Revista ARS

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Xalapa Enríquez, Veracruz México.

• ¿Qué es el impresionismo?

• Contexto histórico

• Principales impresionistas

• Impresionismo en otros países

• Características

• Arquitectura y artes aplicadas

• Artistas del Art Nouveau

• ¿Qué es el Pop Art?

• Pop Art en el mundo

• Principales exponentes del Pop Art

• Pop Art en el Comic

• Mobiliario inspirado en el Pop Art

¿Qué es elimpresionismo?

conoce como impresionismo a uno de los principales movimientos artísticos del siglo XIX, especialmente en el género de la pintura, que aspiraba a reproducir en sus obras la “impresión” vital del mundo a su alrededor, es decir, intentaba pintar la luz en el momento exacto en que observaban el mundo. En esto rompió con sus predecesores, que favorecían las guras plenas e identi cables y fue un movimiento clave en el desarrollo de las artes en Europa –y sobre todo en Francia- y sentó las bases para movimientos posteriores como el postimpresionismo y las vanguardias.

El nombre de impresionista se empleó también para otras artes, como la música o la literatura, o también la escultura y arquitectura, a pesar de que sus rasgos de nitorios son bastante particulares de la pintura. Esto es posible debido a que la losofía del impresionismo podía interpretarse como un afán por imitar la realidad y, en todo caso, por concebir el arte como fruto de un proceso racional, algo que iba de la mano del positivismo, doctrina de pensamiento que imperaba en la sociedad burguesa del siglo XIX.

Los preceptos del impresionismo fueron objeto de oposición por parte del expresionismo, nacido a nales del siglo XIX como una reacción a favor de la subjetividad artística y las necesidades expresivas interiores del ser humano.

Catedral de Rouen, Fachada Oeste, Luz de Sol, Claude Monet,1892, Óleo sobre lienzo, Galería Nacional de Arte, Washington, D.C., EE.UU.

Contexto histórico

El término “impresionista” se le atribuye al crítico de arte francés Louis Leroy, quien lo habría empleado de manera despectiva, frente a un cuadro de Monet llamado (1873), expuesto junto a los cuadros de otros artistas jóvenes en el Salón de Artistas Independientes de París entre abril y mayo de 1874. Jugando con el título del cuadro, Leroy arremetió en la prensa contra los treinta y nueve “pintores impresionistas” expuestos, dándole nombre sin saberlo al movimiento.

Sin embargo, el impresionismo gozó de aceptación en los circuitos artisticos europeos de la época. La París de la época era lugar de peregrinación artística para Europa toda, y allí tuvieron lugar numerosas exposiciones universales, por lo que el movimiento nació en el mero centro del arte del momento.

Tuvo como precursores a los paisajistas ingleses románticos de inicios del siglo XIX, para los que eran frecuentes las escenas que trascendieran la forma, tales como J. M. William Turner y John Constable. Sin embargo, será Édouard Manet quien siente propiamente las bases para el surgimiento del impresionismo.

Impresión, sol naciente, Claude Monet,1872, Óleo sobre lienzo, Museo Marmottan-Monet, Paris, Francia.

El impresionismo aspiraba a plasmar la luz en sus pinturas, mediante la combinación de colores y pinceladas, en vez de formas y siluetas. La pincelada impresionista, bautizada posteriormente como “pincelada gestáltica”, era breve y usaba colores puros, sin importar que en solitario no fueran pertinentes al modelo real, ya que una vez completa la imagen, se podría percibir globalmente la obra y reproducir así una totalidad bien de nida, con mucha luminosidad y vibrancia. Esta técnica inspiraría posteriormente a los neoimpresionistas o puntillistas.

Otro de los avances del impresionismo fue la creación de nuevos pigmentos para obtener colores más puros. Gracias a ello los pintores pudieron replantear muchas leyes cromáticas de la época, entendiendo el color en relación a sus acompañantes y al contraste que con ellos generan. Por eso los impresionistas hacían juegos de sombra rompiendo con la dinámica usual del claroscuro, en favor de sombras hechas con colores complementarios que dotaban de mayor profundidad a la obra.

De modo similar, los impresionistas relegaron la forma a un segundo plano, pre riendo explorar en cambio los paisajes. Los panoramas abiertos permitían la justa de luz y colores para sus métodos pictóricos.

Boulevard Montmartre de noche, Camile Pissarro, 1897, Óleo sobre lienzo, Galería Nacional de Londres, Inglaterra.

Edgar Degas

Edgar Degas nació en París en 19 de julio de 1834. Su padre, Augustin De Gas, era un banquero francés acomodado, mientras que su madre, Célestine Musson, era una criolla americana de ascendencia francesa procedente de Luisiana. La familia de Edgar era bastante rica, pero a pesar de ello no era fácil medrar en la aburguesada sociedad parisina. Así que sus padres lo animaron para que estudiara arte y música e ingresara en el taller del pintor Félix-Joseph Barrias en 1853. En 1855, tras conocer a Ingres, Edgar se matriculó en la Escuela de Bellas Artes, donde recibió las enseñanzas del artísta académico Louis Lamothe.

Degas era un joven tímido, muy sensible y algo

Tras su experiencia italiana, Degas regresó a París, donde descubrió el fascinante mundo de la escena que tanto in uiría sobre su obra. Cuadros como

(1867-1868), expuesto en el Salón de París, supone la presentación del pintor en el panorama artístico parisino. Otro de sus cuadros, titulado (1868-1869), también conocido como , es un retrato del fagotista Désiré Dihau que muestra a su alrededor al resto de músicos en el interior del foso, sumidos en la penumbra. En el escenario se aprecian las guras de las bailarinas vestidas con sus vaporosos tutús e iluminadas por una luz fría.

Las planchadoras, Edgar Degas,1886, Óleo sobre lienzo, Museo de Orsay, Paris, Francia.

Clase de danza, Edgar Degas,1874, Óleo sobre lienzo, Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, EE.UU.

Aunque tal vez una de las obra más destacables de Degas en ese período sea (1869), un cuadro que recrea una de las veladas musicales que organizaba el padre del artísta. En él, Degas plasma con gran minuciosidad el gesto del músico Lorenzo Pagans, que aparece con la boca abierta y la mirada al frente, sobre todo el movimiento de las manos mientras ejecuta una pieza de guitarra. Al fondo, el padre de Degas, permanece ensimismado escuchando la música, con la mirada perdida.

En 1877, se celebró en París la tercera exposición de arte impresionista. En ella, Degas, in uenciado por la obra literaria de Emile Zola y por las tertulias a las que asistía en la cafetería Guerbois, presentó pinturas con una clara orientación social entre las que destacaron (1886) y (1873), donde los protagonistas son un mendigo y una prostituta. A pesar de su evolución, la obra de Degas ha pasado a la historia por sus efectos de movimiento, que son magistralmente representados sobre todo en sus cuadros de bailarinas (de hecho, la gura femenina siempre estuvo muy vinculada a su obra, y a su vida privada), entre los que destaca la pintura titulada (18761877), también conocida como .

En cuanto a su vida privada, Degas nunca se casó y tampoco se le conoce ninguna relación amorosa. Lo cierto es que Degas mantuvo unas relaciones muy complejas con las mujeres, que in uyeron de manera determinante en su obra. De hecho, su curiosidad por la gura femenina se mani esta en muchas de sus pinturas en las que aparecen mujeres en actitudes que parecen haber sido "robadas" de su intimidad: (1872), (1881-1883), (1890), (1887-1890) o (1903).

Degas murió el 27 de septiembre de 1917 a causa de un aneurisma cerebrovascular y fue enterrado en el cementerio de Montmartre. Pasaría a la historia como un gran dibujante, un innovador de la luz y un maestro de la tensión psicológica, elementos todos ellos que impregnan su obra.

La cantante con guantes Edgar Degas,1878, Pastel, Museo de Arte de Harvard, EE.UU.

