PORTAFOLIO HISTORIA DEL ARTE-CAMILA MEDINA

325 Profesora: Cristina Isabel Dreifuss Serrano

PORTAFOLIO 2021-I

HISTORIA DEL ARTE Camila Andrea Medina Rivero 20203206

Facultad de Ingeniería y Arquitectura Carrera de arquitectura - Área de Historia y teoría de la arquitectura Ciclo 2021-I

2

Contenidos

1 2 3 4

Evaluación parcial 1

Extraños comienzos ................................................................................................................................................6 Poder y jerarquía ................................................................................................................................................... 8 Placer......................................................................................................................................................................... 12 PC1: Poder y placer en el arte de la antigua Roma.....................................................................................14 Síntesis de la antigüedad.....................................................................................................................................16 Islam........................................................................................................................................................................... 20

Evaluación parcial 2

Románico y gótico y Renacentista ................................................................................................................. 24 La luz en el barroco ............................................................................................................................................ 26 PC2: Neoclásico ..................................................................................................................................................... 28 Preimpresionismo ................................................................................................................................................. 34

Evaluación final

Trabajo individual: preguntas de reflexión ................................................................................................ 42

Información adicional

Currículum Vitae .................................................................................................................................................. 46 Información del curso ......................................................................................................................................... 48 Criterios RIBA ....................................................................................................................................................... 49

3

4

EVALUACIÓN PARCIAL 1

5

Extraños comienzos CG2, CG3, CG7

Para los aztecas y su ubicación, la lluvia era clave pues sin esta podían pasar hambre.

En la figura de piedra, los ojos pueden verse como dos serpientes entrelazadas: la realización de imágenes no solo mostraría magia y religión, sino también la primera forma de escritura

-Representa a un demonio de las montañas devorador de hombres con la cara manchada de sangre.

-Se puede apreciar la fidelidad con la las formas naturales han sido llevadas a una composición coherente.

Otra vez, se puede apre-

MÁSCARA DE LA DANZA INUIT

A pesar de que la cara esté hecha en base a formas geométricas se sigue manteniendo el realismo y la idea de un rostro pues se mantienen las figuras en la posición relativa de este, conservando así la unidad y armonía en el diseño.

6

TLÁLOC: DIOS AZTECA DE LA LLUVIA

MÁSCARA RITUAL, PAPÚA

EXTRA COMIE

EL ARTE

AÑOS ENZOS

-No se sabe cuando empezó el arte pero sí se sabe que no existen pueblos que no lo tengan.

-En la prehistoria, el arte no estaba para verse como bello, sino que tenía una función determinada.

-Nadie se arrastraría a las zonas más alejadas de la cueva para solo decorar un lugar tan inaccesible.

-El artista de cada tribu conoce el significado del color o de la forma.

LAS PINTURAS RUPESTRES PODRÍAN REPRESENTAR A SUS DIOSES

ORO, DIOS DE LA GUERRA

Es un dios polinesio de la guerra. No tiene la forma típica de un humano pero cuenta con ojos y brazos formados de un cordoncillo de fibra.

Basta con estas dos partes para otorgarle un aspecto de misterioso poder.

7

Poder y jerarquía CG2, CG3, CG7

8

“Entrada de Alejandro Magno a Babilonia” - Charles Le Brun (1664) RA

Posición: Se encuentra de pie y erguido sobre un carro dirigido por un elefante. Por encima de los demás

Posición: Por demás, apoyado

Actitud: Poder adquirido pues apunta con el dedo a los esclavos, quienes llevan las riquezas de él.

Las demás figuras están subordinadas a su poder

Color: Uso de ropa blanca brillante. Resalta entre las demás figuras

Emblema y simbología: Es llevado en un transporte blanco y dorado con un elefante adornado. Su vestimenta es distinta a los demás: uso de capa y oro; además de corona y cetro.

encima en el

de los elefante

Emblema y simbología: Mano en alto con incienso para dar bienvenida

Luz: Mayor intensidad de iluminación. Luz directa Color: Uso de color más intenso: tonos dorados y blancos, a diferencia de los demás elementos que tienen cierto nivel de opacidad y tonos cafés

9

“Captura de Atahualpa” - Jean Lepiani Año: 1920-1927 RA

10

A T A H U A L P A

E S P A Ñ O L

Posición: Él está en el centro del cuadro y además, encima de las demás personas.

Posición:

Color: Mientras los demás personajes están representados con color azul, rojo o café; él está de color blanco, lo cual hace que resalte entre todos.

Emblema y simbología: Montado en un caballo negro (poder), con armadura (protección) y con una espada amenazando al Inca

Emblema y simbología: Está cargado en una litera (llevado por los demás). Uso de capa y accesorios de oro

Color: mente

En

el

centro

del

cuadro

Color negro, totalopuesto al de Atahualpa

“La epifanía” - José Juarez Año: 1655Año: 1920-1927 RA

Posición: Él está en el centro del cuadro y además, es cargado en brazos.

Emblema y simbología: En esta obra se aprecia al niño Jesús, que recibe regalos y es agasajado.

Actitud: Se do ofrendas

encuentra y siendo

recibienaclamado.

Vestimenta: Si bien es cierto no resalta por el color de su vestimenta a comparación de la mujer que lo carga, resalta mucho por el hecho de que es el personaje mas pequeño y las miradas de la mayoria van hacia él.

Iluminación: Figura más iluminada, luz directa

11

Placer

CG2, CG3, CG7 Definición de placer Placer en Grecia moderna "El placer es el bien primero, es el comienzo de la toda preferencia y de toda aversión.

