DJ Mag ES #127 by DJ Mag España

C O N T E N I D O S DJ MAG 127 / SEPTIEMBRE 2021

Secciones 006 008 010 0 11 0 12 0 14 016 018 020 022 024 026 028

BREVES 60 SEGUNDOS – SUMLUV MIS FAVORITOS – ROSE RINGED OFF THE RECORD – WEHBBA FOCUS ON – SIONA RECORDS 5 TRACKS – KATE OZZ

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ELECTRÓNICA & ROLL – REQUIEM COCINAMOS CON – LAWRENCE HART LUCKY 7 – HANNAH WANTS MI CIUDAD – KETTAMA TENDENCIAS – PACHA X ITALIA INDEPENDENT CÓMO PRODUZCO – VIVIANA CASANOVA EL RINCÓN DE KALI

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Artículos 032 042 050 058 062 070 080 084

ELI & FUR CONFORM RECORDS & GAETANO PARISIO IKER JIMENEZ MAGIT CACOON SOLARSTONE TOP 100 CLUBES EL GRIME EN BRASIL AIRPODS MAX

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AAA 088

DEFECTED CROATIA 2021 @ THE GARDEN TISNO

Críticas 094 096 098

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LA SELECCIÓN DEL DIRECTOR ÁLBUMES SINGLES

Te ch 10 6

PLASTIC

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E D I T O R I A L

DIRECTOR GENERAL Y DE CONTENIDOS Eduardo Pérez Waasdorp | eduardo@djmag.es REDACCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es Helena Bricio | redaccion@djmag.es DIRECTORA DE ARTE Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es DISEÑO Y MAQUETACIÓN Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es Miguel Ángel Alvira | miguel@djmag.es DISEÑO DE PORTADA Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA Y VIDEO Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es Pierre Navy | pierre@allinpress.com GENERAL INFORMACIÓN: Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es ADMINISTRACIÓN: Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es MARKETING MARKETING Y BUSINESS MANAGER: Sara González | sara@djmag.es MARKETING INTERNACIONAL: Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es DIRECCION COMERCIAL: Jassi González | jassi@djmag.es COLABORADORES Ángel Manrique, Borja Manzano, Bruno Garca, Cristina León, Charlie Braun, Eduardo Carbonell, Ekai, Esteban Martínez, Fernando Blanco, Gerardo Cartón, Guillermo Delmas, Gustavo Navedo, Helena Bricio, Julia Lozano, Jonathan Prada, Carlos Flavio Bustos, Mugni, Oliver Florez, Rohan G. Finger, Sandra Vian, Sergio Bifeis, Sergio Parrado, Willy Alcocer, Manuel Sánchez-Cid, Miguel Ángel Alvira, Víctor Fernández, Luis Vallespín y Marc Montes.

EDICIÓN REVISTA DJ MAG SL Passatge Carsi, #16 (Local) 08025 - Barcelona (España) EDUARDO PÉREZ WAASDORP Director

DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

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B R E V E S Autor: REDACCIÓN

ANIMO OPEN AIR PRESENTA UN ESCENARIO CINÉTICO EXCLUSIVO Estructuras orgánicas en movimiento crean conjuntos que se integran en un escenario diseñado específicamente para Animo Open Air. Formas complejas inspiradas en los elementos de la naturaleza son la inspiración de Florian Görlitz, artista con el que se alía Animo Open Air para su próxima fecha el sábado 11 de septiembre. Su práctica artística se centra en una combinación de estructuras geométricas, llegando incluso a los 15 metros

de su primera creación en India. Desde su experiencia en India, volvió a Alemania y comenzó a explorar las posibilidades de transformación de la cinética, colaborando con proyectos como Amster-Dome, Teems India PVT Ltd o Boileroom. En Animo presentará un escenario diseñado exclusivamente para este evento, caracterizado por sus estructuras dinámicas, con movimientos sincronizados, colores vivos y formas orgánicas.

UNTOLD ANUNCIA SU NUEVA OLA DE ARTISTAS ¡El festival de música más esperado de Europa, UNTOLD, ya está aquí! Los creadores del reino mágico de Transilvania desvelaban la segunda ola de artistas a finales del mes pasado, por lo que si aún queréis disfrutar de UNTOLD los próximos 9 al 12 de septiembre, no perdáis el tiempo. Paul van Dyk, Sam Feldt Live, Fedde le Grand, Tujamo, Danny Avila, Kungs, Ofenbach, Vintage Culture, Az-

teck y Tchami se unen a los ya confirmados, junto a Lee Burridge, Audiofly, Monolink, Day Dreamers, Parra for Cuva, Julian Morris, Satori, Seth Troxler, Stavroz y muchos otros. ¡No perdáis la oportunidad de cerrar el verano con toda la magia de UNTOLD!

www.untold.com/tickets

ECHOSTAGE SE LLEVA EL PRIMER PUESTO EN LA ENCUESTA TOP 100 CLUBS DE DJ MAG

TOP 100 CLUBS

Echostage ha sido elegido el club número 1 del mundo en la edición de 2021 de la encuesta Top 100 Clubs de DJ Mag. El superclub de Washington D.C. encabeza por primera vez la encuesta mundialmente reconocida de los mejores clubes del mundo. En España, tercer país con más clubes en la lista – empatado con China – tiene a HÏ Ibiza, Ushuaïa Ibiza, Amnesia Ibiza, Pacha, DC10, elrow Barcelona, Fabrik Madrid, Privilege

Ibiza, Razzmatazz, Eden, Octan y Nitsa. Los 16 meses transcurridos desde la última lista han sido duros para el sector. Los clubes que han sobrevivido lo han hecho gracias a la innovación, el apoyo de los aficionados y, probablemente, también un poco de suerte. Consultad los resultados en el articulo resumen dentro de esta revista. www.djmag.es

PAUL KALKBRENNER ANUNCIA UN NUEVO CONCEPTO DE ESPECTÁCULO PARA EPISODE TWO Tras agotar las entradas para los dos espectáculos principales en París y Berlín como parte de las fechas del Episode One, Paul Kalkbrenner ha dado a conocer las fechas del Episode Two de su nueva gira. El ciclo de conciertos en directo programado en octubre y noviembre incluirá la proyección de un nuevo montaje del director de la película de culto “Berlin Calling”, protagonizada por Kalkbrenner. Además, Kalkbrenner presen-

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tará para este segundo episodio una nueva escenografía más cercana a un escenario de Broadway que a un concierto. Esta proyección será la primera oportunidad de ver la nueva edición de la película, titulada “2021 Club Edit”, con imágenes nunca antes vistas y la visión remezclada de Stoehr para la película. www.paulkalkbrenner.net/live2021

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S E G U N D O S

SUMLUV ( F A N E C A

M U S I C )

Vuestra música, como hemos podido escuchar, está basada en el house, lo-fi y refinado, con mucho sampling y basado en máquinas vintage. ¿Cómo definiríais vuestro proceso creativo? Tenemos una especie de base por donde empezamos, pero previamente nos gusta mucho empaparnos de música que nos inspire. Luego probamos cosas, a veces estamos juntos en el estudio para Sois de Figueres, pero vivís en Barcelona. sacar ideas y otras veces lo hacemos por separado. ¿Cómo veis la escena de electrónica de vuestra región en particular? ¿Y de España en general? Le vamos dando forma poco a poco hasta que al final acabamos decidiendo la dirección final del (pre-covid o actualmente) Creemos que hay muchas propuestas interesan- tema y si encaja o no con el concepto que tenetes, España es un país con mucho talento y se ha mos en mente. notado sobre todo en los últimos 10/12 años. Han salido artistas que han conseguido tener re- Acabáis de publicar ‘Overthink’ en el sello Faneconocimiento internacional como John Talabot, ca Music, uno de los más firmes del panorama Pional, Sau Poler… Lamentablemente, siempre nacional… ¿Cómo ha sido para vosotros tener el hemos visto una tendencia a que los artistas espa- apoyo del sello, tras debutar el año pasado? ñoles no tengan la visibilidad que merecen en los Con Balance EP, ambas partes no podemos estar festivales de este país. Bajo nuestro punto de vis- más contentas. No esperábamos llegar a tanto púta, ahora es un buen momento para reflexionar. blico y recibir un feedback tan positivo. También Queda por ver si esta situación actual hace tener gracias a ese trabajo, se nos han abierto puertas más en cuenta a propuestas nacionales, que nada a poder trabajar con gente que admiramos, como es el caso de Otik o Lawrence Hart. Todo esto al tienen que envidiar a lo de fuera. final es el resultado de confiar en Faneca y de que ¿Cuáles son vuestras principales influencias? Faneca lo haga en nosotros. Nos contactaron porque les gustaba nuestra propuesta y nos han dado ¿Cómo llegasteis a ellas? Nosotros empezamos haciendo rap, donde las total libertad. influencias principales eran productores como Madlib, RZA, The Alchemist, J-Dilla… De ahí es de Viene con los remixes de Lawrence Hart (que donde viene nuestro afán por el sampleo. Fue más también saldrá en este número) y Otik. Para tarde cuando empezamos a crecer que dimos con vosotros, ¿qué tiene que tener un buen remix? artistas como Bonobo, Four Tet, Dauwd, Burial… A nosotros nos gusta mucho que jueguen con Escuchábamos su música y veíamos una conexión nuestras pistas, ver esa transformación, pero con lo que estábamos acostumbrados a hacer, sobre todo que el productor que remixea le dé su pero llevado a otro terreno, con patrones y posibi- toque personal. Para nosotros lo más importante es que la persona que lo haga se sienta satisfecha lidades más extensas. ¡Hola, Alberto y Adrián! ¡Un placer saludaros! Para quien no os conozca, ¿cómo os describiríais? ¡Hola, un placer estar aquí! Sumluv es un proyecto que nace en 2015 y lo describimos como música electrónica con tintes house, downtempo, breakbeat… con un fondo introspectivo en el discurso.

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y cómoda. Eso al final deriva casi siempre en un resultado que nos acaba flipando. Habéis llamado la atención de plataformas como Red Bull, y llegado a playlists curadas por Tidal, Amazon Music o Spotify. ¿Cuáles son vuestros objetivos en el mundo de la música electrónica? Nunca nos hemos cortado en decir que aspiramos alto, y somos conscientes de que es muy di`cil por varios motivos, pero estamos trabajando muy duro desde el principio para llevar nuestro proyecto lo más lejos que podamos y que el mayor número de personas pueda descubrirlo. Es una prioridad para nosotros y vamos a hacer todo lo que esté en nuestras manos para conseguir lo máximo posible. ¿Qué otros proyectos tenéis este 2021? Para nosotros está llegando el momento de sacar nuestro primer largo, es algo que nos hace mucha ilusión y que tenemos muchas ganas de hacer. Queremos tomarnos el tiempo necesario para darle la forma y dedicación que merece. Finalmente, Alberto y Adrián, pedimos al invitado de 60 Segundos que plantee una pregunta al siguiente. Los último fueron el dúo Mechudo: “¿Cuál ha sido el instrumento/sintetizador que más te ha inspirado a la hora de componer temas y por qué?”. Y a cambio, nos tenéis que dejar una pregunta para el siguiente… Si tuviésemos que elegir cada uno un aparato, probablemente nos quedaríamos con nuestro Moog Little Phatty Stage I y el Korg Minilogue, ya que son los únicos que llevan con nosotros desde el inicio. Para el siguiente: Si tuvieseis que elegir el disco que más os ha marcado o influenciado, ¿cuál elegiríais?

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S E G U N D O S

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M I S

F AV O R I T O S

* El EP de Rose Ringed “Synonyms For Love” ya está disponible en su

sello Closed Eyes Recordings. Consíguelo aquí.

Rose Ringed 1. Álbum Un amigo mío es parte de un dúo llamado Makez y acaban de lanzar su primer álbum llamado “City of All”. Es principalmente house / jazzy y me encanta, especialmente los tracks ‘Not So Different’ y ‘Feel The Same’. Estoy trabajando en mi primer álbum y siento un gran respeto por las personas que terminan sus álbumes y lo clavan. Es difícil imaginar cuánto trabajo requiere un álbum, así que cada vez que un amigo lanza uno, me emociono mucho por ellos. 2. Tracks Siempre estoy flotando entre estilos y sonidos cuando escucho música. He estado fijándome mucho en Guy J últimamente y en el trabajo de Sébastien Léger, especialmente en su nuevo track “Lanarka”. Dusky lanzó un nuevo éxito llamado “Hildegard” y Skream está en muy

4. Película Llego un poco tarde, pero hace poco vi “Lost In Translation” y me enamoré de esa película. Creé mi tema “Alone Together” después de verla. No lo lancé, pero lo revisé hace poco y noté cómo me las arreglé para poner las emociones que me despertó la película en ese track a la perfección, probablemente lo lanzaré pronto. 3. Libros Recientemente leí el libro de Rutger Bregman La película es verdaderamente única. titulado “La mayoría de las personas son buenas”, y recomendaría a cualquiera que lo 5. Hobby leyera. Desmiente dos de los estudios más im- Los perros; observarlos en el parque, acariciarportantes en el campo de la psicología humana los, ver videos de perros… básicamente todo lo y muestra cómo todas las personas nacen con que esté relacionado con los perros. Debes penbuenas intenciones. Si todo el mundo leyera sar que, seguramente, tengo un perro. ¡Pero este libro, creo que habría más confianza y no, porque en realidad soy alérgico! amor entre todos. Si quieres leer algo que te haga ser más positivo, esta es una gran recomendación para ti, ¡también es de lectura fácil! buena racha últimamente, lanzando “InstaKord”. Por último, pero no menos importante, la nueva canción de Ben Bohmer, “Beyond Beliefs”, es muy bonita; ¡ese largo silencio antes de volver a hacerlo sonar es todo un arte para mí!

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R E C O R D

Hacemos 5 preguntas a WEHBBA que poco nada tienen que ver con la electrónica…

*Wehbba publica su remix de ‘Capuchin’ de Martin Gore. Disponible ya como parte del recopilatorio ‘The Third Chimpanzee Remixed’. ¡Escanea el QR y consíguelo ya!

WEHBBA ¿Cuándo fue tu última mentira y por qué? Me mentí a mí mismo el miércoles pasado diciendo “nunca volveré a beber”. ¿Eso que siempre quisiste que te preguntaran pero nadie te ha preguntado nunca? “¿Puedo darte mucho dinero ahora mismo?”.

Si se hiciera una estatua de ti mismo en tu ciudad natal, ¿en qué pose te gustaría que fuera? Sentado rodeado de mi equipo. ¿Qué es lo último que haces antes de acostarte? Yoga nidra o autohipnosis, ayuda a tener una

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gran calidad de sueño de inmediato, y también a interiorizar cualquier aprendizaje que hayas realizado durante el día. El momento más embarazoso de tu vida... Cuando me desperté dentro de mi armario... dejémoslo así.

F O C U S

O N

Autor: SERGIO PARRADO

SIONA RECORDS La ucraniana con mechón verde, Miss Monique, es la artista detrás del sello Siona Records, protagonista este mes en FOCUS ON. Lo que empezó como un podcast se acabo convirtiendo en una de las marcas más prometedoras del progressive house, y así lo demuestran referencia tras referencia, sacando música de mucha calidad. Siona recuerda a esas melodías tan viajeras y profundas que facturaba el

trance alemán y belga a finales de los noventa. Un viaje musical retro-futurista en pleno 2021 que te saca una pizca de melancolía, al mismo tiempo que sientas los pies en la tierra para decirte a ti mismo que ya no estas en otra época. Una puerta al pasado desde el presente que mira al futuro algo así como la teoría de la simetría de inversión temporal (te dejaré que busques de que se trata).

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F O C U S

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SIONA RECORDS

¿Cuál es el concepto y por qué Siona Records? Cuando lancé el podcast Mind Games, empecé a recibir muchas promos de artistas. Cada día las promos eran más y más y muchas de ellas no eran firmadas, ya que los artistas tenían un dilema: era difícil para ellos firmar un tema un gran sello, firmando en los sellos pequeños no obtenían ningún resultado y se disipaban entre miles de lanzamientos. Al mismo tiempo, había muchos sellos en el mundo progresivo, pero todos son demasiado oscuros o demasiado comerciales. Nosotros elegimos el concepto de equilibrio. Intentamos preparar y lanzar lanzamientos que sean bien recibidos tanto en la pista de baile como simplemente para escuchar. La industria musical se ha visto muy afectada por la pandemia, ¿la situación actual les ha hecho cambiar en algo la estrategia de lanzamiento de su sello? No puedo decir que hayamos cambiado nuestra estrategia de lanzamiento. Muchos sellos se centran en publicar música exclusivamente para las pistas de baile. Como he es-

crito más arriba, publicamos música de forma equilibrada, y esto casi no nos ha afectado. Al contrario, durante confinamiento nuestras ventas y streams no hicieron más que aumentar y en diciembre de 2020, el sello se había convertido dentro del progressive en el más vendido del cuarto trimestre de 2020 en Beatport (según Beatstat). ¿Es importante para los artistas desarrollar su propia marca o sello en estos momentos? Creo que es muy importante que un artista desarrolle su propia marca. Antes era más popular con la ayuda de programas de radio. Más recientemente con nuestras propias producciones, las redes sociales, la propia comunidad, así como los sellos discográficos. ¿Cuáles son los planes de futuro para Siona? ¿Y tus planes personales? Sólo tenemos dos años, pero ya veo lo rápido que está creciendo nuestro sello. Nuestros planes de futuro son seguir desarrollándolo, así como abrirnos más a nuevos artistas e impulsar grandes lanzamientos.

MINI ¿Un club? Mandarine

¿Una Ciudad? Cordoba

En cuanto a mis planes de futuro, parece que volvemos a la vida normal. Este otoño haré mis primeras giras por Estados Unidos y Colombia, tendré eventos en Hungría, ADE, Polonia, Armenia, Israel, un festival en Albania, y por supuesto, algunas fiestas en mi ciudad natal, Kiev. Seguiré trabajando en contenidos de vídeo para mi canal de YouTube y en nueva música. Referente a mis lanzamientos personales viene música en el sello de Tiësto, AFTR:HRS, y en el de Nora En Pure, Purified Records. Si pudieras viajar a otra época (musicalmente hablando), ¿a dónde irías y por qué? ¡Buena pregunta! Mi experiencia como DJ es solamente de 10 años, así que sería interesante volver a los tiempos de John Digweed y Sasha, ver cuando nació el progressive house. También cómo era en aquellos años cuando los DJs lo hacían todo sin instrumentos modernos y sin las redes sociales de hoy en día. Hay un montón de historias en internet, por supuesto, pero qué grande sería verlo con mis propios ojos y experimentar esas emociones.

TEST

¿Un libro? Siete años en el tibet ¿Una comida? Marisco

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¿Siona? Child

T R A C K S

Preguntamos a Kate Ozz por los 5 tracks que más le han influenciado

Kate Ozz 1.

Second Serve

Carousel

Kate Ozz [Moscoman & Komilev’s Unforced Error Mix]

dOP [Bedouin Remix]

“Second Serve” fue mi debut con Moscoman y Disco Halal Label. Siempre admiré su talento y mi deseo de trabajar con él se hizo realidad con este lanzamiento. Fue un gran avance en mi carrera, ya que en aquel momento sentí que los sueños se hacen realidad si trabajas duro y amas lo que haces.

Sin lugar a dudas, la colaboración del trío francés dOP y el dúo estadounidense Bedouin, a quienes tengo el placer de conocer personalmente. Me encanta su gran trabajo y todo lo que están produciendo tiene un sonido único e individual. “Carousel” (Bedouin Remix) es muy ecléctico, tranquilo y melódico, enfatizando lo mejor de las armonías y voces del original.

*Descubre lo último de Kate Ozz escaneando el QR, incluyendo su último trabajo para Frau Blau Music, ‘Calling From The Moon’, con remixes de Tim Engelhardt y Glowal)

Muye Rampa

Ocean Solomun

Adam Port, & ME [Black Coffee Remix]

Jamie Foxx (feat. Jamie Foxx) [!Moodymann Extended Remix]

“Muye” me hizo vivir un momento inolvidable. Estaba empezando mi set con él en BeTulum (México) cuando justo se había lanzado y todo estaba comenzando a reabrir tras del confinamiento. En aquel momento yo estaba muy contenta porque la vida estaba empezando a volver a la normalidad, recuerdo que a la gente le encantó, estaban felices y llenos de sueños, ¡fue una noche épica!

Siempre me inspiraron las obras de Salomun. “Ocean” me llega al alma, transmite el mensaje más allá del tiempo, los estándares y los clichés. También va con un video precioso que nos brinda lo mejor de la producción.

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For a Feeling Rhodes Camelphat, Artbat [Extended Mix] El track “For a feeling” me inspira, ya que me trajo muchos sentimientos y recuerdos durante el confinamiento. El track está acompañada de un video filmado durante el confinamiento que muestra a cada miembro de la orquesta actuando en sus salas de estar, coronado con una emotiva voz de Rhodes.

Puedes encontrar la versión impresa de DJ Mag ES gratuitamente en:

MADRID •

PALMA 39 C/ de la Palma, 39. 28004

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EL ALMACEN C/Minas 13, 28004

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GUETTO SHOP C/ Embajadores 13. 28012

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SAE INSTITUTE C/ de Álcalá Nº 265, PISO 2, Edif 4. 28027

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ATER COSMO C/ de la Puebla, 9. 28004

BARCELONA

CASTELLÓN •

ENIGMA RECORD C/Prim 10, Bajo. 12003

DONOSTI •

DABADABA Camino de Mundai, 8, 20012

GIRONA •

EUMES C/ de Baix, 2, Espai Marfà, 17006

GRANADA •

DISCOS BORA BORA Plaza de la universidad 11. 18001

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DISCOS PARADISO C/Ferlandina 39. 08001

•

ACADEMIA FONICA C/ Azorín, 10, 18004

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PLASTIC C/Calabria 95. 08015

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PACHA BARCELONA C/Ramón Trias Fargas. 08005

PROYECTO ESPUMA C/ Albahaca nº4 Edificio Danubio, Local 6, 18006

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THE BASS VALLEY Passatge Can Polític, 13, 08907 L’Hospitalet de Llobregat

•

BRIDGE_48 C/ de Llull, 48, 08005

•

MICROFUSA Ronda Guinardó, 65. 08024

•

DISCOS REVOLVER Carrer dels Tallers, 13. 08001

•

TVINYL Carrer de Valldonzella, 25 08001

•

CURTIS AUDIOPHILE CAFÉ Carrer de Mallorca, 196. 08036

•

33I45 BAR & GALLERY Carrer de Joaquín Costa, 4. 08001

•

LA VEINTINUEVE Banys Nous, 14. 08002

ASTURIAS •

THE BASS VALLEY & STUDIO DJ CENTER C/ Jil de Jaz nº3, C.C Galerías Pidal, local 14. 33004. Oviedo

BILBAO •

POWER RECORDS C/Villarías 5, Bajo. 48001

•

ESCUELA BAFFLE DJS Travesia Tivoli 3, 48007

IBIZA Y FORMENTERA •

USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL Playa d’En Bossa 10, 07817

•

CAFÉ MAMBO C/ Vara de Rey, 40

•

METRICA STUDIO C/ de la Murtra, 5, 07817

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HOSTAL LA SAVINA Av. Mediterrània, 22. 07870 La Savina (Formentera)

nte lme ora do p m a Te cerr

PONTEVEDRA •

PLAYGROUND STORE C/San Roman 10, Bajo. 36002

SEVILLA •

TOTEMTANZ C/Amor de Dios 66. 41002

VALENC IA •

FOR THE LADIES C/ Gasco Oliag 6 , bajo izq 46010

•

STRAP V. Blasco Ibañez, 33. 46010

ZARAGOZA •

XPRÉSATE/LAS ARMAS Plaza Mariano de Cavia, 2

Si quieres formar parte de nuestros puntos de distr ibución, escríbenos a: info@djmag.es, con el asunto distribución

E L E C T R O N I C A

R O L L

Autor: SERGIO BIFEIS

REQUIEM Agosto como mes vacacional por antonomasia en nuestro país ha sido un periodo funesto para la música por las grandes personalidades que nos han dejado. Especialmente el 4 de agosto si nos circunscribimos específicamente a la música electrónica. Esa mañana la noticia del fallecimiento por causas aún desconocidas de Kelli Hand, conocida popularmente como K-Hand, a los 45 años de edad fue todo un jarro de agua fría para los amantes de la electrónica de baile con denominación de origen de Detroit. De hecho es considerada por el propio Ayuntamiento de la ciudad del motor como la Primera Dama del techno y el house de Detroit. Toda una pionera que se abrió paso en una escena donde los hombres eran quienes copaban cabinas. Estudió teoría musical y percusión y su influencia más housera vino dada por su estancia en Nueva York en la época de esplendor de Larry Levan. A su vuelta a Detroit en el segundo lustro de los 80 colaboró con los hermanos Greg y Ken Collier siendo residentes del club Zipper. Ellos la ayudaron a fundar su prestigioso sello Acacia y nombres como Jeff Mills, Mike Banks o Robert

Hood colaboraron en la producción de su primer 12” llamado Think About It, que firmó como K.Hand para no distinguir su género. Su despegue definitivo en los 90 se reflejaría en la firma de trabajos para Warp, !K7 Studio o Tresor entre otros muchos. Últimamente firmó producciones para Trip Recordings con un Nina Kraviz que siempre se mostró ilusionada con el fichaje de semejante leyenda. Su figura inspiró respeto entre sus coetáneos y en generaciones posteriores siendo una asidua en clubs americanos, británicos y berlineses. La conexión entre Detroit y Chicago también tuvo un macabro punto de encuentro ese 4 de agosto porque además del deceso de K-Hand se hizo pública la muerte de otro icono del house como es Paul Johnson. Una de las caras más visibles del House de Chicago tenía 50 años, contrajo la COVID-19 unas semanas antes, siendo la causa de su trágico final. Johnson publicó música en sellos como Cajual y Relief pero sobre todo es reconocido por sus trabajos en Dancemania como gran impulsor del sonido Ghetto. Editó dos LPs en los 90 uno en Dancemania (Bump Talking en 1995) y otro en Peace-

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frog (Feel The Music también en el 96) y en 1999 hizo bailar a todo el mundo con su track más conocido ‘Get Get Down’, siendo un tema que traspasó su propio ámbito puramente underground. En 2003 perdió su pierna izquierda por una enfermedad y en 2010 su pierna derecha tras un accidente de coche. Pinchaba en silla de ruedas pero su energía seguía intacta desde cabina. Y si nos alejamos de la música electrónica, agosto también ha azotado en sus últimos días con la pérdida de Charlie Watts, el mítico batería de los Rolling Stones fallecido a los 80 años el pasado día 24. Además el día 29 también nos dejó el jamaicano Lee ‘Scratch’ Perry a los 85 años, una figura icónica dentro del reagge y el dub que impulsó la carrera de Bob Marley y que ha sido referencia musical por su uso del sample y efectos de sonido al ser todo un adelantado a su tiempo al manipular mesas de mezclas. Requiem por todas estas leyendas que no caerán en el olvido.

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C O C I N A M O S

C O N

Lawrence Har t Ser productor puede ser duro para tu salud mental; le dedicas muchas horas, acabas tarde por la noche y tiras mucho de comida a domicilio, todo esto acaba pasando factura. Por estos motivos, intento hacer ejercicio con regularidad y comer bien. Obviamente, muchas veces es difícil cuando estás en el estudio y no quieres pasarte años cocinando. Cuando haces música, debes priorizar la cantidad de tiempo que

dedicas a cada elemento del track. Si te pasas 2 días ecualizando un hi-hat, quizás no estés aprovechando mucho el tiempo (aunque hayas pasado medio día procesando unos platillos antes...). Lo mismo ocurre con la preparación de una buena comida saludable con el poco tiempo del que dispones siendo DJ y productor. Esta receta es algo que puedo hacer en el estudio ya que es rápida, fácil y no necesita horno.

INGREDIENTES 250g de atún El zumo de 1 lima 2 cucharadas de salsa de soja 1 cucharada de aceite de sésamo 1 cucharadita de vinagre de arroz 400 g de arroz para microondas 2 zanahorias pequeñas 1/2 pepino 1 aguacate 3 cebolletas 100 g de kimchi 100 g de edamame semillas de sésamo Chalotas crujientes Mayonesa de Sriracha

*‘Dust’ de Lawrence Hart & Model Man ya está disponible en LG105, consíguelo escaneando el QR

POKE BOWL DE ATÚN Comienza mezclando el zumo de la lima, el vinagre de arroz, la salsa de soja y el aceite de sésamo en una taza. Luego corta el atún en trozos pequeños y añádelo al bol. Mézclalo para que el atún quede completamente cubierto. Ahora pon la mezcla en la nevera entre 30 minutos y 2 horas para dejar que se adobe. Si quieres que quede más “crudo”, déjalo solo durante 30 minutos, a mí personalmente me gusta “bien hecho”, así que acostumbro a dejarlo entre 1 y 2 horas. Ahora puedo aprovechar e irme a ecualizar esos hi-hats mientras se adoba.

o simplemente picarlos. Corta el aguacate y las cebolletas y resérvalos con las zanahorias y el pepino. Calienta el arroz en el microondas o, si lo prefieres, hazlo en el horno. Luego pon un montoncito de arroz en cada taza.

Para montarlo, saca el atún de la nevera y sírvelo encima del arroz (asegúrate de guardar los jugos). Cubre el resto del tazón con las zanahorias, el pepino, el aguacate, los edamame y el kimchi. Coge un poco del jugo de la mezcla de atún y espolvorea sobre el plato. A continuación, prepara las zanahorias y el pepino cortándolos Luego cúbrelo con cebolla crujiente, semillas de sésamo y mayocon una mandolina y resérvalos. También puedes usar un rallador, nesa de Sriracha. ¡Qué aproveche!

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L U C K Y

Autor: REDACCIÓN

*Hannah Wants acaba de sacar ‘I Don’t Know ft. Jennifer Jamieson’, junto a Jess Bays. Disponible ya en el Bandcamp de Stress Records. ¡Hazte ya con él!

Hannah Wants ¿Qué track te recuerda a tu infancia? ‘Back To Life’, de Soul II Soul ¿Cuál fue el primer disco que compraste? ‘Shake It’ de Lee Cabrera ft. Alex Cartana ¿Cuál es el disco más cursi de tu colección? Encontré un remix de Cillit Bang (!) en una colección de vinilos que compré, ¡era tan malo que tuve que quedármelo!

¿Qué track garantiza que hacerte llorar? ‘Need To Feel Loved (Adam K & Soha Remix)’, de Reklekt. ¿Qué álbum te gusta actualmente? Cualquier álbum de 6LACK o Santino Le Saint, son mis artistas favoritos. ¿Cuál es el disco de tu colección que más atesoras?

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‘Bump N Grind’, de M Dubs, ¡Este me trae muchos recuerdos! ¿Cuál es tu track favorito de todos los tiempos? Esta es una pregunta imposible de responder, pero hay uno que significa MUCHO, y es… ‘Blackwater’ de Octave One feat Anne Saunderson.

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Le preguntamos a Kettama y Shampain por lo que hace a su ciudad especial…

Kettama y Shampain

G A L W A Y, I R L A N D A DECLARACIÓN DE INDEPENDENCIA, SHANTALLA; Aunque el patriotismo ha derivado connotaciones negativas en todo el mundo en el pasado, y con razón, este monumento justo en frente de mi casa me llama la atención cada vez que veo ondear esa bandera (justo colgaron una nueva

la mañana antes de hacer esta foto). Tiene una placa con una copia de la proclamación original de la Independencia debajo de la bandera. Dado que nuestras casas fueron el lugar de nacimiento de los G Town Records, este es, sin duda, un hito que merece ser destacado.

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ROCA DE LA EMANCIPACIÓN, SHANTALLA; Vale, ignorad el aspecto religioso de esta foto, aunque sea una cruz. Pasamos por delante casi todos los días desde mi casa en Shantalla, ya sea caminando o conduciendo, y es una vista única, ya que se trata de una colina súper empinada justo en el medio de la urbanización. Se

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C I U D A D

llama roca de la emancipación porque el rebelde irlandés Daniel O’Connell se paró en ella y declaró que el estado irlandés necesitaba emanciparse del Reino Unido en 1843. Está justo al lado de un patio de recreo y aparentemente los niños solían deslizarse por ella, lo que le dio el nombre de “Sliding Rock”, que ahora es

MCGUIRE’S DAYBREAK, TERRACE RAVEN

ROCA DE LA EMANCIPACIÓN, SHANTALLA

DECLARACIÓN DE INDEPENDENCIA, SHANTALLA

*‘Picanya 2400’ de Kettama, que forma de su próximo EP ‘Steel City Dance Discs Volumen 26’, ya está disponible. Consíguelo escaneando el QR.

el nombre de un pub al final de la calle. fútbol, paseos, casi siempre se acompaG TOWN Records va sobre emanciparse y ñaban con una bebida y varios dulces / patatas fritas de McGuire’s. Es la mejor esto sirve para representarlo. tienda de bebidas en Galway y, si pudiéMCGUIRE’S DAYBREAK, TERRACE RAVEN; ramos nombrarla como la tienda oficial Cualquier reunión relacionada con G de la marca, sin duda lo haríamos. El TOWN, entrega de camisetas, grabación servicio sería con una sonrisa siempre. de programas de Rinse, partidos de

T E N D E N C I A S Autor: REDACCIÓN

Pacha X Italia Independent Pacha y la laureada marca de eyewear Italia Independent han anunciado la firma de un acuerdo de tres años para la creación de colecciones de gafas bajo licencia. La colaboración debutará en este mes de julio y estará disponible en las tiendas de Pacha y de Italia Independent, además de en los espacios online de ambas marcas. Esta colaboración supone la unión de Pacha y de una de las marcas de lifestyle y entretenimiento más importan-

tes del mundo: Italia Independent. Fundada por Lapo Elkann (actual director creativo de la marca), es una de las empresas más innovadoras del mercado eyewear mundial. Gracias a su experiencia en el diseño de producto, a lo largo de los años ha conseguido diferentes colaboraciones comerciales, incluyendo con empresas que no son parte de la industria del eyewear. Su portfolio incluye licencias de Hublot (del grupo LVHM) o CR7 – Cristiano Ronaldo.

