DJ Mag ES #143

Dejamos atrás un año del todo enriquecedor, un 2022 que ha superado con creces todas las expectativas que teníamos de recuperar nuestra ansiada normalidad. Empieza un nuevo año y lo hace con fuerza, ¡y con mucho optimismo! Por ello, todo el equipo de DJ Mag España queremos desearos lo mejor para este 2023.

Para dar el pistoletazo de salida, estamos muy felices de recibir en nuestra portada a una gran artista, DJ, productora y dueña de sello que con el paso de los años ha logrado hacerse un nombre a sí misma por su perseverancia y trabajo duro. Hablamos, ni más ni menos, que de la artista ucraniana Miss Monique.

Recientemente tuvimos el placer de tenerla de invitada en nuestro programa Meet The Artist, pero por entonces habían muchas cosas increíbles que todavía no habían sucedido, como su streaming para la reconocida marca francesa Cercle. En esta nueva charla con Ole, la ucraniana nos cuenta al detalle cómo fue la experiencia en la Biosfera de Montreal, qué nuevas sorpresas nos tiene preparadas en Siona Records, dónde podremos disfrutar su primer showcase, cómo se le presenta este nuevo año 2023, ¡y más!

En clave internacional, os introducimos a Kolter. Muchos de vosotros habréis visto el nombre de Djoko compartiendo cartel con grandes artistas de la escena house y deep actual los últimos cinco años. Probablemente el de Kolter no os será tan familiar, ¡pero estad atentos porque este nuevo año ha habido un giro de 180º en su alias! El productor alemán, a finales del año pasado, renunció al nombre artístico con el que era mundialmente conocido y ha pasado a actuar y a lanzar música únicamente bajo el nombre de Kolter, el aka con el que recientemente publicaba sus tracks con un sonido enfocado al breakbeat. Charlamos con él para que nos cuente más de esta nueva etapa.

Cambiamos de tercio para hablaros en primera persona de dos eventos muy especiales que tuvimos la oportunidad de disfrutar. Por una parte, viajamos hasta Arabia Saudí con motivo de la celebración de MDLBEAST Soundstorm. La capital del país, Riad, se convirtió en adalid cultural con lo que algunos ya consideran el Woodstock de Oriente Medio. Todo ello no solo implicó que los habitantes tuvieran la oportunidad experimentar, al fin, el arte de la música en directo, el baile y la socialización a través de la cultura sino que, además, supuso la posibilidad de compartir ese bien universal con el resto del mundo. Por otra parte, tras entrevistar al artista Bonobo para nuestra edición de diciembre, tuvimos la oportunidad de disfrutar su live en la sala Razzmatazz. El productor de Brighton dejó huella en Barcelona en el tramo final de su Fragments Tour, la culminación de algo que ha estado construyendo durante más de 20 años.

En cuanto a reportajes, nos sumergimos en cómo el pop se convirtió en el sonido del underground, y es que este estilo musical se ha infiltrado en la música de baile como hacía años que no se escuchaba. Pero, ¿por qué ahora? ¿qué significa realmente el pop? ¿forma todo esto parte de un ciclo o está ocurriendo algo nuevo? Encontraréis la respuesta en nuestras páginas este mes.

En nuestra nueva entrega de tendencias nos trasladamos una vez más a Barcelona con motivo de la segunda edición de CLUBS, Art a la pista, un circuito de exposiciones artísticas que tuvo lugar el pasado mes de diciembre y que transformó las pistas de baile de los clubs nocturnos de la ciudad en espacios efímeros de arte. Y como siempre, os traemos las mejores críticas musicales y secciones.

Gracias una vez más, lectores, por seguir confiando en nosotros mes a mes. ¡Todo el equipo de DJ Mag España os deseamos un magnífico año 2023!

PATRICIA PAREJA Directora

DIRECCIÓN

Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es

REDACCIÓN

Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es

Caterina Günther | gunthercaterina@gmail.com Helena Bricio | redaccion@djmag.es

DIRECCIÓN DE ARTE Y MAQUETACIÓN Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es

FOTOGRAFÍA Y VIDEO

Pierre Navy | pierre@allinpress.com

MARKETING Y PUBLICIDAD Carlos Peggo | carlos@allinpress.com

MARKETING INTERNACIONAL

Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es

DIRECCION COMERCIAL Jassi González | jassi@djmag.es

Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es

COLABORADORES

EDICIÓN

Mag España SL Passatge Carsi, 16 08025 - Barcelona (España)

DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

Breves

Autor: REDACCIÓN

CAPRICES FESTIVAL ANUNCIA LA PRIMERA OLA DE ARTISTAS PARA SU VIGÉSIMA EDICIÓN

Caprices Festival es el festival de montaña más emblemático de Europa y celebra su 20ª edición —en dos fines de semana ineludibles— en la impresionante estación suiza de Crans-Montana. Habrá escenarios totalmente nuevos, la sofisticada producción característica del festival, invitados sorpresa, diversión sin fin en los deportes de invierno y música electrónica que abarcará un espectro más amplio que nunca de DJs y actuaciones en directo a lo largo de dos fines de semana, del 7 al 9 y del 14 al 16 de abril. La primera tanda de artistas incluye a Jamie XX, Fatboy Slim, Black Coffee, ARTBAT, DJ Tennis, Who Made Who (live), Adriatique, Monolink (live), Magda, Jeff Mills, Zip, Loco Dice b2b Seth Troxler, Luciano b2b Ricardo Villalobos, Richie Hawtin, Sven Väth, Arapu b2b Gescu, East End Dubs, Janeret, Manda Moor, Raresh, Sonja Moonear y muchos más.

+info & tickets: capricesfestival.com

DEFECTED ANUNCIA SU RESIDENCIA EN IBIZA PARA 2023 EN EDÉN

El reputado sello y promotor de música house Defected se hará cargo de los viernes en el club ibicenco Edén en 2023, como fue el caso este verano pasado. Las noches en el club serán semanales desde el 5 de mayo hasta el 29 de septiembre. Este 2023, Defected cumplirá 22 años organizando fiestas en la isla blanca, donde debutó en 2001. Se espera que el cartel completo se desvele a principios de año. La temporada pasada, Glitterbox —la marca hermana de Defected— también se hizo su lugar en lbiza con una serie de eventos en Hï Ibiza, aunque aún no se ha confirmado si se repetirá en 2023.

+info: djmag.com

SWEDISH HOUSE MAFIA Y THE WEEKND COLABORAN EN LA BANDA SONORA DE ‘AVATAR: THE WAY OF WATER’

Swedish House Mafia y The Weeknd han unido fuerzas para un nuevo single que aparecerá en la banda sonora de Avatar: The Way of Water. El track, titulado ‘Nothing Is Lost (You Give Me Strength)’, ha sido escrita por The Weeknd y producida por el legendario trío de música electrónica, que se ha convertido en colaborador habitual del cantante de ‘Blinding Lights’. La nueva canción se estrenó el 15 de diciembre unas horas antes de que la película dirigida por James Cameron llegara a los cines. Para este single, los artistas han optado por abrir el tema con un enorme coro de voces, respaldado por una batería orquestal y una sutil campana, que evoca imágenes de una gran reunión antes de que el tema dé paso a elegantes sintetizadores y a la encantadora voz de The Weeknd.

+info: edm.com

TOMORROWLAND SE PREPARA PARA UN REGRESO MONUMENTAL A BRASIL EN 2023

Después de seis años, Tomorrowland Brasil regresa tras sus dos ediciones en 2015 y 2016. Aunque solo duró dos años antes de su interrupción, Tomorrowland Brasil sigue arraigado en la historia del festival por ser una edición secundaria icónica y celebrada, agotando las entradas con la misma rapidez que la edición principal en Bélgica. A pesar de haber cancelado cualquier otra edición por motivos económicos, se acaba de desvelar la gran noticia de que Tomorrowland Brasil regresará del 12 al 14 de octubre de 2023 en Itu, São Paulo. El festival volverá al Parque Maeda, donde se celebraron las dos primeras ediciones en las que se congregaron alrededor de 150.000 personas.

+info: weraveyou.com

¡Hola, Ikari! Es un placer saludarte. Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías?

¡El placer es mío! Me definiría como alguien complejo que vive su vida de una manera sencilla. Es una descripción que me gusta porque es extrapolable a mi música. Me centro en un techno con pocos elementos, pero interesantes, siempre busco sonidos que aporten algo nuevo a la experiencia del oyente.

Eres de Barcelona, ¿cómo ves la escena electrónica de la ciudad? ¿Y de España en general?

Parece que cada vez hay más interés por la electrónica y la música de baile, aunque veo la escena en una fase muy temprana. Vemos que los valores que la música electrónica ha promovido —como la hermandad, el respeto, la conexión o la sutileza— se están perdiendo y empezando a no importar. El auge de esta nueva manera de consumo instantáneo ha creado estilos en el techno muy "fast food" que atraen a un espectador inmaduro al club. Ahora que se están llenando las salas, esperemos que los nuevos clubbers se identifiquen con los valores que he mencionado. Aun así, veo que en Barcelona se está empezando a tomar consciencia de un sonido más puro. Igual está pasando en Madrid, en Donosti y en Granada gracias a colectivos de gente joven que vive el género de una manera muy respetuosa y nutritiva.

Ikari

¿Cuáles son tus principales influencias? ¿Cómo llegaste a ellas?

Ahora mismo me siento muy inspirado por los breaks. Por mencionar alguno apuntaría a Nikki Nair, Mr. Bill o todo el ecosistema de Illian Tape. Hay mucha calidad en la producción. En el techno mi principal referente es sin duda el señor Luke Slater. Sabe lo que pide la pista y se lo da.

Eres el cofundador de Praxis, uno de los colectivos con más proyección dentro de la escena techno de nuestro país. ¿Qué te ha hecho decidir emprender este proyecto?

Praxis nació de la necesidad que teníamos mis dos amigos y yo de mostrar nuestra visión de lo que conforma la experiencia de club. Empezó como una ensoñación en la que nos regodeábamos y ahora tenemos el inmenso gusto de estar plasmándolo en la realidad.

En Praxis, además de realizar eventos, contáis con vuestro propio sello discográfico. Paralelamente, hemos visto que fundaste, de forma individual, otro sello llamado Silhouettes. ¿Qué proyección tienes con cada uno de ellos?

PRX, el label de Praxis, nació reforzando nuestra identidad musical y creando sinergias con otros artistas con los que nos identificábamos. Estamos en pleno desarrollo sonoro. Nuestro objetivo siempre ha sido combinar ritmos muy bailables y pisteros con un diseño sonoro de alta calidad. Silhouettes es mi caja de herramientas. Hay momentos en los que me apetece producir algo que puede ser difícil de encajar en algún sello ajeno. Por ello, he creado una pequeña ventana donde mostrar sonidos algo distintos.

Te estás haciendo un hueco dentro de la escena europea apostando por un sonido muy definido. ¿Qué tan importante es para ti la producción respecto a tu faceta como DJ? ¿Podría existir la una sin la otra?

Para mí la música siempre ha sido expresión. Como DJ tienes el poder de transmitir muchas sensaciones, pero hay limitaciones. La producción me chifla porque ahí no hay barreras al sacar todo lo que llevas dentro. Poder jugar con la música a tu manera me parece algo increíble. Los productores son sin duda quienes sostienen la escena techno.

¿Qué podemos esperar de Ikari para 2023?

Como siempre, mucho baile (risas). Se vienen lanzamientos muy potentes y también sonidos más experimentales. Con Praxis esperamos conseguir la experiencia de club que proponemos.

Finalmente, Ikari, pedimos a los invitados de ’60 segundos' que planteen una pregunta al siguiente. La última fue Rin F: “¿Qué es lo más importante a tener en cuenta si quieres ser un DJ con éxito?" Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente...

Sin ser yo ningún ejemplo de éxito, estoy seguro de que la única manera es con amor y paciencia. Al siguiente le preguntaremos: ¿cómo crees que sería tu vida si internet nunca hubiese existido?

Mis Favoritos

James Hype

Serie de TV

¿Mi serie de televisión favorita? Si soy sincero, la verdad es que no veo mucho la televisión, pero tengo mi propio proyecto audiovisual llamado Moving Differently donde muestro la visión más auténtica de lo que es ser un DJ y productor. Así que si estás buscando un nuevo programa para ver, ¡ve a mi canal de Youtube!

Hobby GYM

Mi hobby es ir al gimnasio porque me ayuda a mantener una rutina cuando estoy de gira o de viaje. También me ayuda a mantenerme sano, lo cual es una ventaja (risas).

Música Hip-Hop

Me encanta escuchar Hip-Hop Ignorant. Hay varias listas de reproducción en Spotify que sigo y escucho de vez en cuando, porque la música es muy emotiva y, además, me encanta la cultura que hay detrás.

Arte Gaudí

No estoy seguro de si esto cuenta como arte, pero fui a Barcelona el verano pasado y vi la obra de la Catedral de Gaudí, la Sagrada Familia, y me encantó. Es increíble pensar que ni siquiera esta terminada todavía.

Película Sombras

Una de mis películas favoritas es Sombras. Es una vieja película de los 80 y de tan mala que es, termina siendo divertida, por eso es mi favorita. Trata de un tipo que nació con el poder de manipular sombras y convertirse en ellas, pero la actuación es pésima y en una de las escenas puedes ver literalmente al tipo que hace de "hombre sombra”, me parece divertidísimo.

*Escanea el QR y descubre todas las novedades de James Hype

Off The Record

*Escanea el QR y descubre lo último de Cora Novoa

Cora Novoa

¿Cuál fue tu última mentira y por qué?

Dije a mi família que me era imposible asistir a un plan familiar… En realidad era porque quería estar viciada todo el día a la PlayStation.

Eso que siempre has querido que te preguntaran y jamás te han preguntado…

Nunca me han preguntado por mi época graffitera, o por mi pasión por el crossfit.

¿Tienes alguna manía extraña?

Sí, la desinfección constante de los aparatos electrónicos (incluso antes del covid) y el orden.

¿Cuál es la mejor manera de colarse en un festival?

Comprarte un uniforme de operario del servicio de limpieza y acceder al festival a través del acceso a la zona de backstage. Si cuela…

El momento más embarazoso de tu vida fue...

Estar en una reunión de Zoom y, cuando yo estaba hablando, se cambió la pantalla donde salía yo por otra, ya que esa otra persona se había tirado un pedo y había dejado el micrófono abierto.

FOCUS ON COX MUSIC GROUP

Autor: Sergio Parrado

Si algo se ha caracterizado Chile en las última dos décadas ha sido por exportar talentos al resto del mundo, y uno de ellos es Cris Ocaña. Desde 2021 y en plena pandemia, decide junto a su socio Diego Orrego lanzarse a la piscina para crear Cox Music Group, una academia que ayuda a formar al artista desde su base, ya sea como DJ o como productor musical. Rápidamente se posicionó como uno de los referentes de la enseñanza en el país andino ayudando a cientos de jóvenes a hacer de su pasión su trabajo. Pero CMG no acaba aquí, también son promotora de eventos y cuentan con algunos de los artistas más importantes dentro del panorama internacional, siendo todo un referente en su país. Ahora miran al futuro con optimismo y alegría, pero sobre todo con pasión a esta profesión. Conversamos con Cris y profundizamos de lleno en este interesante proyecto.

DJ MAG MINI TEST

¿Una ciudad? Tamuco

¿Un club? Clubroom

¿Una comida? Frutos rojos ¿Un libro? El Alquimista

¿Una serie? Game Of Thrones

¿Una película? Big Fish

¿Cox Music Group? Amor y respeto

Cox Music Group basa su formación principalmente en la creación de una carrera artística musical con el principal objetivo de formar a DJs y productores musicales en todas sus áreas y estilos. Contamos con las herramientas necesarias para todos aquellos que quieran aprender y perfeccionar técnicas y les ayudamos a desarrollar sus carreras en la escena musical.

DLa escena electrónica en Chile ha crecido mucho en los últimos años, hasta el punto de ser una de las más fuertes del continente. ¿Qué está aportando CMG a este crecimiento? ¿Y qué consideras que estás aportando tú como Cris Ocaña al crecimiento de la escena?

Es importante mencionar que nuestra misión es conocer cual es la conexión con la música que tiene la persona que viene a nuestra academia. Lo que comentábamos antes se logra mediante una entrevista que nos permite recabar la información necesaria para conocer al futuro alumno. Creemos firmemente que el proceso de desarrollo artístico debe ser llevado a cabo de manera personalizada, para que tanto el alumno como el profesor logren llegar a sus mayores potenciales. Por lo tanto, más allá de qué tipos de cursos ofrecemos, lo relevante es el plan de estudio generado para cada estudiante, el cual se desarrolla en base a conclusiones obtenidas en el diagnóstico inicial y los objetivos del alumno. La academia tiene dos grandes áreas de formación: DJ y Producción Musical. Cada una cuenta con programas educativos de iniciación, avanzados y especializados. Este último es realmente interesante, ya que el coaching se desarrolla a medida de cada uno de los alumnos, lo que permite que el plan de formación sea significativo y el logro de objetivos sea eficaz. Es realmente emocionante ver qué podemos aportar, incluso para esos perfiles más complejos, y ver que cada día se superan a sí mismos, lo que nos genera gran satisfacción tanto a docentes como alumnos.

Fundamentalmente, como academia, nuestro aporte real es el ingreso de artistas emergentes a la escena electrónica de nuestro país. Regresan especializados y formados para poder desenvolverse en todas sus áreas, listos y preparados para presentarse de la mejor manera sobre el escenario. Por otra parte, como productora y agencia, también aportamos al crecimiento de la escena trayendo a grandes exponentes de la escena electrónica mundial y entregando una experiencia única e inolvidable para todos los que asisten a nuestros eventos. Personalmente, creo que sin duda representar a Chile en gran parte del mundo, ya sea con mis presentaciones fuera del país o con mi música, la cual suena a diario en muchos países. Además de eso, siempre me he caracterizado por brindar apoyo a los nuevos talentos, no solo chilenos, sino también de otros países, tratando de ser un artista positivo y entregado, sobre y fuera del escenario.

Así es, también tenemos nuestra productora con la cual realizamos eventos con grandes artistas internacionales como Dubfire, Luigi Madonna, Marco Faraone, Lexlay, Gordo, Delaswing o Chus, entre otros. Además, realizamos nuestros propios showcases donde se presentan nuestros alumnos y docentes.