Es la ausencia del dolor en el cuerpo y de la inquietud en el alma" En: Filosofía de la felicidad Autor: Epicuro de Samos

Placer según Sigmund Freud

Placer según Santo Tomas de Aquino

Para Freud, el placer es encontrar el equilibrio: esto está relacionado con cumplir nuestras necesidades básicas y evitar aquello que genere molestia o dolor.

"El placer no es el bien mismo, sino el modo en que el viviente siente lo bueno de su vivir...Cuando la cosa [se refiere al viviente] está constituida en sus propias operaciones connaturales y no es impedida, se sigue el deleite, que consiste en un ser perfecto"

En: Más Allá del Principio de Placer Autor:Sigmund Freud

En:Placer(libro de Juan José Sanguineti) Autor: Santo Tomas de Aquino

La vida de Samotracia

El placer que encontramos en la presente escultura esta presente en la naturalidad que nos ofrece a través de la actitud corporal.

Pues , podemos ver que existe una posición de contrapaso, haciendo que el mismo cuerpo se encuentre en un estado de reposo.

Asimismo, esta pose demuestra que la persona está satisfecha y que ha cumplido con sus necesidades y encontrado el equilibrio. Se ve a una persona con poder a pesar de no poder ver su rostro.

Ella siente lo bueno de su vivir: su victoria Autor desconocido Perteneciente a la escuela rodia del período helenístico.

12

View of the Flower of Greece

Autor: August Wilhelm Julius Ahlborn Año: 1836 Esta obra produce placer, ya que genera una sentimiento de agrado y gusto por los colores y el paisaje reflejado. Además, no muestra ningún sentimiento de dolor o molestia.

Se ven a personas haciendo acciones para satisfacer sus necesidades (construcción de templo para su fe). También se ve el bienestar de las personas que trabajan en equipo, lo que les da satisfacción al organismo. Por último, se ve el placer de los trabajadores al ver que su trabajo no está siendo impedido

Relieve de Menandro con máscaras de la comedia nueva En la presente obra ,el placer que nos transmite es debido al énfasis generado en el realismo de las expresiones en las composiciones dadas de las máscaras. Ya que, revela la inquietud que tienen en sus almas .

Por otro lado ,Menandro despliega una sensación de poder al estar sentado cómodamente, a comparación de los rostros de las máscaras. Así mismo, transmite una su ausencia de dolor y empatía.

Especie de satisfacción y agrado de la situación.

Ella siente lo bueno de su vivir: su victoria

Siglo I a. C. (principios del siglo I d. C.) Museo de Arte de la Universidad de Princeton.

13

PC1:Poder y placer en la antigua Roma CG2, CG3, CG7

1. Escoger dos obras de arte realizadas durante la antigua Roma (aprox. 753 a.C. - 476 d.C.) en donde se representen ambas ideas: poder y placer.

“Hércules y Andeo” La escultura muestra como figura de poder a Hércules. Esto se infiere debido a su posición corporal, pues el único que ejerce fuerza sobre el otro elemento y a la vez, se mantiene en tierra, demostrando su jerarquía. Por otra parte, el placer se encuentra en la escultura por el nivel de detalle de la obra y los sentimientos que logra transmitir.

En el arte romano, el poder se puede demostrar de muchas formas. Una de ellas es influencia del arte griego donde el hábil escultor creaba obras que harían pensar que se estaría frente a un ser humano real. Es aquí cuando los romanos recurren a una sus primeras necesidades: la expresión de vida, donde la escultura tenía que transmitir esa viveza. En "Hércules y Anteo" se ve la vida en las expresiones: Hércules se muestra cansado por la batalla y el peso de Anteo, esto se muestra ensus ojos. Por su parte, Anteo tiene una expresión de desilusión, como si se diera cuenta que ya perdió y no tiene más que hacer, solo mirar el piso y aceptar la derrota.

Asimismo, se puede evidenciar que ambas figuras son de origen griego, pero forman parte una escultura romana. Se vuelve a identificar la influencia griega. Sin embargo, los romanos hacen propia el significado de esta escultura por la representación de figuras de poder o héroes, como ya venía haciendo anteriormente con la representación de sus gobernantes.

Aquí se identifica la necesidad romana de no solo mostrar figuras importantes, sino también de enaltecerlas.

Por útlimo, otra necesidad propia romana es la crónica plástica de sus guerras y sus triunfos. A pesar que la escultura no se mueva, uno puede visualizar una clara narración de los hechos y saber que Hércules ha levantado a Edeo y con eso finalizado la batalla. En este último punto también se tiene presente la idea anterior de enaltecer a las figuras poderosas.

14

Un fresco de la villa de Agrippa Postumus en Boscotrecase En el mural pintado, encontramos placer en lo que nos trata de contar por medio de la delicadeza de sus trazos , tanto en las figuras corporales como en los detalles del fondo.

Haciendo un recuento de lo visto en clase y las lecturas, podemos percibir como se da una especie de influencia de la perspectiva del arte griego a los romanos . Podríamos decir adaptaron diversas perspectivas de diferentes pueblos como los etruscos y los griegos.

De esta manera, la mayoría de las estatuas , murales y pinturas se ponían al servicio del culto del imperio.

Su arte se rindió a la necesidad de glorificar Roma. Es así como nace en ellos la inquietud de que los temas sean "narrados", con mucha claridad, en las pinturas, brindando una situación. Sin embargo, ellos desenvolvieron una ausencia de realismo en su perspectiva jerárquica, es decir que en las pinturas ya no existía una persona gigante y a su lado personas pequeñas para que se de a entender la jerarquía de importancia que existía, a comparación de épocas pasadas.

