Andrés Blaisten. Orígenes, coleccionismo, identidad, visión y excelencia

TERTULIA

ANDRÉS BLAISTEN

ORÍGENES, COLECCIONISMO, IDENTIDAD, VISIÓN Y EXCELENCIA

La colección Blaisten ha adquirido una importancia nodal en la plástica mexicana.

Considerada como una de las más extensas del arte nacional, sin duda supera en capítulos referenciales, cualquier acervo museal del país. La meticulosa selección de artistas y obras ha obedecido a la excelencia conceptual y de ejecución, en busca perenne por establecer diálogos, así como afinidades plásticas y estéticas entre ellas. Ignora las agrupaciones previas y las filiaciones de carácter ideológico o político.

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DANIELA DÍAZ OLVERA Y ALFONSO MIRANDA MÁRQUEZ

Andrés Blaisten nació en Argentina; en los años 50, con tan solo 14 años migró a México. En ese sentido, le costó construir y asumir una identidad. En México era “el argentino” y en Argentina era “el mexicano”. Eso sí, siempre latinoamericano, siempre Andrés.

Sus orígenes, una familia de científicos y empresarios. Su hermano se sumó a un movimiento estudiantil del 68 y fue asesinado a principios de los 70. De muchas formas Blaisten también ha sido disidente. Formado como pintor en la Academia de San Carlos, su colección, aún sin pulsar que sería una colección, nació a finales de los setenta, principios de los ochenta. Con ojo, del bueno, adquiría obra de sus compañeros de pincel y de algunos de sus maestros. Quizá por la

I. Gerardo Murillo, Dr. Atl Autorretrato 1959 Cortesía Museo Blaisten

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impronta omnipresente de la Escuela Mexicana de Pintura, vio en el capítulo previo la clave interpretativa detonante. También, reparó en lo que nadie había reparado: el placer contemporáneo, que después sería bautizado como de «la Ruptura». Sin parangón, pronto, muy pronto, la colección comenzó a ordenarse, a completarse, a sistematizarse.

La colección Blaisten cuenta con un fascinante acervo plástico de Gerardo Murillo Cornadó, Dr. Alt. Inevitable contar con José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. También, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Ángel Zárraga, Alfredo Ramos Martínez y Fermín Revueltas, Rodrigo Pimentel…

Todos, todas se dan cita en su acervo que constituye un bastión de conocimiento. Por cinco años estudiamos y disfrutamos del patrimonio mexicano en comodato a la Universidad Nacional Autónoma de México, en el Centro Cultural Tlatelolco… ¡Ay, cómo se extraña! Lo cierto, es que como generoso coleccionista, las obras se presentan, viajan, se significan y resignifican... Andrés es referencia obligada. Rescatador de nombres y esencias resilientes de la estética nacional. Bienvenido a la Domadora, querido amigo.

dd: La Domadora, este espacio crítico, toma su nombre de una obra en su colección. 1897. Simbolismo. Erotismo. Ruelas. Una mujer desnuda en medias negras desafía el paisaje en grandiosos 15 x 16 centímetros. «Pornocracia». Proudhon. Transgresión. ¿Qué representa para usted La (su) domadora?

ab: Fíjate que es un cuadro muy especial para mí. Recuerdo cuando lo adquirí hace como 25 años. Yo era

un admirador de Julio Ruelas, me encantaba su obra y veía el libro que había publicado Teresa del Conde en la unam, y cuando lo hojeaba decía “¡Ah, este cuadro maravilloso!” y pues recuerdo muy bien cuando me lo ofrecieron. Un día me habló un corredor de arte y me dijo: ¿Te interesa un Julio Ruelas? – Sí, claro, depende de qué sea. –Pues es un óleo. –¿Cuál? –Pues mira, deja te lo llevo para que lo veas. Y cuando llegó y vi que era La

