MIXMAG MÉXICO - NÚMERO QUINCE

THE WORLD’S BIGGEST DANCE MUSIC & CLUB CULTURE MAGAZINE

CONCRET

TRATANDO DE EDIFICAR ENTRE LOS ESCOMBROS

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S E P T I E M B R E 2021 NÚMERO QUINCE

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NÚMERO QUINCE

SEPTIEMBRE 2021

DIRECTORIO OFICINAS GENERALES INSIDE THE MUSIC S.A. DE C.V Lago Alberto 369, Anáhuac 1 Secc, Miguel Hidalgo, 11320 Ciudad de México, CDMX Página web: www.mixmagmexico.com Editor: Duncan Dick - duncan@mixmagmedia.com Editor responsable en México: Juan Pablo Ruvalcaba – jp@mixmag.net Editor adjunto en México: Sergio Islas Pacheco – sergio@mixmag.net Dirección General: Luis Enrique Ortiz Barbosa - luis.mx@mixmag.net Dirección de Contenido: Luis Enrique Ortiz Barbosa - luis.mx@mixmag.net Editora en Jefe: Amaya Andonaegui Rosell - amaya.mx@mixmag.net Coordinación General y Administración: Diego Méndez Castellanos

Mixmag, revista mensual, editada por Inside The Music S.A. de C.V. Mayo de 2021. Editor Responsable en México: Juan Pablo Ruvalcaba. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: En trámite. Número de Certificado de Licitud de Título: (en trámite). Número de Certificado de Licitud de Contenido: (en trámite). Domicilio de la Publicación: Lago Alberto 369, Anáhuac 1 Secc, Miguel Hidalgo, 11320 Ciudad de México, CDMX. Página web: www.mixmagmexico.com Mixmag México es editado bajo licencia de Wasted Talent Ltd. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin consentimiento expreso del Editor responsable en México. Los derechos de esta publicación quedan protegidos en todo el mundo.

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EDITORIAL Hoy más que nunca sabemos que todo puede cambiar en un abrir y cerrar de ojos. Todos los días nos despertamos con más noticias, nuevas tecnologías, grandes hallazgos y sobre todo nuevas formas de crear. Sabemos también que solo ciertas creaciones sobreviven al frenesí de nuestros tiempos, el mayor ejemplo, el de las tradiciones culturales representadas por la música.

Desde siempre ha sido una herramienta que nos ha permitido contar nuestra propia historia, contarle al mundo quienes somos.

Por eso, en este mundo globalizado somos responsables en cierto grado de la mediatización de las artes, la cultura y el folclor y cómo estas están siendo representadas. Ésta edición celebra la recuperación de nuestras tradiciones re apropiadas por los artistas mencionados en estas páginas. Es a través de su trabajo creativo que se homenajea a la cultura latinoamericana, estamos orgullosos de nuestras raíces y es como nos queremos presentar frente al mundo.

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CONTENIDO

Septiembre 2021

6. LABEL ID: Duro 8. FELIPE GORDON Cuando no hay camino hay que construirlo.

10. MAXIM LANY Creatividad en todo su esplendor 12. GUY GERBER En busca de los mejores sonidos.

13. ASA MOTO 14. CONCRET Tratando de edificar entre los escombros 20. INNELLEA 22. OLIVER KOLETZKI 24. AERA La mente detrás de APPLIED MAGIC RECORDS 26. INSIDE CLUB: Dynamitas Club 28. AE:THER Ser uno de los exponentes más reconocidos de la música electrónica y no perderse en el camino 30. SUNDAY MORNINGS ó ¿Cómo evitar un domingo de bajón?

31. GUI BORATTO Cromophobia, un álbum inspirado en la perfección de la naturaleza 32. RODRIGO GALLARDO Recuperando tradiciones a través de la música 36. ANIVERSARIO SELINA 37. KETTAMA 38. TÁNDEM 002. Kalexis & Badmoiselle 40. JOACHIM PASTOR 42. VISUALES AUDIO REACTIVOS Experiencias sensoriales contemporáneas 44. TORAIZ SQUID Cómo empezar a producir con Toraiz Squid de Pioneer

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LABEL ID: DURO ¿QUÉ ES LA ELECTRÓNICA RUPESTRE LATINOAMERICANA? Por: Andrés Arias Corona Creditos de Fotografía: Cortesía de Duro Label

Tuvimos la oportunidad de conversar un poco con las mentes detrás de DURO LABEL, Mateo (Theus Matheus) y Moises (Moisees), donde pudimos platicar de cómo surge éste proyecto muy mexicano. Estos amigos se conocen desde hace ya varios años, y poder platicar con ellos sobre DURO LABEL fue como ver a dos amigos que platican de aquello que le apasiona.

Mixmag: ¿Cómo empieza el label? Yo sé que se conocen desde hace mucho, pero pueden desarrollar un poco más de ese proceso. ¿Cuándo deciden “hay que hacer un label’’?

Moisés: Duro salió porque Mateo y yo nos conocemos de toda la vida. Mateo tiene mucho tiempo editando música y yo tenía esta experiencia de publicar. Por lo que fue solo cuestión de tiempo para que este proyecto agarrara forma y fuera una realidad.

Mixmag: ¿Por qué empezar un label? ¿Por qué no acercarse a alguien y simplemente sacar algo con alguien más ?

Mateo: Una de las razones es porque es tuyo y puedes sacar lo que quieras cuando quieras. Quizás te enfrentes a otros sellos que no quieran sacar tu música, o hay una fila de espera muy larga. Y teniendo tu propio label, puedes básicamente hacer lo que tu quieras, y lo que sientas más fiel a ti.

Mixmag: Para las personas que están alejadas de este medio ¿Cómo se vuelve rentable un label? ¿de los eventos, de las plataformas de streaming? etc etc.

Moisés: Mucho es de la venta de tracks, hay algunos que tiene merch, o incluso de eventos. Pero para nosotros es una alegría que nuestros principales consumidores no solo estén en México sino que hay mucha gente alrededor del mundo que está interesada en DURO. Incluso los compran desde antes sin saber el contenido, ya que confían en el contenido de DURO. Hemos logrado una comunidad de gente que regresa porque les gusta el proyecto. Y quieren apoyar nuestro proyecto.

Moisés: Exacto, pienso que el hecho de que seamos amigos desde hace tanto tiempo nos ayuda a superar todas estas complicaciones.

Mixmag: ¿Cómo sintieron a la escena mexicana éstos últimos 18 meses de Pandemia? ¿Se han sentido apoyados o sienten que podemos ser más solidarios?

Mateo: Nosotros pensamos que hay un buen sentimiento de comunidad. La gente es lo más increíble que tenemos como escena mexicana, gente que ve bien distintas las cosas y puedes generar amistades laborales y personales.

Conforme pasa el tiempo vamos haciendo amigos y gente afín.

Moisés: Nos encanta comer y eso lo compartimos mucho.

La escena es bastante sólida, claro que siempre habrá espacio para mejorar y hay cosas que han mejorado mucho. Ya no es como hace 10 años que los promotores pensaban que eran enchiladas, pero hoy en día hay mucha más especialización. Los promotores se toman más en serio las cosas. Hemos ido creciendo y especializándonos.

Por decir la industria ya es bastante formal .

Mixmag: ¿Qué se necesita para ser parte de DURO? Moisés: Lo primero sería originalidad, y posteriormente que vaya de la mano con la línea del sello musical. Buscamos una originalidad e identidad narrativa. Que te capture desde el primer momento. No podemos firmar algunas cosas que aunque sean muy bien hechas, suenan como otros 80 mil proyectos.

Mixmag: ¿Por último qué le recomendarías a toda la gente que va arrancando?

Mateo: Hagan música y mandenla, y sean originales.

No hagan las cosas por hacerlas sino porque los hace felices. Y pues en su carrera mucha gente los va a rechazar pero sigan siendo fieles a lo suyo y haciendo lo que sea propio.

Si te hace feliz ahí es donde quieres estar. Y si de plano nada funciona. Incluso saquen la música con sus propios miedos. Pero no dejen de hacerlo.

Mixmag: Si tuvieran que definir a “DURO” cómo definirían su estilo Mateo: MÚSICA ELECTRÓNICA RUPESTRE LATINOAMERICANA. Moisés: Aunque la música o los productores que a veces están en nuestros release no sean de México particularmente, sentimos que defendemos una identidad en particular.

Algo con un poco de psicodelia, primitivo con un toque de organicidad y techno. Es complicado definirlo, sin embargo pienso que si defendemos una identidad muy clara.

Mixmag: ¿Cómo se enfrentan a las problemáticas que puedan surgir en la operación del día a día?

Mateo: Claramente como cualquier otro proyecto nos hemos enfrentado a complicaciones, y discusiones.

Pero pues somos amigos de toda la vida.

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FELIPE GORDON CUANDO NO HAY CAMINO HAY QUE CONSTRUIRLO Por: Andrés Arias Corona Creditos de Fotografía: Cortesía del artista

En una gira por México nos encontramos con Felipe Gordon para conversar sobre su carrera, una que no se trata de que tan rápido vayas si no que tan auténtico y apegado a ti mismo lo hagas. Con más de una década en la escena no solo latinoamericana sino global, Gordon celebra a sus colegas, pero también reflexiona sobre su propio camino andado y lo que falta por andar.

“Para mí es más importante que me escuche gente común que no escucha música electrónica y que le salga en una playlist y esa persona me escuche a que solo me escuche quien ya me conoce. cuando hay sensibilidad no hay camino de verdad en las canciones”.

Se cree que la escena de música electrónica es un ambiente muy informal cuando muchos de los productores que escuchamos día con día sientan sus bases en el jazz y la música clásica siendo Gordon uno de ellos.

“Yo lo que siento es que como latinoamericanos tenemos este vacío por lo menos en esa búsqueda cultural de crear algo interesante, sea el género que sea y como que la música electrónica en Colombia como que se parrandeo se pudrió un poco por este concepto de la fiesta prima frente a la música como que consumir drogas es una chimba es chévere es divertido pero no puede ser lo que guíe el hilo de la música. No puede ser que si no estoy drogado no puede funcionar lo que está pasando y ahí es donde entra la música negra, la afroamericana que es esta búsqueda, ni siquiera búsqueda, es tan natural en ellos que es ésta cosa tan natural de hablar muy bien, de expresarse muy bien libremente y creo que eso es lo importante del jazz, si lo ponemos en una comparación con algo para mi es como hablar un idioma muy bien y ellos lo que hacen es hablar múltiples idiomas, no solo hablan español muy bien si no que hablan inglés español y alemán al tiempo, los combinan y crean frases entre ellos y eso es el jazz y hay gente que sabe hablar muy bien, entonces ser musico es como aprender a hablar”.

Estamos más acostumbrados a esperar un drop que a escuchar una historia. Hacer tracks muchas veces es como estar viendo una película que nos cuenta una historia.

