Mondo Sonoro febrero 2023

dani lágrimas rosas

LA ÉLITE, INTERPOL, VILLE VALO, NÚRIA GRAHAM, DAVE ROWNTREE, VICENTE NAVARRO, MICHAEL JACKSON, LA PALOMA

5/Mondo freako

Detrás de La Élite están Nil Roig (Yung Prado) y David Burgués (Diosito), dos amigos de Lleida que han unido el punk y la electrónica para crear “Nuevo Punk” (Montgrí, 22), un disco debut con un título sugerente y que parece ser una declaración de intenciones repleta de ironía.

EN “NUEVO PUNK” cabe tanto el macarrismo ochentero y radical como sintetizadores que beben de la música new wave y post-punk sin hacer ascos a algunos momentos más pop. En la web de la discográfica Montgrí –en la cual se estrenaron ya con el single y hitazo de apertura del verano del pasado 2021 “Bailando”– propiedad de sus colegas y también dúo catalán Cala Vento, se describe a Nil y David como “algo que necesitábamos pero no sabíamos”. Con motivo de su nuevo artefacto, nos citamos con ellos.

EL GRUPO COMENZÓ a dar sus primeros pasos “durante una calurosa tarde de verano entre tiempos de precariedad laboral (currar mucho, cobrar poco)” cuando David y Nil empezaron a juntar ideas en el garaje-estudio de Nil sin ningún plan previsto de crear una banda al uso. Ellos mismos confirman –posiblemente con cierta retranca– que se sienten cómodos siendo un dúo y descartan rotundamente un futuro como trío o cuarteto declarando que “nunca pensamos en tener un batería porque son unos mierda y los bajistas dan pena. Mejor tener maquinitas, que al menos no hablan y hacen lo que quieres”. Tan espontánea y natural ha sido la unión de los dos artistas que previamente a La Élite “había lo mismo que ahora pero sin conciertos. Es decir, un par de colegas con más colegas fumando, bebiendo y pasándolo bien en su pueblo gris y sin nada fuera de lo normativo y común. En lares como este la vida puede resultar aburrida hasta que se te va la olla y haces cualquier mierda para salir de ahí”. No hubo ninguna historia previa de comprar instrumentos tempranamente ni de tutoriales para tocar ni nada más allá de “una premonición de La Élite, que era un grupo con todos los colegas y que fue el culpable de que empezáramos

La Élite Anarquía y birra fría

3a aprender a tocar instrumentos, ya que hasta ese momento, que tendríamos unos catorce años, habíamos tocado un instrumento las mismas veces que saboreado el conjunto de lupulaciones linfáticas que conjuntamente a los extractos de cebada hacen de la cerveza una bebida estimulante y refrescante”.

EN LA ÉLITE NO HAY UNA ÚNICA cabeza pensante que dicte los pasos del otro, ambos son la mitad exacta de las piezas que crean su propio rompecabezas. “Participamos los dos. Quedamos cuando tenemos algo de tiempo y tiramos cuatro acordes. Cuando nos molan, Nil se pone en la producción y Diosito con la letra. Es un proceso compartido, cada uno va aportando ideas. No hay mucho más. Vamos a un tema por hora, así que haz tus cuentas… Catorce horas = catorce temas = LP”. En su proceso creativo también cobran fuerza sus influencias abiertas a prácticamente todo lo que les mole y que tenga actitud o un mensaje que no necesariamente tenga que ser punk. A la pregunta de si las menciones a Los Nastys, La Zowi, Eskorbuto o El Fary en “Todos me miran mal” son una confesión sobre lo que les mola de verdad alejado de lo canónico o normativo responden que “somos gente muy integrista en ese sentido y nos molan cantidubi muchas cosas. No tenemos ningún límite ni filtro en lo que es disfrutar de la música. En cuanto

al punk, no sabemos qué es y canónico no sabemos qué significa, así que no podemos contestar mucho más al respeto”.

EL DÚO TAMBIÉN ES CONSCIENTE de que están en una posición en la que el dinero y el amor al arte chocan, declarando que “parece que estamos en el único estado donde pasión y ganar algo de pasta no pueden ir de la mano. Si podemos vivir de la música, lo haremos” a la cuestión de si buscan ser unos apasionados que viven de su música haciendo lo que les da la gana, cuando les da la gana y como les da la gana, cosas que a veces parecen ser contrarias cuando alguien se asienta con un productor y discográfica más o menos importante y la pasión y el hacer y decir lo que te apetezca con tu música entra en conflicto con la libertad creativa, llevándote o a cagarla y perder dinero, fama y enchufe o a seguir las normas de la empresa de turno con todo lo que eso conlleva.

LA GRABACIÓN DE SU ÁLBUM debut “Nuevo Punk” fue un proceso con el que fueron paso a paso sin agobios. “Cuando ha habido tiempo se ha grabado, no hemos forzado nada en ningún momento. No teníamos ninguna prisa en hacerlo ya que tampoco nos esperaba nadie, así que si había algo que decir se ha hecho tema y si no, pues no. Hemos ido sacando singles porque nos gusta estar activos y es una

buena forma para dar importancia a temas concretos y que la peña se fije más. Cosas del siglo XXI, ya sabes”. En el momento de engendrar también siguen sus propios pasos y no los que les dictan terceros. “El proceso creativo es el mismo que te comentábamos: ir haciendo demos y luego ir puliendo. No trabajamos con productores ni gente ajena a la banda para sacar nuestro sonido, así que no hay mucho que añadir en este sentido”.Para lanzar sus catorce nuevas canciones en formato disco han contado con Aleix y Joan de Cala Vento a través de su nuevo sello Montgrí, a los que confirman conocer personalmente. “Los dos llevan gafas y hacen muy buena ‘xixa’”, comentan. Tanto con ellos como con sus colaboradores en el LP, Los Parrots, Ben Yart, Kiliki y Mainline Magic Orchestra, parece que todo ha fluido de la mejor manera posible. “Las colaboraciones salieron sin pensar mucho, todo muy natural. Somos todos hijos de la luna y las noches de luna llena serán porque el niño está de buenas. ¡Atiende!”, describen con cierta guasa.

TAMBIÉN MATIZAN que les gustaría colaborar con peña como Eskorbuto cuando estén juntos en el infierno. Será en ese momento en el que puedan unir su sonido más punk con la influencia de lo que les ayudó a crecer desde niños hasta lo que son: “los ve-

rano mix de los 00’s, La Oreja de Van Gogh, Amaral, Dover y toda esta mierda. Después ya le metimos a The Devil Wears Prada, Alesana, Green Day, Billy Talent, Jeanette, Russian Red, Albert Pla y todo eso. Luego empezamos a fumar porros y ya no nos acordamos de nada, pero cosas con sintetizadores, cajas de ritmos, gritos y buen rollo”. Una buena mezcla de cosas que dan fe de la amplitud de miras de los dos chavales. Sobre su futuro y propósitos para 2023 nos contestan con un batiburrillo de cosas que tanto dicen como desdicen con algún que otro tópico que acaba asegurando que la fiesta continuará: “Apretaditos tour, algunos festis, intentarnos separar, carpe diem, alea iacta est e cogito ergo sum!”. Los planes de estos dos jóvenes confusos y tralleros seguirán fluyendo y seguro que harán aumentar todavía más las altas temperaturas que nos trajo el cambio climático para saborear un buen caldo de caluroso sudor humano que ayude a liberar a las mentes aburridas y frustradas a través de bailes que lleven a otra dimensión entre zapatazos. JAIME

TOMÉ

LA MÍA

Que se pare el mundo Q

UE SE PARE EL MUNDO del arte en toda su amplitud. Que dejen de pintar los pintores, de dibujar los dibujantes, de escribir los escritores, de diseñar los diseñadores, de ilustrar los ilustradores, de guionizar los guionistas, que dejen los músicos de hacer música. Que dejen todos sus talentos en la cuneta, porque, oigan, ha llegado la Inteligencia Artificial a petarlo máximo. Le echamos un vistazo a esos artículos en los que se nos habla de lo increíbles que son los programas que crean imágenes, beats o incluso historias completas a partir de unas pocas directrices. Miramos esas imágenes y, buah, nos flipamos con el futuro. La persona que escribe el texto se limita a repetir lo que le han vendido los responsables de tal o cual aplicación, que por fin la gente podrá desarrollar su creatividad e imaginar cosas imposibles y hacerlas posibles. Pero claro, resulta que no es eso. Qué contentos parecen estar los cerebros informáticos cuando echan por tierra el talento artístico de otros, conscientes de que nadie va a borrarles del mapa como ellos pretender hacer con los verdaderos artistas. No me malinterpreten, no tengo nada de ludita y adoro que la tecnología nos haga las cosas mucho más sencillas, pero por favor, que no me vendan la moto. Resulta que, ahora, desarrollar tu creatividad es abrir el programa introducir, por poner un ejemplo, las palabras “Studio Ghibli, anime, terror, monstruo” y que la aplicación te suelte un monstruo sangriento miyazakinesco. Pongamos otro. Introduzcamos en una App de creación musical “128 bpm, Radiohead, drum’n’bass” y pim, pam, pum... Tenemos una canción que, oigan, ni “Kid A”. A eso le llamo yo ser creativo y desarrollar nuestras capacidades. Y es que ningún programa de inteligencia artificial crea nada de la nada. Para que cree una base musical se le han introducido millones de canciones que se dedicará a analizar y copiar para ofrecernos lo que queremos. Pero así somos. Si queremos estar a la última –o mejor dicho, parecerlo– tenemos que hablar de las múltiples posibilidades que nos ofrecerán las aplicaciones de inteligencia artificial que dibujarán por los dibujantes, que crearán bases por los beatmakers y así hasta el infinito. O hasta que queden millares de cadáveres por el camino o hasta que seamos conscientes de que conforme más inteligentes parecemos, más estúpidos somos. De momento puedo decirles que yo no quiero leer un libro escrito por una máquina. Quiero leer un libro en el que una persona me abra su corazón. Como este texto, estúpido o no, pero creado por quien lo firma, por quien es y por quien así piensa.

JOAN S LUNA

LA CITA VÍA ZOOM tiene lugar a las 16.00h. (hora española) de un miércoles y, por un momento, vemos a Paul Banks –magnético vocalista y bajista/guitarrista de Interpol–, protegido a conciencia de la lluvia, justo antes de preguntar amablemente si habría inconveniente en que apagase el vídeo para dejar solo activa la función de audio, ya que concederá la entrevista mientras camina por las calles de Berlín. Una vez acomodada la parte técnica, da comienzo una conversación de cuarenta minutos, ejecutada casi en su totalidad en español (idioma que el músico domina con meritoria soltura), y que comienza versando en torno a “The Other Side Of Make-Believe”, último álbum de estudio del trío con base en Nueva York. Un disco emocionante, cargado de sentimiento y que, aunque cuenta con alguna canción más asfixiante como “Into The Nigth” o “Greenwich”, también es mayoritariamente cálido. “No fue una decisión consciente. Nuestros discos siempre surgen de una combinación de circunstancias que tienen que ver con lo que está pasando en la vida, personal y creativa de Daniel [Kessler, guitarrista). Y pasa lo mismo con Sam [Fogarino, batería] y conmigo. Todos llevamos nuestra propia energía a cualquier proyecto. Si Daniel nos trae unas canciones que tienen una vibra más melancólica y relajada eso va a inspirar algo en mí en la misma línea. A menos que Sam empiece a tocar una batería muy agresiva en contraste con lo que introduce Daniel y eso pueda derivar en algo más asfixiante; algo que, como tú dices, sucede en ‘Into The Nigth’. No planeamos ni discutimos por adelantado cómo va a sonar un disco. Resulta siempre de una combinación derivada de nuestras propias energías, pero nos influyó el hecho de encontrarnos en la pandemia y estar separados. Cuando Daniel me mandó sus canciones por correo electrónico, yo las escuchaba y tocaba el bajo en mi cuarto, cantando ideas al micrófono a volumen bajo, haciendo algo más íntimo. Creo que esas circunstancias influyeron en que el disco suene así: algo más relajado y cálido”.

LAS ESPECIFICIDADES DEL MOMENTO derivaron, de paso, en un atractivo adicional para los propios artistas, que se vieron manejando elementos inéditos en pleno reto. “Sentí que era algo interesante para nosotros, porque era algo diferente; igual de auténtico que lo anterior, pero diferente porque no pudimos estar en el mismo cuarto, juntos y haciendo ruido a un volumen alto. Por eso las ideas que salieron eran más melódicas y con menos agresividad en la voz”. El elegido para

TEXTO Raúl Julián

FOTOS Atiba Jefferson

Interpol El desembarco del trío

ponerse tras los mandos de productor en esta ocasión fue el afamado Flood, quien influyó de manera bastante peculiar en el asunto. “Yo te diría que influyó mucho en las tomas. Cuando estaba escribiendo letras en el estudio y le decía ‘Mira, he cambiado está letra ¿piensas que es mejor o peor que antes?’, entonces él respondía que no estaba tan interesado en las letras sino en cómo le hacía sentir la canción. Y me decía que, si yo había cambiado algo pero eso no cambiaba cómo él se sentía cuando escuchaba la canción, entonces todo estaba bien. Pero si yo cambiaba algo y él ya no lo sentía como antes, entonces no le gustaba.

Guiar la música en base a puro sentimiento me pareció muy interesante, y eso me hizo confiar mucho en él. Si me decía que la demo o la versión anterior tenía ese sentimiento que él buscaba, eso me ayudaba mucho a la hora de guiarme hacia el resultado final”.

BANKS RECONOCE que, a la hora de poner letras a las canciones, se ve tremendamente influenciado por la música que le aportan tus compañeros, pero al mismo tiempo tiene su particular fuente de inspiración cuando de escribir se trata. “Históricamente siento que muchas de mis letras salieron de mi propia

Del 14 al 25 de febrero, Interpol ofrecerán un total de ocho conciertos peninsulares para presentar en directo las canciones del que es su séptimo disco de estudio, “The Other Side Of Make-Believe” (Matador/Popstock!, 22). Contactamos con el vocalista Paul Banks, quien nos ofrece cuarenta minutos de jugosa charla mientras pasea bajo la lluvia berlinesa.

Interpol trío

confusión. Y creo que en este disco aún más: la inspiración vino de la confusión. Es un tema muy importante en este disco. Antes era yo, que me sentía diferente a los demás; una confusión existencial que me inspiraba para las letras. Ahora siento que es el propio mundo quien tiene una confusión existencial. En la actualidad, la especie humana se siente profundamente confundida, en lo que significa un flujo de cambio profundo”. En cualquier caso, “The Other Side Of Make-Believe” presenta importantes especificidades con respecto a la discografía previa del combo norteamericano. “En el disco hay voces femeninas. Y este disco

es muy económico: no hay muchos instrumentos, no hay muchos teclados. Hay muy poca información que ocupa mucho espacio y eso es algo de lo que me siento muy orgulloso. Yo creo que también hay algo más maduro en este disco, y también algo más simple: llegamos a hacer más cosas con menos información; más emoción, menos información. Hay algo muy enfocado y maduro en este disco. Es algo muy íntimo”. No cabe entender esa madurez como algo referido al estado artístico de Interpol, sino que apunta en exclusiva a las formas de este último trabajo. “Yo creo que la creatividad es, en buena medida, como un

péndulo. Y creo que la próxima vez que nos reunamos para componer ya podremos estar juntos en el mismo cuarto, así que siento que va a haber hambre y tendremos ganas de hacer canciones bien rockeras y agresivas. Además, yo diría que las canciones más rockeras no son exclusivas del primer álbum. No creo que solo tuviéramos canciones inmediatas y rockeras en los primeros discos. Con madurez no me refiero a algo relacionado con el sonido, porque ahora mismo yo creo que podríamos hacer un siguiente disco bastante punk o bastante rock. La verdad es que tengo ganas de ese tipo de álbum y estoy entusiasmado con

“

“The Cure fue la influencia común a todos los miembros de Interpol”

la idea de empezar a grabar nuevo material con Interpol. No creo que esta sea aún nuestra época de hacer un ‘Unplugged’ [risas]”.

LA FORMA DE CANTAR del propio Banks ha evolucionado palpablemente a lo largo de esos siete discos que conforman el actual catálogo de Interpol, en una circunstancia determinante para definir el talante de las composiciones más recientes del combo. “Yo creo que es un reflejo de cómo es mi energía espiritual y como artista. Siento que, en los primeros discos (por ejemplo, en ‘Hands Away’ del primer disco) hay un estilo más suave, más cercano a lo que ha llegado a ser ahora. Pero cuando escucho otras canciones como ‘Obstacle 1’ o ‘Evil’ puedo notar que en esa época no tenía mucho control sobre la voz: solo quería expresar una energía y así sonaba mi voz cuando expresaba esa energía. Y creo que la gente respondió a eso, pero para mí, en esa época de mi vida, fue solo un reflejo de emociones, mientras que ahora siento que tengo más control y puedo manipular más las cosas. Si ahora quiero expresar una emoción, lo hago de otro modo. Por eso yo también percibo diferencias entre cómo cantaba en aquellas canciones y cómo lo hago en estas. Entonces fue la consecuencia de querer expresar lo que sentía en esa época, mientras que ahora hay modos más interesantes y más útiles para expresar las emociones que siento”.

