VIVIENDO EL ARTE DESDE EL COLECCIONISMO
VIVIENDO EL ARTE DESDE EL COLECCIONISMO
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Producción ejecutiva BMR Productora Cultural
Curaduría Juan Castells Textos Julio María Sanguinetti Ernesto Beretta Didier Calvar Martín Gurvich Raquel Pereda William Rey Ashfield Damiano Tieri Fotografía Carly Angenscheidt Lorente Luis Piñeyro Trezza Corrección Maqui Dutto Diseño editorial Anabella Corsi Impresión Gráfica Mosca D.L. Nº 000.000 ISBN: 978-9974-8754-1-8 © 2019. BMR Productora Cultural Derechos Reservados. Queda prohibida cualquier forma de reproducción, transmisión o archivo en sistemas recuperables, para uso público o privado, por medios mecánicos, electrónicos, fotocopiado, grabación o cualquier otro, ya sea total o parcial, del presente ejemplar, con o sin propósito de lucro, sin la expresa, previa y escrita autorización del editor. Producido, diseñado e impreso en Uruguay
[ Imagen en página anterior ]
MARC CHAGALL Le violoniste au village enneigé, 1973 (Reproducido en página 393)
A mis nietos
ÍNDICE GENERAL UNA GRAN COLECCIÓN
132
César Pesce Castro
322
Nelson Romero
8 Julio María Sanguinetti
134
Agustín Ezcurra
326
Eduardo Vernazza
136
Roberto Castellanos
328
Carlos Páez Vilaró
GRANDES MAESTROS
138
Juan Carlos Figari Castro
330
Clarel Neme
20 Pedro Figari
140
José Belloni
334
Raúl Javiel Cabrera
44 Juan Manuel Blanes
144
Federico Escalada
338
Germán Cabrera
46 "Triunfo de la ciencia sobre la muerte"
TALLER TORRES GARCÍA
William Rey Ashfield
148
José Gurvich
346
Pablo Atchugarry
CONTEMPORÁNEOS
48 Rafael Barradas
150
"Janucá"
354
Ignacio Iturria
50 "Mi sobrino Calixto"
Martín Gurvich
360
Marcelo Legrand
Raquel Pereda
228
362
Hugo Longa
56 "Personajes en escalinata"
Ernesto Beretta
366
Enrique Broglia
Didier Calvar
240
Manuel Pailós
368
Lacy Duarte
58 José Cuneo
248
Augusto Torres
370
Miguel Bategazzore
"Autorretrato frente al espejo"
62 "Luna, rancho y caballo"
252
Francisco Matto
372
Marcelo Urtiaga
Damiano Tieri
254
Julio Alpuy
376
Diego Donner
68 "Calle de Sárnico"
256
Horacio Torres
378
Gustavo Jauge
Didier Calvar
258
Walter Deliotti
380
Octavio Podestá "El torito"
76 Pedro Blanes Viale
260
Rodolfo Visca
382
80 "Contraluz"
262
Hugo Sartore
Damiano Tieri
Ernesto Beretta
266
Eduardo Yepes
384
Giorgio Carlevaro
84 Joaquín Torres García
268
Juan Cavo
386
Gustavo Genta
388
Julio María Sanguinetti
86 "Escena bucólica neoclásica" Didier Calvar PRIMEROS MODERNOS
GEOMÉTRICOS
274
José Pedro Costigliolo
EXTRANJEROS
292
María Freire
392
Marc Chagall
98 Manuel Rosé
394
Salvador Dalí
396
Yaacov Agam
Luis Alberto Solari
398
Eugenio Espinoza
Manuel Espínola Gómez
400
Benito Quinquela Martín
316
Vicente Martín
402
Hans Breinlinger
318
Lino Dinetto
320
Miguel Ángel Pareja
406
ÍNDICE DE OBRAS
106
Alfredo de Simone
NUEVOS MODERNOS
112
Petrona Viera
306
116
Ernesto Laroche
312
120
Carmelo de Arzadun
128
Alberto Dura
130
Carlos Alberto Castellanos
P R E S E N TA C I Ó N
El presente libro Viviendo el arte tiene como objeto exponer y difundir una importantísima colección artística, materializada en el Uruguay a lo largo de más de cinco décadas. Una iniciativa de publicación como esta impone siempre un rigor documental al mismo tiempo que una difícil tarea en los criterios de selección. En este sentido, la colección de obras nacionales se ha ordenado y agrupado en función de seis conjuntos: Grandes maestros, Primeros modernos, Taller Torres García, Geométricos, Nuevos modernos y Contemporáneos. Tal agrupamiento está fundado, básicamente, en la identidad cultural y artístico-temporal, más que en una lógica formal, aunque bien constituye una excepción el caso de los llamados Geométricos. Dentro de cada grupo, a su vez, el orden de ubicación de autores responde al criterio de la mayor representatividad e importancia específica de su obra dentro del conjunto. Así por ejemplo, Gurvich es el artista mejor representado dentro del grupo denominado Taller Torres García y es por eso que este conjunto se inicia con él. A su vez —y particularmente en este caso—, las obras que exponen sus búsquedas más personales se ubican al comienzo, seguidas de aquellas más relacionadas con la tradición del Taller Torres García. La razón de tal disposición no es arbitraria, sino que responde a la importancia de las primeras respecto de las segundas en esta colección. Importa también destacar que esta excepcional colección cuenta con obras de grandes maestros de nuestra producción artística nacional que demandaron una distinción y un agrupamiento especial, motivo por el que este conjunto inaugura la publicación. Finalmente, las obras de maestros internacionales definen el último de los conjuntos y Chagall abre esta serie por la calidad y la importancia de su obra Le violoniste au village enneigé. Un lugar especial dentro de esta colección lo tienen unas finísimas acuarelas del Dr. Julio María Sanguinetti, que llegan al coleccionista desde el más profundo de los afectos.
Juan Castells
U N A
C O L E C C I Ó N
U R U G U A Y A
Dr. Julio María Sanguinetti
10
En el mundo del arte, el coleccionista es un perso-
un tiempo de prosperidad, sino también —en el
naje no siempre comprendido. En Europa nació
final del siglo XVIII— el origen de las libertades
entre los monarcas y la aristocracia, especialmen-
democráticas. Las revoluciones inglesa y holan-
te a partir de las pequeñas cortes italianas que, al
desa, primero, y las grandes revoluciones fran-
impulso de príncipes ilustrados, atesoraron las
cesa y norteamericana, después, emanaron de
más singulares obras del Renacimiento. De allí
esa burguesía que ya no aceptaba el absolutismo
pasaron en su mayoría a Inglaterra y, luego del
aristocrático ni, mucho menos, su derivado colo-
“remate del siglo”, cuando la colección del rey
nialista. Resulta curioso, en nuestro tiempo, decir
Carlos I y de su círculo de amigos fue confiscada
que no ha habido nada más revolucionario que la
por la revolución de Cromwell, nutrieron a mu-
burguesía, pero así lo dice la historia y también
seos nacientes como El Prado, hijo de la pasión
este presente de cambios alucinantes, hijo tam-
por el arte de Felipe II y, especialmente, de Felipe
bién de su matriz creativa.
IV. Estos coleccionistas aristocráticos respondie-
De aquel cambio social nació ese burgués, ac-
ron a un tiempo y a una clase en que el arte vivió
tor renovador de un mercado del arte que será
asociado al poder, sea el de estos señores o el de
asimismo un liberador: ya el pintor no llevará a
la Iglesia, el gran comitente, que encargó obras
la tela, por encargo, solamente los retratos de los
con fines de prestigio, divulgación y publicidad.
nobles o las estampas religiosas; él creará con li-
1
Cuando hablamos de coleccionistas, en los
bertad, en un juego dialéctico con un mercado al
tiempos modernos aludimos al mundo burgués,
cual responderá, pero también a veces orientará
esa nueva clase social que, asociada al comercio
con sus innovaciones. Por supuesto habrá retra-
y a la industria, no solo fue la gran generadora de
tos por encargo, pero accederá al coleccionista público, el Estado con sus nuevos museos, o bien a esos otros señores de los negocios que procuran
1 Jonathan Brown, El triunfo de la pintura. Sobre el co leccionismo del arte en el siglo XVII. Madrid: Nerea, 1995.
rodear su vida con los nuevos cánones de belleza. Lo harán a la manera de los eruditos, como
dice Poli, que viven poseídos por la adicción de
En nuestro medio uruguayo, el coleccionismo
tener y no solo saber, que sueñan con conser-
es un fenómeno muy moderno. Una vida colo-
var el libro y no solo leerlo, encontrar siempre
nial pobre, propia de una frontera militar dis-
a mano la posibilidad del placer renovado de la
putada entre España y Portugal, una república
contemplación.
independiente que nació con mucho orgullo
2
Entre esos coleccionistas se dieron —y se
pero infinitas carencias no podían, natural-
dan— las motivaciones más variadas. En todos
mente, generar una aproximación al arte. Fue
los casos, sin embargo, prevalece una dimensión
el Estado el que inició los primeros esfuerzos,
afectiva, emocional, que supera y sublima lo que
aunque pensando en la obra de arte más como
pudieran ser iniciales inclinaciones a la imita-
testimonio histórico que como un valor artís-
ción o el atesoramiento. Muchas veces, incluso,
tico propiamente dicho. Los grandes cuadros
esa pasión desborda el marco de las decisiones
históricos de Blanes, forjadores de nuestra tra-
racionales tan propias de la mentalidad bur-
dición, se inscriben en un inteligente esfuerzo
guesa. Del mismo modo, hay una fuerte proyec-
por asentar y configurar una identidad nacio-
ción social, porque el coleccionista hace vibrar
nal. Artigas fue una sombra hasta que Blanes le
el mercado, valoriza la obra, libera al artista y
dio rostro y lo imaginó delante de la puerta de
preserva lo que muchas veces estaría perdido.
la Ciudadela.
En los países del norte siempre será motivo de
Así como en Europa los museos o colecciones
admiración; entre nosotros, los mediterráneos,
nacionales marcaron —dentro de un proceso
tendrá que convivir frecuentemente con la envi-
evolutivo— un punto de inflexión, que llevó al
dia de los mediocres.
pueblo lo que era exclusividad de los salones aristocráticos, en nuestro país fue un hecho fundacional. Un oasis que emergía en medio del de-
2 Francesco Poli, Producción artística y mercado. Barcelona: Gustavo Gili, 1976.
sierto. Los Sáez, los Blanes Viale, escultores como Ferrari se habían formado en Europa, a falta de
11
12
modelos locales. En Uruguay lo único que se co-
regalo de un cuadro del notable macchiaioli ita-
nocía era lo que habían difundido los primeros
liano Giovanni Fattori. También se compran al-
artistas italianos, en un medio que no estaba
gunos Blanes históricos, que configuran ya una
preparado para despliegues de modernidad.
sala especial.3
El incipiente Museo Nacional trató ante todo
Paralelamente iba naciendo el coleccionismo
de preservar una biblioteca y coleccionar testi-
privado. Hasta entonces, esa afición estaba muy
monios de la llamada “historia natural”. El pri-
lejos de los hábitos de nuestra gente, formada
mer rastro de la preocupación por el arte recién
en una dura escuela de austeridad. El estanciero
lo encontramos en 1867, cuando se suscribió —
tradicional, primer titular de riqueza, vivía casi
modestamente— a una edición de reproduccio-
tan mal como sus peones, en caserones helados
nes de los maestros italianos del Renacimiento.
y desangelados. Recién al comienzo del siglo XX,
A partir de entonces, trabajosamente, algunas
con una burguesía incipiente, es que realmente
donaciones —no siempre plausibles en calidad—
se puede hablar de un gusto por la comodidad
y esporádicas compras fueron configurando un
y el arte, más allá del retrato de familia o de la
bien exiguo patrimonio. Allá por 1878, el director
pintura histórica. Allí comienza nuestro modesto
de la Biblioteca Nacional de Buenos Aires visitó
coleccionismo, por cierto, nunca comparable al
Montevideo y sin piedad escribió que había allí
que afloraba en la Argentina en la misma época,
“bastantes lienzos como para pervertir el gusto
cuando se construían —y decoraban— los palace-
de varias generaciones”; solo exceptuó de su la-
tes del Barrio Norte. Pensemos simplemente que
pidario juicio al emblemático cuadro de Blanes
en 1898 Sorolla ya estaba conectado al “mercado”
de La fiebre amarilla, que ya estaba en nuestro
porteño con un representante permanente y que
museo. Recién en 1890 se le añadió El juramento
el enorme Bouguerau de El primer duelo, expues-
de los Treinta y Tres, propiedad del Estado, que se
to fuera de concurso en el Salón de París de 1888,
encontraba en la Secretaría de la Presidencia de
llegó a Buenos Aires inmediatamente, de la mano
la República.
de Francisco Uriburu, quien años más tarde lo
La presidencia de don Pedro Figari en el Ate-
donaría al Museo Nacional.4
neo, al comenzar el siglo, marca otro mojón,
Esa burguesía naciente, hija del comercio y
cuando arranca con algo tan moderno —propio
de la iniciativa industrial, descubrió el “signo de
ya de la cultura industrial— como una exposi-
distinción” que representaba poseer buen arte en
ción de afiches. Poco después, en 1905, el Círcu-
sus casas. Sus viajes, sus hijos estudiando alenta-
lo de Fomento de Bellas Artes provoca un gran
ban el placer del refinamiento. Así es que junto a
impulso en la enseñanza de las artes plásticas,
los clásicos “bibelots” y chinerías comenzaron a
removiendo el ambiente. El Estado da entonces
aparecer cuadros y esculturas en los salones de
un paso trascendente: desgaja del Museo Nacional su sección de Bellas Artes y comienza allí otra historia, de la mano del pintor Domingo Laporte, su primer organizador. Se abre en 1914, en su actual emplazamiento, y recibe “del ciudadano José Batlle y Ordóñez” —así dice su Memoria— el
3 Juan Pivel Devoto, Catálogo descriptivo del Museo Nacional de Bellas Artes. Montevideo: Ministerio de Instrucción Pública y Previsión Social, 1966. 4 María Isabel Baldasarre, Los dueños del arte. Buenos Aires: Edhasa, 2006.
nuestras buenas casas burguesas. París y Buenos
erigió en un auténtico ciudadano uruguayo, cul-
Aires marcaban un nivel que asociaba la cultura
tivando lo mejor de nuestra historia e identidad.
a la prosperidad. No se trataba simplemente de
Coleccionó documentos históricos que rastreó en
mostrar el esplendor en grandes casas; también
el mundo, juntó grabados y pacientemente, por
era importante que sus dueños representaran un
años, se dedicó a perseguir los Blanes que hoy
nivel cultural en ascenso.
son la base del museo epónimo en nuestro paseo
Fue fundamental para este desarrollo en nues-
del Prado.
tro país la aparición de una pléyade de artistas
Si no fuera por Fernando García y Octavio As-
destacados que, las más de las veces después de un
sunção, el Uruguay solo poseería de su mayor ar-
pasaje por Europa, sacudían el ambiente nacional
tista del siglo XIX los cuatro o cinco cuadros his-
con sus exposiciones. El retorno de Joaquín Torres
tóricos que compró el Estado durante su vida. El
García en 1934 abrió una enriquecedora dialéctica
resto estaría en Buenos Aires.
con quienes venían del Círculo de Bellas Artes: el
Otros coleccionistas podríamos mencionar de
Taller Torres García, con su constructivismo y su
tiempos contemporáneos. Hagámoslo solo con
paleta baja; los del Círculo, detrás de Carlos María
Milo Beretta y Susana Soca, porque fueron prácti-
Herrera, Cuneo y Laborde, con sus colores, su vi-
camente los únicos que trajeron al Uruguay obra
gor impresionista y luego su planismo.
moderna de valor universal. El Van Gogh y las
Todo esto irá llegando al gran público y, desde
piezas de Medardo Rosso que trajo Beretta, como
mediados del siglo XX, se vivirá una progresiva ten-
los Picasso de Susana, hasta hoy integran parte de
dencia a apreciar y aun coleccionar obras de arte.
nuestra nostalgia, al haber retornado a Europa.
Esa tendencia permanece y basta mirar el brío de las casas de remate y galerías para apreciarlo.
***
Entre quienes emergieron como coleccionistas, nos gustaría destacar a dos figuras. El primero,
Hechas estas divagaciones históricas que preten-
Fernando García, un comerciante e industrial hijo
den ubicar nuestro tema en su contexto, digamos
de gallegos, que hasta ahora es el mayor donante
que Enrique Manhard es uno de nuestros mayo-
que ha tenido el Estado en sus museos. Fruto de su
res —y mejores— coleccionistas actuales y bien
pasión coleccionista fueron conjuntos de medallas
se hace en inventariar la obra de su pertenencia
y relojes y una fantástica recopilación de medios
en un libro. Comerciante de profesión, no llegó al
de transporte, carretas, carruajes que configura-
coleccionismo por devaneo intelectual, sino sim-
ron un notable museo al integrarse la donación
plemente por buen gusto y sensibilidad. El pri-
con una hermosa casa-quinta en Carrasco. El Mu-
mer llamado de su vocación le vino de Gurvich.
seo Nacional recibió de él también su mayor lega-
Retornaba de un viaje y visitó, en 1967, la expo-
do, con más de 400 obras, donde al lado de algu-
sición del gran discípulo de Torres García que
nos magníficos Blanes, sus “gauchitos” y dibujos,
estábamos haciendo desde la Comisión Nacional
venían los grandes españoles de la época, como
de Bellas Artes de la época, que a la sazón yo te-
Rosales, Zuloaga o Romero de Torres.
nía el honor de presidir. (Y digo honor porque me
Otra figura emblemática fue don Octavio As-
acompañaban, entre otros, nada menos que José
sunção, un industrial de origen portugués que se
Cuneo, Alfredo Testoni, Germán Cabrera, Lalo
13
16
Scheck, Jorge Páez Vilaró, Washington Barcala,
Los pilares del conjunto son los grandes
Antonio Grompone, Luis García Pardo y Ángel
maestros del siglo XX: Barradas, Torres García y
Kalenberg, quien poco después pasaría al Museo
su escuela (Gurvich, Pailós, Alpuy, Augusto y Ho-
Nacional, donde lideraría una brillante y verda-
racio Torres, Matto), Figari, Cuneo, Blanes Viale,
dera refundación). Aquella fue nuestra primera
los planistas (Pesce Castro, Petrona Viera), Ar-
exposición como Comisión y nuestra sala, en los
zadum, De Simone. Es el elenco de los clásicos,
altos del ala derecha del Teatro Solís, albergó las
representados todos con piezas de primera cali-
deslumbrantes témperas que Gurvich trajo de
dad, que se han incrementado sustantivamente
Israel. El constructivo Gurvich se salía de la dis-
en los años que corren desde la primera edición
ciplina clásica del Taller, para desbordar su ima-
de este libro. No es del caso analizarlos uno a
ginación artística con notable libertad y recrear
uno. Constituyen ya un patrimonio instalado y
no solo la atmósfera del mundo de los pueblitos
reconocido como representativo de lo mejor de
y los kibutz israelíes, sino desnudar su propia
lo nuestro. Podrían lucir en la mejor sala del me-
alma. Enrique vio entonces, como vimos todos,
jor museo como testimonio de la altura alcanza-
un Brueghel moderno y un Chagall recreado des-
da por las artes pictóricas en Uruguay, un país
de la Escuela del Sur. Nació así su pasión, compró
que supera en ellas su debilidad demográfica y
un par de aquellas pequeñas maravillas y no se
aventaja con amplitud a naciones de mucha ma-
alejó más del mundo del arte, acompañado luego,
yor población.
fielmente, por el entusiasmo de Vivianne.
Lucen luego, en sendos agrupamientos, “pri-
La colección que comentamos, como todas
meros modernos” y “nuevos modernos”. Del re-
las que no son pensadas con vocación museográ-
finadísimo Carlos A. Castellanos, por ejemplo,
fica o de especulación comercial, refleja el gusto
figura un arlequín. De Laroche, varios románti-
del creador. Dice Ángel Kalenberg: “el privado
cos paisajes. De Manuel Rosé, obras de variada
se maneja con criterios personales”, “refleja su
temática, desde paisajes impresionistas y estam-
buen o mal gusto, su cultura, sus deseos; expone
pas gauchas hasta un sensible grupo de ballet.
su subjetividad”. No está allí la mano de un cu-
La colección ha crecido muy particularmente
rador que va pensando la incorporación dentro
con la obra de Costigliolo y María Freire. Es una
de un libreto que dibuja un plan y luego va lle-
pareja que va camino al altar mayor de nuestro
nando los huecos de ese diagrama racional. En
arte. En el exterior ya luce en grandes muestras
este caso está el interés, la pasión personal; no
y la perspectiva del tiempo va perfilando el va-
incurre sin embargo en el capricho —riesgo que
lor de su originalidad y el rigor de su trabajo.
5
en ocasiones ha devaluado alguna magnífica colección con incorporaciones sin categoría.
Otras figuras de la segunda mitad del siglo pasado están muy bien representadas. Es el caso de la singular personalidad de Luis A. Solari, con su universo de leyenda criolla y la elegancia de Vicente Martín. Aparte están esos fenómenos ex-
5 Ángel Kalenberg, “El poder de los conservadores, el mercado del arte y el campo de la cultura”, en Arte latinoamericano actual. Montevideo: Museo Municipal de Bellas Artes Juan Manuel Blanes, 1993.
traños, como Cabrerita, un misterioso surrealista, por calificarlo de algún modo; y el inclasificable Manuel Espínola Gómez, de un vigor inédito,
que si no fuera por su particular personalidad podría estar en la cumbre del Parnaso. El siglo XIX no ha provocado el entusiasmo de Manhard. Es lógico, porque de aquel tiem-
En los últimos tiempos, han aparecido algunas obras de autores extranjeros. No son un conjunto, pero sí obras valiosísimas, como el estupendo violinista de Marc Chagall.
po muy poca obra de valor hoy aparece, y lo de
Frente a una colección privada, el observador
Juan Manuel Blanes que figura no deja de ser
siempre compara las elecciones del coleccionista
una presencia singular. En cambio, la colección
con las suyas propias. Y normalmente agregaría
se ha abierto a los contemporáneos, con nombres
nombres no contemplados. Es normal que así sea,
obligados como —entre otros— Ignacio Iturria
pero quien en el caso se introduzca en ese juego
y Miguel Bategazzore, dos figuras de tendencias
dialéctico podrá añorar ausencias, mientras que
bien opuestas: el primero, un imaginativo crea-
difícilmente pueda cuestionar presencias. Todo
dor intuitivo; el segundo, un racionalista, ambos
lo que está allí vale por sí mismo. Damos testi-
de enorme jerarquía.
monio de ello porque hemos experimentado el
En la escultura están las obligadas presencias:
reiterado placer de disfrutar, en Montevideo y
Germán Cabrera con sus “tectonas”; el formida-
Punta del Este, de su contemplación. Su nivel pa-
ble Yepes; la sensibilidad de Pailós y sus armóni-
rejo, su categoría afianzada es lo que hace de un
cos ladrillitos; Gurvich con sus terracotas, inspi-
conjunto de cuadros algo más trascendente que
radoras a su vez de las de Cavo; Podestá y Broglia
la suma de las individualidades: una gran colec-
con sus orgánicas formas metálicas y —natural-
ción. O sea, una entidad en sí misma, un valor
mente— Pablo Atchugarry, artista superior, au-
histórico representativo de una época, el reflejo
tor de dos monumentales piezas de mármol ins-
de un espíritu que procuró superarse al configu-
taladas en los jardines y talladas en ese barroco
rarla, un capítulo también del patrimonio cultu-
abstracto que ya le ha abierto el camino del gran
ral de una nación.
público europeo.
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G R A N D E S
P e d r o J u a n
M A E S T R O S
F i g a r i
M a n u e l
R a f a e l J o s é P e d r o
B a r r a d a s C u n e o
B l a n e s
M a n u e l J o a q u í n
B l a n e s
V i a l e
R o s é
T o r r e s
G a r c í a
PEDRO FIGARI
| Montevideo, 1861 – 1938 |
20
Nació en Montevideo el 29 de julio de 1861. Su inclina-
En 1921 se radicó en Buenos Aires por cuatro años
ción artística se manifestó muy temprano y la combinó
y se dedicó plenamente a la tarea pictórica, con gran
con múltiples actividades.
reconocimiento. En 1925 se trasladó a París, donde per-
Se graduó como abogado y en ese carácter fue de-
maneció nueve años y obtuvo la consagración como
fensor de pobres en lo civil y criminal. Ejerció el perio-
artista plástico. Desde allí proyectó y organizó expo-
dismo y codirigió un periódico. Impulsó la creación de
siciones en Europa y América. Regresó al Uruguay en
la Escuela de Bellas Artes. Fue diputado, miembro del
1933 y fue nombrado asesor artístico del Ministerio de
Consejo de Estado, presidente del Ateneo de Montevi-
Instrucción Pública.
deo, director de la Escuela Nacional de Artes y Oficios,
Pedro Figari es un pintor de manchas y no de líneas.
miembro honorario de la Sociedad de Artistas Urugua-
Pintó el pasado sin documentarse, con una memoria
yos y asesor letrado de la Sociedad de Arquitectos del
afectiva. Pobló sus espacios inconmensurables con gau-
Uruguay. Entre estas múltiples actividades escribió
chos, negros y criollos como metáforas de un presunto
ensayos filosóficos, crítica artística y poesía. También
ser nacional.
participó en numerosas tertulias con artistas como Sáez y Blanes Viale.
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Murió en Montevideo el 24 de junio de 1938.
