Glocal Design 69 | «Lo mejor de 2022» | Digital

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Portada: NUDO por Kelly Wearstler + ARCA | Art Basel Miami 2022

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S. A. de C.V. Revista Bimestral. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certi cado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certi cado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, Ciudad de México, México.

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La GRANDEZA de existir

Cerrar ciclos y volver a comenzar. Mirar atrás y descubrir que lo que se vivió en los últimos 365 días fue especial tan solo por el hecho de existir y de abrirse espacio en tiempos tan complejos; hoy más que nunca el gremio creativo ha tenido que reinventarse y los líderes de los equipos fueron —o no— quienes mantuvieron lo mucho o lo poco a través de muchísimo trabajo. Sin duda hubo momentos en los que únicamente los propios ideales fueron los que mantuvieron muchos barcos a ote.Y sí, mirar para atrás y seguir descubriendo que la inspiración y la belleza siempre nos hacen dar ese último esfuerzo para seguir adelante, y desde lo personal, saberse parte de ese grupo que no renuncia a la grandeza de existir; me llena de orgullo, y más aún, saberme acompañada por un gran equipo de trabajo, y respaldada por un gremio, me llena el espíritu para pensar en un gran 2023 para todos nosotros.

En lo creativo, México sigue viviendo un gran momento: las nuevas generaciones expresan y crean con formas sublimes y materiales singulares y auténticos, objetos que hablan de madurez, pero también de experimentación y el resultado es, sin duda, inestimable. Como observadora y editora, me corresponde recorrer ferias en diversas partes del mundo y digo con toda la seguridad que México es Capital de Diseño de América y que lo que se produce aquí, desde la factura hasta el desarrollo intelectual, no tiene comparación. Los objetos de cada uno de los creativos tienen una narrativa propia pero también son parte de un momentum único, mismo que ya se venía cuajando pero que la crisis

potenció: la única oportunidad que tenían la crearon ellos mismos y, de tal forma exposiciones, galerías y proyectos como AGO Projects, Salón Cosa, AMA, Objetos que Buscan Casa, Cuadrante, Difane, Masa Galería y muchas otras, se posicionaron mejor y otras levantaron la mano y se abrieron paso en el mundo del diseño coleccionable con piezas realmente únicas. Sí, estamos viviendo historia y eso me provoca un goce sin igual.

Para el especial de arquitectura, la selección es breve pero contundente, ya que afortunadamente con la edición del Premio Noldi 2021 tenemos una extraordinaria selección de lo mejor de la arquitectura e interiorismo (también en Issuu), y lo que vemos hoy es un esbozo del México contemporáneo.

Aprovecho para comunicar que nuestra querida Martha Lydia Anaya ahora es Directora Editorial de Glocal Design Magazine, estoy segura de que abriremos y seguiremos creando comunidad; mi trabajo como Founding Editor seguirá, estoy involucrada en nuestro medio de comunicación hasta las venas al tiempo de estar en prospección de otros proyectos que nos ayudarán a crecer. También, doy la bienvenida a Nadia Benavides Méndez quien, con una sólida trayectoria en el medio editorial creativo, viene a sumar en edición y curaduría a nuestro sitio web. Con la noticia anterior, los invito a ustedes, a escribirles y a compartir proyectos e ideas para seguir siendo voz y abriendo diálogos.

Greta Arcila Editora fundadora y CEO

glocaldesign Greta Arcila @arcilagreta

@glocal_design

O cinas, Archivo y Galería de Nouvel | Tuux

Casa Mate | Araujo Galván Arquitectos

Casa Tejocote | GOMA Taller de Arquitectura

Conjunto Juan de la Barrera | JSa Taller de Arquitectura

Casas María y Matilda | Gaeta Springall Arquitectos

Zarzales | PPAA Pérez Palacios Arquitectos Asociados

LU’ BIANNI: FRANCISCO TOLEDO Y LA FOTOGRAFÍA

HASTA EL 13 DE MARZO DE 2023

Ubicación: Museo Amparo Calle 2 Sur 708, Centro, 72000. Puebla, Pue.

Lu’ Biaani: Francisco Toledo y la fotografía , una exposición que presenta al público el “ojo de luz” del artista que más influyó en la transformación de la fotografía en México en el último cuarto de siglo de un modo singular: mediante la promoción de la obra de otros, de la creación de una colección y de la fundación de un espacio que rinde tributo al fotógrafo que lo conmovió de adolescente, donde tiene lugar la transferencia de la misma etérea experiencia que le hizo imaginar el mundo a través del "ojo de luz” de la cámara, y en el cual se ha forjado un modo de educación peculiar. museoamparo.com

MÉXICO BÁRBARO | NÉSTOR JIMÉNEZ

HASTA EL 26 DE MARZO DE 2023

Ubicación: Sala de Arte Público Siqueiros Tres Picos 29, Polanco, 11560. Miguel Hidalgo, CDMX.

México bárbaro toma como premisa las crisis sociales de las periferias urbanas como panoramas del futuro de las ciudades. A partir de este posicionamiento, la exposición se despliega como un dispositivo reflexivo sobre políticas urbanas y conflictos sociales vinculados con el consumo, la escasez de recursos y la violencia. Los relatos de la obra pictórica de Néstor Jiménez, reunidos en esta exposición, aluden a hechos que, dado su desenlace periférico, carecen de visibilidad en los medios de comunicación. inba.gob.mx

BEAUTIFUL NUMBERS | STEFAN SAIGMEISTER

HASTA EL 26 DE MARZO DE 2023

Ubicación: Museo Franz Mayer

Av. Hidalgo 45, Centro Histórico, 06300. Cuauhtémoc, CDMX.

A través de 48 obras, Sagmeister ha representado algunas cifras globales interviniendo obras románticas del siglo XIX con varias técnicas y materiales como acrílicos, madera o textiles. El resultado: mostrar gráficamente tasas de mortalidad, pandemias, hambrunas, guerras, desastres naturales o incrementos demográficos para llegar a la conclusión de que, actualmente, vivimos en un entorno relativamente sano y que los últimos tweets y las noticias negativas son más bien irregularidades. Cada pieza de la exposición ha sido pensada por su autor como propaganda para ser colocada en las salas de nuestros hogares y mostrar con ella, una belleza de otro modo omitida. franzmayer.org.mx

SHAKE YOUR BODY

HASTA EL 22 DE DICIEMBRE DE 2022

Ubicación: LAGO | ALGO Lago Mayor s/n, 2ª Sección Bosque de Chapultepec, 11560. Miguel Hidalgo, CDMX.

Shake your body es la segunda exposición que presenta la galería en colaboración con OMR , CMR y su curador, Jérôme Sans quien ha invitado a 7 artistas contemporáneos de la escena internacional a encarnar el empoderamiento colectivo y atraer la mirada a este nuevo recinto que, sin lugar a dudas, se convertirá en un referente de la contemporaneidad artística nacional e internacional. lago-algo.mx

INÉDITO

HASTA EL 8 DE ENERO DE 2023

Ubicación: Espacio CDMX Av. De los Compositores 4, 2ª Sección Bosque de Chapultepec, 11560. Miguel Hidalgo, CDMX.

Inédito es uno de los programas más ambiciosos de Design Week México al convertirse en una pasarela de tendencias para el diseño no solo mexicano, sino internacional. Los resultados de esta última convocatoria se pueden ver en piezas elaboradas bajo técnicas profesionales que integran en buena medida un proceso industrial, pero también una gran participación de métodos artesanales. designweekmexico.com

EXUVIA | MAXIMILIANO ROSILES

HASTA EL 5 DE MARZO DE 2023

Ubicación: Museo Universitario del Chopo Dr. Enrique González Martínez 10, Santa María la Ribera, 06400. Cuauhtémoc, CDMX.

En el México de más de 100 mil personas desaparecidas, más de 56 mil restos sin identificar, y más de 390 mil muertes violentas en los últimos 16 años, el artista nos presenta un país donde la vida se ha vuelto un bien desechable, sin valor; donde la violencia camina junto a las personas que migran y les acompaña desde su lugar de origen durante todo el trayecto, hasta su lugar de destino y su posible retorno. chopo.unam.mx

Fotos: Cortesía Masquespacio.

¿Cómo se hornea un pastel? Esta fue la pregunta inspiradora para crear y diseñar MO, una panadería / espresso bar en Arabia Saudita, cuya principal atracción son los pasteles con sabores innovadores, presentados como si fueran joyas. Por esta razón, Masquespacio –el despacho encargado del proyecto– desarrolló un concepto basado en el agua que crea magia y vida. El agua es, al mismo tiempo, un elemento que puede distorsionar la realidad y cambiar el punto de vista de las personas; esta filosofía encaja a la perfección tanto con la visión de MO como con la del taller de diseño y consultora creativa de ‘pensar diferente’ y sentirse a gusto con los retos, con huir de lo tradicional y con la idea de componer espacios que compartan experiencias en todos los sentidos.

El espacio fue dividido en tres partes; cada una representa una fase del proceso de cocinar un pastel y preparar un café con agua como el ingrediente principal.

Primero, tenemos el ‘estado líquido’, cuando la masa es mezclada con el agua y se crea el punto de conexión entre las diferentes zonas al interior de MO. Una cascada de agua ha sido recreada en la zona de la barra, exhibiendo los deliciosos productos a la venta en el lugar. Esta cascada fue creada

arenando los tubos para crear la ilusión que genera la forma del agua, además de la sensación de helaje.

Frente a la barra se encuentra el ‘estado sólido’ o área ‘hielo’, donde unas luminarias enormes representan el hielo como atracción principal. Al lado se pueden ver unas burbujas gigantes que muestran el ‘estado gaseoso’: una serie de burbujas de fuego que representa el momento en el que el pastel está en el horno.

Respecto al mobiliario, cada uno de los asientos ha sido diseñado a medida para el proyecto, ofreciendo diferentes formas de sentarse y por lo tanto diversas experiencias para los comensales, desde sillas bajas tipo lounge y mesas compartidas hasta taburetes y rincones semiprivados para parejas. Una paleta de color gris y blanco ha sido escogida junto a acabados metalizados para las mesas y telas con el fin de generar reflejos que recrean la distorsión que podría crear el agua. –MLA.

Al Khobar Saudi Arabia. masquespacio.com

Volver material el concepto arquitectónico

En 2016, Lenin Cruz y Vicente Quintero crearon Paralelo 28, un taller de maquetas y diseño a escala que les ha permitido conocer de cerca los proyectos de las más destacadas o cinas de arquitectura del país.

Entrevista y texto PEDRO RODRÍGUEZ

Fotos CORTESÍA PARALELO 28

DESDE QUE EL SER HUMANO construye, las maquetas han servido para materializar conceptos y aclarar ideas en torno al diseño de espacios. Con una formación profesional en arquitectura, Lenin y Vicente han cubierto casi todas las posibilidades de realizar maquetas y modelos a escala de diferentes proyectos, tanto arquitectónicos como de otras especialidades.

“Creemos que cada uno de nosotros –como arquitectos– adaptamos la profesión a nuestro modo de vida, a nuestro entorno y a la manera de percibirlo. Para nosotros, las maquetas son un elemento fundamental dentro del propio proyecto como un medio de representación formal de las ideas para transformarlas en un producto donde se pueden entender mejor, conceptos de volumetría, circulaciones e, inclusive, mobiliario, iluminación y niveles topográficos que pueden modificar el proyecto completamente”, afirma

Lenin Cruz, quien visualiza –y resuelve– conceptualmente cada trabajo que llega a su taller.

Respecto a las múltiples aristas que una maqueta puede tener en cuanto a materiales, formas y escalas, Vicente Quintero –quien desarrolla en gran medida la parte técnica de los proyectos–, afirma que “debemos aprovechar todas las posibilidades de cada material, buscar qué materiales se adaptan para dar texturas reales dentro de las escalas solicitadas. Con la pandemia experimentamos una falta de materiales debido al cierre de muchas empresas exportadoras y tuvimos que resolver esa escasez con productos que teníamos a la mano; llegamos a utilizar papel higiénico mezclado con pegamento y pigmentos para crear topografías”.

Sin lugar a dudas, el proceso de creación de las maquetas se ha modificado de unos años atrás a nuestros días. Anteriormente, los materiales se

reducían a madera o cartón, mientras que cada una de las piezas debía ser modelada, cortada y pegada a mano. Actualmente, y en palabras de Lenin y Vicente: “hacemos primero un modelo 3D de la maqueta para tener revisiones con el cliente. Una vez aprobado, diseñamos y cortamos las piezas en máquinas de corte láser e impresión 3D y comenzamos el armado con pegamentos especiales para cada tipo de material. El detalle que ponemos en cada maqueta la vuelve una pieza de trabajo escultural, casi artesanal”.

Actualmente, Paralelo 28 ha realizado más de 350 maquetas para diferentes oficinas como Fernanda Canales (expuesta en la Bienal de Venecia en 2021), Andrés Flores, Héctor Barroso, C Cúbica, Arditti Arquitectos, Bernardo Gómez Pimienta o Manuel Cervantes; y sus trabajos han sido expuestos en recintos emblemáticos como el Palacio de Bellas Artes, el Museo Franz Mayer, el Antiguo Colegio de San Ildefonso, las oficinas del Infonavit o el Palacio Nacional, en la Ciudad de México. @paralelo.28.maquetas

Un ESPACIO tradicional JAPONÉS con vistas a Tlaxcala

Texto

PEDRO RODRÍGUEZ

Fotos JAIME NAVARRO

DESDE HACE CINCO AÑOS, Fausto Terán y un grupo de amigos y colaboradores comenzaron a generar ideas y conceptos en torno a la cultura japonesa con la intención de conectarlas con lo mexicano. Los descubrimientos en el camino fueron impresionantes: conexiones lingüísticas, de usos y costumbres, e inclusive en la construcción y decoración.

Una vez que el proyecto teórico estuvo completo, el siguiente paso fue llevarlo a la práctica a través de la creación de un concepto de hospitalidad que rindiera homenaje a ambas culturas, al mismo tiempo que sirviera como el campo de experimentación para la mezcla de ellas. Japoneza Retreat funciona desde hace un par de años y tiene como sede un espacio ejidal en las orillas de la presa de Atlangatepec, puesta en operación por el presidente Adolfo López Mateos en 1961, dejando bajo el agua a un pueblo, cuya iglesia logra percibirse en momentos en que el nivel del agua desciende.

El concepto está compuesto por dos casas con cuatro habitaciones cada una que conjugan de manera diferente las características de lo japonés y lo mexicano en un espacio de seis hectáreas.

JapoNeza fue la primera en construirse y tomó como estructura un viejo granero y caballeriza.

La amplitud interior de ese espacio fue visualizada para convertirse en lo que es hoy:

una casa de cuatro habitaciones –cada una con baño propio– así como una estancia, cocina y un gran comedor que puede dar cabida a todos los ocupantes.

