ART OF sommer edition 2022

ART OF DESIGN | TRAVEL | ART | FOOD | SPORTS | PORTRAIT

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Coverfoto Poured Staircase, 2021, Ian Davenport Chiostro Del Bramante, Rome - photography by Prudence Cuming Associates

LODGES .54 Almkräuterer und Meisterwurz | Tirol .56 Hochzilzer Premium Chalets | Tirol .58 Leni Mountain Chalet | Tirol .60 Grosslehen Chalets | Tirol

HOSPITALITY .61 Eco Luxus - Hotel Saltus | Südtirol .62 Six Senses - The Alpina | Gstaad .64 Designhotel Ullr | St. Anton .92 Ferien im Baudenkmal | Schweiz

MOBILITY & ART .72 BMC Masterpiece .82 Diversity by Bentley .84 Maserati & Star Chef

FASHION .66 Summer Rave | Raphael Kouto .68 Flattering Creations | Javier Reyes .70 Sneakers by UYN

CULINARY ART .86 Hospitality by Massimo Bottura .90 Rum Summer Cocktail | Rossi & Rossi .91 Wiener Mocca | Destillerie Freihof

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CONTENT PORTRAIT Liquid Colours by Ian Davenport .6 Star Chef Massimo Bottura .86

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ZURICH ART Haus Konstruktiv .16 Kreative Opulenz Zurich Art Weekend .22 Häusler Contemporary .26 Die Kunst der Passion Galerie Ziegler .32 Galerie WOS in Dreieinigkeit .36 Galerie Andres Thalmann .38 Art Forum Ute Barth .40 Young Art Matters Dada & Cabaret Voltaire .42 Galerie Fabian & Claude Walter .44 Schweizer Kunst im Herzen

ZURICH PLACES TO GO Kunsthaus .47 Galerien .48 Host Partners .48 Art Spaces .49 Kai Sushi Boat .50 Sablier Style Zurich Airport .51 Helmhaus - Best Small Art Hotel .52

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DESIGN Roger Jungo - Table Artist .74 Swiss Knife for Star Chefs .79 Grohe - hin zur Kreislaufwirtschaft .80 Friends Impressum

.93 .96

Interview ART OF YouTube channel

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LIQUID COLOURS

BY IAN DAVENPORT

art

In 1988, he was part of Damien Hirst's famous exhibition Freeze in the London Docklands, which is considered the birthplace of the Young British Artists. Only three years later, at the tender age of 25, Ian Davenport was nominated for the Turner Prize, the “Oscar” of the art industry. His painting 'Giardini Colourfall' at the 2017 Venice Biennale spanned 14m wide, including 1000 colours. His work enveloped the Jelmoli department store in 2016 with his pop-up artwork in Christo’s style; and has poured down staircases in the exhibition 'Crazy' currently on show at Chiostro del Bramante in Rome – as seen on our cover page.

Fascinating! On the occasion of his recently openened exhibition "Mirrors and Light" at Galerie Andres Thalmann (Zurich) we had the pleasure of interviewing Ian Davenport.

previous page Giardini Colourfall, 2017 Acrylic on aluminium mounted onto aluminium panel with floor section. 380 x 1400 cm. Image courtesy of Todd White On display at The Swatch Pavilion, for the 2017 Venice Biennale. r: Ian Working on Poured Painting Magenta, Orange, Magenta, 1999, image courtesy of Sue Arrowsmith. l: Portrait of Ian Davenport, © Daniel Chardon.

Tell us about the project in Chiostro del Bramante in Rome (our cover)!

It was a very challenging project. It took about six months of research and preparation! And then we had to build a replica of the staircase in Rome in my studio, all this was very time consuming. The actual painting process was done relatively ­quickly. The painting had to be completed within a single day because I needed to work into the colours while they were still wet! It was a unique and wonderful project. To make an artwork that interacts with a historic architectural monument was a unique but challenging opportunity.

For example, we were very concerned ­about not causing damage to any of the architectural elements. We had to find a way to fit our colours into the space because we weren't allowed to screw into the walls. It took quite a few site visits, measuring everything to a T and then wedging in the artwork.

I finished painting the day before Christmas. And then time was getting narrow until the artwork was dry enough to varnish it. It was one of the most stressful events I've ever done. But it was worth it. The juxtaposition really seems to work between the historical architecture and the contemporary, very colourful element we gave it.

Are you going more into architectural, that is to say, multi-dimensional artwork?

It creates a really interesting dynamic.

I’ve been interested in it for quite a long time. Travelling to Italy and seeing a lot of frescoes and murals inspired me. But it's also good to have a balance between doing those projects and then having studio practice as well. I’m really interested in colour, and the effects that colour can have on people. Then scale becomes really important because it adds so much drama.

The reaction of the people to Chiostro del Bramante?

People respond to an artwork like this very differently than in a gallery. It is an informal setting, they are more relaxed. They'll have photographs taken of themselves on the staircase. They engage with it in a very playful way. Because they can walk on it and literally enter it. It’s very touching to see that it makes people happy. And it ­attracts thousands of people to the site.

After the restrictions of the pandemic, in a way this kind of physical manifestation in itself was a release for me, a return to freedom. When the paint flowed it was under my control totally, mind you, a little bit might have been in the lap of the gods also. My wife said later on: “It looks a bit like an angel, the way it's spread out with

these two wings.” It’s in moments like this that you can feel that everything fits together.

How did you become an artist?

My mother had been to art school, my dad was an engineer. With them leaving blueprints and pens on the table, I got used to drawing and painting very early on, gaining a lot of confidence. At the age of 17, 18, I just felt I had to become an artist. Winning village prizes at first, I knew I could do this on a higher level. I was very lucky to study art at Goldsmiths at the University of London. I was at the right place at the right time. The dynamic and competitive atmosphere was extraordinary.

How did you begin your painting career?

At the beginning I worked monochromatically with juxtapositions between shiny and matte paints. Gradually I started to reintroduce colour. For some people it was quite a shock because they became comfortable with the kind of vocabulary that I set up and they recognised my work.

And I had quite a lot of early success. But even though all my galleries and collectors wanted me to carry on the old way, I couldn't make this art anymore.

I felt that I had to change something. It's intuitive, following your instinct. You're

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art

Ian in the studio, 2018 , Photography courtesy of Ian Davenport Studio r: Chromatic Tiger, 2021 Charity project, commissioned by WWF. Image courtesy of Ian Davenport Studio.

taking a risk and you don't know why, but you have to follow it. You have to get lost as an artist, that's kind of scary. At first everything collapses and looks pretty hopeless. Then you build back up again. Getting lost is part of how you develop as a person and as an artist.

And then you discovered the poured lines?

I watched the flow of paint with fascination. The gravity that makes it flow downwards and the randomness of the path inspired me to experiment with it. I started to apply the colours with a syringe at the top of a painting and let them flow downwards on thin steel sheets. In the beginning, the drips found their own way.

Irregular and organic patterns would emerge, moving downwards in slight curves. It was up to chance to determine the picture. Then I began to direct the paths of the drop. They became straighter, linear. But there is always an element of surprise, the balance between control and coincidence is crucial.

Would you say there is a connection between these images and music?

It’s about rhythm. The poured lines in different colours are like a musical composition, the sequence of colours has a way of reminding one of repeated refrains in a

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song, the rhythm of a drum or the guitar I play in my studio from time to time. Both conjure up specific feelings and energies.

How did you develop the splatter technique as a completely different approach?

I did a workshop with 22 children. They were quite naughty really. They started squirting each other in the face with the paint. There were black paint drops everywhere, then at one point, everything began to look fantastic and it was all full of beautiful colours and looked great. Back at my studio I thought: these splotches look really dynamic, an expression of freedom, very joyful and spontaneous. For me it was interesting to disrupt my very structured sort of painting.

Working alone during the pandemic, it was easier to work on paper than use heavy industrial materials. I was able to introduce an element of play into the work. I also developed a series of mirrored paintings, where I began painting from the center and working to the outside edge. I poured lines based on the idea of symmetry and mirroring. It was a reaction of sorts to the Covid-19 lockdowns, people reflecting on their lives. The mirror reflects the idea of self awareness.

Your own Covid reflection?

First a quiet time. I could really be creative. After eight to ten weeks I started to miss seeing people and the connection with nature. I became aware of how important relationships with friends and family really are.

What are your reference points in your oeuvre?

I've used nature or other paintings as a kind of colour reference in the work. I'm very interested in light and the effects of light and colour. I live in the city, sometimes it's just really good for my head to be in nature, breathe fresh air, see the sky, to be among trees and natural phenomena, I guess, it's a spiritual sort of thing.

Are the puddle paintings opening up ­additional dimensions?

Yes, people can walk on it! My paintings become quite precious and people are protective about them. But my paint is quite a tough material, and with a conventional varnish you can walk on it … in Rome some 4000 people walk up and down the stairs every weekend. So it's doing pretty good.

How do you perceive social media?

My artwork is normally shown in a tra-

art

ditional gallery context. I have an artist working in my studio, Hannah Tilson, she set me up an Instagram account in 2015.

It was really interesting that people of different spectrums of society responded to what I was making and became interested in my work. So it just opened up a bigger audience. And I've become more interested in using different spaces, like

the monastery in Rome. It could also be a film or a projection on a big building. Or a watch as we did with Swatch. I think I will always go on experimenting and dis­ covering new ways – that’s part of being an artist!

Ian, thank you very much for the interview!

WWW.IANDAVENPORTSTUDIO.COM Ian in the studio, 2018, Photography courtesy of Ian Davenport Studio

Ian Davenport im Farbenfluss Im Jahr 1988 war er Teil von Damien Hirsts Ausstellung Freeze in den Londoner Docklands, die als Geburtsstätte der Young British Artists gilt. Nur drei Jahre später, mit 25 Jahren, wurde Ian Davenport für den Turner-Preis, den "Oscar" der Kunstbranche, nominiert. Sein Gemälde "Giardini Colourfall" auf der Biennale von Venedig 2017 erstreckte sich über eine Breite von 14 Metern und umfasste 1000 Farben. Seine neueste Installation fliesst im Chiostro del Bramante in Rom die Treppen hinunter (Titelseite). Faszinierend!

Anlässlich seiner kürzlich eröffneten Ausstellung "Mirrors and Light" in der Galerie Andres Thalmann hatten wir das Vergnügen, mit Ian Davenport ein Interview zu führen. network

Erzählen Sie uns von der Treppe in Rom (unser Titelbild)!

Es war ein sehr anspruchsvolles Projekt.

Recherche und Vorbereitung dauerten sechs Monate! In meinem Londoner Studio bauten wir zeitaufwändig die Treppe genau nach. Der eigentliche Malprozess musste innerhalb eines Tages fertiggestellt sein, weil die Farben eingearbeitet werden, während sie noch feucht sind!

Ein Kunstwerk zu schaffen, das mit einem

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historischen Baudenkmal interagiert, war wundervoll, aber auch herausfordernd.

Wir durften z.B. unter keinen Umständen Schäden an den architektonischen Elementen verursachen, mussten einen Weg finden, unsere Farben in den Raum einzupassen, ohne Schrauben anzusetzen. Es waren einige Besuche vor Ort nötig, um alles genau auszumessen. Die Treppe, über welche sich 500 Jahre lang Mönche bewegten, hat sich im Laufe der Zeit verformt, das zu berechnen war richtig schwierig.

Einen Tag vor Weihnachten wurde ich mit dem Malen fertig! Und dann wurde die Zeit knapp, bis das Kunstwerk trocken genug war, um es zu lackieren. Das war eine der stressigsten Aktionen, die ich je gemacht habe. Aber sie war es wert, das Publikum hat toll reagiert. Das Zusammenwirken von historischer Architektur und zeitgenössischer, farbenfroher Kunst, scheint wirklich zu funktionieren.

ken und Wandmalereien. Sie haben mich inspiriert. Das Spannende daran ist die Dramatik, welche meine Kunstwerke im grossen Masstab entfalten.

Wollen Sie solch mehrdimensionale Kunstwerke noch weiterentwickeln?

Es ergibt sich einfach eine tolle Dynamik.

Ich interessiere mich schon seit langem für das Thema. Auf meinen Reisen durch Italien war ich beeindruckt von den Fres-

Wie haben Sie sich zum Künstler ent­ wickelt?

Meine Mutter hatte eine Kunstschule besucht, mein Vater war Ingenieur. Zeichnen und Malen war natürlicher Bestandteil meiner Kindheit. Ich gewann schnell

Wie unterscheidet sich denn die Reaktion der Menschen?

Die Menschen reagieren auf ein Kunstwerk wie dieses viel entspannter. Sie lassen sich auf der Treppe fotografieren. Sie beschäftigen sich auf sehr spielerische Weise mit dem Werk. Sie können es begehen, betreten. Es hat mich sehr berührt, die Menschen so glücklich zu sehen. Und sie kommen zu Tausenden.

Nach der Pandemie war diese Arbeit auch eine Befreiung für mich selber. Und in fliessender Farbe steckt ja immer auch ein Götterfunke. Meine Frau sagte: "Die Treppe sieht ein bisschen aus wie ein Engel, der seine beiden Flügel ausbreitet." In solchen Momenten weiss man, dass alles stimmt.

Giardini Colourfall, 2017 Image courtesy of Todd White On display at 57th Venice Biennale 2017.

Cork Street Fantasy Project Image courtesy of Ian Davenport Studio

Ian Davenport Studio. Photography by Laurent Y. Thalmann.

Selbstvertrauen, einige Preise und wusste schon mit 17, 18 Jahren, dass ich auf diesem Gebiet ein hohes Niveau erreichen kann. Mein Glück war, an der Goldsmiths University of London Kunst zu studieren.

Hier herrschte zu dieser Zeit eine aussergewöhnlich dynamische Atmosphäre.

Wie entwickelte sich Ihre Malerei?

Zu Beginn arbeitete ich monochrom im Wechselspiel von glänzenden und matten Farben. Sukzessive begann ich mehr Farben einzusetzen. Für einige Leute war das ein Schock. Ich war zuvor bereits sehr erfolgreich und Kunden wie Galeristen waren von mir eine bestimmte Bildsprache gewohnt. Aber ich konnte nicht mehr im alten Stil weitermachen. Ich folgte meinem Instinkt, der mir zu verstehen gab, etwas ändern zu müssen, ohne zu wissen warum. Um sich als Künstler weiterzuentwickeln, muss man sich zeitweise verlieren. Am Anfang bricht alles zusammen, sieht hoffnungslos aus. Dann kämpft man sich wieder an die Oberfläche.

Und dann haben Sie die Poured Lines (fliessenden Linien) entdeckt?

Ich betrachtete die der Schwerkraft folgende, nach unten fliessende Farbe. Die Zufälligkeit des Weges hat mich inspiriert.

Ich begann, die Farben mit einer Spritze aufzutragen und sie auf dünnen Stahlblechen nach unten fließen zu lassen. Zu Beginn finden die Tropfen ihren eigenen Weg, es entstehen zufällige, leicht kurvige Muster. Dann begann ich, die Tropfen zu lenken. Sie wurden geradliniger, linearer.

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Gibt es eine Verbindung zwischen diesen Bildern und Musik?

Es geht um Rhythmus. Die gemalten Farblinien sind wie eine musikalische Komposition, die Abfolge der Farben erinnert an sich wiederholende Refrains in einem Lied, den Rhythmus einer Trommel oder der Gitarre, die ich von Zeit zu Zeit in meinem Studio spiele.

Wo suchen Sie Bezugspunkte oder Ruhe für Ihre Kunst?

Ich habe die Natur oder Gemälde berühmter Maler als Farbreferenzen in meinen Arbeiten verwendet. Ich interessiere mich grundlegend für die Wirkung von Licht. Da tut es manchmal einfach gut, Natur, Himmel und Bäume zu betrachten und sich inspirieren zu lassen.

Wie kommt man denn plötzlich zu einer solch gegensätzlichen Splatter-Technik?

22 Kinder waren für einen Workshop bei mir zu Gast. Sie fingen an, sich gegenseitig zu bemalen. Überall war Farbe! Gleichzeitig sah es fantastisch bunt aus! Zurück in meinem Atelier dachte ich: Die Dynamik dieser Kleckse ist fröhlich und spontan.

Sie ermöglichten mir, meinen sehr strukturierten Malstil zu durchbrechen.

Auf mich alleine gestellt, verzichtete ich in der Pandemie auf schwere industrielle Materialien. Die «Splatters» auf Papier brachten ein spielerisches Element in meine Arbeit. Eine andere Reaktion auf Covid 19 war die Entwicklung der Serie von symmetrischen Spiegelbildern (mirrored paintings), bei denen ich von der Mitte ausgehend zum äußeren Rand hin male. Sie stehen für die Thematik der Reflexion und Selbsterkenntnis.

Die Puddle Paintings (Pfützenbilder) eröffnen neue Dimensionen?

Ja, die Leute können darauf gehen! Meine Bilder sind wertvoll und wollen natürlich geschützt werden. Aber Farbe ist ein ziemlich robustes Material, und dank eines herkömmlichen Lacks kann man sie problemlos begehen. Die Treppe in Rom wird jedes Wochenende von etwa 4000 Menschen begangen. Es hält also.

Wie haben sie die Covid-Einsamkeit erlebt?

Zuerst war es eine wundervoll ruhige Zeit.

Ich konnte wirklich kreativ sein. Nach acht bis zehn Wochen begann ich, die Menschen und die Natur zu vermissen. Da wird einem bewusst, wie wichtig Freunde und Familie wirklich sind.

Wie wichtig sind Ihnen Soziale Medien?

Meine Kunstwerke sind normalerweise in einer Galerie ausgestellt. Die Künstlerin Hannah Tilson, die in meinem Atelier arbeitet, erstellte 2015 einen InstagramAccount. Es war wirklich erstaunlich, zu sehen, wieviele Menschen aus allen Gesellschaftsschichten sich für meine Kunst interessieren. Es inspirierte mich, meine Kunst weiter zu öffnen, wie mit der Klostertreppe in Rom. Es könnte auch ein Film sein oder eine Projektion. Es ist wichtig, weiter zu experimentieren - das ist Teil des Künstlerdaseins!

Ian, wir bedanken uns herzlich für das Interview!

Olympia 2018 Large-scale Puddle Painting. Acrylic on aluminium mounted onto aluminium panel, 290 x 200 x 100cm, Mirrors and Light exhibition at Galerie Andres Thalmann, 2022, © Photo: Daniel Chardon

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Photo: © Daniel Chardon

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zurich art

Kreative Opulenz

Ausstellungsansicht Claudia Comte, Geometrische Opulenz, Museum Haus Konstruktiv, 2022. Foto: Stefan Altenburger

Schon das Äussere passt zum Thema. Eckig, mit klaren Linien präsentiert sich einer der schönsten Zürcher Industriebauten. Mit viel Leichtigkeit Im Inneren feiert das Museum Haus Konstruktiv als eine der wenigen Institutionen in Europa das Erbe des wichtigsten Schweizer Beitrags zur Kunstgeschichte: die konstruktiv-konkrete Kunst, zu deren Vertretern Max Bill, Camille Graeser, Richard Paul Lohse und Verena Loewensberg gehören.

Das zentrale «Empfangskomitee» ist diesmal (Mai 2022) ein Werk von Claudia Comte anlässlich der Ausstellung «Geometrische Opulenz». Es bespielt die Besucher flirrend, die Sinne durcheinanderwirbelnd mit einer vier Meter hohen architektonischen Wellen-Skupltur. ­Herausragend und ein guter Ausgangspunkt, um mit Sabine Schaschl, Direktorin, in ihre Kunst-Welt einzutauchen.

Wie plant Sabine Schaschl eine solche Ausstellung?

Unser Glück ist ein hevorragender Kreis von Gönnern, das hat sehr über die Pandemie hingweggeholfen!

Mein Team und ich planen jede Ausstellung step-by-step, weil wir zu Beginn

noch nicht wissen, auf welche Finanzen wir bauen können. Während der Pandemie wurde mir bewusst, dass man «danach» wieder das Leben in vollen Zügen geniessen, die Sinne in Eindrücken schwelgen möchten, deshalb die Opulenz.

Nun ist das Museum Haus Konstruktiv der Abstraktheit verpflichtet, was mich zum pfiffigeren Ausdruck "Geometrische Opulenz" führte. Dann suchte ich die Künstler:innen und entwickelte eine räumliche Aufteilung. Eine Stiftung übernahm die Finanzierung des nicht ganz billigen Hauptwerks von Claudia Comte «Head and Tails». Von da weg hatten wir die Basis für die Fortführung der Arbeit.

Von aussen werdet ihr als grosses Museum

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zurich art

wahrgenommen?

Das ist richtig. Wir erhalten tausende Anfragen, wir sind als Ausstellungsraum heiss begehrt. Den Begehrlichkeiten stehen aber die Grenzen unserer privaten Finanzierung gegenüber.

Ihr habt ja auch den Übernamen der ­«little tate» erhalten?

Das war eine schöne Schmeichelei. Wie die Tate sind wir an einem Fluss, in einem Industriebau gelegen und machen ein entdeckungsfreudiges Programm. Wir haben über die Jahre sehr namhafte Künstlerpositionen gezeigt, weshalb unser Ruf im Ausland vielleicht sogar höher bewertet wird als im Inland. Wir haben viele Künstler von Rang und Namen als erste in die Schweiz gebracht: William Kentridge, Etel Adnan, Tomás Saraceno, Alicja Kwade und viele andere.

Die Betreuung von Künstler:innen ist nicht immer einfach…

Da hatte ich Glück. Ich musste auch mal einem Starkünstler (Cerith Wyn Evans) sagen: «This institution can not take divas, it is not because we do not love them but we can not pay them.” Er antwortete: “It is a big difference if you are a diva or if you act like a diva.” Er ging auf eigene Kosten ins 5-Sterne-Hotel – und er hatte natürlich recht (schmunzelt).

Künstler:innen in ihren Ateliers besuchen… … mache ich wahnsinnig gerne! Nie vergessen werde ich William Kentridge. Er hatte wohl gedacht, dass es nur um ein Video ginge. Nach fünf Minuten realisierte er, dass es um eine grössere Ausstellung (The Nose) ging, er annullierte sämtliche Meetings, wir gingen in seine Privatwohnung, er versammelte sein ganzes Team und legte los… auch der Besuch bei Etel Adnan in Paris war unvergesslich.

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Wie sehen sie den Stellenwert von Kunst in Zürich?

Ich sag es mal neutral: die gebotenen künstlerischen Inhalte übertreffen bei weitem die Werbung, welche die Stadt für uns macht.

Das Zurich Art Weekend hat da zum Glück viel bewirkt. Zürich und Basel haben international einen hohen künstlerischen Stellenwert, wobei die Art Basel sich inzwischen mit Miami, Paris und Hong Kong ver-globalisiert hat (lacht). Andere Städte und Länder bewerben Kunst und Kultur jedenfalls intensiver. Da ist man stolz auf dieses Erbe.

Wie definiert sich konstruktiv-konkretkonzeptuelle Kunst?

Es handelt sich um eine gegenstandlose Kunst. Die Anfänge gehen zurück auf 1913, die Ikone hier ist das schwarze Quadrat von Malewitsch. Die Idee war, dass die Kunst die Schaffung einer neuen Gesellschaft mitgestalten will. Für diese Veränderung konnte man nicht auf alte Kunstformen zurückgreifen, sondern arbeitete mit der Gegenstandslosigkeit. Die Zürcher Konkreten nahmen dies auf. Max Bill formulierte um 1936 nochmals aus, dass die Idee die Schaffensgrundlage darstellt und alle Mittel, Formen und Strukturen erlaubt seien und sich nicht mehr an Gegenständen oder der Natur orientieren sollen.

