Cora Novoa - Mixmag Spain #1 by Mixmag Spain

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M AY O - J U L I O CORA NOVOA FOTOGRAFIA POR BELLEDENUIT STUDIO

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J U L I O

REPORTAJE: La experimentación sonora y la innovación en creatividad digital inundan la Ciudad Condal con la 12ª edición del Festival MUTEK Barcelona

ENTREVISTA: DJ Solomun nos habla de su esperado álbum ‘Nobody is not loved‘

INDUSTRIA SOSTENIBLE: un planeta más sostenible, a golpe de bombo.

ENTREVISTA: Faithless es Dios Entrevista a Sister Bliss Entrevista a Nathan Ball Entrevista Mala Rodríguez

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REPORTAJE: ¿Qué plataformas serán tendencia este 2021? ¿Qué es Twitch y por qué está tan de moda? ¿Qué es Clubhouse y por qué está tan de moda?

ENTREVISTA: De viaje por L.A. con Tensnake

ENTREVISTA:Descubrimos de la mano de su autor Alex Martin, uno de los mejores discos del año: “Alex Martin -Classics 1994-1998” (Canela en Surco)

Carles Reixach César Berti David Surex Harvey Cubillos Javier Ferrer Jesús del Cerro Gaty López Cora Novoa Centros y Escuelas Certificadas en España

ENTREVISTA: Sam WOLFE, transformando el sonido de la ciudad

ENTREVISTA: CORA NOVOA. Pasado, presente y futuro de una ESTRELLA.

MONOGRÁFICO: Ableton, dos décadas revolucionando la creación y la interpretación musical en todo el mundo. Entrevistamos a los Ableton Certified Trainer de Ableton en España

ESTRENOS ONLINE. Os invitamos a conocer algunas de las entrevistas y estrenos en www.mixmag.es que más nos han gustado en lo que llevamos de año.

Breaks en tiempos de pandemia

OPINIÓN: POST-COVID MUSIC & CULTURE WEEKEND: 24h horas de cultura y música para celebrar el fin de la pesadilla vírica.

TECH: Los 7 mejores auriculares de estudio de 2021 Los 12 mejores monitores de estudio de 2021 Los 12 mejores giradiscos de 2021 Los 10 mejores mixers de 2021

REPORTAJE: Special Pioneer DJ 2021 news

N Ú M E R O

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Nuestra aventura en papel continua, aunque estos tiempos locos no nos estén dejando que sea con la regularidad que nos gustaría. Así que, para este número de mayo, junio y julio, volvemos a la atemporalidad, que para la inmediatez ya tenemos mixmag.es. Aprovechamos para hablar con amor y en profundidad con dos mujeres referente en la electrónica. La primera con solera, Sister Bliss (Faithless). La segunda, nuestra estrella en alza y protagonista de nuestra primera portada con artista, Cora Novoa.

Han participado en este número

STAFF

Cora Novoa, Sister Bliss, Faithless,Tensnake, DJ

Pat Quinteiro

Solomun, Mala Rodríguez, Nathan Ball, Carles

pat@mixmag.es

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DIRECCIÓN GENERAL Y DE CONTENIDOS

Reixach, César Berti, David Surex, Harvey Cubillos, Javier Ferrer, Jesús del Cerro, Sam WOLFE, Alex

REDACCIÓN

Dakov, Vanity Dust, David Hernandez Blasco

redaccion@mixmag.es

(Kapi), Alex Martin, Canela en Surco, Eduardo Carbonell (EvilSound), Marc Marzenit, EME DJ, Patricia Pareja Casalí, EPW, Juan Sebastián

DIRECCIÓN DE ARTE Y MAQUETACIÓN:

Torregrosa, DaveTurner (Mixmag.net), Patrick

Sheila Enfedaque

Hinton (Mixmag.net), Carlos Flavio, Víctor

shenfedaque@gmail.com

Fernandez, Sara J. Gonzalez Arribas, Carlos Peggo,

Descubrimos los lanzamientos de DJ Solomun, Tensnake y Sam WOLFE; y nos adentramos de la mano de su autor al interior de ese discazo suyo titulado “Alex Martin -Classics 1994-1998” (Canela en Surco).

Pat Quinteiro.

Agradecimiento especial a: Albert Domenech y toda la familia Ableton en España; Keleigh Batchelor de Pioneer DJ; Tom

En un amplio reportaje hablamos de como Ableton lleva dos décadas revolucionando la creación y la interpretación musical en todo el mundo, y sobre cómo lo han vivido los Ableton Certified Trainers de España, quienes además aportan una gran cantidad de tips sobre el nuevo Live 11. En nuestra sección de tecnología encontraréis nuestro especial de Pioneer DJ y una gran selección de novedades con lo mejor de este 2021 según nuestros compañeros de Mixmag en UK. Y… ¡Nos vamos de festival! Os presentamos todo lo que trae la 12ª edición de MUTEK Barcelona en su edición híbrida conjunta con MUTEK Argentina y el resto de ciudades de la Red Internacional MUTEK. Si no estáis en Barcelona del 3 al 9 de mayo, no sufráis, porque podréis ver más de 70 shows y muchísimo más, en su plataforma virtual.mutek.org durante de todo el mes de mayo.

MUSICA & PREMIERES Carlos Flavio

Leek de NYX Agency; Clara Suess de Suess Media; Justine Servais de Armada Music;

music@mixmag.es DIRECCIÓN COMERCIAL Sara J. Gonzalez Arribas comercial@mixmag.es

Gustavo Navedo de Under News Comunicación; y a todo el equipo de Cora Novoa por esta editorial tan única, como maravillosa.

01100011 01101111 01110010 01100001 01101110 01101111 01110110 01101111 01100001 Imaginemos un mundo en el que, mediante algún plug-in cerebral, hubiéramos ganado la capacidad de leer código binario de la misma forma que leemos texto. Si fuera así, sabría el lector que los números que encabezan esta nota, no significan otra cosa que “CORA NOVOA”. E imaginemos ahora también un mundo en el que, mediante otro plug-in pudiéramos leer el sonido, transformarlo a pedazos aislables de información objeOva, y de esta forma, ser capaces de componer música atomizada, rítmica, concisa en sus frases. Para la ocasión de esta portada, hemos querido invertir la maestría que Cora

Cuidaros mucho, nos vemos de nuevo en breve.

suele tener sobre las máquinas, que usa para modular sonidos a su antojo, y hacer que sean ellas las que manipulen la parte más esencial de su aspecto: su proprio rostro. Luca Dobry, abril 2021

PAT QUINTEIRO

Descubre la historia completa de la portada en mixmag.es

DESCUBRE

www.shesaid.so

www.femnoise.com

asociacionmim.com

shesaidsospain@gmail.com

info@femnoise.com

info@asociacionmim.com

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r e p o r t a j e + 50 artistas + 15 nacionalidades + 25 performances

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festival internacional de creatividad digital

MUTEK Connect: Montréal, México, Tokio, València

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Encuentros Profesionales / Experiencias Inmersivas / Instalaciones Digitales / Shows Audiovisuales

Festival Presencial + Online Plataforma Virtual: virtual.mutek.org 10€ programa ‘On Demand’ durante todo mayo

Tickets e info: barcelona.mutek.org 5

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La experimentación sonora y la innovación en creatividad digital inundan la Ciudad Condal con la 12ª edición del Festival MUTEK Barcelona Una edición híbrida bilateral con MUTEK AR y en conexión virtual con artistas y actividades desde las ciudades de Montreal, México D.F, Tokio y València.

AUTOR: RE DAC C I Ó N

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Experiencias inmersivas, instalaciones digitales y shows audiovisuales de la mano de más de 50 artistas de 15 nacionalidades son algunos de los ingredientes del cartel de MUTEK ES+AR, que del 3 al 9 de mayo celebra la primera edición híbrida del Festival Internacional de Creatividad Digital MUTEK Barcelona con su homólogo en Argentina, MUTEK AR. Desde que el festival naciera en Montreal hace más de dos décadas, se ha consolidado una Red Internacional única con sedes en Barcelona, Buenos Aires, Tokio, San Francisco y México D.F unida en su misión de tender puentes entre ellas y generar sinergias con el sector, para fomentar el desarrollo y profesionalización de comunidades creativas que trabajan en torno al sonido, la música y arte audiovisual a nivel mundial. Frente al inusual panorama que supuso el 2020, la Red MUTEK, ha sabido hacer de las circunstancias derivadas por la pandemia, una oportunidad, acelerando el desarrollo de su nuevo modelo de interconectividad a través de virtual. mutek.org, considerada ya como una de las plataformas online referente por su capacidad de adaptar la experiencia “en directo” al escenario virtual, como se pudo experimentar en sus anteriores ediciones virtuales: MUTEK Montreal en septiembre de 2020 y MUTEK MX+JP en diciembre 2020. Por eso, además de las actividades presenciales en Barcelona y las actuaciones desde Buenos Aires, la programación virtual de MUTEK ES+AR, se complementa con una nueva entrega del programa MUTEK Connect sumando un total de 18 actuaciones más grabadas en 4 ciudades. Así que nada de ponerse tristes si las restricciones no os permiten viajar, porque durante esos días en su plataforma virtual.mutek.org, podréis descubrir un gran número de premieres, lives performances, piezas virtuales y shows audiovisuales de artistas desde Canadá, México, Japón y la ciudad de València.

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El día a día del festival presencial en Barcelona. INAUGURACIÓN DEL FESTIVAL + MUTEK MATCH MEET THE PROFESSIONALS Lunes 3 de mayo de 18:00_21:00 en Roca Barcelona Gallery (C/ Joan Güell, 211-213) Enfocado en explorar cómo los límites y las posibilidades materiales del sonido y la luz, no sólo condicionan nuestra percepción del espacio, Roca Barcelona Gallery y MUTEKES presentan la tercera edición de su ciclo ‘Sculpted With Light & Sound” coincidiendo con la inauguración del festival. La artista invitada esta edición es la canadiense Sabina Ratté con ‘Undream’ una pieza audiovisual que podrá visitarse de hasta el viernes, junto a otra obra realizada por alumnos de BAU. ‘Undream’ representa un futuro imaginado en el que la utopía y la distopía colapsan, inspirado en los fotomontajes de Superstudio, una fuerza importante en el movimiento de arquitectura y diseño radical de finales de los años sesenta. Ratté conduce al espectador a través de un paisaje aislado, dominado por una estructura monumental. La arquitectura se mueve entre superficies imposibles y el orden subyacente, interfiriendo con el paisaje mientras entra y sale de la existencia. Debido al aforo limitado, podréis ver en directo una entrevista con la artista a través de la web de Roca Barcelona Gallery y asistir de manera virtual al MUTEK MATCH - Meet the Professionals; un evento diseñado para conectar a los directores y programadores del festival con socios, promotores, curadores, instituciones y agentes de todo el mundo, donde a través de breves speechs se presentarán detallando su trayectoria profesional y geográfica, visión artística y más.

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A/VISIONS | PREMIERE MRAK ( CARMINE CONTE/TALE OF US) Martes 4 y miércoles 5 de mayo de 20:00_22:00 en Sala BARTS (C/ Avenida Paral.lel 62) Le sigue la doble sesión en la sala BARTS del estreno de MRAK en el programa A/Visions, que finalmente podrán ver más de 800 personas de forma presencial, tras agotarse la primera fecha; muestra de la expectación que esta premiere mundial ha generado. MRAK supone la irrupción revolucionaria de Carmine Conte, mitad del afamado dúo de Dj Internacionales Tale Of Us, en el terreno del live performance. El acto combina tecnologías de iluminación futuristas con intensas armonías provenientes de maquinaria analógica, jugando con la improvisación, modulaciones y secuencias digitales. El aspecto cinemático de la performance favorecerá la inmersión del público en una experiencia acústica total.

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RAREFACCIÓ | DAVE SAVED (IT) / EVOL (CAT/ES) /NPLGNN (IT) Viernes 7 de mayo de 18:00_21:00 en Hangar (C/Emília Coranty 8-16;Can Ricart) En el marco de la quinta sesión del programa Rarefacció impulsado por Hangar se presenta el showcase del sello de Atenas Hypermedium, enfocado a la exploración de la música electrónica contemporánea. Contaremos con las actuaciones de los italianos Dave Saved (aka de Davide Salvati) y NPLGNN (aka de Giovanni Napolano) y el icono catalán EVOL (aka de Roc Jiménez de Cisneros).

X/VISIONS | CLOTHILDE (PT), T.GOWDY (QC/CA) Y MARTA DE PASCALIS (IT) Viernes 7 de mayo de 19:00_22:00 en Institut Français (C/ Moià,8) PROXYSPACE - ON THE FLY EN HANGAR, CENTRO DE PRODUCCIÓN E INVESTIGACIÓN DE ARTES VISUALES Miércoles 5 de mayo de 18:00_20:30 en Hangar (C/Emília Coranty 8-16, Can Ricart) MUTEKES y On-the-Fly, proyecto europeo liderado por Hangar co-organizan ProxySpace, una jornada dedicada a talleres y performances de live coding. Durante el día la livecoder Shelly Knotts impartirá un workshop práctico que permitirá a los asistentes aprender los fundamentos de la creación de una sesión de live coding, de la producción de soundscapes, de ritmos y patrones en SuperCollider, un lenguaje de programación de código abierto que se utiliza para crear música, instalaciones reactivas de audio/música, sistemas interactivos, live-coding y mucho más. Por la tarde, tendrán lugar también en Hangar, seis performances sonoras y visuales que exploran el live coding desde diferentes puntos de vista. Lxs performers que actuarán en el marco de esta coproducción son: Glen Fraser + Shelly Knotts (CA/UK), Iris Saladino + Roger Pibernat (AR/ES), Iván Paz + Julia Múgica (MX/MX).

El auditorio del Institut Français será un año más el hogar del programa X/Visions, que, siguiendo la línea de la cooperación institucional del festival, presenta tres shows de ambient punzante y experimentación con instrumentación modular que explorarán las capacidades escultóricas de lo sonoro. Con el apoyo del Instituto Camões y el Consulado de Portugal en Barcelona la portuguesa Clothilde presenta un concierto de música ambient creada con sintetizadores modulares. Con el apoyo del Bureau du Québec el productor y artista audiovisual quebequense T. Gowdy vuelve dos años después al festival presentando su nuevo directo de estructuras melódicas de ritmos y timbres dinámicos. Y la italiana Marta de Pascalis, música y diseñadora de sonido que emplea la síntesis analógica y un sistema de bucle de cinta, con el que crea patrones de repetición que dan forma a una sensación de distancia densa, dinámica y catártica. La artista se presenta como parte de la colaboración de MUTEKES con el proyecto “MUSE, A New Wave in the Mediterranean”, en el ámbito del proyecto ITmakES lanzado por la Embajada de Italia en Madrid y el Consulado General de Italia en Barcelona.

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¡MUTEK Barcelona, el plan perfecto para el fin de semana! EXPERIENCE L’HOSPITALET | CRNDS & FRANSY GONZÁLEZ (ES) | SELTAR (ES) + HUMA (ES) Sábado 8 de mayo de 12:30_14:00 en Pumarejo (Av. del Carrilet, 187, Nau 4, 08907) Sábado 8 de mayo de 16:00_20:00 en The Bass Valley (Passatge Can Politic 13) El festival presenta por primera el programa Experience L’Hospitalet en conexión con los centros creativos de formación y artes alternativas de referencia de L’Hospitalet de Llobregat. Por la mañana en Pumarejo con el compositor, productor CRNDS fundador del sello Lindisfarne, se unirá en el escenario con la pandereteira Fransy González, una de las voces más representativas de la música tradicional de Galicia. Por la tarde en The Bass Valley con el live premiere de Seltar, el nuevo proyecto en el que el productor barcelonés Olaf Blanch desarrolla un sonido basado en los breaks y el jungle experimental; y la premiere mundial del nuevo álbum del artista gallego Huma, ‘Emergence’, inspirado en la ‘Teoría de la Emergencia’ en el que disrupciones, fusiones, sinergias, estructuras y texturas imprevisibles dan lugar a nuevas evoluciones y alteraciones sonoras, autoorganizándose entre el caos.

EXPERIENCE 3 | D. TIFFANY (CA), EXAEL (US), KMRU (KE) Domingo 9 de mayo de 10:00_17:00 en The Bus Terraza (Parc del Fòrum) Por primera vez MUTEKES despide su edición en domingo y además lo hace frente al mar. The Bus Terraza (Parc del Fòrum) se transformará en el escenario open air del programa Experience 3 acogiendo los shows de sonidos drone hipnóticos de vanguardia de D.Tiffany, y los debuts en el país del productor estadunidense exael y el artista de Nairobi, actualmente afincado en Berlín, KMRU, uno de los productores ambient del momento. Una jornada para descomprimir toda la semana del festival y disfrutar de la buena gastronomía y coctelería, continuando la experiencia del sábado con el programa Experience L’Hospitalet. ¡Un plan ideal para un fin de semana de festival!

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MUTEK X REEBOK presenta: SVD CUBE RADIO Powered by RPS El viernes 7 de mayo podrás disfrutar en streaming de una serie de entrevistas realizadas en colaboración con Radio Primavera Sound desde la tienda de Si Vas Descalzo, con diferentes representantes de la escena creativa diversa, disruptiva y empoderada de la Barcelona con colectivos y artistas como 33/45, Maricas, Claraguilar, Draft, Loom, Drop, Mainline, Pumarejo. Y si te acercas durante la semana del festival a la tienda de SVD en Bailèn, 18, fíjate en su escaparte y disfruta de una instalación interactiva en realidad aumentada realizada para la ocasión por alumnos/as de IED con sorpresas sobre el festival y el Pump Day de Reebok. Con la idea de rendir homenaje al espíritu revolucionario THE PUMP, una de las tecnologías más reconocidas e innovadoras de Reebok, la marca de deportes y estilo de vida anuncia el regreso del “Pump Day” el próximo 15 de mayo de 2021. Celebrado por primera vez en 2020, el Pump Day es el día en que la marca rinde homenaje a esta tecnología que durante décadas ha impactado a generaciones de fans de las zapatillas y “sneaker-heads”, siendo todo un símbolo de innovación y estilo. Este año, Reebok vuelve a celebrarlo con la colección “Vintage Sportswear”, que presenta tres modelos clásicos en colores que evocan la década de los 90 y que toman la inspiración del archivo de ropa retro de Reebok. Esta colección incluye la Instapump Fury, la Pump Omni Zone II y la RBK Premier Pump Paris, un modelo que ha captado la atención de la cultura sneaker por su diseño único y aerodinámico, y que fue reeditado por primera vez el año pasado. Esta colección incluye la Instapump Fury, la Pump Omni Zone II y la RBK Premier Pump París, un modelo que ha captado la atención de la cultura sneaker por su diseño único y aerodinámico, y que fue reeditado por primera vez el año pasado. Para más detalles sobre el “Pump Day,” por favor, entra en www. reebok.com/pumpday a partir del próximo 15 de mayo. Y para saber los horarios de emisión de entrevistas sigue las redes de MUTEKES

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La red internacional MUTEK En un mundo en constante evolución y refinamiento incesante, la ‘MU’ en MUTEK se refiere a la noción de ‘mutación’, mientras que ‘TEK’ da cuenta de ‘tecnología’. MUTEK da visibilidad y apoya la mutación tecnológica aplicada al arte y la creatividad digital. Desde que el festival naciera en Montreal hace más de dos décadas, se ha consolidado una Red Internacional que cuenta con sedes en 6 ciudades: Montreal (21 años), México DF (17 años), Barcelona (12 años), Tokio (5 años), Buenos Aires (4 años) y San Francisco (4 años). Enfocada en tender puentes y crear sinergias entre ellas y con el resto del sector, esta Red MUTEK fomenta y apoya el desarrollo de la creatividad digital y sus diferentes actores, fortaleciendo el crecimiento cultural de la ciudad en la que se hospeda, a la que concibe como un espacio creativo, innovador, plural y global y proporcionando una plataforma para los artistas más originales y visionarios que trabajan actualmente en la creatividad digital en sonido, música y arte audiovisual.

Más allá del formato físico: Programa MUTEKES Desde su sede argentina, MUTEK brinda una serie de contenidos première para la plataforma online del festival. Uji estrena un show con un concepto escénico reformulado a partir de la música de un nuevo álbum. Kaleema presenta por primera vez el concierto creado para Utera, su último álbum (Wonderwheel Recordings). Barrio Lindo formula un live especialmente realizado para el festival en plan ambient y sonidos orgánicos, con imágenes de Euge Choque. Las Olas es el proyecto ambient de Sidirum: electrónica y cuarteto de cuerdas, con imágenes de Giselle Huascarriaga y Lucas DM. Los emblemáticos Klauss también traen novedades: estrenos musicales en un show de improvisación con visuales de Novilunio. Metapana moldea su proyecto de cruce: danza contemporánea, arte digital y bandoneón. Por su parte, Seph ofrece un live bailable con renovada sonoridad techno. Además, AMPLIFY D.A.I, la iniciativa que conecta una red activa de artistas identificadas como mujeres, en colaboración con el British Council y Somerset House Studios, participa nuevamente en esta edición del festival. El programa incluye las presentaciones de las sudamericanas Efe Ce Ele, Flor de Fuego, Sol Rezza, Qeei y Lila Tirando a Violeta & Manuela Vilanova, las británicas Libby Heaney, Kathy Hinde y Heather Lander, mientras que varias artistas canadienses se darán a conocer en la segunda ola de información de MUTEKAR.

MUTEK es el principal dinamizador de su sector en España gracias a su labor a lo largo del año, internacionalizando y profesionalizando a nuestra comunidad artística más allá de su participación en el festival. Su papel ha sido – y está siendo especialmente en estos tiempos- clave en las carreras de algunos de nuestros principales artistas tanto emergentes como consagrados, gracias a su modelo de colaboración institucional y sus programas en centros de formación y exhibición. Al margen de fórmulas a gran escala o altamente comerciales, MUTEK apuesta por ser un espacio descubridor de contenidos exclusivos, sorprendentes y vanguardistas, que brindan nuevas experiencias y estimulan al público, posicionan a la ciudad y aseguran un crecimiento sostenido y sostenible en la carrera de los artistas. Acotar un festival al show, a lo efímero y efectista, agota y consume las propuestas artísticas, y conforma a un público aturdido y pasivo. MUTEK desafía a la audiencia llevando la creatividad digital a otro nivel, programando un alto porcentaje de debuts, premieres y propuestas disruptivas.

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Virtual.mutek.org

Interconectividad, exploración y mutación Durante el desarrollo de la plataforma virtual, se encontró un espectro tan extenso que el emular la experiencia de la presencialidad fue tan solo una variante en un universo de posibilidades. Tal y como lo haría un organismo vivo, virtual.mutek.org exploró, mutó y se adaptó de acuerdo a lo que le dictó cada una de las ediciones del festival en las que se presentó.

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1 REPLAY stage: Del 3 al 9 de mayo, todos los contenidos de virtual. mutek.org pueden verse gratuitamente en los horarios estipulados para los estrenos de cada día. Con el ticket de acceso al REPLAY stage, por tan solo 10€ podrás ver todos los contenidos on demand, y disfrutar cuantas veces quieras del programa total durante el resto del mes de mayo.

Desde entonces, aprovechando cada edición del festival en diferentes países, bajo el paraguas MUTEK Connect, presenta un amplio programa virtual de espectáculos grabados en vivo -en un formato híbrido- y una galería de obras de arte digital. Esto ha supuesto ya para más de 100 artistas y profesionales, una oportunidad para ampliar audiencias, compartir experiencias con otras comunidades creativas y generar nuevas oportunidades de exhibición. Para la edición MUTEK.ES+AR 2021, la plataforma virtual.mutek. org presenta su versión de mayor evolución hasta el momento, ofreciéndonos la oportunidad de acercarnos y conectarnos como nunca antes con toda la Red Internacional de MUTEK. La plataforma virtual se distribuye en 6 salas: 2 Virtual Stages: A modo de escenarios, estas 2 salas albergan los shows de casi 50 artistas de MUTEK ES+AR, de calidades visuales y sonoras únicas, más las 18 actuaciones del programa MUTEK Connect desde Canadà, México, Japón y la ciudad de València. Todo ello será presentado en 3 franjas horarias diferentes según el huso horario: CEST(España), GMT-3 (Argentina), GMT+9 (Japón). 1 Auditorium: Sala de conferencias en la que se ofrecerá una selección de clases magistrales y presentaciones del reciente ‘MUTEK Simposio: un futuro sin género’ así como diferentes actividades del programa Digi Lab de MUTEK ES+AR, organizadas por artistas en los campos del diseño de sonido y la creatividad digital. 1 Virtual Gallery: Espacio museístico que se mantendrá durante todo el festival y en el que se encontrará una selección curada de piezas de arte digital y vídeo inmersivo. 1 Listening Room: Espacio virtual que ofrecerá una selección de piezas sonoras inmersivas y de escucha profunda.

Desde Barcelona MUTEK ES+AR connect-a con Montréal, Tokio, México D.F. Y València. CONNECT MUTEK MONTRÉAL Desde Canadá disfrutaremos de un programa que mezcla los shows musicales de Guillaume Coutu Dumont y OBUXUM, un potente show audiovisual de la mano de Line Katcho o la performance electroacústica de Ouri. El programa presentará el segundo episodio del proyecto JUMP CUT, una serie web de seis colaboraciones en streaming entre artistas internacionales multidisciplinares. Concebido por Dana Gingras / Animals of Distinction como una forma de sobrevivir y prosperar en estos tiempos. JUMP CUT #2 contará con la presencia de la artista de Montreal Marie Davidson, la videoartista de París Sabrina Ratté y la coreógrafa y bailarina de Montreal Dana Gingras. Tratando el cuerpo como una escultura viviente, se hará hincapié en capturar las minucias del movimiento y transformar el cuerpo humano en un cuerpo virtual mediante técnicas de realidad aumentada. Este proceso de transformación digital dialogará después con el sonido para crear una creación audiovisual experimental.

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CONNECT MUTEK MÉXICO

CONNECT MUTEK JAPÓN

El programa cuenta con Jiony mezclando desde nu jazz hasta música latina en unas florecientes bases de techno y trip-hop que se complementan con el surrealismo, la geometría y los símbolos oníricos que se manifiestan en las creaciones de Sabme. ‘Desierta’, un intenso despliegue de live cinema coding de estética musical que híbrida paisajes introspectivos, noise glitch y rítmicas intrincadas escritas en vivo por CNDSD con gráficos de espacios 3D intervenidos con animación generativa, síntesis de video en tiempo real y un expresivo control de la luz programados por Abreu.

El programa Connect MUTEK JP presenta tres actuaciones grabadas durante el evento NANO MUTEK JP a principios de febrero. El dúo Inoyama, conocido por su conexión con el movimiento de música medioambiental Kankyou Ongaku, une fuerzas con la artista visual Manami Sakamoto. La cantante y compositora Manami Kakudo trae a su banda completa al escenario para una actuación totalmente analógica. Finalmente, Intercity-Express presenta su versión actualizada Save Lives. del desencadenamiento de su obra maestra audiovisual.

Pepe Mogt propone su live de música ambient, ritmos electrónicos, pulsaciones kraut e iluminaciones monolíticas, un proyecto inspirado por la leyenda yumana de la serpiente Maija Awi, mito fundacional del pueblo kumiai. El proyecto de danza contemporánea Nohbords dirigido por Diego Mur se conjuga con las aventuras visuales del artista Andrés Arochi para traducir esta suma de ejercicios corporales y composiciones coreográfica en una estimulante intervención de melancolía inmersiva a la que Sebastián Lechuga inunda con los matices sonoros de sus composiciones.

CONNECT VOLUMENS -VALÈNCIA MUTEK ES+AR conecta con el Festival Internacional de Arte, Ciencia y Tecnología VOlumens presentando un set de Oscar Mulero, creado especialmente para su edición especial VOlumens RESET, desde uno de los mejores escenarios de València: la Ciudad de las Artes y las Ciencias. Un viaje que abarca desde el ambient, en versión Alfa y Omega, a la IDM aderezada con estructuras de breaks y electro, a veces ensoñadora, otras futurista y robótica.

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“El pasado 2020 fue un verdadero desafío para MUTEKES. Una montaña rusa de emociones, que comenzó con la alegría y la satisfacción de nuestra 11ª edición en marzo. Poco nos podíamos imaginar de lo que vendría días después. Inspirados por los fuertes valores de la Red Internacional con la que hemos crecido todos los miembros de la familia MUTEK, mirando hacia atrás, el resto del 2020 fue el año donde nuestro objetivos y mandatos han tenido más valor que nunca. Hemos trabajado para construir puentes sólidos, nos hemos comprometido en atender a la emergencia que nuestras comunidades artísticas y profesionales locales e internacionales estaban viviendo y hemos experimentado con un nuevo modelo en formato híbrido y virtual de trabajo en Red, algo que en realidad ya existía pero que se ha visto materializado con la iniciativa: MUTEK Connect. Con el proyecto Connect, nuestras comunidades artísticas locales han conectado con una audiencia global en múltiples ocasiones, viajando, de forma virtual, hasta 4 ediciones MUTEK en un mismo año. Visto en perspectiva, esto ha supuesto una gran oportunidad para descubrir y visibilizar a nuestros artistas de maneras que quizás no hubiéramos explorado a corto plazo. Nuestro equipo y colaboradores han mantenido su trabajo vinculado a la Asociación; y sobre todo, hemos conseguido acercar al público a experiencias culturales relacionadas con la creatividad digital, que habían sido drásticamente reducidas debido a las restricciones en todo el sector. Hemos ganado mucho pudiendo descubrir aún más talento local y encontrando una manera de apoyarles a nivel global. Todo esto ha sido posible gracias al fuerte vínculo creado a lo largo de estos años con nuestros partners, colaboradores e instituciones que nos han brindado todo el apoyo y su confianza en esta acelerada transformación. A todas y todos les extiendo mi enorme gratitud por seguir creyendo en nosotros y, sobre todo, en la importancia de la cultura y su poder transformador para un mundo mejor.” ALBERTO NERONE, director Asociación MUTEKES.

¡Hazte con tu entrada para MUTEK ES+AR! Del 3 al 9 los estrenos de cada día en virtual.mutek.org podrán verse gratuitamente; pero si adquieres la versión de pago (solo 10€) podrás verlos on demand durante todo el mes mayo, y acceder al resto de contenidos. Todos los detalles, horarios y precios de eventos presenciales en BCN disponibles en barcelona.mutek.org

DJ SOLOMUN NOS HABLA DE SU ESPERADO ÁLBUM ‘NOBODY IS NOT LOVED‘ Casi doce años después de ‘Dance‘ Dj Solomun, publica el 28 de mayo su segundo álbum ‘Nobody is Not Loved‘ (NINL/ BMG). Además contar con las colaboraciones de Jamie Foxx, Zoot Woman, Planningtorock, ÄTNA, Anne Clark y Tom Smith de Editors, encontrarás un amplio espectro de géneros: desde la indietrónica al synthpop, sonido wave y post punk, hasta llegar al característico sonido de club de Solumun.

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SOLOMUN

Solomun no suele dar entrevistas, por eso nos enorgullece que haya encontrado en estas páginas de Mixmag Spain el espacio ideal para hablar de su proceso creativo y de la idea que está detrás del proyecto, las ideas que están detrás de los videoclips y sobretodo el auténtico poder de la música.

NSOLOMUN “No es tan sencillo producir un álbum mientras estás en tour. Cuando creo un álbum me gusta tener algo que contar y no solamente editar diez canciones. Por eso, he estado recogiendo ideas durante los últimos años hasta que encontré la línea que iba a seguir“ - nos introduce y añade antes de continuar la entrevista – “musicalmente, no se ha convertido en un álbum dance puro, y eso era lo que quería desde el principio“.

No pasa desapercibido que los invitados del álbum tienen diferentes backgrounds. Especialmente Jamie Foxx, qno suele aparecer en la escena electrónica y las últimas producciones que editó fueron hace cinco años. ¿Cómo tuvo lugar esta colaboración? Nos conocimos a través de un amigo común, el director de cine Ariel Vromen. He de decir que siempre he admirado a Jamie Foxx, no solo como actor sino también como cantante. Mientras hacía ‘Ocean‘ me di cuenta de que el sonido del track tenía un punto en el que su voz y manera de cantar podría llevar la canción a otro lugar. Él inmediatamente sintió el track y lo interpretó genial. Cantó la canción en directo una vez, mientras estábamos comiendo juntos en un restaurante en Los Angeles antes de la pandemia, delante del resto de público y solo con la ayuda de un boom box. En ese momento supe que realmente sentía la canción.

¿Y qué tal la colaboración con Anne Clark? Hace mucho tiempo que soy fan suyo, en concreto por la combinación de su poesía y voz única. Por eso siempre he querido poder hacer algo con ella. Estaba muy contento cuando acabé el sonido en el que imaginaba su voz. Ella no solo escribió una letra increíblemente fuerte para el tema, sino que también me envió una carta muy emotiva. La canción con Planningtorock “Your Love Gives Me Gravity” también sobresale. La primera vez que intenté hacer un tema con Planningtorock fue hace más de 10 años, para la recopilación del 5º aniversario. La siguiente fue al principio del proceso del álbum. Ninguna de las dos veces funcionó así que ahora estoy si cabe más contento de que lo hice, porque retrasamos el lanzamiento y había espacio para meter un track mas. !Ahora se ha convertido en uno de mis temas favoritos del álbum! Crear un rango tan ampiio de géneros ha sido seguro un reto organizativo, ¿verdad? Tengo que decir que he tenido suerte porque tuve mucha ayuda. Una persona en particular a la que agradezco que es uno de mis mejores amigos y colaboradores, desde hace más de veinte años. Una persona muy creativa cuya opinión valoro mucho, también fuera de la música. Ha sido muy inspirador y me ha apoyado en el viaje del disco. Así que he de agradecer por encima de todo a Jakob Grunert. Hablando sobre Jakob, también tengo que referirme a alguien que él mismo trajo para apoyarme en este proyecto. Un viejo amigo suyo pero para mi uno de los

mejores productores de música electrónica que conozco y he admirado hace años, Moritz Friedich aka Siriusmo. Pude intercambiar ideas con él una y otra vez mientras el proceso de creación, para discutir puntos de vista y dejarme ser inspirado, por lo que muchas gracias querido Moritz. La portada del álbum la ha hecho Andreas Gursky, un fotógrafo muy conocido y muestra una pista llena de gente. La foto parece de otra época, si la miras bajo el prisma de hoy... Por supuesto. Esta cantidad de gente en un mismo sitio resulta peculiar ahora mismo. Andreas no es solo un fotógrafo increíble cuyo arte esta por encima de críticas – el Bosco de la fotografía, cuyas imágenes tienen una gran escala y te mantienen atento tanto tiempo. Se ha convertido también en un buen amigo a lo largo de los años y fue tan amable de cederme la imagen para la portada.

SOLOMUN

Una de las fotos que tomó en el MayDay hace años me inspiró para la portada. Cuando se lo dije, me comentó que tiene una parecida que sacó en uno de mis sets en Connect Festival en Düsseldorf. Por supuesto me volvió loco ya que no sabía siquiera que había estado sacando fotos allí. Un regalo increíble, mil millones de gracias de nuevo Andreas. Se han editado cuatro singles por ahora, con un sonido muy diferente. ’Home‘ está mas cerca de tu sonido habitual. ‘Kreatur der Nach‘ está más en la línea postpunk o new wave. ‘Tuk Tuk‘ es un track de electrónica indie muy energético; y ‘The Center Will Hold‘ es una creación creación de house melódico que captura más la esencia de tu sonido. Si, por ejemplo ’Home‘ fue la primera canción que finalicé en el proceso del álbum. Creo que tiene un punto atemporal y representa mucho el sonido que quiero escuchar en un club. En el vídeo quería expresar el anhelo por estos espacios sagrados de encuentro, especial-

mente diseñados para vivir la música, que echo tanto de menos. Como un niño de los 80, ‘Kreatur der Nach‘ era un deseo propio desde hace tiempo: comprimir ese sonido de mi juventud en una canción. Finalmente pude convencer a mi amigo de la infancia Faith Akin para el vídeo y pudo trasladar este sentimiento de revolución en el contexto de las restricciones por el Coronavirus a imágenes de manera soberbia. Y, con ‘Tuk Tuk‘ quería hacer algo totalmente nuevo. Y trabajando con la increíble voz de Inez de ÄTNA fue muy divertido. En el videoclip que está inspirado en las películas de sukeban de los 70’s, Inez se transforma en la música en sí misma y lucha con todos sus poderes contra las fuerzas que intentan aniquilarla. Hablando figurativamente, contra una nueva e invisible amenaza. ¿A qué amenaza te refieres?

NSOLOMUN Desafortunadamente, solo puedo decirte que se sabrál, cuando todos los videos se hayan lanzado; tendréis que tener un poco de paciencia. Lo que te puedo decir es que solo la música tiene el poder divino de tocar no solo los cuerpos sino también las almas de las personas y despertarlas. Por eso el álbum se llama ‘Nobody is Not Loved‘. ¿Qué más nos puedes contar del título del álbum? Surge de un graffiti que vi en un muro en Londres hace unos años. No se por qué me quedé con el concepto y supe que quería llamar así mi siguiente álbum. Durante años continué pensando sobre ello y me dí cuenta de lo que realmente significaba, que la música nos ama a todos por igual. Hay un poder divino en la música, porque realmente ‘ama‘ a todo el mundo, sean buenos o malos. Es un amor incondicional que todo ser humano puede experimentar y sentir. Creo en Dios, lo he dicho muchas veces, pero pondría a la música a la par con él: una experiencia metafísica que puede unir a todo el mundo, y quiere a todos por igual. ¿Entonces la música es la clave? La música es la clave porque tiene un poder que trasciende al resto. Como comenté antes, intenté contar esto en ‘Tuk Tuk‘. La música tiene el poder de despertar a la gente, de revivirlos. Todo el mundo sabe esto: escuchas una melodía de tu infancia – y de repente estás ahí de nuevo en tu propia biografía. Una pequeña pieza es suficiente y tu vida aparece de nuevo. Sientes cómo te sentías entonces. La canción con la que conectaste con tu primer amor, la escuchas en el supermercado por ejemplo y de repente tienes quince años de nuevo y estás enamorado por primera vez. Se ha probado científicamente que la música tiene el poder de sanar a las personas. Hace unos años quedé asombrado cuando leí que la música puede ayudar a pacientes avanzados de Alzheimer por momentos. Porque recordando momentos musicales, activan su memoria. Porque solo la música tiene el poder de congelar un momento; todas las experiencias que marcan tienen una banda sonora. Por eso es tan importante crear estos momentos en fiestas y conciertos y también hacer que pasen. Porque estos momentos te pueden devolver a la vida mucho después. ¿Esa es la historia que quieres contar? Por supuesto que quiero ser de los que son capaces de crear momentos que la gente puede recordar décadas después cuando escuchen la canción por casualidad, como en esa canción con la que te enamoraste por primera vez. No lo hago solo por los demás. Yo también vivo de esos momentos que han formado mi vida. Para recordarla a través de ellos. En el proceso del ábum, habrá otro single más con videoclip, y espero que al final de él haya sido capar de contar la historia completa. Descúbrelo en solomun.themerchrepublic.com

“Hay un poder divino en la música, porque realmente ‘ama‘ a todo el mundo, sean buenos o malos. Es un amor incondicional que todo ser humano puede experimentar y sentir“. 17

i n d u s t r i a A U T O R :

s o s t e n i b l e A L E X

D A K O V

UN PLANETA MÁS SOSTENIBLE, A GOLPE DE BOMBO Si alguna vez te has preguntado qué puedes hacer como artista para dejar una huella inolvidable y crear un impacto positivo en el planeta... aquí tienes una respuesta: Blue Rider.

Hace ya más de una década tuve la maravillosa suerte de trabajar dentro del departamento de producción de la legendaria discoteca Space Ibiza. Por aquel entonces, Space, era la crême de la crême de la música electrónica. Cada año ganaba el premio a Mejor Club, y todos los artistas se disputaban el poder tocar allí. Casi nada. Por aquel humilde escritorio pasaban los riders técnicos de más de mil artistas cada verano. Desde los más legendarios (casi diría “históricos”), a los locales de Ibiza, pasando por muchos jóvenes que empezaban su carrera en el mundo de la música, y hoy ya son superestrellas. En esos tiempos, si te considerabas un DJ de prestigio tenías que tocar en Space Ibiza; y si lo hacías, tu rider acababa en mi mesa. Para un chaval joven, adicto a la música electrónica y melómano perdido, (como era yo en esa época), recibir un rider era descubrir las entrañas de algunos de mis artistas favoritos, y aprender qué instrumentos utilizaban para crear la magia que después podía sentir en la pista de baile. Era como descubrir parte de su identidad sin conocerlos.