Nuestro plan futuro es seguir formando artistas integrales y llegar a más alumnos. Estamos a punto de abrir una nueva sucursal más amplia donde no solo realizaremos clases de música electrónica, sino que también impartiremos clases de nuevos géneros musicales. El grupo de docentes crecerá para que los alumnos obtengan la mejor formación posible. Continuamos con nuestros showcases, donde participan y tocan todos nuestros alumnos, y se realizan en Clubroom, una de las salas de música electrónica más importantes de Chile. Finalmente y como meta, tenemos presupuestado hacer giras a nivel nacional con nuestra marca y todos nuestros alumnos. Estamos próximos a lanzar el sello discográfico de Cox Music Group donde los alumnos podrán lanzar su música. Como artista espero poder presentarme en nuevos países, festivales y clubes. Ya tengo conversaciones con Norte América, Australia, Costa Rica, Panamá y Europa. Me presentaré por primera vez en un club donde siempre soñé pinchar, Lost Beach en Ecuador, como siempre representando a Chile y Latinoamérica. Musicalmente se vienen releases muy importantes para mi carrera, pero no puedo dar muchos detalles. Espero seguir siendo residente de mi sala favorita de Chile Clubroom, la que me ha apoyado desde el comienzo de mi carrera y donde realizo mis fiestas All The Time, los showcases de Cox y las presentaciones con mi crew Los Bastardos.

«El mundo necesita soñadores y el mundo necesita hacedores. Pero, sobre todo, el mundo necesita soñadores que hacen» Sarah Ban Breathnach. Creo firmemente que los sueños son para cumplirlos y que nada puede detenernos si luchamos por nuestros objetivos. A diario veo jóvenes llenos de sueños y me llena de satisfacción poder apoyarlos en el camino, que no es fácil, pero lo que con esfuerzo se logra, más se valora y perdura en el tiempo. Estamos aquí para dar oportunidades a todos nuestros alumnos y que puedan cumplir sus sueños, no queremos DJs que solo pasan una canción tras otra, queremos que nuestros artistas se hagan parte de la música, que sean una nota musical más de cada track, que sientan, vivan y respiren música

A¿Cuál es el concepto y por qué nace Cox Music Group?

E¿Qué planes futuros podemos esperar de CMG como empresa y de Cris Ocaña como artista?

B¿Qué tipo de cursos nos podemos encontrar dentro de la academia?

FCarta libre para decir y expresar lo que quieras…

CA parte de academia, también hacéis vuestros propios eventos. ¿Qué nos puedes contar sobre esto?

TRACKS

C.I.S.C.O

Afro Medusa 'Pasilda' (Knee Deep Mix) [Armada Music]

Recuerdo como si fuera hoy la primera vez que escuché este tema en un evento en República Dominicana en el 2010. Aún no pinchaba y, de hecho, este track fue una de las principales razones por las que me enamoré de la música electrónica. Es el tema perfecto para describir el sazón latino que llevo por dentro.

Nalin & Kane 'Beachball' (Joris Voorn Remix) [Spinnin’ Records]

Si hay un tema que me inspiró a ser productor y a entender el poder de la música cuando la escuchas con el corazón, este sería ‘Beachball’. Siempre que lo pongo en el público se genera una energía indescriptible y resalta la pasión del que lo escucha. Adoro el sonido de este track, te hace viajar en un ambiente místico y playero.

Guti, Luca Bacchetti 'Loneliness' [Element Music]

Guti ha sido siempre una influencia en mi carrera artística y este tema no puede faltar entre mis favoritos. Tuve la oportunidad de asistir a uno de sus shows en Miami, ¡y fue una noche inolvidable! ‘Loneliness’ es de esos temas que por su piano hipnotizante y percusiones latinas ha sido un éxito en mis sets.

Fresh & Low 'New Life' [West Side Records]

La primera vez que escuché este tema me di cuenta de que para mí la música es vida y no podría vivir sin ella. Tiene unas vocales y un groove exquisito para los amantes del house. Me recuerda a un amigo de Nueva York, Luka Tacon, quien creyó en mí cuando empecé a perseguir mi sueño de ser DJ.

Three Dives 'Greece 2000' [Armada Music]

Creo fielmente que un DJ debe ser versátil y entender que somos curadores de todo tipo de música. Este tema no solo fue una influencia en mi vida personal, sino que significó el comienzo de lo que hoy vivo con pasión. El trance es un género que no suelo escuchar pero para cerrar una noche este tema eleva la energía a un nivel inexplicable.

ESCANEA EL CÓDIGO QR PARA SABER MÁS DE C.I.S.C.O:

ELECTRÓNICA & ROLL

A mediados de los 90, una famosa marca de automóviles desarrolló una campaña publicitaria en torno al acrónimo JASP: “jóvenes aunque sobradamente preparados”. Una manera de alentar y poner en valor a una generación que se iba a comer el mundo. Quizá en estos tiempos utilizar esa palabra queda muy demodé, pero no se me ocurre mejor definición para encajar a Dip Shim. En los últimos compases del mes de diciembre publicó su álbum debut y, como por esas fechas todos los medios están recopilando lo mejor del año, son lanzamientos que pueden quedar injustamente en el olvido. Y eso no va a ocurrir desde estas líneas.

Vamos a situarnos; conocido anteriormente como TheHappyMan&TimeMachine, Dip Shim es un joven DJ y productor madrileño que lleva varios años residiendo en Malmö, trabajando en su propia tienda de discos (Bolero Record Store) y gestionando su sello Malmø Traxx. Desde la ciudad sueca ha desarrollado prácticamente toda su carrera y bajo este nombre lleva varios años investigando las posibilidades de diferentes sonidos con una personalidad cruda y con cierto regusto por texturas lo-fi.

Gated fue el sello londinense que apostó por él en 2020 firmando una referencia en la que hacía gala de una grata variedad estilística en la que encontrábamos un techno estimulante en el que convergen una interesante exploración de un electro a medio tiempo, un buen gancho en el uso de líneas ácidas y momentos escapistas entre lo ambiental y la música abstracta. El secreto de su talento es la creatividad con la que exprime las máquinas analógicas clásicas que utiliza. Es eso mismo lo que dota de fuerza y garra a su sonido con hechuras atemporales en las que encontramos un espíritu cálido con un reconfortante tratamiento sonoro.

NATURALIDAD

El meollo del asunto es Enter The Maragrillo, un doble LP que ha visto la luz en Gated donde Dip Shim profundiza en su pasado en lo que resulta su trabajo más personal hasta la fecha, ya que desde las frías tierras escandinavas le entra morriña de su infancia en España. Para ello entrega un total de 12 cortes en los que juega

con diferentes influencias creando un discurso mutante en cuanto estilo. House, techno, electro, downtempo y ambient se entremezclan y se dan la mano en un ejercicio lleno de clase buscando un sonido atemporal.

Dip Shim investiga y profundiza a la hora de crear música con un pie en el pasado pero abrigada con un manto futurista que se detecta desde el primer beat. Una introducción con un acid house celestial en ‘Enter The Maragrillo’ que se recrudece en ‘Dalaplan Jam’ o ‘Bubble Gate’ para llevar a los límites más gamberros del electro como hace en ‘BDP Fast Life’ o ‘Tusso Arcade Force’, hasta mostrar su lado más suave y pausado en ‘One For Regen’ o ‘Perreo Undancee’, e incluso abrazar el ambient sin pudor en ‘Bases Didácticas’ demostrando que es capaz de componer piezas de fuerte carácter meditativo.

Puede percibirse como un disco muy ecléctico pero se siente como una obra novel que exhala naturalidad de manera muy orgánica. Una carta de presentación muy seria y sólida de un joven que, efectivamente, está sobradamente preparado.

Autor: SERGIO BIFEIS

JASP

PASTA DE CURRY VERDE

INGREDIENTES PARA LA PASTA DE CURRY VERDE

› 4 dientes de ajo

› Un trozo de jengibre del tamaño de un pulgar

› 2 tallos de hierba limón (la parte blanda interior picada en trozos grandes)

› 4 guindillas verdes tailandesas (sin semillas para que sean menos picantes)

› 1 cucharadita de cilantro molido

› ½ cucharadita de comino molido

› 2 chalotas medianas

› ¼ cucharadita de pimienta negra molida

› Tallos de cilantro de un manojo grande (utilice las hojas para servir)

› 1 cucharadita de sal

INGREDIENTES PARA EL CURRY

› 4 dientes de ajo

› Un trozo de jengibre del tamaño de un pulgar

› 2 tallos de hierba limón (la parte blanda interior picada en trozos grandes)

› 4 guindillas verdes tailandesas (sin semillas para que sean menos picantes)

› 1 cucharadita de cilantro molido

› ½ cucharadita de comino molido

› 2 chalotas medianas

› ¼ cucharadita de pimienta negra molida

› Tallos de cilantro de un manojo grande (utilice las hojas para servir)

› 1 cucharadita de sal

• Mezclar todos los ingredientes en una batidora hasta obtener una salsa cremosa con una consistencia bastante espesa.

• Calienta el aceite en una sartén y vierte la pasta de curry durante unos diez minutos, luego vierte la leche de coco hasta que todos los ingredientes se hayan mezclado bien.

• Añade las hojas de lima y el agua de caldo hasta obtener una consistencia más aguada.

• Cuécelo todo a fuego lento mientras añades las verduras en función de su tiempo de cocción completo (normalmente las añadimos con poco tiempo de diferencia, para tener algunas blandas y otras un poco crujientes).

• Finalmente échalo en un bol, sirve el arroz jazmín aparte y añádelo al gusto. ¡Que aproveche!

Tiempo 50’ Nivel de dificultad Sencillo Precio Barato

ESCANEA EL QR Y SIGUE A AUDIOFLY

Andre Buljat

¿Qué canción te recuerda a tu infancia?

Robin

S - Show Me Love

Este disco sonaba en todos los lados y siempre lo bailaba cuando salía desde muy joven. Siempre me divierto cuando lo escucho, además de tener muchos recuerdos con mis amigos atados a esta canción.

¿Cuál fue el primer disco que compraste?

Nas - It Was Written

Fue el primer disco que salí a comprar a una tienda. Recuerdo perfectamente dónde y cuándo fue. Escuchaba mucho Hip Hop y Rap desde muy joven ya que vivía en República Dominicana desde los 8 años y allí hay mucha influencia americana.

¿Cuál es el disco más cursi de tu colección?

The Cure - Wish

Es un álbum que no me canso de escuchar. Aún me hace volar como el primer día que lo escuche.

¿Qué canción garantiza hacerte llorar?

Portable - Surrender

Es un disco que me ha tocado bastante y siempre que lo escucho me emociono. Solo tengo buenos recuerdos con esta canción…

¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio?

Ricardo Villalobos - Easy Lee

Cada vez que pongo este disco en el momento indicado tiene una magia muy especial aunque sea muy sencillo. Es uno de los temas que mas he tocado en mi vida y estará en mi playlist los próximos diez años sin duda.

¿Algún disco que estés escuchando?

Robert James - Battle of the planets

Este disco es de un amigo de UK y la verdad es que es bastante variado, me parecen todos los temas muy interesantes.

¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos?

Mathew Jonson - Marionette

Mathew Johnson es mi artista favorito de todos los tiempos, todo lo que hace es muy especial y original. Esta canción suya, llamada Marionette, la escuche la primera vez a las 8 de la mañana en un club en Alemania y lo que paso y sentí allí no se me va olvidar nunca… ¡Por eso es mi disco favorito de todos los tiempos!

Autor: PATRICIA PAREJA

*Escanea el código qr y descubre más de Andre Buljat

MONITORES ACTIVOS | VM SERIES

VM-50,

RECREA EL SONIDO ESTILO CLUB

Amplificadores Clase D, conos del woofer de fibra de aramida, Vortex Bass Accelerators y bocinas de directividad constante, crean un audio claro con bajos de ataque rápido. Suena tan real que se siente como si pudieras tocarlos.

AJUSTA EL SONIDO CON CONTROL DSP

La configuración intuitiva de DSP te permite ajustar la salida para encontrar el sonido ideal para la habitación o sala en la que estás trabajando, independientemente de su forma, tamaño y construcción. Puedes mover los botones giratorios Low EQ y High EQ en 4 posiciones diferentes cada uno, lo que te ofrece 16 configuraciones de EQ posibles.

DISEÑO PROFESIONAL ACTUAL

El nuevo diseño del deflector frontal hexagonal de aluminio aporta una estética desenfadada a los altavoces de la serie VM para que luzcan como en casa junto a otros equipos Pioneer DJ. El VM-50 también está disponible en blanco.

GAWDAT

Escanea el QR y descubre lo último de Gawdat

Le preguntamos a Gawdat qué hace especial a su hogar...

ZigZag es un local que ocupa un lugar especial en nuestros corazones. Es el único after del centro más antiguo de El Cairo, en él nos sentíamos como en casa, siempre había un ambiente muy íntimo y acogedor. A medida que crecimos y empezamos nuestra carrera como DJs, fue un lugar que nos acogió como ningún otro hasta la madrugada. Todos los miembros de nuestra comunidad tienen recuerdos especiales, cuando íbamos parecía una gran reunión en la que todos compartían el mismo amor por la música. Sabíamos que en ZigZag la diversión estaba garantizada.

¡Donde ocurre toda la magia y lo que llamamos nuestro segundo hogar! El lugar donde realmente perdemos la noción del tiempo y convertimos nuestros pensamientos y sentimientos en ritmo y música. Es nuestro pedacito de paraíso, es como el patio de recreo de un niño al que siempre mimamos y queremos comprarle cosas nuevas. No es solo un estudio donde producimos música, sino también donde escuchamos y descubrimos otra nueva, hacemos nuestros propios mashups y probamos mezclas en directo.

Visitar las pirámides y pasar tiempo allí nos fascina. La energía, la historia y las exposiciones de arte que se han abierto a su alrededor no dejan de sorprendernos. Seguimos asombrados cada vez que vamos, siempre nos sentimos muy conectados e inspirados por nuestras raíces. Es algo de lo que estamos muy orgullosos y donde siempre querremos llevar a nuestros amigos extranjeros cuando vengan de visita. Hay mucho que hacer en Egipto, muchos monumentos y joyas ocultas… ¡pero esta es una de las siete maravillas del mundo!

Andrea ha formado parte de nuestra infancia desde que tenemos uso de razón. Es un lugar al que todas las familias de Egipto solían llevar a sus hijos. Su comida egipcia y su autenticidad nos hace la boca agua. El ambiente, las impresionantes vistas de las pirámides y el servicio son fascinantes. Muchas personas de todas las edades guardan cálidos recuerdos en este lugar, ya sea horneando el pan fresco, dando de comer a los patos o montando en burro. Es un lugar del que ni los egipcios ni los turistas se cansan nunca.

ZigZag

Andrea

Estudio

Pirámides

Santos García

LA VOZ DE LA INDUSTRIA

Autora: PATRICIA PAREJA CASALÍ

El pasado año 2022 fue un soplo de aire fresco para gran parte de la industria: volvimos a vibrar y bailar en la pista de baile, a viajar para asistir a festivales y megaeventos a lo largo y ancho del globo, a disfrutar de nuestros artistas favoritos en directo,… En consecuencia, muchas marcas crecieron vertiginosamente y, además, se crearon otras nuevas.

Este mes en DJ Mag España queremos acercaros a una de esas marcas que ha aterrizado recientemente en el panorama electrónico y cuyo éxito no se ha hecho esperar, logrando crecer muy rápido en muy poco tiempo.

En esta nueva entrega de La Voz de la Industria hablamos con Santi García, propietario de la marca junto a otro socio y cuya función es dirigir parte del equipo y, en sesión, dirigir la sala o la fiesta en sí. “Ha sido increíble ver la rapidez con la que ha crecido Frequency dentro del panorama actual”, nos cuenta Santi. Él, además, es DJ de electrónica y dueño de la sala donde dicha marca ha vivido su rápido ascenso.

FREQUENCY

¿Cómo nació Frequency y a de dónde surge su nombre?

Frequency nació a raíz de la falta de oferta en programación electrónica en la provincia de Tarragona. Queríamos ofrecer una fiesta donde pudiésemos crear una comunidad y de ahí mismo nació el nombre. Frequency quiere referirse al afán de “sintonizar la misma frecuencia para adentrarte en la comunidad”. De ahí surgió también nuestro eslogan: change your frequency, tune the movement (cambia tu frecuencia, sintoniza el movimiento).

Háblanos de los inicios de la marca y de los desafíos que conlleva iniciar una marca nueva y darla a conocer.

Lo cierto es que nos ha allanado mucho el camino el hecho de trabajar en una sala con buenas instalaciones y con una personalidad propia. Como toda marca que empieza, uno de los principales trabajos al inicio es conseguir un buen equipo humano. A partir de ahí, nos pusimos manos a la obra y la principal estrategia de promoción de la marca fue traer a los mejores artistas del momento a nivel internacional y apostar por los artistas locales de la zona de Tarragona.

¿Cómo es el equipo que hace posible Frequency? ¿Cómo de importante es para el correcto desarrollo de la marca?

Somos un equipo joven y, en general, apasionados de la noche. Esto lo hace todo más fácil ya que si te dedicas a algo que te gusta sin duda te involucras mucho más. Me alegra poder decir que hay muy buena comunicación entre todo el equipo y nos lo pasamos muy bien. Creo que eso es lo más importante.

¿Cómo empezaste en el mundo de la música?

Desde que tengo uso de razón la música ha estado presente en mi vida a diario y, además, llevo bastantes años muy vinculado al ocio nocturno. Todo ello fue un buen cocktail para empezar mi carrera de artista bajo el nombre Santos García. Como todos, empecé pinchando en pequeños locales, subiendo poco a poco hasta el día de hoy. Actualmente estoy trabajando por todo el país y también en el extranjero.

¿Cómo es el proceso de booking en una fiesta como Frequency?

Se cierra todo con meses de antelación: nos juntamos todo el equipo de booking y marketing, hacemos un listado de artistas que creemos que pueden funcionar y, a raíz de ahí, el booking agent de Frequency se encarga de contactar con las distintas agencias. Una vez cerrada la negociación, la agencia nos pasa los riders de los artistas y conforme se acerca la fecha se prepara todo lo que el artista solicita para actuar (vuelos, hoteles, equipamiento de cabina, etc). Siempre intentamos ir un poco más allá y hacer que el artista se sienta como en casa.

Frequency tiene su fiesta en la Costa, en Tarragona. ¿Qué me puedes contar de la sala?

Es una sala situada en Coma-Ruga (Tarragona) con esencia ibicenca que recuerda a la mítica y desaparecida Atlántida de Sitges. Cuenta con dos salas: una exterior (la main room) y una interior más pequeña, la cual llamamos Dark Room y solemos cederla a colectivos. Está equipada con sonido L-Acoustics y Cerwin Vega, este es uno de los puntos más fuertes de la sala: el sonido. Consta de distintos espacios bien diferenciados: VIP backstage, VIP terraza y la pista de baile. Otro de los puntos fuertes es que dispone de 5.000 m2 de parking privado para los clientes.

¿Cómo ha sido la primera temporada de Frequency en la Costa? ¿Qué desafíos y beneficios ha conllevado?