Zudem kamen Druckgrafiken als Basis der Kunst für Alle ins Spiel.

Die amerikanische Konzeptkunst entwickelte sich in den 60er Jahren. Klassiker ist hier Joseph Kosuth, wo der echte Stuhl, seine Abbildung und die Definition eines Stuhls im Wörterbuch sich gegenüberstehen. Damit veränderte sich das Verhältnis von Bild, Wort und Präsentation. Er stellte die Kunstpraxis von handgemachten Originalen und austauschbaren Abbildungen in Frage.

Die Dramaturgie und Choreographie einer Ausstellung? Passen sich diese dem Wandel der Bedürfnisse des Publikums an? Wie wählt man die Künstler aus?

Ich nehme natürlich wahr, was das Publikum gerne hat. Auch die Bedeutung der Sozialen Medien bleibt uns – und den Künstler:innen – nicht verborgen.

Ich wähle die Künstler:innen nach dem programmatischen Anspruch des Hauses aus. Ich suche immer die Andockstellen an unsere Thematik und weniger die epigonenhafte Wiederholung. Auch die Künstler verwenden bewusst oder unbewusst solche Andockstellen. Die Auswahl wird dadurch präzise. Für das Publikum ist dann aber der Eindruck einer Ausstellung entscheidend, die Lust macht, sich auf etwas einzulassen.

Wir machen auch viele Führungen, haben ein tolles Kunstvermittlungsprogramm für Kinder. Wir sind Gründer der KinderKultur-Akademie Zürich KKAZ, ein interdisziplinäres Kulturvermittlungsprojekt für Kinder und Jugendliche. In den einzelnen KKAZ-Veranstaltungen experimentieren die Kinder in den verschiedenen Kunstdisziplinen Musik, Theater, bildende Kunst oder Tanz und entwickeln dabei auch eigene Kunstwerke.

Ein Projekt, das mich total begeistert ist: Ich seh’s anders! Hier kommt jedes Jahr eine Gruppe von Erwachsenen, mit und ohne Behinderungen, im Museum Haus Konstruktiv zusammen. Während fünf Monaten erarbeiten die Teilnehmenden gemeinsam neuartige Vermittlungsformate zu den ausgestellten Kunstwerken – und machen eine Führung. Erstaunlich, wie innovativ und vielfältig Sinneswahrnehmungen interpretiert werden.

Jose Dávila, Installation view, Museum Haus Konstruktiv, 2022, Foto: Stefan Altenburger Ausstellung Haus Konstruktiv: Jose Davila vom 2.6.-11.9.22

Jose Dávila, The act of being together, 2021 – Steel, metal, boul-

Imi Knoebel, Basel Fenster 10 Ed. (Entwurf Nr. 8 von 12),

ders, Variable dimensions, Foto: Stefan Altenburger

2020, Acryl auf Plastikfolie, 101.4 x 161.6 x 4.5 cm, Sammlung Museum Haus Konstruktiv; Schenkung Galerie von Bartha, Basel. Foto: Andreas Zimmermann

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Jose Dávila , Memory of a Telluric Movement

Fritz Glarners “Rockefeller Dining Room” revisited by Alfredo Häberli, Dauer-Installation view Museum Haus Konstruktiv, 2016. Foto: Stefan Altenburger

Constructive Concrete Art The exterior already has a way of setting the tone for the inte­ rior. Displaying square, angular and clear lines makes Museum Haus Konstruktiv one of Zurich’s most compelling industrial buildings. With its light-infused interior it is one of the most important institutions in Europe representing Switzerland’s prolific contribution to the history of art. This happens to be with its take on conceptual art in the form of: Constructive Concrete Art. With a strong emphasis on geometrical abstraction, it has amongst its exponents: Max Bill, Camille Graeser, Richard Paul Lohse and Verena Loewensberg. network

Taking centre stage as its “welcoming committee” in May 2022 is an artwork by Claudia Comte. The four meters high architectural wave sculpture has a topsy-turvy way of playing with the senses and was created in honour of this expo: Geometric Opulence. As curator Sabine Schaschl tells us, the expos’s quirky choice of name came about because of the museum’s abstraction brief on the one hand. And on the other, what better way than an opulence of impressions, to indulge the senses after the constraints of the pandemic? When a foundation sponsored the financing of “Heads and Tails” (Claudia Comte’s masterpiece), the basis for the continuance of work on the expo had been set.

ART OF went to find out more about this intriguing venue from Sabine Schaschl: On the outside people see you as quite a substantial museum?

That’s right. We get a lot of enquiries for exhibition space.

Museum Haus Konstruktiv, 2018, Foto: Peter Baracchi

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You’ve also acquired the title of “Little Tate”?

That was very flattering. Like the Tate we’re situated on a river in an industrial area and we pride ourselves in a programme taking visitors on a rich journey of discovery with renowned artists.

zurich art

This has perhaps given us an even bigger reputation abroad than domestically. We were the first in Switzerland to bring to the country some of the big names like: William Kentridge, Etel Adnan, Tomás Saraceno and Alicja Kwade among many others.

Taking care of artists isn’t always easy …

Luckily I have a knack for it. I once said to Welsh top conceptual artist Cerith Wyn Evans: “This institution cannot take divas, it’s not because we do not love them but we cannot pay them.” His reply was: “It’s a big difference if you are a diva or if you act like a diva.” He was someone who’d stay in a five-star hotel at his own expense. He was of course right (she smiles).

How highly ranked is art in Zurich?

Zurich and Basel have a high international standing in the art world. Art Basel has now become a global player. In any case, other cities and countries promote art and culture more intensively.

king rules for conceptual art based on the notion that the idea or concept forms the creative basis and that all mediums, forms and structures are permissible, and should no longer have to orientate themselves on objects or nature. Printmaking of artworks came also into play. US conceptual art evolved in the sixties and here the iconic Joseph Kosuth comes to mind with his artwork constituting: The actual chair, a rendition thereof as a picture on the wall, not to mention a ‘plaque’ citing the dictionary definition of a chair.

The dramaturgy and choreography of an exhibition: Is it adapted to a changing audience and how do you select the artists?

I obviously take note of what the general public likes. Also the importance of social media does not escape us – and the artists. I tend to steer away from slavish repetition and I select the artists for how their works lend themselves to the museum’s thematic brief in a meaningful way, as do the artists even if unknowingly. But finally it’s ­about the exhibition being sufficiently inviting for visitors to come, see and perceive it. We also offer

Timo Nasseri, Geometrische Opulenz © 2022, ProLitteris, Zürich, courtesy der Künstler. Foto: Stefan Altenburger

How best would one define conceptual art in the form of Constructive Concrete Art? It’s about an objectless art. It had its heyday in 1913 and iconic for it is: “Black Square” a painting by Russian artist Kazimir Malevich. Art at the time was intended to shape a new society.

Old art forms were not conducive to this change. Objectless abstractions as an art form were perfect for it and Zurich’s artists eventually also adopted it. In 1936 Max Bill went as far as ma-

guided tours and as founders of the KKAZ Zurich-based art academy offer a great interdisciplinary art education programme for youngsters within the context of music, theatre, visual arts and dance.

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8001 Zürich | Switzerland

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zurich art

A-Crush – ein Platz, wie man ihn sich zum Kunst-Machen vorstellt.

Ein wenig chaotisch, improvisiert, mit einem Mix an Styles, ehemaliges Industriegebäude, ideal für Künstler, die sich an richtig grossen Kunstwerken versuchen wollen.

Hebekräne, Material und Raum vorhanden. Es wird geschliffen, gemalt, Metallstaub liegt in der Luft – und eine tolle Bar, vor welcher sicher 200 Leute Platz finden.

Charlotte von Stotzingen begrüsst mich mit ihrem typisch schelmischen Lächeln, das Neugierde, Offenheit und Initiativgeist gleichermassen ausstrahlt. Ein kleiner Rundgang durch die Hallen: «In dieser Atmosphäre wurde Zurich Art Weekend gegründet. Das ist unsere Basis.»

Photo: © Daniel Chardon

Wie kam es zu den Zurich Art Weekends?

Die Art Basel hat eine derartige Anziehungskraft entwickelt, dass sich verschiedene öffentliche und private Institutionen sowie Galerien sagten: diese Gelegenheit darf man nicht ungenutzt lassen, die weltweite Kunstelite nach Zürich einzuladen.

Schliesslich kommen alle internationalen Besucher in Zürich an! (we are the hub) Ich kam 2018 genau im richtigen Moment nach Zürich, als diese Diskussion im Gange war. Wir wollten aber bewusst ein Kontrastprogramm zur Art Basel setzen. Es ging uns nicht um den Verkauf, sondern darum, die gesamte Kunstwelt von Zürich in Szene zu setzen. Neben den Galerien und Museen wollten wir von Beginn weg

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den direkten Kontakt mit Künstlern ermöglichen, Talks organisieren, Off-Spaces (wie den A-Crush) besichtigen. Man soll förmlich in die Zürcher Kunstszene eintauchen können.

tigen Galerien sind in Zürich vertreten.

Aber eben nicht nur die Galerien. Es gibt eine relativ unbekannte Kunstszene. Ich war selber total überrascht, welch hohe Dichte an Offspaces Zürich bietet.

Was bietet ihr den Besuchern an?

Inzwischen bieten wir in den drei Tagen der Hauptveranstaltung im Juni um die 90 Ausstellungen und fast 150 Events an.

D.h. dass pro Anlass 10-15 Teilnehmer registriert sind und dadurch ein sehr persönlicher Austausch möglich wird.

Offspaces sind meist nichtkommerzielle, (von Künstlern oder Kunststudenten) selbstorganisierte, flexible und unabhängige Kunsträume. Diese sind ständig im Wandel. Aber aus der Sicht der Kreativität sind sie das Symbol für eine lebendige Kunstszene. Diese alternative Seite der Stadt Zürich ist wenig bekannt, trägt aber enorm zur Vielfalt bei. Für die Kunstschulen gilt dasselbe.

Was macht die Kunstszene von Zürich aus?

Sie ist sehr progressiv. Sie lebt. Alle wich-

Zurich Art Weekend

Chromophilia. Hauser & Wirth. ZAM 2022. Photo: © Urs Westermann.

Ihr geht das Thema Kunst auch interdisziplinär an?

Absolut. Zürich bietet im Bereich Schulen und Hochschulen Weltklasseniveau. Das konnten wir nicht beiseitelassen. Künstler und Wissenschaftler verbindet ja gewisse Gemeinsamkeiten. Da ist die ewige Neugier, Neues zu entdecken, Offensichtliches zu hinterfragen, aber auch die Suche nach universellen Wahrheiten.

Die Wege dahin sind extrem unterschiedlich, aber Ziele und Motivationen nicht unähnlich. Es ist immer interessant, verschiedene Welten zusammenzubringen.

Beide Welten benötigen auch den Mut, Wege zu beschreiten, die vorher noch niemand begangen hat.

Evan Ifekoya. RESONANT FREQUENCIES. Migros Museum für Gegenwartskunst. ZAM. 2022. Photo: © Urs Westermann.

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zurich art

Dieses Jahr bieten wir mit der ETH eine Konversation um das Thema AI + ART, d.h. wie künstliche Intelligenz und Kunst sich beeinflussen und miteinander umgehen können. Das Blockchain Center der Universität Zürich präsentiert neue Erkenntnisse zu Crypto Art und NFT. E.A.T. und Tokengate präsentieren die erste NFT und Metaverse Konferenz. Dazu kommen

die vielen Artist Talks, Galeristen, die sich persönlich engagieren. Das ZAW konzentriert und packt die Zürcher Kunstwelt und weitere Institutionen sowie Stiftungen in ein extrem verdichtetes Programm.

Kooperationen und Netzwerk?

Darum geht es, unser Ansatz ist es, als Non-Profit-Organisation möglichst alle

an der Kunstwelt Beteiligten zusammenzubringen, ein interessantes Programm zusammenzustellen, das möglichst viele Kunstinteressierte anspricht, auch einem breiteren Publikum zugänglich macht.

Und wir vernetzen uns auch international mit Bejing, mit Art Basel, Art Geneve und anderen, sind also auf alle Seiten hin offen.

Bilder: Image selection from ZAW 2021. Photos: © Urs Westermann.

Acrush – a spot where art is in the making Imagine a venue that fits exactly how you How did the Zurich Art Weekends come would imagine it – where art is in the maabout? king! Acrush is such a venue. Housed in a Private institutions and galleries in Zurich former industrial building, a little chaotic, took their cue from Art Basel when they improvised with a mix of styles, it’s ideal recognised how popular it had become, for artists keen to give really large art- saying: This is an opportunity that cannot works a go. Here hoisting cranes, mate- be left unused to invite the world’s art e­ ­lite rials and plenty of space are on hand. On to their city also. Zurich is after all Switzerentering the building, there is sanding and land’s hub for international visitors! painting going on, the air filled with metal dust. To complete the scene: A superb bar I came to Zurich at just the right time bethat can host some 200 people. cause 2018 was the year in which discussions like this were taking place. For our After a small tour through the ambient part we felt strongly about deliberately halls in which Zurich Art Weekend was having the programme for Zurich in confounded, Charlotte von Stotzingen, with trast with that of Art Basel. It wasn’t so her welcoming smile exuding curiosity, much about sales as it was about putting openness and drive in equal doses, shares Zurich’s world of the arts on the map. more on this extraordinary initiative: Alongside the galleries and museums, we network

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wanted to facilitate direct contact with the artists from the get-go, organise talks and inspect ‘off-spaces’ (like Acrush). Literally making it possible for interested parties to dive into the Zurich art scene.

What can visitors expect?

In the main event in June, almost 90 exhibitions and 150 events stretching across three days! This translates as ten to 15 participants registered for each occasion and making possible highly personalised interaction opportunities.

What defines Zurich’s art scene?

It’s very avant-garde. It’s alive. All the important galleries are represented in Zurich. But not only the galleries. There exists an art scene that is relatively un-

zurich art

known. I myself was totally surprised at what a high density of ‘off-spaces’ is available in Zurich. These are usually noncommercial, self organised, flexible and independent art spaces (run by artists or art students). They are constantly in the throes of change. But from a creative perspective they symbolise a vibrant art scene that is alive. This alternative aspect to the city of Zurich is lesser known. How­ ever contributes largely to its diversity.

You also approach the topic of art on an interdisciplinary basis?

Absolutely. Zurich offers world-class schools and tertiary institutions. We could

not ignore that. Certain commonalities do after all combine artists and scientists.

There is the perpetual curiosity to discover new things, questioning the obvious and the search for universal truths. The paths to get to these can be very different, but the goals and motivation behind them not dissimilar. Both require the courage to tread as yet uncharted territory.

This year the ETH AI Center at the University of Zurich is introducing a conversation around the topic of AI + ART, that is to say how artificial intelligence and art meet in the middle to reach one another. Also on campus the university’s Blockchain Center

is presenting its new findings on Crypto Art and NFT (the non-fungible token digital identifier). E.A.T and Tokengate present the first metaverse NFT Art conference.

Collaborations and networks?

Absolutely! The approach we take as a non-profit organisation is to bring every­ one involved in the arts world together in an interesting programme that appeals to as many individuals as possible and also makes it accessible to a broader general public.

With fast-growing networking abroad like with Beijing – the world is our oyster.

Geometric Opulence. Haus Konstruktiv. ZAM 2022. Photo: © Urs Westermann.

ZURICHARTWEEKEND.COM 8048 Zurich | Switzerland

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zurich art

Wolfgang Häusler ist einer dieser Galeristen der alten Garde, die unmittelbar Vertrauen erwecken.

Die innere Passion strömt aus allen Poren.

Wenn er ins Schwärmen kommt, geschieht dies leise und zurückhaltend.

Häusler – die Kunst der Passion Wie wird man Galerist?

Ich wurde im Elternhaus früh mit Kunst konfrontiert, wälzte mich durch unsere Kunstbücher-Bibliothek. Das hinterliess eine Memorierung von Bildern, die mich prägte. Künstler zu werden, fanden meine Eltern gar keine tolle Idee. Mit 16 Jahren verschlang ich die Biografie von Daniel-Henry Kahnweiler, dem legendären Händler von Braque, Léger und Picasso.

«Dann werde ich der Kahnweiler meiner Zeit», verkündete ich überschwänglich!

Mit 17 und 18 Jahren machte ich dennoch selber Kunst, Performance, Skulptur, Text. Das war die Zeit von Handkes Publi­ kumsbeschimpfung. Ich war wohl ähnlich aufmüpfig wie der sozialkritische Schriftsteller Franz Michel Felder, der mich beeindruckte. Ich bewegte mich im Spannungsfeld zwischen Kleinbürgertum, den Wiener Aktionisten und Literaten wie Monika Helfer.

Dieses Spannungsfeld zog sich fort?

Genau, ich begann eine Banklehre, was sich im nachhinein als gute Basis erwies, denn gerade als Galerist muss man gut mit Geld jonglieren können, auch wenn die wenigsten darüber sprechen. Parallel entwickelte ich mich zum Künstler, stellte in wichtigen Kunsthäusern Österreichs aus, weigerte mich aber, meine Werke zu verkaufen, weil ich mir immer der Verantwortung im Verhältnis zwischen Künstler und Sammler bewusst war. Diese Verantwortung zur Weiterentwicklung wollte ich nie übernehmen. Ich wollte frei bleiben.

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Gary Kuehn Ausstellung «BOX PIECE» Häusler Contemporary Zürich (2022). Photo: Peter Baracchi

Meine Kleider-Skulpturen im öffentlichen Raum erregten zudem die Gemüter – das war vielleicht eine heilend-schockierende Erfahrung.

Und die Bank?

Da war ich ziemlich erfolgreich. Ich genoss viel Freiraum, durfte kreativ, produktgestalterisch tätig sein, brachte da schon Kunst und Architektur zusammen, entwickelte Projekte, in welchen es um «Gemeinsames Bauen» ging. Nach 20 Jahren auf der Bank zog es mich 1988 zurück zur Kunst. Meine Frau unterstützte mich auf diesem «sozialen Abstieg» (lacht) – ich eröffnete mein Büro für Kunst- und Kulturberatung, unterrichtete gleichzeitig in Linz Kulturmanagement. Da realisierte ich, wie schlecht sich Künstler vermarkten und diese Kommunikationslücke zwischen Auftraggebern und Künstlern wollte ich füllen. 1992 übersiedelte ich

nach München, eröffnete hier meine erste Galerie.

Die Tätigkeit in der Beratung zwischen Kunst und Architektur, zwischen privaten Sammlern, Museen, Institutionen und Unternehmen sollte mich fortan begleiten.

Wann kam James Turrell ins Spiel?

1992 wurde ich nach Paris eingeladen.

Es ging um das Bühnenbild Red Eye von James Turrell für die Oper «To be sung» von Pascal Dusapin, es sollte allenfalls verkauft werden. (lacht) Was sich als unmöglich herausstellte, er hat ja nur mit Licht gearbeitet. Aber ich lernte Turrell persönlich kennen. Sensationell, wie der damals Kunst verhandelt hat: Auf der einen Seite des Tisches sassen die französischen Intendanten der Oper und erklärten wortreich ihre Vorstellung des Bühnenbildes. Auf der anderen Seite Tur-

rell, in Jeans mit Cowboy-Hut und Cowboy-Stiefeln, der ganz trocken zuerst mal seine Forderungen platzierte. Das waren die Franzosen nicht gewohnt, am Ende klappte aber alles und das sensorische Erlebnis war denn auch beeindruckend.

Mich inspirierte diese Ambivalenz zwischen Kunst und Kommerz. Die Kraft, die ich daraus schöpfe, treibt mich heute noch an. 1997 holte ich Turrell mit einer Lichtinstallation zur Eröffnung des von Architekt Zumthor neu gestalteten Kunsthauses Bregenz. Von da weg begleitete uns ein tiefes Vertrauensverhältnis. Wir arbeiten nun seit 25 Jahren zusammen.

Eine der besten Performances, die mir bis heute in Erinnerung geblieben ist, war diejenige mit Wolfgang Flatz bei der Leichtathletik-WM 1993 in Stuttgart. Porsche ging es damals schlecht und Flatz

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zurich art

Brigitte Kowanz, ALWAYS A WAY ALWAYS AWAY, 2019-2021, Europaallee, Zürich. Foto: Peter Baracchi.

Courtesy: SBB und Stadt Zürich.

konzipierte um ein Containerdorf auf dem Schlossplatz in Stuttgart ein VIP-Areal, das von 125 weissen und 125 schwarzen Porsche umzingelt wurde. Nach dem Motto: Schimmelparade (lacht). Die Leute waren natürlich hin und weg, bei der Auffahrt waren Teile von Stuttgart gesperrt, durch die sich die 250 Porsche bewegten. Eindrucksvolle Performance Art. Da gab es eine nette Anekdote: Wir sassen mit dem Baden-Württembergischen Ministerpräsidenten Erwin Teufel und einigen Beamten zu Tisch für das Konzept und die Vertragsunterschrift. Flatz hatte seine Dogge dabei, die nervös rumschnüffelte. Da ruft der Flatz: «Hitler, Platz!»

Und der Teufel zuckt zusammen!

Dem Flatz seine Dogge hiess nämlich Hitler! Und Teufel mussten wir danach zuerst mit einigen Erklärungen beruhigen.

Dann kam die Galerie-Phase?

Ab 1997 widmete ich mich mehr der Gale-

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rie, arbeitete mit Künstler:innen wie Mary Heilmann, David Reed, Hamish Fulton, Jürgen Partenheimer, Keith Sonnier, Judy Ledgerwood, Gary Kuehn, Brigitte Kowanz. 2007 eröffnete ich die Zürcher Galerie, die nach einer konzeptuellen Idee von Turrell umgebaut wurde. Parallel haben wir im Lauf der Jahre viele Projekte realisiert, gerade die Lichtkunst benötigt da meist ein ganzes Team von Designern, Ingenieuren, Lichtspezialisten.

Welche weiteren Künstler haben Dich geprägt?

Weitere Lichtkünstler! Weil wir die Sammlung von Zumtobel betreut haben. So kam ich immer wieder mit dem Thema Lichtkunst in Kontakt. Turrell zeigt ja kein Licht, ein Keith Sonnier arbeitet mit Licht, inszeniert Licht. Das Ausloten dieser Dualität fand ich immer extrem spannend. Brigitte Kowanz wiederum benutzt das Licht als Code, als Inhalt, nicht als Leuchtquelle.

Und die konzeptuelle Malerei hat mich und meine Frau Christa persönlich begeistert. Von einem David Reed bis Gary Kuehn. Beeindruckt war ich auch immer von der persönlichen Passion eines Roman Signer. Bei ihm stand nie das Geld, sondern die Kunst im Vordergrund.

Diese Künstler hinterlassen für mich die tiefsten Spuren. Künstler wie er sind oft seriöse, scheue Menschen, die aber durch ihre Kunst provozieren, aufrütteln und dann ob dieser Wirkung dennoch überrascht sind. Auch Hamish Fulton gehört für mich in die Kategorie der (letzten) "wahren" Künstler.

Was fehlt der Kunst heute?

