L'Officiel Argentina DEC 2020

DICIEMBRE 2020-FEBRERO 2021

MALENA SANCHEZ Presente perfecto

Nº 28 $390 INTERIOR $5

Iara Kaumann • Viggo Mortensen Clara Lyon • Ecocidio • Mathilde Favier • TikTok

De un AÑO a OTRO

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IARA KAUMANN Obra13y vida

Chemise de seda natural, MENAGE A TROIS. Pendientes y anillos, LIMIDO JOYAS.

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18 EDITORIAL 20 MUESTRA 22 ANATOMIA DE UN RELOJ 24 ETIQUETAS 26 TEATRO 28 SERIES COREANAS 30 FASHION DIALOGUES 32 LIBROS 34 DESFILE LOUIS VUITTON 36 LA JACKIE 38 PAULA ERRAZURIZ 40 ZAPATILLAS 42 GABA ESQUIVEL 46 MARIA LUISA FRISA 50 MALENA SANCHEZ 58 VIGGO MORTENSEN 64 CLARA LYON 68 HORAS DORADAS 74 EN ROUTE 88 IARA KAUMANN 92 LA RED DEL AÑO 100 BELLEZA O CAOS 104 CARPE DIEM 110 MATHILDE FAVIER 114 ECOCIDIO 118 CHANEL Nº5 122 LOS ELEGIDOS 124 ESPACIO LA PRAIRIE 126 PERFUMES 128 LUGARES PARA VER 130 DERNIERES VOLONTES

FOTO: IVAN RSSNIK.

Nº 28 • DICIEMBRE 2020 - FEBRERO 2021

Nº 28 • DICIEMBRE 2020 - FEBRERO 2021 JALOU MEDIA GROUP MANAGEMENT

DIRECTORA EDITORIAL

ANA TORREJON

128, quai de Jemmapes 75010 Paris

DIRECTOR DE ARTE

EDITORA GENERAL

GERMAN ROMANI

DORA BECHER

EDITORA DIGITAL

CELESTE NASIMBERA GERENTE COMERCIAL

DIRECCION GERENTES COPRESIDENTES DE CONSEJO EJECUTIVO Y ADMINISTRATIVO

MARIE-JOSE SUSSKIND-JALOU MAXIME JALOU DIRECTOR GENERAL DIRECTOR DE CONSEJO EJECUTIVO Y ADMINISTRATIVO

BENJAMIN EYMERE

FEDERICO GABRIELO

DIRECTORA GENERAL ADJUNTA MIEMBRO DE CONSEJO EJECUTIVO Y ADMINISTRATIVO

GLOBAL BRANDS MEDIA

MARIA CECILIA ANDRETTA

Coronel Díaz 1617 (1425) CABA

DIRECTOR Y PUBLISHER

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JEAN-PHILIPPE AMOS DIRECTORA DE MEDIOS ITALIANOS

CARLOTTA TOMASONI GLOBAL DIGITAL Y MEDIA PLANNING

ILARIA PREVITALI INTERNACIONAL Y MARKETING DIRECTOR INTERNATIONAL DE LICENCIAS, DESARROLLO DE NEGOCIOS Y BRAND MARKETING

FLAVIA BENDA DIRECTOR DE PRODUCTOS DIGITALES

DIRECTOR CREATIVO INTERNACIONAL

STEFANO TONCHI

ALEX MILBERG

GIUSEPPE DE MARTINO MANAGER DE PROYECTOS DIGITALES

ADMINISTRACION

DIRECTOR GLOBAL EJECUTIVO

CLAUDIO CASTELLANI

BABILA CREMASCOLI

GIAMPIETRO BAUDO ESTRATEGA DE MARKETING Y MEDIOS

REPRESENTANTE DE VENTAS USA

JB MEDIA CONSULTING CORP.

DIRECTORA ARTISTICA Y CASTING

JENNIFER EYMÈRE

jill@jb-mediaconsulting.com michael@jb-mediaconsulting.com 2300 NW 94th Ave. Ste 205 - Doral, FL

DIRECTOR CREATIVO ADJUNTO

IMPRENTA

TREY LAIRD

MUNDIAL José A. Cortejarena 1862, CABA

ASISTENTES EJECUTIVOS

DISTRIBUCION CABA

CELINE DONKER VAN HEEL GIULIA BETTINELLI

DISTRIBUIDORA SANABRIA

PUBLICIDAD GERENTE DE INGRESOS GLOBALES

LOUIS DU SARTEL CONTENIDOS EDITORIALES Y ARCHIVOS INTERNACIONALES

GIULIA BETTINELLI FUNDADORES

GEORGES, LAURENT Y ULLY JALOU (†)

Dr. Enrique Finochietto 1602 DISTRIBUCION INTERIOR

AUSTRAL Isabel La Católica 1371 CABA

NUESTRA TAPA:

Malena Sánchez con vestido de gasa, EL ALMACEN DE LULU y anillos, LIMIDO JOYAS. Foto: Iván Resnik. Estilismo: Jorge León.

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EDICIONES INTERNACIONALES

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EDITORIAL

“Donde hay un deseo, hay un camino”, Albert Einstein.

Por infinitos y diversos deseos dichos en voz alta y en voz baja.

Por lo propio y por lo colectivo.

Por un año en el que supimos discriminar lo útil de lo indispensable y en el que valor no fue lo mismo que precio.

Al unísono y mirando el horizonte con la mejor intención: ¡Felices Fiestas!

Ana Torrejón

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MUESTRA

Diseños con

EDAD

El Met de Nueva York exhibe prendas icónicas de etiquetas de lujo para mostrar que la moda se reinventa pero también se recuerda.

Por DOLORES CAVIGLIA

Vestido, IRIS VAN HERPEN, Otoño/Invierno 2012-13.

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FOTO: NICHOLAS ALAN COPE PARA THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART.

U

na historia que arranca en 1870 y sigue hasta hoy, contada en pares de diseños de la misma época, o bien con uno del pasado y otro del presente.

Hay modelos de Chanel, Dior, Louis Vuitton, McQueen y más. Esa es la idea de la nueva exposición del Museo Metropolitano de Nueva York (Met), que hasta febrero de 2021 exhibe Sobre el tiempo: moda y duración como parte de las celebraciones por sus 150 años.

El hilo conductor de la muestra es el concepto del filósofo y escritor francés Henri Bergson de la durée (duración), una idea de tiempo heterogéneo pero simultáneo e interconectado, indivisible, novedoso, en movimiento. Así, con piezas que van desde una chaqueta de Elsa Schiaparelli de 1938 a un conjunto de 1978 de Yves Saint Laurent y desde un traje de 1963 diseñado por Gabrielle Chanel a uno hecho por Karl Lagerfeld en 1994, la exposición explora las maneras en que la vestimenta asocia pasado, presente y futuro.

Cada dúo de los sesenta, como los minutos de una hora, ejemplifica la naturaleza lineal de la moda y a la vez su carácter cíclico. Entre sí se conectan por forma, material, patrón o decoración, como un vestido de satén de seda con mangas enormes de mediados de 1890 que se complementa con un conjunto de Comme des Garçons de 2004.

Las prendas son negras, para enfatizar los cambios de silueta, excepto la del final. Ese es el momento del blanco: un vestido de la colección Primavera/Verano 2020 de Viktor & Rolf, confeccionado con materiales reciclados, cambia el tono para convertirse en símbolo de lo que se viene, colaboración y sostenibilidad. ¿La yapa? La escritora Virginia Woolf es la “narradora fantasma”. Las duplas están acompañadas por sus citas relacionadas con el concepto del tiempo. El deleite, en todos los sentidos. n

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ANATOMIA DE UN RELOJ

La NUEVA serpiente La marca italiana Bvlgari mostró la última versión de una de sus líneas más deslumbrantes. El lujo y los detalles, en la muñeca.

Por AGUSTINA FERNANDEZ SARDO Bvlgari conoce de técnica y de estética. Esta combinación de saberes llevó a la casa a crear el “Serpenti Seduttori Tourbillon”, un reloj con alma de joya. El nuevo integrante de la línea más emblemática de la firma se presentó en un evento del Grupo LVMH en Dubái.

LA MUSA La serpiente es símbolo de sensualidad y eternidad, y por ello el ícono de muchas piezas de Bvlgari. Desde los años 50 y para siempre, reaparece temporada tras temporada tanto en diseños de joyas como de accesorios de la colección Serpenti. n

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FOTO: DERECHOS RESERVADOS

EL MECANISMO Diseñado para adaptarse a las dimensiones de la caja, tiene el tourbillon más pequeño del mercado.

Además, está bañado en rodio, decorado a mano con Côtes de Genève, perlado y biselado, y cuenta con un puente de zafiro. Su mecanismo revive la tradición de los movimientos que fueron reemplazados por el cuarzo a principios de la década del 70.

ETIQUETAS

Transmisión de

NOVEDADES Desde la narrativa hasta la funcionalidad de las prendas, propuestas alineadas con la actualidad.

FURZAI furzai.com.ar 2020 se encargó de modificar todas las planificaciones anuales. Así que esta nueva etiqueta nacional con prendas prácticas y contemporáneas comenzó a correr en los feeds de Instagram antes de poder abrir su tienda en el shopping Alto Palermo.

En la dirección creativa se encuentra la diseñadora Rocío Ortiz de Latierro, que trabaja junto con el equipo de marketing.

“Somos el guion de una historia en que la moda se potencia a través de una actitud auténtica, libre y personal”, dicen en su Instagram.

Hay relatos muy alineados con nuestros días, como la edición de remeras estampadas en sinergia con el comedor Belleza y Felicidad Fiorito, y la colección Futuro, que utiliza algodón sustentable. n

CROSS CLOTHING crossclothing.com.ar

TEXTO: CELESTE NASIMBERA.

Emociones, expresiones, oscuridad. Esos son los términos elegidos por Agustín Dupuis para definir su incipiente marca de indumentaria unisex. Utiliza el negro como presencia clave y las estampas vinculadas a la música para generar básicos tanto urbanos como deportivos.

Buzos, remeras y pantalones amplios que siguen la comodidad propia de 2020. En febrero realizaron su primera aparición en BAFWeek, mostrando su colección en el hall principal del Centro de Convenciones de Buenos Aires y, en octubre volvieron a este evento de moda, que se realizó en formato digital. En sintonía con los tiempos, su cuenta de Instagram es la antena de difusión y el comercio electrónico su principal canal de ventas.

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TEATRO

JAURIA, todos contra una Basada en hechos reales, la obra debía estrenarse a fines de marzo. Llegó el momento.

Por TERESA DONATO Foto ALEJANDRA LOPEZ

Y

a podemos sentarnos en la platea. El arte no será esencial, pero es necesario. Del público también depende que pueda seguir adelante. Tras permanecer cerrado por la cuarentena, el teatro Picadero arranca 2021 con el estreno de Jauría el 7 de enero, con funciones en vivo. Es teatro documental, se cuenta una historia basada exclusivamente en hechos y dichos reales.

El hecho: una madrileña de 18 años viaja a Pamplona a celebrar la fiesta de San Fermín. Allí, es violada por un grupo de cinco amigos en la entrada de un edificio. En España, el juicio a “La Manada”, nombre tomado del chat donde los victimarios celebraban su “hazaña”, marcó una bisagra en la forma de juzgar estos delitos. Gracias al reclamo del “hermana, yo sí te creo” de la sociedad, se logró que se los acusara de violación y no de abuso sexual, como dictaminó la primera sentencia.

La obra: creada por el español Jordi Casanovas, se basa en las declaraciones de víctima y victimarios durante el

primer juicio a “La Manada”. Cada texto reproduce exactamente lo dicho. Casanovas no agregó ni una palabra. Eriza la piel escuchar a la víctima decir: “En ese momento estaba totalmente en shock, no sabía qué hacer, solo quería que pasara y cerré los ojos para no enterarme de nada y que todo pasara rápido”.

Generan indignación las reflexiones de la defensa: “Usted estaba suficientemente lubricada para poder mantener relaciones sin sentir dolor” para argumentar la participación voluntaria de la víctima en esa violación colectiva.

La dirección de Nelson Valente es una garantía de que el mensaje llegue a destino de manera contundente, en un escenario despejado donde seis actores le hacen honor a la palabra. Ella es Vanesa González. Ellos son Martín Slipak, Gustavo Pardi, Lucas Crespi, Gastón Cocchiarale y Francisco Ruiz Barlett. Ya la gráfica impacta. Te pone en sus zapatos. En los de la víctima. n

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ESPACIO LOUIS VUIT TON

Las razones de NICOLAS

Ghesquiere

El diseñador de Louis Vuitton dio a conocer su Primavera/Verano 2021 y su interés cada vez mayor por la evolución hacia una moda sin género.

C

on mensajes de empoderamiento en las prendas, con pantalones anchos y chaquetas extremas, el director creativo de Louis Vuitton presentó sus nuevos diseños bajo el techo de vidrio de La Samaritaine, monumento histórico de París. Nicolas Ghesquière fortaleció la premisa de crear una colección fluida, sin divisiones estrictas. Ida y vuelta para conocer los motivos que lo impulsaron en esa dirección.

¿Qué es lo distintivo de estas prendas?

La estructura. Por ejemplo, una chaqueta que está justo en el medio, es tan femenina como masculina. O una remera deportiva, que puede ser al mismo tiempo la que visten los jugadores de básquet y un vestido corto. Asimismo, los abrigos clásicos tienen un acabado como el de los suéteres oversize y las telas fluorescentes brindan idea de movimiento. Es un diálogo entre aparición y desaparición. Algo parecido a un camaleón.

“La neutralidad no tiene nada de suave: puede ser poderosa, extrema y expresiva.

Es un ejercicio estimulante”.

¿Podría definirse como un nuevo estilo?

Es lo que a mí siempre me gusta hacer, lo que caracteriza mi trabajo: los híbridos estilísticos, la mezcla de materiales, la fusión de los opuestos. En moda, el concepto de fluidez 28

FOTO: DERECHOS RESERVADOS.

¿Cuál fue el origen de esta colección?

Una pregunta. Y muy significativa: la del género. Intentamos ir más allá de esa idea básica de que una mujer adquiere poder al apropiarse del vestuario masculino. ¿Hay lugar para una categoría entre lo femenino y lo masculino? Sí, es un espacio en crecimiento y sus contornos son cada vez más permeables. Estamos definiendo piezas dentro de una zona no binaria. Y es fascinante. Inevitablemente el papel del diseñador es dar un punto de vista.

“Lo que caracteriza mi trabajo: los híbridos estilísticos, la mezcla de materiales, la fusión de los opuestos”.

es poderoso, un indumento que se mueve armoniosamente entre una idea y otra, que es esa idea y también la otra. La sociedad evoluciona más rápido que el protocolo. Cada vez más personas se sienten cómodas con ropa que para la tradición no se corresponde con su género. Por eso, este es un momento interesante y abre muchas posibilidades creativas.

Hoy existe esta zona neutral que descategoriza todo. ¿Y cómo es esta zona neutral?

Algo sumamente radical. La neutralidad no tiene nada de suave: puede ser poderosa, extrema y expresiva. Es un ejercicio estimulante. En algunos de los estilos, las prendas tienen impresas palabras que representan mandatos positivos.

Quería una línea enérgica, vigorosa y atrevida. Es lo que necesitamos ahora. ¿Por qué eligieron La Samaritaine para presentar la colección?

En medio de las restricciones por el coronavirus, este edificio de estilo art nouveau habla en alguna forma de resiliencia, de un deseo de continuar con lo físico. Los invitados estuvieron rodeados de pantallas verdes para integrar efectos especiales.