No ha sido nada fácil ya que Tarragona tenía muy abandonada la escena electrónica y, cuando los habitantes querían ver a un gran artista, se tenían que ir hasta Barcelona. Ha sido un arduo trabajo concienciar a la gente de que en Coma-Ruga apostábamos fuerte por estos estilos trayendo a artistas de máximo nivel. El desafío principal ha sido conseguir que la gente empezara a ser consciente de que ya no necesitan ir a Barcelona para disfrutar de los mejores artistas del momento.

¿Cómo ha sido su programación hasta la fecha?

Espectacular y única en toda la zona de Tarragona. Hemos logrado traer a artistas de la talla de Andrea Oliva, Marco Faraone, Andres Campo, Ben Sterling, Rafa Barrios, Rendher, Hector Couto, Fatima Hajji, Reelow, Viviana Casanova o Matthias Tanzmann entre otros.

Y, ¿cómo se presenta la programación de 2023?

Seguiremos la misma línea que hemos trazado hasta ahora trayendo a los mejores artistas europeos de la escena tech-house y, a su vez, apostaremos también por la escena más “dark” y “cañera”… ¡está pegando muy fuerte! Como fiesta electrónica, apostamos por la música electrónica sin encasillarnos en un estilo concreto y, cómo no, también dando oportunidad a los artista locales. Hay que cuidar a los artistas de casa.

¿Hay planes de futuro de llevar la marca a otros clubes/ciudades?

Sí, es uno de los objetivos para este 2023. Estamos negociando con clubs tanto españoles como extranjeros y por ahora podemos confirmar que ya hay cerrada una fecha fuera de España.

¿Cuál dirías que es el secreto del éxito para lograr que una marca logre coger fuerza y sea conocida más allá de su lugar de nacimiento?

Sin duda alguna, el equipo humano que hay detrás: desde el departamento de marketing hasta el departamento de booking pasando por los trabajadores de sala, los artistas locales, los relaciones públicas, el trabajo de promoción en redes sociales,… Todos ellos/ as, han aportado y siguen aportando su granito de arena en este proyecto y es una de las cosas que más valoro. Sin un buen equipo, no hay marca que funcione.

¿Qué otros planes tiene Frequency para 2023?

A parte de la expansión como marca fuera de nuestro territorio, no dejaremos de lado el lugar de donde venimos y seguiremos haciendo crecer la marca en la zona de Tarragona.

¿Qué otros proyectos en los que estás involucrado quieres destacar?

Personalmente estoy totalmente enfocado en seguir creciendo como Santos García dentro de la escena electrónica. Para ello, uno de los principales planes de futuro es la creación de un sello discográfico propio que abra las puertas a colaboraciones con artistas señalados de la industria.

TENDE

CLUBS, ART A LA PISTA.

Autora: HELENA BRICIO

Cada noche, en cientos de ciudades, los clubs se convierten en hospedaje de almas, de ideas, de conversaciones, de risas y de llantos. Son una caja de pandora de emociones y sensaciones que, mediante un gesto cómplice del personal de seguridad, un trueque monetario a la entrada, o una entrada furtiva, se abren para dejar salir (o entrar) el lado más visceral e intenso del ser humano.

El pasado fin de semana del 17 y el 18 de diciembre se celebró la segunda edición de CLUBS, Art a la pista, un circuito de exposiciones artísticas que transforma las pistas de baile de los clubs nocturnos de Barcelona en espacios efímeros de arte.

El proyecto nació del anhelo y la nostalgia por las pistas de baile en 2021, después de meses de cuarentena y confinamiento y, como novedad para algunas salas, el programa se abrió a todos los públicos. Los clubes abrían sus puertas al arte en un horario no habitual dejando que el público ocupase de un espacio que normalmente está reservado al ocio nocturno y a la música en directo.

La oferta cultural de Barcelona se ampliaba con una mirada que atraviesa el sonido y pone su foco en el panorama artístico internacional con una propuesta desacostumbrada a las pistas de baile que permite generar nuevas sinergias entre artistas, galerías, museos, fundaciones públicas y privadas y otras instituciones. Este año, la segunda edición del circuito de exposiciones CLUBS, Art a la pista tenía el objetivo de acercar la cultura de club a toda la ciudadanía y reivindicar los espacios de ocio nocturno como lugares de conocimiento, experimentación y creación artística.

CLUBS, Art a la pista está organizado por ASACC con el apoyo especial del Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC) y la colaboración de Districte Cultural del Hospitalet de Llobregat, MACBA (Museu d'Art Contemporani de Barcelona), Blueprojects Foundation, The Fish And Chips Shop y Pas Une Orange.

La nueva edición de CLUBS se centró en el distrito de Ciutat Vella de Barcelona y contó con la participación de Freedonia (con dos espacios), Meteoro, Sala Apolo (con sus tres espacios) y Sidecar (con dos espacios), expandiéndose a L’Hospitalet de Llobregat con El Pumarejo y Sala Salamandra, abriendo en un horario especial diurno para acoger las propuestas artísticas del circuito. Joana Roda, directora de la galería Bombon Projects, y Dessislava Pirinchieva, comisaria y gestora cultural, han sido las impulsoras del proyecto este año, con una curada selección de obras de arte audiovisual contemporáneo y videoarte, así como performances de danza y música, entre otras disciplinas artísticas, todas ellas relacionadas con la cultura de club.

Del lado de las videocreaciones contemporáneas, el proyecto contó con la doble proyección audiovisual “The Buzz Club, Liverpool, England / Mysteryworld, Zaandam, NL 1996-97”, de la fotógrafa neerlandesa Rineke Dijksta; con “Favorite Positions”, de la artista multidisciplinar argentina Cecilia Bengolea, que se presenta como una serie de vídeos de esculturas animadas que sugieren un cuerpo sin límites; el vídeo “Wish You a Lovely Sunday” del artista surcoreano Young-jun Tak; y la obra en stop motion “Weirdo’s Brain” de la video artista alemana Bianca Kennedy, así como con el colectivo berlinés Conglomerate TV. La autorrepresentación y la escritura del “yo” en la era de las redes

NCIAS

sociales fue otra de las temáticas que se exploraron en esta edición de CLUBS con la obra “Never Again” de la joven artista francesa Aïda Bruyere (Dakar, 1995).

Se reservó un espacio al talento nacional con la práctica artística basada en lo lúdico como herramienta de investigación sobre los códigos y las formas de comunicación e interacción de Anna-Irina Russell (Barcelona, 1993). La artista barcelonesa presentó una pieza creada específicamente para la edición de 2022, una instalación vinculada a los flujos humanos y a la respiración. Por otro lado, la instalación visual y sonora “No mireu fixament”, formada por tres videoproyecciones que permiten al espectador acercarse o alejarse tanto como quiera de la luz del artista Jordi Mitjà (Figueres, 1970) también formó parte de la programación de este año, así como las intersecciones entre de la pintura y el vídeo experimental de la mano del artista visual Álex Marco (Valencia, 1986) con su obra “Sidechain”.

CLUBS, Art a la pista contó además con una serie de obras centradas en la performance y la danza, como la pieza “THE LESSON” de la multipremiada de la compañía barcelonesa laSADCUM; la última creación del bailarín y coreógrafo Pol Jiménez; una pieza de la coreógrafa y dramaturga María Jurado; la instalación activada mediante una performance de Noela Covelo y las performances de Laura Ramirez y Andrea Zavala; y la pieza de Anne-Lise Coste, “El amor será nuestra venganza”, la única pieza física de CLUBS.

Como no podía ser de otra forma, el ciclo culminó en la sala Sidecar con la música de Jokko Collective y la selectora de origen guineano-español Miriam Camara, quienes se encargaron de traer la música electrónica del continente africano mediante una sesión experimental con sonidos que van del techno al tarraxo para reivindicar las raíces afro de estos géneros.

Escanea el QR y descubre más acerca de clubs

ANNA TUR

El proceso creativo a la hora de producir un track es muy personal. Va muy ligado a la personalidad del autor, al igual que pasa en la vida; hay personas matemáticas y cuadriculadas, y otros perfiles son más creativos y voladores. Este segundo es mi caso.

Pienso que la clave del éxito de un trabajo, sea cual sea, es transmitir y con ese sentimiento conseguir generar emociones y estímulos.

A la hora de crear no sigo una pauta concreta. Cada momento y situación es única, por lo que creo que ese momento más sensible y enérgico es el ideal para ponerse a crear.

Producir música era uno de mis retos pendientes como artista. Siempre he dicho y he recalcado que mi figura era la de puro DJ; entretener y desarrollar sesiones con la música que seleccionaba de terceros. El momento de Covid-19 ha sido clave para poder iniciarme en este bonito mundo de la producción, ya que he dispuesto del tiempo necesario que requiere aprender a producir.

También Lowlita ha sido una motivación extra ya que, en especial, Hosse ha sido mi media naranja para poder hacer realidad este sueño de producir. También Gonçalo, que ha sido mi máximo impulsor.

De hecho, el label se estrenó con un trabajo conjunto compuesto de dos tracks; ‘KAP Evenings’ y ‘Caught In The Club’, que tuvieron ambos una brutal aceptación. Para ello tenemos un pequeño estudio en el centro de Ibiza donde creamos y también grabo mi podcast semanal ON AIR.

A la hora de producir trabajo con dos sofwares, Studio One y Ableton Live. La idea siempre se inicia con una melodía principal, busco emoción a través de syntecs —que son la parte dominante— y a partir de allí, se desarrolla todo el track. Dependiendo de su tonalidad, lo llevo a un conjunto melódico o lo conduzco al extremo más techno.

El BOM que más me gusta trabajar ronda los 129-130 BPM. Sonidos más rápidos pero no ruidosos.

No me gusta el ruido y los martillazos en la música. Busco siempre la sutileza y elegancia, ya sea más progressive o más techno. Para mí lo importante es crear para poderlo pinchar en mis actuaciones, ese es siempre el principal objetivo.

La clave de un buen resultado es la mezcla, no menos importante que el master. Para ello acudo al Métrica, donde Javi Ferrer y su equipo disponen de los mejores estudios en Ibiza.

Creo que es una aventura que solo acaba de empezar y en 2023 mi objetivo es colocar mis producciones en las listas ‘top’ en ventas digitales y también, cómo no, algunas colaboraciones con artistas como Metodi Hristo con quien ya he empezado a trabajar.

*Escanea el QR y descubre más de Anna Tur

Fotografía Anna Tur: Mario Pinta

AÑO 2023

Toc, Toc, ¿ya es el futuro? ¡Sí!, 2023. El año en el que los coches iban a volar, la exploración espacial y la robótica iban a ofrecernos nuevas soluciones para el futuro y la IA gestionaría los diferentes metaversos, que serían nuestros principales espacios sociales. Pero oye, si miramos a nuestro alrededor, ¡ya están aquí! Nada más que hay que ver el nuevo modelo de transporte personal Jetson One de la compañía sueca, la impresionante evolución de los robots fabricados por Boston Dynamics o los nuevos espacios virtuales o meta-versos desarrollados por compañías como Decentraland con su Metaverse Festival, un lugar social virtual donde ya se encuentran e interactuan grandes artistas de la electrónica nacional e internacional.

Así que, ¡bienvenido 2023!

El terapista y músico de Guadalajara vuelve a sorprenderme con este nuevo e interesante EP de cuatro originales titulado Iatromantis. Tracks cuyos tempos no superan los 110 BPMS repletos de elementos sintéticos y naturales que Emesh va impregnando a lo largo de todo el disco. Iatromantis deriva de la palabra griega ιατρομάντης, que significa vidente-médico u hombre medicina. Siendo estos como una especie de chamán entre los griegos y ligados a algunos personajes semi-míticos como Epiménides. Emesh es nuestro chamán, el cual viene a curarnos con su medicina Iatromantis.

TRACKLIST

EMESH - IATROMANTIS

Antonio Muñoz nos vuelve a deleitar con su slow futurista psycodélico Sendero Records

EMESH 'Behirut'

EMESH 'Gan'

EMESH 'Kadimi'

EMESH 'Rikudim'

(GAMEBOYZ, LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

SOCIETY ON MARS & FURIA & DAWNS FROM TOMORROW, ONE DAY

Un trío de ases del melodic techno XTR Records

El DJ y productor madrileño Furia vuelve a lanzar un nuevo single junto al vocalista Society on Mars y Dawns From Tomorrow, dos jóvenes productores del techno melódico con una proyección interesante. Editan este One Day en XTR Records, la etiqueta de Furia, y desde aquí os animo a descubrir las vibraciones de este One Day, cuyos breaks y pianos, melodías y armonías te evocarán a tus momentos más especiales y personales. Enfoca tu cámara en la imagen QR y descúbrelo en exclusiva.

VÁNA VIVACIOUS – SUNRISE

Amberes representando el sonido rave Dark Distorted Signals

Vána Vivacious es la responsable de la referencia número 37 de Dark Distorted Signals. Una fusión interesante del sonido techno clásico con elementos provenientes de la escena rave más actual de bélgica. El EP incluye el remix producido por la colaboración entre Ordin Air y Pakrac, dos usuales de la etiqueta. Teniendo en cuenta que Vána me ha chivado que ya está preparando la siguiente referencia, solo puedo decir que la espero con los brazos abiertos y las orejas bien dispuestas.

TRACKLIST

01. VÁNA VIVACIOUS 'Sunrise (Original Mix)'

02. VÁNA VIVACIOUS 'Sunrise (Ordin Air & Pakrac Remix)'

ROEL BUTZEN & VÁNA VIVACIOUS

Antwerp: la fábrica de productores de techno belga Dark Distorted Signals

Dos nuevos artistas de Dark Distorted Signals se reúnen conmigo para hacerles tres preguntas acerca de su relación con la etiqueta discográfica de techno belga. Ellos son Roel Butzen y Vána Vivacious.

Willem Voet continúa con sus enormes labores como A&R rescatando y descubriendo a viejas y nuevas propuestas musicales del género más genuino de Amberes, el techno.

¡Hola chic@s! Contadnos, ¿cómo os presentaríais? ¿cuándo empezasteis a producir?

Roel: Hola Kali, mi nombre es Roel Butzen y fue en los noventa cuando comencé a hacer música house. Mi primer disco, Violent Wake Up, fue editado en Atom Records, un subsello de USA Import en Amberes. Este lanzamiento fue un éxito instantáneo en la escena ‘dance’ de aquel entonces. Posteriormente hice discos para Bonzai Records, Noom Records, Blanco y Negro, Fog Area, etc. Y ahora estoy preparando un EP nuevo para DDS, The Fullest Life EP.

Vána: ¡Hola Kali! Yo me dedicaba a trabajar en musicales, sobre todo a cantar, pero como era muy tímida sufría mucho estrés y dejé de hacerlo. Años después comencé a pinchar y poco después a producir. Mi primer lanzamiento ha sido en DDS.

¿Cómo descubristeis Dark Distorted Signals?

Roel: Willem es amigo mío desde hace mucho tiempo, por lo que sigo muy cerca sus proyectos y sus sellos desde antes de que empezara como jefe discográfico. Ha sido un proceso muy natural.

Vána: Lo descubrí a través de un amigo en común, poco después nos sentamos juntos en la mesa y así fue como estrechamos lazos y empezamos a trabajar en el studio.

¿Por qué queréis publicar en Dark Distorted Signals?

Roel: Principalmente por mi profundo respeto al trabajo que está haciendo con DDS y Fenixfire y la libertad artística que nos ofrece. Algo que echo de menos en muchas otras etiquetas discográficas…

Vána: Willem y yo tenemos muy buena conexión, somos muy buenos amigos también. Hemos trabajado juntos y siempre escucha mis ideas, me ayuda a organizarme con los proyectos y esto me ayuda a aprender y a seguir evolucionando en mis producciones. Todo esto es lo que me motiva a seguir enfocada en Dark Distorted Signals.

LEMURIAN

Representando al downtempo desde Tulum Cosmik Awakenings

El DJ y productor peruano Lemurian continúa lanzando nuevas referencias a través de su compañía independiente Cosmic Awakenings, lugar de encuentro de lo orgánico, lo metódico y lo musical en clave de downtempo.

Es un placer hablar contigo Lemurian. Cuéntanos. ¿de dónde eres y cómo te introdujiste de manera profesional en el mundo de la música electrónica?

¡Hola Kali! Muchas gracias por la entrevista. Nací en Perú, donde la cosmología y las historias populares con su biografía exquisita me acercan a la naturaleza y me contagian su magia. Creciendo, sentí la necesidad de expresar todo lo que me pasaba dentro y qué mejor herramienta que la música. Desde niño siempre coleccioné música de todos los tiempos, principalmente la que tuviera alma y buen ritmo. Mi seguimiento fue intuitivo, cuando descubrí la electrónica me encontré con la oportunidad de mezclar y fundir los tiempos, géneros y generaciones. Seguí este llamado y emigré a Estados Unidos a los 17 años, donde la tecnología me permitiría darle forma al sonido mezclando el futuro electrónico con los instrumentos ancestrales de distintas culturas.

Sabemos que tu especialidad es el house en su downtempo pero, ¿piensas que las producciones reducidas de tempo aportan algo nuevo a la pista de baile?

El organic house y downtempo son géneros creados para fusionar sonidos orgánicos, ritmos tribales, voces shamanicas e instrumentos de distintas tradiciones mezclados con beats electrónicos. Mi objetivo es compartir esta fusión para revelar a la gente lo poderosos que son estos elementos al crear ritmos y secuencias que nos transportan y nos hacen entrar en trance abriendo un portal en el cual la gente puede liberar su mente, bailar y conectar en un ambiente alegre y positivo.

Cosmic Awakenings es tu sello discográfico, ¿Qué lanzamiento destacarías como principal representante del sonido de la etiqueta?

Desde que en 2016 empecé el sello discográfico Cosmik Awakenings me vi cautivado con la oportunidad de conectar con más artistas compartiendo esta nueva frecuencia y de co-crear plenamente este estilo orgánico, aportando mi propio sonido en la comunidad musical bajo el seguimiento de la propuesta de pioneros como Acid Pauli, NU o Nicolas Jaar entre otros. Destacaría el EP #51 lanzado en mayo 2020 por Bora & Lemurian, Prophecies Of The Ancient Future. Este EP con dos temas ha alcanzado muchos streams y gracias a ello hemos conseguido reconocimiento en Turquía, Tulum, USA, España, Ibiza, Mykonos y más partes del mundo.

¿Qué próximos lanzamientos nos puedes desvelar del sello?

En febrero del 2023 saldrá mi EP titulado Ancestros Viven en Mí, un proyecto creado en mi estudio en Tulum desde hace 8 meses y con diferentes artistas locales. Tulum es un epicentro potente con una gran cultura musical espiritual y electrónica donde empezó el movimiento downtempo con confluencias de historias Mayas, la mezcla intercultural de los viajeros y el esplendor de la naturaleza, este álbum reflejará su esencia.

