Mondo Sonoro junio 2023

Of The Stone Age

ejemplar gratuito

RAYDEN

THE 1975 ROBBIE WILLIAMS

TASH SULTANA

QUEENS OF THE STONE AGE

ANGEL OLSEN

MEN I TRUST

¡Ese momento Ha llegado… del año!

Encuentra tu próximo festival

Todo empieza con una entrada

5/Mondo freako

La La Love You La película de tu vida

La gran escalada de La La Love You les ha llevado al lanzamiento de “Blockbuster” (Subterfuge, 23), un álbum que consolida definitivamente el actual sonido de la banda y supone la máxima exposición de esa esencia teen que conecta al grupo con las masas de una forma muy especial.

“HAY UNA CANCIÓN que se llama ‘Canción a quemarropa’, que hace referencia a la película de ‘Amor a quemarropa’, que resume muy bien el concepto de cómo usamos nosotros todas esas referencias. Nos ha gustado plasmarlas siempre en nuestras canciones, no solo en este disco. En discos anteriores también hablamos sobre el cine, las pelis americanas, Hollywood… Sí, además, es que cuando Lydia y yo nos juntábamos somos igual que Clarence y Alabama pero en versión parodia”. Hablamos en las oficinas de Mondo Sonoro Madrid con David, Roberto (ambos fundadores del grupo) y Lydia, que comienza su aventura con el grupo como nueva bajista tras la salida de Celia Beck. “Nunca había visto tanta gente junta viviendo algo de una forma tan similar y tan bonita como en un concierto de La La Love You. O sea, fue increíble la verdad. Yo quiero decir algo como persona que antes de formar parte del grupo ha sido espectadora y oyente. Creo que este grupo tiene una cosa

súper única que hace que aunque varíen y te saquen de repente una rumba siga sonando a ellos. Siempre está esa esencia tan característica en la forma de escribir, que es súper personal. Creo que eso se va a notar siempre hagan lo que hagan”.

LA LA LOVE YOU REGRESAN sin ningún tipo de prejuicios, con muchas ganas de fiesta, pasarlo bien y alimentarnos de canciones de amor adolescente. “Yo creo que somos románticos, pero sobre todo somos tremendamente adolescentes en nuestra manera de vivir la vida, de relacionarnos”. En todas las nuevas canciones de La La Love You está muy vivo ese síndrome de Peter Pan que siempre han llevado con ellos, una ilusión que sigue intacta y que refleja ese sentimiento que tienen de que aún les queda muchísimo que ofrecer como banda. “Como llevamos muchos años ya, se puede decir que somos veteranos en algunas cosas. Sin embargo, lo estamos viviendo ahora de una forma bastante reciente. Yo me sigo viendo como un grupo emergente

FOTOS: JORDI TERRY

y justo eso que dices creo que es lo más bonito de todo. Nos hace mucha ilusión lo que estamos viviendo, de repente compartir cartel y espacio físico con gente de la que somos súper fans. Poder hablar con ellos de tú a tú en el backstage... seguimos manteniendo la ilusión”.

DESARROLLO EN MÉXICO, Wizink en 2024 y resaca post “El fin del mundo” a base de maratón de películas de los ochenta. “Nos hemos quitado un poco de peso al ver la buena acogida que ha tenido ‘El principio de algo’. Siempre decimos que no creemos que nos lleguemos a cansar nunca de ‘El fin del mundo’ porque es súper bonito cuando llegas a un concierto y ves a miles de personas cantando y bailando el tema. Además, hay una cosa que hacemos ahora en los conciertos que es que cuando llega el momento de esa canción nos quitamos los cascos para escuchar a la gente”. La llegada de “Blockbuster” les ha hecho ganar en seguridad y disfrutar como niños cuidando hasta el último detalle que da vida a todo el universo más puro de La La Love You.

“En la parte visual del disco hemos hecho parodias de las películas a las que hacemos mención en el álbum, todo con cartón eso sí. Hay una película de Michael Gondry que se llama ‘Rebobine, por favor’ en la que

Podcast especial La La Love You

APOYADOS en la nostalgia por los amores adolescentes y encerrados en las películas de los 80’s que les dejaron huella. Así llegan a nuestro estudio de Mondo Sonoro en Madrid Roberto y David, fundadores del grupo, junto a Lidya que comienza su nueva aventura como bajista.

borran todas las películas de VHS y tienen que recrearlas de forma casera. Pues hemos robado esa idea y hemos hecho lo mismo con las películas de nuestras vidas. Es por eso que decimos que Robert es la actriz revelación, porque ha hecho muchos de los personajes femeninos de Drew Barrymore. El rubio le queda muy bien. Una cosa que me hizo sentir muy diferente de niño, y lo que era lo más underground o alternativo, era tener Beta en vez de VHS. Cuando iba al videoclub con mis padres había millones de estanterías, pero solo una pequeñita de Beta. Así que tenía poco para elegir y yo siempre quería alquilar ‘Los Bicivoladores’ con Nicole Kidman de adolescente”, explica David emocionado.

ESTÁ CLARO QUE COMO BANDA han logrado tocar el corazoncito de muchas generaciones a la vez. “Sienten las canciones como suyas de una manera muy heavy. No sabemos por qué, de verdad, no tenemos ni idea de por qué pasa eso. Pero sí, es verdad que vivimos los conciertos con ellos como algo muy bonito. La gente viene a vernos y desde el minuto uno está súper entregada cantando”. Pero han conectado en especial con todos aquellos a los que cualquier buena película de los ochenta les pone la piel de gallina y les hace soltar unas cuantas lagrimitas. “Nuestro productor dice que David siempre tiene como una visión muy cinematográfica y sí que es verdad que se imagina todo como en una escena de una película. Cuando haces

una canción buscas captar un momento concreto, aunque no esté relacionado con tu vida real. Eso sí, muchas de las cosas que salen en las canciones nos han pasado. Así que bueno, dándole el punto personal, sí que escribimos sobre cosas como muy generales e intentamos además no ser muy intensos porque no somos Vetusta Morla. Escribimos un poco desde la ligereza, sin profundizar mucho, para que todo el mundo identifique”. Aunque eso sí, les cuesta muchísimo decidir qué temas merecen entrar en cada uno de los proyectos en los que se sumergen. Es una decisión de comunidad y de ahí nadie se escapa. “A la hora de quedarnos con una canción, antes ha pasado los filtros de aprobación de toda la banda. Nos ayuda un poco a elegir cuál es el repertorio que al final sale en el disco. Han habido más candidatas, pero nunca pasaron el filtro de las Tacañonas [risas]. Eso sí, si quieres defender bien tu idea, grita. En la vida si quieres defender tu idea tienes que gritar más alto que los demás”.

HACIA DÓNDE VA EL FUTURO de la banda no está muy claro, sí que quieren disfrutar el momento que están viviendo en el presente. Lo que sí nos comentaron es que no paran de pensar las diferentes ramas de crecimiento de La La Love You como proyecto y que se sienten muy libres a la hora de crear. “En nuestra cabeza está siempre un poco el darle una vuelta de tuerca a las cosas, pero luego nunca nos sale. Lo que quiero decir con esto es que crees que has

hecho algo diferente y luego se lo enseñas a la gente cercana a ti y te comenta que suena a algo que ya ha escuchado antes del grupo. Así que la idea es un poco seguir haciendo música e intentar buscar ese giro que esperamos la gente acoja como lo ha hecho con todo hasta ahora. Lo que sí hemos perdido en estos diez años de banda son muchos prejuicios, al igual que pasa con la industria actual. Hace diez años sentía la responsabilidad de que no podía defraudar a mi ‘tribu’ y aunque tuviéramos un público más pequeño no quería salirme de determinados códigos. Pertenecías a una escena y el que venía a tu concierto quería consumir eso. Así que es verdad que en ese sentido nos hemos liberado mucho, ya no es todo tan sectario”. —

ÁLEX JEREZ

Más en www.mondosonoro.com

EN CONCIERTO

l Palencia 09 junio. Palencia Sonora

l La Roda 16 juno. Festival de Los Sentidos

l Madrid 22 junio. Tomavistas

l Viana 23 junio. Mugacu Fest

l Vigo 01 julio TerraCeo - Vigo

l A Coruña 08 julio Atlantic Pride

l Benicàssim 14 julio FIB

l Valencia 21 julio Jardins de Vivers

l Cádiz 22 julio NoSinMúsica

l Platja d'Aro 28 julio Festival Idilic

l Zaragoza 05 agosto Festival Amante

l Aranda de Duero 12 agosto Sonorama Ribera

l Gandía 18 agosto Festival Mediterránea

l Madrid 01 septiembre Coca Cola Music Ex.

l Valladolid 03 septiembre. Fiestas Valladolid

l Lugo 15 septiembre Caudal Fest

l Irún 30 septiembre Irún Zuzenean Festibala

l Gran Canaria 07 octubre SUM Festival

l La Manga 14 octubre. Hermosa Fest

Cincuenta años de Popular 1 Q

UIZÁS HACE FALTA tener cierta edad para hablar con conocimiento de causa de una revista como Popular 1 o quizás exista gente joven que se haya enganchado recientemente a su particular forma de entender la música y el mundo, no lo sé. Pero lo que sí sé es que lo que han conseguido sus responsables merece mucho respeto y muchos aplausos. Podremos comulgar más, menos o nada con su línea editorial o con sus contenidos, pero una revista musical en papel que ha conseguido cumplir ¡cincuenta años! en un país como el nuestro los merece sobradamente. No pueden ustedes imaginarse las dimensiones de la proeza. Son contados los medios que han alcanzado esa cifra en todo el mundo. Para ellos mi máxima enhorabuena. Si Popular 1, un proyecto eminentemente familiar –Martín Frías, Bertha Yebra y César Martín, con la ayuda de colaboradores externos y diversos, claro está–, ha conseguido mantenerse en los quioscos a lo largo de cinco décadas posiblemente sea por haber sido fiel a sus principios rockeros durante todo ese tiempo. Para lo bueno y para lo malo. Como todo chaval que empezó en esto de la música a finales de los ochenta, Popular 1 fue una de las cabeceras que me nutrió de material mes a mes durante muchos años. Nunca fue la única. Primero porque siempre he sido un devorador de revistas diversas (nacionales e internacionales), segundo porque por aquellos tiempos ya colaboraba en Metali-K.O. –una publicación a la que algún día deberá hacérsele justicia, por lo mucho que aportó a la difusión del metal extremo en nuestro país–, y tercero, porque nació Mondo Sonoro. Por eso nunca fui de aquellos que se tomaban lo escrito en sus páginas como dogma de fe. De hecho, siempre intenté distanciarme de aquellas personas que parecían creadas a imagen y semejanza de César Martín, que replicaban sus gustos, filias y fobias. Pero de sus páginas aprendí mucho, corroboré gustos, me indigné viendo el trato dispensado a algunos de mis artistas favoritos e incluso descubrí firmas que se acabarían convirtiendo en grandes amigos míos. Así era y así es Popular 1. Lo tomas o lo dejas. Algunos nos hemos distanciado de ellos y de otros medios al tener ya bastante sarao con lo nuestro, pero Popular 1 es como esos viejos amigos de la escuela. Hace años que no quedas con ellos, pero el día que les ves tienes todavía muchas cosas de las que hablar. No sé si quienes leáis estas líneas compráis revistas, pero si encontráis en algún lugar un ejemplar de su agotadísimo número especial de cincuenta aniversario compradlo sin dudar. Lo pasaréis muy bien.

JOAN S LUNA

“Yo me sigo viendo como un grupo emergente”

EN GRANDE

MÚSICA EN GRANDE EN GRANDE MÚSICA EN GRANDE MÚSICA

Torrelavega · Cantabria Torrelavega · Cantabria Torrelavega · Cantabria

28 de junio

ALEJANDRO FERNÁNDEZ

29 de junio

PABLO ALBORÁN · MALÚ LEO RIZZI

30 de junio

MELENDI · TABURETE ALBA RECHE

1 de julio

SUEDE · LORI MEYERS · SHINOVA

ARDE BOGOTÁ · NATALIA LACUNZA · WE ARE NOT DJ’S

musicaengrande.es

AREBIR VEHÍCULO OFICIAL PRESENTAN BEBIDAS OFICIALES COPRODUCEN COLABORAN

El nuevo Bunbury

TEXTO Eduardo Izquierdo

HACE YA UN TIEMPO que Bunbury mantiene una correspondencia directa con sus fans. En su lista de correo permite que seguidores y seguidoras le hagan preguntas y él responde las que le parecen que aportan más para que el público conozca mejor sus opiniones. En una de las últimas, cuyo resumen llega semanalmente al correo de

las personas inscritas, aseguraba que no le extrañaba que “me parece absolutamente normal que [frente a un artista que ha mostrado tantas caras] haya quien se pierda por el camino y se quede y elija una etapa en concreto. Por supuesto que acepto que mi eclecticismo y la variedad de géneros y enfoques de producción que han regado mi discografía no sean para todos”. La suya es una respuesta totalmente aplicable a su último gran giro de guion. Inesperado.

incluso doloroso. Porque Bunbury, afectado de unos problemas físicos que luego se descubrió tenían un origen muy concreto en el glicol que se utiliza para causar efecto de humo en los escenarios, decidió romper de forma abrupta con su tour, algo no poco habitual ya en su carrera. “Enfrentarse a una gira se convirtió para mí en una escalada continua de ocho miles. Supongo que la situación que me provocaba el glicol del humo del escenario, antes de saberlo, minó mis fuerzas y entusiasmo. Es difícil diferenciar dónde comenzó una cosa y dónde la otra. Hoy siento cierto alivio al saber que el problema no estaba en mi salud, sino que lo provocaba un producto químico y tóxico. Pero es cierto que el entusiasmo por las giras no ha vuelto. No me veo ahora mismo aceptando el compromiso de un tour tan extenuante como los que solía hacer. Así que no me importa mucho encarar mi carrera hacia lo creativo y dejar lo reinterpretativo de lado. Aunque quiero realizar algún concierto suelto y esporádico. Entusiasmarme en lo puntual, en algunas ciuda-

El pasado 26 de mayo vio la luz “Greta Garbo” (Warner, 23), el que se anuncia como el disco más personal de Bunbury, grabado en el Desierto de los Leones (México) con producción analógica de la mano de Adán Jodorowsky. Sobre él charlamos con el zaragozano.

des escogidas, pero un número muy pequeño de conciertos que no me atosigue”. Aunque quizá lo más sorprendente fuera romper con un grupo con el que parecía asentado definitivamente, Los Santos Inocentes. “El final fue muy abrupto. Aunque en el primer tramo del tour del treinta y cinco aniversario, en México, tuve problemas muy serios y ellos eran conscientes de que lo estaba pasando muy mal, fue empezando el segundo tramo, el de Estados Unidos, cuando se frenó en seco, después de los conciertos de New York y Atlanta. En Chicago cancelamos y nos volvimos todos a casa. Imagino que no fue plato del gusto de nadie, ni de músicos, ni de técnicos, ni management, ni promotores. A mí me alegra mucho que hayan grabado juntos el disco que han grabado y que continúen como entidad creativa”.

Y ASÍ SE GESTA el nuevo Bunbury, una vez más con nueva banda, con nuevas energías y con nuevo disco bajo el brazo. “Es música tocada por músicos en una sala. Algo tan sencillo y difícil de hacer a la vez, porque no hay corrección posible. Hay que tocar bien y con sensibilidad”. “Greta Garbo” es el título, no casual, de este disco, surgido una vez más de un momento malo. “Hay veces en las que los momentos de crisis se convierten en oportunidades para revisar tus planteamientos [...] Es un disco compuesto durante el periodo de sufrimiento, entre giras. Y después de la parada. Todos

los discos son reflejo del momento vivido. Algunos miran más al exterior, al momento social. Otros, como este, reflejan el sentir interior y miran más a lo personal. Es un disco en el que se muestra el carrusel emocional que viví. Entre la desesperación y el entusiasmo por un nuevo ciclo vital”. Unas circunstancias para las que el personaje que da título al álbum sirve de perfecto exponente de su gestación, su nacimiento y un contenido final al que se da forma en El Desierto Casa Estudio de México, con la colaboración de Adán Jodorowsky en la producción. “Greta Garbo abandonó la actuación con treinta y seis años, después de haber conseguido enfrentarse con éxito al complicado cambio que supuso pasar del cine mudo al sonoro. Sentí cierta afinidad con esa circunstancia vital que lleva a un artista a encarar la distancia con su público”.

EL APUNTE

El poder de una canción

¿LAS LETRAS? Pues de nuevo brillantes. Con más de una frase para el recuerdo y, sobre todo, la reflexión. “Si te lo explico todo es no haber dicho casi nada”, dice. “Creo que hay canciones que tienen más de una lectura. Pienso en ‘La tormenta perfecta’, que tiene una lectura personal y otra social”. En “Nuestros mundos no obedecen a los mapas” afirma que “las canciones ponen la mirada donde los demás la retiran”. El disco se cierra con “Corregir el mundo con una canción”. Utopía para el que escribe ¿y Bunbury qué opina? “No es una utopía. ¿Qué cantidad de canciones han hecho mejor este mundo en el que vivimos? Nietzsche era el que decía: la vida sin música sería un error. No tengo duda de que he sido afortunado de coincidir en el espacio tiempo con Bowie, con Dylan y con tantos otros. Y los he visto en directo y me compré sus discos cuando se publicaban y me emocionaron en tiempo real. No hay mierda que destruyan los políticos que una canción no pueda aliviar. Viva el arte, las canciones, los libros, los pintores, los grandes cineastas”. E I

“No me importa mucho encarar mi carrera hacia lo creativo y dejar lo reinterpretativo de lado”

A QUÉ SUENA

TU CERVEZA?

SOUL GLO / L’ÉCLAIR / VEGA / DITZ /

SILVANA ESTRADA / TEENAGE FANCLUB / SHOUT OUT LOUDS / ANTIFAN /

THE MURDER CAPITAL / HELADO NEGRO / THE SONICS / CHICO BLANCO / THE SAXOPHONES

TODA LA AGENDA Y CONTENIDO

Fue cantante de Novedades Carminha, pero ya entonces era Carlangas. Porque Carlangas solamente hay uno. O mejor dicho, Carlangas es muchos, como bien demuestra la variedad que despliega en “Carlangas” (Ernie, 23). Y para ello invita a un buen puñado de amigos con ganas de fiesta.

TEXTO Álex Jerez

ENCONTRAR SU PROPIA identidad y rodearse de verdaderos amigos para curar las heridas a través de la música. Carlangas –Carlos Pereiro– inicia su carrera en solitario con un debut homónimo que supone un honesto collage de todo su universo. “Si yo fuese a sacar un solo álbum me lo hubiera planteado de otra forma. Pero el ejercicio, era la búsqueda y el juntarme con gente para construir un proyecto sólido. Por ejemplo, la banda con la que voy ahora en directo, Mundo Prestigio, es una banda que hace beats muy setenteros, muy funky, que a mí me molan mucho. Es una de mis bandas favoritas, me encantan sus discos y me encanta verlos tocar también. Ellos me invitaron a hacer un tema, yo me fui un fin de semana a una casa en Galicia, cogí la guitarra, me puse a tocar con ellos y dijimos ‘hostia, tío, al final es que nos mola la misma música’. O sea, nos molan The Clash, nos mola la música disco, nos mola el primer hip hop de finales de los ochenta, nos mola la música latina… Ellos evidentemente no dejan su banda de lado porque es otra movida súper diferente. A eso me refiero con mi búsqueda de identidad, estoy muy contento con el resultado de las canciones y con cómo estamos llevando el directo”.

