Memento". La función de indie-noir-ish protagonizó Guy Pearce como un hombre amnésico que se basa en Polaroids y tomar notas copiosas mientras busca venganza. Nolan adaptó la obra a partir de un cuento escrito por su hermano Jonathan Nolan, y la película recibió dos nominaciones al Oscar por su edición y guión.

Continuó presentando thrillers psicológicos como el remake "Insomnio", protagonizada por Al Pacino como oficial de policía en Alaska que maneja una investigación de asesinato, mientras que

debe contender con un sentimiento de culpa que persistente. La carrera del director luego viajó a la estratosfera, cuando él estuvo de acuerdo para dirigir el relanzamiento del héroe del cómic de Batman con la película de 2005 "Batman Begins" , protagonizada por Christian Bale como el personaje principal.

La película llegó a ganar más de $ 372 millones en todo el mundo. Lo siguiente que lanzó en el 2006 fue "The Prestige", una historia bien recibida sobre un duelo de magos protagonizada por Bale, Hugh Jackman y Scarlett Johansson.

En julio de 2008 Nolan saca la secuela de Batman, El caballero de la noche y estableció el récord de tener el fin de semana bruto más alto en los Estados Unidos, en $ 158 millones; Knight se convirtió en uno de los cinco mejores películas más taquilleras en Estados Unidos. Mientras que la producción también recibió una avalancha de elogios, incluyendo varias nominaciones al Oscar y al Globo de Oro, la tristeza marcó el procedimiento. Heath Ledger, quien interpretó al villano Joker, murió a causa de una sobredosis accidental de medicamentos recetados antes de que se estrenara la película. Ledger ganó un Globo de Oro y Oscar póstumo por su trabajo, y Nolan aceptó el premio Globo en nombre de Ledger.

Dos veranos después, Nolan volvió a la taquilla con "Origen" , protagonizada por Leonardo DiCaprio como el líder de un grupo de mercenarios de ensueño-viajar. La pe-

lícula fue otro éxito de taquilla aclamada por la crítica por el director, y ganó cuatro premios de la Academia por su magia técnica. Nolan siguió con la tercera película del éxito de taquilla de la franquicia de Batman , en el 2012 "The Dark Knight Rises" , esta vez protagonizada por Anne Hathaway como Catwoman y Marion Cotillard (que también estaba en "Origen" ) como Miranda Tate.

Nolan fue el único guionista de raíz y de lanzamiento . Excluyendo "el insomnio" , que ha compartido créditos de la escritura de sus otras películas con Jonathan Nolan, entre otros.

Las películas de Nolan son conocidos por su intelectualismo, la profundidad psicológica y la narración poco ortodoxa. Tanto "Following" y "Memento" tuvieron estructuras narrativas no cronológicos, con "Memento" desplegó episódicamente en el tiempo hacia atrás. Y "Origen" tiene historias que existen dentro de otras historias, como los personajes exploran el reino de la mente inconsciente altamente estratificada de una persona.

Nolan imbuye sensibilidades artísticas con escenas que se asemejan a pinturas surrealistas y sus fimls han influido de manera significativa el cine, lo que demuestra que la complejidad puede existir en el comercial.

Tiene la doble ciudadanía en los Estados Unidos y Gran Bretaña, y está casado con Emma Thomas, quien ha trabajado como productor en todos sus largometrajes. La pareja tiene cuatro hijos. Recientemente se estrenó su película "Interstellar".

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Nacido el 30 de julio de 1970 en Londres, Inglaterra, Christopher Jonathan James Nolan. comenzó a crear películas siendo un niño, por lo que su primer corto fue a la edad de 7 años.

CHRISTOPHER NOLAN

TOP 7

1. “memento” 2000

2. “the prestige” 2006

3. “the dark knight” 2008

4. “batman begins” 2005

5. “inception” 2010

6. “following” 1998

7. “the dark knight rises" 2012

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top 7

pelĂ­culas de christopher nolan 17

ZONA TERROR

BIENVENIDO A L A

FERIA DEL TERROR

Recomendable para los fans del mejor Hooper, para los fans del slasher ochentero y para aquellos que consideren extravagantes y atractivas las ferias/ parques de diversiones y todo lo que las rodea

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la casa de los

horrores

Allá por el año 1981, Hooper nos traía un slasher titulado The funhouse (La casa de los horrores en español). Muchos esperaban una experiencia perturbadora y alucinante como pasó con su Masacre de Texas, pero no fue así. Si bien tiene lo suyo, ha dejado a muchos espectadores y seguidores decepcionados. Está cinta ha pasado a ser una de mis favoritas ya que la vi siendo una niña, y en su momento me causó una gran impresión. Muchas de las escenas que contiene The funhouse me marcaron la infancia. Recordaba (hace poco tuve la oportunidad de audioverla de nuevo) una atmosfera claustrofóbica, aterradora, con seres deformes dentro de la Casa de los horrores que perseguían incansablemente a los protagonistas (en realidad era un solo ser deforme) y una banda sonora nunca mejor utilizada en una película de horror, digna de ver un sábado a la noche sin padres alrededor. Y como es de esperarse, los recuerdos cambian conforme uno se hace grande, y en realidad la cinta hoy en día no da miedo ni impresión, pero queda claro que en cuestiones técnicas, de narración y dirección, Hooper hizo un gran trabajo.

La película va sobre cuatro amigos que deciden ir a pasar el rato a un parque de diversiones donde el ambiente de por sí es raro y las personas que trabajan ahí se comportan de forma también rara. Hooper saca provecho de esto. Como adolescentes que son, toman la mala idea de quedarse dentro de la famosa Casa de los horrores y su estancia ahí dentro se convierte en una pesadilla. El inicio es un claro guiño a Halloween de Carpenter y a Psicosis de Hitchcock.

Podría decirse que es plagio, pero yo considero que es un homenaje entre colegas. Después de este potente inicio la cinta se vuelve un poco lenta (acá Hooper aplica lo que sabe de cine documental para retratar el ambiente del parque de diversiones), pero ya por la mitad retoma bastante bien. Las muertes no son muy impactantes pero los efectos especiales están muy bien, así como también la caracterización del deforme que por momentos es de lo más espectacular de ver. Las actuaciones de los cuatro amigos no son muy buenas, pero esto se compensa con el suspenso que transpira la película. Merece destacarse la escena final que es tan desoladora, desesperante; con esa música de fondo, deprimente, macabra y a la vez tan fría; con ese primer plano del rostro de la muchacha atormentada por el deforme, única sobreviviente de esa aterradora noche que no sabe ni adónde ir.

En resumen, gran ambientación, localización y decorado, muy buen trabajo del equipo de efectos especiales y una fotografía que retrata a la perfección la aventura vivida por unos intrépidos y curiosos chicos adolescentes en un parque de diversiones, y concretamente en su atracción principal, la Casa de los horrores, que se extiende en otras películas, como por ejemplo Rob Zombie con su Casa de los mil cuerpos.