Y para finalizar, sabemos de tu conexión con Burning Man y la cantidad de seguidores que allí posees. ¿Cómo ha sido tu experiencia con el festival?

Burning Man es una de las experiencias más originales de nuestros tiempos a la que he tenido el orgullo de asistir, ya que se rige por principios de inclusividad, resiliencia y creatividad. Ahí se comparten ideas innovadoras mediante arte en un desierto enorme con condiciones climáticas salpicadas por imprevisibles tormentas de arena, cosa que nos ayuda a sobrevivir más en comunidad y empujar los limites de la imaginación. La música es uno de los mayores vínculos de esta experiencia. Asisto a este festival desde 2016 y gracias a la frecuencia que comparte pude llegar a conocer mucha gente con una visión semejante y compartir e inspirar esta cultura alrededor del mundo.

Miss Monique

Patricia Pareja Casalí

Alesia Arkusha, más conocida en el mundo de la música electrónica por su alias Miss Monique, es una DJ y productora ucraniana que lleva más de una década dedicando su vida a su pasión: la música electrónica, más concretamente, el house progresivo.

Con el paso de los años, Alesia ha logrado hacerse un nombre a sí misma por su perseverancia y trabajo duro: al inicio de su carrera puso en marcha un programa mensual llamado ‘MiMo podcast’ donde subía sets constantemente para sus oyentes, es dueña de su propio sello Siona Records, uno de los mejores sellos de Progressive en Beatport —y nos ha contado que pronto pondrá en marcha los showcases bajo el mismo nombre—, a día de hoy ha actuado en varios de los mejores festivales del mundo como Tomorrowland y, de hecho, también ha actuado en el mejor club del mundo: Hï Ibiza. Y podríamos continuar, pero nos faltan páginas para enumerar la lista de hitos de la ucraniana, ya que el pasado año 2022 fue uno de los mejores de toda su carrera artística.

En DJ Mag España nos hace muy felices iniciar este nuevo año con una artista tan talentosa en nuestra portada. Recientemente tuvimos el placer de tenerla de invitada en nuestro programa Meet The Artist, pero por entonces habían muchas cosas increíbles que todavía no habían sucedido, como su streaming para la reconocida marca francesa Cercle. En esta nueva charla con Ole, la ucraniana nos cuenta al detalle cómo fue la experiencia en la Biosfera de Montreal, qué nuevas sorpresas nos tiene preparadas en Siona Records, dónde podremos disfrutar su primer showcase y cómo se le presenta este nuevo año 2023, un año que viene cargado de grandes fechas para ella — entre otras, ya os podemos adelantar que podréis volver a disfrutar su directo en Pacha Barcelona el próximo mes de abril.

¡Feliz entrada de año, queridos lectores! Disfrutad la entrevista tanto o más de lo que hemos disfrutado nosotros preparándola.

Autora:

Es un auténtico placer empezar este nuevo año 2023 contigo en nuestra portada de DJ Mag España, Ole. ¡Cuéntame! ¿Cómo estás? Creo que estás en América en este momento, ¿verdad?

Hola equipo de DJ Mag España, me alegra mucho hablar con vosotros de nuevo. En primer lugar, muchas gracias por recibirme en vuestra portada de DJ Mag España, es un honor para mí. Os deseo un muy feliz año nuevo y espero que hayáis pasado grandes momentos con vuestras familias en esta preciosa época del año.

Acabo de regresar de una gira de tres semanas por América y dos eventos europeos, ahora estoy descansando unos días para pasar tiempo con mi familia y hacer algunos preparativos para mis primeras actuaciones del año, como el evento Upperground en Zamna Tulum y otras fiestas en México y Uruguay la primera mitad de enero.

El pasado año 2022 fue increíble para ti, has estado tocando en grandes festivales como Tomorrowland o EDC, has hecho tus primeras giras por Estados Unidos, debutaste en Australia y también has pinchado en grandes clubs como Hï Ibiza, Pacha Barcelona, Cavo Paradiso, Ame Brasil… ¡Felicidades! ¿Qué ha significado 2022 para ti como artista?

Si hablamos del año en cuanto a mí como artista, por supuesto fue realmente increíble.

Uno de los mejores momentos fue el 29 de julio, cuando toqué por primera vez en Tomorrowland en Bélgica y el mismo día en el evento de David Guetta en HÏ Ibiza. Otro momento inolvidable fue la sesión con Cercle en un lugar verdaderamente único: Biosphere en Canadá y, por supuesto, mi debut en el escenario principal de EDC en Orlando, que me impresionó muchísimo… Todavía siento un cosquilleo al recordarlo, ¡fue inolvidable!

Podría decir, de hecho, que fue el mejor año de mi vida, pero al final del invierno Rusia atacó mi hogar, Ucrania, y comenzó la guerra. Por desgracia ha sido imposible disfrutar plenamente de todos esos momentos, ya que todos los días leo en las noticias, recibo mensajes de mis amigos explicando cómo sufren y mueren los ucranianos a manos del ejército ruso.

Sí, lo cierto es que la injusticia que estáis sufriendo en Ucrania irremediablemente impide disfrutar los buenos momentos como lo harías en una situación normal. De parte de todo el equipo de DJ Mag España os mandamos todo el apoyo una vez más y deseamos que acabe pronto.

Muchas gracias por los buenos deseos. Sí, ojalá todo pase pronto.

Hablando todavía de tu ferviente año como artista, hemos visto que compartiste en redes sociales tus estadísticas más recientes en Spotify: 1,2M de oyentes, 12,6M de streams, llegando a personas de más de 170 países distintos… y +100M de visualizaciones en Youtube. ¡Vaya Ole, eso es increíble! ¿Cuál dirías que es la “clave del éxito” para conseguirlo?

No creo que exista una «clave del éxito» para esto, ya que cada artista tiene su propia manera de trabajar y medios para lograr sus objetivos. Creo que lo principal es que el artista se rodee de un gran equipo y ame verdaderamente la música electrónica.

La última vez que nos vimos fue el pasado septiembre de 2022 antes de tu show en Pacha Barcelona. Para entonces, todavía no habías tocado en Cercle y no pudimos hablar mucho al respecto. Desde el pasado mes de octubre está disponible este mágico atardecer en Biosphère de Montreal y ha sido todo un éxito. ¿Cómo elegisteis el lugar perfecto para hacer la transmisión?

Como ya sabes, inicialmente el streaming con Cercle estaba preparado para grabarse en mayo. en su festival en París, pero debido a las condiciones climáticas (una tormenta terrible), mi set fue cancelado cuarenta minutos antes de empezar. Estaba súper molesta pero desafortunadamente no pudimos hacer nada. Más tarde, el equipo de Cercle me envió un correo proponiéndome esta increíble ubicación en Montreal - Biosphère. No puedo encontrar las palabras para describir lo emocionada y nerviosa que estaba al mismo tiempo.

Como tú misma comentas, la fecha inicial para grabar tu transmisión para Cercle se pospuso por fuerza mayor y finalmente encontrasteis esta otra nueva ubicación. Me atrevo a decir que fue aún más especial, ya que tú y todas las personas que asistieron tuvisteis que esperar más de lo planeado. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Cómo preparaste el set? ¿qué sonidos considerabas esenciales?

Tienes toda la razón, ese fue un día muy emocionante y especialmente después de lo que sucedió en la fecha inicial.

Desde mayo comencé a idear un nuevo set, a crear nueva música, y fue muy bonito el proceso de preparación. Quería sorprender a los oyentes con música nueva, así que me llevó tiempo prepararlo. Cuando hice el streaming y lo grabamos, toqué muchos de mis trabajos y algunos de ellos los pinché aquel día por primera vez, ¡fue muy emocionante!. También añadí a mi repertorio de Cercle una gran cantidad de pistas inéditas de nuestro sello Siona Records.

El día del streaming fue absolutamente increíble: tuvimos un sol radiante, la gente nos recibió con muchísima calidez y, por supuesto, todo el trabajo del equipo de Cercle y sus socios fue perfecto.

Además, has lanzado un tema en Cercle Records, ¿verdad?… ¡Cuéntame más!

Sí, ‘Biosphere’ se lanzó en Cercle Records en octubre de 2022. Me inspiró mucho aquel lugar tan único donde hicimos el set y quería crear algo especial para celebrarlo. Me llevó mucho tiempo encontrar el sonido de la melodía exacto que se asociaría con el medio ambiente, la vida, el agua y la preservación de todas estas cosas importantes para nosotros, las personas, ya que esta es la idea principal de la Biosfera de Montreal.

El equipo de Cercle siempre tiene lugares increíbles y para mi presentación en el Festival Cercle en París también me inspiré en el lugar del evento; preparé una pista especial para el escenario Concorde, donde se suponía que tocaría. Por cierto, aprovecho para comentaros que se lanzará el 19 de enero.

Además de Cercle Records, ¿cómo ha sido tu año en cuanto a la producción? Sé que tu remix ‘Rush’ para Sied Van Riel se convirtió en la pista más vendida de 2022 en Beatport en Progressive House.

Este año, a excepción de ‘Biosphere’, lancé pocos EP en Siona Records, pero el más exitoso fue el remix de la pista de 2008 «Sied Van Riel - Rush». La pista original se hizo popular ya que se incluyó en ISOS de Tiësto. Fue increíble poder aportar mi visión de esta bonita pista y estoy muy feliz de saber que ese remix se convirtió en la pista más vendida de 2022 en Progressive House . Además, contó con el apoyo de grandes artistas y eso me hace muy feliz.

Además de ser DJ y productora, también eres dueña del sello Siona Records, uno de los mejores sellos de Progressive en Beatport. ¡El año pasado lanzaste bastantes EP! ¿Qué planes tienes en el sello este 2023? ¿Hay algún artista que te gustaría destacar?

Por supuesto, continuaremos desarrollando Siona y en 2023 planeamos comenzar nuestros showcases. El primero tendrá lugar en Berlín en febrero. El concepto principal es que nos gustaría mostrar el talento de nuestros artistas a más audiencias y al mismo tiempo compartir emociones reales con los oyentes en los lugares que visitemos. En cada exhibición contaremos con artistas del roster de Siona para nutrir el cartel, y esperamos poder traer invitados especiales :)

En cuanto a lo más destacado, en 2023 planeamos centrarnos en la música electrónica ucraniana y mostrarle al mundo nuestros artistas. Además de los lanzamientos exitosos de nuestros residentes Cherry (UA) y Two Are, firmamos excelentes EP de los ucranianos Monastetiq, Meyer, The Advocate y Artaria.

Muchas gracias por tu tiempo Ole, todo el equipo de DJ Mag España te desea lo mejor en tu carrera musical y un próspero año 2023.

Escanea para escuchar el set exclusivo de Miss Monique

KOLTER

LA FUSIÓN DEL DEEP HOUSE Y BREAKBEAT

Autora: Caterina Günther

CONOCEMOS A KOLTER, EL NUEVO AKA CON EL QUE DJOKO DEJA ATRÁS EL ALIAS CON EL QUE ARRANCÓ SU CARRERA MUSICAL.

Muchos de vosotros habréis visto el nombre de Djoko compartiendo cartel con grandes artistas de la escena house y deep actual los últimos cinco años. Probablemente el de Kolter no os será tan familiar, ¡pero estad atentos porque este nuevo año ha habido un giro de 180º en su alias! El productor alemán, a finales del año pasado, renunció al nombre artístico con el que era mundialmente conocido y ha pasado a actuar y a lanzar música únicamente bajo el nombre de Kolter, el aka con el que recientemente publicaba sus tracks con un sonido enfocado al breakbeat.

Johannes Kolter es un artista en constante evolución —como podéis comprobar— que ha crecido a un ritmo alarmante posicionándose como uno de los talentos emergentes más rápidos de la siempre innovadora escena musical alemana. Esto es debido a su versatilidad para crear todo tipo de house, ya sean sonidos enérgicos de big room o producciones más deep.

Su nueva visión del género house la ha conseguido plasmar en HOOVE, sello impulsado por él mismo que, además de ser una discográfica muy venerada, también se transmuta en experiencia en vivo organizando eventos únicos donde la atmósfera de los ritmos house impregnan su ciudad natal de Colonia.

Además del propio sello de Kolter, sus dinámicas producciones enfocadas a la pista de baile se han publicado en algunos de los sellos más solicitados del sector como PIV, Shall Not Fade, y Up The Stuss, su íntimo amigo Chris Stussy, además de algunas colaboraciones en curso entre los dos creadores de ritmos bajo su alias conjunto Stussko —y con el que han lanzado verdaderas joyas como ‘Spacefunk’ o ‘Brothers & Sisters’.

En esta entrevista a Kolter profundizamos en su LP debut —que aterriza en Berg Audio, el reputado sello orientado al dub techno y con el que cierra el último capítulo de su serie Endless Explorations, hablamos de sus intenciones con el nuevo cambio de nombre artístico, su nuevo sello Koltrax y de sus planes de futuro.

Preparaos para ver el nombre de Kolter más que nunca en los clubes más importantes del circuito internacional como DC-10, Rex Club o Shelter en Ámsterdam… Aunque con su sonido único, su amplio abanico de energías y la habilidad para la fusión de géneros, ¡no será complicado reconocerle!

Hola Johannes. Nos hace especial ilusión que formes parte de la primera edición de 2023 de DJ Mag España. ¿Qué tal fue 2022 para ti?

¡Hola! Muchas gracias por recibirme. La verdad es que ha sido un año muy emocionante, tanto musical como personalmente. En 2022 saqué muchos lanzamientos y me mudé con mi novia a una zona más relajada a las afueras de Colonia. Además, 2022 fue el primer año que estuve realmente ocupado con las giras, con bolos todos los fines de semana y con vuelos a muchos países extranjeros en los que nunca había estado antes. Me lo he pasado muy bien, pero también he sentido que todo esto a la larga puede ser agotador.

A finales del año pasado cambiaste tu nombre artístico de DJOKO a Kolter, el otro alias bajo el que has estado publicando tus trabajos de estudio enfocados a un sonido más underground. Ahora, como Kolter, ¿seguirás abrazando los subgéneros del house con los que solías producir música bajo el nombre de DJOKO?

Sí, seguiré sacando música con el mismo estilo de mi anterior alias, pero añadiéndole un toque un poco más raw. Kolter solía ser el alias con el que producía breakbeat, pero ahora estoy fusionando estos dos akas. El nuevo nombre me parece más personal… Con las producciones más recientes siento que muestro un poco más de mí, así que tiene sentido poner todo mi nuevo material bajo mi apellido real.

El pasado noviembre se publicó Endless Explorations Part III en Berg Audio, un LP con el que cerrabas esta serie de tres partes que nació en 2020. En él podemos escuchar diferentes sonidos que varían entre el deep y el dub, pero siempre con ese tinte house que tanto te representa. ¿Podrías hablarnos un poco más de esta serie de lanzamientos?

Soy un gran seguidor de Berg Audio desde que sacaron a la luz su recopilatorio Directions. Para mí es la fusión perfecta de deepness y house que une los estilos de los diferentes artistas. A veces es divertido pensar en un sello o en un sonido determinado y recrearlo a la hora de producir. Con todos mis temas que han acabado en Berg Audio he intentado recrear esa sensación que el sonido del sello evoca en mí.

¿Cuál es el proceso creativo detrás del LP?

La mayoría de las veces lo mejor es recuperar proyectos o tracks del pasado. Casi todo lo que hay en el LP se ha hecho en los últimos 2 o 3 años. Muchas veces cuando estaba produciendo alguna de las pistas, no tenía ni idea de dónde acabarían, así que las guardé con un propósito que en aquel momento desconocía. El LP al inicio iba a ser un EP, pero queríamos que el final de esta serie fuera un poco más especial por lo que acabamos incluyendo algunos temas que normalmente no hubieran tenido cabida en un EP de cuatro canciones enfocado a una pista de baile.

¿Tienes una rutina específica a la hora de producir o varía según el día?

Depende totalmente del día y, sobre todo, de la música que haya estado escuchando antes mientras buscaba por Internet o me estaba duchando. Nunca quiero forzarme a hacer algo, sino dejarme inspirar por el trabajo de otras personas e intentar hacer mi "propia versión" de lo que he escuchado. Sé que nunca podré recrearlo a la perfección, pero siempre intentaré, al menos, captar las mismas vibras con mi propia producción. Ser mejor o peor nunca es el objetivo.

Alemania, concretamente Berlín, siempre ha sido uno de los epicentros del auge de la música electrónica y muchas de sus ciudades desempeñan un papel importante en el crecimiento de este género musical. ¿Qué te atrajo de la música electrónica?

Realmente jamás recibí ninguna influencia de Berlín… También he de decir que he sido muy perezoso a la hora de conducir hasta allí para salir de fiesta. Puedo contar con una mano las veces que he ido de fiesta allí (aunque fueron pocas, fueron buenas fiestas). Hubo algunas noches en Colonia que me enseñaron el buen gusto por el house, pero nada ha ayudado más a desarrollar la vibra que tengo en mi música que mis idas y venidas a Ámsterdam. Aparte de esas poquísimas ocasiones, Colonia siempre ha estado dominada por el techno, lo cual está muy bien. Y de hecho, precisamente eso nos animó a mí y a mis amigos a organizar un evento allí llamado HOOVE (House + Groove = HOOVE).

Háblanos de tus influencias cuando empezaste tu carrera musical. ¿Quienes fueron tus referentes a la hora de desarrollar tu sonido house, deep y breakbeat?

La verdad es que no te sabría decir qué tipo de temas me llevaron más hacia el house. Sé que antes escuchaba rock alternativo y metal principalmente. Luego, poco a poco, me fui adentrando en el lado más electrónico de los tracks escuchando canciones que oía en Counterstrike 1.6 Movies. Había algunas bandas sonoras que fusionaban elementos de rock y metal con elementos electrónicos… Ahora mismo me vienen a la cabeza bandas como Justice o Pendulum. También Disclosure hicieron un buen trabajo implementando el clásico sonido garage del Reino Unido en canciones más pop; su canción ‘Latch’ me hizo profundizar en este sonido.

Mi amor por el breakbeat empezó hará unos 3 años. Hasta entonces nunca lo había escuchado realmente, pero cuando mi buen amigo Pascal Wagner me enseñó algunos temas de este género musical, ¡me enganché por completo! Investigué todos los viejos lanzamientos de Plank de Bushwacka y la música de DJ Aphrodite y LTJ Bukem. De nuevo, quise crear algo como ellos. Estaba seguro de haber escuchado este tipo de música en los viejos juegos de Nintendo y Playstation cuando era joven.

