Una vuelta de tuerca

Por Yeray Portillo

Creo que el primer recuerdo que tengo de leer por primera vez el nombre de Mattin, se remonta al año 2011, cuando en Mediateletipos, una web de referencia para el mundo del arte sonoro y la experimentación, se hacen eco de la edición en castellano del libro “Ruido y Capitalismo” además de su posible obtención vía descarga gratuita… Diez años después surge la oportunidad de entrevistarlo para Uhin, durante la celebración del festival MEM en Noviembre de 2021. Artista y músico fundamental para entender el desarrollo del arte sonoro en el norte de la península durante los últimos 25 años, su trabajo abarca lo sonoro, desde la experimentación al ruidismo y la improvisación, sin dejar de lado la continua reformulación teórica. Su grandeza radica en la continua praxis metodológica inherente al eterno debate sonoro epistemológico, cual hombre del renacimiento, generando obra sonora y literaria, de suficiente impronta como para merecer sumo respeto. Hablamos de más de setenta trabajos en solitario y decenas de obras en compañía de numerosos proyectos, además de una ingente cantidad de textos, publicaciones y “papers” donde socava continuamente los modelos cuasifilosoficos de cómo entendemos esto de lo sonoro y lo social. Atreverse a explorar su producción más las doscientas y pico referencias publicadas bajo el manto de alguno de los sellos que gestiona-ba es bucear en un precioso y reivindicable camino total hacia la reconsideración conceptual de lo audible, lo social y lo humano, donde brilla la estética y la abstracción, en un discurso sólido, incisivo y necesario.

Su obra, por tanto, resulta inabarcable en una breve introducción que da paso a una entrevista. Según Discogs, comienza en 2001 a publicar material bajo su propio sello, w.m.o./r con un álbum que repaso mientras escribo estas líneas. Sakada, donde el ruidismo, las disonancias y la percusión se entremezclan formando bellos y sugerentes pasajes en una grabación de un mes de marzo junto a Rosy Parlane, dando como resultado un trabajo áspero y sensual, oscuro a la par que brillante y repleto de matices… Y a lo largo de esa década sigue grabando para su propio sello. Ese que dará a luz a lo largo de 10 años casi 40 trabajos de artistas como Michel Henritzi, Tim Goldie, Taku Unami, Radu Malfatti, Tomas Korber, Bruce Rusell, Max Wastell entre otros, además de obras de “grupos” como Billy Bao, Heliogabalus, Belaska o La Grieta (muchos de estos donde el propio getxotarra participa), reeditando incluso el mítico “Symphony For A Genocide” de todo un icono de la movida industrial como es el nunca suficientemente idolatrado Maurizio Bianchi. Volviendo a la discografía del caballero rubio Mattin, pasa por diferentes sellos como GROB, Hibari Music, Formed Records, absurd, 100+1 TiLt, Black Petal, Celebrate Psi Phenomenon, Azul Discográfica, CONV, Little Enjoyer, Fargone Records, Bottrop-Boy, Manual, Free Software Series, Larraskito, Ozonokids, Auf Abwegen, etc, hasta llegar a este 2022… Antes de repasar a continuación junto al artista sus últimas publicaciones, y trabajos, merece la pena reseñar el concierto-intervención-performance, que ofreció Mattin en Noviembre de 2021, días después de que se sucediera esta entrevista. Fuimos citados a una hora, donde con las luces apagadas y en silencio, el getxotarra, relativamente ajeno al público, comenzó a reproducir diferentes sonidos a través del móvil, tratando de generar una situación de incomodidad entre los asistentes. Tras unos minutos, alguien entre el público, comenzó a reproducir diferentes sonidos a través de su celular, generando una cadena de intervenciones sonoras por cada uno de los que allí estábamos, formando un mantra irrepetible a modo de ruido disperso. Para acabar, Mattin nos invitó a dejar nuestros móviles sobre el escenario y retirarnos a conversar un rato sobre lo que sentíamos, lo que interpretábamos y lo que sucedía. Porque el arte, no olvidemos jamás, debe suscitar reflexión, mas allá de las herramientas utilizadas para ello…