Domadora no lo podía creer. Le dije: ¡Es como un sueño!, este cuadro no sale de mi casa. Sobre mi cadáver. Y bueno, hice una negociación ultrarrápida y ese día la compré. Es un cuadro entrañable con un simbolismo maravilloso. Además, un detonador en su época porque realizar en México un desnudo como el que aparece en el cuadro,¡era principios del siglo xx!, sin duda era bastante arriesgado. Intuyo que Ruelas hizo este cuadro para un disfrute íntimo, de amigos y conocedores, no para el público en general, porque es un poco irreverente y denuncia el dominio de la mujer sobre el hombre. El hombre fue simbolizado por el cerdo que gira alrededor de ella a su antojo y lo pone incluso en un nivel más bajo que el chango, que está encima de una piedra observando el espectáculo. Entonces es muy significativo porque habla también de una reivindicación de la mujer, de la mujer «empoderada» y habla de la sumisión del hombre a través de los encantos de la mujer que era lo que en aquel momento podía hacer para tener dominio del hombre. Hoy en día la inteligencia, la preparación y otras cosas han igualado en muchos sentidos a ambos géneros, pero hay que entender el contexto de la época.

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II. Julio Ruelas La domadora

1897 Cortesía Museo Blaisten

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am: Y a este sentido, ante los movimientos feministas tan necesarios y presentes pues adquiere otra dimensión esta Domadora.

ab: Absolutamente. Podría ser un símbolo del feminismo. El cuadro mismo habla por sí solo y puede tener muchas lecturas si las buscas.

am: Walter Benjamin dedicó varios textos a la figura del coleccionista; el pensador alemán llegó a afirmar que además de objetos, el coleccionista acumula pensamientos, saberes, reflexiones, sensibilidades… y como en toda buena colección, los objetos se dan cita de manera libertina, burlando al supuesto ordenador. En ese sentido, Andrés, cómo ha sido tu experiencia como coleccionista, ¿cómo es tu relación con las obras? ¿Las eliges o ellas te eligen a ti?

ab: Mira, a diferencia de otros coleccionistas que creo que buscan específicamente a un artista o una obra –sobre todo hoy en día–, yo más bien espero y encuentro. Encuentro cosas porque son significativas para mí, obviamente. Qué me dicen, qué me dice el artista… Además tienen que ver con toda la lectura del arte mexicano que a mí me gusta y que por supuesto empaten con el resto de la colección. Es un poco complicado de explicar pero por ahí va.

AM: Y tu formación como pintor ¿cómo determina o cómo ha determinado tu coleccionismo?

ab: Yo creo que de manera definitiva. Mi forma de ver y de apreciar la pintura, que obviamente tengo en comparación con otros coleccionistas, así como la preparación de la escuela de arte, me da una serie de conocimientos. No solo de Historia del arte, sino de técnicas y demás, pero el hecho de haber pintado, de haber estudiado la carrera de pintor me permite ver en las obras cuando las pinturas son “de verdad”, cuando son de artistas y no de artesanos que hacen truco porque la pintura es muy amplia. Hay buena pintura y hay mala pintura; no solamente es la buena técnica y el resultado, sino también el contenido subyacente que no está a la vista de inmediato, pero que cuando la observas está ahí la intención del artista. Parece un poco abstracto lo que digo, pero cuando eres un veedor de arte, te enseñas a encontrar señales o mensajes que los artistas mandan al espectador. Puede ser obra diversa, puede ser paisaje, puede ser retrato, puede ser un abstracto… si el artista logra transmitir este sentimiento, entonces cumple su objetivo. Entonces, es lo que busco, independiente del tema, la época, la importancia de la pieza dentro de la trayectoria del artista. Porque los artistas

tienen altibajos en su obra, en su trayectoria tienen momentos culminantes y luego pueden tener obra menor, pero yo digo, si un artista hace una gran obra de arte, ya con eso es suficiente. Ahora si hace toda su vida grandes obras de arte, bueno, pues esos son los genios, los grandes artistas que se cuentan con los dedos la mano.

dd: Al tomar como ejemplo a María Izquierdo y aquel añorado y referencial proyecto del Centro Cultural Arte Contemporáneo de la otrora Fundación Cultural Televisa, ¿cómo opera el arte en la construcción de la identidad de un país?

ab: Justamente lo que yo colecciono es de la primera mitad del siglo xx, el periodo después de la Revolución. Hubo todo un boom cultural en México en todas las artes. Realmente fue una explosión artística en todos los sentidos y a mí me interesó ese periodo donde justamente todos los artistas estaban buscando una identidad nacional. México es un país muy complejo, con múltiples culturas, múltiples influencias culturales, a veces contrapuestas. Toda esa complejidad se trató de mostrar a través de la pintura mexicana, pero no siempre tan bien lograda, pues había mucha retórica oficial, la retórica política que incluía a los artistas y encargos oficiales. Yo lo que he buscado es el len-

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... Porque los artistas tienen altibajos en su obra, en su trayectoria tienen momentos culminantes y luego pueden tener obra menor, pero yo digo, si un artista hace una gran obra de arte, ya con eso es suficiente.

