MIXMAG MÉXICO - NÚMERO OCHO

THE WORLD´S BIGGEST DANCE MUSIC & CLUB CULTURE MAGAZINE

MATTHEW DEAR LA MÁQUINA DE LA EXPERIMENTACIÓN

A B R I L 2020

NÚMERO OCHO

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SAVE THE DATE

FESTIVAL #festivaldelLago

SAB 21 · NOV

LAGO de TEQUESQUITENGO - Circuito del Lago Nª 36 Un evento de

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NÚMERO

OCHO

ABRIL

2020

DIRECTORIO OFICINAS GENERALES: DANCE MUSIC MOVEMENT S.A DE C.V Via Atlixcáyotl 1499 Piso 10, San Andrés Cholula, Puebla, CP 72090 Teléfono: +52 22 1146 7734 Página web: www.mixmagmx.com Editor: Duncan Dick - duncan@mixmagmedia.com Editor responsable en México: Jorge Maldonado Venegas djpelos@mixmag.net Editor adjunto en México: Sergio Islas Pacheco - sergio@mixmag.net Dirección General: Juan Pablo Ruvalcaba – jp@mixmag.net Geena Corona - geena@mixmag.net Director de Contenido en México: Alan Zúñiga – alan@mixmag.net

Mixmag, revista mensual, editada por Dance Music Movement S.A. de C.V. Abril de 2020. Editor Responsable en México: Juan Pablo Ruvalcaba. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: En trámite. Número de Certificado de Licitud de Título: (en trámite). Número de Certificado de Licitud de Contenido. (en trámite).

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Mixmag México es editado bajo licencia de Wasted Talent Ltd. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin consentimiento expreso del Editor responsable en México. Los derechos de esta publicación queda protegidos en todo el mundo.

Dirección de Marketing: Carlos Calderón Porter Redacción: Mónica Valencia Coordinación de diseño: Carolina Espinosa

EDITORIAL Este mes, el espacio editorial está reservado a honrar y agradecer profundamente el enorme esfuerzo del personal médico en el mundo. Ésos héroes que han mantenido en marcha a costa de su propia integridad los servicios de salud y rescatando miles de vidas alrededor del mundo se merecen todo nuestro respeto y admiración. Ya llegará la hora de regresar al club, de vibrar en los festivales, de hacer nuestras las tornamesas. Por ahora nos queda seguir esperando, con la mayor paciencia que ya llegará el día de volver a la pista de baile. Mientras buena parte de la humanidad permanece encerrada en sus casas tratando de minimizar todo lo posible el impacto del virus, la industria cultural y del entretenimiento se enfrenta a una crisis sin precedentes. Solo esperamos con toda fe, que lo que se avisora por la ausencia forzada de eventos no amenace la existencia de la industria como la conocemos.

Tanto el Ultra Music Festival de Miami como el Tomorrowland belga y el de invierno fueron suspendidos hasta nuevo aviso. El BAUM Festival colombiano también, al igual que el Sónar Barcelona, programado para el mes de junio. Y como esos, decenas y decenas más. Para apoyar a los DJ y trabajadores que se ven afectados por la cancelación de las actuaciones en público están surgiendo iniciativas que buscan sacarlos adelante, como la de la plataforma Bandcamp que les cederá un porcentaje de sus ganancias o el streaming que muchos hacen para llevar su música por todo el mundo.

Esperamos desde acá que en algo se pueda remediar este callejón oscuro que vamos a caminar juntos.

Pero tenemos fe en que venceremos al coronavirus y que, al final del encierro, solo nos quede bailar. Y dejarnos arrastrar al hedonismo. Y sin duda será gracias a todos ésos héroes, médicos, enfermeras y profesionales de la salud, que en el frente de batalla de una guerra invisible que ha atestiguado esta generación, han puesto lo mejor de su empeño y hasta sus vidas para hacerlo posible y lograr que volvamos a las calles, clubes y pistas. Nuestra gratitud eterna para ellos...

CONTENIDO

A b r i l 2020

6.BUBBLE METRÓPOLIS : scene / festivals 10. NAAFI: A diez años de existencia, NAAFI continúa deconstruyendo pistas 13. TOM ZETA 14. LAS PUERTAS DE LA PERCEPCIÓN: festivales / escena 18. LA VIDA: SHADED 20. NO SHORT CUTS: Enrico Sangiuliano 22. DANCING ON MY OWN: VTSS es parte de una revolución techno 27. ANÉCDOTA DE LA PORTADA DE MAYO DE 1992 28. ANDREW WEATHERALL 32.MATTHEW DEAR: La máquina de la experimientación 38. ARTURIA: Keysep PRO 40. SASHA CARASSI 42. ARTISTA NUEVO ABRIL 2020 43. ARTISTA NUEVO: Ojerime 44. ARTISTA NUEVO: God Colony 45. ARTISTA NUEVO: Nazar 46. GENERATION THRILL

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BUBBLE METRÓPOLIS El festival Dweller de Nueva York se propone recuperar la herencia negra del techno y exhibir leyendas junto a los colectivos de la ciudad.

Texto: Devyn White Fotos: Diahann Williams

El festival The Point Of Dweller, una serie de eventos diurnos y nocturnos que se realizan en múltiples lugares de Brooklyn en el apogeo del mes de la historia negra es para educar, para recordarle a la gente que a pesar del éxito mundial del techno y, a veces, el sesgo eurocéntrico, el sonido surgió de las comunidades negras en los EE. UU. “Es un deber informarles a todos” dice el curador (y cofundador de Discwoman) Frankie Decaiza Hutchinson, revelando que el mismo no había estado al tanto de la historia. “[Hay] mucha vergüenza en la gente que no sabe lo suficiente sobre esta música”.

El nombre del festival está inspirado en un acto vital para esa historia: los pioneros del electro-techno de Detroit, Drexciya.

Su EP de 1992 ‘Deep Sea Dweler’ vió a James Stinson y Gerald Donald crear una imaginativa mitología afro-futurista / historia alternativa en la que las esclavas africanas embarazadas arrojadas por la borda durante su deportación trasatlántica formaron una raza completamente nueva de habitantes del mar bajo el agua.

Así como Drexciya creó realidades y narrativas alternativas en torno a la experiencia

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negra, el segundo Festival Anual de los Moradores tiene como objetivo facilitar espacios para los que a menudo se quedan atrás. Tomando el control de clubes y almacenes a través de las calles con patrones de cuadrícula, el festival de cinco días brinda a los colectivos con sede en Nueva York la oportunidad de organizar eventos que contribuyan a su propio concepto.

Después de un evento que explora las narrativas cambiantes y las nociones de “propiedad” en torno al techno (y la importancia de una mayor representación en toda la industria, especialmente más bookers de clubes negros), Kush Jones y DJ Swisha, ambos DJs del colectivo Half Moon de Brooklyn, arrancan sirviendo un set b2b en el clásico lugar de Bushwick, Bossa Nova Civic Club. Con un enfoque en la música que va desde el juego de pies hasta la trampa, el club se deja en su estado natural, con poca luz, un conjunto de cabinas de vinilo de estilo antiguo que conducen a un espacio de baile de forma cuadrada donde los asistentes se saludan con abrazos y se animan. Con una capacidad de solo 140, es un buen ejemplo de la atmósfera comunitaria y unida del festival.

Mixmag regresa a Bossa Nova la noche siguiente mientras se llena hasta el borde para una adquisición de Like That Records.

Ase Manual, el fundador de ese estilo y autoproclamado afro-futurista, tiene clara la importancia del festival: “¿sabes cómo es el año nuevo chino? Bueno, para mí Dweller

es una celebración de una semana del Año Nuevo Negro”.

En un club oscuro, lúgubre y lleno de vapor, DJ Nativesun contribuye a una experiencia de alta energía, a menudo con mucho ruido, llenando el piso con remixes rápidos de pistas como Ludacris “Sábado” y “One Thing” de Amerie y Rich Harrison. Los nudillos de neón luego aparecen en una peluca plateada, retroiluminada por un letrero Dweller multicolor, para tocar melodías relajadas que, sin embargo, mantienen el ritmo.

Sabiendo que el “Año Nuevo Negro” aún tiene tres días más por delante, muchos asistentes salen temprano para prepararse para las celebraciones del viernes.

Volviendo a la idea general de la mitología de Drexciyan, el evento Planetario del viernes profundiza en el arte en vivo y los sonidos curativos antes de que ALKHEMY y Discwoman continúen las festividades de la noche con una fiesta clandestina adecuada en un lugar exterior sin pretensiones con los gustos de Adrestia, DJ Assault, FBK, SHYBOI, Xiorro y más.

Christina Hernández (Adrestia) y Felton Crotijo (Xiorro) están interesados en señalar que el espíritu de Dweller tiene el potencial de tener una gran influencia en el mundo de la música. “Dweller profundiza la participación en el terreno de Brooklyn, como líder para el cambio en los Estados Unidos y más allá”, dice Christina.

También es un escaparate para algunos artistas veteranos increíbles, especialmente cuando la leyenda de ghettotech, DJ Assault se coloca al frente y en el centro del enorme espacio de almacén en discreto y, con su camiseta y gorra establece una actuación clásica de micrófono en el fondo de booty bass, mostrando décadas de habilidades para emprender contra el sistema de sonido pulsante (y, a veces, discordante). De adelante hacia atrás, está en la pista de baile.

La expansión geográfica de los eventos y la gran cantidad de artistas hacen que algunos días sean a veces caóticos, pero Hutchinson dice que esto es intencional:

obliga a las personas a elegir los eventos a los que más se conectan. También es casi imposible experimentar todo, dejando a los asistentes ansiosos por más en la edición del próximo año.

Esta idea es válida el sábado por la noche: hay más eventos simultáneos, cada uno con un talento imperdible. Pero hemos hecho nuestra elección. En la actualidad, siempre hay un espacio para todos, ya sea en la pista de baile, en las cómodas cabinas, afuera en el área de fumadores alrededor de su trío de hogueras de flores brillantes o en la carpa llena de almohadas y charcos. Mixmag comienza adentro cuando el dúo de hermanas con sede en Brooklyn Analog Soul comienza la noche con un verdadero set de house de Chicago con cortes ácidos y un remix de ‘Blue Monday’.

Más tarde, cerca de una de las hogueras, nos encontramos con un par de mujeres de Berlín que nos cuentan sobre su amor por la escena de Nueva York, llegando incluso a afirmar que Berlín se ha vuelto demasiado dominante en el mundo del techno, otra razón, si acaso se necesitaban razones para que la escena de NY no perdiera de vista sus raíces o su diversidad pop.

De vuelta al interior y como si fuera una señal, DJ Stingray, con su máscara de esquí negra habitual da un paso para unir dos mundos, combinando sus raíces de Detroit con las influencias de Berlín de la ciudad que ahora es su hogar. Su continua combinación de ritmos del electro al techno industrial profundo ha llegado a lo más alto en la pista de baile, alcanzando su punto máximo con los gustos de D Dan´s ´Dangstuh´ y K-1´Back From the Future´.

El domingo hay dos fiestas, hoy en día y Bossa Nova, para aquellos que tienen la resistencia. Pero mucho antes de su último día, el festival logra su objetivo de proporcionar un espacio inclusivo tanto para artistas electrónicos negros como para asistentes al club y un homenaje digno a una parte esencial de la historia negra.

Mirando a Dweller a toda velocidad, recordamos la máxima de la congresista negra Shirley Chisholm: “Si no te dan un asiento en la mesa, trae una silla plegable”.

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Hacemos posible escuchar, sentir y conectar a travĂŠs de un sonido inolvidable e inmersivo. Para lograr esto, creamos impresionantes sistemas de audio profesional que suenan tan bien como se ven.

Void acoustics, experience connection.

Es hora de ser realistas. 5G lleva los juegos inmersivos a un nivel completamente nuevo. La tecnología 5G ofrece velocidad y rendimiento asegurando una acción sin demoras en una conexión móvil, en cualquier lugar. Subamos de nivel.

NAAFI A DIEZ AÑOS DE EXISTENCIA, NAAFI CONTINÚA DECONSTRUYENDO PISTAS.

El sello y colectivo cumple una década de operaciones y lanza una compilación que marca el inicio de las celebraciones: NAFFI X NAAFI se formó en Ciudad de México como una reacción a la poca representación de los sonidos latinos en la escena musical local, buscando un enfoque experimental con rutas musicales inexploradas que dieron resultado a la creación de su propio sonido y cultura.

Hoy, unos le llaman colectivo, para otros es un sello discográfico que tuvo su origen en fiestas memorables, mientras que ellos siguen presentándose como “noche de ritmos periféricos”, o bien como “zonas de disturbio”. Su crecimiento en estos 10 años ha sido completamente orgánico y exponencial, tan es así, que se ha puesto en la mira de medios como El País y Pitchfork y el proyecto de Major Lazer, que incluyó al sello como parte de la tercera temporada de su serie documental ‘Blow Your Head’.

A través de la compilación “NAAFI X”, se marca el primer gesto público de todo un plan celebratorio por aniversario, que parte de la premisa del 10, reunieron a los 10 artistas más activos del sello, que además resumen los alcances globales de sus actividades: hay artistas de México, pero también de Uruguay, Brasil, Japón, Argentina y Chile.

Los 10 temas del compilado son las experimentaciones sonoras más recientes de los artistas incluidos: «Oraçao (Danse e Pense)», de Lechuga Zafiro (Uruguay) ft. Linn Da Quebrada (Brasil), «Recurrent Neurotic», de DEBIT (México/EU); «Humedad», de Lao (México); «Club Paraíso», de Tayhana (Ar

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gentina); «Groove», de OMAAR (México); «Drown», de Lyo Xs (México); «Sub Complex», de Wasted Fates (México); «Ocho», de Imaabs (Chile); «Marchando», de Wrack (Japón) —curiosamente, el tema que suena más latino— y «Cicatriz», de ZUTZUT (México).