Era un momento de contrastes. Empezaba la digitalización de muchos de los artistas y, a su vez, de muchos de los sonidos. Algunos artistas empezaban a incorporar diferentes máquinas digitales, que junto a Ableton, dieron paso a lo que luego fueron auténticos “LIVES” 100% digitalizados. Otros, por contra, seguían pidiendo los clásicos vinilos con esas agujas especiales que hacían que su sonido retumbara en los equipos como ningún otro. Dentro de los riders, además de la información técnica, algunas veces podías encontrar muchas otras secciones. Los riders de los artistas más grandes venían con un montón de páginas de contrato con detalles sobre la promoción o, incluso, sobre qué consecuencias podría tener el no poner los equipos adecuados (entre otras). Otros incluían una serie de especificaciones sobre sus necesidades de hospitality, que en ocasiones eran de lo más pintorescas. Desde lo más común, como la típica bebida que querían durante la actuación, hasta los casos más extremos en los que nos indicaban cómo tenían que ser las sábanas de su hotel.

Llegué a ver cosas muy pintorescas…. “3x Cazoncillos negros tipo short de la talla L” …. “1x tarta” o “1x barca hinchable” …. “1x curry rojo muy picante del restaurante XXXX” ….Y así podría seguir un largo rato, pero igual el artículo acabaría pareciendo una lista de la compra de un todo a 100. El caso es que, si algo aprendí de ver tantos riders, es que el rider representa la Identidad del artista. De la misma manera que su equipamiento técnico representa en gran medida el cáliz de su sonido, el conjunto de su rider representa quién es para todos esos promotores de eventos que aún no le conocen, o que quizás no tengan ni la oportunidad de hacerlo, en persona. Muchos de nosotros sabemos más sobre los artistas por sus riders, que por las cortas conversaciones que hemos podido tener antes o después de sus shows. De ahí la importancia de lo que muestras en tu rider. Al final, es tu carta de presentación, tu tarjeta para todas esas personas que se encargan de contratarte o de preparar tu show.

industria sostenible

Algunos años después, desde la ONG Oceanic Global lanzamos el proyecto “The Oceanic Standard”. Unas guías para ayudar a diferentes industrias en su camino de transformación hacia la sostenibilidad. Dentro de este proyecto, creamos una edición especial para la Industria de la Música. Una guía de buenas prácticas para promotores de eventos, productores, y organizadores de festivales para implementar procesos sostenibles, donde no solo se detalla qué elementos de plástico de un solo uso eliminar, si no cómo reducir o compensar el CO2, o cómo aprender a rentabilizar y comunicar las estrategias de sostenibilidad. Dentro de esta guía, decidimos crear un página (literalmente, un “one-pager”) para que todos y cada uno de los artistas comprometidos con la sostenibilidad y con el planeta, tuvieran la oportunidad de añadir a su rider, para así ser una voz más y utilizar su fuerza para poder hacer la industria de los eventos una industria más sostenible. Porque no nos olvidemos que, si hay algo que realmente pueda “mover montañas”, es la música. La música tiene el poder de conectarnos e inspirarnos. De alinearnos y dejar de lado nuestras diferencias para vibrar sobre una línea de bajo que nos une y nos guía en cada paso. Muchos artistas llegan a ser nuevos mesías que no sólo guían las nuevas tendencias del sonido, sino que también nos inspiran mostrándonos una forma de vida y unos valores que para muchos se convierten en auténticos credos. Este “Blue Rider”, es un documento y un recurso gratuito que cualquier artista puede descargar en formato PDF desde la web de Oceanic y añadir al final de su propio rider. En él, no solo se expresa el compromiso con la causa, sino que se solicita al promotor eliminar los diferentes tipos de plásticos de un solo uso más comúnmente utilizados en todas y cada una de las zonas de los eventos: backstage, green room, cabina, y escenario. Algunos de esos materiales, que bien pueden ser sustituidos por otros reutilizables o sostenibles, van desde las pajitas, vasos, botellas de agua de plástico, bolsas, posavasos (si, aunque no lo parezca, llevan un laminado de plástico), platos, cubiertos o vasos de café, entre otros. Aunque no lo creáis, la industria de los eventos es una de las más contaminantes que existen. No tanto por la cantidad, sino

por la proporción. Durante una sola noche de un festival se pueden generar cientos de toneladas de plásticos de un solo uso que difícilmente serán recicladas… Solo en Inglaterra, se estima que la industria de la música es responsable de generar más de 540.000 toneladas de Co2 cada año y de crear 23.500 toneladas de basura. Se calcula que más 250.000 tiendas de campaña son desechadas cada año solo en festivales, donde anualmente se consumen en torno a 10 millones de botellas de plástico de agua, insisto, solo en Inglaterra. Además, en muchos de nuestros destinos favoritos, no existe una buena industria del reciclaje, cómo puede ser por ejemplo Ibiza oTulum, entre otros. Vivimos la era de la conciencia, donde muchos de nosotros buscamos poder aportar nuestro granito de arena. Cada uno en su medida, pero ya todos (o casi todos) somos conscientes de los problemas medioambientales a los que nos estamos enfrentando. Desgraciadamente ya no existe ninguna playa en el mundo en la que no podamos encontrar plástico. Es más, lo más habitual es que en nuestras playas favoritas abunden más que en ningún otro lugar.

Por eso, hoy, como artistas, tenemos un recurso que añadir a nuestros riders. Un recurso que no solo le da forma a nuestra identidad delante de los promotores de eventos, si no que crea un impacto positivo en ellos, impulsándoles a crear un evento sostenible. Porque para divertirnos, disfrutar de la música y de lo que más amamos, no necesitamos destruir el planeta a nuestro paso. El Blue Rider, se estrenó oficialmente en el Festival Glastonbury, en 2019, uno de los mayores y más míticos festivales de Europa. Desde entonces, muchos artistas ya han implementado el Blue Rider en sus contratos, y algunas agencias como UROK Management o Whisper Not Agency, lo han implementado para todo su rooster. Hoy existe un sencillo documento, el Blue Rider, que te permite apoyar y ayudar a que la industria de la música avance para convertirse en una industria más sostenible, a golpe de bombo. Accede a más información y/o descárgarte diferentes recursos en: www.oceanic.global

F a i t h l e s s A U T O R :

P A T

Q U I N T E I R O ,

D I R E C T O R A

e s D E

M I X M A G

D i o s S P A I N

Entrevistamos a Sister Bliss con motivo del lanzamiento - tras una década- del nuevo álbum d e F a i t h l e s s ‘A l l B l e s s e d ’ . Hablamos también con Nathan Ball y Mala Rodríguez, sobre la bendición de formar par te de este maravilloso trabajo.

Si me preguntaran por los momentos en los que he experimentado un mayor Síndrome de Stendhal con la música electrónica, entre los 5 primeros, estaría la actuación de Faithless en Barcelona en el festival Weekend Dance en 2007. Tengo grabado a fuego aquel silencio, mientras Maxi Jazz avanzaba unos pasos hasta quedarse en el borde del escenario; y de repente, clavando la mirada en el público sonaban los primeros segundos de “God Is a DJ”…

Después de una década acabáis de lanzar ‘All Blessed’ del que has dicho: “En este mundo problemático y cada vez más violento, líricamente el álbum trata de reflejar lo que siempre ha sido el manifiesto de Faithless: se consciente, se solidario, ámate a ti mismo para poder amar a los demás y entiende quién eres y dónde estás, nunca polémico, sino ojalá inteligentes y (¡ocasionalmente!) inspiradoras - esto es música con sentimiento y palabras con significado”.

No puedo describir lo que fue, solo sé, que todo el mundo a mi alrededor desapareció y toda yo se conectó en cuerpo y alma a cada palabra, a cada sonido, a cada gesto de aquel increíble hombre llegado como de otro planeta en camiseta de tirantes blanca, para decirme lo que ya sabía “God is a DJ, This is my church”. Recuerdo sentir como me caían las lágrimas, recuerdo no poder moverme, pero sobre todo recuerdo sentir un agradecimiento infinito por que la música electrónica estuviera en mi vida.

¿Teníais ya decidido sacar un nuevo disco antes de la pandemia, o la pandemia os hizo sentir la necesidad de sacar un nuevo trabajo para arropar a vuestro público en estos momentos tan duros? Sí, teníamos programado el lanzamiento del álbum antes, sin tener ni idea de que habría una pandemia. Luego, cuando estábamos terminando el álbum, justo cuando entramos en el aislamiento, sentimos que era una cuestión urgente presentar la música al mundo. Sin poder vernos entre nosotros o estar juntos, la música es lo siguiente que nos conecta con los demás.

Casi 15 años después, poder contártelo en primera persona y como directora de Mixmag Spain, me emociona todavía más. Sister Bliss, de corazón, gracias.

A pesar de que tú eres la imagen principal en este lanzamiento, ¿quiénes son los miembros actuales de Faithless? Rollo y yo somos los miembros actuales y fundadores de Faithless. En este álbum hemos colaborado con algunos artistas increíbles e interesantes, ya que Maxi estaba persiguiendo otros intereses musicales. A Rollo nunca le ha gustado ser retratado, así que yo he asumido ese papel para las relaciones públicas del álbum. ¿Cómo ha sido reunirse de nuevo para hacer un disco? El álbum cuenta con una lista de fantásticos vocalistas invitados: Jazzie B, Suli Breaks, Nathan Ball, Caleb Femi, Gaika, L.S.K. y Damien Jurado. ¿Por qué ellos? ¿Cómo llegaron a formar parte del proyecto? Queríamos que este álbum tuviera muchas voces que entraran y salieran de la música. Sentimos que el estilo poético y la agenda lírica de Maxi realmente influyó en el sonido de Faithless, así que quisimos honrar eso con las colaboraciones que buscamos. Por eso trabajamos con artistas increíbles de la escena de la palabra hablada y de la poesía: Suli Breaks y Caleb Femi, que aportan un ángulo lírico realmente fresco al álbum. También hemos trabajado con L.S.K, colaborador de Faithless desde hace mucho tiempo, que tiene unas formas increíbles de abordar letras y melodías, así como con la leyenda Jazzie B de Soul to Soul, uno de nuestros héroes musicales de todos los tiempos. 23

Faithless

¿Qué es lo que más os ha sorprendido de la acogida del público? La gente ha sido muy abierta y agradecida. Siento que el álbum tiene un espíritu muy cálido -en estos tiempos difíciles es fácil despotricar y enfurecerse, y tener una actitud nihilista sobre todo lo que acontece en el mundo- y con este álbum intentamos aportar un sentimiento positivo y esperanzador a partir de nuestra música. ¿Habéis conectado con nuevas audiencias, qué os han dicho? Es difícil saber exactamente con quién estamos conectando, ya que no hemos podido presentarnos en vivo hace más de un año, por lo que esa sensación de mirar al público y ver a un grupo de jóvenes de 18 años cantando las letras de las canciones aún no ha sucedido. Por lo que he visto en las redes sociales, la respuesta ha sido muy positiva tanto de los viejos como de los nuevos fans, y podemos ver que el álbum está siendo reproducido por miles de personas cada día, lo cual es increíble (no sólo los singles). ¿Imaginabais que el público quería tanto vuestro regreso? Nos han preguntado muchas veces cuándo tendríamos nueva música, así que veníamos percibiendo que todavía había una sensación de que nuestra música se sitúa en un espacio que no pueden llenar muchos otros - podríamos decir que es ¡música dance con conciencia! Sabíamos que había un poco de apetito por nueva música simplemente por haber salido a pinchar como DJs antes del cierre, y por haber interactuado con nuestros fans en las redes sociales. Además, la gente nunca deja de preguntarnos cuándo vamos a volver a salir de gira; para nosotros es muy especial haber tocado las vidas de nuestros fans con nuestra música, ¡porque las modas musicales van y vienen! Y nosotros ya llevamos más de 25 años haciendo música. Además, en 10 años, la forma de consumir música ha cambiado por completo. Nuevas plataformas, redes sociales, streaming de música...

Creemos que las influencias del dub y el reggae son tan importantes para un álbum de Faithless como lo son los elementos electrónicos y de baile, y nos encanta cómo estas voces unen esos mundos musicales. Gaika es también un artista muy futurista, un cineasta brillante además de músico, así que fue genial tener esa intensidad de su energía en el álbum, y unimos las canciones con fragmentos de hermosas melodías de Nathan Ball y Damien Jurado, que son cantantes muy especiales que crean una atmósfera tan melancólica en sus voces. La acogida del disco ha sido espectacular. Para los que ya éramos fans de Faithless, ha sido un reencuentro, esperado y deseado. Pero al haber pasado 10 años desde vuestro último álbum, también habrá sido un descubrimiento para una nueva generación. 24

¿Habéis notado ese cambio? Sí, absolutamente. Este es nuestro primer álbum de estudio en 10 años y el primero en el mundo del streaming. No es tan sencillo como tener un éxito de club, conseguir una lista de reproducción en la radio, salir de gira y conseguir impacto a partir de eso. Ahora todo gira en torno a las listas de reproducción y a los algoritmos. .... ¡Un mundo muy nuevo para nosotros! Una canción también puede crecer muy lentamente, y de repente algo del álbum que ni siquiera esperas trastoca algunos algoritmos y empieza a generar reproducciones, ¡pero puede que ni siquiera sean los temas pensados para ser los principales singles! Así que hay que dejarse llevar por esta energía y prepararse para ser flexible.

Faithless

¿Qué diferencias destacarías entre la promoción entre ‘The Dance’ (2010) y ‘All Blessed’ (2020)? Hemos podido girar con todos nuestros lanzamientos de álbumes por todo el mundo, y este es el primer álbum que no hemos podido girar debido al lockdown y al completo parón de nuestra industria. Todas las plataformas en las que se habría escuchado nuestra música han desaparecido: los clubes, los festivales, incluso las tiendas y los bares en los que se escucha música continúan cerrados. Así que dependemos completamente de los servicios de streaming. Esa es la principal diferencia de este lanzamiento: para “All Blessed” tenemos tanto ediciones físicas (CD y vinilo) como en todas las plataformas de streaming El primer single ‘This Feeling’, es una canción llena de buena energía que nos recuerda esos momentos mágicos de libertad que tienen los atardeceres y que quedan plasmados en nuestros ojos. El videoclip, dirigido por Josh Cole, muestra a un grupo de amigos disfrutando tras el encierro y se presenta con ‘experiencia’ incluida, ya que se puede ver el vídeo al tiempo que el atardecer de tu ciudad, gracias a los datos generados por la Agencia Espacial Europea. ¿Cómo surgió la idea del videoclip? ¿Le dijisteis a Josh Cole lo que buscabais o fue su interpretación propia cuando escuchó el tema? Sentí que la energía y las vibraciones positivas del tema me recordaban a los niños que salen a tomar el sol en sus bicicletas BMX, y la letra de Suli Breaks también le da un verdadero ambiente londinense, y encontré en Internet esa imagen para la portada del single de un chico haciendo un truco genial en su bicicleta. Conseguimos la licencia de la imagen y le pedimos a Josh que hiciera un vídeo en torno a un grupo de ciclistas de BMX pasando un gran día, y tuvimos la suerte de filmar a algunos ciclistas de BMX de gran talento bajo un sol glorioso en Londres. Estábamos saliendo del primer encierro y me pareció que capturaba el sentimiento – ‘This Feeling’- de libertad y esperanza. El sol es también un tema importante en todo el material gráfico: la portada del álbum, las portadas de los singles y todos los vídeos.

Nos encantó que el vídeo palpitara y brillara con la música: hay una gran sinergia con los visuales. La canción es una carta de amor a la música electrónica, pero también un testimonio sobre este extraño mundo en el que amamos nuestra tecnología a veces incluso más que a los demás. Todo nuestro mundo está mediado por nuestros teléfonos/ portátiles, así que queríamos que el vídeo aludiera a ese futuro imaginado en el que la humanidad está completamente abrumada por la tecnología. Con el remix de Maceo Plex de ‘Synthesizer’ comienza una nueva línea vital para el álbum: remixes de grandes artistas. Maceo Plex dijo: “A la primera escucha, no estaba muy seguro de cómo enfocar el remix. Pero cuando escuché el piano en el breakdown, de repente quedó claro que tenía que basar todo el tema en torno a esta hermosa línea de piano. El resto se construyó sobre esos acordes de piano y añadiendo las voces bastante tarde en el proceso. Fue muy divertido y, por supuesto, fue un honor formar parte de su nuevo single”. Si antes hablábamos del enorme cariño con el que el público te ha recibido, me da la sensación de que lo mismo ha ocurrido con los grandes artistas que se han ido sumando con sus remixes. ¿Cómo han reaccionado los artistas cuando les habéis contactado? Hemos tenido la suerte de conseguir que algunos artistas realmente grandes se sumen a mezclar nuestras canciones, y supongo que no habrían aceptado la oferta de los remixes si no se sintieran entusiasmados con la música. También creo que hemos tenido mucha suerte, ya que muchos de ellos no han podido salir de gira, así que se han quedado en casa dispuestos a hacer música en sus estudios.

Para artistas como Maceo Plex, por ejemplo, estoy segura de que habéis sido esenciales en sus influencias musicales. ¿Me equivoco si digo que lo han recibido como un orgullo? - ¿Qué otros artistas han hecho un remix de este tema? ¿Habrá más sorpresas? En las próximas semanas vamos a lanzar nuevos remixes geniales. Nuestro último single, ‘I Need Someone’, tiene unos remix impresionantes de Yotto y Alok, y Paul Woolford acaba de hacer una versión al piano. Habrá algunas mezclas inéditas de ‘Synthesizer’ en nuestro álbum digital edición deluxe, y también en nuestro paquete de mixes en vinilo. Esperamos que encuentren su lugar natural en los sets de los DJs durante el verano, ya que poco a poco parece que saldremos del bloqueo y que algunos festivales seguirán adelante - ¡crucemos los dedos! Darryll Suliaman Amoako, poeta conocido como Suli Breaks, famoso por compartir sus pensamientos y poemas en su canal de YouTube, contribuye como cantante y compositor en gran parte del álbum: ‘Poetry’ (feat. Suli Breaks), ‘Gains’ (feat. Suli Breaks), ‘Remember’ (feat. Suli Breaks & LSK), ‘Innadadance’ (feat. Suli Breaks & Jazzie B) y ‘Take Your Time’ (feat. Damien Jurado & Suli Breaks). En principio uno no relaciona a Suli como un artista estrechamente relacionado con la música. ¿Qué importancia tiene en la composición del disco como para ser el principal protagonista? Creo que el objetivo de este álbum era no tener un solo protagonista -es un rico entramado de voces que se entrelazan a través de la música- y nos encanta que el tono, la frescura y las letras conscientes de Suli ayuden a que este álbum se sienta cohesionado, pero del mismo modo, también lo hacen las melodías de Nathan Ball. Era

Le siguió ‘Synthesizer’ featuring Nathan Ball y cuyo videoclip dirigido por Strangeloop, está inspirado en ‘Metropolis’. ¿Cómo fue en este caso? Tuvimos muchas discusiones sobre el vídeo y sobre el hecho de que reflejara un futuro distópico con todos estos drones trabajadores siendo explotados y alimentando a la máquina, una “madre tierra” robótica, mientras un científico loco construye un súper sintetizador para controlar a todo el mundo. Tiene un toque de “Metrópolis” de Fritz Lang, así como un poco de “TRON”, y también crea una experiencia de otro mundo en la que puedes perderte, ya que Strangeloop son unos animadores de videojuegos con mucho talento.

Faithless

conexión humana -y se siente tan relevante especialmente en el encierro-. Y sí, realmente espero que llegue al corazón de la gente y se convierta en un gran éxito. No se pueden predecir estas cosas, especialmente cuando hay un tsunami de música que se lanza cada día, y no hay festivales. ¿Cómo fue el proceso creativo de esta obra maestra? Hicimos la pista de fondo con esos acordes en un órgano te hacen sentir algo casi religioso- y conseguimos un ritmo sencillo. Luego Rollo le preguntó a Nathan si quería escribir sobre esta pista. Aunque su sonido es más bien folk, le gusta mucho la música de baile y está muy abierto a probar cosas diferentes musicalmente, así que hablamos lo de la letra, Nathan escribió un poco y surgió esa hermosa melodía. Su guitarrista, Max Rad, añadió algunas partes entrecortadas muy bonitas para que dejara de ser un tema típico de chill house; queríamos que se situara entre géneros para la versión del álbum, de modo que siguiera siendo un tema de baile, que pudiera funcionar en un gran system de audio, pero que también sonara muy bien en los auriculares. Para una de las versiones posteriores de ‘I Need Someone’ contasteis con una de las artistas españolas que más apreciamos, Mala Rodríguez. ¿Qué pensaste cuando la escuchaste? Me gustó mucho la onda de Mala. Tiene autenticidad en su música y en su mensaje; viene del mundo del hip hop y de las batallas de rap, así que en realidad esperábamos que grabara más bien un rap en ‘I Need Someone’, pero también tiene una bonita voz para cantar y escribió una hermosa melodía para su verso. ¿Buscabas una voz española o fue algo que surgió sin más? Sentí que ‘I Need Someone’ tenía un mensaje tan universal que realmente funcionaría con un artista latino, y siguiendo el espíritu de colaboración del álbum quise llegar más allá de la barrera del idioma y crear una nueva versión de esta canción.

Y aunque también hablaremos con él; si hay un protagonista en mayúsculas es Nathan Ball. Además de ‘Synthesizer’ (feat. Nathan Ball), el tema ‘I Need Someone’ (feat. Nathan Ball & Caleb Femi) tiene toda la pinta de convertirse en otro ‘Insomnia’. Vamos, que puede convertirse en un himno del momento que estamos viviendo.

Cuándo sea posible, ¿Habrá una gira de ‘All Blessed’? Es muy difícil saber cuándo esto será posible. Espero que en 2022 haya una oportunidad de volver a tocar en directo. Mientras tanto, estaré tocando DJ sets de Faithless en los festivales de verano de este año, incluyendo tanto algunos de nuestros mayores himnos como también esta nueva música en mis sets. ¡Estoy emocionada por escucharlo en un gran formato de sonido tan pronto como sea posible!

Cuando escuchaste la versión final de ‘I Need Someone’ ¿sabías que iba a tener tanto éxito? Me encanta esta canción. Es un mensaje emotivo muy sencillo sobre el anhelo de

Cambiando un poco de tema. Eres una de las mujeres de la industria de la música electrónica, un referente para las mujeres de mi generación (tengo 41 años). Hace 20 años había muy pocas mujeres en los escenarios

importante crear esa sensación de colaboración a través del álbum, y muchas perspectivas y elementos de contraste.

Faithless

tocando música electrónica, pero sí en otros géneros como el pop. ¿Por qué crees que la presencia de mujeres en la música electrónica es tan desigual en comparación con otros géneros? Creo que empieza en la escuela, donde no se anima lo suficiente a las mujeres en las asignaturas de tecnología, se las empuja más hacia las artes. De alguna manera, existe la percepción de que la tecnología es demasiado difícil para las chicas, o sólo para los chicos... y la falta de mujeres DJs y productoras es una extensión de ese prejuicio. Definitivamente, cada vez hay más mujeres visibles en nuestro mundo, en contraste con lo que ocurría cuando yo empecé, cuando sólo había un puñado de mujeres DJ y aún menos productoras, lo que significa que las cosas están cambiando lentamente. Espero que la enseñanza en las escuelas sea cada vez más clara: no hay nada que te falte como mujer para trabajar en la música electrónica, sólo necesitas pasión por la música, ganas de hacerla o tocarla y mucha confianza en ti misma si quieres actuar. Por desgracia, tampoco hay suficientes mujeres en la estructura del negocio -promotores, jefes de los sellos discográficos, etc.-, estos puestos suelen estar ocupados por hombres, y eso cambia el entorno y las decisiones que se toman en torno a los/las artistas. Y también hay menos mujeres de color en esos puestos, así que hay que cambiar muchas cosas. Es una vida dura, no es para todo el mundo: trabajar todos los fines de semana, viajar a horas locas, sacrificar la vida personal. Quizá por eso hay menos mujeres en este sector. Las mujeres pueden sentirse desanimadas por la falta de seguridad laboral: no hay subsidio por enfermedad, ni pensión, ni permiso de maternidad, y es en gran medida una ‘cultura

juvenil’, por lo que también tiene un elemento de edad. Estos son los muros que tenemos que intentar derribar. Pero todo es posible: ser DJ, artista de cabecera, música, escritora, productora y madre -yo soy la prueba de ello-, pero es imposible sin ayuda, sin un equipo y sin un poco de apoyo. ¿Quiénes han sido tus referentes femeninos? Me encantan muchas artistas femeninas: desde íconos como Grace Jones, hasta Joni Mitchell o Kate Bush, y en el mundo de la música electrónica DJs como Princess Julia y Smokin’ Jo fueron mis heroínas, y artistas musicales como Anne Dudley de The Art of Noise, y Vivienne Westwood en el mundo de la moda. Como madre de un adolescente, estoy segura de que, como yo (mi hijo tiene 4 años), ves a tu hijo crecer en un entorno con mayor conciencia medioambiental. La escuela está siendo clave en el desarrollo de esa conciencia. ¿Cree que la industria musical, a la que jóvenes como tu hijo y el mío ya tienen acceso, está preparada a nivel medioambiental para la concienciación que tienen las nuevas generaciones sobre el tema? Creo que hay mucho trabajo por hacer en ese sentido, especialmente por parte de las organizaciones más grandes; creo que la sostenibilidad será muy importante para la próxima generación, ya sea en la moda o en la música; por ejemplo, ¿podemos crear festivales con cero residuos? Glastonbury ha intentado aplicar una política de cero residuos plásticos en los últimos años. Tenemos que ser conscientes de lo que dejamos atrás y de si es biodegradable o no. El grupo Coldplay decidió que no quería hacer una gira a menos que fuera neutra en cuanto a emisiones de carbono, así que ya hay

algunas voces importantes que ya se comprometen con el futuro. Creo que uno de los aspectos positivos del bloqueo para mí fue no tomar tantos vuelos: era muy consciente de que las giras de DJs implican enormes kilómetros recorridos por todo el mundo, y de que un pequeño porcentaje de pasajeros de vuelos frecuentes son responsables de las mayores emisiones. No me sentía bien sabiendo que estaba contribuyendo tanto al calentamiento global. Por último, si te digo España, ¿qué piensas? Me encanta la comida española, la cultura y el idioma - y hasta el cierre había estado tocando shows en Ibiza cada verano desde principios de los 90. También aprendí un poco de español antes de hacer mi primera gran gira por Sudamérica - por Perú, Argentina y Chile - ¡¡me encantaría aprender más! Besitos :) x Escanea y escucha ‘All Blessed’ en Spotify

Faithless

NATHAN BALL Tienes -si no me equivoco- 30 años. Teniendo en cuenta que el anterior disco de Faithless fue hace 10 años, me pregunto si los escuchabas cuando tenías 20 años, o si has descubierto su música después. Sí, acabo de cumplir 30 años... He sido un gran fan de Faithless desde muy joven y tengo muy buenos recuerdos de las vacaciones de verano con mis padres conduciendo con las ventanas bajadas en el coche y con ‘Insomnia’ sonando a todo volumen. Era la banda sonora definitiva para esas tardes de verano llenas de sol y, para ser sincero, lo sigue siendo. Fue un completo honor después de todos estos años, que me pidieran ser una pequeña parte de su increíble viaje. Ha sido un placer trabajar con Blissy y Rollo y todo el equipo en este proyecto. Tienen una hermosa sed de vida y pasión por la música, y el mensaje que están difundiendo con este álbum es tan importante, especialmente en estos tiempos de incertidumbre en los que nos encontramos. Nos lo pasamos muy bien en el estudio con la banda haciendo el disco, y espero que esa pasión y esa conexión se reflejen en la música.

Tanto ‘Synthesizer’ como ‘I Need Someone’ también junto a Caleb Femi, han sido los temas que más proyección han tenido del disco. ¿Te esperabas algo así? Recuerdo que cuando escuché por primera vez ‘Synthesizer’, quedé totalmente sorprendido por la producción y, de inmediato me remonté a los primeros discos de Faithless y a ese sonido único y visionario que esos discos personificaban, así que supe que esa canción conectaría con los fieles seguidores de Faithless. ‘I Need Someone’ fue la canción con la que más conecté en el estudio, recuerdo que era tarde una noche y el ambiente cambió de repente, me pareció un tema realmente especial y emotivo que tocaba fibras sensibles y también contaba una historia importante, así que estoy muy contento de ver que los fans alrededor del mundo han conectado con esa canción. Es la que más me gusta cantar y espero que algún día podamos tocarla juntos en directo. ¿Cómo se construyeron ambos tracks’? Recuerdo que ‘Synthesizer’ adoptó diferentes formas en el estudio y fue increíble ver a Rollo y a Blissy explorar diferentes direcciones y caminos para este track antes de llegar a su versión final. Sé que el contenido de la letra era una idea que existía desde hacía tiempo y creo que el timing fue perfecto, ya que explora esa idea de los seres humanos volviéndose tan

indulgentes con las máquinas y a menudo perdiendo de vista lo más importante, la conexión humana, algo que realmente anhelamos en este momento. ‘I Need Someone’ fue una de esas canciones que simplemente emanó de nosotros y siento un real apego emocional por ella. Para mí es una de esas canciones que ha adquirido un significado diferente con el paso del tiempo y parece haber conectado líricamente con el público durante la situación actual. ¿Crees que la pandemia ha influido en la conexión del público con el tema? Ha sido una época tan incierta para todos en el mundo de la música y sacar un álbum de dance en tiempos en los que la gente no solía estar en clubes o en las carpas de baile de los festivales, sino encerrada en casa, ha sido un proceso realmente interesante. Aunque en la actualidad no se estén generando recuerdos en las pistas, creo que eso ha dado a los fans una perspectiva diferente sobre el álbum y les ha dado la oportunidad de conectar con las letras y el mensaje de las canciones, así que espero que cuando volvamos a esos clubes y festivales esto cree un significado totalmente nuevo para las canciones y se conviertan en la banda sonora para increíbles memorias. ‘I Need Someone’ ha creado un universo propio en el que una larga lista de artistas ya ha hecho su propia versión del original.

Faithless

¿Qué se siente al escuchar las versiones de tu track por otros artistas? Sí, ha sido increíble escuchar tantas interpretaciones de los tracks por parte de diferentes DJs, siempre es muy inspirador e interesante oír los diferentes rumbos que toman las canciones cuando los artistas eligen diferentes partes de la melodía o de la letra en las que poner su foco.

Sí, me encanta viajar y surfear en España. He surfeado mucho en Zarautz y Mundaka. Son lugares impresionantes, las olas son increíbles y la cultura y el ambiente de allí son fascinantes. Siempre he soñado con pinchar en el Sónar porque todavía no he estado en Barcelona, así que cruzo los dedos para que algún día pueda ir allí también.

¿Cuál es tu favorito o el que te ha sorprendido más? Para mí, el remix de Yotto es simplemente increíble. Soy fan suyo desde hace mucho tiempo y le he visto tocar en directo un montón de veces. Es un verdadero maestro de su oficio y oírle agregar su giro de emotividad en lo que ya era un tema tan emotivo para mí, me dejó alucinado. Le vi tocarlo durante el set que hizo en solitario en las montañas y oírlo resonar en las montañas fue un momento muy especial.

Y para acabar: ¿Qué planes tienes para 2021? Me espera un año emocionante, tengo mi primer disco en solitario; cuento las horas para publicarlo, y tengo más colaboraciones de house en marcha, ¡así que estad atentos!

En Mixmag Spain estamos ultra-enamorados de la versión con Mala Rodriguez, con la que hablamos también en esta entrevista. Sí, escuchar la voz de Mala en el track fue increíble. Tiene tanto talento y una voz tan épica que fue muy especial tenerla cantando y le dio una nueva dimensión, lo que fue fantástico de escuchar. Sobre posibles remixes: ¿Quedan más sorpresas? ¡Ha! ¡Ya veremos! Una de tus pasiones es el surf ¿has surfeado alguna vez en España?

MALA RODRÍGUEZ ¿Escuchabas a Faithless hace 15 o 20 años? Si, en ese momento ya los conocía, a través del disco de ‘Outrospective’, que creo que es de 2001.

minuto uno. Me encantó la idea de que el tema fuese en inglés y meter mi parte en español, pensé que podía funcionar, y así fue. ¡En persona aún no nos conocemos, pero pronto! ¿Cómo fue el proceso creativo para tu versión? Me encerré en el estudio con el tema a tope de volumen, me inspiré muy rápido, la verdad, fue muy natural y fluido. Hacerlo en español me encajaba desde el principio, por meterle otro rollo a la canción. La respuesta dentro y fuera de España ha sido increíble ¿Te lo esperabas? ¡La verdad es que me ha sorprendido todo el amor que hemos recibido con este tema, no me lo esperaba paaaara nada! Estoy encantada. Ojalá poder presentarlo alguna vez en vivo. Escanea y escucha ‘Necesito a alguien (I Need Someone)’ [feat. Nathan Ball & Mala Rodríguez] en Spotify

¿Les has visto alguna vez en directo? ¡Ojalá! Pero no, es una pena, me hubiese encantado. ¿Qué vínculo te une a Sister Bliss y a Nathan Ball? ¿Os conocíais? Mi mánager me planteó la opción de hacer una colaboración y me pareció genial desde el 29

r e p o r t a j e

A U T O R A :

P A T R Í C I A

P A R E J A

C A S A L Í

¿QUÉ PLATAFORMAS SERÁN TENDENCIA ESTE 2021? En un mundo digital en el que, a veces, parece lógico pensar que ya lo hemos descubierto todo, siempre aparece algo nuevo que nos sorprende. Primero nos encandilaron con el venerado Facebook y nuestro amado Twitter. Más tarde, las instantáneas cobraron mayor importancia gracias a Instagram, pero con el tiempo el vídeo le destronó con la llegada de TikTok. ¡Y no sólo el vídeo! Sino que ahora resulta que los streamings tienen más engagement gracias a Twitch. Y no os lo perdáis, que la guinda se la lleva Clubhouse, la plataforma que ya ha captado a miles de usuarios a con su motor principal: el audio. El confinamiento en particular y la pandemia en general nos ha obligado a pasar más tiempo en nuestros hogares y a cambiar muchos de nuestros hábitos de ocio y consumo. En este contexto, ha habido un sector que ha salido muy reforzado: las plataformas de redes sociales. La necesidad de comunicarnos, de transmitir, de escuchar, de -en definitiva- sentirnos en comunidad, ha ido in crescendo y ha derivado en la migración de los usuarios a otras plataformas y en la aparición de otras nuevas que han cogido una fuerza inmensa. Si hasta hace poco los usuarios se dedicaban a compartir fotos, ahora la tendencia es publicar stories, vídeos y

retransmitir en directo. Ya sea para aprender alguna receta de cocina, algún truquillo de videojuego, recomendar outfits o darte a conocer como marca, no cabe duda que las plataformas con formato vídeo son el mejor aliado, y para saberlo no hay más que analizar qué tipo de contenido es el más consumido últimamente y pararse a observar el auge de usuarios de las nuevas redes sociales como Twitch o Clubhouse. Un claro ejemplo que te dejará en jaque mate: ¿cómo despediste el 2020? ¿con Cristina Pedroche? ¿con Anna Obregón y Anne Igartiburu? o… ¿con Ibai Llanos a través de Twitch? Si elegiste la tercera opción, no lo hiciste solo, sino junto a otro medio millón de espectadores de Twitch, cosa que coronó la retransmisión como la tercera más vista en la historia de la plataforma. Sin ir más lejos, uno de sus espectadores fue el mismísimo ministro de Sanidad, Salvador Illa, que agradeció públicamente en Twitter su trabajo por ayudar a que la gente se quedara en casa. Cuando tienes al mismísimo presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, o al ministro de Sanidad, Salvador Illa, como followers, poco más cabe decir para confirmar la fuerza de la plataforma. Pero, ¿qué son Twitch y Clubhouse y por qué están tan de moda? Veámoslo.

¿Qué es twitch y por qué está tan de moda? Twitch es una plataforma de streaming con contenido en directo. Su principal diferencia con YouTube, que ofrece principalmente vídeos grabados y editados, es que en Twitch los canales emiten en live, lo que le otorga un parentesco razonable con la televisión. Twitch es la plataforma de streaming de moda, y su historia empieza como tantas de las historias sobre emprendedores que ya conocemos en la última década. Justin Kan y Emmet Shear son sus progenitores. Se graduaron en un programa de startups y combinator y, poco después, se juntaron con dos amigos más y se mudaron a un apartamento donde empezarían a desarrollar sus propios poyectos. Es entonces -allá por 2007- cuando crean JustinTV, un canal de vídeo en directo en el que el mismo Justin Kan hacía streamings de su día a día, dando lugar así al concepto conocido como lifecasting. Poco a poco, la plataforma evoluciona, coge fuerza y surgen nuevos canales de entre los cuales, Twitch -un canal dedicado a los videojuegos-, destaca por encima del resto. De hecho, coge tanta fuerza que en 2011 Justin decide abandonar Justin TV y convertir Twitch en una plataforma independiente de justin.tv.

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¿Ha llegado twitch para desbancar a la mismísima TV? “Que la TV está obsoleta no es algo nuevo, las campanadas más vistas de este fin de año fueron las de Ibai, y eso es algo que acojona a los medios de comunicación standard o a los cargos de poder”, nos explica Cora Novoa -una gran DJ y recientemente también streamer en Twitch-, “que un chaval con una cámara desde la habitación de su casa en Vallecas llegue a más gente que un partido político en campaña, es algo que les tiene que hacer pensar y es algo bueno que suceda”. No cabe duda de que Twitch ha abierto un nuevo camino al entretenimiento desafiando así a la reina entre las reinas: la televisión. Y no lo decimos nosotros, lo dicen las cifras: a principios de año, al mismo tiempo que dos populares canales de TV alcanzaban los 3 millones de espectadores, un streamer de Twitch conocido popularmente como TheGefg, alcanzaba 2,5 millones en su canal.

A los pocos años, el éxito de Twitch es tan evidente que sus creadores empiezan a recibir ofertas de los pesos pesados de la tecnología, y finalmente es Amazon el que se hace con el poder de la plataforma desembolsando hasta 980.000.000 $, convirtiéndose así en la adquisición más cara de la historia de la empresa de Jeff Bezos. Twitch destrona a YouTube Gaming y a Mixer de Microsoft para coronarse como el nuevo reino de los streamers, y amplía la variedad de sus contenidos y los distribuye en nuevas categorías, añadiendo así nuevos canales y atrayendo a nuevos usuarios streamers hacia su plataforma. Es a partir de ese momento cuando figuras como Shroud o Tfue -entre muchos otros que en un pasado no muy lejano fueron streamers top de YouTube-, migran a Twitch para continuar con sus retransmisiones a través de esta nueva plataforma.

Lo que verdaderamente hace de Twitch una plataforma implacable es su accesibilidad a la hora de crear comunidad, comunicarse,

enseñar, aprender, transmitir,… “Twitch para todo, siempre vas a encontrar contenido para consumir a cualquier hora del día y procedente de cualquier parte del planeta”, nos explica Cora refiriéndose a Twitch, aunque sus palabras podrían referirse, de igual manera, a la televisión. No cabe duda de que en cuanto a entretenimiento se refiere, Twitch y la televisión van de la mano, aunque Twitch cuenta con la gran virtud de poder conocer al resto de espectadores (a diferencia de la televisión). Y, además, de atraer a seguidores dispuestos a pagar por el contenido. “No sé si podrá eclipsar a la TV porque es algo que siempre ha estado ahí y es difícil que todo el mundo pueda acceder a Twitch de la misma manera que enciende la TV. Pero en un futuro puede ser algo a tener en cuenta para la forma de crear y emitir contenido”, opina EME Dj, Marta, quien recientemente se ha convertido también en una gran streamer de Twitch. Si bien es cierto que, como bien explica ella, debes ser un pesado pesado para poder pisotear a un gigante como es la TV, no cabe duda de que Twitch apunta maneras y ya hay muchos usuarios, como Marta, que afirma que “ya no consumo tanta TV como antes, ahora paso más tiempo en plataformas como Twitch” y, si esa consigue ser la tónica de la población, puede ser que llegue un día en que la audiencia se divida entre estas dos buenísimas vías de entretenimiento.

Los streamers españoles tampoco se han quedado atrás. Es el caso de ElRubius o Auronplay, sin olvidarnos del muy bien conocido Ibai Llanos, uno de los principales streamers españoles de la plataforma. Es precisamente el éxito de estos streamers lo que ha originado una transformación en la manera de comunicarnos audiovisualmente. ¿Marcará Twitch un cambio tan radical como el que marcó la televisión desbancando a la radio con su aparición en 1920?