El concepto de JapoNeza conjuga en su estilo de diseño interior y programa arquitectónico los principios tanto japoneses como mexicanos, la selección de piezas decorativas como el gran tapiz de seda que cuelga sobre la entrada principal y retrata una serie de dragones o el mobiliario creado con grandes troncos encontrados en los alrededores de la región, guardan un simbolismo que detalla los conceptos básicos del espacio.

La terraza de JapoNeza es tal vez el punto más impresionante del conjunto. Las vistas hacia la laguna durante el amanecer se convierten en la postal perfecta de cualquier viaje. Además, es en la terraza donde se puede disfrutar de una de las amenidades más características del lugar: un baño caliente dentro de una tina de madera a semejanza de los tradicionales ofuros japoneses.

Casa Nakamura es un concepto totalmente diferente. Muy parecido a un gimnasio de prácticas de artes marciales, su arquitectura e interiorismo generan experiencias sensoriales más cercanas a la cultura japonesa, al mismo tiempo que crea conexiones con la mexicana. Los nombres de las estancias hacen alusión a grandes competidores de la cultura nipona y las máscaras con las que se

Muy cerca de Ciudad de México se encuentra Japoneza Retreat, un lugar único de descanso y contemplación en conexión con el ambiente que lo rodea.

protege entrada, son íconos de defensa tanto para la cultura oriental, como para la nuestra. Cada uno de los cuatro espacios cuenta, en la planta baja, con una tina de piedra para baños calientes, mientras que en la planta alta una cama al medio de la habitación es todo el mobiliario con el que se cuenta y se acompaña de una vista extraordinaria a la laguna y las tierras de siembra cercanas. El color negro sobresale en su interiorismo, además de las telas que cuelgan de la estancia principal –como ocurre también en JapoNeza– teniendo como función la concentración del calor del día en todo el espacio y un juego acústico, en el caso de los textiles.

La contemplación del espacio natural que rodea ambas casas es tal vez la mayor y mejor

amenidad con la que cuenta Japoneza Retreat. El paseo a caballo a la presa de Atlangatepec o caminatas por los cerros cercanos, son algunas actividades disponibles también.

Japoneza Retreat ofrece a sus huéspedes un espacio pensado de inicio a fin y con una importante atención al detalle. Los textiles de las camas y batas para huéspedes diseñados por Atzin Hernández, los murales creados por el artista oaxaqueño Sego o el mobiliario creado por Don Toby, dotan al lugar del confort y características sensoriales suficientes para convertirse en una escapada idónea del caos y estrés de la gran ciudad. japonezaretreat.com

Como entrenador –y campeón nacional– de jiu-jitsu por varios años, Fausto Terán conoció de cerca la cultura japonesa en torno, no solamente al deporte, sino a las tradiciones de convivencia, vida hogareña y esparcimiento que se ven refejadas en cada espacio y detalle de Japoneza Retreat, en Tlaxcala, México.

ESPACIOS EDUCATIVOS con perspectiva natural

La visión general del diseño de este espacio se centra en lograr el mínimo impacto en la superfcie destinada a la intervención arquitectónica, respetando e integrando las especies vegetales existentes en el sitio como parte de la experiencia de construcción.

SI BIEN LOS PRIMEROS ZOOLÓGICOS

se concibieron para el coleccionismo y la recreación, desde mediados del siglo xx sus objetivos empezaron a expandirse, y hoy en día están comprometidos con la conservación de la vida silvestre, la educación, la ciencia y la investigación.

Es por ello que junto a espacios dedicados a la custodia de las especies, han cobrado importancia tipologías constructivas que favorecen las relaciones con los usuarios y los procesos de mediación educativa.

Es el caso del Área educativa y centro de atención al visitante del Zoológico de Chapultepec, edificado por TEAM730 Taller de Estudios y Análisis Metropolitanos S.C.

El área diseñada por los arquitectos José Muñoz Villers y Carlos Marín ofrece experiencias interactivas en los ámbitos educativos y culturales. Tal como nos cuentan los arquitectos en entrevista. “Originalmente el Zoológico de Chapultepec no contaba con un área educativa per se”; sin embargo, para poner a la institución a la par de

otros zoológicos internacionales, era necesario “desarrollar programas formativos y didácticos a través de una alternativa novedosa y atractiva que constituyera un vínculo entre la educación formal y [el zoológico], donde se vea plasmado el respeto por la naturaleza más allá de las aulas”.

Al ser el Bosque de Chapultepec el pulmón más importante de la Ciudad de México y uno de los parques urbanos más grandes del mundo, para José Muñoz Villers y Carlos Marín era muy importante lograr el menor impacto sobre la superficie y “[conseguir] que las especies vegetales formaran parte de la experiencia del nuevo edificio, asegurando la máxima permeabilidad de agua para el subsuelo”. A la vez buscaron que el producto arquitectónico “dialogara inteligentemente con la arquitectura existente”.

La propuesta de TEAM730 consta de 56 módulos que se agrupan para contener andadores, escaleras, una rampa, un foro al aire libre y un salón de usos múltiples. La edificación “[permite] el montaje de exposiciones itinerantes tanto en

interiores como en exteriores”; y en el salón de usos múltiples se pueden “ofrecer representaciones teatrales, guiñol y proyección de videos”. En el espacio también fueron habilitados sanitarios, una bodega y un cuarto de máquinas.

Esta obra forma parte de una iniciativa mayor. En 2020, cuando el Zoológico de Chapultepec estuvo cerrado a causa de la emergencia sanitaria por COVID-19, la Secretaría del Medio Ambiente y el gobierno de la Ciudad de México aprovecharon para hacer algunas mejoras y rehabilitar espacios dedicados a las especies que habitan el recinto, pero también sitios destinados a los usuarios.

La práctica de TEAM730 se ha decantado por la regeneración urbana. Para ellos es necesario analizar las áreas a intervenir, valorar las estructuras arquitectónicas existentes; y respetar los entornos naturales o sociales que son parte de los emplazamientos. –NBM team730.com

La práctica de TEAM730 se ha decantado por la regeneración urbana. Para ellos es necesario analizar las áreas a intervenir y valorar las estructuras arquitectónicas existentes.

La RENOVACIÓN de un espacio para el ARTE y la CULTUR A

La visión de una arquitectura responsable se hace patente en la reconstrucción de la biblioteca Gabriel López Chiñas, un proyecto de RootStudio en Juchitán, Oaxaca.

DOS AÑOS TARDARON los trabajos de renovación de la biblioteca Gabriel López Chiñas, en Juchitán, Oaxaca, a cargo de RootStudio, oficina que se caracteriza por proyectar espacios en armonía con el medio ambiente y, en casos como este, de total respeto a las preexistencias y materiales originales utilizados. Respecto a este espacio –catalogado por el Instituto Nacional de Antropología e Historia como parte del patrimonio del municipio– se restauró la estructura original de muros de adobe, techumbre de morillos y biliguanas de madera tropical.

Tras valorar la importancia de cada espacio e intervención previa a la actual, RootStudio pudo consolidar la crujía original y el casco antiguo, respetando su tipología vernácula. Posteriormente, se removieron los elementos recientes –que sufrieron daños importantes a causa de los sismos– para permitir la fusión de estructuras contemporáneas que dieran cabida a nuevos espacios, entre los que se encuentran un auditorio, una sala de cómputo y áreas al aire libre cubiertas por árboles.

Al conservar la distribución original del inmueble se logró enfatizar el estilo vernáculo de la obra. En la primera crujía –la de la fachada–, se alojaron la biblioteca, el acervo y las salas para niños y de lectura. La coenxión con la parte posterior es a través de un amplio pasillo que conduce a un patio central y a las nuevas salas audiovisuales, al auditorio con una capacidad para cien personas, a las oficinas administrativas, los servicios y a un patio de carácter más privado.

La intervención realizada implicó un entendimiento de los métodos antiguos de construcción para sincronizarlos con los actuales y, de esa manera, revitalizar este espacio destinado al arte y la cultura, ofreciendo nuevas posibilidades de actividades y expresiones artísticas para la comunidad local. –PR

@_rootstudio_

«Para este proyecto invitamos a los artistas José Ángel Santiago y a Sabino Guisu, este último encargado del diseño de la reja en metal forjado del patio y de un poema en neón de la autoría de López Chinas». – JOÃO BOTO CÆIRO + FULVIO CAPURSO, fundadores de RootStudio.

La biblioteca cuenta con una sala de consulta con quince mil libros, tiene un auditorio para noventa personas, una sala con veinte computadoras y una ludoteca que integra textos infantiles y juveniles.

Piezas que celebran el encanto del mármol

Texto PEDRO RODRÍGUEZ Fotos HARPER SMITH

NUDO | KELLY WEARSTLER + ARCA | ART BASEL MIAMI 2022

ARCA se ha consolidado como una de las empresas internacionales líderes en comercialización de piedras naturales, losas y maderas y durante la reciente edición de Art Basel 2022 en Miami, apostó por la colaboración con los diseñadores contemporáneos más destacados del mundo. Por su parte, Kelly Wearstler se ha convertido en una de las diseñadoras e interioristas más audaces e innovadoras de nuestros días; ambas catacterísticas se ejemplifican en cada una de las 26 piezas que componen la colección NUDO, una apuesta entre la empresa, la diseñadora y un material bello, resistente y duradero: el mármol.

Los tejidos son un modo de expresión no solo artística, sino de utilidad diaria para todas las civilizaciones que han caminado por el mundo, desde la más antigua, hasta la más contemporánea. En ese sentido, NUDO nace de la fuerza con la que se crean estos tejidos, expresada en piezas escultóricas realizadas en diferentes tipos de mármoles que, al mismo tiempo que reflejan un trabajo creativo en su diseño, lo reflejan tam-

bién en la utilidad y confortabilidad al convertirse en accesorios y piezas de mobiliario.

Los bloques de donde se han extraído las piezas, proceden principalmente de Asia y Europa y la colección incluye bancos en siluetas circulares y lineales, sillas y bancos con curvas, una consola escultórica, variedad de mesas auxiliares, taburetes voluptuosos y una serie de pequeños accesorios como una fuente, un tazón y jarrones en varios tamaños.

Teniendo como contexto una de las ferias comerciales de arte y diseño más importantes del mundo: Art Basel, en Miami, las piezas –de edición limitada– estarán exhibidas en el showroom de ARCA, en Wynwood a través de una experiencia inmersiva diseñada por la misma Wearstler. Las siluetas creadas por ella, así como el uso del mármol y la experiencia sensorial que cada pieza representa, fusionan de manera perfecta el trabajo creativo de Wearstler y el conocimiento técnico e historia de ARCA. gpoarca.com kellywearstler.com

«El arte universal de tejer está arraigado en culturas antiguas de todo el mundo y cada pieza de NUDO rinde homenaje a esa historia. La colaboración con ARCA es una expresión de lo que nos une mientras el mundo interactúa en Miami para celebrar el arte y diseño» -Kelly Wearstler.

UBICADO en La Punta Zicatela, destino denominado como la capital nacional del surf, frente a la Comunidad Ecológica Punta Zicatela y a 15 minutos del aeropuerto de Puerto Escondido, Casa TO surge con la misión de cristalizar la primera experiencia de hospitalidad design en la zona con un espacio que se integra armónicamente al entorno con su contundente materialidad cruda y absoluto respeto por la naturaleza.

Su nombre refleja su esencia contemplativa, pues nace de una reflexión a partir de los conceptos de casa y templo, una dualidad que se resume en la idea de Casa TO, Templo Oaxaqueño. Su impronta sensorial se hace patente al colmar los sentidos con vistas verdes, sonidos naturales y la tranquilidad que invitan a la observación imperturbable.

Casa TO cuenta con nueve suites de elegancia conceptual con una atmósfera que apuesta por la sobriedad de la sencillez. En la planta baja se

encuentran seis suites con terraza independiente, mientras que la planta alta se distribuye entre tres suites con tina exterior. La disposición de las habitaciones privilegia la privacidad, al hacerlas imperceptibles desde el exterior.

La estructura evoca el patrón reticular de dos obras hidráulicas históricas de atemporal belleza, La Cisterna Basílica —Yerebatan Sarayi— de Estambul, que data del siglo VI, y la Hornsey Wood Reservoir del Finsbury Park de Londres, construida en el siglo XIX.

Mediante las vistas interiores se crea un remanso bordeado por el cielo, la contundencia de los muros y por la vegetación con brotes de enredaderas y árboles frutales de plátano y maracuyá. En su superficie, de 600 metros cuadrados, el despacho a cargo entrelaza estética y funcionalidad, enfatizando la honestidad de las texturas de los materiales crudos, como el concreto, el acero, la arcilla y la madera.

El entorno natural de Casa TO definió el diseño de sus interiores, el cual se inspiró en el matiz natural de una palmera azul de Madagascar emplazada en el terreno original. La paleta cromática se compone por las tonalidades propias del concreto y el acero inoxidable, que se complementan con matices turquesas, presentes en las herrerías, las lámparas del estudio Natural Urbano y algunos detalles decorativos; además de acentos amarillos, azules y verdes, que contrastan en la cristalería y en elementos textiles confeccionados por Vivenda, el Taller Textil Experimental de Alfredo Orozco y los tapetes de TallerOcho.

En lo que respecta al mobiliario se incorporaron piezas trabajadas por expertos ebanistas de Puebla, Guadalajara y Oaxaca que, aunado a las piezas de bambú diseñadas por Tiago Solís Van Beuren, enfatizan las texturas y aportan carácter a los ambientes. Estas piezas únicas, que muestran la riqueza artesanal y la creatividad de los talentos locales, pueden ser adquiridas por los huéspedes

bajo un esquema de comercio justo, permitiendo integrar a su cotidianidad un objeto excepcional.

Casa TO es un proyecto que busca que la estética y la funcionalidad convivan en armonía con el medio ambiente y generen un bajo impacto en la naturaleza. Desde el inicio se planteó la instalación de una planta de tratamiento de aguas, que permite reutilizar el agua al 100 % para el riego de áreas verdes.

La política de Casa TO es de cero plásticos, por lo que se ofrece agua filtrada y se promueve el uso de termos individuales para cada huésped. El plástico que llega de la parte de proveedores o huéspedes se reutiliza y se privilegia el uso de productos biodegradables a granel. En las amenidades también se hace tangible su compromiso, al disponer de toallas de alberca y playa fabricadas con materiales reciclados. Los artículos de baño son de origen natural a base de caléndula, planta milenaria utilizada por la cultura maya. ludwiggodefroy.com

Los 600 metros cuadrados de la construcción, fueron diseñados para entrelazar la estética y la funcionalidad.

Casa TO surge de la reinterpretación de un templo tradicional oaxaqueño, los elementos que reúne permiten recordar la arquitectura tradicional de la región con tintes contemporáneos.

La paleta cromática se compone por las tonalidades propias del concreto y el acero inoxidable, que se complementan con matices turquesas.

