Cosentino C 20 21 by Cosentino

c architecture & everything else

20 21

contents

04 A Year of Extreme Events Luis Fernández-Galiano

Architecture

08 14 18 26

Civic Connection Kunsthaus Zürich by Chipperfield Public Void KAIT Plaza by Ishigami Expressionist Scream Munchmuseet by estudioHerreros Ceramic Vaults Imperial Kiln Museum by Zhu Pei

Arts

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Scenic Spiral The ‘Fidelio’ of Barkow Leibinger Story Containers The Drawings of Sergio García Live Flood Olafur Eliasson at Fondation Beyeler La Chanca in Color Carlos Pérez Siquier

Style

54 Maïmouna Guerresi Beyond the Border 60 Modernism in Chains Kengo Kuma in Barcelona 64 Monogiraud Emotional Art

Cosentino

70 74 78 82

Dekton BLOCK Grävlingen by Equator Studio Dekton VILLA Rosh Hanikra House by Moshe Zion Dekton Facade Innovation Technological Center by Blengini Ghirardelli EXPO2020 DUBAI Spain Pavilion by Amann-Cánovas-Maruri

Interior

106

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Poetics of Space Lucas y Hernández Gil in Madrid Albanian Aura Drita Kafè by Giusy Scalia Cosentino City Flagship Store in Barcelona Undulating Landscape Adjaye Associates in LA NATURAL STONE Cuenca Hanging Houses Renovation

Interview

132

112 García-Abril & Sancho In dialogue 122 Lucas & Galiano In dialogue 132 Heringer & Tato In dialogue

Travel

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144 154 164 176

Buenos Aires Argentina Tel Aviv Israel Vancouver Canada COSENTINO CITY Flagship Stores

Director Director Santiago Alfonso Rodríguez Director adjunto Deputy Director José Yuste Director de arte Art Director Miguel Fernández-Galiano Editado por Edited by Cosentino / Arquitectura Viva Diseño y producción editorial Graphic Design and Editing Arquitectura Viva S.L. Alberto Ballesteros Sandra Borge Cuca Flores Laura González Enrique Morillo Jesús Pascual Raquel Vázquez Traducción Translations Gina Cariño, Laura Mulas

Depósito Legal: M-14282-2014 ISSN: 2341-3867 Cubierta Cover © Roland Halbe Impreso en España Printed in Spain Esta revista está elaborada con papel libre de cloro This magazine is printed on chlorine-free paper

Martínez Cosentino ha tenido siempre la vocación de superar los desafíos más ambiciosos. A partir de 2014, con la revista C, Cosentino se propuso hacer una nueva aportación al ámbito de la arquitectura, en esta ocasión desde el campo de la comunicación, con la difusión de las mejores innovaciones, diseños y proyectos que contribuyen a hacer el mundo más sostenible y bello. a familia

he Martínez Cosentino family has al-

ways applied itself to meeting the most ambitious challenges. From 2014, with C magazine, Cosentino set out to contribute anew to the world of architecture but from a different field, that of communications, through information on the best and latest innovations, designs, and projects that make for a more sustainable and more beautiful world.

Un año de extremos

A Year of Extreme Events

Casa cubierta por ceniza en La Palma © AP Photo/ Emilio Morenatti

Luis Fernández-Galiano De la nieve a la lava, en España este ha sido un año de eventos extremos. Nada relaciona la borrasca Filomena con la erupción de Cumbre Vieja, pero ambos sobresaltos se producen mientras procuramos recuperarnos de una pandemia histórica que ha detenido la vida del planeta. Las ciudades vacías e inmóviles fueron una imagen tan emocionante como verlas cubiertas por una nieve unánime, o como contemplar las coladas de lava incandescente y los campos sepultados bajo un manto silencioso de ceniza, pero estos impactos estéticos no pueden ocultar las muertes y la angustia producidas por el virus, los daños y la parálisis urbana causados por la tormenta, o la desaparición de casas, cultivos y memorias bajo el imperio sordo del volcán. Encomendados a los saberes inciertos de epidemiólogos, meteorólogos y vulcanólogos queremos ignorar otros eventos que sacuden un mundo en emergencia climática: el shock geopolítico ocasionado por la retirada de Afganistán y el Aukus; el shock económico provocado por el encarecimiento del transporte de mercanías; y el shock energético que tiene origen en la difícil sustitución de los combustibles fósiles. El G-20 decidió no financiar centrales de carbón y fijó en 1,5°C el incremento de temperatura, pero sin China y Rusia el acuerdo es imposible de cumplir. Es bueno que el Nobel de Física se haya concedido a los pioneros en la modelización del clima, pero no necesitamos más verificación científica del calentamiento global, sino más compromisos políticos de reducción de gases de efecto invernadero. Y aunque cabe felicitarse de que la guerra arancelaria entre los EE UU y la UE haya disminuido su encono, las dificultades logísticas siguen nublando los intercambios comerciales, el repunte de la inflación arroja sombras sobre el futuro, y nuestro continente, debilitado por el Brexit o el ocaso de la OTAN, sigue teniendo su talón de Aquiles en la carencia de compañías tecnológicas y fuentes energéticas. Los reunidos en la COP26 de Glasgow han ofrecido el habitual aluvión de buenas palabras, pero no es fácil separar esa asamblea multitudinaria de los eventos extremos que puntean las vísperas del encuentro: el cierre de uno de los dos gaseoductos que llegan a España desde Argelia, la terminación del Nord Stream 2 que lleva el gas ruso hasta Alemania, la promoción por Francia de una nueva generación de centrales nucleares modulares, o el ensayo de un apagón general en Austria, intentando mejorar la preparación ante un suceso cada vez más probable, habida cuenta de la interconexión de redes y la verosimilitud de un accidente en cadena. El incremento del recibo de la luz es solo la punta del iceberg que dificulta los paisajes de la transición energética hacia fuentes renovables, un empeño colectivo imprescindible si queremos evitar que nuestro futuro inmediato se vea amenazado por más eventos extremos.

From snow to lava, in Spain this has been a year of extreme events. Nothing relates the Filomena storm with the eruption of Cumbre Vieja, but both scares happen when we try to recover from a historic pandemic that has halted the life of the planet. The image of empty and still cities was as moving as seeing them covered by unanimous snow, or as contemplating the tongues of incandescent lava and the fields buried under a silent blanket of ashes, but these aesthetic impacts cannot hide the deaths and anguish caused by the virus, the damages and urban paralysis provoked by the storm, or the loss of houses, crops, and memories under the deaf empire of the volcano. Holding on to the uncertain wisdom of epidemiologists, meteorologists, and volcanologists we want to ignore other events that shake a world in climate emergency: the geopolitical shock caused by the withdrawal from Afghanistan and the Aukus; the economic shock brought on by the rise in transport costs; and the energy shock derived from the difficulty in replacing fossil fuels. The G-20 decided not to finance coal plants and set at 1.5°C the increase in temperature, but without China or Russia the agreement is impossible to fulfill. It is a relief to know that the Nobel in Physics has gone to the pioneers in the creation of weather models, but today we do not need more proof of global warming, but more political commitments to reduce greenhouse gases. And though we must congratulate ourselves on the trade war truce reached by the US and the EU, logistic difficulties still cloud commercial exchanges, soaring inflation casts shadows on the future, and our continent, weakened by Brexit or the decline of NATO, still has its Achilles heel on the lack of technological companies and energy sources. Those gathered in Glasgow’s COP26 have duly offered the usual deluge of nice words and good intentions, but it is not easy to separate that mass summit from the extreme events that dot the eves of the meeting: the closing of one of the gas pipelines that reach Spain from Argelia, the completion of the Nord Stream 2 that takes Russian gas to Germany, France’s promotion of a new generation of modular nuclear stations, or the testing of a general blackout in Austria, trying to prepare for an event that is ever more probable, as the interconnection of networks makes a chain accident possible. The electricity bill is only the tip of an energy iceberg that menaces the landscapes of a transition towards renewable resources, a necessary collective effort that we must undertake if we want to avoid the menace of more extreme events in our immediate future.

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Architecture Civic Connection

Kunsthaus Zürich by Chipperfield

Public Void

KAIT Plaza by Ishigami

Expressionist Scream

Munchmuseet by estudioHerreros

Ceramic Vaults

Imperial Kiln Museum by Zhu Pei

Architecture Museum

Civic Connection

Kunsthaus Zürich by Chipperfield

Después de doce años de planificación y construcción, el estudio de David Chipperfield ha completado la ampliación de la Kuntshaus de Zúrich, una de las colecciones de arte más importantes de Suiza.

After twelve years of planning and construction, David Chipperfield Architects complete the expansion of the museum, which contains one of most important art collections in Switzerland.

La Kunsthaus es un edificio de 1910 que se encuentra en la céntrica Heimplatz de Zúrich. A diferencia de las anteriores, la nueva extensión no se agrega al conjunto preexistente, sino que se instala en el flanco opuesto de la plaza y queda conectada a él mediante una galería subterránea. El rotundo volumen rectangular da coherencia a un espacio urbano antes desdibujado y se integra en él al emplear en su fachada caliza del Jura, característica de la arquitectura de la región. Junto con la vecina Schauspielhaus, los tres edificios componen un nuevo recorrido artístico: el inicio de la milla cultural que conduce al conjunto universitario en el norte de la ciudad suiza. La ampliación se concibe como un bloque que cierra el borde norte de la Heimplatz y que, al otro lado, define un jardín urbano que podrá acoger diferentes intervenciones artísticas. Esta circunstancia motivó que la planta baja del museo se organizara en torno a un gran corredor central que comunica los dos ámbitos. La galería, accesible al público, refuerza la relación de la institución con la ciudad, y en sus extremos se delimita con grandes ventanales que contribuyen a conectar visualmente e integrar el museo con su entorno. Las partes del programa más públicas —como la cafetería, el salón de actos, la tienda o las aulas-taller— se distribuyen alrededor de este nuevo espacio cívico, mientras que las salas de exposición se colocan en las dos plantas superiores.

The Kunsthaus is a 1910 building located at Heimplatz, in the center of Zurich. Unlike the previous expansions, this one does not add itself to the preexisting ensemble, but rises on the other side of Heimplatz, and connects to the rest of the museum complex through an underground gallery. The bold rectangular volume gives coherence to an urban space that used to be unclear, and blends with it through a facade clad in the Jura limestone that is typical of architecture in the region. Hand in hand with the neighboring Schauspielhaus, the three volumes form a new ‘threshold to the arts’: the start of a mile-long cultural walk leading to the university grounds in the north part of Zurich. The extension building is conceived as a block that closes the northern border of Heimplatz, and which on the other side delimits an urban garden capable of accommodating different artistic interventions. This was a cue to arrange the museum’s ground level around a large central corridor that bridges both areas. Accessible to the general public, this gallery strengthens the institution’s relationship with the city, and the large windows at its far ends help to visually connect the museum to the surroundings and integrate it into the environs. The more public parts of the program – such as the café, an event hall, the museum store, and education services – are laid out around this new civic space, while the exhibition halls take up the two upper stories.

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La nueva Kunsthaus, unida bajo tierra con el edificio histórico, se organiza en torno a una gran galería central que comunica la Heimplatz con un jardín para el arte, convertido en un espacio abierto a la ciudad.

The new Kunsthaus Zürich, linked underground to the historical building, is organized around a publicly accessible hall that connects Heimplatz with an art garden that opens up to the city.

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Ground floor

Arquitectos Architects David Chipperfield Architects Berlin / David Chipperfield, Christoph Felger (socio, jefe de proyecto partner, design lead); Harald Müller (socio partner); Hans Krause (arquitecto concurso, diseño de concepto project architect competition, concept design); Barbara Koller (arquitecto proyecto básico, desarrollo de proyecto, desarrollo técnico project architect schematic design, design development, technical design); Jan Parth (arquitecto proyecto técnico, supervisión de obra project architect technical design, site design supervision); Markus Bauer (arquitecto adjunto deputy project architect, 2009-2014); Robert Westphal (arquitecto adjunto deputy project architect, 2015-2020); Wolfgang Baumeister, Leander Bulst, Beate Dauth, Kristen Finke, Pavel Frank, Anne Hengst, Ludwig Jahn, Frithjof Kahl, Guido Kappius, Jan-Philipp Neuer, Mariska Rohde, Diana Schaffrannek, Eva-Maria Stadelmann, Marc Warrington; Graphics, Visualisation: Konrad Basan, Dalia Liksaite, Maude Orban, Ken Polster, Antonia Schlegel, Simon Wiesmaier, Ute Zscharnt (equipo team); Ivan Dimitrov, Kristen Finke, Annette Flohrschütz, Pavel Frank, Gesche Gerber, Peter von Matuschka, Sebastian von Oppen, Mariska Rohde, Franziska Rusch, Lilli Scherner, Lani Tran Duc, Marc Warrington; Graphics, Visualisation: Dalia Liksaite, Antonia Schlegel, Ute Zscharnt (equipo concurso competition team) Consultores Consultants b + p baurealisation (arquitectos ejecutivos executive architects); Emmer Pfenninger Partner (consultores fachada facade consultant); Gruner, ContiSwiss (protección al fuego fire protection); IGB Ingenieurgruppe Bauen, dsp - Ingenieure & Planer, Ingenieurgemeinschaft Kunsthauserweiterung (estructura structure); Kopitsis Bauphysik (física de la construcción building physics); L2M3 Kommunikationsdesign (señalética signage); matí Lichtgestaltung, Institut für Tageslichttechnik (consultores iluminación lighting consultant); Niels Hochuli, Dreicon AG (supervisión global overall management); Polke, Ziege, von Moos, Hefti. Hess. Martignoni. (servicios MEP MEP services); Wirtz International, KOLB Landschaftsarchitektur (paisajismo landscape) Cliente Client Einfache Gesellschaft Kunsthaus Erweiterung – EGKE Fotos Photos Noshe

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Architecture Public Space

Public Void

KAIT Plaza by Ishigami

Concebido como un área semiexterior, el proyecto del estudio japonés de Junya Ishigami es a la vez un edificio y una plaza, y dota al campus universitario de un gran espacio polivalente.

Designed as a semioutdoor space, the project by the Japanese studio of Junya Ishigami is at the same time building and plaza, and gives the campus a large multipurpose area.

Tras inaugurar en 2008 los talleres para el KAIT (Instituto de Tecnología de Kanagawa en Atsugi) ciudad próxima a Tokio, el centro universitario no dudó en plantear un nuevo proyecto a la firma japonesa dirigida por Junya Ishigami. En esta ocasión, la propuesta responde a dos necesidades fundamentales: dar a los estudiantes un nuevo lugar de reunión, diferente a las otras zonas de descanso del campus, y dotar a la universidad de un espacio polivalente donde acoger todo tipo de eventos. El resultado es un vacío semiexterior que configura una plaza pública para el disfrute de los estudiantes. Rodeado de altos edificios educativos, el volumen busca ajustarse a la escala humana y se adapta suavemente al terreno mediante un tapiz continuo que invita a los visitantes a apropiarse del espacio al gusto, mientras que una ondulante cubierta se despliega a poca altura sobre él, tensando las relaciones entre los planos de suelo y techo. La cubierta lleva hasta sus últimas consecuencias la definición de versatilidad, salva portentosas luces sin apoyos interiores, y deja a resguardo un espacio diáfano que se siente al aire libre gracias a perforaciones rectangulares de gran formato. Construida con chapas de acero soldadas —de apenas 12 milímetros de espesor—, esta suerte de velarium se dilata y contrae en función de las temperaturas y se abre a un cielo que intensifica la tornadiza experiencia espacial.

After completing in 2008 the workshops for the Kanagawa Institute of Technology (KAIT) in Atsugi, a city thirty kilometers west of Tokyo, the university center had no doubt assigning this new project to the Japanese practice headed by Junya Ishigami. On this occasion, the proposal responds to two fundamental needs: to give students a new meeting space where they can socialize and take a break, and to provide the university with a multipurpose space to host all kinds of events. The final solution is a semi-exterior void that forms a public square for the enjoyment of students of the Kanagawa Institute. Surrounded by tall educational buildings, the one-story volume seeks giving the premises a human scale. As a continuous tapestry, it gently adapts to the irregular terrain and invites visitors to sit on the floor and take over the space as they please. The undulating roof spreads not far over them, tensing the relationship between floor and ceiling. Bringing the definition of versatility to an extreme, the roof spans extraordinary distances without interior supports, thereby protecting an uninterrupted space that feels like outdoors thanks to huge rectangular perforations above. Executed with welded steel plates hardly 12 millimeters thick, this velarium of sorts dilates and contracts in accordance with the temperature and opens up to a sky that intensifies the user’s shifting spatial experience.

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Foundation plan

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Floor plan

Arquitectos Architects Junya Ishigami (socio partner); Masayuki Asami (jefe de proyecto project manager); Taeko Abe (arquitecto de proyecto project architect) Equipo Team Shuma Tei, Motosuke Mandai, Sachie Morita, Toru Yamada, Federico Lepre Colaboradores Collaborators Jun Sato Structural Engineers Company Limited (estructuras structures); Konishi Structural Engineers (planificación estructura structures planning); Takasago Thermal Engineering Company Limited (equipo MEP MEP team); Kinden Corporation (consultor eléctrico electrical consultant) Cliente Client Kanagawa Institute of Technology Fotos Photos Junya Ishigami + Associates Roof plan

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Architecture Museum

Expressionist Scream Munchmuseet by estudioHerreros

La nueva sede del Museo Munch revisa la tipología museística para erigirse como un centro dinámico de la cultura contemporánea y como un elemento de cohesión en la comunidad de Oslo.

The new Munch Museum is a rethinking of the museum typology, and stands as a dynamic hub for contemporary culture as well as a cohesive element for the community of Oslo.

Tras un largo proceso iniciado en 2009 con un concurso internacional, el museo que acoge la nueva sede de la pinacoteca escandinava abrió finalmente sus puertas a finales de octubre. El proyecto a cargo del estudio fundado por Juan Herreros, junto a su socio Jens Richter, concibe el edificio no como un mero equipamiento para salvaguardar y difundir la obra de Edvard Munch sino como una revisión crítica de la tipología. El museo vertical desempeña un importante rol urbano y desplaza así el centro de gravedad de la capital noruega hacia su encuentro con el fiordo. La visita se realiza a través de un recorrido ascendente desde el vestíbulo (un espacio público que aloja usos lúdicos, comerciales, culturales y de restauración) hasta la cubierta. En este recorrido vertical el público descubre los programas complementarios que reflejan la complejidad del conjunto: salas de restauración, dependencias administrativas, una biblioteca o un centro educativo. En el exterior, una piel ondulada de aluminio perforado con diferentes grados de transparencia dota al volumen de una imagen enigmática y evanescente, que reacciona a los leves estímulos del clima ofreciendo un aspecto cambiante en función de la hora o de la estación. Los principios de mínima huella de carbono, sostenibilidad y reciclabilidad rigieron el proceso constructivo, centrado en la experimentación y la innovación, y convertido en un acontecimiento en sí mismo.

After a protracted process that began in 2009 with an international competition, the building that is the new home of the Scandinavian museum finally opened its doors at the end of October. The project, commissioned to the practice of Juan Herreros and his associate Jens Richter, conceives the construction not simply as a facility for the safeguarding and dissemination of the work of Edvard Munch, but as a critical revision of the museum typology. The vertical volume has an important role to play in the urban fabric, moving the Norwegian capital’s center of gravity towards its meeting with the fjord. An ascending visitor route connects the foyer (a public space featuring recreational, commercial, cultural, and hospitality uses) to the rooftop terraces. Along the way, museum-goers get an idea of the scheme’s complexity from the complementary programs they come across: restoration rooms, administrative offices, a library, an education center, and so on. On the outside, an undulating skin of perforated aluminum with varying degrees of transparency creates an enigmatic and evanescent image, reacting to slight climate stimuli through an appearance that changes with the time of day and with the seasons. The principles of minimal carbon footprint, sustainability, and recycling all had a part in determining the construction process, which, focused on experimentation and innovation, was an event in and of its own accord.