Nicht der Kunst, den Menschen fehlt etwas – und zwar Zeit. Wir haben keine Zeit mehr, um uns auf Kunst einzulassen! Alles muss sofort wirken. Kunst braucht Zuwendung, Kunst braucht Zeit.

David Reed Ausstellung VICE AND REFLECTION #2 (2019) Neues Museum Nürnberg. Photo: Annette Kradisch « Menschen fehlt die Zeit!

Kunst braucht Zuwendung, Kunst braucht Zeit.»

Begehbare Lichtinstallation von Keith Sonnier im Gebäude der Münchner Rückversicherung. Photo: Florian Holzherr.

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zurich art network

Häusler Contemporary – where art needs time

Wolfgang Häusler is one of those oldschool gallerists who immediately make us feel at ease. Living and breathing his inner passion, when he expresses his excitement about something, he does so quietly and with restraint.

So how does one become a gallerist?

Art was part of my home life early on. I found myself wading through my parents’ entire library of art books forming the memory bank that shaped me. They didn’t think me becoming an artist was a great idea. “Then I’ll become my era’s Kahnweiler,” I declared exuberantly. Granted, by the tender age of 16, I had already devoured the biography of the legendary art collector who championed Braque, Léger or Picasso. Still, the next two years I got involved in the arts myself sculpting and writing, and even did performance art.

That was in the mid sixties during Austrian writer Peter Handke’s ‘anti-play’ “Offending the Audience”. It reminded me of myself and I found myself moving in between a dichotomy of petit bourgeoisie and Viennese actionists or literary figures like Monika Helfer.

Would you say this dichotomy propagated itself?

Absolutely. I then went on to do an apprenticeship in a bank, a good thing in retrospect because as a gallerist you need to be able to juggle money, even if talking about it is taboo. At the same time I began developing myself as an artist, showcased my work in important art establishments in Austria. My sculptures in public spaces were causing quite a stir – perhaps in a way it was a shocking and healing experience at the same time. Still, I refused to sell my works, always aware of the responsibility when it came to the relationship between artist and collector.

And the bank?

I was quite successful there. I was after all given plenty of freedom that gave me the

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leeway to be creative and involve myself in product design. Then already I made it my mission to bring art and architecture together and developed projects involving ‘communal architecture’. After 20 years in banking, in 1988 I was drawn back to art.

My wife helped me through this ‘move down’ in life (laughs) – I opened my art and culture consultancy, taught courses in cultural management in Linz. It was then that it struck me how poorly artists were marketing themselves and I wanted to fill the gap between client and artist. I relocated to Munich in 1992 and opened my own art gallery there. This endeavour of consulting between art and architec­ ture and mediating among collectors, museums, institutions and companies was going to be an integral part of my life from thereon.

When did James Turrell enter into the picture?

In 1992, when I was invited to Paris. It was in connection with “Red Eye”, the stage set by James Turrell for the opera “To be sung” by Pascal Dusapin. The set was going to be up for sale (laughs). It turned out to be impossible. Turrell did after all only ever work with light. It was then that I got to know the light projection expert personally. Sensational best describes how he negotiated art: On one side of the table sat the French directors of the opera and eloquently explained their idea of the stage design. On the other side was Turrell, in jeans with a cowboy hat and boots, who placed directly his demands.

The French were not used to this, but in the end everything worked out and the sensory experience was impressive.

It was this kind of ambivalence between art and commerce that inspired me. The strength I draw from it still drives me to this day. In 1997, I commissioned Turrell to do a light installation for the launch of the contemporary art gallery Kunsthaus in

Bregenz, designed by Swiss architect Peter Zumthor. This was the beginning of a collaboration based on deep trust. We’ve been working together ever since for the past 25 years.

One of the most powerful pieces of performance art to date whose impression will always stay with me is the one with artist Wolfgang Flatz at the 1993 World Championships in Athletics in Stuttgart. Porsche was in a bad way at the time and Flatz conceptualised a VIP precinct around the container village on the Schlossplatz square and encircled it with 125 white and 125 black Porsches. Parts of the city had to be cordoned off; still by­ standers were suitably impressed.

And then the gallery phase came ­about?

As of 1997 I devoted myself more to the gallery, worked with international artists like Mary Heilmann, David Reed, Hamish Fulton, Jürgen Partenheimer, Keith Sonnier, Judy Ledgerwood, Gary Kuehn and Brigitte Kowanz. In 2007 a Turrell-conceptualised refurbishment meant the launch of Häusler Contemporary in Zurich.

Which other artists influenced you?

More light artists! Since taking care of the collection of Austrian lighting solutions giant Zumtobel, light art is something I’ve become acquainted with. Turrell for his part ­doesn’t show any light; the late Keith Sonnier would stage light as the content of his performance art. I find fathoming out this contradiction very exciting. Brigitte Kowanz for her part uses light as the content, not the light source.

What is missing from art today?

Nothing is missing from art. Something is missing from the people – and that some­ thing is time. We no longer have time to engage in art! Everything has to come together immediately. Art needs devotion.

Art needs time.

James Turrell Skyspace: Espíritu de Luz at Mexico’s Tec de Monterrey University campus.

Officially opened Feb. 2022 It was produced by Mexico City gallery OMR in collaboration with Zurich's Häusler Contemporary.

Photo: Andrea Alonso

Skyspace: Spirit of Light is the third of Turrell's Skyspaces in Mexico. The others are in the botanical gardens of Culiacán, Sinaloa, and the Tree of Light Amphitheatre in Yucatán.

Turrell now realized over 90 Skyspaces worldwide.

HAEUSLER-CONTEMPORARY.COM 8006 Zürich | Switzerland

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zurich art

Die Ziegler Schräg gegenüber dem Kunsthaus, im Gebäude des Schauspielhauses, entführt uns der Lift in die hohe Welt der Kunst, in die Galerie Ziegler.

Besucher werden höflich empfangen, keine Spur von elitärem Verhalten.

Renée (RZ) und Maurice Ziegler (MZ) erwarten mich für das Interview, sie gelten mit ihrer 1959 in Zürich gegründeten Galerie in Zusammenarbeit mit der zweiten Generation, Sandra und Serge Ziegler, als ältestes aktives Galeristenpaar der Schweiz – und wahrscheinlich darüber hinaus.

Ihr habt Euch in Paris kennengelernt?

RZ: Mein Patenonkel Hermann Rupf aus Bern verschaffte mir ein Praktikum bei Daniel-Henry Kahnweiler in der Galerie Louise Leiris. Wir lernten Künstler wie Pablo Picasso, André Masson oder Fernand Léger persönlich kennen! Das prägte uns, es war eine traumhaft schöne Zeit, die wir genossen. Viele Türen haben sich damals für uns geöffnet. MZ: Ja, das waren bewegte Zeiten, in Paris traf sich die Kunstwelt. Zu dieser Zeit arbeitete ich als Architekturstudent im Büro von Bernard Zehrfuss am UNESCO-Gebäude in Paris. Und ich konnte meine Leidenschaft für das aktuelle Kunstgeschehen mit Renée teilen, das war wunderbar. RZ: Zurück in Zürich wollten wir uns unbedingt für Kunst einsetzen, das war für uns wie eine innere Verpflichtung. Es gab damals erst wenige Galerien für zeitgenössische Kunst in der Schweiz. Die Kunst, welche wir kennen- und lieben gelernt hatten, wurde hier nicht gezeigt. MZ: Kahnweiler unterstützte uns für die erste Ausstellung mit einigen Léger-Grafiken. Wir brachten danach weitere französische Künstler in die Schweiz und entdeckten gleichzeitig Schweizer Künstler wie 1961 z.B. Bernhard Luginbühl, mit dem wir danach während fast 15 Jahren zusammenarbeiteten.

Renée (RZ) und Maurice Ziegler (MZ).

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1963 in New York, das war ein einschneidendes Erlebnis?

RZ: Diese Reise hat uns neue Welten in der

1986 JEAN ARP Skulpturen Reliefs Collagen Zeichnungen und Grafik in der Galerie Ziegler, Zürich Foto: Jean-Pierre Kuhn, Zürich

Kunst eröffnet. So konnten wir nach unserer Rückkehr in die Schweiz unserem Publikum einen direkten Zugang zur neuen us-amerikanischen Künstlergeneration eröffnen. MZ: Dank Arnold Rüdlinger, dem damaligen Direktor der Kunsthalle Basel, hatte es sich ergeben, dass wir uns einer Reisegruppe des Kunstvereins NordrheinWestfahlen für eine dreiwöchige New York-Reise anschliessen konnten. Diese charterte eine Constellation für die 250 Teilnehmer! Wahrscheinlich waren wir mit die ersten, welche New Yorker Künstler in ihren Ateliers besucht haben, überall waren wir herzlich willkommen, und lernten grossartige Künstler der aktuellen Szene wie Al Held, George Sugarman, Mark Rothko und Tony Smith kennen, zwei Jahre später auch Kenneth Noland und Bob Huot. 1985, auf dem Weg an die Chicago Art Fair, entdeckten wir zwei junge Graffiti-Künstler. Wir luden Rammellzee und Phase Two sowie ihre Galeristen im Folgejahr in unsere Galerie nach Zürich ein. Die Werke für die Ausstellungen entstanden vor Ort.

Gleichzeitig habt ihr Euch auch der jungen Schweizer Kunst angenommen?

RZ: Neben Bernhard Luginbühl hatten wir eine langjährige Zusammenarbeit mit Dieter Roth, Daniel Spoerri, Richard Paul Lohse, Gianfredo Camesi, und später auch mit Jean Tinguely und Meret Oppenheim.

MZ: 1974, vor ihrer ersten Ausstellung bei uns, schockte uns Meret mit der Ansage, dass sie ihre Verkaufspreise verdoppelt habe! Denn, nachdem sie nun so lange für kleine Preise nichts verkauft habe, könne sie ebensogut für doppelte Preise nichts verkaufen! Die Ausstellung wurde ein Riesenerfolg.

Wie haben Auktionen und Messen die Kunstwelt verändert?

MZ: Die Messen kamen in den 70er-Jahren auf. In den Entstehungsjahren der Art Basel, 1971-1976, war ich Mitglied des Beirats. Über die Jahre hinweg ist zu beo­ bachten, dass Messen, ja, der Kunstmarkt überhaupt, Dimensionen angenommen haben, die zum Teil abstrus sind. Früher kam es kaum vor, dass es Sammlern genügte, ein Werk, das sie nie gesehen hat-

ten, einfach in ihrem Depot zu haben.

Es scheint als hätten wir es mit Parallelwelten zu tun: Einerseits die uns seit jeher bekannten klassischen Galeriebesucher und -kunden, die aus eigenem Antrieb Interesse an Kunst bekunden und sich visuell schulen, kunstaffin sind, und die zunehmende Investorenschar, die an Auktio­ nen und grossen Messen unterwegs ist. Eine wichtige Vermittleraufgabe nehmen viele Kunstmuseen wahr, wobei einige leider wie platte Unternehmen geführt werden – dort mangelt es an Passion. Ein umfassenderes Kunstverständnis würde auf jeden Fall zur Gesundung des aktuellen Kunstmarktes beitragen.

Letztlich war und ist es immer unser Ziel, Menschen für Kunst zu begeistern.

Nimmt doch die Kunst den Betrachter mit auf innere Reisen. Es ist die geistige Reise zu neuen Kunst-Ufern, was uns angetrieben hat und was wir mit unseren Möglichkeiten weitergeben möchten.

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zurich art

Golden years gallery couple’s love affair with art Diagonally across from Zurich Kunsthaus time that had a formative influence on – in the same building housing one of the us, opening many doors. MZ: Yes, those most prominent theatres in the German- were eventful times. At the time I was speaking world the Zurich Schauspiel- working as an architectural student for haus – the lift abducts us into the eleva- the late renowned French architect Berted world of art. When the doors open we nard Zehrfuss and could share my passion are greeted with a warm welcome as we for art with Renée. It was wonderful. RZ: step into the Galerie Ziegler. Renée (RZ) Back in Zurich we felt it our duty to make and Maurice Ziegler (MZ) await us for the a stand for art. At the time, contemporary interview. Their gallery founded in Zurich art galleries in Switzerland and hence the in 1959 together with second genera- art we had come to love, were few and far tion Sandra and Serge Ziegler, effectively between. MZ: Kahnweiler helped us along ­makes them the oldest couple actively with some Léger graphics for our first running a gallery in Switzerland – perhaps exhibition. In time we had more French even worldwide. artists exhibit and also discovered Swiss artists, like Bernhard Luginbühl in 1961, You met in Paris? which led to long-term collaborations.

RZ: My godfather secured me an intern­ ship with Daniel-Henry Kahnweiler in Your visit to New York in 1963 was decisive? the Galerie Louise Leiris. We got to know RZ: The art tour opened unparalleled new artists like Pablo Picasso, André Masson doors to art for us. MZ: We may well have and Fernand Léger in person. A superb been amongst the first folk who visited network

Sandra und Serge Ziegler - vor einem Werk von Merrill Wagner

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New York artists in their studios. Among them were the likes of Al Held, George Sugarman, Mark Rothko and Tony Smith who were trending at the time. A few years later we also got to know Kenneth Noland and Bob Huot. Then in 1985, en route to the Chicago Art Fair, we discovered two young graffiti artists. We invited Rammellzee and Phase Two to our gallery in Zurich the following year. The works for the exhibit were created on-site.

At the same time you took care of Swiss art?

RZ: Ongoing collaborations for many years with Bernhard Luginbühl, Dieter ­ Roth, Daniel Spoerri, Richard Paul Lohse, Gianfredo Camesi all come to mind, and later on Jean Tinguely and Meret Oppenheim as well.

How have auctions and art fairs changed the world of art?

MZ: Art fairs came about in the seventies.

At the time, I was a member of the advisory council of Art Basel. Over the years, what could clearly be observed was that art fairs and the arts market specifically, were taking on some whole new, at times very perplexing dimensions. In the past, for example, it would be unheard of for collectors to have works in their art depots that they had never seen.

It’s almost like living in parallel worlds: On the one hand, there are the traditional gallery visitors and clients who have always been around. Those who under their own steam show an interest in art and are art savvy. On the other hand, there is this growing flock of investors who frequent auctions and large art trade fairs. Nowadays many art museums are even run like businesses – some lack passion. I say a more encompassing understanding of art will go a long way in contributing to some healing from the state of the current art market.

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Galerie Ziegler, Zürich Standaufnahme Art 35 Basel 04. Foto: Galerie Ziegler, Zürich.

Pablo Picasso, Fernand Léger, Al Held, Meret Oppenheim, Kimber Smith, Yves Klein (table bleue), Bernhard Luginbühl, Jean Tinguely, Max Bill, André Thomkins.

Richard Paul Lohse, Durchdringung von drei horizontalen Bändern 1982, Serigraphie, Auflage 100 Ex., 50 x50 cm.

Foto: Peter Schälchli, Hrsg. Edition Ziegler, Zürich

WWW.GALERIEZIEGLER.CH 8001 Zürich | Switzerland

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Galerie WOS in Drei-Einigkeit Selten und speziell. Hier haben sich drei Brüder im Geiste zu einer Galerie zusammengetan. Claudius Ochsner als ehemaliger Präsident des Kunsthandelsverbands und seiner Erfahrung aus der New Yorker Galerie Barr & Ochsner ist der Primus inter Pares. Auch Daniel Wahrenberger ist seit 1994 im Galeriegeschäft. Und mit Thomas Schafflützel ist das Fortbestehen gesichert.

2020 haben die drei sich für ihre Galerie nicht nur ein gut gelegenes Plätzchen an der Kirchgasse 28 ausgesucht (oberhalb des Grossmünsters) – der Geheimtipp ist der romantische Garten im Herzen der Altstadt, der sich der Galerie anschliesst und nicht nur Skulpturen wie denjenigen von F.S. Feichter ein äusserst attraktives Ambiente bietet, sondern den Blick zum Himmel öffnet. Für eine Reflexions- und Wahrnehmungspause ideal.

Auffallend ist auch das legere Ambiente, welches Kunden schnell in einen Wohlfühlmodus versetzt. Trotz oder vielleicht wegen ihren mehr als 50 Jahren Erfahrung im Kunsthandel kümmern sie sich angenehm zurückhaltend und stilsicher um die Klientel.

Der Fokus liegt auf der europäischen Malerei des 20. Jahrhunderts, amerikanischer Nachkriegskunst, zeitgenössischer Kunst und Fotografie. Bei jedem meiner Besuche empfand ich den Mix von Malerei und Skulpturen äusserst gelungen. Ein Dietmar Wölfl, dessen Malerei mich tief beeindruckte, trifft man auch mal persönlich an der Vernissage von Picasso & Friends.

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Überhaupt scheinen die drei ein Faible zu haben für einen sehr persönlichen Bezug.

Sie lassen sich nicht von Kritikern beirren.

Wenn sie einen Jungmaler wie Leon Löwentraut persönlich gut finden, ziehen sie das durch. Aufsehenerregend war es allemal. Auch den jungen Fotografen Zak van Biljon fand ich spannend.

Demgegenüber steht eine lange, fast 100 Künstler umfassende Liste von arrivierten Namen wie Jean Tinguely, Not Vital, Henri Matisse, Max Bill. Dazu gehört auch ein anerkannter Künstler und Ausnahmetalent wie John Kiki, dessen Sonderausstellung an der Art Innsbruck für Aufsehen sorgte. WOS besitzt die weltweit grösste

Sammlung dieses ursprünglich aus Zypern stammenden Künstlers, der seine Inspiration aus der antiken Mythologie bezieht.

Für grössere Ausstellungen können die WOS Galeristen nicht nur ins gegenüberliegende architektonisch anmutende Kulturhaus Helferei ausweichen. Sie verfügen seit 2021 über einen 350m2 grossen Showroom im Geschäftshaus SeedammCenter in Pfäffikon Schwyz. Hier finden nicht nur grössere Ausstellungen statt, als Besucher kann man einen Blick hinter die Kulissen werfen und in aller Ruhe – beraten von einem der drei Galeristen – seine Lieblingsexponate aus über 1000 Werken aussuchen.

Kulturhaus Helferei Einzelausstellung Leon Löwentraut. Foto: S. Drüen

Feel-good factor gallery of note Special and rare, Zurich’s Galerie WOS is the ambit of the collaboration between three ‘brothers’ in spirit. Claudius Ochsner is the former president of the Swiss Art Trade Association (during 14 years) and his experience in gallery Barr & Ochsner, a platform for American art, has no equal.

Daniel Wahrenberger has also been in the gallery business since 1994, and with Thomas Schafflützel its continued existence is secured. In 2020 the three selected for the location of Galerie WOS: Kirchgasse 28 up from the Grossmünster cathedral. network

On entering its doors, what is striking is the relaxed atmosphere that quickly ­creates that feel-good factor for clients.

Despite their joint experience in the art trade of 50 years, or should one say because of it, the reserved way they deal with clients has a compelling stylishness about it.

The gallery’s focus is on an eclectic mix of European art from the 20th century, American post-war art, contemporary art and photography. And the mix between sculptures and paintings is also just right.

You might even come across an artist like Dietmar Wölfl in a private viewing of Pi-

Galerie WOS Showroom Pfäffikon SZ. Foto: S. Drüen

casso & Friends. If the truth be told, the three do tend to have a soft spot for personal connections. They don’t allow themselves to be blinded by the critics. When they personally feel that a young artist like Leon Löwentraut is good, they’ll run with his paintings.

Other noteworthy works you’ll come across here are the young and exciting photographer Zak van Biljon. Juxtaposing his works is a long list of almost 100 established artists like Jean Tinguely, Not

Vital, Henri Matisse, Max Bill and last but not least John Kiki. Actually, the WOS hosts the world’s biggest collection for this artist who originally hails from Cyprus.

In their newly opened showroom in Pfäffikon (SZ) outside of Zurich visitors have the opportunity to discover more than 1000 artworks.

GALERIE-WOS.COM 8001 Zürich | Switzerland

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Galerie Andres Thalmann 1996 half Carina Andres Thalmann bei einer Vernissage an der Art Basel aus. Lawrence Rubin, einer der bekanntesten New Yorker Galeristen von damals, der Künstler wie Rauschenberg oder Lichtenstein betreute, bot ihr wenige Wochen später die Leitung seiner Zürcher Galerie an!

Ich sagte ihm: «I am a lawyer in preparation for the bar exam and have strictly no idea of art dealing.” Er: “I saw you, you will learn everything by doing. I would like you to start the day after your exam!” Und so kam es dann auch! Ich habe den wagemutigen Schritt nie bereut. Ein Jahr später eröffnete er eine Galerie in New York und Mailand. Ich durfte zusammen mit einer Partnerin die Zürcher Galerie übernehmen, welche wir zu zweit zehn Jahre lang führten. Toll war, dass die meisten Künstler die Zusammenarbeit mit uns fortführten, wie beispielsweise Howard Hodgkin und Donald Sultan. Nach zehn Jahren trennte ich mich von meiner Partnerin und eröffnete meine Galerie an der Talstrasse. Die grossen internationalen Künstler von Nigel Hall über Donald Sultan, Howard Hodgkin bis Joan Hernandez Pijuan durfte ich weiter vertreten. Hinzu gesellten sich weitere Grössen wie Michael Craig-Martin, Ian Davenport, Claude Viallat oder auch Erwin Blumenfeld, um nur einige zu nennen.

flanierenden Fußgängern zu jeder Tages- und Nachtzeit wahrgenommen werden kann – zufällige Passanten werden so immer wieder zu Neukunden.

Die Leidenschaft für die Kunst... ... wurde mir in die Wiege gelegt, in Venezuela! Sonntags besuchte ich als Kind mit meinen Eltern oft Vernissagen. Vor den 2000erJahren waren Vernissagen wirklich für Kunstbegeisterte gedacht, während sie heute regelrechte Social Events darstellen.

network

Messen?

Die Art Basel war ein Must, die ich als Kind bereits besuchte.

Für die Galerie ist die wichtigste Messe im Jahr die Art Paris, wo ich die Gelegenheit erhielt, als Teil des Auswahlkomitees, ihre unglaublich positive Entwicklung der letzten fünf Jahre zu begleiten. Seit dem Brexit erfährt der Kunstplatz Paris eine internationale Aufwertung.

Die eigene Galerie... ... an der Talstrasse habe ich vor vierzehn Jahren von der international renommierten Interior Designerin Iria Degen umgestalten lassen. Im Unterschied zu anderen Galerien wollte ich mich gegen aussen bewusst offen präsentieren, aber trotzdem über genügend Ausstellungsfläche verfügen. Iria Degen hat diese Herausforderung brilliant mit der Idee einer drehbaren Wand gelöst, wodurch der Galerieraum bei jeder Ausstellung eine vollkommen neue Wirkung entfaltet. Die hervorragende Lage unserer Eckgalerie im Zusammenspiel mit der Präsentation der Werke hat sich ausbezahlt, da dadurch die Ausstellung auch von

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Die Rolle als Galeristin... macht mir immer noch viel Spass. Eine Mischung zwischen Diplomatie, Kreativität und Kommerz. Vieles basiert auf Vertrauen und ungeschriebenen Codices. Die Vielfalt der neuen Medien und die mit ihnen aufkommenden Onlineverkaufsplattformen – die sowohl von Auktionshäusern, Galleristen wie auch von Künstlern genutzt werden – führten zu einer Verschmelzung des Primär- und Sekundärmarktes. Dies sind grosse Herausforderungen, aber auch Chancen und fordern eine hohe Flexibilität des Galleristen.