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Los modelos de Italia Independent se enfocan en la habilidad creativa, la calidad del producto desarrollado y la capacidad de distribución a gran escala. Todo siempre acorde a la necesidad de las diferentes marcas con las que colabora. En palabras del propio Lapo Elkann, “La sinergia entre Italia Independent y un grupo internacional del calibre de Pacha representa un paso más allá para nuestra empresa. Un camino que también se ha basado en licencias selectivas, colaboraciones y esponsorizaciones de gran prestigio y repercusión internacional que son esenciales para el crecimiento global de Italia Independent”.

haber firmado el contrato con una de las marcas “más innovadoras de la industria del eyewear”, para el crecimiento y expansión internacional de la oferta del Grupo. Para más información, escanea el QR y descubre los modelos.

Por su parte, Fabio Lenzi, director de desarrollo de marca del Grupo Pacha ha reiterado la importancia de

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Le preguntamos a Viviana Casanova sobre su proceso creativo a la hora de producir…

Viviana Casanova (VASSNOVA) ¡Hola, Dj Mag España! Me gustaría empezar explicando que llevo muy pocos años produciendo, de hecho, le tenía mucho respeto y me costó lanzarme a la piscina, pero debo decir que empezar a crear mi propia música, buscar un sonido propio y posteriormente ver a la gente bailar mis canciones ha sido una sensación increíble. A título personal, el parón al que nos vimos obligados durante la pandemia fue el detonante para meterme de lleno en aprender a producir, y lo aproveché para pasar la mayor parte del tiempo en mi estudio. Sin pensármelo dos veces, también investigué como montar un sello para autoeditarme, así fue como nació Vassnova. Tras

un año sacando música, la experiencia ha sido muy positiva, ya que el sello está siendo mi laboratorio para aprender cada vez más y conectar de una forma nueva con la gente. Mi próximo release se llamará ‘Trouble’ y saldrá en septiembre. Aquí os voy a contar cómo fue el proceso de producción del single, que empezó a principios de año. ¿Cómo surge la inspiración a la hora de crear un track? En mi caso suele venir por diferentes vías, como, por ejemplo, a raíz de una buena noticia que me ha motivado, o porque he descubierto un track increíble que me ha inspirado. Sea como sea, siempre es por alguna razón positiva,

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ya que me gusta comunicar ese tipo de energía en mis canciones. En el estudio tengo mis rutinas. Cuando empiezo un track, lo primero que hago -además de tener mi café con leche preparado y abrir Ableton-, es crear una idea principal que sea una base potente y con personalidad, para luego desarrollarla con más profundidad. De hecho, a veces esa idea se acaba transformando en algo completamente distinto a lo que era. Con ‘Trouble’ decidí ajustar el bpm del proyecto a 130 para un ritmo intenso. Siempre le doy algunas vueltas al tema de la velocidad porque puede cambiar completamente la percepción

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* ‘Shoes’ de Viviana Casanova acaba de publicarse en Vassnova, su sello, y en todas las plataformas. Consiguelo y entérate de todas sus novedades escaneando el QR.

del groove. Posteriormente, trabajo un kick que transmita lo que busco, aunque puede que lo modifique más adelante. En cuanto a las baterías, me gusta usar diferentes fuentes; en esta canción fue una mezcla de cortar, trocear y superponer capas de loops y samples. Uso algunos VST para procesar los sonidos y darles su propio carácter. Para otros elementos de la canción, como el bajo y las melodías, suelo usar pistas MIDI y así tocar mi propia secuencia. A veces encuentro un sonido que me gusta y también lo pongo en un sampler para tocarlo y modificarlo a mi manera. Utilizo mucho este sistema con las voces. Una vez tengo la idea base me centro en ir añadiendo capas para desarrollar el resto de la canción. A la hora de secuenciar, me ayuda tener un mapa general de toda la canción utilizando la secuencia del kick como referencia. Por

ejemplo, aquí decido la duración o dónde haré los “parones”. En ‘Trouble’ decidí mantener el groove principal del bajo y las baterías en los parones para ganar tensión, pero también para darle protagonismo al sinte y pad. La mezcla es la parte a la que dedico más tiempo, ya que es un apartado técnico que requiere de mucha experiencia, pero me motiva mucho ir aprendiendo día a día. Considero que a través de la mezcla le puedes dar mucho carácter y personalidad a una canción, en este punto es cuando intento darle mi propio sonido. ‘Trouble’ solo consta de 9 pistas. Evito sobrecargar la mezcla de elementos y centrarme en que cada uno tenga mucho peso. Mi proceso a la hora de producir es más de oído que técnico. Si algo me suena bien y encaja lo dejo como está. Me guío por ese instinto. Estoy segura de que hay sonidos fuera de tono,

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errores en la mezcla y aspectos técnicos que me dejo por el camino... pero eso también me da la velocidad de transmitir lo que tengo en mente de una forma más visceral. Por supuesto, a medida que voy aprendiendo veo mucho más los errores. Pero disfruto con ese proceso. Intento no pasar muchos días con un track porque si no ya pierdo el hilo y la inspiración. Una vez acabado el proceso de mezcla en mi estudio, lo escucho también en el móvil, en el coche, en un mini altavoz... así también identifico muchos errores de mezcla. ‘Trouble’ saldrá en septiembre y será el octavo release de mi sello Vassnova. ¡Os avanzo que traerá novedades pronto! En un principio fue pensado para autoeditar mi propia música, pero siempre tuve en mente lanzar y apoyar también la música de otros productores. Siento que ese momento ha llegado.

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L AS RAVE S AL F I N AL SO N PA R T E D E L A SO LU C IÓ N …

KALI (COMO LAS GRECAS, GAMEBOYZ, LUIS V PR) Nada más comenzar el verano tuve la oportunidad de pinchar en una rave organizada por Copyleft Crew, equipo encabezado por Marta y Jaime, una pareja inmersa en la música electrónica desde hace muchos años, en sus artistas y en las di-

versas escenas que existen en cada comunidad. Así es que Copyleft Crew ha estado presente tanto en Asturias, Barcelona y Alemania, llevando su identidad y a sus DJs allí donde programan. El pasado mes de junio promovieron un encuentro

muy especial con un amplio abanico de artistas, procedentes de diferentes zonas de España y Europa, en una masía sin igual y hasta aquí podemos contar… ¡Más eventos como The Crew Back 2 Rave, por favor!

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y Seumas Norv, su lado mas nu disco y, bajo mi parecer, el más especial e interesante.

produce bajo sus diferentes nombres artísticos. Y aquí os traigo lo que viene para Octubre, un single totalmente bailable y discoide que me recuerda a una época French House de cascos con leds y chaquetas de cuero negras… Coloca el móvil en el código QR que te pongo mas abajo y disfruta de You Go Away en exclusiva en DJ Mag ES…

El DJ y productor Jaques Le Noir presenta su AKA más disco y especial con Seumas Norv CROWN OF MUSIC

Giacomo Bisciarri es la persona que se esconde tras numerosos pseudónimos entre los que destacan Jaques Le Noir

Un nuevo aka que nace por la necesidad de dar rienda suelta a la creatividad de Giacomo, que demuestra una gran calidad polifacética con los diferentes géneros y estructuras que

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A L TA NT O DE … Head of Clouds El barcelonés se estrena con un nuevo largo en su propia etiqueta. Almond Eyes/When Magic Happens HEAD OF CLOUDS

El catalán acaba de lanzar un nuevo trabajo en su propia etiqueta titulado Head Of Clouds, le hacemos algunas preguntas para conocerle un poco más y acercarnos a su trabajo. Vemos una interesante intención por tu parte de que lo importante es la música y no el perfil de quién la elabora, pero desde esa posición, ¿Qué nos puedes decir sobre tus influencias musicales? Considero que actualmente se le da mucha importancia a la vida personal y a la imagen del artista. Esto hace que la música pierda el protagonismo, que yo creo que se merece. Es por eso que Head of Clouds nace con una mirada en la que la música y la interpretación artística en ge-

neral, sean el centro del proyecto. Artistas cómo Enigma, Nils Frahm y Nicolas Jaar han inspirado mi música y también esta forma de enfocar mi presencia en la industria musical. ¿Cómo ha sido el proceso de producción de AImond Eyes / When Magic Happens? Ha sido un proceso muy bonito, ya que fueron los dos primeros tracks que compuse una vez encontré la identidad de Head of Clouds y lo que quería expresar con este proyecto. Para componer cada tema me baso en una percepción de mi realidad y en cómo puedo plasmarla a través de la música, dando a entender así esa percepción a quién escucha. No hay ningún elemento en mis temas que esté puesto al azar, todo tiene un sentido y tiene un porqué. Y así ha sido también el proceso creativo de estos dos tracks. Para los más nerds, en mis redes entraré

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en los detalles que se esconden detrás de ‘Almond Eyes’ y ‘When Magic Happens’. Para el proceso final de ambos tracks, necesitaba una textura muy concreta, una compresión con cuerpo, dulce y cremosa que solo podía conseguir acudiendo a mi amigo David (The Mars Citizen), para poder pasar ambos temas por su exclusivo Fairman TMC. David fue el encargado de masterizar los dos temas, y el resultado habla por sí mismo. ¿Qué futuros proyectos y/o fechas podemos esperar para el 2021? Durante este año el proyecto principal es y será seguir haciendo música con diferentes artistas, cuyo resultado podréis empezar a escuchar a partir de 2022. A nivel de fechas, a partir de septiembre saldrá un single mensual hasta final de año. ¡Stay tuned!

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Ben S pa ldin g El propietario y curador de la interesante etiqueta PPM y Hot Groovers, me responde a unas preguntas con motivo del interesante compilado de artistas que acaban de editar, 1 Year LP PUZZLEPROJECTMUSIC

Hola Ben, Cuentanos un poco sobre vuestro background como sello y el tuyo como consumidor de música electrónica…. ¡Hola chicos! Mi interés, o mejor dicho, obsesión por la música comenzó a finales de los 90 cuando empecé a asistir a las Rave de Sussex. Fueron de las mejores fiestas de mi vida y en algunos casos experiencias inolvidables. Durante los últimos 20 años he estado muy involucrado con la electrónica. A los 16 años realicé mis primeras grabaciones y terminé hasta por ser el director de diferentes shows y eventos. Ahora soy

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manager de dos sellos: PuzzleProjectsMusic & HOT GROOVERS. ¿Qué puedes contarnos sobre la grabación de ‘Year 1 LP’ en PuzzleProjectsMusic? PPM siempre ha estado dirigido hacia el dance underground, la música funk, disco, house y minimal. Este último año ha sido una maravilla musicalmente hablando. Hemos grabado ‘Year 1 LP’ con artistas de la talla de FunkeeSounds, Katorzi, Levant, Fernando Arce o Dan Rose. También yo he grabado algo. Todos nosotros hemos creado un equipo increíble y entre ellos tenemos diseñadores, ingenieros de sonido, editores de imágenes… Otros artistas que han contribuido a la creación de este genial LP han sido B4CK TO L1FE & C. Da Afro. Ha sido un año difícil para todos. ¿Os habéis mantenido ocupados

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durante este último año? Por supuesto. El lanzamiento de este LP me ha mantenido ocupado durante este último año. Cada tema en este álbum tiene una historia y un significado y el tiempo que hemos dedicado a cada uno de ellos se ha hecho de forma muy meticulosa. Desde el proceso de grabación, la edición y por último el lanzamiento. Este sello ha sido creado para establecer relaciones de larga duración con artistas ambiciosos. Al comienzo fue difícil pues poca gente es tan comprometida, pero una vez encontrados artistas que pensaban como nosotros el camino comenzó a hacerse solo. ¿Que podéis contarnos sobre vuestros proyectos futuros? Tenemos muchas cosas que contar y mostrar. ¡Atentos!

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Roys ton Summe rs Os presento el disco futurista de este novel dúo inglés… ROYSTON SUMMERS

El novel dúo inglés – especialista en los sonidos sintetizados de los 80s, synthwave o el raw house de los 90s – se une al vocalista Troy Denari para lanzar este ‘Summer Lovin’, conformado por el original ‘Summer Lovin’, en versiones Lovin Mix, Instrumental, Full Vocal y Chant Mix. Me reúno con ellos para hacerle algunas preguntas sobre este nuevo proyecto y conocerlos un poco mejor…. ¿Cómo surgió el proyecto Royston Summers? Después de estar involucrado en otros proyectos bajo diferentes nombres descubrí que era el momento de centrarme en un proyecto que representara mi propio estilo y sonidos. Quería presentar todas mis influencias musicales y después de unos seis u ocho meses trabajando en ello, compartí este proyecto con Troy y, con el tiempo, los Royston Summers terminaron por contribuir con sus voces. Está fusión otorga al trabajo un estilo único.

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Para todos aquellos que aún no has escuchado el single ‘Summer Lovin’, ¿cómo lo definiríais? Todas estas características e ingredientes son lo que esperarías encontrar en la electrónica de los 80, pero con modificaciones que se presentan en la actualidad. Existe una gran variedad de mezclas que satisfarán a DJ y consumidores de este género. Este single presenta varias capas de sonido que hace que pueda ser escuchado tanto en pequeños clubs como en espacios abiertos. ¿Qué podéis contarnos acerca del diseño del artwork de vuestro primer single? Nuestro artwork está inspirado en los diseños de finales de los ochenta y principios de los noventa. Este período fue muy propicio en lo que se refiere a la tecnología. Queríamos usar formas y colores que de algún modo representaran ciertos objetos de una forma más minimalista y simple. Para este diseño nos hemos inspirado en los sprites de 8-bits de juegos como Mario o Sonic: The Hedgehog.

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¿Cuáles son vuestras influencias musicales? Es una mezcla de todo, desde Pink Floyd hasta Prodigy, pasando por Michael Jackson y los Chemical Brothers, todos ellos bañados en el French House. ¿Qué podéis contarnos sobre vuestro diseño animado? Queríamos crear algo único y diferente porque mucha gente tiende a hacer lo mismo a la hora de crear una marca. Teníamos claro que queríamos enlazar la música con otros hobbies que mucha gente tiene, como los cómics y los videojuegos, así que hemos intentado presentar esta idea de una forma interesante y nueva. ¿Qué planes de futuro tenéis? Esto solo es el comienzo, pero tenemos grandes ideas en la recámara. Esperamos ganar suficientes adeptos que nos quieran seguir en un viaje durante los siguientes 18 meses en el que juntos podamos crecer y conocer hacia donde va todo esto. Tenemos la esperanza de poder lanzar nueva música al mercado de manera constante en intervalos de cuatro o seis

Eli & Fur La electrónica deep tiene muchas caras y muchas características. Pero dos de los rostros más reconocibles y queridos de esta boyante escena son las de Eliza Noble y Jennifer Skillman. Aunque todos las conocemos mejor como Eli & Fur… Este dúo de artistas británicas, compositoras, multiinstrumentistas, productoras, vocalistas e incluso una de ellas, mecánica (ya lo entenderéis)… es de los perfiles que más ha crecido en todo el mundo durante la última década. Siendo amigas desde el instituto y cultivando su amor por la electrónica desde la universidad, su visión compartida de la música y todo lo que la rodea las llevó a crear este proyecto con el que acaban de sacar su álbum debut, ‘Found In The Wild’ en uno de los sellos más icónicos del house profundo y melódico: Anjunadeep.

Salvaje emoción electrónica Autor: EDUARDO P. WAASDORP Foto: JORDAN DOUGLAS Edición de foto: MANTA STUDIO Estilismo y maquillaje: MARLAINE REINER Eli & Fur llevan: DEATH TO TENNIS, STRIKE OIL, SCYLT AND GENTLE MONSTER Agradecimiento extendido a estas marcas por ceder su inventario.

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Pero la cosa no se queda ahí, porque su forma emocional y experiencial de entender la electrónica ha llamado la atención de otras grandes etiquetas, como Positiva Records – con quien acaban de firmar un acuerdo y donde ya han publicado ‘The Pressure’ con Disciples –. Este septiembre, lanzan ‘Burning’, junto a la también británica Camden Cox. Fijas de grandes festivales, Eli & Fur conectan de forma especial con Ibiza, donde son habituales de fiestas como ANTS, en Ushuaïa. Su forma de entender la vida y la música las ha llevado a crear piezas únicas, cargadas de atmosferas, melodías y toques sutiles que hacen de cada una de sus composiciones obras maestras de autoexpresión, ricas, profundas y que tocan la fibra de cualquier oyente. Como no podía ser de otra forma, el año de Eli & Fur ha estado lleno de emociones, de altibajos, de dificultades debido a la situación provocada por la pandemia. Aunque eso les ha permitido hacer música especial y diferente, también gracias a haber tenido ese tiempo de parar y reflexionar. Por eso han transformado ese torrente creativo y emocional de forma positiva con su opera prima, ‘Found In The Wild’. Por todo esto las hemos convocado, para darles un escaparate único y que puedan contaros más sobre el universo sonoro de Eli & Fur. ¡Música, maestras!

Antes de nada, Eli, Fur, ¡Es un placer que protagonicéis nuestra portada de septiembre. Acabáis de publicar vuestro álbum debut y se vienen cosas interesantes en muchos sellos diferentes, además de varias actuaciones especiales. ¿Cómo estáis? Eli & Fur: ¡Gracias a vosotros por la oportunidad! Eli: Yo estoy muy bien, pasando unos días en mi casa de Londres. Fur: Yo en mi granja (risas).

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¿Cómo os conocisteis? Porque sois amigas desde el instituto… Fur: Nosotros fuimos al colegio juntas, cuando teníamos unos 16 años. Ya nos conocíamos bien, pero no nos hicimos amigas hasta los 18, que nos fuimos a la universidad. En esa época vivíamos en Londres, a ambas nos gustaba salir de fiesta e ir a clubes y aunque tuviéramos diferente gusto musical, pero nos gustaba salir y ver a DJs. ¡Era divertido! Luego, Eli empezó a

trabajar en Xenomania, en Kent. Era una empresa de producción conocida como “la factoría del pop”, más o menos en esa época empezamos con el proyecto de Eli & Fur, pero solo pinchábamos en fiestas de amigos, por diversión, aunque nos metimos mucho en ello. Yo terminé trabajando en Xenomania también, y lo que hacíamos era básicamente componer canciones durante unos 5 años – yo estuve 3 –. Hicimos mucha composición, pero también estábamos con Eli & Fur, desarrollando nuestro sonido y planificando… Eli: Era interesante, porque teníamos esta casa llena de equipo increíble a la que teníamos acceso y eso nunca lo hubiéramos tenido de otra forma. Nos pasábamos el día grabando y componiendo, pero también aprendimos a hacerle la ingeniería a los artistas, grabábamos voces, hacíamos arreglos… Eso nos dio más experiencia, aparte de la que ya teníamos. Fue una época interesante porque – a pesar de que nuestro amor real lo tiene la electrónica de club, más oscura y emotiva, que hacemos como Eli & Fur – fue interesante grabar vocales y canciones pop, y tener tiempo fuera de eso para experimentar y hacer nuestro propio sonido. Era otra forma para vosotras, como músicas, para ganaros la vida. No todo es producción y actuar... Y habiendo revisado esto y sabiendo que ambas tenéis un pasado como compositoras, contadnos: ¿Cómo fue vuestro primer contacto con la electrónica? ¿Venía de antes o fue de esos clubs cuando empezasteis a vivir juntas? Eli: Fue 100% en los clubes, juntas, ¿no Fur? Fue la fiesta la que nos enganchó, sin duda. Ser jóvenes, salir y escuchar a otros DJs, ver cómo trabajaban al público… Nosotros no solo íbamos a la fiesta a estar, nos obsesionamos con cómo funcionaba el hecho de ser DJ. Eso nos interesaba mucho. No me malinterpretes, salíamos con nuestros amigos a escuchar música, pero nos fijábamos en la mezcla, los sonidos, en el flow del set. Estábamos enganchadas a ese elemento extra de la fiesta, en cómo esa persona controlaba la sala, ¿qué pondría yo? Realmente queríamos tener ese poder. Porque es una sensación increíble, incluso estando en el público y ver al DJ. Y si ya estás poniendo tu la música y viendo cómo reacciona el público, es una sensación adictiva e increíble. ¿Os acordáis de alguna sesión en concreto? Fur: Sí. Siempre lo decimos, pero la que de verdad nos inspiró fue ver a KiNK y Neville Watson cuando tocaron en directo los dos juntos, en Ableton Live, muy directos… ¡A ambas nos flipó verles! Para mí ese fue un momento clave en el que luego me dije: “¿!Cómo puedo hacer eso!?” (risas). Eli: ¡Es que tenían un montón de máquinas sobre la mesa! Hay dos caras de esto, es obvio que mola un montón poder pinchar en CDJs, pero lo que estaban haciendo ellos era de otro nivel. Nosotras nos estábamos metiendo en la producción en ese momento y nos gustó mucho poder ver lo que se podía hacer con Ableton. Y sé

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Hazte con el último hit de Eli & Fur, ‘Burning’, con la cantante Camden Cox, que sale este mes de septiembre en Positiva Records.

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que igual nos repetimos, porque lo hemos dicho muchas veces, pero es que de verdad lo fue. Fur: Es que ni siquiera estaban en la cabina, porque no cabían todos sus aparatos y tuvieron que bajarse y poner varias mesas pequeñas en la pista (risas). Te sentías muy cerca de ellos y, no sé, fue una fiesta brutal. ¿Cómo ha sido vuestra relación con España? ¿Recordáis vuestra primera vez en nuestro país? Eli: ¿La primera vez de todas? Bueno, siendo británicas, imagino que habría sido de pequeñas con vuestra familia, ¿no? Eli: Sí, yo me acuerdo… Fur: Bueno, tuvimos ese viaje a Mallorca cuando éramos muy jóvenes… Eli: Sí, me acuerdo de ese (risas). Hubo varias fiestas de la espuma (risas). El hit del momento era ‘Gasolina’…

Fur: Fue la primera vez que nos dejaron irnos solas de vacaciones. Éramos muy jóvenes... Eli: Recuerdo estar cubierta de espuma, bailando esa canción (risas). Todos tenemos nuestros malos momentos (risas). Y aparte de eso, ¿os acordáis de vuestro primera actuación? Eli: Estoy casi segura de que fue en Ibiza. Hicimos varias cosas al principio para Corona Sunsets, aunque no sé si fuera nuestra primera… Fur: No, nuestra primera fue en Sankeys y Mambo Café. Eli: Nosotros siempre quisimos pinchar en la isla y al principio cuando veníamos durante varias semanas, intentábamos cerrar todas las actuaciones que podíamos en esos días. Antes de eso nosotros ya habíamos venido de fiesta a Ibiza (obviamente, siendo británicas [risas]) y para nosotros estaba claro que la isla iba a ser uno de nuestros espacios más importantes para mostrar nuestra música. Luego de eso llegó ANTS y Ushuaïa. Fur: ¡Adoro ANTS muchísimo! Me encanta la energía de esa fiesta, cómo empieza durante el día, sigue durante la noche… ¡Es la mejor! Es un concepto único, con sus propios seguidores y su propio universo. Es que Ibiza, en general, ha jugado un papel fundamental en vuestra carrera. Ibiza y vuestra música se complementan muy bien… Eli: ¡Totalmente! Creo que es nuestro lugar favorito del mundo para pinchar… Metámonos en materia: acabáis de publicar ‘Found In The Wild’, vuestro álbum debut, en el icónico Anjunadeep. ¿Cómo fue el proceso de crear este álbum? Fur: Bueno, gran parte del disco fue creado durante el confinamiento y se añade la circunstancia de que en ese momento Eli y yo estábamos separadas. Ella estaba en Los Ángeles y yo en Reino Unido, por lo que tuvimos que trabajar a distancia, cada una en su estudio. Al principio fue raro, porque siempre vamos al estudio juntas, pero creemos que fue bastante bien… Entre otras cosas porque no estábamos presentes para distraernos la una a la otra (risas). Estuvimos muy centradas y fue difícil, porque otra cosa que se añadía era la tremenda diferencia horaria. No estábamos acostumbradas a esa forma de trabajar. Eli: Además teníamos tantas canciones para elegir, incluso fragmentos de canciones o ideas que queríamos desarrollar – vocales, líneas de sintetizador y bajo, etc. – que lo que hicimos fue juntarlas todas. Porque esa es otra pregunta que nos han hecho: ¿Lo habéis compuesto todo del tirón durante el confinamiento? Y la respuesta es no. No teníamos nada terminado, eran todo pequeñas ideas, pero es cierto que una gran proporción del álbum fue creado en ese momento. Lo

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Eli & Fur que hicimos fue juntar todo y ver cómo podíamos trabajar a partir de allí. El álbum está dividido en dos partes, por lo que queríamos que ambas partes nos dejasen satisfechas. Cuando el disco empezó a tomar forma, fue raro, porque hacia el final cuando teníamos como nueve tracks, de pronto nos dio por empezar a componer otras tres y un par de ellas

fueron adiciones de última hora. Fue un proceso interesante, porque no nos juntamos hasta el final. Pero en eso tiene razón Fur, en que sin estar juntas improvisando, no nos distrajimos la una a la otra. Estando juntas, a veces, es difícil concentrarnos porque estamos pasándonos cosas o probando ideas todo el rato.

¿Por qué el nombre, ‘Found In The Wild’? ¿Qué encontrasteis en lo salvaje? Eli: (Risas) ¿Fur, le respondes? Fur: Bueno, (risas). La idea inicial que inspiró el nombre es que yo iba andando en mitad de un montón de compost (cosas de granja [risas]) y en medio de todo estaba creciendo una rosa. Seguramente fuese una semilla que fue a parar ahí desde el jardín (mi madre es florista) y terminó creciendo en medio de la nada. La vi y me pregunté: ¿no es loco que algo así crezca aquí, en medio de lo salvaje? Fue un momento muy raro y siendo honesta, tampoco es que fuera algo salvaje (risas), creo que la idea se entiende… Eli: Además en ese momento estábamos hablando de los nombres para el disco… Fur: Y por eso pensé que ese nombre encajaba, porque además el disco tiene como las dos partes de nuestro sonido. Siempre hemos sido muy diversas en nuestras producciones y sonido. Nos encantan las melodías, ambas cantamos, por lo que estamos a medio camino entre los tracks vocales y otras que están más centradas en el DJ set en un club. Lo que queríamos hacer era juntar un trabajo que mostrase nuestras dos facetas y a pesar de tener ideas diferentes muchas veces, ambas tenemos el mismo gusto y oído, por lo que jamás hemos pensado diferente en términos melódicos o musicales. Eli: Nunca he pensado, cuando Fur me ha mandado un track: “Vaya mierda” (Risas). Si a una le gusta, nos gusta a las dos. Casi siempre estamos en la misma página. Y si es cosa de añadir un detalle, al final siempre es algo que lo hace sonar mejor. Hemos trabajado juntas lo suficiente para tener un buen flow con cosas del estudio. Pero continuando con lo que decía Fur, el tema de encontrar algo en lo salvaje, justamente por ese tira-y-afloja entre los dos lados de nuestro sonido – la composición y ese sonido más oscuro y dub para club – alguna vez nos hemos sentido perdidas en nuestro viaje sonoro y en dónde nos encontramos. En este álbum nos hemos dado cuenta de que tenemos que tomar esos dos sonidos y crear algo que nos es natural. El nombre ‘Found In The Wild’ tuvo mucho sentido por eso, porque hay que estar perdido para ser encontrado. Hay que meterse en lo salvaje para expresarte y luego volver a lo que te es natural. El nombre fue perfecto, porque encontramos lo que está bien para nosotras y… Fur: Seguir tu instinto. Durante mucho tiempo parecía que no encajábamos en ningún sitio. El álbum es un auténtico viaje de electrónica sensible, hermosa y orgánica, cargada de emociones. Es diferente a los tracks “deep” que encontramos de forma general, con ese sentimiento que emerge gracias a los sonidos de instrumentos reales… Sin ganas de

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querer caer en clichés, ¿es vuestro trabajo más personal hasta ahora? En el sentido de que habéis volcado sentimientos en el álbum, ¿o es fruto de un jam creativo como soléis hacer en el estudio? Eli: ¡Es una muy buena pregunta! Creo que es difícil de decir, pero estoy segura de que es 100% personal. Especialmente la primera parte del álbum, ‘Found’, es lo que nos fluye, lo que nos sale de forma natural: melodías, acordes y canciones. Pero lo considero algo personal, porque estás dejando que salga todo lo que tienes dentro, aunque sea una composición, porque viene del corazón. Diría que el otro lado del álbum, ‘In The Wild’, es más lo que queremos oír estando a oscuras, dejándonos llevar, improvisando. Es como un cambio en nuestra consciencia y otra forma diferente de crear música, porque nuestra personalidad y lo personal va en las letras que escribimos. Diría que va y viene, pero los tracks que son más “canciones”, son lo que queremos decir y los tracks más de “club” es lo que queremos transmitir al público. Como un todo, como nuestro primer álbum, hemos intentado poner todo lo que somos nosotras y nuestro sentimiento en forma de música. Incluso los títulos de los tracks son muy directos. Yo tengo varios favoritos: ‘I Can’t Move’, ‘Light Up Your Eyes’, ‘Am I Even Human’ y ‘Big Tiger’. Son como mensajes personales muy directos… Fur: ¡Sí! Eli: Además siempre decimos que somos como la música que escuchamos. La nuestra es emotiva, emocional y se supone que debe hacerte sentir cosas, te hace hacerte preguntas. Se basa en experiencias que ambas hemos tenido. Por eso para nosotras es muy importante que, sin importar donde estés o lo que hagas, te pongas esta música y no sea simplemente una diversión de fondo, sino que te pares a escuchar lo que tenemos que decir y el viaje en el que queremos llevar al oyente. Todo el álbum va acompañado de una genial actuación en vivo, retrasmitida por streaming a través de Veep. Los streamings se han vuelto parte de nuestra vida y este es un concepto muy interesante. ¿Cómo esta idea? ¿Cómo fue la respuesta del público ante la propuesta? Fur: Nosotras llevábamos queriendo hacer un live show desde hace mucho tiempo y pensamos que esta podría ser una manera genial de mostrarle a la gente lo que podemos hacer. La respuesta fue buena, fue muy guay hacerlo, además de una experiencia interesante. Es muy diferente actuar para una cámara que delante de la gente. Eli: Creo que el mejor feedback que hemos recibido es que la gente quiere venir al show en directo y verlo en persona. Fue algo que nos gustó mucho hacer y es lo genial de tener un álbum dividido en dos, pudiendo hacer el directo más cantado de día y con el ambiente más pistero por la noche. Es algo diferente. Nuestra intención era mantener la frescura y con estas ideas uno busca llevar las cosas en otras direcciones. Esto es el comienzo de algo interesante y estamos intentando seguir esa línea, seguir adelante y ver a dónde nos lleva. ¿Se grabó en Los Ángeles? Eli: No, se grabó en el bosque, al lado de la casa de Fur. ¡Ah, ok! Como el aire era un poco country y el coche que sale al final era un clásico americano, pensé que fue grabado en EEUU… Fur: Es que soy mecánica de coches en secreto (risas). ¿Pero lo alquilasteis o es vuestro? Fur: En verdad es un proyecto personal mío, está en proceso. Está un poco oxidada todavía, pero es un proyecto de restauración en el que llevo trabajando mucho tiempo. Es una de mis cosas favoritas en el mundo, mi hobby. Trabajo en ella los fines de semana o cuando tengo tiempo, haciendo un poco cada vez, porque es algo que no puedes hacer del tirón. El mes que viene me meto a soldar algunas piezas. ¡Va a ser divertido! Eli: ¡Es un coche precioso! ¡Estoy totalmente obsesionada! ¿Qué tan diferente es vuestro set up en el estudio a cuando tocáis en directo? Eli: Es todo bastante similar. De hecho, todo lo que llevamos lo tenemos en el estudio de normal. El único reto ha sido que en algunas partes inicialmente eran improvisadas y eso tuvimos que llevarlo a MIDI. Creo que cuando encuentras un sonido que realmente te gusta cuando estás tocando un sintetizador y

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lo grabas como una pista de audio, es difícil volver y decir: “quiero tocarlo en directo”. Porque, ¿cómo vas a recrear algo que surgió improvisando? ¿Dónde está ese sonido? Esa fue la parte más larga del proceso, no te das cuenta de lo mucho que consume, porque nuestros stems tienen muchas pistas. Uno no piensa en eso cuando está haciendo un track, en: “cómo voy a tocar esto en directo”. Bueno, ahora quizá sí (risas). También vendrá con una experiencia VR y AR (realidad virtual y aumentada) para más tarde en este año. ¿Nos podéis adelantar algo? Eli: Todavía no hay fecha, pero será este año. Esa parte también fue una locura para filmar, porque al usar cámaras 360º no podía haber absolutamente nadie en todo el radio de acción de la cámara. Todos se tuvieron que esconder entre los árboles y es que había mucha gente de producción por todas partes. Yo todavía no he visto esa versión todavía, porque no me han llegado mis gafas VR todavía… Fur: ¡Yo sí! ¡Lo he visto y mola un montón! Es una locura. Me ha volado la cabeza, porque es algo que simplemente no puedo llegar a entender (risas). ¿Nos lo puedes describir? ¿Cómo es verte a ti mismo ahí, actuando? Fur: Es bastante raro. No sé, nunca había probado la experiencia VR antes y realmente me impactó. Incluso a ratos tienes que sentarte porque pierdes totalmente la noción de donde estás y te puedes hacer daño. Tu mente lo percibe casi como la realidad. En cuanto al sello, Anjunadeep, ¿fue vuestra primera elección? Tenéis una relación muy longeva con el sello… Fur: Como dices, nosotras ya habíamos sacado un EP con ellos y nos mandaron un correo, preguntándonos si teníamos más música. Y les mandamos lo que teníamos… Eli: Fue todo muy al principio y tampoco lo habíamos pensado en ese momento. Fue algo especial para nosotras, porque no pensamos en nadie en particular para firmar los tracks, incluso pensamos en sacarlo nosotras. Y fue todo muy natural con Anjuna, porque como decía Fur, ellos se interesaron en la música desde el principio. Otra gran noticia es que habéis firmado con Positiva Records, uno de los sellos más importantes de la escena electrónica. ¿Cómo surgió eso? Eli: Todo pasó durante la pandemia. Teníamos mucha música, queríamos hacer un plan y asociarnos con un sello que estuviera en el terreno de las majors, que fuera un poco más grande y poder meternos un poco en una plataforma que tuviera una audiencia más amplia. Nosotros habíamos tratado con majors por temas de remixes en el pasado, pero nunca nos habíamos metido de lleno con una. Tuvimos muy buena sintonía, ya que para nosotras es muy importante que el sello entienda la visión de la

diferente y tener un alcance diferente, eso es importante como artista para poder llegar a la mayor cantidad de oídos posible, inspirarles, además de darte la oportunidad de experimentar. Y vuestro sello, NYX Music, ¿cómo va? ¿Qué planes de futuro tenéis? Eli: Tenemos un plan algo abierto, pero nos gustaría firmar a artistas emergentes, además de sacar nuestra música. Nos mandan muchas demos y hay cosas realmente buenas, por lo que encontrar artistas y ayudarles es algo que queremos hacer. Hasta ahora ha estado un poco parado desde que la pandemia empezó, porque hemos estado enfocadas en lo nuestro, pero en los próximos dos años van a salir bastantes releases y queremos usar NYX como plataforma para nuevos talentos y nuestros experimentos propios, cuando no queramos esperar a que nos lo aprueben otros sellos.

música, que a nosotras nos encanta ser creativas y tenemos muchas ideas. Tuvimos mucha complicidad con ellos y también nos gustó la visión que tienen de nosotras. Firmamos un acuerdo con ellos para varios trabajos y estamos muy contentas con todo. Mola mucho poder trabajar con un sello tan legendario como el suyo, con tanta historia. Ahora estáis a punto de publicar algunas grandes colaboraciones en el sello, la próxima de Camden Cox. ¿Cómo de importante es tener el apoyo de plataformas de este tamaño? Eli: Sí, la collab con Camden Cox sale a principios de septiembre. Creo que la diferencia está en los recursos humanos y promocionales que pueden usar. También su alcance, conexiones y el ejército de seguidores que tienen. Es diferente a un sello independiente, especialmente en cuanto a la radio, porque se llega a una audiencia diferente a la de otros sellos. Para nosotros, Positiva ha significado llegar a un público

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Este año y medio que ha pasado ha tenido un impacto profundo en la escena a nivel mundial. ¿Cómo creéis que será el futuro del clubbing y los festivales? Especialmente ahora que habéis vuelto a actuar en Las Vegas y Londres… Eli: Creo que la industria del ocio nocturno ha sido duramente golpeada por la pandemia y está la última en las listas de prioridades de los gobiernos. Es realmente indignante que nos hayan dejado para el final de esta manera. No han cuidado de la escena – aunque algunas personas sí que se han beneficiado de ayudas –, pero todo lo que he visto ha sido realmente enervante y triste. Es una industria enorme y vamos a ser los últimos en poder operar con normalidad. Es triste que clubes hayan tenido que cerrar y gente haya tenido que cambiar lo que hacen o abandonar su sueño por falta de apoyo. De cara al futuro, todo el mundo va a querer seguir yéndose de fiesta, eso es un hecho, por lo que espero que podamos dejar esto atrás y todo vaya a mejor. Es lo que espero y rezo por ello, porque consigan controlar la pandemia y todo vuelva a prosperar de nuevo. ¿Cómo fue la experiencia de volver después de tanto tiempo? Fur: Fue una gozada. La energía que sientes… huelga decir que no es la misma que existe cuando estás pinchando para tu perro (risas) o para tu madre y tu padre. Que ojo, son un gran público… Y uno se olvida de esto, cuando llevas mucho haciéndolo. Se te olvida esa sensación de estar delante de la gente. Cuando volvimos recordé lo bien que se siente estar pinchando con Eli y delante del público. Y también lo notas en la gente que está bailando, que es como si hubiera estado encerrada y ahora les han dejado salir.