PEDRO FIGARI El bautizo Óleo sobre cartón, 70 x 100 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
PEDRO FIGARI Candombe Óleo sobre cartón, 62 x 82 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
PEDRO FIGARI Escena colonial Óleo sobre cartón, 33 x 40 cm
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PEDRO FIGARI La recepción Óleo sobre cartón, 35 x 49,5 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
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PEDRO FIGARI La comitiva nupcial Óleo sobre cartón, 16,5 x 25,5 cm
PEDRO FIGARI El Conventillo. Fiesta - Disputa - Velorio Óleo sobre cartón, 33 x 39,5 cm cada uno
PEDRO FIGARI Deliberando Óleo sobre cartón, 16 x 26 cm
PEDRO FIGARI Reunión de solteronas Óleo sobre cartón, 35 x 50 cm Integró la exposición del artista realizada por la Comisión Nacional de Bellas Artes, 1945
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
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PEDRO FIGARI Candombe Óleo sobre cartón, 68 x 52 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
PEDRO FIGARI La caballada Óleo sobre cartón, 70 x 100 cm
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PEDRO FIGARI Diligencia Óleo sobre cartón, 70 x 100 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
PEDRO FIGARI Candombe Óleo sobre cartón, 16 x 25 cm
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PEDRO FIGARI Candombe pobre, 1922 Óleo sobre cartón, 33 x 40 cm Integró la exposición del artista realizada por la Comisión Nacional de Bellas Artes, 1945
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
PEDRO FIGARI En la vereda Óleo sobre cartón, 32 x 49 cm Integró la exposición del artista realizada por la Comisión Nacional de Bellas Artes, 1945
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PEDRO FIGARI Solteronas Óleo sobre cartón, 33 x 40 cm Integró la exposición de Figari realizada en el Pavillon des Arts, París, 1992
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DESDE EL COLECCIONISMO
[ Izquierda ]
PEDRO FIGARI El jorobado Óleo sobre cartón, 27 x 22 cm
[ Abajo ]
PEDRO FIGARI Mercado Viejo Óleo sobre cartón, 15 x 22,5 cm
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PEDRO FIGARI El Lovisomo Óleo sobre cartón, 30 x 37 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
PEDRO FIGARI Disciplina Óleo sobre cartón, 40 x 33 cm
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PEDRO FIGARI La mudanza Óleo sobre cartón, 50 x 40 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
[ Arriba ]
PEDRO FIGARI Paisaje con casona Óleo sobre cartón, 22 x 30 cm
[ Izquierda ]
PED R O F I G A R I Cacería (serie "Trogloditas") Óleo sobre cartón, 40 x 30 cm
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PEDRO FIGARI América (serie "Trogloditas") Óleo sobre cartón, 70 x 50 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JUAN MANUEL BLANES
| Monte vide o, 18 3 0 – Pis a, 19 01 |
44
Nació en Montevideo en junio de 1830, en el seno de
Regresó a Montevideo y entre 1865 y 1879 pintó algu-
una familia modesta. Muy temprano se le despertó la
nos de sus grandes cuadros de tema histórico o de ac-
afición por el dibujo, que nunca abandonó, a pesar de
tualidad. La historia nacional se convirtió en su gran
sus múltiples actividades.
tema. Con ellos despuntó la pintura republicana y Bla-
Al finalizar la Guerra Grande, instaló un taller en
nes se convirtió en el Pintor de la Patria. La seriedad
Montevideo y se ganó el sustento pintando retratos.
con que encaró la tarea queda demostrada en su corres-
Más tarde, por problemas familiares, se trasladó a Salto
pondencia, donde solicita información minuciosa para
y de ahí a Entre Ríos, donde pintó para el general Urqui-
documentarse antes de comenzar cada obra.
za escenas de sus victorias militares, retratos familiares y motivos religiosos.
Con él se inauguró también el paisajismo uruguayo, pese a que no pintó paisajes en sentido estricto, sino
Convencido de que necesitaba formarse, solicitó al
que los usó como telón de fondo de sus escenas. Alcan-
gobierno uruguayo una beca para viajar a Europa, que
zó también renombre a través del género del retrato, de
le fue concedida en 1860. Este fue el primero de una se-
estricto corte academicista.
rie de viajes al viejo continente, en los que luego agregó Medio Oriente. En Florencia recibió la influencia clave del maestro Antonio Ciseri, de neta filiación academista.
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Su fama se dividió entre Montevideo, Buenos Aires y Santiago de Chile. Murió en Italia en 1901.
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J UA N M A NUEL B L ANES
Es sabido que la obra de Juan Manuel Blanes estuvo
vida. Así, en algunos textos, como La portentosa vida
muchas veces pautada por el valor de ciertos signos, la
de la muerte, de Joaquín Bolaños —obra publicada en
fuerza de determinadas imágenes y, finalmente, la pre-
México en 1792—, vemos una escena donde la muerte
sencia de una carga simbólica muy importante.
despide a los doctores que ayudan a un enfermo, dado
La obra titulada Triunfo de la ciencia sobre la muerte
que su presencia resulta entonces innecesaria.
forma parte del conjunto de obras de este autor que la
Triunfo de la ciencia sobre la muerte expone, a su vez,
historiografía ha reconocido y agrupado bajo el nom-
importantes consideraciones de carácter hermético, en
bre de pinturas alegóricas. Integran este grupo otras
indudable relación con la masonería, institución a la
interesantes piezas, como El altar de la Patria, Resur-
que Juan Manuel Blanes estuvo estrechamente vincu-
gimiento de la Patria o Las dos razones. De hecho, esta
lado. Quizá como en ninguna otra obra suya, se ubican
obra también se puede ver identificada bajo el nombre
dentro de la escena pictórica ciertos elementos propios
de Alegoría de la Medicina, en clara alusión a la materia
de esta simbología, como el delta luminoso —represen-
tratada: la ciencia médica —alegorizada en una mujer
tado en un triángulo y con un ojo interior—, ubicado
de blanco vestido— da de beber el fármaco salvador a
en lo alto del cielo, que se llama así por su parecido con
una niña, al tiempo que obliga a huir a la muerte que
la cuarta letra del alfabeto griego, lo que representa al
ronda cercana.
arquitecto del universo. La copa, que la alegoría médica lleva consigo, es también, dentro del corpus masónico,
Sin duda, el cuadro es un verdadero acto de fe moderna, que ve en la ciencia —al influjo de las ideas po-
otro símbolo importante que representa la plenitud.
sitivistas— una herramienta fundamental del progreso
Este óleo, pintado para obsequiarlo al doctor Federico de Velasco, estuvo presente en la exposición realiza-
y la civilización. Es interesante constatar que esta iconografía tiene
da en el Teatro Solís en 1941. Está firmado en su parte
importantes antecedentes en tiempos del barroco, y la
inferior (no siempre Blanes firmó sus obras) y llama la
propia presencia de la muerte, ilustrada como esquele-
atención la modalidad de introducción de la firma den-
to, manifiesta una tradición todavía más antigua, que se
tro del cuadro, por su disposición vertical y en color
descubre en los ars moriendi del siglo XV. En particular,
rojo. Actualmente Triunfo de la ciencia sobre la muerte
la asociación de la medicina y la muerte encuentra su
posee protección patrimonial y una cautela de perma-
lugar en diversas imágenes de libros de los siglos XVII y
nencia dentro del territorio nacional.
XVIII, donde se invierte el valor de ambas y la medicina
se expone como subordinada al inexorable final de la
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WILLIAM REY ASHFIELD
JUAN MANUEL BLANES Triunfo de la ciencia sobre la muerte (Alegoría) Óleo sobre tela, 80 x 60 cm 47
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DESDE EL COLECCIONISMO
RAFAEL BARRADAS
| Montevideo, 1890 – 1929 |
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Nació en Montevideo, el 4 de enero de 1890, hijo de pa-
ilustró numerosas ediciones de clásicos. Desplegó
dre y madre españoles.
una gran actividad como escenógrafo, figurinista y
La actividad pictórica de su progenitor lo familia-
afichista para el Teatro del Arte.
rizó desde la infancia con el lenguaje plástico. No se
Organizó su propia tertulia en el Café Oriente,
le conoce un aprendizaje sistemático. Participó en las
lugar frecuentado por grandes exponentes cultura-
tertulias montevideanas con intelectuales como Emilio
les como Dalí, Buñuel y García Lorca. Colaboró con
Frugoni, Florencio Sánchez y Alberto Lasplaces, entre
Borges en la revista Tableros y fue director artístico
otros, costumbre que continuaría en España.
de la revista Alfar.
Desde muy joven colaboró como ilustrador en periódicos y revistas de Montevideo y Buenos Aires. En 1912 realizó una muestra de acuarelas junto con Guillermo Laborde y hacia fin de año expuso caricaturas. En 1913 fundó El Monigote, publicación satírica sobre el ambiente cultural. Ese mismo año viajó a Europa y se radicó en España. Durante su estancia en Barcelona se vinculó con
En 1923 se trasladó a Luco de Jiloca. Sus trabajos de esta época revelan una búsqueda más realista. Inició su serie “Los magníficos”, en la que se representan personajes populares. Nuevamente en Madrid, en 1924, trabajó para la editorial Espasa Calpe y para la Revista de Occidente. Un año más tarde, una serie de marinas y acuarelas son el testimonio de su pasaje por San Juan de Luz.
Joaquín Torres García y juntos expusieron en la Galería
Recibió el grand prix de la Exposición Interna-
Dalmau. Frecuentó tertulias artísticas y conoció a poe-
cional de Artes Decorativas e Industriales de París
tas, críticos y artistas españoles de la vanguardia.
en la categoría Teatro.
En 1918 llevó a cabo su primera muestra individual, en
Luego se mudó a Hospitalet de Llobregat, en
la que propuso su concepción estética: el vibracionismo.
Barcelona, donde pintó una serie de paisajes de la
Fue uno de los más importantes representantes del ultraís-
localidad y frecuentó a intelectuales y artistas.
mo y colaboró en numerosas revistas del movimiento. Hacia 1920, mientras vivía en Madrid, fue contratado como dibujante por la Biblioteca Estrella, para la que
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Ya enfermo retornó a Montevideo, donde fue homenajeado en el Teatro Solís. Murió el 12 de febrero de 1929.
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Lápiz en mano, Barradas comienza a dibujar el rico uni-
guarda cierta candidez y dulzura infantil. Tal vez su
verso humano que vivió en Luco: mi sobrino Calixto, el
mirada —en cierto modo inexistente pues los ojos están
tío Rey, Bolín, mi prima Juana, el molinero de Aragón,
representados por dos largas rendijas ovaladas— más
Mosén Pedro el cura del pueblo, los castellanos.... Di-
adivinada que vista es la que marca una precoz madu-
bujos a lápiz negro los más, otros a lápiz de colores o a
rez. Pero la actitud distendida, confiada del muchacho,
tinta china, bocetos, quedan prontos para ser pasados
con su chaqueta abierta y los brazos de manos unidas
al lienzo una vez que regrese a su estudio en Madrid.
detrás de la nuca, está señalando un clima bien dife-
No todos, pero una serie importante de estos retratos
rente al prevaleciente en las telas anteriores. Incluso el
los hará al óleo.
cromatismo, no obstante seguir dentro de las gamas de
El cambio que se produce en su obra es muy gran-
la arena y la tierra, del polvo de las sendas del poblado,
de. Abandonados los –ismos, el pintor se sumerge en lo
se ha hecho menos denso, más sutil e impalpable, ali-
profundo del suelo hispánico. Deshabitado del presen-
gerando la impresión tensa y extrema previamente se-
te, solo es conmovido por el panorama terrestre y el
ñalada. Los demás elementos técnicos son los mismos,
espiritual de los habitantes de la región. Nace así, sin
incluso el aire que circula alrededor del muchacho.
haberlo previamente pensado, puro acto de sentimien-
Gil Bel evocará años después de su muerte a las per-
to y conmoción, toda una nueva etapa que él mismo
sonas que les acompañaron aquellos días y había retra-
titula “España trágica” o “Los magníficos”.
tado con su lápiz:
Este momentáneo detenerse de su palabra artística
Entre perdices y carrascales pasamos en Luco la mi-
y el recogimiento consiguiente consigo mismo es muy
tad de un verano. La ermita del Cristo, el palomar y la
intenso. Supongo que ha entrañado para él mucho de
Juana se acordarán, como tú cuando te fuiste al mar.
descubrimiento de lo sustancial de una tierra y unos
Allí pintaste a Calixto, a la hija del cartero y a la pobre
seres, conocimiento que es acceso a una especie de des-
Estrella, cuya noticia mala me diste antes de embarcar.
nudez. No hay engaños, ni posturas falsas, ni artificio-
Entonces ya te morías. Más de una noche, en nuestro
sidades; simplemente el ser humano con sus cualida-
ir y venir pisando espartales y medias lunas llegaba a
des y defectos.
los perros nuestra exaltación de justicias. “No llegará a
Al retrato Mi sobrino Calixto puede vérsele, en com-
tiempo”, decías, como si el otro mundo, aguas abajo, fue-
paración con los trabajos anteriores, como un afloja-
se una ribera fresca. Tenías dolor de vida, precisamente
miento o disminución de la tensión pasional. Como es
porque se acortaba. Y no has llegado a tiempo, a bien
habitual en él, el pintor ha puesto al modelo enfrenta-
seguro, para lo que tú podías.
do a su caballete y ha cortado la figura casi a nivel de
las rodillas. Calixto es muy joven, ha de tener trece o
RAQUEL PEREDA
catorce años aproximadamente. La vida aún no lo ha
Extraído de Barradas, Montevideo: Galería Latina, 1989
marcado como a los anteriores pobladores. Su rostro
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[ Pág. opuesta ]
RAFAEL BARRADAS Calixto - Mi sobrino Calixto, Luco de Jiloca, 1924 Óleo sobre tela, 75 x 100 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
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RAFAEL BARRADAS Alberto Lasplaces
RAFAEL BARRADAS Marinero de Bordeaux, 1928
Tinta sobre papel, 27 x 22 cm
Lápiz color sobre papel, 27 x 21 cm
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RAFAEL BARRADAS Parroquiano aragonés en el bar (serie "Los Magníficos") Óleo sobre tela, 80 x 59 cm 53
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DESDE EL COLECCIONISMO
RAFAEL BARRADAS Pilar y Antonia Apunte al óleo sobre cartulina, 38 x 32 cm
[ Pág. opuesta ]
RAFAEL BARRADAS Hombre de Burdeos. c. 1925 (serie "Los Magníficos") Óleo sobre tela, 80 x 60 cm
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Rafael Barradas (Montevideo, 1890-1929) tuvo una ca-
la habitación de Estrella para seducirla, pero fue inter-
rrera como ilustrador de libros y revistas que se exten-
ceptado por Bustos, que se le enfrentó. En respuesta de
dió durante toda su vida. La inició en su ciudad natal
venganza, el rey castellano lo mandó matar por el propio
con El Monigote, El Tiempo, La Semana y La Bohemia,
pretendiente de Estrella, Sancho Ortiz, quien fue apresa-
y la desarrolló en órganos como Arc Voltaic o Un ene-
do por el crimen y luego indultado. Estrella repudió al so-
mic del poble, en Barcelona, así como en trabajos para
berano e ingresó como monja en un convento hispalense
la Casa Pagés y Martínez Sierra en Madrid. Alineado
por el resto de su vida. Al parecer, el episodio se refiere a
con tendencias vanguardistas de las primeras décadas
un viaje de Felipe IV con el conde-duque de Olivares a la
del siglo XX, Barradas sintió la necesidad de transmitir
ciudad de Sevilla, donde puede haber ocurrido una situa-
un mensaje de manera sucinta, una rápida visión que
ción similar. La obra de Lope es una metáfora del abuso
acompañara a un texto. Debía equilibrar la atención
del poder absoluto y de las fidelidades caprichosas que se
que demanda al espectador la lectura del texto y la cu-
imponen frente a la justicia. Tuvo una famosa represen-
riosidad de la ilustración como apoyo de aquel. Esta si-
tación en el Teatro La Latina de Madrid en 1925, en la que
tuación disparó en él la idea de síntesis, basada en una
el personaje de Estrella fue interpretado por la destacada
estética cubofuturista que plasmaría en su obra a lo lar-
actriz María Guerrero.
go de toda la vida. El dinamismo de la modernidad coin-
En la ilustración nos encontramos frente a una esce-
cide con el de la lectura y el ritmo del viandante que se
na de teatro. La acción es vertebrada por el movimiento
desplaza por la ciudad. A esta forma de representar la
zigzagueante de los personajes, que se disponen en el
realidad urbana moderna Barradas la bautizó vibracio-
espacio escenográfico como grupos de coloquio, enmar-
nismo, a partir de la inspiración futurista, pero también
cados por la baranda de la escalera, que contribuye a
en referencia a las vibraciones interiores de la creativi-
percibir la escena en una perspectiva ascendente.
dad del artista. La tendencia vibracionista se relacionó
El factor temporal en la percepción de la realidad es
casi exclusivamente con él, pero se transformó en una
parte esencial en la obra de Barradas. El recurso de la
de las vanguardias españolas de principios del siglo XX.
escalera es común en sus trabajos. En La Estrella de Se-
La obra que nos convoca forma parte de las pruebas
villa sirve para estructurar la escena que se desarrolla
de ilustración realizadas para uno de los ejemplares de la
en un patio de una casa señorial, con una típica escalera
Colección Biblioteca Estrella. Esta pieza no fue incluida
barroca que señala la importancia de su propietario al
finalmente en la impresión, razón por la cual el artista
desplazarse de forma ascensional hasta llegar a su ac-
se la reservó en su colección personal. Así llegó hasta no-
ceso. Los personajes se encuentran conversando en una
sotros. Lleva el título de Personajes en escalinata e ilus-
fiesta de bienvenida al rey, y la importancia del espacio
tra el drama teatral de Félix Lope de Vega La Estrella de
estriba en que es el lugar donde el soberano conoce a
Sevilla (1623). La historia relatada en la obra se refiere a
Estrella. El editor debe de haber considerado que tal
un episodio con base histórica, acontecido en la penín-
imagen no aportaría sustancialmente al relato.
sula en el siglo XIII, durante la visita del rey de Castilla,
La ilustración constituye un capítulo más en el ca-
Sancho IV el Bravo (1258-1295), a la ciudad de Sevilla.
rácter multifacético de Barradas, quien demostró que
Allí conoció a Estrella Tavera, una belleza local de quien
el conjunto de su obra merece un lugar destacado en el
quedó prendado. Estrella era hermana del noble Bustos
panteón de los artistas nacionales.
Tavera y a la llegada del rey estaba enamorada de otro andaluz: Sancho Ortiz de las Roelas. Aprovechando su
DIDIER CALVAR
poder, Sancho IV intentó escabullirse por la noche en
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RAFAEL BARRADAS Personajes en escalinata Tinta acuarelada, 25 x 18 cm. Ilustración de la colección Biblioteca Estrella, Madrid 57
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ CUNEO
| Montevideo, 1887 – Bonn, 1977 |
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Nació el 11 de setiembre de 1887 en Montevideo. Reali-
A partir de 1930 pasó temporadas en Florida y en
zó sus primeros estudios con Carlos María Herrera en
Melo. Comenzó las series “Ranchos”, “Lunas” y pintó
1906. En 1907 viajó por primera vez a Turín, a estudiar
acuarelas del campo uruguayo.
en el taller de Anton María Mucchi, y pintó paisajes de
En 1942 ganó el Gran Premio de Pintura del Salón Ofi-
Italia que expuso a su regreso, en 1910.
cial, el Primer Premio en el Salón Nacional de Acuarelas
En su segundo viaje a Europa estudió con Anglada
y el Premio de Pintura en la Bienal Nacional de Arte.
Camarasa y Van Dongen. En 1917 asistió a la Academia
Volvió a Europa en 1954 y tomó contacto con la pin-
de la Grande Chaumière de París y se interesó por la
tura abstracta, lo que generó a su regreso una nueva
pintura de Cézanne y Gauguin.
serie que firmó con su apellido materno, Perinetti.
A su regreso al Uruguay comenzó su etapa de pintura planista. Realizó una serie de retratos y paisajes de la ciudad de Melo.
En 1961 expuso una retrospectiva de sus 50 años como artista. Tuvo 70 años de producción. A partir de 1963 el reconocimiento de su obra alcanzó
En 1927, en Europa, conoció la obra de Chaim Souti-
importantes distinciones dentro y fuera de fronteras. Fue
ne, sus deformaciones expresionistas y el uso de la dia-
premiado en la X Bienal de San Pablo en 1969 y en 1974
gonal, lo que marcó su obra futura. Expuso los paisajes
recibió el Premio Nacional de Pintura de Cagnes-sur-Mer.
de ese período de Cagnes-sur-Mer en la Galería Zak y a su regreso a Montevideo en el Ateneo.
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Volvió a Europa en 1976 y falleció en Bonn el 19 de julio de 1977.
JOSÉ CUNEO Paisaje con catedral Óleo sobre tela, 120 x 100 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
[ Pág. opuesta ]
JOSÉ CUNEO Luna, ranchos y dormilones, 1942 Óleo sobre tela, 145 x 96 cm
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C A B A L L O JO SÉ CUNEO
Hacia el año 1930 José Cuneo retornó al Uruguay luego de
El rancho se nos presenta con un aire misterioso, como
hacer usufructo de una beca de estudio de cuatro años de
abandonado de alguna manera a su propio destino. Re-
duración en Francia. Residió primero en la capital y luego
sultado de las líneas curvas que configuran su estructu-
se trasladó a Cagnes-sur-Mer, al sureste. Durante aquellos
ra, parece balancearse bajo ese cielo anubarrado domi-
años de descubrimiento estético recibió las influencias no
nado por luna “solar”. El único indicio de vida presente
solo del característico entorno natural de aquella zona
en la obra está dado por un minúsculo caballo que hace
costera, sino también del estrecho vínculo establecido con
su aparición entre el rancho y el aljibe. Es de destacar
el pintor expresionista Chaim Soutine, quien lo guiaría en
que en la serie de “Lunas” creadas por Cuneo no hay
la búsqueda artística basada en una visión convulsionada
casi presencia humana. Ocasionalmente puede apare-
de la realidad, antesala, justamente, de lo que serían sus
cer alguna mujer caminando con una carga en sus bra-
famosas series de “Ranchos” y “Lunas”, a las cuales perte-
zos o, como en este caso, un animal.
nece Luna, rancho y caballo.
El universo de la noche con esa gran luna se transfor-
Instalado Cuneo en el departamento de Florida, los pai-
ma en un eco de lo que acontece en la tierra. La luna toma
sajes naturales se transformaron en una fragancia suma-
la función de gran faro, que absorbe todo lo que “observa”.
mente sugestiva para su olfato plástico, y lo llevaron a al-
Se torna espejo a través de un cromatismo donde la oscuri-
quilar un pequeño rancho en las afueras de la ciudad, para
dad presenta relumbres vibrantes de amarillos incandes-
de esa forma percibir con todo su ser ese juego constante
centes, verdes almidonados y blancos lechosos. ¿Cuál es el sentido de esta mágica noche lunar? El artis-
de sensaciones e interioridad que aquel entorno rural desprovisto de urbanidad le generaba.
ta expresó en numerosas ocasiones la atracción que sentía
En esta obra la impronta del cielo es relevante: ocupa
por el cielo, una totalidad —decía— que nos envuelve a
más de la mitad del espacio del lienzo. Tal como expresó
absolutamente todos por igual a lo largo de nuestra exis-
1
el propio artista: “no es cielo cielo, es materia plástica”.
tencia. Ese fue el disparador de esta y toda su serie de “Lu-
La zona más iluminada es la de la luna, de tonos amari-
nas”: frente a ese sugestivo paisaje que tenía ante sí día a
llentos, que ocupa la parte superior izquierda de la com-
día, sentir la gramática de la pintura al momento de plas-
posición, buscando, tal como lo hacía Cézanne, generar
mar en el lienzo el color y todos sus tonos, las manchas y
un enérgico contraste. Cuneo siempre sintió una muy
las líneas, las correspondencias y los contrastes.
fuerte atracción por el cielo tanto diurno como nocturno,
Ante esta obra el espectador queda atrapado por la
aunque en este caso nos hallamos ante un firmamento en
extremada orquestación cromática y matérica. Con un ta-
posible transición, que el artista pudo observar en cuan-
lante de clara influencia expresionista, Cuneo no se sirvió
tía por aquellos años en Florida. El llamativo color de la
de las estrictas verticales y horizontales, sino que con sus
gran luna se vincula con los tonos claros que presenta el
curvas y colores empastados en gruesas pinceladas irradió
dinámico arbolado del horizonte. Estamos en el momen-
una fuerza dinámica de singulares características. Conci-
to en que el sol, cercano todavía a ese horizonte, al igual
bió la totalidad de este paisaje “como un ojo de buey”, en
que la voluminosa luna, le otorga a esta última esa tonali-
el que lo curvo toma preponderancia. Nos presenta una vi-
dad amarillenta y naranja.
sión claramente subjetiva, donde con gran creatividad busca configurar plásticamente, pictóricamente, lo que tiene ante sus ojos y, al mismo tiempo, lo que está imaginando.
1 Basado en Raquel Pereda, José Cuneo. Creatividad y emoción, Montevideo: BMR, 2017. p. 34.
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JOSÉ CUNEO Luna, ranchos y caballo Óleo sobre tela, 145 x 96 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
[ Pág. opuesta ]
JOSÉ CUNEO Luna, ranchos y lavandera Óleo sobre tela, 92 x 76 cm Integró la exposición “Aquí soñó Blanes Viale”, realizada en el Museo Nacional de Artes Visuales, 2019
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ CUNEO Rancho rosado Óleo sobre tela, 50 x 64 cm
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JOSÉ CUNEO Rancho blanco con santa rita Óleo sobre tela, 54 x 64 cm
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Hacia 1927, en una de sus múltiples idas y venidas entre
se tuercen las líneas, las horizontales se curvan. Yo voy
Europa y Uruguay, Cuneo le imprimió un giro a su impron-
buscando, si fuera posible, hacer que todo terminara en
ta planista para volcarse a una forma de representación
un centro del círculo del cuadro [...]”. Lo consiguió en esa
más próxima a las tendencias expresionistas alemanas.
visión de “ojo de buey” presente en la vista del puerto del
El viaje a Cagnes-sur-Mer, en el sur de Francia, y el
Salto, hoy en el Museo Gallino de esa ciudad, que conserva
encuentro con artistas de diversas tendencias —Diram
otra versión de Calle de Sarnico y una vista del lago de Iseo.