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Concebido como un hito en el paisaje natural del fiordo, y en diálogo con la Ópera de Snøhetta, el museo se divide en un zócalo de condición cívica y un cuerpo vertical, quebrado para no interrumpir las vistas.

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Conceived to be a landmark in the natural environs of the fjord, in dialogue with Snøhetta’s Opera House, the museum divides into a civic base and a vertical body, with irregularities preventing interruption of views.

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El sistema vertical de comunicaciones se concibe como un espacio público, un mirador a la ciudad, y como parte esencial del carácter heterodoxo que supone desarrollar un museo en torre.

The vertical circulation system is thought out as a public space in and of itself, a lookout over the city, and an essential part of the heterodoxy that goes with the very idea of a designing a museum in the form of a tower.

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Arquitectos Architects estudioHerreros / Juan Herreros, Jens Richter (socios partners), Gonzalo Rivas (responsable de proyecto project director), Beatriz Salinas, Carlos Canella, Andrea Molina, Paola Simone, Carlos Ramos, Iván Guerrero, Ana Torrecilla, Alberto Sánchez, María Franco, Raúl García, Frank Müller, Víctor Lacima, Carmen Antón, Ramón Bermúdez, Margarita Martínez, Luis Berríos-Negrón, Spencer Leaf, Verónica Meléndez, Xavier Robledo, Ricardo Robustini, Paula Vega (equipo team) Colaboradores Collaborators LPO Arkitekter (arquitecto local local architect), Bollinger + Grohmann, ARUP —anteproyecto— (fachadas facades), Asplan Viak (sostenibilidad sustainability), Multiconsult, Hjellnes Consult, Brekke & Strand Akustikk (ingeniería engineering) Rambøll Norge (ICT), COWI (seguridad security) Fotos Photos Adrià Goula (pp. 7, 8 arriba top, 9 arriba top, 10, 12-13), Ivar Kvaal (pp. 8-9), Roland Halbe (pp. 11, 13 abajo bottom)

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Architecture Museum

Ceramic Vaults

Imperial Kiln Museum by Zhu Pei

Junto a los vestigios de la que fuera una de las manufacturas de porcelana más activas de la China imperial, un nuevo museo se hace eco de las formas y materiales de los hornos cerámicos tradicionales.

Close to the ruins of what was the most important porcelain factory during the Ming Dynasty, a new museum echoes the forms and materials of traditional potterymaking ovens.

Considerada la cuna de la milenaria tradición cerámica de China, la ciudad de Jingdezhen lleva ligada a la alfarería desde que en el siglo xi los numerosos talleres que existían en la zona se convirtiesen en una manufactura al servicio de la corte imperial y, que más adelante, durante la dinastía Ming, llegaría a acaparar prácticamente toda la producción de porcelana del país. Junto a los restos de las históricas fábricas del conjunto, el estudio pekinés Zhu Pei ha construido un museo que pone en valor el pasado artesanal de la región y el estrecho vínculo con sus habitantes. Con una serie de estructuras abovedadas de hormigón de diferentes tamaños, curvaturas y longitudes, el edificio se hace eco de la forma de un horno tradicional e integra sensiblemente las ruinas existentes y otros restos encontrados durante la propia construcción. Las formas arqueadas del museo permiten una mejor adaptación al terreno pródigo en vestigios y se rehúnden en él para mantener un perfil bajo que no se imponga sobre los edificios circundantes. Las distintas galerías se distribuyen en el nivel inferior, semienterrado pero generosamente iluminado merced a cinco patios, y sobre él se desarrolla un recorrido que concatena los cavernosos espacios de las bóvedas. En el revestimiento de las mismas se emplean ladrillos reciclados, procedentes de la necesaria demolición que cada tres años exigen los hornos en activo para mantener su correcto rendimiento térmico.

Considered to be the birthplace of a millennarian tradition in China, the city of Jingdezhen has been linked to pottery since the eleventh century, when the many kilns and workshops in the region began producing at the service of the Imperial Court. Later on, during the Ming dynasty, the city would end up taking control of the entire production of porcelain in the country. Next to the remains of the historic buildings in the complex, the Beijing-based studio Zhu Pei has completed a museum that highlights the artisanal past of the region and the close ties with its people. With a series of vaulted concrete structures of different sizes, curvatures, and lengths, the building echoes the form of a traditional oven and carefully integrates the existing ruins and other remains found during the construction process. The arched forms of the museum permit a better adaptation to a terrain that is full of traces and remains, and are burrowed into the ground to maintain a low profile and to keep the new from lording over the old. The different galleries are organized in the lower level, partially buried but generously lit thanks to five courtyards, and over it unfurls a route that concatenates the cave-like spaces of the vaults. The concrete vaults are clad in bricks left over from previous constructions, as active kilns have to undergo demolition every three years if they are to maintain a good level of thermal performance.

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Continuando una práctica habitual en la ciudad, en el revestimiento de las bóvedas se emplean los ladrillos desechados en el remplazo de material que ocurre en los hornos en activo para mantener sus propiedades refractarias.

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Continuing with a usual practice in the city, the vaults are clad in bricks left over from previous constructions, as active kilns must be demolished every three years if they are to maintain their refractory properties.

Cliente Client Jingdezhen Municipal Bureau of Culture Radio Television Press Publication and Tourism, Jingdezhen Ceramic Culture Tourism Group. Arquitectos Architects Studio Zhu Pei / Zhu Pei (director design principal); Zhou Rong (crítico critic); Wang Mingxian, Li Xiangning (asesores artísticos art consultants); Shuhei Nakamura, He Fan, Han Mo, You Changchen, Zhang Shun, Liu Yian, Liu Ling, Wu Zhigang, Du Yang, Yang Shengchen, Chen Yida, He Chenglong, Ding Xinyue, Nie Wenhao (equipo team). Colaboradores Collaborators Architectural Design and Research Institute of Tsinghua University (estructura, instalaciones y sostenibilidad structure, MEP services and sustainability); Building Science & Technology Institute of Zhejiang University (acústica accoustics); Ning Field Lighting Design (iluminación lighting consultant); Shenzhen Dadi Facade Technology (fachada facade). Contratista Contractor China Construction First Group, Huajiang Construction. Fotos Photos Tian Fangfang (p. 26 arriba top), schranimage.

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Arts Scenic Spiral

The ‘Fidelio’ of Barkow Leibinger

Story Containers

The Drawings of Sergio García

Live Flood

Olafur Eliasson at Fondation Beyeler

La Chanca in Color Carlos Pérez Siquier

Arts Scenography

Scenic Spiral

En el 250 aniversario del nacimiento de Beethoven, el Theater an der Wien ha presentado un nuevo montaje de su ópera Fidelio, con una escenografía firmada por el estudio berlinés Barkow Leibinger.

To mark the 250th anniversary of Beethoven’s birth, the Theater an der Wien has presented a new scenography for Fidelio, with a set designed by Berlin-based studio Barkow Leibinger

La única ópera compuesta por Ludwig van Beethoven, Fidelio, no ha dejado de atraer a los melómanos desde su estreno en Viena en 1805. El nuevo montaje, una formidable escenografía con forma helicoidal, pretende evocar la prisión cercana a Sevilla donde el libreto sitúa la acción dramática. Marcada por profundos claroscuros, esta doble hélice crece con fuerza desde el suelo hasta configurar una suerte de topografía que crea un atmósfera oscura y sublime, muy acorde con el tono heroico de Fidelio, pero sin dejar de lado el potencial simbólico y escénico de su despliegue.

The only opera that Ludwig van Beethoven wrote, Fidelio, has never ceased to attract music connoisseurs since it premiered in Vienna in 1805. The new production of the work includes an imposing set shaped like a double helix that evokes the prison near Seville where the action takes place. Marked by strong chiaroscuros, this stepped double helix rises dramatically from the floor to form a topography that creates a dark and sublime atmosphere much in tune with the heroic tone of Fidelio, without neglecting the symbolic and scenic potential of its display.

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Photos: Iwan Baan

The ‘Fidelio’ of Barkow Leibinger

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La escenografía diseñada por Barkow Leibinger resuelve en un solo gesto toda la escena; su singularidad formal sirve de contrapunto dramático a la estructura clásica del teatro en herradura a la italiana.

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The scenography designed by Barkow Leibinger resolves the entire stage in a single stroke; its formal singularity provides a dramatic counterpoint to the theater’s Italian horseshoe set-up.

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Arts Comic

Story Containers

The Drawings of Sergio García

Sergio García es uno de los dibujantes de cómic experimental más célebres de Europa, labor que compagina con la docencia de esta misma disciplina en las universidades de Angulema y Granada.

Sergio García is one of the most experimental and prominent comic illustrators in Europe, a field to which he is also devoted as a teacher in Angoulême and in his alma mater, the University of Granada.

A partir de una muestra de los trabajos más representativos del artista se pueden intuir los tres conceptos que vertebran su proceso de investigación. El primero se basa en utilizar la narración multilineal para acabar con la distribución cuadriculada de la página, estrategia que favorece una lectura más ágil y dinámica. El segundo trata de acabar con el inveterado ‘formato-libro’; por ejemplo, el uso del póster aglutina en un solo dibujo toda la acción de la trama. Por último, uno de sus leitmotivs es el uso de los ‘contenedores de historias’, relatos dentro de una gran figura, como el de su reciente portada para The New Yorker.

Taking a sample of the most representative works by the artist gives an understanding of the three concepts that articulate his research process. The first is based on the use of multilinear narration to end with the squared distribution of the page, a strategy which favors a more agile, dynamic reading. The second tries to supersede the longstanding ‘book-format’; for instance, the use of the poster gathers the whole action of the plot in one single drawing. Lastly, one of his leitmotifs is the use of ‘story containers,’ stories within a large figure, as he did in his recent cover for The New Yorker.

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‘Georges Perec and Richard McGuire tribute’, EME 21, 2021. Color: Lola Moral.

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Frecuente en medios como El País o The New York Times, el dibujante acaba de publicar su primera portada en The New Yorker con un homenaje al famoso personaje Eustace Tilley en su 96 aniversario. His work often appears in prestigious newspapers like El País or The New York Times, and he has just published his first cover for The New Yorker, a tribute to Eustace Tilley on his 96th anniversary. Babelia, 2019. Art director, Diego Areso.

El País, 2020. Art director, Diego Areso.

‘The world after Coronavirus’, El Correo, 2020. Color: Lola Moral.

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The New Yorker, 2020. Art director, Françoise Mouly.

‘Eustace Tilley tribute’, The New Yorker, 2021. Art director, Françoise Mouly.

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Arts Exhibition

Live Flood

Con la instalación ‘Life’ el artista danés invita al espectador a la reflexión sobre las relaciones existentes entre la naturaleza y la cultura, desde un punto de vista ‘menos antropocéntrico y más biocéntrico’.

In ‘Life’ the Danish artist invites spectators to reflect on the existing connections between nature and culture, ‘not from a humancentric perspective, but from a broad, biocentric perspective’.

Olafur Eliasson (Copenhague, 1967) ha eliminado las ventanas del icónico edificio de la Fundación Beyeler, obra del arquitecto Renzo Piano, para desdibujar los límites construidos entre interior y exterior y unificar así durante las 24 horas del día el museo con su parque. La exposición presenta un ensayo estético único sobre el paisaje del futuro y se despoja de cualquier tipo de texto didáctico o explicativo, para así permitir al espectador una lectura intuitiva centrada únicamente en su experiencia sensitiva, a través de los distintos olores, sonidos y sensaciones del entorno.

Olafur Eliasson (Copenhagen, 1967) removed the glass facade from the iconic Fondation Beyeler building of Renzo Piano, blurring the physical boundaries between interior and exterior and bringing museum and surrounding park together twenty-four hours a day. The exhibition presents a model for future landscape, and is set out as a unique aesthetic experience. ‘Life’ comes without a didactic or explanatory text, letting visitors make an intuitive reading of the artwork shaped by their own perception, through the different smells and sounds in the environment.

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Olafur Eliasson at Fondation Beyeler

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Los visitantes pueden recorrer a través de pasarelas de madera el onírico paisaje acuático, que inunda con verdes aguas y luminiscentes nenúfares las inmaculadas salas blancas de la fundación. Visitors walk on timber walkways through the oneiric aquatic landscape, which fills the halls of the Fondation Beyeler with bright green water and plants like water lilies, shellflowers, ferns, and more.

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Open night and day, with neither doors nor windows limiting access, ‘Life’ changes its bright appearance in daylight to a fluorescent glow at night thanks to a combination of UV lights and uranine dye.

Abierta día y noche, sin puertas ni ventanas que limiten el acceso, la instalación cambia su brillante imagen diurna por una fluorescente nocturna, gracias a la unión de luz ultravioleta y tintes de uranina.

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Arts Photography

La Chanca in Color Carlos Pérez Siquier In memoriam

Nacido en Almería en 1930 y recientemente fallecido, Siquier fue una de las figuras más destacadas de la vanguardia fotográfica española, que exportó internacionalmente junto al grupo AFAL.

Born in Almería in 1930 and recently deceased, Siquier was one of the key figures of Spanish avantgarde photography, and his work with the AFAL group attracted international attention.

En 1956, tras finalizar sus estudios de fotografía, Carlos Pérez Siquier inició su dilatado relato sobre el vecindario de La Chanca, un arrabal de Almería edificado junto a la Alcazaba que desde finales del siglo xix quedó sumido en el abandono y que la posguerra hundió en la desolación. La belleza compositiva de sus fotografías se conjuga en equilibrio con el lenguaje documentalista habitual de su depurada producción pictórica, que reflejan con sinceridad y dignidad las desparramadas arquitecturas cubistas, sus empinadas callejuelas y las carentes condiciones en las que vivían sus vecinos.

In 1956, after completing photography studies, Carlos Pérez Siquier started a documentary project on La Chanca, a poor neighborhood by the Alcazaba quarry in Almería (southeast Spain). The town, already in a state of neglect in the late 19th century, was plunged into misery during the postwar years. The compositive beauty of his photographs is mixed with the usual documentary approach of his work, which offers a sincere and dignified portrait of the town’s scattered cubist architecture, its steep alleys, and the life of poverty and deprivation of its inhabitants.

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Siquier, en otro capítulo más de su trabajo sobre el barrio urcitano, acorta el plano de sus fotografías para reflejar las historias que cuentan sus hirsutos muros, los estratos calcáreos y sus virulentas grietas.

In another chapter of his documentary work on the neighborhood, Siquier took close up shots to capture the story behind the rough walls of the town’s buildings, the limestone strata, and the deep cracks on walls.

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A pesar de su vocación documentalista y de denuncia social, las imágenes de La Chanca siempre tuvieron la voluntad de dignificar y ensalzar a sus habitantes, para permitir que se mostraran tal como eran.

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While documenting reality and social injustice, Siquier’s photographs of La Chanca always gave a dignified image of the town’s people, letting them show themselves just as they were.

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Style Maïmouna Guerresi Beyond the Border

Modernism in Chains Kengo Kuma in Barcelona

Monogiraud Emotional Art

Style Fashion

MAÏMOUNA GUERRESI Beyond the Border

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Basada en su experiencia personal, forjada en los contrastes de la cultura europea y la africana, la artista ítalosenegalesa presenta a través de su obra la belleza de la diversidad.

Through her art, the Italian-Senegalese multimedia artist expresses the beauty of cultural diversity, based on her life-long experience between two cultures: European and African.

Left: Camouflage Zero One, Lambda Print, 2019. Top: Aisha, Lambda Print, 2015. ©Maïmouna Guerresi and courtesy of Mariane Ibrahim Gallery

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Top: Yaye Fall, Lambda Print, 2019. Right: Yaye Fall’s Baobab, Lambda Print, 2019. ©Maïmouna Guerresi and courtesy of Mariane Ibrahim Gallery

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Gran parte de su trabajo está dedicado al mundo de la mujer, en particular dentro de la cultura musulmana, y a los valores, la fuerza y el espíritu que ellas pueden aportar a la sociedad contemporánea.

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Most of her works are dedicated to the female world, and in particular within Muslim culture, highlighting the strength and the spiritual and cultural value that women can bring to society.

Red Balance, Lambda Print, 2018. ©Maïmouna Guerresi and courtesy of Mariane Ibrahim Gallery

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Style Intervention

Modernism IN CHAINS Kengo Kuma in Barcelona

La intervención en la emblemática Casa Batlló de Antoni Gaudí en Barcelona se inspira en el Mediterráneo, como exégesis de ‘su luz, su sombra, su cielo y su mar’, cristalizando en un marengo cortinaje de cadenas de aluminio. Las sensuales líneas de la arquitectura modernista de Gaudí se reinterpretan para poner en valor la antigua escalera de evacuación y, junto a la nueva en forma de caracol, obra de Chesneys Architectural, completar y enriquecer la experiencia del visitante. La materialidad de los eslabones metálicos y su gradación cromática captan la luz y la distribuyen a lo largo de todo el recorrido vertical.

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The intervention of the studio of Kengo Kuma in Antoni Gaudí’s Casa Batlló in Barcelona is inspired by the Mediterranean and ‘its light, its shade, its sky, and its sea,’ crystallizing in undulating aluminum mesh curtains. The sensual lines of Gaudí’s modernist architecture are reinterpreted here to highlight the presence of the old emergency staircase, and with the new spiral one, designed by Chesneys Architectural, enrich the experience of visitors to the emblematic building. The material quality of the link chains and their chromatic gradation capture and spread light over the vertical surfaces.

Arquitectos Architects: Kengo Kuma & Associates Equipo Team: Javier Villar Ruiz, Jaime Fernández Calvache, Gorka Beitia Zarandona, David Minton Albero, Mila Dimitrovska, Kimio Suzuki Luminarias Lighting Designer: Viabizzuno

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Paying tribute to the decoration of Gaudí’s light well, the installation of chain links presents a gradation of tones and glosses that darken in the course of the descent to the old coal bunkers found in the basement.

Para rendir homenaje a la decoración del patio de luces de Gaudí, el montaje de eslabones presenta una gradación de tonos y brillos que van oscureciéndose en el descenso hacia la antigua carbonera del sótano.

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Style Fashion

Monogiraud Emotional Art

La multidisciplinar artista argentina encuentra la belleza en objetos cotidianos, que resignifica y transforma en líricas imágenes atemporales impregnadas de su mundo interior.

The Argentinian artist works across disciplines to find beauty in everyday objects, to which she lends new meaning and transforms into lyrical, timeless images imbued with her essence.

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Left: Madre de luz. Top: Mensajera. ©Mono Giraud

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Top: Guardiana del fuego. Right: Tallo. ©Mono Giraud

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Su trabajo versa sobre lo intangible y lo inefable pero que no puede ser escondido, trascendiendo los objetos, telas o papeles, e incluso los personajes retratados para reflejar su ‘luz y alma’.

Through her work she explores the intangible and ineffable that cannot be concealed, transcending objects, fabrics or paper and even the characters portrayed to reflect their ‘light and soul.’

