NUEBO #11 marzo 2023

King Isis

King Isis lleva la pasión por la música en la sangre: su tatarabuela, Omega King Isis, fue una de las primeras cantantes de ópera de color en Chicago, con todo lo que ello implica. En su honor ha bautizado a su propio proyecto esta joven crecida en Oakland y que lleva como emblema haberse introducido en la música aporreando el mismo piano que pulsaba con delicadeza su antepasada. El sello Dirty Hit, el mismo que nos ha descubierto a Rina Sawayama, The 1975's o Beabadoobee, ha reconocido el talento de una artista que lo mismo se lanza a componer canciones de indierock con las guitarras eléctricas como protagonistas, que deja entrever las influencias de sus raíces jazz y blues en intimistas temas acústicos. Tras debutar con un single autoeditado, 4leaf Clover, el pasado mes de noviembre, su puesta de largo llegará en primavera en forma de EP titulado Scales

FOTO: COLE MASLANSKY

Sumario

03. King Isis la genética

05. Cala Vento aventuras en camerinos

06. Rosin de Palo Za! ya tienen herederos

08. J Higgz en el último lugar

09. Basura Pop dreaming

10. Medasawa sacerdotisa del amor

12. Wesley Joseph el flow de Birmingham

18. Shego chicas con suerte

22. Oso vicioso enzarpado

26. Raye ¿sabías que...?

28. Resident Evil 4 remake sangriento

32. Paula Cendejas Madrid latino

34. Lana del Rey la ex novia de América

38. Ana Roxanne se paró el tiempo

40. PlayinColors basket technicolor

50. Saiko cantera

52. Cabin Boreal el último refugio

56. Monteperdido la escuela hardcore

58. Historia Universal del after teoría del descontrol

60. Debby Friday alma libre

62. La belleza y el dolor la lucha de Nan Goldin

66. 50 discos urbanos argentinos campeones del mundo

74. La Plazuela renovación flamenca

66. Landing L'haine, Memefest, Retorno a Seúl, María Médem, Rebecca Watson...

98. Editorial la decisión política de cada día

LOS ARTISTAS DEL SANSAN FESTIVAL 2023

Hace ya unos añitos que Cala Vento evidenciaron que ese tópico que asegura que las guitarras son cosa del pasado es una soberana estupidez. Lo demuestran cada vez que se suben al escenario, y también como capitanes generales del sello Montgrí. Volverán a hacerlo en el contexto del SanSan Festival.

¿Cuáles son las peticiones que nunca faltan en vuestro rider?

Cuatro sillas, una mesa, tomas de corriente, aguas, sándwiches y fruta. También pedimos algo de “típica comida local” pero pocas veces aparece. A partir de ahora pediremos una canasta de baloncesto, que Joan ha vuelto a jugar, y así calentamos antes del partido.

¿A qué ídolo habéis conocido en las bambalinas de un festival y cómo fue el encuentro?

Uno fue con Lluís Gavaldà (icono del rock catalán) cuando actuamos en el Minipop, un festival que él mismo monta en Tarragona. También nos hemos cruzado a Rivers Cuomo, de Weezer o a Nach Scratch. Pero, menos con Gavaldà, todos los encuentros han sido muy breves. Cuando admiras a una persona por lo que ha significado su música en tu vida a veces cuesta expresarlo y/o mantener una larga conversación.

Phoenix, Milky Chance, Zahara, Guitarricadelafuente, Rayden, Sen Senra, Alizzz, Cupido, Delaporte, Cariño, Blanco Palamera… ¡y muchos más!

CALA VE N T O

¿Cuáles son las manías que tenéis antes de salir a tocar?

Pasar por el baño varias (muchas) veces e intentar estar tranquilos y relajados. Hacer algún repasillo rápido a lo que vamos a decir entre canción y canción.

¿Cuál es la situación más complicada que habéis tenido que afrontar como artistas justo antes de un concierto?

Creo que en el podio están dos situaciones. En el segundo puesto: Nos quedamos encerrados en el camerino del Circo Price un minuto antes de salir a tocar.  Y en lo más alto: una vez que tocamos en un festival de cine se retrasó todo mucho, Aleix se durmió en el camerino y Joan se quedó viendo una peli por ahí. Cinco minutos antes de salir a tocar vino corriendo el organizador del festival alarmado porque había intentado despertar a Aleix y dormía como un tronco. Un minuto antes de salir al escenario, Joan despertó a Aleix y este salió al escenario con solo un ojo abierto.

Cuando asistís a un festival como público, ¿qué tres cosas son las que no pueden faltar nunca en la mochila?

Cuando íbamos solíamos ir con las manos en los bolsillos y alguna botellita escondida por ahí… :P

¿Cuál es el mejor amigo que habéis hecho en los camerinos de un festival?

Uf, buena pregunta, seguro que muchos, pero por decir alguno en concreto: conocimos a Víctor de Los Manises, cuando subió a tocar una canción con Flyingpigmatanza en el Castillo de Santa Bárbara de Alicante, dentro del festival Transtropicalia. A día de hoy Los Manises forman parte de nuestro sello y Realmente Bravo (Víctor y Paula, su pareja) han hecho muchos de los diseños de Cala Vento.

FOTO: ARNAU ELIAS

y otra vez. Música mágica que siempre me acompaña.

SAMUEL

• Contrabajo

• Uno de mis álbumes favoritos es El patio de Triana. Flipé cuando escuché este tipo de música por primera vez, no podía parar de reproducirlo una

• El Slap!, un festival de verano en Zaragoza a las 16:00 de la tarde. Hacía un calor que flipas y yo estaba en la piscina, al lado del escenario, cuando empecé a escuchar una música no muy común, caótica y ordenada a

EL DÚO ZARAGOZANO, SIEMPRE IMPREVISIBLE, PROMETE UN 2023 CALIENTE: CONCIERTOS VERANIEGOS A SACO Y UN EP DE REMIXES DE SUS CANCIONES A CARGO DE AMIGOS Y FAMILIARES (MUSICALES) COMO BRAVA, THE GARDENER, ADRIAN BREMMER, MEJOR SORDO O UNREST. MIENTRAS TODO ESO SE CONCRETA, NOS DESCUBREN EL DISCO Y EL CONCIERTO DE SUS VIDAS.

LOS NUEBOS

ROSIN DE PALO

la vez. Así es como descubrí a Za!, y me pasé todo el concierto flipando, no podía parar de bailar, de reír... fueron muchas sensaciones en una. De alguna manera ese concierto despertó algo nuevo en mí.

MARIO

• Batería

• El disco que me cambió la vida posiblemente sea Modern Vampires of the City de Vampire Weekend, ya que cada vez que lo escucho es como una neo-nostalgia, me transporta al pasado. Pero también me hace pensar y mirar al futuro, no sé...

• Un 14 de noviembre de 2018 -justo por aquella época estábamos empezando con Rosin- pasaron por el Pub el

Zorro de Zaragoza (que en paz descanse) Shht e It It Anita porque tenian un día libre en su gira europea. No he visto un directo tan loco en mi vida. Todo sumó, desde las escasas veinte personas ahí presentes hasta sacar la batería a la calle en mitad de una cancion. Los Shht arrancaron las luces del techo literalmente y todos entramos en su círculo del “todo vale”. Fui corriendo al cajero más cercano a sacar dinero para el vinilo, de los primeros vinilos que compré. Y algo de esa noche se quedó en mí para siempre.

Mario Vidal 31- 12-1999 / Zaragoza

Samuel Azorín

15-07-1998 / Zaragoza

www.sansanfestival.com

J Higgz nació en Gales, pero se mudó a Murcia con apenas 13 años. Eso le convierte en uno de los artistas más versátiles de la escena urbana nacional, capaz de fluir a golpe de beat tanto en inglés como en castellano. En 2014 se unió al colectivo Murcia Finest, y en su última etapa se ha centrado en crear una identidad propia junto al productor Jayder, con quien ha construido su trabajo más reciente, The Flextape 3. Pero la dupla ya está inmersa en lo que será su próximo álbum: se titulará Caesar y supondrá un cierre de ciclo. En 2017 arrancaba un arco conceptual con el disco Yung Caesar, que continuó en 2021 con Ill Beats & Bad Habits, y ahora culmina esa crisis identitaria entre Yung Caesar y J Higgz con un trabajo que promete ser denso en cuanto a sonido, con multitud de códigos escondidos e influencias del mismísimo Good Kid, M.A.A.D. City de Kendrick Lamar.

La música urbana como protagonista en un espacio repleto de novedades nacionales e internacionales, de entrevistas a artistas emergentes y consolidados, y mucho más.

nuebo de

Medasawa

Carmen Lucía, la persona tras ese desconcertante personaje artístico bautizado como Medasawa, se autodefine “sacerdotisa del amor. A través de mi música intento conectar con lo divino. Suelo incluir mantras en mis canciones y me gusta que mis letras se perciban como oraciones, ya sean estas recitadas en el templo o en lo más profundo de un club. Soy una devota del misterio y rindo culto a lo desconocido, a la belleza y a la feminidad”. El concepto, como el tratamiento de la imagen, desborda todo lo que tiene que ver con Medasawa, un proyecto que, en la línea de referentes internacionales como Eartheater o Sevdaliza, se convierte también en el ejemplo de una forma de entender el pop del siglo XXI. La publicación el 28 de febrero y vía Snap! Clap! Club de PORTAL, su EP de debut, viene a consolidar los primeros pasos de una carrera ambiciosa, en la que lo mejor está por venir. Tópico, sí, pero que cobra todo su significado en el caso de la aventura de Medasawa...

SUÉLTEME EL BRAZO

Por: Ángelo Néstore

El mundo de la noche, sus colores, los horarios, el volumen, sus códigos de socialización, las texturas, el sudor: con el paso del tiempo todo se había convertido en un recuerdo borroso y confuso en mi cabeza. Lo rescataba con la torpeza de quien coge un álbum de fotografías viejo y pesado y lo coloca encima de la mesa, con el mismo misterio y entusiasmo. Sin embargo, el otro día acompañé a mi pareja, la drag queen Pink Chadora, a una actuación nocturna en un pequeño bar de ambiente, donde la contrataron de medianoche a cuatro de la madrugada (imaginadme tragando saliva). Mientras ella trabajaba “haciendo micro”, lip syncs o imitando a folclóricas, yo observaba desde un rincón cómo la noche discurría de una forma alegre y distendida. Cuerpos jóvenes y menos jóvenes moviéndose al compás de la música, sonrisas, la mano hacia arriba, la copa hacia abajo: el parpadeo del estrobo registraba cada movimiento como fotografías que iban cargando aquel álbum de la memoria con escenas nuevas y ajenas, pero que se parecían tan lúcidamente a las que yo también había vivido.

Todo iba como la seda hasta que llegó ese chico: ese, al que primero contestas amablemente, al que luego dices que no quieres que te invite a nada, que estás bien. Ese chico, que no escucha, que no te quita la mirada y te pone incómodo, que te pide a cuánto le venderías la camiseta con tal de quitártela, ese que aprovecha cada ocasión para tocarte y tú te pones rígido, como una piedra, pero te ves incapaz para reaccionar. ¿En cuántas ocasiones nos ha pasado? ¿Cómo es posible que esto ocurra en un sitio seguro? ¿Cuántas veces vivimos la violencia sin tener la capacidad de reconocerla?

FOTO: JESÚS LEONARDO

Sus canciones noctámbulas y sedosas no dan demasiado pie a creerlo, pero Wesley Joseph nació en Birmingham y creció unos pocos kilómetros al norte, en Walsall, en una zona del norte de Inglaterra que aún lleva con orgullo haber sido cuna de la Revolución Industrial. Sin embargo, la música de este joven con aspiraciones de cineasta y que, de la mano de Jorja Smith y un puñado de cantantes, rappers, productores y fotógrafos fundó el colectivo OG Horse, caminó desde el primer momento por otra dirección: soul, r'n'b y una elegante concepción del grime que cristaliza en Glow. Un disco de ocho temas para el sello norteamericano Secretly Canadian que se convierte en brillante muestra de la multiculturalidad sonora de la Gran Bretaña.

Wesley Joseph

FOTO: LEWIS VORN

La última edición de nuestro Club tuvo lugar el pasado viernes 3 de febrero, con NUEBO dj de vuelta.

La noche la cerró a los platos Kiliki Frexko, uno de los componentes de Chill Mafia.

Fruto de la colabaración con Un Cuarto En Lllamas, el pasado mes de febrero estrenamos cuatro grabaciones más de nuestra serie NUEBO Talento. Síguemos en nuestro canal de youtube @somosnuebo

Los sevillanos Kievra, aquí en los camerinos de La Palma, e y responsables del live set se la noche. Autotune power!!!

LUSILLÓN Caímos las dos 2/2/2023

MENDEZ Vudú 9/2/2022

ONA MAFALDA A otro lado 16/2/2023

EVA PUC Carita empapada 23/2/2023

FOTOS: PABLO BARBOZA, SONIA QUESADA & ADRIÁN MARTÍN

RADA MANCY

Tenemos que reconocerlo: nos ha pillado un poco el toro con la fiesta de NUEBO Club este mes de marzo en Café La Palma, así que solo podemos confirmarte una parte del cartel del viernes 10. Eso sí, el directo de Rada Mancy es de por sí suficientemente potente como para que nos volvamos a encontrar en nuestro Club. La joven artista venezolana ya nos había visitado en NUEBO Talento para interpretar Hace tiempo, un temón extraído de su primer EP, Romancy, publicado el año pasado y compuesto de la mano de esa pareja maravilla que son Lowlight (Bad Gyal, C. Tangana, Israel B...)

Date un paseo por nuestros perfiles en rrss, donde encontrarás contenidos exclusivos. @somosnuebo

Lo de la portada de este número que tienes en las manos se veía venir... La Plazuela nos conquistaron al ponerse delante de la cámara.

RADA MANCY (LIVE

10 14

ENTRADAS EN DICE.ES

TBC

MARZO CAFÉ LA PALMA ABRIL SALA NAZCA

Acceso: 15 €+gg

Acceso+copa: 13 €+gg anticipada y 15 € taquilla

En marzo de 2022 se publicaba el primer número de NUEBO, y esa efeméride teníamos que celebrarla a lo grande. Lo haremos de la mano de Jimena Amarillo, que además publica disco una semana más tarde. Nos vemos el 14 de abril en Nazca. ¡Reserva la fecha!

Dudi ha hecho una travesía desde el mundo del streaming hasta la música. Por un momento le devolvimos a sus orígenes...

NICKZZY ES NUEBO

El protagonista de nuestra portada de febrero celebró el lanzamiento de su primer disco Ahora no lloro en una fiesta en la que tuvimos un papel muy especial. Así de contento se fotografió Nickzzy con su primera portada... ¡de muchas!

Saiko por partida doble: revista y rrss. El granadino, nuevo fenómeno del latineo global, nos cuenta todo de su gira con Feid.

LVL1

El hyperpop nacional da un salto de gigante de la mano de LVL1 (1) y su primer disco, Play (Arista/Sony, 2023), un disco en el que, además de Rakky Ripper, colaboran nombres tan relevantes en la escena internacional como DAGR (2), Baauer, Oscar Scheller (3), Rebecca Black (4)0 EasyFun. ¡De Tiktok a la conquista del universo!

Desde este preciso instante hasta el mes de noviembre en que se celebre en Andalucía -no está confirmado, pero todo apunta a Sevilla- la 24ª edición de los Grammy Latinos, correrán ríos de tinta a propósito de esa primera vez en que el evento salga de EE UU. La alfombra roja traerá a todas las estrellas latinas del business a nuestro país. Morbazo.

LOS LATIN GRAMMY ATERRIZAN EN ESPAÑA

20.000 ESPECIES DE ABEJAS

El cine nacional sigue de dulce con el ¿inesperado? Oso de Plata a la Mejor Interpretación Femenina de la Berlinale 2023 para Sofía Otero a sus -¡ojito!- 9 años. En la película, escrita y dirigida por Estibaliz Urresola Solaguren y con un equipo artístico y técnico integrado casi exclusivamente por mujeres, Sofía interpreta a un niño de 8 años que no encaja en su identidad de género. La cinta se estrenará en cines el 21 de abril.

LU YANG

LuYang Vibratory Field es el nombre de una muestra protagonizada por la artista china Lu Yang, que puede verse hasta el 21 de mayo en la Kunsthalle Basel, el espacio expositivo de la ciudad de Basilea (Suiza). Desde Shanghai, Lu Yang se ha convertido en referente del arte digital, explorando en su impactante obra temas como la representación de género o la cultura del manga y los videojuegos.

CONTESTAN SIEMPRE AL ALIMÓN, DEJANDO CLARO QUE LO SUYO, ANTE TODO, ES SER UNA BANDA. Y NO UNA CUALQUIERA. LO MISMO LOGRAN QUE TE REPLANTEES ESA CHULERÍA TUYA TAN MASCULINA QUE TE HACEN BOTAR DE LO LINDO EN PRIMERA FILA DE SUS CONCIERTOS. LLEGAN CON DISCO DE DEBUT Y YA PARECEN VETERANAS. DECIDIDAMENTE, Y COMO REZAN SUS REDES, @SHEGOMANDA.

POR: TALI CARRETO

'suerte, chica'. menudo título para un primer álbum. ¿era cuestión de darse ánimos a una misma o funciona como consejo generacional? “Creo que es un consejo hacia nosotras mismas”, rompe el hielo Raquel en nuestra conversación. “Sí, pero el disco también habla sobre enfrentarse a la vida adulta”, reflexiona Aroa, “entonces es un mensaje de ‘ánimo con eso’ tanto para nosotras mismas como para cualquier persona que se enfrente a esa situación. No es generacional: funciona para esta generación y para las que vengan”. Y Raquel pone la puntilla: “Y para las de antes también”. Con el compromiso hemos topado. Basta pegar la oreja a alguno de los temas anteriores de la banda, como Vicente Amor. ¿Se sienten Shego con la necesidad como artistas de denunciar o, cuanto menos, de poner en solfa ciertos estereotipos?

Maite toma la palabra: “En las canciones del disco hay denuncia social, quizá no de forma totalmente explícita, pero está ahí. Creo que en general nosotras solemos poner en el punto de mira todas las afecciones emocionales y sentimentales que vivimos y que surgen como efecto del panorama socioeconómico. Al final esto se refleja quieras o no en un disco que esencialmente habla de cómo estamos”. Aroa, algo callada hasta ahora, rubrica y matiza: “Más que denunciar, se trata de visibilizar cómo nos sentimos respecto a lo que nos rodea. Si vivimos en una sociedad que está bastante jodida se va a notar en nuestro discurso, porque nos afecta directamente”.

Hablando de situaciones jodidas: no hace tanto que Shego colaboraron codo con codo con Zahara en Merichane, todo un ajuste de cuentas con la violencia machista, con los abusos de cualquier tipo de poder y hasta con la industria musical. “Un poco difícil enfrentarnos a contar una experiencia personal de mierda”, confiesa Raquel. “Cada vez que hay que cantarlo es intenso”. ¿Tanto? “Yo disocio un poco en esta canción”, apostilla Maite, “porque si nos pusiéramos a sentir esta canción cada vez que la tocamos nos pondríamos a llorar: es bastante tremenda”. Aroa reincide en esa línea: “Recuerdo traer cada una nuestra estrofa y prestar atención a cada historia, y que fuera tan fuerte... Damn!”. ¿Quién iba a decir que Zahara iba a encontrarse tan cerca de Shego? Lo triste del asunto es que esa cercanía se haya producido también por razones extramusicales. “Es tremendo que una artista tan experimentada como Zahara haga esta canción y nos pida que hagamos lo mismo en la versión, contar lo nuestro, y que todavía haya cosas que contar, que todas tengamos momentos así…”, comenta Charlotte. “Da que pensar. Nadie se libra, ¡qué pena! Aunque qué bien por otro lado que podamos funcionar como altavoz para contarlo”. ¿Y con quién ajustaríais cuentas Shego en el momento actual? “¡Con quién no!”, gritan todas. “Sería una lista muy larga”, avisa Raquel. “Vamos a intentar no vivir en el odio, porque si no nos morimos”.

Pasemos pues a temas menos escabrosos. Hay otra característica muy Shego que marca a fuego este disco: la sensación de libertad que se traduce al jugar con la forma de las canciones. Por ejemplo, Estoy cachonda comienza casi como una tierna canción de Julieta Venegas, y al minuto justo se convierte en un ejercicio pop-rock que haría las delicias de una radio universitaria en plena eclosión indie. ¿Es el eclecticismo bien asumido la mejor

manera de sacudirse las etiquetas? “Los movimientos o las decisiones que tomamos no son siempre premeditadas o están perfectamente estudiadas”, corre a corregirme Maite. “No nos ponemos en el local a forzarnos sonar eclécticas para librarnos de encasillamientos. El proceso es totalmente natural...”. “Es más”, añade Marta, “el hecho de construir los temas in crescendo empieza a ser marca de la casa”. Como también lo es esa forma de interpelar al oyente en las canciones que se tornan en una conversación a dos bandas. Es el caso de Qué voy a hacer, su feat. con Natalia Lacunza, o Sorry ojitos… “Yo creo que es como un deje en la manera de escribir, que de alguna forma provoca al oyente”, piensa Aroa en voz alta. “O una manera de hablar con una misma...”, apunta Charlotte. Decidido, han dado con la ecuación, puntualiza Maite: “Eso es, muchas de las canciones son un diálogo interno que puede confundirse o convertirse en externo. Quizá es esto lo que comentas”. Parece pues que no hay tanta intencionalidad al ponerse manos a la obra con las canciones, que Shego confían bastante en las virtudes de dejarse llevar. ¿Correcto? “No creo que haya un esquema de cómo hacer las cosas”, afirma Raquel. “Desde luego no somos de cocinar a fuego lento en el estudio”, sentencia Aroa. “Las canciones salen por combustión espontánea, surgen de una idea raíz y en el local crecen”. En el local, y también en el estudio, han sobrevolado bastantes influencias a la hora de darle lustre al disco. “Han estado muy presentes Warpaint, Sharon Van Etten, Triángulo de Amor Bizarro, Jaden Smith, Little Simz, Biig Piig, Daniel Caesar…”, reconoce Maite. Claro que sin atarse a nadie. “Cada canción tenía una influencia

"SI NOS PUSIÉRAMOS A SENTIR 'MERICHANE' CADA

que aparecía en la parte final del proceso para terminar de darles forma”, apunta Aroa. Lo que es indudable -y es algo que parece afín a toda una nueva generación de artistas- es ese sonido noventero que parece volver cada vez con más fuerza. “Es cierto que nos hemos criado con la música de los noventa. Por eso se refleja en lo que hacemos”, continua Aroa. Pero Raquel no duda en marcar distancias: “De todos modos, hay muchos sonidos diferentes en el disco y no lo planteamos como un revival noventero. No, no lo creo”. Maite, como el resto, lo tiene bien claro: “La idea original del disco era que todos los temas sonaran a canción que no te quieres saltar, estaba pensado así. Igual si en el próximo disco queremos hacer 18 canciones y nos apetece que 10 sean…”. “¡Que ninguna sea un éxito!”, se apresura a gritar Raquel. Y de nuevo vuelven las risas. Desde luego, si siguen en la senda de este Suerte, chica estará complicado no facturar ningún hit. A ver si al final el súper poder de Shego, esa villana animada de la que toman su nombre, va a ser el de componer temazos, uno tras otro. Por cierto, qué acierto mirar hacia el lado oscuro. ¿Molan más las chicas malas que las superheroínas? “Nos atraen todas. TO-DAS. ¿Por qué tenemos que ser ángeles o demonios? Qué pereza”. Más alto y claro imposible. No hay duda: @shegomanda.

