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O Captain my Captain!

7+1: algo mas de cine Fui un ávido lector de poesía durante mi niñez y parte de mi adolescencia, juventud, adultez… en verdad no sé si pueda dejar de leer poesía, aunque puedo vivir muchos años sin consumir otros géneros literarios.

Recuerdo que apenas supe que había una película de la vida de Lope de Vega (titulada “Lope” dirigida por Andrucha Waddington y estrenada el 2010) la busqué intuyendo que encontraría algo genial a nivel poético y encontré al menos dos poemas magníficos: uno, usado para salir de un aprieto y otro que resume toda la historia y aparece, tal vez por ello, muy cerca del final.

El poema 105 y el 126 que empiezan respectivamente con los versos: “Ojos de mayor gracia y hermosura” y “Desmayarse, atreverse, estar furioso”. En verdad me encanta oír poemas en las películas, lo prefiero muchas veces a escucharlos de la voz de

los propios autores, no sé de algún poeta capaz de leer sus propios poemas sin hacer el ridículo, no sé si existen… tal vez los que escriben haikus, no lo sé.

Sin embargo en Lope se logra retratar de una manera divertida y emocionante parte de la vida del Fénix de los ingenios y se expresa con mucha potencia lo importante que es la poesía para el desarrollo de la sociedad. Y lo valioso del cambio de trascender límites y formas autoimpuestas que resultan funcionales y necesarias pero temporales si se quiere evolución.

Además de diálogos apasionados, un guión ligero y veloz, la fotografía es excelente, el reparto, el vestuario, la canción que el cantautor uruguayo ganador del Oscar, Jorge Drexler compone para la ocasión… todo funciona, todo encaja y hace de esta película un soneto perfecto, un conjunto de versos hermosos y adornados llenos de besos apasionados, mentiras que

no duran, sutil pasión, arrebatos de locura, veloces espadas, largas miradas y secretos de amor.

Me gusta la poesía de Oliverio Girondo y no soy muy cercano a la obra de Benedetti, aun así no recomiendo ver “El lado oscuro del corazón”. No puedo verla completa y aunque sé que la trama, que usa arquetipos básicos cuando se trata de literatura, se basa casi totalmente en el poema de Girondo titulado “1” perteneciente al libro Espantapájaros publicado en 1932, que empieza diciendo “No sé me importa un pito que las mujeres tengan los senos como magnolias o como pasas de higo” que aparece incompleto en la película en la que muchos de los diálogos son poemas. Suelo escuchar uno de Juan Gelmán, “Poco se sabe” cuya introducción de saxo siento innecesaria. No me gusta la película, no resisto verla completa, me gusta como quedaron algunos poemas, a veces uso el

Y… te pregunto ahora, lector casual: Aquí y ahora ¿cuál será tu aporte al eterno giro de la vida humana?, tú y solo tú ¿de qué modo contribuirás?

“Corazón coraza” de Benedetti para burlarme un poco de mis amigos tímidos, pero no es una película que recomiende, así como no recomendaría “Across the univers” como película, pero me encantan varios covers que aparecen ahí.

En la película “Patch Adams” en un momento muy grave el protagonista recita un poema de Neruda, no me gusta mucho el Nobel chileno pero esa escena es conmovedora, no puedo no sentirme identificado con el dolor de Robin Williams durante el Soneto XVII, que pertenece al libro “Cien sonetos de amor” publicado en 1959.

Hay algo muy puro, se requiere una cualidad especial para poder apropiarse de un poema célebre y añadirle valor.

Me bastó ver solo una vez “La sociedad de los poetas muertos”, dirigida por Peter Weir para tener la certeza de que se podía hablar de poesía usando al cine como medio: de poesía

escrita, de literatura y… de poesía viva, la que impulsa a un hombre hacia lo sublime y lo trae de regreso para compartir sus descubrimientos, y a otro y a otro hasta que se genera la masa crítica propicia para el cambio de estación.

Así avanza la raza humana.

Walth Withman aparece en medio de una clase que lleva a cabo el mismo actor que en el párrafo anterior leyó a Neruda para citar de memoria unos versos de “Hojas de Hierba”, libro que apareció en 1855 y fue reescrito en numerosas ocasiones, y dejar en todos sus alumnos una impresión que le dará un sentido nuevo a sus vidas. “O me, o life”, una larga pregunta con una respuesta sencilla.