Para este lanzamiento de aniversario, «Groove» es una pieza clave que representa la escena mexicana y al igual que muchos de los tracks de OMAAR (México), es resultado de mezclar varios de los géneros que disfrutó en la infancia y adolescencia, como el progressive house y el tribal house, con géneros más jóvenes como el UK Funky y el hard drum.

De esta manera, es como NAAFI acoge talentos de todo el mundo y continúa deconstruyendo pistas, y gracias a ello, hoy es una referencia obligada para la vida nocturna de manera local y para la música electrónica a nivel internacional.

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Presentamos una nueva marca de muestras en línea diseñada para hacer ritmos para los DJ´s creativos en su producción musical.

TOM ZETA Es uno de los actos emergentes más excitantes de la escena Holandesa.

Diynamic music y Einmusika han hecho releases con sus temas y ahí es como ha incorporado actos en vivo a sus presentaciones lo que hace su presentación muy enfocada a ritmos del techno melódico.

El toco batería en diferentes bandas desde los 9 años , a los 15 comenzó a experimentar con su computadora, y experimentar con la música electrónica , lo que lo lleva a tomar un camino más serio en la producción y composición , decide estudiar en la prestigiosa y aclamada escuela HKU en Utrecht, en donde él encontró nuevas formas de hacer música.

Mientras tanto y a la par de la batería el continuo con los sintetizadores y cosas análogas, por lo que su sonido se ha tornado con una atmósfera espacial ,melódica y fragmentos industriales.

Siempre ve la manera de tener un camino electrificante al público en vivo.

En últimos años perfeccionó su live set , y con sus releases cautivo la atención de Solomun , lo que colocó su Ep Cargo con muy buena aceptación de gente como Joris Voorn y Pete Tong.

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f e s t i v a l e s / e s c e n a

LAS PUERTAS DE LA PERCEPCIÓN La constante expansión de los límites del festival Sónar de Barcelona ha tenido un impacto global en la música electrónica y las presentaciones en vivo y este año no será diferente.

Texto: Ben Jolley Fotos: Alex Kozobolis

en Estambul, México, Hong Kong, Bogotá y Buenos Aires, como “música avanzada: artistas y desarrolladores que están impulsando las cosas”.

“Ahora estamos en un momento en que la tecnología está en todas partes”, dice el cofundador de Sónar, Enric Palau. Ciertamente, la relación de techlogoy con la música se ha transformado desde la primera edición del festival hace 26 años: desde 1994, cuando los artistas comenzaron a mezclar música e imágenes por primera vez (y utilizando Internet como herramienta experimental) a la revolucionaria de Orbital.

2009 muestra a Björk descubriendo la interfaz de mesa Reactable en una presentación de Sónar e incorporándola a su show en vivo. Luego estaba el viaje alucinante 2011 de Aphex Twin: “lo más impresionante fue que la gente no entendía lo que estaba haciendo con la tecnología que estaba usando”, recuerda Enric, “porque lo que hace es completamente impredecible”.

Un ejemplo más centrado en la pista de baile del uso de nuevas tecnologías en el escenario fue el espectáculo Plastikman 2014 de Richie Hawtin, que vio al gran monolito digital gigante del equipo Sónar. “Cosas así pueden ser un gran dolor de cabeza, porque a veces esas ideas locas no pueden encajar en una etapa tradicional”, admite Enric.

“Pero nos gusta ser el hogar para que estas cosas sucedan, y a veces las personas se nos acercan porque saben que nos gustan esos desafíos.

Siempre estamos listos para que los artistas vengan y nos propongan este tipo de espectáculos experimentales, incluso algunos que no son fácilmente replicables. Y con suerte, la audiencia, que es muy abierta y siempre quiere descubrir, se va a casa pensando que ha visto algo completamente único”.

Más recientemente, Sónar ha proporcionado una plataforma para que los artistas experimenten con las nuevas tecnologías que están comenzando a formar parte de las actuaciones musicales convencionales, por ejemplo, el mapeo digital y la realidad virtual, como la inteligencia artificial que Holly Herndon incorporaron en sus shows en vivo de PROTO y Young Paint, así como el viaje audiovisual futurista en 3D que Murlo presentó en 2019. A través de su espíritu de “música, creatividad y tecnología”, el festival de Barcelona se ha convertido en un sandbox para probar cómo las tecnologías experimentales pueden cambiar el entorno de las discotecas del mundo. “Ya estamos experimentando una nueva generación de artistas que nacieron con una computadora y un teléfono móvil en casa, por lo que ya tienen esas herramientas para hacer música con mucha facilidad”, dice Enric, antes de pasar a describir el espíritu de Sónar, que ha crecido a lo largo de los años para albergar también festivales

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Y es la libertad dada a los artistas para experimentar con sus espectáculos que Peter Quicke, director gerente de Ninja Tune, ayuda a definir a Sónar.

“Ninja Tune se fundó con la idea de ser un espacio fuera de la corriente principal, un hogar para artistas experimentales que superan los límites de lo que es posible desde el punto de vista estético y tecnológico”, dice. “Y Sónar siempre ha sido partidario de la experimentación en la música, el rendimiento y el arte en general, incluido el anfitrión del ISAM de Amon Tobin en 2012, el espectáculo de Umbral de Bullshit de Marie Davidson en 2017, que combinó el rendimiento teatral, las proyecciones de video y el humor negro y el espectáculo de luz cinética de Daedlelus en 2018 “.

El programa para la 27ª edición del festival, en junio, se centra igualmente en acercar la música y la tecnología. Si bien la alineación de Sónar By Day está llena de, como dice Enric, “momentos sonoros experimentales”, la acción By Night se convierte más en una fiesta directa, “pero puedes ver artistas experimentando con la tecnología en ambos”. Junto a los shows de Chemical Brothers y

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f e s t i v a l e s / e s c e n a

Eric Prydz, dos artistas que han tocado en Sónar varias veces y son conocidos por sus visuales futuristas y alucinantes, los aspectos más destacados de este año incluyen a Giant Swan, Sega Bodega, Arca, Lost souls Of Saturn y MC Yallah y Debmaster, todos los actos que están impulsando las cosas en términos de lo que puede ser un show en vivo.

Enric se apresura a señalar que, junto con las docenas de actuaciones de futuro que ofrecen límites durante el fin de semana, se ofrece un programa de DJ de house y techno de primer nivel que tocarán todas las noches hasta la madrugada. “No es que estemos obsesionados con la dirección de la tecnología porque, como festival de música, también nos interesa la música y el sonido, con personas que se pierden en un viaje mágico de DJ tocando su colección de vinilos”, explica Enric. Pero él dice que ha notado un cambio, con los DJ que quieren

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ofrecer “más espectáculo” hoy en día, especialmente en la última década, a medida que los selectores se centran más en crear una estética particular.

Mientras que los pioneros electrónicos como Kraftwerk y Orbital “siempre tuvieron su propia idea precisa de imágenes y videos para acompañar su música, una filosofía casi”, las imágenes se han convertido, para algunos DJ´s al menos, tan importantes como la música que tocan.

“Hubo una época en la que los DJ eran tan importantes como la música. “Hubo un tiempo en que los DJ usaban nuestras imágenes internas, tal vez porque provenían de la escena del club, pero eso ha cambiado”, dice Enric. Él cree que se han dado cuenta de que, al tocar en una sala grande o en el escenario principal, “algo más tiene que estar sucediendo, ya que puede hacer que el espectáculo sea más interesante, que es el punto cuando algunos artistas hicieron

el cambio”.

También está Sónar + D, donde la programación es tan diversa e internacional como la programación musical. Lanzado en 2013 con el objetivo de ser “la reunión analógica para el mundo digital”. La programación de este año abarca desde charlas de biocientíficos sobre el uso de la música en tratamientos médicos hasta expertos que explican las tecnologías robóticas (que también se demostrarán en el rendimiento durante el fin de semana). Ofrece a los asistentes la oportunidad de “ir más allá de la escena y descubrir innovaciones del futuro cercano”, dice Enric.

El estudio londinense TEM, que ha trabajado en la puesta en escena e instalaciones para artistas que van desde Beyoncé y Jay - Z hasta Skepta´s Dystopia987, una experiencia futurista de clubes en el Festival Internacional de Manchester, se

encuentran entre las personas reservadas para las conversaciones, así como el artista chino-canadiense Soougwen Chung, cuyo trabajo explora la intersección del aprendizaje automático, la robótica y la expresión artística. Después de presentar su actuación, Exquisite Corpus, en el Complejo Sónar, dará una charla titulada “Máquinas como un catalizador creativo” en + D. También está el estudio AV Tundra Collective, con sede en San Petersburgo, conocido por crear instalaciones a gran escala que combinan mapeo digital, diseño de iluminación y audio generativo, y que presentará su espectáculo Nomad por primera vez en Barcelona. Otro punto destacado será una clase magistral del artista digital y pionero del mapeo de video Pablo Valbuena, quien es conocido por sus intervenciones en arquitectura usando la luz y la proyección; presentará un nuevo espectáculo imperdible en colaboración con la bailarina de flamenco Patricia Guerrero.

f e s t i v a l e s / e s c e n a

Como dice Enric, + D ofrece la oportunidad de “aprender la ciencia detrás de los espectáculos” a través de preguntas y respuestas, talleres y clases magistrales que “analizan las ideas detrás del uso de ciertas tecnologías y cómo los músicos y artistas visuales ven el futuro”. Explica que también es un buen punto de encuentro “para que las personas se inspiren y actúa como un lugar para reunirse y compartir información y respuestas”.

Un músico de renombre mundial que actuará y dará una charla de + D en Sónar este año es el experimentalista electrónico Max Cooper, nacido en Belfast, Londres.

Además de presentar una versión de su espectáculo Yearning For The Infinite, que Enric describe como “una obra de arte” y que sorprendió al público en The Barbican en Londres (“nos gusta el desafío de llevarlo de un escenario de teatro / arte a un stage principal”), Cooper responderá

preguntas sobre su proceso creativo y la tecnología que utiliza para hacerlo. Aunque la presentación se construyó originalmente para un lugar con personas sentadas, su presentación Sónar By Night será “un caldero de pescado diferente”, Cooper no se deja sorprender por el desafío. “He diseñado mi programa AV para que sea escalable con hasta ocho superficies visuales diferentes, por lo que el espacio no fue demasiado difícil de adaptar”, dice. En lugar de planificar previamente sus sets, prefiere improvisar. “Adaptaré mi catálogo de la noche al nuevo formato visual, y sin duda pensaré en nuevas formas de hacer las cosas en la noche. Mi sistema permite mucha flexibilidad en vivo”.

El programa que se ha creado utiliza dos capas en la parte delantera, una semitransparente, para crear un efecto 3D, e imágenes laterales envolventes que son continuas desde la imagen frontal. Com-

binados, forman cinco de los seis lados del interior de un cubo para rodear y sumergir al público. “El resultado es un sistema con el que puedo tocar en vivo, controlando simultáneamente muchos clips de audio y visuales y sus interacciones”, dice. Cooper piensa que el lado conceptual de las cosas es la parte más interesante. “Me encanta conversar con científicos e investigadores y pensar en formas de hacer arte a partir de la ciencia. Lo que he encontrado es que la naturaleza está llena de arte en su esencia y hay una fuente interminable de ideas hermosas y formas visuales allí, que utilizo para anotar mi música como si estuviera escribiendo para un primer momento.

“Según Cooper, lo que distingue a Sónar de otros festivales de todo el mundo es que “es una experiencia de arte digital, así como una fiesta. Siempre me ha encantado esa combinación y es algo que también he intentado ofrecer en mi propia producción.

Necesito más estimulación que solo bom-

bo, pero tampoco me gusta que sea tan conceptual que se pierda la diversión”.

Como alguien que toca en diversos espectáculos y festivales en todo el mundo, dice que ha notado un auge en la cantidad de festivales de arte digital en todo el mundo.

“Hay ideas sorprendentes, arte y experiencias que se pueden encontrar. Es un momento emocionante para poder hacer un uso creativo de las nuevas tecnologías que se están abriendo porque, para mí, la tecnología y los elementos visuales no le restan valor a la fiesta, se suman. Se puede encontrar un equilibrio, y creo que Sónar lo hace tan bien como cualquier evento en el mundo”.

Sónar se celebra del 18 al 20 de junio en Barcelona.

Sonar.es/2020

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EDITADO POR

l a

v i d a

SHADED

Solía escalar rocas un poco atrás en mi adolescencia. Mirando hacia atrás, puedo ver que fue solo una fase: algo que me intrigó.

Entonces, después de entrar, perdí el deseo de profundizar, porque mi principal pasión, el surf, ocupaba la mayor parte de mi tiempo libre. Si tenía la opción de surfear o escalar, mi elección era el surf, sin duda.

Avancé más de una década y vivo en Barcelona en el verano, una ciudad costera que no tiene olas. En el verano, las tormentas son raras, y con los años me deprimí porque no podía surfear, así que tuve que elegir otro pasatiempo. Necesitaba algo para mantenerme cuerdo y era realmente entrar en el jiu-jitsu o escalar rocas. Esa fue esencialmente mi reingreso a la escena de la escalada en roca y no hay realmente un lugar mejor que España o Cataluña para hacerlo.

Comencé a ir a los gimnasios de interior para ‘boulder’ [escalada en la pared interior sin una cuerda o arnés] y eventualmente creé algunas amistades realmente geniales completamente desconectadas de la industria de la música. Esto me llevó a una nueva obsesión, y ahora escalar es algo que me encanta, como surfear y algo que también mantiene mi cuerpo en forma.

Cuando estoy en Barcelona, subo a un gimnasio local de boulder llamado Sharma, que es una instalación genial. Ahí es donde conocí a algunos buenos amigos y comencé a ganar poder de escalada. ¡Es una locura cuántos músculos usas al escalar que no sabías que tenías! Pensé que tenía fuerza debido a mi experiencia en el surf, pero cuando se trataba de escalar era muy débil al principio. Después de fortalecerme, comencé a hacer algunos viajes al aire libre y a aprender a escalar con cuerdas. Esa es mi forma favorita de la disciplina, ya que puedes probar completamente tu resistencia, poder, técnica y fortaleza mental.