Un oasis cultural en Iztapalapa

LOS PILARES (Puntos de Innovación, Libertad, Arte Educación y Saberes) se han convertido en referentes urbanos de impacto social, ubicados en distintos puntos de la Ciudad de México que anteriormente no contaban con centros culturales o recreativos. En ese sentido, el Estudio de Arquitectura de Rozana Montiel desarrolló un proyecto para el punto ubicado en la colonia Presidentes de México, de la alcaldía Iztapalapa, una de las más densamente pobladas y con problemas significativos de escasez en servicios públicos, así como una alta tasa de delincuencia.

Como parte del programa diseñado particularmente para este PILARES, se han considerado: una ciberescuela, talleres de formación en serigrafía, joyería, plomería y gastronomía; instalaciones deportivas, salón de baile, yoga y artes del cuerpo, un huerto y salones para el emprendimiento y la capacitación de empleo. El reto de la mayoría de estos PILARES se ha centrado en dotarlos de características que los conviertan en verdaderos espacios públicos,

con accesibilidad para todos los vecinos de la colonia donde se encuentra y de las colonias aledañas. Siguiendo estos preceptos, PILARES Presidentes fue diseñado como un espacio público, incluyente y multifuncional que cambia la idea de barrera, por plataformas de encuentro.

Los materiales y la propia estructura de este espacio juegan un papel primordial: el bloque de concreto se resignifica en diferentes expresiones para construir celosías y cambios de textura en el pavimento. El uso creativo de este material permite diferentes interpretaciones espaciales mientras que el programa arquitectónico distribuye los foros y salones en dos plantas que se interconectan a partir de un sistema de plataformas, patios con vegetación, puentes y pasillos. PILARES Presidentes se interpreta claramente como un oasis cultural recreativo que, a pesar de estar asentado en un predio pequeño denota grandeza en la amplitud y diversidad de sus espacios.

rozanamontiel.com

El proyecto busca convertirse en un oasis cultural recreativo que, a pesar de estar asentado en un predio pequeño, su vivencia al interior ofrece una sensación de amplitud y diversidad de espacios.

PILARES Presidentes de México, se ha convertido en una suerte de ciberescuela que aprovecha al máximo el espacio disponible.

Entre círculos, cuadrados y triángulos

JARDÍN DE NIÑOS NUEVA CREACIÓN | TALLER DE ARQUITECTURA MIGUEL MONTOR | TULTEPEC, ESTADO DE MÉXICO - 2022

Este proyecto forma parte de un programa planteado en el municipio de Tultepec en el Estado de México, una entidad en desarrollo y reconocida por su trabajo con la pirotecnia, ya que por muchos años ha sido su foco de actividad económica a nivel nacional e internacional.

Texto MARTHA LYDIA ANAYA Fotos ONNIS LUQUE

TRAS UN ESTUDIO minucioso por parte de la Secretaría de Desarrollo Agrario, Territorial y Urbano (SEDATU) se detectaron necesidades inmediatas dentro del marco de los Programas de Mejoramiento Urbano (PMU) de Tultepec. Bajo este planteamiento, las autoridades, en conjunto con el departamento de urbanistas, buscaron equipar áreas de interés en esta localidad, consiguiendo así una mejora urbana y recuperación económica.

Este Programa de Mejoramiento Urbano tiene un enfoque socio cultural y educativo, por lo tanto, dentro de la cartera de posibles proyectos se buscó que uno de ellos aportara un inmueble dentro del rubro educativo. El objetivo es: tener más habitantes con acceso a una formación de calidad desde temprana edad.

«Con base en nuestra experiencia fijamos una postura que pretende dar la posibilidad de futuros usos a los proyectos. No sólo buscamos cubrir la necesidad inicial, sino que procuramos que los inmuebles se puedan convertir en un pretexto para que haya una apropiación social y que estos funcionen en un futuro para más fines. Con esta

visión hacemos proyectos con esquemas que a través del tiempo puedan tener otro uso, una primera, segunda, tercera o cuarta vida», relata el arquitecto Miguel Montor, director general de Taller de Arquitectura Miguel Montor.

«El motor que rige el diseño de este proyecto –aclara Montor– es atender a las necesidades y posibilidades que se presentan en esta etapa nuestros principales usuarios: los niños. Pensamos en la edad de quienes les toca estudiar ahí para que mediante la forma, secuencia espacial y volumetría fuera posible la realización pura de la educación al ayudar al niño a desarrollar experiencias e identificarse dentro de la escuela».

La topografía de este jardín de niños cuenta con un desnivel a lo largo del predio de casi dos metros por lo que el desplante de cada aula está escalonado. Se pudo realizar este desnivel gracias a la decisión de independizar cada aula y así lograr que el cambio de niveles fuera prácticamente imperceptible y sutil.

«Como resultado de nuestra experiencia y diversos estudios siempre hemos tenido presente la inquietud de que un aula eficiente no es

cuadrada. Este es uno de los motivos por los que buscamos borrar cualquier arista al bolear las esquinas de las aulas. Por otra parte, este gesto genera un ambiente seguro para los infantes y de transiciones no lineales que causan menos tensión en el recorrido de los espacios, procurando una sensación inconsciente de seguridad para sus alumnos al existir menos filos y ángulos».

Pensamos que en medida de que la luz fuera más homogénea en los espacios de transición existiría un mayor confort, así fue que buscamos que la luz cenital fuera transmitida por geometrías omnidireccionales; es proyectada a través de tragaluces circulares por el que pasa a los intersticios de las aulas. Esta entrada de luz se extiende sin dirección ni quiebres lo que permite una iluminación envolvente. El impedir que la luz se enmarque conlleva una sensación de tranquilidad que provoca la permanencia en los espacios, siendo esto lo que buscábamos», dice Montor.

En opinión del arquitecto, «la educación no sólo se lleva a cabo dentro de las aulas sino también fuera de ellas; por lo que, el espacio entre éstas es de gran importancia en el proyecto. La orientación específica de cada aula promueve

la permanencia en los espacios transitorios. Por medio del giro de los volúmenes de las aulas buscamos generar esta estática que invite al alumno a quedarse».

A la entrada se distingue el recorrido de una luz que refiere a un reloj solar que desde la losa permite apreciar el paso de las horas al dejar pasar la proyección de la sombra sobre el suelo. «Una de nuestras premisas principales fue la de no cerrarse por completo a la calle, lo que nos llevó a buscar la desmaterialización de la barrera que se genera con el exterior. Para llegar a esto, buscamos que por medio de la ambigüedad de una reja se percibiera una frontera virtual en la que el límite de lo interior de la escuela y lo exterior de la calle no estuviera delimitado claramente. La celosía de acero produce sensaciones de independencia al ser percibida como generadora de un área exterior segura. La geometría toma gran importancia en el proyecto, círculos que proveen de iluminación, cuadrados a grandes rasgos en la cimbra y triángulos como detalles en la misma», concluye Montor. miguelmontor.com

Las voluntades geométricas específcas dan como resultado la textura perceptible en el despiece de pisos y losas; mientras que la paleta vegetal atiende a una mezcla de olores y colores con el objetivo de ser un estímulo sensorial para los niños.

A través de la arquitectura y el urbanismo se atacan problemas de la sociedad, con estas herramientas se busca elevar el nivel educativo de la población y así minimizar problemas como la violencia, inseguridad y el vandalismo.

La materialidad de los muros se desarrolló considerando una textura específca para que los niños tocaran y experimentaran un estímulo sensorial. La conexión exterior e interior de las aulas se da gracias a la visibilidad provocada en los accesos que conecta visualmente dichas áreas.

Descanso, re exión

Este proyecto apuesta por una ejercicio refexivo que apela regresar a lo natural y la resiliencia. «Es un lugar de descanso, introspección y vida cotidiana que participa del diálogo entre el desierto de Baja California y el océano Pacífco».

DESCRITA como un lugar que participa del diálogo entre el desierto de Baja California y el océano Pacífico, esta residencia se compone por cuatro módulos (cubos) de una planta e iguales dimensiones: una sala con cocina y tres habitaciones con baños individuales. Cada uno de los cuatro cubos se integra al exterior a través de un cancel corredizo que hace de fachada. Desde adentro, es una ventana y un pasaje hacia una arquitectura de geometrías que se desdoblan en el desierto y el mar. Desde afuera, los canceles reflejan y multiplican las estructuras y el paisaje al ritmo del sol, las sombras y la luna.

“Los clientes querían lograr un programa de habitaciones y áreas de estar que pudieran funcionar en conjunto, pero también por separado cuando fuera necesario. Dado el requerimiento, lo primero que nos vino a la mente fue pulverizar el programa en objetos monolíticos que se pudieran perder en la geografía y el contexto del desierto”, platican Coss y Gómez, colegas y amigos desde la infancia, sobre el desarrollo del proyecto.

El elemento unificador de la casa es una cimbra de concreto ligeramente teñida con un ‘rosado atardecer’. La cimbra acanalada funciona

como estructura y acabado al mismo tiempo. Las canaletas aportan geometría y ritmo visual a los espacios interiores y exteriores. Al mismo tiempo, las paredes funcionan como aislante de temperatura en un desierto que en minutos pasa del calor al frío. En las fachadas, la cutícula acanalada genera sombras para reducir el calor durante el día. En una región sísmica y expuesta al cambio oceánico, el concreto se convierte en refugio.

Las puertas de las unidades y de las áreas de máquinas están hechas con las cimbras originales de acero provenientes del colado. El reciclado del desecho de obra aporta sustentabilidad y una dimensión estética única al proyecto.

Respondiendo a las mansiones de tres plantas que proliferan desde Cabo San Lucas, el minimalismo de Casa Santos quiere pasar desapercibido. Tampoco quiere aislarse tras una barda. La casa se integra a una comunidad trazada sobre un eje con tres patios: uno mirando al amanecer, el patio central donde todo apunta a un árbol endémico y un patio occidental signado por la alberca y el solario.

Casa Santos se abre al desierto, a las villas colindantes y a los espacios comunitarios. Al mismo tiempo, se convierte en espacio de silencio e intimidad. nomah.mx

“La armonía entre naturaleza y diseño parte de una serie de viajes al sitio y simplemente de pasar tiempo en el lugar entendiendo las vistas, las condiciones ambientales, la trayectoria del sol, el clima, la vegetación, etc. Todos estos elementos los tuvimos muy presentes a la hora del proceso de diseño”. –Héctor Coss, director de Héctor Coss Arquitectos.

«Lo primero que nos vino a la mente al momento de pensar en la composición de Casa Santos fue pulverizar el programa en objetos monolíticos que se pudieran perder en la geografía y el contexto del desierto».

La genialidad del proyecto radica en su ligereza visual; sin embargo, requirió un arduo trabajo previo a su materialización, no solo en cuanto a modelado, también en un proceso de asimilación y abstracción del paisaje mediante la contemplación.

ACTUALMENTE, los proyectos mexicanos buscan llevar el diseño más allá del desarrollo de un programa arquitectónico y completarlo con uno colaborativo que integre no solamente el interiorismo, sino la selección de mobiliario y objetos o piezas decorativas. El más reciente hotel de Grupo Habita -Hotel Terrestre- ha sido concebido como un ejemplo de esa integración creativa entre Alberto Kalach y su Taller de Arquitectura X para el desarrollo del proyecto arquitectónico, Fernanda Romandía y Diana Backal como interioristas y Oscar Hagerman a cargo del mobiliario.

Para el desarrollo del programa arquitectónico, se han considerado los elementos naturales como ventilación e iluminación en primer lugar evitando de esa manera sistemas artificiales de climatización, seguidos de la exquisita selección de materiales como tierra, ladrillo, madera y concreto, que convierten al espacio en una prolongación del propio terreno, que, al verse desde el interior de los cuerpos se realzan mediante la inclusión de otros como arcilla y arena. La paleta de colores compuesta por los materiales se complementa con el mobiliario diseñado por Hagerman que, a su vez, se interrelaciona con las carpinterías interiores de puertas y ventanas, formando un diálogo completo de integración.

Respecto a la selección y elaboración de un catálogo de mobiliario para Hotel Terrestre,

Oscar Hagerman menciona que: “Es muy fácil trabajar con Alberto ya que coincidimos en muchas cosaas. Respecto al mobiliario, para el diseño y elaboración, usamos maderas certificadas nacionales como el Tzalam que se complementan con tejidos de fibras naturales”.

Cuando se habla de mobiliario mexicano, Oscar Hagerman aparece como un referente irrefutable por la combinación de diseño, calidad y confort. En ese sentido, el mobiliario para el nuevo conjunto de Grupo Habita combina la experiencia del arquitecto egresado de la UNAM, quien indica: “Llevo diseñando muebles con artesanos +alrededor de 50 años durante los cuales, he ido aprendido lo importente de la erogonomia para la comodidad de las sillas y he ido descubriendo 30 medidas que influyen en esta comodidad, lo muebles que se sugirieron son resultado de esta experiencia. Especificamente para Hotel Terrestre, se eligieron 4 piezas, sillas de comedor, de barra y de descanso con distintas combinaciones de tejidos. En total, fabricamos aproximadamente 80 piezas de la mano de Canto Artesanos, quienes siempre me ayudan con la producción de mis diseños.

oscarhagerman.wordpress.com terrestrehotel.com

«Llevo diseñando muebles con artesanos alrededor de 50 años durante los cuales, he ido aprendido lo importente de la erogonomia para la comodidad de las sillas y he ido descubriendo 30 medidas que infuyen en esta comodidad, lo muebles que se sugirieron son resultado de esta experiencia » – OSCAR HAGERMAN.

Los exteriores se componen de tierra, ladrillo, madera y concreto, mientras que los interiores integran arcilla y arena, integrándose con los marcos de madera de las ventanas y puertas así como con el mobiliario hecho a la medida por el diseñador mexicano Oscar Hagerman.

Sinergia entre diseño y arte en

NOUVEL COMENZÓ en 1994 como un taller experimental dentro del Grupo Pavisa, con una colección de productos de diseño que rápidamente llegó a los mejores puntos de venta del mundo. A partir de ese momento, Nouvel se vinculó a los mejores artistas, diseñadores y arquitectos— colaboraciones que empujaron los límites de la producción en vidrio y de los segmentos dónde se utiliza. Es pionera en el diseño y producción de vidrio soplado desde hace más de 25 años; por lo que, ha trabajado en una diversa red de segmentos e industrias y colaborado con marcas internacionales en el desarrollo de proyectos en vidrio, desde el diseño y la ingeniería hasta la fabricación con los más altos estándares.

A través de alianzas con las marcas líder en licores y perfumería, la marca se ha convertido en el estándar de los empaques de lujo en vidrio, y se ha consolidado como el brazo de innovación del Grupo Pavisa. En 2019, lanzó: Vissio, una incursión en el mundo de las piezas únicas y ediciones limitadas de diseño coleccionable.