VOLVIENDO A LA GIRA, el grupo ofrecerá un total de ocho conciertos en este mes de febrero, conformando la que será la gira más

EL APUNTE

Las infuencias de Interpol

CUANDO SURGIERON INTERPOL, era frecuente ver los nombres de Joy Division, The Chameleons, The Sound, Echo & The Bunnymen o The Cure en cualquier texto que tuviese como protagonista al propio grupo, con la intención de enmarcar su música. El propio Banks despeja dudas, de una vez por todas, acerca de las influencias de Interpol en sus inicios. “No hay ninguno que haya sido nuestro principal referente como tal. A Carlos [nda: se refiere a Carlos Dengler, carismático bajista original que abandonó el grupo en 2010] le gustaban mucho Joy Division. Yo los había escuchado y creo que a todos en el grupo nos gustaban. Pero los que más unificaban criterios en cuanto a entusiasmo unánime fueron The Cure. Yo nunca había escuchado a The Chameleons, pero ahora los escucho y claro que veo las similitudes. A Daniel le gustaban mucho Echo & The Bunnymen, pero yo no los había escuchado. Todos somos también fans de Depeche Mode. Pero creo que The Cure fue la influencia común a todos los miembros de Interpol”. — R J

extensa de Interpol por nuestra geografía hasta la fecha. “Nos parece una súper idea [risas]. Nos encanta España, la gente, la cultura y nos vamos a divertir mucho. Se nos presentó la oportunidad de hacer algo que siempre habíamos querido hacer, que es embarcarnos en una gira más extensa y por más ciudades en España. Me gusta tocar para dos mil o tres mil personas en una sala pequeña, en donde todo es más íntimo y más apasionado. Siempre intentamos tocar las canciones favoritas del público, pero también canciones de discos recientes porque se corresponden con la inspiración más reciente. Eso implica que los conciertos nunca son iguales, cada año es distinto y nosotros lo vamos haciendo mejor. He pasado por varias evoluciones como cantante y siento que estos días estoy cantando mejor que en años anteriores. Todos estamos tocando mejor y entiendo que todo el show ha mejorado. Los conciertos son algo orgánico que siempre están evolucionando”. R.J.

EN CONCIERTO

l San Sebastián 14 febrero, Teatro Victoria Eugenia

l Santiago de Compostela 15 febrero, Sala Capitol (Concierto SON Estrella Galicia)

l Santander 19 febrero, Espacio Santander

l Madrid 20 y 21 de febrero, La Riviera

l Barcelona 23 febrero, Sala Razzmatazz

l Murcia 24 febrero, Mamba!

l Málaga 25 febrero, Sala París 15

“En este disco manejamos más emoción con menos información”

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Quedan atrás esos años en los que el pop quería ser más oscuro y el rock más pop. Pero Ville Valo, el que fuera líder de HIM, mantiene ese espíritu con energías renovadas y la misma melancolía de siempre en “Neon Noir” (Heartagram/Virgin, 23), un disco que presentará este mes en nuestro país.

TEXTO Montse Galeano

FOTO Juha Mustonen

SIEMPRE QUE NOS INVADA la nostalgia podremos revistar aquellas bandas que marcaron el pulso de principios de los dos mil en la que HIM, con sus amores vampíricos imposibles y melancolía infinita se posicionaron como uno de los estandartes mundiales del rock gótico. Con su “Love Metal” (BMG, 03) definieron su sello de identidad, haciendo gala de una “ternura oscura” con la que quisieron diferenciarse de otras bandas coetáneas.

JUSTO CUANDO SE CUMPLEN veinte años de su lanzamiento no hará falta tirar de nostalgia, ya que su líder Ville Valo se ha propuesto seguir su viaje al lado oscuro. Cinco años después de la separación de la banda presenta “Neon Noir”, su primer álbum en solitario, melancólico, pero sin miedo a añadir una cucharada de azúcar cuando sea necesario. “Formar una nueva banda o seguir con una carrera en solitario no entraba en mis planes. La música es una pasión que lo consume todo. Quería que siguiera siendo parte de mí, pero no sabía cómo iba a seguir esta relación cuando terminamos con HIM. Supongo que puedo culpar a la pandemia, más o menos: necesitaba mantener la cordura”. Aunque Ville Valo hizo alguna escapada esporádica con Agents (publicando álbum en 2019), no había indicios de que el finlandés fuera a desempolvar el icónico hearthagram pronto, pero la chispa seguía ahí. “No se trata de forzar las cosas, sino de mantener los oídos, los ojos y el corazón abiertos a la inspiración. Y en ese sentido, me siento muy afortunado de que esa chispa siga estando en mí. También sentí que era muy importante que fuera una continuación del pasado, porque no me avergüenzo de lo que hicimos con HIM”. De ahí que, a la hora de afrontar su carrera en solitario, Valo lo haga desde la honestidad y el autocono -

Ville

cimiento. “Hay artistas que cuando empiezan su carrera en solitario no quieren volver a tocar canciones antiguas. Yo no soy así en absoluto. Considero este álbum como una especie de puente entre el pasado y el futuro. Lo que hicimos con HIM sigue siendo una parte tan grande de mí que no puedo alejarme de este legado, aunque quisiera. Así que es mucho más sabio abrazarlo que luchar contra él”. Quizás esa autoconsciencia nace desde una mirada introspectiva, algo presente en los adelantos que hemos ido descubriendo desde el EP “Gothica Fennica” (20). “Hacía mucho tiempo que no sentía una conexión tan profunda con la música. Una parte de mí se hace una idea completa o ve el bosque por los árboles, por así decirlo. No creo que esas cosas sean intencionadas. Cuando compongo siempre me guío por un estado de ánimo y voy siguiendo el camino, hacia donde quiera llevarme. El hecho de no tener que coordinar ensayos y reuniones, también hace que pueda dedicarme al detalle de una manera que antes no era posible, adentrándome cada vez más y más en la música, a veces a modo de meditación y otras perdiéndome en ella. Ha sido algo muy puro y nuevo para mí”.

PARTE DE LA CULPA DE ESE SONIDO que busca adentrarse cada vez más en la oscuridad es de Tim Palmer, viejo conocido que ya trabajó en los discos más aclamados de HIM. “Tiene un gran gusto musical y la variedad de trabajos en los que ha participado es asombrosa, desde Pearl Jam a Ozzy Osbourne, Tears For Fears... No podría haberlo hecho sin él”. Aunque echando la vista atrás la carrera de HIM sea una de las más sólidas del rock oscuro de los últimos años, para Valo hablar de un legado sigue siendo como “hablar de un universo paralelo”. “Siempre he pensado que con HIM librábamos una batalla cuesta arriba.

Ville Valo

Siempre negro

Veníamos de un país pequeño, y siempre hubo que luchar para llegar hasta donde llegamos, y no fue fácil, por así decirlo. Nunca supe que habíamos dejado huella”. La mejor manera de comprobar este legado será en la próxima y ambiciosa gira que llevará al artista finlandés por una gran multitud de países (con parada en Madrid y Barcelona), una gira que define como “una buena combinación de nostalgia y, al mismo tiempo, de cosas actuales que también miran al futuro”. La buena acogida de este tour (que ya cuelga el sold out en algunas de sus fechas en Alemania) es la mejor muestra de que ese legado se mantiene vigente. “Es la primera vez que he notado que hay algún legado porque, cuando estás en una banda, hablar de la idea de legado es algo muy loco. Lo entenderé el año que viene, cuando volvamos de gira, porque será el indicio más claro de ver a jóvenes y mayores, todos juntos, con la esperanza de que les guste tanto lo viejo como lo nuevo”. M.G.

Más en www.mondosonoro.com

l Barcelona 24 febrero. Razzmatazz

l Madrid 25 febrero. La Riviera

“

“Hacía mucho tiempo que no sentía una conexión tan profunda con la música”

“ESTA VIDA ES UN JALEO” TOUR

3 febrero. 4 febrero. 11 febrero. VALLADOLID PAMPLONA

ZARAGOZA SANTIAGO

MURCIA MÁLAGA 24 febrero. 25 febrero. 3 marzo. 10 marzo. 12 marzo.

VALENCIA MADRID

17 marzo. 18 marzo. 24 marzo. 25 marzo. 30 marzo. 21 abril. 22 abril. BADAJOZ 5 mayo. .............................................

GRANADA SEVILLA BILBAO SANTANDER MADRID 21 CÁCERES

BARCELONA

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“Cyclamen”

(Primavera Labels, 23) es mucho más que el cuarto largo de Núria Graham. Es el disco en el que la catalana se ha volcado en su totalidad, implicándose como nunca en todo el proceso de elaboración hasta adentrarse en las mismas entrañas de la canción como vehículo para contar una historia. Un nuevo comienzo hacia no se sabe bien qué. Todavía.

TEXTO Don Disturbios

FOTO Ingrid Ferrer

Núria Graham El poder de la naturaleza

DICEN LOS MÁS SABIOS del lugar que la vida es la mayor de las paradojas. Y no seré yo quién les contradiga. Más bien al contrario. No hay más que observar nuestra propia existencia para darnos cuenta del mar de contradicciones en el que andamos sumidos. Por eso no deja de ser casi inevitable, que el disco con la intención más internacional de Núria Graham, el que vendrá respaldado por los sellos estadounidenses Verve Forecast y New Deal, junto a Universal Music y Primavera Labels, sea a la vez su álbum más íntimo y personal. El que está realizado desde la soledad del comedor de su casa en La Bisbal d’Empordà, tejido a partir de una fotografía que ha presidido durante años su mesilla de noche. Una imagen surgida a partir de un primer viaje a la costa napolitana con el Vesubio y la pequeña isla de Procida como protagonistas. (Nuria Graham) “Todo el disco ha

quedado ambientado allí y para mí también ha sido una sorpresa. Máxime cuando ahora todo el mundo me pregunta por ello. A ver, yo estuve allí hace muchos años y fue un episodio algo rocambolesco porque fue un desastre emocional. Se rompió una relación en Nápoles y de ahí surgió la canción ‘Disaster In Napoli’, que escribí hace como seis o siete años, pero ahí se quedó. Y hace menos, como cuatro o cinco años, con Ingrid [Ferrer] que es mi amiga y directora de arte de todo el disco, que lo hemos hecho juntas, volvimos a Nápoles, Pompeya, el Vesubio... y con todo este paisaje, tuvimos una sensación sobre la que hemos estado hablando durante años. Como si hubiera cierta obsesión por estos lugares. De hecho, en mi mesita de dormir he tenido durante años una foto que ahora es la portada del disco. Desde Procida se ve el Vesubio y la impresión que tienes cuando estas allí es como muy inquietante. No lo calificaría de incómoda, pero sí que hay cierta energía inquietante en un

sitio en el que la naturaleza tiene una presencia tan enorme y al mismo tiempo la vida humana es tan absolutamente caótica y tan viva. Es un sitio que, además, tiene una conexión con la muerte que se respira en la calle y todo ello presidido por un volcán que está quieto y estable, pero a la vez te recuerda que está ahí y es una fuerza que no puedes controlar. Y es casi incómodo pensar que hay cosas que no puedes controlar porque la naturaleza es la que manda. Y el disco habla de eso. Surge de la pura observación de la naturaleza”.

UNA BONITA HISTORIA repleta de imágenes y texturas a la que solo había que ponerle banda sonora para que estuviera completa del todo. “Durante estos últimos años he estado escuchando así en plan random muchas bandas sonoras de los años sesenta y también cosas de compositores italianos como Piero Puccioni. De hecho, con Ingrid es como que hemos pensado el disco con las imágenes en la

cabeza. Teníamos como la película hecha y yo escucho el disco y escucho los colores, el paisaje, pero sobre todo la iluminación. Siempre pienso mucho en el ambiente, en el color. Y este disco me lleva a una paleta muy concreta y por eso he querido participar en el arte del disco y dejar plasmado en ese mismo arte el color que yo tenía en la cabeza”.

QUEDA CLARO QUE “CYCLAMEN” no es una compilación de canciones dispuestas con más o menos gracia. El nuevo trabajo de Núria Graham es un viaje que debe ser escuchado en su totalidad. Es una experiencia que no puede ser desgajada. Es por ello que, de las trece canciones que lo componen, siete de ellas se mueven alrededor de los dos minutos de duración. Temas que en realidad parecen esbozos, trazos emocionales que pertenecen a una historia mayor. “Recuerdo que cuando al principio le enseñaba las canciones a Jordi Mora en casa, él también me dijo que le parecían esbozos. Y, de hecho, el otro día leí una crítica en la que decían lo mismo y yo me lo tomé bien porque realmente es así y me ha salido así. La canción es esto, yo voy a decir esto y no me voy a alargar porque sí. El disco tiene incluso esa cosa casi maquetera, hecho en casa pero con arreglos, y no he entendido el disco como una recopilación de canciones bonitas. Para mí un disco no es eso. Sino que el disco tiene una narrativa, tiene un ritmo y por eso hay canciones más cortas y otras como ‘Disaster In Napoli’ como que desentonan, pero es que es un episodio del disco y forma parte de él”.

A TODO LO HABLADO podemos sumarle que “Cyclamen” es un álbum que ha tenido un faro musical en la ciudad de Los Angeles que se llama Blake Mills. Músico y productor que ha grabado con Perfume Genius, Laura Marling, Dawes o Fiona Apple y que ha sido una especie de consejero musical en la distancia con el que Núria incluso ha co-escrito uno de los temas del álbum titulado “Poisonous Sunflower”. “Surgió durante el proceso en el que yo estaba grabando sola el álbum en casa y él vía Instagram me daba algún que otro consejo. Hablábamos de música, nos intercambiábamos cosas... Y yo tenía esta letra que él rehizo captando perfectamente lo que quería decir. Fue un proceso muy interesante porque normalmente no escribo con nadie. Igual porque soy muy tímida y no comparto mucho. Sin embargo, en esta ocasión fue muy bonito. Especialmente porque es algo que, si quieres que pase, no pasa. Y más teniendo en cuenta que su música y en especial su último disco, que

se llama ‘Notes With Attachments’ (21), junto a Pino Palladino, uno de mis músicos favoritos de todo el mundo, me inspiró muchísimo para hacer este álbum... Hay un tema, ‘Just Wrong’, que es el primero del disco, que trata las texturas y los colores de una forma tan especial que me llevó a un lugar mental, a un imaginario, que me abrió muchísimas puertas y me empujó a querer investigar también con texturas, con los vientos... Y he de decir que, gracias a ello, me he atrevido a hacer un disco así”.

ATREVIMIENTO ES UNA PALABRA que define a la perfección lo que ha sido “Cyclamen” para su autora. Para empezar es el primer disco en el que Nuria Graham se ha producido a si misma, aunque eso no significa que, cuando lo ha requerido, no se haya rodeado de amigos para recibir una pequeña ayuda. Ese ha sido el caso de la compositora Helena Cànovas en la cuestión de los arreglos. “Con Helena fue una iluminación parecida a todo el proceso del disco. Nos conocíamos porque ella es de Vic e íbamos juntas a algunas clases de música, aunque ella es un poco mayor que yo y se ha dedicado al mundo de la clásica

POP / Los lugares comunes son los principales enemigos de la prensa musical. Muy por delante de los algoritmos de las plataformas de ‘streaming’. Pero hay veces que, por manidos que estén, hay que recurrir a ellos. Núria Graham se ha explorado de raíz y ha decidido dar un giro radical a su carrera. Sino el más riesgoso, cerca anda. Las curvas no las coge con exceso de velocidad por haber hecho un álbum con arpas, fagot, flauta y un toque de fábula. Ya existen referentes de la música de bosques y cervatillos como Joanna Newsom o, apurando, Andrew Bird. El arrojo está en el “cómo”: la desviación onírica, sensorial, es tan bestia, que es fácil que caiga en el arte intransferible. Que se aleje del pop. Hacia un nicho sin orejas. A diferencia de esta reseña, el disco no es un lugar común. YERAY S IBORRA

y la música contemporánea. Cuando estaba haciendo el disco, y estaba de lleno con los arreglos, pensé que con toda mi inexperiencia lo mejor era llamar a Helena. Fue la única persona que se me pasó por la cabeza, y lo cierto es que fue un cruce de energías muy fresco, porque para Helena el mío tampoco es un estilo de música con el que haya hecho muchas cosas. No es que los arreglos estén muy delante en el disco, sino que están en su sitio perfecto. Y, nada, que al cabo de un mes ya estábamos en el estudio grabando las cuerdas, el arpa, el fagot y también hay vientos como flauta travesera y saxo... Lo cierto es que fue muy guay porque después de estar tantos meses en casa sola, estar con Helena a los controles de los estudios Musiclan con todo de músicos grabando, pues hubo un punto de sentirse empoderadas en plan: ‘¡Qué guay todo! Dos mujeres jóvenes haciendo lo que saben hacer’. Y lo mejor de este disco es que he estado involucrada en todo, porque después también estuve dos meses con Jordi Mora en el proceso de mezclas, cosa que tampoco nunca había hecho”.