“Yo siento desde mi punto de vista que la música electrónica perdió por lo menos en estos tiempos esa capacidad de la creación de la canción, de lo que es una canción. Por lo menos de lo que yo conozco, no tengo un bagaje muy largo de música electrónica si no que lo que yo sé es de los últimos 5, 10 años.

Siento que se perdió la idea de hacer canciones y la canción es el término que como compositor no se debería de perder porque ya se está volviendo una cantidad de loops pegados que no tiene un hilo conductor y no tiene un sentido emocional que creo es finalmente la música, esa interconexión entre personas desconocidas que llegan a un punto de sentir algo muy parecido a eso que está sonando y eso es lo que yo quisiera hacer dentro de la música y dentro de la música Latinoamérica.

Yo vengo de un país con un bagaje musical, una riqueza muy grande. Colombia es la música negra, la música afrocolombiana, la música andina, es muy fuerte pero por alguna razón yo desde pequeño siempre me sentí atraído hacia la música afroamericana siempre mueve algo en mí que no sé porqué es así y lo acepto y siento que como latinoamericano está bueno poner esta crítica desde la obra, la mejor manera de hacer una crítica es desde la vivencia y si yo como persona hago unos cambios para mí que se verán reflejados en otras personas es la mejor crítica que puedo hacer a la sociedad, entonces es lo mismo.

Voy a hacer toda la música que pueda hacer y esa es mi tarea en la vida, expresar todo lo que pueda. Que haya mucha, que no venda, que sea sobre oferta, que no sea lo que acostumbran los sellos, que no sea como el modo de la música electrónica funciona; más EP que sencillos, no me importa como mi crítica y mi

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solución a esa crítica va a salir desde hacer y crear, crear y crear y crear y también darles la oportunidad al escucha latinoamericano que entienda que si se pueden hacer canciones de música electrónica que sean canciones”.

El público quiere todo rápido, quiere todo aquí, quiere el drop en ese momento pues vamos les enseñando otros caminos.

“Yo siento que se desarrolló en otros géneros, digamos yo veo a Nicola Cruz, el Búho, el mismo Bomba Estéreo, todo lo que saco Zizek, ese parche está haciendo la tarea muy bien, es música andina con este twist de música electrónica, pero de nuevo, en lo nuestro, en lo mío en lo particular no lo veo, no siento que haya un artista reconocido de house en Latinoamérica, no veo al Nicolas Jaar de house en México, o en Colombia. Eso también es una necesidad que nosotros nos pongamos a la tarea de como latinoamericanos entender que en un mundo globalizado el house ya es del mundo, no es como que se hizo en Detroit y después pasó a Berlín y listo. Ya son capitales de un sonido, la pregunta es ¿porque nosotros no podemos tener nuestra capital? y de un sonido que no sea un sonido de club, el sonido de club para mi es más básico, no es sencillo de hacer, pero creo que es de pronto un poco más intuitivo, como tú dices la gente espera un drop pues dales el drop y hacer un drop no es difícil.

De lo que yo hablo es de hacer una búsqueda no se si más artística pero sí más retadora”.

Una búsqueda más retadora, más subversiva requiere de valor, el encerrarte a crear música para hacer lo que queremos.

“Para mí es verlo como el punk, idealmente yo siempre quiero tener esa visión sobre lo que estoy haciendo y cómo lo sé hacer de la manera que yo quiera, no en mala onda sino como realmente creer en ese camino así no se vea muy claro. Cuando empecé no se veía nada, no hay calle, no hay industria, no hay sellos, no hay nada, pero pues que pasa, lo único que puedo perder es quedarme en el mismo sitio donde estoy y ya, no va a pasar nada después de eso. Y ahora viéndolo más claro digo si es posible y si hay una manera independiente de hacerlo y eso es chévere. Hacerle entender a otras personas, cuando hablo con chicas y chicos más jóvenes como ver que empiezan a entender a partir de la energía como que si hay unas maneras.”

“Yo creo que esa es la siguiente lucha volverlo más igualitario, la cosa es, la cultura mexicana tanto colombiana es muy machista, pero con todo y eso sigue habiendo mujeres productoras, yo respeto mucho la escena mexicana, la cantidad de músicos y productores es impresionante el hecho de poder girar acá, uno puede girar acá uno o dos meses fácil, se puede tener muchas fechas porque hay muchas gente clavada en muchas partes del país. En Colombia uno hace Bogotá, Medellín, Cartagena, Cali y ya. Acá ustedes tienen la riqueza por la cantidad de gente y por la riqueza cultural, porque yo siento que ustedes si la tienen apropiada, no desde el folclor, no desde lo raizal, pero ustedes si se entienden como mexicanos y son muy orgullosos de serlo, con todo lo malo que trae también, como el ser colombiano. Y eso creo es una fortaleza muy grande. Volviendo al tema anterior, por qué no aprovechar esas maricadas y hacer las cosas nosotros. Yo me he apoyado mucho en Europa y en Estados Unidos para subsistir y poder vivir, como que yo ya entendí que es su negocio y de cierta manera puedo aprovecharme yo de ellos.

En una gira de tres meses pensé mira si esto es lo que me está dando puedo tener un mánager un booker, ya me conocen acá más que en mi propio país, acá es donde está todo, como que está toda esta seguridad social.

El caso es que la vida me ofrecía esa oportunidad de irme a Europa y yo dije yo no quiero esto, yo prefiero estar en mi casa en mi estudio con mi novia y mi perro veinte veces en Colombia viviendo con la inseguridad, sin seguro social, no tener empleo fijo, vivir en una sociedad que ahorita estamos en paro desde hace un mes, mi país dicen que está construido básicamente encima de una fosa común, con todo y eso prefiero vivir ahí.”

Felipe Gordon sigue haciendo música desde Colombia para el mundo, abriéndose su propio camino y pavimentando para futuros dj y productoras, educándonos desde su trinchera.

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MAXIM LANY CREATIVIDAD EN TODO SU ESPLENDOR

Por: Rocio Luteijn-Flores Creditos de Fotografía: Cortesía del artista

Crear un álbum no siempre nace bajo la simple idea de elaborarlo y ya, a veces se puede ir construyendo como una forma de auto expresión de las emociones y sentimientos que van desprendiéndose en la vida cotidiana del artista. Tal fue el caso de Maxim Lany quien tras un largo año de encierro en su natal Bélgica se concentró exclusivamente en la elaboración de su álbum debut ‘Closer, (You’re Not Alone), el cual en palabras del artista refleja su esperanza y ánimo por un mundo en donde la gente vuelva a disfrutar de las pistas de baile.

El material está compuesto por 10 tracks que recitan una narrativa musical en donde se adapta la creatividad y las emociones del artista. Desde Gante Maxim Lany nos habla sobre el lanzamiento de ‘Closer, (You’re not Alone’) en Armada.

Mixmag: ¡Qué tal Maxim, felicidades por el álbum!, lo disfrutamos mucho, cuéntanos, ¿cómo has estado?

Maxim: ¡Hola, estoy muy bien gracias, muy contento por el lanzamiento y por poder compartirlo con ustedes!

Ha sido un año muy complicado por lo que decidí concentrarme en este álbum. El sentimiento que tengo por haberlo presentado es genial.

Mixmag: ¿Qué dice este álbum sobre en qué punto de tu carrera te encuentras?

Maxim: Definitivamente es un logro para mí, ha sido un paso muy importante. Salir y presentar un trabajo como este requiere mucha seguridad, pero también es un gran riesgo.

A la fecha, es el trabajo más honesto que he presentado, con el he mostrado muchas emociones. Igualmente, estoy feliz por haber tomado el riesgo de presentarlo. He aprendido tanto mientras lo iba elaborando, creo que estoy listo para dar un siguiente paso.

El álbum muestra hacia dónde va mi compromiso por mi trabajo, me siento muy orgulloso.

Mixmag: Para varios artistas, la originalidad es precedida por una fase de aprendizaje y a veces de un sentido de competencia con otros artistas, ¿cómo fue esto para ti?

Maxim: Por supuesto, esto fue así por años, ahora estoy en un punto de mi carrera donde comienzo a sentirme más cómodo haciendo lo mío y confiando en mi sonido, pero siempre mirando hacia adelante. Aún sigo escuchando música todo el día y adquiero inspiración de otros artistas, pero eso ya no me controla, es más una inspiración, algo que me motiva.

Mixmag: Cuando te conocimos por primera vez en Armada, nos comentaste que a fin de alcanzar algo bueno, uno necesita salir de la zona de confort, dirías que ‘Closer, (You’re not Alone)’ es un buen ejemplo de ello.

Maxim: ¡Sí, totalmente! Con la crisis de la pandemia, y estar en casa aislado de lo que conocemos en el día a día, decidí salir de la zona de confort y comencé a crear música. Rápidamente se convirtió en como si estuviera escribiendo música real con mis canciones y en las colaboraciones con otros compositores. Comencé a enviar versiones cortas de esta nueva música a compositores y ellos me devolvían la letra y así todo se fue dando sucesivamente junto con algunos streamings y radio.

Mixmag: ¿Cómo regresas al estado de creatividad plena, después de experimentar un lanzamiento?

Maxim: Estoy en una constante entrada y salida del estudio, he creado un esquema de trabajo donde voy trabajando toda mi música al mismo tiempo, lo que significa que cada semana tengo un track nuevo y programado para su lanzamiento.

Estoy en una frecuente vibra creativa e intento mantener esa energía e inspiración. Uno de los mejores sentimientos que he tenido hasta ahora es saber que la magia está en el estudio.

Mixmag: La humanidad aún sigue en el proceso de aprender cómo la música influye en nuestro cuerpo y mente, ¿Qué te dice esto?

Maxim: Te puedo decir que es un hecho que cuando estoy conectado con mi música mi cuerpo y mente son uno solo. La música es una de esas cosas de la vida que en un segundo te llevan a otro nivel o conducirte a una memoria perdida, cuando menos te lo esperas puede darte alegría ¡Es un lenguaje universal!

Mixmag: ¿Cuál fue la mayor lección de vida que aprendiste en este tiempo de pandemia?

Maxim: Qué no puedes dar nada por sentado que siempre debes trabajar duro para alcanzar tu objetivo en la vida. Aprendí que no estamos solos, estamos conectados a través de las emociones y de la música.

Mixmag: Para cerrar, ¿qué más hay en el camino de Maxim Lany, tienes planes de pinchar en México?

Maxim: Solamente he estado en México por unos días y me encantó. Está en mi bucket list volver y explorar su comida, México tiene una vibra asombrosa. Asimismo, espero irme de tour nuevamente y llevar mi música a la audiencia y conectarnos.

Después de ‘Closer, (You’re Not Alone)’ estaré lanzando más música orientada al club, también he remixeando a otros artistas ¡Muero por compartirles eso!

Mixmag: ¿Qué tal te fue en el camino de la autocrítica y testeo antes de decidir que los tracks estaban listos?