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Cosentino Dekton Block

Grävlingen by Equator Studio

Dekton Villa

Rosh Hanikra House by Moshe Zion

Dekton Facade

Innovation Technological Center by Blengini Ghirardelli

Expo2020 Dubai

Spain Pavilion by Amann-Cánovas-Maruri

Cosentino Architecture

DEKTON BLOCK Grävlingen by Equator Studio

En el centro de Estocolmo se encuentra este edificio histórico completamente renovado tras varios años de obras. Gracias a su nueva fachada en Dekton Keranium, el bloque de inmuebles Grävlingen ha pasado a ser un espacio acogedor y atractivo, adaptado a los nuevos hábitos del siglo xxi. El conjunto, que cuenta con más de 350 años de vida, ha sufrido numerosas renovaciones hasta reflejar el momento actual. La fachada replica —a través de las piezas de Dekton— las nervaduras verticales habituales en el barrio de Regeringsgatan y crea un interesante juego de luces y sombras. La innovadora propuesta, proyectada por el estudio Equator Stockholm, fue galardonada con el Premio Internacional de Arquitectura Macael a la mejor fachada de Europa en 2018. Para la elección del material se tuvieron en cuenta tanto las necesidades futuras del edificio como la conexión histórica con el barrio. Durante siglos, el barrio de Regeringsgatan ha albergado desde casas de madera hasta casas de piedra pulida, de modo que el bloque ha contado con varias fachadas y expresiones a lo largo de los años. Tras barajar varias opciones se optó por Dekton, un material ultracompacto resistente a los rayos UV, las inclemencias meteorológicas y la suciedad propia de un entorno urbano. El color de la fachada, de apariencia rocosa, genera una base visual sobre la que se apoya el edificio, para así aportar una sensación de solidez y consistencia.

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Located in Stockholm’s inner city center, this historic building has been completely refurbished after several years of work. Thanks to its new facade in Dekton Keranium, the Grävlingen block has been transformed into a welcoming and appealing space, adapted to the new habits of the 21st century. The block, with 350 years of history, that has shed skin many times to reflect the present. The facade uses Dekton pieces to mimick the vertical ribs that are so habitual in the buildings of Regeringsgatan quarter, and creates an interesting play of light and shadow. The original facade, designed by the architecture firm Equator Stockholm, won the International Award for Europe in the 2018 edition of the Macael Prizes. The choice of material was made with both future needs and connection to the history of the place in mind. For centuries, the Regeringsgatan neighborhood has housed everything from wooden houses to polished stone houses, so a common denominator over the years has been that it has had several facades and expressions. After considering several options, the architects chose Dekton, an ultracompact, city-proof material that is hightly resistant to UV rays and to harsh weather conditions. In this case moreover it could be used as a single material from the plinth all the way up. The warm brown stone-like material gives the property weight and a visual base to stand on, conveying a feeling of durability and security.

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La elección de Dekton Keranium ofrece un material ultracompacto, que resuelve la fachada desde el zócalo y se adapta de manera homogénea a las distintas necesidades que el proyecto requería.

Dekton Keranium was an optimum choice as it is an ultracompact material that could be used here from the plinth up, adapting to the different needs and future changes that the innovative project had to address.

Dekton Keranium

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Cosentino Architecture

DEKTON VILLA

Rosh Hanikra House by Moshe Zion

La villa Rosh Hanikra se sitúa en un kibbutz en el norte de Israel, en la costa mediterránea. La vista del mar se convierte en parte inseparable de la casa y en el hilo conductor que conecta interior y exterior. Con la visión del mar como eje vertebrador, Mosh Zion ha proyectado un espacio abierto y transparente, que se encuentra visualmente con el jardín y la piscina. El objetivo era conseguir un juego de elementos fríos y cálidos al combinar el uso de materiales que recuerdan al hormigón y que contrastan con la madera. La mezcla de diferentes planos en Dekton Kelya y Dekton Soke responde a este propósito y genera un gran dinamismo en las fachadas. Al entrar en la vivienda se percibe la calidez que ofrece la madera y la amplitud de la cocina abierta a los otros espacios de la casa. Esta estancia se resuelve con una isla en Dekton Radium, que la une con la zona de la piscina. El mayor reto de este proyecto ha sido convertir una vivienda de estilo rústico y tradicional en un diseño atractivo y moderno. Al observar la apariencia del edificio proyectado por Mosh Zion no se percibe que está edificado sobre una construcción preexistente, un cambio que ha sido posible gracias a las superficies en gran formato de Dekton instaladas sobre estructuras de aluminio. La fachada es una de las transformaciones con mayor visibilidad, y en el caso de la villa Rosh Hanikra el resultado es tan sorprendente que parece una casa de nueva construcción.

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Rosh Hanikra House is a villa located in a kibbutz in the north of Israel, on the Mediterranean coast. The sea views from the villa are an inseparable part of the house and the unifying feature connecting interior and exterior. Taking this view of the sea as a starting point, Moshe Zion has designed an open, transparent space with clear views over the garden and pool. The aim was to create a contrast between the coldness of the materials with the appearance of concrete and glass and the warmth of wood. The different planes in Dekton Kelya and Dekton Soke respond to this aim, also creating a sense of dynamism on the facade. The warmth of the wood and character of the open-plan kitchen, with its impressive Dekton Radium island connecting the interior with the pool area, embrace the visitor as they enter the home. One of the major challenges of this project was to revamp a rustic style home with a tiled roof into a modern and inspiring design. In terms of look and feel, no one would think that this house is a renovation of a traditional style home. The ‘miracle’ was made possible by the large-format Dekton surfaces installed on the aluminum structure. The facade renovation is probably one of the most visually impactful solutions to transform a house without significantly changing its internal structure. In the case of the Rosh Hanikra project, the result is so spectacular that it looks like a newly built villa.

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El empleo de las tablas Dekton en gran formato a lo largo de las distintas estancias consigue uniformidad en el proyecto y acentúa las conexiones visuales entre los espacios interiores y los exteriores.

The use of large-format Dekton surfaces in the different rooms of the house achieves uniformity throughout the project and stresses the visual connections between indoor and outdoor spaces.

Dekton Radium

Dekton Soke

Dekton Kelya

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Cosentino Architecture

DEKTON FACADE

Innovation Technological Center by Blengini Ghirardelli

El ITC (Centro Tecnológico de Innovación) es el nuevo edificio, obra del estudio milanés de SBGA Blengini Ghirardelli, para el campus de la firma italiana AEC Illuminazione, situado en la región de la Toscana a las afueras de la pequeña población de Castelnuovo. A través de formas geométricas puras y simples, el proyecto procura la convivencia entre espacios técnicos y zonas públicas, fomentando así la relación entre los distintos departamentos y trabajadores. Dividido en tres niveles, los programas tecnológicos como laboratorios y salas de pruebas —que requerían de dobles y triples alturas— se ubican en las plantas bajas, para dejar las oficinas y zonas de investigación en el último nivel. La propuesta busca introducir el cercano paisaje toscano en el interior. El amplio cerramiento acristalado contrasta con la zona norte, donde se emplaza una de las fachadas en Dekton más grandes de Europa, con el acabado Domoos de la Solid Collection, para responder a los criterios de sostenibilidad e innovación de la empresa italiana. Las grandes piezas, de hasta 320x144 cm, se han dispuesto en esta ocasión sobre una fachada ventilada sobre un sistema de anclajes fijos tipo Keil. El edificio se completa con una cubierta de claraboyas que aportan la luz necesaria en los puestos de trabajo. Los sistemas técnicos y paneles fotovoltaicos se ubican en la cubierta, ocultos por la cornisa para evitar la tradicional imagen asociada a las arquitecturas industriales.

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The ITC (Innovation Technological Center) is a new building designed by the Milanese studio SBGA Blengini Ghirardelli for AEC Illuminazione. It is located within the company’s central headquarters outside Castelnuovo, a small town in the Tuscany region of Italy. Using clean and simple geometric lines, the project makes technical areas and public spaces coexist, encouraging communication between different departments. The building is organized in three levels, with technological programs such as a laboratories and testing rooms – which required double and triple heights – on the ground and first levels and research offices on the upper floor. The project seeks bringing in the surrounding natural landscape into the building. The large glass enclosure creates a contrast with the striking northern facade, which is one of the largest Dekton facades in Europe. This facade is made of Dekton Domoos, an almost black shade from the Solid Collection, which fulfills the sustainability and innovation criteria of the Italian company. The large slabs, measuring up to 320x144 cm, are placed on a ventilated facade that uses a Keil-type fixed anchoring system. The building is rounded off with a skylight roof that brings light into the workspace. The technical systems and photovoltaic panels are located above the roof, concealed by a cornice to avoid the traditional image of factory buildings.

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La elección de Dekton Domoos en piezas de grandes dimensiones ha permitido adaptarse al despiece de las carpinterías de vidrio y a la modulación del edificio, ofreciendo un acabado sostenible y resistente.

Dekton Domoos

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The choice of Dekton Domoos in large-format slabs has allowed adapting to the detailing of the window frames and to the modulation of the building, offering a sustainable and resistant finish.

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Cosentino Expo

EXPO2020 Dubai

Spain Pavilion by Amann-Cánovas-Maruri

Bajo el lema ‘Connecting Minds, Creating the Future’, la Exposición Universal de Dubái acogerá hasta el 31 de marzo de 2022 las contribuciones al desarrollo de las naciones participantes, con el espíritu de estrechar lazos y afrontar los desafíos actuales de forma conjunta. Movilidad, oportunidad y sostenibilidad son los hilos conductores que articulan conceptualmente el gran acontecimiento, leitmotivs que se materializan en el recinto con tres grandes distritos temáticos. El estudio madrileño Amann-Cánovas-Maruri es el autor del Pabellón de España, un juego de ligeras estructuras cónicas con vocación bioclimática ubicado en el distrito de la Sostenibilidad, una suerte de plaza cubierta que acogerá las contribuciones a la sociedad y los proyectos de futuro de sello patrio, haciendo asimismo especial énfasis en la tradición y la herencia recibida de la cultura árabe. Con el afán de reciclar hasta el 90% de los elementos al concluir la muestra, en la construcción se han empleado materiales sostenibles y versátiles, entre los que destacan los que ha aportado Cosentino en consonancia con los valores de la Expo. El pabellón hace gala de una amplia gama de productos Dekton en los solados, como los revestimientos Radium de la galería expositiva principal o las piezas Dekton Halo que relucen en el icónico atrio presidido por la instalación artística de Daniel Canogar. Con su selecto catálogo de acabados, Silestone está por su parte presente en las barras e islas del área de restauración que completa la oferta cultural de la propuesta española.

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Under the motto ‘Connecting Minds, Creating the Future,’ the Universal Expo of Dubai will harbor until 31 March 2022 the contributions to development of the participating nations, with the purpose of strengthening links and facing the current challenges jointly. Mobility, opportunity, and sustainability are the guiding threads that conceptually articulate the grand event, leit motifs that materialize on site as three large thematic districts. The Madridbased studio Amann-Cánovas-Maruri has designed the Spanish Pavilion, a series of light cone-shaped bioclimatic structures that go up in the Sustainability district, a sort of covered plaza showcasing Spain’s contributions to society and its projects for the future, focussing particularly on the tradition and heritage received from Arab culture. Having set out the goal of recycling 90% of the elements when the event is over, sustainable and versatile materials have been used in the construction, including those provided by Cosentino in keeping with the values of the Expo. The pavilion features a wide range of Dekton products on floors, such as the Radium claddings of the main exhibition gallery or the Dekton Halo pieces that shine in the iconic atrium presided by the artistic installation of Daniel Canogar. With its select repertoire of finishes, Silestone is used for the countertops and islands of the bar and restaurant areas, rounding off the cultural content of the Spanish proposal.

Cliente Client: Acción Cultural Española Arquitectos Architects: Atxu Amann, Andrés Cánovas, Nicolás Maruri Equipo Team: Denis Calle, Pablo Sigüenza, Joachim Kraft, Borja Aznar, Almudena Sánchez-Buitrago, David Jiménez, Alexandra Torres de Ayala

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The spaces under the colorful truncated cones harbor different activities at ground level and incorporate climate-control strategies achieving a high degree of comfort with barely any energy use.

Los espacios bajo las coloridas estructuras troncocónicas acogen distintas actividades al nivel de la calle e integran estrategias de aclimatación pasiva que logran un alto confort sin apenas gasto energético.

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The choice of Dekton products for the floors of the main spaces in the pavilion gives each one of them a unique character and contributes to the sustainability and efficiency commitments that inspire the Expo.

Dekton Stonika Arga

Dekton Xgloss Halo

Dekton Radium

Dekton Kreta

La elección de productos Dekton en el solado de los espacios principales del pabellón hace posible dar un carácter único a cada uno y sumarse al compromiso sostenible y eficiente que vertebra la Exposición Universal.

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Interior Poetics of Space

Lucas y Hernández Gil in Madrid

Albanian Aura

Drita Kafè by Giusy Scalia

Cosentino City

Flagship Store in Barcelona

Undulating Landscape Adjaye Associates in LA

Natural Stone

Cuenca Hanging Houses Renovation

Interior Housing

Poetics of Space

Ubicada en un antiguo local comercial con acceso directo desde la calle, Lucas y Hernández Gil conciben esta vivienda como una mezcla entre la casa mediterránea —introvertida y asomada a un patio— y la casa fenomenológica descrita por Gaston Bachelard, un espacio regido por el poder de la imaginación. La eficacia funcional y climática de la primera convive con la capacidad de trascender la realidad de la segunda. Esto es posible gracias al protagonismo que se ha dado a la luz, introducida en el atrio a través de lucernarios, huecos e incluso un patio inglés ajardinado que funciona como una especie de oasis urbano, casi tropical, al que vuelca oníricamente todo el nivel inferior de la casa. Desde el punto de vista funcional, dado el amplio programa y el carácter lineal de la casa, el reto fue resolver todas las circulaciones entre las distintas partes y niveles. La solución consistió en concatenar una serie de atmósferas diferentes, cuyas cualidades particulares son el fruto de la conjugación libre de la geometría, la iluminación y el color. En la gama de acabados escogidos los tonos cálidos cohabitan con otras texturas más frías, que confieren un remarcado carácter industrial.

90 C 2021

Occupying what used to be a store with direct access from the street, this dwelling is conceived as a mix between the Mediterranean house – introverted and spilling out onto a courtyard – and the phenomenological house as described by French philosopher Gaston Bachelard: a space governed by the power of imagination. The former’s functional and climatic efficiency thus combines with the latter’s capacity to transcend reality, and this is possible thanks to the importance given to sunlight, which shines into the atrium through skylights, windows, and even a light well that functions as a sort of urban oasis, almost tropical, onto which the entire lower level of the house flows, as in a dream. From a functional angle, and given the extensive program and the linear composition of the house, another challenge was to resolve the circulation between the elements and levels. The solution was to concatenate a series of different atmospheres whose particular qualities result from a free interaction of geometry, lighting, and color. In the interior spaces warm finishes are placed side by side with other colder textures that give the dwelling a more industrial character.

Photos: José Hevia

Lucas y Hernández Gil in Madrid

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La escalera, situada en el corazón de la casa, conecta las dos partes; la transición del mundo real al onírico reforzada por la utilización de gamas cromáticas basadas en los campos de color de Rothko.

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The staircase, located in the heart of the house, connects the two main elements; the transition from the real to the dream world reinforced by the use of color gamuts based on Rothko’s color fields.

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Interior Renovation

Albanian Aura Drita Kafè by Giusy Scalia

«Drita» significa luz en albanés. Pero una luz especial, aquella que reflejan las aguas del mar Adriático y la arena de las playas albanesas. Esa atmósfera de naturaleza idílica y verano sin fin es la que busca recrear el Drita Kafè, un local situado en Piana degli Albanesi, un pueblo montañoso de Sicilia fundado hace más de cinco siglos por habitantes albanos. ¿Cómo ampliar las posibilidades de un local pequeño? Dekton Entzo recrea un mármol de Calacatta que consigue atrapar la calidez de la luz y su veta vaporosa de brillos dorados le confiere una personalidad propia que enriquece el interior. Esa propiedad es la que ha aprovechado con inteligencia la diseñadora e ingeniera Giusy Scalia para iluminar y ampliar un local de dimensiones reducidas. Dekton Entzo, en su grosor de 0,8 centímetros, se ha empleado tanto en los revestimientos de las paredes como en las superficies horizontales, desde donde se extiende hasta el suelo para dar una sensación de uniformidad. El conjunto lo completan las mesas y barras en Dekton Entzo —de 2,0 y 1,2 centímetros—, que además de aportar valor estético consiguen que los dueños del Drita Kafè cuenten con unas superficies fáciles de limpiar y muy resistentes al paso del tiempo.

94 C 2021

“Drita” means light in Albanian, but a very special light, in particular, the light reflected by the turquoise waters of the Adriatic Sea and by the white sand of Albania’s beaches. This atmosphere of idyllic nature and endless summers is what the Drita Kafè recreates. The small shop is located in Piana degli Albanesi, a Sicilian town between mountains and founded over five centuries ago by Albanians. How to maximize the potential of a small café? Dekton Entzo is inspired by Calacatta marble and its warm light; its golden veins define a distinctive personality that enriches any interior space. The designer and engineer Giusy Scalia has managed to make the most of its property to illuminate and enlarge a narrow space. Dekton Entzo, in its 0.8-centimeter thick format, has been used to clad the walls and the table areas, from which it stretches to the floor to give the space a uniform image. The design is completed with Dekton Entzo tables and countertops – of 2.0 and 1.2 centimeters –, which aside from adding aesthetic value, also ensure that the Drita Kafè owners will have easy-to-clean, scratch-resistant, and long-lasting surfaces.

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Dekton Entzo se combina en esta cafetería tanto en las paredes como en el suelo y el mobiliario, con el fin de conseguir una imagen uniforme y continua en todas las superficies del local.

Dekton Entzo is the main choice for the surfaces in this café, where it is used on walls and floors and also for the furniture, with the objective of giving the whole space a uniform and continuous image.

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Interior Flagship Store

COSENTINO CITY Flagship Store in Barcelona

En el 497 de la Avenida Diagonal en la Ciudad Condal se sitúa un nuevo espacio Cosentino City, el número trece en el mundo y el segundo a nivel nacional. El showroom de la empresa española busca convertirse en un punto de encuentro para los grandes estudios ya asentados y en un espacio de referencia para las jóvenes firmas emergentes. Bajo el lema ‘Get Inspired’, el equipo de Cosentino propone un nuevo concepto de ‘City’, donde la digitalización, la experimentación, los materiales de gran formato y las aplicaciones de arquitectura contribuyen a ensalzar la belleza, funcionalidad y prestaciones de sus principales marcas (Silestone, Dekton, Sensa). Con más de 700m² repartidos en tres plantas, en el centro del espacio expositivo se ubica el Atelier Lab, que presenta una zona de trabajo y una extensa biblioteca con una gran variedad de materiales —desde papeles decorativos y telas a griferías y soluciones de iluminación— donde tanto arquitectos como diseñadores pueden encontrar inspiración y desarrollar todo tipo de proyectos, trabajar sus diseños finales y obtener moodboards en formato digital, como si de sus propios estudios se tratase. Con una estética basada en el look industrial neoyorquino, en el nuevo espacio conviven el ladrillo y las instalaciones vistas en distintos grises y óxidos, que le dan una imagen fuerte y rompedora, con los colores y estilos más clásicos de los acabados marmóreos.