Con esta sólida trayectoria y crecimiento ocurrió que al paso de los años, las capacidades, alcance y escala de Nouvel crecieron más allá de las instalaciones iniciales dónde operaba,

haciendo patente la necesidad de elevar el nivel de su infraestructura, así como sus herramientas de vinculación con el exterior. Esto detonó el proyecto de remodelación y ampliación de sus oficinas y galería.

La sede de Nouvel se encuentra en el estado de México dentro de un edificio ubicado dentro de su planta productiva que incluye oficinas, una galería para exhibición de proyectos, y un área para su archivo y colección permanente. El proyecto incluyó la extensa remodelación de una construcción existente, la cual se amplio y reconfiguró generando casi el doble de espacios útiles, e integrando funciones que anteriormente se llevaban a cabo fuera de sitio. Dicho propuesta arquitectónica fue desarrollado por Tuux en un largo y profundo proceso de colaboración con Nouvel, como parte de un programa de reconfiguración empresarial y de comunicación.

Este proyecto de largo aliento comenzó en 2018 con la curaduría de Emiliano Godoy para la exposición InVisible: Diseño en Vidrio que se instaló en el Museo Franz Mayer en la Ciudad de México. En el proceso de conceptualización de la exposición, organizada para celebrar los 25 años de Nouvel, quedó claro que la marca carecía no

solo de una colección permanente, sino también de una estructura interna que permitiera archivar, estudiar y valorizar el trabajo de innovación, diseño y arte que se hace en Nouvel. En conjunto con la empresa, y en paralelo a la curaduría de la exposición, se conceptualizó la nueva división al interior de Nouvel que estaría a cargo de estas tareas, denominada Archivo Nouvel.

En este sentido, la curaduría de la exposición es parte integral del proyecto arquitectónico y de diseño de la sede de la empresa, ya que la museografía desarrollada para las primeras dos salas estuvo concebida para tener un primer capítulo en el museo, y un segundo capítulo como parte de las oficinas. Tras el cierre de la exposición, la instalación inmersiva de la primera sala de InVisible se mudó exactamente igual a un espacio preparado ex-profeso en una de las sedes del Grupo Pavisa. De igual forma, el mobiliario de almacenamiento

y exhibición de la segunda sala se desarrolló para que tras la exposición, se transportara e instalara en la nueva ampliación de las oficinas.

Esto permitió tanto reutilizar todas las estructuras y mobiliario que se desarrollaron para la exposición –en consonancia con el carácter de responsabilidad ambiental que caracteriza el trabajo de Tuux– como incluir en la comunicación y en la presencia pública de Nouvel en el museo, los nuevos preceptos de valorización cultural y preservación histórica que Archivo Nouvel integró al quehacer diario de la empresa.

El diseño de la sede de Nouvel, por tanto, es no sólo un proyecto arquitectónico que cumple con los requerimientos de espacios funcionales, modernos y flexibles que requería la empresa, sino también la materialización de sus nuevos conceptos de identidad. Este proyecto de reconfiguración empresarial y arquitectónica es posible

«

Al estar dentro de la planta productiva, la fachada principal del proyecto está orientada a una calle interna: una fachada abierta de doble altura desde dónde se accede a la Galería, un espacio con un carácter claramente público»

– EMILIANO GODOY, socio director de Tuux.

dada la larga y profunda relación entre Nouvel y Tuux. Esta relación ha resultado a lo largo de los años en productos diseñados para la marca; creación en nuevos procesos productivos; colaboración en eventos y ferias; y ha sido acreedora de diversos premios y reconocimientos internacionales. Gracias a esta íntima colaboración es que Tuux pudo generar un espacio que cumple las necesidades funcionales y programáticas de la empresa, al tiempo que refleja su filosofía de trabajo y sus valores de marca.

Adicionalmente al concepto de reutilización que marcó al proyecto desde un inicio, y al hecho de decidir reutilizar la construcción existente, el proyecto utilizó otras estrategias ambientales, entre las que están el uso de madera proveniente de bosques con manejo forestal sustentable; la especificación de luminarias de bajo consumo con control Casambi; la orientación solar y la ventilación natural en la mayor parte de los espacios para reducción en consumo de energía. nouvel.glass tuux.mx

Tanto desde la planta alta de la Galería, como desde el exterior por la planta baja, se puede acceder a la Ofcina. A partir de la escalera en el vestíbulo de entrada, abrazada por un muro de vidrio, la visita a la ofcina comienza en planta alta. La primera área es la de ventas, cercana a la Galería y contigua al área de café.

Entre la materialidad se destaca el concreto aparente, lo anterior, sin dejar de lado la elegancia que caracteriza al trabajo de Araujo Galván Arquitectos.

ARAUJO

GALVÁN ARQUITECTOS

fueron los encargados de Casa Mate, un proyecto concebido como una espaciosa casa de campo en la que no sólo se priorizó un uso de materiales de colores neutros para que se apreciara un espacio de mayor amplitud, sino que también se buscó mejorar las condiciones de privacidad para que funcione como una verdadera casa de descanso.

Para este proyecto, se consideró darle gran importancia a la geometría, pues es mediante ésta que se articula el residencial a través de un corredor de jardines amurallado que busca ser un sólido generador de privacidad para cada uno de los espacios interiores.

En el mismo orden de ideas, la planta arquitectónica y la volumetría se componen de líneas ortogonales, con lo que se logra que en todo momento los interiores interactúen con los acabados visuales que genera el proyecto. Mientras que en la parte delantera de la casa se encuentra la terraza de entrada donde se localizan la cocina y salón que conecta la placa de entrada que al abrirse se convierte en un único espacio.

Respecto a la terraza, ésta se conecta mediante un corredor exterior con la recámara principal, que se encuentra aislada y es capaz de aprovechar la fluidez espacial y echa mano de una doble altura que le permite tener una vista

hacia los jardines laterales. En su interior se encuentra un vestidor y un estudio y un baño que comparten vista al jardín interior.

Otro jardín es el que se ubica en la parte central al que se puede acceder por un camino de concreto aparente, mediante el cual se llega también a la terraza que goza de un fogón para cocina al aire libre.

La obra culmina con la parte trasera, en cuyo espacio se encuentra el núcleo de habitaciones, con tres en planta alta y tres en planta baja, con ello se consigue uno de los objetivos primordiales solicitados al despacho arquitectónico: darle prioridad a la privacidad. En planta baja, por ejemplo, se utilizan para esta finalidad revestimientos mediante madera; mientras que en la planta alta se hace uso de un único pasillo conectado a una escalera.

Otra cualidad de esta zona del terreno es que se puede encontrar una explanada de piedra al estilo rústico, con macetas y árboles con las que se consigue armonizar con la materialidad de cemento pulido que rodea el desarrollo. El broche de oro, lo remata la vegetación, pues la existente se preservó para conseguir con ella una suerte de piezas de arte al exterior.

@araujo.galvan.arquitectos

La planta arquitectónica se compone de líneas ortogonales con las que se consigue que los espacios interiores interactúen con los acabados visuales que genera el proyecto. Se prioriza el uso de materiales de colores neutros para apreciar un sitio de mayor amplitud.

El diseño de esta residencia destaca por sus estrategias de sostenibilidad pasiva para minimizar el impacto en el paisaje natural. Las paredes son lo sufcientemente gruesas para preservar la temperatura y las ventanas permiten que el viento ventile pasivamente la casa evitando el uso de aire acondicionado artifcial. También la casa cuenta con preparación de paneles solares y calentadores solares para reducir el consumo de energía.

UBICADA EN UN CONTEXTO SEMI-URBANO de la ciudad de Querétaro, Casa Tejocote es una obra que a través de sus materiales y su simple composición representa la arquitectura vernácula de la región, la cual busca integrarse con el paisaje semi-desierto que la rodea.

La volumetría se concibió a partir de la premisa de otorgar a los espacios la mayor privacidad posible. Dado que por normativa del fraccionamiento no se permiten construir bardas, el esquema de la casa actúa como una muralla que envuelve y protege los espacios habitables. El programa fue dividido en cuatro volúmenes solidos que delimitan un gran jardín central y se ligan a través de un puente de carácter más ligero. A estos cuatro módulos se les hicieron incisiones meticulosas ya sea para abrir vanos que provocan entradas de luz sutiles; otorgar vistas que enmarcan el paisaje; o integrar el interior con los espacios exteriores.

Con 650 metros cuadrados de construcción, Casa Tejocote se distribuye en dos niveles que separan las áreas sociales de las áreas privadas. La planta baja alberga sala, comedor, cocina y espacios de servicio; mientras que en planta alta se encuentran tres recámaras y una sala familiar.

Todos los espacios interiores tienen un carácter semi-abierto, al contar con la posibilidad de abrirse hacia un patio o jardín interior, bajo la misma idea habitar la vivienda hacia adentro con cierta privacidad, sin perder el contacto con el exterior.

El jardín central tiene un papel fundamental en la habitabilidad de la casa, ya que los módulos buscan abrirse hacia él, permitiendo a la familia realizar actividades en convivencia con la naturaleza. La vegetación silvestre y endémica de la región, envuelve a la casa e integra la arquitectura con el paisaje circundante.

La calidez y la sencillez en el espacio tanto interior como exterior son una constante en el ambiente de la casa. El concreto pigmentado en sus tonalidades color tepetate otorgan un carácter acogedor a los espacios que envuelve, haciendo juego con la luz natural y el paisaje. El uso de materiales discretos provoca que la luz y el espacio mismo sean los protagonistas de la casa. Sin embargo, detalles elementales como la madera sólida en muebles y cancelería de herrería; así como pisos de tabique y mosaicos de pasta, complementan esta sensación de serenidad que transmiten los espacios.

La estructura se conforma a partir de elementos de concreto armado que componen los volúmenes principales. Los gruesos muros se levantan en capas vertidas cada 80 centímetros. Esta modulación rige la altura y modulación de entrepisos, vanos y diversos detalles a lo largo de la casa. La rigidez ortogonal de los volúmenes se suaviza con detalles curvos que provocan una relación más sensible hacia la geometría espacial. goma.haus

La forma de esta casa se desarrolló en torno a la exploración de la luz natural, que juega un papel fundamental en la composición de los espacios, divididos en cuatro módulos que rodean un jardín central.

Arquitectura con valor patrimonial entre parques urbanos

CONJUNTO JUAN DE LA BARRERA | JS a TALLER DE ARQUITECTURA

Texto MARTHA LYDIA ANAYA Fotos CORTESÍA JSa TALLER DE ARQUITECTURA

«Nuestra flosofía parte de construir nuevos proyectos que se adapten a los espacios, muchas veces a partir de los edifcios ya existentes en la zona, o que contengan nuevos espacios urbanos, un ejemplo es el Conjunto Juan de la Barrera». – Javier Sánchez, socio director de JSa Taller de Arquitectura.

Las grandes ventajas de Juan de la Barrera es que se conservan dos inmuebles catalogados, divididos en dos para crear cuatro casas. Los primeros veinte metros de fachada conservan los árboles, de tal manera que el que va caminando por la calle no siente ese cambio ambiental.

UBICADO A UNAS CUADRAS DEL PARQUE ESPAÑA en la colonia Condesa, y rodeado de amplios jardines, se encuentra el Conjunto Juan de la Barrera, una obra de tipo habitación plurifamiliar de departamentos y casas cuya principal característica es la integración de espacios catalogados con valor histórico.

«En la década de 1990, el valor de la zona tenía que ver con la calidad de los parques urbanos, las avenidas, la cantidad de arquitectura patrimonial, el uso mixto del barrio y el hecho de que la gente podía ir y venir caminando hacia su trabajo; hoy, esa tesis es cada vez más latente, lo que reconfirma el valor que tiene la redensificación del centro de la ciudad sumado a la conservación del patrimonio arquitectónico de edificios y casonas antiguas», explica el arquitecto Javier Sánchez, socio director de JSa Taller de Arquitectura.

En el caso del Conjunto Juan de la Barrera, este se divide en dos diferentes fases: la primera es un conjunto de departamentos diseñado para la preservación de las áreas verdes, presentes en las calles Juan de la Barrera y Cuernavaca, aunado a

la restauración y reconfiguración arquitectónica de cuatro casas catalogadas por el INBA como patrimonio histórico de la Ciudad de México, que salieron de dividir dos grandes casonas en dos unidades cada una.

Una segunda fase tiene que ver con una ejemplificación de la sincronía que puede existir entre las amplias arboledas de la colonia Condesa y el diseño arquitectónico del movimiento funcionalista contemporáneo. El proyecto consta de seis torres con departamentos para la interacción urbana y la construcción de una sociedad interna en el conjunto residencial.

A esto se suma un amplio espacio de áreas verdes que transforman este conjunto habitacional en una amplia vecindad vertical con una serena vida interna, privada y apacible para descansar del estruendo citadino. Así, el mayor atractivo de este espacio es su jardín común distint0 en paisajismo lo mismo en diseño arquitectónico que propuesta residencial. jsa.com.mx

«Es importante pensar en atraer nuevos pobladores al centro de la ciudad, agregar usos mixtos e integrar arquitectura con valor patrimonial. Nosotros tratamos de hacerlo con mecanismos e instrumentos de la norma de desarrollo urbano como polígono de actuación». – JAVIER SÁNCHEZ , socio director de JSa Taller de Arquitectura.

La obra de JSa podría describirse como funcional y operativa, pues su flosofía renuncia al protagonismo y apuesta por la trama urbana, el patrimonio y la vegetación.

Fusión de arquitectura y paisaje

CASAS MARÍA Y MATILDA | GAETA SPRINGALL ARQUITECTOS | OAXACA, 2022

Ubicadas a unos treinta minutos de Puerto Escondido y a unos pasos de la playa, rodeadas de vegetación endémica, emergen María y Matilda, varadas entre arena y vegetación con la idea de crear una sinergia entre la arquitectura, la naturaleza y los seres humanos.

Texto MARTHA LYDIA ANAYA Fotos ABRAHAM GARCÍA, JULIO GAETA, ALDO DÍAZ, LILIANA NAVARRETE, LARISSA RUS

Los espacios en las casas son indefnidos a lo largo del día. A través del movimiento de las paredes corredizas de madera hechas a mano, el control del espacio confnado está casi en su totalidad en manos del habitante

La intención era construir un lugar silencioso y respetuoso que vinculara indisolublemente con el paisaje y la arquitectura, la naturaleza y los seres humanos.

«CASAS MARÍA MATILDA se encuentran en una ubicación única en la costa oaxaqueña de México. Forman parte del conjunto compuesto por Casa Wabi, Hotel Escondido, Hotel Terrestre y otras piezas en donde han trabajado Tadao Ando, Alvaro Siza, Kengo Kuma, Alberto Kalach, Solano Benítez y Gloria Cabral, entre otros. Estas intervenciones hacen que este sitio, además de ser muy rico en su naturaleza, cuente con un valor agregado por la integración de piezas con mérito arquitectónico. Esta doble dimensión nos atrajo desde un principio cuando nos invitaron a ser inversionistas del Hotel Terrestre y tuvimos la oportunidad de conseguir un terreno frente al hotel con frente de playa», relata emocionada la arquitecta Luby Springall, socia y directora de Gaeta Springall Arquitectos, sobre el desarrollo y ejecución de este proyecto.