SUERTE, CHICA (ERNIE, 2023)

Siendo mala / Sorry ojitos / Qué voy a hacer / Lucky / Estoy cachonda / Me lloro toda / Steak tar tar / Peggy Lee

DIGITAL / VINILO

“Me dejó de funcionar la guitarra. Por aquel entonces usaba una que iba a pilas...”. Ahí está el recuerdo del primer concierto de la encargada de poner voz y cuerdas en Shego. “También de pasármelo lo mejor que pueda”, avisa. Fan por igual de Bad Gyal que de Destiny's Child, y en su día enganchada a majísima de la banda -o al menos, reconoce que es la virtud de la que más puede alardear: siempre se presta a abrazar a sus amigas- también nos confiesa que siempre quiso ser cantante. A sus veinticinco años ya puede presumir de sueño cumplido.

ello, lidia con alguna manía (“lavarme los dientes junto después de pintarme los labios”) y alguna que otra superstición (“necesito que la luz no dé mucho al público para no rayarme demasiado. Tener la púa localizada y no estar borracha. Eso y sentir a las Shego cerca”). Tan cerca como siente Me At The Museum, You In The Wintergardens, la canción de Tiny Ruins en la que se quedaría a vivir.

Con tan solo 23 años, lo mismo te confiesa que Transa de Caetano Veloso es el disco ideal para sobrevivir a una tarde de lluvia, que te aconseja revisionar El diputado de Eloy de la Iglesia. ¿Hemos dado con el perfil más maduro del grupo? Quizás no debamos colgarle tal sambenito. Se encarga de tocar la batería y, como ella misma reconoce, “antes de saltar al escenario, en Shego también me aseguro de que cenemos”. Atesora pese a su juventud no pocos proyectos:

es “una relación monógama”. Bastante picoteo hay en sus orígenes: de nacionalidad holandesa, nació en Chile pero se crio en La Palma, Canarias. Un melting pot casi tan asombroso como el de sus filias musicales, donde hay hueco para Ice Cube, Khruangbin o System of a Down por igual. Más tajante se muestra respecto a una constante que se repite en todos los directos: “Si la prueba de sonido va bien, lo más probable es que el concierto vaya fatal...”.

Tras el estrepitoso fracaso de su particular reinterpretación del serial televisivo 'Los Ángeles de Charlie', Elizabeth Banks se atreve a llevar a la pantalla una orgía de sangre y violencia provocada por un oso enfarlopado hasta las trancas.

en septiembre de 1985 el traficante de drogas andrew

C. Thornton II moría en accidente de paracaídas tras una entrega de drogas frustrada, sobrevolando los montes Apalache. Su cadáver sería encontrado posteriormente en una carretera en la población de Knoxville, Tennessee, calzando mocasines de Gucci y con aproximadamente 15 millones de dólares en cocaína atados a su cuerpo. Cuatro meses después se encontraría, en el norte de Georgia, el cadáver de un oso negro americano junto a otros cuarenta paquetes de cocaína de la misma entrega fallida. Los paquetes habían sido desgarrados, seguramente por el propio oso, que había muerto, también presumiblemente, de sobredosis.

Esta historia, casi una leyenda urbana ya, llegó a las manos del guionista Jimmy Warden hace un par de años mientras navegaba por su muro de Twitter. Una imagen y un pie de página llamó su atención: “Pablo Escobear: el oso cocainómano”. Warden inmediatamente se dio cuenta de que quería contar esa historia, pero no desde el punto de vista del narcotraficante, sino desde el del plantígrado. Un guion que una vez terminado Warden entregó a la productora de Phil Lord y Chris Miller, artífices de

exitosas comedias irreverentes como The Lego Movie y su spin-off, The Lego Batman Movie, o singulares fusiones entre comedias de instituto y la saga Arma letal como Infiltrados en clase y su secuela, Infiltrados en la universidad

Phil Lord y Chris Miller quedaron tan impresionados con el libreto de Warden que, inmediatamente, se lo enviaron a Universal, que a su vez se le lo acabaría ofreciendo a la actriz y directora Elizabeth Banks. Banks había mordido el polvo comercial y artístico poco tiempo antes, allá por 2019, con su reinterpretación en clave femenina del serial televisivo de los setenta Los Ángeles de Charlie, con Kristen Stewart por protagonista. Un fracaso que la propia Elizabeth Banks acepta de buen grado: “Me echo a la espalda toda la responsabilidad por el fracaso de Los Ángeles de Charlie, sobre todo porque nadie más lo asumió. Toda la carga se sustentó en mí, por lo que, ¿qué otra cosa podía hacer?”.

Cuando el agente de Elizabeth Banks le entregó el guion, la directora de Dando la nota. Aún más alto se quedó absolutamente prendada de la historia. Tanto que inmediatamente comenzó a buscar información gráfica sobre ataques de animales a seres humanos. Algo que la propia directora no recomienda especial-

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

mente: “Si rascas un poco en internet encontrarás una gran cantidad de contenido gore y retorcido”. Un gore que la propia Banks no teme, ya que, como ella comenta, “cuando era joven estaba enamorada del género gore, sobre todo de la saga Posesión infernal. Y es que, al final, el gore termina por convertirse en la parte divertida de este viaje”.

DE VÍCTIMA A VERDUGO

Ese es el motivo por el que el guion y la cinta de Banks parten de la mirada del propio oso como protagonista de la historia, ya que la cineasta, al investigar el suceso real que inspira la película, sintió inmediatamente una profunda compasión por el animal: “Me parecía muy jodido que este oso se convirtiera en la víctima última de una operación de tráfico de drogas que salió mal y que acabara muerto. En el fondo, mi película bien podría ser la historia de venganza de ese oso”. Porque, al contrario que en la historia real en que se inspira la cinta, en la cinta la sobredosis de cocaína provocará que el animal se introduzca en una espiral de violencia con los humanos por objetivo. Un bicho de media tonelada de peso que ha sido recreado en la película con un presupuesto de entre 30 y 40 millones de dólares y la participación de la compañía de efectos especiales Weta Workshop, propiedad de Peter Jackson y artífice de algunos de los trucajes digitales más asombrosos de las últimas dos décadas, como la saga de El señor de los anillos, del propio Jackson, o las dos entregas del Avatar de James Cameron. También ha sido la oportunidad para Banks de demostrar que el cine gore, salvaje y violento podía realizarse por mujeres: “Quería hacer algo testosterónico y muy masculino. Quería romper esa leyenda absurda sobre qué géneros y temáticas son los que supuestamente siempre quieren hacer las mujeres. Por alguna extraña razón, hay muchos ejecutivos en Hollywood que piensan que las cineastas femeninas no son capaces de realizar películas muy técnicas. Es algo que está muy arraigado”.

ALGO MÁS QUE UNA COMEDIA GORE

Y aunque la violencia explícita es uno de los principales alicientes de la película, Elizabeth Banks define Oso vicioso como “una comedia de terror. Hay un montón de momentos terroríficos, pero también es una gran comedia de personajes. Trata sobre un conjunto de personas que se encuentran en una situación que les sobrepasa. Ellos están obsesionados por recuperar la cocaína, pero lo que no saben es que el oso ha llegado primero…”.

Pero no solo de comedia y gore vive la película. En el interior de la misma subyacen otros temas que también le interesaban a su directora: “Uno de los temas que no te esperas en una película llamada Oso vicioso es la cuestión de la paternidad. La cinta habla sobre las relaciones entre padres e hijos, entre madres e hijas. De proteger a nuestros cachorros. Es uno de los temas que desde mi perspectiva personal me atrajo como madre, el planteamiento de cómo llegar a ser la mejor versión de un padre o una madre. Y también se encuentra de soslayo una mirada a la guerra contra las drogas de la Administración Reagan durante los años ochenta. Muchas de sus políticas descarrilaron, y este oso es uno de los muchos daños colaterales que provocó aquel Gobierno. Sin olvidar, por supuesto, nuestra relación con la naturaleza. Los humanos creemos que podemos controlarla. Pero si jodes a la naturaleza... ¡esta te joderá a ti!”.

OSO VICIOSO (31 marzo)

EE UU. 2023. Universal

Dirección: Elizabeth Banks. Reparto: Keri Russell, Christian Convery, Ray Liotta, Margo Martindale, Alden Ehrenreich, Brooklynn Prince, Kristofer Hivju.

PARTY ANIMALS

ARAÑAS, SERPIENTES, LEONES, PÁJAROS, PERROS, SIMIOS, HORMIGAS Y ESCUALOS ASESINOS: EL OSO FARLOPERO

DEFINITIVAMENTE NO ES EL PRIMER BICHO EN CAUSAR EL PÁNICO AHÍ FUERA...

Cuando ruge la marabunta

Byron Haskin (1954)

Absoluto clásico del cine de aventuras, en el que una horda de hormigas voladoras se las hace pasar canutas a un elenco de colonizadores liderados por Charlton Heston.

Los pájaros

Alfred Hitchcock (1963)

Tras aterrorizar a medio mundo con Psicosis, el maestro del suspense conseguiría de nuevo su objetivo: desde que se estrenó esta película no hemos vuelto a mirar a las aves con los mismos ojos. Obra maestra de terror existencialista y nihilista.

Tiburón

Steven Spielberg (1975)

El molde del que partirían el resto de películas sobre animales locos. Una de las cumbres del cine de Spielberg, que daría lugar al blockbuster moderno y provocaría una ola de terror entre los turistas que abarrotaban las playas en 1975.

Cujo

Lewis Teague (1983)

Que el perro es el mejor amigo del hombre queda en entredicho en esta adaptación de la novela de Stephen King,

en la que un San Bernardo rabioso por la mordedura de un murciélago aterroriza a una madre y a su hijo.

Aracnofobia

Frank Marshall (1990)

Arañas prehistóricas venezolanas crean el caos en el contexto del plácido american way of life, en una cinta de terror familiar producida por Steven Spielberg.

Congo

Frank Marshall (1995) Marshall reincide en el mundo animal con esta adaptación de la novela de Michael Crichton en la que, de nuevo, la codicia humana choca con la ira y la violencia de una tribu de gorilas evolucionados.

Los demonios de la noche

Stephen Hopkins (1995) Michael Douglas y un Val Kilmer en el momento más problemático de su carrera intentan aportar prestigio a esta producción del esteta Stephen Hopkins. Ellos son los encargados de dar caza a una pareja de leones que, como serial killers, van acabando con los trabajadores de una compañía ferroviaria en Kenya.

Anaconda

Luis Llosa Arquidi (1997)

La arrogancia colonialista se encuentra de bruces con una serpiente gigantesca, en una película cuyo máximo aliciente es ser involuntariamente cómica y la aparición de una casi debutante Jennifer Lopez.

Piraña 3D

Alexandre Aja (2010)

El enfant terrible del terror francés abraza el cine exploitation con este remake desmadrado, excesivo e hilarante, que parte de la cinta de serie b homónima dirigida por Joe Dante. Pirañas insaciables y un reparto humano al que el espectador solo puede desearle la muerte.

El renacido

Alejandro González Iñárritu (2015)

La secuencia más memorable este ilustre ego trip a cargo de Iñárritu es el feroz ataque de un oso a un DiCaprio histriónico. La jugada le valdría para ganar su primer Oscar.

RAYE LAS

POR: JORGE RAMOS

Raye pertenece al selecto club de megaestrellas rechazadas en audiciones de talent shows televisivos. En su caso no pudo superar las fases de selección previas en Britain’s Got Talent. No está sola. En la lista, que inauguró Usher en 1991, encontramos nombres tan ilustres como los de Beyoncé, Justin Timberlake, Britney Spears, Aaliyah o One Direction, en los que militaba un imberbe Harry Styles allá por 2010. Un caso de aquí muy conocido es el de Rosalía, que con quince años no superó las audiciones de Tú Sí Que Vales: el jurado decidió que ella no.

Su relación con la industria musical comenzó a los quince años. Con esa edad, Raye compuso Hotbox, que publicó online y logró cierta viralidad en los círculos musicales londinenses. La leyenda dice que cantó la canción en una fiesta en una casa y los ecos llegaron a oídos de Olly Alexander, cantante de Years and Years (en la foto), que se interesó por ella y ayudó a que cristalizara su contrato con Polydor.

La inclinación de Raye por el blues, el soul y el R&B del siglo XX (creció escuchando a cantantes como Nina Simone, Ella Fitzgerald o Billie Holiday) se plasma en todas sus canciones, de ahí el título de su disco, My 21st Century Blues. Quizá uno de los temas en los que más explícita se hace esta inclinación es The Thrill Is Gone, título homólogo a la canción de los años cincuenta que popularizó el bluesman

B. B. King (en la foto). La recreación de Raye es un homenaje que, aunque se ha publicado firmada como composición original, está tan cerca de serlo como de una versión del clásico blues.

El nombre de Raye comenzó a sonar seriamente para el gran público gracias a su colaboración en By Your Side, junto a Jonas Blue, allá por 2016. Pero la grabación estuvo a punto de no suceder, ya que de camino al estudio ese mismo día Raye se salió de la carretera y chocó con un poste de la luz. Ella misma recuerda que el deseo de sacarse de encima la sensación tan desagradable que le produjo el accidente ayudó a que la grabación tuviera un resultado más positivo y estimulante.

El abuelo de Raye, instrumentista y compositor, era natural de Yorkshire, al norte de Reino Unido. Desde ahí hasta Londres se trasladó su padre con la intención de hacer carrera musical. No triunfó en el intento, pero el viaje le sirvió para conocer a la que sería madre de Raye, una cantante de madre suiza y ghanesa y padre británico. Con tales antecedentes familiares, resultaba fácil pronosticar a qué se dedicaría la joven Rachel, que comenzó a realizar sus primeras composiciones a los 10 años.

Se cuenta que en 2018 estuvo presente en alguna de las sesiones de grabación del album Scorpion, de Drake (en la foto), hecho que suscitó rumores de una posible relación con el rapero canadiense. No nos importa lo que haga la gente en su vida privada, así que preferimos quedarnos con un dato curioso de toda esta historia, y es que ambos cantantes comparten fecha de nacimiento, el 24 de octubre. Lo que, sí, les convierte en Escorpio (apasionados y con mucha imaginación e intuición; que lo sepas).

Nº 1 en las listas británicas con 'Escapism', la artista londinense se ha convertido en una de las sensaciones de la temporada por su mezcla de electrónica y pop contemporáneo con un indisimulado ascendente soul.

La cantante londinense no sólo se ha abierto un hueco como intérprete de sus propias composiciones y a través de colaboraciones como la mencionada con Jonas Blue o con Charli XCX (en la foto), en cuyo tema Dreamer canta junto a la cantante y productora Starrah. Raye ha escrito y participado en la composición de canciones para nombres como la mismísima Beyoncé, Ellie Goulding, John Legend o Little Mix. De hecho, quizá consecuencia de esta experiencia, es una firme luchadora por los derechos de los compositores, productores, letristas y demás profesionales que trabajan en la sombra dentro de la industria, pero cuya existencia en la creación musical es tanto o más importante que la del intérprete.

En sus canciones Raye cuenta experiencias personales a menudo dolorosas, y recientemente ha declarado que ello le lleva a no poder escucharlas o interpretarlas sin romperse o venirse abajo. Tal es el caso de Ice Cream Man, en la que relata un abuso que sufrió dentro de la industria musical. Ella afirma que es bueno plasmar en canciones y sacar a la luz este tipo de episodios, ya que así esos hechos salen de la oscuridad y dejan de tener el poder que tenían sobre ti al debilitarse con la luz...

Si hacemos cuentas llegaremos a la conclusión de que, si ahora mismo tiene veinticinco años y firmó su primer contrato discográfico con diecisiete, ha tardado nada menos que ocho años en lanzar su primer disco. “Parece que a pesar de haberme buscado, no era lo suficientemente buena para ellos”, ha declarado Raye en una reciente entrevista. La cantante ha esperado hasta tener control total sobre su carrera para lanzar My 21st Century Blues. Al ser preguntada, entre las recomendaciones que lanza a jóvenes artistas destaca la de buscar un buen abogado antes de firmar cualquier papel.

Su canción Escapism acumula casi trescientos millones de escuchas en plataformas y se convirtió en single número uno en las listas británicas durante el pasado mes de enero, además de haber escalado a los primeros puestos en países como Alemania, Australia o Estados Unidos. El tema, en el que Raye habla con total honestidad sobre el abuso de sustancias, fue escrito junto al productor Mike Sabbath hace dos años en una cabaña perdida en Utah, aunque no pudo publicarse hasta el pasado mes de noviembre.

Lanzado inicialmente el 11 de enero de 2005, 'Resident Evil 4' supuso para muchos el punto más alto de la franquicia de zombies de Capcom. Para otros, el comienzo de su descenso a los infiernos. Ahora, 18 años más tarde, el remake llega para constatar una vez más por qué fue una obra maestra capaz de no dejar indiferente a nadie.

POR: RAMÓN BAYLOS

LOS PERSONAJES NUEVO, PERO TAMBIÉN FAMILIAR

Tras los sucesos que tuvieron lugar en Resident Evil 2, Leon regresa en esta cuarta entrega como un policía experimentado a las órdenes del mismísimo Presidente de los Estados Unidos. Su misión está clara, pero le llevará a lugares más oscuros y profundos de los que hubiera imaginado jamás.

Ada Wong es ese personaje necesario en toda trama de suspense y que nunca termina de revelar sus verdaderas intenciones. En principio su misión es ayudar a Leon en la búsqueda de Ashley, pero es obvio que detrás de su sonrisa amable esconde secretos realmente oscuros.

Ashley

es el personaje que sirve como motor inicial de la trama de Resident Evil 4. Se trata de la hija del Presidente de los Estados Unidos, que ha sido secuestrada por una misteriosa secta por una serie de motivos que Leon irá descubriendo conforme a más horrores se enfrente.

mano amiga)

Serra será la mano amiga que acompañe de manera indirecta a Leon S. Kennedy a lo largo de su aventura. Las notas que irá dejando en su camino como un reguero de migas de pan llevarán al protagonista de Resident Evil 4 a descubrir la verdad que existe tras un mal que asola el territorio conocido como Las Plagas.

Hacer un remake en un videojuego va mucho más allá de su adaptación a los estándares modernos para que simplemente funcione en las plataformas actuales: se requiere un auténtico lavado de cara tanto en lo técnico como en lo jugable y, precisamente, el remake de Resident Evil 4 promete justo eso.

Es el líder de la subdivisión de la secta que asola el pueblo al que llega Leon al principio de la aventura. Su misión en el juego es demostrar que nada suele salir bien cuando nos enfrentamos a un mal insondable que ha convertido a todos los aldeanos de la villa en zombies repugnantes.

Ramón Salazar (el villano)

Resident Evil 4 no sería lo mismo si no nos acechara la sombra de Ramón Salazar durante buena parte del juego. Se puede considerar como el principal villano del mismo, pero hay figuras que operan detrás de él en las sombras que son mucho más peligrosas...

Parte de esto último tiene que ver con lograr que aquellos que revisitan el juego también encuentren algo diferente en él que merezca la pena. En este caso, Resident Evil 4 Remake incorpora nuevas dinámicas de sigilo y caminos que no existían dentro del juego original.

Algunos elementos de la jugabilidad del título de 2005 han quedado intactos para respetar su diseño y conseguir ese punto de familiaridad que tanto se persigue al hacer un remake. En este caso, Resident Evil 4 Remake sigue teniendo una cámara al hombro en tercera persona y una serie de mecánicas que son la herencia misma de los Survival Horror clásicos.

Leon S. Kennedy (el apuesto protagonista)

Ada Wong (la misteriosa)

Ashley Graham (la chica desaparecida)

Graham

Bítores Mendez (el subordinado)

Luis Serra (la

UNA ESPAÑA JAPONIZADA

Siempre ha habido una relación de lo más extraña a nivel cultural entre España y Japón. Quizás sea por la manera en la que concebimos aquí las relaciones sociales o incluso las emociones, pero los japoneses guardan un cierto grado de fascinación por la forma de vivir de nuestro país. ¿Qué otra razón hay si no para que Resident Evil 4 esté ambientado en algún punto sin concretar de la geografía española? Todo, eso sí, muy al estilo japonés: con un gran componente de curiosidad, pero también con cierto reduccionismo a la hora de plantear una aproximación casi siempre exótica a los elementos culturales españoles.

Al inicio del juego suena una guitarra flamenca como súmum de los estereotipos.

“¡Detrás de ti, imbécil!”. Es una de las frases más míticas del doblaje del juego.

LA NUEVA NORMALIDAD

La mayor virtud de las grandes obras que se centran en los apocalipsis zombies no tiene que ver con los infectados en sí, sino con el mundo que la humanidad deja tras la plaga. El último título de zombies al que jugué no me daba escalofríos al ver a los monstruos, sino en el momento de mostrar una calle vacía, inundada por la presencia fantasmal de una vida anterior. El confinamiento de 2020 ha hecho que sienta un agobio mucho más intenso y diferente ante este tipo de obras. ¿No lo sentís de la misma manera? La extrañeza de sentir que aquello que sufrimos en la vida real fue profetizado muchísimas veces en la ficción...

Las vestimentas de algunos enemigos dan más risa que miedo...

Ramón Salazar se ha convertido en una figura casi autoparódica dentro de la saga.

RESIDENT EVIL 4 REMAKE Fecha de lanzamiento: 24 de marzo de 2023

Capcom

Plataformas: PC, PS4, PS5, Xbox One y Xbox Series X/S

PAULA CENDEJAS

Con la publicación de su primer disco, 'Fomo', Paula Cendejas completa un ciclo que arrancó con su descubrimiento inicial en rrss, dio un salto acrobático con la exposición pública que le brindaron C. Tangana y Alizzz, y desemboca en una carrera que la señala como referente del pop mainstream en castellano.

POR: RICKY LAVADO | FOTOS: EDUARDO MONTES

electrónica, sonoridades latinas, vocación pop y un equilibrio plácido entre la pista de baile y el intimismo lo-fi: Fomo, el debut en largo de Paula Cendejas, supone un compendio sólido y efectivo de las diversas tendencias que conforman hoy en día ese cajón de sastre llamado música urbana. “Fomo habla de emociones y sensaciones que he tenido durante estos dos años y medio, que no sabía dónde me iban a llevar. Escuchar tantas opiniones de la gente muchas veces no es positivo. Hay que dejarse influenciar por personas muy cercanas a ti, y tener muy clara tu visión, porque hay veces que te comen otras visiones, y al final te conviertes en quien no quieres ser. Cuando creas un álbum vas un poco a la deriva, estás creando a ciegas; cuando escucho el disco pienso: 'Aquí ha pasado algo, se ha creado algo real que ha significado mucho para mí'. Cada canción representa un momento en ese espacio temporal en el que he estado sintiendo tantas cosas”.

De compartir versiones de Luis Fonsi, Beret o Bad Bunny en sus redes sociales a trabajar mano a mano con Alizzz y C. Tangana; la trayectoria de la madrileña Paula Cendejas parece construirse dando saltos cuánticos con cada nuevo movimiento. Esa sensación de velocidad vertiginosa, tan del siglo XXI, queda plasmada en el título de este primer paso discográfico en firme; Fomo, o el síndrome de querer estar en todas partes por miedo a perderse cosas. “Este disco nace de un proceso creativo muy intenso, en el que han pasado muchas cosas. He querido llamar al disco Fomo precisamente por eso, porque he vivido muchas experiencias, preciosas y no tan preciosas, a lo largo de este tiempo. Ese miedo a perderse algo yo lo he sentido a lo largo de este proceso creativo muchas veces, no solo en la música simplemente, que también, sino en la vida en general, en la toma de decisiones y en querer estar aquí y allí a la vez. Lo que nos pasa un poco a todos con tanto estímulo social, tantas Redes Sociales... Hay un tema que se llama La decisión, que habla de dejar a tu pareja de una manera no del todo sana, porque llegué a un punto en mi vida en el que sentía fomo hasta con mi pareja. La palabra fomo me pareció una manera, no sé si bonita, pero sí cruda y real y transparente de llamar al disco; quise resumir lo que habían significado para mí estos años, y no encontré mejor palabra”.