Mientras la audiencia veía el show en el lugar, en línea hubo un entorno interactivo para los que no pudieron viajar. n 29

LIBROS

LA FUERZA DE LA NO VIOLENCIA (JUDITH BUTLER)

A esta altura ya sabemos que Judith Butler se ganó un lugar indiscutido entre las intelectuales más influyentes de los últimos treinta años. Ahora vuelve con un ensayo recién salido del horno donde reflexiona sobre una ética de la no violencia que, lejos de la pasividad, hunde sus raíces en la fuerza de lo colectivo.

Un llamado a repensar las vulnerabilidades, pero también los movimientos de resistencia en todo el globo, incluyendo un análisis del movimiento de mujeres en Argentina. Aguda como siempre, nos obliga a preguntarnos por el mundo que estamos construyendo.

LAS MIL

y una

páginas Ensayo, poesía y novelas entre los títulos que renuevan la biblioteca.

Paidós

METEORO

(JULIAN LOPEZ) En uno de los primeros poemas de este libro, López dice “la especie es frágil” y ese verso funciona como una advertencia sobre la delicada pieza que tenemos en nuestras manos.

En sus obras anteriores ya había demostrado su destreza marcial para construir tesoros con los restos de lo cotidiano. Un entomólogo del lenguaje que disecciona cada palabra para ver cómo respira. Donde todos ven menudencias, Julián López se detiene en la belleza de las cosas hasta que, como decía Pizarnik, se le pulvericen los ojos. Ahí está su revolución y, por suerte, nos abre la puerta para que podamos espiarla.

Por FACUNDO ABAL

LA TELEPATIA NACIONAL (ROQUE LARRAQUY)

Literatura Random House

El personaje central de la nueva novela de Roque Larraquy se propone hacer “una experiencia metropolitana sobre el distinto” y ahí nomás nos sumerge en un experimento que podría ser delirante, si no encontrara un eco tan cercano con la historia de nuestro país. El proyecto de un parque etnográfico donde exhibir indios para visitantes ilustres es el puntapié inicial de un modo corrosivo y singular de contar cómo se ejerce la pedagogía de la crueldad sobre el diferente. Larraquy construye un artefacto preciso y punzante que recuerda al prólogo de Sartre a Los condenados de la tierra, advirtiendo sobre las consecuencias de los viejos/nuevos crímenes rezumados en nombre de la civilización.

SOY LA PESTE

(GUILLERMO SACCOMANNO) La escritura de Guillermo Saccomanno no anda con vueltas. Siempre va al hueso y nos deja sin aliento en cada página. En esta nueva novela, asistimos al descenso a los infiernos en una ciudad devastada por el contagio y la muerte. Un protagonista sin diques morales se hace lugar a los codazos en un mundo que ya no es el mismo. En diálogo directo con estos tiempos pandémicos, redobla la apuesta y nos ofrece lo que mejor sabe hacer: literatura. Alucinación de nuestros terrores presentes, esos que nos empujan a pensar qué vendrá después de esta tierra baldía.

Eterna Cadencia

Planeta

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ANATOMIA DE UN BOLSO

La “Jackie” 1961

DE GUCCI

Una de las piezas distintivas de la casa italiana, revisada por Alessandro Michele. Nuevos códigos para accesorios tradicionales.

UNA HISTORIA SIN FIN A pesar de su importancia a lo largo de décadas, la marca dejó de producirlo por un tiempo. Ahora vuelve firmado por el director creativo Alessandro Michele, quien redescubre a su modo el lado vintage de aquellos años pero en sintonía con los de hoy. La primera aparición tuvo lugar en uno de los últimos desfiles del Otoño/Invierno 2020 y, más allá de sus códigos tradicionales, mostró una versión sin géneros.

LA VENTAJA DEL ESTILO El nuevo bolso viene en tres tamaños (mediano, pequeño y mini) y en colores que solo Michele puede manejar a su antojo: lila, amarillo, celeste pastel, rosa caramelo y natural. Además están los clásicos en lona negra, roja y GG Supreme. Con correa desmontable, es perfecto para mezclar un poco de alta costura con grunge. n

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TEXTO: VIRGINIE BEAULIEU. FOTO: PHOTO SOFIA ACHAVAL DE MONTAIGU.

El origen fue un pedido. Creado en 1961, el bolso “Hobo” de Gucci se hizo famoso gracias a la primera dama estadounidense Jackie Kennedy quien, en 1964, encargó seis modelos iguales para usarlos en todas partes, de Nueva York a Capri. Por eso, la etiqueta le cambió el nombre en su honor y así nació “The Jackie”. Con su forma curva, su elegancia, su cierre dorado, se convirtió en el accesorio favorito del jet set de los años 70 y 80.

STREAMING

5 razones para ver SERIES COREANAS ¿Cansados de las repetidas fórmulas made in USA y de los sangrientos policiales escandinavos? Otro Netflix es posible.

Por CLAUDIA PASQUINI

Escena de la serie surcoreana Kingdom.

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E

l Oscar que le dieron este año a Parasite, el film de Bong Joonho, convirtió lo que era casi un secreto entre iniciados en vox populi: la industria audiovisual de Corea del Sur está lanzando al mundo películas y series de gran calidad. Los K-Dramas (así se conocen las series de ese país) comparten la mezcla de géneros, en la que caben el romance, el humor irónico de la comedia y el infaltable thriller que agrega suspenso a la receta, con una módica dosis de crítica social. De tono amable, tienen menos sangre y sexo que las estadounidenses y europeas. El inventario es amplísimo y, gracias al streaming, se puede acceder a muchos títulos ya traducidos al español.

Razones para verlos sobran:

1. LAS HISTORIAS. En las series surcoreanas late de fondo la tensión entre las tradiciones del confucianismo –con su respeto por las jerarquías sociales y la familia patriarcal– y la acelerada modernización de una potencia emergente. El punto de intersección es la entrega devota al trabajo.

El sacrificio personal es una constante, así como las arbitrarias injusticias de los poderosos. La fantasía, la ciencia ficción, el cruce de épocas son modos de huir de una realidad agobiante. Pueden transcurrir en la antigüedad, como en Kingdom, una suerte de Game of Thrones con zombis. O como en El Rey, un monarca que viaja en el tiempo persiguiendo al asesino de su padre y encuentra el amor en el futuro. Pero también en la contemporaneidad de Itaewon Class, donde un muchacho que fue condenado injustamente a prisión instala su restaurante en un barrio hipster de Seúl con una cocinera trans. Por cierto, su guion está basado en un webcómic: los K-Dramas suelen reutilizar elementos de la cultura pop (redes sociales, videojuegos, música).

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2. LOS PERSONAJES. Los protagonistas luchan contra su destino predeterminado.

Casi siempre terminan refugiados en pequeños pueblos lejos de la ciudad. Hay quien escapa de casamientos arreglados por sus padres (Bajo la lluvia), de la asfixia que le genera el entorno por su divorcio (Heaven’s Garden), un matrimonio fallido (Do, do, sol, sol, la, la, sol) o un embarazo imprevisto (Cuando la camelia florece). Las series coreanas no les temen a los personajes poco convencionales. Sea un estricto fiscal, lobotomizado en su infancia, que lucha implacablemente contra la corrupción (Stranger). O una escritora de cuentos infantiles enamorada del enfermero de un psiquiátrico, que contrata a su hermano autista como ilustrador (Está bien no estar bien).

3. EL ESTILISMO. En esta última serie, la pareja estelar está tan lookeada que crearon una cuenta de Instagram, itsokaytonotbeokayfashion, donde detallan a qué diseñador o colección internacional pertenece cada una de sus prendas. Otra particularidad es el notable estilismo de los varones: sus cortes de pelo, tinturas e indumentaria. Véase, como muestra, la adorable comedia romántica El amor es un capítulo aparte, cuyo protagonista es el escritor mejor vestido del mundo.

4. EL UNIVERSO. Corea del Sur es una gran productora de tecnología. Y las últimas series están hablando sobre eso: la competencia es despiadada pero siempre hay lugar para el amor (como en Start-Up), aunque sea un holograma que cobra vida para compensar la soledad de su usuaria (Holo, mi amor).

5. LA CULTURA GASTRONOMICA. La comida tiene una presencia crucial en los K-Dramas. Se puede aprender mucho sobre la barbacoa coreana, que se cocina directamente en la mesa, o el ya famoso kimchi. Ver Immortal Classic, por ejemplo, puede ser una gran introducción a las 300 variedades de este alimento fermentado que hoy está de moda en todo el mundo. n

ESTILO

CONECTAD@S

En un nuevo episodio de la serie Fashion Dialogues, el ciclo de entrevistas de American Express, las diseñadoras Carolina Criado (Uruguay) e Isabel Henao (Colombia) conversaron con Ana Torrejón. Sus testimonios.

ISABEL HENAO isabelhenao.co

Oficio y espíritu creativo, tiene diecisiete años de experiencia y una formación artística que se manifiesta en las piezas que realiza. Su etiqueta es muy reconocida por su línea de novias. Desde su atelier en Bogotá trabaja con una cuidada selección de materiales y con detalles hechos por artesanos. Sus diseños están pintados, bordados y llevan exquisitas aplicaciones.

SOBRE EL AISLAMIENTO “Sin celebraciones ni eventos, nuestro trabajo dejó de existir. Al mismo tiempo fue una invitación a frenar y pensar”.

CREATIVIDAD Y CONFLICTO “Esta dinámica siempre va a la par en nuestro trabajo, es el poder de los opuestos”.

CARO CRIADO

2020 EN UNA PALABRA Resignificar.

carocriado.com

En 2011 fundó su marca de indumentaria en Uruguay.

Inició una línea de vestidos de fiesta y luego fue ampliando la propuesta hasta generar una etiqueta de diseño urbano y contemporáneo. En 2019 decidió apartarse de la estrategia tradicional de colecciones y generar cápsulas con criterios atemporales. Tiene también presencia en Argentina y Chile.

SOBRE EL AISLAMIENTO “Me cuestioné muchas cosas, venía con un ritmo muy vertiginoso. Fueron replanteos para volver a empezar, incluso con más fuerza”.

CREATIVIDAD Y CONFLICTO “El conflicto me potenció, me hizo sacar toda mi creatividad para generar mejores estrategias y colecciones, y realicé diferentes colaboraciones con mis colegas”.

2020 EN UNA PALABRA Desafío.

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TALENTO

Descripción

del MOVIMIENTO

De Chile a España, de España a Chile, de Chile al mundo.

La diseñadora Paula Errázuriz encontró su destino.

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

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FOTOS: DERECHOS RESERVADOS.

Y

o quería traer lo que veía en el exterior a mi país para que la mujer chilena se empezara a atrever más”, cuenta la diseñadora Paula Errázuriz. En España, adonde había viajado para estudiar, creó en 2014 su firma homónima de indumentaria hecha a mano. “Viajaba a Chile todo el tiempo. A partir de 2018 empecé a volver”. Hoy, instalada en Santiago, continúa produciendo en Barcelona y tiene dos objetivos: profundizar el desarrollo sustentable de su marca y vender en otros países.

Desde chica le interesó visitar otros lugares. “Me encantaba ir a Europa.

Mi padre siempre me llevó a conocer distintas culturas”. Luego de estudiar dos años Diseño de Vestuario y Textil en su país, tomó cursos en la Central Saint Martins de la Universidad de las Artes de Londres y en el Istituto Europeo Di Design de Barcelona y allí se quedó. En 2014, tuvo que viajar a Chile para una boda. “Me hice un vestido para mí, que me sirvió para ver cuál era la reacción de la gente con mi primer diseño. Fue impresionante: se me acercaban para verlo de cerca y hacerme preguntas”.

Ya de regreso en Santiago, comenzó el desarrollo de su primera colección, que presentó en 2015 en la Galería de Arte Patricia Ready de Vitacura. “Había una

exposición audiovisual. Tenía sonidos de pájaros y jaulas gigantes con formas geométricas. Fue perfecto”.

Elegante, bohemia, artesanal y distinta.

Así define su etiqueta. “Me reconocen en general por los colores”, cuenta.

Vestidos, chaquetas, blusas y tapados son sus piezas más buscadas, todas producidas en Barcelona. “Trabajo con una señora que tiene dos talleres: uno de costura y prueba y otro donde guardamos las telas y cortamos toda la producción”.

Sus colecciones son atemporales y su inspiración está en los lugares, como Ibiza o Londres. “Me interesa desde cómo son las personas que viven allí hasta los colores de la arquitectura y de la naturaleza”. Ofrece también un servicio de prendas a medida, que desarrolla a distancia con su equipo español y hace hasta vestidos de novia.

La sustentabilidad es un concepto dominante. “Me gusta el diseño consciente. Si tengo una chaqueta que no uso, la desarmo para reutilizar el textil”. El imperativo es aprovechar hasta el último retazo: “Compramos lo justo.

Las sobras, aunque sean poquitas, las tenemos para un borde, un cuello, un puño, un bolsillo”. Su última colección, que aún no pudo presentar por la llegada de la pandemia, tiene piezas creadas a partir de esa práctica. “Hay kimonos que tienen mangas distintas en el frente y en la espalda. Es gracias a una mezcla de tejidos”. Las mascarillas que lanzó en los últimos meses también están hechas de sobrantes de colecciones pasadas.

Su meta hoy es comenzar a vender en otros países, por eso está dedicada de lleno a su canal de venta online. “Ahora quiero llevar Chile al mundo”. n

Mariana Testino con camisa y kimono, creaciones de Paulita Errazuriz.

“Me gusta el diseño consciente.

Si tengo una chaqueta que no uso, la desarmo para reutilizar el textil”.

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MODA

IDA y

vuelta

Reediciones mejoradas de clásicos, estéticas retro y series ficcionales: las zapatillas celebran el pasado.

Por JOSE HEINZ

Nike lanzó un modelo especial para celebrar los 30 años de las “Air Max 90”: las actualizadas “Air Max 2090”, que ya se consiguen en Argentina.

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E

ntre muchas otras razones, 2020 será recordado como el año en el que pasamos mucho tiempo guardados en casa. Esa situación, sumada a la baja de pasarelas en todo el mundo, hizo que muchas industrias relacionadas con la indumentaria fueran a lo seguro: es difícil innovar cuando no se puede tomar notas de lo que ocurre en la calle, ese termómetro tan útil para medir las tendencias.

En la cultura de las zapatillas, además, este año cumplieron aniversarios redondos modelos legendarios como las adidas “Superstar” (medio siglo, todo un signo de vigencia) o las Nike “Air Max 90” (como su número lo indica, tres décadas desde su lanzamiento). Y cada una de ellas merecía un relanzamiento a la altura de sus leyendas (recordemos que las “Superstar” fueron la inspiración de la canción “My Adidas” de RUN-DMC, probablemente la primera alianza entre música y cultura sneaker).

Pero esos no fueron los únicos motivos para mirar hacia atrás en lo relativo al calzado deportivo. Otro modelo emblemático de Nike, las “Air Jordan”, volvió a estar en boca de todas y todos a raíz de The Last Dance, el documental estrenado en Netflix dedicado a la figura de Michael Jordan (y su proeza

histórica con los Bulls allá por los 90), una de las pastillas para el aburrimiento más consumidas cuando la cuarentena era estricta en varios países. ¿Cuán retrospectiva se volvió la industria este año? “Desde hace un tiempo la tendencia es apostar a lo seguro, lo que no significa que no haya algo innovador o distinto”, dice Leonardo Ferri, autor del libro Zapatillas (Paidós) y de la newsletter #Zapas10US. “Por lo general, la estrategia de las marcas es ‘remasterizar’ su herencia con nueva tecnología, seguir vendiendo zapatillas de eficacia comprobada en nuevos colores, o combinarlas de manera distinta. Es una tendencia global”.

