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THE ART OF FUSION

SQUARE BANG UNICO Caja cerámica negra. Movimiento cronógrafo UNICO In-house. Edición limitada a 250 piezas.

LOS CLÁSICOS

AQUELLOS QUE NOS SIGUEN desde nuestros inicios han asistido a portadas donde quedaba claro nuestro gusto por los clásicos, por aquellos que hacían de la elegancia su particular bandera. Eran portadas de corte retro, pero siempre pensadas para reclamar y reivindicar los valores y el estilo inconfundible que transmitían los protagonistas. Ese quizás ha sido uno de nues tros valores diferenciales, llevado hasta sus últimas consecuencias y que nos ha hecho ser un pro ducto diferente: que tengamos también nuestro propio espacio diferencial.

En nuestro mundo GENTLEMAN con temporáneo, hay una persona que para nosotros encarna a la perfección los valores que siempre he mos defendido, y no es otro que George Clooney. El actor al que la fama nunca le ha cambiado no solo es el protagonista de esta portada en la que se resume a la perfección el estilo y compromiso que siempre hemos manifestado como publicación, también es nuestra forma de rendir homenaje a los clásicos, aquellos que por encima de todo nunca dejaron de ser ellos mismos, y que al mismo tiem po fueron. Clooney ha dejado a lo largo de estos

años, desde que conquistó la fama en Urgencias, un buen número de éxitos cinematográficos, pero también ha sido el testimonial de marcas de prestigio con las que ha establecido, además, una particular relación. Y eso también le honra; nunca ha sido el típico personaje que aprovecha su fama para engordar la cuenta corriente como único fin. Ha procurado elegir y ser consecuente con sus gustos y afinidades. Un buen ejemplo de ello se halla en su relación con Omega; George Clooney y la firma relojera mantienen desde hace años un compromiso tan estable que ha traspasa do lo profesional para convertirse en una elección personal. Clooney es imagen, sí, pero también una persona implicada en cada una de las accio nes que emprende la compañía relojera y a la que es llamada. Ha dejado de ser un embajador de título para convertirse en amigo entrañable... y eso es lo mejor para transmitir credibilidad. No solo para la marca, también para el protagonista. Clooney es un profesional admirado por ese compromiso, como también lo es por elegir los papeles que quiere interpretar, y en eso también recuerda a los grandes clásicos de la cinematogra fía. No todo vale y hay que ser consecuente.

En esta vuelta al curso, hemos ideado un menú en el que, además, reconocemos el papel de mujeres pioneras en sus actividades, en aquellos tiempos en los que eran la excepción en un mun do de hombres... Viajamos también a Bután, uno de esos pequeños tesoros casi incólumes que nos deja todavía la naturaleza en la cordillera del Hi malaya. Tampoco hay que perderse el análisis que Mario Canal hace del auge experimentado por las subastas (no solo de arte) en estos últimos tiempos. Una última recomendación: visite algu nas de las boutiques y joyerías que han abierto o remodelado sus instalaciones en los últimos meses en Madrid. Otra demostración de que el estilo y la elegancia son clásicos que perviven.

Ricardo Balbontín. Director

DESCUBRE EL SINGLE MALT AL QUE POCOS PUEDEN ACCEDER

CONTENIDOS

EL GENIO DE LA SAGRADA FAMILIA

Entrevista con Jordi Faulí, arquitecto director de las obras de la basílica proyectada por Gaudí, cuando se cumplen 140 años de la colocación de la primera piedra.

NOMBRES PROPIOS

12 LUKE EDWARD HALL

AQUELLAS MARAVILLOSAS ÉPOCAS

Texto Ilaria de Bartolomeis

14 AMALIA AVIA

EL TIEMPO DETENIDO

Texto Juan Luis Gallego

16 VALLE GARCÍA LÓPEZ

RELATOS DE MESA

Texto Paula Polizzotto

G-MANÍA

18 ARTE

LA CIUDAD DE LAS FLORES

Texto María Rosa

20 BICICLETAS

LIBERTAD DE MOVIMIENTO

Texto Gentleman

22 LOUIS VUITTON

EL VIAJE DE LA VICTORIA

Texto Paula Polizzotto

23 IQOS

UNA EXPERIENCIA ALTERNATIVA

Texto Juan Parra

ENTREVISTA

24 JORDI FAULÍ

EL LEGADO DEL GENIO

Texto Juan Luis Gallego

Fotografía Jordi Bardajil

ARTE

28 SUBASTAS

PUJAR SIN LÍMITE

Texto Mario Canal

CON FIRMA

34 ¿UNA SOLA MUJER?

Texto Fernando Schwartz Ilustración Jacobo Pérez-Enciso

PORFOLIO

36 SOLA UNA

Texto J. L. Gallego

PORTADA

42 GEORGE CLOONEY

DIRECTOR DE SU PROPIA VIDA

Texto Irene Crespo

Fotografía Magdalanea Wosinska

GRANDES FIRMAS

48 CAMAS HÄSTENS

BUEN DESCANSO

Texto Abraham de Amézaga

MAESTRO GC3.0-A-CHRONOGRAPH

Creatividad Artística. Maestría Técnica.

Creado y manufacturado en la Maison, el exclusivo Chrono 3.0 Maestro expresa en toda su plenitud el más puro estilo de la elegancia deportiva. Gerald Charles, la Historia del Maestro continúa.

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CONTENIDOS

BOUTIQUES

54 TERRITORIO ROLEX

Texto Ricardo Balbontín Fotografía Jacobo Medrano

58 LUGARES PARA SOÑAR

Texto Ricardo Balbontín Fotografía Jacobo Medrano

JOYERÍA

66 CHAUMET

HISTORIAS DEL MAR Texto Paula Polizzotto

ESTILO

70 MODA

UN LOOK GANADOR

Texto Tomasso Basilio Fotografía Paolo Leone

78 TOTAL LOOKS

ESTILO RENTRÉE

Estilismo Berta Fernández-Abascal Fotografía Quique Santamaría

82 COSMÉTICA

RENOVARSE POR FUERA

Y POR DENTRO

Texto Lucía Heredero Fotografía Massimiliano Polles

84 MESOESTETIC

LA MEDICINA EN COLORES

Texto Beatriz Núñez

VIAJES

86 UN MUNDO FELIZ

BUTÁN

Texto y fotografía Sergi Reboredo

GASTRONOMÍA

92 RESTAURANTES NUEVAS TENTACIONES Texto Federico Oldenburg

96 BODEGA NACIDOS PARA SER ESTRELLAS Texto Pilar Molestina

MOTOR

98 CUPRA FORMENTOR VZ5 TAIGA GREY SOLO PARA ELEGIDOS Texto Juan Parra

SOSTENIBILIDAD

100 SOLAR PROFIT LUZ SIN FACTURA Texto Juan Parra

RELOJES

Texto Ricardo Balbontín

102 ORIS CONCIENCIA Y CAMBIO

105 LONGINES ELEGANCIA ANTE TODO

106 HAMILTON LA AVIACIÓN

SECCIONES

108 AGENDA NACIONAL E INTERNACIONAL

Texto Luis Ini / Natalia Erice

112 NOTAS

113 ICONOS: CRISTÓBAL BALENCIAGA

Texto Paula Polizzotto

DIRECTOR

Ricardo Balbontín rbalbontin@gentleman-es.com

DIRECTOR ADJUNTO Juan Luis Gallego jlgallego@gentleman-es.com

DIRECTOR DE ARTE A lberto Torés atores@gentleman-es.com

| COLABORADORES |

Claudia Álvarez, Abraham de Amézaga, Ilaria de Bartolomeis, Tommaso Basilio, Mario Canal, Irene Crespo, Natalia Erice, Berta Fernández-Abascal, Lucía Heredero, Luis Ini, Pilar Molestina, Beatriz Núñez, Federico Oldenburg, Juan Parra, Paula Polizzotto, Sergi Reboredo, María Rosa, Fernando Schwartz y Amelia Solana.

| ILUSTRACIÓN |

Del Hambre, Jacobo Pérez-Enciso y Fernando Vicente.

| FOTOGRAFÍA |

Jordi Bardajil, Carlos Luján, Paolo Leone, Jacobo Medrano, Massimiliano Polles, Sergi Reboredo, Quique Santamaría y Julie Turcas.

| AGENCIAS |

Associated Press, Contacto, Corbis, Cordon Press, Getty Images, IFA, The Interview People y Magnum Photos.

| REDACCIÓN Y PUBLICIDAD |

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Fotografía de portada: Magdalena Wosinska | The New York Times | Contacto

ISSN 1696-7186

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LUKE EDWARD HALL DISEÑADOR

Aquellas maravillosas épocas

TEXTO ILARIA DE BARTOLOMEIS

Sobre estas líneas, silla tapizada con la tela de algodón estampada Quatrefoil, diseñada por Luke Edward Hall (en la página siguiente) para la empresa textil veneciana Rubelli.

ES UNO DE LOS INTERIORISTAS BRITÁNICOS del momento, “un niño prodigio”, como le llegó a cali car una publicación. Sin duda, Luke Edward Hall es, con 33 años, un diseñador de los que no se estilan. En un contexto en el que predominan las ‘líneas rectas’, los ‘espacios diáfanos’ o el ‘enfoque minimalista’, el trabajo de Hall, inspirado en la antigua Roma, en la Grecia clásica, en la Venecia romántica, le ha convertido en un esteta audaz y so sticado al que, según sus propias palabras, le gusta “experimentar, mezclar moda, diseño y arte, pasado y presente; con creatividad –añade– las fronteras pueden ser superadas, borradas, reinterpretadas”.

Hall estudió diseño de moda en Saint Martin, en Londres, y trabajó luego en un estudio de diseño de interiores hasta que decidió, en 2015, abrir el suyo propio, desde el que ha lanzado la marca de prendas de punto Chateau Orlando y rmado diversos proyectos para restaurantes y residencias. Su estética culta y disruptiva ha conquistado a rmas del lujo, como Richard Ginori, Burberry, Diptyque y, recientemente, la empresa textil veneciana Rubelli, para la que ha creado la colección de telas Return to Arcadia.

Reconoce que hay en su inspiración cierta nostalgia por la antigüedad, pero, sobre todo, “un deseo de conocer e interiorizar” que le lleva a recopilar de todo, desde porcelana china, hasta retratos del siglo XVII o baratijas fascinantes. Retado a aventurar una de nición de belleza, a rma “es algo muy personal; es lo que logra emocionar”. ¿Y la elegancia? “Sentirse cómodo, tener el coraje de ser tú mismo”.

Enamorado de la antigua Roma y la Grecia clásica, el joven diseñador inglés es un esteta listo para decorar el mundo. Su último trabajo: una colección de telas para la firma veneciana Rubelli.

AMALIA AVIA PINTORA

El tiempo detenido

La Sala Alcalá 31 ultima una retrospectiva sobre la obra de la artista, integrante del grupo de los realistas de Madrid y especializada en captar la belleza invisible de los paisajes urbanos.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO

“¿TIENES UN CUADRO DE AMALIA AVIA? ¿Sabes de alguien que lo tenga?”. El año pasado, el escritor Rodrigo Muñoz Avia acudió a las redes sociales con mensajes como este para tratar de localizar pinturas de su madre. Con dos objetivos: catalogar su obra –la familia tenía localizados unos 800 cuadros de los más de 2.000 que pintó– y ayudar a preparar la exposición que, bajo el título El Japón en Los Ángeles. Los archivos de Amalia Avía, dedica a la artista la Sala Alcalá 31, de Madrid, a partir del 23 de septiembre.

Amalia Avia (Santa Cruz de la Zarza, Toledo, 1930 - Madrid, 2011) comenzó su trayectoria pictórica en el estudio de Eduardo Peña, en Madrid, en los años 50, época en la que conoció a muchos de sus posteriores compañeros de generación –entre ellos, el pintor Lucio Muñoz, con quien se casó en

1960–. Su primera exposición individual se presentó en 1959 en la galería Fernando Fe y, posteriormente, participaría también en numerosos muestras por todo el mundo en torno al llamado realismo español. De hecho, Avia se encuadra en el grupo de amigos conocido como realistas de Madrid del que también forman parte guras como las de Antonio López, Esperanza Parada, Isabel Quintanilla, María Moreno, Julio López Hernández y Francisco López Hernández.

La pintura de Amalia Avia aborda principalmente temas urbanos, mostrando una belleza en edi cios y fachadas dañadas por el tiempo que en ocasiones pasa desapercibida. Tapias, puertas de comercio, estampas emblemáticas de la ciudad como las verjas del parque del Retiro o la Puerta del Sol, escaleras del Metro, muebles y objetos de interior pueblan su extensa obra, formada

no solo por pinturas, sino también por exquisitos grabados. Sus cuadros forman parte de importantes colecciones como las del Museo Reina Sofía, el de Arte Contemporáneo de Madrid, el Artium de Vitoria, el Banco de España, el Círculo de Bellas Artes o la Fundación Juan March.

La última vez que se vio una gran retrospectiva de Amalia Avia fue en 1997, cuando ella aún vivía. La exposición que acogerá la Sala Alcalá 31 reúne más de un centenar de piezas y revisa la obra de la pintura más allá de su etiqueta como pintora realista, abarcando también el uso de la fotografía. “Son fotos que jamás presentan literalidad alguna –explica Estrella de Diego, comisaria de la exposición–; un punto de partida para captar, después, a través de los cuadros, las atmósferas en las cuales es maestra: extraordinarios tiempos detenidos”.

En la pagina anterior, retrato de Amalia Avia frente un lienzo. La imagen fue tomada en 1972.

1. Escaleras del Metro, 1971. Colección familia Muñoz Avia.

2. Mesillas, 1985. Colección particular.

3. El Japón en los Ángeles, 1995. Colección familia Muñoz Avia.

VALLE GARCÍA LÓPEZ ARTESANA

Relatos de mesa

Historias de Tierra es la nueva firma de vajillas creada por esta artesana que viste las mesas de la alta gastronomía española con piezas elaboradas a partir de minerales, cenizas y arcillas.

TEXTO PAULA POLIZZOTTO FOTOGRAFÍA ABRAHAM GONZÁLEZ FERNÁNDEZ

FORMAS IRREGULARES, TÉCNICAS ARTESANALES y un fuerte vínculo con la naturaleza. Estos tres ingredientes moldean el trabajo de Valle García López, una artista que se ha propuesto, a través de la creación de su propia rma de vajillas sostenibles, rede nir la relación del comensal con el entorno. Se trata de Historias de Tierra, un conjunto de piezas que combina la producción utilitaria, dando vida a objetos elaborados a mano a partir de la mezcla de diferentes materiales naturales como las cenizas o los minerales, con la producción artística, pues se inspiran en los viajes alrededor del mundo de su creadora para llevar a las mesas de la cocina moderna elementos como el mar, los bosques o las montañas.

Desde su taller ubicado en Gijón (Asturias) diseña las creaciones de su rma propia y también realiza encargos personalizados a restaurantes, casas rurales, tiendas de diseño o viviendas particulares. Independientemente de su destino, sus piezas concentran sus experiencias vividas en países como Panamá, México y Holanda con su necesidad de trabajar con las manos. “La observación de la naturaleza y el trabajo artesanal son mi forma de vida. Además, me encargo de la recuperación de técnicas ancestrales y poco mecanizadas con la intención de minimizar el impacto en el medio ambiente y perpetuar el o cio artesanal”. En la ciudad asturiana también se encuentra su showroom, donde expone sus piezas para que el cliente

entre en contacto con su trabajo a través de la vista, el olor y el tacto de las piezas.

El carácter especial de Historias de Tierra reside en que sus piezas están creadas a partir de tierras mezcladas por ella y por su padre, con colores minerales y esmaltes hechos en casa con las cenizas de diferentes maderas de chimeneas y cocineros. En sus procesos de creación, García López no utiliza moldes, ni acelera los tiempos de secado, que dependen siempre de la ventilación natural. Las creaciones de esta artesana nómada ya están presentes en distintos puntos de la geografía española, como el restaurante La Única, del chef Andrés Madrigal (Madrid), El Castañu (Llanes, Asturias) o Kolozero (Gijón, Asturias).

G-MANÍA

ARQUITECTURA + MODA + ARTE + GADGETS + EXPERIENCIAS + VIAJES + ESTILO + MÚSICA

ARTE

| SECCIÓN MARÍA ROSA

LA CIUDAD DE LAS FLORES

Córdoba acoge a mediados de octubre la quinta edición del festival FLORA, invitando a prestigiosos artistas florales a exponer sus trabajos en algunos de sus patios más emblemáticos. La iniciativa deja también hueco para el talento emergente.

EL MAYOR EVENTO DE ARTE FLORAL CONTEMPORÁNEO del mundo. Se llama FLORA y se celebrará en Córdoba entre el 17 y el 27 de octubre próximos. La iniciativa reúne a un reducido grupo de prestigiosos artistas florales internacio nales que diseñarán proyectos específi cos para la ocasión, a quienes se unirá, además, el ganador del Patio Talento Flora Córdoba Ciudad de las Ideas, un concurso abierto a creadores ideado con el propósito de abrir el festival al arte emergente, expandir el arte floral con temporáneo y fomentar la generación de talento en torno a esta disciplina, uno de los objetivos del festival desde sus inicios.

La edición de este año, la quinta, se celebra bajo el lema La metamorfosis, una apuesta por convertir 2022 en el momento de la renovación, del cambio, de “diseñar nuevos y mejores modos de estar en el mundo –en palabras de Juan Ceña, uno de los impulsores de FLORA, socio fundador de Zizai Cultura–. Una me tamorfosis conectada con la innovación y creación artística y que, necesariamente, debe estar enfocada hacia el cuidado y respeto por la naturaleza”.

Los artistas mostrarán sus creaciones, de momento desconocidas, en algunos de los patios más emblemáticos de la ciu dad andaluza. “El festival es una cita única

En esta página, instalación del japonés Yuji Kobayashi, uno de los artistas internacionales que participarán en la edición de FLORA 2022.

en el mundo –afirma Ceña–. En ningún otro lugar los grandes talentos del arte floral se mimetizan de forma tan orgánica con la ciudad y su entorno. Es algo que solo puede ocurrir en Córdoba”.

A lo largo de las cuatro ediciones an teriores, han pasado por FLORA 27 artis tas de 13 países diferentes. Para este año, los seleccionados que han confirmado su presencia son la británica Emma Weaver; el estadounidense Maurice Harris; el estu dio español Cordero Atelier y el japonés Yuji Kobayashi. A ellos se unirá otra espa ñola, Kokon (nombre artístico de María Eugenia Diego), que ha sido la ganadora del concurso para jóvenes talentos.

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Obras de los artistas florales que estarán presentes en la próxima edición de FLORA:

1. De la serie Mundo Acuático, para la empresa IKKS, realizada por Kokon.

2. Uno de los trabajos del estudio español Cordero Atelier.

3. Composición de la británica Emma Weaver.

4. Imagen del plató en el que el artista estadounidense Maurice Harris realiza su propio programa de entrevistas.

Berria, Belador Allroad 8, la combinación perfecta de peso ligero, rigidez y aerodinámica (3.899 €).