Cuando se trata de escalada deportiva, no hay muchos lugares mejores que Cataluña.

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De vuelta en el sur de California, donde paso el invierno, tenemos muchos lugares para escalar, tanto en boulder como con cuerdas.

Tenemos Yosemite, que es el hogar de algunas de las grandes escaladas de pared más locas del mundo. Todavía me falta escalar un gran muro, pero tal vez algún día lo haga.

También tenemos a Bishop y Joshua Tree, que son el hogar de algunas de las rocas más geniales.

La escalada me atrae porque me recuerda mucho al surf. Cuando surfeo, en el momento en que despegas en una ola, tu mente se apaga y tu cuerpo simplemente se va. Hay una sensación de éxtasis pero relajante de estar en un momento, saber que estás en un momento, pero ser completamente inconsciente al mismo tiempo. Es difícil de explicar, de verdad. Escalar me da la misma sensación, el mismo escape: casi como una meditación activa. Surfear olas grandes y pesadas es muy similar a empujar a través de grandes movimientos mientras haces grandes escaladas. Una vez que estás en la zona, no piensas en caer, solo piensas en actuar.

Realmente no busco adrenalina, soy más un cazador de endorfinas. Me encanta hacer cosas que aclaran mi mente, hacen que mi sangre fluya y me desafían tanto física como mentalmente. La aventura es una cosa; el alto riesgo es otro. Poder tener aventuras locas mientras minimizamos el riesgo es parte de lo que hacemos. Al final del día, se trata de divertirse mientras superas tus límites, y escalar me da eso.

Cómo todo esto se relaciona con mi amor por la música y las giras es simple: estar en la naturaleza es tan importante, tan refrescante y tan esencial. Sentarse en aviones, automóviles y hoteles que explotan el aire acondicionado te afecta.

Poder presionar el botón “desconectar” y entrar en la naturaleza es crucial para mi salud mental y física.

Turbo and Hot Creations firman SHADED, sobre su amor por escalar

TOP 10 DE SHADED

1. Shaded ´Mad Stacks´(HotCreations) “Este es un nuevo tema que pronto lanzaré en Hot Creations. Lo he estado manejando duro el año pasado y estoy emocionado de que Jamie Jones lo considere”.

2. Rosalia ´A Pale´(Gesaffelstein remis) (Columbia Records) “Siempre he sido fanático de Gesa, así que cuando dejó esto tuve que escucharlo. Infeccioso, oscuro y extraño. Una visita obligada”.

3. Sian ´Oracle´(Mau5trap) “Ha estado lanzando esta serie de bombas de bajo súper rechonchas en Mau5trap con el título ‘Ultravioleta’. Los amo, éste especialmente”.

4. Truncate ´OurBodies´(EI8HT) “Este tipo ha estado haciendo bombas desde que tengo memoria. Soy un gran admirador y espero algún día conocerlo”.

5. Tiga ´You Gunna Whant Me´(Last Gang Records) “Una gran melodía de Tiga. Creo que ésta es mi jam favorito de su trabajo.

Siempre en la rotación y una melodía de fiesta superior para cualquier momento”.

6. Planetary Assault Systems ´Spell A´(Ostgut Ton) “Techno rodante hipnótico en su máxima expresión. Te encierra en un “cabeza abajo, ojos cerrados”, digno de un ambiente nocturno” 7. JeremyOlander ´Nattuggla´(Vivrant) “La pista de escape perfecta, mínimal, melódica y etérea. Jeremy siempre cumple y me encantan las cosas que saca su sello”.

8. TERR & Aera ´Terra´(Correspondent) “Qué melodía. Soy un gran fanático de TERR, así que siempre miro su nueva música. Mucha nostalgia en su música para mí, por éso me gusta”.

9. Adana Twins feat Glowal ´MyComputer´(Diynamic) “Este fue uno de mis favoritos de 2019. Pistas de new wave, electro y funk se convirtieron en un mega-smasher”.

10. Adam Marshall ´Evil Jungle Prince (New Kanada) “Estuve en Sunwaves en agosto pasado, el último día en el escenario rumano y escuché a alguien dejar esto. Corrí hacia el DJ para pedirle la identificación de la pista. Fin de la historia. ¡Melodía!”.

t e x t o

El productor italiano de techno Enrico Sangiuliano primero conquistó las listas de puertos Beat antes de convertir ese dominio en un éxito de DJ. Entonces, ¿cuál es su secreto?

Es abril de 2016 y Enrico Sangiuliano está viendo su canción ‘X-Pollination’ volar en las listas de Beatport hasta que llegue al número 1, donde permanecerá durante dos meses.

Lanzado en Unrilis, un sello local en la ciudad de Milán, donde Enrico ha vivido desde que se mudó para estudiar diseño de sonido a los 20 años, no tiene explicación para su éxito.

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Pero luego sigue sucediendo. Cada nuevo lanzamiento tiene un impacto similar, hasta finales de 2018 ha sido el artista techno más vendido de Beatport durante los últimos tres años. Su carrera como DJ, que durante años había pasado a un segundo plano para hacer música y su trabajo diario como ingeniero de audio, está acelerando a fondo. Incapaz de hacer malabarismos con todo, deja su trabajo y se va al circuito internacional, sin mirar atrás. En los últimos 12 meses, Enrico ha recorrido Australia con Carl Cox, hizo su debut en Burning Man y subió al escenario del mayor evento desde el festival Drumcode hasta Awakenings.

También amplió su marca personal con

en sí misma. Pasar todos los días en este entorno, que él dice que “odiaba y nunca se sintió cómodo”, dio forma a su opinión de que, en última instancia, no hay atajo para el éxito, ya que es el único en aprender las lecciones vitales que lo llevarán por encima de la gran competencia que existe hoy.

“Todo el mundo desarrollará su propia identidad sonora, lo que lleva años y años de producción”, dice y revela que ha desarrollado una mentalidad de que lo que hace hoy no dará fruto durante un par de años.

En el camino: “No te apresures, diviértete y sé feliz”. Él tiene una agencia de relaciones públicas ahora, pero su racha de éxitos en la lista vino “principalmente de personas que comparten mi música. Puede tener entrevistas en revistas pero eso es solo una garantía. Lo más importante es la pista misma”.

La reputación es la clave. Lanza “sin rellenos, solo bombas”, dice y explica que trabaja durante mucho tiempo en cada lanzamiento. Hoy Adam Beyer es uno de sus amigos más cercanos y de mayor confianza y aparecer en Drumcode en 2016, habiendo estado anteriormente en el otro sello de Beyer, Truesoul en 2012, fue un hito. “Un sello como ése te da credibilidad”. Hes dice, y señala que sus canciones parecen atraer a escenas tan diversas como house y EDM, no solo techno.

Fue Secret Cinema quien le dijo en sus primeros días que algún día haría música para ganarse la vida. Pero, dice Enrico, “el dinero nunca fue algo en lo que pensara.

Mi sueño era poder sobrevivir de la música, pero pensé principalmente en poner mis sentimientos en la música y todo lo demás surgió como consecuencia”.

Luchó brevemente por dejar la seguridad de su trabajo cuando estaba demasiado ocupado para hacer malabarismos con ambos, pero dice que su creatividad siempre ha florecido fuera de su zona de confort. “Todo ha sido tan lento y orgánico que ahora siento el impulso de esta máquina que he creado detrás de mí”, dice.

“No puede parar mañana”.

Aún así, es solo recientemente, tocando cada vez más conciertos, que ha visto sus redes sociales después de subir. “Cuando eres el productor del año por primera vez, nadie te conoce excepto las personas en la escena. Se tarda un poco en llegar a la multitud más amplia.

“Cosas como las listas de reproducción de Spotify y las multitudes más diversas en los grandes festivales son lo que te lleva a un nuevo estrato de popularidad.

En sus fiestas en solitario, Enrico comienza y termina en silencio, su tiempo extendido en el medio permite una gama de dinámicas que la mayoría de los espectáculos no tienen. Después de hablar con el personal y los fanáticos, comenzará con el ambiente. “Después de hablar con el personal y los fanáticos, protagonizará el ambiente. “Después de un par de horas llego a un punto en el que todos se vuelven locos, pero la música sigue tranquila. Cada vez que hago Solo, es una de las mejores noches de mi vida”. Y está disparando su imaginación musical nuevamente. “Solo no tiene límite en términos de géneros, así que puedo tocar lo que sea.

Solo, una fiesta donde toca toda la noche. Con los fanáticos pidiendo nueva música, ahora regresa al estudio.

Es el viaje soñado, la fantasía, de innumerables productores en dormitorios y estudios de todo el mundo. ¿Enrico tiene el plan para el éxito? Y si es así, ¿puede repetirlo?

Ahora dividiendo su tiempo entre Milán e Ibiza, el joven de 33 años nació en un pequeño pueblo entre Palma y Reggio Emilia. Criado escuchando el rock progresivo de su padre y el canto de su abuela, sus primeras inclinaciones musicales comenzaron por llevarlo a tocar la batería. Pero fué al escuchar los ritmos de la música electrónica en la radio y “la posibilidad de usar computadoras para crear sonidos inexistentes” lo que lo llevó a convertirse en un DJ y productor de dormitorio. Escuchando techno, hardcore, trance y drum ´n´ bass, sus primeras producciones experimentaron con la mezcla de todos estos sonidos. Cuando un amigo le presentó a un equipo de sound systems que organizaba fiestas gratis en el campo, hizo una audición como DJ en su

apartamento en la plataforma gigante almacenada allí durante la semana y encontró su enfoque, tanto como DJ y productor. “Yo era el chico de la mañana”, dice sobre estos “tiempos locos”, creando pistas de 155BPM para bailarines con los ojos abiertos al sol.

La tragamonedas prestó a sus producciones una sensación que nunca se fué. “Cuando comencé a tocar raves, comencé a hacer lo que me gustaría escuchar si estuviera en la multitud en ese momento”.

Inmerso en la escena durante varios años, cuando estuvo involucrado en un accidente automovilístico utilizó el pago del seguro para estudiar en Milán. Después de graduarse, trabajó en un estudio de grabación, contando las 10,000 horas necesarias para perfeccionar una habilidad y “pasando once horas al día mezclando, masterizando y produciendo para otras personas y luego de noche trabajando en mis propios discos”.

Al contratar sus habilidades con músicos de cuerda, bandas brasileñas, productores de house y aspirantes a estrellas EDM, perfeccionó su talento técnico, pero también lo introdujo en un mundo donde la motivación principal era a menudo la fama, la música

Cuanto más se adentra en la mentalidad del estudio, se despierta todos los días y se pone a trabajar de inmediato, más difícil es entrar en la del intérprete, y necesita ambos. Después de concentrarse conscientemente en este último, vertiendo sus emociones en la gira del álbum ‘Biomorph’ de 2018, está listo para volver a producir después de un descanso de seis meses. Pero incluso con sus éxitos pasados, esto trae un elemento de miedo. “¿Todavía puedo hacer algo genial?” se pregunta a sí mismo. “Tengo dudas, porque ya no estoy fresco, pero eso también es una buena motivación para esforzarte”.

Las redes sociales han iluminado su disfrute de la marihuana, pero cuando crea música tiene que ser sobrio.

Aparte de eso, hay pocas reglas: sus producciones han utilizado equipos analógicos, pero igualmente se han hecho completamente digitalmente. “Si eres un gran productor, el éxito puede venir como un subproducto de hacer un gran trabajo”, dice. Es la mejor explicación que puede ofrecer para su ascenso constante, simplemente empujando en el estudio su gran plan profesado.

“Eso es lo que me pasó, lo que significa que cualquier persona apasionada puede hacerlo”. Y no hay un complemento mágico para solucionarlo si no lo hace.

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T e x t o

F o t o s

Con una actitud e inconformista, parte de una rev techno que lleva fiesta de vuelta de baile “Estaba durmiendo en mi Dr. Martens, con una enorme chaqueta y dos suéteres que hacía tanto frío”, comienza VTSS. “Tendríamos que bajar al sótano con una antorcha para conseguir un poco de madera para poner en el quemador. Todo olía a humo líquido que pones en las barbacoas, toda mi ropa, todo mi cabello... “ Sentada cómodamente en el vestíbulo del moderno hotel CitreditM de Shoreditch, Martyna Maja describe el invierno pasado en su ciudad adoptiva de Berlín, donde vivía mientras completaba su carrera. “Las temperaturas estuvieron alrededor de cero ese mes, y cuando comencé a tocar, me quedé en el mismo hotel donde estamos ahora.

En mi habitación de hotel podía cerrar las persianas con un iPad, pero en casa estaba realmente luchando”.

La DJ polaca había abandonado su ciudad natal de Varsovia y podía ser perdonada por tener dudas sobre su decisión de mudarse. Se había retirado de una de las mejores escuelas de derecho de Polonia y tenía que lidiar con el doble golpe de los padres decepcionados y las difíciles condiciones de vida. “Para mí fue la mayor pesadilla”, nos dice.

“Estaba estudiando en la mejor escuela de derecho de Polonia y estudiando economía en otra escuela por separado.

Querían que consiguiera un trabajo en la ONU o algo así y un día me di vuelta y dije: “No quiero ser abogado, quiero ser DJ”.

juguetona VTSS es olución la a la pista

Hoy está en la ciudad para un espectáculo en un almacén aún sin nombre en Tottenham, al norte de Londres, para los promotores Fin Me In The Dark. Vestida con un suéter especial de edición limitada por su amiga, la compañera techno renegada Varg (tiene impreso ‘FUCK VARG’ a lo largo de ambas mangas, una referencia a una carta reciente que recibió de una banda que comparte el mismo nombre) tiene el pelo recogido hacia atrás y está llena de ansiosa energía previa al espectáculo, ajustando su posición y moviéndose con frecuencia con las manos, pero hablando con calma y confianza.