QUEDAMOS CON ÉL en una cafetería de Malasaña para comentar este salto tan importante en su carrera, cómo vivió la disolución de Novedades Carminha y cuáles son sus prioridades como artista en el presente. “Es que para mí eso es hacer música, es comunicar emociones ya sean positivas negativas, violentas, pacíficas… Da igual y sí, joder, ya te digo estaba triste tío, no te lo voy a negar. Yo no me esperaba la disolución de Novedades Carminha y ocurrió, tío. Creo que hicimos un ejercicio de honestidad al abandonar algo en lo que ya no teníamos la energía puesta para hacerlo, ¿sabes? Pero a nivel personal sí que tenía ganas de seguir haciendo canciones. Al principio tenía esa tristeza, pero luego me dije ‘tío, la música es más que un gru-

po’. Todo esto yo lo tengo muy claro y no quería hacer una copia. Quería meterme en otro proceso que me lleve luego a un segundo disco, un tercero, conciertos…”.

BRONQUIO, MANU CHAO, ORTIGA… Carlangas ha montado una fiesta como solo él sabe hacer. “Con Manu Chao siento una conexión de la hostia, desde lejos sentía una conexión de la hostia, porque, tío, en mi casa estaban los discos de Mano Negra. Cuando yo tenía diez años salió ‘Clandestino’ (98) y lo tuve en el coche no sé, hasta antes de ayer prácticamente. Yo veía cómo él se dedicaba a mezclar música popular con rock, con música de baile… Al final tenemos unas referencias parecidas y eso es bastante guay. Hace un par de años le escribí a título personal, todavía estaba con Novedades, y como tenemos un amigo en común le hice llegar mi carta. Cuando vino a Santiago volvimos a hablar, yo ya tenía ‘Cae la noche’ esbozada. Quedamos por la tarde antes de su concierto, preparamos un poco una primera maqueta, le gustó mucho la canción y grabamos allí un poco. Luego a distancia él desde su casa en Barcelona y yo desde aquí rematamos todo lo demás. Manu Chao, tío, es como The Clash, como que sientes que son de tu familia aunque no hayas hablado con ellos jamás”.

PERO HAY MUCHO MÁS en este viaje para encontrarse a sí mismo y este autoanálisis le ha servido para entenderse mucho mejor como músico y mostrar a su público un lado mucho más frágil y honesto que hasta ahora no se había atrevido a mostrar. “Hay canciones como ‘Que si quiero o que si tengo’ que estaba triste, tío, y creo que es guay también porque a lo mejor nunca me había mostrado así. Quiero evitar a toda costa el rollito ‘Mister Wonderful’. No todo es una fiesta, lo pasé apretado la verdad y estaba triste. No sabía lo que quería hacer y me costó mucho arrancar, por eso me tuve que rodear también de tantos colegas. Así que bueno, sí, canciones como ‘Que si quiero o que si tengo’ son más no sé, más románticas o

Carlangas

Carlangas

Amigos y festa

más... y luego, al final del disco, ya como que me apetecía hacer otras cosas y me salió ‘Regalao’, ‘Los Dineros’ y tal… Que a lo mejor sí que veo que la continuidad del proyecto Carlangas va más por ahí. Pero, sabes, lo otro no me lo podía dejar en el cajón”.

CARLANGAS SIENTE y entiende que, por encima de cualquier cosa, la música es un acto social. Respeta las propuestas más intimistas, pero para él hay que vivirla con amigos en directo, con cervezas, compartiendo momentos que se quedan para toda la vida. Siente la música con un sentimiento de comunidad en el que te rodeas de los tuyos para sentirte protegido y sanar. Así es como lo ha vivido siempre sobre el escenario. “Voy a por todas, a pasármelo de puta madre. No tengo ningún miedo porque solo sé hacer conciertos de esta forma. O sea, si de repente me dijeses que tengo que hacer otro rollo, pues estaría jodido. Pero no sé, tío, es que vengo de esa cultura. Yo tenía un VHS de Mano Negra que me ponía todo el rato vuelta y vuelta. Para mí los conciertos son ir a toda hostia, sin parar la música, sin parar de bailar... Y así va a seguir siendo”. A.J.

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EN CONCIERTO

l Palencia 10 junio. Palencia Sonora

l Madrid 22 junio. Tomavistas

l Oviedo 01 julio. VESU

l Barcelona 08 julio. Cruïlla

l Portas 15 julio. PortAmérica

l Cartagena 22 julio. La Mar de Músicas

l Miranda del Ebro 31 ago.-3 sep. Ebrovisión

l Burela 1-2 septiembre. Osa do Mar

l Cascante 29-30 sept. Estaciones Sonoras

“

“Voy a por todas, a pasármelo de puta madre”

31 DE AGOSTO, 1 Y 2 DE SEPTIEMBRE

ALCALÁ DE HENARES · HUERTA DEL OBISPO

VIVA SUECIA LOQUILLO

SHINOVA SECOND DANI FERNÁNDEZ

ARDE BOGOTÁ RUFUS T. FIREFLY VEINTIUNO

ALBA RECHE ÁNGEL STANICH NO TE VA GUSTAR

KARAVANA QUERALT LAHOZ AMATRIA TULSA IRENEGARRY

JORDANA B COSMIC WACHO LOS MEJILLONES TIGRE

APARTAMENTOS ACAPULCO LUC LOREN WISEMEN PROJECT

WE ARE NOT DJS SERIAL KILLERZ MARÍA DE JUAN CASINO MONTREAL

TELETEXTO LUSILLÓN MENTA RORRO GHOULJABOY SOFÍA COMAS

VIRGINIA MAESTRO MARTA MOVIDAS HERMANA FURIA LAS PETUNIAS

HABLA DE MÍ EN PRESENTE ATRACO BRAVA ALEJO DAN MILLSON

BEWIS DE LA ROSA SE HA PERDIDO UN NIÑO EL NIDO ALISON DARWIN

DELSOL GIGANTE DERRY SIETE C DJ MODERNO BITA ALEX CURREYA DJ

Recuperando el tiempo perdido

a Europa, todo resulta bastante familiar excepto el idioma, aunque a mí me gusta explorar los diferentes elementos que tiene cada lengua. Puedes hacer la música que quieras, pero para esa gente eres otro como ellos. Cada persona tiene su propia historia detrás”.

TEXTO Toni Castarnado

BRANDON BOYD lo tiene claro: no quiere estar en la cresta de la ola. Por un lado es consciente de que su mayor momento de popularidad ya pasó. Por el otro, no le apetece entrar de nuevo en la rueda del éxito y todo lo que eso conlleva. La vida para él es otra cosa. Está bien tal cual está. Sin embargo, promete que grabará un nuevo disco con Incubus, pero cuando las circunstancias sean las adecuadas. De momento, el grupo va haciendo giras y con eso tiene suficiente. A pesar de eso, mantiene

intacto el aliciente de viajar por el mundo. “Para mí una de las cosas más interesantes de estar en una banda es viajar por el mundo. Además, como cuando giramos no soy de los que se ha pegado grandes fiestas y apenas bebía, tengo claro cada recuerdo. Me encanta conocer el planeta y ver a gente nueva constantemente. Cuando viajo me doy cuenta de que el ser humano es igual en todas partes. Por distinto que sea el lugar, nos gustan las mismas cosas: comer bien, hacer el amor, dormir... Cuando vas

GRACIAS A QUE NUESTRA CHARLA se desarrolla por zoom puedo ver cara a cara al entrevistado. En esta ocasión, Brandon Boyd está sentado en postura de yoga. Lleva ropa cómoda y tiene un té en la mano. Vive en un permanente estado zen, con una actitud positiva y con ganas de conversar. “Me atrae la cultura de la metodología. Al menos a mí me abre la mente. Es fascinante enfrentarse así a la vida. Cuando voy a Europa me fijo en la gente, tomando una copa de vino o un cappuccino, y a muchos viendo un partido de fútbol en la calle. Pero claro, luego están los tópicos. Los que llegan por pri-

Han pasado exactamente seis años desde que Incubus publicaron “8”, pero los estadounidenses no visitan España para presentar nuevo material, sino para demostrar que siguen siendo una banda apreciada y con un directo a la altura de su nombre.

mera vez a Los Angeles se creen que aquí todo el mundo está haciendo surf a todas horas, cuando en realidad es una parte muy pequeña de la población la que lo hace. Lo que si es cierto de Estados Unidos es que tenemos esos grandes espacios en los que no hay nada. Puedes pasarte dos días conduciendo hasta encontrarte con un pueblo o una gasolinera. Disfrutas del paisaje y luego, cuando llegues al sitio, ya verás si eres o no bienvenido. Por ejemplo, recuerdo una vez en Texas en la que llegamos a un pequeño pueblo llamado Marfa en el que hay galerías de arte, cafeterías bonitas y sitios maravillosos para comer con sus grandes chefs. Y ese es un lugar que está en medio de la nada”.

AHORA VOLVAMOS al momento actual de Incubus. Lo cierto es que la banda no genera ahora mismo demasiadas noticias. Aunque eso es algo que no parece incomodar a Brandon Boyd. Para él, todo tiene su momento. “No tenemos ninguna prisa. Ahora estamos pendientes de Bent Kenney, el bajista de la banda. Tuvo un tumor cerebral y necesita reposo. Se encuentra mucho mejor, pero debe ir poco a poco y este año no se podrá incorporar al grupo. Por tanto veréis a una sustituta, Tal Winkelfeld. Tocó con Jeff Beck y es una instrumentista extraordinaria. Con esto te quiero decir que, para generar ideas y grabar, debemos estar serenos y encontrarnos todos en sintonía”. A Brandon

no le inquieta en absoluto escapar de esa espiral disco-gira que atrapa a muchas bandas hasta asfixiarlas. “Ni necesito ni quiero estar en esa rueda. Por primera vez en mi vida me siento tranquilo con mi posición. A ver, conseguir éxito y estar en la cima es excitante. Diría más, ¡es increíble! Pero eso no es real. A estas alturas no quiero el éxito a cualquier precio. Te das cuenta cuando sufres tragedias familiares. Es entonces cuando te olvidas del negocio de la música y de lo que supone estar expuesto a todas horas. En esta industria, la mayoría de gente no es feliz. Lo quieras o no, cuando estás metido en esa vorágine, surgen los problemas. Las relaciones entre compañeros, las drogas... sin quererlo entrar en ese bucle. Así que nosotros nos planteamos qué tipo de experiencia queríamos vivir. En estos momentos yo me encuentro cómodo en este punto más meditativo. Pasar tanto tiempo en casa me da paz y me ha permitido reencontrarme conmigo mismo. En estos momentos sé exactamente dónde estoy. Me apetece levantarme temprano e ir a dar un paseo con mis perros”.

Pese a todo ello, el año pasado Boy publicó su tercer disco en solitario, “Echoes & Cocoons”. Una colección variada y muy particular. “Fue un disco que surgió fruto de tener la perspectiva de pasar mucho tiempo en casa. Habíamos publicado un epé con Incubus, pero sentía la necesidad de componer. De hecho, eso es lo que más me gusta de mi oficio. Así que, como tenía mucho tiempo por delante y habiendo descartado la idea de correr para hacer cosas, me centré en escuchar música nueva junto a mi mujer. A todo esto hubo un disco que me deslumbró, ‘All Mirrors’ de Angel Olsen. Me encantó la producción de John Congleton. Contacté con él y coincidió con que justo en ese momento acababa un disco, con lo que empezamos a hablar sobre la posibilidad de hacer uno juntos. Y eso hicimos, aunque nos lo tomamos más como un experimento”. T C

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l Vitoria-Gasteiz 16 junio. Azkena Rock

“No tenemos ninguna prisa”

FOTOS: ROXY RODRIGUEZ

Rayden

TEXTO Alejandro Caballero Serrano

NTES DE AFRONTAR la entrevista, me intereso por saber cómo se siente ahora que ha dicho todo lo que cree que tenía por decir. “Es raro porque siempre que sacaba discos me quedaba vacío y en este me he quedado liviano. Es liberador”. Una respuesta que sorprende por la claridad y la felicidad con la que la dice, algo que choca frontalmente con la recepción de su público. “No lo entienden, pero lo respetan. Creo que lo entienden por mucha pena que les dé y veo que, por otro lado, piensan como yo, que es el mejor disco que he hecho”.

“LA VICTORIA IMPOSIBLE” es un álbum de dieciséis canciones –catorce en la edición física– en el que Rayden busca redefinir el significado de algunos sentimientos que tenía ya viciados. “En la pandemia las palabras abstractas ya no significaban lo mismo. Cuando hemos salido de ella creo que cada persona ha hecho su propio viaje del héroe buscando redefinirlas”. Un concepto que, aunque sea distinto de lo que estábamos acostumbrados, no se aleja de sus seis anteriores trabajos. “He hecho una primera trilogía sobre el mensaje, una segunda en torno a la palabra, así que me parece bonito que el siguiente trabajo sea sobre la redefinición. Sin darme cuenta era un final del camino”. Porque, aunque la decisión de dejar la música fuese posterior al disco, el de Alcalá iba poco a poco dando forma final a su carrera sin saberlo.

EN EL TÍTULO DEL ÁLBUM, Rayden rememora un hito histórico, la sorprendente victoria del piloto de coches Tazio Nuvolari en la Alemania nazi de 1935. “Me sentía así en la música. Mi historia no tiene nada que ver con el régimen que impera. Haciendo lo propio puedes ganar, y ganar no es quedar el primero, sino materializar lo que tú tienes dentro”. Eso es lo que logra plasmar en las dieciséis piezas que conforman el álbum que, como ya es habitual, nos lleva hasta géneros tan distantes como el reggae,

el bolero o el indie. “¡He metido hasta una chirigota! Yo tengo voz de corista, pero tengo presencia suficiente para que todo se redireccione hacia una misma coherencia”.

El fnal del A

EN ESTE MOMENTO de nuestra charla, confiesa que “La victoria imposible” es el trabajo con el que había soñado despedirse. “Cuando la gente se retira te saca un grandes éxitos o un disco que no está a la altura, pero este no tiene eso”. El artista decide abandonar la música después de atisbar una lejana retirada junto a una de sus managers e imaginar el futuro que le esperaría tras dejarlo. A partir de ahí, la bola se va haciendo más grande hasta el momento en el que se mira al espejo del baño en un restaurante y decide que ya se ha acabado todo. “Al pensar en la retirada sentía calma todo el rato y mucha ilusión por dedicarme a otras cosas que no fueran esto”.

RAYDEN COMUNICÓ su decisión de forma oficial hace ya varias semanas y, de momento, no parece arrepentido. “En la música nadie sabe ganar. El que no tiene nada, quiere algo; el que tiene mucho, quiere todo; y el que tiene todo, se quiere mantener. Nadie sabe soltar. Yo tampoco sé ganar, pero creo que el camino es ser honesto y saber cuando parar. Eso predomina y prevalece ante cualquier amago de comeback”. Aunque uno de sus momentos más difíciles fue tener que comunicárselo a su banda. “La suerte es que yo nunca he tenido mercenarios, he tenido una banda. Están totalmente volcados hasta el final, llevamos tres conciertos ahora mismo y notamos que todos queremos atesorar estos momentos. Entienden que es el final, lo celebran, lo corean y se dejan la vida como tal. Lo están dando todo y lo agradezco”. Eso sí, hay dos fechas especiales marcadas en el calendario. El 2 de diciembre, cuando Rayden y su banda protagonizarán su segundo y último WiZink Center, y el 1 de marzo de 2024, cuando cerrarán su gira de salas en la barcelonesa Razzmatazz. “Ni lo pienso, pero queremos que sea algo irrepetible, que no

Rayden cuelga el micrófono tras veintidós años. El alcalaíno se despide de la música a lo grande, publicando “La victoria imposible” (Warner Music Spain, 23), su mejor trabajo. Nos sentamos con él pocos días después de lanzar el que ya es su último disco.

Rayden

del camino

se vuelva a dar. Tenemos muchas ganas del WiZink y también de la Razz, ya que será el último concierto en salas”. Aunque todavía le queda un sueño por cumplir dentro de la música para cerrar totalmente el círculo. “Me gustaría terminar mi gira en Alcalá, porque yo empecé en la música por no ir a las fiestas de mi ciudad”.

TRAS ANALIZAR su carrera musical, nos habla un poco de su recién estrenada profesión, la de novelista. “Es la primera vez que tengo el síndrome del impostor. Empecé en la música porque mis amigos querían hacer un grupo de rap, pero las veces que he sentido vocación ha sido con la novela. Estoy muy ilusionado”. Aunque nos deja claro que, una vez que cuelgue el micrófono, tiene aún muchas cosas por hacer. “Quedan tres colaboraciones por salir todavía, pero a partir de septiembre de 2024 seré mánager, compositor, productor, escritor y si sale algo más, también”. Y así es como nos despedimos de Rayden tras veintidós años, conociendo todas sus futuras facetas con las que seguro que nos volveremos a encontrar.

A.C.S.

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EN CONCIERTO

l Maó 28 julio. Es Claustre

l Guadalajara 20 octubre. Sala Óxido

l Valladolid 03 novimbre. Lava

l Santander 04 noviembre. Espacio Santander

l Valencia 17 noviembre. Sala Repvblicca

l Murcia 18 noviembre. Sala Mamba

l Alicante 25 noviembre. The One

l Madrid 02 diciembre. Wizink Center

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“Siempre que sacaba discos me quedaba vacío y en este me he quedado liviano”

Lucinda Williams rock & roll

ESTOY NERVIOSO, lo reconozco. Tú también lo estarías si fueras a entrevistar a alguien del que te sabes alguno de sus discos casi al dedillo, tanto es así que cuando, más tarde, converso con Lucinda Williams, no puedo reprimirme y me pongo a cantarle el inicio de “Car Wheels On A Gravel Road” después de que ella me hubiera contestado que el sitio en el que le gusta escribir sus canciones es “sentada en su cocina”. Entonces ocurre, me la imagino allí, en Macon, con Loretta (Lynn) cantando en la radio mientras en la cocina huele a café, huevos y beicon, y me pongo a cantar como un estúpido... Pero el miedo ya se ha evaporado, Lucinda Williams no puede ser más encantadora, una gran señora del Sur, sentada en el salón de su casa de Nashville. Tom Overby, su marido y mánager (así se refiere a él todo el rato), es el que me pasa con ella.

Williams está presentando su nuevo disco, “Stories From A Rock N Roll Heart”, que ya hace el decimoquinto de su carrera y es una barbaridad rock sobre el propio rock, sobre recibir la llamada cuando eres joven –como le sucedió a ella a los doce años tras escuchar el “Highway 61 Revisited” (65) de Bob Dylan, su disco favorito de todos los tiempos (el mío también, por si hubiera a quien le interese)–, sobre reunir a la banda y corazones rock & roll, pero también sobre su reverso oscuro, sobre los caídos y las dependencias.