Como ha ocurrido casi desde el principio de su carrera, un nutrido grupo de cómplices rodea a Paula Cendejas para ordenar el resultado de este tiempo de trabajo, en un equilibrio coherente entre sonido y contenido que brilla en todo momento a lo largo de Fomo en forma de producción pulida y elegante, cuidada hasta el más mínimo detalle. “Lucas Otero es el main producer en este caso, y ha sido una de las cabezas pensantes más importantes en la creación de este álbum. También está Estani, con el que he hecho un feat. que se llama Salir; está Carlos Ares, que es una persona de mi círculo de confianza; Oddliquor y Mayo aparecen en varios temas... Hay un esqueleto en el álbum de cinco o seis temas que he hecho con el mismo equipo y el mismo productor, pero al final durante este tiempo he estado viajando, conociendo a otros productores, otros artistas. Colaboraciones y sinergias que al final surgen de forma natural, y ha sido un proceso creativo dispar. Con mi equipo yo tengo una forma de trabajar muy específica, que es llegar al estudio y tener muy claro qué me inspira hoy, de qué quiero hablar, y a partir de ahí empezamos. Pero luego, si de repente voy a Argentina a trabajar con un productor de allí, normalmente tenemos menos tiempo, es todo mucho más rápido. Mi proceso creativo ideal sería poder levantarme por la mañana y decir: 'Hoy quiero trabajar sobre esto, me apetece escribir sobre esto otro'. Pero luego, si viajas mucho y estás todo el día de aquí para allá, te tienes que adaptar al mundo”. Esta adaptación queda plasmada en forma de una serie de colaboraciones internacionales que va más allá de un ambicioso listado de featurings con Danny Ocean, Soulfia o Micro TDH. El disco está trufado de influencias latinoamericanas -versión del clásico salsero Devórame otra vez incluida-, dando la sensación de trabajo construido con la mirada a uno y otro lado del Atlántico. “Es verdad que tengo una conexión especial con Latinoamérica, y se aprecia en el álbum. Incluso en las colaboraciones; de manera muy orgánica han salido más colaboraciones con gente de Latinoamérica que con gente de aquí. Yo soy madrileña, pero consumo mucha música latinoamericana y admiro a un montón de artistas de allí, así que surge solo. No sé si la vida me está diciendo 'vete a Latinoamérica, vete a México...'”.

FOMO (WARNER, 2023)

Vacío / X ti / Cosquillas / La decisión / Salir / Devórame otra vez / Suspiro / Ojos coloraos / A tu manera / Telenovela / X ti (remix)

EL DIVORCIO ENTRE AMÉRICA Y AQUELLA QUE FUE CONSIDERADA SU NUEVA NOVIA LLEVA HACIÉNDOSE

PATENTE DESDE HACE AÑOS, LO QUE HA DADO PARA UN PUÑADO DE DISCOS SOBRESALIENTES QUE HAN

EXPLICITADO QUE LANA DEL REY NO PAGA DEUDAS Y TRANSITA UN UNIVERSO QUE SOLO LE PERTENECE A ELLA.

LUIS BOULLOSA, AUTOR DEL LIBRO ' DIEZ MANERAS DE AMAR A LANA DEL REY' LO EXPLICA A CONTINUACIÓN A PROPÓSITO DE LA PUBLICACIÓN DE 'DID YOU KNOW THERE’S A TUNNEL UNDER OCEAN BLVD'.

POR: LUIS BOULLOSA

me encanta que lanita me haga esperar. es 16 de febrero de 2023 y viajo en un AVE con destino a Murcia, donde no he estado en al menos 10 años. Alguien allí se leyó mi libro -Diez maneras de amar a Lana Del Rey, una especie de viaje alucinatorio a través de la América imaginada- y le gustó. Después, la idea de una simple presentación progresó hasta convertirse en un seminario en el CENDEAC, bajo el sontaguiano título de Contra la interpretación. Comparto escenario esta misma tarde con otros cuatro críticos, y mi ponencia se llamará Muerte y resurrección de la familia: una novelita POP. Aún no sé bien qué carajo voy a contar. La posibilidad de la comuna, supongo. El arco contracultural que va de la familia asesinada a la familia elegida, entre las cuales se extiende el páramo de la vida misma. Albert Camus. Arthur Lee. Elon Musk. Esas cosas. Así que viajo en un AVE con destino a Murcia, algo exhausto después de semana y media de presentaciones y excesos, y, con los ojos cerrados, me doy cuenta de que la cháchara de un grupito de chavales muy jóvenes que están en mi vagón me suena… Hablan, cómo no, de Lana Del Rey. Ahí van ellos, más vivos de lo que volverán a estar nunca, comentando novios, conciertos, amor, puro deseo. Y aquí yo, solo, escuchándolos. Yo que fui ellos. Nos separan unos treinta años de fiebre y cinco asientos de tren, pero nos une Lana. Lana, improbable madre de camadas y camadas de cachorros fluidos. Extrañísima diva lynchiana de los diferentes. Nos une ella y la espera de su nuevo disco, que verá la luz un 24 de marzo que se acerca len-tí-si-mo. ¿Hace cuánto que no aguardaba un disco con este anhelo adolescente, casi doloroso? Muchos años. ¿Cómo llegué a tal anhelo? Lo ignoro. “¿Debo preocuparme?”, me pregunta mi novia, burlona, cuando mi pico de mitomanía se desboca. Y yo qué sé, baby. It’s alright. I’m only bleeding.

En todo caso, quien quiera aprender cómo crear una tensión fructífera de espera y una sen sación de comunidad entre la base de fans, que pose la vista en Del Rey -y en su equipo, sean quie nes sean, genios-. Retirada voluntariamente del foco de las redes -su insta, @honeymoon, es privado-; ajena a los talk shows donde la carnaza americana se exhibe bajo una lluvia de anécdotas joviales; fugada del escrutinio de una crítica con cuyas estupideces construye, sin embargo, una parte importante de su narrativa; todos sus movimientos de retirada han conseguido, paradójicamente, elevar el volumen de su leyenda al once. Han creado un ruido subterráneo, un murmullo a ras de suelo, que es el que acompaña siempre al gran arte. Es un movimiento hacia la sombra que el fan aprueba porque lo siente (lo siento) como un movimiento hacia él mismo, hacia lo comunal, hacia la logia, hacia un tipo de familia. Hacia ese momento de gracia indefinible que podríamos llamar el misterio compartido.

Por eso, quizá, siempre que pienso en Lana acabo en Stevenson o en Dylan.

En Stevenson porque teorizó la creación del personaje verdadero como un hueco sobre el que el lector ha de cargar sus pasiones personales -que es al cabo lo que desea desde el romanticismo, desde siempre: no un retrato cerrado, sino una figura coloreable y jugable que lo acerque a sí mismo-. Long John Silver, el viejo bucanero de La isla del tesoro es el ejemplo inicial y perfecto de la devastadora efectividad de tal técnica: ninguna de

sus representaciones iconográficas nos vale porque cada uno de nosotros ha creado ya su propia imagen -personal, irrenunciable- del pirata. Del mismo modo, aunque ambos vivamos bajo su aura, tu imagen de Lana y la mía son perfectamente distintas, condensaciones de deseos internos, acaso concomitantes pero a menudo opuestos. Dejándonos colorear(la), Lana se constituye en icono múltiple. Su personaje es lo bastante fantasmal para llegar con pavorosa exactitud al corazón.

Y en Dylan, claro, porque él (re)inventó la fuga ritual que Lana perfecciona: para que no te inmolen en el altar de los medios, en el salvaje deseo de sangre regia de la América capitalista, has de aprender a sacrificarte periódicamente a ti mismo, en el altar de ti mismo. Como sucede con Zimmerman, cada disco de Lanita es una pirueta de renovación, un despeñarse para ser de nuevo, más allá. Depredadora en serie de arquetipos yanquis, cuando se le acabaron los previos Lana empezó a inventarlos por su cuenta, y podemos contemplar ese momento mágico, trascendente, en directo. Es nuestro. Los chavales de mi vagón lo saben -aunque quizá no lo hayan formulado aún-. Yo lo sé también -aunque ahora sé que formularlo no es lo importante-. Pero el cuadro POP final, la novela de nuestra vida, necesita algo más que juego y sacrificio, claro. Nos gusta esa tensión subyacente, sí, construida con apariciones esporádicas, anuncios ambiguos, desnudos no integrales, fotos familiares de instagram, leaks accidentales (o no), collares que ponen “slut”, novios conflictivos apenas atisbados, ruido de fondo... pero al final necesitamos canciones extraordinarias. Eso necesitamos. Y Lana siempre las entrega. Aunque el listón esté allá arriba después de tres obras maestras consecutivas: la inapelable panorámica sobre la política sentimental de América que Norman Fucking Rockwell (2019); el dorado imperial noir de Chemtrails Over the Country Club (2021), con la pin-up en triunfo (y hastío); la modestia sólo aparente del hogar con trampas letales que es Blue Banisters (2021). Así, el 7 de diciembre de 2022 Lana deja caer el audio de un primer single que da título al nuevo disco: Did You Know There’s a Tunnel Under Ocean Blvd es un caramelo ácido en estado de pura gracia expresiva, entre el pulso naturalista de Chemtrails y la oscuridad subyacente de Norman Fucking Rockwell -y quizá la referencia a Nilsson de aquella entrevista no era, al fin, un chiste-. En la canción el túnel se establece como descarnada metáfora de la personalidad. Es difícil no ver a Lana -y a su eterna disputa con el mundo real- en esa “belleza hecha a mano” pero “sellada entre dos muros construidos por el hombre” y que espera a ser descubierta, follada, amada y, en fin, comprendida. Mucho más difícil aún es no sentir que esa canción ni siquiera habla de Lana, sino, a través de ella, de uno mismo. Canta “¿Cuándo va a ser mi turno?”, y me recorre un escalofrío. Soy así de sensible. No eres tú. Soy yo. Etc. Como anticipo de un disco posible, Ocean Blvd funciona también al modo de esas intros en las que uno no sabe aún si la melodía irá en acordes mayores o menores. ¿Drama o redención? ¿Nos espera un trabajo violento, crepuscular o se trata solo de una finta?

Un tiempo antes Lana había advertido de una deriva literaria y experimental que iba impregnando su modo de componer (en entrevista para W Magazine): “He estado practicando a cantar de

modo meditativo y automático. Canto lo que me venga a la cabeza en mi app de notas de voz. No es perfecto, está claro. Hay pausas y me tropiezo, pero he estado enviando estos archivos tan en crudo a un compositor, Drew Erickson, y él añadirá orquesta tras mis palabras, haciendo cuadrar cada sílaba con música y añadiendo reverb a mi voz. (…) Estas canciones son muy conversacionales (…) Es casi como si estuviese escribiendo a máquina en mi mente”. El segundo single -nada de vídeos por el momento- cae poco después, por sorpresa, y apuntala esa vía. La extraordinaria y extenuante A&W (originalmente conocida como American Whore) despliega cuatro minutos e intensidad confesional -pero, ¿quién confiesa?- seguidos de otros tres de mindfuck bailable que la sitúa en algún punto entre los Imperials, a los que parafrasea, y una versión sensualista de Nine Inch Nails. El fandom loquea. El fandom está on fire. Tú igual no lo sabes, pero los chavalitos del vagón de tren y el viejo que los escucha desde la sombra de su asiento tienen largas discusiones telepáticas sobre si aquello es una obra maestra o qué coño es, si no.

“No he visto a mi madre en mucho, mucho tiempo / quiero decir… mírame / mira el largo de mi pelo, y mi cara, y la forma de mi cuerpo / ¿crees que me importa un carajo / lo que hago, después de años de escucharles parlotear?”

Y luego: “Si te dijese que fui violada / ¿Crees realmente que alguien pensaría / que no me lo estaba buscando?”

Entendamos la historia como realismo sucio de la trastienda de la industria o como metáfora de su enfrentamiento con esa misma trastienda que la ama y la odia, la canción es sobresaliente y por momentos aterradora en su libertad. Una mezcla atómica de la oscuridad de piezas mayores como la oscurísima Hope is a Dangerous Thing, de Norman Fucking Rockwell, en la que invocaba el fantasma de Sylvia Plath, y cosas deshinibidas como Dealer, ese rayo jocoso pero sangrante que partía en dos Blue Banisters, como un instante de sexualidad translucida y abandono personal.

(Lana, por cierto, nos la regala por San Valentín, muy suyo)

¿Qué podemos esperar, después de esto? La gracia es que podemos esperar todo lo de siempre y, al tiempo, todo lo nuevo. Artísticamente Lana es, reconozcámoslo, la amante perfecta. A mitad de la gira que me trae hasta este tren, lo recuerdo ahora, me encontré en Salamanca, paseando sin rumbo por la Plaza Mayor, y me vino a la memoria mi amigo Berrio que cantaba, con Amor a Traición, aquel tema memorable: “Yo te llevo a una gran plaza en Salamanca / solo por verte al trasluz helado / de los siete bajo cero castellanos / y de la piedra dorada al latir / Por verte en cada instante tan viva / tan transformada y tan dormida / la misma mujer distinta y / cada nuevo día / un paisaje diferente al de ayer”. Bien, pienso: eso es exactamente Lana Del Rey. Eso es. La misma mujer distinta. Siempre. Dos días después regreso, en otros trenes. Ya no me acompañan los chavalitos y se acabaron (temporalmente) la gira, las charlas, las discusiones, las coartadas intelectuales, el esforzado intento de crear una comunidad de gente que vaya más allá de lo obvio, el bla bla bla y la “hermandad de los huérfanos”, que diría Morin, otro californiano hipotético. Entiendo entonces que mi charla en el CENDEAC debiera haber orbitado, toda ella, sobre aquel instante de viaje y encuentro en que el viejo y los infantes se cruzaron, ambos deseando una familia que no tienen y que aún no saben cómo formular. Una familia que está siempre a un paso, pero llega tan rara vez. Una que a veces creemos entrever, en la duermevela. O en las canciones gloriosas.

Me encanta que Lanita me haga esperar.

Hacia una lírica de la mujer

Quizá uno de los aciertos de la reciente sesión de fotos de Lana para Interview Magazine haya sido el de no intentar ningún concepto nuevo. El de entender que ella muta por sí misma. En retratarla una vez más en el centro mismo de esa mitografía americana de bodas express, moteros y soledades, para comprobar cuál es la distancia exacta entre la Lana de ayer y la de hoy. Donde estaba la fragilidad perturbadora de sus primeros años hay ahora un aura viole(n)ta que me recuerda a la Liz Taylor de madurez, con esa seguridad y esa sensualidad dañadas que acompañan siempre a la corona. Rotunda pero aún fantasmal, vestida de novia contra un ocaso de diners petrificados, no puedo evitar, al verla, recordar las palabras de Roland Barthes sobre Greta Garbo en Mitologías: “El rostro de la Garbo ejemplifica ese momento inestable en el que el cine extrae una belleza existencial de una belleza esencial, cuando el arquetipo va a inflexionarse hacia la fascinación de figuras perecederas, cuando la claridad de las esencias carnales va a dar lugar a una lírica de la mujer. (…) Como momento de transición, el rostro de la Garbo concilia dos edades iconográficas, asegura el paso del terror al encanto”. Igual, el rostro de Lana Del Rey -y ha sido un largo lapso sangriento de nueve discos e innumerables querellas- asegura el paso del arquetipo a la carne. Del mito marmóreo al rito fluido.

En todo caso, para reafirmarse en la belleza de esa fluidez, basta con descender, después, a la entrevista que le hace Billie Eilish -a petición de Lana misma, que exigió que fuera ella o John Waters-, en la que se explaya sobre su adoración por Cat Power o Daniel Johnston, la posibilidad de abolir la muerte y un proceso de trabajo, enfrentamiento y sinceridad que retrata con claridad desarmante (“hay una parte tan grande de mi vida que consiste en sentarme en mi escritorio metafórico, sola y escribiendo…”). “Este debería ser el momento”, ha declarado Jack Vhay, uno de los responsables de Interview, “en el que nos centremos y reflexionemos sobre cómo la prolífica producción de MADRE nos ha formado a través de los años. Yo y mis compañeros hacemos exactamente eso”. MADRE (Mother, Mommy, Mum) es Lana, claro. Así la conocen sus fans. Pero ese es un misterio para otro momento y otro lugar.

The Grants / Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd / Sweet / AW / Judah Smith Interlude / Candy Necklace / Jon Batiste Interlude / Kintsugi / Fingertips / Paris, Texas / Grandfather Please Stand on The Shoulders of My Father While He’s Deep-Sea Fishing / Let the Light In / Margaret / Fishtail / Peppers / Taco Truck x VB

CASSETTE / CD / DIGITAL / VINILO

DID YOU KNOW THERE’S A TUNNEL UNDER OCEAN BLVD (POLYDOR 2023)

LA CALIFORNIANA ANA ROXANNE ES UNA DE LAS MÁS INTERESANTES VOCES DEL AMBIENT CONTEMPORÁNEO. SU MÚSICA HABLA DE ESPIRITUALIDAD, DEL PASO DEL TIEMPO Y DE LA TRANSEXUALIDAD. VISITA MADRID EL VIERNES 17 DENTRO DEL CICLO SOUNDSET (C.C.C. CONDEDUQUE).

ana roxanne recto es una artista y cantante de ambient experimental nacida en California en 1987. Con dos álbumes publicados hasta la fecha, su música se caracteriza por la combinación de estructuras tomadas de la música jazz y sonidos característicos de la música tradicional indostaní, la canción coral y la tradición musical electrónica de vanguardia. Ana es también conocida por representar la identidad intersexual a través de su trabajo. Su segundo álbum, Because of a Flower (Kranky, 2020), funciona como una oda a las identidades intersexuales y no binarias, cuya narratividad parte de la propia experiencia de la artista como persona intersexual.

Para Ana Roxanne la música es una manifestación de la espiritualidad. Permite que nos conectemos con algo más grande que nosotras mismas. Esta idea se reforzó al aprender sobre la música clásica indostánica viajando por el subcontinente indio: “La música indostánica está inherentemente vinculada a lo espiritual y me ayuda a conectarme con esa parte de mí misma”. El título del disco es una alegoría a la intersexualidad: curiosamente, mientras las flores hermafroditas son un símbolo de belleza, las personas hermafroditas son rechazadas y discriminadas por la sociedad. La artista reflexiona a propósito de la falta de educación sobre este tema y los cambios producidos en la última década: “Internet ha sido una herramienta muy importante para conectar a las personas y compartir información. Creo que se están desafiando nuestras definiciones de belleza y lo que consideramos ‘normal’. Siento que estamos repensando esa tendencia a ‘tratar de arreglar a alguien’ para que no destaquen sus rarezas. Estamos alentando a las personas a ser ellas mismas”.

En la canción Take the Rose, Leave the Thorn, la artista californiana samplea al cantante castrato italiano del siglo XIX Alessandro Moreshi, que fue capado antes de la pubertad para conservar su voz aguda. Como muchos castratos han sido posiblemente forzados a hacerse este tipo de

intervenciones cuando eran niños, Ana Roxanne vincula la experiencia a aquellas otras vividas por personas intersexuales, a las que se les hacen cirugías no consensuadas cuando todavía son bebés, eliminando una parte de ellos mismos que tal vez echarán de menos el resto de sus vidas. Es sorprendente la falta de educación sobre la intersexualidad, si se tiene en cuenta que no es tan poco común como se piensa. Cerca del 2% de la población es pelirroja, y casi el mismo porcentaje de población es intersexual.

A pesar de que le hace feliz ayudar a otras personas cuando habla de ello, este discurso también le provoca un profundo dolor: “Estás sacando a relucir tu trauma como una forma de educar a las personas, y eso es increíble, pero sigue resultando doloroso. A veces te gustaría quedarte con algo de eso solo para ti. Tenemos que ser conscientes de cuánta energía se dedica a esto. Puede ser realmente agotador y traumático. Estoy empezando a darme cuenta de que mi forma de ser activista es simplemente hacer música y ser yo misma, vivir mi vida con honestidad”.

Otra característica de la música de Ana Roxanne es el manejo del concepto de lentitud. Menciona pasajes de la novela La lentitud, de Milan Kundera, como fuentes de inspiración para su música. Por ejemplo la siguiente cita: "¿Por qué ha desaparecido el placer de la lentitud?". Ana Roxanne toca este mes de marzo en Madrid junto al artista ambient keniata KMRU, que se ha planteado preguntas similares en su último álbum, Epoch (Seil Records 2022), en el que también enarbola la lentitud como objeto de estudio. En una época en la que el capitalismo salvaje nos exige ser rápidas y productivas sin descanso, la lentitud se convierte en una actitud “antisistémica”. Ana Roxanne se muestra de acuerdo con esta idea y añade: “A menudo compongo música porque tengo muchas cosas que hacer y un sentimiento de confusión en mi mente, en mi corazón... Así que utilizo la música para entrar en este tipo de estado meditativo”.

“SIENTO QUE ESTAMOS REPENSANDO ESTA TENDENCIA A ‘TRATAR DE ARREGLAR A ALGUIEN’ PARA QUE NO DESTAQUEN SUS RAREZAS. ESTAMOS ALENTANDO A LAS PERSONAS A SER ELLAS MISMAS”.

POR: TERESA RIBEIRO | FOTO: RICH LOMIBAO

POR: LUIS J. MENÉNDEZ | FOTOS: PLAYINCOLORS

EL TRABAJO DE VÍCTOR GARCÍA BAJO EL ALIAS ARTÍSTICO DE PLAYINCOLORS -O PLAY IN COLORS, DEPENDIENDO DE LAS CIRCUNSTANCIAS- INUNDA DE COLOR LAS PISTAS DEPORTIVAS DEL SUR DE ESPAÑA. VÍCTOR APUESTA POR LLEVAR UN PASO MÁS ALLÁ EL MURALISMO URBANO, REHABILITANDO Y MEJORANDO LAS CONDICIONES DE HABITABILIDAD DE ZONAS DEGRADADAS. JUGÓN.

NUEBO: Háblame de tu formación.

Creo que estudiaste Publicidad, fuiste a formarte como diseñador en Estados Unidos, ejerces de dibujante, y en una entrevista reciente directamente te definían como artista multidisciplinar...

Víctor García: Me licencié en Publicidad y RRPP en la UMA Málaga, lo que me llevó a trabajar en agencias de publicidad y a participar en equipos creativos. Empecé a acercarme al diseño gráfico haciendo un máster en GAUSS, Málaga. Esto me motivó a montar mi propio estudio de diseño gráfico, que se llamó LaCarcel, creatividad perpetua. Tras un par de años actuando en Málaga en estos campos decidí moverme en 2013 a Barcelona para hacer un máster en Diseño Gráfico avanzado y Dirección de Arte en IDEP. Ciudad donde me quedé seis años diseñando, pintando y creando. Tras estos años en Barcelona viajé repetidas veces a California, donde contacté con la cultura americana -basket, lifestyle- y eso fue determinante en la creación de PlayinColors.

N: Y, más específicamente, ¿de qué manera te introdijiste en el terreno del arte urbano?

¿Qué peso han tenido en tu trabajo referentes como las pistas del barrio de Pigalle en París?

VG: Cuando tenía diez años, en 1999, conocí el graffiti. Ya me gustaba dibujar desde más pequeño, pero fue esto lo que me llenó e hizo que desde entonces estuviera jugando y experimentando con formas y colores todo el rato, dedicando mi tiempo libre a pintar. Seguía estudiando y formándome cada vez más cerca de lo que hago hoy en día, pero no sabía cuándo iba a llegar el momento en que mis estudios y mi hobby combinaran para crear PlayinColors. Estoy seguro de que estoy en el camino hacia otra cosa. Stéphane Ashpool es un referente en casi todas sus disciplinas. Me encanta la moda y es una fuente de inspiración. La emblemática pista de Pigalle ha sido intervenida creo que cuatro veces, aunque fue su última intervención la que se hizo más conocida. Más allá de la gráfica que crea para esta intervención, lo que más me gusta es el movimiento que hay alrededor de la obra gráfica, torneos, cápsulas de ropa, música, etc. Es un punto importante en lo que busco con PlayinColors. Por supuesto, otros referentes para mí pueden ser Salvador Dalí, Carlos Cruz-Diez, Virgil Abloh, 100 Architects o Felipe Pantone, entre otros.