PARA FINALIZAR dejemos que sea la propia Núria la que nos diga que sensación le gustaría que nos quedara después de escuchar su disco. “Al final para mi el disco es un viaje y me gustaría que este fuera esperanzador. Después de todo lo que cuento en el disco, en el que hablo de cosas como la muerte y catástrofes, lo que perdura por encima de todo es la esperanza. Y la propia palabra ‘cyclamen’, que da título al disco y que es una planta, en este caso también significa para mí amor incondicional. Ese amor que va dirigido a la naturaleza o hacia nosotros mismos y a la comunidad. Llevo dos años en los que mi familia, mis amigos, mi pareja han sido pilares fundamentales para mí, que han inspirado todo este universo y por eso este disco tiene toda esa esperanza que necesitamos para entender la vida”. D.D.

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EN CONCIERTO

“Al final para mi el disco es un viaje y me gustaría que este fuera esperanzador”

l Madrid 04 febrero. Conde Duque (Inverfest) l Barcelona 17 febrero. Paral·lel 62

Barcelona 01-03 junio. Primavera Sound

Madrid 08-10 junio. Primavera Sound

Vilanova i la Geltrú 29 junio-01 julio. Vida Festival

Dave Rowntree Días de radio

Batería de Blur, pero también político, poeta, compositor, presentador de su propio programa de radio, piloto de aviones y programador informático. Dave Rowntree (Colchester, Essex, Reino Unido, 1964) es un hombre polifacético. Publica ahora su primer álbum en solitario, al menos el primero de canciones pop, un “Radio Songs” (Cooking Vynil/Popstock!, 23) inspirado en su larga experiencia como radioaficionado.

DAVE ROWNTREE me atiende desde su coche (a mitad de conversación se le cae el móvil, que tiene enganchado al salpicadero, y me recomienda no probarlo nunca yo mismo) en algún punto entre Londres y el sureste británico, y justo antes de que se anuncie esa nueva gira de Blur que ya tiene fechas repartidas por todo el verano próximo, con pistoletazo de salida en el Primavera Sound el 1 de junio. La génesis del disco, tal y como me cuenta, tiene mucho que ver con su familia y su niñez. “Mi padre fue ingeniero de radio en las Fuerzas Aéreas Británicas cuando era joven. Teníamos una gran antena en el jardín y escuchábamos emisoras de radio de todo el mundo, con lo que puede decirse que la radio y su tecnología han sido una parte muy importante de mi vida”, dice. Hasta el punto de que también supuso su despertar a la conciencia política. “Por las noches solía recorrer el dial para escuchar todas aquellas exóticas emisoras de todo el mundo, y una de ellas era Radio Moscow, que tenía una emisora que emitía en inglés: me di cuenta, incluso no creyéndome ni una palabra de lo que decían, de que era posible llegar a diferentes interpretaciones de los mismos hechos, y ahí empezó mi

conciencia política y también mi ideología de centro izquierda”, comenta. “La radio es la responsable de que el mundo moderno funcione, la parte estrictamente radiofónica es el factor de magia en todo ello, es el héroe anónimo del siglo XXI, en realidad”, apuntala con auténtico fervor hertziano. Aunque sus textos no sean nada explícitos, es inevitable que el disco tenga una lectura política en la era del Brexit y de la inestabilidad institucional que vive el Reino Unido en los últimos años, con primeros ministros que duran menos que un pastel a la puerta de un colegio. “El Brexit ha sido un desastre, porque ninguno de los beneficios que se prometieron ha llegado, y el problema es que ya hay suficiente distancia entre ahora y los años setenta como para que mucha gente se haya olvidado de lo gris que fue esa época en el Reino Unido, que fue cuando yo crecí: la extrema derecha estaba en alza, había mucho sexismo y misoginia, racismo por todas partes y altas tasas de criminalidad y pobreza, aunque también hubiera muchas cosas agradables como el nacimiento del indie o el primer punk rock”, argumenta.

Y ES QUE SI DE ALGO HUYE Dave Rowntree como de la peste es de la nostalgia, por mucho que echar la vista atrás a aquellos

TEXTO Carlos Pérez de Ziriza FOTO Paul Postle

“La radio es la responsable de que el mundo moderno funcione”

brillantes años noventa (la época de máximo fulgor de Blur) sea una tentación más que apetecible. El músico británico valora muy positivamente el actual estado de salud del pop y el rock en su país. “Estoy al cien por cien convencido de que la mejor música que se ha hecho nunca en el Reino Unido se está haciendo justo ahora, y de que vivimos una era dorada, lo que ocurre es que es muy fácil caer en la falsa nostalgia, porque cambiamos como personas y conforme nos hacemos mayores dejamos de ir a discotecas y a clubes y los cambiamos por las reuniones del concejo y de la parroquia, pero no es que el mundo haya cambiado tanto, es que nos volvemos perezosos y nos recluimos en opciones que nos hacen sentirnos seguros, y eso es parte de lo que ocurre aquí, también cuando aceptamos las mentiras del Brexit”.

ES CIERTO QUE NO HAY en él una mirada complacientemente nostálgica en “Radio Songs”, pero también que este tiene mucho de recapitulación de aquellos días de juventud, de vino y rosas, en los que Blur comenzaban a cobrar popularidad. Eso sí, lidiando en canciones como “London Bridge” (que recuerda mucho a “Trouble In

The Message Centre”) con cuestiones tan delicadas como su propia salud mental, que en aquellos tiempos de excesos no era precisamente óptima. “Hubo periodos de mi vida en los que no fui bendecido con la mejor de las saludes mentales, y esa canción trata sobre eso, sobre la repetición mental de un número, el 126, cuando yo era joven, que veía por todas partes, como si el universo me estuviera gritando ese número a la cara por alguna razón. Con el tiempo me di cuenta de que era un sesgo de confirmación, un desequilibrio entre la forma en la que el cerebro procesa ideas para confirmar lo que ya piensas y la forma en la que procesa ideas que desmientan esa intuición, que es algo que pasa cuando tu mente no funciona como debiera”, me explica.

AUNQUE ESTE ES SU PRIMER DISCO de canciones pop como tales, Dave Rowntree lleva años trabajando en la creación de bandas sonoras para películas y series, algo que le ha influido en el sentido –reconoce– de que su música suena “cinemática, con texturas bastante densas, a causa también de mi colección de sintetizadores y del gran espectro de sonidos extraordi-

narios que se producen de forma natural por la tierra, los campos magnéticos y la atmósfera”. También por el fértil diálogo trabado con el productor Leo Abrahams (Brian Eno, Jarvis Cocker, Paul Simon), con quien empezó a trabajar aún en pleno confinamiento, de un modo que ahora seguramente no repetiría. Menos fértil para su trabajo como músico fue su rol como programador informático, hace más de veinte años, “haciendo animaciones por ordenador y estudios sobre grafismo digital”. Fue otra más de las muchas facetas de un creador de lo más versátil, que se muestra tan tenso pero ilusionado ante unos directos de presentación que ya comenzaron hace unas semanas en su país, y en los que él toca la guitarra, los teclados y la batería, al frente de un cuarteto de multiinstrumentalistas. Una gira que afronta con la misma combinación de excitación e incertidumbre con la que encaró la grabación de un disco que desvela, por si aún hacía falta, que detrás del batería de Blur también hay todo un universo creativo por descubrir. C.P.Z. Más en www.mondosonoro.com

dani

Vomitando todo y pintándolo de rosa

EL DE DANI ha sido un salto vertiginoso hacia la incertidumbre y la madurez, pero con muchos momentos llenos de belleza por el camino. El proceso ha podido ser largo y tedioso, pero ha merecido la pena. Hablamos con dani pocos días antes del lanzamiento de “posdata”, un disco con el que la artista busca consolidar su sonido pop a través de diez cartas de (des)amor. El álbum inaugura un 2023 muy prometedor para dani, pero en realidad estaba previsto para ser lanzado hace casi un año. Un tiempo en el que la artista se ha dedicado a atar mejor las cosas y en el que incluso surgió uno de los singles adelanto. “Contábamos con que ya teníamos todos los temas del repertorio. Y, de repente, hice ‘Ceras Rosas’, que al final fue el segundo adelanto que saqué. Salió de forma inesperada y sentí que todavía había algo más que podía hacer. Por ejemplo, con ‘Nubes’, que es una de mis apuestas fuertes del álbum, no acababa de estar contenta del todo con la producción y en noviembre cambié la letra y le di un giro de última hora”, afirma. “Ha salido cuando tenía que salir, siento frescura de que sea al comienzo de 2023”.

dANI NACIÓ EN 1997 pero tiene muy claro que el concepto del álbum no ha muerto para su propuesta artística. A pesar de haber lanzado cinco adelantos previos –la mitad del tracklist– antes de la salida del disco, su idea siempre ha sido la de entregar una obra compacta. “Me apetecía lanzar pequeños impactos. Vas viendo la respuesta del público y enseñando poco a poco el universo del disco. Pero también tengo muchas ganas de que la gente pueda escuchar el disco entero. Todo lo percibes mucho mejor al escuchar el álbum completo”. Una decisión artística que se agradece para aquellos que preferimos escuchar un disco entero a cientos de singles sueltos. “posdata” no es un álbum conceptual, pero sí comparte un universo temático: las experiencias amorosas. “No hay un hilo conductor a través de las canciones a nivel narrativo, pero sí hay un contexto común muy claro”, nos cuenta.

En “veinte”, su debut, la artista reflexionaba sobre el paso a la vida adulta y lo que eso significaba. Pero la dani de ahora se ha sumergido en la vorágine de la gran ciudad, coincidiendo con una gran ruptu-

EL APUNTE

Una carrera de fondo

LA HISTORIA DE DANI es la de una niña que desde muy pequeña estuvo en contacto con la música, pero que nunca se imaginó que podría llegar a subirse a un escenario a interpretar sus propias canciones delante de un público que se las supiera. Ella estudiaba en el conservatorio y componía sus primeros temas en su cuarto mientras, entre descanso y descanso, observaba atónita los DVDs que su tío le regalaba de conciertos grabados de estrellas del pop como Beyoncé. Años después se inscribió en una edición de “Factor X”, trampolín por excelencia de muchos artistas. La cogieron, pero tampoco era su momento. Simplemente, no le tocaba. Ahora, con dos discos en el mercado, dani recuerda a su yo del pasado con ternura, llevándose miles de aprendizajes y experiencias. Quién le iba a decir que, tiempo después de aquella participación en aquel talent show, iba a subirse al escenario del emblemático Olympia de París de la mano de Poupie, artista francesa que conoció allí y que ahora puede llamar “amiga”. Círculo cerrado con su propio momento Beyoncé. — R J

ra amorosa de una relación que la había acompañado casi toda su vida consciente. “Es el resultado de estos dos años viviendo en Madrid desde que me mudé de Vigo. Allí tenía a mi pareja con la que llevaba seis años, pero llegué aquí y se rompió mi relación. Entonces empecé a descubrir casi mi segunda adolescencia. Y todos estos estímulos fueron los que me han ido inspirando para este álbum”. Un cúmulo de sentimientos encontrados que se concretan en estas diez cartas y que todas ellas tienen algo en común: son mensajes de dani que nunca alcanzaron a su destinatario. “Me di cuenta de que todas las canciones eran cosas que tenía ganas de decir en ese momento a ciertos chicos. Eso son precisamente las posdatas, ¿no? Lo que no te atreves a decir en el cuerpo del mensaje pero lo dices al final. Puede que algunos las capten ahora o puede que no, pero eso no es cosa mía [risas]”.

EN CUANTO A LA PRODUCCIÓN del disco, dani vuelve a contar con su mano derecha y su mentor, Aaron Rux. Ambos funcionan perfectamente como tándem para confeccionar canciones de pop tan dulces y adictivas como un chicle. InnerCut también está presente en la producción, a los mandos de una más experimental “Códigos”. dani confiesa que, por primera vez, para este disco cambió su habitación por el estudio a la hora de componer los temas, alejándose un poco de esa intimidad y entregándose a la experimentación colaborativa, aunque a veces no de los frutos esperados. “Antes me daba más pánico. Yo estaba acostumbrada a hacer mis canciones para mí, así que me daba mucho apuro ir al estudio y decir: ‘Ahora tiene que salir algo’. Pero realmente luego tampoco hay presión, porque tú vas a trabajar con alguien y hay días que sale una canción y hay otros que no, y no pasa absolutamente nada”. Con este “posdata”, dani no se aleja del pop que la vio nacer pero sí se concede más licencias a la hora de experimentar con otros sonidos que le son atractivos, como es el caso de “Una vez y una más”, canción que te puede llevar hasta un club de Ibiza. “¡Sí, puede ser! Tiene ese momento más oscuro como de la noche. Tenía

“Mi meta es preparar mi directo soñado”

EN PORTADA

Parece mentira que solo hayan pasado dos años desde que dani publicara su álbum debut, “veinte” (El Volcán, 20). En este intervalo de tiemapo, la artista se ha mudado de Vigo a Madrid y su vida ha cambiado por completo, dando un giro de ciento ochenta grados. Y eso se refleja en “posdata” (El Volcán, 23), su segundo trabajo.

TEXTO Álvato Tejada FOTOS Q&CUMBER

3ganas de enfocar así la producción. A nivel letra, también es un poco más juguetón que otros temas. Menos chicle, menos cute”. O de “Bossa & Nova”, una fusión entre géneros que cierra el disco de la manera más fresca e interesante. Aún así, lo que más reina es la pista de baile. “Al final, mis referencias son muy pop; mis grupos favoritos son ABBA y La Casa Azul, imagínate [risas]”. Dos grandes referencias que han marcado por completo la música de dani, a pesar de no haber sido fan de nadie en concreto cuando era pequeña. “Nunca fui de tener un ídolo. Pero me acuerdo de que mi tío, por mis cumpleaños, me regalaba algún DVD de, por ejemplo, el concierto en directo de Beyoncé. Y los veía y pensaba: ‘Me encantaría algún día llegar a ser eso’. Ahora, dani sí idolatra a otros artistas con los que se identifica y se ve reflejada: “La primera artista que me flipó fue Angèle. La descubrí justo cuando yo empezaba a hacer mi música y es una referencia muy grande, sin duda. No la conocía, y fue hace tres o cuatro años que me la recomendó mi amiga Poupie, una artista francesa. Me encanta todo: ella, su música, sus letras, su actitud…”.

PERO NO TODO es internacional. Al preguntarle por su círculo amistoso más cercano de artistas en Madrid, los nombres que salen por la boca de dani no son pocos. “Sin duda las Cool Nenas: Kimberley Tell y mariagrep. También tengo mucho cariño a Ginebras, desde que llegué a la capital me acogieron y me han apoyado muchísimo. Chill Chicos fueron los primeros amigos que hice al llegar a Madrid. Maximiliano Calvo es mi vecino, me ha cuidado mucho desde que llegué también. Colectivo Da Silva, Mafalda… Mucha gente muy buena con la que he tenido mucha suerte de cruzarme”. En ese sentido, Vigo y Madrid pueden estar muy distanciadas la una de la otra pero, en realidad, están muy conectadas a nivel musical. “Yo siento ambas escenas muy mezcladas. Al vivir en Madrid estoy todo el rato relacionándome con gente que vive aquí pero mis mejores amigos de la música son casi todos gallegos. Por ejemplo, Grande Amore u Ortiga, son amigos y fueron de los primeros artistas con los que empecé a hacer cosas. Me siento muy en medio de las dos escenas. Y somos muchos los que vivimos en Madrid pero venimos de fuera”. Pero en “posdata” solo había sitio para la voz de dani. Se trata de un proyecto tan personal que

invitar a otros artistas a cantar en él no entraba en sus planes. “Al final son todo cartas y cosas personales mías. No tenía mucho sentido que otra persona cantase esas letras. Y también, entre ‘veinte’ y ‘posdata’ colaboré mucho en los discos de otros artistas. Me apetecía que este disco fuese algo solo mío”. Razón no le falta. dani venía de colaborar en discos de Joe Crepúsculo, InnerCut, Oscar Anton, Chill Chicos, D3llano, Ginebras, La La Love You, Colectivo Da Silva o Los Vinagres, por mencionar solo a algunos. A pesar de ello, la autora de “Si te vas” siempre tiene ganas de seguir mezclándose en el estudio, incluso aunque haya que soñar alto. “Hace un año y poco hice una canción con Poupie, que me encanta. Ella tocó en el Olympia de París y me invitó a cantarla juntas. Me haría mucha ilusión que saliera después de este álbum. Y con gente que no he trabajado, son cosas muy difíciles pero me encantaría colaborar con L’Impératrice o Parcels. O por supuesto con Angèle. Eso ya soñando a lo grande [risas]”.