“STORIES FROM A ROCK N ROLL Heart” es un disco en el que cuenta con colaboraciones de lujo como la del mismísimo Bruce Springsteen que hace su aparición, junto a su mujer Patty Scialfa, en un par de temas, “New York Comeback” y “Rock & Roll Heart”. “Todo sucedió porque en el disco colabora Jesse Malin que vive en Nueva York y conoce a

Bruce y nos dijo ‘Creo que puedo traer a Bruce para que cante en alguna canción’ y lo consiguió. Es realmente increíble”. También aparecen artistas más jóvenes, como Angel Olsen o Margo Price, sobre las que Lucinda ha ejercido la misma influencia que Loretta Lynn o Patsy Cline en su obra, algo que considera “fabuloso aunque también una lección de humildad”. Y es que Williams suena como una persona humilde y no como lo que es, una de las figuras más importantes de eso que se vino en llamar Americana y que ella insiste que no es más que “música demasiado rock para los puristas country y demasiado country para los obsesos del rock”. En esta ocasión, la balanza gira hacia el rock, con canciones como “Let’s Get The Band Back Together” entre las más directas de su carrera. Por cierto, cuando le pregunto a qué banda le gustaría ver reunida no lo duda, me contesta que “mi primera banda, la que tuve cuando llegué

ENTREVISTA

a Los Ángeles”. La misma con la que grabó algunos de los discos más importantes de su carrera como “Lucinda Williams”, en 1988, y “Car Wheels On A Gravel Road”, diez años más tarde. Se trata de la banda en la que estaban Gurf Morlix, Donald Lindley y John Ciambotti. Con el primero lleva veinticinco años sin hablarse, desde la grabación de “Car Wheels”, pero Lucinda no dudaría un segundo en reunirse con él.

PUEDE QUE TODO ESTO de echar la vista atrás le venga del hecho de que también anda presentando su autobiografía, “No le cuentes a nadie los secretos que te conté”, cuyo título está sacado del estribillo de “Metal Firecracker”, y que escribió a la vez que grababa el disco. Eso sí, reconoce que escribir una autobiografía es “mucho más duro y difícil” de lo que pensaba y que “no he disfrutado mucho el proceso de escribirla porque no me gustan las fechas límite”.Eso sí, me confiesa que “sienta bien sacarlo de ti y ponerlo en el libro. Puede ser muy terapéutico, es casi como escribirlo en un diario”, haciendo referencia a una relación abusiva y tóxica, relacionada con canciones como “Wakin Up” de “Good Souls, Better Angels” (20). Aun así, parece claro que este será su último paso por la escritura de un libro y que sus libretas seguirán alimentando canciones escritas en la mesa de su cocina… o en sueños. Y es que también me

dice que “hoy he escrito una canción en sueños y al levantarme seguía ahí. Nunca se sabe dónde te puede aparecer una canción”. Lo que parece claro es que, a pesar de sus setenta y tres años, queda Lucinda para rato, aunque ya hayan pasado más de sesenta años desde que sintió la llamada escuchando a Dylan. “Solo tenía doce años pero una parte de mí ya tuvo claro entonces que eso es lo que quería hacer, se metió debajo de mi piel y me elevó”.

LOS GUIÑOS DE ESTE DISCO siguen siendo clásicos, aunque haya otra canción para un miembro de The Replacements, Bob Stinson. “No le llegué a conocer pero mi marido Tom sí. Le solía ver, a través de la ventana de su apartamento, yendo todos los días por la mañana, a la misma hora, a la licorería que estaba enfrente”.

El reverso de la vida del rock. Pero sus referentes siguen siendo los de siempre, coincide con Lou Reed (“todavía siento que el rock & roll salva vidas”) y se pone del lado de Neil Young diciendo que nunca va a desvanecerse y que, ya saben, hey, hey, my, my, el rock & roll no puede morir nunca. Este es un disco y una artista que así lo atestiguan, algo que podrá seguir probando en su visita al Azkena Festival de este año, una cita que le hace especial ilusión por compartir cartel con gente como Iggy Pop (“ese maravilloso loco”), su querida Chryssie Hynde y sus Pretenders o con Steve Earle, el coproductor del mítico “Car Wheels On A Gravel Road” (98). Ese disco en el que venía la canción titular, la que escribió sentada en la mesa de la cocina mientras sonaba Loretta en la radio, en medio del olor a café, huevos y beicon… No puedo evitarlo, ya estoy cantando otra vez. S A

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l Vitoria-Gasteiz 17 junio. Azkena Rock

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“El rock & roll sigue salvando vidas”

Joe Unknown Vivir la música

FOTO: ARCHIVO

La música como única forma de expresión y vida, sin importar nada más. “For Better, For Worse” (Darco Recordings, 23) es el nuevo proyecto de Joe Unknown y su resumen creativo con el que hacer frente al mundo y contar lo que ha vivido en los últimos años. Lo estará presentando en el Primavera Sound este mes de junio.

“ MI PRIORIDAD es simplemente asegurarme de que de verdad estoy aprovechando mi tiempo y todo lo que estoy haciendo. Trato simplemente de vivir en el mundo en el que nos ha tocado vivir, eliminando cualquier cosa que no me permita seguir profundizando en quién coño soy. No sé, me lo paso bien”.

Hablamos con él antes de pasar este año por el Primavera Sound para que nos cuente como fluye su presente y qué espera del futuro. Sin presiones y con las ideas claras, Joe avanza firme buscando que su propuesta se haga cada vez más grande, jugando, divirtiéndose y apostando por ese sentimiento de comunidad ravero que ofrecen sus conciertos. Tanto que ya está pensando en próximos movimientos y nuevo disco. “Estoy súper dentro del siguiente disco y espero mostrar algo de él este verano. Y también te puedo prometer que si vienes a alguno de mis conciertos vas a escuchar más material nuevo al margen del disco. Estoy planeando un directo increíble que va mucho más allá de mostrar en directo “For Better, For Worse”. Quiero que los conciertos tengan una vida por sí solos al margen del disco. Tienes que venir a verlo para entender lo que es un puto show en directo de verdad. Te encantará o lo odiarás, pero nunca lo vas a olvidar”.

“FOR BETTER, FOR WORSE” acumula todas las pasiones de Joe de forma impulsiva. En él ha conseguido plasmar todos los géneros que le han hecho crecer como artista y sentirse libre a la hora de reflejar su visión del mundo. “Si te soy sincero, supongo que todo eso ha salido sin yo darme cuenta. Se ha convertido como en un patio de recreo con todas mis influencias. Sobre todo porque yo, para empezar, no tengo formación musical. Yo no toco órganos, violines… Pero bueno, no quería privarme de nada, me puse a jugar y Chris me ayudó mucho buscando y seleccionando samplers y elementos. De esa forma acabé llenando mi música con todos los géneros que han representado mi vida. Fue divertido y me encanta lo que hemos logrado”. Eso sí, no le gusta posicionarse ni hablar de otros temas. Siente que su función en el mundo es la música y nada más. “Para conocer las prioridades de Reino Unido ahora mismo tendrías que hablar con un político. Realmente no me meto mucho en ese tipo de cosas, para ser honesto. Mi único propósito, y creo que todo el mundo necesita uno, es hacer música. Así que no sé una mierda de nada más. No sé quién ganó el fútbol anoche, no sé nada de nada. Todo lo que te puedo dar es música jodidamente buena”. “For Better, For Worse” se inspira en las películas de Tarantino y toda esa sangre derramada. Cuando le preguntas a Joe por su favorita va directo a “Death Proof”. “Me flipa el ritmo de la película. Hay muchas otras que los fans de Tarantino sueltan todo el rato como ‘Pulp Fiction’. Y claro, evidentemente ahí hay imágenes increíbles también. Pero no sé, hay algo en ‘Death Proof’ con lo que conecto a saco”. Aunque no se considera un artista frío y eso lo demuestra, por ejemplo, en ‘Hennessey Brown’. Creo que esa canción es el principio de algo, como la punta del iceberg de lo que puedo contar al mundo. Así que no sé, deja el móvil un minuto, cierra los putos ojos, piensa y a ver qué pasa. ÁLEX JEREZ

Más

l Barcelona 01 junio. Primavera Sound

l Barcelona 04 junio. Paral·lel 62 (Primavera a la ciutat)

l Madrid 06 junio. Sala Nazca (Primavera en la ciudad)

l Madrid 08 junio. Primavera Sound

“Tienes que venir a verlo para entender lo que es un puto show en directo de verdad”

HOLA JOSH. Te llamamos desde Mondo Sonoro. En esta entrevista tu interlocutor será Antonio García, cantante

y guitarrista de la banda española Arde Bogotá. Te dejamos con él.

(Josh) Estupendo, gente que sabe de lo que está hablando [risas].

(Antonio) Lo intentaremos.

(Josh) Hola, ¿cómo estás?

(Antonio) Muy bien. ¡Intentaré acercarme a eso! Nunca he hecho una entrevista. ¡Soy cantante! Me pregunto qué pensaste cuando Mondo Sonoro te habló de este encuentro. Intuyo que prefieres hablar con un músico antes que con un periodista.

(Josh) Prefiero conversar como si fuéramos dos médicos, dos policías, dos basureros, dos pintores, dos trabajadores de la construcción...

(Antonio) Hay varias cuestiones que me gustaría plantearte sobre el disco. Cuando lo escuché por primera vez traté de entender las letras para descifrar el mensaje detrás de las canciones. Está muy presente tu punto de vista del mundo. No sé si esa era la intención, pero sentí que había muchas canciones o al menos muchas referencias a lo que sientes respecto a lo que te rodea.

(Josh) Creo que los últimos cuatro años han sido muy interesantes para todos. La mayoría tenemos una historia que contar sobre la supervivencia. Además, hay una cierta sensación de incertidumbre sobre lo que hemos experimentado. Y yo me incluyo en todo esto. He visto a gente cercana morir, lidiar con problemas físicos o mentales… A veces parece que todo se desmorona, pero me he dado cuenta de que estas vivencias han puesto algunas cosas en su lugar. Hemos recogido las piezas y las hemos convertido en un barco con el que salvarnos de esta gran tormenta. Esto no tiene por qué ser negativo. Estamos en el Titanic, se está hundiendo y no podemos escapar. Entonces, ¿qué quieres hacer con el tiempo que te queda? Creo que lo mejor es arriesgarse. El Titanic se hunde, pero el bar todavía sigue abierto, así que ¡vamos! Quiero ser libre en este barco antes de que naufrague.

(Antonio) Pensé que cada verso del disco escondía un gran mensaje sobre lo que estabais experimentando como banda y tiene sentido con lo que dices. Como esa parte de la letra de “Carnavoyeur”:

La vida

“Every living thing will die from the king of the jungle to butterfly. Only sin is... waiting too long”. Es precioso. (Josh) Exacto, para mí eso no suena pesimista. Si hubiera un bombardeo nuclear, sin que se entienda que es eso lo que deseo, creo que sería capaz de sacar algo bonito. Coger la mano de mis hijos, por ejemplo, o estar con las personas que quiero… Miraría fijamente a esta gran ola que nos quiere alcanzar. Supongo que es porque soy un romántico y todo aquello duro, difícil o doloroso lo convierto en una oportunidad para escribir. Siempre entiendo las trage-

dias como “el momento”, porque el resto de vida es la espera que nos conduce a algo importante. Eso es todo lo que tenemos. Tú y yo ahora mismo, por ejemplo. El mañana no existe. Todo ha conducido a este momento y aquí estamos.

(Antonio) Absolutamente. Pero sentí que en el disco hablabas de problemas diferentes, temas que no te gustan o cosas peligrosas, como la bomba nuclear, aunque no propones una solución para evitarlo. Tal vez te resistes a posicionarte.

(Josh) Sí, superficialmente creo que estoy

El próximo 16 de junio se publicará en todo el mundo el esperado octavo disco de Queens Of The Stone Age, “In Times New Roman...” (Matador/ Popstock!, 23), un disco directo con el que la banda estadounidense vuelve a la actualidad. Hemos entrevistado en varias ocasiones a Josh Homme, pero esta vez, el alto guitarrista pelirrojo protagonizará una amistosa charla con Antonio García, cantante y guitarrista de Arde Bogotá –que acaban de publicar "Cowboys de la A3"–. Una conversación entre músicos, pero también entre un fan y uno de sus referentes musicales.

vida pirata Queens Of The Stone Age

de acuerdo, porque disfruto del peligro y del conflicto. He pasado mucho tiempo caminando en la frontera. Es un sitio peligroso, aunque la vista es increíble. ¿Sabes? He sido un tonto, he cometido errores… Sé que es un lugar arriesgado, pero me encanta estar ahí. La cosa es que el disco es la solución que yo ofrezco. De hecho, no me gusta hablar o pensar por los demás. Soy más de individualidad. Todo lo tengo que ofrecer es yo mismo, no tengo nada más que dar. Y lo que puedo garantizar es que en un mundo en el que todos te dicen qué hacer, yo no lo haré. Mi solución es: “¿Puedes creerlo,

amor? No hay solución”. El mundo quiere que te responsabilices de tu parte. Queens no te diremos lo que debes hacer. Puedes actuar como quieras mientras no hagas daño a nadie. Queens siempre hemos tenido el lema “ignorando problemas desde 1997”. Algunos dirán “esto es irresponsable”. Y tienen razón [risas].

(Antonio) Queens es un grupo, una reunión de individuos donde cada uno pone de su parte. En otras palabras, ¿cómo construisteis “In Times New Roman…”?

(Josh) He tenido el gusto de tocar con gran-

des personas reales como Mark Lanegan, Nick Oliveri, Dave, Troy y ahora John, Mike y Dean. Tú ya sabrás el tiempo que se necesita para encontrar a la persona que encaje en el puzle. Ha de ser alguien que provenga de un puzle diferente, pero encaje perfectamente. Y cuando lo unes todo, es un collage de pasiones humanas y creo que Queens, por fin, hemos completado este puzle. Si mis compañeros me lo permiten, sé que no soy ni un ángel ni un santo, a veces me vuelvo loco, pero los chicos me dejan marchar lejos para volver diciendo “¡Mirad lo que he encontrado!”. Luego añaden cosas a

la canción, porque sin ellos no sería lo mismo. (Antonio) Creo además que el disco está lleno de “sorpresas musicales”. Casi nunca soluciona los problemas tomando el camino fácil. Yo, como amateur, siento que es muy difícil salir del “A-B-C”. ¿Cómo lo conseguís y lo introducís en el disco? ¿Surge de manera natural o hay una intención de escapar en todo momento de esa fórmula?

(Josh) Bueno, creo que son las dos cosas. Por un lado, crecí escuchando música punk rock, como Subhumans. Si los buscas, utilizan ruedas de tres acordes “A, B, A, B, C, A, B”. Progresaron con los años y en sus siguientes discos hasta llegar a “From The Cradle To The Grave” (84). En la cara B hay solo una canción larga. Entonces cuando escuché eso, me dije: “espera, eso es como “Day In The Life”, es como “Live And Let Die”. Te das cuenta de que estás buscando parecidos todo el rato. ¡Qué le den a las reglas! Si encuentro una, voy a quemarla. Hay que permitirse a uno mismo sacar lo que lleva dentro sin ponerse barreras. Es como la ley de la oferta y la demanda. Me fijo en lo que hay ahí fuera, no necesitamos más de eso. Necesitamos lo que está en los huecos, los espacios en los que no hay nada. Hay que disparar en esa dirección. Aprendí pequeñas cosas cuando trabajé con Iggy. En ese momento me preguntaba: “¿Por qué los gritos de Iggy no se reflejan en la mezcla? ¿Por qué no puede ser tan fuerte que brille en la mezcla?”. Pensarás: “porque te asustarías”. ¿Por qué no puede suceder? Puede pasar, ¿verdad? Entonces, en “Villains” (17), me pregunté: “¿Y si la apertura del disco es tan silenciosa que sientes la necesidad de subir el volumen? Estoy jugando contigo. Entonces [canta fuerte] la canción crece de repente y piensas: “¡Oh, whoah, qué alto! ¿Qué diablos está pasando?”. ¿Por qué no puede un disco jugar con tu mente? ¿Por qué no puede agarrarte de la camisa? ¡Pues puede! Podemos hacer lo que nos dé la gana. El propósito de la música y del arte es provocar una reacción, así que ahí lo tienes.

(Antonio) ¿Vosotros produjisteis el disco o contratasteis a un productor externo?

(Josh) Sí, es como “Like Clockwork”, lo hicimos nosotros.

(Antonio) Sí, porque en “Villains” contásteis con Mark Ronson. ¿Cómo tomasteis esta decisión?

(Josh) “Like Clockwork” era demasiado oscuro así que nos preguntamos: “¿Por favor, podemos ahora bailar?”. Me encanta salir a bailar y ver a la gente hacerlo. Y aunque tocamos música más heavy a veces, creo siempre intentamos que el público mueva las caderas. No me interesa parecer “guay”, solo quiero bailar. Y creo que hay gran diferencia. Cuando alguien escucha lo que Ronson hizo, puede que le guste o que quede decepcionado, pero todavía no habrá escuchado nada parecido. Eso me encanta.

(Antonio) Es parte de lo que dijiste. Tiene sentido.

(Josh) Y la verdad es que no importa con quién trabajemos, nadie tiene tanto dominio sobre nosotros para hacernos cambiar. Sin embargo, sí que tienen el permiso de hacer propuestas y añadir cosas maravillosas, eso es vital. No tienen el permiso de arruinarlo. Eso no tiene sentido. Mark hace música de baile, es un gran comunicador y una persona muy buena. Además es divertido y es divertido estar con él. Eso ayudó a que “Villains” no quedase también demasiado oscuro. A veces le pedía a Mark, ¿me recordarás que tengo que encender las luces, por favor? Recuérdamelo incluso si estoy frustrado. Como en una fiesta de cumpleaños. ¡Nadie se enfada en una fiesta de cumpleaños!

Yo sabía que “In Times New Roman...” iba a ser más minimalista que lo que cualquier productor hubiera querido hacer bajo su nombre. Pero me da igual, me gusta así. No hay otra manera de hacerlo natural que la de ser tú mismo, ¿verdad? Si tienes la habilidad técnica para grabar tu música, trabajar con alguien no es una necesidad. Estoy en una discográfica independiente y para mí es como si fueran compañeros. No tienen poder sobre lo que hacemos, nuestros managers, por ejemplo, no escuchan el disco hasta que está terminado. Así no tienes esa presión. De esta manera, tenemos la oportunidad de posicionarnos, decir lo que pensamos, y luego los demás ya decidirán si les gusta o no. Como he dicho, solo me tengo a mí mismo para ofrecerme y sé que eso es lo más genuino posible. De esta manera, si alguien ama lo que hacemos, lo ama porque es real. Ni siquiera quiero que nos venga a ver todo el mundo. Si pudiera elegir, no querría ser la banda más reconocida o popular. ¡Qué incómodo debe ser eso! ¿Te imaginas estar en The Beatles o en U2? No poder ir a ningún sitio, no poder... Yo no quiero eso.