N: A estas alturas no terminamos de tener claro si PlayinColors es el nombre artístico de Víctor García, una línea de tus múltiples facetas artísticas o un proyecto colaborativo liderado por ti…

VG: Es muy buena pregunta, algunas veces también me la hago yo. Quizás todas las respuestas son correctas. Es el proyecto de Víctor García que surgió en

2020 con la intención de intervenir espacios urbanos y privados sin marginar ningún tipo de superficie, horizontales y verticales, combinando formas y colores. También es la excusa perfecta para poder trabajar con amigos y personas a las que admiro de otras disciplinas: música, animación, video, fotografía...

N: Y en esa misma línea, ¿quiénes forman parte del proyecto PlayinColors? Porque lo que sí sabemos es que cuando aterrizáis en un espacio para intervenirlo hay varias personas trabajando en el proyecto...

VG: Actualmente cuento con un equipo de amigos para materializar la obra gráfica que diseño. Más que trabajadores, son atletas por la forma en la se esfuerzan en cada proyecto y abordan la intervención con la misma ilusión que yo desde el minuto cero. Aparte de ellos, para cada proyecto y según lo que se requiera para su solución y dinamización, cuento con diferentes amigos, cada uno de ellos top en lo suyo.

N: ¿Puedes explicarme cuáles son las diferentes fases de actuación a la hora de abordar una obra?

VG: Algo que aprendí trabajando en publicidad es el ser creativo resolviendo problemas o situaciones. Cuando un cliente me contacta para intervenir un espacio o realizar una obra lo abordo como si fuese una campaña, trabajando con él, haciendo brainstorming, chequeando moodboars, perfilando un briefing. Esto hace que se convierta en partícipe de

"SIEMPRE HE QUERIDO HACER MURALES, PERO NO DEJAN DE SER OBRAS CONTEMPLATIVAS. PLAYINCOLORS

INTENTA QUE LA OBRA SEA TAMBIÉN PARTICIPATIVA"

la obra final, lo que enriquece el proyecto. Aunque no siempre es fácil, esto hace que cada proyecto sea diferente al otro. Tengo en cuenta al cliente, al espectador y al usuario. De esta combinación sale la propuesta gráfica. Lo siguiente es reproducirla, y esto depende totalmente del emplazamiento, su estado y su situación.

N: ¿Hasta qué punto tus trabajos encajan en el concepto de murales urbanos?

VG: Realizamos muchos murales de gran formato. Es una de las cosas que siempre he querido hacer, pero no dejan de ser obras contemplativas. Con PlayinColors intento que la obra sea también participativa. Me gusta más ver una foto de la obra con personas jugando o pasando por encima que verla estática, como un cuadro colgado en la pared. Creo que es uno de los puntos claves del proyecto, y a esto llegué cambiando la orientación de la pintura, de vertical a horizontal. La suma de las dos, para mí, es la combinación perfecta.

N: Recientemente has intervenido en el Oxo Museo, el museo del videojuego en Málaga. ¿En qué consistió ese trabajo y qué desafíos te supuso en comparación con otras obras?

VG: Sí, es cierto. Es un proyecto en el que he disfrutado mucho, con una temática muy divertida y un infinito imaginario gráfico. Supuso todo un reto porque en este caso el emplazamiento que nos proponen intervenir son unas escaleras que conectan cuatro salas/plantas llenas de estímulos gráficos y digita-

les. El cliente quería que las escaleras estuvieran al mismo nivel que las salas. Cada planta tiene una temática que responde a la ruta del museo, y eso es lo que intentamos plasmar en las gráficas de las escaleras. Intenté que las escaleras fueran un viaje lleno de estímulos y que cada tramo te preparase para lo que ibas a ver o sentir en la siguiente sala.

N: A diferencia de la mayoría de obras de arte, creadas con la idea de permanecer para siempre en las paredes de un museo, en tu caso tu obra está condenada a degradarse y desaparecer al exponerse al uso de los ciudadanos y las condiciones climatológicas. ¿Les quita ese factor valor artístico tus trabajos? ¿De qué manera condiciona eso tu posición como “creador”?

VG: Bueno, este es un punto interesante. El ego del artista quiere que su obra sea para siempre, pero sinceramente me da más satisfacción que la obra sea "útil" a que permanezca para siempre. Nadie va a estar aquí para siempre. La primera pista de baloncesto que realicé fue en 2019 en colores amarillos y rosas. Iba todos los días a ver cómo se iba usando y al principio sufría un poco por las manchas que iban apareciendo. Esto se convirtió en satisfacción cuando, después de una semana, todas las tardes había un montón de gente jugando y juntándose en las pistas. El lugar se llenó de vida y de historias nuevas. Fue como un reinicio del espacio, y ver eso produjo en mí un click que cambió el modo en que realizaba y entregaba la obra a vecinos y usuarios.

Pista polideportiva en Ronda (Málaga) intervenida a partir del concepto de mosaico. ¡Ni Doncic hace el baloncesto tan bonito!

Intervención en el silo de Archidona (Málaga), actual sede de la Casa de la Juventud, un encargo del Ayuntamiento de la ciudad que difiere de otras obras de PlayinColors por su verticalidad.

Alhaurín de la Torre (Málaga) tiene más de una veintena de pistas polideportivas en uso. Es aquí dónde nace el proyecto PlayinColors.

Una buena muestra del trabajo de PlayinColors para espacios de corte privado es esta intervención en uno de los patios del Ibiza Rocks Hotel de Ibiza.

Otro trabajo en la población que más obras de PlayinColors reúne: Alhaurín de la Torre. En este caso se trata de una intervención en el polideportivo de la localidad.

ES UNO DE LOS GRANDES REPRESENTANTES DE LA NUEVA OLA REGUETONERA EN ESPAÑA. HA TRABAJADO CON LOS BEATMAKERS DE OZUNA, CHENCHO CORLEONE Y RAUW ALEJANDRO. BLUEFIRE, CAME BEATS Y KABASAKI, NUEVO ACEITE PARA NUESTRAS MAQUINARIAS, LE QUIEREN EN SUS PRODUCCIONES. SE MUEVE BIEN EN EL DEMBOW PERO LO LLEVA A NUEVOS NICHOS DIGITALES. ES DE GRANADA Y TIENE POCO MÁS DE 20 AÑOS. ABRAN PASO A SAIKO, ABRAN PASO AL REPRESENTANTE DE UN NUEVO CRISOL LATINO.

hace mucho que los complejos se acabaron. la bass music inundó el torrente sanguíneo de la música, y desde entonces el subgrave reverbera en todos sus órganos: da igual que el cuerpo rebote en reguetón o dembow, flote en el ciberespacio hyperpop, se monte en barras finesse o coquetee con el pop, la música experimental y la mákina. El anillo único del bajo diluido y la cultura post break sirve para gobernarlos a todos, y ha dotado a los géneros urbanos de una permeabilidad poco vista antes. De todo ello se aprovecha un Saiko que reconoce haber crecido en el eclecticismo de una generación sin barreras: “Al principio solo escuchaba artistas latinos: Daddy Yankee, Omega el Fuerte, Don Omar... Pero luego empezaron cosas como La Mafia del Amor, el Dellafuente… Cuando lo empezó a hacer C. Tangana todos se pasaron ya un poco a lo latino, y ahora hay una conversación con todos los géneros”.

“Lo latino” incluye en el presente más definiciones que nunca, especialmente en un momento en que ya domina -Bad Bunny, Bizarrap, Shakira o Rosalía mediante- el mercado norteamericano. Y es más un enfoque que una forma de etiquetar la música; más una síntesis de inputs culturales que una agrupación de características reconocibles. En los poco más de dos años que ha pasado sacando música como Saiko,

POR: DIEGO RUBIO

FLIPANDO

YouTube se habían duplicado, mientras que sus oyentes mensuales de Spotify habían pasado de 500 a 800.000. Hoy, rozan ya el millón y medio. Se ha comprado una cámara VHS para documentar este momento, en el que también está viviendo su primera gira como headliner y su primera vez llenando recintos de toda España. “Estoy flipando, porque hace un año venían diez personas a los conciertos y ahora está siempre todo vendido… Cuando me dijeron que la gira iba a ser en invierno… ¿pero para qué y para quién? Ya te digo, estoy flipando. Y además así engancha un poco, ahora tengo ganas de dar conciertos. Antes daba más pereza porque dar un concierto es una cosa exigente, suelen ser en fin de semana… y, si no ves ese retorno de la gente, cuesta”. Empezó a escribir sus primeras canciones con 12 años. A los 13, cuenta, empezó en el mundillo del freestyle, y a los 14 ya había lanzado su primer tema. Es su hermano el que le introduce en esto, y con él forma el dúo de reguetón Wido y Saiko. Graban sus propios temas, los producen, los mezclan. Y los sacan sin pretensiones, por puro amor al arte. De esta etapa aprende el granadino el esfuerzo casi artesanal del do it yourself. “Pero mi hermano me saca 12 años y ya tiene una hija, tiene su vida… así que empecé a darle muchas vueltas a hacer algo yo, a tomármelo en serio. Con la cuarentena aumentó esa sensación que ya tenía de estar perdiendo el tiempo y me decidí”. Justo le habían dado una beca para estudiar un grado superior, pero prefirió invertir el dinero en una tarjeta de sonido y un micro. “Grababa en el portátil de mi madre con los cascos de la PlayStation”, confiesa entre risas.

el granadino se ha convertido en algo así como el “reguetonero de España”. Pero musicalmente en ese poco tiempo Saiko también ha pasado con mayor o menor profundidad por experimentos con el drill, el latin trap, por el club, por el trap sureño, por el synth-pop, o el hyperpop… Su primer EP , 1371 KM, autoeditado y publicado en 2022, se conecta con el reguetón plugg de la escuela Jowell & Randy -vidrioso, cibernético y ultrametálico-, se sitúa en la onda retrowave liderada por Rauw Alejandro y fusiona reguetón romántico con drum and bass. Todo ello en solo tres temas. Esta es la generación del todo a la vez en todas partes. “Yo hago música, pero no hago reguetón. No me gusta que me encasillen en un estilo”, dice él.

Su proceso, apunta, ha sido progresivo, exponencial. Pero girar con Feid por EEUU, sus colaboraciones con Quevedo o con Lola Índigo y, sobre todo, el éxito de Polaris y su aparición en esa reunión en la cumbre del nuevo reguetón que es Turbulencias, del productor Kabasaki, han provocado que los últimos meses sean “una auténtica bomba nuclear”. “Antes 50 visitas eran un mundo -recuerda-; ahora son como 10 centímetros en el contexto de un campo de fútbol”. Entre finales de diciembre y enero de 2022, cuando se realizó esta entrevista, sus seguidores en Instagram y suscriptores de

Fue un momento difícil. Como él mismo reflexiona, “con 18 años recién cumplidos lo tienes todo muy claro... pero en realidad no tienes nada claro. ¿Qué hago? ¿Estudio? ¿Hago música pero no tengo suscriptores? ¿Trabajo?”. Se acababa de convalidar la ESO con una FP básica de marketing pero no ponía dinero en casa, y cada día que pasaba sin dar el pelotazo era un día más teniendo que convencer a su madre de que confiara en él. “Siempre he sabido que esto iba a pasar, pero al principio es cuando más cuesta convencerse a uno mismo y a los demás”. Y eso que su primera canción después de esa etapa, Te quiero fuera, venía con la bendición de Los Del Control. “Aquel año fue bien. No increíble, pero se intuía que podía pasar algo. Así que pacté con mi madre un ultimátum: si el verano siguiente esto no era sostenible y no ganaba dinero, me buscaba un trabajo. Y mira: creo que no va a hacer falta”. Está pensando en comprarse una casa y le parece surrealista… “Si mi felicidad es jugar a la Play...”, dice. Y ríe. Todavía no se ha independizado.

Antes quiere sacar su primer álbum. Ya está pensando en él y solo sabe “que será una macedonia, básicamente”. Tiene algunas canciones, “pero quiero estructurarlo todo bien antes de ponerme a grabarlo, tener un plan definido”. 2023 será un año ajetreado. En el horizonte cercano aparece un EP con Raul Clyde -del que ya se puede escuchar Tuenti y que asegura “tiene muy buena pinta”- y un par de remixes. Más allá, una extensa presencia en festivales de todo el país. Y, al final, seguirle sumando centímetros a un campo de fútbol que, a día de hoy, amenaza con no tenerlos.

"ESTOY

PORQUE HACE UN AÑO VENÍAN DIEZ PERSONAS A LOS CONCIERTOS Y AHORA ESTÁ SIEMPRE TODO VENDIDO"

ESTA ES LA HISTORIA DE CÓMO TRES HERMANOS BUSCARON SU SUEÑO EN UN LUGAR IDÍLICO PERDIDO EN LA SIERRA NORTE DE MADRID Y, CONSECUENCIA DE ELLO, TERMINARON CREANDO UN ESPACIO ARQUITECTÓNICAMENTE ÚNICO, UNA CABAÑA

CABIN LEVANTADA CON SUS PROPIAS MANOS Y SIN APENAS NOCIONES TÉCNICAS PREVIAS DE CÓMO HACERLO.

CABIN BOREAL

POR: RAQUEL Q. ÁLVAREZ

LA BANDA SONORA DEL CAMPO DE TRABAJO

Mientras Juan, Javi y Artu levantaban la casa, su banda sonora no era otra que el tradicional sonido de las herramientas mezclado con los ecos del bosque…

En ocasiones, si Javi sacaba el banjo, las herramientas daban paso a improvisados conciertos en directo. Otras veces un viejo radiocassette escupía temas de Family

Time, Canned Heat, Modest Mouse o Bon Iver, o templaba el ambiente con Nils Frahm o Miles Davis sonando en descansos provocados por la lluvia, antes de volver al tajo de nuevo con Moderat, Rival Consoles o Max Cooper

javi, artu y juan herrero son tres hermanos, curiosos por naturaleza, que siempre han luchado por desenvolverse en medio de las diferentes circunstancias que les rodeaban. Crisis económicas, la convivencia entre lo analógico y lo tecnológico, las aspiraciones sociales y demás situaciones complejas que ha tenido que surfear la generación millennial, han influido en sus estilos de vida, a la par que les han llevado a la búsqueda de nuevos caminos, siempre de la mano del arte y la creatividad.

Precisamente, la necesidad de evadirse y huir del acelerado ritmo de vida de estos tiempos fue lo que hizo que en 2017 diseñaran y construyeran la Cabin Boreal con la idea de crear un lugar perdido en medio de la naturaleza, un lugar en el que encontrar la calma y la tranquilidad necesaria para reconectar con su yo más íntimo. “La idea de construir un espacio para convivir con la naturaleza viene de un lugar muy profundo dentro de nosotros. Teníamos una parcela en un bosque de sabinas por la zona de la Sierra Norte de Madrid, y allí acostumbrábamos a reunirnos en un punto. Es un lugar en que el bosque se abre a una vista sobre un pequeño valle escondido al bullicio y el ruido de la civilización. En ese lugar, perdido

en medio de la naturaleza, fantaseábamos con construir una cabaña de troncos tipo Alaska, un observatorio de aves… ¡lo que fuese! Un pequeño espacio con una estufa para poder calentarnos en invierno. Hay algo muy primario en el ser humano que habla de encender fuego en medio de un bosque frío. Es algo que nos lleva a un confort ancestral donde uno calienta el cuerpo y el alma también”.

En el momento en que tomaron la decisión de levantar la casa ninguno tenía conocimientos de carpintería, pero no hubo mejor fórmula que la prueba y el error para que, con mucha paciencia y algún que otro rifirrafe fraternal, la cosa empezase a funcionar. Los tres hermanos se pusieron manos a la obra haciendo cada cual lo que mejor se le daba y más le gustaba. Y al año siguiente, en 2018, lograron dar el proyecto por terminado. “El cerebro de toda aquella operación era Javi, nuestro hermano mediano, arquitecto en teoría y músico en la práctica. Cada vez que alguien tenía una duda sobre cómo debíamos seguir salíamos corriendo a buscarlo”. En este singular e improvisado organigrama, Juan, el hermano mayor y un enamorado de la escalada y los deportes de riesgo vinculados a la naturaleza, ejercía de segundo de a bordo y co-jefe de obra. Gracias a él se pudo elevar la Cabin varios metros del suelo y construir en altura sin que la idea, a priori insensata, dejara algún accidente laboral de gravedad en el proceso. Y, por último, la tercera pieza sin la que esta locura no hubiera sido posible es el polivalente Artu, el hermano pequeño. Casi siempre con una birra colgada del cinturón de las herramientas, Artu lo mismo servía para un roto que para un descosido, desde documentar en vídeo el proceso de construcción de la casa, hasta animar un trabajo tan ilusionante como físicamente exigente.

El resultado final de todo esto es un diseño único, influido abiertamente por la cultura de construcción en madera tanto norteamericana como escandinava. “La cubierta tiene una estructura llamada gambrel, usada habitualmente en los barns americanos. Pero es poco común ver una cubierta gambrel hasta abajo, y más raro aún un barn elevado del suelo por pilares. Por eso esta casa es realmente nuestro pequeño Frankenstein, porque no hemos visto nada igual. El interior es muy simple, tipo loft, y consta de dos terrazas protegidas por la

cubierta”, explica Javi. Realizada con diversos materiales de distinta procedencia -madera de construcción de pino y abeto, elementos reutilizados de la basura y componentes de tiendas de segunda mano a los que han sabido encontrarles su lugar- los Herrero han logrado un diseño final minimalista y verdaderamente acogedor, que podría pasar por la localización de Ex Machina, el thriller futurista dirigido por el cineasta Alex Garland. Actualmente la cabin les sirve de refugio a los Herrero para pasar tiempo de calidad solos o acompañados y huir de los sobreestímulos que les rodean. Con la llegada del teletrabajo a nuestras vidas, la casa se ha convertido también en un pequeño centro de operaciones laboral que les ha permitido trabajar en proyectos desde la distancia, en plena naturaleza y con la única necesidad del 4G y una buena calefacción en invierno. “Los tres nos dedicábamos a profesiones artísticas ya antes de construir la cabin, y sabíamos lo fundamental que es reconectar con la naturaleza. Contar con un espacio así es un regalo para la inspiración. Allí el ruido y la sobreestimulación de la ciudad desaparecen. Las emociones, preocupaciones, ideas… cada uno de esos elementos va volviendo al lugar que le corresponde en la mente, y el espacio creativo interior se abre”. Artu y Juan, videógrafos de profesión, suelen aprovechar para editar y trabajar en sus proyectos audiovisuales desde allí; y Javi, músico y banjista de la banda folk-pop Young Forest, siempre que puede se escapa de la ciudad para pasar a tocar el banjo en un contexto que precisamente conecta con los orígenes rurales del instrumento.

La Cabin Boreal también se ha convertido en escenario de rodajes para series y videoclips, así como de localizaciones de proyectos audiovisuales. Un espacio icónico en el que se han localizado campañas y shootings para marcas de moda, motos y surf, y que ha aparecido en revistas como la mismísima Cabin Porn, “el salto grial de este tipo de construcciones”.

Porque, como decía Eleanor Roosevelt “el futuro pertenece a aquellos que creen en la belleza de sus sueños”. Los hermanos Herrero tomaron al pie de la letra la sentencia e hicieron de su pequeña cabaña suspendida en la inmensidad de la montaña su sueño hecho realidad. Y esa es la gran enseñanza de esta pequeña historia…

COMO UNA SERPIENTE QUE ESCAPA DE UN BOSQUE EN LLAMAS, MONTEPERDIDO NOS

OFRECEN UN DISCO CONSTRUIDO SOBRE LAS CENIZAS DE LAS MISERIAS DE TODOS LOS DÍAS. 'DAÑO FÍSICO', SEGUNDO LARGO DE LA BANDA MADRILEÑA, ES UN TRATADO DE

ACTITUD POSITIVA PERO REALISTA, QUE PLANTA CARA A LOS PROBLEMAS MIRANDO

SIEMPRE AL FRENTE Y A GOLPE DE GUITARRAS RABIOSAS.

treinta años después, toda una escena propone el retorno a las guitarras noventeras. Lo que diferencia a estas bandas, crecidas en un contexto radicalmente diferente, es su habilidad para construir su discurso musical en castellano y alcanzar gracias a ello cotas de expresividad y (también) popularidad difícil de imaginar entonces. En líneas generales tocan mejor y han crecido con menos prejuicios que los gurús de la ortodoxia noventera, lo que les ha permitido llenar salas cada vez más grandes de forma natural. En ese contexto, Sonido Muchacho presenta su (pen)útima apuesta. Monteperdido son Tomás, Dani, Diego, Willo y Bego, un grupo de pop punk vibrante con valores y una manera de trabajar muy atada a la tradición hardcore.

Porque Monteperdido no son nuevos en esto, y se nota. Mucho. Su militancia en la escena nacional dentro de bandas de emo y screamo casi les convierte en veteranos de guerra. “Venimos del punk y del rollo social, pero hay que quitarse los prejuicios. Yo nunca pensé que acabaría tocando algo tan melódico”, comenta

Tomás. “Lo de ahora es más rock, pero tenemos influencias muy variadas que van desde el midwest emo a bandas como Amenra, Violent Soho o Drug Church”, apuntan Dani y Willo. Por su parte Bego reivindica la importancia de estar siempre a la última... “Hay que escuchar cosas nuevas y avanzar. Si no te quedas atrás. He sido gótica, punk y hardcore… Cada cierto tiempo pego un cambio y ahí está lo interesante. Me niego a escuchar siempre lo mismo”. Un cóctel de influencias artísticas que les distancian de otros grupos de su generación. “No lo considero una escena porque, aunque nos une la música, aquí no hay nada político. Y, además, no todos compartimos público”, aclara Tomás.

Daño físico, su segundo largo, fue escrito en tiempo récord -“tuvimos tres meses para hacer el disco. La experiencia nos ha gustado porque nos ha obligado a ser más directos”- y luce especialmente en lo lírico porque habla de sentimientos primarios y universales. Bego escribió a contrarreloj las letras del disco sintetizando lo vivido entre 2020 y 2022. “Esta vez hemos trabajado con un orden distinto, partiendo de la melodía de voz. Creo que ha sido una buena forma de plasmar el concepto que tenía en mi cabeza. No quiero que suene egocéntrico, pero soy muy controladora y me exijo que lo mío

quede perfecto. Si la base está bien hecha sé que el resto de la banda va a construir algo increíble encima”. No solo encontramos una voz versátil y rica en matices técnicos, sino que las melodías están trabajadas en la mejor tradición pop y puestas al servicio de mensajes tan crudos como explícitos. “En mis letras no hay cabida para la ficción. Me gusta decir las cosas claras, expresar mis sentimientos planteando escenas o imágenes potentes”

Pero, de alguna manera, el disco funciona como una luz al final del túnel y nunca suena deprimido o falto de esperanza. Tal vez sea por eso que los conciertos de Monteperdido se convierten a menudo en celebraciones del momento. El cierre de Daño físico resume el sentimiento de superación y vitalidad que invade a la mayor parte de las canciones: “Hoy va a ser un día de puta madre / hoy planto cara al futuro”. “Es consciente. Tiro hacia el vitalismo, no quiero deprimir a nadie. Es el ánimo con el que he escrito las letras de este disco. Para mí la música es una forma de sacar lo malo, me gusta que las canciones sean divertidas. Necesito estar enérgica en directo. ¡Venga, espabila! ¡Quiero que esto sea una fiesta!”. Reto superado. Su acidez recuerda a algunas de las mejores bandas que han trabajado ese territorio: Juanita Y Los Feos o Los Punsetes.