Maxim: Bueno, casi no hubo mucho testeo como no hubo shows aquí hasta hace muy poco. La autocrítica fue mi única barrera, fue el aspecto más confrontante porque como artista uno siempre debe ser su mayor crítico. De cierta forma fue una de las cosas más sombrías, sobre todo en el proceso de trabajar en la música y lanzarla directamente sin ningún otro juez más que uno mismo. Fue entonces, cuando decidí que los tracks estaban listos, cuando dentro de mí algo me decía que la calidad era lo suficientemente buena.

Mixmag: ¿Cuál fue el track qué más te llegó y por qué?

Maxim: Es muy difícil decirlo porque amo todos los tracks, y tengo un gran respeto por los cantantes y compositores que trabajaron conmigo en el álbum. Pero, debo decir que soy un gran fan de la vibra atemporal y profunda de ‘Full Effect’. También algunos de los primeros tracks los escribí cuando inició el encierro por lo que tengo una conexión especial con ellos.

Mixmag: ¿Cómo fue que diste con los vocalistas Nathan Nicholson, Penny F, Freya Alley y Belle Doron?

Maxim: Bueno, estuve en contacto con el equipo de Armada y con el departamento de publishing para hablar sobre varios planes cuando la pandemia estalló. Hablamos sobre concentrarnos en los streamings y en la radio en lugar de clubs y festivales. Dicho eso, comencé a trabajar con cosas más instrumentales para enviarlas a mi equipo y a cantautores. Tan pronto como fueron llegando los primeros resultados comencé a trabajar en ellos. Después del verano del año pasado, terminé con casi doce tracks vocales que me llevaron a la creación del álbum.

Mixmag: ¿Qué herramientas y/o software utilizaste en la elaboración del álbum?

Maxim: Primero que nada, usé mi amado ‘TR8’ para los drums; ‘The Hydrasynth’ y el ‘FX’ para forjar sonidos más raros y en términos de plug ins usé el ‘SERUM’ que básicamente tiene una mayor influencia en el álbum.

Mixmag: ¿Cómo describirías la composición y la grabación de ‘Closer, (You’re Not Alone)’ en paralelo con tus lanzamientos previos?

Maxim: Este material es totalmente diferente porque se trabajó basado en la emoción y sin compromisos. El tiempo se detuvo por completo y comencé a crear música sólo para mí, para expresar cómo me sentía al pensar en el hecho de cómo se estarían sintiendo otras personas.

Creo que es duro procesar lo que muchos de nosotros hemos pasado, también creo que todos podemos estar de acuerdo que el mundo ha cambiado para la industria de la música. Aprendí mucho de ello, cambié y evolucioné como persona, pero también como artista. Extrañé irme de tour, por lo que no puedo esperar para salir y compartir mi música.

Mixmag: Armada es el hogar de muchos artistas talentosos como Eelke Kleijn, Loud Luxury y Francisco Allendes, mencionando algunos, ¿qué te hizo decidir que este sello era el adecuado para lanzar tu música?

Maxim: Me encanta la forma en cómo ellos se comprometen con la música que presentan. El hecho de que tengo vía libre fue lo que necesitaba. Ambos estamos en el mismo nivel en donde una relación a largo plazo ha sido la forma de avanzar y construir muchas cosas.

Mixmag: Después de finalizar un álbum o lanzar algo nuevo, suele haber una pequeña sensación de vacío ¿te ha sucedido algo similar?

Maxim: Entiendo lo que dices, pero en mi caso en este momento no es el caso, jajaja. Tengo bastante música lista que lanzaré en algunas semanas después del lanzamiento de este álbum. Aprendí mucho sobre este proceso que ya hasta quiero lanzar otro álbum en el futuro.

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GUY GERBER EN BUSCA DE LOS MEJORES SONIDOS Por: Amaya Andonaegui Rosell Creditos de Fotografía: Federico Obregón De Rumania a Tel Aviv y de Tel Aviv a Santa Tere; Guy Gerber tiene una trayectoria internacional digna de conocerse. Con la excusa de un viaje fuera de Brasil donde ha pasado más de un año y medio en confinamiento Guy viaja a México en busca de los mejores sonidos para su nuevo proyecto musical. Y los mejores sabores de la ruta culinaria tapatía.

Desde hace un tiempo Guy vive y trabaja en Brasil y fue ahí donde la pandemia lo encontró. Acostumbrado a viajar por el mundo, tocando en dos países diferentes en un fin de semana, pausó sus trotes más no su carrera. Este tiempo le sirvió para sentar bases de sus nuevos proyectos, unos que todavía no alcanzamos a medir su magnitud, pero sabemos que vienen en grande. Cuando por fin pudo salir del país en el que reside puso un punto en el mapa y viajó a México durante una semana para producir, tocar y comer en Guadalajara y la Ciudad de México.

Se reunió con músicos de todo tipo, solo los mejores, porque Gerber ha dicho que él no es solo un dj si no productor de su propia música, influenciada en el jazz, rock y ritmos funk latinoamericanos. Aprovechó este tiempo para ir a Ponte Trucha Negro a comerse la mítica torta sarandeada, al Salón Candela a escuchar jazz en vivo y por una torta ahogada del Profe Jiménez después de una noche de fiesta que el mismo amenizó antes de terminar en el Bar Americas.

Les podemos adelantar con seguridad que se viene un nuevo álbum y que será algo que no hayamos escuchado antes de Gerber, les damos una pista: una de las canciones lleva el nombre de uno de los lugares mencionados. Prepárense para que les vuelen la cabeza.

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ASA MOTO “MARTINO” NUEVO EP

Por: Moisés Ramírez Creditos de Fotografía: Cortesía del artista Fue en 2016 cuando el dúo belga, ASA MOTO, debutó en la disquera de Soulwax, DEEWEE. Desde esa fecha al día de hoy nunca han dejado de sorprendernos, diría que son de esos proyectos que hacen que sentarte a escuchar su música se vuelva toda una experiencia.

‘Martino’ su nuevo EP es sin duda uno de sus trabajos más refinados, una mezcla de sonidos eclécticos extravagantes, pero basados en la espléndida sensibilidad pop que caracteriza al sello.

El EP empieza de manera relajada con “Connexion à Liege”, una track sobre un viaje nocturno de Gante a Lieja (dos ciudades de Bélgica). Le sigue el sencillo principal “Cacao”, sintetizadores flotantes, percusiones robóticas, efectos de sonido alucinantes y voces con vocoder te conducen en una hermosa oda al árbol homónimo.

“Missing Teeth” es un corte donde el dúo investiga el misterio de la dentadura del panadero local, convirtiendo el suceso en un extraño, bailable y escalofriante jam. Continúa “Velada”, una delicada y suave mezcla de sintetizadores modulares con una batería contundente. Para cerrar el EP está “My Body”, una de las joyas del EP y en lo personal mi favorita. Un descarado y sacrástrico corte donde el dúo retuerce sus voces y crea un sublime a capella, descrita en sus propias palabras como: “nuestra contribución (y solución) a la guerra contra las drogas”.

Tracklist: Connexion à Liege Cacao Missing Teeth Veleda In My Body

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TRATANDO DE EDIFICAR ENTRE LOS ESCOMBROS

CONCRET

Por: Andrés Arias Corona Creditos de Fotografía: Cortesía del artista

El outsider Desentrañando una industria mexicana de la música electrónica colonizada.

Concret es el nombre del proyecto musical fundado por el artista Diego Angelico junto al productor Q-pha. Mismo nombre que Diego decidió utilizar para su carrera como dj. Tuvimos la oportunidad de conversar un poco con él, donde nos expresó algunas inquietudes y problemáticas que él considera que la industria de la música electrónica en México está enfrentando. Durante la plática surgieron algunas preguntas que nos parece importante que no sólo Concret se cuestione, sino que muchos más artistas mexicanos puedan reflexionar sobre esto.

“El artista mexicano debe ponerse frente al espejo y cuestionarse, ¿Cómo me veo? ¿De dónde vengo?” - Concret Concret es muy autocrítico de los privilegios que tiene como artista italo-mexicano: El hecho de que yo tuviera un precedente, por ejemplo: haber tocado para Alexander Mcqueen, o para Dolce y Gabbana en países extranjeros hizo que tuviera casi de inmediato algunas fechas. Sentí ese malinchismo en mi beneficio. Tener algo de carrera internacional me proporcionó la posibilidad de empezar a tocar. Me salté algunos escalones, por ejemplo, yo creo que lo que hice en mi primer año en México es lo que tal vez alguien local tardaría mucho más con residencias en pequeños bares - Concret El desbalance de la escena mexicana frente al mundo.

“Desgraciadamente he notado que varios colectivos que usan la mexicanidad con orgullo lo exaltan de una manera muy globalizada, estereotipada. Un cliché. Si somos los raros tenemos que ser los más raros. Excederse a un punto donde el artista latino tiene que convertirse en un personaje. Cosa que es muy ajena a las escenas más consolidadas a nivel mundial. Si tú vas a un club en Berlín el dj residente va a ser una figura local que no necesita una personificación “folklorika”. - Concret No necesita de este carácter para legitimar su carrera musical Por ejemplo, suena cínico y a modo de broma crear escenarios con temática e inspiración prehispánica, y utilizar la cosmovisión de nuestros pueblos originarios como plataforma para artistas extranjeros.

No tenemos que ser celosos o rechazar influencias foráneas, sin embargo, debemos prestarle más atención a nuestra propia escena.

Hay una urgencia por enseñar o mejor dicho por aparentar que somos buenos djs, y nos olvidamos de verdaderamente convertirnos en buenos artistas- Concret Tenemos que sacrificar muchas cosas en el camino para volverse exitoso, hay que “hacernos más blancos”, más occidentales. El “dj/ productor exitoso’’ tiene cierto aspecto físico muy marcado. Cierto tono de piel, ciertos “modales” y actitudes que hay que irnos “lavando” como latinoamericanos, para entrar a esa esfera tan exclusiva y excluyente a la vez.

No es una coincidencia que la industria de música electrónica en México sea sinónimo de desigualdad.

No hemos podido ver un centavo del “boom” de la industria mexicana. Esto no quiere decir que los artistas tengan una deuda con su país. Sin embargo, vemos que la escena de la música electrónica se está enriqueciendo únicamente con beneficio para terceros y extranjeros.

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“Nos hemos vuelto un referente latinoamericano frente al mundo en la cultura club, en la escena de la música electrónica mundial. Y esto nos ha traído muy poquito, o casi nada de regreso a la escena mexicana”. - Concret Tal es el caso de Tulum. Lo que pareciera ser el paraíso para el desarrollo de la escena de música electrónica en México, no se ha caracterizado por otra cosa más que por el color sangre que corre por este paraíso. Los crímenes relacionados con drogas han aumentado en un 783% en los 3 años pasados. De acuerdo con datos del Secretariado Ejecutivo del Sistema Nacional de Seguridad Pública.

Tulum es sinónimo de desigualdad. Por la costa se encuentran hoteles boutique de lujo, restaurantes y antros edificados para el placer y hedonismo de turistas extranjeros. Además, cerca de la playa, comienza la construcción de un fraccionamiento faraónico que devora la selva y cuyas casas llegan a costar más de 40 millones de pesos: Aldea Zamá.