Bianchi. Modelo Arcadex GX, de carbón reactivo y con transmisión manual o eléctrica (c.p.v.).

Canyon. Grizl CF SL 8. .9, con marco de carbono, combina estabilidad y comodidad (2.999 €).

Argon 18. Dark Matter, inspirada en las legandarias bicicletas de carreras, ágil en todos los terrenos (c.p.v.).

Trek. Checkpoint SLR, con cuadro de carbono, ligera y versátil (8.699 €).

Wilier. Rave SLR, con dos almas diferentes: all-road y gravel (5.900 €).

LIBERTAD DE MOVIMIENTO

Las bicicletas gravel están de moda. Por su resistencia, prestaciones y versatilidad, son aptas para montar tanto en carretera como en caminos de montaña.

Cannondale. Topstone Carbon, con suspensión trasera y grupo Shimano de 11 velocidades (5.199 €).

Grade. Carbon Pro, cuadro de carbono con diseño con triple triángulo para la máxima comodidad (3.060 €).

Titici. F-GR02 X Ekar, edición especial en colaboración con Campagnolo, evoca los caminos de tierra (7.990 €).

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EL VIAJE DE LA VICTORIA

Louis Vuitton Throphy Trunks es el nuevo libro que reúne algunos de los icónicos baúles de la maison, donde han viajado los trofeos más prestigiosos de la historia reciente del deporte.

LOUIS VUITTON ES RESPONSABLE DE HABER CREADO emblemáticos baúles donde los trofeos más importantes del deporte han recorrido el mundo, desde el 17º Campeonato de la NBA hasta el triunfo de la selección de fútbol de Francia en la Copa Mundial de la FIFA 2018. Ahora, la maison recoge estos icónicos estuches en su nuevo libro Louis Vuitton Throphy Trunks, editado por Assouline. Con más de 125 ilustraciones, da muestra de cómo el savoir-faire de la casa se une a las últimas innovaciones técnicas para dar vida a baúles con más de 400 horas horas de trabajo artesano, creados todos en el histórico taller de Asnières-sur-Seine.

1. Final de la Copa Mundial de la FIFA 2010 celebrada en Sudáfrica.

2. Trophy Travel Case, otorgado a los Milwaukee Bucks, campeones en las Finales de la NBA 2021.

3. Artesano confeccionado el baúl destinado a trasladar el primer premio del Grand Prix de Mónaco 2022, celebrado el pasado mayo.

4. Elementos del proceso de creación del Trophy Travel Case Supplier que albergará el trofeo de la Copa Mundial de Rugby 2023. Escrito por Olivier Margot, ex redactor jefe del diario deportivo L’Equipe, el libro recoge los baúles que han marcado los últimos 30 años del deporte internacional. Todos ellos requieren el trabajo de 25 artesanos y tienen en común elementos decorativos como la V de Victoria.

UNA EXPERIENCIA ALTERNATIVA

IQOS abre en la calle Fuencarral de Madrid su quinta boutique en España para acercar al fumador adulto la tecnología de calentamiento del tabaco y la versatilidad y diseño de la última generación IQOS ILUMA.

IQOS ESTRENA NUEVA BOUTIQUE EN MADRID, en la calle Fuencarral, uno de los ejes co merciales más importantes de la ciudad por su ambiente vibrante y cosmopolita. Esta nueva IQOS Boutique se convierte en la quinta en España –tras las inauguradas desde 2019 en el Barrio de Salamanca, también en Madrid; Barcelona, Badajoz y Las Palmas de Gran Canaria–. Esta nueva apertura refuerza la apuesta de la disruptiva marca IQOS por presentar entre los fumadores adultos sus alternativas libres de combustión. La IQOS Boutique Fuencarral ha sido concebida para ofrecer al consumidor una experiencia única alrededor de la última genera ción de dispositivos IQOS ILUMA, que destaca por su innovadora tecnología de calentamiento de inducción y por sus sofisticados diseños, en múltiples texturas y colores. La boutique cuen ta con un espacio dedicado a la ciencia, que permite comprobar las diferencias entre el vapor que se libera al calentar el tabaco y el humo resultado de quemarlo; y una zona más relajada con amplios sofás y un acogedor sistema de iluminación. Durante los próximos meses, una obra de la polifacética artista Rebeca Khamlichi recibe a los visitantes. J. Parra

EL LEGADO DEL GENIO

Jordi Faulí ha dedicado casi toda su vida profesional a la Sagrada Familia, para plasmar, con absoluta fidelidad, el proyecto ideado por Gaudí. 140 años después, el final, aunque sin fecha, está más cerca.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA JORDI BARDAJIL

“FÍJESE EN LA GENIALIDAD DE ESTE PERSONAJE….”. Jordi Faulí retoma la palabra cuando la entrevista ya ha concluido, como temiendo no haber transmitido con la suficiente contundencia la importancia de la figura de Antoni Gaudí y de su mayestático proyecto, la basílica de la Sagrada Familia. “Fíjese en cómo planeó el proyecto que, casi cien años después de su muerte, podemos seguirlo; hasta el punto de que, para aquellas partes que él dibujó pero no definió al detalle, en tres dimensiones, pensó un sistema que nos sirve ahora para concretarlas. Fíjese en la genialidad de este personaje –añade–, que estuvo 43 años en la Sagrada Familia, los últimos 14 de una forma casi exclusiva; que lo hacía como católico devoto; y que lo hizo para el futuro, con absoluta humildad, porque sabía que todo

aquello que estaba pensando sería para gozo de los que vendrían después”.

Jordi Faulí es el actual director arquitecto de la Sagrada Familia, el séptimo a cargo del proyecto tras la muerte de Gaudí. También él ha dedicado a la basílica casi en exclusiva su vida profesional, desde que en 1990 se convirtiera en ayudante de Jordi Bonet i Ar mengol, encargado entonces de continuar las obras. Dirige un equipo de 11 arquitectos y unos 25 obreros in situ para culminar uno de los monumentos con más visitas de Es paña: 4,5 millones en 2019, aportando unos ingresos y, con ellos, un ritmo de trabajo que permitieron entonces preveer para 2026 la conclusión de las obras. La pandemia lo tras tocó todo, pero ahora los visitantes vuelven y los trabajos, 140 años después de la coloca ción de la primera piedra, avanzan.

En la página siguiente, Jordi Faulí posa para GENTLEMAN en el Jube, el balcón de la bendición pontificia que acoge a los visitantes a través de la Puerta de la Eucaristía.

En la página 27, detalle de la bóveda de la nave central.

Cuando fue nombrado arquitecto direc tor, en 2012, los medios le presentaron como el hombre que acabará la Sagrada Familia. ¿Lo conseguirá?

La Sagrada Familia se terminará, pero no sabemos cuándo. Cuando Dios quiera. ¿Se atreve a poner nueva fecha? No, no podemos. Estamos recuperando los visitantes, pero no sabemos si se mantendrá o no, ni qué pasará en el futuro. Tenemos objetivos más a corto plazo, como acabar este año las dos primeras torres de los evan gelistas e ir subiendo la de Jesucrito, la central y más alta [ahora en algo más de120 metros, frente a los 172,5 proyectados].

¿El dinero es un problema?

Las obras no se hacen sin dinero. La Sagrada Familia tiene, desde su fundación como templo expiatorio, la vocación de construir se con las aportaciones de las personas: con

arquitectónica, intentando cumplir con las necesidades de cada proyecto y las inquietu des de sus clientes. Es un arquitecto del que cada día aprendemos, porque tenemos la obligación de estudiar toda la información original que él dejo, que es mucha, y a partir de ahí construir.

¿E internacionalmente su figura tiene el reconocimiento que merece?

A Gaudí cuanto más se le conoce más se le valora. Yo creo que en estos momentos Gau dí es reconocido en todo el mundo como un arquitecto extraordinario, que hizo una arquitectura pensada para ofrecer belleza a las personas, por eso está ligada también a la naturaleza, y que traspasa su tiempo. Cuando cualquier persona ve un edificio de Gaudí, lo entiende. Porque él pensaba, cuando hacía los edificios, en su utilidad, pero también en que su belleza llegaría a las personas.

“GAUDÍ SABÍA QUE LO QUE PROYECTABA PARA LA SAGRADA FAMILIA ERA POSIBLE, PERO QUE ERA IMPOSIBLE HACERLO EN UNOS POCOS DECENIOS”

donativos y las entradas de visitantes, que eran pocas hace muchos años y que ahora son muchas. Y estos son los recursos para su construcción. Por tanto, para nosotros los visitantes, que vienen de todo el mundo y agradecemos, son muy importantes.

Lleva usted casi toda su vida profesional trabajando y estudiando (también ha es crito libros) la Sagrada Familia. ¿Por qué?

Tuve la suerte de que el arquitecto Jordi Bonet me propuso ser su ayudante en la Sagrada Familia en 1990, cuando el equipo de trabajo, y el número de visitantes, eran mucho menores. Me he dedicado de forma casi exclusiva a este trabajo, que es muy inte resante porque implica conocer la obra de Gaudí y ayudar a hacerla realidad. ¿Qué significa la figura de Gaudí?

Gaudí fue un arquitecto único en la historia, que entendía su profesión como un servi cio a los otros y que puso sus capacidades, que eran muchas, también su capacidad de trabajo, al servicio de la belleza, de la belleza

¿Erró Gaudí al valorar la dificultad real de construir la Sagrada Familia o era consciente de lo que suponía? Sí, sí, claro. Él tuvo claro que tenía la obliga ción de proyectar un edificio a la medida de lo que él quería, que fuera expresión plástica de la fe cristiana. Y pensó en este edificio, si tuado en este lugar de Barcelona y que, por tanto, sería importante para la ciudad. Y vio que ese proyecto él no lo podría construir, y lo aceptó, porque pensaba que no tenía que rebajar el edificio, que tenía que ser lo que tenía que ser, aunque sabía que se construi ría a lo largo de generaciones. Y por eso él tuvo la gran idea de, tras acabar la cripta, la fachada y el ábside, construir una fachada completa para la gente de su generación y, a la vez, dar una imagen de algo acabado que sirviera como impulso para que otras gene raciones hicieran lo mismo con otras partes del edificio. Él sabía que lo que proyectaba era posible, pero que era imposible hacerlo en unos pocos decenios.

¿En qué porcentaje el resultado final será el imaginado por Gaudí?

El conjunto, totalmente, totalmente. Él ya, en el inicio del siglo XX, dibujó planos del proyecto acabado, con las 18 torres que propuso. Y este conjunto arquitectónico es lo que se está construyendo. Y después se dedicó a concretar partes muy importantes en maquetas de yeso a un alto detalle. Y, ade más, para que sus sucesores tuvieran el tra bajo más sencillo, todo lo proyectó con una combinación de formas geométricas que se van entrelazando en el espacio siguiendo unas leyes determinadas que explicó a sus discípulos, y que estamos siguiendo.

Es usted el séptimo arquitecto al frente de las obras. ¿Han sido relevos, digamos, naturales, o hay diferentes formas de abor dar este proyecto?

Algo que une a todos los arquitectos suce sores de Gaudí es la voluntad de seguir con la máxima fidelidad el proyecto que Gaudí dejó; haciéndolo, esto sí, con la ayuda de la tecnología de cada momento. Es lo que han hecho todos y hacemos nosotros bien.

¿Qué significa para usted que sea uno de los monumentos más visitados de España?

Los visitantes quieren decir que el edificio que pensó Gaudí interesa, que después de tantos años desde que hiciera la maqueta del interior en 1923, ese interior lleno de luz y estructuras arbóreas sigue siendo de interés. ¿Es importante para entender este proyec to ser creyente?

Ayuda.

¿Acabarla será para usted dar sentido a toda una vida profesional?

Como arquitecto, mi dedicación casi en ex clusiva es la Sagrada Familia, para colaborar a que avance siguiendo el proyecto de Gaudí. Esto me da una satisfacción muy importante. Sueña con el momento de verla finalizada. La verdad es que no (risas). Pienso y sueño en lo que tenemos encima de la mesa y en el taller en cada momento. Esto es lo que me ha preocupado siempre, lo que está delante: en estos momentos, las contrucciones de la calle Provenza; la capilla de la Asunción; la elevación de las torres centrales, que aca barán con la cruz de cuatro brazos a 172,5 metros; también, aunque sea más a largo

plazo, el proyecto de la fachada de la Gloria... El final del templo llegará cuando llegue. ¿Echa de menos algo o las cosas van bien?

Van bien gracias a mucha gente, a la gente que aporta, a la visitantes, a los arquitectos, a todos los trabajadores, a todos los que aman el templo y de una forma o de otra ayudan a ir avanzando, a los responsables del Ayunta miento... En diciembre pasado inauguramos la estrella de la Virgen y, al ver cómo tanta gente en la calle esperaba el momento de su iluminación, me dije ‘esto es lo que Gaudí pensó’. Es una belleza que llega a todo el mundo y que cada uno recibe según sus creencias. Gracias a todos vamos avanzando, siguiendo el proyecto que Gaudí dejó.

Varios lienzos que Andy Warhol pintó tras el fallecimiento de Marilyn Monroe fueron vendidos en su día por 250 dólares. Uno de ellos, Shot Sage Blue Marilyn (1964, en la imagen), alcanzó en una subasta celebrada en mayo pasado la cifra de 195 millones de dólares. Es la obra creada en el siglo XX más cara jamás vendida.

PUJAR SIN LÍMITE

Las subastas viven un momento de clímax absoluto. El potencial inversor del arte y las turbulencias económicas animan un sector que destroza sus propios récords.

TEXTO MARIO CANAL

EL MEJOR ALIADO DEL MERCA DO DEL ARTE suele ser un divorcio tor mentoso. O, mejor dicho, una mujer joven y bella que se interpone en un matrimonio de coleccionistas asentado durante más de 57 años. Este es el caso de Harry y Linda Macklowe, cuya colección de arte contem poráneo americano de 24 piezas alcanzó la cifra récord de 922,2 millones de dólares en la subasta de la casa Sotheby’s Nueva York celebrada el pasado mes de mayo.

Imagen ‘en vivo’ de la subasta de la colección Macklowe, sacada a puja por decisión de un juez para resolver un divorcio. Entre las obras, cuadros de artistas como Pollock (en la imagen), Rothko o Gerhard Richter.

El mercado está en plena ebullición. En 2021 se generaron 30,4 billones de dólares en subastas tanto públicas como privadas, según el Art Market Report 2022, que hace público de forma bianual la feria Art Basel junto a UBS. Un 10% más que en 2021. El 78% de estas subastas se decidieron en EE. UU., China y Reino Unido, mientras que de entre todas las tipologías de arte –anti guo, moderno, decorativo, etc.– el que más generó es el arte de posguerra, que ocupa

el 55% del total de ventas. Este sector se ha convertido en el becerro de oro del merca do, como demuestra la venta de la colección Macklowe, así como la subasta también ré cord de Andy Warhol con su Shot Sage Blue Marilyn (1964), que la convirtió en la obra creada en el siglo XX más cara jamás vendi da, al alcanzar los 195 millones de dólares. Formaba parte de una serie de 13 lienzos que fueron pintados por el artista unos me ses después de que la actriz falleciese y que originalmente se vendieron por 250 dólares cada uno. Pocos activos pueden llegar a ser tan lucrativos en su rendimiento económico y tan sofisticados respecto al universo del que surgen: la exclusividad del enigmático encanto del arte; la evasiva seducción de la creatividad.

Mucho más que arte

Harry Macklowe es un empresario inmo biliario de tremendo éxito que, junto a su esposa, fue adquiriendo piezas a lo largo del siglo pasado. En su colección –antes de que un juez decidiese venderla para resolver el complicado divorcio– había piezas de Gia cometti, Picasso, Cy Twombly o Jeff Koons.

Así, un Pollock titulado Número 17 (1951) se saldó en 61,2 millones de dólares, récord del pintor en subasta; Rothko no se quedó atrás, y Nº 7 (1951) alcanzó los 89,3 millones después de impuestos. Por su parte, Seestück (1998) del alemán Gerhard Richter se ven dió por 30,18 millones de dólares y Agnes Martin también alcanzó su récord personal con 9,861 millones por Early Morning Ha ppyness (2001), pintado tres años antes de su fallecimiento.

La locura por invertir en objetos con va lor cultural, estético e incluso antropológico no se detiene en las artes plásticas. El pasado mes de mayo se adjudicó un Mercedes de 1955 por 143 millones de dólares, cifra inaudita para un objeto de estas caracterís ticas, máxime sabiendo que no es una pieza única, sino que existe otro modelo. El deseo no conoce formas y este Mercedes Coupé 300 SLR Uhlenhaut, ciertamente, posee una belleza icónica capaz de superar las capas del tiempo. La propia casa Mercedes fue quien puso en venta el 300 SLR, cuyos beneficios destinará “a la investigación en ciencias am bientales y descarbonización”, según la casa alemana. Jugada maestra de marketing o arre

bato caprichoso por parte del comprador, de los diez vehículos más caros vendidos en 2021 –ningún Mercedes entre ellos– cinco fueron Ferrari, constructor que ostentaba hasta ahora el récord del coche más caro vendido en subasta con el 250 GTO, vendi do en 2018 por 41,6 millones de euros.

Claroscuros de un negocio brillante El del coleccionismo es un mundo ambiguo repleto de intereses ocultos que a menudo

resulta imposible determinar: tanto como las razones que otorgan valor a una obra de arte. La sospecha de que los altos precios de una subasta se instrumentalizan para inflar el valor de los bienes no es nueva. Tampoco, que la venta de un objeto concreto puede incrementar el valor de la colección a la que pertenece de forma exponencial. Y también tumbarla, si no tiene un buen recorrido antes de que el martillo adjudique la suma fi nal. El juego asimétrico y voluble de los

Este Mercedes del año 1955, un Coupé 300 SLR Uhlenhaut, fue vendido el pasado mes de mayo en subasta por un precio de 143 millones de dólares. La firma alemana destinará el dinero recaudado a investigaciones en ciencias ambientales.

precios es una referencia ilusoria, en el mejor de los casos, pero que siempre despierta titulares y beneficia al propio dinamismo del mercado. Además, es un buen sismógrafo que determina los vaivenes de la economía mundial. A menudo, una burbuja en el mun do del arte es síntoma de una crisis cercana.

A mediados y finales de los años 80, las casas de subastas comenzaron a ocupar espacio en los telediarios con las ventas de cuadros impresionistas –un 30% de los clien

tes de Christie’s eran japoneses– debido a los desorbitados precios que alcanzaban. En 1987 una empresa de seguros nipona com pró Los girasoles de Van Gogh por 39,85 mi llones de dólares de la época, evidenciando el furor de aquel país por la compra de obras artísticas. Este ciclo se cerró con los récords marcados por el propio Van Gogh y tam bién Renoir, cuando el empresario papelero Ryoei Saito adquirió Retrato del Dr. Gachet y Le Moulin de la Galette por 82,5 y 78,1 mi

Una de las obras vendidas con precios de récord durante el boom de los dosmil: Henry Moore Bound to Fail (Back View) (1967), del norteamericano Bruce Nauman, se vendió por 9,9 millones de dólares.

llones de dólares, respectivamente, en 1990. Esta fue una de las últimas ventas de ese tipo, debido al estrangulamiento financiero que derivó de la primera Guerra del Golfo y el escándalo en Japón, que evidenció cómo se vendían obras con evidente sobreprecio; o por cómo la compañía Mitsubishi usaba este ámbito para evadir impuestos.

