Gentleman_209_Esp

EL VALOR DE LA ELEGANCIA

THE ART OF FUSION

SQUARE BANG UNICO Caja cerámica negra. Movimiento cronógrafo UNICO In-house. Edición limitada a 250 piezas.

ESOS PEQUEÑOS DETALLES

QUE NOS DISTINGUEN, QUE HACEN que podamos mostrar nuestro propio estilo. Esos pequeños detalles, efectivamente, son los que habitualmente pueblan estas páginas, y lo hacen deliberadamente. Nunca hemos pretendido ser un producto de tendencias, sino un ‘contenedor’ de ideas que aporten caminos de expresión dife rentes. Estarán pensando que me estoy refiriendo a la moda, pues no en balde nos encontramos en una de las ediciones que tienen esa temática como uno de los argumentos principales. Pero no es así; lo que reivindicamos desde GENTLEMAN es que el estilo se crea alrededor de una suma de con ceptos que no solo tienen que ver con la imagen. Cuando nos planteamos la portada de este número, encontramos en Juan Diego Botto el personaje perfecto para ilustrar nuestra forma de entender el estilo. Si nos quedamos con lo inmediato, su película En los márgenes, ha llamado la atención de la crítica y lo ha confirmado como un buen director. Es un paso más en una carrera que está llena de pequeños detalles, de elementos que le han hecho crecer en distintos territorios de expresión, desde series de TV al teatro –está

recorriendo España con una obra que también ha recibido loas de la crítica–. Y todo ello con su propio estilo, con su forma de hacer las cosas, porque ese es un elemento que debe ser irrenun ciable.

Si no, que se lo pregunten a Enrique Vila-Ma tas. El escritor presenta su última creación de las más de 30 novelas que conforman una biografía intensa. Recibe el nombre de Montevideo, pero en realidad es otra reafirmación de su vida literaria, de su esfuerzo por hacer literatura de calidad y sobre todo, de su eterna pelea en defensa de la buena literatura. Y salvando las distancias y las comparaciones con Botto, podemos concluir que en ambos casos hay un punto común: ese estilo que predican tiene un concepto asociado de excelencia en aquello que hacen. Esa es una aspiración tan natural como necesaria para crear un espacio diferente... personal.

Revisamos también la moda, no podía faltar en este número, y lo hacemos con argumentos como el que nos da Antoine Arnault, CEO de Berluti, presidente de Loro Piana y director de Comunicaciones del Grupo LVMH, quien tiene su valoración sobre el mundo del lujo: “gente con menos pantallas, más experiencias físicas y menos virtuales”. No es una vuelta al pasado, es una rea lidad que puede y debe convivir con las nuevas tecnologías. Son estas las que deben adaptarse a nuestro estilo, no ser nosotros quienes cumpla mos con esa especie de designio globalizador que nos transmiten. Dicho todo ello, quizás volvamos a tener la corbata como uno de nuestros elemen tos imprescindibles, aunque los datos de los últi mos años nos lleven la contraria.

Una última recomendación de lectura: nues tro Especial Real Estate, donde conocer las últi mas tendencias de arquitectura y diseño, con residencias de ensueño... porque este también es un ejercicio de estilo. De pequeños detalles.

Ricardo Balbontín. Director

DESCUBRE EL SINGLE MALT AL QUE POCOS PUEDEN ACCEDER

CONTENIDOS

NOMBRES PROPIOS

14 ROBERT LEPAGE

LA MADRE DE TODAS LAS ARTES

Texto Juan Luis Gallego Fotografía Elias Djemil-Matassov

18 STEVEN MEISEL

EL LEGADO DEL CREADOR

Texto Paula Polizzotto Fotografía Steven Meisel

20 VÍCTOR CARREAU

PENSAR MEJOR

Texto Paula Polizzotto

G-MANÍA

Texto P.Polizzotto / J. L. Gallego

22 MODA

OSCAR AL MEJOR VESTUARIO

26 LUJO SOLO PARA ELEGIDOS

28 ESPACIOS BREVES

ENTREVISTA

30 ENRIQUE VILA-MATAS CONTRA LA BANALIZACIÓN DE LA LITERATURA

Texto Juan Luis Gallego Fotografía Antonio Navarro Wijkmark

ESPECIAL ESTILO

40 PORTADA: JUAN DIEGO BOTTO

UN OTOÑO DESLUMBRANTE Fotografía Paul Palacios Estilismo África Colado

Texto Juan Luis Gallego

50 CON FIRMA

EL NUDO AL CUELLO

Texto Fernando Schwartz Fotografía Jacobo Pérez-Enciso

56 MODA

ALTO STANDING Fotografía Quique Santamaría Estilismo Berta Fernández-Abascal

DIÁLOGO ENTRE GENIOS

Exposición PicassoChanel en el Museo Thyssen Bornemisza.

Texto: Paula Polizzotto.

Elegance is an attitude

Regé-Jean Page

CONTENIDOS

60 FRAGANCIAS

AROMAS LUMINOSOS

Texto Lucía Heredero

52 ESTILO

ELOGIO DE LA CORBATA

Texto Rubín de Celis

Fotografía Juan Carlos de Marco

64 GRANDES FIRMAS: LVMH ANTOINE ARNAULT: EL LUJO DE ESPERAR

Texto Giulia Pessani Fotografía Massimo Sestini

68 RELOJES

OMEGA x SWATCH: VIAJE INTERPLANETARIO

Texto Ricardo Balbontín

Fotografía Juan Carlos de Marco

MOTOR

74 CUPRA BORN

POTENCIA CON AUTONOMÍA

Texto Amelia Solana

ESPECIAL REAL ESTATE

76 COSMPOLITA

EL LUJO DE VIVIR EN LA CIUDAD Texto María Orriols

82 PROMOTORAS: GILMAR

LA CASA DE SUS SUEÑOS

Texto María Rosa

84 INTERIORISMO

MENOS ES MÁS

Texto Marc Heldens

Fotografía Mark Seelen

92 DECOR STUDIO

UNA CASA PARA SER VIVIDA

Texto Gentleman

94 TENDENCIAS Y ARQUITECTOS NUEVAS FORMAS

Texto Mario Canal Fotografía Jacobo Medrano / David Zarzoso / Daniel Riera

RELOJES

Texto Ricardo Balbontín

102 CHOPARD CONTACTO CON LA NATURALEZA

106 AUDEMARS PIGUET UN MUNDO DE CONTRASTES

109 BLANCPAIN A TIEMPO COMPLETO

110 CARTIER ELEGANCIA NATURAL

113 LOUIS VUITTON UN VIAJE DE VEINTE AÑOS

114 BVLGARI LA BELLEZA DEL PASADO

SECCIONES

116 AGENDA NACIONAL E INTERNACIONAL

Texto Luis Ini / Natalia Erice

121 NOTAS

122 ICONOS JEAN-LUC GODARD

Texto Rubín de Celis

DIRECTOR

Ricardo Balbontín rbalbontin@gentleman-es.com

DIRECTOR ADJUNTO Juan Luis Gallego jlgallego@gentleman-es.com

DIRECTOR DE ARTE A lberto Torés atores@gentleman-es.com

| COLABORADORES |

Mario Canal, África Colado, Natalia Erice, Berta Fernández-Abascal, Marc Heldens, Lucía Heredero, Luis Ini, Pilar Molestina, Federico Oldenburg, María Orriols, Juan Parra, Giulia Pessani, Paula Polizzotto, María Rosa, Rubín de Celis, Fernando Schwartz y Amelia Solana.

| ILUSTRACIÓN |

Del Hambre, Jacobo Pérez-Enciso y Fernando Vicente.

| FOTOGRAFÍA |

Jordi Bardajil, Juan Carlos de Marcos, Elias Djemil-Matassov, Jacobo Medrano, Antonio Navarro Wijkmark, Pau Palacios, Massimiliano Polles, Daniel Riera, Quique Santamaría, Mark Seelen, Massimo Sestini, Julie Turcas y David Zarzoso.

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Fotografía de portada: Pau Palacios

ISSN

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ROBERT LEPAGE DIRECTOR, ESCENÓGRAFO, DRAMATURGO Y ACTOR

La madre de todas las artes

Creador polifacético, el autor canadiense ensalza el teatro como la discplina donde se pueden encontrar todas las demás manifestaciones artísticas. En noviembre trae a Madrid su obra 887.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA ELIAS DJEMIL-MATASSOV

DICEN DESDE EL FESTIVAL DE OTOÑO DE MADRID que, para su 40 edición –entre el 10 y el 27 de noviembre, en una treintena de espacios de la Comunidad de Madrid–, una de las prioridades era contar con Robert Lepage, el director, actor, guionista y escenógrafo canadiense (Quebec, 1957) con el que mantiene un idilio desde que, en 2003, cautivara al público y la crítica con aquella obra apabullante, El Álamo, de seis horas de duración. Lepage ha dicho que sí y volverá a la capital con la que es, quizás, su obra más personal, 887, de marcado y confeso carácter autobiográfico.

Vuelve a Madrid en una ocasión tan especial para el Festival de Otoño. ¿Cómo es su relación con este evento y con España en general?

Me hace mucha ilusión volver a Madrid al Festival de Otoño. Desde que comencé a participar en él, me dio la posibilidad de ponerme en contacto con el público, pero también con la comunidad de intérpretes del país. Recuerdo haber trabajado con Núria Espert en La Celestina en 2004, y con otros actores con los que a día de hoy sigo colaborando. Almodóvar ha venido a ver un par de obras mías. Desde siempre me resultó muy orgánico representar para el público español, sobre todo porque nuestras culturas son muy similares.

887 es uno de sus más famosos montajes, estrenado en España en 2015. Para quien se acerque a esta obra por primera vez, ¿qué le diría que va a encontrar?

887 es un trabajo muy personal. Es autobiográfico en cierta forma, pero yo lo llamo ‘autoficción’. Todo lo que cuento es verdad, pero no siempre lo cuento de la forma más realista, si no que introduzco elementos poéticos. Trata sobre mi infancia y tiene un componente político, aunque no fue intencionado. En la década de los 60, cuando yo era niño, sucedieron muchos acontecimientos importantes desde el punto de vista político en Quebec, por lo que resulta interesante para la audiencia internacional que quiera conocer las distintas paradojas y contradicciones que suponía vivir entonces en Canadá, en especial para los hablantes de la lengua francesa. 887 es la dirección de un apartamento donde vivía con mis padres desde 1960 a 1970 y trata de la gente que allí vivía, pero es también una metáfora sobre la vida en Quebec durante esa década. Poner tanto uno mismo en una obra, ¿produce alivio o dolor? Ambos. Siempre experimentas cierto dolor al desarrollar un proyecto, abres cajas de Pandora del pasado que creías cerradas y sacas a la luz recuerdos sin resolver. El alivio llega cuando la obra se presenta por fin al público, que es el eco que tu historia

Robert Lepage acude a Madrid, con su compañía Ex Machina, para representar 887 del 24 al 26 de noviembre en el Teatro del Bosque de Móstoles.

Las fotografías de esta entrevista han sido tomadas en la oficina de Lepage en el teatro Le Diamant, en Quebec (Canadá).

personal encuentra a nivel universal. La recompensa está en el feedback y el diálogo que recibes del público.

¿Qué tiene que hacer el teatro para sobre vivir entre tanta y tan accesible pantalla?

Vivimos en un ‘mundo Netflix’, donde el cine está en el salón de casa. La gente se ha vuelto vaga en el confort del hogar. Si queremos que la gente siga yendo al cine, que pague a una niñera, que encuentre apar camiento en el centro de la ciudad, el teatro debe dar contenido y agitar las mentes del público. Para ello es necesaria la originalidad de la historia y que esta sea contada de una forma coherente con el mundo en el que vivimos, de forma que la gente reconozca. El teatro ha de ser un espacio donde cada indi viduo ejecute su tarea y para ello es necesaria la complicidad entre todos ellos. El teatro es un diálogo entre la temática de la obra y la forma de presentarla, que ha de ser la correc ta. Por ello, es esencial la audacia para que el teatro sobreviva.

La tecnología, que en principio tiene poco que ver con el origen del teatro, juega un papel fundamental en su obra.

La tecnología tiene mucho que ver con el

nacimiento del teatro. En la Edad de Piedra, con el descubrimiento del fuego, para mí la primera forma de tecnología, la gente se reunía en torno a él para entrar en calor, pero también para crear sombras en las paredes y contar así sus propias historias. Eso era una forma de teatro y también de cine. Conta ban la historia del grande y del pequeño, del poderoso y del pobre, de los mortales y de los dioses. Era una ilustración con el fuego de sus propias realidades. Creo que el teatro nace a partir del momento en que alguien puede hablar y dominar la tecnología. Usted concibe el teatro, al contrario que el cine, como un trabajo vivo, que evolu ciona. De hecho, sus representaciones lo hacen a lo largo de los años. ¿No le estresa esa sensación de no dar nunca por cerrada una obra?

El teatro siempre debería ser una disciplina inacabada. Lo que presentas al público es efímero. Ellos son los únicos que verán lo que presentas ese día, a esa hora y en ese espacio, y también participan en la evolu ción de la obra. Siempre me he sentido muy cómodo con el concepto de que el teatro sea algo inacabado. Si vas a hacer 25 obras

en un teatro clásico, puede ser frustrante, pero ahora estamos cerca de las 400 repre sentaciones. Las obras están empezando a no cambiar tanto como lo hacían antes, solo pequeñas modificaciones. Una obra es como una esponja: absorbe la realidad de las personas. Representar en Madrid será otra oportunidad para conocer la realidad, los sentimientos, las opiniones y las ideas del público local. De una forma u otra, conocer esto siempre cambia la obra. Eso es lo que es el teatro, una escultura efímera que cambia todos los días.

Imagine que empieza de nuevo. ¿Hacia cuál de todas las disciplinas que ha tocado encaminaría sus primeros pasos?

Si empezara de cero no me centraría en cosas que he hecho antes, como películas o escribir. Volvería al teatro porque lo conside ro ‘la madre de todas las artes’. En él se pue den encontrar todas las disciplinas artísticas, como arquitectura, música, danza o litera tura. El teatro tiene un objetivo de reunión, desde los actores, hasta las distintas formas de arte, incluso reúne también al público. Creemos que el teatro va de comunicación, pero realmente es una comunión.

STEVEN MEISEL FOTÓGRAFO

El legado del creador

A Coruña acoge este otoño la muestra Steven Meisel 1993, A Year In Photographs, que rinde tributo a uno de los fotógrafos de moda más subversivos e influyentes de los últimos 30 años.

TEXTO PAULA POLIZZOTTO FOTOGRAFÍA STEVEN MEISEL

La nueva muestra descubre la obra del neoyorquino Steven Meisel durante 1993, año en el que despuntó su carrera gracias a la elaboración de imágenes sensuales y controvertidas.

En esta página: Meisel, fotografiado por Stephane Sednaoui, 1993.

En la página siguiente:

1. El actor Brent King, New York, 1993.

2. La modelo Linda Evangelista, New York, 1993.

3. Isabella Blow, estilista y directora de moda, París, 1993.

EN 1992, STEVEN MEISEL SE CONVIRTIÓ EN LA SENSACIÓN editorial en Estados Unidos y en Europa tras publicar el libro Sex, un repertorio de fotografías eróticas protagonizado por Madonna, con el que ambos artistas sentaron las bases de la liberación sexual de los 90. Un año más tarde, la carrera del fotógrafo estadounidense se disparó gracias a una estrecha colaboración con la revista Vogue, para la que llegó a rmar 28 portadas y más de un centenar de editoriales.

Durante 1993, Meisel contribuyó a la industria de la moda generando un catálogo de imágenes que aunaban el enfoque comercial con la crítica social y cultural, en una época de gran inclusión racial de las supermodelos que ocupaban las principales cabeceras de moda. Este año de explosión creativa lo aborda la nueva exposición Steven Meisel 1993, A Year in Photographs, que recoge más de cien retratos de célebres guras de la moda y del cine, entre ellas, Linda Evangelista, Naomi Campbell, Barbara Streisand o Isabella Blow.

El neoyorquino es el segundo artista elegido por la presidenta no ejecutiva de Inditex Marta Ortega como protagonista de un proyecto a largo plazo destinado a transmitir la obra de los grandes maestros de la fotografía del siglo XX. La producción se inaugurará el 19 de noviembre en el espacio expositivo del Muelle de la Batería, en A Coruña, e incluye trabajos emblemáticos como el editorial AngloSaxon Attitudes, donde Meisel resumió el emergente espíritu individualista y anárquico que la moda adoptó a principios de los años 90.

VÍCTOR CARREAU FUNDADOR Y CEO DE COMET MEETINGS

Pensar mejor

Comet Meetings es el proyecto que este francés lleva por el mundo con la idea de modernizar el concepto de reunión. Sus ventajas: maximizar el tiempo y fomentar la colaboración entre colegas.

TEXTO PAULA POLIZZOTTO

ELEVAR LA EXPERIENCIA DE LOS TRABAJADORES en un entorno distendido, de forma personalizada y con un servicio excelente. Estas máximas alimentaron el espíritu emprendedor de Víctor Carreau para fundar Comet Meetings, la evolución del espacio de reuniones de trabajo. Su objetivo, desterrar la idea de que un encuentro profesional ha de ser monótono y poco atractivo. Así, el diseño, el color y la amplitud de los ambientes de nen cada una de las localizaciones que el francés elige para seguir desarrollando este particular proyecto alrededor del mundo. La última acaba de abrir sus puertas en la capital y es la novena inauguración tras los siete espacios abiertos en París y otro ubicado en Bruselas.

Ocupa seis plantas de las ocho que alberga un privilegiado edi cio frente al Parque del Retiro y su concepto estético sigue la misma línea creativa que el resto de sedes situadas en el extranjero. “Cada sede de Comet Meetings cuenta una historia diferente. En esta ocasión, quisimos recrear un ‘mini Retiro’, por lo que cada planta imagina una zona característica, como El Estanque, el Palacio de Cristal o el Observatorio.”

Esta innovadora alternativa a la o cina ofrece, desde 2016, a grandes y pequeñas empresas la posibilidad de realizar eventos corporativos durante el día y durante la tarde y, a diferencia de un coworking tradicional, que solo brinda el espacio de trabajo, Comet Meetings se encarga de organizar

la experiencia completa, desde las salas de reunión y zonas comunes, hasta el equipo tecnológico, un servicio de snacks y bebidas disponible durante todo el día, e incluso sesiones de bienestar, juegos en equipo y formaciones para incrementar el rendimiento.

Después de la o cina y el hogar, Comet Meetings se proyecta como un ‘tercer lugar’ en el que interactuar entre compañeros en un ambiente creativo y vanguardista. “Los trabajadores realizamos tres funciones al día: producción, colaboración y socialización.

Tras la pandemia, las dos últimas han quedado prácticamente anuladas, por lo que es esencial que las reuniones se organicen ahora de una forma meticulosa. Esto evita que el vínculo entre colegas se fragilice”.

Estilo Habanero

Prominente Icónico Doble Tiempo

A lo largo de su historia, Cuervo y Sobrinos ha concebido relojes que poseen un alto contenido de estilo latino. El Prominente Doble Tiempo está diseñado con una elegante apariencia.

Este modelo de doble tiempo está equipado con dos movimientos independientes, lo que permite al usuario visualizar correctamente la hora en dos lugares diferentes, independientemente de su diferencia con respecto a la hora UTC.