Agrega otro dato en relación con la manera en que el pasado de un producto puede convertirse en un buen negocio: “La nostalgia es un gran argumento de venta para toda la cultura pop. Lo mismo sucede cuando se reedita un disco que vendió mucho o cuando se hace una nueva versión de una película taquillera”, y da algunas pistas de lo que puede venir en el futuro: las zapatillas de trail, de outdoor, por las que ya están apostando algunas de las principales marcas.

Por su parte, Celeste Sosa, una de las organizadoras del festival Sneakerfest Argentina, dice que este año notó la tendencia de las Chunky sneakers (zapatillas con suelas de gran tamaño) en el público femenino: “Recuerdan a los 90, con influencias de marcas como Versace o Balenciaga”. Menciona además el impulso retro tanto en los modelos como en los colores: “Se volvió a poner de moda el neón en muchos clásicos, como las “Air Max 90” y las “95”. Tonos flúo, fucsia, amarillo… Colores vibrantes, combinados con grises y blancos”.

Aunque la última edición física del Sneakerfest tuvo lugar en diciembre de 2019, la pandemia no impidió un nuevo encuentro de los fanáticos argentinos, por más que fuera solo a través de un Instagram live. Contó con charlas de diseñadores, restauradores y youtubers especializados, como el mexicano Poxte, encargado del popular canal Laced Up MX, en el que hace reseñas de zapatillas. “La pandemia nos obligó a reinventarnos”, dice Sosa.

Si bien la devaluación del peso hace cada vez más difícil la compra de pares nuevos, la reacción del mercado aún no es clara. “Hay quienes durante un tiempo compraron dos pares, uno para usar y otro para guardar. Quizás en esta época difícil revendieron, pero no tengo certeza de que haya aumentado la reventa en este contexto”, dice Ferri.

Que existen consumidores dispuestos a hacer cualquier cosa por obtener un par muy codiciado es el argumento de la serie Sneakerheads, creada por Jay Longino y protagonizada por Allen Maldonado. Estrenada en Netflix, cuenta con una curiosa particularidad: no se trata de un documental, sino de un producto de ficción, algo así como la prueba definitiva para el ingreso de las “zapas” a la cultura pop. n

“La nostalgia es un gran argumento de venta para toda la cultura pop. Lo mismo sucede cuando se reedita un disco que vendió mucho o cuando se hace una nueva versión de una película taquillera”.

— Leonardo Ferri, autor del libro Zapatillas (Paidós)

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DESAY UNO

GABA sigue su BRUJULA Diseña siluetas contemporáneas con tejidos y técnicas artesanales.

De Corrientes, sus colecciones validan la sostenibilidad y el trabajo digno. Un modo de vivir y de crear.

G

aba Esquivel logró desarrollar una carrera internacional. Saltó desde Corrientes, su ciudad natal, a Buenos Aires y luego a París, donde estudió diseño y estilismo en la prestigiosa escuela Estudio Berçot. Fue asistente en los departamentos creativos de Chanel y Balmain, y luego fundó junto a su compañero de estudio y amigo, Thomas Vasseur, Vasseur Esquivel. Vendían en distintos países, salían en medios internacionales y presentaban sus colecciones en la Semana de la Moda de Nueva York. Hasta que la maternidad cambió su perspectiva: “Empecé a pensar qué mundo quería dejarle a mi hijo. Me di cuenta de que la moda como la venía manejando no tenía nada que ver conmigo”. De ahí en más, pasó por varios proyectos hasta que hace dos años, en un viaje a Paraguay, encontró lo que buscaba. Fue una amiga la que le recomendó acercarse a un

pueblo ubicado a 164 kilómetros de Asunción y ver el trabajo de las artesanas. “Yataity es la cuna del arte textil nacional. Hacen un trabajo con ao po´i, un tejido tradicional que utilizan en indumentaria y decoración. Sentí que era algo maravilloso para mostrar al mundo”, dice Gaba sobre ese primer acercamiento al lugar que la inspiró a armar una etiqueta sostenible, ética y social: Rue Mariscal.

La diseñadora recuerda que al comienzo le costó convencer a las artesanas de que se sumaran al proyecto. “Querían que adaptara mis creaciones a la manera en que lo hacían en el pueblo y yo las entusiasmaba con bordar en diseños contemporáneos”. De a poco logró armar un grupo de trabajo que hoy cuenta con 265 personas. “Entendieron que no venía a sacar ventaja, sino que les proponía una relación horizontal y un salario justo”.

Las bordadoras tienen entre 20 y 80 años y son, en su mayoría, soporte de su hogar.

“Trabajan desde sus casas porque también deben encargarse de sus hijos y alimentar a los animales. Los bordados siempre llegan impecables. Cada una hace distintas piezas que luego se convierten en las prendas de la colección”. Gaba les propuso sumar en cada diseño el nombre bordado de quienes participaron. “Las mayores me dijeron que así generarían competencia, que mejor no”.

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FOTOS: DERECHOS RESERVADOS.

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

DESAY UNO

La firma ya presentó cuatro colecciones.

“Nuestros diseños responden a una silueta europea, pero hechos de una manera artesanal; tienen otra calidez”, detalla. Utilizan ao po´i, pero también linos, seda y algodones; no usan fibras sintéticas, evitan los colorantes y ahorran desperdicios al producir sobre pedidos. Su método de trabajo es el que aprendió en los ateliers de París. “Hacemos toda la colección en toile y con maniquí”. Su intención era vender en los lugares de veraneo europeos, pero tuvo la posibilidad de ingresar a Net-a-Porter, una plataforma internacional de productos de lujo. “Nadie lo podía creer. Para entrar, tu etiqueta tiene que haber cumplido cinco años y ellos nos eligieron desde la primera colección”. Ahora, tras una serie de evaluaciones, ingresaron a la sección de sustentabilidad, donde convive con marcas como Stella McCartney y la danesa Ganni.

Al iniciar Rue Mariscal y pensar en estar cerca de su mercado, se mudó a Madrid con su esposo, Gustavo de Lassalette, y su hijo Simón.

En ese momento ingresó al proyecto Claudia Benza, su actual socia y amiga de la infancia, que vive en Asunción. Gaba estuvo 45 días

“Tengo la misma casa que todo el mundo en Yataity: techo de paja y chapa, y un solo baño; compro las mismas cosas que cualquier persona de la zona. Y eso a mí me parece la gloria”.

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en cada país durante dos años, hasta que con la llegada de la pandemia del coronavirus decidió instalarse con su familia en Yataity.

“Tengo la misma casa que todo el mundo acá: techo de paja y chapa, y un solo baño; compro las mismas cosas que cualquier persona de la zona. Y eso a mí me parece la gloria”. Aunque es extranjera, sus raíces correntinas y el hecho de que su madre era paraguaya la hacen sentir parte. “Siento muy familiar este lugar; tiene esta cosa de la memoria emotiva”.

Los proyectos a futuro van más allá de su marca. “Con mi marido estamos tratando de conseguir que se instale otro tipo de industrias para dar trabajo a los varones del pueblo.

La mayoría tiene que trasladarse para poder vivir”. Mientras, están presentando su colección Verano 2021 y proyectan lanzar productos exclusivos para América Latina a precios más accesibles. También buscan armar una línea de belleza y sumar otras artesanías y oficios del país. “Me pone orgullosa hacer una moda social y humana”, dice la diseñadora, que siente que encontró un proyecto a su medida, lejos de las grandes capitales. n

ENCUENTRO

Crítica de

L

MODA

A propósito de la nueva edición de su libro más representativo, la italiana María Luisa Frisa reflexiona sobre las tensiones en la industria. El branding, el pensamiento proyectual en los diseños y las prácticas a revisar en el escenario pospandemia.

Por CATA GRELONI PIERRI

a crítica de arte y moda atiende la videollamada desde su of icina en la Università Iuav de Venecia. Allí dirige el curso de Licenciatura en Diseño de Moda y Artes Multimedia. La excusa perfecta para hablar con María Luisa Frisa es la traducción al español de Las formas de la moda. Cultura, industria, mercado (Ampersand, 2020). Reflexivo y conceptual –publicado hace cinco años en Italia– indaga sobre temas como la sostenibilidad, el mercado laboral y la deconstrucción de estereotipos de género.

Frisa, curadora de muestras como Bellissima. L’Italia dell’alta moda 1945-1968 y MEMOS. A proposito della moda in questo millennio, sostiene que son tan vertiginosos los cambios en la industria que sintió la necesidad de actualizar el prefacio para “discutir la cosmovisión de la época”. Sin un ápice de nostalgia, explora las distintas ramificaciones del sector y su metamorfosis en los últimos años.

¿Cuáles son los cambios principales que vivió la moda en estos cinco años?

MARIA LUISA FRISA: Desde que edité el libro hasta que se publicó su traducción, los mayores cambios tuvieron que ver con la manera de comunicar la moda. Hoy los diseñadores trabajan menos en la elaboración de una colección y mucho más en los contenidos alrededor de la marca. Me parece una época interesante por la forma que tiene la moda de expresar su contemporaneidad, en la que todos abrazan los temas sociales como la performatividad del cuerpo, la superación del pensamiento binario, la diversidad de género y la sostenibilidad como temas principales, pero, a mi criterio, falta un pensamiento proyectual que acompañe desde el diseño. Además, con esta pandemia se profundizó la necesidad

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FOTO: DERECHOS RESERVADOS.

L’OFFICIEL:

de ralentizar el sistema de la moda actual y de repensar el consumo de prendas como si fuesen objetos descartables.

L’O: En el libro mencionás que, históricamente, las personas se apropiaron de elementos de otros géneros para construir una nueva identidad. ¿Cuál es tu opinión en relación con la apropiación cultural?

MLF: La moda es un sistema que naturalmente ha mirado hacia otras culturas y países, en un juego recíproco de fascinación y curiosidad por el otro, pero nunca desde

“En esta pandemia se profundizó la necesidad de ralentizar el sistema de la moda actual y de repensar el consumo de prendas como si fuesen objetos descartables”.

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ENCUENTRO

la mala intención. Lo mismo respecto del travestismo en la indumentaria o el cross dressing: la moda no puede perder ese deseo de experimentar con otras culturas, siempre que se lo haga desde la admiración y el respeto. Es un tema complejo, pero sin estos cruces no tendríamos la fotografía de Man Ray, la pintura de Picasso. Una de las últimas confluencias más interesantes fue, por ejemplo, la de Gucci con Dapper Dan: la idea no fue cuestionar quién se apropió de quién sino el increíble sentido del círculo creativo y cómo cerraba en esa colaboración.

L’O: Sostenés también que los creativos de las firmas de lujo deberían estar obligados a trabajar con el legado de la etiqueta que dirigen, pero no siempre se cumple esta premisa, como en el caso de Balenciaga.

MLF: La permanencia del branding como está sucediendo hoy, con grandes corporaciones dirigiendo marcas, genera una situación muy particular. El director creativo es una figura muy interesante, pero que rota de etiqueta en etiqueta, casi como un técnico de fútbol. Mientras genera buenos resultados y ventas, se queda; si no, se va. Lo que sucede en Balenciaga es que Demna Gvasalia es muy cínico en su forma de diseñar. Viene de Georgia y siempre miró la moda europea como un extranjero, le interesa romper con ese sistema desde adentro, mientras que Nicolas Ghesquière, por ejemplo, hizo un trabajo extraordinario de recuperación de ciertas siluetas y creaciones del archivo de Cristóbal Balenciaga y encontró el equilibrio con su manera de diseñar. Lo mismo sucede en Gucci con Alessandro Michele, que rescató la identidad de la etiqueta, porque la conoce muy bien, y además la pudo adaptar a las necesidades del presente, con una visión para el futuro.

¿Cómo se reconfigura el Made in Italy en este escenario?

MLF: El concepto se actualizó completamente. La industria mantiene en Italia la cadena de producción de casi todos los objetos fabricados en masa, con una calidad muy alta, pero debemos recordar que la mayoría de las marcas que representan nuestra moda y cultura –Gucci, Pucci, Bottega Veneta, Bvlgari– pertenecen a multinacionales.

Esto significa que nos convertimos en los chinos de Europa, hacemos las cosas pero sin agregarle identidad al producto.

L’O:

¿Y por qué creés que se dio de esta manera?

El principal problema tiene que ver con la política italiana, porque no guardamos una historia de lo que se hizo para luego poder visibilizarlo. La moda italiana no le da la importancia que tiene; no hay lugares de representación local como en Estados Unidos o en París donde, en una semana de la moda, el presidente y la primera dama reciben a los diseñadores locales más sobresalientes. Por una serie de motivos, la moda siempre fue considerada frívola y accesoria, aun cuando genera una increíble cantidad de puestos de trabajo, pero queda desarticulada y fragmentada como un sistema de producción, no como uno cultural. No se enseña en las universidades ni hay museos dedicados a ella. Necesitamos reconsiderar la idea de Made in Italy ante el riesgo que significa perder nuestra herencia e historia. n L’O:

MLF:

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“Hoy los diseñadores trabajan menos en la elaboración de una colección y mucho más en los contenidos alrededor de la marca”.

Vestido de gasa, EL ALMACEN DE LULU. Anillos LIMIDO JOYAS.

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SOY del

MAR Dice la actriz Malena Sánchez sobre su destino favorito, en un año que pretendía dejarla quieta.

Trabajo personal, lectura, repensar los vínculos y pensarse, entre lo más valioso del 2020.

Fotos IVAN RESNIK Estilismo JORGE LEON 51

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Por MARIA MANSILLA

V

oz rota, cejas como alas, energía Leo. Luego de pasar varios meses encuarentenada, Malena Sánchez siente que salvó el año. Trabajó para una actriz: para ella misma. Se encerró, no actuó, se conoció, paró.

Debutó en un escenario hace dos décadas. Pisó un set de grabación por última vez en marzo pasado, en Uruguay. Dos meses antes de eso, quién no hablaba de Francesca, su personaje en la novela Argentina, tierra de amor y venganza. Y de todo lo que comparte en su Instagram con 402 mil seguidores, con posteos de 48 mil likes, con fotos pura sangre generacional, mucha amistad en plano americano, ropa hermosa, selfies a solas con su piel. Malena Sánchez tiene esa suavidad de diva poderosa a lo Marion Cotillard.

La pausa obligada por la pandemia ahora, el acelere feminista de hace dos años por la votación a favor del aborto legal y la aparición espontánea de movimientos como Actrices Argentinas guionan sus ideas con esa espontaneidad y pasión de quien visita un lugar deslumbrante por primera vez. Desde el unipersonal involuntario en el que se convirtieron sus días, habla de libros, vínculos, amores, cultura, pachorras, contradicciones y libertad. ¿Qué hace una actriz en cuarentena, sin filmaciones, teatros, tiras ni cines?

Hay mucha incertidumbre. Siempre la cultura queda en el último lugar del eslabón de prioridades. Tengo proyectos a confirmar, como una película para filmar en la costa, pero hasta que el INCAA no abra sus puertas… Además, los protocolos son muy estrictos. Pero estuve haciendo mucho trabajo interior, de autoconocimiento, algo que para cualquier artista es muy importante. Empecé canto por zoom, por ejemplo: trabajé para mi actriz.

L’OFFICIEL:

MALENA SANCHEZ:

“A los 20 pensaba todo el tiempo en lo que quería ser a los 30 o a los 40: quería ser madre.

Me enamoraba y ya pensaba: ¿él será el papá de mis hijes? Parte de mi deconstrucción fue dejar de esperar cosas por mi edad”.