Claude Monet

en París el 14 de noviembre de 1840, Claude Monet está considerado uno de los pilares y pieza clave del impresionismo. Monet fue un pintor sumamente prolí co que supo plasmar sobre el lienzo sus percepciones personales sobre la naturaleza y los paisajes, experimentando con los diversos matices que la luz puede aportar a una escena. Rechazado y admirado a partes iguales por sus contemporáneos, el artista francés fue un innovador que se adelantó a su tiempo en el estudio del color.

Nacido

La familia Monet se trasladó de la capital francesa a Le Havre, en Normandía, cuando Claude contaba apenas cinco años. En aquella ciudad portuaria, su padre, Claude Adolphe, que regentaba un negocio de comestibles propiedad del marido de su hermana, Jacques Lecadre, intentó por todos los medios, aunque sin éxito, que el joven Claude se interesara en él. Pero lo que en realidad quería el joven Claude era ser artista. En 1851, el muchacho ingresó en la escuela secundaria de artes de Le Havre donde se hizo famoso por sus caricaturas al carbón y por sus paisajes y marinas, que vendía por diez y por veinte francos. En aquella época, Claude recibió sus primeras lecciones de dibujo del artista francés Jacques-François Ochard y conoció a Eugène Boudin (considerado el primer paisajista francés en pintar al aire libre), que a la postre se convertiría en su mentor.

Ninfas, Claude Monet,1904, Óleo sobre lienzo, una de la serie de 240 obras sobre el mismo tema.

El 28 de enero de 1857, moría Louise Justine, la madre de Monet. Tras aquella desgracia, el joven decidió irse a vivir con su tía, Marie-Jeanne Lecadre, una pintora a cionada que mantenía una excelente relación con Armand Gautier, un pintor y litógrafo conocido como "el pintor de las Hermanas de la Caridad", por sus pinturas de religiosas. Tras la muerte de Jacques, el esposo de su tía, el padre de Claude pasó a hacerse cargo del negocio familiar y Claude decidió de nitivamente convertirse en pintor. Su padre al principio le apoyó e incluso llegó a formular una petición para que le fuera concedida una beca, pero la solicitud fue rechazada. Entonces, Monet viajó a París para visitar la exposición del Salón de París, donde conoció a artistas de la talla de Constant Troyon o Armand Gautier, y trabajó también en el taller del pintor Charles Monginot, un viejo amigo de Eugène Boudin. Monet se matriculó entonces en la Academia Suiza, una escuela de arte privada, en contra de la opinión de su progenitor, que quería que su hijo estudiase en la Academia de Bellas Artes de París. Contrariado, su padre le negó entonces su ayuda nanciera.

Entre nales de 1864 y principios de 1865, Monet y su amigo, el también pintor Fréderic Bazille, se establecieron en un taller propio en París, y aquel mismo año Monet pudo exponer dos marinas en el Salón de París que fueron muy bien recibidas por la crítica. Aquel primer éxito animó a Monet a proyectar su monumental obra para la exposición del Salón del año 1866. Su pintura quería imitar a la de Edouard Manet (1863), una obra que causó un gran escándalo al mostrar a una mujer desnuda. Pero a diferencia del de Manet, el cuadro de Monet era de corte más conservador, mucho más ajustado al gusto de la época. Aunque por desgracia no llegó a tiempo para la exposición. Mientras estaba ocupado trabajando en su cuadro conoció a la modelo Camille Doncieux, con quien entablaría una relación amorosa. Perdidamente enamorado, Monet pintó a su amada en la obra en tan solo cuatro días, una pintura que fue aclamada por la crítica.

Mujer con sombrilla, Claude Monet,1875, Óleo sobre lienzo, Galería Nacional de Arte, Washington, D.C, EE.UU.

Con el estallido de la guerra franco-prusiana en julio de 1870, Monet abandonó Francia para instalarse en Londres y de este modo evitar ser reclutado. Durante su estancia en la capital británica, Monet estudió las obras de John Constable y Joseph Mallord, y conoció al marchante de arte Paul Durand-Ruel. También se vio fuertemente in uenciado por las obras de William Turner, cuyos paisajes le servirían de gran inspiración. Pero en la primavera de 1871, la Royal Academy de Londres, siguiendo la estela del Salón de París, negó el permiso a Monet para exponer sus obras. Ese mismo verano murió su padre, que le dejó una pequeña herencia. Tras el nal de la contienda, Monet decidió regresar a su país. El pintor hizo el viaje de vuelta deteniéndose, en otoño de 1871, en los Países Bajos. Allí, en la ciudad de Zaandam, pintaría 25 cuadros, y aprovechó la estancia para visitar la cercana Ámsterdam. Una vez en Francia, Monet se estableció en Argenteuil, un pueblo no muy lejos de París.

Monet se uniría en la década de 1870 a un grupo de artistas que se hacían llamar los "independientes", y hacia 1872 o 1873 pintó su famoso cuadro (Impresión: amanecer), pintura que en 1874 pudo exponer en el estudio del fotógrafo Nadar, en París (hoy en día el cuadro puede verse en el Musée Marmovan-Monet). A partir del título de su cuadro, el crítico de arte Louis Leroy acuñaría el término "impresionismo", una palabra con tintes peyorativos, pero que al nal fue adoptada por los artistas seguidores de aquel estilo artístico para de nirlo. De hecho, el impresionismo había nacido para quedarse. En

Su obra de aquella época, mientras la cataratas afectaban su visión, mostraba una tonalidad rojiza, propia de los afectados por esta enfermedad. Al recuperar la visión, Monet se dedicó de nuevo a pintar grandes cuadros cuyos protagonistas indiscutibles volvieron a ser los nenúfares del estanque de su nca.

En sus últimos años de vida, el artista francés destruyó varias de sus pinturas ya que no quería que sus obras inacabadas, bocetos y borradores, fueran expuestos y vendidos, como al nal sucedió tras su muerte, el 5 de diciembre de 1926, a

Pierre-Auguste Renoir

Pierre-Auguste Renoir nació en Limoges el 25 de febrero de 1841. Era el cuarto hijo de Léonard, un humilde sastre, y Marquerite Merlet, que también trabajaba en el sector textil. Entre los familiares, circulaba el rumor de una supuesta ascendencia noble, pero el director Jean Renoir, hijo del pintor, a rmó en un libro biográ co sobre su padre que la cuestión nunca fue demostrada. En 1845, Léonard trasladó la familia a París y en 1848 Pierre-Auguste ingresó en una escuela dirigida por la congregación de los Hermanos de las Escuelas Crisanas, donde descubrió que tenía excelentes habilidades para el canto. Sin embargo, su mayor pasión desde que era pequeño era el dibujo.

Cuando tenía casi tres años, sus profesores propusieron a su familia que el pequeño asistiera al coro de la iglesia de Saint-Suplice, pero sus padres pre rieron que su hijo se formara en el taller de Lèvy, dedicado a la decoración de porcelana. Posiblemente esperaban que Pierre-Auguste se especializara en este o cio que en aquella época estaba muy bien remunerado. En poco tiempo, Renoir destacó por sus trabajos en decoraciones orales sencillas, y después en proyectos cada vez más complejos, como un retrato de María Antonieta. En 1858, el negocio de Lèvy entró en fallida y Renoir trató de montar su propio negocio. Durante este periodo, entre otras cosas, decoró las paredes de un café de la Rue Dauphine. El siguiente año empezó a colaborar con Gilbert, un artista especializado en imágenes sacras: gracias a estos trabajos pudo costearse un curso nocturno de dibujo.

Autorretrato, Pierre-Auguste Renoir,1897, Óleo sobre lienzo, Instituto de Arte de Sterling y Francine Clark, Williamstown, EE.UU. 25

En 1862, entró en la escuela de Bellas Artes y asistió a las clases del pintor de origen suizo Marc Charles Gabriel Gleyre, perfeccionando así aspectos técnicos de su formación. Fue aquí donde conoció a Bazille, Monet y Sisley, con quien compartió sus primeras experiencias al aire libre y frecuentaron el Café Guerbois, conocido lugar de encuentro de artistas e intelectuales.