Está claro entonces que te has nutrido de otros géneros aparte de la electrónica. ¿Cómo crees que han influido en tu proceso creativo?

Solía escuchar CD's de un amigo de mi padre, Dieter, cuando conducía hacia el trabajo todos los días. Él me pasaba buenas recopilaciones de bandas de rock indie como Mando Diao, Arctic Monkeys o The Black Keys, solo por nombrar algunas. No tengo ni idea de cómo influyeron exactamente a mis producciones actuales, pero estoy seguro de que subconscientemente algunas de sus melodías se han colado en algunas de mis producciones. También hubo una pequeña fase UKF Dubstep & Drum ’n’ Bass. No duró mucho, pero seguí ese canal de Youtube durante bastante tiempo.

Háblanos de la escena actual en tu ciudad natal, Colonia. ¿Crees que has desempeñado un papel importante en la difusión de la escena house y deep allí?

La verdad es que no. Nunca he sido muy activo musicalmente en Colonia. Ahora, con el evento que organizo con mis amigos que os he comentado anteriormente, quizá desempeñemos un pequeño papel, pero es difícil juzgar esas cosas, ¿sabes?. Simplemente nos gusta participar en la vida nocturna de Colonia y hemos trabajado muy duro para ello con unas 30 fiestas organizadas en los últimos años. Esto nos ha permitido organizar fiestas en nuestro club más querido, Gewölbe. Siempre fue un sueño para nosotros poder aportar nuestro granito de arena en este club.

En noviembre del año pasado anunciaste el lanzamiento de tu nuevo sello Koltrax, ¿por qué decidiste embarcarte en esta nueva aventura discográfica?

Sinceramente quería cerrar el capítulo DJOKO por completo y, como mi sello de autoedición se llamaba DJOKOCAMP, también quise cambiarlo. El nombre es un poco más rudo, como el estilo que busco con el sello. Los temas de Kolter se publican ahora en Koltrax.

¿Qué estilos musicales y/o artistas encontraremos en los próximos lanzamientos del sello?

La verdad es que planifico demasiado. Por ahora solo quiero tener una plataforma de lanzamiento para mi propia música. Puede ser cualquier género que me apetezca publicar en ese momento. Mucha gente que dirige un sello suele aconsejarte que tengas un sonido determinado en él… Probablemente este aspecto caiga por su propio peso cuando vaya sacando cosas que realmente me gusten.

Centrándonos en tu trabajo en el estudio, ¿cuales son los aspectos clave que tienes en cuenta a la hora de crear un tema? La batería, captar una emoción, una línea de synth…¿Podrías describir la vibe de tus producciones?

Para mí la parte más importante de la creación de un tema es la línea de bajo. Además, también es el aspecto más divertido del track. Suele ser el elemento que viene después de haber conseguido una base sólida de batería,

que actúa como metrónomo. A veces vuelvo a cambiar la línea de bajo cuando se incorporan los sintetizadores. El bajo puede variar mucho la sensación de la línea de sintetizador, así que casi siempre hay un segundo intento con la línea de bajo en la última parte de la creación de la pista. Si luego me gustan las dos, también puede ocurrir que se implementen ambas variaciones.

Háblanos de tu estudio, ¿qué equipos tienes?

Uso Ableton como DAW. Junto a mi ordenador tengo mi Yamaha RM1X y el Nord Lead A1 que pasan por mi mesa de mezclas Allen & Heath ZED14 y la tarjeta de sonido UA Apollo Twin. Estas dos piezas de hardware me sirven ahora, pero tiendo a cambiar la configuración de nuevo y conectar algunos otros sintetizadores que tengo por ahí como el Roland MC 505, Oberheimer OB-6, o el Korg Prologue.

Tus producciones son muy versátiles, ¿utilizas diferentes herramientas cuando trabajas en distintos sonidos?

¡Gracias! Supongo que tengo diferentes fases en la vida. A veces quiero crear cada pequeño sonido yo mismo con los juguetes que tengo. Otras, solo me apetece meter loops de los packs que he ido recopilando a lo largo de los años. Lo bueno de los loops es que los procesa otra persona, es como probar el estilo de otro productor. Es una buena forma de mantener la frescura y no sonar demasiado parecido a lo que has hecho anteriormente (además, probablemente sean mucho mejores mezcladores que yo).

El año pasado tocaste en festivales reconocidos en todo el mundo como el ADE, el We Are FSTVL o las icónicas fiestas FUSE, entre muchas otras. ¿Cómo es tu fiesta ideal? la hora del set, el lugar, el público, el tamaño de la multitud, el lugar,…

La hora ideal para pinchar es, sin duda, durante el día en un festival pequeño cuando el sol está brillando. Además, no me gustan las cabinas de DJ elevadas. No me importa que la gente haga vídeos y fotos, pero el público no debería estar demasiado pendiente del teléfono. Aparte de eso, un público que simplemente sienta la música y se lo pase bien, por supuesto.

Con este año 2023 arrancando, ¿podrías darnos alguna pista sobre próximos lanzamientos, actuaciones o giras? ¿En qué ciudades podremos encontrarte estos próximos meses?

Volveré a actuar en febrero después de mi baja paternal. Empezaré por Francia, Reino Unido y España. Luego, en marzo, haré mi primera gira por Japón, tengo muchísimas ganas. Este país ha estado en mi bucket list desde hace tiempo. Como fan de su música, su cultura y su arte, estoy impaciente por conocerlo, me parece muy bonito. Todas las personas a las que he preguntado me han dicho que se lo han pasado genial. El año que viene también empezaré con el lanzamiento de mi nuevo sello con algunos de los temas más solicitados que he estado guardando. Además, quiero seguir haciendo crecer la marca Hoove en mi querida Colonia natal.

El pop se ha infiltrado en la música de baile como hacía años que no se escuchaba. Con DJs pinchando ediciones de Britney Spears en Panorama Bar, copias ilegales de Ciara, Spice Girls y Whigfield, y superestrellas como Dua Lipa publicando álbumes de remezclas, es evidente que algo está pasando. Chal Ravens se pregunta: ¿por qué ahora? ¿Qué significa realmente el pop? ¿Forma todo esto parte de un ciclo o está ocurriendo algo nuevo?

POV: estás en medio de tu opening set en Panorama Bar y todo va bien. ¿La sala? Empañada. ¿El público? Liberado. Has pinchado lo de siempre: house machacón, joyitas trance y hasta un poco de cold wave. ¿Tus gustos? Eclécticos, por supuesto, y no te da miedo meter un remix de pop extravagante cuando la ocasión lo requiere. Así que, como regalo, preparas algo atrevido: una remix house de la bomba eurodance "Cotton Eye Joe", que se tira tres minutos para llegar a una sola explosión del estribillo. El público enloquece. Cuando el exterior se entera, las reacciones son muy diversas: una cuenta de memes dedicados al mundo del clubbing te aplaude, pero un Redditor lo califica de crimen contra la música.

Las canciones pop se cuelan cada vez más en las pistas de baile alternativas. ¿Es posible que pinchar Rednex en el Panorama Bar sea ir demasiado lejos? Marie Malarie no se arrepiente del incidente de "Cotton Eye Joe" (de todas formas, pincharon una remezcla relativamente elegante de la canción), pero no esperaban que se convirtiera en algo viral. "Me hizo gracia al principio", dice este DJ de origen polaco, que dirige la noche Hysteria en el local queer Dalston Superstore, "pero luego lo odié". Un montón de DJs han estado poniendo éxitos del pop en su sabor cursi original durante todo este tiempo. No se trata sólo de clásicos del club que aparecen en los sets de los festivales (aunque esto ha alcanzado niveles epidémicos). Se trata de escuchar a Britney Spears en Berghain, o a Sonique en De School.

Los productores también se apuntan al carro. Dua Lipa reeditó su álbum en forma de DJ set mezclado por The Blessed Madonna, incluyendo remixes de Yaeji y Midland y temas clásicos de Larry Heard y Moodymann. Rian Treanor y Sim Hutchins se las arreglaron para construir ediciones súper remezcladas de Whigfield con meses de diferencia. Los Kelly Twins, conocidos por sus sets de deep house, lanzaron el alias Ghost Phone para publicar ediciones de hits de Drake y Aaliyah. Incluso el techno más duro y rápi -

do ha sido poseído por el pop, con badsista, VTSS y LSDXOXO introduciendo melodías pegadizas en el corazón de sus producciones.

Este año además han invadido las listas comerciales una oleada de temas dance, desde la versión pop baja en calorías de Pinkpantheress del tema ‘Circles’ de Adam F hasta el sorprendente éxito de Eliza Rose e Interplanetary Criminal con ‘B.O.T.A. (Baddest Of Them All)’. El tema se hizo viral en TikTok antes de alcanzar el número 1 en septiembre, convirtiendo a Rose en la primera mujer DJ en encabezar las listas comerciales desde que Sonique lo hiciera en 2000. ¿Qué está pasando? ¿Cómo se ha convertido el sonido del underground en "The Sound Of The Underground"? O para los millennials de más edad: ¿qué pasa con esta "pop life" y cuándo va a desaparecer?

Hay varios factores en juego. El auge del pop parece ser una respuesta, quizá incluso reaccionaria, a la historia reciente de la música dance y sus modos y estados de ánimo dominantes. Parece reflejar la evolución demográfica de las comunidades y escenas de la música dance: hay caras nuevas en las cabinas. Existen también consideraciones generacionales, sobre las preferencias de los oyentes más jóvenes, sobre el cambio de paradigma que estamos viviendo y sobre las formas en que escuchamos música, que han cambiado enormemente en los últimos 10 años. Vamos por partes.

El ambiente de los últimos años ha sido, obviamente, de austeridad: dos años de discotecas cerradas, fiestas prohibidas en casas y distanciamiento social. ¿Es tan sorprendente que, cuando volvieron las luces, quisiéramos escuchar los grandes éxitos? ¿O que buscáramos satisfacción instantánea con más frecuencia que las oscuridades de Discogs? Quizá por eso Goldie terminó su set del Primavera Sound este verano con un mashup de 'Smells Like Teen Spirit' y 'Night' de Coki & Benga, llevando el espíritu del sindicato de estudiantes a las playas de Barcelona.

Traducción: Helena Bricio

Texto original: Chal Ravens

"La música pop siempre ha tenido el poder de unir a la gente, por ser reconocible, memorizable y divertida... o vulgar". - Marie Malarie

Este incidente nos lleva inmediatamente a un punto aclaratorio. ¿Qué es el pop? ¿Son pop los Nirvana? ¿El dubstep clásico puede ser pop? ¿Es el pop más una etiqueta que una categoría, un índice de popularidad más que un género reconocible? Básicamente, sí a todo lo anterior. Si está en los altavoces y todos lo cantan, es pop. En la pista de baile, el pop tiene mucho que ver con el reconocimiento: es una canción que todos conocemos. "La música pop siempre ha tenido el poder de unir a la gente", dice Malarie, "por ser reconocible, memorizable y divertida... o vulgar". Pero a esto volveremos más adelante.

La fase pop que estamos experimentando no empezó con el fin de la cuarentena. Resulta difícil imaginarlo ahora, pero hace 15 años la música electrónica era básicamente un nicho de interés, que se pasaba por alto por las revistas de tendencias para favorecer a los grupos indie, los crooners retro y el electropop. El péndulo comenzó a oscilar de nuevo hacia la pista de baile alrededor de 2011, cuando una nueva generación descubrió los placeres del house y el techno "de verdad": equipos analógicos, discos de vinilo, discusiones sobre el significado de "deep house" y si eso incluía o no a Disclosure.

En los últimos cinco años, entre los movimientos underground más destacados se encuentran el deconstructed club (en el que las voces pop desempeñan un papel constante y subversivo), la evolución de estilos electrónicos estadounidenses fuertes y pesados como el footwork y el FDM, y ese terreno difuso que el periodista Simon Reynolds describió como "conceptrónica". Su término fue divisivo, pero los años anteriores a

la pandemia estuvieron sin duda bien surtidos de discos de gran calidad que mezclaban la teoría cultural con el espectáculo audiovisual.

En el dance mainstream, la última década estuvo dominada por el EDM en Norteamérica y el house y el bass en Europa, además de la oscura e hipnótica vertiente del techno que atrajo a los clubbers a Berlín, Tiflis y Kiev. Ahora, la música pop sabe a un refrescante caramelo tras una década de uniformismo vestido de negro y el aislacionismo machista del techno analógico y los sellos exclusivos blancos, que florecieron a mediados de la década de 2010 en sellos como L.I.E.S. y LA Club Resource. El techno de las camisetas negras parece haber pasado ya su fecha de caducidad o, lo que es peor, se ha convertido en una especie de tendencia mainstream.

“Hay algo realmente fascinante en el hecho de que los fans del techno acudan a un evento masificado con los DJs mejor pagados de la industria en el cartel y llamen 'comercial' a todo lo que no sea sonido techno big room", tuiteó recientemente la productora polaca VTSS. "¿Podemos pasar página y dejar de reclamar cuán exclusivo y oscuro es el techno sólo porque ese DJ de 20.000 dólares lleva un modelito de color negro?”

A medida que una década del reconocimiento al techno se desvanece en el pasado, los que tienen más memoria se acuerdan de la gran diversión de la era anterior, desde los mashups de blog house hasta los temazos dance que solían sonar en la radio: Basement Jaxx, Kosheen, Layo y Bushwacka. Con el regreso de la estética "indie sleaze", tal y como señala el éxito Meet Me In The Bathroom, la historia oral de Lizzy Goodman sobre la escena neoyorquina de los años 00, no es de extrañar que otros sentimientos nostálgicos de los años 90 se apoderen de nosotros. Ya han pasado 20 años desde que 2ManyDJs publicaran su manual de mashups "As Heard on Radio Soulwax Pt. 2", pero aun así las entradas para el concierto del aniversario en Londres se agotaron en un abrir y cerrar de ojos.

Al igual que la anchura de la pernera de un pantalón, las tendencias de la música no oscilan de un lado a otro sin evolucionar. Incluso los proyectos más continuados absorben los cambios tecnológicos, de otros géneros o de la sociedad en general. Pensemos en la nueva escuela del jungle, que incluye a SHERELLE, Fracture e Itoa, que han sintetizado influencias de géneros como el footwork y el Baltimore club manteniéndose fieles a su estilo. El renacimiento suele traer consigo nuevas adaptaciones.

Teniendo esto en cuenta, uno de los cambios más profundos y visibles de la música de baile en los últimos 10 años (o incluso cinco años, en realidad) es el éxito de las mujeres, DJs queer y trans en espacios antes dominados por hombres. La dilución de la representación de DJ masculinos heterosexuales ha hecho algo más que nivelar el terreno de juego: ha cambiado el tipo de discos que se pinchan.

Los DJ que surgen de las escenas queer suelen aportar sus propios puntos de referencia musicales y la tradición de la comunidad: clásicos de la música disco de Diana Ross, Donna Summer y Sylvester, transmitidos de generación en generación. Divas de lo camp y los himnos de Christina, Britney y Gaga. Pop cursi y guilty pleasures, el tipo de música que los guardianes masculinos de nuestra juventud no tomaban en serio ni aceptaban como "guay". Pero, además, para DJs queer que no tolerarían ni un disco de Whigfield, hay infinitas colecciones de house y rave clásico listas para ser detonadas, con sus letras sobre la libertad, el sexo y el deseo convertidas ahora en mantras de la mano de DJs trans como Eris Drew y Octo Octa.

Malarie recuerda haber visto a sus amigos queer riendo y cantando al ritmo de "Cotton Eye Joe" en Panorama Bar y señala que el tema se eligió "a propósito, consciente de que podría ser mal recibido por algunos asistentes. Dato importante: si el público fuera 100% queer, es bastante probable que a todos y cada uno de los ravers les hubiese encantado". Pinchar un disco tan descaradamente vulgar en un lugar "considerado templo de la música de baile" pretendía ser un rechazo a "la seriedad que acompaña a [la] escena de club contemporánea", añade.

Para Daria Lourd y su comunidad de DJs y bailarines de Oakland, pinchar pop es "una forma de disuadir rápidamente a los pretenciosos de la música electrónica". Bajo el nombre de Bored Lord, es una prolífica productora de versiones piratas para clubes y fiestas de sellos como Knightwerk y T4T LUV NRG. “El público queer siempre está transgrediendo su música favorita”, señala, ya sea "enganchándose a las divas del pop o amando el nu metal", y su apreciación cambia en última instancia el significado de esos sonidos.

"Así que sí, es una canción pop, pero no significa lo que el artista pretendía que significara, y nosotros la recontextualizamos", dice Lourd. En un paquete editado recientemente (publicado sólo durante 24 horas para evitar problemas legales), Lourd utilizó sus armas tanto para un clásico venerado del R&B como para un éxito contemporáneo para adultos muy poco cool. Su elección se basa principalmente en que sea pegadiza: "Si se me queda en la cabeza, podré encontrar un buen corte. Y si no lo encuentro, lo invento".

Además de intentar crear "un momento bonito para cantar" en la pista de baile, Lourd utiliza sus edits para plantear la pregunta: "¿Cómo hacemos esto más femenino?". El significado de "girly" tiene más que ver con

poner a prueba al público que con tocar éxitos de Britney. "A veces noto que el público cambia al final de mi actuación. A algunos les tiro para atrás porque dicen: 'Un momento, no pensaba que iba a escuchar una edición de Slipknot'", se ríe. "Toco 'Feels So Good' de Sonique en cada actuación y es una especie de prueba. Me veis que estoy haciendo cosas de DJ más técnica, pero si no puedes tener ese momento pop en el que todo el mundo canta y está eufórico, quizá este set no sea para ti".

"Si no puedes tener ese momento pop en el que todo el mundo canta y está eufórico, quizá este set no sea para ti". -

Bored Lord

Así que pop no sólo significa diversión chulesca y espumosa, sino también Slipknot, en el caso de Daria. En un número de 1979 de Gay Left, una revista socialista londinense para hombres homosexuales, el crítico de cine Richard Dyer afirmaba que "la anarquía del capitalismo arroja productos que los grupos oprimidos pueden aprovechar y utilizar". Se refería a la música disco, que en aquella época estaba en el punto de mira gracias a los fans blancos del rock y su famosa campaña "Disco Sucks". Cuarenta años después, podemos ver cómo el denostado género del nu-metal (¡la banda sonora definitiva de la excentricidad millennial!) recibe el cariño de artistas queer como Bored Lord, Asmara y Le1f, que pinchan con gusto versiones de Korn, Linkin Park e incluso de los rockeros cristianos Flyleaf.