Fabricación suiza, alma latina

MRM Dream

SL cuervoysobrinos@mrmdt.com

www.cuervoysobrinos.com

G-MANÍA

MODA

| SECCIÓN P. POLIZZOTTO / J. L. GALLEGO

OSCAR AL MEJOR VESTUARIO

Alessandro Michele celebra la obra de Stanley Kubrick en su nueva campaña para Gucci. Bajo el nombre de Exquisite, la firma italiana rinde homenaje a las películas más emblemáticas del cineasta para su colección otoño/invierno 2022.

TRAS LLEGAR A LA DIRECCIÓN CREA TIVA DE GUCCI en 2015, Alessandro

Michele se ha convertido en uno de los diseñadores que más ha transformado la cultura de la moda del siglo XXI, gracias a creaciones que acercan distancias entre lo masculino y lo femenino, integran constantes referencias historicistas y combinan disciplinas artísticas como la música y el cine. Bajo estas premisas, el diseñador ha creado Exquisite, la campa ña para el próximo invierno de la firma italiana, que rinde homenaje a Stanley Kubrick, uno de los grandes genios del cine del siglo XX. Michele ha recreado, en colaboración con Adidas, algunas es

cenas de cinco clásicos del director: 2001: Una odisea en el espacio (1968), La naranja mecánica (1971), Barry Lyndon (1975), El resplandor (1980) y Eyes Wide Shut (1999).

La campaña ha sido fotografiada por los directores creativos Mert Alas y Marcus Piggott e incluye réplicas de los diseños creados por la vestuarista Milena Cano nero para los filmes originales. Diferentes marcos de la filmografía de Kubrick cobran vida en atrezzos donde predomina la geo metría, el papel tapiz y un fuerte sentido de la simetría. El resultado son imágenes que reflejan la obsesión del cineasta por el tra bajo técnico, basado en la luz, la fotografía y la construcción de escenarios.

En esta página: Imagen inspirada en El resplandor, obra con un fuerte simbolismo estético, por ejemplo, en la mítica alfombra de patrón geométrico que simboliza un laberinto visual sin salida.

En la página siguiente, de arriba abajo: Escenas que homenajean las películas La naranja mecánica y Barry Lyndon. En ellas, Michele utiliza elementos como el cruce de presente y pasado o la mezcla de distintos planos históricos.

ESTILO

Junto a estas líneas: Fotografía inspirada en la obra maestra de Kubrick 2001: Una odisea en el espacio. En ella, el director hace uso de la perspectiva en profundidad y una escenografía simétrica y sin ornamentos.

Bajo estas líneas: Recordando la cinta Eyes Wide Shut protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman, que explora el sexo, las relaciones matrimoniales y el consumismo en el Nueva York de los años 90.

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SOLO PARA ELEGIDOS

American Express se alía con el arte para ofrecer nuevos diseños de su exclusiva tarjeta Centurion, que convierte también, de la mano de Prada, en una elegante pulsera.

UN HALO DE MISTERIO RODEA CENTURION, LA TARJETA más exclusiva de American Express. Nada se sabe de cuántos o quiénes son sus titulares, ni siquiera de cómo se accede a ella. Pero sí que es capaz de ofrecer un universo de experiencias únicas en el arte, la cultura, los viajes y, posiblemente, cualquier otro campo. Por ejemplo, reabrir El Bulli una última vez cuando ya había cerrado. Ahora, American Express se ha aliado con el arquitecto Rem Koolhaas y el artista Kehinde Wiley para rediseñar la Centurion –el titular puede elegir entre ambas o la original clásica–, y también con Prada para crear una pulsera inteligente, con chip de pago incrustado.

1. Proyección inmersiva para presentar los nuevos diseños

2. Wearable de Prada, con chip de pago integrado.

3. Aspecto de la tarjeta diseñada en colaboración con Kehinde Wiley.

4. Plato creado por el chef Julián Mármol, con 100 huevas de caviar

5. Aspecto de la presentación, en el club Monteverdi.

CENTURION BY AMERICAN EXPRESS eligió Madrid para organizar la Experiencia Cinco sentidos y presentar a un reducido grupo de medios de comunicación el rediseño y las colaboraciones artísticas del producto más icónico de la compañía. GENTLEMAN estuvo allí.

EL SAVOIR FAIRE FRANCÉS

Le Cercle Delacre (París)

Las reseñas lo describen como el centro de belleza solo para hombres al que van los políticos parisinos, y también jugadores del Paris Saint Germain. Su lista de tratamientos incluye desde cortarse el pelo o la barba hasta realizar una manicura, una pedicura o un masaje a dos o cuatro manos, con la experiencia Premium Delacre como plato fuerte: seis horas de tratamiento en la que los profesionales del centro se ocupan de cabello, cara y cuerpo. En sus 650 metros cuadrados divididos en dos plantas, cuenta también con hamman, sauna, restaurante, limpiabotas y aparcacoches.

PARA EL CUERPO Y LA MENTE

Algunos tradicionales, otros de nueva creación, seleccionamos seis espacios en los que disfrutar no solo de cuidados físicos y estéticos, sino también de alicientes culturales e intelectuales. En Madrid, Barcelona, Bilbao, París y Londres.

EL ARTE COMO PROTAGONISTA

Club Monteverdi (Madrid)

Un club privado de las artes, lugar de encuentro para los amantes de la música, la pintura, la literatura y la gastronomía, entre otras disciplinas.

Así se presenta este espacio, situado en un edificio señorial de la calle Almagro de Madrid, donde dispone de más de mil metros cuadrados que acogen amplios salones de reunión, de lectura, de exposiciones, de recitales y conciertos, privados y zona gastronómica. Disponible para eventos, el Club Monteverdi ofrece varios niveles de membresía, que abren la puerta a experiencias como un brunch con el mejor cine a ritmo de jazz o un concierto en homenaje a la guitarra clásica española (ambos citas en octubre). El club se presenta también como un espacio donde la empresa tiene especial cabida para fomentar el desarrollo de las artes a través de la filantropía y el mecenazgo.

CUIDADOS 360º

Gimnasio up&you (Bilbao)

Lázaro Estudio firma el interiorismo de este gimnasio que incluye entre su numerosa oferta, además de planes personalizados, clases dirigidas y equipamiento de última generación, una espectacular piscina de 20 metros con spa, baño turco y sauna. El diseño ha conseguido crear distintos ambientes para cuidar no solo el cuerpo, también la mente, con una zona de yoga en un entorno casi místico, y la alimentación, con el espacio gastronómico The Miller.

ENTRE LA CULTURA Y LOS NEGOCIOS

The Cover (Barcelona)

En el barrio modernista de Barcelona, en las instalaciones del hotel cinco estrellas Sir Victor, se encuentra este club privado. Con un diseño elegante y vanguardista y una decoración centrada en el arte y la literatura, The Cover nace con la voluntad de enriquecer la vida de sus socios alrededor de tres pilares: negocios, bienestar y comunidad. En la plata baja se encuentra el restaurante Mr Porter, mientras que la primera planta acoge un espacio diáfano de coworking, con biblioteca y zonas de reuniones. En la sexta planta, se encuentra The Club, el centro neurálgico de The Cover, un amplio espacio para el ocio y el relax donde se llevan a cabo las actividades sociales, culturales y de negocios para los socios.

PARA AUTÉNTICOS GENTLEMEN

Dunhill Barber (Londres)

La firma de ropa y accesorios para el hombre Dunhill dispone en la capital británica, en el barrio de Mayfair, de un concepto de peluquería y barbería masculina que, además de cortes, peinados, afeitados y mantenimiento de la barba, incluye diversos paquetes de aseo y otras experiencias, como masajes o tratamientos faciales acompañados de champán y puros.

MUCHO MÁS QUE UNA BARBERÍA

Shave (Madrid)

La creación en 2018 de SHAVE barbers & spa fue la respuesta del empresario Sami Azrak a la falta de espacios dedicados a trabajar estilos de corte y cuidado de la barba con un estándar de calidad. Ahora es una cadena, con varios centros en Madrid, en los que se pretende dar un servicio integral a los clientes, incluyendo en cada salón Shave tratamientos de estética no disponibles normalmente en las peluquerías y barberías masculinas, además de una línea de productos exclusivos Shave de cosmética masculina que pueden ser adquiridos online por suscripción.

ENRIQUE VILA-MATAS

CONTRA LA BANALIZACIÓN DE LA LITERATURA

Frente al “libro mal hecho” y la proliferación de escritores espontáneos, el autor catalán insiste en convertir cada nueva obra en un audaz ejercicio literario, como en Montevideo, su última novela.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA ANTONIO NAVARRO WIJKMARK

CON EL ESCRITOR ENRIQUE

VILA-MATAS (Barcelona, 1948) pasa un poco como con su último libro, Montevideo (Seix Barral): que intentar reseñar en unas líneas de qué va la obra es tarea tan ardua e infructuosa como pretender resumir en esta introducción la figura de su autor. Digamos que, aunque como él mismo confiesa un cálculo de marketing le impide presentarse como un escritor de los de antes, es la expre sión que mejor le define: es decir, vive y se comporta como un escritor incluso cuando no escribe; también, por ejemplo, cuando oye a los políticos o ve la televisión. Autor de una voluminosa y coherente obra que inclu ye novela, ensayo y cuentos, también nume rosas colaboraciones periodísticas, probable mente la mejor forma de conocerle es leerle. O hablar con él, un auténtico privilegio.

Dos preguntas en una: ¿qué porcentaje de lo que cuenta en Montevideo le ha suce dido de verdad? y, por otro lado, ¿importa o no que el lector lo sepa? Tal y como está hecho el libro, como pasa en otros libros anteriores míos, poco importa si es verdad o no. Confieso que a mi amigo Sergio Pitol le pregunté si un episodio de su libro El viaje era verdad y él me explicó que lo importante es que fuera verosímil. Yo he tra bajado con mucho elemento autobiográfico, pero también inventando mucho sobre lo real, mezclando realidad y ficción. Al fin y al cabo, el libro es un viaje a un lugar de Monte video donde se juntan realidad y ficción. La verosimilitud es lo que permite que se haga esta pregunta, porque lo que parece inven tado muchas veces no lo es y otras cosas que parecen reales sí que son inventadas.

Montevideo, editado por Seix Barral, es el último libro publicado por Enrique Vila-Matas, autor también de obras como París no se acaba nunca, Dublinesca o Mac y su contratiempo, entre otras muchas.

Habla usted en el libro de esos escritores de antes, que lo son en todo momento, como Roberto Bolaño o Julio Cortázar. ¿Pertenece usted a esa clase de escritores? No me conviene afirmarlo, porque la gente no estaría tan interesada en un escritor de antes. Lo que utilizo en el libro es una frase de Fabián Casas, un escritor argentino, que se refería, especialmente a Cortázar, como un faro para muchos escritores jóvenes, al que se miraba incluso su conducta moral, sus opiniones de literatura, etc. En el caso de Bo laño ocurría lo mismo, había hasta peregri naciones a (la localidad catalana de) Blanes para hablar con él… Son autores que pertene cen a un concepto de la literatura que se está perdiendo, a la historia de la literatura, que se está desvaneciendo cuando se acepta que una novela es simplemente contar lo que te ha pasado con tu familia durante un año.

fue muy complicado porque los escritores amigos a los que invitaba creían que era una indirecta y que les estaba llamando fracasa dos. El siguiente congreso al que me invitó es el que aparece más en el libro, que no hay que olvidar que el libro mismo es un tratado de la ambigüedad, y fue un congreso sobre la ambigüedad. La ambigüedad es una visión cósmica del mundo, donde creemos com prender algo y no comprendemos nada. Quizás es que pensamos que un escritor tiene una profundidad de pensamiento que le hace saber de todo, o tener criterio sobre todo. ¿Nos equivocamos? Nadie sabe mucho tampoco. Es cierto que nos preguntan opiniones sobre cualquier cosa. Yo, de lo que puedo hablar es de lo que mínimamente he estado practicando duran te 50 años. Mis opiniones, fuera de la literatu ra, son siempre sobre terrenos que desconoz

“NECESITO QUE HAYA CULTURA PORQUE, SI NO, SERÍA ENORMEMENTE DESGRACIADO. SIN ELLA, SERÍA EL ABURRIMIENTO MISMO”

Estas cosas, depende de cómo las cuentes, también están bien, pero hay poca idea de lo que puede ser la literatura. Si le preguntaran de qué va Montevideo, ¿qué contestaría usted?

Para resumir: un ensayista que odia las nove las, los dramas que se repiten continuamente en las novelas de los siglos XIX y XX, y que quiere ser solo ensayista, pero que paradóji camente acaba siendo narrador, ya que cuan do deja de querer narrar se queda sin escribir y, a partir de ese día, durante tres años, le pasan las cosas más extrañas que le han pasa do en su vida y se ve obligado a contarlas. ¿Realmente un escritor es invitado a con gresos tan raros como los que reseña en el libro? ¿Recuerda alguno? Básicamente, los que nombro en el libro, invitado por la universidad suiza de St. Ga llen. La directora, Yvette Sánchez, siempre concibe congresos bastante especiales, como el del fracaso, al que no pude ir y tuve que buscar a alguien que me sustituyera, y

co. Las opiniones, creo que lo decía Josep Pla, son de las cosas que más perturban a los demás, porque cuando opinas de algo, muchísima gente no está de acuerdo, y son delicadas, hay que ir con cuidado cuando opinas de algo que no conoces. Dice en el libro que un escritor es algo así como el resultado de sus continuos cam bios de estilo. ¿Cambia usted de estilo? No he cambiado nunca de estilo. Sí he evolucionado, sobre todo hay un cambio lógico en los escritores que es la experien cia. A la hora de resolver problemas dentro del libro, por ejemplo, sirve mucho el bagaje anterior. Igual que uno es joven y de mayor lo que detestaba antes ahora le parece bue nísimo, películas o novelas por ejemplo. Eso sí que ha cambiado, pero lo demás no, por que he permanecido fijo. Hay declaraciones mías de hace 15 o 20 años que he repasado y dicen lo mismo que ahora. Creo que nun ca me he traicionado por ningún motivo, he hecho lo que tenía que hacer.

¿Como lector, qué espera de un libro? Que me interese mucho. No necesito que sea parecido a mí ni mucho menos; al contrario, últimamente leo mucho ensayo, pensamiento, ciencia, cosas que desconozco y que me interesa entrar en ese campo, no tanto narración. Me dedico a escribir na rraciones pero estoy un poco saturado, las historias se parecen mucho entre ellas. En un ocasión, Juan Marsé, siendo jurado de un premio, se quejó de la escasa calidad de las obras presentadas, y dijo que hay quienes aspiran a ser escritor no tanto por escribir, sino por vivir como creen que viven los escritores.

Hay muchas escritores, yo he sido uno de ellos, que creen que es muy fácil escribir. Con tener pluma, papel o ahora ordenador y contar lo que has vivido el día anterior…

Creo que lo de Marsé fue un toque de aten ción de lo que iba a venir, que es lo que ha venido realmente: bastante banalización de lo que es la literatura, evidentemente.

Pero hay quien con literatura que se tilda de mala o facilona, se convierte en best seller. Qué se le puede reprochar a un escri tor que consigue atraer la atención de un millón de lectores...

Me recuerda la historia del torero Belmonte, en el hotel Alfonso XIII de Sevilla, que pasó por su mesa Ortega y Gasset y le saludó muy afectivamente. Y cuando se había ido, Belmonte preguntó, “¿y este quién es?”. Y le dijeron, “es filósofo”. Y dijo, “hay gente pa tó”. ¿Un autor de best sellers al que se haya en ganchado?

Supongo que Cervantes, también Laurence Sterne, Diderot, porque son long sellers en definitiva, no best sellers. También me interesa Stephen King o Graham Greene me encan taba cuando lo leía. Naturalmente que he leído best sellers, no tengo nada contra ellos; lo tengo contra el libro mal hecho. ¿Cuál es el libro que ha releído más veces?

Jakob von Gunten, de Robert Walser; Locus Solus, de Raymond Roussel, y un libro de Dalí sobre el Ángelus de Millet. Por la siguiente razón: son los que me inician un poco en la literatura que después hice; son tres tipos de libro muy raros en principio para mí cuando los leí, que demuestran que

se puede escribir de otra forma de la que yo creía que había que escribir. Llama la atención, no solo en el libro Montevideo, su capacidad para encontrar y recordar citas de otros en el momento oportuno. ¿Sabe que su cultura puede llegar a apabullar al lector?

En este libro, no; creo que casi pasa inad vertido cada vez que cito, porque encaja tan bien en lo que estoy contando… Esto lo hago también sin darme cuenta en las conversaciones, todo me remite a otras cosas. Cuando veo la televisión y hablan de algo que ha ocurrido, enseguida me acuerdo de que hace 40 o 50 años ocurrió algo muy parecido. Continuamente necesito no aislar ese hecho, sino relacionarlo con algo que sea cultura. Necesito que haya cultura porque, si no, sería enormemente desgraciado. Sin ella, me sería imposible vivir, sería el aburrimien to mismo, el estupor. La cultura me ayuda a estar. Si estoy en un desierto en el que no hay nada, solo arena, me gustaría adentrarme en la historia para saber que en aquel punto en el que estoy también ha sucedido algo de tipo cultural. Es como una droga absoluta. Y además pienso que estamos en un país en el que es difícil a veces encontrar, muy con cretamente en los políticos, un cierto tono mínimo de una cultura que ayudaría mucho a resolver muchas cosas. Hay quien dice que sin consultaran a los escritores, mejor les iría. Como dice en Montevideo, toca ahora encontrar la salida en un nuevo libro. Tengo tanto ánimo después de la publica ción de este libro que voy a empezar ense guida. Yo me divierto yendo al fondo de los temas que trato en los libros para dejarlos sin salida. Y todo consiste en situarme en el consejo de mi padre, que decía que la inteligencia sirve para escapar, aunque sea por un mínimo agujero, de la situación que nos tiene atrapados. Ya en Montevideo digo que escribo para encontrar luego la salida del libro que escribo y escribir otro. Eso demuestra que hay una continuidad en lo que hago, desde que empecé. En realidad, he escrito siempre un solo libro y no uno detrás de otro. Cuando a Simenon le preguntaron “usted cuándo escribirá la gran novela”, dijo, “ya la estoy escribiendo, llevo 200 libros”.

En la página anterior: Capa de seda y plumas. Gabrielle Chanel 1926.

Junto a estas líneas: Olga Picasso. Lápiz y carboncillo sobre papel. Pablo Picasso, 1918. (Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte, Madrid. © FABA

Photo: Marc Domage).

DIÁLOGO ENTRE GENIOS

El museo Thyssen inaugura Picasso/Chanel, una muestra que explora la relación entre uno de los pintores más influyentes de la historia y la diseñadora que liberó a la mujer en un mundo de hombres.

TEXTO PAULA POLIZZOTTO

A COMIENZOS DEL SIGLO XX, MUCHOS ARTISTAS de diversos géneros, desde pintores y arquitectos hasta diseñadores, poetas o escultores, abrazaron el término Modernismo, un movimiento artístico que buscaba una estética en la que las bellas artes interactuaran con los objetos de la vida cotidiana. A partir de los años 20, la alimentación entre distintas disciplinas comenzó a ser constante: arte y moda expe rimentaron una unión sin precedentes, espo

leada por el deseo de que todo entorno del individuo, incluida su indumentaria, debía constituir una obra de arte total. La moda femenina pasó a estar ampliamente influen ciada por el diseño artístico, dando pie a creaciones cuyo fin era redefinir el paradig ma de lo moderno tras los siniestros acon tecimientos de la I Guerra Mundial. Así lo hicieron dos de los creadores más prolíficos del siglo XX, Pablo Picasso y Coco Chanel, derribando él definitivamente la tradición

pictórica a través del cubismo y creando ella una ética del vestir coherente con una mujer decidida a participar activamente en el mun do laboral. Picasso y Chanel compartieron la determinación por romper con los métodos tradicionales de creación y una gran capa cidad para la autopromoción, tarea que la moda había ido perfeccionando desde tiem pos de Charles Worth. Así, la obra de ambos estuvo marcada por un lenguaje común, fruto de intereses y aspiraciones afines.

