Mondo Sonoro julio-agosto 2023

Ginebras Un día en su gira

Bonnie �Prince� Billy Keeping Secrets

Will Destroy You

CD / LP / LP Ltd

Disponible: 11 de agosto.

Georgia

Euphoric

CD / LP / LP Ltd

Protomartyr

Formal Growth In The Desert

CD / LP / LP Ltd

Ya disponible

En directo: Primavera Weekender

Disponible: 28 de julio. dominomusic.com

5/Mondo freako

Grian Chatten Clásico y moderno

Curiosa manera de emplear unas merecidas vacaciones la de sacar un primer disco en solitario, pero el apasionado vocalista de Fontaines D.C. no ha podido evitarlo. “Chaos For The Fly” (Partisan/[PIAS], 23) muestra a un compositor más reflexivo e intimista, pero nada acomodado.

EL IRLANDÉS NECESITABA

dar salida a unas composiciones alejadas de la electricidad urgente y visceral de su banda. Instrumentos acústicos, atmósferas oníricas y ritmos electrónicos sutiles arropan unos textos más personales si cabe. El resultado es de un clasicismo con toques modernos y por supuesto irlandeses, en el que tiene mucho que ver la complicidad del experto productor Dan Carey. Llamamos a Londres a un cordial Grian para que nos cuente más. La eterna conexión entre la verde isla y España sale a relucir, así como la rara y preciosa complicidad con su sello Partisan y el refinado estilo vocal de su admirado Chet Baker. “La idea de hacer un disco en solitario se me ocurrió cuando tuve una idea para una canción que acabaría en el disco, ‘Bob’s Casino”’, un día mientras estaba contemplando el mar en Dublín. Me llegó como una cosa cerrada, y no quería pedir a los otros chicos

del grupo que tocaran exactamente lo que quería, sino hacerlo yo mismo. También me parece que hoy en día, por cómo está la industria, lleva tanto tiempo hacer un disco, por los plazos que se manejan en cuanto a la producción, los arreglos y el prensado (de los vinilos), que necesito estar en dos proyectos a la vez”.

GRIAN PRETENDÍA que “Chaos For The Fly” sonara simultáneamente clásico y contemporáneo. Y lo ha conseguido. “Creo que gran parte vino del primer tema, ‘The Score’. Al principio sonaba mucho a Leonard Cohen, y le fuimos quitando cosas esencialmente para que no sonora a una especie de imitación, sino a una canción que hubiera surgido en un casino. Crecí en una ciudad costera pequeña con casino, y siempre me han gustado los ruidillos y sonidos asociados a las máquinas que oí durante los ochenta y noventa. Quería que todas las canciones parecieran como

3generadas por esas máquinas, en lugar de sonar a imitaciones de Leonard Cohen”. La influencia de artistas como el canadiense o Nick Cave es, no obstante, “bastante grande”, pero el irlandés está precisamente alerta para no mimetizarles demasiado. “He querido tener la cantidad justa de clasicismo y modernidad. Mi novia es muy buena a la hora de sacarme de mis gustos más antiguos, también con la literatura. Está empeñada en que me gusten cosas que se hacen hoy, y probablemente eso sea bueno. Sin su influencia no habría modernizado el disco, por decirlo de algún modo, con sonidos electrónicos”.

LA COMPLICIDAD durante diez días de grabación con el consumado productor británico Dan Carey –responsable también de los tres discos de su banda–, ha tenido mucho que ver en el resultado final. “Es capaz de ver muy, muy rápido la esencia de lo que intentas conseguir. En un sentido casi espiritual. Creo que lo ha vuelto a hacer con su toque genial, en el sentido de que el álbum entero suena muy brillante. Yo no entendía al principio a dónde quería ir, hasta que comprendí que le estaba dando a todo el disco una pátina fantástica,

casi una especie de falsedad surrealista. Es como cuando vas a ver una película y los colores están un poco realzados. Sucede, por ejemplo, con las películas de Almodóvar: los colores en todas sus películas tienen ese aspecto onírico. Pues creo que Dan ha subrayado los colores del disco, haciendo que prácticamente parezca un sueño”. El famoso cineasta manchego no es el único guiño cariñoso que Grian lanza a nuestro país. “No sé si lo has leído, pero una buena parte la compuse en España. Algunas canciones, en Madrid. Siempre me ha parecido un lugar muy inspirador para componer. Creo que fue el primer sitio al que fui solo con mis amigos, sin familia ni nada por el estilo. Fue el primer lugar al que fui con libertad total. Madrid siempre ha tenido algo especial para mí. De hecho, me compré una guitarra en una tienda de Madrid. No recuerdo el nombre, pero es bastante famosa. Volví con ella y compuse ‘Fairlies’, ‘All Of The People’… Gran parte del álbum”, dice.

SUS LETRAS entre poéticas y confesionales son, desde luego, uno de los principales alicientes del álbum. “Una de las cosas que pasaron es que como sabía que eran

para un disco en solitario, se hicieron más íntimas y personales. Por ejemplo, la de ‘All Of The People’. Los sentimientos que expreso en temas como ese son sencillos, un poco ingenuos. Me habría dado un poco de vergüenza venir con las canciones y decirle a los demás: ‘Así es como suenan’. Creo que una parte de querer sacar un disco en solitario es precisamente expresar estas cosas y seguir adelante”. El vocalista asegura haberse esmerado en sus interpretaciones –se nota–, además de inspirarse en la delicadeza de Chet Baker alargando las sílabas, más que en la pura potencia. Era el momento, en definitiva, de experimentar variando el tono y el sentimiento de los temas. “Siempre he sido una persona más de discos completos que de singles. Y quizá la cohesión de los discos de Fontaines haga que se pierda eso. Hay variedad, pero tienen una coherencia mucho mayor que este disco. Quizá ha sido un experimento ver si canciones tan distintas podían coexistir de forma armónica”.

“No he querido sonar como un simple imitador de Leonard Cohen”

CAMBIANDO DE TEMA, el irlandés no tiene más que elogios para Partisan Records, el sello de Brooklyn que también publica su disco en solitario. Su relación, subraya, es “alucinante. Les debemos mucho. Estuvieron dispuestos a ayudarnos en los malos tiempos; por ejemplo, durante la pandemia, o cuando decidimos regrabar nuestro segundo disco [‘A Hero’s Death’ (20)]. Fueron muy comprensivos. He hablado con amigos que están en sellos más grandes y les da mucha envidia que no interfieran para nada. Especialmente con ‘Skinty Fia’ (22): se lo entregamos sin más. Nos dieron el OK y lo sacaron”. En este sentido, destaca que, aunque demos por sentado lo contrario, esta confianza tan bonita e inspiradora no abunda en la industria, ni mucho menos. “Si te soy sincero, no conozco demasiado el mundo de los grandes sellos. Pero sé de bandas que han tenido que componer tres veces su disco, no me jodas… Yo asocio la composición de canciones con la libertad total. Y gracias a Partisan puedo seguir disfrutándola”. jc peña

Más en www.mondosonoro.com

LA MÍA

Premis Alicia 2023

En Mondo Sonoro estamos de enhorabuena. La Acadèmia Catalana de La Música ha tenido a bien otorgarnos el Premio Alicia 2023 al Periodismo Musical y no podemos más que sentirnos muy agradecidos y orgullosos, por semejante reconocimiento a una trayectoria como la nuestra que el año que viene cumplirá treinta años. Además, si un galardón se mide por la categoría del resto de nominados, esta preciosa estatuilla que nos han dado aumenta su valor. Fue todo un honor competir con proyectos como el programa de iCat “Els Experts”, una gran profesional como Núria Carbonell y un periodista musical de raza al que queremos y admiramos mucho como Xavi Cervantes. Todos ellos merecedores, al igual que nosotros, del premio más importante de todos los que se otorgan en Cataluña en lo que al sector de la música se refiere. También queremos hacer extensible este agradecimiento a todos los que han creído en que un medio gratuito como el nuestro era importante para la buena salud del ecosistema musical y de eso que de forma algo presuntuosa se conoce como Industria. A nuestros colaboradores, claro, pero en especial a todos los anunciantes que han hecho posible que, casi tres décadas después, estemos con la salud y la ilusión intactas y, lo más importante, con el deseo de seguir realizando la mejor revista musical posible con un ojo puesto siempre en la actualidad y en el reconocimiento del enorme talento que existe y que, afortunadamente, no para de surgir. Tampoco queremos olvidarnos del resto de los premiados en las diversas categorías. Artistas de contrastada valía como Rosalía (Premio a la internacionalización), Clara Peya (Premio al mMejor Directo) Alba Careta (Premio al Talento Emergente), Marco Mezquida, Juan de la Rubia y Alba G. Corral (Premio a la Interdisciplina) o el Taller de Músics (Premio al Proyecto Social), entre otros. Y por último no podemos obviar el merecido galardón a la trayectoria musical que recayó en una leyenda de nuestra música como es Joan Manuel Serrat. Tremendo honor compartir escenario con un artista que ha marcado y seguirá marcando a muchas generaciones en el futuro porque eso es lo que hacen las leyendas. Y así, con la satisfacción absoluta que da un reconocimiento de semejante categoría, no podemos más que daros las gracias también a vosotros, amigos lectores, que mes a mes nos encontráis en los bares, tiendas o establecimientos y que nos otorgáis vuestra confianza como guía en este vasto mundo tan sonoro. Esa sigue siendo nuestra única razón de ser y el motivo de nuestro esfuerzo y, aunque no siempre estemos de acuerdo con todo, hemos sentido siempre vuestro respeto. Gracias.

sergi marqués (Director de Mondo Sonoro)

FOTO: EIMEAR LYNCH

ARDE BOGOTÁ

Rock del siglo XXI

Arde

texto Don Disturbios fotos Mónica Figueras

NO CABE DUDA de que este 2023 va a ser el año de Arde Bogotá. Los de Cartagena están en boca de todo el mundo y su presencia en todo festival de clase media que se precie asegura un show contundente a la par que dinámico. Un directo de esos que invitan al desenfreno y a corear a grito pelado los adictivos estribillos marca de la casa. Y es que, en buena medida, las responsables de ese éxito estival que se intuye como certeza, van a ser las doce canciones que componen su nuevo álbum titulado “Cowboys de la A3”. En él, han afilado su sonido, buscando una mayor heterogeneidad en los temas y subiendo las revoluciones. (Dani Sánchez, guitarra) “En mi opinión es un disco continuista, pero permite ver una evolución y eso es algo que deberían hacer todas las bandas: no estancarse. Y creo que, además, lo hemos conseguido de una manera muy natural, sin pensarlo, porque sabíamos lo que nos funcionaba, pero esta vez hemos hecho un café y le hemos quitado el edulcorante, que a lo mejor era esa inseguridad de ponernos una etiqueta rock y de hacer un sonido rock. Y eso es lo que lo diferencia de ‘La Noche’. Quitar capas de ‘reverb’, quitar parte de ese sonido que tiene que ver más con el indie con el que siempre se nos ha asociado y ahora no. Ahora queríamos sonar a ‘Marshall’, a ‘Tara’, a un bajo peleón”. Estoy totalmente de acuerdo. “Cowboys de la A3” es un segundo álbum que ahonda en lo ya trazado por Arde Bogotá, aunque lo haga buscando una mayor profundidad en todos los sentidos. Un disco trazado en la carretera a lo largo de una extensa gira de ochenta y seis conciertos que ha unido a la banda con ese juramento de sangre del que hablan en “Copilotos”. (Antonio García, voz) “Al final el local de ensayo es, desde hace muchos años, un lugar seguro para nosotros. Es el lugar en el que se puede hablar de todo. Es un sitio que se hizo para poder trabajar lo emocional de forma artística y profesional Y lo bonito de ese

espacio es que nos ha permitido ver que nuestras vidas, siendo gente muy distinta porque somos muy diferentes, son muy similares, porque todos nos hemos encadenado al mismo barco. Y ese destino común nos hace recorrer caminos muy similares y, aunque nos peleamos por cosas distintas con la gente que queremos, en el fondo son cosas parecidas Y eso te permite hacer canciones que nos importan a todos, por lo que dicen, y luego buscar un sentimiento común y encontrar soluciones para otro compañero”.

ARDE BOGOTÁ SON UNA RARA AVIS en el panorama de nuestro país. Su sonido bebe de fuentes anglosajonas clásicas como Arctic Monkeys, Foo Fighters, Kings Of

CRITICANDO

9

ROCK / ARDE BOGOTÁ se han convertido en una de las grandes bandas nacionales, de esas que ocupan las primeras líneas en los festivales. Pero la revolución de estos cartageneros debía pasar la prueba de fuego de su siguiente movimiento y ya ha llegado. “Cowboys de la A3” hace gala de un sonido totalmente rock, pero un punto más afilado que en “La Noche” (Sony, 21). Un disco plagado de referencias de esas que tanto les gustan, desde el fútbol de antaño hasta un hotel de La Mancha, los coches e incluso los famosos cruces de horóscopos. La banda ha aprendido mucho durante estos dos años y se han convertido en unos maestros de género. alejandro caballero

Leon o Kasabian y no se cortan un pelo a la hora de procesarlo a través de nuestro idioma. No los puedes enclavar dentro de la tradición más garagera de grupos como Mujeres o Carolina Durante. Tampoco en la más emo de bandas como Cala Vento o La Paloma, ni en la más indie que sigue la alargada estela de Los Planetas. Ellos van a lo suyo con sus propios códigos. Unas señas de identidad en las que las letras de Antonio García juegan un papel importante. No es habitual exhibir tanta vulnerabilidad dentro del “grande rock” y eso es un hecho

que los sitúa directamente en este siglo, en el que tenemos la obligación de construir una nueva masculinidad alejada de los viejos tics del patriarcado. (Antonio García) “Por la parte que me toca, como letrista ‘cis’ y hetero en el siglo XXI, creo que hay que hacer un ejercicio complejo de revisarte y pensar en ‘¿cómo puedo hablar del amor y del deseo desde una perspectiva que no sea machista directamente?’ o ‘¿cómo puedo hablar de mis problemas o de un sentimiento de euforia sin que eso quede egocéntrico o prepotente?’. Pues es complejo y no sé si lo logro. Pero, como mínimo, una de las cosas que sí que intento es mostrar abiertamente vulnerabilidades, no ocultarlas. Creo que el primer pasito de revisión de la masculinidad es la de ser capaces de compartir cosas y de desprenderte de ciertas capas que tienen otras generaciones y que, por suerte, ya no hace falta llevar encima. Cosas muy manidas como esa de que los chicos también lloran no dejan de ser un primer pasito hacia comprender lo que es mucho más difícil dentro de una revisión de la masculinidad”. Muy lejos quedan por tanto los comportamientos infantiles tan asociados al género. Aunque no por ello se pierda la esencia de lo que significa el rock. (Antonio) “Hay que ser capaz de hablar de los temas del rock, que sin querer

Bogotá acaban de publicar su segundo largo titulado “Cowboys de la A3” (Sony Music, 23), disco con el que se reafirman como una de las bandas más en forma del universo rock en castellano. Un trabajo continuista que suena todavía más afilado y heterogéneo y una inmejorable muestra de lo que significa hacer rock en el presente.

“Al final solo un cuarto de lo que haces cuando te profesionalizas en una banda es música”

Cowboys de la A3 Sony Music Spain

Bogotá SL

SIEMPRE ES UNA NOTICIA fantástica que una nueva banda se incorpore al proceso de profesionalización y abandone el ‘amateurismo’ que siempre ha lastrado tanto nuestra escena. Salto importante, a la par que complicado, y que implica crear una estructura y saber organizarse para no morir en el intento. Justo en ese proceso se encuentran inmersos los cuatro de Cartagena y, como nos acaban de contar, ese proceso también ha influido y mucho a la hora de elaborar “Cowboys de la A3”. Pero ¿cuál ha sido la división de tareas y cómo se han repartido los roles? Cambiemos de formato y que sean ellos quienes nos lo expliquen todo.

¿Qué roles tiene cada uno dentro de la banda?

(Jota) Yo llevo el tema de las redes.

¿Eres el Community manager?

(Jota) Sí, aunque odio esa palabra al igual que odio las redes. Llevo las redes odiando las redes. Lo cual es la hostia porque hace que no esté muy involucrado en la red a pesar de que me he hecho adicto. Pero bueno, es algo que no me hace perder el sueño porque no creo que seamos una banda que tenga que estar supeditada a las redes sociales. ¡Gracias a Dios! Creo que somos una banda a la antigua con la que lo orgánico funciona. Y quiero pensar que nuestro crecimiento es súper orgánico, gracias a los conciertos que hacemos y no hace falta convertir lo que es una banda de música en una puta ‘sitcom’.

¿Qué otros roles tenéis en la banda?

(Antonio) En lo no creativo Pepe se encarga del ‘merchan’.

(Pepe) ¡Es creativo! [risas].

(Antonio) Todo es creativo.

¿Y vosotros?

(Dani) Yo llevo toda la parte más técnica relativa al equipo, organizar el local, etcétera. (Antonio) Yo me encargo como de recursos humanos y coordinar que todo el mundo esté en orden y tal, y también hago un poco de abogado en el tema contractual.

¿Cual es tu especialidad en la carrera de Derecho?

(Antonio) Propiedad intelectual. Y por eso llevo todo el tema de contratos editoriales y todo eso y ahora también estoy intentando montar la S.L.

¿Esa división de tareas e implicación es también muy del siglo XXI, no? Porque antes los músicos lo dejaban todo en manos de una oficina y luego pasaba lo que pasaba. (Antonio) Sí, pero yo también tengo el miedo de lo contrario. En plan, The Beatles en cuanto más empresarios se volvieron dejaron de ser músicos, y los Rolling son ‘ceo’ de una multinacional, pero ya no son músicos.

EL APUNTE 3

Bueno, pero si llegas hasta los setenta y ocho años dentro de la banda ya te puedes dar por satisfecho (Antonio) Habiendo hecho “Sympathy For The Devil” firmo [risas].

(Dani) Pero tienes razón. Ha cambiado mucho la mentalidad y nosotros ahora tenemos pleno control de nuestro proyecto y de nuestras canciones y de todo lo que está pasando y somos los que elegimos quién trabaja con nosotros.

(Jota) Este es un mensaje para todas las madres que tienen hijos e hijas que quieren ser músicos. Al final solo un cuarto de lo que haces cuando te profesionalizas en una banda es música. El resto son movidas ¡qué flipas! [risas] Pero es muy divertido. d.d.

son muy cíclicos, de la rebeldía, de la juventud, de la libertad, de la liberación, pero desde otra perspectiva. La de una persona que ya no puede ser un animal de reventar camerinos, tirar televisiones y follar con las groupies. No, no va de eso. Ser parte de este siglo, de lo que está ocurriendo y de lo que tiene que pasar con los hombres en este momento también implica que pase con nosotros que hacemos música”. Una rebeldía y un descontento que tienen su máxima expresión en el disco en un tema como “Todos mis amigos están tristes”. (Antonio) “Esa canción es de esas en las que llega primero la letra y una especie de concepto muy básico a partir de la letra… Hubo un momento, al salir de la pandemia más dura a finales del 21, que era realmente así. Todo el mundo estaba triste, más por una cosa emocional que política. Y de ahí viene un poco la reflexión de este tema. Y si todas las canciones son un viaje, en esta hacemos un viaje a la venganza. Porque la reflexión que hacemos en el tema podría haber sonado triste y melancólica y ser una balada, sin embargo, es todo lo contrario. Creo que es la canción más dura del disco, y lo es porque esa tristeza lo que nos genera es rabia, es impotencia y ganas de pelear

“Es un disco que explica lo que nos ha pasado mientras hacíamos un disco”

contra aquello que pone a mis amigos tristes”. Llegados a este punto, no puedo evitar confesarles que me hubiera gustado encontrar en el disco algún tema de corte más social o político como fue en su día “Tijeras”. (Jota) “¡Qué temazo! Me encanta esa canción”. (Antonio ) “Esa es la más política que tenemos”. (Dani, guitarra) “En todos los discos al menos hay una, porque en el primer epé estaba ‘Te van a hacer cambiar’ que también tiene esa fuerza”. (Jota) “En este disco sucede algo parecido con ‘Los Perros’ pero no somos The Clash”. (Antonio) “En este disco creo que hay más queja que reivindicación como ‘Los Perros’ o ‘Qué vida tan dura’”. Letras en las que, según la propia banda, también se habla sobre romper con las cosas que te atan y la libertad. Sin embargo, a lo largo del disco también se desprende lo mucho que han cambiado sus vidas a la hora de dar ese salto a la profesionalización, dejar los diferentes curros y lanzarse a ejercer como banda de rock a jornada completa. Un cambio de vida que ha acarreado dificultades a la hora de mantener una vida sentimental estable. (Antonio García) “Yo por ejemplo sigo con mi pareja, pero sí que es cierto que el disco habla mucho de las cosas que nos hemos

enfrentado durante este tiempo. Me gusta decir que es un disco que explica lo que nos ha pasado mientras hacíamos un disco. Y mucho de lo que nos ha pasado ha sido la confrontación con un cambio radical en nuestra vida y cómo afecta eso a la gente que queremos. La temática de la ruptura sentimental está muy presente y, aunque no ha ocurrido, es como un ente que sobrevuela. Pero no solo en lo romántico, sino también con la familia, con los amigos, con la gente que quieres. Al final hay muchas canciones que hablan de eso y no están referidas siempre a la misma gente. ‘Cowboys’ es una ruptura sentimental, podría ser, pero para mí hace referencia a la gente que formaba un colectivo y ya no está, como que te abandonan en la carretera y solo quedas tú”. (Jota) “El cambio de vida abrupto que tuvimos que decidir al dedicarnos exclusivamente a la música puede incluso hacerte sentir culpable. Porque hace que te tengas que ir constantemente para hacer cosas que aparentemente no son normales y eso afecta y te hace reflexionar. Y la gente que te quiere, y acepta ese cambio radical en tu vida, tiene muchísimo mérito. Eso también se puede ver en la temática del disco”. d.d.