Los desatados años precrisis

En los dosmiles, el negocio de las subastas, so bre todo con piezas contemporáneas, despe gó de forma inaudita, con Picasso marcando récords. El conglomerado de firmas de lujo LVMH tomó control sobre la casa Phillips y las ventas se multiplicaron también en Christie’s, De Pury o Sotheby’s. Jean Michel Basquiat comenzó a triturar entonces los precios que le han llevado a ser el artista cuya cotización más ha crecido en las dos últimas décadas, pero no era el único que participaba de la efervescencia. Henry Moore Bound to Fail (Back View) (1967), de Bruce Nauman (EE. UU., 1941), se vendió por 9,9 millones de dólares en una subasta histórica de Christie’s, llevada a cabo en 2001. En esa misma venta, Maurizio Cattelan (Italia,

1969) se posicionó rozando el millón de dólares por La hora nona (1999) y el con trovertido Damien Hirst (Inglaterra, 1965) veía multiplicadas sus estimaciones subasta tras subasta. De hecho, la fiesta duró hasta el mismo día en el que Lehman Brothers se declaró en bancarrota, desatando una crisis que duró casi una década. Aquel 15 de sep tiembre, Hirst decidió esquivar a sus galeris tas y sacar directamente sus propias obras en dos subastas que vendieron 223 piezas. Por ellas, el británico facturó nada menos que 172 millones de dólares.

El primer síntoma de mejora dio lugar en 2017 a la venta más alta de la historia: el Salvator Mundi (c. 1500), de Leonardo Da Vinci, que fue adquirido por un príncipe saudí por 387 millones de euros. El mercado se fue recuperanod de la crisis de 2008 hasta que la pandemia del Covid-19 detuvo el re loj. Aun así, en 2020 las subastas online con siguieron mantener el motor en marcha y las ventas generaron beneficios inesperados. También, dieron entrada a un nuevo tipo de comprador más joven y habituado a las redes sociales y el mundo virtual. El merca do se fijó en él, al tiempo que un NFT –una

imagen digital– se vendía en marzo de 2021 por 69 millones de dólares. En noviembre de ese mismo año Christie’s Nueva York puso a la venta la colección Cox y recaudó –gracias a tótems como Van Gogh, Picasso o Chagall– 290 millones de euros.

La euforia entonces era evidente y se mantiene hasta el día de hoy, cuando el mundo se enfrenta a una nueva turbulencia derivada de la invasión rusa en Ucrania y parece que los inversores y compradores

buscan un valor refugio, como lo es el arte.

“Los coleccionistas –explican a Gentleman desde Christie’s, cuyos beneficios la última primavera han sido los terceros mejores de su historia– siguen buscando activamente las mejores obras maestras. Obras destaca das de artistas de primera fila que no están siempre disponibles en el mercado”, y que afloran cuando hay necesidad de liquidez... Parece que la brújula del arte apunta hacia aguas revueltas.

El cuadro Salvator Mundi (en torno a al año 1.500), de Leonardo Da Vinci, representa hasta ahora la venta más cara de la historia: alcanzó en una subasta celebrada en 2017 los 387 millones de euros.

¿UNA SOLA MUJER?

Es estupendo ver fotografías llenas de mujeres solas entre montones de hombres, para que se las vea resplandeciendo entre tanto tipo aburrido, para que se reconozca su mérito espontáneo y peleado.

TEXTO FERNANDO SCHWARTZ ILUSTRACIÓN JACOBO PÉREZ-ENCISO

EN TIEMPOS RECIENTES (no solo por comparar “tiempos recientes” con la larga historia de la humanidad sino porque la cosa pertenece de verdad al último si glo), se ha hecho usual que los hombres, al menos los más evolucionados, nos escan dalicemos ante estampas de un montón de varones, de enhiesto bigote y chaleco de lana virgen, rodeando a una única mujer de cierto mérito. Por lo general, la mujer que aparece en la foto es la más lista de todos. ¡Qué barbaridad! Qué cosas pasaban hace 60 o 70 años, nos decimos. Qué insulto que las mujeres no pudieran votar hasta bien entrado el siglo XX; incluso en Suiza no se autorizó el sufragio femenino hasta 1971 (!). Esas cosas ya no pasan, nos recor damos. ¿No?

En el fondo, la sociedad desarrollada sigue despreciando la capacidad de la mujer (del 100 por cien de las mujeres, no unas cuantas listillas solamente) de competir con los hombres en inteligencia, empuje, carácter y organización. Estos no se lo creen y afirman que, si compitieran por méritos, no sería necesaria la ley que impone acercarse al 50 por ciento de eje cutivas en los consejos de administración. ¿No? Sucede que toda la estructura de la presencia femenina en la sociedad está mal planteada, mal montada y siempre orienta da a la consagración de la desigualdad, de la disparidad entre sexos. Y eso solo porque las mujeres, además de más listas, son más bellas y ejercen sobre el hombre un atrac tivo irresistible que hay que desmontar y

despreciar, no vaya a ser que se nos note la inferioridad.

Pero, se dice, en 2022 tal discrimina ción ha dejado de existir. Es una polémica estéril. ¿De veras? ¿No hemos hecho ya películas sobre Hypatia de Alejandría y sobre Marie Curie, no hemos contado las historias de tantas mujeres que llevaban el peso de todo y sacaban adelante a la familia recibiendo apenas unas cuantas bofetadas del marido borracho? Ah sí, pero siempre y cuando, además de traer el dinero a casa, lavara los calzoncillos.

Todo esto de la igualdad de las mujeres viene a ser lo mismo que afirmar que la sociedad estadounidense no es racista. Por supuesto que lo es. Si es usted negro, le recomiendo que no conduzca de noche en una carretera de Idaho o de Mississippi; es verdad que el escándalo y las manifes taciones del Black lives matter sacan a la luz el problema y consiguen puntualmente su enderezamiento. Pero el problema sigue ahí. Es verdad que un negro puede ser ele gido senador o presidente, pero lo es a base de que los blancos del viejo sur (en fin, mu chos de ellos) miren cuidadosamente hacia otro lado para votar sin taparse la nariz. Al fin y al cabo, la Constitución de Estados Unidos, cuna de la verdadera libertad y democracia, fue escrita por un reducido grupo de amiguetes, la mayor parte propie tarios de esclavos negros, que consideraban a la mujer una entidad de segunda clase sin más derecho a participar en sociedad que inaugurando el baile en la plantación sure

ña. Ojo, no estoy afirmando por defecto que en España estemos limpios de culpa: somos tan racistas como el que más, solo que aquí los negros son menos; hay más árabes, amablemente llamados moros.

Mujeres solas. Es estupendo ver porta folios de fotografías llenos de mujeres solas entre montones de hombres. Así se van asomando a la dignidad, a que se las vea resplandeciendo entre tanto tipo aburrido, a que se reconozca su mérito espontáneo, peleado, no obtenido por concesión gra ciosa. Está uno un poco cansado de que se invoque el nombre de Marie Curie como ejemplo casi único de lo reivindicable. No, no. No fue casualidad. Una se llamó Sophie Germain y enumeró los números primos; otra, la condesa Lovelace, formuló los algoritmos; otra, Rosalind Franklin, catalogó el ADN; otra, Lise Meitner, fue madre de la física nuclear; y otra, Jocelyn Bell, descubrió la radioseñal del pulsar (y encima, le doblaron el insulto: le dieron el Nobel a su compañero de investigación).

Y a Colette, su marido le firmó la primera novela, como ocurrió a muchas otras en España, en Inglaterra, sitios así de civiliza dos; luego se divorció de él.

Ya ven, no solo de banqueras vive el hombre. Hasta hay algunas primeras minis tras en varios países evolucionados, pero son sociedades en las que el género ha dejado de ser un problema escondido y se ha converti do en una mejora de la inteligencia. Y ade más, los maridos, sean del color que sean, hacen la cama. Y el amor y la sopa.

SOLO UNA

Cien fotos de artistas, deportistas, activistas, atracadores... con un denominador común: solo hay una mujer rodeada de hombres. Así es el libro de la documentalista Immy Humes editado por Phaidon.

TEXTO J. L. GALLEGO

EMMELINE PANKHURST

Sufragista. Londres (Reino Unido), 1914

El 21 de mayo de 1914, unas 200 mujeres marcharon hasta el Palacio de Buckingham para entregar una petición al rey Jorge V exigiendo el sufragio femenino. Cuando les prohibieron el paso más allá de la verja, comenzaron unos enfrentamientos entre policía y manifestantes que se saldaron con siete sufragistas arrestadas, entre ellas, como muestra la foto, Emmeline Pankhurst, fundadora de la Unión Social y Política de las Mujeres. Murió en 1928, meses antes de que Gran Bretaña otorgara a las mujeres el derecho al voto.

HEDDA STERNE

Artista. Nueva York (Estados Unidos), 1951

La foto fue llamada Los Irascibles por la revista Life: un grupo de artistas, la mayoría englobados en el expresionismo abstracto, que posaron para protestar contra el criterio, a su juicio retrógrado, del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Entre ellos, figuran nombres como Jackson Pollock, Mark Rothko o Willem de Kooning; y arriba, como si de “la pluma de un sombrero” se tratara –según sus propias palabras–, Hedda Sterne, también artista, autora de una obra rompedora que incluye desde collages surrealistas a imágenes urbanas a espray.

STELLA LEVY

Asistente editorial. San Francisco (Estados Unidos), 1965

La librería City Lights, en North Beach (San Francisco), propiedad del poeta Lawrence Ferlinghetti, era algo así como el lugar sagrado de la llamada generación beat. En aquella época, Stella Levy era muy amiga de algunos de estos poetas, como Allen Ginsberg y Peter Orlovsky, y fue el primero quien recomendó al librero su contratación. Cuando el Chronicle organizó esta foto, el propio Ferlinghetti insistió en que Levy –la primera mujer que había trabajado en City Lights– posara a su lado. “No sé si invitó a alguna mujer poeta –recuerda– pero no vino ninguna”.

ABIGAIL HOFFMAN

Jugadora de hockey. Toronto (Canadá), 1956.

“Descubren a una niña de nueve años entre los 400 niños de la liga de hockey”. El titular de The Toronto Daily Star se refería a Abigail Hoffman, de rodillas, la segunda por la izquierda. Pa tinaba desde los tres años y anhelaba jugar al hockey, así que sus padres la inscribieron en el equipo sin que, al parecer, nadie reparara en su sexo. No había equipo de chicas. La permitieron terminar la temporada, pero nada más. Aunque la fama de Hoffman no hizo más que aumentar: como atleta, ha corrido en cuatro Juegos Olímpicos y la Copa Abby Hoffman, otorgada el ganador del Campeonato de Hockey Femenino, lleva su nombre.

ANDREA MOTLEY CRABTREE

Buscadora de aguas profundas del Ejército estadounidense. Ciudad de Panamá (Estados Unidos), 1982.

“Me encanta esta foto –dijo entre risas Andrea Motley Crabtree 39 años después de que fuera tomada–. La mayoría de los hombres odiaba que estuviera allí”. Tras cinco años en el Ejér cito estadounidense, Motley se convirtió en su primera mujer buceadora, capaz de soldar bajo el agua y de utilizar equipos pesados en operaciones de construcción y salvamento maríti mo. El traje pesaba 91 kilos. Una posterior reclasificación de la profesión de buzo acabó excluyendo a las mujeres.

MARTHA GELLHORN

Corresponsal de guerra. Cassino (Italia), 1944

Le habían retirado la acreditación para viajar con las tropas porque su entonces marido, Ernest Hemingway, quería el protagonismo para él.

Pero de nada sirvió: la periodista estadounidense Marta Gellhorn se coló en un barco hospital, alegando que hacía un reportaje sobre las enfermeras, y acabó siendo la única mujer, junto a 150.000 hombres, que desembarcó en las playas de Normandía el Día D. Además de la II Guerra Mundial, cubrió otros muchos conflictos, como la Guerra Civil española o la guerra de Vietnam, y escribió libros de ensayo y novelas.

Portada del libro Una sola mujer, obra de Immy Humes y editado por Phaidon, recoge un centenar de fotografías, desde 1860 hasta la actualidad.

GLORIA RICHARDSON

Defensora de los Derechos Civiles. Cambridge (Estados Unidos), 1963.

Dos años antes de ser tomada esta foto, Gloria Richardson era una madre divorciada, con dos hijos, que vivía en su ciudad natal, Cambridge, cuando el desempleo de los negros era del 30%. Hasta que decidió tomar las riendas de la filial local del Comité Coordinador Estudiantil No Violento. Ante las continuas protestas en la ciudad, en lo que se conoció como el Movimiento de Cambridge, el gobernador de Maryland declaró la ley marcial. Richardson hablaba en la calle cuando un policía la interrumpió con una bayoneta. Ella se limitó a bajarla.

BENAZIR BHUTTO

Política. Pakistán, 1988. Cuando se tomó esta fotografía, Benazir Bhutto se convertía en la primera ministra más joven del mundo, con 35 años, y la primera mujer primera ministra de un país de mayoría musulmana, Pakistán. Hija de una familia aristocrática, tenía 24 años cuando su padre, primer ministro, fue derrocado en un golpe de estado y ejecutado. Ella misma, como líder de la oposición, fue encarcelada en numerosas ocasiones. Finalmente, tras la muerte en un misterioso accidente de avión del general que había derrocado a su padre, fue elegida primera ministra. Tras dos mandatos rodeados de violencia y acusaciones de corrupción, murió en 2007 a manos de un terrorista suicida.

PORTADA

La próxima película como actor de George Clooney es Volver al paraíso (estreno, 16 de septiembre), que protagoniza con su amiga Julia Roberts.

DIRECTOR DE SU PROPIA VIDA

TEXTO IRENE CRESPO FOTOGRAFÍA MAGDALENA WOSINSKA

Podía haber sido una estrella fácil y clásica, pero eligió ser solo él: George Clooney. Ahora dirige más que actúa, ha antepuesto su familia a la fama y, a sus 61 años, sigue brillando, quizá aún más.

The New York Times | Contacto.

Fotografía: Magdalena Wosinska

The New York Times

Contacto.

EN LOS AÑOS 90 DEL SIGLO PASA

DO, 40 MILLONES DE PERSONAS se reunían cada semana delante de su televi sor en EE. UU. para ver un nuevo episodio de Urgencias. La razón, en gran parte, era un actor en concreto: George Clooney. Tenía entonces 33 años y llevaba ya casi 10 con cameos en otras series, secundarios, en episodios pilotos que no salieron adelante. Se había acostumbrado al ritmo televisivo, al rechazo de la industria, a bajar la cabeza y trabajar en todo lo que llegara hasta que llegó el éxito repentino. Por entonces, tenía tantos tics de actor de oficio que, según la leyenda, hasta el propio Steven Spielberg se dio cuenta un día que pasó por el rodaje de la serie: “Este hombre será una estrella si deja de mover tanto la cabeza”, parece que dijo. Spielberg estaba en lo cierto, admite ahora Clooney. Aunque aupado por ese triunfo en la pantalla pequeña empezaron a llamarle para el cine y comenzaron a seguirle los medios, él tardó años en conseguir la confianza buscada. Era el hombre más sexy del mundo y eso, automáticamente, parecía convertirle en mal actor. Nadie se paraba a mirar un poco más allá. “Creo que fue solo hace 10 o 15 años cuando llegué al punto de decir, ‘no puedo seguir intentando demos trar que soy buen actor –contaba en una entrevista en estos años pandémicos–. Aho ra por fin me siento más cómodo, después de haberme peleado durante años, de darlo todo, de dejarte la piel demostrando que eres actor, un día te cansas y dices ya está”.

George Clooney nació en Kentucky (Lexington, 1961) y vivió también en Ohio. Hijo de una concejala y de un respetado periodista radiofónico y televisivo. Aun que parecían estados y mundos alejados del showbusiness, estaba su tía Rosemary Clooney, una famosa cantante que había

actuado con Bing Crosby. Ella fue un poco su faro cuando decidió abandonar los estu dios en contra de la opinión de sus padres y marcharse a Los Ángeles. “Mi padre se enfadó mucho y ahora puedo entenderlo”, recuerda. Pero tampoco fue una decisión de rebeldía, la hacía también desde el respeto a esos progenitores “a los que no quería avergonzar. Una regla que siempre me ha seguido fue lo que me dijo mi padre cuando decidí intentar ser actor: ‘No me importa lo que hagas en la vida, pero desafía a la gente más poderosa y defiende a aquellos que tienen menos poder”, relata.

Diferentes caminos hacia la fama Aquella máxima ha marcado claramente la carrera y vida de George Clooney, quien pudo haber seguido el camino recto y fácil de la fama. Un camino vacío de significado, de elecciones de películas taquilleras y for mulaicas, de alfombras rojas y fiestas. Y, sin embargo, emprendió una subida escarpada, llena de proyectos con directores indepen dientes (Sodebergh, los hermanos Coen…) y en la que, al final, le esperaba lo que realmente quería hacer y no sabía: escribir, producir y dirigir. Crear sus propias historias. “Tenía 33 o 34 años cuando el éxito llegó, era lo suficientemente maduro para darme cuenta de lo poco que tenía que ver la fama conmigo”, dice.

Abierto hasta el amanecer, de Robert Rodriguez (1996), fue la primera película que hizo durante el éxito de Urgencias. Un filme de clase b, de vampiros y maleantes. Totalmente inesperado para alguien que reunía 40 millones de seguidores semanal mente. Lo continuó ese mismo año con un intento de galán de comedia romántica en Un día inolvidable con Michelle Pfeiffer; esa parecía ser la dirección que Hollywood

La sesión fotográfica ha sido realizada en la casa de Clooney en Los Ángeles, en la que el actor posa con una de sus mascotas y uno de sus coches, un Chevrolet Corvette. Tampoco falta el reloj Omega en su muñeca, marca con la que ha establecido una relación muy especial.

esperaba y acabó siendo la primera y última comedia realmente romántica (no se puede contar del todo el humor negro de los Coen en Crueldad intolerable, 2003) que haría en las siguientes tres décadas… hasta ahora. Este mes, a sus 61 años, cuando ya puede hacer lo que le dé la gana, protagoniza junto a una vieja amiga y una de sus coprotagonistas con más química, Julia Roberts, Viaje al paraíso (estreno 16 de septiembre). “La escribieron para nosotros, nos mandaron el guion, lo leí, llamé a Julia, le pregunté si la iba a hacer, ella me preguntó lo mismo y yo le dije que si ella la hacía, yo también”, cuenta Clooney.