Es más, como podemos notar en la pintura presentada, no se desarrolla una "distorsión" de escalas para dar a entender algo.

Análisis de poder con la nueva perspectiva romana: En primera instancia, notamos la predominancia de la naturaleza , a través del árbol. Dado, que se encuentra en una posición central y por su tamaño (cabe mencionar, que se encuentra a escala ), a comparación de los otros elementos.

Por otro lado, están aquellas personas que hacen parecer que son los súbditos de la mujer , pues están posicionadas en diversos sitios. Sus posturas son relajadas.

Uno de estos súbditos se encuentra con las manos alzadas , dando a entender que se encuentra enalteciendo a la mujer.

Luego, encontramos a una mujer, quien al parecer es consiente del poder que maneja. Así mismo, tiene elementos que evidencian el poder que tiene: Una corona y un cetro en su mano.

Por último se encuentra, el entorno, dónde figura un arroyo en primer plano, y en un segundo, construcciones arquitectónicas a menor escala.

Y el hombre que tiene un instrumento musical, tiene la vista dirigida al piso , que al parecer esta subordinado al poder de la mujer.

Además, la vestimenta de estos súbditos es un indicador de su estatus social.

15

Síntesis de la antigüedad CG2, CG3

Tres obras de arte que representen las principales ideas sobre el arte de la antigüedad

16

Augusto de Prima Porta, 20 d.c - Imperio romano La obra "Augusto de Prima Porta" fue escogida porque posee distintas ideas utilizadas a lo largo de la historia en el arte de la antigüedad. Estas ideas son: Simbología: En la armadura de Augusto se pueden evidenciar imágenes de personas alabando a una especie de divinidad con posición de poder (por el brazo extendido). Esta simbología era utilizada en la vestimenta para mostrar ciertas características de la persona representada o para contarnos quien era ella. En este caso, era para mostrar el poder de Augusto y su caracter divino.

Esta misma idea se pudo ver en la cultura de Mesopotamia donde la vestimenta de las personas con cargos importantes tenían mucho detalle y contaban la historia de cada uno..

Poder y jerarquía: Se evidencia claramente los conceptos de poder y jerarquía. Principalmente por la postura de Augusto, quien tiene un pie delante de la otra, tirando su cuerpo adelante. Además, se puede observar su mano derecha alzada como si representara victoria o grandeza . Por último, la escultura tiene ciertos detalles que resaltan como los relieves en la armadura y la tela cargada por él.

A lo largo de la cultura de Mesopotamia, Egipto, Grecia y Roma hemos podido observar distintas obras de arte que representen el poder.

Realismo: Se puede observar la idea del realismo en su postura, un pie delante de otro. Por otro lado, los minuciosos detalles de la tela sostenida y sobretodo de su armadura. También podemos evidenciar esa característica , en los detalles de su cuerpo, sus músculos, sus pies y la expresión en su cara.

17

Kore, 530 a.C - Grecia arcaicia "La Kore" fue escogida porque refleja ideas utilizadas en el arte del Antiguo Egipto y Mesopotamia

Simbología: La Kore fue una obra pintada, pero con el tiempo perdió totalmente el color. En la foto de la derecha se ve una simulación de la Kore en época de realización. En esta podemos apreciar la simbología en su vestimenta. Se ven imágenes de animales, lo cual nos puede contar que esta muchacha estaba relacionada a ese sector. Esta misma aplicación se puede ver en la cultura de Mesopotamia donde la vestimenta cuenta parte de la historia del personaje. Asimismo, se verá también en el Imperio Romano.

Posición del cuerpo: Se puede observar que la Kore está totalmente ríguida. Su espalda está totalmente erguida y sus pies (en la obra original) están muy juntos, lo que refuerza la idea de riguidez. Este es un elemento que se puede evidenciar en el arte egipcio, donde las personas se mostraban erguidas para mostrar su control de cuerpo y en muchos casos, poder.

Expresión: La expresión en el rostro de la Kore es casi nulo, al pertenecer a la época de Grecia Arcaica recién se estaba intentando mostrar realismo y definición en las obras de arte. Por esa razón, se ha relacionado este aspecto con la cultura de Mesopotamia donde las expresiones eran muy difíciles de lograr además del lenguaje corporal que tampoco aportaba a las expresión de emociones.

18

Pintura mural de la tumba de Khnumhotep, 1900 a.C - Antiguo Egipto La obra fue escogida pues muestra ideas del arte que se usarán en distintas culturas en el futuro

Simbología: En los personajes que aparecen en el mural se ve poco detalle en sus prendas.

Esta característica del arte aparece en el mismo Antiguo Egipto, donde la persona no era lo que vestía o los símbolos que usaba, sino lo que representaba. Esto es importante pues rompe con el arte de Mesopotamia donde sí se le daba importancia a los símbolos en la forma de vestir.

Narración de la vida: Se aprecian muchos elementos como aves, peces y otros animales; también se ve el mar; y muchas acciones de hombres (algunos trabajando, algunos remando). Todos estos personajes secundarios del mural cuentan como era la vida en ese entonces y que actividades se hacían. Esta sería una característica de las pinturas rupestres, en el arte de la pre-historia donde con dibujos de animales muestran

Ángulos: Los egipcios le dieron mucha importancia a dibujar todo desde el ángulo donde más se entienda. En el mural se ve el mar de forma muy plana pero igualmente se entiende como mar por los elementos que contiene: peces y animales que de la misma forma también están dibujados desde al ángulo donde se los identifica como peces. Esta sería una característica también vista en Creta y en el Grecia Antigua donde su arte se ve plano pero se llega a comprender

19

El Islam CG2, CG3

Mosaic Tile Panel - s.XV

Artista: Desconocido Ubicación: Actual Irán Dimensiones físicas: w810 x h1620 cm

20

Elegimos este panel, puesto que los paneles han formado una parte muy significativa del arte oriental. De manera, que hasta el día de hoy se guarda en ellas el mismo valor. Guardan una composición, geométrica y simétrica, mayormente con colores vivos , que no guarda una representación de la realidad.