EN CONCIERTO

l Bilbao 06 julio. Bilbao BBK Live

l Ponferrada 07 julio. Planeta Sound

l Córdoba 15 julio. Festival de la Guitarra

l Cartagena 19 julio. La Mar De Musicas

l San Sebastián 21 julio. Jazzaldia Festival

l Benidorm 28 julio. Low Festival

l Marbella 29 julio. Bella Festival

l Bueu 03 agosto. Sonrias Baixas

l Aranda de Duero 09 agosto. Sonorama Ribera

l Pals 15 agosto. White Summer

l Gandía 17 agosto. Mediterránea Festival

l Almería 18 agosto. Cooltural Fest

l Tenerife 19 agosto. Phe Festival

l Alcalá de Henares 31 agosto. Gigante

l Cáceres 01 septiembre. Natural Sonora

l Zaragoza 08 septiembre. Vive Latino

l Granada 15 septiembre. Granada Sound Festival

l Molina de Segura 16 septiembre. b side festival

l Navarra 29 septiembre. Estaciones Sonoras

l Ibiza 05 octubre. Sonorama Ibiza

l Barcelona 03 noviembre. Razzmatazz

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Muy pocos artistas dan tanto (todo) en cada entrega y siempre rozando la excelencia. Silvia Pérez Cruz, pura luz y faro desde hace más de una década para toda una generación de artistas, regresa con “Toda la vida, un día” (El Pez Cruz/Sony Music, 23). Un viaje sonoro del que saldrás distinto.

texto David Pérez

texto Alex Rademakers

CADA FASE VITAL, todas únicas e imprescindibles, principios y finales unidos por una nueva etapa y renacer. Un ambicioso trabajo que surge de muchos procesos y caminos en paralelo, cruzándose por momentos. “Por un lado, hay una semilla importante, que es el poema de William Carlos Williams, a esa semilla me agarro y sé que me va a guiar en el proyecto en el que empiezo a componer ‘Toda la vida, un día’. Luego hay un momento en el que pienso que serán varios discos, porque me siento muy creativa… Pero, de repente, me llega una idea y lo ordena todo. Ese momento de lucidez, hace un año y medio, en la mitad del proceso, me invitan a cantar en Uruguay, donde conozco a Liliana Herrero y Maria Gadú, dos mujeres que me marcan la vida, muy fuertes. Yo llego ahí con dos canciones de regalo, no se las enseño, pero cuando acabó ese encuentro, decido escuchar esas canciones, ver lo que me había salido de manera intuitiva y acabarlas de terminar. Entonces, creo que compongo el estribillo para Liliana, donde aparece la frase ‘toda la vida, un día, un día, una eternidad’, y ahí entiendo que lo que estoy construyendo es una vida entera; que yo me siento en la mitad, si todo va bien, en los cuarenta, como si fuera un faro que me permite ver la infancia y la juventud, a la misma distancia que la vejez. Eso me abre muchas puertas y me da una idea en la que cabe todo lo que estoy creando de manera natural, y me ayuda a ordenar lo que me falta”.

LA SEGURIDAD, CALMA Y ARMONÍA de la infancia en el círculo amarillo y primer movimiento. Flores hechas canción, compuestas durante el confinamiento como regalos de cumpleaños para buenos amigos. “Estas flores nacieron porque tengo gente muy bella a mi alrededor, y son canciones para ellos, hablando de ellos. Es verdad que estoy en un momento que igual empiezo de una manera muy consciente en el confinamiento, y estoy en un momento donde quiero cuidarme mucho, cuidar a las personas que

quiero, que me hacen bien. Y es verdad que el poder sanador del arte es espectacular. Cuando estábamos en esos meses en casa con mi hija y la veía dibujar, cantar, disfrazarnos… pensaba: ‘Qué suerte tenemos de haber trabajado tanto la expresión artística’. Era lo que hacíamos y le daba mucho sentido al tiempo, se convertía en cosas reales, en canciones, en dibujos, en vídeos de personajes… Y ahí fui muy consciente del poder salvador y sanador del arte”.

EN EL CÍRCULO AZUL destaca la majestuosa “Salir distinto”, homenaje de Silvia a Enrique Morente, canción que es un movimiento por sí solo. “Empiezo a construir este viaje. Entiendo que Morente está muy presente desde el principio, y me agarro a él y a su valentía para seguir buscando”. Con remate de compás por Diego Carrasco y los suyos, y con Carmen Linares y Pepe Habichuela como compañeros siderales que conocieron como nadie al Ronco del Albaicín. “Me permito soñar. En este disco me he permitido pedir a músicos que admiro que si quieren colaborar… Estoy más acostumbrada a que me lo pidan a mí y ahora me ha hecho feliz atreverme a pedir ayuda, a compartir estas alegrías”.

EN EL CÍRCULO VERDE y tercer movimiento, Silvia continúa compartiendo su jardín con otros amigos y artistas, cantando cara a cara y al desnudo, mostrando esa generosidad que tanto define su forma de sentir y transmitir el arte. “Me encanta el arte en muchísimas formas, pero una de las más emocionantes es la de compartirlo. Yo eso lo aprendí, quizás de mi padre. Así como todo el concepto del disco tiene mucho que ver con el cómo me ha enseñado a mirar mi madre. De mi padre aprendí que todo lo que no podíamos hablar, porque nos veíamos muy poquito, sinceramente, pero cuando cantábamos yo creo que se lo decía todo, cantando, y aprendí ese tipo de comunicación tan profunda. Se cuenta todo, mucho más que con las palabras... Yo el escenario y el proceso creativo lo entiendo como un equipo. Con los músicos, cuando hago conciertos, yo quiero que sean ellos, no que

Sílvia Pérez Cruz

Música y belleza sin fin

me acompañen, nos acompañamos todos. Es muy bello lo que pasa en un escenario. Me ayuda a entender mejor los valores que quiero cuidar debajo del escenario”.

Y DE LO QUE PARECE el final de los finales en la emocionantísima “Em moro”, junto a su “amigo del alma” Salvador Sobral, al principio de los principios, con una “Món” que “espera con un ramo de flores escogidas especialmente para ti”, despidiéndose justo como comenzamos, recitando en francés (Jenna Thiam) y abrazándonos con puro amor maternal y futuro refugio, dándole la bienvenida al hijo futuro. “Esta idea de circularidad es, bueno, una manera de vivir. Por una parte, la humildad de saber que estamos aquí, pero todo seguirá, que el agua del río quiere ser salada, que los frutos se van a pudrir, que van a salir nuevas flores… igual que acaba el disco y empieza la voz del niño diciendo las estaciones… Siempre, siempre hay una nueva flor, pero también es una manera de vivir, de aprender, que a veces parece que llegamos a un final en el que no hay salida, y sólo hay que moverse un poco, desplazar un hombro, mover una ala y aparece un nuevo principio”. d.p.

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EN CONCIERTO

l Vitoria 08 julio. Festival Jazz Vitoria-Gasteiz

l Córdoba 10 julio. Gran Teatro De Córdoba

l Barcelona 17 julio. Grec Festival

l Cartagena 21 julio. La Mar De Músicas

l Madrid 23 julio. Noches Del Botánico

l Calella De Palafrugell 06 agosto Festival Cap Roig

l Sevilla 21 septiembre. Cartuja Center Cite

l Gijón 21 octubre. Teatro De La Laboral

“

“El poder sanador del arte es espectacular”

.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Leonard Cohen Old Ideas (2012)

Siempre he sido una gran fan de Leonard Cohen como compositor. Convertía en palabras muchas cosas que siento y es por él que siempre me he esforzado tanto creativamente como compositora. Firmó muchos grandes discos a lo largo de décadas, pero este álbum en particular me ayudó mucho en una etapa muy oscura de mi vida. Pincho este disco y siento paz.

The Interrupters

La banda estadounidense de ska punk The Interrupters es un torbellino sobre el escenario. Y volveremos a comprobarlo en Madrid (6 julio, La Riviera) y Barcelona (7 julio, Razzmatazz), ciudades en las que presentarán su cuarto álbum “In The Wild”. Aprovechando la visita, les preguntamos por sus discos favoritos.

The Beach Boys Wild Honey (1967)

He amado a The Beach Boys desde que era un niño pequeño y descubrí “Wild Honey” cuando me estaba metiendo en la grabación de música y en tocar en bandas. Me encanta la simplicidad y el sentimiento de este disco. Además tiene una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, “Darlin’”.

The Beatles Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967)

Tuve una realmente seria fase “The Beatles” en el instituto y nunca he salido de ella. Este disco en particular es el que solidificó mi amor por ellos. La secuencia de géneros, las melodías cuidadosamente orquestadas y la experimentación creativa captaron toda mi atención y cambiaron para siempre la forma en la que escucho, disfruto y creo música.

Rancid …And Out Come

The Wolves (1995)

Iba al instituto cuando escuché este disco por primera vez y lo sentí como el sonido de mi alma. Me enamoré de la composición, de la energía y la esperanza que se entretejía a lo largo de tantos temas pesados, auténticos y crudos. La primera vez que lo escuché me sentí inmediatamente menos sola en el mundo. Es una obra maestra atemporal.

Hepcat Right On Time (1997)

Si me encontrase atrapado en una isla desierta y solamente pudiese tener un disco este estaría sin duda en la conversación. Descubrí a Hepcat en el recopilatorio “Give Em The Boot” del sello Hellcat y rápidamente corrí a comprarme este disco. Las canciones son buenísimas, suena fantástico, la ejecución instrumental y vocal es increíble y sencillamente me gusta mucho este disco. Bailable, con contenido, con sentimiento... es increíble.

The Police Outlandos d’Amour (1978)

The Police tienen uno de los mejores álbumes de debut de todos los tiempos. En el momento en que lo escuché se convirtió en un favorito instantáneo. Quedé enganchado desde el fill de batería de apertura de “Next To You” hasta el final.

MS

FOTO: JIMMY FONTAIN

Interrupter

Bivona Justin Bivona Jesse Bivona

Bivona

Domino's Live Music impulsa la música en salas

La tercera edición del proyecto Domino's Live Music ha culminado con las actuaciones de El Kanka, La Habitación Roja, Cráneo y Niños Mutantes en la sala madrileña Moe Club.

Los días 18 y 25 de mayo y 8 y 15 de junio estos artistas de reconocido prestigio y recorrido en nuestra escena tuvieron la oportunidad de tocar en una de esas salas acogedoras donde empezaron a darse a conocer. Y lo hicieron para ese público que no se pierde la música en este tipo de espacios que dan carácter a la vida cultural de cada ciudad.

Domino's Live Music nació en 2019, con la vocación de apoyar y homenajear el papel indispensable de las salas de conciertos dentro de la industria de la música. A través de los datos de la plataforma para amantes de la música en directo Wegow -que cuenta con más de 4 millones de usuarios en todo el mundo-, se

descubrió que la sala Moe Club, que lleva más de veinte años en activo y es un clásico de la vida cultural de la ciudad, había sido una de las que menos conciertos programó en 2022, afectando en su facturación. Y es que Moe Club es desde hace mucho tiempo referente de la música en vivo en la capital, con propuestas de jazz, rock, blues, DJs, funk y todo tipo de géneros. Desde 2015 la sala situada en el norte de la ciudad es Patrimonio Cultural de Madrid.

Esta tercera edición de la iniciativa iba a impulsar, pues, la actividad de esta sala madrileña en uno de sus momentos más delicados, seleccionando a este grupo de artistas para que actuaran delante de los fans más fieles a la música en vivo. Los conciertos se dieron en exclusiva a un público que fue seleccionado por la plataforma Wegow, que habilitó un filtro para elegir a aquellos habituales de las salas. La idea es que este público redescubriera el Moe Club, y que de este modo, se impulsara su peso como espacio de música en directo en Madrid.

El balance de esta edición ha sido estupendo: se bailó, se pidieron canciones y, por supues-

to, se comió pizza. Más que una actuación, lo del cantautor andaluz Juan Gómez El Kanka fue una conversación con el público, puesto que improvisó el repertorio a partir de las peticiones del público. No es fácil ver en una sala de estas dimensiones a los valencianos La Habitación Roja, que recordaron viejos tiempos interpretando sus clásicos en un ambiente íntimo, y tuvieron el detalle de encontrarse después cara a cara con sus fans más incondicionales.

Por su parte, el rapero madrileño Cráneo interpretó canciones que nunca habían salido de su estudio, y acabó bajando del escenario para bailar con sus seguidores en una actuación que fue toda una fiesta. Los granadinos Niños Mutantes, que cumplen treinta años de actividad el año próximo y tienen ya trece discos a sus espaldas, cerraron este ciclo tan especial poniendo su energía al servicio de su público más entusiasta en un ambiente íntimo.

Esta tercera edición de Domino's Live Music ha vuelto a poner de relieve el peso que tienen las salas para la vitalidad del tejido cultural de una ciudad como Madrid, y la importancia de apoyarlas. l

Distopía en el reino de las musas

Triángulo de Amor Bizarro

Que el cuarteto gallego tiene una de las trayectorias más brillante del indie en estos últimos veinte años, es un hecho más que constatado gracias a cumbres discográficas como “Victoria Mítica” (13), “Triángulo de Amor Bizarro” (20) y, ahora, “SED” (Mushroom Pillow, 23), el más difícil todavía.

texto Marcos Gendre fotos Toño Chouza

“3SED” ES UN TRABAJO que apela a la ambición inconsciente de los clásicos atemporales. Una colección de canciones fraguadas en un estado latente de inspiración sin límites y la (re) confirmación del estado de gracia permanente en la que viven los gallegos. Sobre esto y lo que significa este álbum en su carrera, hablamos con Rodrigo y Rafael Mallo vía streaming desde su cuartel general, en Boiro. De este modo, Rodrigo nos explica por qué “SED” y cómo de conceptual es este álbum. “Creo que es un poco como de emociones humanas muy primitivas. Un disco muy visceral, emocional. Es algo que representa el ansia del poder del dinero, de la fama, del reconocimiento. Quisimos llevarlo un poco por ahí. Al final, no me atrevería a decir que es un disco conceptual. Los otros son más de banda, con muchas ideas. En este caso, quisimos hacer un álbum con las ideas más claras y, a partir de ahí, explorarlas. Se trata de sentimientos básicos que no hace falta explicar. Al final, es un disco que viene de donde venimos todos, con todo el rollo de la pandemia. Cuando comenzamos a hacer las canciones, queríamos hacer algo más concreto. Nuestro anterior disco o ‘Salve discordia’ (16) están más relacionados. Y este es como reiniciar, como enfocado en la temporada de paranoia de la que vinimos. Es opresivo. Tampoco lo pensamos mucho, ni lo quisimos conceptualizar, por el hecho de enfrentarnos a ser una banda que lleva quince años haciendo indie rock, o lo que piense la gente qué es eso ahora, en 2023. Ya pasamos varias veces lo que es nuestra época, varias generaciones. Queríamos enfrentarnos un poco a eso, a qué pasa cuando llevas tantos años haciendo rock. ¿Queda algo? ¿No queda nada?”.

SU ANTERIOR TRABAJO parecía llevar a Triángulo de Amor Bizarro hacia una dimensión más espaciosa, electrónica, incluso industrial o dub. Sin embargo, salvo en algunos momentos, “SED” desecha esta vía y opta por un trabajos más orgánico y crudo, al mismo tiempo. Tal como lo ve Rodrigo: “Nuestro gran salto fue del primer al segundo disco. Después sí que hay una línea con ‘Víctoria mística’ (13). Y esa línea es la de los siguientes discos: nuestra visualización ideal de lo que era Triángulo de Amor Bizarro. Sí que ya hicimos esos tres discos en esa línea, pero ahora las circunstancias son muy determinadas y es algo que queríamos aprovechar. No es un canto al amor de nuestra adolescencia, ni un disco separado de lo que nos rodea.

Por ejemplo, en nuestro anterior álbum comenzamos a experimentar mucho en la parte electrónica. Sí que es verdad que, en un principio, el planteamiento de este disco iba ir más por ahí, en la línea de ‘Fukushima’ y todo eso. De hecho, de ahí salió la primera canción, la más pop del disco. Pero, a partir de ahí, nos topamos con una cuestión. De hecho, esa canción mutó mucho, ya que empezó siendo con un ordenador para secuenciar y esta clase de cacharrismos. Pero, a los meses, vimos que lo del ordenador era un rollo. Un puto coñazo. Sabíamos que, en canciones como la primera, teníamos que traspasar los elementos electrónicos a instrumentos tocados en formato banda. La sonoridad no es la misma. No queríamos hacer música que estuviera totalmente desubicada de lo que hacemos nosotros. No queríamos entrar en el rollo de música de librería”.

LLAMA MUCHO LA ATENCIÓN el choque entra la pulsión techno pop a lo New Order de “Estrella Solitaria” y el sonido casi a lo Black Sabbath de “Cómprate un yate”, el segundo tema del álbum. No en vano, “SED” es un disco de contrastes en el que “el hilo conductor está en las propias letras y en

el timbre de las voces”, comenta Rodrigo. “Buscamos una variedad más pronunciada, pero el propio cambio ya se nota desde nuestro propio estudio, Lo grabamos aquí. Hicimos algo que no hacíamos desde ‘Año Santo’ (10), que es no maquetar. Normalmente, entras en un estudio con unas maquetas que tienes que reproducir. Para esta ocasión, decidimos acabar con este proceso, y hacer un montón de canciones. Para ‘SED’, juntamos treinta temas, no todos acabados. Queríamos que hubiera muchas ideas musicales, pero que la idea global de la narración fuera más monolítica. Y de ahí, extrajimos el disco. Es un proceso diferente porque en los otros discos vas pensando en las canciones conforme a las que ya tienes. Normalmente, estamos parados seis y ocho meses para componer y luego vamos de gira. Pero con la pandemia se juntó todo. Y eso nos permitió mantener fresco el mate-

“Para nosotros hacer un disco es como si no hubiésemos hecho otros antes”

rial que estábamos componiendo. Muchas veces pasa que cuando vas a un estudio y tienes unos días para grabar, no te andas con ostias. Y en este, al tener mucho más tiempo para poder grabar, pudimos hacerlo con las canciones mucho más crudas. Pudimos ver hasta dónde te puede llevar cada canción. Te cargas el proceso de repetir y recordar. Y entonces empiezan a salir cosas. Por ejemplo, hay un par de canciones del disco que se completaron a la vez que se grababan. Eso para mí es un lujo porque creo que es la forma ideal de hacer los discos. La distribución del trabajo está en otra parte”. A lo cual, Rafael apuntilla que “la creatividad en la grabación, lo que nos permitió buscar cosas nuevas. No tanto en la fase previa. Aquí podías llegar, probar tus cosas, tener tu tiempo para desarrollarlo un poco más. Se trata de algo que igual no puedes hacer en un estudio en el que estás mirando la hora continuamente”.

“SED” ES OTRO PICO MUY ALTO en la trayectoria de Triángulo de Amor Bizarro, uno por el cual surgen preguntas como si después de haber publicado otro trabajo tan ambicioso como este, ¿el artista es consciente del valor de lo que ha hecho.