Arriba: Mujer frente al mar Pablo Picasso, 1922. (The Minneapolis Institute of Art. Legado de Putnam Dana McMillan).

En esta página: Vestido de noche. Gabrielle Chanel 1929-1930.

En la página anterior: Abrigo de terciopelo y algodón. Gabrielle Chanel, 1929-1930.

Junto a estas líneas: Mujer con mandolina Pablo Picasso, 1908. (Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf).

Arriba: Estudio para la cabeza de ‘Desnudo con paños’ Pablo Picasso 1907. (Museo Nacional ThyssenBornemisza).

Junto a estas líneas: Conjunto de día en seda, cuero, metal y vidrio. Gabrielle Chanel, 1928-1930.

Esta relación la explora, a partir del 11 de octubre, el Museo Nacional Thyssen-Bor nemisza en la exposición Picasso/Chanel, una asombrosa muestra de vestidos, óleos, di bujos y otras piezas procedentes de museos y colecciones estadounidenses y europeos, que documenta cómo la diseñadora se hizo eco en numerosas creaciones del ‘espíritu Picasso’, que sacudió todas las artes deco rativas de la segunda década del siglo XX. Para ello, la couturier, que ayudó a que tras la guerra el centro de gravedad de la prenda se

moviera de la cintura a los hombros, se sirvió de algunos aspectos formales del cubismo, como el uso de la geometría, presente en las líneas rectas de sus diseños, o la reducción cromática –en su caso al blanco, negro y beis– implementada por Picasso o Braque.

La muestra recoge también la estrecha amistad que Chanel mantuvo con el pintor y con su mujer Olga, bailarina de profesión, quien se convirtió en una devota clienta de la diseñadora, precisamente por la libertad que sus prendas proporcionaban al cuerpo,

Las fotografías de los trajes pertenecen a Patrimonio de Chanel, París © CHANEL. / Las de las obras de Pablo Picasso a © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid 2022.

adaptándose a él, gracias a que utilizaban principios de confección similares a los de la indumentaria de la danza moderna.

La última parada de la exposición aborda los dos proyectos profesionales en los que Picasso y Chanel coincidieron, él realizando el decorado, y ella, el diseño de vestuario. Ambos tuvieron lugar de la mano de Jean Cocteau; en 1922, Antígona, la tragedia de Sófocles reescrita por el poeta ese mismo año; y, dos años más tarde, el ballet El tren azul, del director ruso Serguéi Diághilev.

ESPERAR TIENE PREMIO

Habanos lanza en exclusiva para el mercado español una cantidad limitada de la vitola Junior de la línea Open de Montecristo con un añejamiento de más de 10 años. Un cigarro más redondo y equilibrado y con nuevos matices.

LA LÍNEA OPEN DE MONTECRISTO, PRESENTADA EN 2009 y formada por cuatro vitolas, es ya todo un referente entre los amantes de los Habanos. Y Junior es su vitola de fumada más breve, con un cepo 38 y una longitud de 110 mm. Ahora, Tabacalera presenta en el mercado español Mon tecristo Open Junior con más de 10 años de añejamiento. Su caja de 20 cigarros se distingue por una pegatina dorada en su tapa que indica que sus Habanos, una vez torcidos, han sido envejeci dos durante al menos 10 años en perfectas condiciones de conservación, un proceso que vuelve el tabaco más redondo y agradable al paladar, consiguiendo nuevos matices y notas de sabor más equilibradas. Montecristo Open Junior con más de 10 años de añejamiento está disponible en cantidades limitadas en los estancos españoles a un precio de 8,5 € el cigarro y 170 € la caja de 20 cigarros. Montecristo, fundada en la Habana en 1935, es una de las marcas de Habanos más reco nocidas en todo el mundo. Su nombre se inspira en la novela El conde de Montecristo. Entonces, el lector de tabaquería leía la novela a los torcedores de la fábrica y tal fue la aceptación de esta obra de Alejandro Dumas que se decidió dar el nombre de su protagonista a la nueva marca. J. Parra

Montecristo Open Junior 10 Años Añejamiento.

Capa: color carmelita + Sabor: amaderado, tostado, algo mineral y especiado, con un postgusto a frutos secos, café y pimienta + Aroma: amaderado y torrefacto + Fortaleza: media + Tiro: bueno + Tiempo de fumada: 25-30 minutos

UN OTOÑO DESLUMBRANTE

FOTOGRAFÍA PAU PALACIOS ESTILISMO ÁFRICA COLADO

El actor, autor y ahora debutante director de cine Juan Diego Botto viste la nueva colección de DIOR MEN en el mejor momento de su carrera y con GENTLEMAN como privilegiado testigo.

Abrigo con estampado Príncipe de Gales y bordado Diamond Heritage; camisa oversize de seda gris Bobby; pantalones de chándal negros; calcetines gris oscuro de cashmere con bordado, y calzado Dior x Birkenstock Tokio Mule de ante en negro. Todo de DIOR MEN.

En esta página: Chaqueta canvas color topo de doble botonadura y broche de perla de agua dulce blanca y cristales blancos. Todo de DIOR MEN.

En la página anterior: Abrigo de lana marrón pata de gallo; broche con perla de agua dulce blanca y cristales blancos con colgante en forma de coral; polo color crema de manga larga mezcla de lana y seda; pantalones de chándal blanco roto; calcetines gris oscuro de cashmere con bordado, y sneakers B101 Low Top de ante. Todo de DIOR MEN.

Asistente de fotografía: Lucía da Cunha. Asistente de estilismo: Aniley Duany. Maquillaje y peluquería: Mario Rubio (one-off Artists) para Dior. La sesión ha sido realizada en LECLAB MADRID. C/ Ferraz, 2. Madrid. Tfno.: (+34) 91 542 95 89. leclab.madrid

En esta página: Chaqueta chiné Príncipe de Gales; polo color rosa con manga larga, y pantalones de chándal grises. Todo de DIOR MEN.

En la página siguiente: Polo de punto gris de manga larga; camisa azul de rayas; pantalones de chándal grises; calcetines gris oscuro de cashmere con bordado; calzado Dior x Birkenstock Tokio Mule de ante en negro y (sobre el sillón) mochila Explorer con estampado Dior Oblique. Todo de DIOR MEN.

PORTADA

En esta página y en la fotografía de portada: Abrigo con estampado Príncipe de Gales de doble botonadura; camisa beis bordada; pantalones de chándal blanco roto; calcetines gris oscuro de cashmere con bordado, y sneakers B101 Low Top de ante. Todo de DIOR MEN.

ESTO YA NO ES TRABAJO

Tras una prolífica carrera en cine, televisión y teatro, Juan Diego Botto alcanza por fin esa aspiración de todo actor: hacer lo que quiere. La obra Una noche sin luna y su primera película como director, En los márgenes, están en su podio de deseos cumplidos.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO

NO HACE MUCHO RUIDO JUAN DIEGO BOTTO. Es de esas figuras con las que el espectador se encuentra de cuando en cuando hasta que, un buen día, se da cuenta de que le ha acompañado toda la vida. Y entonces recuerda que ya le vio cuando era un veinteañero (nació hace 47 años en Buenos Aires, Argentina) en Historias del Kronen (1995) y en Martín (Hache) (1997); o que le estremeció su papel de asesino en serie en Plenilunio (2000); o que se enganchó a la serie norteamericana Buena conducta (2016-2017) porque le vio compartir protagonismo con Michelle Dockery, la chica de Downton Abbey. Y cuando le conceden el Premio Nacional de Teatro en 2021, al aficionado no le extraña, porque sabe que hizo un Hamlet y que escribió y protagonizó Un trozo invisible de este mundo, y que con la última, Una noche sin luna, agota entradas allá donde va. Y de repente, cuando vuelve a ocupar los medios de comunicación por su primer largometraje como director, En los márgenes –un drama social sin concesiones, con la precariedad y los desahucios como escenario y con magistrales interpretaciones de Luis Tosar y Penélope Cruz–, su figura se revela en toda su magnitud como uno de los grandes creadores de nuestro país. Que vive, además, una etapa especialmente prolífica: mientras se encuentra inmerso de lleno en una nueva gira de Una noche sin luna, al estreno de En los márgenes el 7 de octubre, se une el 4 de noviembre No mires a los ojos ,dirigida por Félix Viscarret y protagonizada por Paco León.

Cuando recibió el Premio Nacional de Teatro dijo que Una noche sin luna es la experiencia más gratificante de su carrera. ¿Dirigir su primera película le puede arrebatar ese título?

Sí, desde luego pelea con la obra de teatro en el escalón de las experiencias más gratificantes de mi carrera. Los proyectos personales, que uno tiene ganas de

contar, que lleva años intentando levantar, siempre son experiencias mucho más enriquecedoras que aquellos proyectos en los que puedes aportar todo tu conocimiento o toda tu sabiduría pero que al final no dejan de ser encargos. Una noche sin luna es una historia que yo llevaba muchos años queriendo contar, sobre Federico García Lorca y sobre la memoria. Y En los márgenes es un guión al que llevamos casi ocho años dándole vueltas e intentando conseguir el dinero. Además, todas las partes del proceso han sido muy bonitas: contactar con los actores, el ensayo, el rodaje, el montaje.., todo ha sido muy gratificante. O sea, que a lo mejor por una nariz gana uno a otro, pero entran en la meta juntos.

¿Diría usted que está en el mejor momento de su carrera o, al menos, en el más pletórico?

Es un momento muy bonito de mi carrera, porque se han juntado dos cosas que llevaba muchos años queriendo hacer; también esa película de Viscarret; y acabo de terminar de trabajar con Borja Cobeaga, con el que tenía muchas ganas, porque es uno de los grandes guionistas y directores de comedia de nuestro país… Estoy en un momento muy bonito, porque estoy pudiendo escoger y hacer las cosas que me apetece hacer. Y ese es el sueño de cualquier actor. ¿Qué es para usted el éxito?

Poder vivir de tu profesión, siendo esta una profesión que te gusta, y escoger los proyectos en los que participas. Todo lo demás es trabajo.

¿Esto de dirigir era como esperaba o ha habido momentos en que dijo ‘dónde me he metido’? La verdad es que fui con los deberes muy muy hechos. El miedo lo tuve antes de empezar, que es cuando hay que tener miedo. A lo largo de mis años como actor he vivido situaciones en las que he visto a directores atragantarse en un set de rodaje, que de repente se dan cuenta de que tienen menos tiempo

del que necesita la película, de que no llegan con la planificación que tienen, he visto situaciones que yo tenía miedo de encontrarme en ellas. Con lo cual, tenía muy pensado cómo quería contarla, cómo queríamos rodarla, no tuve ese momento de pánico de ‘ahora no sé cómo salir de esta’.

Hay una película francesa, En un muelle de Normandía, en la que el personaje que interpreta Juliette Binoche, que es escritora, se hace pasar por limpiadora precaria para poder contar desde den tro cómo viven, y eso tiene consecuencias persona les. ¿Le suscita alguna duda, alguna contradicción, acercarse a situaciones tan vulnerables desde una posición acomodada?

Sobre todo, temor a ver si eres capaz, desde una situación de privilegio, en el sentido de que yo no tengo un problema de vivienda, tengo una tranqui lidad económica, de entender lo que están viviendo los otros. Nosotros íbamos por delante diciendo que estamos pensando en hacer una película y quere mos conocer esta realidad y formar parte de esto simplemente para intentar contarlo. Pero no, más bien todo lo contrario. Lo que tenían en general, muchos que se han convertido en amigos a lo largo de los años, eran ganas de que la gente conociera, de que la gente supiera, nos transmitían que hay muchos prejuicios, que la gente piensa que no te da la gana pagar, que podrías, que eres un vago... ¿Qué espera de esta película?, ¿qué tiene que pasar con ella para que diga: objetivo cumplido?

Muchas de las cosas que tenían que ocurrir ya han ocurrido y más de lo que me esperaba. Tenemos un reparto muy impresionante, y eso es una suerte para un director debutante. Pero con tu primera pelícu la estar seleccionado en Venecia y presentarla en San Sebastián, es mucho más de lo que cualquiera puede esperar. Para mí, la parte más bonita de todo este proceso fueron los años que estuvimos Olga Rodríguez, mi mujer y coguionista, y yo hablando con la gente que está en un proceso de desahucio o en situaciones de extrema vulnerabilidad econó mica, descubriendo auténticas heroínas y héroes...

Que ellos vean reflejada su historia y que la gente la conozca sería eso que planteas del objetivo final. No es fácil de ver su película, como no lo son algu nas de Ken Loach o los hermanos Dardenne, direc tores a los que usted admira. ¿No entiende el cine, el arte en general, como un mero entretenimiento?

Por supuesto, yo disfruto mucho el cine de entreteni miento. Pero también es verdad que hay cine social que yo disfruto y me entretiene. Creo que tiene que haber todo tipo de cine, y también historias que nos acerquen a los rincones que menos conocemos de nuestra realidad, a historias que se escapan del foco mediático cotidiano. Hay gente que sabe qué paso con todas las gemas de Thanos en las historias de

Marvel, pero desconoce que en su ciudad hay gente que vive situaciones de extrema vulnerabilidad. Contaba Penélope Cruz (además de protagonista, productora de la película), sobre su amistad desde adolescentes, que ambos tenían en común comer se mucho la cabeza. ¿Lo sigue haciendo? Sí, sí, sí… Soy un tipo muy intenso, le doy muchas vueltas a todo, me pienso mucho todo antes de hacerlo. De la obra de teatro escribí unas seis, siete u ocho versiones antes de tener la definitiva; del guión, unas 11. Y es verdad que en esto Penélope y yo nos entendemos, desde pequeños. Pero me hace gracia pensar que nos conocimos con 14 o 15 años y que 30 después aquí seguimos colaborando juntos. Uno de sus primeros trabajos fue con Ridley Scott (1492: La conquista del paraíso). Y luego ha coinci dido con John Malkovich (Pasos de baile), Jennifer López (Bordertown), Idris Elba y Margot Robbie (El escuadrón suicida) y Michelle Dockery (Buena con ducta). ¿De cuántos de ellos conserva sus móviles? A ver.... De los que has nombrado, de todos menos de dos, que no diré.

Convénzanos de que debe haber dinero público que ayude a sacar adelante proyectos como este. Todos los procesos industriales en un país reciben ayuda pública, todos: la agricultura, la pesca, la gana dería, el metal, el automóvil, el periodismo…, absoluta mente todos. Y el cine es un proceso industrial que, además, aporta al Estado, en beneficios, impuestos, tasas, mucho más de lo que recibe de él. ¿Por qué hay que apoyar la industria cinematográfica? Por lo mismo que hay que apoyar la industria, la pesca, la ganadería, la agricultura, el periodismo: porque entendemos que es algo que nos hace bien como comunidad. Uno nunca sabe cuándo se va a produ cir El Quijote de nuestro tiempo, esa obra artística que define el carácter de una nación. Tú vas ahora a Japón, a Chile, a Moscú, dices Pedro Almodóvar y la gente dice España, de la misma manera que si dices La Roja, la selección española, es algo importante para nosotros como país. Pero además, un país que no se cuenta, que no se narra a sí mismo, está ex puesto a que te narren otros, y a admirar las historias de otros.

¿Ha desaparecido en tu caso ese miedo eterno de los actores a que no suene el teléfono? No, ese miedo está y estará siempre. Convives con él de una forma distinta, aprendes a asumir otros ries gos. Aunque hay un factor que cambia con respecto al teléfono, y es ser padre. A partir de ese momento, dices ‘esto hay que cuidarlo, hay que guardar, hay que ahorrar, porque un día puede no sonar’. Ese temor está siempre, pero convives con él de otra for ma, tienes muchos años de experiencia que te dicen, ‘a ver, tranqui, que normalmente suena’. Pero siempre está esa amenaza.

Sobre estas líneas: Mochila Explorer con estampado Dior Oblique y bolso Dior Lingot gris, todo de DIOR MEN.

A la derecha: Bolso saddle gris con bordado Christian Dior 1947 y bolso negro en cuero granulado, todo de DIOR MEN.

EL NUDO AL CUELLO

Ahora que la corbata corre el peligro de ser desterrada, el autor recuerda los tiempos, cercanos, en que era la prenda elegante por antonomasia, cambiando de forma y diseño según los avatares de la moda.

TEXTO FERNANDO SCHWARTZ ILUSTRACIÓN JACOBO PÉREZ-ENCISO

HACE POCOS DÍAS ME PASEABA por Palermo regodeándome en la mara villosa, anárquica y pletórica capital de la Sicilia. Todo amontonado, como si aquel espacio urbano fuera todo él una acera estrecha en hora punta en la que unos vian dantes pretenden esquivar sin conseguirlo a los de la de enfrente. Allí estábamos, en la plaza Pretoria (la que los sicilianos llaman Piazza della Vergogna a causa de las ninfas desnudas que campan impúdicas en la extraordinaria fuente circular diseñada en el XVI para el jardín privado del virrey es pañol, el muy sinvergüenza) y, a diez pasos, la Martorana, la asombrosa iglesia bizanti na. En el siglo XII la regaló a la ciudad un emir sirio, tal vez como mezquita, y allí está con sus cupulitas y sus mosaicos; luego, las monjas de la comunidad que se apropiaron del templo destruyeron el ábside norman do que allí estaba y lo sustituyeron por unos cuantos horrores barrocos. Qué se le va a hacer.

Deambulando calle abajo hacia el mar por el Corso Vittorio Emanuele (no hay ciudad italiana que se precie en la que no exista un corso Vittorio Emanuele), fuimos en dirección a la Cala, el puerto deportivo en el que 25 años atrás había estado amarrado con mi barquito. Cues tión de nostalgia. Pero, contrariamente a lo que recordaba, el agua estaba limpia y los muelles, cambiados, con baldosas relucien tes y llenos ahora de fotógrafos dedicados a retratar a parejas de novios recién casados en presencia de testigos y familias. Me llamó la atención, ahora que las corbatas

han desaparecido casi por completo del atuendo varonil, ver que novios y testigos iban ataviados con llamativos corbatines y solapas: el novio que me cautivó llevaba zapatos de charol a los que solo faltaban las ruedas para ser tanques, una chaqueta de esmoquin cuyas solapas relucían con cha pas plateadas, una camisa ribeteada de fino hilo negro y una pajarita dorada y refulgen te. El hombre estaba listo para emprender la nueva vida en compañía de su novia, trajeada con un amplio vestido blanco (un poco apretado sobre sus carnes) que había tenido días mejores. Habríamos podido reír de no haber estado en tierra de mafia.