En CABA se anunció que de a poco vuelve a la actividad teatral en espacios abiertos...

Es fundamental. La cultura está en estado de emergencia. Hay mucha gente sin trabajo que no puede comprar comida. Pero también hay mucho apoyo.

Unes amigues venden bolsones de alimentos para familias del cine, las cuentas son @aada.arte y @plandeaccionarte, se puede colaborar con la causa, y además comprar bonos solidarios y ganarse piezas de arte hermosísimas.

L’O: MS:

El aislamiento te encontró en Uruguay. ¿Te gusta viajar? ¿Extrañás?

Sí, me encanta. Con mis amigues estamos hablando de repetir uno de los viajes más locos que hice: cruzar la Cordillera a caballo. Fue muy zarpado, fui con les amigues de mi hermana cuando elles cumplían 30: veintidós personas a caballo, cinco días viviendo en la montaña, durmiendo a la intemperie. Me encanta viajar. Soy del mar, pero también me gusta conocer más allá. Me puedo ir a lugares para probar sus comidas, por ejemplo.

L’O: MS:

¿Seguís cerca del colectivo Actrices Argentinas?

Estoy desde el primer día. Me modificó por completo. Empecé a ver todo con otra perspectiva. Nacemos en una sociedad capitalista y machista, todo lo miramos con esos ojos heteronormativos y patriarcales. Para mí fue como volver a nacer, deconstruirme para reconstruirme desde otro lugar. Más allá de lo personal, no puedo creer que sigamos discutiendo el aborto. El aborto es un derecho.

L’O: MS:

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Traje de baño entero, S-MODE. Pañuelo, MISHKA. Sandalias, SABAH. Pendientes y anillos, LIMIDO JOYAS.

ESTA PAGINA: túnica, ADRIAN BROWN. Guillerminas y pendientes, MISHKA. Anillos, LIMIDO JOYAS. PAGINA OPUESTA: vestido de línea A COURREGES EN BOYCAPEL . Pendientes, LIMIDO JOYAS.

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Nadie te obliga a abortar, es una frase hecha pero mucha gente sigue creyendo que va a haber más abortos. Las estadísticas muestran que en realidad disminuyen cuando pasan a ser legales. Eso es lo primero, y también es fundamental la Educación Sexual Integral. Es un derecho y una obligación de la salud pública. Tiene que salir sí o sí, y tiene que ser ya. ¿Cómo impactó esa deconstrucción en tus vínculos y elecciones de pareja?

Modificó desde cómo opino sobre otra mujer o varón, hasta las cosas de las que ya no me puedo reír. Me modificó para bien. Y en cuanto a los vínculos sexoafectivos creo que es necesario hablarlos siempre, incluso públicamente. Reconozco que lo hablo más de lo que lo llevo a cabo. Me pasé 29 años vinculándome de una forma, viendo a la mujer como una amiga, nada más, y al varón como posible novio. Incluso estoy cuestionándome esto de qué implica un novio, qué esperamos de eso, qué espera la sociedad de un novio. Te dicen: ¿pero estás de novia? ¿Por qué necesitamos un título, aferrarnos a roles? ¿El amor es un juego de roles? Trato de repensar cómo nos vinculamos en vez de qué lugar ocupamos. Siempre me cuestiono: si tu novio media hora antes de ir a tu casa te dice: “Che, al final no voy, estoy cansado del laburo, perdón, nos vemos otro día”, es un desastre, es una pelea. Si te lo dice una amiga, le decís: “Ay, te reentiendo. Lo dejamos para otro día. ¿Querés que te mande la comida por Rappi?”. ¿Por qué tiene que haber tanto peso en la pareja? ¿Por qué no es más de goce y disfrute? Lo digo y lo nombro porque me cuesta llevarlo a cabo, no castigarme y aprender.

Tengo que resetearme. Estas preguntas busco llevar a la práctica con mi actual amigovio.

L’O: MS:

¿Qué es lo más útil que hiciste en cuarentena?

Soy muy activa: si estoy en casa, limpio, salgo a comprar, estudio un guion. Siempre encuentro algo para hacer. Me permití el no hacer, el estar, el quedarme mirando la nada.

Leí más de 25 novelas, después me calmé. Entendí que era un momento de parar. Me sentí pachorra, me conecté más con la lectura que con lo corporal. Ahora me vino más la angustia, pero al principio esa incertidumbre me hacía disfrutar del día, de lo que tengo.

L’O: MS:

L’O: MS:

¿Un libro para recomendar?

Las chicas de Emma Cline.

¿Qué es lo más inútil que hiciste en cuarentena?

MS: Estar con el teléfono en la mano. Navegar por las historias de Instagram es lo más inútil que hacemos. Es la aplicación de la mentira feliz. Pero tengo un autocontrol mágico. Bah, me puse el límite de una hora.

L’O:

Pero hiciste vivos de Instagram. Dicen que equivalen a lo que antes eran las charlas eternas con una amiga a través del teléfono de línea…

MS: Cuando hablaba por teléfono de línea yo no me colgaba, ¡salía plata! No podía hablar sin fin. Creo que está bueno generar contenidos, charlas. En el ida y vuelta algo se aprende. Vi algunos vivos y escuché cosas piolas.

L’O:

¿Tenés planes para fin de año?

Es difícil, no depende de nosotres. Este parate me movilizó un montón de cosas y me encanta. Me encanta que me movilicen cosas, ¡no que haya un virus en el mundo!

Somos un desastre. Hicimos todo mal, eso no me encanta. Quisiera irme a Córdoba en el verano, mis papás viven allá. Si no puedo, me iré al Tigre, o veré en el día a día.

L’O: MS:

¿A los 29 años se piensa en el futuro?

A los 20 pensaba todo el tiempo en lo que quería ser a los 30 o a los 40: quería ser madre. Me enamoraba y ya pensaba: ¿él será el papá de mis hijes? Parte de mi deconstrucción fue dejar de esperar cosas por mi edad. Hoy la palabra futuro me dice: no pienses en mí, pensá en el presente. n L’O: MS:

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ASISTENTE DE FOTOGRAFIA:

Campera y pantalones Oxford, JAZMIN CHEBAR. Colgante con cristales y piedras, LIMIDO JOYAS. Guillerminas, MISHKA. Gastón Pasci. ESTILISTA JUNIOR: Luchi Solari. MAQUILLAJE: Inés Pizarro para Niche. PEINADO: Mae Ludueña para Casa Vardo. POSTPRODUCCION: Rafa Casares.

Esta nota fue realizada en las instalaciones del Faena Hotel, gracias a todo su personal por su colaboración.

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Una MIRADA

POCO COMUN Modesto, delicado y sensible: el primer largometraje de Viggo Mortensen detrรกs de las cรกmaras confirma todo lo que imaginรกbamos de este multidisciplinario creador.

Por BAPTISTE PIร GAY Fotos QUENTIN DE BRIEY 58

Blazer, RAF SIMONS. Suéter, TAGLIATORE.

“NUNCA CONSIDERE EN LA actuación COMO UNA FORMA DE EXPRESION ARTISTICA separada DE OTROS MODOS DE EXPRESION”.

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F

alling, título del debut como director del aclamado Viggo Mortensen, es –literalmente– la historia de una declinación que comienza en el momento decisivo en que a Willis (Lance Henriksen, actor de matices espectaculares) le diagnostican una enfermedad neurodegenerativa. Desde que nace su hijo John (interpretado por Mortensen) y se declara gay en la adolescencia, hasta la propia madurez de Willis, el film transcurre pacientemente, con tono evocador, entre pasado y presente. Sin hacer de Willis un personaje detestable por naturaleza –es homofóbico y un poco racista y aun así querible– Falling muestra las dualidades y complejidad del ser humano.

Mortensen describe con enorme delicadeza el dolor de John ante la enfermedad del padre al mismo tiempo que su aceptación de que la vida debe continuar.

L’O: Falling es un film de extraordinaria paciencia, deja que la contemplación se haga parte del relato. ¿Ya lo habías pensado así mientras los estabas escribiendo o fue algo que surgió en la filmación?

VM: El ritmo del relato y el uso del silencio en muchas escenas fue algo que dictó la historia. Las reacciones no verbales de los personajes –en particular, las de Willis– fueron tan importantes como las líneas de diálogo. Y en cuanto a la música, no me gustan las bandas sonoras que parecen decirle abiertamente al espectador cómo tiene que sentirse o pensar. En el caso de Falling, yo sabía mucho antes de empezar a filmar que la banda sonora tenía que ser discreta.

L’O: ¿Tenían un panel de inspiración al que se referían con Marcel Zyskind, director de fotografía, para definir imágenes y sensaciones?

VM: No exactamente. Compartí un montón de imágenes con Marcel mucho antes de empezar a filmar; algunas mías y otras de diversos artistas, y él compartió algunas conmigo. También le llevé unas cuantas películas que para mí se asemejaban en lo visual a lo que yo imaginaba para Falling en términos de iluminación, posiciones de la cámara y encuadre. Antes del rodaje principal teníamos una idea bastante clara de lo que queríamos. Algo que nos ayudó fue que empezamos a filmar juntos en los lugares donde luego se haría el rodaje. De hecho, lo hicimos aun antes de tener el dinero para concretar la película. La idea era coleccionar imágenes en los espacios rurales, tomadas en las diferentes estaciones, para usarlas como fragmentos de la memoria visual subjetiva de los personajes. Y no solo logramos ese objetivo, nos ayudó a conocernos muy bien como equipo. También descubrimos que nuestra estética visual era bastante similar.

L’OFFICIEL: A veces una canción puede surgir a partir de una melodía, de una línea o de un ritmo. ¿Cuándo comenzaste a pensar en escribir Falling, tenías una idea definida?

VIGGO MORTENSEN: La idea apareció luego del funeral de mi madre. Quería explorar los recuerdos que tenía de ella y desde allí, los de su relación con mi padre y de la educación que mis hermanos y yo recibimos. La película fue mi debut como director porque fue la primera vez que conseguí fondos para filmar una historia. Traté de obtener financiamiento para varios guiones; la primera vez, hace veinticuatro años para un film que había escrito y quería dirigir. Me llevó un par de intentos y casi cuatro años lograr que se hiciera Falling.

¿Hay algo que hayas aprendido con otros directores y que luego trajiste al set?

VM: Si bien no imito el trabajo ni el estilo de nadie de manera consciente, supongo que todo lo que he visto y oído a lo largo de mi vida influyó en la forma en que cuento historias. Además, tuve la suerte de trabajar con muchos buenos directores y también aprendí de las películas que vi, aun sin ser partícipe como actor. Hay diversos ejemplos de la escritura de guiones, del diseño de producción, de la fotografía y la edición, por ejemplo, que admiré –y otros que no me gustaron–. Hay tres cosas importantes que observé en otros directores: uno, preparar el rodaje tan cuidadosamente y con tanto tiempo como se pueda; dos, estar siempre abierto a las sugerencias y preguntas del elenco y el equipo; tres, no perderse ni un segundo del proceso de edición.

L’O:

Como actor, ¿con qué tipo de directores te gusta trabajar?

Me gustan los que están muy bien preparados, que saben lo que quieren lograr, pero al mismo tiempo son lo suficientemente seguros como para estar abiertos a sugerencias y preguntas.

L’O:

VM:

¿Cómo fue trabajar con el elenco?

Traté de adaptarme a las necesidades de cada actor y de mantener abiertos los canales de comunicación. Está claro que los actores más jóvenes necesitaron que los orientara un poco más que los adultos, pero también traté, en la medida de lo posible, de darles libertad para que produjeran sus propias reacciones.

L’O:

VM:

Blazer y pantalones, RAF SIMONS. Suéter, TAGLIATORE.

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Otro aspecto que llama la atención en la película es que el espectador nunca juzga a Willis. ¿Fue importante mantener un equilibrio justo? En un contexto más amplio, ¿esa es tu actitud ante la vida?

VM: Sí. Nadie es una sola cosa. Cuando elaboro mi personaje como actor o cuando lo creo como escritor, trato de que se hagan visibles las contradicciones que pueden caracterizar a cualquier ser humano, por predecibles o estables que puedan parecer en un principio.

L’O:

Aceptar un proyecto, ¿tiene que ver con encontrar algo tuyo en el rol o, por el contrario, buscás lo que te resulta totalmente ajeno?

VM: No me busco a mí mismo; más bien trato de encontrar una historia que me interese, que me interesaría ver como espectador. Una vez que acepto, busco alguna conexión e intento explorar y tal vez acentuar aspectos de mi personalidad o de una personalidad que sería útil para construir el personaje. En principio, no hay ninguno con quien no pudiera entrar en sintonía, que no tuviera algún aspecto de mí en su interior.

El resto de la construcción implica el uso de mi imaginación, que en mi opinión no tiene límites.

L’O:

¿Qué inspira tu trabajo, una vez que aceptás un rol o antes de comenzar a rodar?

VM: Me formulo una pregunta que tiene respuestas infinitas, en número y profundidad, acerca del personaje que estoy por representar: “¿Qué pasó en la vida de esta persona antes de la página uno del guion?”.

L’O:

Escribís poesía, hacés música. Cuando comenzó tu carrera como actor, ¿veías la actuación como una forma de ampliar intereses?

VM: Nunca consideré en la actuación como una forma de expresión artística separada de los otros modos de expresión. La escritura, la fotografía, la dirección, la composición y hacer música son formas de comunicación. Creo que son lenguajes y dialectos diferentes; están relacionados entre sí. Son todas ramas del mismo árbol.

evolucionando, o más bien, que yo evoluciono de manera tal que, según el momento, me llaman la atención diferentes secuencias fílmicas ¿Qué te impresionó o influenció últimamente?

VM: Hace poco leí Burning the Books [Quemar los libros] de Richard Ovenden; lo disfruté mucho y aprendí un montón. Lo mismo vale para Todo en vano, de Walter Kempowski, y Apeirogon, de Colum McCann. También me inspiró volver a mirar Un día muy particular de Ettore Scola, Hiroshima Mon Amour de L’O:

“NO pienso MUCHO EN LA MODA ni EN EL ESTILO. LA MODA ES BASTANTE efímera Y SU ATRACTIVO PARECE DEPENDER DEL azar”.

L’O:

Alain Resnais, El Atalante de Jean Vigo y Los santos inocentes de Mario Camus, entre otras películas. En cuanto a música, estuve escuchando bastante al pianista de jazz Bill Evans, al trompetista y compositor Ibrahim Maalouf, a la pianista clásica Martha Argerich y a la banda Skating Polly. ¿Cómo te relacionás con la moda y el estilo?

No pienso mucho en la moda ni en el estilo. La moda es bastante efímera y su atractivo parece depender del azar. El estilo de una persona, en cambio, parece reflejar que se siente a gusto y cómoda consigo misma. Si una persona no permite que la opinión de otros la intimide o la limite, tiende a sentirse a gusto y puede decirse que ese es su estilo.

L’O:

En estos tiempos, casi todo el mundo tiene presencia en las redes sociales. Vos no. ¿Mantener la privacidad es la única manera de conservar la salud mental en la industria del entretenimiento?

VM: Las horas del día ya no alcanzan, de modo que no me interesa agregar otra tarea que me parece frívola, además de un gasto enorme de tiempo y energía.

L’O:

¿Hay escenas o películas que te hayan impactado y que sigan siendo importantes?