ROCK / DESPUES DE CINCO ÁLBUMES a sus espaldas, reflejo de una trayectoria impecable, es ahora cuando los de Boiro han superado todas las expectativas habidas y por haber. Y mira que “Triángulo de Amor Bizarro” (20) fue un disco de dimensiones altamente intimidantes. No obstante, esta vibrante distopía indie va incluso más allá. Gonzalo supura rabia a base de cuchilladas estruendosas como en la sabbathiana “Cómprate un yate”, mientras Isa cada día canta con mayor convicción del grado épico que es capaz de alcanzar con su dicción vocal. Prueba de ello es el tramo, insuperable, conformado por “La espectadora”, “Canción de muerte del pez dorado” y “La carretera”, con la rabiosa “Estrella antivida” entre medias. Dicha terna de canciones conforma el opus emocional de un trabajo en el que la brutalidad de contrastes son los eslabones que constituyen una experiencia musical donde noise, heavy metal, indie-rock, pálpito industrial, épica pop y techno ochentas se cruzan en un camino de caminos, del cual el cuarteto gallego sale reforzado en su condición de grupo más relevante del indie patrio a lo largo de este siglo. m g

“Nosotros estamos aquí, en Boiro”, comenta Rodrigo. “El disco ya está desde febrero, pero con todo esto de las esperas por el vinilo, etcétera. No es que haya escuchado el disco mucha gente, así que no tenemos ni idea de la percepción que está teniendo la gente. Al final, se trata de un trabajo enorme. Somos una banda que tiende a hacer todo de forma más artesana, a controlar todo más desde dentro. Además, Carlos Cuevas grabó el disco en nuestra propia casa. Para nosotros es como un sueño cumplido. Todo el proceso lo hacemos aquí. Montamos el estudio con la ayuda de Carlos, con sus especificaciones. Para nosotros hacer un disco es como si no hubiésemos hecho otros antes. Obviamente, aplicas todo lo que vas aprendiendo. Le tengo cariño a todos nuestros discos. A ver, escucho mi voz de hace veinte años, y…. [risas]. Pero en todos los discos siempre fue a lo loco, nunca fue de poner el autobús debajo de la portería. Todas las decisiones fueron acordes a lo que creemos que pide la canción y llegar a lo máximo. Y con este, igual”. m.g.

texto Carlos Pérez de Ziriza fotos Reuben Bastienne-Lewis

E ATIENDEN a la hora de la siesta, con suma cortesía pero con cierta modorra (sobre todo Damon), y eso que su concierto está previsto para las dos de la mañana. Entonces ya será otra historia: un jubiloso reguero de hits. Como para dormirse.

¿Habíais tocado alguna vez a las dos de la mañana?

(Damon) Creo que una vez tocamos en Atenas a las cuatro de la mañana.

(Graham) ¿De verdad?

(Damon)¿No te acuerdas? Hace mucho, mucho tiempo. Hacía muchísimo calor. Tuvimos que aguantar hasta esa hora. A las dos ya es un poco ridículo, pero a las cuatro…

(Graham) No sé qué se hace en estos casos: ¿duermes un poco antes o aguantas despierto hasta entonces?

Bueno, yo creo que es mejor aguantar sin dormir hasta el concierto.

(Graham) No dormir nada, ¿no? [risas].

(Damon) Bueno, igual una pequeña siesta a última hora de la tarde viene bien. ¿Qué haría un auténtico catalán en esta situación?

Yo creo que no dormir nada.

(Damon) ¿Y qué hacer en todo ese tiempo?

Bueno, ver conciertos, por ejemplo. Al menos en mi caso. Por cierto, que en vuestros últimos conciertos solo tocáis un par de canciones del disco nuevo, “The Narcissist” y “St. Charles Square”. ¿Es porque pensáis que no es fácil combinarlos con vuestros clásicos? ¿O porque pensáis que, al no haber salido el álbum aún, el público no va a estar familiarizado?

(Damon) Créeme, estaría más que contento

Mde tocar el disco nuevo. Pero tenemos mucho material. Es todo un mundo, en cierto sentido. Y el mundo ha cambiado tanto… Las canciones de “Modern Life Is Rubbish” (93), o “Leisure” (91) o “Parklife” (94), incluso las de “The Great Escape” (95), en realidad todos nuestros álbumes, son de la era pre-Internet, diría que casi hasta “13” (99). Es extraordinario, si lo piensas. Un cuerpo creativo entero que tenemos, y aún somos los mismos que entonces. Hay unos Blur antes de Internet y después de Internet. Y luego ya vendrá la Inteligencia Artificial.

(Graham) Creo que es bonito ofrecer pequeñas cantidades para dejar un buen sabor de boca, pero está bien tocar clásicos en un festival, forma parte del juego, y nos prestamos a ello.

(Damon) Yo quiero que la gente se entretenga.

(Graham) Nos gusta ver rostros sonrientes. No confundidos.

(Damon) Estamos tocando bastantes canciones de “Modern Life Is Rubbish”. Es un periodo que estamos recuperando, y nos parece de lo más natural en este momento, porque salió justo antes de que la fama nos transformara. Para nosotros es un lugar interesante en el que volver a estar. Nunca habíamos estado tan relajados sobre el escenario.

(Graham) “Modern Life Is Rubbish” llegó justo antes de que tuviéramos nuestro público.

(Damon) Sí, hay algo ahí.

(Graham) No teníamos ninguna presión en el estudio.

Recuerdo veros por primera vez en Madrid en 1994, en Pachá, una sala para mil personas. Ahora tocáis dos veces seguidas en Wembley. Mirando atrás a aquellos días, ¿no os genera algo de vértigo?

(Damon) ¡No!

(Graham) Para un tipo cincuenta y cuatro años es jodidamente bueno poder hacer

dos Wembleys seguidos.

(Damon) Y para uno de cincuenta y cinco [risas].

(Graham) Cuando tenía veinticinco, era imposible para mí mirar hacia adelante y pensar en cómo serían Blur cuando tuviera cincuenta y cuatro. Hubiera flipado.

(Damon) Hubiera sido horroroso pensarlo.

(Graham) Pero, al mismo tiempo, los conciertos que estamos haciendo ahora hubieran supuesto un pensamiento confuso para

“El mundo debería ignorarnos cuando hablamos de la identidad británica”

Me encuentro con Damon Albarn y Graham Coxon en la terraza del hotel barcelonés que aloja a Blur antes de su concierto en Primavera Sound, justo frente al mar. La excusa es “The Ballad Of Darren” (Warner, 23), su nuevo álbum, pero en realidad la trayectoria del cuarteto que completan Alex James y Dave Rowntree es tan vasta y diversa que eso casi es lo de menos.

mi yo de veinticinco años. ¿Dónde estamos? ¿Tenemos la misma pinta que Simple Minds? ¿Tenemos el pelo enmarañado? ¿Qué aspecto tenemos?

(Damon) ¿Estamos todavía aquí?

(Graham) Creo que somos muy parecidos a lo que hemos sido siempre.

Tengo la sensación de que “The Ballad Of Darren” es muy distinto a “The Magic Whip”. ¿Sentís la necesidad de hacer siempre un disco muy distinto al anterior? Creo que el único que no respondió a eso fue “The Great Escape”.

(Damon) Porque lo hicimos mientras estábamos aún promocionando “Parklife”, en realidad. Y fue como una versión más paranoide.

(Graham) Sí, veníamos de ahí.

(Damon) Es un gran error grabar un álbum mientras estás experimentando niveles insanos de fama y notoriedad. No es bueno. No te induce a… Y creo que hicimos

blur La nostalgia es un lujo

un buen trabajo, teniendo en cuenta las circunstancias. Pero eso de estar haciendo música y saliendo continuamente y tomándote… Son experiencias ridículas.

—¿Es mejor dejar más tiempo entre un disco y el siguiente?

(Damon) Es necesario, no mejor.

Es la primera vez que James Ford produce un disco de Blur, aunque ambos ya habíais trabajado previamente con él. Tú, Damon, en Gorillaz. Y tú, Graham, en The Waeve. ¿En qué medida ha mejorado vuestra música?

(Damon) Creo que para Graham y yo es fantástico tenerlo en el estudio. Para todos, en realidad. Es capaz de ilustrar lo que todos queremos, pero tocando cada instrumento si es necesario. ¿Sabes lo que quiero decir?

(Graham) Nos ayuda mucho de un modo exploratorio. No es un papá, no ejerce esa

figura de padre.

(Damon) No, es parte de la banda.

¿Os gusta su disco?

(Damon) No lo he oído. No lo he oído aún.

(Graham) Es bueno, es interesante. Para mí es muy interesante porque yo grabé en el mismo espacio, en el estudio que tiene en lo alto de su casa, y el sonido me resulta muy familiar. Escucho con mucha atención sus producciones, y lo que me gusta de él es el sonido que extrae de los instrumentos de viento y madera, y el de la batería, que es buenísimo.

(Damon) Sí, es brillante con las baterías.

¿Creéis que todos los proyectos que mantenéis al margen de Blur son una influencia decisiva cuando os juntáis de nuevo para grabar otro disco?

(Damon) Por supuesto.

(Graham) Y también en sentido contrario. Podemos probar cosas nuevas en nuestros

3otros proyectos, pero también probarlas en Blur, donde siempre hay hueco para desarrollar eso para lo que estabas esperando una oportunidad. Incluso desde hace años. No puedes forzar las ideas sonoras, tienes que esperar la oportunidad. Blur siempre ha sido un buen sitio para eso, porque combina muchos sonidos y enfoques distintos, en realidad. Diferentes tipos de música dentro de la misma banda.

Entiendo que no siempre esas diferencias han sido fáciles de conciliar, y creo que eso se ha visto en algunos giros radicales de sonido a lo largo de vuestra carrera. ¿Os sentís como una familia, en la que al final importa más lo que os une que lo que os diferencia?

(Damon) Absolutamente. Por supuesto.

(Graham) Hemos tenido diferencias, pero en realidad no tienen nada nuevo si miras a tu alrededor y las comparas con las diferencias que cualquiera de nosotros puede tener con quienes nos rodean, no digamos ya en Inglaterra [risas].

¿Os resulta fácil mantener la ilusión?

(Graham) Creo que hablamos de gente que está al servicio de la música que hace, y no importa lo que ocurra alrededor. Eso es lo que nos preocupa, al máximo. Y es lo que ocurre entre Damon y yo. La música es la que dicta las normas.

(Damon) No nos interesa nada más, ni nada de los que los demás hayan podido hacer, cuando estamos en el estudio. Solo nos concentramos en una cosa. El resto es irrelevante. Y tiene que ser así. De otro modo, no llegarías a ningún lado.

En muchos países aún se habla de Blur como una banda de britpop, cuando habéis explorado muchas otras sonoridades, procedentes de muchos otros puntos geográficos, a lo largo de vuestra carrera. Quizá como pocas bandas.

(Damon) No me importa. Solo pienso en nosotros como una banda.

(Graham) Creo que la gente está por fin empezando a vernos como nosotros mismos lo hacemos. Intentamos darle sentido a la vida en el momento. Ha sido así siempre a lo largo de nuestra carrera. Sobre cómo reaccionamos ante el mundo y ante nuestras vidas en cada momento. Y no tiene que ver con movimientos musicales, ni con el britpop ni con ideologías que podamos compartir con otros grupos. Siempre ha sido así. Nos han llamado banda britpop, y a mí un guitarrista britpop, pero esa es una visión muy limitada. ¿Qué significa eso?

Por suerte, nuestra longevidad ha probado que, por mucho que hiciéramos la mayoría de nuestros discos en los noventa, no tiene por qué ser britpop. El britpop parece una empalagosa y desesperada forma de… (Damon) No tiene nada que ver con nosotros.

Para la prensa fue bueno… (Damon) Fue muy bueno para la prensa, pero es que siempre hemos tenido esta obsesión en nuestro país, para lo bueno y para lo malo, con nosotros mismos. Somos una isla que se mira mucho el ombligo. Y desafortunadamente, cuando la imagen que nos devuelve el espejo es la del Brexit, también nos obsesionamos con ello. Yo recomiendo a todo el mundo que nos ignore cuando empezamos a hablar de la identidad británica. Es una isla insegura.

Os iba a preguntar por eso. Entrevisté a Paul Simonon cuando salió el último disco de The Good, The Bad And The Queen, y me decía que estaba muy marcado por esa Inglaterra que, lejos de Londres, en ciudades mucho más pequeñas y en ám-

bitos rurales, había optado mayoritariamente por el Brexit. No sé si en Blur queda algo de ese deseo de plasmar, de algún modo, esa realidad sociocultural.

(Damon) Sí, por supuesto. Está en este disco también. Pero es un disco al que nunca podrías llamar britpop, ni de coña.

(Graham) Somos ingleses, y eso se tiene que notar en todo lo que haces.

(Damon) Y aún estamos tambaleándonos por toda esta travesía del Brexit. Una decisión desastrosa, de la que yo no he formado parte.

¿Crees que el país sufrirá las consecuencias?

(Damon) Las está sufriendo ya. No hay nada más estúpido que alienarte de tus vecinos más próximos. Y dudo que económicamente tenga nunca algún sentido: ¿por qué dejarías de comerciar con tus socios prioritarios? Hay tantas razones por las que no tiene sentido… Yo me disculpo en el nombre de toda la gente que no votó a favor del Brexit.

¿Hay algún disco de Blur del que os

“

“No nos gusta cuando hay guitarras pero no hay sexo”

sintáis especialmente orgullosos?

(Damon) Sí, seguro.

¿O quizá un disco que debería haber tenido más visibilidad, puede que “Modern Life Is Rubbish”?

(Damon) Sí, ese mismo.

(Graham) Creo que con ese disco estábamos buscándonos a nosotros mismos.

(Damon) Sí.

(Graham) Hay algunas canciones que grabamos nosotros mismos, sin productor, que finalmente entraron en el disco, que no utilizaban esos trucos de Madchester ni nada por el estilo, empleábamos loops de batería y nos estábamos liberando, concentrándonos más en las estructuras de las canciones, más al estilo de la vieja escuela pop. Fue divertido el inicio de los noventa. La música que sonaba en Top Of The Pops y todo eso, vieja música rave que aún sonaba… Fue como un agujero entre lo que fue Madchester y el despegue de lo que luego fue el britpop. Nosotros estábamos intentando averiguar quiénes éramos en ese pequeño espacio. En “Modern Life Is Rubbish” estábamos en el camino a “Parklife”,

en el tren que nos conducía ahí. (Damon) Creo que también es bueno que hayamos estado parados como Blur tanto tiempo, porque en la naturaleza cíclica de la música pop, y de la moda, la música de guitarras se está poniendo nuevamente de moda, y podemos volver a destacar.

Aquella primera mitad de los noventa, como decías, fue un territorio de nadie en Reino Unido, ¿no?

(Graham) Así fue. Escuchábamos músicas muy diferentes, como hacen los chavales hoy en día. Lo que fuera. Wire, Pink Floyd, punk, psicodelia, Julian Cope, cosas de los ochenta… Todo eso nos influenciaba. No podíamos buscar material a través de Spotify y sus algoritmos. Tenías que encontrarlo en tu propia colección de discos o en las de tus amigos. No era tan fácil como ahora. (Damon) Tenías que ir a buscarlo todo de forma activa, sobre todo aquello que estaba más oscurecido.

¿Escucháis música nueva últimamente que os impresione?

(Damon) A mí me gustan los que son inte-

ligentes, como siempre. Bandas como Yard Act o Wu-Lu.

Yard Act tocan hoy.

(Damon) ¿Yard Act?

Sí, creo que a las siete de la tarde. (Graham) A mí me gusta el disco de Jockstrap.

¿Creéis que hay una buena generación ahora en el pop británico?

(Damon) Sí. Eso parece. Creo que habíamos pasado por un periodo horroroso en cuanto a música punk de guitarras.

(Graham) No me gusta cuando hay guitarras pero no hay sexo. Cuando no parece que haya ninguna raíz.

(Damon) Cuando se convierte en horriblemente genérica, es horroroso. Te hace huir en cuanto ves una guitarra.

(Graham) No aporta nada nuevo, y es triste. (Damon) Está cambiando.

¿Creéis que, a malos tiempos, socioeconómicamente hablando, mejores grupos?

(Damon) Por supuesto.

(Graham) Aunque ahora no puedes irte a Londres y tratar de vivir allí, es muy difícil. (Damon) Vivíamos en squats en los ochenta. (Graham) Los alquileres eran más baratos. (Damon) También tiene que ver con la destrucción del sistema de educación de las escuelas de arte en nuestro país. No todos los que iban se convertían luego en artistas brillantes, pero todos sentían esa llamada para estimular su libertad creativa. (Graham) Aprendías a desarrollar ideas. A trabajar en ellas.

¿Cómo os sentís en España y cómo veis a su público?

(Damon) Está en pie hasta muy tarde. (Graham) Creo que son…

(Damon) Muy apasionados. No muy diferente al público sudamericano.

(Graham) Es muy agradable tocar aquí, te hace feliz ver al público.

(Damon) Les encanta cantar. Eso es fantástico.

Incluso aunque no sepamos lo que estamos cantando, a veces.

(Damon) Me encanta eso, de verdad. Una multitud cantando es alegría pura. c.p.z.

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GINEBRAS EN GIRA S

EGURAMENTE SI ESTÁS LEYENDO esta revista, conocerás la película de Cameron Crowe, “Casi famosos” (“Almost Famous”, 00). Exacto, esa en la que un adolescente se va a cubrir la gira de una banda de rock, en la que se encuentra que las mujeres solo tienen cabida como interés romántico, musas, paño de lágrima, apoyo en la cama, monedas de cambio con otras bandas, y poco más. Vaya, lo que vendría a ser: “groupies”. Al púber, todo eso le importa poco. Hace lo suyo, escribe un artículo larguísimo justificando las capulladas de la banda y romantiza cualquier exceso, o abuso, en pro del ROCK. En cambio, a mí sí que me importó, me cabreó. El único papel que podía soñar tener como chica en el estrellado mundo de la música, era el de Bratz florero. Hasta la voz de un chaval de quince años importaba más que la de una mujer hecha y derecha. Por suerte, la película está ambientada en los setenta, y de eso, hace mucho tiempo, y muchas tías que se han plantado, y han dicho “yo también merezco un trozo de este pastel”. Ya no se trata únicamente de estar en la gira, o revolotear cerca de la música, sino de ocupar los puestos de manager, tour manager, backliners, sonido, luces, monitores y hasta el de quienes retuercen las cuerdas cada noche y aporrean la batería para enloquecer a miles de personas desde lo más alto de un escenario. Han sido ya muchas las mujeres que han luchado para demostrar que merecemos estar también ahí. Y eso es exactamente lo que Ginebras hacen desde 2019, ganarse su sitio a base de bolazos. Cuatro años después, se enfrentan a su mayor gira hasta el momento, en la que ocupan los mejores slots de los festivales nacionales. ¿Pero cómo es vivir una gira de estas dimensiones? Como cada banda es un mundo, y cada gira un universo, no hay mejor manera de descubrirlo que unirse a ellas. Así que sin más dilación, hoy seremos la quinta Ginebra.

CUANDO SE VISUALIZA la vida del artista se imagina mucha noche, mucha fiesta. Pero lo que hay, sobre todo, son madrugones. En cualquier parte del estado. Da igual si ha sido el bolo de tu vida, o un desastre, al día siguiente tocará madrugar. Sábado, siete de la mañana. Estoy en un Euromed de camino a Valencia (ciudad en la que tocarán por la noche, en el marco del Festival de les Arts). Lo que me consuela es que Magüi (voz, guitarra y teclados), Sandra (voz y guitarra), Raquel (bajo y coros) y Juls (batería y coros), están haciendo lo mismo desde Palencia (Sonora), donde pocas horas antes habían estado tocando. Su equipo salió a las cinco y media de la mañana para descargar a tiempo. Nos encontramos en el hall del hotel, con nuestros looks de guiris de estar por casa. La energía de Ginebras es como la de las amigas del pueblo que no ves en mucho tiempo. Siempre te sentirás cómoda con ellas. Más preocupadas por mis horas de sueño que por las suyas, me cuentan su itinerario del día y que esto de llegar escalonados ha sido algo excepcional. (Sandra) “Siempre viajamos todos juntos, furgoneta y camión. Somos de hacer mucha piña. No hay nadie más importante que nadie en este equipo, pero esta noche necesitábamos dormir algo más. És un bolo muy importante”. (Magüi) “Ayer nos fuimos a dormir a las doce. Desde la cama oíamos aún el festival, y menudo FOMO. Pero teníamos que descansar. Aunque luego nos quedamos mirando un programa de sectas en DiscoveryMax. Hacemos mucho esto, lo de ponernos programas para desconectar antes de dormir”. Al poco llegan Raquel y Juls y nos vamos hacia las pruebas de sonido.