La pajarita dorada de nuestro ilusio nado novio, ahora que, como he dicho, la moda parece haber arrinconado la corbata, me trajo a la memoria a un jefe que tuve, primero en Londres y después en Nueva York, que lucía una bella y variadísima colección de ellas. Era un tipo espléndido que aspiraba rapé de una pequeña caja de plata y que acabó siendo embajador en El Cairo. Las corbatas eran su especialidad: se las hacía confeccionar a partir de fulares de seda ilustrados con pecios y otros motivos decorativos en la camisería de Turnbull & Asser en Jermyn Street, una de las calles elegantes de Londres. Nos seducían a todos: las encontrábamos elegantísimas y no nos las podíamos permitir.

Las corbatas variaban de un año a otro, de una temporada a otra y obligaban a todo el mundo (al menos al que era cons ciente de la tiranía de la moda y se dejaba esclavizar por ella) a cambiar de diseño

y de motivos florales cada pocos meses. Podían ser anchas o estrechas, largas o algo más cortas que el cuarto botón de la ca misa, sobrias o chocantes (a los dandies les encantaba lucir una corbata con motivos florales de vivos colores sobre un serio traje de raya diplomática), de nudo sencillo o Wilson, de lana o de seda. La corbata era la prenda elegante por antonomasia, incluso cuando quien la lucía llevaba una horrorosa mancha de huevo en su mismísimo centro.

Hasta el solemne chaqué, el pingüino, con el que nos casábamos, acabó despreciando la tradicional corbata gris marengo a rayas blancas y la sustituyó con otras de motivos alegres rosa o azul celeste más acordes con la felicidad que presagiaba el “sí quiero”.

Y de pronto se acabó. Dejaron de in teresar. Hasta los miembros del gobierno se la quitaron y de la noche a la mañana aparecieron descamisados en los consejos de ministros, como si así contribuyeran a ahorrar gas argelino y a limitar emisiones nocivas para la atmósfera. ¿Qué respirarán?

A alguien se le ocurrirá enseguida el diseño de una camisa apropiada para lucir sin cor bata debajo de una chaqueta de tweed y no aparentar ser un sans-culottes revolucionario.

Aquí ya nadie quiere parecer revoluciona rio. Es de mal tono. Pero las corbatas van siendo desterradas. Bueno, no si ha asistido usted al funeral por la reina Isabel II en Londres. De todos modos, el cambio de tendencia en la moda masculina, sin dejar de ser petimetre, va aliviando los rigores en el vestir. Todos vamos más cómodos. Una bendición como otra.

ELOGIO DE LA CORBATA

¿Será posible que una prenda icónica, signo de elegancia y estatus durante 400 años, acabe desapareciendo de los armarios y vestidores masculinos en nombre de la igualdad o la comodidad?

TEXTO RUBÍN DE CELIS

EL FINAL DE LA DEVASTADORA GUERRA DE LOS TREINTA AÑOS (1618-1648), que asoló Europa de norte a sur y de este a oeste, no solo marcó la emer gencia de un nuevo statu quo internacional —el declive del imperio español frente al encumbramiento de la Francia victoriosa—, significó también la adopción de un anu dado gesto estético que en poco tiempo se convertiría en signo de elegancia y estatus en todo el mundo civilizado. La Enciclopedia Británica registra la aparición del término ‘cravat’ en 1656, y explica su etimología como perversión del sustantivo étnico ‘croa ta’ —‘hvrat’ en su lengua—, que daría lugar al francés ‘cravate’, del que derivarían sucesiva mente sus versiones: italiana (‘cravatte’), an glosajona (la mencionada ‘cravat’), castellana (nuestra ‘corbata’), etc.

¿Y qué tienen que ver los croatas en todo esto? En un conflicto en el que la utilización de mercenarios fue generalizada, la temible

caballería ligera croata –que un jesuita espa ñol testigo de sus andanzas describió como “ágiles y animosos jinetes armados con unos alfanjes que cortan cadenas de hierro”– se hizo justamente célebre no solo por sus fero ces acometidas relámpago, sino también por su indisciplina dentro y fuera del campo de batalla y la voracidad en el saqueo. Pues bien, a la hora de partir a la guerra, las mujeres de estos jinetes tenían por costumbre anudar al cuello de sus novios y esposos un pañuelo rojo como símbolo de amor y fidelidad. De lino en el caso de los soldados, de fino algo dón e incluso seda en el de los oficiales.

El mismísimo Luis XIV, que consideró singular y distinguido el lazo balcánico, se encargaría de poner de moda la primigenia corbata al incorporarla al uniforme de su propia guardia personal. Así es como la prenda salió victoriosa de una guerra.

Un antiguo dicho –por cuya autoría discuten, ¿cómo no?, ambas naciones–

En la página anterior, Eduardo, duque de Windsor, quien, pese a la creencia popular, no inventó el nudo de tan regio apellido.

Sobre estas líneas, el rey que no llegó a reinar muestra cómo anudarse impecablemente una corbata con su lazada favorita: el simple ‘cuatro vueltas’.

afirma que “lo mejor que existe entre Francia e Inglaterra es el mar”, y, aunque sea muy cier to que la suya es la historia de una enemistad cordial, es preciso que, llegados a este punto, crucemos el Canal de La Mancha para, de la mano del ‘Bello’ Brummell, árbitro de la moda durante la Regencia inglesa y, una vez perdida la gracia de su amigo Jorge IV, en su desgraciado exilio francés, comprobemos que la corbata, anudada sobre el cuello alto de una camisa de lino, con frac o levita, pantalones largos y sombrero de copa, com pletaba el atuendo modélico del caballero decimonónico.

Para conseguir el nudo perfecto, Brum mell –del que su biógrafo, el dandi ultra montano Jules Barbey d’Aurevilly, escribió que era “un hombre que tiene algo que a simple vista le hace superior al resto del mundo”– podía invertir toda una mañana. Si no quedaba a la primera como él quería, desechaba esa corbata y empezaba de nuevo

con otra. Así, no resultaba inusual que, al mediodía, se encontrara con una montaña de corbatas postergadas ante las que excla mara suspirando: “¡Cuánto error!”. El caso es que la prenda no solo era ya un must, sino que, en 1830 –volviendo a cruzar el canal–, Balzac juzgaba en su imprescindible Tratado de la vida elegante que “de todos los elemen tos del atuendo masculino, la corbata es el único que pertenece verdaderamente al hombre; el único depositario de su indivi dualidad”.

El hombre del traje gris se rebela Si bien algunos de los elementos del dandi del XIX, con su idiosincrática corbata como precursora de la de nuestros días, sirvieron para la construcción de los códigos indu mentarios formales masculinos del siglo XX, la innovación y el desafío estético de este dieron paso, con el cambio de paradig ma de consumo propio del siglo pasado y

otras transformaciones sociales, a una ética vestimentaria nueva. El estilo aristocrático del dandi, hombre de bienes y ocio, sin “nin guna otra profesión más que la de la elegan cia” (según Baudelaire) fue adaptándose a una nueva realidad: la del hombre trabaja dor. Así es como en el ámbito profesional, con sus normas y expectativas, reproductor de las relaciones sociales a través del vestir (y, por supuesto, también de las ideas conven cionales de lo masculino y lo femenino), se impuso el traje como uniforme de trabajo. Cierto es que la idea del vestir elegante per dió el carácter soñador y un poco aparatoso del dandismo, pero, a la vez, se democratizó, permitiéndole abrazarla a una masa de pro fesionales liberales.

Con la corbata, los hombres añadieron un elemento decorativo al traje, limitado generalmente a unos pocos colores (negro,

tico –sobre todo simbólicos–, la corbata se erigió a lo largo del siglo pasado en la prenda más icónica de la masculinidad, sumando elegancia, formalidad, estatus y poder.

Y ¿cómo es posible que, habiendo goza do de una posición central en los códigos de vestimenta (e identidad) masculinos duran te casi cuatrocientos años, se haya descosido tan rápidamente un protagonismo perdido en apenas una década? La dramática y sostenida caída en picado de las ventas de corbatas a lo largo y ancho del planeta –se gún cifras del sector, ofrecidas por Sergio Tamborini, presidente de Sistema Moda Italia, en la última edición de Pitti Uomo, la feria de moda masculina más importante del mundo, estas descienden entre un 40 y un 50 por ciento al año en las últimas tempora das– parece certificar una gloria definitiva mente pasada.

azul o gris). Tal es su singularidad, que esos pocos centímetros de tela conforman la única de las prendas masculinas que, sin una verdadera dimensión funcional, permite la diferenciación inmediata. El protocolo de uso dicta modelos, colores, longitudes y anchuras dependiendo de las situaciones y propósitos con las que las vestimos. La sociología, la psicología o la semiótica han estudiado en profundidad sus capacidades comunicativas, demostrando que nada tienen que ver los mensajes que trasladan lo que los anglosajones denominan power tie –lisa, en un azul o rojo enérgicos y acabado mate–, la corbata profesional por excelencia, las coloridas franjas de una regimental tie o una corbata escolar típicamente británica (adoptadas después por las universidades de la Ivy League norteamericana) o la fantasía estampada, del paisley a los dibujitos más o menos divertidos.

Pero lo que es verdaderamente induda ble es que, por sus valores más allá de lo esté

La revista online Gentleman’s Gazette se preguntaba hace unos meses por este decli ve irrefrenable en un artículo que apuntaba una serie de factores coincidentes para expli car dicha decadencia. Entre ellos destacan tres, ciertamente acuciantes: el zeitgeist liber tador de unos tiempos alérgicos a toda im posición heredada, ya sea en forma de esta tua o de trozo de tela; la actual percepción de la prenda como un desfasado símbolo clasista tanto por buena parte de la industria como por editores de moda, periodistas especializados e incluso influencers; y, sobre todo, añadía, el triunfo final –y ¿definitivo?–del business casual. A los que habría que su mar la fluidez sexual y su impacto en los códigos de vestimenta tradicionales. De cualquier forma, hacerse hoy un nudo Windsor, Trinity o Eldredge en una preciosa corbata italiana de seda, o una suavísima de punto de lana escocesa, es poco menos que un acto de resistencia. Decidan ustedes mismos de qué lado están.

“DE TODOS LOS ELEMENTOS DEL ATUENDO MASCULINO, LA CORBATA ES EL ÚNICO DEPOSITARIO DE SU INDIVIDUALIDAD” HONORÉ DE BALZAC

ALTO STANDING

El traje como perfecto aliado sobre el que construir cuatro looks sobrios y confortables, para el día a día de la nueva temporada. Con las firmas de El Corte Inglés.

ESTILISMO BERTA FERNÁNDEZ-ABASCAL FOTOGRAFÍA QUIQUE SANTAMARÍA

En la página anterior: Abrigo camel de lana y cashmere y camisa azul, ambos de EMIDIO TUCCI. Traje de cuadros en gris y marrón, de EMIDIO TUCCI BLACK. Corbata de lana, de DUSTIN.

Sobre estas líneas: Traje gris, de DUSTIN. Camisa blanca, jersey gris de cashmere, corbata marrón con dibujos en azul y zapatos de piel con hebillas, todo de EMIDIO TUCCI.

Abrigo de cuadros sin forrar, de LLOYD’S. Traje azul, de EMIDIO TUCCI BLACK. Jersey de cuello alto en cashmere, de EMIDIO TUCCI.

Traje azul con raya diplomática y camisa blanca con raya azul, de DUSTIN. Corbata verde y zapatos de cordones tipo noruego en marrón oscuro, ambos de EMIDIO TUCCI.

AROMAS LUMINOSOS

Los perfumes se renuevan este otoño mimetizándose con el ambiente. Se mantienen los clásicos y se incorporan otros que exhiben notas inéditas, originales y sensuales.

DIOR Sauvage Elixir. Con vainilla procedente de Nueva Guinea sobre una base amaderada-ambarina (139 €).

GUCCI Guilty Parfum Pour Homme. Lavandín y limón combinados con la intensidad del enebro (135,90 €).

COACH New York Coach Open Road. Presenta notas de limón fresco, manzana roja y pimienta de Sichuan (82 €).

CHANEL Eau de Parfum Bleu. Aromático con madera de sándalo de Nueva Caledonia (145 €).

CALVIN KLEIN Eternity Intense for Him. Ráfaga fresca de lavanda orgánica, extracto de ron y absoluto de vainilla (106,40 €).

SELECCIÓN LUCÍA HEREDERO FOTOGRAFÍA JUAN CARLOS DE MARCOS

TÚ DECIDES

Con una fragancia intensamente masculina, BOSS Bottled Parfum, la tercera y más audaz entrega de la serie BOSS Bottle, invita al hombre a confiar en su instinto y perseguir sus sueños. En definitiva, a ser su propio BOSS.

SER UN BOSS, VIVIR COMO UN BOSS, ACTUAR COMO TU PROPIO BOSS. Definir tus propias reglas, confiando en tus instintos y tomando el control. Sobre esa filosofía, y con el lema Be Your Own BOSS, nace BOSS Bottled Parfum, una fragancia intensamente masculina que transmite una fuerza y carisma extraordinarios. Creado por Annick Ménardo y Suzy Le Helley, este nuevo parfum eleva la icónica fami lia de fragancias BOSS Bottle gracias a la mayor concentración hasta ahora creada, con una composi ción amaderada-ambarina que aporta una riqueza y textura excepcionales. Los aceites de mandarina y de incienso picante se mezclan en las notas de salida, que conducen a un corazón de un personal acorde de lirio y de raíz de higuera. Las notas de esencia de cedro y cuero vegetal añaden calidez a un acabado duradero en la piel. El frasco BOSS Bottled, reconocible al instante, está lacado en negro ahu mado, con la marca en oro hielo. Lanzado en 1998, el Eau de Toilette BOSS Bottled alcanzó rápidamen te el estatus de icono y sigue siendo un éxito de ventas en todo el mundo. Tras el lanzamiento de BOSS Bottled Eau de Parfum en 2020, el nuevo BOSS Bottled Parfum mueve la franquicia hacia un nuevo e intenso territorio con un claro mensaje: ha llegado el momento de ser tu propio BOSS. J. Parra

ISSEY MIYAKE L’Eau D’Issey Pour Homme. Cilantro, ciprés, mandarina, estragón…, un despliegue de sensaciones (119 €).

J.U.S JOYAU Sensoriel Bloomastral Combinación de facetas lácteas y especiadas como el caramelo, almendra, jazmín, osmanthus y notas verdes del azahar (180 €).

GIVENCHY Gentleman Réserve Privée Floral y amaderada, presenta recuerdos aromáticos del whisky (94,50 €)

LOEWE Eau de Parfum Earth Floral, ambarina y almizclada, contiene notas de trufa, pera, elemí, mimosa y violeta (120 €).

RALPH LAUREN Ralph’s Club. Combina notas amaderadas con facetas especiadas (109 €).

TEXTO GIULIA PESSANI FOTOGRAFÍA MASSIMO SESTINI

Hijo del dueño del grupo LVMH, Antoine Arnault es uno de los responsables de custodiar tan magno patrimonio: con creatividad, artesanía y anteponiendo los valores al lucro rápido.

Segundo de los cinco hijos de Bernard Arnault, es director de Comunicaciones del grupo LVMH; CEO de Berluti y presidente de Loro Piana.

Antoine Arnault posa para GENTLEMAN en los talleres de Berluti en París.

FIRMAS

AMABLE, AÚN MAS, UN CABA LLERO. Un príncipe del lujo sin arrogan cia, apasionado, irónico, directo. Antoine Arnault, segundo de los cinco hijos de Bernard, el patrón del Grupo LVMH –ese poderosos conglomerado de más de 70 marcas de lujo que incluye primeras firmas de moda, joyería, cosmética, destilados o vinos, entre otros sectores–, ama la vida, la realidad y el presente: casado con la super modelo Natalia Vodianova, dos niños, ex hibe el optimismo italiano, el romanticismo de Venecia, el sabor de Bolonia...

“Soy un antimetaverso”, proclama Arn ault (nacido en Roubaix, Francia, hace 45 años). CEO de Berluti, presidente de Loro Piana y director de Comunicaciones del Grupo LVMH, tiene el coraje de ir contra corriente, en un sector a menudo tan homo logado como el de la moda y el lujo. “Hasta

¿Cómo nació el proyecto?

Era abril de 2011; leí un artículo sobre el Grupo LVMH: nos pintaban como depre dadores, al asalto de los competidores, ha blaban de nosotros solo con números... Pero la realidad era, y es, exactamente lo con trario: en Asnières, en los talleres de Louis Vuitton, conocí artesanos apasionados que me guiaron de la mano por los laboratorios; en Champagne, hablé con un viñador que me contaba cada detalle de la última cuvée con lágrimas en los ojos de la emoción... Así que busqué una manera de cambiar la per cepción del grupo desde el exterior y tuve la idea de las Journées Particulières. “¿Tienes la impresión de que somos depredadores y que actuamos con el espíritu rapiña de las finanzas? Vale, pues ven y mira qué hacemos y cómo trabajamos, entra dentro de nuestras casas, te abrimos las puertas”.

“¿EL FUTURO DEL LUJO? MÁS REAL DE LO QUE IMAGINAMOS: GENTE CON MENOS PANTALLAS, MÁS EXPERIENCIAS FÍSICAS Y MENOS VIRTUALES”

que las experiencias de una velada con ami gos, una cena en un restaurante con estrella Michelin o una compra de Louis Vuitton sean en el metaverso por lo menos iguales que en la realidad, diré que soy un antimeta verso. Y esto no significa ser viejos”, explica a GENTLEMAN en el taller parisino de Berluti, en la calle Marbeuf, entre aromas de madera y cuero, artesanos con sables, aguja e hilos, pinturas, pinceles y estanterías.

Arnault ha decidido relanzar, tras la ausencia obligada por la pandemia, las llama das Journées Particulières (Días especiales), uno de sus proyectos propios, que este año toma forma por quinta vez, desde el 14 al 16 de octubre, en lugares emblemáticos de 57 firmas del grupo en 95 ciudades de todo el mundo. Los protagonistas: de Berluti a Fendi, de Dom Pérignon a Louis Vuitton, de Loro Piana a Cova, de Bulgari a Dior... Algo así como unas jornadas de puertas abiertas para mostrar la esencia de lo que hacen.

Podría decirse que su perspectiva sobre el Grupo LVMH es de 360 grados. Pero es también director general de una de sus marcas, Berluti. ¿Cómo maneja a la vez los conceptos de artesanía, creatividad y los aspectos comerciales? Nuestro espíritu es crear una síntesis entre la creatividad y el comercio, garantizando a la vez la rentabilidad de una marca. Pero en la base de todo está la genialidad de quien piensa un producto, es decir el estilista, y de quien es capaz de hacerlo, es decir, el artesa no. Sin su creatividad, nosotros, los gerentes, nos ocuparíamos de cosas banales, por la que nadie pagaría cifras importantes. Cual quier marca es como una música que viene del genio creativo, que es ejecutada por una orquesta y dirigida por un director, el CEO. La búsqueda de este talento creativo es un auténtico desafío...

La creatividad es una especie de toque mágico que nos lleva a crear productos

extraordinarios. El talento de un diseñador es muy difícil, porque a su vez es raro; tanto como el de los artesanos, especialmente en el mundo contemporáneo, donde parece tener más valor un futbolista que un viñador o un zapatero. Nuestra responsabilidad es hacer estos oficios interesantes, explicando a los jóvenes que no solo son apasionantes, sino que además están bien pagados y pue den garantizar un futuro. Y esta es otra de las razones por las que existen las Journées Particulières.

La sostenibilidad es una parte integral de la visión del grupo.