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Avinguda Diagonal 497 is home to Cosentino City Barcelona, which makes number 13 of this type of venue around the world, and the second in Spain. The new showroom, located on one of the busiest avenues of Barcelona, aims to become a meeting point in the city for established architecture practices and a reference center for young emerging teams. Under the motto ‘Get Inspired,’ the Cosentino team proposes a new take on the ‘City’ concept, where digitalization, experimentation, large-format materials and their application in architecture play a major role in enhancing the beauty, functionality and performance of key company brands like Silestone, Dekton, and Sensa. With an area of 700m², Cosentino City Barcelona takes up three floors of multifunctional spaces. The heart of the showroom is Atelier Lab, devised as a workspace and complete library of materials – from wallpapers and fabrics to handles, taps, and lighting – where architects and designers can find inspiration and develop a wide range of projects, work on their final designs, and obtain moodboards in digital format, as if they were working from their own studios. The interior design of the premises is inspired by the New York industrial look, with exposed brickwork and installations throughout the showroom that give it a strong, groundbreaking image, mixing the gray and rust hues of this aesthetic with the classic style and colors of marble finishes.

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Cosentino City Barcelona ofrece a los profesionales, una gran variedad de posibilidades, como galería de materiales y productos, zonas digitales y de realidad aumentada, mock-ups o espacios para eventos y exposiciones.

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Cosentino City Barcelona offers designers and architects a huge variety of possibilities, such as a library of materials and products, digital and augmented reality areas, mock-ups, and spaces for events and exhibitions.

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Interior Renovation

Undulating Landscape

La última tienda insignia de The Webster, una joven firma de productos de lujo, ocupa el chaflán curvo del icónico Beverly Center, el centro comercial brutalista de ocho plantas situado entre Beverly Hills y West Hollywood, que desde los ochenta alberga tiendas de lujo, restaurantes de moda y salas de cine. Como una rara avis en la ciudad del coche por excelencia, bajo el gran voladizo de entrada la tienda propuesta por Adjaye Associates cede a la ciudad parte de su superficie comercial y configura un espacio público peatonal a modo de oasis urbano, con una pared digital, una escultórica fuente y bancos corridos, que anteceden un paisaje de orgánicas formas que moldean los muebles expositores, todos elaborados en hormigón rosáceo encofrado in situ. En la entrada principal, la gran ventana panorámica curva desdibuja el límite entre el espacio público y el comercio interior. La descarnada materialidad pone de relieve los productos en muestra, pero la atmósfera interior se enriquece con la alternancia de texturas de hormigón y un tinte rosa que la saturada luz del Pacífico acentúa, consiguiendo generar una experiencia que trasciende la mera intención transaccional de una tienda.

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The latest store – and the first one in Los Angeles – for the young luxury fashion house The Webster takes up the curved corner of the iconic Beverly Center, an eight-floor bulk raised in the 1980s on an entire block between Beverly Hills and West Hollywood, and which has since provided Angelenos with high-end stores, popular restaurants, and moviehouses. The new boutique by Adjaye Associates cedes part of its commercial space to create something which is a rarity in the metropolis where the automobile reigns supreme: a public pedestrian zone conceived as an urban oasis, with a digital wall, a sculptural fountain, and long benches preceding a landscape of organic forms that serve as retail display furniture, all of them made of concrete poured into formworks on the site. In the main entrance, the large curved panoramic window blurs the boundaries between the public space and the stores inside. The stark materiality of these elements draws attention to the products on sale, but the atmosphere of the boutique is enriched by the alternation of concrete textures and a pink tone that the saturated Pacific light accentuates, giving shoppers an experience way beyond the transactional purpose of a store.

Photos: Dror Baldinger

Adjaye Associates in LA

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La nueva fachada en voladizo se yuxtapone a la estructura monolítica de ocho pisos, aportando un contrapunto escultórico y experiencial al concepto comercial del mall original y haciendo referencia a su imagen brutalista. Juxtaposed beneath the monolithic eight-story structure, the new cantilevered facade offers a sculptural and experiential counterpoint to the mall’s retail concept while referencing the original building’s brutalist shell.

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Interior Renovation

Natural Stone Cuenca Hanging Houses Renovation by Redondo Soria Arquitectos

La ciudad fortificada de Cuenca, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, tiene como máximo exponente el enclave de las Casas Colgadas, tres pretéritos edificios residenciales de estilo gótico que se asoman en voladizo sobre la hoz del río Huécar. El estudio local Redondo Soria Arquitectos ha llevado a cabo una extensa labor de rehabilitación del histórico conjunto, que data del siglo xvi, tanto en sus espacios exteriores como en las salas interiores, que albergan el conspicuo Museo de Arte Abstracto Español y un conocido restaurante. El proyecto, bajo el mandato del respeto al patrimonio junto a la utilización de un lenguaje rotundo y abstracto, propone una reordenación y optimización de los espacios para mejorar la accesibilidad al edificio. El hilo conductor entre las nuevas intervenciones es el uso predominante de la Piedra Natural de Cosentino, empleada en distintas superficies y colores, desde los solados al propio mobiliario. De este modo, encontramos una nueva escalera revestida de granito en color Negro Zimbawe, una pequeña cava para la degustación de vinos en un pulido acabado Ónix y una nueva sala en el espacio bajocubierta, fruto de la demolición del forjado y la resignifiación de un espacio en muy mal estado de conservación. En su conjunto, la renovación de las Casas Colgadas logra una armonía entre el recinto patrimonial y las experiencias artísticas y culinarias que se ofrecen en el interior de este emblema de la ciudad.

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The fortified city of Cuenca, listed as a UNESCO World Heritage Site, is most resoundingly represented by its Hanging Houses, three originally residential buildings rendered in Gothic style that cantilever vertiginously over the Huécar river gorge. The local firm Redondo Soria Arquitectos has done a thorough job of redeveloping the historical complex, which dates back to the 16th century. This means the exterior and the interior areas alike, including the renowned Museum of Spanish Abstract Art and a famous restaurant. Carried out under a mandate of respect for heritage and in pursuit of a bold abstract language, the project rearranges and optimizes the spaces with a view to making the building and its parts more accessible. The thread that holds together the latest interventions is the predominance of Natural Stone Tiles by Cosentino, used in different sizes and colors on everything from flooring to furniture. Thus we find a new staircase clad in granite of a black Zimbawe color tone, a small wine-tasting cellar presenting a polished onyx-like finish, and a new hall directly under the roof, the result of tearing down the slab and repurposing a space which was in a poor state of preservation. Overall, the renovation of the Hanging Houses of Cuenca achieves a sense of harmony between the historical enclave on one hand, and the artistic and gastronomical experiences that are offered in the interiors of the walled town’s principal emblem.

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Las nuevas intervenciones se distinguen por el riguroso uso de la gama Scalea Piedra Natural de Cosentino en una amplia paleta de colores, aportando la rotundidad y atemporalidad propias de este resistente material.

The new interventions are distinctive in their rigorous use of Cosentino’s Scalea Natural Stone in a wide palette of colors, appropriating the solidness and timelessness of this resistant material.

Piedra Natural de Cosentino

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Interview García-Abril & Sancho In Dialogue

Lucas & Galiano In Dialogue

Heringer & Tato In Dialogue

Interview Conversation

García-Abril & Sancho in dialogue

Juan Carlos Sancho (San Sebastián, 1957) dialoga con su colega y amigo Antón GarcíaAbril (Madrid, 1969) sobre arquitectura industrializada y cómo esta puede transformar la profesión en el futuro.

Photos: Miguel Galiano

Juan Carlos Sancho (San Sebastián, 1957) speaks with his colleague and friend Antón García-Abril (Madrid, 1969) on industrialized architecture and how it can transform the profession in the future.

Los arquitectos se encuentran en la Fábrica, un laboratorio de prototipado y fabricación del propio estudio de Antón García-Abril en Madrid. Además de servir como lugar de trabajo, el edificio es en sí un ensayo de la tecnología híbrida de acero y hormigón que han desarrollado a lo largo de los años. Juan Carlos Sancho: Hace muchos años que nos conocemos, casi treinta, desde que eras estudiante en la escuela de Madrid. Viéndolo hoy retrospectivamente, me parece muy importante ver cómo ha sido tu trayectoria desde tus primeros proyectos en la universidad. Antón García-Abril: Recuerdo mis proyectos de escuela. Creo que todos y cada uno de ellos, porque no creo que haya cambiado en nada la intensidad y la pasión que le ponía a los proyectos en aquella época a los que hago ahora. Recuerdo los que hice con vosotros cuando aún estabas en la unidad de Alberto Campo y también mi fin de carrera y el cabreo que me cogí cuando saqué una nota que en realidad me merecía… JCS: Ya entonces eras muy provocador y tenías las cosas muy claras. AGA: Al revés. Fui creciendo como arqui-

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tecto con dificultad y esfuerzo. No aprendí arquitectura con naturalidad y facilidad, como sí que vi en muchos compañeros, sino con esfuerzo, mucho tiempo y trabajo. JCS: Recuerdo tu primer proyecto, una dovela donde lo estructural, lo mecánico y lo material ya se unían, conformando lo que hoy es casi un leitmotiv de tu trabajo, y que después se convirtió en cierta medida en aquella estructura que construisteis en

«No aprendí arquitectura con naturalidad, sino con esfuerzo y mucho trabajo» México. Pero en ese momento yo por lo menos no acertaba a ver lo que había, la belleza de esa dovela, de cómo se apoyaba… AGA: El proyecto de México fue el resultado, diez años después, de seguir trabajando con un ejercicio académico. Ese proyecto quedó abierto, sin resolver, ya que no sabía cómo se encontraba con el suelo. En el espacio académico esa pieza volaba, porque no sabía cómo resolver unas columnas que desligaran la representación de su forma, su figura de su condición portante. Unas cariátides con un

lenguaje más contemporáneo. Bueno, pues eso llevó diez años, pero el ejercicio continuó. JCS: Como continuación de tu formación estuviste trabajando en varios estudios: en el nuestro, en el de Alberto Campo y en el de Santiago Calatrava —cuando era un arquitecto emergente— hasta que después acabas recibiendo la beca de Roma y finalmente, como culmen de esa etapa, construyendo la Escuela de Altos Estudios Musicales de Santiago de Compostela. AGA: Nunca consideré nada de eso un trabajo ni una profesión, para mí era simplemente una extensión académica, y eso fue fundamental. Roma a mí me condiciona, como de alguna manera condiciona a todos los arquitectos que han estado ahí. Te configura una manera de pensar, y el primer proyecto que construimos, que es la Escuela de Estudios Musicales, creo que contiene todo eso. Fui a pedirle trabajo a Rafael Moneo cuando era estudiante y me dijo, con muy buen criterio, que él no trabajaba con estudiantes, que necesitaba arquitectos a tiempo completo, pero que fuera a verle de vez en cuando. No sé si lo dijo con la boca pequeña, pero le tomé la palabra y, desde entonces cada

The architects are in the Fábrica, a prototypes research and fabrication laboratory of Antón García-Abril’s own studio in Madrid. Besides serving as a workplace, the building is in itself a trial of the hybrid technology of steel and concrete that Ensamble has been developing over the years. Juan Carlos Sancho: We’ve known each other for many years, almost thirty. You were a student at the Madrid School of Architecture. Looking back now, I think it’s important to trace your path since your early projects in university. Antón García-Abril: I remember the school projects, and I mean all of them, every single one of them, because I believe there’s no difference, in intensity and passion, between the projects I drew up at school and those I do now. I recall those I did with you when you were still under Alberto Campo. I remember my final-year project and the rage I felt when I got a grade which, in truth, I deserved… JCS: Even then, early on, you were very provocative and so sure about things. AGA: On the contrary. It was a hard learning process, requiring effort. I didn’t learn architecture with natural ease, as I saw many classmates do. I learned with effort. It took

time and plenty of hard work. JCS: I recall your first project, a keystone where the structural, the mechanical, and the material already came together, shaping what is today almost a leitmotif in your work, and which in a way later became the structure you built in Mexico. But at the time, I, for one, failed to see all that was there: the beauty of the keystone, how it rested…

“I didn’t learn architecture with natural ease. I learned with effort. It took time and hard work.” AGA: The Mexican project was the result, after ten years, of continuing an academic exercise. The school project was left open, unresolved, since no one knew how it met the ground. The piece was suspended in air, I didn’t know how to make columns where the representation of their form, their figure, was detached from their loadbearing function. Caryatids rendered in a more contemporary language. Well, ten years had passed, but the exercise continued.

JCS: As a continuation of your training you worked in various firms – in ours, in Alberto Campo’s, and in Santiago Calatrava’s, when he was an emerging architect – until you obtained the Rome scholarship and then built the Musical Studies Center in Santiago de Compostela, culminating that period. AGA: For me, none of it was work or professional practice, but simply continuing education, and that was fundamental. Rome conditioned me, as it does all architects who have been there. It configures in you a manner of thinking, and I think the first project we carried out, the School of Musical Studies, contains all that. As a student I went to ask Rafael Moneo for work, and with good judgment he said that he didn’t work with students, that he needed architects on a fulltime basis, but that I should drop by now and then. He may have said this half-heartedly but I took his word for it, and so every three or four months I would pay him a visit and get my private class. Sometimes it lasted a minute and a half, other times the whole afternoon, depending on how busy he was. The last time I asked to see him, it was to show him the Santiago school, when it was already built. I put together a dossier and

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called him. “I would like to go for the last time,” I said, as if saying that I was going with my final academic assignment. With his glasses on, Rafael skimmed through it without uttering a word. Then he just said: “I’ll go see it.” He fulfilled this two or three years later, but for me it marked the end of a period. JCS: Seen from outside, it was a clear turning point. A new phase began, with a change of chip. Débora came into the picture as partner in work and life, and your practice began a strong period with two pieces, two formidable icons. And I can say that I have lived in both: The Truffle and Hemeroscopium. These were two reference points, two ways of understanding things. There was a duplicity of innovation, of research… AGA: Actually, everything started in the second project we were to carry out in Santiago de Compostela, the offices for SGAE (General Society of Authors and Publishers). We worked on it as architects, engineers, and builders. And it was there that we truly began to enjoy architecture. This was something that had been lacking in our early works, so we now decided that from there onwards, our architecture could only survive if we built it ourselves. The decision reduced our stock of clients substantially, but broadened our horizons in terms of what architecture was, and of what it was to be an architect. On these principles we built up our model for work and professional practice, and thanks to this, we were able to carry out those two buildings. There we were faced with a dilemma between artistry and construction. We were excited about the idea of the systemic and logical nature of prefabrication and components to assemble, which made execution fast and efficient, but within an artistic project. That is, we wanted to define prefabrication as something capable of yielding a highly emotive building, brand new and never boring in the manner of ill-understood fabrication. These two works, undertaken simultaneously, opened up two horizons for us which we have never renounced since, and which though seemingly contradictory, go by the same philosophy. JCS: Your work is much influenced by the art world. Through your family you have lived in a musical and culturally artistic atmosphere. You had the opportunity to build an atelier for Manolo Valdés and work with him. You also have the influence of Eduardo Chillida’s material world, albeit

manipulated, appropriated, maneuvered… Do you think there’s some seed here? AGA: One thing I have always admired in artists – something very prosaic and basic – is that for them to work, they don’t need a commission. For them, work is work. They get up to work, and if they manage to present an exhibition here or raise a monumental

“One thing I have always admired in artists is that for them to work, they don’t need a commission“ building there, it’s circumstantial. That’s what I have learned from all the artists I have known. I learned that these freedoms are the fuel of work. This is very important because for architects who work on commission and only on commission, it must be very hard to keep up a creative tension. JCS: Creativity is not commissioned. AGA: Exactly, freedom to produce, to fabricate… Of course there has to be some payment, and paying for a building is not the same as paying for a canvas. But there is plenty

of middle ground to explore. We have never stopped working, not even during the years when no commission was coming. Then, on an aesthetic, material, or spatial level, all the references you mention are direct and automatic, are part of my culture and my circumstances. Débora and I always say in jest that we love Christo and Jeanne-Claude because they reject the idea of the commission. Commissions are in themselves very creative, they are part of the process. JCS: After this came the United States. You won a competition to head MIT’s POPlab, which allowed you a change of location and environment, a total change of life. Again two paths appear in your architecture: that of fabrication and industrialization, like Mies van der Rohe when he moved to the US and developed a new way of building based on steel, but with concrete in our case; and a second path, much more expressive, like the pieces in Montana. Finally, all this resulted in the world of WoHo and that of Ca’n Terra, which ultimately involved working with nature. Here the comparison would instead be with Le Corbusier, who started out with

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tres o cuatro meses iba a verle y recibía mi clase particular. A veces duraba un minuto y medio y otras veces toda la tarde, depende de cuánto estuviese de ocupado. La última vez que le pedí ir a verle fue con la escuela de Santiago, cuando ya estaba construida, preparé un dossier y le llamé: «Me gustaría ir por última vez», como diciendo ‘este es el último ejercicio académico’. Rafael, con las gafas en la frente, lo hojeó sin decir palabra y solo dijo: «Iré a verlo». Dos o tres años después cumplió su palabra. Pero para mí ese fue el final de una etapa. JCS: Visto desde fuera, hay un claro punto de inflexión. Aparece otro periodo. Cambias el chip, aparece Débora como pareja profesional y vital y empieza una etapa muy potente de vuestro trabajo con dos piezas, dos iconos brutales, y lo puedo decir porque he vivido en ambos, que son La Trufa y Hemeroscopium. Son dos puntos de referencia, dos maneras de entender las cosas. Hay una duplicidad de innovación, de investigación… AGA: En realidad todo comienza en la segunda obra que íbamos a construir en Santiago de Compostela, la Sede Noroeste de la Sociedad General de Autores y Editores. Esa obra la hacemos como arquitectos, ingenieros y constructores. Y ahí empezamos a disfrutar de la arquitectura de verdad. Eso es lo que echamos mucho en falta en las primeras obras y a partir de ahí tomamos la decisión de que de nuestra arquitectura solo podía sobrevivir si éramos los que la construíamos. Y luego, además, desde un punto de vista

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hedonista, es que empezamos a disfrutar de construir. Eso nos redujo sustancialmente la cartera de clientes, pero nos amplió los horizontes de qué era la arquitectura y qué era ser arquitecto. Así que montamos nuestro modelo de trabajo y profesional basado en ese principio. Esto nos permitió hacer esas dos obras que tú mencionas. Ahí teníamos

«Una cosa que he admirado siempre de los artistas es que no necesitan de un encargo para trabajar» un dilema artístico y constructivo, que por un lado nos apasionaba la idea de la sistémica y la lógica de lo prefabricado de las piezas que se ensamblan que permitiera una ejecución rápida y eficiente, pero dentro de un proyecto artístico. Es decir, queríamos definir la prefabricación como algo que puede hacer un edificio muy emocionante, un espacio muy nuevo y no aburrido, que es lo que supone la fabricación mal entendida. Estas dos obras, que son contemporáneas, nos abrieron dos horizontes de los que no hemos renegado y que, aunque aparentemente son contradictorios, tienen la misma filosofía. JCS: En vuestra obra hay mucha influencia del mundo del arte. Has vivido, con tu familia, en un ambiente musical y culturalmente artístico. Tuviste la oportunidad de hacer el taller de Manolo Valdés y trabajar con él. Tienes una gran influencia de la at-

mósfera matérica de Eduardo Chillida, aunque manipulado, apropiado, manejado… ¿tú crees que hay algo de ese germen? AGA: Una cosa que he admirado siempre de los artistas, y que es una cosa muy prosaica y elemental, es que no necesitan de un encargo para trabajar. Para ellos trabajar es trabajar. Se levantan y trabajan, y que consigan hacer una exposición aquí o una obra monumental allá es circunstancial. Eso lo he aprendido de todos los artistas que he conocido. Aprendí que estas libertades son el motor del trabajo. Esto es muy importante porque para los arquitectos que trabajan por encargo y solo cuando se produce este encargo, les debe ser muy difícil mantener una tensión creativa. JCS: La creatividad no viene por encargo. AGA: Efectivamente, la libertad de la producción, la fabricación… Evidentemente esto hay que pagarlo, y no es lo mismo pagar todo un edificio que pagar un lienzo. Pero hay muchas etapas intermedias que se pueden explorar. Nosotros nunca hemos parado de trabajar, incluso durante los años que no teníamos ningún encargo. Luego, a nivel plástico, material o espacial, todas las referencias que mencionas son directas y automáticas, son parte de mi cultura y de mi circunstancia. Débora y yo siempre decimos de broma que nos encantan Christo y Jeanne-Claude porque rechazan la idea del encargo. El encargo es en sí muy creativo, es parte del proceso. JCS: Después de eso ya viene Estados Unidos. Ganas un concurso para dirigir el laboratorio POPlab en el MIT. Eso os permite un

the mechanistic and ended up with the sun and the day’s cycles… AGA: We left for a little break from professional practice to concentrate on research and give everything we had on our hands a turnaround. And we discovered the lightweight in fabrication, and the global against the localizing of architecture, and how this affected the industry of classic prefabrication. Then we had to empirically demonstrate that everything we were working on – the idea that a kit of parts could be fabricated on one side of the Atlantic, transported to the other side, and assembled – was feasible. These procedures are the fruit of

research but are developed in the real world, and we developed them ourselves because it was clear to us that if we told anyone that we would build them a house in Valdemoro but install it in Massachusetts, they would think we were mad. As for landscape, it took The Truffle ten years to culturally mature. And the maturing of this project enabled a client to understand it, and we went from the scale of the room to the scale of the pavilion, which made it possible for us to execute the procedures in Montana. The idea is that these two aspects produce so strong an energy between them that they can generate something new. Now

we joke about creating a startup, WoHo, that plays with market rules, and later a startdown going by the designs of the earth as substratum, poetic and material aspiration. Prefabrication is about the ordinary, the everyday, but elevates architecture to a level it has never had. We are now at an inflection point that I believe has never happened before in the history of architecture. Indeed I believe that for the first time, we are starting to glimpse the vision of buildings as constructions that will not go up in the place where they are assembled. There are isolated examples, but on an industrial level, on a social-mission level, it’s happening now.