(Antonio) Arde Bogotá acabamos de publicar nuestro segundo álbum. Es todo muy reciente. Hace apenas un año que dejamos nuestros trabajos para centrarnos en la banda. Nos estamos enfrentando a muchas cosas que creo que todos los músicos experimentan cuando empiezan a vivir de esto. Es como la vida de un pirata.

(Josh) Eso es fantástico. La gente que vive una vida normal puede pensar que es una analogía estúpida, pero no lo es. Llegas a una ciudad en tu barco pirata y traes lo tuyo, aunque también te llevas todo lo que puedes. Hay un inter-

“El propósito de la música y del arte es provocar una reacción, así que ahí lo tienes”

cambio. Luego regresas a la mar y continúas viajando, como hacen los piratas.

(Antonio) Me pregunto, si volvieras a tener veinte años, ¿volverías a involucrarte en esta vida de piratas o te embarcarías en otras aventuras en vez de la del rock and roll?

(Josh) La verdad es que no soy un conformista. Como he dicho, vengo del punk rock. He trabajado con Uncle y con James Lavelle de Mo’Wax, que es el principio del movimiento dance inglés. He trabajado con The Prodigy y con Ronson. Me encanta saltar entre los distintos mundos. Acabo de producir un disco de country. He trabajado con Lady Gaga. Hago Desert Sessions que no son de ningún estilo concreto. Pero Queens es mi hogar. Cumpliré cincuenta años en unas semanas y creo que lo más difícil es conseguir que tus últimos álbumes sean tan buenos como los primeros. Y este es el camino en el que me encuentro en la actualidad. Algunos pierden el hilo y se quedan sin ideas, se copian a ellos mismos, juegan a lo seguro y se obsesionan por el dinero. La gente va cayendo, porque además es complicado que una estrella del rock continúe haciendo cosas tan buenas constantemente. Es muy difícil de conseguir, pero también es parte del trabajo. Cuando compones tu segundo disco, la pregunta es: “¿Cómo respondo al primero?”. En el tercero te planteas qué has aprendido de los dos anteriores. En el cuarto te enfrentarás por primera vez a la pregunta: “¿Por qué necesitaría alguien escuchar mi cuarto disco?”. Y cuando llegas al octavo todavía te cuestionas el porqué de la importancia de tu proyecto. Para mí la respuesta está en la vulnerabilidad y el realismo de las letras y la melodía. Y también que no puedo evitarlo, me gusta el ruido. Todavía uso el rock’n’roll, supongo, porque es lo suficientemente amplio para permitirte arriesgar con muchas cosas.

(Antonio) ¡Estamos más conectados a ti de lo que crees! Aprendemos mucho de lo que has hecho.

(Josh) Y yo aprendo mucho de estar rodeado de la gente con la que trabajo y de muchas otras experiencias. No importa si es tocar con Dave Grohl y Jones o incluso estar arrestado, o que me rompan el corazón. Qué triste sería si no pudiera sacar nada bello o positivo de todas estas experiencias.

(Antonio) Muchas gracias por esta conversación.

(Josh) ¡Nos vemos pronto en el barco pirata!

.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Brenda

No cabe duda de que “Ceniza en la boca” (Sexto Piso, 22) de Brenda Navarro ha sido uno de los grandes libros del año pasado. En él, Navarro ya nos daba pistas sobre su afición a la música, por lo que no hemos podido resistirnos a preguntarle por sus discos de su vida. Y aquí los tenemos.

Alanis Morissette Jagged Little Pill (1995)

Imagina crecer en un hogar en el que Luis Miguel, José Luis Perales y Marisela son el archivo musical y de pronto llegue a tus manos este disco tan lleno de todo: odio, ironía, desamor, ternura. Fue un antes y un después para mí con trece años. Este disco, que repetía una y otra vez en mi discman, fue la primera conexión que tuve con la voz de una mujer compleja, joven y rockera. Mi modelo a seguir.

Charly García Hello! MTV Unplugged (1995)

Desconfío de toda persona nacida a finales del siglo XX y que diga que es amante del lenguaje y que no se sienta tocada de alguna manera por Charly García. Es nuestro maestro, un músico y letrista que sabe usar la metáfora, el ritmo, la imperfección, la política o la desazón para tocarnos con su música. Este disco me ayudó a comprender las palabras como melodías y las historias como pequeños fragmentos capaces de encapsular el tiempo.

Cuando escuché “Fidelity”, me di cuenta que no estaba enamorada de mi entonces pareja y tuve la claridad de que quería enamorarme así, enamorarme para tener el corazón roto. Este disco fue el soundtrack de mi paso a los treinta años. Ese buscar un nuevo comienzo, una nueva vida, algo a lo que aferrarte. Cada canción es así: un poco melodiosa pero cruda, optimista pero profunda.

Bright Eyes I’m Wide Awake, It’s Morning (2005)

Conor Oberst es para mí uno de los mejores cantantes y compositores de mi generación. Tiene una capacidad extraordinaria de hacerte sentir muchísimas cosas con su voz y este disco podría ser el soundtrack de mi vida. Me lleva a distintos estados de ánimo y la última canción es como un orgasmo, quieres romperlo todo en un momento, mientras se te llena la cara de placer.

Vampire Weekend Contra (2006) Modern Vampires Of The City (2013)

No puedo separar estos dos álbumes, para mí van unidos, seguido el uno del otro en loop. Con estos dos discos logré construir mi segunda novela “Ceniza en la boca”. Los escuché tantas veces que creí que un día iba a romper la plataforma digital o que iban a reportarme como bot. Son dos discos que se contradicen entre sí, uno es esencialmente juvenil, disruptivo, juguetón y el otro es más sombrío, más pensado, más concebido como obra musical.

Thiago Pethit Mal dos trópicos (2019)

Defiendo firmemente que Thiago Pethit es uno de los músicos contemporáneos más complejos que he escuchado. Es vérsatil, camaleónico y sensual. Este disco es la prueba de todo ello, pues es una especie de ópera brasileña única e irrepetible. La música de nuestro tiempo, sincretismo, dolor, sensualidad, política, muerte, vida. El verdadero mal de los trópicos. MS

Regina Spektor Begin To Hope (2006)

Navarro

BRENDA NAVARRO FOTO: BARRY DOMÍNGUEZ

Rodrigo y Gabriela Evolución espiritual

Aunque el particular cuaderno de memorias de los mexicanos ya supere las dos décadas, la inquietud de ambos por evolucionar parece intacta, tal y como nos revelan en “In Between Thoughts… A New World” (ATO, 23).

ADEMÁS DE SU NUEVO TRABAJO, “In Between Thoughts… A New World” es la prueba fehaciente de cómo esta pareja ganadora de un Grammy nunca pisa el freno en lo que a crecer artística y expresivamente se refiere. “Fue precisamente en ese interpás entre nuestro anterior álbum y éste donde Gabi y yo descubrimos el no-dualismo, y creo que esto es mucho más significativo para nosotros y para nuestro trabajo actual que

cualquier otro reconocimiento mediático”, apunta Rodrigo, sobre el contexto que les ha llevado a formular su nuevo álbum.

PARA AQUELLOS a los que eso del no-dualismo les suene a chino, Rodrigo y Gabriela hacen uso de su brillante habilidad narrativa para bajar a lo terrenal conceptos metafísicos elevados, a través de nueve cortes que encierran tras de sí una poderosa y reflexiva historia. “A Rodrigo y a mí nos sale de forma muy natural desarrollar historias cuando estamos creando nuestra música”, nos advierte Gabriela. “En el caso de este álbum, elaboramos una historia basada en un personaje que se llama Advaita. No es ni hombre ni mujer, sino un representante per sé de la humanidad, y su aspecto es como el de una pantalla viviente. Por eso viste todo de blanco, porque se siente como un lienzo sobre el que se refleja todo lo que sucede a su alre-

TAN.LEJOS TAN CERCA

RR Los Estanques y Anni B Sweet se convierten en la grandes ganadores de este año de los Premios MIN al llevarse un total de cinco galardones: Álbum del Año, Canción del Año, Mejor Artista, Mejor Álbum de Pop y Mejor Producción Musical.

RR Después de todas las incógnitas surgidas tras el fallecimiento de Taylor Hawkins en 2022, Foo Fighters han anunciado algo que muchos ya intuíamos, que el nuevo batería de la banda es ese gran profe-

sional del instrumento que es Josh Freese. La banda lo reveló durante el livestream “Foo Fighters: Preparing Music For Concerts”

RR Ha fallecido a la edad de cincuenta y nueve años Andy Rourke, quien fuera bajista de The Smiths. La causa de la muerte ha sido un cáncer de páncreas que sufría desde hace ya una larga temporada. Tras The Smiths formó parte de Freebass y tocó como músico de directo y estudio con infinidad de artistas.

Lucía Tacchetti La soledad del viajero

La argentina afincada en Madrid

Lucía Tacchetti presenta su tercer álbum titulado “Flaps” (Costa Futuro, 23). Todo un tratado de electrónica emotiva e inteligente que combina la introspección con el movimiento, la profunda soledad que asola al viajero.

ES POSIBLE QUE TODAVÍA no conozcas a Lucía Tacchetti, pero deberías. Su reciente “Flaps” es un ejemplo excelente del uso de la

electrónica para tejer emociones que, en este caso, giran alrededor de la idea de la soledad del nómada. De alguien que está en continuo movimiento y justo por eso se encuentra solo. Además, Lucía lo demuestra a base de grandes canciones. Solo hay que dejarse cautivar por temas como “Rota”, “Solos” o “El Modo” para caer en el influjo hipnótico de sus beats. “Me gusta pensar que contiene ese movimiento que está muy arraigado con esa electrónica de baile que es un poco mantra y, a la vez, quería hacer unas letras que no fueran tan literales. Intentar que sea el oyente el que libremente piense lo que quiera. Así que más allá de la

soledad y la introspección, me gusta pensar que el disco contiene ese movimiento que va asociado con los aeropuertos o las estaciones. Esos no lugares que son sitios en los que no existe el tiempo”. “Flaps” es el tercer largo de su trayectoria, aunque para ella es importante recalcar que se trata del primer trabajo que ha producido ella misma bajo el alias de “ELETÉ”. Una figura que desea utilizar para trabajar con otros artistas en futuras producciones. “ELETÉ nace de la búsqueda de despersonificar el proyecto, y me divertía la idea de encontrar una especie de alter ego al que darle mi perfil de productora y con el que hacer

RR Kinder Malo regresa en forma con “No estoy”, una canción en la que reinicia su sonido alejándose del trap que popularizó para acercarse hacia un sonido eléctrico con ecos del punk-pop o el grunge.

RR Mujeres han presentado un nuevo tema, “Horizontal en llamas”, en el que exploran territorios más íntimos y electrónicos de lo habitual, abriendo un abanico estilístico que no ha dejado de crecer desde sus inicios y que ha combinado con talento garage, rock y pop.

dedor, adaptándose a los diferentes escenarios y proyectando sus anhelos y deseos, que también son cambiantes”.

“IN BETWEEN THOUGHTS… A New World” es un buen reflejo de cómo la dupla ha apostado por trabajar desde la confianza que les da saber que nada permanece, todo se desvanece. “Dada la situación en la que nos encontrábamos, nos dedicamos a hacer música durante la pandemia sin saber ni tan siquiera si terminaría siendo publicada. Es por ello que no tuvimos miedo a experimentar, añadir arreglos de electrónica y terminar armando con ello el soundtrack para la historia que queríamos contar”, explica Rodrigo. Precisamente, sin miedo se lanzan a un mercado que poco o nada acostumbra a tener en cuenta propuestas de corte instrumental. “El género no goza de una gran salud, pero eso no quiere decir que no existan propuestas”, puntualiza Rodrigo. “De hecho, nos emociona ver cómo ahora mismo hay muchísima más gente llevando a cabo proyectos instrumentales de la que había cuando nosotros comenzamos, precisamente porque lo han visto posible”. Unos

RR Se anuncian una larga lista de giras para los próximos meses. Los protagonistas serán Scowl, Brett Dennen, Lee Fields, Fear Factory, Mando Diao y muchos otros. Visita nuestra web para descubrir estas fechas y muchas más.

RR Alice Glass firmará la versión de “Barbie Girl” de Aqua que aparecerá en la banda sonora de “Barbie”, la película dirigida por Greta Gerwig que llevará a la gran pantalla a la archiconocida muñeca y a su novio Kent, encarnados por Margot Robbie y Ryan Gosling.

futuros remixes o futuras canciones instrumentales. En ELETÉ quiero volcar mi lado más de experimentación y de producción”. Sin embargo, aunque “Flaps” es un disco con una profunda carga individual, no es menos cierto que se ha rodeado de colaboradores para lograr texturas distintas en sus canciones. Músicos como Margarita Quebrada, Mula, Maika Loubté, Miranda Johansen, Delfina Campos o un Sergio Pérez que ha trabajado como productor o ingeniero con mucha gente como La Bien Querida, Joe Crepúsculo o Mujeres además de ser responsable de grupos como Thelemáticos o Svper. “Fue curioso porque su nombre me llegó de diferentes lugares. Hice una gira con Cariño en México y estábamos hablando de producción y de discos y les pregunté si se les ocurría alguien en

referentes con más de veinte años de carrera a través de los cuales han aprendido a desarrollar una conexión y una sincronía mágica. “Respetamos nuestro espacio y eso estimo que es lo más sano de nuestra relación”, dice Gabriela. “Lo que más nos une es nuestra evolución espiritual”, sentencia Rodrigo. “Por encima de cualquier diferencia, está el hecho de haber tenido vidas relativamente parejas y eso es lo que nos hace estar tan conectados después de más de treinta años”. FRAN GONZÁLEZ

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EN CONCIERTO

RR Blur tendrán nuevo disco el próximo 21 de julio. Llevará por título “The Ballad Of Darren” y de momento ya podemos escuchar el avance “The Narcissist”. Recuerda que Blur estarán actuando en las ediciones del Primavera Sound de Barcelona, Madrid y Porto.

RR Cariño se enfrentan al pasado en su nuevo single, “Aún me acuerdo de todo”, una canción que llega después de “Locochona”, su colaboración con la mexicana Girl Ultra. MS

España que pudiera manejar muy bien la síntesis analógica y me nombraron a Sergio al que yo ya conocía de Svper y de La Bien Querida, de la que soy muy fan, pero como que no había pensado en él como una opción. Después conocí a Cabiria y ella también trabaja con él y me comentó que Sergio sería el indicado y, a partir de ahí le escribí, y en diciembre ya estábamos grabando en el estudio donde me demostró que es una persona súper talentosa”.

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“Lo que más nos une es nuestra evolución espiritual”

FOTO: DYLAN REYES

“El disco contiene ese movimiento que va asociado con los aeropuertos o las estaciones”

l Madrid 07 noviembre. La Paqui l Barcelona 09 noviembre. Razzmatazz 2

ALEX AMOR · HABLA DE MÍ EN PRESENTE · HENRIO

JULIETA VENEGAS · JUNGLE (DJ) · KILLIN'CACTUZ

LA CASA AZUL · LADY AVOCADO & GOLFO DE GUINEA · LISASINSON

LORI MEYERS · MARIA JAUME · MASSAVIU · NÚRIA GRAHAM

PANDA BEAR & SONIC BOOM · ROSIN DE PALO · WHITNEY · XICU · YAUNEST

VIDA CLUB PRESENTA: ADRIAN MARTH · ALESA DJ· ANNA FERRIS· BANKROBBER GANG DJ

EDU LÁZARO· FOEHN RECORDS DJ· NACHO RUIZ DJ· TALI CARRETO·THIRTY DJ· VĒMŌ

ALAN MCGEE (DJ)· ALBA MORENA · AURORA

BULMA BEAT DJ·DHARMACIDE · FRANC MOODY · GALGO LENTO

GHOULJABOY · IRENEGARRY · JULIETA · L'IMPÉRATRICE · MARIA HEIN

NIÑO DE ELCHE · PONGO· SECRET SHOW· SOCUNBOHEMIO · SUEDE

THE GULPS · XOEL LÓPEZ · ZA! & LA TRANSMEGACOBLA

VIDA CLUB PRESENTA: ASIA KNOX A.K.A LATIN GEISHA· ELI KAPOWSKI· END OF THE ROAD DJ· HELIOGÀBAL DJ

MACHINDA RECORDS· MARINA HERLOP I LA BUSA DJSET· NILSINVINIL· THISORDER

VIDA DJ· WAXBEATS KOLLEKTIV

COOL NENAS · DANI · DEHD · ERNEST CRUSATS · FONKI CHEFF

GLASVEGAS · HOLOGRAMMA · JORGE DREXLER · KEG · LA COSTA BRAVA

LA PLAZUELA · OKDW · PLAYBACK MARACAS · QUERALT LAHOZ

ROMBO · SELVA NUA · SPIRITUALIZED · THE LIBERTINES

TIM BERNARDES · VALERIA CASTRO · VEN'NUS

VIDA CLUB PRESENTA: BILBADINO· CARXOFA DJ SET· DISCOMMON· DJANE KARMA· DON GONZALO GASPAR & ELENA· LA CARA.B· LLAMADAS PERDIDAS· MAADRAASSOO· SONIA HEIS

Tren oficial:

Stay Homas Un nuevo hogar

Klaus, Guillem y Rai regresan con “HOMAS” (Cukileo Records/ Halley Records, 23), su segundo álbum. Stay Homas dejan atrás todo ese boom que lograron en la pandemia para presentarnos su trabajo más personal. Sobre él charlamos con los tres.

EN ESTE SEGUNDO largo, los homitos han escogido el título de la misma forma en que lo hicieron con su debut, seleccionando una de las palabras más representativas de esas catorce canciones. (Klaus) “No sé en qué momento surgió, pero es una cosa que no hemos discutido nunca. Decidimos llamarlo ‘HOMAS’ porque al final el álbum es eso, es nuestra casa”. (Rai) “No incluimos ‘Stay’ en el título porque ya no estamos en casa, estamos a otra cosa. También es este concepto de que creemos que puede ser el trabajo más personal que hemos hecho. Es como dejar a la gente entrar en nuestra casa”. Lo que podíamos imaginar es que hubiesen encontrado su verdadero foco y se hubiesen dejado de experimentos musicales, pero ha sido más bien al contrario. (Guillem) “Queríamos hacer un disco que fuera con nuestro sonido, unificado, conceptual… y al final hemos acabado

haciendo lo que hacíamos hasta ahora: lo que nos da la gana. Creemos que no tenemos que buscarle los tres pies al gato, ni encontrar un sonido o una forma de hacer única. Si hacemos muchas canciones, nos gustan y nos sentimos cómodos, no hay ninguna cosa negativa”. Es por ello que en esta nueva entrega encontramos temas que van desde el rock hasta la balada, desde el pop mestizo hasta la música más ochenta. Aún así, Stay Homas tienen claro qué estan haciendo en cada momento. (Rai) “Vale que aquí somos muy intensitos, ahora aquí muy festivos, todo lo que tú quieras, pero al final estamos jugando todo el rato”.

