An Unfinished Journey Gallery Guide

An

Unfinished Journey

Embodying the Feminist City

Una travesía inconclusa | Personificando la ciudad feminista

Gallery Guide | Guía de la exposición

Una travesía inconclusa

Personificando la ciudad feminista

Una travesía inconclusa: Personificando la ciudad feminista presenta obras de arte de tres artistas contemporáneas que trabajan con medios diferentes para investigar una variedad de cuestiones sobre los derechos, cuerpos y experiencias de las mujeres. Sandra C. Fernández (nacida en 1964, Nueva York), Tania Candiani (nacida en 1974, Ciudad de México) y Lilliam Nieves (nacida en 1975, Puerto Rico) emplean las técnicas de video, escultura y grabado para examinar una reconceptualización constante de “mujer” y la “ciudad feminista”.

Candiani, Nieves y Fernández cuestionan la apropiación y regulación institucional y cultural de los cuerpos para reclamar su visibilidad, empoderamiento y libertad. Mientras los cuerpos de las mujeres siguen siendo cuestionados y vigilados en los países alrededor del mundo, desde Irán, Afganistán, México y los Estados Unidos, la exhibición considera su hipervisibilidad y su invisibilidad y devaluación paradójicas. A través del lente de la “ciudad feminista”, un concepto propuesto por la geógrafa feminista Leslie Kern, las artistas revelan varias experiencias vividas en y de la ciudad y adoptan un enfoque intersectorial para abordar las voces, antecedentes y perspectivas diferentes en base a la raza, etnicidad y clase, así como también para inspirar y apoyar a otras mujeres como ellas.

La ciudad feminista imagina y exige el mantenimiento de la libertad y la disponibilidad de más oportunidades en nuestras comunidades. También condena la misoginia y las formas diferentes de violencia que ocurren tanto dentro como fuera del hogar. A través de las obras presentadas, esta exhibición reconoce que la creación de la ciudad feminista es una travesía colectiva todavía inconclusa. Con palabras de Kern, es “un proyecto de aspiración, uno sin un plan ‘maestro’ que de hecho resiste la seducción de la maestría”. La ciudad feminista es una invitación al activismo y a trabajar en solidaridad unidos para lograr una sociedad equitativa.

Esta exhibición fue curada por la Dra. Adriana Miramontes Olivas, curadora de Programas Académicos y Arte Latinoamericano y Caribeño.

An Unfinished Journey: Embodying the Feminist City presents artworks by three contemporary artists who work in different media to investigate a variety of concerns regarding women’s rights, bodies, and experiences. Sandra C. Fernández (b. 1964, New York), Tania Candiani (b. 1974, Mexico City), and Lilliam Nieves (b. 1975, Puerto Rico) employ video, sculpture, and printmaking techniques to examine an ongoing reconceptualization of “woman” and the “feminist city.”

Candiani, Nieves, and Fernández contest the institutional and cultural appropriation and regulation of bodies to claim their visibility, empowerment, and freedom. As women’s bodies continue to be contested and surveilled in countries around the world, from Iran to Afghanistan, Mexico, and the United States, the exhibit considers their hypervisibility and their paradoxical invisibility and devaluation. Through the lens of the “feminist city,” a concept proposed by feminist geographer Leslie Kern, the artists unveil several lived experiences in and of the city and adopt an intersectional approach to address different voices, backgrounds, and perspectives based on race, ethnicity, and class, and to inspire and support others like them.

The feminist city imagines and demands the maintenance of freedom and the availability of further opportunities in our communities. It also condemns misogyny and different forms of violence that take place both in and outside the home. Through the artworks on display, the exhibit recognizes that creating the feminist city is a collective, yet unfinished journey. It is, in Kern’s words, “an aspirational project, one without a ‘master’ plan that in fact resists the lure of mastery.” The feminist city is an invitation to activism and working in solidarity with each other towards an equitable society.

This exhibition is curated by Dr. Adriana Miramontes Olivas, Curator of Academic Programs and Latin American & Caribbean Art.

Tania Candiani

Tania Candiani (b. 1974, Mexico City)

Pulse, 2016

3 channel video

On Loan from Tania Candiani; L2022:129.1

Interdisciplinary artist Tania Candiani has been committed to a feminist agenda since she started working in the early 2000s with painting and sculpture. Incorporating sound, video, installation, and performative elements, Candiani continues her commitment to feminism to comment on life in the city and the power structures that operate within it.