Cuando te sirves de la naturaleza, algo debe ser devuelto también. Y nuestro futuro, tan to desde el punto de vista económico como humano, depende también de esto. ¿Sabe que si la temperatura media sube un grado y medio no podremos seguir haciendo champán en Champagne? Nos ocupamos de la sostenibilidad porque es bueno, pero

también porque es necesario para continuar nuestro negocio y asegurar una actividad rentable a largo plazo.

¿Qué objetivos se plantea como grupo? Preservar y perpetuar las casas de moda, su historia, su patrimonio y su saber hacer en la medida de lo posible, tal vez para la eternidad. Somos los guardianes de esa aventura. Y tratamos de hacer nuestra tarea lo mejor posible, sabiendo además que, siendo un gran grupo, podemos darnos algo de tiempo.

¿Qué significa eso?

Que no razonamos ni operamos como fondos de inversión o Spac [modelo de empresa que opera en Bolsa]. Nuestra visión es mínimo a cincuenta años, no tenemos urgencia para correr o monetizar. No hay ninguna marca independiente o un fondo de inversión que pueda permitirse eso. Nuestro papel es preservar, por ejemplo, el espíritu italiano de marcas como Bulgari,

Fendi o Loro Piana, con grandes inversiones y proyectos que hemos demostrado que sabemos hacer.

Berluti, de la que es CEO, y Loro Piana, de la que es presidente, son dos primeras marcas del armario masculino. ¿Qué es la elegancia?

La encarna Marcello Mastroianni: es esa mezcla de despreocupación, orgullo e ironía, que en Italia llamamos sprezzatura, y que encontré en Sergio Loro Piana cuando trabajábamos juntos para la compra de la firma. Y luego ser siempre uno mismo, tanto si tratas con el conductor del taxi como con Emmanuel Macron; no cambiar de perso nalidad en función de quién está enfrente de ti.

Rareza, creatividad, sostenibilidad... ¿Y el futuro del lujo?

Más real de lo que imaginamos: gente con menos pantallas y más contacto directo, más experiencias físicas y menos virtuales.

VIAJE INTERPLANETARIO

MoonSwatch ha sido la gran sorpresa de la temporada y la ratificación del carácter de Swatch, que en esta ocasión ha tenido un aliado de postín, nada menos que Omega.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN FOTOGRAFÍA JUAN CARLOS DE MARCOS

HA SIDO UNA DE LAS SORPRESAS

DEL AÑO. Contemplar largas colas de gente deseosa de adquirir uno de los 11 relojes que componen la colección Bioceramic MoonSwatch era algo que no se recordaba. Y seis meses después de aquello (los relojes se lanzaron en marzo), todavía hay lista de espera para conseguir una de estas creciones Omega x Swatch. A estas alturas, nadie duda de que Swatch como firma ha roto muchos moldes desde que en 1983 lanzara su primer reloj de plástico, lo que supuso toda una revolución en la relojería y también un cambio de paradigma de una industria que entonces atravesaba una gran crisis de identidad.

Si en aquella ocasión su irrupción fue considerada por los analistas como vital para cambiar el sino de la relojería suiza, hoy se habla de un game changer, lo que podría trasladarse al castellano como un cambio de las reglas de juego; un cambio, en este caso, en la percepción que tenemos alrededor de la compra de un reloj. Porque, por ejemplo, ha habido durante el verano, en determinados países europeos –en concreto 12, entre los que se encontraba España–, una acción

asociada a este lanzamiento en forma de pop-up que respondía al apelativo de rolling planets y que ha recorrido más de 10.000 kilómetros con paradas puntuales en distintos puntos geográficos donde se mostraba y vendía al público que se acercaba a esta acción efímera.

Un detalle más para entender que en Swatch todo es diferente, y detrás de cada acción hay una exigente planificación, aunque no es menos cierto que seguro también sus responsables tal vez no imaginaron que sería de esta forma... que el éxito llegara a ser tan imponente. Lo cierto es que esta colaboración entre Omega y Swatch, o más bien habría que decir homenaje que el primero rinde al segundo, ha tenido éxito entre compradores de todo signo. Hay gente que había comprado antes Swatch que ha vuelto, se han incorporado otros nuevos y lo que es más importante, el nombre de Swatch vuelve a estar en boca de todos, incluso de aquellos apasionados a la relojería de calidad y que, por supuesto, conocían las virtudes del Moonwatch de Omega, una marca que en otra dimensión, también ha tenido una presencia, o más bien su creación.

En la página siguiente, la creación Mission on Earth ofrece un color verde terroso con correa de Velcro© azul marino. El segundero del cronógrafo y las agujas del contador son de color marrón. En cambio, sus subesferas son de color blanco.

La colección está realizada en bioceramic, un material biodegradable introducido por Swatch el pasado año. Monta movimientos de cuarzo y se declina en 42 mm de diámetro.

En la otra página: Mission to Saturn. Tonos beis arenosos contrastan con la esfera marrón. La subesfera de los segundos incorpora los anillos de Saturno. Todas las esferas de los MoonSwatch llevan grabadas la marca Omega X Swatch.

Sobre estas líneas: El amarillo se adueña de la esfera de este Mission to the Sun, aunque el blanco y el naranja también son protagonistas. Correa de Velcro© blanca.

En la otra página: Uno de los toques clásicos de la colección es el que protagoniza Mission to Jupiter. Tonos beis con correa negra; segundero del cronógrafo y agujas de la subesfera, naranjas.

Sobre estas líneas: El color gris oscuro de la esfera del Mission to Mercury se complementa con correa de color gris metálico. Segundero del cronógrafo, agujas de las subesferas y escala taquimétrica, en cambio, en color blanco.

POTENCIA CON AUTONOMÍA

El Born de CUPRA suma a sus propuestas una con e-Boost&Battery Pack de 77 KWh, que ofrece hasta 549 kilómetros de autonomía

TEXTO AMELIA SOLANA

LA PRIMERA APARICIÓN DEL BORN DE CUPRA fue toda una declaración eléc trica de la firma, sin perder su carácter deportivo. Un coche contenido en sus medidas, compacto, con un diseño de vanguardia y con un espacio interior tan sorprendente –o quizás ya no debemos sorprendernos de las capacidades de la marca– como amplio, en la línea del resto de sus hermanos. Pero si aquel primer paso fue importante, el que ahora da es determinante para convertir un coche de corte urbano en un vehículo capaz de hacer largos desplazamientos por carretera. Y lo consigue con la llegada del CUPRA Born e-Boost Pack & Battery Pack, que ofrece hasta 549 kilómetros de autonomía con la nueva batería de 77 kWh de capacidad neta y 170 kW (231 CV) de potencia –se mantiene la batería de 58 kWh tanto en 150 kW (204 CV) de potencia, y con el e-Boost Pack, que aporta 170 kW (231 CV) y 420 kilómetros de autonomía–.

El carácter deportivo de las versio nes e-Boost se percibe en su excelente

aceleración; es un coche con brio, alejado de esa lentitud que se le supone a los coches eléctricos gracias a la dirección progresiva y al ESC Sport. Incorpora frenos delanteros sobredimensionados, y ofrece la opción de contar con el Control de Chasis Adaptativo (DCC), así como las llantas Firestorm de 51 cm (20’’) y neumá ticos deportivos de 235 mm. Otro detalle importante del Born es que ahora se ofrece ya con cinco plazas homologadas para disfrutar de sus cuatro modos de conducción (Range, Comfort, Performan ce e Individual), y donde las versiones e-Boost añaden el modo CUPRA.

La tecnología Plug & Charge de serie simplifica el proceso de recarga, y es uno de los detalles que marcan la diferencia en CUPRA. De hecho, ahora se puede acceder a más de 300.000 puntos en Europa (6.300 en España). Y un detalle más, el e-Boost de 58 kWh permite 100 km extra con tan solo 8 minutos de carga, mientras que con la batería de 77 kWh se logran esos 100 km en 5 minutos.

FICHA TÉCNICA Cupra Born con e-Boost Motorización: 100% eléctrica + Potencia total: 231 CV + Batería: 58 kWh y 77 kWh + Autonomía eléctrica: hasta 549 km + Aceleración de 0 a 100 km/h: desde 6,6 segundos + Precio: desde 32.980 € con descuentos aplicados.

EL LUJO DE VIVIR EN LA CIUDAD

Espacios amplios, apartamentos modernos ubicados en edificios clásicos, lofts, áticos… Las grandes capitales europeas acogen la tendencia de volver a la urbe con todo tipo de comodidades y sin renunciar al estilo.

TEXTO MARÍA ORRIOLS

Arriba, detalle de una de las habitaciones de la planta superior. Junto a estas líneas, el salón, con las espectaculares librerías y la escalera de acceso a la segunda planta.

Construida en 2002, cuenta con tres dormitorios, dos de ellos con salida directa al patio, y el otro con grandes ventanales, y cuatro baños. Llama la atención el uso de materiales nobles en todos los elementos decorativos siendo, junto con la luz que entra del patio, los grandes protagonistas. La casa tiene además dos plazas de garaje. Precio: 5.700.000 €. Más información: Italy Sotheby’s International Realty vía LuxuryEstate.com

LOFT DE DOS PLANTAS Italia con aires neoyorquinos MILÁN (ITALIA)

Situada en Largo Crocetta, uno de los barrios residenciales más elegantes de Milán, entrar en esta casa es como si estuviéramos en un loft neoyorquino. Con casi 400 m2, a pesar de ser una casa adosada, ha sido concebida con espacios abiertos, jugando con la armonía, lo que la dota de un carácter cosmopolita y atemporal. La planta de abajo, que se abre a un patio particular, llama la atención por su amplio salón donde la chimenea de hormigón y las librerías de madera a modo de pilares le dan un toque sofisticado y moderno. La cocina abierta, con una isla que hace también las veces de barra, mira al comedor, en el que se goza de una gran sensación de amplitud gracias a que aprovecha el techo de la segunda planta, a la que se accede a través de una escalera volada.

El piso tiene 240 m2 y está situado en la planta baja del edificio, pero la orientación sur hace que tenga mucha luz natural. Dispuesto en dos alturas, en la planta de arriba están las dos habitaciones en suite. Montalbán 11 cuenta con zonas comunes entre las que destacan la piscina, el gimnasio, el health club y el jardín interior. También tiene garaje y servicio de conserjería. Precio: 3.500.000 €. Más información: Knight Frank.

De arriba abajo: Pasillo del portal con la obra Mur d’Induction Chromatique à Double Frèquence; piscina interior del inmueble y detalle del salón de la vivienda, con escalera volada.

PATRIMONIO HISTÓRICO

Con el cromatismo por bandera MADRID (ESPAÑA)

Cuando se cruza la espectacular fachada clásica del edificio, con más de cien años de historia y protegida por Patrimonio Histórico de Madrid, nada hace prever que lo que vamos a encontrar son obras del artista interna cional Carlos Cruz-Diez, uno de los más importantes representantes del arte óptico y cinético. El recorrido comienza en el portal con el mural Mur d’Induction Chromatique à Double Frèquence, que va cambiando de color según la luz ambiente y la distancia a la que se encuentra el espectador. El Ascenceur Chromointerférent cambia hasta en ocho armonías cromáticas diferentes en las subidas, las bajadas y las llegadas a las distintas plantas.

Tras ese portal donde se demuestra, como el propio artista venezolano reconoció que “es posible vivir dentro de una obra de arte”, se esconde esta exclusiva vivienda de dos plantas dotada con tecnología domótica de Bang&Olufsen, cocina de Poliform y Gaggenau e iluminación Lutron.

De izquierda a derecha y de arriba abajo: aspecto del salón; detalle de la escalera que sube a la planta de arriba donde está el dormitorio principal y puerta de acceso a la terraza con vistas sobre Londres.

El ático tiene 1.300 m2 y cuenta con cuatro habitaciones y cuatro baños. La cocina, hecha a medida y organizada alrededor de una isla, puede dejarse abierta o utilizar las puertas corredizas para que sea una habitación independiente. La suite principal cuenta con terraza propia y un vestidor con amplios armarios. Precio: 16.616.000 €. Más información: Sotheby’s International Realty.

ÁTICO SOBRE UNA POSTAL La mejor vista del skyline de la City LONDRES (GRAN BRETAÑA)

Mirar por la ventana del salón y descubrir el Big Ben, el London Eye y las Casas del Parlamento. Esa vista, posiblemente una de las mejores de la capital inglesa, es lo que ofrece este ático situado junto a Victoria Em bankment Gardens, junto al río Támesis. Con acceso directo en ascensor a un acogedor vestíbulo que lleva a un amplio corredor con la mejor postal de Londres como fondo. Dividido en dos plantas, la de abajo cuenta con un salón de más de 15 metros de largo que conduce a una gran terraza privada inferior, una cocina con isla, una sala de televisión que también puede utilizarse como despacho, tres dormitorios en suite y un aseo de invitados. En la planta de arriba, se encuentra la suite principal con vestidor y baño, y abierta a una segunda gran terraza.

VISIÓN PANORÁMICA

Con la luz como gran protagonista

BARCELONA (ESPAÑA)

Ver el mar desde la planta 21 de uno de los edificios ubicados en el paseo marítimo de Diagonal Mar es un sueño del que pocos pueden presumir. Este impresionante ático contemporáneo cuenta con 85 m2 de terraza que rodean todo el piso ofreciendo una vista panorámi ca de Barcelona. El hecho de que los muros exteriores sean de cristal, hacen que la luz sea la gran protagonista de esta vivienda. Reforma do totalmente por los propietarios actuales, quienes cuidaron mucho la calidad de los acabados, el piso se dispone en dos plantas. En la de abajo, cuenta con un dormitorio y un baño, un luminoso salón con salida directa a la terraza con piscina privada donde se ha dispuesto un comedor exterior y una zona de relax con sillones y mesa baja. La cocina se abre al salón y está totalmente equipada. La planta superior es la dedicada al dormitorio principal, con vestidor y baño.

El piso tiene 150 m2 y 83 de terraza con vistas al mar y está situado frente a la playa y a escasos metros del centro comercial Diagonal, lo que le convierte en muy buena opción para disfrutar de todo lo que ofrece Barcelona. El edificio cuenta con un jardín comunitario con dos piscinas, gimnasio y pistas de pádel. Además, tiene plaza de garaje, trastero y servicio de seguridad 24 horas. Precio: 2.500.000 €. Más información: Lucas Fox.

De arriba abajo: Vista del salón desde la planta de arriba de la vivienda; zona de relax en la terraza y vista del pasillo de la planta superior con mesa de despacho.

RODEADA DE MONUMENTOS

Entre el clasicismo y la modernidad

PARÍS (FRANCIA)

Situado al oeste de la ribera izquierda, el Distrito 7, en el que está esta casa adosada, es un uno de los barrios más elegantes y distinguidos de París y cuenta con lugares tan emblemáticos como la Torre Eiffel, Los Inválidos o el Museo Rodin. La propiedad forma parte de un vecindario privado y consta de más de 400 m2 y 68m2 de terraza arbolada a la que se abren dos salones. En la terraza también hay dispuesta una mesa de comedor y una zona de sofás para relajarse. En la planta de abajo se encuentran el hall, un comedor con barra de mármol, amplia cocina equipada con despensa y un aseo de invitados. La planta de arriba, pensada como la zona privada, tiene cuatro suites con baño y vestidor cada una de ellas, cuenta con vistas al jardín comunitario y una sala de televisión. Es en el sótano donde se encuentra el gimnasio, el lavadero, la bodega y garaje con espacio para cuatro coches.

Una de las cosas que más llama la atención es el clasicismo del edificio con el toque de diseño moderno del interior. Así, cabe destacar la chimenea en uno de los salones, la mesa industrial a modo de lugar de trabajo en el siguiente o la barra de mármol con taburetes para poder usar como comedor. Si a eso le sumamos las molduras del techo o los suelos de madera, el resultado es espectacular. Precio: 16.500.000 €. Más información: Luxury Estate.

De arriba abajo: Imagen de la zona de trabajo con mesa industrial de madera y chaise lounge; una de las dos terrazas del inmueble y detalle del hall, con las escaleras de acceso a la planta superior.

LA CASA DE SUS SUEÑOS

Con más de 40 años de experiencia, Gilmar es la inmobiliaria más cualificada para encontrar la vivienda deseada. Su amplio porfolio incluye nuevas y extraordinarias promociones en lugares idílicos como la Costa del Sol o Canarias.

TEXTO MARÍA ROSA

En la otra página: chalet en la urbanización de Ciudalcampo (Madrid) que comercializa Gilmar Santo Domingo (tfno.: +34 91 623 66 50).

En esta página, arriba: vivienda en la promoción Velaya, junto a Estepona (Málaga) y con vistas al mar.

Comercializa Gilmar Promociones Costa (tfno.: +34 951 46 46 64)

Junto a estas líneas: sede de Gilmar Viso, en el Paseo de la Castellana, 164, de Madrid.

EN GILMAR REAL ESTATE SUELEN DECIR que son “personas ayudando a per sonas a encontrar la casa de sus sueños”. No en vano, sus profesionales demuestran cada día que saben trasladar a sus clientes la experiencia y la tranquilidad que ofrece este grupo empresarial que lleva casi 40 años intermediando en la compra, venta y alquiler de todo tipo de inmuebles.

Los nuevos desarrollos urbanísticos puestos en marcha en zonas de la Comu nidad de Madrid, Andalucía o Canarias han facilitado la aparición de extraordi narias promociones de obra nueva, con diseños, espacios y calidades excelentes. En muchos casos, la oferta de GILMAR incluye oportunidades de inversión en ubicaciones exclusivas cerca del mar, en plena naturaleza o en la ciudad. De hecho, una llamada o una visita a sus oficinas co merciales basta para conocer su numero so y variado porfolio: no solo en viviendas nuevas, sino también en casas de segunda mano e incluso fincas rústicas.

Gilmar dispone de las últimas tecno logías para facilitar y agilizar trámites y acercar a los clientes la propiedad que les

interesa: ha sido la primera inmobiliaria en mostrar sus viviendas con Matterport –un software de visualización showcase con imagen real– y en inaugurar una sede en el metaverso: Gilmar Tower.

Pero si algo distingue a Gilmar es la atención personalizada, que se extiende más allá de la compraventa para incluir un servicio posventa gratuito que se encarga de las gestiones habituales: desde mudan zas hasta reformas, paisajismo, alarma, alta de servicios (luz, agua, gas, etc.) o guarda muebles... Ellos se encargan de todo.

La empresa presta sus servicios en la Comunidad de Madrid, la Costa del Sol, la ciudad de Málaga, la Costa de la Luz, en Sevilla y en las islas Canarias; colabora con las mejores inmobiliarias de casi 40 países y ofrece a los family office o fondos de in versión que confían en ellos rentabilidades difíciles de obtener en otros mercados. No olvida, tampoco, la responsabilidad social corporativa, apoyando a organizaciones benéficas, clubes y escuelas deportivas y diversas causas sociales para devolver a la sociedad parte de los beneficios que obtienen con su actividad comercial.

MENOS ES MÁS

TEXTO MARC HELDENS FOTOGRAFÍA MARK SEELEN

De ambientes sobrios y detalles singulares, esta vivienda del sur de Amberes, diseñada por el arquitecto belga Vincent Van Duysen, es la definición de un renovado minimalismo arquitectónico.

En la página anterior El espacio interior se articula a través de un atractivo juego de volúmenes, como se percibe en la creación de un suelo a doble altura. De esta forma, también se potencian las perspectivas panorámicas del apartamento.