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Y, ¿Cómo Funciona? Puedes acceder a Twitch a través de su página oficial www.twitch.tv, o bien descargar la aplicación en tu dispositivo. Como en toda plataforma, lo primero es abrirse una cuenta. Una vez dentro, Twitch te hace algunas preguntas para saber más de ti, de tus gustos y preferencias. Acabado el cuestionario, la plataforma te presenta varios canales que pueden ser de tu interés basándose en tus respuestas para que puedas empezar a seguirlos. Además de los canales, también te plantea diferentes usuarios que, quizás, puedan interesarte por el contenido que aportan a Twitch. También puedes buscarlos por ti mismo en la pestaña “explorar”, donde puedes filtrar por categorías o etiquetas. Aunque a priori pueda parecer sencillo moverse por los entresijos de una red social, a veces no lo es. Es el caso de Twitch que, si nadie te ha introducido ni te ha explicado por encima cómo funciona, puede ser todo un laberinto. “Sentí que estaba en otra dimensión, en un metaverso que no funcionaba con sus propias normas, lenguaje y usabilidad, no se parecía a nada que hubiera conocido y me sentí muy fuera de la plataforma por todo lo que me quedaba por aprender”, nos explica Cora Novoa, cuya impresión no es,

ni mucho menos, un caso aislado sino que, para casi cualquier usuario nuevo en esta red social, Twitch puede resultar algo complejo de utilizar. Así nos lo confirma Marta quien, tras preguntarle acerca de su primera impresión de la plataforma, nos comentó que “fue algo muy difícil para mí, no entendía cómo se emitía y me llevó tiempo comprender que hacía falta un programa externo (el OBS) para poder hacerlo”, dice. “¡Tuve que ver varios tutoriales para lograr hacer mi primera emisión! No fue fácil pero ha merecido la pena”. En la versión de tu dispositivo como aplicación, la plataforma se divide principalmente en 4 pestañas. En la pestaña “siguiendo” aparecen los canales que sigues, te informa de los que están retransmitiendo en directo, te recomienda a otros nuevos en función de tus preferencias y te indica los canales que están offilne. En “explorar” la plataforma te recomienda infinidad de canales y usuarios en función de tus gustos. En “navega”, te plantea las diferentes categorías y canales en directo (principalmente videojuegos), y la última pestaña, “esports”, es el lugar ideal para encontrar cualquier retransmisión deportiva. En cada canal podrás ver quién es el retransmisor, cuántos espectadores lo están siguiendo en directo, la categoría, la opción de comenzar a seguirle o suscribirte, compartirlo y, en caso de que ya seas

seguidor, tendrás también acceso a un chat donde poder conversar con el resto de espectadores, plantear tus dudas, sugerencias, etc. Un gran punto a favor de la plataforma es que, si estás viendo una transmisión en directo y quieres consultar otras pestañas de la plataforma, o incluso de tu dispositivo en general (otras páginas web, whatsapp, notas,…) Twitch te permite ver en modo PIP la retransmisión, por lo que, a no ser que le des a la opción “X” (cerrar), el vídeo quedará en una ventana flotante en tu pantalla. En la versión web, a tu izquierda se organiza una lista con los canales que sigues y los canales recomendados. En la parte superior derecha, puedes ver el icono de una corona, donde puedes comprobar las recompensas semanales que regala Twitch si te pasas a Prime. Junto a la corona, también tienes el icono de un inbox, que te informa de si tienes notificaciones (nuevos seguidores, suscriptores, avisos de canales que sigues, actualizaciones importantes de la plataforma…) y finalmente los “susurros”, etiqueta con la que Twitch apoda a los mensajes privados entre usuarios. Justo a su derecha, encuentras el botón “conseguir bits”. Los bits son una especie de “recompensas virtuales” que puedes comprar en Twitch, puedes enviarlos para mostrar tu apoyo a tu streamers favoritos y celebrar grandes momentos con la comunidad directamente en el chat.

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¿Por qué los artistas están migrando a Twitch? “La pandemia ha acelerado los planes que tenía la plataforma de forma exponencial”, dice Cora. En efecto, el hecho de no poder realizar eventos físicos ha potenciado la necesidad de comunicarse digitalmente y los usuarios han migrado a las plataformas y las redes sociales de manera masiva. Muchos de nosotros nos hemos refugiado en las redes sociales durante este último año, hemos encontrado entretenimiento, hemos creado comunidad, descubierto nuevas vías de negocio e incluso -algunos de nosotros- nos hemos convertido en auténticos streamers. Es el caso de artistas de la talla de EME DJ, que nos confiesa que “antes pasaba más tiempo en otras redes sociales como Twitter, YouTube y Mixcloud, Ahora ni siquiera veo la TV, a Twitter solo entro para comprobar las menciones o lo consulto al final del día para mirar el timeline, y YouTube lo consumo menos porque invierto más tiempo en retransmitir mis streamings en Twitch o

¿Es una plataforma rentable?

Si bien es cierto que ya conocemos plataformas de vídeo que sí son rentables -como YouTube-, monetizar una plataforma de transmisión en directo -como es el caso de Twitch-, difiere significativamente. Pero, desde luego, no es imposible. De hecho, hay algunos canales en Twitch que ya alcanzan unos ingresos descomunales, pero son pocos los que pueden conseguir dicha rentabilidad, “el Split que se lleva Twitch por cada subscripción o por los ads debería ser más justo”, indica Cora, y es que para la gran mayoría, Twitch debería ser un ingreso extra, y en muy pocos casos supondría un sueldo con el que poder vivir. Se trata de una plataforma gratuita con posibilidad de abonarte a un canal con la

viendo otros canales de la plataforma. Mixcloud también lo miro menos porque de pronto me resulta más entretenido buscar a otros DJs en Twitch”.

EME Dj, “no queda otra que aprovechar al máximo los streamings y sacarles el mayor partido hasta que veamos cómo evoluciona la plataforma,”.

Además, en una etapa en la que apenas hemos podido relacionarnos cara a cara, que se han cerrado clubes, restaurantes, centros comerciales, se han cancelado eventos, festivales,… Twitch ha creado una enorme comunidad de gente y ha ayudado a conseguir una interacción a tiempo real entre los usuarios, algo que otras plataformas no han conseguido ofrecer. Además, el hecho de poder disfrutar de un streaming musical en directo no es algo que cualquier plataforma pueda ofrecer y, desde luego, es un auténtico punto a favor para los artistas.

Pero no son estos los únicos motivos por los que algunos artistas están migrando a esta plataforma, sino que además hay quien valora que Twitch no te “banea” ni te censura el contenido a la ligera, “noto que cada vez más mi consumo digital está yendo hacia Twitch. Posiblemente paso más tiempo en Instagram en la actualidad, pero sé que eso está cambiando y me alegra”, nos explica Cora, “Instagram es una plataforma que realmente odio por los continuados ghostings que aplican si linkeas otras plataformas, el baneo que te pueden hacer si “incumples las normas”, unas normas totalmente obsolteas y más cercanas a la época feudal que al siglo 21, la desprotección que hay del usuario frente al haterismo o la libertad de expresión.” Y finaliza añadiendo “todo lo que sea salir de los monopolios y sumar a la diversidad, me parece genial”, y como Cora, muchos otros artistas están migrando a Twitch por estos pequeños-gran detalles que tiene la plataforma hacia el usuario y que la hacen destacar por encima del resto.

Si bien es cierto que muchos de los artistas de la industria musical están migrando a esta innovadora plataforma capitaneada por gamers, no queda muy claro que pueda desarrollarse efectivamente -por el momento- en relación a nuestra industria ya que “hay muchos problemas con el copyright y las discográficas no lo están poniendo nada fácil”, nos asegura Marta. Por el momento, sólo nos queda esperar a ver cómo evoluciona el equipo que maneja las cuerdas de Twitch y, en palabras de

finalidad de eliminar la publicidad, poder acceder a más funcionalidades y poder conversar más fácilmente con el emisor. Y en este panorama, ¿cómo se puede ganar dinero con Twitch? Bien pues, hay cuatro formas de sacarle partido. La mayor fuente de ingresos estables para los canales con más éxito es mediante los suscriptores de pago. El canal y Twitch se reparten el importe que paga el abonado al canal en un 50% - 50%, excepto en los canales más exitosos en los que el reparto es 70% el canal y 30% para Twitch. En resumidas cuentas, para conseguir ser mileurista en Twitch deberías tener, almenos, 400 abonados, lo que significaría ofrecer contenido de calidad y emisiones muy frecuentes. Otra forma que tienen los canales de hacer dinero con sus streamings es consiguiendo donativos de los espectadores. En este caso, Twitch no se lleva bocado, sino que el 100% de los beneficios van directos al canal.

Si un canal es exitoso, cuenta con una manera adicional de conseguir ingresos mediante publicidad. El canal obtiene el derecho de pulsar un botón adicional mediante el cual mostrará uno o varios anuncios a todos los espectadores en ese momento, cosa que le hará ganar más ingresos. Solo debe irse con ojo en no hacerlo muy a menudo, pues podría cansar al público fácilmente y perder audiencia. En último lugar, los patrocinios y los sistemas de afiliados pueden incrementar los ingresos de los canales más o menos reconocidos y los más exitosos. Por una parte, las cuentas más o menos exitosas pueden tener afiliados que les recompensan con una comisión por ventas de productos recomendados. Por otra parte, los patrocinadores pagan a los streamers más top para asistir a una conferencia, para grabar vídeos promocionales, probar juegos nuevos,… Los ingresos en estos casos varían mucho pero, sin duda, son rentables.

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¿Qué es Clubhouse y por qué está tan de moda? Clubhouse destaca desde el minuto uno, justo cuando descubres que es una red social de audio. El universo de los podcasters. Y no solo eso, sino que sólo puedes acceder a ella mediante invitación. Vaya, que prácticamente puedes sentirte alagado si tienes acceso a la app. La plataforma -por el momento sólo disponible para dispositivos iOs- nació en Silicon Valley de la mano de Paul Davison y Rohan Seth con una inversión inicial de 12 millones de dólares, y se lanzó en abril de 2020, un momento idóneo para simular una experiencia más humana en una situación crucial en la que el mundo entero se enfrentaba a una pandemia mundial. En palabras de Marc Marzenit, uno de los artistas asiduos a la plataforma, Clubhouse “es como hacer radio desde casa de forma interactiva con tu propia audiencia”. Pese a haber dado que hablar en su lanzamiento, no ha sido hasta ahora

Clubhouse, ¿la radio del 2021?

Sin duda alguna, es el cielo en la tierra para los amantes de los podcasts y de aquellos que añoren las noches escuchando la radio antes de conciliar el sueño, “no creo que Clubhouse deba compararse con otras redes sociales y, en el caso que lo tuviéramos que comparar, sería con una radio tradicional” dice Marzenit, “ya que Clubhouse te permite hacer otras tareas mientras escuchas las conversaciones y, a diferencia de IG, FB o cualquier otra red social, la estructura interactiva de la app no es de tener que interactuar con ella constantemente”. Ya son miles de usuarios los que cada día se conectan a la plataforma, a sabiendas de que van a escuchar la voz de desconocidos hablando de temas del todo variopintos y que se conectan desde cualquier

cuando ha empezado a recibir un importante aluvión de usuarios. La exclusiva red social se basa en conversaciones de voz efímeras que no quedan grabadas y garantizan así la privacidad y exclusividad de las charlas. La aplicación, hoy en día, cuenta con 2 millones de usuarios activos a la semana y es la creme de la creme en EEUU. Los analistas afirman que si la compañía mantiene el ritmo, pronto alcanzará la popularidad de otras redes como Twitter (con 330 millones de usuarios al mes) o LinkedIn (con 260 millones). En los últimos meses, directivos y grandes personalidades del mundo económico, artístico y tecnológico como es el caso de Elon Musk, el fundador de Tesla, se han dejado escuchar en la aplicación. Y, de hecho, colapsaron el sistema.

crear una comunidad de la industria musical en la plataforma, y con este objetivo organiza “entrevistas semanales con Aulart de carácter educativo con artistas o profesionales del sector de la industria musical que quieran compartir sus conocimientos. Hemos entrevistado a gente como Dubfire, Chris Liebing, Hannes Bieger, etc y, curiosamente, para todos ellos era la primera vez que debutaban con la aplicación”. Pero, ¿qué explica el éxito repentino de Clubhouse? Sin duda, ha nacido en el momento más oportuno; el confinamiento, la reducción de la movilidad, de las reuniones y comidas familiares, las fiestas, los festivales, el cierre de la restauración,… en definitiva, las consecuencias de la pandemia, han propiciado que esta nueva red social suba como la espuma.

En nuestro país, por ejemplo, ya se pueden escuchar conversaciones sobre bitcoin, inversión en capital riesgo, estrategias de marketing e incluso lecturas del tarot, consejos para ligar en tiempos de pandemia,… aunque, según nos cuenta Marzenit “todavía es muy temprano para encontrar contenido de alta calidad y frecuente relacionado con la industria”, y por su parte está aportando su granito de arena para

Otro de sus puntos a favor es, sin lugar a dudas, la exclusividad. El hecho de que las conversaciones no sean grabadas y, por lo tanto, tampoco sean accesibles después de cada reunión, hacen que su servicio sea un objeto de deseo por los usuarios. Sin embargo, todavía flaquea en varios puntos: aún está en fase beta, sólo se puede acceder con dispositivos iOs y no tiene modelo de negocio.

parte del mundo. Es como estar escuchando la radio a todas horas pero con una gran diferencia: en este caso tenemos la posibilidad interactuar o, más concretamente, de levantar la mano y participar en la conversación. En realidad, salvo en ese pequeño detalle, no se asemeja con nada que hayamos conocido hasta el momento, porque su idea parte del concepto “social voice networking”, es decir, generar relaciones profesionales a través de la voz.

programa en COPE, mientras que la cadena SER se ha estrenado en ella de la mano de “A vivir que son dos días”, el programa dirigido por Javier del Pino, emitiendo una sección dedicada a la tecnología a través de la plataforma, dándole la oportunidad a sus usuarios de participar en directo en la radio.

Otro punto que hace más evidente si cabe su similitud con la radio o con una charla en vivo es que, después de producirse, no sucede nada. La conversación se desvanece, no queda guardada ni se transcribe. Desaparece. Igual que sucede con una conversación en persona, o con una retransmisión de la radio. Algunos medios españoles ya han comenzado a testar la plataforma, como es el caso de El Economista, pero sobre todo y, como bien decimos, ha interesado a las radios. Carlos Herrera, comunicador de la radio española, ya la ha incorporado como nueva capa de participación para su

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Y, ¿cómo funciona?

Si en algún momento quieres intervenir en la conversación, debes levantar la mano. ¡Sí, sí! Como lo lees. Al igual que si estuvieras en clase, tienes que pedir el turno para hablar -y es comprensible ya que, de no ser por esto, las salas serían un gallinero. Para poder pedir el turno tienes un icono de una mano situado en la parte inferior, y serán los moderadores quienes decidirán darte paso o no. Mientras tanto, asegúrate de mantener tu micrófono silenciado.

Lo primero que debes saber es que hasta que no tengas invitación, tampoco tendrás acceso. Sin embargo, puedes entrar y reservar tu nombre, a la espera de que los contactos que tengas en tu agenda y estén dentro de Clubhouse reciban la notificación y desde ahí puedan invitarte.

Es vital que cuides al detalle la imagen de tu perfil ya que, si alguien clicka en él mientras estás en una sala, podrá acceder a tu bio, saber quién eres y a qué te dedicas. De igual manera, tu podrás acceder a la misma información del resto de usuarios. A diferencia de otras redes sociales, no tienes un número de caracteres limitado para explicar tu bio, puedes explayarte largo y tendido. Además, el SEO funciona a las mil maravillas y podrás destacar e identificarte con palabras clave.

Una vez dentro, rellenarás un formulario con tu número de teléfono y la aplicación te informará de quién es la persona que te ha invitado -darle las gracias de vuelta nunca está de más-, y te da la opción de enlazar tus contactos en tu perfil. Como ya es -prácticamente- costumbre en las redes sociales, la plataforma te hará un breve cuestionario para conocer tus gustos, aficiones y preferencias para, seguidamente, plantearte un listado de personas influyentes de tu interés. En la parte superior encontrarás la lupa para “explorar”. Si clickas, se te mostrará una pantalla con varias pestañas que te plantean temas de conversación que puedan interesarte, pero también un buscador donde puedes encontrar lo que desees, aunque no es muy completa. Según nos cuenta Marzenit, “la interface gráfica

me parece muy poco atractiva, creo que tienen que mejorar mucho el “user interface” y el “user experience” para mejorar las búsquedas de contenido. El buscador debería poder tener herramientas para filtrar mejor el contenido que te interese”. A su derecha, tienes el icono de tus invitaciones, donde te informarán de cuántas invitaciones tienes disponibles para contactos de tu agenda y para que puedas enviarlas a tus amigos (al inicio solo tendrás dos invitaciones), conforme utilices la aplicación y abras más salas, más funcionalidades e invitaciones tendrás a tu disposición. Seguidamente, tienes el icono de tu calendario, donde se organizan los horarios del día con las conversaciones que pueden ser de tu interés. A la derecha, encontrarás el icono de la campana que indica la actividad de las personas que te siguen, y también te informa de tus contactos que se acaban de incorporar, por si quieres conectar con ellos.

Las salas Cuando entras en una conversación -o sala-, en la parte superior de la pantalla se muestran los perfiles de los usuarios que están participando en la conversación y, en la parte inferior, las personas que están escuchando.

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¿Por qué los artistas están migrando a clubhouse?

¿Es una plataforma rentable?

Porque es un lugar donde reunirse con amigos y con gente nueva de cualquier parte del mundo, un lugar donde poder curiosear las salas y escuchar entretenidas y enriquecedoras conversaciones de temas de tu interés, y un lugar donde conseguir un gran aprendizaje, además de crear una pequeña - gran comunidad. En definitiva, es algo muy útil y necesario en los tiempos en los que estamos, ya que sentirnos en comunidad y comunicarnos es algo vital para el ser humano.

“Si quieren fomentar que haya creadores de contenido de alta calidad, que dediquen su tiempo a generar contenido con regularidad”, nos comenta Marc, “y para ello tendrán que buscar la manera de compensarles, de la misma manera que lo ha hecho Twitch”. Pues bien, parece ser que en las últimas semanas Clubhouse ha centrado su atención en idear esa compensación con el fin de atraer y fidelizar a los usuarios que la están haciendo popular.

Pero no solo usuarios de a pie nos hemos sentido atraídos por esta plataforma, sino que celebridades de la talla de Marck Zutterberg ya se ha dejado caer alguna vez que otra por Clubhouse, curioseando diversas salas de tech. Y no solo Marck. Sino también Oprah Winfrey, Jared Leto, Drake o el mismísimo Elon Musk, que colapsó el sistema cuando miles de usuarios pretendieron unirse a su charla..

Twitch y Clubhouse, Las plataformas que más crecerán este 2o21

Hace relativamente poco tiempo nos pasábamos el día compartiendo fotos en nuestro feed y dando likes, esperando recibirlos a cambio en nuestras fotos. Ahora, la tendencia ha cambiado y nuestro día a día gira entorno a los stories, las retransmisiones en directo, los podcasts y los chats de los streamings.

El pasado mes de abril, Clubhouse introdujo su primer esquema de monetización en la plataforma, una funcionalidad que permite que cualquier usuario envíe dinero a un creador de contenido al que quiera apoyar y, además, sin cobrar comisiones. Sí, sí. El importe que el usuario quiera destinar al su creador de contenido favorito será íntegro y el único gasto adicional que el usuario tendrá será el que vaya a parar a Stripe, el socio de Clubhouse en el procesamiento de pagos.

Según un reciente estudio realizado por el Observatorio iVoox del sector del podcast en España, dedicado a investigar y analizar los hábitos de los españoles en cuanto al consumo de audio, podcast y audiorelatos, los españoles han dedicado una media de 19 horas al mes a escuchar podcast en 2020, lo que ha significado un aumento de escuchas que, traducido en números, supera las 457 millones. Esto ha influenciado directamente en las plataformas y en las redes sociales, que han animado a las marcas a evolucionar en la creación de contenido en streaming y en formato podcast. La pandemia ha dejado en evidencia nuestro anhelo de relacionarnos, mantener conversaciones en vivo y en directo y pertenecer a una comunidad. El ser humano necesita estar en contacto con el resto, comunicarse e interactuar, y en este

Esta nueva funcionalidad de la plataforma acaba de despegar y, como bien podemos imaginar, todavía está a modo de prueba. Por el momento, sabemos que cualquier usuario tiene la opción de donar, pero no todos los creadores de contenido pueden recibirlos, sino que esta opción será accesible de aquí a un tiempo, cuando la fase de prueba esté correctamente testada por un grupo de prueba, valga la redundancia. Una vez el proceso se haya refinado debidamente, se hará accesible para todos los usuarios de la plataforma. Si Clubhouse no había mostrado pruebas de su rentabilidad hasta la fecha, sin duda ha llegado la fecha del cambio. “Optamos por centrarnos en habilitar formas de monetización directa en lugar de apostar por la publicidad”, comentó su cofundador Paul Davison, y asegura estar trabajando en nuevas funcionalidades que permitan a sus usuarios recibir una compensación económica por su participación y esfuerzo.

sentido Twitch y Clubhouse se han llevado el mérito a la hora de cumplir con los intereses de la sociedad. El formato vídeo y podcast ha generado un mayor alcance entre los usuarios más jóvenes de las redes sociales, ya que han sabido proporcionar ese acercamiento y esa relación emisor - receptor que tanto nos ha faltado este último año y que, sin duda, tanto necesitamos. Ya sea para jugar a un videojuego, aprender una nueva receta de cocina, aprender trucos caseros, darnos a conocer como marca, y un largo etcétera, los vídeos son nuestro mejor aliado y la medalla de oro de las marcas. Twitch y Clubhouse son el modelo de comunicación en el que van a evolucionar las plataforma de streaming, y no es una casualidad que su mayor auge de usuarios se haya dado este último año.

r e p o r t a j e

Este auge no es más que la consecuencia de la tendencia de la sociedad tras la situación que nos ha tocado vivir y que continúa latente en la sociedad. Y no lo decimos nosotros, lo dicen las cifras. Fuente twitchtracker.com a 12 de abril, 16:41h

diamante en bruto en el sector. Clubhouse ha llegado a nuestros dispositivos con un único motor: tu voz, tu voz como forma de expresión de conocimientos, ideas y pensamientos en salas repletas de desconocidos, pero con tus mismos intereses. ¿No es curioso?

Los beneficios de una red social como Twitch, que hoy en día puede presumir de tener una media diaria de 15 millones de usuarios (y subiendo), es que es en directo, el feedback se recibe en tiempo real, no existe tanta censura de contenido y, como hemos podido ver, es rentable si eres bueno creando contenido. “No sé si va a revolucionar 2021”, opina Cora, “pero desde luego va a estandarizarse su uso progresivamente, es una plataforma que no para de crecer y que responde muy bien a la hora de crear una comunidad y de cubrir los vacíos que muchas industrias han dejado…” . Clubhouse, por su parte, se ha convertido en un fenómeno en muy poco tiempo. Con apenas un año de vida, ya ha alcanzado los 1.000 millones de dólares de valoración en una segunda ronda de financiación liderada por Andreessen Horowitz. A raíz de esta inyección económica, la red social ha establecido nuevas prioridades como, por ejemplo, conseguir que la plataforma sea rentable mediante nuevas funcionalidades y el desarrollo de la plataforma también en dispositivos Android, cosa que aportará mejoras tecnológicas y un notable incremento de usuarios.

Su exclusividad, su modus operandi -tan efímero y volátil como cualquier conversación en tiempo real-, y su experiencia audiovisual tan particular, hacen que Clubhouse tenga casi todos los ingredientes necesarios para despuntar -y con razón- este 2021. El talón de Aquiles de la plataforma podría ser, en todo caso, su dudosa rentabilidad que, como ya hemos visto, están tratando de remediar. Nos cuesta creer que algo sea capaz de desbancar a la televisión, nos cuesta pensar que algo tenga el poder de suplir a la radio, pero en estas líneas nos lo hemos planteado, así es la evolución, y no hay duda en que nuestra tendencia evoluciona hacia los medios audiovisuales que nos acercan al emisor y que hacen posible la interacción. Se ha especulado mucho con aquello de “si no apareces en Google, no existes”. ¿Y en cuánto a las redes sociales? En un futuro no muy lejano, si no existes en Twitch, ¿te verán? o, si no estás en Clubhouse, ¿te escucharán?.

Si algo nos confirma iVoox, es que los podcasts se han hecho con gran parte del control de nuestro día a día en los últimos tiempos y, sin duda, Clubhouse es un

S a m C H A R L A M OS

C O N

U N O

W O L F E

D E LOS P R I N C I PA L E S A RT Í F I C E S D E T EC H N O Q U E A R R ASA E N AT L A N TA .

A U T O R :

L A

N U E VA

E SC E N A

R E D A C C I Ó N

Sa m WO L F E ( Sa m u e l L o b i t ) e s d e At l a n ta , G e org i a , u n a d e e sa s ciudades tradicionalmente arraigadas en lo musical al Hip-Hop; tanto es así que, hasta hace bien poco, ni tan siquiera había una c o m u n i d a d Te c h n o m í n i m a m e n t e d e s t a c a b l e . ¿Por qué está cambiando esa tendencia? Pues por un lado con la llegada de la pandemia, las principales fiestas de hip-hop dejaron de celebrarse, y esto ha hecho que todos esos seguidores hayan comenzado a indagar entre las pequeñas fiestas underground de techno clandestinas, dando lugar a una escena techno que no solo ha crecido considerablemente, sino que está c og i en d o s u p o s i c i ón en l o s c l u b e s y wa re h o u se d e At l a n ta . Por el otro, nuestro protagonista. Sam es uno de los principales impulsores de este cambio de paradigma sonoro en la ciudad. Pero lo mejor será que nos lo cuente él mismo. 38

Sam encantados. Pregunta obligada, ¿Cómo estás llevando esta película de ciencia ficción que nos ha tocado vivir? ¿Te encuentras bien de salud? ¿Los tuyos? Gracias por empezar con esto. Si, muy buena salud, me contagié de la COVID-19 a principios del año pasado, pero pude superarlo en una semana. En cuanto a esta película de ciencia ficción, me parece interesante; como sociedad, estamos aprendiendo de primera mano lo devastador que puede ser para toda una población encerrar a la gente y apartarla de su comunidad. Me he dado cuenta durante los confinamientos, que al final se trata de eso, tu comunidad, tus amigos cercanos y tu familia, ellos son los que se preocupan por ti y te cuidan. Paradójicamente, 2020 ha sido un gran año para ti: tu EP de debut, ‘Triangulum’, junto con ‘Graveyard March’ alcanzaron ambos el número 1 en los releases globales de Beatport, y ‘7Am’, el número 5 en el top 100 del techno mundial. Es un verdadero logro. ¿Esperabas algo así? Sinceramente, a mí también me pilló por sorpresa, pero desde el principio de este viaje musical sólo quería sacar discos que, personalmente sintiera que hacían falta en la escena techno. Mi objetivo siempre ha sido hacer música con la que me gustaría bailar en un club, y hacerlo a mi manera, que la gente disfrute. Creo que esa filosofía ha ayudado a que mis tracks tengan una buena acogida desde el primer día entre la comunidad de DJs. Como un adolescente que creció en Baltimore y luego se trasladó a Atlanta, lo más fácil es haberse visto arrastrado por la escena hip-hop de la ciudad. ¿Has formado parte de esa escena en algún momento? Nunca formé parte de la escena del hip-hop, sin embargo, si había una escena del bass music (trap y dubstep) más popular. Sigo disfrutando de la bass music, ya que es la música que empecé a escuchar en Baltimore allá por 2009. Pero con la edad, los gustos evolucionan y aprendes a apreciar la suciedad, lo guarro que viene de un kick preciso y el retumbar del techno, sin la locura directa y el embate de los sonidos que encuentras típicamente en la bass music ¿Cómo era la escena undergorund hasta la llegada de la pandemia? ¿En qué momento conectas con el techno? Consistía en bass music, tech house y trance, y yo personalmente, en mis 10 años de clubbing, aún no había experimentado el techno auténtico de los principales artistas europeos y sudamericanos. Tras un parón me sentía insatisfecho sin trabajar en la música y decidí volver y ponerme en serio y comencé a trabajar en Subtle, una promotora que estaba intentando llevar el techno de verdad a Atlanta. Hicimos cosas muy interesantes como traer por primera vez a Anna, Coyu, Spektre, Layton Giordani, Loco & Jam, Art Depart-

ment, D-Unity, Anja Schneider, Agent Orange, Kill Frenzy o Skober entre otros. Ahí fue cuando empecé a producir y Josh Millard, que dirigía Subtle, vio mi visión y se convirtió en un amigo muy cercano y una gran influencia en mi formación. Acabó siendo mi mánager, y trabajamos juntos desde entonces. Ha sido muy divertido y eso que solo acaba de empezar. Con la llegada de la pandemia comienza un movimiento de fiestas underground de techno en localizaciones secretas. ¿Qué tienes que ver en todo esto? Mira, en abril, durante la cuarentena, les decía a mis amigos cercanos que pensaba que en junio volverían las fiestas y de repente, el primer fin de semana de junio, nuestro principal local aquí llamado District me llamó para encabezar la primera fiesta de vuelta. Tenía toda mucha música nueva hecha durante la cuarentena, pero no estaba seguro de si la gente de la ciudad iría a esta fiesta tras 3 meses encerrados, sólo conmigo como artista local y pinchando techno. Pero la fiesta resultó increíble, y fue lo que realmente inició mi estrecha relación con toda la increíble gente de la escena tecno de Atlanta. Poco después, pasamos a “Fase 2”. Durante el lockdown mucha gente se había trasladado a Atlanta desde lugares como New York o California, de ahí surge la promotora Twisted Lines, que empezó a organizar y a contratarme para algunas de las mejores fiestas más clandestinas. Las fiestas cambiaban de ubicación y sólo se anunciaban el mismo día en que se hacían, y el DJ booth estaba rodeadao de vallas enjauladas y viejos televisores de los años 90. Era una auténtica sensación de underground moderno. A partir de ahí, promotores como Alley Cat, organizaron regularmente fiestas con artistas como Steve Lawler, Dubfire, DJ Tennis, Shaun Reeves y Traumer. Otros, como Project B. traían a grandes artistas como Carl Craig, Lee Burridge y Pautrice Baumel. Se ha generado una gran competencia entre los promotores para conseguir mejores bookings y a la vez el aprecio por todas estas fiestas bien organizadas ha aumentado exponencialmente. Y ahora ¿cuál es la situación de la música electrónica en Atlanta? Diría que hemos vuelto a la normalidad en un 80-90%. Los clubes han abierto, pero con una capacidad reducida, y los festivales están programados para volver este verano. Los casos y las muertes han disminuido desde el año nuevo, somos muy afortunados. ¿Por qué crees que el público del hip-hop & y bass music ha conectado con el techno? Una vez que vas a estas fiestas - ¿cómo no conectarte? Realmente siento que el ambiente del techno conecta -más que cualquier otro género de música electrónica- con la extraña película de ciencia ficción que mencionabas anteriormente. Es una época muy interesante para vivir, me recuerda a veces a 1984 de George Orwell.

En mis bolos quiero que mi música se convierta una vía de escape, crear un ambiente que promueva un pensamiento diferente a todos los anuncios publicitarios y de consumo que a la fuerza nos imponen cientos de veces al día, un escape de todo el scrolling y swiping sin sentido del que todos somos culpables. Cuando estás en un warehouse a las 5 de la mañana rodeado de otros ravers, se crea un vínculo de comunidad unida, que representa el verdadero “underground” en la sociedad actual. Literalmente, has sido uno de los principales motores del cambio del sonido de la ciudad. ¿Crees que Atlanta será un nuevo epicentro (del techno) a partir de ahora? Al 100%, la trayectoria es sólo ascendente para el género, creo que sólo está un poco por detrás de otras grandes ciudades estadounidenses como L.A., Chicago o New York. Espero utilizar algunas de las buenas conexiones que he hecho para traer a nuevos artistas mientras estén de gira por los EE.UU. Y ojalá que cuando la gente escuche mi música y sepa que soy de Atlanta, consideren mi ciudad como un destino para visitar. Hace apenas unos días en ‘1605’ sello de UMEK acabas de publicar el track ‘Black Veins’ junto a Rebel Boy en el EP ‘Desiderati 4.6’. ¿Qué más tienes preparado para este 2021? Estoy trabajando mucha música cool y diferente, he encontrado mi flow y estoy contento de compartirlo con el mundo y seguir publicando con Umek en 1605. Además, he abierto un canal de YouTube para compartir algunos consejos y trucos de producción y conectar con mis fans, así que podréis verme allí si os interesa. Tengo un EP programado para este verano que creo que la gente va a disfrutar mucho, y otro lanzamiento interesante que saldrá el 28 de mayo, en el sello de Nora En Pure, con mi buen amigo JD Farrell. Es un tema más profundo y oscuro que creo que vuestros lectores disfrutarán ;) Desde tu espectacular debut, has conseguido ganar una gran base de fans en nuestro país. ¿Conoces España? ¿En qué club o festival de España te gustaría tocar? Bueno, en primer lugar, estoy muy agradecido a mis hermanos en España The YellowHeads. Me descubrieron, sacaron mi primer EP en Reload Black, y siguieron colaborando conmigo; me mostraron como artista ante decenas de miles de oyentes que hoy no tendría sin ellos. Sólo he visitado Barcelona y Madrid una vez cuando era niño, así que debería volver. Por supuesto que quiero ir a Ibiza. ¿Clubes? Mondo, Cassette, Nasti y Nitsa tienen una pinta estupenda, y en cuanto a festivales, DGTL Barcelona, Aquasella y Monegros Desert Festival parecen una locura y me encantaría ir. Espero que en 2022 pueda venir a mostrar en España cómo nos divertimos en Atlanta :)

T E N S N A K E D E

A U T O R A :

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M a r c o N i e m e r s k e s a l e m á n , t i e n e 4 5 a ñ o s y e s D j y p r o d u c t o r. Puede que por Marco no te suene tanto, pero que si te digo que es e l a u t o r d e ‘ C o m e C a t ’ a s o c i e s y a q u e h a b l a m o s d e Te n s n a k e . H ac e u nos meses q u e h ici mos es ta ent rev i s ta , mo t ivados p or lo m u c h o q u e n o s g u s t ó e n l a r e d a c c i ó n s u á l b u m ‘ L . A . ’ ( Tr u e R o m a n c e/ A r m a d a M u s i c ) p u b l i c a d o e n o c t u b r e d e 2 0 2 0 . L o tuvimos en loop casi un mes, mientras cerrábamos nuestro a nter ior n ú mero. As í q u e ent re m u cha s o t ra s cr í t ica s pos i t iva s que la han hecho a este disco ‘L.A.’ siempre será la Banda Sonora de la pr i mera vez q u e M i x ma g Spa i n pu bl ic ó u na rev i s ta en p a p el . Si esperas escuchar todo el rato un rollito pistero a lo ‘Come Ca t ’ , olv í da te. E s te d i sc o va m u cho má s a l lá , es tá l leno de d ivers idad , l leno de a l ma s . L os 14 tema s se f u nden ent re son idos house, funk, disco, ‘80s boogie y ese flow de Los Ángeles pop. S o n a r s i s u e n a a l p r i m e r Te n s n a k e , p e r o m u c h o m á s e v o l u c i o n a d o y experimentado. ‘ L . A . ’ es u n á l bu m v ivencia l , en el q u e M a rco cu enta s u h i s tor ia persona l d u ra nte va r ios a ños en L os Á ngeles ; a s í q u e coge la ma le ta q u e nos va mos pa ra L . A .

Pregunta obligada: ¿Qué tiene la ciudad de Los Ángeles que te ha dejado tanta huella como para dedicarle un disco? Si te fijas, mi música creo que funciona muy bien en lugares que de alguna manera son oníricos. Como los lugares soleados, mi música tiene una vibración edificante, pero también a veces hay una tristeza en ella. Así que es una mezcla extraña. Y L.A. para mí tiene esa vibración en general. Es además una ciudad en la que viven y trabajan muchos productores y gente creativa, lo que es muy inspirador, y hace que sea fácil trabajar con otras personas, colaborar. Pero, también hay un montón de sueños rotos, sueños que nunca sucedieron. Y en lo que respecta a mi álbum, creo que lo que aprendí en mi tiempo en Los Ángeles y también trabajando con otras personas allí fue realmente a dar un enfoque a mi música más inspirado en el pop. Creo que, en comparación con mi anterior álbum, este es ciertamente más profesional a nivel de producción. Estoy muy orgulloso de cómo suena el disco y de lo diverso que es. Así que, sí, creo que esa es parte de la razón por la que el álbum suena como suena, porque viví en Los Ángeles. Creo que, si me hubiera quedado en Berlín, la música habría sido muy diferente.

¿Me contarías un recuerdo de un día especial en esa ciudad? Si es algo que nunca has contado, mucho mejor, prometo compartirlo solo con los lectores (jajajaaja). Hay tantas cosas… Para mí Los Ángeles es como un gran patio de recreo donde puedes descubrir cosas que no encuentras en Europa. Por ejemplo, hay un lugar llamado The Magic Castle. Es un poco cursi, pero también es divertido ir. Es una gran mansión y en cada habitación hay diferentes magos. Y sólo puedes entrar si consigues una invitación de un mago, sabes, y todo el mundo tiene que disfrazarse. Así que es una experiencia muy especial, divertida y única. Pero no comas allí. La gente me lo dijo, y yo no escuché. Y pasé realmente una mala noche. Y luego pasan cosas como que me encontré accidentalmente con una amiga, Laura Dern, que algunos conocen, creo que, porque estuvo en Twin Peaks, pero también por, Big Little Lies en HBO o Jurassic Park, por supuesto. Y cenamos y ella vino a un concierto. Y también conocí a un par de actores más, lo que no es gran cosa en esa ciudad, porque sucede sin más si te quedas lo

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tiempo y energía. Creo que empecé a trabajar en este álbum en 2017. Cuando acabé tenía 20 canciones y terminamos incluyendo 14; luego mezclar todo, preparar el lanzamiento del álbum… Eso lleva algo de tiempo, pero prometo que el próximo álbum será mucho más rápido. Luego hablaremos del papel de Fiora; pero en el álbum cuentas con Boy Matthews en ‘Somebody Else’; Daramola en ‘Strange without You’; HËXÉ en ‘Call me’; Chenai en ‘Rules’; Cara Melin en ‘Antibodies’; Nazzereene en ‘Latching Onto You’ y Swedish Red Elephant en ‘World Beneath’. ¿Cómo surgieron? Para ser honesto, la mayoría de ellas surgieron a través de correos electrónicos y conexiones a través de personas, pero no necesariamente contactos personales, excepto Matthews, a quien conocí en Los Ángeles. Y ha sido una gran colaboración. Nos llevamos muy bien. Él es tan… no sólo talentoso, sino también un tipo muy agradable. Grabamos ‘Somebody Else’ en una sesión de tarde y no era en absoluto un espacio de grabación de estudio adecuado o una cabina vocal, pero al final, me gustó mucho el ambiente y la energía de su voz. Así que terminé usando esa grabación; estoy muy contento con el resultado. A Chenai la conocía de la primera vez que hice un Dj gig en Barcelona, en Razzamatazz. Así que voló a Los Ángeles, grabamos una cosa y luego necesitaba más material. Para entonces, ya me había mudado a Europa y ella vino a Hamburgo y grabamos el resto de las canciones. Y todos los demás proyectos, Cara Melin o Nazzereene, a todos los conocí a través de Armada o de mi management. Cosas así. Ahora sí, Fiora. ¡Qué maravilla de voz! ¿Qué relación tenéis Fiora y tú? Conocí a Fiora trabajando con ella en mi primer álbum y desde entonces nos llevamos muy bien, de hecho, fuimos pareja durante algunos años. Tenemos una energía muy buena cuando se trata de escribir canciones. Es tan profesional. Y creo que aparte de su gran voz, también es muy diversa y talentosa; puede ir en muchas, muchas direcciones diferentes. Por ejemplo, la canción ‘Night Shift’’ consiguió crear instantáneamente ese ambiente. Además, es súper fácil trabajar con ella y grabar, y muy divertido.

suficiente; conoces a alguien que conoce a alguien y luego acabas en una fiesta. Pero sí, creo que eso es bonito. Aunque tampoco cambia la vida, por supuesto, porque son personas normales. Tal vez pueda contarte una historia, aunque bueno no es una historia tanto como una experiencia. Después de tocar en el Coachella, creo que fue en 2017, fuimos a su famosa after party en algún lugar del desierto y al llegar, aluciné. Te encuentras con una piscina que parece más bien un mar, ya sabes, con su propia 42

playa. Y era una mansión loca. Fue divertido. Es tu primer ‘Solo Album’ en seis años ¿por qué ha pasado tanto tiempo? ¿Llevabas mucho trabajando en este proyecto, o ha sido un álbum realizado en los últimos tiempos? El primer álbum tuvo un gran impacto y estuve de gira dos o tres años. Después sentí que quería producir un par de singles y EPS, que publiqué en mi propio sello, True Romance. Necesitaba tomar un descanso de la época de los álbumes. Y entonces, me mudé, me fui a Berlín, me fui a Los Ángeles, y eso ocupó algo de

¿Qué tiene de especial el tema ‘Adam’s Hill’ para ti? Adam’s Hill es una pequeña zona del este de L.A., muy cerca de Glendale. Y no hay nada especial en ese lugar en general, es bonito sí, pero no hay mucho que hacer. Pero es donde yo vivía. Fiora y yo rompimos y decidí que quería volver por muchas razones; y esa fue la última canción que produje en Los Ángeles. La mayoría de mis cosas ya estaban en cajas, estaba sentado en una habitación casi vacía con un portátil y algunos equipos. Y grabé esa canción en el que había sido mi estudio y que era una estancia súper bonita porque tenía ventanas alrededor y estaba en la colina y se veía Glendale a un lado. Y cuando el sol se puso, con esa luz increíble en mi estudio, salió la canción y en ella se captó muy bien ese ambiente. Me gusta mucho este tema, por cierto.