NOS RECOGE EN LA FURGONETA Clara, su road manager, y la persona que te gustaría que gestionara tu vida. Cada una con su sitio asignado, cotilleamos un poco de la vida y llegamos a los treinta grados del recinto. Para alguien que solo entra cuando está petado de gente, caminar por ahí se siente como estar en un espacio liminal. Ni un alma. Pero es subir al escenario y notar el torbellino humano. (Sandra) “En esta gira somos doce personas en total en el equipo. Llevamos a nuestro propio técnico de sonido, monitores, backliner, y nosotras. Se nota muchísimo

Ginebras están viviendo un año intensísimo por lo que a conciertos se refiere. Y lo que les queda, porque todo el mundo quiere saltar al ritmo de las canciones de “¿Quién es Billie Max?” (Vanana Records, 23), su segundo álbum. Nos fuimos con ellas de festival para ver cómo es su vida en la carretera.

texto Eva Sebastián fotos Liberto Peiró

la diferencia. Antes, toda esta previa de descargar y acomodar los instrumentos iba de nuestra parte. Y es verdad que ahora hemos subido de caché, pero nosotras acabamos cobrando prácticamente lo mismo porque hemos crecido y hemos decidido contratar a más gente”. Empieza a sonar a todo trapo “Your Love Alone Is Not Enough” de Manic Street Preachers. (Juls) “Diego, nuestro técnico de sonido, siempre pone esta canción y cuando él tiene claro cómo va a sonar todo, empezamos a probar nosotras”. Me doy una vuelta intentando no estorbar y veo como están montando una estructura gigante a sus espaldas de ¿una montaña rusa? (Sandra) “Se nos fue un poco la olla con esto [risas]. Es el primer día que vamos a montar entera la montaña rusa de neones. Lo intentamos una primera vez pero algunas de las conexiones fallaron, así que hoy va la buena. Si crecemos nosotras como artistas, también queremos que crezca nuestro directo. No podemos plantarnos solo con una lona y nuestros culos bonitos. Hemos invertido todos nuestros ahorros en esto porque creemos en nuestro proyecto y tenemos que dar espectáculo”. Juls acaba de probar la batería, que para estos shows está elevada y encuadrada en el looping de la estructura de neón. (Juls) “ Yo

3suelo decir muchas tonterías, pero cuando tengo una idea, es una buena idea. Un día entre risas dije de hacer la montaña rusa de Billie Max, que, por cierto, todas nos la hemos tatuado, con muchas luces que fueran cambiando. Y ahora está aquí y creo que es muy guay, cuando propones algo que acaba pasando”.

REPASAN UN PAR DE CANCIONES, y juntas hacen algún ajuste al setlist. La noche anterior el show quedó corto y tuvieron que dar palique, pero hoy no habrá margen para el error. Dejan sus instrumentos, y Alba, quien está en monitores, recoge las petacas. (Raquel) “En principio queríamos que todo nuestro equipo fueran chicas, pero están muy solicitadas, y luego en trabajos más físicos casi no hay presencia de tías. Pero creo que hemos formado una buena combinación. Además, todos nos respetamos muchísimo. Nunca ningún chico de nuestro equipo nos ha hecho sentir pequeñas, o que no sabemos, cómo ha podido pasar en alguna ocasión con gente que trabaja para los propios festivales”. La prueba de sonido ha sido un éxito. (Magüi) “Ahora cuando venimos a los festivales, o nos subimos a los escenarios, estamos mucho más tranquilas. Sabemos que este es nuestro sitio. Entendemos la forma en la que funciona todo, qué pedir y a quién decírselo. Pero, sobre todo, que podemos hacerlo. Y si queremos hacer tal o tal ajuste no nos pueden decir que no, porque nosotras entendemos nuestros instrumentos y lo que queremos hacer”. (Juls) “Vamos muy seguras a las pruebas de sonido. Ensayamos muchísimo. Incluso bandas con las que compartimos local de ensayo se sorprenden [risas]”. (Sandra) “Cuando preparamos la gira, ensayamos todo el setlist entero de principio a fin cada día. Queremos acostumbrarnos a como suena en conjunto, así podemos detectar mucho más rápido si algo falla”.

EN ESTE PUNTO a todos nos rugen las tripas. Tagliatella time. Les pregunto si están nerviosas mientras esperamos. Para abrir boca, o cerrar estómagos. Yo qué sé, perdón. (Magui) “Bastante, pero creo que irá bien. El año pasado tocamos en el escenario pequeño de este mismo festival y hoy tocaremos en el principal a la misma hora que Vetusta Morla ayer. Es fuerte”. (Sandra) “Para mí además es un recinto especial. He venido aquí de excursión muchas veces con el cole. Y ahora estoy ¿tocando? Es una sensación extraña. Como cuando tienes un lío de una noche, que no es lo mismo ir a su casa y pirarte cuando acabas, que traértelo a tu casa, con tus cosas, en tu espacio. Además hoy estarán mis padres, que ahora se han aficionado a ir a festivales. Me

dicen que por qué no se los descubrí antes”. (Magüi) “Claro, que haya gente que conoces aún pone más nervioso, o que sea un público grande, o incluso que haya gente a la que respetas, músicos, que están en el lateral mirando”. (Juls) “En realidad yo estoy tranquila. Suelo disociar mucho, porque no me lo creo que esté pasando”. (Sandra) “Hay que cambiar el chip cuando estás en un festi, no es lo mismo que en una sala con gente que solo viene por ti”.

NOS DESPLAZAMOS al hotel y descansamos un rato. Me uno a ellas en la sesión de chapa y pintura en su habitación. Me reciben como te reciben tus amigas antes de salir, a medio vestir, en tetas, con la cara a medio hacer, y con toda la naturalidad del mundo. Un despliegue de paletas de sombras, planchas de pelo, neceseres y looks de por-si-acaso. (Raquel) “Solemos hacer mucha vida de hotel, nos juntamos en una misma habitación y hablamos de la gira, de cómo estamos y miramos programas raros en la tele. Nos gusta estar juntas”. (Magüi) “Pero a ver, también hemos aprendido que después de tocar, lo mejor es salir para descargar toda la adrenalina”. (Juls) “La convivencia no es fácil, pasamos muchísimas horas juntas y cuando dejamos de girar nos echamos mucho de menos. Los tres meses de parón antes de esta gira fueron rarísimos. Pero es algo que trabajamos muchisimo. Tenemos una coach que nos ayuda un montón, es super necesaria”. (Raquel) “Hace un par de semanas tuvimos una sesión y yo les saqué un montón de mierda. Pero las cosas se tienen que poder hablar. Nos fue muy bien. Las emociones nos afectan muchísimo, nos mimetizamos muchísimo, cuando una esta triste lo estamos todas”. (Magüi) “Este fin de semana estamos súper bien, has tenido suerte”. Todas nos reímos, pero realmente no sabían el miedo que me daba encontrarlas del revés. Se acaban de preparar, cada una con su estilo, porque el show coordinado será encima del escenario. (Magüi) “En la gira pasada íbamos cada una de un solo color, pero para esta le pedimos a una amiga que nos diseñara tres looks para cada una, muy coloridos, muy Ginebras. Hoy estrenamos el último”. Unas fotitos de promo y de vuelta al recinto.

NORMALMENTE SUELEN LLEGAR un par de horitas antes de su actuación y ven poca cosa antes de su concierto. Pero hoy sobra el tiempo y seguimos hablando. (Juls) “Nos dedicamos a lo que más nos gusta del mundo. Es el planazo que quieres con tus amigos, pero es nuestro curro, aunque subimos al escenario a pasarlo bien”. (Raquel) “Lo mejor y peor de salir de gira al final es hacerlo con tus mejores amigas. Porque todo es mucho más intenso, tanto lo bueno como lo malo”. (Sandra) “No cambiaría esto por nada, pero es verdad que nos perdemos muchas cosas más allá de nosotras cuatro. Excepto Raquel, todas somos de fuera de Madrid y vemos poco a nuestras familias. Por ejemplo, una vez teníamos una fecha justo el día en el que se casaba mi hermano. Fue complicado, al final lo cancelamos y pude ir. Pero cuando son cumpleaños, o cosas más pequeñas, nos lo perdemos”. Seguimos hablando de la vez que tocaron a las dos y media en el Warm Up y estaba petado, de hablar con los fans cuando ambas partes están que

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“No cambiaría esto por nada, pero es verdad que nos perdemos muchas cosas”

FOTO: VIRGINIA BARBERO

no se lo creen o de que es más fácil tener pareja si está metida en este mundillo. Durante este rato interrumpen Amaia, Niña Polaca, Sidonie y, algo más tarde, Diego de Carolina Durante y Ladilla Rusa. Ginebras son un grupo de tías majas, de esas a las que te quieres acercar. (Sandra) “Nosotras entendemos que también podemos dar pereza. Llegamos a los festivales con esa energía de buen rollo a tope, y a veces eso no gusta”. (Magüi) “Pero es que realmente estamos muy contentas y agradecidas de poder estar aquí, de salir a tocar, de conocer a gente”. (Juls) “Luego están los indie-tristes a quienes quizás no les mola nuestra música, pero coincidimos en todos los festivales, y nos conocen y nos dicen que les caemos de puta madre”.

COMO QUIEN NO QUIERE LA COSA, llega el momento de deslumbrar a las 20.000 personas que las esperan al otro lado del escenario. Cada una con su calentamiento, sus nervios, sus tiempos. Escriben una nota detrás de cada setlist, para contarle a quien

EN PORTADA

se la lleve como se sienten. Y al final: un abrazo. Da igual si están enfadadas, nadie se libra del abrazo. Y un grito por cada una, que para ellas es como un rayo de luz. Rito terminado y a tomar el escenario. Me relajo, me doy cuenta de que no hemos bebido ni una sola birra en todo el día. Y mientras destapo la primera lata, esas colegas majas se convierten en unas auténticas estrellas del pop, del rock, y de todo lo que quieran. El público enloquece con cada canción. Se levantan banderas con sus nombres, globos gigantes, confeti… Es como estar constantemente en el clímax de una canción que te gusta durante hora y pico. Euforia en estado puro. Todos los nervios e inseguridades se quedan atrás. La Ciutat de les Arts y les Ciències es suya. Cuando bajan del escenario están prácticamente en shock y se abrazan entre todos, lo han logrado. No voy a decir que se lloró de la emoción, pero quizás se lloró de la emoción. e.s.

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EN CONCIERTO

l Barbastro 01 de julio. Polifonik Sound

l Ponferrada 08 de julio. Planeta Sound

l Castro Urdiales 14 de julio. Festival Sónica

l Benicàssim 15 de julio. FIB

l Aranda de Duero 9-13 de agosto. Sonorama

l Alicante 23 de septiembre. Area 12

l Zaragoza 30 de septiembre. FIZ Festival

l Barcelona 06 de octubre. Razzmatazz 1

l Madrid 12 de octubre. Wizink Center

l Murcia 20 de octubre. Mamba

l Granada 21 de octubre. Industrial Copera

l Málaga 03 de noviembre. La Trinchera

l Sevilla 10 de noviembre. Sala Custom

l Toledo 24 de noviembre. Círculo de Arte

l Valencia 02 de diciembre. Repvblicca

l Almería 09 de febrero. Sala Berlín

l Córdoba 10 de febrero. Impala

l Santiago de Compostela 23 de febrero. Capitol

l Bilbao 13 de abril. Antzokia

FOTO: VIRGINIA BARBERO

FOTO: NABSCAB

FOTO: LIBERTO PEIRÓ

FOTO: RAKELODEL

EL DISCO. RECUPERADO.

Los Paniks The Panik Kontroversy (Biakbat Recordings/ Family Spree Recordings, 2003)

MIRA QUE SE LES VE jovencitos y lozanos en las fotos. Fue justo el disco con el que perdieron la “c”. Ganaron la “k” que les ha hecho míticos. Los Paniks grabaron esto hace veinte años de la mano de Mikel Biffs en los antiguos estudios Chockablock. Lo hicieron en dos días, que se fueron al estudio en el último de la Aste Nagusia y eso se paga. Al Rioja le picaba la garganta y volvió al día siguiente para grabar las voces. Y qué voces. De ultratumba, que te tumban el sentido. El disco suena bien, con un sonido nítido que permite apreciar los instrumentos, saborear el ritmo, renunciar al juicio y someterte a su nervio. Suena a ellos mismos, al eco de ese espacio tenebroso entre el punk, el rock, el garage, el blues y las películas de vaqueros, lo que sea. Todo ahí, prensado sin fresa ni horma. En directo, suenan igual o mejor. Lo digo porque entre los catorce temas de este disco se encuentran muchos que protagonizan su directo actual. Te los describen muy bien en la lista de la contraportada, con esos aforismos ácidos que añadió el mismo tío que se encargó del arte gráfico original y que, por lo tanto, escribió también el texto que viene debajo, porque no fue Alessandro Brissetto, sino un señor con bigote al que luego Los Paniks contrataron como guitarrista. Sí, se fusilaron el “The Kink Kontroversy” de The Kinks, pero estoy seguro de que la mitad fue homenaje y la otra mitad rebeldía juvenil.

TAN. CERCA.

LOS PANIKS SON AHORA cuarteto y entonces eran tres: Rioja a la guitarra y las voces y Patxi a las baquetas, que aún permanecen, y Maribel, bajista original, que ya no está, y a la que Los Paniks dedicaron un reciente epé que también salió con Family Spree Recordings. La Family Spree, acompañados de Music for Panic, nos trae ahora este regalo inesperado: la reedición en vinilo del primer álbum del grupo, “The Panik Kontroversy” Gracias a ello, puedes volver a escuchar trallazos que hoy en día abren y cierran sus conciertos, porque suelen arrancar con “Shot Gun Blast” y recoger con “Alvarez Kelly”, las dos aquí. A mí, además, me ha servido para recuperar alguna canción que, a fuerza de no escucharla, ni recordaba, como esa adaptación que hacen del “His Latest Flame”, aunque ellos se quedan con el subtítulo, “Marie’s The Name”, y sobre todo una “Don’t Care” que me tiene subyugado con su rugoso fulgor, tanto o más de lo que ya me tenían “She’s My Witch”, “Back To Nature” o “Blue Moon”.

PUES ESO, QUE SÍ, que se les ve jovencitos y lozanos en las fotos, pero que no. Que no han vuelto. No han vuelto porque no se fueron nunca. Estas canciones que se recuperan aquí no se habían perdido, porque han seguido vivas en sus directos. Puede que suenen distintas, pero son igual de arrolladoras y afiladas que las originales, que podemos disfrutar ahora gracias a esta reedición. holden fiasco

RR Mikel Izal presenta “La Fe”, primer single del que será su álbum en solitario, inicio de una nueva etapa, que verá la luz a finales de este año. En la producción de este tema, ha vuelto a colaborar con Santos & Fluren (Blind Records). Los vientos y las cuerdas han sido grabados en Londres bajo la dirección de Brett Shaw.

RR Gerard Alegre, líder de la formación catalana El Último Vecino, no solamente escribe y canta en su nuevo single “Matadora”, sino que esta vez también se encarga de dirigir el videoclip. Es el tercer adelanto del que será su próximo álbum.

RR El nuevo single de Marta Movidas es “Rosquilla de Canela”; una canción que dedica a su mejor amigo, en este caso su desaparecido perrito Tomi.

RR Habla de Mí en Presente siguen adelante con su gira, pero todavía tienen tiempo para colaborar en “Quiéreme” con sus amigas Maruja Limón

RR Chico Blanco –es decir el joven Pablo Cobo– lleva su propuesta a nuevos terrenos con “Enamoradode”. El granadino nos presenta este single junto a un remix firmado por el venezolano DJ Babatr.

RR Besmaya, el dúo formado por Javi Echávarri y Javi Ojan, iniciaron el pasado 29 de junio su “Tour Distendido” en Asturias. La gira, que incluye casi veinte fechas ya confirmadas, les llevará por todo el país y tiene como plato fuerte el 17 de noviembre en la Sala Ochoymedio de Madrid. Te recomendamos que sigas sus redes para tener todas las fechas.

RR Kinder Malo ha publicado “No te mates”, un single en el que glorifica la sanación y nos invita a reflexionar sobre la alta tasa de suicidio juvenil, desde una perspectiva muy personal.

RR La banda murciana trashi ha sido seleccionada por Apple para convertirse en la nueva representante del proyecto para artistas jóvenes Up Next España. MS

FOTO: ARCHIVO

María de Juan Nuevo encaje

“Dramática” (Son Buenos, 23) apunta a uno de los discos del año venidos del sur, o por lo menos a una de las más gratas sorpresas. Corazón y valentía han llevado a María de Juan, quién si no, a culminar esta audaz reencarnación de la copla en el imaginario sonoro y urbano actual.

EN MARZO DE 2020 a María se le paró el tiempo. Su prometedor debut, “24/7” acababa de salir. Un álbum que paradójicamente hablaba sobre las horas del día y sus diferentes sensaciones, y quien le iba a decir a la granadina que se iba a quedar encerrada con su relato mientras los planes se cancelaban. Como tantos, esas veinticuatro

horas cíclicas en busca de una revelación a María le sirvieron para replantear su vida y su carrera. “Desde SonBuenos, mi oficina, me lanzaron una pregunta: ‘¿Qué música cantas tú en la ducha?’. Y yo respondí que copla. Sin embargo, nunca me había atrevido a acercarme al folclore, le tenía mucho respeto”. Afortunadamente era el momento propicio, la pandemia, para afrontar retos y romper algún tabú. “Pensé que tenía que dejarme de prejuicios, de miedos y de academicismos, que la copla era la música de la calle y que no necesitaba ningún máster en folclore ni pertenecer a una familia de renombre artístico. Tenía que ser yo y darle al género mi perspectiva de mujer de veintiséis años de este siglo”. El destino estaba ahí, y sí, María de Juan, hija de actor, es también sobrina nieta de Gregorio García Segura. Los hermanos García Segura compusieron para Sara Montiel, Lina Morgan, Raphael y su libro

RR Los fans de Oasis empiezan a reclamarle a Liam Gallagher que cumpla su promesa de reunir al grupo si el Manchester City ganaba la Champions League. Y eso ya ha ocurrido. Así que ya sabéis, a exigirle que cumpla lo prometido.

RR Justin Broadrick (Jesu, Godflesh) se suma a “Interpolations”, proyecto colaborativo de Interpol en el que invitan a diversos artistas a reinventar los temas de “The Other Side Of Make-Believe” Broadrick le da la vuelta a “Toni” desde la perspectiva de Jesu.

TAN.LEJOS

RR Fallece por causas no desveladas John Rowan, quien fuera batería de Urge Overkill en su época de mayor éxito entre 1991 y 1995 aproximadamente). Lo hacía bajo el nombre de Blackie Onassis.

RR El festival estadounidense de EDM Beyond Wonderland, que se celebraba el fin de semana del 17 y 18 de junio en Washington y en el que actuaban artistas como Afrojack, Marshmello y muchos otros, tuvo que

The Reytons Definiendo el rock and roll

¿Puede un proyecto autogestionado clavar su bandera en los primeros puestos de éxito? Hablamos con Jonny Yerrell, vocalista y líder de The Reytons, sobre la rotunda y unánime acogida de “What’s Rock And Roll?” (Autoeditado, 23).

SE DICE RÁPIDO, pero “What’s Rock And Roll?” llegó al número uno de álbumes en Reino Unido, deslumbrando en las manos de sus autores.

“Para una banda sin financiación externa ni sello discográfico, esto ha sido una auténtica locura,” celebra el británico. “Lo hemos logrado gracias a la gente, que son quienes han comprado el disco de forma masiva y en medio de un clima económico tan duro”. No todos los días se ve a una banda independiente guisárselo y comérselo con tanto acierto, pero Yerrell tiene presente el sacrificio que ha habido detrás del éxito. “Como artista auto-gestionado, no solo te tienes que preocupar de ser un buen músico, sino también de ser contable, mánager, promotor, director de arte…”, reconoce el cantante. “Nos ha llevado mucho tiempo, pero podemos

enorgullecernos de sentir que controlamos todo lo que tiene que ver con la banda, y en cierto modo sentimos que hemos abierto la puerta a que muchas bandas jóvenes trabajen de forma independiente”.

Y ES QUE SU “What’s Rock And Roll?” es un ejemplo inspirador de lo que supone invertir en la autogestión musical. “Lo más grande que nos ha pasado recientemente fue poder dar un concierto en nuestra Rotherham natal, con más de cuatro mil personas. El beneficio que sacamos de aquello fue destinado íntegramente a la financiación de nuestro último álbum”,

cancelarse después de que un tiroteo en su zona de acampada dejase dos muertos y tres heridos de diversa consideración.

RR “Catastrophic Metamorphic” será el álbum de debut de Deaf Charlie. Se trata del proyecto compartido entre Jeff Ament (bajista de Pearl Jam) y John Wicks (batería de la banda de rock bailable Fitz And The Tantrums). De momento han compartido el single “Losing My Mind” y anteriormente “Something Real”.

RR Duff McKagan lanzará un nuevo disco en solitario. Llevará por título

de partituras fue el primer documento con el que iniciar un trabajo de campo de tres años, que bien podría convalidar ese máster. Lo tenía todo entonces. “El primer año fue de estudio, de investigar. Porque hay que estudiarse las reglas para después romperlas. Y me di cuenta que a la vez de escuchar mucha copla, también estaba escuchando mucho reggaeton y mucho trap, y me llamó la atención, porque no me chocaba. Pensé que no era por casualidad, que la copla era la urbana de su tiempo. Una música que estaba conectada con las plazas, con los barrios, con la censura y por eso pienso que hay esa conexión con el techno, con las raves, con el reggaeton, el trap...”. A todo esto, añadimos que María de Juan se une a esa corriente de artistas que han encontrado en sus raíces y en su entorno cercano una respuesta inspiradora, desde Dani Llamas a Carmen Xía, desde Compro Oro a La Plazuela. “Creo que después de cada colapso surge un movimiento. Después del Covid hay un empoderamiento de las raíces de uno, en nuestro caso del folclore. En resumen, una búsqueda de nuestra identidad. En este disco yo me he encontrado a mí misma, en lo artístico y en lo personal”.