Garabedian, Capelot y Vincent Korda— lo empujaron al
En otro periplo europeo posterior permaneció siete
viraje que lo acompañaría a lo largo de su vida, porque
meses en la ciudad de Venecia, aplicando el mismo es-
lo introdujeron en la forma que adoptaría para algunos
tilo a los paisajes que había iniciado en Cagnes-sur-Mer
paisajes uruguayos. Las lunas y los ranchos del medio
una década atrás, y sorprendió a la crítica italiana, a la
rural se transformaron en una señal de identidad del
que, según él, “le chocaba que yo hubiera hecho una Ve-
autor, aunque en estos casos la vertiente cósmica de las
necia así, toda llena de torceduras”. El artista creía que
lunas adquirió visos de surrealidad.
era ideal aplicarlo allí, “porque, dada la vejez y la fun-
Esta vista de Sarnico, en la provincia de Bérgamo
damentación en el agua, hay casas que están inclinadas
(Lombardía), se halla dentro de la serie de paisajes que
en los costados, para atrás. En el canal de los Griegos hay
Cuneo pintó durante una breve visita a Italia en 1928.
una iglesia que tiene el campanile —y no es el único— bastante inclinado”.
La deformación de las líneas rectas arquitectónicas ofrece una visión casi anamórfica de la ciudad, que ha-
Se trata de una de esas proas de Sarnico con varias
bía sido ya practicada por varios artistas alemanes. Por
calles en diagonal que desembocan en el Lungolago, en
ejemplo, las vistas berlinesas de Ernst Kirchner cuando
el lago de Iseo. La recreación permanente de esta obra,
integraba el movimiento Die Brücke, en torno a la Prime-
de la cual se conservan diferentes versiones, prueba el
ra Guerra, y en particular una de sus célebres composi-
espíritu experimental e innovador de Cuneo, en el que
ciones: Potsdamer Platz (1914).
cabría destacar su permeabilidad y no su novelería. En
Esas distorsiones se transformarían más tarde en
diferentes momentos vuelve a esa imagen para impri-
tendencia aplicada en decorados del cine expresionista.
mirle diferentes efectos cromáticos y lumínicos, a la ma-
El gabinete del Dr. Caligari (1920), de Robert Wiene, ex-
nera de Monet en Rouen o Cézanne en Ste. Victoire.
hibe arquitecturas que se deforman, con aberturas fle-
Al emplear líneas en fuga, Cuneo se permite plasmar
chiformes y ángulos pronunciados, una fórmula que se
un interesante juego visual que se inspira también en
repite en varios filmes, entre los que destaca Tango Bar
distorsiones barrocas y constituye otra prueba de ese
(1935), dirigida por el austríaco John Reinhardt y prota-
permanente reinventarse que practicará hasta muy
gonizada por Carlos Gardel.
avanzada edad, desembocando incluso en la ruptura
El paisaje arquitectónico se inestabiliza en líneas diago-
total de lo representacional para decantarse por el in-
nales y aparece al espectador como un reflejo en un espe-
formalismo matérico, cuando utiliza yerba mate en sus
jo deformante. El cambio de paradigma lo justificó Cuneo
composiciones abstractas.
al declarar: “Concibo el paisaje como ojo de buey, es decir
DIDIER CALVAR
que yo veo hacia los costados, hacia arriba, hacia abajo y
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JOSÉ CUNEO Calle de Sarnico, Italia Óleo sobre tela, 60 x 72 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ CUNEO Pinares de Punta del Este, 1951 Óleo sobre tela, 48 x 60 cm
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JOSÉ CUNEO Colina arbolada y casona Óleo sobre tabla, 58 x 73 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ CUNEO Paisaje de Cagnes sur Mer, 1928 Pastel sobre cartón, 65 x 50 cm
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JOSÉ CUNEO Paisaje con tuna y hornero, 1945 Pastel, 63 x 50 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ CUNEO Flores de Callistemon, 1942 Óleo sobre tela, 74 x 93 cm
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JOSÉ CUNEO Muelles de Salto, 1945 Óleo sobre cartón, 73 x 60 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
PEDRO BLANES VIALE
| Mercedes, 1878 – Montevideo, 1926 |
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Nació en 1878 en Mercedes, capital del departamento
guardista que se vivía entonces en Europa, al menos
de Soriano, hijo de Rosa Viale Carvajal, oriunda de Mer-
en París. A comienzos de siglo, la llegada de pinto-
cedes, y de Pedro Blanes Mestre, médico mallorquín. En
res catalanes a Mallorca —Santiago Rusiñol, Joaquín
Uruguay recibió sus primeras clases del maestro Juan
Mir y, después de 1913, Anglada Camarasa— produ-
Mestre y asistió posteriormente al taller del mallorquín
jo un cambio radical. Blanes Viale se incorporó al
Miguel Jaume y Bosch.
grupo y practicó con ellos pintura al aire libre.
En 1893 la familia se instaló definitivamente en
Su producción temática abarca casi todos los
Mallorca. Pedro retornó a Uruguay y en 1899 ganó una
géneros: en sus inicios, pintura religiosa y costum-
beca de estudios que le permitió permanecer en Euro-
brista, algunos desnudos (la mayoría de los cuales
pa desde 1902 hasta 1907. Regresó de nuevo, volvió a
desaparecieron), retratos, paisajes y, en la última
Europa y así fue construyendo una doble residencia,
etapa, el género histórico. Sin embargo, el preferido
europea y americana, que se refleja en su obra.
por el artista fue el paisajístico.
Al comenzar cada uno de sus períodos uruguayos
Desde el punto de vista estilístico es de difícil
mostró una mayor madurez de sus medios expresivos
clasificación. Los críticos han visto en él un plenai-
y también recibió una aceptación creciente del público.
rista, un impresionista ortodoxo, un intérprete del
Esto se extendió a las esferas oficiales, de donde luego
impresionismo, un modernista, un ecléctico que
provinieron propuestas laborales y encargos de trabajos.
emplea diferentes soluciones, incluso las académi-
Recibió una formación academicista —en la Acade-
cas. En su paleta prevalecen lilas y rosas y se em-
mia de San Fernando en Madrid, en el taller del pintor
plea el claroscuro, pero también los colores comple-
Manuel Arroyo, en la academia de Benjamín Constant en
mentarios, mezclados o no.
París— que no guarda relación con la convulsión van-
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Murió en Montevideo en 1926.
PEDRO BLANES VIALE Glicinas de la cochera de la quinta de Castro Óleo sobre tela, 58 x 58 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
PEDRO BLANES VIALE Jardín de Palma de Mallorca Óleo sobre tela, 120 x 112 cm Integró la exposición “Aquí soñó Blanes Viale”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 2019
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DESDE EL COLECCIONISMO
C O N T R A L U Z P E D R O B L ANES V I AL E
Esta tela de Pedro Blanes Viale resulta llamativa por los
predomina el blanco. Para el interior, una paleta oscu-
lazos que mantiene con una de sus pinturas más céle-
ra, a base de negros, azules-violáceos, marrones. Colo-
bres de tema histórico, Artigas dictando a su secretario,
res fríos, en los que el fogón introduce una nota cálida.
José Monterroso, realizada hacia 1919 por encargo del
Pero también la ubicación de algunos elementos
Poder Ejecutivo y hoy conservada en Montevideo, en el
—representados en menor número en Contraluz— es
Museo Histórico Nacional. Dicha pintura se integra al
similar en ambas obras: el fogón y el bucráneo en el án-
conjunto de obras generado en el marco de la conme-
gulo inferior derecho, la mesa a la izquierda, colocada
moración de los centenarios de 1811, 1825 y 1830, una
cerca de la puerta, por donde ingresa la luz. En Artigas
producción centrada en episodios históricos y retratos
dictando a su secretario... esta ubicación queda justi-
de personalidades, mediante la convocatoria a concur-
ficada porque Monterroso está escribiendo al dictado
sos del Estado, contrataciones directas a los artistas o el
de Artigas y necesita ver con claridad. En Contraluz ha
ofrecimiento espontáneo de obras por parte de estos.
quedado sobre la mesa un único objeto (¿un tintero?),
Desde su retorno a Uruguay, en 1916, el pintor se
pero han desaparecido los hombres y los asientos. ¿To-
había volcado a la pintura de historia y también a un
davía no han llegado los protagonistas o Artigas ya ha
reencuentro con lo nacional, mediante el estudio del
finalizado el dictado y han abandonado la habitación?
paisaje, de la luz local y de la cultura rural. En esa tela
Un gaucho joven, vestido con botas, chiripá, pañuelo
representó a José Artigas en un rancho, sede de la ad-
al cuello y sombrero, silencioso y pensativo, matea mi-
ministración en el campamento de Purificación. Se
rando el fogón... El rancho se ha vaciado de historia,
conserva también un boceto, de dimensiones próximas
o la historia todavía no ha ingresado en él. Queda el
a Contraluz, que perteneció a la colección del doctor
costumbrismo.
Pablo Blanco Acevedo, con dedicatoria del artista.
La representación del mundo rural, su paisaje, ti-
Las similitudes entre Contraluz y Artigas dictando a
pos humanos y cultura material formó parte desde el
su secretario... son marcadas. En el exterior, bajo una
siglo XIX del proceso de construcción en imágenes de
claridad intensa, hay gauchos a caballo; en el interior
la nación, de Juan Manuel Blanes a Diógenes Héquet,
se refleja la misma austera ambientación: una mesa
Carlos María Herrera y Ernesto Laroche. Blanes Viale
sencilla, un cráneo de vaca que sirve como asiento, el
también participó de este imaginario. Por haber naci-
fogón y personajes al fondo, en una penumbra que con-
do y pasado su niñez en Mercedes, su avistamiento del
trasta con la luz exterior. Este conjunto de característi-
mundo rural fue temprano, abandonado luego y reto-
cas permite considerar la reflexión plástica del artista
mado en su madurez.
sobre dos inquietudes: el ambiente doméstico rural y
La técnica de Blanes Viale, en consonancia con el im-
el contraste entre luz y sombra, que da título al cuadro
presionismo, es más notoria en los bocetos, en los cuales
que comentamos.
los objetos, la vegetación, las nubes están poco delimitados en sus contornos, vibrantes, de luz y de sombra.
Las gamas cromáticas empleadas en ambas obras son las mismas: el exterior trabajado con la paleta
ERNESTO BERETTA
luminosa de Blanes Viale, verde, integrado con una gran proporción de ocre amarillo y celeste, en el que
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PEDRO BLANES VIALE Contraluz Óleo sobre tela, 55 x 65 cm
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PEDRO BLANES VIALE La ermita Óleo sobre tela, 18 x 31 cm
[ Pág. opuesta ]
PEDRO BLANES VIALE El vigía (Arequita) Óleo sobre tela, 80 x 65 cm
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JOAQUÍN TORRES GARCÍA
| M o nt e v i d e o, 18 74 – 1 9 4 9 |
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Nació en Montevideo el 28 de julio de 1874, hijo de un
en contacto con el neoplasticismo y le permitió llegar a
catalán y de una uruguaya. Desde sus primeros años
relacionarse con Mondrian, lo que sería decisivo para
mostró afición por las artes plásticas y por el trabajo
su pintura. El uso de la ortogonalidad puede verse en
en madera. En 1891 la familia se radicó en Cataluña.
su obra desde 1917, pero durante los años en París ad-
Joaquín retornaría al Uruguay 43 años después.
quirió otro rigor, que desembocaría en su teoría cons-
En Barcelona asistió a los cursos de la Academia
tructiva.
Baixas y de la Escuela Oficial de Bellas Artes. Sus pri-
Después de una estadía en Madrid, donde también
meros trabajos fueron como ilustrador para revistas.
expuso y formó un grupo de Arte Constructivo, regresó
Conoció a Picasso y colaboró con Gaudí en la basílica de
con su familia a Uruguay por razones económicas. En
la Sagrada Familia y también en la reforma de la Cate-
Montevideo realizó una labor docente de enorme va-
dral de Palma de Mallorca. En 1910 decoró el pabellón
lor. En 1935 fundó la Asociación de Arte Constructivo,
uruguayo de la Exposición Universal. En 1913 decoró
organizó numerosas exposiciones y dictó conferencias
un salón de la Diputación Provincial de Barcelona. En
en las que difundió incansablemente su ideal de cons-
esa ciudad se dedicó a la enseñanza y a la fabricación
tructivismo universal.
de juguetes de madera, que expuso por primera vez en
Su pintura constructiva admite una lectura formal,
1918. Más tarde, radicado Nueva York, continuó la fa-
plástica y semántica de índole espiritual. Cuadrados y
bricación de juguetes por encargo.
rectángulos se organizan con una idea mística del or-
En 1926 se instaló en París, después de la exitosa exposición de sus obras en la Galería Fabre. Dos años más tarde conoció a Theo Van Doesburg, quien lo puso
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den, con diversos símbolos provenientes del patrimonio universal. Murió en Montevideo el 8 de agosto de 1949.
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E S C E N A
B U C Ó L I C A
N E O C L Á S I C A J OAQ U Í N TO RRES GARC Í A
Joaquín Torres García en esta obra nos hace partícipes
La obra muestra a la derecha, en la misma línea del
de su concepción universalista, que aspira a conseguir
plano, a un anciano que descansa sobre su bastón, con
un nuevo orden clásico dentro de la modernidad.
una surgente a sus espaldas que refiere a la sabiduría.
Sus ideas provienen de un clasicismo mediterráneo
Frente a él dispone un altar de sacrificio, mientras en
propio del noucentisme catalán, que apuntaba a transmi-
el fondo dos hombres establecen un diálogo. En tanto,
tir fundamentos de modernidad cultural. Forma parte de
a la izquierda aparece una mujer que alude a la repre-
una narrativa epopéyica ideal, con vocación mediterrá-
sentación clásica de las diosas griegas, en una fuente
nea, de raíces parnasianas, basada en la antigua Grecia.
debajo del frontispicio, un recurso empleado también
Los principios rectores del clasicismo griego —razón,
en Maqueta de arquitectura y La fuente. La perspectiva
mesura, claridad y orden— debían protagonizar la pro-
en contrapicado se despliega en diagonal ascendente
ducción artística de una tierra que buscaba legitimarse
dentro de una escenografía arcádica mediterránea, con
como heredera de esa tradición. Conviene señalar la in-
suelo pedregoso y vegetación de escasa altura.
fluencia de Eugenio D’Ors sobre JTG, en su visión evolu-
El bucolismo al que remite el título se sugiere a tra-
cionista del arte, que parte desde el primitivismo hacia
vés de la naturaleza mediterránea y el clasicismo de la
la sofisticación. D’Ors hablaba de la “arbitrariedad” del
mayoría de los personajes. Los frutos de la naturaleza
arte, que este no precisaba necesariamente reflejar la
aparecen en el ángulo superior izquierdo, colgados de ár-
realidad sensible de la naturaleza, sino que la forma po-
boles y recogidos en un cesto en la parte trasera del altar.
día ser sometida a una sublimación que la transformase.
Se vinculan con la escena mural de la casa del barón de
Es importante asimismo considerar la impronta pri-
Rialp (1906), en la cual una figura femenina de perfil clá-
mitivista que aparecería en las últimas décadas del siglo
sico recoge los frutos de la naturaleza directamente del
XIX, con búsquedas que apuntaban hacia los orígenes del
árbol.
arte de la manera en la que pretendía Gauguin.
No necesariamente la visión de referencia a los oríge-
JTG pintó esta obra al poco tiempo de instalarse con
nes debe de interpretarse como antimoderna por parte
su familia en París, donde maduró su concepción de sín-
de JTG, pues el artista no reniega de la modernidad, sino
tesis que practicaría a lo largo de su vida, no solo respec-
que muestra que las raíces del esquematismo se hallan
to a la imagen representada, sino de ideas de diferentes
en el pasado y puede ser este la clave para el futuro. Su
movimientos.
clasicismo no debe de ser entendido como retroceso, sino
En Escena... las figuras se geometrizan, para aplicarles
como legitimación de un proyecto a través de la historia,
la ley de frontalidad, la forma de representación egipcia,
como lo conciben los renacentistas, basado en el pasado
con torsos frontales y miembros de perfil. La esquemati-
grecolatino para demostrar que ellos se hallan perfecta-
zación, según la concibe JTG, es una vía hacia la abstrac-
mente capacitados para superarlo. El pasado obra como
ción, percibida como síntoma de una cultura avanzada,
marco de referencia, pero no es exactamente un revival,
alejada del fácil naturalismo. Para Torres García, “el di-
sino una apuesta a una sociedad nueva, en la que cabía
bujo ha de ser planista”. No le interesaba representar
tanto la industria como la tradición grecolatina.
según la perspectiva italiana, sino que la forma, según
DIDIER CALVAR
afirmó, surgiera de la geometría.
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JOAQUÍN TORRES GARCÍA Escena bucólica neoclásica, 1927 Óleo sobre tela, 66 x 100 cm
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JOAQUÍN TORRES GARCÍA Composición constructiva libre, 1928 Óleo sobre cartón, 47 x 37 cm
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JOAQUÍN TORRES GARCÍA Bodegón con lápices, 1934 Óleo sobre tela, 58 x 40 cm
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JOAQUÍN TORRES GARCÍA Lector del diario El Progreso, 1939 Óleo sobre cartón, 37 x 48 cm
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JOAQUÍN TORRES GARCÍA Margherita Sarfatti, 1939 Óleo sobre cartón, 50 x 37 cm
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JOAQUÍN TORRES GARCÍA Atardecer sobre la Ciudad Vieja Óleo sobre cartón, 35,5 x 44 cm
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JOAQUÍN TORRES GARCÍA Manolita, 1920 Témpera sobre papel, diámetro 32 cm
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P R I M E R O S
M O D E R N O S
M a n u e l A l f r e d o
R o s é
d e
P e t r o n a E r n e s t o C a r m e l o
C a r l o s
S i m o n e V i e r a
L a r o c h e
d e
A r z a d u n
A l b e r t o
D u r a
A l b e r t o
C a s t e l l a n o s
C é s a r
P e s c e
A g u s t í n R o b e r t o J u a n
E z c u r r a
C a s t e l l a n o s
C a r l o s
J o s é
C a s t r o
F i g a r i
B e l l o n i
F e d e r i c o
E s c a l a d a
MANUEL ROSÉ
| Montevideo, 1882 – 1961 |
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Nació en Las Piedras, Canelones, el 9 de enero de 1882. Tempranamente buscó el contacto con el campo y pintó la naturaleza, las riberas del río, sus paisajes, la vida de los paisanos y los caballos. Pintó los paisajes
rada vanguardia y el vigor colorístico durante los años cuarenta hasta bordear la abstracción. En 1914 fue nombrado director del Círculo de Bellas Artes, cargo al que renunció en 1917.
que rodean la ciudad de Las Piedras (Uruguay), donde
En 1930, en la Exposición Iberoamericana de Sevi-
vivió varios años, y de las sierras de Córdoba (Argenti-
lla, España, obtuvo medalla de oro y en 1937, en Uru-
na), lugar de donde era su mujer.
guay, obtuvo el Gran Premio de Pintura en el Primer
En 1905 viajó a Italia y asistió a la Academia de
Salón Nacional de Artes Plásticas.
Bellas Artes de Roma. Regresó a Montevideo en 1908
Dos obras históricas: Artigas en el Cerrito y La bata-
y ganó por concurso una beca oficial que usufructuó
lla de Las Piedras se encuentran en el Palacio Legislati-
en París. Estudió en la Academia de la Grande Chau-
vo. Una tercera, La Asamblea de la Florida, se encuen-
mière, con Lucien Simon y Carlos de Cottet, y luego
tra en el edificio de la Intendencia de Florida.
en el taller de Anglada Camarasa, donde también estudiaban José Cuneo y Carmelo de Arzadun, hasta su regreso al Uruguay, en 1913. En la década del veinte, se incorporó, como sus
En la ciudad de Las Piedras, el Liceo Manuel Rosé lleva en homenaje su nombre. Falleció a los 79 años en Montevideo, el 16 de enero de 1961.
amigos, a la estética del planismo. Mantuvo esa mode-
[ Pág. opuesta ]
MANUEL ROSÉ Jardín en el Prado, 1917 Óleo sobre tela, 80 x 75 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
MANUEL ROSÉ Paisaje, caserío y vacuno Óleo sobre tela, 90 x 69 cm
[ Pág. opuesta ]
MANUEL ROSÉ Arboleda al atardecer Óleo sobre tela, 80 x 65 cm E
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MANUEL ROSÉ Grupo de ballet y foso con orquesta Óleo sobre tela, 65 x 95 cm
[ Pág. opuesta ]
MANUEL ROSÉ Estanque con nenúfares y sauce llorón, 1916 Óleo sobre tela, 65 x 75 cm
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MANUEL ROSÉ Gauchos reunidos en un fogón (Nocturno), 1956 Óleo sobre fibra, 75 x 60 cm
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MANUEL ROSÉ Baile bajo la enramada Óleo sobre fibra, 125 x 154 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
ALFREDO DE SIMONE
| Montevideo, 1892 – 1950 |
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Nació en Latarico, provincia de Cosenza (Italia), el 1.º
Exposición Iberoamericana de Sevilla, donde reci-
de noviembre de 1892.
bió medalla de plata. En la década del treinta inter-
La familia emigró a Montevideo cuando él tenía tres años. En 1924 obtuvo la ciudadanía legal uruguaya.
vino en las exposiciones realizadas por la Escuela Taller de Artes Plásticas, en Salones Municipales y
Su vida estuvo marcada por problemas económicos
Nacionales. En los años cuarenta realizó una mues-
y circunstancias trágicas. A los pocos meses de nacer,
tra individual en el Subte Municipal y nuevamente
la caída desde una terraza le dejó visibles y dolorosas
en Buenos Aires.
secuelas para el resto de su vida. A pesar de estas dificultades, ingresó en los cursos nocturnos del Círculo de Bellas Artes y obtuvo una
En su obra —dispersa y en gran número destruida— se destacan temas disímiles: retratos, bodegones y paisajes de ciudad.
beca de estudios. Algunos de sus profesores fueron
De Simone es el paisajista del Barrio Sur de
Pedro Blanes Viale, Guillermo Laborde y Carmelo de
Montevideo, de sus calles y edificios con multiplica-
Arzadun. Su producción inicial revela la influencia
ción de puertas y ventanas. En sus paisajes urbanos
planista que el aprendizaje en el Círculo le imprimió a
ya no se encuentra la mirada complaciente y espe-
toda una generación.
ranzadora de los planistas, sino una paleta tonal
La mayoría de los críticos coinciden en ubicar lo
inserta en paisajes deshabitados que contribuye a
más original de su producción a partir de la segunda
otorgarle a su pintura una visión del entorno car-
mitad de la década de los treinta, cuando comenzó a
gada de melancolía.
preocuparse por la materia y por el empaste, recurso
Fue un contertulio frecuente de los cafés que
que ya tenía antecedentes en nuestra pintura a partir
reunían a la bohemia montevideana: El Cosmos,
de la pincelada de Carlos Federico Sáez.
Tupí Nambá y La Giralda. En este último expuso sus
Su obra integró la exposición que realizó el Grupo Teseo en Buenos Aires en 1927. En 1930 participó en la
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obras de juventud. Murió en Montevideo en 1950.
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ALFREDO DE SIMONE Calle del Barrio Sur Óleo sobre tela, 80 x 83 cm Ex colección Adalberto Fontana
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DESDE EL COLECCIONISMO
ALFREDO DE SIMONE Gasómetro Óleo sobre cartón, 16 x 20 cm
ALFREDO DE SIMONE Barrio Sur Óleo sobre cartón, 17 x 22 cm
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ALFREDO DE SIMONE Barrio Sur Óleo sobre cartón, 24 x 26 cm
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PETRONA VIERA
| Montevideo, 1895 – 1960 |
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Nació en Montevideo el 24 de marzo de 1895. Su padre,
Bellas Artes ni tuvo el estímulo de cursos en el exterior.
el doctor Feliciano Viera, fue una de las figuras más gra-
Con Laborde, Viera entró en la corriente planista. La
vitantes en la esfera política y gubernamental.
crítica coloca las obras de este período entre los pun-
Petrona fue la mayor de once hijos. A los dos años contrajo una enfermedad que la dejó sorda. Este fue el
tos más altos de su producción, que se caracteriza por grandes pinceladas de color sin modular.
punto de arranque de una vida poco común, en la que
Sus motivos son variados y seriados: retratos fami-
la comunicación artista-mundo se produjo principal-
liares, juegos infantiles, paisajes y una serie de desnu-
mente a través del microcosmos familiar.
dos, óleos en su mayoría.
Su formación artística comenzó con Vicente Puig y
Participó regularmente en exposiciones organizadas
continuó con Guillermo Laborde. Con este último tuvo
por el Círculo de Bellas Artes, en muestras colectivas en
contacto por casi veinte años, en una trayectoria artís-
Buenos Aires y París e individuales en nuestro medio.
tica de cuarenta. A diferencia de muchos plásticos de su época, no asistió a clases en el Círculo Fomento de
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Murió en Montevideo en 1960.
PETRONA VIERA Luz y sombra, arboleda del Prado Óleo sobre tela, 100 x 90 cm
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PETRONA VIERA Muro blanco Óleo sobre tela pegada en madera, 29 x 23 cm
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PETRONA VIERA Playa y mar Óleo sobre tela sobre cartón, 33 x 33 cm
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ERNESTO L AROCHE
| Montevideo, 1879 – 1940 |
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Pintor y grabador, nació en Montevideo el 8 de marzo
ingresara como dibujante de puentes y carreteras en el
de 1879. Cursó estudios primarios con maestros parti-
entonces Ministerio de Fomento.
culares y secundarios en el Colegio Nacional de la Liga Patriótica de la Enseñanza (1890-1894). Su aprendizaje artístico estuvo bajo la dirección del pintor uruguayo Federico Renom (1893-1896). Estudió
No tuvo otros maestros ni hizo viajes de perfeccionamiento a Europa como la mayoría de los artistas de la época. Fue director del Museo Nacional de Bellas Artes desde 1928 hasta sus últimos días.
dibujo, anatomía plástica, composición, pintura. Prac-
Falleció el 2 de junio de 1940, cuando también estaba
ticó también dibujo lineal y topográfico, y adquirió co-
al frente del Museo Histórico Nacional, donde había or-
nocimientos que le resultarían útiles en 1906, cuando
ganizado la sección artística por encargo del gobierno.