El profesor Keating se toma la licencia de hacer una pregunta más hacia sus alumnos y dejarla sin respuesta.

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Quien esté en condiciones de pensar en imágenes cinematográficas…, que se haga director de cine.”

desde adentro:

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El diseño de la magia

Existe algo mágico en las mejores películas, y no me refiero precisamente a la historia que se narra, me refiero a la imagen. La imagen habla, tiene un potencial inimaginable que le da un valor físico e identificable a la vista a la película y un gran potencial a la historia, y aunque una gran mayoría de los espectadores no le dan la importancia que merece la imagen. Esta, aunque muchos de ellos no lo sepan, determina y crea muchos de los sentimientos y demás efectos que el espectador experimenta al ver una película. Le da potencia a las actuaciones, vida a las escenas felices y melancolía a las escenas tristes, incluso cuando ni la historia, ni la puesta en cámara (o fotografía) o las actuaciones no tiene la potencia de crear sentimientos en el espectador, es la imagen y sus componentes los que logran crear una gran cantidad y variedad de sentimientos sobre el espectador, logran tocar sus fibras sensibles y lo transportan hacia un mundo único, el que ha creado el director de arte.

La imagen:

El diseño y creación de la imagen de una película es sin exagerar la labor más compleja, laboriosa e importante de esta misma (sin dejar de lado el trabajo actoral, el de post-producción, el de sonido y el narrativo). Su importancia radica en la premisa de que “la imagen habla”, la imagen construye un “universo diegético” (universo construido en la película y demás narrativas visuales), nos transmite lo que sucede en este universo: el clima, la época del año, la época histórica, el contexto social, el país y continente, Si se está en tiempos de guerra o de paz, etc. También expresa la situación por la que están pasando los personajes; por medio de las atmosferas y la ambientación de la situación y muestra (al igual que las mejores pinturas) los sentimientos, necesidades y pensamientos de los personajes, por esa razón no es mentira la idea de que los mejores amigo de los actores son los diseñadores de la imagen.

Los diseñadores de la imagen:

Como ya lo habíamos hablado en artículos anteriores como “La fotografía en el cine. La composición del alma” y “La filmación del plano. Un discurso hecho imágenes” “La imagen es diseñada por: El director, El director de fotografía y el director de arte en un trabajo conjunto en el cual se acuerda, por medio de propuestas presentadas al departamento de producción, cómo se creará la imagen de la película y bajo qué criterios la imagen será construida de esa manera. Ya habíamos explicado de qué manera el director de fotografía propone y construye de manera fotográfica la imagen. En este artículo nos vamos a centrar en qué es lo que hace el director de arte y qué es lo que propone para la creación de la imagen.

A partir de este artículo comenzaremos a descubrir más adelante cómo sub-departamentos como vestuario y maquillaje también hacen parte de la creación de la imagen de una película.

El director de arte:

Un experto en color, espacio, escenografía, composición de la imagen, pintura y muchos otros saberes muy necesarios para la creación del diseño artístico del universo diegético de una película, sus conocimientos tiene que ser suficientes para poder imaginar y elaborar hasta el más mínimo rincón del universo que ha propuesto crear y que construye en conjunto con el director. Es por esto que la gran mayoría de directores de arte han estudiado arquitectura, artes plásticas o escenografía, son expertos en historia del arte y de la pintura. La creación y diseño de la imagen de la película desde el set de filmación y los elementos que están allí es su labor, y no desde la cámara, la creación y diseño de la imagen desde la cámara es la labor del director de fotografía, pero al igual que el director de fotografía, el director de arte “pinta cuadros en movimiento” El diseño de la imagen que ha propuesto lo recrea por medio de “la creación de atmosferas y ambientes” las cuales crea de la misma manera como lo hace el más talentoso artista pictórico o escultor, a través de: el color, el espacio, los elementos de escenografía, etc. Su trabajo es sensible y complejo, ya que todos los elementos en escena tienen que estar bien construidos y ambientados, es decir, tiene que hacer parte del universo diegético; si es de una época determinada, o hace parte de un universo ficticio o fantástico, tiene que ser fiel a los paradigmas determinados del universo. Es por esta razón que el director de arte tiene que ser un gran investigador, además de ser muy cuidadoso de cada detalle, y que cada detalle sea fiel a la historia. Como último dato, es una pequeña ironía que comúnmente se crea que son las mujeres quienes cuidan del más mínimo detalle, y en vista que es el director de arte quien cuida cada detalle del universo dietético de una película, no es extraño encontrarse con que un 83% de los miembros del sindicato de directores de arte

de Estados Unidos son mujeres.