In Pulso, Candiani defies one of the most transited subway systems in the world. With more than four million passengers per day, Mexico City’s subway is both accessible and efficient, as well as chaotic and cacophonous. Yet, in a fearless act, Candiani organizes almost two hundred women to travel in at least three different subway lines to create a harmonious composition in which the individual and collective body establishes its presence within the space.

Strategically starting this journey, and public assembly, in “La Paz” (Peace) station, the group moves throughout the city to other terminals, Cuatro Caminos and Refinería, on opposite sides of Mexico City, claiming space and agency through their movement and music. By adopting the teponaztli, the horizontal drum from the Mexica (Aztecs), the women mark their passage as a celebratory event and as a roaring call of activism for non-aggression, social justice, and women’s rights.

Tania Candiani (nacida en 1974, Ciudad de México)

Pulso, 2016

Video de tres canales

Préstamo de Tania Candiani; L2022:129.1

La artista interdisciplinaria Tania Candiani ha estado comprometida con una agenda feminista desde que empezó a trabajar con pintura y escultura a comienzos de la década del 2000. Incorporando el sonido, video, instalación y elementos performativos, Candiani continúa su compromiso con el feminismo para comentar sobre la vida en la ciudad y las estructuras de poder que operan dentro de la misma.

En Pulso, Candiani desafía uno de los sistemas de metro más transitados en el mundo. Con más de cuatro millones de pasajeros por día, el metro de la Ciudad de México es accesible y eficiente, así como también caótico y cacofónico. No obstante, en un acto audaz, Candiani organiza aproximadamente 200 mujeres para viajar cuando menos en tres líneas del metro diferentes para crear una composición armónica en la cual el cuerpo individual y colectivo establece su presencia dentro del espacio.

Estratégicamente comenzando esta travesía y reunión pública en la estación La Paz, el grupo se mueve por toda la ciudad a otras terminales, Cuatro Caminos y Refinería, en lados opuestos de la Ciudad de México, reclamando el espacio y agencia a través de su movimiento y música. Al adoptar el teponaztli, el tambor horizontal de los mexicas (aztecas), las mujeres marcan su paso como un evento de celebración y como un estruendoso llamado al activismo contra la agresión y a favor de la justicia social y los derechos de las mujeres.

Lilliam Nieves

Lilliam Nieves (b. 1975, Puerto Rico)

Beauty Queen IV, 2019

Red oak panel, surface inked with black ink Museum purchase with funds from the Ballinger Endowment Fund; 2019:41.1

New media artist Lilliam Nieves embraces video, performance, sculpture, and installation art to oppose oppressive regimes that seek to undermine and control women and their bodies. Employing her own body in this artwork, Nieves seeks to empower both the self and other women in an unrelenting struggle for representation, visibility, diversity, and women’s rights.

In Beauty Queen IV, the artist appears with hardly any clothes on to display self-confidence and assert the body across space. Located outside the planet, her boots stand firmly–over and across several regions of the world, while a drill is tightly secured in her hands. Wearing a crown, the artist further claims her strength and power in a gesture that seems confrontational, but also captivating and inspiring.

Nieves’s work reminds viewers of the diversity of body types and subverts the violence that comes with cultural and societal norms, exercised by both strangers and loved ones. She displays the selflove that needs to happen on a personal level before engaging in a collective effort in the name of freedom. As the artist explains, “I try to accept my body as it is, and I am not ashamed of it…it is important to come to terms with your body.”

Lilliam Nieves (nacida en 1975, Puerto Rico)

Reina de belleza IV, 2019

Panel de roble rojo, superficie cubierta con tinta negra Compra del museo con fondos provenientes del Fondo de Dotación Ballinger; 2019:41.1

La artista multimedia Lilliam Nieves adopta el arte de video, performativo, escultura e instalación para oponerse a los regímenes opresivos que buscan menoscabar y controlar a las mujeres y sus cuerpos. Empleando su propia figura en esta obra, Nieves busca empoderarse a sí misma y otras mujeres en una lucha incansable por la representación, visibilidad, diversidad y los derechos de las mujeres.

En Reina de belleza IV, la artista aparece usando muy poca ropa para demostrar su confianza en sí misma e imponer el cuerpo a lo largo del espacio. Ubicada fuera del planeta, sus botas se apoyan firmemente sobre y a lo largo de varias regiones del mundo, mientras sujeta un taladro apretadamente en sus manos. Usando una corona, la artista reclama todavía más su fortaleza y poder con un gesto que parece confrontante, aunque también cautivador e inspirador.