Sobre estas líneas: Detalle de la zona de la biblioteca, integrada en un ambiente que, al igual que el resto de la vivienda, presenta elementos del llamado arte povera, como tablones de madera reciclada, metal u hormigón. El resultado es un conjunto de texturas sobrias donde los distintos grises reflejan la influencia del entorno natural y urbano.

REAL ESTATE

INTERIORISMO

La chimenea es el elemento central de la sala de estar; a partir de ella se abren el comedor, la cocina y el salón. En él conviven piezas de diseño, como un sillón del artista Axel Vervoordt, sillas de Vincenzo de Cotiis y Pierre Jeanneret y una gran alfombra berever tejida a mano.

REAL

En la página anterior: Aspecto de la cocina, que sigue la línea minimalista priorizando siempre la buena lectura del espacio. Los taburetes están hechos a medida por Faye Toogood y las lámparas por el estudio Apparatus.

Sobre estas líneas: Definida por las líneas simétricas y la pureza de los materiales, el espacio de la cocina resume el estilo elegante y funcional que caracteriza al arquitecto y diseñador Vincent Van Duysen. La encimera y la despensa están realizadas en madera de roble reciclado y la vajilla la firma Van Duysen para When Objects Work.

En la página anterior: El baño linda con la zona del dormitorio. Las paredes de ambas estancias están recubiertas de estuco, presente también en estanterías y espejos.

En esta página: La bañera, de silueta escultórica, cuenta con grifos realizados a partir de un solo bloque de piedra piacentina.

Sobre estas líneas: Retrato de Vincent Van Duysen, uno de los arquitectos y diseñadores más relevantes de los últimos 30 años. Conocido por su impecable sentido de la elegancia, recoge en sus proyectos el equilibrio y la armonía entre exterior e interior, el mobiliario, el arte y la creación de fluidez dentro del espacio.

LA CONEXIÓN NATURAL ENTRE TODAS SUS ESTANCIAS y la serenidad que proporcionan las diferentes escalas de grises acogen al huésped en esta vivienda convertida en un símbolo del lujo minimalista. Ubicado en Het Zuid, al sur de Amberes (Bélgica), este áticoapartamento con asombrosas vistas al río Escalda es obra del arquitecto y diseñador Vincent Van Duysen en un acertado intento por continuar el renacimiento arquitectónico que la región belga vive desde hace unos años. Creada para un cliente privado, su diseño exterior está inspirado en el estilo escultórico del cubista Georges Vantongerloo, un artista natural de esta ciudad belga, cofundador del movimiento modernista De Stijl a principios del siglo XX.

En su interior, el concepto estético utilizado ha sido el de crear un loft urbano donde la fluidez entre ambientes y la pureza visual sean protagonistas. Para ello, Van Duysen ha establecido el contraste entre diferentes elementos arquitectónicos, como el techo de hormigón junto con la madera en bruto –una referencia a los almacenes que rodean los muelles de la ciudad– o la elección de materiales ásperos y tonalidades crudas junto a piezas del diseño contemporáneo de artistas como Gavin Turk, Wade Guyton o Jef Verheyen. Al igual que en todos los proyectos que firma este creador vanguardista, el arte juega un papel independiente e insustituible, pues no solo lo utiliza solo para embellecer los interiores, sino que ha de realizar

una función de refuerzo dentro de cada estancia. La apertura entre los ambientes da lugar a espacios que parecen simples, pero que esconden un alto grado de complejidad. “Creo que los interiores irradian belleza cuando son espacios atemporales, definidos por elementos esenciales como la luz del día, la forma de los objetos y la elección de los materiales. Me gusta llamarlo ‘complejidad subestimada’”, explica el diseñador belga. Van Duysen establece así un estrecho vínculo entre el entorno y su cliente, una cualidad que se percibe, por ejemplo, en las ventanas, estratégicamente situadas, de forma que funcionen como ‘pinturas vivas’ y los inquilinos puedan beneficiarse de su excepcional ubicación en todos los rincones de la vivienda.

En la otra página: un gran ventanal en el salón conecta la vivienda con la naturaleza y el valle en el que se encuentra.

En esta página, en el sentido de las agujas del reloj: las camas han sido orientadas para permitir las vistas del exterior; la cocina, elemento fundamental de la casa, espaciosa y abierta; y detalle del salón, con la presencia de colores ocres, tierra y verdes.

UNA CASA PARA SER VIVIDA

Decor Studio, el estudio de decoración de El Corte Inglés, firma el interiorismo de esta vivienda en un valle de Asturias que ha convertido en un lugar de reunión y diversión de familia y amigos. Un proyecto personalizado y a la medida del cliente.

CON MÁS DE 30 AÑOS DE EXPERIENCIA en la realización de proyectos de interiorismo, Decor Studio es el estudio de decoración de El Corte Inglés. Un experto equipo de profesionales de diversas disciplinas se encarga de estudiar las preferencias de cada cliente para elaborar, contando tanto con mobiliario de El Corte Inglés como de otras firmas de primera línea, el proyecto, completamente personalizado, que mejor se adapte a cada situación. En el porfolio de trabajos de Decor Studio figuran proyectos para viviendas de muy diversa tipología, desde apartamentos junto al mar hasta lujosos pisos en plena ciudad o casas de campo.

Es precisamente el proyecto ideado por Decor Studio para una casa de

campo situada en Asturias el que ilustra estas páginas. Son varios los pilares sobre los que se asienta. En primer lugar, cómo no, la concepción que de la vivienda tienen sus dueños: se trata de un lugar de reunión y diversión en el que, por tanto, es fundamental que la familia se sienta cómoda, pero que haga sentir de la misma forma también a los invitados. En esa idea, juega un papel fundamental la cocina, y así se ha tratado: para una familia que hace vida alrededor de ella, se ha diseñado abierta y cercana al salón y al comedor.

Otro de los pilares sobre los que se asienta el proyecto de esta casa es su privilegiada situación en un valle asturiano, por lo que se ha colocado un gran ventanal para disfrutar de las vistas

a la naturaleza. De hecho, toda la casa ha sido trabajada para mirar al valle, desde la terraza, con mobiliario exterior de cuidado diseño, hasta las camas, que se han orientado hacia las ventanas para permitir a los ocupantes disfrutar de un despertar con vistas. Con esta idea de conexión con el entorno, también se han adaptado los colores de la naturaleza dentro de la casa: verdes, ocres, tierra... Y en la parte de abajo, pensando en toda la familia, se ha creado un espacio para los niños, con literas, cuarto de juegos y baño propio.

El resultado es, en definitiva, una casa para ser vivida, diseñada para disfrutar de comidas, sobremesas y encuentros con familia y amigos. Una casa con la firma y la garantía de Decor Studio.

NUEVAS FORMAS

Desde el interiorismo y el paisajismo hasta las casas prefabricadas y las digitales. Un análisis, a través de sus protagonistas, de las tendencias que vertebran la arquitectura actual y anuncian la del futuro.

TEXTO MARIO CANAL

HÉCTOR RUIZ-VELÁZQUEZ

CONTINENTE Y CONTENIDO

LA ARQUITECTURA ES ALGO MÁS QUE EL ARMAZÓN exterior de un edi cio o la relación de sus partes; más, incluso, que el complejo vínculo que se establece entre el individuo y el espacio que le rodea. Es la disciplina que, debido a la responsabilidad que le imprime su vocación de función, exige una técnica más precisa; también un milimétrico ajuste al tiempo que expresa. El presente es un continuo de imágenes dislocadas y tecnologías líquidas. Estamos en varios sitios a la vez, disfrutando del don de la ubicuidad. Y la idea de arquitectura interior toma importancia desde su esencia paradójica.

“Como arquitecto –explica Héctor Ruiz-Velázquez, proyectista puertoriqueño a ncado en Madrid desde principios de los 90– es habitual considerar el contenido y el continente de forma conjunta, pero considerarlo no signi ca implícitamente coordinarlo. Ambos planos tienen el mismo lenguaje visual y a veces incluso juego con los opuestos, cada caso es único y necesita determinarse antes de la obra”, explica el arquitecto. Una previsión que, sin embargo, escucha la forma en que se relacionan las partes. “No plani co un

modo rígido de solucionar ese diálogo, sino que intento crear desde lo imprevisto, desde aquel punto en el cual el espectador no ha pensado antes, y en el que yo no dejo nunca de pensar”.

Listar aquí todas las obras e intervenciones que ha realizado Ruiz-Velázquez alrededor del mundo, hasta compaginar o cina en Madrid y Dubái, ocuparía el resto del texto que sigue. Digamos, simplemente, que lo ha hecho casi todo. O cinas, viviendas, villas, arquitectura efímera, interiorismo, diseño. Siempre con un rigor, que no rigidez, extasiado por las formas icónicas que van más allá de las tendencias: “Busco en realidad ser yo mismo, es normal intentar ver alrededor de uno lo que hacen los demás y entender lo que ocurre –explica–. La diferenciación, la autenticidad y la creatividad son etiquetas que me de nen mucho más, ya que en realidad la temporalidad y la modernidad la de ne el tiempo que está por venir”.

Sus obras tienen un carácter casi sintético. Similar a la capacidad de de nir la idea de perfección digital. Volúmenes que no tienen dueño, aunque le in uye “la arquitectura posmoderna, tendencia que

se inicia en los años 1950, y comienza a ser un movimiento a partir de los años 1970, continuando su in uencia hasta nuestros días”; ni tampoco tienen tiempo: “Creo que en realidad el mío es un estilo muy del presente, aunque nuestro presente ya es más inmediato que nunca –dice Ruiz-Velázquez–. Jamás en la historia de la arquitectura habíamos vivido este tipo de inmediatez, pero yo me atrevo a ir un paso más allá. Ello no me coloca ni a mí ni a la obra en el futuro, sino en el presente posible, un tiempo más accesible, creíble y muy enriquecedor en esta sociedad a veces inminente”.

Ruiz-Velázquez posa para GENTLEMAN en el salón de uno de sus proyectos, en los que el interiorismo forma parte sustancial del todo.

RAÚL HINAREJOS (UBIKO)

DISTINCIÓN PREFABRICADA

YA NO SE PUEDE HABLAR DEL TÉRMINO arquitectura sostenible como diferenciador, porque todo el sector en la práctica arquitectónica se ha volcado en este concepto. Conseguir reducir las emisiones, los deshechos, los tiempos de construcción no son únicamente necesidades económicas, sino también morales. La tecnología permite conseguir estos avances y el desarrollo de materiales estratégicos nos acerca a modos nuevos de albergar los nuevos tiempos.

La arquitectura prefabricada se postula para alcanzar estos objetivos, pero está siendo ampliada por la construcción modular. Son estrategias similares, aunque hay elementos que las diferencian. “Las casas modulares están diseñadas a medida en módulos relativamente estandarizados; se llama prefabricado 3D porque se fabrican con estándares de altura y longitud para trasladar un volumen determinado en un camión: un salón, un baño, etc.”. Raúl Hinarejos, CEO del estudio valenciano Ubiko, continúa la explicación: “Nosotros hacemos prefabricado de dos dimensiones, porque lo que fabricamos son muros. Todos nuestros muros son a medida, no hacemos modelos de casas. Lo que tenemos es industrializado el sistema para que la casa sea cada vez exclusiva”.

De las casas clónicas, a menudo originales y divertidas, ingeniosas aunque idénticas entre sí, pasamos a las casas que extraen la misma e ciencia del proceso industrial que estas, pero totalmente personalizadas. Al menos, las que realizan en Ubiko, formado por un equipo joven de arquitectos e ingenieros que aportan valor añadido a un método que corre el riesgo de estandarizarse: “Muchas de las empresas que hacen prefabricado tienden a generar un parque de vivienda que es rápido pero similar a la vez, dejando a la arquitectura un poco de lado. Hay que prefabricar hacia una buena arquitectura. Una de las cosas que buscamos es que realmente con la industrialización podamos conseguir un producto artesano, valga la paradoja”.

Celosías hechas a medida para una vivienda rústica, forjados creados por herreros locales allí donde Ubiko construye o maderas igualmente provenientes de esas zonas y tratadas por artesanos. Cada proyecto es diferente. Las dimensiones –con espacios de hasta 250 m2 diáfanos con doble altura sin necesidad de pilares–, también. Incluso han conseguido crear muros curvos. “Buscamos una arquitectura distinta, que sea coherente con el lugar más que excesivamente representativa de nosotros mismos. Huimos de las tenden-

cias. Nos gusta que nuestra arquitectura pueda ser reconocible, pero no queremos que se diga ‘mira otra casa igual de fulanito”, apunta Hinarejos, que se inspira en los clásicos de la arquitectura como Frank Lloyd Wright, pero también en valores locales como Carme Pinós.

Las posibilidades estéticas se amplían a medida que el estudio desarrolla su savoir faire tecnológico. Acaban de rmar para construir un edi cio de seis plantas en altura y las cifras avalan su apuesta de futuro, que también es ética: “Hemos llegado a reducir en un 70% los residuos, además del CO2 que, al minimizar el transporte de mercancías, baja también considerablemente. El coste económico –añade–, depende de la zona. En Valencia puedes estar entre 1.500 o 1.700 € el m2”, explica el CEO de Ubiko respecto a la e ciencia de sus proyectos, que consiguen construir viviendas de 800 m2 en 10 o 11 meses.

Las construcciones modulares de Ubiko propulsan la arquitectura hacia la eficiencia y la sostenibilidad. En la imagen, Raúl Hinarejos en la entrada de una vivienda familiar recién construida por su joven estudio en Valencia.

LA CONDICIÓN EXTERIOR

ESTUDIO FORMADO EN 2019 por Paula Navarro y Filipe Faustino, se dio a conocer gracias a la pieza efímera Mirall (Espejo), que fue seleccionada para los premios FAD 2021. A medio camino entre una escultura y un prototipo arquitectónico conceptual, simulaba un biombo de cristal integrado en la naturaleza salvaje de la Garrocha, en Gerona, zona de origen geológico volcánico y ora exuberante. “Era un artefacto-paisaje, fragmentado y fragmentable, que creaba un diálogo con su entorno, lo capturaba y lo devolvía transformado al observador”, explican desde Estudio Além, en referencia a esta obra que además permitía al espectador “contemplarlo o sumergirse en él”. Y añaden: “Supuso una intervención en el paisaje que permitía enmarcar, captar y transformar su contexto (la naturaleza). De manera conceptual, sintetiza el modo como abordamos todos nuestros proyectos”.

La razón por la que GENTLEMAN invita al joven estudio a estas páginas es su sensibilidad hacia el paisaje, su audacia para interpretar los proyectos que construyen respecto al entorno en el que se sitúan.

El ejemplo perfecto de esta voluntad la encontramos en una casa familiar que han levantado en Sangenjo, Pontevedra, cuyas aptitudes son las siguientes: “Las decisio-

nes formales y materiales de la casa parten de alterar lo mínimo posible la topografía de la parcela e interpretar la tipología de edi caciones locales, utilizando técnicas constructivas contemporáneas”, describen. Situado en una inclinación del terreno, el salón principal acristalado se extiende elevado, como un hórreo, creando bajo este un espacio convivial “en el cual relacionarse con el paisaje cercano, cambiante a lo largo del año, de robles y helechos”, explica Estudio Além desde su sede en la ciudad de Olot (Gerona).

Tanto Navarro como Faustino, nacidos en 1985, conocían bien las exigencias que impone y sugiere el paisaje y la necesidad de que la arquitectura se integre no solamente en este, sino también en el contexto cultural del entorno. Ambos han pasado por RCR Arquitectes, el estudio de arquitectura español que recibió el prestigioso Premio Pritzker en 2017, Una rma en la que ya desarrollaron iniciativas de especial relación con el entorno.

“El lugar –explican desde Estudio Além, mostrando su propia visión de este aspecto clave de la arquitectura– impone unas reglas fundamentales para nosotros, y el origen de cada uno de nuestros proyectos reside precisamente en leer, reconocer y respetar estas leyes. Sin imponernos a

ellas”, explican, añadiendo que buscan una arquitectura que responda a las necesidades especí cas del lugar en el que se inserta. “Trabajamos con y en el paisaje, sin que ello suponga renunciar a la condición de arquitectura”, apuntan.

Es indudable que más allá de que un edi cio se camu e en mayor o menor medida en el entorno, o actúe como un estimulante del mismo reinventando lo que sucede a su alrededor, hay una clave arquitectónica que impone su ley: la historia, la personalidad local de la arquitectura, la construcción vernácula. A menudo, se suele obviar esta dimensión, para imponer el gusto del cliente por encima de los condicionantes culturales y ecológicos del entorno, obviando algo que para Estudio Além es fundamental: “La tradición recoge el conocimiento secular y lo evoluciona poco a poco, buscando la perfección en el lento y arduo proceso de la repetición. Parte de nuestra labor reside en interpretar toda esta información y hacerla contemporánea”.

Paula Navarro y Filipe Faustino, fotografiados en el Pabellón, un espacio semienterrado en un jardín de Olot, rodeado de agua, sombra y vegetación.

Fotografía: Daniel Riera

PAULA NAVARRO Y FILIPE FAUSTINO (ESTUDIO ALÉM)

ALBA DE LA FUENTE

MÁS ALLÁ DE LOS LÍMITES

EL METAVERSO SE HA CONVERTIDO en un objetivo utópico por el que apuestan las empresas tecnológicas desde el realismo más absoluto. Aún falta para que podamos desenvolvernos en el ámbito digital con una interactuación absoluta, más allá del acceso visual que permiten los rudimentarios visores de realidad virtual. Pero no hay conglomerado tecnológico que no esté invirtiendo sumas milmillonarias en el desarrollo de sus propias herramientas para lograrlo. La voluntad va por delante del posibilismo, hasta el momento, pero la inteligencia arti cial acelerará todo el proceso. Y los universos imposibles que levantan arquitectas como Alba de la Fuente serán habitables de una forma que aún nos resulta difícil comprender. Hoy, despliegan estéticas que marcan tendencia en la arquitectura física.

Hasta que la con uencia de lo real y lo virtual sea un hecho, el trabajo de diseño que realiza De la Fuente se enmarca en una investigación re exiva. Aunque las cosas van a cambiar, como ella misma explica. “A largo plazo creo que vamos a vivir un renacimiento creativo, en el que van a cuestionarse los límites impuestos en el mundo físico. El mundo de posibilidades que se abre al quitar estos límites es inmenso y las nuevas respuestas de la arquitectura

a este contexto van a ser muy interesantes. Tanto el 3D como la realidad comparten objetivos y pueden aportar mucho el uno al otro”, y continúa: “Ya existe una nueva generación de arquitectos y diseñadores, de la que formo parte, cuyo trabajo existe mayoritariamente de forma digital. Y con esto se está creando una estética muy especí ca estrechamente relacionada con las posibilidades que ofrece el 3D”.

La textura digital cada vez es más creíble y realista. Nuestras pantallas re ejan las super cies de los materiales de una forma precisa y verosímil. Aunque probablemente esta palabra, verosímil, dejará de ser funcional. No habrá que comparar lo que sucede en uno y otro ámbito. “Tanto la arquitectura física como la digital comparten objetivos. Sin embargo, la arquitectura digital desdibuja los límites de la realidad y te permite experimentar y desarrollar conceptos en profundidad. El resultado son proyectos menos convencionales que se sienten reales, pero son intrigantes”, a rma De la Fuente, cuya disciplina se sitúa en la vanguardia de un movimiento que reinventa el mundo.

