GA Vision N.14 - 2021_03.04 by Glamour Affair

n.14

2021/03.04 READ ON

glamouraffair.vision RIVISTA BIMESTRALE DI FOTOGRAFIA, ARTE E DESIGN BIMONTHLY REVIEW OF PHOTOGRAPHY, ART AND DESIGN

Registrazione al Tribunale di Milano n° 27 del 14/02/2019 Registration at the Law Court of Milan n° 27 of 14/02/2019

Cover Credits © PATTY MAHER

Editorial Staff Direttore responsabile | Editor in Chief ALESSIO GILARDI Direttore artistico | Art Director FLAVIO TORRE - satisfystudio photo Direttore digitale | Digital Director STEFANO GILARDI

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MARIA VITTORIA BARAVELLI curator PATTY MAHER surrealism SHUIFA EXHIBITION CENTRE public architecture GIOVANNI TROILO editorial ALFRED RECE appropriationism DENIS CURTI publication PAOLO MONINA portfolio KOL RESTAURANT interior architecture JOSE FRANCESE photo editing SYLVIE MANGAUD sculptress PEARL HOUSE residential architecture REMY DISCH painter GREEN ATTITUDE project MISS VAN exhibition ENRICA SCIELZO interview DOSSIER 02/2021 community selection

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Photo: PIERO GEMELLI

Maria Vittoria

Baravelli

L’AMOR CHE MOVE IL SOLE E L’ALTRE STELLE ELEONORA ANNA BOVE: Sei una curatrice d’arte e di fotografia ma anche Art Sharer su Instagram, come è nata questa parola che racchiude in sé un vero e proprio mondo? MARIA VITTORIA BARAVELLI: Nel 2016 ho creato la parola Art Sharer “colei che condivide l’arte” ad indicare la mia necessità di raccontare l’arte e la cultura alle nuove generazioni perché nulla del nostro patrimonio indentitario vada dimenticato. In realtà oramai è divenuto un lavoro e molte persone utilizzano la stessa parola per definirsi. Una divulgatrice culturale un po’ particolare che utilizza i social e nello specifico Instagram come piattaforma per entusiasmare persone che forse non si sarebbero avvicinate ad un libro classico, ad un museo oppure ad una mostra di fotografie. Ed effettivamente alle persone piaccio, piace il mio essere reale e virtuale. Innamorata della lettura, onnivora e curiosa eppure al passo con i tempi, in grado di unire aspetti vicini apparentemente molto lontani. ELEONORA ANNA BOVE: You are an Art and Photography Curator, but also an Instagram “Art Sharer”, a word which holds a real entire world. How was it born? MARIA VITTORIA BARAVELLI: It was 2016 when I first created the word “Art Sharer”, meaning “who shares art”, trying to explain my need to pass down art and culture to new generations, so that our priceless heritage would not be forgotten. Slowly it became a real job, and now I’m not the only one presenting herself as an Art Sharer. That’s how I see myself: a woman, a culture narrator, a little bit eccentric, who uses social media and especially Instagram to arouse enthusiasm in people who usually would not be attracted by a book, a museum or a photography exhibition.

Indeed, what I found out is that people like me, both virtually and in real life, exactly as I am: in love with reading, omnivorous, curious, up to date and able to link themes which at first sight appear to be far one from the other. EAB: Come pensi di far rivivere il passato alla luce dell’attualità? MVB: quello che a me piace sottolineare è proprio il fil Rouge che unisce il passato al presente, per capire un po’ di quello che sarà di noi. Mi piace fare collegamenti tra discipline diverse e constatare che benché passino i giorni, i mesi, gli anni e talvolta anche i millenni l’essere umano non è tanto diverso da come era allora. Cosa differenzia un giovane ragazzo egiziano che comunicava con i geroglifici con uno della generazione “Z” che utilizza le emoji? E’ tanto diverso raccontare Ferdinando Botero e la sua passione di rappresentare i corpi ed i volumi pieni e grossi dal problema super attuale del Body Shaming? Mi piace tutto ciò che racconta quello che siamo noi. Umani, curiosi, desiderosi di sapere eppure radicati nel qui e ora. Un po’ come diceva Leopardi, nell’Infinito. Amiamo stare al di qua della siepe perché ci sentiamo protetti eppure siamo sempre portati ad immagine la vita che potremmo vivere se decidessimo di superare quella siepe. EAB: How do you think you will make past actual? MVB: Enlightening the Fil Rouge which links the past to the present, in order to better understand who we are and what we can become in the future, it’s exactly what I like most. I love creating connections among different branches of knowledge, realising that even through days, months, years or even centuries, we are not so different from our ancestors. What diversify an ancient young Egyptian used to communicate through hieroglyphics from a generation Z guy, texting with emojis? Is it that far Ferdinando Botero’s passion for drawing full, soft and round bodies, from the very actual problem of body shaming? I like everything which can narrate us: humans, curious, willing to always know more, but at the same time deeply rooted into the present moment. As Leopardi said in his probably most famous poem, “L’Infinito”, we prefer to stay on this side of the hedge, where we feel safe and protected, but we are always led to imagine the life we could live if we only tried to go through it. EAB: Quindi il progetto nato sulla rivista AD rappresenta la massima unione del discorso che hai appena fatto. MVB: Durante il lockdown siamo stati costretti a rimanere in casa. Il mondo si è rimpicciolito e le mura domestiche hanno rappresentato la massima aspirazione per molti mesi. Ogni casa, ogni studio racconta il nostro gusto, chi siamo e chi non saremmo mai. Ogni settimana insieme a Piero Gemelli abbiamo pensato di creare una tavola d’autore, apparecchiare la tavola per un pranzo facendo riferimenti a periodi storici o a realtà che avremmo voluto vivere. Ne sono nati spunti che spaziano nei secoli, una tavola fiamminga dalle tinte calde e accoglienti, la tavola che rende omaggio al più grande sculture del 1900 Constantin Brancusi che fu estremamente lungimirante ed utilizzò anche la macchina fotografica come potremmo utilizzarla noi oggi. Utilizzarla troppo per raccontare tutto. Ed infine la tavola neoclassica, che ci ricorda a cosa servono i greci ed i romani, il linguaggio della nostra cultura da cui non possiamo prescindere.

“L 'arte è capacità di far entrare il mare in un bicchiere” 6

EAB: So the new born project on AD Magazine is a great representation of what you just told me. MVB: During the lockdown we were forced to stay at home. Our world got smaller, making our homes almost the only point of view we had for months. Every house, office or studio reflects our taste, who we are and also who we will never will be. Every week, together with Piero Gemelli we decided to create an “Autor’s

Photo: SOFIA PETRAROIA - Roma, Museo Hendrik Christian Andersen

Photo: PIERO GEMELLI

ROBERT GLIGOROV, 2004. Se credevi di aver trovato l’albero delle ciliegie a Gennaio forse non conoscevi il terzo enigma di Stelvio. Maria Vittoria Baravelli ha curato la mostra di Robert Gligorov, FAKE AS REAL The power of illusion. Futura Gallery, Pietrasanta.

table”, setting the table referring to particular historical and art periods we would have loved to live in. Our ideas moved through the centuries: a Fleming table with warm shades and colours; a table to honour the greatest sculptor of the 20th century, Constantin Brancusi, a man who made a forward-looking use of photography, shooting a lot to narrate everything; and lastly the Neoclassical table, to remember the essential importance of ancient Greek and Roman culture, a tradition we just cannot leave out of consideration. EAB: Negli ultimi anni ti sei molto interessata alla fotografia. Hai curato mostre e scritto qualche testo per cataloghi. Ma qual è la tua ossessione a riguardo? MVB: Ogni anno nel mondo vengono pubblicate miliardi e miliardi di fotografie. Qual è il valore di ogni singolo scatto? Potenzialmente infinito, nella maggior parte nullo. C’è una sovraesposizione che porta non all’emancipazione del mezzo bensì ad un utilizzo inutile e forsennato. Quello che mi interessa è tracciare il confine liminare tra fotografia ed arte. Il racconto di una storia, interpretata. Quando la fotografia fu scoperta, sdoganò e sollevò l’arte dal limite di dover rappresentare la realtà così com’è. Nacque la possibilità che un mezzo espressivo potesse cogliere semplicemente una impressione. Non è un caso infatti che una delle prime mostre degli impressionisti di Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir fu organizzata a Parigi nello studio di Nadar. EAB: During the last years you moved your interest towards photography. You curated various exhibitions and wrote many texts for catalogues. Have you made any particular reflection about photography? MVB: Every year in the whole world people post billions of pictures. What is the value of every single one? Potentially infinite, but practically zero. There’s an overexposure to images which

leads to chaos instead of singularity. What attracts me is to identify the line between photography and art: the narration of a story, interpreted by the author. When photography was born, art became free not to represent reality-like subjects. Photography was a new media able to simply catch an impression. It’s not a coincidence that Claude Monet, Edgar Degas and Pierre-Auguste Renoir first exhibition was held in Nadar studio. EAB: Durante la quarantena hai creato “Smart Cafè, quindici minuti di pure chiacchiere” delle dirette Instagram in cui hai invitato persone del mondo della cultura a parlare del loro lavoro. Cosa ne è nato? MVB: La mia idea era proprio di rendere un rito squisitamente italiano, come la pausa caffè, un momento di approfondimento virtuale con persone straordinarie. I social non presuppongono un monologo bensì un dialogo. Hanno aderito persone speciali, umanamente e professionalmente. Per me è stato uno studio immenso perché di ogni persona è stato un mondo in cui perdersi. EAB: During quarantine you created a format: “Smart Cafè, fifteen minutes of pure chats”, Instagram lives where you invited people from the culture field to talk about their jobs and interests. What can you tell me about that? MVB: My idea was exactly to make an extremely Italian ritual as “coffee break” a virtual but more than interesting moment shared with extraordinary people. Social media are not a monologue, but a real dialogue, and every user who took part to my lives was invited to ask questions, in order to have the answer immediately. EAB: Il mondo digitale, internet è insidioso. Hai qualche consiglio? MVB: La speranza è di non cadere nella rete o forse sì ma con degli accorgimenti. Per chiunque abbia visto il docufilm di Netflix Social Dilemma si sarà interrogato sul cambio di paradigma. Il

film dice che abbiamo inaugurato un mondo in cui vige il capitalismo della sorveglianza, in cui siamo perennemente spiati. Un po’ come Truman Show, in cui tutto viene scritto man mano in cui subiamo il destino voluto da altri. Non credo che questo sia l’animo di internet. Sicuramente i cookies, il fatto di essere profilati e di entrare in un target piuttosto che in un altro può risultare pericoloso. Perché? Perché non usciamo più dal seminato, perché veniamo perennemente rimandati a qualcosa di affine a noi, ma ben sappiamo che l’evoluzione e la vita vengono garantite dalla diversità. Dall’andare al di là delle affinità, di uscire dalla boccia e non essere come un pesce rosso intrappolato in degli schematismi. Ci viene chiesto di agire e non di subire.

EAB: Hai qualche progetto per il futuro? MVB: Non posso in realtà parlarvene ma il 2021 sarà un anno in cui si cercherà di ripartire dai sogni. Un appuntamento imperdibile sarà stare più tempo a Ravenna, città che si appresta a celebrare il settecentenario della morte di Dante Alighieri. La commedia, un classico così contemporaneo. Una delle opere letterarie che ha raccontato il mondo attraverso veri e propri immaginari. Ma è un discorso troppo lungo e complesso. Però Dante per me è la somma di tutto. È la voglia di non essere barbari, di seguir “virtute e conoscenza”. È la cultura, è tutto ciò che ci fa sentire vivi. “È l’amore. L’amor che move il sole e l’altre stelle”.

EAB: What about the digital world? The internet is insidious, do you have any advice? MVB: The hope is not to fall in the net, or at least to take precautions. Anyone who saw Netflix “The Social Dilemma” is probably considering the change of paradigm. The film explains we entered a world of never ending surveillance. A sort of “Truman Show”, where everything is written while we suffer a faith decided by others. Yet, I don’t think this was the aim of the Internet. Cookies for sure are something dangerous, because they “study” us, creating always more clear outlines of our interests and personalities in order to assign us to the right target. Why is this dangerous? Because the consequence is that we don’t go out the beaten track anymore: we are always pushed to something similar to what we already like, but we know that life and evolution are granted by variety. Going beyond out limits, leaving the comfort-zone, leaving our fish bowl not to be trapped. We should act for ourselves, not subjected to anybody.

EAB: Do you have any particular plan for the future? MVB: I can’t really talk to you about that, but I can tell you at least that 2021 will be the right year to restart from our dreams. For me, the first one will be to spend more time in Ravenna: the city is getting ready to celebrate the seven hundredth anniversary of Dante Alighieri’s death. “The Divine Comedy”, a classic but still so contemporary. The work which better narrated the world through great collective imaginations. It’s such a long and complex subject to be summarized in these few words, but for me Dante is the sum of everything: the wish of not being barbarian, following “virtue e canoscenza”, “virtue and knowledge”. Culture is what makes us feeling alive. And Love. “The love that moves the sun and all the other stars”.

Interview by Eleonora Anna Bove Translation by Sara Castiglioni

Capitolo I - Un nuovo folle amore ed il silenzio della vita che scorre. Autori come Rembrant, Vermeer e Pieter Claesz non inventarono la bellezza ma la scoprirono dando risalto a quelle esistenze vissute in sordina come la lattaia di Jan Vermeer. Non sapremo mai cosa ci attrae e ci seduce di questo mondo dalle tinte calde e polverose, ma come scrisse Wislawa Szymborska, “finché quella donna del Rijksmuseum, giorno dopo giorno versa il latte dalla brocca nella scodella, il mondo non merita la fine del mondo”

PHOTO CREDITS @pierogemelli @sofiapetraroia

Photo: PIERO GEMELLI

INSTAGRAM @mariavittoriabaravelli @eleonoraannabove

PATTY MAHER L’ispirazione per l’arte fotografica di Maher viene da un’esplorazione del femminile nel contesto dello spazio naturale. Lavorando principalmente attraverso ritratti in scena e autoritratti, Maher è ampiamente nota per nascondere o oscurare i volti dei suoi soggetti, spesso usando solo la postura, il gesto, il simbolo e il colore per trasmettere emozioni e storie. Maher esplora i mondi interiori dei suoi soggetti mentre allo stesso tempo considera le nozioni di spazio personale, identità e relazione dell’individuo con il mondo. Il suo obiettivo con ogni foto e serie è creare pezzi che accendano l’immaginazione interrompendo i confini tra la vita reale e l’ultraterreno, il surreale e il banale. Nel raccontare storie visive invita lo spettatore a diventare un co-creatore di significato, lasciando il racconto aperto ma toccando emozioni primitive e universali. Maher crede che lo spazio e l’immaginazione siano le chiavi per la trasformazione, sia personalmente che collettivamente. Le sue foto tentano di riproporre visivamente idee e concetti che generano trasformazione. Il suo lavoro è stato presentato su copertine di libri e riconosciuto in numerose pubblicazioni online e cartacee in tutto il mondo, inclusa una video intervista con Yahoo Productions creata per la serie “The Weekly Flickr”. Patty ha anche ricevuto riconoscimenti in prestigiosi concorsi fotografici tra cui PX3 Prie de la Photography Paris, Moscow International Foto Awards, Tokyo Foto Awards, International Color Awards e International Photography Awards. Più recentemente Maher ha vinto la 13a edizione del premio Julia Margaret Cameron. Il lavoro di Maher è stato esposto a livello internazionale e venduto in tutto il mondo.

COLLABORATION The inspiration for Maher’s photographic art comes from an exploration of the feminine in the context of natural space. Working primarily through staged portraiture and self-portraiture Maher is widely known for hiding or obscuring the faces of her subjects often only using only posture, gesture, symbol and colour to convey emotion and story. Maher explores the inner worlds of her subjects while at the same time considering notions of personal space, identity and the relationship of the individual to the larger world. Her goal with each photo and series is to create pieces that ignite the imagination by disrupting the boundaries between real life and the otherworldly; the surreal and the commonplace. In the telling of visual stories she invites the viewer to become a co-creator in meaning, leaving the stories open ended but touching on basic and universal emotions. Maher believes that space and imagination are the keyways to transformation both personally and collectively. Her photos attempt to visually reporesent ideas and concepts that engender transformation. Her work has been featured on bookcovers and recognized in numerous online and print publications around the world including a video interview with Yahoo Productions created for the series “The Weekly Flickr”. Patty has also received recognition in prestigious photography contests including the PX3 Prie de la Photography Paris, Moscow International Foto Awards, Tokyo Foto Awards, the International Color Awards and the International Photography Awards. Most recently Maher won the 13th edition of the Julia Margaret Cameron award. Maher’s work has been exhibited internationally and sold throughout the world.