El panel nos llamó la atención desde el primer momento por los colores tan llamativos que tiene y por la gran combinación de estos. A su vez, hemos notado que el color azul (color principal de la obra) ha sido muy utilizado por esta cultura y queríamos escoger una obra de arte que represente muy bien a su civilización.

Otro aspecto interesante de este elemento son sus dibujos. A primera instancia no se puede reconocer qué es lo que se ha tratado de representar, esto es por la misma técnica utilizada: el arabesco. Que es la unión de diversas figuras geométricas que se conectan de forma diversa y un poco complicada pues puede resultar difícil seguir el orden de estas.

La razón de la utilización de esta técnica es por las mismas tradiciones del Islam: ellos no creen en el

21

22

EVALUACIÓN PARCIAL 2

23

Románico y gótico y Renacentista CG2, CG3, CG7

La crucifixión en el arte románico y en el arte gótico

Majestad de Cristo en la cruz - Anónimo Primera mitad del siglo XVIII Museo de Bellas Artes de Bilbao España

Cristo Gótico -Anónimo Finales siglo XV Capilla de San Antonio Basílica de Santa María

Falta de realismo: Jesús no muestra expresiones de dolor o sufrimiento como debería ser. No tiene expresión alguna. En esta étapa muchas de las obras eran diseñadas por creyentes y no artistas experimentados pues estaba prohibido seguir la religión.

Naturalismo: Presenta mayor realismo en los gestos y en lo corporal. La obra evidencia que Jesús ha sufrido antes de morir. Esta evolución se da porque en esta etapa los artistas buenos podían hacer las obras ya que la religión ya era aceptada.

Proporción corporal: No hay una proporción correcta en el cuerpo. La cabeza de Jesús es muy pequeña,sus manos y pies muy grandes. Además, si los brazos estuvieran en la posición regular, serían muy largos, como del tamaño total de Jesús

Proporción corporal: Las extremidades de Jesús se encuentran equivalentes en su totalidad. Se ve un cuerpo mucho más real y definido. Incluso se pueden ver músculos y costillas representados adecuadamente

Presencia de la frontalidad: Jesús está mirando al frente en casi todos los aspectos.

Los pies y las manos. La única excepción es la cabeza pues está ligeramente girada al costado. Se puede apreciar la frontalidad y la verticalidad en la composición total de la obra. Algo que podría recordar al arte egipto donde también se tenía una mirada al frente.

Ausencia de la frontalidad: Debido a que la expresión corporal y la del rostro ya no estan dirigidas hacia un eje (al frente). Su rostro tiende a dirigirse en un ángulo hacia el lado izquierdo.

Podríamos decir que tiene que ver con el incremento en su volumetría de la escultura y en el realismo que se quiere lograr.

24

Arte renacentista:

Crucifijo de Benvenuto Cellini Benvenuto Cellini 1559 a 1562 Basílica de El Escorial España Naturalismo: Representación realista,busqueda de la perfección en la visión que le dan al cuerpo humano.

En esta obra, al igual que en el arte gótico, también se ven emociones, se puede identificar desilución la cara de Jesús por los ojos y la cara caída.

Proporción corporal: La escultura de Jesús muestra la perspectiva que tenían en el Renacimiento sobre la desitribución equilibrada de las partes del cuerpo. Se busca una composición corporal "perfecta",mostrando un cuerpo atlético (se notan sus abdominales). Similitud con el arte gótico que muestra mejor proporción en el cuerpo que el arte románico.

Composición: A comparación de la escultura gótica podemos ver que los brazos se encuentran levantados a cierto ángulo, mientras que en las anteriores (románico y gótico) se encuentran estirados a 180° grados.

Asimismo, los brazos de Jesús son totalmente simétricos, una característica muy firme en el arte renacentista.

Materiales: Jesús predomina sobre la cruz. Esto pues, por el material utilizado ya que el mármol blanco resalta sobre el mármol negro y la madera de la cruz.

En el renacentismo, la persona era considerada el centro del universo y por esta razón la obra de arte le da tal protagonismo a Jesús.

Aquí se ha utilizado el mármol, un material muy empleado en la época clásica en Roma y Grecia, pues en el Renacimiento se tomó referencia el estilo clásico, adaptándolos a sus necesidades.

25

La luz en el Barroco CG2, CG3, CG7

Escenas de la película "La joven de la Perla" que muestren como la luz contribuye a las emociones de determinadas escenas

En esta escena, Van Ruijven intenta abusar de Griet. Lo primero que se percibe es que los colores de la escena son fríos, se ven colores grises, negros y blancos. Esto sería para enfatizar que los sucesos de la escena son muy dramáticos y desesperantes. En especial se ven así pues es el sentir de la protagonista en ese momento.

Otra cosa que podemos ver es el contraste que hace esta iluminación najes. En el caso de Van Ruijven, vemos que no está tan iluminado, la luz do, pues lo vemos con colores super oscuros, convirtiéndose en el malo de la que, Grit sí absorbe la luz del día y se ve de color blanco porque representa que

con los persoestaría rebotanescena; mientras ella es la víctima.

