TEATRO DEL SIGLO XX Y EL TEATRO CONTEMPORÁNEO

la estética dominante de la ilustración, le otorgaba al teatro la función de ser moralizante y educativo.

El Teatro Romántico (primera década del siglo XIX) en este movimiento aparecen los héroes pasionales en los textos dramáticos, estuvo liderado por Johann Wolfgang von Goethe que peleaba por la libertad absoluta del individuo rompiendo con los cánones del Teatro Neoclásico, se suma Friedrich Schiller y Georg Büchner. En Francia con Hernani de Víctor Hugo, que propugna por la libertad de creación y el redescubrimiento de William Shakespeare, son los románticos, que lo elevan a la categoría de genio universal.

¨El teatro es un punto de vista óptico. Todo lo que existe en el mundo, en la historia, en la vida y en el hombre, debe y puede reflejarse en él, pero embellecido por la vara mágica del arte. El arte hojea los siglos y la naturaleza, interroga a las crónicas, estudia para reproducir la realidad de los hechos, sobre todo las costumbres y la de los caracteres; restaurando lo que los analistas habían truncado, adivina sus omisiones y las repara, llena sus lagunas por medio de imaginaciones que tienen color de época; agrupa lo que ellos han esparcido, reviste el todo con una forma poética y natural a la vez, y le da la vida de verdad saliente que engendra la ilusión, el prestigio de realidad que apasiona a los espectadores después de haber apasionado al poeta.¨ (Víctor Hugo)

En España el Romanticismo revaloriza los temas medievales donde triunfa el verso y la voz engolada de los actores, José Zorrilla y su” Don Juan Tenorio”, héroe dominado por su carácter individual, seductor y apasionado, sus vicios son redimidos por el amor. En la mayoría de los países europeos, es el teatro Romántico que define una arquitectura que divide los diferentes espacios de distribución llamada “a la italiana”, y es donde surge “La Cuarta Pared”, la separación definitiva del público y lo que acontece en el escenario. Se desarrolla todo un andamiaje escénico que auxilia la teatralidad con artefactos sonoros, lumínicos y visuales, una complejidad de efectos que requiere una maquinaria llena de trucos para acentuar la grandilocuencia del drama romántico.

Richard Wagner en la segunda mitad del siglo XIX, que hizo los aportes al trabajo dramático, en materia de puesta en escena, estética y fusión de todas las artes, proporcionó la idea de conjunto en el escenario en sus dramas musicales como el mismo los nombró, podemos decir que la ópera dio al teatro la figura del director con Wagner. Así mismo es importante mencionar a Adolphe Appia (escenógrafo) y su planteamiento sobre la puesta en escena y el uso de la iluminación para crear atmosferas; y Edward Gordon Craig, que plantea la escena como un espacio en movimiento, reformuló la forma y al actor lo concibió como una marioneta que se fundiría en el vestuario y la escenografía.

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Con la llegada del teatro naturalista y luego el teatro realista se va puliendo la figura del ojo externo a la escena, el director y con él, la exploración actoral, fue cada vez una necesidad de valorar el trabajo colectivo de la totalidad del elenco y no depender del divismo de grandes figuras actorales. Jorge II, el Duque de Meiningen (Alemania), conformó su compañía con la idea de conjunto, en donde no había grandes actrices y actores, aunque luego conformo grandes intérpretes pero no eran los únicos protagónicos del espectáculo, ya que exigía a todos los actores por igual compenetrarse en la escena. Su giras exitosas por todo Europa creaban influencia en los artistas locales, Stanislavski se sintió atraído en influenciado por los Meininger. En Francia, el Teatro Libre de André Antoine era una auténtica exposición del realismo y desarrollo un teatro experimental que luego influenciaría el resto de Europa y a Estados Unidos.

La historia del teatro no es un devenir en tiempos lineales, en donde un gusto, tendencia o estilo teatral desaparece y aparece otro nuevo. A veces lo nuevo es una combinación de formas viejas y revalorizaciones del pensamiento clásico; y en otras, es una ruptura total del pensamiento por revoluciones sociales, guerras nacionales, epidemias o el avance del conocimiento científico y filosófico. Lo cierto es que los estilos sobreviven a su época de apogeo, muy a pesar de las nuevas tendencias, se combinan y se transforman. Es así como ha surgido el MELODRAMA: es el ROMANTICISMO combinado con otras expresiones populares: El TEATRO BURGUÉS, TEATRO NATURALISTA, TEATRO REALISTA, TEATRO REALISTA PSICOLÓGICO, El TEATRO SIMBOLISTA, aún conviven separados, mezclados y con renovados ímpetu, Pues allí siguen en cartelera, los Ibsen, Strindberg, Chejov y su influencia en la dramaturgia contemporánea.

Teatro del Siglo XX y el Teatro Contemporáneo

A finales del siglo XIX los artistas avivaron el conflicto entre la tradición y la modernidad, la lucha por superar lo establecido, el pasado, y abrir nuevos rumbos; con estos cambios vertiginosos y profundos muy acordes con la era industrial y tecnológica, surgieron artistas heterogéneos y de diferentes expresiones (Arquitectura, pintura, escultura, música) que aportaban y se sumaban a la militancia de una u otra corriente, en tanto salía una nueva tendencia, con tal rapidez aparecía otra alternativa contraponiéndose, así como el Simbolismo es una reacción al Naturalismo y al Realismo. Así mismo el TEATRO EXPRESIONISTA, surgido en Alemania, se manifestaba en contra de los postulados del simbolismo.