Incluso el pop "puro" ofrece infinitas sutilezas que los DJ pueden explorar. En una de sus ediciones, Bored Lord aísla la voz de "Hit Me Baby One More Time" y la convierte en un electro borroso. Cuando OK Williams cerró su actuación en el Panorama Bar con "Gimme More", un tema de la época paparazzi del álbum "Blackout" de Britney, conjuró un ambiente a la vez camp, trágico y victorioso, sobre todo desde que Britney se liberó de su tutela patriarcal. Facta, productor londinense de ritmos electrónicos extravagantes, le dio la vuelta a esa narrativa en su "iso mix" de "Piece Of Me", otra canción de "Blackout", dejando que su dolorida voz ("Soy Miss American Dream desde que tenía 17 años") flotase libremente.

Otro factor que acelera este momento pop es el impacto del llamado "hard dance" -también el nombre de una serie de mezclas de Boiler Room que se lanzó en 2019-. Tras el jungle revival de la década de 2010, toda una cosecha de DJs (muchos de ellos mujeres, como Nkisi, Chippy Nonstop y Spinee) han recuperado la velocidad y la intensidad de los breaks, del gabber y del hardcore techno. Una vertiente de esta tendencia está en deuda con los samples extravagantes, los grandes drops y las mezclas estridentes del rave británico, donde la música pop es un acompañamiento natural. Ese nicho se festeja en el encuentro anual Bang Face, en el noroeste de Inglaterra, donde el jefe del festival, James St. Acid, edita el breakcore del juvenil "abcdefu" de Gayle y donde el jefe de Trance Party, Evian Christ, mezcla "Music" de Madonna en una sesión trepidante.

El sentido del humor es crucial para este caos, muy alejado de las transiciones suaves y los límites de duración que han caracterizado el underground durante años. Y no es casualidad que esta renovada escena hard dance pueda parecer también claramente queer: desde la banda londinense de nu-goth Gutterring, a los fans polacos del gabber Wixapolonia, pasando por la banda de club de São Paulo, TORMENTA. El sello de Internet WEIRD NXC lleva la idea del hard-pop aún más lejos, con artistas trans como TAAHLIAH y Laura Les que publican

nightcore que te derrite la cara y versiones envenenadas por el gabber de Ciara, Darude y (¡Señor, ayúdanos!) Owl City. Cuanto más irritante, más emocionante.

La continua absorción de estilos de club regionales esta dounidenses como el Baltimore y el Jersey Club, el footwork y el FDM ha sido crucial para esta evolución. Los samples siguen siendo la piedra angular de estos géneros musicales racializados, y para una generación de DJs influenciados por artistas como Brick Bandits, Rod Lee, Teklife o incluso extranjeros consagrados como Night Slugs -además de toda una escuela de DJs de club experimentales en Estados Unidos, desde Total Freedom hasta Fractal Fantasy-, el uso de samples pop es fundamental. Si nos remontamos aún más atrás, cualquier fan del house de los 90 nos recordará que los sencillos en CD solían venir de serie con remixes dance, incluidos los lanzamientos de rock. Pensemos en la oscura versión garage de Armand Van Helden de "Spin Spin Sugar" de Sneaker Pimps, una de las favoritas de Bored Lord.

Hasta ahora hemos destacado la llegada y el renacimiento de la cultura de club queer y los estilos hard dance, así como el rechazo pospandémico al techno "serio". Nuestra siguiente parada es más histórica. Sabemos que las generaciones son cortas en la música electrónica; cada cinco años más o menos aparece una nueva, ya que una nueva generación de jóvenes de entre 18 y 24 años impone su propio estilo y preferencias a sus mayores. El cambio generacional actual está provocando una supresión más profunda del tipo de distinciones musicales que antaño eran cruciales para considerarse fan.

Si ahora tienes menos de 25 años, has crecido sin un sentido tan profundo de lealtad al género como tus hermanos mayores y tus padres. Y mientras que los millennials se agarraron a los extremos de una industria física que se deshilachaba, la Generación Z apenas ha tenido la oportunidad de comprar discos físicos. La fabricación y distribución de vinilos se ha ido a la mierda en los últimos años y los artistas y sellos discográficos han emigrado a Bandcamp, en detrimento de las tiendas físicas y

Facta

Ok Williams

digitales existentes, en las que antes primaba la división por géneros a la hora de comprar y vender. El propio Bandcamp es una fuente crucial de ediciones pop, ya que proporciona un escaparate global clandestino para los artistas que hacen ediciones ilegales. Tanto si lo que se busca es el vinilo jungle de las Spice Girls como el estilo Baltimore club de Nelly Furtado, Bandcamp es siempre la casilla de salida.

Todo esto significa que el concepto de "pop" -como marcador de lo comercial o de lo que no mola- se ha vuelto cada vez más inestable. Desde que la escritora Kelefa Sanneh defendiera el pop en un ensayo muy discutido en 2004, el poptimismo ha saturado el discurso en torno a la música popular. El poptimismo, en pocas palabras, es una postura crítica que se toma en serio la música pop "fabricada" como forma de arte, en toda su superficialidad y comercialidad, al tiempo que rechaza la reivindicación "rockista" de atributos como la musicalidad y la autenticidad.

Si trasladamos este argumento a la música electrónica, el asunto se complica. El techno y el house acaban en la categoría "rockista" -a pesar de sus orígenes en la cultura queer y la negritud radical- por su relativo énfasis en la tradición, la artesanía y la legitimidad underground. Por el contrario, un poptimismo para pistas de baile ensalzaría la inmediatez y la feminidad de una remezcla de Dua Lipa, un tema Jersey club cargado de samples de UNIIQU3, el electropop de Robyn o una edición nightcore irónica de la banda sonora de un videojuego.

Pero, al igual que el rock, el techno y el house no fueron inventados por los hombres blancos que se apropiaron de ellos y los reivindicaron como propios. Merece la pena señalar que algunas de las canciones más célebres del canon poptimista están lideradas por mujeres blancas -Kylie Minogue, Robyn, Carly Rae Jepsen- y descritas problemáticamente como pop "puro", en una comparación racista con la música de artistas negros que lidera las listas de éxitos. Cuando el pop se percibe como un género real y no como un índice de popularidad, los artistas negros acaban perdiendo. (Obsérvese la frustración de Tyler, the Creator, al ver que su álbum "IGOR", ganador de un Grammy, se incluía en la categoría de Best Rap. "Es una mierda que cada vez que nosotros -y me refiero a los chicos que se parecen a míhacemos algo que rompe géneros, siempre lo ponen en la categoría de rap o urbano. No me gusta la palabra 'urbano', para mí es una forma políticamente correcta de decir la palabra que empieza por 'n'", afirmó. "¿Por qué no podemos estar en el pop?").

El gran logro del poptimismo fue obligar a los críticos a ver el pop como un espacio innovador y experimental, a menudo más que las escenas "indie". Esa lógica invertida tuvo algunos resultados inesperados. Uno de ellos fue el colectivo londinense PC Music, que causó rechazo entre muchos críticos a finales de la década de 2010 con su aparentemente irónica mezcla de pop, trance, J-pop y otros géneros "horteras" (y, de hecho, femeninos). En última instancia, el credo de PC Music estuvo detrás de algunas de las músicas formalmente más innovadoras de la época, sobre todo la de SOPHIE, afiliada a PC. La filosofía de SOPHIE era hacer música pop convencional "porque está presente en la vida de mucha más gente. No es exclusivo, no es elitista", como explicó la artista en 2018. Cuando los héroes de SOPHIE, Autechre, remezclaron 'BIPP' en 2021, se completó una especie de teoría de la herradura de la vanguardia poptimista.

Pero el poptimismo puede ser una herramienta demasiado contundente. Nos invita a amar lo tonto y lo superficial, a dejarnos impresionar por la fama y las cifras. No es de extrañar, en realidad, que la música electrónica de hoy se defina por la cultura de los DJ (superestrellas). La música electrónica está más orientada a la personalidad, al espectáculo y a lo visual de lo que lo ha estado durante años. Y cuando los DJ dependen de su número de seguidores para conseguir contrataciones -lo cual es una triste realidad en un determinado punto de la jerarquía-, hacen todo tipo de cosas para satisfacer "el algoritmo". Si un DJ esperaba un momento viral para aumentar su perfil, por ejemplo, puede decidir que sacar una canción pop en un contexto inusual es un riesgo que merece la pena. Cuando Jaguar, DJ de Radio 1, lanzó hace poco una edición donk de los Vengaboys en The Warehouse Project, consiguió animar al público y conseguir su mayor TikTok con diferencia (76,5K visitas).

"Lanzar un tema más mainstream en medio de un set intelectual es una forma de hacer algo divertido, no tomarte demasiado en serio y seguir siendo un artista". - Yung Singh

Panorama Bar ha sido pulverizado por el mainstream más de una vez este año. En agosto, la figura de Daytimers Yung Singh aprovechó su set de cuatro horas para hacer un viaje de 130bpm a 170bpm, pasando por el house, el garage y el techno antes de llegar a la sección de drum & bass que tenía preparada. En ese momento, decidió sacar "No Problem", de Chase & Status. "Es un tema de drum & bass de primera categoría", defiende Yung Singh. "Todo el mundo se volvió loco. No sé si es porque conocían el tema o porque les gustaba lo que estaban escuchando, yo sólo me centraba en qué poner a continuación".

Otras armas pop que guarda bajo llave son una remezcla de los Vengaboys a cargo de la defensora del afro-funky Mina -"está a 110 bpm, pero la subo a 150 y la pongo cuando pincho trance o speed garage"- y 'Waiting ForTonight' de Jennifer Lopez -"un tema house muy bueno, hace que la gente se mueva y todo el mundo conoce la voz".

Aunque es conocido como documentalista del punjabi garage de los años 00 y como impulsor del dance underground asiático británico, Yung Singh tiene una visión pragmática del papel de la música pop. "Tu trabajo como DJ es hacer que la gente se mueva. Tienes que tocar para el público y no considerarte por encima de él, pero también quieres mostrarle cosas nuevas", afirma. "Lanzar un tema más mainstream en medio de un set intelectual es una forma de hacer algo divertido, no tomarte demasiado en serio y seguir siendo un artista".

Malarie está de acuerdo en que las reglas están para romperlas. Los DJ deben "encontrar nuevas formas de sorprender y entretener al público", afirma, "y creo que eso es lo que caracteriza a la escena musical británica: diversidad, apertura de miras, ingenio y buen sentido del humor. Por eso me gusta tanto".

Las grandes discográficas luchan por crear nuevas estrellas. Las fronteras tradicionales de los géneros se están disolviendo, y el cliente modelo se orienta hacia la elección de música según el estado de ánimo, la actividad, la hora del día o el impacto viral. Irónicamente, todo esto ocurre en el año en que dos de los mayores artistas del mundo lanzaron álbumes que se definieron como música dance: 'Honestly, Nevermind' de Drake y 'Renaissance' de Beyoncé.

La música pop no es un sonido estático ni un género: es un formato, una medida. Exige "una reinvención interminable y deliberada", como dice la crítica del New Yorker Amanda Petrusich. Quizá también podamos pensar en la música dance como algo distinto de un género: más bien como una comunidad en constante conversación consigo misma, que mantiene sus propias reglas y expectativas, todas ellas sujetas a una constante subversión y realineación. Ahora mismo nos encontramos en una especie de modo festivo y a la vez nihilista, atiborrándonos de pop con alto contenido en fructosa con la esperanza de que se nos pase parte de su alegría y esperanza.

Como también señaló Petrusich en un ensayo con motivo del 25 aniversario de "Spiceworld": "La misión de las Spice Girls era difundir una especie de positividad panorámica y anodina. Puede que en 1997 pareciera un objetivo atemporal, pero, 25 años después, es probablemente lo que hace que "Spiceworld" parezca más anticuado".

¿Quién sabe lo que nos apetecerá dentro de otros cinco años? Es probable que el péndulo vuelva a oscilar en algún momento, de alguna manera. ¿Mi consejo a largo plazo? Compra sintetizadores modulares y el catálogo de Ostgut Ton. ¿A corto plazo? Súbete al Vengabus.

¿Qué hemos aprendido? Quizá lo más importante: que el pop no se puede encasillar. Porque al mismo tiempo que el "pop", en sus diversas manifestaciones, disfruta de una presencia y un estatus en los círculos nocturnos que no tenía desde hace años, el pop real está atravesando una crisis. El cambio hacia el streaming ha desequilibrado la industria discográfica, ya que la necesidad de plataformas como Spotify y TikTok acaban desencadenando nuevos estilos y formatos. "Es un campo de juego más grande e igualado, y todo se está perdiendo", dijo recientemente a Billboard el mánager de música pop Chris Anokute. "Todo el mundo es artista, pero casi nadie rompe".

Jaguar

Bonobo en Razzmatazz

primero revienta la sala y luego pregunta

El productor de Brighton deja huella en Barcelona en el tramo final de su Fragments Tour, la culminación de algo que ha estado construyendo durante más de 20 años. El paso de Bonobo por España envolvió el recinto en sonidos y texturas con una actuación imprevisible por las distintas fases en las que sumergió a un público que, con la ayuda de la actuación previa de Poté, estaba entregado desde el primer minuto.

El telonero nacido en la isla caribeña Santa Lucía no se instaló en Inglaterra hasta los 12 años, lo cual queda reflejado en su forma de comunicar su música en el directo. La percusión es un elemento central en su aproximación musical. Tanto es así que él mismo se encarga de llevarla al directo con la ayuda de varios pads electrónicos que varea con innata cadencia. Es todo un one-man-band, se marca él solito los pianos y sintetizadores y canta mientras va lanzando pistas con un launchpad, sirviendo de complemento perfecto para la llegada de Simon Green y su banda. Para entonces, la sala ya estaba totalmente abarrotada y la cola para hacerse con la segunda cerveza de la noche suponía el sacrificio de entrever un par de temas a través de las columnas y line array.

Autor: Borja Comino Fotografía: Kenyi Yoshino para Territorio Music

Cinco músicos en el escenario, Green siempre sosteniendo la batuta (alias el bajo), tienen al público en el bolsillo. No es fácil encontrarse con una banda en directo que emplee tan bien sus recursos para sonar exactamente igual que un track original, con todos los distintos patches, modulaciones de sonido y alteraciones de dinámica que se editan a través de un software a lo largo cientos de horas de automatizaciones e inflexiones específicas logradas a través de una ecualización y compresión particular.

Para los temas que cuentan con colaboraciones vocales la banda incluyó a la flautista y cantante Nicole Miglis, quien emuló a la perfección las interpretaciones de Jamila Woods en ‘Tides’, ‘Shadows’ con Jordan Rakei y también cantó su propia colaboración del anterior álbum de Bonobo, ‘Migration’ (2017), ‘Surface’. Todo del tirón para no tener que entrar y salir del escenario. Muy buen inicio de concierto. Con las colaboraciones vocales despachadas es el turno de la banda para cargarse a las espaldas el siguiente tramo del concierto y, como si de un nuevo inicio se tratase, vuelven a abrir con ‘Prelude’, el primer tema del ‘Black Sands’ de 2010. Los músicos, multinstrumentalistas, sacan de la nada una trompeta y un tipo de flauta mixta para, en el siguiente tema, volver a sus posiciones iniciales con Bambro Koyo Ganda. No se olvidaron de lanzar las vocales de Innov Gnawa, distinguido artista marroquí de melodías preislámicas.

De pronto se marchan algunos músicos. Entra un track que no identifico, láseres verdes, un acorde arpegiado en un subidón eterno y entra el bombo. El concierto se convierte en una fiesta y en el escenario se aprecian atisbos de Simon Green que aparece y desaparece entre el humo y fosforescencia intermitente. Algunos se ponen nerviosos y vuelven a acudir a toda prisa a la barra como si estuviese a punto de finalizar el servicio de bebidas. Siguen siendo las diez de la noche pero Bonobo se empeña en hacer brincar a la sala entera durante 20 intensos minutos. Nicole Miglis se ofrece a dar un descanso a los asistentes y vuelve a aparecer en el escenario con ‘Break Apart’ originalmente interpretado por Rhye. Solo se trata de un espejismo ya que la banda al completo se marcha del escenario. Dejan al capitán solo con una contundente versión de ‘Sapien’ con el añadido de una línea acid de la Roland TB303 que resulta toda una declaración de intenciones de lo que se venía a continuación.

‘Age Of Phase’ para que no decaiga la cosa –para mí, momento estelar de la noche. Como si de un bis se tratase, por los aplausos y gritos manifestados las 2300 personas que atestaban Razzmatazz 1, entra de nuevo toda la banda para rematar el álbum entero con ‘Closer’ y ‘Counterpart’ como broche final a una actuación incontestable.

Previsiblemente las próximas actuaciones de Bonobo dejarán de contar con la participación de la banda. Después de un año girando alrededor del mundo se saben el repertorio al dedillo y se les nota orgullosos a la vez que prematuramente nostálgicos, pues esta fue una de las últimas paradas del tour. A Simon Green se le ve más tranquilo. Sabe que va a continuar repartiendo pan sin descanso durante los próximos meses.

MDLBEAST Soundstorm

Todo un símbolo de cambio en Arabia Saudí

Autor: Borja Comino

Fotografía: ALIVECOVERAGE

Durante el primer fin de semana del pasado diciembre, más de 200.000 personas acudieron durante tres días seguidos al desierto de Banbān en las afueras de Riad, capital de Arabia Saudí. ¡200.000 al día! Sin ofrecer más explicaciones al respecto, el dato es un poco difícil de contextualizar. El motivo por el que tal cantidad de personas se concentraron en el mismo momento y lugar tiene nombre y apellido: MDLBEAST Soundstorm. La escena musical en Arabia Saudí llevaba décadas germinando a puerta cerrada. Solo sus propios ciudadanos, o ni eso, sabían lo que había ahí. No fue hasta el año 2016 cuando las autoridades permitieron celebrar eventos de entretenimiento de forma pública. Esta apertura no solo implicó que los habitantes tuviesen la oportunidad experimentar, al fin, el arte de la música en directo, el baile y la socialización a través de la cultura sino que, además, supuso la posibilidad de compartir ese bien universal con el resto del mundo.

El catalizador en cuestión también tiene nombre y apellidos: el Príncipe heredero Mohamed bin Salman, quien ha flexibilizado algunas leyes y reglas que están suponiendo –dentro de lo que cabe– una liberación para las mujeres saudís en algunos aspectos de la vida conyugal y de desplazamiento tanto dentro como fuera de sus fronteras. Desde el año 2018, la posibilidad de sacarse el carnet de conducir, conseguir vivienda de forma independiente o presentar una demanda de divorcio sin necesidad de consentimiento por parte de otra persona ya es una realidad. El movimiento del gobierno se produce como parte del paquete de reformas sociales y económicas conocido como Vision 2030. “Oro, fosfato, uranio y otros valiosos minerales conforman gran parte de la riqueza de nuestra tierra, pero donde realmente reside nuestro valor es la ambición de nuestro pueblo y todo el potencial que albergan las generaciones más jóvenes”, explica la misiva que define los estándares sobre los que se pretende cimentar esta nueva etapa del país. El 37% de la población saudí tiene entre 15 y 34 años y, contando a los niños, suponen ya el 67%

MDLBEAST es la empresa encargada de organizar todo este sarao que os vamos a enseñar. Llevan desde 2016 dedicándose a producir megaeventos en el Golfo Pérsico, es por eso que no tienen miedo a romper barreras con cada acontecimiento que planean. El área que ha ocupado el recinto esta última edición es descomunal: 5,5 millones de metros cuadrados de superficie y 86.200 plazas de parking (más, incluso, que las plazas con las que se ha contado para el mundial de fútbol de Qatar). Aprovechando la coyuntura se han llevado algún que otro récord por delante.