Nacida en Varsovia, Martyna fue enviada a un entrenador de tenis tres veces por semana por su padre loco por el tenis, con la esperanza de que condenara el éxito de dos de las más famosas Martinas (Hingis y Navratilova). “Soy hija única y estaba programada para ganar”, dice, y aunque no se haya convertido en campeona de Wimbledon, tomó ese enfoque singular y lo aplicó a su carrera como DJ. “No fui aceptada por algunas partes de la escena en Polonia, los” techno bros”, como los llamo. La mentalidad de “el ganador se lleva todo” me impulsó a demostrar que la gente estaba equivocada, pero ahora lo veo como impulsado por malas emociones y negatividad. Ahora he eliminado ese elemento competitivo y de hecho comencé a disfrutar lo que hago por diferentes razones”.

Afortunadamente, las cosas parecen estar funcionando. En los últimos 12 meses, VTSS se ha dado a conocer por su marca de techno contundente con una actitud ligera y divertida, dinámica, atrevida y, a menudo, irónica, tomando algunas pistas de los días de la cultura de la música dance de los 90. Desde su segundo lanzamiento, ´Identity Process´, aterrizó en Repitch en julio pasado, ha visto su perfil dispararse con conciertos en De School y lugares regulares en Berghain, además de todos, desde Nina Kraviz hasta Blawan y Bjarki y Rebekah soltando sus canciones. “Es bueno poder mostrarle a mi madre que lo he logrado”, se ríe, “¡y finalmente tener mi propio departamento!”.

En su ciudad natal, evitó los clubes establecidos y se conectó a un movimiento de base dirigido principalmente por colectivos y fiestas. Estos eventos más pequeños operaron una filosofía relajada cuando se trataba de la presentación de música electrónica: menos rígida y más experimental y alimentada por una mentalidad activista. En Brutaz, por ejemplo, donde VTSS era residente, la política era solo de vinilo, no para ser preciosa, sino por el deseo de alentar a todos los que tocan allí a comprar música. No se anunciaron ni publicaron alineaciones hasta el día siguiente, la política de música fue floja y los actos prometedores se colocarían junto a nombres más establecidos en un estilo de programación más democrático.

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Brutaz también lideró el camino cuando se trataba de reducción de daños e inclusión, algo que le dio a VTSS algunas de sus experiencias más esclarecedoras en el club. Inicialmente se fue como

raver, solo para escuchar la música y pasar tiempo sola en la pista de baile.

“Fue muy importante para mí sentirme parte de algo”, dice ella. “Pero todavía estaba sola; nadie me molestó o intentó tocarme. Fue una de las primeras fiestas [en Polonia] en publicar reglas en el muro, explicando la etiqueta del club. Se sentía como un espacio seguro”.

Además de Brutaz, cita a Unsound de Cracovia (que describe como “el mejor lugar del mundo”) como una influencia clave. “Un año estaba actuando en el mismo escenario que un tipo que tocaba la gaita, pero no es nada pretencioso”, dice ella. De hecho, fue su experiencia allí en 2012 lo que la llevó a abandonar su escuela de derecho para comenzar a tocar discos para ganarse la vida.

Más tarde esa noche, estamos en la fiesta Find Me In The Dark y Martyna está a punto de tomar el centro del escenario después de un fuerte calentamiento de Clara Cuvé. El almacén húmedo está lleno de una multitud de entusiastas fanáticos, desde futuristas ravers japoneses con vestimenta luminosa hasta chicas bien arregladas con pantalones y bros de Spandez abrazados, agarrados a sus cervezas.

Su conjunto es duro como las uñas, pero nunca se siente opresivo, gracias en gran parte a los sintetizadores de ondas esporádicas, o los estribillos cómicos o los surcos rectos con los que lo salpica.

La energía en la sala es la ilustración perfecta de por qué este estilo de techno se ha vuelto tan popular, sin mencionar por qué VTSS se ha convertido en uno de los protagonistas clave del sonido.

“Es un cliché, pero la música es muy importante. Para mí, ir a Brutaz fue muy esclarecedor” dice Martyna, consciente de que lleva el espíritu de esa fiesta en todo el mundo, inspirando a otros a abrazar la energía liberadora de la música que toca y dándoles y escapar, incluso si es solo por una noche.

“Ahora tengo personas que me hablan o me envían mensajes [diciendo] que su vida cambió debido a mi estúpido set de DJ ... ¡¿cómo es eso posible ?!” ella dice. “¡Esto es realmente especial!” ´Chanting From a Tiny Book´ de VTSS & Bjarki ya está disponible en Hellcat

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h i s t o r i a

D j

DESDE LOS ARCHIVOS

ANÉCDOTA DE LA PORTADA DE MAYO DE 1992 t e x t o

f o t o

Cuando Mixmag habló con And r ew We a t h e r a l l e n m a yo d e 19 9 2 , estaba montando a Hight por el éxito de su trabajo con Primal Scream y ya tenía fama de ser uno de los mejores DJs del mundo.

Pero también fue muy claro sobre su compromiso con la música con integridad y en la búsqueda de la excelencia, cualidades que permanecerían con él en las próximas décadas.

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A n d r ew We a t h e r a l l

CUANDO ANDREW WEATHERALL tenía 14 años, deambulaba con un reproductor de cassette de mano tocando “Rock” y “Roll suicide” de David Bowie una y otra vez. “Bowie realmente me inspiró. Era como si alguna vez necesitara evidencia para no ser normal, aquí está, de eso se trata. Sin embargo, siempre estaba destripada porque tenía el pelo rizado y no podía cortarme las plumas”.

Cuando Andrew Weatherall tenía catorce años, iba a los soul weekenders todas las noches. A pesar de que encontró la música “un poco húmeda”, le gustó el aspecto social y se fue a casa a escuchar sus discos de Boland y Led Zeppelin. “Entonces digo The Sex Pistols y eso fue todo. Se suponía que el punk derribaba todas las barreras, y por un tiempo lo hizo. Realmente me inspiró, pero finalmente todo lo que hizo fue crear un nuevo conjunto de reglas. Eso es lo que ha pasado ahora. Donde se suponía que debía ser: usar lo que quieres, escuchar lo que te gusta, hacer lo que te gusta, todo ese asunto del club ha establecido un nuevo conjunto de reglas. La longitud de tu cabello ahora indica cuánto tiempo has estado en la escena, se usa como una insignia. Sé que la gente necesita un sentido de identidad, pero seguramente...

Como uno de los mejores DJs del país, la reputación de Andrew Weatherall se basa en el hecho de que, por más cliché que parezca, nunca se agotó. Siempre se ha negado a comprometer su estilo ecléctico y ha defendido su gusto católico y su infatigable devoción a la música inconformista. Con una política estricta de apegarse a absolutamente ninguna política, una noche podría estar celebrando raíces y cultura en un estilo de doblaje, la noche siguiente, flashback ácido y baile de trance. La selección de Weatherall es extraña, pero rara vez es una rutina. “Algunas personas dicen que soy voluble”, se ríe. “Pero no es que me aburra, es que hay muchas cosas buenas para explorar. La música va en oleadas y lo que toco es solo un reflejo de lo que creo que es bueno en ese momento; por eso cambia y paso por fases. Si salí y compré un montón de buenos discos de techno, los tocaré, entonces vendrá algo más. No es voluble, es simplemente nuevo”.

Antes de enredarse en el circuito de clubes, Wheatherall había comenzado a pinchar como la mayoría de los demás, tocando “solo fiestas y cosas así, nada demasiado espectacular”. Su fortuna cambia cuando su vida lo hizo y él se dio cuenta y fue arrastrado.

“Me metí en esto solo por The Trip at the Astoria, y luego comencé a ir a Shoom. Una noche fui a una fiesta y fui a hablar con Danny Rampling, pasé toda la noche charlando sobre música, luego bajé al club y le toqué un poco.

No podía creer lo que estaba tocando, nunca había escuchado algo así y me pidió que bajara a tocar en Shoom. Así que comencé de inmediato jugando en el mejor club del país, talvez de Europa, el club que teóricamente comenzó todo. Todo el asunto, eso y la remezcla, ha tenido que ver con suerte, he sido realmente afortunado. De lo contrario, me habría estado arrastrando por años”.

La reputación de Weatherall no tiene nada que ver con ninguna exageración mediática, de hecho, es muy cauteloso con la prensa y más con el trabajo anticuado de hacer tour de medios, recorriendo su caja de discos por todo el país, tocando en todos los clubes imaginables. “Para ser honesto, disfruto mucho más tocar fuera de Londres”, confiesa, “porque estás rompiendo ideas preconcebidas y jugando con un grupo diferente de personas cada semana”. Acabo de regresar de Belfast y nunca he visto algo así desde Shoom. No estaba orientado a las drogas, solo pura energía natural y falta de cinismo. Si viajas por el país, solo tocas en lugares como Manchester o Leeds, tal vez una vez al mes, por lo que, en teoría, nadie se aburrirá, y lo disfruto. Siempre fui el niño que, tan pronto como obtuvo un nuevo disco, dio la vuelta a la casa de su compañero y dijo: “¿Qué piensas de esto?”. Ahora lo estoy haciendo a más personas y me pagan generosamente por ello!”

Weatherall es tan venerado por sus habilidades de remezcla como lo es por su DJ. Rigurosamente independiente y cargado de actitud, nunca ha estado obsesionado con sonar como sus contemporáneos, confiando más en su pura pasión por la música como inspiración. Su característico timbal de ritmos monstruosos y su sensibilidad apedreada le dan pistas a su alter ego y aunque ninguna de sus mezclas ha sido inmediata, todas crecen sin excepción para ser duraderas.

“Siempre he pensado que la mejor música no fue creada, se hace en un instante. Las primeras cosas que vienen a la mente suelen ser las mejores; una vez que empiezas a afinar y afinar las cosas, desaparecerás por el culo. Comienzo un remix teniendo en cuenta que la banda ya ha hecho lo que creen que es

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la mezcla perfecta, por lo que no es necesario tocar eso. Intento retener el espíritu del original y tocar todo lo que es imperfecto. Lo que hace que el remix sea más interesante. Evito muestras gratuitas que no tienen nada que ver con la pista”.

“Si hay algo que solo se usa una vez en el original, o si hay algún error en la pista múltiple, los tomo y los uso. Probablemente, son tan extraños que si los magnifica, todo se vuelve mucho más interesante. Si escuchas mi remix de Jah Wobble’s ‘Visions of You’, Sinead O’Connor canta una nota vaga y luego dice ‘globlocks’. Lo dejé porque le da un poco de humor”.

El oído de Weatherall por los ricos y raros y su inclinación por las imperfecciones y el hipo musical le dan a sus remixes un estilo distintivo y una ventaja que son inmediatamente identificables. Su habilidad para construir pistas alrededor de un sonido en particular, o un solo riff de guitarra, ha transformado el pimp rock pimp de James´´Come Home´ y el boom sónico de My Bloody Valentine´Glider´ en movimientos principales. Sin embargo, su mayor golpe es, sin duda, su improbable colaboración con Primal Scream, los niños indie que alguna vez fueron golpeados, los candidatos menos probables para la conversión, dada su fijación musical con las deidades del rock and roll. Metamorfoseó la canción “Estoy perdiendo más de lo que nunca tendré” en “cargado” quitando las voces, reemplazándolas con Peter Fonda y secuestrando el ritmo con ritmos en bucle. El resultado radical cristalizó el verdadero espíritu de la música dance y anunció el comienzo de una nueva era tanto para DJ como para banda. Weatherall pasó a producir música del aclamado LP ‘Screamedilica’, y mientras que la mayoría de los DJ se convierten en un elemento permanente en un club en particular. Weatherall ha prometido su lealtad a la banda, tocando en una gira con ellos y probando la vida en el camino al verdadero estilo rock ‘roll’.

“Hay mucho por explorar.

La música va en oleadas y lo que toco es un reflejo de lo que creo que es bueno” “Todo lo que se suponía que debía hacer era despertar a la gente”. Se encoge de hombros Weatherall; “Hacer que la gente hable y haga lo suyo. No se suponía que fuera como, “Aquí están las reglas, cumpla conmigo”. Con el desarrollo inevitable del sello Boy´s Own, Weatherall incursionó con los últimos pero geniales Bocca Juniors, quienes bendijeron la pista de baile con ´Raise´ y ´Substance´, ambos ahora eliminados. El sello también le dió la oportunidad de consentir su defensa de íconos y héroes olvidados o ignorados por la industria de la música. Como tal, Boy´s Own efectivamente reclutó a Jah Wobble del desierto al soltar ‘Bomba’ cuando nadie más lo tocaría.

Teniendo en cuenta que la demanda exitosa es totalmente autónoma a su conclusión natural, Weatherall ha establecido su propia etiqueta. Sabres Of Paradise. Es una oportunidad para crear y colaborar, volver a lo básico y completar proyectos directamente desde la mesa de mezclas hasta el tocadiscos, eliminar a los intermediarios y, en busca de la excelencia, mantenerse un paso adelante.

“Teóricamente puedo despertar con una idea el lunes por la mañana, estar en el estudio, tomar el acetato y tocarlo durante el fin de semana”. Con una gran compañía discográfica no puedes hacer eso. Solo quiero entrar, ser indulgente, no voy a ganar dinero con eso, dice. “Es solo puro entusiasmo lo que me mantiene “un paso adelante”. Eso hace que parezca que me levanto por la mañana y flaco, “¿Qué puedo hacer hoy que va a ser diferente para todos los demás?”

Y no es así. Todos los días salgo, compro algunos discos nuevos y escucho algo que me pone los pelos de punta. Por eso lo hago y eso es lo que me esfuerzo por hacer. Soy un fascista total de la música y si lo que hago no llega a cero, me siento realmente deprimido, por eso pongo tanto esfuerzo en lo que hago”.

SETS AND SETTINGS

MICHAELANGELO MATOS

cuando la música de ese período volvió a ocupar un lugar central a principios de la década de 2000, también lo recuperó casualmente y aunque nunca dejó de tocar para pisos, a medida que avanzaba la década, ponía cada vez más conjuntos que funcionaron como mixtapes en lugar de interminables sesiones de ritmo.