LA MÚSICA DE DANI da ganas de salir de fiesta porque ella lo lleva en la sangre. Por eso concilia su faceta de artista con la de DJ con su grupo Cool Nenas, completado por sus amigas Kimberley Tell y mariagrep. “Es muy guay porque es algo que surgió con cero pretensiones. Estábamos de fiesta un día y nos surgió la oportunidad de pinchar en un sitio. Como somos bastante personajes en ese sentido, dijimos: ‘¿Y por qué no hacemos también coreografías?’. Al final, todo fue por pura diversión y gustó mucho. Es una oportunidad para viajar con mis amigas, subirme a un escenario a bailar, animar…”. No extraña que dani tenga tanta energía acumulada como para poder salir a dar conciertos y ofrecer dj sets a partes iguales. Su historia es como la de muchos artistas que tuvieron la mala suerte de empezar sus carreras en plena pandemia por el coronavirus. En un

“

“Mis referencias son muy pop; mis grupos favoritos son ABBA y La Casa Azul”

EN PORTADA

momento tan clave para un artista que es joven y que acaba de empezar, el mundo se paralizó y los conciertos se alejaron, durante un largo tiempo, de la idea de libertad y diversión que siempre nos habían vendido. “Cuando salió ‘veinte’, mis primeros pinitos en la música fueron dentro de un marco con unas condiciones muy extrañas. No era para nada lo que me había imaginado. Pero tampoco fue tan raro porque nunca había vivido otra cosa antes. Para mí era lo normal. Lo raro fue cuando empecé a dar conciertos este año con la gente de pie. Dije: ‘¡Wow, esto es mucho más guay!’”. Y eso que, como la propia dani afirma, ella no puede quejarse porque consiguió dar muchos conciertos en un momento muy complicado para la industria del directo. Aún así, es más que lógico que se muera de ganas de pisar todos los escenarios del mundo en condiciones óptimas. “Considero que fui muy privilegiada porque, dentro de todo lo que estaba pasando, di muchos conciertos y me moví mucho. No tengo queja, pero era muy difícil. Ahora, después de estos dos años de transición, tengo una muy buena expectativa de que todo va a ir bien este año”. Un 2023 que ya empieza muy luminoso para nuestra protagonista, pero que no ha hecho más que empezar. “Mi meta es preparar mi directo soñado, dentro de mis posibilidades. Estoy en ello. Y obviamente tener muchos sitios donde enseñarlo. Considero que el año pasado mi directo evolucionó bastante, pero también estuve muy centrada en acabar el álbum. Ahora que sale, quiero liberarme de eso y perfeccionar lo otro. Y, por supuesto, seguir haciendo canciones, no hay que parar”. Tranquilos todos, nos queda dani para rato. A.T.

R

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EN CONCIERTO

l León 16 febrero. El Gran Café (GPS)

l Oviedo 17 febrero. Tribecca (GPS)

l Toledo 23 febrero. El Pícaro (GPS)

l Madrid 16 marzo. Teatro Barceló (La Demoscópica)

l Palencia 17 marzo. Universonoro (GPS)

l Barcelona 31 marzo. Sala Wolf (La Demoscópica)

l Zaragoza 20 abril. La Casa del Loco (GPS)

l Tarragona 21 abril. Sala Zero (GPS)

l El Puerto de Santa María 25 mayo. Milwaukee (GPS)

l Granada 26 mayo. Aliatar (GPS)

Disco escrito en el viaje de Sant Feliu de Guixols a Nueva Zelanda en moto exigiendo

Primeras fechas confirmadas

14.01.23 MADRID (Gruta 77)

27.01.23 Valencia (La Salà) 24.03.23 Lleida 25.03.23 Barcelona (La deskomunal ) 01.04.23 Sant Feliu de Guixols (Sala Las Vegas)

Todos los beneficios irán para Asociación Anita Investigación Cancer Infantil

EL DISCO. RECUPERADO.

Booth And The Bad Angel Booth And The Bad Angel (Fontana, 1996)

EN 1996 QUEDÓ MATERIALIZADA una de esas alianzas sorprendentes y a priori poco probables, con la publicación de un álbum de estudio firmado a la par por Tim Booth –la inconfundible y portentosa voz de los no menos míticos James– y el excelente compositor de bandas sonoras Angelo Badalamenti –conocido, entre otros méritos, por poner música a no pocas películas de David Lynch–. Una sinergia del todo inesperada y bautizada con el (poco) disimulado nombre de Booth & The Bad Angel, que derivó en álbum homónimo y que, a pesar del encantador desenlace, nunca llegaría a tener continuidad en el tiempo. Un trabajo más que notable que procede reivindicar sin tapujos tras el reciente fallecimiento de Badalamenti el pasado mes de diciembre, atendiendo también a la considerable cantidad de dianas que sus autores acertaron a colocar entre las once seleccionadas. Lo cierto es que británico y norteamericano contaron con ayuda en forma de colaboraciones, entre las que destacaban la presencia del ex Suede Bernard Butler como guitarrista, el bajista Mark Egan –procedente del mundo del jazz y habitual de Pat Metheny y Gil Evans–, y el batería Graham Hawthorne, además de puntuales apariciones vocales a cargo de Chloe Goodchild, Allison Cornell, Joy Askew y hasta el mismísimo Brian Eno en la insinuante “Butterfly’s Dream”. En la práctica, el resultado se acercaba bastante más a un

TAN. CERCA.

disco de indie-pop con la impronta de la época que a aquel tipo de instrumentación clásica ideada para musicar imágenes. Tanto que cabría colocar “Booth & The Bad Angel”, sin demasiado riesgo ni atrevimiento, al lado de discos de James cercanos en el tiempo del tipo de “Laid” (Mercury, 93), “Whiplash” (Fontana, 97) e incluso “Millionaires” (Decca, 99). A la extraordinaria interpretación vocal de Booth (sita sin reparos en primer plano del invento) cabe añadir las impecables estructuras de las que presume cada canción, con el siempre intachable trazo del de Nueva York diseñando argumentos sobre los que reposar las desbordantes maneras del cantante. Aunque solo dos singles fueron extraídos del lanzamiento, lo cierto es que una amplia mayoría hubieran podido funcionar como tal, más allá de la esplendorosa “I Believe” que abría el elepé y la sedosa “Fall In Love With Me”. Sucedía con “Old Ways”, “Hit Parade”, la preciosa delicadeza de “Rising”, “Heart” y hasta la oscuridad latente en “Dance Of The Bad Angels”, así como ese cierre distinguido que es “Hands In The Rain”. “Booth & The Bad Angel” destilaba una valiosa elegancia intrínseca, emergiendo a lo largo y ancho de un elepé en el que sus firmantes potenciaron cualidades propias y ajenas hasta alumbrar esa obra que, más de un cuarto de siglo después de su lanzamiento, luce el apreciado don de la atemporalidad.

RAÚL JULIÁN

RRLa artista catalana Queralt Lahoz es una de los siete galardonados en los prestigiosos premios europeos Music Moves Europe 2023. Podrás verla en directo los días 18 febrero, Madrid (Sala Changó), 25 febrero, Barcelona (Paral·lel 62) y en la gira GPS: 14 abril, Sevilla (Fanatic), 15 abril, Granada (Industrial Copera), 5 mayo, Zaragoza (Sala López), 12 mayo, Castellón (La Casa de la Mar), 21 mayo, Málaga (La cochera Cabaret), 27 mayo, Mahón (Es Claustre).

RRDellafuente, Loco Dice o Deborah de Luca se suman al cartel del Dreambeach 2023, del 9 al 13 de agosto en Villaricos-Palomares. El festival almeriense ha presentado nuevos artistas para su novena edición: Loco Dice, Deborah de Luca, Dellafuente, Shlømo, Arodes, Gonçalo, Laidback Luke, Mike Williams, D Block & S-te-fan y Whipped Cream.

RREl cantautor Micah P. Hinson será el encargado de poner punto y final a la primera edición del festival Bee Week, a celebrar el 13 al 20 de marzo en diversas salas madrileñas. Participarán artistas como Niños Mutantes, Shego, Los Del-Tonos, Alba Morena e incluso incluirá La Demoscópica de Mondo Sonoro en Madrid.

RRDel 5 al 6 de julio, se celebrará el Weekend Beach Festival Torre del Mar. El festival malagueño presentará su 9ª edición en 2023 con artistas como Maluma, Delafuente, Carl Craig, La Casa Azul, Marc Seguí o Nic Fanciulli, entre otros.

RRThe Cult se anuncian como cabezas de cartel del BBK Bilbao Music Legends Fest, a celebrar los días 23 y 24 de junio. A los primeros confirmados se suman también The Waterboys, Canned Heat y Nikki Hill, entre otros

RRThe Kooks, Guitarricadelafuente, Baiuca y Cala Vento encabezan la tanda de confirmaciones que cierran el cartel del WARM UP Estrella de Levante a celebrar una vez más en el Recinto La Fica de Murcia los días 29 y 30 de abril. El 28 se celebrará una fiesta especial con Ojete Calor, Miss Caffeina y más. MS

FOTO: PAUL RIDER

BOYE El azote de los Nirbunjatis

David Menéndez no es un tipo con dos personalidades, sino con múltiples. Y eso es fruto de su carrera como actor, aunque una de ellas, la musical, responde al nombre de BOYE y tiene las cosas muy claras. Y “NA”, su nuevo single es un ejemplo más.

HAN TRANSCURRIDO alrededor de tres años desde que BOYE publicó “BOYE, te queremos pero no eres nadie” (Autoeditado, 2019) , en colaboración con Arnau Vallvé, conocido especialmente por ser el batería de Manel. Pero han pasado muchas cosas desde entonces. Sus singles han ganado notoriedad, se ha subido a

TAN.LEJOS

muchísimos escenarios y, paso a paso, ha ido afinando la línea musical de su propuesta. Si “Veni Vidi Vici” se convertía en su gran hit al tiempo que combinaba mejor que nunca rap, electrónica y funk, su nuevo “NA” mantiene esas coordenadas y suma un nuevo imprescindible a su repertorio. Un repertorio que se dirige hacia el futuro de la mano de Vida Records. Con calma, pero sin pausas. “Bueno, la palabra no sería ‘calma’. Aunque sí que es verdad que mi proyecto vital y profesional es muy ambicioso y el hecho de combinar diferentes carreras, que al final esas carreras se trenzan y confluyen en mi conjunto como artista y creador, hace que vayan no lentas, pero ahora mismo no al ritmo que necesita la industria”. Eso sí, parece que ese ritmo se va acelerando poco a poco. “Dentro de dos meses saldrá otro single y luego otro antes del verano, que van a ser una

avanzadilla para algo que no voy a decir si será un Ep o un álbum, pero que garantizo que será una bomba explosiva”. Lo que también sabemos es que Arnau Vallvé continuará ahí. “‘NA’ viene de la mano del mismo argumento, de la misma narrativa, del mismo tipo de musicalidad que ‘Veni Vidi Vici’”, comenta el artista. “Ahora mismo nos acercamos a un dedo de lo que queremos hacer [...]. Con Arnau estamos buscando algo mucho más electrónico sin dejar de lado el rap, hip hop, spoken word, y acercarnos sin ningún miedo al pop. Gracias a la música de este siglo la gente se está desvinculando ya de los géneros y hace lo que le da la gana. Y eso está muy bien porque le da mayor libertad al artista”. Un artista que, crecido en el mundo del rap y de los freestyles callejeros, que me cita como referentes a artistas como Childish Gambino, Tyler The Creator, Stromae y Kase.O.

RR El pasado 18 de enero falleció a los ochenta y un años de edad el mítico David Crosby, quien fuera uno de los líderes de The Byrds, de Crosby, Stills & Nash y de Crosby, Stills, Nash & Young, además de protagonizar su carrera en solitario. El cantante falleció tras una larga enfermedad.

RR Vann Conner, bajista y cofundador de Screaming Trees, falleció el pasado 17 de enero a causa de una neumonía que arrastraba desde hacía un tiempo. El músico tenía cincuenta y cinco años.

Airbag Cuando calienta el sol

El trío malagueño ha vuelto con el que podría ser su álbum más completo e inspirado, “Siempre Tropical” (Sonido Muchacho, 22), reivindicando una vez más su peso en la escena punk pop.

CITA CON ADOLFO DÍAZ (guitarra, voz) y José Andrés Albertos (batería) en la terraza de un emblemático café madrileño en Recoletos (falta Pepillo Medina, bajo y voz). Llevan todo el día atendiendo obligaciones promocionales en relación con su octavo

larga, segundo para Sonido Muchacho, un trabajo en el que vuelcan sabiduría acumulada para construir once canciones redondas entre el indie noventero, el punk y las melodías soleadas atemporales. Por cuarta vez consecutiva la parte técnica corre a cargo del veterano de la escena indie Carlos Hernández (Los Planetas, Carolina Durante). José asegura que “es uno más del grupo prácticamente. A la hora de grabar opina, decide, corta, añade, quita… Le dejamos hacer, aunque siempre tenemos nuestras peleas. Pero confiamos en él ciegamente, porque a la vista están los resultados. Nuestros mejores discos, los que mejor suenan, son los que hemos

RR Los franceses The Blaze han anunciado que su segundo larga duración, “Jungle”, llegará el próximo 10 de marzo. De momento ya hemos podido escuchar “Eyes” y “Dreamer”.

RR Se confirma que Antoine Fuqua (“Training Day”, “The Equalizer”) será el director del biopic de Michael Jackson, en el que según parece aparecerá todas las caras del fallecido rey del pop. Fuqua ha dirigido clips de artistas como Prince, Arrested Development, Stevie Wonder, Coolio o Lil Wayne.

RR También en enero ha fallecido Yukihiro Takahashi, batería de la que fue una de las más influyentes bandas del Japón, Yellow Magic Orchestra, a los setenta años. El influyente músico cofundó YMO con Haruomi Hosono y Ryuichi Sakamoto.

RR Kelly Jones, a quien conocemos por ser el líder de Stereophonics, presenta en sociedad su nuevo proyecto que lleva por nombre Far From Saints y que se moverá entre el country, el folk, el rock y el sonido americana. Le

COMO DECÍAMOS, además de músico, David es también actor, y un actor al que recientemente hemos podido ver en “As Bestas” o en series como “Autodefensa”, “Mira lo que has hecho” o “Antidisturbios”. Eso deja entrever una vida ajetreada para combinar ambas facetas. “Pues, sí, a ver, es que yo me lo he buscado. Creo que BOYE, en sus trescientos sesenta grados, tiene un potencial muy fuerte con lo que es normal que se haga grande y que ocupe más espacio en la agenda de mis proyectos. Pero es complicado. Al final un año tiene trescientos sesenta y cinco días y un día tiene veinticuatro horas, y eso quiere decir que debes decidir hacia dónde vas y qué proyectos coges y cuáles no. Por suerte estoy en un momento en el que puedo decidir lo que cojo y lo que no, pero bueno, también hay que pensar

acompañan Patty Lynn y Dwight Baker, de la banda de Austin The Wind And The Wave.

RR Till Lindemann (Rammstein) es la voz invitada de Sharon Kovacs en “Child Of Sin”, canción que da nombre al nuevo álbum de la cantante neerlandesa.

RR El legendario guitarrista Jeff Beck falleció repentinamente este pasado mes, según confirmó su representante, a los setenta y ocho años de edad. Beck está considerado uno de los mejores

que esto en Estados Unidos no es un tema. En Estados Unidos un artista como Childish Gambino te escribe una serie como ‘Atlanta’, luego te saca un discazo, te saca un videoclip increíble que alerta a todo el país y hace crítica y hace humor y hace belleza en “This Is America”, y nadie se pregunta si es cantante o es actor. Es sencillamente un artista que se manifiesta de esa manera y hacia ahí van mis objetivos también”.

JOAN S. LUNA

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EN CONCIERTO

l Barcelona 09 febrero. La [2] (Vida Records & Friends)

guitarristas de la historia desde que inició su trayectoria con The Yardbirds en 1965.

RR El dúo de indie rock de Dinamarca The Raveonettes ha invitado a diversos artistas amigos suyos a grabar canciones que formaron parte de su clásico “Whip It On”. Entre ellos estarán Trentemøller o el mismísimo Dave Gahan de Depeche Mode.

RR Freddie Cowan de The Vaccines anuncia álbum debut en solitario como Freddie Cowan &

hecho con él”. “Hace de psicólogo, como debe ser un productor. Su tarea es decirte cosas que a lo mejor no quieres oír. Igual tú estás con tu canción feliz, y llega él y te dice: ‘Sí, está guay, pero es que la hiciste hace tres discos, y no te has dado cuenta’”, añade Adolfo. Airbag refinan sus composiciones de amor y desamor con resultados deslumbrantes como el de “Finales alternativos”, donde participa su amigo Jota de Los Planetas. ¿Son unos románticos? Adolfo se ríe. “Siempre. En la Historia del pop y el rock el noventa por ciento de las canciones hablan de amor y desamor. Todo mortal tiene historias en un sentido u otro. Actuales o cosas pendientes que tienes en la cabeza, y una manera de sacártelas es haciendo una canción y quitarte un poco la espina”. Que de su hornada apenas queden grupos en

The Scenarios, que se estrenará el próximo 9 de marzo. Le acompañan Pete Roberton y Tim Lanham (The Vaccines), Nick Pini (Laura Marling) y el productor Ehan Johns.