«Es muy interesante ver que las casas hechas por distintos arquitectos tienen su propia identidad –agrega la arquitecta–; sin embargo, el uso de soluciones tradicionales de carpintería y aprovechando la buena manufactura de concreto que hay en la región, se está creando un conjunto homogéneo, lo que casi nunca sucede. Fue muy importante trabajar con los artesanos de la región ya que tienen el conocimiento de las mejores soluciones.

En María Matilda importa mucho la relación que existe entre la interioridad y la exterioridad,

y se comprende al paisaje como parte de la casas, o la casa como parte del paisaje. Esa relación permite que las casas se vivan de una forma muy diferente a como se vive en la ciudad, haciendo que esta experiencia sea única y en absoluto contacto con el mar, el paisaje, el cielo estrellado, los amaneceres y atardeceres. A los arquitectos les interesaba particularmente recuperar las especies endémicas y reconstruir el paisaje original, enriqueciéndolo y entendiendo que es la esencia del lugar.

La materialidad de las casas responde al sitio; buscando presentarse de manera sutil y respetuosa con el contexto. El contraste entre la dureza del hormigón y la suavidad de la madera se hace eco del sitio que los alberga; el hormigón se convierte en la estructura y materialización del volumen durante la obra, y la madera en el delimitador del espacio interior. Su estructura roza la arena al suspender una losa de hormigón sobre cimentaciones aisladas. La intención de apenas tocar el paisaje se hace presente desde la cimentación hasta la cubierta de hormigón soportada por delgadas columnas de acero, que brindan seguridad estructural en esta zona sísmica y permanecen casi invisibles frente al mar. gaeta-springall.com

Ambas unidades se dividen en dos, como una fgura de yin y yang; la mitad de la casa es una galería en relación permanente con los sonidos, la luz y las plantas y la otra mitad es interior con posibilidad de abrirse al camino exterior.

Con una tipología simplista, Zarzales entabla un diálogo sincrónico con su rico paisaje natural, haciendo eco de sus tonos y texturas con su materialidad e invitando a disfrutar de una abundante iluminación natural y vistas naturales hacia el exterior en el interior.

los bosques.

ZARZALES ES UNA CASA VACACIONAL que se encuentra en Valle de Bravo, cuya arquitectura simple y pura logra dar paso a la naturaleza circundante — y brindarle el protagonismo que merece—.

Con un área de 645 metros cuadrados, la residencia incorpora la luz como un elemento clave del diseño. Sus espacios son ideales para regresar a lo más elemental: vivir conectado con el entorno natural. Los pinos en todo el perímetro permiten que el proyecto se pierda en los alrededores y durante el proceso de diseño fue importante asegurar la conservación de estos. Fueron los pinos los que dieron la ubicación a los dos volúmenes y, además, generaron una terraza con perforaciones para salvar estos árboles que tanto aportan al proyecto.

Se optó por diseñar dos volúmenes, el primero corresponde al área social cuya intención primordial es reunir a los habitantes o visitantes. Y el segundo, el área privada, está destinada al descanso y alberga cuatro habitaciones. A su vez, el área social se divide en dos: la parte cerrada de la televisión y servicios; y una zona bierta donde

se encuentra el comedor, la cocina semiabierta y una terraza techada con dos caras transparentes. Adicionalmente, existe un área exterior de terraza con jacuzzi y piscina, este espacio invita a la contempalción y al goce multisensorial de colores, temperatura, sonidos y aromas del bosque.

El techo a dos aguas con muros en acabado de pasta natural simula los tonos de la corteza de los árboles y se fusiona discretamente con el bosque circundante. Esta techumbre genera un juego de luz y sombras muy agradables. La construcción está hecha con techos a dos aguas, esto debido a las constantes lluvias en la zona que se encuentra. En el resto de la vivienda, los materiales predominantes son la madera natural y el concreto lavado.

Con espacios ampliamente iluminados, se logró que ningún espacio se sienta realmente como interior, lo que genera que el límite entre el interior y el exterior prácticamente desaparezca. La arquitectura pura y limpia de casa Zarzales le otorga una fuerte conexión con la naturaleza y la vuelve atemporal. perezpalacios.mx

Un primer volumen proporciona áreas sociales abiertas para reunir a los habitantes y visitantes, mientras que el segundo proporciona espacios privados para el descanso. Ambas estructuras están coronadas por techos a dos aguas que protegen la casa de las lluvias constantes y se mezclan con las texturas de

Historia, arte y arquitectura

Esta casa-museo fue construida originalmente en 1906 y se convirtió en un ícono arquitectónico y emblema de Paseo Montejo, la avenida más notoria de la ciudad de Mérida donde se construyeron la mayoría de las casas de principios de siglo, durante el auge del sisal.

Texto MARTHA LYDIA ANAYA

CENTRO CULTURAL QUINTA MONTES MOLINA | MATERIA Fotos JAIME NAVARRO

UNA ANTIGUA CASONA DE MÉRIDA en la que se ha adaptado una sección para convertirla en museo, está lista para recibir a los visitantes curiosos por conocer más de la historia y arte de Mérida y La Quinta Montes Molina. Su proyecto de restauración y remodelación estuvo a cargo del equipo de Materia de Gustavo Carmona + Lisa Beltrán.

La casa-museo fue construida en 1906 durante el Porfiriato y desde entonces ha sido un ícono arquitectónico y referente del emblemático Paseo Montejo.

Durante el proceso de diseño, los arquitectos crearon enlaces con instituciones culturales de México y Estados Unidos. Al mismo tiempo que diseñaban el recinto, logrando establecer

el programa adecuado para entender la relación histórica de La Quinta con la ciudad de Mérida.

El proyecto se emplaza en la propiedad detrás de un conjunto de árboles centenarios que fungen como una fachada. Una serie de pórticos generan los recorridos y envuelven los espacios públicos exteriores para comodidad de los visitantes. Las columnas y cerramientos enmarcan vistas hacia la casa, los jardines y el pabellón conectando visualmente todos los elementos.

El programa interior incluye una galería de arte hundida, un restaurante, una librería (abierta en otoño del 2022), espacios de talleres, oficinas, espacios de cocina de catering y un cine de arte (cuya apertura está prevista para el 2024). La galería de arte sirve como un espacio de transición entre los

Las columnas y los pórticos enmarcan las vistas de los jardines, el pabellón y la casa, creando un patio central que envuelve un espacio público.

Esta residencia es la única en la ciudad de Mérida que se mantiene en su estado original. En ella puede verse cómo vivían las familias durante la época porfriana.

jardines y la plaza del centro cultural. También alberga una terraza exterior en su azotea, sostenida por un muro de cantera y concreto, y desde la que puede admirarse un nivel inferior separado por una pared de cristal que permite el paso de la luz sin dañar las obras de arte expuestas en el museo.

Tallar este espacio en el suelo ayudó a preservar la identidad de los jardines y el espacio abierto alrededor de la casa y el pabellón, al mismo tiempo que proporcionaba una forma pasiva de gestionar la luz natural y la refrigeración interior.

Con la ayuda de la luz y los diversos registros y texturas de los materiales usados, los planos, perspectivas y ritmos activan un cambio incesante de efectos, sombras y sensaciones.

Un piso de piedra de río cubre un recuadro del área de descanso en el exterior y unas bancas de cantera invitan a los visitantes a tomar un descanso del recorrido sin perderse de la increíble vista que ofrece la naturaleza circundante y el cielo abierto. materiarq.com

La ejecución de este Centro Cultural tomó seis años de planifcación, modelo de negocios, fnanzas, diseño y construcción. Una serie de viajes y visitas clave de los arquitectos a museos similares en Estados Unidos favoreció la comprensión más profunda de los programas y espacios que se requerían para el proyecto.

El lenguaje arquitectónico de este Centro Cultural se compone y expresa a través de su estructura, que comunica su ensamblaje tectónico y crea superfcies para recibir la luz y la proyección de sombras en un entorno natural en constante cambio.

El trabajo de veladuras, ebanistería y detalle en el hormigón actúa como una reinterpretación del ornamento de la casa, al tiempo que atestiguan su método de montaje y fabricación.

Sinergia espacial entre la vegetación existente

DEPORTIVO AGUA VERDE | ESTUDIO MMX | AGUA VERDE, NAYARIT – 2021

Texto MARTHA LYDIA ANAYA Fotos DANE ALONSO

Los espacios más representativos del poblado Agua Verde en Nayarit son aquellos de vocación pública: su iglesia, escuelas y áreas deportivas y de encuentro social, las cuales estaban abandonadas. Hoy, son funcionales y de gran valor arquitectónico.

EL SITIO DONDE SE EMPLAZA el Deportivo Agua Verde guarda una estrecha relación con las infancias y juventudes de la población. Además de ser un punto de encuentro para toda la comunidad, al colindar con un jardín de niños y una telesecundaria. Esta obra cuenta con instalaciones en donde los estudiantes pueden disfrutar sus ratos libres sin alejarse mucho de sus centros educativos.

El espacio abierto en el que se ubica el proyecto contaba con construcciones abandonadas y con severos daños estructurales, así como con espacios deportivos informales y poco adecuados. Aunque dicho lugar articulaba escasamente diversas actividades de la comunidad, no contaba con las jerarquías programáticas ni con una estructura espacial que fomentara mejores usos y buenas relaciones sociales; tampoco con un área techada, la cual había sido muy solicitada por los habitantes.

Deportivo Agua Verde contempla una composición integrada por distintos espacios, usos,

condiciones de luz y sombra, así como un sitio techado para la organización de fiestas y eventos de la comunidad.

La estrategia de proyecto consiste en una manzana subdividida a través de diversas densidades de vegetación, cambios de texturas y pavimento, en donde el cuerpo central es justamente ese espacio techado de programa diverso que ordena los ambientes exteriores a su alrededor.

La incorporación de una cubierta ligera sobre el área central, diseñada bajo los principios de la tensegridad, ofreciendo entornos sombreados y protegidos considerados de antemano en el programa. Las canchas de futbol y sus graderías, así como los jardines infantiles y juveniles se disponen alrededor del espacio central y se relacionan directamente con las áreas públicas del municipio. La cubierta fue reutilizada del proyecto desarrollado por la oficina de arquitectura TO para el Pabellón de la Feria Internacional de las Culturas Amigas (FICA 2018) de la Ciudad de México.

mmx.com.mx

Un proyecto basado en la reconstrucción y el replanteamiento de espacios públicos en Nayarit, gravemente afectados e incluso perdidos en 2018, cuando tras el paso del huracán Willa, el más fuerte registrado desde 2006 en México.

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Lo mejor del Diseño

MERCURIO LAMP Siete Studio

Mercurio es una lámpara escultórica que se caracteriza por su forma geométrica equilibrada y su apariencia minimalista. La base hace referencia a elementos totémicos haciendo equilibrio con la esfera de vidrio soplado que se asemeja a una analogía astronómica del planeta Mercurio. Esta pieza de luminaria es parte de la colección base de Siete Studio y esta hecha a mano por artesanos mexicanos. Resina, madera de nogal, vidrio soplado y acero inoxidable son los materiales que conforman esta pieza. siete.studio.com

SILLA P-01 Christian Vivanco

Un objeto lineal, cuyas proporciones son equilibradas a lo largo, ancho y alto y cuya inspiración de diseño es la arquitectura de Luis Barragán y Aldo Rossi. La silla P-01 de Christian Vivanco está elaborada en madera sólida, estufada y trabajada en talleres mexicanos a partir de técnicas y procesos artesanales. Esta silla se convierte en una oportunidad para su autor de explorar en un nuevo ejercicio creativo, donde no existen presiones por clientes o tiempos de proyectos y solo se mantiene la pasión por el diseño. christianvivanco.com

Foto: Cortesía Christian vivanco

Foto: Pepe Molina

NÉBULA

Ewe

El origen de las estrellas es una formación de nubes llamada nébula. Partiendo de ese concepto, EWE ha creado un diseño de luminaria basado completamente en ese fenómeno natural. Un modelo de acrílico en diferentes formas y fguras da origen a una estructura de acero inoxidable que, posteriormente, se convierte el regulador de un cuerpo de cristal que es soplado al interior. Dentro de estos cuerpos de cristal han sido instaladas luminarias led que son adaptables en intensidad y luminosidad de acuerdo con el espacio donde sean colocadas. Las piezas reúnen lo mejor de los procesos artesanales y la innovación tecnológica en el diseño mexicano contemporáneo. ewe-studio.com

BORO-01 Manuel Bañó | DESIGN MIAMI

La primera pieza de una colección que utiliza como materiales principales el vidrio y el borosilicato y con ello, busca distanciarse de la rigidez y dureza del metal explorando la fragilidad y transparencia de otros materiales. Boro-01 se crea a partir de barras sólidas de borosilicato, ordenadas verticalemente con ayuda de un molde de asbesto para, posteriormente, ser derretidas en su parte superior a través de horas de fuego directo que crean la base de ésta mesa auxiliar. Bañó transforma materiales industriales convirtiéndolos en piezas esculturales y utilitarias. manubano.com

UNKINDNESS

Xavier Loránd

La música se convierte en una parte fundamental dentro del proceso creativo de Xavier Loránd quien, al intentar darle forma física a las vibraciones y ondas del sonido, desarrolló la pieza «Unkindness», intentado tornar a lo tangible el sonido de una parvada de cuervos al momento de alzar el vuelo. Buscando coincidencias musicales en ritmos y tonos a lo que intentaba expresar, encontró en el techno La pieza, se convierte en un lienzo donde las ondas y vibraciones musicales toman forma en una superfcie de madera trabajada artesanalmente. xavierlorand.com

Fotos: Pepe Molina

Foto: Cortesía Manuel Bañó

Fotos: Pepe Molina

CORAZONES Balmaceda Studio

Los textiles de Balmaceda Studio han reinterpretado las formas, colores y utilidad de los tapetes tradicionales. Su más reciente colección, «Corazones» crea un vínculo estrecho con el alma, aquella que desde un punto de vista flosófco se puede hablar que está alhojada en una válvula secreta –la quinta válvula del corazón. A través de la colección, se logra establecer un nuevo discurso en torno a un mapa del corazón , a través de cuyos caminos o válvulas se puede llegar al alma. jmbalmaceda.com

CREDENZA TRONO Andrés Gutiérrez

Una reinterpretación de la cosmogonía mexica en objetos de mobiliario utilitario es la base conceptual de la colección de Andrés Gutiérrez bajo el término identidad nacional. En ese sentido, la credeza Trono esta dedicada a Xochiquetzal. La voluptuosidad de la pieza –realizada en madera de encino blanco–, se torna suave gracias al acabado terso con el que es tratada. La pieza representa el trono donde la diosa se posa y cada esfera (cuenta con 64) representa las manchas del jaguar echado que asemeja la forma de la credenza. andresg.mx