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¿Qué te enseñaron Los Ángeles como persona y como artista? Para ser sincero, no buscaba nada. Sólo iba para tener una experiencia y una aventura vital diferente. Y sigue siendo mi lugar favorito en el mundo, diría, con un montón de contradicciones. Como he dicho antes, hay un montón de gente triste y en general, es una ciudad súper agradable cuando te lo puedes permitir, como en la mayoría de los lugares en estos días. Siento que evolucioné mucho más como productor estando allí. Y también que aprendí a trabajar más con otras personas. Antes de eso, excepto con Fiora o una o dos excepciones, siempre había trabajado completamente solo, y especialmente cuando se trataba de producciones y escritura. Nunca compartí nada porque sentía que me distraería del proceso. Pero para este álbum, me abrí más y sí, aprendí a colaborar con la gente. Y si la química es la adecuada con la persona con la que trabajas, es increíble porque, idealmente, cada persona aporta más y creas algo mejor que no podrías producir por tu cuenta. Así que eso es lo más importante de todo lo que aprendí. Aparte de eso, aprendí un montón sobre comida mexicana y los llamados food tacos, ya sabes, hay un montón de buena comida en Los Ángeles desde luego.

especialmente aquí en Alemania, porque todo es online y no todas las revistas han logrado transferir su contenido de una buena manera al mundo virtual. Pero, supongo que se trata de un cambio constante. ¿Qué planes tienes para 2021? Bueno, como todo el mundo, realmente espero que esta mierda termine pronto. Y de una manera u otra, que podamos volver a viajar para tocar nuestra música. Estoy ansioso de tocar mi disco con gente porque este lanzamiento está siendo tan aislado y virtual. Sabes, no he tenido ninguna reacción, ninguna reacción física, visual, directa en la pista de baile hasta ahora. Así que eso estaría bien. Yo de mientras seguiré tratando de mantenerme concentrado y centrado en hacer mi música y cuando el mundo esté listo, estaré allí para presentársela. Para acabar, la escena musical - y la cultura en general- está sufriendo mucho con las medidas restrictivas globales ¿Qué consejo le darías a los jóvenes productores que están pasando por un momento duro? Creo que es súper importante que conozcan y desarrollen sus habilidades y su propio sonido. Por ejemplo, todo el tiempo escucho ese melodic techno en el que parece que todos usan el mismo

sonido de sintetizador. Todo suena igual; y eso vale para muchos otros géneros. Así que creo que un buen consejo que podría darles es que desarrollen y trabajen realmente en su sonido; trata de encontrar tu firma sonora un poco, mejorar cada día, escuchar mucha música y trata de construir tu propia esencia. También asegúrate de tener diferentes fuentes de ingresos, porque como podemos ver ahora, si dependes totalmente de los gigs de DJ, no es fácil si esto se corta. Suelen decirnos “ser paciente, el éxito llegará si sigues trabajando en tu propia música”. Y sí, a veces llega de la noche a la mañana, pro a veces no, y para mi lo que mejor que puedes ser es constante. Ir construyendo tu éxito en el tiempo, porque eso es mucho más consistente y realmente importante. Y un último consejo es que hay que saber hacer de todo, no depender de otras personas. Por mucho que utilice un ingeniero de mezclas para la mayoría de mis producciones, también podría mezclar cada canción por mi cuenta. Creo que es importante ser capaz de hacer todo por ti mismo. Al menos esa es mi opinión.

¿Qué te ha dicho tu entorno personal sobre el álbum? Tengo unos cuantos amigos a los que aprecio mucho como críticos. Para algunos de ellos, es demasiado comercial; escuchan música muy diferente. Pero en general, creo que los comentarios fueron geniales. He de decir que también trato de no escuchar demasiadas voces diferentes, porque me pueden distraer y confundir mucho en el proceso creativo. Pero hay algunas personas a las que aprecio y valoro, y los comentarios no fueron tan malos. Así que, sí. ¡Gustó! ¿Hay más sorpresas para LA? Si. Hay cosas de las que no puedo hablarte todavía, pero si, habrá sorpresas. También estoy pensando en montar un set en directo, cuando toda esta pandemia termine, quizás tenga un pequeño set electrónico en vivo para poder tocar en algunos festivales. Eso estaría bien ¿no crees? Has sido portada de Mixmag internacional en 2014, has hecho un The Lab LDN en 2015… ¿Qué significa Mixmag para ti? Bueno, en primer lugar, su editor musical Moore fue mi ex manager. Así que tengo una fuerte conexión con Mixmag. Y como has dicho, siempre me han apoyado y creo que gran parte de mi éxito se basa también en su apoyo, así que estoy muy agradecido por ello. La he leído durante años y años y años. Cubre todos los colores de la música y todos los géneros en el mundo de la música electrónica. Y creo que realmente ayudó a establecer algunas carreras sin duda. Me parece un poco triste ver todas las revistas que están muriendo en los últimos dos años, 43

A l e x

M a r t i n

D E SC U B R I M OS D E L A M A N O D E S U AU TO R A L E X M A RT I N , U N O D E LOS M E J O R E S D I S C O S D E L A Ñ O : “A L E X M A R T I N - C L A S S I C S 19 9 4 - 19 9 8 ” (CA N E L A E N S U RC O)

A U T O R :

D A V I D

H E R N A N D E Z B L A S C O

( K A P I )

L a s e g u n d a r e f e r e n c i a d e l s e l l o C a n e l a e n S u r c o ‘A l e x M a r t i n - Cla s s ics 19 94 - 19 98 ’ es u no de esos d i scos q u e esperá ba mos con impaciencia, sin duda uno de los mejores discos del 2021. Esta compilación con una cuidada edición en vinilo doble captura la amplia y variada gama de estilos que Alex ha producido. Camino a cumplir 30 años de carrera profesional, ha forjado un carrerón sin parangón dentro de nuestra escena electrónica detrás de proyectos como A3K, Alex Mar tin E n s e m b l e, A rex x , B i o t , I b e r i a n , M i c ro c o m p o s e r, Ox i d e n t A u d i o s , S i d e r a l , T h e E n t i t y, T h e F a t D b , Z o u l c r a f o c o m o integrante de las formaciones Earcloud o Full Duplex; a estas alturas podemos afirmar que Alex Martin es un nombre imprescindible en ella.

Podríamos llamarle el hombre de las mil caras y los tantos estilos a los que ha contribuido en su desarrollo... techno, hard trance, breaks, tech house, techno jazz, ambient, drum’n’bass, acid, electrónica downtempo, IDM, house underground, techno minimalista, además de otros géneros y subgéneros en los que ha desarrollado su carrera profesional, que le han llevado a poder trabajar con sellos decanos de la música europea electrónica cómo han sido F:Communications, Pagoda, Playhouse, Klang, Pod, Minifunk, Cosmos Records, Hypnotism y con artistas de la categoría de Atom Heart, Acid Jesus, Dandy Jack o Pink Elln. Además de músico, se ha involucrado en otras facetas como productor, remixer, editor con Higlamm Phonographics, su sello. Siempre acompañando su vertiente didáctica y de divulgación, ejerciendo de mentor y profesor de producción. Además de ser embajador de varias marcas relacionadas con la industria musical y tecnológica. Con una ecléctica y dilatada trayectoria a pie del cañón, como ejemplo la cantidad y constante de sus trabajos editados. Un ejemplar único de su época que se ha mantenido activo en la escena musical y discográfica. Desde Cerdanyola del Vallés comienza un viaje musical con escalas en Detroit, Frankfurt, Barcelona, Chicago, Rio, Tokio o Londres. Esencia que ha marcado hasta el momento casi tres décadas de carrera artística.

Hola Alex, quería comenzar la conversación agradeciendo las facilidades para realizar el encuentro. Además de darte mi enhorabuena por tu longeva trayectoria, puedes estar orgulloso de tener una dilatada y prolífica carrera musical. A día de hoy atesoras una gran cantidad de discos, canciones y música creada, muchas “auténticas perlas musicales”. Una cosa nos queda clara, conociendo tus ganas y dedicación seguro que seguirás con tu trayectoria mucho más tiempo. Explícanos un poco que se va a encontrar el oyente cuando aborde los cortes del doble disco con temas de estos seudónimos que utilizas, Sideral, Alex Martin, The Fat Db y A3K. ¿Qué destacarías de cada uno de ellos y qué diferencias podemos apreciar entre los diferentes tracks? Bueno, es muy difícil describir cada tema por separado, resumiendo hay piezas desde ambient, downtempo e IDM (‘Elipse’, ‘Mare Nostrum’, ‘Butterfly’) hasta música house con influencia de Nueva York y Detroit (‘I Wanna Look To The Stars’, ‘Incognita’,’ Can Make It’) como no también incluye cortes de minimal techno y principios de tech house (‘Planetarium’, ‘Twirl’, ‘Firewall’). En cuanto a las diferencias, vendrían a ser de estilo, reflejando el momento de mi vida. A principios de los ‘90 la música electrónica se consolidaba como un género compuesto de 1000 estilos. Mi vida transcurría entre el estudio y el club. Lo que recogía al salir de fiesta lo reflejaba inmediatamente en mi música.

Alex Martin

guitarra eléctrica hizo explotar el Rock o la rueda hizo avanzar la civilización. Creo que otra de las claves de aquella explosión fue la vida nocturna y el baile en grupo como algo básico a la hora de vivir la música. En la selección de temas elegidos para esta compilación despliegas todo el arsenal sónico clásico de los ‘90. Máquinas clave en el desarrollo y concepto de lo que conocemos como música electrónica en todos los múltiples y variados estilos como: Roland TR-909, Roland Alpha Juno 2, Roland TB-303, Roland Juno 106, Roland MC-202, Roland MKS-70, Ensoniq EPS 16+, Roland JD 800, MAB-303, Ensoniq ASR10, Korg MS-20. Equipos que con solo leer sus nombres nos excitan profundamente. ¿Cuéntanos más sobre los entresijos de las grabaciones con estos míticos aparatos? ¿Tienes predilección por alguno de ellos? Pienso que las máquinas son nuestras iguales y las quiero y respeto cómo tal. Desde pequeño he desarrollado un apego por mis amigos de silicio que me ha llevado incluso a pensar en montar un colectivo para la defensa de los futuros esclavos sintéticos. Cada instrumento fue y es un miembro de mi familia y ocupan un lugar en mi corazón.

“me siento afortunado de haber vivido una adolescencia que empezó en los ‘80 y me l levó a v iv i r m i j u ve n t u d e n l o s ‘ 9 0. Para mí es una época dorada musical y tecnológ ica mente”

Siendo adolescente, con 13 años comenzaste a trastear con tu primer teclado, un sintetizador JEN SX 100 ¿pensaste en algún momento que podías dedicarte a esto en el futuro? No solo lo pensaba, tenía clarísimo que quería hacer de la música mi profesión. Vamos, que siempre has tenido las cosas claras. Tras casi 30 años ya de carrera, ¿podrías hacer memoria para nosotros hacer un repaso y darnos tu opinión de la escena barcelonesa, la española... y la internacional? Es una pregunta difícil de responder en unos renglones, da para un libro. Lo que sí puedo decirte es que me siento afortunado de haber vivido una adolescencia que empezó en los ‘80 y me llevó a vivir mi juventud en los ‘90. Para mí es una época dorada musical y tecnológicamente. Que le explicarías -por ejemplo a un millennial que no tuvo la ocasión de vivir esa época- sobre cómo era, y qué Djs, productores, y artistas de música electrónica underground eran imprescindibles en la escena ibera de mediados de los ’90. Les hablaría de Mad Mike, Jeff Mills, Laurent Garnier, Mark Bell, los hermanos Hartnoll, Uwe Schmidt, Sven Väth, Brian Dougans, Ian O’Brien, Funk D’Void... Aunque en estas listas siempre queda mucha gente fuera, ya sabes. En los ‘90 hubo un frente de gente que tuvo acceso a un nuevo tipo de instrumento musical super flexible llamado sintetizador y eso hizo explotar la creatividad de una generación de la misma manera que la

Sus sonidos han quedado inmortalizados en estos temas que componen nuestro imaginario colectivo, elevados ya a categoría de legendarios. Si no los conoces, prepárate, por que te harán despegar del suelo en un vuelo celestial hasta el último tema, sin otro remedio que volver a tocar suelo tras dicho viaje sonoro. Solo que hay que dejarse llevar por los dos temas que abren el disco ‘Elipse’ y ‘Mare Nostrum’, para entender como nos envuelven esas atmósferas, esos colchones de tono evocador acompañado de hipnóticas líneas ácidas y unas emotivas melodías. ¿Tienes algún cacharro inamovible del estudio? Pues quizá sorprenda mi respuesta, pero la máquina inamovible de mi estudio es mi Commodore 64. Un microcomputador casero que tiene un chip de sonido de 3 voces analógicas y filtros programables llamado SID 6581. Hay músicas mías creadas en ese entorno super retro y oscuro que forman parte de alguna producciones muy underground. Algo llamado “crack intros” y “demoscene” ... Otra cosa que siempre tendré en mi estudio es algo con 61 teclas (o más) de tamaño estándar que pueda tocar para seguir estudiando y disfrutando, ya sea un sinte o un piano. ¿Actualmente con qué tecnología estás trabajando? Trabajo básicamente con MASCHINE y KOMPLETE de NATIVE INSTRUMENTS. A estas alturas por tus manos habrán pasado ya una gran cantidad y variedad de equipos ¿tienes algún sintetizador, caja de ritmos o sampler en especial?

Alex Martin

Históricamente con que equipo básico de producción te quedarías ¿hardware,software o las dos cosas? El ENSONIQ EPS 16+ fue un gran compañero, tengo muchos recuerdos y aún conservo diskettes con mis “samples”. En cuanto a la segunda parte de la pregunta, compré hace un par de años la santa trinidad de Roland en formato “boutique” y disfruto mucho con el trío TR-09, TB-03 y TR-08.

en clubs y eventos internacionales como creo que hiciste más de una vez...como en el emblemático Blue Note de Londres donde declinaste actuar por el pobre caché que os ofrecían. ¿Sigue existiendo dicha brecha? No recordaba que decliné aquella oferta ¿El Blue Note? Qué loco estaba... Y claro, era joven y militante idealista. La brecha sigue existiendo, no solo para los músicos. El despreciar nuestro propio trabajo es el deporte nacional. Así nos va...

¿Cuáles han sido tus máquinas favoritas o fetiche en el estudio? Vaya... La lista sería muy parecida a la que has listado al principio de esta entrevista. Añadiría el SH-101, JX-3P, TR-909, TR-808 y el mezclador MACKIE CR1604 y las unidades de efectos BOSS SE-50.

¿Crees que te ha perjudicado el ser tan claro en esta postura reivindicando o denunciando la situación con la que os encontrasteis al principio de tu carrera? ¿Ha cambiado actualmente a mejor o a peor? Bueno, echando la vista atrás y siendo entrevistado con adjetivos tan generosos hacia mi trayectoria vital, se podría decir que he tenido mucha suerte de haber podido cultivar una carrera musical en este país de pandereta. Por otro lado, yo no he sido el único que ha denunciado la situación, quizá es que no se preguntó a suficiente número de artistas y que otro buen número, callaron para llevarse la migajas... En todo caso, como te comentaba en la pregunta anterior, la cosa sigue igual más o menos.

¿Alguno que no hayas tenido y te gustaría tener? ¿Alguna rareza o joya extraña por descubrir y poder echarle el guante? Por suerte y por amistades que fueron generosas, por mis manos pasaron más máquinas de las que puedo recordar. Incluido un piano RHODES STAGE PIANO MKII, pero hoy en día puedes tener acceso en formato plugin a casi cualquier clásico que desees. Aún así, por pedir, me gustaría un Yamaha CS-80 o un ARP 2600, no estaría mal, esos nos los tuve :) A lo largo de los años se han desarrollado nuevas herramientas y equipos, variando la forma y la manera de hacer crear música; has pasado por infinidad de ellas. Incluso has sido pionero también en el tema del software. Sería allá por 1996-1997 cuando colaboraste con la gente de Propellerhead y su innovador sintetizador de software Rebirth RB-338. Recordemos que tenía dos emulaciones de sintetizadores Roland TB-303, una Roland TR-808 y también una caja de ritmos Roland TR-909. ReBirth también incorporaba mezcladores, un filtro controlado por patrón (PCF) y algunos de los efectos como delay, compresión y distorsión. (todo un adelanto de la época). ¿Cómo fue esa aventura y cual fue tu labor exactamente? Fue divertido, obtuve una demo y les escribí para decirles que la TR-909 tenía más de un fallo sí querían que se pareciese a la original. A partir de ahí, firme un documento de confidencialidad y estuve afinando el sonido del “OPEN HIHAT” durante unas semanas con ellos.

Tengo la triste percepción y sensación que la música (en general, no solo la electrónica) es el hermano pobre de la cultura. Sobre todo en España, parece que haya que dar gracias si además pretendes ganarte la vida con ello. Un agravio más es el ejemplo en Iva de los discos en comparación al 4% de los libros. ¿Qué pasa con la MÚSICA? La música, la cultura, la vida, necesita de educación, desde muy temprana edad. ¿Cuál

es el entorno educativo de un joven hoy en día? ¿La televisión? ¿El Rubius? ¿Cuánto vale ver YouTube? Los músicos en muchos casos son unos pobres tipos que han dedicado toda su vida a su pasión y que ahora distraen a las clases pudientes que tienen suficiente dinero para comprarse un abono en el Liceo, así resumiendo mucho. Quien me quiera entender, ya me entiende. La Barcelona pre-covid se había conseguido posicionar como ciudad de festivales ofreciendo durante parte del año infinidad de propuestas. ¿Como ves la evolución de los festivales nacionales como internacionales? ¿Crees que se apuesta por el artista internacional sobre todo? Bueno, hay mucho internacional, pero también hay mucha gente del pais, lástima que no me llegan emocionalmente como para que tenga interés. En todo caso, me alegro por las personas que trabajan y se ganan la vida en estos festivales. Sería necesario un total apoyo de las instituciones para lograr consolidar una industria cultural sólida como lo es cualquier otra actividad iniciativa empresarial. Además de cultura y riqueza cultural, genera valor y patrimonio como lo entienden por ejemplo los anglosajones. ¿Cómo lo ves tú? Es justo, así como lo dices tú; lo que pasa es que vamos 80 años tarde y mi país se ha convertido en un lugar especializado en servir patatas bravas y cerveza. Ya no te digo la cultura, la investigación, el desarrollo tecnológico, la educación... El fallo es sistémico.

Los discos editados por Boozo - a mi entenderson de lo mejor de la época, tanto los tuyos como las demás referencias del sello. ¿Qué tal la relación con Leandro Gamez y Toni Rox? Boozo fue la bomba, un poco la madurez de un montón de gente que llevaba toda su juventud viviendo un fenómeno musical electrónico. Toni y Leandro son piezas fundamentales en mi trayectoria, eran compañeros de trabajo y amigos. Gente a la que siempre estaré agradecido y admiraré. Siempre has defendido la dignidad del artista músico, Dj; has denunciado el trato diferente solo por ser de aquí tanto en festivales como 47

Alex Martin

rotos bajados de tempo, entrelazando sonidos idm, drum’n’bass, música electrónica: ¿Siempre quisiste llevar el proyecto a otro nivel sin caer en la tentación de “hausificar” el jazz como hicieron otros? Esa era la intención, hacer Jazz y dejar de hacer House. Parece que de momento la vuelta a los clubs y cabinas de Dj va para largo. Viendo que la única vía para actuar es en formato teatro o pequeña sala ¿no has pensado en reactivar tu faceta de banda? Lo he pensado, pero lo veo poco factible por el momento. ¿Qué significa para ti el Festival de Jazz de Terrassa o lugares como Nova Jazz Cava? Significa felicidad total, un logro. Recuerdo esas actuaciones de forma muy especial. ¿Qué fue Earcloud? ¿Cómo surgió la colaboración artística con Víctor Sol? cuéntanos algo más sobre él. Lars Muller / Victor Sol fue uno de mis “profes” en lo que se refiere a sintes y me abrió el espectro musical muchísimo. Earcloud fue el resultado de fusionar nuestros gustos musicales y una oportunidad para mí de trabajar “a la antigua” con sistemas modulares.

Cualquier otro artista con tu currículum, en otra disciplina artística como el teatro o cine sería abanderado para las instituciones culturales. ¿Te has sentido en algún momento arropado por nuestras instituciones? Volvemos a lo mismo, España no tuvo ni tiene una industria cultural fuerte, y las instituciones son un nido de chupópteros corruptos, excepto a nivel muy local, como ayuntamientos que ayudan a sus vecinos y cosas así... Nunca recibí una ayuda y puedo asegurar que me informé al respecto. ¿Cuáles han sido tus influencias musicales? Seguro que son múltiples y variadas ¿no? Muchas. Rock sinfónico, clásica contemporánea, electrónica, mucho jazz... Como en tu proyecto ALEX MARTIN ENSEMBLE ¿no? con un nombre al más puro estilo de las formaciones clásicas de jazz. Pero pongamos en situación al lector. ¿Qué se puede encontrar en trabajos como “Come Into Cosmo” (Cosmos Records), “Join The Band!” (Different-PIAS) o “Tres” (Cosmos Records)? En mi opinión fueron una saga de tres discos innovadores y exquisitos, una amalgama de música electrónica y jazz, donde tenían cabida músicos como Manel Gil, Edu Tubau o Rudy Gnutti y que con sus instrumentos ejecutaron con maestría a unas composiciones frescas a la par que elegantes y sensuales. Contaste además, con la colabo48

ración en algunas piezas del guipuzcoano Javier Vicente Calderon, conocido también como Javi P3z, Digi Onze o Elektropez entre otros proyectos salidos de su particular universo que componían Nuphonic (sello), Loreak Mendian (tienda mari kalea) y Etxekalte (Danz Klub), todo un triángulo cultural donostiarra. Incluso te atreviste a cantar en algunos cortes ¿cómo definirías esta trilogía de discos? Bueno, fue un sueño hecho realidad. Siempre quise salir del circuito estrictamente de baile y aportar algo de lo que había recogido de gente como Herbie Hancock, Chick Corea, Stanley Clarke, Joe Zawinul y otros clásicos del jazz contemporáneo, incluso del más antiguo. Poder grabar esos discos en estudio con músicos reales y todo lo que ello conlleva fue un gustazo. ¿Has pensado en retomar de nuevo el proyecto? Y con Javi Pez ¿habéis pensado colaborar de nuevo? Hace mucho que no hablo con Javi. El problema con mucha gente de mi generación es que ya no están por la labor. El panorama de desencanto ha provocado que así sea. Con ALEX MARTIN ENSEMBLE obtuviste un resultado que rezuma autenticidad y se nota el carácter personal e intransferible de tu mano. Una arriesgada puesta en escena en la que cabalgaste con toda naturalidad por el jazz, la bossa, el soul, acompañada por una buena dosis de ritmos

Desafortunadamente, la pista de Lars se perdió cuando él volvió a Alemania, pero no pierdo la esperanza en que nos encontremos un día... Conocemos tu respeto y admiración por Esplendor Geométrico, grupo pionero en los sonidos industriales en España, de trayectoria reconocida internacionalmente. ¿Para cuándo una colaboración con Arturo Lanz y Saverio Evangelista? Si, es verdad que admiro cómo se abrieron paso fuera de este país con una propuesta personal y arriesgada y que ha dejado un legado. Pero colaborar con ellos no es algo que me quita el sueño, más que nada por la conversación que tuve con Arturo en el backstage del APOLO una vez que vinieron a tocar. Fue una fuente de lecciones más allá de la música que aún guardo. Sobre las sociedades de autores nacionales ¿Qué opinas? ¿Qué futuro tiene la edición discográfica? ¿Cómo ves el mercado? ¿Qué opinas de las plataformas de streamings ofreciendo como modelo de negocio unos bajos porcentajes de ingresos? ¿Lo ves viable? De la SGAE, prefiero no opinar. No han tenido ni la decencia de ofrecer ayudas en estos tiempos de dificultad. Pero respecto a la edición discográfica, estoy sorprendido del volumen de ventas que aún se mantiene con él vinilo. El formato digital no me interesa tanto, no desde el punto de vista musical, la música es buena de cualquier manera, pero a mí me cuesta mucho gestionar una colección de algo

Alex Martin

que no es tan tangible como un disco. Mirando mis estantes, puedo hacerme una idea de lo que tengo y puedo encontrar algo para el momento en una selección más o menos finita. Mirar un disco duro de 2 teras llenas de mp3 se me hace más cuesta arriba. En 2020 has editado otros cuatro maxis vinilo 12’ en los sellos Propersound, Partout, Bloop Recordings y O.C.D. Además de la compilación de Canela en Surco en 2021. ¿Qué tienes entre manos que nos puedas avanzar? La verdad es que, en este momento, no hay nada concreto a la vista. Sigo haciendo música cada día, excepto cuando tengo que contestar una entrevista tamaño XXl, jaja (es broma). Justo en estos días me han informado que el disco “CLASSICS 1994 -1998” se ha agotado en apenas 5 días. Así que estoy disfrutando de esta nube de felicidad un poquito y esperando que en breve podamos salir a tocar y pinchar como todos deseamos.

Déjame decir 3: La Sala Del Cel, Apolo y Moog. ¿Un Dj o sesión que te haya marcado? Dj Suburban Knight, por decir uno que me viene a la mente. La lista sería larga. ¿Qué disco recomendarías para su escucha y disfrute? LFO - Frequencies

Ha sido un placer charlar contigo; esperamos que la próxima que nos veamos sea por fin disfrutando de la música en directo. Gracias a ti, un abrazo grande. Desde aquí queremos agradecer a Alex Martin su tiempo y sinceridad con las preguntas y como no, a Canela En Surco por las gestión.

Conozco tu extensa discografía y me preguntaba si se me escapa algún disco. ¿A estas alturas qué cosa no has hecho todavía y te gustaría? ¿Has realizado alguna banda sonora hasta el momento? Acabo de terminar un trabajo para un cuarteto de flautas barrocas llamado WINDU. He incorporado algunos sonidos en su último espectáculo para teatro. Así que sigo involucrado en proyectos musicales no necesariamente electrónicos. La banda sonora, es algo pendiente, pero hice media banda sonora para La Fura Dels Baus hace unos años. Hasta ahora hemos hablado de material editado pero la pregunta es que tendrás Guardado. ¿Tienes algún disco o temas que se quedaron en el tintero por algún motivo y no salieron al mercado? Tengo mucho de eso, y cosas que no están necesariamente orientadas al baile o al club, como intentos de techno-pop a la YMO y cosas en plan contemporáneo. Tengo por ahí un álbum de Drum & Bass que probablemente regale algún día y me gustaría grabar algo en plan “piano solo”. ¿Qué influencia tiene en ti y en tu música el mundo e iconografía Manga? Buff, inmenso imaginario. Soy un apasionado de la ciencia ficción y cyberpunk, el manga y el anime ha producido muchísimo material desde que el cine dejase de tener interés o buena producción de género. Muchos de los conceptos que ahora vemos en series modernas, están recogidos en el manga / anime hace años, y desarrollados de forma magistral. ¡Solo hay que ver AKIRA o leer BLAME!. ¿Una sesión para el recuerdo como espectador, y un concierto que recordarás siempre? Garnier Plays Garnier (Sónar 2018) y Riuychi Sakamoto Trio 1996 Concert (Teatre Grec) ¿El club que más has disfrutado en tu carrera actuando? 49

CORA CORA NOVOA NOVOA 50

PASADO, PRESENTE Y FUTURO DE UNA ESTRELLA

A U T O R : PAT Q U I N T E I R O , D I R E CTO R A D E M I X M AG S PA I N

Si hay una cosa que es Cora, es fiel a sí misma. Y no solo fiel a su música que lo es - sino fiel a lo que representa ser Cora Novoa. Fiel a su imagen, a su acento, a sus raíces. Fiel a su concepto de ARTE, no de ARTISTA. Fiel a querer las cosas bien hechas. Disciplinada y consecuente, Cora siempre ha sabido tener la paciencia que todo en esta industria requiere. De ahí que nunca haya patinado. Ni un mal disco, ni un mal bolo, ni un mal proyecto, ni un mal titular. Todo meditado, todo estructurado y sobre todo muy muy muy bien trabajado y aportando en cada paso un punto más de superación, subiendo siempre un punto más su nivel y concepto creativo. Nada de estancarse, nada de repetirse. Nada de oxidarse. Siempre a la vanguardia. Siempre sentando cátedra.

Y lo mejor es que cuando la conoces, descubres a una Cora pícara, traviesilla, cariñosa, generosa… ‘riquiña’ que decimos os galegos. Con ese punto de timidez y de humildad tan suyo -tan de verdad- que la hacen más honesta todavía de lo que parece, y lo parece mucho. Por eso, lo que Cora es, es una ESTRELLA, nuestra ESTRELLA. Por eso, con esta entrevista, lo que queremos es rendir un homenaje a su carrera. Os invitamos a recorrer cronológicamente con ella, su pasado, su presente y su futuro. ¿Preparad*s para el viaje, amig*s?

1996-1997 Un día cualquiera en Ourense, una partitura y una flauta travesera y una Cora con 11 o 12 años. ¿Lo visualizas? Me imagino escribiendo en mi cuaderno de pentagramas unas “buenas” notas (y lo de “buenas” me refiero a grandes, las hacía un poco tronchas a los 11) en mi habitación. El solfeo no era algo que me apasionara demasiado, pero lo que me fascinaba realmente era crear mis propias melodías e inventarme canciones. Lo hacía con la flauta travesera y con el piano, de hecho, antes de tocar la flauta me acuerdo de que siempre que iba a comer a casa de mi abuela me iba corriendo a la habitación donde estaba un piano de pared y me pasaba largos ratos tocándolo a solas. ¿Qué había motivado a esa Cora estudiar música clásica? ¿Qué vínculo tenías con la música en esa época? Mi padre es el que me ha enseñado a tener amor y respeto por la música, y sobre todo a no tener miedo a los géneros musicales. En mi casa la música lo inundaba todo. Para que

te hagas una idea a la hora de comer en vez de ver la TV, escuchábamos Radio3. Y en la salita donde tenía mi padre su minicadena de música se podía escuchar desde salsa, flamenco, clásica, jazz, soul o inclusive música electrónica. La primera vez que escuché a Portishead fue gracias a mi padre, me dijo “escúchate a este grupo, hacen una música muy especial y diferente”; pianistas como Chano Dominguez, divas como Celia Cruz, grupos de funk-soul como Incognito o el r&b de Eric Benet, son solo algunas de las joyas que me hizo descubrir mi padre. ¿Por qué la flauta travesera? Lo de la flauta surgió un día que estaba en el salón de casa. Los fines de semana mis padres ponían a veces los conciertos que se hacían en La2 de TVE de música clásica en vivo, y allí vi por primera vez una flauta travesera. Me encantó, aunque he de confesar que estaba entre el saxófono y la flauta, pero finalmente me decanté por la flauta.

2002

Tienes 18 años y comienzas tus estudios de Ingeniería Informática. Un par de años antes, descubres la música electrónica. ¿Cómo te acercas a ella? Es muy loco, pero me volví muy melómana de la electrónica gracias a Soulseek (era un P2P de los 2000s) y a mi primera incursión en el clubbing en una de las catedrales de la makina y el hardcore, “Mansion” en Benidorm. No me preguntes cómo, pero allí estaba con 16 años en medio de mucho pelo cenicero, fluorescente, sudor y mucho gabbeo. Fue una de esas experiencias que me cambió la vida, así que empecé a devorar mixes en cassette y los CD de Pont Aeri, Chasis, Masia. En paralelo descubría gracias a Soulseek mucho electro, techno-pop o electroclash; Goldfrapp, Swayzak, Adult, Felix Da Housecat o proyectos bien raros como la banda japonesa HKC, era una digger en toda regla. Me encantaba descubrir bandas y grupos raros, sonidos diferentes a lo que podía escuchar en cualquier bar de Ourense, que al final se reducía a rock y algo de indie. Lo que me enseñó esa época fue a ser curiosa e investigar, no conformarme con lo que me daban. ¿Qué música y qué artistas escuchabas? De electrónica escuchaba por ejemplo los mix series de Dj Kicks (la de Erlend Oye es una de mis favoritas), los de Fabric (la de Radioactive Man me encantaba), Legowelt, todo lo del sello Creme Organization, Anthony Rother, Gigolo Records, Hot Banana, Funkstorung, Ladytron, Raster Noton, Miss Kittin & The Hacker, Royksopp, Jimmy Edgar, Stereo Total, Moloko o Wagon Cookin. Sin internet como lo conocemos hoy en día, sin plataformas de stream, sin YouTube... ¿Cómo conseguías nueva música en esa época? Como te comentaba fue gracias a la plataforma dosmilera de P2P Soulseek, sin ella nunca habría podido descubrir ninguno de estos grupos o bandas; y por supuesto gracias a que mi padre instaló un router en casa y pagábamos la conexión por minuto (de esos que hacían gkgkg, piiii, ruuuujjj, piiii,… pura poesía). Ahora lo piensas y es una locura, por eso cuando me conectaba intentaba ser muy productiva. Llegaba a descargarme webs enteras de cosas que me interesaran en ese momento, como por ejemplo la alimentación transgénica o reviews online de discos, para así podérmelas leer más tarde off-line sin problema de tiempo. Por supuesto que no había ni la décima parte de información que hay hoy en día, ni YouTube, ni videotutoriales, ni nada nada de nada, era todo muy rústico, pero con mucha magia.

2004

Te licencias y, nada más acabar la carrera, te mudas a Madrid para formarte como técnica de sonido. Comienzas a investigar más en las posibilidades que la tecnología te ofrece para hacer música con otra de tus grandes pasiones: los ordenadores. Y empiezas a crear. ¿Cómo fue ese paso del analógico y de la música más clásica al mundo de los sintetizadores, secuenciadores y música digital? En realidad, fue sin querer. Al año de empezar a estudiar informática, descubrí en una de mis exploraciones en la red, que se podía hacer música con ordenadores. Así que instalé un programa que trabajaba solo con loops ya hechos, pero yo necesitaba chicha, no quería usar loops hechos por otras personas, sino crear los míos propios, así que al poco me hice con mi

primer secuenciador. Después de instalarlo, desinstalarlo y varios intentos frustrados de hacer mi propia música, decidí meterme de lleno. Por suerte encontré el único manual disponible en la red en inglés, y poco a poco empecé a estudiarlo. Me di cuenta de que eso es lo que quería hacer, producción musical, pero en aquella época no había ninguna escuela que impartiera algo tan específico, así que me incliné por estudiar algo que se le acercara: técnico de sonido. Este fue el motivo real por el que me fui a vivir a Madrid, para cursar un ciclo superior de sonido. Sin lugar a duda, Madrid fue una de las etapas más importantes de mi vida. Es en donde viví el clubbing de arriba abajo, gracias a fiestas como Coppelia 101, Nasti, Mondo o Le Ga-

rage, donde me empapé de la música y de la escena electrónica. Para que te hagas una idea mientras estudiaba fui flyera de Computer Club, una fiesta de Luís (HD Substance) que traía a la gente de Border Community o por ejemplo íbamos a escuchar las pinchadas de Ivan Smagghe o Jori Hulkkonen como si fuéramos a ver al mismísimo papa. Fue una época realmente especial. También fue en Madrid donde conocí a gente muy importante en mi carrera profesional como Helena Gallardo o Henry Saiz ¿Sobre qué tipo de sonido te movías entonces? Antes de mudarme a Madrid hacía sobre todo hiphop, me flipaba muchísimo el rap, la cultura del grafiti y patinar (pero roller, nada de skate). Estaba muy al tanto de la escena nacional: Nona, Ariana Puello, Sound de Kalle, Triple XXX, Shuga Wuga, Morodo, Nach Scratch, etc. Había una escena consolidada, con sellos, mucho talento y revistas físicas, así que me metí a tope a producir instrumentales de rap. Realmente fue cuando me fui a Madrid cuando me centré en producir electrónica, hacía algún beat, pero había pasado ya a un segundo plano el hiphop. También en Madrid fue cuando descubrí por primera vez Ableton, creo que fue la versión 3 o 4; la primera que introdujo MIDI. Me la enseñó Servando, un productor gallego que conocí en la capital, y ya me quedé enganchada. De aquellas todavía no era un secuenciador estandarizado, pero fue con el paso de los años que empezó a despuntar poco a poco hasta lo que es hoy en día.

2009 2009

Publicas tu primer EP, ‘Unattainable Love’ en el sello de Henry Saiz, Natura Sonoris. Es la primera vez que te enfrentas a la crítica de un trabajo ¿cómo lo recuerdas? Lo recuerdo con mucho cariño, teníamos muchísima ilusión y ganas por hacer cosas nuevas, de aprender y de trabajar duro. Henry me enseñó muchísimo, realmente fue un referente muy importante para mí. Conozco a pocas personas tan trabajadoras y creativas como él. Cuando nos conocimos en Madrid me dijo que quería hacer un sello de música electrónica y que estaba buscando artistas. Yo le pasé mi música, y a pesar de que no sonaba todo lo bien que me gustaría, él me propuso formar parte de la familia “Natura Sonoris”.

Publicas también en sellos como Perspectiv de Ripperton (Family Tree II), en Hivern (Playing is Istanbul) y hasta Tiësto te incluye en el Mixmag Tiësto’s Club Life (Exclusive CD MIX for Mixmag). Si, 2009 y 2010 fueron muy convulsos, en realidad ni me daba cuenta, es ahora con el tiempo que lo veo, y me doy cuenta de que haber sacado en el sello de Ripperton o que Tiësto incluyera un track mío en una de sus mix-series, fue algo que realmente me ayudó a posicionarme. Pero como te digo no te das cuenta de las cosas ni le das el valor suficiente hasta que no lo ves con los años y con perspectiva.

¿Recuerdas lo primero que creaste? Si claro, los tengo por aquí en un disco duro, son muchas risas. Suena todo muy naif, me lleva a mi habitación en Ourense, a mi primer teclado controlador, a mi ordenador y esa pantalla de culo gigante, atesoro esos momentos.

2008 2008

En el impasse de estos años, trabajas como técnica de sonido e informática en empresas como Apple; pero necesitas cambios y decides mudarte a Berlín. Al poco tiempo llega tu debut, en la cantina del Berghain. ¿Qué recuerdas de ese día? Recuerdo muchos nervios, al principio de mi carrera solo hacía Lives, y este era uno de ellos. No tenía experiencia en clubs, y tampoco me llevaba ninguna agencia, así que fue una experiencia muy bonita, pero que por los nervios casi no pude disfrutar. ¿Cómo se cerró ese bolo? Fue gracias al novio de un amigo mío que estaba haciendo fiestas en Berghain y me propuso ir a tocar a una de ellas. El vivir en una ciudad tan viva y con una cultura de club como Berlin, es algo que te abre muchas puertas. Se sustenta y cuida mucho al talento local, por lo que vivir allí es clave si quieres hacerte un hueco en la escena berlinesa. ¿Qué supuso? A Berlin me fui con la intención de trabajar en Ableton o Native Instruments, lo tenía muy claro, pero no contaba con que la oportunidad de poder dedicarme profesionalmente a mi música iba a pasar por delante. Fue gracias a Henry Saiz quien hizo el enlace para presentarme a Nando de Zen Booking, y así poder empezar a trabajar con él.