RR Stewart Copeland, uno de los miembros originales del referencial trío británico The Police, publicará un libro muy esperado, “Police Diaries 1976-’79”. Se trata de unos diarios de aquellos años junto a Sting y Andy Summers. MS

activo es un hecho que da aún más valor a una carrera que arranca en 1998. “Hemos tenido la suerte de llevarnos bien siempre y de tener el apoyo de un público que ha ido creciendo poco a poco. No ha habido saltos meteóricos, pero con cada disco siempre hemos ido creciendo en cuanto a las salas, los festivales y la respuesta. En el momento en que veamos que esto no interesa o no nos divirtamos, porque al final se trata de que nos lo pasemos bien, estemos a gusto y comamos bien en las giras, lo dejaremos”.

JC PEÑA

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“La gente se está desvinculando ya de los géneros y hace lo que le da la gana”

“El noventa por ciento de las canciones hablan de amor y desamor”

FOTO: JAVIER CASTAN

Vicente Navarro Regeneración

“Casi tierra” (El Tragaluz, 19) es uno de los mejores discos debut en español de los últimos años, editado poco antes de la pandemia. Por ello, Vicente Navarro afronta con “Las Manos” (El Tragaluz, 22) un doble reto: ser un “segundo debut”, ya en condiciones más normales, y presentar una evolución sin decepcionar a sus seguidores.

HAY DOS CANCIONES que quizás esperábamos en el tracklist, pero se han quedado fuera: las colaboraciones con Rodrigo Cuevas y Karmento. “Me impuse algunas reglas de cara a este disco y su sonido, y cuando trabajé con Rodrigo todavía no lo había hecho... por ejemplo, estaba el sonido de sintes, que no quería usar en el álbum, y algo parecido ocurrió en la canción con Karmento, que no entraba en la energía de ‘Las Manos’”. Y es que Navarro se ha preocupado especialmente de darle cohesión a la propuesta y hacer una selección muy

cuidada. “Cuando estás en un sello independiente y estás trabajando desde muy abajo aunque tengas recorrido, tienes que confiar en las canciones, que es lo que muchas veces se nos olvida. Yo he hecho todo lo que he podido, ahora les toca hablar a ellas, toca que cuando la gente escuche las canciones se las quiera volver a escuchar”, nos dice Vicente, que ha querido meditar mucho las canciones de esta segunda entrega. “Yo he sido siempre muy popero, sé cómo funciona el sistema, y tampoco quiero trabajar aparte, pero... sí que es verdad que no quería cantar nada que cuando me subiera al escenario no me tocara. El escenario está para que me pasen cosas a mí y poder reflejarlas en los demás, no está para que sea una anécdota, para ir a un concierto y que poco después se te olvide. Además, si no me muero joven, ¿cuántos discos podré hacer en mi vida? ¿Siete?¿Cinco? No lo sé, pero es lo que voy a dejar, y quiero sentirme orgulloso de ellos. Aunque haya fallos o errores, que formen parte del proceso, que sean un recordatorio de cómo fueron las cosas ahí”.

EN CUANTO A TEMÁTICAS, el autor de “Casi tierra” tiene claro que hay algu-

nas especialmente presentes en su obra. “Tengo la sensación de que estoy hablando siempre de lo mismo, creo que nos pasa a muchos artistas. En mi caso creo que la ausencia es un tema recurrente”, nos comenta, poniendo como ejemplo “La Fuente”, pero también “En el río”, del anterior disco. “‘En el río’ empezó a partir de una carta de un amigo, me la pasó y cogí de ahí algunos versos, y a partir de ahí desarrollé. Y al final es una despedida entre dos personas, donde una se va y otra se queda. De alguna manera es similar a ‘La Fuente’. Yo es que lo visualizo en imágenes, y si en ‘La Fuente’ lo veo en la puerta, y la fuente es una metáfora, en ‘En el río’ era igual, como que una persona se queda en la orilla y la otra se va”. Algo parecido pasa con “José”, una de las canciones más destacadas del disco. “Surgió de una pequeña relación, y la sensación era de que tenías y no tenías algo, y cuando termina pues era una mezcla de sentimientos: no lo tengo, pero al mismo tiempo me ha llegado, al mismo tiempo no sé si quiero tenerlo, etcétera. Se mezclaron las semillas de esa pequeña relación muy intensa, con ese momento de dualidad, de tengo a alguien pero no

lo tengo, está como perdido, y también me estoy perdiendo yo, es una contradicción”.

EN ESTE CAMINO le han acompañado numerosas influencias, siendo PinkPantheress la que más le han mencionado en otras entrevistas, pero también Le Parody (“Venía ahora escuchando ‘La Fuente’ y decía ‘qué árabe es esto’... respecto al primer disco aquí hay más escalas, me baja un poco a tierra”), James Blake (“Me han llamado ‘el James Blake español’. Ojalá, pero es un artista que escucho mucho, y es verdad que ‘Los mayos’ tiene algo de él”), Billie Eilish (“Me encantó el segundo disco, y me pilló en el proceso mental de buscar la sonoridad... Me siento identificado un poco con ella, salvando las enormes distancias, porque pensó en su disco muy como obra, en general, y los singles tuvieron sentido con el disco”)... ¡y hasta Yung Beef! “Le escuchaba mucho, también me parece muy interesante ahora lo que hace Morad, y también la sonoridad del reggaeton o del hip-hop, la energía en sí, escucho mucho Kanye West, o incluso a Aron, el de ‘Élite’”. Y las referencias no solo son musicales: por ejemplo, Navarro nos habla de que, de cara a los conciertos, tiene apuntadas las películas “Retrato de una mujer en llamas” (19) y “Lo que arde” (19). “Vi un documental sobre los incendios de Portugal hace unos años, y me estoy sintiendo muy identificado con esas imágenes de la Naturaleza tan bestias. El fuego es la pasión, y la paz implica un poco todo lo contrario, ¿no? Quizás bajar la pasión y meter un poco de cerebro”.

EN TODO CASO, el artista ha ganado mucha confianza tras su primer disco (“he aprendido a conocerme y reconocer con qué cosas conecto más, he crecido artísticamente”). Ahora queda presentar “Las Manos” en directo. Vicente Navarro presentará “Las Manos” el 8 de febrero en Sala Sol de Madrid y el 3 de marzo en Sala Wolf de Barcelona, junto a más fechas por confirmar en otras ciudades. — PABLO TOCINO

“ME SIENTO IDENTIFICADO CON BILLIE EILISH, SALVANDO LAS DISTANCIAS”

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Michael Jackson “Thriller”

Un fenómeno cultural

“Thriller” es más que un disco. Es un fenómeno cultural, un hito histórico y uno de los tres o cuatro álbumes que pueden presumir de haber cambiado para siempre las reglas del negocio musical, además de hacer de Michael Jackson la persona más famosa del planeta Tierra y, a día de hoy, sigue siendo el más vendido de la historia con más de veinte millones de ventaja sobre su perseguidor. Lo que consiguió fue realmente espectacular y es que, habiéndose publicado en 1982, fue el disco más vendido a nivel planetario en 1983 y 1984, años en los que sacaron discos algunas de las más grandes estrellas de la década como Prince, Madonna o Springsteen.

LO INCREÍBLE DEL CASO es que esas mayestáticas cifras no fueron casualidad sino totalmente buscadas por un artista obsesionado con ser el artista más conocido y con hacer el disco más exitoso de todos los tiempos. Estos son algunos de los datos más curiosos de su creación 1

SU PRINCIPAL INSPIRACIÓN fue la suite de “El Cascanueces” de Tchaikovski, si Brian Wilson hizo “Pet Sounds” en respuesta al “Rubber Soul” de The Beatles y estos hicieron “Sgt. Pepper’s” en respuesta al disco de The Beach Boys, Jackson buscó que cada canción en su disco fuera perfecta por culpa del Cascanueces: “Si coges una pieza como la Suite de ‘El Cascanueces’, cada canción es un éxito, cada una. Así que me dije: ‘¿Por qué no puede haber un disco de pop en el que cada canción sea un éxito?’. Así que siempre intenté esforzarme por conseguirlo”.

SU OBJETIVO ERA SUPERAR a todo y a todos pero, también, cambiar el mundo logrando que “los niños blancos puedan tener héroes negros para que no crezcan con prejuicios. Mi objetivo es llegar a ser tan

‘grande’, tan poderoso. Convertirme en un héroe, para acabar con los prejuicios. Hacer que estos niños blancos me amen vendiendo más de doscientos millones de discos”. Otra meta titánica lograda, se calcula que Jackson vendería más de cuatrocientos millones de discos en toda su carrera, cerca de unos cien solo de este disco. Eso sí, en cuanto al tema de Jackson y los niños correremos un tupidísimo velo y dejaremos ese tema para los tribunales de la historia...

3

JACKSON QUERÍA UN SONIDO perfecto y eligió a Quincy Jones para obtenerlo, alguien con quien ya había trabajado en el maravilloso “Off The Wall” (79). Lo que buscaban con este disco era una música que llegara a todo el mundo, les gustara a los blancos pero que no dejara atrás sus raíces negras, ¿qué mejor que un tipo que había trabajado con Frank Sinatra pero también con Count Basie, Ray Charles o George Benson? 4

HUBO DOS COSAS que hicieron para asegurarse al público blanco y rock, llamar a Paul McCartney para que cantase y colaborase en una de las canciones, “The Girl Is Mine”, y hacer un tema rock contando con el guitarrista cuyo sonido iba a ser el más

imitado de la década, Eddie Van Halen, en “Beat It”. “The Girl Is Mine” no era especialmente memorable pero sí con encanto, eso sí, si la lucha, en vez de por Linda, hubiera sido por controlar el catálogo de The Beatles, entonces en vez de “The Girl Is Mine” hubiéramos tenido algo más parecido a “Helter Skelter” o “Scream”.

5“THRILLER”

CAMBIÓ por completo la industria con su forma de promocionar su disco. En agosto de 1981 había surgido un nuevo canal de televisión en Estados Unidos, se trataba de la MTV, el primer canal de vídeos musicales que estaba enfocado al rock y a la música blanca. El primer vídeo que se emitió fue “Video Killed The Radio Star” de The Buggles, un mensaje profético que habían lanzado un par de años antes. Pero el nuevo canal no llegó sin sus propias polémicas, no era difícil ver un sesgo racista en su programación, Rick James se quejaba de que no le ponían y Bowie no dudaba en decir que la cadena no ponía suficientes vídeos de músicos negros. Pero eso iba a cambiar gracias a dos de las mayores superestrellas, y rivales, de la década, Prince y Michael Jackson. Fueron dos vídeos estrenados en

marzo de 1983 los que iban a romper esas barreras, “Little Red Corvette” del primero y “Billie Jean” del segundo, principalmente este último ya que, gracias a la presión de Jackson, el presidente de la CBS, Walter Yetnikoff, dejó claro a la cadena que no les daría más vídeos si no promocionaban a Jackson. No hizo falta más, una vez emitidos, los vídeos de Jackson se convir-

tieron en los más solicitados, principalmente el que llegó poco después, en mayo, el de “Beat It”.

PERO JACKSON tenía preparada una nueva bomba y el 2 de diciembre de 1983 se estrenaba el vídeo de la canción que daba nombre al disco. Era el séptimo sencillo del disco y se había lanzado al mercado un año después de su publicación, el 5 de noviembre del 83, pero Jackson decidió hacer algo especial, una suerte de mini película de terror dirigida por John Landis, director de “Un hombre lobo americano en Londres”. El vídeo se iba a los catorce minutos, contenía algunos de los pasos de baile más reconocidos de la historia y tenía la chaqueta roja más icónica del pop (por encima de la del propio “Beat It”), con Jackson intentando quitarse su imagen de niño bueno de en medio. Como consecuencia de su éxito el disco volvía a subir al primer puesto de las listas el 24 de diciembre y comenzaba 1984 siendo el disco más vendido en el mundo, más de un año después de su publicación, lugar que no abandonaría hasta el 14 de abril. Podríamos decir que “Thriller” fue el encargado de hacer buena la profecía de The Buggles, el vídeo había matado a la estrella de la radio. Había nacido la generación MTV.

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SERGIO ARIZA

La química entre Pete Kember (Sonic Boom) y Noah Lennox (Panda Bear) culmina en “Reset” (Domino/Music As Usual, 22), trabajo luminoso y fascinante en el que su amor por ciertos sonidos de los años cincuenta y primeros sesenta se funde con la electrónica psicodélica futurista.

EL EX SPACEMEN 3 y el fundador de Animal Collective viven en Portugal desde hace años y han solidificado una relación que se remonta al álbum de Panda Bear “Tomboy” (11). Les ha ayudado a superar los estragos del confinamiento embarcarse en esta aventura convertida en uno de los álbumes más especiales del año que dejamos atrás: toda una celebración

POP / La unión de dos artistas como Noah Lennox (Panda Bear, de Animal Collective) y Peter Kember (Sonic Boom, ex Spacemen 3) es del tipo de las que inevitablemente generan ilusión, dado el currículo y las probadas capacidades imaginativas de uno y otro. Unas expectativas finalmente satisfechas en un colorido disco en el que los autores toman como no menos llamativo punto de partida una nada disimulada selección de sonidos doo-wop y rock & roll de los cincuenta y sesenta. Esa es la base sobre la que apuntalan las preferencias habituales de los músicos, concretadas en psicodelia ligera, algo de electrónica y, sobre todo, amplias dosis de pop con las que cohesionar elementos.

de la melodía, que incluye samples de canciones clásicas de Eddie Cochran o The Everly Brothers. Ambos insisten por Zoom en que el disco se gestó como reacción instintiva e improvisada a la depresión colectiva inducida por la pandemia. Aunque hacer un disco al alimón era, en cierto modo, inevitable. (Lennox) “Nuestra relación personal se ha hecho más y más íntima y cercana. Así que tengo la impresión de que era un poco inevitable acabar cerrando el arco. Trabajar en esto fue lo menos complicado del mundo. Lo difícil, en aquel momento, era lo demás. Fue muy fluido. Ha sido una de esas raras ocasiones en las que tienes suerte trabajando en algo y todo encaja y funciona. La

primera vez que trabajamos juntos Pete tocó algunas partes instrumentales. De modo que hemos tenido esta especie de ímpetu colaborativo desde el principio”. (Kember) “Una de la razones por las que pudimos hacerlo es porque disponíamos de más tiempo. No hablamos tanto de ello en concreto, pero le mandé material a Noah y la energía encajó mucho en un momento tan duro para trabajar. A nuestro alrededor estaba ocurriendo una mierda demencial. Creo que a los dos nos afectó. Ser capaces de sacar este disco fue muy interesante. Habíamos hablado de buscar una salida a la adversidad y a los tiempos duros, sin dejarnos arrastrar escribiendo canciones miserables. Cuan-

“Ha sido una de esas raras ocasiones en las que todo encaja”

Panda Bear & Sonic Boom Buenas vibraciones

do Noah empezó a cantar en lo que le enviaba, vi inmediatamente que había algo muy inspirador. Lo podía sentir de un modo directo. Fue un proceso duro pero alucinante”.

AUNQUE LAS CANCIONES parten de loops y samples de canciones con más de sesenta años, el álbum trasciende cualquier tentación nostálgica.

“Pete me envió entre treinta y cuarenta loops y pasajes musicales, y los que me dieron ideas eran, a grandes rasgos, de esa época: finales de los cincuenta y sesenta. Todo empezó con segmentos de música de entonces, así que era imposible sacar de las canciones esa especie de residuo. Pero creo que, al mismo tiempo, ambos queríamos hacer algo que mirara hacia delante”, asegura Panda Bear. Sonic Boom es más categórico. “De ninguna manera queríamos sonar retro, habría sido un bajón. Lo que me gusta de trabajar con Noah es que a ambos nos interesa incorporar sonidos inusuales, pero sacándolos un poco de contexto. Ha sido bonito mezclar elementos y sonidos electrónicos que no existían en aquella era con música doo-wop o Motown. Hacer algo simplemente retro habría sido un bajón”.

JC PEÑA

“La otra noche alguien me preguntó a qué me dedicaba. No sabía qué decir, porque nunca me lo habían preguntado, así que dije ‘Cambio las vidas de la gente a mejor’, a lo que ella contestó: ‘¿Eres médico?’”