STRIPED IDEAS

MAGICAL THINKING

WAIT AND SEARCH

THE VINE

THE ALCHEMY OF BEING

MUSE

LISTEN

THE LANGUAGE OF TREES

WEBSITE | pattymaher.com INSTAGRAM | @pattymaher FACEBOOK | Patty Maher Photography

Patty Maher è nata a Toronto e ha conseguito la laurea specialistica in letteratura inglese presso l’Università di Guelph. Maher si è considerata una scrittrice fino a quando, in un freddo giorno di febbraio del 2010, ha capito che la sua vera vocazione era nelle arti visive. Senza esitazione, ha messo da parte carta e penna per perseguire questa nuova visione con passione e vigore. Perseguendo prima la fotografia e poi la pittura, Maher ha cercato di creare un’arte che nascesse da un luogo profondo e genuino, ma che si collegasse anche a qualcosa di più grande del personale.

Patty Maher was born in Toronto and completed undergraduate and graduate degrees in English Literature at the University of Guelph. Maher had always considered herself a writer until one cold day in February 2010 when she woke up and realized her true calling lay in the visual arts. Without hesitation, she set pen and paper aside to pursue this new vision with passion and vigour. Pursuing first photography and then painting, Maher seeks to create art that arises from a deep and genuine place, but that also connects to something larger than personal.

THE ALCHEMY OF BEING Questa è una serie sulla creatività, la magia e il mistero del processo creativo. È un’esplorazione visiva dell’alchimia creativa. Mentre viviamo, assimiliamo idee, pensieri e frequenze dall’etere attraverso tutti i nostri sensi e trasformiamo quei segnali in arte, musica, danza e mille altre espressioni creative. Da dove vengono queste idee? Come ci riuniamo e ci colleghiamo a loro? Stanno cercando un mezzo di espressione tanto quanto noi li cerchiamo? Questa è un’indagine stravagante su questa danza sacra e l’alchimia dell’essere.

THE ALCHEMY OF BEING This is a series about creativity and the magic and mystery of the creative process. It is a visual exploration of creative alchemy. As we live, we breathe in ideas, thoughts and frequencies from the ether through all our senses and transmute those signals into art, music, dance and 1000 other creative expressions. Where do those ideas come from? How do we gather and connect to them? Are they seeking us for a means of expression as much as we seek them? This is a whimsical inquiry into this sacred dance and the alchemy of being

DIALOGUE

aoe

SHUIFA INFO TOWN PROPE 20

ERTY EXHIBITION CENTRE 21

Il progetto è situato nella zona di sviluppo economico di Changqing, a 20 chilometri dal centro della città di Jinan, un’area non ancora sviluppata su larga scala. L’ambiente circostante è un mix disordinato di tralicci dell’alta tensione che punteggiano i terreni agricoli. Per offrire ai visitatori la migliore esperienza visiva, il progettista ha isolato l’area dall’ambiente circostante creando uno spazio relativamente chiuso. Il design architettonico si ispira al verso di Wang Wei da Mountain Dwelling in Autumn: “La pioggia passa nella montagna incontaminata, rinfrescante sera d’autunno. La luna splende tra i pini, limpida primavera scorre sui sassi”. Attraverso una disposizione di quattro “pietre”, ricorda un ruscello di limpida acqua sorgiva che sgorga dalle fessure delle rocce. La struttura principale è rivestita con pannelli perforati bianchi, luminosi di motivi culturali puri ed eleganti. Il confine settentrionale è progettato come una cascata di montagna, combinata con la microtopografia verde, che conferisce all’intero edificio un’aria di raffinatezza piena di significato culturale. Gli ambienti principali del fabbricato ospitano spazi di vendita, esposizione ed uffici. L’ingresso principale si trova sul lato ovest. Al fine di eliminare l’impatto visivo dell’ambiente circostante, le colline geometriche sono progettate per circondare la piazza, che si alza lentamente quando le persone entrano nel sito, bloccando gradualmente la vista. Montagne, acqua e marmo sono fusi insieme in questa natura selvaggia non sviluppata. La densità della perforazione del rivestimento cambia gradualmente dall’alto verso il basso in base alla funzione dell’interno dell’edificio. La funzione principale del primo e del secondo piano dell’edificio è quella espositiva, quindi la densità di foratura dei pannelli è maggiore per una maggiore trasparenza. La funzione principale del terzo e quarto piano dell’edificio è spazio ufficio, che richiede un ambiente relativamente privato, quindi il numero di perforazioni è inferiore ed è relativamente più chiuso, pur garantendo un’illuminazione sufficiente. In termini di progettazione del paesaggio, al fine di riflettere la reputazione di Jinan come la città delle sorgenti, è stata allestita una vasta area di acqua a cascata lungo l’area di visualizzazione del viale principale, con l’acqua che cade da gradini di pietra alti 4 metri. L’ingresso principale

alla sala espositiva della proprietà si trova al secondo piano, nascosto dietro la cascata d’acqua, ed è raggiungibile tramite un ponte. Sul ponte di collegamento, c’è una cascata d’acqua all’esterno e una tranquilla piscina all’interno, incentrata su un accogliente pino. Un lato è in movimento e l’altro è tranquillo, riflettendo l’atmosfera della luna splendente che brilla tra il pino e l’acqua di sorgente limpida sulle pietre. Entrando nell’edificio, i visitatori vengono trascinati dalla natura selvaggia in un paradiso. L’interno dell’edificio è in continuità con l’esterno, con l’elemento di lamiera forata dell’area di ingresso che si estende direttamente dall’esterno verso l’interno. Un grande atrio di quattro piani funge da area “sandbox” e diventa il punto focale dell’intero spazio. La luce naturale entra dal lucernario e il perimetro è anch’esso rivestito da pannelli forati, formando uno spazio intriso di un senso di rito. Il primo piano è uno spazio espositivo di vendita residenziale. Le pareti dell’ingresso principale e l’area di sosta multifunzionale estendono la forma architettonica all’interno, richiamando il design pulito e a blocchi. L’atrio a quattro piani e il materiale in lamiera forata sulla facciata rendono lo spazio dell’atrio estremamente impressionante e maestoso. I due ponti di collegamento sopra l’atrio animano lo spazio tra i diversi piani, mentre la pelle specchiata in acciaio inossidabile riflette l’intero spazio dell’atrio come se fluttuasse nell’aria. Le finestre di visualizzazione sulla facciata continua consentono ai visitatori di affacciarsi sulla sabbiera al primo piano e aumentare la trasparenza spaziale. La sandbox bassa aumenta il contrasto spaziale e il senso del rituale. Il design dell’atrio ha un forte impatto visivo sulle persone, come una scatola sospesa nell’aria. Il secondo piano è la sala espositiva della proprietà. La facciata interna segue il profilo dell’edificio per estendere la forma esterna dell’ingresso dell’edificio verso l’interno. L’intera parete presenta una forma simile ad un origami, con un tema architettonico coerente. Il design integrato di architettura, vista e interni consente all’intero progetto di essere coerente con il concetto di design. Pur essendo isolato dall’ambiente circostante, diventa anche il punto focale dell’intera area, soddisfacendo le esigenze espositive di centro fieristico e ufficio commerciale, portando nuove opportunità per lo sviluppo di questa regione.

The project is located in the Changqing Economic Development Zone, 20 kilometers away from the city centre of Jinan. The area has not yet been developed on a large scale. The surrounding environment is a messy mix of high-voltage line towers dotting weed-strewn farmland. In order to give visitors the best viewing experience, the designer has isolated the area from the surrounding environment and has created a relatively enclosed space. The architectural design is inspired by Wang Wei’s verse from Mountain Dwelling in Autumn:“Rain passes in the pristine mountain, refreshing autumn evening. Moon shines among the pine, clear spring flows on stones”. Through a four “stones” arrangement, like a stream of clear spring water flowing from the cracks in the rocks. The main structure is assembled out of white perforated panels, glowing with pure and elegant cultural motifs. The northern boundary is designed like a mountain waterfall, combined with green microtopography, giving the whole building an air of refinement filled with cultural significance. The building’s main functions are hosting residential sales expos, property expos, and offices. The main entrance is located on the west side. In order to eliminate the visual impact of the messy surrounding environment, geometrical hills are designed to surround the square, which slowly rises as people enter the site, gradually blocking out the view. Mountains, water, and marble are fused together in this undeveloped wilderness. A second layer is set outside the main structure - perforated plating, so that the building is enveloped within the perforated plating, forming a relatively enclosed space. The curtain wall sections are slanted, nestled, and interlaced inside, and the gap between the sections naturally forms the entrance of the building. Everything happens inside the space covered by the perforated plate curtain wall, connected to the outside world only through the irregular gaps. The interior of the building is obscured by the white perforated plating, and as night falls, light shines through the perforated plates to make the whole building glow, like a piece of shiny marble standing in the wilderness. The density of the perforation of the plate gradually changes from top to bottom according to the function of the building interior. The main function of the first and second floors of the building is as display areas, so the density of perforation is higher for more transparency. The main function of the third and fourth floors of the building is for office space, which requires a relatively private environment, so the number of perforation is lower, and it is relatively more enclosed while ensuring sufficient lighting. In terms of landscape

design, in order to reflect the reputation of Jinan as the City of Springs, a large area of cascading water was set up along the main avenue display area, with the water falling from 4-meter-high stone steps. The main entrance to the property exhibition hall is set on the second floor, concealed behind the cascading water, and can be reached through a bridge. On the connecting bridge, there is cascading water on the outside, and a tranquil pool on the inside centered around a welcoming pine. One side is in motion and the other side is tranquil, reflecting the mood of the bright moon shining between the pine tree and clear spring water on the stones. Upon entering the building, visitors are drawn from the wilderness into a paradise. The interior of the building is also a continuation of the exterior, with the perforated plating element of the entrance area extending directly from the exterior to the interior. A large, four-story atrium serves as a sandbox area and becomes the focal point of the entire space. Natural light comes in from the skylight and is surrounded by perforated plates, forming a space imbued with a sense of ritual. The first floor is the residential sales expo center. The walls of the main entrance and the multi-functional rest area extend the architectural form to the interior, continuing the clean and blocky design. The four-story-high atrium and the perforated plate material on the facade make the atrium space extremely impressive and awe-inspiring. The two connecting bridges above the atrium enliven the space between the different floors, while the mirrored stainless steel skin reflects the entire atrium space as if floating in the air. The viewing windows on the curtain wall allow visitors to overlook the sandbox on the first floor and increase spatial transparency. The low-set sandbox increases the spatial contrast and the sense of ritual. The design of the atrium has a strong visual impact on people, like a box suspended in the air. The second floor is the property exhibition hall. The interior facade uses the shape of the building to extend the exterior form of the building entrance to the interior. The contour is designed according to the outline of the entire building. The entire wall presents an origami-like form, with a consistent architectural theme. The integrated design of architecture, view, and interior enable the entire project to be consistent with the design concept. While isolated from the surrounding environment, it also becomes the focal point of the entire area, satisfying the display requirements as an exhibition center and sales office, bringing new opportunities for the development of this region.

WEBSITE | aoe-china.com INSTAGRAM | @aoe.architect FACEBOOK | AOE Courtesy of v2com-newswire.com

TECHNICAL SHEET Project Name: Shuifa Geographic Information Industrial Park Exhibition Center Architecture Firm: aoe Firm Location: Beijing, China Completion Year: 2020 Gross Built Area: 5200㎡ Project location: Changqing District, Jinan, China. Lead Architects: Larry Wen

Hevò Campaign FW20

GIOVANNI TROILO 30

Cominciamo. Occhi chiusi, mente espansa. Occhi aperti, nessun confine. Punto 1: sei finito in un sogno. Le montagne davanti a te sono candide di un bianco immacolato, candeggiato, non sono altissime, le puoi scalare e - particolare da non sottostimare – anche ingerire. Sono il sapore, sono il senso dialogante, sono il sale in tavola. Puoi salirci, possono sgretolarsi. Le acque sono arancio, rosa e rosse, cambiano colore, puoi toccarle senza mutarle: loro ti muteranno, sono aliene. Montagne e acque non sono sole, ecco che appaiono le sentinelle, le guardie, i custodi, i punti cardinali, pelle nera, abito retto, perfetto, sguardo immobile. Non ti svegli. Punto 2: non era un sogno, per nulla. Le montagne sono vere, ma, ugualmente, di sale. Le acque del pantone sono quelle che lo generano. Ebbene sì, sulla mappa esistono, si chiamano Saline di Margherita di Savoia, un prodigio creato da mirabile mano umana che divise le acque, creò i camminamenti perché l’evaporazione in vasca producesse l’alimento, il mare il lavoro. Ed è sempre mano umana che taglia gli abiti, li cuce, produce e anima. Perché le sentinelle, i custodi permangono anche nella versione “realtà”, sono modelli, indossano abiti che cadono al filo di piombo: sono nati prima loro o quello che indossano?

Let’s start. Eyes closed, mind expanded. Eyes open, no borders. Point 1: you ended up in a dream. The mountains in front of you are white with an immaculate, bleached white, they are not very high, you can climb them and - particular not to be underestimated - even ingest them. They are the flavor, they are the dialoguing meaning, they are the salt on the table. You can get on it, they can crumble. The waters are orange, pink and red, they change color, you can touch them without changing them: they will change you, they are alien. Mountains and waters are not sun, here appear the sentries, the guards, the keepers, the cardinal points, black skin, straight dress, perfect, motionless gaze. You don’t wake up. Point 2: it wasn’t a dream, not at all. The mountains are real, but still made of salt. The waters of the pantone are those that generate it. Yes, on the map they exist, they are called Saline di Margherita di Savoia, a prodigy created by an admirable human hand that divided the waters, created the walkways so that the evaporation in the tank would produce food, the sea and work. And it is always a human hand that cuts clothes, sews them, produces and animates them. Because the sentries, the keepers also remain in the “reality” version, they are models, they wear clothes that fall to the lead: were they born first or what they wear?

Punto 3: stiamo sfogliando un catalogo, “Landescape”, è la collezione inverno 2020 di un marchio, Hevò. Sono piani ribaltabili, speculari di un viaggio, in “quattro capitoli futuristici dalla terra pugliese”. Ciascun piano non è asintomatico e anzi produce una reazione, con richiesta di messa a fuoco di varchi di tempo e spazio, di percezione, di realtà. Il Fotografo prepara una missione su Marte, divide il paesaggio in griglie di codici binari da Insterstellar, lascia la gravità attiva, ma gravita con il suo sguardo come un invitato in trance a un banchetto allestito in un wormhole. È sveglio, molto sveglio. Eppure fabbrica quello che si direbbe un sogno, immerge i modelli nelle acque pennellate da pittore evanescente, li specchia, li scocca, li mesmerizza, li tiene. La luce è sua. La bellezza si mette all’incanto in un’asta di beni che, invece, sono tutti nostri e il cui filo non è nascosto, non è un codice ma una radice cucita nella terra. Punto 4: Abbiamo mentito, era tutto un sogno - dicono i fenicotteri rosa. E, adesso, svegliati.

Point 3: we are leafing through a catalog, “Landescape”, it is the winter 2020 collection of a brand, Hevò. They are folding plans, mirror images of a journey, in “four futuristic chapters from the Apulian land”. Each plane is not asymptomatic, and indeed produces a reaction, with a request to focus on gaps in time and space, perception, reality. The Photographer prepares a mission to Mars, divides the landscape into grids of binary codes from Interstellar, leaves gravity on, but gravitates with his gaze like a guest in a trance at a banquet set up in a wormhole. He is awake, very awake. Yet he manufactures what one would call a dream, immerses the models in the brushstroke waters of an evanescent painter, mirrors them, molds them, mesmerizes them, holds them. The light belongs to him. Beauty is enchanted in an auction of goods that, instead, are all ours and whose thread is not hidden, it is not a code but a root sewn into the earth. Point 4: We lied, it was all a dream - pink flamingos say. And now wake up.