VM: Lo que me inspira va cambiando, pero hay muchas escenas que sigo recordando con afecto. Al mismo tiempo, otras parecen haber perdido su brillo. Durante el confinamiento por la pandemia, volví a mirar muchas películas que no había visto desde hacía años, además de unas cuantas que eran nuevas para mí. Algunas de las que había visto y disfrutado en otra época me gustaron tanto o más que entonces; otras me gustaron menos, incluyendo escenas que me habían parecido bien filmadas, dirigidas y actuadas. Creo que lo que me inspira va L’O:

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L’O: Con una mirada retrospectiva a tu carrera, los roles que elegiste, ¿te parecen una evidencia confiable de tu evolución como persona? Estas películas, ¿reflejan tu biografía?

VM: Las elecciones que hacemos cada día, ya sea en cuestiones importantes o banales, nos definen. De modo que, sí, supongo que los roles que interpreté –y la manera en que los interpreté antes de la edición– son parte de mi historia y de mi evolución personal. Me atrevería a decir, sin embargo, que la forma en que interactúo con la gente, cómo la trato –el grado de amabilidad y respeto que le brindo a cada persona que conozco, ya sea en el trabajo o en mi vida privada– es la medida más importante de la evolución de mi personalidad. n

TRADUCCION: SILVIA VILLEGAS.

VM:

: ESTILISTA:

Chaqueta, PRADA. Camisa, DRIES VAN NOTEN. Pantalones, TAGLIATORE. Botas, JOHN LOBB. Simonez Wolf. MAQUILLAJE Y PEINADO: Fidel Fernรกndez. ASISTENTE DE FOTOGRAFร A: Achraf Issami. ASISTENTE DE ESTILISTA: Maya Valere-Gille

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Conjunto, CHANEL, COLECCI0N CRUISE 20/21. Reloj Pasha, CARTIER.

VOZ

CLARA Entre las sesiones de fotos, la vida académica y el deporte, Clara Lyon Parsons suma su propio ritmo al legado familiar.

Corazón y mente abierta.

Por CATA GRELONI PIERRI Fotos DIEGO ARMANDO MENDOZA Estilismo MANUELA GUTIERREZ

N

ómade, resuelta y honesta. Así se describe y así se percibe a través de la videollamada desde el otro lado de la Cordillera de los Andes a Clara Lyon, la modelo chilena de metro ochenta, 19 años y ojos verdes como las araucarias en otoño. El mismo color de ojos que la actriz Lorenza Izzo, su hermana, y que la madre de ambas, la modelo referente de los años 80, Rosita Parsons, fundadora de la agencia de modelos Parsons Fashion Management con su hermana Carolina, también mannequin.

La cotidianeidad de Clara transcurre entre compromisos laborales en Miami, proyectos de trabajo en Europa y Nueva York –posibles destinos de una futura mudanza– y visitas a la casa de Lorenza en Los Angeles, “mi hermana once años mayor y mejor amiga, la persona más perseverante y amorosa del mundo”. Cuando está en Santiago, vive en lo de su madre, donde aprovecha para dibujar, escribir y visitar amigas, mientras continúa con sus estudios de Sociología en la Pontificia Universidad Católica de Chile. También se toma el tiempo para esquiar, escalar, hacer yoga y pasear los caballos de la familia, una pasión que le inculcó Antonio Eguiguren, el marido de Rosita, quien falleció hace tres años. “Fue como un segundo papá; me dejó un gran vacío perderlo. Antonio era jugador de polo y me encantaba ir a las prácticas y los partidos y acompañarlo a comprar caballos”.

Clara explica que su interés por la sociología viene de la influencia academicista de su padre, el arquitecto Eduardo Lyon, que ahora se desempeña en las Naciones Unidas como director de Servicios Generales en la Comisión Económica para América Latina y el Caribe. “No sé si me veo en diez años trabajando como

“Los mejores amigos de mi mamá son maquilladores, estilistas, fotógrafos, editoras de revistas, y yo nací dentro de ese mundo”.

socióloga, pero mi papá me pegó el bicho de querer saber y alimentar la curiosidad, y el estudio me ayuda a pensar con claridad; demostrar que se puede trabajar de modelo y estudiar una carrera al mismo tiempo”, dice y se ríe. Sus múltiples intereses le permiten expresarse a través de los deportes y las artes; también a través de la ropa, como cuando decide cambiar los vestidos delicados por jeans deliberadamente anchos, y andar de remera y zapatillas. ¿Cómo decidiste comenzar una carrera en moda?

Al final, lo que tiene que ser es. Los mejores amigos de mi mamá son maquilladores, estilistas, fotógrafos, editoras de revistas, y yo nací dentro de ese mundo. Crecí con el apoyo familiar para dedicarme a esto. De mi mamá aprendí a ser perseverante, responsable, ambiciosa y abrazar a todas mis facetas. Y mi tía Carola es un ejemplo de cómo tomarse las cosas con humor, aun en los momentos difíciles. De adolescentes, mi mamá y mi tía ya desfilaban, pero yo quise buscar mi lugar; encontrar un nicho personal y representar a mi generación, que es muy distinta de la de los 80, con modelos como Linda Evangelista, Carla Bruni o Cindy Crawford.

Hoy muchas cosas cambiaron, hay caras nuevas, editoriales y reglas de juego distintas.

L’OFFICIEL:

CLARA LYON:

¿Qué creés que vino a cambiar esta generación?

Siento que está mutando hacia conductas más sanas, que ahora importa más quién es la modelo y su personalidad, no solo si es una cara bonita. Es un ambiente al que se considera muy frívolo, pero conocí personas muy maduras, constantemente enfrentadas a las peores inseguridades desde temprana edad. Más allá de la moda, hay mucho todavía para hacer porque la sociedad latinoamericana es muy represiva y está llena de prejuicios.

L’O: CL:

¿En qué sentís que la sociedad es represiva?

Por ejemplo, siempre supe que me gustaban las mujeres, pero estoy en contra de esa imposición social de que hay que salir y contarlo. ¿Por qué las gays tenemos que pasar por un proceso de sentimientos encontrados, de miedos, vergüenza y dolor? Si nadie anda preguntando si eres heterosexual. Hace poco los medios levantaron unas declaraciones de mi mamá en una entrevista hablando de la Lore y de mí, porque les sorprendía que ella aceptara tan abiertamente que sus hijas fuéramos gays. También me apena que las relaciones entre mujeres sean sexualizadas, como si estuviésemos invitando al trío o como si los hombres pudieran hacernos cambiar de opinión. Es un poco ahogante a veces.

L’O: CL:

Por otro lado, son los jóvenes quienes hoy están reformando la política y la sociedad. ¿Te ves como una activista?

CL: La vida universitaria se está transformando y, de a poco, los estudiantes vamos tomando los ambientes artísticos, intelectuales y hasta las calles en un rol político para configurar un nuevo mundo. Uno donde haya más sostenibilidad, salud mental, inclusión social y mayor poder de decisión de las mujeres sobre sus cuerpos. Soy muy democrática, los derechos individuales para mí son muy importantes y es vital resguardarlos. Todavía no puedo creer que en América Latina la mujer no sea protagonista de su propia vida. Además, en Chile hay problemas con la Justicia. Viví varios abusos sexuales, uno cuando era chica y otro con una pareja, y no encontré contención ni respuesta por parte del sistema judicial.

L’O:

¿Cómo atravesaste esas experiencias?

CL: Fue un proceso muy difícil, que me costó mucho y lo viví muy sola al principio.

Desde afuera se me puede ver como intensa o dura, pero soy muy sensible y me resultó superdoloroso no encontrar una solución desde el Estado. Pude trabajarlo en familia, con amigos y terapia. Fue muy importante construir una red de apoyo y buscar gente que no me diera remedios, sino que simplemente me escuchara y dijera: “Te escucho y eso que te pasó está mal, es un delito”. n L’O:

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Camisa de cuero, NONCHALANT LABEL. Bermudas y sandalias, CHANEL,COLECCION CRUCERO 20/21. Cartera, CARTIER. Silla “Charles Hollis Jones”, NINE FOURTEEN. Jaime Aguilera. MAQUILLAJE Y PEINADO: Juliana Gonzalez, con Chanel Makeup. ASISTENTE: Junior Rojas. AGRADECIMIENTOS: The Syndical Models.

PRODUCCION EJECUTIVA:

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Horas

DORADAS Fotos MARCELO SETTON Estilismo GABRIELA SETTON

Silla Pendiente en anticorodal de la argolla (1957) colección de Gerardo Memento Clusellas, en bronce DOS26. conBandolera, baño de oro, NOUS ISABEL ETUDIONS. ENGLEBERT. Cartera Reloj “Olimpya”, “PaneraiJAZMIN Luminor”, CHEBAR. disponible Mocasín, en SIMONETTA TERRIBLE ENFANT. ORSINI.

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Collar en oro amarillo 18 quilates con Ăłvalos bombĂŠ peinados a mano y cadena con colgante en oro amarillo 18 quilates con cuarzo y apliques ovales en oro 18 quilates peinados a mano, SIMONETTA ORSINI. Pendiente en oro rosado18 quilates y turmalinas verdes, IGNACIO BARCENA.

Pulsera rígida “Happy Hearts”, en oro rosa, con diamante y ónice, CHOPARD disponible en CHRONOS BUENOS AIRES. Anillos en oro rosado 18 quilates, IGNACIO BARCENA.

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Pulsera de cadena en plata empavonada con piedra amatista, IGNACIO BARCENA. Brazalete de la colección Phi en alpaca, acrílico azul y esmaltado negro, ISABEL ENGLEBERT exclusivo para DIDEROT.

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Collar en oro rosa de 18 quilates con elementos de malaquita, madreperla y sugilita engastados, BVLGARI disponible en CHRONOS BUENOS AIRES. Reloj “Reverso Classic Small”, esfera satinada de plata con guilloché en el centro y correas intercambiables de cuero de avestruz, JAEGER-LECOULTRE disponible en CHRONOS BUENOS AIRES.

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Reloj de la colección Moonphase, LONGINES. Reloj “Seamaster Planet Ocean America’s Cup”, edición limitada de 2021 piezas, caja de acero de 43,5mm y brazalete de caucho, OMEGA.

EN

ROUTE Fotos JUAN MATHE Estilismo MARCELA RUBINI

Chemises con cuello polo LACOSTE por LOUISE TROTTER.

Traje de baño, ANUSHKA ELLIOT.

Jeans, LEVI’S.

Top y culotte, LULU MARTINS.

Sombrero, PANORAMA STORE. Zapatillas, REEBOK.

Blazer con frunces y gorro, JT. Dos piezas, SMODE.

Kimono, ANUSHKA ELLIOT. Traje de baño, ADIDAS.

ESTA PAGINA: Pantalones, LACOSTE

por LOUISE TROTTER. Gorro, FINN DESIGN. Zapatillas, ADIDAS.

Camisero, LACOSTE. Culotte, SMODE.

ESTA PAGINA: campera con capucha, REEBOK. Bermudas, JT BY JT. PAGINA OPUESTA: vestido de Madras, PANORAMA STORE. Corset, CONVERSE por BANDOLEIRO. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Noelle Mathe. MAQUILLAJE Y PEINADO: Jade kone para Kabuki Makeup School. MODELOS: Daniela Harasz para LO Management y Francisco Villa Picasso para Adon POSTPRODUCCION: Gastรณn de Chapeaurouge. Agradecemos a PRG por su colaboraciรณn.

Management.

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LOS

CUERPOS INDOMITOS de

Iara KAUMANN Venas marcadas, pieles con vitíligo, cabezas calvas y cuerpos exuberantes.

Lejos de una digestión rápida, sus obras hiperrealistas generan un sismo en los espectadores y obligan a pensarlo todo de nuevo.

Fotos FLORENCIA CISNEROS Estilismo CNAVAR

Vestido, VANESA KRONGOLD.

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Por FACUNDO ABAL

D

icen que lo que se hereda no se roba y eso Iara Kaumann Madelaire lo supo desde muy chica. Hija de un músico performer y de una de las diseñadoras que marcó el pulso de la década del 90, el arte fue para ella una especie de destino inevitable.

Nacida en Misiones, criada entre Buenos Aires y Miami, antes de los 20 años ya había hecho su primera muestra de pintura y dejó a todos sin aliento. Hoy, con algunos pocos años más, es una de las artistas visuales más impactantes, con una producción singularísima de cuerpos fuera de escuadra en atmósferas inquietantes. ¿Cómo es el tránsito de tu obra por la pintura, la escultura y el bordado?

Me es gratificante salir de la zona de confort e ir probando diferentes técnicas y materiales. Soy pintora desde la adolescencia. Comencé de manera lúdica y como forma de expresión. Elegí pintar porque era lo que tenía más a mano.

Pintar es un proceso introspectivo que requiere mucha concentración, es muy mental. Trabajo con óleo bien diluido, con mucha superposición de capas hasta obtener el resultado deseado. Algunos cuadros me llevan más tiempo que otros.

Eso depende de cada obra. Ninfas enigmáticas me llevó un año entero, por el nivel de detalle que tiene. Después hay otras obras que terminé en dos semanas.

Hace 3 años nada más empecé con la escultura y me enamoré. Fue y es un placer ver a mis personajes en tres dimensiones. Es un proceso mucho más técnico, con muchos materiales y pasos a seguir. Con cada obra voy aprendiendo cosas nuevas. Creo que de eso se trata, de desafiarme e ir descubriendo capacidades.

El bordado es algo que suelo hacer cuando estoy de viaje o cuando voy a mi casa en la isla del delta, porque es fácil de transportar y es una especie de descanso entre mis obras grandes.

L’OFFICIEL: IK:

LO: En tus pinturas aparecen mujeres más frágiles y en las esculturas más bien todo lo contrario, ¿por qué?

IK: Divido mi trabajo en series, algunas pinturas son etéreas y autorreferenciales con una técnica de tradición académica como son, por ejemplo, las de mi serie “Biolúminis” o mi nueva serie “Nocturnias”, donde capturo momentos de misterio y conexión con la naturaleza. Historias que tienen lugar en una zona difusa entre la realidad y el mundo onírico. Por otro lado, tengo otra serie de pinturas con una impronta más pop; “Pussy power”, donde mi búsqueda es celebrar la diversidad y promover una imagen corporal positiva.

La escultura implica también un trabajo físico fuerte, ¿cómo te llevas con eso?

IK: Sí, puede ser muy agotador levantar peso, lijar, mucho polvo por todos lados, se me secan las manos. Cada obra es un desafío y es tan gratificante ver el resultado final que todo eso queda en un segundo plano. Voy trabajando por etapas, una semana escultura, otra pintura y así no me agoto tanto.

LO:

Tenés una concepción singular sobre la belleza y el cuerpo femenino. ¿Cómo pensás este cruce?

IK: Como artista me desvela indagar en la ausencia de la forma, la asimetría, la deformación, lo horrendo, me inquieta darle autonomía a la fealdad, la anomalía, obsesionarme, moldearla y convertirla en algo más complejo, en un recurso, una exploración.

LO:

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“Alguien tiene que hablar de la sexualidad, pero no lo hago premeditadamente o para provocar sin sentido.

Se me da de manera natural�.

Top, DE ARRIETA. Pantalones, MIN AGOSTINI. El pendiente es una miniatura de sus obras.

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Vestido, SADAELS.

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Vestido, SADAELS. Sandalias, TOUT REVIENT. Petaca, FLÂNEUR.

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Me cautivan el erotismo femenino, su conexión con la belleza, los límites con la naturaleza animal y con las imperfecciones que quiebran ideales.

Fue para mí una sorpresa que algunas obras despertaran reacciones de asco o rechazo. A partir de esas experiencias se me abrió un panorama alentador para explorar los límites entre lo bello y lo grotesco. Busco examinar los elementos del cuerpo que generan impacto de distinta índole: atracción pero también asco.