AL IGUAL QUE EN “AGUA” (Sony, 20), lejos de lo que pueda parecer, solo incluyen dos colaboraciones, una con Meritxell Nedderman y otra con The Tyets. (Klaus) “La idea era hacer un disco sin colaboraciones, pero han salido de forma puntual y son brutales. Seguro que nos habría gustado que colaborase más gente, pero no creo que hubiesen sumado mucho, es un disco muy personal”. Ahora, después de tener el disco en la calle, llegan los conciertos. Una nueva gira de presentación que requiere de mucho trabajo previo y de una buena preparación. (Klaus) “Algunas de las canciones que estábamos tocando se van fuera porque tienen que entrar otras nuevas de este disco, pero también le

estamos dando una vuelta a las antiguas. Creo que es lo mejor que hemos hecho nunca en directo”. (Rai) “Y también es lo más ambicioso”. La gira arrancará este mes de junio y prevén que se alargue hasta el año que viene. (Guillem) “En verano haremos festivales y a partir del otoño seguramente nos metamos en conciertos autoproducidos en salas”. (Klaus) “La idea es hacer la gira, enseñar nuestra música a la gente y que se vayan el máximo de contentos a casa”.

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EN CONCIERTO

l Madrid 16 junio Lula Club

l Vic 17 junio. Cabró Rock

l Canet de Mar 01 julio. Canet Rock

l Barcelona 08 julio. Cruïlla

l Gandía 13 julio Pirata Beach

l Tárrega 15 julio. Paupaterres

l Vilanova i la Geltrú 20 julio. El Tingladu

l Alcúdia 22 julio Canet Rock Mallorca

l Roses 30 julio. Sons del Món

l Calella de Palafrugell 01 agosto. Cap Roig

l Cambrils 02 agosto. Fest. Int. de Música de Cambrils

l Maó 11 agosto. Es Claustre

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

“Con este disco hemos tenido tiempo de pensar las cosas”

Después más de dos décadas de experiencia en la sombra, ocultando su talento detrás de los créditos de artistas de gran calado (desde Arctic Monkeys a Depeche Mode, pasando por Klaxons o Florence & The Machine) y con Simian Mobile Disco en paro forzoso, James Ellis Ford se aventura a publicar “The Hum” (Warp/Music As Usual, 23), su primer álbum en solitario.

EL CARÁCTER HUMILDE y discreto de James Ellis Ford nunca nos hubiera hecho sospechar que algún día le veríamos presentando un proyecto en solitario y con nombre propio, pero aquí lo tenemos. “Aunque la idea de hacerlo siempre me había rondado la cabeza, me era literalmente imposible sacar tiempo para poder darle a la propuesta la consistencia que ésta se merecía”, responde quien fuera el cincuenta por ciento de Simian Mobile Disco cuando le preguntamos por qué le ha llevado tanto tiempo considerar la alternativa de conjugar su música en masculino singular. “Hace pocos años a mi compañero de SMD, Jas Shaw, le diagnosticaron una extraña enfermedad de larga duración, lo cual nos obligó a anunciar que la banda entraba en pausa de forma indefinida”, enuncia con pesar Ford. “No podíamos estar ni siquiera en la misma habitación juntos, especialmente durante la pandemia. Así que eso dejó un vacío musical y profesional muy grande dentro de mí que necesitaba llenar”. Con ello, el productor comenzó a componer música de forma regular en su estudio casero y entre diversos quehaceres domésticos, con el fin de apaciguar esa desesperanza, fruto de un futuro impreciso. “Mi carrera nunca se ha caracterizado por tener demasiada estabilidad”, dice Ford, recordándonos lo volátil que la vida del artista puede llegar a ser. “Ante las terribles noticias de Jas lo único que pude hacer es armarme de valor y seguir adelante”. Y con ello, dio forma a un proyecto que ha terminado pasando de ser un mero experimento DIY a todo un ejercicio de superación personal. “Poco a poco descubrí la importancia de seguir aprendiendo cosas nuevas y de forzarse a uno mismo a salir de la zona de confort. No persigo convertirme en una estrella pop y mediática con este disco, ni busco pelear por hacerme un hueco en esa parte de la industria. Lo único que he querido a través de este disco ha sido afianzar mi personalidad artística con un proyecto que

hable de mí. No va tanto de ambición como si de retarme a mí mismo, ver de qué soy capaz y explorar estilos musicales con los que nunca me había atrevido antes. Mis ídolos son gente como Robert Wyatt o Nick Cave, que han hecho y siguen haciendo cosas geniales incluso con edades provectas. Está claro que la esperanza de la música actual es la gente joven, pero alcanzar cierta edad no es un impedimento para probar cosas nuevas”.

COMEDIDO Y CON LA HUMILDAD por bandera, James fue descubriendo poco a poco qué cara de sí mismo quería mostrar a través de su primer disco en solitario. “Cuando llegó la hora de incluir voces, lo primero que pensé fue en llamar a algunos

artistas que quisieran colaborar conmigo. Siempre he sido muy afortunado de estar rodeado de gente muy talentosa, y no me habría costado nada contar con ellos. Pero sentí que iba a ser mucho más auténtico si yo me encargaba por entero de todo”. Aunque ello supusiera, tal y como nos cuenta el británico, enfrentarse a sus más intensas inseguridades. “Sé cómo debe sonar una voz afinada, es algo que he tenido que graduar y controlar en otros artistas infinidad de veces, pero obviamente nunca me había planteado cantar de forma profesional y mucho menos compartirlo con el mundo. De veras, no canto ni en la ducha. Pero llegó un momento en el que sentí que a mi disco le faltaba algo, y sin pretenderlo terminé poniendo en entredicho todos los

“Alcanzar cierta edad no es un impedimento para probar cosas nuevas”

James Ellis Ford Cambiar de lado

motivos que me impedían atreverme a dar ese particular salto y probé a cantar”.

FORD SE SIENTE COMO UNA SUERTE de hombre orquesta, tocando una generosa colección de instrumentos, algunos hasta por vez primera como el clarinete, y abrazando sin pudores un sinfín de referentes hasta ahora inéditos en su registro. “Nuestro viaje a Palestina supuso todo un descubrimiento. Fue muy conmovedor conocer a gente local y ver cómo, a pesar de las duras circunstancias en las que viven, su espíritu sigue ocultando luces del todo emocionantes”, nos cuenta Ford sobre su experiencia conociendo a fondo las raíces de la familia de su esposa. “Aunque siempre me había gustado la música árabe, aproximarme por vez primera a este tipo de estilos que se rigen por escalas y reglas tan diferentes me resultó muy inspirador”. Con todo, el británico también tiene a bien confesarnos que mantiene algunas cuentas pendientes en lo que respecta a perfeccionar su estilo y desencriptar su escritura. “Es irónico porque cuando trabajo con otros artistas, yo soy el primero que les pido que me entreguen más emoción, pues sé que, como oyente, eso es lo que más interesa escuchar en un disco. Pero aplicarse a uno mismo ese consejo ya es otra cosa”. Y es que donde Ford siempre ha estado y estará más cómodo, es en la trastienda de la música. “Siempre me ha gustado más ayudar al artista a dar lo mejor de sí mismo. Creo que la labor del productor es algo fundamental para terminar logrando álbumes que hacen historia”.

FRAN GONZÁLEZ

“Amo a mis gatitos. Me encanta oler flores. ¡Me encanta el sexo jodidamente hermoso! Y las ballenas jorobadas, por supuesto”

Ke$ha en NME

“Lo que hará la IA es coger pedazos de información y crear algo en base a eso. Enter Shikari siempre estamos evolucionando, así que lo que podría hacer es crear algo que sonara como una cara B de hace cinco años”

Rou Reynolds de Enter Shikari en Rockzone

“Se nos ha encasillado mucho desde el principio en postpunk… Y eso igual a mí sí que me picaba un poco, porque hemos tenido muchas otras influencias que parecía que no se notaban”

Patricia de La Plata en Muzikalia

“Cuando me uní a The Clash no llegué con equipaje. Yo era un don nadie que acababa de llegar del desierto”

Paul Simonon de The Clash, en Mojo

“LO QUE ME

DA MIEDO ES LA POSIBILIDAD DE UNA GUERRA NUCLEAR, ALGO QUE NO ES NUEVO. Y ES MUY FÁCIL CON MANÍACOS TIPO TRUMP, PUTIN...”

Mark Arm de Mudhoney en Ruta 66

BURNING SPEAR | UB40 FT ALI CAMPBELL | BARRINGTON

STEEL PULSE | GENTLEMAN | CAPLETON | ZOO |

PROTOJE & THE INDIGGNATION | DON CARLOS | ANTHONY B

JUNIOR MARVIN & THE LEGENDARY WAILERS

L’ENTOURLOOP W/ N’ZENG, TROY BERKLEY & BLABBERMOUF | TIKEN JAH

JOHNNY OSBOURNE | LILA IKÉ | BIGA*RANX

QUEEN OMEGA & THE ROYAL SOULS | MUTABARUKA W/ MAD

WILLI WILLIAMS, LINVAL THOMPSON & DUB FX FT WOODNOTE | LA FÚMIGA | HOLLIE COOK |

THE CIMARONS | LIA KALI | NONPALIDECE | ADALA

GAUDI + DON LETTS FT EARL16 | TRAIN TO ROOTS | JUANTXO

KATCHAFIRE | MISS BOLIVIA | LAS NINYAS DEL CORRO

SOM ROMPE PERA | AKABU QUEENS | JAHNERATION

GULTRAH SOUND SYSTEM | INDUBIOUS | MALUKS | JOYDAN

BOOM BOOM FIGHTERS & COOKAH P | DROP COLLECTIVE

DUB ACADEMY powered by CHANNEL ONE | STAND

FT JOE YORKE | IRATION STEPPAS | TIPPI I-GRADE FT

PAOLO BALDINI DUBFILES | BLACKBOARD JUNGLE |

FEMININE HI FI | KING ORIGINAL | SCIENTIST SOUND

JOSEPH LALIBELA, REUBEN GONDAR, MESSENGER DOUGLAS, PRINCE

JAH VERSION | CLASSIC WONDER VETERANS FT SOLO BANTON

RAGGATTACK 20 YEARS FT SUPA BASSIE | INDY BOCA FT DUSTY WATA

VARIEDUB | STEPPER ONE | DUB CONDUCTOR

EQUAL SOUNDS COLLECTIVE | MYSTICAL HI FI

DANCEHALL CHI CHING CHING | BASS ODYSSEY | KING ADDIES

CODE RED SOUND | DYNAMQ | FREDDIE KRUEGER | TASHA ROZEZ

LADY LYKEZ | NORTHERN LIGHTS | HEAVY

8 ESCENARIOS | REGGAE UNIVERSITY | HOUSE OF RASTAFARI

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ENTRADAS A LA VENTA

The Baboon Show Trabajadores del rock

algo extraño para el grupo. (Frida) “Este material lo tenemos desde hace tiempo, y hemos tenido el suficiente para moldearlo. Mientras tanto, hemos escrito más canciones. Y por fin podremos tocar estas en directo”. (Niclas Seensson) “Estoy muy orgulloso de estas canciones, creo que hemos hecho un gran trabajo. En realidad, no nos importa el tiempo que lleven hechas, lo que más nos importa es que ya las podemos compartir con la gente”.

The Baboon Show es un grupo hecho a si mismo. Trabajadores y constantes, no han tenido prisa en llegar hasta el punto en el que ahora se encuentran. Han preferido crecer disco a disco hasta llegar a “God Bless You All” (Kidnap Music, 23).

GRACIAS A SU ESPÍRITU y a su disposición por girar y actuar allí donde les llaman, The Baboon Show han creado a su alrededor una comunidad de seguidores fieles y entusiastas. Ahora, tras superar el barbecho de la pandemia, han publicado aquellas canciones que grabaron y que la situación dejo a la espera. Y son, una vez

más, himnos para cantar a todo pulmón. (Frida Stáhl) “Estamos muy felices. Las reacciones al álbum están siendo muy positivas, y eso es muy satisfactorio. Te hace pensar en todo el camino que hemos recorrido, en las primeras giras que hacíamos juntos”. (Häkan Sorle) “A ver... yo con esto me siento como un águila. Igual que minutos antes de iniciar un concierto, con la misma sensación. Estoy dando lo mejor de mí mismo y ahí fuera hay alguien que lo está apreciando. Son dos años de trabajo. Nuestra suerte es que tenemos fans de verdad, ahora solo falta que nos llamen de programas de televisión y salir en portada de los periódicos.

EL DISCO SE GRABÓ durante la pandemia, pero la banda decidió dejarlo a la espera hasta poderlo presentar en directo. Fresco para los fans, pero quizás

LO QUE ES EVIDENTE es que The Baboon Show es uno de esos grupos que disfruta en la carretera hasta convertir esa actitud en una de sus señas de identidad. Tanto es así que mientras la mayoría de grupos prefieren tocar únicamente en Europa y Estados Unidos, estos suecos han visitado China, Cuba y muchos otros lugares. (Niclas) “Girar es siempre diferente, distintos lugares, sistemas o barcos, pero la gente es gente en todos los sitios. Para nosotros no hay diferencias. En China hemos estado una vez y en Cuba llevamos ya cuatro giras”. (Häkan) Nosotros no lo tomamos como un coge el dinero y corre, porque verdaderamente es una aventura. Si hace veinte años alguien nos hubiera dicho que llegaríamos a este punto, pensaríamos que quien nos lo dijera debería estar loco. Eso sí, es y ha sido un viaje fantástico”.

TONI CASTARNADO

“Nuestra suerte es que tenemos fans de verdad”

FOTO: ANDREAS LANGFELD

l Viveiro (Lugo) 28 junio. Resurrection Fest Estrella Galicia

Tickets: SALARAZZMATAZZ.COM

JUNIO Sáb 3 LA1

BLING! CASCALES + DJ2D2

JUNIO Sáb 10 LA1

GLOVE! STEVIE KOTEY (UK)

SONIDO TUPINAMBA +

THE SECRET PERFOMERS +

MISSS DIABLA & MONHOE + DJ2D2

JUNIO Sáb 24 LA1

DJ2D2 + LOLI ZAZOU

JULIO Sáb 1 LA1

HOLLY + DJ2D2

JULIO Sáb 15 LA1

CLOZEE + DJ2D2

JULIO Sáb 29 LA1

DR PACKER + DJ2D2

AGOSTO Sáb 12 LA1

ALAN DIXON + DJ2D2

AGOSTO Sáb 19 LA1

KILIMANJARO +

EMERALD + DJ2D2

AGOSTO Sáb 26 LA1

SIDEPIECE + DJ2D2

Sábado 22 de Julio

De 18.00 a 00.00 h

Amable + Luis le Nuit Sala

PULP, THE STROKES, DAFT PUNK, NEW ORDER, ARCTIC MONKEYS, BLUR, R.E.M., PHOENIX, PRODIGY, DEPECHE MODE, FRANZ FERDINAND, PIXIES, PLACEBO, ARCADE FIRE, BEASTIE BOYS, THE CHEMICAL BROTHERS, THE KILLERS, THE CLASH, NIRVANA, LCD SOUNDSYSTEM, WEEZER, LOS PLANETAS, THE RAPTURE, THE STONE ROSES, UNDERWORLD, INTERPOL, THE SMITHS, FATBOY SLIM, MGMT, TALKING HEADS, OASIS, BLOC PARTY, FOALS, PRIMAL SCREAM, JOY DIVISION, THE JESUS & MARY CHAIN, JAMIROQUAI, KINGS OF LEON, JAMES, RAMONES, RAGE AGAINST THE MACHINE, MUSE, HAPPY MONDAYS, SUEDE, RADIOHEAD, THE WHITE STRIPES, BLONDIE, GARBAGE, YEAH YEAH YEAHS, THE LIBERTINES…

Sala New Wave:

Albert

Code + Viktor Ollé

ECHO & THE BUNNYMEN, THE CURE, SISTERS OF MERCY, PSYCHEDELIC FURS, O.M.D., HEAVEN 17, DURAN DURAN, YELLO, NITZER EBB, FRONT 242...

BLUR

Blur son una de las bandas británicas más populares de las últimas tres décadas. Han vendido unos siete millones de discos a lo largo de su carrera. La gran noticia es que este verano vuelven a los escenarios con un nuevo disco, tras ocho años de mutismo. Repasamos su discografía hasta la fecha del mejor al peor trabajo.

Parklife (Food/EMI, 94)

Incluso sus más enconados detractores, quienes argumentan que el radar de Blur ha ido dando tumbos de forma caprichosa como una especie de brújula averiada a lo largo de su carrera, tendrán que conceder que este disco es una obra maestra. Puede que tampoco irradie esa atmósfera crepuscular de los trabajos del último Damon Albarn en solitario, que en su madurez arguyen un sello más personal. Pero es una colección de dianas irrebatibles. El mejor compañero de viaje para quien quisiera desentrañar si de todo aquello que se dio en llamar brit

pop, cabía extraer alguna gran enseñanza. El gran salto adelante de Blur explicó un tiempo y un lugar. Una celebración del pasado y un instante de euforia por el presente. Un formidable muestrario retrofuturista del mejor pop británico de las tres décadas precedentes, condensado en algo menos de una hora. No es de extrañar que varias de sus canciones aún sean estándares en sesiones de discoteca indie. O que su portada fuera convertida en sello por el Royal Mail. No le sobra ni un minuto. Y nadie lo vio venir. Salvo ellos mismos. Abrazaron como nunca la música disco al tiempo que ironizaban sobre el turismo low cost británico antes incluso de que el balconing se pusiera de moda en Magaluf (“Girls & Boys”). Afinaron su pleitesía al costumbrismo de Ray Davies con la colaboración de un icono mod como Phil Daniels (“Parklife”, “Tracy Jacks”).

Dejaron aflorar su vena punk pop con más desenvoltura que nunca (“Bank Holiday”, “Jubilee”). Se sumergieron en el caldero de la psicodelia con resultados notables (“Far Out”, “This Is A Low”). Rescataron el primer synth pop de los tiempos de la new wave (“London Loves”, “Trouble In The Message Centre”). Se remitieron a la canción melódica de los años sesenta y a la era dorada de Eurovisión (“End Of A Century”, “To The End”). Incluso redefinieron esa melancólica bruma particularmente inglesa que solo las mejores canciones de The Smiths o The Kinks solían evocar (“Clover Over Dover”).

2 Modern Life Is Rubbish (Food/EMI, 93)

Siempre me ha parecido un disco minusvalorado. Quizá porque llegó antes de su explosión comercial y cualquier cosa que facturasen después del 94 gozaría de mayor atención. Pero creo que es el gran tapado de su discografía. Su gran escapada, pero la de verdad: aquella con la que se desligaban del corsé madchesteriano (aunque en “Pressure

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3On Julian” y “Oily Water” aún quedaba algo) para esbozar esa grandeza que estaba a punto de llegar. La misma con la que a Damon ya se le empezaba a llenar la boca. El primer paso para convertirse en unos clásicos contemporáneos. Bastaba escuchar esa maravilla que fue “For Tomorrow”, con sus exuberantes arreglos de cuerda, para darse cuenta. O la vibrante “Sunday, Sunday”, primera pincelada evidente de costumbrismo cotidiano y punzante a lo The Kinks. El brote de acné punk pop que ya se advertía en el single previo “Popscene” tuvo continuidad en “Advert”. Y aunque esté lejos de ser perfecto, alberga canciones tan excelentes como “Star Shaped”, “Colin Zeal”, “Blue Jeans”, “Chemical World”, “Villa Rosie” o “Turn It Up”.