Otra característica muy importante en esta escena es la diferencia de los lugares iluminados y lugares oscuros. En primer plano está el patio, un lugar iluminado, donde están ambos personajes. Pero si nos fijamos, detrás hay una especie de cuarto oscuro.

Considero que este juego de luces y sombras es para enfatizar que donde hay luz hay seguridad pues Griet finalmente no resulta abusada sexualmente. Sin embargo, si los personajes hubieran entrado a ese cuarto oscuro, el final pudo haber sido trágico. Este es un ejemplo más de cómo las luces y los colores pueden transmitir distintas sensaciones en la película y dar indicios al espectador de lo que puede pasar a partir de la iluminación.

26

En esta escena, Griet, Vermeer, su esposa y su suegra están en una misma habitación. Los tres últimos conversando y Griet limpiando.

Esta escena es muy curiosa porque ahora sí se perciben colores muy cálidos, lo que nos transmitiría una sensación de calma pues los tres personajes estaban teniendo una velada tranquila. Así que se podría decir que es una luz ambiental, hasta este nivel de análisis.

Sin embargo, esta misma escena puede resultar muy reveladora pues a pesar que tres personajes estén en calma, Griet rompe de cierta manera con esta. Es en esta escena donde la esposa del pintor se da cuenta que él mira de cierta forma a Griet. Razón por la cual, ella resalta a pesar de estar atrás en el plano y desen focada. Realmente vemos como ella aparece con 6 velas alrededor, lo que indicaría que es quien tiene mucha atención por parte de Vermeer, incluso más que su esposa pues en la mesa de ella solo aparecerían 5 velas.

En este punto, se puede evidenciar que esa luz no es meramente cuestión ambiental, sino que busca la importancia que está ganando Griet.

Por último, para complementar el anterior punto. Se ve que la iluminación es pareja en casi toda la escena, pero Griet es la única parte de la composición donde se rompe esto.

Ella es el elemento que resalta sobre todas las cosas a pesar de no aparecer en el frente en la escena. La película nos trata de dar señales jugando con el tipo de luz que recibe cada uno.

27

PC2: Neoclásico CG2, CG3, CG7

28

Obra escogida: “El rapto de las sabinas”

Leal, A. (2010). El rapto de las Sabinas - Jacques-Louis David. Artes plásticas.

Nombre: "El rapto de las sabinas" Año:1794-1799 Autor: Jacques-Louis David Medidas:385 cm × 522 cm Técnica: Óleo sobre lienzo Estilo: Neoclasicismo Ubicación actual: Museo de Louvre, París

29

Análisis de la obra Al analizar este cuadro podemos ver que la luz que interviene en esta composición es natural, brindada por el sol. Así mismo, se desarrolla un claro-oscuro desenvolviendo una mayor ilusión del movimiento. Esto se puede ver en la luminosidad que se desarrolla en el mismo vestido blanco de "Hersilia".

Un aspecto que se puede evidenciar con facilidad es el uso de la perspectiva en el cuadro. Hay una primera escena que muestra toda la acción y el enfrentamiento, donde todos los personajes están retratados muy bien con el mínimo detalle.

La figura de poder en el cuadro es esta mujer, esto por su posición pues se encuentra situada en el centro del cuadro.

Un aspecto interesante del cuadro es que transmite el movimiento de los personajes. Uno ve el cuadro y siente que las acciones están sucediendo en el ahora. Esto es posible pues las extremidades de los personajes tienen curvas, a comparación del fondo estático donde solo hay rectas.

Otra razón es su vestimenta, ya que es el único personaje que viste un color blanco. Color que además resaltaría ,debido a que ella es el personaje que recibe más luz dentro de la composición.

Por último, la designamos como personaje principal por las acciones que hace. Se la ve enfrentando a los hombres, a comparación de las otras mujeres que ya se ven derrotadas

30

Sin embargo, si se mira detrás de ese primer plano, podemos seguir evidenciando que continua el conflicto, pero ya no se evidencian los mínimos detalles.

Esta es una técnica para lograr realismo, ya que en la vida real los objetos que están lejanos se tienden a ver borrosos, tal como muestra el cuadro

Descripción del mito En el momento que Rómulo dio inicio a la fundación de la ciudad de Roma, se dio cuenta de la falta de mujeres , por lo que envió una invitación a los pueblos de los alrededores a llevar sus mujeres a su ciudad. No obstante, a consecuencia de la reputación que habían adoptado los romanos, los pueblos optaron por no enviarlas. Tras su respuesta, Rómulo optó por invitar al pueblo de los sabinos a unos juegos en honor al dios del mar, Neptuno; sin embargo, el motivo de esta reunión no era para celebrar. Rómulo y los romanos, al ver que los sabinos habían llegado con sus mujeres e hijos, empezaron a raptar a las mujeres y con el tiempo, hacerlas sus esposas y las madres de sus hijos. Tiempo después, los sabinos se armaron de valor y empezaron una guerra como respuesta al acto romano con la intención de recuperar a sus mujeres. Paralelamente, las mujeres se dieron cuenta que si en caso ganaban los sabinos, perderían a sus hijos romanos y junto a ellos a sus maridos; por otro lado, si ganaban los romanos perdían a sus hermanos y a sus padres.