Giovanni Troilo è nato a Putignano nel 1977. Laureato in Economia con una laurea in Geografia dello Sviluppo. Regista e fotografo, Troilo si muove tra il mondo del cinema, della televisione, dell’editoria e della pubblicità. Ha iniziato a filmare e scattare fotografie in giovane età; ormai, a quasi vent’anni di distanza, l’elenco dei progetti collaborativi importanti è impressionante. Il lavoro di Troilo è stato pubblicato su Newsweek Japan, Der Spiegel, D La Repubblica, GQ Italy, CNN, Wired Italy, Wired UK, Wired Corea, Wired Germany, Ventiquattro, Wallpaper, GQ Spain, Io Donna, Flair, Sport & Street, Velvet and Urban. Nel 2011 ha diretto Fan Pio, il suo primo lungometraggio, e pubblicato in Germania il suo primo libro, Apulien, premiato come miglior libro fotografico agli International Photography Awards nel 2012. Tra il 2012 e il 2015 Troilo ha diretto per Sky Arte HDFotografi, tre serie di documentari su famosi fotografi italiani e diversi documentari tra cui On The Road - Joe Bastianich Music Tour e Caravaggio Criminale. Nel 2015 con il progetto La Ville Noire, The Dark Heart of Europe è stato premiato People Photographer of the Year ai Sony World Photography Awards. Nel 2016 William Kentridge, Triumphs and Laments, il suo film documentario sull’artista sudafricano William Kentridge, è stato in concorso al Festival Internazionale del Film di Roma e Coeurope, il suo lavoro ambientato in Belgio sull’Europa contemporanea, è stato in concorso all’IDFA e trasmesso su Rai e Arte in Germania e Francia. Nel 2017 dirige The Mystery of the Lost Paintings, serie di 7 documentari per Sky Arts International Hub (UK, ITA, GER), in onda da aprile 2018.Hi film Le ninfee di Monet (B / Arts - Nexo Digital), è stato distribuito in cinema nel novembre 2018, e il suo ultimo film Le due Frida (B / Arts - Nexo Digital - SKY ARTS) è stato distribuito nelle sale nel novembre 2019. Troilo sta attualmente lavorando a due nuovi documentari, al suo secondo lungometraggio e a diversi progetti fotografici.

Giovanni Troilo was born in Putignano in 1977. He graduated in Economics with a degree on Geography of Development. Director and photographer, Troilo moves between the worlds of cinema, television, publishing and advertising. He began filming and taking photographs at a young age; by now, nearly twenty years later, the list of important collaborative projects is impressive. Troilo’s work has been published in Newsweek Japan, Der Spiegel, D La Repubblica, GQ Italy, CNN, Wired Italy, Wired UK, Wired Corea, Wired Germany, Ventiquattro, Wallpaper, GQ Spain, Io Donna, Flair, Sport&Street, Velvet and Urban. In 2011 he directed Fan Pio, his first feature length film, and published in Germany his first book, Apulien, awarded as best photographic book at the International Photography Awards in 2012. Between 2012 and 2015 Troilo directed for Sky Arte HDFotografi, three series of documentaries about famous Italian photographers, and several documentaries among which On The Road – Joe Bastianich Music Tour and Caravaggio Criminale. In 2015 with the project La Ville Noire, The Dark Heart of Europe he was awarded People Photographer of the Year at Sony World Photography Awards. In 2016 William Kentridge, Triumphs and Laments, his documentary film about the South African artist William Kentridge, was in competition at Rome International Film Festival and Coeurope, his work set in Belgium on contemporary Europe, was in competition at IDFA and broadcasted on Rai and Arte in Germany and France. In 2017 he directs The Mystery of the Lost Paintings, series of 7 documentaries for Sky Arts International Hub (UK, ITA, GER), broadcasted from April 2018.Hi film Le ninfee di Monet (B/Arts – Nexo Digital), wasdistributed in cinemas in November 2018, and his last film Le due Frida (B/Arts – Nexo Digital – SKY ARTS)wasdistributed in cinemas in November 2019. Troilo is currently working on two new documentaries, on his second feature length film and on several photographic projects.

AWARDS 2015 Sony World Photography Awards, People photographer of the Year 2014 Creativity Award, 1st prize in Television and Radio category 2014 Telly Awards, 3rd prize in Television category 2014 Prix de la Photographie Paris, 3rd prize in Advertising Category 2013 International Photography Awards, 1st prize in Book – People Pro 2013 Prix de la Photographie Paris, 2nd prize in Press for The Rising Class 2012 International Photography Awards, 1st prize in Book – People Pro 2012 Prix de la PhotographieParis ,Honorable Mention 2012 PIVI, Best Story and Best Viral Video 2011 The Worldwide Photography Gala Awards, 1st prize Editorial and Current Affairs 2011 International Photography Awards, 3rd prize in AdvMusic category 2011 Winephoto, 4th prize 2010 International Photography Awards, Honorable Mention 2009 Promax New York, Best Interstitial 2009 Promax Europe, Best Interstitial 2009 International Photography Awards, 2 Honorable Mentions 2008 PIVI, Best Photography 2008 Festival de la Télévision de Monte-Carlo, Prix CICR pour la Presse 2007 PremioVideoclipItaliano, Best Photography 2007 Prix de la Photographie Paris, Honorable Mention

EXHIBITIONS “LA VILLE NOIRE, THE DARK HEART OF EUROPE” 2018 – CAMERA79 Art Gallery - Rome 2018 – ARTEFIERA Set Up - PIEDàTERRE Studio – Galleria d’ArteFotografica - Bologna 2017 - Riaperture Festival - Ferrara 2017 – Les Recontres de Arles - Night of the Year – Arles - France 2017 – ShingLe22j – VI Biennale d’ArteContemporanea di Anzio e Nettuno - Rome 2016 – La metànascosta, nuovafotografiaitalianatrarealtà e verità - PinacotecacivicaFollonica - Rome 2016 – DOCField Barcelona – Festivalfotografia Documental - Spain 2015 - Roma Fotografia – Circuito Off - presso Galleria Carlo Virgilio& C. - Rome 2015 - Ballarat International Foto Biennale – Melburne - Australia 2015 – OBSCURA Festival of Photography - Malaysia 2015 - Cortona ONTHEMOVE – Italia 2015 – SONY WORLD PHOTOGRAPHY AWARDS – World Tour 2015 – SONY WORLD PHOTOGRAPHY AWARDS – Somerset House – London - UK

WEBSITE | giovannitroilo.com INSTAGRAM | @giovannitroilo

CREDITS: BRAND | @hevoofficial Photography: Giovanni Troilo Adv agency: Barba&Capelli Text by: Antonella Gaeta Model: Tamsir Thiam Styling: Silvia Bergomi, Tess Matozza Make up: Luna Taddonio Assist: Francesco Rucci, Antonio Losito

Future in the Past. Oil on canvas, 150 x 130 cm

ALFRED RECE

Alfred Rece è nato l’8 giugno 1969 a Craiova, in Romania, dove vive e insegna. Nel 1993 si è laureato presso l’Università Nazionale delle Arti di Bucarest. Alla fine degli anni ‘90, Alfred Rece faceva parte del gruppo “Crinul” - il primo gruppo di giovani pittori della Romania dopo l’89 - insieme a: Valentin Boboc, Cătălin Burcea, Francisc Chiuariu, Marian Maria. Il suo ultimo corpus di opere si intitola “The New Mankind” - una serie di grandi dipinti ad olio - e si basa su un confronto visivo tra le società moderne e postmoderne ed i loro valori. Senza alcun dubbio, l’opera di Rece Alfred attira l’attenzione per il suo approccio iper-realistico. Alfred Rece è un artista che si preoccupa di illustrare la continua evoluzione dell’essere umano, concentrandosi sulla presentazione di figure iconiche appartenenti al passato e al presente. La rapida evoluzione della tecnologia, il progresso scientifico, le infinite scoperte della nuova umanità, tutto ciò ha portato cambiamenti nel pensiero e nel comportamento. Ma i suoi quadri attirano l’attenzione sul meglio e sul peggio del passato e del presente: l’amore, l’innocenza e la bellezza dei nostri figli, la morale e l’umanità come valori da un lato e, dall’altro, guerre, sacrificio, manipolazione, kitsch. Essendo un appropriazionista nelle sue composizioni, Alfred Rece ha opposto le già famose immagini di coppie che si baciano della seconda guerra mondiale a figure esclusivamente femminili dello spettacolo contemporaneo, idoli commerciali della civiltà attuale. Tutto questo per piangere la perdita dell’innocenza, di un’anima romantica e di un sentimento sincero (immortalato in momenti reali) e per segnalare il focus dei media ambientati su costruzioni basate sulla sessualità e sul grottesco. Alfred Rece crea un gioco simbolico nelle sue composizioni, contrapponendo volti del presente alle immagini iconiche del passato, colpendo lo spettatore con il suo messaggio. Si possono guardare i suoi dipinti come elegie visive di un autore sospeso nel tempo, che rappresentano anche la lotta per identificare ora i valori del passato.

Alfred Rece was born on June the 8th, 1969 in Craiova, Romania, where he lives and teaches now. In 1993 he graduated from the National University of Arts in Bucharest. In late 1990’s, Alfred Rece was part of the “Crinul” Group - the first group of young painters in post’89 Romania - together with: Valentin Boboc, Cătălin Burcea, Francisc Chiuariu, Marian Maria. His latest corpus of works is entitled “The New Mankind” - a series of large oil paintings – and based on a visual comparison between modern and post-modern societies and their values. Without any doubt, Rece Alfred’s painting is an eye catcher for its Hyperrealistic approach. Alfred Rece is an artist preoccupied with illustrating the ever changing mould of the human being, focusing on presenting iconic figures belonging to the past and the present. The fast evolution of technology, scientific progress, the infinite discoveries of the new mankind, all these had brought changes in one’s thought and behavior. But his paintings draw attention to the best and worst of the past and the present: love, the innocence and beauty of our children, morals and humanity as values on one hand, and on the other, wars, sacrifice, manipulation, kitsch. Being an Appropriationist in his compositions, Alfred Rece opposed the already famous images of kissing couples of the World War II to exclusively feminine figures of contemporary showbiz, commercial idols of the present civilization. All this in order to mourn the loss of innocence, of a romantic soul and of a sincere feeling (immortalized in real moments) and to signalize the focus of media set on nightmare constructions based on sexuality and grotesque. Alfred Rece creates a symbolic game in his compositions, opposing faces of the present to the iconic images of the past, striking the viewer with his message. One can watch his paintings as visual elegies of an author suspended in time, also representing the fight to identify now the values of the past. Diana Roman – Art critic and curator. CEO and co-founder of ARTZ Gallery Shanghai

WEBSITE | alfredrece.wordpress.com INSTAGRAM | @alfredrece GALLERY: www.artzspace.art | @artzgallerysh

Photo: GIOVANNI GASTEL

DENIS CURTI INTERVIEW BY ELEONORA ANNA BOVE

Eleonora Anna Bove: Cosa puoi dirci in merito alla tua formazione e agli inizi? Puoi regalarci qualche aneddoto? Denis Curti: Nel periodo degli inizi, non c’erano molte scuole in cui veniva insegnata la fotografia. La mia è stata, per lo più, una formazione ottenuta direttamente sul campo attraverso l’esperienza. Andavo a bottega da chi già faceva quello che sarebbe diventato il mio mestiere: il curatore. Avevo una grandissima passione nei confronti delle immagini e dei loro contenuti; non mi è mai interessato fotografare in prima persona. Mi interessava molto di più osservare cosa facevano gli altri. Per quanto riguarda le mie primissime esperienze, innanzitutto ricordo la fondazione dell’associazione culturale “Immagin’arti“ che negli anni ‘80 coinvolgeva giovani curatori e fotografi emergenti. In quell’epoca c’era solo la galleria fotografica milanese “Il Diaframma”, animata da Lanfranco Colombo. Le mostre non istituzionali erano allestite in locali che venivano definiti e considerati alternativi: bar e pub che avevano un’importanza sociale notevole. Basti pensare che in quei luoghi si tenevano, oltre alle mostre, innumerevoli spettacoli teatrali e concerti. Nel circuito milanese, abbiamo avuto la fortuna di vedere nascere Lella Costa, il Mago Forrest e altri personaggi che stavano iniziando la carriera di attori. Organizzare queste proposte significava portare avanti anche delle battaglie politiche, come la lotta all’eroina, sostanza che in quegli anni dilagava. Sono stati anni bellissimi e pionieristici, in cui non era semplice fare rete. Lì accadde un fatto stupefacente: c’era un’insegnante dell’Accademia di Brera a Milano, Daniela Palazzoli, curatrice fotografica, che all’interno di un’associazione indipendente organizzava eventi realmente interessanti. Mi contattò, perché lavoravamo molto coi giovani e mi coinvolse nella Biennale Internazionale di Fotografia di Torino dove iniziai a lavorare come curatore fotografico. Ero giovane: avevo 27 anni. Eleonora Anna Bove: What can you tell us about your training and beginnings? Can you give us some anecdotes? Denis Curti: In the early days, there weren’t many schools where photography was taught. Mine was, for the most part, training obtained directly in the field through experience. I went to the shop of someone who was already doing what would become my job: the curator. I had a great passion for images and their contents; I was never interested in photographing in first person. I was much more interested in watching what other people were doing. As for my earliest experiences, first of all I remember the foundation of the cultural association Immagin’arti which in the 1980s involved young emerging curators and photographers. At that time there was only the Milanese photo gallery Il Diaframma, animated by Lanfranco Colombo. Non-institutional exhibitions were set up in places that were defined and considered alternative: bars and pubs that had considerable social importance. Suffice it to say that in those places, in addition to exhibitions, countless theatrical performances and concerts were held. On the Milanese circuit, we were lucky enough to see the birth of Lella Costa, the Magician Forrest

and other characters who were starting their acting careers. Organizing these proposals also meant carrying on political battles, such as the fight against heroin, a substance that was rampant in those years. These were wonderful and pioneering years, in which networking was not easy. There an amazing event happened: there was a teacher from the Brera Academy in Milan, Daniela Palazzoli, photo curator, who organized really interesting events within an independent association. She contacted me, because we worked a lot with young people, and she involved me in the International Biennial of Photography in Turin where I started working as a photographic curator. I was young: I was 27 years old.

Letizia Battaglia

Galimberti, Piero Gemelli, Giovani Gastel

Nino Migliori

David La Chapelle e Pamela Anderson

EAB: Come hai coniugato l’attività di curatore con quella sul campo? DC: Incontrare grandi fotografi in presenza o attraverso i loro archivi mi ha fatto capire che chi vuole occuparsi di fotografia deve investite sulla propria formazione. La fotografia è un linguaggio, con regole da rispettare o da sovvertire, che comunque vanno conosciute. Ecco perché la formazione è una dimensione che è stata sempre di mio interesse. Ho insegnato Storia della Fotografia nelle scuole pubbliche e private, all’Istituto Europeo di design, ho tenuto incontri all’Università Bocconi e alla Statale, per poi arrivare a fondare un vero e proprio Master di Fotografia progettuale in collaborazione con la NABA. Oggi dirigo il Master in fotografia nella scuola Raffles Milano. Anche il tema della divulgazione è sempre stato a me molto caro. Nel 2000 ho iniziato la mia collaborazione con l’agenzia fotogiornalistica “Contrasto”, che si è protratta sino il 2014, come curatore e organizzatore di mostre. In quegli anni, Contrasto stava pianificando la casa editrice omonima, con Roberto Koch e Alessandra Mauro. La produzione dei libri aveva sicuramente a che fare col tema della divulgazione. Mi è sempre stato a cuore curare libri d’autore. Ho inoltre pubblicato un saggio insieme a Sara Dolfi Agostini sul tema del collezionismo fotografico. Dalla mia posizione avevo uno sguardo privilegiato sul mercato editoriale: mancava un vero saggio su quel tema e ho pensato di colmare quel vuoto. Di recente, con Marsilio, ho raccolto le mie esperienze e le mie riflessioni e ho scritto un libro. EAB: How did you combine the curatorial activity with that in the field? DC: Meeting great photographers face to face or through their archives made me realize that anyone who wants to deal with photography must invest in their training. Photography is a language, with rules to be respected or subverted, which in any case must be known. That’s why training is a dimension that has always been of interest to me. I taught History of Photography in public and private schools, at the European Institute of Design, I held meetings at the Bocconi University and at the State University, and then came to found a real Master of Design Photography in collaboration with NABA. Today I direct the Master in photography at the Raffles school in Milan. The issue of disclosure has always been very dear to me too. In 2000 I began my collaboration with the photojournalist agency Contrasto, which lasted until 2014, as a curator and organizer of exhibitions. In those years, Contrasto was planning the publishing house of the same name, with Roberto Koch and Alessandra Mauro. The production of the books certainly had to do with the theme of disclosure. I have always been interested in curating author’s books. I have also published an essay with Sara Dolfi Agostini on the subject of photographic collecting. From my position I had a privileged view on the publishing market: there was no real essay on that subject and I thought of filling that void. Recently, with Marsilio, I collected my experiences and reflections and wrote a book. EAB: All’interno del tuo ultimo libro, Capire La Fotografia Contemporanea Guida all’arte del futuro, hai scritto che <<La storia della fotografia è, prima di tutto, un investimento dell’umanità sul proprio modo di vedere il mondo e di interagire con esso>>. Com’è cambiato il tuo modo di intravedere il mondo attraverso la fotografia? Come, invece, i social hanno influenzato la fotografia? DC: Il mio modo di vedere il mondo è sempre stato filtrato dalla fotografia. Io cerco di comunicare che esistono due mondi: la nostra vita, ossia la realtà, e la fotografia, che invece è una delle modalità per raccontare e filtrare il mondo. Lavorare con grandi fotografi e in una grande agenzia, come Contrasto, mi ha consentito di entrare in contatto con innumerevoli storie. Viceversa, se avvertivamo la necessità di raccontare storie, trovavamo le modalità per produrle: mandavamo dei fotografi in giro per il mondo per avere il loro punto di vista su certi avvenimenti. I social media hanno amplificato tutto questo e hanno avvicinato il linguaggio delle immagini a un pubblico molto più vasto. EAB: In your latest book, Understanding Contemporary Photography Guide to the art of the future, you wrote that << The history of photography is, first of all, an investment by humanity in its way of seeing the world and interacting with it >>. How has your way of seeing the world changed through photography? How, on the other hand, have social media influenced photography?