Ye-ray: Ante lo ina-barcable de tu pro-ducción tanto a nivel particular como con tus millones de proyectos, es más cómodo centrarnos en las producciones de este último año. Una ingente carrera musical que comenzaste hace 20 años, ¿no?Mattin: Si, mi primer concierto en solitario con el ordenador fue en Bilbao La Vieja, durante la nochevieja entre 2000-2001. Me invitó a tocar Borja Serra, con quien tuve un grupo en Algorta con 15-16 años llamado Boomer. Yo estaba con el ordenador haciendo ruido y se quedaron solamente 2 personas viéndome. Y así empezó mi carrera en solitario…Y: De hecho, creo que en mi opinión y la de muchos, eres junto a Xabier Erkizia, la figura más visible del arte sonoro y la experimentación sonora en el País Vasco… M: Hay otros, como Miguel A. García. Yo soy del 77, Xabier es de 1975 y Miguel A. García es de 1980. Justo me hablaron de Erkizia por primera vez, en el concierto de la nochevieja del 2000. Más tarde también me habló Makala de Xabier. A Makala le conocí en el 99 en un taller que realizaron el y Javi Pez sobre como hacer música electrónica con oprdenador en el mítico y añorado Arteleku. Allí estuvimos gente como Jon Mantxi y Enrike Hurtado. Más tarde Makala me habló de Xabier Erkizia, que estaba haciendo su festival en Bera. Le llamé inmediatamente y le dije que quería tocar en Ertz… Y: Según Discogs cuentas con una discografía de más de 70 referencias en millones de sellos, desde Munster, W.M.O./R, GROB, Hibari Music, Formed Records, Black Petal, absurd, 1000+1 TiLt, Celebrate Psi Phenomenon, Azul Discográfica, CONV, Little Enjoyer, Fargone Records, Bottrop-Boy, Manual, Free Software Series, Tochnit Aleph, Larraskito, Auf Abwegen, Mount Analogue, Disembraining Machi-ne, Anòmia Ràdio, Crystal Mine. Y proyectos y grupos paralelos como Belaska, Bi Rak, Billy Bao, Deflag Haemorrhage/Haien Kontra, Josetxo Grieta, La Grieta, No More Music At The Service Of Capital, Regler, Sakada. Y llegaste a participar con Consumer Electronics, ¿no? M: Si. Viviendo ya en Berlin le trajimos, junto con Tim Goldie, a Philip Best a tocar. Yo creo que le encantó la ciudad y se vino a vivir junto a su antigua novia proponiéndome colaborar en el disco y hacer la música. Estaba trabajando con Gary Mundy de Ramleh, y entré con ellos a hacer el disco, y algunos conciertos… Y: Para empezar a hablar del presente, en este 2021 tienes “Licking Ears”, un CDr para Eric Schmid de Chicago. Por lo que he escuchado parece una performance en directo, ¿no? M: Exactamente. Fue una acción. Sucedió en una habitación a oscuras, pequeña. Yo entré, tenía un micrófono y fui donde la gente preguntándoles a la oreja. Les murmuraba “oye perdona, para disfrutar de manera plena este concierto, te tengo que chupar la oreja, ¿te importa?” A veces me decían “no me importa, si, si, adelante” y tras lamerles la oreja, les preguntaba “Y bueno, ¿que te ha parecido?”. Había una diferencia grande entre lo que esta persona percibía y lo que la gente oía. Esta persona solo escuchaba este murmullo y la conversación, los demás no oían nada, solo unas risas, etc… Luego, las sonrisas de los otros. A medida que iba haciéndolo, las 30 personas que había ya se daban cuenta de lo que pasaba y entonces creo que lo que pasó para mí fue importante. Porque últimamente, lo que he hecho es utilizar al público como instrumento para improvisar. Estoy interesado en la improvisación en términos de relaciones sociales y qué mejor instrumento que el público. Y esta, es una manera muy muy literal de tocar al público. Y: Algo parecido a una acción que pude ver tuya en Artiatx en el Zarata Fest de 2014. M: Tiene que ver con una manera de explorar cierta confu-sión y la relación entre cómo estás tú en el público. Depende mucho de cómo estés tú, en relación a las otras personas, y lo que te llega y no te llega. Entonces, es improvisar con la especificidad. Una cosa increíble de la improvi-sación es como sucede al mis-