En consecuencia, las mujeres sabinas se interpusieron entre estos dos pueblos, entre ellas se encontraba a Hersilia, la esposa de Rómulo (líder de los romanos), quien también era la hija de Tito Tacio (líder de los sabinos). Ellas actuaban con la finalidad de hacerles entrar en razón e impedir lo que sería "la gran masacre". Al final, las mujeres lograron su objetivo, se hizo la paz y se dictó el punto final a la guerra celebrando con un gran banquete. Así mismo, Romulo y Tito Tacio firmaron lo que sería una diarquía para que estos dos pueblos se beneficien hasta la muerte de Tito

31

Relación entre mito y cuadro Jacques-Louis David, el autor de esta obra, no optó por pintar "solo el momento de la disputa" o "la escena de reconciliación de estos 2 bandos", sino que él decidió ir más allá de lo evidente. El artista decidió congelar un momento ,como tal, junto con un mensaje memorable e inquebrantable. Un contraste de lo que sería una guerra caótica y el anhelo de paz. Reflejando, en primera instancia a una mujer, la hija de Tito Tacio y esposa de Rómulo "Hersilia", que impone el cese de la contienda con un grito de paz. Por otra parte, a través de ella se cruzan dos miradas de desprecio entre Rómulo y su padre .

Asimismo, dentro de la composición se encuentran ciertos elementos que ayudan a reforzar esta relación entre mito y cuadro.

El primero es el vestido de Hersilia, el personaje principal del cuadro. El vestido es de color blanco , un color que es visto como símbolo de paz y reconciliación, algo que ella estaría pidiendo en ese momento a ambos bandos. Además, como es el único personaje con este color, vemos que tanto en el cuadro como en el mito, su figura representa mucho poder.

Siguiendo el análisis de este personaje, otro detalle que se evidencia es que ella se ve con una postura firme, esto lo podemos notar por la posición de sus brazos, que están totalmente estirados, como exigiendo que ya paren con el enfrentamiento. Otro elemento que refuerza esta misma idea, es la posición de sus piernas, como si ella hubiera dado un golpe al piso exigiendo lo planteado anteriormente.

Sin embargo, el cuadro y el mito no solo trata de Hersilia o de la reconciliación, sino, como se explicó, esta escena es memorable pues muestra ambos lados: el conflicto y la paz. Por esta razón, también existen elementos de análisis de los hombres: Lo primero que se ve son sus armas, elemento de guerra y enfrentamiento, así como también se ven sus escudos, que significarían que no están dispuestos a ser vulnerables y atacados.

Para finalizar, el último elemento que se puede ver en la composición son los bebes, los cuales significarían un llamado para la cordura y la calma. (Análisis cuadro "Rapto de las Sabinas", s.f)

32

Idea principal detrás de la obra Para poder conocer la idea principal detrás de la obra es necesario saber que esta pertenece al movimiento del neoclasicismo, un movimiento artístico que surgió a mediados del siglo XVIII y abarcó hasta el siglo XIX. Una de las características principales de este movimiento es que las obras no solo querían verse bellas para ser apreciadas, sino tenían el propósito de educar y moralizar a la sociedad, de dar un mensaje más profundo. (Andrea Imaginario,s.f).

Para poder conocer la idea principal detrás de la obra es necesario saber que esta pertenece al movimiento del neoclasicismo, un movimiento artístico que surgió a mediados del siglo XVIII y abarcó hasta el siglo XIX. Una de las características principales de este movimiento es que las obras no solo querían verse bellas para ser apreciadas, sino tenían el propósito de educar y moralizar a la sociedad, de dar un mensaje más profundo. (Andrea Imaginario,s.f).

Según Marga

la historiadora de Fernández-Villaverde

arte, (2014)

El tema escogido por David no fue casual. Tras la caída de Robespierre, el artista, que había sido un defensor acérrimo de la revolución, fue encarcelado. La idea se le ocurrió mientras estaba entre rejas y la llevó a cabo al salir de la cárcel. Con esta obra, intentaba presentarse ante los nuevos gobernantes como un hombre de paz que criticaba la lucha fratricida de los franceses. Siempre dijo que era su mejor cuadro.

Por último, notamos un mensaje secundario, quizás relacionado con la importancia y reconocimiento que se le quiere dar a la mujer. Recordemos que David era una persona revolucionaria, y quizás con ideas feministas para la época. Por esta razón, para representar la idea de paz, explicada en el anterior punto, se vale de un mito romano donde las protagonistas son las mujeres. Él pudo haber escogido cualquier otro suceso pero escogió el de las sabinas, donde se ven mujeres poderosas e influyentes.

David, como pintor en medio de medio siglo XVIII opta por no mostrar a una mujer vulnerable o como objeto sexual, como un elemento principal ; sino por el contrario, la representa como una mujer decidida y victoriosa. Tal es el caso de Hersilia, quien aparece con tanta femineidad y al mismo tiempo en una pose rígida, mostrada en los músculos contraidos de sus pantorrillas, en el medio del disturbio de estos dos pueblos.

33

Preimpresionismo CG2, CG3, CG7

34

Obra escogida Las grandes bañistas

-Autor: Pierre-Auguste Renoir -Fecha de creación: 1884-1887 -Dimensiones físicas: 67.24 x 46.38 cm.

-Procedencia: The Mr. and Mrs. Carroll S. Tyson, Jr., Collection, 1963 -Ubicación actual: Philadelphia Museum of Art, Estados Unidos

35

Diferencias A. Impresionismo-Barroco

Los colores empleados son mucho mas vívidos. A diferencia del barroco, ya no se usa el claroscuro ni la paleta de color negro o gris, sino, se exploran colores más relacionados con la naturaleza.