La gira y presentación de Daño físico arranca en marzo y ellos no esconden sus ganas de llegar al mayor número de personas posible. De hecho, ¿creéis que Monteperdido puede trascender el underground y llegar a audiencias más grandes? “Para mí petarlo es un Wizink. ¿Eso va a pasar? Todo el mundo me dice que no, pero ¿sabes que te digo? Que les den por el culo a todos, porque es algo que deseo con todo mi corazón”. Y Bego se emociona. La confianza que demuestra en su trabajo y en el propio grupo podría resultar soberbia. Sin embargo, estamos ante una persona extremadamente terrenal y trabajadora, que se muestra segura de su trabajo y está dispuesta a defenderlo. “Sueno muy flipada, pero estoy convencida. Cuido mi imagen y mi cuerpo. No me molesta estar expuesta. No tengo nervios, para eso ensayo y hago ejercicios todos los días”. Al despedirnos me recomienda su canción favorita del disco, Marca52. “Te puede hacer llorar. Canté encima del solo y es una pena porque le quedó precioso a Diego. Todo sea por la intensidad...”. Todo sea.

Raíces

En cada una de las múltiples caras de Monteperdido se filtra la larga trayectoria de los componentes del grupo. El germen del proyecto parte de dos bandas muy recomendables, cada una en su género. Ordesa (1) casi podría considerarse el punto de partida de Monteperdido. Con centro de operaciones en Salamanca, Tomás (hoy también en Yawners) y Bego formaban esta emocionante banda acústica. Su disolución sirvió a un fin mayor, pero el disco Días cálidos, autoeditado en 2018, es un excelente trabajo que mira a los ojos de muchas bandas del género que tuvieron mucho más reconocimiento que ellos. De este tronco viene también Diego (guitarra), que contaba con su propio proyecto de emo folk: Poor Walter. Acabó siendo colaborador habitual de Ordesa, y hasta sacaron un split juntos en 2015, El incendio de todas las cosas. La inquietud de Tomás programando en salas del circuito como el 13 Monos de Salamanca o tocando en diferentes grupos le conectaron con buena parte de la escena emo y screamo, con bandas como Descubriendo A Mr. Mime (2) en la que encontramos a la otra mitad del combo: Dani y Willo eran un eje fundamental en este grupo hardcore screamo curtido en mil batallas.

EL BRASILEÑO LEO FELIPE ENTREGA EN 'HISTORIA UNIVERSAL DEL AFTER' UN LIBRO HÍBRIDO Y FASCINANTE, DONDE DROGA Y BAILE CONFLUYEN SOBRE

EL CUERPO, ENTENDIDO ESTE COMO MAPA DE BATALLA DESDE EL QUE REFORMULAR TODAS LAS PREGUNTAS SOBRE LA IDENTIDAD. REPASAMOS ALGUNOS DE LOS PASAJES DEL LIBRO.

baile. droga. dos vehículos transversales que repolitizan el cuerpo como territorio de discusión y que forman en su colisión una X de encuentro y a la vez de incógnita. “Mi objetivo era pensar y escribir como quien baila y bailar como quien piensa y escribe”, leemos al poco de empezar el texto. “El arte imita a la vida que imita a la ketamina. (…) A fin de cuentas todo giraba en torno a la K”. Y si un modo hay de encuadrar la indefinible propuesta del brasileño -que estilísticamente cruza realismo sucio y ficción, poesía vanguardista y diletancia académica, ansia y análisis- es diciendo que la primera intención se cumple plenamente: todo el libro es un baile a menudo febril, convulso. Un baile de investigación. La frase, ya manida, de que “si no se puede bailar no es mi revolución” revive en el trabajo de Felipe en toda su grandeza original.

Pero esa capacidad de convertir lo fragmentado de la época en baile significativo no es, en todo caso, la única virtud del ensayo, sino su majestuoso y neurótico encuadre. Dentro, encontramos también una visión exterior al agobiante dominio anglosajón, que nos da aire; una teoría de los márgenes, brillante, que no es ajena al cuestionamiento de los propios privilegios; una ampliación de los postulados del no-lugar como franja fructífera de acción; un escaneado tan radical como humanista de las políticas de género; una reinvención imaginativa de emblemas de combate (el emoji, el baño químico); numerosos instantes de intimidad extraordinariamente bien delineados; una ausencia de sexo explícito que es en sí una pregunta, en una narración tan esencialmente carnal (¿a dónde se ha trasladado esa experiencia?) y -mi momento favorito- una reintroducción de la literatura epistolar en un modelo de libro en el que tal hazaña hubiese parecido, de entrada, imposible, pero termina resultando necesaria: “Mi interés por la escritura de cartas surgió de la distancia propia de los viajes. A través de ellas traté de generar una crítica afectiva (o más bien un afecto crítico) que estimulara el diálogo grupal, pero el abordaje colectivo resultó problemático. Nunca recibí una carta de respuesta”.

Historia universal del after es un trayecto agotador y exigente, pero sus preguntas resultan -todas- procedentes. Un momento de claridad para entender que la “postfiesta” no es un final, sino el principio.

“Lejos de ser una condición aberrante, la adicción es un estado normal para los seres humanos. Estamos atrapados en conductas reactivas y repetitivas que se reproducen a partir de la imagen adicta. El hábito es una segunda naturaleza que naturaliza lo arbitrario”

POR: LUIS BOULLOSA

BaILe

“Bailé como si la vida entera dependiera de mi desempeño en la pista. Bailando me di cuenta de que no era música lo que nos caía encima con la intensidad de una catástrofe natural. Eran bits, bits que colisionaban violentamente contra nuestros cuerpos y contra el concreto de la construcción, bits convertidos en ondas sonoras por alguna alquimia tecnológica. Puro flujo informacional. Un dato objetivo que no tenía nada que ver con las subjetividades que consideran la música como una noción lírica. Ceros y unos chocando con tanta intensidad que acababan por generar una realidad falsa que se abría como una grieta sobre la estructura de lo real”.

“Un criminal es alguien que ha encontrado una manera de salir de la trampa del personaje humano blindado, diría Reich. No, la vibra no era buena, por eso hay tantas mujeres poniendo techno, una música dura y concreta que subvierte la lógica dramática y simbólica de la canción; música para un mundo de opresión y violencia dominado por el viejo patriarcado blanco que, ante la inminencia de su propio ocaso, cae en picado. No, la vibra no era buena y había que decir que sí lo era, como en una dictadura. Pensé en la urgencia de volver visibles todos los signos de muerte que estaban presentes de manera subliminal en la cultura techno, solo así podríamos construir algo destructivo que valiera la pena”.

“El que impulsaba y sentía las buenas vibraciones era por lo general el chico blanco cis heterosexual de clase media alta -gente de bien-, quien en perfecta continuidad con la cultura (pop) de violencia y usurpación se había apropiado de algo que originalmente se encontraba en sus antípodas. Debería haber algún criterio. Hombre que pone house y que no entregó el culo no pincha en la fiesta”.

Historia Universal del after Leo Felipe Caja Negra 216 págs / Ensayo

LA CANTANTE NIGERIANA AFINCADA EN CANADÁ PRESENTA ‘GOOD LUCK’, TESTIMONIO SONORO DE UN CAMINO DE CRECIMIENTO Y ACEPTACIÓN QUE SORPRENDENTEMENTE PUBLICA EL SELLO QUE DESCUBRIÓ A NIRVANA.

“es un trabajo acumulativo, he reflejado toda mi experiencia vital en él de una manera holística. Quería hablarles a todas las partes de mí y de mi viaje. Y la idea del viaje era muy importante en este disco, quería que la gente me acompañara como si hubiéramos estado juntos en todo este camino”. El camino al que se refiere Debby Friday, que nos atiende desde su actual domicilio en Toronto, es el que representa el paso de la adolescencia a la madurez, ese proceso que cada persona vivimos de una manera diferente y personal pero, al mismo tiempo, paradójicamente, tan universal. En el caso de la joven cantante y productora, la búsqueda tuvo mucho de vida nocturna, raves interminables, periodos en los que ejerció de DJ, excesos, relaciones truncadas… Haces lo que haces, aunque eso no siempre se traduzca en cosas buenas; a todos nos suena. Y llega un día, no sabes determinar exactamente cuándo, en el que hay una epifanía, o un punto y seguido, en el que has aprendido. Has llegado a un sitio y algo ha cambiado.

“En los últimos dos años he hecho mucha introspección, lo cual es muy revelador, porque te das cuenta de cómo las decisiones que has tomado te han llevado a donde estás y a ser la persona que eres hoy. No quiere decir que haya tomado todas esas decisiones a propósito, sino que a través de seguir mi propia intuición he llegado a donde estoy actualmente, y sé que estoy en el lugar del comienzo de otro capítulo de mi viaje. Este episodio está cerrado, el disco es un testimonio de ello”.

es intuición. Si la canción me pide ir a un cierto lugar, voy a ir allí. No me da miedo ni entro en otras consideraciones. Voy a poner en ello cada emoción y todo lo que tengo, no puedo pensar en nada más”. Debby demuestra ser consciente de lo complicada que puede resultar su música en función del tipo de oyente que se enfrente a ella. Aunque es cierto que el sencillo de adelanto, So Hard to Tell, es una maravilla de pop electrónico de autor contemporáneo que podría competir con los éxitos comerciales del momento, en el disco domina la electrónica pesada, el noisecore y mucho de hip hop y otros estilos actuales siempre pasados por filtros experimentales y oscuros. “No puedo pensar en si va a ser demasiado para alguien, pero sé que hay una audiencia para esto. De hecho, lo que amo en el arte es la valentía y el coraje de hacer y decir cosas que corren el riesgo de no ser aceptadas o que puedan tildarse de raras. Los artistas tienen que hacer lo que tienen que hacer, no lo que desde fuera se suponga que deberían hacer. Yo soy ese tipo de artista”.

Good Luck, su disco de debut, efectivamente, es testimonio del camino y las experiencias vitales de Debby. Pero la música son matemáticas, es algo físico, a su arbitraria manera es un arte figurativo. ¿Cómo se imprime una experiencia vital en una composición musical más allá de escribiendo una letra que cuente una historia? ¿De dónde viene la música? “Para mí el secreto es sentirlo todo. Lo inconsciente es totalmente etéreo e intangible. Hay que apoyarse en sentir. Todos nacemos con una capacidad innata para entender dónde tenemos que ir, qué tenemos que hacer y qué tipo de talentos y capacidades tenemos. El curso de la vida va sobre descubrir eso. Hacer el disco fue en parte algo que partía de la necesidad de querer descubrir más sobre mí y expresarlo de esta manera. En cuanto al estilo, todo

La conversación deriva a temas como el estado del pop, lo comercial y la cultura de internet en la que vivimos. “Crecí con internet. Es un archivo de la humanidad. Lo bueno que tiene es que puedes encontrar prácticamente todo lo que busques. Para eso lo he usado siempre, para dar rienda suelta a mi curiosidad y perderme en agujeros de conejo en busca de información y pensamientos. Creo que es algo que se refleja en mi disco, que es un producto híbrido. No puedes hablar de un solo género más allá de que está producido electrónicamente. Y, sí, escucho música todo el tiempo. Últimamente he escuchado mucho pop, fijándome en cómo trabajan los artistas que llegan a las grandes masas, qué recursos y sonidos utilizan. La idea del pop y de lo comercial es muy diferente ahora. Puedes llegar a mucha gente de más maneras y siendo lo que tú quieras”. Y con un poco de buena suerte, claro. “El título siempre es lo primero para mí. Después viene todo el trabajo, pero ya tras ese punto de partida que lo determina. 'Buena suerte' es lo que le dices a alguien cuando parte hacia una aventura o un viaje. Me parecía un título adecuado. Además, es raro decir esto de uno mismo, pero creo que soy una persona con buena suerte”.

POR: JORGE RAMOS

"BUENA SUERTE ES LO QUE DICES A ALGUIEN CUANDO PARTE DE VIAJE. ME PARECÍA UN TÍTULO ADECUADO"

LA BELLEZA Y EL DOLOR

POR: FERNANDO BERNAL

EL ACTIVISMO DE LA FOTÓGRAFA NAN GOLDIN CONTRA LA INDUSTRIA DE LOS OPIÁCEOS, CAUSANTE DE MEDIO MILLÓN DE MUERTES EN UNA DÉCADA, ES LA BASE DEL DOCUMENTAL DE LAURA POITRAS QUE, ADEMÁS, REIVINDICA SU ESENCIAL E INFLUYENTE PRESENCIA DENTRO DEL MUNDO DEL ARTE CONTEMPORÁNEO.

“es fácil crear relatos a partir de tu vida, pero resulta mucho más difícil contar con recuerdos reales. Me refiero a la diferencia entre un relato y el recuerdo real. La experiencia real huele y está sucia, y nunca se cierra con finales simples. Los recuerdos reales son los que en este momento de mi vida me conmueven”. Son palabras que pronuncia Nan Goldin (Washington DC, 1953) en el documental La belleza y el dolor, mientras se proyectan las imágenes del carrusel de diapositivas que conforman La balada de la dependencia sexual (1983-2022), quizá la obra antológica que mejor define su trabajo como fotógrafa, prolongación de su vida privada y de la gente que forma parte de ella. Un diario íntimo que ha marcado su apasionante y radical trayectoria. “Existe la noción popular de que el fotógrafo es por naturaleza un voyeur, el último en ser invitado a la fiesta. Pero no me estoy equivocando: esta es mi fiesta. Esta es mi familia, mis amigos”. Porque el eje de su obra son las personas que la rodean, el sufrimiento

y el disfrute de esa gente y el de la propia Nan Goldin: “Hombres y mujeres que viven su vida y a los que no les importa lo que está pasando alrededor”. Hace cinco años la mítica artista, una de las figuras decisivas de la contracultura de los setenta y ochenta e icono de la fotografía contemporánea de corte biográfico, fundó el grupo de activismo PAIN (Prescription Addiction Intervention Now). Su objetivo era conseguir que varias instituciones se desligaran -y rechazaran las aportaciones económicas- de la familia Sackler, dueña de la farmacéutica que comercializa OxyContin, un opiáceo que se calcula que a partir de finales de los noventa y durante una década fue responsable de medio millón de muertes.

La propia Goldin sucumbió al alto poder adictivo del fármaco -a pesar de consumirlo de acuerdo a la prescripción médica- y cuando, a sus casi setenta años, consiguió desengancharse tuvo claro que su objetivo sería luchar contra esta lacra sanitaria y social. Como “su-

perviviente” de la crisis de los opiáceos, comenzó su lucha al frente de PAIN para atacar a los Sackler apuntando a su supuesta filantropía, a un dinero manchado que trataban de lavar mediante las donaciones a grandes museos de todo el mundo.

Para conseguir que el “recuerdo real” de esta lucha no se quede en simple relato, Goldin cuenta con la complicidad de la directora Laura Poitras, que ha documentado su lucha en la imprescindible La belleza y el dolor, galardonada con el León de Oro en Venecia. La cineasta estadounidense, que ya ganó el Oscar por Citizenfour (2014), su investigación fílmica a propósito de Edward Snowden y sus filtraciones sobre los programas de vigilancia de la inteligencia de EEUU, comienza su relato registrando una de las últimas acciones del grupo que lidera la fotógrafa, antes de conseguir sentar en el banquillo de los acusados a los culpables. Goldin y su grupo realizan una performance en el MET de Nueva York en marzo de 2018, en la sala que patrocina la farmacéutica (The Sackler WIng), yacen en el suelo y simulan su muerte.

Ese prólogo de documentalismo de acción da paso a los recuerdos de la propia Goldin. En ese punto, y como si se tratara de una proyección de diapositivas con las que se convirtió en icono del arte underground, Goldin comparte imágenes de archivo sobre las que Poitras elabora el discurso del filme a partir de la reflexión de la artista. “Tomar una fotografía es una for-

ma de tocar a alguien, es una caricia. Creo que, en realidad, puedes darle a la gente acceso a su propia alma a partir de la fotografía”. Las fotos de su infancia, cuando ella todavía no había pensado ponerse detrás de la cámara, revelan un drama que marcó el resto de su vida: el suicidio de su hermana mayor Barbara. Después, en el momento en que sus padres deciden separarse de ella, llegará el peregrinaje por espacios de acogida, hasta que con tan solo 14 años conoce a su amigo el fotógrafo David Armstrong y entra en contacto con la comunidad gay de Provincetown. La cámara ya nunca la abandonará. Tras graduarse en arte en Massachusetts, se instala en el bohemio Bowery de Nueva York, en el entorno del mítico bar Tin Pan Alley, el centro cultural de la década de los setenta, para convertirse en cronista de aquella escena gracias a fotografías en color que rompen con el canon de las imágenes en blanco y negro y verticales del documentalismo de la época. Una superviviente, en el documental Nan Goldin llega a confesar que ejerció la prostitución para vivir, y que la fotografía siempre ha sido su forma de caminar a través del miedo. “Tomar una foto es una especie de protección”. Quizá su mayor éxito no consiste tanto en un carrusel de diapositivas como en conseguir que el MET, el British Museum, los museos Guggenheim o The Serpentine rompieran finalmente sus vínculos con la familia Sackler. Ahí donde hay belleza el dolor no puede existir.

LA BELLEZA Y EL DOLOR (10 marzo)

Estados Unidos. 2022.

Documental

Distribuidora: Elastica Films

Dirección: Laura Poitras

AUTOBIOGRAFÍAS CRUZADAS

DAVID ARMSTRONG

“Cuando conocí a David todos teníamos cámara Polaroid”, recuerda Nan Goldin en el documental. Fueron amigos desde la adolescencia hasta que el artista murió en 2014, formaron parte del conocido como Grupo de Boston, y con él entró en contacto con la comunidad LGBTI. El trabajo de Armstrong es decisivo en el arte del siglo XX, tanto a nivel personal -con la potencia de sus retratos masculinos a través de los cuales también desarrolló el concepto de autobiografía- como en su prolongación editorial en sesiones para revistas y trabajos para firmas de moda.

RICHARD BILLINGHAM

Dentro del género que se ha calificado como “autodocumentalismo”, este fotógrafo británico puede ser uno de sus exponentes más radicales. Perteneciente a una generación posterior a Nan Goldin, llevó el género un paso más allá en su libro Ray's a Laugh (1996) y en el devastador filme Ray y Liz (2018), donde retrata su infancia a las afueras de Birmingham en un ambiente familiar marcado por la pobreza y las adicciones de todo tipo.

LARRY CLARK

Dos décadas antes de dirigir el filme de culto Kids (1995), ya era un fotógrafo imprescindible -con algunos rasgos similares a Goldin- de la escena underground de la ‘deep América’. Su libro Tulsa, con retratos de los jóvenes de esa ciudad de Oklahoma, imágenes tomadas entre los sesenta y los setenta y en las que no elude el sexo o las drogas, no ha perdido ni un ápice de su intensidad y poética crudeza.

RYAN MCGINLEY

Considerado como uno de los herederos del trabajo de Nan Goldin y de Larry Clark, se consagró con su proyecto The Kids Are Alright (1999), en el que documenta con vocación biográfica la escena de skate, grafiti y música neoyorquina en la que se movía. En 2003 se convirtió en el artista más joven en exponer en el Whitney Museum de Nueva York. Su estilo y su mirada representan a varias generaciones.

PHILIP-LORCA DICORCIA

Compañero de promoción de Nan Goldin en la escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, su trabajo se basa en el retrato y la cotidianeidad, desde un prisma que le acerca al fotoperiodismo. Una de sus grandes series es Hustler (1990-1992), sobre la prostitución masculina en Hollywood, en la que conecta de una forma íntima el mundo del arte con lo considerado como marginal.

T&K

Writing Classics

Vinyl Digital Gmbh / 2016

“Oscuro y sucio como el barrio en el que crecí”. Así son las instrumentales y las métricas del primer álbum de T&K, el artista que a partir de este momento cambió el panorama del rap argentino para siempre y permitió todo lo que vino después. Un planteamiento sonoro que guiñaba el ojo al mainstream de beats limpios y nítidos se expuso por primera vez frente al freestyle callejero y al sonido más noventero que miraba a New York. Temas como C.R.E.M.A. o Don’t Stop definitivamente ponían el rap villero en el mapa. Ya nos advirtió el mismo Trikanz: “para que aprecien esto va a pasar un long time”. Casi diez años después no solo se aprecia, sino que se considera punto de partida de una escena que ya es global.

el aterrizaje del hip hop a argentina no fue tan acogedor como en las calles de muchos otros países por los que se expandió el virus del género. Si hoy paseas por Buenos Aires lo más seguro es que encuentres a varios grupos de chavales haciendo freestyle. Pero allá por los años noventa, con el siglo XX llegando a su fin, escuchar o hacer rap suponía enfrentarse a una serie de prejuicios que lo mantenían en el más absoluto underground. El rap se consideraba un género ajeno, yanqui -como si el rock que llevaba décadas prendiendo en Argentina no lo fuera también...-. Peor aún, el rap era el género de los “chetos”, los pijos americanizados. Por aquel entonces la calle era cumbia y rock, y el rap no se había asociado con lo callejero como ocurría en otros países. No se puede entender el estado actual de la escena sin mencionar el papel crucial que tuvieron las tecnologías digitales eliminando intermediarios incómodos y convirtiéndose en las distribuidoras de este sonido: en esos primeros años del siglo XXI los chavales bajaban al cíber del barrio para meterse en internet y bajarse en mp3 los discos de artistas que en ese momento todavía eran underground. Pero el hip hop es comunidad y como tal se tiene que experimentar, es por esto que el papel de La Organización (La Oz) fue tan esencial en la consolidación del rap argentino. Una crew de artistas, desde MCs hasta breakdancers, que empezó a organizar encuentros, jams, en los que se juntan aficionados al rap, el breakdance y el graffiti. Era el punto de partida de una escena dominada por las Batallas de Gallos, eventos que pasaron de las calles al espectáculo global

EL GÉNERO URBANO EN ARGENTINA HA TOMADO MIL Y UNA FORMAS EN LAS ÚLTIMAS DOS DÉCADAS. DE LAS ESCALERAS DEL PARQUE RIVADAVIA A LLENAR LA BOMBONERA, LA ONDA EXPANSIVA DE ESTE MOVIMIENTO NO SE PUEDE AGENCIAR A UN SOLO ARTISTA. APUNTA A LA CREATIVIDAD DE TODO UN PAÍS QUE, LEJOS DE AGOTARSE, SIGUE ENCONTRANDO LA MANERA DE REINVENTAR VIEJOS CÓDIGOS Y MANTENER EL ESPÍRITU REVOLUCIONARIO DE LOS PRIMEROS DÍAS.

con eventos como A Cara de Perro, El Quinto Escalón Zoo, Big Bang Festival o Supremacía MC. El rap había prendido en ese momento en el cono Sur, y lo hacía creando su propia interpretación del género: nace el rap villero que, alejado de metáforas y lecciones de vida, respeta el lingo y el tono de la calle. Sin embargo, en ese momento inicial apenas se publicaban álbumes que dejaran testimonio del momento. Los freestylers del Quinto, como Duki, WOS, Trueno o Replik, no grababan su música, y la popularidad se medía en visualizaciones y seguidores. Era también el momento en que el trap empezaba a cruzar la frontera con una pegada brutal: 2017 fue el año en que veía la luz el videoclip de Loca, la colabo entre Duki, Khea y Cazzu. Ex raperos de competencia como Paulo Londra o LITKillah dejaban los escenarios y se unían a un fenómeno trap que lo inundaba todo y que en cuestión de muy poco tiempo pasaba a escucharse por igual en una fiesta underground que en un centro comercial. La explosión fue brutal, y un movimiento de nicho pasó en pocos años a ocupar portadas de los medios. Las discográficas consolidadas y hasta las multinacionales comenzaron una carrera enloquecida por rejuvenecer sus catálogos. Y todo esto desemboca en cierta sensación de fatiga de un género que siente nostalgia del espíritu independiente de sus inicios. Lo que se traduce en reivindicaciones del papel de la mujer en la escena -el neo perreo de Sassyggirlo la actividad de colectivos como RIP Gang, con una identidad punk y un discurso post irónico que busca darle un lavado de cara (otro) a un género en constante mutación.