La humedad de la piel, la vitalidad de las miradas, las venas que palpitan, la sugerencia de una respiración. Modelar el cuerpo en su realismo vital, con toda su carne a cuestas, llena de eróticas intenciones.

Puede apreciarse una vuelta a una dimensión primitiva, sin ropajes, despojada de la cultura. ¿Cómo te gusta mostrar a tus protagonistas?

IK: A pesar de que amo lookearme y de que la ropa siempre estuvo muy presente en mi vida, hasta encargo mis propios diseños de vestuario para muestras y salidas, en mi obra pasa algo diferente. Pinto y modelo el cuerpo desnudo con una intención de naturalidad y libertad que trasciende el tiempo. La representación del desnudo tiene lugar en la historia del arte desde sus inicios. El arte es un medio de representar a la humanidad y al mundo en el que vivimos con fines de autoconocimiento. Lo que fue cambiando es la forma de interpretarlo.

Se suele relacionar al desnudo con el erotismo pero también puede generar otras sensaciones, libertad, amor propio, naturalismo, el desnudo normalizado, como algo cotidiano y atemporal. Creo que en mis obras suceden un poco ambas cosas.

LO:

Parecía haber una inversión de la escultura en el sentido clásico, donde las mujeres son objeto del artista hombre. Acá parece que la obra es la que toma al espectador y no al revés. ¿Cómo pensás esto?

IK: Los pintores y escultores, en la órbita de su libido masculina, no buscaron otra cosa que la representación de sus objetos de deseo: un cuerpo de mujer a su gusto, dotado de todos los atributos y características seductoras de su sexo.

A mí me interesa pintar a la mujer a través de mi visión y no cómo fue retratada a lo largo de la historia: un estereotipo tradicional donde hay posesión de la mujer por parte del pintor. En la historia del arte se excluye y a la vez se transforma la imagen de la mujer en imagen de posesión y consumo.

LO:

¿Cómo dialoga tu obra con los debates actuales sobre el feminismo?

Son autobiográficas. Siempre fueron protagonistas las mujeres; cuando era adolescente y tenía muchas inseguridades se notaba en mis pinturas, no eran mujeres fuertes como las que muestro hoy, más bien todo lo contrario.

Consciente o inconscientemente plasmo en mis obras lo que me sucede, y estos últimos años me sentí muy identificada con todo el movimiento feminista e hice un gran cambio en cómo me percibo y en la autoexigencia. Esto tuvo un impacto muy positivo, muchas mujeres que se sienten identificadas me mandan mensajes hermosos diariamente de agradecimiento y es eso lo que me hace sentir realizada, me inspira y le da sentido a lo que hago. Me encanta formar parte de este momento histórico y este es mi pequeño granito de arena. n

LO: IK:

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Spolverino, TRAMANDO. Bermudas, NOUS ETUDIONS. Colgante, CABINET OSEO. MAQUILLAJE:

Belén Saenz para Frumboli Estudio. PEINADO: Corlanation. POSTPRODUCCION: Rafa Casares.

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COMPORTAMIENTO

LA RED DEL AÑO

Millones de personas se lanzaron a bailar… pero cada una en su casa ¡y con TikTok en el celular!

Por CLAUDIA PASQUINI Ilustración MARIA REBOREDO

E

n los años grises de la última dictadura militar, Charly García cantaba: “¿Qué se puede hacer salvo ver películas? ”. Hoy los adolescentes de la pandemia replicarían: “¡Hacer videos!”.

Aparentemente juntos, pero a solas, cada uno desde su cuarto, cocina, baño o balcón: TikTok lo hizo posible. Fue el acompañamiento perfecto para los largos meses de aislamiento social.

Es divertida, fácil, pegadiza, dicen sus seguidores. Compromete la privacidad e implica serios problemas de seguridad, señalan sus detractores. Lo cierto es que millones de jóvenes del mundo se subieron a esta plataforma que propone que cada uno elija un ritmo, cante o haga playback con su canción favorita, baile, ejercite su creatividad y aplique su sentido del humor, para producir y editar videos de entre 15 y 60 segundos. En principio, tenían un único fin: pasarla bien, reírse de sí mismos, mirar y ser mirado, conseguir likes y seguidores.

“Las tendencias comienzan aquí” es la consigna de la red social. Y vaya si la cumple: viral por definición, tiene más de 800 millones de

usuarios y en marzo de este año se convirtió en la aplicación más descargada del mundo, desplazando a la imbatible WhatsApp. Está disponible en 150 países y 75 idiomas (aunque curiosamente no en China, donde hay una versión local, Douyin, sujeta a censura).

Cada generación arma su banda de sonido con la tecnología a su alcance. En los 70, los pibes y las pibas seguían enfervorizados los pasos de sus ídolos en Música en libertad, el programa de canal 9. En los 80, lo cool eran los flamantes videos musicales que se veían por cable en MTV. Hoy, en Internet todo está al alcance de un clic. Aunque siga pareciendo colectivo, el consumo digital es ultrapersonalizado, hecho a medida, cocreado.

En TikTok, cada usuario es su propia estrella.

La aplicación fue diseñada específicamente para captar al público arisco de entre 15 y 25 años. Surgida una década y media después que los grandes tanques de la web (Facebook, Twitter y YouTube), supo aprovechar esa experiencia para enfocarse en los centennials, tan sobresaturados de información que se aburren hasta de leer 280 caracteres y decantan hacia lo audiovisual. Y los puso a bailar en la vida real ¡incluso con sus pa-

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COMPORTAMIENTO

Viral por definición, tiene más de 800 millones de usuarios y en marzo de este año se convirtió en la aplicación más descargada del mundo, desplazando a la imbatible WhatsApp.

dres! (solo porque estaban todos recluidos en casa durante la cuarentena).

El negocio fue creado por Zhang Yiming, un emprendedor de 36 años, CEO de la start-up de inteligencia artificial ByteDance (propietaria de TikTok). La revista Time ya lo incluyó entre las 100 personas más influyentes de 2019 y Forbes le dio el puesto nueve en la lista de millonarios chinos. En 2016 lanzó Douyin, que recién tomó su forma actual, para el resto del mundo, en 2018.

Boom: con un concepto aparentemente sencillo, aunque responda a una sofisticada ingeniería algorítmica, TikTok logró superar a los gigantes de Silicon Valley.

Favorecida por la cuarentena, se calcula que ya hay en la red un 30 % de usuarios mayores de 30 años. Como cualquier éxito comercial, también atrajo a tiburones. Marcas de todo calibre están intentando subirse a TikTok, porque casi nada de lo humano le es ajeno: para aprovechar el marketing gratuito, hay famosos que cumplen challenges como si fueran cualquier hijo de vecino e ignotas abuelitas convertidas en celebridades instantáneas; Unicef dando consejos para mantener la salud mental; desfiles de colecciones internacionales; medios tan serios como The Washington Post; recomendadores de libros hasta ayer desconocidos que imponen best sellers; niñitos y mascotas; tutoriales de lo que sea…

La plataforma vive de la publicidad, pero alienta a sus anunciantes a adaptarse a su lenguaje.

O bien utilizar como médiums a los influenciadores ya instalados en su red, a algunos de los cuales patrocina económicamente “sugiriéndo-

les” hashtags, tendencias y challenges. Expertos en marketing aseguran que en 2021 el video será el formato privilegiado del branded content y TikTok, uno de sus escenarios favoritos.

Ciertas agencias de talentos ya instalaron, principalmente en Estados Unidos, “casas” esponsoreadas (como Sway House o Hype House), donde conviven los más destacados influenciadores, creadores de contenidos que no solo trabajan para TikTok, sino también para Instagram, Snapchat y YouTube. Son verdaderas potencias: la bailarina Charli D’Amelio, de 26 años, empezó a subir videos en julio del año pasado. Primero, juegos de lip sync; después, sus coreografías, que se volvieron virales: hoy pasó largamente los 98 millones de seguidores, ya tiene en su haber una marca de maquillaje, una bebida llamada The Charli en Dunkin’ Donuts, comerciales para el Super Bowl, y está en tratativas para un reality show como el de las Kardashian. Aunque lejos de ese volumen, en Argentina también hay influenciadores profesionales: Cande Copello, que tanto puede subir un tutorial de maquillaje como recomendar una cámara de fotos o endosar un outfit deportivo, suma más de 3.600.000 seguidores.

En TikTok, hay muchas tribus con intereses específicos. Pero una de las más imprevisibles es la del activismo político. Se la vio participar en eventos tan distantes como la Revolución de los Paraguas en Hong Kong y las movilizaciones que terminaron con la reciente destitución del fugaz presidente Manuel Merino en Perú, pero, sobre todo, en la campaña electoral de Estados Unidos. En junio, los tiktokers se unieron a los fans del K-pop para boicotear el primer mitin de Donald Trump en Tulsa, reservando entradas para sillas del acto, que luego dejaron vacías.

Trump no es de los que te la dejan pasar. En agosto, denunció a TikTok y WeChat como potenciales amenazas a la seguridad nacional, acusándolas de entregar datos privados de sus millones de usuarios estadounidenses al gobierno chino, y les dio un plazo de 90 días para irse del país. Nunca presentó pruebas. Byte Dance resistió judicialmente, pero optó por asociarse con dos empresas locales (Oracle y Walmart).

La causa está todavía varada en un atolladero legal. De buenas a primeras, la aplicación de los videítos divertidos se convirtió en caballito de la batalla geopolítica entre Estados Unidos y China, que por ahora tiene final incierto. Cachete con cachete, pechito con pechito y ombligo con ombligo… ¿Y qué tal si salimos todos a bailar? n

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2020

www.lofficiel.com.ar

TENDENCIA

Dior Homme, verano 2021. Amoako Boafo por Francis Kokoroko.

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La

BELLEZA

CAOS o el

El 2020 quedará en la historia como el año en el que marcas y artistas se aliaron, tomando por asalto los archivos, yendo de los ateliers a las galerías, enviando un mensaje de inclusión y preparando el terreno para las nuevas generaciones. ¿La moda es un arte? Y si esa fuera una pregunta anacrónica…

Por MANON RENAULT

S

entado entre lienzos en su atelier de Ghana, el artista Amoako Boafo habla sobre su relación con el dibujo y sobre su técnica de pintura con los dedos. Deambula entre retratos de muchachos vestidos de gris perla o rosa, que inspiran la última colección de Dior Homme by Kim Jones.

Editada como un documental de arte, la secuencia titulada Retrato de artista es la primera parte de una película que se presentó en el marco de la Semana de la Moda digital en París. Con cámaras lentas, planos largos sobre las manos de Boafo intercalados con rompientes de olas, lleva la firma de Chris Cunningham e invita a la contemplación. Si bien originalmente no estaba previsto –la COVID-19 impidió los desfiles–, el video “permite hablar del artista, de su vida, de sus temas”, destaca el comunicado de la marca.

“Hay algo que no se puede hacer en un desfile: apretar pausa y explicar de dónde vienen las cosas”, señala Kris Van Assche, que presentó las piezas de su colección para Berluti con una puesta en escena que recrea una conversación vía Skype con el escultor y ceramista Brian Rochefort, cuyas obras fueron fotografiadas y estampadas sobre camisas de seda.

“La moda debe mutar, pero la respuesta a la pandemia fue literal. Al volcarse hacia la vestimenta cómoda para usar en casa o a la ropa sin estilo, la gente impulsa la relación arte-moda hacia la evolución. Ya no pensando en la estilización de la vestimenta sino en el nivel de la narración y de la puesta en escena utilizada por las marcas. De hecho, las colaboraciones entre moda y arte no se limitan a una búsqueda de mayor visibilidad; son múltiples

contenidos que adoptan permanentemente formas diferentes”, señala Adam Geczy, artista visual, docente en la Universidad de Arte de Sydney y autor de la obra Fashion and Art. En 2019 se presentó en Cannes un film del realizador argentino Gaspar Noé para Saint Laurent. Con Charlotte Gainsbourg y Béatrice Dalle, Lux Aeterna narra el rodaje caótico de una película sobre una bruja arrojada a la hoguera, en una puesta en abismo muy simbólica sobre la luz y las tinieblas.

A principios de este año, Bottega Veneta lanzó un formato multiplataforma de residencia artística que bautizó “Bottega Residency”, dedicado a celebrar la obra de distintos artistas, escritores, músicos. La maison Dior, por su parte, optó por el podcast difundiendo “Dior Talks”, una serie acerca de arte y feminismo en la que se puede escuchar a artistas comprometidas como Judy Chicago o Mickalene Thomas.

Son innumerables las exposiciones y libros que le permiten a la moda lucir los atributos del arte. Al punto de olvidar su función esencial: hacer ropa. ¿De qué nos habla ese culto a la belleza que subyace en las diferentes colaboraciones?

“Desde fines de la década de 1980, arte y moda experimentan una mutua fascinación. En los 90, la moda ingresa a los museos, que se transforman en vidrieras comerciales igual que los desfiles. Las prácticas de los diseñadores se acercan a las artísticas y aparece la moda conceptual, a medida que la tecnología y la innovación se convierten en preocupaciones filosóficas claves que se imponen por encima del aspecto práctico, la funcionalidad y la portabilidad de las prendas”, explica Geczy.

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TENDENCIA

Valentino, Otoño/Invierno 2020-2021. “Of Grace and Light”, performance en vivo con puesta en escena de Nick Knight.

Martin Margiela, Rei Kawakubo para Comme des Garçons o Hussein Chalayan forman parte de esta ola de diseñadores que desafían los límites y critican las convenciones de la moda.

En 1996, la colección Lumps and Bumps de Kawakubo creó la ilusión de un cuerpo femenino deformado, que nada tiene que ver con la imaginería convencional de una prenda para ser llevada. Para Geczy también hay que señalar la multiplicidad de ciertas trayectorias, como Hedi Slimane, que en 2007, después de siete años en Dior Homme, decidió retirarse de la moda para dedicarse a su pasión por la fotografía.

“Conjugando escena musical, moda urbana y desfiles, Slimane cambia la percepción del trabajo de estilista, y las antologías que reúnen sus fotos publicadas en ediciones artísticas se coleccionan tanto como sus piezas vestimentarias”, agrega Geczy. Hoy, su posición de director artístico al frente de la maison Céline le permite proponer playlists musicales o cinematográficas (en la plataforma Mubi) e invitar a jóvenes artistas a imaginar las piezas de sus colecciones. En julio pasado, hubo siete artistas invitados por The Dancing Kid. Entre ellos, el estadounidense David Kramer, cuyas frases estampadas sobre bombers expresan con ironía los repliegues del sueño americano.

arte –en el sentido antiguo del término, es decir una técnica que se experimenta a partir de la materia, de un gesto, de la elección de géneros y de la relación con el cuerpo–. El video editado para la colección Alta Costura de Valentino es un ejemplo. Allí, la moda afirma su poder creativo”, explica la filósofa Marie Schiele, especialista en temas de moda. Así, la vestimenta en Valentino vuelve a ser la esencia de una experiencia estética fantasmagórica.

Imaginado por el artista fotógrafo y videasta Nick Knight, el desfile Alta Costura de Pierpaolo Piccioli tomó la forma de una performance que cruzaba lo humano con lo digital, en la que veinte piezas de costura inmaculadas y sobredimensionadas parecían cobrar vida. “Hace demasiado tiempo que la costura ya no transmite emociones. Yo no quería fiorituras ni envoltorios, no quería storytelling. Simplemente quería mostrar las prendas y el trabajo humano que hay detrás”, declaró Piccioli en Instagram.