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guaje personal de los artistas que indagaban en la identidad de lo que somos, del México que somos actualmente. Ahora, en ese sentido, el haber pintado esas cosas, también ha impactado al público, y fíjate, es muy curioso, la pintura mexicana a muchos mexicanos no les gusta porque de alguna manera nos vemos en el espejo de esas obras. El buen arte es justamente la esencia de lo que somos. Muchos artistas como María Izquierdo son realmente fuertes, y a veces no gustan por eso, porque nos reflejamos y no nos gusta nuestra realidad, nuestra autenticidad; siempre tenemos un poco de vida imaginaria que no es. En ese sentido, el arte aporta muchísimo y por supuesto, las exposiciones que muestran estos trabajos hacen falta a la sociedad. Pueden formar nuevas generaciones y es muy importante que los niños visiten exposiciones y vean buen arte porque eso los va a formar de por vida. Es impresionante el ver cómo un niño puede evolucionar de una manera muy positiva cuando ve arte.

am: Hacer hoy tu acervo sería francamente imposible, inviable pues las citas citables las conservas tú y los valores han escalado (aunque quizá no lo que deberían en la escena del mercado del arte). Más allá de ello, ¿qué divergencias

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III. Rosa Rolanda Autorretrato

1940 Cortesía Museo Blaisten

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Yo lo he dicho en otras ocasiones, en un principio yo era el que la hacía y ahora la colección me rige a mí. La colección me exige para dónde debo de ir. Por lo mismo que hay piezas muy importantes, hay ya una lectura, hay un discurso y no me puedo salir tan fácilmente de él. Entonces, dentro de todo es muy parecido a cuando empecé.

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y convergencias encuentras en el aquel guion mental que trazaste y el que hoy trazas para tu acervo?

ab: No es muy diferente pero sí ha evolucionado, más bien se ha ampliado. Te quiero decir que ahora soy tal vez un poco menos exigente que al principio. Cuando empecé a coleccionar era un nivel de exigencia que quería una joya de cada artista. Ahora, con el tiempo, me arrepiento porque dejé pasar muchas piezas que eran muy buenas pero no de la excelencia que yo quería. Después entendí que la excelencia se da a cuentagotas. Entonces, tal vez ahora soy un poco más indulgente y además he aprendido a valorar más la trayectoria de los artistas. Entonces no es fácil pero creo que en general la colección ha adquirido importancia y es porque he sido muy congruente con ella. El arte es muy amplio, a mí me gustan muchas otras cosas, me encanta la pintura europea y hay pintores norteamericanos que me fascinan, pero no puedo con todo. Si yo me metiera a adquirir y comprar todo lo que yo quiero, y si pudiera, sería una colección muy rara porque ya no tendría ni pies ni cabeza. Entonces también se necesita

disciplina para seguir por un camino y para que se vaya consolidando esa colección. Yo lo he dicho en otras ocasiones, en un principio yo era el que la hacía y ahora la colección me rige a mí. La colección me exige para dónde debo de ir. Por lo mismo que hay piezas muy importantes, hay ya una lectura, hay un discurso y no me puedo salir tan fácilmente de él. Entonces, dentro de todo es muy parecido a cuando empecé.

am: ¿Hay alguna obra o algún artista que hayas buscado consecutivamente con esa paciencia que te caracteriza?

ab: Mira sí hay muchas obras que me han interesado y artistas, por ejemplo, hay un artista que siempre me ha parecido encantador; me parece de estos genios que se dan una vez en la vida y es un fenómeno: Abraham Ángel. Yo de él no tengo ningún cuadro porque no hay en el mercado. Casi toda su producción está en manos del Instituto Nacional de Bellas Artes. Hay una que otra obra en colecciones privadas pero que no se mueven. Es un artista que me parece muy interesante porque él era un niño

cuando estaba explorando la mexicanidad y además, desde un punto de vista muy inocente. A su lado estuvo el gran maestro Manuel Rodríguez Lozano, quien seguramente lo guió. Y bueno, imagínate lo que hubiera llegado a hacer, su acervo es luminoso y murió a los 19 años.