Viaje al paraíso es la primera película en la que actúa y no dirige desde Money Monster (donde tam bién coincidió con Julia Roberts ambos a las órdenes de Jodie Foster) en 2016. En estos cuatro años ha dirigido dos películas, Cielo de medianoche, que también protago nizaba él, The Tender Bar, donde no salía, y la miniserie Catch-22, donde se reservó solo un pequeño papel. Después de tanta lucha para ser considerado buen actor, ¿se acabó el Clooney actor? En sus últimas apariciones públicas da muchas razones para pensar que le veremos mucho menos en pantalla.

“Para empezar, no hay tantos papeles buenos ahí fuera”, admite mientras habla de Viaje al paraíso y de la siguiente película que protagonizará junto a otro amigo y buen compinche de rodaje, Brad Pitt. Para con tinuar, está su propia vida personal. Casado desde 2014 con la abogada internacional de derechos humanos, Amal Alamuddin, pa dres de dos hijos gemelos, Ella y Alexander, ha antepuesto la familia a la interpretación. Y el primer sorprendido es él. “Yo no quería casarme, no quería tener hijos, pero enton ces este ser humano extraordinario se cruzó en mi vida y supe desde el primer minuto que todo iba a ser diferente”.

Esgrime otras razones para su alejamien to de la actuación. Una es la saturación, el sentir que lo ha hecho todo o casi todo.

“Cuando ya llevas tanto tiempo, miras a tu alrededor y te preguntas qué más puedes hacer por este negocio, porque amo este negocio, y además no quiero, a mis 61, pre guntarme por cómo me ve ese director de casting o aquel productor. Quería involucrar me más”. Así ha decidido crear. “El director es el pintor; el actor y el guionista son los cuadros”, dice. Y se vuelve sobre sus referen tes los Spencer Tracy o Cary Grant. “No tuvieron carreras tan largas. Como actor no tienes nunca el control total de tu carrera. Si tienes suerte, puedes llegar a elegir y decir no a las malas, coger solo buenas películas, pero yo ya he hecho ambas y según el tiempo avanza, es aburrido ser solo actor”.

El dinero tampoco es un aliciente. Los millones generados por taquillazos como la saga Ocean’s Eleven; incluso por desastres de crítica como Batman & Robin, su único arrepentimiento reconocido; y, sobre todo, el dinero que ha ganado como imagen de marcas como Nespresso y con la venta de su empresa de tequila Casamigos (700 millones de dólares, se dice) le ha permitido regalar a sus 14 mejores amigos un millón de dólares, tener tres casas por el mundo, entre ellas, su famoso palazzo al borde del Lago Como, y ser un donante solidario de múlti ples causas internacionales, ahora también con la fundación creada por él y Amal.

Se habla de Clooney como una estrella de la vieja escuela, como esos Cary Grant, Gregory Peck o Paul Newman a los que admira, porque incluso en los años que cambiaba de pareja cada año no ha protago nizado ni un escándalo: siempre elegante, irónico, inteligente, pero ha llevado su estilo del Hollywood clásico un paso más allá con un compromiso político y humano que genera tanta o más atención. Y se ha puesto al mando de una carrera que es única.

“CUANDO YA LLEVAS TANTO TIEMPO, MIRAS A TU ALREDEDOR Y TE PREGUNTAS QUÉ MÁS PUEDES HACER POR ESTE NEGOCIO, PORQUE AMO ESTE NEGOCIO. QUERÍA INVOLUCRARME MÁS”

FICHA TÉCNICA

Mazda CX-60 Motorización: híbrida enchufable (gasolina de 2.5 l y eléctrico de 129 kWh) + Potencia: 327 CV + Transmisión: automática de 8 velocidades + Velocidad máxima: 200 km/h (limitada) + Precio: desde 50.268 €.

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Mazda amplía su gama SUV con uno de sus modelos más importantes: el CX-60. Es el primer híbrido enchufable que la marca lanza en Europa y el más potente, con diseño e interiores de alta calidad inspirados en diferentes conceptos de estética nipones.

EN MAZDA CALIFICAN EL CX-60 como uno de los lanzamientos más importantes de la marca. Por varias razones: amplía la gama de los SUV, con la versatilidad y fun cionalidad con que la marca japonesa los aborda; es su primer híbrido enchufable en Europa; recoge todo el ADN incorpora do a lo largo de un siglo y, además, es el más potente. Y sus acabados obedecen, como no podía ser de otra forma en Maz da, a la mejor tradición japonesa, con toda la atención al detalle que ello implica.

El Mazda CX-60 e-SKYACTIV PHEV es, efectivamente, el primero de una serie de modelos híbridos enchufables que la mar ca introducirá en Europa. Su motorización

combina un motor de gasolina de 2.5 litros y cuatro cilindros con un motor eléctrico de 129 kWh, una batería de alta capacidad y una transmisión automá tica de ocho velocidades. El resultado: 327 CV que le permiten acelerar de 0 a 100 km/h en 5,8 segundos y que convierten al Mazda CX-60 PHEV en el modelo de producción en serie más potente de la historia de la compañía.

Su silueta, hermosa y dinámica, explota el concepto japonés del Ma, que representa la sosegada y majestuosa belleza del espacio vacío, mientras que su interior, elegante y con excelentes calidades, juega con conceptos como

el Kaichô, que mezcla materiales y texturas –madera de arce, cuero napa, refinados tejidos japoneses y detalles cromados–, para generar un sofistica do punto de irregularidad. También está presente el Musubu, el arte de anudar, que inspira las costuras.

Su avanzado sistema de seguridad activo incluye novedades como un monitor de visión 360º, asistente de intersecciones, mantenimiento en carril o función de ayuda al salir del habitáculo. Y un innovador sistema de personalización reconoce al conductor y ajusta automáticamente su entorno a sus preferencias personales. J.Parra

Imagen del estampado más emblemático de esta firma sueca de camas, que ha conquistado a reyes, actores y cantantes del planeta.

BUEN DESCANSO

Visitamos en Suecia, en el 170 aniversario de su fundación, la firma Hästens, a la que muchos consideran el rolls-royce de las camas

TEXTO ABRAHAM DE AMÉZAGA

A la izquierda: Interior de una de las camas Hästens, donde se aprecian las diferentes capas con componentes, la mayoría, de origen natural: lana, algodón, lino… y crin de caballo. Este llega a la factoría de Köping en grandes cantidades (foto de abajo), donde se limpia y trata de modo natural. Es parte esencial del interior de estas camas, porque ayuda a que el cuerpo regule su temperatura.

Bajo estas líneas: Los trabajadores realizan manualmente las diferentes operaciones.

POR TRADICIÓN, LOS INGLESES

DE BUEN VIVIR solían invertir en dos objetos sobre los que más tiempo iban a pasar a lo largo de su vida: los zapatos y la cama. Si bien son escasos hoy los que con tinúan allí con esa inteligente costumbre, está comprobado que apostar por la calidad en ambos casos alarga el bienestar y segura mente la vida. En el terreno del calzado para hombre, los british son la gran referencia internacional; en el caso de las camas, el rolls-royce no se halla en su feudo, sino en el continente, concretamente en Suecia.

Es la firma Hästens la que, desde la lo calidad de Köping, a unos 150 kilómetros de Estocolmo, al noroeste del país, crea las más preciadas. Varias generaciones familiares que se han ido sucediendo en el terreno del descanso. Proveedores de la Real Casa Sueca desde hace más de medio siglo, producen un promedio de 12.000 camas al año, para luego enviarlas a cerca de 40 países de Europa, Asia y América; a alrededor de 300 tiendas, así como distri buidores, que pregonan que se trata de “las mejores camas hechas a mano en el mundo”. Este 2022 cumplen 170 años.

Poco más de una hora desde la estación central de Estocolmo y estamos en Köping. Tras caminar escasos diez minutos, atrave sando un extremo del lago Mälaren, se llega a la que llaman “factoría de los sueños”, un edificio funcional construido en 1948 por el arquitecto británico Ralph Erskine. Inme diatamente llama la atención, en la fachada del mismo y junto al nombre, la figura de un caballo en actitud de movimiento. “En sueco, la palabra hästens significa caballo, y en su origen, en 1852, cuando se fundó la em presa, hacían honor al animal, creando sillas de montar”, nos explica en su interior una de

PROVEEDORA DE LA CASA REAL SUECA, LA FIRMA HÄSTENS VENDE UN PROMEDIO DE UNAS 12.000 CAMAS AL AÑO QUE VAN A PARAR A VIVIENDAS DE 40 PAÍSES DE EUROPA, ASIA Y AMÉRICA

las responsables de Comunicación.

¿Y qué es lo que las diferencia a simple vista? Un tejido estampado de cuadros de diversos tonos azules, inherente a la casa desde 1978 y ampliamente reconocible –aunque la verdad, más de uno, por ejemplo en España, podría asociar con el estampado de trajes típicos, como el de los arrantzales (pescadores vascos)–.

Desde la capital sueca no es necesario el automóvil para llegar al centro de las mejores camas del planeta. Nos basta el tren.

Empresa familiar de soñadores. De Pehr Adolf Janson, el fundador, a Jan Ryde, de la quinta generación y actual presidente y director general de la firma. “Antes de que Edison inventara la bombilla, antes de que Bell hiciera su primera llamada de teléfono y antes de que Ford pusiera el mundo sobre ruedas, mi tatarabuelo fundó Hästens”, dice con orgullo quien capitanea la marca desde hace más de 30 años.

Así como un buen plato gastronómico tiene como base alimentos de calidad, en este terreno se requiere también de compo nentes excelentes. A más de un curioso en la materia le daría la tentación de destripar una de las camas de Hästens para ver su cons trucción interna. Como cuando Cristóbal de Balenciaga, en sus orígenes, hacía lo

Sobre estas líneas: Para ganar en comodidad y resistencia, cada colchón de Hästens es cosido a mano con consistente hilo y con ayuda de una aguja larga y gruesa; una operación para la que, como el resto, se necesita destreza y precisión.

propio, en su caso con vestidos de Poiret o Vionnet, para conocer al detalle cómo estaban construidos. No hace falta destripar cama alguna. En la factoría, nada más pene trar en un espacio a partir del cual ya no está permitido tomar fotografías, tras una vitrina se muestra al visitante lo oculto: las gruesas capas de las que están compuestas esas fa mosas camas.

Se trata de componentes, la mayoría, de origen natural, como por ejemplo la ma dera de pino sueco, la fina lana, el algodón y el lino. Pero eso no es todo. Lo que más interpela a quien percibe el interior de una cama Hästens es un material gris oscuro, y que proviene de un animal, el caballo. Se trata del pelo de su cuello, de la crin, que permite, en el terreno de la humedad, que nuestro cuerpo pueda regular su temperatu ra mientras descansa. La inclusión del resto

de componentes mencionados no es solo por su origen natural, sino también por su función: la lana y el algodón ayudan a que conciliemos el sueño antes; el lino, igual mente, impidiendo además la electricidad estática; y el pino, que es de crecimiento lento, contribuye a la estabilidad de la cama y a su durabilidad.

Algunos de sus modelos son emblemáti cos, como el Grand Vividus, el más trabajado del mundo (600 horas para hacerlo reali dad), y que por ello puede presumir de ser la cama más exclusiva del planeta. Además, este año en el que soplan las 170 velas, han lanzado drēmər. Obra del diseñador Ferris Rafauli, es un homenaje al fundador de la casa, Pehr Adolf Janson. Una propuesta imponente, con un cabezal en terciopelo del mismo color que el resto, con detalles de ribeteados y patas de madera lacada.

Aunque el proceso se realiza a mano, la fuerza física es también necesaria para des plazar las diferentes camas que se van elabo rando, con la ayuda de máquinas de última generación; de ahí un gran número de em pleados masculinos. La mujer también está muy presente, sobre todo en la introducción de elementos como el pelo del cuello de caballo, la lana, así como a la hora de coser diferentes partes del colchón, valiéndose de una gruesa aguja.

Camas que han conquistado a reyes, como el de Suecia, y a cantantes como Drake y Beyoncé, por mencionar solo dos famosos, y que han llegado a asociarse con otros nombres, como por ejemplo el norteamericano Supreme, al que adoran los veinteañeros más fashion.

¿Y el precio de reposar sobre una Häs tens? Puede resultar elevado, aunque a la larga no lo será. A partir de 4.690 euros, para una cama de 90, y de 10.580, para una de 210; hasta cantidades con cinco ceros, dependiendo de si se trata de un encargo exclusivo, con los materiales más preciados... En el ecuador, el modelo drēmər, la novedad de este año, muy próximo a los 50.000 euros. “Si hiciéramos cálculos, y elegimos por ejemplo una de nuestras camas intermedias, sería como pagar un euro cada vez que dormimos en ella”, nos explica James Asch berger, responsable del Departamento de Clientes y Marketing.

De creadores de sillas de montar, allá por 1852, para el confort del jinete y del caballo, a creadores de las mejores camas, para el mejor de los descansos de mujeres, hombres y niños. Si no garantizan felices sueños, por lo menos persiguen que sean dulces y saludables en el letargo, asegurando que si a las cuatro de la tarde sentimos que nuestro cuerpo no está cansado, eso es que hemos dormido bien. Palabra de expertos.

TERRITORIO ROLEX

La Galería Canalejas acoge la última apuesta de Grassy en compañía de la manufactura. Un espacio que recrea a la perfección el estilo y el espíritu de una asociación que comenzó hace 55 años.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

POCOS COMO YANN REZNAK conocen y han vivido la evolución de Ro lex en España. De hecho, la relación de la Joyería Grassy con la firma relojera se inició “hace 55 años, en nuestro espacio de Gran Vía”. Ahora, Grassy –que también cuenta con otro espacio en Ortega y Gasset, donde Rolex está desde hace 20 años– está al frente de otro ambicioso proyecto: la apertura de la boutique Rolex en Galería Canalejas, el nuevo espacio de marcas de lujo en Madrid. Un proyecto que, como define Yann Reznk, “nació hace tiempo y ha sido más largo de lo esperado –la primera reunión fue en 2015 o 2016–, pero debo decir que cuando vi los planos no dudé un instante, y además tenía claro que el local en el que ahora está la boutique era el que quería. Tenía claro el proyecto Canalejas: llevando Grassy 70 años

en Gran Vía, Madrid se merece otro foro de lujo que no sea el barrio Salamanca. Y creo que lo estamos consiguiendo. Hay más hoteles y nuevos proyectos, hay una restaura ción renovada y la que está por llegar, como la encabezada por el Grupo Paraguas en el antiguo edificio de la Unión y el Fénix… Esta zona, además, tiene una riqueza importante arquitectónicamente y es el eje del centro de la ciudad. Cierto que hay un comercio más tradicional, más popular a nuestro alrededor, pero esto también se ve en algunas ciudades del mundo, donde conviven perfectamente con marcas de lujo. Creo que esta apuesta es buena porque, además, yo apoyo totalmente a la Gran Vía, y en segundo lugar, porque apoyo a Rolex”.

Y Reznak recuerda como fue el proce so previo: “Primero reservé el local,

En la otra página, Yann Reznak posa a la entrada de la Boutique Rolex, que destaca por el mural verde esmeralda con un motivo de olas que evoca al icónico Oyster.

Las paredes de la boutique combinan texturas que van desde la madera de nogal al mármol travertino o el estuco. En el salón privado, se conjuga la madera con los sillones de terciopelo y una biblioteca.

y cuando ya tuve garantías de que ese local era para nosotros fui a hablar con la dirección de Rolex... y desde el primer día una sintonía perfecta”. El resultado es un espacio “de 75 m2, con cinco escaparates, uno de ellos circular que recuerda la ‘proa’ de nuestra joyería de Gran Vía”. Un espacio que se visualiza desde cualquiera de los ac cesos a la Galería Canalejas y que invita al cliente a sumergirse en el universo Rolex, algo que ya se muestra en los escaparates exteriores que presentan unos decorados muy especiales. Y se prolonga con el mu ral verde esmeralda con un motivo de olas que evoca al icónico Oyster, que se en cuentra nada más entrar a la boutique. Este verde intenso se repite por todo el espacio Rolex, como las lámparas inspiradas en la lente Cyclops de los relojes; la calidez de la madera de nogal y el terciopelo o el estuco que representa el edificio Grassy de la calle Gran Vía son algunos detalles que mues tran el trabajo decorativo realizado en el

espacio. Y es que Yann Reznak tiene claro el efecto de vaso comunicante entre am bos, porque “aunque aquí apostamos por otro tipo de cliente, no es menos cierto que existe una zona residencial importante (Letras, Salesas y Chueca) que puede que ahora se decante también por venir aquí, donde además se va a concentrar un nú mero importante de marcas de lujo”.

Sea como fuere, lo que está claro es que esta boutique Rolex será una de las grandes protagonistas... lo que lleva a preguntar a Yann Reznak qué diferencia a los compradores de Rolex: “Que son ro lexistas’. Podemos decir que ahora tenemos una clientela que se divide en dos tipos: el cliente que solo quiere Rolex y luego un grupo creciente de coleccionistas, de gen te muy relojera, que compran otras marcas y que han incluido a Rolex en sus preferen cias. Lo que es indudable es que en Rolex, como en otras grandes firmas, también ha desaparecido la venta espontánea, porque

estamos ante gente cada vez mas experi mentada, con un mayor conocimiento y también mayor exigencia”. Esa es una de las virtudes de una marca que, además de objeto de deseo, es quizás uno de los mejo res bienes refugio por su revalorización.

Pero, además, da otras claves para entender una marca que tiene su propia filosofía vital: “Rolex está claro que es pio nero en innovación; no hablo de diseño, sino del ADN que ha conservado desde su origen con aquella caja hermética, del impulso dado a sus manufacturas, de las patentes... Ha conseguido verticalizar su fabricación superando en calidad y presta ciones a lo anterior, mejoras que además no afectan demasiado a sus precios, que siempre intentan contener”. Lo resume en una frase que siempre dicen en Rolex: “Es una evolución sin revolución”, y él apostilla: “Yo siempre digo que un Rolex es un reloj que no va a acabar en la mesilla de noche, no va a acabar metido en un cajón”.

LUGARES PARA SOÑAR

En los últimos meses, Madrid ha protagonizado una cascada de aperturas de nuevos espacios convertidos en santuarios relojeros con forma de boutique. Este es un repaso a sus virtudes.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

PATEK PHILIPPE Y SUÁREZ

Una relación que se inició ya en Bilbao, años antes de llegar la familia Suárez a Madrid, se consolida ahora en un espacio independiente dentro del que el joyero tiene en el número 62 de la calle Serrano de Madrid. Responde al diseño que impera en la casa relojera, con el latón cepillado, el mármol y las maderas como elementos imprescindibles para dar forma a los 78 m2 de esta boutique que cuenta con una mesa de exposición, tres vitrinas, dos mesas de venta, tres escaparates y un taller relojero. Y no olvidemos otro dato importante: Suárez es la única firma joyera en España que cuenta con tres tiendas en las que se encuentra Patek Philippe.