Recomendable para los fans del mejor Hooper, para los fans del slasher ochentero y para aquellos que consideren extravagantes y atractivas las ferias/ parques de diversiones y todo lo que las rodea.

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MÚSICA EN EL CINE

En los premios Oscar, Inception estuvo nominada a diferentes categorías, entre ellas a mejor película, la cual finalmente ganó El discurso del rey; del total de 8 nominaciones, resultó ganadora en Mejor fotografía, Mejor edición de sonido, Mejor sonido y Mejores efectos visuales.

Inception (o El origen en español) es una película de ciencia ficción del cineasta Christopher Nolan, la cual ha sido objeto de varias opiniones y teorías al respecto por cómo se va desencadenando la historia y su paradigmático final, logrando así atrapar al espectador desde el inicio. Los elementos que reúne le han valido varios premios entre ellos a su música, compuesta por Hans Zimmer, siendo así su tercera participación con Nolan en Batman Begins y The Dark Knight, pero antes de ahondar en detalles vamos a hablar un poco del argumento de la cinta.

Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) es un experto en entrar dentro de los sueños de las personas, de esta manera al introducirse en su subconsciente roba valiosos secretos lo cual lo a hecho un personaje muy valioso dentro del mundo del espionaje y al mismo tiempo un fugitivo internacional, llevándolo a sacrificar las cosas que más le importan en su vida. Dom encuentra una forma de eximirse con un último trabajo que solo lo ayudará si logra concluirlo completamente o terminar de hundirlo en caso contrario. Pero esta vez es diferente, no debe robar una idea, debe implantar la semilla de esta, sin embargo no importa lo cuidadosa que haya sido la planificación, pues todo se complica por algo oscuro que solo vive alojado en el subconsciente. Dentro del reparto también participa Michael Caine, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy, Cillian Murphy, Ellen Page y Ken Watanabe con importantes personajes que ayudan al pleno desarrollo del filme.

Hans Zimmer es un famoso compositor alemán conocido por componer la música de películas que han destacado grandemente por su banda sonora, ta20

les como "Piratas del Caribe", Batman: El caballero de la noche, #Pearl Harbor, Gladiador, El rey león, entre otras, contando con un repertorio muy amplio que abarca desde cine hasta televisión. De esta manera, es uno de los compositores más importantes de bandas sonoras de la actualidad.

En los premios Oscar, Inception estuvo nominada a diferentes categorías, entre ellas a mejor película, la cual finalmente ganó El discurso del rey; del total de 8 nominaciones, resultó ganadora en Mejor fotografía, Mejor edición de sonido, Mejor sonido y Mejores efectos visuales. También estuvo nominada a Mejor banda sonora junto con Como entrenar a tu dragón, El discurso del rey, 127 horas y La red social, siendo esta última la ganadora.

Hans Zimmer tuvo varias nominaciones en diferentes premiaciones importantes tales como los Satellite Awards, los BAFTA y los globos de oro, de los cuales ganó los Satellite Awards.

La banda sonora tiene un empleo de música electrónica lo que nos trae a recordar los comienzos de Zimmer con el synthpop y el new wave, el primero siendo un derivado del new wave que utilizó a principios de los años ochenta en el que se usan varios estilos de pop y rock incorporando música electrónica con varios sonidos originales del punk.

Dentro de la obra podemos observar un crecimiento orgánico la cual fluctúa de acuerdo a la intensidad de cada escena. Usa efectos sonoros que son fortalecidos con fortes súbitos, generalmente con ritmos repetitivos que generan gran tensión prevaleciendo sobre la melodía que es cambiante y muchas veces secuencial y sencilla, nada lírico ni bucólico todo en sentido a la marcha del filme.

El compositor utiliza para esta película la canción “non, je ne regrette rien” de la famosa cantante francesa Edith Piaf, menciona que le sirvió como base para todo el sountrack a partir del conocido tema que presenta el trombón.

Zimmer dijo al periódico New York Times "toda la música en la partitura es subdivisiones y multiplicaciones del tempo de la pista de Edith Piaf."

Con un reparto digno de recordar, una música excepcional, la mezcla perfecta de sonidos e imagen, es una película dentro de tu repertorio fílmico que no te puedes perder.

REVISTA ZONA 7

INCEPTION:

EL ORIGEN

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ACTUALIDAD

festivales:

NUEVA YORK 22

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Nueva york, sitio ideal para darse a conocer al mundo, y su festival de cine no es la excepción: este año tuvo el privilegio de contar con los estrenos mundiales de notables proyectos, como “Inherent Vice” y la no menos esperada “Gone Girl”, que abrió la selección; pero primero hablaremos de estos dos estrenos antes de adentrarnos en el festival.

gone girl “Gone Girl” es una adaptación del libro homónimo escrito por Gyllian Flinn. Dirigido por David Fincher, este thriller policial gira en torno a un matrimonio aparentemente perfecto de los escritores Amy (Rosamund Pike) y Nick Dunne (Ben Affleck), cuyos problemas salen a la luz pública luego de la misteriosa desaparición del personaje de Pike en el quinto aniversario de bodas de la pareja.

Con un guion adaptado por la misma escritora del título, esta cinta es la segunda película más taquillera hasta la fecha de su director David Fincher, siendo solo superada por “El curioso caso de Benjamin Button” (cuya recaudación seguramente será sobrepasada en pocos días). “Gone Girl” ha cosechado buenas críticas para su director y en especial para la actuación de Rosamund Pike, lo que nos da una cinta que podría estar esperando múltiples nominaciones, entre ellas a varias categorías técnicas como mejor director, guion adaptado y actriz principal.

inherent vice Por otro lado, tenemos a “Inherent Vice”, con un guión adaptado por su mismo director (Paul Thomas Anderson) de la novela homónima del escritor norteamericano Thomas Pynchon publicada en el 2009.

Se centra en Larry “Doc” Sportello, un peculiar detective en los Ángeles de finales de los años 60 que trata de resolver el misterio de la desaparición del último amante de su ex esposa.

Con las colaboraciones de Josh Brolin, Reese Witherspoon, Owen Wilson, Benicio del Toro, Jena Malone, Katherine Waterston, Maya Rudolph y Joaquin Phoenix encabezando la lista, esta cinta tiene uno de los mejores repartos del año, y al igual que “Gone Girl” ha recibido buenas críticas por su brillante guion lleno de humor negro que recuerda al más puro estilo de los Cohen en “el Gran Lebowski” y también la destacada actuación de Phoenix.