un poco como lo que hicimos en el concierto de Billy Bao, que tú viste. Unas premisas muy muy sencillas, pero nunca habíamos tocado de esa manera y eso dirigido, y luego la libertad surge de unas restricciones delimitadas conscientemente, que te llevan hacia una dirección que de otra manera no llegarías. Es ra ciertos aspectos, te hace estar incómodo y de repente en esa incomodidad surgen cosas a las que no hubieras llegado de otra manera. Es como algo más chas y poner en marcha ciertos mecanismos que muy raramente te llevan a sitios realmente incomodos. Entonces de repente, poder delimitar de cierta mane -

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Totalmente, porque vengo de la improvisación. Y claro, la improvisación es el creer que de la nada ya puedes hacer algo. Es copiar reglas que no están di -

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A mi me parece muy interesante lo de las reglas, delimitar ciertos marcos para obtener resultados. yo tengo una relación de amor odio con el rock. tocábamos nos veíamos como algo muy estereotipado y la primera idea fue la de ponernos unas reglas muy sencillas. Nos pusimos reglas, porque más honesta. Esto viene de Answers, un grupo con el que solo dimos un concierto. Él toca en Brainbombs, una banda de punk legendaria. Cuando muy concretas para tocar con instrumentos de rock un género musical determinado. Y por supuesto, es una perversión total y a veces alguna cosa

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Se trata de tocar diferentes estilos de música con instrumentos de rock. Regler significa reglas en sueco. Entonces, nos ponemos unas reglas ficar ciertos estilos? Porque tenéis discos dedicados al techno, al blues, a la no wave… poco más duro que el Regler#12, pero muy bueno. Regler sois Anders Bryngelsson contigo y contáis con varias colaboraciones. ¿Tratáis de desmiti -

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También el “Minimalism” me ha gustado, sobre todo por una parte rítmica que se repite, no sé si por fricción, que le da un punto de mantra. Es un También escribió un libro que se llama “Against ambient”, que es una crítica al ambient. legendario en términos de pensar acerca del sonido (The Blink of an Ear: Toward a Non-Cochlear Sonic Art). Y hace muchas piezas conceptuales. a ver si de hecho traducen sus textos/libros de una vez. El viene del rock, luego hizo un doctorado sobre el sonido y además, tiene un libro que es

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Me hace muchísima ilusión que te haya gustado el de Ambient. Lo grabamos con Seth Kim-Cohen, quien también ha escrito mucho sobre sonido, malism) y sobre todo y especialmente el Regler#12 (Ambient) con Seth Kim-Cohen, variado, hipnótico y bastante especial.

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Igualmente en este 2021, has publicado material con Regler, que me ha gustado muchísimo. Tanto Regel #11 (No Wave) como Regler#10 (Mini rotunda. trabajar de manera conjunta estos intereses. Para mi son igual de importantes las ideas que los sonidos o dicho de otra manera no hago una distinción

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Efectivamente, yo estoy entre diferentes disciplinas. Estudié Arte Yeoría, y vengo de la música desde la práctica. Intento de manera indisciplinada de hacer, ¿no?