POR: ELENA BLANCO

DILLOM Post Mortem

Bohemian Groove / 2021

Un Frankenstein del trap que mezcla folk, electrónica y todo lo impredecible, y que aterrorizó a más de un purista del género.

2

MUSTAFÁ YODA

Cuentos de chicos para grandes Autoeditado / 2004

El padrino del rap argentino comenzaba su camino como solista; realismo bonaerense y rap con mensaje que bebe del soul.

CAZZU Error 93

Rimas Entertainment / 2019

En 2019 la jefa del trap y su irreverente feminismo se ganaron el respeto de la industria con un flow punky y un núcleo rebelde.

TRUENO Atrevido Neuen / 2020

4 5 6 7 8 9

WOS Caravana

Doguito - Dale Play / 2019

Temas como Canguro ponen banda sonora al estallido social. WOS grita con voz rasposa y sobre beats rockeros, rompiendo.

NEO PISTEA Punkdemia Sony / 2021

Rey de la nueva generación, en su primer y esperado álbum se encarna en Tony the Kid, su álter ego, el niño prodigio.

DUKI Super sangre joven SSJ - Dale Play / 2019

Tango, r'n'b y una portada propia del manga, son elementos de su primer gran disco, señales de la firma SSJ.

SARA HEBE

La hija del loco

Autoeditado / 2009

Su icónica irrupción en una escena totalmente dominada por hombres, con una poesía urbana abiertamente política.

NATHY PELUSO

La sandunguera

Everlasting / 2018

Tras debutar con Esmeralda, trabajo autoeditado que dio que hablar en la arena undergound, Nathy Peluso, instalada en España desde hacía años, comenzó la aventura que le llevaría a encabezar festivales de todo el mundo con este miniLP publicado por el sello madrileño Everlasting Records (después llegaría el fichaje por Sony). Urbano, sí, pero además de los guiños a Lauryn Hill la Peluso también se abría a sonoridades más tradicionales como el soul o los sabores caribeños.

PAULO LONDRA

Back to the Game Warner / 2022

La esperada vuelta al ruedo del príncipe del reggaetón. Sólo este fenómeno podría unir a Duki y Ed Sheeran.

TIAGO PZK Portales

Grand Move Warner / 2020

Con este disco Tiago demuestrasu potencial como cantante, sin olvidar su origen en la casa de chapa y en las batallas de gallos.

KAMADA

Kamada tres cuatro

Veets - Típica / 2013

Uno de los álbumes más venerados del hip hop underground, y un grupo que hoy son símbolo de la argentinidad barrial.

NICKI NICOLE Recuerdos / 2019

Una Nicki Nicole que por aquel entonces contaba con tan solo 19 años terminó de enamorar con su voz y su delivery particular a un público ya obsesionado con el flow hipnotizante de la trapera. Su relación sentimental con Trueno ha terminado de configurar la dupla por excelencia del urbano gaucho.

KHEA Trapicheo

Young Flex - Interscope / 2020

Beats de trap, melodías sobrepuestas… ¿Estamos viendo nacer el drill? Khea lleva el flow europeo a las calles rioplatenses.

SINDICATO ARGENTINO DEL HIP HOP / Un paso a la eternidad Universal / 2000

Tras diez años de actividad, la banda pionera del rap argentino registró este debut con una multi y fue Platino.

MARÍA BECERRA Animal

300 Entertainmen / 2021

En el primer álbum de la quilmeña se une con Cazzu para coronarse como las principales voces femeninas del urban argentino.

Sponsor Dios / 2022

En este cuarto y último disco, con su nombre ya totalmente asentado también en España, YSY A reinventa su flow, y aprovecha su experiencia con el formato para traer un trap experimental, autorreferenciando sus trabajos anteriores e introduciendo nuevos sonidos.

LUCHO SSJ Nivel

R-i-c - YBR / 2020

Si no lo había hecho ya su set en Lollapalooza, este álbum justificó el puesto del adolescente en la clica de Duki.

RUSHERKING Lado B Panter / 2020

Una adolescencia consola en mano podía ser víctima fácil en las batallas. Pero su primer EP descubre caminos más allá del urbano.

YSY A YSYMO

CA7RIEL El disko Clix / 2021

Bases sucias y melodías limpias, urbano y electrónica, cuerda y autotune. Cuando dialogan, salen joyas como esta.

HOMER EL MERO MERO

El mundo es tuyo Dale Play / 2022

El disco más vulnerable de uno de los padrinos del género. Testimonio de la vida de este veterano con un flow áspero y seco.

EMILIA Tú crees en mí? Sony / 2020

Influenciada por el pop de las reinas de los 2000, la de Entre Ríos lo pasa por su filtro reggaetonero y R'n'B.

FMK

Desde el espacio Sony / 2022

Dancehall, trap y bases de reggaeton. En el primer disco de FMK priman los features 100% made in Argentina.

BARDERO$

La fiesta es de nosotros

Nocita - Dale Play / 2020

El dúo formado por C.R.O. y Homer acoge a Chulu, Franky Style y Lil Troca en estos 10 temas a caballo del trap y el gangsta.

LIT KILLAH SnipeZ Warner / 2022

Incluye éxitos como Déjame tranki, con un papel decisivo a la hora de mantener la hegemonía del urbano.

KMD LABEL Kief, música y dinero Lealtad / 2017

Este es el manifiesto de uno de los grupos detonantes de la gran explosión del trap en el País de la Plata.

C.R.O. Rock

Dale Play - Nocita / 2018

El rock y el rap van de la mano en la música argentina. Desde sus orígenes a sus valores, como en el álbum de esta mitad de los Bardero$.

ACRU #Anonimato Autoeditado / 2018

Puro amor por el rap y el freestyle. A pesar de su título, el disco llevó al tucumano al reconocimiento internacional.

LARA91K Como antes Clix / 2022

Lara Artesi, vocalista del dúo Coral Casino y colaboradora habital con Duki o Cazzu, se lo monta en solitario.

LA JOAQUI

Harakiri

Goat / 2019

Actriz y primera mujer en colarse en las competiciones Red Bull, este álbum tan solo es una de las mil vidas de Joaqui.

BB ASUL

UWU

Warner / 2021

La propuesta alternativa y lofi de BB Asul refresca el trap argentino con melodías que beben abiertamente del r'n'b.

ILL QUENTIN

Muerte

en el agua

Bohemian Groove / 2019

Uno de los primeros lanzamientos de la discográfica de Dillom, que ya apuntaba hacia la narrativa en vez del fronteo.

FÉMINA Traspasa

Autoeditado / 2014

Las tres hechiceras de Fémina demostraron con su primer trabajo los inagotables recursos del urbano trascendiendo géneros y permitiendo que permearan a lo largo de las 10 canciones que componen el disco: ellas rapean, sí, pero musicalmente las canciones se deslizan hacia otros géneros como la cumbia, la bossanova y el folclore argentino en general. Con un listado de colaboradores que incluye a Sara Hebe, Ramiro Jota o el trompetista Fermin Echeveste, todo en Traspasa parece tener propiedades curativas.

ODD MAMI

Mosaicos

Bohemian Groove / 2022

Con colaboraciones de colegas como Saramalacara, cada detalle es crucial en su sonido rebelde y juvenil.

K4

K4

Bohemian Groove / 2021

Homónimo álbum de este componente del colectivo Rip Gang, del que también forman parte Dillom, Muerejoven o Saramalacara.

CLUTCHILL & LESTON Degenerat3

Autoeditado / 2022

Con solo 19 años el jovencísimo productor Leston firma este trabajo colaborativo con el colombiano-madrleño Clutchill.

FRIJO

Dreamer Boy

Montevideo Music / 2020

El underground apunta aquí al autotune como decisión estética y beats tan sucios como las letras a las que acompañan.

SASSYGGIRL Íntima

AGVA / 2021

“Bailando como animales, si sabes que somos todos iguales”. Apología no misógina del reggaetoneo y el bellaqueo.

DANI RIBBA

La melodía

Sony - Dale Play / 2022

“Le perdí gusto a la compe, y le agarré a la melodía“ es la barra a la que referencia el freestyler con el título de su primer álbum.

KAKTOV · XLAB · TAILS

MTPMJ

Mueva / 2022

La tercera generación del hip hop bonaerense trae un urbano nacido en internet. Poca vocalización y mucha ironía.

SARAMALACARA, EVAR & DAYVON / Eclips3

Bohemian Groove / 2022

Los tres componentes de Rip Gang no han necesitado más que un EP para cambiar el código del urban y poner de moda la estética gótica.

URBANSE

Literal

Veetz/ 2017

Un proyecto que posiciona a Urbanse como artista más allá de aquel niño rebelde de los días de La Conección Real.

Veterano del freestyle, en este proyecto maquinado en pandemia muestra un lado más relajado y trap.

Una reverencia al tango y al pasado unido del rock y el hip hop. Con una identidad tan marcada, cuesta creer que sea su debut.

Aventuras nocturnas, jazz latino y algo de electrónica. Su primer álbum en solitario tras el dúo con Ca7riel.

Dale Play / 2021

Con singles como Talle M y Muy enfierrado no sorprende que esta apuesta por la cumbia-trap alcanzase lo alto de las listas.

SIX SEX & LA FINESSE

Área 69

Dale Play / 2022

Francisca Cuello nació en Morón, una de las ciudades que funcionan como cinturón industrial de Buenos Aires. En ese contexto surge una artista que ha optado por revolucionar el género a base de reggeatón oscurísimo y espíritu rave. Esto es en 2023 real underground: su campo de juego está en Soundcloud, la apuesta musical apunta al perreo y los beats deconstruidos, y, más que un género, las canciones que componen Área 69 invitan abiertamente a la desinhibición y la sexualidad. Es el sonido de la Tokischa underground.

MUEREJOVEN

Términos & Condiciones

Bohemian Groove / 2022

Componente de la RIP Gang, en este proyecto opta por poner en el centro el flow del rapero. Una propuesta contundente.

Gonna Go! / 2022

El espíritu DIY sigue vivo con esta propuesta relajada e inmersiva, que experimenta con el dubstep, el hip hop y el indie.

REI Reicing

MARKI Mixtape de verano

OBIE WANSHOT Híbrido Obie Wanshot / 2020

LEGO SKILLZ Cambalachhe OVXL / 2020

PACO AMOROSO Saeta Clix / 2021

LA PLAZUELA

NITRO Y EL INDIO. O EL INDIO Y NITRO. EL ORDEN DE LOS FACTORES NO ALTERA EL (PEN)ÚLTIMO

FENÓMENO DE NUESTRA MÚSICA POPULAR, ESA TAN CERCA DEL BARRIO COMO DE LA PISTA DE BAILE.

HABLAMOS CON AMBOS SOBRE 'RONEO FUNK CLUB', SU DISCO DE DEBUT CON NOMBRE DE DISCO

SETENTERA Y SONIDO 100% CONTEMPORÁNEO. TAMBIÉN DE OTRAS COSAS, CLARO. QUE LA VIDA EN LA PLAZUELA, YA SABEN, SIEMPRE DA PARA TEMAS DE CONVERSACIÓN...

ESTILISMO: HÉCTOR LOUREIRO & MARÍA ANGLÉS (ANVI.FS)

MUAH: LAURA ROMOJARO DIRECCIÓN DE ARTE: ESTHER TELLITU

lástima que las prisas y la distancia nos priven de un encuentro cara a cara. La entrevista se ha cerrado in extremis, con los plazos de entrega resoplando en la nuca, y los chicos, con su álbum en plataforma de despegue, andan de promo en la capital. Así que para la charla tiramos de esa plataforma que, eso sí, al menos comparte nombre con otra solución estética que arrasó también en los setenta, aunque fuera en el campo del cine: el zoom. Claro que no es lo mismo hablar pantalla mediante que rodeado del ambientillo gozoso que ya he podido experimentar con La Plazuela en algún que otro backstage. Si tienes la suerte de caer en alguno con ellos podrás comprobarlo: aquí no hay músicos compartiendo amistad, sino amigos compartiendo música. “La historia te la puedo resumir más o menos rapidilla”, se adelanta Luis Abril, alias Nitro. “Nosotros somos amigos desde los tres años, y siempre hemos estado juntos, pero no siempre hemos hecho música juntos. Con trece o catorce años yo tenía una banda, que estaba aquí en Madrid. Yo no vivía en Madrid, pero estaba mi primo y tal, y era una banda de pop rock español, básicamente. Empecé a hacer conciertillos, saber lo que era tener una banda, un local de ensayo, componer… y me di cuenta de que era lo que me molaba. Y en esa época el Indio empezó a escuchar muchísimo flamenco, pero no tenía ninguna pretensión de dedicarse a eso ni nada. Y, creo que fue el año en que me fui a vivir a México, no sé si porque echaba de menos mi tierra, pero empecé a estar más cerca, quizá no tanto del flamenco flamenco, pero sí de la fusión. El Indio a su vez, mientras estaba aquí en España, empezó a interesarse también por la fusión dentro del flamenco. Así que cuando volví nos encontramos justo ahí, en la fusión flamenca, tendríamos 18 años o así… Bueno, La Plazuela Techá ya existía cuando teníamos 16 o 17 años ¿no, Indio?”. Su compañero Manuel Hidalgo asiente, y yo aprovecho para indagar no solo en los orígenes de la banda, ahora mucho más claros, sino también en los de sus apodos.

“Lo mío es muy fácil, es blanco y en botella. Me fui un año a la India con dieciocho años y desde entonces. Los motes no los puedes elegir, te los ponen los demás. A mí me empezaron a llamar el Indio y con el Indio me he quedado”. ¿Y lo de Nitro? “La verdad es que prefiero mantener esa historia oculta”, zanja su partenaire. Lo cierto es que con nombres como esos no desentonarían en otra banda, la del Torete. Aunque con las comparaciones quinquis, algo cada vez más habitual en nuestra escena sobre todo desde la eclosión de esa kinkidelia proclamada por los Derby, ellos prefieren mantener distancias: “Las etiquetas por un lado molan, pero por otro creo que hay que darles importancia, la justa. De todos modos, si lo explicas todo bien, puedes quitarte cualquier etiqueta. Por ejemplo, el

tema de lo quinqui es algo a lo que le tenemos mucho respeto. Ahora mismo la palabra quinqui se usa con demasiada facilidad. Hay que ser consciente de dónde viene la palabra y darle a cada uno su espacio. Quinquis hay otros ahora mismo, y no creo que seamos nosotros”, ríen mientras brillan sus oros.

Oros al margen, ese chandalismo ilustrado del que hacen gala les emparenta a su vez con otros quinquis de luxe, habituales en el cine de Guy Ritchie. Y hay otra cosa que comparten tan british como el fish'n'chips: su devoción por el drum & bass y el UK garage. Nitro reconoce la deuda: “Yo últimamente, sobre todo en el último año, compongo mucho a 140, 145 bpm, con ritmo de UK Garage”. Pero no tarda en puntualizar al respecto y marcar de nuevo distancias: “A mí me flipa la electrónica y con La Plazuela me encantaría seguir haciendo cosas de electrónica, pero no es uno de los pilares del grupo. Creo que La Plazuela bebe mucho de la electrónica, en ciertos sonidos y en la forma incluso de trabajar, de moverse… Pero, sinceramente, no creemos que La Plazuela encajemos en la etiqueta de música electrónica. Lo bueno es que si queremos producir un tema enfocado al club, sabemos cómo hacerlo”. Y, por lo que nos cuenta el Indio, hace tiempo que son más que autosuficientes: “Un punto de inflexión fue, sin duda, el momento en que tanto Nitro como yo nos descargamos por primera vez el Ableton y empezamos a preproducir nosotros mismos en nuestra casa. Hasta ese momento todo lo que grabábamos en un estudio era orgánico, interpretado por una banda que tocaba los instrumentos. En el momento en que Nitro y yo empezamos a descubrir los samples, que puedes grabar un bajo midi… ahí nos dimos cuenta de que podíamos apuntar desde el primer momento al sonido que queríamos”. Hablando de casa, la suya es Granada. Una ciudad con una tradición que pesa lo suyo y a la que hacen más de una alusión en el disco. Adentrarse en las canciones de La Plazuela es perderse también en el Albaicín, en el Paseo de los Tristes, en la Carrera del Darro. “Es que Granada es nuestro escenario, como si fuera una película”, confiesa Nitro. “Nosotros al final escribimos de lo que vemos, de lo que vivimos. Y es verdad que tenemos la suerte de que Granada es el mejor escenario posible para nosotros. Aunque creo que estamos en un momento en el que más amamos a Granada… pero nos vamos a ir”. ¡Oh sorpresa! ¿Y ese propósito de mudanza? “Hay un punto en el que te tienes que mover”, reconoce el Indio. “Creo que cuando tienes tanto cariño a tu ciudad llega un momento en que debes desarrollar una relación como la que tienes con tus padres: por mucho que los quieras, sabes que te tienes que ir de casa. Pero eso no quiere decir que dejes de quererlos”. A pesar de su exultante juventud

TIENES

-24 años cada uno-, ambos pueden presumir de haber exprimido la ciudad hasta la última gota. “Si de algo podemos echarnos flores es de que en Granada nos hemos movido en todos los ambientes posibles”, espeta Nitro. “Desde que tenemos 16 años saliendo todas las noches, imagina: nos hemos juntado con los más indies, nos hemos juntado con los más hippies, con los flamencos y con todo el mundo. Y eso es algo que se ha ido notando en nuestro desarrollo a través del tiempo. Recuerdo que incluso durante un tiempo nos dio por ir al JJ, que era cosa de cantautores, y no salíamos de ahí. Hasta que no hemos conocido todos los ambientes y hemos acabado teniendo amigos en todos lados, no hemos terminado de perfilar hacia dónde iba a evolucionar nuestra música. El sonido de La Plazuela y nuestras influencias reconocibles son la consecuencia de haber conocido a tanta gente, de frecuentar todos los ambientes musicales. Si alguien en Granada puede reunir ahora roneo, funk y club en un mismo disco, esos somos nosotros. Porque hemos pasado por todo: desde habernos ido con 14 años a las cuevas, a movernos con 16 por las jam sessions y los conciertos de cantautores, luego irnos de fiesta a Copera… ¡Y alguna que otra rave que también nos hemos comido! Aunque no sea nuestro fuerte”.

Con las raves hemos topado. Una experiencia nada ajena ni a la cultura sureña ni tampoco al mundo chandalero. Bien mirado y mejor oído, Roneo Funk Club, más allá de ese aroma groove que desprende todo el disco, tiene también los mimbres de una rave.

Comienza suavecito pero con bullicio -¡hasta un afilador suena en el ambiente de La ida, una colombiana en forma de intro-, te mete el ritmo -y el veneno- en el cuerpo poquito a poco y con ritmo sincopado -La primerica helá, Realejo Beach, Tu palabra, El lao de la pena…-, te lleva al éxtasis cuando se acerca el final -ese Mira la niña, como si a Jamiroquai le hubiera dado por el breakbeat- y te baja los pies al suelo con la sonrisa puesta en sus dos últimos escarceos -Camino de cristales y, otra colombiana, La vuelta-. ¿Todo premeditado? “Yo personalmente no soy partidario de los discos que suenan como un recopilatorio”, admite el Indio. “Si van a sonar a temas sueltos, para eso sácalos como singles y ya está. Aunque es cierto que no hemos ido componiendo los temas para que tuvieran este orden, sí que el principio y el final estaban claros. Y, como son unos cantes de ida y vuelta, nos venía genial para que el disco fuera igualmente un viaje con su ida y su vuelta”. Por si nos quedaba alguna duda sobre la estrecha relación entre Roneo Funk Club y la cultura de club, sea o no ravera, Nitro nos la despeja: “A mí me ocurre con el disco lo mismo que me pasa con los conciertos, y es que aprendo mucho del concepto musical de las sesiones de los DJs. Me alucina cómo una sesión de una hora y media te va guiando y te enseña en qué momento subir, en qué momento bajar… y cómo acabar también. Por ejemplo, las sesiones que acaban con una balada, sin bombos, sin nada, en que todo llega a su fin de una forma súper bonita y súper tranquila, después de haberte pegado un atracón bailando y gozando, eso es algo precioso...”.

RONEO FUNK CLUB (UNIVERSAL, 2023)

La ida / La primerica helá / Realejo Beach / Soulseek / Tu palabra / El lao de la pena / Péiname Juana / Mira la niña / Camino de cristales / La vuelta

CD / DIGITAL / VINILO

FUNKTÁSTICO

Si hay algo que sorprende de Roneo Funk Club, el primer LP de La Plazuela, es su adhesión inmediata y sincera al sonido funk. De una manera tan amplia como desprejuiciada. Porque en la disco de Nitro y El Indio caben por igual los clásicos -Nile Rodgers, Chaka Khan, y ¿podemos considerar ya a estas alturas a Daft Punk como clásicos extemporáneos?- que los modernos -nombres como los de Tom Misch o Anderson Paak que hoy parten la pana-. La culpa de todo la tienen ciertas sesiones que C. Tangana ha terminado por acercar al mainstream en nuestro país. Hablamos, claro, de las Tiny Sessions. “Empezamos a investigar los artistas que salían en NPR y flipamos”, confiesan nuestros protagonistas, que no dudan un segundo en reconocer cuánto deben a músicos como el mencionado Paak, o temazos suyos del calibre de Come Down, que ha servido de inspiración directa para su celebrado hit Placeta de la charca

Pero en la coctelera sónica que agitan ahora en su álbum de debut hay otros ingredientes indispensables, que de una u otra manera establecen un diálogo necesario con un pasado muchísimo más local que las anteriores referencias. Ahí están sus gotitas de Caño Roto, con Las Grecas y Los Chorbos a la cabeza; o la reverencia al flamenco más clásico, con guiños a la mismísima Niña de los Peines y los cantes de ida y vuelta; o la devoción por otros andaluces en su momento tan rupturistas como Lole y Manuel o Smash

Y, pese a tanto hilar, las costuras apenas se notan. Algo que debemos agradecer a los productores del disco, una dupla de lo más dispar que La Plazuela tuvo la genial idea de poner a trabajar juntos: Juanito Makandé y Bronquio. “En el mundo del flamenco es sota, caballo y rey. Los productores que te encuentras van a lo que van, a hacer el típico disco de flamenco. Y nosotros en cambio necesitábamos a alguien como Juan, que supiera de flamenco pero que además de ser buen músico tuviera predisposición a mantener la mente abierta. Con Bronquio también teníamos claro que queríamos que hubiera sonidos digitales de calidad. Flipábamos con sus producciones y decidimos intentarlo. Siempre estaba la posibilidad de dar un paso atrás. Pero nos juntamos con los dos y fue gloria bendita”. Amén.

FOTOS: LAS GRECAS / ANDERSON .PAAK / LOLE Y MANUEL

landing_discos

L'HAINE De la forma que yo quiero

Goblins

9 marzo

Cabecilla de una escena urbana, de la que también forma parte Claudio Montana, que surgió en la ciudad de Logroño para definitivamente aflorar en Madrid, L'haine ha ido construyendo a lo largo de los últimos cuatro años un imaginario lírico y estético -casi siempre de la mano del productor NormanBate$- que le ha llevado acotar un territorio propio, prácticamente inconfundible. Lo ha hecho atrincherado en la independencia real, y partiendo de la gramática del trap más melódico para sorprender con decisiones tan arriesgadas -y a la postre acertadascomo trasladar la Habanera de Bizet al lenguaje urbano. Tras un periodo, el que va de 2021 a 2022, de intenso de trabajo, que dejó un primer largo notable -Patagonia- y un puñado de singles que evidenciaban el crecimiento artístico del proyecto, este segundo largo, con colaboraciones como las de Juicy BAE o PMP, viene a terminar de confirmar el liderazgo de la dupla formada por L'haine y NormanBate$ en la escena de la música urbana abiertamente emocional.

