Gentleman_198_octubre

NÚMERO 198 OCTUBRE 2021. 4€

EL VALOR DE LA ELEGANCIA

DANIEL CRAIG EL JAMES BOND MÁS ESPERADO

ESPECIAL ESTILO

SASTRES Y TENDENCIAS + ANATOMÍA DEL ZAPATO + CUIDADOS BÁSICOS

ENTREVISTAS

FERRAN ADRIÀ FERNANDO SCHWARTZ ROBERTO VERINO

BREGUET.COM

breguet el inventor del tourbillon

MARINE 5887

EDITORIAL

CREATIVIDAD ANTE TODO HABLAR DE CREATIVIDAD NO ES ALGO BALADÍ. Otra cosa es el uso que hacemos del término... porque no todo lo que se emprende tiene intrínseca esa cualidad. De lo que no hay duda es que la creatividad es el lugar de encuentro de todo lo que nace para sorprendernos, nos lleva al disfrute de algo diferente y también sirve, indudablemente, para formar las mentes inquietas, para añadir o ampliar información a lo conocido. Ser creativo no es ser diferente, es hacer sentir cosas diferentes, mostrar otros caminos.

En este número, usted encontrará argumentos suficientes para entender un poco mejor si cabe que la creatividad no tiene límites conocidos, ni tampoco edad a la que ejercerla... aunque muchos piensen que ha llegado la hora de poner punto y final. Cuántas veces no habrán oído que James Bond está ante su última aparición en escena. Pero nadie, ni algo tan terrible como el Covid, ha podido con la entrega que ahora se estrena y donde veremos la última interpretación de Daniel Craig como el espía más famoso del celuloide. Los protagonistas pasan, pero el personaje permanece, tal vez porque todos los que se han ‘vestido’ de Bond

han aportado elementos nuevos al personaje. Eso es también la creatividad.

Y qué podemos decir de Ferran Adrià. Dirán ustedes que todo está escrito sobre él... Error. Diez años después del cierre de elBulli, hemos podido comprobar en primera persona que está en perfecta forma, con tantos proyectos que a veces puede llegar a abrumar su capacidad creativa. Lo hizo primero en los fogones, ahora lo hace en los conceptos. Me quedo con una frase que aparece en el documental Las huellas de elBulli –totalmente recomendable y que Movistar estrena este próximo 7 de octubre–, donde Adrià es claro: “La innovación es todo; al final es tener la actitud de querer hacer que las cosas evolucionen”. Y ahí es donde juega una parte importante el bagaje creativo de quien protagoniza el intento.

Hace años que tengo la suerte de disfrutar, como todos los lectores de GENTLEMAN, con los artículos que nos lega Fernando Schwartz. Pero además en este número es protagonista por otro motivo: publica nuevo libro. No les digo que me sorprende su vitalidad, que la tiene y mucha; lo que me emociona es ver cómo aborda cada nuevo proyecto con la misma ilusión y entusiasmo con el que empezó en la literatura –primero como lector, después como narrador– y le hizo dejar de lado su trabajo diplomático. Quizás el secreto se halle en que la creatividad da fuerzas extra... solo hay un requisito: no es un bien que se compra, sino que se refuerza con el esfuerzo. Roberto Verino ha pasado toda la vida ofreciendo destellos de su forma de entender la moda. Maestro apreciado, deja ahora la gestión de la compañía en buenas manos, pero seguirá como responsable creativo. Se siente con fuerzas e ideas para seguir dejando detalles de su inagotable sentido creativo. Y hay que aplaudirle, porque la creatividad es un bien escaso.

Ricardo Balbontín. Director

NÚMERO 198 OCTUBRE 2021. 4€

EL VALOR DE LA ELEGANCIA

DANIEL CRAIG EL JAMES BOND MÁS ESPERADO

ESPECIAL ESTILO

SASTRES Y TENDENCIAS + ANATOMÍA DEL ZAPATO + CUIDADOS BÁSICOS

ENTREVISTAS

FERRAN ADRIÀ FERNANDO SCHWARTZ ROBERTO VERINO ISSN 1696-7186

00198

8 413042 589471

CANARIAS 4,20€

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BIG BANG INTEGRAL Caja cerámica gris con brazalate integrado.

Movimiento cronógrafo UNICO In-house.