El trabajo de Nieves recuerda a los espectadores sobre la diversidad de los tipos de cuerpos y socava la violencia que viene con las normas culturales y sociales ejercitadas tanto por extraños como por seres queridos. Ella muestra el amor propio que necesita suceder a un nivel personal antes de involucrarse en un esfuerzo colectivo en nombre de la libertad. Como lo explica la artista, “Yo trato de aceptar mi cuerpo como es y no tengo vergüenza… es importante hacer la paz con tu cuerpo”.

Sandra C. Fernández

Clockwise, from top:

Sandra C. Fernández (b. 1964, New York City)

Nucleus-ities Matrix C, 2011

Etched copper, etching, crochet, knitted wire, paper, thread drawings

Courtesy of the artist; L2023:7.2

Nucleus-ities Series/Dream, 2011

Etching, silkscreen, and thread drawings

Courtesy of the artist; L2023:7.1

Nucleus-ities: Matrix D, 2011

Etching and sewing

Courtesy of the artist; L2023:7.3

Nucleus-ities IV (bubblies), 2011

Paper, printmaking collage, thread, sewing

Courtesy of the artist; L2023:7.9

Trained as a printmaker and photographer, Sandra C. Fernández works in sculpture, installation, painting, and the creation of artist’s books to convey her interest in identity and politics and to advocate for coexistence, rehabilitation, and social justice.

In the Nucleus-ities series, Fernández combines her sewing practice and printmaking techniques to reflect unity and solidarity through the stitching of seemingly incompatible elements. In Matrix C, the stitching unites the diverse elements of the artwork–copper, wire, crochet, and paper–to create a unified composition. At the same time, the stitching occasionally goes beyond boundaries, as seen in Dream, to express freedom and non-conformity.

This freedom is further reflected in the made-up word, Nucleusities. The title of this series reveals Fernández’s interest in openness and women’s autonomy. Symbolic also of healing, the stitching in the Nucleus-ities series speaks of the end and beginning of relationships in a woman’s life and the liberation and cure that comes with these processes. As the artist explains, “stitching for me has been a sort of, talking about healing and empowerment, when you sew something together, you mend, you put things back together, you make something new out of them. There is still a fracture in there, but when you are sewing things together, you are creating something, you are giving a new life to something that was broken.”

En dirección de las agujas del reloj, izquierda superior:

Sandra C. Fernández (nacida en 1964, Ciudad de Nueva York)

Nucleus-ities: Matriz C, 2011

Cobre grabado, grabado aguafuerte, croché, alambre tejido, papel, dibujos de hilo

Cortesía de la artista; L2023:7.2

Serie Nucleus-ities/Sueño, 2011

Grabado aguafuerte, serigrafía y dibujos de hilo

Cortesía de la artista; L2023:7.1

Nucleus-ities: Matriz D, 2011

Grabado aguafuerte y costura

Cortesía de la artista; L2023:7.3

Nucleus-ities IV (bubblies), 2011

Papel, collage de grabados, hilo, costura

Cortesía de la artista; L2023:7.9

Entrenada como grabadora y fotógrafa, Sandra C. Fernández trabaja con escultura, instalación, pintura y la creación de libros de artista para transmitir su interés por la identidad y la política y abogar por la coexistencia, rehabilitación y justicia social.

En la serie Nucleus-ities, Fernández combina su práctica de costura y técnicas de grabado para reflejar unidad y solidaridad a través de la costura de elementos aparentemente incompatibles. En Matriz C, la costura une los elementos diferentes de la obra (cobre, alambre, croché y papel) para crear una composición unificada. Al mismo tiempo, la costura ocasionalmente va más allá de los límites, como puede verse en Sueño, para expresar libertad y no conformidad.

Esta libertad se refleja todavía más en la palabra inventada Nucleus-ities. El título de esta serie revela el interés de Fernández en la apertura y autonomía de las mujeres. También como símbolo de sanación, la costura en la serie Nucleus-ities habla sobre el fin y el comienzo de las relaciones en la vida de una mujer y la liberación y curación que vienen con estos procesos. Con palabras de Fernández, “la costura para mí ha sido como hablar sobre la sanación y el empoderamiento; cuando coses algo junto, tú remiendas, vuelves a juntar las cosas, haces algo nuevo de estas. Todavía hay una fractura allí, pero cuando coses las cosas juntas, estás creando algo, estás dando una vida nueva a algo que estaba roto.”