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Ya que el arte debe suscitar reflexión, el proceso cobra importancia. Y extrapolar eso al sonido es harto complicado, que es lo que creo que tratas charías un concierto diferente. escenario. Yo pedí a 10 personas de entre el público que hicieran ciertas preguntas en alto cada dos minutos. Dependiendo de donde estabas, escu al máximo. Eso fue una manera de difusión más conceptual. El espacio era una nave industrial muy grande y estaba más o menos oscuro. No había ción, por esto el público es tan importante.Dependiendo de donde estés puedes escuchar una cosa o la otra y en este concierto traté de llevar esto mo tiempo la producción y la percepción de lo que sucede al mismo tiempo. Esto quiere decir que la recepción se convierte en parte de la improvisa -

nos llevó a hacer un concierto que nun ca hubiésemos hecho. Entonces, es una rareza muy productiva, porque de repente es plan tearte cómo funcionas desde esa perspecti -

va. Y: Vamos con “La Grieta”, que también me ha encantado. Se acaba de editar la discografía completa en Crystal Mine, que se com pone de las grabaciones “Hermana Hostia” (2005), “Decisión” (2010), “Ultimo Polvo” (2013), y grabaciones del 2015, como homenaje a Gerard Lockel. La Grieta sois Mattin, Iñigo Eguillor a la batería, y luego se han ido sumando diferentes componen tes con el transcurso del tiempo. Y he observado una evolución clara desde el material más pri migenio y cercano a un rock más tradicional, hasta cosas más experimentales, minimalistas o jazzy… “Decisión” me ha encantado, por ejemplo… M: Es muy jevi y denso. Es como una manera de gestionar el suicidio de Josetxo Anitua. Las letras, cuando salió en CD-R en Black Petal, no lo comentamos, pero entre nosotros, en la manera en que lo hicimos, fue recordando momentos de Josetxo. Fue como una manera de pensar en Josetxo y las letras nos salieron de conversaciones, de pensamientos, de cosas muy duras porque fue duro el tema. Es un disco como ya he dicho muy denso y oscuro (como la temátoca). Y: Me encanta la evolución de “La Grieta“ hacia terrenos más jazzísticos, como los últimos dos discos con colaboraciones de Jean-Luc Guionnet, donde en las composiciones tienen menos masa, es algo más abstracto, más depurado. ¿El proyecto está muerto? ¿Vais a sacar material nuevo? M: No, no está muerto. Pero este era un material muy especial. Nosotros veníamos de tocar con “Inte Domine”, un grupo del 94 al 96, que es con quienes em pecé a tocar de verdad. Con “Piji”. Luego en 2005, él me propone a raíz del single de Billy Bao, hacer algo de nuevo y es cuando surge La Grieta, y el primer disco lo grabamos muy rápido, de manera muy fresca. Fue como volver a Bilbao, a Getxo de nuevo después de haber estado en Londres siete años. Y: Aquí hemos sufrido lo que yo he venido a llamar la “Tiranía del Txosnarock. O el autoritarismo sonoro del rock radical vasco”. Y eso ha condicionado totalmente para bien o para mal la cultura musical vasca. M: Si, si, totalmente. Yo he crecido con eso y de repente escuchar siendo muy joven M.C.D. y saber que eran de Bilbao era la ostia. Los dos primeros discos de M.C.D. para mi son básicos. Fui de Dire Strites a M.C.D., Lou Reed, La Velvet… Y: A mi me pasa lo mismo con Eskorbuto, siendo de la margen izquierda, aunque a veces crea que se les ha idolatrado demasiado… M: Para mi Eskorbuto son los que siempre me dan mucho de vuelta… No creo que se les pueda idolatrar demasiado. Concep tualmente son geniales. Es un material espectacular. Una claridad en las letras sublime. Las ideas conceptuales que tenían eran brutales aunque pocas veces las llevaban a cabo a rajatabla. Por ejemplo, cambiaron el orden de “Los demen ciales chicos acelerados” para que funcionase mejor en vinilo pero así se cargaron la trama narrativa del disco. “Demasiados Enemigos”, el último disco que publicaron, es ya redondear su carrera de forma maldita, un adios inmenso. Joder, si Nirvana que si están idolatrados y solo sacaron tres discos… Y estos sacaron 7 discos en muy poco tiempo y todos muy especiales… Y: En Marzo de este año pasado sacaste un podcast para Anòmia Ràdio. M: Si, con Erich Schmid, y Miguel Prado. Te recomiendo mucho a Eric Schmid, hace cosas increibles, raras e interesantes. Y: Vamos con Al Karpenter. Desde el anterior LP “If We Can’t Dream, They Won’t Sleep!! (Ever/NE ver 2020), que lo tengo mas machacado, hasta el actual “Musik From A Priva te Hell” (bruit direct disques 2021) son dos álbu mes que suenan de mane r a