CANDELERA 04 Federico Stefanovich

Candelera es una colección centrada en la creación de piezas de iluminación escultórica de gran formato desde un enfoque funcional. Simples gestos geométricos en el proceso de fabricación, traducen superfcies 2D a superfcies complejas de doble curvatura unidas para contener fuentes de luz ocultas. El proceso de fabricación digital, complementado con un habilidoso trabajo artesanal, da como resultado una composición cruda y minimalista que remite a formas y estructuras orgánicas. federicostefanovich.com

Foto: Cortesía Balmaceda Studio

Foto: Cortesía AG Estudio

Foto: Cortesía Federico Stefanovich

OBJ-02 Manuel Bañó | MASA

Manuel Bañó apuesta por los materiales industriales tradicionales modifcándolos en aspecto y forma para convertirlos en piezas escultóricas y utilitarias. La colección OBJ es muestra clara de ese proceso de transformación y tiene detrás una ambición estética, anteponiendo la belleza a la función. A través de manipulaciones simples como cortar y doblar, OBJ-02 transforma tubos de latón cortados por la mitad y doblados de forma independiente en una silla baja que, al no sellarse, envejecerá y cambiará de apariencia constantemente. manubano.com @masagaleria

EXQUISITE CORPS

Vissio | Héctor Esrawe – Emiliano Godoy –Brian Thoreen – Nouvel | MASA

El proceso de diseño detrás de cada pieza de la colección «Exquisite Corps», es lo que realmente conforma la identidad de cada objeto. Desde la selección del color –rojo– hasta la técnica y diseño de las formas pasando por el proceso de recuperación de los moldes y la creación de piezas-collage, esta colección sintetiza el verdadero valor de una colaboración creativa en torno al diseño. Al fnal, las piezas, su color y formas muestran un proceso de avance en la historia propia del diseño industrial. vissiovissio.com @masagaleria

ESCRITORIO ENKEL Raúl de la Cerda | DIFANE

Como se ha convertido en un sello particular del diseño de Raúl de la Cerda, la simpleza y pureza en sus piezas se muestra en Escritorio Enkel –de la palabra simple , en alemán– inspirado en el concepto del jade y el misticismo en torno a la naturaleza, bajo la consciencia prehispánica. En esta pieza, las formas geométricas, robustas, con cantos en ángulos se convierten en una forma imponente, pero a su vez sencilla. La mezcla perfecta entre piedra y resina transparente simboliza la nitidez y ligereza que la pieza proyecta. rauldelacerda.com difane.com.mx

Fotos: Fernando Etulain

Fotos: Cortesía Manuel Bañó

Fotos: Cortesía despacho

GEAR COFFEE TABLE Héctor Esrawe | MASA

«Gear Coffee Table» es parte de una colección –la primera– creada entre MASA y Sotheby’s, nombrada Harmonious Contradiction y que, a través de 4 piezas diseñadas por diferentes artistas contemporáneos, intenta rescatar el uso de bronce pulido y latón, al mismo tiempo que, conceptualmente, restituye algunos valores de diseño vinculados a piezas de la posguerra curadas por Sotheby’s. Para esta pieza, Esrawe se ha valido del corte de un cartón de colmena de abeja cuyo resultado se torna en una pieza escultórica, pero utilizable como pieza de mobiliario. esrawe.com @masagaleria

LA OTRA ISLA Mestiz | AGO Projects

Piezas inspiradas en la fauna salvaje del territorio mexicano son la primicia de la colección “«La otra isla», que Daniel Valero (Mestiz) ha creado para AGO Projects. Utilizando procesos artesanales de talla de madera y carpintería, cada pieza ha sido realizada con colores fuertes que, junto a las formas zoomorfas, crean piezas únicas de mobiliario e, inclusive, de instrumentos musicales. La colección desarrolla imaginarios apostando por los procesos artesanales que dignifcan el ofcio al mismo tiempo que se crea un lenguaje estético disruptivo. ago-projects.com mestiz.mx

ESPIGA MOBILE FLOOR LAMP Cors by Rebeca Cors

«Espiga mobile foor lamp» fue concebida por Rebeca Cors como la mezcla perfecta entre simplicidad y balance. La intención de la pieza es cuestionar los paradigmas y reinterpretar los objetos de las formas establecidas. La materialización escultórica del objeto funcional, resulta en una escultura utilitaria, explorando una de las categorías que la artista y diseñadora trabaja en su estudio y taller; sin embargo, la escultura abstracta es otra de las ramas fuertes de su pasión creativa. rebecacors.com

Fotos: Cortesía Héctor Esrawe

Fotos: Cortesía AGO Projects

OTOMAN DASEIN Raúl de la Cerda | DIFANE

Otoman Dasein adquiere sus conceptos creativos de diseño desde una premicia singular: el origen del pensamiento artístico partiendo de la refexión sobre uno mismo. La pieza, diseñada por Raúl de la Cerda + Difane exprofeso para la edición número catorce de Design House, reúne en su diseño formas asimétricas, como lo son las del pensamiento y la creatividad. El color ejemplifca el trabajo creativo de ambos, al mostrar en su neutralidad una referencia directa a la tierra, donde se puede encontrar siempre al ser creativo. rauldelacerda.com difane.com.mx

AMBIVALENCE VANITY Gloria Cortina | GALERÍA CRISTINA

GRAJALES

A través de la creación de conexiones entre las cualidades físicas, emocionales y creativas de los espacios y materiales, Gloria Cortina ha desarrolado la pieza «Ambivalence vanity»; un tocador mezcla de latón fundido, obsidiana negra, espejo y acero inoxidable que se convierteen una pieza escultórica por la transformación de materiales industriales en piezas casi artísticas. Las piezas de la arquitecta y diseñadora han aumentado en gran medida la conciencia internacional de la cultura mexicana en el diseño contemporáneo. cristinagrajales.com gloriacortina.com

OFICIAL Acoocooro

Detrás de Ofcial existe una narrativa en torno a la historia del diseño que culmina en una pieza utilitaria para salón o comedor, disponible en diferentes materiales y alturas. La pieza está concebida para ser un tono dramático dentro del espacio donde sea colocada, al mismo tiempo que pretende convertire en el punto de una conversación gracias a sus formas y proceso de diseño que puede interpretarse desde nociones fgurativas de los estilos Reina Ana o Windsor que proponen una estética amplia en detalles, pero sencilla en formas. acoocooro.net

Fotos: Cortesía Raúl de la Cerda

Fotos: Cortesía Acoocooro

Lo mejor de Design Week

CUERPO SUSPENSO

Cecilio Sánchez Fierro | NINA COIMBRA

Esta serie de vasijas es un relato de la relación entre el hombre, la tierra, la muerte y el barro; material en el que están elaboradas. Cada una de ellas es el resultado de la colabroación del artesano Cecilio Sánchez Fierro y la diseñadora brasileña Nina Coimbra. Su trabajo se divide en tres objetos de diferentes proposiciones de, todas con un amembrana de calaveras ahumadas suspendidas sobre un alambre que recuerdan la similaridad de las culturas de Brasil y México y su forma de procesar la vida y la muerte. ninacoimbra.com @ceciliosanchezferro

HUIXCOLOTLA NIGHTSTAND

Sergio Hernández | ADHOC

Estas mesas de noche, que toman su inspiración en el delicado diseño del papel picado en México, fueron desarrolladas por el estudio ADHOC y el artesano Sergio Hernández, quienes decidieron crear una pieza colaborativa que combinara la estética, los materiales y la funcionalidad del diseño contemporáneo con la riqueza de la manofactura artesanal mexicana. El resultado fue un objeto sofsticado que remite al epsectador a la riqueza cultural del país y que desafía lo efímero del papel al ser útil y duradero. adhoc.mx @alexito_hernandez_mtz

LÁMPARA MOLINA María Molina | SERGIO MATOS

Se trata de una lámpara colgante cuyo proceso creativo estuvo a cargo del diseñador brasileño Sergio Matos y las artesanas de la familia Molina, Estela María y Antonia, como una propuesta que representa sus tradiciones y técnicas ancestrales en conjunción con la sensibilidad y creatividad del diseñador. Las piezas recuerdan al color y movimiento que el diseño de palma tejida otorgan. sergiojmatos.com.br @tejido_de_palma

JARRONES DE PULQUE Juan Hernández | RODRIGO NORIEGA

Fieles a la tradición del pulque, Rodrigo Noriega de la mano del artesano Juan Hernández, diseñaron un juego de jarrones en alfarería. Su diseño suma la delicadeza y el manejo de piezas en miniatura. Cada pieza fue elaborada en barro y refeja la calidez y personalidad del artesano que a la par deja entrever el cuidado y la visión que solo puede brindar la artesanía. rodrigonoriegastudio.com @arte.en_miniatura

CENOTAFIO Cecilio Sánchez | ACOOCOORO

El maestro Cecilio Sánchez y el estudio ACOOCOORO unieron su experiencia para dar origen a un cenotafo, una suerte de monumentos mortuorios o urnas que son utilizados para la conmemoración de un fnado sin que éste deba contener algún resto físico o material de aquellas personas en cuyo honor se eirgen. De ahí que su diseño se preste a la interpretación y la simbología que incluye su diseño sea cambiante y orgánica que se adapta a una tradición familiar ritualística. acoocooro.net @ceciliosanchezferro

PAZ Y BIEN Taller Escuela de Carpintería

Tres piezas conforman «Paz y Bien» presentada en Inédito 2022, muy diferentes entre sí en estilo y técnica. Se trata de Mesa de Ajedrez, que usa ensambles artesanales de ebanistería, hecha por Juan Diego Sánchez. Cuna, que se elabora en roble doblado al vapor, diseñada por Samuel Sarmiento, ejecutada por Tere Navarro y Diana Colín. Por último, Escritorio, ensamblado con diseño de Alain Rocha y alumnos del taller. pazybien.mx

CENTINELAS Comité de proyectos

Tres objetos integran esta colección: Cantinera Carmen, Vitrina Vilma y Cradenza Ramón. Estos nombres corresponden a los «Centinelas» que personifcan uno de los actos instintivos más trascendentales de los seres vivos, el hecho de cuidar y ser cuidados. Para su desarrollo, los creativos echan mano de procesos artesanales en madera labrada y el uso del torno para respetar la naturaleza de los materiales, lo que da como resultado piezas de gran detalle que transmiten creatividad y calidez. comitedeproyectos.mx

LA SUMA DE LAS PEQUEÑAS PARTES Colectivo Cinco x Cinco

Se compone de tres piezas: Lámpara Pasamanos, Carro Trampolín y Silla Columpio. El colectivo expresa un nuevo concepto entre la memoria y la función, por lo que retoma elementos de la infancia como la creatividad, lo que permite que la suma de las pequeñas partes resulte en la pieza fnal. cincoxcinco.store

LANGO Kora Taller

Este centro de sala es en realidad un tambor de lenguas, aparato de percusión que utiliza la superfcie de la madera para activar tanto el oído como la convivencia de quienes lo usan. Mediante la sencillez de los cortes en su superfcie y la proximidad de los asientos de piso conocidos como UMI, la mesa sugiere su carácter musical que aprovecha la resonancia del granadillo y la cavidad en sus patas para crear un sonido profundo.

@kora_taller

CACTO Daniel Couttolenc

El desarrollador de «Cacto» buscó crear piezas en armonía que lograran una amalgama entre lo material y lo espiritual. De tal forma que la geometría se convierte en una plantilla, que usa la naturaleza como inspiración y entiende sus patrones y proporciones para replicarlas. Lo anterior resulta en una consola que encuentra un balance entre lo funcional y lo escultórico. @danielcouttolenc

Arte, libros y acentos de color

SUITE / HABITACIÓN 3 | GERMÁN VELASCO ARQUITECTOS + DESIGN WITHIN REACH

Una suite que festeja la pureza del diseño clásico con materiales y tecnología innovadora, cuyas características principales recaen en la repetición de los enrejados del vestíbulo original de la casa para usarlos en los revestimientos de las ventanas, así como en el montaje de una sala minimalista milenaria en sus interiores.

Texto

MARTHA LYDIA ANAYA Fotos JAIME NAVARRO

COMO UN RECONOCIMIENTO ‘LA NUEVA CASA MEXICANA’ –concepto que inspira las intervenciones de Design House 2022–, los equipos de Velasco Arquitectos + Design Within Reach se dejaron llevar un poco más por lo que percibieron al conocer la residencia que sería remodelada. «Fue inevitable el deseo y la necesidad de enaltecer su aroma plasmando su esencia a través de elementos icónicos: materiales (terrazo), formas (celosía) y texturas que guiaron nuestro planteamiento creativo», cuenta Germán Velasco sobre sus primeras impresiones al caminar por la casa diseñada por el arquitecto mexicano con visión modernista, Enrique Castañeda Tamborrel.

«Tuvimos la oportunidad de dar un giro a la fuerza de lo existente a través de una fusión generacional: la casa de los padres y una habitación de nido vacío, las cuales crearon el escenario ideal donde convergen diseño y tecnología», cuenta Velasco.

Es así como se puede percibir acogimiento hospitalario en la comodidad de una habitación

residencial, rodeada de mobiliario con espíritu e innovación progresista: Mid-Century (19301970). Inspirado por el mundo natural, este movimiento toma su raíz principal en la madera y la convierte también en su hilo conductor: uniendo la mano del hombre con el uso de la tecnología para transformarla en piezas que crean un diseño fluido y sin pretensiones.

«Nuestra intervención se enfocó en concebir una propuesta que narra una historia de fusión generacional y tecnológica, sin dejar de lado el confort y la esencia acogedora de un lugar tan íntimo como lo es el dormitorio”, corroborra el equipo de Design Within Reach México, especializado en muebles de diseño moderno, contempóraneo y mid century para interiores y exteriores, así como en piezas clásicas de Charles y Ray Eames, Arne Jacobsen, Hans J. Wegner y otros, además de mobiliario de jóvenes diseñadores.

velascoarquitectos.com dwr.com

En este espacio se pueden ver colores en el arte, los libros y en ciertos acentos, pero el usuario no se pierde en un espacio lleno de color.

PLANTAS NATIVAS del continente americano, así como diversas especies herbáceas mexicanas y americanas, como la dalia silvestre, son algunos de los elementos vegetales que caracterizan la intervención de Fernanda Rionda en Design House 2022.

La paisajista mexicana, fundadora de Jardín Sustentable, logra un diseño de texturas único para dar a conocer nuevas combinaciones y comunidades de plantas de aspecto naturalista. «Este año, la intervención en Design House es aún más silvestre que el año pasado. El gran diferenciador fue poder germinar varias de las especies desde meses antes en nuestro propio vivero, teniendo un diseño completamente alineado al mensaje que queremos comunicar», platica Rionda.