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BOUTIQUE MADRID El Corte Inglés • Serrano 47 Tel. +34 91 362 05 49

CONTENIDOS

10.2021

34 IDEAS CON PERSONALIDAD La firma relojera Chopard creó hace 25 años su primer movimiento manufactura, cumpliendo así el sueño de la familia Scheufele.

Texto Ricardo Balbontín

NOMBRES PROPIOS 14

PIERGIORGIO CAZZANIGA EL ÚLTIMO DE SU ESPECIE

G-MANÍA Texto María Rosa

Texto Juan Parra

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HIGH-TECH ENTRE LA IMAGEN Y EL SONIDO

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ROBERTO VERINO CAPACIDAD DE EMOCIONAR

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FOTOGRAFÍA VUELTA A LA CARRETERA

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DIEGO GRONDA CIUDADANO DEL MUNDO

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BICICLETAS ÉPICA SOBRE DOS RUEDAS

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LIBROS LA POLÍTICA QUE SE LEE

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Texto Paula Polizzotto Fotografía Alfredo Arias

Texto Ricardo Balbontín

JAVIER SÁNCHEZ ARTESANÍA ANCESTRAL REDIVIVA Texto Miguel Bertojo

Texto Domingo Castillo

MANUFACTURA 34 CHOPARD: IDEAS CON MUCHA PERSONALIDAD

Texto Ricardo Balbontín

CON FIRMA 40 EL MAR, EL MAR

Texto Fernando Schwartz

Ilustración Jacobo Pérez-Enciso

NÁUTICA 42

NI UN MINUTO QUE PERDER Texto Juan Luis Gallego

ENTREVISTA

PORTADA

30 FERNANDO SCHWARTZ

EL HOMBRE QUE SE ABURRÍA EN LA EMBAJADA

Texto Juan Luis Gallego

Fotografía Luana Fischer

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DANIEL CRAIG 007, EL LARGO ADIÓS

52

10 CLAVES DEL ESTILO BOND

8

Texto Irene Crespo Texto Irene Crespo

V U E LV E L A M O D A

EL CORTE INGLÉS, S.A. C/ Hermosilla 112, 28009 Madrid

CONTENIDOS

10.2021

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82 ESPECIAL ESTILO 56

CON FIRMA ¿QUÉ ES UN SASTRE?

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SASTRES Y TENDENCIAS

Texto José María López-Galiacho Ilustración Fernando Vicente Texto Mario Suárez Fotografía Jacobo Medrano / Jordi Bardajil / Eduardo Manzana