Anexo A: Solo trata de resistirte a la “Guitarra Rock & Roll” de Johnny Knight: “Cuando escucho el sonido de la guitarra salvaje / Empiezo a sonar como un hombre de Marte”.

Una vida en diez mezclas.

DEREK PLASLAIKO, el gran DJ de Detroit a Berlín y residente de larga data de la gran fiesta techno de Nueva York The Bunker, lo resumió mejor que nadie. El 17 de febrero, tuiteó: “Abrir Twitter y los primeros 25 (al menos) tuits son sobre Andrew Weatherall y darse cuenta de que es porque falleció es una de las experiencias más crueles que he tenido aquí”.

Yoy no tenía que haberlo conocido o el evento conoció a Andrew Weatherall para sentir que lo conocía. En un buen día y había muchos, era el hombre más ingenioso de la música dance.

“Pensé, ¿DJs Héroes? La gente necesita héroes, pero en serio, esto es ridículo”, dijo una vez. Pero su apertura y curiosidad eran casi inigualables en su campo. Pocos DJ´s tenían su gama abierta pura. Y pocos eran tan cautivadores o fascinantes en los decks, no en un par de estilos, sino en cada uno en el que ponía su mano. ¿Fue Weatherall el mejor DJ de todos los tiempos, como sugieren el escritor Joe Muggs y Erol Alkan? Estos 10 sets en tres décadas dicen: solo tal vez.

Kaos, Leeds (1991) Weatherall se hizo un nombre como arquitecto del sonido holgado del eternamente delicioso ‘Loaded’ de Primal Scream en 1990, pero no se detuvo en su propio pasado por un segundo. A medida que la escena rave se volvió más loca, también lo hizo lo que tocó y para un atavista (sin mencionar un amante del punk y el rockabilly) como Weatherall, los athems eran tan tentadores. Este set hace una hora gloriosa de esa era de manicomio.

Essential Mix (Noviembre de 1993) Este show techno explosivo y cambiante fue solo el tercer set de toda la serie, pero la sofisticación y el sentido del ritmo de Weatherall ya estaban por delante de todos los que lo rodeaban. El ritmo dramático es muy rockero, incluso cuando el BPM y las líneas b se lanzan demasiado rápido para él: la repetición juvenil

Profesor de mixologia y autor de “The Underground is Massive”

de ‘Requiem’ de Killing Joke es una declaración de intenciones, así como un opening asesino. Mejor aún, se abre camino hasta el golpe plano del gruñido ácido de la esfera interior “Let´s Get To Work”.

Essential Mix (Octubre de 1996) Deep house como disco lunar: prácticamente puedes ver los destellos de la bola de espejos en los bordes de esta música. También puedes ver extraterrestres.

Live at the Social Volume 3, CD1 (React, mayo de 1999) A finales de los años 90, el house adquirió un brillo más tecnológico, se hacía más en computadoras que con equipo y la mezcla de Weatherall tiene un molde claro y sin nubes que se marca intensamente. Es utópico, que le da a la mezcla algo de peso extra: el remix de Marshall Jefferson vs Noosa Heads ´Mushrooms´ de la Orquesta de Salt City, un relato dulce de un viaje inolvidable. Como beneficio adicional, en el CD2, Richard Fearless de Death In Vegas miró hacia la próxima ola de electro.

Hypercity (Force Tracks, mayo de 2001) Aunque a principios de la década de 2000, el minimal techno y el micro house tenían una mala reputación,

al principio eso era con frecuencia magnífico. Pocos sets lo muestran mejor que el recorrido de Weatherall a través del catálogo temprano de Force Tracks, que fue uno de los mejores del estilo. Es brillante, juguetón, oscilante, y termina perfectamente con el remix de Mathias Schaffhäuser del himno de la escena de Luomo, “Tessio”. Weatherall es venerado por su amplitud; aquí es igualmente efectivo limitado a 30 ítems de un solo sello.

Fabric 19 (Fabric, Noviembre de 2004) La contribución de Weatherall a mediados de la década de 2000 a la serie de CD mix de Fabric comienza con los retrocesos de moda de esa época en toda su pompa. El bajo de sintetizador barato de Sexual Harrassment de principios de los 80 ‘I Need A Freak’ (“With curly hair… in underwear!”) Que se convierte en Egyptian Lover es todo lo que necesitas para saber que estás en manos de un maestro nuevamente. Cuando se desvía al tiempo presente, resume un boogie robot de mediados de los años 00 con un barrido, el tipo de cosa que Andrew Weatherall hizo una y otra vez.

FACT Mix 85 (septiembre de 2009) Weatherall había llegado a la era musical en el post-punk, por lo que

RA.470 (junio de 2015) A partir del verano de 2013, Weatherall y Sean Johnston comenzaron a promocionar A Love From Outer Space, una fiesta donde el BPM de límite superior era 122. “Es un oasis de lentitud en un mundo de velocidad creciente”, fue una fiesta de etiqueta. Esta hora de ritmo suave pero poderosamente concentrado va un poco más rápido que eso, pero la idea es la misma: la comodidad supera la velocidad. Aparte de eso, no hay un tema primordial: “La idea era secuenciar algunos discos juntos sin que las uniones fueran demasiado aparentes”, explicó en las preguntas y respuestas que acompañan a la mezcla, algo que no tenía necesidad de hacer.

Festival Dekmantel, Amsterdam (Agosto 2019) Una clase magistral de tres horas y media con compilaciones lentas que se mantienen atractivas. “Es un chamán, juega con un estilo diferente a los demás, un viajero sónico en el tiempo”, publicó Seze Devres, quien dirige la fiesta de Brooklyn Kiss & Tell, en Instagram. “Este verano Weatherall abrió el Festival Dekmantel, estaba lloviendo a cántaros durante su set. Tocó la banda sonora perfecta, creó el ambiente adecuado para el fin de semana. Cuando terminó, salió el sol”.

Music´s Not for Everyone (NTS Radio, Enero de 2020) No el show final de Weatherall para NTS (30 de enero), sino el anterior (2 de enero): como dijo Joe Muggs, “una mezcla cosmic-ambient libre de ritmos sin notas... dos horas de magia radiante, espiritual y de mantenimiento, precisamente lo que todos necesitaban esa semana”. Y ahora este: es una mezcla de raga india, ambient y new age que suena adecuada para un hombre que avanzó por los bordes más lejanos de la música.

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LA MÁQUINA DE LA EXPERIMENTACIÓN

MATTHEW DEAR Una doble visión del avant-pop; un cálculo artístico del siglo XXI; persona astillada, paradoja parafraseada, un acertijo rendido. Todo eso y más resume la apuesta de Matthew Dear Desde hace algunos años, Matthew Dear se ha colocado como uno de los creadores musicales más importantes a nivel mundial, trabajando con artistas tan diversos que han nutrido su propio sonido, haciéndolo un cambiaformas que oscila a la perfección entre convertirse en DJ, productor de música dance y autor experimental de pop. Es un artista fundador de emociones que ha sabido explotarlas tanto en Ghostly International como en Spectral Sound. Escribe, produce y mezcla todo su trabajo. Ha tenido remixes encargados por The XX, Charlotte Gainsbourg, Spoon, Hot Chip, The Postal Service y Chemical Brothers; ha hecho mezclas para DJ Kicks, Get Physical’s Body Language y Fabric Mix. Mantiene vigentes cuatro alias con lso cuales es conocido (Audion, False, Jabberjaw y Matthew Dear), cada uno con su propio estilo e identidad visual distinta.

Matthew Dear es una estrella del neo techno minimal y es uno de los productores contemporáneos más respetados por la comunidad de Detroit donde vive actualmente y desde donde confeccionó su primer álbum “Leave Luck to Heaven”, editado en Spectral Sounds (subsello de Ghostly International). Un disco que no pasó desapercibido para medios mainstream como Rolling Stone, Spin, NME y The NY Times y que puso el dedo en llaga de esta nueva ola de productores de minimal bailable. Además de este trabajo de pop minimal muy bien facturado, Dear ha dejado muestras de su clase en sellos como Plus 8 (con su a.k.a. False) y Perlon (bajo el seudónimo Jabberjaw), con los cuales se ha ganado el corazón de dos generaciones de Dj´s. Cuenta además con otro nickname muy popular entre los aficionados: Audion con el que ha editado otro álbum de techno fracturado, morboso y bien oscuro que se recuerda muy bien: Suckfish, que fue éxito del año (2005) y que ningún DJ dejó de pinchar al año siguiente.

Se extiende a horcajadas en múltiples mundos musicales y no pertenece a ninguno, ahora casi 20 años en su carrera caleidoscópica, con cinco álbumes y dos docenas de EP´s con millones de visualizaciones, se sienta con Mixmag para hacer esta entrevista.

Mixmag México: Cuéntanos un poco sobre el inicio de toda la aventura llamada Matthew Dear…

Matthew Dear: Es una combinación de muchas cosas.

Mi padre tocaba la guitarra, mi hermano escuchaba New Wave, por lo que estaba obsesionado con el sonido desde muy joven. En esencia eso es parte de mí.

Mixmag México: Seguramente a lo largo de tu carrera has tenido muchos aprendizajes, platí canos brevemente el camino que recorres para el entendimiento al cual has llegado.

Matthew Dear: Puedo decir que lo que sé, lo aprendí a lo largo de los años. Algunas cosas son fáciles, se hacen y listo, sin embargo, algunas otras toman años de errores. Pero tengo confianza al construir mi propio estilo y método de trabajo, el cual me ha dado muy buenos resultados.

Mixmag México:Tu eres uno de los artistas contemporáneos de mayor referencia entre la audiencia, ¿Cuáles consideras al momento tus artistas favoritos?

Matthew Dear: Escucho muchas cosas , pero estos son los que considero mis favoritos: Yves Tumor, Protomartyr, Adult, Baba Stiltz

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Mixmag México:Es muy difícil hacer coincidir diferentes tipos de artes, el pintor no hace música, el músico no hace esculturas, sin embargo, una buena parte de la inspiración es sin duda tomar elementos contrarios al arte propio, en el que la lectura no está alejada del arte sonoro... ¿puedes decirnos cuales son tu top de libros preferidos?

Matthew Dear: Claro, cualquier guía para reconocer los hongos de campo es algo quedisfruto mucho, Cat’s Cradle, Carving (libro instructivo de talla de madera), Growing Gourmet & Medicinal Mushrooms, Catch 22, hay muchos.

Mixmag México: Por tu larga y extensa carrera , seguramente has tenido que atravesar muchos países llevando tu música a lugares que no te imaginabas, por lo que debes de tener a estas alturas lugares favoritos para tocar en todo el mundo…

Matthew Dear: ¡Claro! Con toda seguridad puedo decir que México, también por supuesto, en el medio de la nada (la energía siempre es mejor allí), e incluyo ahí a Lituania.

Mixmag México: Hoy en día la cantidad de herramientas digitales y análogicas que hay para producir o hacer sonar cualquier cosa, ¿qué opinas tu y que software utilizas para producir?

Matthew Dear: Yo hago música con cualquier cosa que pueda tener en mis manos. Los he usado a lo largo de los años, y en lugar de seguir uno, me muevo entre Logic, Ableton, Reason, Fruity Loops y mi hardware. Tener la posibilidad de crear en cualquier plataforma te permite no limitarte creativamente, fluir en el proceso creativo es parte del aprendizaje.

Mixmag México: Eres un productor muy fructífero, teniendo importantes proyectos… Cuéntanos sobre Audion, uno de los favoritos de todos.

Matthew Dear: Audion es mi alias techno. En 2003, la música como Matthew Dear se estaba volviendo más vocal, así que comencé a hacer techno extremadamente fuerte y loco como Audion para equilibrarme. Era necesario expresar específicamente cada idea que tenía o iba surgiendo.

Mixmag México: Teniendo gran parte del arsenal de marcas de hardware ,aparte después de usarlo tantas veces ¿Qué dispositivo o sintetizador (físico) es tu favorito?

Matthew Dear: En este momento estoy usando el nuevo Tracker de Polyend.

Mixmag México:La calidad sonora a la hora de producir es fundamental para no romper con el proceso creativo y tener una referencia clara de lo que se está haciendo, ¿qué monitores tienes en el estudio?

Matthew Dear: Uso Pioneer RM-07 y Dynaudio M3XE. Mixmag México: Cuéntanos sobre tu disquera Ghostly International, una de las promesas de la cultura del underground así como un referente obligatorio para conocedores en el tema..

Matthew Dear: Ghostly es el sello que lanzó mi música por primera vez. Conocí a Sam un año antes y tuvo la visión. Entonces fuí el primer lanzamiento del sello y me he convertido en el artista con más lanzamientos en este sello hasta la fecha. Es suficiente decir que es y será mi hogar para siempre.

Mixmag México: Mantenerse actualizado es uno de los puntos importantes a seguir para conservar un punto consagrado como el tuyo… ¿qué es lo que tienes terminado próximamente para salir o que apenas lograste consolidar?

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FotografĂ­a: CortesĂ­a del artista

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Matthew Dear: Mi nuevo lanzamiento en Planet E está casi terminado, así como un nuevo alias llamado Brain.

Es todo lo que amo del techno. También hice un remix para Tegan & Sara y tengo una pista vocal en el nuevo álbum de Dense & Pika.

Mixmag México: Estamos viviendo cosas muy locas en todas partes… ¿Cuál es tu visión sobre el futuro del mundo como la conocemos actualmente?

Matthew Dear: En este momento todo es muy incierto, ¡tu suposición es tan buena como la mía! A lo que puedo decir no estamos exentos de nada.

Mixmag México: Platiquemos de tu trabajo como Matthew Dear, sabemos que tener en balance lo físico y lo mental en las presentaciones es lo ideal ¿Cómo preparas tu mente antes de cada show?

Matthew Dear: Si, es necesario, sobre todo yo me relajo.