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cambio geográfico y ambiental, un cambio de vida total. De nuevo aparecen dos vías en vuestra arquitectura: la vía de la fabricación y la industrialización, como Mies van der Rohe cuando se traslada a Estados Unidos y acaba generando una nueva manera de construir basada en el acero, vosotros con el hormigón; y una segunda, mucho más expresiva, como las piezas de Montana. Finalmente, todo esto desencandena en el mundo de WoHo y el de Ca’n Terra que es, al final, trabajar con la naturaleza. En este caso sería más como Le Corbusier, que empezó con el maquinismo y acabó con el sol y los ciclos del día… AGA: Nos fuimos a hacer un pequeño parón profesional y concentrarnos en investigar y darle una vuelta de tuerca a todo lo que teníamos entre manos. Entonces descubrimos la ligereza dentro de la fabricación, la globalidad frente a la localización de la arquitectura y cómo afectaba eso a la industria de la prefabricación clásica. Entonces tuvimos la necesidad de demostrar empíricamente que todo en lo que estábamos trabajando, que era la capacidad que tiene un kit de partes de fabricarse en un lado del Atlántico, transportarse al otro lado y ensamblarse, era factible. Estas acciones, que son consecuencia de la investigación pero que se desarrollan en el mundo real, las hemos hecho autodesarrollándolo nosotros, porque teníamos clarísimo que a cualquier persona que le dijésemos que le íbamos a construir una casa en Valdemoro, pero se la vamos a instalar en Massachusetts, iba a pensar que estábamos locos. En cuanto al paisaje, diez años tardó en madurar culturalmente La Trufa. Y la madurez de ese proyecto dio la oportunidad de que un cliente pudiese entenderlo, y pasamos de la escala de la habitación a la del pabellón, que nos permitió elaborar las intervenciones en Montana. La idea es que estas dos vertientes creen una energía tan fuerte entre ambas que sean capaces de generar algo nuevo. Ahora bromeamos con que vamos a crear una startup, WoHo, que juega con las reglas del mercado, y luego una startdown que se somete a los designios de la tierra como sustrato, aspiración poética y material. La prefabricación trata de lo ordinario, lo cotidiano, pero elevando la arquitectura a un nivel que no haya tenido nunca. Ahora hay un momento de inflexión que creo que no ha ocurrido antes en la historia de la arquitectura. Y es que creo que, por primera vez, se empieza a vislumbrar la idea del edificio como una construcción que no se va a construir en el sitio donde se ensambla. Hay ejemplos muy puntuales, pero a nivel industria, a nivel misión social, esto está ocurriendo ahora.

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Interview Conversation

Lucas & Galiano in dialogue

El arquitecto y director de Arquitectura Viva, Luis Fernández-Galiano (Calatayud, 1950) y Antonio Lucas (Madrid, 1975), poeta y periodista de El Mundo, se reúnen en Madrid para hablar de poesía y arquitectura.

Photos: Miguel Galiano

The architect and director of Arquitectura Viva, Luis Fernández-Galiano (Calatayud, 1950) and Antonio Lucas (Madrid, 1975), poet and journalist of El Mundo, meet in Madrid to talk about poetry and architecture.

La redacción de la revista Arquitectura Viva, en Madrid, acoge la conversación entre Luis Fernández-Galiano y Antonio Lucas, en la que repasan sus intereses literarios y la importancia de la poesía en su trayectoria y sus textos. Luis Fernández-Galiano: No sé si sabes que hay muchos arquitectos que citan a poetas y los usan como una herramienta de inspiración. Antonio Lucas: Tú mismo, por ejemplo. Acabo de leer un texto tuyo en el que hablabas de Aleixandre, de Machado… LFG: Sí, tienes razón, aunque en este caso yo me considero más un escritor usando a otros escritores, tiene menos mérito. Me refería a arquitectos que construyen. AL: Hay una complicidad, principalmente de lenguaje, entre la arquitectura y la poesía. Ambas disciplinas comparten conceptos abstractos, voluminosos, como vacío, espacio, luz, forma… Son parte de la práctica arquitectónica y, naturalmente, también de la poesía. A la hora de dar cuerpo a una serie de emociones o perspectivas del mundo, construir el lugar es el primer indicio de lo arquitectónico y lo poético. La emoción que puede sentir un poeta ante una construcción física, ante una forma concebida con intención puramente utilitaria,

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puede ser, más allá de lo icónico, el principio de una emoción, de un sombro, de una duda. Y lo mismo sucede con el arquitecto ante el poema: está viendo levantar un idioma que puede ser paisaje, refugio, alero desde el que arrojarse. Forma parte de nuestra emoción el mirar, y sentir, y descubrir cómo algo se construye desde la nada y adquiere entidad. Un poema también es un ejercicio de arquitectura.

«Ambas disciplinas comparten conceptos abstractos, voluminosos, como vacío, espacio, luz, forma… » LFG: Ha habido algún arquitecto poeta, pero no muchos. Miguel Ángel era uno, con sus extraordinarios sonetos. Aunque es verdad que los hombres del Renacimiento eran arquitectos, pero también artistas, literatos… AL: Miguel Ángel tenía unos excelentes epitafios en cuartetos de enorme calidad. Son un buen ejemplo de poesía del Renacimiento. Ahí está la voz de un poeta. LFG: Es, sin embargo, algo que no encontramos tan habitualmente en el siglo xx,

donde se da una cesura mayor. Aunque hay un poeta arquitecto que es catedrático de estructuras en Barcelona, Joan Margarit. AL: Así es. Un poeta de línea clara, de lenguaje directo, muy cercano y limpio, aunque también hábil en el juego de luces y sombras. Pienso ahora en otro artista realmente intenso, el escultor Eduardo Chillida, también con formación de arquitecto, que escogió como lema de su obra un verso de Jorge Guillén: «Lo profundo es el aire». Rafael Moneo también es un buen lector de poesía y en algunos de sus conceptos teóricos asoma esa predilección suya por algunos poetas. Es decir, si bien no hay tantos arquitectos poetas, sí existen vasos comunicantes entre unos y otros. LFG: En Los desengaños mencionas a una serie de poetas que imaginas que están presentes en tu escritura de forma capilar, entre ellos a T.S.Eliot o Ezra Pound. ¿Los lees en inglés o en castellano? AL: Los leo en español. Soy torpe con los idiomas y lo lamento. Leo buenas traducciones, pero me pierdo mucha intensidad y calambre en el trasvase. Pound y Eliot son dos poetas incalculables. Me interesa más Eliot que Pound. Me seduce el proyecto casi

In the offices of the magazine Arquitectura Viva, Luis Fernández-Galiano and Antonio Lucas discussed their literary interests and the importance of poetry in their texts. Luis Fernández-Galiano: Do you know that many architects quote poets and use them as tools for inspiration? Antonio Lucas: You yourself, for a start. I’ve just read a text of yours in which you spoke of Aleixandre, Machado… LFG: Yes, that is right, although I think I am more of a writer using other writers, which has less merit. I was referring to architects who actually build. AL: There’s a complicity, mainly of a linguistic nature, between architecture and poetry. Both disciplines use loaded, abstract concepts, such as void, space, light, form... It’s part of the architectural practice, and naturally also of poetry. When giving shape to a series of emotions and world outlooks, building the place is the first sign of the architectural and the poetic. Beyond the iconic, a poet’s rush of emotion at the sight of a physical construction, before a form conceived with purely utilitarian intentions, can be the beginning of an emotion, a shadow, a doubt. And

it’s the same for an architect confronted with a poem, witnessing the rise of language that can be a landscape, a refuge, an eave to jump off from. Our emotions include looking, seeing, and feeling, and discovering how something is built from nothing and becomes an entity in its own right. A poem is also an exercise in architecture. LFG: There have been poet-architects, but not many. One was Michelangelo, with his

“Both disciplines use loaded, abstract concepts, such as void, space, light, form...” extraordinary sonnets. Of course the masters of the Renaissance were architects, but also artists, men of letters… AL: Michelangelo wrote some excellent epitaphs in quartets of great quality. They are a good example of Renaissance poetry. In them rings the voice of a poet. LFG: Yet this is something we do not commonly find in the 20th century, where there is a wider gap between architecture and poetry.

One architect-poet is a professor of Structures in Barcelona, Joan Margarit. AL: Indeed. He was a poet of clear lines, who wrote in a straightforward language, very accessible and clean, though also skillful in interplays of lights and shadows. I am now thinking of another, truly intense artist, the sculptor Eduardo Chillida, who also had architectural training. He used a verse of Jorge Guillén as motto for his work: “Deep is the air.” Rafael Moneo is also an avid reader of poetry, and his predilection for certain poets shines through in some of his theoretical concepts. So, there may not be that many poetarchitects, but there definitely are connections between poets and architects. LFG: In your book Los desengaños you mention a number of poets you imagine having a capillary presence in your writings, among them T.S. Eliot and Ezra Pound. Do you read them in English or in Spanish? AL: I read them in Spanish. I’m rather limited when it comes to languages, and I regret it. I read good translations, but a large share of the intensity is lost on me. Pound and Eliot are two incalculable poets. I’m more keen on Eliot than on Pound. I am drawn to

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Pound’s almost ‘infinite’ approach, but find Eliot’s more firmly materialized. Pound is a babel of culture, with an overwhelming tableau of layers, textures, and backlights, but Eliot has a freer hand. Pound’s ambition is all very well, but as far as I’m concerned, the true poet is Eliot. His world view, his capacity to concretize a perspective of humanity in a poem, as he does in The Waste Land or Four Quartets, is of a magnitude beyond the reach of all the rest. LFG: For us, too, he was a legend, in part because he was a great literary critic, a bit like our own Juan Ramón Jiménez, who was not only a great poet but also a great erudite of poetry. I remember being young and learning the first stanzas of The Waste Land by heart. But I was partly schooled in Great Britain, so inevitably read in English. In any case, when I read poets whose languages I do not speak, I like to read them in bilingual editions. Even without understanding the original language, there is something in the sound that you suddenly pick up. For example, I did not previously have much of an opinion of Pessoa as a poet. I considered him a prose writer, a master of thought. I never thought of him as a great poet until I read him in a bilingual edition. AL: I agree, and do the same: contrast, study, compare. It happened with Adam Zagajewski, the Polish poet, one time we had a reading together. His poems took on a fullness and flight that I only grasped when he read them aloud, even though I didn’t really get the message. On the other hand, Pessoa

was a chest full of people, an extraordinary neurotic, a figure endowed with a rare psychopathy for words. And a poet shared by so many as to give rise to statements as dumb and gimmicky as: “There’s a Pessoa for every occasion.” More seriously, how extraordinary and passionate his poetry is! One can’t have enough of Pessoa. LFG: I will admit that for me, too, there were two mythical figures, the Pessoa of The Book of Disquiet and the Borges of short stories, and that only as an adult did I begin to appreciate them as poets. I find Borges the poet absolutely dazzling, though not many feel the same way.

“Every poem has an inner conflict. Poetry is not an escape, but a way to pin yourself to the present.” AL: Borges is a poet of tremendous depth. It probably has to do with what you state so well: that reading the poet Borges requires more time and more knowledge, more experience, more sediments of life. You need to have all the tempos well in place. Your view of the world has to have already often touched upon him. I have the same experience with artists like Morandi; the more time passes, the more entity he acquires. Something light which may even seem monotonous later takes on very delicate nuances, to the point that the brushstroke and repetition become a categorical thought. It’s after much exposure to

Pollock that one gets to Morandi better. LFG: With what editions was your generation educated? Mine first had the brown books of Austral, and later the gray ones of Losada. AL: We mainly had Visor, Hiperión, and Pre-Textos. These three publishers have been part of the sentimental education of several generations. In my case there was a special relationship with Visor, so much that I have been going there every fortnight since I started at the university at 17, to this day. We have gotten a lot of nourishment from that bookstore and publishing house. LFG: There’s another thing I’ve realized has changed over time, and it’s that our generation hated Lorca. Lorca was picturesque, or, in Borges’s words, an Andalusian professional. And Poet in New York was for us like a surrealist delirium. For our generation, the great poet was Machado. Juan Ramón was too complicated. He was a figure we yearned to love, but did not manage to connect with. AL: You hated Lorca? That’s new to me, and quite snobbish. The early Juan Ramón, the modernist one, is definitely cloying. Even he disowned it in his later years. I think Juan Ramón was rediscovered with the publication of his American work in full, in that excellent volume titled Lyric of the Atlantis, published by Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores. There we have a Juan Ramón in exile and often in agony. Essential. A Juan Ramón who doubts, is hurt, estranged from enjoyment and verbiage. A poet full of conflict. Every good poem has conflict within. Poetry is not an

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‘infinito’ de Pound, pero está mejor concretada la propuesta de Eliot. Pound es una babel de la cultura, con un juego de láminas, texturas y contraluces sobrecogedor, pero suelta mucho más la mano Eliot. Está muy bien la ambición de Pound pero, para mí, el poeta-poeta es Eliot. La cosmovisión, la capacidad de concretar en el poema una perspectiva de la humanidad —como en La tierra baldía o Cuatro cuartetos— es de una totalidad inalcanzable para el resto. LFG: Para nosotros también era un mito, en parte porque era un gran crítico literario, un poco como nuestro Juan Ramón que no solo era un gran poeta sino un gran erudito de la poesía. Yo recuerdo que, cuando era joven, me

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aprendí de memoria las primeras estrofas de La tierra baldía. Pero yo me eduqué en parte en Gran Bretaña, e inevitablemente leía en inglés. Sin embargo, cuando leo a poetas cuyo idioma no conozco, me gusta hacerlo en ediciones bilingües aunque no entienda el idioma, porque hay algo de la sonoridad que de repente recuperas. Por ejemplo, nunca había tenido una gran opinión de Pessoa como poeta. Lo juzgaba un gran prosista, un maestro de pensamiento, pero no pensaba que fuera un gran poeta hasta que leí una edición bilingüe. AL: Estoy de acuerdo, y hago como tú: contrasto, estudio y comparo. Me pasó con Adam Zagajewski, el poeta polaco, con quien

compartí un recital. Sus poemas adquirían una rotundidad y vuelo que solo sentí cuando los leyó él en voz alta, aunque no entendiese realmente su mensaje. Por otra parte, Pessoa es un baúl lleno de gente, un neurótico extraordinario, un tipo de una psicopatía rarísima con las palabras. Y un poeta repartido entre tantos que se puede decir eso tan bobo y ‘marketinero’ de que hay un Pessoa para cada ocasión… Fuera de broma: qué propuesta tan insólita y apasionante la suya. Pessoa no se acaba nunca. LFG: Confieso que para mí había dos personajes míticos, el Pessoa del Libro del desasosiego y el Borges de los cuentos. Y que solo

escape from the world, but a way to pin yourself to the present. Even the most hermetic of poets anchors you to your time more strongly. A great poem is like a washing machine, with a lot of ground wire. LFG: The one I was most dazzled by was the early Miguel Hernández, who wrote like Góngora without realizing it. With a plasticity and rhythmic harmony, archaic, yes, but beautiful. AL: He was extraordinary, with that sparkle of the greatest Baroque poets. An intuitive type. Poetry was his original substance and his temperament. The most popular Miguel Hernández is the one of the battlefield, because he

lived as he did and the details of his biography make him more emotive, perhaps more commercial. But there’s also a Miguel Hernández who was powerfully lyrical, inspired, even abstract, which is another form of poetry in action, coming from pure intuition. LFG: On the other hand, when you are very young, you like love poems, naturally. Many verses by Salinas or Aleixandre that I can no longer bring myself to re-read revolve around the theme of love. AL: This is where architecture and poetry part ways: the former is a craft that develops over a long time, the latter is a mark of youth. What’s rare is a 70-year-old poet writing with

the intensity that some have shown in old age: the Aleixandre of Poems of Consummation, the Caballero Bonald of Manual de infractores, the mature Gamoneda... If poetry has its spark plug in a young ‘metabolism,’ old poets happily run contrary to nature. It’s fabulous. LFG: Well, José Hierro’s last book has some very gripping verses that you do not expect from a person of his age and circumstances. AL: For sure. There’s a sonnet in that book, titled New York Notebook, which goes: “After all, all has been nothing, even though one day it was all. After nothing, or after all I knew that all was only nothing.”