esta banda, Chinese Restaurants, que llevaba muchísimo tiempo tocando cuando los conocí música. Es abogado y una persona excepcional, mitad mexicano y mitad americano. Y él tenía talento que he conocido nunca. Le conocí en Nueva York, y es un erudito de la literatura, de la tienen para Ever/Never, Instant Music (2019) increible. Loy es una de las personas con más Si. Loy Fankbonner, toca en el grupo que se llama Chinese Restaurants. Y el disco que

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¿Ya habías hecho más labores de producción?

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que lo saque el sello parisiono bruit direct disques. bien. Este segundo disco es mucho más europeo. Es menos rock así que tiene sentido que Ever/Never quisiera publicar el primero. Sobre todo porque es un sello que está muy Ahí me lo he currado. A mi me encanta trabajar con sellos. Me hizo muchísima ilusión

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ro, me parece brutal.

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disques. Conseguir esa proyección internacional para una figura reivindicable como Álva res. Es un trabajo impecable. Y habéis pasado de trabajar con Ever/Never a bruit direct -

Y el tratamiento de las voces, los coros del tema final que son tuyos, son espectacula

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que sea la voz de Al la protagonista. Al. De esos momentos en la pandemia de estar totalmente metido en una olla a presión y este último trabajo, el título ya me indicaba que era como intentar meterte en la cabeza de minimalista. E igual la próxima cosa será mucho más abierta y más explorativa. Pero con que tuvimos el título en la época pandémica, mi trabajo fue más íntimo, no burbuja, pero si bases están trabajadas con TidalCycles. Son experimentos que yo iba haciendo. Una vez que usaba. Vi esto, sonaba muy bien y además te permite hacer cosas un poco raras. Las era lo mío. Estaba ya con ganas de hacer ritmos, pero no me encontraba cómodo con lo encontré un programa de live coding, TidalCycles. Cuando vi este programa, descubrí que montando, y le iba pidiendo a Al voces. Es más íntimo. Yo para trabajar las partes rítmicas animó a tocar. Este segundo disco es material que Al tenía y luego en el estudio yo iba que era oro puro. Luego en Berlín, grabé material a Chie Mukai y Lucio Capece, que se Luego cogimos material del concierto que hicieron Seijiro con Joxean Rivas en Larraskito, gimos material de dos sesiones. El núcleo del primer disco son María Seco, Álvaro y yo. - En el primero yo tuve más que ver a la hora de mezclar. Las mezclas las hago yo. Co

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Capece. ¿Estas colaboraciones, vas encaminándolas tu, o surgen por parte de Álvaro? álbum, recuerdo colaboraciones de Seijiro Murayama, Joxean Rivas, Chie Mukai o Lucio Enrique Zaccagnini, Miguel A. García, Werner Dafeldecker, Rudy Mental. En el anterior este nuevo trabajo, tuyas, de María Medina, María Seco, Marta Sainz, Barb Karpenter, Hay kilates en ambos trabajos. Las colaboraciones son muchísimas con Álvaro para

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trabajando con este proyecto. a sentirme realmente libre a la hora de trabajar y de disfrutar. He disfrutado muchísimo se puede, pero siempre el material que me pasa es muy inspirador y a la vez me da pie hasta con el móvil. Por ejemplo, las voces, él las graba con el móvil. Y se hace lo que me venga. Además, me puede pasar cualquier tipo de material, muchas veces grabado rial que no tengo miedo a la hora de tratarlo, que me da pie a intentar cualquier idea que - Cuando me pasa algunas grabaciones, oigo unas posibilidades infinitas. Es un mate

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una energía, y un resultado final bestial. Tu labor como productor es espectacular. ¿Cómo trabajas con Álvaro? Porque, siendo él un diamante en bruto, le has sacado