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ERNESTO LAROCHE Atardecer con carreta Óleo sobre tela, diámetro 45 cm
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ERNESTO LAROCHE Paisaje con carreta y campesino Óleo sobre tela, 75 x 75 cm
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ERNESTO LAROCHE Paisaje serrano Óleo sobre tela, 110 x 150 cm
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CARMELO DE ARZADUN
| Montevideo, 1888 – 1968 |
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Nació en Salto el 16 de julio de 1888. Cursó estudios en Salto y luego en España, con Antonio Aramburu. Por concurso ganó una beca y viajó a París, donde
En Uruguay ganó el primer premio en el II Salón Nacional en 1938, el primer premio en el IV Salón en 1940 y el Gran Premio del V Salón en 1941. Fue premiado también en los Salones Municipales.
estudió en las Academias de la Grande Chaumière y Co-
Como sus colegas José Cuneo, Petrona Viera, Causa,
llarossi, y luego en la Academia Vitti, donde enseñaban
Bazzurro y otros, Arzadun incursionó en el planismo y
Van Dongen y Anglada Camarasa.
realizó una obra que tiene en común con los otros pin-
En 1935 asistió a las clases del Taller Torres García
tores la temática y la paleta. Si bien frecuentó casi todos
e integró la Asociación de Arte Constructivo. Fue pro-
los géneros pictóricos, siempre volvió al paisaje, a veces
fesor del Círculo de Bellas Artes desde 1917, director
solitario e intimista, fundamentalmente ciudadano y de
del Museo Municipal Juan Manuel Blanes, jurado en
playas. Su pasaje por el Taller Torres García lo marcó y
los Salones Nacionales y miembro de la Comisión de
cambió su composición y paleta definitivamente.
Bellas Artes.
Está representado en el Museo Nacional de Artes
Representó al país en múltiples exposiciones inter-
Visuales, el Museo Municipal Juan Manuel Blanes, el
nacionales, entre las que se destacan la Muestra Ibe-
Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, la Co-
roamericana de Sevilla (medalla de oro, 1930), Artistas
lección Watson de Nueva York, y en museos de Francia,
uruguayos (Buenos Aires, 1915), Salones de Otoño (Pa-
Bélgica e Italia.
rís, 1926 y 1927), La Maison de l’Unesco (París, 1949) y
Murió en Montevideo el 16 de octubre de 1968.
De Blanes a nuestros días (Ecuador, 1955).
[ Pág. opuesta ]
CARMELO DE ARZADUN El comedor de sandías Óleo sobre fibra, 108 x 85 cm
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CARMELO DE ARZADUN Parque Rodó Óleo sobre cartón, 37 x 45 cm
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CARMELO DE ARZADUN Ascendiendo un cerro Óleo sobre cartón, 42 x 53 cm
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[ Arriba ]
CARMELO DE ARZADUN Casas en balneario Las Flores Óleo sobre cartón, 33 x 40 cm
[ Izquierda ]
CARMELO DE ARZADUN Pont Royal, 1950 Grafito, 24 x 33 cm
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CARMELO DE ARZADUN Interior de pulpería Óleo sobre tela, 100 x 100 cm
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CARMELO DE ARZADUN Playa, cerro y jinetes Óleo sobre cartón, 45 x 55 cm
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CARMELO DE ARZADUN Playa Las Flores, paisaje con ganado, 1952 Óleo sobre cartón, 49 x 74 cm
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ALBERTO DURA
| Montevideo, 1888 – 1971 |
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Nació en Montevideo el 14 de agosto de 1888. Realizó
Buen colorista, practicó un arte en el que la luz es un
sus estudios de dibujo en el Círculo de Bellas Artes, con
elemento protagónico. Alternó vistas de fuerte croma-
los profesores Carlos María Herrera y Vicente Puig. En
tismo con paisajes en los que la niebla de los arroyos
pintura fue autodidacta.
vela las formas y atenúa los colores. También pintó in-
Construyó su casa en el barrio Aires Puros, en la la-
teresantes paisajes urbanos.
dera de la colina donde aún hoy se asienta la sociedad
Obtuvo medalla de plata en la exposición Iberoame-
La Criolla, a cuyo pie corría el arroyo Montevideo Chi-
ricana de Sevilla de 1930, pero sus más importantes
quito, próximo a su confluencia con el entonces pinto-
reconocimientos oficiales tuvieron lugar entre 1937 y
resco Miguelete.
1940, más de quince años después de iniciar su activi-
En su mirador pintó numerosas vistas del paisaje. Desde esa altura, aún hoy, se divisan los restos de las frondosas arboledas de las casas quintas de los alrededores.
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dad de paisajista. Fue galardonado con la medalla de oro en cuatro oportunidades. Murió en Montevideo en 1971.
ALBERTO DURA Paisaje de campo con rancho y ganado
Óleo sobre fibra, 23 x 28 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
CARLOS ALBERTO C ASTELL ANOS
| Montevideo, 1881 – 1945 |
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Nació en Montevideo el 28 de enero de 1881. Realizó los primeros estudios con Carlos María Herrera. Fue uno de los fundadores del Círculo Fomento de Bellas Artes, en 1905. En 1907 viajó a España y estudió con el pintor Joaquín Sorolla y Bastida. Tras recorrer Paraguay, Bolivia y Brasil en 1914, volvió a España y se radicó en Pollenza (Mallorca). En 1919 se trasladó a París, donde residió por varios años. En 1943, de regreso a América, obtuvo el Gran Premio de Pintura en Uruguay y en Buenos Aires.
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Ensayó también el grabado al aguafuerte y fue un excelente cartonista de hermosos tapices que tejió V. Vander Velde en Bélgica. Su obra está en los Museos Nacionales y Municipales de Bellas Artes de Montevideo, en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, en el de Luxemburgo y en colecciones privadas. Falleció en Montevideo el 26 de octubre de 1945.
CARLOS ALBERTO CASTELLANOS Reposo del arlequín Óleo sobre tela, 81 x 100 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
CÉSAR PESCE CASTRO
| Montevideo, 1890 – 1977 |
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Nació en Montevideo el 27 de diciembre de 1890.
a la pintura, que pasó a un segundo plano. Se dedi-
Pintor y dibujante, inició sus estudios en la Escuela
có a la restauración de cuadros, como los Blanes de
Italiana, los continuó con Carlos María Herrera y Vicen-
la colección Assunção, el arte cuzqueño y telas de
te Puig, y fue de los pocos que no realizaron el ansiado
Joaquín Torres García, a cuyo taller había asistido
viaje de perfeccionamiento a Europa.
junto con Carmelo de Arzadun.
En los años veinte realizó gran cantidad de retratos
Como director del Museo Blanes se enfrentó con
y en ocasiones autorretratos. Más adelante incorporó el
la falta de locales adecuados, hasta que reacondi-
paisaje, para lo que eligió parques y jardines montevi-
cionó la actual sede del Prado.
deanos, como los del Museo Blanes —del que fue direc-
Como integrante de la primera Comisión Muni-
tor—, las playas Capurro y Pocitos, campos de Colonia,
cipal de Cultura se preocupó por dinamizar la cul-
Carmelo y Rocha.
tura en general y la cultura artística en particular.
Esta época planista del veinte y del treinta fue la más importante de su obra. Con ella se incorporó a la mejor tradición del arte uruguayo. Las tareas docentes primero y de dirección del Museo Blanes más tarde fueron absorbiendo su dedicación
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Sus obras se encuentran en colecciones de Uruguay y Argentina. Murió en Montevideo en 1977.
CÉSAR PESCE CASTRO
La maceta de geranio
Óleo sobre madera, 25,5 x 35,5 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
AGUSTÍN EZCURRA
| Montevideo, 1880 – 1958 |
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Nació en Montevideo el 28 de febrero de 1880. Sus pri-
de Otoño (Uruguay) en 1927. También recibió recono-
meros estudios plásticos, entre 1896 y 1897, estuvieron
cimientos por el óleo Los doctores de la ley (medalla de
bajo la dirección de Godofredo Sommavilla.
bronce en el VIII Salón de 1944) y la tinta china Arroyo
Estudió anatomía humana en el Círculo de Bellas Artes con Miguel Becerro de Bengoa, arquitectura con
Malvín (medalla de bronce en el XII Salón de Dibujo y Grabado de 1949).
Vázquez Varela y perspectiva y proyecciones con Her-
En el Museo Juan Manuel Blanes se expone su cua-
menegildo Sábat. Fue docente en la Universidad del
dro Atardecer (canteras de La Teja), mientras que la
Trabajo durante 26 años.
mayoría de su obra pertenece a colecciones particula-
En 1925 viajó a Europa y obtuvo el segundo premio
res de Uruguay, Argentina, Brasil, Chile, México, Cana-
(medalla de plata) en la Exposición Internacional de Se-
dá, Estados Unidos, España, Italia, Francia, Alemania
villa. Allí participó con las obras A pleno sol y Salida
y Bélgica.
de la fábrica, que integrarían la exposición en el Salón
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Murió en Montevideo el 16 de diciembre de 1958.
AGUSTÍN EZCURRA Jardín, 1919 Óleo sobre cartón, 28 x 35 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
ROBERTO CASTELL ANOS
| Montevideo, 1871 – 1942 |
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Nació en Montevideo el 7 de enero de 1871.
Se pueden ver obras suyas en el Museo Nacional de Be-
En la Academia de Bellas Artes de Florencia estu-
llas Artes, el Museo Municipal Juan Manuel Blanes, el
dió pintura bajo la dirección de José Ciaranfi (1891),
Museo Histórico Nacional, el Museo Histórico Munici-
con quien también tomó clases particulares. Estuvo
pal y el Club Oriental de Buenos Aires.
presente en la Exposición ítalo-uruguaya de Génova en 1893 y en la de Bellas Artes de Barcelona en 1894.
Durante muchos años estuvo vinculado al mundo diplomático y consular. Dejó una obra profusa, con te-
En 1908 participó en la Exposición del Club Cató-
mas de Uruguay y de sus numerosos viajes. Se destacó
lico de Montevideo. En 1911 obtuvo una medalla de
como marinista y pintó las costas y los lagos de su país
bronce en el Salón de Arte de París. En 1931 expuso en
y del mundo.
el Ateneo de Paysandú y en 1937 participó en el Primer Salón Nacional de Bellas Artes.
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Falleció en Montevideo el 24 de agosto de 1942.
ROBERTO CASTELLANOS Puerto viejo, Montevideo Óleo sobre tela, 28 x 38 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JUAN CARLOS FIGARI CASTRO
| Montevideo, 1894 – 1927 |
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Juan Carlos Figari, hijo de Pedro Figari y de María de
Existe la suposición de que Herrera MacLean cla-
Castro, nació en 1894.
sificó como de Pedro algunos cuadros pintados ex-
Se recibió de arquitecto y enseñó dibujo en Secun-
clusiva o mayoritariamente por Juan Carlos, pero
daria y en la Escuela de Artes y Oficios, de la que su
la relación entre los dos era tan estrecha que es
padre era director.
difícil demostrarlo. Padre e hijo también exponían
Fue un excelente dibujante y un buen pintor, y segu-
en conjunto.
ramente habría sido un grande si hubiera podido des-
En 1927, radicados ambos en París, Juan Carlos
pegar. Durante su corta vida su norte fue estar junto a
contrajo una infección al oído y falleció tres días
su padre en todo sentido.
después, de lo que podría haber sido una menin-
A menudo, ambos compartieron el pincel en el mis-
gitis. Un día antes habían inaugurado una exposi-
mo cuadro, lo que en ciertos casos se aprecia claramen-
ción conjunta, a la que Juan Carlos asistió con la
te. Algunas pinturas están firmadas P. Figari, la firma ha-
cabeza vendada. Fue enterrado en Père Lachaise.
bitual del padre, y aparece J. Carlos, o Col. (colaborador).
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JUAN CARLOS FIGARI CASTRO Bailecito Óleo sobre cartón, 50 x 69 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ BELLONI
| Montevideo, 1882 – 1965 |
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Nació en Montevideo en 1882. Cuando tenía ocho años
del Prado. En 1951 comenzó la maqueta de El entreve-
sus padres se separaron y, mientras su madre y sus
ro, obra que continuaría ampliando y mejorando hasta
hermanas permanecían en Montevideo, él viajó con su
1964. En 1954 viajó nuevamente a Europa, y en Lugano
padre a Lugano (Suiza). Allí comenzó sus clases con el
expuso una serie de obras vinculadas a las tradiciones
maestro Luigi Vassalli en la Escuela Cantonal de Arte.
camperas del Uruguay.
De regreso en Uruguay, en 1899 obtuvo por concurso
Dentro de la vasta obra de José Belloni deben men-
una beca de escultura que lo llevó de nuevo a Europa.
cionarse el monumento a La carreta, emplazado en el
Asistió a la Academia de Múnich y envió sus trabajos a
parque Batlle —admirable escultura que alcanzó justa
las exposiciones anuales de esa ciudad, así como a las
fama universal—, así como La diligencia, ubicada en
de Roma, Ginebra, Budapest, Lugano, Lausana y Neu-
el Prado, de características similares a la anterior. Es
châtel. Finalizada su beca regresó a Montevideo, donde
también autor de algunas figuras decorativas del Salón
fue designado por la Comisión del Círculo Fomento de
de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo de Mon-
Bellas Artes para dirigir las clases de modelado y de di-
tevideo: dos de las cariátides y los tímpanos laterales.
bujo ornamental, cargo que ocupó hasta 1914, cuando
Como docente estuvo al frente de las clases de modela-
con motivo de la muerte del director, el pintor Carlos
do y de dibujo al natural y modelo vivo en la Facultad
María Herrera, fue designado para ocupar esa vacante.
de Arquitectura.
En 1910 obtuvo la medalla de plata en la exposición
Entre las diversas obras de Belloni ubicadas en lu-
Arte del Centenario argentino por su obra Angustia. En
gares públicos de Montevideo se pueden citar las escul-
esa época participó en un concurso de escultores nacio-
turas El aguatero y Nuevos rumbos, y los monumentos
nales y extranjeros para la creación de un monumento
a Ansina, Juan Manuel Blanes, Julio Carrere, Luis Mor-
en homenaje a José Gervasio Artigas, en el que final-
quio, José Enrique Rodó, Guillermo Tell y María Euge-
mente fue seleccionada la propuesta del escultor ita-
nia Vaz Ferreira.
liano Ángel Zanelli. En 1921 realizó el monumento en memoria de Carlos María Herrera, ubicado en el Paseo
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Falleció en 1965 en Montevideo, donde a los 83 años de edad continuaba trabajando en sus esculturas.
JOSÉ BELLONI La carreta Bronce, largo 100 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ BELLONI La doma Bronce, alto 70 cm
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JOSÉ BELLONI Jineteada Bronce, alto 45 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
FEDERICO ESCAL ADA
| Montevideo, 1888 - 1960 |
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Federico Escalada nació en Montevideo en 1888. Artista plástico con escasos antecedentes, es el au-
resante en su estructura y estética, en la que solucionó el lazo con un simple alambre.
tor de El peón de estancia, escultura de bronce ubicada
En 1935 fue convocado para realizar El gaucho orien-
en la zona del Prado de Montevideo, realizada hacia
tal, escultura monumental de bronce emplazada en el
1930 en un hábil naturalismo barroquizante. Poste-
parque Farroupilha de la ciudad de Porto Alegre (Brasil).
riormente hizo una versión pequeña, sumamente inte-
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Falleció en Montevideo en 1960.
FEDERICO ESCALADA Peón de estancia Bronce, alto 64 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
T A L L E R
T O R R E S
T . T . G . J o s é
G u r v i c h
M a n u e l
P a i l ó s
A u g u s t o
T o r r e s
F r a n c i s c o J u l i o
A l p u y
H o r a c i o W a l t e r
T o r r e s D e l i o t t i
R o d o l f o H u g o
V i s c a
S a r t o r e
E d u a r d o J u a n
M a t t o
Y e p e s C a v o
G A R C Í A
JOSÉ GURVICH
| Ya t s m e v, 1 9 27 – N u e v a Yo r k , 1 974 |
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Nació en el pueblo de Yatsmev, en Lituania. Su padre
En 1965, nuevamente instalado en Montevideo, se abo-
emigró al Uruguay en 1931 y su esposa y sus dos hijos,
có a preparar su gran muestra, que tendría lugar en
José y Miriam, llegaron a Montevideo a fines de 1932.
1967 en la sede de la Comisión Nacional de Bellas Artes.
A los quince años entró en la Escuela Nacional de
Esta exposición fue recibida por la crítica con unánime
Bellas Artes, donde asistió al curso de José Cuneo. En
reconocimiento y lo consagró como uno de los grandes
1943 estudió violín con el profesor Julber y allí conoció
artistas nacionales.
a Horacio Torres.
En noviembre de 1969 comenzó otro viaje. Recorrió
Más adelante ingresó al Taller Torres García, donde
Israel, Grecia, Italia, España y Francia, países en los
fue docente durante varios años y participó en numero-
cuales trabajó con intensidad, hasta que finalmente se
sas exposiciones colectivas.
radicó en Nueva York.
Entre 1954 y 1956 viajó a Europa y a Israel. En ese
En Uruguay expuso en Montevideo, Artigas, Pun-
período realizó su primera y exitosa exposición euro-
ta del Este, Minas, Melo y Paysandú; en el exterior, en
pea en la Galería San Marco, en Roma.
Washington, Santiago de Chile, Roma, Tel Aviv, Ámster-
En Israel se instaló en un kibutz, se convirtió en pas-
dam, Nueva York y Medellín.
tor de ovejas y continuó trabajando en su obra plástica.
Murió en Nueva York a los 47 años. Desde entonces
A fines de 1956 regresó al Uruguay y se reintegró al TTG.
se han realizado innumerables muestras póstumas de
En 1963 volvió a Israel y reanudó su tarea de pastor. Continuó pintando y expuso en la Galería Katz de Tel Aviv.
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su obra en Uruguay y en el exterior.
JOSÉ GURVICH Janucá, 1973 Óleo sobre tela, 82 x 102 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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DESDE EL COLECCIONISMO
F I E S T A S
J U D Í A S
J A N U C Á
Y
S U C O T J O SÉ G URV I C H
Cuando llegamos a Nueva York, en 1970, los primeros
elementos religiosos que no conocía muy bien. Iba con-
meses nos quedamos en la casa del primo de mi padre
migo a la biblioteca y sacaba (con mi tarjeta) libros con
Leo Sadinsky en Brentwood, Long Island. Allí mi padre
ilustraciones que explicaban los elementos y símbolos
se instaló a trabajar en el garaje, ya que la esposa de Leo
de diversas fechas clave del calendario judío. Esas obras,
no quería que ensuciara la casa. Hizo unas témperas
que le llevaron unos cuantos meses, fueron el comienzo
hermosas de tamaño grande. A los meses nos mudamos
de una valiosa relación con el Sr. Aberbach, quien le con-
al famoso Chelsea Hotel de la calle 23, en Manhattan,
siguió fecha para una muestra importante en el Museo
donde estuvimos unos meses hasta que mis padres
Judío de Nueva York.
consiguieron un apartamento en la calle 11 y avenida
Luego de que falleciera mi padre, las obras fueron ce-
A. Allí, en su estudio en el subsuelo del apartamento,
didas por el Sr. Aberbach a la escuela judía Ramaz, en
produjo hermosas obras: témperas, óleos, cerámicas y
Uptown Manhattan. Varios años más tarde, un marchand
obras tridimensionales.
argentino las compró y las vendió en el Río de la Plata.
Por el año 1973, cuando la situación económica y
Dos de esas maravillosas obras están en la colección de
de difusión de su obra estaba muy difícil, conoció al
Enrique Manhard, quien tiene la mayor colección de Gur-
marchand Jean J. Aberbach, presentado por el crítico
vich en colecciones privadas. Y específicamente la obra
e historiador de arte Álvaro Medina, de Colombia.
Sucot, que es la fiesta de la cosecha, fue la que mi padre
Cuando vino a nuestro humilde apartamento y vio unas
y madre eligieron para hacer una versión para nosotros
fotos de la obra Janucá, que mi padre le había vendido
que mi padre pintaba cuando falleció, el 24 de junio de
a Basilio Bernat en Montevideo, el Sr. Aberbach le
1974. Ahora esa obra, que sería Sucot 2, se encuentra en
preguntó si podría pintar algo así y le encargó que le
el Museo Gurvich. A pesar de no ser un judío religioso o practicante, Gur-
pintara seis festividades judías: Janucá, Shabbat, Pésaj,
vich dejó una enorme y hermosa colección de obras de
Sucot, Purim y Shavuot.
temática judía.