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como adulto he empezado a apreciarlos como poetas. El Borges poeta me parece deslumbrante, pese a que no muchos lo compartan. AL: El poeta Borges es de un alcance profundísimo. Probablemente tiene que ver con eso que apuntas, y es que la secuencia del poeta Borges requiere más tiempo y más conocimiento, más experiencia y más poso de vida que el narrador. Te tiene que pillar con los tempos muy bien armados. Que tu mirada sobre el mundo se haya rozado ya muchas veces con él. Me pasa también con artistas como Morandi, cuanto más tiempo más entidad adquiere. Una pintura tan leve, que incluso puede parecer monótona, luego despliega unos matices muy delicados hasta convertir la pincelada y la repetición en un pensamiento rotundo. Después de ver mucho Pollock se llega mejor a Morandi. LFG: ¿Con qué ediciones se educó tu generación? En la mía fueron primero los morados de Austral y luego los grises de Losada. AL: La nuestra principalmente fue con los de Visor, Hiperión y Pre-Textos. Esas tres han formado parte de la educación sentimental de varias generaciones. En mi caso, con Visor tengo una relación especial, tanto es así que desde que empecé la facultad con 17 años, hasta hoy, suelo pasar una vez cada quince días por allí. En esa librería y editorial nos hemos nutrido muchos. LFG: Otra de las cosas que me he dado cuenta de que con el tiempo ha cambiado es que nuestra generación odiaba a Lorca. Lorca era el pintoresquismo, o en palabras de Borges, era el andaluz oficial. Y Poeta en

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Nueva York nos parecía un delirio surrealista. En nuestra generación Machado era el gran poeta. Juan Ramón era muy complicado, era un personaje que queríamos amar, pero con el que no conseguíamos conectar. AL: ¿Odiabais a Lorca? Primera noticia. Eso es muy esnob. Respecto a la primera parte de Juan Ramón, la modernista, es empalagosa. Él también renunció a ella en su madurez. Yo creo que a Juan Ramón se le descubrió de nuevo con la publicación de toda la obra americana en aquel excelente volumen titulado Lírica de una Atlántida, que publicó Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores. Ahí está un Juan Ramón exiliado, agónico en tantas ocasiones.

«Todo buen poema tiene un conflicto dentro. La poesía no es una forma de huir del mundo, sino de enclavijarse al presente.» Esencial. Un Juan Ramón que duda, dañado, lejos ya del enjoyamiento y la palabrería. Un poeta de mucho conflicto. Todo buen poema tiene un conflicto dentro. La poesía no es una forma de huir del mundo, sino de enclavijarse al presente. Hasta el poeta más hermético te afianza mejor a tu tiempo. Un gran poema es como una lavadora, suele tener toma de tierra. LFG: A mí el que me deslumbró fue el primer Miguel Hernández, que escribía como Góngora sin darse cuenta. De una plasticidad y de una armonía rítmica, arcaica sí, pero bellísima. AL: Ese que tú dices es extraordinario, con esa ráfaga de los grandes poetas barrocos. Un

tipo intuitivo. La poesía era su sustancia original y su temperamento. El Miguel Hernández más ‘paseado’ es el de batalla, porque vivió como lo hizo y las condiciones de su biografía lo hacen más emotivo, más comercial quizá. Pero hay un Miguel Hernández poderosamente lírico, inspirado, incluso abstracto, que es otra forma de poesía en acción, llevado por una intuición pura. LFG: Por otro lado, cuando eres muy joven lo que te interesa es la poesía amorosa, claro. Muchas de las cosas que ya no puedo volver a leer de Salinas o de Aleixandre tenían que ver con ese único tema. AL: Aquí la arquitectura y la poesía divergen: el primero es un oficio de largo desarrollo, la segunda es una constancia de juventud. Lo extraño, a veces, es ver a un poeta con setenta años escribiendo con esa potencia que demostraron algunos en la vejez: el Aleixandre de los Poemas de la consumación, el Caballero Bonald de Manual de infractores, el último Gamoneda… Si la poesía tiene su bujía en un ‘metabolismo’ joven, los poetas viejos van felizmente contra natura. Es fabuloso. LFG: Bueno, el último libro de José Hierro tiene frases que te dejan conmovido y que no esperas de una persona de su edad y sus circunstancias. AL: Sin duda. Hay un soneto en ese libro al que te refieres, Cuaderno de Nueva York, que bajo el título ‘Vida’ comienza así: «Después de todo, todo ha sido nada, a pesar de que un día lo fue todo. Después de nada, o después de todo supe que todo no era más que nada».

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Interview Conversation

Heringer & Tato in dialogue

Anna Heringer (Rosenheim, Alemania, 1977) y Belinda Tato (Madrid, España, 1971) conversan en Madrid sobre sostenibilidad y la necesidad del diseño de los procesos en la arquitectura.

Photos: Miguel Galiano

Anna Heringer (Rosenheim, Germany, 1977) and Belinda Tato (Madrid, Spain, 1971) converse in Madrid about sustainability and the need to design the actual processes behind architecture.

Las arquitectas Anna Heringer y Belinda Tato coinciden por primera vez en Madrid, pese a que sus carreras se hayan cruzado geográfica y conceptualmente a lo largo de los últimos años. La orilla del río Manzanares y el Palacio Real sirven de telón de fondo para una conversación sobre la importancia de recuperar la inteligencia local frente a la globalización y sobre los conceptos contemporáneos de sostenibilidad. Belinda Tato: Por fin nos conocemos. Yo empecé a dar clases en el GSD de Harvard en 2010 y tú justo estuviste el año que no estaba. ¿Desde dónde trabajas ahora? Anna Heringer: Ahora mismo estoy cerca de Salzburgo, pero en el lado bávaro, aunque la mayor parte de mi trabajo está en Bangladés. Para mí este factor es importante y ha tenido una influencia enorme en mi carrera. No es la típica historia de alguien que va a la India, hace alguna obra benéfica y luego la historia acaba ahí. Ahora intento importar todos esos aprendizajes a Alemania, y es interesante el contraste porque es todo muy formal e incluso a veces incomprensible. Los distintos códigos y regulaciones hacen muy difícil hacer nada sostenible. Las decisiones

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que intentamos tomar – las más eficientes, las del sentido común – en la India serían la forma más económica, mientras que en Alemania es la más cara. La sostenibilidad se vuelve un lujo. Por ejemplo, construir con materiales pobres, como la tierra, es lo más caro de hacer en Europa. Esto exige un cambio en el marco político y en el económico.

«Las decisiones más eficientes son en Europa las más caras. La sostenibilidad se vuelve un lujo» BT: Es por falta de experiencia, y el problema es que desde Occidente se exporta tanto este cambio cultural que estamos cancelando la tradición y la artesanía de las construcciones vernáculas, como las africanas o las indias. AH: Sin embargo, en ese aspecto Austria es muy diferente a Alemania. Yo creo que ellos debieron de ser los primeros en introducir estructuras contemporáneas de madera. La falta de otros recursos hizo que

se utilizase mucho hasta llegar a unos niveles de artesanía muy altos. Allí existe una conversación continua entre el arquitecto, el cliente y el artesano, en la que nunca se habla de los posibles riesgos, sino únicamente de innovación y de cómo llevar las cosas a cabo. En Alemania todo ocurre con las distintas partes sentadas en una mesa intentando encontrar el riesgo oculto. Se ha perdido la innovación. Mientras que en Austria, las tres partes asumen los riesgos y la fomentan. BT: Estoy de acuerdo. Cualquier tipo de innovación requiere creatividad, pero también necesita de nuevos protocolos. Es muy importante el compromiso entre aquellos agentes que van a construir el edificio, pero también de quienes lo van a vivir y usar después, ya que serán ellos los responsables de cuidarlo. Nosotros hemos trabajado bastante en asentamientos informales y mi sensación es que, además de las numerosas y obvias limitaciones, existe un enorme potencial impulsado por un sistema mucho más flexible, donde la experimentación es posible. Cuanto más ‘desarrollado’ es el sitio, más códigos debes cumplir.

The architects Anna Heringer and Belinda Tato coincide for the first time in Madrid, which is surprising considering how their careers have been intersecting geographically and conceptually over the past years. The Manzanares River and the Royal Palace serve as background for a conversation on the importance of upholding local intelligence in a globalized world, and on current concepts of sustainability. Belinda Tato: It’s so nice to finally meet you in person. I started teaching at Harvard GSD in 2010 and you were there precisely the year that I wasn’t. Where are you based now? Anna Heringer: Right now I’m close to Salzburg, on the Bavarian side, although my work is mainly in Bangladesh. I think this is important, it has had an enormous influence on my career. Mine is not the usual story of someone going to India, doing some good work or other, and end of story. Now I am trying to import all that learning into Germany and the contrast is interesting because there it’s all very formal and sometimes incomprehensible. The different codes, rules, and regulations make it very

hard to do anything sustainable. The decisions we try to make – the most efficient, of a common-sense logic – are in India the cheapest, whereas in Germany they are the most expensive. Sustainability becomes a luxury. For example, in Europe it is costly to build with poor materials like earth. This calls for changes in political and economic frameworks.

“The most efficient decisions are in Europe the most expensive. Sustainability is a luxury” BT: Lack of experience is to blame, and the problem is that this cultural change is exported so much from the West that we are canceling the tradition and the craftmanship of vernacular constructions, whether African or Indian. AH: Nevertheless, in this regard Austria is very different from Germany. They must have been the first to introduce contem-

porary timber structures. Thanks to lack of other resources, timber was used a lot, to the point of reaching very high levels of craftsmanship. The architect, the client, and the artisan together engage in a continuous conversation where no one ever talks about possible risks, only about innovation and how to carry things out. In Germany everything happens with the different parties seated around a table trying to pinpoint hidden dangers. There is no more innovation. Whereas in Austria, the three parties accept risks and in fact even encourage them. BT: I agree. Any kind of innovation requires creativity, but also calls for a new set of protocols. The commitment of the agents who are going to be raising the building is very important, but so is that of those who are to inhabit and use it later, as these are the people who will be responsible for taking care of it in the long run. We have worked quite a lot in informal settlements and my feeling is that, barring the many obvious limitations, there is enormous potential fueled by a much more flexible system, where experimentation is possible. The more ‘developed’ the place,

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the more regulations you find yourself having to comply with. AH: There comes a point at which you feel that the codes, rules, and regulations take control over the design. Then you have to put a whole lot of energy and passion into challenging them. It’s quite a fight, but worth it – well, perhaps not every centimeter of it, but definitely in its fundamental aspects. One must accept certain compromises but they should be formulated clearly, in such a way that they are part of a negotiation and an effort to change the economic and political framework altogether. BT: Changing the system is the greatest challenge and holds the key to innovation. By changing the system you don’t only meet your objectives, but you also open the door for all the rest to then explore their respective paths. AH: In addition, I think there should be more discussion about materials, and about everything that’s local. We always start out in very specific places, and these have very specific materials. Sometimes we want to pervert them, as for example when we

combine earth with materials like cement in order to make it less vulnerable, but in my opinion it then loses its characteristics and raison d’être. Earth should not be mixed with anything that cannot eventually return to the ground. If you want to repair it, all you need to do is add water. You can recycle or reuse it, or plant a garden on top, and the potential this offers is amazing. BT: That’s very interesting because it has a lot to do with porosity. In contrast, what’s done in Europe is an impermeable, perfectly sealed architecture. It’s also all about local, because maybe in other climates such impermeability is not indispensable – in fact it’s more important that air enters, and that not all joints are completely airtight. How do you engage with local communities so that they help you in this highly specific know-how of places where you have never worked before? AH: We collaborate with different NGOs, and they are our bridge to the people. It’s true that when you’ve worked in very different places and speak several languages, you have a higher level of cultural sensitivity, but for me the really important thing is to

involve the local people in the process. That is, we don’t design only the buildings. We design the processes too, and do it in such a way that they create plenty of work for the community as a whole. Our architecture has always been described as low-cost, but in my view what matters is not the cost but who gets the profit, whether the people are truly the ultimate beneficiaries. These communities need an economic boost and we ought to be constantly checking to see that the investment we make is worthwhile, that is does not end up flowing away to some big industry. As I see it, local refers to the materials and the sources of energy – which for me are persons – and global is the know-how. There shouldn’t be any limits to know-how and skills. In sum, the objective should be to make the materiality of architecture leave not waste, but knowhow, in its wake. BT: I totally agree. Architecture must be understood as a process. On one hand is the piece of architecture or piece of the public space that’s being created, but parallel to this outcome are other objectives to meet

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AH: Llega un punto en el que sientes que los códigos, las reglas y las regulaciones toman el control del diseño. Hay que invertir muchísima energía y pasión para desafiarlos. Es una pelea, pero merece la pena luchar por ello, quizá no en cada centímetro, pero sí en los aspectos fundamentales. Uno debe aceptar ciertos compromisos, pero hay que exponerlo claramente, para que forme parte de la negociación e intentar cambiar el marco económico y político. BT: Cambiar el sistema es el mayor reto, y donde reside la clave de la innovación. Cambiándolo no solo consigues tus objetivos, sino que abres la puerta al resto para explorar también estos caminos. AH: Además pienso que se debería hablar más de los materiales y de lo local. Siempre partimos de lugares que son muy específicos, que tienen materiales que también lo son, y con estos dos parámetros se puede desarrollar todo. A veces queremos pervertirlos, por ejemplo, juntando la tierra con otros

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materiales como el cemento, para hacerla menos vulnerable, pero en mi opinión así pierde sus características y su razón de ser. La tierra no se debería mezclar con nada que no pueda volver a la tierra. Si la quieres reparar solo debes añadir agua. La puedes reciclar, reusar o plantar un jardín encima, y estas cualidades son increíbles. BT: Esto es muy interesante porque habla mucho de la porosidad. Y en Europa se hace una arquitectura impermeable, que está perfectamente sellada. Y habla también de lo local, porque puede que en otros climas esa impermeabilidad no sea tan imprescindible, incluso todo lo contrario, es más importante que entre el aire y que no todas las uniones sean estancas. ¿Cómo es tu relación con las comunidades locales para que te ayuden en esos conocimientos tan específicos en sitios donde no has trabajado antes? AH: Solemos colaborar con distintas ONG que hacen de enlace con la gente. Es verdad que cuando has trabajado en sitios muy di-

ferentes y hablas varios idiomas, tu nivel de sensibilidad cultural es mayor, pero lo más importante para mí es involucrarles en el proceso. Es decir, nosotros no diseñamos solo los edificios, diseñamos los procesos, y lo hacemos de forma que creen mucho trabajo para la comunidad. Siempre se ha calificado nuestra arquitectura como low cost, pero para mí lo importante no es el coste, sino quien lo recibe, y si verdaderamente el beneficio acaba en la gente. Estas comunidades necesitan un empujón económico y todo el rato debemos cuestionarnos si la inversión merece la pena o si se va a acabar beneficiando exclusivamente a alguna gran compañía ajena. Como yo lo veo, lo local deberían ser los materiales o las fuentes de energía —que para mí son las personas— y lo global el conocimiento. No deberían existir limitaciones al conocimiento o a las técnicas. En resumen, el objetivo debería ser no dejar residuos como resultado de la materialidad de la arquitectura, pero sí dejar conocimiento.

in the process. If there is a pedagogy for developing these buildings, the resulting know-how, which remains with us forever, is what will most benefit society in the long run. And, as you say, when you make use of all the local tools at your displosal – knowledge, materials, techniques – and arrange them in a different way, that’s precisely when you are conveying a message. And this will then unleash and set in motion numerous new processes with the potential to inspire others to follow suit. That’s why it’s so important to show the full potential of native cultures. It’s interesting because all of this goes against the idea of globalization and absence of contemporary identity. Someone was telling me just the other day that it was impossible to find original souvenirs of cities, as all cities have the same stores and the same brands. We’ve got to defend local cultures against those processes – because industry will invariably try to replicate the same model, the same materials, the same construction…

“Architects have the obligation to think of an exit plan for every building“ AH: There is always much talk of sustainability having to do with building in a more controlled manner, reducing everything to that which is truly necessary, limiting construction and even oneself. But what really lies in the nature of nature is abundance, not restriction. The Earth is here, it’s just everywhere. The more we build, the more infrastructure we need, and for all of that, we take from the Earth, and all that earth has to be transported to other places, and there’s a price to pay for it, and we consume energy and on top of it all, that earth goes to waste. And it’s a very precious resource. There ought to be a clear system by which to bring in the soil, prefabricate it in both low-tech and high-tech form, and with this, build new structures. Actually, earth is durable. All you need is a good base and a good roof, and it can stand hundreds of years. And the day you don’t need it anymore, you take away the roof and the building returns to the bone. Architects have the obligation to think of an exit plan for every building. This is how our future ought to be.

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BT: Estoy completamente de acuerdo. Hay que entender la arquitectura como un proceso. Por un lado, está la pieza arquitectónica o el espacio público que se produce, pero paralelamente se deben cumplir otros objetivos resultantes del proceso. Si existe una pedagogía a la hora de desarrollar estos edificios, el conocimiento resultante, que queda para siempre, es lo que más va a beneficiar a la sociedad. Y es justo lo que dices, en el momento en el que se usan todas las herramientas locales —el conocimiento, el material, las técnicas…—, pero ordenadas de una manera distinta, es cuando se está mandando un mensaje. Y eso desencadenará numerosos nuevos procesos que podrán inspirar a otros a hacer lo mismo. Por eso es importante mostrar todo el potencial de la cultura autóctona. Es interesante porque todo esto va en contra de la idea de globalización y de la ausencia de identidad contemporánea. Alguien me decía el otro día que era imposible encontrar recuerdos originales de las ciudades, porque todas tienen las mismas tiendas y las mismas marcas. Hay que defender las culturas locales frente a estos procesos porque la industria siempre va a intentar replicar el mismo modelo, los mismos materiales, la misma construcción…

«Los arquitectos tenemos la obligación de pensar en un plan de salida para cada edificio» AH: Se habla mucho de que la sostenibilidad tiene que ver con construir de manera más controlada, reducir todo a lo necesario, limitar la construcción y a uno mismo. Pero la naturaleza de la naturaleza no es la restricción, es la abundancia. La tierra está aquí, y está en todas partes. Cuanto más construimos, más infraestructura necesitamos, de todo eso se extrae tierra, y toda esa tierra hay que desplazarla a otros lugares, pagamos por ello, gastamos energía y encima luego esa tierra se desecha. Y es un recurso muy preciado. Debería haber un sistema local para recuperar esa tierra, prefabricarla, de forma artesanal o tecnificada, y con ella construir nuevas estructuras. En realidad, la tierra es muy duradera, solo necesitas una buena base y un buen techo, y puede durar cientos de años. Y si no lo necesitas más, puedes quitar ese techo y el edificio vuelve a su origen. Los arquitectos tenemos la obligación de pensar en un plan de salida para cada edificio. Esto debería ser el futuro.

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Travel Buenos Aires Argentina

Tel Aviv Israel

Vancouver Canada

Travel Argentina

Buenos Aires Más allá de su imagen cosmopolita y sus barrios históricos, la urbe porteña ofrece un gran abanico cultural y arquitectónico.

Beyond its cosmopolitan image and historic quarters, the capital offers a wide cultural and architectural agenda.

01 Concert Hall Teatro Colón

Con más de un siglo de historia, el Teatro Colón está considerado como una de las salas con mejor acústica del mundo, y es para los amantes de la ópera un imprescindible al nivel de la Scala de Milán o la Staatsoper de Viena.

With over a century of history, and considered to be one of the concert halls with the best acoustics in the world, the Teatro Colón is an essential for opera lovers at level with Milan’s Scala or Vienna’s Staatsoper.

Government House La Casa Rosada

Located on Plaza de Mayo, Casa Rosada is the seat of the executive power and the President’s residence. The building is characterized by the peculiar color that lends it its name and has turned it into a city landmark.

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Situada en la Plaza de Mayo, la Casa Rosada es sede del poder ejecutivo y residencia del Presidente de la Nación. El edificio se caracteriza por el peculiar color que le da nombre y lo ha convertido en un símbolo de la ciudad.

Resulting from the union, in 1984, of the Victoria and Del Fuerte plazas, this emblematic public space is in the so-called microcenter of Buenos Aires, where some of the main sites in the city are located.

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source: tejidourbano.net

Main Square Plaza de Mayo

Fruto de la unión de las plazas de la Victoria y del Fuerte en 1984, este emblemático espacio público se encuentra en el denominado microcentro porteño y alberga algunos de los principales puntos de interés de la capital.