dd: Una vez que el corpus de su acervo se consolidó, tuvo la sensibilidad de orígenes conceptuales, estéticos. Miró al pasado y sumó el bastión virreinal y del México independiente, en ese tenor ¿su colección es rupturista?, ¿cómo se teje la búsqueda?

ab: Híjole, pues es bien complicado. Miren, en pintura colonial mi acervo todavía es pequeño y ahí la búsqueda ha sido por la calidad de ejecución. Los artistas no podían salirse mucho por los cánones que les exigían la Iglesia y el Estado, pero a pesar de eso lograban transmitir lo que querían. Entonces, siempre busco la excelencia, la súperexcelencia de ejecución, pues cuando es buena, es exquisita. En el México colonial hubo mucha pintura, muchísima pintura, fue un país de muchos pintores extraordinarios. Es muy fácil decir

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“pintura colonial”, pero son trescientos años de pintores y generaciones y pintores, entonces tampoco es como ir al mercado y decir “ahora voy a comprar jitomates y cebollas”, es lo que va apareciendo. Salen a cuentagotas estas piezas de calidad excelsa. Hay veces que pueden pasar dos años y no aparece una pieza de la calidad que yo quiero. Es de paciencia. Tanto como un discurso estético no creo que lo haya. Tal vez el discurso se crea un poco con base en mi gusto personal porque dentro de lo que cabe, todavía es incipiente esa colección. Y las grandes pinturas del siglo XIX, casi todas están en museos. El siglo xix fue muy convulso y el contexto no era muy propicio para los artistas y tampoco hubo tantos. Ahí son ampliaciones, lo que más llamó mi atención fueron los primeros síntomas de esa búsqueda de una identidad nacional. Por eso me interesó el costumbrismo y una serie de cosas en las que ya empiezas a ver los primeros intereses de los artistas modernos.

am: En ese largo aliento, encuentras en el patriotismo criollo un antecedente directo a los movimientos nacionalistas tanto conservadores como liberales que darán paso a una generación de artistas que tendrán como un ápice la Escuela Mexicana de Pintura. ¿Es así? ¿Un sumativo de estos valores?

ab: No, no, mira, no lo hice de esta manera porque, además yo empecé un poco de adelante para atrás. Yo empecé coleccionando contemporáneo, primero acudí a la Escuela Mexicana de Pintura, luego al virreinal, no fue lineal, no fue buscando esto, se encuentra en la obras pero no fue buscado.

am: Pero encuentra un origen, en retrospectiva, de lo que implicaría un orgullo por la tierra a quienes somos, o quienes no somos.

ab: Mira, es muy difícil de explicarlo, si es que está ahí. De alguna manera, por ejemplo la pintura colonial, ya que México era digamos, un satélite de Europa. Durante muchos años se pensó que era como una pintura europea de las colonias, sin embargo, hay una cosa muy interesante, tú pones la pintura colonial y la pones junto a la pintura europea y es diferente. ¿Qué hace esa diferencia? La diferencia la hace primero la distancia, y la asimilación de las corrientes artísticas a través de esa distancia y de algunos cuadros que venían o algunos maestros que llegaban de Europa, pero eso se interpretaba y se iba trastocando, iba generando un nuevo estilo, de alguna manera nuevas formas de ver las cosas que nos hizo diferentes. Eso apenas en Europa lo están descubriendo, porque mucho tiempo “lo ningunearon” porque lo consideraron arte de “segunda”. Hoy en día hay mucho interés en museos de los Estados Unidos y de Europa por el arte colonial. Se podría decir que hay tanto o más interés que en la pintura moderna de México. Por primera vez han volteado a ver del arte en México que es riquísimo.

am: Y seguramente pasará con las academias porque tienen un eje rector en el siglo xix, si ponemos la Academia de San Carlos con la San Fernando o con la de Roma pues encontramos también unas particularidades que son dignas de subrayar.

ab: Así es.

am: Si pensamos en los héroes que nos dieron patria, de inmediato aparecen nombres de Hidalgo, Morelos, Zapata… en la estética combativa, ¿cómo opera la impronta moderna de Dr. Atl? ¿Cómo se inserta en las Vanguardias universales?