Ahora, volviendo con el festival, en esta ocasión el jurado se decantó por la cinta de P.T Anderson, que ganó el premio del jurado, seguida en votación por la Mauritana “Timkuktú”, y “Clouds of Sils María” con Juliette Binoche y Kirsten Stewart, dando el cuarto lugar a “Two days One night” con una elogiada actuación de Marion Cotillard, que ya entra como una de las favoritas para los premios de la academia en el rubro actoral. Siguiendo con actuaciones destacadas, Joaquin Phoenix fue elegido como mejor actor protagonista por “Inherent Vice”, seguido por Juliette Binoche, y el jurado también resaltó las actuaciones de Michael Keaton (“Birdman”) y Rosamund Pike (“Gone Girl”) También en este caso, se vieron cintas ya estrenadas en diversos festivales como “Foxcatcher” de Bennet Miller, el biopic de “Passollini” a cargo de Abel Ferrara, “Maps to the Stars” lo nuevo de David Cronenberg, y “Adeu au language” del maestro de la Nouvelle vague, Jean-Luc Godard.

Ya ha pasado otro festival y poco a poco las dudas sobre las posibles grandes ganadoras de la temporada de premios venidera se van despejando, ¡que empiecen las apuestas!

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ACTUALIDAD

por MATíAS OLMEDO

Interstellar es una obra experimental llena de deslumbramiento visual y de ambición temática. Una aventura épica y futurista impulsada por el dolor, el miedo y el arrepentimiento. Nolan lo ha conseguido de nuevo.

Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores decide embarcarse en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad y emprender un viaje más allá de nuestra galaxia en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana.

La película en sus casi tres horas trata sobre la soledad humana, el poder del amor, el instinto de supervivencia, la física cuántica y la relatividad. Siendo La teoría de la relatividad un tema aparte, si bien uno no puede pretender entender todas las discusiones científicas que abundan en el guión; gran parte del diálogo tiene jerga pesada; son puestas en escena con tal convicción que terminamos aprendiendo algo totalmente nuevo. Nolan nos ofrece muchas cosas en un solo paquete.

Christopher Nolan y su hermano Jonathan abrazan ambos lados de la condición humana. Se miden entre ellos con la brillantez y conocimiento del renombrado físico teórico Kip Thorne (productor ejecutivo de la pelicula) contra la fuerza bruta de las emociones, y es interesante ver qué lado gana.

Nolan necesitaba de actores que pudieran transmitir más que nunca emociones verdaderas y palpables, Anne Hathaway, Jessica Chastain, y especialmente McCo contrarrestan cualquier tipo de frialdad en sus actuaciones.

McConaughey nunca hizo emocionar y derramar tantas lágrimas como lo hace en esta película.

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Dada la longitud extrema de la película, nunca es aburrida, pero constantemente lo que hace es desafiar al espectador, ya que pasa de un camino a otro, o del mismo pero en ascenso hacia algo más grande. Hay algunas sorpresas. y por supuesto, la película es muy seria a lo Nolan pero llena de corazón y constante apunte al amor de un padre hacia sus hijos. Hay pequeños toques de humor que suministra Christopher y que son bienvenidos, pero seamos sinceros, nadie va a ver una película de él para las risas.

Los efectos visuales son majestuosamente impresionantes, hay momentos en que me encontré con constante guiños a 2001: Una odisea espacial. Era inevitable por la admiración que tiene Nolan por Kubrick, sin alterar la experiencia inmersiva que el director se esfuerza por lograr. La banda sonora atronadora y sublime de Hans Zimmer hace el trabajo que tiene que hacer, pero el director también sabe cuando hacer uso astuto del silencio.

El poderío de la tranquilidad misteriosa que vemos en el entorno galáctico crea imágenes sorprendentes y en varias escenas, logra algo muy raro en todo lo visto hasta ahora en el cine:

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un verdadero sentido de la maravilla. Cuando se acerca a su conclusión, obviamente, un poquito alargada llega en última instancia, se genera una hermosa y auténtica presencia de la emoción y el poder. La concepción de la gravedad como el eslabón perdido entre el espacio y el tiempo se utiliza como un medio hacia la sanación emocional.

Su diseño cinematográfico y la producción son magistrales. Trabajar con un nuevo director de fotografía, Su Hoyte Van Hoytema, evoca los paisajes mas hermosos y extravagantes jamás vistos en la pantalla grande. Por otra parte siempre es agradable ver a buenos actores de años pasados como John Lithgow. Y jovenes promesas como Mackenzie Foy que da un rendimiento especialmente impresionante como la hija adolescente de McConaughey.

Como conclusión, Interestelar representa el movimiento y el ascenso de un director hacia delante. Nos entrega una magnífica, oscura, sentimental, ambiciosa y arriesgada pieza inteligente. Es enorme y abarca tanto que no alcanza con verla una sola vez. Nolan nos lleva a los confines del universo pero reflexionando sobre todo aquello que nos hace humanos. Una opera espacial intensa que deslumbra y emociona.

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ACTUALIDAD

Christopher Nolan es un gran director que ha conseguido cautivar a mucha gente alrededor del mundo con sus historias en la pantalla gigante, un nombre que vale por sí mismo y que sugiere una película increíble. El culto al director inglés gracias a “Memento”, la trilogía de “Batman” y “El Origen” - entre otras grandes obras - ha creado un número importante de fanáticos dispuestos a defender cualquier decisión y camino que tome, pero tampoco falta aquel grupo de personas que utiliza cualquier tipo de motivos para encontrarle puntos negativos a su carrera. El defensor del celuloide actualmente está de regreso con una nueva película bautizada “Interstellar”, con una temática que se adapta como anillo al dedo al estilo Nolaniano.

Interstellar narra las

aventuras de un grupo de exploradores que utilizan un recientemente descubierto “agujero de gusano” para sobrepasar los límites de los viajes espaciales conocidos y conquistar las vastas distancias implicadas en un viaje interestelar.

Siendo una apuesta más ambiciosa y más dramática que sus películas anteriores, la cinta puede convertirse en el nuevo hito de la ciencia ficción. En la producción, Christopher Nolan no se encuentra sólo; vuelve a contar con participación de su hermano menor Jonathan, guionista reconocido que ha participado en 7 de sus películas, Emma Thomas, productora y además esposa del

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director, Hans Zimmer , el célebre compositor alemán quien vuelve a ser el encargado de la banda sonora otorgándole su pizca de distinción y Kip Thorne, un científico muy reconocido que debido a sus contribuciones en la física gravitacional y en la astrofísica, cimientan el planteamiento en la historia de los hermanos Nolan.

De hecho Kip Thorne es productor ejecutivo de la película y participó activamente con su propio arte. Por otra parte, un excelente y notable reparto se da lugar en Interstellar con: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Wes Bentley, Casey Affleck y Michael Caine, entre otros. Cabe destacar que la adhesión de McConaughey también será un factor clave en la recaudación mundial de la cinta. El actor fue el ganador del premio Oscar del año pasado como mejor actor por su participación en “Dallas Buyers Club”. Además entre sus últimos trabajos se destaca su sorprendente actuación en “True Detective”, “Mud” y la memorable pequeña participación en “The Wolf of Wall Street”.