Eli & Fur Cambiando de tema, Jennifer, esta pregunta es algo personal… Sufres de una enfermedad rara, fibromialgia, y que luchas a diario con sus efectos. ¿Cómo es tu día a día? Una cosa interesante que he mencionado antes eran los títulos de algunas canciones del disco, que tienen un claro tono de inspiración en la lucha que vives… Fur: Es una lucha muy dura. No siempre va bien. Empezó hace un par de años y acabé en el hospital durante dos semanas, haciéndome pruebas porque nadie sabía lo que me pasaba. Creo que en ese momento me presioné demasiado a mi misma, me agoté y mi cuerpo dijo “hasta aquí”. Eso resultó en el dolor crónico y otro tipo de síntomas, pero sigo viendo a médicos, me siguen haciendo pruebas – aunque ya me han hecho de todo –, cirugías, inyecciones en la espalda, hormonas. ¡Ha sido una auténtica pesadilla! Viene y va… es una auténtica mierda. He estado hablando con otras personas que lo sufren, porque a veces puedes sentirte realmente sola en esta lucha, porque es una enfermedad que no se ve en el exterior y es muy frustrante. La gente te ve, sonríes y piensan que estás bien, te invitan a salir… pero no lo estás. Por eso yo he estado un poco aislada durante el último año, haciendo cosas por intentarme sentir mejor y he tenido que bajar el ritmo. Obviamente, Eli ha sido genial con todo esto. Ha estado haciendo los tours por las dos y yo he estado yendo y viniendo, pero no puedo estar haciendo tres shows cada fin de semana porque estaría tumbada en el suelo de dolor…

Justamente la vida del DJ no es la más recomendable para mitigar los síntomas… Fur: Exactamente. Es quizá lo peor que puedas hacer (risas). Pero sigo intentando mantenerme positiva, intentando descubrir cómo puedo hacer que mi vida y el dolor más manejable. Obviamente adoro la música y esto ha sido muy duro. Y para ti, Eli, como amigas que sois desde jóvenes, ¿cómo ha sido para ti vivir con Fur todo esto? Eli: Totalmente. Es raro pinchar sola a veces, después de pasar tantos años juntas. Pero creo que también es un rayo de esperanza para ti, Fur, porque somos dos, podemos apoyarnos y seguir. Es muy triste ver como ella está pasando por todo esto y es una de esas cosas que siempre intentamos manejar juntas. Yo solo espero que pueda irse encontrando mejor y que haya avances. La verdad, pinchar juntas las dos en Las Vegas y Londres fue realmente divertido, especialmente después de tanto tiempo separadas. Además cada una estaba en una parte diferente del mundo… ¿Cuándo os juntasteis? Fur: Estuvimos separadas durante siete meses y luego nos juntamos para terminar el disco, las dos, en nuestro estudio en Reino Unido. Hemos estado juntas durante años y años, por eso esto ha sido todo tan raro. Ya habéis alcanzado sellos top como Positiva, Anjuna, Crosstown Rebels, Defected… Además de tocar en los festivales y clubes más importantes de todo el mundo. Acabáis de publicar álbum debut… sin contar vuestra aparición mundial en televisión (risas). ¿Cuál es vuestro siguiente objetivo? Eli: Tenemos muchas opciones con diferentes sellos para hacer cosas, especialmente con Anjuna y Positiva, así que seguiremos trabajando con ellos y ahora que hemos tenido nuestro primer álbum, veremos cómo va el feedback e intentaremos volver a actuar de nuevo pronto, seguir experimentando cosas que nos inspiren para componer y seguir hacia delante. Fur: Agradeceros a vosotros la oportunidad, porque este ha sido un sueño de ambas durante años. ¡Estamos súper contentas! ¡Muchas gracias por vuestro tiempo, chicas! Y, ¡felicidades Eli, por tu compromiso con tu novia! ¡Os deseamos lo mejor! Eli & Fur: ¡Gracias a vosotros!

Escucha el cover mix exclusivo que han grabado Eli & Fur para DJ Mag España escaneando el QR.

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EL RETORNO DE GAETANO

CONFORM

RECORDS

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Autor: VICTOR FERNÁNDEZ Fotos: CORTESÍA DE GAETANO PARISIO Y CONFORM RECORDS

24 AÑOS DE

Este mes de julio, en DJ Mag España traemos un soplo de aire fresco para la escena, y no precisamente de la mano de un artista emergente... Hablamos de uno de los pilares más importantes de la historia del techno internacional y co-fundador del sonido napolitano: Gaetano Parisio. Desde el 2004/5 ha estado apartado de todo lo que es el business de la música y ahora vuelve, más fuerte que nunca, para celebrar los 24 años de su

LOS INICIOS

Entonces, ¿de dónde nace Conform? “La idea de Conform llega de la necesidad de hacer llegar mi propia música a la gente y crear el sonido de Nápoles” —nos cuenta Gaetano. Existía por entonces el sonido de Detroit, Berlín, y tiempo después surgió el de Bélgica o Países Bajos. En aquel entonces, formar el sello era la única posibilidad de exportar su música. “Siempre sentí pasión por todo esto… recuerdo cuando asistía a los primeros eventos y llegaban los DJs de fuera. Yo era un chico de 20 años y me ponía detrás de ellos, mirando cómo la aguja daba vueltas al vinilo y yo pensaba: ¿Cómo se hace esta música?”, recuerda Gaetano, aclarando que no estaba ahí porque quisiera ser el DJ, sino porque quería saber cómo funcionaba. A las nuevas generaciones les cuesta hacerse estas preguntas, porque ya lo dan todo por hecho. Gaetano nos cuenta que, en ese momento, alucinaba con todo lo que descubría. Poco a poco fue escuchando los temas e intentando desgranar las estructuras y sus elementos, y después de años de acercarse a la música electrónica, creó Conform, su primer sello. “Fue muy importante para mí, porque me daba la posibilidad de ser libre, de sacar mi propia música sin esperar que alguien aprobase lo que yo estaba haciendo,

gran creación, Conform Records, con nuevos lanzamientos y muchas novedades. El artista napolitano ha decido seguir utilizando su marca porque su visión de la música no ha cambiado. Si se hubiera inclinado por continuar con otro concepto musical, habría optado por crear algo nuevo, pero el estilo de cuando empezó Conform, el tipo de techno, de visión, hoy, especialmente hoy, puede marcar la diferencia.

porque yo mismo creía en ello. Por aquel entonces, Marco Carola y Rino Cerrone y yo estábamos en la misma situación”, nos cuenta.

techno. En ese viaje aprendimos, preguntamos y dejamos un casete con música para empezar a hacer producciones”, recuerda.

Con el tiempo, Conform empezó a publicar a otros artistas que Gaetano pensaba que eran afines a su visión del techno: Marco Carola, The Advent, Ben Sims, Adam Beyer, Davide Squillace, Danilo Vigorito… Todo en un periodo bastante corto de tiempo.

En ese viaje ambos estudiaron el negocio, comprendiendo desde el funcionamiento de las tiendas de discos, a cómo hacer la distribución, el proceso de mastering, los mejores estudios para realizarlo… Según nos cuenta, fue un proceso intenso, pero divertido, en el que la ayuda de la distribuidora fue clave para su futuro éxito.

El nombre de Conform no fue elegido al azar. “La idea es de que todo lo que salga del sello tiene que ser “conforme” a mi identidad, mi vision. Coherente. Por eso es un sello muy sectorial. Aun así, todavía me llegan un montón de demos de cosas que no tienen ningún sentido en mi sello… todavía me sigo sorprendiendo (risas)”, reconoce. La historia de Conform continuó, en un momento en el que todo era una novedad, incluido el proceso de publicar, lanzar o planchar discos. ¿Cómo se enfrentó Gaetano a ese proceso? “En esa época, estábamos Marco (Carola) y yo en Nápoles, con la misma idea de crear sellos. Llegamos al mismo punto, en el que colaborábamos en el estudio, y decidimos hacer un viaje a Londres, donde estaba Prime Distribution, que en ese momento era la distribuidora más grande de

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“Hicimos y aprendimos muchas cosas juntos, aunque cada uno forjó su camino. Yo, por ejemplo, me compré estos Genelec que tengo aquí, tienen 27 años. y Marco el mixer Mackie 32/8… Después todo se los compraron, Rino, Davide, Markantonio lo mismo con los compresores, máquinas… Lo compartimos todo, todo lo que aprendíamos”, reconoce Gaetano. Además, nos cuenta que cada vez que aprendían algo se llamaban para compartirlo, creando una escena cohesionada.

NÁPOLES Y SU ESCENA

La sinergia que hubo entre los artistas napolitanos fue lo que les llevó a ser lo que son. Esa forma de trabajar, ir todos a una, enseñar y apoyarse los

“Tú vendías tu disco y te contrataban. No existía tu foto en una red social. Te conocían por tu nombre y las portadas de tus discos en las tiendas. Y eso es lo que te hacía pinchar o no pinchar”.

unos a los otros, no es, por desgracia, lo más habitual a día de hoy. Gaetano compara este proceso con el fútbol: puede haber un equipo que gane un título debido a que tiene un gran jugador, pero el equipo que pasará a la historia es el que tiene varios jugadores con talento y trabajan en sinergia con una visión y un objetivo en común. “Eso no puede pasar solamente con una persona, es matemática (Maradona a parte)”, expone Gaetano. En su caso, esa sinergia nacía de la pasión y del desconocimiento de las dimensiones a las que podía llegar todo el trabajo que llevaban a cabo. Actualmente, la gente se deja llevar mucho por sus egos. Precisamente, es algo que no está presente en esta historia. “No estaba presente porque la unidad siempre fue la misma. Además, siempre notas cómo reacciona una persona frente a lo que a ti te pasa como artista. A veces, compartiremos estudio con personas con las que te sientes muy cómodo, personas que te ayudan a ser mejor de lo que eres. Si no es así, es mejor estar solo. En un proceso artístico es muy importante la energía. En nuestro caso fue algo especial. No fue algo de simplemente 4, 5 productores, era algo de toda la escena musical

de Nápoles, desde el diseño gráfico al promotor…”, nos cuenta y puntualiza, humildemente, que ellos solo fueron el resultado de una escena que nació entre 1991 y 1992.

EL ÉXITO

Antes las cosas no eran tan evidentes. Cuando Gaetano comenzó con Conform, ¿cuánto tiempo pasó hasta que empezó a notar que la gente aceptaba ese producto?, o ya no solo eso, ¿cómo era ese feedback entonces? Ahora tenemos muchas plataformas, donde puedes ver detalladamente desde dónde te siguen, comentan… Por aquel entonces, ¿cómo coño era eso? Como nos cuenta Gaetano, todo se basaba en la venta de discos: “Tú vendías tu disco y te contrataban. No existía tu foto en una red social. Te conocían por tu nombre y las portadas de tus discos en las tiendas. Y eso es lo que te hacía pinchar o no pinchar”. Cuando terminó de actuar en uno de los clubs en los que pinchó en su tour en Australia, en el año 99, solamente dos años después del nacimiento de Conform, se encontró con una cola enorme de gente esperando con el disco en la mano para llevarse su autógrafo como recuerdo. “¿En Australia? ¿En la otra parte del mundo con mi disco? ¿Con mi nombre? ¡Increíble! Yo ni había visto Australia, solamente la conocía por los mapas de los libros del cole y por sus canguros”, nos cuenta Gaetano entre risas. También hace mucho hincapié en lo importante que fue el soporte psicológico de sus padres para su éxito. “Sin ellos nada hubiera sido posible”, reconoce. Incluso hoy en día es complicado que las familias acepten que te quieras dedicar al arte. Cuesta que lo vean como una forma de vida o un trabajo a largo plazo. ¿Cómo fue eso en esa época? “En el año 92, al terminar el instituto debías ir a la universidad y estudiar una profesión, pero yo era mal estudiante. Necesitaba divertirme y hacer cosas que me despertaran un verdadero interés. Pero aún así, me examiné para ser abogado. Y aprobé.

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Pero como no me sentía satisfecho, llamé a mi madre y le dije: mira, ¿qué quieres?, ¿un hijo feliz o un abogado depresivo?”, nos cuenta. Y continúa: “Cuando estuve comiendo con mi familia, mi padre me dijo: ‘mira, hacemos esto: en 10 días volvemos a comer aquí y no me importa lo que me vayas a decir. Lo único que me importa es que lo que quieras hacer, lo vayas a hacer al 100%’. Yo creo que él no se esperaba que al cabo de esos 10 días yo le dijera que no quería ser abogado, sino que quería ser DJ”. Pasado un mes del viaje a Londres con Marco Carola, le llamó la distribuidora para decirle que habían escuchado su música y posteriormente le plancharon 12 temas en 3 vinilos. “Nada más colgar el teléfono fui corriendo a contárselo a mi padre: ¡La felicidad!”, recuerda. Justamente, a finales de julio, Gaetano ha sido padre por primera vez. “Siempre he pensado que la paternidad es algo inesperado, lo deseas, pero no lo planeas. Deseo ser un padre con la misma valentía que tuvo el mío, porque lo más complicado es no querer hacer de tu hijo una pequeña simulación de ti mismo, y respetar que es otra persona, otra criatura. La valentía de un padre está en dejarlo ser lo que es. Es la cosa más complicada de la vida. ¿Y tú qué quieres?, ¿un hijo feliz o un abogado depresivo?”, reflexiona entre risas.

al final, me encontraba delante de la mesa de mezclas como si fuera un empleado. La cuestión no es el qué pasa, sino cómo pasan las cosas”, reflexiona. En un festival en Chicago, que era la última etapa de un tour muy largo, su percepción de las cosas cambió. “Si a ti no te gusta algo, el problema es tuyo. Es que no estás en el sitio correcto. Si hay algo no te gusta, te vas. Si vas a un sitio y no te gusta la música, te vas a otro. Yo no digo: ‘esto es una mierda’, porque hay que dejar a la gente disfrutar. Siempre hay un sitio para cada uno. Si no te gusta algo, te vas”, reitera. “Lo que tengo que decir, que es muy importante, es que nosotros hablamos de techno. Y no se puede llamar techno a algo que no lo es, sea técnicamente, por definición o por estructura musical… El techno no es solo un género. Es cultura, libertad, es anti-mainstream. Llamemos techno a lo que es techno. Y si me voy, ya tú llámalo como lo tengas que llamar”, afirma. Vemos que las decisiones que ha tomado Gaetano a lo largo de su carrera han sido muy sabias y meditadas, igual que la de volver ahora con Conform y seguir con su concepto, que este permanezca intacto, aunque alrededor haya muchas cosas que no concuerden con su forma de pensar.

UN PARÓN NECESARIO

Después de todo su éxito y estando en la cresta de la ola solo cabe preguntarse: ¿Por qué se desconectó de la industria? No fue por la transformación de la escena, sino porque su percepción de las cosas cambió. “Mi padre se puso enfermo en el 2010, Me acuerdo que estaba en Japón de gira y me llegó la llamada de mi hermano: ‘Papá tiene cáncer, está enfermo’”, recuerda Gaetano. Volvió del tour y se fue durante tres meses a Estados Unidos, con su padre, para acompañarlo durante el tratamiento del cáncer y hacerle de traductor con los médicos. “Cuando todo esto terminó con la muerte de mi padre, intenté seguir otra vez haciendo lo que hacía, pero

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¡Qué mejor momento! ¿No creéis? Porque ahí afuera hay mucha gente esperando a que Gaetano vuelva. Porque gracias a él se enamoró del techno. Además, Gaetano tiene muy claras las cosas que no quiere que sucedan con su regreso. “Para empezar, la falta de respeto. O mejor dicho, la desilusión”, afirma. Si algo tiene claro el artista napolitano es que no quiere faltar al respeto a la persona que ha estado esperando su música durante tanto tiempo. “No quiero decepcionarlos”, reitera. ¿Y por qué volver a hacerlo? “No lo hago por un tema de dinero ni menos por ego, porque ya he demostrado que puedo vivir sin todo ello. Lo voy a hacer por la misma razón que la primera vez: es muy divertido, me hace crecer y cada día que llego al estudio me sorprendo como un niño pequeño”. Si estuviéramos delante de una persona que está relanzando su sello y su faceta artística porque la industria se lo demanda, claramente, no hubiéramos recibido las respuestas que Gaetano nos ha dado. Su pasión, entusiasmo y amor por la música es lo que han hecho que el astro napolitano regrese a la escena y eso, amigos, marca la diferencia.

“Si empezaste a pinchar techno para ser una persona famosa, la tipología de música quizá no es la correcta...”

Gaetano nos plantea unas preguntas que son de vital importancia y que todas las personas que se dedican a la música deberían hacerse: “¿Por qué empezar a ser DJ? ¿Por qué empezar a escuchar techno? Piénsalo bien. ¿Por qué? Si empezaste a pinchar techno para ser una persona famosa, la tipología de música quizá no es la correcta. Si empezaste por un tema económico, el techno, en aquel entonces, tampoco era la mejor opción… Si a día de hoy te haces las mismas preguntas y te respondes honestamente y la respuesta es exactamente la misma que en aquel momento, ¡perfecto! Aunque el motivo fuera ser famoso. No pasa nada, respeto la coherencia”, sentencia.

EL RETORNO DEL REY

Todo lo que me cuenta Gaetano es la historia de un artesano que decidió mantener la persiana cerrada durante un gran periodo de tiempo por decisión propia. Y eso nos lleva a preguntarnos: ¿Por qué volver a subirla ahora? “Por la misma razón por la que la bajé. ¡Demasiado amor! Me fui de la escena por amor, porque estaba empezando a mentirme a mí mismo. Empecé a tener

una energía muy baja, yo mismo me di cuenta la última vez que estuve pinchando. Estaba como un empleado esperando a que sonara el timbre para irse a casa”, reconoce. Técnicamente lo seguía haciendo genial, porque eso formaba parte de él, pero lo que le faltaba era la transmisión de energía. “Para mí la música era como… Imagínate: te has enamorado de la mujer más bonita del mundo y la más inteligente. Y te ama, te quiere mucho y ¿qué haces? ¿La vas a traicionar? No merece la pena porque ese amor es un privilegio. Para mí era lo mismo, no iba a traicionar a la música, eso no era una opción”, nos cuenta. Gaetano ha estado entre 10 y 15 años haciendo música sin publicarla. Y ahora está de vuelta por muchas razones: La primera, ha hecho la paz consigo mismo y se siente bien. La segunda, porque su pasión ha aumentado a lo largo de todo este tiempo en el que ha estado parado. Y la tercera, por supuesto, su mujer: Lorena Dellaccio. Con ella se ha trasladado a Barcelona, donde compró una galería de arte y montó en ella su estudio y casa. Escuchando la historia del artista napolitano y la dedicatoria que llevan las remezclas del back catalogue (del que hablaremos posteriormente), vemos claramente que Lorena ha sido una de las grandes razones por las que tanto él como Conform están hoy de vuelta. También el hecho de vivir en Barcelona le ha dado la oportunidad de encontrarse con muchos artistas. “Me di cuenta de que muchos DJs y productores top al encontrarme al cabo de tantos años, flipaban. Se acordaban hasta del color de las portadas de los discos… Sabían lo que yo había hecho, incluso lo habían estudiado”, nos cuenta sorprendido. Gaetano vivió totalmente aislado de todo eso y gracias a la gente viajó al pasado, observó su vida y todo era genial: como se sentía, su casa, Lorena… Todo esto que va a pasar no lo ha buscado. Como con su mujer. “Nos conocimos por casualidad. Fui a casa de unos amigos en Ibiza y me dijeron: ‘Sí, te hospedamos, pero tienes que compartir habitación con una chica’. ¡Y así nos conocimos!”.

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GAETANO

HOY MAÑANA Y SIEMPRE

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Gaetano está hecho de otra pasta. Así que para terminar este especial reportaje, os presentamos la transcripción de parte de la entrevista que ha dado lugar a esta pieza. Porque siempre es mejor poder escucharlo en la boca de su protagonista…

La primera vez que estuve en tu estudio escuché tus nuevas producciones. Y siguen manteniendo esa identidad del inicio, pero son técnica y tecnológicamente mucho más avanzadas… ¡Muchas gracias!

tenía el Gaetano de 22 años, y cuánto tengo hoy. Al final, el Gaetano de 47 mira al de 22 como una fuente de inspiración. Porque el conocimiento puede quitarte creatividad. Como en la vida: a más reglas, más se complica.

Todo ese bagaje que te ha ido cambiado ha definido las cosas de otra manera pero manteniendo siempre tu identidad… Si te digo la verdad, ha sido un proceso mucho más complejo. Perdí la identidad y después la recuperé. Eso es lo que pasa cuando no pinchas habitualmente. Por eso el productor y el DJ son la misma cosa. Porque se retroalimentan. Fíjate, muchos temas que he producido en el pasado los hice los lunes, porque venía fresco del club. Eso dejó de pasar durante más de 10 años. Yo no tenía ese input semanal de ir a un club a pinchar, la música que escuchaba era completamente diferente. Estaba haciendo cosas completamente distintas…

Lo que hace único al techno es que es simple pero increíblemente complicado. Como los espaguetis “cacio e pepe”, cocinarlos es lo más complicado del mundo. Son los únicos espaguetis para los que no se utiliza aceite, sólo agua, pasta, queso y pimienta. Son elementos muy sencillos, pero conseguir el punto de cremosidad perfecto es complicadísimo. ¡A mí me encantan! Pues el techno es como el cacio e pepe: muy simple, sólo 4 elementos. Pero conseguir el punto es muy difícil.

Entiendo que de ese tiempo debes tener muchas producciones experimentales… ¡Muchísimas! ¿Pero qué pasó? Las variables cambian continuamente. Sigo siendo Gaetano, pero toda lo que hay alrededor ha cambiado. Al volver a crear mi estudio de nuevo aquí, en Barcelona, con un routing tan complicado como este, necesité mucho tiempo para sentirme cómodo y también acostumbrarme a la acústica. Ahora no trabajo con mesa de mezclas, trabajo con sumadores. Y lo más importante, dejaba escuchar mi música a la gente cercana a mi. Todos me decían que era buenísima, que tenía que publicarla; pero yo dije que no, que no terminaba de ser lo que yo quería hacer. Y ahí llegaron los trucos que seguí para hacer lo que estoy haciendo a día de hoy. Me dije tengo que acordarme de todo lo que era mi rutina cuando tenía 21 años: me despertaba por la mañana, me tomaba un café, me fumaba el primer porro, escuchaba lo que había hecho el día antes y trabajaba en el estudio 10 horas cada día. También pensaba en cómo estaba en el estudio: ¿Estaba sentado? ¿De pie? ¿Qué máquina utilizaba? ¿Qué preset de algún sintetizador me pudiera ayudar a entrar en el rollo? ¿Hacía un tema en un día o en una semana? ¿Dedicaba mucho tiempo a la parte creativa? ¿O a la ecualización? Visualizaba cada detalle de cómo trabajaba... Me di cuenta que había perdido mi rutina. También me fijé en cuánto conocimiento

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Para mí tiene mucho valor. No quisiste meterte en el estudio y sonar como el Gaetano del pasado, sino conectar con él y expresarte desde ahí… La belleza del arte es única, no tiene precio, no se puede reproducir. Yo soy la misma persona, el mismo set-up, tengo más técnica que antes, pero aunque quiera, no podría hacer lo de hace 20 años. Porque uno de los filtros de la variable, el bagaje, ha cambiado. Puedes intentar hacer algo parecido a lo de antes pero, no eso exactamente. La autenticidad es la belleza del arte, no es algo industrial, no se puede reproducir, es única. ¿Qué piensas de las nuevas generaciones? Si tengo que comparar al Gaetano de 24 años con los artistas de hoy, los dos han hecho un pacto con la música, pero ahora la tentación de separarse del camino es mucho más alta. Si tienes talento y eres un buen DJ, sabes cómo funciona la industria, sabes que puedes llegar a ganar mucho dinero. En el pasado no existía la tentación, el dinero no estaba contemplado. Por todo esto que me cuentas, encuentro muy importante tener charlas así y que sean públicas. Hoy a la gente le faltan referencias como la tuya y ya no de música, sino de sentimiento y de forma de pensar… Te digo algo, es fácil estar fuera de la escena y volver a la misma manera, pero lo que es más complicado, mucho más, es haber llegado hasta aquí y seguir siendo coherente. ¿Sabes cuántas modas ha habido en 30 años? ¿Lo fácil que es equivocarte por un segundo y desviarte? Para mí los artistas que son afines a sí mismos son una gran inspiración.

Pero eso es muy complicado... saber siempre que estás en el camino correcto… Existe un antídoto para no equivocarte: ¡Tu propia visión de la música! Eso es lo que te protege de todo. Si tú tienes una visión fuerte de tu música y lo que quieres hacer, puede pasar todo, venir un huracán, puede pasar la moda, y tu sigues haciendo lo tuyo. Pero no es malo cambiar, parte de la naturaleza se basa en evolucionar, es como los tipos de DJ: ¿Cuál es tu DJ favorito? A mí me gusta un DJ que en dos horas puede pinchar de todo y sabe hacer un viaje. Después está el que va a la identidad, y también puede hacer un viaje haciéndolo con una modalidad diferente durante el set. Pero es otra tipología por completo. Los dos son unos DJs geniales. No hay manera buena o mala, solo lo que te gusta o no te gusta y mantenerte fiel a ello. Cuando te pones a producir actualmente, ¿cuánto tardas en hacer un tema? Siempre lo hago todo en modo live, oneshot, y como mucho, si no me gusta, vuelvo a grabar los ritmos encima, a tiempo real, y ya está. No me gusta escribir las cosas. Me aburro de estar programando, me gusta hacerlo todo live. Prefiero la imperfección. Cuando escribes las cosas exactas pierdes esa sensación de originalidad. La perfección jamás va a llegar. ¿Crees que eso forma parte de la identidad del sello? Absolutamente. No del sello, sino mía. Cada artista lo hace a su manera. Ahora has lanzado todo el back catalogue, remasterizado, y vas a publicar nuevos lanzamientos, pero… ¿La idea de hacer remezclas de donde viene? Mira, a la hora de elegir los artistas, en plural, porque lo hice con Lorena que es mi socia al 100%, lo que no faltaba era el contenido de la música. Teníamos el back catalogue y la música no lanzada de todo el tiempo, toda la música que he producido mientras estaba fuera de la escena y toda la nueva que he estado haciendo ahora. Pero teníamos que elegir por dónde empezar. Lo primero era que la nueva generación conociera lo que se había hecho 24 años antes y al mismo tiempo, dejar su espacio a artistas actuales que para mi son una fuente de inspiración. Ha sido un tributo, no a la música, sino a los artistas, ya sean del pasado o presente.

Así, entonces, queda la publicación del back catalogue y ahora un doble nuevo después de 16 años sin sacar nada en Conform. ¡Para mí esto es muy importante! Lo necesitaba. Estoy feliz de que haya llegado el momento. Todo esto ha sido una preparación para lo que está por llegar. Paralelamente, estoy trabajando en otro proyecto: voy a publicar toda la música que en el pasado se me quedó sin publicar antes del parón. ART (Advanced Techno Research) era otro de mis sellos, que se dividió en bloques de 10. 1 sub-10, 2 sub-10… no tiene nombres. Quiero completar todo el segundo bloque. Lo bueno es que toda la música ya está hecha. La hice hace más de 15 años. Simplemente hay que publicarla. Voy a completar un proyecto que ya estaba listo en aquella época. ¡No tenía ni idea! Es la primera vez que hablo de esto. Yo tenía 3 sellos: Conform, ART & Southsoul. Conform fue el primero y las otras dos eran para expresar otras facetas a nivel sonoro. Southsoul era más funky, una mezcla entre techno y house, un crossover. Por todo lo que me has dicho, tus tres sellos nacen y mueren contigo, ¿verdad? ¡Totalmente! Bueno quizás mi hija... (risas)

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He escuchado todo el back catalogue y me parece muy fuerte que de un sello tan importante a nivel internacional, el 80% de las producciones sean tuyas… Tengo muchísima música. La pena es que hay muchos que se grabaron en cinta hace muchos años y se perdieron. Ahora ha sido mucho trabajo, y lo estoy haciendo gracias a Lorena. Es mi manager, no solo de música, sino también de vida (risas). Bueno, asistente social mejor dicho (risas). Yo soy un desastre. Mismo espíritu y otras cualidades, nos combinamos bien. He tenido mucha suerte. ¿Tienes pensado hacer eventos? Sí, vamos a hacer en Barcelona, Nápoles y Berlín. Con Bandcamp vemos dónde hay más interacción y Berlín es la ciudad donde más tenemos. Pero bueno, poco a poco. Estos son los primeros pasos y lo que tenga que venir, bienvenido. Muchas gracias Gaetano por abrirme las puertas de tu casa de nuevo. ¡Hasta la próxima! Encantado. No ha sido una entrevista, ha sido una charla, como siempre. Y recuerda: ¡Lo importante no es el qué, sino el cómo!