“Siempre he adorado a Björk. Ella es la más grande de todos los tiempos. Desde la forma en la que golpeaba a los reporteros hasta la forma en la que emociona con su música, ella es la mayor real bitch viva”

SZAen Entertainment Weekly

Damiano David, de Måneskin en NME

“ME

GUSTA SHAWN

MENDES, DUA LIPA Y NO ROSALÍA, SÓLO TENGO MI CRITERIO, NO QUIERO INSULTAR A NADIE. Y DAVE GROHL ES UN GRAN TÉCNICO, TIENE MUCHO SENTIDO DEL HUMOR”

Pedro Andreu, de Héroes del Silencio, L4 Red, en Rockzonemag

“John Lydon es un auténtico punk, así que es bastante justo que pueda hacer siempre lo que le da la gana”

Noel Gallagher en NME

“Rosalía es una acróbata sin valor artístico.

Padezco tonadilleras así desde mi infancia”

Jorge Ilegal, de Ilegales en El Español

41/Mondo VINILOS

Belle And Sebastian Late Developers Matador/Popstock!

Paloma y el olfato para los estribillos

ROCK / Los madrileños La Paloma despertaron interés con su primer EP, “Una idea, pero es triste” (La Castanya, 21), certificando ahora sensaciones con el presente estreno en formato largo. Un álbum que puede (y debe) presumir de aunar pop y distorsión en meritorio equilibrio, resistiéndose a ceder protagonismo determinante a alguna de las que, en la práctica, resultan ser dos caras de una misma moneda. Una fórmula poco novedosa, pero que sigue funcionando cuando viene manejada por una formación que sitúa guitarras en primer plano mientras apura su olfato para dar con ese tipo de estribillos adictivos que el oyente hace suyos. “Todavía no” contiene multitud de temas aspirantes a ejercer como sencillo sin riesgo de fallo, con canciones

sobradas en inmediatez y urgencia, pero que tampoco renuncian a dejar algo de poso con su narrativa realista y desperezada. “Sigo aquí” abre el fuego y resulta toda una declaración de intenciones, con ecos a Dinosaur Jr (influencia recurrente a lo largo de todo el minutaje) y también a Nueva Vulcano. Por su parte, “Algo ha cambiado” y “Todo esto” remiten a los argentinos El Mató a un Policía Motorizado y lucen como dianas evidentes, mientras que “Tiré una piedra al aire” y “Cosas sencillas” son las composiciones más desvergonzadamente pop del lote. También destacan “No es una broma” y “Quejas célebres”, así como “Polvo” y la noventera “Caracola pálida” cerrando el círculo. El pop de guitarras esparcido en “Todavía no” posiciona a La Paloma en esa sección de la escena nacional horneada por otras formaciones del tipo de La Plata, Menta, Cala Vento o Camellos. Y, al mismo tiempo y al amparo de las certeras y contundentes maneras del lanzamiento, los presenta como claros candidatos a ser una de las revelaciones de la temporada.

POP / Grabadas a la vez que los temas de “A Bit Of Previous” (22), Belle And Sebastian presentan un conjunto de canciones que nacen de la lucha personal y emocional por asumir la madurez y hacerse amigo del paso del tiempo. Piezas que disfrazadas con un aura de optimismo se pronuncian sobre la destrucción del mundo real y la búsqueda de refugios emocionales que nos ayuden a avanzar en nuestro propio camino con paso firme. Sigue siendo un álbum continuista para el grupo centrado una vez más en ese chamber pop y ese pulso folk con el que se desarrolla que tanto les caracteriza. Pero rascando algo más encontramos alguna sorpresa como la apuesta por los sintes en esa balada noventas de pop electrónico despreocupada que es “I Don’t Know What You See In Me” o la recuperación de ese tema escrito en 1995 que tenían guardado en el cajón como es “When The Cynics Stare Back From The Wall” junto a Tracyanne Campbell de Camera Obscura. ÁLEX JEREZ

Casero Me doy cuenta Primavera Labels

POP / Casero concreta su escisión del microcosmos bedroom pop en “Me doy cuenta”, un segundo largo producido de la mano de Bearoid que mantiene la perceptiva e intimista sensibilidad y la agudeza para las melodías que nos descubrió en su debut, pero reescritas en una fulgurante caligrafía electrónica. A través de las once pistas, Casero pasea entre percusiones titilantes, cálidas guitarras, breves ráfagas de sintetizadores y segundas voces distorsionadas mientras nos explica sus idas y venidas amorosas. Es una visión de la cantautora más nítida, más pulcra; no solo porque introduce un refinamiento de texturas, sino porque sus letras, todavía de tono confesional, simple y directo, disuelven todos los peyorativos de lo naif y retienen aquello que hace esta corriente expresiva interesante: la candidez, la universalidad de lo sencillo, la belleza exaltada de lo cotidiano. SALOMÉ LAGARES

La Paloma Todavía no La Castanya

La

Ig g Pop: La corona del punk

en propiedad

Iggy Pop

ROCK / Esquivar la caricatura es un reto inherente a casi cualquier artista longevo, sobre todo cuando de manera oficiosa ostentas el título de padrino del punk y, por ende, eres una de las figuras más infuyentes del rock. A lo largo de su carrera al margen de los seminales The Stooges, Iggy Pop ha dejado algunos elepés inexcusables y, de uno u otro modo, se las ha arreglado para que su figura continuase acrecentándose. La Iguana de Michigan publica ahora la enésima prueba de que sigue viva y coleando encolerizada, al tiempo de resultar tan sobradamente creíble que firma el que es uno de sus mejores trabajos en años. Tras esa probatura cercana al ambient y el jazz que fue “Free” (19), Iggy Pop regresa con firme inten-

ción (y poco disimulo) de reverdecer laureles, en una maniobra que podría haber terminado en catástrofe con aspecto de parodia, pero que en la práctica presume de deslumbrante intensidad. Una secuencia que incluye descargas eléctricas del tipo de “Frenzy”, “Comments”, “Neo Punk” o la final “The Regency”, singles incontestables como “Strung Out Johnny”, “New Atlantis” o “Modern Day Ripoff”, e incluso el ramalazo crooner de “Morning Show”. ‘Every Loser’es un compendio de rabia latente y actualizada en su justa medida, que mira al pasado para resonar vigente, en el que esa mala baba adquiere diferentes formas y maneras en torno a un trabajo sólido y jugoso. Una jugada ganadora, perpetrada en base a una colección de canciones que certifican que Iggy Pop mantiene intacto aquel nervio que late incansable debajo de sus marcadas venas. Una especie de auto-homenaje del que el norteamericano sale victorioso con orgullo, luciendo socarrona sonrisa de medio lado tras comprobar que, mientras continúe contoneándose, la corona del punk seguirá siendo suya.

Polita

ROCK / El tercer disco de Ezpalak sigue ahondando en la línea de “Kolpatu Topatu” (21) y, por lo tanto, alejándose de la melancolía guitarrera de su debut. “Hortz Aina Hots” centra su eje de giro en un punk rudo y epiléptico amante de la destrucción que centra sus esfuerzos en riffs machacones y en agresivas líneas de bajo. Por ahí se mueve más de la mitad del álbum y en temas como “Lehertu arte”, “Kontran”, “Boterearen dantza”, “Nork daki” y “Berdin zait” la influencia de Idles parece clara. El fuerte sentido melódico que Eñaut Gaztañaga imprime a todas sus composiciones sirve para seguir acomodando su rico abanico de estribillos pegadizos gracias a un pop sintético que abusa del fuzz y se apoya en los teclados ocasionalmente. Únicamente se salen de ese equilibrado diálogo entre el incesante estruendo punk y el gancho pop en la recta final para abrazar las atmósferas más catárticas y corrosivas del grunge. IZKANDER FERNÁNDEZ

8

URBANO / Si el éxito de Villano Antillano tiene un regusto tan victorioso no es tan solo porque es una mujer trans en una industria masculinizada e históricamente poco queer-friendly, sino porque su propuesta musical está profundamente conectada con su identidad, sin concesiones. La culminación es “La Sustancia X”, donde afirma con confianza su visión del reggaeton y el hip hop latino y, sin embargo, se niega a conformarse con ser una única cosa: la capacidad metamórfica de Antillano aparece concretada explícitamente en sus letras y se intuye más sutilmente en el juego de texturas que incorpora (desde las guitarras nu-metal en “Puesta” a las influencias ochenteras en “Nena Mala”). De vez en cuando cae en los clichés y, a pesar de que hay una intención de diversificar a nivel sonoro, las palpitaciones de reggaeton y trap del disco pueden hacerse algo repetitivas. SALOMÉ LAGARES

Villano Antillano La Sustancia X La Buena Fortuna/Sony

Ezpalak Hortz Aina Hots Oso

Anti-Flag Lies They Tell Our Children Spinefarm

Leia Destruye Leia

POP ROCK / Inspirada en el imaginario poético de Marc Menéndez y tras haberse cosechado un nombre propio como bajista en Mourn, Leia Rodríguez nos demuestra que las cuatro cuerdas se le quedan cortas a la hora de expresar todo su talento. Por medio de un intimismo calmado, desnudo, desgarrador y romántico, la de Cabrils se estrena con “Leia Destruye”, su debut y alter ego con el que consagra una prometedora línea de trabajo en solitario, bendecida por Lluis Cots (Madee, The Crab Apples) y marcada por un estilo noventero irresistible (“Madera mojada”). Si la intensidad era ya marca de la casa en su trabajo con Mourn, la catalana eleva ahora a la máxima potencia su cruda honestidad (“Tan flojo”), encontrando el equilibrio perfecto entre belleza y oscuridad (“Tentar a la suerte”) en un trabajo que le ha permitido conocerse mejor a sí misma y permitirnos a nosotros que también la descubramos. FRAN GONZÁLEZ

top 10 .

NACIONAL INTERNACIONAL

1 La Paloma Todavía no2

2 dani posdata

3 La Élite Nuevo Punk

4 Casero Me doy cuenta

5 Sandré Gestiones fá

6 Ezpalak Hortz aina

7 Núria Graham Cyclamen

8 Elio Toffana Shock Wav

9 Ariza Volver a empezar

2 Margo Price Strays

3 Iggy Pop Every Loser

4 Little Simz No Thank You

5 Nina Nastasia Riderless Horse

6 Jesu Pity-Piety

7 Belle And Sebastian Late Developers

8 Gaz Coombes Turn The Car Around

9 Interpol The Other Side Of Make Believe

10 Mäneskin Rush!

Nina

Riderless Horse

FOLK / Es imposible abordar el séptimo disco de la norteamericana sin entrar en lo personal. Nastasia llevaba mucho tiempo sufriendo una relación malsana con Kennan Gudjonsson, figura clave en el despegue y desarrollo de su carrera, pero también un lastre cada vez más pesado. Nastasia abandonó a su pareja a principios de 2020. El suicidio de Gudjonsson puso el tristísimo epílogo a una tragedia personal por la que nadie se merece pasar. “Riderless Horse” documenta con delicadeza y brutal honestidad la vuelta a la composición de canciones (y a la vida) de la compositora. Y la dureza explícita de los textos no se traduce en un disco inhóspito, pese a que confía únicamente en su guitarra acústica y su voz. Recupera el gusto por su oficio con canciones que se agarran a la melodía y las confesiones descarnadas como terapia para salir del hoyo. La vuelta a la existencia de una mujer que, a fin de cuentas, tiene en la música su razón de ser.

Leftfield This Is What We Do Virgin

POP / Gaz Coombes suma otro acierto al margen de Supergrass, con el que es su cuarto álbum en solitario y un más que interesante tratado de indie-pop de calidad nutrido de otros géneros. Un álbum elaborado y desarrollado con gusto, que apunta hacia composiciones de aspecto maduro (en ocasiones cercano al del crooner) y alma creíble. Nueve canciones arregladas con elegancia y sentido, hasta ensalzar la esencia de cada pieza sin recargarla innecesariamente. El autor apuesta así por una vuelta de tuerca que resulta determinante en el estiloso resultado, al focalizar elementos que embellecen las elegidas. Una obra ambiciosa y asentada sobre detalles, con guitarras bien colocadas, coros de trazo clásico y no demasiado alejados del soul, y destacadas harmonías vocales confirmando que el británico es un cantante con personalidad y un compositor bastante más valioso de lo que un primer vistazo podría sugerir. RAÚL JULIÁN

8 7 7 8

MONDOVINILOS

Elio Tofana: solidez sin transcendencia

Elio Toffana Shock Wave Mécèn

RAP / Figura imprescindible del rap underground español de la última década, Elio Toffana ha edificado una leyenda: producciones de primer nivel de la mano de algunos de los más reconocidos profesionales del país; apoyo masivo de compañeros y pilares de la escena; colaboraciones de algunos de los representantes del hip hop actual más potentes –de clásicos como Dano a irrupciones como Ergo Pro e Ill Pekeño–. Su nuevo disco, “Shock Wave”, ve la luz rodeado de un hálito de clásico incluso desde antes de haber empezado a rodar. Esas expectativas son contraproducentes: todo suena limpísimo, más que cristalino, diamantino; los ingredientes bien seleccionados, independientemente de algún que otro traspiés manifiesto en la parte final del

Albany Lágrimas de un G Ladradora

TRAP / Como regalo de su cumpleaños, Albany ha publicado una nueva mixtape que suena mucho más experimental y cruda que sus trabajos anteriores. Con canciones que parecen ser el resultado de unas cuantas sesiones intensas de grabación en las que las barras que escupe Albany muchas veces son, según la nota de prensa, improvisadas. El freestyle es un estilo que siempre ha llamado la atención de la autora, y lo cierto es que le queda como un guante, a pesar de que se eche de menos escuchar nuevas temáticas que no solo giren en torno a criticar la fama o destacar sus humildes orígenes. Aún así, la artista sale más que airosa de todas estas canciones, regalándonos perlas a modo de letras agresivas y puntiagudas en cada una de ellas, siendo “Lil Baby Albany” la joya de la mixtape. Sin ser la obra maestra de la artista, demuestra un talento y honestidad brutales de una persona que se merienda a todo lo que se le ponga delante. ÁLVARO TEJADA

álbum. Aún así, hay algo que se me queda corto. Toffana no consigue romper el cascarón y que su voz trascienda más allá de su corrillo habitual de seguidores. Eso sí, “Shock Wave” es un álbum sólido, notable y poderoso, que destaca entre las colaboraciones y las producciones de primerísimo nivel. Elio Toffana, como decíamos, es un maestro lleno de experiencia, y sabe lo que se hace y de quién se rodea: sabe qué

Jesu Pity/Piety Avalanche Records

POST-METAL / Hablar de Jesu es hacerlo del proyecto más longevo, tras Godflesh, del incansable Justin Broadrick, el gran alquimista de los caminos que llevan del pulso electrónico al metal industrial, pasando por el slowcore o la rabia Illbient de Techno Animal, uno de sus proyectos más demoledores. En su nuevo trabajo, se ha ceñido a presentarnos dos partes de una misma criatura, que va cambiando de diferentes movimientos a lo largo de los treinta y cinco minutos que componen esta sinfonía de belleza y contundencia post-metal, a partes iguales. Eso sí, esto último más cercano a los Low más agresivos que a Godflesh. El de Birmingham se gusta tirando de su fondo armario personal, lo cual fluye en un encadenado estilístico donde somos espectadores de las diferentes cosechas estilísticas mencionadas anteriormente, con especial énfasis en la materia prima slowcore. Un nuevo triunfo que no debería pasar inadvertido. MARCOS GENDRE

quiere decir y sabe cómo decirlo. Domina su universo y le sobra fidelidad entre sus seguidores, lo que implica pocos motivos para dar un volantazo. Pero por suerte para todos suple esa frescura con amigos que se suman a su fiesta. Lo mejor del álbum es brillante: “Virgensita”, “Magneto”, “Nadie vivo” y “Altamar”, esta última junto a otra leyenda, el venezolano Lil Supa. LUIS

M. MAÍNEZ

Nacho Casado

Disco Bleu

Hidden Track

INDIE POP / Da igual el día que haga ahí fuera, pues el radiante y tórrido imaginario de Nacho Casado te trasladará a tu tarde de julio favorita. Una vez más, el espíritu romántico que caracteriza la prosa del ilicitano se hace hueco en un tercer álbum en solitario que nos evoca directamente a ese cóctel en el que maridan tan convenientemente bien elementos jazzísticos, cinematográficos, mediterráneos y tropicales. Acorde con su propuesta más sentida (“El amor es lo único”) y con sus dotes para presentarnos relatos apasionados y edulcorados (“¡Qué maravilla!”). “Disco Bleu” también ahonda por vez primera en un plano más hedonista, apoyándose en una instrumentalización excelsa que incluso acelerará nuestras pulsaciones a un ritmo discotequero (“Venganza en la pista de baile”), confirmando que no solo encontraremos sobriedad clásica (“Mediterralia”) sino también sofisticación traviesa (“El nadador”). FRAN GONZÁLEZ