“Lighthouse”, verá la luz el 20 de octubre y contará con colaboraciones de lujo como las de Iggy Pop, Jerry Cantrell, Abe Laboriel Jr o Slash, su compañero en Guns N’ Roses. El músico lo describe como “un favor que da luz a la oscuridad de los momentos de la vida en los que uno siente la caída de todo lo que le rodea”.

RR Anohni vuelve con The Johnsons para publicar un nuevo álbum, “My Back Was A Bridge For You To Cross”, que verá la luz el próximo 7 de julio. En el tema “Sliver Of Ice” rinde homenaje a su amigo y mentor Lou Reed MS

apunta Yerrell. “Tenemos claro que todo lo que sacamos de la banda va destinado a la financiación de la misma. No nos verás llevando ropa de marca ni conduciendo coches lujosos, precisamente. Trabajar así es muy sacrificado, pero al final del día tenemos claro que lo estamos haciendo bien”. Su reconocimiento llega en un momento en el que la música de guitarras se defiende como gato panza arriba, según confiesa el propio Yerrell. “Me da igual que el rock and roll ocupe los primeros o los últimos puestos de los rankings, siempre y cuando al menos siga existiendo”. Pero lo que el líder de The Reytons sostiene es que su buena acogida se debe principalmente a la transparencia de su discurso. “Somos una banda a la que le gusta contar historias de verdad y por ello nos inspiramos en

EL CONCEPTO de “Dramática” está claro. Extraer de la copla ese contexto suburbial para poder conectarlo formalmente con los géneros actuales y que el relato fuera actual. Por otro lado, una conexión intergeneracional, porque esos lugares comunes tampoco han cambiado mucho. Luego están las letras. “Uno de los elementos principales de la copla que he querido llevarme a mi terreno ha sido la manera que tenían que escribir, letras muy directas pero con muchos mensajes ocultos o velados para evitar la censura. Ni que decir tiene que en mis letras también hay mensajes que me los guardo para mí [risas]”. arturo garcía

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personas reales. El posicionamiento de un artista es lo que le diferenciará de ser un producto. Para algunos, la cosa va solo de vender discos y hacer dinero. Por supuesto, a nosotros también nos interesa ganar dinero pero también queremos contar historias reales. Estoy convencido de que lo que nos ha permitido tener éxito es ser tremendamente honestos”. fran gonzález Más

“Hay que estudiarse las reglas para después romperlas”

“Lo que nos ha permitido tener éxito es ser tremendamente honestos”

l Ojén 01 agosto. Ojeando l Bueu 05 agosto. Son Rías Baixas l Guadalajara 01 septiembre. Gigante Festival

l Benicàssim 15 julio. FIB

l Tenerife 18 agosto. Phe Festival l Miranda de Ebro 01 septiembre. Ebrovisión

Riders Of The Canyon

LA IDEA DE CREAR Riders

Of The Canyon empezó a coger forma en 2017. Se cumplía el primer aniversario de la discográfica

Great Canyon, y ya por aquel entonces, David Giménez soñaba con juntar a Joana Serrat y a Victor Partido en un mismo proyecto. Más tarde se sumaron a la ecuación Matthew McDaid y Roger Usart. Todos ellos son músicos contrastados que han llamado la atención con sus trabajos individuales en discos de folk-rock muy bien recibidos por la crítica especializada. De alguna manera, se estaba armando un súper grupo que ahora tiene como fruto su esperado disco de debut. Como consecuencia a los constantes viajes de Joana Serrat para tocar en cualquier lugar en el extranjero y grabar sus discos en Estados Unidos, su agenda de contactos ha crecido, Tanto es así, que muchos de ellos han accedido a participar en el disco y con ello la calidad de sus grabaciones ha ganado todavía más enteros. El listado es de los que quitan el hipo: John Morgan Askew (Sera Cahoone, The Delines) y, como dice Joana, los chicos de Denton (Joey McClellan, Mckenzie Smith, Jesse Chandler). “La verdad es que me siento muy afortunada de la riqueza humana y profesional que ha traído consigo mi carrera artística. Creo que este nexo que nos unía, de recíproca admiración, de respeto por todas las partes y, sin lugar a dudas, que las canciones y el proyecto les gustaran lo suficiente como para implicarse, ha facilitado que quisieran formar parte de este disco”, comenta Joana Serrat.

EL INICIO DEL DISCO con “Master Of My Lonely Time” tiene el sello indiscutible de cada uno de ellos, con ese muro de guitarras y esas melodías tan reconocibles. “Yo la hubiera colocado la segunda, pero David quería el pepino empezando el disco, a lo ‘Smells Like Teen Spirit’, y no dejar títere con cabeza. Está claro que debía ser el primer single”, dice Víctor Partido. “La verdad es que tanto Joey como Mckenzie me tienen las medidas bien tomadas [risas]. La canción la compuse a piano y tenía un tempo lento y muy melancólico. Matthew me sugirió que la llevásemos al terreno The War On Drugs y me pareció una idea genial. Así se lo comuniqué a McClellan y a

Riders Of The Canyon o cuando la suma de los factores altera el producto. Joana Serrat, Matthew McDaid, Victor Partido y Roger Usart juntos solamente podían crear un equipo ganador. Y “Riders Of The Canyon” (Great Canyon, 23) nos lo deja claro.

texto Toni Castarnado foto David Giménez

Maestros del folk

Smith y el resultado me encantó. En cuanto toda la banda lo escuchó fue unánime la respuesta de que tenía que ser el primer single.... Me pareció bien. En cuanto al tracklist, David puede ser muy persuasivo así que, ni me paré a discutirlo”, corrobora Joana Serrat. Aunque la figura más visible es la Serrat, el grupo parte de un concepto muy democrático. Lo demuestra un disco en el que cada canción es un mundo. “Para mí era importante, y aún lo es, no cargar con el peso del grupo y no acaparar demasiado protagonismo vocal. No se trata de que todo quede matemáticamente repartido, pero sí de que no haya duda sobre el hecho de que somos una banda, no otro proyecto individual de Joana Serrat. A la hora de componer, cada uno lleva sus ideas y hace la propuesta. Hemos coincidido en el enfoque artístico y eso es importante. No ha habido ninguna fricción. Creo, además, que tenemos esa gran cualidad de querernos, admirarnos y respetarnos. Lo ves en el estudio y en los ensayos. Cómo nos ha-

blamos, la forma en la que damos nuestras opiniones. Es un lujo poder compartir este proyecto con estos musicazos. Les admiro mucho y aprendo mucho de ellos. Además, que es siempre un festival del humor, no hay un solo momento aburrido entre nosotros”, apunta Joana.

EL ESPÍRITU de The Traveling Wilburys sobrevuela “Sunrising”, un guiño a su educación musical. “No es premeditado, evidentemente, pero realmente las guitarras de Joey y el tratamiento de producción te remontan a ese rock de 1988. Mi primer disco en vinilo fue ese, por lo que siento un cariño y un respeto muy profundo hacia este álbum. David lo vio –y le dio– un enfoque más Ryan Adams & The Cardinals”. “Wildriver” tiene una patina de country-folk setentero, una faceta que también les sienta muy bien. “Fue una época en la cual estaba descubriendo a fondo el mundo de los cantautores de los setenta como Townes Van Zandt, Guy Clark o

Steve Earle. Está claro que un poco de esta energía roots se filtró en mi inspiración. En su esencia habla de aprovechar las oportunidades que te da la vida y confiar en el curso natural del río que es esta”, matiza Matthew McDaid. Mientras, “Sorrow Song” es un bonito canto de sirena, un dulce susurro ideal para despedir el álbum. “En mi opinión es un colofón ideal para cerrar el disco. Es una canción que tiene algo místico e hipnótico, y a mí me gustan mucho los discos que terminan con piezas más pausadas y evocativas, como si al final te diesen una bocanada de aire, para que lo termines relajado y en paz. Ron Sexsmith utiliza mucho este recurso en sus discos y es algo que me encanta”, confirma Roger Usart. En unas cuantas canciones la letra la firma David Giménez, él es el quinto miembro a la sombra. “David es el alma tras el proyecto. Es una apuesta personal y empresarial suya, y por esa misma razón, amor eterno hacia él. No es un secreto que David, además, es un gran letrista. Y tiene ideas de melodías realmente buenas. Además, sabe ver el potencial incluso cuando alguno de nosotros o todos no lo sabemos ver. Por lo que trabajar con él es un must”, afirma Víctor. t.c.

“

“David quería el pepino empezando el disco, a lo ‘Smells Like Teen Spirit’”

MONDO FREAKO

Christine And The Queens Frecuencia e intensidad

Ay, los discos conceptuales. Complejidad argumental. Personajes que actúan como alter ego. Veinte canciones. Algunas de ellas, suites de más de cinco minutos. “Paranoïa, Angels, True Love” (Because Music/ Virgin, 23) es una sonora peineta a la simplicidad de las escuchas fugaces que parece alentar la era del streaming.

ARTISTAS COMO Héloïse Letissier, nombre real de quien se oculta tras el alias creativo de Christine, o también –desde su anterior álbum– Redcar (de hecho, es este el nombre que aparece en su pantalla de Zoom cuando empezamos a hablar), siguen empeñados en hacer del pop un arte de primera magnitud artística, pese al riesgo que comporta. El músico francés defiende con vehemencia e intensidad un trabajo sumamente ambicioso, gestado con la sombra de la muerte de su madre y con las colaboraciones de Madonna (en tres canciones) y 070 Shake (en dos). “En realidad, este se escribió antes que ‘Redcar les adorables étoiles (prologue)’ (22)”, me aclara, Y cuando le pregunto si no tenía miedo a que su público potencial pueda no asimilar un trabajo tan complejo, su respuesta es rotundo. “No quiero tenerle miedo a nada cuando hago música, ¿por qué iba a tenerlo? Es mi expresión, mi verdad, mi salvación, ahora más incluso que antes: mi momento favorito es cuando recibo esa música como un barco que viene a salvarme, incluso aunque pueda ser exigente con el oyente”, asume. “Sé que este disco es largo, complejo, intenso, pero fue una experiencia tan maravillosa que no podía ponerla en peligro por miedo a nada, ni por un segundo. Es el mejor viaje musical que he tenido. ¿Cómo voy a tener miedo de hacer una música que me estaba salvando el culo? No puedo anticipar la reacción de la gente, y por eso no hago las cosas para complacerla. Es como una relación

de amor: no puedes decirle a alguien que quieres que te quiera, eso no es hacerle ver cómo eres en realidad”, argumenta.

CURIOSAMENTE, las influencias que han moldeado el sonido reptante, sensual y un pelín oscuro del disco no son precisamente de músicos emergentes. Todo esto sale a la luz cuando le pregunto si la música es para él una forma de expresar sensaciones a las que las palabras no hacen justicia. “Amo el lenguaje, pero tiene un límite, y la música tiene la riqueza de las frecuencias de los sonidos, escapa a todo eso porque es muy etérea: una canción puede afectar a tu cuerpo ya solo por su frecuencia”, me comenta, y menciona “el trip hop, la música de Massive Attack y Portishead, también la de Björk, a quien escuché mucho cuando era más joven, o el electro de The Knife y Fever Ray”, como algunos de los nutrientes que han alimentado el molde sonoro de este cuarto álbum. Considera que la música de todos ellos tiene una cualidad “multidimensional, capaz de transmutarlo todo”, y que es, a la vez, “puerta a mi espiritualidad porque no tiene límites: cada vez que intentas limitarla, se hace más grande, siempre te depara nuevas sensaciones”.

EN ESTE PUNTO surge el papel de Mike Dean, productor que ha trabajado con The Weeknd, Kanye West o Beyoncé, y cuyo rol en el disco enciende cierta controversia en nuestra conversación: yo le pregunto por él en cualidad de productor (error de matiz mío: figura solo como coproductor, aunque también se le describe en la nota de prensa –en términos más generales, sin circunscribirlo a este disco– como un “súperproductor”), y él se siente herido ante lo que considera una suposición y no una siempre imprecisión terminológica. Me lo explica: “Mike Dean me escribió en diciembre de 2021 para decirme que deberíamos trabajar juntos, y fue emocionante. Pensé que era alguien que podía proteger mi sonido, en primer lugar, y ayudarme a llevarlo a una nueva altura, porque ambos estábamos obsesionados con grupos como Portishead y esas baterías distorsionadas, pero trabajé yo solo mucho antes en la producción de las canciones, en sesiones que empezaban a las ocho de la mañana”, aclara. En esencia, tampoco creo que sea tan crucial determinar cuál es el reparto milimétrico de funciones cuando nos enfrentamos a un disco de sonido tan reconocible y particular. Pero también entiendo al artista que se ha dejado la piel en él.

DESTACA SOBREMANERA la colaboración de Madonna en tres cortes en los que comparece mediante sendos spoken words. Y por lo que parece fue fluido. Incluso fácil. “Estaba escribiendo el personaje de One Big Eye, que figura en la canción ‘Angels Crying In My Bed’, mientras escuchábamos un poema en Youtube que sonaba como Madonna, y pensé que sería lo mejor, ofrecerle a ella esa parte, porque puede ser la mejor actriz en ese rol”, cuenta sobre su génesis. “Supongo que fue como una carta de amor hacia ella, como un ser mutlidimensional, como una voz que permea en los oídos de todos, el primer ángel con el que hablé, y me respondió muy rápido; en unas horas me entregó una interpretación perfecta”, detalla. A punto de pisar Barcelona –en el momento de nuestra charla– con ocasión del Primavera Sound, reconoce que le gustaría venir a España con más frecuencia. “No he actuado en España lo suficiente, y debería hacerlo más, porque me intriga vuestra energía: cada vez es diferente, es un público muy generoso. A otros públicos tienes que animarlos más, lo cual también forma parte de la conversación. Pero en España te abren el corazón muy rápido”. carlos pérez de ziriza

WALA. WALA.

“Nunca he conocido a nadie de la realeza. ¿Morrissey? Imagino que cuenta como realeza. E Ian McCulloch, él es realeza”

en

Bad Gyal en El Món a Rac1

“Estoy obsesionado con querer ser auténtico. Para mí es encarar cosas que son aterradoras, vergonzosas o difíciles de admitir”

Josh Homme de Queens Of The Stone Age en Consequence

“A lo mejor Cala Vento podría estar en una multinacional, ganando dinero y tocando en el WiZink, pero así estamos bien… y si tiene que pasar, ya pasará, pero a nuestra manera”

Joan de Cala Vento en Muzikalia

“RECOMIENDO ENORMEMENTE

PERDONAR A LAS PERSONAS. HAY QUE HABLAR Y SACAR TODO Y LUEGO CREAR NUEVAS VIVENCIAS Y RECUERDOS. SI NO HACES ESO, TE QUEDAS SUFRIENDO”

Cherie Currie de The Runaways en Rockzone

“Sabía que podía llegar lejos, pero me he dado cuenta de que no hay límites”

Noel Gallagher

NME

“No quiero tenerle miedo a nada cuando hago música”

Israel Fernández Sentir el flamenco

Recorrió los infinitos recovecos del querer en su anterior y sobresaliente “Amor” (20), junto a Diego del Morao. Era su cuarto disco y primero en el que firmó todas las letras. Ahora, con “Pura sangre” (Universal, 23), redobla la sinceridad y nos muestra, sin pliegues ni cortapisas, sus raíces más puras.

texto David Pérez

FLAMENCO a borbotones, quejíos en vena. Nueve canciones en las que vuelve a demostrar que posee un dominio de la tradición jonda al alcance de pocos, además de una voz privilegiada que rezuma sentir propio y valentía a cada paso. “Pura sangre” es honestidad y sencillez a pecho descubierto. “Es un trabajo muy sincero, biográfico, claro, refleja lo vivido, lo personal, con la familia y amigos. Cosas que vivo en la soledad de mi casa, con mis padres, con mis abuelos, cosas que me salen de dentro. Es un disco en el que me he atrevido a hacer lo que siento, siempre lo hago, pero en este quizás más, con gente que yo confío, con músicos como Pional, mi Diego del Morao que siempre está conmigo y yo con él. Hemos dejado ahí toda nuestra sinceridad, sin querer engañar a nadie y tampoco convencer, porque la música no convence, la música transmite”.

Fernández

PODEMOS EMPEZAR por “Soleá de mi casa”, en la que, partiendo de las raíces clásicas, abre nuevas sendas melódicas. “Empiezo que parece por Alcalá, lo que pasa es que yo voy metiendo otros tercios, más melodía, más o menos, no que sea más ni menos, sino que le aporto yo ahí mi corazón”. Se grabó además en una sola toma en su estudio casero, con la inspiración a flor de piel, “con un micro malísimo, en la casa, en una habitación donde tengo los muebles y la tele, y ese día me puse los cascos y salió de una vez, y la dejé ahí; dije, ya no me va a salir igual. La puedo mejorar o empeorar. Así que a mezclarla y que fuera para adelante”. Declaración de principios en los tangos “Caminos y vereas”, con el recuerdo de esos mayores que se rompían las manos haciendo canastas con tiras de caña y vendiéndolas de pueblo en pueblo. “Me acuerdo de que, en verano, mis abuelos se sentaban al fresco y se entretenían, se

ponían a hacer canastas, porque eran cosas que ya habían vivido. En la época de mi padre, me contaba, cuando iban a los campos, a los viveros, a las ciudades… Ahora la cosa ha cambiado mucho, gracias a Dios. Pero, claro, antes era muy difícil, y tampoco hace tanto de esto”.

LA PRODUCCIÓN es otro aspecto interesante del disco, en la que Israel siempre está presente, con Diego compartiendo los mandos en más de la mitad de las pistas, y donde destaca también la figura de Pional, aportando un plus de atmósferas electrónicas y experimentales en varias canciones. “Ha sido una bendición trabajar con él, una persona muy humilde, con una calidad musical increíble, una gran sensibilidad… y con mucha paciencia, que los flamencos somos muy pesados también. Nos ha ayudado en la mezcla, en la producción, aportando ideas…”. Tradición y una cuidada electrónica, dialogando y conviviendo con total armonía, sin complejos ni obligaciones. “Todo tiene épocas, ahora estamos con estas producciones de electrónica, que me parecen preciosas… Pero la electrónica siempre ha estado ahí, no es que sea una cosa nueva de ahora, porque ya los Chichos o Las Grecas, y grupos atrás, ya hacían electrónica. Es verdad que ahora está en auge, y los jóvenes están haciendo maravillas, pero la cosa es aportar, no meter las cosas con calzador. Tanto electrónica, como guitarra o lo que sea, la cosa hay que meterla donde cogen, donde caben, con naturalidad y alegría”.

DEL TORBELLINO DE COMPÁS, casi de cierre, por bulerías, un rayo de luz y energía para seguir adelante, “Despierta”, con el corazón como motor y brújula; a la rumba rompedora “Ni príncipe ni rey”, con otra sobresaliente letra en la que se vuelve a reafirmar como un compositor flamenco de primera, canción en la que parece escapar,

libre, del peso y vaivenes de la fama y de la tradición, incluso de su propia cultura. “Estoy muy orgulloso. Ser gitano es muy bonito, siempre y cuando seas buena persona, en todas las razas, da igual la raza que seas… La mejor raza es ser buena persona, esa es la mejor raza. Después es verdad que hay formas de ser, de costumbres, que a veces, pues yo digo: ‘Dejadme en paz, por favor, no me condicionéis, estoy harto’… Estas cosas que digo en la canción, ‘no quiero ser ni príncipe ni rey’. Entonces claro, muchas veces la gente te condiciona y haces cosas que tú no eres… Es como una queja también a quiero ser libre, pero ¡déjame ya! Cada uno puede hacer lo que quiera, si no se mete con nadie y es buena gente”.

ISRAEL ES UN CREADOR que, pese a su juventud, parte del conocimiento y disfrute por la tradición, para luego añadir su propio sentir. “Yo tengo una frase que dice: ‘para tener personalidad, tienes que tener información, para no caer en la trampa de la repetición’. Porque a lo mejor haces una cosa que tú no has escuchado, y ya la has repetido, por tener poca información, musicalmente hablando. Cuando yo compongo, como yo sé los palos, soy muy aficionado al cante, es mi vida, yo vivo para el flamenco... Entonces claro, cuando yo hago una serrana o una soleá, como tengo la información, tengo la base, tengo el cimiento, sé de dónde viene, pues, a raíz de ahí, me hace el camino más fácil, de adaptar la letra al palo que la quiero llevar… dentro de mi forma de sentir, claro, aportándole algo mío. Eso es lo más bonito y lo más difícil, porque si no esto sería una continua repetición, y la monotonía mata”. d.p.