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MODA CLASE BUSINESS

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ZAPATOS SOBRE BASES SÓLIDAS

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COSMÉTICA FIELES COMPAÑEROS

Estilismo Berta Fernández-Abascal Fotos Quique Santamaría

Texto María Rosa Estilismo Berta Fernández-Abascal Fotos Quique Santamaría

Texto Stefano Spinetta Fotografía Angelo Bolla

90 98 MOTOR 90 MCLAREN: SUEÑOS A ALTA VELOCIDAD

Texto Ricardo Balbontín

Fotografía Jacobo Medrano 94

CUPRA: UNA CARRERA POR Y PARA EL PLANETA Texto Juan Parra

GASTRONOMÍA 98 FERRAN ADRIÀ

LA DÉCADA DE LA TRANSFORMACIÓN

Texto Federico Oldenburg

Fotografía Carlos Luján

RELOJES Texto Ricardo Balbontín 104 CARTIER

CÓDIGOS DE BUENA CONDUCTA

CUIDADOS

108 VACHERON CONSTANTIN

LA FORMA QUE MARCÓ LA HORA

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109 BREGUET

VUELA ALTO

EL NUEVO WELLNESS Texto Lucía Heredero

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110 AUDEMARS PIGUET

BAJO EL PRISMA OFFSHORE 113 FREDERIQUE CONSTANT

CON LA VISTA EN EL INTERIOR 114 BVLGARI

LA SONRISA DE MICKEY

SECCIONES 116 AGENDA NACIONAL E INTERNACIONAL

Texto Luis Ini / Natalia Erice 121

NOTAS

122 ICONO: JEAN-PAUL BELMONDO

Texto María Rosa

Em m fotog M cK

DIRECTOR

Ricardo Balbontín rbalbontin@gentleman-es.com DIRECTOR ADJUNTO

Juan Luis Gallego jlgallego@gentleman-es.com DIRECTOR DE ARTE

Alberto Torés atores@gentleman-es.com

| COLABORADORES | Miguel Bertojo, Domingo Castillo, Irene Crespo, Natalia Erice, Berta Fernández-Abascal, José María Galiacho, Giuseppe Grosso, Lucía Heredero, Luis Ini, Federico Oldenburg, Juan Parra, Paula Polizzotto, María Rosa, Fernando Schwartz, Amelia Solana, Stefano Spineta y Mario Suárez. | ILUSTRACIÓN | Del Hambre, Jacobo Pérez-Enciso y Fernando Vicente. | FOTOGRAFÍA | Alfredo Arias, Jordi Bardajil, Angelo Bolla, Luana Fischer, Eduardo Manzana, Jacobo Medrano, Beatriz Mercader, Carlos Luján, Massimiliano Polles y Quique Santamaría. | AGENCIAS | Associated Press, Contacto, Corbis, Cordon Press, Getty Images, IFA, The Interview People y Magnum Photos.

| REDACCIÓN Y PUBLICIDAD | Moreto, 7 - 5º Dcha. 28014 Madrid. España. Tfno.: +34 91 010 20 23. Fax +34 91 429 96 71. | PUBLICIDAD | DIRECTORA COMERCIAL

Gemma Martínez 661 237 290 gmartinez@gentleman-es.com DIRECTORA DE PUBLICIDAD

Carmen Pérez 600 995 214 carmenperez@gentleman-es.com JEFE DE PUBLICIDAD

Jesús Morte 672 432 462 jmorte@gentleman-es.com

COORDINACIÓN Y ADMINISTRACIÓN

Eva Quintanilla 667 993 365 equintanilla@gentleman-es.com

| IMPRENTA | Rivadeneyra. Calle de los Torneros, 16. 28906 Getafe (Madrid). | DISTRIBUCIÓN | SGEL. Avenida Valdelaparra, 29. Alcobendas (Madrid). ,

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Departamento de suscripciones: suscripciones@gentleman-es.com Controlada por OJD.

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NOMBRES PROPIOS

PIERGIORGIO CAZZANIGA

DISEÑADOR

El último de su especie HACER UNA COSA NUEVA, BELLA Y QUE CUESTE LO JUSTO ES UNA MÁXIMA IRRENUNCIABLE PARA ESTE CREADOR SOLITARIO Y SIEMPRE INQUIETO. TEXTO JUAN PARRA

BRIANZA ES UN TERRITORIO DE LA REGIÓN DE LOMBARDÍA, en Italia, que reúne, dos llamativas características: concentra en un radio de apenas diez kilómetros varias de las más importantes firmas de diseño y fabricación de muebles, y sus habitantes son “muy tercos y no paran hasta hacer las cosas bien”. Lo cuenta uno de ellos, Piergiorgio Cazzaniga (Lissone, 1946), hijo, nieto y bisnieto de diseñadores y convertido él también en uno de los más importantes nombres del diseño italiano. Cazzaniga ha abierto sus puertas para contar, en el libro Diálogos sobre el trabajo –iniciativa de la empresa familiar Andrew World, dedicada a la fabricación de mesas y asientos,– su inspiración, su proceso de trabajo, su forma de entender el diseño.

“Para mí el diseño es algo natural”, explica Cazzaniga, que confiesa su fidelidad a algunas de las pautas que les transmitieron sus antecesores; la principal: “Hacer una cosa bella, nueva y que cueste lo justo”. En esa búsqueda de la eficacia, Cazzaniga despliega una curiosidad infinita por nuevos materiales y técnicas, hasta el punto de que, muchas veces, son estos las que inspiran la pieza, lo que le lleva a patearse en los alrededores de su estudio –situado en Lentate sul Seveso y del que solo forman parte él y una persona dedicada a tareas administrativas– talleres en busca de artesanos que le ayudan a plasmar sus ideas. “La perfección no me gusta –dice–, no me parece que haga que las cosas sean más bellas. La belleza para mí es aquello que te pone en condición de gozar de un estado de felicidad”.

Diversas imágenes del estudio de Piergiorgio Cazzaniga (en la página siguiente) en la localidad italiana de Lentate sul Seveso.

Además de Cazzaniga, participan en el libro Diálogos sobre el trabajo, editado por Andrew World, otros diseñadores como Jasper Morrison, Patricia Urquiola o Philippe Starck.