Sandré Gestiones Fáciles Hotel Records

PUNK / “Un viaje en montaña rusa, una sesión de terapia sin nadie al volante, una gestión para nada fácil”. Con estas palabras los barceloneses Sandré describen su tercer trabajo y segundo álbum “Gestiones Fáciles”, grabado y producido por el omnipresente Santi García en los estudios Ultramarinos Costa Brava y con una portada obra del gran pintor vasco afincado en Barcelona David de las Heras. “Gestiones Fáciles” son diez canciones de punk urgente y garajero que en solamente veinte minutos totales te llevan de viaje a lo más fangoso de la apresurada sociedad actual en la que las cosas se crean y destruyen a la vez sin apenas saborearlas. Sandré vuelven con una sesión de gritos y guitarrazos donde mezclan su sangre, sudor, saliva y ansiedad asaltándote e inyectándote en vena altas dosis de adrenalina punk de esa que siempre funciona con un plus bailongo enriquecido por los golpes de cencerro de las baterías. JAIME TOMÉ

Richard Dawson The Ruby Cord Domino/ Music As

FOLK / La última ocurrencia del inclasificable Richard Dawson ha quedado materializada, entre la genialidad y la excentricidad, en dos partes diferenciadas que suman casi hora y media de duración. “The Ruby Cord” se abre con “The Hermit”, una primera pieza de cuarenta minutos que alberga en sí misma varias canciones, alternando algo de free-jazz con ese folk quejicoso trabajado con soltura por el músico. El segundo tramo de la obra se compone de otros seis cortes que, de algún modo, invitan a entender las historias que contienen de manera individual. Una secuencia que alberga interés en sus propias peculiaridades y paranoias narrativas, pero que también puede llegar a resultar incómodo en alguno de sus pasajes más estremecedores. Un cajón de sastre que alterna momentos de gran lucidez con rarezas de más compleja digestión, configurando un perfil anárquico y desesperanzado. RAÚL

JULIÁN

O.B.F. Lava Dubquake Records

DUB-REGGAE / La evolución del dub en los últimos años hacia un sonido más bailable, amable y neutro, no tan orientado hacia el underground, tiene en O.B.F. a un protagonista principal en Europa. La formación francesa es sin duda una de las que mejor ha sabido comprender los cambios que está viviendo el género, y este “Lava” es una clara prueba de ello. En él, Rico, comandante de la nave O.B.F., navega por incontables estilos en búsqueda del suyo propio, pasando por influencias más jamaicanas, otras más cercanas al rap y atracando también en los puertos de la electrónica europea. Porque en su sonido hay espíritu soundsystem, pero también atmósferas de club que le proporcionan una mayor claridad sonora. En el micro, nos encontramos a dos conocidos en Barcelona como Sr Wilson y Belén Natalí, así como al francés Junior Roy, al inglés Charlie P y el fallecido Nazamba. Un nuevo nivel en el dub. ALFONSO GIL ROYO

SZA: ambición y desmesura

R&B / SZA publicaba en diciembre “SOS”, la esperadísima continuación de uno de los discos más relevantes de la última década, “CTRL”, un trabajo que no ha abandonado ni una sola vez el Billboard 200 desde su publicación hace ya cinco años. Parecía un movimiento claro de una artista que ha decidido pasar de la industria y el estrellato y reivindicar sus raíces lo-fi en un disco doble en el que cabe de todo, de trap a pop punk, todo ello bañado con una de las mejores voces del R&B del Siglo XXI. “SOS” es un disco ambicioso e irregular, una monumental obra de R&B alternativo a la que le hubiera venido bien unas tijeras pero que en su amplitud también tiene uno de sus atractivos. Y es que con este disco la artista se desinhibe com-

pletamente de las enormes expectativas que había puestas en ella, liberada de presiones decide sacar lo que le da la gana y hasta coquetea con la posibilidad de que sea su último disco. Uno que suena exactamente a eso que dice en “Seek & Destroy”, “Ahora que lo he arruinado todo, soy tan jodidamente libre”, una frase que se puede aplicar a una de sus muchas relaciones rotas pero también a su relación con la industria discográfica. Como la gran mayoría de los discos dobles “SOS” es autoindulgente y podría ser recortado, como la mayoría de ellos también es un verdadero gozo para los seguidores más acérrimos, aquellos en cuya lista de mejores canciones de su artista favorito aparecen tres caras B, un par de temas no lanzados y esa canción en la que nadie se fija del disco que pasó desapercibido. No alcanza las cotas de “CTRL” pero canciones tan grandes como “Kill Bill”, “Blind”, “Open Arms”, “Good Days” o “Nobody Gets Me” liberan a la artista de su alargada sombra y hacen pensar que el tiempo será bueno para él, pudiendo llegar a convertirse en el favorito de los fans. SERGIO

SZA SOS Top Dawg/RCA

Little Simz continúa su camino ascendente

Little Simz No Thank You AWAL/Popstock!

RAP / La increíble popularidad de Little Simz en los últimos años ha hecho que crezca como estrella de una forma abismal. Se ha enfrentado a monstruos que hasta ahora desconocía, ha abierto puertas que sentía cerradas, pero también se ha visto obligada colocarse en un lugar de privilegio desde el que poder ver su personal mundo con todo detalle. Intenta comprender cómo la fama te cambia la vida, busca ayudarse a sí misma, conseguir continuar siendo libre. “No Thank You” llega así como un torbellino de pureza para limpiar todo lo que reinaba en su cabeza. Una especie de borrón y cuenta nueva para empezar el año. Un álbum impulsivo en el que prioriza las letras sobre bases que hacen que se sienta cómoda y en familia. Una joya sanadora que derriba muros para

que la oscuridad escape y ayudará a muchos a auto conocerse mejor a través del reflejo de la historia de la propia artista. Alguien que ante todo sigue protegiendo sus raíces, quiere desarrollarse artísticamente y aprender a luchar contra los demonios que aparezcan en el camino. Bajo la ya clásica producción de Inflo y de la mano de Cleo Sol, se arrastra por sus recuerdos y recupera imágenes que necesita cuestionarse. Huye de sorprender con grandes experimentos o nuevos giros de guion. Sin

Circa Waves Never Going Under [PIAS]

INDIE POP / A pesar de su corte facilón, el quinto disco de los de Kieran Shudall (Su anterior álbum, “Sad Happy”, es de 2020) también se hace eco de los cambios afrontados en la vida del líder y vocalista de la formación de Liverpool, pues ahora, y tomando las directrices al completo de la banda, el mencionado artista dibuja desde la reflexión y la preocupación líneas que examinan el auge de la masculinidad tóxica (“Your Ghost”), la añoranza del hogar (“Northern Town”), o fruto de su recién estrenada paternidad, el futuro climatológico, medioambiental y político que le dejaremos a nuestros hijos (“Hell On Earth”). Aun con todo, será en esos punteos juveniles, bases luminosas y letras descaradas (“Do You Wanna Talk”, “Carry You Home”) donde la formación dará en la diana para aquellos que echen de menos el indie-pop de principios de la década pasada.

FRAN GONZÁLEZ

ARBIZU

embargo, asume el poder de sus barras y su increíble capacidad para contar historias desprendiendo una seguridad a la hora de exponer su dolor que certifica que está lista para la batalla. Una batalla más mental que física en la que seamos capaces de asumir que la perfección no existe, pero que a su vez somos perfectos tal y como somos. La generosidad y verdad de “No Thank You” hará que este disco no sea simplemente un álbum más en la carrera de Little Simz. ÁLEX JEREZ

Emlan Hotel Chiclepunk Calaverita Records

PUNK POP / Emlan lanza su segundo álbum inspirado en ese sonido punk-pop que triunfó en la época de los principios de los 2000. Un disco en los que nos presenta su verdadero estilo tras transitar por géneros distintos en su álbum debut. Son diez canciones que suman una fórmula tan fácil como eficiente: letras directas inspiradas en historias de amor y desamor acompañadas de ritmos totalmente bailables. De ahí que podamos sentirnos representadas con algunas de ellas y queramos dejarnos la garganta con hits como “Cara de tontita” o “Princesa Disney”. Lo cierto es que lo mejor que tiene este trabajo es la reorientación que ha aplicado a su carrera musical, la mejor decisión que ha podido tomar. Principalmente, porque se nota lo cómodo que se siente dentro del punk-pop, y porque su discurso ahora es mucho más coherente. Un nuevo comienzo para el catalán que esperemos que sea ya su despegue definitivo.

Alber Solo Esperando a que baje el sol Producciones Acaraperro

BLUES-FUNK ROCK / A pesar de las muy ostensibles huellas dejadas por la picadura del blues en las formas musicales de este compositor catalán, su representación del género esquiva el ortodoxo academicismo para tender puentes entre diferentes influencias con el fin de constituir un cuerpo creativo genuino. De tal manera, este nuevo álbum, además de visibilizar el inestable suelo sobre el que se asientan las certezas humanas, se configura como todo un prolijo pero identificativo itinerario a través del árbol genealógico en el que se posan los sonidos negros. Haciendo uso de guitarras poseídas por el ánimo incendiario de Jimi Hendrix o bajo el pellizco funk de Otis Rush, el repertorio se acomoda igualmente con naturalidad en el Blaxploitation, la canallesca “stoniana” e incluso el pétreo hard rock. Todo ello convertido en estaciones de paso para una incertidumbre vital regada por una suculenta banda sonora. KEPA ARBIZU

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

7

7

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Ariza Volver a empezar Autoeditado

.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Danny

Whisky Caravan nos han ido brindando anticipos de lo que está por venir como “Enemigos” o “Imaginaciones”.

En un futuro próximo habrá nuevo álbum de la banda, pero dejemos que su vocalista, Danny Caravan, nos hable hoy de algunos discos que han marcado su vida.

EN CONCIERTO

Dead Sara Pleasure To Meet You (2015)

Creo que es uno de los vinilos que más puedo pinchar en casa. Lo tiene todo: la rabia, la luz y la oscuridad… Es trágico y divertido al mismo tiempo. Puedo escuchar las dos caras y darle la vuelta de nuevo. Canciones como “For You I Am” o “Blue Was The Beautiful You”, te hacen cerrar los ojos y estar en otra parte. La voz de Emily Armstrong es de otro planeta…

Counting Crows August And Everything After (1993)

Salvavidas. La manera de interpretar de Adam Duritz, las letras de cada uno de los temas… Es un disco emotivo desde la primera canción hasta la última y llegó en el momento oportuno. Una época jodida en la que me enganché a ese vinilo (primera edición que me consiguió mi compañero Víctor Fraile) como si fuera el último disco que quedaba en el planeta… “Round here, we always stand up straight. Round here, something radiates”.

The Gaslight Anthem The 59’ Sound (2008)

Desde hace un par de años The Gaslight Anthem se han convertido en una de mis bandas de cabecera. Firmaron discos increíbles, se separaron, Brian Fallon y ahora se ha anunciado su reunión. Tienen cosas que me recuerdan mucho a Springsteen. De hecho, el Boss dijo que eran uno de sus grupos favoritos… Me han inspirado mucho para la música que estamos haciendo ahora.

Pearl Jam Ten (1991)

Para mí sigue siendo el mejor álbum de su discografía a pesar de la producción. Temas como “Alive”, “Black”, “Even Flow”, “Garden”… Recuerdo que los descubrí con su unplugged de la MTV y ¡me voló la cabeza! Pensé que si eso era un acústico el eléctrico sería brutal y así fue… El PinkPop del 92 con esa imagen de Eddie Vedder y la banda… ¡Qué puta locura!

Ramones Brain Drain (1989)

Empecé a escuchar este disco desde bien pequeño. Recuerdo que la primera vez, con unos diez años, lo encontré curioseando en las cintas de mi padre. Luego ha vuelto en distintos momentos. La voz de Joey siempre me pareció única y me hacía fantasear con tener una banda algún día para poder cantar mis propios temas influenciados por “Pet Sematary” o “I Believe In Miracles”. Para mí, ese tipo de canciones fueron una gran inspiración directa.

Doctor Deseo

Deseo: Cartografía Imposible (2010)

Posiblemente sea mi banda favorita dentro del panorama nacional. Las letras de Francis siempre me han dado mucha envidia. Tienen muchas canciones importantes, pero este creo que es el disco al que suelo volver en los días malos. “Que no pasa nada, que el aire se acaba, que han muerto las ganas…”. Acojonante. MS

l Segovia 4 febrero. Sala Octavo Arte l Valladolid 10 febrero. Sala Porta Caeli l Valencia 17 febrero. Sala Rock City l Murcia 18 febrero. Garage Beat Club

Caravan (Whisky Caravan)

48/ Mondo Media

Hablamos del fenómeno “Terrifier 2” con su creador, Damien Leone. El 24 de febrero se estrena en nuestros cines.

“ES SURREAL, nadie del equipo técnico o del reparto esperaba que ‘Terrifier 2’ llegara a los cines y fuera un éxito”, comenta Damien Leone en la habitación de su casa, un lugar repleto de películas de terror en blu-ray, donde realiza la entrevista por Zoom. “La primera parte no tuvo estreno comercial, así que, ¿cómo lo iba a tener en principio una secuela sin censura que duraba más de dos horas? Cuando nos confirmaron que sí que llegaría a los cines, nos lo empezamos a creer, y la semana del estreno aparecieron las primeras noticias de que la gente se desmayaba y vomitaba en las salas viendo ‘Terrifier 2’. Esas reacciones se hicieron virales y Howard Stern empezó a hablar de la película en su programa, Stephen King hizo un tweet sobre ella y todos los magazines matinales estadounidenses mencionaban el fenómeno de ‘Terrifier 2’. Fuimos de cero al infinito en muy pocos días. Lo más alucinante de todo es que, después del boom en los Estado Unidos, el fenómeno ‘Terrifier 2’ está llegando a otras partes del mundo, entre ellas España”.

“TERRIFIER 2” COSTÓ doscientos cincuenta mil dólares y lleva recaudados, hasta el cierre de esta entrevista, casi quince millones a nivel mundial. Si a eso le sumamos que es un slasher de la vieja escuela que dura casi dos horas y veinte minutos y que contiene gore y escenas de violencia que harían temblar a los censores bri-

tánicos de los video nasties de los años ochenta, hace que el milagro de su éxito sea de proporciones bíblicas. Le pregunto a Leone sobre la extensa duración de la película, ¿lo tuvo claro desde el guion que le dio forma? “No”, contesta, “todo pasó de forma orgánica y tuvo esa duración porque era lo que la historia requería. De hecho, no fui consciente de eso hasta que entré en la sala de montaje y descubrí que la película superaría las dos horas, algo inédito en un slasher. Tengo que confesar que la primera versión de la película duraba dos horas y treinta y cinco minutos, y empecé a cortar algunas escenas, pero rápidamente comprendí que no tenía sentido seguir eliminando cosas. Todas las secuencias de ‘Terrifier 2’ hacen avanzar la trama o la psicología de los personajes, y luego tienes las set pieces de muertes con el gore que tanto gustan a los fans o el fragmento tan querido del Clown Cafe. Era una tontería cortar más”. Ahora bien, los seguidores de la saga tendrán un pequeño respiro en las futuras entregas, así lo confirma Leone, “reconozco que realizar un slasher de más de dos horas fue pedir un sacrificio grande a los fans, así que las próximas secuelas intentaré que duren una hora y media”, confiesa mientras sonríe.

SOBRE LOS HÉROES que hay detrás del excelente acabado de ‘Terrifier 2’, una película de terror que ha colocado el gore primigenio y recreativo de Herschell

En una era dominada por grandes corporaciones que controlan el cotarro cultural, una película de terror de presupuesto modestísimo ha aprovechado una grieta en el sistema para triunfar, atención, sin seguir ninguna de las modas actuales y sin cortarse un pelo con el gore y la violencia.

“La película la hicimos solo un equipo de diez personas”

“

Leone Cine gore de éxito

Gordon Lewis en el mainstream con, eso sí, una técnica en los efectos especiales de maquillaje tradicionales que recuerda al mejor Tom Savini de los años ochenta, hay que decir que fueron pocos, pero muy entregados y trabajadores. Así lo explica Leone, “la película la hicimos solo un equipo de diez personas, a veces menos, trabajando duro durante los tres años de la pandemia. Es la experiencia más difícil que he tenido en un rodaje, era un proyecto muy ambicioso, pero al mismo tiempo teníamos muy poco dinero para llevarlo a cabo. A pesar de la escasez de medios, hicimos todo lo posible y pusimos lo mejor de nosotros para conseguir nuestros objetivos, y lo conseguimos gracias al estupendo equipo que me acompañó. Tengo que decir que hicimos de todo, por

ejemplo, además de dirigir y hablar con los actores, me encargué de crear casi todos los efectos especiales de maquillaje o de construir los decorados… y eso lo hacía conmigo el resto del equipo. Recuerdo llegar antes que nadie al rodaje por las mañanas para maquillar al personaje de Art el payaso”. ¿Cuántas hora dormías cada día? “Solo dormía unas cuatro horas y a veces ni eso, ya que algunas sesiones de rodaje se alargaban y llegaron a durar unas veintiséis horas seguidas sin descansos”.