am: Mira, Dr. Atl yo creo que sí es uno de los genios de la pintura mexicana. Un genio de la pintura en general. Es

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IV. Alfredo Ramos Martínez Mancacoyota 1930 Cortesía Museo Blaisten

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un personaje muy complejo, muy culto. Él fue los primeros muralistas, realmente fue de los primeros a quien le encargaron proyectos muralistas pero no gustaron. Él tenía sus ideas, y justamente no eran las ideas de un Estado que buscaba mostrar las gestas heroicas de la Independencia o la Revolución. Él buscaba la profundidad. Él, acuérdense que era doctorado en filosofía, encontró que el paisaje podía mostrar una fuerza y una idiosincrasia del México moderno. Además nadie estaba trabajando en ese sentido. Todos los artistas estaban enfocados en el Muralismo, en la figuración, en todos los afectos humanistas y él, a través del paisaje, logró mostrar un México y un paisaje de México con una fuerza y una contundencia que es única en el mundo. No puedes encontrar tan fácilmente un paisajista con las virtudes de Dr. Atl. Es un artista que había pasado por muchas cosas, había hecho de todo, había estado en la

Revolución y había estado en Europa, estudió filosofía y vio el Futurismo italiano, le interesó mucho, yo creo que hay mucho que estudiar en las influencias de las Vanguardias en la obra del Dr. Atl. Él encuentra en el paisaje mexicano esta dureza, esta estridencia, esta exuberancia que tiene nuestro país y lo logra justamente con una maestría que fue aprendida a través de muchos años de observación. Si se fijan, curiosamente la obra pictórica fundamental del Dr. Atl es la de su madurez; él realmente se lanza a este proyecto paisajístico a principios de los años treinta. Para ese entonces él ya tenía más de 50 años. Cuando digo que hay que mostrarlo al mundo es porque yo he visto en otras partes lo que de paisaje se hizo en el siglo xx y no hay nada igual, no hay nada con esa fuerza y con esa contundencia. Y cuando se ven obras de Dr. Atl fuera de México, llaman mucho la atención.

dd: 2000 fue un parteaguas: nació Fundación Blaisten. A 20 años ¿cómo ha cambiado la difusión del arte mexicano?

ab: Ha pasado de todo en 20 años. Yo hice justamente esta Fundación para darle futuro a la colección y darle un contexto más institucional, pero fundamentalmente lo hice con un propósito de difundir el arte y para estimular el coleccionismo tanto privado como oficial. Quiero decirte que no lo logré o no lo he logrado. Yo lo trataré de hacer a través de mi ejemplo, mostrar y demostrar lo que yo hago… No lo logré. Las colecciones oficiales han crecido muy, muy poquito, sin ton ni son, con tropiezos, no con inteligencia. He visto colecciones privadas que se forman y desaparecen o que cambian, van con la moda, entonces no es tan fácil, no creo que en ese sentido lo haya logrado mucho. Sí en el aspecto de difusión de mi colección, creo

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que sí he hecho bastante pero desgraciadamente y en la parte oficial hemos pasado malos gobiernos que yo digo siempre “bueno, seguramente el próximo será mejor”. No me ha tocado.

am: ¿Tienes esperanza?

ab: Siempre tengo esperanza. Si no tuviera esperanza no estaría aquí, pero no sé si lo veré. Sí tengo esperanza de que haya un momento, de que haya inteligencia en el manejo de la cultura, en la difusión de la cultura, en mostrar lo que somos, en mostrar lo que ha hecho México. Es un desperdicio que no estemos mostrando al mundo lo mejor que tenemos. Somos famosos por los narcos y por la delincuencia, no somos famosos por nuestra cultura que es riquísima. Sí, yo creo que es una función de los Estados y de los gobiernos mostrar lo que somos, no lo peor.

am: Miriam Kaiser dice que el arte es el mejor embajador.

ab: Pero hace mucho que ese embajador lo tienen guardado en el sótano. am: ¿Cómo es el ciclo de una obra dentro de tu colección? ¿Cuándo sumar, cuándo soltar?