Sumado a esto, como otra pequeña ironía nos encontramos que un 96% de los miembros del sindicato de directores de fotografía de Estados Unidos son hombre.

La propuesta de arte:

El trabajo del director de arte se basa en la propuesta que este ha hecho y ha trabajado y corregido junto con el director de la película durante la post-producción y en la que comienza a trabajar en la producción. En esta propuesta presentada a producción para su aceptación —algo necesaria ya que si se presenta en esta propuesta algo no argumentado, la propuesta pierde validez y no es aceptada— se especifican los colores que se usarán en diseño de producción, vestuario, maquillaje y escenografía, esto se hace por medio de una “paleta de colores”.

Estos colores sufren cambios dependiendo de las escenas, no todas las escenas esta igualmente ambientadas, cambian según las acciones, situaciones, clima, hora del día, etapa del año y época histórica. También trabaja las texturas del color y de los objetos en la imagen.

Además se recopila información sobre todos los objetos de diseño de producción y escenografía, desde su origen, hasta su valor dentro de la escena. También se exponen los criterios de composición de imagen; como se verán todos los elementos dentro del cuadro y se hace un “desglosé del guion” Para construir un discurso visual en el que se especifica la evolución de los colores, formas, espacios según el tiempo y el desarrollo del relato.

El departamento de arte: En los próximos artículos de nuestra sección haremos un detenido estudio de los sub-departamentos que hacen parte del departamento de arte. Estos son: El diseñador de producción, el escenógrafo, el ambientador, el utilero, el diseñador de vestuario, el maquilla-

dor, el diseñador de peinado y el especialista en efectos especiales de maquillaje. Sin todo este equipo de trabajo en el departamento de arte el trabajo de un director de arte no tendría ni pies ni cabeza. Él depende de todo

este equipo para hacer realidad lo que ha propuesto, y todos ellos son “creativos sensibles”, en otras palabras artistas que trabajan en conjunto para hacer posible la creación de una película.

Ejemplos del trabajo de arte: • Especialidad en colores fríos que contrastan con el ambiente cálido y la atmosfera ahogante (La Casa De Las Dagas Voladoras, Zhang Yimou – 2004) • Énfasis en la gama de colores cafés y amarillos, con claro oscuros, en una atmósfera de suspenso y ambiente que teniendo colores cálidos en tonalidad oscura crea frialdad. (No Country For Old Men, Hermanos Coen – 2007) • Creación de la complejidad del espacio infinito y vacío por medio de colores claros, sobretodo el blanco, con una atmosfera espaciosa y ambientación de intriga creada a partir de la tonalidad fría clara (2001 A Space Odyssey, Stanley Kubrick -1968) • Colores de la gama de los cafés, los beige y los verdes con tonalidades claras y texturas lisas que crean una atmosfera de tranquilidad y un ambiente cálido (Amélie, Jean-Pierre Jeunet – 2001) • Colores que van de las tonalidades claras a las oscuras, haciendo énfasis en las gamas de grises y cafés, crean una atmosfera trágica y un ambientación que va de lo frio a lo cálido (There Will Be Blood, Paul Thomas Anderson – 2007).

Proximamente:

El diseño de vestuario. La identidad del personaje.

Entrevista: Sergey Rahmanin, director de cine y realizador. Nace en Rusia pero reside actualmente en Buenos Aires, Argentina.

En su periodo de estudios en Rusia, tuvo la oportunidad de construir una valiosa amistad con el reconocido director Andrei Tarkovsky de la cual, nos cuenta parte, exclusivamente para Zona7:

Sobre usted: Zona7: ¿Cómo ha sido su experiencia como director?

Sergey: Fui director de teatro (Universidad de cultura – Dirección tetral), coincidí con Andrei en el 79, por fanatismo a su arte.... así comenzó una profunda amistad creadora con él. Bajo su tutela se efectuaron numerosos trabajos: creaciones y guiones... entre otros, por ejemplo, "VIGILIA"(EL HOMBRE K.), que en 1991 fue realizado. Profesionalmente comencé en cine como asistente del Director (Cine-estudio de Odessa, 1989). Director Realizador (Cine-estudio de Odessa, 1991).