Boutique Patek Philippe Serrano, 62. Tfno.: +34 917 818 265 / 682 637 899. joyeriasuarez.com

CARTIER

Aunque abrió sus puertas antes –noviembre de 2021–, ha sido una de las estrellas de la inauguración de Galería Canalejas. La nueva boutique cuenta con 170 m2 y una decoración que combina el lujo contemporáneo de la maison con detalles de artesanía, tapicerías bordadas, boiseries y molduras con toques dorados que son un guiño a la cultura madrileña. Cabe destacar el tapiz que preside la estancia principal, donde están representados el Real Jardín Botánico como símbolo de Madrid y la pantera como animal emblemático de Cartier.

Cartier Galería Canalejas Plaza de Canalejas, 1. Tfno.: +34 910 88 48 68. cartier.com

WEMPE

Un escenario remodelado, donde impera un concepto más abierto y al mismo tiempo didáctico y respetuoso con el estilo de la firma. Relojería y joyería en todo su esplendor, con la llegada de una marca en exclusiva –Parmigiani Fleurier– y firmas que ya formaban parte del elenco de Wempe. Destaca el espacio creado (en la fotografía) para ser punto de encuentro de los amantes de la relojería y poder observar con detenimiento cada pieza y, también, los detalles técnicos que hacen de la relojería algo más que una compra.

Wempe Serrano 58. Tfno.: +34 914 262 226. wempe.com

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HUBLOT

No ha cambiado de calle, pero ahora ocupa un lugar en pleno centro neurálgico de la relojería –en el eje que forman las calles Serrano y Goya–. El nuevo escenario atiende a la visión que tiene Hublot de ofrecer sus productos. Los protagonistas son el reloj y el cliente, y para ellos ha creado dos espacios donde la intimidad está garantizada. Proyectado junto a la firma Rabat, está llamado a ser uno de los lugares de encuentro de los seguidores de la marca... llegados de cualquier lugar del mundo.

Hublot Madrid Serrano Boutique Serrano, 30. Tfno.: +34 914 993 579. hublot.com

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OMEGA

Es la tercera boutique que abre en Madrid y en este caso lo hace en la recientemente inaugurada Galería Canalejas. Como ocurre en los espacios que Omega tiene en todo el mundo, su diseño tiene como líneas maestras el agua, la tierra y el tiempo. Esto incluye el uso de cristal, madera de zebrano reconstituida y muebles fabricados en cuero. Con un ambiente marcado por la elegancia, la amplia selección de relojes Constellation, Seamaster, De Ville y Speedmaster, así como sus piezas de joyería fina, son los grandes protagonistas de los 50 m2 de superficie de venta con que cuenta la boutique.

Boutique Omega Plaza de Canalejas, 1. Tfno.: +34 915 775 204.

omega.canalejas@es.swatchgroup.com

JAEGER-LECOULTRE

La inspiración del espacio de Madrid se encuentra en la boutique que la firma abrió hace unos meses en Shangai, un espacio de encuentro con los clientes que llama la atención por haber creado distintos escenarios.

Por ejemplo, nada más entrar se halla la zona de exposición en la que se presentan todas las colecciones actuales de la manufactura, o el Strap Wall, un amplio muestrario de correa. Pero sin duda, es adentrándose en la boutique donde se halla el mejor escenario para descubrir la historia y los valores de la marca. Y además, con total intimidad.

Boutique Jaeger-LeCoultre Ortega y Gasset, 11. Tfno.: +34 917 707 902. jaeger-lecoultre.com

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BREITLING

El espíritu Bretiling recorre cada metro de esta boutique –la séptima en la capital–, donde de la mano también de Rabat se pueden admirar algunas de las piezas que marcan el devenir contemporáneo de la firma. De hecho, en su apertura se pudieron contemplar los nuevos Navitimer B01 Chronograph 43, presentados en exclusiva en este espacio. Porque esa es también una de las vocaciones de este nuevo espacio, la de ofrecer creaciones que solo podrán contemplarse en la nueva boutique.

Breitling Serrano, 30. Tfno.: +34 917 816 863. breitling.com

JOYERÍA

En la página siguiente, cinturón de oro macizo realizado por François-Regnault Nitot, hijo del fundador de Chaumet, para María Luisa de Austria, segunda esposa de Napoleón Bonaparte.

Bajo estas líneas, zafiro y esmeralda presentes en el collar Gulfstream, parte de la colección de alta joyería Ondes et Merveilles

HISTORIAS DEL MAR

TEXTO PAULA POLIZZOTTO

La maison Chaumet reinventa los códigos de la alta joyería con su colección Ondes et Merveilles Inspirada en el océano, presenta entre sus innovaciones la primera línea de broches unisex.

Encres es la primera línea de joyería masculina que la maison Chaumet presenta desde su nacimiento. En ella, los broches juegan con los códigos tradicionalmente masculinos junto con elementos del océano como el movimiento del agua, las embarcaciones o los animales marinos.

HASTA HACE CASI TRES SIGLOS, antes de que la Revolución Francesa acabara con la fastuosidad de la época Rococó, las joyas formaban parte habitual de la indumentaria femenina y masculina en la cultura occidental: broches, anillos, brazaletes y collares eran símbolo de estatus social o posesión de altos títulos nobiliarios. Durante el siglo XVIII, Francia se convirtió en la cuna intelectual de la Europa ilustrada y, a su vez, en la capital mundial de la alta joyería; al tiempo que las ideas políticas y filosóficas del Siglo de Las Luces se extendían por el Viejo Continente, surgieron en el país galo históricas maisons que llevaron su legado de artesanía y creatividad por todo el territorio europeo, incluyendo entre sus clientes a

emperadores, aristócratas o miembros de las cúpulas religiosas.

En este contexto nació la maison Chaumet en 1780, de la mano de Marie-Étienne Nitot, en una época en la que comenzaban a popularizarse los diseños inspirados en la naturaleza –plantas, flores y pájaros– frente a los barrocos y renacentistas de la Inglaterra victoriana. Este autodenominado ‘joyero naturalista’ fue nombrado proveedor oficial del I Imperio Francés tras elaborar la espada de Napoleón Bonaparte para su coronación en 1804, así como la tiara papal que vistió en aquella ceremonia el Papa Pío VII. A principios del siglo XIX –cuando Napoleón devolvió a Francia el título de epicentro mundial de la producción de bienes de lujo–,

Chaumet se convirtió en firma de referencia de la alta joyería de estilo imperial. Para ello, traspasó las fronteras del espacio –ofrecien do a sus clientes europeos fascinados por el orientalismo piezas inspiradas, por ejemplo, en los árboles de cerezos japoneses– y las del propio diseño –reinterpretando las corrien tes estéticas que surgían en Europa, en espe cial el romanticismo, que exaltaba la belleza y formas de la naturaleza–.

Esta historia de excelencia creativa continúa intacta casi 300 años más tarde, cuando la alta joyería reivindica una nueva relación con el ser humano. “Se trata de un arte que, sobre todo después de la pandemia, cuestiona el vínculo de las personas con el tiempo. Vivimos a veces de forma fre nética y la joyería nos permite pararnos a observar, admirar una pieza como si de una escultura se tratara”, comenta Jean-Marc Mansvelt, CEO de Chaumet, para quien esta disciplina es una ventana a la creatividad y una de las mayores expresiones de artesanía que el ser humano puede concebir.

tualmente en tres capítulos: Ondas animadas, Orillas y Ondas habitadas. Cada una de ellos simboliza una reinterpretación del océano a través de los ojos de Chaumet, inspiradas en elementos como los habitantes de sus pro fundidades, las olas, la arena o los marineros.

Espíritu visionario

Pionera en diversos aspectos, Ondes et Mer veilles es la primera colección de alta joyería que la maison presenta en cuatro años –hasta antes de la pandemia, revelaba una por año–, la primera que toma el océano como argu mento principal y la primera en incluir una línea de broches unisex. Así, el hombre es por primera vez protagonista en el set Encres (tin

“EN LA ACTUALIDAD, LA ALTA JOYERÍA CUESTIONA EL VÍNCULO DE LAS PERSONAS CON EL TIEMPO; NOS PERMITE PARARNOS A OBSERVAR, COMO SI DE UNA ESCULTURA SE TRATASE”

En los atelieres de la maison –ubicados junto a su boutique, en el número 12 de la parisina Place Vendôme– es donde se crea toda la magia. Auténticos laboratorios de ideas para presentes y futuras colecciones, sus artesanos, quienes se forman en torno a una media de diez años, enriquecen el legado creativo de la firma inspirándose en disciplinas como la botánica, los grabados o la pintura. Allí, el tiempo es la pieza funda mental para dar vida a auténticas obras de arte que, más allá de su valor crematístico y simbólico, capturan la esencia del pasado para ofrecer al cliente un objeto que tenga sentido en la actualidad.

La última gran apuesta de la casa es su colección de alta joyería Ondes et Mervei lles, un homenaje al mar como fuente de inspiración recurrente en numerosas obras de artistas –escritores, pintores, directores de cine...– a lo largo de la historia. Está compuesta por 69 piezas divididas concep

tas, en francés), cinco piezas que interpretan los símbolos de los tatuajes asociados a los marineros. Anclas, barcos de dos mástiles o botellas de cristal de roca son recreados con rigurosa meticulosidad a través de turquesas, rubíes en corte de corazón, zafiros redon deados o diamantes de talla brillante. Esta línea de broches transformables –pueden alojar una cadena de oro para convertirse en colgante– rinde homenaje a la vida y al movi miento, jugando con los volúmenes, cortes y colores de las piedras preciosas.

Con la creación de Encres, la maison pre tende “preparar el mercado” para un mayor uso de la alta joyería por parte de los hom bres. Aunque la industria ya vive cambios en esta dirección –varios actores asistieron al Festival de Cannes 2022 luciendo alta joye ría–, para Jean-Marc Mansvelt, que esta for ma de arte vuelva al vestir masculino es una cuestión de educación. “Aún es un mercado muy limitado comparado con el femenino.

Al igual que sucedió con la cosmética, quere mos que el hombre perciba de forma gradual la alta joyería como una posibilidad, com prendiendo su respeto a un sector de mo mento centrado en la mujer”.

En esta página: Sudadera con capucha y pantalón de chándal, todo de ADIDAS X GUCCI.

En la página siguiente, izquierda: Jersey de algodón, de POLO RALPH LAUREN Polo, de L.B.M 1911. Bermudas, de BLAUER Deportivas, de ZEGNA Sombrero, de STETSON Derecha: Jersey de algodón, de PIOMBO en OVS. Polo de lino, de GIAMPAOLO. Bermudas, de PAUL & SHARK Sneakers de SALVATORE FERRAGAMO

LOOK GANADOR

Suéteres de algodón, bermudas de lino y polos de piqué. La inspiración deportiva se presenta esta temporada en una paleta de tonos neutros y con sofisticados guiños al mundo del tenis.

TEXTO TOMMASO BASILIO FOTOGRAFÍA PAOLO LEONE

En la página anterior: Jersey de manga corta de algodón, de FENDI. Bermudas de algodón, de ZEGNA. Cinturón, de PIOMBO en OVS.

Sobre estas líneas, izquierda: Polo de piqué de algodón, de BARBOUR. Bermudas, de BRIGLIA 1949. Derecha: Camiseta, de HERNO. Bermudas de algodón, de L.B.M. 1911. Gafas de sol, de RAY-BAN.

Sobre estas líneas, izquierda: Chaqueta de nailon y lino, camiseta de punto y pantalón de algodón, todo de ELEVENTY Cinturón, de HERMÈS Derecha: Chaqueta de algodón y polo, todo de FRED PERRY Pantalones, de PAUL & SHARK

En la página siguiente: Cárdigan cruzado, camiseta de algodón y pantalón de lino, todo de BRUNELLO CUCINELLI Cinturón, de PIOMBO en OVS. Zapatillas de tenis, de SUPERGA. Mochila de lona y piel, de FONTANA MILANO 1915.

Sobre estas líneas, izquierda: Camisa de algodón, de ALTEA Camiseta, de C.P. COMPANY. Pantalones de lino, de POLO RALPH LAUREN Derecha Jersey de algodón de PAUL & SHARK. Pantalones, de GIAMPAOLO. Toalla de playa, de HERMÈS

En la página siguiente: Chaqueta de ante y camisa de algodón, todo de HERMÈS Bermudas de lino, de BRIGLIA 1949 Deportivas de piel, de CHURCH’S.

ESTILO RENTRÉE

La vuelta de vacaciones pide construir la elegancia sin esfuerzo. La clave para elevar el look: tonos sobrios con básicos de corte tradicional y las firmas de El Corte Inglés.

ESTILISMO BERTA FERNÁNDEZ-ABASCAL FOTOGRAFÍA QUIQUE SANTAMARÍA

En la página anterior: Camiseta blanca, de GREEN COAST. Camisa tipo sahariana, jersey con grecas y pantalones con bolsillos laterales, todo de LLOYD´S.

Sobre estas líneas: Camiseta color teja, de GREEN COAST. Camisa de cuadritos en franela, de LLOYD´S. Pantalón tipo chino, de DUSTIN.

Camiseta estampada, de GREEN COAST. Cazadora bomber de ante, de LLOYD´S. Vaqueros grises, de DUSTIN.

Camisa de rayas, de EMIDIO TUCCI. Chaleco de lana y vaquero azul oscuro, ambos de LLOYD’S.

RENOVARSE POR FUERA Y POR DENTRO

Los excesos veraniegos acaban pasando factura si la protección de la piel y el cabello no es la adecuada. Estas son las soluciones cosméticas para una puesta a punto.

TEXTO LUCÍA HEREDERO FOTOGRAFÍA MASSIMILIANO POLLES

ROSTRO

La piel de la cara es la que más sufre con el sol, el viento, el cloro y la sal. Ahora es el momento de reparar los daños causados.

1. Acción profunda colágeno y elastina GERMINAL . Ampollas de uso diario para recuperar la firmeza natural de la piel (23 €).

2. Vitamin C Ester PERRICONE MD Más luminosidad y menos arrugas. Actúa como un suave peeling (22 €).

3. Boosting Cream OVACO . Tratamiento protector suavizante. Puede usarse en rostro y cuerpo (99,50 €).

4. Hydra Sculpt de CLARINS. Doble hidratación facial tratante y reestructurante. Sin efecto graso (72,75 €)..

5. Comforting Barrier Mask de SENSAI. Máscara facial que se puede retirar o dejar actuar toda la noche para un mayor confort (174 €).

6. AquaPower Advanced Gel BIOTHERM HOMME Gel hidratante con textura fluida. Repara la barrera cutánea (47 €).

7. Suero de barba ACQUA DI PARMA BARBIERE. Enriquecido con aceite de almendra dulce y aceites de semilla (45 €).

8. Crema recuperadora SKIN CLINIC Con caléndula, aloe vera y germen de trigo (54 €).

9. Ultimune SHISEIDO MEN Sérum concentrado activador que fortalece el poder antioxidante de la piel (205 €).

10. Anti-Fatigue Hydrate&Revitalise LIERAC HOMME. Gel que energiza las pieles cansadas. Contiene tulipán negro y un péptido de cacao (15 €).

PELO

Encrespamiento, sequedad e incluso caída son síntomas típicos del cabello tras el verano. Estos productos ayudan a su mejoría.

1. Shampooing au Miel LEONOR GREYL. Champú voluminizador para los cabellos más finos y debilitados (29,10 €).

2. Lotion Energisante Masse Capillaire PHYTO NOVATHRIX. Loción que devuelve la fuerza y el vigor al cabello evitando su caída (24 €).

3. Champú Amino-Mint REDKEN. Formulado para cabello graso o dañado (15 €).

4. Soin Hydrating RODOLPHE & CO Tratamiento hidratante para aplicar después del lavado (24 €).

5. Champú Frizz Control LA BIOESTHETIQUE Suaviza el cabello y evita el encrespamiento desde el primer lavado (17,20 €).

6. Bare Cleanser AUTHENTIC BEAUTY CONCEPT Champú a base de fórmulas veganas, sin sulfatos ni siliconas (29,20 €).

7. Hair Regenerator Serum Forte REDENHAIR Estimula el crecimiento y reduce la caída (50 €).

8. Acondicionador Detox & Repair JOHN FRIEDA Devuelve el brillo y la suavidad (12,99 €).

9. Shaping Hair Paste RITUALS. Peina el cabello con una textura mate y flexible (12,90 €).

1

SUPLEMENTOS

NUTRICIONALES

Vitaminas, colágeno o té verde son algunos de los ingredientes de estos elixires y cápsulas que deben tomarse cada día para potenciar sus beneficios en nuestro organismo.

1.Nutrilite IMMUNO. Con Coenzima Q10 y limón concentrado. Aumenta las defensas (54€).

2. Hair Complex NUTRALIE. Con biotina, cistina y un complejo de cuatro minerales que evitan la caída capilar (35 €).

3. Omega 3 LONGEVITAS LABS. Suplemento para el buen estado de músculos y huesos. También contiene vitamina D (71,50 €).

Arkosueño Forte 8H ARKOPHARMA Ayuda a conciliar el sueño. Con melatonina (14 €).

5. Energy Focus & Performance CLINIQUE LA PRAIRIE. Complejo con ingredientes bioactivos para paliar la sensación de fatiga (340 €).

Sha Detox SHA WELLNESS CLINIC. Complemento alimenticio a base de aminoácidos, plantas y ácido alfa-lipico (80 €).

7. Regenerador Q77+ Suplemento nutricional formulado con colágeno hidrolizado y ácido hialurónico (29 €).

8. Hair Growth COLLAGEN SUPERDOSE. Complemento alimenticio para fortalecer y estimular el crecimiento del cabello (80 €).

LA MEDICINA EN COLORES

Joan Carles Font es el fundador de mesoestetic®, compañía líder en el cuidado de la piel con presencia en más de cien países.

TEXTO BEATRIZ NÚÑEZ

SU CURIOSIDAD INNATA, UNA FUERZA DE VOLUNTAD inquebrantable y el cambio generacional que revolucionó las costumbres de los españoles en los años 80 fueron los tres elementos que permitieron a Joan Carles Font, CEO de mesoestetic Pharma Group, fundar una exitosa compañía, que hoy en día es referente mundial en el sector de la medicina estética

Todo comenzó en 1985, cuando este emprendedor barcelonés de conversación amable decidió vender las cuatro farmacias que tenía en propiedad para lanzarse a una aventura que le seducía tanto personal como empresarialmente. Y, a tenor de los resultados, mereció la pena: mesoestetic Pharma Group, con un 87,6% de ventas internacionales y presencia en 105 países, formula 300 referencias y espera llegar a los 54 millones de euros de facturación en 2022.

En una década en que el país progresaba económica y socialmente con gran rapidez, Font detectó que las necesidades de cuidado personal de los ciudadanos evolucionaban al mismo ritmo. España se modernizaba, las mujeres se incorporaban cada vez más al mercado laboral y la preocupación por la estética se generalizaba. “El plato estaba servido. Había un gran camino por recorrer y mucho por descubrir”, dice el empresario, que se puso manos a la obra con la tenacidad, la autoexigencia y la búsqueda de la excelencia que lo caracterizan.