Recuerdo que mi padre tuvo que estudiar sobre las fiestas judías para poder incorporar en las obras
MARTÍN GURVICH
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JOSÉ GURVICH Escena de Nueva York en blancos y grises, c. 1972 Óleo sobre tela, 61 x 76 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Onírico - Pareja en el kibutz, 1968 Témpera sobre papel, 35 x 50 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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JOSÉ GURVICH Shabbat, 1969 Óleo sobre tela, 60 x 80 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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JOSÉ GURVICH Janucá, 1967 Óleo sobre tela en colores sepias, 60 x 80 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Figura libre - Nueva York , c. 1972 Óleo collage obturado sobre tela, 60 x 60 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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JOSÉ GURVICH Mundo onírico - Composición con reloj, 1966 Óleo collage sobre tela, 41,5 x 64 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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JOSÉ GURVICH Sucot, 1973 Óleo sobre tela, 92 x 122 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Composición con hombre rojo, Israel, 1966 Óleo sobre tela, 58 x 74 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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JOSÉ GURVICH Festividad lituana, 1969 Óleo sobre tela, 38 x 45 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Mundo de imágenes y personajes - Israel, 1966 Óleo sobre tela, 60 x 80 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Ritmos del kibutz, c. 1967 Óleo sobre cartón, 40 x 52 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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JOSÉ GURVICH Onírico - Israel, 1966 Óleo collage con espejitos sobre cartón, 30 x 36 cm
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JOSÉ GURVICH Formas geométricas en colores puros, 1968 Óleo sobre madera, 31 x 39 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Cuarteto, 1948 Óleo sobre tela, 46 x 62 cm
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JOSÉ GURVICH Músicos, Trío, 1968 Óleo sobre tabla y yeso, 30.5 x 45.5 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Pareja, 1966 Témpera y collage, 32 x 45 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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JOSÉ GURVICH Interior con pareja y niño (colores puros), 1968 Óleo sobre tabla, 30 x 45,5 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Hombre leyendo el diario Cerámica incisa, alto 26,5 cm
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JOSÉ GURVICH Sin título Collage y técnica mixta sobre yeso, 30 x 48 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
[ Derecha ]
JOSÉ GURVICH El beso Cerámica, alto 26,5 cm
JOSÉ GURVICH Desnudo femenino de pie Cerámica, alto 10 cm
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JOSÉ GURVICH Composición Técnica mixta y yeso sobre madera, 47 x 56 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Grupo de cabezas Cerámica, alto 10 cm
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JOSÉ GURVICH Composición libre, 1965 Técnica mixta sobre yeso, arpillera y madera, 42 x 40 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Hombre de brazos abiertos Cerámica, alto 22 cm
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JOSÉ GURVICH Kibutz Óleo sobre yeso en relieve, 50 x 70 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Apunte de kibutz Tinta sobre papel, 17 x 13,5 cm
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JOSÉ GURVICH Paisaje espacial, 1966 Témpera, 34 x 38 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997 183
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Apunte de kibutz, 1971 Tinta acuarelada, 17 x 13,5 cm
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JOSÉ GURVICH Hombre espacial, 1966 Témpera sobre papel, 50 x 36 cm
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JOSÉ GURVICH Almuerzo en el Cerro Óleo sobre cartón, 19,5 x 23,5 cm
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JOSÉ GURVICH Javer y Javerá (pareja), 1966 Óleo sobre arpillera, 129 x 91 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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JOSÉ GURVICH Parroquianos en la cantina alumbrada a farol de querosene Óleo sobre cartón, 55 x 80 cm E
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JOSÉ GURVICH Paisaje nocturno, caserío y campesinos Óleo sobre fibra, 41 x 53 cm
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JOSÉ GURVICH Constructivo – Universo Óleo sobre cartón, 40 x 50 cm
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JOSÉ GURVICH Constructivo libre - Ciudad Vieja 12 5N BAR Óleo sobre cartón, 55 x 85 cm
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JOSÉ GURVICH Desde la ventana del taller (Ciudad Vieja) Óleo sobre cartón, 49 x 42 cm
[ Pág. opuesta ]
JOSÉ GURVICH Ventana del taller, 1956 Óleo sobre cartón, 80 x 38 cm
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JOSÉ GURVICH Naturaleza muerta con ventana, 1952 Óleo sobre tela, 80 x 52 cm
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JOSÉ GURVICH Día de lluvia en la Ciudad Vieja, 1954 (Rambla Portuaria)
Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
Óleo sobre tela, 71,5 x 53 cm 195
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JOSÉ GURVICH Natur a l e z a m u e r t a co n ce n t í m e t r o, 1 9 6 2 Óleo sobre tela, 50 x 64 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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JOSÉ GURVICH Constructivo – Universo Sur Óleo sobre cartón, 53 x 41 cm
[ Pág. opuesta ]
JOSÉ GURVICH Composición, Café El Temerario, 1952 Óleo sobre cartón, 88 x 52 cm
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JOSÉ GURVICH Plano, color y línea, 1952 Óleo sobre cartón, 29 x 41 cm
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JOSÉ GURVICH Natur a l e z a m u e r t a co n r e l oj Óleo sobre tela, 45 x 37 cm
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JOSÉ GURVICH
JOSÉ GURVICH Naturaleza muerta en grises Óleo sobre cartón, 28 x 41,5 cm
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JOSÉ GURVICH Naturaleza muerta con botella de leche, 1952 Óleo sobre fibra, 49 x 59 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Naturaleza muerta con damajuana, 1951 Óleo sobre cartón, 45 x 35 cm
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JOSÉ GURVICH Natur a l e z a m u e r t a co n c a ja d e f ó s f o r o s Óleo sobre cartón, 36 x 44 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Parroquianos y mozo en el bar Óleo sobre cartón, 42 x 53 cm
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JOSÉ GURVICH Pareja desayunando Óleo sobre cartón, 41 x 52 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Constructivo libre con sol Óleo sobre tela, 40 x 53 cm
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JOSÉ GURVICH Gente en bar (línea y color), 1952 Óleo sobre cartón, 43 x 52 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Constructivo libre en fondo blanco, 1952 Óleo sobre tela, 42 x 50 cm
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JOSÉ GURVICH Poesía urbana – 5 El Día Óleo sobre cartón, 42 x 50 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Paisaje urbano, Ciudad Vieja Óleo sobre cartón, 28 x 35 cm
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JOSÉ GURVICH Constructivo libre ABC NX 3 Óleo grafiado sobre tabla en colores claros, 30 x 18 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Constructivo libre, Cerro. 1958 Óleo sobre cartón, 40 x 50 cm
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JOSÉ GURVICH Paisaje urbano con transeúntes Óleo sobre tabla, 50 x 73 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Poema humano, 1958 Óleo sobre cartón, 40 x 50 cm
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JOSÉ GURVICH Paisaje urbano con transeúntes y reloj Óleo sobre cartón, 42 x 54 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Paisaje del Cerro con carro y pareja Óleo sobre cartón, 40 x 50 cm
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JOSÉ GURVICH Bañistas en playa del Cerro, 1958 Óleo sobre cartón, 39 x 49 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Pareja y lámpara a querosene Óleo sobre fibra, 35 x 35 cm
[Pág. opuesta ]
JOSÉ GURVICH Maternidad Óleo sobre cartón, 50 x 40 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Paisaje nocturno, techos y aves Óleo sobre cartón, 25 x 30 cm
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JOSÉ GURVICH Poesía, composición libre Óleo sobre cartón, 39 x 49 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Paisaje con playa, figuras, caballos y cerro Óleo sobre cartón, 26 x 40 cm
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JOSÉ GURVICH Vecindario del Cerro Óleo sobre tela, 37 x 45 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Joven Óleo sobre cartón, 39 x 29 cm
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JOSÉ GURVICH Paisaje urbano con transeúntes y perro Óleo sobre cartón, 39 x 49 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
A U T O R R E T R A T O
F R E N T E
A L
E S P E J O J O SÉ G URV I C H
El espejo constituyó un objeto recurrente en el arte oc-
En los autorretratos el espejo es una herramienta para
cidental para ampliar el espacio pictórico. Fue habitual
pintarse a sí mismo del natural sin recurrir a una fotogra-
su uso en la pintura flamenca como forma ingeniosa de
fía o a la memoria de las propias facciones. Pero el pintor
generar vistas en miniatura de lo que ocurre más allá del
puede, a voluntad, develar la presencia del espejo, delatar
cuadro. Así lo utilizaron, entre otros, Jan van Eyck en El
o no al espejo mismo y al entorno reflejado. Gurvich optó
matrimonio Arnolfini (1434) y Robert Campin en el Tríp-
por pintar la tapa de la cómoda con los objetos sobre ella y
tico Werl (hacia 1438). También Diego Velázquez, en Las
sus espejos, quedando él solo como un reflejo más —aun-
meninas (1656), retrató a los reyes reflejados en el espejo
que central— entre las cartas y el ramo de flores. El hecho
situado sobre la pared de fondo, y Edouard Manet, en La
de que el marco del espejo corte su cuerpo a la altura del
camarera del Folies Bergère (1882), representó el bullicio
mentón indicaría que pintó sentado en la cama. En el cua-
de la sala reflejado detrás de la modelo. Por otra parte,
dro figura con detalle lo que se encuentra frente al artista,
el espejo ha sido un atributo de la vanidad, evocador del
incluido su reflejo, pero el resto del espacio reflejado se
mito de Narciso, es decir, de la autocontemplación, en la
clausura con una densa paleta de colores oscuros. Dada la fecha bajo la firma, “62”, puede establecerse
vertiente de indagación profunda del propio ser o en la
que el artista se pintó a la edad de 35 años y, dado lo do-
de la atracción por la propia belleza. Los artistas actuantes en el Uruguay sintieron la se-
méstico del ambiente, que lo hizo en su casa del Cerro, en
ducción del espejo y sus potencialidades plásticas en las
su dormitorio, a dos años de su casamiento. Esta pintura
dos dimensiones citadas: César Pesce Castro en En el espe-
es una mirada íntima a su propia trayectoria vital, en un
jo nos permite ver el rostro sonriente de la joven que está
tiempo clave como la formación del hogar, al que pronto
de espaldas y parte de la habitación. Domingo Laporte
se sumaría su hijo. Las flores y el alhajero pueden inter-
en Después del baño (1884) expresó la vanidosa autocon-
pretarse como una alusión a su esposa.
templación de la modelo. Washington Barcala en Canti-
Las cartas son una referencia ineludible para quien
na-autorretrato (1944) generó una profunda ambigüedad
integró una familia inmigrante de origen judío, en itine-
acerca de la presencia de este objeto.
rarios que llevaron a sus miembros desde Lituania hasta
En su autorretrato, José Gurvich abreva en aquellas
el Plata e Israel. La correspondencia epistolar permitió
fuentes del arte occidental admiradas en el Uruguay. Se
mantener vivos los lazos afectivos. En 1955 Gurvich vivió
encuentra frente a una vieja cómoda de roble con tres
con su hermana en Israel, en el kibutz Ramot Menasche,
espejos, mueble característico de los dormitorios. Incluso
al que volvería en nuevas oportunidades. Las cartas pa-
el espejo lateral ha girado levemente sobre sus bisagras
recen remitir a estos vínculos.
y refleja el florero situado a la derecha. Diversos objetos
La relación con la estética torresgarciana queda de
de la vida cotidiana se reunían en estos muebles: sobre el
manifiesto en la paleta de colores terrosos, con abundan-
tapete que cubre el mármol hay un bollón con flores, un
cia de pardos y negros, pero con marcados puntos de luz,
cepillo, un alhajero, una libreta de apuntes y dos cartas
en las flores, el tapete, y especialmente en las cartas y en
con el sobre arrugado que en algún momento encontra-
el rostro del artista.
ERNESTO BERETTA
rán su lugar en los múltiples cajones de la cómoda.
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JOSÉ GURVICH Autorretrato frente al espejo, 1962 Óleo sobre tela, 40 x 50 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Paisaje urbano, Ciudad Vieja con tranvía, 1950 Témpera sobre papel, 31 x 16 cm
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JOSÉ GURVICH Rostro con sombrero azul Óleo sobre tela, 40 x 45 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Esquina del Cerro Óleo sobre fibra, 32 x 50 cm
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JOSÉ GURVICH Caserío del Cerro Óleo sobre cartón, 38 x 62 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Gente en el bar, París, 1970 Tinta acuarelada sobre papel, 23 x 15 cm Integró la exposición "Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)", en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
JOSÉ GURVICH Transeúntes, París , 1969 Tinta acuarelada sobre papel, 24 x 15 cm
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JOSÉ GURVICH Paisaje urbano, París, 1969 Tinta acuarelada sobre papel, 23 x 32 cm Integró la exposición "Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)", en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ GURVICH Hombre astral, 1959 Óleo sobre hueso, 35 x 19 x 7 cm Integró la exposición “Retrospectiva de José Gurvich (1927-1974)”, en el Museo Nacional de Artes Visuales, 1997
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[ Arriba ]
JOSÉ GURVICH Galería Katz, 1965 Óleo sobre tabla (original para afiche), 70 x 50 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
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JOSÉ GURVICH Mural Cemento
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
MANUEL PAILÓS
| C o r m e , 1 918 – M o nte v id e o, 20 0 4 |
240
Nació en Corme (Galicia) en 1918. En 1920 su familia se
madera, el cemento poroso, el polvo de ladrillo; hasta
trasladó a Montevideo.
recogió tierra de diferentes colores para pintar.
En 1942 ingresó en el Círculo de Bellas Artes, estu-
En 1968 ganó el premio de escultura en el Salón Na-
dió con Guillermo Laborde y José Cuneo. Conoció a Joa-
cional de Artes Plásticas. En 1991 fue invitado por la
quín Torres García en una exposición del maestro. En
Junta de Galicia a realizar una exposición en Santiago
1943 se unió al Taller Torres García, donde enseñó de
de Compostela y una escultura en granito para los jar-
1963 a 1967.
dines de la Facultad de Economía.
Experimentó con múltiples materiales: probó la en-
Falleció en Montevideo en 2004.
cáustica, trabajó combinando construcciones en yeso y
[ Pág. opuesta ]
MANUEL PAILÓS Gran desnudo femenino con palomas, 1984 Óleo, 78 x 66 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
[ Derecha ]
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[ Arriba ]
MANUEL PAILÓS Desnudo femenino con tazón, 1966
MANUEL PAILÓS Desnudo femenino con pez
Encáustica, 27 x 18 cm
Encáustica, 25 x 25 cm
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MANUEL PAILÓS El gran río Óleo arpillera sobre fibra, 66 x 88 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
MANUEL PAILÓS Constructivo Sur Encáustica, 32 x 26 cm
MANUEL PAILÓS Constructivo, 1976 Encáustica, 24 x 18 cm
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MANUEL PAILÓS Constructivo en forma de pez Encáustica, 65 x 75 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
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MANUEL PAILÓS Caja constructiva
MANUEL PAILÓS Madera Constructiva - Sur
Madera pintada en negro y terracota, 22,7 x 10,7 cm
Madera y óleo, 32 x 10 cm
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MANUEL PAILÓS Paisaje urbano constructivo con reloj Acuarela, 21 x 27 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
AUGUSTO TORRES
| B arce lo na , 1 91 3 – 1 9 9 2 |
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Nació en Barcelona el 19 de junio de 1913. Fue el segun-
D.C., entre otras ciudades, además de realizar 27
do hijo del pintor uruguayo Joaquín Torres García.
grandes murales en el Hospital Saint Bois.
Los traslados permanentes caracterizaron a la fa-
En 1954 Augusto Torres pintó un mural para el
milia Torres García y contribuyeron a que la primera
Sindicato Médico de Montevideo, con ayuda de Elsa
formación del joven pintor se desarrollara en Europa y
Andrada y otros compañeros.
Norteamérica. Trabajó en París en el taller del escultor
Participó en 1953 y 1979 en la Bienal de San Pa-
Julio González y asistió a las clases de dibujo de Ama-
blo, representando a Uruguay. Entre 1954 y 1956
deo Ozenfant.
expuso en Holanda y más tarde en el Santa Barba-
La primera exposición de este artista fue en París, en conjunto con sus hermanas Olimpia e Ifigenia. En abril de 1934 la familia Torres García regresó
ra Museum of Art (California), además de intervenir en muestras colectivas en Dusseldorf (1986) y Japón (1987).
a Montevideo. Poco tiempo después, Joaquín fundó la
En la obra de Augusto Torres se destaca la fu-
Asociación de Arte Constructivo (AAC, 1935), de la cual
sión de las dos tendencias que predominan en el
su hijo formó parte. La AAC se disolvió en 1943, cuando
arte desde los tiempos más remotos: por una parte,
se fundó el Taller Torres García, y Augusto fue uno de
la tradición mental, abstracta, racional, geométrica,
sus miembros. De esta época datan los trabajos que fir-
universal; por otra, un arte visual concreto, sensi-
maban indistintamente TTG.
ble, luminoso y particular.
En 1942 viajó a Bolivia con su hermano Horacio y Alceu Ribeiro para estudiar el arte precolombino. El Taller presentó numerosas exposiciones colectivas en Montevideo, Buenos Aires, París y Washington
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Murió en Barcelona el 13 de marzo de 1992.
AUGUSTO TORRES Rambla portuaria y campanario Señor de la Paciencia Óleo sobre cartón, 40 x 50 cm 249
VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
AUGUSTO TORRES Paisaje nevado con andén Óleo sobre tela, 50 x 68 cm
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AUGUSTO TORRES Paisaje urbano con carros Óleo sobre tela, 56 x 75 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
FR ANCISCO MAT TO
| M o nte v id e o, 1 911 – 1 9 9 5 |
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Nació en Montevideo en 1911.
Nacionales y Municipales y en 1944 expuso en el Mu-
Desde muy joven pintó y dibujó en forma autodi-
seo de Arte Moderno de Nueva York. Integró el envío
dacta. En 1932 viajó a Argentina y llegó hasta Tierra
uruguayo a la Bienal de San Pablo (dos veces) y a la
del Fuego, donde descubrió el arte precolombino, que
de Medellín.
entonces era muy poco conocido en Uruguay. Compró
Colaboró con los más destacados arquitectos uru-
las primeras piezas de lo que más tarde sería una im-
guayos en varios proyectos de murales en residencias
portante colección.
privadas. También diseñó la moneda conmemorativa
A partir de 1939 frecuentó el Taller de Joaquín To-
de la FAO en 1969.
rres García y escuchó sus conferencias sobre arte. En
En reconocimiento de la obra de este gran artista, el
1944 se constituyó el Taller Torres García, del que Matto
crítico Charles Merewether presentó una muestra itine-
fue uno de los miembros fundadores.
rante por varios museos de América. En 1989 se realizó
Su interés por el arte precolombino no solo es evidente en su colección, que siguió creciendo, sino tam-
una muestra retrospectiva en el Subte Municipal, coordinada por Alicia Haber.
bién en sus investigaciones plásticas y teóricas. En
Según Haber, Matto “reúne el orden compositivo
1962 abrió las puertas de su colección en el Museo de
del constructivismo, la simbología cósmica, la fuerza de
Arte Precolombino.
lo primigenio, la referencia a la naturaleza y las alusio-
Trabajó simultáneamente en pintura y escultura, sobre todo en madera, material que apreció en su forma más cruda. Desde 1940 participó en los Salones
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nes a lo mágico, a lo mítico y a lo religioso”. Murió en Montevideo a los 84 años.
FRANCISCO MATTO Constructivo - Petrus Óleo sobre cartón, 35 x 45 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
JULIO U. ALPUY
| Ta c u a r e m b ó , 1 9 1 9 – N u e v a Y o r k , 2 0 0 9 |
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Nació el 27 de enero de 1919 en la localidad de Cerro
En Nueva York lo fascinó la urbe y comenzó por pin-
Chato (Tacuarembó, Uruguay).
tar escenas neoyorquinas. Finalmente encontró un
Es uno de los representantes más conspicuos de la Es-
nuevo estímulo durante una estadía con Gonzalo Fon-
cuela del Sur y del universalismo constructivo, y un ori-
seca en East Hampton, en un marco natural. Cambiar
ginal creador de maderas y relieves con lenguaje propio.
de material fue fundamental para encontrar el nuevo
Fue alumno de Joaquín Torres García en 1940, antes
camino. Adoptó la madera como soporte y se dedicó al
de la creación del Taller Torres García (TTG). Se transfor-
relieve durante trece años, aunque no hay que olvidar
mó en uno de los partidarios más devotos, incondiciona-
que como parte de ese proceso desarrolló las formas en
les y fieles del maestro en aquellas clases dictadas en la
témperas, acuarelas y realizó numerosos dibujos. Lue-
calle Abayubá de Montevideo. Creó una amplia serie en
go volvió a la pintura y a otras técnicas, sin abandonar
el lenguaje del universalismo constructivo.
del todo la madera.
Después de la muerte del maestro, continuó en el
Predominan en su pintura las imágenes de la pare-
sendero del TTC, pero transitando un camino personal.
ja, de la naturaleza y las escenas en el Edén. Se trata de
Entre 1951 y 1953 viajó a Europa y el Cercano Orien-
una pintura más explícita y narrativa, menos sugeren-
te; en 1957, a Chile y luego a Bogotá. Se radicó en Co-
te, en la cual los temas se perciben con facilidad. La mu-
lombia, donde residió desde 1957 hasta 1959. Después
jer aparece de manera muy explícita, tanto en pintura
se estableció en Venezuela durante un año y finalmente
como en dibujos y acuarelas, y fundamentalmente en
partió hacia Nueva York.
la serie de desnudos femeninos recostados (1975) y en
En Colombia su obra tuvo grandes cambios: la evasión de la ortogonalidad, el diálogo con una suerte de lenguaje neocubista, la elevación de la paleta, puntos de fuga múltiples y el empleo de diagonales.
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una serie de retratos y desnudos de los años ochenta. En la década del setenta creó una serie muy interesante de grabados y una excelente serie de témperas. Murió el 5 de abril de 2009 en la ciudad de Nueva York.
[ Derecha ]
JULIO URUGUAY ALPUY Constructivo, almacén Tinta, 16 x 20 cm
[ Abajo ]
JULIO URUGUAY ALPUY Cuatro figuras, 1974 Tinta, diámetro 27 cm
[ Arriba ]
JULIO URUGUAY ALPUY Pareja primigenia, 1974 Tinta acuarelada, 30 x 18 cm
255
VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
HORACIO TORRES
| Livor no, 1924 – Nue va Yor k , 1976 |
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Nació en 1924 en Livorno (Italia). Su padre, Joaquín Torres-García, estaba instalado temporalmente allí para dirigir la manufactura de los juguetes. En 1927 la familia Torres se instaló en París. Horacio creció en un ambiente artístico intenso, en el cual su familia participaba activamente. Después de residir un año en Madrid, en 1934 volvieron a Montevideo. Estudió pintura con su padre y violín con el profesor ruso Julber. En 1936 participó en varias exposiciones de la Asociación de Arte Constructivo. Recibió el premio al retrato del Salón Nacional de Bellas Artes de Montevideo en 1941. Al año siguiente viajó a Perú y Bolivia con un grupo de artistas del Taller Torres-García para estudiar el arte precolombino. De 1955 a 1957 recorrió Europa. Vivió en París en la Maison du Mexique, en la Cité Universitaire, y allí conoció a varios artistas mexicanos. Visitó a Jean Arp, Jacques Villon, Jean Helion y Jean Cassou, quienes habían sido amigos de su padre. De regreso en Montevideo, comenzó a pintar telas de gran tamaño. En 1957 ganó el Premio del Salón Municipal con Mardí Gras, hoy en el Museo Blanes, y expuso Petrouchka en la Biblioteca Nacional. En 1966 obtuvo el Premio Juan Manuel Blanes, concedido por el Banco de la República. Se radicó en Nueva York en 1969. El crítico Clement Greenberg se interesó en su pintura y lo introdujo en el medio artístico neoyorquino. En 1974 expuso en el Museum of Fine Arts de Boston los desnudos en el arte del Renacimiento que caracterizan su última producción. Su obra formó parte de las galerías más prestigiosas de Los Ángeles, Houston, Chicago y Nueva York e ingresó en las colecciones de los grandes museos estadounidenses. Murió a los 51 años, en Nueva York.
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[ Pág. opuesta ]
HORACIO TORRES París, Catedral de Chartres, 1964
HORACIO TORRES Florencia, Duomo, 1965
Óleo sobre tabla, 82 x 37 cm
Óleo sobre tabla, 45 x 32 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
WA LT ER D EL I OT T I
| Montevideo, 1925 |
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Nació en Montevideo el 2 de octubre de 1925. Estudió
fia y Nueva York, donde realizó un cursillo de grabado.
pintura con Alceu Ribeiro (discípulo del maestro Torres
Entre 1994 y 2007 volvió varias veces a Europa. Duran-
García) desde 1948 hasta 1952. En 1954 ingresó al Taller
te esos viajes Deliotti realizó importantes exposiciones
Torres García, donde comenzó a estudiar y trabajar con
individuales con éxito de crítica y gran aceptación de
Julio Alpuy y más tarde con Augusto Torres. Se abocó a
coleccionistas nacionales e internacionales. En 2004,
su obra de estilo constructivo y participó en todas las
en Montevideo, llevó a cabo una muestra homenaje a
exposiciones del taller desde la 99.a. Entre 1959 y 1961
los cincuenta años de su ingreso al Taller Torres y la
viajó a Europa, en usufructo de una misión especial
Escuela del Sur.
otorgada por el Municipio de Montevideo.
A lo largo de su trayectoria obtuvo importantes pre-
En España, Francia e Italia trabajó, estudió y reco-
mios y reconocimientos. Entre 1956 y 2007 participó en
rrió los principales museos durante varios meses. En
más de un centenar de exposiciones colectivas en Uru-
1980 viajó a Estados Unidos; visitó Washington, Filadel-
guay y en el exterior.
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WALTER DELIOTTI Construcción, 1965 Maderas y óleo sobre tabla, 53 x 34 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
RODOLFO VISCA
| Montevideo, 1934 – 2009 |
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Nació en Montevideo en 1934. Pintor, escultor, orfebre y conservador, estudió dibujo y pintura con Joaquín Torres García entre 1945 y 1949. Con Julio Mancebo fueron los dos discípulos más jóvenes en ingresar al Taller Torres García, que integraron hasta 1958. Entre 1946 y 1958 participó en todas las exposiciones del TTG. En 1956 cofundó el Taller Sótano Sur. Allí se realizaron actividades artísticas y docentes en cerámica, talla de madera, piedra y metales, especialmente esmaltado de cobre. Realizó viajes de estudio por Europa y Estados Unidos. Está representado con sus obras en el Aeropuerto Internacional de Carrasco, el Santuario Nacional del Sagrado Corazón de Jesús y en edificios públicos y privados de Uruguay y Paraguay, así como en museos de Europa y Estados Unidos. Murió en Montevideo en 2009.
RODOLFO VISCA Constructivo en cinco colores puros Óleo sobre tela, 40,5 x 37,5 cm
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RODOLFO VISCA Constructivo, Trabajo Óleo sobre módulos de madera, 120 x 100 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
HUGO SARTORE
| Montevideo, 1934 |
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Nació en Montevideo en 1934. Cuando tenía doce años
urbano. Utilizó la geometría como base de su trabajo,
comenzó sus estudios de pintura en el atelier del Museo
así como la armonización de colores en una obra que
Municipal, y años después trabajó en el estudio de To-
evoca al cubismo y al conceptualismo.
rres García. En 1956 viajó a Europa. Durante su estadía en París se
En 1975 se trasladó a Venezuela, donde se dedicó a estudiar las culturas indígenas.
unió a un grupo de artistas que trabajaban con Poliakoff.
Su trabajo ha sido exhibido a lo largo de toda Amé-
Entre 1959 y 1975 trabajó entre Montevideo y Bue-
rica. Actualmente vive y trabaja en Newark (Nueva Jer-
nos Aires, y comenzó a desarrollar temas de carácter
sey, Estados Unidos).
HUGO SARTORE Transeúntes Óleo sobre fibra, 25 x 36,5 cm
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HUGO SARTORE Gran figura femenina en casa de compraventa, 1972 Óleo sobre fibra, 110 x 160 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
HUGO SARTORE Pareja en el bar Óleo sobre tela, 42 x 54 cm
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HUGO SARTORE Pareja en el bar Óleo sobre fibra, 80 x 110 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
EDUARDO YEPES
| Ma dr id, 1 910 – M o nte v id e o, 1 978 |
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Eduardo Díaz Yepes nació en Madrid en 1910. En 1925 interrumpió el bachillerato para comenzar a
En 1955 realizó la escultura de José Batlle y Ordóñez para Montevideo.
trabajar en su taller. Un año después ingresó en el Ejér-
Dos años después completó el boceto del Monumen-
cito español, donde estuvo hasta 1929. Expuso por pri-
to a los Caídos en el Mar (La lucha), que fue instalado
mera vez en 1930 en el Círculo de Bellas Artes de España.
en la plaza Virgilio, en el barrio Punta Gorda, en 1960.
En 1933 conoció a Olimpia Torres, con quien se casó
En 1961 hizo el Cristo para la iglesia proyectada y
un año después. Con el padre de Olimpia, el pintor Joa-
construida en Atlántida por el ingeniero Eladio Dieste,
quín Torres García, viajó a Montevideo por primera
con quien lo unía una estrecha amistad.
vez en 1934 y permaneció hasta 1936. En el Club Español expuso sus obras concebidas en Uruguay.
En 1962 ganó el premio Blanes. Realizó una cabeza de Artigas por encargo de la
Se instaló posteriormente en Barcelona, donde es-
Facultad de Ingeniería. En 1966 comenzó el boceto del
tudió la obra del arquitecto Gaudí, y viajó a París con
mural escultórico La energía, que fue definitivamente
una beca del gobierno francés.
instalado en el Palacio de la Luz (UTE) en 1970.
En 1947 se radicó definitivamente en Montevideo.
En 1973 realizó su primera escultura de gran tama-
Llevó a cabo el importante mausoleo La piedad y varias
ño en resina poliéster para el mausoleo de la familia
obras escultóricas relevantes.
Cuenca en el cementerio de la ciudad de La Paz.
Fue nombrado profesor de escultura de la Escuela Nacional de Bellas Artes, cargo que desempeñó hasta la clausura de la Escuela, en 1973.
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Su última obra fue un retrato de la pianista Renée Pietrafesa, en 1977.