2010 2010

De nuevo en Natura Sonoris, ahora con tu primer LP ‘The Secret Garden’. ¿Cómo describirías tu sonido en ese primer trabajo largo? La primera parte del álbum es mucho más pop y la segundo más progresiva, pero sobre todo es un trabajo muy melódico y naif con reminiscencia al electro y con larga duración en los tracks. Lo estoy escuchando mientras te contesto a la entrevista y realmente hay canciones que me sacan la sonrisa, en especial “Right Way”, ese track es muy yo. Lo veo con perspectiva y mi sonido ha cambiado totalmente, pero la esencia sigue estando ahí. Es también el año en el que cierras Sónar Galicia y Sónar Barcelona. ¿Qué significó esto para tu carrera? Significó un sueño cumplido. Sónar es mi festival favorito, y el haber podido hacer el cierre del Viernes Noche en Barcelona fue algo que siempre llevaré en mi corazón. Ver como iba convirtiéndose la noche en día mientras tocaba mis canciones y había una marea de gente bailando al son de mis tracks fue impresionante. Al día siguiente me fui directa al aeropuerto dirección Santiago para cerrar también la edición gallega de Sónar Festival, un lujazo. ¿Recuerdas con qué tema cerraste Sónar Barcelona? Por supuesto, con “Unttailable Love”. Tengo los vídeos en alta calidad grabados por Henry en mi ordenador, creo que sería muy guay lanzar una pieza de vídeo con todo el contenido de esa actuación. Recuerdo que unos fans majísimos, que comenzaron siendo fans y se convirtieron en amigos, vinieron por sorpresa a primera línea de batalla con una pancarta gigante que ponía “PLAYING WITH YOU CORA, SONAR 2010”, fue muy muy guay, se me ponen los pelos de punta al recordarlo.

2013 2013

Algo que no todo el mundo sabe, es que eres una gamer empedernida. Y te llega un encargo hacer la BSO para el videojuego ‘Fiufiu’ de Mira Games. Los chicos de Mira Games eran seguidores de mi trabajo por lo que fue muy guay poder hacer una propuesta sonora para un proyecto así pudiendo ser yo misma y con total libertad creativa. Desde las composiciones musicales hasta el sound design, fue una experiencia super enriquecedora que desde luego repetiría. Esto te abre la puerta a otro tipo de colaboraciones posteriores. Claro que te abre nuevas oportunidades, esa es una de las cosas que he aprendido en mi vida, si te enfocas en algo y abres puertas en esa dirección, se abrirán otras tantas que no te esperas. Aunque tengas mucho miedo, salta, siempre hay red. Una de las cosas que me encantaría hacer es una banda sonora para una película, pero hacer algo realmente diferente a lo que se hace en la industria del cine. En general es todo super homogéneo y no tiene personalidad, creo que hace faltan propuestas más personales y transgresoras.

2014 2014

Fundas tu propio sello discográfico Seeking the Velvet (SKTVT). Un sello, que en realidad no es un sello, sino algo más parecido a un estudio creativo que aúna arte, música, moda y diseño. ¿Cómo valoras el camino recorrido con SKTVT hasta ahora? Siempre tuve la idea en mi cabeza de hacer mi propio sello discográfico, pero ahora que lo veo con perspectiva, todo era una excusa para hacer proyectos muy locos con gente con una visión creativa similar.

Lo más heavy fue darme cuenta de que me gustaba la visión empresarial de la música, el business y todo lo que hay tras bambalinas. Así que me metí de lleno a crear un modelo de negocio, un plan económico y aprender todo lo necesario para llevar tu propia empresa. Llevó tiempo, y conciliar hacer música con llevar adelante el sello fue difícil, sobre todo los primeros años que está todo por hacer y no tenía ni idea de nada, pero fue una de las mejores decisiones de mi carrera profesional. Hacer las cosas a mi manera y con mi visión no tiene precio. Somos un equipo muy pequeño de personas, está Ángel del Corral que es el diseñador gráfico y Ariadna Martínez que lleva la prensa, todo el trabajo con marcas y también me ayuda con el sello. Sin ellos dos nada de esto sería posible. Ángel es una de las personas más trabajadoras y creativas que conozco, aparte de que da gusto trabajar con él. Ari es una persona clave a la hora de definir estrategias, perfilar proyectos y con la toma de decisiones. Por último, otra persona que forma parte del equipo de forma indirecta es Ari Good2b, con la que trabajamos los proyectos más grandes y delegamos la comunicación nacional e internacional; es también una persona con la que es muy fácil trabajar, honesta y super trabajadora. La imagen ha sido siempre muy importante para ti, algo que has cuidado mucho a lo largo de toda tu carrera. ¿Pero qué representa en concreto para ti la moda? Es una forma de expresarte con el mundo y en la sociedad. A mi me encanta la moda porque puedes decir muchas cosas con ella, incluso la gente a la que no le gusta ni la moda ni las tendencias, también dicen algo con su forma de vestir. Es una forma de decir quién eres y el espacio que ocupas en el mundo. Hay ciertas prendas asociadas a tribus urbanas, estatus social o ideologías, es algo que va con nosotros.

2015 2015

Publicas ‘Fight Love Faith’, el primer LP de SKTVT. Habían pasado 5 años desde tu anterior largo en Natura Sonoris (The Secret Garden). ¿Qué pasó en esos 5 años? Pasaron muchas cosas, como por ejemplo mi primera crisis creativa, de ahí el nombre del disco “Lucha, amor y fe”, los tres pilares del álbum y los que me hicieron salir del agujero; bueno eso y sin lugar a dudas mis padres y Belén, o sea mi familia. En este tiempo, lo pasé realmente mal. La gente solo ve los momentos dulces de un artista, lo positivo, pero desconocen todo lo demás. Yo he estado a punto de tirar la toalla en muchas ocasiones y he tocado fondo otras tantas, ha sido un aprendizaje duro pero es el que me ha llevado a estar donde estoy a día de hoy.

¿Cambió tu sonido en ese intervalo? El sonido a nivel técnico de ‘Fight Love Faith’ se va acercando más al sonido que siempre he querido tener, más equilibrado, maduro, cuidando los detalles. Hicimos mi primer videoclip, produjimos la edición en vinilo normal y una edición limitada muy especial con carpeta de plexiglás. Fue un aprendizaje muy chulo, yo quería jugar en primera, y para eso o necesitas dinero o mucho tiempo, así que lo más difícil del proceso fue conciliar el trabajo en el estudio, con el desarrollo del sello, las colecciones de ropa y la producción de este disco. Este segundo disco tiene un sonido más pop pero sin dejar de ser electrónica, la verdad es que tengo muchas ganas de volver a hacer algo así.

2017 2017

Te alzas como Mejor Dj del Año en la sexta edición de los Vicious Music Awards. En aquel momento había mucho revuelo porque distinguían entre sección femenina y masculina, y por primera vez, una mujer simplemente era la mejor artista del año.

Desde las primeras ediciones (2011) de los VMA, lo que se buscaba era visibilizar y dar más espacio a la gran cantera de talentos de nuestro país que se reconocían con el género femenino y que, de otra manera, no tenían representación. Casi 10 años después, las posiciones ocupadas por artistas ’mujeres’ en este tipo de premios internacionales sigue siendo escasa: ¿Sigues creyendo que no eran necesaria en ese momento ese tipo de acción? Tal vez la intención era buena, dar voz y voto a las mujeres en una industria donde a penas contaba con referentes. Pero me parecía inverosímil que eso fuera noticiable, salí en prensa generalista, y por desgracia los titulares eran ciertos: “La primera Dj mujer que gana el premio a Mejor Dj del año”. Cuando esto deje de ocupar los titulares querrá decir que no habrá brecha de género. Por otra parte, pienso que por mucho que se hayan criticado los VMA por lo menos ellos hacían algo, querían poner valor a una escena. A veces me doy cuenta de que es muy fácil criticar, quejarse de esto y de lo otro, compararse y darle bien al haterismo, y digo yo - “¿por qué no usas toda esa energía para hacer las cosas como a ti te gustaría hacerlo?”. Creo que así nos iría mucho mejor en la vida. Acciones parecidas han impulsado desde entonces “la equidad en los line-up de festivales” por ejemplo. ¿Crees que la industria de la música electrónica, sin este tipo de políticas - aunque primitivas-, es capaz de avanzar por si sola hacia la igualdad real en materia de género, diversidad e inclusión? Como dice mi amiga Geo Taglietti, “hay que hacer lobby”, y no hay mejor manera que hacerlo que a través del talento y la creatividad. Es importante que existan proyectos como el de Shesaid.so, Keychange o MIM (Asociación Mujeres en la Industria Musical), desde donde se pasa a la acción, se genera igualdad con las minorías y se da conocer la realidad a través de datos y experiencias. Hay que contratar talento, da igual que sea masculino o femenino, el problema es que el femenino ha estado siglos vilipendiado y oculto, y eso no se soluciona en un puñado de años.

2018 2018 Presentas en MUTEK Montreal y en la TATE Modern de Londres el primer acto de ‘Mental Diary’. Tanto el concepto como el sonido cambian totalmente con lo publicado anteriormente. ‘Mental Diary’ es uno de los trabajos más ambiciosos que he hecho hasta la fecha. Mi idea era crear un diario de mis vivencias a camino entre Londres y Barcelona. Mi fascinación por la cultura clásica y el ocultismo es algo que me ha acompañado en casi toda mi obra (mitología griega, historia, alquimia…), y eso me inspiró a hacer la estructura en 3 actos, que adapté al formato musical. Cuidé todo el desarrollo y unión del storytelling y de los assets asociados a cada acto. Por ejemplo, en con cada release lanzamos una serie li-

mitada de cassettes con packaging especial, una lámina numerada adjunta, y luego piezas independientes, como la colaboración de camisetas con el estudio creativo suizo Hässig o la joyería exclusiva que lanzamos en el primer acto.

es sencillamente brillante, habla de la perdida desde una perspectiva natural, elegante y muy real, porque el hecho de perder en si es todo un arte, y todo depende de cómo lo veamos y nuestra actitud frente a esa perdida.

A finales de año sale el videoclip del tema Russian Bells. ‘Russian Bells’ es el tema central del ACT I de ‘Mental Diary’ y quise recoger la estética de los países del este, más concretamente la Polaca, a través de un lenguaje urbano y gabber. Y donde se comienza a relatar la historia del disco a través de la imagen. Si te fijas hay algunos personajes de los videoclips que se repiten en el ACT I y en el ACT II. Cuando se lance el ACT III el círculo se cerrará y la historia estará contada. En este primer acto donde se incluye ‘Russian Bells’ el EP se titula “Our words have brought us this far. Only our actions will take us further”, y hablo del renacer, algo muy primario y humano, de caerse y volverse a levantar, que es algo que el pueblo polaco ha hecho a lo largo de su historia. Por ello quise recoger ese imaginario visual y llevarlo al videoclip.

El videoclip de “State of Mind” dirigido por Alex Gargot, gana en uno de los más prestigiosos premios internacionales de videoclip, los UKMVA, en la categoría de ‘Best Dance Video – Newcomer’. ¿Qué supone este reconocimiento, compartiendo además espacio con artistas como A$AP Rocky, Rosalia, FKA Twigs o Stormzy? Supone muchísima felicidad y es la gasolina que se necesita para seguir haciendo las cosas bien y con mucho cariño. Trabajar con Alex Gargot fue todo un lujo, es una persona super creativa, respetuosa y con las ideas claras. Construir con él este proyecto fue muy enriquecedor, y estoy deseando volver a hacer cosas con él.

Fue el año del 25 aniversario de Sónar donde por primera vez te presentas en un festival con otro artista: Clip! Fue genial poder compartir escenario con Edu (Clip!) y actuar juntos. El directo fue totalmente improvisado, es decir, una especie de jam session pero con la perspectiva de clubbing. Íbamos sin ordenador, y únicamente con máquinas. Por suerte pudimos conseguir que tirarán unas cámaras donde la gente podía ver a través de la pantalla central y laterales del SónarDome, todo lo que íbamos haciendo con ellas, fue algo catártico. Estaba lleno hasta la bandera y la gente tenía ganas de escuchar algo de techno. Estaré siempre agradecida a Fran Suarez y Edu por su apoyo y haber confiado en mi para este proyecto. Sónar te invita también a participar en su proyecto ‘Sónar Calling’ enviando un track al espacio. ‘State of Mind’ será el track central del ACT II de ‘Mental Diary’, y también el mensaje elegido para enviar al exoplaneta potencialmente habitable GJ273b de Sónar Festival. Encajaba como anillo al dedo con la idea del proyecto y fue todo un honor compartir mensaje con artistas como Autechre. Laurent Garnier, Zora Jones, Holly Herndon, Nina Kraviz o The Black Madonna. ¿Cómo se decide qué contarles a los posibles habitantes de un hipotético planeta habitado? Básicamente ‘State of Mind’ (estado de la mente) es el estado de nuestra conciencia para con el mundo exterior, nuestra intuición o nuestro cerebro. Me gustó mucho una definición que hizo el matemático y físico inglés Roger Penrose, que dijo: “es el fenómeno por el cual se da a conocer la propia existencia del universo”. Así que recogí estas declaraciones, me metí en la película y de ahí salió este track.

2019 2019

Se estrena ACT II de ‘Mental Diary’: ‘The Art of Losing’. Está inspirado en la poetisa estadounidense Elizabeth Bishop. ¿Por qué ella? Bishop es una poetisa que me descubrió mi brothercito Tatiana Escobar, y el poema “One Art” fue el que inspiró el título del segundo acto ‘The Art of Losing’. Su poema

¿Para cuándo el Tercer Acto? Falta por editar el tercer acto, que espero que salga este 2021 si todo va bien, así que se podría decir que ‘Mental Diary’ es un trabajo con vida propia, lo hice con la intención de plasmar mis vivencias, cambios personales y reflexiones entre Londres y Barcelona, pero el tercer acto se encuadrará también en Berlin, que es donde he estado viviendo estos últimos meses.

2020 2020

Un año marcado por la pandemia, la pausa del formato en vivo, las giras, los festivales, los clubes... pero a la vez un año redondo para ti. ¿Cómo te has sentido a nivel personal durante los diferentes momentos de la pandemia? Parece mentira, pero ha sido uno de los mejores años de mi vida, tanto a nivel personal como profesional. Tal vez no sea el mejor año a nivel de facturación, pero ha sido un año muy interesante y lleno de aprendizaje. Suena hippie, pero es la verdad, el aprender a convivir con la incertidumbre ha sido algo que he interiorizado en todos estos años, y que cualquier freelance aprende a gestionar porque no te queda otra. También creo que el haber pasado por crisis creativas o baches laborales y tocar fondo, me ha hecho abrir los ojos y tener más callo a ser flexible y tener recursos frente a situaciones adversas como la del COVID. Tuve 1 semana mala, donde di rienda suelta a que mi cabeza se proyectara en el futuro, en el qué pasará, y en el “y si” (y si pasa esto, y si pasa lo otro), pero lo único que hacía era alimentar un malestar e incertidumbre, así que continué haciendo lo que tenía que hacer, que es trabajar y crear. Eso fue mi salvavidas. Es el año de los fichajes en sellos de grandes artistas: Turbo Recordings de Tiga, y Citizen Records de Vitalic. ‘The Hive’ EP (Citizen Records) tiene tal éxito que unos meses después publicas uno de remixes con la participación de Dima aka Vitalic, Djedjotronic, ¡¡¡Louisahhh!!! y Karabine. ¿Un remix el propio Vitalic debe emocionar,no? ¿Qué es lo que más te sorprendió de los remixes? Si me lo dicen cuando estaba empezando no me lo hu-

biera creído, es un sueño cumplido. Sus tracks me han acompañado en mis primeros años de clubbing y en más de un cierre en mis djsets, Pascal (Vitalic) es un clásico, y me siento muy feliz de que haya querido hacerme una remezcla de uno de mis temas originales. Todas las remezclas me encantaron, cada una es diferente y a la vez son tracks con contudencia, de esos que pones a las 4 de la mañana o para cierre y te quedas a gusto. Hacía tiempo que no escuchaba un disco de remezclas tan potente, y no lo digo porque los originales sean míos. Otra de las grandes experiencias que has vivido en 2020 y que se extenderá en 2021 es que has sido una de las 10 artistas que han estado en residencia en el programa Sónar+D x Factory Berlin Artist in Residence, con el apoyo de Beats by Dr. Dre y el Institut Ramon Llull. ¿Qué has aprendido con toda esta experiencia? ¿Y cómo ha sido pasar parte de la pandemia en Berlín? Fue un soplo de aire fresco, como vivir en un oasis. Estoy muy agradecida de que se decidiera seguir adelante con el programa de Sónar x Factory Berlin, y haber formado parte de esta residencia. Era mi primera experiencia como artista residente, y el hecho de haber estado viviendo 6 meses en Berlin en plena pandemia me hizo cambiar de aires, vivir nuevas experiencias, crear, aprender, compartir visión con otros artistas o investigar sobre temas como la tecnoética, el capitalismo de control o la inteligencia artificial, ha sido una de las claves de este año, y no tengo palabras de agradecimiento hacia el Institut Ramon Llull por haberme apoyado en esta aventura.

2021 2021 La ‘Alternative Power 100 Music List’ de Shehaid.so te escoge como una de las 100 profesionales que han representado la RESILIENCIA Y ADAPTABILIDAD, y que han destacado por enfrentarse a los desafíos extremos que trajo la(s) pandemia(s) de 2020, superándolos y aportando positividad a su comunidad cuando más lo necesitaban. ¿Qué se siente cuando más de 12.000 mujeres de la industria te sienten como una referente? Fue un regalazo y desde aquí quiero darle las gracias a Geo, porque sé que ella es gran responsable de que forme parte de esa lista. Me siento muy identificada con lo que simboliza Shesaid.so y lo que significa formar parte de la #ALTLIST2020, y hoy en día esto es más importante que nunca. Me gusta luchar por tener una industria musical diversa y equitativa, y por desgracia todavía queda muchísimo por hacer. Agradezco que haya más artistas, Djs o productoras haciendo cosas interesantes y con un discurso coherente como por ejemplo Flaca dj o proyectos como Voodoo en Barcelona, No Shade en Berlin o CHICA en Madrid. ¿Qué opinas del papel que están ejerciendo plataformas como Shesaid.so, MiM, Keychange, Amplify, Female:Pressure o Femnøise -por mencionar algunas-,

para lograr una industria musical más equitativa y diversa? Me parece que hacen un papel muy necesario dentro de la industria para dar visibilidad y subrayar los valores del comadreo y una comunidad diversa y equitativa. ¿Cuáles han sido las mujeres o artistas y profesionales de la industria identificadas con géneros no masculino han sido tus referentes? Al principio de mi carrera mis referentes venían más del rap como Nona o La Mala Rodríguez, luego me inspiró

mucho ver a los platos a Djs como Ellen Alien o Miss Kittin y de aquí a un tiempo productoras como Holly Herndon, Zora Jones o Marie Davison. A parte siempre busco inspiración de mujeres empoderadas en mi día a día como son Andrea Faroppa, Eva Sarasola, Helena Gallardo, Geo Taglietti, Carmen Zapata, Tita Desustance, Flaca, Eva Planas, Rosana Corbacho, Rosa Fernández o Marta Pallarés.

LO QUE QUE LO QUEDA QUEDA DE 2021 2021 DE

Como Ableton Certified Trainer desde 2007, siempre has estado a la vanguardia en el uso de los diferentes avances de la tecnología con las nuevas herramientas que interactúan con la música, la aparición de nuevas plataformas de consumo o comunicación. No es extraño, por tanto, que la Realidad Aumentada, la Inteligencia Artificial o plataformas como NFT, marquen los próximos proyectos que tienes preparados para este 2021. ¿Qué nos puedes avanzar? ¿Qué es lo que más te interesa de cada una de estas nuevas herramientas tecnológicas? En términos generales lo que me gusta hacer son proyectos muy locos con música, arte y tecnología, con gente también muy loca. Pero desde hace un año mi trabajo se está centrando en topics como los futuros distópicos, la tecnoética, censorship, AI, reconocimiento facial, el diseño adictivo de software, la economía de atención o el capitalismo de vigilancia. De hecho, estoy trabajando en varios proyectos de forma paralela, Estoy terminando mi próximo EP en el sello de Tiga, Turbo Recordings, e irá acompañado junto a una experiencia de AR (Realidad Aumentada) y también estoy desarrollando mi drop génesis en el mundo NFT, que saldrá en exclusiva con la plataforma Foundation. Es una pieza audio visual llamada “Technological Society” que cuenta con la colaboración del artista digital Miguel Marques.

EL FUTURO FUTURO EL

Si le enseñaras esta entrevista a aquella Cora de 1997 con su flauta travesera en mano ¿Qué crees que pensaría de la Cora del 2021? ¿Si pudieras decirle algo a esa pequeña Cora, qué le dirías? Creo que la mini Cora fliparía, no se lo creería ni enseñándoselo. Y lo que le diría sería que confiará más en ella misma y en su instinto, que las cosas siempre llegan. Y si volviéramos a hacer esta entrevista dentro de 10 años ¿Qué te gustaría que hubiera pasado? Me gustaría poder estar haciendo esta entrevista en mi propia casa en medio de la montaña, con mis perritxs, acompañada de mi mujer y mi familia, con ese estudio que siempre he soñado ya montado, y con la misma ilusión, pero menos preocupaciones que ahora.

CRÉDITOS Dirección creativa: Javier Peralvo & Pawla Casanovas aka Belledenuit Studio Fotografía: Javier Peralvo Film Direction: Pawla Casanovas

Por último, estoy trabajando en un proyecto muy chulo desarrollado junto a Sónar y Taller de Músics donde a través de un casting que hice a los alumnos de la escuela, trabajaré con los seleccionados en una residencia artística donde produciremos conjuntamente música y un espectáculo que se presentará en Barcelona y en otras ciudad a lo largo del 2021.

Asistente de iluminación: Vlady Poshyvanyuk

Con SEEKING THE VELVET lanzaremos 2 nuevos proyectos que acabamos de firmar, que son el dúo sevillano de techno experimental CLOON, y los madrileños Mechudo con su electro tan personal.

Behind The Scenes: David Arz

Code Pride, Modificación Facial : DOES Work 3D: Danny Ortega Peluquería y maquillaje: Belen Navarro Estilista: David Vázquez Asistente artística: Ariadna Martínez

Agradecimientos especiales a A Better Mistake y MISBHV Descubre más de la mano de Luca Dorby (Página 4) Entrevista esponsorizada por Ableton.

Y por supuesto las fechas que tenemos cerradas para estos próximos meses tanto de Dj sets como Lives.

r e p o r t a j e

Ableton

DOS DÉCADAS REVOLUCIONANDO LA CREACIÓN Y LA INTERPRETACIÓN MUSICAL EN TODO EL MUNDO ABLETON CERTIFIED TRAINER DE ABLETON EN ESPAÑA En España tenemos una cantera de importantes Ableton Trainers encabezados por Carles Reixach, César Berti, David Surex, Harvey Cubillos, Javier Ferrer, Jesús del Cerro, Daniel Cantero, Ramir Martinez, Gaty Lopez y la protagonista de nuestra portada Cora Novoa. Con motivo de la nueva versión 11 de Live, hemos querido conocer de cerca el impacto que ha tenido Ableton en nuestro país a través de sus Ableton Certified Trainers. Ellos además nos ofrecen unos tips para que las/los usuarios descubran todos los detalles, mejoras y recursos que el nuevo Live ofrece.

Ableton es una compañía afincada en Berlín (Alemania), fundada en 1999, dedicada al desarrollo de software y hardware para la creación, producción y ejecución de música tanto en estudio como en directo. Su principal producto, Live cuya primera versión fue lanzada en 2001, ha introducido un nuevo enfoque revolucionario a la creación musical con ordenadores. En la actualidad existen cientos de miles de usuarios de Live en todo el mundo y el número sigue creciendo rápidamente. Las posibilidades de trabajar con audio elásticamente, un flujo de trabajo altamente creativo, diferentes herramientas integradas como Drum Racks y efectos como Looper o Beat Repeat, hacen de Live una sensacional

herramienta para músicos, diseñadores de sonido y artistas de todo el mundo. Dos décadas después, la importancia de Ableton en la historia de la música y la producción de sonido es innegable gracias a su software y hardware único para la creación e interpretación musical. Hoy en día, más de 340 educadores profesionales, tutores privados, DJs profesionales, productores, ingenieros, músicos y consultores se especializan en ayudar al mundo a hacer música con Live. Actualmente hay formadores en 56 países que ofrecen instrucción en 39 idiomas. Ableton = Live, Push y Link = 20 años de revolución.

La comunidad hispanohablante profesional que usa software y hardware de Ableton ha crecido a pasos agigantados, y por ello recientemente ha creado un canal en español de YouTube para hacer más accesibles todos los tips, tutoriales, eventos y avances de Live 11 y Push. A lo largo de estas próximas páginas descubriréis a una comunidad de Trainers ilusionada con lo que hacen y agradecida con los valores de esta compañía. Un viaje por la historia de la música de nuestro país, que nos deja claro porque, sin duda alguna, Ableton ha revolucionado la creación y la interpretación musical en todo el mundo. Además también están disponibles en español algunos recursos de aprendizaje gratuitos en: Learning music: https://learningmusic.ableton.com/es Learning synths: https://learningsynths.ableton.com/es

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CARLES REIXACH Girona, Ableton Certified Trainer desde 2014

Carles es un artista de música electrónica y bandas sonoras, productor y Dj, con casi dos décadas de trayectoria, además de un experimentado profesor de Ableton Live y Ableton Push. Carles imparte también clases en universidades y es el director general y uno de los fundadores de la Escuela Superior de Música y Sonido Eumes desde 2012, donde enseña todo lo relacionado con la música, el sonido y el negocio musical. Trabajas produciendo música y mezclando y masterizando audio en tu estudio híbrido para el mercado discográfico, pero también para el sector audiovisual (cine, documentales, televisión y publicidad). ¿Qué diferencias hay entre ambos sectores a la hora de producir música o diseñar sonido? Hay varias diferencias. En el sector audiovisual debes seguir un guion, un montaje y un estilo concreto para que la música y el sonido estén en perfecta sincronía con el material visual y la historia que se ha escrito previamente. En el mercado discográfico la música es la propia historia, y habla por sí sola. Eso te exige estar muy al día con las últimas tendencias, las técnicas más actuales de producción y mix & mastering. Digamos que los dos sectores me han ayudado a ampliar mis recursos y perspectiva de forma complementaria. ¿Cambia a nivel creativo producir música para uno u otro sector? En los dos definitivamente debes ser muy creativo, creo que cambia más dependiendo del proyecto que del sector. Irónicamente la creatividad es potenciada muchas veces por las limitaciones que te encuentras en cada proyecto. Indistintamente del sector, puedo afirmar que he trabajado en proyectos muy

“rígidos” donde debía ser el “cocinero”, y en otros con muy pocas limitaciones, donde me pedían ser el “chef”. Es muy importante en ambos sectores, saber cuándo te toca ser uno o el otro. ¿Cómo han influido tanto en la parte creativa como en el modelo de negocio, la aparición de las plataformas audiovisuales de consumo on demand y las plataformas de streaming musical? La verdad es que los dos sectores han cambiado mucho, sobre todo el modelo de negocio y el formato de consumo. Antes hablábamos de Álbumes, DVDs, EPs y Fans… y hoy en día hablamos de Playlists, Streams, Likes y Followers. Actualmente tu contenido está a un click de ser escuchado o descartado, y esto ha obligado a los productores a reinventarse creativamente para conectar con la audiencia actual, que cada vez es más exigente y que gracias a estas plataformas puede consumir contenido a un ritmo muy superior al de hace 20 años A nivel de formación, tanto en Eumes como en otros entornos universitarios y especializados: ¿Qué tipo de contenidos son los más demandados? ¿ha cambiado en los últimos años? Los relacionados con la producción musical, mix & mastering, composición, diseño de sonido, music business o dj. Pero hay otro tipo de contenidos más específicos que llevamos tiempo enseñando en la escuela y que hemos presenciado como su interés ha ido creciendo exponencialmente hasta la actualidad, como la música y el sonido interactivo en los videojuegos, filmscoring para audiovisuales, o el diseño de plug-ins de instrumentos y efectos, ya que la industria de la música se está ramificando cada vez en más sectores. Muchos de estos contenidos ya hace tiempo que están incorporados en nuestro Diploma en Música Avanzada y Sonido (FUdGiF-UdG) y los actualizamos constantemente, ya que esta industria está en constante evolución. Como Ableton Certified Trainer: ¿Qué impacto crees que ha tenido Ableton en el desarrollo de la industria musical? Ableton es un software único, distinguido por su arrolladora potencia y rapidez para crear y desarrollar ideas, único en su enfoque de directo, con filosofía “Open Source” gracias a Max4Live y sobre todo respaldado por una comunidad de creadores, desarrolladores y productores musicales que sin duda han moldeado e influenciado muy positivamente en la forma de crear, producir y tocar en directo de la industria musical.

ABLETON LIVE 11 #TIPS: LFO, Shaper y Envelope Follower ya estaban en M4L pero se han integrado en Live 11 de forma nativa. Son ideales para combinar y aportar movimiento a los nuevos efectos de Live. Para añadir ese “error” analógico tan interesante, el parámetro “Jitter” (que comparten los tres efectos) es ideal para asignar “micro movimientos” a la desafinación de un sintetizador o para mover el corte de un filtro y darle vida a un sonido de forma instantánea. Rutea la señal MIDI de una pista a otra que contenga Spectral Resonator o modula los parámetros de Spectral Time con los efectos de LFO, Shaper o Envelope Follower del punto anterior. Usa Hybrid Reverb para diseñar sonidos nuevos. Combina su parte algorítmica con los diferentes modos y transforma cualquier sonido en una atmósfera interesante jugando con los parámetros de cada modo y combinándolos con el modo Freeze. Usa el modo Resampling para grabar en audio los resultados mientras juegas con los parámetros de los modos de la reverb para más creatividad. Crea una increíble paleta de sonidos utilizando efectos de WARP para aplicar Timestretching y Pitchshifting. También, después de samplear un buen número de experimentos, podrás hacer combinaciones creativas y sonidos más complejos destrozándolos con la opción WARP, usando de forma extrema los distintos modos Beats, Texture, Tone, Repitch o Complex. Esto me permite llegar a combinaciones inimaginables y sonidos más complejos. Carga todos estos sonidos en un Simpler o agrúpalos en distintas cadenas dentro de los Racks. Esto te permitirá añadirles aún más complejidad mediante Macros. Con las nuevas opciones que incorpora Live 11, podrás conseguir sonidos aún más impresionantes y “vivos”.

¿Y en tu vida y tu carrera? He trabajado con muchas DAWS, pero ninguna que me haya estimulado creativamente tanto como Live, me convenció su versatilidad, rapidez y espíritu “ Open Source” con la integración de Max 4 Live. Sus prestaciones únicas de directo también han contribuido a

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evolucionar mi forma de producir, a una más directa, ¡efectiva… y sobre todo divertida! ¿Recuerdas alguna masterclass en especial? Todas han sido especiales a su manera, si debo destacar una, recuerdo con cariño una masterclass que hice en EUMES donde cuento cómo plantear, configurar y realizar un directo con Live, que tuvo una acogida genial y que hoy en día aún me encuentro con personas que me agradecen los consejos que di en ese evento, y me cuentan cómo les ayudó con su música, eso para mí no tiene precio. Tanto esta como todas nuestras masterclass, se pueden ver en la sección de contenidos de nuestra plataforma www.eumesonline.com.

CÉSAR BERTI

Madrid. Ableton Certified Trainer desde 2011.

Amante del diseño sonoro analógico y digital, César Berti comenzó su carrera musical como Dj hace más de dos décadas; en 2003 descubre la música por ordenador y comienza su trayectoria como compositor y productor. Primero componía con Nuendo, hasta que en 2006 encontró Ableton Live, abriéndole una ventana a nuevas posibilidades y ampliando su capacidad creativa. Lo utiliza desde entonces como su principal DAW de producción y en sus sets en vivo de progressive house, techno y música electrónica en general.

Has participado también en muchos eventos y festivales con Ableton, como por ejemplo las Jornadas de Música Electrónica y Workshops ‘Tupper’ organizadas en Barcelona por DeDo. ¿Qué ocurre en este tipo de eventos? ¿Qué los hace únicos y por qué crees que tienen tanto éxito para el público? Creo que la magia de estos eventos está sobre todo en las personas, tanto las que lo organizan, como las que asisten, ya que comparten la misma pasión, y eso permite crear el ambiente perfecto para conectar e intercambiar ideas y sobre todo compartir las mismas ganas de aprender, descubrir y disfrutar de la música.

Lleva 12 años impartiendo clases de Ableton Live en escuelas de música como Klavier, Dj Productor, SAE Institute Madrid y Barcelona o Novamusic, la suya propia; y desde 2010 a 2012 creando videotutoriales en mamvideo.com. En la actualidad César ofrece también cursos online de producción musical, a nivel básico medio o avanzado, a través de su Ableton Certified Training Center Online watchaudio.com. Comenzaste en los años 90 tu carrera musical como Dj. ¿Cómo surge tu interés por la música electrónica? ¿Cómo fue el proceso de dedicarte profesionalmente? Todo empezó cuando con 16 años escuchaba cintas del Specka que tenía un colega y lo flipábamos bailando. Al poco tiempo empezamos a pinchar en su casa con unos Akiyama y comprando discos entre unos cuantos colegas en la época en que se rebobinaba con un boli porque ni las minicadenas ni los Walkmans tenían rewind. ¡Qué tiempos aquellos! Ahí fue cuando me compré unos Technics SL-1200 negros, nuevecitos y empecé a comprar discos y a darle caña. Más que un proceso fue una decisión. Lo recuerdo perfectamente, salíamos del Specka después de pinchar allí, íbamos andando por la calle y le dije a Rocío, “me voy a dedicar a la música que es mi pasión”. ¡Y hasta ahora! ¿Qué formación tenías cuando empezaste? Ninguna formación, no sabía nada. Me acuerdo perfectamente de mi primer día de curso, con mi portátil nuevo, que era el primer ordenador que tenía. Recuerdo que me costó muchísimo ya que cuando explicaban algo no sabía si era

¿Cómo potencia Ableton a nivel interno, la interacción y sentimiento de comunidad entre los Certified Trainers? Ableton tiene una maravillosa comunidad de Trainers que cuida con múltiples acciones, eventos y reuniones, en las que no solo nos mantienen actualizados, sino que nos estimulan a ir un paso más allá para crear, compartir y proponer nuevas ideas y proyectos. Eso ha hecho posible que personas de lugares tan lejanos en el mundo tengamos el placer de conocernos y trabajar juntos en proyectos que ni nos podíamos imaginar antes de ser CT’s.

sobre el ordenador o sobre Nuendo. Es que no sabía ni lo que era CTRL/C y pensaba que un Mac era como un sintetizador antiguo. Lo único que sabía es que iba a por todas y que no pararía hasta la muerte. Lo cual sigo pensando. ¿Qué pasó cuando descubriste Ableton Live? Lo que más me flipó fue el Warping y la vista Session. Imagínate que de repente puedes añadir trozos de temas, loops, cajas de ritmo, sintes…madre mía. Al principio lo utilizaba en plan Djing con efectos, no se la cantidad de temas que Warpeé. Y en la producción era todo muy intuitivo y se tardaba la mitad de tiempo en hacer ediciones, automatizar, podías grabar tu sesión en la vista arreglo y arreglar alguna metedura de pata. Eran todo beneficios. Desde 2008 la formación y la divulgación se vuelve uno de los ejes principales de tu carrera. De hecho, creaste en su momento hasta tu propia escuela Novamusic. ¿Ha cambiado el tipo de alumnos y alumnas en los últimos años? Más que cambiar el tipo de alumnado, creo que se están animando más chicas y la verdad que me alegra mucho. En mi opinión lo que más va cambiando es el tipo de música que quieren hacer y la tecnología que quieren utilizar. Otro eje ha sido la divulgación de conocimiento mediante videotutoriales en diferentes webs. ¿Cuál es la clave de su éxito? Lo que más me gusta es que este contenido va muy al grano o por lo menos debería hacerlo. Habitualmente está grabado con buena calidad de video y de audio y se puede ver en cualquier momento.

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ABLETON LIVE 11 #TIPS: Ajusta el display de Push en Mix. Deja presionado un pad del secuenciador que tenga una nota dibujada y luego automatiza volumen, panorama y envíos de ese pad en concreto desde los knobs. Cambia el color de un pad del Push dejando presionando Shift y el pad que quieras colorear. Después elige color. Para copiar el valor del parámetro de un Simpler que está dentro de un Drum Rack a los demás Simplers, haz click derecho en el parámetro para sacar el menú contextual y selecciona “Copiar valor a los hermanos”. Crea diferentes loops de HiHats con Hybrid Reverb. Empieza cargando un Hybrid Reverb ajustado en Convolution en una pista que contenga un loop de baterías, después corta frecuencias graves desde el EQ de Hybrid Reverb, sitúa el Dry/Wet al 100%, ajusta el predelay a 3/16 en tiempos musicales, sube el feedback, cambia los presets de las respuestas de impulsos y juega con el parámetro Vintage y otros. HiHat a la contra con Hybrid Reverb. Carga un loop de Kicks a 4/4 en una pista y sigue el mismo proceso del Tip anterior ajustando el predelay a 2/16 sin feedback. Añade groove a tus grupos de Follow Actions. Carga varios One Shots para crear un grupo de Follow Actions y en la vista de clip, mueve hacia atrás el marcador de inicio de algunos de ellos. Graba las secuencias de Follow Actions en la vista Arrangement generando varias pistas de tomas para crear nuevos Loops. Carga el preset “Minor” del efecto MIDI Scale en una pista MIDI que contenga un sintetizador, ajusta el parámetro “Base” en D (Re) y todas las notas que toques estarán en la escala D (Re) menor.

Creo que su éxito se debe a que el alumnado puede verlo cuantas veces quiera y el formador solo lo tiene que explicar una vez. Vamos, que ahorra tiempo, una de las cosas más importantes según mi manera de ver la vida. Como Ableton Certified Trainer: ¿Qué impacto crees que ha tenido Ableton en el desarrollo de la industria musical? Bajo mi punto de vista hay un antes y un después en el terreno de la producción y sobre todo en los live performaces. Creo que ha facilitado enormemente el poder hacer un performance a personas que no se podían permitir el lujo de tener un montón de equipo analógico para ello. Con Ableton Live puedes hacer un live performance muy guapo utilizando solo herramientas nativas y para mí es algo que no se podía imaginar antes de que existiese. ¿Y en tu vida y tu carrera? Cuando me hice Trainer no pensaba que impartir clases iba a ser mi trabajo, siempre he querido dedicarme a la música en plan artista y hacer bolos por todo el mundo, pero cuando tienes un hijo tus preferencias cambian. La verdad que estoy muy contento de estar donde estoy y hacer lo que hago ya que soy afortunado haciendo lo que me gusta y teniendo trabajo de ello. Ser Trainer me ha facilitado la vida en cuestión de trabajo ya que si no lo fuera hubiese sido más difícil que las escuelas contasen conmigo para dar clase.

Trainers de España y Latinoamérica. Las temáticas de estos eventos son muy variadas y van desde temas de producción hasta temas de mezcla y mastering. La verdad es que son eventos muy cosmopolitas ya que un Trainer está en Buenos Aires, otro en Dubai, en Chile y yo que estaba de vacaciones en Valencia y lo hice desde el apartamento. El ultimo evento fue del 2 al 4 de marzo, en el que 9 Trainers impartimos 9 workshops utilizando algunas novedades de Live 11 de forma creativa por su lanzamiento. El formato fue un híbrido entre directos y videos pregrabados y la retransmisión la hicimos por nuestro recién estrenado canal de YouTube. ¿Cómo potencia Ableton a nivel interno, la interacción y sentimiento de comunidad entre los Certified Trainers? La gente de Ableton se porta muy bien con nosotros. Nos apoya en nuestros proyectos personales, facilitan nuestra labor regalándonos el Push, packs de sonidos, licencias, descuentos con marcas prestigiosas del sector y además no te piden que estés activo en la docencia ni que les promociones de ninguna manera. Vamos, no te piden nada a cambio. Digo esto porque de esta forma transmiten un sentimiento de generosidad que se aplica a la comunidad de Trainers y que se palpa cuando hacemos nuestras reuniones de Trainers hispanohablantes, las cuales nos están sirviendo para conocernos mejor, aprender los unos de los otros, emprender nuevos proyectos juntos y pasárnoslo de lujo echándonos unas risas.