Where curb appeal is the name of the game In 1996 Carina Andres Thalmann was helping out at Art Basel.

A few weeks later, Lawrence Rubin, one of the most well-known New York gallerists at the time – with the likes of artists like Rauschenberg or Lichtenstein under his wing – wanted her to take charge of his Zurich gallery. She tells us her story: I told him: “I’m a lawyer busy preparing for the bar exam and have strictly no idea of art dealing.” He said: “I saw you, you will learn everything by doing. I would like you to start the day after your exam.” And so it happened! I never regretted the daring step. A year later Lawrence Rubin launched a new gallery in New York and Milan. I was allowed to take over the Zurich gallery with a business partner, and together we led the it for the next ten years. After this time I separated from my partner and opened my own gallery on Talstrasse in Zurich. It was amazing that all the well-known international artists – such as Joan Hernandez Pijuan, Nigel Hall, Howard Hodgkin and Donald Sultan – continued the collaboration. Other famous artist like Michael Craig-Martin, Ian Davenport, Claude Viallat and Erwin Blumenfeld, to name but a few, joined my new gallery too.

Where did your passion for art stem from?

Sundays as a child growing up in Venezuela I often accompanied my parents to vernissages. Prior to the 21st century these were really the ambit of art enthusiasts, nowadays they’re veritable social events.

Art fairs?

Art Basel was a must for many years. For the gallery, the most important fair of the year is Art Paris, where I was given the opportunity, as part of the selection committee, to follow its incredibly positive development over the last five years.

The own gallery... on Talstrasse was designed by the renowned interior designer Iria Degen. I wanted to present myself openly to the outside world, while keeping enough exhibition space. Iria Degen brilliantly solved this challenge with a revolving wall, which gives the gallery space a completely new effect with every exhibition and can turn random passers-by into new customers.

Your role as a gallery owner?

I still enjoy it to this day. It’s a mix between diplomacy, creativity and commerce. A lot is based on trust and unwritten rules. The diversity of new media and the emerging online sales platforms – used by auction houses, gallerists as well as artists – have led to a merging of the primary and secondary markets, demanding an increasing flexibility on part of the gallerist.

WWW.ANDRESTHALMANN.COM 8001 Zürich | Switzerland

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zurich art

Woher kommt Ute Barth?

Ich komme aus der Kunstgeschichte, habe dann 10 Jahre in einem Auktionshaus gearbeitet. Mit diesen gegensätzlichen Polen ist man gut gerüstet für das Galeristendasein! Im Auktionshaus lernt man, wie der Markt funktioniert. Dass die Nachfrage, und nicht immer die Qualität, den Preis bestimmt. Seit 1995 bin ich beratend tätig, z.B. Sammlungsaufbau, mache Schätzungen, Integration Kunst am Bau. Und seit 1998 betreibe ich meine eigene Galerie.

Wie steht es um die visuelle Schulung?

Unsere Kunden sind oft kunstaffin, beschäftigen sich mit den Künstlern, haben ein geschultes Auge. Altersmässig geht das von 18 über 80, aus allen Einkommensschichten. Es gibt Studenten, die ein Bild in Raten abzahlen.

Von Bankern gab es mal die Nachfrage nach Kunst-Kursen, ich gab dann tatsächlich FIT FOR MODERN ART Kurse, also Grundlagenkurse, wie sich moderne Kunst gliedert und aufbaut. Dafür habe ich leider keine Zeit mehr.

Ute Barth Young Art Matters Art Forum Ute Barth ist einer dieser wenigen klassischen Programmgalerien, welche mit (selbst) ausgewählten Künstlern über viele Jahre zusammenarbeitet. Ute Barth hat gar einen eigenständigen Young Award für Künstler unter 33 Jahren ins Leben gerufen!

Thematisch widmet sich die Galerie besonders abstrakt expressiver Kunst seit der Klassischen Moderne. Die Galerie in einem historischen Riegelhaus aus dem 17. Jahrhundert im Zürcher Seefeld bietet – mit angrenzendem Garten – ein einmaliges Ambiente für die Inszenierung von Kunst.

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Was motiviert einen im Alltag?

Ich mag es einerseits, mich längere Zeit mit Künstler:innen auseinanderzusetzen, diese zu begleiten. Da gibt es auch mal Talsohlen, aus denen wieder ganz neue (tolle) Dinge entstehen. Und anderseits widme ich mich gerne den kunstaffinen Sammlern, welche eben diese Künstler sammeln – und oft ebenso lange begleiten. Diese Vermittler- und Förderrolle motiviert mich fortlaufend.

Ihr habt eine sehr ausgewählte Künstlerschar?

Ich sag manchmal, ich führe eine Partnerschaft mit 12 – Künstlern (lacht). Man wird nicht reich dabei, aber es ist ein Luxus, sich – basierend auf gegenseitigem Vertrauen - mit interessanten Menschen und ihrer Kunst zu beschäftigen.

Der Young Art Award <33?

Der Young Art Award ist ein experimenteller Raum, in dem wir jungen, am Anfang ihrer Karriere stehenden Künstler:innen den Raum geben, ihre neuesten Werke zu präsentieren. Wir stellen unser Know How und unser Netzwerk zur Verfügung, um die Gewinner:innen des Förderpreises gezielt zu fördern.

Bilder: Installationen Hans Thomann, © Daniel Chardon

Art Forum Ute Barth Art Forum Ute Barth is one of those few traditional galleries that work with select artists … and selects these artists itself.

Housed in a 17th century timber-framed house in Zurich’s Seefeld quarter, the gallery is dedicated to art from the beginnings of abstraction until today. network

Tell me about Ute Barth’s story?

My background is in the history of art, but I also worked for an auction house for ten years. These career polar opposites can give one a really good founding for the life of a gallerist. Auctioneering teaches one how the market works. You realise that it’s not always quality but demand that determines the price. For more than twoand-a-half decades, consulting in establishing collections, doing estimates and

integrating art into building construction work has been my thing, as has running my own gallery since 1998.

Do your clients all have an eye for art?

Mostly yes, they inform themselves. They can range anywhere from 18 to 80 plus, come from every walk of life and we even have students who’ll pay off a painting in instalments. Some bankers once wanted me to do an art course to benefit them, so for a while I taught them my: Fit for modern art course.

What drives you on a daily basis?

On the one hand, I especially enjoy accompanying artists on their art journey.

Sometimes there’ll be lows that again lend themselves to a whole wonderful

new lease on life. On the other side of the spectrum, I also like devoting my time as an intermediary and facilitator for the artsavvy collectors who collect the art these artists create.

The Young Art Award for Under 33s?

The Young Art Award is an experimental space where we give young artists the opportunity to present their latest works.

We make our know-how and our network available to specifically promote the winners of the award.

ARTFORUMUTEBARTH.COM 8008 Zurich | Switzerland

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zurich art

Dada & Cabaret Voltaire Dadaismus und Cabaret Voltaire sind untrennbar miteinander verknüpft. Und Dadaismus ist selten so aktuell wie heute!

Heute wie damals – die Entstehung fällt auf die Jahre 1915/16 – tobt Krieg in Europa und lässt uns vieles, Dadaist:innen würden sagen, alles hinterfragen!

Das Cabaret Voltaire gilt als Geburtsort des Dadaismus. Es wurde zum Brennpunkt verschiedener Figuren: Hugo Ball und Emmy Hennings aus dem wilhelminischen Deutschland, Tristan Tzara und Marcel Janco aus Bukarest, der deutschfranzösische Künstler Hans Arp als Verbindung zwischen Konstruktivismus und Dadaismus.

Dada? Der Begriff ist so sinn- und konzept-

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los wie die Bewegung selber. Hugo Ball, so die Legende, stoch mit einem Federmesser in ein deutsch-franz. Wörterbuch und landete bei „Dada“, ein Kinder-Stammelwort für Holzpferdchen.

Trotz oder gerade wegen seiner Konzeptlosigkeit war der 1. Weltkrieg zentrales Thema. Viele Dadaist:innen waren Exilanten aus kriegführenden Ländern und Kriegsgegner. Mit ihrer anarchistischen Antikunst manifestierten sie die Sinnlosigkeit des Krieges. Ein kunstvoll-improvisierter Protest gegen alle Konventionen.

Damit waren sie ihrer Zeit weit voraus und bereiteten die Basis für spätere Bewegungen wie Punk, Performance und Street Art. Was mit Chansons und Gedichten von

Emmy Hennings anfing, erfuhr seine Forsetzung in Redeströmen, Ausdruckstänzen bis hin zum berühmt-berüchtigten Lautgedicht von Hugo Ball, das in seinem Inhalt und der Kostümierung exemplarisch für den Dadaismus steht: «gadji beri bimba glandridi laula lonni cadori…».

Hugo Ball: «Wir müssen uns in die tiefste Alchemie des Wortes zurückziehen…».

Das Publikum explodierte in Gefühlsexzessen der Verwunderung, des Erstaunens, des Lachens und der Ungläubigkeit.

Nach nur fünf Monaten schloss das Cabaret Voltaire seine Pforten, ob wegen Beschwerden oder Erschöpfung der Darsteller bleibt ungewiss! Bis 2002 eine Reihe von Künstler:innen gegen die Umnutzung des Gebäudes protestierten, die Bevölke-

rung sich des kunsthistorischen Zwecks bewusst wurde und die Stadt Zürich die Nutzung im "Dada-Sinne" dem heutigen Trägerverein zuführte.

Der 2021 erschienene Dada Pocket Guide von Cabaret Voltaire und Kunsthaus Zürich, das eine der grössten Dada-Sammlungen beherbergt, verbindet alle Lokalitäten, in welchen sich Dadaist:innen trafen, Lenin über Politik oder C.G. Jung über das Unterbewusste debattierten.

Salome Hohl, die heutige Direktorin: «Wir versuchen, das Erbe von Dada immer wieder neu zu interpretieren. Ilaria Vinci steht mit ihrer aktuellen Ausstellung Phoenix Philosophy Café (bis 9.7.23) symbolisch für diese Wiedergeburt. ektor garcia zeigt bis Sept. 2022 eine temporäre Installation

nudos de tiempo aus bunten Häkelarbeiten, Metall- und Keramikskulpturen – und erstmals auch handgemachtes Papier mit Kupferdraht und Wolle, welche sich in den Raum ausdehnen. Das Formenvokabular des nomadisch lebenden Künstlers ist extensiv, fluid und widersetzt sich einer festen Zuschreibung. Das ist ganz im Sinne des Dadaismus.

Wir führen auch das kollaborative und theatralische Element fort, zeigen im ursprünglichen Cabaret-Raum musikalische und künstlerische Darbietungen, betreiben eine Bar mit Café. Wir wollen den Ort lebendig halten, Kunstgeschichte und Kunst sollen sich hier überlagern, Vergangenheit und Zukunft in einen Dialog treten. Wir wollen in der Tradition des Dadaismus offen bleiben für alle Ausdrucksformen.»

1. Aussenaufnahme Spiegelgasse 1, Zürich 1935, Baugeschichtliches Archiv der Stadt Zürich. 2. Porträt Salomé Hohl, Fotografie, © Daniel Chardon. 3. Emmy Hennings mit selbstgefertigter Puppe, Postkarte auf der Rückseite beschriftet (Cabaret Voltaire 1916), Schweizerisches Literaturarchiv.

As trendy today as ever Dadaism and Cabaret Voltaire are inextricably linked. And Dadaism is as contemporary today as ever. Emerging from World War I, the Cabaret Voltaire in Zurich its iconic birthplace in 1916, Dadaism began questioning everything. It became the focal point for the likes of German au­ thor Hugo Ball and Emmy Hennings (who was to become his wife); the Romanian and French avant-garde poet Tristan ­Tzara; and the painting and stage design pro Marcel Janco from Bucharest; with the German-French artist HansArp representing the bridge between constructivism and Dadaism. network

Actually Dadaism as a term is as meaningless and devoid of any clear concept as the movement itself. Supposedly Hugo Ball poked a penknife into the dictionary, the point landing on the word “dada” which comes up as meaning hobby horse in French. Still, despite or even because

of its lack of concept, World War I became a hot topic, its proponents often exiles from warring nations manifesting the futility of war in their anti-art. Ahead of their time, they formed the basis for later movements against all convention like punk, performance and street art. What began with chansons and poems, culminated in orations (Hugo Ball’s becoming famous for its notoriety) and expressions of dance. After five months the Cabaret Voltaire closed its doors, whether because of complaints or exhaustion of the performers remains uncertain.

Until in 2002, a whole host of artists campaigned against the repurposing of the building so vehemently, that the city of Zurich gave the go-ahead for the association to use it in Dadaist capacity. Salome Hohl: «Today’s Ilaria Vinci’s expo Phoenix Philosophy Café (until early July 2023) is once again symbolic for this rebirth. For

his part, ­ektor garcia a nomad at heart, will be showcasing a temporary installation Nudos de Tiempo, a kaleidoscope of crochet, metal, ceramic sculptures, his extensive ‘shape vocabulary’ for the first time also gaining expression in handmade paper with copper wiring and wool.»

The mission of Salome Hohl, in charge of Cabaret Voltaire today: «To keep the heritage that is Dadaism alive with re-­ interpretations ongoing, be it via musical, theatrical or whatever performance art.

The idea being to create a dialogue that will bridge the history of art and art today, the original cabaret room complemented by a bar with café always taking centre stage.»

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zurich art

Schweizer Kunst im Herzen Die Galerie von Fabian & Claude Walter zählt zu den etablierten Schweizer Galerien für zeitgenössische Kunst, wurde 1986 in Basel eröffnet, zog 2002 nach Zürich um und ist seit 2013 zwischen Kunsthaus und Bellevue domiziliert. Fabian Walter ist seit 2015 Präsident des VSG, des Verbands der Schweizer Galerien.

Wie hat sich das Galeriewesen entwickelt?

Es gibt wellenförmige Bewegungen, Epochen. In den 60er und 70er Jahren entwickelte sich der Galerietypus, der sehr gegenwartsbezogen gearbeitet hat. Gleichzeitig entstanden die grossen Kunstmessen in Basel (1971) und Köln (1968). Ab 2000 explodierte der Kunstmarkt förmlich bis zum Einbruch (Finanzkrise) 2008. Diese Boomjahre decken sich mit der Entstehung des neuen Sammlertyps, des Investors.

Wie gross muss man sich den globalen Kunstmarkt vorstellen? Stimmen die Zahlen von UBS/Art Basel (www.artbasel. com/about/initiatives/the-art-market) ?

Sie stellen eine Annäherung dar, die Zahlenbasis ist sicher nicht vollständig. Der Direkthandel z.B. zwischen Privaten und Künstlern ist kaum messbar. Meines Erachtens hat sich der Markt seit 2008 seitwärts bewegt (um die 60 Mrd. $). Der Hype der Auktionen – wie soeben die Versteigerung von Warhol’s Marilyn Monroe für 195 Mio. $ – täuscht über die Gesamtsituation hinweg. Der globale Kunstmarkt ist ein wenig grösser als der Umsatz von Coop und Migros zusammen! Das stellt doch vieles in Relation (schmunzelt). Eigentlich ist das Gros des globalen Kunstmarktes in den Kellern von Museen «gebunden» und meist nicht für den Markt zugänglich.

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Das Fazit der Pandemie?

Alle haben grosse Fortschritte im Bereich Social Media gemacht. Gleichzeitig hat sich bestätigt, dass Kunst sehr stark von der persönlichen Interaktion mit Kunstwerken und Gleichgesinnten lebt.

Die Art Basel?

Ist die global führende Plattform für Kunstmessen, aber auch ein kartellartiges Gebilde. Solide Schweizer Programmgalerien wurden auf Kosten von internationalen Kunsthandelsgalerien, schwergewichtig aus dem englischsprachigen Raum, aussortiert. Bedeutende Schweizer Künstler:innen haben damit den internationalen Marktzugang und die Schweizer Kunst- und Galerieszene an Bedeutung verloren.

Was ist der Zurich Art Salon?

Das ist eine Initiative von mir uns Sven Eisenhut von der Photo Basel. Wir möchten die Kunst aus der elitären Ecke herausholen und die Kunst- und Galerieszene in der Schweiz nachhaltig stärken. Ein jüngeres interessiertes Publikum soll sich, fernab von jeglicher VIP Hysterie, unverkrampft auf neue Tendenzen und Ausdrucksformen in der Bildenden Kunst freuen können. Der Salon findet erstmals im Herbst 2022 vor den Toren Zürichs statt. (www.artsalonzurich.com) Die Galerie Fabian & Claude Walter… …hat sich immer aus der Schweizer Kunstszene heraus manifestiert. Wir haben immer wieder Räume ausserhalb der Galerie bespielt, z.B. das Kunstbuffet Badischer Bahnhof 1989. Wir haben zudem Schweizer Künstler ins Ausland begleitet, einen John Armleder und Arnold Helbling nach Südkorea.

Die Beziehung zu Künstlern?

Das ist die schöne Seite unseres Geschäftes, aber nicht unproblematisch. Es basiert derart auf Vertrauen, dass Verträge kaum was bringen. Sie würden die Dynamik behindern. Leider ist es aber so,

Luzia Simons, VERT PERPETUEL. Stockage 182, 2019. Lightjet Print on Aludibond. 177 x 122 cm, Edition of 5 + 1 AP.

dass Künstler immer wieder einen Mangel an Loyalität zeigen. Da haben sich viele Quereinsteiger verschätzt. Ohne innere Passion für die Kunst ist man nicht lange Galerist.

globaler und volatiler. Als Galerie muss man sich ständig neu orientieren und immer wieder neue Formate entwickeln, um neue Kunden zu finden und am Puls der Zeit zu bleiben.

Und die Kunden?

Auch da hat sich vieles verändert. Es gibt die Kunstliebhaber, die Kunstsammler und die Investoren. Das Verhalten wurde

FABIAN-CLAUDE-WALTER.COM 8001 Zürich | Switzerland

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zurich art

They represent an approximation; the numbers they are based on are certainly not complete, after all, direct trade between private individuals and artists for example is hardly measurable.

In my opinion the market took a sideward turn since 2008 (to the tune of 60 billion dollars). The hype surrounding auctions – as did the auctioning of Andy Warhol’s Marilyn Monroe for $195-million – belies the overall situation. The global art market is slightly larger than the turnover of Swiss retailer Coop and Migros together! That does have a way of putting things into perspective (grins). Actually, the lion’s share of the global art market is ‘held captive’ in the cellars of museums and is often not accessible to the trade.

The bottom line of what came out of the pandemic?

Everyone made huge progress in the area of social media. At the same time it proved that for art to remain alive, it relies hugely on the personal interaction with it by likeminded people.

Art Basel?

It’s the leading global platform for art trade fairs, but also a cartel-type entity. Solid Swiss galleries with Swiss programmes have been seeing a trend of being boxed out of the international gallery scene trading in art. With this the case, significant Swiss artists have lost the contact to the international market, and the Swiss art and gallery scene has dwindled in impor­tance.

Hanna Roeckle, "Pyrit Blue und Pyrit Copper", 2016, Lacquer on GRP, 105 x 95 x 84 cm

Gallery’s heart for art and all things Swiss The Fabian & Claude Walter Galerie in Zurich – regarded as one of Switzerland’s most established galleries for contemporary art – was first opened in Basel in 1986, then moved to Zurich in 2002 and ever since 2013 it has been located between Kunsthaus Zurich and Bellevue Square. We spoke to Fabian Walter, who has been the president of the Swiss Galleries Association VSG since 2015: network

How has the gallery sector changed?

It has been see-sawing through various movements and epochs.

In the sixties and seventies for example, a gallery type very rooted in the present was the norm. At the same time the big art trade fairs in Basel (1971) and Cologne (1968) emerged. Then, with the new millennium, the art market literally exploded until the dawn of the financial crisis of 2008. The boom coincided with the advent of a new type of collector: The investor.

How big is the global art market really? Are the Art Basel and UBS Global Art Market Report figures accurate?

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What is the Zurich Art Salon?

It’s an initiative between us and Sven Eisenhut of Photo Basel.

Our goal is to remove art from its elitist status. We feel the general public, and with it a younger group should also be allowed to embrace new trends and forms of expressions in the visual arts unrestrainedly. Art Salon Zurich will take place outside the gates of Zurich for the first time in the autumn of 2022. (www.artsalonzurich.com) Your gallery has always upheld the Swiss art scene, not so?

Yes, we also supported other Swiss venues like Kunstbuffet Badischer Bahnhof, the railway station transformed into exhibition space in 1989 for site-specific art. Additionally, we accompanied Swiss artists in establishing themselves abroad.

The gallerist’s relationship with the artists?

That is the nice side of our business, but not always problemfree with some artists showing very little loyalty. It’s a business largely reliant on trust and less on contracts that might hamper the dynamics. It’s an insight that hopefuls trying to get into the gallery sector, without working their way up first, don’t have and has them come short. Also, without a passion for art you won’t be a gallerist for long.

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Zurich Art Info These are the recommendations given to you by ART OF Magazine

Kunsthaus Zürich, bâtiment Moser Vue Heimplatz avec installation «Tastende Lichter» (2016/2020) de Pipilotti Rist, © Pipilotti Rist, Photo: Franca Candrian, Kunsthaus Zürich

KUNSTHAUS Art Collection from the Old Masters to Contemporary Art and Exhibitions of internationally renowned Artists.

The new Kunsthaus Zürich extension, designed by David Chipperfield Architects Berlin, expands the existing Kunsthaus museum, situated between the Grossmünster church and the university.

The Kunsthaus Zürich now represents the largest art museum in Switzerland, comprising four buildings from different eras – the Moser building (1910),the Pfister building (1958), the Müller building (1976) and now the Chipperfield extension (2020). The new freestanding building houses the collection of classic modernism, the Bührle collection, temporary exhibitions and art from 1960 onwards. bis 17.07.2022: Take Care: Kunst und Medizin 01.07. - 04.09.2022: Federico Fellini " Von der Zeichnung zum Film"

Kunsthaus Zürich, Lungiswa Gqunta, Lawn, 2017/2019,

02.09.2022 - 08.01.2023: Niki de Saint Phalle

© Lungiswa Gqunta; Teresa Margolles, Inquiries, 2016,

www.kunsthaus.ch

© Teresa Margolles. Foto: Franca Candrian, Kunsthaus Zürich

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zurich art

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SAM SCHERRER CONTEMPORARY

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BILDHALLE

KARMA INTERNATIONAL

SOMMER SALON

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GALERIE PETER KILCHMANN

STEPHAN WITSCHI GALERIE & EDITION

bluevelvetprojects.com

www.peterkilchmann.com

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BOUTIQUE HOTEL HELMHAUS

BLAU RESTAURANT, CAFÉ, BAR Kunst im Blau: "No space should exist without art." www.dasblau.ch

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www.carlton.ch

www.greulich.ch CABARET VOLTAIRE HAUTE CLUB HOTELS

www.cabaretvoltaire.ch

www.haute.ch PURO SOCIAL CLUB

SIGNAU HOUSE & GARDEN

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R E STAU R A N T S

PLATTENHOF DESIGN HOTEL

SABLIER ROOFTOP REST. BAR

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www.sablier.ch

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LOFT FIVE

townhouse.ch

www.loftfive.ch

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https://artofmagazine.com/mediadaten

art

Art Spaces ZURICH ART SPACE GUIDE

HELMHAUS

Off Spaces, Independent Art Spaces, Artist-run Spaces and Plat-

Exhibition Space for Swiss Contemporary Art.

form projects - usually self-organised initiatives run by artists and

www.helmhaus.org

curators. The ZURICH ART SPACE GUIDE is a non- profit self-organized association.