IKER Desvelando el misterio de la música

JIMÉNEZ Autor: EDUARDO PÉREZ WAASDORP Fotos del estudio: CARMEN PORTER Fotos de Iker Jiménez/Cuarto Milenio: GUILLERMO LEÓN

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ra domingo, pasadas las 23h. Estaba viendo, como es habitual, el programa de esa semana de Cuarto Milenio. Soy fiel seguidor milenario desde la primera temporada del programa, emitido hace 15 años, y he seguido la trayectoria de Iker Jiménez en televisión durante todo este tiempo. Iker es un referente para muchos – yo incluido – por su profesionalidad, integridad y pasión a la hora de exponer temas, tengan que ver o no con el misterio. Queda patente lo ocurrido durante el último año y medio de pandemia, un tiempo en el que prácticamente él ha sido el único periodista en España en informar con rigor sobre lo que estaba ocurriendo, contando con científicos y expertos de primer nivel, en debates sesudos y maduros que buscaban eso: informar. Pero volviendo al tema que nos ocupa, muchos os preguntaréis ¿qué hace Iker Jiménez en DJ Mag España? Resulta que esa noche de domingo, en el programa nº643, Iker introducía – como es habitual – un reportaje sobre el rarísimo libro titulado Manual del Baratero: Arte de manejar la navaja, el cuchillo y la tijera de los jitanos (1849). Más allá de ser otra pieza de divulgación excelsa, con una ambientación magistral y muy interesante, yo me quedé con la frase que dijo al presentar la pieza: “Esta música yo la he hecho… bueno, estos efectos extraños… y les aseguro que tienen una fórmula mágica que juega con los hemisferios cerebrales”. Lo que oí durante el reportaje me dejó alucinado. La finura, refinación técnica y, sobre todo, la carga emocional de la pieza, titulada ‘1849’, era tremenda. Y su forma de sonorizar encajando con la pieza visual era perfecta. El tema se puede oír, junto con el resto de su repertorio, en el perfil de Iker en plataformas como Spotify o Apple Music. Así que me puse a investigar esta faceta, hasta ese momento desconocida para mí, de Iker Jiménez. Y mi sorpresa fue a mayores al oír sus piezas. Cada una diferente, son experimentos sonoros

en clave ambient/electronica, con los que busca adentrarse en un mundo que es nuevo para él – a nivel técnico y de producción –, pero en el que tiene mucha experiencia. Experiencia a nivel de conocimiento musical, de incluso haber investigado y analizado los efectos de la música en las ondas cerebrales, o de los años que ha trabajado entre la radio y la televisión. Este bagaje cuenta. Pero también, y no vamos a negarlo, tener un oído y una creatividad especialmente sensibles. Eso hace que la música de Iker Jiménez tenga un… #Algo. Un toque especial que lleva a sus experimentos sonoros a provocar emociones intensas en quien las escucha, tanto solas como acompañadas de diferentes piezas visuales. En resumen, la cabeza nos explotó un poco a todos. Y digo “nos” porque he compartido esto con más de un reconocido productor de nuestra escena y la sorpresa ha sido generalizada. Sorpresa por la calidad de las piezas y su potencial a diferentes niveles. Es por todo esto que decidimos convocar al maestro Iker Jiménez, para que nos cuente de primera mano cómo surge esta faceta en él. También cómo es que tiene esa sensibilidad y gusto por la música electrónica y las experimentaciones sonoras y también cómo se integra todo esto en su día a día, conduciendo programas como Horizonte, Cuarto Milenio o Milenio Live. “En cuanto me dijiste que queríais entrevistarme, como sé lo que representáis, no hay cosa que me hiciera más ilusión”, abre nuestra entrevista Iker. “A mi me interesa saber, lo entienda o no. Que alguien crea que mi trabajo pueda estar medianamente a la altura de ser emitido, me alucina”, nos comentaba sorprendido. Pero la evidencia de la calidad de su trabajo está ahí, para que todos la escuchen. Esto es una historia muy reciente para él y reconoce que es una de las que más alegría me han dado en la vida. “Porque, como te decía, la música me acercó al misterio. No soy capaz de desligar todos los temas que me gustan, de la música”. Nos cuenta que no había em-

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pezado a experimentar antes, por esa concepción errada de que solo los “músicos” pueden hacer música. “Yo siempre me sentí lejano de la música. Amante de la música, eso sí. He hecho todo en mi vida con música. Siempre trabajo con música, leo con música… soy un melómano en ese aspecto. Siempre me gusta estar acompañado porque sé lo que significa para el espíritu humano la presencia de la música. Pero, ¿qué ocurre? Que evidentemente, como me imagino pasa a muchos del gremio, el hecho de no tener una formación reglada, académica, de solfeo y conservatorio, me hacía pensar que no podía ni explorar”. Sin embargo, su amigo Cristian Llorente – quien compone algunas de las músicas de Cuarto Milenio – le instó a explorar esta vertiente. “Me dijo: Iker, tienes que probar, porque el simple hecho de sonorizar algunas cosas te va a hacer entrar el gusanillo”. Y lo que no iba a poder creerse es que la tecnología nos permite, incluso a los que no sabemos casi nada, empezar a crear piezas musicales. “¡No me lo podía creer! Para mí ha sido un sueño”. Y aunque insiste en que no tiene todavía el suficiente conocimiento, sí reconoce que es “hijo de años y años de explorar este código. Tengo la mente llena de esas cosas que he explorado. Y quizá en mis músicas y mis experimentos sonoros está presente todo eso”. Pero… ¿de donde surge su inclinación hacia la electrónica experimental y el ambient en concreto? Por todos es conocida la predilección de Iker por autores como Jean-Michel Jarre (en esta entrevista llevaba puesta una camiseta de Oxygene), Vangelis, Dead Can Dance, Mike Oldfield, Alan Parsons Project, Tangerine Dream o Pink Floyd (cuyo ‘Shine On Your Crazy Diamond’ es la sintonía que suena de fondo en todas sus reflexiones finales en Cuarto Milenio)… “Bueno, te habla alguien que ha hecho un uso constante de la música electrónica a lo largo de su carrera. Iker Jiménez es quien es, aunque la gente no lo sepa, en parte por la música electrónica. Desde muy pequeño, precisamente influenciado por la televisión de los años 70 que ya empezaba a usar el sintetizador (tanto en cabeceras como en fondos de muchos reportajes), me empecé a

IKER impregnar de algunos temas. Luego, cuando fui tendiendo hacia el misterio, eran muy adecuados para la música atmosférica o ambient, que a mí es la que me gusta”. Para Iker, como periodista y divulgador, la música es clave para que el medio entre en el corazón y la mente de la gente. “Creo que el gran poder de la música, que es lo más cercano a la magia dentro del arte, es ser capaz de conmovernos por dentro de una forma muy especial. A mí eso me pasó de niño. Lo que no hubiera imaginado es siquiera poder experimentar”, recalca. Iker ha estado toda la vida usando la música electrónica en sus trabajos, bien sea en radio o televisión. “Considero que la música electrónica, sobre todo en la industria audiovisual, es de una importancia crucial, básica. Cualquier relato varía absolutamente según la música que tu emplees, los recursos de efectos que se empleen. A mi eso me parece absolutamente mágico”. Progresivamente fueron algunos amigos e integrantes de su equipo quienes le dijeron: “lánzate, si no pasa nada”. Y lo que no podía creerse era que iba a acabar pudiendo sonorizar algunas cosas de los programas. “Para un aprendiz como yo es una satisfacción difícilmente explicable. Ha sido uno de los grandes hallazgos de mi vida: poder hacer música. Poder manejar atmosferas y hacer pequeñas cosas, pero que para mí son mucho”. Estos profesionales le mostraron un camino y le hicieron darse cuenta de que hay miles de personas en el mundo generando música y que tampoco tienen una formación estricta. Pero tienen una sensibilidad, un sentido del ritmo… “No me considero un intruso, sino un aprendiz de una tecnología que nos ha permitido tener algo que antes te hubieras tenido que ir a Londres, en tu casa”. Metiéndonos de lleno en su música y en su proceso ¿cómo es el estudio de Iker Jiménez? “Primero, yo soy un aprendiz. Yo en mi vida no he hecho otra cosa que aprender de los que saben. Donde estoy es el estudio que me monté. Milenio

Live, que es la experiencia que hacemos en YouTube, requería de este espacio y me dejé un pastón (risas) en ponerme una mesa. También tengo Maschine. Ahí me ayudó Manolo (Rodríguez), de SonoRec, me dijo más o menos qué aparatos debía comprarme: fue componiendo las tarjetas de sonido, la mesa de mezclas, me recomendó un teclado para empezar a explorar. Y mi amigo Cristian me empezó a hablar de lo que era Kontakt, Omnisphere, plugins y las posibilidades enormes de programas que existen. También Arturia, que tiene cosas vintage muy chulas, de sonidos de sintetizador”, nos cuenta, reiterando su incredulidad al poder tocar y jugar con instrumentos que grandes como Jarre han utilizado en laureados trabajos como ‘Equinoxe III’. “Puede parecer muy ingenuo, pero estaba flipando. La música electrónica está llena de gente valiente que se ha lanzado a generar cosas, imagino que también con mucha polémica. Yo me sorprendí y empecé a ver a DJs – de los que yo no conocía bien su trabajo – y me quedaba diciendo: y lo que esta gente está haciendo, es espectáculo, ¿sabes?”, reflexiona. “Entonces me construí esto – que era para otra cosa – y aquí me puse yo mi teclado, con mis auriculares, y empecé a generar con las dos pantallas que tengo aquí”, nos cuenta. Con esto no hace más que corroborar que todo lo que oímos en su repertorio es fruto de su mente autodidacta e inquieta. De hecho, se lo preguntamos directamente: ¿Ha estudiado algo de esto? Porque su tratamiento de elementos como armonías y voces es especialmente fino. “No, no lo he estudiado. Me dijo un día el Dr. (José) Cabrera una frase: la infancia es el patio donde jugamos toda la vida. A mi me impactaron todas esas músicas, yo soñaba con reproducirlas. En el año 90, con 17 años, en una radio de pueblo, Radio Alameda, lo primero que hice en mi vida en la radio fue poner Oxygene 4 y luego Oxygene 6”, nos cuenta emocionado. “Mi bagaje es 30 años experimentando cómo las emociones musicales afectan al cerebro humano – porque lo sé muy bien –. Eso igual no lo hace mucha gente. Yo no puedo equipararme a

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“No sé lo que es éxito o lo que no, me da igual. Yo soy un explorador de la sensibilidad humana y de las ondas cerebrales. Ha sido siempre mi material de trabajo”. alguien que haga música, de pronto que haga una buena secuenciación. Pero yo lo que voy es a otra música, que es más rara y que igual no gusta a todo el mundo”, reconoce. Pero es que a pesar de no tener esa formación reglada o experiencia previa, Iker posee otros conocimientos que hacen que su música tenga algo especial. Tal y como nos contaba, se ha documentado extensamente sobre los efectos de las ondas musicales en el cerebro: “Hay un libro del neurólogo Oliver Sacks que se llama Musicofilia (2007), y es uno de los primeros que habla un poco de los cambios neuronales que produce la música. Hay muchos músicos que no lo saben y deberían saberlo”, comenta. Por eso la euforia, por eso la tristeza, la emoción, pero no llevado las ventas o el éxito. Hablamos a nivel neuronal. “Plásticamente, la neurona está replegándose, extendiéndose – por definirlo de alguna forma –, irradiando más con un tipo de música u otra. ¿Por qué cuando oigo a Jean-Michel Jarre, a mí por lo menos, me viene la imagen de lo que es el misterio del espacio?”. Según explica Sacks, el cerebro, en ese momento, físicamente, está reaccionando a una serie de códigos que existen y no se conocen muy bien. ¿Porqué esto produce una tremenda angustia? ¿Porqué esta enorme emoción? ¿Porqué esto hace concentrar la atención? “Yo siempre he procurado con mis experimentos, con toda la humildad del mundo, experimentar con eso”.

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“Cuando encaja, yo sé que ha encajado. Esto fue lo que pasó con ‘Black Clown’, no es una pista para oír sin más”.

Su experimentación, sin embargo, no es de las simples. En mis charlas con diferentes amigos productores hemos hablado de las separaciones armónicas, cruzar líneas instrumentales diferentes, el nivel orquestal de su música. Aunque una de las cosas que más nos sorprendió es su afinación de las voces, en tracks como ‘Wincha’ o ‘Iberum’. ¿Cómo llega a esos detalles? “Yo me aprovecho de la tecnología. Yo soy hijo de la democratización de la tecnología. Lo que si me doy cuenta es que estoy eligiendo y experimentando hasta que veo que es exactamente lo que a mí me produce esa emoción”. Y continúa: “No sé cómo explicarlo. Es la música que a mi me gustaría vivir y que he soñado siempre con hacer. La que yo pondría, la que me acompañaría en mis viajes, la que yo tendría en la carretera solitaria”. Nos cuenta la anécdota de estar parado en el Puerto del Escudo (Luena, Cantabria),

con lagrimas casi, oyendo un track de Mike Oldfield, en su opinión poco reconocido: ‘Return to Ommadawn’. “Esa hipersensibilidad yo la tengo”, reconoce y sentencia: “No sé lo que es éxito o lo que no, me da igual. Yo soy un explorador de la sensibilidad humana y de las ondas cerebrales. Ha sido siempre mi material de trabajo”. Él no ha llegado a la música desde el academicismo ni el virtuosismo. Y de pronto se he dado cuenta de que era capaz de incluso emocionar a la gente. Emocionar en todos los sentidos, tanto en emociones positivas, como inquietantes. Tracks como ‘Psikophon’ o ‘Black Clown’ nos puso los pelos de punta, llegando incluso al nivel de tener que detener la escucha. Evidentemente, son experimentos sonoros que no se pondrían en pista de baile pero que sirven para otros propósitos. “Cuando encaja,

yo sé que ha encajado. Esto fue lo que pasó con ‘Black Clown’, no es una pista para oír sin más”. De hecho, es una pista sonora creada para una exposición que hizo Cuarto Milenio, sobre el miedo a través del tiempo, en Madrid. “Esa fue la primera vez que le eché bemoles y dije yo voy a hacer la música para que la gente vea las piezas. ¡Una maravilla para experimentar! Había una zona que hicimos para este experimento en el que la gente de verdad se aterrorizaba. ¿Te imaginas que zona? La de ‘Black Clown’, que trataba sobre la coulrofobia o miedo a los payasos”.

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Pero Iker también tiene otro lado. Como el que demuestra en ‘Wincha’, que en según qué pista de baile puede encajar perfectamente. “Me das una alegría, porque me encantaría poder hacer experimentos de ese tipo”, nos comenta. Y nos explica que ‘Wincha’ nace con

motivo de unos podcast especiales, de los que uno era sobre los huaqueros en Perú. Un tema que había vivido de estar con los ladrones de tumbas y en el sitio de las momias sin cabeza. Entonces, ¿cuál es el proceso? “Yo me acuerdo de todo eso y visualizo las imágenes. En esa música, en la elección de esas voces, en cómo deformo yo esas voces hasta que suenan así, es porque yo recuerdo algo de lo que me inspira esa investigación”, recalca. Y ¿cómo definiría su propia música? “Yo definiría mi música como onírica, es decir, una música como del sueño, rara, que toca las emociones y nace del misterio. No nace de ninguna pretensión de éxito o de funcionar. Sino que nace como hija del misterio”. Además de esto, está su tratamiento de los silencios y de la percusión. Como todo buen compositor de ambient, la percusión en las músicas de Iker está casi ausente y cuando lo usa, está tratado de una forma muy fina. Básicamente, no es

un elemento central en su composición. “Es algo totalmente intuitivo”, reconoce. Y se compara con un pintor que tiene una paleta de sonidos y que visualiza lo que quiere expresar. “Me decía Roberto Lloreda, que ha trabajado en la música electrónica, que hay como unos patrones lógicos. Me enseñó FL Studio, que decía que me vendría bien porque es más sencillo. Y había una serie de patrones en los bombos, etc., pero no los acababa de pillar”. Para él, esto se trata de que surja “ese duende. Cuando yo me imaginaba a un niño, perdido ahí en el limbo, era porque ¡cuántas veces he estado yo en esas carreteras, o he preguntado a gente, que por asombroso o increíble que parezca, habían dicho que en el punto kilométrico 131 en la carretera tal un niño se aparecía… ¿Qué me inspira eso?”, seguido de una búsqueda inmediata de fondos, de sintetizadores, de ambientes. “¿Qué elemento percusivo metes ahí? En ‘Wincha’, cuando lo meto, es porque creo de verdad que esto tiene que estar ahí, porque le da ese empuje un

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poco tribal o rítmico, que en este caso funciona”. Para él ejercer la música es como un acto chamánico. “La música es chamánica”, sentencia. Ahí entra un poco la figura del DJ. El DJ es como un chamán que guía a su público. Iker, que viene de la radio, ¿se ha planteado experimentar alguna vez con mezclar música? “No, pero estoy seguro de que funcionaría. Porque a mi me gustan las cosas más rítmicas también. Lo que pasa es que no tengo todavía la capacidad de enfrentarme a retos de ese tipo”, reconoce. El ambient, dice, le permite ser un poco más experimental. “Yo no gano dinero con esto, no pretendo nada con esto. Lo que quiero es aprender de mi mismo y de las capacidades de la música. Para mi siempre ha sido un gran misterio, ¡qué maravilla poder tocarla, moldearla!”, concluye. “Yo sé que hay todo un mundo donde hay gente que te ayuda a producir y que todo suene mejor. Pero a mi no me

interesa, porque este es un camino de locura personal”, dice Iker con firmeza, comentando que ciertos amigos le han dicho que con su nombre y con esta música “tan rara” que produce, si se deriva al techno o la electrónica pura y dura, la gente va a sorprenderse mucho. “Habrá gente que diga: va, este es el típico famoso que se pone a hacer el tonto y le hacen la canción. Como quien te hace un libro. Es algo que no me he permitido en la vida”, anticipa Iker. “Como has visto, esto es un camino absolutamente personal y esto es algo que la gente que entienda de música se dará cuenta. Yo no sigo un patrón para agradar tampoco, sino que la música está basada en la experimentación”, concluye. Para él esto es un viaje chamánico con la música y tiene ganas de hacer algo que vaya más allá de su estudio. “Mi jefe de imagen ha hecho una figura de un extraterrestre que yo le llamaba Astromind, por astronauta de la mente”. Y nos invita a imaginar su

música en un escenario, con visuales y un espectáculo como los que monta Jean-Michel Jarre… “O como hacen los DJs, que yo no conocía. Gente como Deadmau5, (Boris) Brejcha, Avicii… He descubierto a gente que monta un espectáculo que me parece brutal. Yo mismo me he quedado diciendo: estos tíos, ¿quiénes son?”, comenta ante nuestra sorpresa. “Me quedan cosas por aprender. Pero te digo que quiero proporcionar a la gente un viaje a la mente, a la antigüedad, al misterio y al espacio”, nos cuenta. ¿Iker Jimenez aka Astromind? Dadlo por hecho. Aún así, su único objetivo es el de aprender y seguir disfrutando con la música. Música que le ha ayudado tremendamente esta pandemia: “Soy muy futbolero, de jugarlo, y estaba muy jodido por no poder hacerlo. Además con todo el trabajo que hemos tenido, tenía el cerebro fundido. La música ha sido mi salvación”, responde con entusiasmo. “Es un aprendizaje a lo bravo

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y me lío todavía. Yo antes trabajaba con Pro Tools – aunque no era lo más adecuado – porque era con el que trabajaba yo”, recuerda. Pero en seguida vio la facilidad y cuando empezó a ver la capacidad que se tiene de mover plásticamente el sonido, se quedó alucinado ante el mundo que se le ha abierto con otras herramientas. “Yo tengo casi 50 años y he de decir que se te venga una sorpresa así de grande con casi medio siglo es maravilloso. Nunca lo hubiera soñado”, concluye. En cuanto a nuestro sector, Iker cree que va a volver a haber un impulso bueno. “En el aspecto de eventos, yo tengo la impresión de que la necesidad de la gente de volver a vivir experiencias va a ser brutal”, reconoce. “Me emociona porque yo quiero hacer alguna cosa en este tipo de clima musical”. Iker también nos habla de #Algo, su último y más personal proyecto. Ya se ha emitido su primera entrega y además de

“Que luego vengan expertos o gente que sabe y digan: ‘oye, hay cosas interesantes’, me deja asombrado”,

ser una reflexión interna por su parte, también ha sido un escaparate importante para sus nuevas creaciones musicales. “Esta serie que voy a hacer, que se llama #Algo, me interesa mucho porque es una introspección sobre mis propias creencias desde niño. Voy a hacer unos capítulos para YouTube y quiero hacer una banda sonora que esté a la altura del niño que se encuentra con el misterio infinito del espacio, los OVNIS, y le cambia la vida”, nos cuenta. En un mundo tan competitivo y donde todo se hace habitualmente con un fin, encontrarnos con una relación con la música tan pura como la de Iker Jiménez es un soplo de aire fresco. Quizá estemos ante el despertar de una gran mente musical escondida, durante muchos años, tras el disfraz de sesudo periodista, divulgador y maestro del misterio. Y aun-

que nosotros estamos seguros de que sí, eso lo dejamos a la interpretación de cada uno de vosotros, invitándoos a escuchar la música de Iker en sus perfiles de Apple Music o Spotify (a los que podéis acceder escaneando el QR). Mientras tanto Iker sigue describiendo su idilio musical con el ejemplo del pintor que pinta para si mismo. “Que luego vengan expertos o gente que sabe y digan: ‘oye, hay cosas interesantes’, me deja asombrado”, comenta. “No sé si es la envoltura o el ambiente. No sé. Tampoco persigo eso”. Bueno, yo creo que sin perseguirlo, lo ha encontrado.

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*Escucha la música de Iker Jiménez en Spotify escaneando el código QR

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Autor: PATRICIA PAREJA CASALÍ

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Original de Tel Aviv, Israel, y afincada en Berlín hasta hace bien poco, Magit Cacoon es una DJ y productora con más de una década de recorrido en la escena dance underground. La artista ha configurado un estilo musical propio que la ha consagrado como una de las DJs más talentosas del momento, y recientemente ha experimentado un crecimiento exponencial en su éxito y reputación de su carrera musical. La trayectoria profesional de Magit la ha llevado a firmar en sellos de primera línea como Crosstown Rebels y Rebellion de Damian Lazarus, Second State, KATERMUKKE, Sincopat o DGTL, entre otros. Además, la israelí también forma parte de la familia de DIYNAMIC Music, del aclamado Solomun, cosa que la ha llevado a atraer la atención de los altos perfiles y de un gran número de productores. Por si fuera poco, la artista también es dueña de dos sellos: Girl Scout y Mago Music, dos sellos que pueden presumir de gran salud y mejor música. La pasión por su trabajo y el talento innato de Magit han hecho de ella una de las artistas estelares del momento. En Dj Mag España hemos tenido el placer de conocer más en profundidad a Cacoon, le hemos preguntado por sus inicios, por su opinión acerca de la escena mu-

sical en su país natal, por cómo vivió el confinamiento y cómo consiguió aprovechar aquellos extraños días para crear magia en el estudio, por los planes que tiene en marcha para su reciente sello Mago Music, por su presente y sus futuros proyectos,… ¡y más!

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La magia m us ic a

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¡Hola Magit! Es un placer tener esta pequeña charla contigo para Dj Mag España. ¡Cuéntame! ¿Cómo va tu verano hasta ahora? Ha sido un verano genial, he podido hacer muchas actuaciones en mi país y en mi ciudad natal. Ojalá hubiera podido viajar y pinchar más en el extranjero, como solía hacer antes de la COVID… Eres DJ y productora, naciste en Tel Aviv y pasaste varios años de tu vida afincada en Berlín, una ciudad con una cultura de la industria musical muy fuerte. ¿Cómo han influido estos lugares en tu música? Sí, viví en Berlín durante diez años antes de volver a Tel Aviv en 2017. Debo decir que la década que pasé en Berlín me influyó muchísimo tanto a nivel personal como musical. La escena electrónica y la vibra de la ciudad me inspiraron mucho para escribir música. ¿Cómo no inspirarse en las noches de fiesta infinitas en una de las principales capitales de la vida nocturna del mundo?. Israel también ha tenido una gran escena electrónica durante más de veinticinco años y muchas personas están sorprendidas de que en un país tan pequeño, especialmente en Tel Aviv, tengamos una escena musical tan buena. ¿Cómo fue para ti, alguien original de Tel Aviv, crecer en la cultura hebrea?

Amo Tel Aviv y estoy muy orgullosa de mi pasado y de mi país. Me encanta el ambiente que hay en mi ciudad, vivir cerca de la playa, la increíble escena culinaria y los grandes clubes, fiestas y festivales clandestinos que tenemos aquí. ¿Cómo describirías el estado actual de la escena musical en Tel Aviv e Israel? ¿Qué destacarías? Como decía, la escena musical de Tel Aviv en concreto, y de Israel en general, nos ha valido el apodo de la “Ibiza de Oriente Medio”. He pinchado en muchos clubes y fiestas increíbles, y festivales internacionales como Circoloco TLV, Innervisions “Lost in a Moment” y DGTL Tel Aviv. Dice mucho que festivales de ese nivel hayan elegido un lugar como Israel para llevarse a cabo. El psy trance es uno de los principales géneros en tu país pero, ¿cómo es la situación con los otros géneros que no son tan predominantes? Especialmente teniendo en cuenta que Israel cuenta con grandes artistas como Guy Gerber o Shlomi Aber, entre otros. Es cierto que Israel se puso en el mapa con el psy trance porque, en cierto sentido, Goa fue el lugar donde los artistas israelíes fueron vistos y escuchados por primera vez alrededor de 1990.

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Sentimos mucho respeto por artistas como Infected Mushroom, Astral Projection, Vini Vici y otros en esa escena. Pero el techno aquí es muy amplio y, como tú misma dijiste, tenemos muchos DJ que son conocidos en todo el mundo en nuestro género: Red Axes, Guy Gerber y muchos otros que dieron a conocerse en todo el mundo, y muchos recién llegados… ¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Qué buscas transmitir cuando produces en el estudio? Simplemente estoy tratando de crear mi propio estilo de música dejando una marca en mi música y tratando de incluir los sonidos que más me gustan. Es bien conocido el trabajo que hiciste con el músico y artista británico premiado en múltiples ocasiones, Steve Wilson, que terminó con el lanzamiento de “Perfect Life” en Katermukke, después del asombroso “Voyage 34”. ¿Cómo lo conociste y cómo ha sido trabajar junto a él? Steven Wilson es un auténtico icono musical y cultural para mí. Siempre me encantó su música. He querido trabajar con él desde que era una adolescente y, a veces, los sueños se hacen realidad, me inspira mucho y nos hemos hecho muy buenos amigos. Además, es un artista y una persona

increíble... El pack también incluirá un remix de Nile Rogers y mío.

menta mi creatividad, y también es muy divertido viajar y actuar con ellos por todo el mundo.

Recientemente, lanzaste tu sello Mago Music y, en tus propias palabras, “se presenta como un nuevo sello innovador y con visión de futuro que cruza las fronteras musicales y geográficas”. ¿Qué podemos esperar de Mago Music? ¿Qué filosofía buscas para el sello? Empecé con Mago Music para descubrir nuevos artistas, crear y lanzar nueva música y darles a los artistas menos conocidos y conocidos la oportunidad de compartir su música con el mundo, tanto en lanzamientos como en fiestas de sellos. Ya hemos tenido un par de fiestas muy grandes y exitosas, la más reciente fue en Haoman 17 en Tel Aviv. Pronto habrán nuevos lanzamientos de mi música en el sello, de Alex Medina, de Kid Simius y muchos más.

Aprovechando que somos una revista española, me gustaría saber cómo ha sido colaborar con artistas españoles como Kid Simius o el sello Sincopat de Affkt. Amo España y siempre ha sido un honor trabajar con artistas españoles, especialmente Kid Simius. Tiene un talento increíble y me encantó el resultado de nuestro remix.

Ya has lanzado en sellos increíbles como Crosstown Rebels, Rebellion, Sincopat, KATERMUKKE,… ¡entre otros! ¿Qué tan difícil fue para ti conseguir la atención de tales plataformas? Me siento muy afortunada de que mi música se esté lanzando en sellos líderes, porque como ya sabéis, cuanto más grande es el sello, más exposición recibe tu música. Además, perteneces a DIYNAMIC, de Solomun. ¿Cómo se siente formar parte de un grupo de artistas tan selecto? Me siento bendecida por formar parte de Diynamic. Trabajar y pinchar con esos grandes artistas au-

Estuviste muy ocupada durante la pandemia y ni siquiera el confinamiento te detuvo. ¿Cómo viviste aquellos días? Creo que, al igual que muchos otros artistas, he tratado de sacar lo mejor de la situación durante este último año y medio. Estaba acostumbrada a estar en un avión todos los fines de semana y pinchar alrededor del mundo, y de repente todo se detuvo. Como al resto, me llevó un tiempo adaptarme y recomponerme. Desde entonces, aproveché el tiempo al máximo trabajando en mi sello, creando nueva música y pinchando en eventos aquí en Israel y en los lugares a los que hemos podido viajar en el extranjero. ¿Cómo ves el futuro de la industria de la música, con el final de la pandemia incierto y en diferentes etapas en todo el mundo? ¿Qué cambios crees que traerá? Desearía tener una bola de cristal y poder responder esta pregunta. Tengo la esperanza de que, al igual que otras pandemias a lo largo de la historia, esta también desaparecerá. El hecho de que ahora

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tengamos la opción de hacernos pruebas y/o acceso a la vacuna, ha demostrado que las cosas pueden volver y volverán, como hemos visto este verano con algunos festivales muy grandes alrededor del mundo. Creo que debemos entender que, en un futuro cercano, la planificación a largo plazo puede ser difícil y la industria tendrá que empezar a ser flexible en el cambio de fechas y ubicaciones, y aceptar que los eventos en ocasiones deberán posponerse. Como ser humano, espero que todos apreciemos más todo lo que tenemos, no solo la música, sino también tener un techo sobre nuestra cabeza, comida en nuestras cocinas, amigos y familiares junto a nosotros y tener una mayor compasión por las personas que no tienen estas cosas. ¿Qué podemos esperar de Magit Cacoon en los próximos meses? ¡¡Cuéntanos!! Tengo un remix de Argy en Renaissance Records y otro con Steven Wilson. También saldrá un EP original en Mago Music, incluidos los remixes de Alex Medina y Kid Simius. ¡Muchas gracias por tu tiempo, Magit! ¡Todo el equipo de DJ Mag España te deseamos lo mejor en tu prometedora carrera musical! ¡Gracias a vosotros!

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Autor: LEIRE ZULOAGA

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H o n e s t a m e n te ! E s u n p l a c e r ve r e l a u ge e n e l a p r e c i o p o r c o r r i e n te s a r t í s t i ca s c o m o e l b r u t a l i s m o q u e , m i e n t r a s p o l a r i z a n a r q u i te c tó n i ca m e n te , l i b r o s c o m o S O S B r u t a l i s m : A G l o ba l S u rvey, H o w to L ove B r u t a l i s m , S ov i e t B u s S to p s o T h i s B r u t a l Wo r l d c e l e b r a n e l a r te t r a s e l e s t i l o y, d o n d e e l # b r u t a l i s m ; n a c e pa r a r e s g u a r d a r l o s e j e m p l o s d e u n a a r q u i te c t u r a q u e c o n f r e c u e n c i a , e s d e m o l i d a s i n p e n s a r l o d o s ve c e s ! N a d i e s a b e p o r q u é e l m ov i m i e n to e s t á t a n d e m o d a p e r o h oy, o s t r a i go u n a i n te r e s a n te te o r í a ! E l b r u t a l i s m o e s e l s e n t i d o te c h n o d e l a a r q u i te c t u r a , r í g i d a y a m e n a z a d o r a ! y, a l i g u a l q u e s u s e d i f i ca c i o n e s ; ca r a s d e m a n te n e r y d i f í c i l e s d e d e s t r u i r ! Ya q u e n o p u e d e n s e r r e m o d e l a d a s o m o d i f i ca d a s fá c i l m e n te , p o r l o q u e t i e n d e n a p e r m a n e c e r c o m o p r e te n d í a s u a r q u i te c to . Ta l ve z , e s t a c o r r i e n te s e h aya p u e s to - u n a ve z m á s - d e m o d a g r a c i a s a l s e n t i d o d e p e r m a n e n c i a , h oy - m á s q u e n u n ca - , r e s u l t a s e r u n a i d e a pa r t i c u l a r m e n te a t r a c t i va s i p e n s a m o s e n e s te m u n d o ca ó t i c o q u e pa r e c e ca e r a p e d a z o s y d o n d e , e l m a n d a to m u s i ca l d e l B r i t á n i c o ; r e a pa r e c e s i n a pa r e n te s ca m b i o s a te m p o r a l e s a u n q u e , s í ; p l a s m a n d o u n b r u t a l i s m o m u s i ca l q u e pa r e c e l u c h a r e n c o n t r a d e l a n e c e s i d a d d e l a m ú s i ca e f i c i e n te y, p l a n te a n d o ; c i e r t a d e ca d e n c i a a l p o n e r a l d e s c u b i e r to q u e , pa r a l a va n g u a r d i a m u s i ca l m á s r a c i o n a l i s t a ; e l p e n s a m i e n to e c l é c t i c o e h i s to r i c i s t a r e s u l t a d e c i e r to ca r á c te r o b s o l e to m i e n t r a s , e l b r i t á n i c o m a r ca e l ca m i n o d e l a a u te n t i c i d a d e n t r e l o d e s n u d o y l o d e s p o j a d o c o n s u ‘ E l e c t r o n i c A r q u i te c t u r e Vo l . 4 ’.