Pronto, sintiendo "claustrofobia" de las técnicas academicistas, los cuatro amigos empezaron a pintar en espacios abiertos, a menudo en el bosque de Fontainebleau o en pueblo de Marlove. Renoir tenía una relación muy estrecha con Monet. Sucedía que ambos colocaban sus caballetes uno al lado del otro y pintaban así, como cuando inmortalizaron en dos cuadros distintos el célebre conjunto balneario de

A diferencia de sus amigos, no despreciaban los salones o ciales y asistían a algunos de ellos. De la misma manera, en el 1873 participó en la fundación de la Sociedad anónima de artistas pintores, escultores y grabadores que el 15 de abril de 1874 organizó la famosa primera exposición en el local del fotógrafo Nadar. En esta época participó en algunas muestras junto a pintores impresionistas.

La Grenouillère, Pierre-Auguste Renoir,1869, Óleo sobre tela, Museo Nacional de Estocolmo, Estocolmo, Suecia.

En 1881 viajó a Italia acompañado de Aline Charigot, su futura mujer, visitando entre otras ciudades, Roma, Nápoles y Palermo. A principios del siglo XX era un pintor consolidado, pero hacía poco que le habían descubierto una artritis reumatoide. Con el paso del tiempo, la enfermedad se fue agravando. Durante los últimos años de su vida sus manos estaban tan deformadas que apenas podía moverlas, y para poder seguir pintando se ataba los pinceles a las muñecas. En esta época de su vida descubrió su interés por la escultura y empezó a colaborar con Richard Giuno, un joven escultor que ejecutó al detalle quince esculturas bajo su dirección. Murió a causa de un infarto la noche del 2 de diciembre de 1919, tras haber completado

Jeanne Samary con vestido escotado, Pierre-Auguste Renoir,1877,Óleo sobre lienzo, Museo Puskin, Moscú, Rusia.

Camino polvoriento II, Mihály Munkácsy,1884, Óleo sobre lienzo, Galería Nacional Húngara, Budapest, Hungría.

Alemania

Muchos

pintores impresionistas alemanes tuvieron estadías más o menos prolongadas en París, que había desplazado a Roma como meca de la peregrinación. Este desplazamiento fue fuertemente impulsado por el surgimiento de academias, escuelas privadas de arte y por las exposiciones universales que se organizaron en París desde 1855.

En el jardín de Max Halbe, Lovis Corinth,1899, Óleo sobre lienzo.

Entre muchos otros pintores alemanes considerados impresionistas destacan: Lovis Corinth (1858-1925), Max Liebermann (1874-1935), y Max Slevogt (1868-1932).

Mujer con cabras, Max Liebermann,1890, Óleo sobre lienzo.

España

Lapintura española aportó una fuerte contribución al impresionismo francés. La entonación grisácea y terrosa predominante en algunas obras de Velázquez (1599-1660), Murillo (1618-1682), Francisco de Zurbarán (1598-1664) y Francisco de Goya (1746-1828), despertaron gran interés entre los impresionistas franceses, especialmente en Manet, que manifestó una gran admiración por la "Edad dorada" de la pintura española, y visitó España en 1865 una única vez, aunque su admiración por este país es anterior a este viaje, y le llegó a través de un amigo de su padre, el crítico de arte Charles Blanc.

El impacto de la revolución del impresionismo en los pintores españoles no es algo muy claro. Obviamente, se conocían las innovaciones técnicas y estéticas, pero su aplicación no fue ni inmediata ni total. El uso de la pincelada suelta no tiene por qué ser una in uencia impresionista por sí, y estaba presente con anterioridad en la pintura española. El plenairismo en la pintura de paisaje se venía empleando también. Los efectos luminosos y cromáticos son las verdaderas novedades.

No obstante, hay una genérica consideración como "impresionistas" o "pre-impresionistas" de muchos pintores del último tercio del siglo XIX. Muchos de ellos evolucionaron hacia el impresionismo a partir del realismo (denominación también muy problemática). También se utiliza la etiqueta "luminista" (no menos ambigua), especialmente para los pintores valencianos (luminismo valenciano) de entre los que destacan Joaquín Sorolla o Teodoro Andreu. Otros nombres que se suelen asociar al impresionismo español son Darío de Regoyos, Ignacio Pinazo, o Aureliano Beruete. Avanzado el nal del siglo, especialmente en Cataluña, cambian los presupuestos estilísticos de la pintura de vanguardia, que se rede ne como modernismo (modernismo catalán, Santiago Rusiñol, Ramón Casas).

El gallinero, Darío de Regoyos,1912, Óleo sobre tela, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España.

Barco de pesca con proa de farol en la playa de Scheveningen, Jacob Maris,1885, Óleo sobre tela, Rijksmuseum, Ámsterdam, Países Bajos.

Países Bajos

Lapintura neerlandesa del siglo XVII tuvo una gran in uencia en los pintores impresionistas franceses de la Escuela de Barbizon, quienes encontraban en los paisajes de Salomon van Ruysdael (1600-1670), por ejemplo, una concepción de la naturaleza moderna que correspondía a sus propias aspiraciones. Los impresionistas franceses también reconocieron esas cualidades y en la década de los sesenta, los pintores Frans Hals (1585-1666) y Jan Vermeer (1632-1675) despertaron profundo interés de aquellos artistas. En la obra de Hals apreciaban especialmente la pincelada ancha y libre, mientras que en Vermeer admiraban la virtuosa coloración.

Los pintores franceses de la época impresionista conocieron estos pintores, no solo a través de los cuadros expuestos en el Museo del Louvre, sino que también a través de los articulos del crítico de arte francés éophile oré (1824-1869), y a través de numerosos contactos personales. Monet, por ejemplo consideraba al neerlandés Johan Barthold Jongkind (1819-1869) como su maestro más importante, junto a Boudin. En Jongkind se pone de evidencia, en forma muy especial la acción recíproca que se dio entre los pintores neerlandeses y franceses, que resultaron más tarde muy importantes para el impresionismo. En esta línea tuvo importancia, en las décadas de los setenta y ochenta, la llamada Escuela de la Haya.

Mujeres en el mar, Jan Theodorus Toorop, Óleo sobre lienzo.

Hungría

Laautoestima de los húngaros resultó profundamente dañada a raíz del fracaso de su sublevación contra los Habsburgo en 1848-1849. El país, caracterizado por una producción agropecuaria basada en el latifundio, se encontraba signi cativamente retrasado respecto a los países de Europa Occidental. Este hecho ha in uenciado también el desarrollo de las artes en este período. Las principales motivaciones para los artistas húngaros de este período se encontraban la representación de la propia historia nacional, y los festejos en torno a las celebraciones del “milenio” de la conquista del país por parte de los jinetes magiares, y el descubrimiento y valoración de las particularidades de la vida popular y de las particularidades del paisaje.

Mihály Munkácsy (1844-1900) contemporáneo de Monet y Liebermann, adquirió buena reputación internacional en Düsseldorf y en París, donde permaneció entre 1872 y 1896. Su fama se basó en su vigoroso realismo, pero manteniendo simultáneamente una ecaz “pintura de salón”, utilizando una amplia gama de temas que fueron desde las escenas de la alta sociedad y lujosas decoraciones hasta obras en torno a dramas sociales y las cruentas luchas de liberación.

Bosque en Fointainebleau, László Paál,1876, Óleo sobre lienzo, colección privada.

La luz y el color, en las obras de Munkácsy no fueron in uenciadas por la pintura al aire libre, siendo que solamente sus estudios tenían esa frescura e impulsiva espontaneidad.

László Páal (1846-1879), amigo de Munkácsy, vivió sus pocos años creativos en una situación muy difícil en París y Fontainebleau. Después de estudiar en Múnich, fue quien introdujo los principios de la Escuela de Barbizon en la pintura húngara.

Vacas pastando con atardecer rojo, Mihály Munkácsy,1882, Óleo sobre lienzo, Museo de Budapest, Hungría.