Así pues, con su estreno el 7 de noviembre en salas que proyectan tanto 70mm como 35mm, queda poco tiempo para vivir la experiencia en el cine con otra gran historia de este director, película que será la más larga en duración (164 minutos) en comparación a los otros trabajos que tiene en su haber Christopher Nolan. Los puntos señalados son los considerados destacados para asistir sin falta al estreno. Más allá de calificar el trabajo de Nolan, no se puede negar que con sus películas ha conseguido dignificar y elevar la taquilla hacia otro nivel, así como los filmes de superhéroes. Así mismo demostrando que los blockbusters pueden ser ingeniosos, inteligentes y más personales. Su influencia es tan notable en el cine actual que está creando escuela demasiado rápido, y no en el buen sentido, con productoras y directores intentando repetir su camino que sólo él parece conocer. Desde su saga de “El Caballero de la Noche” las adaptaciones de cómics dejaron un tanto de lado la poca credibilidad y la fantasía, adoptando en su mayoría como punto de partida el notable guion marcado por el director inglés.

Chris Nolan es un hombre que sin duda alguna sigue con su carrera en aumento, esto demuestra que está en camino de convertirse en una leyenda tanto en el cine como en la cultura popular.

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chistopher nolan:

un director de otra

galáxia por MATíAS OLMEDO

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CURIOSIDAD

“Podemos afirmar muy seriamente que puede ser la película más barata que jamás se ha hecho” ― Christopher Nolan sobre "Following"

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frases de pelíicula

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1. Por lo general comienza sus películas con un flashback o una escena del final.

2. Tiende a tener protagonistas solitarios

con problemas y están obligados a ocultar su verdadera identidad en el mundo.

8. Pasó su infancia entre el Reino Unido y Estados

Unidos. Su acento es en su mayoría Inglés, pero a veces varía en un acento americano. Nolan se siente cómodo conociendo ambas culturas.

9. El primer director que hace 3 adaptaciones del personaje Batman de DC Comics.

3. Por lo general termina sus películas con el monólogo de un personaje.

4.

A menudo elige actores no estadounidenses en papeles de los actores estadounidenses. (por ejemplo, Christian Bale, Hugh Jackman, Heath Ledger, Cillian Murphy, Liam Neeson, Gary Oldman, Tom Wilkinson).

10.

Algunas de sus películas favoritas son 2001: Odisea en el espacio (1968), Blade Runner (1982), La guerra de las Galaxias (1977) y todo lo relacionado con Kubrick.

5. No le gusta utilizar imágenes generadas

en computadora (CGI), especialmente lo rechazó en Batman inicia.

6. Estudió Literatura inglesa.

7. Él es de las pocas personas (incluyendo

también a su hermano Jonathan Nolan y David S. Goyer) que trabajan en 2 películas sobre DC Comics de los héroes más emblemáticos de cómics Batman y Superman.

lo que no sabías de:

christopher nolan

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CINE ASIÁTICO/ORIENTAL

RUMAH

DARA Me encontré esta película en DVD con el nombre de La Última Cena, pero es mejor conocida como Macabre aunque su título original es Rumah Dara. Filme donde mezclan el suspenso, el terror y el gore de una manera excelente, manteniéndote al borde de tu asiento y revolviendo tu cabeza con ideas de que es lo que sucederá, haciéndote preguntas de ¿por qué sucede? u ¿ocurrió algo para que semejantes atrocidades se lleven a cabo?

La historia se desarrolla en Indonesia, donde un grupo de amigos va rumbo a la ciudad de Yakarta.

Durante el viaje se encontrarán con una persona que cambiará sus vidas para siempre: una asustada joven que casi atropellan, acomidiéndose ellos a llevarla a su casa, lo cual será el peor error de sus vidas.

Aunque inmediatamente no suceda nada horripilante o sanguinario, te sentirás incómodo con las situaciones y entrarás poco a poco en suspenso, haciéndote suponer muchísimas situaciones que podrían ocurrir, y conocerás algunos personajes extraños que te producirán un poco de temor. Hablemos un poco de algunos personajes.

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Ladya; una joven bella, amable y resentida quizás por algunas circunstancias, es la protagonista. Demostrará ser la más fuerte pero ¿podrá sobrevivir?

Dara; la señora y dueña de la casa donde los jóvenes llevan a la chica encontrada. Inexpresiva, fría, extraña, irradiará desconfianza y demostrará que es algo más que una señora normal.

Adam; hijo de Dara, un joven de carácter frio y desconfiado, poco a poco se transformará y demostrará que, al igual que su madre, no es una persona normal Hablé poco de los personajes por temor al spoiler, pero te puedo decir en cuanto a los personajes, que los jóvenes tienen naturalezas y sentimientos distintos; lujuriosos, desconfiados, amorosos, una del grupo está embarazada y esto es pieza importante en la trama. En cuanto a la familia extraña que pareciese sacada de un cuento de horror antiguo (son 4 personas), no comprenderás el porqué de sus acciones, las cuales serán grotescas y te horrorizaran completamente. Esta película es como al estilo de The Texas Chain Saw Massacre pero no es una copia ya que en Macabre se toca más el tema de lo sobrenatural. No sabría clasificar el gore en niveles, pero sí tiene escenas elevadas de tono que puede que te atemoricen aunque considero que no puede ser tan fuerte como otras películas sangrientas, sin embargo eso no le quita lo terrorífico de la trama.

Si eres amante del gore te encantará, y repito, quizás no es tan gore, pero a veces menos es más, y definitivamente esta es una cinta de calidad y con una historia que te llevará de la mano para que disfrutes del horror que ofrece. Si te gusta el cine asiático, de terror o suspenso también no dudes en verla, y te invito a que le des una oportunidad y descubras por ti mismo el horror de esta cinta.

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Aprenderás que las buenas acciones no siempre traen buenas consecuencias, también pueden acarrear desgracias; y que a veces es mejor ser egoísta y sospechar de cualquier situación que ponga en peligro tu propia existencia.

"rumah dara” País: indonesia/singapur año: 2009 director: Timo Tjahjanto y Kimo Stamboel 31

DEL CINE A LA REALIDAD

YAWAR por aarón mariscal

Esta película data del año 1969 y tiene 70 minutos de duración, minutos en los que observaremos la vida tradicional de una comunidad indígena en su lucha por la liberación, ya que un grupo extranjero amenaza la fertilidad de sus mujeres.

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MALLKU Personalmente, no creo tener el derecho suficiente para juzgar esta obra del cine nacional ya que he consumido muy poco del mismo, pero como boliviano me siento complacido de haber disfrutado de semejante manjar cultural, cuyo nombre es Yawar Mallku (“La sangre del cóndor” en quechua), y creo que es mi deber resaltar su importancia.