A un costado y dividido solo por una reja de alambrado se encuentra la “invasión”, un predio sin servicios construido con palos y bolsas de plástico que aloja a los menos favorecidos y a familias completas de migrantes refugiados.

En la década pasada Tulum ha crecido el doble, y han aumentado el número de hoteles y residencias con esto. Ninguno de los hoteles y macroproyectos tiene su propia planta de tratamiento de aguas.

Actualmente solo del 10% al 15% de todos los hoteles en Tulum están conectados a una red de tratamiento de aguas. Todos los demás arrojan sus desechos al mar y xenotes. Destaca un representante de Razonatura, una sociedad ecológica de la zona.

Los manglares en Tulum funcionan como una especie de filtro que conecta el mar junto con la jungla de Cancún. En los componentes químicos de las aguas de los manglares se han encontrado metales pesados, ibuprofenos, naproxenos y hasta cocaína, todos estos componentes no estaban en el agua hace apenas un par de años.

Hoy el paraíso de Tulum es un infierno por la inseguridad, el narcotráfico, el ecocidio, la desigualdad y la corrupción.

El booking que privilegia al internacional.

Durante la pandemia México privilegió a artistas internacionales, en vez de apoyar su propia escena local. Hay una prioridad por subir el precio de un boleto para bookear extranjeros en vez de bajar el precio y crear eventos más incluyentes. - Concret La música electrónica mexicana, así como sus artistas es emocionante y es única. Tenemos que darle el crédito como una auténtica manifestación artística. Sin embargo, México sobre todo durante la pandemia se convirtió en el paraíso para artistas extranjeros. Y conforme vamos retomando más “la nueva normalidad” nos damos cuenta de que el apoyo no viene a ser para los mexicanos.

Podemos ver eventos con precios inflados por tener en la cartelera a un artista internacional. Otras escenas a nivel mundial han privilegiado en la reapertura de clubes a sus residentes y sus artistas locales. Sin embargo, en México no ha sido el mismo caso. Se ha abierto el espacio casi exclusivamente para artistas extranjeros, que vienen a México sabiendo que el manejo de la contingencia ha sido inexistente.

En México me encontré felizmente con tantas realidades pequeñas,

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en provincia, donde no importa que tan chica sea la escena local, tienen un club y un público que busca bailar y reconoce el valor de la música electrónica… Aguascalientes, Irapuato, Zacatecas, Culiacán, Monterrey, Durango, Oaxaca, León, Mérida entre otros. Ciudades y lugares menos enfocados a un turismo extranjero y más atentos en mantener como prioridad la escena local. Promotores con pasión y profesionalismo que te hacen sentir en casa y te regalan una gran fiesta. Esa es la Contracultura que debemos valorar, apreciar y apoyar desde las grandes ciudades del país para crear juntos una escena más sana e incluyente.’ -Concret “–Mire vuestra merced –respondió Sancho– que aquellos que allí se parecen no son gigantes, sino molinos de viento, y lo que en ellos parecen brazos son las aspas, que, volteadas del viento, hacen andar la piedra del molino.” - fragmento de Don Quijote de la Mancha No podríamos entender mejor la experiencia del artista latinoamericano frente a la poderosa industria dominante.

“La música electrónica surge como un hijo enojado de los demás géneros, un fenómeno incluyente. Hemos olvidado ese carácter insurgente. Recordemos que la música electrónica como movimiento se fundó en circunstancias de necesidad y comunidades marginadas”- Concret La fabulosa escena en la que Don Quijote arremete contra un gigante y es derribado por un molino de viento es, seguramente, la más poderosa imagen histórica de cómo entender la industria dominante de la música electrónica.

Siento que la sensibilidad de un artista - de verdad - hace que uno de los logros más altos sea sentir que pertenece a una escena sana. Es un triunfo que poco se menciona, pero en el fondo es raíz de la mayor satisfacción personal. - Concret No importa quién seas cuando leas este texto (artista, productor, dj, promotor, booker, agente) cuando te enfrentes a las dificultades que se nos presentan como latinoamericanos, recuerda que esos gigantes que se nos ponen en el camino no son más que molinos de viento.

Es decir, por más establecidos que veamos los paradigmas, todo puede cambiar. Nada es estático. Y la lucha empieza con cada uno de nosotros.

Si algún día pensamos que nada puede cambiar, la lucha ya está perdida desde el principio.

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INNELLEA

UN COLOSAL REMIX DEL TRACK DE STEPHAN BODZIN ‘BOAVISTA’ EN AFTERLIFE Creditos de Fotografía: Cortesía del artista

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En los últimos meses la carrera de Innellea ha subido como la espuma, primero vino el éxito de su live act en Rajasthan India para Cercle, después el lanzamiento de su EP ‘It’s Us’ y ahora se consagra fuertemente en la escena gracias a la invitación por parte de Stephan Bodzin para realizar el remix del track ‘Boavista’ que estará incluido en el próximo álbum de Bodzin en el hipnótico sello de ‘Afterlife’.

El remix fue presentado al público el pasado 20 de agosto ofreciendo una pulsante energía que nos teletransporta a un viaje inmerso en la instrumentalización y en el perfil místico del artista. ‘Innellea’ travesea y se ameniza con la melodía, disfruta de su textura híbrida haciendo una reverencia a su paleta sónica que en veces llega a ser tan eufórica como siniestra.

‘Cuando recibí el mensaje de Stephan donde me invitaba a hacer el remix de ‘Boavista’, inmediatamente me sentí contento y honrado, tenía solamente una semana para finalizarlo, así que hubo bastante presión. Me las ingenié para completar mi versión en dos días, estaba tan inspirado por la original y todo salió como lo tenía planeado en mi cabeza, dice Innellea’.

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OLIVER KOLETZKI EL ARTESANO DE SONIDO ORGÁNICO

Por: Rocio Luteijn-Flores Creditos de Fotografía: Daniel Heitmueller

‘Made of Wood’ se trata del noveno álbum full lenght de Oliver Koletzki lanzado en su sello ‘Stil vor Talent’, un magistral material que refleja la encarnación de un experimentado artesano que va tallando a profundidad una escultura sónica mientras este a su vez explora un amplio rango de ideas y texturas en cuanto a sonido se refiere.

El resultado final invita al oyente a apreciar una obra de arte que fluye de manera orgánica y decisiva, finalizando una trilogía que inició en 2017 con la presentación de ‘The Arc of Tension’ y posteriormente ‘Fire in the Jungle’ en 2019.

El álbum fue escrito inicialmente en Tulum en 2019, reflejando la pujante conexión que el productor tuvo con la selva virgen de nuestro país. Al año siguiente, sus bocetos fueron cobrando vida gracias a la perspectiva natural y cálida que se implementó con el toque mágico de instrumentos de madera como: djembés, marimbas, congas, santoors, duduks y vocales cósmicas.

Para conmemorar el lanzamiento de ‘Made of Wood,’ Oliver Koletzki ofreció una entrevista exclusiva a Mixmag México para detallarnos como fue confeccionando este álbum durante su peregrinación por los lares del downtempo y de los sonidos orgánicos.

Mixmag: ¡Hola Oliver, estamos muy contentos por esta entrevista! Especialmente por este extraordinario ¿Cómo te hace sentir esto?

Oliver: Se siente muy bien, estoy muy feliz con el álbum.

Mixmag: ¿Qué te llevó a finalizar la trilogía con ‘Made of Wood’, y qué lo hace diferente de ‘Fire in The Jungle’ y ‘The Arc of Tension’?

Oliver: Los álbumes previos a la trilogía eran más compatibles con las masas. Por lo que quería comenzar algo nuevo con ‘The Arc of Tension’. La dirección musical dentro de la trilogía es en realidad bastante coherente. En ‘The Arc of Tension’ había alguno que otro track melódico mientras que en ‘Made of Wood’ hay más piezas downtempo.

El sonido del álbum es bastante orgánico. Al final casi no usé sintetizadores, pero sí instrumentos como bongos, guitarras, flautas, sitars, arpas, marimbas, congas y djembés. En un principio compuse la mayoría de las melodías en el teclado y en la computadora, después dejé que los músicos las reprodujeran. Para finalizar, estas fueron grabadas en el estudio por mi ingeniero de sonido Stefan Thomas. Básicamente la mayoría de los instrumentos utilizados en este álbum están hechos de madera.

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Mixmag: ¿Qué te llevó a tomar seriamente el camino de lo orgánico?

Oliver: En este momento el techno y el melódico es lo que está ‘de moda’, la música es muy sintética y es producida en su mayoría por sintetizadores. Esto a largo plazo es un poco agotador por lo tanto decidí que quería establecer un contrapunto.

Mixmag: En ‘Made of Wood’ además de contar con instrumentalistas también había grandes colaboraciones, entre ellas Niko Schwind con quien has trabajado varias veces ¿Qué nos puedes decir sobre esta relación?

Oliver: Para mí siempre es un placer trabajar con artistas nuevos que tengan una influencia en mi música. Niko es uno de mis mejores amigos, simplemente conectamos en el estudio de una forma tan perfecta. En las vocales esta ELIH que cantó en el track ‘Serpiente del Ritmo’; Felix Raphael brindó unas hermosas vocales funky en ‘Synesthesia’; Judith Ahrends y Oliver Wennink son artistas emergentes que también dieron sus voces para los tracks ‘Picture’ y ‘Turn’; desde Dubai Walter Scalzone puso su toque de ‘Handpan’ en el track ‘Cryptozoology’.

Mixmag: ¡Los nombres de los tracks son increíbles! ¿En qué te inspiraste para nombrar a cada canción?

Oliver: En los últimos años he estado en Tulum y en México en general y me lo he pasado muy bien ahí, por lo que varios nombres de ‘Made of Wood’ están asociados a Tulum, otros están

relacionados a mis experiencias y emociones.

Thomas. Básicamente la mayoría de los instrumentos utilizados en este álbum están hechos de madera.

Mixmag: Además de usar instrumentos tradicionales y colaboraciones ¿Qué otro equipo usaste para pulir tu álbum?

Oliver: Para la programación de los ‘drums’ principalmente usé samples de audio, y los sintetizadores ‘Omnisphere 2’ y ‘Aturia Synthesizers’. El mixing lo hice junto con un ingeniero en sonido quien utilizó mucho material análogo para darle una pulida.

Mixmag: ¿Cómo te las has ingeniado para mantener intacto tu sonido mientras has estado explorando nuevos reinos sónicos?

Oliver: Pienso que eso se debe más al arreglo y a los ‘reverbs’ que he usado a lo largo de los años.

Mixmag: ¿Qué nos puedes decir del artwork tan colorido? Recuerdo que en tus producciones anteriores los diseños habían sido en blanco y negro.

Oliver: Sí, todos mis álbumes han sido pintados a mano por el artista y amigo Chrisse Kunst. Él siempre escucha mi música antes, más tarde nos sentamos y desarrollamos visiones sobre qué tipo de dibujos irían mejor con la música. Y sí, tienes razón con anterioridad los diseños eran en blanco y negro.