A Font, de formación farmacéutica, le gusta llamar a la medicina estética “la

medicina del color, “porque te ofrece el placer de dejar de convivir con las arrugas o defectos de la piel que te incomodan”, asegura en conversación con GENTLEMAN, a la que acude enfundado en uno de los exquisitos trajes de sastrería a medida que viste habitualmente. Con la innovación por bandera, desde sus inicios apostó por el desarrollo y la comercialización de productos de calidad, colaborando con el sector médico y con fórmulas probadas científicamente.

Reinversión e investigación

El año pasado, los buenos resultados de la compañía impulsaron la mejora del equipamiento y una ampliación de las instalaciones, hasta los 14.500 m2 El 40% de los beneficios se reinvirtió en el departamento de I+D y otros proyectos de ingeniería mecánica. Además, se creó una unidad de ingeniería biomédica que permitió el desarrollo de su primera molécula propia utilizando inteligencia artificial, que es ya la segunda patente de Mesoestetic, una empresa que siempre ha huido del éxito fácil. “El crecimiento debe de ser acompasado”, reflexiona Font, que valora en gran manera a su equipo humano, unos 200 trabajadores, entre los que un aproximadamente un 60% son mujeres. “Estoy muy orgulloso de todos ellos; quiero que estén bien retribuidos y que se sientan queridos y respetados. El liderazgo se obtiene por convencimiento, jamás por imposición”.

La empresa mesoestetic Pharma Group, es la única compañía del sector en España autorizada para producir el ácido hialurónico reticulado, una familia de productos inyectables que son referencia a nivel mundial. Recientemente, también ha lanzado una línea de despigmentantes para profesionales médicos, que avalan su liderazgo en el mercado nacional e internacional.

“He vivido con tanta pasión este proyecto que no me he dado cuenta del esfuerzo que representa haber llegado hasta aquí, y el camino me ha enriquecido muchísimo. Es la consecución de un sueño al que he dedicado 25 horas diarias cuando el día tiene 24”, asegura el fundador de la empresa, que desde hace dos años asume el rol de presidente no ejecutivo dejando la gestión directa en manos de un equipo externo. Font, sigue activo en la parte financiera y. apasionado del arte y la música como es, también lidera el área de mecenazgo apoyando proyectos culturales. Convencido de que el futuro de la medicina del antienvejecimiento pasa en buena parte por incorporar equipos de electromedicina y servicios técnicos, ahora ha centrado sus intereses en ese campo. También cuenta con un ambicioso plan para apoyar, y acoger en un edificio independiente, a empresas emergentes (startups) cuyos proyectos innovadores puedan ser aplicables a mesoestetic.

De formación farmacéutica, Joan Carles Font ha hecho de la investigación y la colaboración con la medicina una de las señas de identidad de mesoestetic®.

GRANDES VIAJES

UN MUNDO FELIZ

Bután es uno de los pocos lugares donde aún las laderas verdes y los templos antiguos permanecen felizmente inexpugnables al turismo de masas y el paso del tiempo. Bienvenidos al reino desconocido.

TEXTOY FOTOGRAFÍA SERGI REBOREDO

Paisaje de Pele La Pass, un sinuoso camino hacia la localidad de Trongsa a través de los campos agrícolas de Bután.

VIAJES

Sobre estas líneas, imagen del palacio Paro Dzong, también llamado Rinpung Dzong, un monasterio budista del siglo XVI. Acoge un conjunto monástico donde conviven unos 200 monjes y las oficinas administrativas del gobierno de la región.

A la izquierda: La gran estatua Buda Dordenma, punto de referencia de la ciudad de Thimphu. En primer plano, banderas de oración.

En la otra página: El templo Taktshang Palphug, también llamado Nido del Tigre, uno de los más espectaculares de Asia, literalmente colgado de un acantilado sobre el valle de Paro. Sus diferentes edificios están unidos por escaleras talladas en la roca.

CUANDO EL AVIÓN GIRA A TRA VÉS DE UNA BRECHA en las mon tañas, minutos antes de aterrizar, un valle oculto se extiende a sus pies, enmarcado por bosques vírgenes y picos nevados. En el co razón del Himalaya, Paro parece un sueño, un puñado de casas tradicionales con aleros y marcos bellamente tallados y decorados con pinturas. Las banderas budistas ondean por todas partes, el incienso flota por las calles y la mayoría viste el icónico vestido nacional. Escondido entre la India y el Tíbet, Bután es un país tradicional pero avanzan do: nueva democracia, nuevas tecnologías, educación y atención médica gratuitas, crecimiento económico y un aumento exponencial del turismo. El mundo moder no es bienvenido, siempre y cuando no dañe las tradiciones culturales únicas, que son el alma del país.

Los hombres butaneses todavía pasean por las calles con sus trajes tradicionales, y calcetines de argyle hasta la rodilla. El campo está salpicado de casas de madera y espectaculares monasterios budistas, y toda la población participa en coloridos festiva les. La familia real de Bután y los maestros budistas son extremadamente populares en el reino montañoso del Himalaya, donde las tradiciones y la religión son muy valora das. Preservar la cultura de Bután (religión, idioma, vestimenta y arquitectura) es uno de los cuatro pilares del famoso concepto de Felicidad Nacional Bruta (FNB) del país, que sitúa la felicidad por encima del PIB.

El entorno natural de Bután es igual mente apreciado: grandes extensiones del país están protegidas en parques nacionales y las bolsas de plástico están prohibidas. Si Shangri-La existe hoy, Bután es el candidato

más probable, aunque esto conlleva un precio. Para mantener bajo el número de visitantes, el Gobierno de Bután impone una alta tarifa turística diaria.

Los dones naturales

Situada a una hora de distancia, demasiado cerca de las montañas para acomodar un aeropuerto, pero con suficiente espacio para hoteles de lujo, un campo de golf y un dzong –algo así como el castillo medieval en Europa– en el que en 2008 un nuevo rey fue coronado entre grandes festividades, apenas percibidas por el mundo exterior, la peque ña capital, Thimphu tiene una gran variedad de tiendas, incluido un Emporio Nacional de Artesanía donde comprar el mejor kira –el ‘vestido’ envolvente que usan las mu jeres– o un gho, una prenda hasta la rodilla que usan los hombres, en una soberbia

GRANDES VIAJES

En la página siguiente: El estilo eco-chic de los hoteles Six Senses sitúan un viaje a Bután en el siguiente nivel. Six Senses Bhutan no es una sola propiedad, sino un circuito de cinco alojamientos de lujo en los valles central y occidental del país. El mayor de ellos tiene vistas a Thimphu, la capital de Bután, con 20 suites y cinco villas en medio de huertos de manzanos y pinares.

gama de tejidos de seda y brocados. La ma yoría de las regiones se especializan en arte sanías basadas en su propia materia prima, madera, arcilla, etc., y los artículos exceden tes para las necesidades locales se venden en Thimphu. Desde cuencos de madera hasta artículos de bambú, desde filigranas de plata hasta papel hecho a mano, pinturas budistas o telas fabulosas. La calidad está asegurada: para los butaneses, crear cosas hermosas es un acto de adoración, una acción de gracias por los dones del mundo natural.

A Tashichhodzong se la conoce como ‘la fortaleza de la gloriosa religión’. Es el centro de gobierno y la religión, el lugar del trono del monarca. Fue construido en 1641 y re construido en la década de 1960 de manera tradicional, sin clavos ni planos arquitectóni cos. El monasterio Dechenphodrang, ‘casa del sumo gozo’, está situado al norte del valle

de Thimphu e incluye una escuela monásti ca en la que conviven medio millar de mon jes. El Memorial Nacional Chorten, una especie de estupa, fue construida en 1974 como un monumento para el tercer rey de país, Jigme Dorji Wangchuck, considerado como el padre de la moderna Bután.

La espectacular ruta de Thimphu a Pu nakha transcurre por el famoso Dochula Pass, que acoge en su curso interesantes monumentos y ofrece la oportunidad de ver la gran Cordillera del Himalaya. La hermosa Punakha ha estado indisolublemente ligada a ocasiones trascendentales en la historia de Bután. Dos de los ríos de país convergen allí. En su confluencia se encuentra el Punakha Dzong, una de las estructuras más majestuo sas del país y el segundo dzong más antiguo, con casi 400 años de antigüedad. Su nombre significa ‘palacio de la gran felicidad’.

En esta página: Paisaje boscoso cubierto de nubes de niebla cerca del paso de Yotong La, en el distrito de Bumthang, en el centro del país.

Hasta la década de 1970, la región central de Bután era solo accesible a pie o a caballo. Los tiempos han cambiado con la mejora de la carretera principal del oeste al este de Bután, pero aún así solo llegan hasta allí los viajeros que buscan una experiencia fuera de lo común. El viaje puede ser arduo, ventoso y lento, pero vale la pena. Allí, el dis trito de Bumthang es el corazón religioso de la nación y el hogar de algunos de los tem plos y dzongs más antiguos del país, como Jambay Lhakhang, en Jakar, construido en el siglo VII. Tras cruzar el distrito de Trongsa, de gran importancia política para los líderes de Bután debido a su ubicación privilegiada, llegamos a los magníficos cuatro valles de Bumthang, un área misteriosa que encierra historias de cazadores de tesoros y es ar quitectónicamente rica, con monasterios fascinantes y reliquias dejadas por gurús ancestrales. La mejor actividad para conocer la región es el senderismo.

El Nido del Tigre

Uno de los templos más espectaculares de Asia es Taktshang Palphug, también llama do Nido del Tigre. Un prodigio de arquitec tura literalmente colgado de un acantilado a mil metros de altura en el valle de Paro, con increíbles vistas a las montañas que lo ro dean y al que solo se puede acceder por tres caminos tortuosos. Fue construido en 1692, pero en 1998 un incendio casi lo destruye, por lo que fue rehabilitado para reabrir sus puertas en 2005. Sus diferentes edificios están interconectados por escaleras talladas en la roca. En su interior de lujosa belleza, se encuentra la sala de los Mil Budas, también tallada en la roca, con una gran estatua de un tigre: dice la leyenda que la ubicación del monasterio fue elegida por una tigresa que trajo sobre su espalda al gurú que introdujo el budismo en Bután, Padmasmabhava.

NUEVAS TENTACIONES

La restauración española bulle con el estreno de propuestas diversas y seductoras que afianzan una oferta entre las mejores de Europa. GENTLEMAN recorre algunas de ellas.

TEXTO FEDERICO OLDENBURG

En la página anterior: Gunkan de té verde, whisky japonés, ikura y yema de codorniz, de Ikigai Valázquez.

En esta página: Pizza de pâtè en croûte, con solomillo curado y ahumado, presa ibérica, foie gras y pistacho, uno de los platos que ha presentado Enigma. de Albert Adrià, en su reciente reapertura.

Sobre estas líneas: Merengue de rompope, adaptación de un postre tradicional mexicano en el restaurante Jerónimo del hotel The Madrid Edition.

En la otra página: Spicy tuna maki, uno de los bocados que ofrece Ikoya Izakaya, la nueva taberna nipona situada frente al mercado de Santa Caterina en Barcelona.

PARA EL GOURMET DE PALADAR CURIOSO, la novedad es una tentación irresistible. Separando la paja del trigo, obviamente. Porque no hay que malgastar el tiempo exponiéndose a condumios clóni cos de aquellos en los que reinciden tantos escenarios concebidos para ver y ser vistos. Sorteando como buenamente puede estos comedores consagrados al show off, donde lo que menos importa es lo que se sirve en el plato, el gastrónomo irredento acude a los nuevos reductos del buen comer con el alma en vilo, como un aventurero que se embarca en un viaje que puede deparar sensaciones y emociones jamás experimentadas.

España es hoy uno de los focos gastro nómicos de Europa, y Madrid, la ciudad que marca el paso con un ritmo más vertiginoso en el ámbito de restauración, con un cúmu lo de nuevos establecimientos. Entre los restaurantes más destacados que han inau gurado el último año destaca Desde 1911, propiedad de Pescaderías Coruñesas y con

sagrado al producto del mar, con la figura de maître Abel Valverde (ex Santceloni) en la sala, que no ha tardado en convertirse en santuario del mejor pescado y marisco y ha sido reconocido como Mejor Nuevo Res taurante de Europa de 2022 por la platafor ma Opinionated About Dining (OAD).

Otro gran bombazo este año en la ca pital ha sido el último emprendimiento de Dabiz Muñoz, RavioXO, donde el inquieto chef de DiverXO aprovecha un espacio informal en el Gourmet Experience de El Corte Inglés de Castellana para abordar su personalísima visión en torno a la pasta. Talento a raudales concentra también Mar mía, joint venture que reúne las virtudes de Carlos Bosch (Manero), Rafa Zafra (Es timar) y Luis Rodríguez (Casa Elías), para traer a la capital los sabores del Mediterrá neos: arroces, pescados, mariscos, mojamas...

Con acentos orientales, Hugo Muñoz se ha liberado de compromisos para volar con sus propias alas y abrir Ugo Chan, una pro

puesta mestiza donde las técnicas japonesas se asocian con ingredientes y recetas españo las, con genio y desparpajo. El minimalismo nipón y la búsqueda de la excelencia en las materias primas distinguen la cocina de David Arauz, quien al concluir su etapa como chef ejecutivo del grupo 99 Sushi Bar y lucirse en la barra del sofisticado Ko –que cerró tras la pandemia– también se aventuró a abrir su propio local, Zuara Sushi. Por fin, otra novedad que no pueden pasar por alto los amantes de la culinaria nipona de cariz creativo es Ikigai Velázquez, evolución na tural del pequeño Ikigai de la calle Flor Baja, donde el joven chef Yong Wu Nagahira aprovecha un espacio más amplio para dar brillo a osados y seductores platos.

Y en el centro de la villa, The Madrid Edition, el nuevo resort urbano frente a la Plaza de las Descalzas, apuesta fuerte por la alta gastronomía. Con acento latino y dos nombres propios. Por un lado, Jerónimo abre las puertas de Europa al mexicano Enrique Olvera, mentor de Pujol (Ciudad de México) y seguramente el chef más rele vante de su generación. En el mismo hotel, la cocina peruana también adquiere un papel destacado en el restaurante Oroya, dirigido por Diego Muñoz –antiguo jefe de cocina del célebre Astrid y Gastón de Lima–, que incluye una coctelería consagrada al pisco en el privilegiado rooftop del establecimiento.

Más allá de la capital

Con un compás de aperturas más cadencio so, Barcelona también apunta novedades de interés. No faltan las de tono asiático, como Tamae, lugar ínfimo e insólito –una barra pequeña, con tan solo ocho plazas– pero elucubrado por dos cocineros mayúsculos, Albert Raurich (Dos Palillos) y Eugeni de Diego (A Pluma), ambos ex-elBulli. El resul tado es una visión personalísima de la cocina callejera asiática. Heterodoxo es asimismo Ikoya Izakaya, la taberna que ha puesto en marcha Hideki Matsuhisa (Koy Shunka) con Iñaki López de Viñaspre (Grupo Sagar di), donde conviven la magia del fuego de los asadores vascos con el refinamiento de la cocina de Matsuhisa y el ambiente de las izakayas (tabernas tradicionales) niponas.

Pero los grandes estrenos en la capital catalana son los que llevan el nombre de chefs estelares, como Rafa Zafra, que viene de triunfar en Madrid con el marinero Esti mar y puede repetir ahora en los salones del hotel Palace Barcelona con una propuesta que no escapa a guiños clásicos. Gran expec tativa ha causado también el desembarco de Compartir, que llega desde Cadaqués con el respaldo de sus tres socios fundadores, Oriol Castro, Eduard Xatruch y Mateu Casañas, factotums de Disfrutar, uno de los referentes gastronómicos de la ciudad. Y es obligado mencionar Enigma, de Albert Adrià, que vuelve a abrir sus puertas tras más de dos años con cambios en los criterios de servicio y numerosas novedades en la carta (ya no hay menú degustación, entre otras cosas).

También hay, claro, novedades en el resto de España. Apuntamos aquí tan solo Kaleja y Babette (Málaga) y La Huertona (Astu rias) para profundizar en otra ocasión, con más tiempo. Y hambre.

BODEGA

NACIDOS PARA SER ESTRELLAS

Más allá de las bodegas mainstream, existe todo un universo vinícola creciente y de gran calidad. Vinos, como los de esta selección, dignos de más fama por su versatilidad, singularidad y carácter. Todos, con una historia que contar.

TEXTO PILAR MOLESTINA

ES LO QUE HAY 2019

El Escocés Volante

DO Calatayud

Cata En Aragón la garnacha de altura de viñedos viejos ha ido perdiendo terreno poco a poco, pero siempre hay un soñador que consigue que perviva casi milagrosamente en una botella. Esta vez, un escocés que lleva un par de décadas por Calatayud y que, con esta añada, da el do de pecho con este tinto untuoso, redondo y realmente atractivo.

LA BRECHA 2016

La Brecha

DO Ribera del Duero

Cata Un nuevo proyecto en el pueblo de Gumiel del Mercado que ha dado vida a la clausurada cooperativa local. Gracias a que las viñas viejas se han ido preservado, se ha podido iniciar esta andadura que empieza con muy buen pie. El tinto 2016 ya denota una personalidad propia y con elegancia. Untuoso, amplio y de largo post gusto.

EL PEDAL 2019

Hermanos Hernáiz

DOCA Rioja

Cata Su nombre ya indica que quiere ser un vino sin pretensiones glamurosas, pero eso no quiere decir que no sea atractivo y disfrutable. Un vino joven que, como tal, se muestra pleno de fruta y con muy buen paso de boca. Elaborado con tempranillo de viñedos de la subzona de la Rioja Alta, incluye un 10% de la cosecha anterior.

LA VIÑA DE AYER 2017

Soto y Manrique

DO Cebreros

Cata Poco a poco, las elaboraciones hechas con la variedad blanca albillo real empiezan a dar sus frutos tras años de experiencias que dejaron fríos a expertos y aficionados. En este blanco asoman virtudes aromáticas que despiertan curiosidad y también simpatía por su originalidad y carácter. Un vino a seguir.

FINCA LAS COMAS 2019

Bodegas José Pariente

DO Rueda

Cata Este blanco es el primer vino de parcela y ecológico de la bodega. Es una acertada interpretación de un verdejo que encuentra sus raíces en un viñedo plantado en vaso por el fundador en 1910. El suelo pobre y pedregoso es responsable de muchos de sus seductores matices, que responden a su cuidada y acertada elaboración.

LAVIA PLUS 2016 Bodegas Lavia

DO Bullas

Cata Parece como si de una cosecha a la siguiente este Plus ganará en frescura y en expresión varietal. Elaborado con monastrell ecológico 100% de viñas de más de 40 años y asentadas en suelos calizos, es un vino intenso con notas de fruta roja marcada envuelta en pinceladas especiadas. Un verdadero acierto.

TANDEM, MÁCULA 2014 Compañía Vitivinícola Tandem

DO Navarra

Cata Cabernet y merlot en este tinto con uvas de viñedos en torno a los 30 años. La historia empieza con dos socios fundadores ligados al sector que terminan por entusiasmar a familiares y amigos para participar en este proyecto. Este tinto es buen ejemplo de sus logros. Es un tinto seductor, cubierto, tánico y estructurado que despliega potencia y garra.