Su intervención posiciona como flor principal a los tagetes: El jardín cuenta con tres especies, incluida tagetes patula, también conocida como Cempasúchil “clemolito”, originaria del continente americano; la complementan rudbeckias, echinaceas, asclepias, pastos silvestres y dalias silvestres, entre ellas la dahlia coccinea. El espacio está complementado con mobiliario y piezas de arte de diseñadores y artistas mexicanos sumado a que el ingeniero Carlos Avilés de Studio Spazio hizo el trabajo de iluminación, y que la escultura montada en el sitio es de la artista Georgina Bringas.

Cabe destacar que para esta edición, Design House hace referencia a la nueva casa mexicana, por lo que, el jardín intervenido por Fernanda Rionda se presenta como una alternativa sostenible a la jardinería tradicional, comúnmente muy intensa en consumo de recursos, poco sostenible y pobre en biodiversidad.

«Mi objetivo siempre es dar a conocer los últimos avances en nuestro proceso de experimentación en plantaciones naturalistas. Este año, damos a conocer el potencial ornamental que tienen diversas especies herbáceas mexicanas y americanas, así como la dalia silvestre. El diseño altamente biodiverso en este jardín (más de 35 especies altamente atractivas a los polinizadores) nos posiciona como el despacho líder en diseño naturalista del paisaje en México. El jardín se convertirá también en contenido didáctico y caso de estudio para diversos cursos que actualmente imparto, así como conferencias futuras», finaliza la creadora de paisajes sostenibles dentro de contextos urbanos.

Para Fernanda, haber participado en repetidas ediciones de Design House le ha permitido tener una carta abierta a la experimentación. Si bien este tipo de espacios se presentan como algo temporal, son propuestas sustentadas en investigación real sobre mezclas y combinaciones de plantas que funcionan a largo plazo.

fernandarionda.com

Naturaleza y elementos vivos

PATIO TRASERO | C CÚBICA ARQUITECTOS + ROYAL BOTANIA + ONNNO CAFÉ

Este espacio se inspira en la naturaleza de los viveros, por lo que se convierte en un remanso de tranquilidad y refexión dentro del recorrido de Design House 2022, cuyo programa para esta edición retoma el concpeto de “La Nueva Casa Mexicana”.

Texto MARTHA LYDIA ANAYA Fotos JAIME NAVARRO

EN ESTA OCASIÓN, la intervención de Design House 2022 se ejecutó en una casa del arquitecto Enrique Castañeda Tamborel, ubicada en la colonia Lomas de Chapultepec de la Ciudad de México y en la que participaron profesionales de arquitectura, interiorismo, diseño y paisajismo.

Los espacios de dicha residencia se dividieron para generar un diálogo creativo, inspirado en: La Nueva Casa Mexicana; cada uno contó con la colaboración de un despacho arquitectónico y una galería/showroom de diseño, lo cual favoreció la tarea de integrar duplas creativas con un intercambio de propuestas.

A lo largo de 14 años, la plataforma de Deisgn House se ha llevado a cabo en distintos lugares de la Ciudad de México, presentando el trabajo de más de 200 de los despachos más importantes de nuestro país.

C Cúbica Arquitectos en colaboración con Royal Botania y Onno Café presentaron un espacio que toma inspiración y rinde homenaje a los viveros como parte fundamental del patrimonio de nuestra ciudad, pues estos sitios brindan opor-

tunidades para el esparcimiento y el encuentro colectivo entre distintas comunidades gracias a su singular compromiso con el medio ambiente. Sumado a que también ofrecen otros servicios que no se perciben a simple vista, como promover la propagación de especies arbóreas, convertirse en pulmones para el ajetreo citadino y ser espacios de recreación.

La propuesta del espacio tiene como principal elemento la naturaleza, expresada en macetas y elementos vivos que envuelven la estructura principal mientras que el espacio de agua, los acabados y materiales de la parte funcional del área de cafetería –como lo es la isla principal y el mobiliario– conviven en armonía con las texturas, colores y características de la naturaleza de los viveros, cuyos senderos son una opción ideal para obtener momentos de privacidad y armonía con el entorno.

ccubicaarquitectos.com royalbotania.com @onnno.mx

El hilo conductor que guió las intervenciones de Design House 2022 fue la arquitectura de la casa de estilo modernista creada por el arquitecto Enrique Castañeda Tamborrel.

Un comedor transformado en un paisaje escultórico

COMEDOR | THE BOOK OF WA + REBECA CORS

Texto PEDRO RODRÍGUEZ Fotos CÉSAR BÉJAR

Por generaciones, el comedor ha sido un espacio de convivencia y degustación. The Book of Wa + Rebeca Cors lo transforman en lugar ceremonial cuyos conceptos metafóricos lo vuelven una escultura utilitaria en sí.

RENÉ DAUMAL fue un escritor francés y entusiasta del alpinismo cuya obra inconclusa El monte análogo ha servido como inspiración para el desarrollo de un concepto escultórico completamente funcional como espacio dentro de una casa: un comedor.

The Book of Wa + Rebeca Cors han trabajado de la mano para concebir al comedor como un espacio ritual, casi sagrado en el que la selección de mobiliario y accesorios cuenta una historia que va de la mano con la novela de Daumal y que, bajo un sentido surrealista dotado de simbolismos, crean un paisaje que juega con las perspectivas del propio acomodo del espacio, para recrear en sí aquel monte idílico que une al cielo con la Tierra.

La intención de Design House en su edición 2022 fue crear conceptual y practicamente ‘la nueva casa mexicana’ a través del trabajo de oficinas de arquitectura, interiorismo y diseño de mobiliario y accesorios. Esta propuesta se materializa a través de conceptos que cada grupo creativo ha desarrollado a travá de colaboraciones que engrandecen los espacios y nos dan

un panorama del diseño que esta ‘nueva casa mexicana’ busca representar: la mezcla entre tradiciones arquitectónicas y de interiorismo ligadas a nuevos conceptos de habitabilidad y uso de los espacios.

En el caso del comedor, tanto el concepto como el acomodo y selección de cada pieza nos invitan a concebir ese espacio de una manera distinta. Por generaciones, este ha sido un lugar de convivencia para las familias o grupos de personas que lo utlizan y, al dotarlo de un concepto literario y metafórico, la experiencia del comer y convivir se torna en un evento casi místico. Las esculturas utilitarias de Rebeca Cors que incluyen mesas bajas y luminarias, así como los textiles de Balmaceda Studio, las piezas de cerámica de Acoocooro y Abitante o piezas de mobiliario de Joselo Maderista crean la escenografía completa de un comedor tan rico en concepto como el proceso que existió detrás y bajo el que fue concebido.

@bookofwa.one @cors.mx

Una terraza con un sentido terapéutico y ritual

ROOF GARDEN | STUDIO H.FERNÁNDEZ (CARLOS FERNÁNDEZ | YULIA SELIVANOVA) + NUUSH + DEALERS DEL DISEÑO Texto PEDRO RODRÍGUEZ Fotos ALUM GÁLVEZ

Los tonos oscuros tanto en acabados como en mobiliario así como los accesorios dotan a este espacio de un ambiente místico y ritual que se conjugan en un momento de relajación: los baños.

A LO LARGO DE LA HISTORIA de la humanidad varios momentos y hábitos diarios se han consagrado como rituales y ceremonias tan elaboradas que se rodean de un gran valor sensorial. La comida y los baños se alejan de ser actividades rutinarias para convertirse en momentos de goce y disfrute que, acompañados de un espacio diseñado exprofeso para estas, se tornan experiencias de recuerdo.

Tomando como concepto principal la historia de los baños de relajación, médicos y rituales en diferentes culturas, Studio H.Fernández + NUUSH ha desarrollado para la edición número 14 de Design House el espacio de roof garden al que, como en todos los demás espacios de la casa, se han integrado diferentes ‘dealers del diseño’ que han dotado de accesorios y mobiliario el concepto base.

De diferentes culturas se tomaron ejemplos tanto de mobiliario como decoración para lograr experiencias sensoriales íntimas. La pieza central es una tina estilo ofuro japonés realizada en madera maciza de cedro, rodeada de otras piezas que, gracias a sus materiales naturales como piedras volcánicas y maderas, crean un concepto en torno al baño de agua caliente.

Cada espacio dentro de Design House representa un reto de reinterpretación y adaptación de uno preconcebido en los orígenes del programa arquitectónico. Sin lugar a dudas, los cuartos de servicio y de lavandería, como lo es en este caso, cambian completamente en su esencia para convertirse en uno de armonía, ritualidad y convivencia, símbolos de ‘la nueva casa mexicana’. nuush.mx @studio_h.fernandez

«Este espacio interpreta estos rituales en un entorno contemporáneo pensado para transmitir armonía, contemplación e intimidad en un templo dentro del hogar». – Studio H.Fernández (Carlos Fernández | Yulia Selivanova) + NUUSH

Intersección entre arte, diseño y productos locales

RECÁMARA-ESTUDIO | STUDIO PANEBIANCO + BREUER

Texto PEDRO RODRÍGUEZ Fotos HÉCTOR VELASCO FACIO

Además de sumar diseño contemporáneo con la admiración al trabajo artesanal, este espacio se inspira en la idea expresada por el arquitecto y diseñador austriaco Josef Hoffmann, quien decía que: «el arte puede curar el alma ».

BAJO EL CONCEPTO de ‘la nueva casa mexicana, la edición número 14 de Design House ha reunido a lo más destacado del nuevo interiorismo y del diseño de objetos y mobiliario, quienes en convivencia con los estudios ya consagrados, han dotado a cada rincón de la casa –ubicada en Paseo de las Palmas– de un nuevo aire, llevando a cada espacio nuevas formas, colores y programas que la han convertido en un nuevo espacio familiar.

Una recámara y un baño en la planta alta, cambian completamente de imagen tras la intervención de Studio Panebianco, Breuer y diferentes dealers del diseño que han integrado no solo piezas de mobiliario y decoración, sino escencias aromáticas que dotan al nuevo estudio y baño de un ambiente alejado de las demás habitaciones de la residencia, pero que se integran conceptualmente como parte de ‘la nueva casa mexicana’.

Para la puesta en marcha de los nuevos conceptos en ambas habitaciones, se definieron formas y colores asociados tradicionalmente a lo masculino para el estudio, mientras que para el baño se eligió un ambiente dentro de lo femenino.

Ambos espacios se conforman de colores, piezas decorativas y esencias completamente diferentes que se complementan armoniosamente marcando una transición espacial de recorrido entre ambos. Las diferencias entre ambos, logran convertirlos en uno solo que se integra de manera perfecta.

El estudio, de carácter masculino e intelectual, está lleno de objetos interesantes como piezas en vidrio soplado de Peca Studio, la colección de sillas de piel de Breuer y piezas que le dan un toque sofisticado como la coffee table de mármol de Alfonso Marina y la lámpara de onix de &Jacob. Como contraste al estudio, el baño tiene un carácter femenino, pleno de color, dónde la pieza central es una lámpara en forma de ojo de Casa Ignatia; la silla en madera sólida es de Balsa mientras que el lavabo y el grifo son de Porcelanosa. El espejo ovalado es de Zenth y el papel tapiz de Astère es traído a México por Studio 84. Los arbotantes de mármol son de Bandido Studio. studiopanebian.co breuerstudio.com

Casa 'M' se edifca en un entorno perfecto para generar un estado de calma y relajación, es un escape a lo ajetreado de la vida cotidiana en la ciudad.

CASA ‘M’ nace sobre un viñedo en San Miguel de Allende, Guanajuato. Al inicio, un lienzo en blanco rodeado de montañas al borde de un lago. Un escenario perfecto para capturar la calma y crear un entorno relajante para la vida diaria.

«Durante la primera visita al sitio, la magia se hizo presente. Había que escucharla, sentirla e incorporarla para hacerla visible, palpable…», platica Roy Azar sobre la planeación y desarrollo de esta residencia.

«De primera instancia –cuenta Azar– la manera cómo visualizamos esta casa fue como un partido arquitectónico muy simple y práctico. Un sembrado en forma de ‘U’ sobre el cual se crearían vistas propias, internas y cruzadas. Espacios versátiles para vivir al interior y exterior todos los días del año. Sorpresas visuales donde quiera que se mire y postales inolvidables que enmarcan momentos singulares. Lo demás sería limpio y puro para así, fundirse con el entorno».

«Una serie de espejos de agua exteriores que rematan con elementos de fuego nos reciben.

Sólo materiales naturales debían componer la sinfonía: Piedra, madera y concreto en sus formas más puras. Esta sería la paleta inicial. Lo demás sólo complementos. Y dentro de ellos, dos muros centrales en el área social recubiertos de obsidiana dorada en pequeño formato que capturan los destellos de luz cambiante, según las horas del día», dice el ecléctico, atrevido y vanguardista arquitecto, cuyas obras desbordan creatividad, arte y diseño.

La bienvenida a Casa ‘M’ es a través de un vestíbulo interior-exterior bañado de luz natural en sus cinco fachadas. Un pabellón independiente cuyos muros perforados permiten la circulación del aire durante el día. Al caer la noche, un es -

cenario completamente distinto donde decenas de veladoras brillan para acoger la oscuridad y envolver de misticismo.

«Roba la escena el volumen oculto de los baños para visitas; revestido enteramente con mosaico tridimensional en bronce satinado. Cambiante según la luz indirecta de sus candiles que dan vida a la obra de arte», detalla Azar.

«El corazón da un salto al salir a la estancia exterior. Acogedora a más no poder. Nos queremos mezclar con el entorno. Ser parte de él. No queremos irnos… Apreciamos la piscina, larga de 18 metros en mármol blanco mate que se mezcla con el lago, separada solo por un elemento de fuego que ilumina el agua del lago que, a su vez, refleja las nubes del cielo como un espejo enorme e imponente».

El recorrido guarda varias sorpresas: una estancia familiar que convive con un jardín zen donde rocas enormes de obsidiana negra y árboles de magnolia componen el paisaje sumado a una cocina que mira directamente al lago a través de las jacarandas sembradas estratégicamente.

El dormitorio principal, como el centro de la escena, permite tener muy cerca todos los rincones del entorno. El singular vestidor con vistas privilegiadas, envuelto de ventanales y un gran domo, invita a ver el movimiento del sol según las horas del día. Ahí al fondo, como pieza central y al pie del lago, un espacio para la lectura, la siesta de la tarde y la meditación. «No hay espacio dejado al azar. Todo encaja, embona y tiene razón de ser. En Casa ‘M’ el tiempo se detiene para vivirlo en plena tranquilidad», concluye el arquitecto. royazararchitects.com

El recorrido guarda varias sorpresas: Una estancia familiar que convive con un jardín zen donde rocas de obsidiana negra y arboles de magnolia componen el paisaje sumado a una cocina que mira directamente al lago a través de las jacarandas sembradas estratégicamente.