Public Building Biblioteca Nacional En 1962, Clorindo Testa con Francisco Bullrich y Alicia Cazzaniga proyectaron la Biblioteca Nacional Mariano Moreno. Inaugurada en en 1992, es uno de los mejores ejemplos del brutalismo en Argentina.

A project of 1962 by Clorindo Testa with Francisco Bullrich and Alicia Cazzaniga, the National Library Mariano Moreno, inaugurated in 1992, is one of the best examples of brutalist architecture in Argentina.

House Museum Museo Xul Solar

Located in what used to be the home of the multifaceted artist Xul Solar, the museum was completed according to the guidelines he himself set before his death to convert the house into a publicly accessible place.

Art Nouveau Yacht Club

Abierto en 1915, el edificio de Eduardo Le Monnier destaca por sus rasgos típicos del art nouveau. Designed by Eduardo Le Monnier and opened in 1915, the building reflects traits of Art Nouveau.

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source: Arango,S.

El museo, situado en lo que fue la casa del polifacético artista Xul Solar, se completó en los años noventa según las directrices que él mismo dejó para abrir el espacio al público y convertirlo en un lugar de encuentro.

Apartment Tower Edificio Kavanagh

Inaugurado en 1936, el edificio de Sánchez, Lagos y De la Torre es uno de los iconos de la ciudad. Inaugurated in 1936, the tower by Sánchez Lagos, and De la Torre is one of the city icons.

Modern Movement Edificio Los Eucaliptus

The apartment building by Juan Kurchan and Jorge Ferrari is a key work of the Modern Movement in Argentina, and proposed a new way of living and of connecting with the environment.

source: cca.qc.ca

El edificio proyectado por Juan Kurchan y Jorge Ferrari es un referente de la llegada del Movimiento Moderno a Argentina y supuso una nueva manera de habitar y de relacionarse con el entorno.

Planetarium Galileo Galilei

source: arkitektuel.com

Diseñado por Enrique Jan en 1966, es un ejemplo perfecto de simbiosis entre arquitectura y astronomía. Designed by Enrique Jan in 1966, the building shows the symbiosis between architecture and astronomy.

Ateliers Casa para Artistas

Antonio Bonet, como integrante del Grupo Austral, construyó en el año 1938 esta residencia para artistas que sería el germen de la arquitectura moderna internacional en el contexto argentino.

As a member of Grupo Austral, Antonio Bonet built this residence for artists in 1938, which over time has become an icon of international modern architecture in the context of Argentina.

Brutalism Banco Londres

Otro de los grandes proyectos de Clorindo Testa en los años sesenta, asociado en este caso con el estudio SEPRA, el edificio llama la atención por sus grandes piezas de hormigón en fachada y un complejo espacio interior.

Another major project by Clorindo Testa, in collaboration in this case with the studio SEPRA, the Bank of London building stands out for its huge outer concrete frame and its complex interior spaces.

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The building by the studio Adamo-Faiden, located in the Almagro neighborhood, is laid out in two volumes that adapt to the existing urban fabric and are unified by the perforated metallic facade.

Park Micaela Bastidas El parque, caracterizado por sus colinas, es parte del plan de revitalización de Puerto Madero.

source: openhousebsas.org

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La intervención del estudio Adamo-Faiden se sitúa en el barrio de Almagro, organizándose en dos volúmenes que responden a la trama urbana existente y se unifican a través de la fachada metálica perforada.

Art Gallery Museo Fortabat

El museo, construido por el estudio del uruguayo Rafael Viñoly en 2008, aloja la colección de arte de la empresaria argentina Amalia Lacroze de Fortabat y se caracteriza por su gran bóveda de cristal.

The museum, completed in 2008 by the studio of the Uruguayan architect Rafael Viñoly, displays the art collection of the Argentinian entrepreneur Amalia Lacroze de Fortabat, and stands out for its huge glass vault.

University Edificio Sáenz Valiente

La obra del estudio barcelonés de Josep Ferrando se conforma mediante una secuencia de pórticos transversales de hormigón que recorren todo el edificio con austeridad y expresividad modular. The work by the Barcelona-based studio of Josep Ferrando is formed by a sequence of transversal concrete porticoes that cross the building’s full length with austere, modular expressivity.

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source: vinoly.com

Characterized by its hills and terraces, the park is part of the revitalization of Puerto Madero.

City Hall Casa de Gobierno

Concebido inicialmente por el británico Norman Foster para el Banco Ciudad, el edificio se transformó en la Casa de Gobierno gracias a su gran polivalencia tanto a nivel funcional como simbólico.

Initially conceived by the British Norman Foster for Banco Ciudad, the building was transformed into the city’s Casa de Gobierno thanks to the building’s adaptability both on a functional and a symbolic level.

Art Museum MALBA

Housing Edificio Armenia

The apartments by BAK Arquitectos include commercial and communal areas at street level.

Since 1997 the museum harbors the collection of Latin American art of Eduardo Costantini, and has been recently renewed by estudioHerreros under the premise of opening the institution to the city.

BAK Arquitectos resuelven este edificio de viviendas con un zócalo comercial y grandes zonas comunes.

El museo alberga desde 1997 la colección de arte latinoamericano de Eduardo Costantini y ha sido recientemente renovado por el estudioHerreros con la intención de abrir la institución a la ciudad.

Cultural Center Néstor Kirchner

Renovation Universidad Morón

Housed in a historic building from the early 20th century, the university building has recently been renovated by Estudio Borrachia Arquitectos with light constructions and bioclimatic strategies.

El Centro Cultural se sitúa en el histórico edificio Correo Central proyectado por Norbert Maillart. © Maria de la Paz

Ubicada en un edificio histórico de principios del siglo xx, la sede universitaria ha sido recientemente renovada por el Estudio Borrachia Arquitectos empleando construcciones ligeras y estrategias bioclimáticas.

The Cultural Center is in the historic Correo Central building designed by Norbert Maillart.

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Neighborhood San Telmo

Bookshop Ateneo Grand Splendid

San Telmo se ha convertido en uno de los barrios más bohemios, lleno de galerías y restaurantes de moda. San Telmo is one of the most bohemian quarters in the city, packed with art galleries and restaurants.

source: revistaad.es

Considered to be one the most beautiful in the world, this peculiar bookshop in the Recoleta neighborhood is a ‘must’ visit, and it preserves the charm of what used to be one the most important theaters in the city.

source: parabuenosaires.com/

Ubicada en el Barrio de la Recoleta, esta peculiar librería es una parada obligatoria. Considerada como una de las más bellas del mundo, mantiene el encanto de la que fuera una de las principales salas de la ciudad.

Luxury Hotel Four Seasons Lujo e historia se mezclan en este hotel de cinco estrellas situado dentro de una antigua mansión de estilo colonial y en cuyas habitaciones se han alojado celebridades como Madonna, Mick Jagger o Fidel Castro.

source: vivenciasdelviajero.com

Luxury and history come together in this five-star hotel located in an old colonial-style mansion, and which has welcomed a long list of celebrity guests like Madonna, Mick Jagger, or Fidel Castro.

24 Restaurant Bar Nápoles

When in this space in the San Telmo quarter it’s hard to tell whether one’s in a restaurant or a museum.

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Al entrar en este espacio del barrio de San Telmo es difícil saber si se trata de un restaurante o un museo.

Artist Café Café Tortoni

Situado en la Avenida de Mayo, el Café Tortoni ha sido el lugar de reunión de escritores, intelectuales y artistas desde su apertura en 1858. Hoy mantiene el encanto que recuerda a los cafés parisinos de la Belle Époque.

Located on Avenida de Mayo, Café Tortoni has been a meeting place for writers, intellectuals, and artists since it opened in 1858. Today it maintains the same charm, and recalls the Parisian cafés of the Belle Époque.

26 Art Gallery Praxis

Con sedes en Buenos Aires y Nueva York, esta histórica galería es un referente en los circuitos artísticos.

With venues in Buenos Aires and in New York, this historic gallery is a referent in art circuits.

Sports Events La Bombonera El mejor evento en el que disfrutar de la pasión con la que viven los argentinos el fútbol es ver jugar al Boca Juniors, y más si coincide el derby ante el River Plate, una de las mayores rivalidades del mundo del deporte.

source: praxis-art.com

The best way to experience the passion of Argentinians for football is watching the Boca Juniors play, and even more so if it’s against the River Plate, one the greatest rivalries in the world of sports.

Dancing La Catedral Club

En el barrio de Palermo Soho, las cocinas asiática y argentina se fusionan en este ‘instagrameable’ restaurante.

Lugar de referencia del tango porteño, La Catedral Club ha transformado un antiguo matadero y almacén de grano, situado en el corazón del barrio de Almagro, en un auténtico templo del baile.

Restaurant El niño gordo

In the Palermo Soho quarter, Argentinian and Asian cuisine are fused in this ‘Instagrammable’ restaurant.

source: votretourdumonde.com

source: aciudadavellaneda.com.ar

A landmark tango dance hall in Buenos Aires, La Catedral Club has transformed an old slaughterhouse and grain storage warehouse in the neighborhood of Almagro into a true temple of dance.

Neighborhood La Boca

Eating Out Chef del choripán

Rubén Batalla and his ‘choripanes’ are a classic before Racing, Independiente, and Arsenal matches. His fame has crossed frontiers since Netflix included him in the documentary film Street Food: Latin America.

Destaca por sus coloridas fachadas de piedra y chapa, su máximo exponente es la famosa calle Caminito. © Ilyas Ayub

Rubén Batalla y sus choripanes son un clásico de las previas a los partidos del Racing, Independiente o Arsenal, su fama ha traspasado fronteras después de que Netflix le incluyese en su documental Street Food: Latinoamérica.

La Boca stands out for its colorful stone and sheet facades, and Calle Caminito is its most famous street.

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Buenos Aires 01. Teatro Colón Cerrito 628, C1010 CABA, 9:00-17:00 Mon-Sun

02. La Casa Rosada Balcarce 50, C1064 CABA 10:00-18:00 Weekend

03. Plaza de Mayo Av. Hipólito Yrigoyen s/n, C1087 CABA

04. Biblioteca Nacional Agüero 2502, C1425 CABA 16:00 guided visit Mon-Sun

05. Museo Xul Solar Laprida 1212, C1425 EKF, Buenos Aires 12:00-19:00 Tue-Sat

06. Yacht Club Cecilia Grierson 500, C1107 CABA 17-22 Fri 12-21 Weekend

07. Edificio Kavanagh Avenida Florida 1065, C1005 CABA

08. Edificio Los Eucaliptus Virrey del Pino 2446, C1426EGG CABA

09. Galileo Galilei Avenida Sarmiento s/n, C1425 CABA web: planetario.buenosaires.gob.ar 10:30,11:30 Tue-Fri 17:00, 18:00, 19:00 Weekend

Localización y datos prácticos Location and useful information 13. Micaela Bastidas Park

Puerto Madero,Buenos Aires

14. Museo Fortabat Olga Cossettini 141, C1107 CABA 12:00-20:00 Tue-Sat

15. Edificio Sáenz Valiente Av. Pres. Figueroa Alcorta 7350, C1428 CABA

16. Casa de Gobierno

20. Néstor Kirchner Sarmiento 151, C1041 CABA web: cck.gob.ar

21. Ateneo Grand Splendid Av. Santa Fe 1860, C1123 CABA 9:00-20:00 Mon-Sat 12:00-20:00 Sun

22. San Telmo Plaza Dorrego, Humberto 1º 400, C1103 CABA

Uspallata 3160, C1437JCL CABA

23. Four Seasons Hotel

10. Casa para Artistas

17. Edificio Armenia

Paraguay 900, C1057 CABA

Armenia 1933, C1414 CABA

Posadas 1086, C1011 CABA web: fourseasons.com +54 (11) 4321-1200

11. Banco Londres Reconquista 101, C1003ABC CABA

12. 33 Orientales 138 Treinta y Tres Orientales 138, C1182 AED, Buenos Aires

18. MALBA Av. Pres. Figueroa Alcorta 3415, C1425 CABA 12:00-20:00 Wed-Mon

19. Universidad Morón Lima 221, C1073 CABA

24. Bar Nápoles Av. Caseros 449, C1152AAA CABA 9:00-20:00 Mon-Sun +54 9 11 5417-1802

25. Café Tortoni Av. de Mayo 825, C1084 CABA web: cafetortoni.com

26. Praxis Arenales 1311, C1061 CABA 12:00-20:00 Tue-Sun

27. La Bombonera Brandsen 805, C1161 CABA tour: museoboquense.com

28. El niño gordo Thames 1810, C1414DDL, Buenos Aires. 20:00-24:00 Mon-Sun web: niñogordo.com.ar +54 11 2129-5028

29. La Catedral Club Sarmiento 4006, C1197 CABA 11:00-4:00 Mon-Sun

30. Chef del choripán Itinerant Avellaneda-CABA Provincia de Buenos Aires

31. La Boca Calle Caminito, Buenos Aires

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Travel Israel

Tel Aviv La ciudad mediterránea se ha convertido, gracias a su arquitectura, playas y museos en el centro cultural y económico de Israel

The Mediterranean city’s architecture, beaches, and museums has made it Israel’s cultural and economic center.

01 Ancient City Old Jaffa

Jaffa fue durante más de 5.000 años la puerta de entrada de Oriente a Occidente, y hoy se ha convertido en una de las principales atracciones de la ciudad israelí gracias a sus galerías, museos, restaurantes o discotecas.

Jaffa was for over 5,000 years the gateway between East and West, and today, abounding in galleries, museums, restaurants, and nightclubs, it is one of the principal attractions of the Israeli city.

World Heritage White City

Declared a UNESCO World Heritage Site in 2003, the White City was built in the 1930s by German architects who had emigrated to Israel, and counts the largest number of Bauhaus-style buildings in the world.

154 C 2021

La Ciudad blanca, declarada Patrimonio de la Humanidad en 2003, fue construida en los años 30 por los arquitectos alemanes emigrantes y acoge el mayor número de edificios en estilo Bauhaus del mundo.

Beach Tel Aviv Seaside

The coastline of Tel Aviv features a series of sand beaches – among them the Banana, the Gordon, and the Hilton – that stretch from the historical Namal Yafo harbor on to the very mouth of the Yarkon River.

C 2021 155

El litoral de Tel Aviv se compone de distintas playas de arena —como la Banana, la Gordon o la Hilton Beach— que se extienden desde el histórico puerto de Yaffo hasta la desembocadura del río Yarkon.

Eclectic Style Pagoda House Construida en 1925, la Pagoda House aúna estilos y motivos propios de la tradición China, los templos griegos y la cultura islámica. Pensada para alojar al embajador polaco, fue la primera residencia privada en disponer de ascensor.

Art Museum TAM Main Building

Built in 1925, the Pagoda House combines styles and motifs taken from Chinese tradition, Greek temples, and Islamic culture. Intended to house the Polish ambassador, it was the first private residence equipped with an elevator. Realizado en 1971 por Dan Eytan e Itzhak Yashar, el museo se concibe como una gran espiral con cuatro grandes salas dispuestas en torno al atrio central y se ha convertido en uno de los mejores ejemplos del brutalismo en el país.

Raised in the year 1971 by Dan Eitan and Itzhak Yashar, the museum presents a huge spiral with four large halls surrounding a central atrium, and is one of the finest examples of brutalism in the country.

Religious Great Synagogue Proyectada por Magidovitch en 1922, sus vidrieras replican las destruidas durante el Holocausto.

Monument Negev Brigade Monument

156 C 2021

Ubicado en Beerseba, a 100km de Tel Aviv, el memorial obra del artista plástico Dani Karavan recuerda a cada uno de los 324 nombres de la brigada que murieron durante el conflicto árabe-israelí de 1948.

Located in the desert city of Beerseba, 100km from Tel Aviv, the memorial by the sculptor Dani Karavan honors the memory of every single one of the 324 brigade members who perished in the ArabIsraeli War of 1948.

Situated at Dizengoff Circle and designed in 1939 by the architect Yehuda Magidovitch to house one of the city’s first cinemas, the Bauhaus-style building has been renovated and turned into a hotel.

source: the white city center

Bauhaus Style Esther Cinema Hotel

Situado en Dizengoff Circle y diseñado en 1939 por el arquitecto Yehuda Magidovitch para alojar uno de los primeros cines de la ciudad, actualmente el edificio de estilo Bauhaus ha sido rehabilitado y convertido en hotel.

Engel House, el primer edificio de Zeev Rechter en Tel Aviv, destaca por sus pilotes y marcos de ventanas. Engel House, Zeev Rechter’s first building in Tel Aviv, is marked by pillars and window frames.

source: the white city center

Bauhaus Style Engel House

Bauhaus Style Ehrlich House

Wilhelm Ze’ev Haller construyó en 1933 la Casa Ehrlich, que destaca frente a las otras construcciones del mismo estilo por alinearse al límite de la parcela y por la utilización de bandas que enfatizan su carácter horizontal.

In 1933 Wilhelm Ze’ev Haller built the Ehrlich House, which stands out among similarly styled works because of how it rises flush with the edge of the plot and uses bands to stress its horizontal form.

Bauhaus Style 8 Dov Hoz

La casa a manos de BenAmi Shulman, uno de las principales figuras de la arquitectura en los años 1930 en Israel, refleja las influencias de su paso por la Académie Royale des BeauxArts de Bruselas donde coincidió con Victor Horta. This building by Ben-Ami Shulman, a leading figure of Israeli architecture in the 1930s, reflects the influences he picked up at the Académie Royale des Beaux-Arts of Brussels, where he coincided with Victor Horta.

C 2021 157

Religious Cymbalista Synagogue La Sinagoga Cymbalista, obra de 1998 del arquitecto suizo Mario Botta, se caracteriza por su atento aparejo del ladrillo, que construye un basamento rectangular del que se elevan los dos grandes volúmenes para el rezo.

source: botta.ch

The Cymbalista Synagogue, a 1998 work of Mario Botta, is characterized by the detailed brick bonding in the rectangular base from which emerge two large volumes containing worship spaces.

Situated at the center of the city, the ToHa Building rises 29 floor levels. Its unique, faceted volume – for which the inspiration was the geometry of an iceberg – is a design of Ron Arad in collaboration with Avner Yashar.

Museum Design Museum Holon Realizado por Ron Arad en colaboración con Bruno Asa, se trata del primer museo del diseño en el país.

High-Rise Offices ToHa Building

Situado en el centro de la ciudad, el edificio ToHa se eleva hasta alcanzar una altura de 29 plantas. Su singular volumen facetado, inspirado en la geometría de un iceberg, ha sido diseñado por Ron Arad junto a Avner Yashar

A work of Rod Arad in conjunction with Bruno Asa, this is the country’s first design museum.

Public Space Tel Aviv Port

158 C 2021

El proyecto de desarrollo del antiguo puerto, completado por Mayslits Kassif Architects, logró restaurar esta antigua e histórica zona de la ciudad para convertirla de nuevo en un espacio prominente y vivaz.

The project to redevelop the port, carried out by Mayslits Kassif Architects, resulted in the restoration of an entire historical area of the city, and in its revival as a prominent and vibrant public space.

Art Museum TAM Amir Building

Architecture Opera House

El edificio Herta and Paul Amir, del estadounidense Preston Scott Cohen, amplía el Museo de Arte de Tel Aviv, estableciendo un diálogo con la sede histórica y completando el complejo cultural central de la ciudad

Ron Arad’s building blends into the urban fabric without forgoing an important presence.

The complex designed by Eli Attiase comprises three skyscrapers connected at the base by a shopping center.