Esta película data del año 1969 y tiene 70 minutos de duración, minutos en los que observaremos la vida tradicional de una comunidad indígena en su lucha por la liberación, ya que un grupo extranjero amenaza la fertilidad de sus mujeres.

Ignacio es el líder (“mallku” en quechua) de la comunidad y, acompañado por algunos miembros, va a cierto lugar y descubre algo que “no debía ver”. Ese secreto eran las acciones del Cuerpo de Progreso, un grupo estadounidense que instala un “centro de maternidad” en la región, con la finalidad de esterilizar a las mujeres indígenas.

Las autoridades fusilan a los entrometidos, pero Ignacio sobrevive y es trasladado por sus camaradas a algún lugar donde pueda reposar. Luego, él y su mujer, Paulina, se encuentran en un callejón con su hermano, Sixto, quien los lleva con un médico para ayudarles. El doctor les dice que el herido necesita transfusión de sangre (y ni la mujer ni el hermano tienen sangre compatible) y algunos medicamentos caros. El deber de Sixto será encontrar

el dinero suficiente para conseguir los medicamentos, ¿lo logrará?

Bueno, en realidad todo apunta a que la trama se centra en dos puntos: que Sixto pueda salvar a su hermano y que la comunidad ataque con éxito al Cuerpo de Progreso para así expulsarlo definitivamente de ahí. Se dice que esta película tuvo tanto impacto que logró que, en la vida real, se expulsara a los Cuerpos de Paz (de EE.UU.) de Bolivia.

Este filme, además de hacernos reflexionar sobre el conflicto entre los pueblos originarios y el “hombre moderno”, nos da un vistazo de lo que fue la lucha por los derechos de los indígenas mucho antes de la llegada de Evo Morales al poder. Además, también hay casos como los del ‘Tata’ Belzu, Víctor Paz Estenssoro, René Barrientos, y otros líderes a quienes se les atribuye la apertura de la sociedad civil con la gente nativa en Bolivia.

La utilización de actores inexpertos le da más realismo a esta cinta (aunque los llantos de Paulina no concordaban para nada con su expresión, y ver eso se sintió extraño). La banda sonora nos ofrece principalmente música folclórica, y particularmente me encantó la canción que suena (aunque por poco tiempo) cuando Sixto anda por un mercado buscando dinero, me recuerda a la música valluna.

Cabe destacar también que escucharemos 3 idiomas a lo largo de la cinta: quechua, español e in-

glés; esto le da un toque majestuoso de variedad lingüística, si te gusta escuchar idiomas distintos, este detalle te fascinará.

Finalmente, es menester mencionar que Yawar Mallku fue reconocida por la UNESCO como una de las 100 mejores películas producidas en el mundo. Además, fue galardonada con el Premio “Timón de Oro” en el Festival Internacional de Cine de Venecia, el Primer Premio “Espiga de Oro” del Festival Internacional de Cine de Valladolid, y el Premio “Georges Sadoul” a la mejor película extranjera presentada en Francia en 1969.

Si se tuviera que elegir un adjetivo calificativo para denominar a esta obra, creo que “antimperialista” sería lo más adecuado, puesto que es una especie de protesta contra la “soberbia del imperio yanqui” sin necesidad de recurrir al socialismo como herramienta para esto.

En fin, muchos bolivianos están de acuerdo en que es una obra de culto, y ciertamente está llena de cultura y saber tradicional que vale la pena asimilar. ¡Ah! Olvidé mencionar que el director es Jorge Sanjinés, muy reconocido por sus largometrajes "Ukamau" (1966) y "La nación clandestina" (1989), además del de este artículo, claro.

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EXTRAS/ RESEÑA

vittorio de sica:

umberto d por josé bueno

El cine italiano posee entre sus filas a grandes personalidades del cine mundial, entre ellos el destacado director Vittorio De Sica, mundialmente conocido y galardonado por su película Ladri di biciclette (El Ladrón de Bicicletas), filmada en 1948 y que además posee un guión tan simple como poderoso; y es que De Sica es uno de esos directores que logra educar, entretener y gustar al mismo tiempo.

Entre 1939 y 1945, la Segunda Guerra Mundial causó estragos en toda Europa central. Está de más pretender dar una clase de historia universal a quien lee estás líneas, pero quizás este pequeño detalle permita entender el porqué de la predilección de De Sica por el cine que desarrollo en sus primeros años.

Por ejemplo: Sciuscia (El Limpiabotas, 1946); Ladri di Biciclette (1948) y la película que abordaré en los siguientes párrafos, son muestras de un cine tosco, agrio, crítico e incomodo; pero a la vez directo, real y de algún modo moralizante.

En 1952, Vittorio De Sica llevaría a las pantallas la historia de un hombre curtido por los años, solitario, con cabellos blancos, con pesar al caminar, sin más amigos o familiares que una chiquilla inocente que acaba de quedar embarazada y la compañía leal, sincera y constante de su mascota, “un perro con ojos inteligentes”.

Umberto D es una película filmada en blanco y negro, con una historia ágil, que no se detiene y que engancha desde la primera escena. Y aunque probablemente es de esas cintas recomendables para todo tipo de público, estoy seguro que la angustia surgirá tanto en aquello que han sido olvidados y alejados contra su voluntad de la 34

sociedad, como en esos otros, aún más miserables, que olvidaron a alguien a voluntad.

La película juega con el espectador, lo lleva de un lado al otro, lo jalonea y lo empuja a su ritmo, le muestra la crudeza de la vida a través de los ojos de Umberto, para finalmente apuntar como única solución aquella certeza que todos conocemos pero preferimos olvidar: la muerte, el suicidio y la tragedia.

Definitivamente estamos ante una película hermosa y llena de contenido.

Estoy seguro que la inclusión de Umberto D - como cualquier otra cinta de De Sica - será una necesidad pedagógica el día que las currículas de mi país se alejen de los esquemas rígidos de educación y permitan incluir material fílmico como parte vital de la formación critica de los estudiantes.

No quiero terminar este pequeño artículo sin mencionar a La Ciociara de 1960 (conocida también como “Dos mujeres”). Una película cruda que retrata las peripecias y desventuras de una madre que busca refugio para ella y su hija en los últimos días de una Italia agobiada por la guerra.

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“La última personificación de Bruce Wayne. Él tiene exactamente el equilibrio de oscuridad y luz que estábamos buscando”

Christopher Nolan sobre Christian Bale

frases de pelíicula 35

EXTRAS/ RESEÑA

el caballero oscuro:

un héroe para la eternidad Por Cristóbal Jiménez calvo

Una vez presentada la nueva cara del héroe por Cristopher Nolan en “Batman Begins” él, su hermano 'Jonathan' y David S. Goyer presentaron al público en Agosto de 2008 (yo contaba con 28 años) la que es considerada a mi entender la mejor película de héroes (que no superhéroes) de todos los tiempos.