REMORDIMIENTO 2020

Bodegas Cerrón

DO Jumilla

Cata Una antigua marca que cobra nuevas hechuras sin dejar de ser un homenaje a los elaboradores que la crearon. Hoy, la siguiente generación da lustre al vino que iniciaron los padres, exhibiendo más potencia y versatilidad. La uva monastrell es la protagonista y sus recuerdos balsámicos así lo exhiben. Muy largo.

SENDA 2018

Bodega Las Moradas de San Martín

DO Vinos de Madrid

Cata Mucho se habla de las garnachas de la sierra de Gredos, pero, ojo, no todo el monte es orégano. La enóloga Isabel Galindo ha sabido sacarle expresión a esta variedad que, ninguneada hasta hace poco, con una viticultura sostenible y auténtica y con mínima intervención, es un deleite.

TRAGOLARGO BLANCO 2021

Finca Casa Balaguer

DO Alicante

Cata Los aromas son lo verdaderamente atractivo de este blanco que ha realizado el proceso de maduración con sus pieles. Los viñedos se encuentran en el Parque Natural de la Mata. Es un moscatel frutal y floral enmarcado en una buena ración de frescura que invita. Un vino amigable cercano y fácil de beber.

Romeo y Julieta Línea de Oro. Hidalgos. 125 mm y cepo 57. Amaderado y tostado, con puntas especiadas y amargas. Tiempo de fumada: de 50 a 60 minutos.

Dianas. 145 mm y cepo 52. Amaderado, herbáceo, con notas de cedro. Tiempo de fumada: de 55 a 65 minutos.

Nobles. 135 y cepo 56. Tostado, torrefacto y herbáceo, con notas de café. Tiempo de fumada: de 55 a 65 minutos.

EL TOP DE ROMEO Y JULIETA

La oferta más premium de la marca de Habanos Romeo y Julieta llega ahora a España: Línea de Oro. Vitolas inéditas y elegantes que introducen por primera vez en la marca una fortaleza de medio a fuerte y que se presentan en estuches de exclusivo diseño.

LÍNEA DE ORO ES EL NOMBRE QUE LA FAMOSA MARCA DE HABANOS ROMEO Y JULIETA ha elegido para la que se convierte en su línea más premium y elegante. Lanzada en homenaje al 145 aniversario de la marca y presentada por primera vez en el XXII Festival del Habano en 2020, llega ahora al mercado español compuesta por tres vitolas inéditas. La primera toma el nombre de Hidalgos y luce un cepo 57 x 125 mm de longitud. La segunda se llama Dianas, de cepo 52 x 145 mm. Y la tercera, Nobles, es un figurado de cepo 56 x 135 mm. Las tres se caracterizan por su capa de color colorado claro, aromas amaderados y notas de sabor a frutos secos y café, con un perfil de fortaleza algo mayor respecto a la ligada clásica de la marca. Los Habanos de Línea de Oro se presentan en un exclusivo estuche de 20 cigarros con un acabado en lacado alto brillo sobre madera de sicómoro tintada de rojo y con un medallón dorado con el logo de la marca. Cada habano va vestido con una anilla especial que lleva impreso el nombre de la vitola y con otra anilla dorada a su pie. La nueva línea de Romeo y Julieta estará disponible en los estancos españoles a los siguientes precios: Hidalgos, a 54 €/habano; Dianas, a 52 €/habano, y Nobles, a 49 €/habano. J. Parra

Cada uno de los 999 CUPRA Formentor VZ5 Taiga Grey que se están ya fabricando incluye el número de la unidad grabado en el panel de la puerta, con un distintivo efecto sombreado.

SOLO PARA ELEGIDOS

CUPRA arranca la producción del Formentor VZ5 Taiga Grey, una edición limitada, y numerada, a 999 unidades con un exclusivo color exterior, unos acabados interiores diferenciadores y una iluminación más potente.

EL CUPRA FORMENTOR VZ5 REPRESENTA LA MÁXIMA EXPRESIÓN de la deportividad. Con un motor 2.5 TSI de cinco cilindros, que entrega 390 CV y 480 Nm; con un chasis avanzado y configurable; varios modos de conducción; una dirección progresiva; una transmisión automá tica de rápida respuesta y la seguridad de la tracción integral se sitúa en el punto de mira de los entusiastas de los automóviles. Ahora, CUPRA aporta aún más singularidad al Formentor VZ5 con la edición limitada Taiga Grey, que entró en producción hace solo unas semanas en la planta de Martorell y llegará próximamente al mercado español. Se trata de una edición de 999 unidades, con un nuevo color, Gris Taiga, que realza el diseño exterior, en el que destacan el escape y otros detalles en fibra de carbono, mientras el interior adquiere una personalidad propia gracias a los gráficos progresivos en negro Dinamica y los asientos de cuero Nappa en tono marrón, perforados y con detalles en color Copper. Cada CUPRA Formentor VZ5 Taiga Grey incluye el número de unidad grabado con láser en el panel de la puerta, poniendo así el acento en la exclusividad del vehículo. El fuerte carácter que transmite la imagen del coche se intensifica en este modelo con los nuevos faros Matrix LED de serie que, gracias a su avanza da tecnología, ofrecen una iluminación más potente, eficaz y eficiente J. Parra

Aliada con la tecnología más avanzada, SolarProfit diseña proyectos personalizados con una gestión 360º, que incluye estudio de necesidades, instalación y hasta gestión de permisos y posibles subvenciones.

SIN FACTURA DE LUZ

SolarProfit, compañía líder en la instalación de placas fotovoltaicas de autoconsumo, crea un software inteligente que analiza el perfil de cada cliente y factores como el mercado o el clima para minimizar el gasto.

TEXTO JUAN PARRA

SOLAPROFIT EN CIFRAS

Compañía pionera y líder del sector de autoconsumo energético con una trayectoria de más de 15 años + Más de 1.000 empleados en plantilla + 39 millones de euros en facturación en 2021 + 110 millones de previsión para todo 2022 + Más de 5.000 instalaciones realizadas desde su creación + El 14 de diciembre de 2021 salió a BME Growth con un valor de 184 millones + En 2024, prevé contar con más de 65.000 instalaciones acumuladas en residencial.

¿ES POSIBLE UNA FACTURA DE LA LUZ CERCANA A CERO? SolarProfit, la compañía de referencia en autoconsumo eléctrico, sigue dando pasos para lograrlo. A partir de ahora –como anunciaron sus fundadores, Óscar Gómez y Roger Fernández, en el primer Investors Day de la firma, celebrado hace solo unas semanas–, las instalaciones solares de Solar Profit podrán contar con baterías con el software inteligente exclusivo diseñado por el equipo de I+D de la compañía que, gracias a la combinación del Big Data y la Inteligencia Artificial, permitirá una máxima reducción en la factura de la luz para que esta tienda a cero.

“Battery’s Software as a Service (BSaaS) –explica Roger Fernández– es un avanzado modelo donde el cliente es productor y consumidor, con acumulación y excedentes y gestión inteligente de la demanda”. El nuevo sistema analiza

el perfil de consumo del cliente, los precios de mercado en cada momento y la previsión de generación de la planta en base a variables como el clima. De esta manera, continúa Óscar Gómez, se garantiza “un sistema integrado con la gestión de la demanda, blindado frente a las variaciones del mercado, para que el cliente obtenga el máximo rendimiento de su instalación”.

El modelo requiere de una comercializadora que catalice esta optimización y, para ello, se ha creado el agregador energético ProfitEnergy, con la intención de hacer realidad el deseo del cliente de no tener que realizar ningún gasto en la factura de la luz de una manera sostenida en el tiempo, evitando los problemas relativos a la volatilidad del precio de la energía. ProfitEnergy permite agregar autoconsumidores para actuar como una única ‘comunidad energética’, compensando los excedentes durante el año y, sobre todo, los conceptos de la factura.

Con más de 15 años de experiencia, SolarProfit es líder en la instalación de placas fotovoltaicas de autoconsumo, tanto para particulares como para empresas. Su crecimiento exponencial la ha situado en 2022 con más de mil empleados y unas previsiones de facturación para todo el año superiores a los 110 millones de euros.

En la otra página, vista de la esfera enmarcada por un bisel de acero y con un particular tono verde nacarado.

Junto a estas líneas, el fondo de esta creación limitada a 2.000 unidades luce un grabado.

CONCIENCIA Y CAMBIO

El New York Harbor Limited Edition de Oris ratifica la filosofía vital de una marca que ha hecho de la mejora del planeta su particular cruzada.

TEXTO R. B.

LOS ESFUERZOS Y LOS RECURSOS que Oris ha implementado alrededor de la sostenibilidad y el cambio para mejorar el planeta se reproducen desde hace ya varios años con distintas actuaciones resumidas en una campaña, Change For the Better, cuya finalidad es proteger, cuidar y restaurar la fauna marina y su entorno. En esa misión de aportar hay que encuadrar la asociación de Oris con Billion Oyster Project (BOP) y que se traduce en la creación de un modelo con el que salvar la fauna de ostras que reside en la vía fluvial de Nueva York... Ese es el origen del New York Harbor Limited Edition.

Basado en el icónico reloj de buceo Aquis Date de 41,5 mm, la caja de acero enmarca una esfera verde nácar que refleja el color del agua del puerto, inspirado en las brillantes conchas de las ostras. La edición limitada es resistente al

agua hasta 30 bar (300 m) y tiene un bisel giratorio unidireccional con una escala de minutos en relieve.

Esta nueva creación tiene por fin recaudar fondos y concienciar sobre el proyecto BOP (Mil Millones de Ostras), que trabaja para restaurar la población de ostras de la vía fluvial neoyorquina, una de las más contaminadas del mundo. “Las marcas de lujo como Oris, son invaluables para organizaciones como Billion Oyster Project. Más allá del apoyo financiero, la oportunidad de compartir nuestro esfuerzo local con una audiencia global es fundamental para alcanzar nuestras metas”, afirma Pete Malinowski, director ejecutivo y cofundador de Billion Oyster Project.

El origen del proyecto se remonta a los inicios del tránsito del puerto de Nueva York. Hace varios siglos, su

Sobre estas líneas: Con el Aquis New York Harbor Limited Edition, Oris apoya el Billion Oyster Project, la asociación que busca regenerar la fauna de ostras de Nueva York.

vía fluvial albergaba 220.000 acres de arrecifes de ostras. A medida que la ciudad creció, también lo hizo en comercio y en transporte marítimo. El gusto por las ostras creció y al mismo tiempo el puerto se convirtió en un vertedero de aguas residuales, desechos industriales y otros contaminantes que provocaron el decrecimiento de la población de ostras. Desde 1972, cuando se aprobó la Ley de Agua en la ciudad de Nueva York, la calidad del agua comenzó a mejorar, y con ello volvió la vida a las costas, pero muy lentamente. Es en este contexto en el que nace en 2014 la fundación Billion Oyster Project. Fundada por los educadores Murray Fisher y Pete Malinowski, está enfocada a aprender del daño ejercido en la fauna marina neoyorquina y reeducar a futuras generaciones.

De hecho, varios miles de voluntarios han trabajado ya para mejorar las aguas fluviales de la ciudad; en concreto, han sido 11.000 voluntarios, 8.000 estudiantes y 100 escuelas los que han participado, además de contar con la colaboración de más de 50 restaurantes para colocar las ostras, construir arrecifes y mantener viva

la historia. Un trabajo que se traduce en que Billion Oyster Project ha conseguido que la población de ostras sea ahora autosuficiente después de haber logrado introducir un total de 75 millones de unidades en 18 diferentes punto del puerto de Nueva York.

Volviendo al reloj, este Aquis incorpora un calibre de cuerda automática que ofrece una autonomía de marcha de 38 horas y late con una frecuencia de 28.800 alt/h (4 Hz). Además de horas, minutos y segundero central, ofrece la función de fecha de ajuste rápido con ventana para su visión a las 6 horas y un dispositivo de parada de segundos. La poderosa estética en color verde de la esfera se traslada también a la correa de caucho, que además ofrece un tacto y adaptabilidad a la muñeca que lo convierte en una opción muy cómoda de llevar. Además, puede intercambiarse con un brazalete adicional de acero inoxidable y una práctica herramienta para el cambio de correa, que es por otro lado muy sencillo de realizar. Este New York Harbor se presenta en edición limitada a 2.000 piezas y cada una de ellas está numerada.

ELEGANCIA ANTE TODO

Longines recrea en el DolceVita X YVY ese toque indispensable de glamur y personalidad que se encuentra en todas sus creaciones.

TEXTO R. B.

COMO BIEN ARGUMENTA LONGINES, la elegancia es una actitud. Y dentro de ella, la colección DolceVita es quizás una de las que mejor representa esa realidad Ahora, la marca del reloj de arena alado da un paso más, con los DolceVita X YVY. La inconfundible caja rectangular, en esta ocasión, llega vestida con unos singulares brazaletes de cuero diseñados por la creadora suiza Yvonne Reichmuth. Su diseño recuerda al mundo ecuestre –con un imaginario marcado por bridas y arneses– con el que la firma relojera mantiene una intensa relación a lo largo de su historia.

Esta nueva línea dentro de la colección nace para ser mostrada en la muñeca, pues los brazaletes que acompañan en esta ocasión al reloj muestran sutiles

desdoblados de cuero disponibles en tres colores: doble cuero beis, marrón o marcado por los remaches en el caso del negro.

De haberles dado forma se encarga YVY, la empresa creativa originaria de Zurich especializada en accesorios glam-rock creada por Yvonne Reichmuth. Los universos de Longines y de YVY son complementarios, como queda demostrado con estas creaciones realizadas en cuero de origen italiano o suizo. Se han confeccionado según un método de fabricación tradicional. Sus acabados impecables están adornados y reforzados con partes metálicas, y presentan un diseño sólido.. “Hemos buscado desarrollar juntos un nuevo

enfoque del mundo de la hípica y de sus bridas”, aclara la diseñadora, quien explica que “la idea de un brazalete modular nació para crear un reloj que se pudiera llevar con clase y con varios estilos diferentes”.

Esta nueva línea nace marcada por el glamur y tiene como destino un público joven –tanto mujer como hombre– y entre sus virtudes añadidas se encuentra el sistema intercambiable de brazalete, que permite ofrecer uno adicional. Esta nueva creación está disponible en dos tamaños diferentes de caja, precisamente para hacer posible que no solo sea un producto que le guste a las mujeres; los hombres también están llamados a disfrutar de los DolceVita X YVY.

Junto a estas líneas, el Khaki Pilot Pioneer Mechanical Chronograph de Hamilton En la otra página: el piloto Juan Velarde, en uno de los ejercicios realizados durante una exhibición en la Base Aérea de Armilla.

LA AVIACIÓN SEGÚN HAMILTON

Una relación que se remonta a los orígenes de la firma y que en España se concreta en asociaciones con la Patrulla Aspas y el piloto Juan Velarde.

TEXTO R. B.

LA HISTORIA DE HAMILTON ESTÁ VINCULADA DESDE SU ORIGEN a los medios de transporte. Primero fue el ferrocarril, y desde 1918, la aviación; de esta última, hay una serie de datos que atestiguan la importancia del trabajo desarrollado por la compañía relojera. En 1919 fue elegida como cronometrador oficial de los primeros vuelos del Servicio de Correo; también fue, posteriormente, el reloj oficial de TWA, Eastern United y Northwest... Y en 1926, Hamilton tuvo la oportunidad de cronometrar el primer vuelo al Polo Norte.

En España, este vínculo con la aviación se traduce en la colaboración desde 2012 con la Patrulla Aspa, el grupo de helicópteros de vuelo acrobático del Ejército del Aire Español con sede en la Base Aérea de Armilla (Granada). La Patrulla Aspa, que emplea helicópteros Eurocopter EC 120B Colibri en sus exhibiciones, está tripulada por instructores de vuelo de la Escuela de Helicópteros del Ejército del Aire, siendo la única patrulla de este tipo que existe. Y ha sido la base área –que este año cumple su centenario– el escenario elegido por Hamilton para ofrecer una exhibición inédita en la que, por primera vez, un piloto civil ha formado parte del vuelo de la Patrulla Aspa. Se trata de Juan Velarde, que ofreció muestras de su talento y pericia, y también una extraordinaria compenetración con la patrulla. La relación de Hamilton con la aviación se convierte en relojes como el Khaki Pilot Pioneer Mechanical Chronograph, una pieza de marcado diseño que retoma el carácter de los que llevaban los pilotos de la Real Fuerza Aérea Británica (RAF) en la década de los 70.

ARANJUEZ

AGENDA NACIONAL

PROPUESTAS CULTURALES EN TODOS LOS RINCONES DEL PAÍS

en ello de simbólico, la vida cotidiana que se agazapa detrás y qué trozo de experiencia vital encierra. mbacas.ivc.gva.es

a un programa que incluye paseos en barco por el Tajo, visitas al Palacio de Aranjuez o la colaboración del Tren de la Fresa. musicaantiguaaranjuez.com

GIJÓN

VACACIONAL

Hasta el 5 de noviembre. LABoral Centro de Arte. El artista gallego Olmo Cuña (1983) presenta esta vídeo instalación con filmaciones de la llamada Ciudad Residencial de Perlora, un complejo turístico asturiano construido entre 1954 y 1967 por iniciativa de la franquista Obra Sindical de Educación y Descanso como un lugar de vacaciones para trabajadores de empresas públicas y que hoy se encuentra en estado de abandono. La mirada une arquitectura, ocio y la noción de nostalgia reflexiva. laboralcentrodearte.org

FESTIVAL DE MÚSICA ANTIGUA

Del 17 de septiembre al 16 de octubre. Varios escenarios.

La XXIX edición se presenta bajo el epígrafe Mirando a otras músicas, en una clara apuesta por la innovación y la transversalidad que, sin renunciar al propósito declarado de recuperación histórica de la música antigua, la hará convivir con el jazz en dos conciertos. Espacios como el Hospital de San Carlos o el Teatro Real Carlos III acogerán producciones propias, conciertos de música barroca o demostraciones de la influencia colonial junto

CASTELLÓN TESOROS CON HISTORIA

Hasta el 25 de septiembre. Museo de Bellas Artes.

Tresors amb història es un programa de À Punt, la televisión pública valenciana, por el que han pasado un centenar de objetos que cuentan otras tantas historias de habitantes de la comunidad. Juguetes, cartas, elementos de labranza, recuerdos: estos y otros elementos aparecen aquí y proponen una reflexión sobre lo material, lo que se deposita

MADRID APERTURA

MADRID GALLERY

WEEKEND

Del 8 al 11 de septiembre. Más de 50 galerías unen fuerzas

en la 13ª edición de este evento que busca acercar el arte contemporáneo y la actividad de las galerías al público profesional y no profesional. Se pretende fomentar el diálogo del arte contemporáneo con otras disciplinas culturales, pilares de esta cita en que se presentan de manera simultánea las exposiciones inaugurales de la temporada. Las distintas galerías están repartidas por algunos de los barrios emblemáticos de la ciudad como Lavapiés, Letras, Centro, Salesas, Chamberí, Salamanca y otros distritos. artemadrid.com

MÁLAGA IMÁGENES VIVAS.