Mixmag: En alguna ocasión comentaste que ‘Made of Wood’ vendría acompañado con un live act y con algunos remixes ¿Qué nos puedes adelantar?

Oliver: Sí, he estado trabajando en un nuevo live por meses, ya casi está listo. Inicié tocando live hace tres años, pero exclusivamente para el Planetario en Berlín, un acto para 300 personas que se encontraban sentadas en la oscuridad mirando las estrellas, ¡Fue asombroso y gratificante! Ahora, he desarrollado el live act junto con ‘Made of Wood’ , y me gustaría igualmente presentarlo en un escenario bajo las estrellas. El live act lo estoy haciendo en colaboración con Stefan Thomas, mi ingeniero en audio quien tocará la guitarra y el sintetizador Moog, mientras que yo estaré tocando el piano y liderando los sonidos de las canciones en el sintetizador. Espero que esta pandemia nos permita tocar algunos shows este año en México.

Mixmag: ‘Made of Woof’ además de invitar a la audiencia a sentir la pista de baile, comunica una experiencia espiritual ¿no es así?

Oliver: Algunos de mis tracks previos como ‘A Tribe Called Kotori’ o ‘Tankwa Town’ han sido ya catalogados como espirituales, lo cual pienso es genial. En lo personal yo no me consideraría una persona muy espiritual, me siento más espiritual después de tomar psicodélicos.

Mixmag: Hablando de esa espiritualidad, mucho se ha dicho en la escena que Tulum es un lugar “espiritual” y dado que este material fue inicialmente compuesto en ese sitio, no podemos evitar hacerte la pregunta sobre cuál es tu opinión sobre la escena en Tulum.

Oliver: ¡Para mí Tulum es un lugar muy mágico! Hay muchos cha-

manes, varios centros de yoga y meditación. Pero a su vez, es un lugar de consumo masivo y mesas VIP, una ciudad llena de contradicciones. Lo que más me inspira del lugar es la flora y la fauna, la selva, el mar, los cenotes, el cielo lleno de estrellas, los animales, y los hippies.

Mixmag: En tu entrevista para ‘Stil vor Talent’ señalaste que trabajar con grandes sellos no es la gran cosa, ¿por qué? ¿sucedió algo?

Oliver: Trabajar con grandes sellos siempre significa tener muchos compromisos, a veces te presionan para cumplir con ciertas expectativas de venta. Para mí, todo eso contradice el arte, y hace que el trabajo sea más difícil.

Mixmag: Algunos productores o músicos independientes piensan que los sellos nuevos pueden tener mayor ‘propiedad’, ¿es la misma situación para tu otro sello ‘A Tribe Called Kotori’?

Oliver: No estoy muy seguro de que quieres decir con propiedad, pero definitivamente tomamos mucha responsabilidad. Nos centramos en tener mayor diversidad cuando se trata de firmar artistas, diseñar line-ups y en la contratación de personal. Mantenemos nuestros festivales libres de plástico y nos centramos en la sustentabilidad en los eventos y giras.

Mixmag: Muchas gracias, Oliver por tu tiempo!

Oliver: ¡Gracias a ustedes!

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AERA

LA MENTE DETRÁS DE APPLIED MAGIC RECORDS Por: Andrés Arias Corona Creditos de Fotografía: Cortesía del artista

Tuvimos la oportunidad de interceptar al talentoso dj y productor alemán AERA, una de sus pasiones es la música. La otra es el buen café de especialidad y las pilsner (como buen alemán).

Es creador y fundador de APPLIED MAGIC RECORDS, proyecto en donde está invirtiendo la mayor cantidad de energía y dedicación.

Mixmag: ¿Cuál crees que es el oficio principal de APPLIED MAGIC RECORDS, y cómo lo llevas a cabo?

AERA: sabes, cuando tomas un vino, en realidad no eres parte del proceso. O también cuando tomas un café no sabes que pasó detrás de la operación. No eres parte del proceso en realidad. Y si le agregas leche a tu café o tu vino lo haces sangría pues es echar a perder todo el proceso que hubo detrás para que llegara a ti ese producto de calidad. Y algo así es como me gusta expresar mi proceso creando APPLIED MAGIC RECORDS. Mixmag: Claro pues en pocas palabras una forma de rendirle respeto a los productores y djs es, no echar a perder su trabajo.

Siendo que tú eres como esa parte final de la cadena.

AERA: Y siguiendo con el ejemplo anterior odio esa pregunta de “¿cuál es tu música favorita?” es complicado hablar de mi música favorita. Como en el café, en la comida, en los vinos es sano hablar de gustos variados. A veces escucho un tipo de música porque se me antoja y a veces otro tipo.

Mixmag: Hablando de ser parte del proceso, cómo le explicarías a alguien que no tiene ni idea de cómo funciona el proceso de sacar un record. ¿Cómo es ese proceso o esa cadena?

AERA: primero tienes al artista, que básicamente está creando la música. Mi trabajo es que esta música llegue a los oídos correctos y a la gente que necesita escucharla. Es mi trabajo básicamente. Así que trabajo muy de cerca con los artistas, realmente no busco hacer cambios mayores.

A veces me llega un demo y digo: “es asombroso” tal vez con un mínimo cambio, se podría solucionar.

Mixmag: Se podría decir que estamos hablando de una receta de alguna forma. Cosa que es muy bonita escuchar.

AERA: otra parte del proceso es el “mastering”, que significa que alguien toma la música y la pule. La prepara de una forma que puede ser distribuida de forma correcta.

Mixmag: Hemos notado una especial atención en los diseños y covers de los lanzamientos que tiene APPLIED MAGIC, ¿Nos puedes hablar del proceso creativo que hay detrás de cada portada?

AERA: otra parte importante es el diseño gráfico, que algunos tal vez no le ponen mucha atención, trato de darle a cada artista una identidad dentro de mi label. Hay labels que ya tienen su identidad muy fuerte como proyecto, pero a mí me gusta darle dentro del label, el espacio y la identidad a cada uno. Aparte de que se vuelve un proceso muy interesante.

Mixmag: ¿Cómo es ese proceso?

AERA: Busco para cada artista un diseñador gráfico que creo pueda aterrizar bien la idea. Y les mando el demo y les digo “hagan lo que quieran” básicamente a los artistas dj les damos su espacio para expresarse como quieran. Pero también a los artistas gráficos les damos su espacio para expresarse como gusten, según el record que les asignamos. Mantiene las cosas siempre emocionantes e interesantes.

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Mixmag: ¿Trabajas con personas únicamente de Alemania?

AERA: ahorita tenemos unos chavos italianos, también en Andalucía España y para los siguientes releases hay mucha gente de Buenos Aires.

Mixmag: ¿Y ahora que visitas México? ¿Qué es lo que te gusta de venir acá?

AERA: Yo creo que la música en México verdaderamente tiene su marca personal. Creo que hay muchos artistas que verdaderamente dieron a conocer lo que era “definir” un estilo. Y siempre ha sido muy propio de México.

Mixmag: Tenías una label hace algunos años que decidiste terminar. ¿Qué cambió de ese momento para acá? ¿Por qué volver a intentar hacer un label?

AERA: Ahora sé cómo quiero que se hagan las cosas. Me parecía importante esperar al momento adecuado. Ahora es una forma de poner mi música afuera y que se haga como me gusta.

De esta forma solo me puedo culpar a mí mismo cuando algo sale mal. Actualmente hay veces que tu record puede tardar mucho tiempo en salir, y pensé: “voy a hacer mi propio label, voy a sacar lo mío. Y puedo ser mucho más rápido”. Ahora podía ser más un curador que un creador.

Mixmag: sabemos que es una pregunta algo común, pero, a un dj y productor como tú, ¿Qué música te gusta escuchar en tu casa?

AERA: En mi casa no escucho mucha música dance. Para mí es algo que escuchas con gente, en el coche, con los amigos.

Escucho de todo, cumbia, rock, todo tipo de música. Es normal, cuando haces música expandes tus gustos.

Si solo escuchas house, dance music, ¿de dónde sacas algo nuevo? si solo estás en tu burbuja.

Mixmag: ¿Y qué te gusta cuando ves a un artista en vivo? ¿Qué experiencia estás buscando cuando sales de fiesta?

AERA: Cuando voy al club, quiero que la música me sorprenda, que sea fresca. Que sea emocionante. Y si me la paso escuchando eso en la casa pues deja de sorprenderme.

Mixmag: ¿Qué sigue para Applied Magic?

AERA: El próximo release que se viene a principios de julio, es de Buenos Aires. Un chavo super joven. Desde el primer track quedé enganchado. Hasta fue difícil elegir las canciones que iban a salir porque todo era muy bueno. También algunos releases de los que no puedo dar muchos detalles. La verdad estoy muy contento de que me hayan confiado su música.

Tener un label y producir, requiere de cierta responsabilidad y a la vez es una forma de pagar respeto al artista. Eres la última persona en la cadena de producción de un track y de ti depende pagar respeto a todos los que te han precedido en la cadena.

AERA demuestra que el trabajo si bien puede resultar retador con compromiso se puede salir satisfecho y emocionado de una curaduría.

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INSIDE CLUBS LA HISTORIA DEL PODEROSO ‘DYNAMITAS’

Por: Andrés Arias Corona Creditos de Fotografía: Cortesía Dynamitas

Dynamitas CLUB es un club que lo ha visto todo junto con su fundador el Doctor Agujas. Desde clausuras hasta hostigamientos por parte de las autoridades. Pero a pesar de las adversidades, se ha abierto paso en ser un referente del after en Cholula y México. Aniversarios de 48 horas y el mítico Doctor Agujas dando tratamiento y pinchando vinilos.

El comienzo.

Doctor Agujas está lleno de historias y experiencias, nos cuenta que él empezó por allá del año ‘98 en San Diego y Tijuana, los bellos tiempos de las fiestas en La Presa y el Rosarito.

Un día él y su amigo decidieron organizar una serie de fiestas en unas villas en San Diego. Por unas o por otras su amigo le deja a cuidar el equipo completo para la fiesta por un mes debido a que tuvo complicaciones para cruzarlo de regreso. “Ahí empieza el desmadrito”- nos comenta el Doctor Agujas. “Siempre me han gustado los 70s , 80s y es después de esa fiesta cuando empiezo a comprar mis vinilos. Vendí un carro y con eso empecé a comprar equipo y le puse atención a los principales clubes de ese tiempo” “Con dos maletas de vinilos empecé a darle” Doctor Agujas vivía en San Diego por allá del año 2010, y por cuestiones de trámites se ve en la necesidad de regresar a México a arreglar sus papeles.

Es ahí cuando decide venir a visitar a una hermana suya en Cholula, que en ese momento también era dueña de un club.

Por lo que empieza a tocar ahí y se le empiezan a abrir muchas oportunidades algunas fechas en clubes y amistades nuevas.