Photo: MARCO AURELIO MENDIA

Photo: MARIO ZANARIA

Photo: GIORGIO GALIMBERTI

Photo: FABRIZIO ALBERTINI

DC: My way of seeing the world has always been filtered by photography. I try to communicate that there are two worlds: our life, that is reality, and photography, which instead is one of the ways to tell and filter the world. Working with great photographers and in a large agency, like Contrasto, has allowed me to get in touch with countless stories. Conversely, if we felt the need to tell stories, we found ways to produce them: we sent photographers around the world to get their point of view on certain events. Social media has amplified all of this and brought the language of images closer to a much wider audience.

EAB: Per quanto riguarda invece la tua attività all’interno di “Still”, te ne occupi in prima persona in qualità di curatore fotografico o direttore artistico? O entrambi? DC: Entrambi, direi. La galleria “Still” di Milano è un luogo multifunzionale, dedicato interamente alla fotografia dove organizziamo mostre, talk, workshop, facciamo scouting, ci occupiamo di collezionismo, progettiamo libri ed eventi, anche su commissione. Ci occupiamo della vendita online delle fotografie di autore, in serie limitata, ma anche di formazione. Lo spazio è grande, possiamo dunque organizzare dei

EAB: As for your business within Still, do you take care of it yourself as a photo curator or artistic director? Or both? DC: Both, I’d say. The Still gallery in Milan is a multifunctional place, entirely dedicated to photography where we organize exhibitions, talks, workshops, we do scouting we deal with collecting, we design books and events, even on commission. We deal with the online sale of author’s photographs, in limited series, but also training. The space is large, so we can organize real courses. We work for the corporate: that is, we accompany companies in corporate communication processes. In short, we deal with 360-degree photography. So, thanks to Still we work for many Italian and foreign museums. For example, we organize many festivals, for example that of Savignano sul Rubicone. the SI Fest, the Capri Festival, the one in Montefano, named after photographer Arturo Ghergo. EAB: Ti occupi, tra l’altro, anche di una rivista nuova. Giusto? DC: Esatto. Siamo anche gli editori di una rivista digitale, Black Camera, che gira sulla piattaforma di Rolling Stone Italia. Si tratta di un contenitore artistico e culturale, in quanto non tratta assolutamente tematiche tecniche e tecnologiche. Parliamo di mostre, libri, storia, giovani autori e talenti. EAB: Among other things, you also deal with a new magazine. Quite right? DC: Exactly. We are also the editors of a digital magazine, Black Camera, which runs on the Rolling Stone Italia platform. It is an artistic and cultural container, as it absolutely does not deal with technical and technological issues. We talk about exhibitions, books, history, young authors and talents.

EAB: Di cosa ti stai occupando attualmente? DC: Tra i vari progetti che sto seguendo, ce n’è uno che mi sta particolarmente a cuore. Mi sto occupando di una mostra molto importante su David LaChapelle, a Milano. Sarà l’occasione per riflettere sul fatto che la fotografia è arte scenica in assoluto. Non è la realtà, è sempre la sua rappresentazione. Tutto è messa in scena, perché è il frutto delle scelte del fotografo. Come in ogni mondo di finzione, bisogna guardare le immagini attraverso la sospensione dell’incredulità: bisogna cioè che il fruitore stipuli tacitamente un patto con l’autore, per godere appieno della sua narrazione. Lavorare con un artista consapevole come David per me è stata un’importante esperienza formativa. Questo progetto è iniziato tre anni fa e si è concretizzato in una mostra presso La Casa dei Tre Oci, a Venezia e una a Torino, presso la Reggia di Venaria. La data precisa di quella a Milano ancora è da definire, per via dell’emergenza Covid, ma ci stiamo lavorando tanto.

Photo: GIORGIO GALIMBERTI

veri e propri corsi. Lavoriamo per il corporate: ossia accompagniamo le aziende in processi di comunicazione aziendale. Insomma, ci occupiamo di fotografia a 360 gradi. Dunque, grazie a Still lavoriamo per molti musei italiani e stranieri. Per esempio, organizziamo tantissimi festival, ad esempio quello di Savignano sul Rubicone. il SI Fest, il Festival di Capri, quello a Montefano, intitolato a fotografo Arturo Ghergo.

EAB: What are you currently working on? DC: Among the various projects that I am following, there is one that is particularly close to my heart. I am working on a very important exhibition on David LaChapelle, in Milan. It will be an opportunity to reflect on the fact that photography is absolute scenic art. It is not reality, it is always its representation. Everything is staged, because it is the result of the photographer’s choices. As in any world of fiction, you have to look at the images through the suspension of disbelief: that is, the viewer must tacitly stipulate a pact with the author, to fully enjoy his narration. Working with a knowledgeable artist like David was an important training experience for me. This project began three years ago and resulted in an exhibition at La Casa dei Tre Oci, in Venice and one in Turin, at the Reggia di Venaria. The precise date of that in Milan is still to be defined, due to the Covid emergency, but we are working hard on it.

INSTAGRAM @denis_curti @eleonoraannabove

PAOLO MONINA 58

“A piedi e con cuore leggero m’avvio per la libera strada, In piena salute e franchezza, il mondo offertomi innanzi, Il lungo sentiero marrone pronto a condurmi ove io voglia.” (Walt Whitman - Canto della strada)

Così ho immaginato e cercato a Parigi, quella vita che in quei quartieri era stata: Donne eleganti e danzatrici di locali notturni. Questo e molto di più, sarebbe stata la mia Parigi di fine e inizio secolo, poi, per sempre. Quella bellezza mista a follia, promessa di felicità.

WEBSITE | paolomoninastudio.com INSTAGRAM | @paolomoninastudio 64

KOL Restaurant 66

A.-nrd Studio 67

Con una superficie di oltre due piani e quattrocento metri quadrati nella pittoresca Seymour Street di Londra, la sala da pranzo principale di KOL si trova oltre la reception al piano terra, mentre la Chef’stable experience e il bar Mezcaleria si trovano al piano di sotto. Il design degli interni di KOL si concentra sul dare vita allo spirito del Messico attraverso la materialità, l’artigianato e il suo entusiasmo. Per consolidare l’aspetto di KOL, Alessio Nardi, fondatore di A-nrd studio, è andato in viaggio in tutto il Messico, da Città del Messico a Oaxaca, nello Yucatan, per entrare in contatto con le imprese locali e scoprire le sfumature della cultura messicana. Entrando a KOL, i clienti vengono accolti da un’opera d’arte intarsiata con buccia di mais di Fernando Laposse che incornicia il banco della reception in rovere cesellato a mano. L’architettura degli interni di KOL è profondamente ispirata al lavoro di Luis Barragán dove pareti in stucco di diverse tonalità caratterizzano lo spazio. La varietà dei colori è un’ode alle strade del Messico, che alterna varie tonalità di giallo, rosa e arancio bruciato. Questi contrastano con il pavimento rivestito da lastre di cemento incorniciate da una doppia fila di assi di quercia, un’interpretazione del pavimento esterno alla biblioteca di Città del Messico. Tre isole cucina posizionate al centro del ristorante creano un punto focale teatrale ma accogliente nella sala da pranzo di KOL. Ogni unità in legno di quercia è realizzata con banconi cesellati a mano che si estendono fino al soffitto attraverso tettoie in legno di olmo ricamate. Accanto alle isole della cucina, il muro in stucco si divide in altezza per rivelare i protagonisti della cucina KOL: il focolare e il comaloven. Piastrelle di argilla britannica fatte a mano rivestono l’intera area, evocando le tradizionali piastrelle di roccia vulcanica di Tezontle messicane nel vero spirito di KOL: anima messicana, ingredienti britannici. Un muro in stucco arancione bruciato, con una vasta installazione di manufatti messicani acquistati durante i viaggi e risalenti alla metà del 1900, crea uno sfondo della terra per il “teatro” della cucina. La gamma di mobili di KOL è stata tutta creata da A-nrd studio in collaborazione con artigiani in Italia e nel Regno Unito. L’intera

collezione di mobili si concentra su dettagli sottili e materiali naturali, con un cenno all’estetica modernista che si trova in tutto il Messico. I tavoli sono un mix di travertino argentato levigato e legno di quercia che è stato piallato a mano per una maggiore praticità. I piani dei tavoli in pietra sembrano galleggiare, con dettagli accentuati delle gambe ad incastro. Anche le sedie in legno di quercia presentano la stessa finitura piallata a mano e un elegante rivestimento in pelle, mentre le panche delle finestre sono più un pezzo scultoreo con basi in blocchi di travertino e un supporto in pelle sospeso. La discesa allo Chef’stable e al bar Mezcaleria è caratterizzata da una scala a chiocciola in acciaio grezzo e rovere, avvolta da un paravento sfaccettato con vetri soffiati a mano nei toni chiaro e ambra. Le lampade e le fioriere sospese in argilla di artigiani messicani accentuano l’altezza e la profondità. La sala da pranzo della Chef’stable si ispira alle dimore messicane moderniste con materiali materici grezzi e un’estetica Wabi. La finitura in cemento dal pavimento al soffitto è interrotta solo da un listello in parquet di recupero e dai telai in rovere smaltato che guardano nella cucina privata e in un patio con un’installazione di vegetazione. I tavoli su misura di A-nrd studio riprendono il linguaggio dell’architettura degli interni. Due assi di rovere piallate a mano sono unite da un binario centrale in cemento per creare un tavolo in sarin componibile per un massimo di 22 ospiti. Quattro lunghe lampade a sospensione esagonali con gusci intarsiati di buccia di mais pendono sopra l’area centrale dei posti a sedere per illuminare la sala da pranzo - una collaborazione tra Fernando Laposse e A-nrd studio. Accanto alla Chef’stable, il vivace bar Mezcaleria porta a Londra un’atmosfera costiera messicana. L’ampio uso di materiali naturali - pavimenti in legno di recupero, sedute per cabine in canne su misura, luci di alghe - aggiunge calore allo spazio e contrasta il bar monolitico in cemento con inserti di travi in rovere di recupero. Sia la Mezcaleria che la Chef’stable sono punteggiati da opere d’arte selezionate - alternando arte popolare messicana e oggetti artigianali britannici contemporanei nel vero ethos KOL.

Spanning over two-storeys and four-hundred square metres in London picturesque Seymour Street, KOL’s main dining room is situated past the reception on the ground floor while the chef’s table experience and the Mezcaleria bar can be found downstairs. KOL interior design focuses on bringing to life the spirit of Mexico through materiality, craft and in her enthumbleness. To consolidate the look of KOL, A-nrd studio founder Alessio Nardi went on a field trip throughout Mexico - from Mexico City to Oaxaca to the Yucatan - to connect with local businesses and discover the nuances of Mexican culture. Upon entering KOL, customers are greeted by a large-scale corn husk marquetry artwork by Fernando Laposse which frames a be spoke hand-chiselled oak reception desk. The interior architecture of KOL is deeply inspired by the work of Luis Barragán where stucco walls on different hues characterise the space. The colour palette is an ode to the streets of Mexico, alternating between various shades of yellow, pink and burntorange. These contrast the floor made of concrete slabs framed by a double run of oak planks – an interpretation of the flooring outside Mexico City’s library. Three kitchen islands positioned in the centre of the restaurant create a theatrical yet homey focal point in KOL’s dining room. Each oak wood unit is crafted with hand-chiselled counters that extend to the ceiling through reclame elm wood canopies. Next to kitchen islands, the stucco wall splits in height to reveal the heroes of KOL kitchen - the firepit and the comaloven. Hand made British clay tiles clad the whole area, evoking the traditional Mexican Tezontle volcanic rock tiles in the true spirit of KOL: Mexican soul, British ingredients. A burntorange stucco wall with an extensive installation of Mexican artefacts sourced during the field trip and dating back to the mid-1900s creates an earthy backdrop for the kitchen theatre. KOL’s range of furniture has all been created be spoke by A-nrd studio in collaboration with artisans in Italy and the

UK. The whole furniture collection focuses on subtle detailing and natural materials, a nod to the modernist aesthetic found throughout Mexico. The tables are a mix of honed silver travertine stone and oak wood which has been hand-planed to addtactility. The stone table tops seem to be floating, with accentuated interlocking leg details. The oak wood chairs also present the same hand-planed finish and sleek leather upholstery while the window benches are more of a sculptural piece with travertine block bases and a suspended leather backing. The descent to the Chef’stable and Mezcaleria bar is characterised by a raw steel and oak spiral staircase, enveloped by a faceted glazed screen with hand-blown glass in clear and amber tones. Hanging clay lamps and planters by Mexican artisans accentuate the height addingtonal depth to the drum. The chef ’s table dining room is inspired by modernist Mexican mansions with raw textural materials and a Wabi aesthetic. The floor to ceiling concrete finish interrupted only by a reclaimed parquet floor runner and the oak glazed frames which look into the private kitchen and a patio with an installation of lush greenery. The bespoke tables by A-nrd studio continue the language of the interior architecture. Two hand-planed oak planks are merged by a central concrete runner to create a sectional sarin table for up to 22 guests. Four long hexagonal pendant lights with corn husk marquetry shells hang above the central seating area to light up the dining room - a collaboration between Fernando Laposse and A-nrd studio. Next to the chef’s table, the lively Mezcaleria bar brings a Mexican coastal vibe to London. The extensive use of natural materials – reclaim wood flooring, bespoke caned booth seating, seagrass lights – add warmth to space and contrast the monolithic concrete bar with reclaimed oak beam inserts. Both the Mezcaleria and the Chef’s table are punctuated by selected artworks – alternating Mexican folk art and contemporary British crafted objects in true KOL ethos.

WEBSITE | a-nrd.com INSTAGRAM | @a_nrdstudio FACEBOOK | A-nrd Courtesy of v2com-newswire.com

A.-nrd studio Il lavoro di un A-nrd studio spazia dal design degli interni al design di mobili, con un focus sulla creazione di spazi semplici che appaiano intimi e familiari con la minore imposizione possibile. Il designer milanese Alessio Nardi ha fondato A-nrd studio nel 2015 dopo aver lavorato per una serie di talenti internazionali tra cui Jeff Koons, Peter Saville, Lee Broom e Tord Boontje. L’amico e collaboratore di lunga data Lukas Persakovas è entrato a far parte dello studio in modo permanente nel 2018, dopo anni di esperienza presso i migliori studi di design europei in progetti in dissolvenza come la Tate Modern e le Galeries Lafayette. L’approccio progettuale di A-nrd studio apprezza l’importante legame tra gli aspetti commerciali e concettuali di ogni progetto e prodotto, con un focus sulla sostenibilità: dalla valorizzazione delle caratteristiche esistenti di uno spazio e l’utilizzo di materiali eco-compatibili alla miscelazione di pezzi vintage e al supporto di abili artigiani che lavorano e realizzano le loro creazioni in piccoli lotti. Alcuni dei lavori di A-nrd studio includono l’acclamato ristorante Kudu nel sud di Londra, il ristorante portoghese Casa do Frango e il Darjeeling Express di Asma Khan presenti in Chefs Table di Netflix.

A-nrd studio work spans from interior to furniture design with a focus on creating effortless spaces that feel intimate and familiar with as little imposition as possible. Milanese designer Alessio Nardi founded A-nrd studio in 2015 after working for an array of International talents including Jeff Koons, Peter Saville, Lee Broom and TordBoontje. Long time friend and collaborator Lukas Persakovas permanently joined the studio in 2018 after years of experience at top European design studiosl fading projects such as Tate modern retails pace and Galeries Lafayette. A-nrd studio design approach appreciates the important bond between the commercial and conceptual aspects of each project and product with a focus on sustainability: from valorising existing features of a space and utilising eco-friendly materials to mixing vintage pieces and supporting skilled artisans that hand make their creations in small batches. Some of A-nrd studio works include South London acclaimed restaurant Kudu, Portuguese eatery Casa do Frango and Asma Khan’s Darjeeling Express featured in Netflix’s Chefs Table.