El escenario principal, llamado Big Beast, es el escenario temporal –no lo iban a dejar plantado en mitad del desierto esperando a la siguiente edición del festival– más alto del mundo con 43 metros de altura. Arabia Saudí quiere convertirse en la nueva meca turística y está yendo con todo para conseguirlo.

Hace cinco años ni siquiera se podía plantear que un evento así pudiese llevarse a cabo. Una de las premisas de Soundstorm es llevar a la práctica ideas que sobre el papel parecían inconcebibles.

Las cifras: un total de 600.000 asistentes durante los tres días que ha durado el festival. 7 escenarios, 200 artistas y más de 260 horas de música desde que se abrían las puertas a las 5 de la tarde hasta casi las 3 de la madrugada. Para entrar tenían montado un control exhaustivo de seguridad. Detectores de armas, cacheos y revisiones en pos de neutralizar la presencia de cualquier tipo de droga en el recinto. Recordemos que el alcohol está prohibido por la Sharía, el código de conducta que rige el modo de vida islámico.

Todo está calculado al milímetro por los organizadores. Cualquier tipo de necesidad está cubierta desde el momento en el que los asistentes se aprietan el cierre de la pulsera de tela del festival con más de 100 casetas de bebida y comida representativa de todas las tradiciones culinarias que uno pueda imaginar. Enormes zonas lounge distribuidas en los espacios que separan los escenarios que permiten tomarse un descanso para checkear bien el horario y localización de cada acto a través de la app de Soundstorm. Como asistente es menester invertir algo de tiempo en organizarse el paso por el festival. Son tantos los artistas y escenarios que existe una probabilidad elevada de solapamiento de conciertos interesantes. Con tal cantidad de músicos contratados en esta edición el FOMO es una constante. Muchos de los que asistimos para cubrir el evento para medios de comunicación echamos unos cuantos kilómetros de más para poder acudir a todos los conciertos que teníamos en la lista.

Un ratito de Tïësto en el escenario principal, agarrarnos de la mano para escapar de la marabunta e ir a la otra punta del recinto para ver la última mitad de la sesión de Artbat, caminar literalmente 100 metros y plantarnos en Sven Väth e ir de vuelta al Big Beast para llegar a tiempo al espectáculo de Post Malone. Ese es el tipo de recorrido que uno se puede marcar en un evento de este calibre.

La tónica del festival era una imagen constante de éxtasis total mostrado por muchos de los asistentes más jóvenes danzando y vociferando a lo largo y ancho de las instalaciones del mismo modo que en una fiesta de final de curso. Vídeos de bailes al más puro estilo TikTok, otros se arramblaban para grabar verdaderos videoclips entre luchas por el protagonismo en cámara y otras facciones de chavales correteaban de un lado a otro, sin rumbo fijo, llevándose por delante a quien no estuviese atento a las acometidas. Hombres y mujeres bailando, saltando, moviendo los brazos. Algunos aún no se creían que eso estuviera sucediendo al fin en su país.

Para facilitar el desplazamiento de un escenario a otro existía toda una red de puentes elevados que permitían llegar a cualquier lugar con más celeridad a los que habían adquirido la entrada Premium. La distribución de los escenarios y las actuaciones corresponde a una cierta correlación en estilos y alcance de los artistas. ¿Mejorable? En algunos casos sí. Un ejemplo fue Ricardo Villalobos haciendo huir en masa a los espectadores del escenario principal en menos de 15 minutos de set. Imagen tan desgarradora como cómica. El público local no está acostumbrado a sesiones estáticas en las que ir entrando poco a poco en la rumba que proponga el DJ. La gran mayoría de artistas entendieron la tarea y deleitaron a la clientela con ciclos de Intro-Build Up-Breakdown-Drop que a veces no duraban ni 45 segundos.

Una hora antes, en el mismo escenario, estuvo Afrojack acompañado del cantante saudí Ahmed Saad y el hitmaker egipcio Mohamed Ramadan. Los tres tuvieron encantados a los asistentes durante algo más de hora y media, convirtiendo la explanada en una lona uniforme de personas en las que fácilmente se podrían haber contado 50.000 cabezas. Temas míticos del DJ holandés junto con lo que, a todas luces, eran himnos creados por Ahmed Saad se intercalaban con inesperada coherencia a lo largo de la hora y media que estuvieron en la tarima. Mirase donde mirase el público estaba pronunciando sílaba por sílaba todos los temas del saudí. Mohamed Ramadan, por su parte, ofrecía su particular versión de lo que sería Harry Styles si le hubiese dado por emular a Iggy Pop en la época del playback. Porque hubo playback. Una mezcla curiosa.

Simultáneamente, otras muchas cosas llamativas estaban sucediendo en los otros escenarios. Down Beast estaba dedicado a cubrir las necesidades más alternativas de la audiencia con actuaciones de Jorja Smith, Michael Kiwanuka, Rae Sremmurd, Chet Faker , Omar Souleyman o el A$AP Rocky de Riad, $kinny. Otros cuatro escenarios estaban preparados para desprender intensidad bajo el nombre de Underground 1, 2, 3 y 4. Situados en uno de los extremos del perímetro representaban pequeños coliseos construidos con enormes contenedores de mercancías que hacían lo que podían para no reflectar demasiado el sonido. En alguna ocasión llegué a pensar que alguien había puesto un efecto de Delay al bombo sin querer. Se puede perdonar porque los organizadores consiguieron meter a auténticos headliners como quien no quiere la cosa en la zona más desatada de Soundstorm. La Fleur, Solomun, Villalobos x Luciano, James Hype, Chris Lake, Art Department, Carl Cox, Eli & Fur (solo fue Eli), 2Manydjs, Polo & Pan, Jamie Jones b2b Seth Troxler, Onyvaa, ANNA, Maceo Plex, Adam Beyer, Damian Lazarus… Tela.

El segundo escenario más grande de Soundstorm denominado Dance Tent es una carpa enorme en la que pantallas colgantes hacían de péndulo tras personalidades como Claptone, Steve Aoki, el indiscreto Salvatore Ganacci, Eric Prydz, Gordo, Benny Benassi y nuestros representantes nacionales Brian Cross y B Jones. Los reyes del pabellón fueron David Guetta y Morten (Future Rave). Guetta es embajador del festival, pues ya estuvo presente en la primera edición de 2019.

Convencido de que el tremendo esfuerzo invertido en todo esto no es propaganda sino un cambio real, recordaba en rueda de prensa tener grabado en la retina ver a mujeres llorar de alegría en su set de la primera edición. También tuvo especial repercusión en el sonido de su más refinada versión del género que lleva a cabo, también denominado future rave. Al incluir sonidos mucho más orientales para la ocasión se dio cuenta de que encaja particularmente con la resonancia que estaba buscando.

Otra personalidad que los saudís tienen en gran estima, por motivos que ni los locales supieron exponerme, es DJ Khaled. El ejecutivo discográfico americano hizo lo que mejor sabe hacer, que es emular a un productor de cine pero en la industria musical. Khaled, proveniente de familia palestina, no hace canciones ni sabe de ingeniería de mezcla. Él junta a artistas para sus movidas y convierte en hits casi todo lo que toca. Al ver que en los horarios de la propia app creada por MDLBEAST su casilla adjuntaba el título Khaled & Friends, alguna sorpresa nos podíamos oler. El creador de We The Best se trajo al escenario a Rick Ross, T.I, Fat Joe y Busta Rhymes que pusieron por obra decenas de éxitos que han ido firmando durante los últimos 15 años. Khaled, que rindió homenaje al reciente fallecido Takeoff de Migos, finalizó el set explicando que, para la ocasión, había cogido un avión por primera vez desde hace más de una década. Tiene un miedo tremendo a volar pero no quiso perderse la oportunidad de participar en algo de gran beneficio –en muchos sentidos– y que sienta las bases para un futuro que ilusiona a un país entero.

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

WAAJEED

Memoirs of Hi-Tech Jazz Tresor Records / BMG

Waajeed encarna a las mil maravillas el sonido Detroit inspirado por el espíritu libre y complaciente del jazz. Es techno y es protesta, por supuesto, pero en esta ocasión se celebra también la suerte de la vida. Se nos confirma incluso que este disco apuesta por elogiar la expansión de la comunidad negra en un entorno tan hostil como es esta ciudad, la más poblada de Michigan. La alegría persiste, resiste, y es precisamente lo que percibiremos en ‘Memoirs of Hi-Tech Jazz’. El alma y efervescencia del lugar y sus gentes se perciben en un fantástico ejercicio musical. No en vano estamos ante uno de los creadores de Slum Village y Platinum Pied Pipers. Baile y emociones de punta con la misiva que se percibe en títulos como ‘Keep it Coming’ o ‘Remember’.

Ten Days of Blue (Live at Dekmantel) All Good Music

Hace no mucho le tuvimos apostando por una fusión de sonidos latinos y afro a través de su proyecto Sol Set. Y no es que fuese precisamente un despropósito, pero sin duda preferimos al bueno de John Beltran desenvolviéndose con texturas más electrónicas y ambientales. De esas que nos han estado volatilizando la sesera desde mitad de los noventa con lanzamientos como ‘Earth & Nightfall’ o ‘Ten Days of Blue’. Es techno que busca pellizcos de alma en los cacharros. Este disco que acaba de publicarse es, como bien sopla su título, un regreso a aquel maravilloso segundo álbum reinterpretado en directo en Dekmantel (Ámsterdam). Volveremos a escuchar en esencia producciones como ‘Venim And Wonder’ o ‘December's Tragedy’ donde, a través de tonos optimistas y discretos, reviviremos la naturaleza del mejor techno-ambient.

Exit Planet Earth – Launch 20/20 Vision

Este disco es un auténtico tesoro para los amantes del sonido electro más puro y tirando a oscuro (sin pasarse). En nada menos que veinticinco pistas vamos a embadurnarnos con la esencia de este estilo. Uno que Ralph Lawson controla a la perfección y que incluso por ello cambió hace unos años la fisonomía de su sello 20/20 Vision, a principios de este siglo mucho más disco-house y funk. Me gustaba antes, y me sigue encantando ahora. El nervio y la calidad de los tracks incluidos en este lanzamiento demuestran la buenísima salud de un género que se defiende por sí solo. Beats robotizados llenos de actividad emocional. Escapamos de la realidad y bailamos como androides con artistas de la talla de Zobol, Egyptian Lover, Cignol, Futurenauts, Kosh, James Shinra o Extrawelt.

Luca y Michele son Complementary Minds. Ellos crearon Terapia Records, el mismo que se desvirga desde ya con un larga duración. Es justo el primero, el milanés Luca, quien juega al mareo presentándonos el proyecto con su primer seudónimo artístico: Butch Haynes. Ojo, que así firmó en Apparel Music. Volviendo al presente, este disco quiere apuntar algo y lo hace sumando casi una docena de temas bastante asequibles de electro, retro-techno y house analógico. Mayormente al trote y con las energías muy vigiladas (‘Contact 911’, ‘G Buster’, ‘Maam’). No queda ahí la cosa, los downbeats hacen acto de presencia, muy dignamente y en numerosas ocasiones, sumando ratos sintéticos de ensueño (‘Flower Diva’, ‘Insomnia’, ‘Teacher Carey’). Ellos mismos nos cuentan que publican música impulsados por el amor, los sueños y los recuerdos. La música, una terapia.

Si eres un fanático de este señor y su escudería Bedrock Records, estás de enhorabuena. Se acaba de volver loco publicando tu regalo perfecto. John Digweed lanza un nuevo episodio, de los ya de por sí bien considerados ‘Quattro’, que apelotona cinco CD y un vinilo. Un total de cincuenta cortes inéditos enchufados de golpe y porrazo o bien en mixes o en formato álbum de toda la vida. Esto sucede al incluirse el nuevo disco de Miles Atmospheric ‘Ancestral Communication’. Así dicho parece un desvarío total, nada más lejos de la realidad. El temario se escucha a las mil maravillas y es completamente coherente. Una estupenda apología del techno, house y break de lazos atmosféricos. En los mixes, hallaremos música creada por artistas como Pig&Dan, Farnkey & Sandrino, Robert Babicz, Quivver o Aubrey Fry.

JOHN BELTRAN

VVAA

JOHN DIGWEED Quattro III Bedrock Records

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

SVEN VÄTH

What I Used To Play Cocoon

Arrancamos 2022 hablando precisamente de ‘Catharsis’, el primer álbum publicado por el alemán tras casi dos décadas un tanto disperso. Pues bien, el nuevo año comienza con Sven Väth desvelándonos en un recopilatorio capital cómo se curtió en sus diez primeros años como DJ. Una notabilísima colección de hasta 36 pistas done encontraremos importantes clásicos de gente como Frankie Knuckles, Kraftwerk, Model 500, New Order, A Split Second, M/A/R/R/S/, The The, Yello e incluso Whodini o Liaisons Dangereuses con el mítico ‘Los Niños Del Parque’. Curvas y recuerdos constantes donde tienen su presencia desde el acid, el synthpop, el techno, el sonido electro y disco… hasta el new beat e incluso el hip hop. Un disco didáctico y de raza que además se presenta en cajas exclusivas con grabados y fundas a todo color. Verlockend!

LEFTFIELD

This Is What We Do Virgin Music

Leftfield están en mi podio personal. Desde que me hice con 12” como ‘Songs Of Life’, ‘Not Forgotten’ y finalmente el LP ‘Leftism’ con inmensas joyazas dentro. Mi vida, mi pasión por la electrónica que se alimenta de beats cebados, techno, dub y ciencia ficción dio un giro radical. Paul y Neil son pioneros. Así que, disfrutar mientras perdió su aliento el 2022 de un nuevo álbum de ellos, fue ilusionante. Una ceremonia a la que no pude esperar arrimar la oreja. ‘This Is What We Do’ retoma ese espíritu rico y vitamínico que han poseído siempre. Eso que está creado dentro de una espiral dolorosa, un contexto surrealista de depresión y problemas serios de salud. Once canciones donde se reconocen las cualidades de estos precursores. Descubrimos nuevos temones como ‘Full Way Around’, ‘Pulse’ o ‘Power of Listening'.

El neerlandés Prunk se ha ganado a pulso el ser respetado convirtiéndose con los años y su buen trabajo en uno de los personajes a perseguir dentro de la escena europea de deep, house y underground. Eso que su nuevo LP se abre del tirón con un tema totalmente acostado de chill-funk, algo que no volverá a suceder luego ya que el house de tonalidades cálidas tomará las riendas de este viaje. Discurso por otro lado coherente, el disco no es en absoluto belicoso, sí una constante calorina de texturas y beats. Encontramos líneas de bajo con mucho rollo (‘Incredible’ junto a Ruze), teclados jazzies que nos saludan amistosamente (‘French Toast’) o directamente cortes sensuales y cantaditos (‘Drive’ con Dennis Quin). A grandes rasgos un ejercicio liviano de house soleado, devoto y atemporal.

UGLY MAC BEER

The Valle of the Kings Beatsqueeze / XRay Production

Otra de esas eminencias de reconvertir melodías y cachitos de músicas olvidadas en creaciones totalmente nuevas. En esta ocasión estamos ante uno de los beatmakers más reconocidos de la escena electrónica y hip hop francesa. Tanto tirando de colaboraciones con peña como Wax Tailor o Mister Modo, como en su carrera en solitario, Ugly Mac Beer es sin dudarlo uno de los embajadores de nuestro país vecino en estos terrenos tan incombustibles y creativos. En su nuevo LP trastea con la belleza y misticismo de los soniquetes de Oriente. A estos añade por supuesto una buena balsa de beats. Sentimos como los doce temas se conectan entre sí, quedando una historia de fácil escucha. Si debo destacar algunos títulos, me quedo con ‘Listen to Me’, ‘Ambitious Dream’ y 'Peace On Acid’.

El título se defiende por sí solo. Fue en 2015 cuando la revista londinense Fact publicó un listado con los cincuenta mejores álbumes de trip hop de todos los tiempos. Allí, en el puesto 36º y por delante de Wagon Christ o Red Snapper, el ‘Confessions Of A Selector’ de Tim ‘Love’ Lee. Discazo publicado en 1997 en su propio sello Tummy Touch, donde repite faena. Si bien es cierto se trata de una compilación retrospectiva y conmemorativa del 25º aniversario de aquel lanzamiento. La mayor virtud de Tim es crear basándose en su sabiduría y buen criterio a la hora de rebuscar en cubetas. Su glosario es a base de downtempo refinado, algo extravagante, construido con retales de vinilos que rezuman a trópico y a ascensor. Su papel fue y sigue siendo importante en esta escena.

PRUNK Le Funk PIV

TIM ‘LOVE’ LEE Confessions Of The 36th Best Trip Hop Producer Of All Time Tummy Touch

Críticas

Autor: WILLY ALCOCER | willy@djmag.es

LIKE MIKE X ASHER SWISSA

Awaking Smash The House

Tercer single que lanza sin su hermano —el griego de nacimiento y belga de adopción— Michael Thivaios el pasado 2022. Cambia a Dimitri por el productor israelí Asher Swissa (proyecto paralelo del afamado DJ Skazi, que responde a su nombre y apellido reales) para crear lo que puede llegar a ser un himno EDM. Los perfiles sonoros de estos artistas son bien distintos: el líder mundial del Big Room vs uno de los nuevos exponentes del melodic techno. Sin embargo, la hábil combinación de ambos ha generado un tema que no responde a ninguno de dichos géneros. En su lugar, nos presentan un progressive house de hermosa armonía y melodía principal con ese aire de himno de Main Stage de Tomorrowland que uno ya reconoce con cierta facilidad.