Sandra C. Fernández

Top to bottom:

Sandra C. Fernández

What Is Meant to Be…Destiny, 2011 Silkscreen, chine colle, and thread drawings

Courtesy of the artist; L2023:7.4

Ontogenesis, 2011

Etching, soft ground and photopolymer plates with blind embossment

Courtesy of the artist; L2023:7.5

U.S.-born Ecuadorian-American artist Sandra C. Fernández asks viewers to consider the fundamental unit of life, the cell, as a way to rethink our (co)existence. These amorphous and circular shapes, which occasionally touch each other or stay within a close distance, speak about interconnectedness and interdependency. Imbued with and surrounded by text, the cell-like shapes also communicate on the artist’s life and experiences as a woman, immigrant, and Latina.

In What Is Meant to Be…Destiny, the relationality of the elements is made apparent. The cells come together to create a chain, while the text provides an intimate portrait of the artist. In Fernández’s words, “My work has always centered around memories…it is about personal experiences…and learning how to cope within a different culture…finally finding in art a place to put all my emotional wanderings to rest and sit tight while making sense of life…”

In Ontogenesis, Fernández writes, “re-formatear” (reformat), “re-evaluar” (re-evaluate), and “que viene?” (What is coming?). This questioning is necessary for an active feminist agenda and the ongoing redefinition of the personal and social body as it works both individually and collectively towards change. As Fernández states, “A cell is something that regenerates, that holds a lot of different elements for it to exist.”

De arriba hacia abajo:

Sandra C. Fernández

Lo que es de ser… destino, 2011

Serigrafía, chine collé y dibujos de hilo

Cortesía de la artista; L2023:7.4

Ontogénesis, 2011

Grabado aguafuerte, placas de barniz blando y fotopolímeros en relieve Cortesía de la artista; L2023:7.5

Sandra C. Fernández, artista ecuatoriana estadounidense nacida en los Estados Unidos, pide a los espectadores que consideren la unidad fundamental de la vida, la célula, como una manera de replantearnos nuestra (co)existencia. Estas figuras amorfas y circulares, las cuales ocasionalmente se tocan o mantienen a una distancia cercana, hablan sobre la interconexión e interdependencia. Imbuidas con y rodeadas por texto, las figuras parecidas a una célula también comunican sobre la vida y las experiencias de la artista como una mujer, inmigrante y latina.

En Lo que es de ser… destino, la relacionalidad de los elementos se hace evidente. Las células se juntan para crear una cadena, mientras el texto provee una retrato íntimo de la artista. Según explica Fernández, “Mi trabajo siempre se ha centrado en torno a las memorias...se trata sobre las experiencias personales...y aprender cómo afrontar las cosas dentro de una cultura diferente...finalmente encontrando en el arte un lugar donde poner todas mis andanzas emocionales para descansar y esperar mientras le encuentro sentido a la vida...”.

En Ontogénesis, Fernández escribe “re-formatear”, “re-evaluar” y “¿qué viene?”. Este cuestionamiento es necesario para una agenda feminista activa y la redefinición constante del cuerpo personal y social mientras se trabaja individual y colectivamente para lograr un cambio. Como señala Fernández, “Una célula es algo que regenera, que contiene muchos elementos diferentes para poder existir”.

Sandra C. Fernández

Sandra

C. Fernández Loveuetes, 2011

Mixed media

On loan from private collection; L2023:7.8

In Loveuetes, Sandra Fernández adopts an experimental approach to both language and form to create a small and intimate artist’s book that comments on sexual poses, pleasure, and bodily knowledge. The word, loveuetes, is a made-up word, which like nucleus-ities, reflects the artist’s playful character and her embrace of freedom as well as passion for text. As she states, “I love to make up words. I am always doing that. I love to play with my titles, adding meaning to the pieces, with the titles.”

The book’s cover in metal and the stitching seen throughout the pages further reflect the artist’s desire to explore with different media to incorporate references to her heritage while challenging more conventional approaches to art making. As Fernández comments, “sewing is a very important part of my work. It brings me back home, it brings me back to the people who raised me. The women in my life – my grandmother, my aunts, my mother.” She adds, “soy una rebelde (I am a rebellious one)…when I was learning how to make prints…in the 1990s, back then, it wasn’t as typical to be doing things like this, to be sewing on canvases, or to be adding thread or fabric or things like that to prints.”