JOSE FRANCESE Jose Francese è nato a Buenos Aires, in Argentina. Al momento vive a Roma, in Italia, ed è appassionato di editing Photoshop. È interessato all’arte surreale e alla manipolazione fotografica. Fin da piccolo ha la passione per il disegno, adora gli animali e la natura, quindi poco a poco è entrato in questo magico mondo. I suoi lavori sono un misto di fantasia e realtà. Jose cerca di rappresentare un mondo migliore, pieno di speranza e di sogni.

Jose Francese was born in Buenos Aires, Argentina. He currently lives in Rome, Italy, and is passionate about Photoshop editing. He is interested in surreal art and photographic manipulation. From an early age he has a passion for drawing, he loves animals and nature, so little by little he is entering this magical world. His works are a mixture of fantasy and reality. Jose tries to represent a better world, full of hope and dreams.

INSTAGRAM | @jose_francese YOUTUBE | Jose Francese

TOUCAN

FOX

TORTOISES

MERMAID

DEER

MAGIC WORLD

RELAX

HELLO

SYLVIE MANGAUD Il giusto gesto all’interno di modelli sproporzionati. Due soggetti a scelta: donne e animali. Tutte le sculture di Sylvie Mangaud sono stilizzate pur mantenendo i giusti movimenti. L’artista lavora anche su spazi vuoti per creare forme geometriche. Il suo talento: un flusso che seduce tutte le generazioni.

The proper gesture within disproportionate models. Two subjects of choice: women and animals. All Sylvie Mangaud’s sculptures are stylisized though they keep the right movements. The artist also works on empty spaces to create geometrical forms. Her talent: a flow that seduces all generations.

Un mondo di sottigliezza, forte e delicato allo stesso tempo. Zen, Cool, Libre, Vénus, Harmonie… Tanti nomi dati da Sylvie Mangaud ai suoi esili bronzi che a prima vista ci seducono. Nudi e animali sono stati direttamente la sua ispirazione. Le sue creazioni presentano leggerezza, delicatezza ed eleganza. La purezza delle loro linee rivela un autentico equilibrio. Alcuni stanno per saltare, altri per tuffarsi, alcuni corrono per amare, altri si accontentano camminando con semplicità e verticalità. Sono forti e delicati allo stesso tempo. Le sculture di Sylvie Mangaud sono anche una sproporzione intenzionale. Rende il tutto armonioso: gambe che si elevano all’infinito, combinando lunghezza delle linee e morbidezza delle curve. I volti rimangono lisci, lasciando i corpi a parlare, sensuali ma mai immodesti. Non si può negare: non possiamo immaginare diversamente le loro sagome.

A world of subtlety, strong and delicate at the same time. Zen, Cool, Libre, Vénus, Harmonie… Many names given by Sylvie Mangaud to her slender bronzes that seduce us at first sight. Nudes and animals has directly been her inspiration. Her creations presents lightness, delicacy and elegance. Their lines’ purity reveals an authentic balance. Some are about to leap, others to dive, some run to love, others satisfy themselves walking with simplicity and verticality. They are strong and delicate at the same time. Sylvie Mangaud’s sculptures are also an on purpose disproportion. It makes the whole harmonious : legs rising to infinity, combining lines’ length and curves’ softness. The faces stay smooth, leaving the bodies speaking, sensual but never immodest. One cannot deny : we can’t imagine their silhouettes differently.

KIM

START & DÉPART

WITH LOVE

INDICE

CERF BOIS

GRACE

WEBSITE | slmangaud.com INSTAGRAM | @slmangaud_sculptures FACEBOOK | Sylvie Mangaud Sculpteur

Sylvie Mangaud è una scultrice francese, nata nel 1961, con sede a Parigi. La sua arte ha sempre tratto ispirazione da un acuto senso di osservazione. Memorizza i movimenti, cattura le emozioni e l’istante. Ha iniziato la sua carriera come fotografa e ha fondato la sua agenzia fotografica. Nel frattempo ha intrapreso studi di grafologia e morfologia, cercando di ampliare la sua conoscenza del comportamento umano e del linguaggio del corpo. Questo l’ha portata prima al disegno, poi alla scultura, dal 1991. Da allora Sylvie ha migliorato le sue abilità uniche e sensibili attraverso l’asservimento impegnato della natura, la sua principale fonte di ispirazione. Durante le escursioni, osserva gli animali nel loro habitat naturale, studiandone a lungo i movimenti e le espressioni, prima di riprodurre le scene in studio, questo porta alla sua firma artistica unica: tutte le sue opere in bronzo trasmettono un profondo senso di sospensione del tempo, insieme alla sensualità elegante e ariosa che caratterizza il suo stile

Sylvie Mangaud is a french sculptor, born in 1961, based in Paris. Her art has always drawn inspiration from a keen sense of observation. She memarIzes movements, captures emotions and catches the instant. She began her career as a photographer and founded her own photography agency. In the meantime, she undertook studies in graphology and morphology, seeking to expand her knowledge of humain behaviour and body language. This led her first to drawing, then to sculpture, from 1991. Sylvie has since been improving her unique and sensitive skills through the committed abservation of nature, her major source of inspiration. While riding ar hiking, she observes animals in their natural habitat, studying at length their moves and expressions, before reproducing the scenes in the studio, This leads to her unique artistic signature: all of her bronze works convey a deep sense of time suspension, along with the elegant, airy sensuality which characterizes her style

PEARL HOUSE MXMA Architecture & Design La Pearl House nasce da un concetto forte e semplice: come un elemento di design, la casa deve essere un luogo santuario. Per ottenere ciò, l’architetto ha immaginato la casa come un’unica grande scatola contenente sia la residenza originaria che i nuovi alloggi principali. Rimuovendo una porzione di questa “scatola” si è creato un vuoto, un cortile interno, un luogo protetto che mette in risalto il grande albero di acero al centro del giardino. Questa sottrazione ha consentito il passaggio della luce naturale nell’intera pianta della casa, rivelando superfici dalle trame calde e contrastanti. Il cortile diventa così uno spazio interno-esterno rilassante dove la famiglia poteva riunirsi per mangiare, giocare o semplicemente rilassarsi. Una questione importante nell’ammodernamento della casa è stata la relazione tra le diverse sezioni del tetto. L’edificio esistente era caratterizzato da un tetto a padiglione, oltre al lastrico solare del mezzanino, la cui forma non era compatibile con lo stile architettonico della nuova casa. Al fine di creare un volume continuo e omogeneo, l’architetto ha scelto di demolire il mezzanino e quindi estendere le superfici del tetto esistente a coprire i nuovi alloggi, nel rispetto degli allineamenti, delle linee e delle gronde esistenti. Di conseguenza, la forma della casa originale si è evoluta naturalmente per diventare parte di un insieme armonioso.

Pearl House was born from a strong and simple concept: as a design element, a house must be a place of sanctuary. To achieve this, the architect imagined the house as a single large box containing the original residence as well as the new primary suite. He then removed a portion of this box to create a void, an inner courtyard, a protected place that highlights the large maple tree in the middle of the garden. This subtraction allowed for the passage of natural light through the entire plan of the house, revealing surfaces with warm, contrasting textures. The backyard became a soothing indoor-outdoor space where the family could gather to have a meal, play, or simply relax. An important issue in the modernization of this house was the relationship between the different sections of the roof. The existing house had a hip roof, in addition to the flat roof of the mezzanine, the shape of which was not compatible with the architectural style of the house. In order to create a continuous and homogeneous volume, the architect chose to demolish the mezzanine and then extend the surfaces of the existing roof to cover the new primary suite, while respecting the existing alignments, lines, and eaves. Consequently, the shape of the original house evolved naturally to become part of a harmonious whole.

l’energia solare termica in modo naturale, sono state collocate vetrate ad alte prestazioni sul lato sud dell’edificio. Inoltre, tutti gli alberi della proprietà sono stati preservati. Al centro del progetto della nuova casa è stato il grande albero di acero situato nel cuore del giardino, divenuto elemento architettonico a se stante, celebrato per i suoi vantaggi ecologici, estetici e sociali. Inoltre, il team ha piantato tre nuovi alberi per ridurre l’effetto “isola di calore”. Con il suo stile, i materiali, l’organizzazione spaziale e le strategie energetiche, Pearl House è la definizione stessa di architettura rispettosa dell’ambiente, migliorando notevolmente la qualità della vita della famiglia che sognava di vivere a contatto con la natura. Traendo ispirazione da materiali, colori e trame, la cucina Pearl House è uno spazio caldo, aperto a tutta la famiglia e perfettamente integrato nel concetto generale di casa. La scocca in metallo nero, che avvolge il corpo della casa, si ripiega verso l’interno per diventare pensile nero lungo tutta la parete: l’elemento centrale di una cucina sofisticata. Questo gesto innovativo rafforza l’idea di continuità architettonica tra l’interno e l’esterno. Il colore nero, che nella cultura coreana rappresenta sia la maestria che un ciclo della nostra esistenza, trova eco nella finitura nera opaca degli armadi e dei piani di lavoro. In questo modo lo stile completamente integrato della cucina dona un nuovo inizio al cuore stesso della casa, espressione di un’identità culturale molto cara ai proprietari. Anche i mobili scuri della cucina sono in netto contrasto con i pavimenti in rovere bianco brillante e l’abbondante luce degli spazi interni. Infine, i molteplici spazi di archiviazione, che soddisfano le esigenze quotidiane della famiglia, sono nascosti dietro grandi porte e integrati nell’architettura degli interni per creare un luogo funzionale con una vera estetica minimalista. Infine, Pearl House può essere vista come un’opera d’arte preziosa, un involucro innovativo e protettivo che contiene un tesoro: una famiglia.

La pianta a forma di L della casa è suddivisa in quattro zone. La prima, a nord, è una serie continua di spazi intimi. Le camerette dei bambini, situate nella casa originale, sfruttano le finestre esistenti che hanno consentito un lavoro minimo sulla facciata. Un nuovo bagno, che separa queste stanze, garantisce il comfort acustico. Nella nuova estensione, la suite principale è allineata lungo lo stesso asse. Comprende un ampio bagno e una cabina armadio. Una porta finestra di 20 piedi di larghezza consente alla coppia di godersi appieno il giardino dalla loro camera da letto. Il soggiorno, la cucina e la sala da pranzo sono stati raggruppati per formare un ampio soggiorno al centro della casa. Grazie ad un’altezza di 15 piedi, ampie finestre dal pavimento al soffitto, abbondanti superfici di appoggio integrate e gli spazi abitativi trasformabili, l’ampia sala invita i membri della famiglia a condividere momenti unici mentre si godono l’abbondante luce naturale e una vista rilassante degli spazi aperti. All’estremità ovest si trovano gli spazi funzionali come il garage e un vestibolo con una zona lavanderia. Infine, di fronte al cortile, una grande terrazza inquadra il primo piano, che consente agli spazi interni di proiettarsi verso l’esterno dando l’impressione di una casa più spaziosa. L’idea di racchiudere spazi interni preziosi all’interno di un involucro è diventata un’opportunità per celebrare la luce naturale e la vegetazione, ma anche per mostrare il legno come materiale durevole e vivo. Nel cortile sul retro, le pareti verticali e gli intradossi che caratterizzano il nuovo tetto sono ricoperti da assi di cedro rosso occidentale. Per rafforzare il rapporto tra interno ed esterno, lo stesso legno è stato utilizzato anche all’interno della residenza. I pavimenti in rovere bianco, della stessa tonalità delle pareti e dei soffitti, conferiscono un carattere accogliente e caldo alle stanze. Particolare enfasi è stata data all’uso di legno e metallo per creare rivestimenti esterni durevoli ed ecologici. Le pareti esterne forniscono un isolamento termico superiore che è conveniente nel lungo termine. Per illuminare gli spazi abitativi e recuperare

The house’s L-shaped plan is divided into four zones. The first, to the north, is a connected series of intimate spaces. The children’s bedrooms, located in the original house, take advantage of the existing windows, which allowed for minimal work on the facade. A new bathroom separating these rooms ensures acoustic comfort. In the new extension, the primary suite is aligned along the same axis. It includes a spacious bathroom and a walk-in closet. A 20-foot-wide patio door allows the couple to fully enjoy the garden from their bedroom. The living room, kitchen, and dining room have been grouped together to form a large living area in the center of the house. With a height of 15 feet, generous floor-to-ceiling windows, plenty of built-in storage, and transformable living spaces, the large room invites family members to share unique moments while enjoying abundant natural light and a soothing view of the outdoors. At the west end are functional spaces such as a garage and a vestibule with a laundry area. Finally, facing the backyard, a large cedar terrace frames the first floor, allowing the interior spaces to project outward while giving the impression of a more spacious home. The idea of encasing precious interior spaces within a shell became an opportunity to celebrate natural light and vegetation, but also to showcase wood as durable and living material. In the backyard, the vertical walls and soffits that make up the new roof are covered with planks of western red cedar. To strengthen the relationship between the interior and exterior, the same wood was also used inside the residence. The white oak floors, in the same tone as the walls and ceilings, lend an inviting and warm character to the rooms. Special emphasis was given to the use of certified wood and metal to create durable and environmentally friendly exterior cladding. The exterior walls, composed of staggered posts, provide superior thermal insulation that is cost-effective over

the long term. To illuminate the living spaces and recover solar thermal energy naturally, high-performance glazed windows were placed on the southern facing side of the building. In addition, all the trees on the property were preserved. Central to the design of the new house was the large maple tree located in the heart of the garden, which became an architectural element in its own right, honored for its ecological, aesthetic, and social benefits. Additionally, the team planted three new trees to reduce the heat island effect. With its style, materials, spatial organization, and variable energy strategies, Pearl House is the very definition of environmentally friendly architecture, greatly enhancing the quality of life of the family who dreamed of living in contact with nature. Drawing inspiration from materials, colors, and textures, the Pearl House kitchen is a warm space, open to the whole family, and perfectly integrated into the overall concept of the home. The black metal shell, which wraps around the body of the house, folds inward to become wall-length black cabinets: the central element of a sophisticated kitchen. This innovative gesture reinforces the idea of architectural continuity between the inside and the outside. The color black, which in Korean culture represents both mastery and a cycle of our existence, is echoed in the matte black finish of the cabinets and countertops. In this way, the fully integrated style of the kitchen lends a new beginning to the very heart of the house, an expression of cultural identity very dear to the homeowners. The dark kitchen furniture also stands in stark contrast to the bright white oak floors and the abundant light of the interior spaces. Finally, the multiple storage spaces, which meet the family’s daily needs, are hidden behind large doors and integrated into the interior architecture to create a functional place with a true minimalist aesthetic. At last, Pearl House can be viewed as a precious work of art, an innovative and protective shell containing a treasure: a family.

MXMA Architecture & Design MXMA Architecture and Design, con sede a Montréal, Canada, è composto da architetti e interior designer appassionati di design. L’agenzia attribuisce un grande valore alla realizzazione di singoli progetti architettonici poiché ogni progetto definisce la nostra qualità di vita e la nostra identità. Tuttavia, l’approccio unico e sensibile dei creatori li porta ben oltre la funzione quotidiana. L’obiettivo di MXMA è creare esperienze e luoghi con un significato che ispirino le persone. Il processo creativo di MXMA e il suo spirito di connessione portano le persone a scoprire spazi abitativi che non avrebbero mai immaginato possibili. Plasmando queste nuove realtà, MXMA crea esperienze personalizzate per ogni persona o gruppo per cui è stato progettato. Allo stesso tempo, l’agenzia assicura la qualità funzionale ed estetica degli edifici su cui opera. MXMA realizza opere architettoniche contemporanee e spazi emozionanti che trasformano il nostro ambiente sociale. L’azienda organizza le componenti dei progetti per creare edifici sensibili che rispondano ai loro contesti ma che si distinguono per la loro forma iconica. Tali luoghi stimolano i nostri sensi e creano ricordi duraturi.

WEBSITE | mxma.ca INSTAGRAM | @mxma_architecturedesign FACEBOOK | MXMA architecture & design Courtesy of v2com-newswire.com

TECHNICAL SHEET Location: City of Montreal, Borough of Saint-Laurent Area: 2128 sq. ft. (second floor) Project manager: Maxime Moreau, architect Team: Isabelle. A. Jolicoeur, Gabrielle Morin Contributors: Francis Raymond (GMV3D) Contractor: Demonfort Project end date: August 2018

MXMA Architecture and Design, based in Montréal, Canada, is made up of architects and interior designers who are passionate about design and driven by the realm of possibilities. The agency attaches great value to the realization of individual architectural projects since each project contours our quality of life and our identity. However, the unique and sensitive approach of the creators takes them far beyond everyday function and homogeneous status quo. MXMA’s goal is to create experiences and places with meaning that inspire people. The creative process of MXMA and its spirit of connections bring individuals to discover living spaces that they never imagined possible. By shaping these new realities, MXMA creates personalized experiences for each person or group for whom it is designed. At the same time, the agency assures the functional and aesthetic quality of the buildings on which it works. MXMA realizes contemporary architectural works and exciting spaces that transform our social environment. The firm arranges the components of projects to create sensitive buildings that respond to their contexts but that stand apart through their iconic form. Such places stimulate our senses and create lasting memories.