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“

“Cuando escribo, compongo y canto, no pienso nada, lo hago como lo siento”

l Madrid 26 julio. Teatro Real l Segovia 28 julio. Noches Mágicas de la Granja l Marbella 04 agosto. Starlite Catalana Occidente

MONDO FREAKO

La Trinidad Let’s Groove

Con “Sheriff Playa” (Sonido Muchacho, 23) los malagueños meten los pies en el agua del mar para refrescar su propuesta y, sin dejar de mojarse, vuelven al barrio para seguir chocando con lo que les rodea. Carlangas propicia esa novedad en el sonido de La Trinidad que les singulariza del resto de su generación.

Cuatro oustsiders en un hidropedal chocando contra todo lo que navega a su alrededor para terminar en el chiringuito Sheriff Playa y brindar con Carlangas por un disco del que ya tenían por lo menos el nombre. “A Carlangas le pareció que ‘Sheriff Playa’ era un título que The Clash le pondría a una de sus canciones”. Estaban en el camino, el segundo disco de La Trinidad quería beber en formato litrona de eso, de aquel sonido mestizo que The Clash descubrieron en el Londres de finales de los setenta y que al otro lado del charco Talking Heads encumbraron en su “Remain In Light”

(80). Estamos hablando de ese cóctel entre el suburbio del interior de la ciudad y esa estampa soleada que Málaga transmite al mundo. “Málaga se presta mucho al sol y la playa pero también al bidón y la gasolina. Vivimos en una ciudad cuyo clima obviamente nos determina en nuestra forma de ser y vivir pero también tenemos una realidad que también determina nuestra forma de hacer música”. Y de eso va este nuevo disco que pone distancia con su predecesor en cuerpo y alma. Una distancia con la que Sixto Martín –guitarra y voz– observaba España unos pocos años atrás desde Praga y que inspiró su primer largo con un discurso crítico más macroeconómico. Ahora de vuelta a casa y tras una pandemia que todo lo había reducido a lo cercano el prisma cambiaba, “6,30” era su sueldo por hora y lo primero que le vino a la cabeza para empezar a escribir un disco que iba a versar sobre lo cotidiano. Eso sí, no iba a ser amable. “Soy muy fan de Pulp y me encanta la manera que tiene Jarvis Cocker de hablar de lo cotidiano, así que decidí hablar de eso, pero como la cabra tira al monte dije ‘Voy a hablar del sueldo que tengo’”. Dicho y hecho, porque este disco es fruto de la urgencia, de la necesidad de sacarlo adelante y así se ha fraguado, con bocetos

por terminar sobre la mesa del estudio de Motril (Granada). Eso le ha dado una dosis de autenticidad que les aleja de fórmulas más o menos repetidas entre su generación. Eso, y el groove que tienen las canciones. “Es cierto que llegamos al estudio sin nada terminado, ese era el reto, pero también a nuestro favor la pre-producción. Jorge y yo habíamos trabajado mucho la base de bajo y batería con ese rollo rítmico que queríamos darle al disco, que incluso habíamos machacado ya en los últimos directos. Eso nos permitía improvisar más en el estudio sin perder tiempo”. Apunta Carlos sobre ese sonido del disco en el que prima eso de menos es más y en el que Carlangas ha ejercido de King Tubby agitando los parámetros del delay analógico que, como caja de Pandora, ha impregnado esa atmósfera que les acerca más a Pony Bravo que a Biznaga. Por supuesto que los discos de Novedades Carminha, los que fueron y los que hubieran sido –“Que las palabras broten” si creen que estoy equivocado– han estimulado a un Jorge que ha convertido sus líneas de bajo en una seña de identidad definitiva para La Trinidad. Él habla de un antes y un después. “Hemos encontrado el camino. Este disco ya suena a La Trinidad como identidad. No es que el anterior no

lo fuera, pero este sonido es más propio, donde nos hemos encontrado todos más ensalsaos”. Y es que con este “Sheriff Playa”, La Trinidad zanjan muchas cuentas pendientes, alguna de modo implícito como “La Vieja Europa” y otras de modo tácito como ese espíritu identitario que buscaban y que emana en cada uno de los diez cortes de un álbum que apenas sobrepasa la media hora. Lo dicho, menos es más, pero no menos elaborado. Hay mensajes velados en el disco como el de esa arenga sobresaliente que dice “Aprende a gestionar tus fracasos con nosotros” y del que se extrae una frase prestada del “Still Ill” de The Smiths. “Es cierto que en el disco anterior teníamos una influencia de The Smiths más musical y en este puede que sea una conexión más lírica con ese realismo que me gusta de ellos y de ahí la frase ‘todas las cosas que España me debe’ que viene de ‘England is mine, it owes me a living’ que cantaba Morrissey”. España les debe salir a bailar sus canciones en sus directos, algo que ya muchos de vosotros habéis hecho sin saber todavía que eran las canciones que ahora han visto la luz. “En verdad somos el grupo que peor lleva el calendario. Hicimos una gira y luego sacamos el disco. Pero nos dimos cuenta de una cosa, que la gente sin conocer las canciones no paraba de bailar y nosotros también. Fue un momento de disfrute total y de decir ‘¡Lets groove!’. Esto que hemos hecho mola mucho”. arturo garcía Más en www.mondosonoro.com

TOP VÍDEOS.

QRodrigo Cuevas Casares

Rodrigo Cuevas nos entrega un estupendo clip, dirigido por Jorge Rojas y Magdalena Orellana, cargado de sensualidad rural y simbolismo pagano, muy bien realizado y con una fantástica fotografía.

1

QSkrillex XENA (ft.-Nai Barghouti)

2

Skrillex une sus fuerzas con la cantante palestina Nai Barghouti y nos entrega un impactante clip que resulta ser toda una explosión de júbilo, fuerza y poderío reivindicativo de la mujer en el mundo musulmán a través del cuerpo y el baile.

QCariño

Aún me acuerdo de todo

Esta historia ya la hemos vivido todos y, aunque nos sepamos el final, no significa que no queramos volver a sumergirnos en las burbujeantes y adictivas melodías de Cariño. Una banda que fortalece su propuesta a cada paso.

3

QThe Hives Countdown to Shutdown

Este adelanto hacer prever que el próximo trabajo de los suecos The Hives será un potente regreso tras más de una década de silencio discográfico. Además viene acompañado por un clip que demuestra la fiereza y la rabia del grupo.

4

QRels B

Sin Gato (MIAU!)

Rels B aterriza en un planeta gatuno donde cae bajo las seductivas garras de una gatita muy sexy. Sin embargo, en una pelea de bar le harán saber que no es demasiado bienvenido. MS

5

“Málaga se presta mucho al sol y la playa pero también al bidón y la gasolina”

BURNING SPEAR | UB40 FT ALI CAMPBELL | BARRINGTON LEVY

STEEL PULSE | GENTLEMAN | CAPLETON | ZOO | KABAKA PYRAMID

PROTOJE & THE INDIGGNATION | DON CARLOS | ANTHONY B | INNA DE YARD

JUNIOR MARVIN & THE LEGENDARY WAILERS | YEMI ALADE

L’ENTOURLOOP W/ N’ZENG, TROY BERKLEY & BLABBERMOUF | TIKEN JAH FAKOLY

JOHNNY OSBOURNE | LILA IKÉ | BIGA*RANX | TRUENO

QUEEN OMEGA & THE ROYAL SOULS | MUTABARUKA W/ MAD PROFESSOR & THE ROBOTIKS

THE PIONEERS | WILLI WILLIAMS, LINVAL THOMPSON & LONE ARK

DUB FX FT WOODNOTE | LA FÚMIGA | HOLLIE COOK | PONGO | VANDAL

CIMARONS | LIA KALI | NONPALIDECE | ADALA | JAZ ELISE

GAUDI + DON LETTS FT EARL16 | TRAIN TO ROOTS | JUANTXO SKALARI & LA RUDE BAND

MISS BOLIVIA | LAS NINYAS DEL CORRO | NATIVA | SOM ROMPE PERA

AKABU QUEENS | GULTRAH SOUND SYSTEM | INDUBIOUS | MALUKS | JOYDAN

SISTA ARGIE | BOOM BOOM FIGHTERS & COOKAH P | JAHNERATION

DROP COLLECTIVE | GEO & THE UPRIGHT ONES | LA FRICATIVA SONORA

DUB ACADEMY POWERED BY CHANNEL ONE

STAND HIGH PATROL DJ SET FT JOE YORKE | IRATION STEPPAS

I-GRADE DUB FT MICAH SHEMAIAH | PAOLO BALDINI DUBFILES

BLACKBOARD JUNGLE | ROBERTO SÁNCHEZ | FEMININE HI FI

CLASSIC WONDER VETERANS FT SOLO BANTON | KING ORIGINAL

SCIENTIST SOUND FT JOSEPH LALIBELA, REUBEN GONDAR, MESSENGER DOUGLAS PRINCE JAMO, RAS NICHOLAS

JAH VERSION | RAGGATTACK 20 YEARS FT SUPA BASSIE

INDY BOCA FT DUSTY WATA | VARIEDUB FT TUNELON IRATION | STEPPER ONE

DUB CONDUCTOR | EQUAL SOULS COLLECTIVE | MYSTICAL HI FI LIVE

DANCEHALL CHI CHING CHING | BASS ODYSSEY | KING ADDIES 40TH ANNIVERSARY

CODE RED SOUND | DYNAMQ | FREDDIE KRUEGER | TASHA ROZEZ

LADY LYKEZ | NORTHERN LIGHTS | HEAVY HAMMER ONE LOVE HI POWA

| LAMPA DREAD | DJ LION

CHRONIC SOUND 20TH ANNIVERSARY FT LASAI | PRETTY GANG COLLECTIVE | HUNTIN SOUND

PHONATICS | JEMANI JAHKA | FULLY EQUIPT | NATTY ROOTS | ROUGH TOWN

ENNA MASSIVE | KINGS CROWN | THE 420 SOUND | ILLUMINATTY SOUND FT ABORIJAH

BORSALINO CRÜE | UNRULY YOUTH SOUND | KS DENSJOL & NATTY FRED | DJ LUIZ DUBS

SELECTA NESTA | DOCTA RYTHM SELECTA JUMPING BAJA FREQUENCIA ...

JAMKUNDA STAGE AFROBRUNCH | FOLLOW THE PARTY | THE VOODOO CLUB

DESCUBRE TODO EL CARTEL

7 ESCENARIOS | REGGAE UNIVERSITY | FORO SOCIAL | PACHAMAMA

JAMKUNDA | CLASES DE BAILE AFRO & DANCEHALL | SOCIAL ART GALLERY

ÁREA NIÑOS | TEEN YARD | TALLERES | MERCADO ARTESANO | SUNBEACH CAMPING | RESTAURANTES | MERCADILLO

41/Mondo VINILOS

Youth Lagoon Heaven Is A Junkyard Fat

Possum

POP / Trevor Powers vuelve a casa, ocho años después de su última aventura como Youth Lagoon, decidido a reencontrarse con su particular espacio seguro y a rascar útilmente en la cara interna de algunas de las memorias más crudas, sórdidas e incómodas de su psique. Su voz, rota y ensimismada, vuelve a navegar por una narrativa intensa que trata de hacer nuestros sus recuerdos menos amables, pero también más humanos. A través de relatos que recalan en intentos de suicidio (“Idaho Alien”), relaciones fraternales de amor-odio (“Prizefighter”), o la imaginería religiosa que marcó su infancia (“Deep Red Sea”), Powers trata de convencernos de lo necesario que ha sido para él abrazar la cotidianeidad y sus respectivas imperfecciones. Una catarsis etérea que nos muestra su cara más vulnerable, desprovista de aditivos, y con la que nos hace sentir más cerca que nunca de su verdadero ser. fran gonzález

La catarsis casi religiosa de Sigur Rós

Militarie Gun Life Under The Gun Loma Vista/ Music As Usual

POST ROCK / El primer disco de Sigur Rós en una década presenta una versión especialmente introspectiva y espectral de sus autores, que parecen seres etéreos de sensibilidad extrema llegados de otro planeta y manifestados mediante cantos de sirenas sugeridos entre texturas hipnóticas. El octavo álbum de los islandeses es un disco obsesivamente meditado, que se extiende con pulcritud y clasicismo hasta voltear su propia esencia y sonar turbadoramente contemporáneo y rompedor. Un elepé que se desarrolla entre imágenes de fragilidad extrema (en las que a duras penas consiguen no quebrarse del todo) y las que potencian conscientemente su intensidad, con un punto de ruptura mesiánico que arroja

esperanza sobre esa realidad hambrienta en el que se manifiesta. Un tratado que, en definitiva, deriva en catarsis, apuntando a una experiencia casi religiosa en base al respeto y solemnidad que proyectan todos y cada uno de sus cerca de sesenta minutos de duración. El trío se aproxima a aquella belleza específica que propicia emociones nada convencionales capaces de estremecer almas, con dimensiones paralelas protagonizadas aleatoriamente por post-rock, ambient, avant-garde o dream-pop. Diez temas que incluyen la cinematográfica “Mór”, el barroquismo de “Klettur”, el sencillo “Blóðberg”, o ese tramo final compuesto por “Ylur”, “Fall” y “8, con pulso mayoritariamente introspectivo –por momentos casi embriagadoramente comatoso– y rematando con picos de nervio cuidadosamente erguidos. “ÁTTA” es una experiencia esotérica que, atendiendo a sus consecuencias y exclusividades, reconfirma a Sigur Rós como una de las bandas definitivamente relevantes. Por personal e imaginativa, pero sobre todo porque su música seguirá sanando y, por tanto, no pasará de una moda a la que nunca ha pertenecido. raúl julián

HARDCORE / Militarie Gun es otra de esas bandas de la escena de hardcore alternativo que tan en forma está y que intenta despegarse de lo más testosterónico gracias a una apertura de mente que no hace ascos a las melodías y lo alternativo. Aunque este proyecto fuese ideado y creado por el batería y vocalista Ian Shelton (ex-Regional Justice Center), actualmente es un quinteto que trae consigo “Life Under The Gun”, álbum debut de doce cortes breves y eficaces en los que indie, emo y punk suman frescura a un cóctel con grandes momentos brindados por temas como la robusta y pegadiza “Think Less”, la emocore “Never Fucked Up Once”, “Big Disappointment” o la homónima “Life Under The Gun”. Aun con la sensación de que el camino parezca el correcto, todavía falta algo de empaste para que sus integrantes brillen por si mismos y no a la sombra de Ian. jaime tomé

URBANO / “Casanova” es, al mismo tiempo, el principio de un viaje y el final de otro. Recycled J firma su mejor largo hasta la fecha; inequívocamente brillante, el artista otrora conocido como Cool se ha destapado como uno de los mejores topliners, como uno de los mejores hacedores de melodías y como un escritor realmente hábil. Especialmente brillantes son “Rosas Freestyle”, en la que escuchamos una de las barras del año (“No hay nada peor que deberle un favor a un pijo, si no pregúntale a sus hijos”); ‘Pa no volver”, “Los muertos y las flores” y “Primadonna”. Recycled J se ampara en el amor para dejarnos con un álbum inteligente, valiente y con actitud. Uno de los mejores álbumes de lo que va de año en la escena y la confirmación de que, en este momento de su carrera, es capaz de mantenerse en lo más alto por sí mismo, aupar a los demás y abanderar un género al que le ha dado códigos, estilo y validación. luis m. maínez

Overmono Good Lies XL Recordings/ Popstock!

Janelle Monáe y los placeres del cuerpo

SOUL / Cinco largos años habían pasado desde el excelente “Dirty Computer”, el disco que cerraba la fantástica trilogía que completaban “The ArchAndroid” y “The Electric Lady” y se despedía para siempre de Cindi Mayweather. Ahora Janelle Monáe regresa con un cuarto trabajo, “The Age Of Pleasure”, curiosamente su disco más impersonal y menos variado. Justo ahora que ya ha dejado atrás a ese androide en el que cabían Prince, Bowie, The Jackson 5, Stevie Wonder, Outkast o Janet Jackson, Monáe se ciñe a los placeres del cuerpo y se olvida de la mente, en un disco más corto y con menos estilos de los que nos tenía acostumbrados, y entregando su colección de canciones menos

esencial hasta la fecha. Un buen álbum, eso sí, lo que pasa es que viniendo de la autora de “The ArchAndroid” y “Dirty Computer” suena a pequeña decepción. “Float”, el primer adelanto, abre el disco con los vientos al frente de Seun Kuti y Egypt 80, que serán muy protagonistas en todo el disco, así como la confianza en sí misma y los cantos sobre liberación y placer, principalmente el monotema del apropiadamente titulado, “The Age Of Pleasure”. Entre el resto de canciones destacadas del disco se encuentran “Lipstick Lover”, “Only Have Eyes 4 2” o “Water Slide”, pero, por primera vez en un disco de Monáe, nos encontramos también con canciones de relleno. El disco se cierra con “A Dry Red”, una pieza acústica que nos muestra que esta artista es mucho más amplia de lo que ofrece aquí, una obra más cerrada en cuanto a influencias; vientos nigerianos, sonidos caribeños y música disco; en la que, por primera vez, Monáe no suena esencial. No es un mal disco ni mucho menos, pero un siete tras dos sobresalientes y un notable alto sabe a poco... sergio ariza

ELECTÓNICA / Con varios años de carretera a sus espaldas y el potencial deseo de igualar a otras marcas de referencia contemporáneas del género, los hermanos Tom y Ed Russell demuestran con su debut por qué son uno de los actos en vivo más depurados y sólidos de la nueva electrónica anglosajona. Echando mano de loops, recortes, ensamblajes y modulaciones, a la dupla galesa les termina quedando un trencadís sonoro e inmersivo de lo más competente y diverso, donde se apuesta acertadamente por la carta multigénero (pop, r’n’b, techno, ambient) y las colaboraciones con estrella (Slowthai, Tirzah, Micachu). No obstante, el todo nos demuestra una encomiable valía por su parte que sobresale por encima de colaboraciones y alianzas, y nos demuestra que ésta es la brillante chispa de ignición para la carrera de un par de productores únicos que, por lo pronto, nos han brindado ya el disco del verano. fran gonzález

Janelle Monáe The Age Of Pleasure Bad Boy/Atlantic

POP / Tras la dura transición del nosotros al yo, Carlangas no deja nada al azar en su homónimo debut en solitario y logra firmar una colección breve pero efectiva de todo lo que ha definido la calidad, el buen rollo y la diversidad sin prejuicios de su estilo en los últimos años. Entre huéspedes inesperados de aquí y de allí, el compostelano nos ofrece un viaje por todas las aristas de su ingenio, donde la música sin riguroso etiquetaje desfila entre destellos de sensualidad picantona (“Se acabó la broma”), garajeo guarro (“Regalao”), funky tórrido (“Los dineros”), hiphop de vieja escuela (“O día que volvín nacer”), y colaboraciones que rompen fronteras (“Cae la noche”, con nada menos que Manu Chao). Un fluir entre colegas y birras con espíritu de mañaneo que nos ilusiona, pensando ya en lo que será capaz de seguir ofreciéndonos en el futuro. Esto no ha hecho más que empezar. fran gonzález

INDIE / El segundo disco de un artista suele ser peliagudo, porque has tenido toda la vida para conseguir las canciones del primero pero luego ese tiempo se evapora y tienes que hacer uno nuevo, entonces llega la duda: seguir con el mismo sonido que ha definido el primero o intentar romper con él. En el caso de Arlo Parks se puede decir con seguridad que ha optado por el primer camino, uno espinoso porque si te quedas con el mismo sonido entonces tienes que encontrar canciones a la altura de tu primera obra y “My Soft Machine” no las tiene, está sencillamente un escalón por debajo de su debut, “Collapsed In Sunbeams” (21). Las canciones de “My Soft Machine” van surgiendo de forma agradable, pero no especialmente memorable. Para ser un disco sobre traumas y problemas mentales suena un poco inofensivo como si el título fuera literal, y es que esto no suena a la mítica banda de Kevin Ayers y Robert Wyatt. sergio ariza

Sqürl Silver Haze Sacred Bones/ Popstock!

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Triángulo de Amor Bizarro SED

2 Riders Of The Canyon Riders Of The Canyon

3 Israel Fernández Pura Sangre

4 Cruz Cafuné Me muevo con Dios

5 La Trinidad Sheriff playa

6 Sofia Comas A un pájaro rojo

7 Juancho Marqués Paraíso 39

8 La La Love You Blockbuster

9 Niños Luchando Territorio

10 La Zowi La Reina del Sur

1 Queens Of The Stone Age In Times New Roman

2 Grian Chatten Chaos For The Fly

3 Foo Fighters But Here We Are

4 Sigur Rós ATTA

5 Squid O’Monolith

6 The Hives The Death Of Randy Fitzsimmons

7 Overmono Good Lies

8 Jake Shears Last Man Dancing

9 Beach Fossils Bunny

10 Noel Gallagher’s High Flying Birds Council Skies

Cotton Guest Laws Of Gravity Autoeditado

PUNK ROCK / Después de seis años de ausencia discográfica, Rancid no vuelven con un disco, vuelve con un yunque musical.