ACABEMOS ESTA ENTREVISTA con la historia de origen de Art el payaso, probablemente, un nuevo icono del terror que ha llegado para quedarse. Así es como lo recuerda Leone: “Art el payaso nació de

un dibujo que hice en casa de un amigo a principios del 2010. El dibujo original lo tiene Mike Giannelli, el primer actor que interpretó el personaje en un corto que ya titulé como ‘Terrifier’ en 2011. Nunca olvidaré ese momento cuando lo dibujé sentado en la mesa del comedor. Ahora bien, no fue hasta la primera vez que maquillé a Giannelli en el set de rodaje caracterizado como Art el payaso cuando me di cuenta del miedo que daba. Le vi mirando fijamente a una de las actrices en una escena y se me heló la sangre. Ahí entendí que tenía algo realmente chulo entre las manos. Fue un instante mágico que siempre recordaré”. XAVI SÁNCHEZ PONS

CINE Y SERIES

Babylon

Damien Chazelle

DAMIEN CHAZELLE, avalado por Hollywood como el director más joven en conseguir un Oscar con solo treinta y dos años por “La La Land” (16), se suma con “Babylon” a los cineastas que han sacado los colores a la Meca del Cine como Billy Wilder (“El crepúsculo de los dioses”, 50), David Lynch (“Mulholland Drive”, 01) o Robert Altman (“El juego de Hollywood”, 92), entre otros. A diferencia de estos, Chazelle opta por la opulencia, por devolverle a Hollywood la misma fuerza avasalladora con la que, parece decirnos, ésta tritura esperanzas, destruye ilusiones y aniquila ánimos: “Babylon” cruza la fastuosidad de Baz Luhrmann con la mugre de Darren Aronofsky. Aunque el cineasta ya había hablado de los sacrificios y las frustraciones en la urbe angelina en “La La Land”, “Babylon” sorprende, al ser de alguien que en cintas

anteriores se había mostrado más cerebral que apasionado, por la virulencia del retrato de un momento crucial de la historia del cine, el advenimiento del sonoro. Busca víctimas y las encuentra, sobre todo, en un galán en decadencia (Brad Pitt con piloto automático) y una joven estrella asilvestrada aplastada por el sistema (una entregada Margot Robbie). Como si tuviera que rendir cuentas urgentes e inesperadas a una industria que, al menos sobre el papel, parece haberle sido generosa, Chazelle concentra excesos de todo tipo y se sirve de un humor escatológico para dibujar un panorama ciertamente babilónico. El problema yace en que Chazelle tiene claro dónde quiere llegar y, pese a que incluye dos o tres momentos brillantes, no le importa demasiado la argamasa que los une. J PICATOSTE VERDEJO

COMO FENÓMENO, esta muñeca diabólica poseída por el glitch es absolutamente incontestable. Hay un carisma infalible en esa frialdad algorítmica y una comedia ridículamente efectiva en ese rostro inexpresivo que parece no estar de acuerdo con el tono melodramático que le toca en ocasiones interpretar. Puede que desde Blumhouse se menospreciara la iconicidad de su criatura. Poco importa en “M3GAN” más allá de M3gan. El atractivo reside exclusivamente en ese cuerpo imprevisible, siempre al borde del uncanny valley, sin miedo a recorrer todos los espectros del terror: desde impasible licántropo hasta actualización hyperpop de Sia. Sin duda la potencia de la propuesta está aquí, haciendo que el componente dramático, a medio camino entre “Black Mirror” y “Papá por sorpresa” (07), acabe

M3GAN

Johnstone

entendiéndose como una forma poco inspirada de descafeinar la experiencia. Tampoco quiero que este texto se convierta en una pataleta. No quiero parecer ese Homer Simpson que proponía que, mientras Poochie no estuviera en escena, el resto de personajes tuvieran que preguntarse todo el tiempo dónde estaba (por mucho que en la sala de cine cada silencio por parte del público hubiera podido traducirse como un desgarrador “¿¡dónde está M3gan!?”). Pero no puedo evitar sentir que Gerard Johnstone no ha entendido a su hija. Si la película se empeña en subrayar a M3gan como metáfora de ese contenido online, que se adapta a las necesidades de los más pequeños a cambio de su atención, cuesta justificar su falta de inspiración a la hora de exprimir las posibilidades mediáticas del títere.

DANIEL GRANDES

TRAS EL ENORME ÉXITO –comercial y de crítica– de “Drive” (20), Nicolas Winding Refn podría haberse convertido en uno de tantos artesanos foráneos al servicio de la industria de Hollywood. Sin embargo, optó por el camino contrario; y en “Copenhague Cowboy” nos lo encontramos libre de ataduras como nunca. Se trata de su segunda serie, tras ras la extenuante y brutal revisión de su imaginario que fue “Too Old To Die Young” (19). “Cowboy de Copenhague” es mucho más breve, una criatura bastante más ágil y veloz. Lo que no cambia son sus señas de identidad: escenarios desolados de los bajos fondos, planos secuencia extendidos hasta el infinito, una maravillosa banda sonora de Cliff Martinez, unos protagonistas taciturnos y solitarios que se mueven como samuráis urbanos impelidos por una misión que nadie más co-

noce, representaciones grotescas del mal absoluto como antagonistas y un sentido del humor oscurísimo, que se expresa sobre todo en sus lacónicos diálogos. Miu (una magnética Angela Bundalovic) llega a Copenhague desde el este de Europa. La ha traído una organización gangsteril que se dedica a la trata de mujeres para la prostitución; ella es una “moneda de la suerte”, una especie de sanadora mística cuyos poderes van a intentar aprovechar en su beneficio. Sin embargo, Miu es una muchacha mucho más peligrosa de lo que parece indicar su frágil aspecto físico... Y lo que empieza como un noir un tanto extravagante deriva en algo que podría definirse como una combinación entre las historias de superhéroes y el Lynch más desatado, pero que, en realidad, sólo es puro Winding Refn.

JOSÉ MARTÍNEZ ROS

EL CINEASTA COREANO Park Chanwook ha relatado en alguna ocasión que quiso convertirse en director de cine después de ver “Vértigo (De entre los muertos)” (58). Ha mostrado a lo largo de una carrera su admiración por Alfred Hitchcock siempre que ha tenido ocasión. Pero nunca se había acercado tanto al maestro británico como en “Decision To Leave”, un extrañísimo noir que, bajo la superficie de una muy retorcida intriga criminal, oculta el corazón enfermo de una historia de amor fou salvaje y desesperada. Como en “Vértigo”, tenemos como protagonista a un detective minucioso y concienzudo hasta la obsesión, Hae-joon, interpretado por un estupendo Park Hae-il. La muerte de un burócrata del departamento de inmigración lo pone en rumbo de colisión con su esposa, una inmigrante china,

Song Seo-rae, que trabaja como cuidadora de ancianos. Y ese caso se volverá su condena: una relación que hará que se desmorone su vida profesional y matrimonio. Seo-rae es Tang Wei, de la que los cinéfilos de todo el planeta nos enamoramos en la magnífica “Deseo, peligro” (07) de Ang Lee, aquí, con un papel dificilísimo, a la vez maquiavélico y atormentado, están aún más magnética. “Decision To Leave” fuerza en varias ocasiones la suspensión de la incredulidad de los espectadores, hasta una secuencia final arrebatadora visualmente, pero muy difícil de justificar en lo que se refiere a la lógica de los personajes. Pero, a esas alturas, la mayoría de los espectadores están hechizados por ese prestidigitador de las imágenes que es Park Chan-wook. El viejo Hitchcock estaría orgulloso.

JOSÉ MARTÍNEZ ROS

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LIBROS

Arde Babilonia

Música, subculturas y antifascismo en

G. B. 1958 - 2020

Rick Blackman Desacorde Ediciones

7

Hubo un tiempo en el que la música no sólo cobraba sentido a partir de buenas canciones, sino por sus valores; la muerte de Terry Hall nos ha permitido comprender que el legado de los Specials es político, además de artístico. Gran Bretaña en particular consiguió materializar iniciativas concretas como altavoz de causas civiles y democráticas. Así lo demuestra el activista Rick Blackman al radiografiar la evolución de las subculturas y su conexión con los movimientos antifascistas. Partiendo de experiencias como Stars Campaign For Interracial Friendship (años cincuenta), Rock Against Racism (setenta) y Love Music Hate Racism (siglo XXI), el autor reivindica las estrategias que hacen de la música otra línea más de combate. TOMEU CANYELLES

Dance Usted Asuntos de baile

Luis Costa Anagrama

Luis Costa es un gran conocedor de este fenómeno tan humano que se remonta hasta el mismo momento en que dejamos de ser monos para empezar a hacer rituales y pensar en el más allá. De hecho, su experiencia como periodista musical se remonta a los inicios de la cultura de club en la Ciudad Condal, formando parte del staff de la mítica revista “Disco 2000” Como autor editorial ha dejado una huella profunda con la publicación de “¡Bakalao!” y “Balearic”, dos compendios necesarios para ahondar en profundidad en la historia de la música de club en nuestro país. En este caso, el objeto de estudio, o mejor dicho de elucubración es el baile, expuesto como terapia, como lubricante socializador, o como salvoconducto para alcanzar la libertad personal. LLUÍS S CEPRIÁN

El gran

Calvin y Hobbes ilustrado

Bill Watterson Astiberri

Magnífico inicio de retrospectiva que, en este caso, aúna en un único tomo todas aquellas historietas de “El gran Calvin y Hobbes” publicadas entre diciembre de 1988 y julio de 1990. Un volumen impagable que presenta numerosas aventuras del pequeño Calvin y su mascota, el tigre Hobbes, en lo que supone un festín alrededor de las peculiaridades que dieron fama al cómic. El protagonista maneja una imaginación afilada que no duda en utilizar para evadirse de la realidad, y con su colega Hobbes comparte un tipo de ironía muy específica que deriva en diálogos inteligentes y un particular humor que preside orgulloso toda la obra. Unas virtudes que, junto al carisma desbocado de ambos personajes, convierten este volumen en un lanzamiento ineludible. RAÚL JULIÁN

La imaginación creadora de un artista no siempre discurre en paralelo a su producción. Hay artistas más mentales y otros más físicos, más de sudar la camiseta for real Montatore suda a chorro y crea a destajo, y con este mamotreto de 464 páginas lo deja más que clarinete. El influjo de Loren revisita casi todos los palos en los que siente cómodo y también en los que no: del cartoon más heredero de la U.P.A. al lenguaje de 8 bits o la historieta pura y dura. Sus lenguajes son muchos y variados, como los de un genio desatado. Inquieto y prolífico, Loren se descubre como bardo, valleinclanesco, brugueriano y davidbyrneano. Y eso solo es parte de su imaginario, siempre voluble y en constante ida y vuelta a sus referentes, que no son pocos. Maestro imprescindible. OCTAVIO BOTANA

La historia de The Doors nos la han contado ya unas cuantas veces, pero faltaba la versión del guitarrista Robbie Krieger. Con un estilo directo y numerosas fotografías, esta amena lectura recurre a valiosas anécdotas, manteniendo la elegancia al abordar temas delicados. Los mayores desmanes de Jim Morrison se citan acompañados de virtudes del cantante, mientras no se esconde el dolor que supusieron las demandas interpuestas entre supervivientes del grupo. Por otra parte, se desmienten licencias artísticas que se tomaron en su momento Oliver Stone e, incluso, Ray Manzarek. Esta actitud realista, unida a un tono abierto y, por momentos, autocrítico, da credibilidad al autor y genera empatía en el lector. Gran historia, excelentemente contada. XAVIER LLOP

Guiu Cortés se estrena a lo grande en el mundo de la novela con “El diario de los incurables”. Nos presenta una distopia que no nos queda tan lejana gracias a la influencia extraída de los peores momentos del 2020. Se trata de una historia que arranca con dos enfermos incurables haciendo una de las acciones más cotidianas de la vida: criticar a un ricachón ególatra. A partir de ahí, se produce una auténtica vorágine inimaginable de sucesos en la que nos encontramos desde una crisis mundial y política hasta grupos terroristas, historias de amor y traiciones. Es un texto que parece estar cargado de críticas sociales y políticas, y digo parece porque el autor se encarga de desmentirlas al final del libro. Solo es una francamente adictiva historia. ALEJANDRO CABALLERO

Susumo Katsumata (1943-2007) no tuvo una infancia fácil. Se quedó huérfano, y la primera etapa de su vida transcurrió en el arruinado Japón de la posguerra. Pasó esos años en el campo y, aunque más tarde, en Tokio, se convertiría en un ilustrador publicitario y mangaka, lo que entonces vivió debió de marcarle profundamente. La mayoría de los relatos que contiene este tomo se ubican en un periodo indeterminado. Puede entenderse que constituyen versiones fantasiosas de la niñez del autor en los años cuarenta y cincuenta, pero con raras excepciones, también podrían transcurrir en legendario Japón feudal. Sin conceiones, sus historias están pobladas por campesinos alcoholizados, mendigas, muchachas vendidas para servir como prostitutas… JOSÉ MARTÍNEZ ROS

¿Pero qué hace único y sobresaliente al cómic del joven ilustrador italiano Miguel Vila? Su corpus narrativo. Vila no hace fácil la lectura, llenando la página de viñetas pequeñas donde aparecen cientos de detalles que revelan mucho de los tres protagonistas del relato. Hasta la larga escena sexual entre Marco y Lulú está narrada de esta forma, dilatando el tiempo de manera ejemplar narrando un polvo en apenas seis páginas de un relato cuya lectura se hace bastante más larga debido a la gran cantidad de microviñetas que contiene. Esa mezcla casi imposible en un cómic actual entre drama adolescente sexual y experimentación gráfica convierte a “Dulce de leche” en uno de los mejores cómics publicados a finales de 2022. MANU GONZÁLEZ

Dulce de leche Miguel Vila La Cúpula 8

PODCASTS

El Aura

Alba Reche

Tras ser una de las sorpresas de los últimos tiempos en la radio española con sus apariciones para hablar de música y más en Europa FM junto a Iggy Rubin y Eva Soriano en el morning “Cuerpos Especiales”, alguien con más de dos dedos de frente ha elegido a Alba Reche para presentar el podcast de entrevistas musicales de Spotify. Videopodcast, en realidad, más que podcast, “El Aura” es un programa que suma la tan denostada por los medios convencionales entrevista de calidad a un artista, con la velocidad que se le espera a un programa dirigido a los nacidos en los estertores de los noventas o primeros dosmiles. Lo consigue encadenando dos entrevistas consecutivas y apoyándose en un equipo de colaboradores que presentan pruebas o juegos. LUIS

Ecos

Jorge Carrión

Después de tres temporadas con el exitoso podcast “Solaris” (por el cual recibiría el Premio Ondas al mejor podcast experimental) el escritor Jorge Carrión vuelve con un nuevo proyecto: “Ecos”. Igualmente producido por Podium podcast y con el impecable diseño sonoro de Andreu Quesada. Podríamos decir que “Ecos” es una suerte de spinoff de “Solaris”. Con un matiz: donde éste propone un aprendizaje, aquel ofrecía una formación. Dicho de otra manera, donde “Solaris” quería integrar conocimiento, “Ecos” lo descubre. Aquí en “Ecos” acompañamos a Jorge Carrión a aprender a escuchar el mundo contemporáneo, siempre, además, desde un punto de vista personal y biográfico, experiencial y sentimental, que hace cómplice al oyente.

JOSÉ DE MONTFORT

Cremita sigue con fuerza. Han completado su tercera temporada en antena y la segunda desde que forma parte del proyecto de podcast de Mondo Sonoro. Sin olvidar su formato habitual, que combina música, cultura y divulgación de todo tipo. En el cuarto episodio hablan de Fortunata y Jacinta, identidades de género en Tailandia o regalos envenenados de la historia.

Fath No More: 30 años de “Angel Dust”

Este artículo tiene como protagonistas las palabras de algunos de los actores principales (Gould, Bottum y Bordin) y a talentosos músicos de los más variados orígenes que cuentan por qué “Angel Dust” tiene ese espacio de total privilegio entre las músicas que los convirtieron en quienes son hoy.

Los Chikos del Maíz

Los Chikos del Maíz llevan dos décadas en la música en las que tanto la sociedad a la que aluden en sus canciones como la propia industria musical, especialmente el género urbano y los demás derivados del hip hop clásico han cambiado, evolucionado, de forma evidente. Ahora presentan su nuevo disco, “Yes Future” en nuestro videopodcast, “Flashes”

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M. MAÍNEZ

PULP, THE STROKES, DAFT PUNK, NEW ORDER, ARCTIC MONKEYS, BLUR, R.E.M., PHOENIX, PRODIGY, DEPECHE MODE, FRANZ FERDINAND, PIXIES, PLACEBO, ARCADE FIRE, BEASTIE BOYS, THE CHEMICAL BROTHERS, THE