REMY DISCH

UNE VAGUE

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LES CHEVEUX BLEUS

Remy Disch, pittore dell’animo umano, trasforma le energie che percepisce, dando forma al suo lavoro. L’artista autodidatta ha iniziato la sua carriera nel mondo dei media, per poi spostarsi in uno spazio di dolce e serena malinconia. Là ascolta, in silenzio, i movimenti e i mormorii della vita che gli si agita intorno, trasportandolo altrove, in un luogo pieno di tranquillità e mistero - un luogo dove i suoi schizzi, studi e ritratti risiedono senza dubbio prima di venire da lui. L’esperienza ventennale come regista e direttore artistico con Canal+, France Télévisions e altri importanti gruppi mediatici, dipingendo nel tempo libero, ha rafforzato la sua fede nei suoi simili e la sua capacità di trasmettere il tenore emotivo di un incontro e renderlo sublime Diciotto anni fa ha attirato l’attenzione per la prima volta presso la casa d’aste Drouot a Parigi; da quel giorno vende le sue opere. Oggi Disch esplora sognante il potenziale estetico dell’equilibrio, richiamando il frastuono della vita quotidiana per calmarsi in un momento di calmo, pacifico disorientamento. I volti inclinati che riempiono il suo lavoro, che ricorda il Rinascimento italiano con tocchi di Lynch e Modigliani, rivelano ciò che ciascuno diventa, sogna: speranza per un ritorno, desiderio che si avvera, vita a venire. Ogni storia si cristallizza lì, ogni ispirazione, ogni momento, prima di diventare - in un unico sussurro - figure allegoriche che risuonano nel tempo, facendo eco a tutto ciò che è vissuto e tutto ciò che è vivo. Le linee di Disch trasmettono l’essenza stessa dei suoi soggetti, trasformandoli in esseri meditativi senza tempo che contemplano l’artista e lo sostengono. La distinzione tra la tela e l’artista si confonde, fondendo corpo e spirito in uno: elevazione verso una nuova incarnazione.

Remy Disch, painter of the human soul, transforms the energies he senses, giving form to his work. The self-taught artist began his career in the media world, then shifted course to a space of gentle, serene melancholy. There, he listens, silent, to the movements and murmurings of life bustling around him, transporting him elsewhere, to a place filled with tranquillity and mystery – a place where his sketches, studies and portraits no doubt reside before they come to him. Twenty years’ experience as both film and artistic director with Canal+, France Télévisions and other major media groups, painting in his spare time, strengthened his faith in his fellow human beings and his capacity to convey the emotional tenor of an encounter and render it sublime. He first drew attention at the Drouot auction house in Paris eighteen years ago; his works have been traded ever since. Today Disch dreamily explores the aesthetic potential of balance, calling on the din of everyday life to still itself in a moment of calmed, peaceful disorientation. The tilted faces that fill his work, reminiscent of the Italian renaissance with touches of Lynch and Modigliani, reveal what each becomes, dreams of: hope for a return, a wish to come true, a life to come. Each story crystallises there, each inspiration, each moment, before – in a single whisper – becoming allegorical figures that resonate across time, echoing all that has lived and all that is alive. Disch’s lines convey the very essence of his subjects, transforming them into timeless, meditative beings contemplating the artist and substantiating him. The distinction between the canvas and the artist blurs, merging body and spirit as one: elevation towards a new incarnation.

Fabrizio Ramelli

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LA RENCONTRE

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LES DEUX SOEURS

EGREGORE

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LA DEMANDE

UN JOUR ENCORE

EPHEMERE

WEBSITE | dischr.com INSTAGRAM | @dischremy FACEBOOK | Disch Remy

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MARTINA ARDUINO (Principal dancer at La Scala Theatre), MARCO AGOSTINO (Milan Soloist dancer at La Scala Theatre, Milan)

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RAOUL IACOMETTI

CLAUDIO COVIELLO (Principal dancer at La Scala Theatre, Milan at La Scala Theatre, Milan), WALTER MADAU (Dancer at La Scala Theatre, Milan)

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Nei gesti e nelle posture controllate di una ballerina siamo abituati a leggere l’armonia del corpo e la straordinaria capacità di trasfigurare lo sforzo fisico fino a farlo diventare bellezza. Ammirati da tutto ciò, ci concentriamo sulle tensioni del corpo senza immaginare che i suoi movimenti possano inscriversi in un più ampio quadro di riferimento come facessero parte di un ordine cui tutta la natura è partecipe. Raoul Iacometti ha avuto la bellissima intuizione che tutto ciò sia possibile, iniziando così un lavoro che è andato a scoprire la sintonia che lega i gesti umani della danza alla realtà che fiori e piante ci suggeriscono. La struttura a dittici permette di riconoscere con facilità analogie davvero sorprendenti: per un verso sembra che siano le foglie lanceolate a suggerire alla ballerina la postura delle sue gambe, per l’altro si può immaginare che la natura umana e quella vegetale vivano di un’identica partecipazione e vibrino nella identica sintonia. O forse è il fotografo ad aver agito da attento regista di questo inedito spettacolo.

In the gestures and controlled postures of a dancer, we are used to reading the harmony of the body and the extraordinary ability to transfigure physical effort until it becomes beauty. Admired by all this, we focus on the tensions of the body without imagining that its movements can be inscribed in a broader frame of reference as if they were part of an order in which all nature participates. Raoul Iacometti had the wonderful intuition that all this is possible, thus starting a work that went to discover the harmony that links the human gestures of dance to the reality that flowers and plants suggest to us. The diptych structure allows you to easily recognize truly surprising analogies: on the one hand it seems that the lanceolate leaves suggest to the dancer the posture of her legs, on the other it can be imagined that human and plant nature live on a identical participation and vibrate in identical harmony. Or perhaps it is the photographer who acted as the careful director of this unprecedented show.

Roberto Mutti

Green Attitude nacque nella mia mente nell’autunno del 2008, mentre camminavo tra i corridoi di una serra in periferia di Milano. Passai un’intera giornata immerso nel verde, nel caldo artificiale di tende di plastica spessa e opaca e pareti di vetri appannati. Ero alla ricerca di qualche scatto adatto a completare un lavoro dal titolo “Di serra…”, esposto nei mesi successivi al Museo di Milano. La maggior parte delle fotografie scattate riguardavano inquadrature in close-up: mi avvicinai molto a piante e fiori seguendone le forme armoniose e dolci, simili a corpi

Green Attitude was born in my mind in the autumn of 2008, while I was walking through the corridors of a greenhouse on the outskirts of Milan. I spent a whole day immersed in greenery, in the artificial heat of thick, opaque plastic curtains and fogged glass walls. I was looking for some suitable shots to complete a work entitled “Di serra…”, exhibited in the following months at the Milan Museum. Most of the photographs taken concerned close-up shots: I got very close to plants and flowers following their harmonious and sweet shapes, similar to bodies that posed without ever getting

che posavano senza mai stancarsi, immobili in quell’unica posizione, in perfetta simbiosi con l’ambiente circostante. Poi spostai l’attenzione sulle strutture in ferro, sui corridoi di bancali e sulle pareti trasparenti, ma in quel momento non sembravano avere alcun collegamento con il mondo floreale, se non quello di protezione. Fu allora che l’idea di accostare fiori, piante e strutture alla danza arrivò in maniera naturale. Al termine di quella giornata, dopo aver preso qualche appunto sulla mia agenda, abbandonai l’idea in attesa del momento giusto per realizzarla. Nel 2011, lavorando ad un reportage commissionato e dedicato ai corsi di danza classica e moderna a livello amatoriale finalmente “Green Attitude” prese forma e struttura. In questo progetto la danza si fonde in maniera naturale con le piante e i fiori, all’interno e all’esterno di location che cambiano ogni volta: serre e vivai, polmoni artificiali sparsi ovunque, oasi di un verde perenne che non conoscono stagioni. Il progetto è no profit e tuttora work in progress. Gli artisti che animano gli scatti fotografici sono Étoile, Prime/i Ballerine/i, Solisti e danzatrici e danzatori che lavorano nelle più importanti Compagnie di danza nazionali ed internazionali, quali Teatro alla Scala di Milano, Opéra National de Bordeaux ed altre ancora. Si alternano sui vari set dando forma ed armonia ai dittici fotografici. Le location che ci ospitano nei loro spazi sono di varie tipologie: dalle classiche serre di diverse specie floreali a quelle a specifico indirizzo tematico, fino alle più moderne caratterizzate da tecnologia fotovoltaica o dai nuovi sistemi olandesi di movimentazione dei bancali, sui quali vengono disposte le piante e fiori.

tired, motionless in that one position, in perfect symbiosis with the environment surrounding. Then I shifted my attention to the iron structures, the corridors of pallets and the transparent walls, but at that moment they didn’t seem to have any connection with the floral world, except that of protection. It was then that the idea of combining flowers, plants and structures with the dance came naturally. At the end of that day, after taking a few notes on my agenda, I abandoned the idea waiting for the right moment to realize it. In 2011, while working on a reportage commissioned and dedicated to classical and modern dance courses at an amateur level, “Green Attitude” finally took shape and structure. In this project, dance blends naturally with plants and flowers, inside and outside of locations that change every time: greenhouses and nurseries, artificial lungs scattered everywhere, oasis of perennial green that knows no seasons. The project is a non-profit and still work in progress. The artists who animate the photographs are Étoile, Prime / i Ballerine / i, Soloists and dancers who work in the most important national and international dance companies, such as Teatro alla Scala in Milan, Opéra National de Bordeaux and others. They alternate on the various sets, giving shape and harmony to the photographic diptychs. The locations that host us in their spaces are of various types: from the classic greenhouses of different floral species to those with a specific thematic address, up to the most modern ones characterized by photovoltaic technology or by the new Dutch pallet handling systems, on which the plants and flowers.

Raoul Iacometti

MARIA CELESTE LOSA (Soloist dancer at La Scala Theatre, Milan) 109

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LAVINIA SCOTT (Freelance dancer, formerly with “eVolution Dance Theater”, Roma)

SARA RENDA (Étoile at Opéra National de Bordeaux, France)

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AZZURRA ESPOSITO (Dancer at La Scala Theatre, Milan)

VIRGINIA LENSI (Dancer at American Ballet Teathre, New York, USA)

MARTA GERANI (Dancer at La Scala Theatre, Milan )

Raoul Iacometti, nato a Milano nel 1961, svolge l’attività di fotografo free-lance alternando la ricerca personale al lavoro commerciale in diversi settori: reportage di documento e socio-umanitario, fotografia industriale e d’interni, eventi, danza e ritratto. Le sue fotografie sono pubblicate su riviste, quotidiani e libri, sono utilizzate per cover/booklet di CD di musicisti italiani e stranieri. Ha ricevuto molti riconoscimenti nei più importanti contest nazionali ed internazionali. Sue fotografie fanno parte dell’Archivio Storico Fotografico della Fondazione 3M, dell’Archivio Fotografico Italiano ed importanti collezioni private. Fra i suoi lavori più significativi sono da ricordare “Di terra e di fuoco” (2006) reportage sulle ex miniere presso le colline metallifere nel territorio di Massa Marittima (GR), “Ai confini del mare” (1986/2019), “Tre giorni a Madrid” (2007), “I suoni delle Dolomiti” (2007), “Di serra” (2008), “Quale madre” (2008) dedicato al tema della maternità e “Botteghe” (2008) sulla filiera agroalimentare e sull’importanza del cibo nella nostra vita quotidiana; “Just Dancers” (2011) reportage fotografico sul mondo della danza amatoriale classica, contemporanea e jazz. Nel 2008 crea il progetto no profit “Green Attitude”, la danza legata al mondo di fiori e piante, utilizzando palcoscenici inediti come serre e vivai, luoghi dove ambienta tutti gli scatti, che pubblica ufficialmente nella primavera del 2013. Da quella data il lavoro è ancora work in progress in attesa di diventare un volume fotografico. Le danzatrici e i danzatori provengono da importanti corpi di ballo quali il Teatro alla Scala di Milano, l’Opera di Bordeaux, l’Opera di Roma, l’Opera Nationale de Paris ed altri ancora. Nel 2013 è la volta di “Fotografie e altre storie…” un format che fonde, tramite la fotografia, l’arte della scrittura, della musica

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Raoul Iacometti, born in Milan in 1961, works as a freelance photographer alternating personal research with commercial work in various sectors: document and socio-humanitarian reportage, industrial and interior photography, events, dance and portrait. His photographs are published in magazines, newspapers and books, they are used for cover / booklet of CDs of Italian and foreign musicians. He has received many awards in the most important national and international contests. Photographs of him are part of the Historical Photographic Archive of the 3M Foundation, of the Italian Photographic Archive and important private collections. Among his most significant works are to remember “Di terra e di fuoco” (2006) reportage on the former mines in the metalliferous hills in the territory of Massa Marittima (GR), “At the borders of the sea” (1986/2019), “Tre days in Madrid “(2007),” The sounds of the Dolomites “(2007),” Di serra “(2008),” Which mother “(2008) dedicated to the theme of motherhood and” Botteghe “(2008) on the agri-food chain and importance of food in our daily life; “Just Dancers” (2011) photographic reportage on the world of classical, contemporary and jazz amateur dance. In 2008 he created the non-profit project “Green Attitude”, the dance linked to the world of flowers and plants, using unprecedented stages such as greenhouses and nurseries, places where he set all the shots, which he officially published in the spring of 2013. From that date the work is still a work in progress waiting to become a photographic volume. The dancers come from important ballet companies such as the Teatro alla Scala in Milan, the Bordeaux Opera, the Rome Opera, the Opera Nationale de Paris and others. In 2013 it was the turn of “Photographs and other stories ...” a format that blends, through photography, the art of writing,

music and dance. Since 2016 the show has been conducted with Carlo Negri (writer and author of television and theatrical texts among others Zelig and the shows by Giuseppe Giacobazzi). From 2015 to today he has been involved in a social-humanitarian reportage project linked to degenerative diseases such as muscular dystrophy and the like, collaborating with important voluntary associations, including UILDM, UNITALSI and the Nemo Clinical Center, within the hospital Niguarda of Milan. From this project was born the photographic exhibition “Some of Us”, black and white images that tell the care in the ward, the activities and volunteering. Also in 2015 he was one of the three authors chosen by Roberto Mutti for “Obiettivo Lampedusa”, a reportage dedicated to the island and its inhabitants. The photographs are part of a traveling exhibition and a photographic volume published by Silvana Editore. From the end of 2016 to May 2018 he follows a project on Made in Italy Design in collaboration with the Caimi Brevetti Company. The result is a photographic book with over 200 images in black and white (reportage of the work, portraits of the most important Italian and foreign designers and more). The book is edited by Aldo Colonnetti, historian and theorist of art, design and architecture, and published by Skira Editore. He holds basic and advanced courses in photography and photographic workshops throughout the country and abroad on various topics including portrait, dance, street photography and, since 2010, iPhoneography. In May 2015 he received the honor of “Author of the Year 2015” from the Italian Federation of Photographic Associations, with the publication of “Stories”, a book that contains some of his best-known photographs of him.

CARLOTTA ONESTI (Dancer at Opéra National de Paris, France)

e della danza. Dal 2016 lo spettacolo è condotto con Carlo Negri (scrittore e autore di testi televisivi e teatrali tra gli altri Zelig e gli spettacoli di Giuseppe Giacobazzi). Dal 2015 ad oggi è impegnato in un progetto di reportage socio-umanitario legato alle malattie degenerative come la distrofia muscolare e simili, collaborando con importanti associazioni di volontariato, tra le quali UILDM, UNITALSI e il Centro clinico Nemo, all’interno dell’Ospedale Niguarda di Milano. Da tale progetto è nata la mostra fotografica “Alcuni di Noi”, immagini in bianconero che raccontano le cure in reparto, le attività e il volontariato. Sempre nel 2015 è uno dei tre autori scelti da Roberto Mutti per “Obiettivo Lampedusa”, un reportage dedicato all’isola e ai suoi abitanti. Le fotografie fanno parte di una mostra itinerante e di un volume fotografico edito da Silvana Editore. Dalla fine del 2016 al maggio 2018 segue un progetto sul Design Made in Italy in collaborazione dell’Azienda Caimi Brevetti. Il risultato è un libro fotografico con oltre 200 immagini in bianconero (reportage delle lavorazioni, ritratti ai più importanti designer italiani e stranieri e altro ancora). Il il libro è a cura di Aldo Colonnetti, storico e teorico dell’arte, del design e dell’architettura, e pubblicato da Skira Editore. Tiene corsi base e avanzati di fotografia e workshop fotografici in tutto il territorio nazionale e all’estero su diverse tematiche tra le quali ritratto, danza, street-photography e, dal 2010 di iPhoneography. Nel maggio 2015 riceve l’onorificenza di “Autore dell’Anno 2015” dalla Federazione Italiana delle Associazioni Fotografiche, con la pubblicazione di “Storie”, un libro che contiene alcune delle sue fotografie più conosciute.