3 Blur (Food/EMI, 97)

A muchos –incluída su discográfica– les costó digerirlo al primer bocado. La reconversión era demasiado drástica. Pero tenían que negarse a sí mismos. Es cierto que la mejor canción de Pixies no firmada por ellos (“Song #2”) ayudó lo suyo: su grito fue el del verano del 97. Pero decidieron convertirse prácticamente en una banda distinta porque enrocarse en lo otro les abocaba al callejón sin salida. La repetición de esquemas de “The Great Escape” (95) demandaba un giro. Así que apostaron por suprimir las líneas claras y hacer de su música algo más emborronado, más rugoso, más sucio, más deshilachado: el título del disco sugiere refundación, pero también reivindicación de su significado literal en el diccionario de Cambridge. La imagen de su cubierta es precisa. El pellizco que no les había dado el grunge, lo hallaron en el llamado rock alternativo norteamericano del momento. Es el viraje que marca el rumbo de Blur hasta su hibernación en 2003. Y aunque solo fuera por eso, una maniobra clave en su trayecto.

Tank” (03). En absoluto. Porque aunque los protagonistas son los mismos de sus días de gloria (hasta Stephen Street repite a la producción), se nutre de toda la experiencia acumulada por su cuenta en la década anterior. Sintoniza con “Everyday Robots” (14), el primer disco de Albarn en solitario. De hecho, fue Graham Coxon (a quien Damon había invitado a largarse en 2002) quien alentó la colección de jams e improvisaciones que dieron lugar a sus canciones en plena gira, atrapados en un hotel de Hong Kong durante cinco días tras la cancelación de un festival, anticipándose involuntariamente a esa sensación de aislamiento causada por el confinamiento por covid que tantos discos y canciones inspiraría un lustro después. La atmósfera de alienación que transmite me ha recordado siempre a la de la película “Lost In Translation” (Sofía Coppola, 03), ese terreno de nadie en el que el desarraigo, las cuitas de la mediana edad, las contradicciones de la modernidad y la dictadura del progreso tecnológico se dan cita en medio de un paisaje que roza la distopía.

Grabado con tres productores (Ben Hillier, William Orbit, Norman Cook), gestado en Marruecos, con el telón de fondo del cabreo ante la invasión de Irak y la sombra de Gorillaz acechando (habían publicado su primer disco dos años antes). Un trabajo sin ataduras de ninguna clase. El más complicado de etiquetar o de ligar a ningún estilo determinado ni a ninguna fase creativa del grupo.

7 The Great Escape (Food/Virgin, 95)

5 13 (Food/ Parlophone, 1999)

El distanciamiento entre el ansia experimental de Damon Albarn y la orientación más punk rock de Graham Coxon se resuelve aquí en favor del primero, pero la grieta no llega a ser tan grande como para que el resultado devenga en cataclismo. De hecho, por primera vez escogieron un productor (muy) distinto a Stephen Street: William Orbit, quien venía de trabajar con Madonna en el exitoso “Ray Of Light” (98). Es otro disco con sus altibajos, pero repleto de interesantes desvíos de guion, esta vez deudores del gospel (“Tender”, “No Distance Left To Run”), de un rock áspero como el alambre de espino (“Bugman” o “Trailerpark”, con ese ritmo arrastrado como de hip hop instrumental, cercano a The Folk Implosion) o hasta del blues pantanoso, como en una “Swamp Song” que no desentonaría en un disco de Jon Spencer.

4 The Magic Whip (Parlophone/ Warner, 15)

A diferencia de Pulp, que volvieron a los escenarios sin molestarse en publicar nada desde 2001, a Blur sí les dio por ampliar su discografía cuando prácticamente nadie lo reclamaba. Y lo mejor que puede decirse de “The Magic Whip” es que, tan lejos del capricho extemporáneo como del guiño nostálgico, no suena al tipo de disco que hubieran facturado justo después de “Think

6 Think Tank (Parlophone, 03)

Quizá es el disco menos Blur de todos. El único sin Graham Coxon; el que alumbró menos canciones susceptibles de convertirse en single; el más tumultuoso y diverso, con el dub, el jazz, el gospel, la electrónica y la música africana concurriendo como nutrientes.

El único disco de Blur que suena prácticamente a copia del anterior. Aunque en peor. Raro en un grupo que demostraría ser tan propenso a los bandazos durante toda su carrera. La sombra de “Parklife” (94) pesaba demasiado, desde luego. La matraca que nos dieron con el duelo de singles entre su “Country House” y el “Roll With It” de Oasis, también. A este álbum le pasó algo similar a lo que a “Bossanova” (90) de Pixies, a “Unidad de desplazamiento” (00) de Los Planetas o a “Wish” (92) de The Cure. Eran buenos. A ratos, muy buenos. Vale, seguramente el de Blur no tanto. Pero su gran pecado original fue llegar después. Y no distanciarse lo suficiente de la obra maestra que les precedió.

8 Leisure (Food, 91)

En su caso, es el primero quien será el último. Su discografía fue creciendo a medida que iban asimilando nuevas influencias, y en “Leisure” aún se les veían muchísimo las costuras del sonido Manchester, al que se adscribieron más por mimetismo que por procedencia, siendo de Londres. Y ni siquiera cuando la moda estaba en su punto máximo de cocción. Las melodías obnubiladas, los ritmos quebradizos, la lisergia flotando en el ambiente. Pero muy a contrapié, cuando aquello ya enfilaba la cuesta abajo. Escuchándolo entonces, nadie podía presagiar en lo que se convertirían luego.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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47/Mondo VINILOS

Fred Again.. & Brian Eno Secret Life Text Records

La reválida de Arde Bogotá

ELECTRÓNICA / El legendario

Brian Eno y la mano inquieta de Fred Again.. encuentran un territorio compartido para satisfacer sus mutuas inquietudes en “Secret Life”, un inesperado proyecto firmado desde el sello de Four Tet en el que se nos revela la parte más comedida, abstracta e introspectiva del joven productor británico. Eno y Gibson rompen sus respectivas barreras generacionales en favor de otorgarnos un mesmerizante bálsamo sonoro en el que maridarán tanto las texturas volátiles y sostenidas de uno, como las dotes artesanales de otro, permitiéndonos así ver un desfile de nombres invitados que elevan a una siguiente potencia su emocionante ejecución (desde homenajes a Leonard Cohen y Jon Prine, hasta voces como la de Lola Young o Justin Vernon), dando como resultado un trabajo presto a ser disfrutado sin prisa, con la cabeza vacía de pensamientos y, a ser posible, con los ojos cerrados.

FRAN GONZÁLEZ

ROCK / Tras “La Noche” (Sony, 21), Arde Bogotá se han convertido en una de las grandes bandas nacionales, de esas que ocupan las primeras líneas en los festivales. Pero la revolución de estos cartageneros debía pasar la prueba de fuego de su siguiente movimiento y ya ha llegado. “Cowboys de la A3” es el nombre de su segundo trabajo en el que nos suben a su furgoneta para hacer un viaje de doce paradas convertidas en sendas canciones. Un disco en el que tienen como eje central el amor, pero en el que tienen una gran importancia los animales, en el que también tienen hueco las inquietudes de las generaciones más jóvenes y que está plagado de referencias de esas que tanto les gustan, desde el fútbol de antaño hasta un hotel de La Mancha, los coches e incluso los famosos cruces de horóscopos. “Cowboys de la A3” hace gala de un sonido totalmente rock,

pero un punto más afilado que en su anterior referencia. Se nota que la banda ha aprendido mucho durante estos dos años y que, además, se dan el gusto de jugar con sus propias cartas. Encontramos los temas que más podríamos asociar con los de Cartagena en los primeros cinco cortes, donde están situados los tres brillantes singles de presentación y esas dos coreables canciones que son “Nuestros pecados” o “Clávame tus palabras”. En la segunda mitad del disco continúan combinando temas acelerados –como el final de “Veneno”– con temas más calmados, como “Copilotos”, su balada más emotiva, o ese medio tiempo que es “Besos y animales” y que explota para convertirse en una bomba sonora. Un fin de álbum para no dejar de saltar y mover la cabeza. Aunque si tuviésemos que definir el disco en un único sentimiento, sería emoción y, si la trasladásemos a una pieza, sería “La salvación”. Una canción en la que dan importancia a la vuelta a casa en un ejercicio que va ganando epicidad conforme se desarrolla. En definitiva, si con su debut creímos que Arde Bogotá nos enseñaban cómo hacer rock en 2021, con “Cowboys de la A3” no cabe duda de que se han convertido en unos maestros de género.

FOLK- AMERICANA / Suena “Sawgrass”, la primera de todas, y uno ya tiene la certeza de que el undécimo trabajo de Josh Ritter va a ser el más solemne y serio de su carrera. La canción es una oración, un salmo dedicado a la muerte de su madre durante la pandemia. Un hecho que marca a fuego el tono confesional del álbum hasta hacerlo… ¿aburrido? Igual calificarlo así es un poco injusto, porque hay algún momento de lucidez melódica que lo salva: “Money I Do” es una deliciosa, a la par que inofensiva, tonada de ritmo trotón que actúa como un bálsamo. Pero en general el disco muestra la cara más íntima, espiritual, adulta y seria del cantautor de Idaho. Así que solo nos resta esperar que se haya impregnado de su duelo hasta decir basta, y responda en el futuro con su folk-rock vital y el inevitable lugar para las baladas confesionales, pero a modo de relleno y no como norma.

DON DISTURBIOS

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

Josh Ritter Spectral Lines Phyteas/ Thirty Tigers

Crudo Pimento El Carmen

13:7 El Carmen

ROCK / El dúo murciano reaparece redoblando su apuesta con dieciséis nuevos cortes que se autoeditan. Todo un síntoma, teniendo en cuenta la solidez y valentía de su propuesta. Se ha dicho hasta la saciedad que no hay modo de clasificarles, y esta vez el tópico es real. Cierto que metabolizan mil referencias (del flamenco al blues pantanoso, la música oriental y la dark wave), pero les sale algo rabiosamente propio y original. Instrumentos acústicos, electrónica y electricidad se funden con ese surrealismo tan ibérico, sin dar tregua, pero sin que la insólita propuesta se indigeste. Difícil saber qué se cuece en el cerebro de Raúl e Inma. El humor salvaje, las gamberradas sonoras y una seriedad mortal para romper límites y explorar en lo musical y también en lo verbal prueban que estamos ante un de esos raros grupos que se han creado y viven sólo en su propio mundo, un mundo que está más cercano de lo que pensamos.

JC PEÑA

The National: sin sorpresas pero sin deslices

Muro María Nuevo para nadie/Estoy pensando en dejarlo BMG

POP ROCK / Se veían al borde del colapso definitivo, tras la edición del primer álbum en solitario de Matt Berninger y las producciones de Aaron Dessner para Taylor Swift o Ed Sheeran. Pero el noveno álbum de los neoyorquinos es otro álbum solvente en el que la melancolía, la vulnerabilidad y la sinceridad (los textos, confesionales, siguen rayando alto) deparan una sonoridad cauterizadora que ofrece confort al fan de largo recorrido. Ni siquiera las colaboraciones restan protagonismo a su discurso, porque tanto los coros de Sufjan Stevens en la preciosa balada al piano que es “Once Upon a Poolside”, como la voz de Phoebe Bridgers en las serenas “This Isn’t Helping” y “Your Mind Is Not Your Friend” están ahí para acompañar más que para ofrecer contrapunto, aunque también es verdad que Taylor Swift destaca algo

más al alternarse con Matt Berninger en “The Alcott”. En general, podría decirse que ninguno de sus once cortes baja del notable. Hay singles tan inapelables como “Tropic Morning News”, la auténtica palanca de cambio para que este disco viera la luz; cambios de dinámica como los de la ágil “Grease In Your Hair” o los de esa “Alien” que comienza sigilosa hasta que deriva en uno de los clásicos ritmos sincopados a lo Joy Division de los tiempos en los que aún se les comparaba con sus conciudadanos Interpol, y una forma inteligente de repartir guiños a sus héroes particulares: Cowboy Junkies y Afghan Whigs son mentados en una “Eucalyptus” que imagina el reparto de pertenencias tras una ruptura de pareja (“tengo un matrimonio saludable porque escribo sobre el abismo”, le dijo Berninger a The Guardian) y New Order comparecen como espita abierta para los recuerdos que refleja la bonita “New Order T-Shirt”. Suman y siguen. Sin sorpresas, pero también sin deslices. La línea que puede separar el bienestar del aburrimiento ya será tan fina (o gruesa) como la cercanía emocional que cada uno pueda albergar respecto a su reconocible argumentario.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

INDIE POP / El cuarteto alicantino nos entrega un doble epé, recapitulando en su minutaje total su excitante último par de años, marcado por bajas y altas inesperadas en su formación, cambios de ubicación y pluriempleos musicales. Sus cálidas líneas de afecto, melodrama y desamor nos revelan a lo largo de sus dos caras las mil maravillas que la voz principal de Claudia Zuazo es capaz de entregarnos, jugando con las mejores bazas del folklorismo romántico (“Ese sentimiento”), maridando contrastes de delicadeza y efusividad perfectos (“Lejos”), y formalizando una emotividad vaporosa y reverberada irresistible (“Llegas siempre tarde”). Sus hermanos de Niña Polaca harán su particular figuración (“Cuéntame otra vez”, “Tallín”), ofreciendo con ello un todo de ocho pistas que funcionan como una cápsula de sus primeros pasitos en la industria, con los que confirman ser uno de los actos más atractivos de la terreta en los últimos años. FRAN GONZÁLEZ

The National First Two Pages Of Frankenstein 4AD/Popstock!

EXPERIMENTAL / Dave Lombardo parece estar atravesando una revolución interna que hace que su trabajo de aprecie en distintas áreas musicales. Este debut en solitario es una suerte de muestrario del nivel de creatividad a la que Lombardo puede llegar a estas alturas su largo camino. Pero también es un disco de percusión, variopinto y multiangular pero de percusión al fin y al cabo, o sea: poco atractivo para escucharlo de un tirón. Las composiciones son sólidas e interesantes. Lombardo se desdobla en personajes que invocan ritmos funk, percusiones dramáticas y hace pensar en el espíritu de Tito Puente, musa inspiradora de Lombardo desde siempre y de este proyecto en concreto luego de que Patton le regalara su “Top Percussion” “Rites Of Percussion” es un esfuerzo familiar –fue mezclado de buena manera por David Lombardo, hijo del protagonista– que puede atraer a fans y geeks de la percusión por igual.

ADRIANO MAZZEO

POP ROCK / Es tan grande el agujero negro que dibuja la docena de canciones de lo nuevo de Hens, que de primeras cuesta conectar porque el oyente no sabe todavía que “No me odio tanto” es la frase del que toca fondo para salir para arriba. Los singles no capturan la esencia de un álbum oscuro y personal, que juega con el yo y el tú como un ratón y un gato sádicos. Hens vuelve a contar con Pablo Rouss en la producción, especialmente pensada para los lives: ideal para un animal del directo con más de cien conciertos en dos años a sus espaldas. Hens ha plasmado su verdad en el trabajo con algunas de las letras más explícitas que recuerdo (el desamor –ajeno y propio– domina el álbum), y lo hace demostrando su compromiso con su música y con su carrera. La honestidad se paga caro en lo personal pero te distingue en lo creativo. El compromiso es sencillo y personal, no un manifiesto: cantar desde el corazón, escribir con coraje.

LUIS M. MAÍNEZ

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Arde Bogotá Cowboys de la A3

2 Sílvia Pérez Cruz Toda la vida, un día

3 Carlangas Carlangas

4 Júlia Colom Miramar

5 Rayden La Victoria imposible

6 Dellafuente Lágrimas pa otro día

7 Surfin’ Bichos Más Allá

8 Guadalupe Plata Guadalupe Plata 2023

9 Crudo Pimento El C armen 13:7

10 Stay Homas Homas

Gloosito Global (Delujo) Gloosito/ Virgin

FOLK / Lankum presentan

“False Lankum”, tercer disco bajo ese nombre, al que podríamos calificar como folk siniestro, combinando folk tradicional con un expresionismo sonoro oscuro y angustioso, que suena a algo así como si mezcláramos a Fairport Convention con Nick Cave, pero solo con instrumentos acústicos y tradicionales. Sus primeros discos con Rough Trade nos presentaron a una banda de singular intensidad, capaz de traducir canciones antiguas de forma innovadora. Es evidente que, a pesar de ello, son realmente devotos de la fuente original, algo que les ha llevado hasta su mejor trabajo hasta la fecha. No diluyen el horror gótico de muchas de esas canciones sino que se sumergen en ellas de forma totalmente inmersiva, ampliando esos terrores en vez de diluirlos, entregando su personal visión de la música folk irlandesa como un lugar oscuro y terrorífico del que también puede surgir la más devastadora belleza. SERGIO ARIZA

DISCO / El confinamiento trajo un resurgimiento de la música disco, gracias a dos discos fabulosos, “Future Nostalgia” (20) de Dua Lipa y “What’s Your Pleasure?” (20), que sirvió para salvar la carrera de Jessie Ware dejando atrás las tontas comparaciones con Adele y convirtiéndola en heredera de la corona disco de Donna Summer. Ahora vuelve con “That! Feels Good”, un disco que, como ya preveíamos gracias a adelantos tan sobresalientes como “Free Yourself” o “Begin Again”, no hace sino confirmar su excelente estado de forma y dejar claro que Ware quiere su corona y la quiere ya. No vende tantos discos como Dua Lipa o Beyoncé, pero la británica ha hecho más que nadie por traer las bolas de espejo de vuelta. Además, con un discurso abiertamente a favor de la libertad y el placer sexual, más clásico si cabe que “What’s Your Pleasure?” (menos original, también) y varios estribillos que se quedan grabados al instante. SERGIO ARIZA

URBANO / La edición delujo de “Global”, el primer álbum de Gloosito en el marco de las grandes ligas, al amparo de Virgin, es el refrendo del trabajo que el artista madrileño que está sacudiendo el rap underground nacional ha realizad en los últimos años. Trabajo sí, pero frescura y talento más. Un artista que ha nacido maduro y adulto, habiendo asimilado los códigos de la escena más fresca del hip hop anglosajón, y que ha firmado algunos de los mejores mixtapes de los últimos años en nuestro país, ahora se asienta con un álbum como “Global” (que, por otro lado, no es su mejor trabajo) a la espera de hacer el movimiento definitivo que le catapulte al siguiente nivel, el de el triunfo internacional que seguro ya está en camino. Inteligencia, humor y estilo son las claves de un Gloosito que siempre es el que más brilla en cualquier colaboración. “Global” es la confirmación de un proyecto delujo que va para largo. LUIS M. MAÍNEZ