La pincelada es mucho más difusa. Se ve una mano más suelta y muchas pinceladas (una encima de otra), sobre todo en la zona de los árboles y el agua. El uso de una pincelada sobre otra ayuda mucho para enfatizar los puntos de luz en el cuadro y el relieve. En el barroco se ve una sola pincelada y da un aspecto de estar plano.

En el arte barroco, muchos de los cuadros representados son acerca de temas religiosos, donde las figuras protagonistas son personajes de la Biblia. En el Impresionismo, los protagonistas de las obras son personas no relacionadas a la religión.

Se incluye un paisaje como fondo, donde se ve la presencia de naturaleza: árboles, laguna, cielo. En el barroco el fondo suele ser plano o un color sólido, mayormente oscuro

36

A diferencia del barroco, en el Impresionismo los elementos sí están centrados y dentro del cuadro. En el barroco muchos de los elementos salen del lienzo para simular realismo

Diferencias A. Impresionismo-Neoclásico

Las obras del neoclásico usualmente representan mitos o historias reales de la historia, mientras que en el impresionismo no se dibujan a personas o sucesos relevantes

Las obras del neoclásico suelen tener un mensaje oculto o subliminal, con alguna reflexión para la época en la que se está pintando. En el neoclásico se pintan escenas más típicas y costumbristas En el arte barroco, muchos de los cuadros representados son acerca de temas religiosos, donde las figuras protagonistas son personajes de la Biblia. En el Impresionismo, los protagonistas de las obras son personas no relacionadas a la religión.

La representación del cuerpo femenino en el Impresionismo es distinto. Se ven mujeres más corpulentas, mientras que en el neoclásico se seguía el canon griego, donde la mujer aparece más delgada Respecto al desarrollo, podemos ver que en la pintura impresionista no existe una clara ejecución de la línea, ya que buscaban que el color y la pincelada sean los protagonistas. Por otro lado, en la pintura

37

Diferencias A. Impresionismo-Romanticismo

En las composiciones del romanticismo, es primordial transmitir los pensamientos y sentimientos íntimos del artista .Mayormente se elegían temas históricos, tal como "La libertad guiando al pueblo". En contraste, en el impresionismo se opta por paisajes o situaciones de la burguesía, algo más espontáneo.

Respecto a la luz ,en el impresionismo se busca el desarrollo de una luz cambiante que se da en las superficies, como por ejemplo el agua de un lago o un árbol cuando pasa una brisa. Pero en el romanticismo su papel es de un carácter que conlleva a mostrar más detalles de su reflejo ,teatral.

La técnica empleada en el cuadro es un óleo sobre lienzo, un tipo de técnica muy empleada por ellos para plasmar la realidad de manera diferente. Por otro lado, en las composiciones del romanticismo las técnicas empleadas eran más variadas: acuarelas(preferida por pintores ingleses),grabado, litografía y óleo. Cabe mencionar que en el impresionismo, se optaba por diluir el óleo en vez de emplear la acuarela.

Así mismo, los colores que apreciamos en las pinturas del romanticismo son caracterizados por ser fuertes(cielos nublados y oscuros) y con un uso de contraste marcado. En el impresionismo se opta por colores brillantes y puros.

Se ve en el cuadro una distribución libre de los diferentes elementos (las mujeres y sus posiciones corporales junto al desarrollo del paisaje)y vacíos. Sin embargo, en la composición que se busca en las pinturas del romanticismo es dinámico, dramatismo en los gestos como líneas curvas.

38

Rol del espectador en la obra

El espectador cumple una función importante en el cuadro. Al ver la obra uno siente que está dentro de esta, convirtiéndose en un espectador más que está en ese mismo lugar: estamos dentro del cuadro, siendo parte de la admiración a las dos mujeres.

El mecanismo que utiliza Pierre-Auguste Renoir es pintar a las mujeres que están de espalda, alejadas de los dos elementos principales. Así ellas no interfieren con la visual que tenemos de las dos mujeres protagonistas. El autor nos abre el cuadro para poder observar todo y no perder ningún detalle de lo que él quiere que veamos.

Si volvemos a ver el cuadro, rescatamos que no hay mujer que tape a otra. Todas han sido colocadas cuidadosamente ,con la finalidad de apreciar cada detalle y personaje de la composición. Esto también es respaldado por la gama de colores elegida, que llama al visualizador a analizar como se encontraba el día cuando el cuadro fue pintado, esto lo podemos deducir por el empleo de colores vivos y pasteles que en conjunto expresan tranquilidad.

39

40

EVALUACIÓN FINAL

41

Preguntas de reflexión CG2, CG3, CG7

Suspendiendo por un momento criterios éticos y prácticos, si pudieras robarte una obra de arte, ¿cuál sería y por qué?

The Rehearsal Edgar Degas 1873-1878

Si pudiera robarme una obra para tenerla conmigo, definitivamente sería una de la que no me cansaría mirar. La obra "The Rehearsal" de Degas tiene muchos elementos que me resultan interesantes y me tendrían observarla durante mucho tiempo.

Lo primero que noto es el color, me gusta mucho que se hayan elegidos colores neutros para el salón de baile, mientras que para la ropa de las niñas y el violinista se haya utlizado otro tipo de colores ya que justamente estas personas son el centro de atención del cuadro. Me gusta que el autor nos señale indirectamente que el punto de atención son las personas y no el espacio. Y eso lo refuerza mostrando un salón un poco descuidado. Algo que quizás no se podría ver en la época.