La calidad de 'El Caballero Oscuro' se fundamenta en una nueva adaptación (la sexta de Batman en el cine) que tomando al héroe de Bob Kane y Bill Finger (aunque la autoría del segundo es menos notoria) se consigue un carisma de genialidad pasada por el filtro direccional de un 'Nolan' en estado de gracia que supo plasmar en imágenes y sonido una compleja historia esculpida con martillo y cincel de la que se erige un monumento al séptimo arte en celuloide, en la forma del hombre murciélago.

La adaptación de un cómic (que adquiere aquí la categoría de novela gráfica), el cine negro, la verosimilitud en la ficción, la espectacularidad, la corrupción del ser humano, el fatalismo y el valor y compromiso de Batman toman en “The Dark Knight” la relevancia suficiente para levantar todo el entusiasmo de no sólo el aficionado al cómic sino también del buen cine.

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La admirable y enrevesada trama comienza con el triunvirato formado por Batman (Chistian Bale), el agente Gordon (Gary Oldman) y el nuevo elegido fiscal del distrito conocido como el caballero blanco de Gotham, Harvey Dent (Aaron Eckhart) que deciden unir sus fuerzas intentando arrasar con el imperio del crimen golpeando las arcas del dinero de la mafia, apoderándose del potestado y administrador de la riqueza del crimen organizado para que declare en contra de los mafiosos y poder inculpar a todos para limpiar las calles de la megalópolis corrupta.

Ante el peligro que presenta Batman para el crimen organizado inspirando a todos los ciudadanos para que se impliquen contra las injusticias, la mafia decide contratar a un perturbado, anárquico, brutal y misterioso ser que muestra una inteligencia inquietante a la vez un semblante atemorizador con el sello de identidad de una cicatriz que alarga de manera desagradable y notoria la comisura de sus labios: El Joker (Heath Ledger).

“Joker” pondrá en jaque a toda la ciudad de Gotham

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con la única finalidad de poner a todos los Gothamitas en contra del héroe protector, dañando su imagen con pérfidas y oscuras consecuencias para todo aquel que tenga algo ver con el álter ego de Bruce Wayne.

En un ejercicio de contorsión narrativa e iluminada inspiración “El Caballero Oscuro” tiene la capacidad de coger por sorpresa a todo espectador que se disponga a verla por vez primera, con una secuela que supera a su antecesora colocándose al mismo nivel que “El Padrino 2” (pero con un héroe de cómic) y tomada como ejemplo para toda franquicia que se preciara a partir de ésta.

Al elenco actoral de “Batman Begins” compuesto por: Bale, Oldman, Caine y Freeman, se unirán ahora Maggie Gyllenhaal sustituyendo a Katie Holmes (como Rachel Tous amada y ayudante del fiscal en la creación de un doloroso triángulo amoroso para nuestro héroe) y Eric Roberts (como jefe mafioso y recuperado actor por Nolan al igual que Rugter Hauer en Batman Begins).

Pero si hay alguien que dejó estupefacto al público con su actuación memorable, ese fue Heath Ledger con su

particular “Joker” que tomando las indicaciones de Cristopher Nolan para que la anarquía fuera la fuerza motriz del payaso al interpretarse en pantalla Ledger añadía a la vez su punto de vista sobre el villano.

El joven actor australiano de “Brokeback Mountain” decidió introducirse de lleno en su creación actoral de manera obsesiva, encerrándose en una habitación de hotel en la soledad más absoluta, haciendo que el servicio de habitaciones le pasara la comida por debajo de la puerta, además de tener continuamente puesto el canal 24 horas de noticias, ver para inspirarse el film “La Naranja Mecánica” de Kubrick y leerse el cómic “La broma asesina”. A esta extraña y meticulosa forma de indagar en su propia personalidad para “parir a su Joker” se unieron los problemas personales del actor debido a la inminente separación de su pareja y también actriz Michelle Williams, con la dificultad añadida de la custodia de la pequeña hija de ambos.

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EXTRAS/ RESEÑA

Una vez finalizada su cruzada personal de locura, terminando de rodar “El Caballero Oscuro” Heath Ledger debido a su posible desmorono personal, tomó accidentalmente una fatal mezcla de ansiolíticos y tranquilizantes que acabaron con su vida mientras rodaba “El Imaginario del Doctor Parnassus” de Terry Gilliam.

Las desgracias y la mala suerte siguieron al estreno cinematográfico de “El Caballero Oscuro” con la muerte de uno de los especialistas contratados para la película y el accidente de tráfico de Morgan Freeman desvelando una infidelidad a su esposa.

Escenas como la del interrogatorio (que fue la primera escena que se filmó) con “Joker” dialogando con “Batman” me dejaron helado y con un profundo y doloroso sentimiento de sinceridad cuando llegué a escuchar decir al villano anárquico:

"Para ellos solo eres un bicho raro como yo, ahora te necesitan pero cuando no sea así te marginarán como a un leproso."

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L as frases de calado personal tales como:

"La noche es más oscura antes del amanecer" "No se puede ser decente en un mundo indecente" (Dos Caras/Eckhart), fueron acusadas todas ellas de pretenciosas por algunos críticos que no aceptaron que “El Caballero Oscuro” aun siendo una adaptación de un cómic tenía la misma calidad que cualquier clásico atemporal para el cine.

“El Caballero oscuro” convirtió a un héroe del cómic que anteriormente no se había tratado en su justa medida en el cine, en un héroe para la eternidad con una epopeya trágica de un guardián silencioso, un protector vigilante, un Caballero Oscuro.

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“Batman es un personaje maravillosamente complejo, alguien que tiene un encanto absoluto y luego, sin más, puede convertirlo en gélida crueldad. Hay muy pocos actores que pueden hacer eso, y Christian es uno de ellos”

frases de pelíicula

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ANIMACIÓN

alma historia

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En esta oportunidad, para variar un poco los análisis de películas que he llevado a cabo en ediciones anteriores, recordé que tenía en el armario uno de mis trabajitos de universidad, y por qué no compartirlo considerando que me fue bien en su entrega jeje. Se trata del cortometraje animado “Alma” escrito y dirigido por Rodrigo Blaas (2009). Te recomiendo buscarlo y mirarlo en Youtube antes de empezar a leer este artículo.

La historia nos presenta a un niño que juega solitario por las calles de una gran ciudad cubierta de nieve, que llega hasta una enorme pizarra y escribe en un espacio vacío con una tiza su nombre junto al de muchos que ya están allí. Una vez garabateado “alma” (nombre del cortometraje) se empieza a desarrollar la historia.