“Tomorrow Never Comes” es su décima referencia y la banda de Berkeley no duda en ir al grano: dieciséis temas en menos de veintinueve minutos. Llevando los tiros más al terreno de Lars Frederiksen que al de Tim Armstrong la banda suelta un compendio de canciones de una solidez pasmosa. “Tomorrow Never Comes” abre el disco con una energía vital pura, gracias a su velocidad y la dinámica en la que se alternan las voces de Freeman, Armstrong y Frederiksen. La urgencia reina y deja que destaquen temas como “New American” o “It’s A Road To Righteousness” o la épica “When The Smoke Clears” en las que aflora la melodía recordando a Social Distorsion. Sin duda estas veloces y contagiosas canciones nutrirán el repertorio en directo de una banda fundamental y muy necesaria para el punk rock. adriano mazzeo

ROCK / ¿Se tendría tan en cuenta a Sqürl si no fuera la banda del cineasta adalid de la independencia underground Jim Jarmusch? Aunque la pregunta es pertinente, este “Silver Haze”, su debut largo (no banda sonora), tiene ocho argumentos sólidos para contar con ellos. La alianza de Jarmusch y su compinche Carter Logan con Randall Dunn de Sun O))), encargado aquí de la producción, nos orienta. Así, el arranque siniestro de “Berlin 87” es justo lo que podíamos esperar del triunvirato: ritmo de plomo, guitarras apocalípticas que hacen honor al título de la canción. El disco se mueve, pues, por ese terreno fronterizo entre el rock lisérgico asalvajado de brumas eléctricas, la vanguardia neoyorquina, la psicodelia gótica y el post-rock cinemático. El también cineasta se permite hacer guiños cinéfilos (“Il Deserto Rosso”) y aprovechar su vozarrón para practicar un spoken word espectral en “The End Of The World”. jc peña

POP / Desde hace un lustro se viene hablando de la segunda gran venida del fenómeno riot grrrl en nuestro país, y discos como el debut oficial de Lisasinson nos hacen sentir que, como poco, el punk rock castizo está en buenas manos. Miriam

Ferrero y Paula Barberán encuentran en el frenesí de su último año el fuel y el arrojo necesarios con los que inspirar melodías frescas y contagiosas, llenas de corazoncito y mala baba a partes iguales. La voz de esa amiga que te habla con cercanía (“Mochi”), que comprende la volatilidad del presente (“Cuchillos”), te ayuda a sanar el pasado que más duele (“Los que se pelean no se desean”) y de paso, le suelta una sonora colleja a quien más se lo merece (“Mira Chico”). Entre rabia, despecho y distorsión, Lisasinson firman un buen manojo de temas tarareables con los que sacudir los pogos más enérgicos de este verano.

fran gonzález

PUNK POP / Un adolescente Billie Joe Armstrong sobrevuela este “Laws Of Gravity”, el debut del jovencísimo trío catalán Cotton Guest, desde los primeros compases de la inicial “Devil’s Way”, un corte pegadizo con ecos también a los Dover que arrasaron con todo a finales de los noventa con la publicación de “Devil Came To Me” (97). El parecido con el trío californiano es más que razonable (“Oh I Love Her”, “Plasma Cut”), bien podrían colar como rarezas de la primera época de un trío que ahora llena estadios. Más allá de las similitudes entre ambas bandas, separadas por unos diez mil kilómetros y sobre todo varias generaciones, tiene un mérito enorme lo que ha hecho Cotton Guest, una banda con miembros que acaban de cumplir la mayoría de edad. Sinceramente pocas cartas de presentación con doce temas recuerdo tan sólidas como “Laws Of Gravity” luis benavides

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Lisasinson Un año de cambios Elefant Records

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A pesar de todo, aquí están Foo Fighters

ROCK / Cuando en 1995 apareció el primer trabajo de Foo Fighters resultaba muy tentador buscar respuestas en esas canciones, pero tenías que leer entre líneas para encontrar en esas misteriosas letras de un jovencito

Dave Grohl alguna referencia a la trágica muerte de su querido Kurt. El presente “But Here We Are”, casi tres décadas después, también está marcado por la pérdida reciente de seres queridos: Taylor Hawkins, excelente batería y mejor amigo, y Virginia, su madre. Sin embargo, ahora Grohl ya no esconde sus sentimientos en frases metafóricas; aquí hay reflexiones en voz alta y mensajes diáfanos dirigidos a los que ya no están. Si hay dos composiciones verdaderamente catárticas (y de alguna manera terapéuticas) estas son “Show Me How” y “The Teacher”. La primera es una poderosa balada dream pop en la

que Violet Grohl participa con unos coros celestiales que arropan y buscan el consuelo de su padre. Por su parte, “The Teacher”, dedicada inequívocamente a Virginia, es una ópera asombrosa grunge entre The Cure y Pink Floyd dividida en varios actos que culmina con un espeluznante “goodbye” lanzado a un abismo de ruido blanco. Musicalmente los Foos parecen haber recuperado la pegada y la frescura, pienso sobre todo en los adelantos “Rescued” y “Un-

der You”, algo que algunos habíamos echado de menos en “Concrete And Gold” (17) y “Medicine At Midnight” (20). Y es que, aunque repita el co-productor de esos dos ambiciosos trabajos, Greg Kurstin, esta undécima entr de estudio se asemeja más al último gran álbum del sexteto, el variado e impecable “Wasting Light” de 2011. El título “But Here We Are” no puede ser más elocuente. Esto duele, pero ahí siguen y seguirán. luis benavides

Sofía Comas A un pájaro rojo

FOLK / En esta época en la que impera lo tecnológico, en que las dudas y la pregunta más frecuente pasa por saber qué sucederá con la inteligencia artificial, choca que haya tanta gente joven que apueste por ir a la raíz de las cosas, con el folclore y la tradición como punta de lanza. En ese universo encaja Júlia Colom. De hecho, diría que abre una nueva ventana y, si nada falla, la mallorquina va a destacar dentro de esta nueva ola de artistas. En “Miramar”, Colom combina la cosecha propia y la ajena, con piezas que forman parte del pasado rural mallorquín (“Que m’abrasaba”, “Tonada de segar” y “Tonada de collir figues”). Con el trabajo delicado y exhaustivo del músico de jazz Martín Leitón (ex Seward) en la coproducción e invitados como Pol Batlle, Júlia Colom dibuja un disco en el que no faltan los sintetizadores, básicos para darle más riqueza a canciones como “Ell i ella” o esa “Estrófica” en la que utiliza un fraseo actual y urbano. toni castarnado

RAP / Nanpa Básico regresa con “99,9”, su nuevo EP. El rapero se atreve a regalarnos cinco canciones dedicadas íntegramente a una relación sentimental idealizada e imposible y que cuentan con unos BPM muy bajos. De esta forma podemos descubrir y disfrutar de esa voz tan singular del artista colombiano en unas canciones que están vestidas con muy pocas capas, haciendo que el mensaje de las letras, que van desde lo sentimental hasta lo sensual, cale hondo desde la primera escucha. Cinco temas en los que se atreve a aunar distintos ritmos bajo el cobijo de su voz, de ahí que “Rara” sea una balada, que “Ilegal” sea esa mezcla marca de la casa entre el reggae y el hip hop, y que nos choque la nostalgia al oír “Vuelva y caiga” en la que nos lleva directamente a la época en la que en el rap reinaban esas míticas bases prefabricadas. Una historia breve de amor imposible de un artista que no deja de reinventarse. alejandro caballero

CANCIÓN / Que la música es un elemento sanador es algo que sabemos, aunque haya grados. Para Sofía Comas, la música es un salvavidas. En 2020, “El verano será eterno” le sirvió para superar la muerte de su padre. Ahora, tras un tramo de vida confuso y convulso, saca su mejor arma para enfrentarse al vértigo. No es otra que su capacidad (y necesidad) innata para componer. En “A un pájaro rojo” conjuga universos distintos, huyendo de lo prototípico. En poco más de media hora, y bajo la producción de Mumbai Moon, Comas canta sobre las incertezas de la vida y de las formas en la que podemos resolverlas. Desde la confesional “A un pájaro rojo”, al aplomo épico de “Hasta el alba” y “Esperanza verbena” con sus palmas y la vista puesta en el baile y el amanecer. En “Nunca nunca” se plantea la gran duda, si tirar hacia atrás o seguir adelante, pero “nunca más quedarme aquí”. Y podríamos seguir con “Arrorró” o “La tormenta”. toni castarnado

The Hives The Death Of Randy Fitzsimmons

ROCK / The Hives han tardado la friolera de once años en grabar un nuevo disco –el último fue “Lex Hives” en 2012– y no han perdido sus principales credenciales: su energía desbordante, sus estribillos pegadizos y su fino sentido del humor. Sobre esas bases se sustenta su sonido y su discurso. En “The Death Of Randy Fitzsimmons” está todo lo que cabe esperar de ellos: los riffs entrecortados (“Smoke & Mirrors”), las palmas características (“Crash Into Weekend”) que acaban en un caos a lo The Stooges, los guiños cinematográficos (“Stick Up”), los singles de aúpa (“Bogus Operandi” y “Countdown To Shutdown”), los chutes punk de poco más de un minuto (“Trapdoor Solution”) o los estribillos adictivos (“The Bomb”). Así que no hay mucho más que decir. “The Death Of Randy Fitzsimmons” nos recuerda que a la maquinaria de The Hives todavía le queda mucho combustible y más dinamita. toni castarnado

Júlia Colom Miramar La Castanya

Nanpa Básico 99,9 Autoeditado

El segundo asalto de Squid

POST-PUNK / Los de Brighton son avanzadilla de la penúltima hornada del rock británico joven, en su vertiente post-punk más inquieta. Como otros compañeros de su generación, absorben múltiples influencias de ayer y hoy para crear una propuesta propia en la que no rehúyen el rock progresivo y angulosas inquietudes vanguardistas para dar cuenta de un presente distópico. Todo se plasma admirablemente en un directo demoledor que les muestra como valor seguro. Su segundo trabajo, de enigmático título y curiosa portada, incide en los hallazgos de su debut, quizá sin el mismo elemento sorpresa, pero con abundantes alicientes. Lo cerebral se da cita con lo visceral en una combinación que suele ser ganadora si se hace con la musicalidad de los británicos.

Compuesto básicamente durante la gira de su bien recibido debut, el álbum se inicia con el ritmo hipnótico y las guitarras matemáticas de “Swing (In A Dream)”. “Devil’s Den” les encuentra cómodos en una indefinición melódica que explota al final, mientras que en “Siphon Song” suenan casi a unos Mogwai progresivos, con la voz del batería y vocalista Ollie Judge enterrada en capas de Vocoder. Con “Undergrowth” se meten de lleno en el funk esquinado de estribillo rotundo, mientras que con el extraordinario

single “The Blade” exploran su capacidad de emocionar mediante las sorpresas rítmicas y melódicas, antes de pasar a las atmósferas minimalistas de “After The Flash” y cerrar con los bajos percutivos de “If You Had Seen The Bull’s Swimming Attempts You Would Have Stayed Away”. Lo fascinante de esta hornada de bandas curtidas en el Windmill Brixton de Londres es su capacidad para mutar en mil formas apuntando en casi todas las direcciones, pero sin perderse. jc peña

James Ellis Ford The Hum Warp/ Music As Usual

POP ELECTRÓNICO / Niños

Luchando, el proyecto de Javier Bolívar (ex Aurora), entiende la palabra “territorio” como un conjunto de tierras delimitadas en si mismas, terrenos a partir de los que establecer puntos de partida a la búsqueda de nuevas direcciones. Eso demuestran estas ocho canciones que, recogiendo el testigo y el espíritu de sus dos epés previos, apuesta por crear un universo propio, cargar las tintas en las melodías y en una letras más directas, sin abandonar la experimentación. Ahí esta esa “Bien”, una fantástica pieza cargada de sinceridad y en la que Bolívar se muestra más vulnerable que nunca, para subrayarlo. O esa “Refugio” en la que Niños Luchando se acercan a los Radiohead de “Kid A” (00) logrando emocionar. Todo un acierto para que este proyecto siga abriéndose camino dentro del panorama español a base de ofrecer algo que escapa de los sonidos más habituales. sandra alcaide barron

INDIE / “Provincetown”, el segundo álbum de estudio de Roddy Bottum (Faith No More, Imperial Teen...) y su pareja, Joey Holman, supone un nuevo acercamiento en la búsqueda de un sonido propio para Man On Man, que resulta más consistente y más monstruoso que su antecesor. Todo suena mejor y más grande, respetando las coordenadas de su debut de 2021. Pop que combina guitarras y teclados, sucio y sabroso, con distintos condimentos según la canción. Los puntos más altos son la apertura y primer simple “Take It From Me”, todo un himno de pop industrial en el que Roddy rapea linealmente recordando que fue un chaval mega influenciado por Run DMC. La épica de “Gloryhole” y lo incidental de la acústica “Who Could Know” levantan la vara cualitativa del grupo. Pero lo más excitante llega con “Feel Good” y con “Hush”, que cierra el disco y presenta a un invitado de lujo: J Mascis de Dinosaur Jr. adriano mazzeo

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POP / De la comedida letra pequeña de sus infinitas colaboraciones al protagonismo sin sombras de su debut en solitario, el británico James Ellis Ford nos presenta su primer trabajo con nombre propio. Un disco DIY puro y duro, sin aditivos externos ni figurantes postizos y ejecutado entre quehaceres domésticos, donde el que fuera el cincuenta por ciento de Simian Mobile Disco consigue elevarse a la categoría de hombre-orquesta y ofrecernos razones para sentarnos y desnudar con paciencia los matices de su plural y multifacética ejecución. Clarinetes, flautas, cuerdas, teclas y percusiones se dan cita en una suerte de cajón de sastre con el que Ford abarca su copiosa ristra de referentes, probando suerte a cantar por vez primera (“I Never Wanted Anything”) o saltando de la música tradicional árabe (“The Yips”) a la instrumentación más cinematográfica (“Pillow Village”). Un encomiable ejercicio de reinvención. fran gonzález

URBANO / En estas quince canciones, La Zowi condensa el espíritu de su tiempo y de su status, el camino ascendente desde el lumpen al trono que posee, no solo por méritos, porque no es una presidenta, sino por linaje y antigüedad. “La Reina del Sur” es un título perenne que ya nadie puede robarle a La Zowi después de haber sido la punta de lanza de un movimiento empoderador, estético y ético que ha calado en la sociedad española con fuerza desde el primer día. La demostración de este rango regio en el plano musical encuentra sus cúspides en temas como “Bebé”, donde La Zowi abre la puerta a cantar en francés con un beat absolutamente demencial e impresionante de King Doudou; ’Lokita’ es un ejercicio de songwriting brillante, que forma con “Yo lo pongo loco” un díptico sobre el deseo a ambos lados del espectro de las orientaciones sexuales. Cuando eres “La Reina del Sur”, todo lo sabes hacer. luis m. maínez

Man On Man Provincetown Polyvinyl Records

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La Zowi La Reina del Sur La vendición Records

Squid O Monolith Warp/Music As Usual

La La Love You Blockbuster Subterfuge

POP / Tras años de trabajo y entrega al sueño de la música, La La Love You tocaron el cielo en 2020 con el álbum que cambiaría sus vidas para siempre. Ahora regresan con un disco cuya máxima ambición es dejar las cosas bien quietecitas y seguir manteniendo la línea de crecimiento de la banda tan arriba como está ahora, apoyados en la nostalgia de una generación que se alimentó a base de películas de los ochenta y el gran sueño americano. En esta etapa aparece el lado más popero hasta la fecha de los chicos, después de aprovechar el empujón de la ola pop-punk que atravesamos unos años atrás. Historias de amores adolescentes, románticas e inconscientes; azúcar por todos lados y bañeras de burbujas con copas de champagne para celebrarlo. Una clara toma de conciencia para tratar de comprender el estilo de grupo de masas en el que se están convirtiendo, de disfrutar de ello y dejar prejuicios fuera. álex jerez

Vulgar

Chaos

Rising From

The Ashes

Maldito

METAL / Los metalheads patrios están de enhorabuena. De las cenizas de Smellbag surgió hace catorce años Vulgar Chaos, un trío que ha mamado mucho del groove metal de bandas como Machine Head o Pantera. Los de Llucmajor (Mallorca) han tardado lo suyo en publicar su primer álbum pero, como se suele decir en estos casos, la espera ha valido la pena. “Rising From The Ashes” es un disco de metal que parece llegado de los States (en el mejor sentido del comentario) y el grupo demuestra un nivel técnico en los diez trallazos que contiene, pero especialmente en “Denial”, “War” o “Ghosts From The Past”. Lo único que no cuadra es la parte pseudo-balada de “Alone In The Crowd”, aunque después retoman el camino correcto del thrash. Afinaciones muy graves, batería en plan bestia, voces guturales y agresivas, algún solo de guitarra bastante guarreras… Un prometedor disco de debut.

jordian fo

Of The Stone Age y los males de Josh Homme

ROCK / Basta con una sola escucha de “In Times New Roman...” para concluir que el hecho de que la vida de Josh Homme esté plagada de tribulaciones, puede ser una putada para él pero –dicho esto con total respeto– cuánto bien le hacen a su música. Esta es una placa que embandera el dolor y su (intento de) liberación. Los aciertos son numerosos, desde esos riffs heróicos que siguen conmoviendo a unos arreglos vocales impecables capaces de convertir todo tema en hit. “Obsenery” arremete como una locomotora retrofuturista que se lo lleva puesto todo. El desengaño amoroso inaugura su protagonismo. “Paper Machete” es la hermana evolucionada de la enorme “If Only” del disco debut, donde menos es realmente más.

“Negative Space” muerde con un riff cortante y una letra que coquetea con el delirio cósmico mientras “Time & Place” es un muestrario de idoneidad en el arte de hacer una canción rock sin caer en convencionalismos y la inductora de ansiedad “Made To Parade” hace que Homme se vea como una suerte de Bowie desconfiando del pop. Para cuando llega “Carnavoyeour”, la resignación enfrenta a la frustración y con talante poético poblado de guitarras y voces gemelas, da paso al escalón menos firme de la placa, “What The Peephole Say”. Pero la marea vuelve a subir y se arremete con “Sicily”, composición familiar de la viscosa y genial “Keep Your Eyes Peeled”. El final está marcado por dos extremos. “Emotion Sickness” representa un ansiado momento de respiro y “Straight Jacket Fitting” es un viaje neblinoso hacia lo desconocido, otra vez a bordo de aquella locomotora moribunda en la que Homme ruega por su sanación. Queremos que Homme encuentre la ansiada cura a todos sus males, sí, pero nos preocupa que ese antídoto lo inhiba de continuar editando discos excelentes una y otra

48/Mondo Media LIBROS

La periodista y profesora universitaria Sara Marcus formó parte del movimiento riot grrrl, así que pocas mejor que ella podrían haber escrito un libro tan imprescindible como “Las chicas al frente. La verdadera historia de la revolución riot grrrl” (Contra, 23).

BIKINI KILL, Bratmobile y Heavens

To Betsy (se les podría sumar Huggy Bear desde el Reino Unido) fueron las tres bandas que más hicieron por difundir las ideas del riot grrrl, el movimiento feminista que brotó en la ciudad de Olympia (Washington, Estados Unidos) a principios de los años noventa, cuyo eco mediático se vio alentado por el proselitismo de Kurt Cobain y el auge en paralelo del grunge. Pero aquello fue mucho más que tres o cuatro grupos: fue la historia individual y colectiva de un puñado de feministas cuyos anhelos iban mucho más allá de la música. Sara Marcus les dio voz a todas ellas en el extraordinario “Las chicas al frente. La verdadera historia de la revolución riot grrrl”, que nos llega ahora traducido al castellano por Ibon Errazkin, trece años después de su publicación en inglés. Un libro que cuenta todos y cada uno de los detalles de un movimiento que muchas veces fue sometido a tópicos, estereotipos y visiones superficiales y paternalistas. Hablamos con Sara, quien nos atiende desde su despacho en la Universidad de Notre Dame (Indiana, Estados Unidos) a través de la pantalla del PC.

¿Cuánto tiempo te llevó escribir el libro? ¿Tuviste fácil acceso a todas las fuentes?

Creo que fueron como cinco años, desde la primera entrevista que hice hasta que se publicó el libro. No me topé con oposición por parte de nadie, aunque sí había cierta precaución por parte de alguna gente debido a la experiencia previa que habían tenido con los medios. Siempre quise dejar claro que yo también fui parte de aquello, y que había una historia que no había sido contada. Kathleen Hanna [Bikini Kill] se

alegró cuando lo vio publicado, y llegó a confesarme que de joven, cuando todo se había vuelto muy loco a su alrededor, pensó que alguna vez la historia sería justa con ella. Y que por fin sintió eso con mi libro. Me sentí muy agradecida.