Zona7: ¿Qué significa para usted el cine?

Sergey: El cine no es solo algo profesional o laboral... es un estilo de vida, es la manera en la que… mi vida tiene sentido… digamos: hacer una película es realizar un acto para mí, no solo para cobrar honorarios (risas).

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Zona7: ¿En qué país ha desarrollado mayormente su trabajo? ¿Por qué?

Sergey: Rusia, Ucrania.... porque es mi Patria.

Zona7: ¿Cómo fue todo antes y después de conocer a Andrei? ¿De qué manera afectó a su vida?

Sergey: ¡Afectó muchísimo! Me cambió la vida totalmente cuando miré primera vez su “ESPEJO”...

Entendí, que el cine es Arte misterioso, muy parecido a música... tiene que ver con nuestros sueños... es Arte unificador, ni sintético. Yo quería ir con él a Italia, pero fue la época de Unión Soviética —“La cortina de hierro”— por eso no podría salir del país... Fue una gran pena.

Zona7: ¿Alguna experiencia significativa que desee compartirnos?

Sergey: En 1993 trabajé con Tonino Guerra, en Moscú, en su departamento. El asunto: guión para su novela “Los cien pájaros”. Tonino escribió el guion para “Nostalgia” de Andrei… Tonino es un personaje, fue… un personaje muy creativo y, algo nervioso.

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Director de cine R u y ex alumno de An so-Ucraniano drei Tarkovsky.

Sobre Andrei: Zona7: ¿En qué época o etapa del director se encontraron?

Sergey: El año de1979, en Moscú, el departamento de un conocido suyo... Fui a una reunión solo para conocerlo.

Zona7: ¿Cómo era su relación con él?

Sergey: Fue relación privada...

Quería aprender al máximo su estilo de dirección, otros directores no me interesaban... Sabía que él saldría a trabajar a Italia y no volvería nunca...

Zona7: ¿Cómo describiría usted a Andrei?

Sergey: Común.

Zona7: ¿En qué proyectos trabajaba Andrei en ése momento?

Sergey: Entre “Stalker” y“Nostalgia”.

Zona7: ¿Qué actitudes positivas y/o negativas, usted recuerda hoy día de Andrei, que le hayan servido de inspiración en su trabajo personal?

Sergey: Una vez me dijo: “Sergey tú camino empieza donde acaba el mío”, esa frase me emocionó mucho. Eso es lo positivo, de lo negativo… podría decir que una especie de falta de tolerancia a todo aquel que estuviera contra su arte, digamos… era demasiado orgulloso (risas).

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A nivel general: Zona7: Cuál es su opinión del cine latinoamericano?

Sergey: Es cine que quiere copiar los mejores ejemplos del cine europeo, pero a una distancia de diez o quince años, es también bastante superficial.

Zona7: ¿Considera usted que hay un grado de decadencia a nivel cultural en Latinoamérica?

Sergey: Sí, claro. Pero la decadencia cultural es algo que ocurre en todo el mundo. Caída total por el mercantilismo global. Los países latinoamericanos son muy jóvenes, espero que logren evitar errores superados por el primer mundo.

Zona7: ¿Qué rescata usted del legado de Andrei para la cultura cinematográfica?

Sergey: Su actitud hacia el cine, para mí y para él es arte. Buscar una personalidad artística y sincera en este campo, es lo único que rescato, por respeto a Andrei.

Zona7: Para terminar. ¿Qué consejo le daría usted a ésa nueva generación de cineastas que emerge?

Sergey: ¿Consejo? (risas) Ok… Hacer cine no es solo una forma de ganar dinero, hay que aprender eso. Existen cosas mucho más importantes que el dinero, mi consejo es que aprendan a servir al arte, si es posible.

Muchas gracias por la entrevista concedida. De Eileen Gamboa a Sergey Rahmanin. Para Zona7.

7 recomendaciones de Andrei Tarkovksy 1.- Stalker{ 2.- OFFret 3.- Andrei Rublev 4.- Nostalghia 5.- Solaris 6.- Zerkalo 7.- La Infancia de Ivan

Carrie Frances Fisher nació el 21 de octubre de 1956, en Los Ángeles, California. Hija de dos artistas: Eddie Fisher (cantante) y Debbie Reynolds (actriz).