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en toda la campaña EA4. Solo pensar en retirar la serie EA después de tantos años supondría un gran problema para mí! Las tres ediciones anteriores han sido enormemente amadas por los fans y también ampliamente aclamadas por la crítica por lo que EA4, debía tener un impacto que creo que hemos logrado con este trabajo en el diseño. Además, -por supuesto- la música tenía que ser igualmente de audaz y con esa mirada puesta hacia adelante, por lo que pasé 6 meses de abastecimiento y de mezcla de este álbum.

Ya lo decía Adolf Loos… La decoración es un crimen y la ornamentación un delito! pero, ¿cómo dio comienzo la representación de este nuevo concepto? ¿ El primer pensamiento en el paisaje sonoro- y visual- de formas geométricas puras? He viajado por el mundo en mis 20 años como DJ y he pasado muchos fines de semana en Ucrania y Rusia, paseando por algunos de los más impresionantes edificios brutalistas mientras me dirigían hacia conciertos o en mis viajes desde los aeropuertos. No pretendo estar especialmente versado sobre este estilo arquitectónico pero siempre he sentido cierta atracción hacia sus formas monolíticas enormes, a sus paredes masivas de hormigón vertido… Y el hecho de que estos edificios sean -a menudo- hospitales y otros edificios públicos también me resulta un concepto muy bizarro! (risas) En el momento de discutir la caratula del álbum Vol. 4º en la serie de Electronic Arquitecture, nuestro diseñador, Andrew Debens, (que ha diseñado -y tratado como una obra de arte- cada una de las portadas de los álbumes y también de los logotipos de cada etiqueta desde los noventa), nos presentó su propuesta donde reducía esta a una forma abs-

tracta compuesta por secciones de enclavamiento de una manera muy salvaje. Inicialmente, quise escapar de esta idea y fui a por otro diseño, pero en el momento de la entrega, cuando lo vi terminado, sentí que era una portada un tanto obvia y que no entraba en esa mezcla de música y arte que, además; había sido parte importante de las tres ediciones anteriores. Así que regresé al modo inicial con Andrew, quien redescubrió la idea de ‘formas de enclavamiento’ que fue, en esencia; lo que me sugirió este tipo de arquitectura que había visto en Rusia y Ucrania. Saltando de llamada en llamada con Andrew, descubrimos que compartíamos una gran fascinación por esta arquitectura brutalista, por ello; la portada de EA4 se rediseñó con una mirada puesta en este estilo. Se creó un cubo de 7 partes en 3D –solo dar con la textura exacta para ese hormigón realista nos tomó varios días-, quería que la forma sugiriera que había algo dentro de la estructura, de ahí la adición de ese “brillo interno”. Luego, nuestro animador de videos Marcel van der Berk, -propietario de LSSLSS-, tomó los archivos de origen de estas 7 formas entrelazadas y les dio vida como las hermosas imágenes visuales que hemos estado usando

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Además, nos han dicho que el single de apertura- ‘Lament’ de Super-Frog Saves Tokyo- aterrizó un día después de comenzar este proyecto. Qué nos puedes contar sobre esto? Super-Frog SavesTokio es un gran amigo mío llamado David Harrison, solíamos salir por el mismo club de rock haya por los noventa y creo que es un productor de muchísimo talento, pero nunca logró obtener ningún material en solitario ‘terminado’… Siempre estaba distraído con su trabajo de día y siendo el teclista de varias bandas por las noches! (risas). Pero en unas vacaciones familiares en Mallorca con nuestros dos hijos, en una de tantas discusiones de balcón alimentados por cerveza, le hice comprometerse a completar al menos una pista que, además; le ayudé a diseñar y producir… Esto fue ‘Kyoto’, una de mis pistas favoritas del trance! En general, su sonido es muy técnico y modular, tiene todo ese equipo con el que se interpone para crear estos sonidos únicos! Después de ‘Kyoto’, lo desafié a completar suficientes demos para un LP y pasamos varias temporadas juntos en el transcurso de un año hasta que tuvimos un álbum completo que, por cierto; está a la espera de fecha de salida. También -y esto seguro que no lo sabías-, debemos destacar ‘Lament’ que, en realidad; es una pista muy personal para David y que escribimos como un homenaje a otro gran amigo llamado Steve que, tristemente; falleció durante las etapas iniciales del Covid. La pista llevaba por tituló “Lament for Steve” originalmente, pero luego lo recortamos. ‘Lament’ fue una de las dos pistas que fueron marcadas como potenciales para la introducción para EA4 y, al igual que con todas las otras pistas del álbum, adquirí los tallos e hice una edición en capas para el álbum. La versión original de ‘Lament’ es más larga y con bastantes más elementos, gruñendo líneas de sintetizador modular que relatan este single como el territorio más oscuro que, aunque funcionaba muy bien en la pista de baile, no fue adecuada para una introducción de EA4, así que decidimos que esa versión se incluiría en el próximo álbum de debut de Super-Frog. …Y ‘Pulse Train’, porque esta pista forma parte también de las etapas iniciales …

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élites que trabajan en los diferentes sectores de esta industria que el pobre estilo musical tuvo que ser re-descrito para que fuera sabroso y aceptable para cierta vanguardia!

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Si! Esta pista fue grabada por otro buen amigo mío llamado Vincent, quien dirigió el video del single con Bill McGruddy titulado ‘Electric Love’ hace ya muchos años. Me envió ‘Pulse Train’ haya por el 2010, pero al final; nada sucedió con esta pista! Y así, de manera fortuita; me tropecé con ella cuando buscaba un archivo en mi disco duro… Ahí estaba! Hice un poco de reconstrucción y postproducción y de verdad! Fue una adición perfecta al inicio de Electronic Architecture Vol.4, me encanta el hecho de que tardé -tan sólo- veinte minutos en que apareciera la primera pista y que es, una mezcla de varios estilos de música electrónica y de hermosas melodías sobre un clásico surco electro que en ‘Pulse Train’ se hace simplemente eterno… Es uno de mis favoritos en el álbum! No estoy seguro de lo que otros harán de esta pista cuando la envíe, con suerte; creo que habrá suficientes DJs de mente abierta y preparados para darle un giro! (risas) La utilización de los materiales para desligar las funciones espaciales en algunas pistas resulta algo excitante! Pero, si hablamos de tus re-construcciones … Por dónde decidiste empezar? He estado usando la técnica de ‘reconstrucción’ musical desde 2010, lo uso para describir un proceso en el que tomo los tallos originales de un tema ( sus capas de componentes) que luego se re-ensamblan de tal manera que la pista fluya mejor en mezcla... Un ejemplo! El original de un track puede tener gran cantidad de componentes que quiero organizar de manera diferente, o quizás eliminar por completo… O podría presentar una breve ranura de 8 bares que quiero extender y enfocarme más en ella. A veces, otro productor o

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(risas)No podría haberlo dicho mejor Richard! Esa es la realidad querida

DJ puede escuchar puntos con potencial que el artista original pasó por alto en su arreglo, como que el productor original podría haber querido que su camino tenga una producción ‘épica’ con lotes que suceden, mientras que una “reconstrucción” nos enfocaríamos más en la raíz. El elemento de la canción es el enfoque para este tipo de versión. Claramente podemos decir que no es un ‘remix’ en el sentido moderno del término, por lo que es un honor que estos artistas que firman sus pistas para este álbum tengan esa fe en mí para permitirme “reconstruir” sus pistas para esta nueva mezcla. Por supuesto, la versión original,-con su visión original-, también serán puestas en venta. -El hormigón expuesto de ‘EA4’ es la piedra artificial honesta que se olvida de representaciones originarias y nos abre todo un universo musical reducido a un cuadrado. También, parece buscar cierta reflexión sobre si sería necesario prescindir de toda –o alguna- figuración en el modelo de pensamiento actual para poder crear algo realmente innovador?¿Qué te parece a ti? Oh! realmente no quiero tener una opinión -cerrada- sobre lo que es genial en el mundo de la música electrónica. He visto tantos artistas y tantos estilos aclamados como lo ‘próximo grande’ para luego desaparecer tras un año o dos… Creo que solo podría asegurar que la escena es cíclica. Lo que es ‘caliente’ en este momento siempre será reemplazado por otra cosa. Soy consciente del boom del ‘techno melódico’ –que, por cierto;- es 100 % música trance progresiva aunque, por supuesto; trance es una palabra ‘sucia’ en ciertos ámbitos musicales… Hay tanto snobismo entre las

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Regresemos de nuevo al álbum y tomemos aire tras esta buena y gran reflexión … Me llama mucho la atención ‘Equilibrium’, penúltima pista de este álbum y que resulta es una preciosa demostración nominal de software tecnólogo de Dreams Of Wires pero, cómo fue tu trabajo con las ideas de estas melodías, cada vez más breves -y basadas en la deconstrucción musical- hasta llevarlas a una forma embrionaria? Mi amigo David Aka Super-Frog SavesTokio me puso en contacto con Dreams Of Wires Aka Wayne Taylor, un productor modular que publica todos esos videos de demostración en YouTube con algunos kits de equipo modular. Para ‘Equilibrium’, muestreé uno de estos kits y me expandí igual que su sonido, que acabó por convertirse en una pista de trance progresivo bastante oscura… ¡Dios! Era extremadamente difícil rastrear a Wayne en realidad a lo largo de este track e, inicialmente; tuvimos una discusión sobre esta colaboración para terminar, con una desconexión que logramos nuevamente conectar tras la puesta en venta del álbum de Wayne. Sólo puedo decir que Wayne Taylor es un increíble programador de este tipo de equipos! Todos deberíais revisar su canal en YouTube ‘Dreams of Wires’! Me encantaría poder trabajar con él en algunas pistas más en un futuro próximo. …Y Aun así, se comenta que la magia (real) llegó a mitad de producción con Alucard. ¿Contabas ya con el fin del retiro del artista y su material para la caja de EA4? Bueno, es que Pete McCowan es un tipo encantador! Estuvimos juntos en Winnipeg durante un par de días hace años, cuando estábamos haciendo “Late Summer Fields”. Encontró mi acento muy divertido, ya que le recordaba a ‘Stewy’ de la serie de animación Family Guy ( -risas). Acababa de conocer a su ahora esposa Jenny, -con quien ya tiene hijos-. Unos años atrás Pete me envió un correo electrónico con un grupo de nuevas pistas -brillantes- que él había producido con la vista puesta en sacar a la venta un posible álbum. Pero la realidad es que Pete había estado muy ocupado estos años con una familia que aumentaba, también con un nuevo trabajo y con una mudanza de Canadá a Estados Unidos, -¡que no es poco!- Por supuesto, me quedé impresionado con sus tracks, siempre me encantó su sonido único y por ello, tenemos un álbum completo que vamos a poner en funcionamiento en el último trimestre de este año.

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Vaya! Eso es fantástico! Te puedo decir que ‘Midway’ fue un golpe instantáneo conmigo y casualmente, hizo el punto perfecto en la mezcla de EA4 con sus exuberantes descansos y almohadillas que se se ajustaban perfectamente y, qué decir de ‘Phoenix’! Este tema fue extraído de sus archivos inéditos y, aunque me lo había enviado hace años; nuevamente se trata de otra pista que se ajustó perfectamente al cubo brutalista de Electronic Architecture Vol.4. …Y todo ello mientras buscabas nuevos talentos recorriendo foros y Band-camp en Internet. ¿Hasta donde llegaron tus esfuerzos en el cultivo de nuevos talentos ? Encontrar y poner en venta música de nuevos productores siempre ha sido una gran prioridad para mí cuando se trata de mis sellos, de mis recopilatorios o mis compilaciones. Es difícil conseguir ese ‘descubierto’ en una industria que necesita que tanto que artistas como los propietarios de las etiquetas establecidas sean proactivos, -para ayudar igual que el aceite a las ruedas, por así decirlo-. Económicamente no tiene tanto sentido como solo sacar a la venta pistas por actos establecidos que tienden a vender (se) más, pero oye, si estuviera en el negocio de los sellos discográficos por el dinero, hubiera dejado de fumar hace años!(-risas) ¡Completamente de acuerdo! Para mí es emocionante descubrir un nuevo talento… Emocionado, entusiasta y me encanta presentarlos al mundo! Verlos crecer y ver como se revelan musicalmente. (risas). Siempre ofrezco una cierta cantidad de orientación, pero nunca espero que firmen exclusivamente con mis marcas, de ninguna manera! Es mucho mejor para todos si los artistas se mueven en un puñado -amplio- de buenos labels para hacer crecer su perfil y sacar música al mercado con cierto rendimiento. Se trata de apoyar a la escena en última instancia… Si todos tenemos eso en nuestras mentes mientras avanzamos, entonces todos ganaremos. En el álbum, -como no podía ser de otra manera- también aparece un nuevo single junto a Orkidea, ‘Pale Blue Dot’ que refuerza aún más la unión que tiene a este productor … ‘Slowmotion VI’ es el sexto en la serie ‘Slowmotion’ con Orkidea, uno de mis productores favoritos y no creo que sea ningún secreto cuando digo que es de los mejores amigos que he podido hacer en esta industria… Tapio y yo tenemos un largo recorrido juntos! Tengo que agradecerle eternamente por ayudarme a inspirar todo el movimiento de ‘Pure Trance’’! Cuando me pidió

que re-mezclara su clásico “Unity” y lo llamé “Pure Mix”, comenzamos un hábito anual en el que hacer una nueva pista juntos casi todos los años cuando yo estaba pinchando en su ciudad natal -Helsinki, Finlandia-, así que decidimos nombrar a cada pista ‘Slowmotion I II, III, IV’, etc. para que fuera una serie. Siempre escribo una demostración simple que comprende 3 capas de melodías, luego producimos una demo -algo áspera- en su estudio, que se trabaja y se lleva a cierto punto. Tapio me envía los tallos, a los que agrego algunos bits y luego Tapio termina. Es algo que espero cada año como la navidad y no estoy seguro de cuándo, cómo o de si algún día terminará! (-risas) Probablemente cuando uno de nosotros muera!(risas) Y el rmx firmado por Kryder de ‘Island’s’ When I Dream? En cuanto al remix de Kyder, debo decir que en principio… simplemente surgió como una sugerencia de Arny Bink de Black Hole Recordings, -quien lanzó mi álbum ‘Island-’. Buscábamos un productor para una versión Groovy Club que, al final; resulto magnifica en las manos de Kryder. Entonces, formas puras -o absolutas- plasman armonías sencillas, sonidos planos siempre en contraste… Reducción y abstracción en texturas para dar un nuevo orden al todo… Ahora mismo tengo la impresión de haber abierto la guía mágica hacia la arquitectura musical de alta tecnología y del de-constructivismo… No sé si mis técnicas son exclusivas para mí o no, ya que realmente no se cómo otros productores hacen sus compilaciones, pero para mí lo que hago se podría definir como “mezcla profunda”. La compilación de una mezcla es una selección de pistas completas, terminadas y mezcladas, -como un DJ lo haría-, desde principio hasta el final. ‘Mezcla profunda’ es utilizar los tallos (capas de componentes dentro de las pistas y tejerlas juntas, como un tapiz musical, ajustando -o cambiando- cada tecla y / o BPM de las pistas y reorganizándolos para resultar en una mezcla perfecta donde la combinación de elementos de cada dos (o incluso tres o cuatro) pistas da como resultado las transiciones entre las canciones que se convierten en nuevas ‘canciones’ en sí mismas. Aprendí esto de las compilaciones de Sasha & Digweed, donde las versiones ‘mixtas’ creaban algo nuevo. Yo empecé a comprar las pistas por separado y a preguntarme por qué a menudo no sonaban tan bien como lo hicieron en este tipo de mezclas, -esto se debe a que la mezcla de cada par de pistas creó algo nuevo y, a menudo; con más magia al usar el pre-establecimiento tomando pequeños elementos de la pista que aparecen más adelante en la mezcla y insinuando estos mismos

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antes en la mezcla-. Hago esto en mis sesiones en vivo. Es genial dejar caer, digamos, un poco de una pequeña pista al principio y ver como la gente lo reconoce, ver como esperan esa pista para, a continuación; sonar otra X. Entonces llega la alegría, cuando finalmente hago sonar esa pista en su totalidad. Por supuesto, hacerlo de esta manera es realmente un gran consumidor de tiempo, pero realmente me encanta hacerlo así. Para mí, un álbum de compilación de DJ Mix es una obra de arte! La música, el embalaje… Todo esto, si voy a poner música por ahí en el mundo, quiero que sea algo especial que haga que la gente diga “Wow”! No podíamos terminar sin preguntarte por Deep Wide Mastering y su larga – y exitosatrayectoria como ingeniero de este y otros tantos de tus trabajos. Es Javi la más subjetiva -y existencial- de tu armas secretas? Él es un gran chico. De verdad! Comenzamos a trabajar juntos hace tantos años, creo que alrededor de 2006 cuando yo todavía formaba parte de ‘D-Air’ y firmaba algunas pistas de mi antiguo sello Deep Blue. Un día se acercó a decirme que había comenzado su propia empresa de masterización y debo decir que su trabajo era -y es- brillante! Desde entonces, ha estado dominando los masters de las pistas para mí y cada uno de mis labels. Siempre recomiendo a Javier a todos los artistas con los que trabajo, y me encanta que su trabajo haya crecido y crecido desde entonces y que haya firmado las masterizaciones de miles y miles de pistas para cientos de grandes productores a lo largo de todos estos años. Es un verdadero profesional! Completamente confiable y siempre preparado para ir un paso más allá aunque sea con un esfuerzo adicional cuando se necesita… Ya os adelanto que su próximo trabajo para mí será Pure Trance Vol. 9 !! Han sido unos minutos fantásticos, ¡deseo veros pronto, sí es bailando, mejor! Gracias Leire y gracias DjMag España por este rato tan bueno! Abrazos Richard.

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TOP 100 CLUBS 2021 Los 16 meses que han pasado desde nuestra anterior lista Top 100 Clubs no han sido amables, ya que la mayoría de locales del mundo han estado cerrados debido a la COVID-19. Muchos siguen queriendo reabrir y otros ya nunca lo harán. Los que han sobrevivido lo han conseguido gracias a la innovación, al apoyo de los fans y – todo sea dicho – un poco de suerte también. A medida que la mayor parte de pistas de baile del mundo empiezan a llenarse de nuevo, os hemos pedido a vosotros – el público – que votaseis por vuestros lugares favoritos para iros de fiesta. En las próximas páginas hemos resumido los resultados de este Top 100 Clubs y en qué han estado concentrados desde que hablamos la última vez.

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Traducción: REDACCIÓN

Texto: ANNA WALL, BEN HINDLE, BEN MURPHY, CARL LOBEN, CHIARA WILKINSON, DHRUVA BALRAM, EILEEN PEGG, HELENE STOKES, JAIME SLOANE, JOE ROBERTS, KRISTAN J CARYL, LAYLA MARINO, LILY MOAYERI, MARTIN GUTTRIDGE-HEWITT, NIAMH O’CONNOR, RIA HYLTON, THEO KOTZ, TRISTAN BATH

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TOP 5 DE PAÍSES Reino unido: 14 Eeuu: 13 China: 12 España: 12 Croacia: 6

Los Estados Unidos reclama su primera corona del top 100 clubs

POR CONTINENTE Europa: 49 Asia: 26 América del norte: 15 América del sur: 09 África: 01

Un nuevo club escocés se une a la lista

Un nuevo club devuelve la cifra en ibiza a ocho

Un club en Guangzhou reclama el premio a entrada más alta

Uno de los clubes más emblemáticos de Ecuador irrumpe en el top 25

Vietnam se lleva la unica re-entrada en la lista de este año, con un conocido club de Hanoi

¿Qué club de Kenia se ha ganado su sitio en la lista, recolocando a África en la lista desde 2015?

EL EFECTO COVID: 63% De los clubes de ibiza han bajado puestos después de cancelarse la temporada

DOS TERCIOS de los clubes norteamericanos escalan puestos

¿Qué club chino ha subido 42 posiciones para reclamar el titulo de “escalador”?

El 77% de los clubes asiáticos suben o son nuevos

Más de medio millón de votos han sido recibidos

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TOP 100 CLUBS 2021

ANALISIS

Cuando anunciamos los resultados de nuestra encuesta Top100 Clubs anual el año pasado, gran parte del mundo estaba empezando su primer confinamiento, en un esfuerzo por detener la expansión de la COVID-19. En ese momento, como muchos, esperamos que la vuelta a los clubes, escuchar música en directo y compartir pistas de baile con amigos de nuevo iba a ser cuestión de meses. Casi un año y medio ha pasado y aunque las medidas de distancia social y los programas de vacunación parecen haber surtido efecto, nuestra lucha contra el coronavirus está lejos de acabarse. En Reino Unido, donde está la sede mundial de DJ Mag, se permitió reabrir a los clubes a mitad de julio, implementando varias medidas de seguridad para ayudar a mitigar el daño que otra ola del virus pudiese causar. Algunos países que fueron rápidos en actuar y emplearon medidas particularmente restrictivas – como China, Taiwan y Nueva Zelanda – pudieron volver a cierto grado de normalidad mucho más rápido, con videos de clubes y festivales llenos generando sentimientos encontrados en regiones menos afortunadas. Pero mientras enviamos esto a imprenta, sigue habiendo numerosos clubes – especialmente en España – que siguen sin poder abrir, con el futuro de su personal siendo aún incierto y sus pistas de baile silenciadas y vacías. Sin embargo, sí que ha habido historias positivas en medio del caos. Mientras estuvieron cerrados, muchos clubes han buscado formas alternativas de estar ocupados – como ayudar a las comunidades locales mediante proyectos como bancos de alimentos u organizando actividades con distancia social, como restaurantes pop-up o

galerías de arte –. Como podréis leer en las próximas páginas, muchos han tomado la oportunidad para hacer mejoras en su infraestructura o mejorar sus sistemas de sonido. Y, por supuesto, ha habido incontables streamings en directo desde clubes vacios y algunos de ellos incluso han ido más allá creando versiones de realidad virtual de sus espacios. Para algunos clubes, la lucha económica ha sido tristemente demasiado grande, pero otros han tenido éxito al conseguir ayudas de los gobiernos y muchos otros han podido conseguir apoyo gracias a recaudaciones online. Como parte de la votación del Top 100 Clubs de este año, DJ Mag invitó a los clubes a albergar streamings con medidas anti-COVID, con la opción de direccionar a aquellos visionándolos a los proyectos de recaudación de fondos que apoyan. Todo esto ha tenido interesantes y sorprendentes efectos en la votación del Top 100 Clubes, que este año ha visto como más de medio millón de personas de todo el mundo han emitido su voto. Por resumir, Europa parece haberse llevado un golpe, ya que el 51% de sus clubes han caído posiciones. Sin embargo, el continente sigue arriba en términos de dónde se han situado los clubes en la lista, incrementando su número total a 49, uno más que el año pasado. Como era de esperarse, una isla que depende en gran medida del turismo electrónico, Ibiza, se ha visto particularmente afectada, con el 63% de sus clubes en la lista cayendo posiciones. Los tres clubes que no se mueven este año son europeos, mostrando su capacidad de mantenerse firmes ante la adversidad.

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Por otro lado, el país que se yergue con más clubes en la encuesta es Reino Unido, con 14 en total. Uno más que el siguiente en la lista con 13, EEUU. Este cambio ha venido gracias a dos de los clubes pequeños más queridos del país – Hope Works y Sneaky Pete’s –, que se han unido a la lista de este año. Pero lo que ha perdido EEUU en eso lo ha ganado por otro lado, ya que un club de su capital, Washington se eleva al nº1 del mundo: Echostage, destronando a uno de los clubes más longevos en la lucha por ser el mejor del mundo cada temporada, Green Valley en Brasil. Y a destacar una nueva entrada que nos gusta especialmente: MUZE, un club de Nairobi, Kenia con capacidad para 400 personas. Esta inclusión también significa que un club africano vuelve a entrar en la lista, cosa que no ocurria desde 2015 y Space Sharm, en Egipto. Y con movimientos musicales como el gqom, amapiano y más tomando la escena musical, seguramente este número seguirá creciendo en los próximos años. Después de un año tan catastrófico, nos gustaría darle la enhorabuena no solo a los clubes que han llegado a la lista, sino a todos los que han sobrevivido. Deseamos a todos los locales lo mejor en su lucha continuada. A medida que más y más gente puede volver a la pista de baile, os pedimos que lo hagáis con cuidado. Tomad precauciones, estad seguros y tened en consideración a vuestros compañeros de pista y al personal de los locales. A menudo se habla de los principios fundacionales de la escena rave, de paz, amor, unidad y respeto. Por favor, acordaos de ellos cuando pongáis pie de nuevo en la pista de baile.

Echostage Sube 2

Ubicación: Washington, DC, EEUU Aforo: 3000 www.echostage.com

Cuando uno piensa en el panorama dance de EEUU, se le vienen a la cabeza ciudades como Nueva York, Chicago, Detroit y Los Ángeles. Aún así, Echostage ha hecho de Washington, DC el destino definitivo para los clubbers americanos. El local – inaugurado en 2012 por la promotora GLOW, del Distrito de Columbia, en el lugar que antes habían sido el DC Tunnel y el DC Star – ha ido subiendo sin parar la clasificación de esta liga, gracias a su impecable sonido, visuales alucinantes y un nivel de producción que se podría esperar de cualquier gran festival. Echostage ha revolucionado el clubbing en EEUU, importando talento de todo el mundo y trayendo a los artistas americanos más grandes, para actuar tanto en formato live como DJ set en su mastodóntico escenario hibrido. Teniendo más de 2700 metros cuadrados, Echostage tiene todo lo que se puede esperar de un local de primera clase. El sistema de sonido es un d&b audiotechnik V-Series, con amplificadores D80 y que brindan 48 mil watts de sonido superior, a la vez que se estimulan el res-

to de sentidos con los láseres, cañones de confeti y megatrones. El espacio está flanqueado por barras de 18 metros y un entresuelo VIP se yergue sobre la pista de baile. Esta atención al detalle complementa a los artistas que han pasado por el escaparate de Echostage: nombres establecidos de todos los estilos. REZZ, Armin van Buuren, Eric Prydz, Black Coffee y Claude VonStroke pasaron por allí antes de la pandemia, dejando patente el nivel de los bookings en cuanto a house, techno, trance, progressive y EDM. A su vez, el club también ha albergado fiestas de grandes artistas del hip-hop y del pop, como Lorde, Miley Cyrus y Cardi B. Como la mayoría de clubes en el mundo, la pandemia forzó a Echostage a cerrar sus puertas al público hasta hace poco, pero ha seguido emitiendo actuaciones de DJs durante el confinamiento. “Con la noticia de la reapertura, hicimos planes para algunas renovaciones”, dice Church. “Fue todo un reto, con solo cuatro semanas de antelación a la fecha de reapertura”. A la impresionante cantidad de virguerías visuales que ya tenía el club, se añadieron mejoras a la iluminación y se instaló una pantalla 4K de LEDs, a la vez que se llamó a celebrados artistas locales, como Chris Pyrate, para pintar un nuevo mural en la entrada del club. “Fue sin duda un año difícil para nuestros empleados, pero han regresado como si nunca se hubieran ido para nuestra

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reapertura”, dice. “Estamos agradecidos y somos afortunados de tener un equipo que es como una familia. Echostage no estaría donde está hoy si no tuviéramos unos empleados dedicados”. Aunque no tenga la misma historia con el house que ciudades como Chicago o Nueva York, Washington, DC tiene un gran legado electrónico propio que va del go-go (un subgénero de funk percusivo) a artistas famosos modernos como Deep Dish, Thievery Corporation y Beautiful Swimmers. Echostage es la joya de la corona de una escena electrónica boyante, que mezcla con experiencia a nombres de primer nivel con otros más underground. El club acaba de fichar a la leyenda del basket convertido en estrella de la bass music, Diesel (aka Shaquille O’Neal) y a los héroes del trance Tritonal y Cosmic Gate. Y poniendo la vista adelante, habrá apariciones del dúo tech-house CamelPhat, el titan del dubstep Flux Pavilion, y superestrellas como Carl Cox, MK y Above & Beyond en los próximos meses. “Echostage es el nº1 del mundo, en la capital de EEUU”, dice Church. “Washington DC se ha convertido en uno de los clubes más buscados por los artistas para actuar y continuará creciendo en esa dirección. Hay algo especial en poder actuar en DC y luego hacer tours nocturnos de la Casa Blanca, el National Monument y el Memorial Jefferson… mientras sigues flipando con la intensa energía de tu actuación”.

Green Valley Baja 1

Ubicación: Camboriú, Brasil Aforo: 12000 www.greenvalleybr.com

A medida que la pandemia se expandía internacionalmente a principios de 2020, Green Valley se llevaba su quinto premio nº1 del Top 100 Clubs – el tercero seguido. Después de cerrar por la COVID-19 e intentar cuidar de sus empleados, en junio un ciclón arrasó el sur de Brasil y el estado de Santa

Catarina, dejando nueve muertos y destrozando el recinto de Green Valley. Después de un tiempo de reconstrucción, volvió a la vida gracias al apoyo recibido por DJs, amigos, habituales y partners, bajo el paraguas del proyecto Together We Rise. Por su parte, los clubbers compraron entradas por ade-

lantado para la reapertura sin fecha especifica y los DJs han ofrecido no cobrar por su actuación ese día. Siendo Brasil uno de los países más castigados por la COVID, Green Valley todavía no sabe cuándo podrá reabrir sus puertas, pero se espera que sea para finales de 2021.

No hace falta decir que durante los últimos 17 meses la cosa ha estado bastante callada para el local de Playa D’en Bossa, ya que sus puertas han estado cerradas desde el inicio de la pandemia, tan solo abriendo para un par de acciones, como un live stream con Defected para recaudar fondos

para el Banco de Alimentos de Ibiza. En el momento de escribir este articulo no hay fecha fijada para la reapertura, pero incluso sin fiestas, la posición de Hï en el Top 100 Clubes de DJ Mag está más que justificada, considerando los grandes recuerdos que tenemos de este espectacular recinto.

03 HÏ Ibiza Baja 1

Ubicación: Ibiza, España Aforo: 4500 www.hiibiza.com

Acabando su última temporada por todo lo alto, las expectativas eran enormes para este mega club con la llegada de 2020, gracias a su gran serie de residencias de 2019. Estas incluían a Black Coffee, Afterlife de Tale Of Us, F*** Me I’m Famous de David Guetta y la icónica Glitterbox.

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Ushuaïa Ibiza Beach Hotel No se mueve

Ubicación: Ibiza, España Aforo: 1500 para el concepto Palmarama www.theushuaiaexperience.com

USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL fue el concepto imaginado por su fundador, Yann Pissenem, al encontrarse el espacio en Playa d’en Bossa, cuando se mudó a la isla en 2008. Empezando su vida como un bar de playa, el local se ha convertido de forma natural en un destino de fiesta durante el día y bailar bajo el sol. Hoy en

día, las luces de Ushuaïa brillan por toda Ibiza, como uno de sus lugares mejor conocidos y buscados a nivel mundial. El club ha estado cerrado durante estos meses por la pandemia, pero ha vuelto en julio de este año, desvelando un nuevo concepto de baile sentado llamado Palmarama, convirtiendo el espacio

en un oasis tropical de lujo, siguiendo a rajatabla los requisitos anti-COVID de las autoridades. Su capacidad de 1500 – de las 7500 en circunstancias normales, ofrece servicio de mesa y un menú especial fusión-japonés, además de la oportunidad de ver a DJs de clase mundial.

Bootshaus

Sube 1

Ubicación: Colonia, Alemania Aforo: 1800 www.bootshaus.tv

BOOTSHAUS – cobertizo en alemán – fue eso una vez: un complejo de almacenaje para barcos en la orilla este del Rin, en Colonia. Sin embargo, el espacio se reinventó hace 17 años como club de música electrónica y desde entonces se ha convertido en un auténtico destino para aquellos que buscan granes beats

y una atmosfera increíble. Solo en 2019 Bootshaus trajo a artistas de la talla de Don Diablo, Yellow Claw, Alan Fitzpatrick, Miss K8 o Illenium, por nombrar unos pocos. Desde luego, marzo de 2020 trajo un parón catastrófico para el local, aunque buscaron recrearlo en realidad virtual e incluso han emitido

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algún concierto en este formato. Mirando al futuro, para cuando llegue una reapertura real, el equipo espera que el invierno de 2021 traiga un dulce reencuentro, ya que Bootshaus está más que preparado para cumplir con cualquier requisito que se crea necesario.

Berghain Sube 2

Ubicación: Berlín, Alemania Aforo: 1500 www.berghain.berlin

El atractivo de Berghain empieza afuera de sus paredes. Siendo una antigua estación de suministro electico, la estructura ubicada en Kreuzberg y Friedrichshain se yergue en medio del paisaje medio vacío que la rodea. Desde la distancia y a medida que te acercas, puedes oír el resonar de su

ya famoso sistema de sonido Funktion One. Considerado como una institución cultural por la ley alemana desde 2016, Berghain sigue siendo un lugar de rito iniciático tanto para clubbers, como para los artistas. Nacido de la idea de los promotores Norbert Thormann y Michael Teufele, el club

actualmente cuenta con una plantilla de 24 residentes de clase mundial, entre los que se encuentran Ben Klock, Etapp Kyle, Tama Sumo y más. El club, desde la irrupción de la pandemia, se ha adaptado convirtiéndose en sala de exhibiciones, además de actuaciones en el Klub Garten, del exterior.

de sus fiestas. Fiestas que cuentan con algunos de los DJs más importantes de la escena, que se apoyan en la infraestructura sonora y visual de Printworks, entre las que se encuentra su famoso mural LED, además del resto de iluminación y visuales. Desde su nacimiento, han pasado por ahí Aphex Twin, showcases

habituales de Defected y Glitterbox, además de Tale Of Us y Afterlife, The Hydra o Printworks presents. En septiembre de este año, Printworks espera poder volver a la normalidad con un line-up de los que quita el hipo, donde se revelarán nuevas colaboraciones para celebrar la reapertura.