Interior de la Casa Tassel donde los barandales se vuelven decoración.

El art nouveau, arte modernista o modernismo fue un movimiento artístico y decorativo internacional, desarrollado entre 1890 y 1914 aproximadamente. El ‘arte nuevo’, como su nombre en francés, se trataba de un estilo original, juvenil y moderno. Abarcó todas las artes, aunque se destacó especialmente en la arquitectura y las artes aplicadas.

Los antecedentes del art nouveau pueden encontrarse en el movimiento inglés Arts & Cra s (‘artes y o cios’), fundado por William Morris en 1861, el cual revalorizaba la artesanía tradicional y naturaleza en contra de la creciente industrialización. El art nouveau también valoró las artes aplicadas y la naturaleza, pero a diferencia del Arts ands Cra s, aprovechó los materiales y técnicas disponibles en la era industrial para crear un estilo moderno.

La importancia de este movimiento reside en que fue el último en abocarse a la observación de la naturaleza y el primero en abrir un vínculo con la era industrial. Gracias a esto, no solo cerró el siglo XIX y abrió el XX, sino que preparó la transición entre dos eras artísticas distintas.

Alfons Mucha. De izquierda a derecha: Los momentos del día, 1899, medidas 103 x 54 cm cada panel. Colección privada.

Alfons Mucha: La natura, 1900, bronce (busto), malaquita (pendiente y tiara), mármol (base), 70 cm (pedestal), 121 cm (base), Museo Fin-de-Siècle, Bruselas.

El arte académico del siglo XIX estaba dominado por el historicismo, particularmente en arquitectura (neoclásico, neorrománico, neogótico, neobizantino, etc.). El art nouveau reaccionó contra eso y propuso un estilo moderno y propio para la época. Procuraba liberarse de la imitación y apostaba por un estilo urbano que se irradiara en todas las artes. De este modo, acompañó los intereses y gustos de la burguesía. De allí surgió un deseo profundo de originalidad y libertad que definió las características del movimiento.

Los artistas del art nouveau se inspiraron en las formas de la naturaleza. No se trataba simplemente de retratar animales o plantas. Los modernistas no imitaban la naturaleza. La observaban, la estudiaban y usaban sus principios formales para buscar nuevas ideas. Por ello, estudiaron los tallos, las raíces, las formaciones rocosas, las osamentas, los caparazones y toda clase de elementos. De allí tomaron las líneas y formas geométricas que le dieron originalidad y belleza al nuevo estilo.

Ya que en la naturaleza la línea recta no existe, el art nouveau adoptó la línea ondulante como rasgo distintivo, tanto en las artes aplicadas como en las conocidas bellas artes. Se manifestó en dos vertientes, frecuentemente superpuestas: una de inspiración vegetal, líneas asimétricas, sinuosas y entramadas, y otra basada en la geometría.

La asimetría fue otro rasgo común en el art nouveau. Esta característica permitía acentuar la sensación de dinamismo y ligereza con la que se interpretaban los tiempos modernos.

Jules Lavirotte: detalle Lavirotte, París

Billete de 100 coronas checoslovacas diseñado por Mucha, con la imagen de la diosa Slavia

El arte modernista se caracterizó también por la variedad y la mezcla de estilos. En lugar de una estética uniforme, favoreció diversas soluciones formales por la in uencia de distintas corrientes estéticas, como el arte japonés, el arte de la India, el simbolismo, etc.

En art nouveau proliferan elementos decorativos u ornamentales, a través de los cuales procuran composiciones muy rítmicas y armoniosas. Los artistas aplicaron la línea en círculos concéntricos y, especialmente, el efecto coup de fouet. Este último consiste en la ondulación de una larga línea que recuerda el golpe de un látigo.

El art nouveau es re nado, lujoso y elegante. Usa materiales caros y procura acabados muy nos y delicados. Asimismo, comparte el mismo gusto por el arte japonés que con otros movimientos contemporáneos, como el simbolismo y el post impresionismo. Todo esto hace del art nouveau un estilo esteticista, donde el disfrute de la belleza es el valor supremo.

Los artistas y diseñadores del art nouveau valoraron las técnicas disponibles en la época industrial. Por ejemplo, la reproducción mecánica, xilografía y cartelismo. Asimismo, aprovecharon los materiales nuevos o le dieron nuevo uso a los ya conocidos. Algunos materiales comunes en el art nouveau fueron el hierro, la cerámica, el vidrio, los cristales, la madera, entre otros.

Jules Lavirotte: detalle del pórtico

ARQUITECTURA ARQUITECTURA Y Y

La arquitectura modernista tuvo como punto de partida el diseño y la ejecución de la casa de Víctor Horta, arquitecto belga que revitalizó el diseño de nales del siglo XIX. La casa destacó por su vitalidad y libertad estética.

Los arquitectos de este período volvieron la atención sobre las formas geométricas presentes en la naturaleza, como las guras hiperboloides, helicoides y paraboloides, entre otras. Por ejemplo, las espirales de un caracol tienen forma helicoide; los huesos de las piernas tienen forma hiperboloide y la hoja de un árbol (o una hojuela de papa frita) tienen forma paraboloide.

Junto a esto, los arquitectos aligeraron los muros y dejaron la herrería al descubierto. Así, se valieron de un uso innovador del hierro. También dieron nuevo uso a otros materiales como el vidrio, la cerámica, la loza y la madera, y reintegraron la

Víctor Horta. Casa Tassel. 1892-1893, Bruselas, Bélgica

Casa Tassel, es la mansión más antigua construida por Horta en 1894. Es la primera obra del mundo que incorpora el Art Nouveau a la arquitectura. Bruselas, Bélgica.

El Art Nouveau destacó particularmente en las artes aplicadas. Se habla de artes aplicadas cuando se imprimen valores artísticos en el diseño y confección de objetos utilitarios. Abarcan disciplinas como la cerámica, el arte del vidrio, la ebanistería, la orfebrería y el diseño grá co (carteles, empaques de productos, tipografías y otros).

Los artistas usaron motivos inspirados en el reino vegetal para embellecer los objetos. Favorecieron también la línea curva sobre la línea recta, aunque siempre a partir del estudio geométrico.

ARTES APLICADAS

ARTES APLICADAS en el Art Nouveau

En el arte modernista, la escultura la mayor parte de las veces estuvo integrada a la arquitectura, ya que esta alianza era la que permitía, justamente, renovar la estética del siglo XIX. En este aspecto, el art nouveau nos recuerda al arte medieval. sus dos capacidades: la apatía y el sobresalto.

Sin embargo, sí hubo expresiones de esculturas modernista exenta (es decir, independiente), a pesar de no haber sido el interés fundamental del movimiento. Al igual que el resto de las artes, se destacó por la línea ondulante y sinuosa, en función de crear un efecto dinámico. También se aprecia la asimetría, el gusto por elementos exóticos, el eclecticismo y la sensualidad.

Emilie Gallé. Jarron de vidrio. 1920.

El árbol de la vida, friso de tres partes sobre paneles de mármol como mosaicos , una técnica en la que la imagen está hecha de muchas pequeñas piezas de cerámica, vidrio, piedra, incluye piedras semipreciosas, perlas y azulejos dorados

París, Navidad de 1894.

En la imprenta, Alphonse Mucha se encontraba corrigiendo unas impresiones cuando de pronto entró en el local una gura vestida de blanco. Alphonse la reconoció de inmediato; no necesitaba presentación: se trataba de la gran actriz Sarah Bernhardt.

A la “Divina Sarah” no le gustaban los carteles promocionales de Gismonda, su última obra teatral, y estaba buscando a un artista que diseñara otros a su gusto. Y al parecer ese artista iba a ser él. Alphonse evidentemente aceptó el encargo, no sin cierto nerviosismo. Pero salió victorioso de ese trance: Mucha diseñó para la actriz un cartel innovador y completamente rompedor que esperaba que fuera del agrado de la diva. Y, en efecto, así fue. Cuando lo vio, Bernhardt quedó absolutamente entusiasmada. El cartel le gustó tanto que contrató al artista para los siguientes seis años. De este modo, Mucha pasaría del anonimato a encargarse del diseño de vestuario y de la escenografía de la compañía de Sarah Bernhardt en un abrir y cerrar de ojos.