ab: La visión siempre es estar buscando que tengan una gran calidad, que tengan una conexión con toda la época y las

obras de la colección y además que me guste. En cuanto las adquiero, lo primero que hago es mandarlas a conservación, porque muchas veces las obras no llegan en muy buen estado, o llegan sucias, o el paso de los años las va llenando de esmog. Lo primero que hago es mandarlas limpiar y ponerlas en muy buen estado. Después, inmediatamente las publico en la página de Internet del museo, museoblastein.com y tengo ahí una sección de «recientes

adquisiciones», también para evidenciar un poco lo que he estado adquiriendo y ahí empiezan a cobrar vida. Cuando hay exposiciones las obras llaman la atención porque muchas veces son desconocidas y entonces las solicitan y van a dialogar con otras obras. Déjame decirte que son rarísimas excepciones cuando las obras salen de mi colección y salen por dos razones. Una porque conseguí de ese artista una pieza de mucha mejor calidad y que esta obra en cuestión ya no le hace justicia al artista como yo quisiera. En esos casos decido vender esa obra pero en muy, muy raros casos. En otros, sí te confieso que he tenido que vender algunas obras que tal vez yo considero que en ese momento no son tan importantes, pero la tengo que vender para comprar otra que en particular me interesa mucho.Yo no tengo recursos ilimitados y, a veces, tengo que vender dos o tres piezas que me parecen no tan importantes para comprar una muy importante. Eso no sucede muy seguido pero sí lo he hecho.

am: Has subrayado en esta charla que impera, después de todos los filtros simbólicos, tu gusto, tu pasión, tu buen ojo. ¿Hay alguna obra en tu colección que no te guste?

ab: No, definitivamente no. No estaría en mi colección.

dd: ¿Cómo dialoga tu colección con el resto de la Vanguardia latinoamericana?

ab: No fácilmente porque en ese momento en Latinoamérica teníamos caminos muy diversos. México estaba justamente en el momento postrevolucionario del que hablé, en búsqueda de nuestra identidad y estos otros países estaban en ese momento en diálogo con las Vanguardias europeas; entonces son ecos a la distancia y con la asimilación propia de cada país. Hay grandes artistas y movimientos muy interesantes pero no fácilmente los empatas. Con algunos países como Perú, sí hay ciertas afinidades; con Cuba también porque muchos artistas cubanos venían a estudiar a México y tenían mucha influencia de la pintura mexicana. Pero por ejemplo con

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Argentina no, teníamos una distancia… no veo muchas afinidades. Hoy en día, en el arte contemporáneo creo que es mucho más circulante, más global y de alguna manera circulan artistas. Claro, hay algunas excepciones, yo te podría decir tal vez Carlos Mérida o Gunther Gerszo y ya después los años 60 y 70 ya hubo otros artistas, pero en ese primer periodo no le veo mucho el diálogo. Por eso siempre he dicho que el caso de México en la primera mitad del siglo xx es un caso único y raro en el mundo. Es importante que tengamos conciencia que nuestro arte mexicano es muy diferente a lo que se estaba haciendo en el mundo y fue tan relevante que muchos artistas de muchas partes del mundo venían a México a estudiar.

AM: Blaisten ha llevado a la red el arte mexicano. En 2002 nació el museo virtual que fue distinguido por la unesco. ¿Cómo se ha reajustado el rumbo de la colección en la red y que significa para ti la Internet y las redes sociales?

ab: Mira, desde que surgió Internet yo siempre estuve involucrado con todas estas tecnologías y me interesó y me pareció que podía ser un futuro muy bueno para la difusión y la discusión en torno al arte. En el 2002 decidí hacer el museo virtual que en su momento parecía una locura, ningún museo, ninguna colección ponía todo su acervo abierto al público. El internet hoy en día se te hace muy fácil, en Facebook puedes poner miles de fotos, en aquel entonces no era tan sencillo, pues las plataformas eran complicadas para trabajarlas. Cuando vimos la repercusión fue muy bueno en cuanto a difusión en México y en el mundo,

entonces lo tratamos de enriquecer con mayores contenidos. Después tuvimos que rehacer completamente la plataforma porque tecnológicamente Internet fue evolucionando y tecnología con la que habíamos hecho el primer sitio llegó bloquear los buscadores que tenían una tecnología antigua. Tuvimos que rehacer al cien por ciento el sitio; desde cero. Eso sucedió hace como cinco años. Recurrimos a nuevo diseño, nueva tecnología. Luego surgieron las redes sociales que también son importantísimas para difundir la cultura. También el museo tiene un perfil en Facebook, Twitter y demás. Tenemos cientos de miles de seguidores que siempre están viendo lo que estamos publicando y eso es muy interesante. Son cosas que antes eran impensables en museos; es una alternativa a los museos físicos y por supuesto, complementaria. Siempre, ver una obra directamente, de manera frontal es una experiencia insustituible. En ese sentido los museos siempre estarán ahí; son fundamentales para la formación y para el disfrute de las obras de arte. Eso es lo que hay que explotar y hay que transmitir que no es suficiente con ver el cuadro en la red, hay que verlo físicamente y por eso hay que motivar exposiciones, apoyar a los museos e incidir en que nuestra cultura y nuestras políticas culturales sean efectivas.