Reconocida principalmente por su papel como la princesa Leia en Star Wars (1977) y sus secuelas. Para la primera mitad de la década de los 80’s, Fisher se vio envuelta en una serie de problemas con el alcohol, la depresión y las drogas pero a medida de que avanzaban los años y mientras resistía a ésos conflictos, realizó algunos trabajos como: Bajo el arco iris (1981) y Hollywood Vice Squad (1986). La década no concluyó sin que ella retomara su camino y fue en 1987 que publicó su primera novela “Postcards from the Edge” una exitosa historia semi-autobiográfica de una madre del mundo del espectáculo y de la hija, que más tarde se adaptó en un guion. Una película protagonizada por Meryl Streep y dirigida por Mike Nichols.

A pesar de todo, la carrera de Carrie no fructificó con tanto éxito, y fue apareciendo luego en papeles secundarios como en “Cuando Harry encontró a Sally” (1989) y “Dish Soap” (1991).

También ha ayudado a revisar muchos guiones de Hollywood, incluyendo “Sister Act” (1992), “Outbreak” (1995) y “El chico ideal” (1998), hasta que por fin se alejó directamente del cine y se introdujo más en el mundo de la televisión, donde tiene su propio programa de entrevistas con los medios de comunicación, llamado: “Conversaciones desde el filo con Carrie Fisher”.

Corría el año de 1967, la URSS estaba en apogeo, y bueno, el cine… el cine de la Unión Soviética estaba retringido a una minoría muy especializada en el “arte”.

Tarkovsky prosperaba como un director de renombre, lo demás se desconocía, pero se desconocía simplemente por el hermetismo propio de los países socialistas.

En esta publicación hablaremos de una auténtica joya del terror: Para apreciar totalmente esta película hay que involucrarnos un poco en el contexto de la época, en la Rusia socialista las masas eran entretenidas con producciones que ahora serían consideradas domingueras, las esferas intelectuales aunque existían, eran más reservadas en este aspecto,

Viy, basada en un cuento homónimo es una película echa para la masa, un blockbuster de la época tipo “El conjuro”.

exitosamente a la bruja, con un espíritu diabólico en contra sólo hay tres cosas con las que el pobre Khoma puede contar, un círculo de protección que evita que la bruja lo dañe, no así algún otro demonio, su fe y su valor.

Al paso de las noches la bruja pondrá a prueba el valor de Khoma, la primera, intimidará al hombre, en la segunda, invocará a algunos demonios, pero en la tercera noche la bruja llamará al Viy ¿Qué es el Viy? ¿En qué forma amenaza la tarea de Khoma?

El primer reconocimiento que se lleva la cinta, es que tiene una atmósfera muy bien construida, la estética y fotografía son muy bien ejecutadas.

La película cuenta con elementos cómicos, un tono satírico que caracteriza al cuento, y no, no es de aquél tipo de humor que el cine occidental toma para ocultar la falta de presupuesto o de actores profesionales.

Lo cómico en esta cinta, entra como parte de la misma, no como algo agregado en la adaptación, no como un toque de humor negro para clasificarla explícitamente como terror-cómico.

Desde el relato todo se aborda desde un punto de vista fanfarrón, divertido, una historia graciosa

zona terror

la censura y el aislamiento se respiraban en todo momento.

Viy no es la película más perturbadora de la URSS, (Para ser sincero, la única que he visto, pero hay par de nombres rondando mi cabeza), Viy no causó gran impacto por la crudeza de sus imágenes (de hecho es muy “light”), no había ambulancias fuera de la sala de proyección (los publicistas son cerdos capitalistas).

Viy simplemente está bien lograda, por ese simple motivo es justo colocar a Viy en un pedestal, junto con obras de la época.

Comenzando con el guión, hay que resaltar que está inspirado en un cuento de Nikolai Gógol, la historia comienza cuándo un joven seminarista (Khoma) asesina a una bruja. Lamentablemente para todos, en lo que a asuntos demoniacos se refiere, nada es sencillo, así que luego de haber realizado su proeza, el valiente hombre debe realizar un ritual que requiere el doble de valor del que necesitó para acabar con el monstruo: El cadáver de una bruja, lamentablemente continúa habitado, así que el hombre, debe quedarse a velar el cuerpo en una antigua iglesia abandonada, si resiste hasta el canto del gallo las tres ocasiones, logrará exorcisar

sobre el destino de un camarada que jugó con cosas que no debía, algo exquisitamente logrado.