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NOMBRES PROPIOS

ROBERTO VERINO

DISEÑADOR DE MODA Y VITICULTOR

Capacidad de emocionar TRAS 40 AÑOS AL FRENTE DE SU FIRMA, EL DISEÑADOR SE CENTRA AHORA EN SU DIRECCIÓN CREATIVA Y EN LA VITICULTURA, SU OTRA GRAN PASIÓN. TEXTO PAULA POLIZZOTTO FOTOGRAFÍA ALFREDO ARIAS

DEFENSOR DEL SLOW FASHION, y de la constante búsqueda de superación, Roberto Verino (Ourense, 1945) cree en la moda como un oficio que ha de realizarse más despacio y con más amor. Ahora, da un paso a un lado para dejar la dirección de la marca en su hija, aunque él continuará al frente del diseño y, además, volcado en su bodega Gargalo. “Como profesional –dice–, lo mejor está por llegar. Lo importante es disfrutar con lo que haces cada día.” ¿Qué le aporta el mundo del vino que no haya encontrado en la moda?

No son mundos enfrentados, al contrario.

Las dos actividades me permiten ofrecer un producto que seduce los sentidos. La bodega es un proyecto familiar que ha generado un cambio de actitud para promover la calidad antes que la cantidad, y que ha generado expectativas en la gente joven. ¿Es posible aplicar la creatividad al mundo de los vinos?

La creatividad es fundamental para elaborar vinos con personalidad. Al disponer de un terreno y unas variedades determinadas por el clima, es más complejo ser creativo en el mundo del vino que en la moda. Tenemos una cosecha por año; lo que hayas decidido hacer, te salga bien, regular o mal, no se

puede repetir. Además, la sensibilidad para captar aromas, gustos y matices exige tener unas narices ejemplo de virtuosismo. ¿Representa este relevo generacional un cambio de dirección para la firma?

Sin duda. La dirección ejecutiva la llevará Dori Casal, la dirección de marca mi hija Cristina Mariño, y yo me ocuparé de la dirección creativa, que es donde más gratificado me siento. Con este cambio me ayudan a que yo siga disfrutando de forma más atenta, ya que podré ocuparme y despreocuparme. ¿Qué lugar han tenido las mujeres en su vida? ¿Quiénes le inspiraron la sensibilidad por la moda?

Mi madre y mi abuela materna han significado para mí el poder de ilusión. La juventud no es solo tener 20 años; es tener 98 años y pensar como si tuvieras 20, porque los proyectos que te pones por delante requieren de otros 20 años para materializarse. A pesar de eso, ponían la misma capacidad de emoción.

Siempre me han transmitido que lo más importante es cómo uno es, cómo uno se siente y cómo uno quiere llegar a ser.

Con su colección Nomadismo Urbano transmite la importancia de aunar lo analógico y lo digital. ¿Está la digitalización matando el factor humano en la moda?

Creo que existe en este debate un malenten-

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dido, porque las nuevas tecnologías no son para sustituir a las personas, sino para ayudarlas a trabajar con más garantías. Es posible tomar decisiones en menos tiempo y con menos consumo de materiales. Es un error pensar que las nuevas tecnologías anulan a los profesionales. Al contrario, los hacen mejores. El problema está en el miedo de la gente a ser reemplazada.

Habla usted de la importancia de construir ‘armarios emocionales’. ¿Cómo definiría este concepto?

Son prendas compradas con inteligencia, con talento, porque son inversiones que te permiten disfrutar de ellas en el tiempo.

Son sencillas en corte, diseño y con colores de la naturaleza. Lo que importa es lo que la prenda te hace a ti, no lo que tú le haces a ella. Cada vez que abras tu armario, te estarán recordando, como si fueran un diario, experiencias, sensaciones o personas. ¿Estamos aprendiendo la lección de la sostenibilidad a la hora de comprar?

La sostenibilidad de verdad es saber consumir lo justo. Hay que ser solidarios con el planeta y con las personas, de forma que disfruten con su estética y con su cuerpo. El cuidarnos y querernos es un entrenamiento constante. Las prendas tienen vida, aquí reside la verdadera sostenibilidad.