Tú perteneces a la primera promoción Trainers en España. ¿Cuáles son los últimos eventos en los que has participado como Trainer? El penúltimo evento online fue un evento de workshops en directo impartido por diferentes

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DAVID SUREX Sevilla, Ableton Certified Trainer desde 2014.

Además de técnico de sonido, informático, Dj y productor de música, es fundador, director y profesor de Live en la escuela de música electrónica de Sevilla, ProAudio. Aunque comenzó su carrera musical como trompetista, lleva casi 20 años trabajando como Dj profesional, produciendo música electrónica con ordenadores o formando parte de proyectos como el grupo Bandit Camping. Actualmente su actividad está centrada casi exclusivamente en la dirección de ProAudio Escuela y en impartir formaciones de Ableton Live 11, producción y mezcla. ¿Desde cuándo tocabas la trompeta y cómo te formaste en este instrumento? Es cierto que mi primera actividad profesional con la música me llegó a través de un contrato como trompetista en la CIA de teatro La Cuadra de Sevilla, compañía que fundó y dirigió el afamado dramaturgo Salvador Távora, desaparecido hace unos años. La vida da muchas vueltas y a veces te lleva al punto de partida, algo así fue lo que sucedió con esta historia. En Sevilla, existe una cultura bastante importante alrededor del mundo cofrade, a los doce años, y siguiendo a muchos amigos de la infancia, empecé a tocar la corneta en una Banda de Cornetas y Tambores. Fue ahí donde conocí al que después sería el director musical de la Cuadra y con el que compartí (y comparto) una gran amistad hoy en día. Me retiré pronto del mundo cofrade y continué mis estudios musicales lo que me llevó a dar el salto de la corneta a la trompeta. ¿Cómo comienzas a interesarte por la música electrónica?

En Sevilla, y en toda Andalucía, los 90 fueron una auténtica revolución en cuanto a la música electrónica. Aparecieron colectivos como THF II, Inexplicable, Satisfaxion y muchos más… Existían clubes idílicos, macro-discotecas alucinantes y una cultura que rodeaba todo este mundo que tristemente hoy ha desaparecido. Hubo acontecimientos muy señalados en la época y fue ahí sin duda donde empecé a interesarme por toda esta locura maravillosa que es la música electrónica y donde por primera vez sentí devoción por un Dj, por los vinilos, las mezclas, etc. En esa época empecé a coleccionar discos que aún tengo en casa. Primero fuiste Dj y luego ya empezaste a producir música con ordenadores, primero con Cubase y desde 2004 ya con Ableton Live. ¿Te formaste de alguna manera para producir música hecha con software? Mi formación como Dj se la tengo que agradecer a uno de los profesionales más icónicos que han pasado por Sevilla, Dani Dj. Un adelantado a su época y un artista sin igual. Me marcó mucho y me hizo interesarme por los platos hasta el punto de que pasaba la noche entera observándolo mientras pinchaba en La Fábrica de Colores. En el escenario, tras la cabina, había un sofá donde pasaba los fines de semana sentando mirando las sesiones de Dani, así que cuando me puse detrás de unos platos, ya sabía perfectamente todo lo que tenía que hacer, fue todo muy rápido. Siempre he sido un entusiasta de la música y realmente me metí con la producción animado por todo mi entorno que me repetía una y otra vez que me pensara seriamente aprender producción porque todos veían que podría disfrutar mucho haciendo música y que se me daría bien. Siguiendo sus consejos, empecé a estudiar sonido en un estudio de grabación de Sevilla, allí usábamos, Cubase, Sound Forge y Acid Pro, esto me hizo interesarme por el mundo de los DAWs, después hice varios cursos de informática musical, producción, mezcla… todo acompañado de grandes profesionales que siempre he tenido cerca y de los que he podido aprender. También he adquirido muchos conocimientos de manera autodidacta, cuando conocí Ableton en su versión 4 me volví loco con el software, ¡me leí (y releí) varias veces el manual de referencia! Si algo define tu trayectoria profesional en la última década es la fundación en 2012 de la escuela ProAudio en Sevilla. ¿Cómo y porqué decidiste dar este salto? Siempre me gustó enseñar. La cocina es otra de mis pasiones y llevo toda la vida enseñando recetas a mis seres queridos. A mis mejores amigos y a mi hermano les enseñe a pinchar, ellos fueron los primeros, lo recuerdo con cariño. Después un buen amigo me pidió ayuda para montar su estudio y aprender Ableton Live, que por aquel entonces estaba en su versión 5, todo fue genial y ahí me di cuenta de que esto era algo que me gustaba hacer y sobretodo que

ABLETON LIVE 11 #TIPS: Crea una base rítmica y usa una duración de loop que te permita grabar diferentes improvisaciones con tu instrumento favorito, usa Lanes para quedarte con diferentes partes que den lugar a nuevas ideas. Envía tu voz principal a un canal de retorno con Reverb y usa una compresión activada por sidechain al canal de la voz para generar espacio. Usa procesamiento en paralelo, crea una pista de audio, enruta la señal de la pista que desees procesar y activa Monitor IN. De esta forma generarás un canal individual para tu señal y para tu efecto. Para crear sonidos más atractivos, duplica por ejemplo un pad, una guitarra, voces o un teclado y utiliza panorámicas espejadas. Añade un Delay a uno de los canales ajustado con un tiempo por debajo de los 30 ms. El EQ Eight tiene capacidad de procesamiento independiente por canal, úsalo creando ecualizaciones complementarias para generar un estéreo más interesante. Monitoriza bajo y guitarra, usa un filtro paso alto muy cerrado en la guitarra con EQ Eight. Ahora poco a poco ve recuperando el filtro hasta que escuches de nuevo bien la guitarra, estarás muy cerca de un buen equilibrio entre ambos instrumentos. Graba una pista con algún instrumento de percusión tipo shaker o cabassa, dibuja una línea de hihats en un canal midi con un compresor por inserción, activa sidechain y finalmente envía tu grabación usando un Theshold muy negativo, ahora tienes el groove de tu grabación en tus hats. Usa siempre filtros paso alto en todos tus retornos y auxiliares para evitar enfangar tu mezcla. Usa la vista sesión para probar ideas nuevas durante todo el proceso de creación ¡está ahí para eso!

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podía hacer bien. Las cosas se desarrollaron rápido y dos amigos (y mejores Djs) me propusieron contratarme para que les enseñara Ableton y empezamos clases en mi estudio, todo vino rodado. Sevilla es una ciudad donde todos nos conocemos y muy rápidamente tenía una demanda que no era capaz de atender, justo ahí se me encendió la chispa! ¿Te sientes orgulloso de haber contribuido al desarrollo profesional de alguno o alguna de tus alumnos/as en especial? Obviamente, es algo bonito y da sentido a todo el esfuerzo que dirigir una escuela de música electrónica en una ciudad como Sevilla conlleva. Me llena mucho poder vivir de la música electrónica desde la parte de la enseñanza, encaja mucho más con mi forma de vida de estos últimos años. Uno de mis mayores logros sin duda es el orgullo de ver cómo alumnos que pasaron por la escuela hoy

HARVEY CUBILLOS De Colombia, afincado en Madrid. Ableton Certified Trainer desde 2014.

pueden vivir con éxito de la música como José Acal (Holed Coin) o Lorenzo Soria, encargado de la parte electrónica del grupo Califato ¾. Como Ableton Certified Trainer: ¿Qué impacto crees que ha tenido Ableton en el desarrollo de la industria musical? Ahora hay más músicos y grupos que nunca. Es un hecho que Ableton Live, y su potencial para el directo, ha logrado que muchos productores salgan de sus estudios y se suban a un escenario. Veo muy claro que la proliferación de los festivales que hemos visto en los últimos años está muy relacionada con el impacto que ha causado Ableton Live entre productores y Djs de todo el mundo. ¿Y en tu vida y tu carrera? Realmente ha sido un antes y un después. Conseguir certificarme dio sentido a todo el proyecto de ProAudio y también prestigio, no

caribeña de Colombia con la música de baile y los sonidos eclécticos en un estilo que él llamó ‘Cubilleo’. En 2008 se traslada a España y primero funda la escuela DJ Factory en Toledo. Actualmente Harvey Cubillos es además del fundador, uno de los formadores de la escuela de producción musical y Ableton Certified Training Center, DJP Music School (antes llamada DJ Productor) de Madrid, abierta desde 2012. No tenías ni 20 años cuando publicaste tu primer álbum. ¿Cuándo surge tu interés por la música electrónica? El House Music siempre ha sido mi música preferida. Sin embargo desde 1994 tuve un especial interés por lo que creaban productores suecos como Denniz Pop o Max Martin y por el Eurodance. Luego, con el éxito de proyectos como Faithless y la revolución de la música electrónica en el mundo a finales de los 90s, ese sonido de las raves y los after parties en Colombia me hizo comenzar a coleccionar música más europea como el Future Trance y el Progressive House. Sellos como Positiva me influenciaron bastante, aunque por otra parte el sonido Trip Hop y la música local de mi país también hacían parte de mi colección musical.

Antes de llegar a España y dedicar gran parte de su trayectoria profesional a la formación, la carrera de Harvey Cubillos comienza a los 15 años en una emisora local en Bogotá. Poco después -en 1999- empieza a hacer música con software y a los 19 años publica ya su primer álbum de electrónica. Dos años después descubre Ableton Live, presente ya en sus siguientes álbumes de estudio y directos en los que fusiona el sonido de la música del caribe de Colombia con electrónica y funk, una mezcla de los instrumentos autóctonos de la costa

Era complicado pinchar electrónica europea, pues en Colombia esta música no fue tan popular. Si alguna vez lo hacía, era todo un reto en medio de fiestas con merengue house, salsa y ragga (no existía aún el reguetón). ¿Cómo fue el proceso para publicar un álbum siendo tan joven? Lo único que tenía para empezar a hacer beats y temas completos era un software tipo Tracker que venía de regalo en un CD compilatorio de

todas las escuelas pueden contar a diario con un Trainer entre su profesorado. Para los alumnos es una motivación y una tranquilidad saber que se están formando con un experto en la materia. Sin duda fue un antes y un después y lo siento como un éxito y un orgullo. Amo mucho lo que hago y me hace muy feliz ser parte de algo tan grande como Ableton. Además, convertir ProAudio Escuela en un Centro oficial de entrenamiento de Ableton, el único en toda Andalucía, ha sido muy importante para mí. ¿Cómo potencia Ableton a nivel interno, la interacción y sentimiento de comunidad entre los Certified Trainers? La verdad que tenemos mucha suerte, nos trata súper bien. ¡Me siento muy afortunado y estaré eternamente agradecido por formar parte de esta gran familia de ninjas!

música de la época y el editor de audio GoldWave; nada más. Un vecino que era ingeniero informático y tenía un ordenador en su casa nos dejó instalar el software ahí, y sacamos un primer tema que, gracias a otro amigo que trabajaba en una emisora, llegó a manos del promotor de un sello discográfico nuevo en el país. Les gustó la demo y nos pidieron más temas para sacar un CD. Más adelante, con lo que ganaba como DJ pude comprar mi primer ordenador. Era muy complicado encontrar equipamiento en aquellos años, todo era muy caro porque era importado y tardaba meses en llegar. En 1999 comienzas a producir música por ordenador. ¿Qué te hizo dar ese salto? ¿Qué pasó cuando descubriste Ableton Live en 2001? ¿Qué recuerdas de ese momento? Después de trabajar con editores como GoldWave y Cool Edit Pro (actualmente Adobe Audition) trabajé con Reason, pero cuando conocí Ableton Live, las posibilidades de crear música de manera distinta eran muchísimas. Mi base como DJ hizo que me familiarizara con Live rápidamente, gracias a la vista session. Trabajar muestras de audio allí era increíble. Para mis siguientes álbumes que incluían sonidos acústicos de tambores e instrumentos nativos, tenía muy pocas muestras reales grabadas y gracias a Live pude modificar un montón de ellas; de hecho, en mi segundo álbum, hay canciones en las que grabamos las melodías y esos mismos arreglos los usé en otros temas, “dándoles la vuelta” y usando el warp. Esto sin contar que los directos los monté en Live y con músicos en vivo, a pesar de que la discográfica me aconsejó usar un setup simple 65

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como dos decks y una mesa de mezclas. Siempre quise que fuera algo más artístico. En 2008 llegas a España y la formación pasa a ser uno de tus principales ejes profesionales. Primero fundas la escuela DJ Factory en Toledo, y en 2012 fundas DJP Music School (antes DJ Productor), una escuela de producción musical ubicada en el distrito Salamanca de Madrid y Ableton Certified Training Center. ¿Encontraste muchas diferencias al llegar entre la escena electrónica de Colombia y la española? En varios sentidos al llegar, sí. La radio te ofrecía emisoras especializadas en electrónica como Loca y Máxima FM en esa época, equipar tu estudio era tan sencillo como ir en metro al centro de Madrid y en cuanto a cultura de club conocí lugares que me dejaron un gran recuerdo, sesiones y Djs increíbles. Esto sin hablar de festivales como el Sónar o de la cultura electrónica en Ibiza. Incluso años antes de llegar, leía las revistas de Future Music y podía enterarme de todo lo que hacía parte de la escena española. No obstante, en Colombia ha evolucionado muchísimo la cultura de la música electrónica en la última década, allí somos muy abiertos y agradecidos con todo lo que sume a desarrollar esa escena. Festivales, conferencias y eventos así como también escuelas especializadas son muestra de ello. Podría decir que incluso en la actualidad hay muchas cosas que se pueden aprender de allí. Como Ableton Certified Trainer: ¿Qué impacto crees que ha tenido Ableton en el desarrollo de la industria musical? Técnicamente, Ableton cambió el paradigma de la creación musical digital uniendo la creatividad y la tecnología. Pasamos de grabar arreglos o

patrones de manera horizontal a crear clips y jugar con ellos en tiempo real, sincronizarlos y obtener las bases de nuevos temas. También considero que Ableton más que un software, es una cultura que se ha venido nutriendo de artistas, contenidos, users groups e instructores que estamos ahí para apoyar a los usuarios. Es muy valioso contar con esto. Con todo respeto, cuando necesitas ayuda con Logic Pro por ejemplo, ¿a quién acudes? ¿dónde recurres? ¿a una tienda de Apple? Ableton siempre ha sido muy cercano a sus usuarios, y se ha alejado de pertenecer a multinacionales. Mantenerse así durante 20 años es admirable. ¿Y en tu vida y tu carrera? Como artista, ha sido memorable poder unir la cultura musical de mi país natal con las posibilidades de Ableton Live. En cuanto a creación musical y desarrollo de herramientas, Ableton me ha permitido crear el “Picó”, un instrumento para Live que desarrollé hace unos años junto a LinaLab y que incluye sonidos nativos, electrónicos y un par de racks adicionales de gaitas colombianas y acordeones. En mi carrera, contar con el apoyo de Ableton ha sido gratificante. Ser CT no se trata de presentarse y demostrar habilidades, sino también de aprender, y Ableton me ha enseñado muchísimo. Diría que también ha sido un reto ya que siempre tienes que estar a la altura y crear programas educativos que cumplan los estándares de la marca. Ableton ha sido uno de los pilares en el desarrollo de nuestro proyecto educativo. ¿Cuáles han sido los eventos más especiales en los que has participado como Ableton Certified Trainer? Un evento muy especial que me marcó personal y profesionalmente fue la masterclass que hice

ABLETON LIVE 11 #TIPS: Para evitar composiciones monótonas usa la opción de Probabilidad (Chance) en tus clips MIDI siempre que puedas. Aprovecha la estructura de Push para crear círculos armónicos de manera fácil. Para tocar en directo, prepara múltiples temas en una sola sesión por escenas. Juega con el efecto de audio “LFO” mapeándolo donde quieras para crear modulaciones de manera fácil y divertida. Crea estructuras en la vista Arrangement con ayuda de los localizadores. Añade movimiento a cualquier patrón MIDI o grabación de audio con los archivos de grooves. Incluso puedes extraer grooves de otros loops. Carga cualquier archivo de audio dentro de efectos como las Convolution Reverb o el Hybrid Reverb para experimentar con espacios sonoros únicos.

en la escuela de Música “Lucho Bermúdez”; un centro educativo ubicado en una pequeña ciudad llamada El Carmen de Bolívar (Colombia), lugar que vivió azotado por la guerra y la violencia durante muchísimos años. Todos los jóvenes que estudian allí cuentan con acceso muy limitado a las tecnologías y muy bajos recursos económicos, pero ven en su escuela una oportunidad de aprendizaje y han convertido a la música en sinónimo de paz en la región. Otro evento destacado que recuerdo con cariño es el “Ableton Workshop Series”, una serie de talleres gratuitos con Ableton Certified Trainers y expertos en diferentes áreas de la producción musical, que realizamos en DJP Music School en el año 2017. ¿Cómo potencia Ableton a nivel interno, la interacción y sentimiento de comunidad entre los Certified Trainers? Siempre me han hecho sentir como un miembro más de la familia. El equipo de Ableton España tiene muy en cuenta que de alguna manera representamos la marca y por eso han invertido en formarnos, en realizar eventos con nosotros y en mantenernos al tanto de las novedades. Antes de la pandemia pudimos juntarnos varias veces en los HQ en Barcelona y siempre salíamos de allí con ideas nuevas y ganas de seguir trabajando en lo que más nos gusta, ya sea la producción musical o la educación.

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JAVIER FERRER Ibiza. Ableton Certified Trainer desde 2014

Mi infancia siempre ha estado ligada a la música, recuerdo a mi padre tocando la guitarra y todavía hoy en día le sigo diciendo que sería recomendable que cambiara el repertorio. Mi padre junto a unos amigos en 1965 fundó Los Diana una de la primeras bandas de Ibiza, cuando tenía 15 años y 3 años después grabaron en Barcelona su primer disco. Cincuenta años después los volví a reunir en Metrica para volver a grabar sus canciones. Con tan solo 15 años, empezaste a montarte tu propio estudio en casa y a los 17 ya sabías pinchar, producir y secuenciar. ¿Qué recuerdas de esa época? En la adolescencia, ese periodo difícil en el que no sabes hacia donde tirar, lo único que tenía claro era que me gustaba la música electrónica. Tuve la suerte de tener dos Technics con 15 años y también una mesa formula sound que me regalaron de un local que había cerrado. Recuerdo que con un Dj de Ibiza que tenía vinilos y yo el equipo, quedábamos para hacer un intercambio. Él me enseñaba a pinchar. Pasé por muchos estilos desde lo más comercial de aquella época hasta el Psytrance. Actualmente, mi maleta de vinilos de Psytrance de aquella época la tiene Nina Kraviz.

Afincado y nacido en Ibiza, Javier Ferrer es un Dj de música de baile, productor, intérprete en directo y profesor, que lleva produciendo música electrónica desde muy joven; inspirado por la transformación de la isla en epicentro de la electrónica a nivel mundial, y por su entorno familiar, su padre era músico. Aprendiendo de manera autodidacta, con 17 años ya sabía pinchar, producir y secuenciar. Después de empezar utilizando enfoques analógicos, en 1998 comienza a introducir los sistemas digitales con Cubase, pero en 2001 descubre Ableton Live, y todo cambia. Comienza a formarse, y tras haber estudiado ingeniería informática, en 2011 crea Ibiza Music Academy, siendo también uno de los instructores. En 2014 es ya un Ableton Certified Trainer. Desde 2012 es el gerente de Ushuaia Studio y es el propietario de Metrica Recording Studio, especializado en audio inmersivo donde imparte también cursos de Ableton Live. Actualmente investiga en proyectos de audio. Por supuesto, los instrumentos convencionales han continuado acompañándole a lo largo de su vida profesional, utilizando con regularidad teclados y guitarras mezclados con sonidos electrónicos y actuando tanto como músico en solitario como integrante de una banda. Actualmente forma parte del dúo Way of Thinking. Nacer en Ibiza, que tu padre sea músico, y vivir tu adolescencia en pleno apogeo de la electrónica en la isla, solo podían generar como consecuencia que tu vida girara en torno a la música. ¿Cómo recuerdas tu infancia?

Creo que es una evolución natural, uno empieza a pinchar y después a producir. Ahora todo es mucho más rápido. A finales de los 90, eso sí que podía considerarse pasión porque hacer música era bastante complicado y hacerse con máquinas no era nada fácil ya que se contaba con pocos recursos. Las primeras máquinas que adquirí y que todavía conservo, fueron Akai Mpc 2000 XL, Roland Groove box 303, Ensoniq ASR-X. Con esta última tengo una anécdota trabajando con Kenny Dope en el estudio de Ushuaia, se sorprendió que yo tuviese ese aparato porque él había elegido la librería que llevaba esa máquina.

ABLETON LIVE 11 #TIPS: Recomiendo improvisar en el modo sesión 10 a 15 minutos antes de empezar a producir para calentar oídos y mente. Utiliza la nueva función para vincular pistas en la vista Arrangement. Selecciona dos o más pistas para poder editar varios clips a la vez y así crear progresiones armónicas. Usa el efecto MIDI Expression Control y mapéalo al filtro del instrumento Wavetable. De esta manera, cada vez que toquemos una nota el resultado será diferente. Ecualiza tus voces con el EQ Eight para traer tu voz al frente. Si tu voz suena muy oscura sube los 16.000 Hz, si suena lejana sube los 2.000 Hz. Si suena grave baja 250Hz y por otro lado baja los 700 Hz y sube los 500Hz. Recomiendo el uso de los controladores MPE para poder utilizar esta nueva función que lleva integrada Ableton Live 11. Te abre una nueva dimensión a la hora de tocar un instrumento y facilita el aporte de realismo a ciertos instrumentos. Crea reverbs increíbles con la suma de reverbs. Primero una reflectiva, es decir que sea muy corta, después una que añada brillo y finalmente una de profundidad, más larga. Incorpora un compresor con sidechain que reciba el audio de la voz al principio de esta cadena, así cuando deje de sonar la voz, se extenderá la reverb.

Cuando empiezas a interesarte por la producción musical con software, comienzas con Cubase. ¿Qué te hizo dar ese salto de lo analógico? ¿Qué pasó cuando descubriste Ableton Live? ¿Qué recuerdas de ese momento? El software musical fue una gran revolución, recuerdo el software Rebirth de Propellerhead. El primer software que use para secuenciar fue el Cubase Vst. ¡Qué placer poder secuenciar de manera visual! Por supuesto siempre al principio con las limitaciones y errores que suelen presentar. Eso creo que me ha convertido en la persona paciente que soy hoy. En 2001 salió Ableton Live y fue un amor a primera vista. La primera vez que vi usar el live fue a Christian Wünsh en una fiesta que hicimos en una casa en Ibiza. A partir de allí, ya son 20 años usando este software, y puedo decir que lo uso todos los días. El hecho de poder usar el modo sesión para lanzar tus clips, ha sido la gran revolución, no solo para los directos sino también a la hora de producir. Para mí, es la herramienta perfecta para crear ideas. Siempre en mis cursos enseño a fondo este modo.

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Tu carrera está muy vinculada a la investigación, formación y desarrollo musical de estudio. ¿Qué es lo que más te gusta de esa parte de investigación? Desde hace más de 10 años colaboro con Eurecat y con Adan Garriga (director de la parte de audio y video). Esto me ha permitido relacionarme con gente muy preparada de diferentes campos para trabajar en proyectos de investigación. Siempre estamos buscando sinergias entre diferentes campos para relacionarlos con el audio. Un claro ejemplo, es el audio inmersivo y la salud, que llevamos años investigando. Hemos creado incluso nuestra propia terapia centrada sobre todo en el sueño. Actualmente combinas tus proyectos de producción musical y de investigación, con tu faceta artística como parte del dúo Way of Thinking. ¿Qué tiene de único este proyecto? Creo que como en todo hay que evolucionar y este formato es perfecto para poder tener lo mejor del Dj set y el directo. Es un set muy flexible, sobre todo nos permite llevar la música electrónica al arte del directo y la improvisación. Es llevar lo que hacemos siempre en el estudio pero a un escenario y delante del público. Yo uso Ableton Live sincronizado con la

JESÚS DEL CERRO Zaragoza. Ableton Certified Trainer desde 2011

función link con un Ipad Pro más controlodores con un teclado Roli y el Roli Blocks. Con este set he conseguido poder llevar las herramientas necesarias en una maleta y una mochila para poder viajar, llevarlo en la cabina del avión y que no ocupe mucho espacio en el dj Booth. Lo llevo todo conectado ya en la maleta, solo tengo que conectar dos cables a la mesa principal del evento.

orgulloso. Me permite estar siempre actualizado. Además, el grupo de instructores certificados en habla hispana del que formo parte es un grupo súper activo y en el que compartimos nuevos trucos en todo momento. Cualquier duda que nos surge la compartimos y enseguida recibes respuestas. Esto es bastante diferencial.

Como Ableton Certified Trainer:

¿Cuáles han sido los eventos más especiales en los que has participado como Ableton Trainer? Siempre intento estar en todos los eventos que Ableton propone y si hay alguno que recomiendo es el Loop.

¿Qué impacto crees que ha tenido Ableton en el desarrollo de la industria musical? Ableton es el software por excelencia para la creación musical, llevo 20 años usándolo y cada nueva versión propone cambios para desarrollar la creatividad. Ableton ha cambiado los dos mundos: el de la producción y el de los directos. Ha convertido la composición en un proceso divertido, dinámico y muy estable. Ableton, todos los componentes nativos que incluye la licencia y los packs, es todo lo que necesitas para hacer música. Creo que hay un antes y un después con Ableton Live en la industria musical. ¿Y en tu vida y tu carrera? Ser Trainer te abre puertas y te da prestigio, para mí es un título del que estoy muy

Desde hace más de veinte años, se dedica tanto a sus propios proyectos de producción musical como al sector de la educación musical, principalmente enfocado a la música electrónica. Sus orígenes en el campo de la síntesis sonora profundizaban en el uso de dispositivos exclusivamente analógicos. Siempre a la vanguardia del diseño sonoro, Saca su primera referencia en vinilo a principios del 2000 y a raíz de ahí comienza a realizar Lives con equipo analógico en los clubes más relevantes en esos tiempos como el Moog, Peach, Beat Parade, Florida 134 , Zorex, Cyberian. Dio un empujón a la escena en Aragón y Cataluña convirtiédose en un pionero en producción musical, fundó el micro club DOOM pitch y también fue residente de la sala Minimal de Zaragoza. Fundador de Academy 303 en Barcelona a pasado 12 años en la capital condal creando la primera micro escuela dedicada exclusiva-

A nivel interno: ¿Cómo potencia Ableton a nivel interno, la interacción y sentimiento de comunidad entre los Certified Trainers? Ableton nos ayuda mucho a estar actualizados, tenemos a Albert Domènech que es el Brand manager de Ableton en España y responsable del grupo de Trainers en España. Es una persona que siempre está para ayudar. Solemos hacer bastantes reuniones con la comunidad Trainers de habla hispana. Es un auténtico privilegio compartir conocimientos con gente de Costa Rica, Argentina, México, Chile….

mente a Ableton y su entorno profesional, a su vez trabajó en distintas ediciones de Sónar como asesor de ventas y demostrador de producto. Licenciado en SAE (“Bachellor in Recording Arts”) en Barcelona, está especializado en producción musical con Ableton Live y Max for Live, mezcla y masterización, y es el hombre detrás de numerosos proyectos como consultor musical y asesor de producción y directo de artistas nacionales e internacionales. Es un explorador insaciable de nuevas posibilidades de trabajo con Ableton Live y la personalización de dispositivos con Max for Live. Es profesor de la escuela de Música Avanzada de Zaragoza, Xprésate y en breves va a realizar proyectos muy interesantes para la escuela Bass Valley. Cuándo comenzaste lo tuyo eran los dispositivos analógicos ¿Cómo cuáles? ¿Cuál fue tu primer aparato? Mis primeros equipos fueron Roland tb 303, Roland Mc-303, Sampler emu 6400 ultra, Emu

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ABLETON LIVE 11 #TIPS:

orbit, Novation bass station y varios pedales de guitarra y un mixer.

Ableton te permite asignar cualquier parámetro a un eje X/Y en los dos puertos de la parte inferior (donde se visualiza “none”) de un VST externo. Es interesante asignarlo después a cualquier superficie de control, como un iPad, y conseguir resultados creativos de una forma divertida.

¿Cómo decides dar el salto a la producción musical con Ableton? Comencé en el año 1998 cuando la escena techno estaba creciendo muchísimo y pase de los platos a las maquinas ya que mi idea era crear mi propia música, tocar en vivo y confinarlo con mis actuaciones de dj.

El dispositivo Expression Control ha sido actualizado con nuevas funciones (Incremental y Random). Si quisieras usar sólo Velocity por ejemplo, puedes multiplicar su uso simplemente haciendo click en las opciones de MIDI IN y seleccionado dicho parámetro en todas las ranuras.

Para alguien que no controle mucho ¿Qué diferencia hay entre Ableton Live y Max for Live? Ableton es un DAW en el que creas, grabas y puedes finalizar tu proyecto sin salir del programa. Max for Live es una herramienta creativa asociada a Ableton que te permite crear tus propios dispositivos y usarlos dentro de Ableton. Max Msp es el padre de esta evolución tan interesante, ya que si piensas en cualquier idea y no encuentras la herramienta, Max for Live te permitirá diseñarla y usarla en tus proyectos. Gracias a esto existe una gran comunidad de usuarios que comparten sus dispositivos y también marcas que crean productos exclusivos muy profesionales, como mis colegas de Isotonik.

El modulador Envelope Follower te permite mapear el audio entrante a cualquier pista. Lo cual facilita la creación de, por ejemplo, Sidechain al mapear un EQ 8 a la ganancia de receptor, además, puedes enviar ese audio a los envíos de retorno (Send y Return) o lo que se te ocurra. Push 2 cuenta con una función muy creativa llamada Aftertouch, la cual permite que la presión de la tecla pueda ser mapeada a cualquier parámetro. La versión 11 actualizó la función y ahora te brinda la posibilidad de realizar Aftertouch polifónico, una opción increíble cuando usas sintetizadores poderosos. El uso de los packs disponibles con la versión Suite como Creative Extensions, Probability Pack, Stray Cats, Inspired by Nature y el archiconocido Max for Live Essentials, multiplicarán la creatividad del usuario de una manera increíble debido a su facilidad de uso. Incluso algunos modificarán el Push 2 dando acceso directo al uso de ciertos packs como Probability Pack, Tricky Traps de Sonic Faction o Repeat PRO de Isotonik que permiten esta transformación. En Push 2, si mantienes pulsado botón Shift puedes realizar ajustes más finos en cualquier modo, por ejemplo, la longitud de un clip. Si pulsas el botón User puedes crear una plantilla aleatoria al funcionamiento normal de Push 2, ya que los pads y botones envían información MIDI que, por ejemplo, puede ser mapeada a cualquier dispositivo externo. Si utilizas el plugin PrEditor, creado en Max for Live por Isotonik, puedes mapear a tu gusto los dispositivos de Ableton y tus VST favoritos. También, te permite ordenar tus Banks y por ejemplo cambiar el nombre genérico por nombres que te resulten más reconocibles. En Push 2 se puede visualizar el espectro de frecuencias con EQ 8, la modulación del nuevo Chorus o también la realimentación del Echo Delay.

Llevas dos décadas formando talentos en Ableton Live y Max for Live, y formas parte de la escuela de Música Avanzada de Zaragoza, Xprésate. ¿Crees que son una herramienta apta para todo tipo de productores musicales? Es el futuro de la creación ya que te permite prescindir de la típica regla de tiempo usada en todos los softwares de producción musical hasta la fecha. Ableton te permite crear ideas al vuelo para más adelante usarlas en tus producciones. ¿De qué hablamos cuando decimos “Música Avanzada”? La música avanzada se podría decir que usa la vanguardia en cuanto a las opciones existentes en ese momento y crea nuevos estilos musicales usando herramientas que están en constante evolución. ¿Qué cambia en los alumnos y alumnas cuando aprenden a dominar el Ableton Live? Suelen dejar de usar sus antiguos programas de grabación y se sienten mucho más seguros a la hora de crear cualquier estilo musical, incluso sus propios videoclips con resultados bastante interesantes.

Como Ableton Certified Trainer: ¿Qué impacto crees que ha tenido Ableton en el desarrollo de la industria musical? La ha cambiado por completo, revolucionando el mundo musical a unos niveles pasmosos, pocos artistas no lo usarán en algún determinado momento, aunque trabajen con más herramientas. Si usas Live, sabrás que Ableton no tiene rivales en el mercado, sus rivales son mayormente en hardware, samplers, sintetizadores, etc. Lo bueno es que Ableton es un muy buen director de orquesta con estos otros equipos, se llevan genial. ¿Y en tu vida y tu carrera? Viniendo de ser dj y productor entré de una manera muy dulce en el tema didáctico y me hace feliz, mucho más de lo que me imaginaba. Me ha cambiado la vida por completo, ver los progresos de otros y ayudar a la gente a producir música es simplemente genial y me apasiona. ¿Cuáles han sido los eventos más especiales en los que has participado como Ableton Trainer? Somos los primeros en España, ya en 20011 estuvimos en Sónar como asesores. El año pasado en el Día de Aragón le presenté Ableton a el presidente de la comunidad y estuvo genial. Imparto workshops y charlas para otras escuelas a nivel nacional. Decir que tengo el soporte de Cutoff, la tienda más profesional de España, donde siempre miran por mi el producto y me hacen crecer ya que controlan el mercado como nadie. ¿Cómo potencia Ableton a nivel interno, la interacción y sentimiento de comunidad entre los Certified Trainers? Nos llevamos genial, los chicos de Sudamérica son unos frikys encantadores y aquí en España somos 10 y nos conocemos casi todos. No paramos de ayudarnos si se necesita, tenemos un grupo de Facebook y una página en YouTube AIC para cubrir de manera gratuita las dudas de los usuarios. Anualmente hacemos una reunión muy divertida y lo pasamos genial.

¿Y con Max for Live? Max for Live les fascina si lo aprenden poco a poco ya que ven en esta herramienta un potencial que personaliza su propio concepto creativo y multiplica por 1000 sus expectativas. Hay dispositivos que simplemente jugando creas música divertida y profesional, eso hace que sea muy atractivo.

r e p o r t a j e

GATY LÓPEZ En Ibiza desde 2011. Ableton Certified Trainer desde 2009.

Comenzó su carrera como Dj en 1989, trabajando en una larga lista de radios y clubes de todo el mundo. Actualmente vive en Ibiza y es Dj residente en Hotel Pacha Ibiza (Pacha Group) y viaja con su música por Miami, Nueva York, Chicago, Berlín, Londres, Amsterdam... Gaty tiene casi 20 años de experiencia como educador y formador de Djs. Como productor de música electrónica desde 2006, año en que comienza a utilizar Ableton Live. Certificado como Ableton Trainer en 2009, trabaja para motivar y capacitar a las personas para que se expresen creativamente con la tecnología musical, e imparte cursos online para productores de la nueva generación. Hoy en día Gaty produce y remezcla música para muchos sellos de prestigio como Distar, Plastic People, Kult Records, Conic Records, Stereocity, Tommy Boy, No-Logik, Sheeva Records, Jango, Decide, Pacha Recordings, Ibiza Soulon y ha colaborado con Pointblank London y PLASTIC. Su género musical va desde el deep hasta el tech con contaminaciones de house.

canciones del momento todas las tardes. En la década de 1990, la radio era un medio de comunicación mucho más importante de lo que es ahora. Todas las radios transmitían música de baile, pero desde hace algunos años muchas radios han decidido eliminar la música de baile. Creo que ahora más que nunca las radios deberían incrementar la música dance porque la gente necesita mucha energía.

Crea una base rítmica y usa una duración de loop que te permita grabar diferentes improvisaciones con tu instrumento favorito, usa Lanes para quedarte con diferentes partes que den lugar a nuevas ideas.

Tanto me ha interesado la historia de la radio que he decidido abordar este tema en mi tesis, que tenía como título, “La evolución de los medios y las características distintivas de la radio”. Los años de estudio en economía me han formado mucho, porque me han enseñado perseverancia y determinación. Sigo trabajando en radio colaborando con Ibiza Global Radio.

Envía tu voz principal a un canal de retorno con Reverb y usa una compresión activada por sidechain al canal de la voz para generar espacio.

En tus producciones encontramos colaboraciones con voces icónicas de la historia de la música. ¿De cuál o cuáles te sientes más orgulloso? Tuve la suerte de colaborar en el estudio y en la discoteca con grandes voces musicales. Me gustaría mencionar a Kym Mazelle, que yo considero una gran cantante. Barbara Tucker una fuerza de la naturaleza y Chanelle con quien hice muchos temas, estas voces son íconos de los 90 y aún continúan haciendo mágicos los temas con sus voces.

Para crear sonidos más atractivos, duplica por ejemplo un pad, una guitarra, voces o un teclado y utiliza panorámicas espejadas. Añade un Delay a uno de los canales ajustado con un tiempo por debajo de los 30 ms.

Hay muchas otras voces a los que tengo que agradecer, incluido Joi Cardwell. También David Olivier, con quien he hecho muchos discos profundos en los últimos años, un tipo excepcional que habla muchos idiomas y canta muy bien.

Monitoriza bajo y guitarra, usa un filtro paso alto muy cerrado en la guitarra con EQ Eight. Ahora poco a poco ve recuperando el filtro hasta que escuches de nuevo bien la guitarra, estarás muy cerca de un buen equilibrio entre ambos instrumentos.

Llevas casi dos décadas formando talentos, y eres un gran defensor de Ableton Live como la herramienta principal para todo tipo de DJs y/o productores/as. ¿Por qué? Cuando comencé a pinchar, no había muchos productores. Empecé a producir música con varios programas y mi primer vinilo se remonta al 2006 “Sambalove”. Mi vida cambió por completo cuando descubrí Ableton Live. Estaba produciendo con Cubase, me pidieron que probara Ableton Live y lo revisara en una revista especializada.

Tu carrera comienza de la mano de la radio. ¿Recuerdas tu primera vez en el estudio? Claro que sí. Recuerdo todo como si fuera ayer, trabajé en muchas radios locales, luego en las mejores radios regionales como Radio Selene y Radio Norba, y en el 2000 tuve la propuesta de trabajar para Rai Radio 2 (una de las más importantes de Italia).

Cada día que pasaba descubría cosas nuevas y me di cuenta de que habían creado un programa maravilloso, intuitivo y rápido. Podía hacer una producción con la mitad del tiempo necesario, y tenía un gran programa para el estudio de grabación y genial para tocar en vivo. Para mí, Ableton Live es el mejor programa del mundo.

Para mí, la radio fue un gran compañero de vida desde el principio, tocando las mejores

¿Es una herramienta apta para todo tipo de creadores/as?

ABLETON LIVE 11 #TIPS:

Usa procesamiento en paralelo, crea una pista de audio, enruta la señal de la pista que desees procesar y activa Monitor IN. De esta forma generarás un canal individual para tu señal y para tu efecto.

El EQ Eight tiene capacidad de procesamiento independiente por canal, úsalo creando ecualizaciones complementarias para generar un estéreo más interesante.

Graba una pista con algún instrumento de percusión tipo shaker o cabassa, dibuja una línea de hihats en un canal midi con un compresor por inserción, activa sidechain y finalmente envía tu grabación usando un Theshold muy negativo, ahora tienes el groove de tu grabación en tus hats. Usa siempre filtros paso alto en todos tus retornos y auxiliares para evitar enfangar tu mezcla. Usa la vista sesión para probar ideas nuevas durante todo el proceso de creación ¡está ahí para eso!

r e p o r t a j e

Es una herramienta apta para todo tipo de creadores. Es bueno para todos los estilos de música. Es fácil para los principiantes, después de las primeras horas puedes empezar a hacer música. Tiene todas las herramientas para hacer música. Es profesional, no necesitas nada más. Con Ableton tienes todos los instrumentos necesarios, efectos de audio y efectos MIDI. Para mejorar tu trabajo en el estudio de grabación y realizar actuaciones en vivo excepcionales, también tienes el controlador Ableton Push. Un instrumento increíble. Como Ableton Certified Trainer: ¿Qué impacto crees que ha tenido Ableton en el desarrollo de la industria musical? Primero me gustaría decir que el nombre del software es LIVE, ABLETON es la empresa matriz, creo que en este prefacio ya está la respuesta. Creo que por su sencillez ha conquistado el panorama de la industria musical de DJs y productores. Incluso en algunos de los estudios de grabación líderes en el mundo tienen Ableton Live, o lo utilizan para funciones específicas. ¿Y en tu vida y tu carrera? Como también mencioné antes, Ableton Live cambió mi vida. Me acompaña todos los días

para hacer prácticamente de todo, desde programas de radio, pistas, experimentos. Estoy orgulloso de ser un Trainer, que ayuda a todos a hacer realidad sus ideas y sus sueños. He aprendido mucho a lo largo de los años y con mucha humildad trato de tener largas charlas con otros productores para discutir el uso de algunos efectos. Eres uno de los primeros Ableton Certified Trainers españoles. ¿Qué recuerdas de la certificación en 2009? ¿Cómo decidiste presentarte? ¿Había más españoles? Me certifiqué en 2009 en Milán, Italia. Había estado usando Ableton Live durante años, así que sabía que estaban comenzando a certificar a los entrenadores, tenías que aprobar un examen. Al principio tuve algunos miedos, luego decidí presentarme, también apoyado por los que me rodean. Cuando supe que había logrado la certificación me sentí muy feliz, salté de alegría fue como un logro. Todos eran italianos de diversas partes de Italia, entrenadores con los que todavía estoy en contacto. Después de eso, se organizó una fiesta con todos los entrenadores certificados para ir a Berlín a conocer la sede de Ableton Live y el personal. Fue hermoso y emocionante. Recuerdo mi set con Ableton Live con mi teclado de 25 trastes, qué buenos recuerdos.