LÖWENBRÄUKUNST-AREAL

www.artspaceguide.ch

Unique art centre in the Zurich West district. There are museums, galleries, art and cultural foundations, art escape room, and a

«MONET’S IMMERSIVE GARDEN»

restaurant.

360-degree experiential journey through the life and work of one

www.lowenbraukunst.ch

of the greatest artists of the last century. The show blends images from 40 projectors with music to create an enchanting world of

AIA I AWARENESS IN ART

colour that brings the artist’s paintings to life in ways never seen

AIA produces outstanding projects that raise awareness through

or experienced before (photo above).

the prism of art.

07.05. - 18.08.2022

08/06/2022 - 24/09/2022: Exhibition "Back to the Roots"

Lichthalle MAAG, 8005 Zürich

www.weareaia.ch

www.monets-immersive-garden.ch LUMA FOUNDATION / LUMA WESTBAU KUNSTHALLE

Löwenbräukunst Limmatstrasse 270, 8005 Zürich, Switzerland

www.kunsthallezurich.ch

www. westbau.com

Exhibits internationally relevant contemporary art and ideas that relate to it. Each exhibition is an experiment. Thus the Kunsthalle

VEREIN SHEDHALLE

continually reassesses art, its public and itself.

Seestrasse 395, 8038 Zürich

11.06–18.09.2022: Liz Larner, " below above"

www.shedhalle.ch

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KAI Sushi - exclusive experience Seit 2006 hat Amit Shama-Levaillant drei Kai-Sushi Filialen in Zürich eröffnet. Immer ein Strahlen im Gesicht lebt er sein eigenes Motto: «Erst die Pflege zwischenmenschlicher Beziehungen und die damit verbundenen positiven Emotionen ermöglichen unsere Kai Sushi-Gastgeberphilosophie. Wir servieren unser handgemachtes Sushi und unsere neuesten Kreationen mit einem Lächeln, ganz nach dem Motto Love your people.»

Bei Kai Sushi treffen sich Tradition und Innovation, Sushi-Köstlichkeiten und japanische Tapas, frisch und nur mit den besten Zutaten zubereitet. Inspiriert von den japanischen Experimentierküchen bietet das KAI LAB seit 2019 mit seiner experimentellen Küche die Möglichkeit, einem erfahrenen Sushi-Master über die Schulter zu schauen oder an Workshops teilzunehmen.

Und mit dem KAI BOAT hat Amit seine zwei grossen Leidenschaften, Sushi und Seefahrt, zu einer einer neuen Form der Erlebnisgastronomie vereint. Für Gruppen von bis zu acht Personen kann das „Kai Boat“, inkl. Crew und Gastronomie, gemietet werden. Das moderne Marex-Boot mit Heizung und einem Schiebedach-System ermöglicht fast ganzjährig „Private Sushi Cruises“. Geboten werden individuelle Cruises, bei denen ganz auf die Bedürfnisse der Gäste eingegangen wird, inklusive Erkundung kleiner Zurichsee-Inseln.

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Love your people Since 2006 Amit Shama-Levaillanth has launched three Kai Sushi outlets in Zurich. His face beaming as always when he speaks to us, he truly lives by his motto: Love your people! Small wonder that serving his sushi with a smile has become second-nature! network

Kai Sushi is also the outlet where tradition and innovation meld in his passion for all things culinary. Taking centre stage are his sushi delicacies and Japanese tapas, fresh to perfection and only the best ingredients will do. Inspired by Japanese experimental cuisine, since 2019 KAI LAB is offering guests the opportunity to look over the shoulder of an experienced chef or participate in culinary workshops.

His other big passion is KAI BOAT, melding sushi and yachting as a new kind of adventure gastronomy. The yacht by the same name, amenities crew and gourmet fare all-inclusive can be hired for groups of up to eight persons. The state-of-the-art Marex cruiser with heating and a sunroof system makes private sushi cruises possible all year round. Guests are spoilt for choice with individual cruises that cater to their needs, including exploration of small Lake Zurich islands.

KAISUSHI.CH Kai Sushi – Urban Food Culture AG 8002 Zürich | Switzerland

Sablier Style by Segmüller Dass Daniela und Markus Segmüller ein feines Händchen nicht nur für gute französische Weine haben, sondern auch für Trends und Design, haben sie gerade eindrücklich unter Beweis gestellt. Mit dem Sablier im neuen Circle-Komplex des Zurich Airport haben sie gewissermassen ihre – bereits mit Preisen ausgezeichnete – Meisterprüfung abgelegt.

Loft Five, Roof Garden, Adlisberg, James Joyce, Carlton, Bottega, Fujiya of Japan – alles klingende Namen in der Zürcher Gastro-Szene, vereint in der Segmüller Collection. Die stilvollen Boutique Restaurants bieten eine grosse Spannbreite an Genüssen – von Schweizer Klassikern, über trendiges Casual Dining bis hin zur GaultMillau Küche. Bekannt auch der Weinkeller im Carlton, wo unweit des Bankengoldes einige der – vom Wert durchaus vergleichbaren – besten Tropfen der Welt lagern!

Und nun der letzte Coup – das Sablier. Der Eintritt in die von Innenarchitekt Thöny gestaltete Sablier-Design-Welt ist spektakulär und muss Vergleiche mit New York und London nicht scheuen. Hohe Decken, wuchtige Sitzgruppen und Lounge-Möbel, abstrakte Muster, opulente Farben – theatergleich wurde hier Essensraum auf 1700 m2 in Szene gesetzt. Eine fantastische 12 Meter lange und meterhohe handgeblasene Glas-Licht-Installation mit dem sinnigen Namen Opera ist das Herzstück über einer goldenen Bar, welche die Gäste visuell betören. Der an Versailles Barock erinnernde prunkvolle Stil findet sein Pendant in einer kulinarischen Reise durch Frankreich, gepaart mit unwiderstehlichen Weinen und Köstlichkeiten aus der Küche.

Ostentatious yet compellingly inviting Loft Five, Roof Garden, Adlisberg, James Joyce, Carlton, Botte¬ga, Fujiya of Japan – not only are they resounding names on Zurich’s culinary scene but they all form part of the Segmüller Collection. Ranging across a bandwidth of Swiss classics to trendy casual dining, this stylish boutique collection of restaurants also heroes GaultMillau – with the Carlton host to some of the world’s best wines!

The latest success story to enter the equation: The Sablier. And this rooftop restaurant & bar in Zurich Airport’s much acclaimed The Circle precinct won’t disappoint! Here Daniela and Markus Segmüller will have passed their biggest test ever – but that doesn’t mean they haven’t already clinched a whole array of awards.

The Sablier design world by interior designer Thöny is nothing less than spectacular and can most certainly hold its own with New York and London. A visually captivating 12 m long hand-blown glass light installation suspended above the golden bar dominates the setting. Here high ceilings, bulky fur­ nishings, abstract patterns and opulent colours reminiscent of an ostenta­tious display of Versailles baroque give a whole new meaning to theatre-style dining. And this takes place as a culinary journey through France. network

WWW.SEGMUELLER-COLLECTION.CH WWW.SABLIER.CH Sablier Rooftop Restaurant & Bar 8058 Zürich-Flughafen | Switzerland

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art

Best Small Art Hotel Das heutige, familiengeführte Boutique-Hotel ist eines der ältesten – vor kurzem designaffin renovierten – Gasthäuser Zürichs: Es empfing unter dem Namen "Hie zum Rosslyn" (Hier zum Rössli) nachweislich schon 1356 Gäste aus nah und fern. Esther Portmann führt das Haus in dritter Generation.

So viel Geschichte?

Absolut. Die hiesige Wirtstochter Anna Reinhart (1484–1538) heiratete 1524 den Reformator Ulrich Zwingli und baute u.a. das Zürcher Armenwesen auf, woran heute eine Messingtafel an der Hausfassade erinnert. Beim reformatorischen Bildersturm 1524 konnten kostbare Altarbilder von Hans Leu aus dem Grossmünster gerettet werden, indem sie hinter der damaligen Täferung versteckt wurden! Erst 400 Jahre später wurden sie per Zufall beim Umbau entdeckt und hängen heute im Schweizerischen Landesmuseum. Bilder begleiten das Haus also schon immer.

Ihr seid ja selber kunstaffin?

Unser Haus verfügt über eigene, ausdrucksvolle Kunst von Gisèle Mengis, Künstlerin und Mitbesitzerin des Hotels.

Ihre Bilder finden sich in allen Räumen

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und Zimmern des Hotels Helmhaus, jedes Zimmer ist also individuell gestaltet. Das sehr vielfältige Werk haben wir als Werkverzeichnis in einem Buch festgehalten.

Durch unsere Nähe zur Kunst haben wir auch öfters Galeristen und Künstler zu Gast.

Wir bieten zudem ein «Art Package», welches einen Eintritt ins Zürcher Kunsthaus beinhaltet. In unmittelbarer Nachbarschaft ist natürlich das Zürcher Helmhaus, welches uns den Namen stiftete. Es ist wichtig für die lokale Zürcher Kunstszene.

Neben Ausstellungen werden Führungen, Workshops, Lesungen, Konzerte, Performances und Künstlergespräche geboten.

Was sind die Stärken des Boutique-Hotel Helmhaus?

Wie der Name Boutique sagt, sind wir klein, mit 24 individuell gestalteten und

sehr gut ausgestatteten Zimmern. Wir sind seit Generationen familiengeführt, was in einer Stadt wie Zürich immer seltener vorkommt.

Die Lage mitten in der Altstadt, neben Grossmünster und Fraumünster, und nahe zu vielen Geschäften, Galerien oder Museen, ist natürlich einmalig. Alles ist zu Fuss in wenigen Minuten erreichbar. Das Resultat sind tolle Bewertungen wie "Best Small Hotel in Zürich."

Mir persönlich macht der Kontakt mit Gästen aus aller Welt viel Freude, was wiederum auf die Zufriedenheit der Gäste rückwirkt.

Wir haben ein kleines Team, machen viele Arbeiten in-house. Wir haben viele Stammgäste, die den persönlichen Kontakt und eine erstklassige Betreuung sehr schätzen und deshalb wiederkommen.

zurich art

network Family-run City Hotel

The newly-renovated design-orientated Hotel Helmhaus is a family-run boutique establishment and one of the oldest of its kind. Esther Portmann, managing the hotel in 3rd generation, shares some of her impressions of the hotel located in the middle of Zurich’s old historic town.

So much history?

Absolutely. In the early 16th century the daughter of the innkeeper Anna Reinhart married the reformist Ulrich Zwingli and they established the town’s poorhouse, a reminder of which takes the form of a brass plaque on the building’s façade. During the reformatory iconoclasm of 1524, valuable altarpieces by Hans Leu were salvaged from Zurich’s landmark Grossmünster protestant church by hiding them behind the inn’s panelling. These works were only rediscovered by chance 400 years later during the refurbishment

and are now on display in the Swiss state museum. Paintings have always been part of the hotel’s existence.

But there is still this affinity for art in your hotel today?

Yes, it has its own expressive art by Gisèle Mengis, the hotel co-owner who is also an artist. Her paintings take pride of place in all the rooms which are all individually styled. Our love of art also has us frequently invite gallerists and artists as guests. We even offer an art package.

It covers the ticket to the Zürcher Kunsthaus. In close proximity is of course also Zürcher Helmhaus, an active proponent of the Zurich art scene. It was the inspiration for what we named the hotel. It offers expos, workshops, concerts, performances and talks with authors.

What are boutique Hotel Helmhaus’s

strengths?

As per the label boutique, we’re small with 24 individual rooms. We’re familyrun something that is becoming more the exception than the rule in a city like Zurich.

Our location in the old town alongside the landmark Grossmünster and Fraumünster churches and our proximity (on foot) to shopping, galleries and art museums is unique and highly rated by guests.

I enjoy dealing with visitors from all over, which in turn also has a good reactive effect on the guests. Our team is small and provides a first-class service. As a result we have quite a few repeat guests who value this kind of personal contact.

WWW.HELMHAUS.CH 8001 Zürich | Switzerland

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lodges

Bergzeit in den Rosuites auf Lichteben.

Almkräuterer und Meisterwurz Wenn es einen Platz gibt, wo das Naturwissen die dafür zur Verfügung stehenden Worte übertrifft und Bescheidenheit über Ein-bildung triumphiert, dann ist dies so einer. Und der Joseph, der Almkräuterer, an vorderster Front. „Mein Wesen besteht darin, die behutsam fördernde Verbindung menschlicher Individualitäten mit den Geschenken der Natur herzustellen“.

Die Worte drücken alles aus, was uns die Natur und die Alpen im Laufe der Jahrhunderte gelehrt haben – wir haben es meist nur vergessen und es fand selten den Weg in die Hörsäle der Universitäten.

Das Schöne ist: er bringt es uns schonend bei: wie man Kräuter sammelt, wie man Wirk- und Geschmacksstoffe wahrnimmt. Wie man sie trocknet, so dass sie über 95% ihrer Wirkkraft behalten. Früh erkannte Joseph, dass den auf Höhen zwischen 1500 und 2500 Meter gesammelten Kräutern eine andere Heilkraft innewohnt als den in niederer Lage wachsenden

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Wald-, Wiesen-und Gartenkräutern. Verarbeiten tut er sie mit viel Liebe zu Tees, Gewürzen, Ölen, Tinkturen, Sirupen und Edelbränden, aber auch zu Seifen, Bädern, Wickeln, Duft- und Heilkissen, Räucherwerk und Schwitzhüttenprodukten!

Das selbst erworbene Wissen und überlieferte Inhalte gibt er mit viel Hingabe und Begeisterung bei Ein- und Mehrtagesveranstaltungen weiter: Kräuterwanderungen, gemeinsames Kochen, Singen, Schweigen, Feuerfeiern im Rhythmus der Jahreszeiten oder Vorträge zum „Lebensund Ruheraum Berg & Alm“ geben «kreatürlich-sinnliche» Impulse.

Und natürlich beinhalten sie therapeutische Aspekte, welche Roswitha’s Almhof zu einem großen Schwerpunkt gemacht hat. Ganz individuell. Abgestimmt auf die Bedürfnisse der Gäste und deren Lebenssituation. Ganz im Jahreszeitenrhythmus und dem was die Natur zu bieten hat.

Dazu gehört immer ein persönliches Kennenlernen mit dem Almkräuterer. Allein oder in kleinen Gruppen bis hin zu individuellen Beratungen. Joseph: «Es gibt keine Krankheiten, sondern nur aufständisch umständliche Lebensumstände.»

Und natürlich fliesst all dies in eine von Kräutern bereicherte Küche ein! Hier sind der Fantasie keine Grenzen gesetzt. „Schauen.riechen.kosten.spüren“ - mit sinnlichen Hochgenüssen.

Ein Hochgenuss sind auch die in jahrelanger Eigenarbeit erstellten und architektonisch wundervollen Chalets, die Rosuites auf Lichteben. Hier zeigt sich, dass die Zillertaler mit beiden Füssen auf dem Boden stehen und ihre Kreativität in modernes und individuelles Design transformieren können. Geschwungene Glasfassaden wechseln sich ab mit steilen Giebeln und einem durchaus modernen Interior Design. Da fehlt es an nichts.

Herbalist hideaway gem What defines Almhof Roswitha in the Austrian Tyrol in particular, are its architecturally compelling chalets that make for the natural light-infused ‘Rosuites’ of this luxury rural mountain stay. They are the charming product of years of dedicated own initiative that has allowed this individual Zillertal design gem, with its expansive glass facades cleverly juxtaposed by steep gables, to come about. You’ll want for nothing here. network

Be it the culinary fare or the therapeutic wellness repertoire, both of whose innovations know no bounds! Host Joseph, who is also the onsite herbalist that lends Almhof Roswitha the claim to fame that defines it, will make sure of that. On meeting this phenomenal person, it is not

difficult to understand when he explains that his essence lies in creating the gentle nurturing connection between the human being and the gift of nature. He believes this is something the Alps have taught us through time immemorial, only we’ve forgotten. It is a truth that only seldom makes its way into the lecture rooms of universities these days.

For him illnesses are not illnesses, only rebellious inconvenient life circumstances. From an early age he recognised the innate healing powers of herbs grown at a height of between 1500 and 2500 m, more so than those lower down in forests, meadows and one’s own garden. When they are dried they retain 95% of their efficacy. He devotes his whole being to turning

them into teas, spices, oils, tinctures, syrups and fine brandies on the one hand, on the other into soaps, herbal baths, cold compresses and scented healing sachets.

Guests get to partake in this invaluable know-how specially tailored to their individual needs and situations in life, be it in talks, on herbal hikes, via culinary ses­sions, during fire celebrations and in song – and not least of which in nature’s silence.

ALMHOF-ROSWITHA.AT ALMKRAEUTEREI.AT Fr und Sa 10h bis 13h -Markthalle Innsbruck: Beratung und Verkauf 6283 Hippach | Tirol | Austria

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lodges

Hochfilzer Premium Chalets Helmut und Heidi Hochfilzer sind echte Meister der Flexibilität.

Sie haben dem Hotel am Fuss des Wilden Kaisers Premium Chalets angegliedert, die nicht nur viel Raum bieten, sondern schön gruppiert sind um einen Pool, der zusammen mit Saunen auch als Day Spa gebucht werden kann. Noch dazu mit einem feinen Essen, denn Helmut ist ein begnadeter Koch – und Chocolatier – und Grillbuch-Autor!

Und die Produkte? Kommen möglichst umfassend aus der eigenen Landwirtschaft. Heidi & Helmut leben und arbeiten in und mit der Natur. Als Hotelbetreiber und Pferdezüchter ist sie ihre Lebensgrundlage. Wenn nicht aus der eigenen Landwirtschaft, greifen sie zu Bio-Lebensmitteln sowie Feinkost und Produkten, deren Ursprung und Hersteller sie kennen. Helmut: «Qualität schmeckt man einfach. Lebensmittel, die frisch geerntet werden, und alle Vitamine und Nährstoffe aufgesogen haben, entfalten ihren unvergleichlichen Geschmack.»

Und zeigt dies sogleich in seinen Kochkursen, sei es im privaten Rahmen, Familien oder für kleine Gruppen. Richtige Zubereitung, Kochen, Würzen, Anrichten und Dekorieren – in entspanntem Ambiente lernt es sich doppelt so einfach. Aber Helmut ist noch mehr: in seinen Pralinenkursen zeigt der Chocolatier sein Können im Umgang mit der süssen Versuchung. Mit dabei: per-

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sönliche Rezeptunterlagen. Wer sich aber nur entspannt zurücklehnen möchte, den bekocht Helmut unter Verwendung verschiedener Garmethoden in den Genusstub’n, sei es mit einem Carpaccio vom Tiroler Almrind, einem Rehragout oder einem Lammkarree. Im berühmt-berüchtigten Chef’s Table geht es dann noch ein wenig exklusiver und privater zu und her. Überhaupt ist der Südhang in Söll in der Nähe von Kitzbühel geeignet, den Tag mit Blick auf Sonnenuntergang ausklingen zu lassen. Kein störender Verkehr stört die Idylle, der 15 Meter lange Thermal-Aussenpool lädt zum Relaxen, genau wie die täglich wechselnden Dufterlebnisse in der Sauna, die Infrarotkabine und das Dampfbad. Noch privater gibt es Wellness in eigener Sauna in den Premium-Chalets. Stilvoll eingerichtet bieten sie auf zwei Stockwerken viel Raum und Luxus wie zum Beispiel die freistehende Badewanne mit Panoramablick auf die Tiroler Berge, hochwertige Boxspringbetten, zwei Bäder, zwei WC, Balkon, Sonnenterrasse und eine voll ausgestattete Küche.

Aussen kann der Gast sowieso aus dem Vollen schöpfen: Wandern mit Hütteneinkehr, Biken, Klettersteige, Wasserfälle sowie zahlreiche Bade- und Bergseen, Golfen, Canyoning oder einen Ausflug in die nahegelegenen Swarovski-Kristallwelten.

Sheer all-round luxury chalets Masters of flexibility best describe hoteliers Helmut and Heidi Hochfilzer. They have ingeniously adapted and grouped the beautiful chalets that make up the hotel at the foothills of the Wilder Kaiser into spacious accommodation around a pool that together with its saunas can also be booked as a day spa. network

Add a fine dining experience to the setting and you can be sure that Helmut Hochfilzer, a gifted chef and chocolatier, not to mention a certified grand master of the art of grilling who authored his own book, will pull out all the stops to tantalize the taste buds with his culinary fare. With the hotelier couple who are ardent agriculturalists, home grown, maximum nutrition and ecofriendly are the order of the day. Guests get to experience Chef Helmut Hochfilzer’s finely tuned art of cooking in the hotel’s two select restaurants. Expertly prepared mountain beef carpaccio or game ragout come to mind at Restaurant Hochfilzer, whilst at the more exclusive Chef’s Table, the fact that no effort has been spared is reflected in how his delicacies are prepared, spiced, served and decorated. This is an art that Helmut Hochfilzer further imparts to his guests in culinary courses one-on-one or in small groups.

Just like the culinary fare that is spot on, so is everything else about Hochfilzer Premium Chalets. Their southern slope in Söll near Kitzbühel makes them a perfect sunset destination from the terrace or balcony of the two-story high chalets. These even allow the panoramic views the Tyrolean Mountains offer, to be enjoyed from the sheer luxury of your freestanding bathtub. The premium chalets boast two bathrooms, high-end box spring beds, a fitted kitchen and their very own sauna that offers a different fragrance experience for the senses daily.

WWW.HOCHFILZER.INFO 6306 Söll | Tirol | Austria

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Nachhaltigkeit

Leni Mountain Chalet Bei Familie Arnold kommt viel Gutes zusammen. Erstens sind sie hier beheimatet und aufgewachsen. Vater André war vierfacher Skiweltmeister. Und zweitens haben sie mit viel Herzblut und Zukunftsvisionen ein Chalet geschaffen, das nicht nur luxuriös ist, sondern auch viele Aspekte von Nachhaltigkeit erfüllt. Und dies auf 1850 Metern, hoch über Sölden mitten in den Ötztaler Alpen, welche nicht zuletzt als Drehort für James Bond 007 zu neuer Berühmtheit gelangten.

Beim Bau wurde auf lokale Materialien und Hölzer wie Fichte, Lärche und Zirbe vertraut. Eigene Wasserquellen wurden erschlossen und betrieben. Das Chalet ist bereits zu 100% autark mit eigener PV-Anlage. Der Aussenbereich glänzt mit Kräutergarten, einem Infinity-inspirierten

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Naturbadeteich, einheimischen Pflanzenund Baumarten. Familie Arnold achtet auch auf Details und darauf, ökologisch und zukunftsträchtig zu wirtschaften.

Anderseits bietet das 2021 eröffnete Chalet auf 200 m2 Luxus pur: vier Schlafzimmer, drei Badezimmer, Wohnraum, Küche und Weinkeller sowie einen modernen Wellnessbereich. Dazu kommen umfangreiche Service-Pakete. Vor allem kulinarisch läuft einem das Wasser schon vorher im Mund zusammen: Die Kooperation mit dem international tätigen Privatkoch Sascha Zellinger garantiert höchste Genüsse – und als Mitglied der Green Chefs erfüllt er wiederum die ins Zentrum gestellte Nachhaltigkeit. Mit Sensei Innsbruck gibt es auch mal den Ausflug in die japanische Geschmackswelt mit Sashimi und Maki.