EDUARDO YEPES Musa Bronce patinado, alto 41, largo 23 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
JUAN CAVO
| Montevideo, 1932 – 1994 |
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Nació en Montevideo el 8 de abril de 1932. En 1959 ingresó al Taller Torres García, donde es-
Las Piedras. Organizó clases de introducción a la cerámica en su taller de La Paz.
tudió pintura y dibujo con Guillermo Fernández, arte
Tiene obra en murales instalados en edificios de
constructivo con Manuel Pailós y cerámica y pintura
Montevideo, entre los que se destacan el de la sala de
con José Gurvich. Como muchos compañeros del ta-
sesiones del directorio de la firma Stani S.A. y los que
ller, Adolfo Nigro, Héctor Yuyo Goitiño, Ernesto Vila,
están ubicados en el palier de los edificios Varadero y
Ernesto Drangosch y Manolo Lima, comenzó dibujando
Del Puerto, en la rambla Armenia, así como la Torre de
y pintando, pero luego hizo del barro su objeto de tra-
la Fuente dentro del Montevideo Shopping Center, colo-
bajo y creación. Como dijo Juan Mastromatteo para la
cada en 1993.
exposición que se hizo en 2019: “su espíritu, su mirada
Expuso individualmente en Montevideo, Punta del
sobre el mundo y las cosas del mundo, como el propio
Este, Buenos Aires y París, además de participar en nu-
material, desbordaban sencillez y ternura, esencia y pa-
merosas exhibiciones colectivas.
ciencia, fragilidad y fortaleza”. En 1971 se radicó en la ciudad de La Paz. Fue profesor de expresión plástica infantil en los años 1972 a 1974 y al mismo tiempo dictó cursos de cerámica en el Instituto de Enseñanza Secundaria de
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Falleció el 19 de octubre de 1994. En 2019 se realizó la exposición Juan Antonio Cavo. La frágil eternidad del barro, en el Centro Cultural Miguel Ángel Pareja de Las Piedras.
JUAN CAVO Pareja universal
JUAN CAVO Figura universal
Cerámica con relieves, alto 23,5 cm
Cerámica con relieves, alto 24 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
G E O M É T R I C O S
J o s é
P e d r o
C o s t i g l i o l o
M a r í a
F r e i r e
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DESDE EL COLECCIONISMO
JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO
| Montevideo, 1902 – 1985 |
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Nació en Montevideo el 6 de noviembre de 1902.
Obtuvo numerosos reconocimientos y distinciones,
De 1921 a 1925 cursó estudios en el Círculo de Bellas
entre ellos el primer premio en el Concurso de Afiches
Artes. Entre sus docentes se cuentan Vicente Puig y Gui-
Palacio de la Música (1929), el primer premio de Acua-
llermo Laborde.
rela y la beca de Pintura en el III Salón Bienal Nacional
Participó en la fundación del Grupo de Arte No Figu-
(1957) y la medalla de oro en el Salón Nacional (1966).
rativo en 1952. Entre 1957 y 1959, en usufructo de una
Investigador de la pintura, se transformó en el pre-
beca obtenida en el III Salón Bienal de Artes Plásticas,
cursor de la estética no figurativa en el medio urugua-
hizo su primer viaje a Europa, donde se especializó en
yo. De sus primeras producciones quedan pocos ejem-
la técnica del vitral.
plos, que muestran a un artista interesado en organizar
Integró la tarea pictórica con el diseño y las artes
la composición a través de una creciente simplificación.
gráficas, especialmente en la ejecución de afiches. Rea-
Su formación personal atiende con entusiasmo las
lizó numerosas exposiciones individuales en el medio
teorías de los constructivistas rusos y neoplasticistas
nacional y en el exterior: Museo de Arte Moderno de
holandeses y madura una creciente obra geométrica
San Pablo en 1956, Museo de Arte Moderno de Río de Ja-
que lo distingue hasta sus últimas creaciones.
neiro en 1957, Ateneo Barcelonés (Barcelona) en 1958, Unión Panamericana (Washington D.C.) en 1966.
Está representado en el Museo Nacional de Artes Visuales, el Museo Municipal Juan Manuel Blanes, el
Intervino en múltiples exposiciones colectivas en el
Museo de Arte Moderno de San Pablo, el Museo de Arte
país y en el exterior. También integró el envío urugua-
Moderno de Río de Janeiro y el Museo de Arte Contem-
yo a las bienales de San Pablo (1951, 1953, 1955, 1957 y
poráneo de Madrid.
1961) y de Venecia (1966).
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Murió el 3 de junio de 1985.
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Abstracción Óleo sobre cartón, 46 x 37 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Composición maquinista Óleo sobre fibra, 210 x 120 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Composición, 1947 Óleo sobre cartón, 65 x 46 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Abstracción, 1950 Óleo sobre tela, 116 x 81 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Abstracción. Don Quijote y Sancho Panza, 1949 Óleo sobre fibra, 180 x 120 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Abstracción rosa y oro, 1948 Óleo y acuarela sobre cartón, 70 x 54,5 cm Exposición Galería Bruzzone, Montevideo, 1987 E
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Abstracción, 1967 Óleo sobre tela, 110 x 80 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Rectángulos LXXXIII, 1983 Acrílico sobre tela, 80 x 80 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Rectángulos y cuadrados MMXXIX, 1978 Acrílico sobre tela, 100 x 100 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Triángulos en tres colores, 1971 Óleo sobre tela, 69 x 69 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Rectángulos y cuadrados, 1983 Acrílico sobre tela, 70 x 70 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Vitral rojo, azul y blanco, c. 1960 Témpera sobre papel, 34 x 31 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Vitral, 1962 Témpera sobre cartón, 92 x 72 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Vitral oval, 1962 Témpera sobre papel, 34 x 31 cm
JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Vitral forma amarilla y blanca, 1962 Témpera sobre papel, 34 x 31 cm
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JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Vitral con centro amarillo Témpera sobre papel, 34 x 31 cm
JOSÉ PEDRO COSTIGLIOLO Vitral forma roja, 1962 Témpera sobre papel, 34 x 31 cm
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[ Pág. opuesta ]
MARÍA FREIRE Córdoba 450, 1970 Acrílico sobre tela, 200 x 120 cm
MARÍA FREIRE
| M o n t e v i d e o , 1 917 - 2 01 5 |
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Nació en Montevideo el 7 de noviembre de 1917. Pinto-
Trabajó en series, tomando la propuesta de color, los
ra, escultora y crítica de arte, se formó en el Círculo de
ritmos y las formas puras como temas en sí mismos.
Bellas Artes de Montevideo con José Cuneo Perinetti y
Entre 1958 y 1960 desarrolló la serie “Sudamericana”,
Severino Pose. Tiempo después ingresó en la Universi-
en la que empleó planos poligonales con una reduci-
dad del Trabajo del Uruguay.
da paleta. En los años siguientes experimentó con una
Exploró el universo de la modernidad a través de más-
paleta más expresiva, con perforaciones del plano y
caras africanas y piezas precolombinas. A partir de 1946
signos, de la que resultaron las series “Capricornio”
incursionó en la abstracción, con una fuerte tendencia
y “Córdoba”. En la serie “Vibrante”, trabajada entre
planista y geométrica en sus pinturas, a la vez que realiza-
1975 y 1985, la búsqueda estuvo relacionada con la luz,
ba esculturas móviles con materiales no convencionales.
mientras que a comienzos de los noventa, en la serie
Cuando conoció a José Pedro Costigliolo, en 1952,
“El oro de los tigres”, desarrolló estructuras oscuras
ambos venían ya en una búsqueda común en el camino
sobre fondos amarillos. Para finales de esa década la
de su expresión artística. Comenzaron compartiendo el
geometría avanzó en la estructura de sus pinturas, de-
taller y viajes de estudio. Luego de casarse crearon el
jando trascender la sensualidad del color.
Grupo de Arte No Figurativo. En 1953 Freire visitó la
Entre 1954 y 1992 realizó 17 exposiciones indivi-
II Bienal de Arte de San Pablo, donde tuvo su primer
duales en Montevideo, Buenos Aires, San Pablo, Río
contacto con las vanguardias artísticas del momento.
de Janeiro, Barcelona, Bruselas y Washington. Integró
En 1957 ambos recibieron la Beca Gallinal, con la que
numerosas muestras colectivas y participó en bienales
viajaron a Europa y realizaron estudios en el Museo
internacionales; representó a Uruguay en la Bienal de
Stedelijk y en el Museo del Louvre, con Bernard Dorival
Venecia de 1966.
y André Varagnac.
En sus obras aparece reiteradamente el mismo
Entre 1962 y 1973 Freire estuvo a cargo de la colum-
motivo, armado de diferentes maneras y con un en-
na de crítica de arte del diario Acción y fue profesora de
cadenamiento rítmico aleatorio. Los signos repetidos
Dibujo en Enseñanza Secundaria y de Historia y Cultu-
de forma seriada crean una constante icónica en su
ra Artística en Preparatorios de Arquitectura en Colo-
obra. La dupla creativa con Costigliolo —ambos con
nia del Sacramento.
sus propios caminos expresivos, pero orientados en el
Tuvo contacto con las agrupaciones abstracto-concretas incentivadas por Aldo Pellegrini en la Argentina
mismo sentido— hace que sus nombres siempre aparezcan asociados.
y gran afinidad con los artistas concretos y neoconcre-
La muerte de Costigliolo, en 1985, significó para
tos brasileños, como Amílcar de Castro, Lygia Pape, Ly-
Freire la pérdida de su compañero de arte y de vida.
gia Clark y Hélio Oiticica.
Ella murió en Montevideo el 19 de junio de 2015.
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MARÍA FREIRE América del Sur, 1991 Acrílico sobre tela, 200 x 80 cm
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MARÍA FREIRE América del Sur, 1991 Acrílico sobre tela, 200 x 80 cm
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MARÍA FREIRE Llaves y cuadrados amarillos, c. 1961 Témpera y collage sobre papel, 13 x 22,5 cm
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MARÍA FREIRE Variante, 1966 Acrílico sobre lienzo, 100 x 66 cm
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MARÍA FREIRE Llave Drypen y témpera sobre papel canson, 50 x 65 cm
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MARÍA FREIRE Oro de los tigres Óleo sobre cartón, 70 x 100 cm
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MARÍA FREIRE América del Sur, 1991
MARÍA FREIRE América del Sur, 1990
Tinta sobre papel Canson, 65 x 25 cm
Tinta sobre papel Canson, 65 x 25 cm
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MARÍA FREIRE América del Sur, 1990 Tinta sobre papel Canson, 65 x 25 cm
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[ Abajo ]
[ Izquierda ]
MARÍA FREIRE Los biombos teclados, 1989
MARÍA FREIRE Caras
Tinta sobre papel, 32,5 x 50 cm
Tinta sobre papel, 69 x 49 cm
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MARÍA FREIRE Figura, 1950
MARÍA FREIRE Figura, 1950
Tinta de colores sobre papel Canson 65 x 25 cm
Tinta de colores sobre papel Canson 65 x 25 cm
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N U E V O S
L u i s
M O D E R N O S
A l b e r t o
M a n u e l
E s p í n o l a
V i c e n t e L i n o M i g u e l
E d u a r d o
P a r e j a
R o m e r o V e r n a z z a
P á e z
C l a r e l J a v i e l
M a r t í n
Á n g e l
C a r l o s
G ó m e z
D i n e t t o
N e l s o n
R a ú l
S o l a r i
V i l a r ó
N e m e
C a b r e r a
G e r m á n
( C a b r e r i t a )
C a b r e r a
LUIS ALBERTO SOL ARI
| Fr ay B e nto s , 1 918 – M o nte v id e o, 1 9 93 |
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Nació en Fray Bentos (Río Negro, Uruguay) el 17 de oc-
Desde 1937 integró exposiciones colectivas en el Salón
tubre de 1918.
Nacional de Bellas Artes y en el Salón Municipal de Ar-
Pintor y grabador, realizó estudios de pintura deco-
tes Plásticas en Montevideo. Expuso en las bienales de
rativa en la Universidad del Trabajo. En el Círculo de
Arte Gráfico de Santiago de Chile, Buenos Aires, Cali,
Bellas Artes estudió dibujo y pintura con Guillermo La-
San Juan de Puerto Rico, Florencia, Cracovia, Liubliana,
borde (1934-1937).
Frechen, Leipzig, Viena, Noruega, Finlandia, Bradford,
Comenzó a dar clases como profesor de Dibujo en
Biella, Segovia y Japón.
Secundaria. Unos años más tarde, Enseñanza Secunda-
Sus temas son las mascaradas, escenas humanas co-
ria le encomendó tomar cursos de grabado al aguafuer-
tidianas pero protagonizadas por figuras antropomór-
te en la Escuela Superior de Bellas Artes en París, con el
ficas con cabezas de animales. Así toda su obra se en-
profesor Eduard Goerg.
garza con personajes de fábula que ilustran lo popular,
Como grabador alcanzó la plenitud en el manejo de técnicas y en la organización sintáctica de sus íconos. Entre 1967-1969 estudió en el Pratt Graphic Centre y en el New York Graphics Workshop, en Nueva York. Residió en Estados Unidos hasta 1989.
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integran cuentos, leyendas y creencias que despiertan desde la ternura hasta el horror y extrañeza. Murió el 13 de octubre de 1993.
LUIS ALBERTO SOLARI Gaucho, 1963 Óleo sobre tela, 99,5 x 79,5 cm
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LUIS ALBERTO SOLARI Juan Cabrón y la flor Collage y acrílico, 30,5 x 40,5 cm
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LUIS ALBERTO SOLARI Coros de quimeras, 1965 Óleo sobre fibra, 72 x 92 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
LUIS ALBERTO SOLARI Gallo gallardo Collage sobre cartón, 45 x 31 cm
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LUIS ALBERTO SOLARI Repartidores de sonrisas, 1976 Óleo sobre tela, 40 x 54 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
MANUEL ESPÍNOLA GÓMEZ
| Solís de Mataojo, 1921 – Montevideo, 2003 |
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Nació en Solís de Mataojo (Lavalleja, Uruguay) el 5 de
Proyectó y diseñó la decoración de la residencia pre-
julio de 1921. Su formación fue autodidacta. El músico
sidencial de la avenida Suárez y parcialmente la Sala
Eduardo Fabini, oriundo de su pueblo, lo apoyó en for-
de Acuerdos de la Presidencia en el Edificio Libertad
ma permanente.
(1985). En 1987 diseñó la remodelación del segundo
A los 25 años obtuvo la medalla de plata en el Salón Nacional de Bellas Artes (1946). Luego, en un corto
piso y el hall de entrada del Edificio Independencia (Palacio Estévez), con el arquitecto Benech.
lapso, recibió los premios más importantes: medalla de
También fue asesor del Departamento de Cultura de
oro en el Salón Nacional (1961 y 1962) y Premio Blanes
la Intendencia Municipal de Montevideo. Diseñó logo-
(1963). Participó en la IV, V y VI bienales de San Pablo
tipos (Frente Amplio, Convención Nacional de Trabaja-
(1957, 1959 y 1961) y en la XXXIII Bienal de Venecia
dores, Galería Latina) y tapas de libros.
(1966). En 1958 integró el envío uruguayo a la Bienal
Realizó bocetos, escenografías y diseños de vestua-
Interamericana de Pintura y Grabado de México y en
rio para obras teatrales y proyectó la decoración del ga-
1962 a la Primera Bienal Latinoamericana de Arte Mo-
sómetro de la rambla Sur.
derno de Córdoba. En 1960 participó en la Exposición Internacional de Arte Moderno de Buenos Aires. En 2000 recibió el Premio Figari. Sus obras han integrado muestras en Alemania, Unión Soviética, Italia, Holanda, Portugal y más. Fue fundador de la Unión de Artistas Plásticos Contemporáneos (1963). A partir de 1985 se desempeñó como asesor plástico de la Presidencia de la República.
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Galería Latina publicó en 1991 su biografía, a cargo de Jorge Abbondanza, con numerosos documentos gráficos. En el 2000, después de mucho tiempo, expuso sus obras en una muestra titulada Boligrafías. Realizó una exposición retrospectiva en el Centro Municipal de Exposiciones (Subte) en 2001 y en el mismo año expuso dibujos en el Museo de Arte Contemporáneo. Falleció en Montevideo el 10 de mayo de 2003.
[ Pág. siguiente ]
MANUEL ESPÍNOLA GÓMEZ Abstracción, (serie "Movientes")
MANUEL ESPÍNOLA GÓMEZ Serie "Movientes"
Témpera sobre cartulina, 73 x 117 cm
Témpera sobre papel, 74 x 119 cm
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VICENTE MARTÍN
| B u e n o s A ire s , 1 911 – M o nte v id e o, 1 9 9 8 |
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Nació en Buenos Aires el 22 de diciembre de 1911. En 1916 la familia se radicó en Montevideo. Estudió en el Círculo de Bellas Artes con el profesor Guillermo Laborde y en 1946 ingresó al Taller Torres García. En Europa estudió con Otón Friesz en la Académie Grande Chaumière. En 1964 volvió a Europa becado por la Comisión Nacional de Bellas Artes y recibió el premio para artistas extranjeros en Italia. Galardonado en varios Salones Nacionales, en 1959 ganó la medalla de oro y en 1977 el premio especial. También recibió el primer premio del Salón Municipal en 1978. Participó en el Premio Blanes (1961) y en las bienales de San Pablo, Venecia y México. Expuso en Uruguay, Europa y Estados Unidos. Fue docente en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en su propio taller. Está representado en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile y en los museos de Arte Moderno de San Pablo, Río de Janeiro, Caracas, Buenos Aires, Minnesota, en la Casa de la Cultura Ecuatoriana de Quito, el Museo Hispanoamericano de Madrid, los museos Nacional y Municipal de Bellas Artes de Montevideo y en colecciones particulares de Uruguay, Argentina, Brasil, Estados Unidos, Italia, Inglaterra e Israel.
VICENTE MARTÍN Bodegón con peras y manzanas, 1938 Óleo sobre cartón, 70 x 50 cm
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VICENTE MARTÌN Ritmo Óleo sobre tela, 117 x 166 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
LINO DINETTO
| Padua, 1927 |
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Nació en Padua (Italia), en 1927. En 1942 estudió en Brera
Expuso individualmente en 1958 y 1962 e intervino en
y realizó su primera exposición personal en Siena. Desde
muestras colectivas. Fue distinguido con el Gran Pre-
1948 se dedicó preferentemente a la decoración mural.
mio por su obra Cosmos en la Exposición Internacional
Pintó su obra de grandes dimensiones titulada La última
de pintura en Punta del Este.
cena en la abadía del monte Olivetto Maggiore y realizó diversos trabajos en Belluno, Padua, Siena y Génova. Llegó a Uruguay en 1951. Fue profesor del Instituto de Bellas Artes San Francisco de Asís, donde tuvo a su cargo el taller de pintura y dibujo.
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Llevó a cabo la decoración total de la catedral de la ciudad de San José, así como la de las iglesias de San José del Manga (hoy Jacksonville) y Malvín. Actualmente reside en Italia.
LINO DINETTO Composición, 1959 Óleo sobre tela, 127 x 160 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
MIGUEL ÁNGEL PAREJA
| Montevideo, 1908 - 1984 |
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Nació en Montevideo en 1908. En 1915 se trasladó a la ciudad de Las Piedras, departamento de Canelones, donde inició su formación artística con Manuel Rosé y trabó amistad con el escultor Germán Cabrera. En 1937 viajó a París, donde tuvo clases con Roger Bissiére. Retornó a Europa en 1954, cuando tomó cursos en la Escuela de Mosaico y Cerámica de Ravena. En esa institución tuvo la oportunidad de trabajar con los mosaicos bizantinos e introdujo una técnica que aplicaría para realizar un mural en la Usina de Gas de Francia. En 1959 integró el Grupo de los Ocho, junto con Lincoln Presno, Carlos Páez Vilaró, Raúl Pavlotzky, Alfredo Testoni, Américo Sposito, Óscar García Reino y Julio Verdié. De sus primeros cuadros, oscilantes entre la no figuración y la figuración de adherencia barradiana, Pareja pasó decididamente a la abstracción a fines de los años cincuenta. Alcanzó una sabia expresividad en grandes composiciones sintéticas donde las formas, nítidamente recortadas, concentran la poderosa intensidad cromática en un despliegue imaginativo de calculado rigor. Dirigió la Escuela Nacional de Bellas Artes entre 1964 y 1972, y con sus alumnos del Taller del Mosaico realizó murales en varios edificios de Montevideo. Entre 1975 y 1980 dio clases en la Galería Aramayo y luego en su propio taller, hasta el día de su muerte, el 27 de julio de 1984.
MIGUEL ÁNGEL PAREJA Sin título, 1977 Óleo sobre tabla, 53 x 31 cm
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MIGUEL ÁNGEL PAREJA Perros luchando, 1980 Óleo sobre tabla, 73 x 116 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
NELSON ROMERO
| San Jos é, 1951 - 201 2 |
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Nació en San José de Mayo, departamento de San José,
México, Estados Unidos, Canadá, España, Japón, Fran-
en 1951.
cia, Alemania, Suiza, Holanda, Italia e Israel.
Artista autodidacto, en 1972 realizó su primera ex-
Los museos que poseen obra suya son la Casa del
posición individual en la Galería de Arte del Palacio
Humor y la Sátira (Grabrovo, Bulgaria), Fine Arts Work
Salvo, Montevideo. A esta la siguieron numerosas ex-
Center (Massachusetts), Fundación Pompidou (París),
posiciones colectivas e individuales en Buenos Aires,
Fundación Rally (Punta del Este), Museo de Arte Ame-
Santa Fe, Barcelona, Punta del Este, Panamá, Israel y
ricano (Maldonado), Museo de Arte Contemporáneo
Estados Unidos.
(Montevideo), Museo Nacional de Bellas Artes (Monte-
Sus obras se encuentran en colecciones particulares de Uruguay, Argentina, Brasil, Venezuela, Colombia,
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video) y Museo José Luis Cuevas (México D.F.). Murió en San José de Mayo en noviembre de 2012.
NELSON ROMERO Campesinos en un trigal, 1984 Tinta acuarelada, 36 x 26 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
NELSON ROMERO Campesino segando, 1984 Tinta acuarelada, 36 x 26 cm
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NELSON ROMERO Bebedor y un tren, 1998 Lápiz sobre papel, 31 x 48 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
EDUARDO VERNAZZA
| M o nte v id e o, 1 910 – 1 9 91 |
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Nació el 13 de octubre de 1910 en Montevideo. Fue pin-
Realizó diversas exposiciones individuales en Uruguay.
tor, dibujante, profesor y crítico de arte.
También en la Galería Insel de Nueva York, con una
Autodidacta en pintura, grabado y dibujo, asistió
muestra que luego circuló durante un tiempo por va-
por pocos meses al curso libre de desnudo (croquis) del
rias ciudades de Estados Unidos. Sus apuntes teatrales
Círculo de Bellas Artes y al de escultura del maestro Se-
se expusieron en el Teatro de Ca-Fóscari de Venecia, y
verino Pose.
en Santiago de Chile los dibujos del ballet chileno que
Se inició como ilustrador de la revista Mundo Uruguayo y del diario El Día, en el que ejerció, además, la crítica de arte.
actuó en Montevideo. Está representado en los Museos Nacional y Municipal de Bellas Artes de Uruguay y en numerosas coleccio-
Fue invitado por la Asociación Internacional de Crí-
nes privadas y centros culturales de nuestro país y del
ticos de Arte a su Congreso Internacional realizado en
exterior. Dos veces ganó el primer premio a la Crítica
la sede de UNESCO en París en 1949, en representación
de Arte del Salón Nacional, por sus artículos en el suple-
de la Sección Uruguaya, por entonces en formación.
mento dominical del diario El Día.
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EDUARDO VERNAZZA Figuras Óleo sobre tela, 125 x 125 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
CARLOS PÁEZ VIL ARÓ
| Monte v ide o, 192 3 - Punt a B alle na , Maldona do, 2014 |
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Nació en Montevideo el 1.º de noviembre de 1923. En su
dejó su sello en monumentales murales. Se volcó a
juventud partió hacia Buenos Aires, donde se vinculó a
la pintura, a la escultura, a la cerámica y al cine.
las artes gráficas como aprendiz de cajista de impren-
Conoció a Picasso, Dalí, De Chirico y Calder y vivió
ta. De regreso en Uruguay, motivado por el candombe
con el médico Albert Schweitzer en el leprosario de
y vinculado con la vida del conventillo Mediomundo,
Lambaréné.
pintó sus motivos, compuso para comparsas lubolas,
Integrando la expedición francesa Dahlia, reali-
decoró tambores y buscó imponer ese ritmo dentro de
zó en África el filme Batouk, elegido para clausurar
la vida cultural uruguaya.
el Festival de Cannes de 1967. Dos años más tarde
Pintó también lavanderas, velorios, navidades, mer-
volvió a presentar allí su nuevo filme, Pulsation,
cados y bailes a la luz de la luna. Agotado el tema, partió
con música compuesta especialmente por Astor
hacia Brasil, desde donde inició un largo viaje a través
Piazzolla.
de diversos países con fuerte presencia de la negritud:
Pintó hasta el último día de su vida. Falleció el
Senegal, Liberia, Congo, República Dominicana, Haití,
24 de febrero de 2014 en su taller de Casapueblo,
Camerún y Nigeria. A lo largo de ese recorrido, pintó
construcción modelada con sus propias manos a
centenares de obras, realizó múltiples exposiciones y
partir del concepto de escultura habitable.
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CARLOS PÁEZ VILARÓ Desnudo en monopatín, 1985 Técnica mixta, 120 x 80 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
CLAREL NEME
| Rivera, 1926 - Montevideo, 2004 |
330
Nació en Rivera el 9 de julio de 1926. Desde 1954 hasta
de Bellas Artes en 1966; en el Salón Municipal y en
1958 estudió dibujo y pintura en la Escuela Nacional de
la muestra de la Comisión Nacional de Bellas Artes
Bellas Artes de Montevideo con Vicente Martín. En 1962
en Paysandú en 1967; en la del First National City
ganó por concurso la Beca Carlos María Herrera, que lo
Bank en 1968, y en otras muestras colectivas dentro
llevó en viaje de estudios a Europa.
y fuera del país. Su obra forma parte de museos y
Realizó varias exposiciones individuales, entre
colecciones del Uruguay y del extranjero.
ellas: Galería Moretti, 1966; Galería Aramayo y Galería
Con una pintura muy imaginativa, Neme crea
Portón de San Pedro, 1968; Alianza Cultural Uruguay-
grotescas y voluminosas carnaciones de expresionis-
Estados Unidos, 1969; Galería Karlen Gugelmeier, 1970
mo rudo y despojado, con las que busca retratar la
y 1983; Museo de Arte Americano de Maldonado, 1984
condición humana. Evidencia una crítica social cru-
y 1992; Galería Swiss Bank Corp., 1994. En 1995 el Ban-
da al mismo tiempo que poética. Logra un extraño
co Central del Uruguay le otorgó el Premio Figari a la
clima mediante el uso de un cromatismo irreal. Es
trayectoria. Participó en los salones nacionales de 1960,
una obra que revela humor, talento y sensibilidad.