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NOMBRES PROPIOS

DIEGO GRONDA

ARQUITECTO

Ciudadano del mundo CONVIERTE EL DISEÑO EN UNA EXPERIENCIA DONDE LO EMOCIONAL ES DETERMINANTE. ÉL TIENE LA SABIDURÍA DE CONECTAR CON EL CLIENTE. TEXTO RICARDO BALBONTÍN

CUANDO LLEGÓ A ESPAÑA en 2005, Diego Gronda lo hacía con un amplio bagaje –más de cien proyectos– en el diseño de espacios de restauración en el mundo, con especial incidencia en Asia. “Mi oficina estaba en Nueva York, pero yo trabajaba en Asia, así que junto a mi mujer –que es madrileña– decidimos cambiar de escenario vital... y elegimos Madrid, aunque para un argentino como yo, mi primera opción siempre hubiera sido Barcelona. Con la perspectiva que da el tiempo, acertamos viniendo a Madrid”. Nacido en Buenos Aires, este ciudadano del mundo transmite tranquilidad y pausa en su discurso, pero una intensidad fuera de lo común cuando habla de sus trabajos, y en especial de la forma que los acomete, con “el teatro como inspiración de muchas de las cosas que hago, tiene que haber algo de espectáculo”. Uno de sus últimos proyectos hecho realidad es el Hotel Ikos Andalusia, donde se planteó un reto especial: “Construir un hotel de 420 habitaciones y varios espacios de restauración en solo 24 meses, y si no hubiera sido por el Covid... He tenido muchos clientes exigentes, pero éste quizás ha sido el que más”.

Algo que no le molesta; al contrario, una de las cosas que distinguen a Diego Gronda y al estudio que lleva su nombre –creado

hace cinco años–, es la exigencia. Cada proyecto requiere su tiempo y también su escenificación, porque su éxito no es crear algo bonito: “En nuestros proyectos hay una apuesta por el lujo invisible; no se puede ver y ha de ser silencioso”. Por eso también es importante encontrar la complicidad de quien te contrata. “Hay que crear una experiencia, y es vital compartir el mismo sentido sobre cómo llevarla a cabo”. Y habla de uno de los trabajos más aclamados, el restaurante Saddle de Madrid, donde se produjo esa simbiosis deseada: “La pareja que comenzó este proyecto tenía los mismos planteamientos... menos en el nombre”.

Gronda es un espíritu inquieto y ávido de conocimiento –“me inspiro de información no interpretada”– que reconoce haber encontrado en España elementos “como la presentación de la comida que ‘vendo’ e incorporo en mercados como el hindú. Es fácil vender lo español, debemos aprender de los italianos”. Gronda ha descubierto que desde España puede seguir cumpliendo con sus múltiples compromisos internacionales.

En el fondo, en su trabajo lo que hay por encima de todo es una transmisión de experiencias: “Yo lo único que hago es acondicionarla. Si no hay conexión emocional no se produce el éxito”.

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Sobres estas líneas, Diego Gronda en su estudio. El arquitecto, nacido en Buenos Aires, reconoce que Studio Gronda “es una empresa rara; los proyectos que hacemos son muy diferentes a los de otros”.

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NOMBRES PROPIOS

JAVIER_SÁNCHEZ

ESPARTERO

Artesanía ancestral rediviva EXTREMEÑO EN MADRID, CONQUISTA CON SU ARTESANÍA DE FIBRAS NATURALES LUGARES COMO NUEVA YORK Y TOKIO Y NOMBRES COMO EL DE SARAH JESSICA PARKER. TEXTO MIGUEL BERTOJO

CON SENTIDO, PROPÓSITO Y CRITERIO ESTÉTICO, una artesanía rural milenaria como la espartería puede conquistar los círculos más chic de Nueva York, Londres o Tokio transmutada en arte. El artífice de este fenómeno es Javier Sánchez Medina (Badajoz, 1977), con taller en el barrio madrileño de Malasaña. Autodidacta, diez años después de su debut afirma: “Jamás imaginé que podría ser una vía profesional y, menos aún, un modo de vida. A mi padre, zapatero, le debo coser bien; y, a mi

abuelo, la atracción por las fibras naturales”.

Con ese acervo, viajó y conoció a gente del oficio, ebanistas, cesteros..., y ya en Madrid, una restauradora de mobiliario.

Sánchez concretó, y aventó en redes sociales, en primer lugar sus espejos de mimbre, enea…, “como los que decoraban antaño los cortijos”; y, más tarde, una efigie cañí donde las haya: una cabeza de toro, su trofeo ecológico “de trenza de pleita obtenida con 13 o más ramales de cuatro a seis hojas de esparto crudo, cosida con lía o bramante”.

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El interiorista Nate Berkus le compró un ejemplar; la actriz Sarah Jessica Parker lo vio y hoy es su embajadora.