Foto coloreada del artista Alphonse Mucha de fecha desconocida.

El 1 de enero de 1895, aquel cartel era ya una preciada pieza de coleccionista que todo el mundo quería tener en su casa. No era extraño ver por la noche a la gente recorrer las calles para arrancarlos de las paredes, e incluso la propia imprenta vendía ejemplares a escondidas, hasta que la diva lo descubrió y puso n al “negocio”.

Cartel publicitario de Alphonse Mucha realizado en 1894 para la obra de teatro “Gismonda”, protagonizada por Sarah Bernhard.

El estilo del artista checo no se parecía en nada al de otro famoso artista de carteles como Toulouse -Lautrec, y el cartel que Mucha hizo para Sarah Bernhardt, pintado en colores pastel, convertía a la actriz en una especie de diosa: la elevaba sobre un pedestal y la disponía bajo un arco. A partir de entonces, la cartelería de Mucha se convertiría en una auténtica obsesión para los parisinos. “Gustó tanto porque era muy fresco visualmente, utilizaba los colores de una manera distinta y alargaba la gura que, además, quedaba digni cada, muy bella”, explica al respecto la artista japonesa Tomoko Sato, conservadora de la Fundación Mucha desde 2007 y especialista en su obra.

Mientras que Mucha retrató a Sarah Bernhardt sobre un pedestal, las mujeres que el artista acostumbra a representar en su obra se caracterizan por la gran femineidad de sus gestos, el cabello suelto, una ropa muy ornamentada, sus sinuosos movimientos en medio de la naturaleza... La especialista en el arte de Mucha Tomoko Sako también cree que el artista checo “rompió las barreras entre el arte comercial y el arte elevado”.

Colaboración de Mucha para el orfebre parisino Georges Fouquet en la pulsera de serpiente brillante.

Muy pronto empresas de todo tipo se rifarían los servicios del gran cartelista, quien diseñó envoltorios para la famosa marca de chocolates Nestlé, carteles publicitarios para la prestigiosa marca de champán Moët-Chandon y también para promocionar la cerveza Bières de la Meuse, originaria de una zona a pocos kilómetros de la Abadía de Orval. Todos ellos, carteles de promoción que se hicieron famosos en toda Europa. Sabedor de la fama que estaba adquiriendo su obra, Mucha publicó un manual en el que plasmó el proceso de creación de setenta y dos de sus litografías.

Pero Mucha no solo pretendía realizar carteles publicitarios. Entre sus numerosos intereses artísticos se encontraba también un tipo de arte muy particular: la joyería. En 1899, Mucha (que en 1898 se había unido a la logia masónica del Gran Oriente de Francia) colaboró con el famoso joyero francés Georges Fouquet para diseñar una pulsera en forma de serpiente, hecha de oro y esmalte, para la actriz Sarah Bernhardt (su pasión por los diseños de joyería quedaría plasmada en un libro que publicó en 1902 titulado Documents decoratifs, en cuyas páginas se sucedían las láminas que reproducían elaborados broches con algunas incrustaciones de piedras de colores).

“Primavera”, cuadro realizado por Alphonse Mucha en 1896.

En 1900, Fouquet hizo un importante encargo a Mucha: le pidió que decorara el interior de la nueva joyería que iba a inaugurar en el número 6 de la rue Royale de la capital francesa. El resultado nal puede considerarse el súmmum de la belleza decorativa del art noveau. Pero la tienda insignia de Fouquet abrió justo cuando las tendencias artísticas y decorativas empezaban a cambiar, por lo que el local al nal fue desmontado tal cual y poco después remodelado en busca de un estilo decorativo más tradicional. Por fortuna la decoración original se conservó y hoy en día puede contemplarse en el Museo Carnavalet de París.

En 1909, en el momento culminante de su carrera, Mucha decidió trasladarse a Praga, y en 1918 fue testigo de cómo su Checoslovaquia natal se convertía en un país independiente.

Mucha se implicaría entonces en el diseño de los primeros billetes y sellos del nuevo país. Pero todo terminaría unos años después, cuando las tropas nazis invadieron Checoslovaquia el 15 de marzo de 1939.

Los vehementes y agresivos discursos de Hitler amenazando a la población convencieron al artista, que creía rmemente que el arte era un vehículo que servía para unir y no para separar, de retomar los pinceles y empezar a pintar un tríptico dedicado a la humanidad, obra que nunca llegó a terminar. Mucha fue detenido por la Gestapo, encarcelado y torturado, aunque nalmente fue puesto en libertad. Pero pocos días después, el 14 de julio de 1939, el gran genio de los carteles moriría de una neumonía.

Fue uno de los artistas más interesantes de la época victoriana en el Reino Unido. El hijo perfecto del n-de-siècle. Muerto a la tierna edad de 25 años, tuvo tiempo de escandalizar, fascinar e in uir en los artistas de la época. Su estilo modernista, mezclado con su humor crítico e incisivo, dio lugar a una obra artística satírica, estética, moderna, hipnótica… maravillosa.

Beardsley destacó pronto como «niño prodigio» en la música y más tarde en otros campos creativos. Tenía pinta de que iba a ser arquitecto, pero las artes plásticas entraron en su vida y todo se fue al garete. Ingresó en la Escuela de arte de Westminster y ahí empezó su aventura. Sus ilustraciones empezaron a tener fama por su estilo innovador. Libros y revistas quisieron ilustrarse con su arte. Por supuesto también ilustró la obra de su amigo Oscar Wilde.

Ilustración del libro erótico Lysistrata, 1896.

Beardsley tenía un estilo modernista, basado en la naturaleza, con formas orgánicas y un gran decorativismo. Salvando las distancias, era un Alfons Mucha más joven y radical. Usó mucho la tinta (blanco y negro) y en su obra se aprecia una gran in uencia del grabado japonés.

Tocó variadas temáticas: religiosa, mitológica, histórica, caricatura…Y en todas ellas hay una carga de erotismo (destaquemos sus escandalosas ilustraciones para Lisístrata y Salomé).

En su vida, era un dandy. Un decadente como Wilde, un excéntrico, un Tristram Shandy. «Sólo tengo un objetivo – lo grotesco. Si no soy grotesco no soy nada», dijo en una ocasión. La tuberculosis, enfermedad de lo más romántica, acabó con él con sólo 25 años de edad.

The Peacock Skirt , 1892. Ilustración para la obra de teatro Salomé de Oscar Wilde.

La Bella Isolda. Dibujo de Aubrey Beardsley Oscar Wilde.

ustav Klimt, fue el más célebre artista austriaco de esos tiempos (la fama de Schiele sería póstuma) y a la vez el más nado, complejo y hermético. Eran años en los que Viena estaba empezando su decadencia como capital artística mundial, pero Klimt brilló por su estilo entre Simbolismo y el Art Nouveau.

Sus obras, cargadas de sensualidad, tienen un estilo pictórico absolutamente ecléctico y cada vez están más cargadas de abstracción y plásticas innovadoras como sus extraños puntos de vista, cortes poco habituales y un valor expresivo de la línea que anuncia el expresionismo

Klim nació en la época dorada del Imperio austrohúngaro (la edad de oro de la seguridad burguesa), que cuidaba ante todo a sus artistas. Se formó en Viena, muy interesada en la promoción de las artes decorativas, y se codeó con artistas, arquitectos y artesanos.

Hygieia. Fragmento de la pintura “Medicina” (pintura de techo para la Universidad de Viena)

Antes de cumplir los 30, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos de Viena pero a nales de siglo entra en la Secesión (el modernismo vienés) muy interesada en todas las disciplinas creativas europeas y muy hostil con el arte académico o cial. Por ello perdería cierta seguridad económica.