De 28 años, esta arquitecta formada en la Universidad de Alcalá de Henares en 2019 pasó brevemente por el estudio de Ricardo Bo ll. Tras cursar un máster

en 3D, se especializó en la creación digital tridimensional, que permite disfrutar de sus entornos en movimiento y visualizar los espacios que crea desde todos los ángulos posibles. Por el momento, su trabajo se enmarca en el ámbito de la experimentación, aunque se puede adquirir vía NFT y también tiene desarrollos prácticos.

Colabora con estudios de arquitectura internacionales y diseñadores –Tom Dixon, por ejemplo– in uyendo en la arquitectura del presente, con una mirada que adivina el futuro. Y una “estética inspirada por la sencillez de la arquitectura modernista”, como ella misma explica, respecto a sus in uencias. “También –continúa– artistas contemporáneos que trabajan con el espacio y la luz, como el danés Olafur Eliasson y los artistas de la luz estadounidenses Keith Sonnier y James Turrell, se encuentran entre mis fuentes de inspiración. O los entornos naturales, la exploración de la arquitectura centrándome en la forma de entender la luz y las formas”.

Alba de la Fuente posa ante uno de sus obras para el metaverso: la sala de estar de The Winter House, inspirada en el invierno. La foto ha sido tomada en las instalaciones de Roca Madrid Gallery.

CONTACTO CON LA NATURALEZA

Chopard ha hecho de la colección Alpine Eagle el estandarte más visible de su filosofía en materia de relojería sostenible. Ahora, llega con un inédito color verde pino.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

Dibujos preparatorios de la concepción del Alpine Eagle, tanto en la disposición del calibre como en la estructura de la caja, uno de los elementos más distintivos y llamativos de la colección.

En la página siguiente: El Alpine Eagle de Chopard con esfera verde pino y caja y brazalete en Lucent Steel A223.

EL NOMBRE ELEGIDO POR CHOPARD para iniciar el tránsito de esta colección era ya una declaración de intenciones. La naturaleza era y es su inspiración, y en este compromiso nace ahora una nueva propuesta que incide sobre el color de la misma, un inédito color verde pino que por primera vez ocupa la esfera del Alpine Eagle; texturizada, como marca toda la línea, ha sido diseñada evocando el ojo del águila. Es lo que tienen en común los dos nuevos modelos de 41 milímetros de diámetro, uno declinado en Lucent Steel A223, el acero ultrarresistente y exclusivo de Chopard, y otro en oro ético rosa. Hay un dato más, una parte de los bene cios de las ventas de ambas creaciones se entregará a la Fundación Alpine Eagle. Un proyecto impulsado por Karl-Friedrich Scheufele (copresidente de

Chopard) al mismo tiempo que nacía la colección y que apoyado en varios especialistas y enamorados de los Alpes, como el cetrero Jacques-Olivier Travers (creador del Parque Aigles du Léman) y Ronald Menzel (director de la ONG Freedom, para la protección de las aves de presa) tiene por n sensibilizar, movilizar y actuar en favor del conjunto del macizo alpino y de la vida que este alberga. De hecho, el proyecto inicial estaba centrado en la reintroducción del pigargo europeo en las llanuras del Lago Lemán.

Lujo sostenible

Estas actuaciones encajan a la perfección en el per l del ADN de esta colección –y por extensión en Chopard– que fomenta el lujo sostenible. Desde el lanzamiento en 2019, Alpine Eagle ha llamado la atención

por los materiales elegidos en su creación. Y estas nuevas propuestas inciden en ello.

La caja Large de 41 milímetros se ofrece en una primera versión acero Lucent A223. De acuerdo con la iniciativa ética implementada por la manufactura, este metal está formado por un 70% de material reciclado. Ofrece además propiedades comparables a las del acero quirúrgico, lo que lo hace altamente dermocompatible. Con una resistencia de 223 Vickers, esta aleación es un 50% más resistente a la abrasión que los aceros clásicos y es más duro y puro.

Cuando nos referimos al oro rosa ético de la segunda versión, hay que recordar que no es otra cosa que la consecuencia del impulso dado por la casa en julio de 2018, fecha desde la cual el origen de todas las creaciones de relojería y joyería tienen

Junto a estas líneas, visión del calibre 01.01-C. De carga automática y certificado por el COSC. A su derecha, la versión del Alpine Eagle de 41 mm y esfera verde en oro rosa ético.

Bajo estas líneas, el proyecto inicial de la Fundación Alpine Eagle estaba centrado en la reintroducción del pigargo europeo en las llanuras del Lago Lemán.

Junto a estas líneas, Chopard ha lanzado también una versión por primera vez en 33 mm. En la imagen, la versión bicolor. Incorpora el calibre 09.01-C, que ofrece una reserva de marcha de 42 horas.

un origen ético. Al contar, además, con su propio taller de fundición de metales preciosos desde hace varias décadas, Chopard está en condiciones de controlar su cadena de valor y ofrecer productos que re ejen un mundo más racional.

Y cuando llegamos al apartado mecánico, hay que hablar de otro término que destaca sobremanera en Chopard: la precisión. Por eso, el calibre automático Chopard 01.01-C que da vida a los Alpine Eagle y que se desarrolla en sus talleres de relojería, cuenta con el certi cado de cronómetro del Control O cial Suizo de Cronometría (COSC). La mención Chronometer situada en la esfera es un recordatorio de los valores que atesora un movimiento que, por otro lado, ofrece 60 horas de reserva de marcha. Con el objetivo de cumplir con los más altos estándares de precisión, el calibre cuenta además con la función de parada de segundos, que permite al usuario ajustar la hora de forma exacta.

Volviendo a la esfera, decir que las indicaciones de horas, minutos y segundos

ofrecen un contraste elegante y sumamente legible sobre el fondo verde pino gracias a los índices rodiados o dorados –según sea el acabado de la caja– y el tratamiento SuperLumiNova® Grado X1 de las agujas para permitir una visualización óptima, incluso en la oscuridad. La fecha se indica en un disco verde, a juego con la esfera, emplazado a las 4.30 horas.

Un nuevo tamaño

Otra de las novedades de la colección Alpine Eagle tiene como destino a la mujer, y lo hace con la introducción de un nuevo diámetro, en este caso de 33 mm, y con tres distintas opciones de material: Lucent Steel A223, oro ético rosa y en una versión bicolor en la que se combinan ambos metales. Todos ellos son sumergibles a 50 metros de profundidad. Las variantes acabadas en Lucent Steel A223 y en bicolor proponen un bisel con o sin engaste de diamantes, mientras que los dos modelos de oro ético rosa están adornados siempre con diamantes. Bien solo en el bisel o con el añadido

de los índices y los eslabones centrales del brazalete.

Cada una de las seis referencias se combinan con colores en los que la naturaleza vuelve a ser la única protagonista. Así, el azul Aletsch, que evoca los tonos azulados del glaciar más grande de los Alpes suizos, acompaña a las versiones de Lucent Steel A223; el Gris Bernina, cuyo nombre se ha elegido por la roca de la cadena montañosa del mismo nombre, se halla en las variantes bicolor. Por lo que respecta a las cajas de oro rosa ético con bisel engastado con diamantes, la esfera se torna gris de Vals, que rememora los re ejos plateados de las losas de cuarcita extraída del cantón de los Grisones y que cubre los tejados de Vals. Para acabar, el reloj de oro rosa con esfera, bisel y brazalete engastados con diamantes opta por una esfera de color Alba Rosada, que recuerda el tono de las cumbres de las montañas bajo la primera luz del sol al amanecer. Por lo que respecta a la parte mecánica, esta nueva creación monta el calibre 09.01-C, que ofrece una autonomía de 42 horas.

UN MUNDO DE CONTRASTES

Junto a estas líneas: La reconocible caja del Code 11.59 by Audemars Piguet combina con acierto la cerámica negra con el oro rosa.

Portada del libro Royal Oak. From Iconoclast to Icon, obra de Bill Prince editada por Assouline y Audemars Piguet, que recoge una visión inédita de los valores de uno de los relojes más aclamados de la historia.

NO ES LA PRIMERA VEZ QUE la cerámica se emplea en los cronógrafos Code 11.59 by Audemars Piguet, pero sí que lo es en versiones con complicaciones añadidas, como en este caso donde se incluye un tourbillon volante. El color elegido para ello es el negro, que combinado con el oro rosa ofrece un acabado de enorme elegancia. Tanto el bisel ultraplano como el diseño estilizado de las asas, la corona y los pulsadores tienen por protagonista a este último, mientras la cerámica se halla en la carrura. Para completar el conjunto, la esfera opta por un realce lacado en negro que contrasta con las agujas de oro blanco, mientras los puentes han sido calados y acabados en negro y oro rosa, a juego con el volante de oro rosa. Solo la decoración del movimiento representa más de 70 horas de trabajo.

En la parte mecánica, el calibre 2952, el último movimiento automático de Audemars Piguet dotado de un tourbillon volante

hipnótico y un cronógrafo flyback contemporáneo. Este mecanismo permite poner a cero el cronógrafo y volver a ponerlo en marcha con una pulsación, sin detenerlo primero. La reserva de marcha es de 65 horas. Un movimiento que puede contemplarse desde el fondo de zafiro y que revela los elementos esenciales de los 479 componentes del movimiento, como la masa oscilante de oro rosa de 22 quilates. El fondo de la caja incorpora también el grabado Limited Edition of 50 Pieces.

Los 50 años del Royal Oak

Son 300 páginas que resumen las cinco décadas de vida del Royal Oak y donde queda patente el relevante papel –no solo en el universo relojero–de la creación. Es lo que contempla el libro Royal Oak: De Iconoclasta a Icono, la trayectoria del Royal Oak a través de las personas que han contribuido a escribir su historia y en su contexto cultural más amplio, mostrando cómo el reloj se conecta

con el diseño, el arte, la música, el cine, la arquitectura, la moda y el deporte.

Editada por Assouline y escrita por el periodista Bill Prince, en su realización se han utilizado tanto materiales de los archivos descubiertos por el departamento de Patrimonio de Audemars Piguet como los testimonios de amigos de la marca. Los textos, además, se acompañan de imágenes representativas de la innovación experimentada en esa historia cultural y su relación con la evolución del Royal Oak que, no hay que olvidarlo, es uno de los relojes favoritos de los creadores de tendencias.

De hecho, en el libro, Prince habla de una ‘generación Royal Oak’ en la que aparece nombres como Kevin Hart, Bjarke Ingels, Elle Macpherson, Mark Ronson, Serena Williams y Ning Zetao. Esta nueva obra sobre el Royal Oak es, en definitiva, un libro atípico que se ofrece en tres formatos diferentes, incluida una versión XXL de un metro de altura.

Junto a estas líneas: Además de la claridad de las indicaciones del calendario, en esta creación de Blancpain resulta muy llamativa la fase de luna.

A TIEMPO COMPLETO

El Fifty Fathoms Bathyscaphe resume a la perfección el estilo Blancpain. Incluso cuando las complicaciones se adueñan de su esfera. En este caso, con un calendario anual.

CONVERTIDO EN UN CLÁSICO DE BLANCPAIN, llegan dos nuevas interpretaciones del Fifty Fathoms Bathyscaphe Quantième Complet: un modelo de oro rojo con una esfera azul en degradé (en la imagen) y otra versión de titanio con esfera antracita. Con un diámetro de 43 mm y estanco hasta 30 bares (300 m), en la pieza de oro rojo, los índices de oro, las agujas y la luna hacen juego con el color de la caja. El reloj posee un bisel giratorio con TM, un inserto de cerámica azul brillante dotado de una escala horaria de Ceragold. La armonía de colores y materiales continúa en el dorso de la pieza, donde se contempla el calibre automático 6654.P con su masa oscilante de oro rojo. Este Bathyscaphe lleva un mecanismo de calendario con un sistema de seguridad que permite manipular las indicaciones en cualquier momento sin ningún riesgo para el movimiento. R. B.

ELEGANCIA NATURAL

La historia del Tank de Cartier se resume en un reloj que supera el paso del tiempo y es capaz de reinventarse sin perder carácter. Esto es lo que se encuentra en los nuevos Tank Louis Cartier.

TEXTO R. B.

EN EL TANK SE COMPRUEBA la capacidad de Cartier para manejar los tiempos y convertir cada nueva apuesta en un ejercicio contemporáneo que conserva su frescura y vigencia. El Tank fue creado en 1917 y se reinterpretó en 1922, cuando la caja se alargó, las angarillas se estilizaron y los ángulos se suavizaron. Nació así el Tank Louis Cartier, con sus esferas monocromáticas. Y si hace un año Cartier lanzaba un Tank Louis Cartier con la esfera ofreciendo un rectángulo inscrito en otro, un motivo ya empleado en un Must de Cartier de los años 80, ahora despliega una elegancia mucho más radical a través

de esferas monocromáticas. La primera de ellas, con el color rojo emblemático de la maison; la otra, en gris antracita. Un detalle importante en estas dos nuevas creaciones es la apuesta por la pureza: los 12 números se reducen a cuatro, y la minutería ferrocarril se elimina.

Pero el efecto monocromático de estos dos Tank Louis Cartier se torna en un material vivo repleto de matices dependiendo de la iluminación y el ángulo de observación de la esfera. Para conseguir este efecto, se ha empleado por primera vez una técnica de grabado electroquímico que permite realizar marcas con enorme precisión, un ‘trazado’

invisible al ojo humano y que se efectúa en distintas direcciones; con ello, se crea un conjunto de secciones y zonas que reproducen el motivo gráfico de la esfera de un reloj Must de los años 80. Esto es algo común a los dos relojes, pero no la técnica de aplicación del color: mientras que la esfera roja es lacada, la gris se obtiene mediante galvanizado.

Hay una tercera versión del Tank Louis Cartier, algo más radical e intensa, que presenta la esfera en un negro profundo en contraste con la caja de oro amarillo. Lo que si comparten todas estas propuestas es la parte mecánica: el calibre de cuerda manual 1917 MC.

En la página anterior: Versión con esfera totalmente negra y con la caja declinada en oro amarillo.

Sobre estas líneas: Este año los Tank Louis Cartier apuestan por esferas monocromáticas, y permite optar por el color rojo, tono emblemático de la maison, o por el gris antracita.

UN VIAJE DE VEINTE AÑOS

Louis Vuitton celebra el nacimiento del primer Tambour con la creación de Twenty, una edición limitada de 200 relojes.

TEXTO R. B.

EL TAMBOUR DE LOUIS VUITTON fue toda una declaración de intenciones, un proyecto audaz y por supuesto innovador. Además de ser totalmente reconocible por la estructura adoptada por su caja: redonda esculpida en un bloque de metal y asas integradas, era fiel al ADN Louis Vuitton y su pasión por el arte de viajar y la creatividad. Han pasado desde entonces 20 años y ha dejado innumerables ejemplos, quizás uno de los mejores se produjo en 2009 con la llegada del Tambour Spin Time, que reinventó la forma de interpretar el tiempo, con cubos giratorios en lugar de agujas e índices relojeros. Y hay otra fecha significativa en la historia de esta colección: 2011. Es cuando La Fabrique du Temps de Ginebra y sus maestros relojeros, Michel Navas y Enrico Barbasini,

se unieron a la aventura de Louis Vuitton para crear relojes excepcionales. Para celebrarlo, llega ahora el Tambour Twenty, una edición limitada de 200 unidades que rinde homenaje al Tambour original, retomando los códigos que lo convirtieron en un icono del diseño. Lo hace con su forma profunda y acampanada, que potencia su aspecto robusto y fiable. En su caja de 41,5 mm de diámetro, destacan grabadas en el lateral las doce letras que componen el nombre ‘Louis Vuitton’, al igual que en la versión de 2002. Hermético hasta 100 metros, en su interior luce el movimiento de alta frecuencia LV277, sobre la base del Zenith El Primero y que aporta una mejor precisión con su elevada frecuencia de marcha. R.B

LA BELLEZA DEL PASADO

Bulgari Aluminium Sorayama, un producto contemporáneo que se inspira en los orígenes de la aviación y la automoción. Y además, es un trabajo de artista.

ES LA TERCERA PROPUESTA REALIZADA sobre el legendario Bulgari Aluminium –antes fueron las realizadas con Ducati y la edición Amerigo Vespucci–. En esta ocasión es un artista, el japonés Sorayama, quien da forma a una composición brillante, sensual y poética que juega con el brillo del aluminio. El reloj Bulgari Aluminium Sorayama Special Edition es una composición que refleja el gusto por los detalles del artista japonés hiperrealista y que se inspira en el clasicismo de los años 30 y 40, así como los avances mecánicos en la aviación y la automoción. El reloj es un compendio de texturas galvanizadas y detalles que evocan la estética de ambos; la esfera ofrece tonos plateados y brillantes espirales nacaradas que evocan el juego de la luz sobre la carrocería brillante, y las manecillas en forma de hélice están realzados con superLumiNova®. El único número visible es el 2, en homenaje al número de la suerte del artista y es referencia buscada. Este modelo de edición limitada con caja de aluminio y bisel de caucho tiene un diámetro de 40 mm y es sumergible hasta 100 m. La corona es de titanio negro reforzado, al igual que el fondo de caja, que muestra la firma de Sorayama en negro intenso. El interior de la caja alberga un movimiento mecánico de cuerda automática que ofrece una autonomía de marcha de 42 horas. R.B

El Bulgari Aluminium Sorayama está limitada –como en el resto de las propuestas– a 1.000 ejemplares. En la otra página se contempla el excelente trabajo realizado en la esfera.

AGENDA NACIONAL

BARCELONA CEREBRO(S)

Hasta el 11 de diciembre. CCCB

Como el título sugiere, una exposición sobre el elemento que Ambroise Bierce definió así en su célebre Diccionario del diablo: “Aparato con el que pensamos que pensamos”. De su tortuosa anatomía hay convicción que procede la capacidad del habla, la comprensión y algunas veces la inteligencia. El arte, la ciencia y la filosofía lo han estudiado y representado a lo largo de la historia, síntesis que intentan reflejar las 300 piezas expuestas, entre cuadros, dibujos –destacan originales de Santiago Ramon y Cajal–, cómics y películas. cccb.org

LA CORUÑA MANUEL VILARIÑO

Hasta el 13 de noviembre. Museo de Bellas Artes.

De los techos del vestíbulo del museo penden un esqueleto de ballena y la reproducción de un cetáceo, una puesta en escena muy apropiada para el nombre de la exposición, After the whale (Después de la

ballena), que presenta el artista gallego Manuel Vilariño (1952). Lo interesante es que el resto de la muestra se despliega por todas las instalaciones, en las que las obras expuestas están en contrapunto con la colección permanente y las salas de exposiciones temporales. museobelasartescoruna.xunta.gal

MADRID DETENTE, INSTANTE - UNA HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA

Del 7 octubre al 15 enero. Fundación Juan March.

A través de una amplia selección de unas trescientas

fotografías, esta exposición de la Juan March propone una historia posible de la fotografía desde su nacimiento, en torno a 1840, hasta la actualidad. Se recalca que las obras son copias de época que proceden de dos colecciones pioneras y complementarias, reunidas a lo largo de cuatro décadas por Dietmar Siegert en Alemania y por Enrique Ordóñez e Isabel Falcón en España. Irving Penn, Man Ray, Samuel Bourne, Sasha Stone, Jeff Wall, Cartier-Bresson, Arbus, Brassaï, Stieglitz, Fenton, Atget y Tillmans, entre otros, están entre las firmas exhibidas. march.es

sobre los adornos hogareños y su ubicuidad entre el arte y la decoración. Con trabajos de técnica mixta sobre tela estampada o sobre papel pintado, la artista presenta diseños arabescos de motivos geométricos o florales, entre los que se vislumbran, casi ocultos, seres y personajes, generalmente del mundo femenino. camaraoscura.net

ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ

Hasta el 23 de diciembre. Camara Oscura Galería de Arte. Ornamento y delito, así se llama esta exposición de la artista vasca Estefanía Martín Sáenz (1982), nombre sugerido por un ensayo de título homónimo de 1929 del arquitecto modernista Adolf Loos, en el que reflexiona

HERGÉ: THE EXHIBITION

Del 5 de octubre al 19 de febrero. Círculo de Bellas Artes.