Trato de recordar quién soy en casa, en el automóvil o con amigos. Recuerdo sonreír y divertirme, porque tengo mucha suerte. Comenzar a disfrutar es parte del secreto.

Mixmag México: ¿Cuáles son las colaboraciones que tienes próximas a salir?

Matthew Dear: Greg Ahee de la banda Protomartyr y Troy Noka.

Mixmag México: Muchas veces nos podemos imaginar que los lugares más grandes y masivos son los preferidos por todos pero ¿cuál es tu Lugar favorito para tocar (club, festival, venue)? Matthew Dear: Dirty Bird Campouts sin duda alguna.

Mixmag México: Nuestro país es considerado por muchos djs uno de los mejores en cuanto al dancefloor y ambiente que se vive en cada evento ¿Qué opinas del público mexicano las veces que has tocado?

Matthew Dear: He tenido una larga relación con México. Mi primer viaje fue en 2003. Tuve una celebración de cumpleaños con todos mis amigos en 2007. Cada vez que visito, ya sea Ciudad de México o ciudades más pequeñas, me encuentro con la mejor energía. Amo a la gente.

Mixmag México: Siempre la diversidad de géneros es muy importante para lograr contemplar desde otro punto de vista cualquier cosa, en este sentido ¿cuál es tu track no electrónico favorito?

Matthew Dear: Daydream Nation de Sonic Youth Mixmag México: El producir muy bien tiene algún defecto que sin duda es que vas a tener que estar produciendo durante largas jornadas, frente al monitor, con tal vez poca ventilación y en muchos casos un clima frío… ¿Usas una silla en específico en tu estudio?

Matthew Dear: Sí, me encanta la silla ejecutiva Knoll Pollock.

Mixmag México: Tener una fuente de inspiración es importante, sin embargo muchos se ven limitados en lo que ven en su día a día… platicanos un poco sobre qué es lo que te inspira para explotar tu arte…

Matthew Dear: ¡La vida! Pero de manera subconsciente. Me veo como un conducto para mi experiencia en mi música. No ignoro nada en mi vida, pero tampoco pretendo saber qué significa todo. El resultado es mi experiencia personal y la música que hago refleja esto.

Mixmag México: La tecnología al alcance de la gente y de los productores ¿Cuál es tu DJ Booth ideal / perfecto (lo mismo para el acto en vivo)?

Matthew Dear: Mucho espacio para mi equipo, mucha potencia y estar lo más cerca posible de las personas.

Mi sala en Santiago estaba completamente rodeada de gente en la pista de baile y me sentí tan vivo con la gente que estaba allí conmigo. Yo estaba en la fiesta.

Mixmag México: ¿Cuál crees que es el futuro de la música que conocemos hoy?

Matthew Dear: Yo digo que la música salvará la industria de la música. El poder de una buena canción es

siempre el ganador. No importa cuánto dinero tenga, en qué sellos se encuentre o qué equipo use. Si haces una gran canción, el mundo la escuchará. Eso es poderoso Mixmag México: La tecnología va de la mano con la música, ahora y cada día más de manera portátil… ¿Podrías decirnos 3 aplicaciones principales que uses en tu teléfono?

Matthew Dear: Me encanta la suite de aplicaciones de Adobe. Son excelentes herramientas para cualquier artista que se promocione a sí mismo. También me encanta Snapseed para la edición de fotos y una nueva aplicación de arte vectorial llamada Assembly. No uso aplicaciones para música, pero me encantan para retoques artísticos y fotográficos.

Mixmag México:¿Qué opinas de los agentes y agencias de booking?

Matthew Dear: Bueno, llevo casi 15 años con mi agente estadounidense. Ahora es un gran amigo. No sabría qué hacer sin él. Hay una fuerza en ese vínculo, sabiendo que él me respalda y me presionará para que obtenga lo que merezco y sea honesto cuando algo no funciona como espero. Pero Europa, por otro lado, es diferente.

Actualmente no tengo agente por primera vez en 20 años y eso me da un poco de libertad. Veremos qué sucede allí después de que se solucione este desastre.

Mixmag México: Las influencias en tu música muchas veces pueden no ser tan claras… cuéntanos sobre algunas referencias musicales o artistas o canciones que cambiaron tu vida…

Matthew Dear: El álbum de Beck, Odelay, The Bends de Radiohead, Sonic Youth’s Dirty, My Bloody Valentine’s Loveless y el de Smashing Pumpkin’s Siamese Dream.

Estos álbumes me dieron forma.

Mixmag México: ¿Podrías dar algunas recomendaciones a todos tus seguidores y al público en general de lo que es o significa comenzar una carrera en este ramo?

Matthew Dear: Si, sobre todo haz la música que quieres hacer. Si a la gente le gusta, genial, puedes hacer una pequeña carrera con eso. Si no les gusta, sigue trabajando en tu estilo. Nunca intentes copiar la música de otras personas para tener éxito, ya que te dejará vacío.

Esto es música, no Hollywood.

Mixmag México: En todo el mundo y en todos los aspectos artísticos se nota que la falta de oportunidades es una constante para el desarrollo y evolución en materia artística, ¿Cuántos DJ´s nacionales no se van por falta de oportunidades? ¿Crees que esa es la razón?

Matthew Dear: Esa es una gran pregunta. Hubiera respondido de manera diferente hace 2 meses tal vez.

Ahora, veremos qué sucede con muchas carreras después de esto. Dicho esto, recordé recientemente que mis primeros conciertos en Berlín en 2003 fueron por muy poco dinero. Estaba emocionado de tocar música.

No se trataba de ganar mucho dinero y trato de recordarme a mí mismo para eso. La música no siempre debe ser lo único que hacemos para ganar dinero. Sufrirá si se le presiona demasiado.

Mixmag México: Para cerrar esta entrevista cuéntanos una anécdota sobre el mejor momento de toda tu carrera...

Matthew Dear: En 2013, abrí para Depeche Mode con mi banda en vivo en Europa. Hicimos 5 shows. El show final fue en Roma en el Estadio Olímpico con 80,000 entradas agotadas. Había estado guardando un traje blanco para usar en el último show y me lo puse. Tocamos muy bien y mientras caminaba por el escenario debajo del estadio, vi a Depeche Mode bajando por el pasillo caminando hacia el escenario. Estaba nervioso, ya que no había visto a Dave Gahan entre bastidores y no quería interponerme en su camino. Rápidamente entré en una puerta abierta y esperé a que pasaran. Pasaron y unos 5 segundos después, Dave Gahan camina hacia atrás hasta la puerta. Se inclina y dice “¡Bonito atuendo!”. Luego camina de regreso con el grupo. Nunca olvidaré ese momento

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KEYSTEP PRO Controller & Sequencer

DESBLOQUEA TU POTENCIAL: Toma el control total de tus equipos modulares, sintetizadores e instrumentos virtuales, todo al mismo tiempo. 4 pistas de secuencias polifónicas independientes, Una secuencia rítmica de 16 instrumentos, controles intuitivos que hacen que interpretaciones complejas sean muy sencillas, y una conectividad sin igual.

KeyStep Pro tiene un excelente teclado de 3 octavas con sensibilidad a la velocidad y aftertouch.

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HIT THE STAGE: Nuestros secuenciadores se pueden ver en todo el mundo y son amados por los mejores artistas, estudios y productores. KeyStep Pro hace que tocar en vivo sea fácil, inspirador y divertido, con controles instantáneos e intuitivos. Arpegiador multimodo, aleatoriedad, modo de acorde fácil y grabación en tiempo real para crear en vivo. ¡Las nítidas pantallas OLED y los controles con iluminación LED también te ayudarán a verlo todo en la oscuridad!

UNE TUS EQUIPOS: Tu colección cada vez mas amplia de instrumentos modulares, boutique, sintetizadores antiguos e instrumentos virtuales finalmente pueden funcionar al unísono, gracias a la conectividad asombrosa que KeyStep Pro tiene. 4 salidas CV, Gate y Mod, 8 salidas dedicadas de Gate de batería, relojes, entrada MIDI, 2 salidas MIDI, salida independiente del metrónomo, entrada de pedal de sostenido, y USB.

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SASHA CARASSI Nos platica sobre su disquera Phobiq la cual nació hace unos once años y su objetivo era lanzar toda la música que le gustaba y gusta tocar.

Esta en constante búsqueda de jóvenes talentos y todo lo que le puede dar emociones.Le encanta el público Mexicano, comenta “es cálido como los napolitanos, siempre amable y acogedor. Es un placer viajar ahí en todo momento.”

Sobre los gustos musicales tiene una parte rockera siendo Led Zeppelin uno de sus grandes influencias, por otra parte el lado de los sintetizadores le pertenece a The Chemical Brothers , que son inspiración de más de uno.

La inspiración llega en cada momento de su día, la música está a su alrededor y solo puedo ser influenciado por todo lo que escucha. Sasha piensa que en todo tipo de música hay algunas gemas, pero una de las tendencias que lo influyó ha sido toda la música house americana de la “vieja escuela” de los primeros años 90. En los años siguientes se ha acercado a otros géneros musicales, principalmente funk, rock y electrónica.

Disqueras globales En su reciente suma a Dynamic music, habla sobre un cambio en su carrera porque todo lo que escuchó a su alrededor ya no tenía el mismo sentimiento. Entonces, ha estado explorando profundamente dentro de él, tratando de entender cuál será la dirección correcta.

Estaba buscando algo que lo representara por completo, pero siempre será el DJ ecléctico que ya conoces, le encanta la fiesta. Aún tiene planes en el futuro con este label el cual se ha creado con una base de respeto a Solomun. Un trabajo arduo siempre lo ha llevado a conseguir metas reales, por el momento va estar enfocado en su disquera aparte comenta que está a punto de abrir una nueva, más orientada a 360 grados,

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más información la dará a conocer en las próximas semanas / meses.

El inicio de algo grande Comenzó a poner discos cuando tenía 12 años más o menos. Durante su adolescencia fue DJ residente en el área de Dinamik, el club más famoso de la zona. Comenzó a producir música en su habitación en la segunda mitad de los 90 y a lanzar en diferentes sellos, pero el gran paso fue su lanzamiento en Drumcode. Lo que impulsó su carrera a las grandes ligas.

Por lo que comenzó a dedicarse de lleno a la música , teniendo todos los géneros como referencia, a la cual acude para referencias e inspiración. El trabaja 24 hrs en esto por lo que para el es un trabajo maravilloso, siempre fue su sueño desde que pequeño y, afortunadamente, su trabajo también es su pasión.

Para producir es muy ligero el trabajo con Ableton Live por los complementos que puedes añadir,esa es la parte importante Carassi tiene toda la colección arturia, algo de Roland y todas los waves , por nombrar algunas, son esenciales para él.

El mundo un lugar pequeño Nos habla sobre los diferentes públicos a lo largo de su carrera , dice que cada público tiene una belleza diferente, tiene un gran sentimiento con el público napolitano y el latino porque son muy similares. Durante los últimos años pasa mucho tiempo en el estudio y espera lanzar un álbum.

Durante este período de cuarentena, tiene aún más tiempo , así que se puede esperar noticias próximas.

El está muy concentrado en hacer música por lo que se tiene que limitar muchas veces a otras actividades, tienes que sacrificar algo todo el tiempo.

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South London´s ´multifaceted party started´

Curators of Arabian cool

Gut-wrenching electro

Mutant Joe, con sede en Brisbane, hace electro

Ella es una figura clave en la resurgente escena

Dar Disky (que significa ‘hogar de la discoteca’) es

de garaje de IK, pero OK Williams es una DJ cuyos

un dúo de DJ´s y sello impulsado por una misión:

tosco y crudo. Gira y manipula instrumentos

sets rara vez se limitan a un género. Ya sea que

llevar el house y la disco árabe al occidente. Mazen

analógicos para crear un ambiente embrujado y

esté bombardeando en el club o explorando los

Al Maskati y Vish Mhatrahave han actuado en todo

malvado que TNGHT recogió en su Essential Mix el

reinos exteriores de sus gustos en su programa

el mundo, sus viajes frenéticos a través de discos

año pasado, que presentó no menos de cuatro de

mensual de NTS, la habilidad de la artista del

edificantes. Dividen su tiempo entre Londres y

sus canciones. Mezcló con éxito el rap y el electro,

sudeste de Londres para unirse a diferentes estilos

Bahrein, donde más tarde en el año se presentarán

como escuchó en el abrasador Collab con el

de Dance la ha visto crecer. Un espacio de apertura

y exhibirán en el Ministerio de Cultura para celebrar

canadiense Freddie Dredd en el “ Operation Chaos”

reciente en Panorama Bar muestra cuán lejos ha

la escena musical de Bahrein. ¿Tienes curiosidad

de cuatro tracks y en el “Home Invasion Athems”,

llegado esta autodenominada

por la diferencia entre dabke, rai y habibi house?

un LP del año pasado. El futuro es brillante para

“iniciadora de fiesta multifacética” en poco

Empieza aqui.

Mutant Joe, aunque su música seguramente se

tiempo.

´Dar Disku 003´ ya está disponible

mantendrá inquebrantablemente oscura.