Nunca se casó, pero tuvo bastantes hijos (al menos 14). Las mujeres (preferiblemente pelirrojas) eran musas, amantes y catalizadores del simbolismo de Klimt. Símbolos de la vida y de la muerte; amenazantes y seductoras al mismo tiempo (las conocidas como femmes fatales). En este sentido su obra se cali có de «pornográ ca» por su lenguaje abiertamente sexual. Por esa época, por cierto, andaba el Dr. Freud por Viena.

Su pintura es extremadamente ornamental: abunda el oro propio del arte bizantino (era hijo de un grabador de oro), los motivos geométricos y la sensualidad con un exquisito equilibrio entre líneas curvas y rectas.

“Primavera”, cuadro realizado por Alphonse Mucha en 1896.

En su vida privada vestía con sandalias y túnica. Se obsesionaba artísticamente con las mujeres que posaban para él y acabaría teniendo aventuras con muchas de ellas, desde damas de la alta sociedad a prostitutas. Tras su muerte por neumonía hubo 14 demandas de pensiones alimenticias.

Gustav klimt – Klimt Gallery.

Víctor Horta nació el 6 de enero de 1861 en Gante, Bélgica. Tocaba el violín desde muy joven, después de graduarse de la escuela ingresó en el Real Conservatorio de Gante, pero fue desterrado de la disciplina y estudió allí solo durante un año.

Aparentemente, el padre de Víctor se cansó de las acciones de su hijo, como castigo, a la edad de 16 años, fue enviado a trabajar en un sitio de construcción con su tío. Allí, como recordó Víctor más tarde, tuvo una idea. Allí vio de un vistazo toda su vida abierta ante él.

Víctor Horta estudió arquitectura en la Academia de Artes de Gante. En 1878, el arquitecto Víctor Horta estudió en el extranjero en París, pero dos años más tarde regresó a Gante en relación con la muerte de su padre.

En 1881 se trasladó a Bruselas y se matriculó en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde su profesor fue el arquitecto Alphonse Barra, quien Víctor Horta tuvo un gran respeto por su maestro durante toda su vida.

Después de los primeros años de arduo trabajo, fue donde comenzó la carrera de Horta. En 1888, el arquitecto se convirtió en miembro de la logia masónica «Les Amis Philanthropes», en donde conoció a Emile Tassel, quien fue la que le encargó un pequeño «h eldemaotre».

Casa Hotel Slovay. Horta en la casa utiliza materiales como piedra, madera, hierro esto para la decoración de sus paredes.

Después de la nalización de este proyecto, la obra maestra de Art Nouveau «Hotel Tassel» se elevó a su punto máximo de popularidad, fue en el 1893 que el arquitecto Víctor Horta se convirtió en miembro de la logia masónica.

Los años posteriores fueron de mucho trabajo diseño La Casa Solvay, La casa Horta, La casa Frizon, La casa Ortrick, el Palacio de Bellas artes, entre muchas otras más.

Las principales mansiones que fueron diseñadas por el arquitecto belga Víctor Horta fueron catalogadas como Patrimonio de la Humanidad en 2000. Las mansiones incluyen la mansión y la casa Tassel, el arquitecto fue el primero en el mundo en diseñar en estilo Art Nouveau en 1893.

En la época en que las casas pesadas de piedra eran la corriente principal, el estilo Art Nouveau, que utiliza curvas con motivos vegetales, nuevos materiales como vidrio y hierro en ese momento, llamó la atención. El arquitecto Víctor murió el 9 de septiembre de 1947 en Bruselas, Bélgica.

Casa Hotel Slovay. Horta en la casa utiliza materiales como piedra, madera, hierro esto para la decoración de sus paredes.

Antoni Gaudí Cornet fue un arquitecto catalán que ha sido muy reconocido internacionalmente como uno de los expertos más prodigiosos de su disciplina, además de uno de los máximos exponentes del modernismo. Su genialidad excepcionalmente rompedora fue artí ce de un gran lenguaje arquitectónico único, personal e incomparable difícil de etiquetar.

Antoni Gaudí nació el 25 de junio de 1852 en Reus según unas biografías y en Riudoms según otras, una pequeña población cerca de Reus donde su familia veraneaba. Provenía de una familia de caldereros, hecho que le permitió al joven Antoni Gaudí adquirir una especial habilidad para tratar el espacio y el volumen mientras le ayudaba a su padre y a su abuelo en el taller familiar.

Su facilidad a la hora de concebir los espacios y la transformación de materiales prosperó hasta lograr convertirse en el genio de la creación en tres dimensiones las cuales posteriormente demostró ser.

La Casa Vicens el primer gran proyecto de Gaudí. Mantiene la preponderancia de las líneas rectas y limpias.

En el año 1870 se trasladó a Barcelona para cursar sus estudios de arquitectura a la vez que se ocupaba con diversos empleos que le permitían pagarse los estudios. Fue un estudiante irregular, pero que ya manifestaba algunos indicios de genialidad que le abrieron las puertas para poder colaborar con algunos de sus profesores.

Cuando en 1878 culminó sus estudios en la Escuela de Arquitectura, el director, Elies Rogent, declaraba: «No sé si hemos dado el título a un loco o a un genio, el tiempo lo dirá.» Era innegable que las ideas de aquel joven no eran una repetición de lo que se había hecho hasta el momento ni dejarían a nadie indiferente.

En el año 1870 se trasladó a Barcelona para cursar sus estudios de arquitectura a la vez que se ocupaba con diversos empleos que le permitían pagarse los estudios. Fue un estudiante irregular, pero que ya manifestaba algunos indicios de genialidad que le abrieron las puertas para poder colaborar con algunos de sus profesores. Cuando en 1878 culminó sus estudios en la Escuela de Arquitectura, el director, Elies Rogent, declaraba: «No sé si hemos dado el título a un loco o a un genio, el tiempo lo dirá.» Era innegable que las ideas de aquel joven no eran una mera repetición de lo que se había hecho hasta el momento ni dejarían a nadie indiferente.

Una vez obtenido el título, Gaudí se estableció por su cuenta en su despacho de la calle del Call en Barcelona desde donde, con gran entrega, inició el inconfundible legado arquitectónico, gran parte del cual es considerado Patrimonio de la Humanidad.

Pero el encuentro, que resultó de las relaciones de amistad y mecenazgo más productivas de la historia, se produjo a mediados de 1878, cuando la casualidad quiso que el artista y Eusebi Güell, un impulsor de la industria nacional con un acentuado gusto por las artes, cruzaran caminos.

Bodegas Güell, funcionarían en la fabricación de vino de la familia Güell. El diseño, con la inspiración de fortín militar, cuenta con torres, pasillos exteriores y campanario.

Durante su etapa de madurez, las obras maestras se fueron sucediendo las unas a las otras: la Torre Bellesguard, el Park Güell, la restauración de la catedral de Mallorca, la iglesia de la Colonia Güell, la Casa Batlló, La Pedrera y, nalmente, la Sagrada Familia. Curiosamente, el esplendor de la arquitectura gaudiniana coincidió, en una decisión personal del arquitecto, con un progresivo retraimiento de su gura.

Gaudí, que en su juventud había frecuentado teatros, conciertos y tertulias, pasó de parecer un joven dandi con gustos de gourmet a descuidar su aspecto personal, comer con frugalidad y alejarse de la vida social a la vez que se entregaba con más fervor a un sentimiento místico y religioso.

Gaudí murió el 10 de junio de 1926 atropellado por un tranvía mientras se encaminaba, como cada anochecer, hacia la Sagrada Familia desde la iglesia de Sant Felip Neri. Después del golpe, perdió la consciencia y nadie sospechó que aquél anciano indocumentado y de aspecto descuidado era el célebre arquitecto, y fue trasladado al Hospital de la Santa Cruz, donde posteriormente sería reconocido por el cura de la Sagrada Familia. El entierro tuvo lugar dos días después en la Sagrada Familia después de un multitudinario funeral: buena parte de los barceloneses salieron a la calle para dar el último adiós a Gaudí, el gran arquitecto más universal que la ciudad había visto.