Es con esto que se le presenta la oportunidad de rentar una casona en el centro de Cholula. Allá por febrero del 2011 es cuando empieza a crecer el joven Dynamitas CLUB, un esfuerzo titánico para arrancar el club, pero en junio desde ese mismo año lo clausuran.

Uno pensaría que ahí terminó todo, pero en realidad fue la chispa que hizo que se detonara todo.

Bajo el agua operaron 7 años y en diciembre de 2018 le dejaron de rentar la casona.

Es por esto que el Dynamitas busca una nueva ubicación para poder seguir operando y celebrar su 8avo aniversario. Por azares del destino se encuentra con un table abandonado. Para poder celebrar su 8vo aniversario de 48 horas se prendieron los amplis el viernes a las 6 de la tarde y se apagaron el domingo a las 8 de la noche. Y es así como el Dynamitas encontró un nuevo hogar.

El legado que se sigue construyendo 26

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AE:THER

SER UNO DE LOS EXPONENTES MÁS RECONOCIDOS DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA Y NO PERDERSE EN EL CAMINO

Por: Andrés Arias Corona Creditos de Fotografía: Gael García

De Italia a Londres y ahora basado en Berlín, el dj y productor Ae:ther nos cuenta en entrevista sus reflexiones acerca de lo que hay detrás de su música y lo que debería de haber en todas las canciones, sentimientos encontrados, historias que contar, energía para bailar y sentirte bien. Hacer música para compartir.

Mixmag: Escuchando algunos de sus sets. Nos hemos dado cuenta de que hay un cuidado especial en los detalles. En particular en las transiciones y la armonía del conjunto completo. ¿Cómo decides qué canción va primero y por qué?

Aether: Principalmente, este género que produzco es importante hacerlo interesante. Pretendo variar el conjunto con ritmos, sin melodías, para alternar un poco la melodía que le gusta a la gente, con cualquier cosa, más instrumental, con un poquito de beat, para hacer más hipnótica la historia que quiero contar.

Mixmag: La historia es importantísima, ¿Crees que es importante que los dj sets cuenten una historia y tú, qué historias crees que inspiran tu música?

Aether: Ah vamos, depende de cómo sea, depende de mi estado de ánimo.

Sé que disfruto de un período de suficiencia musicalmente depresivo con las melodías muy oscuras, y por lo tanto ahora tienen este estado de ánimo un poco triste, un poco triste con diferentes emociones. Siempre he escuchado música melódica, muy triste, de vez en cuando lo que hago siento cierta precisión que me derrama una lágrima. En ese momento llego para darle energía al principio y luego lo sientes, que estás llegando al final y sientes la ola que sube y baja.

Mixmag: Uno de tus EP más recientes, “we’ll be together” salió justo durante el confinamiento pandémico. ¿Puedes contarnos un poco sobre el proceso creativo detrás del EP y sobre la emoción, la lágrima y todo eso?

Aether: en “we’ll be together” quería hacer algo con una voz, como sabes en el business de la música. de vez en cuando tienes que cambiar lo que has hecho porque la gente quiere escuchar algo nuevo, primero pensé en tomar la voz de una persona famosa y salió bien, el título de la canción era para una persona en particular al principio.

“We’ll be together” fue primero y luego vino la pandemia y fue el momento perfecto porque se transformó. Justo en el momento en que hayamos transformado esto, estaremos juntos para bailar, en la pista de baile, pronto tendremos una fiesta juntos nuevamente y será muy energética. Pero esta canción no es muy depresiva, es muy feliz debo decir. Se trata de un periodo muy fresco y positivo.

Mixmag: Has aparecido en casi todos los eventos importantes y eres parte de uno de los sellos discográficos más importantes de AFTERLIFE. No siempre fue

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así. ¿Cómo fue o en qué momento de tu carrera comprendiste que la música sería tu profesión o cuando te diste cuenta de que tenías el talento en la música para ganarse la vida?

Aether: Empecé cuando tenía catorce años y comencé a hacer música. Pero no había hecho mucho con eso hasta que me mudé a Londres y pensé, este será mi futuro. Mande cosas y después un edit de un track que nunca saque, lo tocaron en village underground y de ahí dije creo que debo empujar esto y fue cuando vi que era en serio mi trabajo. Y lo sabía pero antes de eso estaba super triste porque me daba miedo y no estaba seguro de que no iba a lograr sacar un track antes de los treinta años y algo pasó en 2017 ahí vi que tenía buena chance de dedicarme a esto.

Mixmag: ¿A qué te dedicabas antes de la música?

Aether: Mi familia tenía dinero entonces no hice nada hasta los veinte años, y de repente perdimos todo. A partir de eso empecé a trabajar en Londres, en una cocina y era horrible, desde las seis de la mañana trabajando, quería poner un estudio así que salí a las calles y ahí fue cuando la música me encontró. No sabía muy bien qué hacer, había grandes fiestas en Londres y me sentía presionado por salir adelante. Crecí mucho en ese periodo.

Mixmag: eres miembro y uno de los máximos exponentes de la música electrónica. La industria de la música ha cambiado mucho, junto con los DJ. ¿Qué crees que hemos perdido en los años que te gustaría traer de vuelta?

Aether: yo pienso que las personas no son muy cercanas a la música y esperan las cosas muy rápido, muchas veces no aprecian las melodías. Un poco la cultura underground, que se ha perdido depende de en donde vas a sonar o donde vas a estar. Se ha perdido el valor de la música que un artista hace, el valor de intentar cosas nuevas, darles algo más a las personas. no siempre entendemos lo que hacemos y se ha perdido ese valor de la incertidumbre y solo se trata de vender.

Esto es un problema muy grave.

Mixmag: ¿Has aprendido algo recientemente que te gustaría que las personas sepan de ti?

Aether: he aprendido a valorar los lugares, normalmente ando de gira por el mundo. Pero he aprendido con los pies en la tierra a estar siempre presente. Sé quién soy.

Muchas veces nos enfocamos en el aspecto técnico de la música pero Ae:ther nos ayuda a redescubrir la intención de su música y de sus sets en vivo, que se tratan de “sentir” estar presente y nunca olvidar que se trata de compartir.

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SUNDAY MORNINGS ¿CÓMO EVITAR UN DOMINGO DE BAJÓN?

Por: Amaya Andonaegui Rosell Creditos de Fotografía: Omar Carrillo

La pandemia nos ha obligado a pensar en formas diferentes de seguir disfrutando de la música en vivo en donde a la vez nos cuidemos unos a los otros.

Así fue cómo surgió la idea de crear los “Sunday Mornings” un espacio para convivir, disfrutar de cócteles a base de café y convertir un domingo de bajón en un día en donde se olvide que día de la semana es.

En la primera edición realizada en la ciudad de Guadalajara participaron proyectos multidisciplinarios como las marcas de moda Aim, Prayers clothing y Curatto marca mexicana de ropa de segunda mano reinventada que intervino las piezas que los asistentes compraron, así como la presencia de la artista Ida Bush con sus piezas de otro planeta. Los tatuajes estuvieron a cargo de Off Studios. Los cócteles de especialidad a base de café estuvieron a cargo de Andrés Corona , semifinalista del Mexican Aeropress NC. Sunday Mornings es un concepto que se enfoca en disfrutar de la música electrónica fuera del club, en un espacio más amigable, diverso e incluyente, donde puedas traer a toda la familia. El techno no debería ser exclusivo, para ninguna edad, género o persona. Por eso se extiende a la mañana, en vez de a la madrugada.

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en los mejores tres o cuatro siglos en Francia, el cristal o los vestidos, soy muy democrático en esto. Por eso no lo hice, hay una tendencia muy social y democrática. “Chromophobia” significa mono cromatismo, lo que significa que no hay jerarquía, no hay relación con los colores. Es un manifiesto.

Mixmag: Entonces, de “Chromophobia” a “Pentagram”, vemos un viaje completamente nuevo que personalmente amo y escucho.

Son casi 10 años de diferencia entre 2007 y 2018 en un período muy rápido. ¿Cuál fue la principal diferencia al crear estos álbumes?

Gui: En primer lugar, somos el reflejo de lo que vivimos y solíamos poner eso en la música que hacemos. A veces pienso que cambié porque estamos en constante cambio, pero, por ejemplo, “Chromophobia” es de 2007, pero yo ya estaba haciendo música en ese momento durante unos 15 años. Se necesita tiempo para desarrollar una firma propia, con sus mañas, su base en términos de composición, intención. Incluso la gente puede reconocer fácilmente que soy yo. Donde se pueda reconocer “su típica melodía o relación armónica, que Gui hace” especialmente el viaje de la música es muy festivo en términos de cambio. Y luego me doy cuenta de que incluso después de 10 o 12 años, 15 años, todavía puedo verme a mí mismo. Tengo mi cara, aprendí lecciones, la forma en que compongo, me considero músico y sigo componiendo de la misma manera que hacía 23 años, de una manera muy ingenua.

Mixmag: Pentagram para mí es un álbum realmente curioso, busca una parte que no vimos y que no vi explícitamente otros álbumes. ¿Puedes hablarnos de qué se trata Pentagram? Sabemos que también tu esposa colaboró en el álbum.

Gui: Siempre, ella es mi inspiración más grande.

Mixmag: Entonces eso ha sido algo especial en ese álbum.

Gui: Bueno, ella está en todas partes, es mi única cantante, tiene una hermosa voz y canta hermoso en vivo, como si fuera magia. Creo que mantuve el mismo proceso en todos los álbumes, desde el primero que estuvo allí yo ya estaba casado. Mi estudio está en mi casa, soy una persona mañanera, trabajo desde temprano, empiezo a componer por la mañana entre las 8 y las 1, me levanto a las 6 de la mañana, realmente muy temprano en comparación con mis otros amigos productores y dj. Pentagram es mi quinto álbum, así que esa es la relación si consideras el hecho de que su naturaleza es pura, estoy hablando de la proporción áurea, la relación entre 1 para 618 porque esa es la relación de la proporción áurea. Soy un fanático de las matemáticas, la naturaleza es la matemática y Dios es la naturaleza, no soy super religioso, especialmente es muy difícil ser muy religioso como arquitecto y músico, creo en la naturaleza y que estamos extremadamente conectados.

Mixmag: “Corre y nunca sobrevivirás, lucha y nunca escaparás”, es una cita de la película Ciudad de Dios. “Molestado”, un excelente remix para una película increíble. Una película que representa a todos los países latinoamericanos, en este sentido ¿Cuál crees que sea el mayor problema al que se enfrenta la industria de música electrónica en Sao Paulo, en Brasil y en general en el continente?

GUI BORATTO

‘CROMOPHOBIA’ UN ALBUM INSPIRADO EN LA PERFECCIÓN DE LA NATURALEZA

Por: Andrés Arias Corona Creditos de Fotografía: Ernesto Castellanos

Mixmag: Hay un arquitecto que sostiene que el color ha sido objeto de prejuicios extremos en la arquitectura occidental. En su opinión el color es impredecible y nutre una habilidad para contaminar el espacio. Así que en tu debut con “Chromophobia” desde la portada hasta la música, vemos muchos colores, acentos y una figura brillosa muy propia. ¿Por qué tomar la decisión de llamarlo cromofobia?