Printworks London Baja 2

Ubicación: Londres, Reino Unido Aforo: 5000 www.printworkslondon.co.uk

Fundado en 2017, esta antigua imprenta de periódicos se ha convertido en uno de los clubes más aclamados y queridos de Reino Unido. Printworks es simplemente algo más. El gran espacio del recinto sigue portando reminiscencias de su pasado industrial, que añaden enteros a la experiencia que se vive en cada una

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Papaya Club Baja 1

Ubicación: Playa de Zrće, Isla de Pag, Croacia Aforo: 3500 www.papaya.com.hr

Papaya, en la hermosa isla de Pag es uno de los mejores beach clubs del mundo. Es casi totalmente open-air, con un escenario principal que recuerda a una concha marina, y su producción es famosa por ser más grande que el propio local. Todo a tan solo unos pasos del mar. Desde que abrió como club herma-

no a Papaya Zagreb en 2002, ha ayudado a poner a Croacia en el mapa de clubbing mundial, albergando famosas fiestas en su piscina durante seis horas todos los días, además de algunos de los festivales más notables de Europa cada verano. Entre estos se incluyen Hideout, Sonus y Fresh Island, pero el club también tiene

una gran variedad de eventos propios, amenizados por su gran equipo de residentes. Después de abrir de nuevo en junio, en julio se dio luz verde a eventos con plena capacidad y no han perdido el tiempo. Si podéis ir a Croacia este año, no dejéis de pasar por aquí.

The Warehouse Project

(Depot Mayfield) Sube 2

Ubicación: Manchester, Reino Unido Aforo: 10.000 www.thewarehouseproject.com

Fundado en 2006, The Warehouse Project en Manchester es un rito iniciático para muchos. Administrado por los empresarios locales del ocio nocturno Sacha Lord y Sam Kandel – que también llevan Parklife Festival – su perspectiva única presenta line-ups que alcanzan todos los espectros de la música de

baile, rotando en periodos de tres meses. Eventos de artistas como Caribou, Annie Mac o Jamie xx, además de colaboraciones con Rush Hour, elrow y Defected. El recinto ha cambiado varias veces de espacio, siempre siendo grandes complejos industriales. Después de dejar el icónico Street Store, ahora

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el Depot Mayfield de 10 mil personas de aforo es su nueva casa desde 2019. Por otro lado, adaptándose para la COVID-19, se espera una reapertura completa para septiembre, manteniendo su calendario previsto, y se esperan colaboraciones con Chic, Repercussion o Bicep, entre muchos otros.

Exchange LA Sube 3

Ubicación: Los Ángeles, CA, EEUU Aforo: 1500 www.exchangela.com

La decoración impresionante de EXCHANGE LA se ha mostrado todavía más si cabe durante la pandemia. El local ha estado cerrado al público, pero ha albergado varios live streams con grandes nombres, tanto en YouTube como en Twitch, para Insominac TV. Siempre listos para la cámara, la combinación

que existe en Exchange de arquitectura clásica y elementos modernos ha sido siempre un reclamo para las plataformas de streaming, brindando un espacio hermoso para la experiencia remota. Con una política de mascarillas, puntos de desinfección con gel y procedimientos profundos de limpieza

puestos en marcha, Exchange abrió este verano con una gran variedad de DJs top: Alesso, Deadmau5, Diplo, Kaskade, Tchami y Claptone, por nombrar unos pocos. Y aunque no tiene residentes, si que hay artistas regulares de gran nivel como Green Velvet, 12th Planet, Dillon Francis, KSHMR u Oliver Heldens.

DEL 11 AL 100 11. ZOUK SINGAPORE BAJA 2 12. LAROC CLUB SUBE 6 13. FABRIC SUBE 11 14. MOTION & MARBLE FACTORY NO SE MUEVE

15. AMNESIA BAJA 3 16. ILLUZION SUBE 5 17. AQUARIUS NO SE MUEVE 18. PACHA IBIZA BAJA 2 19. WARUNG BEACH CLUB SUBE 1 20. WHITE DUBAI BAJA 5 21. OMNIA SUBE 9 22. SPACE PLUS NUEVA ENTRADA

23. DC-10 BAJA 4 24. 1/3 ONE THIRD BEIJING SUBE 39

25. LOST BEACH CLUB SUBE 6

26. CULTURE CLUB REVELIN BAJA 1

27. REX CLUB SUBE 13 28. YALTA CLUB SUBE 14 29. TOBACCO DOCK SUBE 9 30. PLAYHOUSE SUBE 19 31. ELROW (ROW 14) BAJA 8 32. AVANT GARDNER & THE BROOKLYN MIRAGE

SUBE 3

33. ZOUK KL BAJA 6 34.GUABA BEACH BAR BAJA 12 35.MINISTRY OF SOUND BAJA 9 36.WATERGATE SUBE 10 37.BARBARELLAS DISCOTHEQUE BAJA 9

38.FABRIK

BAJA 5

39.HAKKASAN SUBE 4 40.MARQUEE NIGHTCLUB & DAYCLUB

SUBE 5

41.ACADEMY LA SUBE 3 42.VERSUZ BAJA 8 43.PRIVILEGE BAJA 7 44.NOA BEACH CLUB BAJA 3 45.WAVE CLUB NUEVA ENTRADA 46.RAZZMATAZZ SUBE 4 47. BEACHCLUB BAJA 18 48. AI NIGHTCLUB SUBE 9 49. EL FORTIN BAJA 17 50. CLUB SPACE SUBE 31 51. CLUB GALAME SUBE 42 52. 1900 HANOI RE-ENTRY 53.WARP SHINJUKU SUBE 9 54. MAD CLUB SUBE 7 55. EDEN SUBE 1 56. CROBAR BAJA 5 57. AVALON HOLLYWOOD BAJA 9 58. STUDIO 338 SUBE 17 59. FIRST SUBE 21 60. TRESOR BAJA 7 61. E1 BAJA 9 62. CATWALK SUBE 26 63. OPENPIE PARTY SPACE NUEVA ENTRADA

64. INSANITY SUBE 6 65. STELLAR NIGHT CLUB SUBE 6 66. KALYPSO BAJA 6 67. WOMB BAJA 9 68. CAVO PARADISO BAJA 14 69. GUENDALINA SUBE 8 70. GOA CLUB SUBE 13 71. OTKUN NUEVA ENTRADA

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72. ELSEWHERE SUBE 12 73. OCTAN NUEVA ENTRADA 74. ONYX BAJA 10 75. CLUB ILLUSION BAJA 6 76. D-EDGE BAJA 11 77. CODA BAJA 3 78. HALCYON BAJA 10 79. DIGITAL NEWCASTLE BAJA 13

80. LA FERIA SUBE 5 81. XOYO BAJA 14 82. LXXY BALI SUBE 8 83. THE GRAND FACTORY SUBE 3 84. PANAMA BAJA 2 85. LUX FRAGIL BAJA 7 86. WAREHOUSE SUBE 10 87. THE GRAND SUBE 13 88. 1/3 ONE THIRD HANGZHOU NUEVA ENTRADA

89. KNOCKBAJA CENTER

NUEVA

ENTRADA

90. DISTRICT 8 SUBE 7 91. DUEL CLUB BAJA 2 92. MUZE NUEVA ENTRADA 93. EXIT NUEVA ENTRADA 94. EGG LDN BAJA 7 95. HOPE WORKS NUEVA ENTRADA

96. SUB CLUB SUBE 2 97. OCTAVA SUBE 2 98. BOOMERANG NUEVA ENTRADA

99. SNEAKY PETE’S ENTRADA

100. NITSA

BAJA 6

NUEVA

N U E VA WEB 2017

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El Grime en Brasil

EL GRIME EN BRASIL NOSADENTRAMOSENELMUNDO DELGRIMEBRASILEÑO Tras descubrir videos de MCs rimando en portugués al ritmo de baile funk, Elijah, DJ londinense y cofundador de Butterz, se unió a los artistas brasileños CESRV, Febem y Fleezus, para relanzar su EP ‘Brime’, celebrando la improbable pero emocionante conexión entre la música grime británica y brasileña. En DJ Mag hemos querido hablar con ellos sobre cómo los artistas brasileños de grime están inyectando su propio humor, estilo y política en el sonido. Autor: SAM DAVIES Traducción: PATRICIA PAREJA CASALÍ

n 2012, Japón organizó la Copa Mundial de Clubes, donde los ganadores de la Liga de Campeones de ese año jugaron contra los ganadores de torneos equivalentes de todos los continentes del mundo. En la final, el Chelsea FC se enfrentó al Corinthians, un equipo de São Paulo y reciente ganador de la Copa Libertadores de América. El equipo inglés apareció con intención de ganar, un grupo de millonarios y famosos, claros favoritos ante un equipo poco conocido fuera de Brasil. Entre los jugadores del Chelsea estaba su reciente fichaje estrella, Eden Hazard, un delantero belga con una gran reputación por su habilidad rápida en el juego. A mitad del partido, a Hazard le derribó el veterano defensa del Corinthians, Chicão, haciendo caer al belga al césped. Contra todo pronóstico, Corinthians ganó el partido 1-0. Son pocos los aficionados al fútbol inglés que hablan de este partido. Pero el Mundial de Clubes significa mucho

en Brasil, un país sinónimo de fútbol, pero cada vez más eclipsado en el juego de clubes por el poder financiero de Europa. La final de 2012, un momento de triunfo sobre un súper club británico, está consagrada en el folclore, especialmente de São Paulo. Hay una fotografía del juego que muestra la fuerte entrada de Chicão a Hazard, que aparece en el artwork original de ‘Brime’, un EP del productor brasileño CESRV. “La imagen es una metáfora”, dice una anotación en la página Genius del EP. “El jugador brasileño derriba a un jugador que representa a un equipo inglés, o en otras palabras: artistas brasileños robando la escena del grime inglés para Brasil”.

EL SONIDO BRASILEÑO Inglaterra y Brasil pueden parecer mundos distintos, pero en esta historia tienen cosas en común. Ambos países tienen historias complicadas sobre racismo y opresión, dejando legados de pobreza en sus áreas urbanas más densas. Ambos están obsesionados con el fútbol. Y ambos han producido escenas prósperas de grime underground. “Comparo el grime inglés y brasileño, con el fútbol”, dice Fleezus. “El fútbol fue creado en Inglaterra y perfeccionado por brasileños. Lo mismo pasa con el grime”. Fleezus nos habla en portugués en una llamada por Zoom desde São Paulo, junto con el rapero Febem y el productor CESRV, también conocido como Cesar. Los tres aparecen en ‘Brime’. El EP salió digitalmente en 2020, generando el revuelo local. El pasado mes de junio, los DJs de grime de

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El Grime en Brasil

CESRV

“El grime para mí es un estilo de vida, la forma en que nos comportamos, la forma en que pensamos... El grime no es solo un género musical. También es la vida de los artistas” - FEBEM<<

Londres Elijah y Skilliam firmaron el EP con su sello Butterz y lo lanzaron en vinilo con una nueva portada. La entrada de Chicão ya no está, se reemplazó por una foto grupal de Cesar, Febem y Fleezus con su equipo, la Tracksuit Mafia. Ellos representan solo a un grupo de todos los artistas del grime en Brasil. En Salvador, la capital del estado de Bahía, en el norte de Brasil, encontrarás a Vandal, un rapero que hacía música clasificable como grime desde 2002, actuando como MC sobre los primeros beats de dubstep de Kode9 y Skream. En Río encontrarás a DIIGO, un DJ y productor que trabajó en el álbum de 2020 ‘40°.40’ del carioca SD9, uno de los discos de grime más electrizantes de los últimos años. También en Río, hay un equipo de DJs y MCs conocido como Brasil Grime Show, cuya plataforma de freestyle de YouTube ha ayudado a difundir el sonido a nivel internacional. Wiley y Skepta se encuentran entre los que han compartido y comentado sobre Brasil Grime Show online. También fue así como Elijah dio con el grime brasileño por primera vez. “Vi esos videos como un fan durante años”, dice, “y me quedaba fascinado. Entonces escuché ‘Brime’. Ese fue el proyecto más completo hasta la fecha”. En cuanto a su título, ‘Brime’ es una exhibición del sonido del grime brasileño. Influenciado tanto por el sonido de baile brasileño como por el grime británico, con líneas de bajo drill que aparecen de vez en cuando e incluso ritmos de UK garage, está a un mundo de distancia del grime de principios de los 2000. Mientras que los primeros artistas del grime del Reino Unido evitaban cantar coros, desanimados por lo cursi del garage, los artistas brasileños del grime no temen una voz cursi, como se puede apreciar en el tema de ‘Brime’, ‘SOHO’. “En el grime no se pueden distinguir muchos puntos en los que la gente simplemente canta”, dice Elijah. “Pero muchos de los hooks en ‘Brime’ son cantados. Es muy rítmico, muy fluido, simplemente combinando elementos. No es cursi, pero se nota el equilibrio de lo que necesitas para que una canción suene bien”. La influencia del baile funk también le da aire festivo a cada beat, evocando imágenes de fiestas callejeras y de Carnaval. Para cualquiera que no hable portugués, es fácil confundir el grime brasileño con música que te hace sentir bien. Pero esto es un error. “Si hay algo que separa el grime inglés del brasileño, tal vez sea el mood del beat”, dice Febem. “Y como tenemos más sonidos funk, tal vez parezca más feliz, pero los temas líricos suelen ser los mismos que los de cualquier MC

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El Grime en Brasil

del mundo: problemas, supervivencia”. Febem y Fleezus rapean sobre fútbol o política, ofreciendo comentarios ingeniosos sobre la vida de los jóvenes brasileños. Antes de ‘Brime’, ambos surgieron haciendo música más clasificable como hip-hop, lanzando EPs y mixtapes en pequeños sellos brasileños en torno a 2016. En su éxito local de 2018 ‘Esse é o meu estilo’ (‘This is my style’), Febem rapea: “Nunca te rindas para complacer a los hipsters blancos, cuyos apartamentos están pagados por sus mamás”. Se puede ver a Cesar y Fleezus levantando los dedos del medio en el video.

ORÍGENES Después de escuchar el EP ‘Brime’, Elijah se acercó a los artistas de Instagram. Él y Cesar se llevaban bien a consecuencia del profundo conocimiento del brasileño de la música de club del Reino Unido. “Soy seguidor de Butterz desde hace más de 10 años”, dice Cesar, mencionando los programas de radio que Elijah y Skilliam tenían en Rinse FM a principios de la década de 2010. “Es una locura. Cuando nos contactaron, no nos lo podíamos creer”. Cesar es un fan obsesivo de la música. Cuando dejó el colegio tocó en varias bandas, luego comenzó a

pinchar alrededor de 2010, una mezcla de sonidos de clubes de todo el mundo, incluyendo el jungle, el dubstep y el grime. Fue mientras pinchaba cuando Cesar conoció a Febem, un joven rapero que había crecido en la región de Diadema, en el sur de São Paulo. Cuando era niño, Febem había escuchado samba, baile funk y a Racionais MC, un grupo de rap de São Paulo y uno de los grandes del hip-hop brasileño. Viviendo en una zona pobre a las afueras de la ciudad, Febem enfrentó una gran serie de desafíos. “Perdí a muchos de mis amigos a consecuencia del crimen”, dice. “Pero fue una escuela de vida para mí. Cuando era muy joven y mi hermano se involucró en el crimen, mi madre me llevó al Centro Cultural de la ciudad”. En el centro cultural de São Paulo, un complejo con biblioteca, galería de arte y teatro, Febem conoció a algunos de los jóvenes más creativos de la ciudad. “Así fue como llegué a conocer la música y comencé a meterme en la cultura del hip-hop. El hip-hop prácticamente me salvó la vida”. Febem dejó el colegio a los 16 años, sin terminar su último año. “Preferí trabajar”, dice. “Trabajé en todo. Fui repartidor, trabajé en un supermercado, puse ladrillos,…”. A los veinte años

comenzó a rapear. Conoció a Cesar en una fiesta llamada Colab 011, y pronto empezaron a trabajar juntos. Febem dice que su introducción al grime propiamente dicho fue ‘It Ain’t Safe’ de Skepta en 2014, pero que solía escuchar streamings online del DJ británico Benji B sin saber realmente lo que era. También le intrigaban los beats en los sets de Cesar. “Tenemos que empezar a hacer tracks de grime”, le dijo. César protestó: “Hermano, nadie le da al grime en Brasil”. Febem insistió: “Algún día la gente le va a dar al grime en Brasil. Vamos a hacerlo.” Así lo hicieron. Sin embargo, no fue sencillo: con los clubes en Brasil divididos en gran medida entre hiphop y música electrónica, cualquier DJ que tocara grime luchaba por complacer a cualquier público. No fue hasta 2018 que tuvieron algo parecido a una escena. Cesar cita el inicio de Brasil Grime Show, una plataforma online que ofrece una alternativa a las aglomeraciones de los clubes, como un momento clave. Raperos como Febem fueron invitados al programa; rapeando directamente a la cámara, respaldado por un DJ en vivo, durante un set de 20 minutos. “Míralo de esta manera”, dice Elijah. “Pensé que el formato del Brasil Grime Show era mejor que

Fleezus

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El Grime en Brasil

cualquier otro en el Reino Unido, en términos de plataformas de freestyle. La forma en que riman a la cámara es como en un set de grime, pero no está configurado como una radio. La energía es alta todo el tiempo. Vienen diferentes tipos de MCs, que no están acostumbrados a esos ritmos. Así que es un poco crudo, a veces no está tan fino”. Elijah no habla portugués, pero comenzó a seguir a los MCs por su admiración por los patrones y cadencias en su rap. “Comencé a seguir a algunos de ellos en Instagram, haciendo preguntas como: ¿Por qué todos llevan uniformes de fútbol?”. Esa fue la primera vez que comenté, en una de las primeras publicaciones de Instagram de Brasil Grime Show. Estaba confundido, porque un tío vestía con una equipación del Celtic FC”. Ese tío era Fleezus, que rapeaba junto a Febem en uno de los episodios más populares de Brasil Grime Show, en enero de 2019. Fleezus creció en el distrito de Jaraguá, noroeste de São Paulo, y conoció la música a través de su iglesia. “Desde niño estuve involucrado con la música”, dice. “La música también me sacó del mundo criminal”.

DIFICULTADES Las condiciones que dieron origen al grime en Brasil son inquietantemente similares a las que dieron origen al sonido en Londres. Además de estar sometida a la pobreza y a los barrios urbanos densamente poblados, la población negra de Brasil también es perseguida habitualmente por la policía. En mayo de este año, miles de personas protestaron en todo el país después de que una redada policial en Río dejara 28 muertos, incluidas, como han afirmado los activistas de derechos humanos, personas que se habían entregado a la policía y que no estaban siendo investigadas. Los brasileños negros tienen tres veces más probabilidades de ser asesinados por la policía que los brasileños blancos. “¡O POVO PRETO QUER VIVER!” decía el cartel de un manifestante de São Paulo: “¡LOS NEGROS QUIEREN VIVIR!”. “De todo lo que hacen los blancos, el joven negro tiene que hacer el doble”, dice Febem, citando a Malcolm X. “Para tener un lugar al sol, tienes que trabajar el doble, estudiar el doble e incluso así es muy difícil. Sin mencionar que un joven negro a las afueras de una ciudad puede morir gratis”. Los paralelismos con el Reino Unido no pasan desapercibidos para los artistas. En declaraciones a la plataforma Resident Advisor el año pasado, Febem dijo sobre los MC británicos de grime: “También enfrentan el racismo, también viven en áreas difíciles, también trapichean, también enfrentan la brutalidad policial”. Los raperos del trap, el funk y el grime son criminalizados por la policía, mientras que varios MCs de alto perfil han sido asesinados en la última década, incluido MC Daleste de São Paulo, quien fue asesinado a tiros en el escenario en 2013. En el track de ‘Brime’ con influencia garage ‘TERCEIRO MUNDO’, Fleezus rapea el hook: “aqui, nós tira água de pedra” - “aquí sacamos agua de la piedra”; o “logramos lo imposible”. La canción también incluye una referencia a Carlos Marighella, un brasileño revolucionario que se rebeló contra la dictadura militar de Brasil en la década de 1960 y luego fue asesinado. “Luchó por la libertad del pueblo y fue juzgado como terrorista”, explica Febem, comparando la historia de Marighella con la difícil situación de un rapero. “Todo lo que contradice a la élite se margina. De eso trata nuestra música”.

CESRV, Fleezus & Febem

El título de la canción, que significa “tercer mundo”, es otro comentario social. “Así es como el mundo ve a Brasil”, dice Cesar. “Brasil es un ‘país del tercer mundo’. Pero para nosotros, es el primer mundo. Es el único mundo que tenemos. Pensamos: Está bien, hagamos música con la que la gente pueda identificarse en el extranjero”. Pero esa canción terminó trayendo el UK garage a Brasil y mostrando a la gente de todo el mundo cómo es Brasil”. El grime sigue siendo un sonido underground en Brasil, todavía muy eclipsado por el trap y el hip-hop convencional. Pero Cesar nota las similitudes del grime con el baile funk, que surgió en las favelas de Río en la década de 1980. “Siempre me dije a mí mismo que el grime es el funk de Inglaterra. Durante 15 años, el funk en Brasil estuvo extremadamente marginado. Ahora se ha convertido en la corriente principal. Así que creo que todos los que escucharon grime, después de escuchar funk, entendieron la similitud”. Fiestas como Grime Execution y Wobble en Rio, y Colab en São Paulo, han mantenido el sonido. Desde entonces la pandemia los ha freando (a excepción de algunas raves ilegales, en las que Cesar y la pandilla se niegan a actuar), pero mientras que el grime británico ha flaqueado sin su hábitat natural en directo, la escena brasileña continúa en marcha online gracias a canales de YouTube como BGS, Rap TV y Podpah. A medida que sigue evolucionando, mezclándose con funk, trap y drill, en 2021 persisten los debates sobre lo que realmente significa el grime. “La diferencia con el grime es que aún, 20 años después, nadie puede darte una definición. Como, ‘Así es

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como se hace una canción de grime’”, dice Elijah. “Puedes ir a Google y escribir ,”ritmo tipo drill”, y hacer uno y sonará duro. Con el grime es como, ‘eso no es grime. Vale, eso si es grime’. Nunca se ha definido claramente, lo que tiene algo de magia. Para las personas que aman el grime, eso es lo que les encanta. Pero todos los demás dicen: ‘¡¿Qué diablos es el grime?!’”. En Brasil tienen lugar debates similares. Los fans se preocupan por dónde se encuentran las fronteras entre el grime, el garage, el drum & bass y el hip-hop, pero ni Elijah, Cesar, Febem o Fleezus son puristas en ese sentido. “Por eso hicimos ‘Brime’”, dice César. “No nos importa si piensas ‘Oh, esto es grime, esto otro no lo es’”. Fleezus lo dice claramente: “Para mí, el grime es un estilo de vida, la forma en que nos comportamos, la forma en que pensamos”. Él dice que el grime solía definirse solo por su sonido, pero después de visitar Londres en 2019, comenzó a notar estilos y actitudes comunes entre los artistas del grime en ambas partes del Atlántico. “El grime no es solo un género musical. También es la vida de los artistas”. Ahora que ‘Brime’ está en todo el mundo, Elijah dice que espera volver a trabajar pronto con Cesar, Febem y Fleezus. Como muchos artistas en Gran Bretaña, ahora están planeando un posible regreso a las raves rave. Pero, también como Gran Bretaña, eso depende de su líder divisivo. “Estamos jodidos en Brasil”, dice César. “Tenemos un puto payaso como presidente”.

Apple

AirPods

Max

Apple En diciembre del pasado año, los de Cupertino lanzaban al mercado sus primeros auriculares de diadema con la intención de competir con las más reconocidas marcas de productos de alta fidelidad como Sennheiser, Ultrasone, Beyerdynamic, AKG, etc.

Los AirPods Max son auriculares del tipo circumaural con carcasa de aluminio anodizado, es decir, nuestras orejas quedan totalmente alojadas en el espacio interior cerrado de cada auricular. De esta manera se consigue un mayor aislamiento pasivo del

9.4/10 Especificaciones técnicas Bluetooth: 5.0 Microchips: 2x Chip H1 de Apple de 10 núcleos Cancelación activa de ruido: Sí Ecualización adaptiva: Sí Audio espacial dinámico: Sí Sensores: 9 Micrófonos: 9 Driver: 40mm Autonomía: 20h Conexión: Lightning a USB-C (incluido) Jack: Cable lightning a jack (no incluido, 39€) Peso: 385g Precio: 629€

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Autor y Fotos: CARLOS PEGO

AirPods Max

Apple

AirPods

ruido externo. Gracias a esta forma, evitamos también la presión de las almohadillas sobre los cartílagos, lo que suele producir fatiga y molestia durante las sesiones largas, éstos en su lugar, transmiten la presión directamente al cráneo. Sus almohadillas están fabricadas en espuma viscoelástica y recubierta de un tejido en forma de malla que parece robusta y duradera. Además, las almohadillas son increíblemente fáciles de cambiar puesto que están unidas magnéticamente, aunque su coste no es tan fácil de asimilar, 79€ el par. La diadema, al igual que las rótulas que la unen a los auriculares están construidas en acero inoxidable, otorgándoles mayor resistencia al estrés mecánico del uso. Sus brazos telescópicos se ajustan con la resistencia precisa para que queden fijos

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Max

Apple

en la posición deseada. La superficie que recubre la parte superior de los brazos es de una goma muy agradable al tacto pero ni el acero ni la goma rozan a penas nuestra cabeza. Los auriculares se asientan a través de una malla de un tejido trenzado y transpirable. Esto hace que la superficie de contacto sea mayor dando la sensación de que están flotando, es por este motivo por el cual los calificaría de una ergonomía perfecta.

AirPods

su tecnología de cancelación activa de ruido y el audio espacial con seguimiento dinámico, el llamado audio computacional.

Apple ha diseñado unos altavoces electrodinámicos de 40mm cada uno capaces de ofrecer una refinada calidad de graves, precisos sonidos de rango medio y frecuencias altas nítidas e impecables. Su motor magnético de anillo de neodimio dual limita la distorsión armónica a menos del 1%, incluso a máximo volumen.

Ocho de sus nueve micrófonos son destinados a la cancelación activa de ruido y a la ecualización adaptiva. Los situados en la parte externa analizan el sonido que proviene del exterior, entregándolo a los microchips y estos transmiten a los altavoces una señal antirruido inversa. Honestamente, es la mejor cancelación de ruido que me he encontrado hasta el día de hoy. La ecualización adaptiva analiza lo que estamos escuchando con micrófonos situados en el interior y dependiendo del ajuste que tengamos y el aislamiento de las almohadillas modifica el sonido regulando las frecuencias para ofrecer un sonido homogéneo y de calidad.

Su cerebro, dos chips H1 con 10 núcleos cada uno son los encargados de generar y combinar audio de alta fidelidad con

Des del pasado mes de mayo, Apple anunció la integración de Dolby Atmos en sus dispositivos con audio espacial,

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Max

ofreciendo una experiencia de sonido envolvente inmersivo que va a revolucionar la manera en que los artistas mezclan su música y ésta es escuchada. Con esta tecnología podemos ubicar sonidos en un lugar concreto alrededor nuestro e incluso arriba, dejando espacio al resto de instrumentos y voces consiguiendo una sensación de amplitud nunca antes percibida en un producto para el consumidor no profesional y lejos de las sensaciones que una pista estéreo puede transmitir. Una experiencia que en los AirPods Max se disfruta de manera espectacular, sobretodo teniendo en cuenta que Apple Music, además de tener audio sin pérdida, ya ofrece para sus suscriptores pistas en Dolby Atmos y tiene la intención de publicar más contenido en este formato en los próximos meses. Más allá de todo lo mencionado, los AirPods Max cuentan en cada auricular con un sensor óptico, de posición, de detección de estuche, un acelerómetro y un giroscopio sólo en el lado izquierdo.

Apple

AirPods

Estos dos últimos son los encargados de generar el audio espacial con seguimiento dinámico de cabeza. Algo con menos importancia a la hora de reproducir pistas de música pero que sin duda ofrecen una experiencia extraordinaria cuando vemos una película o serie con sonido envolvente. Cuando tienes un sonido que ubicas enfrente y desplazas la cabeza hacia la izquierda, el sonido se desplaza hacia la derecha, manteniendo su origen donde estaba antes de girar la cabeza. Esto es algo que podremos exprimir incluso más a partir de otoño con las novedades de iOS 15, como por ejemplo con las conferencias por iMessage. Siguiendo la línea minimalista de su diseño, Apple ha optado por incluir únicamente dos controles. Una Digital Crown, similar a la usada en los Apple Watch, a través de la cual puedes subir/bajar el volumen, cambiar de canción, responder llamadas o activar Siri y un botón a su lado para controlar la cancelación activa de ruido.

Max

Puede que no sean los auriculares inalámbricos con mayor capacidad de batería pero sus 20h de autonomía con la cancelación activa de ruido y el audio espacial en marcha considero que son más que suficientes. Además, cargándolos cinco minutos obtienes una hora y media más de audio. Los auriculares incluyen una funda que parece de piel sintética con acabado aterciopelado en su interior. Al introducirlos en esta Smart Case, los auriculares se ponen automáticamente en modo de consumo ultrabajo para ahorrar batería. Tras poner estos auriculares a prueba en varios registros sonoros, debo reconocer que ha sido una gran alegría encontrarme con semejante calidad. Me considero alguien con un nivel de exigencia alta en cuanto a calidad sonora, y no es que esperara algo de menor calidad de un gigante como Apple si no que han cumplido mis expectativas, incluso superando lo que consideraría como notable alto, para mí es un excelente.

No bastándome con eso, decidí testear los auriculares con profesionales de mi alrededor analizando sobretodo su primera reacción al ponérselos por primera vez (y reproduciendo algo que sabía que les iba a tocar la fibra). El resultado fue una réplica en todos y cada uno de ellos. La combinación de su diseño cuidado y minimalista, la cómoda ergonomía y la impresionante calidad sonora hizo que se quedaran paralizados, expectantes a lo que estaban viviendo y con una sonrisa que hablaba por sí sola. En definitiva, los AirPods Max cumplen de manera excelente con su función. Son unos auriculares polivalentes que destacan por su respuesta en uso inalámbrico. Una muy buena elección tanto para uso profesional como recreativo.

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Autor: ENRIQUE SOTO

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DEFECTED CROATIA 2021 @ THE GARDEN TISNO UN SOPLO DE AIRE FRESCO EN DEFECTED CROACIA

Es a mediados de julio cuando escribo al director de DJ Mag España y le propongo algo que necesitaba hacer desde que empezó la maldita pandemia. Algo que necesitaba como artista, como promotor y, sobre todo, como persona: Volver a un festival. Un hecho que veía lejos, muy lejos, debido a las restricciones y a que mis ingresos habían sido prácticamente cero desde que todo esto empezó. Nada nuevo si estás leyendo estas líneas desde el sector de la música, del DJing o del ocio, sea nocturno o diurno. Una situación que parecía remitir en los últimos meses, en los que algunos pasamos de la gran secada a la gran remojada. Unos meses que me hicieron necesitar sentir, más que nunca, los bajos atravesándome mientras me rodeaban cientos de personas moviéndose al son de un DJ. Cualquier DJ, el que fuera. No sé en qué momento vi en el perfil de Instagram de algún artista o del propio sello el cartel que encendió la mecha de mi “calentada”. Lo que sí recuerdo es lo que sentí: tenía que estar allí. Tenía que ir a Defected Croacia.

Defected Croacia era un festival que había seguido desde el burladero desde sus inicios, y que reunía año tras año a los mejores artistas del house y el disco de todo el mundo. Un festival que no sentía accesible desde España, ya que Croacia era para mí un destino aparentemente lejano y que no controlaba en mis búsquedas habituales en Skyscanner. Dificultad que se extendía también a lo económico, visto desde el punto de vista de un español, acostumbrado a entradas de festivales demasiado asequibles, por hablar en este caso de entre 199 y 249 libras sin incluir gastos de gestión, lo que suponía entre 235 y casi 300 € por persona.

más que eso. Son 6 noches y 6 días donde la música empieza a las 14.00 en el Beach Stage y termina entre las 4 y 6 de la mañana, en el Main Stage o la discoteca Barbarellas, propiedad de The Garden, con lanzadera gratuita toda la noche. SEGUNDO: EL RECINTO THE GARDEN Hay mucho que hablar de este punto ya que The Garden no es sólo un recinto similar a un camping, sino que es un recinto pensado para albergar festivales (también se hace por ejemplo Dekmantel), en el que te puedes alojar en apartamentos, bungalows, caravanas propias del recinto, glamping o incluso llevar tu tienda de campaña para abaratar costes. Nosotros alquilamos un apartamento con capacidad para 3 personas, que costó 80€ la noche. Un precio bastante asequible.