¿Sentías que era un movimiento sometido a estereotipos o visiones equivocadas, que debía ser explicado? Fue exactamente por eso por lo que decidí escribirlo. Yo trabajaba en una Fundación para el empoderamiento de comunidades marginadas, cuatro días a la semana, que compaginaba con mi labor como freelance, la de crítica musical y componente de un grupo musical. Por un lado escribía sobre músicas feministas, y leía mucho sobre ellas, y trataba de averiguar si cabía hablar del riot grrrl como un género, y si este había influido en otras bandas posteriores. Te hablo de los años 2002 o 2003. Al mismo tiempo, trabajaba con estos grupos de organizaciones juveniles por todo el país, que identificaban las fuerzas que estaban haciendo sus vidas difíciles, y se marcaban estrategias a seguir sobre cómo cambiar sus propias comunidades a partir de una toma de conciencia. Juntando ambas cosas, me di cuenta de que nadie había contado la historia del riot grrrl como una organización feminista joven. Su historia había quedado oculta. Si has leído el libro o recuerdas cómo era la imagen que se proyectaba entonces en los medios, se relacionaba al riot grrrl con una moda, y el aspecto de organización juvenil feminista había sido borrado. Por eso quise escribirlo. Además, en aquel momento existía ese ambiente como de ironía post noventera en el que ser idealista acerca de cualquier cuestión era visto como algo pasado de moda. No era nada cool tener ideales. Es difícil verlo desde la perspectiva de 2023. Era muy importante para mí explicarlo como alguien que estuvo muy implicada en sus aspectos políticos y desmentir algunos tópicos. Solo por el hecho de que ya no gritemos como entonces, cuando teníamos dieciséis años, no significa que todo aquello no sirviera para nada.

A lo largo de todo el libro queda muy clara la disyuntiva entre quienes no quieren dar entrevistas a los medios mainstream porque estos daban una imagen

“Las chicas al frente. La verdadera historia de la revolución riot grrrl” Sara Marcus (Contra, 23)

Sara Marcus La revolución riot grrrl

desvirtuada del fenómeno, y una minoría que piensa que es mejor una cobertura equivocada que no tener ninguna. Hay que tener en cuenta que para la mayoría el objetivo no era hacer del riot grrrl algo tan grande como fuera posible. Era más sencillo. Básicamente querían provocar cambios en sus escenas locales y conectar con gente de intereses similares en otras ciudades, incluso entre continentes, pero no había un deseo de llegar demasiado lejos. Hacían un buen trabajo a través de los fanzines y los conciertos, y eso era suficiente. Obviamente, luego hubo gente que llevó esos principios más allá a lo largo de su vida, pero no todo tenía que hacerse viral. Como dices, sí había otra gente que pensaba que todo esto debía llegar más lejos, y hasta yo me beneficié de ello, porque supe del riot grrrl a través de un artículo en Newsweek, que fue muy polémico porque mucha gente no quiso participar en él.

¿Crees que, paradójicamente, el éxito de Nirvana fue perjudicial para su expansión comercial? Lo digo porque Kurt Cobain le dio visibilidad, pero al mismo tiempo provocó, con su forma tan atormentada de digerir el éxito, que los grupos del riot grrrl no vieran esa repercusión comercial como algo apetecible. Es interesante. Te voy a responder de un modo contradictorio. Creo que el éxito de Nirvana fue bueno para ellas precisamente porque contribuyó a convencer a Bikini Kill de que no ficharan por una multinacional. Pudo haber un gran conflicto ahí, al hilo de dónde debía dirigirse una banda del underground. Les impactó mucho el modo en el que todo le afectó a Kurt Cobain. El éxito de Nirvana generó muchísima atención sobre lo que ocurría en la costa noroeste del Pacífico: si no hubiera sido por ellos no hubiera brotado ese grado de interés de los medios de ámbito nacional. En ese sentido, también creo que fue bueno para el riot grrrl.

¿Dónde crees que está el legado del riot grrrl actualmente?

Pues creo con sinceridad que es visible en la cantidad de mujeres e individuos no binarios que están tocando música a un volumen alto. Es importante recalcar que un grupo como L7 era visto como una anomalía en los noventa, y ahora no es así. A nadie le extraña que haya mujeres que escriban grandes canciones y sepan tocar muy bien la guitarra con efectos de distorsión. Está completamente normalizado. Hoy en día vemos a diario cómo la gente utiliza las redes sociales para reflexionar acerca de cómo su experiencia se ve condicionada por las fuerzas sociales que nos rodean, y creo que eso es también parte del legado del riot grrrl.

carlos pérez de ziriza

SARA MARCUS FOTO: JESSIE JIRYU DAVIS SLEATER KINNEY FOTO: JASON WILLIAMSON BABES IN TOYLAND FOTO: ARCHIVO

BIKINI KILL FOTO: ARCHIVO

“Nadie había contado la historia del riot grrrl como una organización feminista joven”

CINE Y SERIES

Spider-Man: Across The Spider-Verse

Joaquim Dos Santos, Kemp Powers y Justin K. Thompson

ANTES DE EMPEZAR a desgranar la artesanía pirotécnica que es “Spider-Man: Across The Spider-Verse”, estaría bien que quedase constancia que hay que valorar esta película teniendo en cuenta que se trata de la primera mitad de algo más grande. Es importante recalcar esto, porque el final es un cliffhanger que va a dejar a más de uno, con la boca abierta y diciendo “¿En serio?”. Dicho esto, toca abrir el corazón y dejar la dopamina fluir porque nos encontramos ante una de las películas de animación mejor animadas de la historia. La trama decide aproximarse con un afán psicológico por Miles Morales, dejando atrás su foco sobre lo que significa ser Spider-Man y acercándose a una pregunta mucho más existencialista: ¿quién es Miles Morales? En cuanto a la animación, hay una mezcla

de estilos que intenta que cada personaje se sienta único a pesar de encontrarnos con cientos de Spider-Mans. Spider-Punk se mueve en una especie papel maché, Spider-Gwen vive en un mundo de acuarelas nostálgicas, Miguel O’Hara salta entre un trazo definido y otro difuso por el neón futurista, y The Spot mezcla técnicas de animación nuevas con pinceladas sencillas. Esta idea se les aplica a los universos por los que se balancea Miles Morales hasta llegar a un punto en el que animación se convierte en narrativa. Con sus aristas por limar, “Spider-Man: Across The Spider-Verse” llega sobrada al podio de las mejores películas del superhéroe arácnido junto a “Spider-Man: Into The Spider-Verse” y “Spider-man 2”, de Sam Raimi.

luis de la iglesia

TRAS UNA POCO MEMORABLE quinta remesa de episodios, “Black Mirror” regresa con todo su arsenal de recursos bajo el brazo en su sexta temporada, no sin estar exenta de puntuales altibajos y desaceleres argumentales que ya vienen siendo costumbre a la hora de impedirle alcanzar a la célebre antología de Charlie Brooker su nota máxima. Con una generosa retahíla de caras populares en su elenco (Salma Hayek, Michael Cera, Aaron Paul, Zazie Beetz) y un renovado surtido de tramas que logran esquivar el ya trillado uso de la tecnología y su maligno reverso como únicas herramientas narrativas, sus cinco nuevos pasajes confirman ser capaces de darnos lo mejor y lo peor en una misma temporada, entregándonos, por una parte, algunos de los relatos más reseñables que la saga haya ofrecido hasta la fecha

(“Joan es horrible”, “Beyond The Sea”) y por otra, pasajes de difícil remontada (“Mazey Day”) o actos que convencen hasta cierto punto, pero sin terminar de subir del todo al podio (“Demonio 79”). No obstante, estamos ante la que es sin duda la apuesta menos convencional y más heterogénea de “Black Mirror”, reflejando con ello su aguerrido intento por explorar territorios insólitos en su registro estético y argumental (desde el slasher y el true-crime, hasta lo fantástico y sobrenatural), en aras de hacer crecer su capacidad única de retratar las miserias y bajezas humanas de la mano de maravillosas alegorías contra el capitalismo y el esclavismo moderno con las que, nuevamente, Brooker y compañía logran sacarle los colores a nuestra sociedad. fran gonzález

SE HA ACABADO “SUCCESSION” y con ella una de las mejores series que ha salido de la mano de HBO. Cuesta decir algo cuando se ha vivido un guion construido con un mimo brutal, para que se quiera seguir las peripecias de unas personas tan horribles. Porque eso es lo que nos ha mostrado la serie, la lucha de poder más violenta de la historia de televisión. Cabe decir que la serie ha sido un poco repetitiva en su estructura, pero a pesar de ello ha valido la pena seguir al pie del cañón, sobre todo debido a una última temporada excepcional. La presión de esa fecha límite, de que en el último capítulo se decidiría todo, ha jugado a su favor y ha permitido vivirla con una emoción trepidante.

¿CUÁLES HAN SIDO las claves de este cierre tan fenomenal? Primero, unas actuaciones in-

Dirección: Jesse Armstrong

creíbles de Jeremy Strong, Sarah Snook, Kieran Culkin, Nicholas Braun y Matthew Macfadyen; segundo, la banda sonora de Nicholas Britell; tercero, la cámara y el montaje en una delicia de planos; y seguiría la enumeración de aciertos, pero mejor quedarse con que su creador y guionista, Jesse Armstrong, ha sabido agrupar los elementos necesarios para construir un referente de las series de streaming a la vez que ha entendido cuál era el momento adecuado para terminarla. Un final redondo en el que el sabor agridulce ha sido el ingrediente principal para que podamos digerirla.

Ahora Logan Roy diría “Fuck off” y le daríamos la mano aceptando que hemos disfrutado de toda la violencia que ofrece esta intriga de poder.

luis de la iglesia

AÑO 2001. Una feroz tormenta provoca que un velero cargado de cocaína encalle en las costas azorenses. A la deriva, los fardos de droga llegan a la orilla, cayendo en manos de los vecinos de una singular y empobrecida localidad portuaria. Desde la ignorancia y la desesperación, los habitantes ven en este polvo blanco la oportunidad de edulcorar su rutina y alcanzar sus anhelos, por ahora marchitados por culpa de un pueblo en el que nunca pasa nada bueno. Pero lo que a priori parece un surrealista golpe de suerte, se termina convirtiendo en la maldición en vida de sus protagonistas, que ajenos a las consecuencias que tiene depositar sus sueños en el narcotráfico, terminan pagando el peor precio que el inconformismo soñador e idealista puede cobrarse.

NO ESTAMOS ante otra serie más

de narcotraficantes producida por Netflix, pues clichés a parte, los siete capítulos de “Rabo de Peixe” rompen desde dentro ese género tan trillado gracias al despliegue de carisma de sus involucrados y el progresivo descubrimiento de sus capas. Con perspectiva cinematográfica, esta suerte de “Fariña” lusa extiende el legado de esta descabellada historia real hasta presentar una ficción romántica y juvenil, impregnada de ambición a la Bertolucci, frenesí a la Ritchie y sexualidad a la Noé. Un amplio abanico de géneros que van desde la acción más trepidante al sentimentalismo más reflexivo, pasando por una comedia rota que sobresale por encima de su latente poso de tragedia y penuria. Un carísimo sueño americano que conectará con el deseo universal de querer salir de nuestra particular jaula. fran gonzález

Black Mirror (6a Temporada)

Charlie Brooker

LIBROS

Oasis. Supersonic. Las entrevistas autorizadas, completas y sin cortes

Simon Halfon Libros Cúpula

En 2016 se estrenaba el documental “Oasis: Supersonic” y, en paralelo, también veía la luz este libro que compila aquellas entrevistas íntegras con los diferentes protagonistas (incluyendo a Liam y Noel) y que, debidamente editadas, dieron lugar al montaje final. Unas declaraciones que en el tomo crean esa línea cronológica que permite seguir, desde dentro y narrada en primera persona por aquellos que estuvieron allí para vivirlo, la trayectoria de los hermanos Gallagher. El jugoso volumen, ahora disponible en castellano, invita a recrearse con la (fascinante) historia acerca de cómo unos tipos de clase obrera apostaron por el rock y alcanzaron el estrellato, en base a canciones espléndidas y una confianza ciega en su propio potencial.

raúl julián

… O “Cómo los evangélicos blancos corrompieron una fe y fracturaron una nación”. La historiadora Kristin Kobes du Mez ofrece un análisis exhaustivo sobre las lógicas del fundamentalismo blanco a partir de su peligrosa influencia. Pocos grupos sociales han tenido a su alcance una maquinaria mediática capaz de fomentar el nacionalismo excluyente, el conservadurismo patriarcal y su oposición beligerante contra izquierdistas, homosexuales, pacifistas, inmigrantes o feministas. A ello se añade su fascinación por las armas como atributo identitario o iconos culturales como el actor John Wayne, modelo de hipermasculinidad y patriotismo fanfarrón. Su lectura refleja a la perfección cómo esa ola reaccionaria azota y divide a su población. tomeu canyelles

Cómo salvar la industria del cómic

Javier Marquina y Rosa Codina ECC

Al acabar de leer estas páginas a una no le queda ninguna duda de que hay que ser algo masoquista para intentar ganarse la vida en la industria del cómic de nuestro país. Pero también que pretenderlo es algo que muchos no pueden evitar. Divertido, irónico, cargado de verdades y abierto a que quienes lo leamos, descubramos la verdad sobre el mundo de la viñeta española. “Cómo salvar la industria del cómic” es al mismo tiempo un ensayo muy interesante en forma de tebeo y una ácida queja en voz alta para que las cosas cambien. Algún día. Marquina y Codina nos dejan muy claro lo jodido que es ganarse la vida haciendo tebeos aquí, pero ojalá su masoquismo les haga dedicarse mucho mas tiempo a esto y su sufrimiento siga dando tan buenos frutos. mercè gutiérrez

A una novela gráfica como “Contrition” hay que llegar advertido. Es un cómic incómodo, muy incómodo –más todavía conociendo su conexión con el mundo real: Miracle Village, una pequeña localidad habitada por ex convictos condenados por pederastia–, que plantea una historia en la que resulta imposible saber cuáles son las intenciones de cada uno de sus protagonistas y que lanza una buena carga de dudas morales sobre la redención que dan mucho sobre lo que pensar. Y es mérito del gallego Carlos Portela –junto al efectivísimo dibujo de Keko– soltarlas al aire y que debamos ser los lectores quienes “tomen partido”. Un thiller psicológico que nos enfrenta cara a cara con la raíz del mal en el ser humano, lo cual siempre es bueno. joan s luna

Fuego de bengala

Auscultar la realidad en busca de sus imperfecciones sigue siendo la manera más eficiente para, previo paso de reconocerlas, intentar transformarlas. Y ese es el papel que el periodista catalán adopta en su nuevo libro, en el que somete a una profusa, no exenta de ironía, disección a los macrofestivales con el ánimo de desvelar unas deficiencias, que abarcan desde el ámbito ecológico hasta su polémica imbricación en el tejido cultural, habitualmente enmudecidas frente a su inmenso poder de convocatoria. Porque lo que nació con intención de convertirse en un oasis frente al fragor cotidiano, hoy se yergue como extensión de un entramado económico que fagocita la música en su afán por trasladar sus voraces normas a los grandes escenarios. kepa arbizu

El libro definitivo sobre La Banda Trapera del Río lo firmó hace años, y sin lugar a dudas, Jaime Gonzalo, dando pie además a un estupendo documental, por lo que creíamos saberlo todo sobre estos iconos punk de Cornellà. Sin embargo, El Pérez, que siempre estuvo ahí, demuestra con estas páginas que las anécdotas e historias paralelas en torno a La Trapera son quizá inagotables. Su propia adolescencia, por ejemplo, ilustra a la perfección el entorno del que surgió tan singular banda. El abundante material gráfico incluido hace lo propio, mientras el texto, sin pretensiones literarias pero lleno de corazón y autenticidad, arrancará más de una sonrisa y alguna lágrima. Breve pero intenso, como muchas canciones traperas. xavier llop

Definir el trabajo de David Sánchez en unas pocas palabras resulta francamente complicado. Cita a Moebius mediante o no, a “Fuego de bengala” se puede llegar virgen o habiendo transitado por un universo personal cimentado título a título. Tanto da porque estamos ante uno de esos cómics que plantean preguntas para las que no habrá una única respuesta. ¿Es nuestra existencia un bucle continuo con distintos protagonistas, pero mismas encrucijadas? ¿Vivimos para superar pantallas y vuelta a empezar? ¿O estamos hablando de otra cosa? A eso sumémosle el arte siempre embriagador del madrileño y su maestría para crear personajes visualmente inquietantes y quizás así llegaremos a entender por qué David Sánchez solamente hay uno. joan s. luna

Según Ed Piskor, este tomo forma parte de un proyecto mayor, de la configuración de un universo. En ese sentido, funciona a la perfección: nos cuenta varias historias independientes, pero que contribuyen a mostrarnos diferentes aspectos de un mundo que, quizás, hubiéramos preferido no conocer. “Red Room” toma su título de una leyenda urbana, según la cual en la Dark Web se pueden encontrar páginas que ofrecen escenas de torturas y asesinatos reales en línea. Así, en las “habitaciones rojas”, con un público fiel ante las pantallas, transcurren las escenas más pavorosas imaginables. Poco a poco, descubrimos de dónde proceden las víctimas y quiénes los verdugos. Una exhibición de talento, pero con un escalofrío de horror. josé martínez ros

Jesús y John Wayne Kristin Kobes du Mez Capitán Swing

David Sánchez Astiberri 8

Red Room. La red antisocial Ed Piskor Planeta Cómic 7

Contrition Carlos Portela/ Keko Norma Editorial

% TECNOLOGÍA, OCIO Y CULTURA

PODCASTS

El constructor

Rafael Méndez

“El Constructor” fue una de las primeras apuestas de Sonora en su lanzamiento, un documental vívido y vivido sobre la corrupción asociada a la construcción en el Levante español durante las décadas prodigiosas de los 90 y los 2000. Emparentado simbólicamente con la magnífica novela de Chribes, “Crematorio”, y con la vida y los recuerdos nostálgicos de miles de españoles sobre segundas viviendas en la playa e hipotecas a tipo fijo, “El Constructor” es un relato en la línea de otros podcast de Sonora: documental sociopolítico con la mirada puesta en las décadas que van desde el inicio de la transición a nuestros días. Lo que empieza siendo un ejercicio narrativo, termina por convertirse en un manifiesto de objetividad sobre un asunto tan espinoso como atractivo luis m maínez

PODCASTS MS

Tulsa

Miren Iza acaba de lanzar “No quiero hacer historia”, un anticipo de lo que será su nuevo disco, “Amadora”. Además acaba de realizar una gira en compañía de la banda de estudiantes de LIPA, la prestigiosa escuela de música fundada por Paul McCartney en 1995. Aprovechamos el momento para charlar con ella y repasar su repertorio.

Queralt Lahoz

Verbena

Carlangas-Sara Cuesta Torrado

Hay gente que tiene algo especial que les distingue del resto. Puede ser visión, puede ser carisma, puede ser determinación. Es el caso de Ángel Martínez “Lito”, el empresario que cambió el veterano concepto de la verbena en Galicia, no solo adaptándola a los tiempos que corrían, sino convirtiéndose en punta de lanza de un cambio en los negocios del espectáculo y de la música que sigue vigente en nuestros días, tanto en la verbena gallega, como en general. Un podcast disfrutón y disfrutable, que nos sumerge con estilo y gracia en un universo fascinante narrando la historia del mayor de sus popes. Como decíamos, el carisma del personaje Lito es fundamental para ello, pero aún más lo es la presencia de un Carlangas (Novedades Carminha) que desarrolla y narra un podcast que no sería lo mismo, ni de lejos, sin él. luis m. maínez

Queralt Lahoz ha publicado “Alto cielo”, Ep con cuatro temas entrelazados que narran una historia de amor y desengaño y que viene acompañado por un interesante cortometraje que puedes ver en YouTube y Filmin. Sergi “Don Disturbios” Marqués, charla con nuestra protagonista sobre la actualidad, pero también hace un interesante repaso a su carrera discográfica.

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Administración y contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com

REDACCIÓN

Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com

COLABORADORES

Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Álvaro Tejada, Anaïs López, Andreu Cunill Clares, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Esther Rios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jose Carlos Peña, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Marcos Gendre, Mariona Longarón Ropero, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Víctor Naharro, Yeray S. Iborra

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Virginia Barbero

Depósito legal B. 11 809-2013

Impresión Rotimpres

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Los años 90 fueron una época extraña, después de los excesos de brilli brilli y colorines de los 80, el mundo se volvió loco y aupó a las listas de éxito a propuestas tan atrevidas y poco comerciales como la que encabezaba Polly Jean Harveyy su segundo álbum “Rid Of Me”, un disco crudo y descarnado.

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PJ Harvey

18-24 SETEMBRO // A CORUÑA SÁM A RTISTAS PORCONF I R RAM