DRY CLEANING

Swampy 4AD / Popstock!

1 marzo

EP que incluye dos temas nuevos y remixes a cargo de Charlotte Adigéry & Bolis Pupul.

LUCAS JESÚS

Canciones de ayer y de hoy Raso Estudio

2 marzo

Quien fuera líder de Joe La Reina se estrena con un largo a caballo del urban y la psicodelia.

FATIMA AL QADIRI Gumar Hyperdub

3 marzo

Cuatro temas que surgen de la colaboración con su compatriota la kuwaití Gumar.

JOEL<3 & PAU FV

Todo después de ella Cero en Conducta

3 marzo

Dos de los integrantes de Los Killaos se lo montan por su cuenta. Hyperpop a saco.

KATE NV Wow RVNG

3 marzo

La respuesta musical de la productora rusa a su gran héroe, Nobukazu Takemura.

MIMI WEBB Amelia Sony

3 marzo

El debut de la británica, directa a la conquista de las listas, que incluye su éxito House on Fire

KALI UCHIS Red Moon in Venus Geffen

3 marzo

El tercer largo de la colombiana-norteamericana se escribió durante la pandemia y en un inicio se había planteado como dos discos independientes entre sí, uno íntegramente cantado en castellano y el otro en inglés. De la fusión de esa idea inicial surge un álbum que incluye colaboraciones de Omar Apollo, Don Toliver y Summer Walker, y que la propia Uchis ha descrito como “una expresión atemporal y ardiente de deseo, angustia, fe y honestidad, que refleja la feminidad divina de la luna y de Venus”.

SLOWTHAI Ugly

Method

3 marzo

Slowthai sigue estirando los límites de su música con un disco de rock macarra.

SFDK Inkebrantable

Altafonte / SFDK Rec.

10 marzo

Pesos pesados del rap contemporáneo como Natos y Waor, Bejo o Sara Socas rinden tributo a Zatu y Acción Sánchez en un disco con el que los sevillanos reivindican su posición central en el rap en castellano de los últimos 25 años.

STEVE MASON Brothers & Sisters Domino / Music As Usual

3 marzo

Ex de la Beta Band, sigue explorando la psicodelia, con músicos como el pakistaní Javed Bashir.

LOS MANISES Todas son correctas Montgrí

3 marzo

Primer disco del dúo de Elche: postpunk imprevisible, casi experimental.

LUCÍA TACCHETTI

Flaps

Costa Futuro

9 marzo

La Julieta Venegas de la generación Z tiende puentes entre el pop y la electrónica.

CIBERCHICO & DANIEL DANIEL

Mundo Melodía Cero en Conducta

10 marzo

Dos de los más activos nombres de la escena pop pasada de azúcar (y de revoluciones).

BOYGENIUS The Record

Interscope

31 marzo

El supergrupo formado por Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus, las tres cantautoras que hoy por hoy definen el indie-rock con raíces, publica su primer álbum tras aquel EP con el que debutaron en 2018 en el sello Matador. Se ceden el testigo y el protagonismo vocal en cada tema, con unas armonías vocales siempre protagonistas.

FEVER RAY

Radical Romantics

Rabid / [PIAS]

10 marzo

Cinco años más tarde, el 50% de The Knife está de vuelta con un disco conceptual sobre el amor.

MILEY CYRUS

Endless Summer Vacation

Columbia

10 marzo

Según la propia Cyrus "una carta de amor a Los Ángeles", además de su enésima reinvención.

MORREO Alegría

Las Amigas Producciones

10 marzo

Trascinden el sonido ye-yé de su debut con la ayuda de Soleá Morente o Adiós Amores.

SLEAFORD MODS

UK Grim

Rough Trade / Popstock!

10 marzo

Con las colaboraciones de Dry

Cleaning, Perry Farrell (Jane's Addiction) y Dave Navarro.

ZUARAZ

Últimamente me acuerdo mucho de tu casa

Raso Estudio

10 marzo

Lo nuevo del proyecto del Blanco

Palamera Xoán Domínguez, Tiraya y los hermanos Hernández.

100 GECS

10,000 gecs

Dog Show / Warner

17 marzo

El hyperpop de antaño deja paso en lo nuevo de los de San Luis a un sonido mucho más punk pop.

KLIK & FRIK Simbiosis Nacional Records

17 marzo

Los Baiuca argentinos siguen su exploración del folk vía electrónica en un disco sobre hongos.

Noveno disco del proyecto de Anthony Gonzalez, con más protagonismo de las guitarras.

UNKNOWN MORTAL ORCHESTRA

V Jagjaguwar / Popstock!

17 marzo

Un híbrido entre West Coast AOR, hits clásicos, pop raro y hapa-haole hawaiano.

CORA YAKO

Cora Yako

Altafonte / Intromúsica

24 marzo

En los madrileños recae parte de la responsabilidad de recuperar el indie-rock en castellano.

LUCINDA CHUA

Yian

4AD / Popstock!

24 marzo

Habitual de FKA Twigs o Gaika, su debut es un álbum narcótico y extremadamente sensible.

JAMES HOLDEN

Imagine This Is a High Dimensional Space of All Possibilities

Border Community / 31 marzo

El regreso de este peso pesado de la IDM; un disco multidireccional y sin un sonido definido.

TZUSING Green Hat PAN

31 marzo

El productor malayo da el salto al sello de moda en el terreno de la electrónica más cool.

YVES TUMOR

Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume (Or Simply, Hot Between Worlds)

Warp / Music As Usual

17 marzo

El título interminable ya avisa de la intensidad del quinto disco del proyecto de Sean Bowie, con el que el artista norteamericano plantea el asalto a la división de honor del avant pop actual. Lo hace con un sonido mucho más orgánico de lo que nos tiene acostumbrados, y una base rítmica cercana al post-punk.

M83 Fantasy Virgin

17 marzo

IMAGE CITIES

KBr Centro de Fotografía

Avenida Litoral, 30. Barcelona

Hasta el 14 de mayo

No le viene mal este espacio, esta ciudad, este momento, a la joven fotógrafa ruso-americana Anastasia Samoylova. Galardonada con el KBr Photo Award en su primera edición, y saltando de ciudad en ciudad -comenzó en su natal Moscú y prosiguió en Nueva York, allá en 2021-, su cámara se ha ido deteniendo ante fachadas, vallas publicitarias, andamios, pantallas luminosas de Ámsterdam, París, Londres, Bruselas, Tokyo, y también Madrid y Barcelona gracias al mencionado galardón. Las fotografías resultantes tras tanto viaje invitan a interpretar el entorno urbano donde se mueve, donde vivimos, como si fuera un gran collage lleno y hecho de imágenes interconectadas sin previo aviso. El azar -de oca a oca y tiro porque me toca-, la búsqueda del momento fotográfico, los problemas cotidianos de quienes habitan con decreciente protagonismo las ciudades -los seres humanos- son baluartes que emplea la joven fotógrafa sobre su adquirida base documental. En palabras de la comisaria de la exposición, Victoria del Val, “Samoylova nos muestra muchas ciudades, pero podríamos decir a la vez que se trata de una sola, unificada por la serialidad, por la repetición en la sucesión de imágenes. A la manera del retrato de una gran ciudad global, su representación nos incita a reflexionar sobre el papel de la fotografía como reveladora de la brecha entre la identidad de marca de las ciudades y su realidad cotidiana”. Indirectamente, hay una gran carga ideológica, concienciadora y bella en Image Cities

FOTO: PINK POODLE, 2022.MONACO (ANASTASIA SAMOYLOVA)

SALA WURLITZER / MARZO 2023

Parce + Sickminds + Freedom Fighters

jue 02

Special Friend (Fr) + Los Recuerdos

vie 03

Concierto Despedida Mapache + 13segundos +Lagrimas y Rabia

sáb 04

MemocraciaEntrada Libre

jue 09

Sylvaine + E-L-R

vie 10

Monte Terror + Bueno Perdona

sáb 11

Voul + A.i.

jue 16

CONCIERTOS

DUKI

Palau Sant Jordi. Barcelona. Sábado 4

BEN YART

El Sol. Madrid. Sábado 4 Gorila. Zaragoza. Sábado 25

SOOLKING

Razzmatazz. Barcelona. Miércoles 8

LEWIS CAPALDI

Palau Sant Jordi. Barcelona. Viernes 10

WiZink. Madrid. Sábado 11

MIMI WEBB

Shoko. Madrid. Sábado 11

Razzmnatazz 2. Barcelona. Domingo 12

YUNGBLUD

Palau Sant Jordi. Barcelona. Domingo 12

EMILIA

Las Ventas Madrid. Viernes 17

JARFAITER

La Paqui. Madrid. Sábado 18

SHAME

Nazca. Madrid. Domingo 19

La 2 de Apolo. Barcelona. Lunes 20

AUDIOVISUAL

26 FESTIVAL DE MÁLAGA

Varios espacios (MÁLAGA)

Del 10 al 19 de marzo

Algo ocurre en Málaga, y no nos montamos películas, pero su festival de cine viene convirtiéndose,

Avlak + King Fucking MOB vie 17

Chill + The Trashers + Seymo sáb 18

Los Chivatos de Ana Frank dom 19

Toldos Verdes + Vicente Calderon jue 23

Chef Creador + Muro Maria (FOTO) vie 24

desde hace ya algunas ediciones, en termómetro anual de lo que nos traerá la cosecha fílmica mainstream MADE IN SPAIN. Mejor dicho, del cine con Ñ, porque este año son 8 de un total de 22 las películas que llegan a la Sección Oficial desde Hispanoamérica. En NUEBO tenemos muchas ganas de ver varios títulos: el debut largo de Alex Lora, que presenta a competición Unicornios; o a los pibes del barrio que protagonizan en sección paralela la (pen)última del argentino Raúl Perrone en Sean Eternxs. Hay más de 230 propuestas para disfrutar en nueve días. https://festivaldemalaga.com

SOMBRA

Filmoteca Regional (MURCIA)

Del 17 al 25 de marzo

Largos, cortos, presentaciones de libros, charlas, partidas de rol, concursos, exposiciones, hay de todo en este festival de cine fantástico, que ha superado su primera década con más fuerza que nunca. Destacan dos eventos de primer nivel: Claudio Simonetti’s Goblin interpretará en la clausura (sábado 25) la banda sonora original que compuso en 1978 para la película, hoy de culto, Suspiria, dirigida por Dario Argento. Y Enzo G. Castellari, admirado por un fan del género como Tarantino, presentará el día 24 su mítica cinta 1990: Los guerreros del Bronx https://sombrafestival.com

SERIES MANIA

Vairios espacios (LILLE, FRANCIA)

Del 17 al 24 de marzo

Empacho de series. Ocho días consumiendo capítulos sin parar en grandes pantallas, comedia, noir, romántico, acción…, anticipándote a lo que luego, quizá, llegue a la TV. Busca vuelos baratos y echa un vistazo a la competición internacional (tip: Almodóvar debuta como productor…, ufff),

Winter Severity Index + Autosacramental sáb 25

Concierto Sorpresa jue 30

Electric Fence vie 31

MIAU sáb 1 abr

sin olvidar propuestas francesas como la que filma y firma Iris Brey https://seriesmania.com

D’A FESTIVAL Varios espacios (BARCELONA)

Del 23 de marzo al 2 de abril

Qué suerte quienes puedan hacerse con una entrada para ver los trabajos de nuestro cineasta colombiano favorito, Theo Montoya; o de la hacelotodo alemana, Helena Wittmann; o la expansiva Laura Citarella, con su última cinta premiada en Mar del Plata. Son solamente tres de las propuestas de cine de autor que llegan a Barcelona tras cosechar aplausos en otros festivales. Entre los conciertos audiovisuales, la pianista, compositora electrónica y diseñadora sonora Hara Alonso y la artista digital Alba G. Corral llegan al D A con Somatic Suspension, 45 minutos de sonidos sintéticos, música de piano, imaginería abstracta y poéticas imágenes envolviendo la velada.

https://dafilmfestival.com

CAFÉ KINO

Teatro Pavón (MADRID)

5 y 19 de marzo

¿Domingos de misa? El mejor culto que podrás encontrar hoy en la ciudad para rematar tu fin de semana es un domingo de cine y música en vivo. El teatro de Embajadores programa este mes dos sesiones imprescindibles. La cinta rusa El acorazado Potemkim será amenizada en directo por Raisa y el ecléctico guitarrista Xisco Rojo, cuyos estilos combinan el rock y la psicodelia con elementos folk. A su vez, el día 19 tendrá lugar un live de 117 minutos con la música original creada para la ocasión por el pianista y compositor de música electrónica Morales, que pondrá banda sonora a la cinta de Fritz Lang, Metropolis https://cafekino.es

#GPS12

Todo listo para que la 13ª edición del ciclo Girando Por Salas empiece a funcionar. Arrancan las furgonetas y eso se traduce en la friolera de entre cien y doscientos conciertos a lo largo y ancho del país.

Todavía no podemos dar el dato de número de conciertos exactos que componen la convocatoria de esta 13ª edición de Girando Por Salas, porque en el momento de cerrar la edición algunos artistas como La Trinidad, Confeti de Odio, Johnny Garso o Furious Monkey House no habían concretado sus fechas. Pero, incluso a pesar de ello, en estos momentos están confirmados un total de 125 conciertos a lo largo y ancho del país -no solo en la Península sino también en Canarias, Baleares, Ceuta y Melilla-. Una auténtica barbaridad de fechas que de la mano de los artistas que ves en esta página, los anteriormente citados, y el resto de nombres que componen el ciclo (Arima Soul, Bourbon Kings, Dani Botillo, Lorreine, Malafé , Nativa y Razkin ) suponen una apuesta por la dinamización del tejido de salas de música en directo.

Moon (Santiago) 10 marzo / Kominsky (Vigo) 11 marzo / La Bohemia (Castellón) 24 marzo / Espai Octubre (Valencia) 25 marzo

/ Rayuela (Santa Cruz de Tenerife)

14 abril / Cadavra (Madrid) 28 abril / Pícaro (Toledo) 29 abril

Berlín Social Club (Almería) 11 marzo / El Gran Café (León)

28 abril / Fábrica de Tornillos (Miranda de Ebro. Burgos) / Es Gremi Sala 1 (Palma de Mallorca) 26 mayo

Universonoro (Palencia) 17 marzo / La Casa del Loco (Zaragoza) 20 abril / Sala Zero

(Tarragona) 21 abril / Sala Milwaukee (El Puerto de Santa María. Cádiz) 25 mayo / Escenario Aliatar (Granada) 26 mayo

Teatre del Raval (Gandía. Valencia) 25 febrero / Círculo de Arte (Toledo) 31 marzo / Off Cultura (Badajoz) 28 abril / La Yesería (Murcia) 5 mayo / Ea! Teatro (Albacete) 6 mayo / Café Berlín (Madrid) 27 mayo

Velvet (Ceuta) 11 marzo / Aguere (La Laguna Tenerife)

25 marzo / Musik (Murcia) 1 abril / Avalon (Soria) 14 abril

/ La Casa del Loco (Zaragoza)

15 abril / Monkeyman (Guadalajara) 19 mayo

Es Gremi (Palma de Mallorca) 4 marzo / La Mecánica (Jaen) 10 marzo / REM (Murcia) 11 marzo / Farándula (Algeciras) 1 abril / Totem (Pamplona) 6 mayo / Porta Caeli (Valladolid) 12 mayo / Krazzy Kray (Cambados. Pontevedra) 14 mayo / Soundclub (Navalmoral de la Mata Cáceres) 27 mayo

Loco Club (Valencia) 23 marzo

/ Sideral (Albacete) 24 marzo

/ Sol (Madrid) 29 marzo /

Directo (Cuenca) 30 marzo

/ Vol (Barcelona) 4 mayo /

Creedence (Zaragoza) 5 mayo / Musikbox (Menorca) 13 mayo

VERA FAUNA POP LA

KORA / POP

DANI POP

MARISA VALLE ROSO CANCIÓN

AIKO EL GRUPO / PUNK-POP

ANABEL LEE ROCK

Aguere Cultural (La Laguna. Tenerife) 18 marzo / La Salvaje (Oviedo) 31 marzo / Sala Baranda (O Barco do Valdeorras. Ourense) 1 abril

TACHO / CANCIÓN ELECTRÓNICA

Hangar 48 (Madrid) 9 marzo / M100 (Córdoba) 10 marzo / Genius (Huesca)

25 marzo / Casa das Crechas ( Santiago)

15 abril / Mister Witt (Cartagena) 20 abril / Radio City (Valencia) 22 abril / Stereo (Alicante) 12 mayo / Elcamm (Málaga)

13 mayo

FANEKA / FOLK-ROCK

Garufa Club (A Coruña)

27 abril / La Pecera (Vigo) 28 abril / Sinestesia (Barcelona) 4 mayo / Euterpe (Sant Joan d'Alacant, Alicante) 5 mayo / Capsa (Tarragona) 7 mayo

HOONINE / URBANO

Zahora & Magestic (Ciudad Real) 1 abril / La Sala (Valencia) 28 abril / Els Pagesos (Sant Feliu de Llobregat) 29 abril / Vesta (Madrid)

12 mayo / Informal (Tafalla. Navarra) 13 mayo / Lebowski (Teruel) 19 mayo / Telva (Langreo. Asturias) 26 mayo / Café de las Artes (Santander) 27 mayo

LUIS FERCÁN / CANTAUTOR

La Rua (Burgos) 11 marzo / Black Bourbon (León) 31 marzo / La Casa del Mar (Alboraya. Valencia) 9 abril / Jagger (Lugo) 29 abril / Music Factory (Salamanca) 13 mayo / Morocco (Madrid) 21 mayo

NAT SIMONS / CANCIÓN

Círculo de Arte (Toledo) 4 marzo / Contacto (Navalmoral. Cáceres) 11 marzo / Long Rock (Sevilla) 16 marzo / Clasijazz (Almería)

17 marzo / Stereo (Logroño) 15 abril / Cocodrilo Negro (Ponferrada) 22 abril /

Porta Caeli (Valladolid) 6 mayo / Palo Palo (Marinaleda. Sevilla) 27 mayo

LOS MEJILLONES TIGRE PSICODELIA LATINA

Sala Stereo (Alicante) 11 marzo / Rock City (Almàssera, Valencia) 14 abril / Sala Edén (Huesca) 28 abril / Sala Wolf (Barcelona) 29 abril / Sala Karma (Pontevedra) 6 mayo / Es Claustre (Maó. Illes Balears) 12 mayo

QUERALT LAHOZ URBANO MESTIZO

Fanatic (Sevilla) 14 abril / Industrial Copera (Granada) 15 abril / Sala López (Zaragoza)

5 mayo / La Casa del Mar (Castellón de la Plana) 12 mayo / La Cochera Cabaret (Málaga) 21 mayo / Es Claustre (Maó. Illes Balears) 27 mayo

MEMEFEST 2023

CCCB. Barcelona

11 de marzo

www.cccb.org

Humor en internet. Folclore digital. Fiesta. ¿Qué más puedes pedirle a tu teléfono? Conviértelo en un evento real. O mejor aún, ya lo hacen por ti. En el CCCB se encargan de reunir influencers, artistas, ingeniosas o polémicas referencias del espacio virtual para que charlen, cuenten, canten, se confiesen y compartan con fans de los memes todo o parte de sus pavadas online. Nombres para esta edición: Soytuinfluenser, Ofèlia Carbonell, Pol Andiñach i Viñals, Estela Ortiz, Rita Roig, Luna Ki, Berta Prieto, Begoña Gómez Urzaiz, Pantocrator

EXPOSICIONES

BOWIE TAKEN BY DUFFY COAM (MADRID)

Desde el 15 de marzo

Estreno mundial de una expo de Bowie que lleva años gestándose. Apunta, fetichista: más de ciento sesenta objetos, desde fotografías del también genial Brian Duffy a videoclips, materiales artísticos, memorabilia… El universo Bowie alcanza categoría de sagrado, como si estuviese predestinado a veneración infinita.

www.coam.org

ASGER JORN IVAM (VALENCIA)

Hasta el 18 de junio

El Institut València d Art Modern (IVAM) presenta La creación abierta y sus enemigos: Asger Jorn en situación, una muestra que profundiza en la creación de imágenes, en las conexiones entre la pintura y la edición y experimentación gráficas del aclamado pintor danés y despliega todo su universo creativo. Más de doscientas piezas, algunas de ellas inéditas, repasan todas sus etapas artísticas a través de pinturas, dibujos, grabados, publicaciones y colaboraciones. https://ivam.es

ALEX KATZ CAC López de la Serna (MADRID)

Hasta el 28 de julio Espacio cuasi secreto, exquisito, escondido. Merece la pena llegar hasta aquí para admirar las descomunales pinturas del incombustible Alex Katz (Brooklyn, 1927). Retratos y paisajes inconfundibles que el artista crea con su reconocible paleta de colores planos y su manera personal de entender el espacio y la luz. Nunca te lo han puesto más fácil. www.lopezdelasernacac.com

VIBRA MAHOU

Madrid

¡Este marzo lo damos todo por las salas y la música en directo con nada menos que 15 fechas en la programación de Escenarios Vibra Mahou!

¿Quién da más?

ANTÒNIM + THEREMATIC

El Sol

03 mar

CHICKEN RECORDS Pop & Roll

10 mar

DESTERRADOS

Cocodrilo

11 mar

PILUKA ARANGUREN Y SUS INTERNACIONALES DEL BOLERO Juglar

15 mar

ADIÓS AMORES (FOTO) + LAURA KATZE

Café La Palma

18 mar

LUCAS DE MULDER Intruso

18 mar

CONCIERTO DE MÚSICA

URBANA: GLOSS FT ETB Insomnio

18 mar

CHISUM CATTLE CO

Dakota

19 mar

DIXON + VARONAS Rockville

23 mar

GEORGIA IZQUIERDO Fulanita

24 mar

LIMA SHAKES Barco

24 mar

PSYCHEDELIC LEMON La Caverna

24 mar

DIAGNÓSTICO BINARIO + VIE BORA

El Perro de la parte de atrás

25 mar

CLARENCE BEKKER BAND

Clamores

25 mar

AGRESSOR Silikona

26 mar

GERMÁN LÓPEZ QUINTETO & ANDREAS PRITTWITZ

Café Central

30 mar

BIZNAGA

Octavo Arte / Segovia

10 mar

La Cueva del Jazz / Zamora

11 mar

Pumajero/ Hospitalet, Barcelona

24 mar

CARMEN XIA

La Salá / Valencia

04 mar

JIMENA AMARILLO

El Veintiuno/ Huesca

11 mar

KULTO KULTIBO

Eden/ Huesca

18 mar

LADY BANANA

Loco Club / Valencia

02 mar

Stereo / Alicante

03 mar

MARIA JAUME

Lata de Bombillas / Zaragoza

05 mar

NEOMAK Sidecar / Barcelona

04 mar

Teatro del Barrio/ Madrid

18 mar

ROCIO SAIZ

Txintxarri / Pamplona

17 mar

Sala Gorila / Zaragoza

18 mar

Sala X / Sevilla

24 mar

Planta Baja / Granada

25 mar

VERMU

JIMENA AMARILLO

BIZNAGA

LADY BANANA

SAID MUTI

Doka Kafe / San Sebastian

23 mar

La Textil / Barcelona

25 mar

VALENTIN CAAMAÑO

Avalon Café / Zamora

02 mar

C.T. Avalon Green / Soria

03 mar

VERMU

Lata De Bombillas / Zaragoza

11 mar

Asklepios / Valladolid

17 mar

Clavicembalo / Lugo

31 mar

NEOMAK

ROCÍO SAIZ

Hace años Astrud cantaban aquello de “hay un hombre en España” que lo hace todo... Muchas cosas han cambiado desde entonces. Una de las más evidentes, que hoy el protagonista no sería un hombre, sino una mujer con nombre y apellido. Si no te has cruzado con Rocío Saiz en algún momento de tu vida durante los últimos cinco años es que claramente has estado desconectado del mundo. Porque quien fuera frontwoman de las Chillers es una de esas personas ubicuas cuya actividad abarca campos bien diversos: actriz en la recién estrenada La amiga de mi amiga, directiva de la Asociación de Mujeres en la Industria de la Música, activista LGTBI y comunicadora más o menos improvisada en el programa Que parezca un accidente de Radio 3. Y en medio de todo este frenesí a Rocío aún le queda tiempo para salir a girar las canciones de su primer disco en solitario, Amor amargo (Primavera Labels, 2021). El viernes 17 en la Sala Txintxarri de Pamplona, sábado 18 en Sala Gorila de Zaragoza, viernes 24 en Sala X de Sevilla y sábado 25 en Planta Baja de Granada.