El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia es la más importante y reconocida obra de Gaudí. Dedicó más de 10 años de su vida al diseño y la construcción, y aun así permanece inconclusa.

Es muy frecuente el uso del collage dentro de las obras de esta corriente, usando para ello comúnmente, recortes de revistas, periódicos, libros, fotografías, diversas propagandas, etc. Un ejemplo de ello son el collage de Eduardo Paolozzi titulado Bunk. O la obra de Richard Hamilton, titulado, “just what is it that makes today’s homes so di erent, so appealing” siendo esta última una de las obras de referencia de esta corriente artística. Una de las características más notorias es el uso del lenguaje gurativo, en especial mediante el uso de temas en donde se re eje la sociedad de consumo. Es

frecuente tanto en pintura como carteles o anuncios publicitarios, como expresión del arte de la cotidianidad urbana en la que se vive. Ejemplo de ello es la obra de Andy Warhol “32 latas de sopa Cambell”, y las diversas obras en las que con frecuencia se usaban productos y utensilios cotidianos, como revistas, lámparas, planchas, productos de limpieza, herramientas, cigarrillos, comics, o botellas de refresco, así como aparatos como aspiradoras, refrigeradores, automóviles, radios y televisores.

The Velvet Underground, Andy Warhol, 1967.

Queersite green, Andy Warhol.

El color en el Pop Art es fundamental. No se podría entender este estilo sin el uso de colores brillantes, chillones y vivos. El contraste de colores no es sólo una opción, sino más bien una obligación en este estilo. Ahora bien, tanta combinación de color corre el riesgo de salir mal, para ello se propone utilizar un fondo de color neutro para darle el toque de color con los elementos. Recuerda que el objetivo no es llegar a la psicodelia sino crear combinaciones equilibradas. Los colores más utilizados son: rojo, lila, amarillo, verde, fucsia, naranja, rosa y blanco. Este estilo de decoración también permite el uso de formas geométricas.

Todo esto hizo del arte pop un arte provocador, incitante, polémico. Por ejemplo, al cuestionar la idea de originalidad cuestionaban también la a la que se le rendía tributo desde el renacimiento. Cuestionaban asimismo el papel de los críticos, de los historiadores del arte, el concepto de los museos, los criterios de selección, los principios de la museografía... Pero más allá de todo lo que hace interesante al pop art, es evidente que nada surge por generación espontánea, y que, antes de que los artistas pop se formularan este programa estético, generaciones previas fueron creando las condiciones para esta auténtica revuelta de los signos artísticos.

Como no pretendía ser un arte intelectual, el arte pop fue también un movimiento cargado de humor y guiños cómplices al espectador. Lejos de las posturas infatuadas de los grandes teóricos e intelectuales del medio, los artistas pop ironizaban y reían del orden circundante. Quizá era un modo diferente de hacer crítica.

Campbell soup pink, Andy Warhol, 1962.

Cow, Andy Warhol, 1966.

Su propuesta no satisfacía a muchos artistas que comenzaban apenas sus quehaceres artísticos, pero que no comulgaban con la perspectiva impersonal del arte abstracto. Además, éste se encontraba restringido para las elites, en las galerías y lejos de la comunidad ordinaria, hecho que pronto cambiaría con los artistas pop.

En Londres se fundó el Grupo Independiente en 1952 como precursores del arte pop, donde había pintores, escultores, críticos, escritores y arquitectos, entre los fundadores están y . En Londres se fundó el Grupo Independiente en 1952 como precursores del arte pop, donde había pintores, escultores, críticos, escritores y arquitectos, entre los fundadores están Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi. Richard Hamilton es considerado como el primer artista pop con la creación de su obra pop, el collage “Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día sean tan diferentes, tan llamativos”, en 1956, presentado en la exposición “Esto es el mañana”, en la Galería Whitechapel de Londres. Hacia 1961 el arte pop fue presentado formalmente en una exposición múltiple con obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones y Peter Phillips. El término pop art fue acuñado por John McHale en 1954, sin embargo es atribuido al crítico y curador británico Lawrence Alloway, por su ensayo e Art and the Mass Media, donde usó el término “popular mass culture”. Es importante señalar que muchas de las obras de arte pop británicas usaban como referencia elementos extraídos de la cultura popular estadunidense. Ambos grupos de artistas, tanto los estadunidense como los británicos se inspiraron en el impacto que la tecnología moderna y los medios de comunicación de masas tenían sobre la sociedad.

El arte pop no se desarrolló en Estados Unidos hasta la década de los 60, y estando inmersos más profundamente en la cultudel consumo, sus representantes fueron mucho más transgresores e irónicos que los británicos. Podemos decir que y son dos de los principales representantes del pop art temprano estadunidense. Más tarde las pinturas de , y , harían una nueva aportación al arte pop que se a anzaba en Estados Unidos. Y con Roy Lichtenstein el arte pop adquirió un nuevo tinte, pues él incluyó las tiras de cómics en sus obras e hizo un gran uso de la parodia.

Crying Girl, Roy Lichtenstein, 1963.

My Parents, David Hockney, 1977.

La ebre del arte pop se extendió no solo por América, alcanzó Europa, y más tarde también a Asía; se reprodujo principalmente en España, Italia, Bélgica y Japón.

España tuvo prolí cos representantes del arte pop, como , que criticaba el impacto de los medios de comunicación en la sociedad, y despreciaba el modelo de hacer arte preestablecido y academicista.

Entre 1963 y 1981, los artistas y , formaron el Equipo Crónica que creó grandes obras del pop art. Entre ellas destacan , donde usan el cuadro de Las Meninas de Velázquez, contextualizado en una sala ambientada en los 70, con elementos extras como un pato in able, una pelota y otros tipos de cuadros. Por otra parte, en Italia surgió en 1964, de la mano de la en Roma, con artistas como

los líderes del movimiento pop art en Italia fueron notablemente y , quienes se caracterizaron por su fuerte crítica política y social en sus obras.

La Salita, Equipo Crónica, 1967.

El pop art logró una aceptación pública y un éxito comercial mayores que los que ningún otro movimiento artístico moderno, sobre todo por emplear una iconografía familiar en un estilo gurativo. Pese a su popularidad, fue un fenómeno fundamentalmente británico y estadounidense, aunque surgieron tendencias a nes en otros lugares.

Se considera a Richard, siendo el, pintor, grabador, profesor, galerista y escritor como uno de los pioneros del Pop art. Es famoso por sus montajes, que re ejan la cultura y la publicidad contemporáneas. Las pinturas y los grabados de Hamilton exploran distintos aspectos de la cultura popular, así como las relaciones entre las imágenes producidas de espontaneidad y su austeridad, pero se suelen reconocer su ingenio, sus innovaciones técnicas y su alto nivel intelecutal. Hamilton tuvo una gran in uencia sobre muchos pintores británicos, incluido David Hockney.

Putting on de Stijl, Richard Hamilton, 1979.

David ha sido un personaje llamativo y popular desde la década de 1960. Este pintor, dibujante, grabador, fotógrafo y diseñador ya había alcanzado el éxito internacional, y es sin duda el artista británico más famoso de su generación. Se le conoce sobretodo por sus cuadros de piscinas californianas, sus enormes retratos dobles de amigos y sus collages fotográ cos. Las principales características de su obra son un peculiar tratamiento del color y de la luz y su continua batalla contra las convenciones de la perspeciva. Su obra es a menudo autobiográ ca y homoerótica.

Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), David Hockney, 1972.

El pintor Robert Raushcenberg fue una de las guras más in uyentes en el alejamiento de expresionismo abstracto. Se le conoce especialmente por la invención de la combine painting, forma artística que combinaba, a menudo de un modo extravagante, materiales y objetos diversos, como pintura al óleo con imágenes impresas y objetos de consumo tridimensionales.