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Es más íntimo

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resultado de este segundo álbum es más compacto y sólido. Es un disco más redondo. materiales diferentes y este “Musik…” es un material más conceptual y homogéneo. El tema que da título al disco, con voces, recuperando el rock. El primer disco tenía más Y comenzando con partes minimalistas la segunda cara, tocando matices noiseros. Y el tres primeros temas son oscuros y rítmicos, acabando la cara con un tema más abstracto. más rabioso, más denso. Este último me ha parecido más pinchable, más tranquilo. Los brutal. Por ejemplo, en este último el trabajo de mastering es espectacular. El primero es

en NY, como hace 15 años, habían empezado como banda de versiones de los Doors, y yo viendo su material, les decía que tenían que grabar algo y moverlo. Grabaron con Ben Green (que ahora toca en Uniform con Mike Berdan) y entonces yo les ayudé metiendo mano en la producción con su primer single. Luego también he hecho de productor en los diferentes proyectos que tengo. Ahora tengo un estudio en Berlín, Abject Music. Y: Ahora que hablas de Berlín, leí hace tiempo, que decías que, tras haber vivido en mu-chos sitios, elegiste definitivamente Berlin, porque era la escena que más te convencía, ¿no? M: Por muchas cosas. Por factores de la vida. También allí hay mucha gente que conozco. Yo empecé en Londres, pero a trabajar de manera más conceptual fue en Berlin. Y: Para acabar con lo meramente musical, también he visto que tienes diferentes sellos. w.m.o/r, que por lo que he visto con 40 ediciones, Lp’s, Cd’s, cosas varias. Tienes reediciones de Maurizio Bianchi… Tienes lo de Free Software Series en CD-R, y Desetxea net-label que funcionó desde 2003-2015 con 206 releases… M: Están un poco en letargo, y a ver si recupero esa labor…Y: Hablemos un poco sobre el papel de los sellos y de la industria. Recientemente leía “La muerte del Artista” de la editorial Capitán Swing, donde desmitificaba la idea que se nos ha vendido desde las grandes multinacionales, de que cualquiera puede ser artista, además de mostrar las verdaderas dificultades en la época actual para el artista, considerándola como la peor de todas por multitud de motivos. Quizás antes, los sellos ejercían un papel de filtro, con una cierta importancia. Ahora quizá importen más los lugares, las escenas… ¿Cómo ves la industria, el papel de los sellos, etc.? ¿Crees que es un aspecto importante? M: Yo creo que este es el tema más interesante. Creo que todo está cambiando. Está cambiando el formato, la atención, la relación entre el autor y la obra. El formato disco no se si está obsoleto, se es-tán sacando más EP’s. Canciones. Creo que la atención de la gente está cambiando y cada vez cuesta más mantener la atención. Sin embargo, la gente también puede estar horas y horas con una serie y también he conocido gente joven con un nivel de concentración y conocimiento que nunca he visto. Y: Creo que es una cultura de la imagen, en cuanto a las redes fíjate de Myspace a Tik Tok. A mi me cuesta visualizar en términos de imagen. Alberto Bernal en un libro coral, llamado “Terremotos Musicales” plantea este mismo problema. Vivimos en un mundo que cada vez da mayor prioridad a lo visual. Y la industria también se centra en ello. M: No es que sea solo en lo visual. Por ejemplo, en el arte está pasando justo lo contrario. Finalmente, el sonido, la escucha, están cobrando una importancia necesaria. Incluso la música, también está siendo aceptada y estudiada como si fuese obra de arte (como pasó con la fotografía en los 80 y con el video en los 90). Esa jerarquía esta desapareciendo desde el arte. Pero en general estoy de acuerdo, pero también tiene que ver no solo con la imagen sino con la individualización. De cómo te vendes como personas-marca en las redes sociales. Con instagram la imagen cobra mucho protagonismo hasta el punto de tener repercusiones tóxicas pero también puede tener aspectos positivos cuando la gente se da cuenta de que tu vida es una perfor- mance, una actuación con la que puedas cambiar lo que se supone que eres y no te gusta. Y: Es un poco como la última parte de Attali en Ruidos, donde el individuo permanece en casa con su sistema de sonido Hi-Fi, su ordenador, to- talmente desnaturalizado del entor- no social, queriendo exponer sus cosas, sus obras. Una multiplicidad de indivi-