‘Operation Chaos’ ya está disponible a través de Natural Sciences

A R T I S T A N U E V O A B R 2 0

Rap dinámico del sur de América

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Meditación del reggaeton mexicano

Sonidos cruzados de género

Louisiana’s Delish Da Goddess crea lo-fi rap con

Desde J Balvin rompiendo Ibiza hasta ‘Despacito’

letras ardientes. Ella tiene siete Eps en su haber,

gobernando las listas, el reggaetón se está apo-

al DJ y productor con sede en Chicago Ariel

ha tocado en espectáculos con artistas como Big

derando del mundo. Pero de vuelta en su corazón

Zetina a pinchar y sus mezclas de crossover están

Freedia, Peaches y Le1f y ganó el premio Best Raps

latinoamericano, Meth Math (del vocalista Angel

impregnadas de sabiduría hablada y cantada, a

and Bounce en la ceremonia de los Premios Big

Ballesteros y productor de error.error y Bonsai

menudo en homenaje a la historia y el futuro de la

Easy 2018. El último sencillo ‘Bye America’ combina

Babies) están empujando el reggaetón a lugares

cultura queer. Después de dos EP´s el año pasado,

un ice-cold flow con ritmos con sabor a trap. El

más oscuros. El EP debut del trío presenta bajos

‘Organism’ en Majía y ‘Shell’ en Head Charge, llega

video se filmó en los humedales de Luisiana y

distorsionados, voces distorsionadas y ritmos

el EP de cinco pistas “MUAs At The end Of The

presenta la solidaridad entre las chicas negras que

palpitantes. El corte de apertura ´Perreando Y Llo-

World’. Al mezclar acid happy hardcore y techno

dependen unas de otras para sobrevivir.

rando´ se en los latidos de Meth Math llenándose

con ejemplos de tutoriales de maquillaje, explora “la

‘Bye America’ ya está disponible

de emoción.

percepción del maquillaje como armadura, barrera,

El EP debut de Meth Math llega este mes

Una experiencia en arte de performance llevó

sigilo”.

‘MUAs At The end Of The World’ está en femme

Q U I E N

E S:

25 años de edad, futuro héroe r´n´b de Brockley, South London

SIGUIENDO EL LANZAMIENTO de su EP ‘4U ‘de 2018, la vocalista del sur de Londres Ojerime debería haber tenido el mundo a sus pies. Había estado ganando aplausos por su misteriosa, seductora y silenciosa versión experimental de r´n´b, y había sido promocionada como un posible contrapunto del Reino Unido a personas como Kelela y Jessy Lanza.

Pero en el punto exacto en que debería haber estado llena de emoción por el futuro, se estaba desmoronando.

“Me llevó a ser hospitalizada”, admite. “Quería dejar la música, pero cuando eres un verdadero músico no lo dices en serio”.

Hacer frente a las presiones de la industria de la música condujo a un colapso mental y una estadía de seis semanas en el hospital. Pero durante su estadía, como parte de una licencia semanal de seis horas, viajaría a Kent para trabajar en un nuevo proyecto, dándole momentos de descanso muy necesarios. “Cuando me fui para siempre, volví a trabajar en la cinta”, explica. “Cada semana iba a Chatham para mezclar el disco y era un gran esfuerzo cuando mi salud no estaba en el mejor lugar.

Me obsesioné con eso, porque la música era lo único que tenía”.

El resultado es su flamante mixtape ‘b4 I breakdown’ que narra un período de su vida

en el que fue difícil ver una salida de la oscuridad, pero que en última instancia condujo a alguna salvación personal. Y quién sabe a dónde la llevará a continuación: con influencias de los años noventa ligeramente desgastadas que sugieren que un joven pasó escuchando a personajes como Alliyah y D´Angelo, y voces más suaves que la seda, Ojerime tiene todas las posibilidades de alcanzar las mismas alturas. Algunos de sus héroes en 2020.

Al igual que muchos cantantes de almas del Reino Unido antes de aquí, Ojerime encontró su educación vocal temprana en iglesias evangélicas, con su doble herencia

S U E N A

A:

Melancólico, futurista y leftfield r´n´b

nigeriana-jamaicana que también influyó en gran parte de su arte inicial. “Nunca quise forzar un acento estadounidense porque nunca me enseñaron a cantar”, explica. “Fui al coro de gospel durante años, escuché el r´n´b crecer pero solo tengo que sentirme cómoda con mi forma de cantar”.

Si bien es considerada un nombre en ascenso en el r´n´b electrónico, Ojerime ha estado grabando música durante la mayor parte de una década, lanzando su primer proyecto original, “The Silhouette” en SoundCloud en 2015. Antes de que los artistas de SoundCloud migraran para Spotify y Apple alrededor de 2016, Ojerime formó parte de una escena r´n´b underground en Londres que era DIY por naturaleza.

“Desde que comencé, no he gastado más de doscientas libras en cada proyecto porque siempre he tratado de mantener las cosas crudas”, nos dice. “Me estoy dando cuenta de que no tengo que depender de los demás”.

Además, Ojerime ha producido la mayor parte de su propia música a lo largo de los años, solo recurriendo realmente a ingenieros para obtener soporte externo.

En un mundo ideal, ‘b4 I breakdown’ no habría sido creado a partir de tanta tristeza y dolor, pero sigue siendo parte de quién es Ojerime y su historia. Más importante aún, es el deseo de Ojerime de darles a los oyentes todo lo que siente que es su propósito como músico y artista, pero por ahora: “Estoy aquí, y todavía estoy de pie”.

JESSE BERNARD b4 I breakdown´ está ahora en Believe.

E N T É R A T E: ´4U´EP (2018)

Este EP vio a la estrella de Ojerime ascender y expandió su rango no solo como vocalista, sino también como productora.

Video “I know Now”

Filmado en un túnel, en un predio municipal y frente a muros pintados de graffitis, “I know Now” tiene un video arquetípico del sur de Londres.

´fang 2001´EP 2016

Si está buscando una banda sonora para el autobús nocturno a casa desde el delirio, entonces el ´fang 2001´ de Ojerime puede ser el acompañamiento perfecto

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Q U I E N

E S:

El dúo de producción de Liverpudlian de Thomas Gorton y James Rand

ALGUNAS VECES a mediados de la década de 2000, un adolescente James Rand entró en un delirio rave con The Kif en Liverpool, buscando un lugar donde él y sus amigos pudieran fumar hierba. Justo en el camino estaba Parr Street Studios, un legendario espacio de grabación utilizado por Coldplay y los Smiths. “Tuve una noche muy pesada con algunas personas realmente extrañas”, recuerda. “Después de escuchar bandas durante años (guitarra, bajo y batería), me encantó cómo no podía decir qué era lo que estaba escuchando”.

La mañana siguiente en una sesión de ensayo con su “realmente atroz” banda, se dió la vuelta pensando “ninguno de ustedes va a entender esto”. James pronto abandonó las guitarras y comenzó a pinchar, ganando una residencia en un club local. Al tocar en Liverpool conoció a Thomas Gorton, un tecladista y cantante de una “banda un poco mejor” que estaba haciendo algunos conciertos. Tom recuerda haberse quedado dormido en el auto mientras su padre tocaba discos de Joy Division y New Order. Pero el también estaba metido con Dr. Dre, Aphex Twin y “vergonzosamente” raves de psy-trance.

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“Nos encantó salir, nos encantó la oscuridad y el ruido”, dice James. “Pero después de eso nos sentábamos y nos tocábamos música. Nos sentamos y nos tocamos música. Escuchamos las mezclas ‘Immer’ de Michael Mayer, lo que fue una gran influencia para nosotros desde el principio”. Inspirados, comenzaron a hacer melodías en la cocina de James. Alrededor de 2015, después de haberse mudado a Londres, fueron a una noche de Perc Trax en Corsica Studios. “Recuerdo lo aterrador que era, cuánto más roto y jodido”, dice James. “Pasamos de querer hacer cosas melódicas y teñidas de Europa a ser como ‘no, en realidad, el techno del Reino Unido es eso’”.

Tom estaba escribiendo para una revista de estilo que recientemente había publicado un artículo sobre el emergente MC Stash Marina de Massachusetts. Se convirtió en la primera colaboración de God Colony. “Me metí realmente en hacer ritmos y Stash y yo yendo y viniendo por correo electrónico hablando de lo que podría ser la letra”, dice Tom. “Es extraño tener esta relación creativa con alguien del otro lado del mundo que nunca he conocido”.

Después de haberse enseñado a tocar el piano, lo heredó de su bisabuela de 14 años. Tom a menudo escribe los acordes en las pistas de God Colony. “Ambos escribimos melodías y ritmos”, dice James, cuyo trabajo diario es mezclar para otro artista, incluidos los nuevos álbumes de Beatrice Dillon y Sega. “Puedo ser un poco ‘microscopio’ en mi enfoque, mientras que las nuevas ideas de Tom tienen mucha más anarquía”.

En los últimos tres años han trabajado con Kojey Radical, Gaika, Bbymutha y Jelani Blackman. Debut mixtape ´Cult´ es el siguiente: más características desconocidas relativas (junto a Mykki Blanco y Shygirl), incluyendo a Ib Kamara, un ex cantante de gospel cuya voz fue grabada como una nota de voz, y AZADI. Mp3, que rapea sobre los pelos de punta del club y Rizlas. Pegadizo, desorientador y claustrofóbico, es diferente a todo lo que escucharás este año. SAM DAVIES Cult´by God Colony saldrá el 27 de marzo

S U E N A

A:

Si TNGHT hizo ritmos para los raperos del Reino Unido

E N T É R A T E:

´Loot´(feat Gaika)

El BOOTLEG pirata de Rihanna ´s´Bitch Better Have My Money´.

Cópialo gratis en SoundCloud o míralos en vivo para otras ediciones del club de Goldie y Art of Noise

´Girls´

(feat Samirah Raheem) La luz destacada de “Cult” es un pisotón con una voz despiadada de la atrevida Samirah Raheem

´SE16´feat Flohio

Este corte incendiario de 2016 fue la primera introducción de muchas personas a God Colony y a uno de los más estimulantes artesanos de palabras del Reino Unido, Flohio.

Q U I E N

E S:

26 años contando una historia de desplazamiento a través de su música

S U E N A

A:

El industrialismo militarista cargado de drones se encuentra con la electrónica futurista francesa

E N T É R A T E:

´Guerrilla´

Nazar describe su álbum debut como una forma de kuduro “armado” que cuenta la historia de su familia sobre la guerra civil angoleña

“Enclave”

Su primer EP lanzado en Hyperdub. Baile anti-establecimiento que tiene un golpe político.

´Soundcloud´

Dirígete a su página de SoundCloud para ver una colección de las primeras demostraciones eclécticas de Nazar y sus atrevidos remixes.

duro hizo bailar a la gente y les ayudó a olvidar el trauma de”, explica. Comenzó a ver el dance como una fuerza curativa.

Pasó la siguiente década viajando por Angola, conociendo a su familia y escuchando sobre la guerra por primera vez: poco se escribió sobre el conflicto en los medios o en los libros. “Las historias y el silencio me hicieron enojar”, dice.

“Estaba llorando o lleno de ira. Cuando comencé a hacer música, quería hablar en contra del establishment y contar estas historias desconocidas”. Habiendo decidido una dirección y un tema para su música, Nazar desafió a sus padres y abandonó la universidad para seguir una carrera en la música.

Enviar demos a Kode9 y viajar a Londres resultó ser otra experiencia que le cambió la vida.

“Le envié canciones que consideraba” a través de “kuduro, una especie de forma armada del género, que contaban la historia de la guerra”, explica Nazar. Fue invitado a tocar en la noche del club Kode9 y Shannen SP y fue firmado con el sello poco después.

Nazar era un exiliado en Bélgica cuando experimentó racismo por primera vez, a los 10 años. Cuando un maestro le preguntó por qué su padre no estaba, Nazar explicó que estaba en Angola, como un soldado en la guerra civil. El profesor se rió y lo acusó de mentir, provocando el ridículo de sus compañeros de clase. “Estaban tan acostumbrados a juzgar a los padres de niños negros y asumieron que debido a que los míos no estaban cerca, debían estar en prisión”, explica. “Mi padre guerrea en lo profundo de la jungla, luchando. Dejé de asistir a clases”.

El padre de Nazar era un general rebelde de alto rango y, a pesar de estar a más de 7,000 millas de distancia, la familia aún estaba en riesgo. “Hubo un tiempo en que el régimen intentaba secuestrar y matar a personas del exterior”, nos dice el joven de 26 años. “Una vez, alguien aparece en la casa de mi familia y sabíamos que estábamos en peligro”.

Nazar escapó de sus experiencias diarias escuchando música de baile después de que su hermano le enseñó a descargar música ilegalmente. “Al principio fueron los grandes raperos

estadounidenses hasta que encontré el dance francés”, dice. SebastiAn, Daft Punk, Justice y Wookid fueron inspiraciones. “Recuerdo haber intentado hacer música pensando que un día iba a sonar como ellos”, dice.

Cuando la guerra de 27 años finalmente terminó, en 2002, Nazar viajó a casa. A su llegada, fue bombardeado con música dance angoleña kuduro-upbeat que se hizo popular en la década de 1980. “Estaba en todas partes: en autos, en la calle, en el aeropuerto, volando desde las casas. Animaba a la gente”, explica Nazar. “Ku-

Nazar regresó a Angola para hacer su álbum debut. “Es una crónica muy personal de la guerra a través de los ojos de mi familia”, dice.

Las historias orales, las grabaciones de campo y los extractos del diario de guerra de su padre se tejen alrededor de sintetizadores penetrantes, zánganos ensordecedores y ritmos militaristas para reflejar la brutalidad de sus experiencias. Sin embargo, a través de momentos de trance y house eufóricos, también hay una catarsis y esperanza. “Todos sobrevivimos y estamos agradecidos de estar vivos para contar estas historias. Nos enseñan mucho sobre la humanidad. Siempre quise contar las historias que debían contarse”. LIZ AUBREY ‘Guerrilla’ de Nazar ya está disponible en Hyperdub

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Una explosión de creatividad de un joven artista está transformando el drum ‘n’ bass

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AHORA MISMO, los JÓVENES artistas están subiendo de rango para encabezar el estado del drum ‘n’ bass a un ritmo fenomaenal, hay más festivales de verano que nunca antes y el género tiene la comunidad en línea más grande y activa desde los foros a mediados de la década de 2000.

En este momento se está escribiendo un nuevo capítulo en el indrum ´n´ bass y está siendo escrito por una nueva generación de fanáticos y talentos.

Tomemos el caso de Jay Carmen, también conocido como AC13. Antes de octubre de 2018, nadie lo conocía con ese nombre. Luego subió sus primeras pistas a SoundCloud. No creía que estuvieran listos para el consumo público, pero su novia en ese momento lo convenció de que sería una buena idea, así que le dio un giro y los compartió en la charla del grupo de Facebook DNB. En pocas semanas su agenda de DJ estaba llena. En cuestión de meses había tenido varios lanzamientos notables en sellos establecidos. Para octubre de 2018, estaba en su primera gira principal por Nueva Zelanda.