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114 VIRNA TOPPI (Principal dancer at La Scala Theatre, Milan)

WEBSITES | raouliacometti.it - green-attitude.it FACEBOOK | Raoul Iacometti - Green Attitude INSTAGRAM | @raoul_i

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Miss Van La Dorothy Circus Gallery di Londra è orgogliosa di presentare al suo pubblico Moonlight Pale Muses, mostra personale dell’artista francese Miss Van che inaugurerà in data 10 aprile 2021 presso la sede britannica della galleria con un’inedita serie di oli su tela. La mostra sarà visitabile al pubblico fino al 15 maggio 2021. A cavallo tra le atmosfere proibite del Moulin Rouge e le bellezze rinascimentali del Botticelli, i soggetti di Miss Van conducono il visitatore lungo un viaggio di sensi incentrato ancora una volta sulla figura femminile, in quest’occasione declinata attraverso i molteplici costumi ritratti negli oli e nei disegni di Miss Van. Vicina in questo ai colleghi SANER e Afarin Sajedi, i soggetti dell’artista ci conducono in un mondo animalesco di vistosi copricapi e travestimenti, in un rendez-vouz folkloristico con gli stessi soggetti incontrati nei suoi viaggi, che influenzano l’artista a tal punto da riportarne su tela gli stimoli più significativi. Una donna contemporanea e emancipata che, novella Gulliver, reinterpreta e omaggia gli stimoli culturali assimilati in occasione delle sue peregrinazioni e, con la stessa curiosità e naturalezza del nobile inglese nato dalla penna irridente di Jonathan Swift nel 1726, li rielabora in una chiave personalissima e legata al femminile. Le donne di Miss Van risultano infatti all’osservatore come emancipate, impavide, quasi sfrontate nella loro nudità e nel primitivismo dei costumi che però, più che a ricordare le atmosfere caraibiche della donna esotica di Gauguin, ci riportano come al termine di un lungo Gran Tour, in Francia, a casa, dritti tra le braccia della scandalosa Olympia di Edouard Manet. Caratterizzate infatti da morbide curve, pelle di porcellana, e lunghi capelli a cascata su corpi sinuosi, i personaggi raffigurati in questa serie denunciano con forza la contro-tendente mentalità dell’artista, rivendicando un forte senso di emancipazione, di accettazione del proprio corpo, di sfida al normativo che, se possono magari ricordare iconograficamente il pittoricismo di un giovane Pietro da Cortona nel suo ciclo di Santa Bibiana, ci riportano concettualmente alle più violenti lotte per l’affermazione femminile, e alla pittura delle più intraprendenti Frida Kahlo e Tamara De Lempicka. Una profonda chiave estetica legata al costume, dove la donna contemporanea ricerca la simbologia antica legata alla spiritualità locale, e la sacralità e la tradizione dei colori i cui singoli elementi vengono simbolicamente esplorati dalla pittrice; una sensibilità portata all’assimilazione dell’altrui cultura, mediata attraverso un’indagine minuziosa del materiale nel suo significato più simbolico e spirituale, dalla perla al lapislazzulo; una raffigurazione simbolica della donna che viaggia e che si muove e che ci sfida con la sua corporeità, non sono quindi che alcuni degli ingredienti presenti in questa nuova serie di Muse, provocanti e provocatorie nelle pennellate intense di quest’artista girovaga. BIOGRAFIA Miss Van (conosciuta anche come Vanessa Alice) ha iniziato a dipingere murales all’età di 20 anni, nel 1993, dando inizio al movimento femminile nella Street Art. Originaria di Tolosa, in Francia, e dopo aver trascorso la maggior parte della sua vita artistica a Barcellona, Miss Van ha viaggiato per il mondo dipingendo le sue donne immediatamente riconoscibili per le strade, oltre che su tela. Ha esposto ampiamente per decenni in tutto il mondo in Europa, Stati Uniti e Asia. Le recenti attività artistiche di Miss Van l’hanno portata a Los Angeles, Miami, New York, San Francisco, nel Regno Unito e in Europa, il che segna un recente ritorno alla street art, dopo diversi anni trascorsi esclusivamente a dipingere in studio, caricando le sue nuove opere con maggiore profondità, emozione e un’elevata oscurità e delicatezza romantica. I suoi iconici personaggi femminili sensuali riappaiono in maschere di animali sensuali ma oscure e in ambienti in evoluzione. In una vaga composizione romantica, portano una qualità surreale di burlesque, che risuona con una bellissima sinergia di crudezza, morbidezza ed emozione. Miss Van aggiunge: “Sto evolvendo e crescendo con i miei dipinti. È l’unico modo, quando dipingi con emozioni e sentimenti. Sto cercando di essere sincero con me stesso. “ Miss Van festeggia oltre 25 anni di pittura“.

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Dorothy Circus Gallery 35 Connaught St, St George’s Fields London, United Kingdom

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BLUE HAIR MUSE, 2021. Oil on canvas, 61 x 50 cm

GITANA VII, 2018. Oil on canvas

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PALE MOONLIGHT MUSE I, 2020. Oil on canvas, 73 x 60 cm

PALE MOONLIGHT MUSE IV, 2020. Oil on canvas

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PALE MOONLIGHT MUSE I, 2020. Oil on canvas

BIOGRAPHY ‘Miss Van ( also known as Vanessa Alice ) started wall-painting at the age of 20, in 1993, initiating the feminine movement in Street Art. Originating from Toulouse, France and having spent most of her artistic life in Barcelona, Miss Van has travelled the world painting her instantly recognizable women on the streets, as well as on canvas. She has exhibited extensively for decades worldwide in Europe, USA and Asia. Miss Van’s recent artistic pursuits have taken her to Los Angeles, Miami, New York, San Francisco, UK and Europe, which hallmarks a recent return to street art, after several years spent solely painting in the studio, charging her new works with increased depth, emotion and an elevated romantic darkness and delicacy. Her iconic sultry female characters reappear in sensual yet dark animal masks and evolving environments. In a gauzy romantic compositions, they carry a surreal quality of burlesque, resonating with a beautiful synergy of rawness, softness and emotion. Miss Van adds, “I’m evolving and growing up with my paintings. It’s the only way, when you paint with emotions and feelings. I’m trying to be true with myself.” Miss Van is celebrating over 25 years of painting’.

PALE MOONLIGHT MUSE III, 2020. Oil on canvas, 55 x 38 cm PALE MOONLIGHT MUSE V, 2020. Oil on canvas, 66 x 50 cm

Dorothy Circus Gallery London is proud to present to its public Moonlight Pale Muses, Miss Van’s Solo Show which will open on April the 10th 2021 at our venue in London, with a brand new series of artworks. The exhibition will be open to the public until May 15th 2021. Straddling the prohibited atmospheres of Moulin Rouge and Botticelli’s renaissance beauties, Miss Van’s subjects carry the visitor in a long voyage of senses. The artist focuses once again on the female figure; this time declined through the different costumes portrayed in the Oils and Drawings. Similar to her colleagues SANER and Afarin Sajedi, Miss Van creates characters that lead us in an animalistic world, made of flashy headwear and costumes, in a folkloric rendez-vouz. The same subjects we have encountered in her previous travels bring the artist to display the most significative stimuli on canvas. Like Gulliver before her, Miss Van gives her interpretation and presents a tribute to cultural incentive assimilated during her peregrinations. Recognised for her similar curiosity and simplicity of the Noble Englishman born from the mocking pen of Jonathan Swift in 1726, she re-elaborates them with a personal and feminine key. The viewer sees Miss Van’s women as independent, fearless, almost bold, in their nudity and primitivism of the costumes. They are reminding us of the Caribbean atmospheres of Gauguin’s exotic women. Her artworks bring to our minds - like the end Gran Tour, in France, in a house, right into the arms of the scandalous Olympia by Edouard Manet. Characterised by soft curves, porcelain skin, and long cascading hair over sinuous bodies, the subjects portrayed in this series denounce with force the countertrends mentality of Miss Van. She claims a strong sense of emancipation, accepting one’s own body, and challenging the normative. Iconographically they remind us of a young Pietro da Cortona’s pictorialism, especially in his cycle of Santa Bibbiana. In that case, these women also remind us of the more recent, violent fights for affirming women’s rights, reminding the painting of Frida Kahlo and Tamara De Lempicka. Her subjects are characterised by a profound aesthetic key, tied to costume and fabric. Additionally, a sensibility brought to the assimilation of the culture of others; a symbolic depiction of the woman that travels that moves, that challenges us with her corporeity are just some of the elements present in this new series of Muses, provocative and challenging in the intense brushstrokes of this Wandering Artist.

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INTERVIEW BY ELEONORA VAROTTI INSTAGRAM | @eleonoramelaniavarotti SHOOTING CREDITS Model: Enrica Scielzo Photographer: Felicia Maria Iannone Make up: Daniela Santoriello Location: Villa Wenner (Salerno) Set designer: Avagliano Home Flowers

ENRICA SCIELZO 124

Abito: ATELIER DE SANTIS Enrica Scielzo è la prima fashion e beauty blogger transessuale al mondo, nonché una rinomata consulente di immagine ed esperta del colore. Enrica ha da sempre tenuto una sorta di diario online, fin dai tempi di MSN e MySpace. Finito il liceo, apre il suo primo vero e proprio blog The Queen Beetch, che però si ritrova ad abbandonare presto per proseguire la carriera universitaria. Dopo la laurea, si trasferisce a Londra per intraprendere uno stage di fashion marketing, comincia a lavorare come modello androgino, e nel 2012 vince il contest “Fresh Face of Italy”. Nel 2014 apre The Ladyboy, “un invito alla spensieratezza, alla bellezza e all’essere se stessi” dove, oltre a parlare di moda e cosmetici, ha anche raccontato il suo difficile percorso nella rubrica “Diario di una trans”. Oggi il suo blog ha subito un “cambio look”, pur conservando il suo inconfondibile logo fucsia e lo stesso spirito di sempre: nasce così The Lookmaker (www.enricascielzo.com).

Enrica Scielzo is the world’s first transsexual fashion and beauty blogger, as well as a renowned image consultant and color expert. Enrica has always kept a sort of online diary, since the days of MSN and MySpace. After high school, she opens her first real blog The Queen Beetch, which however she finds herself leaving early to continue her university career. After graduation, she moves to London to undertake a fashion marketing internship, she starts working as an androgynous model, and in 2012 she wins the “Fresh Face of Italy” contest. In 2014 she opens The Ladyboy, “an invitation to carefree, beauty and being oneself” where she, in addition to talking about fashion and cosmetics, also told about her difficult journey in the column “Diary of a trans” . Today her blog has undergone a “change of look”, while retaining its unmistakable fuchsia logo and the same spirit as always: thus The Lookmaker (www.enricascielzo.com) was born.

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Enrie was the nom de plume I used for years, when I still wasn’t sure what I wanted to be: it was my bump, my chrysalis, and that’s how I decided to open The Ladyboy and tell my story as a trans from the first day I took hormones to the name change on the documents. Enrica was certainly reborn when I had breast surgery: it was then that my body began to resemble a little more the idea I had of myself. Not even to do it on purpose, I operated in the clinic where my mother gave birth to me: for me it was truly a rebirth, in every sense, and I chose to keep the name my parents had chosen for me to carry with me a piece of my history and what I have been. EV: Quali difficoltà hai incontrato nel nostro paese? ES: Non posso fare paragoni con altri paesi perché il mio percorso trans si è sviluppato solo qui, ma per una volta devo spezzare una lancia a favore dell’Italia e dire che – nonostante i tempi lenti che penso siano comuni anche ad altri stati – la mia transizione a livello tecnico e logistico non ha avuto grossi intoppi, almeno non a causa della geografia. Certo, scontrarsi con le opinioni ed i giudizi della gente è all’ordine del giorno, ma penso sarebbe uguale se non peggio in Alabhama, in Romania o a Timbuctu. L’Italia è un paese molto più aperto culturalmente di quanto non si possa pensare: lo dimostra il fatto che siamo stati il secondo paese al mondo (dopo la Nuova Zelanda) ad avere una persona transessuale in parlamento, Vladimir Luxuria. Negli Stati Uniti questo non è ancora successo. Però votano Trump. O Putin, in Russia. Ci tengo inoltre a sottolineare che in Italia l’operazione finale di riattribuzione del sesso è sovvenzionata dallo stato e proprio di recente è stato votato che anche gli ormoni da assumere diventino gratuiti per le persone transessuali. Questo ci dovrebbe far capire quanto siamo avanti sotto certi aspetti rispetto a tanti modelli esteri che vogliamo a tutti i costi imitare. EV: Which difficulties You have encountered in our country? ES: II cannot make other comparisons with other countries because my trans path has developed only here, but for once I have to break a lance in favor of Italy and say that - despite the slow times that I think are also common to other states - my transition on a technical and logistical level went smoothly, at least not because of geography. Of course, clashing with people’s opinions and judgments is the order of the day, but I think it would be the same if not worse in Alabama, Romania or Timbuktu. Italy is a much more culturally open country than one might think: this is demonstrated by the fact that we were the second country in the world (after New Zealand) to have a transsexual person in parliament, Vladimir Luxuria. In the United States this has not yet happened. But they vote for Trump. Or Putin, in Russia. I would also like to emphasize that in Italy the final sex reassignment operation is subsidized by the state, and just recently it was voted that even the hormones to be taken become free for transsexuals. This should make us understand how far we are ahead in some respects compared to many foreign models that we want to imitate at all costs.

un po’ di più all’idea che avevo di me. Neanche a farlo apposta, mi sono operata proprio nella clinica in cui mia mamma mi aveva dato alla luce: per me è stata veramente una rinascita, in tutti i sensi e ho scelto di mantenere il nome che i miei genitori avevano scelto per me per portarmi dietro un pezzo della mia storia e di quello che sono stata. Eleonora Varotti: When was Enrica reborn? Enrica Scielzo: It has been a very long and troubled journey. After university I went to do an internship in London, in the field of fashion marketing: in those days I was still Enrico, and the atmosphere of openness and freedom that reigned in the English capital made me understand many things about myself . For example that my name, Enrico, was close to me. Especially the final “o”, which in Italian designates the singular masculine gender. I still didn’t know - or maybe I wasn’t ready - to become trans, to fully admit and accept my feminine self; so I decided to change my name and became Enrie, with a final -e that seemed much more concessive to me, neither male nor female, in homage to one of my greatest icons: Edie Sedgwick.