duos, queriendo vender sus trabajos artísticos. Y por lo que ví en tu tesis y entreveo en la significancia de tus procesos y producción, creo que es más importante negar el ego y el yo, que subyace en la creación, y apuntalar la colectividad y lo grupal, que es precisamente lo que se está perdiendo... Si, efectivamente. El desnaturalizar el proceso de individuación está ocurriendo. Algo que las redes sociales nos están enseñando formas de so

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cializar mucho más dinámicas. El problema es como te proyectas. Toda esta sociedad nos lleva a presentarte como un ente competitivo que te puedes vender, que te puedes comercializar, que tienes esas cualidades y ahí tiene que ver mucho lo que tu hablabas de la imagen, pero esto genera las barreras que son muy ficticias y frágiles. No es de extrañar que tanta gente tenga problemas mentales porque esas barreras se desintegran. Entonces hay una contradicción entre como esta sociedad intenta enmarcarte como un individuo que te tienes que vender y como eso que aparentemente es lo natural, es algo artificial que se está resquebrajando. Porque no genera más que desgracia e infelicidad.

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Totalmente. Se da la reacción en el individuo, de que “yo no sirvo para esto”.

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Y flaco favor hacen las redes sociales en cuanto se genera una comparación natural incluso con el amigo visto como el competidor, que es lo que

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se fomenta, creo yo. Creo que las tecnologías, Instagram, Fb, tienen unos intereses comerciales brutales. Pero cómo intervienen en procesos de mediación y posibilida

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des de conectar, es algo muy positivo. Se dan las dos cosas. Lo que sería factible es coger lo más interesante y dejar lo negativo por otro lado. Pero creo que por un lado desnaturalizan muchas cosas que antes igual dábamos por sentado y dinamizan formas de interactuar increíbles y formas de llegar a sitios que antes eran impensables. Por ejemplo, enterarse del trabajo que está haciendo una persona determinada a cientos de kilómetros de distancia. Luego te llega el bajón por otro lado... Sería cuestión de ver cómo coger lo bueno y quitar lo malo. Es un ejercicio realmente complicado, que requeriría deshacer esos fundamentos en los que estas redes sociales se basan. En los que, tú como individuo piensas que ya eres autosuficiente. Pero autosuficiente no es nadie. En esta sociedad necesitas dinero, y ciertos servicios básicos. Vamos ahora con tu labor más conceptual y teórica… Porque tu tesis es de 2017, y ¿de ahí deriva uno de los libros que presentas ahora, no?

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Efectivamente.

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Tienes varias publicaciones, desde “Unconstituted Praxis” hasta “Ruido y Capitalismo”, pasando por “Bilbao Acabado”y millones de textos publi

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cados en tu web, además de estar trabajando en un libro sobre Marx. He empezado con tu tesis. “Disonancia social”, que justo se acaba de publicar ahora en inglés por la editora Urbanomic Explora la discrepancia entre nuestro narcisismo individual y nuestra capacidad social… Que también puede ser de otra manera. De como nos pensamos. Como individuos, tenemos la capacidad de ser libres y de actuar, pero estamos constantemente y socialmente determinados de diferentes maneras que niegan esa posible libertad que crees que puedes tener. Todo este sistema te dice que tu como individuo en una sociedad democrática – representativa, tienes capacidad de decidir lo que quieres, de ser libre. Pero esta es la mayor falacia de nuestros días. Por eso vemos que en el día a día, esta libertad es extremadamente limitada y está constantemente