Hasta el momento tenemos una película de terror con una atmósfera irónica, sarcástica, destinada a entretener a las masas socialistas, pero era algo que no adoctrinaba en una forma de pensar, ni tampoco satanizaba una idea opuesta, era algo destinado a hacer huir de la realidad durante un par de horas a los espectadores.

Puntos negativos, oh mis camaradas, no mi amor por la película nubla mi juicio, lo que me impide encontrar falla alguna, pero hay que destacar la carencia del terror puro y duro.

Aquel ser que busque desmembramientros, tripas, muerte y demonios magníficos, no los encontrará, Viy, cumple a aquél pequeño público más sutil, que se decanta por una historia en lugar de los efectos y monstruos.

Viy cuenta con una versión Yugoslava de los años 90 (a mi parecer inferior, aunque la historia es literalmente la misma) y con un remake (Viy 3D), que es mejor obviar y dejarlo pasar.

Mención honorífica a la bella Bruja.

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El proteg Análisis Dramático ¿Qué nos cuenta?

El Autor, la película y su tiempo: Manoj Nelliyattu Shyamalan (Pondicherry, India, 6 de agosto de 1970), conocido como M. Night Shyamalan es un guionista y director de cine Indio.

Las características principales del cine de Shyamalan giran en torno a sus argumentos con inesperados giros argumentales, además del tratamiento realista del terror y del suspenso. Como curiosidad, por lo general, se puede apreciar una breve aparición de Shyamalan en cada uno de sus filmes.

La mayoría de sus películas han sido rodadas en Filadelfia, o en algún lugar del estado de Pennsylvania (Estados Unidos).

El despegue comercial del cine de Shyamalan llego de la mano de “The Sixth Sense “(Sexto Sentido), película que él mismo dirigió y produjo Esta película tuvo un gran éxito internacional, llegando a ser la segunda película con mayor recaudación en Estados Unidos en 1999. Además, sería nominada a seis premios de la Academia, Los Oscar, entre ellas a “mejor director” y “mejor guión”.

Otras películas realizadas por Shyamalan, son: Señales (2002), La Aldea (2004), La joven del agua (2006), El Incidente (2008)

La historia nos presenta a David Dunn, un guardia de seguridad, padre de un hijo, casado, que vive además, sumergido en el pasado, donde atrapado por la rutina, lucha constantemente por convencerse a si mismo que la felicidad aún es posible.

Elijah Price es un vendedor de obras de arte y apasionado por el mundo de los cómics, él nació con una extraña enfermedad que debilita sus huesos y articulaciones, haciéndolo extremadamente frágil a los golpes o a cualquier contacto físico.

Su pasado doloroso y su miedo de enfrentar al exterior, junto a su propio refugio psicológico erigido en múltiples historias de superhéroes, le conducen a pensar que si existe alguien como él, también debería existir, en algún punto diametralmente opuesto, su extremo: alguien al que no se le pueda llamar “El hombre de cristal”; una especie de héroe que no enferma, que resistente los golpes, alguien capaz de ayudar a los más débiles.

gido Ficha Técnica: Género: Drama/Thriller País: Estados Unidos Año: (2000) Director: M. Night Shyamalan Intérpretes: Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Robin Wright Penn, Spencer Treat Clark.

Fotografía: Eduardo Serra Montaje: Dylan Tichenor

La realidad interna de David se verá sacudida luego de sobrevivir a un accidente de tren, donde él sería el único sobreviviente, llamando así la atención de Elijah.

Elijah está convencido que David es un héroe, aunque el guardia de seguridad no lo cree, él está inmerso en sus problemas, sin importarle el exterior. En este punto, se nos presenta un personaje distante, alejado de la sociedad y de la familia.

Junto a Elijha, y su familia, David recupera el norte, reconoce quién realmente es; por qué está donde está y cuál es el objetivo de la vida.

Análisis Formal ¿Cómo lo cuenta?

En la mayor parte de la película se crea un clima obscuro en torno a David, con colores que tienden a los grises, negros, desaturados y lavados.

Se utiliza mucho el recurso de cámara subjetiva desde los personajes, destacando magistralmente la escena de Elijha cayendo por las escaleras, vemos como gira en el aire junto a planos detalle de su brazo por la barandilla y sus pies por los escalones. También al comienzo de la película, con la niña que observa a David a través los asientos del vagón.