Alma suelta la tiza y siente un sonido a sus espaldas, voltea a ver y curiosamente se acerca hacia una colosal ventana a través de la cual llega a vislumbrar un muñeco que es idéntico a él.

Fascinado lo contempla unos segundos hasta que baja su mirada para verse a sí mismo y al volver a levantarla este ya no está allí.

El niño trata de volver a ver el muñeco pero no lo encuentra, se aproxima hasta la puerta del sitio y finalmente allí está, Alma insiste en abrirla reiteradas veces forzando su pestillo pero es imposible. Finalmente luego de arrojarle una bola de nieve y casi al punto de darse por vencido esta se abre.

Una vez dentro, se revela que el sitio está lleno de muñecos, el clon de Alma a pequeña escala se ubica sobre una mesa triangular, el chico trata de al-

canzarlo con su mano pero cuando está a unos centímetros de este se tropieza con un muñeco montando un triciclo, el mismo funcionando, mueve sus brazos y pedalea desenfrenadamente volcado sobre el suelo, el niño lo recoge y lo incita a andar correctamente. Seguido a esto el personaje en triciclo se dirige hacia la puerta del local que está abierta pero esta se cierra antes de que pueda salir, forzándolo a dar golpes de rebote sin sentido contra ella. Alma tras observarlo unos segundos descuida nuevamente a su muñeco, ya no está sobre la mesa, lo busca con la mirada y lo haya sobre una estantería. Trata de escalar para alcanzarlo, se quita un guante y estira su brazo hasta llegar a tocarle la nariz.

Al tocar el muñeco réplica, este lo observa y sumerge a Alma en su mirada, todo se vuelve obscuro y vemos al chico gritando junto a muñecos desnudos, la historia se desenlaza desde la visión del muñeco de Alma en la estantería, observando la tienda y al resto de los juguetes. Se levanta desde el suelo una tarima circular que porta una muñeca que es apreciada desde afuera de la ventana del local por una niña.

Los créditos al final de la historia son enseñados sobre la pizarra donde Alma escribió su nombre.

REVISTA ZONA 7

Noto que Alma es carente de valores fundamentales como el respeto, la prudencia, la paciencia y la responsabilidad, su ingenuidad e inocencia se reafirman en cada actitud y gesto de alegría como sorpresa, incertidumbre, miedo, ira, terror, dejándose llevar por el impulso, las emociones y conquistado por el misterio y la duda.

PERSONAJES El niño aparentemente de 8 años, es rubio y de ojos celestes, viste un chaleco bordó con capucha, seguramente relleno de plumas, un pantalón ancho gris amarronado de muchos bolsillos, camiseta blanca de mangas largas, gorro de lana azul grisáceo, manoplas marrones claras, bufanda de lana morada obscura del mismo color que sus championes deportivos de suela baja.

Los gestos faciales y corporales de Alma son muy realistas, para nada exagerados y bien marcados por las pausas del movimiento, es de complexión delgada y rostro redondeado sus dientes son pequeños y de incisivos separados.

En cuanto al escenario, nos encontramos que las escenas se desarrollan en dos sitios interior (del local) y exterior. El exterior es en una gran ciudad cubierta por la nieve en la que predominan los colores grisáceos y desaturados en los edificios y casas de techo a dos aguas, el local que contiene los muñecos desde afuera esboza una magistral arquitectura en el marco de la ventana. El interior del local está colmado de estanterías de muñecos, también una mesa triangular, una tarima circular, bancos y un sillón, todos tapizados, aparentemente de clase y antiguos.

INTERPRETACIÓN PERSONAl Desde mi punto de vista, considero que el aspecto visual de la vestimenta del chico denota que Alma es un niño humilde, de clase media, viste deportivo lo que solidifica su sentido de la aventura, su energía vital y su comodidad para salir a explorar el mundo.

Me hace pensar que sus padres son personas muy ocupadas en su trabajo, pero tienen la atención de abrigar bien a su hijo antes de salir a jugar sólo a la calle.

Su actitud juguetona saltando sobre la nieve me denota a un chico que se siente muy a gusto consigo mismo, y se la pasa genial aún estando sólo.

Los gestos de Alma y su estado anímico varían constantemente dependiendo de las respuestas que obtiene a sus acciones ante el entorno que le rodea, es así como al ver a su muñeco idéntico lo atrapa un genuino interés quedando maravillado, pero segundos más tarde, al perderlo de vista experimenta duda, ansiedad, y al no poder abrir la puerta del local ira, frustración, todo esto me transmite que el joven está mal acostumbrado a tener todo lo que desea, y me remite nuevamente a cómo fue criado por sus padres, ya que

a pesar de su corta edad, ingresar a una propiedad privada es considerado una falta grave y penalizable de conducta y un niño suele tener conciencia de ello.

La esencia de la historia está en la unión del cuerpo de los jóvenes con su alma, representado el cuerpo como muñecos y al alma como los niños. Esto puede interpretarse de distintas subjetividades y dar lugar a diversas reflexiones filosóficas, existenciales y espirituales, pero más allá del acto de juntar estas dos partes vitales, como ellas se buscan mutuamente, entra un 3er elemento que me llama mucho la atención y se trata de la tienda de muñecos. La fachada se asemeja a la boca de un monstruo que come a sus víctimas que entran, dentro todos los muñecos en estanterías y suelo no parecen felices, sino atrapados, inmovilizados, caídos en una trampa mortal de eterno aburrimiento.

Sea quizás el nombre que escriben los niños en la pizarra su deseo de dejar huella en el mundo, en ser “alguien” o parte de algo más en la inmensidad de las enormes calles de la ciudad, como también su contrato con la forma de la vida. En este caso un macabro muñeco.

ANIMACIÓN

LENGUAJE Para contar la historia se ha empleado el uso del lenguaje audiovisual para la creación de una animación en 3D. A nivel de animación, los movimientos del personaje y los secundarios son muy fluidos y realistas, con claras curvas de contraste entre aceleraciones y desaceleraciones, probablemente a 25- 30 frames por segundo ya que no hay cámaras lentas.

La paleta de color es de colores fríos y desaturados, como empastada hacia los grises, azules, los ocres y morados, dentro del local de muñecos, predominan los tonos más obscuros, contrastados y menos brillosos tendiendo al marrón, pero siempre destacando el personaje principal sobre todo.

En cuanto a los movimientos de cámara, la toma de establecimiento de la ciudad “podría considerarse” ya que todo es en 3D, que es realizada por una grúa que desciende hasta el personaje, se utilizan también travellings de avance en los momentos que se desea recalcar algo Ej: Nombre del niño en la pizarra, mirada del chico a través de la ventana, también tráveling de acompañamiento lateral dentro del local, cuando el niño mira por las ventanas y por la puerta, travelling de retroceso cuando ingresa al local, 42

Hay muchos casos de cámaras fijas y algunas en cambio con pequeños movimientos oscilatorios, podrían considerarse también algunas “cámaras en mano” cuando se rodea al personaje para ver lo que ve, y en las subjetivas.