Realmente, en “números gordos” puede parecer un evento caro, pero hay que tener en cuenta ciertos factores que van a hacer que te replantees el precio del mismo y que van a cambiar tu percepción del precio, Pero esto no es todo, el propio repor el valor de lo que ofrece esta ex- cinto está ubicado a orillas de una periencia de seis días. cala de pequeñas piedras donde se ubica el Beach Stage. Un lugar que ESTO ES PRECISAMENTE LO no tiene nada que envidiarle a muPRIMERO A TENER EN CUENTA: chas de las calas que te vienen a la mente, con sus veleros amarrados al fondo y rodeada por un pequeño ES UN FESTIVAL DE 6 DÍAS. Así lo venden aunque, siendo since- bosque que resguarda el recinto. ros, realmente no es así. Es mucho

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Fotos: GAVIN MILLS

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El recinto no es pequeño, pero tampoco es grande, la verdad. El aforo del festival era de 5000 personas, se habían vendido todas las entradas y en ningún momento sentí que hubiera mucha gente. Para que os hagáis una idea, nuestro apartamento que era de los más alejados del festival, estaba a uno 2-3 minutos andando de cualquier escenario. Escenarios que se encontraban bien custodiados por suficientes barras alrededor de ellos (aunque no muchos camareros). Además de las barras habituales con la oferta típica de un festival, encontramos un bar donde solo vendían vino en copa o botellas, otro donde también hacían “cócteles”, una zona de gastronomía con un puesto vegetariano, uno asiático y otro con hamburguesas y fritos; y para terminar un restaurante para comer con cuchillo y tenedor a buen precio. A esta oferta hay que sumarle la tienda de merchandising de Defected donde comprar multitud de diferentes prendas de la marca. TERCERO: LOS PRECIOS. Las consumiciones allí se pagan en kunas a través de una pulsera cashless que recargar en diferentes puntos del recinto y de los que luego puedes solicitar la devolución cuando termina el festival. Cantidades y formatos que para nada se asemejan a lo que estás acostumbrado, querido “spaniard”, pero que son bastante asequibles en proporción a lo que estamos acostumbrados aquí y que estoy seguro que resulta económico para los precios de Reino Unido. En cuanto a la comida, te podías comer unas patatas por menos de 4€, una hamburguesa por unos 7€ o un poké por 9€. En mi opinión bastante bien. Por otro lado, si te apetecía cocinar, podías comprar comida en algún supermercado de Tisno (4€ en Uber) y hacerte la comida en el apartamento que estaba equipado con su vitrocerámica, ollas, sar-

tenes y todo lo necesario para no que tiro para casa o que voy a lo fácil con uno de los cabezas de cargastar demasiado. tel, pero no hubo sesiones con más Y cuarto y más importante: ¡El car- “groove”, con mejor estructura, mejor selección y con más energía que tel! ¡Madre mía, chavales! Me pasé 3 se- las de ellos. Y no lo digo yo, lo veía manas haciendo que amigos, com- en la gente. pañeros y allegados me odiaran cada vez que les enseñaba el cartel. Un Por otro lado, hubo artistas que me cartel que podía pasar de puntillas defraudaron, porque quizá esperaotros años entre tanto gran festival ba más de ellos, porque no sabían con headliners y producciones de manejar la tensión de la sesión. Eviinfarto, pero que, en este año, tenía dentemente, no diré nombres. un valor incalculable. Un cartel con artistas de la talla de Bob Sinclair, Ver a Roger Sanchez jugar con 4 Armand Van Helden, Honey Dijon, platos es siempre una delicia, pero The Shapeshifters, Purple Disco Ma- poder verle a medio metro en una de chine, Eats Everything, Gorgon City, las “boat parties” fue una auténtica Louie Vega, David Penn, Inner City, delicia. Boat parties de 3 horas que Dimitri From Paris, Seamus Haji, eran auténticos regalos del cielo. Si Themba, Carl Craig, Breakbot, Melvo vas, compra un ticket para la que más rabia te dé. La experiencia no Baptiste... tiene precio. Defected Croacia es un festival para abordarlo de mil maneras, desde El primer día de festival fue para mí, pegarte el festival perdiéndote solo a nivel musical uno de los mejores: lo que tu cuerpo no te permita por Mousse T, Monki, John Summit, Sam cansancio, hasta, como hicimos no- Divine, Armand Van Helden, Melvo sotros, disfrutar de unos días de sol, Baptiste y Roger Sanchez. Fue un chiringuito, turismo y playa, combi- día que puso el listón muy alto para nado con sesiones de grandes DJs, los siguientes. sin presiones. Diferentes velocidades para diferen- Yo, que soy más de house que de distes personas que hacen de este un co, disfruté mucho el viernes de una desconocida Aline Rocha, de Mat. festival para todos los públicos. Joe y de todos los temas que he pinCuando vi el cartel tuve un empacho chado de él, de Themba, que no ende muchos “quiero ir a ver a”, por- tendí porque cerraba un escenario a que desde que comenzaba el festival las 00.00, de Melé y de Moodymann. con el primer beat a las 14.00, hasta que acababa, había grandes artistas El sábado empezaba con un Endor con selecciones musicales de una que llevo siguiendo desde que hacía sus pinitos con remixes en Soundcalidad abrumadora. cloud, seguido de un Seamus Haji, Te pido perdón a ti que me estás que fue el primero en emocionarme leyendo porque me perdí a Gorgon y ponerme los pelos de gallina, para City, a Eats Everything, a Horse Meet acabar con un triplete de Purple DisDisco o a Nightmares On Wax, por co Machine, Bob Sinclair y The Shadecir algunos, pero era imposible peshifters de quitarse el sombrero. ¡Vaya sábado! verlos a todos. Por otro lado, he de decirte que hubo dos sesiones que para mí fueron de las mejores del festival: Bob Sinclair y David Penn. Puede parecer

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El domingo, con el cuerpo ya un poco cansado, empezaba con una selección fresca y apropiada de la mano de Melvo Baptiste y de Break-

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bot en el Beach Stage. Tras un parón para cenar, Ferreck Dawn puso el Main Stage del revés, dejándolo calentito para que nuestro David Penn (no lo tengo en propiedad, pero debería ser patrimonio nacional) hiciera una sesión de esas que no olvidas. Además, trajo su teclado para tocar en directo algunos de sus temas, ¡Olé! Tras esto, Low Steppa puso su energía al servicio de los allí presentes para cerrar una noche que los asistentes al Main Stage nunca borrarán de su mente. El lunes los sonidos más míticos del house y el disco se dieron la mano con Louie Vega en el escenario Faith en el Beach Stage y con DJ Spen en el escenario Glitterbox sito en el espacio Olive Groove, en un día que empezó tarde para mí y estoy seguro que también para muchos, ya que las horas de baile acumuladas empezaban a ser bastantes. Darius Syrossian calentó la pista del Main Stage con una selección cuidada e intensa, que dió paso a Carlg Craig, que se movió desde los sonidos más clásicos del house hasta, como es de esperar dentro de su línea musical, con el techno “made in Detroit” del americano. Honey Dijon supo mantener la intensidad, llevando a la gente hasta un punto que no lo graba entender. Eran ya 5 días y 5 noches bailando y la gente quería más. Este lunes sufrí mucho por no poder disfrutar a Roberto Surace, Eats Everything y Dennis Cruz en el Barbarellas. Nuestro cuerpo decía basta. El último día era un día épico por el cartel: Dimitri From París, Horse Meet Disco, Sam Divine b2b Simon Dunmore, Riva Starr, Inner City, Louie Vega, Gorgon City, Eats Everything y un b2b2b2b2b2, de todos. Un lujo de cierre que solo es posible en un festival en el que puedes encontrarte a los artistas bailando entre el público o moviéndose entre escenarios para poder disfrutar de

la compañía de sus amigos y compa- Dicho esto, para que el festival se llevara a cabo, el gobierno impuso ñeros de profesión. ciertas normas que todos los asisLos más grandes del house mundial tentes debían cumplir y que eran en un mismo lugar, en un ambiente muy similares a los que imponía de respeto inigualable y en un en- para poder entrar al país: torno natural preparado para que tu - Todos los asistentes debían entrar experiencia sea máxima. ¿Qué más al festival con pasaporte Covid-EU que certificara la recuperación, la pedir? vacunación parcial o completa, un Pero… No os he hablado de la Co- test de antígenos con menos de 48 horas de antigüedad o una prueba vid-19, ¿no? PCR con una duración de hasta 72 Llegados a este punto, parece que horas. estuviéramos en pleno 2019, ya - Si los asistentes salían del festival que no os he hablado de algo muy y no llevaban la pauta completa de importante, no os he hablado “del vacunación, deberían realizarse un bicho”. Un bicho que, en el momen- test de antígenos rápido en la puerto que se llevó a cabo, tenía inmerso ta del mismo, en un puesto habilitaa prácticamente toda Europa en una do con un coste aproximado de 12€. 4ª o 5ª ola, según país o región del Ese puesto se encontraba abierto durante todo el día hasta las 12 mismo. de la noche y el festival no ganaba Hasta llegar el día, seguía todos los nada con ese importe. días las evolución tanto de mi país - Todos los trabajadores tenían que de origen, España, como del país de cumplir las mismas normas de endestino, Croacia. Un país, este últi- trada y es por ello que para la planmo que contaba con solo 145 nue- tilla estos test eran gratuitos. vos casos de media al día. Datos que no hemos vivido proporcionalmente ¿Y la mascarilla? Me olvidé de ella (Croacia tiene 4 millones de habi- durante 6 días y he de deciros que tantes y España casi 47 millones) fue liberador. Al principio un poco extraño. No, voy a decirte la verdad: desde el confinamiento. fue muy extraño. Calles abarrotadas en las ciudades, Nos costó meternos entre tanmascarilla supuestamente obliga- ta gente al principio, pero poco a toria en interiores y transporte ur- poco fuimos metiéndonos entre el bano pero que sólo era respetada tumulto para vivir el festival desde al 100% en centro comerciales (que dentro como tiene que ser: bailanestaban a medio gas), distancias de do, gritando, sonriendo y viendo seguridad inexistentes por donde a gente haciéndolo y disfrutando fueras, interiores de bares “cerra- como cualquier persona debería podos” (a no ser de que tuvieran todo der hacer. de par en par)… Ojalá este pequeño “recap” de lo vi¿La verdad? Me explotaba la cabeza vido en Defected Croacia haga que el al intentar entender cómo puede año que viene bailemos juntos allí. haber tanta diferencia entre unos Muy juntos. Juntísimos. países y otros. Un país, Croacia, en el que vi cómo Gracias al equipo de Defected, Glitsu población y costumbres sociales terbox y a Simon Dunmore por aposeran muy semejantes a las españo- tar y arriesgar para hacer realidad las y en el que el sector servicios y este sueño en la bella Costa Dálmael turismo son piedra angular de la ta. ¡Volveremos! economía del país.

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C R Í T I C A S

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S E L E C C I Ó N

D E L

D I R E C T O R

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

I HATE MODELS Werewolf Disco Club

Disco Inferno Para abrir este mes de septiembre hemos encontrado esta auténtica brutalidad de uno de los artistas más interesantes de los últimos años: I Hate Models. El artista, que desarrolla esa amalgama extraña y genial que va entre la electrónica, el EBM, dark disco, electro y más, acaba de publicar el single ‘Werewolf Disco Club’ en su propio Disco Inferno. El single, que saldrá en vinilo de edición limitada este mes (estad muy atentos) es una orgía de EBM casada con algo de electroclash y punk que está diseñada para reventar la pista a la hora que sea. Es uno de esos tracks que podrías ver a Hector Oaks pinchar, ante el desenfreno del público. Si es que no lo ha hecho ya… ¡Discazo para la colección!

VVAA TOTAL 21

LUSCA & ANDREM Fake Expectations

Kompakt

Innisfallen Records

Para quien no la conozca, ‘TOTAL’ es la compilación que el reverenciado sello Kompakt, de Michael Mayer, lleva haciendo desde hace 21 años. Para esta ocasión especial, la verdad es que la escudería se ha salido con 13 canciones de asiduos del sello y grandes amigos de Mayer, además de nuevos genios de la electrónica contemporánea. Hablamos de gente como Jürgen Paape, John Tejada, Sascha Funke, Voigt & Voigt, Marc Romboy, Robag Wruhme o Gui Boratto, entre otros, destacando la presencia del propio Mayer, Kollmorgen, Patrice Bäumel o Roman Flügel. Todos han confeccionado trabajos que encajan a la perfeccion en este TOTAL 21 y que tiene como hilo conductor un sonido exuberante, profundo, futurista, con brillantes paisajes sonoros, funk, minimalismo y mucho más. Una buena inversión para añadir a la colección.

Innisfallen Records es uno de los sellos más interesantes salidos de la escena mexicana (unque su arte y su nombre indiquen lo contrario). En esta nueva entrega, son Lusca & Andrem (del dúo Los Fugazzi y de FLXXX, respectivamente) los que nos traen estos cuatro cortes, con dos originales y dos remixes, en los que podemos oír ritmos lentos, épicos, y mucho de ese hedonismo que podemos oír habitualmente en el disco más alternativo y rompedor. Mucho minimalismo, ritmos progresivos, electroides y muy bailables en todo el disco. Como bonus, se ha lanzado una quinta pista en SoundCloud producida por Lusca. En resumen: sea en un formato u otro, estamos ante uno de los imprescindibles de este mes.

VVAA Masterpieces 2

WAYWARD Sapphire Eyes EP

Pieces Of Life

White Label

(ODD RECORDINGS)

RAMIRO LOPEZ

Los británicos Wayward presentan este EP de cuatro cortes originales, titulado ‘Sapphire Eyes’ a finales de este mes. Se trata de un trabajo con diferentes interpretaciones en clave breaks, con pistas cargadas de rave y un poco de influencias dubstep en algunos ritmos. Ritmos que son frescos, nuevos y que se agradecen mucho en medio de la vorágine que está viviendo el género. Mención especial se lleva el track ‘The Cause’, una pista inmersiva que te envuelve en sonido y que es un homenaje a un club del norte de Londres, cercano a la casa de sus autores. Por último, el track que da titulo al disco, ‘Sapphire Eyes’, es un verdadero hit en clave break-hip-hop, con una línea vocal realmente sublime y emotiva.

El pasado 13 de agosto el sello Pieces of Life, propiedad de Yamil, lanzó este pequeño VVAA que es la segunda entrega de sus ‘Masterpieces’. Entre los artistas podemos encontrar interesantes nombres, como Djolee, Adrian Roman, Ayala (IT) o Marc Gonen. Artistas emergentes todos ellos, pero con una proyección brutal en la escena de ritmos house, downtempo y profundos. Los cuatro tracks son grandes producciones, entre los que ha destacado el ‘Bamboozle’ del argentino Djolee, que ya había sacado en etiquetas de la talla de MoBlack y Connected. En ella, las melodías exóticas alimentadas por los instrumentos de viento y cuerda, quedan a la perfección con los vocales femeninos del track. Disponible en el Bandcamp del sello.

01. Lucas Aguilera ‘Black Light’ [Odd Recordings] 02. E - Dancer ‘Velocity Funk (Wehbba Remix)’ [Drumcode] 03. Michael Klein ‘Dancing Monk’ [BLKDRP] 04. Ramiro Lopez ‘Palinka’ [Odd Recordings] 05. Uncertain ‘Kaos’ [Suara] 06. INAR ‘Angels’ [Odd Recordings] 07. Robert Hood ‘The Majestic’ [Rekids] 08. Avision ‘Sonic’ [Truncate] 09. Hertz Collision, Gene Richards JR ‘Bag of Trix’ [Uncage] 10. Ramiro Lopez ‘Roses’ [Odd Recordings]

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T E C H N O

Autor: VICTOR SANTANA / victorsantana@djmag.es

JEROEN SEARCH Alpha Centauri

Axis Records Escribir del sello de uno de los estandartes del techno como es el señor Jeff Mills, es hablar de la biblia en términos musicales. Axis Records y todo su equipo ha estado más activo que nunca en esta pandemia. Es increíble el volumen de música de todo tipo que Jeff Mills está sacando en Axis y, sobre todo, de artistas desconocidos. Y otros que no tanto… Esta vez Jeroen Search publica un LP muy a lo “Jeff con la TR-909”, pero con un techno que va de ritmos más pausados a secuencias locas con sintetizadores, que acaban en una auténtica fiesta. Un LP muy personal y, a la vez, muy buena herramienta para cualquier DJ. Muy buen trabajo, señor Jeroen. ¡Larguísima vida a Axis y más para Mr Jeff Mills!

TRESILLO FEATURING ROBERT OWENS The You That’s Inside

ROI Cruina EP

Tresillo Records

Fanzine Records

Tresillo nos presenta un EP épico con la colaboración vocal de Robert Owens: una mezcla de Detroit techno y house de Chicago. Es escuchar el primer track y automáticamente me voy al momento alegre de un cierre de festival. Techno melódico, con las influencias del house mítico. Sus cuerdas y acordes te trasladan a ese momento feliz de un set. Un EP muy recomendado para esos sets que mezclan varios estilos. A destacar en este EP, el track ‘The You That’s Inside’.

‘Cruina’ es un disco que huele a Galicia. Porque el artista que lo ha producido es gallego y además por lo buena gente que es. Roi es un trabajador incansable. Es el 50% de la productora gallega Fanzine, también a su vez sello discográfico y un largo etc. Este EP me recuerda a Drexciya, con una sonoridad muy personal, pero a su vez con una identidad propia. Roi presenta dos tracks con ritmos más pausados, pero con unos bajos increíbles y unas líneas sintéticas muy bien trabajadas. Un excelente disco para cualquier coleccionista. Si a esto le sumamos los pedazo de remixes de Carl Finlow y The Exaltics, este EP se convierte en un objeto de coleccionismo nivel máximo. ¡Buen trabajo, Roi!

SVEN VÄTH Feiern

BEN SIMS Ben Sims Presents Synchronicity Part One

Cocoon Records

Symbolism

MENDI

(DRONE BOOKING)

Otra bomba para este septiembre tan peculiar en Spain, sin clubs y festivales abiertos. Hasta el propio Sven lo notará, ya que Ibiza está cerrado. Toda Europa tiene festivales y clubs abiertos, pero en España nada de nada. ¡Nos tocará esperar! He tenido la suerte de pinchar varias veces para Cocoon y solo puedo decir piropos. Esta vez Sven presenta una auténtica bomba de la pista de baile con sus vocales y esos bajos épicos que te hacen levantar los brazos. De los mejores tracks que he escuchado últimamente en esta pandemia. Una auténtica delicia para el DJ y un revienta pistas atemporal que podrás poner en cualquier momento. Seguro que el público lo agradecerá. Amigos coleccionistas de vinilos: bomba para vuestra maleta. Gracias, Sven, por estas cosas.

El sub-sello de Ben Sims, Symbolism, lanza un recopilatorio digital, con 20 tracks de diferentes artistas. Ben nunca suele fallar, ni mezclando ni seleccionando música para sus diferentes plataformas. Una compilación magnífica para cualquier DJ. Contiene tracks perfectos para primera hora, o tracks perfectos para cualquier hora en clubs o festivales. Destacaría los tracks de Industrialyzer, Lady Starlight o Arnaud Le Texier, entre todos los que suman esta gran compilación. Una bomba para vuestras maletas. Gran trabajo, Ben. ¡Gracias!

01. Vohkinne ‘Void’ [MindTrip] 02. Peter Van Hoesen ‘Empire in Decline’ (Time To Express) 03. Pris ‘Fools Glory’ (Envra) 04. Fabian Wegmeth ‘Nibiru (Temudo Remix)’ (Diffuse Reality Records) 05. HD Substance ‘Neutron Bleeps’ (From 0-1) 06. Belief Defect ‘Unnatural Instinct (Kangding Ray Remix)’ (Raster) 07. Asymptote ‘Liquid Mineral’ (Suburban Avenue) 08. Rise 1969 ‘Cerebral Palsy’ (Artscope) 09. Minilogue ‘Clouds and Water (Rrose Remix)’ (Enemy Records) 10. Out Of Place Artefacts, Vril & Rødhåd ‘Atakama’ (WSNWG)

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Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

MORITZ VON OSWALD TRIO Dissent Modern Recordings

Un excepcional disco de magia electrónica y derrames jazzísticos. Sorprende la virtud de este combo para atreverse a explorar y lograr resultados muy brillantes. Un clarísimo ejemplo es ‘Chapter 3’ – en este trabajo todos los temas son ‘capítulos’… hasta diez si obviamos ‘Preface’ y ‘Epilogue’ – donde el midtempo, el baile minimalista y los ambientes profundos nos llevan en volandas. Obviamente los arreglos jazzeros van a estar presentes, como en el resto del álbum. Bien ataviados sutilmente de bossa (‘Chapter 4’), techno-dub abisal (‘Chapter 6’), beats entrecortados (‘Chapter 9’) e incluso destellos hindi como sucede en el desenlace del disco, ‘Chapter 10’. Es importante apuntar que, para esta nueva ocasión, se suman al proyecto la genuina Laurel Halo y el baterista Heinrich Köbberling.

ALBERT CHIOVENDA The Dwelling Place

FABE Out Of A Change

Affekt

Salty Nuts

La discográfica con sede en Frosinone y creada en 2012 por Alex Dolby se atreve con el segundo LP del australiano Albert Chiovenda. ‘The Dwelling Place’ toma ahora las riendas de aquel ‘Epsilon Eridani’ de 2017 en Parabola. El productor es un artista que está muy involucrado con la escena techno de Sídney. Eso, sumado al sonido vertido en sus EPs para Music From Exo Planet o Granulart -además del apego del sello Affekt por lo vibrante, hipnótico y riguroso- nos marca claramente el camino de este nuevo larga duración. La historia que se describe es oscura, desnuda, retorcida y a ratos salvaje. Hostigan a la vez que nos rescatan gracias a ese tonillo narcótico de sus elementos y loops. Haciendo deporte para le mente.

Una colección de temas que hacen de puente entre el verano y el otoño. Fabe publica en su propio sello trece pistas con un claro sabor añejo, al sonido housero de finales de los noventa. Todas, sinónimo de baile. Todas, sencillas y luminosas. El groove es en todo momento vivo y estimula a base de detalles jackin’ y líneas de bajos funk escuetas pero certeras. Buena muestra sería ‘Get Out to Paint’. El lanzamiento tampoco anda exento de melodías entrecortadas de tono analógico. Organillos y aires sintéticos en ‘Out Of A Change’ o ‘Doors Open’; con tajos dub en el caso de ‘Take Another Sound’. No hay que darle más vueltas, es un disco como tantos otros creado desde el aislamiento para devolvernos parte de la alegría aparcada.

LUCEFORA Athman

MONOLITH Ambiguous

Loot Recordings

Awesome Soundwave

Se trata del álbum con el que debuta el bonaerense Lucefora. Un artista que ensambla su subconsciente con un abanico de estilos directamente conectados con el deep house y algún que otro ramaje de beats, eso sí, siempre bastante emocionales y orgánicos. El sonido propuesto en ‘Athman’ es un cuaderno abierto de melodías sencillas pero efectivas. De ritmos cálidos y arreglos instrumentales muy llevaderos. Cuerdas, acordes de piano se entregan sin generar distancias con arpegios y bases houseras a diferentes tempos que se pueden degustar en cualquier momento del día. Y parte de la noche. Así ocurre con ‘Melodies Of The Heart’, ‘Estrella del cielo’ o ‘Chamanic’. Un recorrido de doce pistas realmente emocional y dulcemente bailable. Intuitivo y dinámico de principio a fin.

Awesome Soundwave –discográfica como sabrás de Carl Cox y Christopher Coe – nos trae ‘Ambiguous’ y es cosa de Monolith. A groso modo estamos ante un disco de 16 pistas de techno sobrio, minimalista y contemporáneo –cuatro de ellas interludios- aunque profundamente analógico. Huele a cables, clavijas y Moog por los cuatro costados. Un largo donde Louay Zoghaib (nombre real de este productor australiano) demuestra también sus dotes como sound designer e ingeniero de mezclas. Por poco que nos fijemos, todo está en su sitio en cortes como ‘The Duck Saw It’, ‘Cut A Long String’ o ‘Look At The Colour Iris’. Hay BPM y un buen puñado de retales acid y ambientales marca de la casa. En este sentido alabo su trabajo.

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

POLADROÏD Quantum Pilgrim

REDINHO Finally We’re Alone

Diffuse Reality

Warp Records

Sea como sea, acabo de descubrir a Poladroïd, un productor de Charleroi (Bélgica) cuya propuesta es una inyección bestial de adrenalina y electro. ‘Quantum Pilgrim’ sale publicado por Diffuse Reality, marca con raíces bonaerenses, ahora con un pulmón a pleno rendimiento en Barcelona (con estudios y showroom incluidos), el otro en Berlín, que suma docenas de LP donde impera el arte visual-sonoro, el gusto por el formato físico y la pasión por la IDM. Electrónica temperamental como es este nuevo largo. Rave distorsionada dentro de un empaque industrial como bien podremos mordisquear en surcos como el que presta su título al lanzamiento, además de ‘Queen of Nothing’ y ‘Path of Amor’. Otro corte destacable es ‘Salome’, menos épico, si más profundo y teñido de negro.

Fue 2014 cuando Redinho (Tom Calvert) publicó su anterior largo, en el sello Numbers. Su trajín por el electro y el funk son un puro deleite. ‘Finally We’re Alone’ aterriza para hacernos compañía a base de sonidos arraigados en la cultura musical de los 80. Bien podríamos estar viendo en VHS el vídeo-clip para ‘So Good Together’. En este nuevo disco hay nostalgia y diversión a partes iguales. Si lo que necesitamos es ese ramalazo de funky eléctrico: ‘Finished’. Diferentes tempos y caras del disco-house en ‘Human Mannequin’, ‘Paul’s Place’ y ‘Studio F’ (este último: lentorro, cacharrista y seductor). También ubicamos una buena dosis de síntesis y dream pop en el LP. ‘So Good Together’ y ‘We’ll Fight The War Together’ nos lo ponen a huevo.

SHACKLETON Departing Like Rivers

UFFE Words and Endings

Woe to the Septic Heart!

On the Corner Records

Tercer álbum en solitario del siempre interesantísimo Shackleton. Estamos ante un viaje profundo y extraño de psicodelia multiforme. Un total de siete canciones eternas, por su minutaje, la mitad rondan los doce minutos de duración. En este sentido las que encuentro más emblemáticas son ‘Transformed Into Love’ y ‘The Turbulent Sea’ (esta última a pesar de los repetitivos golpes metálicos de fondo). El sonido es por regla sugerente, aunque no siempre lo digeriremos del mismo modo. Son composiciones llenas de capas, unas espaciales y acogedoras, otras disonantes e incómodas. Uno de esos discos que mejor te pillen con la mente abierta, despejada, y no con el pie cambiado y en una jornada de desasosiego. Luz a lo turbio, o al revés, tu estado anímico decide.

El danés Uffe publica su trabajo más ambicioso hasta la fecha en On the Corner Records. Híbridos bastante logrados donde el dubstep, el UK bass, lo espiritual, incluso el freejazz y el post-punk se dan la mano. Genial ejemplo de todo esto es el corte titulado ‘The Moon’, donde tampoco faltarán muestras vocales ‘ragga’. Algo a lo que recurre bastante este artista y que le queda soberbio en ‘Kill A Sound’. El equilibrio en cuanto a soniquetes dinámicos, creatividad en el sampleo y atmósferas flotantes es bastante notable a lo largo y ancho del LP. Pistas también destacadas de este trabajo serían ‘Limo’ y por supuesto ‘Krasnik Boogie’ ¡una flipada que tiene de todo!

SPACE AFRIKA Honest Labour Dais

Este dúo de Manchester asegura que produce música de lo que ellos denominan ‘momentos superpuestos’. De otro modo, generan atmósferas electrónicas que son verdaderos mosaicos oblicuos de diálogo, ritmo, textura y sombra. Se nota a leguas de donde vienen y que más de una canción está inspirada por las noches lluviosas y brumosas de dicha ciudad. Un tanteo ideal para irnos refrescando la mente de tanto sol tostadero. Musicalmente se trata de un disco cósmico y visionario. Solitario y hermoso. Con canciones como ‘Indigo Grit’, ‘Solemn’, ‘Rings’ o ‘With Your Touch’ te impregnas de ambient a la vez que de ruidismo ultra delicado y dub-techno. De algo más incluso como sucede en ‘U’ donde se suma la voz de kinseyLloyd.

097

C R Í T I C A S

E L E C T R Ó N I C A

Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS / carlos@djmag.es

RICARDO TOBAR Our Violence’ EP ft. S.O.N.S

Musar Con una discografía que comenzó en Border Community, Cocoon o ESP Institute, siendo ya un habitual de MUSAR, las credenciales del chileno Ricardo Tobar hablan por sí solas. Su música también lo hace. Jugando constantemente con temas de desplazamiento, desorientación y deleite en sus fusiones, ‘Our Violence’ se inspiró en las discusiones en curso sobre la apropiación cultural. Musar suma una referencia esencial a su catálogo, que se completa con el remix breakbeat de SYO, de S.O.N.S, de ‘La Femme Aux Masques’. Un EP que nos sumerge en un viaje profundo y colorido a través de sus 4 pistas.

TULIOXI Video Self-Delight

FARGO DEVIANTI & VONGOLD Storm In A Teacup EP

Hearec

Rotten City Records

Tulioxi presenta su nuevo trabajo titulado ‘Video Self-Delight’, compuesto por tres originales y dos remezclas a cargo de Stockholm Youth (Stockholm Syndrome and Tronik Youth) y Günce Aci, que destaca con una pista compuesta de elementos muy electrónicos y melódicos, cargada de arpegios, son las voces en delay las que hacen de hilo conductor en este track. Esta versión emana muchos elementos luminosos y ritmos muy sólidos, alicatados de forma elegante y magistral a toda una potente carga mental. Hearec ha conseguido hacer un EP muy completo, compuesto de 5 pistas, que son todo un arma de doble filo para poner los clubs del revés.

Vongold & Fargo Devianti entregan su EP titulado ‘A Storm In a Tea Cup’, un tributo al humor ácido, a sus ídolos e iconos de la moda, cine y rock. El lanzamiento se compone de dos originales y dos remezclas a cargo de Trio Misterio y SCADTA, que aportan unos tracks con guitarras electrizantes, EBM y new beat a raudales, melodías enigmáticas y arpegios traviesos que rebotan delicadamente sobre notas psicodélicas. Estamos ante un EP muy juguetón en pista de baile, donde la lírica desternillante y reveladora con aires de horóscopo mensual, nace del personaje fundamental de la cinta favorita de Fargo Devianti & Vongold, ‘Ghost World’.

VVAA Frigio All Stars Vol. 4

DA IGUANA Sombras y Sueños

Frigio Records

Playground Records

CISCO

Próximamente se acerca el cuarto volumen de la serie Frigio All Stars. Un VA compuesto de artistas de primer nivel, en la que siete potentes tracks abarcan los lados más íntimos y oscuros del EBM, darkwave, industrial o sencillamente electrónica contemporánea. Frigio ha sabido crear una VA muy sólida, con tracks que son autentica dinamita en pista como las de Rambal Cochet, Daniel Holt o Chris Mitchell y su track ‘Alsina’, toda una declaración de intenciones por parte del artista, que nos sumerge en un mundo industrial y sinuoso perfecto para alterar los estados de consciencia del clubber.

Playground Records tiene el honor de presentar su referencia número 39 de este talentoso productor francés. ‘Sombras y Sueños’ es un EP formado por cinco temas originales llenos de ritmos hipnóticos, sentimientos downtempo, groove post-funk, instrumentaciones orgánicas e insinuaciones folk que construyen una jungla imaginaria inmersiva. A cargo de las remezclas, el mexicano Cabizbajo ofrece una versión más a la holandesa de ‘Sombra Selvática’ y el guatemalteco Di Laif profundiza en ‘Reg Sprits’. A partir de ahora, las palabras son innecesarias, como decía el rey del funk: “libera tu mente y tu trasero te seguirá”.

01. Niklas Wandt ‘Zum Schmalen Handtuch’ [Italic] 02. Khruangbin & Felix Dickinson ‘Time (You and I) (Put a Smile on DJ’s Face Mix)’ [Dead Oceans] 03. Dj City ‘Space Ballad’ [Public Possesion] 04. Asa Moto ‘Make Me Prada’ [Deewee] 05. Abstract Incognito ‘Alba Energética’[Jensen Jardin] 06. Space Dimension Controller ‘Dispatch477’[Aus Music] 07. Hotaru ‘Hotaru Edit’[Hotaru Bandcamp] 08. Tafi & Green Door Allstars ‘Daka Warrior’[Autonomus Africa] 09. Les Yeux Orange ‘Yanga Mbiwaa’[Les Yeux Orange] 10. Pope Naked The First ‘Rob & Ricky’s Acid Rerub’ [Optimo]

098

C R Í T I C A S

H O U S E

Autor: La Ind0 / juanlaindo@djmag.es

PAU ROCA Hope

Pleasure Of Love Para los que nos dedicamos de una u otra manera a esto del “proffesional clubbing”, pensar en verano es pensar en Ibiza. Playas paradisíacas, chiringuitos con mejores soundsystems que cualquier discoteca de tu ciudad, noches eternas. fiestas en villas secretas y puestas de sol de inusitada belleza se han convertido en señas de identidad de la isla que pobló nuestros sueños año tras año. Ahora, gracias al housemaster barcelonés Pau Roca y a temas como este ‘Hope’ – incluido en su ‘Euphoria EP’ y publicado por el sello angelino Pleasures Of Love –, podemos revivir los momentos mágicos que, exceptuando oasis como el Mercury Rising de DJ Harvey en el Hotel Pikes, alguna vez vivimos en la joya de las Pitiusas.

HOAX BELIEVERS Guerrero

MAARA Dungeon Babez

Distrito 91

Isla

Aunque para muchos Madrid es sinónimo de techno, la realidad es que hay muchísimo más que rascar en la capital. Escenas y sub-escenas burbujean sin parar aun en tiempos de pandemia y una buena muestra de ello es el sello Distrito 91, que con solo tres referencias en la calle se ha convertido en todo un referente en lo que respecta al electro patrio. Con su tercera referencia, ‘Guerrero EP’, el madrileño Hoax Believers no viene sino a confirmar que es todo un peso pesado en lo que a ritmos sincopados y melodías afiladas se refiere. Cuatro cortes redondos en los que las máquinas hablan, chillan, se quejan y ríen en un discurso retro-tecnológico de muchos quilates.