Uno de los Travelling in más intensos que he sentido en el cine es cuando David logra bajar hasta su pecho una barra con 160 kg.

Otra de las escenas que considero muy bien trabajada es la de David junto a su esposa, en la mesa de un restaurante. Comienza con un plano general abierto, y a medida que aumenta la tensión dramática de la conversación, la toma se va cerrando hacia los rostros de los personajes.

La música ambiental es siempre de tono dramático, algunas veces predominando el piano y otras la familia de los violines.

Los efectos de sonido se integran naturalmente con las escenas, pero hay algunos en particular que son exaltados, por ejemplo:

El llanto del bebé, que nos percata que algo anda mal; la ruptura del bastón de cristal de Elijha en cientos de trozos, y el golpe de su cuerpo contra los escalones; el rechinar de la banca de pesas de David, o incluso el sonido del agua burbujeante en la piscina del criminal.

Las vestimentas del personaje principal y de Elijha son dignas de destacar, David de campera deportiva verde, con la palabra “Seguridad” en letras amarillas sobre su espalda, o su sobretodo encapuchado bajo la lluvia que infunde seguridad, confianza; el está allí, un héroe camuflado entre la gente buena y mala al servicio del bien.

Elijha por su parte, viste más formal; se trata de un tipo calculador, metódico; su cetro de cristal y el cabello desalineado le dan la impresión de malvado. Todas estas peculiaridades terminan por reforzar la relación directa de la historia con el mundo de los cómics de superhéroes.

Valoración personal:

Ha sido una película con la que me he identificado, por esos momentos en los que no sé si tomar un camino o no; ya sea por sentirme atado a mi pasado, mis experiencias, o mi zona de confort y no tener el coraje de explorar el exterior, quedándome parado en la puerta.

También me ha resultado familiar el hecho de que alguien más me ayude a crecer y explotar mi potencial, cuando ni yo estaba convencido del peso que podía levantar.

Me muestra que no existe el bien ni el mal absoluto, todos tenemos un poquito de ambos, y ser realmente malo puede tener sus motivos en la búsqueda de un porqué vivir.

Me gustó mucho esta película, me motiva, me ayuda a recordar que tengo una kriptonita, de dónde vengo, hacia dónde voy y porqué y quiénes lo hago.

Los efectos de sonido se integran naturalmente con las escenas, pero hay algunos en particular que son exaltados

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¿Todavía hay fascismo? es una de las interrogantes que nos plantea Lino de Fra en su maravillosa película “Allarmi, Siam Fascisti” de 1962. (Generalmente traducida como: ¡Alarma, somos fascistas!)

"Esta película sólo va a decir que somos los hijos de los hechos resumidos en esta pantalla, sino que también son los líderes del presente. En cada momento, en cada decisión, en cada silencio como en cada palabra, cada uno de nosotros decide el sentido de su propia vida y la de los demás” by Gabriella Gallozzi

Sinopsis:

¡Allarmi, Siam Fascisti! no solo es una narrativa sobre la historia del fascismo, es una exposición que nos enfrenta a ella de la mano de múltiples imágenes de la primera mitad del siglo XX. Además, en contraste con lo que comúnmente nos venden los aliados capitalistas sobre la derrota fascista, esta película nos explica aquellas causas un tanto más lejanas, como el apoyo del capitalismo agrario e industrial.

Otros temas abordados son: La ramificación del fascismo en diversos países europeos, la corresponsabilidad de los adversarios capitalistas, y la importancia de la Unión soviética (URSS) en la derrota del fascismo.

Sobre la lucha partisana se afirma no solo su desempeño contra el nazifascismo, sino también contra la explotación y la injusticia que lo habían precedido, determinando así

la liberación de un pueblo, y que no era solamente el final de una época de guerra y de miedo, si no la esperanza de una sociedad nueva, con una justicia renovada. Entonces, la película de Lino de Fra nos plantea la pregunta: ¿Ha terminado realmente el fascismo?

Cuando la cinta llego a los cines italianos en su época dorada (1962) provocó reacciones violentas de parte de militares. En Roma, por ejemplo, después de la proyección en Quattro Fontane (Cuatro fuentes) los fascistas, desde sus ventanas, lanzaban sillas y mesas a toda la audiencia. Esto llego a causar decenas de víctimas.