Gui: En primer lugar, creo que estoy totalmente en desacuerdo con el arquitecto, especialmente porque la naturaleza es muy colorida y hemos estado tratando de copiar la naturaleza porque la naturaleza es muy sabia. Es maravillosa, es vida, es parte de nuestra vida.

Y el núcleo de todos los arquitectos es resolver problemas sociales a pedido.

Sobre lo que significa “Chromophobia” no es como una fobia literal a los colores, sino que es algo que aprendí en el segundo o primer año de la escuela de arquitectura que es el mono cromatismo que significa: no jerarquía. Lo que significa que puedes tener el mismo nivel en tu garaje y la misma hermosa longitud en tu comedor, así que significa que no necesitas esa vieja jerarquía. Como, por ejemplo,

Gui: Al principio, hace años, tenía un poco de prejuicio en términos de, por ejemplo, un dj brasileño tocara algo de un productor brasileño, ¿por qué? No sé. Conozco a muchos amigos que en ese momento estaban creando nombres falsos para fingir ser chicos internacionales o algo así y eso es curioso porque en Ciudad de Dios fue la primera vez que usé mi nombre real. En ese momento estaba haciendo muchas producciones para compañías discográficas, era cuando la radio era muy importante, fue una época importante en Brasil, solía tener como siete proyectos en el top 10. En 2003 Antonio Pinto, el compositor principal de toda esta banda sonora me pidió que hiciera este remix y fue la primera vez que decidí usar mi nombre real, así que Gui Boratto comienza en 2003 como artista y creo que todo cambió desde ese momento. Especialmente porque Brasil siempre fue sinónimo de música de calidad, bossa nova y ahora hay tantos talentos en Brasil, en México y en Japón, la música no tiene fecha ni geografía. No sabes si esta canción fue producida por un chico local o un chico de Singapur o un chico holandés. Esa es la belleza de la música electrónica.

Mixmag: Has estado en la industria durante algunos años, ¿Crees que se hayan perdido algunas cosas de valor? Y si es así, ¿qué cosas crees que perdimos en el camino?

Gui: Todo tiene un propósito, sí perdimos algunas cosas, ganamos otras, ganamos otro tipo de géneros, he visto a los chicos del rock and roll en los setenta se pierden, no logran o no piden reivindicar algo porque todo puede ser político. La música es una forma de arte de expresión. El arte es social. Si es así, era lo que necesitábamos. Siempre necesitamos la sustracción para lograr algo más.

Mixmag: Algo que hayas aprendido recientemente.

Gui: Todo el mundo sabe que estoy loco por la comida. Soy más que un entusiasta de la comida, soy un fanático, no solo de comer sino de cocinar, mis amigos productores son grandes cocineros.

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RODRIGO GALLARDO RECUPERANDO TRADICIONES A TRAVÉZ DE LA MÚSICA

Por: Andrés Arias Corona Creditos de Fotografía: Cortesía del artista

El sonido de Rodrigo Gallardo resuena en nuestros oídos mexicanos porque establece una cercanía que heredamos de nuestros ancestros, los instrumentos que utilizaban, las leyendas que nos contaban de niños, la forma en que lo hacían. Todo esto tiene un nuevo significado en la actualidad, sonidos como estos recuperan tradiciones casi extintas y de cierta forma llegan hasta los oídos más jóvenes Lo que se tenía planeado como una entrevista se convirtió en una conversación entrañable entre amigos.

Mixmag: tienes un sonido muy definido que se caracteriza por tu estilo de voz. Y esos acentos muy latinos que le das a tu música. ¿Cómo es que llegas a este estilo propio y lograr definirlo?

Rodrigo: En realidad es una música que yo vengo cultivando desde muy pequeño, la música latinoamericana.

Esta influencia viene de una influencia desde muy chico, de la música que escuchaba por ejemplo mi papá, mi mamá. Aparte de que yo empecé muy chico en la música, tocaba un instrumento que es el charango que uso mucho en vivo. Y bueno, cantar con mi primer grupo de música con mi hermano y mi prima cuando tenía como 8 años. Desde ahí empiezo a cultivar esta influencia muy latina.

Mixmag: Tu canción Agua de la tierra tiene casi un millón de vistas en YouTube, Ay que será del sol casi 10 en Spotify. La gente está haciendo remixes, covers, colaboraciones contigo. ¿Eras consciente al momento de crear estos tracks la influencia que ibas a tener en la música y sobre todo en la industria de la música electrónica latinoamericana? Sobre todo, en nuevas generaciones que tal vez no crecieron escuchando el charango, la zampoña, el acordeón. Que ahora introduces estos matices y acentos en muchas de tus canciones.

Rodrigo: La verdad es que no, cuando uno hace algo buscando satisfacer el alma como que no pienso tanto en esas cosas. Y claro, cuando uno está feliz con lo que está haciendo eso se transmite. Y cuando algo es auténtico y honesto por decirlo de alguna forma, también se transmite. Aparte de que cuando yo canto, no hay algo solo mío en realidad hay ahí una lucha común. Esas cosas de todos también son bien personales. Respondiendo a tu pregunta no fue algo que yo busqué, yo feliz de ver que la gente cante una canción mía. Me pone muy contento.

Mixmag: Hablando de sentimientos en común al momento de crear las canciones, en tus letras: “Agua de la tierra, me quieren quitar, los dueños del mundo los siervos del mal”, “Ese pájaro es mi abuelo, es mi abuelo que canta, canta enamorado” Escuchamos un sentimiento de resistencia, hay una fuerza un sentir latinoamericano, ¿Cómo se tejen estas cuestiones en la música electrónica, y este sentimiento de resistencia?

Rodrigo: Bueno, es que esto ha sido una evolución más que de la música pues mía también. Por ejemplo, estuve en una banda como 10 años. Matanza. Con ellos también desarrollamos esto que no solo me pertenece a mí.

Como un experimento que se ha ido permeando de diferentes experiencias y en realidad pues no me gusta separarlo en algún género. Porque al final para mí son frecuencias. Entonces ¿de dónde viene? pues de la evolución de mi camino musical. Una evolución muy natural y muy de a poco.

Mixmag: Desde matanza a Rodrigo Gallardo vemos pequeños destellos de lo que han sido las luchas latinoamericanas, influencias zapatistas, Guamán poma de Ayala, andinos. ¿Piensas en la música desde estas luchas, cómo lo haces?

Rodrigo: La lucha latinoamericana, es de aquí y de allá, ayer, hoy y mañana. Y seguirá siendo, la pandemia nos ha confrontado con nosotros mismos y para mí es una de las adversidades que debemos superar ahora. Al final seguimos siendo el mismo pueblo, las mismas personas que éramos antes de la pandemia.

Mixmag: Dentro de las referencias, e inspiraciones de pueblos originarios, incluso algunos tracks en lengua indígena. ¿Qué hay detrás de estas canciones?

Rodrigo: Por ejemplo, yo no canto en “homenaje a María Sabina” en su idioma original es de Luzmila Carpio, que era una maestra de Bolivia. Y ella la compuso en quechua. Y para mi es hermoso recordar esos dialectos. Y hablan de cosas hermosas y bonitas cuando las traduces. Y pues es parte también de recuperar tradiciones.

La música de Rodrigo Gallardo homenajea nuestras raíces y la de todos los pueblos latinoamericanos. Además de que las ha llevado fuera de los radios de nuestros papás y abuelos y de los lugares de danza comunes, canciones que se reproducen infinitamente en el internet y en los clubes, haciendo bailar a muchas generaciones.

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CONECTOR FEST ANIVERSARIO #1 SELINA SAYULITA

Por: Amaya Andonaegui Rosell Creditos de Fotografía: Fortunato Sánchez

En la costa del pacífico con la Sierra Madre Occidental a sus espaldas se encuentra “Sayulita” un pueblo mágico que no solo la denominación lo hace así. En el pasado mes de junio descubrimos de la mano de Selina la cadena de hostales más grande del mundo, qué lo hace mágico.

Sayulita es un pueblo costero que ofrece una variedad de actividades que van desde subir el cerro del mono, ver ballenas desde la orilla, acompañar a las tortugas en su recorrido al agua, vivir una experiencia culinaria internacional y salir de fiesta en alguno de sus bares emblemáticos. Fue creciendo como pueblo turístico desde hace unos cuantos años, aunque nunca tuvo tanto auge como ahora. En el contexto de la pandemia muchos turistas internacionales y nacionales han decidido hacer de Sayulita su casa. Si antes de la pandemia ya veíamos un crecimiento en la escena gastronómica, cultural y musical ahora lo hemos disfrutado de primera mano.

Con el crecimiento de Sayulita han venido grandes oportunidades de experiencia para viajeros como las que ofrece Selina, donde puedes integrarte a una comunidad internacional que trabaja y vive desde ahí. Y es justo esto lo que hace de Sayulita un pueblo mágico, su comunidad vibrante y diversa. Es precisamente esto lo que se sintió en el aniversario del primer año del hostal.

Fue una verdadera fiesta en toda la extensión de la palabra, desde las actividades matutinas que se hicieron como una clase de yoga y capoeira, o las ceremonias de danza Guerrera Mexica Tiahui y “The Hikuri Symphonic”. La celebración fue de jueves a domingo y tanto en la inauguración como en la clausura del evento se bailó al ritmo de djs locales e internacionales.

Todo esto ocurrió en un nuevo espacio destinado para ser un punto de encuentro entre la diversidad que habita tanto al pueblo de Sayulita como a Selina, en “The Garden” un espacio abierto dentro del hostal donde los asistentes disfrutaron los sets de grandes artistas como Concret, Theus Mago, Ykonosh, e Iñigo Vontier.

El fin de semana del 17 al 20 de junio fue definitivamente uno para recordar que es lo que nos hace estar aquí, que vale la pena disfrutar y que proyectos apoyar tanto como asistentes, promotores, realizadores y creadores.

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KETTAMA

´STEEL CITY DANCE DICS VOLUME 26’ EN EL SELLO DE MALL GRAB Por: Moisés Ramírez Creditos de Fotografía: Cortesía del artista

El productor de Galway conquistó la escena electrónica gracias a sus eufóricos cortes que han sido publicados en varios sellos, como ‘R&S Records’, ‘Shall Not Fade’, ‘Dance Trax’, ‘Madhouse’ y, recientemente, su versión de ‘Voice Within’ de Anastasia Kristensen en ‘Houndstooth’. Posteriormente, se arriesgó y presentó el track ‘Picanya’, el cual fue muy bien recibido por el público que inmediatamente lo comenzó a bailar en diversas pistas de baile de Europa. El track además de representar el trademark de KETTAMA está incluido en su nuevo EP ‘Steel City Dance Discs Volume 26’, el cual será lanzado el 27 de octubre en el sello SCDD de Mall Grab contando con cinco feroces tracks destinados a desgastar las suelas de aquellos que lo bailen a su ritmo high energy.