Der Spa kann mit privaten Yoga-Einheiten oder Treatments ergänzt werden.

All dies in einer traumhaften und idyllisch ruhigen Naturlage, die auf über 100m2 Terrasse richtig genossen werden kann.

Oder auch aus dem Klafs-Sanarium, deren deckenhohes Panoramafenster den Blick über Berg und Tal gleiten lässt. Berge, notabene, die jede Abenteuerlust oder Fernweh befriedigen. Sei es auf einsamen Bike-Trails, 300km Wanderwegen, auf dem Klettersteig, im Motorradmuseum Hochgurgl oder der James Bond-Installation auf 3000 Metern.

Abends ziehen wir uns zurück in das riesige von hohen alten Balken geprägte Wohnzimmer mit offenem Kaminfeuer und geniessen ein private Dinner mit Blick auf Sonnenuntergang – die Welt zu Füssen – und für einmal ist die Welt genug.

lodges

A view to a …

At 1850 m above sea level, Leni Mountain Chalet in Sölden Austria, has a lot to delight its guests. One of its claims to fame is that Sölden was used as a destination scene in the 007 film Spectre, something that really put the region on the map. Its other is that the head of the family Andre Arnold is a four-time ski world champion. network

The family Arnold runs the establishment with great zest and attention to ecological and sustainable options. Local timbers like spruce, larch and pine are the materials of choice; springs have been tapped into to ensure its own water supply; the chalet is 100% self-sufficient with its own solar system; the great outdoors boasts native plant and tree species and an infinityinspired natural pool to swim in.

Everything about the 200 m2 chalet that opened its doors in 2020 is pure luxury: Four bedrooms, three bathrooms, a living room, kitchen and even a wine cellar plus a contemporary spa area. Collaboration with international private chef Sascha Zellinger ensures guests get the highest in culinary pleasures, all the while meeting the Green Chef sustainability criteria he subscribes to. Complementing the repertoire is Sensei Innsbruck who will give you the option of an escape to the Japanese world of sashimi and maki. The spa priding itself in a Klafs Sanarium makes for the kind of spectacular panoramic view of the mountains and valley that will remind you that: Here you’re right on the doorstep of the famed James Bond World!

WWW.LENIMOUNTAIN.COM 6450 Sölden | Tirol | Austria

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Grosslehen - Hotel & Chalets mit Herz Vom ursprünglichen Landwirtschaftsbetrieb über das Gasthaus bis zu den luxuriös-modernen Chalets. Dieser Ort umspannt 300 Jahre Geschichte! Geblieben ist die Naturnähe, auch heute kümmert sich Hausherr Markus liebend gern um die Tiere. Der Stall hingegen wandelte sich zum stimmungsvollen Raum für Fine Dining. Und um den 250m2 grossen idyllischen Naturbadeteich gruppieren

sich seit 2017 sechs stilvolle Chalets mit je drei Schlafzimmern, zwei Bädern, eigener Sauna und einem gemütlichen Wohnund Kochbereich. Sensationell fanden wir die grossen Panoramafenster, welche das Wohnzimmer gefühlt mitten in die Kitzbüheler Alpen stellen. Auf der Wiese grast ein Lama und traben ein paar Esel, im Wildgehege tummeln sich Rehe, auf der Weide stehen statuengleich zottelige

Hochlandrinder. Kein Wunder, kommt hier der Puls schnell runter und geht in den diversen Saunen oder beim entspannten Biken und Wandern in den Wohlfühlmodus über. Dafür sorgt auch die herzliche Tiroler Gastfreundschaft von Bettina und Markus Geisl, eine Kulinarik mit Produkten auch aus dem eigenen Betrieb und Seniorchefin Vroni, die jenseits ihrer 80 Jahre immer noch die besten Kuchen backt.

Lamas and donkeys complete the idyll at Hotel Chalets Grosslehen Still a farm in its own right Hotel Chalets room. A 250m2 pond perfectly conducive Grosslehen turned guesthouse boasts the to a natural bathing pool forms the focal most luxurious in modern chalets. point for six stylish chalets surrounding it It has 300 years of history to its name ever since 2017. and to this day its distinctive proximity to Each comes with three bedrooms, two nature remains its trademark. Host Mar- bathrooms and own sauna plus a cosy kus Geisl looks after the shaggy Highl- living area and kitchenette – the panoraand cows, whilst Bettina Geisl joins him mic windows immersing them right in the in their hosting endeavour to offer their midst of Austria’s Kitzbühel Alps. guests a feel-good environment, while senior chef Vroni well into her eighties cooks up a storm and still bakes the best WWW.GROSSLEHEN.AT cakes ever. Nowadays what were once the Hotel Chalets Grosslehen stables serve as a stylish ambient dining 6391 Fieberbrunn | Austria network

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Der neue Eco Luxus in den Dolomiten Das neue Mountain – Hideaway Saltus präsentiert sich als nachhaltige Alternative zum herkömmlichen Luxusurlaub und verspricht, dass Komfort und Genuss nicht auf Kosten der Umwelt gehen.

Hier in Jenesien, auf 1.100 Metern Höhe, nur 8 km von Bozen entfernt, präsentiert sich ein sehenswerter Hotel-Kubus!

Vollverglaste Fassadenfronten schmiegen sich an Lärchenfassaden, das Innere glänzt mit Porphyrböden. Die Architektur wurde so ausgelegt, dass sie immer wieder den 180° Panoramablick auf das UNESCO Weltnaturerbe der Dolomiten ermöglicht. Der cleane Chic der Empfangshalle präsentiert sich minimalistisch mit gespachtelten Lehm- und Kalkböden, sowie einer riesigen Nussholzbar. Individuelle Akzente setzen italienische und skandinavische Designmöbel von Cassina, Carl Hansen u.v.m.

Luxury eco hideaway ECO Hotel Saltus is the ideal sustainable alternative to the traditional luxury holiday. Promising no less in comfort and enjoyment, these are most certainly not at the expense of the environment.

Das Forest Spa schwebt in einer Glashülle vor kräftigen Fichtenstämmen. Mit Yoga, Waldbaden und Meditation unter gütiger Mithilfe erfahrener Therapeuten und renommierter Pflegemarken wie Biologique Recherche und Susanne Kaufmann kommen gestresste Städter schnell zur Ruhe. Über allem thront der Sky Spa im Glaskubus mit seinem 17m langen Infinity Sky Pool. Fazit: Ein familiengeführtes Luxushotel mit der unüberbietbaren Gastfreundschaft der Familie Gamper.

TIPP: Wer umweltfreundlich mit dem Zug anreist, erhält 5% Rabatt auf den Nächtigungspreis. Elektroautos dürfen kostenlos laden.

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In Jenesien, at a height of 1100 m in the Italian Tyrol, only 8 km from Bolzano, tow­ering out from the landscape is a cubic hotel of note. Full glass façades have a way of complementing the natural façades of the larch trees, while the interiors with their porphyry floors shine amidst

architecture deliberately designed to benefit from the 180° panoramic view of the UNESCO heritage site that constitutes the Dolomites. The pristine chic of the lobby with its minimalist floors of treated limestone and clay is complemented by a huge bar made from nut wood. Italian and Scandinavian designer furniture by Cassina and Carl Hansen to mention but a few, have a way of setting the tone.

Dominating the setting is the glass Forest Spa welcoming stressed townsfolk to chill

and relax in the professional care of some excellent and experienced therapists and indulging in renowned wellness brands like Biologique Recherche and Susanne Kaufmann.

Of course, the piece de resistance has to be the 17 m long infinity rooftop sky pool.

WWW.HOTEL-SALTUS.COM ECO Hotel Saltus 39050 Jenesien | Südtirol | Italy

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h o s p i ta l i t y

The Alpina Gstaad

Six Senses & Sustainability

Die Gäste erreichen das zwei Hektaren umfassende The Alpina Gstaad durch einen Tunnel, eine James-Bond-würdige Einfahrt. Die Reception, ein atemberaubendes Kunstwerk, gefertigt aus einem grossen Eschenstamm, liefert einen ersten Hinweis, dass es hier nicht nur um Luxus, sondern auch um Nachhaltigkeit geht – und dass Kreativität und Kunst dieses Zusammenspiel unterstützen.

EarthCheck Als erstes Unternehmen der Schweiz erhielt The Alpina Gstaad das Gold-Zertifikat von EarthCheck, einem weltweit führenden Nachhaltigkeits-Gütesiegel der Reisebranche. The Alpina Gstaad hat sich dieses in einem jahrelangen Auditund Verbesserungsprozess erarbeitet.

Jenseits aller Prüfkriterien versteht sich The Alpina Gstaad als globale Plattform, die seine Besucher zu einem inspirierenden Dialog über diese komplexen, für die Gesundheit unseres Planeten lebenswichtigen Themen anregt. „Luxus und

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Nachhaltigkeit dürfen keine Kompromisse eingehen“ so das Motto.

Dazu gehört auch Bienenflüsterer und Imker Stefan Neuhaus, der sich auf dem Hotelgelände um sieben, bald wohl neun Bienenvölker kümmert. Im Sommer bietet er den Gästen, die mehr über den goldenen Nektar erfahren möchten, ImkerWorkshops.

Passend zum Umweltgedanken steht ein von der Leonardo DiCaprio Foundation ersteigerter Elektro-Fiat 500 zur Verfügung.

Die auf einer thermosensitiven Karosserie aufgemalten Polartiere erscheinen nur bei kälteren Temperaturen!

Kunst & Ambiente Nicht gross propagiert, aber umso eindrucksvoller präsentiert sich die Alpina Private Art Collection mit über 60 zeitgenössischen Kunstwerken. Sie sind Ausdruck eines kreativen Aktionismus, von Künstlern, die sich überwiegend für Umwelt und Soziales engagieren. Dazu gehören Werke von Jacqueline Humphries,

Wade Guyton oder The Shadowman Van von Richard Humbleton, dem «Godfather of Street Art». Sie komplementieren wunderbar die Natur- und Alpinmaterialien, welche dem Hotel eine wohltuende Ruhe und heimelige Atmosphäre verleihen – und ergänzen die Raffinesse und Eleganz von Designelementen, welche die Zimmer und Suiten – von 30m2 bis 400m2 – durchwegs auszeichnen.

Six Senses Spa Das von asiatischen Wellness-Traditionen inspirierte Six Senses Spa ist das einzige seiner Art in der Schweiz und ein wahrer Zufluchtsort der Ruhe und des Wohlbefindens auf 2000m2.

Unter der Leitung von Antonis Sarris, anerkannter Experte für tibetische und chinesische Therapien, können die Gäste während eines dreitägigen Tibetischen Retreats den Alltagsstress vergessen.

Yoga-Atemübungen, Meditation, KunyeMassagen und Tsalung-Therapie sind nur Teile eines umfassenden Programms.

Luxury meets sustainability Guests reach the The Alpina Gstaad in all its expansive two hectare glory via a tunnel – James Bond-style! Reception is nothing less than a breathtaking work of art created from the trunk of an ash tree.

It definitely has a way of setting the tone for where it’s at here. The Alpina Gstaad is definitely not luxury per se, but sustainability too happens to take its pride of place high on the agenda. What is more, this juxtaposition is firmly supported by art and creativity. network

EarthCheck The Alpina Gstaad was the first enterprise in Switzerland to receive the EarthCheck gold certificate, a leading global seal of approval for sustainability in the travel industry. It achieved this in a year-long audit and improvement process. Even if you remove all test criteria, this establishment of note still regards itself as a global platform that motivates its guests to become proactive. This means becoming involved in an inspirational dialogue about

the complex topics that are imperative for the health and life of our planet. “There can be no compromises for sustainability when it comes to luxury” as the saying goes.

The onsite bee whisperer and bee keeper Stefan Neuhaus, who takes care of seven, maybe as many as nine, bee colonies also subscribes to this motto. In summer he offers guests workshops on the golden nectar. Also coinciding with all things environmentally friendly is the Electric Fiat 500 auctioned by the Leonardo DiCaprio Foundation.

Art not purely for art’s sake Not widely advertised is the impressive Alpina Private Art Collection with more than 60 contemporary artworks. They constitute the creative expression of artists who are predominantly activists for humanity and the environment. Among them are works by Jacqueline Humphries and Wade Guyton; also The Shadowman van by Richard Humbleton the “Godfather

of Street Art”. These artists have a wonderful way of deploying nature and alpine materials that give the hotel that beneficial calming and homely atmosphere.

At the same time their creations complement the refinement and design elements that run through the suites of anything between 30 m² to 400 m².

Asian-inspired therapies The Asian-inspired Six Senses spa is the only of its kind in Switzerland and with 2000 m² constitutes a true sanctuary of wellness and calm to escape to. A threeday retreat hosted by renowned expert of therapies from China and Tibet Antonis Sarris is a sure way to have guests leave behind their everyday cares. Yoga breath­ ing exercises, meditation, Kunye massages and Tsalung therapies are only some of the items on the prolific programme.

WWW.THEALPINAGSTAAD.CH The Alpina Gstaad 3780 Gstaad | Switzerland

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h o s p i ta l i t y

Sinnesreise ins Gourmet & Designhotel Ullr am Arlberg ULLR ist in vieler Hinsicht eine gelungene Symbiose: hier trifft Design auf Gemütlichkeit, nordische auf alpine Küche, warme Hölzer auf archaischen Stein. Franziska Alber und Michael Gfall haben mit dem 2021 eröffneten Ullrhaus einen Lebenstraum und Lebensraum für glückliche Gäste verwirklicht. Das spürt man in jeder Ecke des Ullrhaus.

Der altnordische Ausdruck steht übrigens für "der Herrliche".

Eine Darstellung des nordischen Gottes Ullr auf Skiern machte ihn zum Schutzpatron der Wintersportler – und der Arlberg ist ja immerhin die Wiege des alpinen Skisports.

Aufgenommen hat diesen Ansatz die erst 2019 mit dem German Design Award ausgezeichnete Münchner Innenarchitektin Stephanie Tatenhorst. Erdige Töne, behagliche Stoffe, archaische Elemente und klare Linien erzeugen eine bezaubernde Stimmung zwischen skandinavischer Schlichtheit und japanischem Minimalismus. Eine weit dahinfliessende Lobby mit Bar lädt zum Lesen ein, als Treffpunkt für ein Bier oder einen guten Wein. Mittendrin der sich zur Decke hin verjüngende Kamin der prächtigen offenen Feuerstelle, die den Raum zurückhaltend dominiert, kuschelige Sessel laden zum Verweilen. Ein Ort, den auch die Gastgeber zur Frönung ihrer Leidenschaft, nämlich der Gästebetreuung, gerne nutzen.

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Nachhaltigkeit? Ist der Chefin Franziska Alber ein Anliegen. Das Ullrhaus wird mit Fernwärme betrieben, in den Zimmern finden Gäste Wolldecken aus recycelten Materialen, die Parkgarage bietet Ladestationen für Elektroautos.

Privatsphäre findet sich vom 30m2 Superior Zimmer bis zur 145m2 Galzig Suite mit 3 Badezimmern, Küche und Private Spa. Viel Platz für wenig Gäste – Raum zum Durchatmen, Drinnen wie draussen. Hier punktet der Arlberg, der von St. Anton aus so ziemlich alles bietet, was man von einer führenden Alpen-Destination erwartet: atemberaubende Panoramen, welche mit den in Rufweite gelegenen Bahnen auf bis 2800 Meter Höhe schnell zu er-fahren sind. Ein Bike & Hike Gebiet mit hunderten Kilometern Wander- und Bikewegen, welche uns in einsame Bergtäler und an tiefblaue Bergseen führt.

Danach ist relaxen im 17-Meter-Indoor Pool angesagt. Abends lassen wir uns ganz zum Schluss von Michael Gfall persönlich bei einem Gourmet-Menü oder in Ullrs á la carte Restaurants auf höchstem Niveau verwöhnen und überraschen. Wahrlich eine betörende Sinnes-Reise.

A feast for the senses ULLRHaus with its warm timbers contrasted by archaic stonework can best be described as a successful symbiosis between design and comfort. With its launch in 2021, Franziska Alber and Michael Gfall were able to intertwine their lifelong ­dream with a living space to make guests happy. You can feel it in every nook and cranny.

the German Design Award holder for 2019 has taken here with her earthy tones, cosy fabrics, archaic elements and clear lines. An expansive lobby with bar invites guests to wile away the time by an open fireplace that discretely dominates the space and that reaches all the way to the ceiling.

The name Ullr is from the age-old Nordic expression: “The magnificent one!” Ac­ tually the portrayal of the Nordic god Uller on skis has turned him into the patron of winter sports – not forgetting that the Arlberg in Austria is the cradle of alpine ski sports.

The hotel offers plenty of space both outdoors and indoors for minimal guests who get to choose from a 30 m² superior room to a 145 m² suite with three bathrooms, a kitchen and a private spa. A district heating system services the rooms where recycled woollen blankets make for added comfort, both in line with the hotel’s drive for sustainability.

network

A captivating ambience somewhere in between Scandinavian simplicity and Japanese minimalism is the approach that interior designer Stephanie Tatenhorst,

Saint Anton am Alberg offers just about everything you’d expect from a leading alpine destination: Breathtaking panora-

mic views, close proximity rail experience ­access up to a height of 2800 m, e-bike and hiking trails that go on forever through valleys and alongside the deep blue lakes.

Back at the hotel there is a battery loading station for e-cars.

With so much to do, what better way to relax afterwards than in the hotel’s 17 m indoor pool and have dinner served personally in Ullr's state-of-the art á la carte restaurant from a gourmet menu

by Michael Gfall, who is also the establishment’s talented in-house chef. His symbiosis of Nordic and alpine cuisine is bound to take you on an exciting and tantalising taste journey.

WWW.ULLRHAUS.AT 6580 St. Anton am Arlberg | Austria

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fa s h i o n

"A post summer solitary reverie of a rave"

Rafael Kouto erforscht das Revival des Raves mit seiner neuen Upcycling-Kollektion: Afrikanische und westliche Einflüsse mit einem psychedelischen Twist.

Die limitierte Kollektion mit dem Titel "A post summer solitary reverie of a rave" – in Zusammenarbeit mit der Zurich Silk

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Association – verwendet upgecycelte Seide aus dem Textilarchiv der Zürcherischen Seidenindustrie Gesellschaft. Ganz nach dem Motto von Ludwig Abraham (1966): "Die Wahrheit der klassischen Schönheiten sollte nicht in sechs Monaten verloren gehen". Wie wahr!

by Rafael Kouto

Rafael Kouto, der bereits verschiedene internationale Preise gewonnen hat und inzwischen eine Professur für Modedesign an der IUAV in Venedig bekleidet, verfolgt einen kompromisslosen Ansatz für Nachhaltigkeit, indem er ausschließlich die Technik des Upcyclings für die Herstellung

Rafael Kouto explores the revival of the rave with his new upcycled collection: merging African and Western influences with a psychedelic twist. The limited edition collection titled “A post summer solitary reverie of a rave” – in collaboration with The Zurich Silk Association – is using upcycled silk from the textile archive of the Zurich Silk Association.

True to the motto of Ludwig Abraham (1966): "The truth of classical beauties should not be lost in six months". How true! network

Rafael Kouto, who has already won various international prizes and now holds a professor­ ship for fashion design at the IUAV in Venice, is cultivating an uncompromised approach to sustainability as it exclusively uses the technique of pre- and post-consumer upcycling to create new clothes and accessories – by using local manufacturing, refined with traditional, artisanal couture techniques and crafts.

by Rafael Kouto / The Zurich Silk Association (ZSIG) Performed by: Branca Schneidegger, Moa Bomolo, Patrick Quizeidioco Pictures: Flavio Leone , Assistant photographer Stephen Nthusi

neuer Kleidung und Accessoires einsetzt - unter Verwendung lokaler Fertigung, verfeinert mit traditionellen, handwerklichen Couture-Techniken und Handwerk.

WWW.RAFAELKOUTO.COM 6616 Losone | Switzerland

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Seit mehr als 20 Jahren schwimmt der in Bern lebende mexikanische Designer Javier Reyes mit seinen Kollektionen mit und gegen den Modestrom: mit, weil seine Kollektionen dem Zeitgeist entsprechen, dagegen, weil er mit seinen detailverliebten Entwürfen und hochwertigen Materialien gegen schnelllebige Trends agiert.

in Bern lebt und arbeitet, begeistert seine Kundinnen seit 1998 mit bezaubernden Kollektionen, die oft nach einem zweiten Blick verlangen. Reyes versteht es wie kein anderer, die Fluidität und Eigenheit der hoch qualitativen Stoffe auf natürliche Art und Weise in seine Designs zu integrieren. Schlichtheit, diskrete Sinnlichkeit und moderne Eleganz charakterisieren seine Kollektionen und verbinden Urbanität und Poesie.

Hier wunderbar inszeniert und in ihrer künstlerischen Anmutung erkannt von der ukrainischen Fotografin Elena Kuznetsova.

Es sind zeitgemässe Kreationen, die Trends mühelos überdauern, hohen Qualitäts- und Designansprüchen gleichermassen gerecht werden und Handwerk erlebbar machen.

Die Kreationen von JAVIER REYES sind dafür bekannt, dass sie die Silhouette ihrer Trägerin umschmeicheln und bisweilen beinahe mit ihr verschmelzen. Der gebürtige Mexikaner, der heute

WWW.JAVIERREYES.CH 3011 Bern | Switzerland

Flattering creations by

Javier Reyes

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fa s h i o n

For more than 20 years, Bern-based Mexican designer Javier Reyes has been swimming with and against the fashion tide with his collections: with, because his collections are in tune with the spirit of the times, against, because he acts against fast-moving trends with his detailed designs and highquality materials. network

JAVIER REYES' creations are known for flattering the silhouette of the wearer and sometimes almost melting into it. The Mexican-born designer, who now lives and works in Bern, has been delighting his customers since 1998 with enchanting collections that often demand a second look. Like no other, Reyes understands how to integrate the fluidity and peculiarity of the high quality fabrics into his designs in a natural way. Simplicity, discreet sensuality and modern elegance characterise his collections and combine urbanity and poetry.

Here beautifully staged and recognised in their artistic appeal by Ukrainian photographer Elena Kuznetsova.

These are contemporary creations that effortlessly outlast trends, meet high quality, functionality and design standards in equal measure and bring craftsmanship to life.

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ECOLYPT aus Eukalyptusholz

Visionäre Sneakers von UYN Wie so oft bei revolutionären Erfindungen sind auch die Schuhe von UYN aus einer visionären Intuition heraus entstanden.

Im Jahr 2020 nutzte die italienische Marke ihre jahrzehntelange Erfahrung in der Herstellung von Sportsocken, um den ersten Schuh der Welt zu kreieren, der komplett aus der Socke gefertigt wird!

In ihrer dritten Saison haben die UYNSchuhe neue Standards in der Welt der Sneaker gesetzt. Völlig ohne Nähte, leicht und atmungsaktiv, elastisch und dennoch stabil, sind UYN-Schuhe für Spaziergänge in der Stadt, auf Wanderwegen, für die Freizeit und leichte Aktivitäten geeignet.

Sie können wie Socken getragen werden, man muss sie nicht schnüren und sie umschließen den Fuß mit einem weichen Komfortgefühl.