1962 y 1966; en el Salón del Retrato del Museo Nacional
Falleció en Montevideo el 14 de febrero de 2004.
[ Pág. opuesta ]
CLAREL NEME Gorda en tocador con vincha, c. 1990 Óleo sobre lienzo, 130 x 97 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
CLAREL NEME Niña con sombrero Óleo sobre tela, 60 x 50 cm
[ Pág. opuesta ]
CLAREL NEME Sirenita descansando, 1974 Óleo sobre lienzo, 90 x 71 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
RAÚL JAVIEL CABRERA (C A BRERITA ) | M o nte v id e o, 1 91 9 – S ant a Lu c ía , 1 9 9 2 |
334
Nació en Montevideo el 2 de diciembre de 1919. Pasó
Pablo en 1981. Fue premiado en el V Salón Municipal
sus primeros años en un asilo.
(1944), en el IX Salón Nacional (1946) y en el VII Salón
Sus cualidades artísticas se manifestaron muy temprano. Entre otros trabajos, desde muy joven pintó vitrales.
Municipal (1946). Su tema son niñas extrañas, de rostros largos, ojos
Asistió al Círculo de Bellas Artes de Montevideo y a
fijos, mirada seria y ausente, con las manos cruzadas,
la Universidad del Trabajo del Uruguay, por entonces
estáticas, cubriendo el sexo. En ocasiones pintó obser-
bajo la dirección de Guillermo Laborde. Estudió ade-
vando del natural, pero asociaba el procedimiento con
más con Gilberto Bellini, con Serrano en el Taller Don
la pintura académica. La mayoría de las obras conser-
Bosco y con Prevosti.
vadas son acuarelas que muestran geometría, ritmo,
Aunque su vida transcurrió entre hospitales psi-
brazos cruzados en escuadra, manos y vestidos que
quiátricos y familias que lo tomaron a su cargo, desa-
pueden considerarse gráficos y casas o elementos ar-
rrolló una actividad plástica constante.
quitectónicos rígidos.
Realizó exposiciones individuales en la Asociación Cristiana de Jóvenes de Montevideo, en el Ateneo, en el X Salón Nacional y participó en la XVI Bienal de San
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Murió el 18 de diciembre de 1992 en Santa Lucía, departamento de Canelones.
RAÚL JAVIEL CABRERA Gran escena, maternidad con personaje y animales Acuarela, 72 x 82 cm 335
VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
RAÚL JAVIEL CABRERA Paisaje y dos niñas Acuarela, 70 x 50 cm
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RAÚL JAVIEL CABRERA Niña de rulos rubios, 1984 Acuarela, 70 x 50 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
GERMÁN CABRERA
| Las Piedras, 1903 – Montevideo, 1990 |
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Nació el 2 de mayo de 1903 en Las Piedras, departamen-
Ejerció la docencia en varias instituciones de Uru-
to de Canelones.
guay y Venezuela. Participó en numerosas exposi-
De 1918 a 1926 estudió escultura en el Círculo de
ciones individuales y colectivas, tanto en Uruguay
Bellas Artes con el argentino Luis Falcini. Luego estu-
como en el exterior. Integró el envío uruguayo a
dió en París, en la Academia Collarossi, con Despiau, y
la VI Bienal de San Pablo (1961) y a la Bienal de
en la Grande Chaumière, con Antoine Bourdelle, entre
Venecia (1962). Al año siguiente recibió el Premio
1926 y 1928.
Blanes. Participó en la II Bienal de La Habana
En 1930, en concurso de escultores nacionales, obtuvo una beca del Ministerio de Instrucción Pública para estudiar en Europa. Viajó a Italia, Francia y Grecia.
(1986). En 1989 volvió a participar en la Bienal de San Pablo. Su obra se caracteriza por el cambio tanto de
Recibió el premio del mismo Ministerio en el Salón
materiales como de técnicas y de formas. Emplea
del Centenario (1930). Ganó la Medalla de Oro en la Ex-
ortogonales, que están en el ser interno antes que
posición Internacional de París de 1937.
en la geometría. Propone una espacialidad peculiar
Vivió en Venezuela entre 1938 y 1944. En 1940 obtu-
a sus materiales. Emplea el desecho más allá de la
vo el primer premio en el concurso internacional para
materia misma. Realizó varias obras de integración
el monumento al general Páez (Venezuela). También
con la arquitectura y de diseño industrial. Fue el
recibió el primer premio en el Salón Oficial Anual en
autor de la topografía, de los grandes muros de pie-
Caracas (1944).
dra y de los juegos infantiles del complejo habita-
Regresó a Uruguay y después a Venezuela, donde
cional Parque Posadas (1970-1973).
permaneció desde 1946 hasta 1951. Luego se radicó de-
Obras suyas, además, se encuentran en nume-
finitivamente en Uruguay, donde obtuvo la medalla de
rosos edificios de Montevideo, así como en museos
oro en el Salón Nacional de 1958 y el premio beca de
y en colecciones de países de América, de Inglate-
Escultura del Salón Bienal del Ministerio de Instrucción
rra, Alemania y España.
Pública de 1959. En 1961 fue premiado por la Fundación Pipino y Márquez de Córdoba (Argentina).
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Murió en Montevideo el 30 de mayo de 1990.
GERMÁN CABRERA Desnudo femenino en balcón (serie "Tectonas") Cerámica, alto 26 cm
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VIVIENDO EL ARTE
|
DESDE EL COLECCIONISMO
GERMÁN CABRERA Desnudo femenino Cerámica con engobe blanco, alto 21 cm
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GERMÁN CABRERA Desnudo femenino sentado Cerámica con rastros de engobe, alto 23 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
C O N T E M P O R Á N E O S
P a b l o
A t c h u g a r r y
I g n a c i o
I t u r r i a
M a r c e l o H u g o
L e g r a n d L o n g a
E n r i q u e L a c y M i g u e l
B r o g l i a D u a r t e
B a t e g a z z o r e
M a r c e l o D i e g o
U r t i a g a D o n n e r
G u s t a v o O c t a v i o G i o r g i o
J a u g e P o d e s t á
C a r l e v a r o
G u s t a v o
G e n t a
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[ Pág. anterior y opuesta ]
PABLO ATCHUGARRY La fuerza del espíritu
PABLO ATCHUG ARRY
Mármol blanco de Carrara, alto 300, base 90 cm
| Montevideo, 1954 |
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Nació en Montevideo el 23 agosto de 1954. Su padre,
mármol de Carrara de 33 toneladas y seis metros
amante del arte, percibió sus aptitudes y el interés que
de altura inaugurada en Lecco en mayo del 2002.
manifestaba y lo estimuló desde su infancia a entrar en
En julio del mismo año recibió en Carrara el Pre-
el campo de la pintura. Después fue descubriendo otros
mio Michelangelo, en reconocimiento a su carrera
materiales, como el cemento, el hierro y la madera.
artística. Creó la obra Ideali, en homenaje a los cin-
Su primera muestra individual fue en 1972 en Mon-
cuenta años de reinado del príncipe Rainero de Mó-
tevideo, y dos años más tarde en Buenos Aires tuvo su
naco, hoy situada en la avenue Princesse Grace de
primera exposición en el exterior.
Mónaco. Participó en la Bienal de Venecia de 2003.
Al final de los años setenta hizo varios viajes de estudio en Europa, y en 1978 expuso en la ciudad italiana de Lecco. En 1979 descubrió el mármol y realizó en Carrara su primera escultura, La lumière.
En 2005 expuso sus obras en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. En el Museo Groeninge de Brujas (Bélgica) organizó en junio del 2006 una gran retrospectiva con
En 1982 decidió establecerse definitivamente en
obras pertenecientes a colecciones privadas inter-
Lecco, como consecuencia del primer encargo de una
nacionales. En 2007 finalizó On the way of light, la
gran obra: La pietà. A partir de 1989 creó también obras
obra más grande hasta el momento, de ocho metros
monumentales que hoy forman parte de colecciones
de altura.
privadas y públicas en espacios americanos y europeos.
El mismo año tuvo lugar una muestra itinerante
En 1996 se inauguró en el parque del Palacio de Gobier-
en Brasil, El espacio plástico de la luz, con la pre-
no de Uruguay Semilla de la esperanza.
sentación de Luca Massimo Barbero, muestra que
En 1999, en Lecco, inauguró el Museo Pablo Atchu-
finalizó su recorrido en Montevideo.
garry, sede del archivo de la obra del artista, con piezas
Uno de sus más recientes proyectos fue abrir en
de su recorrido artístico y documentación bibliográfi-
2006 un segundo taller en la localidad del Chorro
ca. En 2001 se realizó una muestra retrospectiva en el
(Maldonado, Uruguay), donde estableció la Funda-
Palazzo Isimbardi, en Milán, y el primer monumento de
ción Pablo Atchugarry con la intención de estimu-
seis metros, titulado Obelisco del terzo millennio, situa-
lar las artes y de crear un lugar de encuentro para
do actualmente en Manzano (Udine).
artistas de todas las disciplinas.
Ganó el concurso nacional Monumento a la Civiltá e Cultura del Lavoro Lecchese para una obra en homenaje a la cultura del trabajo, esculpida de bloque de
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Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Lecco, lago de Como, Italia.
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
PABLO ATCHUGARRY El vuelo del ángel Mármol blanco de Carrara, alto 300, base 90 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
PAB LO ATCHUGARRY Sin título Mármol estatuario de Carrara, 120 x 54 cm. Altura 290 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
PABLO ATCHUGARRY Sin título
PABLO ATCHUGARRY Sin título
Mármol negro de Bélgica. 28 x 25 cm. Altura 278 cm
Mármol rosado de Portugal. 30 x 28 cm. Altura 260 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
IGNACIO ITURRIA
| Montevideo, 1949 |
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Nació en Montevideo en 1949. Estudió dibujo publicitario y empezó a pintar muy tempranamente. Obtuvo varios premios en el país. En 1977 se casó y viajó a España. Se instaló en Ca-
De regreso en Uruguay en 1984, realizó exposiciones en Punta del Este y más tarde en Buenos Aires y en otras ciudades latinoamericanas. Participó también en la exposición Cien años de pintura uruguaya.
daqués, donde, según sus propias palabras, consiguió
Expuso en diversos países iberoamericanos y en
“sosegar su expresionismo, aclarar su paleta y transfor-
1994 ganó el gran premio de la IV Bienal Internacional
mar el dibujo lineal en pintura”.
de Pintura de la ciudad de Cuenca (Ecuador). En 1997
En 1979 regresó temporalmente a Uruguay, donde
representó a Uruguay en la VI Bienal de La Habana.
realizó varias exposiciones. Volvió a España en 1982 y
Entre sus exposiciones se destacan las realizadas en
se instaló en Barcelona, lo que le permitió mantener
1998 en el Museo Nacional de Buenos Aires y en el Mu-
una estrecha relación con pintores catalanes como Tha-
seo Rufino Tamayo de México D.F.
rrats, Cuixart y Pitxot. En ese tiempo recorrió exhaustivamente España, especialmente Andalucía y Castilla, en busca de los paisajes de Benjamín Palencia.
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IGNACIO ITURRIA Concierto, 1997 Óleo sobre tela, 90 x 70 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
IGNACIO ITURRIA Escena de interior Óleo sobre cartón, 31 x 39,5 cm
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IGNACIO ITURRIA Uruguay al Mundial, 2001 Óleo sobre lienzo irregular, 84 x 68 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
IGNACIO ITURRIA Cara negra con espejo Óleo sobre espejo, 38 x 11,5 cm
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IGNACIO ITURRIA Tocador con espejo Óleo sobre espejo, 20 x 28 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
MARCELO LEGRAND
| Montevideo, 1961 |
360
Nació en Montevideo el 19 de agosto de 1961. En 1977
participación en dos muestras colectivas: una en el Centro
comenzó sus estudios de pintura en el Círculo de Bellas
Cultural Borges de Buenos Aires y otra en el Museo de las
Artes con el maestro Héctor Sgarbi. A partir de 1981 y a
Américas de San Juan, Puerto Rico.
lo largo de una década se dedicó exclusivamente a traba-
Desde 2005 y hasta la actualidad trabaja con la Galería
jar con grafito sobre papel. En ese período se destaca una
Sur, con la que ha participado en ferias tales como Arco
serie compuesta por rostros sobre papeles de 75 × 55 cm
(Madrid, San Pablo y Río de Janeiro), Arte BA (Buenos Ai-
y otra serie abstracta de 140 × 220 cm. Con estas obras
res), Cornice (Venecia) y Art Miami. En 2007 expuso en
obtuvo varios premios y una invitación del Studio Cam-
forma individual en el Centro Cultural Dodecá (Montevi-
nitzer y el Pratt Institute de Nueva York para una estadía
deo). Entre 2008 y 2010 participó en el proyecto Vik en
de trabajo en el estudio de Luis Camnitzer en la Toscana.
José Ignacio (Uruguay), con instalaciones en las que uti-
En ese lapso realizó tres muestras individuales en Mon-
lizó la pintura mural, papeles vegetales, estructuras es-
tevideo: Biblioteca Nacional (1986), Museo de Arte Con-
cultóricas con varillas de madera y otras con durmientes
temporáneo (1988) y Centro de Exposiciones del Palacio
reciclados. Invitado especial por Artifariti (Encuentros
Municipal (1992).
Internacionales de Arte en el Sahara), se internó en el de-
En 1990 participó en una muestra colectiva en el Palais
sierto saharaui y llevó a cabo en Tifariti una intervención
de Glace de Buenos Aires, fue invitado a exponer en el Mu-
escultórica llamada Bajo el suelo. En 2010 realizó la mues-
seo de Arte Contemporáneo Sofía Imbert, de Caracas, y se
tra individual Caminos de la pintura en el Centro Cultural
radicó en Venezuela durante tres años. Por entonces reto-
Dodecá y participó en una muestra colectiva en el Pala-
mó el color; investigó y desarrolló una técnica que incluye
cio de la Moneda, Santiago de Chile. En 2012 presentó su
el uso de calor, agua y tintas chinas sobre papel vegetal.
muestra individual Rastros en el Museo Nacional de Artes
De regreso en Uruguay se dedicó a pintar telas de gran for-
Visuales, Montevideo.
mato y a perfeccionar su trabajo en los papeles vegetales
En 2018 recibió el XXIII Premio Figari, que otorga el
que había explorado en Venezuela. Indagó también en el
Banco Central del Uruguay a la trayectoria artística, y en
grabado, utilizando discos de pasta como matrices.
2919 realizó la correspondiente exposición retrospectiva
En 1999 fue premiado por la Fundación Batuz con
en el Museo Figari de Montevideo.
una estadía en Altzella (Sajonia, Alemania), emprendió
Su obra hoy se encuentra representada en numerosas
un viaje de investigación a París y Lyon tras obtener un
colecciones privadas y museos. Está presente en las co-
premio en la Bienal de Arte Joven de Mosca, y expuso en
lecciones de Luciano Benetton, César Gaviria, Jason Wu,
la Corcoran Gallery of Art de Washington D.C. Un año más
Adolfo Maslach, Ulla y Greger Olsson, Engelman-Ost, Ro-
tarde montó una muestra individual en el Art Museum of
dolfo Llinás, Enrique lglesias, Alex Vik, la Fundación Ba-
the Americas de esa ciudad. Durante 2002 se destaca su
tuz, entre otros.
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MARCELO LEGRAND Sin título Óleo sobre tela, 96 x 124,5 cm
361
VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
HUGO LONGA
| Guaviyú, 1934 – Montevideo, 1990 |
362
Nació en Guaviyú de Arapey, departamento de Salto, el
Sus cuadros neoexpresionistas creados a partir de los
4 de junio de 1904.
años ochenta son incitantes por la densidad de la ma-
Comenzó a exponer en 1966. Su obra reflejó un pe-
teria, las pinceladas violentas en múltiples direcciones,
culiar desenfado imaginativo y cromático. Entre sus
las alteradas relaciones de escala, el cromatismo des-
series se destacan los collages sobre Auschwitz creados
bordante, los chorreados y manchas vehementes y la
entre 1967 y 1976, el plasmado de objetos, assemblages
iconografía agresiva.
y collages en los que explora mundos imaginarios, lo
Tuvo una importante trayectoria docente. Sus nu-
fabuloso y lo mágico, con cuotas de surrealismo y arte
merosos alumnos integran el grupo de artistas del Uru-
pop. Plasmó lo inverosímil y lo grotesco en pintura y en
guay actual.
las técnicas mencionadas, en las que muestra un poderoso sentido del humor al explorar ciertas perspectivas humanas y bucear en las realidades inconscientes.
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Falleció en Montevideo en 1990.
HUGO LONGA Nenita Técnica mixta sobre tela, 33 x 24 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
HUGO LONGA Pareja, 1977 Acrílico sobre lienzo, 19 x 14 cm
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HUGO LONGA Farenheit 451 Esmalte y collage sobre tela, 120 x 100 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
ENRIQUE BROGLIA
| Monte vide o, 19 42 – 2013 |
366 Nació el 16 de setiembre de 1942 en Montevideo.
monumentales para Trapees, ciudad satélite de París,
Se dedicó desde su juventud al dibujo y la escultura.
y para el barrio universitario de Reims. Su obra forma
Obtuvo su primer éxito en 1962, con el gran premio
parte de grandes museos, instituciones y colecciones
de la II Bienal de Jóvenes de Montevideo. Posteriormente viajó a Europa y se instaló en París.
privadas del mundo. Su actividad no se ha restringido a la elaboración de
En 1962 fue segundo premio del Salón de Bellas Ar-
esculturas, dibujos y collages. También proyectó y rea-
tes de Montevideo. En 1964 obtuvo el primer premio
lizó varias plazas y paseos donde incorporó murales,
del Salón del Poema Ilustrado en Uruguay. En 1966 y
altorrelieves y esculturas monumentales de su autoría.
1968 fue seleccionado para el premio Internacional de
En 1978 creó una escultura de acero inoxidable
dibujo Joan Miró, de Barcelona. En 1969 se trasladó a
para la Universidad de Osaka (Japón) y un bronce mo-
Mallorca.
numental para la ciudad escolar de Numea (Nueva Ca-
En 1968 recibió una beca del gobierno de Francia para ampliar sus estudios y experiencias plásticas. Realizó sus primeras exposiciones en Montevideo y Buenos Aires y, una vez instalado en Europa, expuso en París. A partir de 1978 llevó a cabo sus exposiciones individuales más destacadas en París, Ostende, Bruselas, Zúrich y Madrid. Concibió y ejecutó obras escultóricas
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ledonia) en 1981. Creó también una obra escultórica para los Juegos Olímpicos de Seúl, celebrados en 1988. Ha recibido numerosos premios entre los que se destaca el Premio Figari, en mérito a su trayectoria artística, otorgado por el Banco Central del Uruguay. Falleció en Montevideo en 2013.
ENRIQUE BROGLIA Disco Escultura en bronce, alto 30 cm
367
VIVIENDO EL ARTE
|
DESDE EL COLECCIONISMO
LACY DUARTE
| Salto, 1937 - Monte vide o, 2015 |
368
Nació el 15 de setiembre de 1937 en Mataojo de Salto,
innumerables exposiciones colectivas y realizó des-
región norte del Uruguay, en una zona de mestizaje cul-
tacadas muestras individuales en Uruguay y en el
tural próxima a Brasil. Estudió con José Cziffery en Sal-
exterior. Recibió diversos premios y distinciones.
to, donde en 1956 participó en una muestra del Taller
Fue seleccionada para enviar su obra a importan-
Pedro Figari. En 1959 comenzó a ejercer la docencia en
tes bienales internacionales, como la de La Habana
ese mismo taller y en 1961 en Enseñanza Secundaria
en 1987 y la de Venecia en 2005. En 2002 recibió el
como profesora de dibujo, primero en Salto y luego en
premio Pedro Figari, otorgado por el Banco Central
Aiguá. Entre 1967 y 1975 se radicó en San Carlos, de-
del Uruguay a su trayectoria.
partamento de Maldonado. También vivió en la ciudad brasileña de Porto Alegre. En Montevideo, donde se radicó definitivamente en 1981, estudió con Ernesto Aroztegui. Participó en
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Murió en Montevideo en 2015. A fines de 2017 se desarrolló en el Museo Nacional de Artes Visuales una muestra retrospectiva denominada Antología (1956-2015).
LACY DUARTE Bretes, 2001 Óleo sobre tela, 50 x 61 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
MIGUEL B AT TEG A Z ZORE
| Montevideo, 1931 |
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Nació en Montevideo el 22 de enero de 1931. En 1958
Obtuvo numerosos galardones: premio adquisición
egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde
en el XII Salón Municipal de 1960; gran premio Emi-
estudió con Miguel A. Pareja. Realizó viajes de estudio
lio Fontana en 1976; primer premio en el Concurso
a Europa en 1961, África en 1962 y diversos países de
de Diseños de Medallas Conmemorativas de los 250
América en 1967. Diseñó escenografías para La Más-
años de la Fundación de Montevideo, en 1976; primer
cara, el Teatro Odeón, el SODRE y el Teatro Solís. Fue
premio en el Primer Certamen de audiovisuales, Cine
docente en la Escuela de Bellas Artes, en Enseñanza
Club, 1976; primer premio en el concurso de logoti-
Secundaria, en el Instituto de Profesores Artigas, en la
po de la Dirección Nacional de Correos, 1978; Premio
Escuela de Cinematografía y en la Facultad de Huma-
Pintura del Este, 1978; Premio Tercer Salón Nacional
nidades y Ciencias de la Universidad de la República.
de Maldonado, 1986; Premio Bienarte, 1986, y Premio
Obtuvo la beca Municipal Carlos María Herrera y la beca Fundación Calouste Gulbenkian.
Figari, 2000. En su evolución plástica pasó del abstractismo a una
Es autor de varios audiovisuales, entre los que se
figuración muy personal en la que hay una reinterpre-
destacan: Torres García (1975), Signo y color (1976), El
tación, puesta al día, del mundo simbólico establecido
Grito (1977) y Hoy por hoy Latinoamérica (1977). Es au-
por Joaquín Torres García. Lo que era orden en la obra
tor del ensayo J. Torres-García: La trama y el signo, so-
de Torres se transforma en él en caos y desorden; los
bre signos torresgarcianos, publicado por la Intenden-
signos se caen de sus anaqueles o estantes y conforman
cia Municipal de Maldonado en 1999.
dentro del cuadro una entropía. Los signos de Torres
Realizó exposiciones individuales en Associação
García eran de filiación idealista; Battegazzore los ma-
Cristiana Mocidade (Lisboa, 1962), Galería Losada
terializa, los hace abandonar las celdillas bidimensio-
(1975), Galería Bruzzone (1978), Club de Arte (1978),
nales y aparecer en su tridimensión.
Alianza Francesa, (1980), Galleria il Canale (Venecia,
Está representado en el Museo Municipal Juan Ma-
1981), Instituto Italiano de Cultura (1984), Instituto
nuel Blanes, la Fundación Calouste Gulbenkian (Lisboa),
Goethe (1987), Galería Sur (1987), Galería Aramayo
el Museo Nacional de Artes Visuales, el Museo de Arte
(1988) y Galería de Arte de la Alianza Cultural Uruguay-
Americano de Maldonado y la Colección A. Fontana.
Estados Unidos (1990).
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MIGUEL BATTEGAZZORE Blow up Técnica mixta sobre tela, 211 x 150 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
MARCELO URTIAGA
| Montevideo, 1972 |
372
Nació en Montevideo en 1972. Comenzó sus estudios de
Facultad de Arquitectura, Montevideo, 2001; Apología
pintura en el taller Bien al Sur, del Museo Torres Gar-
del boliche, en Galería Sol Félix; Underarte, en la Jun-
cía, con el profesor Gabriel Bruzzone. Tomó clases de
ta Departamental de Montevideo, y Paisaje en pequeño
teoría del arte con Anhelo Hernández en la Escuela de
formato, en la Asociación de Artistas de Pintores y Es-
Bellas Artes, y de historia crítica del arte en el Círculo
cultores del Uruguay. Al año siguiente presentó Puertos
de Bellas Artes. Creó el taller Puerto 54, donde comenzó
desde mi ventana en la Galería Calle Entera, y en el 2004
a explorar la introducción de criterios expresionistas
participó en Fondos de la galería, en la Galería de la Ma-
en la idea de estructura en la pintura. Participó en va-
triz; en Viene, en la Estación Central; en la exposición
rias actividades y cursos de formación, como las Jorna-
del Club Brasilero y en el ciclo Espacio en movimiento
das de Historia del Arte “La cultura en las ciudades de
en la Galería de la Bahía, todas en Montevideo. Entre
Occidente desde fines de la Edad Media hasta el Rena-
2005 y 2008 presentó sus obras en la exposición Todos
cimiento”, por María Luisa Rampini; “Cómo se monta
los barcos en Al Pie de la Muralla, Montevideo; en las
una exposición”, por Julio Niebla, en el Centro Cultural
exposiciones colectivas Arte: Arte, en el Hotel Conrad,
de España, y el Curso de Mitología Vasca en el Centro
Punta del Este; en la Galería de la Ciudadela, Montevi-
Cultural Euskal Erría de Montevideo.
deo; en Nos curamos nosotros, de la Asociación de Pin-
De sus exposiciones se destacan: Todos los bares,
tores y Escultores del Uruguay; en Entre la tierra y la
en la Junta Departamental de Montevideo, 2000; Mi
noche. Primera visión mágica, en el Discount Bank de
recorrida nocturna y constructiva por la ciudad, en la
Montevideo, y en la Galería Standarte de Madrid.