Hoy, aún menos de 18 meses después de esa carga inicial, ha labrado un nombre en el drum ‘n’ bass capaz de llenar clubes en todo el Reino Unido y más allá y ha abandonado una floreciente carrera en producción de videos para dedicarse a tiempo completo en música . Tiene 20 años.

“El apoyo y el aliento que tuve fue suficiente para hacerme ‘joder esto’”, sonríe el artista con sede en Bristol que está lleno de tatuajes, entusiasmo y basslines. “Dejé todo por la música. Todo. Estuve en quiebra.

Nunca he trabajado tan duro en mi vida, fue jodidamente intenso, pero vale la pena”.

Cimentado como headliner, con el toque de un pistolero, Jay está en buena compañía. Tomemos el caso del Jonathan Kievit de Rotterdam, también conocido como Imanu.

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Activo desde 2016 y anteriormente conocido como Signal, ha lanzado Deadmau5´s Mau5strap, Critical Music, Ram Records y Monstercat, y ha colaborado con artistas como What So Not y Noisia. Tiene 21 años.

plataforma Bloc2Bloc’s Ladies Radio, donde más artistas femeninas de nueva generación seguirán su ascenso acelerado. Entre los artistas clave a tener en cuenta están Kaz, J3nko y Lady Elusive.

“Estaba empezando la universidad y estaba recibiendo bastantes reservas incluso antes de que saliera mi EP sobre Critical”, dice Jonathan.

En línea es agudo, travieso y directo.

En persona está bien vestido y es un poco más tranquilo y más filosófico.

“Pensé: Tal vez si está tan ocupado antes de que salga el EP, ¿podré hacer esto para vivir?”. El EP salió y era el número 1 en Beatport y las cosas despegaron desde allí. Dejé la universidad de inmediato. Supongo que va bien...”.

“Todos estos artistas están en la adolescencia a mediados de los 20 años. Están mucho más centrados y determinados desde el principio. No es como obtener un juego de cartas y ver a dónde va”, dice Joe Perry, fundador de CruCast. Como promotor y gerente de artistas, no solo nota el aumento de talento de la nueva generación, sino también un cambio en su mentalidad. “Saben dónde quieren estar, con quiénes quieren tocar y con qué sellos quieren lanzar”, dice.

HAY MUCHAS otras historias de cosas que van bien para nuevos artistas. Más de lo que d´n´b ha visto antes. Y es global: el terreno pisando fuerte de Imanu en los Países Bajos está plagado de artistas de nueva generación que van desde el estudioso graduado en sonología Buunshin hasta el nuevo y líquido DJ Leniz.

Austria cuenta con jóvenes organizadores de agendas como Halflow y Phentix. Francia está disfrutando de su primer movimiento masse d´n´b con artistas jóvenes como Skylark, The Caracal Project, Trial y Monty, todos menores de 25 años y todos en los titulares internacionales de la escena. Mientras tanto, a través del Atlántico, jóvenes artistas como Flite, Echo B, Klipee y Winslow están comenzando a traer nueva energía d´n´b en América del Norte.

Más cerca de casa se puede tomar el caso de toda la ciudad de Manchester. Gracias a plataformas basadas en la comunidad como Bloc2bloc, hay una explosión de nuevos talentos de la ciudad. Boy e Indika son excelentes ejemplos. Bou ha dado la impresión de que ha colaborado con algunos de los pesos pesados mejor valorados del género, como High Contrast y Mefjus. Mientras tanto, las habilidades de mezcla de DJ Indika hicieron que Chase And Status la reservara para sus shows de RTRN II Jungle.

Mixmag presenció sus habilidades en noviembre de 2019 en la mega sede de Londres Printworks para un delirio de varios géneros por la destacada plataforma de música de bajo CruCast, y nos quedamos impresionados. Además de leyendas como Randall, Die, DJ Q y Jamie Duggan, casi toda la formación era de nueva generación en todos los géneros. La segunda sala fueron exclusivamente actos en el lado divertido de sus 20 años. La intensidad de los conjuntos de cabezas de cartel de Bou e Indika, más la energía ruidosa de la multitud de pared a pared, fue otro ejemplo perfecto de los protagonistas más frescos del género que escribieron este nuevo capítulo. Estos no son jóvenes pretendientes; el estilo de mezcla de Bou recuerda a un joven DJ Hype, cambiando con sorpresas subversivas y especiales. El set de Indika, mientras tanto, era una odisea de planchas que viajaba por continentes de subgéneros que no sabíamos que existían. Más recientemente, Indika se ha convertido en parte de la

Joe continúa discutiendo el aspecto más amplio de la industria y observa que detrás de escena hay tantos jóvenes que se convierten en gerentes, agentes y promotores.

“He notado la aparición de muchos nuevos promotores”, coincide Dutta, otro joven artista de Manchester que ha estado haciendo olas significativas en los últimos dos años pero que ha estado activo durante cinco años desde su primer lanzamiento a los 18 años. “Estos muchachos están manejando las cosas correctamente, están pagando, están promocionando las cosas correctamente, son muy profesionales. Honestamente, es un soplo de aire fresco”.

“Los promotores también son DJ y hacen música ellos mismos, están creando pequeñas escenas locales”, agrega Stompz, quien forma parte de la escena en Newcastle junto a actos como Skantia, Nectax y Kastro. “Es genial para todos, puedo verlo crecer y burbujear. Me imagino que así fue en el día en que Ray [Keith] y todos ellos tenían unos veinte años. Es otra parte del ciclo. Creo que nos perdimos eso por un momento, pero hay una gran concentración de jóvenes en esto ahora. Y eso atrae a una multitud más grande y a personas más inspiradoras y sigue creciendo”.

LA IDEA DE artistas y promotores más jóvenes que atraen multitudes más jóvenes es un punto de discusión interesante con todos con quienes hablamos. Con una nueva generación de ravers viene una nueva generación de cabezas de cartel y campeones. El final de la carrera de Andy C de los premios Best DJ del año pasado es un ejemplo de esto. Pero, ¿importa la edad si todavía puedes aniquilar una pista de baile?

“No, si lo estás destrozando, lo estás destrozando”, afirma Kanine, quien fue coronada como Best Newcomer 2019 en los Crum&Bass Arena Awards. Ahora con 22 años, Kanine surgió en 2016 e hizo un nombre para sí misma en el salto antes de que las cosas se volvieran balísticas en 2018.

Ha colaborado con personas como P Money y Killa P y es parte de la señal de socorro con otros dos nuevos artistas emocionantes, Simula (25 años) y K- Motionz (20). “Pero los jóvenes se relacionan con la música hecha por personas de la misma edad. Acabamos de salir de las raves, hablamos por los ravers más jóvenes,

las personas que van a los clubes cada fin de semana porque éramos nosotros literalmente hace unos años, así que es una relación diferente con la multitud”.

para ir a buscar nuevos talentos desde 2015 y lo será hasta que el grupo holandés se separe a fines de este año (lo que en sí mismo es otra señal de grandes cambios en el género).

Imanu no está seguro de que sea tan simple como eso. “No era raver.

Cuando escucho música, no me importa la edad de la persona que la hace y con los DJ solo quiero ver a las personas tocar su mejor música, ya sea que tengan 18 o 48 años”, dice. “Pero quizás con los DJ hay más identificación con artistas más jóvenes. Algunos de los chicos mayores aparecen con sus camisetas y jeans, se ven aburridos, tal vez no tan conectados. Pero si están tocando buena música, ¿te importaría lo suficiente como para salir de la pista de baile?”.

Otra fuente de acceso para nuevos talentos que no está programada para detener los negocios en el corto plazo es el canal / etiqueta de YouTube Skankandbass. Dedicados a los actos de nueva generación, muchos nombres nuevos esenciales obtuvieron su primer gran éxito allí, incluidos Gray Code, Particle, Klinical, Data3 y la artista femenina líder en el lado líquido de d´n´b, Dilemma.

Si su respuesta es sí, no está haciendo lo correcto, y es probable que se sienta decepcionado con la mayoría de los asistentes; para todos los nuevos talentos que estamos experimentando, el drum ‘n’ bass todavía está repleto de pioneros activos que crearon y cultivaron el género hace 20 años y todo un ejército de talentos de todas las edades. Pero hay un giro adicional en esta historia de nueva generación: el género ha alcanzado una edad en la que existe una dinámica diferente y un respeto mutuo entre los mayores y los contribuyentes más jóvenes. “¿Tal vez hay una especie de padre y eso?” reflexiona sobre Ray Keith, creador certificado de la jungla. “Podemos ser como”¡Vamos, arregla tu mierda!” Hemos cometido los errores, por lo que es nuestra responsabilidad ayudar a otros a evitarlos. Seamos realistas. La gente no te muestra cómo lidiar con la fama, decir lo correcto, hacer lo correcto, dejarse llevar por las drogas y la bebida. Es como la víspera de Año Nuevo todas las noches cuando explotas. Muchas cosas pueden salir mal, así que hay un deber de ayudar a los chicos nuevos a superar eso. Y necesitan todo el apoyo que podamos brindarles, porque esta industria es brutal. Tan pronto como alguien llega, tienen que quedarse porque alguien más ha venido. No envidio eso. No necesito preocuparme por el próximo Ray Keith porque estuve allí al principio. Los nuevos artistas no tienen ese lujo”.

El popular programa de Pyro Radio de Ray está dedicado a romper con nuevos artistas y no está solo: los padrinos del género Goldie y Bryan Gee también han sido consistentemente proactivos con nuevos talentos en sus sellos Metalheadz y V Recordings. Ram Trilogy y el jefe de AudioPorn, Shimon, han sido mentores y directores de muchos artistas nuevos y han sido fundamentales en el desarrollo y surgimiento de otro actor de peso pesado de la nueva generación enormemente influyente, Benny L. Ulterior Motive, DLR y Lenzman han establecido nuevos y emocionantes sellos (Guidance, Sofa Sound y The North Quarter, respectivamente) y han ampliado sus habilidades para incluir A&R y el desarrollo de artistas, alentando y atrayendo a artistas jóvenes. Noisia Radio también ha sido y es esencial

“Nuestro sello lanza exclusivamente al artista debut y actualmente tenemos una lista de más de doscientos artistas de los que queremos lanzar música”, explica el fundador de la marca, Seb Weingartshofer. Seb ve drum’n´bass desde dos perspectivas muy distintas: como fundador de Worship Artist, maneja algunos de los nombres más importantes del género, incluido Dimension, cuyo rápido ascenso en los últimos ocho años lo ha convertido en uno de los grandes talentos más jóvenes y cabezas de cartel en alienaciones d´n´b a la edad de 27 años. Como fundador de Skankandbass, también está a la vanguardia del género.

“Todos tienen talento, hacen música increíble y estos son solo los actos sin firmar”.

Seb atribuye esto a la edad de acceso. Cualquier persona menor de 25 años que esté haciendo drum’´n´ bass righ ha entrado en medio de los albores de la transmisión y la accesibilidad del software de creación de música, información y tutoriales, y entiende cómo usar las redes sociales para crear sus propios seguidores.

“Incluso cuando comencé a producir hace siete años, el acceso a las cosas no era como es ahora”, dice otro joven arma de Manchester Sl8r, cuyo nombre real es Connor McLeod. “Pero tal como está ahora, es un poco como el punk, solo los niños en su habitación hacen una mierda genial, solo intentan porque pueden y luego lo lanzan al mundo”. Eso es realmente emocionante”.

EL MUNDO ESTÁ listo para devorar todo lo que los nuevos artistas comparten. DNB Allstars en el mayor ejemplo. Actualmente responsables de una serie de eventos con entradas agotadas en todo el Reino Unido y un nuevo sello, poseen una serie de páginas comunitarias como DNBID, DNB Memes y su página insignia DNB Talk donde se descubren y siguen a muchos artistas nuevos (como AC13) por nuevos fanáticos.

Con 50,000 miembros, es el grupo en línea más grande del género y tiene una presencia comparable a foros como Dogs On Acid hace 15-20 años. No es casualidad que la época fuera otro momento particularmente próspero para el género cuando, como ahora, una ola muy clara de nuevos talentos entró en escena, floreció una amplia gama de subgéneros y la agenda de fiestas estaba tan ocupada como ahora.

“La máquina DNB Allstars ha hecho estallar las cosas. Es un poco como cuando apareció SoundCloud y la gente explotó de la nada. Ahora puedes enloquecer con los nombres que los actos establecidos ahora podrían haber escuchado”, explica Serum.

Un tercio de Kind Of The Rollers, ha estado lanzando música desde la última gran edad de oro y ahora está defendiendo a la nueva generación con su impronta juguetona y preparada para la fiesta.

“Antes, todos subían la misma escalera: todos estábamos haciendo melodías que querían tocar los grandes DJ´s y así fue como surgió.

Pero ahora puedes ser conocido de muchas otras maneras. Hay diferentes escaleras para subir, o puedes hacer tu propia escalera”.

Una analogía final que resume por qué el d´n´b ha alcanzado su estado saludable actual, lleno de oportunidades, proviene de Kanine. “Tal vez porque el género era más pequeño, a la gente le preocupaba conservar su porción del pastel”, dice. “Pero las cosas han crecido y todos se han dado cuenta de que no se trata de comer un trozo de su pastel; si a todos nos va bien, solo hacemos un pastel más grande. Y eso está realmente enfermo”.

“Artistas viejos o jóvenes, recién llegados, esto es d´n´b, todos nos inspiramos y mantenemos esta música viva y en crecimiento”.

En este momento se está escribiendo un nuevo capítulo en d´n´b.

Está siendo escrito por una nueva generación de talentos y fanáticos, pero cuenta con el apoyo de toda la escena y ha dejado el género en su estado saludable durante años.

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