CANAL CONNECT

Teatros del Canal (MADRID)

Del 23 de marzo al 23 de abril www.teatroscanal.com

Tercera edición de uno de los festivales más atrevidos, donde arte, ciencia y tecnología se combinan en distinto grado para estimular tu sensibilidad hacia las artes escénicas de manera sorprendente. La ilustradora francesa Noemi Schipfer y el artquitecto y músico japonés Takami Nakamoto combinan sus talentos en Nonotak (en la foto). SH4D0W, de Eu-Ai Lab, es la primera producción de artes escénicas protagonizada por una criatura de inteligencia artificial. Y VERDENSTEATRET estrena en España su espectáculo Trust Me Tomorrow , con luces parpadeantes.

SALA BERLANGA Programación de marzo Madrid

Ciclo audiovisual:

Premios Goya

Del 1 al 4 de marzo

Varios horarios

Entradas: 3,50 euros

Festival de cortometraje:

SGAE en Corto 2023

Del 7 al 9 de marzo

19.00 h y 21.00 h

Entrada libre hasta completar aforo

Ciclo audiovisual: Trans (re)presentación y Cine español en la Transición

10 y 11 de marzo

19.00 h y 21.00 h

En colaboración con el Teatro Real

Entradas: 3,50 euros

Ciclo audiovisual: Animación y compromiso

Del 14 al 18 de marzo

19.00 h y 21.00 h

Entradas: 3,50 euros

DARK WATERS

Tate (LIVERPOOL. REINO UNIDO)

Hasta el 4 de junio

Por primera vez, la obra del grandioso pintor JMW

Turner se puede disfrutar de forma multisensorial, pues sus cuadros más salvajes, sus mares desatados, sus tormentas emocionales lucen envueltos en la música creada siglos después para la ocasión por Lamin Fofana www.tate.org.uk

ARTES ESCÉNICAS

CANARIAS ARTES ESCÉNICAS

Varios espacios (ISLAS CANARIAS)

Desde el 10 de marzo

Sexta edición de alcance internacional, la que se celebra entre marzo y mayo en las islas de Tenerife, La Palma, La Gomera, El Hierro, Gran Canaria, Lanzarote y Fuerteventura, para fomentar las artes escénicas en tiempos difíciles. Chicos Mambo, Compagnie Lucamoros, Claudio Tolcachir, Laviebel, Ultramarinos de Lucas, y Wanted Posse llevarán sus espectáculos circenses, cabareteros, poéticos, reflexivos, bailongos, cómicos… www.festivalcae.com

POEX

Varios espacios (GIJÓN)

Del 17 al 25 de marzo

La nueva edición de POEX, festival poético, volverá con su concurso de videopoemas y sus múltiples actividades donde la palabra, la música, el cine y la imagen elevan el ánimo a ese espíritu decadente que sobrevuela algunas veces por las calles de la ciudad asturiana. Este año se anuncia especial dedicación a la poesía norteamericana. @POEX_xixon

Ciclo Audiovisual: Programado por Pablo Berger

Del 21 al 25 de marzo

19.00 h y 21.00 h

Entradas: 3,50 euros

Charla y concierto: A solas con Israel Fernández

Del 30 de marzo al 1 de abril

20.00 horas

Entrada libre hasta completar aforo

Dir. Davy Chou

Rep. Ji-min Park, Louis-Do de Lencquesaing, Yoann Zimmer, Oh Kwang-rok.

Camboya / 2022 / Vértigo

10 marzo

Seúl se ha convertido para toda una generación de jóvenes criados en la cultura K-pop en una suerte de tierra prometida. No así para Freddie, la protagonista de la película, una joven criada en Francia y que vuelve al país en el que nació en busca de sus orígenes, de un autoconocimiento incompleto cuando tu vida se ha desarrollado a caballo de dos culturas... y dos familias. El director de Diamond Island evita los lugares comunes con una película honesta, que no solo nos introduce en las singularidades de la cultura coreana, sino en las aguas turbulentas del interior humano.

MANDALORIAN 3ªT.

Dir. Jon Favreau

Rep. Pedro Pascal, Gi.Esposito, Serie / 1 marzo

El inesperado cameo de Luke Skywalker en la 2ª temporada hizo que acabara en lo más alto. Veremos qué tal el regreso con un Pascal que es estrella global.

CREED III

Dir. Michael B. Jordan

Rep. Michael B. Jordan, T. Thompson Largo / 3 marzo

No contento con ponerse como un Miura en una granja de anabolizantes, el prota se pasa también a la dirección en esta continuación de la saga Rocky

MY WAY OUT Dir. Izaskun Arandia España / 2022 / Atera Films 31 marzo

Con testimonios -algunos muy duros-, imágenes de archivo y con música disco, Izaskun Arandia proyecta en pantalla grande la esencia de esta disco londinense, icono para la comunidad trans y para cualquiera que mire más allá de géneros, clasificaciones y prejuicios. Necesario, justo, abierto y optimista.

La edificante historia de una mujer a la que le tocó la lotería y se lo gastó todo en fiestas y alcohol le sirvió a Riseborough para ser nominada a un Oscar.

BRAINWASHED: SEX-CAMERA-POWER

Rep.

Documental / 8 marzo

El canal TCM celebra el día de la mujer proyectando este documental en el que en paralelo se analiza el machismo en el cine a nivel formal y coyuntural.

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BROS. MÁS QUE AMIGOS

Dir. Nicholas Stoller

Rep. Billy Eichner, Luke

Macfarlane

EE UU / 2022 / Universal-Arvi

15 marzo

En un momento en que el debate sobre otras formas de sexualidad lo inunda todo, sorprende que el audiovisual no se acerquen a colectivos no heteronormativos desde la más absoluta cotidianeidad, más allá esas historias a proposito de traumas y conflictos qué, en ese caso sí, son el pan nuestro de cada día en el cine y la TV. A caballo de la herencia de Woody Allen y Judd Apatow, Bros es una comedia romántica y urbanita (neoyorquina), un género relegado al olvido, tal vez porque vivimos malos tiempos para el amor. Y sus protagonistas son gays. Bienvenidos a la normalidad.

SICK OF MYSELF

Dir. Kristoffer Borgli

Rep. K. Kujath Thorp, Eirik Sæther Largo / 10 marzo

Comedia negra que podría hacer sesión doble con El triángulo de la tristeza: una pareja mantiene una malsana competitividad que deriva en cosas chungas.

LOS REYES DEL MUNDO

Dir. Laura Mora Ortega

Rep. C. A.Castañeda, Davison Florez Largo / 17 marzo

Cinco chavales deambulan por las calles de Medellín en un viaje nihilista que sirvió para llevarse la Concha de Oro a la Mejor Película en San Sebastián.

Dir. Michel Franco

Rep. Tim Roth, C. Gainsbourg México / 2022 / Divisa / 2 mar

Tim Roth en el papel de pijo que pasa de su familia y se pierde deliberadamente por Acapulco. Franco, maestro a la hora de retratar la lucha de clases.

Dir. Zhang Yimou

Rep. Zhang Yi, Zhang Hanyu China / 2021 / Karma / 7 mar

El veterano cineasta chino sigue reconstruyendo la historia de su país, en este caso con un thriller de espías ambientado en el Estado títere de Manchukuo

CORTEN!

Dir. Michel Hazanavicius

Rep. Romain Duris, Bérénice Bejo Francia / 2022 / Vértigo / 15 mar

El director de The Artist adapta la gamberra historia de zombis One Cut of The Dead, de Shinichirô Ueda. El reverso gamberro de The Last of Us

CLIFF WALKERS

SUNDOWN

Dir. Nina Menkes

Rosanna Arquette, Maria Giese

TO LESLIE

Dir. Michael Morris

Rep. A. Riseborough, Marc Maron Largo / 3 marzo

EL EXTRAÑO

Dir. Peyton Reed

Rep. Maika Monroe, Burn Gorman, Largo / 17 marzo

Una cinta que, más allá de su condición de thriller terrorífico, adquiere un significado especil hoy: una mujer se siente acosada por un hombre que la observa.

65

Dir. Scott Beck, Bryan Woods

Rep. Adam Driver, A. Greenblatt Largo / 24 marzo

A medio camino del thriller y la aventura espacial, Adam Driver se queda atrapado en el planeta Tierra de la época de los dinosaurios.

JOHN WICK 4

Dir. Chad Stahelski

Rep. Keanu Reeves, Rina Sawayama Largo / 24 marzo

Es la hora de las tortas, y Keanu Reeves necesita en esta saga muy poco para repartirlas. Como coprotagonista nuestra portada del mes de julio: Rina Sawayama.

FUEGO FATUO

Dir. João Pedro Rodrigues

Rep. Mauro Costa, André Cabral Largo / 31 marzo

Su propio director la ha definido como una fantasía musical con elementos futuristas -parte transcurre en 2069- y bomberos que son puro orgullo gay.

Dir. Álex de la Iglesia

Rep. A. San Juan, Blanca Suárez España / 2022 / Sony-Arvi / 14 mar

De la Iglesia y su Pokeepsie Films (Venus, La piedad) siguen on fire con esta comedia negra sobre cuatro desconocidos que se encuentran en un Blablacar.

LA MUJER REY

Dir. Gina Prince-Bythewood

Rep. Viola Davis, John Boyega

EEUU / 2022 / Sony-Arvi / 15 mar

La historia real de Reino de Dahomey y su ejército de mujeres soldado, que sirvió de inspiración a Marvel para crear el universo Black Panther

LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIOS

Dir. Oriol Paulo

Rep. Bárbara Lennie, E.Fernández Esp/ 2022 / Warner-Arvi / 16 mar

Nuestro Alguien voló sobre el nido del cuco, adapta un best seller de Torcuato Luca de Tena con una Lennie magnífica como periodista dentro de un psiquiátrico.

POR: RAMÓN BAYLOS

WO LONG: FALLEN DINASTY

Team Ninja

: PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S

17 mar

Una nueva aventura épica de la mano de un estudio creado por maestros artesanos en el género. Team Ninja nos lleva a una china medieval fantástica con un juego que promete poner a prueba nuestra habilidad a los mandos y la bendita paciencia necesaria para sobreponernos a todas y cada una de sus adversidades.

WWE 2K23

Visual Concepts : PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S

17 mar

El simulador por excelencia de los espectáculos de la Lucha Libre americana vuelve con una nueva entrega que promete ofrecer una experiencia más grande y compleja que la anterior.

BAYONETTA ORIGINS: CEREZA AND THE LOST DEMON

PlatinumGames : Nintendo Switch

17 mar

La famosa saga de hack'n'slash de PlatinumGames da un giro de 180 grados hacia un spin-off de puzles y aventuras, con la singularidad de que promete explorar la infancia de la Bruja de Umbra.

STORYTELLER

Daniel Bermengui : PC, Nintendo Switch

23 mar

Las historias que se cuentan son puzles a resolver, siempre a partir del pensamiento lateral y de la lógica. Un ejercicio magnífico de cómo experimentar con la narrativa en un videojuego.

THE LAST OF US PARTE I Naughty Dog : PC

28 mar

El remake de la primera entrega de la saga llega por fin a ordenadores para demostrar que las grandes historias de PlayStation y sus estudios también merecen salir en PC.

SYSTEM SHOCK

Night Dive Studios

: PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S

TBC

El regreso de una de las sagas más míticas de PC con un remake del primer juego que sirvió como precursor espiritual del mismísimo Bioshock unos años más tarde.

DREDGE

Black Salt Games : PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S, Nintendo Switch

30 mar

Dredge apunta a ser uno de los mejores indies del año por su premisa: se trata de un tranquilo juego de pesca que poco a poco evoluciona a un relato de terror inspirado en la literatura de Lovecraft.

EL CUARTO PASAJERO

Juarma

BlackieBooks

344 p. / Ficción contemporánea

Las hostias que recibes de crío pueden destrozarte la vida. Juarma vuelve al pueblo y se supera: tras el odio, la furia y la mugre también cabe mucho amor.

LODO

Begoña Méndez

Lengua de Trapo

100 p. / Novela

Algún día, alguien le meterá mano a todo lo que apesta en la manga del Mar Menor. De momento, Méndez se atreve desde lo personal con estilo pulcro.

ESPACIO NEGATIVO

BR Yeager

Caja Negra

400 p. / Ficción contemporánea

Tres voces, tres personajes. Es lo que el autor necesita para crear este alucinado malabarismo en cascada. El scroll vital de la nueva generación perdida.

RASGUÑO

Rebecca Watson Barrett

272 p./ Ficción contemporánea

¿Quieres saber cómo vive una joven en Londres, cómo piensa, decide, actúa, sobrevive? No una cualquiera. Una como tú. Abre las páginas de este libro, verás la capacidad de enfrentarse a lo peor de lo peor. Rebecca Watson llega al mundo literario para destrozar los convencionalismos, para revivir dadaísmos, locuras, corsés. La vida no es lineal, los libros sí lo son. Todos tus libros, menos este. No te fijes en la maquetación ni en las formas. Este es un rasguño al alma de la literatura.

TAINTED LOVE

Stewart Home Bruxista

296 p. / Ficción moderna

No se lo han pensado mucho en el colectivo Bruxista para recuperar un libro y un Londres pretérito que todavía sirven de espejo donde ver pura transgresión.

NO TODO EL MUNDO

Marta Jiménez Serrano

Sexto Piso

212 p. / Ficción contemporánea

Puede que tengas tus mariposas estomacales volando sin control. El amor en la ciudad, cuando se posa sobre papel escrito a flor de piel, flota y pica como una avispa.

BALLARD RELOADED

B. García Guirado & A. Navarra

H&O Editores

224 p. / Biografía

Nadie mejor que JG Ballard para fragmentar vidas, paisajes físicos o anímicos, y compartirlos sin más. Este cóctel literario sirve para sorber todo su universo.

IMAGE CITIES

David Campany / Victoria del Val

Fundación Mapfre

180 p. / Fotografía

Las grandes ciudades del mundo están pobladas de imágenes. Cabe mucha reflexión en cada una. Potente trabajo de la joven fotera Anastasia Samoylova.

PERDER EL TIEMPO

Guillermo Marco Remón

Isla Elefante

87 p. / Poesía

Título manido pero revelador para un presente frenético. El joven poeta te ayuda a dar la vuelta de tuerca y, con ingenio y arte, cambiar de velocidad.

AZAMI

Aki Shimazaki Nórdica

136 p. / Novela

Delicia japonesa. La primera de cinco entregas tamiza eternos desafíos de la humanidad: el orden de una vida de apariencias se rompe por cierta pasión secreta.

LAS ARAÑAS SE ENCIENDEN EN LOS HOTELES

I.J. Hernández Traspiés

172 p. / Novela

Premiada, divertida, agitadora, surrealista como una temporada dentro de la mente sin cuerpo ni forma de alguien que ha sucumbido a la cultura pop.

HUIR

Evan Dara Pálido Fuego

320 p. / Novela

Cuando lo normal parece lo asombroso, siempre se pone en valor. Cuando lo asombroso parece lo normal, solo la ficción sabe rescatarlo.

VRËSNO

Carolina Sarmiento

Pez de Plata

160 p. / Ficción moderna

Para soltar miedos, traumas, secretos, nada como una guitarra. Las confesiones de la protagonista transitan por territorios oscuros, fronterizos, que atrapan.

QUEMANDO CROMO

William Gibson

Minotauro

280 p. / Ciencia ficción

Publicados originalmente en revistas y antologías, se reúnen los primeros relatos del reputado autor, génesis de lo que luego daría pie al cyberpunk.

DESDE LOS MÁRGENES

Varios Autores

Walden

368 p. / Cine

¿Alguna vez has abierto una enciclopedia? Mola mucho. En esta encontrarás el estilo outsider de un viaje por 300 pelis que se salen de la norma dominante.

PUNKI

Marc Torices

Apa-Apa Cómics

392 p. / Color / 32,90 €

El desgraciado perro Cornelius creado en fanzines autopublicados o en colecciones como La cruda negra necesitaba un recopilatorio extenso y revisado.

Franck Manguin y Cécile Becq

Nórdica

96 p. / Color / 22,50 €

El manga sigue inspirando al cómic francés hasta en sus historias. Una chica acabará en una pequeña isla del Mar del Japón trabajando como buceadora.

EL BAR DE JOE

José Muñoz y Carlos Sampayo

Salamandra Graphic

360 p. / BN / 30 €

Tras su recopilación de Alack Sinner, Salamandra recoge en un tomo su spin-off protagonizado por los parroquianos de este extraño bar de NY.

EVOL Atsushi Kaneko

Panini Cómics

276 p. / BN / 14,95 €

Vuelve el personalísimo autor de Deathco y Wet Moon con unos jóvenes suicidas que se convierten en superhéroes… ¿o serán supervillanos?

HAUNTED HOUSE

Mitsukazu Mihara

Tengu Ediciones

192 p. / BN / 8,5 €

El manga de terror continúa colonizando nuestras pesadillas con una casa encantada creada por la ilustradora más influyente del género Gothic Lolita.

POR CULPA DE UNA FLOR María Medem

Blackie Books / Apa Apa

MARÍA LA JABALINA

M. Giner Bou y Cristina Durán

Astiberri

176 p. / Color / 18 €

María la Jabalina fue una de las muchas mujeres asesinadas por el franquismo. Ochenta años después tenemos su historia narrada por la autora de El día 3

336 p. / Color / 34,90 € NO

Más de cuatro años ha tardado la sevillana María Medem en entregarnos la continuación de su aclamado Cenit (2018) que le dio el premio de autora revelación del 37 Salón del Cómic Barcelona y el premio ACDCómic de la crítica a mejor autora emergente. Lo hace a lo grande, con una obra de más de trescientas páginas publicada a medias por dos editoriales. Uno de los cómics de 2023.

HELIOTROPE: LOS LADRONES DE MAGIA

Joann Sfar y Benjamin Chaud

Nuevo Nueve

64 p. / Color / 18 €

Cómic para jóvenes con problemas para jóvenes de la mano de todo un clásico de la BD francesa, Joann Sfar, acompañado del personal ilustrador Benjamin Chaud.

LITTLE MONSTERS

Jeff Lemire y Dustin Nguyen

Astiberri

152 p. / Color / 18 €

Lemire y Nguyen se han convertido en una de las duplas artísticas más excitantes del indie americano. Ahora se atreven con El señor de las moscas y niños vampiros.

Fumi Mikami

Distrito Manga

192 p. / BN / 8,95 €

Primer manga de esta autora publicado en España. En un mundo donde la homosexualidad es la norma, que una chica se enamore de su amigo es un problema.

NO SLEEP TILL SHENGAL

Zerocalcare

Reservoir Books

208 p. / BN / 20,90 €

Tras su éxito con la serie de animación de Netflix, el autor italiano Zerocalcare regresa a Irak para documentar la vida y lucha de la comunidad ezidí.

OTOÑAL

Daniel Kraus y Chris Shehan

ECC Cómics

224 p. / Color / 26 €

El amigo de Guillermo del Toro y guionista de La forma del agua se introduce en el folk horror más terrorífico con la ayuda del dibujante Chris Shehan.

X-RAY ROBOT

Mike Allred y Laura Allred

Planeta Cómic

144 p. / Color / 16,95 €

Lo nuevo del matrimonio Allred vuelve a asombrarnos con esa mezcla de arte pop, colores brillantes e historia del rock’n’roll con un toque surrealista.

NEXTWAVE:

AGENTES DE H.A.T.E. Warren Ellis y Stuart Immonen

Panini Cómics

296 p. / Color / 25 €

Hace quince años el guionista Warren Ellis y el dibujante Stuart Immonen nos volaron la cabeza con un supergrupo Marvel que luchaba contra los villanos más surrealistas. ¿El resultado? Una de las series más queridas por los fans de Marvel del siglo XXI.

LA ALEGRE VIDA DEL TRISTE PERRO CORNELIUS

AMA EL ALIENTO DE LAS MUJERES

Editorial

por mucho que elon musk lo haya intentado dinamitar, el debate -y, como consecuencia ineludible, la cancelaciónsigue instalado en Twitter, esa red social que sobrevive a costa de generar polémicas cada minuto. El terreno de lo cultural no es una excepción aun disfrazándose de otro tipo de discusiones, como los abusos en el contexto de los Premios Feroz o la vieja trifulca a propósito de las ayudas públicas al cine español, de vuelta a propósito de los pobres resultados de taquilla de La Piedad de Eduardo Casanova. Dos ejemplos de cómo lo político lo inunda todo y embarra el campo de juego.

Algo parecido puede decirse de la polémica que ha derivado en trending topic estas semanas a propósito de la creación de zonas golden en los conciertos: espacios reservados para aquellos que adquieran entradas más caras, y que alejan de los artistas a aquellos fans que no pueden permitirse pagar esos altos precios. Lori Meyers se convirtieron en objeto de las iras de Twitter precisamente por ello, y terminaron emitiendo un comunicado de rectificación con el que dieron por finiquitada la idea inicial de crear zonas VIP en su concierto en WiZink Center.

Más allá de la manera en que se ha manejado el caso concreto de la banda granadina -ejemplo perfecto de los errores y aciertos a la hora de manejar una crisis en una red tan iracunda como es Twitter-, la asunción de ese modelo por las bandas nacionales viene a constatar que aquello que nos llamó tanto la atención en los primeros festivales que se atrevieron a parcelar los espacios frente al escenario en base al poderío económico

de los espectadores ha llegado para quedarse. Nada diferente en realidad de lo que lleva sucediendo desde hace décadas: hace mucho ya que la música se convirtió en privilegio, no en derecho, aunque equivocadamente lo reclamemos como tal. Pura ley de la oferta y la demanda, turbocapitalismo si se prefiere, que deja bien a las claras los niveles de desigualdad creciente, especialmente evidente en ciudades como Madrid y Barcelona. Por buscarle el punto positivo a todo esto, lo bueno de la autorregulación del mercado es que el consumidor casi siempre tiene la última palabra. Recordemos que desde hace años las salas de conciertos, imprescindibles para crear un tejido musical, lloran amargamente la ausencia de un público que las ha abandonado en favor de otras formas, casi siempre masivas, de disfrutar de la música en directo.

Al hilo de todo esto, alguien se preguntaba en Twitter dónde está hoy ese underground que nutrió de ideas y recursos a la música hasta los primeros coletazos del siglo XXI. La pregunta señala generacionalmente a quien la hace. Por un lado, el underground desapareció el día que todo pasó a estar a un golpe de click. Por otro, si algo define a los millones de personas que publican sus canciones a diario en las plataformas es precisamente su libertad creativa, lo que ha dado en un crisol de sonidos y tendencias musicales a distintas velocidades: de inesperados multimillonari@s a casos como los de Lotic, artista sobresaliente que hace nada se vio obligado a pedir ayuda a sus fans para pagar el alquiler. Está en nuestra mano elegir a quién brindamos apoyo...

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