dd: Además, en estas épocas de pandemia este tipo de lenguajes se vuelven indispensables. ab: En ese sentido, en la pandemia, nuestra audiencia ha subido exponencialmente pero no tuvimos que hacer nada, ya estaba hecho. Yo me doy cuenta que muchos museos y muchos proyectos culturales los agarró

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desprevenidos y se tuvieron que poner a trabajar rápidamente y hacer contenidos. Se han hecho foros de discusión como este, cosas que antes no existían porque antes no se consideraban necesarios, pero en ese sentido la pandemia nos llevó a cambiar mucho, además que se pueden hacer foros y exposiciones igual o más ricas que de manera presencial.

dd: ¿Cómo pulsas el coleccionismo de arte actual en México y cómo impulsarlo?

ab: ¡Qué difícil! Sí veo que hay un coleccionismo vivo muy inclinado por las modas pero eso es bueno detona los mercados, a las galerías les va bien, les va bien a los artistas entonces es bueno. Pero yo siento que esto es más fuerte en el arte contemporáneo. En lo que yo colecciono es mucho más reducido, es más de especialistas, es otra cosa, mucho más chiquito el núcleo, pero el coleccionismo está activo. Desgraciadamente ahora a las ferias de arte no se han podido hacer por la pandemia y yo creo que van a sufrir mucho. Probablemente muchas no van a sobrevivir porque no es fácil tener personal, local, artistas y demás, todo cerrado y no tener ventas, es muy complicado. Yo realmente no sé cómo le van a hacer y aplaudo a los que han sobrevivido porque no está nada fácil.

am: Qué les compartirías, si es que pudieras compartir tu experiencia, a un joven que quiere iniciar una colección. ¿Cómo sería ese origen? ¿Bajo qué líneas?

ab: Mira, hay muchas formas de coleccionar pero yo le diría a un joven que si quiere coleccionar, lo primero que tiene que hacer es ver, ver mucho, ver y ver y ver y que él vaya definiendo qué es lo que le gusta. Que compre lo que le guste y lo que verdaderamente le hace sentido, que no se deje llevar tanto por lo que compra el vecino u otro amigo coleccionista; que se guie más por su gusto personal pero ese gusto hay que formarlo también y para formarlo hay que estudiar y también acercarse a gente que conoce y preguntar y asesorarse, y bueno, van a cometer errores. En el principio van a comprar cosas que seguramente después van a odiar, pero así es esto, después se irán depurando. El mayor consejo es este: ver, ver y ver para que se te vaya formando un ojo y un criterio de qué es lo que es bueno y qué es lo que te gusta y qué es lo que es para ti.

La Domadora pregunta, Andrés responde:

Arte: mi vida.

Argentina: el pasado.

México: mi nación, mi país, lo amo. Dr. Atl: un genio.

Federico Gamboa: un gran promotor de la cultura, como pocos en el siglo xx. Renata: mi hija adorada.

Nieto: tengo un nieto chiquito, recién nacido. Estoy muy feliz. Rodrigo Pimentel: amigo de toda la vida, súperartista y compañero de muchas historias y aventuras en el mundo del arte.

Latinoamérica: algo que debemos trabajar para ser más unidos.

4t: mucha esperanza para mí, nada más. Escenario artístico actual: complejo. Mango, Lola, Pita, Guiri y Leo: son mis mascotas.

Coleccionismo: pasión… también es un poco locura.

Origen: es muy complicado mi origen, soy como… soy una mescolanza.

Muchísimas gracias por aceptar conversar con La Domadora. Siempre es un placer y esperamos que podamos revisitar física y virtualmente un acervo cultural de primer orden. Por lo pronto, la cita es en: museoblastein.com

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