¿Cuáles han sido los eventos más especiales en los que has participado como Ableton Trainer? En los últimos años ha habido muchos eventos en los que he participado como Ableton Trainer en varias ciudades y en diferentes países, y siempre es emocionante, pero me gustaría mencionar los workshop que se realizan en Ibiza en el Hotel Pacha. Por último, probablemente el más importante por diversas razones que todos estamos viviendo (COVID-19), el Workshop online este marzo, realizado con algunos de los instructores certificados de habla hispana, repartidos por todo el mundo. En este taller de 3 días, cada entrenador presentó una de las muchas innovaciones que se encuentran en Ableton Live 11, la versión recién lanzada. A nivel interno: ¿Cómo potencia Ableton a nivel interno, la interacción y sentimiento de comunidad entre los Certified Trainers? Ableton Live a través de gerentes nacionales, intentamos organizar webinars con todos los formadores que quieran participar, de esta manera comparamos, cada uno propone su forma de trabajar, cada uno propone nuevas ideas, esto para hacer cada vez mejor el software. Esto asegura que los formadores estén siempre activos y se cree una relación sólida con los otros formadores.

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CORA NOVOA Orense. Ableton Certified Trainer desde 2007. ¿Qué impacto crees que ha tenido Ableton en el desarrollo de la industria musical? Ha sido abrumadora la influencia que ha tenido Ableton para los creativos musicales. Una cosa es lanzar novedades, y otra cambiar la forma de crear, y esto último es lo que ha conseguido Ableton. ¿Y en tu vida y tu carrera? Una de las cosas más gratificantes de ser Trainer es tener que estar al día de todas las novedades del secuenciador, el sentido de comunidad que tiene la marca y las activaciones que hacen a nivel nacional para los formadores. Como creadora desde la versión 4

me quedé enganchada con su workflow y la forma de interactuar con el secuenciador. ¿Cuáles han sido los eventos más especiales en los que has participado como Ableton Trainer? Sin lugar a duda el evento anual que hacen bajo el nombre de “Loop”. Pude asistir a las 2 primeras ediciones y fue increíble. Dan el espacio que se merecen de una forma equitativa a los/las creadores/as y a las minorías, y lo han hecho de forma natural mucho antes de la creación de proyectos como Keychange, AMPLIFY D.A.I o MIM ( Asociación Mujeres en la Industria Musical), y eso es algo que me enorgullece como Trainer.

Como una de las pocas mujeres Trainer que hay a nivel global ¿Qué les dirías a otras productoras para que se animen a formar parte de los Ableton Trainers? Les diría que se animen a formar parte de la comunidad de trainers, que no hay nada imposible y que es algo realmente enriquecedor.

r e p o r t a j e

CENTROS Y ESCUELAS CERTIFICADAS EN ESPAÑA

DJP MUSIC SCHOOL es una escuela de formación líder en producción musical y DJ con sede en Madrid. Ofrece los mejores tutores profesionales, instalaciones y servicios para crear una experiencia de aprendizaje única. (Calle Pilar de Zaragoza, 63 - 28028, Madrid)

EUMES es el centro de formación líder en España en tecnología musical y de sonido, y ha creado el primer título profesional centrado en tres objetivos principales: dominar la producción musical, el sonido y el negocio de la música. (Carrer de Baix, 2, Espai Marfà, 17006 Girona)

futuros músicos. Ofrecen una serie de cursos que ayudan a los alumnos a alcanzar todas sus metas musicales, independientemente de su nivel de conocimiento. (C/ Virgen del Valle, 60 (pasaje), 41011, Sevilla)

MICROFUSA es el proveedor de formación número uno en España en los campos de la tecnología de audio, la producción de música electrónica y el DJ. Desde sus inicios, en 1987, miles de alumnos se han formado en sus instalaciones de primera calidad en Madrid y Barcelona, que incluyen hasta catorce estudios de grabación y suites de postproducción totalmente equipados. (Ronda del Guinardó, 65, 08024 Barcelona)

PROAUDIO ESCUELA DE MÚSICA ELECTRÓNICA es un centro de formación musical especializado en música electrónica. Fue fundado en 2012 por el formador certificado de Ableton David Suárez. Hasta ahora, han formado a más de 500 alumnos. La escuela es un espacio inspirador, creado para formar a

SAE INSTITUTE es desde 1976 la mayor institución educativa en medios creativos del mundo, con más de 50 campus en los 5 continentes. Desde su creación en 2004, SAE Barcelona ha crecido tanto en tamaño de campus como en oferta educativa convirtiéndose en un referente en la educación de Creative Media debido a su equipamiento e instalaciones profesionales de primer nivel, destinadas a las prácticas individuales de los estudiantes. Tras 15 años en la capital SAE Madrid se ha convertido en un referente de la formación en medios creativos, su equipo e instalaciones profesionales de primer nivel, destinados a las prácticas individuales del alumno. Barcelona (C/ del Perú, 176, 08020 Barcelona) Madrid (2º Edif. 4, Calle de Alcalá, 265, 28027 Madrid)

WATCH AUDIO es una escuela especializada en Ableton Live creada por César Berti con el objetivo de mostrar todos sus conocimientos a través de contenidos gratuitos, cursos, webinars y clases particulares con un trato cercano a la persona. watchaudio.com

XPRÉSATE: ESCUELA PROFESIONAL DE MÚSICA AVANZADA es una escuela de formación líder en producción musical y tecnología de sonido con sede en Zaragoza.También es un actor principal en la vida cultural de la ciudad, organizando eventos de creatividad, sonido y música, permitiendo a los estudiantes aprender guiados por formadores de alto nivel y profesionales de todo el mundo. (Plaza Mariano de Cavia 2 50003 Zaragoza)

DESCUBRE LOS CAMBIOS QUE EL NUEVO LIVE 11 APORTA A PUSH Live 11 también introduce nuevas funciones en Push, el instrumento hardware de Ableton. •

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Visualizaciones para nuevos dispositivos – Podrás ver los principales parámetros de Hybrid Reverb, Spectral Resonator y Spectral Time en la pantalla en color de Push y controlarlos directamente desde el hardware. Sincronización de tonalidades y escalas – La nueva función tonalidades y escalas de Live 11 está vinculada con Push y se

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puede cambiar mediante clips. Admite aftertouch polifónico – Aplica diferentes niveles de aftertouch a notas individuales cuando utilices Wavetable, Sampler y Arpeggiator para lograr interpretaciones más dinámicas y matizadas en Push. Visualiza hasta 16 Macros – Accede a una segunda página con las macros 9 -16 después de la página con las macros 1- 8.

nuestros

estrenos

online

En esta sección queremos invitaros a conocer algunas de las entrevistas y estrenos en www.mixmag.es que más nos han gustado en lo que llevamos de año. !Click al QR y a disfrutar!

medievales. Intentamos pensar en nuestras canciones como en un lienzo, con capas y múltiples historias paralelas que suceden a la vez” nos contaban Pineland (Pheek y Giash) cuando estrenamos ‘Ttopic’, uno de los cortes minimalistas de su álbum debut en Archipel Musique.

ÁLBUMES

GLOBAL SICKNESS

CODEX FUTURA VOL. II

Ed Is Dead Idioteque Records

V/A Samain Music

Ed Is Dead pasó por nuestra web para dejarnos las 5 claves de su exitoso cuarto álbum ‘‘Global Sickness’ cuyo foco conceptual gira en torno al colapso de nuestra civilización acentuado por la pandemia. ¿El resultado? “un golpe en el estómago, crudo, real… Y a la vez, es un viaje emocional y reflexivo, lleno de belleza y elegancia.”

Jotas, música celta, medieval, dulzainas, panderetas cuadradas, cante jondo, cantos gregorianos... todo fusionado con música electrónica. Y como guinda, Dengue Dengue Dengue aproximándose al flamenco. ¿El resultado? esta maravilla que nos descubrieron tema a tema los capitanes de Samain Music, un nuevo sello con sede en Berlín, dedicado a investigar y promover las tradiciones musicales de la Península Ibérica

Disrupciones, fusiones, sinergias, estructuras y texturas imprevisibles que dan lugar a nuevas evoluciones y alteraciones sonoras, autoorganizándose entre el caos. Una masterclass de electrónica experimental y experimentación musical, ‘made in spain’. A dos días de su salida en formato digital y en cassette, estrenábamos en exclusiva uno de sus temas: “Irreducible”.

ENTIRE Daar Silent Season

Este no es un disco más producido durante el confinamiento, con sus ocho cortes de electrónica introspectiva ‘Entire’, publicado en el candisiense ello de ambient Silent Season, crea una atmósfera de relajación que nos invita a indagar en nuestras emociones más profundas. Es fácil conectar y reconocerse en ellas, porque las emociones de Daar, también son las nuestras.

EMERGENCE Huma. Hedonic Reversal

IPSE INTUITUM Pineland (Pheek y Giash) Archipel Musique

“A los dos nos gustan los cuadros, especialmente los

REMIXES

ca, ácida, cruda y con un balance entre luz y oscuridad, caos y orden, orgánico y electrónico” nos contó Alex Medina sobre lo que aportó al original de Tayga con su remix

ADDICTED Gokin (Greg Gauthier & Alex Finkin) Escola

EPs

Estrenamos en nuestra web ‘Fort Greene Park Theme’, uno de los tracks de ‘Addicted’, el EP debut de Gokin, alias de nuevo proyecto conjunto del icono del house francés Greg Gauthier y el músico Alex Finkin. Y además hablamos con Breixo Martínez y Pau Roca sobre este primer lanzamiento de Escola, su nuevo sello de house cinco estrellas.

SKYLIGHTER Popof - Skylighter (Andres Campo Remix) FORM Music

“El track original era melódico, así que traté de hacer algo que encajase en un set propio mío, llevarlo a mi terreno, para ello me centré más en las percusiones y trabajé con ellas. El sonido que suena durante el track, (el hook vaya) es una parte del original subida de tono y pasada por mi digitakt, corriendo en modo loop y el resto de efecto que crea el propio sonido es el resultado de cortar la longitud del loop” nos contó Andres Campo.

CHAPTER FOUR REMIXES OMEGA dB - Bird Flight (Josephine Remix) Hypersunday Records

“Hice lo que sentía al coger la escala y armonía del tema original, las aceleré, les hice arpegios y jugué con todas esas notas. Luego el track me pidió un bombo potente y enérgico de baile y ya todo salió solo” nos contó Josephine sobre su remix de ‘Bird Flight’ de OMEGA dB.

HIBER-NATION Ara-u No Static / Automatic

En ‘Hiber-nation’ encontramos cuatro demoledoras pistas con auténtico sabor a electro vanguardista. El EP comienza con ‘2028’ la pista que estrenamos en mixmag.es, y es un ejercicio sublime en el arte de encadenar melodías llenas de vocoders, mezcladas a todo un arsenal de baterías 100% sonido electro Detroit que sin duda nos transporta directamente a la época dorada del género y al sonido Drexiya en su vertiente más salvaje.

JUNGLE Indira Paganotto OFF Recordings

Descubrimos la esencia más salvaje de Indira Paganotto en su debut en OFF Recordings con ‘Jungle’ EP del que nosotros estrenamos el track original.En el track Indira acelera a fondo desde el principio, fusionando una fuerte combinación de bombos, sintetizadores cargados de glyches y muestras industriales exquisitamente superpuestas de una contundencia y estilo notable.

BAD DREAMS Tayga - Bad Dreams (Alex Medina Remix) EKLEKTISCH

“Viajar a Plutón sin moverte de casa (jajaja).Bueno en cada remix intento expresar mi visión personal de la música electrónica, profunda, melódi-

THE LOW FLYING PANIC ATTACK Videoclip:Bridges Faneca Music

VIDEOCLIPS

Estrenamos el videoclip del tema de TLFPA ‘Bridges’ del que la banda nos dijo: ‘Bridges’ no habla necesariamente de disputas sociales y opresión a ese nivel como se ve en las imágenes, pero a la vez podría hacerlo. Nos gusta que las letras, de lo concretas que son a veces, llegan a convertirse en algo tan abstracto que se pueden sacar múltiples interpretaciones. Esta letra en concreto no habla de un suceso en particular, sino más bien de situaciones con las que experimentas dolor y alivio a la vez, y eso se puede traducir en cosas como una lucha personal interna, una injusticia, una ruptura sentimental o hasta una revuelta social.’

València para este videoclip.” Se trata de un lugar que pone patas arriba la imaginación, la creatividad y la ciencia. Se revoluciona la mente. Arquitectónicamente, todo el interior está del revés. Realicé mucho material fotográfico y jugué con mi identidad creativa durante aquel período, así que cuando tuve que ponerme a filmar un video musical para “Revolution”, no pude evitar robar un poco de aquella época. Cuando hablo de revolución no es precisamente de una revolución externa, más bien de la interior de cada persona. Es precisamente lo que la Ciudad de las Artes y las Ciencias significa para mí: la revolución, a la inversa.”

PALICA (ETM+ARJ0NA) Videoclip:Rupture Modern Obscure Music

- Mixmag Spain

FEDELE Videoclip:Riot Disco Ellum Audio

‘Riot Disco’ es el primer fruto de la aventura en solitario del productor italiano Fedele tras la separación de Agents of Time a principios de 2021. Estrenamos el videoclip cuya idea es: “Sentir el cuerpo como un instrumento que comunica y no sólo que actúa o realiza los propósitos dictados por la razón es una danza que dibuja la libertad”.

ELIAS BENDIX Videoclip:Revolution

El artista danés Elias Bendix, se inspiró en su época estudiando cerca de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de

Cuando ETM y Arj0na se unen, dan lugar a Palica, el proyecto donde comparten ideas y sonidos comunes. Estrenamos el videoclip de ‘Rupture’ tema incluido en su último EP “Method” realizado por Aryan Kaganof, un escritor y cineasta sudafricano. “La primera vez que la vimos nos impactó un poco, por la ausencia de color sobre todo. Respecto al resultado final, creemos que compagina bastante bien con “Rupture” tanto por el juego de luces como por la escena en sí misma.”

SODA STATE Videoclip: Way To Go Soda State

Synth pop alegre y sonidos retro y contemporáneos mezclados por este dúo de seres digitales en un mundo humano. “Hacemos todos nuestros vídeos como moodboards, reuniendo ideas que nos inspiran y muestran lo que está pasando en nuestra cabeza. La narrativa del vídeo se centra en el viaje que tiene la pareja japonesa desde bailar en un bar, besarse en la parte trasera del taxi, volver a casa y entregarse al momento. El resto de las imágenes te ayudarán a emprender ese viaje”.

breaks

tiempos

pandemia

Los ritmos rotos están viviendo, pese a la maltratada escena festivalera y de clubbing, un resurgimiento a nivel mundial gracias a los incansables productores musicales y a los, cada vez más, sellos discográficos que dan soporte a sus diferentes subestilos. Si a esto le sumamos que artistas de renombre de otros géneros están produciendo breaks, tenemos un caldo de cultivo perfecto para volver a poner en su sitio a un género muy denostado por las plataformas digitales, que incluso lo excluían de entre sus categorías. Damos un repaso a lo mejor de lo que llevamos de año.

BICEP

RASCO & JONAY

EXENCY & MACEO RIVAS

DIGITAL BASE & ANDY VIBES

Isles Ninja Tune

1999 Elektroshok Records

Dreams South Beat Records

Another Decade Old Skool Records

El dúo Bicep (Matt McBriar y Andy Ferguson), es una de las formaciones que más está dando que hablar en la escena electrónica en todas sus vertientes. En el breaks no iba a ser menos, ya que el dúo, de Belfast y con sede en Londres, ha presentado siempre algo de ritmos rotos en sus últimos trabajos. Desde su gran producción ‘Glue’, a los dos primeros singles del esperado álbum ‘Isles’, titulados ‘Atlas’ y ‘Apricots’.

El onubense Rasco no para de sacarle provecho al estudio. Después de la serie de remixes para el sello Nipponeer, con unas magistrales remezclas de uk garage a los tracks ‘Bass Ma Tazz’, ‘Wear A Mask’ y ‘The Fred Soul’ del artista japonés The Darrow Chem Syndicate, aún le queda tiempo para publicar singles propios como este ‘1999’, en el que se une al mítico Jonay, precursor del sonido breakbeat hardcore en Tenerife.

Una de las grandes sorpresas de este año, en cuanto al breakbeat nacional, ha sido la unión de los DJs y productores Exency y Maceo Rivas, dando un giro a su carrera y a su sello para orientarlo a los ritmos rotos. Tanto el single ‘Dreams’, como el EP ‘Breaking’ o el más reciente ‘Cosmos’, junto a Oldbeat, son una delicia sonora para los amantes del sonido breakbeat más clásico.

El sevillano Andy Vibes, aka Digital Base, vuelve con buenos lanzamientos después de su gran single ‘Como en los viejos tiempos’, como el pianazo de ‘You May Go’; el techfunk minimalista de ‘Minimalist Guetto’; el breakbeat con sonido deep de ‘This is My Trick’; el breaks fusionado con maestría con las últimas tendencias del melodic techno de ‘Another Decade’; o el más reciente single, e inclasificable, ‘Good Influences’. Música con buenas vibraciones.

BAYMONT BROSS, SEKRET CHADOW

ED IS DEAD

FUTURE FUNK SQUAD

Global Sickness Idioteque Records

Unified Form InExtinct Records

El DJ y productor madrileño Ed is Dead publicaba recientemente su nuevo álbum conceptual ‘Global Sickness’, cargado de electrónica de primer nivel, donde además nos sorprendía con un corte breaks titulado ‘Inner Love’. El madrileño demuestra una vez más lo polifacético que es y la calidad musical que tiene en todo lo que toca. Disponible en formato digital y en una preciosa edición limitada de vinilo azul.

Ya está aquí el esperado nuevo álbum del productor inglés Glen Nicholls, alias Future Funk Squad. 9 potentes pistas de breakbeat industrial con colaboraciones de primer nivel: Stu Brootal, The Crystal Method, Omega Sparx, Ben Keenan, Our Empire, Unrthd y nuestro paisano GUAU. El trabajo, disponible tanto en formato digital como en formato CD, se puede encargar a través de la cuenta Bandcamp del artista, donde además acaba de publicar la versión remixed.

The Umami Chef - Recipe 13Monkeys Records

Vuelven los 13 monos con su máquina de fabricar futuros clásicos. Hace un par de meses publicaban ‘The Umami Chef Recipe 1’, de Sekret Chadow y Baymont Bross, y ahora llega el número dos. Si en la primera parte se decantaban por un sonido funky, en esta nos traen un suculento electro breaks. Tampoco te pierdas el single ‘Karrousel’ de Chadow, un viaje de breakbeat melódico del que no querrás bajar.

COLOMBO Move Move Distorsion Records

El productor malagueño Alejandro Rojo, más conocido como Alexic Rod, bajo su alias tech, y Colombo, bajo su alias breaks, llega cargado de nuevas producciones este 2021. En lo que a ritmos rotos se refiere nos ha dejado excelentes lanzamientos como ‘Adaggio/Made In’ y ‘Move Move’, bajo el sello Distorsion Records, o ‘Turn The Bass Down’, ‘Disco Craze’, ‘Microphone’, ‘Emotion’ y ‘Train’, bajo su propio sello Acida Records.

r e p o r t a j e

P O R

V A N I T Y

D U S T ,

B A R C E L O N A

POST-COVID MUSIC & CULTURE WEEKEND: 24H HORAS DE CULTURA Y MÚSICA PARA CELEBRAR EL FIN DE LA PESADILLA VÍRICA. Una idea festiva y no tan descabellada como parece para darle la vuelta al Toque de Queda.

Cuando todo esto pase, aunque todavía queda un trecho hasta alcanzar la cifra de vacunación que nos lleve a la inmunidad de rebaño, la escena cultural y de clubes necesitará un empujón y un verdadero regreso a la normalidad, porque está claro que la “nueva normalidad” ha cojeado (y lo seguirá haciendo) y la “vieja”, la de antes de 2020, era bastante mejorable. En un largo, tedioso y excepcional año como el actual y el que dejamos atrás, sería esperanzador ver cómo el sector cultural y la escena de clubes se unen para reclamar una acción sin precedentes en nuestro país: pensar en positivo y hacia un regreso a pleno rendimiento, por ejemplo, comenzando a imaginar y plantear un fin de semana de total actividad cultural en nuestras ciudades. Sería un impulso económico y moral, además de un estímulo para superar antiguas concepciones que limitan el horario de las actividades culturales sin tener en cuenta las necesidades e interés de su público. Como era previsible, la nueva normalidad está siendo un quebradero de cabeza para el sector cultural y de clubes en cualquier ciudad de España, que ha hecho lo que buenamente ha podido en los últimos meses, pese a las fuertes restricciones de las diversas fases que atravesamos, hasta aterrizar en la disminuida nueva normalidad y el verano de los rebrotes geolocalizados, con miedo y habladuría acerca de un segundo confinamiento total, que acabó

con un diligente toque queda de más de medio año, aniquilando cualquier esperanza de funcionamiento nocturno, sin importar el formato. Como apuntaba el artista Dubfire en una entrevista que mantuvo durante el confinamiento con Flug, dj y productor argentino residente en Barcelona, resulta obvio que “hasta que no haya vacuna contra el COVID-19 no podremos regresar a una plena normalidad ni a llenar clubes y festivales”. A día de hoy, seguimos preguntándonos cuándo llegará el ansiado momento de poder llenar un teatro o un club al 100%. Pero, cuando se pueda, confiando en que efectivamente se pueda y apuntando hacia finales de 2021, propongo pensar un poco outside the box en cómo será ese momento: “¿Acaso, tras perder millones de euros, miles de empleos y de meses de cierre, dudas e inquietud, deberían las empresas del sector cultural seguir como si nada, hacia una vieja normalidad, llegue esta cuando llegue?” “¿No sería un momento único y apropiado para aunar esfuerzos, ideas y sinergias y convertir un mero “back to normal” en una experiencia inédita y memorable?” El sector cultural no tiene nada que perder a la hora de replantear su pleno regreso,

aunque este llegue incluso más tarde de lo esperado. En cambio, sí puede regresar dando un salto hacia adelante. Por lo pronto, lamentablemente, habrá más cierres, a riesgo de que la situación se vuelva insostenible no solo en el sector cultural. En lo que va de pandemia, el sector ha dejado miles de empleos atrás y millones en pérdidas, y la tendencia seguirá siendo crítica, aunque continuaremos apoyándolo en esta oscura situación a medio gas —y viendo, impotentes, como salas grandes y emblemáticas como Razzmatazz en Barcelona siguen anunciando, mes a mes, su cierre a través de las redes—. Como decía, intentando pensar a meses vista y en el momento en el que el virus pueda ser definitivamente controlado (salvo para los conspiranoicos del 5G), llegará una oportunidad única en la que se podría dar un giro sin precedentes a cómo se ha entendido el ocio y la cultura a nivel horario hasta la fecha. Si la situación es límite, el cambio debe estar a la altura. Dudo que los alcaldes no estén dispuestos a escuchar, esta vez, propuestas para realzar este sector que quizás años antes menospreciaban o intentaban silenciar haciendo caso omiso. Sin necesidad de haber pasado una pandemia, en ciudades como Ámsterdam o Berlín están mucho más avanzados en cuanto a limitación horario se refiere, desde hace años. En España, que ciertas localidades reclamasen (se ha hablado de ello en varias ocasiones) 24 horas de horario libre para el sector cultural y de clubes supondría un shock inverso al COVID-19, una novedad al fin estimulante y esperanzadora, diferente, a la que sumarse como ciudadano y activista cultural. Teatros, cines con programaciones maratonianas a lo Festival de Sitges,

r e p o r t a j e

clubes abiertos a pleno rendimiento durante una jornada, al igual que permite el Alcalde de la Noche en Ámsterdam o desde hace décadas la ciudad de Berlín. Librerías haciendo lecturas nocturnas —recordemos la Noche de los Libros en Madrid, por ejemplo—, desayunos en museos o conciertos en directo en lugares emblemáticos. No será por espacios ni propuestas, ni por curiosidad, ni por ganas de hacer algo significativo. Quizás la idea más evidente es la de apertura de clubes en horario extendido, pero si la idea se amplía al sector cultural y se otorga libertad para que pueda expresarse y actuar tanto como quiera, intuyo y quiero pensar que habría bastantes sumas a la

propuesta de un Post-COVID Weekend sin horarios de cierre. Si el mundo cultural se ha volcado en el streaming ininterrumpido cuando se ha visto obligado a parar, qué menos que dejar en manos de los agentes culturales y de los ciudadanos qué hacer, cómo y cuándo hacerlo en el regreso a una nueva etapa post-COVID. Como apuntaba, que hay ciudades europeas que tienen otra manera de entender la nocturnidad y el ocio no es nada nuevo, y que aquí, ya sea en Barcelona, Madrid o en cualquier otra ciudad, necesitamos inspiración —u oportunidades— a raudales para reactivar el

depauperado sector cultural es algo más que evidente. A fin de cuentas, esta no deja de ser una idea con la mejor de las intenciones, para debatir, mejorar o ampliar: Un fin de semana Post-COVID cultural y musical sería al fin algo positivo a lo que aspirar para desentumecerse de verdad ante los graves meses y duros estragos que ha causado y seguirá causando el virus. Lanzo la idea pensando tanto en los clubes como en los otros agentes culturales que quieran sumarse, así como en las comisiones nocturnas, entidades y asociaciones que trabajan para que el mundo de la noche se entienda mejor con el diurno. Y pienso también en los propios ayuntamientos de las ciudades: un llamamiento cultural de este tipo sería un reclamo para el turismo cultural y de ocio que tan desesperadamente echan de menos aquellos y aquellas que viven de él. Ojalá los clubes y las entidades culturales lo vean como una verdadera oportunidad, como un proyecto ilusionante en el que trabajar y coordinarse. En el mundo de la música electrónica, quizás el proyecto más parecido y logrado que existe desde hace años es el ADE de Ámsterdam, en el que la ciudad entera respira electrónica durante varios días, unida por múltiples nodos independientes pero coordinados. Tras tantos meses con los brazos cruzados a la fuerza, intentando sobrevivir en el exigente y saturado mundo online y de las redes sociales, regresar unidos y por todo lo alto sería, al fin, una de esas escasas buenas noticias que esperaríamos con ganas a que ocurran, mientras sorteamos la incertidumbre y nos negamos, de pleno, a ahogarnos en el fatalismo. #PostCovidWeekend. Aunque quede lejos, y sea una tan solo una idea por ahora, creo que todos y todas nos merecemos soñar y preparar la llegada de algo así en nuestras ciudades, pueblos y regiones.

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A U R I C U L A R E S

¿Qué auriculares de estudio deberías elegir? Esta es la guía de Mixmag Spain que necesitáis para elegir los que mejor se adapten a vosotros este 2021

Elegir los equipos que tener en el estudio no es tarea fácil. Uno tiene que acertar con los detalles y que todo encaje con las necesidades exactas, especialmente cuando la inversión viene después de meses de ahorro y esfuerzo. Con toda producción, viene la necesidad de contar con unos auriculares fiables, para poder escuchar lo que se ha producido en el estudio y asegurar que los detalles sonoros han quedado finos y sonando como tiene que ser. Eso incluye saber si los hi-hats han quedado en el lugar correcto o si el bajo ha quedado en la frecuencia correcta.

¿Buscas auriculares cerrados o abiertos? ¿Buscas gastarte más o menos de 300€? ¿Los usarás para grabar mixes como DJ? ¿Qué tan cómodos son? Todas estas preguntas las hemos contestado para vosotros, en nuestro intento de hacer que vuestra decisión final sea más fácil. Echadle un ojo a nuestras sugerencia en cuanto a auriculares de estudio, de marcas como Pioneer DJ o Sennheiser, pasando por Audio Technica y más… 1

¿Qué auriculares de estudio son mejores para la mezcla? 1. Pioneer DJ HRM-7, 209€ (149€ con descuento en algunas tiendas) Si estáis leyendo esto ahora, es probable que la música electrónica sea lo vuestro. Os gustará saber que Pioneer DJ tuvo a los productores de música electrónica en mente cuando creó los HRM-7. Estos auriculares cerrados brindan un sonido crujiente y están equipados con cámaras duales de ventilación para garantizar una respuesta de bajas frecuencias perfecta. Vuestras necesidades en cuanto a la suavidad de las medias y bajas frecuencias estará cubierta, 80

gracias a la estructura atenuante de tres capas, que elimina el riesgo de resonancias. También son perfectos para sesiones de mezcla maratonianas en el estudio, gracias a sus orejeras híbridas con memory foam/espuma viscoelástica ergonómica, combinada con cubiertas de terciopelo. Después de todo, nadie quiere que le duelan las orejas después de llevar los cascos puestos durante horas. Ese cuidado por la comodidad también se nota en la diadema ajustable y flexible, que puede adaptarse a la forma de vuestras cabezas. Pioneer DJ dice que “ni

siquiera os daréis cuenta que los lleváis puestos”. Otros auriculares que también merecen mención en la categoría de mezcla son los Sennheiser HD 800 S y los HD 560S. Los HD 800 de calidad industrial no son baratos, ya que cuestan unos persuasivos 1600€. Entre sus características principales se incluye una tecnología de absorción que asegura que los sonidos en altas frecuencias pueden oírse y un transductor de sonido de 56mm. A un precio más asequible, unos 180€, encontramos los Sennheiser HD 560S, abiertos, que vienen con un

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transductor y un fuerte magneto, que asegura bajos y medios firmes y con pegada. También tienen una posición de escucha triangular (lo mismo que encontramos en sistemas de altavoces de estudios de grabación de primer nivel), gracias al alineado en ángulo del driver del sistema E.A.R. (Ergonomic Acoustic Refinement, o refinamiento ergonómico acústico).

¿Cuáles son los mejores auriculares de estudio cerrados?

2. Sennheiser HD280 Pro, 119€ (88€ con descuento en algunas tiendas) Todo un chollo por 119€. Con este atractivo precio, los Sennheiser HD280 Pro brindan el aislamiento necesario para meteros de lleno en vuestra producción, sin preocuparos de que los ruidos externos entren en juego. Las orejeras suaves también pueden doblarse y rotar, lo que significa que son fáciles de guardar en vuestra mochila o incluso en vuestro bolsillo cuando os tengáis que mover. Su construcción firme también se traduce en que estarán a salvo de daños cuando estén doblados. Todo esto es ideal para productores que trabajan mejor cuando están de viaje. Un gran añadido a la función de cancelación de ruido que mencionamos antes.

¿Cuáles son los mejores auriculares de estudio abiertos?

3. Audio Technica ATH-R70, 299€ Los ATH-R70 fueron los primeros auriculares abiertos de Audio Technica y la marca no escatimó a la hora de asegurarse de que fueran una opción digna de tener en cuenta, a la hora de buscar solución para las importantes tareas en el estudio. Las rejillas y cajas de aluminio con forma de panal los hacen acústicamente trasparentes, dándoles también una apariencia sólida e industrial… igual que el techno que haréis con ellos. El sistema de apoyo 3D de la diadema sirve para que se asienten cómodamente en vuestra cabeza, algo que es absolutamente necesario cuando estáis en el estudio durante horas; además de orejeras de tela respirable, que se aseguran de que vuestras

orejas no sufrirán después de una larga sesión. Estando afinados tanto para mezcla como para el mastering, los ATH-R70 son capaces de reproducir frecuencias que van de 5 a 40.000 Hz, asegurando que podéis escuchár justamente lo que necesitáis. La distorsión se ve reducida gracias a sus magnetos de gran eficiencia y su diseño de circuitos, que llevan una aleación magnética pura. Otra característica importante es el cable dual y removible, que mantiene automáticamente la orientación estéreo como debe ser (independientemente del lado en el que se conecten). Otras opciones de auriculares abiertos que merece la pena revisar son los Sennheiser HD 600 (opción cara); o los Philips Fidelio X2HR, para los que tengan menos presupuesto.

¿Cuáles son los mejores auriculares de estudio por menos de 250€? 4.Audio Technica ATH-M50x, 117,99€ Algunas veces hay que priorizar donde nos gastamos el dinero. Y hacer música, habitualmente requiere gastarse dinero en muchos aparatos. Esto significa que tendréis que compraros una drum machine, un sampler o incluso un micrófono para grabar vocales. Con todo eso en mente, igual os tenéis que plantear reducir lo que os gastáis en vuestros auriculares. Los Audio Technica ATH-M50x dan un gran rendimiento por sus 117,99€, manteniendo la gran reputación de la serie M de auriculares de Audio Technica. No os tenéis que preocupar de que sonidos externos entren en juego – o que vuestros beats se oigan fuera – gracias a sus orejeras que se ajustan firmemente al oído. Estas, además, pueden rotar 90º, lo que se traduce en que podéis escuchar con una sola oreja es más fácil. Los auriculares presentan unos drivers de 45mm de amplia apertura, con imanes de tierras raras y con gran claridad sonora. También son perfectos para sonidos de bajas frecuencias, gracias a su respuesta de bajo profunda. Si estáis buscando algo que os costará menos que una noche de fiesta, entonces los Sennheiser HD-206 es lo que estáis buscando, por tan solo 29,99€. Estos auriculares cerrados brindan buena calidad de atenuación de sonido ambiente y aseguran comodidad, gracias a sus orejeras de polipiel.

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¿Qué auriculares de estudio son mejores para pinchar? 5. Sennheiser HD-25, 125€ Hay una razón por la que los auriculares HD-25 de Sennheiser son considerados un estándar de la industria. Son tremendamente ligeros (solo 140 gramos), que es exactamente lo que se necesita para moverse por la cabina de DJ, además de presentar capsulas rotatorias para escucha con una sola oreja, algo esencial para pinchar. Estas características, obviamente, son útiles cuando se graba un mix en el estudio también y no son demasiado caros, costando unos 125€. El hecho de que aguantan altos niveles de sonido también los hacen ideales para pinchar en clubes o usarlos en vuestro sistema de sonido casero. 5

¿Qué auriculares de estudio son mejores para la producción en general? 6. Focal Listen Professional, 225€ Cuando hablamos de necesidades generales de producción, los Listen Professional de Focal se llevan una nota bastante alta. Tienen un balance tonal exquisito y que destaca en estos auriculares cerrados, lo que es un verdadero plus para las secciones de bajas frecuencias y la parte baja de los rangos medios. Tienen una membrana de Mylar en el driver con suspensión 100 por cien, que asegura una reproducción sonora precisa y el domo central está hecho de una aleación de Mylar y titanio, que ayuda a dar una respuesta de frecuencia extendida. El tejido acústico ubicado cerca de los drivers le da una absorción sonora bastante buena. La diadema, con silicona por debajo, se adapta a todas las formas y tamaños y está diseñada de tal forma que elimina el riesgo de sentir presión en la cabeza cuando se trabaja durante largos periodos. Para esos momentos en los que queréis descansar una de vuestras orejas, las orejeras pueden rotarse tanto horizontal, como verticalmente.

¿Cuáles son los auriculares de estudio más cómodos? 7. Beyerdynamic DT 770 PRO, 125€ La experiencia de escucha, a menudo, puede verse arruinada por auriculares que estén demasiado apretados en la cabeza, ya que ponen una presión no deseada que acaba provocando un molesto dolor de cabeza. Es lo último que se quiere cuando se está en el estudio durante largos periodos. Si añadís los DT 770 PRO de Beyerdynamic a vuestro kit, os aseguraréis de no necesitar analgésicos. Con su diadema acolchada (hecha de acero para muelles) y las orejeras circumaurales en gris seda os hará sentir como que tenéis la cabeza en una almohada, en lugar de estar trabajando en el estudio. Las orejeras pueden reemplazarse también, lo que significa que cuando se desgasten pueden cambiarse para devolverles esa comodidad del principio. 82

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Sounds Market -10%

PIONEER DJM-900 NEXUS 900 € 1.000 €

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TECHNICS SL-1210 MK2 450 €

NOVATION LAUNCHKEY MINI MK3 60 € 75 €

CONTROLADORA DJ TRAKTOR S3 290 €

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PAREJA PIONEER CDJ 900 1.200 € 1.700 €

CURSO INICIACIÓN ABLETON 20 €/hora

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¿Qué monitores de estudio os funcionarán mejor?

Bien seáis DJs o productores, un buen par de monitores de estudio es necesario para asegurar que podáis oír cada matiz, de forma concisa y clara. Hay una gran variedad de monitores de entre los que escoger, con marcas como KRK, Yamaha, JBL, M-Audio y más dentro del mercado. Como siempre ocurre con los equipos de estudio y de DJ, la decisión no es fácil. Es una inversión importante y no os queréis ver decidiendo a ciegas en qué vais a poner vuestro dinero ganado de forma ardua. Dicho esto, hemos hecho una lista de los mejores monitores de estudio que hay para guiaros por el camino, como hemos hecho con los auriculares, mixers y giradiscos. ¡A continuación, echadle un ojo a nuestra selección!