KETTAMA regala a los altavoces de cualquier rave una recia descarga de adrenalina, ataviada con sus inquietos riffs y vocales vaporosas. Los breakdowns se encuentran abarrotados por los acordes del teclado, y el desvanecido ruido blanco apenas disminuye el ataque a los sentidos alterados del oyente. Este año el productor también presentó su propio sello “G-TOWN Records”, y acaba de anunciar una serie de cuatro “G-TOWN showcases” en ciudades como Londres y Glasgow.

Tracklist: Higher Saint Laurent Picanya + Edit Bosozoku Move like Vibert

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TÁNDEM KALEXIS Y BADMOISELLE

Release: Septiembre 24 2021

Born In Mexico presenta la segunda entrega de la serie TÁNDEM, para esta ocasión nos enorgullece presentar el trabajo original de las productoras Badmoiselle y Kalexis, mientras que en la parte de los remixes tenemos a las productoras tapatías Mystery Affair y Vongold.

El EP abre con “Ashes” un conjuro inspirado en uno de las charmed potion de las brujas de Macbeth. Melodías lejanas, percusiones hipnóticas y sintetizadores delirantes y letárgicos te envuelven en esta nueva versión de Badmoiselle, quien recreó la poción con elementos mexicanos e intentó revirar la intolerancia racial que carga la versión original. Por el otro lado, Mystery Affair llevó al conjuro a un lugar más agresivo acompañados de una batería filosa, sonidos ácidos, voces cortadas y sintetizadores estridentes que te mantienen en estado de trance.

La segunda parte del EP muestra el trabajo de la productora regiomontana Kalexis, “Neptune Rising”, un corte inspirado en la idea de ir hacia adelante, avanzar. Una mezcla de sonidos inspirados en géneros como el new wave, post punk, ambientes fríos y melodías nostálgicas con un toque futurista y espacial. Por último, Vongold lleva el remix a un sonido más frío y eléctrico, la línea de bajo acompañada de la batería reverberada y los sintetizadores destellantes te mantienen pegados al dancefloor.

Tracklist: Badmoiselle - Ashes (Original Mix) Badmoiselle - Ashes (Mystery Affair Remix) Kalexis - Neptune Rising (Original Mix) Kalexis - Neptune Rising (Vongold Remix)

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JOACHIM PASTOR

DEBUT ‘GREATER MESSAGE’ EN ARMADA Por: Rocio Luteijn-Flores Creditos de Fotografía: Romain Garcin Septiembre es un mes clave en diversas industrias, incluida la de la música electrónica ya que marca una pauta para presentar a la audiencia los nuevos conceptos y propuestas musicales que vienen en la siguiente temporada. Este ciclo también ha sido importante para el productor Joachim Pastor quien tras finalizar una era con su sello ‘Hungry Music’ decide tomar al toro por los cuernos y abrirse una nueva vía con la presentación de su álbum ‘Greater Message’ en ‘Armada Music’.

Con este álbum de trece piezas Pastor ofrece una guía completa hacia su propio universo musical el cual explora las múltiples personalidades sonoras. Para él, no fue difícil haber creado las melodías en sus live act, lo complicado fue no haber obtenido la retroalimentación por parte de su público con quien podría percibir y visualizar si estos eran o no de su agrado, ya que en ese entonces los festivales y clubs se mantenían restringidos. Al final, el resultado fue un álbum bastante completo que refleja una gran gama de contagiosos beats que interactúan con notas emocionales, además de que encontramos algunas interesantes colaboraciones en las vocales con artistas de la talla de Nathan Nicholson, EKE y Signum.

Tracklist: All Alone Saint Louis (ft. Nathan Nicholson) Kenger

By Your Side Wardenclyffe (I was A Dream) Greater Message (With You) Right Now Godspeed (Interlude) Hopium Grand Canal Alaska Be Someone Something You Need (Ft. Signum)

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VISUALES AUDIO REACTIVOS EXPERIENCIAS SENSORIALES EN TIEMPO REAL Por: Amaya Andonaegui Rosell Visuales: Enrique Arce

¿Alguna vez has ido a una fiesta donde por más raro que parezca o más puesto que estés, la música, la iluminación y las imágenes o visuales proyectados se interconectan, como si estuvieran contando una misma historia?

Ese efecto es literal y a la vez espontáneo, se llaman Visuales Audio Reactivos y son los live coders, artistas visuales y djs los responsables de crear experiencias sensoriales más complejas.

A través de programas como OpenGL, Touch Designer, o vvvv un medio que facilita la creación y programación visual en vivo funcionando por medio de interfaces físicas, gráficos en movimiento en tiempo real, audio y video que interactúan con quienes lo están viendo.

En breve, los Visuales Audio Reactivos son gráficos programados en movimiento proyectados en tiempo real sincronizados con música. Incluso con softwares como los de Unity que sus bases son las de un motor de juego para creación y programación de videojuegos, las aplicaciones de estas tecnologías son infinitas.

Alrededor del mundo su práctica se ha hecho popular en espacios como el Paradise City Festival en Bélgica o Athens Epidaurus Festival en Grecia donde el trabajo de Max Cooper se ha destacado por literalmente bañar los lugares en audio e imagen, creando un espacio totalmente nuevo donde la imaginación del propio artista es inter vinculada con la de los espectadores.

Así como existen grandes productores y djs mexicanos existen grandes artistas visuales con trayectorias internacionales como la de Enrique Arce quien empezó haciendo música a los 16 años, poco después se enteró que existía algo llamado “música generativa” y a través de ese hallazgo fue encontrando otros como el programa vvvv que le permitió crear un acompañamiento visual para su música. “Yo no sabía que estaba haciendo live coding” hasta que le pusieron nombre”. En palabras de Enrique, hacerlo en tiempo real agrega un elemento no anticipado, una sorpresa, tanto para él como para la audiencia. Uno tiene la posibilidad de improvisar como quiera.

La dinámica de ir al club ha cambiado desde entonces, estas experiencias son capaces de alterar nuestro entorno provocándonos sensaciones de estímulo, muy parecido a lo que se siente probar algo por primera vez. Enrique Arce no usa videos, sino gráficos en 3D y con esto tiene la posibilidad no solo de utilizar la geometría sino de crearla en tiempo real. Al principio como todas las tecnologías y formas de arte, parecen ser muy rudimentarias, pero en poco tiempo empiezan a superarse unas a otras, mejorando y favoreciendo interacciones más complejas.

Estudios como Cocolab y Hotpixel en la Ciudad de México fueron pioneros en esto. “Trascendimos de simplemente proyectar unos visuales, a poder conectarnos al sistema de luces para poder controlar los espacios”.

En estas páginas hemos leído incontables veces que al contar una historia a través de la música es mucho más potente que solo saber hacer música. Pues se está creando una escena donde no solo se va a bailar y salir de nuestra rutina, si no una en la que podamos disfrutar de más de una forma de arte en un mismo momento, y en tiempo real.

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TORAIZ SQUID

¿CÓMO EMPEZAR A PRODUCIR CON TORAIZ SQUID DE PIONEER? Por: Andés Arias Corona Creditos de Fotografía: Cortesía Pioneer

¿Cómo se empieza a producir?

Puede que estés empezando a hacer tu música desde 0, o seas un DJ experimentado en búsqueda de expandir tus conocimientos. Dar el salto a la producción requiere de mucha habilidad, conocimiento y herramientas. Hemos hablado con algunos de los principales productores en México y nos han dado los consejos que les hubiera gustado saber antes de empezar a producir.

Bandas, músicos y djs son la cara de la música que nos encanta. Sin embargo, los productores son la verdadera médula detrás de cada track que escuchamos. Detrás de cada beat, nota, coro, voz, etc. Hay una intención coordinada por el productor.

En un mundo globalizado donde cada vez hay más opciones más accesibles de equipo para empezar a producir, y plataformas como SoundCloud que hacen mucho más sencillo dar a conocer los proyectos. Hemos decidido contestar algunas preguntas básicas sobre cómo arrancar en la carrera de producción musical. ¿Cómo arrancar en la producción musical?

Has decidido arrancar en el bello camino de la producción musical pero aún no sabes cómo iniciar. Nuestro amigo y productor originario de Guadalajara, Diego nos recomienda ser claros en qué queremos empezar a producir y verdaderamente sumergirse en la escena local de esa música. “Es una forma de tentar las aguas y darse cuenta de que está pegando y que se está escuchando, para darte una idea de a donde quieres ir”.

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No importa si decides hacer trap, hip-hop, reggaetón, EDM, techno, dark techno, etc. Acércate a los clubes que tocan esa música. Acércate a mentores, expertos, podcast, mixes, estaciones de radio que toquen lo que quieres hacer. Siempre es bueno saber que se está haciendo afuera. ¿Qué necesito para empezar a ser un productor de música?

Tal vez pienses que para empezar a producir tienes que dominar las técnicas, pero la verdad es mucho más sencilla. Tener una preparación técnica te da una gran ventaja, pero la pasión y la voluntad son claves para empezar a aprender.

Producir música requiere de mucha habilidad que se adquiere con el tiempo, como muchos otros oficios (carpintería, alfarería, artesano) pero también de mucha creatividad. Esto es, hacer algo diferente a lo que ya se está haciendo. ¿Cuál es el mejor hardware para empezar?

Hay una inmensa variedad de equipo con los que puedes llenar tu equipo, desde MIDI hasta micrófonos. Pero cuando estás empezando no te tienes que abalanzar a comprar todo el equipo desde un inicio.

El primer paso normalmente es elegir qué DAW (digital audio Workstation) vas a usar, la música se puede hacer totalmente en hardware, pero empezar con un DAW primero siempre es importante además que es accesible y puede convertirse en la pieza central de un estudio en sus primeras etapas.

Una vez que estés cómodo con tu DAW de elección tal vez puedas considerar una pieza adicional de software como el TORAIZ SQUID secuenciador multitrack, que está diseñado para ser el pulso y latido de tu setup. Se conecta y puede sincronizar hasta 16 instrumentos, al igual que sintetizadores modulares y máquinas de ritmos.

Errores comunes que los nuevos productores cometen al inicio: Dar los primeros pasos para empezar a producir puede ser abrumador, y se tienen que cometer muchos errores para empezar a aprender. Dicho esto, según algunos de nuestros amigos productores, éstos son los que se consideran como los errores más comunes que se cometen como principiantes.

Solo escuchar la música que te gusta (Felipe Gordon) Los que comienzan su carrera en este mundo normalmente cuando empiezan solo escuchan la música que les gusta. Sin embargo, consideramos que es bueno empaparse de otros géneros, y otros productores porque de ahí es donde llegan nuevas ideas. Nueva inspiración. En palabras de Felipe Gordon: “¿Cómo vas a ser mejor y hacer algo distinto si escuchamos todos lo mismo?”

Apresurarte (Aera) Como dijimos el oficio de la producción musical es un oficio hermoso y con historia, que tiene su tiempo y su historia. Apresurar el resultado solo hará que las cosas salgan “medio bien”.

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