A partir de la década de 1960 empezó a trabajar solamente en dos dimensiones, creando serigrafías a partir de collages de imágenes de prensa. Aunque de entrada parecían abstractas, vistas de cerca las imágenes se relacionaban entre sí para ilustrar rasgos de la vida moderna.

Buffalo II, Robert Rauschenberg.

El escultor y artista grá co de origen sueco, uno de los artistas más in uyentes y originales de los que trabajan en EE.UU, es famoso por sus esculturas gigantes de comida y sus estructuras blandas de objetos rígidos, como máquinas de escribir. Su obra, a veces caprichosa, a menudo provocativa, tiene in uencias dadaístas y surrealistas. El trabajo de Oldenburg con decorados y vestuario para las artes escénicas despertó su interés por el medio tridimensional. Más tarde, se centró en la creación de proyectos gigantescos para diversas ciudades.

Dropped Cone, 2001, Claes Odenberg.

W

Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. En 1963 inició una carrera cinematográ ca basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), en ocasiones de fuerte contenido sexual y erótico:

. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó

. Arnold Scharzeneger, Andy Warhol

Andy Warhol, Andy Warhol, 1967.

M-Maybe, Roy Lichtenstein, 1965.

La unión entre el pop art y el cómic ha sido una unión natural e inevitable. El pop art nació en los años 60 a partir de imágenes provocativas que atacaban a las clases medias altas de las ciudades, sacando a la luz sus contradicciones más obvias. El cómic era una de las herramientas más útiles para plastas estas escenas. Críticas a la vida rutinaria de los estadounidenses, estereotipos femeninos en anun-

cios publicitarios y dibujos mostrando sin censura escenas cortantes o poco formales. Estereotipos de mujeres explosivas y jóvenes de cabello largo soltando frases publicitarias, viñetas mostrando las peores costumbres de la gente, un cigarro o una mano rascándose partes íntimas. Además se tomaban imágenes de los cómics con algunos cambios con el propósito de mostrarle al mundo su re ejo con ironía. Aunque no todo es crítico sino también los sú-

Hopeless, Roy Lichtenstein, 1963.

osaños60fueron losmejorenestiloPopArt,sino podemos conseguirmueblesoriginalesdela época,sipodemosconseguir reproducciones, son fáciles deencontrarpuesesunestilodedecoraciónmuypopular. Los muebles Pop Art se caracterizan por ser muebles decoloresvivosymuydinámicos,dejandoatrásloscolorespasteldeañosanteriores.

Henry Miller

Cambiamos de año y lo hacemos con un icono del modernismo que seguramente te sonará aunque sólo la hayas visto una vez porque no deja a nadie indiferente… El Marshmallow Sofa (sofá «nube»), diseñado en 1956, fue a la vez precursor del pop-art en el mundo del mobiliario y una de las creaciones más llamativas del arquitecto estadounidense George Nelson. Con esta creación, George Nelson transformó un sofá convencional en un objeto en tres dimensiones gracias al empleo de 18 asientos acolchados de los típicos taburetes de bar americano en distintos colores, de lo que resultó una pieza tan característica y particular que apenas se ha intentado diseñar nada parecido. El sofá Marshmallow se basa en un sencillo bastidor de acero que sujeta los dieciocho cojines independientes, convirtiéndolo en un sofá único en cuando al sistema de construcción se re ere.

Cada cojín está tapizado en un resistente acolchado de vinilo, tela o piel, y sus distintas tonalidades convierten cualquier estancia en un «lugar happy«. Su nombre en inglés emula a las características nubes-golosina por su acolchado tan característico, y a pesar de su apariencia, resulta un sofá tremendamente cómodo. Al Marshmallow sofá se le ha llegado a denominar como de en el sentido de un todo que explota en múltiples partes (en este caso los cojines). Parece ser una adaptación de la representación del átomo en el que los cojines de colores representan las partículas atómicas. Aunque originalmente se le llamó «Marshmallow love seat» el sofá se diseñó tanto para viviendas como o cinas, ya que sus medidas (130×80, con posibilidad de alargarlo al in nito), permitían su uso en ambas ubicaciones. En realidad, hay que decir que con el tiempo se supo que no fue Nelson el creador original, sino uno de los diseñadores de la rma, Irving Harper, ya que en aquella época se solían atribuir los diseños personales al estudio donde se trabajaba, en este caso George Nelson Associates, Inc. Al parecer, un vendedor de una compañía de plásticos Long Island presentó a George Nelson un ejemplo de la habilidad de la compañía para crear discos de espuma. Los al parecer reducidos costes hicieron que Nelson invitara a su diseñador Irving Harper a diseñar una pieza que incorporara los discos, lo que hizo en un n de semana. La fabricación no resultó después ni tan sencilla ni tan barata, convirtiendo este sofá en una pieza de lujo en lugar de un «commodity». No obstante, la rma Herman Miller se atrevió a comercializarla sacándola a la luz en 1956.

Verner Panton

Verner Panton fue una de las guras que más contribuyeron a la evolución del diseño durante los años sesenta y setenta. Además de experimentar con las formas y los colores, se sintió cautivado por las múltiples posibilidades del plástico, un material novedoso por aquel entonces. Su objetivo era crear una silla de una sola pieza que fuera cómoda y que pudiera utilizarse en cualquier sitio. Después de buscar durante años un fabricante, Panton se puso en contacto con Vitra en 1963. Juntos desarrollaron la Panton Chair, que se presentó en 1967. La preproducción de la Panton Chair comenzó en 1967. Causó sensación y recibió numeroUno de los primeros modelos de esta silla forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Actualmente la Panton Chair se considera un clásico del diseño moderno. La versión original, realizada en espuma rígida de poliuretano con acabado satinado, se comercializa bajo el nombre de Panton Chair Classic. En referencia al 50 aniversario de la Panton Chair, Marianne Panton habla de la vida con su marido, de la creación del icono de la silla y de las dos ediciones limitadas Panton Chrome y Panton Glow de 2018.

Eero Aarnio

No hay que confudir la Ball Chair y las copias autorizadas de la misma con la Sphere Chair, que según se indican en la página o cial de Eero Aarnio es una copia no autorizada que podemos distinguir porque el pedestal sobre el que se asienta la esfera es de metal pulido. Si quereis incluirla e vuestra casa podéis encontrar la Ball Chair original en Hive por unos 6500 dolares o bien consultar la lista de distribuidores de España. Si el presupuesto no os llega, siempre podeis adquirir una miniatura de este icono del diseño en la tienda del Vitra Design Museum por 213 euros. También hay disponibles muchísimos diseños basados en la Ball Chair, con precios muy variados, como el que podemos encontrar en Inmod desde 1675 dolares. En Inmod además disponen de una herramienta online para customizar y crear nuestra propia Ball Chair, incluso incluyendo si lo deseamos un sistema de audio.

El diseño de la Ball Chair nació a partir de la rme idea de su diseñador Eero Aarnio, de diseñar una silla para su casa, donde todavía hoy cuenta con la primera silla que se fabricó. Según Eero, diseñarla fue muy fácil, y más aún bautizarla. Tras realizar algunos bocetos el diseño era tan simple que se había convertido en una bola. Un armazón esférico, con el interior tapizado, y al que añadió un teléfono. En 1966 Eero presentó la silla en la Feria de Colonia. De esta manera se dió a conocer un diseño que perduraría en el tiempo marcando un hito en la historia del diseño, así como el reconocimiento de un diseñador que haría historia en el mundo del diseño y la decoración. Con el paso del tiempo, se han hecho algunas reinterpretaciones de la ball chair, como ésta, que convierte el diseño en una burbuja, la Bubble Chair. La Ball Chair es un diseño perfecto para vivir momentos de intimidad, ya que se trata de un espacio privado, dentro del compartido. Podemos colocarla en cualquier estancia, en el salón, en el dormitorio… pero seguro que todos nos la hemos encontrado en espacios comerciales. Tiendas de moda, hoteles, recepciones…