De un tiempo a esta parte, observamos la evolución imparable de una escena que basa su sonido en tracks largos, de tempos lentos y melodías intrincadas; que beben de estilos como el trance, el downtempo, el techno o las músicas del mundo – con especial interés en África y Oriente Próximo –; y que tan bien han cultivado artistas de sobra conocidos como Tassilo Vanhöffen, Anatolian Weapons o Iro Aka, por citar algunos. Este ‘Dungeon Babez’ de la canadiense Maara en el sello australiano Isla sigue la estela de estos, pero aportando su particular visión a través de melodías lisérgicas que ondean entre la luz y la oscuridad mientras cabalgan por un ritmo parcialmente roto. Ideal para estados alterados de conciencia.

MAMAZU Rensou

FIO FA Turizmo

Sabi

Pear

Para quien guste de ese tipo de electrónica que bebe de las músicas tradicionales del mundo para re-interpretarlas en clave de baile, el japonés Mazazu ha creado un nuevo sello llamado Sabi afiliado a Hole and Holland, cuya misión es precisamente esa: explorar los límites de distintas tradiciones musicales bajo un prisma de contemporaneidad y vanguardia. Casi nada. Este Rensou es una buena muestra de ello. Un viaje en forma de house hipnótico y circular que, gracias a sus flautas misteriosas y sus cánticos tribales, hacen de este track el vehículo perfecto para transportarse lejos, muy lejos. Tanto si estás quemando suela en la pista como si estás disfrutando de un momento de relax en tu sillón favorito.

El que firma tiene predilección por todo lo que tenga que ver con Reino Unido y la particular manera que allí tienen de entender la música – sea o no de baile –. Es por eso que la primera vez que escuché los compases en clave 2-Step de este ‘Turizmo’ producido por el dublinés Fio Fa, para su propio sello Pear, un escalofrío de gusto recorrió mi espalda. Qué le vamos a hacer. Porque lejos de conformarse con presentarnos una muestra “de libro”, Fio Fa es capaz de ir más allá del propio género a través de una producción limpia, a medio camino entre el UK garage y el deep house, que suena fresca, nueva y muy, muy excitante.

HARUT HOV

(PORTAL - MADRID)

01. Chaos in the CBD & John Sable ‘Te Puke Thunder’ [In Dust We Trust] 02. Caruso ‘Souvenirs’ [Ten Lovers Music] 03. Spiritual Emphasi ‘The Spirit’ [Chiwax] 04. Louie Vega ‘I Hear Music on The Streets (Expansions NYC dub)’ [Nervous] 05. K Hand ‘Funky Tonight’ [Third Ear Recordings] 06. Paul Johnson ‘The Other Side of Me’ [Relief] 07. Byron The Aquarius ‘New Beginning’ [Axis] 08. Boom Generation ‘Somefunkydrum’ [Dance Device] 09. Thomas Station ‘Descendientes Del Ritmo’ [Dailysession Records] 10. Dezaray Dawn ‘The Real Deal (Kai Alcé NDATL Instrumental)’ [Makin Moves]

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C R Í T I C A S

D R U M

B A S S

Autor: ROHAN G. FINGER / finger@djmag.es

ST.IFF Chronic Break EP

Promo Audio Tremenda la vuelta al cole que nos tiene preparada DJ Rusty. En esta ocasión, da la bienvenida a la escudería al produtor húngaro St.Iff, conocido por tener música editada en sellos como Tesseract, Detached, Kos.Mos o el todo poderoso Symmetry, entre otros. ‘Chronic Break’ es un EP redondo como pocos, con un sonido serio, muy serio, presentandonoss un viaje sonoro de jungle y drum & bass crudo, sobrio y directo, a través de distintas intensidades, armonías y texturas. Estas, aparecen a través de los cinco tracks que componen el trabajo, y donde, como la vida misma, la luz y la oscuridad guían a partes iguales el camino. Sin duda uno de los releases que mas nos han cautivado de Promo Audio.

TSHABEE Slim

CILAND & ONE MINDZ On Fiyah

Demand Records

True Box

Demand cumple 10 años y para ello han preparado una saga de siete lanzamientos, presentando a nuevos artistas. En esta ocasión, nos traen la segunda entrega de ‘10 Years’, donde encontramos tres protagonistas. Tshabee, al que conocimos en julio a través de su debut, nos trae esta obra maestra de minimal halftime repleto de detalles glitchy, donde nos muestra de forma explicita y cruda el esqueleto de la oscuridad y demuestra, mejor que nadie, que “menos es más”. ¡Qué barbaridad de temazo! Los otros dos cortes no se quedan atrás: Switch/Case (primera mujer en editar a través del sello) se presenta con ‘Saucer’, todo un banger de tech funk. E Isotopik, con ‘Burning Bush’, viene con un tema deep repleto de melodías de influencias árabe.

Directamente desde Sudamérica, llega el 17 de septiembre la nueva referencia del sello con base en Sao Paulo, True Box Records. Nuevamente han contado con una colaboración entre costas con nuestro carnal Ciland desde Chile, y One Mindz desde Brasil. Dos temas de puro rolling donde ‘On Fiyah’, que abre el trabajo, da la versión mas actual y contundente del estilo, a través de una intensa conversación entre densas líneas de bajo y sintes resonantes, sobre la que navegan las voces de los míticos Ragga Twins. Como contrapunto, ‘Number One’, pone el toque oldschool trasladándonos a la dorada primera mitad de los 2000, con un hipnótico y progresivo synth bass que bien podría haber estado en cualquier Bingo de DJ Zinc hace 20 años.

NEUROTOXIN Component (Myth Remix)

CRUCIFYME Circe

Skalator Music

Axon Records

NO HUMAN SOUND

Tras su último lanzamiento con D-Struct & Arxiva, el sello potugués Skalator Music, vuelve con una entrega de remixes de dos temas del productor luso Neurotoxin. El trabajo ha sido cocinado a fuego lento durante bastante tiempo y por fin ve la luz en todas las plataformas el 17 de este mes, aunque puedes encontrarlo en exclusiva en Beatport desde el día 3. Los encargados de las remezclas han sido dos hiperactivos productores. Por un lado Myth, que ha tansformado ‘Component’ en todo un stomper sin compasión aportando un rollazo muy personal al bassline. Por otro, Molecular, que ha mantenido su característica batería funky marca de la casa, en la remezcla que ha hecho de ‘Bishop’. Un release profundo, tecnológico y sublime.

Para la duodécima referencia de Axon Records, que sale a la venta el 19 de septiembre, el señor Nick Bee nos presenta un nuevo nombre en la escena drum & bass. Se trata de CrucifyMe, un talentoso joven de un pequeño pueblo de Ucrania, que tan solo lleva tres años en la producción, pero que representa a 100% la línea musical que el sello ha tomado en su última época. El trabajo es un maxi single de dos cortes que abre ‘Circe’, donde se combina magistralmente techfunk con liquid. El track consigue elevarnos a un estado etéreo a través fraseos flotones de bajo, que se centremezclan con sintes que arañan suavemente, emotivos elementos vocales, y detalles percusivos que le confieren un groove muy especial. ¡Absolutamente delicioso!

01. Slik Vik ‘Dark Computation’ [AUTOEDIT] 02. QZB ‘Delirium’ [Critical Recordings] 03. Primal Tribes ‘Losing Control’ [Lost Recordings] 04. Samath Ft. Laitha ‘Heka’ [Parallel Depth] 05. Buunshin ‘All about this’ [Neosignal] 06. Malsum ‘Molecular Machines’ [Yuku] 07. Ivy Lab ‘Suzuki’ [20/20 LDN] 08. Dawn Wall ‘Legends’ [Integral Records] 09. Kaya Project ‘Soul Sanctuary (Bwoy De Bhajan Remix)’ [Tribal Shift Records] 10. No Human Sound ‘Syndney’s Catalogue’ [Low Syndicate Audio]

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C R Í T I C A S

B R E A K S

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

FREESTYLERS Other Worlds

Mama’s Pie El célebre dúo de DJs y productores Freestylers, compuesto por los ingleses Aston Harvey y Matt Cantor, vuelve con su sexto álbum de estudio titulado ‘Other Worlds’. Han tenido que pasar ocho años desde su anterior álbum ‘The Coming Storm’ para ver un nuevo trabajo de larga duración. El sello encargado del lanzamiento es su propio label Mama’s Pie, por el que han ido publicando algunos singles y EPs desde 2017. 14 nuevas producciones de diversos géneros breaks donde Harvey y Cantor no han perdido ni un ápice de su sonido fresco que tantos éxitos les ha dado. Para la ocasión cuentan con colaboraciones como Plump DJs, Blapps Posse, Laura Streel, Scarlett Quinn, MC Spyda, Tenor Fly, Hyperactive MC, Mad Doctor X y K-oss.

DIGITAL BASE, ANDY VIBES You Take Me So Far

KRAFTY KUTS I Got The Feeling

Old Skool Records

Toast & Jam Recordings

Vuelve a nuestras páginas el sevillano Andy Vibes, aka Digital Base. Desde mayo no escribíamos nada sobre él, pero no es que haya estado parado ni mucho menos. En el número 123 comentábamos su lanzamiento ‘Another Decade’ y desde entonces no ha parado de subir puestos en las listas con sus nuevos singles ‘Good Influences’, ‘The Preacher’, ‘Bad Selection’ o el más reciente ‘You Take Me So Far’. Con este último se ha alzado recientemente en el puesto número 1 de ventas en la plataforma Beatport en la categoría de breaks, breakbeat y UK bass. Desde su propio sello Old Skool Records, como es habitual, nos trae esta delicia de producción con un arreglo de piano de la vieja escuela. ¡Lo mejor del verano!

Hacía tiempo que no hablábamos del sello Toast & Jam Recordings, fundado en 2008 por Scott, Sheldon Gau y Adam Fox de The Gulf Gate Project. Últimamente está tirando la casa por la ventana en cuanto a artistas top para sus lanzamientos. Es el caso del single ‘I Got The Feeling’ del inglés Martin Reeves, aka Krafty Kuts, con un sonido deep breaks exquisito. Pero no queda ahí la cosa, porque si te pasas por su discografía reciente encontrarás joyas como el electro breaks ‘Put The Breaks’ de Rasco, el progressive breaks ‘Hear The Sound’ de Under This o los remixes a nuestro DeiBeat del track ‘Hit The Dancefloor’ a cargo de Perfect Kombo y Specimen A o a su track ‘Next Level’ a cargo de Andy Faze.

THE HAREM KING & ODEED Another Place

DJ FEN Blue Memories

ONE7AUDIO

Spektra Recordings

URBANO

(13 MONKEYS RECORDS)

Recientemente escuchábamos el nuevo trabajo del DJ y productor cordobés Fernando Cantillo, más conocido como DJ Fen. Después de bastante tiempo sin lanzar material propio, el director de la casa Spektra Recordings y sus subsellos Beat By Brain, Xclubsive, Geometrical y Malas Pulgas, nos presenta un recopilatorio con 50 de sus producciones remasterizadas, con versiones inéditas en el mercado digital, ya que muchas de ellas solo salieron en vinilo o CD. Tampoco te pierdas ‘Live Without Ya’, ‘Now’ y ‘Warriors’ de Prototyperz, ‘High’ de Brox-Bit, ‘Insta History’ de Chicken Paw, ‘Come Back’ y ‘The Call’ de Bartdon, ‘Delerium’ de Deep Sea, ‘Scratch’ de SellRude, ‘One Night Only’ y ‘Nice Up Dance’ de Ravers Tactics, ‘Liquid Acid’ de Under Break o ‘Shaman’ de Bombo10.

El sello de Los Ángeles, ONE7AUDIO, es muy versátil en cuanto a géneros musicales dentro de la música electrónica. Uno de los que abarcan con frecuencia es la nueva escuela del acid breaks, con exponentes como el californiano Justin Estep, más conocido como The Harem King en solitario y mitad del dúo acid techno JP. Stonesworth, o como el también californiano Odeed, al que tuve el placer de remezclar el pasado año. Para este single, Justin y Odeed se unen en una producción de progressive breaks cargada de sonidos ácidos. Podemos destacar también en este sello el remix de Odeed al track ‘Take You There’ de Axion Jaxon y su remix al track ‘Like We Used To’ del sevillano GreenFlamez.

01. Stanton Warriors ‘Down On (Original Mix)’ [Punks] 02. Yo Speed, Murix ‘Lost (Original Mix)’ [83] 03. Baymont Bross, Sekret Shadow ‘Voices The Town’ [13 Monkeys Records] 04. Dj Xema ‘Gamberra’ [WeLikeMusic Urban] 05. Urbano ‘Give Me The Funky Beat’ [13 Monkeys Records] 06. Bubble Couple ‘I Wana Back’ [Guachinche Records] 07. E.R.N.E.S.T.O ‘Caracas’ [DIRTYBIRD] 08. JGT ‘Get Down’ [Electroshok Records] 09. Case 82 ‘Elevate Your Love’ [13 Monkeys Records] 10. Skream ‘Trees’ [IFEEL]

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C R Í T I C A S

T R A N C E

Autor: LEIRE ZULOAGA / leire@djmag.es

ARMIN VAN BUUREN & AVIRA Sirius

Armada Music Paisajes musicales de tinte oscuro y orquestación expansiva en esta colaboración entre Armin van Buuren y AVIRA, a partir de la creación del mismo nombre del inconfundible The Alan Parsons Project. ‘Sirius’ va combinando elementos del rock más clásico, aunque con un enfoque más electrónico, que se manifiesta con sintetizadores en si menor y una guitarra eléctrica en eco con un riff arpegiado ascendente, que resulta brutal. Por su lado, la batería comienza a marcar los cuatro tiempos con el bombo hasta llegar a su cenit, donde la energía de estos dos productores se impone marcando los acordes de la canción. El EP presenta tres versiones, original, extendido y una versión ‘intro’ que se alza como una obra maestra que, seguro, ¡iluminará las pistas de baile!

YOSHI & RAZNER Magical Dreams

ALEX BELIEVE & SPECTORSONIC Atlantica (Dan Schneider Rmx)

Surgikal

Emergent Skies

El locutor y propietario de Trance Assorty Music, Alex Believe y el también ruso Spectorsonic nos presentan ‘Atlantica’ en Emergent Skies (Emergent Music). Este colectivo de sellos canadienses, liderado por el equipo que estaba detrás de Elliptical Sun Melodies, nace para proporcionar una dinámica de trabajo mejorada a todos los involucrados. El original es una producción impecable, con un potente contrabajo de conducción limpia y unos synths elevados que punzan insistentes. El remix, a cargo de Schneider, aumenta la energía del original, agregando arpegios llenos de tensión y una percusión frenética, combinada con elementos acústicos de gran belleza, que le hacen merecedor de uno de los puestos altos en nuestro chart.

Regenate, a través de Surgikal, nos acerca al dúo de hermanos más internacional de nuestro país con ‘Magical Dreams’. Se trata de una pista donde es fácil reconocer a los gemelos entre su línea de base, altamente depurada, y esa melodía uplifting bellamente acompañada de matices que se mueven y ondean alrededor del cuerpo central. Mientras tanto, voces celestiales acompañan la subida hasta el infinito de los cielos del trance. Sin duda alguna, estamos seguros del éxito de los madrileños, que este año han venido con un arsenal bien cargado y que con ’Magical Dreams‘, fortalecen – aún más – su estatus en la industria… ¡Felicidades!

DAN THOMPSON Calypso (Extended)

PHILIPPE EL SISI, OMAR SHERIF People Of Tomorrow

In Charge Recordings

FSOE

(ABORA RECORDINGS)

HARPAUL ALBERTO KOHLI AKA ORI UPLIFT

El británico Dan Thompson nos acerca a su hilo conductor tech trance con ‘Calypso’. Esta se alza en contra de los sonidos veraniegos y, en su lugar, los patea con toda su carga musical, con un enfoque intenso, repleto de potencia, al que también se agrega – en los planos del trance clásico – cierta técnica futurista. Una pista repleta de melodías que bailan a través de la luz de la luna, con una conexión a tierra gracias a un bajo colosal, acompañado de esa sensación de que el tiempo es la esencia del todo. El EP se presenta con un original y una versión extendida que es, por supuesto, la versión que aquí os presentamos.

Pista que se estreno durante el Transmission Festival de este año, por estos dos egipcios que parecen seguir decididos a poner fuego - también- en toda la industria zapatera en este 2021. Philippe El Sisi y Omar Sherif firman este EP para FSOE donde, tanto en la versión original como en su extendida, el sentido uplifting del track es de una pureza indiscutible. Y es que estos dos productores son una muestra perfecta del estandarte de trance egipcio que, con esta, hacen ya nueve colaboraciones en total. Las dos ultimas en este año… ¡y me da que no será la última!

01. New World ‘Komorebi (Emotional Intro Mix)’ [Abora Skies] 02. Ferry Tayle, Clara Yates ‘Find Your Paradise (Metta & Glyde Remix)’ [FSOE Fables] 03. Kita-Kei ‘Golden Plains Under The Blue Sky’ [TAR#138] 04. Vinny DeGeorge ‘Seascape (Mhammed El Alami Remix)’ [Alter Ego] 05. Maratone & Linney ‘Closer To You (illitheas Remix)’ [Abora Progressive] 06. illitheas ‘Desire’ [Abora Olé] 07. Armin van Buuren & Maor Levi ‘Divino’ [ASOT] 08. Etasonic ‘Just For Once In Life (Extended Mix)’ [Abora] 09. DreamLife & Grande Piano with Agata Pasternak ‘Never Again’ [Abora Ascend] 10. Somna & Jennifer Rene ‘Stars Collide (XiJaro & Pitch Remix)’ [Magik Muzik]

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C R Í T I C A S

D E E P

Autor: CARLOS PEGGO / c.peggo@djmag.es

MAZOULEW Movements

2021 Mazoulew Movements es el esperado lanzamiento del productor y compositor británico Mazoulew, en formato EP, que saldrá a la luz al completo el próximo 15 de octubre. Un álbum con mucho carácter en el que encontramos un despliegue de sonidos techno melódicos en tracks como ‘Ditto’ y ‘Ki Lo’ y otros con una delicada composición de piano más conmovedores e incluso sensuales como ‘Overdue’, ‘Burn’ o ‘Tourist’. Sin duda es un artista con una gran proyección entre los ritmos neoclásicos y ambientales. Tras su EP debut Pangea en 2018 ha colaborado con algunos de los artistas más influyentes del Reino Unido recibiendo apoyo de BBC Radio 1 y 6 Music Introducing.

JAMIE JONES Handy Work

STEVEN WESTON Dust Blank

Hot Creations

Blank Dus

A finales de septiembre, Jamie Jones lanza el EP titulado ‘Handy Work’ en su sello Hot Creations. Un álbum de 3 pistas que reflejan su habilidad en la producción para distintos estilos aunque todos ellos son un éxito garantizado en la pista de baile. El track principal ,’Handy Work’, lleva el ritmo con una aguda percusión junto a un sinfín de loops vocales. ‘Mind Meld With Spok’ es un track con sonidos y efectos que le dan un aire muy hipnótico. Y ‘Sunday In Paris’ es la pista perfecta para un amanecer, con acordes emotivos y estimulantes.

El pasado julio os trajimos su EP debut del que tan orgullosos nos sentíamos. No era para menos puesto que ya ha recibido apoyo de Camelphat, Joris Voorn, Hernan Cattaneo y John Digweed. Ahora, Steven Weston, lanza el próximo 15 de octubre una versión totalmente re-inventada con remixes de Simon Neale (Aka Shadow Child), que trabaja bajo su apodo Polymod, Jon Gurd de Anjunadeep y el productor alemán Aparde. También Mikky Ekko ha ofrecido, por primera vez, un remix para otro artista. Y por último, Alex Paterson de The Orb cierra este EP con la remezcla del último track.

MOUSSA CLARKE FEAT. SIAN EVANS Vision

VVAA Merin EP Vol. 2

Diynamic Music

Renaissance Records

VINI PISTORI

Nacido en Suiza, medio británico medio Senegalés, Moussa Clarke es un inspirador deejay y productor que ha levantado las pistas de medio mundo como Londres, Moscú y Tokyo. Ahora, lanza su álbum ‘Vision’ en Diynamic junto a Sian Evans, ex cantante de la banda Kosheen, logrando un sonido melancólico de los noventa. Los sutiles acordes de piano junto a maravillosos arreglos de cuerda son el broche perfecto para la poderosa línea de percusión. Mientras, la voz de Evans irrumpe a través de esos sonidos como lo hace el primer rayo de sol entre las nubes tormentosas. El álbum incluye el track original, una versión instrumental y el radio edit.

Renaissance Records presenta el Vol. 2 de su serie VA ‘Merin EP’ este agosto con A Friend Of Marcus, Alexandros Djkevingr & Greg Ignatovich, Chris Gavin & Gabriel I y TALAL. Un álbum que engloba Break, Deep House, MH&T (Melodic House & Techno), e Indie Dance. ‘Merin’, que significa cuatro en Yoruba, es una serie que cuenta siempre con un cuarteto de productores, distribuidos en varios géneros diferentes, dando visibilidad a los trabajos de artistas establecidos, nuevos o a los recién llegados.

01. Vini Pistori ‘Front Of The Sea’ [Levels Records] 02. Sascha Funke ‘Fasson’ [Kompakt] 03. Vini Pistori ‘No Dialogue’ [Dantze] 04. Alex Medina ‘Lobos’ [TAU] 05. Ame ‘Pink Elephant’ [Innervisions] 06. Aera ‘Model D’ [Applied Magic] 07. Colyn ‘Programmed for Empathy’ [DGTL Records] 08. Jepe ‘Blurry Horizon’ [Secret Fusion] 09. Sobek, Colossio ‘Fragmentado feat Badmoiselle (Skatman Remix)’ [Scatcity Records] 10. Joone ‘Mutable Character feat Lee Endres’ [Borders Of Light]

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C R Í T I C A S

D A N C E - E D M

Autor: WILLY ALCOCER / willy@djmag.es

YAGO ARIAS, J.VELARDE, RAÚL RODRÍGUEZ Sunset (Bonamara Oficial 2021)

U.D.R. Estamos ante el himno oficial 2021 de la macro-terraza Bonamara. Su sesión remember dominical, Sunset, da nombre al que es, probablemente, el principal lanzamiento español electrónico del verano. La mitad de esta joya está tallada por los fundadores de Enjoy -The Musical Show-, la promotora responsable de la sesión Sunset (entre otros crecientes éxitos): el histórico DJ, productor y locutor de radio Yago Arias (Yago IN), y el aclamado promotor Raúl Rodríguez “Turi” (el auténtico). Un tercer madrileño talló la otra mitad: el legendario J.Velarde, unos de los precursores del House español. Necesitaría un reportaje entero, pero sí diré algo: Don José es MÚSICO. Del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Un músico que hace obras maestras como ésta. Enhorabuena, compañeros.

VICENTE ONE MORE TIME & KAOTIC MIND Punjabi

ICONA POP & VIZE Off Of My Mind Record Company Ten / Ultra Music

Dutch Master Works

Nos hemos referido ya en estas páginas al gallego Vicente López como una suerte de “doble padre”: fundador de emisora nacional Unika FM y, sobre todo, fundador absoluto e indiscutible del hardstyle español. Pero no hablo sólo del género musical: Vicente es, de hecho, la persona de la que nace, en general, la cultura hardstyle en España. Se une en esta ocasión a Álvaro Martínez (1999, Madrid), uno de los nuevos pilares del género en España. Juntos crean esta espectacular pieza llena de tanta energía, tanto baile, tanta calidad...que sale por el sello de Showtek (Top 17 DJ Mag británica). Épica melodía acompañada de percusiones tribales, coronada por una original y dulce vocal india, en merecido homenaje a la legendaria discoteca “IN”, propiedad de Vicente.

Estaba Caroline Hjelt (1987) en la escuela de música de su Estocolmo natal, cuando conoció a Aino Jawo (1986). No se prestaron mayor atención en ese momento. Una década después, la casualidad las juntó en una fiesta. Esta vez sí: de la música y el baile de aquella noche nació la promesa mutua de crear un dúo musical. Tras cuatro semanas, las ya inseparables amigas habían escrito sus primeras canciones, con su primera actuación firmada. Hoy, Icona Pop es la formación Electropop más importante de la historia de Suecia; probablemente, también de Europa en la última década. Perfecta fusión es la de sus voces con la producción musical del emergente dúo alemán Vize: todo armoniza dentro de la potencia sonora, la sobresaliente calidad, y las irremediables ganas de bailar.

MAXIM LANY No Hero

MAYZE X FARIA Red Rocks

Armada Music

Cactunes Records

MARTÖN R

El belga Maxime Neslany sigue viviendo donde nació. Es de los míos: siente el arraigo de su ciudad, sus raíces le dan fuerza, inspiración, poder creativo. Así lo expresa el artista: “Crear un álbum no siempre empieza a partir del pensamiento específico de hacerlo. En su lugar, puede empezar como una forma de auto-expresión: producir canciones simplemente para procesar la emoción que surge al enfrentarse a estos tiempos”. De la necesidad de expresar lo que sentía durante el confinamiento nace ‘Closer (You’re not alone)’: álbum debut de Maxim Lany, cuyo tema principal es este ‘No Hero’. Maravillosa melodía vocal: sentimental, emotiva, enmarcada en una cuidadísima mezcla de bases, acordes y armonías tan potentes como espirituales a la vez. Lo publica el sello de Armin Van Buuren: todo dicho.

Asomaba la cabeza el Verano de 1988 al mismo tiempo que la asomaba João Macedo Azevedo. Abandonaba el vientre de su madre en la bellísima localidad portuguesa de Amares, donde se le había adelantado, 6 años antes, Sérgio Miguel de Abreu Faria. No iba a ser problema semejante adelanto para la unión que el futuro les tenía preparada. No es hasta el mismísimo – y maldito – 2020 cuando estos dos portugueses se unen para formar la pareja de DJs/productores que está conquistando el mercado del Melodic House. a ambos lados del Atlántico. De hecho, este “Red Rocks” que nos ocupa supone el debut del dúo Mayze X Faria en Brasil, via el emergente sello local Cactunes. Espectacular melodía envolvente y bajos ‘in creschendo’ para esta excelente carta de presentación.

01. Johan S & Blvckr ‘Break (Don’t Belong Here)’ [Toolroom Trax] 02. Mike Ivy, Chesser ‘The Vibe’ [Toolroom Trax] 03. Fran Ares ‘Last Call’ [And Dance] 04. Rene Amesz ‘Pushing On’ [Toolroom Trax] 05. David Tort ‘This is my house’ [Toolroom] 06. Mr.Martin & Alberto Bermejo ‘music is my life’ [And Dance] 07. Roulth ‘spectrum’ [Pedroche recordings] 08. John Summit ‘Deep End’ [Defected] 09. The Deepshakerz (feat. IDA fLO) ‘Reach Out’ [Toolroom] 10. Saison-feat. Leon Lincoln ‘Qubiko’ [Defected]

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C R Í T I C A S

T R O P I C A N A

Autor: SALVATORE MALDERA Y MAURICE AYMARD / elpalmas@djmag.Es

ALTIN GÜN Âlem

Ato Records Altin Gün nos ofrece música todavía mejor de lo que ya vienen haciendo este año, con Âlem ya son dos los álbumes que lanzan en 2021 y con el que vuelven a sorprendernos (como ya lo hicieron con Yol). La banda de Rock turco continúa sumergiéndose en su interpretación de las profundidades del Pop electrónico sin dejar de lado su característica impronta psicodélica anatólica, marca de la casa, entran de lleno en los sintetizadores del Disco tardío cuando ya iba en franca decadencia, consiguiendo ese gusto Pop que cualquier hogar ochentero europeo; estos ingredientes vienen entretejidos con malicia, en el buen sentido, crean un ambiente fantástico y genuino, de crudeza sofisticada. Las ganancias de este álbum serán donadas enteramente a la organización ecologista Earth Today.

GABRIELE POSO Tamburo Infinito

MONTPARNASSE MUSIQUE Montparnasse Musique

Wonderwheel Recordings

Real World X

Gabriele Poso, emprende su séptimo viaje en solitario hacia latitudes calientes en este álbum, esta vez, sobrevolando las Antillas francesas: “estoy encantado con su percusión, es un sonido único, profundo y cálido. En este álbum he puesto especial atención al sonido, explorando nuevas maneras de grabar, en cinta y diferentes herramientas analógicas como el delay analógico. Está muy presente en todo el álbum y lleva mi sonido al terreno de las pistas de baile pero con un toque psicodélico” La pasión de Gabriele ya lo ha llevado a gozar más allá del Atlántico, director de Escuela de Música de Roma a Puerto Rico, Cuba y de vuelta a Berlín. Este es su último trabajo en un catálogo cada vez más interesante y diverso.

El dúo panafricano Montparnasse Musique, cuyos singles hemos reseñado en esa columna, reúnen sus temas en este EP, esa especial mezcla de gustos de sus dos miembros: Nadjib Ben Bella y Aero Manyelo, uno en la recolección apasionada de sonido directo, sampling in situ, luego procesado y el otro, con la inyección de electrónica pesada a estos sonidos para elevar la temperatura de cualquier pista. Pero trascienden, singles como “Panter” o “Bitumba” cantada en idioma Lingala (por algo el estilo del dúo se identifica como “congotrónica”) alude a temas existenciales, intrínsecos al alma del beat, la vida como guerra y las batallas que se experimentan a diario para sobrevivir, tal vez firma, tal vez metáfora y punto de unión de este dúo mitad franco-argelino, mitad sudafricano.

JAGUAR Madremonte

FRANK Y SUS INQUIETOS Resígnate El Palmas Music

Las miradas en común, las penas e incluso el humor, se convierten en valores compartidos. Así se forma Jaguar, cuando se conocieron dos colombianos en Europa, que compartían amigos, gustos y habían coincidido en infinidad de temas y situaciones desde los años 90. Cuando lo hacen, Paulo y Raúl, rápidamente encuentran el terreno común, ese Jaguar, ese espacio de lo posible: para compartir y disfrutar. Su punto de partida viene tanto de sus gustos, como del elemento originario de ambos. Un trabajo de improvisación y búsqueda fue dándole forma y color a lo que finalmente sería ‘Madremonte’, un debut en el que se juntan estas inclinaciones e inquietudes musicales del Caribe, del Pacífico, de la Cordillera Andina, el zouk, la cumbia, la salsa, el bolero y también el rock.

Frank y sus Inquietos hilvanaron muchos temas con extraordinaria calidad, con ganas de hacerlos mejores hasta segundos antes de la grabación (en vivo) en estudio, pero hay uno ocupa un lugar especial y ese es: ‘Resígnate’, un himno atemporal que resonará con más fuerza más que nunca cada vez que toques el “play”. No sólo por la potencia de la composición, la imaginación de sus arreglos (pura fantasía), o la vitalidad que centellea en cada nota, sino porque tanto para cuando publicado por primera vez como para el momento presente es un indispensable canto a la paz, un anhelo por la unión de la humanidad. Un tema para disfrutar y reflexionar, un remedio para el odio que tanto sigue contaminando y enfermando al hombre.

SONIDO TUPINAMBA

El Palmas Music

01. Zé Roberto ‘Lotus 72D’ [RCA] 02. Lucas Arruda ‘Uma Onda’ [Favorite Recordings] 03. Hologram Teen ‘Samba de Holograma’ [Ransom Note Records] 04. Perlita de Huelva ‘Mi almohada’ [Divucsa Music] 05. Dele Sosimi ‘You No Fit Touch Am (Medlar Remix)’ [Wah Wah 45s] 06. Roberto Lodola ‘African Rhythms (A touch of jazz remastered)’ [Futura] 07. Bosq ‘Mi Tierra (Disco Dubstrumental)’ [Bacalao] 08. Osunlade ‘Dionne’ [Yoruba Records] 09. Experience 7 ‘Banzaï’ [Fanon Records] 10. Poirier, Samito ‘Sowia’ [Wonderwheel Recordings]

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T E C H

P L A S T I C

Autor: KANEDO

Rekordbox Professional Plan C O N É C T A T E

El pasado 24 de agosto Alphateta EMEA (Pioneer DJ) presentaba el nuevo Professional Plan para rekordbox, el software de gestión musical de la marca nipona, incluyendo interesantes novedades enfocadas a la tranquilidad del DJ Profesional. COLLECTION AUTO UPLOAD Si activas Collection Auto Upload, todos los archivos que importes a tu colección se subirán automáticamente a la nube de manera que no tendrás que ir revisando pista por pista y lista por lista los archivos añadidos a la biblioteca. Tendrás

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N U B E

todo respaldado online sin preocuparte por el espacio disponible, de manera que si se daña o pierde tu USB o ordenador portátil siempre podrás recuperar tu trabajo en cualquier ordenador con rekordbox. COPIAS DE SEGURIDAD AUTOMÁTICAS Podrás tener guardada una copia de la base de datos de cada dispositivo que utilices, de manera que siempre será posible recuperar el último estado que hayas exportado a tu USB en caso de que se haya dañado el mismo pudiendo replicar esa misma base de datos en otro dispositivo.

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TODAS LAS VENTAJAS DEL CREATIVE PLAN Además de obtener el almacenamiento ilimitado en Dropbox, podrás disfrutar de todas las ventajas del plan Creative como la detección de la posición de las vocales, el modo Edit para modificar la estructura de tus canciones, el control DVS o los RMX Effects. El plan Profesional de rekordbox ya está disponible por un precio de 29,99€/mes o 299€/año, a través de www.rekordbox.com

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COCINAMOS CON – LAWRENCE HART