1. KRK ROKIT G4 Probablemente habréis reconocido los conos amarillos de KRK al instante, en los Instagram de vuestros productores y DJs favoritos. La serie Rokit G4 es un estándar para artistas de música electrónica por una buena razón. Los G4 tienen cuatro opciones – de 5”, 7”, 8” y 10” (los de 7” aparecen en la foto) – que permiten ser flexibles en vuestra elección, dependiendo del espacio que tengáis en el estudio. El 7” es un monitor bi-amplificado que viene con un EQ Gráfico pensado para DSPs, con 25 ajustes y una pantalla LCD, y que sus drivers estén hechos de Kevlar garantizan una consistencia sonora en todas las frecuencias, asegurando alta claridad y reproducción sonora concisa. El 7” funciona con frecuencias desde 40Hz a 40 kHz, con una salida de potencia de 145 watts. Si elegís el Rokit G4 10”, tiene una respuesta de frecuencia de 20Hz a 40kHz, con salida de potencia de 300 watts. A pesar de ser uno de los monitores de estudio líderes a nivel técnico, también tienen una gran apariencia y encajarán bien en un estudio casero. Desde 165€ por monitor. 84

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2. YAMAHA HS8 Como ya os podréis imaginar por su nombre, los monitores activos de estudio Yamaha HS8 están construidos en torno a un woofer de 8”, otro ultra-sensible y un tweeter de 1”. Estos aseguran que las frecuencias bajas y medias se producen de forma clara, eliminando cualquier riesgo de distorsión u otros problemas. Una vez más, los HS8 presentan el icónico cono blanco de Yamaha, una firma en el diseño desde la serie NS en 1970, que brinda una potencia de salida total de 120 watts. En cuanto al diseño, la caja MDF del HS8 tiene respuesta acústica atenuada, para cancelar cualquier ruido indeseado. Gran potencia con un precio medio. 246€ por monitor

3. ADAM AUDIO A7X Los monitores A7X de campo corto de Adam Audio se ven duros, como si estuvieran hechos para el techno. Su woofer de 7” está hecho de carbono, Rohacell y fibra de vidrio y su caja tiene una apariencia totalmente industria. Esa sensación se debe, en gran medida, al tweeter dorado X-ART que está hecho a mano en Berlín. Este viene con un rango dinámico avanzado, gracias a la superficie del diafragma acústicamente efectiva, que es 2.5 veces más grande que un tweeter clásico. El diafragma también está doblado, lo que significa que la distorsión puede reducirse al mínimo. Otros puntos a destacar son la reproducción de graves con baja compresión (gracias a los espaciosos puertos de reflejo de graves) y la amplificación con baja distorsión, que es posible gracias a los amplificadores PWM y A/B para el woofer y el tweeter X-ART, respectivamente. Ahí tenéis varias razones por las que los A7X son los monitores de campo corto mejor vendidos de Adam Audio. 539€ por monitor

4. GENELEC 8010A Estos son para aquellos que tengan menos espacio en el estudio o que tengan espacios que se muevan a

menudo. Los monitores de dos vías 8010A de Genelec son pequeños. Solo tienen 19.5cm de altura y 12.1 de anchura, lo que se traduce en que apenas abultan entre vuestra configuración y que, sin problema, pueden meterse en vuestra mochila si necesitáis moveros de un espacio a otro. Además, el peso de tan solo 1.5kg – no mucho más que una bolsa de azúcar – se traduce en que no os romperán la espalda cuando los tengáis que mover. Puede que sean pequeños, pero son grandes en rendimiento. Tienen un SPL de 105dB, cada unidad tiene 50 watts de poder amplificador y la respuesta de frecuencia va de 67Hz a 25 kHz. No siempre tenéis que elegir el más grande para asegurar que conseguís la pegada que necestáis. 285€ por monitor

5. M-AUDIO BX5-D3 A poco más de 90€ por unidad, los monitores BX5-D3 de M-Audio son una opción decente y barata que brinda u sonido limpio y claro. El bi-amplificador de clase A/B da 100 watts de potencia, 60w de los cuales son de bajas frecuencias y 40w de altas. Conseguiréis un sonido preciso y potente gracias a su woofer de 5” de Kevlar con bordes amortiguados por goma, mientras que las intrincadas altas frecuencias se reproducen a través del tweeter con domo de seda de 1”. El puerto interno en la parte trasera de la unidad minimiza la distorsión y amplía la respuesta de bajos, que puede ser alterada con un control de espacio acústico. Si estáis empezando en el mundo de la producción o la mezcla, como DJs, son una opción ideal. 92€ por monitor

6. FOCAL SHAPE 65 Los Shape 65 de Focal tienen un aspecto tan brutal que los podéis tener tanto en casa como en el estudio, sintiéndoos orgullosos de que ser sus propietarios. La caja MDF viene con efecto avellana, que sin duda le da un aire de distinción y categoría. Es su apariencia, combinada con el cono Flax a ambos lados y el tweeter invertido en forma de M lo que hacen de esta unidad algo tan atractivo. Obviamente esto es importante, pero la calidad de su rendimiento es lo que realmente buscamos cuando compramos monitores de estudio y esto es justamente lo que ocurre con los Shape 65 de Focal. El cono Flax asegura una amortiguación interna alta, una rigidez de flexión alta y una alta velocidad de sonido, mientras que la suspesion Poron® en el tweeter en forma de M 85

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permite una curva de respuesta lineal de frecuencia más fuerte, por debajo de los 6kHz. El uso de la tecnología Neutral Inductance Circuit por parte de Focal asegura una estabilidad del campo magnético, lo que hace que el audio sea más preciso. Exactamente lo que necesitáis. 633€ por monitor

7. PRESONUS ERIS E3.5 Un fijo para muchos ingenieros de sonido en el mundo. Los Eris 3.5 de PreSonus te dan un sonido más crujiente gracias a su woofer de 3.5 pulgadas. Luego tiene un tweeter de 1” con domo de seda que añade enteros a ese sonido redondo y garantiza una reproducción firme de las transiciones y altas frecuencias. Las frecuencias altas y bajas pueden ajustarse con controles simples y el botón de volumen está convenientemente ubicado en el frente del aparato, lo que significa que podéis estar sentados en frente a ellos y no tenéis que buscarlo en la parte trasera del monitor para subir o bajar. Puede que sean compactos (un plus para aquellos con espacios pequeños en los que trabajar) y asequibles, pero eso no quita que te den 50 watts de potencia, con un amplificador potente de 25 watts incorporado. 88€ por la pareja.

8. IK MULTIMEDIA ILOUD MTM Ser compactos no significa que no rinda bien. Los iLoud MTM de IK Multimedia son la prueba de ellos, con su potencia total de 100 watts RMS por monitor y presión sonora máxima de 103dB SPL. IK pone el énfasis en las frecuencias bajas extendidas en el iLoud MTM, con una respuesta de graves de hasta 40Hz. Los monitores también usan un sistema de Respuesta Física de Linearización (PRL™) que ajusta el rendimiento del sistema a medida que se reproduce la música. Esto ocurre gracias a un modelo del diseño de la caja, su construcción y materiales y las medidas electromecánicas de las unidades. Gracias a que el monitor se puede controlar vía DSP, IK promete “un sonido increíblemente realista y natural, como jamás habéis escuchado”. Tiene una base inclinable – que va de 0 a 20º - por lo que podéis apuntarlos hacia vosotros, donde quiera que os estéis sentando. Además de en negro, vienen en acabados en blanco, así que vuestra configuración de estudio no tiene que ser en un color mono-dimensional. 282€ por monitor

9. MACKIE HR824 MKII Hay suficientes funciones que hacen de los monitores HR824 MKII de Mackie una adición decente a vuestra configuración. El Zero Edge Baffle viene con una curvatura que está diseñada tan bien, que la difracción es mínima, tiene un radiador pasivo en lugar de puerto, lo que se traduce en que las frecuencias bajas se reproducen con menor distorsión, también tiene amplificadores separados incorporados en cada driver, crossovers activos y circuitos de time-correction. Los circuitos de protección también están construidos para servir como red de seguridad para los niveles de entrada que pudieran ser dañinos. El interior de los cajones están aislados con espuma 86

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adiabática de célula abierta, que ayuda a absorber las reflexiones internas y a mitigar las ondas estacionarias. Dado que pueden colocarse tanto de pie como de lado, el logo de Mackie puede rotarse a voluntad. ¡Esos pequeños detalles! 749€ por monitor

10. ALESIS ELEVATE 5 MKII Alesis tiene mucho que alardear cuando se trata de sus monitores Elevate 5 MKII. Hermosamente diseñados con cajas de madera negras personalizadas, y woofers de 5” y tweeter de 1” con domo de seda como si fuesen esculturas, estos monitores de escritorio son perfectos para aquellos que busquen la estética por encima de todo. Los cajones de madera – hechos con MDF denso – aseguran graves naturales (que pueden potenciarse con tan solo darle a un botón en la parte trasera de la unidad), además de que garantizan bajos completos y agudos limpios. Cualquier ajuste de volumen puede hacerse con facilidad con el potenciómetro ubicado en la parte frontal, junto a la entrada para auriculares. Y podréis conseguir un total de hasta 80 watts de potencia. Lo más importante: vuestros aparatos pueden conectarse gracias a los jacks RCA y un par de jacks TRS de ¼”. 115€ por monitor

11. NEUMANN KH310A La marca berlinesa Neumann y sus monitores KH310 A L G están hechos para trabajar con vocales de forma increíble. Así que si sois productores de house y queréis añadir soul a vuestras composiciones, merece la pena que les echéis un vistazo. El domo de rangos medios que está fabricado con una tela especial es lo que hace de este monitor de tres vías de campo corto ideal para las voces, guitarras y otros aparatos que funcionen en los rangos medios. Otra cosa de la que se jacta los KH310 es en la dispersión de guía de onda matemáticamente modelada (Mathematically Modeled Dispersion waveguide), que asegura que las ondas sonoras tengan una precisión suprema. Los amplificadores de Class AB están térmicamente protegidos y brindan 210 watts de potencia, mientras que la presión sonora llega a los 116.3 dB. Si trabajáis con muchos graves, os gustará que la frecuencia baja hasta los 34Hz. Toda esta maravilla significa que vais a tener que estiraros para conseguirlos: 2366€ por monitor

12. DYNAUDIO CORE 59 Hechos en Dinamarca, los Core 59 de Dynaudio son unos monitores elegantes y simples, que representan ese aire despreocupado y genial que tiene todo residente de Copenhague. Sí, se ven brutales, pero ¿funcionan? La respuesta a esa pregunta es simplemente sí. Cada unidad está calibrada antes de salir de la fábrica y sus principales funciones incluyen DSP avanzado (contribuyendo a un sonido equilibrado y extensión de graves) y un tweeter Esotar Pro, equipado con un amplificador de 150 watt. Eso, más allá de la

increible potencia de 500 watts por cada woofer y los drivers de rango medio. Las unidades en sí mismas pueden posicionarse como queráis, de pie o de lado. Esa capacidad además permite rotar el bafle Orbit, permitiéndoos usarlo en el canal izquierdo, derecho o central, y también podéis poner el woofer encima del tweeter o rangos medios. ¿No estáis seguros? Dynaudio dice que los Core 59 os dará “todo lo que necesitáis oir”. Una vez más, es para los frikis de estudio más dedicados, dado su alto precio: 2659€ por monitor

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¿Cuál es el mejor giradiscos que os podéis comprar? Os presentamos la guía Mixmag de giradiscos 2021

Los DJs de hoy tienen ante si una gran variedad de opciones en cuanto a la compra de giradiscos se refiere, ya que el mercado ha experimentado un crecimiento que va en paralelo al resurgimiento del formato vinilo. A la hora de decidir qué aparato se adapta mejor a vuestras necesidades, hay varios factores a tener en cuenta, como el estilo de música que pincháis, el precio que vais a pagar y la funcionalidad que estáis buscando. Si buscáis giradiscos para audiófilos, o aparatos más portátiles, cada mesa se adapta a un estilo diferente. Bien queráis un giradiscos de la vieja escuela o un híbrido digital para sacar trucos que dejarían atónito a cualquier raver noventero, hemos elegido las mejores opciones en la guía que os presentamos a continuación.

1. RELOOP RP-7000 MK2, 499€ La Reloop RP-7000 MK2 es una mesa excepcionalmente bien hecha, que ofrece tres velocidades de motor y un rango de pitch realmente amplio de 88

hasta el +/- 50%, permitiendo una manipulación de grado turntablista. El brazo tonal balanceado en forma de S, con elevador hidráulico y un mecanismo anti-skating asegura su estabilidad y el bienestar del disco. Reloop describe el chasis hecho de metal, goma y material sintetico como “indestructible”. Es justo decir que está lista para la batalla

2. RELOOP RP-8000 MK2, 599€ El Reloop RP-8000 MK2 es un giradiscos muy similar al antes mencionado con una importante diferencia: es un híbrido analógico/digital diseñado para tener total compatibilidad con Serato DJ Pro. Además de la construcción resistente a la vibración, el torque ajustable y el control de pitch que esperas encontrar en una buena mesa para scratch, los aspectos digitales añaden todo un rango de nuevas capacidades al aparato. Tiene ocho coloridos pads LED a un lado, que pueden controlar cualquier software de mezcla compatible con MIDI e

incluso teclados MIDI, así que puedes “tocar” tu giradiscos. ¡Es un instrumento y un giradiscos en uno!

3. TECHNICS SL-1200/SL-1210 MK2 El clásico. A pesar de haber salido en 1979, este giradiscos ha aguantado el

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paso del tiempo y ha seguido siendo el favorito de muchísimos DJs más de cuatro décadas después. No tiene funciones extra de algunas mesas modernas, pero para DJs analógicos que solo quieran mezclar vinilos, nunca va a decepcionar. El alto torque, el control de pitch deslizante, el motor de tracción directa controlado por cuarzo y su pesada base con el plato aislado de vibración, lo hacen una opción robusta, fiable y perfecta. Como os habréis podido imaginar por dada la longevidad de su popularidad, son conocidas por su durabilidad, a menudo consideradas “la última mesa que os tendréis que comprar”. Y aunque se retiró de la fabricación en 2010, si queréis echarle el guante a unas, tendréis que buscar en plataformas de venta de segunda mano o convencer a alguien que os venda las suyas.

4. TECHNICS SL-1210 MK7, 899€ Sin embargo, si queréis compraros una versión nuevecita de Technics, la SL1210 MK7 es la última edición de esta reverenciada serie. Es un giradiscos que lo tiene todo: motor de tracción directa magnético sin núcleo (que es altamente fiable y no requiere el reemplazo de partes); un torque potente y una rotación precisa durante un extenso periodo de tiempo; además de una estructura en dos capas para el plato, que elimina resonancias y vibraciones no deseadas (esto último, gracias a la goma anti-vibración que va a lo ancho de la superficie anterior). Como con la MK2, tiene la marca de garantía de robustez y fiabilidad que hace destacar a Technics, a sabiendas de que funcionará en casi cualquier ambiente en el que se pongan a prueba.

5. PIONEER PLX-1000, 609€ Antes de que Panasonic anunciara su plan de resucitar Technics en 2015, tras su descontinuación en 2010, Pioneer DJ había intentado dar un golpe sobre la mesa con un nuevo giradiscos que prometía convertirse en otro estándar de la industria, con el lanzamiento de la PLX-1000 a finales de 2014 (A-Trak se compró un par). Es una mesa fantástica que llega a estar cerca de la Technics y es más barata. Las funciones clave que ayudan a que destaque es el tempo control, ajustable a +/-16% y +/-50%, además del rango estándar +/-8%, y una conectividad flexible, con jacks RCA estéreo en lugar de cables fijos (haciendo del mantenimiento algo más fácil con lo que lidiar). También incluye un motor de tracción directa de alto torque para mantener la rotación estable y un control preciso, un chasis de zinc pesado que elimina la interferencia de resonancias y vibraciones, además de un brazo tonal en forma de S 89

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aislado con goma, que absorbe la vibración externa y reduce el efecto zumbido.

6. PIONEER DJ PLX-500, 329€ Si estáis buscando aprender a pinchar con vinilos, pero no queréis ir directamente a por los giradiscos más caros, los Pioneer DJ PLX-500 son una alternativa interesante a mitad de precio que los PLX-1000. Su construcción es robusta, produce un sonido de alta calidad y es compatible con el DVS Plus Pack rekordbox de Pioneer DJ, lo que hace posible pinchar y hacer scratch con MP3 a través del mixer DJM y el RB-VS1-K Control Vinyl. Esto se ajustará a cualquiera que esté construyendo su colección de discos y que quiera tener la opción de pinchar archivos digitales.

7. STANTON ST.150 M2, 575€ Los asistentes a la NAMM de 2017 fueron recibidos con la noticia de las últimas ofertas de Stanton para el mercado de los giradiscos, ya que la empresa anunció la remodelación total de sus aparatos ST.150 y STR9.150, que fueron revisadas “hasta lo básico, además rehacer su ingeniería desde cero”. El ST.150 M2 da el pego con su base de baja resonancia y marco de aluminio, que es 6 kilos más ligero que su predecesor. El motor de tracción, con un torque motor de 4.5kg tiene disponibles ajustes de velocidad de 33/45/78, además de control de pitch ajustable en los rangos de +/-8%, 25% y 50% y puede reproducir discos en reverso.

8. STANTON STR8.150 M2, 575€ El STR8.150 M2 tiene especificaciones muy similares a la ST-150 M2, con la diferencia principal siendo su brazo tonal recto a prueba de saltos, con altura ajustable. Igual que con su hermana Stanton, la mesa está construida para trabajar con el software de mezcla Deckadance 2, una potente aplicación que brinda varias herramientas para ayudar a elevar vuestros sets a nuevos niveles, incluidos efectos y sonidos en VSTs.

9. STANTON T.92 M2 USB, 299€ El giradiscos Stanton T.92 M2 es muy versátil, con tres velocidades de reproducción, un control de pitch de rango +/-12% y un DSP Key Lock que permite cambiar el tempo sin afectar al pitch. También es una mesa que está construida con materiales robustos y es duradera, tiene conexión USB para digitalizar archivos de vinilos, y salidas estéreo RCA para hacer más fácil las conexiones externas. Una pequeña pega es el diseño, lo que se traduce en que no es el giradiscos más bonito del mercado. Pero si buscáis funcionalidad por encima de la estética, esta es una opción sólida por un precio decente. 90

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10. DENON DJ VL12 PRIME, +/- 690€ El principal reclamo de venta de la Denon DJ VL12 Prime cuando salió al mercado era su “torque ajustable de 5kg/cm, el más alto de la industria”, haciéndola perfecta para DJs que buscasen mezclar, hacer scratch o cortar con su giradiscos. El rango de pitch ajustable de +/-8%, 16% y 50% y plato biselado “con fácil agarre/ frenado” también le dan una gran manipulación de disco, versatilidad y toque táctil. Además, el LED brillante multicolor que rodea el plato se ve genial y como reclamo visual para los DJs de scratch, es un bonus añadido.

11. AUDIO-TECHNICA AT-LP1240 XP, +/- 459€ El AT-LP1240 de Audio Technica es su giradiscos estandarte diseñado para DJs que pinchen en clubs. La empresa

fue fundada en 1962 en Tokio para diseñar y fabricar cartuchos phono y durante más de medio siglo ha cimentado su experiencia y refinado sus diseños para alcanzar una calidad Premium. Las funciones incluyen un motor de tracción directa de alto torque, con estabilizador de velocidad; un chasis robusto anti-resonancias; control ajustable anti-skate; audio de alta fidelidad; un brazo tonal en forma de S con freno y control de elevación hidráulico, ajuste de altura y reposo asegurable. También tiene pitch ajustable en rangos de +/-8%, 16% y 24%, y cobertor removible. No está al mismo nivel de los estándares de Technics y Panasonic, pero en términos de calidad/ precio, es una alternativa muy tentadora que está bien hecha, es durable y cuya funcionalidad es perfecta para todos los DJs.

12. NUMARK NTX1000, +/- 402€ Para cerrar la lista, el NTX1000 de Numark viene con funciones realmente potentes a un precio más asequible que algunos de sus competidores en el mercado. El motor de tracción directa tiene un torque de inicio que se calcula en unos impresionantes 4kg/cm, el rango del pitch es ajustable a +/-8%, 16% y 50%, un brazo tonal en forma de S preciso y controles rotatorios para darle al play y frenar el plato. Las opciones de conectividad son flexibles, con salidas cambiables de phono/line y también USB, para rippear vinilos. Y si el diseño único es un plus para vosotros, también su apariencia es diferente a la mayoría de los giradiscos del mercado, con más ángulos que el diseño rectangular estándar, además de su chasis de aluminio mate.

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Os traemos 10 mixers que son dignos tanto de clubes, como de vuestras casas

Continuamos nuestro análisis de los mejores aparatos tecnológicos para DJs (que ya han incluido auriculares, monitores y giradiscos) presentando ahora los mejores mixers para DJs. Hay muchos en el mercado: desde lo mejor para principiantes hasta los usados en clubes, por vuestros DJs favoritos. Es cosa vuestra decidir cuál os encaja mejor según vuestro estilo de mezcla, pero en esta lista queremos haceros las cosas más fáciles a la hora de elegir cuál añadir a vuestra configuración. Hemos incluido mixers con seis canales, cuatro canales y dos canales, además de los mejores para batalla y también rotary, si es lo que os gusta, de marcas tan variadas como Pioneer DJ, Rane, Numark o Allen & Heath, entre otras…

LOS MEJORES MIXERS DE 6 CANALES 1. Allen & Heath Xone:96 El Xone:96 es una belleza puramente analógica de Allen & Heath. El Xone:96 92

está inspirado en su predecesor, el icónico Xone:92 y su disposición resulta familiar de inmediato para cualquier usuario. El EQ de cuatro bandas del Xone, en cada uno de sus cuatro canales, además de una tarjeta de sonido de 32 bits y 24 canales (que soporta control DVS del software de Native Instruments, TRAKTOR SCRATCH PRO 2), dos conexiones USB independientes (cada una con seis entradas estéreo) y los filtros Xone VCF. Uno de ellos es un control de distorsión armónica llamado CRUNCH. Otras funciones incluyen dos sends estéreo, cuatro returns estéreo y un insert dedicado para el master. Además, cualquiera usuario de los controladores Xone:K estará contento al saber que la función X-Link permite al mixer conectarse directamente a los controladores. Viene con un acabado elegante, en gris, que completará a la perfección a cualquier DJ set up que tengáis. 1652€ 2. Pioneer DJ DJM-V10 La nueva adición a la familia Pioneer DJ es un aparato que está hecho para

llevar vuestras habilidades tras los platos un punto más allá. La DJM-V10 de Pioneer DJ tiene seis canales, abriendo la oportunidad de juntar un set up variado, de primer nivel, que incluya CDJs, drum machines o cualquier otro aparato necesario. A nivel de sonido, viene con lo mejor que hay para ofrecer, gracias a su procesado de 64 bits, sus conversores A/D de 32 bits y D/A, y su circuito de reloj de baja fluctuación. El EQ de cuatro bandas que presenta cada canal ha sido especialmente desarrollado para este mixer, permitiéndoos tener un control extensivo del sonido, además de añadir potenciómetros de compresión en cada canal, lo que se traduce en que podréis saltar entre tracks nuevos y antiguos, siendo capaces de ajustar el track que menos suene para hacerlo sonar tan fresco como el nuevo. Si sois de los que usan efectos, estaréis contentos al saber que con la inclusión del Beat FX, que presenta el novedoso Shimmer. Por otra parte, la sección de send también permite hacer remixes en directo y la creación de sonidos sobre

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la marcha. Con todo esto, es una inversión realmente importante para los DJs que estén interesados en ello. 3299€

LOS MEJORES MIXERS DE 4 CANALES

añadir un efecto eco a los vocales. El mixer también es compatible con rekordbox, el software TRAKTOR PRO 3 de NI, Serato DJ Pro, ShowKontrol de TC Supply, el RMX-100 para iPad y la app DJM-Rec. Todas esas funcionas, naturalmente, significan que no va a ser un aparato barato, pero es una buena inversión. 2089€

3. Pioneer DJ DJM-900 NXS2 La DJM-900 NXS2 de Pioneer DJ os brindará todo lo que queráis y necesitéis para los DJ sets del más alto estándar. Un procesador de señal de 96 kHz/64 bits con tecnología mejorada de sampleado y un reloj de baja fluctuación que asegura un sonido analógico, además de tener seis efectos (Sweep, Filter, Crush, Dub Echo, Noise and Space) mediante la función Sound Color FX en cada uno de los cuatro canales. También tiene una sección X-Pad, permitiendo un ajuste de parámetros directo y 14 tipos diferentes de Beat FX. Si queréis añadir algo de carácter durante vuestras mezclas, incluso podéis

4. Numark M6 USB Situado en la gama baja de los mixers de cuatro canales y, por lo tanto, con un precio de ganga a unos 150€, el M6 USB de Numark es todo lo que necesitáis para desarrollar vuestras habilidades por un precio asequible. Como sugiere su nombre, tiene conexión USB, permitiendo una conexión directa y la capacidad de mezclar tracks con softwares externos, además de usarlo con giradiscos o CDJs. Las conexiones con ordenador os permitirán grabar sets, mientras que cada uno de los cuatro canales viene con ganacia, EQ de tres bandas y medidores LED. También tiene canal de micro XLR, así que si grabáis un show de radio o

tenéis un MC que se una a vuestros set, este mixer es una opción más que válida. 175€

LOS MEJORES MIXERS PARA PRINCIPIANTES 5. Allen & Heath Xone:23 Si lo que estáis buscando es animar vuestra vida y aprender a pinchar, entonces la Allen & Heath Xone:23 es el mixer ideal para que comencéis. Podéis haceros con una por 255€, por lo que no es una inversión demasiado grande. El mixer de 2+2 canales es pequeño y compacto, así que encajará perfecto en vuestra configuración casear, esté en vuestra habitación o en el salón compartido. La disposición de los controles es bastante simple y no hay demasiados potenciómetros y botones (que están iluminados) a los que acostumbrarse. Entre las funciones hay un sistema de Filtro de Control de Voltaje (VCF) con filtros de paso alto y bajo (además de 93

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controles de frecuencia y resonancia), EQ de tres bandas con atenuación total y un loop FX externo para conexión de unidades externas. Cualquier DJ de scratch que se precie se complacerá de saber que también puede mejorarse con el último Innofader. 255€ 6. Pioneer DJ DJM-250MK2 Otro mixer que no es demasiado caro en comparación con sus funciones es el DJM-250MK2 de Pioneer DJ. Este mixer de dos canales toma su inspiración del más caro DJM-900NXS2, con la notable inclusión del crossfader Magvel (para facilitar las técnicas de scratching) y del filtro Sound Color FX, que está presente en ambos canales. También hay aisladores de tres bandas, una tarjeta de sonido USB incorporada y es compatible con rekordbox. Tan solo tenéis que enchufarlo a vuestro ordenador y ya podéis empezar. Cualquier usuario de TRAKTOR PRO 3 de Native Instruments también puede conectarse con facilidad, mientras que las dos salidas de auriculares permiten hacer sets b2b, si os ponéis a hacer sesiones con vuestros colegas. 359€

LOS MEJORES BATTLE MIXERS 7. Reloop ELITE Siendo un mixer DVS para Serato DJ Pro, el ELITE de Reloop es un mixer de dos canales perfecto para una configuración profesional. Tiene 16 pads de buen tamaño e iluminados con colores RGB, que permite el control de 12 modos de funcionamiento en cada deck, en Serato. El sonido con resolución de 24 bits es posible gracias a la interfaz de audio DUAL 10 In/Out USB 2.0. Si estáis dos personas usando el mixer, todo será más fácil gracias a sus dos puertos USB. Esto también permite el uso de controladores MIDI y si vais a usar el mixer con los giradiscos RP-8000 MK2 de Reloop, cada deck será reconocido automáticamente. Todo lo que necesitáis saber está sobre la mesa, gracias a dos pantallas OLED que os muestran efectos, BPMs y parámetros de beat, además de la configuración del menú. El acabado en negro metálico no solo es estilizado y elegante, sino que también es a prueba de marcas que puedan hacerse debido a scratching agresivo. 1405€

8. RANE Seventy-Two MKII

“Construido como un tanque, para un uso agresivo” es lo que nos cuenta RANE cuando les preguntamos por el Seventy-Two MKII. No, no se trata de una herramienta de construcción. Se trata del battle mixer Premium de la marca, con dos canales. Viene con un acabado sólido de acero con dos paletas de aluminio reforzado para aguantar acciones rápidas en el calor de la batalla. Destacan también los 16 pads estilo-MPC que están en mitad del mixer, con tres faders MAG FOUR con ajustes reverse, contour y cut-in debajo. La selección de temas y el control de FX se han hecho más accesibles con una pantalla táctil de 4.3”, que muestra las formas de onda en movimiento de Serato DJ Pro. Otras funciones clave incluyen un Sampler Level SP-8 y un selector de canales asignable. Gente como DJ Jazzy Jeff y Scratch Bastid son fans del Seventy-Two, así 94

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que tendréis buenas referencias si añadís este aparato a vuestra configuración. 2029€

LOS MEJORES ROTARY MIXERS 9. RANE MP2015 Siendo la elección de todo DJ conocedor, está claro que el mixer rotary MP2015 de Rane no es barato, costando más de 2500€. Lo cierto es que se ve genial con esos potenciómetros plateados, cuerpo negro y caja externa de caoba. Más allá del aspecto, el MP2015 de cuatro canales tiene cinco estrellas en rendimiento también. Tenéis un control sonoro avanzado garantizado gracias a los EQs de tres bandas con Isolator, con puntos de

crossover y la sección que os da control sobre los filtros de paso bajo, alto/bajo y alto, con parámetros de resonancia variables. También tenéis el canal Submix, que os permite agrupar varios inputs, haciendo la mezcla multi-fuente mucho más facil, a la vez que tiene dos puertos USB, que permiten conexión simultanea a dos portátiles diferentes si es necesario. Con los consejos de diseño de artistas como Derrick Carter o Mark Farina, no es de extrañar que haya salido así de bien. 2974€ 10. Omnitronic TRM202 MK3 Algunas veces no querréis reventar la hucha que os ha costado meses llenar de una sola vez. Y es normal. Aquí es donde entra el rotary mixer TRM202 MK3 de Omnitronic, porque es una opción mucho más asequible que el MP2015 de

Rane. Con un precio que oscila los 400€, el mixer de dos canales viene con un aislamiento de frecuencia integrado de tres bandas, con potenciómetros ALPS (Blue Velvet RK27). Podéis cambiar entre inputs de línea y phono o fuentes en cada canal, mientras que la función de kill os permitirá eliminar totalmente el sonido de frecuencias altas, medias y bajas durante el mix. Para aquellos que practiquéis vuestro arte en casa, la salida de grabación lo hace ideal para grabar vuestros propios sets. Y si estáis mezclando jungle o garage, un MC se os puede unir si lo queréis, gracias al input de micrófono, que viene con un control de nivel separado. También vale la pena que miréis la versión MK4 de este mismo modelo, que viene con cuatro canales. 425€

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SPECIAL PIONEER DJ 2021 NEWS Pioneer DJ es uno de los fabricantes más importantes de la industria. No en vano, muchos de sus productos se han convertido en auténticos estándares de la música con el paso de los años, pudiendo encontrar sus mixers, reproductores y altavoces en los clubes y estudios de medio mundo.

En 2020 y 2021, a pesar de ser años complicados para la música, Pioneer DJ no se ha quedado de brazos cruzados. Entre el año pasado y este ha lanzado al mercado varios productos de lo más interesantes, manteniendo la innovacion y la calidad sonora por bandera. A continuación, os hacemos una pequeña revisión de lo más destacado de Pioneer DJ en los últimos meses: sus CDJ-3000, la controladora DDJ-FLX6 y su nueva gama de monitores, la Serie VM. Encuentra tu Frecuencia: Presentamos los nuevos monitores activos de la serie VM.

Pioneer DJ lanzaba en el mes de marzo los nuevos altavoces monitor de su Serie VM de campo corto: las VM-50, VM-70 y VM-80. Estas producen un audio claro con graves potentes e impactantes. Gracias a la configuración flexible DSP, los altavoces se pueden sintonizar para adaptarse a las características de una sala, lo que los hace perfectos para recrear el sonido de un club cuando estás pinchando o para proporcionar una respuesta de frecuencias plana cuando estás produciendo música en casa o en el estudio profesional. Avanzando desde los populares altavoces Pioneer DJ S-DJX, el nuevo diseño de las unidades de la Serie VM incluye componentes de alta calidad y características

innovadoras para ofrecer audio puro. Con sonoridad plana, amplificadores de clase D y conos de fibra de aramida, reproducen con precisión el sonido de su fuentes original, incluidas las frecuencias graves profundas gracias al Vortex Bass Accelerator. El nuevo diseño del deflector frontal de aluminio de 4 mm de grosor no solo tiene un aspecto elegante, sino que también ayuda a eliminar las vibraciones no deseadas. Y, gracias al control DSP, puedes sintonizar fácilmente los altavoces en la sala en la que los utilizas. Si estás trabajando en un espacio reducido en casa o en un estudio profesional más grande, puedes elegir entre 16 configuraciones de ecualizador para encontrar el sonido perfecto para la sala.

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AUDIO CLARO Y BAJA DISTORSIÓN CON GRAVES IMPRESIONANTES Recrea el sonido estilo club Cada modelo de altavoces de la Serie VM incluye un amplificador Clase D con el muestreo DSP de 96 kHz para permitir una amplia reproducción de audio de ancho de banda. Su rendimiento altamente eficiente da como resultado una baja distorsión y aporta una mayor energía al sonido. El deflector frontal de aluminio rígido de 4 mm de espesor también suprime la resonancia y reduce las vibraciones, lo que ayuda al altavoz a ofrecer el sonido auténtico de la fuente original.

Desde el volumen mínimo al máximo, los conos de woofer de fibra de aramida ofrecen un impacto excepcional que sentirás en las frecuencias bajas y medias-bajas. Estos conos recientemente

FLEXIBILIZA TUS LÍMITES

Descubre el controlador para DJ, DDJFLX6, de 4 canales para rekordbox y Serato DJ Pro con características completamente nuevas Mezcla fácilmente géneros musicales, crea subidones espectaculares, scratches y mucho más Pioneer DJ presentaba el año pasado también la nueva joya de sus controladoras para DJ: el DDJ-FLX6. Con una serie de características completamente nuevas, esta unidad de 4 canales hace que sea fácil mezclar canciones de géneros totalmente diferentes y darle vida a tus sets añadiéndoles scratches con sonido profesional. Este controlador es un dispositivo de desbloqueo de hardware para rekordbox y desbloquea las funciones de DJ Performance en Serato DJ Pro, por lo que puedes elegir qué aplicación de software deseas utilizar, de forma gratuita, en tu portátil, después, simplemente conéctalo y comienza a pinchar.

desarrollados son un 30% más ligeros que los conos de aramida convencionales forrados de papel, lo que los hace más fuertes y les ayudan a transmitir sonidos profundos. El Vortex Bass Accelerator también garantiza que el audio de gama baja esté ajustado y libre de vibraciones no deseadas, ya que las rejillas en el puerto Bass reflex permiten que el aire fluya libremente del altavoz para ofrecer un sonido puro, tanto si escuchas música vocal como instrumental. Los sonidos de frecuencia media y alta suenan con fuerza en los altavoces de la Serie VM gracias a la bocina de directividad constante, lo que también crea un amplio espacio de escucha uniforme. La forma de la bocina y el borde del woofer están especialmente diseñados para que la frecuencia de reproducción plana se cruce fácilmente con el tweeter, lo que da como resultado un sonido natural.

público en pie. Con el DDJ-FLX6, puedes cambiar sin esfuerzo de hip-hop a house, de rock a EDM, o entre cualquier otro estilo que desees poner. No hay límites gracias a la nueva función Merge FX. Con el control de un solo botón, puedes darle dramatismo a tu mezcla y crear un crescendo. Luego, cuando estés listo, presionas el botón para activar el subidón asesino con un contundente sample adicional. El DDJ-FLX6 está diseñado para que actúes de forma enérgica e intuitiva. Los jog wheels de gran tamaño incluyen una pantalla de posición de la pista que permiten manipular la música de forma instintiva y, cuando los utilices con algunas de las nuevas funciones del DDJ-FLX6, podrás darle más vida a todo. Por ejemplo,

podrá sonar como una batalla DJ profesional cuando utilices la nueva función Jog Cutter para crear una variedad de sonidos de scratch elegantes, con solo mover el jog wheel hacia atrás y hacia delante. No necesitas saber cómo hacer scratch y ni siquiera tienes que tocar el crossfader. Y con la función Sample Scratch, recientemente introducida en rekordbox, puedes tomar los sonidos que hayas asignado al sampler y cargarlos en los decks. ¿Te has dado cuenta de que el DDJ-FLX6 tiene un aspecto renovado? Es la primera unidad de Pioneer DJ lanzada con un nuevo acabado mate gris oscuro, y sus jog wheels tienen un diseño único para complementar su estética.

Con más música disponible a través de servicios de streaming, los DJs descubren constantemente géneros que nunca antes habían explorado. Pero, aunque es natural que un DJ quiera reproducir sus sonidos preferidos durante un set, cambiar entre estilos musicales puede resultar pesado. El DDJFLX6 ofrece a los DJs la libertad creativa para reproducir las pistas que deseen en cualquier orden, sin preocuparse por mezclar diferentes tonos y rangos de BPM. Trabajar con diferentes géneros musicales es una excelente manera de mantener a tu

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El DDJ-FLX6 ya está disponible al PVR de 599€ IVA incluido. Mira el vídeo de introducción o descubre más sobre el nuevo controlador para DJ. Para utilizar el DDJ-FLX6 con rekordbox, descarga la última versión del software. Para usar la unidad con Serato DJ Pro, descarga la última versión del software y utiliza los cupones incluidos para FX Pack y Pitch ‘n Time DJ Expansion Pack para desbloquear esas funciones.

UNA NUEVA DIMENSIÓN

El CDJ-3000 ha aterrizado Un multireproductor evolucionado que ofrece un nuevo mundo de posibilidades creativas Y aquí está la joya de la corona: el CDJ3000. El producto estrella de Pioneer DJ era lanzado el año pasado en medio de una gran campaña de hype. Impulsado por una nueva MPU (unidad de microprocesamiento) y con componentes de alta calidad, especialmente desarrollados para este modelo, es un aparato robusto con muchas características innovadoras para ayudar a que tu creatividad florezca como nunca lo habías hecho.

LA EVOLUCIÓN DE UNA LEYENDA Desde la presentación en 1994 del CDJ500, el primer reproductor de CD para DJ del mundo, cada nuevo modelo de CDJ se ha convertido en el favorito de muchos de los DJs y clubs más respetados de todo el mundo. El innovador CDJ-1000 permitió técnicas de DJ, como los scratches, que antes sólo eran posibles en giradiscos analógicos. Después, el CDJ-2000, marcó el comienzo de rekordbox y Pro DJ Link. Por primera vez, los DJ podían gestionar la música antes de exportarla a unidades USB para utilizarla con los reproductores múltiples. Posteriormente, las funciones como Wave Display (para comprender mejor el desarrollo musical de las pistas) y Beat Sync, han hecho que mezclar sea más intuitivo. En 2016, el CDJ-2000NXS2 se convirtió en la primera opción para clubes, festivales y DJs de todo el mundo que actuaban con archivos de música digital, gracias a su set de funciones mejoradas y una calidad de sonido excepcional. El CDJ ha evolucionado significativamente desde la década de 1990. Y, aunque el CDJ-3000 es en muchos sentidos irreconocible desde las primeras unidades, conserva la ambición y el propósito que siempre han impulsado la gama CDJ: proporcionar una interfaz intuitiva y la

sensación como DJ, cada vez más real, de poder manipular la música que pinchas de cualquier forma imaginable (y de alguna otra forma que no hayas imaginado todavía).

presiona Key Sync para mezclar armónicamente. También puedes crear una gama más amplia de loops con el nuevo botón 8-Beat Loop, que se suma al control clásico de 4-Beat.

Cuando estás actuando, necesitas saber que los equipos pueden hacer realidad tu visión creativa y reproducir todo lo que le eches. Pioneer DJ ha diseñado el CDJ3000 para hacer eso y más. La nueva MPU en este modelo es la primera que ponemos en un CDJ. Controla la unidad, brinda un rendimiento estable y habilita nuevas funciones avanzadas, y es capaz de crear una experiencia de DJ más fluida con el resto de botones y otras partes del reproductor. Por ejemplo, notarás que las pistas y Hot Cues se cargan más rápido que nunca gracias a su capacidad de conexión entre la MPU y su conector Ethernet Gigabite. El CDJ-3000 también es un dispositivo de desbloqueo de hardware rekordbox. Por lo tanto, para usar el modo Performance, todo lo que necesitas es actualizar a la última versión del software, incluso si estás utilizando el plan de suscripción Free.

Las sensaciones son lo más importante cuando estás pinchando, tanto si estás haciendo un pequeño ajuste en el tono de una pista como si estás ejecutando la técnica de scratch más compleja. Se ha rediseñado el jog wheel del CDJ-3000 para crear el uso más fluido que en cualquier otro reproductor múltiple que hayamos creado. La latencia táctil también es mejor que nunca, y puedes usar la pantalla LCD en el centro del jog para controlar la posición del cabezal de reproducción y ver la portada del álbum de referencia.

Además, no sólo puedes escuchar como suenan las mejoras en el CDJ-3000, también las puedes ver. Puedes elegir la información que deseas ver, con un detalle nítido como el láser, en su pantalla táctil de 9 pulgadas, más grande y con una resolución más alta que la del CDJ-2000NXS2. Se ha mantenido la interfaz de usuario intuitiva para que te sientas como en casa, pero se ha agregado nuevos controles prácticos, como accesos directos, para que te sea más fácil saltar entre las diferentes categorías de tu colección de música. ¿Quieres mostrar lo que puedes hacer y crear música nueva sobre la marcha? Usa el diseño mejorado del CDJ-3000 como si estuvieras usando un instrumento musical. Ocho botones Hot Cue, el doble que el CDJ-2000NXS2, están dispuestos de izquierda a derecha debajo de la pantalla de forma de onda para dispararlos intuitivamente. Utiliza Beat Jump a través de los nuevos botones de hardware y

El CDJ-3000 ya está disponible con un PVR de 2.399 € IVA incluido. Descubre más en www.pioneerdj.com/es-es/

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DDJ-FLX6

CONTROLADOR DJ DE 4 CANALES

PIONEERDJ.COM

Merge FX nuevo Crea grandes subidas, y cambia sin problemas de estilos de música con una sola acción Jog Cutter Crea fácilmente efectos scratches, con una sola mano Jog wheels de gran tamaño Utiliza la visualización de la posición de la pista para estar alerta de la posición del cabezal de reproducción Sample scratc Carga los sonidos del sampler de rekordbox en los decks Plug and play Utiliza las funciones DJ Performance seleccionadas en rekordbox y Serato DJ Pro de forma gratuita

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Cora Novoa - Mixmag Spain #1

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REPORTAJE: Special Pioneer DJ 2021 news

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OPINIÓN: POST-COVID MUSIC & CULTURE WEEKEND: 24h horas de cultura y música para celebrar el fin de la pesadilla vírica

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