Sandra C. Fernández Loveuetes, 2011

Medios mixtos

Préstamo proveniente de colección privada; L2023:7.8

En Loveuetes, Sandra C. Fernández adopta un enfoque experimental para el lenguaje y la forma para crear un libro de artista íntimo y pequeño que comenta sobre las poses sexuales, placer y conocimiento corporal. La palabra loveuetes es una palabra inventada que, al igual que nucleus-ities, refleja el carácter juguetón de la artista y su adopción de la libertad, así como también su pasión por el texto. Como ella lo señala, “Me encanta inventar palabras. Siempre estoy haciendo eso. Me encanta jugar con mis títulos, agregando un significado a las piezas con los títulos”.

La portada de metal del libro y la costura que puede verse en todas las páginas reflejan todavía más el deseo de la artista de explorar con medios diferentes para incorporar las referencias a su herencia mientras desafía los enfoques más convencionales para la creación de arte. Como Fernández comenta, “la costura es una parte muy importante de mi trabajo. Me recuerda a mi hogar, me recuerda a las personas que me criaron. Las mujeres en mi vida como mi abuela, mis tías, mi madre”. Ella agrega que “soy una rebelde... cuando aprendía cómo hacer grabados...en la década de 1990, en esa época, no era muy normal hacer cosas como esto, coser sobre lienzos o agregar hilo o tela o cosas como esas a los grabados.”

Sandra C. Fernández

Top to bottom:

Tears Filling Up Oceans: Una botella lacrimatoria desbordándose, 2014 Photopolymer intaglio, silkscreen, chine colle, blind embossment Courtesy of the artist; L2023:7.7

We Are All in the Same Boat, 2019 Silkscreen, collage, and thread drawings Courtesy of the artist; L2023:7.6

In these artworks by Sandra C. Fernández, water plays an essential role. In Tears Filling Up Oceans: Una botella lacrimatoria desbordándose, the water is surrounded by crosses to reflect on loss and mourning. These lives have been lost to gunrelated violence as is reflected in bullet cases that make up the lachrymatory bottle. Yet, unable to contain more tears, they are spouted from the bottle and become dispersed throughout the space.

In We Are All in the Same Boat, the water serves to unify women, who find themselves, together, in the same boat, to work as a collective entity. Their gaze shows individuals who are empowered and motivated. Their solidarity is further visible as they all turn, at the same time, to engage with the viewer.

The works synthesize the exhibition’s themes. Stopping violence against women and groups that have been marginalized and underrepresented is an ongoing effort, one that requires working as a collective body, to effectively demand and ensure women’s rights. Stopping violence against the body begins with the self, and it requires continued individual and communal actions that include education, communication, visibility, and presence.

De arriba hacia abajo:

Sandra C. Fernández

Lágrimas llenando océanos: A Lachrymatory Bottle, 2014 Calcografía de fotopolímero, serigrafía, chine collé, relieve Cortesía de la artista; L2023:7.7

Todas estamos en el mismo barco, 2019

Serigrafía, collage y dibujos de hilo Cortesía de la artista; L2023:7.6

En estos trabajos de arte de Sandra C. Fernández, el agua juega un papel esencial. En Lágrimas llenando océanos: A Lachrymatory Bottle, el agua está rodeada de cruces para reflexionar sobre la pérdida y el duelo. Estas vidas se han perdido por la violencia relacionada con las armas y se refleja en los casquillos de balas que forman la botella lacrimatoria. Sin embargo, no puede contener más lágrimas, caen desde la botella y se dispersan por todo el espacio.

En Todas estamos en el mismo barco, el agua sirve para unificar a las mujeres que se encuentran juntas en el mismo barco para trabajar como una entidad colectiva. Su mirada muestra a individuos que están empoderadas y motivadas. Su solidaridad es todavía más visible cuando todas se voltean al mismo tiempo para involucrarse con el espectador.

Los trabajos sintetizan los temas de la exhibición. Parar la violencia contra las mujeres y los grupos que han sido marginalizados y poco representados es un esfuerzo constante, uno que requiere trabajar como un cuerpo colectivo para exigir y asegurar efectivamente los derechos de las mujeres. Parar la violencia contra el cuerpo comienza con uno mismo y requiere de acciones individuales y comunales continuas que incluyen educación, comunicación, visibilidad y presencia.

Una travesía inconclusa

University of Oregon