University Porter School

El PSES incorpora al campus aulas, oficinas y laboratorios bajo los estándares medioambientales LEED. The PSES gives the campus new classrooms, offices, and labs under LEED environmental standards.

High-Rise Azrieli Center

El complejo diseñado por Eli Attiase se compone de tres rascacielos conectados en su base por un centro comercial.

The Herta and Paul Amir Building, by the American Preston Scott Cohen, is an extension of the Tel Aviv Museum of Art. It strikes up a dialogue with the original and wraps up the city’s cultural hub.

El edificio de Ron Arad se integra en el contexto urbano sin renunciar a una importante presencia urbana.

Housing Rothschild Tower

Inspired by Bauhaus principles, Richard Meier raised this slender and luminous residential building

Inspirada en los principios de la Bauhaus, Richard Meier levanta esta esbelta y luminosa torre de viviendas.

Museum Peace Peres House

The building stands on the Mediterranean shore with the mission of fostering peace and hope.

El edificio se sitúa a orilla del Mediterráneo con el propósito de comunicar los valores de paz y esperanza.

C 2021 159

Shopping Allenby Street

La calle Allenby, una de las más largas e importantes de la ciudad, se extiende entre las plazas de HaKneset y HaMoshavot; en ella se puede disfrutar de una gran oferta comercial durante el día y una vibrante vida nocturna.

One of the city’s longest and most important thoroughfares, Allenby Street stretches from HaKneset to HaMashavot Square, and offers a wide range of goods for sale by day, and fun and entertainment by night.

23 Bar & Party Teder.fm

The Teder, taking up a courtyard of the Florentin neighborhood, is known for pizza and live music.

El Teder, ubicado en un patio interior del barrio de Florentin, es conocido por su pizza y música en directo.

Old German Colony Sarona

La antigua colonia germana, construida a finales del siglo xix, destaca hoy por su mercado cubierto, popular por acoger puestos gourmet, las tiendas de los mejores diseñadores y los restaurantes de moda.

The old German colony, built towards the end of the 19th century, is now famous for its covered marketplace, a popular hub of gourmet stands, shops of leading designers, and fashionable restaurants.

Market Jaffa Flea Market

160 C 2021

Located in the historic Jaffa neighborhood, the flea market features everything from designer boutiques and secondhand stores to the most chic restaurants and bars. Summer nights come with a range of open-air shows.

source: timeout.com

Ubicado en el histórico barrio de Jaffa, la zona del mercadillo alberga desde boutiques de diseño y tiendas de segunda mano a restaurantes o bares de moda. Además, en las noches de verano se organizan espectáculos al aire libre.

Market Carmel Market

El mercado tiene los martes y viernes sus días álgidos, con la presencia de artistas y vendedores independientes. The market is most alive on Tuesdays and Fridays, with the presence of artists and independent vendors.

Urban Park HaYarkon Park El Parque Yarkon, el más grande de la ciudad, ofrece la posibilidad de disfrutar de grandes extensiones de vegetación, jardines botánicos, instalaciones deportivas e incluso un aviario y un parque acuático.

Visitors to HaYarkon, the city of Tel Aviv’s largest public park, are treated to immense expanses of vegetation, botanical gardens, sporting facilities, lakes, and even an aviary and a water park.

28 Restaurant Claro;

La propuesta culinaria del chef Ran Shmueli, uno de los más respetados de Israel, va más allá de un restaurante con un lugar de entretenimiento y una apuesta por su personal reinterpretación de la cocina mediterránea

The restaurant of Ran Shmueli, one of Israel’s most respected chefs, offers a personal reinterpretation of Mediterranean cuisine, but also steps beyond the culinary to provide entertainment.

29 Con una gran oferta de ocio, Neve Tzedek es famoso por su mercado de agricultores en HaTachana. With its numerous leisure activities, Neve Tzedek is famed for its farmers market in HaTachana.

source: touristisrael.com

Quartier Neve Tzedek

30 Street Art Florentin

El vecindario de Florentin, en el sur de Tel Aviv, se ha convertido gracias a sus cafeterías, galerías y calles llenas de arte urbano en uno de los barrios más modernos y bohemios de la ciudad.

Owing to its many cafés, galleries, and streets laden with urban art, the Florentin neighborhood in the southern part of Tel Aviv is now one of the city’s most modern and bohemian quarters.

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Tel Aviv

01. Old Jaffa Retzif HaAliya HaShniya St

02. White City White City Center, Idelson St 29 08:00-19:00 Sun-Thu 08:00-14:00 Fri-Sat

03. Tel Aviv Beach Shlomo Lahat Promenade

04. Pagoda House Nachmani St 12-20

05. TAM Main Building The Golda Meir Cultural and Art Center, Sderot Sha’ul HaMelech 27 web: tamuseum.org +972 3-607-7020

06. Great Synagogue

Allenby St 110 web: tlvgreatsynagogue.org +972 3-560-4905

07. Negev Brigade Monument 7R8C+J6 Beerseba 08:00-18:00 Sat-Thu 08:00-16:00 Fri

08. Esther Cinema Hotel Zamenhoff St 1 web: atlas.co.il +972 3-520-7100

09. Engel House Sderot Rothschild 84

Localización y datos prácticos Location and useful information 14. Design Museum Holon Pinkhas Eilon St 8, Holon web: dmh.org.il

15. Tel Aviv Port Nemal Tel Aviv St

Allenby St

Sderot Sha’ul HaMelech 27

23. Teder.fm

17. Opera House

Derech Jaffa 9 web: teder.fm +972 3-571-9622

Sderot Sha’ul HaMelech 19 web:israel-opera.co.il

Herzl St 79

18. Azrieli Center

11. 8 Dov Hoz House

Derech Menachem Begin

12. Cymbalista Synagogue

22. Allenby Street

16. TAM Amir Building

10. Ehrlich House

Dov Hoz 8

21. Peace Peres House Kedem St 132 09:00-17:00 Sun-Thu 09:00-14:00 Fri web: peres-center.org

19. Porter School

Tel Aviv University

Tel Aviv University web: environment.tau.ac.il +972 3-640-8111

13. ToHa Building

20. Rothschild Tower

Yigal Alon St 114Yafo,

Rothschild Blvd 36

24. Sarona Sarona Market, Aluf Kalman Magen St 3 10:00-22:00 Sun-Wen 10:00-23:00 Thu and SaT 09:00-16:00 Fri web: saronamarket.co.il

26. Carmel Market HaCarmel St 48 07:30-19:00 Sun-Thu 07:30-17:00 Fri

27. HaYarkon Park Rokach Blvd web: park.co.il +972 3-627-3927

28. Claro; Ha’arbaa st 23 12:00–16:00/17:30–23:30 Sunday to Thusday 9:00–16:00/17:30–23:30 Friday and Saturday web:clarotlv.com +972 3-601-7777

29. Neve Tzedek

25. Jaffa Flea Market

HaTachana, Kaufmann St web: hatachana.co.il

Olei Zion St 09:00-17:00 Sun-Thu 09:00-14:00 Fri

Levinski St

30. Florentin

C 2021 163

Travel Canada

Vancouver A orillas de la costa pacífica, la ciudad portuaria destaca por su alta calidad de vida gracias a su riqueza cultural y grandes parajes naturales.

On the Pacific coast, the port city boasts a high quality of living, thanks in part to its rich culture and natural enclaves.

Bloedel Conservatory Greenhouse

Ubicado en el alto de una colina del Queen Elizabeth Park, el invernadero acoge bajo su cúpula una gran colección de plantas exóticas y aves en libertad y ofrece una de las mejores vistas de la ciudad y de las montañas de North Shore.

1zoom.me

Located high on a hill of Queen Elizabeth Park, the domed greenhouse is home to a vast collection of exotic plants and freely moving birds, and offers one of the best views to be had of the city and the North Shore Mountains.

Capilano Bridge Suspension Bridge

Stretching 140 meters at an altitude of 70 meters above the Capilano River, this work of the Scottish civil engineer George Grant Mackay is the main tourist attraction in the multi-adventure, multi-amenity park.

164 C 2021

destinationvancouver.com

El puente colgante, obra del ingeniero George Grant Mackay, tiene una longitud de 140m y se encuentra suspendido a más de 70m de altura sobre el río, para convertirse en la principal atracción del parque multiaventuras.

Urban Park Stanley Park

With its 400 hectares of woodland, Stanley Park takes up Downtown Peninsula’s northern half, Its leisure offers, from beaches and lakes to an aquarium, make it a principal feature of the city of Vancouver.

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Con sus 400ha de bosque, Stanley Park ocupa la mitad norte de la península del Downtown y su gran oferta de ocio — desde playas y lagos hasta un acuario— lo convierten en uno de los grandes atractivos de Vancouver.

Brutalism Museum of Anthropology

El museo ocupa desde 1983 el antiguo palacio neoclásico de justicia, obra de Sir Francis Mawson. The museum has since 1983 occupied the neoclassical courthouse by Sir Francis Mawson.

vancouverplanner.com

Designed in 1976 by Arthur Erickson for the University of British Columbia, the museum’s concrete porticoes and the large sheet of water are modeled on vernacular constructions and mark the campus entrance.

miss604.com

Proyectado en 1976 por Arthur Erickson para la Universidad de Columbia Británica, el sistema de pórticos de hormigón del museo y su extensa lámina de agua se inspiran en las construcciones autóctonas y marcan la entrada al campus.

Neoclassicism Vancouver Art Gallery

westcoastmodern.org

Museum Bill Reid Gallery

La sede de la fundación del escultor Bill Reid ha sido recientemente renovada por Merrick Architecture para, además de acoger su obra, ampliar su superficie expositiva y así poder albergar muestras de arte indígena.

The headquarters of the sculptor Bill Reid’s foundation was recently renovated by the firm Merrick Architecture so that it would showcase not only his work, but also a collection of indigenous art.

Architecture Simon Fraser University

The university campus features low buildings stepped in terraces to emphasize their horizontal forms against the mountain landscape. Built in 1965, this was one of Arthur Erickson’s early projects.

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reddit.com

El campus universitario se compone por edificios de poca altura, escalonados en terrazas para enfatizar su horizontalidad frente al paisaje montañoso. Construido en 1965, se trató de uno de los primeros proyectos de Erickson.

Vancouver hosted the 1986 World’s Fair on the north bank of False Creek, where the dome of the Expo Centre (now Science World) and the Canadian Pavilion (currently the city’s dock) still stand.

Art Deco Vancouver City Hall Diseñado en 1936 por Townle y Matheson, fue un símbolo de recuperación tras la Gran Depresión.

searcharchives.vancouver.ca

Universal Exposition Expo Vancouver 1986

Vancouver acogió la Exposición Universal de 1986 en el recinto a orillas del False Creek donde aún perdura la cúpula del Expo Centre (hoy el Museo de la Ciencia) y el pabellón canadiense (actualmente el muelle de la ciudad).

Designed in 1936 by Townle and Matheson, it became a symbol of recovery after the Great Depression.

Tower Harbour Centre

WMZH Architects raised this tower in the central business district in 1977. It was until 2008 the city’s tallest building, and the Lookout on top, 168 meters above the street, offers a panorama that is hard to beat.

dailyhive.com

El estudio WMZH Architects construyó esta torre para el distrito financiero en 1977. Coronada por el Vancouver Lookout, fue hasta 2008 el edificio más alto de la ciudad y desde su mirador a 168m de altura ofrece una de las mejores panorámicas.

Public Space Robson Square

images.glaciermedia.ca

En esta céntrica plaza Arthur Ericksen propuso en 1983 un innovador diseño de rampa-escalera para resolver las distintas cotas hasta los tribunales de justicia, también obra suya, que destacan por su gran cubierta de vidrio. For this centrally located plaza Arthur Erickson in 1983 designed a novel ramp-stairway that would link up the various levels all the way to his own Law Courts, gathered under a roof of green-tinted glass.

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Art Gallery The Polygon Gallery

The Vancouver Convention Centre beside the cruise ship terminal was a 2009 design of MCM+DA+LMN.

La propuesta de Patkau Architects se añade al proceso de renovación del litoral, evoca el pasado industrial de la zona y ofrece desde 2003 una nueva institución cultural dedicada a la fotografía y la prensa independiente. The building by Patkau Architects contributes to the waterfront’s overall urban renewal, evokes the area’s industrial past, and is the rebirth of what has been an independent photography and media institution for decades.

Tower Convention Centre

Ubicado junto al puerto, el Centro de Convenciones fue proyectado en 2009 por el equipo MCM+DA+LMN.

The tower by James K.M. Cheng has been Vancouver’s tallest since 2008.

La torre de usos mixtos, a cargo de Norman Foster, amplía unas antiguas estructuras beauxartianas. The mixed-use high-rise by Norman Foster is the extension of some old Beaux-Arts structures.

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Residential Tower Jameson House

Skyscraper Deutsche Bank Place

El rascacielos obra del arquitecto James K.M. Cheng es desde 2008 el más alto de Vancouver.

Mixed-use Tower One Wall Centre

La torre completada por Perkins+Will en 2001 alberga un hotel de lujo y zonas residenciales. The skyscraper completed by Perkins+Will in 2001 contains a luxury hotel and condominiums.

Museum Beaty Biodiversity Center

Ubicado en el paseo principal del campus, el complejo —también de Patkau Architects— se organiza en torno a un patio central para albergar desde el museo de historia natural hasta laboratorios y oficinas.

Located on the Main Mall of the University of British Columbia campus, this complex, also by Patkau Architects, is arranged around a court to house a natural history museum plus laboratories and offices.

Architecture The Qube

La peculiar estructura de la torre (calculada para resistir sismos) propuesta en 1969 por los arquitectos Rhone & Iredale se construyó de arriba abajo, con sus 9 plantas colgando de cables de acero desde el núcleo central de hormigón.

The block’s peculiar structure (calculated to withstand earthquakes) was designed by Rhone & Iredale in 1969, and built from the top down, with its 9 floors hung from steel cables from the central concrete core.

Sports Competition Tea House

Residential Tower Vancouver House

Rising at the entry into Downtown Vancouver, this work of the firm led by Bjarke Ingels presents a mixed-use podium and a slender apartment building standing 150 m tall and tapering downward.

Situado en un punto estratégico que señala la entrada al centro de la ciudad, el edificio del estudio liderado por Bjarke Ingels está formado por un basamento de usos mixtos y una esbelta torre de viviendas de 150m de altura.

Kengo Kuma built a pavilion for the Japanese tea ceremony on the 19th floor of Shaw Tower.

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Public Market Granville Island La isla de Granville, al otro lado del False Creek, se ha transformado de una antigua zona de actividad industrial a un bullicioso punto de encuentro; gracias a sus galerías de arte, tiendas de artesanía o su famoso mercado público.

On the other side of False Creek, an old industrial manufacturing zone has been turned into a hotspot for entertainment and shopping, featuring art galleries, craft shops, and a famous public market.

Seafront Canada Place

El emblemático edificio con forma de barco se sitúa en el fiordo de Burrard Inlet, tras acoger el pabellón canadiense en la Expo de 1986 se ha convertido en centro de convenciones, hotel y terminal de cruceros.

The ship-like icon rises on the Burrard Inlet fjord, the site of the Canada Pavilion during Expo ‘86. Canada Place is home to the Vancouver Convention Centre, a hotel, and a cruise ship terminal.

klm.com

23 Quartier Gastown

Adjacent to Downtown Vancouver, the historic neighborhood is in one of the city’s most popular areas.

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Al noreste del centro, el histórico barrio hoy es en una de las zonas más populares de la ciudad.

Landscape Grouse Mountain

Ubicada al norte de la ciudad a menos de 30min, se puede ver de fondo desde todo el downtown. Less than 30 minutes north of the city, it offers a sweeping view of Downtown Vancouver.

Street Life Richmond Night Market

El mercado nocturno de Richmond se celebra desde el año 2000 en los meses estivales, tras el éxito de su primera edición no ha parado de crecer y atraer visitantes gracias a su gran oferta gastronómica y de ocio.

richmondnightmarket.com

This nighttime market has been a summertime fixture since its debut in the year 2000, and just keeps growing and attracting visitors through a copious variety of gastronomical and other features.

Home of the Vancouver Canucks, the Rogers Arena holds major concerts and shows.

rosewoodhotels.com

Sport Events Rogers Arena

Acoge al equipo de hockey Vancouver Canucks y los principales conciertos y espectáculos de la ciudad.

Food Hawksworth Restaurant

This establishment of a renowned Canadian chef is housed in the historic Rosewood Hotel Georgia.

sportsbar.ca

Creado por uno de los chefs más reconocidos de Canadá, está ubicado en el histórico Rosewood Hotel Georgia.

Night Life Commodore Ballroom

Art Gallery Monte Clark Gallery

In an area of significant artistic growth, the gallery occupies an old industrial concrete block building.

El conocido club nocturno se apropia de un edificio estilo Art Déco de finales de la decáda de 1920.

En una zona de importante crecimiento artístico, la galería ocupa un antigua fábrica de mampostería.

The famous music venue, dance floor, and nightclub appropriates a late1920s Art Déco building.

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Vancouver 01. Bloedel Conservatory

07. Simon Fraser University

Localización y datos prácticos Location and useful information 14. Jameson House

Queen Elizabeth Park 4600 Cambie St 10:00-16:00 Mon-Sun

8888 University Dr, Burnaby

02. Capilano Bridge

1455 Quebec St Science World 10:00-17:00 Mon-Sun

1128 W Georgia St

09. Vancouver City Hall

1000 Burrard St onewallcentre.ca

3735 Capilano Rd 11:00-21:00 Mon-Sun capbridge.com

08. Expo Vancouver 1986

03. Stanley Park

453 W 12th Ave 08:30-17:00 Mon-Fri

09:00-17:00 Mon-Sun +1 604-681-6728

10. Harbour Centre

04. Museum of Anthropology

555 W Hastings St 10:00-18:00 Mon-Sat vancouverlookout.com tickets and contact information info@vancouverlookout.com

University of British Columbia 6393 NW Marine Dr 10:00-17:00 Tue-Sun moa.ubc.ca

05. Vancouver Art Gallery 750 Hornby St 10:00-17:00 12:00-20:00 Tue&Fri vanartgallery.bc.ca

06. Bill Reid Gallery 639 Hornby St 11:00-17:00 Wed-Sun billreidgallery.ca +1 604-682-3455

172 C 2021

11. Robson Square 800 Robson St

12. Convention Centre vancouverconventioncentre.com

13. The Polygon Gallery 101 Carrie Cates Ct 10:00-17:00 Wed-Sun 10:00-20:00 Thu thepolygon.ca +1 604-986-1351

838 W Hastings St

15. Living Shangri-La 16. One Wall Centre

17. Beaty Biodiversity Cent. Vancouver Campus, 2212 Main Mall 10:00-17:00 Tue-Sun beatymuseum.ubc.ca

18. Vancouver House 1480 Howe St

19. The Qube 1333 W Georgia St

20. Tea House Shaw Tower 11077 W Cordova St

21. Granville Island Public Market 1689 Johnston St 10:00-17:00 Mon-Sun

22. Canada Place 08:00-12:00/13:00-16:00 canadaplace.ca

23. Gastown gastown.org

24. Grouse Mountain grousemountain.com

25. Richmond Night Mkt. 8351 River Rd, Richmond summer months

26. Monte Clark Gallery 53 Dunlevy Ave 10:00-17:00 Tue-Sat

27. Hawksworth Rest. 801 W Georgia St hawksworthrestaurant.com

28. Rogers Arena 800 Griffiths Way rogersarena.com +1 604-899-7400

29. Commodore Ballroom 868 Granville St commodoreballroom.com

20 15

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