Otra razón por la cual me llevaría esta obra conmigo es por la cantidad de elementos que hay: hay muchos personajes. Normalmente, a mi me gusta observar y analizar cada acción o expresión que hace el personaje y en este cuadro, vemos como cada una de las niñas está haciendo una acción distinta. Algunas están concentradas en ensayar, otras preocupadas en su ropa, otras se ven distraídas e incluso cansadas.

Esto le da un toque de realismo al cuadro y a la situación. En la época del impresionismo surge lo llamado "ángulo improbable", que busca retratar cosas que no podríamos captar con una cámara de fotos porque a través del lienzo no vemos gente posando y mostrando su mejor momento (como si pasa con la cámara).

Entonces, el punto donde menciono que vemos a niñas distraidas y cansadas se relaciona con el del ángulo improbable ya que Degas no solo dibuja lo que ha visto, sino también lo que él interpreta e imagina que pudo pasar en el ensayo.

Para concluir, otra razón por la que robaría el cuadro es por lo que me transmite al verlo: lo veo y siento que estoy en ese lugar, escuchando el murmullo de las niñas, al violinsta por momentos. Como si yo también fuera parte del cuadro.

42

Relata brevemente la historia de un objeto utilizando tres obras de arte de tres períodos diferentes.

Color escogido: Azul En la antigüedad el color azul era símbolo de poder y jerarquía. Esto es por la dificultad que se tenía al conseguir este color pues no habían pigmentos naturales como en los otros colores.

Por esta razón, si nos remontamos miles de años atrás vemos como el color azul es utilizado en el arte egipto cuando quieren retratar a sus faraones o a sus dioses. También lo vemos en construcciones arquitectónicas para mpstrar poderío e imponerse ante otras culturas

Cristo descubierto en el templo- 1342 por Simeone Martini

Book of Hours Aprox. 1420

Page from the Book of the Dead of Hunefer.

-1280 al -1285 Se observa como solo dos figuras están representadas con azul, siendo uno de ellas el dios Osiris.

Puerta de Ishtar - 575 a.C Los colores empleados en esta monumental entrada fueron el azul y el dorado. Colores no comúnes que mostraban el poder que se tenía.

En la edad media, en el arte gótico habían muchas representaciones de figuras relacionadas a la religión cristiana y muchas de estas eran representadas por el color azul.

Si se da un vistazo general a las obras de este periódo, vemos que se sigue un patrón muy marcado. La Virgen María utiliza el color azul en muchas ocasiones. Esto era también para mostrar el poder que tenía la Iglesia ya que el azul aún seguía siendo un color difícil de fabricar o de conseguir.

Se ve como Jesús y María Cristo y su madre con azul, están representados con el mientras que José no color azul

En el post-impresionismo, el uso de los colores está más relacionado con las sensaciones con las que el autor pinta o aquello que quiere transmitir.

En este periódo, el azul se ve como un color frío que puede transmitir sensaciones de soledad o incluso de tristeza. Esto depende mucho del contexto ya que en otras ocasiones el azul representa tranquilidad.

Retrato de Suzzane Bloch - 1904 de Picasso

Autoretrato- 1889 de Van Gogh

Ella se ve desanimada, parte de esto lo percibimos por los colores

Se ve tranquilidad pero lo conocemos y sabemos que sufría

43

44

INFORMACIÓN ADICIONAL

45

Currículum Vitae CONTACTO ESTUDIANTE DE ARQUITECTURA Nombre

Camila Andrea Medina Rivero

Email

camr0725@hotmail.com

Dirección

General Recavarren Surquillo

1300-

Ubicación

Lima-Perú

Sobre mí Mi nombre es Camila, soy estudiante de Arquitecturaen la Universidad de Lima y me defino a mí misma como una persona comprometida con lograr sus objetivos y meticulosa al momento de actuar.

He reforzado mis habilidades gracias a que cursé y obtuve el diploma del Programa de Bachillerato Internacional (IB) en mi educación secundaria. Habilidades que me permitirán desenvolverme en el ámbito educativo, social y sobre todo de investigación.

Asimismo, soy una persona capaz de trabajar en equipo y poder guiar a mis compañeros en fijar una meta común y lograrla.

46

Programas

Educación

Idiomas

Reconocimientos

Autocad Revit Illustrator InDesign Photoshop Excel Word Español Inglés

2010-2013 2014-2018 2018-2019 2020-Act.

Primaria Secundaria Pre-grado Pre-grado

Colegio Pedro Ruiz Gallo Colegio Pedro Ruiz Gallo Universidad de Piura Universidad de Lima

Reconocimiento por recuperrar la banda escolar Proyecto CAS IB/Año 2017

Intereses

Pintar y dibujar Repostería Armar rompecabezas

Actividades académicas

-Seminario: Ciudad Compacta y Estructura Urbana Policéntrica/ Universidad de Lima/ 14 de octubre de 2020 -Conversando con nuestros egresados/ Universidad de Lima/ 16 de octubre de 2020 -Exposición Anual de Arquitectura/ Universidad de Lima/ 16 de octubre de 2020 -Conversatorio: Jóvenes en la arquitectura: Inspirando a las nuevas generaciones/ CONEA México/ 25 de febrero de 2021 -Urbanismo y género: Ciudades próximas por Zaida Muxi/ Universidad de Lima/ 5 de abril de 2021

47

Información del curso NOMBRE DEL CURSO Historia del Arte

SECCIÓN 325 DOCENTE Cristina Isabel Dreifuss Serrano

SUMILLA El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1.Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

2.Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3.Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquItectura.

4.Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

48

Criterios RIBA CG2 Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas.

CG3 Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico

CG7 Comprensión de los métodos de investigación y preparación de un sumario para un proyecto de diseño.

49