Decir Hergé es decir Tintín (Tantan, como se pronuncia en francés), uno de los personajes irremplazables de la historia del comic, y, por ende, de la cultura popular. Esta muestra viene a homenajear al artista belga Georges Prosper Remi (1907-1983), el hombre detrás del seudónimo, a través de una selección de sus dibujos, documentos originales, pinturas y más obras suyas. El gran desafío es descubrir cómo su mundo visual se vio influenciado por la publicidad, la prensa, el diseño de moda o las artes plásticas. herge-exhibition.com

MÁLAGA PICASSO VISTO POR OTERO

Hasta el 1 de noviembre. Museo Picasso.

Sesenta fotografías procedentes del Fondo Roberto Otero, y que forman parte de la Colección del

Grandes artistas españoles, como Picasso oSorolla, coinciden este mes con nuevas figurascomo Manuel Vilariño o Estafanía Martín.

PROPUESTAS CULTURALES EN TODOS LOS RINCONES DEL PAÍS

TEXTO LUIS INI

Historia de la fotografía Madrid

Manuel Vilariño A Coruña

Hergé Madrid

Martín Sáenz Madrid

Museo Picasso Málaga, son el corazón de esta exposición. El fotógrafo, periodista, escritor y documentalista cinematográfico argentino Roberto Otero (1931-2004) compartió largas jornadas documentando la vida cotidiana de los últimos años de Picasso; de hecho, llegó a registrar en unos cuadernos conversaciones que mantenía con él, que también se exponen junto a material editorial. museopicassomalaga.org

ESCENA

COMO LA VIDA MISMA

1

BILBAO

LA TRENA

Teatre Goya, hasta el 13 de noviembre

La actriz y directora Clara Segura se hace con la batuta de estas historias de mujeres entrecruzadas. A pesar de vivir en diferentes continentes, Smita, Giulia y Sarah comparten una gran voluntad de trazar su propio destino rompiendo cualquier molde y luchando con esperanza contra la adversidad que las pone a prueba. “A las que aman, crían, esperan, caen mil veces y se vuelven a levantar”, así reza la dedicatoria que plasma su autora, la guionista Laetitia Colombani. teatrogoya.cat

SEVILLA EXTRAÑO. COLECCIÓN

SANDRETTO RE REBAUDENGO

Hasta el 8 de enero. CAAC. Desplegadas en dos zonas del CAAC, la Monumental y el Claustrón Norte (en esta, solo hasta el 20 de noviembre), se presentan obras pertenecientes a la colección de Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, una de las más importantes de Europa. Seis palabras han guiado al comisariado para su exhibición: extraño, extraordinario, extravagante, excéntrico, exótico y extranjero, utilizadas como guía y excusa de reflexión sobre la reciente historia mundial, de la pandemia a la invasión de Ucrania. caac.es

VALENCIA LA EDAD DICHOSA. LA INFANCIA EN LA PINTURA DE SOROLLA

Hasta el 13 de noviembre. Fundación Bancaja. Esta exposición es presentada

como la primera revisión sistemática de la representación de la niñez en la pintura del genial artista valenciano Joaquín Sorolla (1863-1923). Se trata de casi 90 obras procedentes de cerca de 40 colecciones públicas y privadas de toda España, parte de ellas exhibidas en el Museo Sorolla de Madrid este mismo año, aunque esta muestra es una versión más ampliada. Destacan en este caso algunos cuadros provenientes de colecciones particulares y, por tanto, totalmente inéditos hasta ahora para el gran público.

3 2 Colección Sandretto. Sevilla

MADRID

TWIST

Teatro Circo Price, del 14 de octubre al 6 de noviembre

Las míticas matinales de rock que se celebraban en el Price en los años 60 bajo el nombre Festivales de Música Moderna reviven en este show concebido como espectáculo giratorio. Su directora, Marta Pazos, agente fundamental de la vanguardia escénica, nos presenta “un palíndromo de circo rockero y rock circense”. Este viaje al pasado, hecho de música y circo, es un reencuentro con las generaciones pasadas que colmaron en el Price sus ansias irrefrenables de bailar. teatrocircoprice.es

MADRID

FINLANDIA

Teatros de la Abadía, del 22 de septiembre al 23 de octubre

Estreno de una obra imprescindible para todo aficionado a las emociones fuertes. Vibrantes mimbres sostienen esta función sobre el fin del amor en una pareja que lucha por la custodia de su hija. De un lado, el descarnado estilo del autor Pascal Rambert, Premio de Teatro de la Academia Francesa, que nos sobrecogió con La clausura del amor; de otro, los actores Israel Elejalde e Irene Escolar, para los que el autor escribió expresamente este texto “de forma bestial, sin pausa”. teatroabadia.com

ZARAGOZA ORIGAMI

Permanente. Museo Emoz. Uno de los museos más curiosos de España está dedicado a la ancestral cultura japonesa del plegado de papel para construir figuras u objetos, llamado entre nosotros papiroflexia. Si bien el origen es chino, de donde procede el papel como invento, allá por el año 100 de nuestra era, la técnica fue desarrollada en Japón. emoz.es

4

SEVILLA

EL MAR: VISIÓN DE UNOS NIÑOS QUE NO LO HAN VISTO NUNCA

Teatro Central, 28 y 29 de octubre

Un deseo sin cumplir es el que late en esta historia real, rescatada del olvido por los autores Alberto Conejero y Xavier Bobés. El material de base son las redacciones de los niños de un pueblo de Burgos que nunca habían visto el mar y que, animados por su maestro, dejaron por escrito sus impresiones. Aquel profesor, Antoni Benaiges, les prometió llevarlos a su tierra catalana para ver el mar, pero ese verano perdió la vida en la guerra. Un sueño truncado que se cumple hoy en forma de teatro poético. juntadeandalucia.es

Texto Natalia Erice

Sorolla Valencia

Origami Zaragoza

AGENDA INTERNACIONAL

CIUDAD DE MÉXICO UNA MODERNIDAD

HECHA A MANO

Hasta el 13 de noviembre. MUAC.

BASILEA

"ME GUSTARÍA UN CHAGALL TÍPICO"

Hasta el 22 de enero. Museo de Arte.

Exhibición centrada en varios coleccionistas que ayudaron al artista ruso-francés Marc Chagall (1887-1985). Sus mecenas tenían motivaciones distintas: alguno lo apoyaba por sus obras con alusiones a la cultura judía; el vanguardismo con ecos del surrealismo también atraía esa atención, lo mismo que, en otros casos, el arte ruso contemporáneo. “En estos momentos estoy recolocando mis cuadros y lo que más me gustaría sería un Chagall típico en mi salón frente al Picasso”, es una carta de uno de los coleccionistas de donde se

extrae el titulo de la muestra. kunstmuseumbasel.ch

BUENOS AIRES LABERINTOS

Hasta noviembre. Fundación Proa. Una de las perplejidades –y también tema recurrente– de Jorge Luis Borges era la idea del laberinto: “Es curioso que el hombre construya un espacio para perderse”, escribió. Así como el mito del Minotauro fue legado a la posteridad por los griegos, la ciudad de Jericó, los planos de León Ferrari o las construcciones de Piranesi también refieren a ese lugar, ubicua metáfora de la vida y sus veleidades. Varios artistas se valen en esta exposición de las nuevas tecnologías y buscan a través de nuevo enfoques una salida de ese intrincado camino, material pero también metafísico. proa.org

Esta ambiciosa exposición se propone recorrer hasta nuestros días el diseño artesanal del país norteamericano desde 1952, cuando la diseñadora cubano-mexicana Clara Porset organizó El arte en la vida diaria, la primera exposición dedicada en el país. Diseño, artesanía e industria eran los elementos que Porset consideraba básicos si se esperaba que las masas pudieran aspirar a objetos de diseño accesibles, con sentido social y estético. Detrás de todo el planteo, la idea que parece permear es la construcción en el imaginario de “lo mexicano”. muac.unam.mx

LOS ÁNGELES REINVENTAR LAS AMÉRICAS: CONSTRUIR.

BORRAR. REPETIR.

Hasta el 8 de enero. Getty Museum.

CORNUALLES AD MINOLITIBIOSFERA PELUCHE Hasta el 30 de octubre de 2022. Tate St. Ives.

Primera exposición individual en el Reino Unido de la artista argentina Ad Minoliti (1980), en la que presenta su particular visión, un entramado de abstracción geométrica, el pop y las actuales sensibilidades de género. El concepto de la exposición es proponer una biosfera imaginada a partir de una experiencia real que pretendió aislar futuros viajeros a otros planetas en un experimento finalmente fallido. También se presenta el proyecto La Escuela Feminista de Pintura, que transforma parte del espacio de la galería en un aula activa. tate.org.uk

El artista brasileño Denilson Baniwa (1984) es del pueblo baniwa, nacido en la región amazónica brasileña. Activista por los derechos de los indígenas, participa, junto a otros grupos comunitarios de la ciudad angelina, en esta exposición que analiza las representaciones del continente americano tras la llegada de los europeos, y se cuestionan mitologías y utopías. Busca contrarrestar con un enfoque multiperspectivo las visiones de los cronistas, ilustradores y grabadores europeos de los siglos XVI al XIX. getty.edu

MILÁN BRUCE NAUMANNEONS CORRIDORS ROOMS

Hasta el 26 de febrero. Hangar Bicocca. El artista estadounidense

Desde las portadas de los LP de Yes hastaChagall, el arte se muestra aquí con toda sucapacidad para cautivar.

LA CULTURA COMO EXCUSA PARA VIAJAR POR EL MUNDO

Bruce Nauman. Milán

Las Américas Los Ángeles

Laberintos Buenos Aires

Chagall Basilea

Ad Minoliti. Cornualles

Bruce Nauman (1941) ha tenido activa presencia desde los años 60 con sus obras centradas en la percepción del cuerpo, la relación con el espacio, el tiempo y el lenguaje. Surgido en plena expansión del movimiento pop, consecuentemente con ellos ha encontrado su expresividad en diversos medios: instalación, vídeo, escultura, performance, fotografía, dibujo y sonido. Esta exposición presenta varios de sus trabajos que simbolizan pasillos y habitaciones, una de sus marcas de identidad. hangarbicocca.org

la Hermandad Prerrafaelita, una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, que rechazaba el arte académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX. Su propuesta era el regreso al detallismo minucioso y al luminoso colorido de los primeros italianos y flamencos, anteriores al pintor renacentista Rafael Sanzio (de ahí el nombre del grupo), a los que consideraban más auténticos y menos vacuos que sus predecesores. De los miembros y seguidores de esta asociación, se exponen aquí más de un centenar de obras, entre retratos, estudios para cuadros y encargos, y bocetos a la tiza. ashmolean.org

canal; La plaza de San Marcos y el Palacio de los Dux, lugares de poder; y Venecia, una ciudad en transformación, una ciudad aún en construcción. grandpalais-immersif.fr

RÓTERDAM EL HOGAR ES DONDE ESTÁ EL ARTE

Hasta el 11 de diciembre. Kunsthal

representantes más populares y de mayor calidad fue el grupo británico Yes, que no sólo llamó la atención por el arte de sus creaciones, sino también por las portadas de sus LP, surrealistas ilustraciones –logotipo incluido– creadas por el artista inglés Roger Dean (1944), hoy icónicas. En esta ocasión, se une a su hija, la también artista Freyja, para presentar obras actuales de ambos, pero también varias de aquellas piezas célebres. haightstreetart.org

NUEVA YORK

EL HOLOCAUSTO:

LO QUE EL ODIO PUEDE HACER

Hasta el 6 de noviembre. Museo del Patrimonio Judío.

Amplia presentación de la historia del Holocausto, el genocidio que tuvo lugar en Europa contra los judíos durante la Segunda Guerra Mundial por la Alemania nazi, contada a través de historias personales, objetos, fotos y películas, varios de ellos expuestos por primera vez. Más de 750 objetos originales y testimonios de supervivientes, muchos de los cuales se establecieron en Nueva York y lugares cercanos. mjhnyc.org

OXFORD

PRERRAFAELISTAS

- DIBUJOS Y ACUARELAS

Hasta el 27 de noviembre. Ashmolean Museum.

En Londres, en 1948, se fundó

PARÍS VENECIA REVELADA

Hasta el 19 de febrero. Grand Palais Immersif. Los lugares emblemáticos de la ciudad edificada sobre una laguna toman vida a partir de una inmersión de gigapíxeles en los detalles de las obras maestras de los más grandes pintores venecianos. Así, frente al público aparecen entre otros la Plaza de San Marcos, la Basílica o el Palacio Ducal. La exposición se estructura en torno a cuatro capítulos cronológicos: El lago; El gran

Cómo coleccionar arte, cómo dar vida a una colección de arte y cómo el arte es capaz de transformar una casa en un auténtico hogar. Estas son las ideas rectoras de esta exposición que presenta obras de la colección de Johan Poort y Manon Visser. Se destaca desde el museo la diversidad en la elección de las piezas que forman parte de este acervo privado, que no se detiene tanto en el nombre del creador (Marlene Dumas, Yoshitomo Nara y Sungi Mlengeya, entre ellos) sino más bien en la relación personal que mantienen con la obra sus propietarios. kunsthal.nl

SAN FRANCISCO ROGER DEAN, EL ILUSTRADOR DE YES

Hasta el 30 de octubre. Haight Street Art Center. En los años setenta, el rock sinfónico apareció en la escena musical mundial con gran fuerza. Uno de sus

VENECIA

EL LIBRO DE BESSARION EN DEFENSA DE PLATÓN

Hasta el 31 de octubre. Museo Correr.

Exposición dedicada a la figura del cardenal Bessarion (1408-1472), una de las personalidades más fascinantes y, al mismo tiempo, uno de los bizantinos más influyentes del siglo XV. El objeto de la exposición son algunos documentos conservados en la Biblioteca Nazionale Marciana o de San Marcos: manuscritos, incunables y primeras versiones impresas de In Calumniatorem Platonis (En defensa de Platón), su obra maestra, de la que puede verse que se trató no de un trabajo solitario, sino una obra para la que se nutrió tanto del debate con otros coetáneos como de la consulta de escritos de la época. correr.visitmuve.it

Roger Dean San Francisco

El Holocausto Nueva York

Venecia revelada París

Arte y hogar Róterdam

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NOTAS

CAPRICHOS OTOÑALES

OBJETOS ESPECIALES PARA RECONECTAR ESTA TEMPORADA CON LA ARTESANÍA Y LA CREATIVIDAD.

1. MIKAKUS BORN

La firma de calzado sostenible se une a Cupra para crear Mikakus Born x Cupra unas zapatillas inspiradas en el barrio barcelonés del Born, elaboradas a partir de lonas ecológicas. Son resistentes al agua e incluyen detalles como los códigos de las suelas, que recuerdan el código neumático del coche del mismo nombre. mikakus.com

2. ROCHE BOBOIS

La firma francesa ha presentado una selección de nuevas alfombras inspiradas en la naturaleza, ideales para vestir los interiores más acogedores este otoño. El modelo Stone está elaborado a mano en lana y Tencel y presenta formas orgánicas, superpuestas como guijarros de río mojados por el agua. roche-bobois.com

3. DE’LONGHI

La compañía italiana de electrodomésticos lanza La Specialista Arte, una cafetera de bomba tradicional con molinillo integrado, creada para moler los granos al momento. Dispone de un espumador de leche y hasta cuatro tecnologías para disfrutar de un café hecho a medida. delonghi.com

4. PATRÓN

Serie 3 es el resultado de la tercera colaboración entre la marca mexicana de tequila y la maison cristalera Lalique. Creada como tributo a la planta de Agave Azul Weber, esta edición mezcla 14 tequilas diferentes, cada uno de ellos envejecido hasta ocho años en barricas de roble francés y americano. patrontequila.com

5. BMW

El fabricante alemán ha presentado a Carlos Alcaraz, número uno del tenis mundial, como su nuevo embajador. El murciano pone rostro a una nueva generación de coches 100% eléctricos que representan el compromiso de la compañía con la sostenibilidad. bmw.es

6. ADIANO

En el corazón de Ciudad Real nace esta quesería como la única en España con Certificación de Bienestar Animal. Sus quesos se elaboran a partir de leche cruda de ovejas de pura raza criadas y alimentadas en los pastos de su finca, a los pies de los montes de Toledo. adiano.es

JEAN-LUC GODARD

NO HA MUERTO

NO SON POCAS LAS OCASIONES en las que los epítetos escogidos para ¿homenajear? a alguien que acaba de morir consiguen, en lugar de definirle, lo opuesto. Esto es, indefinirle. Convirtiendo al radicalmente coherente en poco más que un insoportable provocador, al indómito libérrimo en una mariposa taxidermizada presa en su pequeña urna decorativa. En bosque espeso, pantano hondo, fría sombra. El caso de Jean-Luc Godard (París, Francia, 1930-Rolle, Suiza, 2022) es, en este sentido, paradigmático. “Revolucionario del séptimo arte”, “genio vanguardista”, “maestro de maestros”, “estandarte de la Nouvelle Vague”, “cineasta de cinéfilos”… una adjetivación gastada y reductora, pese a la verdad que pueda encerrar. Nada es falso, y sin embargo todo resulta del todo insuficiente para esbozar siquiera la silueta de un cineasta único.

Godard hizo cine con palabras y con imágenes, porque ya hacía películas mucho antes de ponerse detrás de la cámara, escribiendo sobre ellas; para él —como ha escrito Manuel Asín en el texto más valioso de los publicados a su muerte en nuestro país— el cine no era un medio para imponer ideas (y mucho menos reglas o caminos), sino una

El director, durante el rodaje de El desprecio, en 1963.

herramienta para atreverse a pensarlas. El suyo es un pensamiento en imágenes. O las imágenes del pensamiento, según la fórmula de Deleuze. La diferencia, como él mismo señalaba en Lettre à Freddy Buache (1982), obra esencial en su extensa y proteica filmografía, entre “hacer películas sobre y hacer películas de”. De JLG, por supuesto. Y por eso fue un cineasta único, es decir, solo y sin otro de su especie. Sus películas, las conocidas Al final de la escapada (1960), Vivir su vida (1962), El desprecio (1963), Lemmy contra Alphaville (1964) o Pierrot el loco (1965), y las no tanto como debieran Ici et ailleurs (1976), Salve quien pueda la vida (1980), Histoire(s) du cinéma (1989-1999), Je vous salue, Sarajevo (1993) o Vrai faux passeport (2006), nos ayudan a pensar y ver el cine en el contexto de su historia y nuestra historia en el marco de una pantalla cinematográfica.

Desaparecido Godard, agarrémonos cual náufragos a aquel pensamiento de Peter Weiss que su voz (en o ) pronunciaba en El libro de imágenes (2018), el que será su último film: “Incluso si nada resultara como esperábamos, eso no cambiaría nada de nuestras esperanzas”. Rubín de Celis