1 Fatoumaya Diawara London Ko

2 Fred Again & Brian Eno Secret Life

3 Jessie Ware That Feels Good

4 Everything But The Girl Fuse

5 Dewolf Love, Death & In Between

6 The Lemon Things Everything Harmony

7 Cocodriles Upside Down In Heaven

8 Deerhoof Miracle-level

9 The Mars Volta Que Dios te maldiga mi corazon

10 Feist Multitudes

JPEGMAFIA & Danny Brown Scaring

The Hoes AWAL

RAP / El primer proyecto colaborativo de JPEGMAFIA y Danny Brown es un viaje de adrenalina, una vertiginosa persecución de coches en el inframundo. La velocidad es un elemento clave del álbum, y aunque acostumbra a ser supersónica, en ciertos momentos se rebajan las revoluciones de manera repentina, saboreando los latigazos que provoca la brusquedad del cambio. No son ocurrencias aisladas: en el disco imperan la disonancia y los giros súbitos. A menudo, los sonidos entran y salen de frecuencia, como si este fuera un proyecto concebido a partir de interferencias, o están apilados unos encima de otros sin una jerarquía clara, una superposición de pesadillas consecutivas. En medio del caos, rapear se figura casi como algo incidental, pero en los momentos en los que la nasalidad de Brown o la mordacidad de JPEGMAFIA arrebatan un primer plano, uno recuerda precisamente por qué son soberanos del hip hop experimental. SALOMÉ LAGARES

8

La otra cara de The Mars Volta

The Mars Volta Que Dios Te Maldiga

Mi Corazon Clouds Hill

ROCK / Admito que la idea de la versión acústica del último y triunfal disco de regreso de The Mars Volta me generaba algo de preocupación. Sabemos que el arte de la exageración típica de la cultura estadounidense se hizo presente de maneras particulares –no de la típica forma estadounidense– en la agenda histórica de la banda de Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez López, y siempre salieron airosos de ese vulnerable lugar artístico. Cito la palabra exageración porque podría verse de ese modo que volvieran con un disco pop y luego lo revisen en acústico. Pero ¿menos más menos era más, no? Volvamos a las primeras sensaciones: en todos esos pensamientos pseudo apocalípticos olvide recordar el “momento Messi” que están viviendo: volvieron y tras una larga carrera fueron campeones mundiales. La inspi-

Stay Homas HOMAS Cukileo Records/ Halley Records

MESTIZAJE / Stay Homas lanzan su segundo álbum de estudio, “HOMAS”. Un disco de trece composiciones en las que nos invitan a conocerlos de forma más íntima, dejando atrás aquellos temas más banales que cantaban durante la pandemia. En este trabajo, mucho más personal que sus anteriores referencias, nos hablan de sus vivencias con el amor y de sus propias superaciones personales sin pudor alguno. Pero aún siguen sin definir ese sonido que mejor les sienta y vuelven de nuevo a jugar con los géneros, por eso nos podemos encontrar con un rock en “ME DA IGUAL”, una balada en “I’LL BE HOME” o un tema ochentero en “RADE BLUNNER”. Aunque los temas que más destacan son “HO TORNARIA A FER” y “Tropical. mp3”, canciones que nos llevan de lleno a esa mítica terraza y en la que muestran todo el amor que le tienen al proyecto. Los homitos vuelven a demostrar que no son flor de un día.

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

ración que los devolvió a los podios parece seguir con energía, engordada de aciertos melódicos y de arreglos que suenan con total naturaleza. Si hay algo que se echaba de menos en la versión original del disco era algo más de presencia de la vibra latina que marcó el camino con el primer single “Blacklight Shine” y luego con el micro tema “Que Dios Te Maldiga Mi Corazon”, el cual, oh causalidad, titula este álbum. Pues aquí esta deuda

queda saldada o al menos ya no aprieta del mismo modo que antes gracias a que, por citar un ejemplo claro, las percusiones no suenan a escobillas y parches sin bordona o sea a una simple minimización del ruido o jazzificación indisimulable, por el contrario expresan raíz, misterio, ritual, tribu y conjuro. Pero lo que más entusiasma de este disco cálido, dinámico, amoroso es que suena humano. ADRIANO MAZZEO

Jeff Goldblum & The Mildred Snitzer Orchestra Plays Well With Others Decca Records

JAZZ / De puntillas y desde el respeto por el género, el actor y ahora intérprete Jeff Goldblum vuelve a vestirse de gala para invitarnos a través de seis canciones a una coctelería sonora co-dirigida por una lista de invitados de lujo, encargados de garantizarnos el cometido de entretener, emocionar, sugerir, y hasta enamorar. Fanfarrias y redobles con aires de swing dan paso a personalidades como Kelly Clarkson metiéndose en la piel de Cole Porter (“Don’t Fence Me In”), Mattiel Brown marcándose un Mancini en “Moon River”, Rodrigo Amarante sacando su lado más crooner (“I Wanna Be Around”), o a la legendaria Freda Payne, cerrando la velada entre notas de melancolía y desasosiego (“Lazy Afternoon”). Una colección de canciones de easy listening que no le cambiarán la vida a nadie, pero serán del todo ideales para ambientar las mañanas más espesas y desengrasar los ánimos más bajos.

FRAN GONZÁLEZ

Anna Colom Cayana Madame Vodevil/ Altafonte

FLAMENCO / Una nueva brisa fresca flamenca proveniente de las dos orillas del atlántico se cuela por la ventana con “Cayana”, el embriagador debut de la joven cantaora, compositora y arreglista Anna Colom: nueve cantes de ida y vuelta con alma jonda y alas empapadas de sones latinoamericanos, folclore ibérico y ritmos africanos, dolientes y alegres, que trajeron los esclavos de costa a costa. Intercalando letras populares con composiciones propias en las que los palos y rítmicas flamencas juguetean, se funden y atemperan. De tientos con aroma a samba brasileña y candombe uruguayo (“Tientos de la memoria negra”), a fandangos con sabor a tequila (“Fandangos de India”) o guajiras multicolores de latido cubano (“De quererte tanto”). Como esos metales que se funden y enriquecen en la pasión del fuego, así, alquimia a flor de piel, irrumpe Anna Colom, mezclando y fusionando flamenco y folclores hasta confundirlos y enamorarlos. DAVID PÉREZ

POP / “With A Hammer” es una carta protesta a acabar con una sociedad falsa y corrupta. Manteniendo el espíritu de mixtape, este primer álbum expulsa ira por todos lados, pero sobre todo refleja las ganas de cambiar muchas cosas. Muestra la vulnerabilidad y la bola de angustia que le generan unas normas sociales que le empujan a tener que conectar con todo. Y, a su vez, cómo ha tenido que poner remedio para protegerse de los golpes generando un escudo de creatividad con la música. Es un proyecto rebelde en lo que se refiere a producción ya que Yaeji hace lo que se le antoja en todo momento y para entenderlo solo hace falta ir a ese “I’ll Remember For Me, I’ll Remember For You” que podríamos posicionar dentro del free jazz. El disco pasa por multitud de estados deslizándose por el drum’n’bass en “For Granted”, colándose en el rap noventero en “Passed Me By” o estirando esa energía lo-fi que tenían sus epés previos. ÁLEX JEREZ

Yaeji With A Hammer XL Recordings/ Popstock!

CANCIÓN / Respirar profundamente, dejar caer la aguja o darle al play en su defecto, cerrar los ojos, arrojarse, sentir a flor de piel, degustar cada instante y seguir respirando. “Toda la vida, un día” es un viaje musical por el transcurrir del tiempo, un recorrido por cada fase vital, principios y finales unidos por un nuevo renacer. Una vida entera, un ciclo circular completo e infinito en sesenta y nueve minutos, caóticos y ordenados en veintiuna canciones, divididas en cinco movimientos, reflejos de cada etapa, con sonoridades, gustos, olores, texturas y colores distintos, cada cual con su luz, búsqueda y aventura particular. Una reivindicación de la belleza y riqueza de cada momento, de la infancia a la vejez, pasando por la efervescencia de la juventud, la madurez y la edad adulta. Obra inmensa, abrumadora, uno de esos pocos discos que se acerca al milagro. Surcos en los que se entra y se sale distinto.

DAVID PÉREZ

El disco perfecto de Cala Vento

FOLK PUNK / Segunda parte de la colaboración entre (el legado lírico inédito de) Woody Guthrie y los punks bostonianos Dropkick Murphys. Para quienes no lo sepan, el grupo de raíz irlandesa tomó letras inéditas del capo del folk activista e ídolo de Bob Dylan, les agregó instrumentación folk-punk-celta y ha logrado dos bombásticos discos, este y “This Machine Still Kills Facists”, publicado hace unos pocos meses. Las letras de Guthrie son ajusticiadas por la voz de Ken Casey, quien sigue enfocado en su nueva función, transmitiendo y contagiándonos de su excitación. Le ayudan a las voces Violent Femmes (“Gotta Get To Peekskill”), Jesse Ahern (“Rippin’ Up The Boundary Line”) y Jaime Wyatt (“Bring It Home”) para dar con una performance vocal impecable, a medio camino entre la perfección y la emocionalidad siendo la guinda del pastel de un auténtico y muy buen disco de celebración.

ADRIANO MAZZEO

POP / Las cosas han cambiado para todos desde 2019. Aunque muchos de esos cambios, los que provocó la pandemia, ya ni los recordemos; tenemos memoria de pez para lo que queremos. Más ha cambiado la movida, si cabe, para Cala Vento en sólo cuatro años: “Balanceo” (19) fue el salto a vivir de la música y, afortunadamente, el “sí quiero” de crítica y público. No les ha pesado al dúo de Montgrí haber tenido que dar relevo a su largo de consagración. Al contrario, han vuelto a pervertir las reglas y, además, sin hacerle asco a su papel de cronistas vaticanos de la millenialidad. “Equilibrio” explica la opresión que todos vivimos, maridando con esa mirada de a dos, relacional, que tanto les caracteriza y que tan coreable les vuelve en directo. No han desatendido Cala Vento sus responsabilidades como individuos en esta nueva –ya vieja– normalidad: el disco está plagado de no futures, de “no nos toquen las narices” y de algunos compromisos. Basta con

ponerse “Ferrari” para entenderlo. No son Joan Delgado (voz y batería) y Aleix Turon (voz y guitarras) de agachar la cabeza. Aseguran que la decisión de dedicarse a full a la banda ya estaba tomada antes de la pandemia. Es por eso que construyeron su propio estudio en Montgrí. Lo que, paradójicamente, les ha dado seguridad para grabar con más productores que nunca. Si algo no cuadraba, podían retocar en casa. Precisamente la diversidad de manos (Youth, Emili Bosch y Santi García tras las máquinas, Jordi Mora como técnico de mezclas) ha permitido desde canciones sin guitarra (hiperemotiva “Conmigo”) hasta las más agraciadas perlas indie rock (“No hay manera”). “Casa linda” es un disco que suena con todo muy adelante. Muy potente. Más cercano a su debut que a su anterior álbum, aunque esa mala uva tiene contrapuntos, la propia “Casa linda”, homónima al título, tan sólo acústica y voz. Lo mejor de lo nuevo de los treintañeros no es que mantengan el espíritu del ruido guitarrero en Catalunya (son oasis, por desgracia), que su carrera no pierda fuelle (al contrario), sino que demuestran que los hay que entendieron algo de la pandemia: más allá de eslóganes contra la precariedad, las desigualdades y demás, lo más importante es seguir construyendo hogares, aunque sea en las canciones. Los necesitamos. YERAY S IBORRA

Sílvia Pérez Cruz Toda la vida, un día El Pez Cruz/ Universal

Dellafuente y el eterno renacer

URBAN / Cuando uno escucha “Lágrimas pa otro día” tiene la extraña sensación de que está ante el primer álbum de Dellafuente. Así lo siento en el corazón, pero si soy honesto conmigo mismo creo que tuve la misma sensación con “Tanteo” (EP, 22) y con “Milagro” (21), dos trabajos que alabé en esta misma cabecera en sus momentos. El verdadero milagro de Dellafuente es que parece que nace siempre de nuevo con cada lanzamiento, quizá por eso mantiene la pureza que otros han perdido. Pureza en el caso de Dellafuente es la del amor, el misterio y la vida vivida girando esquinas pintadas de cal en Granada. Por eso, no le hace falta volver al trap ni seguir haciendo lo mismo año tras año. Por eso ha sido capaz de firmar su mejor álbum -desde “Azulejos de Corales” (15)- rodeado

de las grandes promesas a futuro de la música española, que han acudido a la llamada del artista. “Lágrimas pa otro día” es un ejercicio de humildad y de soberbia por parte de un Dellafuente que ha sabido ver el futuro en una bola de cristal y no ha renunciado a hacerlo suyo. Desde el folklore universal, Dellafuente viaja a México de la mano de Vatocholo en “3 caras” y en la muy celebrada “Ni soy santo…”; Ralphie Choo y Rusowsky colaboran en dos canciones que redefinen la intimidad y el amor como

Jimena Amarillo La pena no es cómoda Mushroom Pillow

7 POP / Con este segundo álbum, The Tyets logran saltar a la primera línea de popularidad del panorama catalán. Los tiets han publicado un disco de once canciones en las que vuelve a reinar el buen rollo (con su particular punto de descaro) y en el que hay una gran confluencia de géneros. Sin ir más lejos, el tema que abre el álbum, y uno de sus grandes hits, “Coti x Coti”, es una composición popera que acaba explotando en una sardana en su estribillo. Así es como van jugando con los estilos en un disco en el que no faltan temas lentos como “Clar que t’he trobat a faltar”, otros cercanos a la electrónica noventera como “Bailoteo”. Y para saltar entre géneros invitan a cuatro artistas –Julieta, Mushkaa, Flashy Ice Cream y Figa Flawas– que elevan las canciones al estadio al que querían llegar. Sin lugar a duda, este trabajo les permite situarse como la nueva banda referente del tradicional pop-rock catalán. ALEJANDRO CABALLERO

POP / En la misma línea de su debut (a corazón abierto, con las emociones claras y el café bien espeso), la artista valenciana nos entrega su segundo álbum de estudio, una apresurada diligencia de doce canciones hechas por y para ella en las que, sin voces añadidas ni aditivos de recargo, logra firmar desde su ya regular costumbrismo poético sus mejores y más ásperos relatos hasta la fecha. Un escalón más de drama y honestidad, sumado a un innecesario etiquetaje al uso, con el que la joven cantante consigue hilvanar pasajes tan dispares que van desde la electrónica más orgánica (“De la cabeza a los pies”) hasta el shoegaze más rugoso (“Tu sangre de la mía”), sin olvidarse de sus buenas e identitarias dosis de romanticismo emo (“Porque tú lo sabrías”). Una prueba empírica de cómo Jimena Amarillo, conjugada en singular, es capaz de enamorarnos en apenas media hora.

FRAN GONZÁLEZ

“Carameloraro” y “El Camino”: el trabajo que los prodigios de Rusia-Idk han hecho con el imaginario de Dellafuente merecería una reseña aparte. Dellafuente, en su mejor nivel lírico de los últimos años, ha compuesto un álbum precioso, que explora el amor desde el conocimiento, la experiencia y una dosis de desconfianza y honestidad difícil de encontrar en la música actual pero que le conecta directamente con la música popular en español de todos los tiempos.

LUIS M. MAÍNEZ

Deerhoof Miracle-Level Joyful Noise/ Popstock!

Maximiliano Calvo El Gallo Universal

8

ROCK / Los de San Francisco se aproximan a su treinta cumpleaños siendo una de las anomalías más pintorescas del mundo del rock: una producción inabarcable al ritmo de The Fall, y el compromiso de no dormirse en los laureles completan el cuadro. Con estas credenciales, poco puede extrañar que éste sea su primer álbum grabado en un estudio propiamente dicho. Y cantado íntegramente en japonés por la vocalista Satomi Matsuzaki, a la que acompañan el prodigioso batería Greg Saunier y los guitarristas John Dieterich y Ed Rodríguez. Ningún problema, sino todo lo contrario. Encuentran un equilibrio muy atractivo entre accesibilidad melódica y espasmos experimentales. Están muy cómodos en esa tierra de nadie entre el indie pop desenfrenado, el rock setentero con querencias progresivas y el math-rock, reflejando a la perfección las virtudes de su explosivo directo.

JC PEÑA

POP ROCK / “El Gallo” es el título del primer disco, y a partir de ahora el apodo, de Maximiliano Calvo. El argentino nos trae de vuelta ese mítico rock que, igual que él, siempre ha estado a caballo entre Latinoamérica y España, pero aportándole su particular punto de frescura. De ahí que podamos notar que las guitarras son una de las grandes protagonistas de todo el trabajo a las que acompaña una producción muy cuidada que hace que en ocasiones lleve al rock al límite como en la inicial “Mocasines italianos”; y a la vez nos regala trazas del estilo que a todos nos ha enamorado alguna vez en temas como “Cuando canta el gallo”. Y en cuanto a las letras tiene como eje central el amor y la libertad, algo que choca con la sorprendente “15/07/54” interpretada por Jaime Lorente. Es una alegría oír propuestas tan distintas y bien hechas, El Gallo ha llegado para quedarse.

ALEJANDRO CABALLERO

56/Mondo Media

CINE

El año no pudo empezar mejor para Estibaliz Urresola y su equipo, a lo grande, con su primera y magnífica película, “20.000 especies de abejas”, premiada en la Berlinale, Biznaga de Oro en Málaga y, más recientemente, galardón colectivo para todo el elenco femenino en Hong Kong. Y una sorprendente recepción en la cartelera.

Estibaliz Urresola Ver a tiempo

“ 20.000 ESPECIES DE ABEJAS” es una película necesaria que rezuma naturalidad, emociones a flor de piel y belleza a partes iguales, y cuyo detonante y punto de partida se encuentra en el impacto que le causó a la directora y guionista una trágica noticia: el suicidio de un joven chico trans que había solicitado un tratamiento hormonal que nunca llegó, en su lucha porque se reconociera su verdadera identidad de género. “Fue muy triste. Sin embargo, escribió una carta de despedida esperanzadora y luminosa, intentando que con su drástica decisión se produjera un cambio en la sociedad”. A raíz del terrible acontecimiento, Urresola se acercó a una asociación de familias de menores transexuales y se dio cuenta de que, a pesar del conflicto y el estigma, para muchas de esas familias había resultado una vivencia muy positiva, que incluso les había hecho crecer y evolucionar. “Fue una de las observaciones que se repetía en varias de las familias que entrevisté y que fueron claves para mí para encontrar el enfoque o el tratamiento que le quería dar a la película. Porque podría haberla realizado de muchas formas, la más obvia o aparentemente orgánica hubiera podido ser: hacer una película desde un solo punto de vista, siguiendo al personaje de Cocó, pero justamente esta idea de cómo el tránsito en realidad lo realizan las familias al completo, porque estos niños y estas niñas son quienes son y, lo que realmente se transforma son las miradas de quienes les observan... Es una idea que resultó clave para mí, para comenzar a conformar un poco los pilares del guion, en el sentido de que quería construir alrededor de Cocó una familia en la que cada componente tuviera también un pequeño espacio en la narrativa, y a través de la que pudiera reflejar esa pequeña evolución o no, transformación o no, de los personajes que le rodean. Y esto me parece importante, porque al final creo

FOTO: LAIA LLUCH

que muchas veces cuando hablamos de las personas o los personajes trans y los enfocamos como una realidad problemática, en realidad el problema no lo tienen estas personas, sino que es para la sociedad, para quienes la vivencia de las identidades trans es un problema. ¿Y por qué es un problema? Porque pone en cuestión los fundamentos básicos sobre los que se ordena nuestra sociedad, en unas relaciones de poder entre clases, razas y sexos que es innegable. Entonces, bueno, enfocarlo desde el ámbito de la familia me ayudaba también a colocarme yo como autora, en el sentido de que creo que es una realidad que nos interpela al resto de la sociedad. No es un problema con el que ellos, ellas y elles tienen que lidiar, sino que es una realidad de la que todas, todos y todes formamos parte, y que nos obliga a recuestionarnos muchas cosas que damos por naturalizadas”.