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MARCELO URTIAGA Sin título Óleo sobre tela, 146 x 195 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
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MARCELO URTIAGA El jardinero Díptico. Óleo y técnica mixta sobre tela, 120 x 200 cm 375
VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
DIEGO DONNER
| Montevideo, 1959 |
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Nació en Montevideo en 1959. Entre 1976 y 1977 estu-
En ese período expuso en Miami, París, Buenos Aires,
dió en el taller de Nelson Ramos. Comenzó a exponer
Maldonado y Rocha. En 2002, en la Uruguayan Cultural
en 1980, en la Galería del Notariado. En 1982 lo hizo en
Foundation for the Arts, de Washington D.C., en el Insti-
la Alianza Cultural Uruguay-Estados Unidos y en 1989
tuto Mexicano de Chicago y en los Talleres del Mercado
en la Sala Vaz Ferreira de la Biblioteca Nacional, ambas
de Múnich. En 2003, en el Museo de Las Américas de
en Montevideo. En 1990 participó en Buenos Aires en
Puerto Rico, en la Fundación Bank Boston Chile-Uru-
la Primera Bienal de Arte Joven y en la exposición del
guay de Santiago de Chile, y en la exposición Art from
Palais de Glace. Cuatro años después expuso en el Paseo
Uruguay que tuvo lugar en la Main Library de Miami.
Narvaja y el Club de la Pinacoteca, en Montevideo; en la
En 2008 se presentó en la Fundación Pablo Atchugarry,
Galería Praxis de Buenos Aires; en el Museo Memorial
ubicada en Manantiales, Punta del Este, y participó en
de San Pablo y en el Palacio Imperial de Pekín. En 1997
la exposición Satélites de amor. Muestra de postbabiló-
realizó una muestra en la Casa de la Cultura Uruguay-
nicos, realizada en el Museo de Artes Visuales de Mon-
Cuba, en Montevideo, pero fue entre 1998 y 2000 cuan-
tevideo.
do su nombre se dio a conocer en las principales salas del Uruguay y el mundo.
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DIEGO DONNER Sin título Díptico. Óleo sobre tela, 240 x 320 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
GUS TAVO JAUG E
| Montevideo, 1973 |
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Nació en Montevideo en 1973. Licenciado en Ciencias
Realizó exposiciones individuales en el Espacio IMPO,
de la Comunicación por la Universidad de la República,
el Centro de Exposiciones Subte, el Espacio de Arte Con-
cursó también estudios en la Escuela Nacional de Bellas
temporáneo y el Museo de las Migraciones, entre otros.
Artes, UdelaR, en el Taller de Carlos Seveso. Continuó
También participó en muestras colectivas que tuvieron
su formación en el Taller de Gustavo Tabares (Galería
lugar en Brasil y Argentina. Actualmente reside en Uru-
Marte-Upmarket). Integró el Colectivo Marte y el Centro
guay y se desarrolla como director creativo, diseñador
Cultural Marte (MCC).
y artista visual.
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GUSTAVO JAUGE Semilla, 2005 190 x 136 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
O C TAV IO P O D E S TÁ
| Montevideo, 1929 |
380
Nació en 1929 en Montevideo, donde reside y tiene su
el Premio Salón Municipal a la Trayectoria (1986), el
taller. Egresó en 1961 de la Escuela Nacional de Bellas
premio Fraternidad de la B’nai B’rith y el Premio Figa-
Artes, donde estudió dibujo y escultura con los profeso-
ri del Banco Central (1998). Su procedimiento consiste,
res Juan Martín y Severino Pose. Amplió sus estudios de
básicamente, en armar nuevas formas a partir de pie-
escultura en Francia, Italia y el Líbano.
zas de desecho —aun cuando el artista incorpora sus
Ganó la beca municipal Carlos María Herrera en
propias articulaciones—, resignificando el desperdicio
1964, en usufructo de la cual hizo un viaje de estudios
industrial. Trabaja el hierro; sus figuras vivientes son
a Europa. El gobierno francés, a su vez, le concedió una
resueltas con criterio mecanicista, en busca de movi-
beca para asistir a la Escuela Superior de Bellas Artes.
mientos lúdicos. Es el primer escultor nacional que in-
Fue docente de los talleres de escultura de la Escuela de
corporó el movimiento real a la escultura.
Bellas Artes de Montevideo y profesor de la Universidad del Trabajo.
Entre las obras mayores integradas en distintos edificios y espacios públicos pueden mencionarse
Realizó exposiciones individuales en la Facultad de
algunas de Punta del Este, Yaguarón, el Cementerio
Arquitectura (1964), la Galería U (1968), la Asociación
Israelita de La Paz, la rambla del puerto del Buceo,
Cristiana de Jóvenes (1973), el Instituto Italiano de Cul-
bulevar Artigas y Garibaldi, Quijote y Gallinal, el Par-
tura (1976), la Gordon Gallery de Buenos Aires (1977), el
que de Esculturas del Edificio Libertad y la fachada
Museo Departamental de San José (1978), AEBU (1984),
posterior del Palacio Municipal, así como otras escul-
la Cátedra Alicia Goyena (1987), una muestra indivi-
turas emplazadas en ciudades del interior. Sus obras
dual itinerante por ciudades del interior y Montevideo
se encuentran también en el Museo Nacional de Artes
(1988), la Alianza Cultural Uruguay-Estados Unidos
Visuales, en el Museo de Bellas Artes Juan Manuel Bla-
(1992), el Museo del Gaucho del Banco República (1993).
nes, en el Museo Departamental de San José y encolec-
Participó en muestras colectivas junto al grupo La Can-
ciones privadas.
tera (1961-1963) y en Salones Nacionales y Municipales. Obtuvo el premio adquisición en el XI Salón Municipal (1959), el primer premio Encuentro de Tapicería (1985),
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OCTAVIO PODESTÁ El torito Hierro, alto 35 cm, largo 55 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
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T O R I T O O CTAV I O P O D E STÁ
Egresado en 1961 de la Escuela Nacional de Bellas Artes
los que se transforman en el verdadero leitmotiv que lo
del Uruguay, donde estudió dibujo y escultura con los
lleva una y otra vez a representar esta figura de una for-
profesores Juan Martín y Severino Pose, Octavio Podes-
ma única e irrepetible.
tá amplió sus estudios de escultura en Francia e Italia.
Su procedimiento de trabajo se basa en el juego de ar-
En 1964 obtuvo la beca municipal que llevaba el nom-
mar nuevas formas a partir de piezas de desecho —aun
bre de Carlos María Herrera, la cual le permitió volver
cuando en algunas oportunidades incorpora articulacio-
a Europa para seguir formándose en las artes escultóri-
nes de creación propia—, resignificando así el desperdi-
cas. Posteriormente estudió diseño industrial en el Ins-
cio industrial y anexándole incluso, en ciertos casos, co-
tituto de Arte de Florencia y visitó varios talleres de res-
lor y fragmentos de madera. Tiene en su taller lo que ha
tauración en Francia, España y Suiza. Como resultado
dado en llamar su hierroteca personal, de donde obtiene
de este derrotero formativo, tuvo contacto directo con
los trozos de chatarra que le permiten generar sus obras
las obras originales de Pablo Picasso y Georges Braque,
y encontrar salidas formales novedosas y específicas.
quienes, según el propio Podestá, fueron sus referen-
Trabaja entre tres y cuatro piezas escultóricas simultá-
tes más importantes, junto con los escultores Antoine
neamente; abandona algunas por un tiempo y las retoma
Bourdelle y Auguste Rodin.
luego si el momento creativo y las piezas de la hierroteca
Influido entonces por el movimiento de vanguardia,
así lo disponen.
comenzó a realizar hacia 1970 la serie de “Toritos”, es-
Podestá resolvió El torito con un criterio claramente
culturas de similares características, pero cada una con
mecanicista y espacial, cuyo objetivo sustancial es gene-
su propia individualidad y originalidad. ¿Por qué este
rar movimientos de carácter lúdico. Fue anexando los
animal? Por gusto personal. El artista dice que el toro
fragmentos de metal utilizando en particular, según sus
despertó su atención desde que apareció en las represen-
propias palabras, “las partes que la industria del hierro
taciones rupestres del período prehistórico, pinturas que
desecha, ya que de un cuadrado obtienen un círculo, y
tuvo oportunidad de ver en uno de sus viajes a España.
ese sobrante fue lo que utilicé para las patas y gran parte
Pero aquí, ante El torito, el tema representado no es lo
del cuerpo del toro”. Así, poco a poco fue tomando forma
primordial. Se transforma en una excusa o simple anéc-
la obra, resultado de una sumatoria en la que se asocian
dota, pues lo que el artista pretende demostrar con este
la creatividad del artista, en su interés por resignificar
trabajo no es la capacidad de representar la figura del ani-
esos desechos, y el sentido de espacialidad y movimiento
mal, sino las posibilidades que brinda el lenguaje escultó-
que la pieza escultórica genera en sí misma, más allá de
rico en sí mismo. De lo abstracto a lo casi figurativo, son
lo que represente.
los espacios, las formas y los movimientos generados por
DAMIANO TIERI
los trozos de hierro, que va anexando meticulosamente,
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
GIORGIO CARLEVARO
| Montevideo, 1973 |
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Nació en Montevideo en 1973. Entre 1980 y 1983 fue estudiante de la Escuela de Artes Plásticas Parque Rodó. Continuó su formación en escultura en el Taller Montevideo, con la profesora Beatriz Rubio (1986-1993), y en el atelier del profesor Nowinsky (1991-1993). En 1996 viajó a Perú, donde estudió escultura con Luis Sifuentes, y en 1998 se radicó temporalmente en Corea para continuar sus estudios con el escultor y profesor Chan Cab Park. Complementó su formación artística en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República. Ha expuesto su obra en Uruguay, Argentina, Perú, Corea y Bélgica, y fue premiado en varias ocasiones. En 1999 fundó Carlevaro Hnos., firma dedicada a la fabricación de cerámica. En 2005 organizó, en conjunto con la Liga de Fomento de La Floresta, el Primer Concurso Internacional de Escultura en Granito, celebrado en ese balneario uruguayo. En 2006 organizó en Punta del Este el Primer Simposio de Escultura en Piedra, Madera y Hierro.
GIORGIO CARLEVARO Cubo Técnica mixta con hierro, alto 82 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
GUS TAVO G ENTA
| Montevideo, 1971 |
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Orfebre y escultor formado en el Centro de Diseño In-
Son hilos de alambre de hierro o alpaca articulados
dustrial. Durante la crisis económica de 2002 emigró a
en minucioso mecanismo de ensamblado con diminu-
Suiza, donde dio a conocer sus trabajos en tiendas de
tas incrustaciones de miles de espejos que atrapan la
diseño de Lausana y Ginebra. Regresó al país en 2006
mirada en su continuo movimiento de luminosidad
y retomó la actividad artesanal, que fue orientando ha-
cambiante; juguetes de compleja ingeniería manual,
cia la creación de obras escultóricas de alambre “en el
tan divertidos como originales; extensas composiciones
aire”, como lo había hecho en sus comienzos Alexander
planas en las que inserta agujas de alpaca acopladas a
Calder. Con habilidad manual y portentosa inventiva
pequeños barcos y aviones de cartulina que conforman
comenzó a pergeñar objetos lúdicos de apariencia de-
deliciosas evocaciones infantiles animadas de envol-
corativa que, sin embargo, adquieren una dimensión
ventes ritmos. Todo ello hace de Genta uno de los más
expresiva de curiosa levedad en su atractivo mecanis-
singulares y fértiles creadores uruguayos.
mo cinético.
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GUSTAVO GENTA Móvil de espejos rojo, 2015 Tejido de alambre con alpaca, espejos y papel. Aprox. 20 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
D E S D E
L A
A M I S T A D
JULIO MARÍA SANGUINETTI
| Montevideo, 1936 |
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El prologuista de este libro ha sido un observador cons-
amistades comunes de nuestro país y del mundo. De
tante de la colección Manhard. Amigo de los dueños de
esos encuentros ha dejado una suerte de testimonio pe-
casa, tanto él como su esposa, la profesora Marta Ca-
riodístico (así le gusta denominarlo para descartar una
nessa, han cultivado esa relación en jornadas amables
pretensión artística) en dibujos acuarelados que reco-
de conversación e intercambio, compartiendo también
gen su impresión de momentos recordables.
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JULIO MARÍA SANGUINETTI Jardín de Palmar del Indio, 2007 Acuarela, 19 x 25 cm
[ Pág. opuesta ]
JULIO MARÍA SANGUINETTI Jardín de Palmar del Indio, 2007 Acuarela, 19 x 25 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
E X T R A N J E R O S
M a r c
C h a g a l l
S a l v a d o r Y a a c o v E u g e n i o B e n i t o
D a l í A g a m
E s p i n o z a
Q u i n q u e l a
H a n s
M a r t í n
B r e i n l i n g e r
MARC CHAGALL
| Vítebsk (Bielorrusia), 18 87 – Saint-Paul de Vence (Francia), 198 5 |
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Nació en Vítebsk el 7 de julio de 1887, en una familia
las desavenencias con el profesor Kazimir Malévich, se
judía, y fue el mayor de nueve hermanos. Su nombre
mudó a Moscú en 1920 y luego a París en 1923. Con la
de nacimiento fue Moishe Segal o Movsha Jatskélevich
ocupación alemana de Francia, en 1940, y la deporta-
Shagálov. Fue uno de los más importantes artistas del
ción de los judíos a los campos de exterminio, Chagall
vanguardismo. En 1907 se mudó a San Petersburgo,
tuvo que abandonar la ciudad. Gracias a la ayuda del
donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patroci-
periodista estadounidense Varian Fry, se mudó a la Vi-
nadores del Arte, lugar en el que fue alumno de Nikolái
lla Air-Bel en Marsella y luego escapó del país, a través
Roerich. Entre 1909 y 1911 estudió en la escuela de Eli-
de España y Portugal. En 1941 la familia se instaló en
zaveta Zvántseva bajo la guía de Léon Bakst.
Estados Unidos, donde Bella murió tres años más tarde.
Tras hacerse conocido como pintor dejó San Peters-
En 1964, por encargo de Charles de Gaulle, Chagall
burgo para unirse a un grupo de artistas que se encon-
pintó el techo de la Ópera de París. En 1977 fue conde-
traban en el barrio parisino de Montparnasse. En 1914
corado con la orden de la Legión de Honor de Francia.
regresó a Vítebsk para casarse con su prometida, Bella
En 1981 recibió el Premio de la Fundación Wolf de las
Rosenfeld, a quien había conocido en 1909. Allí lo sor-
Artes de Jerusalén. Sus cuadros han llegado a venderse
prendió el comienzo de la Primera Guerra Mundial. En
en más de seis millones de dólares y también sus lito-
1915 se casó con Bella y al año siguiente nació su hija, Ida.
grafías han alcanzado un considerable valor.
Participante activo en la Revolución de 1917, Cha-
Murió en 1985, a los 97 años, y está enterrado en
gall fue nombrado comisario de arte para su región
Saint-Paul de Vence, cerca de Niza, junto a su tercera
natal, donde en 1919 fundó la Escuela de Arte de Ví-
esposa, Valentina Bródskaya (Vava).
tebsk. Sin embargo, debido a la carga burocrática y a
[ Pág. opuesta ]
MARC CHAGALL Le violoniste au village enneigé, 1973 Oil, India ink and color ink laid down on cardboard , 41.2 x 33 cm Provenance. Estate of the artist Private collection, Germany Certificate. The Comité Marc Chagall has confirmed the authenticity of this work
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
S ALVADOR DALÍ
| Figueras (España), 190 4 - 1989 |
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Nació el 11 de mayo de 1904 en Figueras, Cataluña. A los 12 años se adentró en el mundo de la pintura de la
que idolatró. Esa ciudad vio florecer el surrealismo de Dalí y su característico bigote inspirado en Velázquez.
mano de unos amigos de sus padres, los Pichot. Gracias
En 1929 conoció a su gran amor y musa: una inmi-
a esta familia de artistas y especialmente a Ramón Pi-
grante rusa once años mayor que él, conocida con el
chot, Dalí descubrió a los impresionistas.
nombre de Gala. En 1931 pintó uno de sus cuadros más
Cuando tenía 18 años se trasladó a la Residencia de
famosos: La persistencia de la memoria (también conoci-
Estudiantes de Madrid para estudiar en la Real Acade-
do como Los relojes blandos), inspirado, según el propio
mia de Bellas Artes de San Fernando. Allí creó fuertes
autor, en trozos de queso camembert derritiéndose al sol.
lazos con algunas futuras celebridades del arte español,
En 1941 Dalí y Gala se mudaron a Estados Unidos.
como Federico García Lorca y Luis Buñuel. Uno de los
Regresarían definitivamente a Cataluña ocho años más
hechos más curiosos y recordados de esta época fue su
tarde. En ese último período, el trabajo artístico de Dalí
segunda y definitiva expulsión de la Academia, en 1926.
estuvo especialmente relacionado con la ciencia, la re-
El propio artista contó en una entrevista que, en un exa-
ligión y otras actividades; creó el logo actual de la com-
men oral de historia del arte, se negó a hablar de Rafael
pañía Chupa Chups, realizó un anuncio televisivo para
ante el tribunal, alegando que del famoso renacentista
la marca de chocolate Lanvin y participó en la campaña
italiano sabía mucho más que los examinadores.
publicitaria de Eurovisión.
Un año más tarde, en 1927, viajó a París, donde conoció a Pablo Picasso, una de las pocas personas a las
Falleció el 23 de enero de 1989 por un paro cardiorrespiratorio, a los 84 años de edad.
[ Pàg. opuesta ]
SALVADOR DALÍ Homenaje a Teriscora La danza, c. 1997 Bronce 145/350. Fundido a la cera Alto: 70,5 cm, longitud: 44 cm Fundición Venturi Arte
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
YA ACOV AGAM
| LeZion (Israel), 1928 |
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Nació el 11 de mayo de 1928 en Israel. Pintor y escultor de fama mundial, en los años cincuenta fue creador del arte cinético.
su primera pintura polifónica. Sus primeras esculturas datan de 1967. Concede un papel activo al espectador, que en
Realizó sus estudios de Bellas Artes en la Bezalel
ocasiones puede intervenir directamente en las obras
Academy of Arts and Design de Jerusalén, donde tuvo
al variar su resultado o modificar su aspecto según el
como profesor a Mordecai Ardon, antiguo alumno
ángulo en que las contemple.
de la Bauhaus de Weimar. Este lo animó a continuar
En 1963 recibió el Premio a la Investigación Artística de
sus estudios en Zúrich. Allí asimiló el repertorio de
la Bienal de San Pablo, creado especialmente para su obra.
formas y colores del constructivismo y el espíritu
Dentro de la asombrosa variedad de su producción
universalista de la Bauhaus. Pasó unos años en París,
pueden
donde conoció a Brancusi y a Léger y se introdujo en
un langage, vendida al pintor Max Ernst, Double
los círculos surrealistas.
Metamorphosis II, adquirida por el MOMA de Nueva
Su primera exposición individual le llegó en 1953 en la Galerie Craven de París. Ese mismo año realizó
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mencionarse
trabajos
como
Signes
pour
York, o Visual Music Orchestration, que mereció el gran premio de la Artech Bienal en Nagoya (Japón) en 1989.
YAACOV AGAM Dream Space, 1999 Arte cinético 7/99, 35 x 34 cm
YAACOV AGAM Arte cinético Técnica mixta, 28 x 28 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
EUGENIO ESPINOZA
| San Juan de los Morros ( Venezuela), 1950 |
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Nació en 1950 en San Juan de los Morros, Venezue-
historia del arte venezolano. La obra, de carácter con-
la. Realizó estudios en Caracas, en la Escuela de Artes
ceptual, se compone de un lienzo sobre bastidor que
Plásticas Cristóbal Rojas (1966-1971) y el Instituto de Di-
asume las dimensiones y fisonomía del perímetro de la
seño Newmann-Ince (1970-1974), y en Nueva York, en
galería. Sobre él, en negro, la icónica retícula de Espino-
el Pratt Graphic Arts Center (1977-1979), la New York
za. El cuadro-retícula, instalado sobre el suelo, lejos de
University (1980) y la School of Visual Arts (1981).
convertirse en la estructura organizacional de acceso,
Participó tempranamente en el XXVII y XXVIII Salón
impide el paso del visitante, que queda atorado desde el
Arturo Michelena (1969 y 1970), en las colectivas Joven
umbral: la cuadrícula deviene su contrario. El título de
actualidad en la Galería Estudio Actual (Caracas) y en el
la obra (Impenetrable) parodió los entonces populares
I Salón Nacional de Jóvenes Artistas de Maracay (1971).
Penetrables, de Jesús Soto, y con ello, Espinoza hizo ex-
Con 22 años, en 1972 Espinoza realizó su primera
tensiva su crítica a las tradiciones abstracto-geométrica
exposición personal en el Museo de Bellas Artes (MBA),
y cinética, que dominaban el arte del país en los años
donde el uso de la pintura negra sobre tela cruda, cor-
cincuenta y sesenta.
tada y ondulada marcó los derroteros de esa preocupa-
Tomando como punto de partida el cuadrado, Es-
ción que distingue su carrera: la deconstrucción de la
pinoza desarrolló variaciones mediante el empleo de
retícula renacentista como principio de investigación
telas sostenidas por tensores y pliegues, modificando
de los paradigmas de la abstracción geométrica y su re-
así los límites del formato ortogonal y eliminando los
lación directa con el arte moderno venezolano.
bastidores y el tensado tradicional.
En este sentido, Impenetrable (1972) expuesta por
Realizó numerosas exposiciones individuales y co-
primera vez en el Ateneo de Caracas, marcó un pun-
lectivas en Venezuela y en el extranjero. Actualmente
to vital dentro de la carrera del artista y de la propia
vive y trabaja en Gainesville (Florida, Estados Unidos).
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Eugenio Espinoza Sin título, 1972 Acrílico sobre tela, 121 x 121 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
BENITO QUINQUEL A MARTÍN
| Buenos Aires (Argentina), 1890 - 197 7 |
400
Nació en Buenos Aires el 1.o de marzo de 1890, de pa-
sobre el arte, bajo la guía del maestro Alfredo Lazzari.
dres desconocidos. Fue abandonado en la Casa de Ni-
También conoció a Juan de Dios Filiberto y otros cole-
ños Expósitos con una nota que indicaba su nombre:
gas con quienes se relacionaría durante toda su vida.
Benito Juan Martín. Siete años después fue adoptado
Continuó con el curso hasta los 21 años. Como prác-
por la familia Chinchella, dueña de una carbonería.
tica, Lazzari le daba yesos para que dibujara en claros-
Había empezado a dibujar inspirado en las escenas y
curo y los domingos iban a la isla Maciel para entre-
los colores que observó en el puerto. Usaba técnicas
narse con el dibujo de las escenas al natural. De todos
intuitivas, dado que carecía de los conocimientos más
los libros que leyó, el que más lo impactó fue El arte, de
elementales. Con carbón sobre madera hacía dibujos
Auguste Rodin, obra que le despertó su vocación.
que luego borraba para evitar las bromas de sus compañeros.
“Pinta tu aldea y pintarás el mundo” fue una de aquellas enseñanzas, de la que nunca se apartó. Su al-
Ya adolescente entró en la Asociación de Socorro
dea era el barrio de La Boca, sus vecinos y el puerto.
Mutuo y Musical Unión de La Boca, un centro cultural
Benito Quinquela Martín es el pintor de puertos y uno
vecinal donde por la noche se reunían estudiantes y
de los artistas plásticos más populares de la Argentina.
obreros, mientras de día trabajaba en la carbonería fa-
Sus pinturas muestran la actividad, el vigor y la rudeza
miliar. En esa academia se enseñaba casi de todo: mú-
de la vida diaria en la portuaria La Boca.
sica y canto, economía hogareña y otros cursos prácticos. Allí adquirió sus primeros conocimientos técnicos
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Falleció el 28 de enero de 1977.
BENITO QUINQUELA MARTÍN Día gris, 1957 Óleo sobre tela, 56 x 72 cm
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VIVIENDO EL ARTE
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DESDE EL COLECCIONISMO
HANS BREINLINGER
| Konstanz (Alemania), 18 8 8 – 1963 |
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Nació el 7 de agosto de 1888 en Konstanz, Alemania. De joven estudió fotografía y retoque fotográfico y
En 1936 la pintura Mutter mit Kind, que su ciudad había comprado, fue confiscada por los nazis y desapareció.
se desempeñó como fotógrafo en Núremberg, Friburgo
Viajó a los Países Bajos, Italia, Viena, París y Lon-
de Brisgovia, Lausana, París y Stuttgart. En 1909 regre-
dres, donde se casó. Vivió luego en Berlín hasta 1943.
só a Konstanz.
Fue directivo de la Asociación de Artistas Católicos en
Estudió desde 1910 hasta 1914 en la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe con Wilhelm Trübner. El realismo de sus pinturas del principio fue cambiando bajo la fuerte influencia de obras de arte cubistas y expresionistas.
dicha ciudad. Como consecuencia del bombardeo a Berlín de 1943, perdió el taller y volvió a Konstanz. En 1947 fue nombrado director de exposiciones en el Kunstverein Konstanz. Un año después fue curador
En 1919 participó en la Breidablik, exposición en
de la Städtische Wessenberg-Galerie en Konstanz. En
Kontanz, y dos años después realizó su primera mues-
1951 integró el consejo de administración de la Seces-
tra individual. En 1932 integró la Berliner Secession y
sion Oberschwaben-Bodensee.
en 1933 la Exposición Mundial.
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Murió en Konstanz el 2 de octubre de 1963.
HANS BREINLINGER Desnudo femenino, 1948 Óleo sobre cartón, 58 x 36 cm
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DESDE EL COLECCIONISMO
Í N D I C E
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O B R A S
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