EV: Cosa significa trasformare il proprio corpo e arrivare finalmente a stare bene con se stessi interiormente? ES: Significa raggiungere un equilibrio - non solo fisico, ma anche mentale. Alcuni pensano che si diventi trans per gli altri, o per trovare un uomo, o per vedersi più belle, ma non è così. Diventare trans significa sapere esattamente cosa si vuole essere e dedicare la propria vita a quell’obiettivo, trasformarla in qualcosa di meraviglioso, che desideravi da tanto, arrivare ad essere ciò che volevi: felice. Essere trans è un regalo che fai a te stessa. C’è chi da piccolo vuole diventare calciatore o astronauta: io volevo diventare donna. Ho semplicemente realizzato il mio sogno. EV: What it means to transform your body and finally get to be good with yourself interior? ES: It means achieving balance - not only physical, but also mental. Some think that you become trans for others, or to find a man, or to look more beautiful, but that’s not the case. Becoming trans means knowing exactly what you want to be and dedicating your life to that goal, transforming it into something wonderful,

Giacca: DE SANTIS ALVAREZ - Pantaloni: ASOS DESIGN - Scarpe: CASADEI - Orecchini: CHANEL

Eleonora Varotti: Quando è ri-nata Enrica? Enrica Scielzo: È stato un percorso molto lungo e travagliato. Dopo l’Università sono andata a fare uno stage di lavoro a Londra, nel campo del marketing di moda: a quei tempi ero ancora Enrico, e il clima di apertura e libertà che si respirava nella capitale inglese mi ha fatto capire tante cose di me. Ad esempio che il mio nome, Enrico, mi stava stretto. Soprattutto quella “o” finale, che in italiano designa il genere maschile singolare. Ancora non sapevo – o forse non ero pronta – a diventare trans, ad ammettere e ad accettare appieno il mio io femminile; così decisi di cambiare nome e diventai Enrie, con una -e finale che mi sembrava molto più concessiva, non maschio né femmina, in omaggio a una delle mie più grandi icone: Edie Sedgwick. Enrie è stato il nom de plume che ho utilizzato per anni, quando ancora non ero sicura di ciò che volevo essere: è stato il mio bozzo, la mia crisalide, ed è così che decisi di aprire The Ladyboy e raccontare il mio percorso da trans dal primo giorno in cui ho preso gli ormoni fino al cambio di nome sui documenti. Enrica è sicuramente ri-nata quando ho fatto l’intervento al seno: è allora che il mio corpo ha cominciato ad assomigliare

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Abito: SOFIA COLASANTE - Scarpe: STEVE MADDEN

that you have wanted for a long time, becoming what you wanted: happy. Being trans is a gift you give to yourself. There are those who as a child want to become a footballer or an astronaut: I wanted to become a woman. I simply made my dream come true. EV: Come sei arrivata a voler creare questa professione e come è nato The Lookmaker? ES: La mia professione, oggi, è fatta di tutto ciò che ho sempre amato fin da piccola: i vestiti, i colori, la moda, il trucco, l’arte, le donne. Da piccola mi divertivo a consigliare alle mie sorelle e alle mie cugine come vestirsi o come truccarsi e non mancavo mai di regalare loro i bracciali, gli abiti o i cosmetici che avrei voluto poter indossare io. Sono temi a me cari da sempre, di cui mi sono sempre interessata nel mio privato e di cui avevo cominciato a parlare sul mio blog in maniera informale ben prima che la consulenza di immagine e l’armocromia diventassero di moda, ma non avevo mai pensato di poterne fare una vera e propria professione. Ho quindi deciso di seguire dei corsi, mi sono diplomata prima come image consultant e poi come makeupartist con tanto di lode, e ho deciso di trasformare la mia passione in un lavoro che potesse aiutare anche gli altri a sentirsi e vedersi meglio. The Lookmaker (www.enricascielzo.com) è nato dalla necessità di un cambio nella mia vita: il mio blog precedente. The Ladyboy, mi aveva dato la popolarità, mi ha portato ad essere intervistata, a comparire in televisione e sui giornali, ma era come se la gente si interessasse a me solo perché ero trans. Così ho deciso di cambiare il nome del mio blog per essere conosciuta come lookmaker, e non solo come “la blogger trans”. Volevo che fosse il mio lavoro a parlare per me, non la mia condizione. EV: How did You come to want to create this profession and how the Lookmaker was born? ES: My profession today is made up of everything I’ve always loved since I was a child: clothes, colors, fashion, make-up, art, women. As a child I enjoyed advising my sisters and cousins how to dress or how to wear makeup, and I never failed to give them the bracelets, dresses or cosmetics that I wished I could wear. These are themes that have always been dear to me, which I have always been interested in in my private life and which I had

started talking about on my blog in an informal way well before image consultancy and color harmony became fashionable, but I had never thought about it. to be able to make it a real profession. So I decided to take courses, I graduated first as an image consultant and then as a makeup artist with lots of praise, and I decided to turn my passion into a job that could help others to feel and see themselves better. The Lookmaker (www.enricascielzo.com) was born from the need for a change in my life: my previous blog. The Ladyboy, it had given me popularity, it led me to be interviewed, to appear on television and in newspapers, but it was as if people only cared about me because I was trans. So I decided to change the name of my blog to be known as a lookmaker, and not just as “the trans blogger”. I wanted my job to speak for me, not my condition. EV: Cosa ti ha spinto a voler lavorare con e per le donne? ES: Per essere corretti, devo dire che non lavoro solo con le donne, perché la consulenza di immagine è un servizio per tutti ed ho spesso effettuato analisi del colore o della figura anche agli uomini. Eppure mi rendo conto che quando parlo di moda o di look nelle mie stories di Instagram lo faccio principalmente in chiave femminile, ma semplicemente perché è ciò che amo e ciò che conosco meglio: le donne per me sono sempre state un sogno irraggiungibile, una magia. Loro rappresentavano tutto ciò che avrei voluto essere, e anche da bambino ne studiavo i gesti, gli abiti, le movenze, il trucco, affinando il mio gusto estetico insieme al mio senso critico, mettendo le basi per quello che sarebbe diventato un giorno il mio lavoro. È bellissimo, per me, poterle aiutare a piacersi, a valorizzarsi, a vedersi più belle: io per prima ho passato gran parte della mia vita a non piacermi e a non accettarmi, e forse il fatto di dover scavare dentro di me per trovare la bellezza – per trovare Enrica dentro Enrico – mi ha dato la forza e l’ispirazione per spingere gli altri a fare lo stesso. Essere donna per me è un privilegio che voglio condividere con gli altri. EV: What made You want to work with and for women? ES: To be fair, I must say that I do not work only with women, because image consultancy is a service for everyone and I have often performed color or figure analyzes for men as well. Yet I realize that when I talk about fashion or look in my Instagram

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EV: Come ti vedono le donne? ES: Per certi aspetti, il mio rapporto con le donne è molto cambiato negli anni: se gli uomini cominciano a guardarti con curiosità e anche un certo desiderio quando diventi trans, molte donne cominciano a trattarti con diffidenza. Quando sei gay le donne ti vedono un po’ come l’amico del cuore, quello

diventano amiche, e persone che mi seguono con affetto e con cui riesco ad instaurare un rapporto bellissimo. Sono convinte che nella vita ci voglia sempre classe, eleganza ed educazione, e sono contenta che le persone – uomini, donne, trans, etero o gay che siano - mi riconoscano per questo e non per il mio sesso. EV: How Women see You? ES: In some respects, my relationship with women has changed a lot over the years: if men start looking at you with curiosity and even a certain desire when you become trans, many women start to treat you with distrust. When you are gay, women see you as a bit like the best friend, the one who gives advice on men and clothes, the ideal confidant like “Will & Grace”; when you become trans many start to perceive you as a threat just because you are talking to their boyfriend. Suddenly, from ally you become a competitor, and this thing has often made me feel bad because I was born in a family of women and I am very much for female solidarity, otherwise I could not have dedicated my life to helping women to feel most beautiful. The same happens in the LGBT community: already effeminate guys like me are often criticized and accused of being “shattered”, “beaten”, “sprained wrist”, “passive” with an almost always negative meaning, when you are trans you are not even plus one of them, you are something different, and the different often arouses envy or fear, even in subcultures. Unless you are a likeable and catalyst character, trans women are always viewed with skepticism at first, even by gays and trans themselves. Obviously these are isolated and exasperated cases, and there are those who manage to go further and admire you for what you are, for what you do, for how you stand. In this sense, I feel lucky to have wonderful clients who often become friends, and people who follow me with affection and with whom I can establish a beautiful relationship. I am convinced that in life you always need class, elegance and education, and I am happy that people - men, women, trans, straight or gay - recognize me for this and not for my gender. EV: Dati i tanti sacrifici che la comunità LGBTQ sta facendo in Italia per raggiungere obiettivi ambiziosi, qual è il tuo messaggio per i ragazzi che stanno attraversando un percorso molto tortuoso come lo è stato il tuo? ES: Il mio messaggio è quello di non aver paura di essere diversi. Oggi sembra che la parola “diverso” sia quasi un’offesa, un termine sconveniente, che non si può dire. Io sono convinta che le parole sono in gran parte l’uso che se ne fa: “diverso” significa semplicemente “non uguale a tutti gli altri”, che personalmente trovo una cosa bellissima: chi mai vorrebbe essere uguali a tutti gli altri, quando può essere unico? Coco Chanel diceva che “per essere insostituibili bisogna essere diversi” ed io lo credo fermamente. Ho passato gran parte della mia vita a rinnegare ciò che ero veramente, a lottare contro me stessa e a voler essere come gli altri, ma alla fine ho capito che ciò che rende prezioso un diamante è proprio il fatto che sia diverso da tutte le altre pietre.

che dà consigli sugli uomini e sui vestiti, il confidente ideale alla “Will& Grace”; quando invece diventi trans molte iniziano a percepirti come una minaccia solo perché stai parlando con il loro ragazzo. All’improvviso, da alleato diventi una competitor, e questa cosa mi ha spesso fatta stare male perché io sono nata in una famiglia di donne e sono molto per la solidarietà femminile, altrimenti non avrei potuto dedicare la mia vita ad aiutare le donne a sentirsi più belle. Lo stesso accade nella comunità LGBT: già i ragazzi effeminati come me vengono spesso criticati e tacciati di essere “sfrante”, “sbattute”, “polso slogato”, “passive” con un’accezione quasi sempre negativa, quando sei trans non sei neanche più uno di loro, sei qualcosa di diverso, e il diverso suscita spesso invidia o paura, anche nelle subculture. A meno che non sei un personaggio simpatico e catalizzatore, le trans all’inizio vengono sempre guardate con scetticismo, anche dai gay e dalle trans stesse. Ovviamente questi sono casi isolati ed esasperati, e c’è chi invece riesce ad andare oltre e ti ammira per quello che sei, per quello che fai, per come ti poni. In questo senso, mi sento fortunata ad avere clienti meravigliose che spesso

EV: Given the many sacrifices that the LGBTQ community is making in Italy to reach ambitious goals, what is your message for the children who are traveling a very tortuous path as yours was it? ES: My message is not to be afraid to be different. Today it seems that the word “different” is almost an offense, an inappropriate term, which cannot be said. I am convinced that words are largely the use made of them: “different” simply means “not the same as everyone else”, which I personally find a beautiful thing: who would ever want to be the same as everyone else, when can it be unique? Coco Chanel used to say that “to be irreplaceable you have to be different”, and I firmly believe that. I have spent most of my life denying what I really was, fighting against myself and wanting to be like others, but in the end I realized that what makes a diamond precious is the fact that it is different from all other stones. . WEBSITE | enricascielzo.com INSTAGRAM | @enricascielzo

Abito: ATELIER DE SANTIS - Scarpe: ASOS DESIGN - Orecchini: CHANEL - Collana vintage

stories I do it mainly in a feminine key, but simply because it is what I love and what I know best: women have always been an unattainable dream for me, a magic . They represented everything I wanted to be, and even as a child I studied their gestures, clothes, movements, make-up, refining my aesthetic taste together with my critical sense, laying the foundations for what would one day become mine. work. It is wonderful for me to be able to help them like each other, to value themselves, to see themselves more beautiful: I was the first to spend most of my life not liking and not accepting myself, and perhaps the fact of having to dig inside me to find beauty - to find Enrica inside Enrico - gave me the strength and inspiration to push others to do the same. Being a woman for me is a privilege that I want to share with others.

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Photo Credits: MARCO CARIBONI

Dossier 02/2021 133

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E H NIC I

PP O E C M NE GIULIO

M À T I C O L E V

A partire dal 1985, ogni anno il 28 e il 29 dicembre, Bormio si veste di internazionalità grazie alle gare di Coppa del Mondo di Sci che richiamano nell’arco alpino atleti e relativi teams da tutto il mondo. Il pubblico è sempre copioso: per sciatori e non, è irresistibile il richiamo allo spettacolo che regalano i concorrenti, la cui velocità sfiora quasi i 140 km/h. La pandemia in corso ha costretto gli organizzatori dell’Audi Fis World Cup 2020/21 a svolgere le gare a porte chiuse, il che ha comunque comportato l’affluenza di centinaia di persone; infatti per ogni atleta vi sono allenatori, massaggiatori, fisioterapisti e tecnici, senza contare i vari operatori della stampa e dei media, oltre all’aiuto della comunità locale: dai maestri di sci ai preparatori della pista, dal soccorso alpino agli organizzatori che coordinano ogni aspetto dell’evento. Così, un comune al di sotto di 5000 abitanti è diventato luogo di transito per quattro giorni – due giorni di prove e due di gare – di 68 atleti provenienti da 11 nazioni, potendo vantare sia partecipazioni europee (Austria, Francia, Germania, Italia, Norvegia, Spagna, Svezia e Slovenia), oltre alla Svizzera, che oltreoceano (USA e Canada); risultano invece assenti i concorrenti per Africa, Asia (nemmeno la Mongolia ha partecipato) e Oceania. Dunque uno sguardo privilegiato quello di Giulio Ceppi (Lecco, 1965) che ha catturato per Glamour Affair Vision l’essenza e il principale aspetto che caratterizza la discesa libera lungo la Pista Stelvio di Bormio: la velocità.

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Since 1985, every year on 28th and 29th December, Bormio become international thanks to the Ski World Cup races that attract athletes and related teams from all over the world to the Alps. The public is always plentiful: for skiers and non-skiers, the call to the spectacle offered by the competitors is irresistible, whose speed reaches almost 140 km / h. The ongoing pandemic has forced the organizers of the Audi Fis World Cup 2020/21 to run the races behind closed doors, which in any case resulted in the influx of hundreds of people; in fact, for each athlete there are trainers, masseurs, physiotherapists and technicians, not to mention the various press and media operators, in addition to the help of the local community: from ski instructors to slope trainers, from mountain rescue to the organizers who coordinate each aspect of the event. Thus, a municipality of less than 5000 inhabitants became a place of transit for four days - two days of tests and two days of competitions - of 68 athletes from 11 nations, boasting both European participations (Austria, France, Germany, Italy, Norway, Spain, Sweden and Slovenia), in addition to Switzerland, and overseas (USA and Canada); On the other hand, competitors for Africa, Asia (not even Mongolia participated) and Oceania are absent. So a privileged look is that of Giulio Ceppi (Lecco, 1965) who captured for Glamor Affair Vision the essence and the main aspect that characterizes the downhill along the Stelvio slope in Bormio: speed.

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Il fotografo – a sua volta ex discesista e profondo conoscitore del campo di gara –, utilizzando una PENTAX 645 con pellicola diapositiva da 120 KODAK EKTACHROME a 100 ASA (ottica 150 mm, diaframma f 22, shutter 1/15), ha realizzato degli scatti la cui potenza espressiva risulta tanto evidente quanto indiscutibile, mettendo a fuoco il paradosso vissuto da ogni discesista. Infatti se da un lato la gara è un inno alle capacità individuali e dunque alla solitudine sperimentata da ogni atleta durante la performance, l’effetto panning – cioè catturare l’immagine del soggetto seguendone il movimento – genera dall’altro lato una fusione tra il soggetto e lo sfondo che prende corpo attraverso scie di colore in continuità, integrando in questo caso uomo e natura. Negli oltre 1000 metri di dislivello percorsi da ogni atleta Ceppi ha restituito un’interpretazione astratta, fluida e cromatica dello sport invernale, evidenziando una serie di dettagli e visioni inconsuete, modificandone la normale percezione che solitamente ne abbiamo. Secondo Roland Barthes la fotografia «è il teatro morto della Morte, l’impedimento del Tragico» che esclude qualsiasi catarsi (La camera chiara. Nota sulla fotografia, tr. it. Einaudi, Torino 2003); attraverso lo sguardo di Giulio Ceppi – di cui la fotografia diventa il mezzo espressivo – è invece possibile rimettere un’immagine nel flusso del reale, dell’esperienza, andando oltre le leggi della memoria, restituendo pari importanza al soggetto e al contesto, mostrando inoltre l’insieme di correlazioni spazio-temporali che sottostanno ad ogni scatto. Angela Faravelli

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Using a PENTAX 645 with KODAK EKTACHROME 120 slide film at 100 ASA (150 mm lens, f 22 aperture, 1/15 shutter), the photographer - himself a former downhill skier and expert on the competition field - took pictures whose expressive power is as evident as it is indisputable, focusing on the paradox experienced by every downhill skier. In fact, if on the one hand the competition is a hymn to individual abilities and therefore to the loneliness experienced by each athlete during the performance, the panning effect - that is capturing the image of the subject following its movement - generates, on the other hand, a fusion between the subject and background that takes shape through continuous trails of color, integrating in this case man and nature. In the more than 1000 meters of altitude difference covered by each athlete, Ceppi has returned an abstract, fluid and chromatic interpretation of winter sport, highlighting a series of unusual details and visions, modifying the normal perception that we usually have. According to Roland Barthes, photography “is the dead theater of Death, the impediment of the Tragic” which excludes any catharsis (La camera chiara. Note on photography, tr. It. Einaudi, Turin 2003); through the gaze of Giulio Ceppi - of whom photography becomes the expressive means - it is instead possible to put an image back into the flow of reality, of experience, going beyond the laws of memory, restoring equal importance to the subject and context, also showing the set of space-time correlations underlying each shot. Angela Faravelli

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