Incluso en Dior, las pinturas de Amoako Boafo incorporan materia textil en la segunda parte del video, en la que las sombras de los maniquíes se entrelazan sobre fondos que recuerdan los motivos que se vieron en la primera parte.

“Se trata de representar la solidaridad –explicaba Boafo–.

En tiempos de crisis, los conceptos cambian y también debe evolucionar nuestro rol como artistas”.

EL REGRESO DE LA VESTIMENTA COMO FUENTE DE EMOCION “El riesgo es que, a fuerza de intelectualizar, se llegue a algo artificial, se produzca un alejamiento irreductible entre declaraciones de intención –de tenor cuasi doctoral– y la vestimenta parezca vacía. Sin embargo, la moda puede revertir este movimiento iniciado por el arte contemporáneo, que disocia ideas y creación, asumiendo plenamente su estatus de

SER EL ESPEJO DE UN MUNDO Para Dior, la idea es también exponer la riqueza artística de Ghana, presentando a Boafo como un valor en ascenso dentro del arte contemporáneo, “que explora la percepción de la identidad negra y de la masculinidad”, según describe la marca. En épocas en las que las manifestaciones contra el

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TENDENCIA

TRADUCCION: IRENE AMUCHASTEGUI.

racismo invaden tanto las calles como las redes sociales, la moda ya no se conforma con compartir un cuadrado negro (como el publicado a principios de junio en Instagram en el marco del movimiento Black Lives Matter, como reacción al asesinato de George Floyd) y se compromete usando las colaboraciones artísticas como manifiestos políticos.

En su sello JW Anderson, Jonathan Anderson rinde homenaje al artista queer Tom Of Finland, conocido por sus obras subversivas de resuelto carácter erótico, que desbaratan los valores heteronormativos. Por su parte, la marca Supreme pone de relieve al performer emblemático de las noches londinenses de la era Thatcher, Leigh Bowery, víctima de sida en 1994. Su trabajo, que cuestiona con poesía los tabúes sexuales, sigue siendo una referencia para las comunidades LGBTQI+. Entre los recuerdos de su club Taboo y sus poses para el pintor Lucian Freud, hizo de la marginalidad una elección política.

Iconoclasta inclasificable, Marvin M’Toumo, finalista del Festival d’Hyères 2020, trabaja al borde de varias disciplinas: “Desarrollo una práctica poética que se apoya sobre diferentes medios artísticos. Eso me permite preservar mi libertad. También es una posición política que evita que uno se defina de manera inamovible, un reflejo de los discursos de mi generación que cuestionan la identidad, de género o étnica”.

Bovan por Matty Bovan. Colección hecha y pintada a mano sobre un maniquí de madera por el diseñador francés durante su confinamiento en Yorkshire.

HACER BROTAR DEL CAOS LA BELLEZA Igual que él, Matty Bovan, joven diseñador y artista inglés, une ambas identidades en colecciones surrealistas que chorrean colores. Con apenas 30 años, las mejillas hundidas y un arcoíris en el pelo, lanzó en plena pandemia la marca Bovan, cuyo look-book en Instagram recrea un cuadro viviente. Francia no se queda atrás: con solo 23 años, Charles de Vilmorin produjo a fines de abril su primera colección. Diseña y pinta, se inscribe en esta nueva ola imaginando la moda como vehículo de futuros utópicos. Pascal Möhlmann es el autor del óleo For Ever, que retrata a una chica bailando con un esqueleto (una especie de vanitas moderna) e ilustró el desf ile OFF/ White Tornado Warning de Virgil Abloh. El artista suizo inició el movimiento Neue Schönheit (Nueva belleza).

“Virgil y yo estamos convencidos de la importancia de la belleza y de que su creación y difusión son literalmente nuestro trabajo. Tal vez es la experiencia de la belleza lo que ayudará a la humanidad a no perder la fe, a encontrar la dicha e incluso el camino”, dice.

En 2020, moda y arte forman más que una simple fórmula de marketing. “Es tiempo de diálogo creativo, en el que cada disciplina nutra a otra conservando sus tradiciones. No se trata de forzarse a hacer colaboraciones para estar ‘a la moda’. Cuanto más persigue un artista ese título efímero, más riesgo corre de ser reemplazado en la siguiente batahola mediática. En lugar de intentar ser ‘originales’, traten simplemente de compartir la belleza. Dejen la originalidad a la publicidad”, concluye Möhlmann. n

“Es tiempo de diálogo creativo, en el que cada disciplina nutra a otra conservando sus tradiciones.

No se trata de forzarse a hacer colaboraciones para estar ‘a la moda’. Cuanto más persigue un artista ese título efímero, más riesgo corre de ser reemplazado en la siguiente batahola mediática”.

— Pascal Möhlmann

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CARPE

DIEM Fotos NICOLAS VERA Estilismo DELFINA TULLI

ESTA PAGINA: chaqueta irregular, TRAMANDO COLECCION JARAMILLO. Calzas, LACOSTE. Zapatillas, ADIDAS. PAGINA OPUESTA: camisa, PABLO BERNARD. Pendiente, KOSTUME. Pantalones, LACOSTE. Cartera, FERRAGAMO.

ESTA PAGINA: kimono, KOSTUME. Pantalones, ADIDAS. Pendiente con hojas, THE URBAN CONCEPT. Pendiente rígido, LIMIDO PAGINA OPUESTA: blusa, JT. Gorra, LACOSTE. Pañuelo de seda, FERRAGAMO.

JOYAS. Ojotas, MISHKA.

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ESTA PAGINA: vestido con lazo, BELEN AMIGO. Cartera, FERRAGAMO. Corpiño, CARO CUORE. PAGINA OPUESTA: kimono, KOSTUME. Bermudas, VALENTINA KARNOUBI. Sandalias, MISHKA. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA, Leonel

Nicolas Caldirola. MAQUILLAJE Y PEINADO, Jade Kone para Kabuki Make Up School. MODELO: Fatima Brunengo para Ceres Management. POSTPRODUCCION: Florencia Campelo.

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ENCUENTRO

ARTE de la AUTO-

El

Expresión

Visita a Mathilde Favier, directora de Relaciones Públicas de Dior e ideal de elegancia parisina.

Texto LAURE AMBROISE Fotos SERGIO CORVACHO

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ENCUENTRO

L’O: Su hermana, Victoire de Castellane, es directora artística de joyería de Dior y su tío, Gilles Dufour, fue por muchos años director del Estudio de Chanel. ¿Cómo evaluás la influencia de la moda en tu vida?

MF: La moda está en mi ADN. Tal vez por eso siempre me sentí muy cómoda en este ámbito. Si te formás en la escuela de Karl Lagerfeld, no puedes menos que mirar el escenario de la moda con mucho humor, sin tomarte todo tan en serio.

L’O: ¿Por qué te gustan tanto los estampados? ¿Cómo los combinás?

MF: Soy terriblemente parisina, pero también viajé mucho. Todos estos estampados y mezclas de materiales y colores son producto de mis viajes, testimonios de la belleza del mundo. Nunca me canso de la artesanía.

L’O: Hiciste varias pasantías en Chanel. Allí conociste a Sofia Coppola. Colaboraste con Carine Roitfeld, fuiste elegida directora de Relaciones Públicas de Prada y, por último, de Dior.

MF: Lo que amo de este trabajo es la gente: observarla. La especie humana es ciertamente aterradora, pero me fascina.

L’O: Sos una apasionada del arte de la mesa. ¿Qué aconsejarías para ser un buen anfitrión?

MF: Me gusta mucho invitar gente. Se conocen, pasan un momento agradable, descubren lo valioso del otro. Por supuesto, esto se da en torno a una buena comida –me encanta cocinar– y a una mesa atractiva. El arte de la mesa no tiene que ver con los platos. El éxito de una comida depende sobre todo de la química que se genera entre los invitados. El resto no es más que decoración. n

L’O: Acabás de redecorar tu departamento de París. ¿Hiciste muchos cambios?

MF: Mi casa corresponde a una nueva etapa de mi vida. Tengo 50 años, mis hijos ya no viven conmigo. Estoy enamorada. Por fin sé quién soy. La decoración es un reflejo de todo eso.

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SOCIEDAD

Las

GUARDIANAS del

BOSQUE

Más de la mitad de las provincias argentinas fueron escenario de una quemazón que arrasó con campos, casas, animales.

Un verdadero ecocidio que dejó imágenes terroríficas y también una certeza: en la defensa del ambiente las mujeres fueron y serán primera línea.

Por FERNANDA SANDEZ Foto GERMAN ROMANI

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D

e día y de noche. El monte, los pastos o el humedal vueltos un infierno de llamaradas, de aullidos, de escenas que no las abandonaron nunca más. Los pájaros que volaban prendidos fuego, justo antes de caer con ese ruido de peso muerto. Ellas estuvieron ahí, desesperándose primero, luchando después. Ellas tienen mil nombres. Son las guardianas del monte. Del delta, del pastizal. Del bosque. De todo.

En nuestro país, según los datos del Servicio Nacional de Manejo del Fuego (SNMF), 95 % de los incendios en áreas naturales son provocados por los seres humanos. Ni rayos ni centellas ni sequía: colillas o pura y simple intención de destruir lo que hay sobre la tierra para explotarla de alguna manera, en forma de campos, feedlots o countries. La víctima del crimen es Madre Natura, pero contra ese ataque ni siquiera tenemos un nombre que la Justicia reconozca.

El ecocidio no es aún delito y por eso con pagar alguna que otra multa alcanza y sobra. Nadie va preso por desmontar ni tampoco por hacer humo casi medio millón de hectáreas, como pasó en Argentina en 2020. Nunca nadie nada.

Desde el Foro Ecologista de Paraná, Daniela Verzeñasi confirma que la impunidad y el anonimato son el principal incentivo para el negocio de incendiar. “Cuando al ecocidio se le pone nombre y apellido, la cosa cambia. Por eso decimos que es clave que nos den acceso al

catastro provincial de las tierras rurales y del delta: queremos saber quiénes son los dueños de lo que se quema a repetición. Pero no hay caso.

Como foro, metimos un amparo ambiental para el delta, para que se lo considere como sujeto de derechos. Eso está ahora en la Corte Suprema de Justicia de la Nación. Pero esta locura va a seguir porque son delitos sin nombre ni responsables.

Y todavía hay quemas. No tan grandes como las de agosto, pero todavía hay”, advierte.

QUEMAR PARA DISCIPLINAR Laura Isod –educadora, exbecaria del Conicet y mamá– llegó al valle de Traslasierra, en Córdoba, huyendo de una ciudad que se devora a sí misma. Y Laura no quería eso para ella ni para sus hijos. No era la única. Con el tiempo se convirtió en parte de una red de mujeres que buscaban una vida más auténtica y menos atada a los esquemas familiares tradicionales. Tal vez por eso, a tres meses de la gran quemazón, ensaya una lectura más que interesante de los incendios masivos: “Creo que con el fuego se buscó restituir un orden. Mi hipótesis es que, alrededor de los incendios, emergió una estructura muy arcaica.

El patriarcado reafirmó su poder y se impuso a lo que eran incipientes movimientos de mujeres que estábamos empezando a denunciar una

realidad violenta”. Laura recuerda incluso esta escena: una de sus vecinas, que se había separado de su compañero por violencia de género, lo vio regresar durante las quemas convertido en parte de las brigadas antiincendio. Ahora era un bombero y, envuelto en su traje de héroe, aplaudido por la comunidad. La cuenta volvía a cero.

BAJO ESTE SOL TREMENDO Muy al norte, en el Chaco, la ingeniera agrónoma María Angélica Kees retoma el relato de lo que el fuego nos dejó. Integra la Red de Salud Popular Ramón Carrillo y desde hace años promueve la agroecología como herramienta para

“Esta locura va a seguir porque son delitos sin nombre ni responsables. Y todavía hay quemas. No tan grandes como las de agosto, pero todavía hay”.

— Daniela Verzeñasi, desde Paraná.

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SOCIEDAD

un desarrollo saludable de personas y territorios.

Entre otras razones, porque sabe lo que implican esos incendios sucesivos y a repetición en un ecosistema así de frágil. “El tema de los incendios en el Chaco es una historia de vieja data. No es que aparecieron ahora porque hubo sequía previa, sino que tienen una raigambre cultural. ¿Por qué? Porque nos llevamos bien con el fuego y nos llevamos mal con el monte. Pocos son los incendios que ocurren por accidente. No vemos lo obvio, que es que aquí está el polo de calor de América Latina: 47 grados netos. Se ubica entre Salta y el oeste chaqueño. Y sin la cobertura vegetal del monte, esa tierra pierde la vida. Se vuelve desierto”. Justamente por eso se opone a ese modelo cultural y su herramienta técnica es la agroecología. “Hasta hoy los funcionarios siguen creyendo que la agricultura es la civilización y el monte es la basura y el mal vivir, y no es así. Son los montes los que están permitiendo que todo lo demás exista”. Pero los queman, los queman y los vuelven a quemar.

RENACER DE LAS CENIZAS Desde La Cumbre, Alejandra Juárez –una historiadora enamorada de la naturaleza y directora del Centro Argentino de Rescate, Rehabilitación y Conservación de Primates, un santuario único en su tipo– cuenta que cuando el fuego estuvo cerca se puso a rezar. “Las ráfagas eran de 50 kilómetros por hora. Logramos sacar a los pumas, pero acá hay sobre todo monos: carayás y capuchinos rescatados del mascotismo y de laboratorios donde los usaban para experimentos.

Los curamos, viven libres, sueltos y en grupos,

“Los funcionarios siguen creyendo que la agricultura es la civilización y el monte es la basura y el mal vivir, y no es así. Son los montes los que están permitiendo que todo lo demás exista”.

— María Angélica Kees, desde el Chaco.

en manchones de bosque nativo. Ya vamos por la cuarta generación, acaban de nacer bebés.

Por eso tuve miedo, pero logramos parar el fuego y cuando llegó a la reserva solo quemó el suelo. Los monos se salvaron porque estaban en los árboles. Y los árboles no ardieron”. Las hijas de Alejandra no la dejaron sumarse a las brigadas contra el fuego, pero ellas, las chicas, sí fueron a combatir las llamas. Mayú, una de ellas, recuerda y aún tiembla. “Porque el fuego te rodea, ¿sabés? Pensás que lo tenés controlado y de un momento a otro se descontrola. El peor de esos días yo me vine al santuario a las cinco de la mañana y descubrí un foco nuevo que el día anterior no estaba. Los bomberos me dijeron que habían visto a un hombre prendiéndolo, pero no lo pudieron detener”.

El 18 de noviembre logró media sanción en Diputados la ley 26.815, más conocida como la Ley del Fuego, una norma que busca terminar con el negocio de quemar, prohibiendo que pastizales y bosques incendiados puedan reconvertirse en countries, feedlots o campos de cultivo.

Si lo que se incendió fue un campo, no se podrá cambiar el uso del suelo ni lotearlo por 30 años; si lo quemado fue un bosque o un humedal, no se podrá tocarlo por más de medio siglo. En este último caso, la ley prevé 60 años para que la naturaleza quemada pueda reconstruirse. Y esos, claro, no son los plazos del agronegocio ni de la especulación inmobiliaria.

“Fueron días terribles porque tampoco podíamos dormir. Debíamos hacer la guardia de la ceniza, porque aun cuando parezca que el incendio se apagó, por debajo de la ceniza puede seguir ardiendo. A eso se lo llama ‘fuego subterráneo’ y es un peligro”, recuerda Alejandra.