Los ángulos de cámaras abarcan desde picado, normal y contrapicado, no hay casos extremos de cenit o nadir.

Los encuadres van desde planos descriptivos hasta narrativos y expresivos, se vinculan grandes planos generales (GPG), planos generales (PG) , planos enteros (PE), planos de conjunto (PC), con planos medios (PM) , primeros planos (PP) y planos detalle (PD).

La perfecta secuencia de planos le da continuidad temporal y unidad espacial a todo el relato.

REVISTA ZONA 7

“Cada película debe tener su propio mundo, una lógica y sentir que se expande más allá de la imagen exacta que el público está viendo”

frases de pelíicula

ARCHIVO 7

MIMI DERBA

PIONERA DEL CINE MEXICANO

(Ciudad de México, 9 de octubre de 1893 - 14 de julio de 1953)

por cesar quintana Nació en la ciudad de México, en el seno de una familia acomodada y de costumbres refinadas. Heredó el talento artístico de su madre, Jacova Avendaño, escritora que llego a publicar una novela, “La Hija del ministro”.

Corría el año de 1912 y aquella mujer de nombre María Herminia Pérez de León Avendaño cambia su nombre por el afrancesado Mimí. En aquel entonces comienza su carrera en el teatro Lírico, donde el pueblo mexicano ya admiraba a grandes personajes como lo fueron María Conesa y Consuela Cabrera. Al igual que ellas, Mimí Derba se ganó al público de aquel entonces, y hasta un poeta la describió como: “Mimí Derba , Mimí Derba, tres partes de afrodita y una parte de Minerva”.

El entretenimiento cinematográfico corría a cargo de divas italianas de la talla de Pina Menichelli, Francesca Bertini o Italia Almirante Manzini, por lo que a Derba su actual crecimiento en el teatro no le bastó, ya que era una mujer siempre deseosa de aprender y emprender.

Así, decide incursionar al mundo del cine junto con la ayuda de él fotógrafo Enrique Rosas, ambos deciden crear una compañía productora de cine en el año de 1917, “La Sociedad Cinematográfica Mexicana, Rosas, Derba y Cía”, que finalmente se denominó “Azteca Films” 44

de la fama al olvido La carrera cinematográfica de Mimí Derba se extendió por dos décadas más, pocos podríamos imaginar que detrás de ese gran rostro se esconde una de las historias más apasionantes e increíbles, así es como la historia llega al olvido de una gran personalidad del cine mexicano.

En mayo de 1917, “AztecaFilms” comienza a tener frutos y en menos de un año se logró producir la asombrosa cantidad de cinco largometrajes de ficción, en su mayoría estelarizadas por Mimí Derba, quien además se dio el tiempo para escribir el guion, producir y editar algunas de ellas.

Entre La Vida y La Muerte es el primer proyecto de Azteca Films, dirigido por Joaquin Coss y estelarizada por Mimí Derba.

Este proyecto quedó inconcluso, al igual que Chapultepec, cinta que solo se sabe que el fotógrafo fue Enrique Rosas.

En Defensa Propia inaugura la producción cinematográfica de la compañía bajo la mancuerna Derba-Rosas, siendo la primera protagonista y autora del argumento, y el segundo fotógrafo. La historia gira en torno a un rico viudo que se casa con la institutriz de su hija, pero una prima banal y aristocrática trata de separar al matrimonio. Finalmente, la prima es desenmascarada por toda la concurrencia a una fiesta de disfraces y los esposos vuelven a unirse "Alma de Sacrificio" es producida por Mimí Derba, actriz principal del filme y Enrique Rosas, fotógrafo de la misma, en cuyo film destaca la participación de Sara García como actriz secundaria. La música es adaptada e interpretada por Miguel Lerdo de Tejada. La historia, al igual que el anterior filme, es un melodrama al estilo italiano. Dos hermanas viven juntas, pero una escapa con un hombre casado para regresar al hogar con un hijo. Para poder casarse con un pretendiente, el hijo “ilegítimo” es achacado a una falta de juventud de la hermana honrada, y ésta acepta el sacrificio con tal de ver feliz a su consanguínea.

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Conocida más como actriz, fue además productora, directora y argumentista.

"La Tigresa" es un importante film en la historia del cine en México, ya que con esta cinta se le da el titulo de la primera directora del cine nacional junto con las hermanas Adriana y Dolores Elhers y Candita Beltrán Rendón, e incluso se ha llegado a decir que de toda Latinoamérica. Es la tercera obra producida por Azteca Films, única película donde Mimí Derba no actúa y solo es directora. Otro melodrama influenciado por el cine italiano. Una mujer, por tener una aventura, juega con un obrero. Conoce a un joven elegante con quien se casa. El obrero enloquece y es enviado a un manicomio que es visitado por la pareja, y al verla, se abalanza para ahorcarla.

"La Soñadora" contando con Mimí Derba como protagonista, bajo la dirección artística de Eduardo Arozamena y basada en un guión del él mismo. La Historia es un melodrama de un pintor y su modelo.

Como las anteriores películas producidas por la Azteca Films, el final es trágico. Él muere frente a ella, para posteriormente enloquecer.

En "La Sombra", la quinta y última obra producida por esta compañía, ya que tuvo una corta existencia de un año. Es probable que el argumento sea autoría de Mimí y la dirección de Joaquín Coss. El argumento es sólo un pretexto para el lucimiento de los cantantes de una compañía de ópera italiana. Al finalizar la filmación, la sociedad Derba-Rosas se disuelve. Mimí regresa el teatro y Rosas continua filmando.

Mimí Derba continúo actuando en el cine hasta 1919, cuando decidió retirarse un poco resentida por el escaso éxito que logro obtener con sus films A la llegada del cine sonoro con la legendaria cinta y pionera del cine industrial en México Derba regresa ahora con un nuevo formato en "Santa" (1931), donde interpreta a la matrona del burdel. Mimí Derba se integra a la naciente industria cinematográfica nacional como una de las caras inolvidables de la llamada “época de oro del cine nacional” La carrera cinematográfica de Mimí Derba se extendió por dos décadas más, pocos podríamos imaginar que detrás de ese gran rostro se esconde una de las historias más apasionantes e increíbles, así es como la historia llega al olvido de una gran personalidad del cine mexicano.

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Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:

José Bueno/aarón mariscal/

raul flores creACIÓN DE CONTENIDO:

césar quintana /eduardo vázquez Artículos: eduardo Vázquez Desde Adentro: Leonardo Mancilla top 7: Victor hugo morales mondragón Zona Terror: evelyn perea música en el cine: Claudia Jimenez animación: santiago faraldo cine asiático/oriental: andrés H. romero Diseño: Katerin Dueñas.

7+1: algo mas que cine :

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