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sien do nega da, sobretodo si pensamos en tér minos de futuro. No se ve un horizonte en el cual la realidad pueda ser diferente y que realmente po damos decidir lo que queramos. Encarnamos una discrepancia de valores, unos valores que nos determinan como nos entendemos a nosotrxs mismxs. Pero a la vez son una cárcel. Y: Nos encierran, efectivamente. Hablas de alienación, de desmitificar. Final mente se trata de que nuestras concepciones nos encierran. Liberarnos de nuestros conceptos básicos nos hará más libres. No dar ninguna verdad como absoluta. Me interesa saber cómo extrapolas el concepto de disonancia social a lo sonoro, y me gusta el trato que tienes hacia Cage, de como discrepas y tratas de superar con bastante respeto sus ideas M: Yo tomo a John Cage como una cárcel. De como es una representación de esa cárcel que tiene que ver con el individuo autosuficiente. Esto también tiene que ver con su orientación política, más cercano al anarquis mo norteamericano que es mas individualista. Yo tomo como ejemplo su experiencia de la cámara anecoica en 1952 el, cuando dice que en vez de oir silencio, oía estos dos sonidos (la circulación de la sangre y su sistema nerviso). Esto le llevó a expresar que no hay silencio. Pero para llegar esta conclusión el tiene que generar una narrativa, que apunta Douglas Kahn cuando dice que también tuvo que escuchar un tercer sonido, que es el de su mente diciendo “ha, estoy escuchando estos dos sonidos”. Pero el no se da cuanta de esto y de hecho este momento fue clave para llegar a su idea “de los sonidos en si mismos”- Si antes hablabamos de las barreras ficticias del individuo, aquí nos encontramos con su expresión estética al pensar que podemos aislar los sonidos y experimentarlos de manera individual. Estas dos formas de pensar son un reflejo de la sociedad en la que vivimos rodeados por mercancías que también se presentan como objectos autonomos. Lo que tienen en común estos procesos es que ocluyen su contenido social. El concepto de la alienación nos ayuda a desmantelar esta idea y es lo que trato en el libro pero el punto de partida es Cage y si dea de los sonidos en si mismos (sounds in themselves) que también es una estetización de los sonidos cotidianos. Y: Como la Musique Concrete. M: Exacto, es algo muy cercano a la fenomenología. Por un lado, está la separación entre el individuo y el sonido, aquí estoy yo y los sonidos los puedo deter minar. Yo lo que digo es otra cosa. Si como individuos estamos socialmente constituidos, no es tan fácil definir que es lo que soy yo lo que es el otro, y yo digo que no es que no haya sonido individualmente, sino que hay otro ruido, que es un ruido mental, que está en nuestra cabeza que tiene que ver con la disonancia social. Pensar que nosotros podemos ser autosuficien tes como individuos y hacer esta separación, está en contraste con una realidad que constantemente lo está negando. Es como ir a un ruido mental... Recuerdo que se escribió un libro muy interesante sobre audiología, como la manera científica de estudiar el fenómeno de la escucha. Y entonces nosotros, Miguel Prado y yo, preguntamos si la escucha estaba conceptualmente mediada teniendo en cuenta la experiencia anecoica de Cage. Y nos dijeron: A eso no os podemos responder. Eso es algo que os corresponde a vosotros los artistas. Nosotros no podemos responder a eso. Si la escuchaestá conceptualmente mediada, eso significa que está socialmente mediada. Entonces, esa separación que Cage hace con los sonidos en si mismos... Nuestra percepción de los sonidos está socialmente mediada. Entonces, ahí no es que no solamente haya sonido en toda relación, no es que no haya silencio en cualquier relación. Sino que, aunque igual no lo queramos oír de la manera que normalmente oímos esos sonidos, hay un ruido que tenemos mentalmente, y que está ahí. Y ahí es donde se mezcla. Es como ir de una manera mucho mas directa o íntima en relación a cuál es el receptor de la escucha. Por ejemplo, mi pareja me dijo: Tu lo que estás haciendo es romper el cuarto muro in terior. En la cabeza tenemos esta concepción de que tenemos una separación entre lo que tu eres y el resto del mun do. Lo que estoy tratando de decir es que esa concepción de individuo