A pesar de las dificultades con las que tuvieron que lidiar los productores, a causa del controvertido y delicado tópico, la película gozó de un gran éxito comercial; lamentablemente no tardo en aparecer la censura por parte de la oposición, y aunque ésta duro alrededor de un año, no logró prosperar, debido a un gran número de intelectuales, entre ellos el recordado Pasolini, que se reunieron y abogaron por la liberación de la cinta. "¿Todavía hay fascismo?" Pregunta que acompañada de imágenes sobre los muertos de Reggio Emilia, Génova 60, el enjuiciamiento de los oficiales de policía Scelba y demás, nos hacen recordar también, las masacres de Estado, el P2, la mafia-up Alg8 de Génova o la masacre de Díaz. Sin duda, un cable negro que continúa enlazando la historia de nuestra Italia.

Una joya del cine Italiano.

Con toda la fuerza política y social que se puede apreciar en su forma de documental; con un aire revolucionario, caótico, realista y adornado con una banda sonora igual de caótica, irónica y sarcástica, es una de las obras con mayor oposición y censura de Italia.

En pocas palabras, Allarmi, siamfascisti es una obra que nadie debe perderse.

detrás del héroe: hell

Boy

Anung-Un-Rama (Tambien conocido como Hellboy en algunas anormales culturas.)

Debido a las barreras lingüísticas y otros impedimentos ligados a mi notable ignorancia para con la cultura rusa. Resultó algo difícil el elegir un personaje del comic ruso que haya alcanzado la gran pantalla y nuestros corazones. Sin embargo, luego de meditarlo mucho, elegí a Hellboy, el cual aparte de incluir múltiples referencias a personajes históricos de Rusia, es tan rojo como lo fue la bandera de URRS. En 1980, con 20 años, Mike Joseph Mignola, inicia su carrera, se encargaba ilustraciones aisladas para la revista Comic Reader . Dos años después se graduó de la Escuela de Arte de California. Poco a poco fue ganando renombre, logrando así formar parte de importantes proyectos de Marvel y en especial DC comics, de quienes atraería bastante la atención.

No sería hasta 1994 que Mignola se desviaría de la práctica de ilustrar trabajos ajenos y tomaría la tarea de crear Hellboy para el sello Legends de la editorial

de cómic Dark Horse. Sin embargo dada la falta de experiencia en escribir sus propias historias, la primera serie fue escrita por John Byrne. Mignola esperaría hasta la siguiente historia para tomar el lápiz y escribir el mismo, dando como resultado, Hellboy, Los lobos de San Augusto. Todo un creepypasta al estilo del cómic.

El diseño de personaje, Anung-Un-Rama, se ve claramente influenciado por las historias cristianas acerca del diablo: un hombre rojo con cuernos. Y aunque no es el mismo Lucifer, él es la bestia del Apocalipsis que acabará con el mundo (según el cómic) y un investigador paranormal del infierno para la Agencia de Investigación y Defensa de lo Paranormal.

En el desarrollo de la historia y demás personajes, encontramos en gran medida, referencias a una amalgama mitos y folclore de países como Rusia, Irlanda, Noruega, Japón y Malasia; películas de serie B (bajísimo presupuesto) ; el pulp; escritores como Jack Kirby y Edgar Allan Poe; y una fuerte influencia por mitología Lovecraftiana que enriquece el ambiente de creepypasta y la presencia de seres llenos de tentáculos.

En el 2004 el mexicano Guillermo del Toro, tras conocer a Mignola en la película Mimic, se interesa en el proyecto y lanza una versión cinematográfica de la miniserie Hellboy: la semilla de la destrucción, protagonizada por Ron Perlman, Selma Blair y John Hurt.

En el 2008, continuando con el éxito de la primera película, lanzan Hellboy 2: El ejército dorado, una continuación que superó en recaudación y calidad visual a la primera parte. ¿Tendremos más Demonio rojo en el futuro?

Aunque por parte Mike Mignola, Hellboy después de 20 años aún sigue vivo en un escenario más infernal que nunca.

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Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:

Jose Bueno/ Miguel Gil

Artículos: Desde Adentro: Leonardo Mancilla • Zona Terror: David Gomez • Detrás del héroe: Jose A. Drucker • 7+1: Miguel Gil • Sci-Fi: Santiago Faraldo • Cine de Italia: Diego Ravizza• Top7: Victor Morales• Diseño: Katerin Dueñas.

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