El recorrido guarda varias sorpresas: Una estancia familiar que convive con un jardín zen donde rocas enormes de obsidiana negra y arboles de magnolia componen el paisaje sumado a una cocina que mira directamente al lago a través de las jacarandas sembradas estratégicamente.

Un residencial de personalidad y carácter

PRIVATE BEACHFRONT HOME | VIEYRA ARQUITECTOS | LOS CABOS, BAJA CALIFORNIA – 2022

Texto MARIO OSTOS Fotos CORTESÍA DEL DESPACHO

Con una ubicación inmejorable cuya vista destaca las amenidades naturales del Mar de Cortés se erige este proyecto de interiorismo de Vieyra Arquitectos, un residencial que adquiere, gracias a sus elementos, carácter y personalidad.

EL EQUIPO DE VIEYRA ARQUITECTOS tuvo un encargo particular: crear todo un concepto de interiorismo para una casa de muestra, pero que el sentido comercial se disimulara. Con esta consigna en mente idearon: Private Beachfront Home, una casa de playa ubicada en Los Cabos, Baja California Sur, en México.

La solución para abordar este reto llegó de la mente creativa de la arquitecta Lorena Vieyra quien se alejó de lo tradicional y comercial para lograr aprovechar de una mejor manera el amplio espacio ubicado en uno de los sitios más idílicos del país, con vistas al Mar de Cortés.

Fue así y mediante el uso de una paleta de colores neutros en armonía con diversas obras de arte locales, que se consiguió un ambiente personal, semejante a lo que se obtiene en las casas de retiro, pero sin dejar de lado la sofisticación que un residencial de lujo debe mostrar. Para ello

se integraron también piezas que hablan del diseño mexicano, arte y mobiliario local con el que se cuenta una historia y se le da personalidad y carácter peculiar al inmueble.

Aunado a lo anterior el concepto destaca la eliminación de los límites entre interior y exterior, consiguiendo con ello una sensación de mayor amplitud del espacio, mediante la utilización del agua como hilo conductor en el diseño, siendo visible desde todas las habitaciones, además de las vistas al mar.

Por último, el proyecto se caracteriza por la alianza entre mobiliario europeo y el diseño artístico mexicano, con el que Estudio Vieyra logra generar un concepto de pertenencia, a la par que muestra un interiorismo contemporáneo y de elegancia. vieyrarquitectos.com

La inspiración para el diseño de esta casa se centra en los diseños mexicanos contemporáneos.

El mobiliario se complementa entre objetos europeos trabajados con artistas mexicanos para crear un concepto donde prevaleciera el diseño local.

La iluminación jugó también un papel fundamental pues es mediante éste que se consigue un ambiente relajado sin dejar de lado la elegancia.

El concepto para este residencial en la playa fue dotar al espacio interior de elegancia, con una sensación fresca y moderna.

Para Vieyra Arquitectos era primordial desdibujar esa línea que divide al exterior del interior, logrando con ello hacer un todo y otorgarle amplitud y vistas a cada una de las habitaciones.

Al abrir la puerta principal, el eje rector del proyecto se vuelve perceptible y permite visualizar las diferentes etapas históricas de la propiedad, a través de una serie de vanos que enmarcan las distintas áreas.

ESTE RESIDENCIAL que se ubica en las calles próximas al centro histórico de Mérida, Yucatán, retoma los cimientos de una antigua casa colonial del siglo XIX. El proyecto conocido como casa Lohr explora una relación entre lo tradicional y lo contemporáneo, pues aprovecha los elementos preexistentes y experimenta con el uso de materiales en su forma más pura.

Lo anterior es resultado de la necesidad por parte del propietario de implementar medidas que resolvieran la problemática de la situación en la que permanecía la casa, pero sin dejar de lado los cimientos, por lo que fue necesario establecer un programa arquitectónico acorde a ello.

Es de esta forma que el despacho Veinte Diezz Arquitectos permite que nos encontramos con diversas características que la dotan de una mezcla de la arquitectura del siglo XIX y la actual; por ejemplo, al abrir la puerta principal, el eje rector del proyecto se vuelve perceptible y permite visualizar las diferentes etapas históricas por las que la propiedad ha pasado, a través de una serie de vanos que enmarcan las distintas áreas.

Posteriormente, dos crujías originales al frente del predio alojan el vestíbulo mismo que da paso a una recámara secundaria y una imponente área abierta en la que se localiza la sala, el comedor y la cocina, que convergen en el mismo sitio dando la sensación de amplitud y confort.

En el mismo orden de ideas que destaca los espacios abiertos, pero que priorizan la comodidad, se encuentra la terraza techada que no es más que la protagonista y corazón del proyecto: un muro en ruinas que dirige las vistas hacia el patio

central con piscina y terraza, proponiendo que el tiempo hace la tarea de evolucionar al espacio y muestra cada vez más su paso por el lugar, sin importar las condiciones a las que exponga a sus elementos.

Al fondo de la propiedad, se sitúa la habitación principal con arcos de medio punto en su fachada, haciendo referencia a los arcos existentes en sus primeras dos crujías. Un patio contenido y un jacuzzi exterior coronan el final del predio e invitan a la meditación y al contacto con la naturaleza con sus distintos usos.

La crudeza en la materialidad se muestra a través de emparchados finos, cemento blanco bruñido, muros de piedra extraída in situ, pisos de pasta y un techado a base de viguetas y dovelas aparentes que exponen el método constructivo, todos estos materiales integrándose unos a otros y acompañándose en distintas áreas del proyecto.

Respecto al interiorismo, a cargo de Artesano. Estudio de Arquitectura de Interiores, se conforma de elementos que recuerdan la etapa colonial a la que obedecen las ruinas de la casa, pero sin dejar de lado la importancia de la comodidad y economñía de espacio que otorga el mobiliario contenmporáneo.

Casa Lohr es el ejercicio perfecto de recuperación arquitectónica después del abandono por tiempo indefinido. Reutilizando el concepto ‘tiempo’ para deducir su paso sobre los elementos existentes y los que han llegado a hacerles compañía. veintediezz.com artesano_mx

Casa Lohr es un proyecto que explora la relación entre lo tradicional y lo contemporáneo, aprovechando los elementos preexistentes que demandan a simple vista el uso de los materiales en su forma más pura.

El espacio donde convergen la cocina, la sala y el comedor es abierto, sin muros, con lo que se consigue una sensación de amplitud en el predio que abarca 124 m² de construcción.

Techos altos, arcos y paredes de mampostería recrean la arquitectura y diseño de este proyecto.

Impacto ambiental corporativo

Por DARÍO IBARGÜENGOITIA Ilustración TATIANA DEL TORO

COMO YA HABÍAMOS COMENTADO en ediciones anteriores y recordando que la edificación es responsable de más del 37% de las emisiones de gases de efecto invernadero a la atmósfera, ya sea de manera directa o indirecta, y que el reto a nivel global es que para 2050 logremos que los edificios puedan operar bajo el esquema de cero emisiones de carbono, es indispensable iniciar un análisis por el diagnóstico e identificación de las emisiones en cada uno de los edificios a nivel corporativo.

Basado en esto, lo primero es saber cuál es la situación actual de cada uno de nuestros edificios, desde el punto de vista de consumos de energía y agua, manejo de los residuos y del agua de rechazo y pluvial, las políticas de compras de suministros (papelería, etcétera) así como la calidad del ambiente Interior de los espacios. Si pudiéramos llevar un registro histórico de los consumos de energía, por lo menos de dos años anteriores, determinando el consumo general de forma mensual y anual, podemos establecer de manera directa las emisiones que generan esos consumos.

En la mayoría de los edificios, ese diagnóstico de los consumos de energía lo podemos realizar de manera inicial con los recibos de Comisión Federal de Electricidad, como el consumo general de todo el edificio, y después, por medio de una auditoría energética de nivel uno podemos determinar los consumos por tipo de sistemas; es decir, cuanto consumen los sistemas de climatización y ventilación, los consumos por iluminación, por movilidad vertical (elevadores), por las cargas conectadas a los contactos, como computadoras, impresoras y equipos de cocinetas y comedores, hasta llegar a los consumos por los sistemas de manejo de agua, para poder identificar las mejores oportunidades para reducir los consumos y, con ello, las emisiones a la atmósfera.

Por otro lado, también podemos hacer una auditoría del consumo y manejo del agua que nos suministra el municipio, así como el manejo de las aguas grises (de lavabos y regaderas, si es que las

hay), las aguas negras (muebles de baño) y otros posibles consumos, como puede ser el riego de las áreas verdes, encontrando también oportunidades de mejora para reducir los consumos de agua potable y las posibles estrategias para tratamiento o filtración de agua para reuso.

En cuanto al manejo de residuos, determinar cuáles son las políticas y prácticas del manejo de los residuos que se generan dentro de los edificios, así como su separación para reciclaje y disminuir la basura que llegará a los rellenos sanitarios permitidos. Para la política de materiales de consumo dentro de la oficina, ya es indispensable seleccionar a proveedores y productos que nos puedan informar de sus contenidos reciclados y economía circular que utilizan, para hacer una mejor selección, ya no solo basada en costo, sino también en los impactos al medio ambiente.

Por último, pero no menos importante, poder determinar el nivel de satisfacción que perciben los usuarios en cuanto al confort térmico, la

calidad del aire, los niveles de iluminación y la acústica en los espacios, para poder garantizar que nuestros edificios no caigan en la categoría de edificio enfermo, donde más del veinte por ciento de los usuarios del edificio perciban que no hay satisfacción de alguno de los cuatro parámetros mencionados y, con esto, tener espacios que no proporcionen salud y bienestar a los usuarios, o que disminuyan la productividad de los colaboradores.

En pocas palabras, los directivos de las empresas tenemos la obligación ya, de determinar estos factores, hacer mejoras y, lo más importante, publicar avances y políticas, para que sea un trabajo de todos los colaboradores mejorar los espacios y disminuir los efectos negativos que tienen los edificios hacia el medio ambiente. Los saludo y nos leemos en la próxima.

Es fundamental motivar una cultura corporativa para diagnosticar los impactos que estamos generando en el medio ambiente tanto en edifcios como en métodos de transporte y nuestros hogares.

El ikigai de los arquitectos

Por HOMERO HERNÁNDEZ Ilustración TATIANA DEL TORO

EN VARIAS OCASIONES, estudiantes de arquitectura me han preguntado en qué consiste la autorrealización del arquitecto, a lo que yo les he respondido que, en mi forma de ver, nuestra profesión es altamente demandante y en ocasiones nos pide trabajar días y noches enteros sin siquiera permitir tiempo para descansar. Esto solo se puede lograr cuando en nosotros hay una verdadera pasión por nuestra disciplina y a través de ella significamos dichos sufrimientos.

Esta vocación como algunos le llaman, deberá estar acompañada de otros incentivos para completar el sentido de nuestra existencia.

Recientemente encontré un texto que me llevó a investigar acerca de un concepto japonés que refleja ampliamente esta necesidad de los arquitectos, y en general de los artistas, por trascender su vida a través del trabajo que realizamos.

Es así como conocí el concepto japonés del Ikigai, el cual no tiene una traducción literal, pero puede definirse como “la razón de vivir” o “la razón de ser” o “lo que hace que la vida valga la pena ser vivida” o “el motivo que hace que te levantes cada mañana”.

Todo el mundo, de acuerdo con la cultura japonesa, tiene su propio ikigai. Encontrarlo requiere de una búsqueda interior, profunda y prolongada.

El término japonés se compone de dos palabras: iki que significa vida y gai que describe valor

o mérito y que significa “la realización de lo que uno espera y desea”.

Basados en este concepto se puede hacer un diagrama formado por cuatro círculos que representan cuatro tipos de actividades y que tienen el siguiente contenido:

–Para lo que somos buenos y sabemos hacer bien.

–Lo que nos encanta hacer y realmente disfrutamos.

–Lo que el mundo necesita de nosotros.

–Por lo que nos pueden pagar.

Cuando los círculos se entrelazan se abren áreas compartidas que nos hacen evidente la pertinencia de dichas actividades y mejor aún, cuando en el centro se entrelazan los 4 círculos, se detona el Ikigai como sentido de nuestra existencia. Todas las actividades que logren responder a los cuatro círculos de manera positiva formarán irrefutablemente parte de nuestro ikigai.

Encontrarlo entonces, será toda una travesía que nos llevará a una autoreflexión en la cual determinaremos si lo que hemos estado haciendo durante toda la vida de verdad nos llena y si somos buenos para seguirlo llevando a cabo.

Se necesita ser sensato y honesto para reflexionarlo y después humilde para aceptarlo ya que el camino elegido quizás pudiera no ser el ideal. Sin embargo, lo más importante es que a través de este ejercicio podremos encontrar lo que verdaderamente nos brindará la trascendencia.

Es así como los arquitectos que ejercemos cabalmente nuestra profesión, debemos sentirnos agradecidos con la vida por estar practicando una actividad que, en el mejor de los casos, se inserta en cada una de los círculos del ikigai, activando el centro del diagrama y conectando con el espíritu del mismo. Y si por alguna razón, alguno de los cuatro círculos no estuviera satisfecho, deberemos trabajar en ese rubro para complementarlo.

No tengo la menor duda de que las grandes obras de la arquitectura, han sido el resultado del ikigai de grandes arquitectos.

Después de todo, qué mayor satisfacción podríamos tener en nuestra vida que el hacer buena arquitectura, disfrutar hacerla, satisfacer las necesidades de quien la solicitó y capitalizar esta actividad obteniendo recursos por llevarla a cabo.

El motor de la arquitectura siempre será la pasión por concebirla, expresarla y llevarla a cabo. Yo no entendería otra razón para pasar por fatigas impuestas.

En femenino

ALTIS ORNAMENTUM | MONIOMI | MONICA SANTAYANA Y RONALD ALVAREZ

Cuestionar la exclusividad de los espacios según el género ha sido una de las formas en las que el diseño y la arquitectura han abonado al tema de la deconstrucción de las convenciones de género y la formulación de nuevas masculinidades.

Este es el caso de Altis Ornamentum, de los diseñadores Monica Santayana y Ronald Alvarez, directores del despacho MONIOMI, proyecto presentado durante Design Miami 2022.

La colección, que formó parte de la sección Curio, incluye muebles y accesorios que se basan en la estética deportiva de la antigua Grecia. En las olimpiadas griegas solamente los hombres libres podían competir, excluyendo a las mujeres. Aunque la presencia femenina es un hecho en los ámbitos deportivos, aún existen actitudes que buscan reforzar la idea de que el ámbito deportivo es masculino.

Una mesa de ping pong, un tablero de basquetbol, taburetes de corte contemporáneo y otros accesorios en materiales de lujo y tonos pastel invitan al juego, pero también a la reflexión en esta instalación; y le dan a un espacio típicamente masculino, un aire de feminidad. –NVM moniomi.com designmiami.com