CHRISTIAN MILLÁN Areia

Eternity Trax Records

¡Uf! Christian Millán. Hablamos de uno de los grandes de verdad, de los históricos, de la generación de principios de los 80 que están cumpliendo actualmente 25 años de carrera profesional. Y en su caso… ¡qué carrera! Residente de una de las mejores discotecas de la península ibérica, Fabrik, residente también de la discoteca ((Radical)) —que para decenas de miles de personas será siempre la más mítica de España—, residente del after más emblemático que haya existido en la Comunidad de Madrid, Jake... Su lista de residencias sólo es superada por las salas que ha visitado como invitado. Posiblemente es el DJ español que más ha hecho por el sonido hard house. El disco: una auténtica delicia entre el trance y el dance de preciosa melodía, con un sonido limpio y técnicamente impecable. Como Christian.

GIL Inhale Clipper’s Sounds Records

La bella localidad de Mulhouse, en la francesa región de Alsacia, veía por primera vez amanecer a Oliver Gil. Entre aquella belleza gala y la del mar Mediterráneo que actualmente divisa Oliver cada mañana en la malagueña Torre del Mar, hay más de 20 años de trayectoria musical como DJ y productor de música electrónica. El Oliver DJ es atrevido, alegre y expresivo en sus sesiones. El Oliver productor es versátil, de difícil encuadre en un único género, pues gusta de experimentar y mezclar sonidos y estilos. Así, lleva ya varios hits virales de nivel mundial. Acierta de nuevo Clipepr's Sounds al publicar este progressive house melódico en el que la intensidad rítmica y sonora va in crescendo de manera inteligente, elegante y envolvente.

CEDRIC GERVAIS X JOEL CORRY Molly Musical Freedom Records

Joel Corry, DJ y productor londinense y residente de Kiss FM, saltó a la fama cuando su single 'Sorry' pasó 10 semanas en el Top 10 del Reino Unido en 2019, batiendo ahí el récord diario de todos los tiempos en Shazam. Después, con ‘Head & Heart’, logró su primer #1 en el Reino Unido durante seis semanas seguidas. Podríamos seguir con similares estadísticas. El francés residente en Miami Cedric Gervais acumula una audiencia mensual en Spotify de +3 millones, además de éxitos en las listas Billboard, UK y ARIA, singles con ventas multiplatino, varios número 1 en las listas Beatport y shows por todo el mundo. ¿Qué sale de la unión de semejantes monstruos si reversionan un clásico

Qué alegría poder hablar aquí de un compañero actual de cabina. Jorge Monje entró la temporada pasada con nosotros como DJ residente de Madness Light, la sesión de tarde más importante de España actualmente, en términos de volumen de público, salas en las que se realiza (con sede principal en el mítico Teatro Barceló, antiguo Pachá Madrid) y repercusión mediática a nivel nacional. Jorge es un excelente DJ multi-estilo, lleno de energía y ganas, con una técnica excelente. Y lo que no sabía yo era que, además, se manejaba tan bien en la producción musical. Esta versión hardance/hardstyle del popular villancico es uno de los tiros más seguros que se puede tener estas Navidades. Suena genial, se baila todavía mejor y, sobre todo, divierte. Enhorabuena, querido compañero.

OLIVER

JORGE MONJE

Los Peces En El Río (Hard remix) Baby Yoda Records

Críticas

MARCEL FENGLER

V/A - 10 YEARS IMF 10 YEARS IMF

El residente del Berghain Marcel Fengler quiere celebrar los 10 años de su sello por todo lo alto y qué mejor manera de hacerlo que con una compilación mágica. IMF viene con una demoledora selección, ha juntado lo mejor de cada casa mezclado con sus pasiones y vivencias de todos estos años como residente y viajando por todo el planeta. Fiel a la visión del propio Fengler, presenta producciones que abarcan toda la amplitud del género techno: ya sea funky, elegante, industrial, atmosférico o broken beat, hasta la variedad techno más dura. 10 Years IMF se rige como el manifiesto personal de Fengler sobre el techno y las posibilidades artísticas del género. Destacaría el track de Dasha Rush ‘RAW’.

El sello español Art 21 vuelve a la carga con dos lanzamientos, uno en formato físico en vinilo y otro en una compilación en formato digital. El vinilo contiene 4 tracks enfocados a reventar cualquier pista de baile o festival del planeta y la compilación digital contiene el lado experimental de muchos artistas que, en este caso, se olvidaron de la pista de baile para dejarse llevar en secuencias experimentales. Una combinación perfecta para cualquier amante del techno. Haceos con vuestra copia Art 21, nunca falla.

BEN SIMS & MARK BROOM Circular Motions EP Hardgroove

Dos genios del techno europeo se juntan en el estudio para hacer un EP compartido… ¡ya te puedes imaginar el resultado! Una auténtica maravilla de disco. Ben Sims está imparable y muy activo con sus dos labels, que no paran de sacar buena crema musical. Esta vez se unen dos buenos amigos de toda la vida para crear un lanzamiento compartido. Mark Broom lleva muchos años lanzando mes tras mes auténticas genialidades en una infinidad de sellos, y aquí tenemos otros dos tracks más. Haceos con este disco porque no defraudará ninguno de los cuatro tracks. Destacaría la nueva versión del track ‘Unity’ de Ben Sims.

CLAAS HERRMANN

Forst EP Suara 465

El sello de Ivan Ramos aka Coyu sigue con el pie en el acelerador, no para nunca. Esta vez nos presenta un EP del alemán Claas Herrmann con dos remixes, uno del dueño del sello y otro de Svetec. Techno puro y duro para cualquier amante de la pista de baile caliente a cualquier hora. Suara cambió de rumbo hace ya unos años y los amantes del techno nos hinchamos a poner su música. Siempre sacan algo con mucha calidad, un día puedes escuchar a Robert Hood o Luke Slater y otro a cualquier artista más novel. Coyu no suele fallar, tiene buen oído. Los años se notan mucho, sabe muy bien si la música funciona. Os recomendaría su remix, es una máquina de matar. Gran trabajo Ivan, Suara Rules.

Transitions EP Distrackt Records

Distrackt Records da el pistoletazo de salida al 2023 dando la bienvenida de nuevo al DJ/productor berlinés Christian Taubert AKA Flechtheim con su EP de cuatro temas, Transitions. Debutó en DR en 2020 con su bien recibido Neutrum EP y ahora Flechtheim regresa con este nuevo trabajo, un escaparate de su creativo sonido característico. Estos tracks enfocados a la pista de baile no defraudarán; techno con estructuras minimal de pocos elementos pero muy bien construidos. Techno de mucha calidad.

VVAA Neurotwin III Art 21

FLECHTEIM

ARVØW

Subliminal Be Your Own Studio

'Subliminal' es el single del próximo EP de ARVØW, ’Last Contact’. Este trabajo está inspirado en las diferentes fases del confinamiento, especialmente las más frías y oscuras. Las propuestas de este singular artista son siempre diferentes, logrando trascender los géneros y clichés más recurrentes, poniendo el acento en estructuras más narrativas e hipnóticas, sin perder por el camino la contundencia e intensidad necesaria. Con 'Subliminal’, publicado en Be Your Own Studio, el artista intenta transmitir esperanza e impulso en un mundo pandémico, planteando un trabajo que va más allá de traer un soplo de aire fresco a las pistas de baile, mientras busca sin descanso renovar el lenguaje musical con ideas brillantes que hagan que esa experiencia sea mágica, singular y sobre todo, muy divertida.

YYARD

Dead Neighbour’s Garden EP Sound Of Berlin

Dead Neighbour’s Garden aterriza estas navidades bajo el sello Sound of Berlin. Impregnado por un híbrido de glitch irónico y melancolía post-rave, el EP recuerda las compilaciones de 'Artificial Intelligence' de principios de la década de 1990 del sello Warp. Aquí, YYARD consigue que en cada track emerja un racimo de belleza armónica y melódica, donde los sonidos van evolucionando según nos acercamos al corpus central del tema, manteniendo un ritmo constante y una línea de bajo sólida y continua que nos hace mantener los pies en el suelo, mientras que el resto de sonidos nos liberan y disparan al más allá. Al final, en conjunto, acaban conformando un disco con un equilibrio muy cuidadoso entre la ambición de sus intenciones y la grandeza de sus resultados, consiguiendo estar a la altura del original. Una tarea nada fácil.

INNOCENT SOUL Apulian Strings See-Saw

Innocent Soul publica Apulian Strings, el tercer lanzamiento en vinilo del sello See-Saw, que presenta cuatro relampagueantes tracks que serán una delicia para todos los aficionados del house. Analizándolo en conjunto lo habitual es quedarse atrapado, perdido en su halo, en su inmensidad sobrada de contexto e historia, de evocación y de presente, avisando además de que en las próximas referencias no se puede rebajar el nivel, solo se permite subirlo. Este Apulian Strings es un himno instantáneo, crea el entorno adecuado de máxima atención a la primera, se instala en la memoria al escucharlo por primera vez, y para esos DJs que buscan crear un instante de “perderse dentro del sonido”… ¡será un arma fundamental! El único problema, en todo caso, sería el desgaste por exceso de uso. Este EP es puro veneno para el espíritu.

FINEST WEAR

RUSSO Club Cuckoo EP Broad Channel

El último trabajo de Derek Russo, Club Cuckoo, es un intento del propio artista de no entregarse por completo a las voces que pueblan su cabeza, buscando el sentido a la locura. Aunque siguen definiendo su sonido característico, los lanzamientos de Russo —siempre con la mirada en la pista de baile— tienen un pulido distintivo y parece que su música no se solidifique nunca, algo similar a un flujo de sonidos e impresiones en constante movimiento. El resultado es un trabajo que funciona de principio a fin sin flaquezas ni fisuras que, además de saber lo que busca, lo encuentra, además de saber hacia dónde va, es capaz de llegar a su destino aportando satisfacción y clarividencia. Cum laude!

Jasper Tygner lanza 'Deny It', el primer single del próximo EP debut titulado 'Real Time', que se publicará también en el sello electrónico alternativo LG105 y saldrá a principios de 2023. El sonido de Tygner está influenciado por los programas de televisión de los 90 y principios de los 2000, lleno de desenfoques, cortes y zooms locos. Todo ello se resume en su trabajo por una multiplicidad de ritmos, consiguiendo que nos resulte familiar y nuevo al mismo tiempo, o evocándonos a una infancia electrónica —sin perdernos en la nostalgia— mientras contemplamos el futuro. De ahí que este 'Deny It' se acabe conformando en un trabajo donde se da un equilibrio muy cuidadoso entre la ambición de sus intenciones y la grandeza de sus resultados, consiguiendo condensar dos conceptos que parecía que ya no íbamos a recuperar: futuro y permanencia. La satisfacción es inmensa.

DEREK

JASPER TYGNER Deny It LG105

Autor: ALEJANDRO SERRANO | alejandroserranopr@gmail.com

Críticas | DRUM & BASS

Autor: DANIEL PANIAGUA AKA D-PR | elnidospain@gmail.com

BEESON

Right Side Drive

Detached Audio

El sello británico Detached Audio cerraba el 2022 con la tercera parte de su compilación ‘Segments’ del cual resalta el debut del jovencísimo Beeson con su track 'Right Side Drive’. Un track de Soulful Drum & Bass que te transporta a ese lugar feliz en tu cabeza, con unas perfectas armonías en el fondo y una sección de cuerda preciosa. Si eres amante de este género, no dejes de añadirlo a tu colección.

MAYKORS FEAT. ANIMA Most Vivid Dreams Live History Recordings

Otro track de Soulful que destacamos este mes es la colaboración de Maykors junto con la voz de ANiMA, una simbiosis perfecta entre la producción y la preciosa voz que te lleva en brazos durante todo el tema que, pese a no tener un segundo break, en ningún momento se te hace pesado gracias a la progresión perfecta en cada una de las frases del track, intercalando subidas y bajadas de los sintetizadores utilizados y con la desaparición de las baterías para crear tensión y emoción en el tema.

MAYSEV Self-Shading Live DIVID

La nueva armada de milenials está claro que ya está aquí, y que lo hacen muy pero que muy bien. Una buena muestra de esto es el EP de Maysev del pasado Noviembre, pero que no podía pasar por alto. Con el track homónimo Self-Shading existe una perfecta progresión; desde una fusión de hip-hop con deep house para su primer drop al liquid pistero con influencias de la nueva corriente del neurofunk, y para su segundo drop todo esto acompañado de unas vocales hipnotizantes. ¡Una maravilla sonora!

LAZZA [Anticlockwise Music]

GLOWING EMBERS And Breath West Cove Recordings

El duo canadiense Glowing Embers regresa a West Cove Recordings con otro trabajo de 5 pistas, que van desde el liquid melódico al ‘pisteo’, siempre con una fuerte producción en los graves y subgraves. De este EP, se destaca el track ‘And Breath’ un tema enfocado a la pista de baile y perfecto para los amantes de las baterías rápidas con un buen subgrave, para poder jugar a mezclarlo al ‘Double Drop’.

Uno de los sellos más contundentes de Bristol cerraba un increíble año 2022 con el lanzamiento de Disturbance de TREMR: tres tracks de altísimo voltaje y altísima calidad como los que nos tienen acostumbrados. Destacamos el tema que pone nombre al trabajo, que cuenta con dos drops perfectamente diferenciados; en el primero, el principal protagonista es la línea de graves y, en el segundo, una vocal a modo de pad que crea una perfecta armonía capaz de transportarte a otro mundo.

01. FLOW B 'The Endling' [Anticlockwise Music] 02. LUPS DIGGA 'Soul Power' [Anticlockwise Music] 03. MARTYN NYTRAM 'Light Up The Dance' [Dread Recordings] 04. M4 'Bad Guy' [Histeria Records] 05. NCAMARGO 'Safe Haven' [Influenza Media] 06. MONTY & VISAGES 'Ace Of Spades' [1985 Music] 07. FRAME 'Infuso' [Fokuz Recordings] 08. M4 'Destroy' [Histeria Records] 09. MISSHAPEN MIND 'Polyhedron' [Dissonance Audio] 10. DUB PHIZIX 'Lumi' [SenkaSonic]

TREMR Disturbance Live Expedite

Críticas | BREAKS

ELITE FORCE

Uno de los DJs y productores más activos dentro de la escena breaks es nuestro gaditano afincado en Mallorca, Guau. En lo que a DJ se refiere, ya comentábamos que acaba de volver de su tour por Estados Unidos, y como gestor de los sellos 83 (dedicado al breaks y al UK garage) y Close Your Eyes (dedicado al breaks más mental y atmosférico), denota su exquisito gusto a la hora de seleccionar material. Por último, sin saber de dónde saca el tiempo, es una bestia produciendo. Si ya nos sorprendía con colaboraciones mastodónticas como las de Krafty Kuts, con una producción original y Future Funk Squad, reversionando su clásico 'Beat Freaks', ahora sorprende con una revisión oficial del mítico 'Bombin The Subway' de Elite Force.

BICEP Water Ninja Tune

Los chicos de Belfast, Andy Ferguson y Matt McBriar, vuelven con su música inmersiva. Ya hablamos en estas páginas de sus anteriores lanzamientos 'Glue EP', 'Rain EP', 'Atlas' e 'Isles'. En esta ocasión se trata del EP 'Water', repitiendo con el mítico sello Ninja Tune. Los que hayan tenido la oportunidad de verlos este pasado año en Glastonbury, ya sea en directo o a través de internet, les sonara la canción principal, en la que colaboran de nuevo con la vocalista Clara La San, con la que ya habían contado para los singles 'X' y 'Saku' de 'Isles. El track fue creado específicamente para su show en directo y ha sido nombrado 'Hottest Record In The World' por la BBC Radio 1.

El DJ y productor gaditano José Luis Rueda, más conocido como Hankook, nos presenta desde su sello Distorsion Records lo que puede ser su lanzamiento más contundente hasta la fecha. En su línea habitual de ritmos hardcore y potentes, '303' es un single cargado de ritmo y buenas líneas de bajo ácido. ¡Directo para tu rave más cercana! Destacar otros títulos del sello como 'Rave' del misterioso Acedias, 'Places (2022 Mix)' del onubense Perfect Kombo, '2Mil2' del también onubense Sekret Chadow, 'Coming Back Around' del malagueño Woter junto a los ingleses The Push, 'Bass Noisy' del gaditano Hankook y el malagueño Tortu, 'Make Me Feel Good' y 'Work It Up' del sevillano Nitro y 'Too Busy' del gaditano afincado en Ibiza Urbano.

DESTROYERS & THE BRAINKILLER

Wiger Toods

Elektroshock Records

Otro sello que no para de lanzar hits es Elektroshock, dirigido por Jose Carlos Aguilar y por Miguel Blanco, alias Destroyer. Es este último el que ocupa el foco este mes con su lanzamiento en colaboración con el malagueño The Brainkiller. Una producción impecable, donde la contundencia y la elegancia van de la mano. Movimiento en la pista asegurado. Destacamos también de esta casa otros lanzamientos como el UK garage 'Feel The Rush' de nuestra invitada de este mes en el Top10, la sevillana MBreaks, el 'Vip Mix' del track 'I Like This!' del granadino Aggresivnes y el malagueño The Brainkiller, el acid breaks 'In My Mind' del sevillano GreenFlamez y el potente breakbeat 'Only You' de la unión entre los gaditanos Hankook y Murix.

MBREAKS

V.APARICIO Free Your Mind Musication Records

El sello nacional Musication Records nos trae lo nuevo del malagueño V.Aparicio, un sello con el que lleva colaborando desde 2013. Literalmente desde su primera referencia titulada 'LadyBug', a cargo del también malagueño The Brainkiller, en la que Aparicio aportaba sus labores de remixing. Desde entonces ha realizado bastantes remixes y producciones originales para esta casa, a destacar lanzamientos como 'Scare Tactic', con su memorable drop; 'Here I Go', 'Serious Blow' y 'Sun & Sea', con un alegre y movido 2-step; 'Albert' y 'Fuck Me!', con un melódico breakstep y 'Kaiser', un potente nu skool que he pinchado en varias ocasiones. En este caso nos presenta el single 'Free Your Mind', una producción de breakbeat con ritmos de mucha pegada y sintetizadores juguetones.

01. ALESHA DIXON 'Every Little Part Of Me (Mike Delinquent Project Remix)' [Warner Music]

RASCO & JONAY 'Addicted (Original Mix)' [Elektroshok Records]

BAYMONT BROSS & SEKRET CHADOW 'Mystic (Original Mix)' [13Monkeys Records]

COLOMBO 'Laud (Original Mix)' [Distorsion Records]

GUAU & DESTROYERS 'Under Pressure (Original Mix)' [83]

SUB FOCUS 'Could This be Real (Original Mix)' [RAM Records]

BOWSER 'Gold (Original Mix)' [Banana Club]

RHADES & FM-3 'Back To The Funky (Original Mix)' [Banana Club]

SCREWFACE 'Monte (Original Mix)' [720 Bass Ltd]

THE BRAINKILLER 'Rave Art (Original Mix)' [Selecta Breaks Records]

Bombin The Subway (Guau Remix) 83

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es