Después, con los días, llegó la lluvia sanadora y, con ella, las ganas de dormir. Y una certeza: aquí y allá, una y todas, las guardianas del bosque van a poner a cada incendio en retirada. Como con un cortafuego, llama contra llama. Y ya sabemos cuál ganará. n

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ANIVERSARIO

Cien

AÑOS CELEBRIDAD

de una

Símbolo estético y cultural de todos los tiempos, el perfume “Nº 5” tiene muchos motivos para festejar.

Por DORA BECHER

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La actriz Marion Cotillard y el bailarín Jérémie Bélingard en el film por los 100 años de Chanel Nº5.

E

n 1921, Chanel Nº 5 inicia un capítulo en la historia del perfume. Fue la primera fragancia en llevar el nombre de la marca impreso en el envase. Inusual e innovadora, fue realizada en base a aldehídos, que le daban ese “olor fresco” que no se parecía a nada conocido. Su botella minimalista, diseñada por la propia Coco, despegaba del estilo barroco de los cosméticos de aquella época. El perfume, que debe su nombre a la muestra número cinco elegida por Coco Chanel de las diez que le presentó Ernest Beaux, su creador, tenía todo lo necesario para permanecer ajeno a las modas y resultar un ícono estético y cultural a través del tiempo.Y lo logró.

Su historia atraviesa países, movimientos artísticos y avances tecnológicos, con mínimas variaciones en sus ingredientes y diseño. En 2021 cumple cien años y los celebra con una nueva campaña protagonizada por la actriz francesa Marion Cotillard, embajadora de la marca. Se trata de un film dirigido por Johan Renck, que nos lleva hasta la luna.

Allí una mujer (Marion) enamorada, fuerte y segura de sí misma, baila con un hombre misterioso (Jérémie Bélingard). El baile es seductor, tiende un lazo entre el mundo real y el imaginario. Un mensaje de amor, belleza, sueños y alegría. ¡Por otros cien!

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ANIVERSARIO

Olivier Polge nació en Grasse, Francia, y tenía solo cuatro años cuando su padre Jacques fue nombrado perfumista de Chanel.

Las fragancias no eran un tema para Olivier en ese momento, ni lo serían en los años siguientes. Estudió Historia del Arte, se perfeccionó en piano mientras, durante los veranos, trabajaba en el Laboratorio de Chanel. Y eso le marcó el camino.

Se anotó en Charabot, la misma casa de producción de materias primas aromáticas donde hizo su experiencia Ernest Beaux antes de crear el ‘N°5’. Luego fue contratado por International Flavors & Fragrances y enviado a Nueva York. De regreso en París, en octubre de 2013, se incorporó a Chanel.

Es el perfumista de la maison, responsable de varias ediciones y líneas como Gabrielle (2017).

En esta entrevista cuenta qué significó este producto en la evolución de la firma.

El ‘Nº5’ fue creado cien años atrás, ¿qué representa hoy?

OLIVIER POLGE: Es la columna vertebral de todos nuestros perfumes. Trazó el rumbo de los demás en cuanto a la identidad; más aún, los explica. Es el resultado de la intuición de Gabrielle Chanel acerca de la importancia de lo que expresa un perfume. En otras palabras, es la “gramática” de nuestro estilo.

L’OFFICIEL:

¿Y cuál es ese estilo?

Femenino, floral, sereno, opulento, moderno, misterioso.

L’OF: OP:

LA GRAMATICA DEL ESTILO Entrevista con Olivier Polge, nariz de Chanel.

¿Qué hace que un perfume se convierta en un clásico?

OP: ‘Nº5’ cambió el mundo de los aromas.

No remite a una flor en particular; es floral.

Mantiene esa parte de misterio que permite elegir la flor que uno quiere percibir. Es también un nombre, la forma de un frasco y una gran creación comercial. Para explicar el mito hay que tener todas estas cosas en mente.

L’O:

Si pudieras hablar con Ernest Beaux, ¿qué le preguntarías? ¿Y a Coco Chanel?

OP: Pienso en ellos a menudo, pero sin una pregunta en particular. Lo más importante es el estilo, la identidad y la estética excepcional de Chanel.

L’O:

¿Con qué adjetivo definiría el perfume? ¿Y a Marion Cotillard, su embajadora?

OP: Femeninas.

L’O:

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“‘Nº5’ trazó el rumbo de los perfumes de la maison en cuanto a la identidad; más aún, los explica”.

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BELLEZA

LOS ELEGIDOS

Lanzamientos y relanzamientos, fórmulas, colores y tecnologías aplicadas.

Por LOLA MONTEIRO

TOM FORD BEAUTY Una máscara de pestañas de textura cremosa y a prueba de agua (¡y de emociones!).

“Emotionproof Mascara” tiene un cepillo en forma de cono que rellena las pestañas, las alarga y les da volumen.

GUERLAIN El aceite limpiador “Abeille Royale” elimina impurezas y restos de maquillaje, incluso los altamente resistentes al agua.

Con un suave masaje sobre el rostro seco se retiran las partículas contaminantes y, al contacto con el agua, se convierte en una emulsión de fácil enjuague.

URBAN DECAY Una paleta de sombras veganas con ocho tonos brillantes y cuatro en efecto mate. “Stoned Vibes” cuenta con gamas para un maquillaje natural y otras con pigmentos potentes y piedras. Se puede aplicar con la yema de los dedos o con el pincel doble para distintas intensidades.

CHANEL “Le Lift Serum” transforma la apariencia de la piel gracias a las propiedades de la alfalfa, cuyos activos son los encargados de nutrir las células.

De acción reafirmante y antioxidante, protege la piel de las agresiones externas, limitando el impacto de los radicales libres. Una vez aplicado, el efecto tensor es casi inmediato.

DIOR Para disimular imperfecciones: “Forever Skin Correct”: un corrector de larga duración para las pequeñas rojeces y manchas.

No marca las líneas de expresión gracias a su textura suave, mientras provee a la piel de una apariencia más uniforme de la mañana a la noche.

ESTEE LAUDER

La firma francesa lanzó su primera colección de labiales “Rouge Hermès”. Cada barra está armada a mano y puede recargarse. En veinticuatro tonos de acabados mate y satinados, por semestre se presenta una nueva edición limitada de tres colores.

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FOTOS: DERECHOS RESERVADOS.

HERMES

“Advanced Night Repair”, un clásico de culto, ahora con una nueva formulación.

“Synchronized Multi-Recovery Complex” reduce la apariencia de los signos del paso del tiempo de forma integral, y ayuda a aumentar la renovación natural de las células y la producción de colágeno.

ZINIO.COM

ESPACIO L A PR AIRIE

Una nueva

dimensión del

TIEMPO La colección Platinum Rare de La Prairie sorprende al mundo con el lanzamiento de su fórmula Haute-Rejuvenation, otro gran avance en el rejuvenecimiento de la piel.

La noción del tiempo suspendido inspiró la colaboración del artista japonés Nobuhiro Nakanishi.

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H

ace poco más de diez años La Prairie descubrió el potencial antienvejecimiento del platino. Así nació la colección “Platinum Rare” conocida por sus propiedades extraordinarias. Ahora, una vez más, la marca de lujo suiza desafía el paso del tiempo con una fórmula renovada: “Platinum Rare Collection Haute-Rejuvenation”. Al exclusivo complejo celular patentado por la firma, desarrollado a partir del trabajo pionero del Dr. Paul Niehans, se suma el nuevo Multipéptido de Platino, integrado por tres péptidos diferentes unidos a partículas esféricas de platino y diseñado para fortalecer la barrera de la piel y mejorar su equilibrio de humedad. De esta manera aumenta la hidratación, el tono parece más uniforme, se refuerzan la firmeza, la elasticidad y el volumen.

Los frascos de la colección se presentan como verdaderas obras de arte. El diseño en tonos amatistas con platino los transforman en piezas de joyería fina.

LA RUTINA PERFECTA La línea está integrada por “Cellular Life-Lotion” (desintoxica, renueva y restablece la piel), “Haute-Rejuvenation Elixir” (restaura la piel, la deja suave y lisa), “Cellular Night Elixir” (una sola gota promete una piel rejuvenecida por la mañana), “Haute-Rejuvenation Eye Elixir” (un suero asombroso que ayuda a reducir la apariencia de las arrugas y la sensación de hinchazón debajo de los ojos)

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y “Haute-Rejuvenation Eye Cream” (un potente tratamiento para los párpados que aclara las ojeras y disminuye la aparición de líneas). El ritual se completa con “Haute-Rejuvenation Cream”, la última experiencia transformadora que combate todos los signos visibles del envejecimiento.

El diseño base de la colección ha sido revisado: a la estética en tonos amatistas se han agregado detalles en color platino, el mismo tono y brillo de las cajas que reflejan los códigos de la alta joyería.

EL ENCUENTRO PLATINO La exploración del tiempo también es la inspiración en la colaboración encargada por La Prairie a dos referentes creativos: el artista contemporáneo japonés Nobuhiro Nakanishi y el reconocido compositor británico Max Richter. Sus interpretaciones artísticas recrearon la experiencia “The Platinum Moment”.

“Echo of Time” se llama la pieza escultural e inmersiva realizada por Nakanishi, un “dibujo por capas” que incorpora una serie secuencial de fotografías de los Alpes suizos tomadas al atardecer. La acompaña la música de Richter, “Platinum”, una partitura épica exclusiva para la firma e interpretada por una orquesta de setenta instrumentos. El video con las imágenes y la música es un homenaje a la dimensión onírica del tiempo y un viaje maravilloso para los espectadores. n

PERFUMES

Inteligencia

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EMOCIONAL Ediciones especiales para elegir una o todas.

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3

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5

6

1.“Bad Boy”, CAROLINA HERRERA. “Hace tiempo que le daba vueltas a este proyecto: una fragancia que capturase la masculinidad moderna”, dice Carolina Herrera sobre este oriental aromático. 2.“Libre”, YVES SAINT LAURENT. Instala un precedente al mezclar esencias masculinas y femeninas. Se compone, principalmente, con notas de lavanda de Francia y flor de azahar de Marruecos. 3.“Flower”, KENZO. Eau de parfum insignia de la marca, que ya cumplió veinte años. La identidad de la amapola, sustentada por la rosa búlgara y la violeta, envuelta en vainilla y almizcle blanco. 4.“J´adore Infinissime”, DIOR. Un nuevo perfume con rosa centifolia, jazmín sambac e ylang-ylang. Francois Demachy, perfumista de la casa, incorporó además nardo y acentos amaderados. 5.“Boss Bottled”, HUGO BOSS. Amaderado, trae una explosión de manzana y bergamota. La pimienta negra le da un corazón picante. ¿Acordes que se suman?

Castaña, cardamomo, canela, vetiver y almizcle. 6.“K”, DOLCE & GABBANA. Con una base amaderada fuerte, el fresco y especiado cardamomo está en las notas de salida, como la leche de higo, que le da un toque cremoso. 7.“Black Orchid”, TOM FORD. Esta fragancia cálida floral tiene orquídea, trufa y ciruela negras. Son parte de este viaje olfativo también ylang ylang, ron absoluto y pachuli.

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7

ENCONTRALA EN TODOS LOS KIOSCOS Y EN W W W . Z I N I O . C O M 127

EXPERIENCIAS

Flores en el paisaje de la ciudad italiana de Módica.

para VER

L

¿Qué buscamos en cada viaje? ¿Qué hace a un destino inolvidable? ¿Qué cuenta cada foto que tomamos?

a foto es un recuerdo. Una muestra de algo que pasó: un encuentro con gente querida, una visita inesperada, una noche hermosa, un logro, el viaje de nuestros sueños. Ese viaje a la montaña o a la playa o a una ciudad inmensa. Cuando vacacionamos solemos sacar muchas fotos para, justamente, volver el tiempo atrás y por instantes estar ahí de nuevo, en ese mismo lugar, cualquiera sea, para sentir otra vez aquello.

Porque viajar hace bien. Salir de casa es una desconexión, una posibilidad de recobrar energía y regresar para afrontar todo lo que está por venir. Pero puede ser otra cosa. En determinadas ocasiones viajar es también aprender. “Visitar otras culturas y paisajes es un ejercicio mental que flexibiliza las estructuras de pensamiento acostumbradas a la cotidianeidad. El conocer nuevos lugares y costumbres confronta con lo establecido, dinamiza y relaja la comprensión del mundo”, asegura el licenciado Jorge Garaventa, miembro de la Junta Ejecutiva de la Federación de Psicólogos de la República Argentina.

Maita Barrenechea está de acuerdo. Como dueña de la agencia de viajes de lujo Mai10 y presidenta de la organización

Por DOLORES CAVIGLIA

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FOTOS: WILLIAM BROCKSCHMIDT - JONATHAN HOGG - MICHAEL IMBER - FRANK PONTERIO - LIBRO TRAVEL BY DESIGN, EDITORIAL ASSOULINE.

LUGARES

Las calles de La Habana, Cuba.

ABAJO: Sombrillas

para los veraneantes en la costa Amalfitana, Italia.

Una vista de Kauai, en el archipiélago de Hawái.

El nuevo libro de Assouline, Travel by Design, recopila más de 300 fotografías tomadas por arquitectos y diseñadores destacados de Estados Unidos, que con sus cámaras captaron aquello que es más que un paisaje. Algunas de esas fotos aparecen en esta nota.

“Creo que, a partir de ahora, los viajes serán más especiales, como lo eran antes, más planeados, más deseados, más lentos”.

— Maita Barrenechea

Destino Argentina, entiende mucho sobre esa búsqueda y destaca el interés de los turistas por saber más: “Hoy el objetivo de un viaje ya no es tanto ‘escapar a’ sino ‘volver con’. La cultura tomó un rol más importante. El quid de los viajes está en vivir experiencias especiales e inolvidables por sus atributos, ya sean originales, inspiradoras, educativas o desafiantes”.

Tras años en el sector, asegura que los viajeros quieren conectar cada vez más con la cultura local y con la gente de los lugares que visitan para conseguir una vivencia transformadora. Con ese objetivo es que se acercan a ella, tanto para viajar dentro del país como a destinos lejanos.

“Los viajes tienen el poder de cambiar nuestra actitud hacia la vida, de afectarnos de manera positiva. Pueden modificar hábitos y perspectivas, lograr una comunión más profunda con la naturaleza, y a su vez hacer que influyamos sobre las personas que nos rodean. Viajar educa, muestra otras realidades, acerca a las personas, invita a reflexionar y nos vuelve más tolerantes y empáticos”, explica Barrenechea.

Ella retrata la experiencia como la de un héroe, pero no la que asociamos al relato épico, sino a una más concreta. Dice

que para abrir la mente en un viaje hay que estar dispuestos, salir de la comodidad del cotidiano y animarse a poner los pies en el barro, en un barro ajeno.

Hoy pensar en destinos lejanos en medio de una pandemia que ya lleva varios meses resulta extraño. Al menos distante.

Pero para eso también las fotos. “El objetivo primordial de las imágenes en los viajes es capturar, inmortalizar, apropiarse de aquello que se está presenciando. Es un estilo muy occidental”, menciona Garaventa.

Para Barrenechea, luego de meses de confinamiento es posible que los turistas busquen escapar a playas o a paisajes donde el distanciamiento social se dé de forma natural.

Sin embargo, asegura que el deseo de viajar para conocer y experimentar lo diferente volverá. “Creo que, a partir de ahora, los viajes serán más especiales, como lo eran antes, más planeados, más deseados, más lentos. Tendrán más significado, estimularán los sentidos, generarán solidaridad.

Uno solo cuida lo que ama y solo ama lo que conoce. Pero viajar, explorar, descubrir están en el ADN de las personas”, afirma. Parece entonces que será cuestión de tiempo. n

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