“20.000 ESPECIES DE ABEJAS” crece alrededor de un elenco coral espectacular de actrices, gracias al cual, con la pequeña y brillantísima Sofía Otero a la cabeza, Urresola constata y transmite que “no podemos dar nunca nada por hecho. Cada persona es un universo lleno de infinitas posibilidades, y que casi siempre, esa primera lectura que hacemos de las personas: es absolutamente incompleta e injusta. Y nos perdemos mucho por no tener quizás el tiempo o la disposición o la apertura para intentar relacionarnos más allá de las etiquetas que ponemos por necesidad, por premura y por nuestra forma de interactuar en el mundo. Nosotras, por ejemplo, dimos por hecho que encontrar el personaje de Cocó, de Lucía, sería algo muy difícil, muy complicado, y, sin embargo, Sofía Otero llegó a la primera sesión de casting, pero, como estábamos quizás programadas por ese pensamiento de que nos iba a costar muchísimo encontrarla, y por el carácter de la propia

Sofía que es una niña tremendamente expresiva, alegre, risueña… que no tenía demasiado que ver con el personaje que había escrito, pues todo ello nos llevó a no verla y a no considerarla para el personaje de Lucía. Continuamos viendo a más de quinientas niñas, hasta el punto de que yo pensaba que se nos acababa el tiempo y no había encontrado una niña, una actriz, capaz de realizar este papel. Pues, en ese momento extremo, decidí volver atrás y revisar todo el material del proceso de casting, y entonces me di cuenta de que Sofía había venido no sólo a la primera, sino a la segunda y a la tercera sesión de casting, y nunca la habíamos considerado o probado para el papel de Lucía. Así que ahí fue cuando in extremis, me animé a convocarla y en esa sesión que tuvimos fue increíble la comunicación tan limpia, tan rica y tan directa que fuimos capaces de establecer ella y yo. Esa fue como la evidencia de que podíamos trabajar juntas. De alguna forma, sin darme cuenta, me había estado pasando lo mismo que le pasa a la familia de Lucía, sobre todo, encarnada por el personaje de Ane. Yo tenía a Sofía ahí delante, desde el principio, desde el primer momento, siendo la mejor Cocó que podía haber soñado nunca, y ella estaba ahí esperando a que la viéramos, y que quizás por haberle atribuido un papel predeterminado desde el principio, ese rol que yo le estaba adjudicando por esa primera impresión, pues me impedía ver más allá y me impedía ver todo lo que Sofía era capaz de ser, de aportar”.

DAVID PÉREZ

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“Cada persona es un universo lleno de infinitas posibilidades”

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CINE Y SERIES

LO QUE QUE QUEDA CLARO tras ver “Beau tiene miedo” es que, mientras sus compañeros de género han consolidado un imaginario propio, Ari Aster ha hiperbolizado el suyo hasta las últimas consecuencias con los mismos gestos irracionales con los que un niño estira su juguete favorito para ver hasta qué punto puede forzarlo sin romperlo. Este es un experimento demente con todas las letras, uno de esos viajes inconsecuentes y alterados que balbucea alguien en estado febril. La narración del estadounidense, prima lejana del realismo mágico y la decadencia urbana de las novelas gráficas de Daniel Clowes, se rige por el más puro egocentrismo tanto dentro como fuera de la pantalla. Como si de una traducción psicodélica de Nathan Fielder (o Carlo Padial) se tratara, “Beau tiene miedo” edifica un monumen-

to a la figura del —a menudo insufrible— cineasta neurótico, convirtiendo la tercera película de Aster en una intensiva sesión de psicoanálisis auto-infligida. Mientras que “Midsommar” (19) sólo aparece en forma de guiño puntual, el fantasma de “Hereditary” (18) sí que sobrevuela cada uno de los gestos de Beau, interpretado por un Joaquin Phoenix como siempre indiscutible. El mérito del actor reside en su naturaleza camaleónica, capaz de adaptarse sin problema alguno a la esquizofrénica pluralidad de tonos que Aster coloca en su tablero de juegos. El capricho es el dado de este parchís en el que, debido a su incoherencia, resulta imposible que algunas casillas nos gusten más que otras. Una de esas películas que, más que dejar imágenes, deja en el espectador sensaciones viscerales. DANIEL GRANDES

DECIR QUE “Guardianes de la galaxia: Volumen 3” es la mejor película de Marvel en años no tiene ningún tipo de valor a estas alturas, pero supongo que sí lo es. Es innegable que de todas las miradas autorales que han decidido posarse sobre la Marvel post-“Endgame” la de Gunn es la que mejor ha sabido mantenerse a flote en este océano siempre interesado en homogeneizarlo todo en favor de el todopoderoso universo cinematográfico. Ni Waititi ni Raimi (lo siento Sam, te amo, pero “Doctor Strange en el multiverso de la locura” (22) no se salva) salieron victoriosos de sus batallas mientras que Gunn demuestra que incluso su peor película es capaz de consolidarle como uno de los mejores directores del género (si no el mejor). La trilogía de los Guardianes demuestra el carácter envidiable de una mirada que, sin

excentricidades ni prepotencias, ha sabido salirse del molde sin romperlo. “Guardianes de la galaxia: Volumen 3” es una película agotadora, más para mal que para bien. Desde que Marvel condenó a todas sus aventuras a una coralidad obligatoria, sus narrativas quieren abordar tanto que acaban narrando poco (menos Adam Warlock y más Groot). Por mucho que me encante que se pueda entender lo último de Gunn en la compañía como una necesaria origin story de Rocket (además de una tímida crítica, pero crítica al fin y al cabo, al especismo), la necesidad de que esta odisea sea una despedida la condena en muchas condiciones a dejar de lado su condición de odisea y, al mismo tiempo, la necesidad de que esta despedida sea una película de Marvel la condena a no ser suficiente despedida.

DANIEL GRANDES

“EVIL DEAD RISE” viene a cumplir con todo lo que un amante de la saga puede esperar: mucha, mucha, mucha, mucha sangre. Sin embargo, también se posiciona como la más comodona de la franquicia. Para hablar de ella hay que poner los antecedentes primero, puesto que estamos ante una de las grandes y más innovadoras obras de culto del cine de terror de los ochenta y el título que puso a Sam Raimi en órbita. La saga de “Evil Dead” siempre se ha asentado en un lugar extraño en cuanto a género se refiere, puesto el film inicial basculaba entre el terror y el humor, con un increíble Bruce Campbell que hizo de la sobreactuación un arte, y un Raimi que supo sacarle partido como nadie al presupuesto. “Evil Dead 2: Dead By Dawn” se convirtió en una reinterpretación de lo que fue la

primera película con el añadido del brazo motosierra, entrelazando comedia y gore. “Evil Dead 3: Army of Darkness” dejaría el gore de lado y, sin ningún miedo, llevó la comedia al medievo en una épica fantástica. Finalmente, Fede Álvarez se atrevió a recuperar todo el gore que había ofrecido la segunda entrega y adaptarlo a un remake durísimo sobre la adicción a las drogas con uno de los finales más apoteósicos del cine de terror. Lo que lleva a hablar de “Evil Dead Rise” y su comodidad. Es cierto que tiene el mejor CGI de la saga, que hay unos juegos de cámara muy interesantes y una interpretación escalofriante de Alyssa Sutherland. Sin embargo, no arriesga en cuanto a trama, en cuanto a ingenio, en cuanto a lo infernal, aunque consigue satisfacer desde su zona de confort. LUIS DE LA IGLESIA

POR MUCHO QUE ALGUNAS imágenes puntuales puedan rozar el uncanny valley, “The Super Mario Bros Movie” consigue construir un universo vibrante y vivaz, fiel al material original en su espíritu incansable, frenético y en ocasiones esquizofrénico. Sin duda más de uno se sentirá asfixiado y abrumado, tiroteado por este sin fin de referencias imposibles de asimilar en su totalidad en un primer visionado. En este sentido la película se gamifica: puede que no hayas ganado esta vez, tendrás que volver a intentarlo (tu princesa está en otro castillo). Resulta agradable que la cinta no haya temido abrazar su lado más memeable, ya sea dejando que Jack Black se deje llevar con “Peaches”, su arrebatado tema original para la película, o simplemente dejando que la verda-

dera risa de Seth Rogen pueda tener un cameo en su papel de Donkey Kong. Porque sí, nada que corregir al (polémico) reparto, ni siquiera a un Chris Pratt capaz de esfumarse por completo en su Mario. Sí que hay algo de malo en la selección musical de la película, un crimen melómano perpetuado desde el cliché más cutre (“Take On Me”, “Thunderstruck”, “Holding Out For A Hero”... ¡venga ya!). Un crimen aún más cruel teniendo en cuenta la sobresaliente banda sonora original de Brian Tyler, capaz de reescribir los leitmotivs de la saga desde el sonido orquestral con gusto y sin sensacionalismos. Más que adentrarse en un viaje del héroe por un nuevo e inabarcable mundo, la experiencia de “The Super Mario Bros Movie” parece más cercana al lenguaje del parque temático. DANIEL GRANDES

Guardianes de la galaxia: Volumen 3

James Gunn 7

Evil Dead Rise Lee Cronin

5

Super Mario Bros. La película Aaron Horvath y Michael Jelenic

6

LIBROS

Punki.Una historia de amor Juarma

Blackie Books

Ronson César Sebastián Autsaider Cómics

Michelle Zauner (Japanese Breakfast) nos coge por sorpresa con su debut. Miles de libros que abordan la pérdida desde múltiples ópticas; pocos lo hacen conectándola con la gastronomía. Este es un libro de comidas, pero también de acompañamiento en la enfermedad. El cáncer que consume a su madre se convierte en una parte más del viaje traumático hacia la vida adulta de una joven que ha crecido siendo medio coreana y medio estadounidense. Reivindicándola como pilar maestro de su identidad mestiza, Zauner toca ese tejido sensible y desconocido que nos permite comprender que, además de alimentar el cuerpo, la comida mantiene vivos buena parte de los recuerdos de cuando éramos felices y no lo sabíamos. TOMEU CANYELLES

Las chicas del Q. Una revolución musical en 1994 con PJ Harvey, Björk y Tori Amos Toni Castarnado

Toni Castarnado utiliza, como punto de partida para su nuevo libro, aquella mítica portada de 1994 de la revista Q compartida por PJ Harvey, Björk y Tori Amos. Una excusa de lujo para construir esta especie de tesis versada en torno al talante de las tres artistas, en el marco del efervescente entorno cultural de los noventa y con especial atención al papel emergente de la mujer en la industria musical. El autor avanza o retrocede en el tiempo para revisitar discos, actuaciones o momentos determinantes en la carrera de Harvey, Björk y Amos, mutando el volumen en interesante collage. Es en esa diversificación, temática y de espacio/tiempo, en donde el asunto se pone interesante hasta potenciar el interés definitivo de la referencia. RAÚL

JULIÁN

La segunda novela de Juan Manuel López “Juarma” no es, ni de lejos, otro de esos refritos basado en sexo, drogas y (en su caso) punk, aunque desde luego incluya mucho de todo eso. Pero esta es, ante todo y gracias al tono impagable del autor, una historia humana de calado concretada en un relato tan escalofriante y sorpresivo como profundamente impactante, apostando por realismo y una honestidad descarnada que se torna a la vez principal valedor y propio argumento de la referencia. Por alguna extraña razón y tras varios giros, uno se siente mejor persona después de haber leído la presente obra, en una sensación motivada seguramente por ese salvaje contraste de sentimientos ofertado por el autor y ante el que es difícil no emocionarse. RAÚL JULIÁN

De un tiempo a esta parte, el mundo del cómic estatal nos está dando gratas sorpresas relacionadas con el costumbrismo patrio, con historias enmarcadas en la España rural o en la trabajadora de décadas pretéritas. La última de ellas es este “Ronson”. Palabras mayores lo conseguido por César Sebastián, y no solamente con su precioso dibujo –claro y realista– y colorido –con una paleta limitada con toda la intención–. La infancia y la adolescencia, con sus momentos decisivos y también con sus miserias, descritas con suma precisión y enmarcadas en un único pueblo, pero que podrían ser miles en nuestra geografía. Choques generacionales, la constante presión ideológica/ política de aquellos años y el descubrimiento de la dureza del mundo real.

JOAN S LUNA

Este no es el libro del Sidecar Roberto Tierz 66rpm 7

“Este no es el libro del Sidecar” es un libro del Sidecar. La negación del título pone de manifiesto el deseo de su autor de que esta obra no sea la definitiva sobre el ya mítico club subterráneo de la Plaza Real de Barcelona. Redactado en primera persona por Roberto Tierz, el único de los cuatro fundadores originales que aún sigue a pie del cañón, su prisma subjetivo deja muchas historias sin explicar, pero las que cuenta son de lo más jugosas. Desde los conciertos secretos de Manu Chao hasta la explosiva visita de New York Dolls, los experimentos como cine-club o las sesiones solo para chicas, sin olvidar el mal trago del confinamiento Cuarenta años después, sigue albergando actuaciones para gozo de los melómanos sin complejos. JORDIAN FO

Aunque sus historias con armadillo de por medio continúan siendo divertidísimas –tanto en papel como en serie–, dónde el Zerocalcare autor ha crecido muchísimo, título a título, en es su labor híbrida entre periodista/reportero gráfico/autor a través de sus viñetas. El italiano mantiene su sentido del humor en todo momento a la hora de sumergirnos en conflictos bien jodidos (situándose más cerca de Guy Delisle que de Joe Sacco, eso sí), sin que pierda seriedad a la hora de contarnos lo que pretende. Esta vez da testimonio de la situación actual de los yazidíes, una minoría étnica en el Kurdistán, nos descubre de dónde surge un conflicto que lleva años enquistado y nos hace partícipes de la visión de quienes no pueden evitarlo.

El pasadizo

Jeff Lemire, Andrea Sorrentino y Dave Stewart Astiberri

El efectivísimo tándem conformado por Lemire y Sorrentino vuelve al terror, pero sin enmarañarse tanto como en “Gideon Falls” “El pasadizo”, primer libro del universo “Los mitos del huerto de los huesos”, encaja como un guante en el mundo del terror actual que recupera los mitos oscuros. Sin dobleces artificiosas, sin pirotecnia excesiva, una historia autoconclusiva que entrelaza el terror cósmico, lo mitológico y el cine de género reciente, acertando sobre todo a la hora de crear una atmósfera inquietante y malsana partiendo de un pozo sin fondo. Habrá que esperar a los episodios siguientes para ver todas las conexiones que Lemire y Sorrentino crean entre las distintas historias. Pero como inicio del universo no pinta nada mal. MERCÈ GUTIÉRREZ

Espectacular volumen sobre Judee Sill, una artista maldita, poco conocida, pero reivindicable y que puede convertirse en una de tus favoritas. En la liga de Laura Nyro, Bridget St. John o Karen Dalton, Sill fue una excepcional cantante de folk, que sumó a sus cualidades artísticas cosas menos positivas como la prostitución, la delincuencia o la adicción a las drogas que acabaron con su vida en forma de sobredosis. En esta obra impecable, Iglesias y Canales plantan su candidatura a novela gráfica del año, reconstruyendo la vida de la cantante y su caleidoscópica personalidad, partiendo base de un guion magnífico y de un tratamiento del dibujo, y sobre todo del color. El talento de Sill queda en las manos de dos grandes del cómic español. EDUARDO IZQUIERDO

Michelle Zauner Lágrimas en H Mart Neo-Cook

PODCASTS

El país de los demonios

Eva Lamarca, Álvaro De Cózar

Una nueva apuesta de Spotify Studios por el documental sociopolítico Made in Spain. Esta vez a cargo de dos de los encargados de apuestas anteriores de la compañía, Eva Lamarca (“Misterio en La Moraleja”) y Álvaro de Cózar (“Los Papeles”). Intentando acercarse al archiconocido Caso Villarejo, la investigación que involucra al excomisario convertido en espía y tejemanejador de información en los asuntos más importantes y turbios del estado español, “El País de los Demonios” firma diez capítulos ambiciosos y notables, con luces y sombras para convertirse en el mejor trabajo de sus autores. Siendo un tema con aristas y con cierta complejidad en su planteamiento, la narración es atractiva y vitalista, con voluntad de ser ecuánime y objetiva, lo que es de agradecer. LUIS

PODCASTS MS

Aquí hay tema

“Aquí hay tema” es un podcast de Fundación SGAE que pone el foco en algunos de los temas más candentes de la industria musical española. En este tercer capítulo hablamos de electrónica y su simbiosis con festivales del calibre de Sónar o Primavera Sound. De todo ello saben mucho Alizzz, músico, DJ y productor de éxito y Elena Barreras, directora de Primavera Pro. Nuestro colaborador José Carlos Peña, habla con ellos.

Adriano Galante

Adriano Galante es uno de esos artistas con personalidad propia. Ahora nos presenta “Toda una alegría”, su primer disco en solitario, un trabajo intimista y muy personal en el que descubrimos nuevas caras del artista al que habíamos conocido como vocalista de Seward durante estos últimos años.

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COLABORADORES

Sonora ha vuelto a la carga con el documental sociopolítico y esta vez pone el ojo en el casi imperio mediático de Grupo Intereconomía, el casi rotundo éxito de un puñado de hombres y mujeres por darle un hueco en la televisión nacional a las distintas sensibilidades del universo ultraconservador; así como el disparatado relato de un grupo de jóvenes periodistas, profesionales de todo tipo de sensibilidades que fueron capaces de darle forma y empaque a los contenidos de uno de los proyectos comunicativos más disparatados de los últimos años en nuestro país. Todo a través del relato y la voz de Gonzalo García, uno de los periodistas que trabajaron en el grupo y que vivieron de primera mano las excentricidades periodísticas, ideológicas, laborales y sociales que se daban en el mismo. LUIS

White Stripes

Pocos discos han dado tanto juego en estas últimas dos décadas como “Elephant”. Por eso no hemos podido resistirnos a realizar un detallado repaso canción a canción para desentrañar lo que supuso la edición de este álbumbum de The White Stripes hace ahora veinte años.

Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Álvaro Tejada, Anaïs López, Andreu Cunill Clares, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Esther Rios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jose Carlos Peña, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Marcos Gendre, Mariona Longarón Ropero, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Víctor Naharro, Yeray S. Iborra

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Virginia Barbero

Depósito legal B. 11 809-2013

Impresión Rotimpres

Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com

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M MAÍNEZ

Cuando fuimos la Fox Gonzalo García

M. MAÍNEZ

SI TE DICEN MUSE Y TÚ PIENSAS EN UN POSTRE DE LIMÓN