In Zeiten, in denen Lieferketten überle-

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benskritisch sind, verfügt UYN in Norditalien (Asola) über eigene Produktionsstätten mit qualifizierten Ingenieuren.

Produziert wird unter Einhaltung der strengsten Nachhaltigkeitsstandards, die durch die "STeP (Sustainable Textile Production) by OEKO TEX®" Zertifizierung garantiert werden. Textilabfälle werden regeneriert und zu einem neuen Hochleistungsisoliermaterial, AIRNEST, verarbeitet. Spezielle Filter verhindern, dass Mikroplastik ins Wasser gelangt, und die verwendete Energie stammt ausschließlich aus erneuerbaren Quellen.

WASHI, ECOLYPT, RAINBOW & NATURE Beste Naturfasern verleihen den Schuhen dank modernster Biotechnologie Eigenschaften wie maximale Atmungsaktivität, perfekte Wärmeregulierung, schnelle Schweißabsorption, Weichheit im Haut-

kontakt. WASHI Schuhe sind kultig und werden aus nachhaltigem Paper Cotton Garn hergestellt, einer Mischung aus Baumwolle und Papier aus Manilahanf nach der alten japanischen Washi-Papierherstellungstechnik. Paper Cotton-Garn ist dreimal leichter als Baumwolle, leitet Feuchtigkeit ab und neutralisiert Gerüche.

Der UYN Ecolypt Schuh macht Holz... bequem! Das schnell trocknende Material wird aus dem Eukalyptusbaum gewonnen!

Beim farbenfrohen UYN RAINBOW Schuh kommt die neue Fasergeneration NATEX zur Anwendung, ein Garn, das aus Rizinussamen gewonnen wird.

Der UYN NATURE TUNE Schuh wiederum verwendet feine Merinowolle, die den Fuß kühlt, wenn er heiß ist, ihn wärmt, wenn es kalt ist und ein angenehmes Gefühl der Weichheit vermittelt.

fa s h i o n

WASHI aus Paper Cotton Garn.

NATURE TUNE aus Merinowolle.

lified engineers in Asola in the province of Mantua in Northern Italy. All production is in compliance with the strictest sustainability standards, guaranteed by "STeP (Sustainable Textile Production) by OEKO TEX®" certification. Textile waste is regenerated. Special filters prevent the dispersion of microplastics into the water, while the energy used comes exclusively from renewable sources.

RAINBOW ein Garn aus Rizinussamen.

Unleash your nature As is so often the case with revolutionary innovations, UYN shoes were born from a visionary intuition. In 2020, the Italian brand – drawing on decades’ of experience in the production of sports socks – created the world's first shoe engineered entirely from the sock. network

Now in their third season, UYN shoes have set a new standard in the world of sneakers. Entirely seamless, exceptionally light and breathable, elastic yet stable, UYN shoes are the ideal footwear for city slickers and trailblazers off the beaten track alike. Especially suited to any light leisure activities they can be worn like socks (no socks required), there’s no need to lace them up and they wrap around the foot with a soft comfy feel.

At a time when supply chains are crucial, manufacturing of UYN takes place in its factory with own production facilities and qua-

Washi, Ecolypt, Rainbow & Nature Tune To craft its shoes, UYN selects the best natural fibres that via amazing biotechnological properties make for: maximum breath­ability, perfect thermo-regulation, rapid sweat absorp­ tion, softness and freshness when in contact with the skin.

WASHI are UYN's iconic summer shoes, functional trainers made from sustainable Paper Cotton yarn, a mix of cotton and paper from Manila hemp according to the ancient Japanese Washi paper production technique. Paper Cotton yarn is three times lighter than cotton, wicks away moisture and naturally neutralises odours. With the UYN ECOLYPT shoe, wood has never been as ... comfortable! The fast-drying material is derived from the eucalyptus tree! As for the colourful UYN RAINBOW shoes the new generation fibre NATEX, a yarn derived from castor oil seeds is used. For its NATURE TUNE shoes, UYN has in turn chosen extra fine Merino wool, an extraordinary natural fibre that has the power to cool the foot when it’s hot and warm it when it’s cold.

UYNSPORTS.COM 46041 Asola (MN) | Italy

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mobility & art

BMC Masterpiece Seit Jahrzehnten steht BMC für Spitzenleistungen im Radrennsport. Mit der Team­machine SLR 01 wurden bereits Olympische Spiele, Weltmeisterschaften, die Tour de France und zahlreiche weitere legendäre Radrennen gewonnen. Typisch auch, dass BMC aktuell mit Red Bull und Olympiasieger Fabian Cancellara den Prototypen des schnellsten jemals gebauten Rennrads der Welt entwickelt.

Und gleichzeitig das «Masterpiece» vorstellt. Weltweit führende Experten, man muss fast sagen, Kunsthandwerker aus dem Bereich Karbonfasertechnologie haben dieses Rad zum Leben erweckt – und wie man unschwer erkennt, mit einem visuell atemberaubenden Eindruck und erstaunlichen Fahrgefühl versehen. Ein exklusives Beispiel dafür, was möglich ist, wenn Kosten sich für einmal der Qualität unterordnen. Was einen irgendwie an die Formel 1 erinnert. Eine Gemeinsamkeit offenbart sich schnell: Jedes Masterpiece wird in streng limitierter Stückzahl hergestellt und ausschließlich als Monocoque-Rahmen konstruiert und in einem Stück gegossen. Bei dem aufwändigen Verfahren verwenden Rahmenbauer einen unkonventionellen, hochqualifizierten Ansatz, bei dem hochwertige Kohlefaserplatten direkt in die BMC-eigene Form laminiert werden, bevor diese einem einzigen Zyklus im Autoklaven (gasdichter Druckbehälter) unterzogen wird.

Temperatur und Druck müssen hier genau berechnet und kon­ trolliert werden, um einen Rahmen, eine Gabel und eine Sattelstütze von kompromissloser Qualität herzustellen. Durch dieses Verfahren wird sowohl das Gewicht des Fahrrads verringert, eine makellose Textur geschaffen – und der Abfall reduziert!

Der arbeitsintensive Ansatz ermöglicht BMC die Beherrschung der Materialeigenschaften und die Verwirklichung ihrer ehrgeizigen Vision des Fahrradbaus in der Topliga, in einer extrem begrenzten Anzahl von Rahmen.

Fazit: Eine Schönheit wie eine schwarze Madonna steht vor uns.

Eine zeitlose Mischung aus Leistung und Komfort. Leonardo Da Vinci hätte gewiss seine Freude daran. Eine Mischung aus Fertigungsperfektion und Spitzentechnologien resultiert in einem makellosen Rahmenset. Die Teammachine SLR Mpc setzt neue Standards und bringt wohl so manchen Radfan zum Träumen.

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For decades, BMC has stood for top performance in racing. The Teammachine SLR 01 has already won Olympic Games, World Championships and the Tour de France. Typical for BMC, the Swiss company is currently developing the prototype of the fastest racing bike ever built together with Red Bull Advanced Technologies and Olympic Champion Fabian Cancellara. network

And at the same time, BMC presents the "Masterpiece". Some of the world’s leading carbon fiber artisans have brought this bike to life, resulting in a visually breathtaking and astonishing ride. An exclusive example of what can be achieved

when no expense is spared. Which somehow reminds me of Formula 1.

A commonality quickly reveals itself: Each Masterpiece is produced in strictly limited numbers and designed exclusively as a monocoque frame and molded in one piece. Frame builders use an unconventional, highly skilled approach in which premium carbon fibre sheets are laminated directly into BMC's own mold before it is subjected to a single cycle in the autoclave (gastight pressure vessel).

Here temperature and pressure must be precisely calculated and controlled to create a frame, fork and seatpost of uncompromising quality. This process redu-

ces the weight of the bike, creates a flawless texture - and reduces waste!

Conclusion: A beauty like a black Madonna presents itself. A timeless blend of performance and comfort. Leonardo Da Vinci would certainly have enjoyed it. The Team­machine SLR Mpc sets new standards and is sure to make many a bike fan dream.

MASTERPIECE.BMC-SWITZERLAND.COM WWW.BMC-SWITZERLAND.COM 2540 Grenchen | Switzerland

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design

Selfmade Table Artist Ich mag verrückte Kerle. Der Roger Jungo ist so ein wilder Hund.

Nach 17 Jahren Drogensucht und mehrjährigem Entzug fasst er sich irgendwann ein Herz und entdeckt seine Leidenschaft für edle Hölzer, Epoxidharze, die er zu Unikaten verarbeitet, die ihresgleichen suchen. Sein Hang, alles ein wenig zu übertreiben, hat er nun in eine kreativ-gestalterische Tätigkeit umgewandelt.

Gib uns mal kurz einen Einblick in dein Leben!

Ich war 17 Jahre lang drogensüchtig, ging dann in den Entzug, kam raus, hatte zum Glück eine tolle Frau, mit der ich zusammenzog – und stürzte mich in die Arbeit. Das war wichtig, um Rückfälle zu verarbeiten. Zuerst war ich im Bühnenbau tätig, schliesslich im Spezial-Tiefbau, wurde gleich Bohr-, dann Rammmeister.

Ich arbeitete bis zu 16 Stunden am Tag, um schnellstmöglich alle meine Schulden abzutragen.

Und deine Frau?

Ohne sie hätte ich es nicht geschafft. Ich wurde auch noch Vater. Man ist ja nicht von heute auf morgen clean. Das ist ein Prozess, braucht Geduld und Ausdauer – und eine grosse Seele, wie meine Frau sie hat.

Und der Bau langweilte Dich?

Genau. Irgendwo sah ich einen tollen Tisch, mit Epoxidharz gegossen – und war fasziniert. Zuerst experimentierten wir mit kleinen Serviertabletts. Wir hatten kaum Geld und ein Kilo Epoxidharz kostet um die CHF 20. Für einen Tisch benötigt man bis zu 120 Kg! In der Schweiz war zudem kein Know-how verfügbar. Wir haben uns alles autodidaktisch angeeignet. Die kleinen Tabletts kamen gut an, wir verdienten sukzessive Geld und eines Tages wurde ich gefragt, ob ich einen Tisch herstellen könne.

Ich hatte keinerlei Tischlerwissen, bin aber ein absoluter Perfektionist, las mich

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design

Lawine ins Rollen. Ich bekam Anfragen aus Amerika, ein Premiumhersteller von Epoxidharz (Dipon) lud mich ein, für sie als Brand-Ambassador tätig zu sein.

Das war der Schritt in die Selbständigkeit?

Das war schwer, ich wusste ja, was Schulden bedeuten. Und auf dem Bau verdiente ich gut. Aber wir mussten uns entscheiden. Dann gingen wir das Risiko ein, dieses Produktionsatelier für CHF 2500 im Monat zu mieten. Es verging keine Woche und die Bestellungen rollten nur so rein!

Was braucht es für einen solchen Tisch?

Für den perfekten Tisch braucht es spezielle Hölzer. Ich habe 800-1200 jähriges Olivenholz, Maserulme, geräucherte Edelkastanie, Nussbaum/Walnuss, Hölzer aus der ganzen Welt. Das Suar-Holz aus Bali, hier 4 Meter lang, kostet im Einkauf schon CHF 6000. Dieses Holz ist so schön, dass ich inzwischen auch reine Holz-Tische daraus fertige.

Farb-Wahl?

Ich habe hunderte Farben zur Auswahl.

Im Falle eines Chalets in Gstaad haben wir das Harz farblich auf die Umgebung abgestimmt, dem Cheminée und dem Altholz angepasst und einen dunklen Lavaton gewählt.

in alle Themen ein, Holzfeuchtigkeit, Oberflächenbehandlung, Körnung, Werkzeuge, Trocknung. Ich tüftelte, machte alle Fehler, die man nur machen kann.

Ein Schreinerkollege gab mir Tipps und unterstützte mich bei der Abnahme der ersten Tische. Zwei Jahre lang arbeitete ich auf dem Bau und abends sowie am Wochenende tüftelte ich an Tischen rum.

Bis ich soweit war, dass ich einen ersten Epoxidharz-Tisch für ein Architekturbüro fertigstellen durfte. Dieser brachte eine

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Notwendige Arbeitsprozesse?

Planfräsen, putzen, zuschneiden, einlegen, giessen, 1-2 Wochen aushärten lassen, ausschalen, mit Kalibriermaschien planschleifen, damit der Tisch 100% gerade ist. Man kann matte oder hochglänzende Oberflächen haben. Beim Epoxidharz-Giessen gibt es einen ganz bestimmten Moment von rund 10 Minuten, in welchem man das Harz bearbeiten kann. Zudem muss man genaue Temperatur- und Luftfeuchtigkeitsbedingungen einhalten! Bei einer Abweichung von nur 1 Grad kann das Harz verkochen. Epoxidharz giessen ist eine echte Wissenschaft.

Dipon will, dass ich in ihrem Auftrag eine Tournee mache, sog. Champions (meist

Schreiner) ausbilde, die dann ihr Wissen an Kursen weitergeben.

Auch qualitativ gutes Holz arbeitet und braucht z.B. Rillen (Spannungsschlitze), damit es für Temperaturdifferenzen genügend Freiraum hat. Mehrfacher Nassschliff verstärkt die Maserung. Dann folgt mehrfache Ölung mit Schliff. Wir hatten den Un-Fall, dass von einem heissen Fondue-Rechaud kochendes Öl auf den Tisch spritzte. Kein Problem.

Wo bewegen sich die Tische preislich?

Das Rohmaterial Holz fängt bei 2000 bis 8000 CHF an, je nach Tischgrösse. Das Harz kostet bis CHF 2000. Dann arbeite ich 100 bis 200 Stunden an einem Tisch.

Beim Harz-Design legt manchmal S ­ teffi,­ meine Frau, Hand an. Das, was einen Tisch am Ende ausmacht, sind die vielen kleinen perfekten Details. Meine Tische kann man umdrehen und sie sind auf der Unterseite so perfekt wie auf der Oberseite.

Der Unterbau?

Da arbeite ich mit Schlossern zusammen.

Den passen wir immer dem Gesamtkonzept an. Solche Tische wiegen am Ende zwischen 100 bis 400 Kg. Da braucht es einen perfekten Unterbau.

Was fehlt Dir noch?

Ausstellungsraum! In Kürze beziehe ich einen 350m2 grossen Raum. Ich strotze vor Ideen, möchte noch viel neues in Angriff nehmen. Jetzt kann ich neue Ideen dann auch meiner Kundschaft präsentieren! Darauf freue ich mich.

Und die schönste Freude?

Ist, wenn ich den Tisch persönlich ausliefere, was ich immer tue! Da bin ich nervös.

Weil der Kunde dann erstmals das fertige Produkt zu Gesicht bekommt. Und der Tisch ist ja nicht billig. Ich entdecke dann vielleicht noch ein kleines Ritzlein, das ich noch ausbessere. Wenn dann die Freudentränen fliessen, geht’s mir richtig gut (strahlt).

design

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design

Resin that flows like tears of joy A 180 degree turnaround best describes Roger Jungo. Formerly a self-confessed drug addict for 17 years, he’s since been clean and sober for many years now. All thanks to the support structure of his loving wife Steffi on the one hand and having discovered the art of fine woods and epoxy resin on the other! Once having had to make ends meet with his less favourite occupation in civil engineering, today his one-off collector pieces, which have yet to seek their equal, make him a Swiss design talent of note. We asked him: network

How did you get into artwork like this?

I can’t remember where I first saw this table poured from epoxy resin – but I know it fascinated me. So much so that I began experimenting with making serving trays.

It cost all of CHF 20 for a kilogram of epoxy resin, a table would have needed up to 120 kg, we could hardly afford it but I took the plunge. I even taught myself because in Switzerland no expertise was available on epoxy resin, and then voila: The small trays were well received, money began to come in progressively and one day I was asked to produce a table. I had no carpentry know-how but read up on every aspect, made every mistake in the book, still the perfectionist in me faked it till I made it. It took me two years to perfect before an architectural practice commissioned my first table. It set the avalanche in motion. I began to receive enquiries from the United States, a premium manu-

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facturer of epoxy resin Dipon invited me to work for them as their brand ambassador.

That was the step into independence?

It was hard to take the plunge. I knew what it meant to have debts and was earning well on the construction site. Then we took the risk, rented this production studio for CHF 2500 a month. Not a week had gone by and the orders literally came rolling in.

What goes into a table like this?

Special woods are needed for the perfect table. I’ve got woods that are up to 1200 years old: Olive, elm, smoked sweet chestnut and walnut, all from around the world. Suar wood from Bali, the four metres of which you see here, I bought for CHF 6000.

Colour selection?

I’ve got hundreds to choose from. In a chalet in Gstaad we had the resin take on a dark lava tone to match elements of the surroundings like the fireplace and the old timber.

Run us through Woodwork and Epoxy Resin 101?

Face milling, cleaning, cutting to size, creating inlays, pouring, 1-2 weeks of hardening, stripping the formwork, surface grinding with a calibrator so the table is 100% straight. Surfaces can be matt or shiny. When pouring the epoxy resin t­ here

is one very specific moment of around ten minutes during which the resin can be processed. A deviation of just one degree and it can spoil. To round off the process wet grinding strengthens the grain. This is followed by multiple oiling.

What is the price range of the tables?

To give you an idea, the raw material timber ranges from 2000 to 8000 CHF in price depending on the size of the table. The resin costs up to CHF 2000. I’ll work on one table from 100 to 200 hours.

Tell us more about the undersides?

We collaborate with fitters here. We adapt them to the concept as a whole. The tables can weigh up to between 100 and 400 kg, so they need a perfect base.

What would you say you still need?

Exhibition space, but that’s in the making already with a 350 m² space I’ll soon be occupying. I’m very happy about being able to showcase my new ideas to clients.

And what makes you the happiest?

When I deliver my clients their finished product – which I always do personally – and I get to see their faces when they see it for the first time (smiles). © alle Fotos by Philipp Litschi WWW.JUNGO-DESIGN.CH 4629 Fulenbach | Switzerland

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Swiss Knife for Star Chefs Die Geschichte des Bieler Unternehmens Sknife ist so jung wie verrückt. Erst vor wenigen Jahren wurde Gründer Michael Bach von Starkoch Caminada gebeten, eine eigene Kollektion für ihn zu entwerfen. Sie spornte ihn an, die beinahe vergessene Kunst des Messerschmiedens in der Schweiz wiederzubeleben. Die daraus entstandenen eigenen Messerlinien entwickelten sich zu einem wahren Exportschlager.

«Wir wollten von Beginn weg Messer mit der Präzision und der Qualität vergleichbar einer hochwertigen Schweizer Uhr produzieren» so Michael Bach. Die Qualität findet inzwischen weltweite Bewunderer. Die – mit verschiedenen Design Awards (Red Dot u.a.) prämierten – Messer sind im Einsatz bei 3-Sterne-Köchen wie Grant Achatz in Chicago, Mauro Colagreco in Menton, Emmanuel Renaut in

Mégève, Juan Amador in Wien, den Roca Brüdern in Girona. In der Schweiz bei Heiko Nieder im Dolder, Patrick Mahler in Vitznau oder Fabrizio Zanetti im Suvretta House.

Hergestellt werden die Messer aus Chirurgenstahl, dessen Korrosionsbeständigkeit um ein Mehrfaches höher ist. Neben der speziellen Klinge hat Sknife für den Griff ein spezielles Verfahren entwickelt, bei welchem das Holz durch die Einspritzung eines Acryl-Gemischs stabilisiert und gehärtet wird.

Von Messerliebhabern besonders geschätzt sind die Messer aus Damaststahl.

Der Torsionsdamast (Damasteel) mit über 1'000 Lagen ergibt ein Damastbild, welches perfekt mit dem Griff harmoniert.

Und dann gibt es noch die Luxus-Variante für Damen: das mit 51 Juwelen besetzte nur 10 cm lange Volldamast-Taschenmesser mit Hightech-Keramik.

Knives that can rival the best The company with the unconventional play on the name that best defines it – headquartered in the Swiss town of Biel/ Bienne – is as young as it is crazy.

It was only a few years ago that its founder Michael Bach was commissioned by the Swiss star chef Andreas Caminada to design him a dedicated collection. This had a way of spurring him on to revive the almost lost art of bladesmithing in Switzerland.

The specialty own knife line that emerged from the initiative, with the emphasis on the precision and quality of a Swiss watch, has become a true export hit and it already boasts the coveted Red Dot Award among others.

The knives are manufactured from surgical steel for its higher corrosive resist­ ance. The handle is treated with a special acrylic mix to harden and stabilize it. The Damascus steel range promises to be of particular appeal for collectors, while the pièce de résistance designed specially for women, has to be a 10 cm long Damascus steel ceramics combination hi-tech pen­ knife – embellishing it are 51 jewels! network

WWW.WORLD-OF-KNIVES.CH 2502 Biel-Bienne | Switzerland

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design

GROHE – auf dem Weg zur Kreislaufwirtschaft

Take-Make-Waste: Nach diesem Modell funktionieren derzeit viele wirtschaftliche Prozesse. Ressourcen werden eingesetzt, um ein Produkt herzustellen, das nach dem Ende seiner Nutzung entsorgt wird. Die Konsequenz zeigt sich in der derzeitigen Ressourcenverknappung, während sich das globale Abfallproblem weiter verschärft. Mit Abfall-Recyclingraten von bis zu 99 Prozent und einem Recyclinganteil im Messing von bis zu 80 Prozent nähert sich GROHE seit Jahren schrittweise der Kreislaufwirtschaft an. Nun hat GROHE einen nächsten Meilenstein hin zu einer zirkulären Wertschöpfungskette gesetzt, indem es vier Bestsellerprodukte als Cradle to Cradle Certified®-Varianten auf den Markt gebracht hat. Der C2C-Certified-Produktstandard ist die weltweit führende, wissenschaftlich fundierte und strenge Massnahme für die Entwicklung und Herstellung von sicheren, kreislauffähigen und verantwortungsvollen Materialien und Produkten. Alle vier zur Zertifizierung eingereichten Produkte erreichten direkt Gold-Standard. „Der Weg hin zu einer zirkulären Wertschöpfung ist eine lange Reise und wir stehen ganz am Anfang,“ erklärt Peter Bren­decke,

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Leader Quality and EHS Fittings, Lixil International. «Es ist unsere Pflicht, ein Umdenken in der Branche zu bewirken. Der Cradle to Cradle Certified®-Produktstandard lehrt uns, den Lebenszyklus von Produkten anders zu betrachten. Nur so können wir ein besseres Leben für zukünftige Generationen sicherstellen.»

Ressourcen sparen dank innovativer Technologien Zu den zertifizierten Produkten gehören die drei Armaturen BauEdge S-Grösse, Eurosmart S-Grösse und Eurosmart Kitchen sowie das Tempesta 100 Brausestangenset. Die nachhaltige Wirkung der GROHE BauEdge und GROHE Eurosmart Armatur wird durch den Einsatz der SilkMove ES Technologie noch verstärkt. Diese verhindert den unnötigen Verbrauch von heissem Wasser, indem sie bei mittlerer Hebelstellung nur kaltes Wasser liefert. Die in der Eurosmart und BauEdge Armatur sowie dem Tempesta Brausekopf integrierte GROHE EcoJoy Technologie reduziert zudem den Wasserfluss auf 5,7 l/min bzw. 9,5 l/min ohne Komfortverlust. Auch dank ihres zeitlosen Designs lässt sich so eine schnelle ökologische Modernisierung in jedem Badezimmer realisieren.