YAACOV AGAM

Hasta febrero. Centre Pompidou.

El artista israelí Yaacov Agam (1928) es uno de los pioneros del llamado arte cinético, una corriente que desde mediados del siglo pasado plantea la introducción del movimiento como elemento plástico dominante en la obra. En esta oportunidad, se propone una exposición-taller, diseñada para los niños y sus familias, que tiene origen en la instalación Salón Agam. Una particularidad es que cada visitante activa, con cada paso, el movimiento de las imágenes, por lo que nadie ve lo mismo en el mismo momento. centrepompidou-malaga.eu

PENALTY

Hasta el 25 de septiembre. Mupam. Curiosa serie fotográfica de

Picasso y el Greco conviven en Toledo, mientrasla música antigua llega a los históricos espaciosde Aranjuez y los faraones a Valencia.

TEXTO LUIS INI

Bonger y Redon Ámsterdam

Música Antigua Aranjuez

Tesoros Castellón

Imágenes vivas Málaga

la británica Mandy Barker (1964) que, con el objetivo de concienciar sobre el problema de la contaminación marina, recuperó durante cuatro meses, con colaboradores espontáneos, casi mil balones de entre los desechos de los océanos del mundo, en 41 países e islas diferentes. El resultado visual es la creación de una serie de cuatro imágenes, cada una de las cuales muestra la acumulación masiva de balones en diferentes zonas del planeta, a la que se une otra serie de 32 balones individuales. cultura.malaga.eu

TOLEDO

PICASSO VISITA AL GRECO

Hasta el 25 de septiembre. Museo del Greco.

SANTANDER JUAN MUÑOZ. DIBUJOS 1982-2000

Hasta el 16 de octubre. Centro Botín.

Primera retrospectiva de la obra en dibujo del escultor madrileño Juan Muñoz (19532001), con más de 200 trabajos cedidos por instituciones y coleccionistas privados. La exposición está estructurada cronológicamente en 12 secciones, entre ellas, Balcones, inspirada en las fachadas de las casas de ciudades españolas; Dibujos sobre gabardina, representaciones de interiores amueblados dibujadas con tiza blanca sobre grandes telas de algodón teñidas de negro; y Piezas de conversación, figuras inspiradas en los retratos de grupo del siglo XVIII. centrobotin.org

El museo toledano dedicado al cretense Doménikos Theotokópoulos (1541-1614), conocido como el Greco, recibe obra de Pablo Picasso, quien admiraba al artista que brilló entre finales del siglo XVI y principios del XVII. Las dos obras de Picasso, Mujer con sombrero sentada en un sillón (1941-1942) y Venus y el amor (1967), llegan a partir de un intercambio con el suizo Kunstmuseum Basel, que a su vez recibe tres cuadros para su exposición Picasso - El Greco culturaydeporte.gob.es

VALENCIA FARAÓN. REY DE EGIPTO

Hasta el 26 de febrero. CaixaForum.

Si se piensa que los faraones reinaron en el antiguo Egipto entre el 3100 y el 30 antes de nuestra era, los objetos procedentes del British Museum parecen traídos desde otro planeta..., pero que estaba en este. La figura del faraón era deificada, y está muy ligada a los simbolismos y a la naturaleza. 130 piezas se exponen en el edificio Ágora de la Ciutat de les Arts i les Ciències, inaugurado en junio. caixaforum.org

ESCENA

TEATRO Y DANZA

1

BARCELONA FÁTIMA

Teatre Lliure, del 29 de septiembre al 23 de octubre

¿Qué misterios esconde nuestro cerebro? De este insondable material está hecha la nueva obra de Jordi Prat i Coll, que coproduce el Festival Grec 2022 y el Teatre Lliure. Ambientada en el Raval de Barcelona, el texto se construye con frases breves que nos hablan de la incomprensible naturaleza del ser humano de la mano de una joven que inicia un camino sin retorno, rodeada de personajes oníricos como la mujer de la filmoteca, encarnada por la veterana Mercè Aránega. teatrelliure.com

2

BARCELONA

GRAN BOLERO

Mercat de les Flors, del 29 de septiembre al 1 de octubre

La célebre partitura que nos legó Ravel en 1928 dispara esta vertiginosa danza sobre la intensidad y fugacidad de la vida, que mereció el Premio Max al Mejor Espectáculo de Danza 2020. Una docena de bailarines de Madrid y Barcelona se unen en esta coproducción del Mercat de Les Flors y los Teatros del Canal, cuya semilla creativa procede del coreógrafo Jesús Rubio Gamo, autor de piezas que han girado por festivales como Chantiers d’Europe o el Théâtre de la Ville de París. mercatflors.cat

3

MADRID

MADRE DE AZÚCAR

Teatro Valle-Inclán, del 23 de septiembre al 9 de octubre

Durante más de 15 años, la directora Claudia Cedó trabajó junto a actrices con diversidad funcional en talleres de teatro en los que afloraba el tema de la maternidad. De esa experiencia, nace esta obra protagonizada por una chica de 27 años con un 65% de discapacidad intelectual que anhela ser madre. Los impedimentos a los que se enfrenta plantean una reflexión sobre los tabúes que, bajo el pretexto de la protección, arrebatan a mujeres como ella el derecho a arriesgarse. dramatico.mcu.es

4

SAN SEBASTIÁN

LOSERS

Teatro Victoria Eugenia, del 1 al 4 de septiembre

Acercarse a los 40 es sinónimo de crisis, especialmente en aquellos que echan la vista atrás y comprueban que su vida no coincide con los cánones establecidos. Sin pareja, ni hijos, ni recursos para conseguir una hipoteca… En esa tesitura se encuentran Sandra y Manuel, los protagonistas de esta comedia romántica que comparten el complejo de losers y la esperanza de acabar con su soledad. Escrita por la guionista Marta Buchaca, es de esas obras que enganchan al minuto victoriaeugenia.eus

Juan Muñoz Santander

Picasso / El Greco. Toledo

AGENDA

LA CULTURA COMO EXCUSA PARA VIAJAR POR EL MUNDO

LONDRES

EL ARTE DE LA MODA MASCULINA

Hasta el 6 de noviembre. Museo Victoria&Albert.

grabados y tarjetas postales. comune.cherasco.cn.it

EDIMBURGO EL CENSO DE ESCOCIA 2022

Hasta el 25 de septiembre. Galería Nacional de Retratos.

CHERASCO ANTES DE LA CIENCIA FICCIÓN. EL FUTURO

IMAGINARIO

Hasta el 9 de octubre. Palaexpo.

La humanidad, a pesar de contingencias adversas, siempre ha imaginado un futuro de desarrollo tecnológico y moral.

En esta localidad a 40 km al sur de Torino se realiza esta exposición que tiene una pregunta básica: ¿Cómo ha cambiado la idea del futuro en diferentes momentos históricos?

Más aún: ¿qué impacto han tenido esas ideas en la evolución de las sociedades?

Como intento de responderlas se exponen imágenes y objetos desde el siglo XVII hasta la actualidad, un recorrido de estampas, platos de cerámica,

Inspirada en las preguntas del censo de Escocia que se realiza este año, esta exhibición explora qué es lo que tienen en común y qué es lo que los identifica a los escoceses, una noción compleja a partir de la diversidad de religiones, ocupaciones y etnias que habitan esas tierras, la cuna del whisky y del kilt. Para ello, se aprovecha el acervo del museo al que suman nuevas adquisiciones, en la intención de comparar entre las generaciones pasadas y presentes. nationalgalleries.org

Exposición que explora cómo diseñadores, sastres y artistas, también tanto usuarios como clientes, y hasta observadores y estetas, han construido y representado la masculinidad. Tampoco es ajeno a la premisa el contemporáneo debate que existe en torno a los géneros, de hecho la muestra se titula La formación de las masculinidades. En concreto, se representa en esta exposición la historia de la moda masculina desde el año 1500 hasta nuestros días, lo que incluye las vestimentas de la nobleza medieval, pasando por el dandismo hasta llegar a los actuales diseñadores. vam.ac.uk

LOS ÁNGELES ARTE E IMAGINACIÓN EN LA AMÉRICA ESPAÑOLA, 15001800

Desde el 30 de octubre. LACMA. Presentada como la primera exposición de los fondos de arte hispanoamericano del propio museo, y articulada a partir de 90 obras, la referencia histórica se recrea en las tradiciones artísticas desarrolladas en el llamado nuevo continente a partir de las

expediciones y asentamientos españoles postcolombinos. Obviamente, ese arte abrevó de las tradiciones europeas y americanas, pero por la propia matriz imperialista española, y sus consiguientes rutas de tráfico marítimo, pueden hallarse influencias asiáticas y africanas. lacma.org

NUEVA YORK DISEÑO Y CURACIÓN: RESPUESTAS CREATIVAS A LAS EPIDEMIAS

Hasta el 20 de febrero. Museo Cooper Hewitt. Exposición organizada durante el desarrollo de la pandemia del COVID-19 con una revelación hoy bastante indiscutible: la respiración es espacial. Con esa premisa, se presentan estudios de casos arquitectónicos y

Nombres propios como Diego Rivera o DinhQ. Lẻ junto a muestras dedicada a la modamasculina o al color en los textiles.

Epidemias Nueva York

América española Los Ángeles

Escocia Edimburgo

Futuro imaginario Cherasco

Moda masculina. Londres

relatos históricos junto con respuestas creativas de diseño a la citada pandemia. Así, pueden verse equipos de protección, infografías, carteles políticos, y también prototipos creados comunitariamente para brindar diferentes tipos de soluciones no solo en el campo sanitario, sino también, por ejemplo, en el diseño de edificios. cooperhewitt.org

realizada conjuntamente con el Festival Internacional del Cómic de Angulema, presenta numerosas láminas originales, acompañadas de grabados y objetos diseñados por el artista, así como de ampliaciones en color comentadas. centrepompidou.fr

DINH Q. LÊ

Hasta el 20 de noviembre.

Museo du quai Branly.

El hilo de la memoria y otras fotografías, así se titula esta exposición del artista vietnamita Dinh Q. Lê (1968), en la que se presentan varias series.

Por ejemplo, Luz y creencia, sobre su país natal; otra intenta contribuir a cuestionar la historia de Camboya y la representación del genocidio protagonizado por el régimen de los Jemeres Rojos.

THE ARMORY SHOW

Del 9 al 11 de septiembre. Javits Center.

Desde 1994 se viene realizando esta feria de arte moderno y contemporáneo internacional, y uno de los más importantes eventos anuales de arte en la ciudad, en el que las galerías internacionales de arte contemporáneo y moderno presentan obras importantes del pasado siglo y de este. Es de notar que esta feria extiende su presencia durante todo el año, ya que organiza un programa de conversaciones y eventos que se celebran antes y durante la feria. thearmoryshow.com

PARÍS

CHRIS WARE

Hasta el 10 de octubre. Centro Pompidou.

El dibujante e historietista gráfico estadounidense Chris Ware (1967) ha recibido la aclamación de la gran crítica y del público por su novela gráfica Jimmy Corrigan, el chico más listo del mundo (2001), y desde entonces su obra recibe gran atención. Esta exposición retrospectiva,

VENECIA CARLO GOLDONI

Exhibición permanente. Museo Carlo Goldoni.

Por su parte, la serie Esplendor y oscuridad entrelaza retratos de víctimas con los bajorrelieves de Angkor Wat, así como obras más recientes se centran en el drama de la travesía inmigrante del Mediterráneo. quaibranly.fr

a gran escala de los influyentes murales que creó en México y Estados Unidos: ese es el contundente volumen de esta muestra. En especial, se toca el periodo comprendido entre la década de 1920 y mediados de la de 1940, cuando estaba concibiendo una nueva visión de América del Norte basada en sus viajes por Méixco y Estados Unidos. Aparecen aquí muchos de sus temas favoritos: los mercados callejeros, las celebraciones populares y las imágenes del trabajo y la industria, así como algunos de los lugares que capturaron su imaginación, como Tehuantepec y Manhattan. sfmoma.org

TILBURGO PARA TEÑIR

Hasta el 13 de noviembre. Museo Textil.

El dramaturgo veneciano Carlo Goldoni (1707-1793) puede decirse que es uno de los pioneros de lo que llamamos teatro moderno. Su obra cumbre, sin duda, es Arlequino, servidor de dos patrones (1746), en donde recrea las vicisitudes de los personajes de la Commedia dell’arte, género del cual es considerado uno sus padres fundadores. Su casa natal, un típico palacio gótico, ademas de referencias a los principales temas de su obra –fue un prolífico autor–, alberga cuadros y muebles originales de época, teatros de marionetas de juguete y un centro de estudios teatrales. carlogoldoni.visitmuve.it

SAN FRANCISCO LA AMÉRICA DE DIEGO RIVERA

Hasta el 2 de enero. SFMOMA.

Más de 150 pinturas, frescos y dibujos del artista mexicano Diego Rivera (1886-1957), así como tres galerías dedicadas a proyecciones cinematográficas

La propuesta, como se puede colegir desde su título, es adentrarse en el mundo del color en los textiles. Sus orígenes e historia, que abarca siglos y continentes, hasta el impacto que su obtención provoca en las personas y el medio ambiente, está en el núcleo de la muestra. Además de obras de artistas y diseñadores de moda, este museo localizado en el sur de Países Bajos, cerca de la ciudad de Breda, explora los retos a los que se han enfrentado artesanos, artistas, diseñadores y científicos a lo largo de los años, así como las soluciones creativas que han encontrado en el tinte textil. textielmuseum.nl

VIENA

LOVE ME KOSHER

Hasta el 13 de noviembre. Museo Judío.

En la religión judía, el amor y la sexualidad tienen un papel esencial; desde el mismo Antiguo Testamento, la Torá, se deduce que es una parte natural de la vida. De hecho, las escrituras judías consideran que una vida sexual plena es un requisito previo para un matrimonio feliz. Esta exposición presenta una visión de un mundo no tan conocido, que abarca tanto los debates en el judaísmo moderno sobre la pareja como las cuestiones LGBTIQ. jmw.at

Love me kosher Viena

Armory show Nueva York

Dinh Q. Lê París Afterlives

Diego Rivera San Francisco

N úmeros

BIENVENIDO AL CLUB

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NOTAS

ARTESANÍA GOURMET

PLACERES DE LA GASTRONOMÍA DESTINADOS A SUAVIZAR LA VUELTA A LA RUTINA.

1. D.O.P. QUESO CAMERANO

Desde la Sierra de Cameros, en La Rioja, llega este queso elaborado con leche de cabra a través de un proceso de maduración natural. Ya cuenta con gran reconocimiento en países como Austria y Alemania y su variedad semicurada ha recibido la medalla de bronce en World Cheese Awards 2018 y 2019. quesocamerano.com

2. GRANDES PAGOS DE OLIVAR

La asociación recibe a su séptima firma, Masía El Altet, con su AOVE de pago Masía El Altet High Quality. Elaborado con las variedades Picual, Arbequina, Genovesa, Alfafarenca y Blanqueta, su sabor es herbáceo y afrutado, resultado de una cosecha temprana con el fruto verde. grandespagosdeolivar.com

3. LOLEA

Lolea Nº 1 es un aperitivo de carácter mediterráneo, elaborado a partir de una receta a base de tinto con uvas tempranillo, cabernet sauvignon, zumo natural de naranja, limón y un toque de canela Su nuevo formato en lata permite disfrutarlo en cualquier momento. lolea.com

4. LA PAJARITA

Una de las bombonerías más antiguas de Madrid lanza el capricho perfecto para los paladares golosos. Se trata de caramelos ácidos desenvueltos, disponibles en diez sabores, entre ellos, lima, piña, grosella, frambuesa, o clásicos como el limón o las hojas de menta. Su elaboración se remata con un almíbar que aporta una suave pátina de azúcar. bombonerialapajarita.es

5. DEHESA DE LOS LLANOS

La finca productora de quesos artesanales rinde homenaje a la economía rural con una cesta para picnic que incluye un ejemplar de Cima Mazacruz Blanco 2021, Queso Manchego Artesano D.O de la Finca y accesorios como una tabla de madera de fresno y el cuchillo Arcos. dehesadelosllanos.com

6. VARDON KENNETT

La bodega propiedad de Familia Torres lanza Cuvée Rosé de Mar 2017, un espumoso rosado con notas de cereza, elaborado íntegramente con pinot noir procedente de viñedos propios situados en el Alt Penedès. vardonkennett.com

CRISTÓBAL BALENCIAGA

EL MAESTRO DE TODOS

Este año se cumple medio siglo de la muerte de Cristóbal Balenciaga En la imagen, el diseñador en su taller parisino en 1968.

“UN MODISTO DEBE SER ARQUITECTO PARA LOS PLANOS , escultor para las formas, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo para las medidas”. Así reflexionaba Cristóbal Balenciaga (Guetaria, 1895-Jávea, 1972) sobre cómo un diseñador debía comprender su trabajo. El suyo elevó la moda a la categoría de arte, creando prendas de aspecto sencillo y fondo complejo. Frente a la silueta de busto realzado y cintura entallada que Christian Dior impuso en la posguerra, al diseñador vasco le llegó el éxito gracias a un estilo definido por la abstracción del cuerpo, que no se intuía bajo el vestido, posible gracias a la creación de un espacio extra entre la prenda y el propio cuerpo.

París se convirtió en el centro de su actividad desde la apertura de su boutique en 1937, aunque fue durante la década de los 50 y parte de los 60 cuando Balenciaga se situó en la cúspide de la pirámide de la alta costura. Durante estos años adquirió un dominio absoluto de la técnica e introdujo innovaciones que le permitieron evolucionar hacia una mayor simplicidad y pureza de formas. Su obra, definida por la confección de piezas esculturales, el uso audaz de verdes, amarillos, fucsias y azules

–utilizados por primera vez en la alta costura– y la experimentación con nuevos tejidos como el gazar o el plástico, será recordada en una serie original de Disney+ en la que el actor Alberto San Juan encarnará al legendario couturier

La maestría y carácter metódico de Balenciaga se manifestaba a lo largo de todo su proceso creativo, pues fue el único de sus coetáneos capaz de concebir un vestido de principio a fin, con el menor número de cortes posibles y sin apenas rastro de costuras. Junto a esta habilidad por crear volúmenes limpios, contundentes y sin adornos, sus diseños recogían la influencia del erotismo japonés, centrando la atención en el cuello y en las mangas, y referencias a la cultura española, como la rigidez de tejidos presentes en la pintura de Zurbarán o los gorros de los pescadores de su Guetaria natal. En 1968, tras la consolidación del prêt-à-porter y el triunfo de la juventud como nueva autoridad de la moda, el diseñador cerró todas sus tiendas y talleres. 50 años después de su muerte, su nombre permanece en el imaginario colectivo como el gran y único “maestro de la alta costura” del siglo XX.

Paula Polizzotto

OCLAST

AP HOUSES MADRID : SERRANO | BARCELONA : PASSEIG DE GRACIA