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Surgieron los primeros dramaturgos expresionistas: August Strindberg y Frank Wedekind, entre los directores más destacados estuvieron: Max Reinhardt, Erwin Piscator y Vsiévolod Meyerhold, sin embargo, Piscator tiempo después, se dedicó al TEATRO POLÍTICO y Meyerhold creó la BIOMECÁNICA.

El siglo XX es el escenario de dos guerras mundiales y muchas propuestas artísticas, tan exquisitas y variadas, están sustentadas en esta experiencia desgarradora para el espíritu humano; además el impacto de las revoluciones sociales y sus consecuencias hicieron brotar pasiones, entusiasmo, amargura y desencanto. Además, es el siglo de la experimentación y la exploración en los procesos artísticos, de definir métodos y sistemas de abordajes en la dramaturgia, como en el manejo de herramientas técnicas del actor, surge la necesidad de dotar un lenguaje técnico propio al fenómeno teatral.

El Teatro de Arte de Moscú (TAM -1897 en ruso, MXAT ) liderado por Konstantin Stanislavski y Némirovich Danchenko, comenzó una de las grandes aventuras de exploración teatral que reformula el trabajo del actor y se convirtió en una referencia obligada del teatro contemporáneo, así mismo la dramaturgia de Antón P. Chejov marca una impronta en el TAM, que su símbolo emblemático es una gaviota (nombre de la primera obra teatral de Chejov) Los discípulos de Stanislavski, se esparcieron por el mundo, y transmitieron los conocimientos y postulados de sus mentores, cada uno con variables particulares y acentos distintos, según su práctica creadora, entre ellos: Mijaíl Chejov, Eugene Vajtangov y Vsiévolod Meyerhold.

En Nueva York surge el American Laboratory Theatre, dirigido por Richard Boleslavsky y Maria Ouspenskaya actores que se radicaron en los Estados Unidos y que habían trabajado con Stanislavski en el Teatro de Arte de Moscú (TAM), de este laboratorio teatral surge Lee Straberg.

En 1931 bajo la influencia y lecciones del propio Stanislavski nace en Nueva York el Group Theatre, con Lee Straberg a la cabeza y Harold Clurman, Uta Hagen, Cheryl Crawford, Stella Adler, Standford Meissner entre otros; que desarrollan una versión norteamericana de las exploraciones del maestro ruso, conocido mundialmente como “El Método”; que tuvo un auge en Broadway con obras de Tennessee Williams, Arthur Miller y que dio una constelación de actores hollywoodenses que dieron fama al método, tanto que Stanislavski se conoce en Hispanoamérica a partir de las traducciones del ingles, de allí surge una serie de distorsiones y mal entendidos de confundir el Método a la estadounidense y los postulados de los maestros rusos. Así como crecía la influencia de Stanislavski, y su teatro de la vivencia, se contraponía

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Bertolt Brecht con su TEATRO ÉPICO (herencia del expresionismo alemán) que propugna por un teatro que incentiva el compromiso con las causas sociales y políticas, donde el espectador está en una alerta constante y toma distancia de lo que sucede en escena.

En 1947 se funda en Nueva York, el Living Theatre Con Judith Malina y Julián Beck a la cabeza, bajo la influencia de Piscator, Meyerhold y Brecht, luego asumieron los conceptos teatrales de Antonin Artaud.

Artaud es a quien se le debe el TEATRO DE LA CRUELDAD (1938) un regreso al rito, liberar en el actor fuerzas dormidas e inconscientes en la comunicación con lo sagrado en donde el diálogo verbal no es el lenguaje primordial, acentúa el lenguaje de los sentidos, del cuerpo. ¨Toda efigie verdadera tiene su sombra que la dobla y el arte decae a partir del momento en que el escultor cree liberar una especie de sombra, cuya existencia destruirá su propio reposo¨ El Teatro y su doble. Gracias a los postulados de este libro surgen una serie de grupos de teatro durante la década de 1960. Como ejemplo podemos citar al “Teatro Laboratorio” de Jerzy Grotowski, el “Teatro de la Crueldad” de Peter Brooks en su puesta en escena de “Marat/Sade “de Peter Weiss

En la década de los 50 surgen dos grandes autores y que sus respectivas obras los sacan del anonimato,” La cantante calva” de Eugenio Ionesco y “Esperando a Godot” de Samuel Becket tendencia llamada TEATRO DEL ABSURDO.

La Segunda Guerra Mundial y el exterminio de personas en los campos de concentración nazi, produjo el sentido de lo absurdo en la sensibilidad artística, un mundo destruido y desilusionado. Lo que carece de lógica, lo que de ningún modo se puede vincular o relacionar con un texto dramático o un contexto escénico, es lo característico de este teatro en el que no hay acción consecuente, ni caracteres, porque la vida misma de los personajes carece de sentido, el horror de descubrir que el lenguaje no garantiza comunicación alguna; que la sociedad sólo es una red de convenciones sin valor real y que el ser humano se encuentra completamente solo frente al mundo.

La segunda mitad del siglo XX vuelve a traer consigo una renovación del arte, aunque en esta ocasión su foco no está en Europa, sino en Estados Unidos. La característica principal de esta etapa es que se integran todas las artes: pintura, fotografía, música, etc. (Una manera renovada de la idea del arte total de Wagner de 1849), se rompe con la idea de que el teatro solo puede ocurrir en una sala. Así nace el “Performance”; cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: Tiempo, Espacio, el Cuerpo del artista y una relación entre el artista y el público puede ser considerado “Arte performático”. En Polonia

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