GROHE – on its way to circular economy network

The take-make-waste model is a framework for waste and resource management that is currently used in many industrial processes. Resources are used to make products that are disposed of at the end of their useful lives. The obvious consequences of this linear model are the current resource shortages and the escalating global waste problem. For many years GROHE has been moving towards a circular economy. It already has a waste recycling rate of up to 99 percent and up to 80 percent of the brass it uses is made from recycled material. Now the brand has reached the next milestone on the way to a circular value chain by launching four best-selling products in Cradle to Cradle Certified® versions. Cradle to Cradle Certified® is the global, scientifically substantiated and stringent standard for materials and products that are safe, circular and responsibly made. All four of the products submitted for certification met ‘Gold’ product standard requirements.

“Circularity is a long journey and we are at the very beginning”, explains Peter Brendecke, Leader Quality and EHS Fittings, LIXIL International. “It is our obligation to drive a mindset shift in the industry.

The Cradle to Cradle Certified® Product Standard gives us a framework for looking differently at the life cycle of products.

This is the only way to ensure better living for future generations.”

Innovative technologies that save resources The certified products are the three faucets, BauEdge S-size, Eurosmart S-size and Eurosmart Kitchen, as well as the Tempesta 100 shower system. The sustainability of the GROHE BauEdge and GROHE Eurosmart faucets is further enhanced by SilkMove ES technology. It prevents unnecessary production of hot water by supplying cold water with the faucet lever in the middle position. GROHE

EcoJoy technology, which is integrated into the Eurosmart and BauEdge faucet as well as the Tempesta shower head, re­ duces the water flow to 5.7 l/min. and 9.5 l/min. respectively without compromising on performance.

Thanks to their timeless design, all of the products are perfect for a quick ecofriendly upgrade of any bathroom.

l: Diese vier Bestsellerprodukte sind als Cradle to Cradle Certified®-Varianten erhältlich: GROHE BauEdge S-Grösse, Eurosmart S-Grösse, Eurosmart Kitchen und das GROHE Tempesta 100 Brausestangenset. network

l: These four best-selling products are available in Cradle to Cradle Certified® ver-

sions: GROHE BauEdge S-size, Eurosmart S-size, Eurosmart Kitchen and the GROHE Tempesta 100 shower system.

WWW.GROHE.CH

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mobility & art

Diversity by Bentley

«Love is love»

Ich gebe zu, ich war überrascht. Bentley brachte 2021 den Mut auf, im Rahmen der Beyond100-Strategie eine klare Message zu senden: diejenige von Vielfalt und Inklusion. Rechtzeitig zu den weltweiten Gay Pride-Feierlichkeiten und als Zeichen des Wandels hat sich der 102 Jahre alte Autobauer zum Ziel gesetzt, der Luxusautobauer mit der grössten Personalvielfalt zu werden. Ein konkretes Ziel ist es, den Umfang an Diversität in der Geschäftsleitung bis 2025 auf 30% zu erhöhen. Was in anderen Branchen eher Schmunzeln auslöst, ist in der männerdominierten Automobilbranche ein hartes Stück Arbeit.

Der Unifying Spur als automobiles Kunstwerk wurde im Rahmen dieser Strategie geschaffen, als Ausdruck von Vielfalt in all ihren Formen.

Bentley: «Wir wissen, dass Vielfalt den Erfolg fördert. Sie bringt eine größere Bandbreite an Erfahrung und Kreativität mit sich. Alle sollen in einem Umfeld arbeiten können, in dem sich jeder sicher fühlt und sein wahres Selbst einbringen kann.»

PS. Aktuell ist der Unifying Spur in den Niederlanden gesichtet worden…

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Der Designer Rich Morris schuf ein Kunstwerk in den neun Farben der Regenbogenfahne. Sein Design verindet die Worte «Love is love» durch eine einzige Linie, welche Gesichter, tanzende Fioguren und Formen nachzeichnet – als Sinnbild der vereinenden Kraft der Menschheit, unabhängig von Rasse, Glaube und Sexualität.

Wir finden das zukunftsweisend.

Bentley designer Rich Morris.

WWW.BENTLEYMOTORS.COM

I admit I was surprised. In 2021, Bentley had the courage to send a clear message as part of its Beyond100 strategy: that of diversity and inclusion. Just in time for the global Gay Pride celebrations and as a sign of change, the 102-year-old carmaker has set itself the goal of becoming the luxury car manufacturer with the greatest workforce diversity. One specific goal is to increase diversity in management to 30 per cent by 2025. What tends network

to make people smile in other industries is a tough job in the male-dominated automotive sector.

Bentley: "We know that diversity drives success by bringing a greater range of experience and creativity. We should all be able to work in an environment where everyone feels safe to bring their true self to work."

The Unifying Spur as an automotive art-

work was created as part of this strategy, as an expression of diversity in all its forms. Designer Rich Morris created a ­piece of four-wheeles art using the nine colours of the Progress flag.

His design joins the words "Love is love" through a single line that traces faces, dancing figures and shapes – symbolising the unifying power of humanity, regardless of race, creed or sexuality. We find this forward-looking.

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Maserati & Star Chef Der Levante Trofeo Fuoriserie Edition for Massimo Bottura, der 2021 vorgestellt wurde, ist das Ergebnis einer Partnerschaft zwischen dem Unternehmen und einem Chefkoch, die beide aus der Region Emilia stammen und für Spitzenleistungen stehen.

In Massimo Botturas Vorstellung ist das Fahren im Gelände wie ein Action Painting. Als er im Motor Valley aufwuchs, liebte er es, mit seinen älteren Brüdern in Oldtimern durch die Landschaft der Emilia zu rasen. Am Ende dieser abenteuerlichen Tage waren die Karosserien mit Schlammspritzern oder "Rennnarben", wie der

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* * * Massimo Bottura

Chefkoch sie liebevoll nennt, übersät. Das Leben ist insofern ähnlich, als jeder von uns der Protagonist eines Abenteuers ist: Wir werden durch gelebte Erfahrungen verändert, durch Begegnungen geprägt, durch Siege und Niederlagen geformt. Am Ende sind wir zwar immer noch wir selbst, aber wir sind auch etwas anderes geworden. Um sich an den Wert dieser Lektion zu erinnern, wusch Bottura nach seinen Offroad-Rennen gewöhnlich tagelang den Schlamm nicht vom Auto ab.

Der «Bottura-Maserati» ist mit Spritzern aus Farbe übersät. Ausdruck einer Explosion an Kreativität, also genauso das, was

die 3-Sterne-Küche von Massimo Bottura ausmacht. Eine Demonstration der Freiheit des Ausdrucks und eines farbenfrohen Lebens.

Er steht auch für das neue Individualisierungsprogramm Fuoriserie, das dem Kunden die Möglichkeit bietet, einen Maserati ganz nach seinem Geschmack zu gestalten. Die Fuoriserie ist wie ein weisses Blatt Papier, Maserati bietet dazu eine breite Palette von Zeichenwerkzeugen und Farben an. Alles andere bleibt der Inspiration des Kunden überlassen, der damit die Rolle des Trendsetters übernimmt.

mobility & art

https://assets.adobe.com/id/urn:aaid:sc:US:eeac1ebd-94e74fdb-b3ee-cb1fbe8cae1c?view=published

The Levante Trofeo Fuoriserie Edition for Massimo Bottura, launched in 2021, is the result of a partnership between the company and a chef, both of whom hail from the Emilia region and are synonymous with excellence.

In Massimo Bottura's mind, off-road driving is like action painting. Growing up in the Motor Valley, he loved to race through the Emilia countryside in vintage cars with his older brothers. At the end of those adventurous days, the bodies were covered in mud splatters, or "racing scars" as the Chef affectionately calls them. network

Life is similar in that each of us is the protagonist of an adventure: we are changed by lived experiences, shaped by encounters, moulded by victories and defeats.

In the end, we are still ourselves, but we have also become something else. To remind himself of the value of this lesson, Massimo Bottura usually did not wash the mud off the car for days after his off-road races.

The "Bottura-Maserati" is covered with splashes of paint. An expression of an explosion of creativity, just what Massimo Bottura's 3-star cuisine is all about. A de-

monstration of freedom of expression and a colourful life.

It also represents the new Fuoriserie customisation programme, which offers customers the opportunity to design a Maserati entirely to their taste. Fuoriserie is like a blank sheet of paper, Maserati offers a wide range of drawing tools and colours.

Everything else is left to the inspiration of the client, who thus assumes the role of trendsetter.

WWW.MASERATI.COM

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Living room. © Stefano Scatà

Hospitality

by Massimo Bottura & Lara Gilmore Massimo Bottura ist einer der klangvollsten Namen unter den besten Köchen dieser Welt.

Nach anfänglichen Verständnisschwierigkeiten im eigenen Land schaffte er es, die italienische Küche kunstvoll zu erneuern. Seit 2011 hält er drei Michelin Sterne und wurde 2016 und 2018 auf Platz 1 der Liste «The World’s 50 Best Restaurants» gehievt.

Das Erdbeben 2012 in der Emilia Romagna hatte über Nacht fast alle Parmesan-Käselaibe beschädigt. Bottura nutzte das Rezept Cacio e Pepe, das viel Parmesan

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benötigt und rief die Welt dazu auf, es nachzukochen. Zehntausende machten mit. Bis Ende Jahr war der gesamte Bestand von 360'000 Käselaiben verkauft

und die Parmesan-Industrie gerettet.

Bottura kochte sich in die Herzen – nicht nur – der Italiener.

Francescana at Maria Luigia © Marco Poderi

Und packte gleich sein nächstes Projekt an: Food for Soul. Es kämpft gegen die Lebensmittelverschwendung. Ein Drittel davon landet jährlich im Müll! An der Weltausstellung 2015 in Mailand verwerteten Sterneköche die Abfälle zu mehr als 10'000 Mahlzeiten, die an Bedürftige verteilt wurden. Nachfolgeaktionen gab es an der Olympiade in Rio. 2016 wurde Food for Soul gegründet. Die Uno wurde darauf aufmerksam, Stiftungen engagieren sich. Für Bottura kein karitatives, sondern ein kulturelles Projekt, es geht um die Gemeinschaft, soziale Verantwortung

und den Respekt gegenüber Umwelt und Menschen.

Nach seiner Expansion nach Dubai, Tokyo und Beverly Hills führte er das 2017 erworbene schlossartige Anwesen ausserhalb Modenas seinem finalen Zweck, einem kunstvollen Luxushideaway, zu. Mit seiner Ehefrau Lara Gilmore renovierte er die alte Struktur und reicherte sie gleichzeitig mit moderner Kunst an. Antiquitäten, Bilder, Fotografien und Skulpturen namhafter Künstler zieren die 15 Zimmer, viele davon sind eigenhändig ausgesucht.

Aber natürlich kommen die meisten Gäste hierher wegen der Küche und sinnigerweise gibt es das Francescana at Maria Luigia. Im ehemaligen Kutschenhaus wurde ein atemberaubender Speisesaal eingerichtet. Vier Gemeinschaftstische laden zu einem neungängigen Degustationsmenu, welches Botturas Klassiker zelebriert. Wo die Wartelisten in vielen Bottura-Restaurants über Monate gefüllt sind, haben die Hotelgäste Casa Maria Luigia BuchungsVorrang und damit reelle Chancen, sich von Botturas Küche verwöhnen zu lassen.

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culinary art

Davide Piferi De Simoni

Massimo Bottura is one of the most illustrious names among the world's best chefs. After the initial resistance to his take on re-inventing Italian cuisine in his own country, he ingeniously managed to give Italian cuisine a new lease on life.

He has held three Michelin stars since 2011, and in 2016 and 2018 was catapulted to No. 1 on "The World's 50 Best Restaurants" list. network

The earthquake of 2012 in Emilia Romagna had damaged almost all Parmigiano Reggiano cheese overnight. Bottura used the recipe Cacio e Pepe, which requires a big amount of Parmesan as a social gesture and called on the world to recreate it. Tens of thousands joined in. By the end of the year, the entire stock of 360,000 wheels of cheese had been sold and the Parmesan

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industry saved. Bottura won many hearts.

His next project is Food for Soul. A fight against food waste! A third of food fit for consumption ends up in the rubbish every year! In Expo 2015, star chefs recycled the food waste from the world expo in Milan into more than 10,000 meals that were distributed to those in need.

Follow-up actions took place at the Rio Olympics and in 2016 Food for Soul was founded. The UN became aware of it, foundations got involved. For Bottura the initiative goes way beyond what might look like a charitable project on the surface. It is about responsibility and respect for the environment and the people.

After expanding to Dubai, Tokyo and Beverly Hills, in 2019 he also put the castle-­

like estate outside Modena, to its final purpose: An artful luxury hideaway. With his wife Lara Gilmore, he renovated the old building while enriching it with modern art. Antiques, paintings, photographs and sculptures by renowned artists adorn the 15 rooms, many of them hand-picked.

Of course most guests come here for the tantalising cuisine and FRANCESCANA at MARIA LUIGIA comes to the table with exactly that with a nine-course tasting menu in the former carriage house turned into a breathtaking dining room with four communal tables.

While this top chef’s restaurants have perpetual waiting lists, here at Maria Luigia hotel guests have booking priority.

Ai WeiWei © Stefano Scatà

CASAMARIALUIGIA.COM Casa Maria Luigia San Damaso | Modena | Italy

MASSIMOBOTTURA.IT

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culinary art

A spicy Summer Cocktail Dieser Rum aus dem alten venezianischen Handelshaus Rossi&Rossi hat schon so manchen Preis gewonnen. Er wird aus dem peruanischen Hochland-Zuckerrohr gewonnen. Im Laufe der Jahre haben die Destilleure den Rum mit einem ausgeklügelten Fermentationsverfahren und dem mehrfachen «Blending» nach dem spa-

M I L LO N A R I O PICANTE ∙ 60 ML RON MILLONARIO DECIMO ANIVERSARIO ∙ 60 ML ORANGE JUICE ∙ 35 ML LIME JUICE ∙ 10 ML JEAN-LUC PASQUET COGNAC – L’ORGANIC 4 ∙ 10 ML ORGEAT (ALMOND/MANDEL SIRUP) 1 TBS/1 EL AJI AMARILLO CREAM DOUBLE-STRAIN GARNISH WITH ORANGE PEEL.

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nischen Solera-Verfahren zu einem raffinierten und harmonischen Spitzen-Rum entwickelt. Dahinter steckt Fabio Rossi, der seit den 80er Jahren unermüdlich die Welt nach speziellen Whiskeys und Rum durchstreift.

Hier: ein würzig-scharfer Cocktail für heisse Sommertage, eine leichte Pfeffernote,

die dem Sommer-Abend einen zusätzlichen Vitalitätsschub verleiht. Die Mixologen von Rossi&Rossi ehren den Ron Millonario mit einer besonderen Zutat aus dem Land, aus dem er stammt... der Aji Amarillo Cream, die aus einer scharfen, aber auch milden und zarten gelben peruanischen Chilischote gewonnen wird.

This rum from the old Venetian trading house Rossi&Rossi has already won many awards. It is made from Peruvian highland sugar cane. Over the years, the distillers have developed the rum into a refined and harmonious top-quality rum with a sophisticated fermentation process and multiple "blending" according to the Spanish solera method. Behind it all is Fabio Rossi, who has been tirelessly scouring the world for special whiskeys and rums since the 1980s.

Here is a spicy-hot cocktail for hot summer days. Ron Millonario with a difference: a light pepper note that gives the summer evening an extra vitality boost. The

mixologists at Rossi&Rossi honour the Ron Millonario with a special ingredient from the country it comes from... the Aji Amarillo Cream, which is made from a spicy but also mild and delicate yellow Peruvian chilli pepper.

network

WWW.ROSSIANDROSSI.IT ROSSI&ROSSI srl 31100 Treviso (TV) | Italia

Für Nachteulen & Tagträumer:

Wiener Mocca Die außergewöhnliche Symbiose zwischen Kaffeekunst und Spirituosenhandwerk, die perfekte Mischung aus schwarzem Gold und kristallklarer Kostbarkeit, das ist der WIENER MOCCA. Ein Kaffee­ likör, geboren aus der Kollaboration zwischen der Wiener Kaffeemanufaktur Naber und der Vorarlberger Destillerie Freihof.

fekt den Lifestyle von heute trifft. Trotz seiner 23% Alkoholgehalt duftet der Likör nach süßem Kaffee mit einem Touch Vanille. Er begeistert mit seinem satten und kräftigen Espresso-Geschmack, einer überraschend feinen Textur und der dunklen Farbe. Wie es sich für einen PremiumKaffeelikör gehört, ist er rein aus der Bohne hergestellt, ganz ohne Zusatzaromen.

Fesch, um nicht zu sagen, eine wahre Schönheit ist die Flasche, welche mit ihrem schwarz-weißen Design den klassischen Kaffeehaus-Ober abbildet und damit eine Hommage an die Wiener Kaffeehauskultur darstellt. Und im Inneren per-

Ob für den puren Genuss, als Basis für aufregende Cocktails oder zum Verfeinern von Desserts, WIENER MOCCA setzt stets ein starkes Statement und frischt jede Sommer-Party auf.

Mocca extraordinaire The extraordinary symbiosis between the art of coffee and handcrafted spirits, the perfect mix between black gold and crystal clear delectability is what best defines WIENER MOCCA. A coffee liqueur born from a collaboration between the Viennabased coffee producer Naber and the Freihof distillery.

Stylish to say the least, the bottle is a beauty of note. Its black and white design network

depicts the classical coffeehouse Ober and with that pays homage to the classical Viennese coffeehouse culture. Its content, a force to be reckoned in meeting today’s lifestyle spot on. Despite its 23% alcohol content the liqueur has the aroma of sweet coffee with a touch of vanilla; its dark but surprisingly smooth texture a tribute to espresso at its best and that makes for the perfect Mochatini.

HTTPS://SHOP.FREIHOF.COM IG: @wienermocca In Good Spirits Vertriebs GmbH 6890 Lustenau | Austria

M O CC AT I N I ∙ 4 C L ESPRESSO, FRESH-BREWED ∙ 2 C L WIENER MOCCA KAFFEE LIQUEUR ∙ 3 C L EDELWEISS VODKA ∙ 1 C L FREIHOF BLUTORANGEN GEIST ∙ 2 C L SIMPLE SYRUP SHAKE ON ICE CUBES (HARD & FAST ).

DOUBLE-STRAIN INTO A CHILLED COUPETTE GLASS. FLOAT THE COFFEE BEANS. GARNISH WITH ORANGE PEEL.

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h o s p i ta l i t y

© Gataric Fotografie

Ferien im Baudenkmal Die Stiftung Ferien im Baudenkmal ist ein Projekt an der Schnittstelle von Tourismus und Denkmalpflege. 2005 gegründet zum 100-jährigen Jubiläum des Schweizer Heimatschutzes, engagiert sie sich schweizweit für den Erhalt von historisch wertvollen Häusern, indem sie leerstehende und vom Zerfall oder Abriss bedrohte Baudenkmäler übernimmt, sanft restauriert und als Ferienobjekte neu belebt.

Dazu gehören traditionelle Bauernhäuser, Bürgerhäuser, Zeugen der Industrialisierung und der Anfänge des Tourismus sowie einzigartige Beispiele moderner Architektur. Nebst der Erhaltung der Objekte steht die Vermittlung und Sensibilisierung für Themen rund um Baukultur im Vordergrund. Dabei entsprechen die angebotenen Ferienobjekte einem durchaus aktuellen Bedürfnis vieler Touristen nach Authentizität, Entschleunigung und Nachhaltigkeit. Knarrende Dielen, niedrige Räume und der Rauchgeruch aus dem Specksteinofen machen das Ferienerlebnis zu einer Reise in vergangene Zeiten.

Auf zeitgenössische Küchen- und Sanitäreinrichtungen müssen die Feriengäste trotzdem nicht verzichten. Auch ergänzt die Stiftung mit ihrem Einrichtungskonzept bestehende historische Möbel mit Schweizer Designklassikern und schafft so ein stimmungsvolles Gesamtbild aus Alt und Neu. Das Angebot wächst stetig und reicht vom einfachen Bauernhaus aus dem 13. Jahrhundert bis zur Stadtwohnung aus den 1930er-Jahren. Die zunehmende Beliebtheit bestätigt zudem eine hohe gesellschaftliche Akzeptanz.

FERIENIMBAUDENKMAL.CH Stiftung Ferien im Baudenkmal 8008 Zürich | Schweiz

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Türalihus in Valendas, GR; erbaut 1485 | Taunerhaus in Vinelz, BE; erbaut um 1850 | Maison des Fées, Charmey FR; erbaut 1914.

A listed building getaway A Swiss foundation has made it is mission to prevent valuable vacant dilapidated historical buildings from being torn down.

Instead “Ferien im Baudenkmal” founded in 2005 restores and revives them into holiday homes in a project at the cutting edge of tourism. They range from traditional farmhouses, tenement houses and throwbacks from the industrial age to some unique instances of modern architecture.

It turns out that a journey through time can indeed quell that hunger for authenticity, deceleration and sustainability that people crave for when going away. Creaking floorboards, lowceilinged roofs and the lingering smell of smoke from the antique fireplace will create exactly such an ambience. And the good news is they needn’t do without their creature comforts.

In tune with the foundation’s design concept, existing historical furnishings are replaced with Swiss contemporary kitchen and bathroom design classics in a perfect symbiosis of old and new.

And if you’re wondering how well received this concept really is, its popularity speaks for itself. network

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cover credit Ian Davenport Chiostro Del Bramante, Rome - photography by Prudence Cuming Associates print printmedia solutions product photos hersteller & Partner publisher chardon communications ag seeblick 545 CH-9405 wienacht daniel.chardon@chardon.ch T +41 71 891 21 41 editors & contributors daniel chardon & various art director petra chardon translations birgitt lederer verlag & advertisement chardon communications ag seeblick, CH-9405 wienacht daniel.chardon@chardon.ch T +41 71 891 21 41

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Außer Skifahren und Golfen bietet das 5 Sterne Resort alles an Sportoptionen: 3 km Sandstrand, 32 verschiedene Tauch- und Schnorchel-Locations, Tennis-Akademie, Badminton- und Beachvolleyball-Plätze.

Im Burn Fitness Center locken Yoga, Pilates, Kross Fit, TRX Suspension Training.

Weitere Action auf und über Wasser: Kite-Surfen, Wake Boarding, Wasserskifahren, Segeln, Hochseefischen Parasailing und Sky Diving!

Für das kulinarische Wohl sorgen 10 Restaurants und Bars.

Kandima hat zudem zur Förderung lokaler Künste die KULA Art Initiative ins Leben gerufen!

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Nachhaltiges Engagement Heritage Resorts Die Heritage Resorts bieten die ersten klimaneutralen Aufenthalte in Mauritius an. Neben dem Ausgleich aller unvermeidbaren CO2 Emissionen ist das Resort Teil des „Now for Tomorrow“ Gemeinschafts- und Umweltprojekts.

Integriert werden sollen die fünf Säulen der Nachhaltigkeit: Energiewende, Kreislaufwirtschaft, Schutz der biologischen Vielfalt, dort lebender und integrierter Gemeinschaften sowie inklusive Entwicklung.

Grünes Gourmetfestival Dazu passend das 1. Grüne Gourmetfestival auf Mauritius vom 25.-31. Juli 2022 mit 2 Sterne Michelin Chef Christian Têtedoie aus Lyon.

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