“Sigo aprendiendo con un maestro de 80 años que lleva más de 40 tejiendo cestos.

Aun así, cabe trasladar sus técnicas al arte, la decoración o la moda”. Su estudio de las manos de Mickey Mouse (2018), en la exposición Disney de su 90 aniversario en Nueva York; los chalecos de la colección Matador de Carlota Barrera, o sus propuestas para Loewe lo acreditan.

L I V E YO U R PA S S I O N HIGHLIFE AU TO M AT I C CO S C frederiqueconstant.com

G-MANÍA ARQUITECTURA + MODA + ARTE + GADGETS + EXPERIENCIAS + VIAJES + ESTILO + MÚSICA

HIGH TECH 1. Tocadiscos de tracción directa SL-1200G, de Technics, con ajuste de equilibrio de alto nivel.

2. Edición remasterizada y ampliada del álbum de The Beatles Let it Be, en su 50 aniversario.

3. Televisor The Frame, de Samsung, diseñado para parecer una obra de arte.

4. Videoproyector VPL-VW5000ES de Sony, con tecnología profesional.

| SECCIÓN MARÍA ROSA

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ENTRE LA IMAGEN Y EL SONIDO

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Música y cine. el ocio en casa adquiere una dimensión superior con esta selección de propuestas de alta gama.

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5. Con un diseño a la altura de su tecnología, altavoz portátil sin cables Horizon Light Up, de Louis Vuitton.

6. Auriculares inalámbricos ear, transparentes, con cancelación activa de ruido, de Nothing.

7. Sistema de cine en casa 5.1, modelo HTB3560, de Philips, con potente sonido surround.

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G-FOTOGRAFÍA

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VUELTA A LA CARRETERA El cantante y fotógrafo Bryan Adams firma el Calendario Pirelli 2022, protagonizado por estrellas de la música de muy diferentes generaciones y nacionalidades.

TAMBIÉN CONOCIDO COMO THE CAL, EL CALENDARIO PIRELLI, ese reclamo ideado en los años 60 por la compañía de neumáticos para diferenciarse de la competencia, llega en 2022 a su 48 edición –tras la suspensión, por la COVID, el año pasado–. Bajo el nombre de On the road, en esta ocasión es obra del fotógrafo y músico Bryan Adams, que ha reunido –durante dos días de junio en Los Ángeles y uno de julio en Capri– a músicos de muy diferentes nacionalidades, géneros musicales, edades e historias profesionales: Cher, Jennifer Hudson, Normani, Rita Ora, Bohan Phoenix, Iggy Pop, St Vincent, Kali Uchis y Saweetie.

1. La cantante californiana Cher (1946), posando para Bryan Adams.

2. Rita Ora, nacida en Pristina (Kosovo), en 1990.

3. La canadiense Grimes, nacida en Vancouver, en 1988.

4. Bryan Adams, junto a Jennifer Hudson (Chicago, 1981).

Todas las fotos fueron tomadas en Los Ángeles, en las calles de la ciudad, en el Palace Theatre y en el hotel Chateau Marmont, salvo las de la rapera estadounidense Saweetie (1993), que fueron realizadas en la isla italiana de Capri.

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Cronógrafo - Caja 44 mm — Corona a las 12 H — Swiss Made

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G-BICIS

CARRETERA

Pinarello, Dogma F12, un icono de la competición, en carbono y con frenos de disco (c.p.v.).

MOUNTAIN BIKE

GRAVEL

Trek, Supercaliber 9.9, con amortiguación en el tubo horizontal IsoStrut, ágil y rápida (9.499 €).

Passoni, Cicloprato, frenos de disco y electrónicos combinados con titanio (c.p.v.).

Specialized, S-Works Tarmac, la clásica, en carbono, con victorias en las grandes vueltas (9.599 €).

Focus, THRON², con motor Bosh Performance y batería extraíble integrada (5.199 €).

Argon18, Dark Matter, una gravel, con geometría inspirada en la carretera (c.p.v.).

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Bianchi, E-Impulso, una gravel eléctrica para desenvolverse en todos los terrenos (3.252 €).

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La bicicleta gana terreno día a día. De carretera, de montaña o gravel, eléctricas o no, la oferta crece y se tecnifica, como demuestra esta selección para todo tipo de aficionados.

BMC, Twostroke, una MTB ligera, rígida y duradera, para terrenos empinados o pedregosos (5.440 €).

ÉPICA SOBRE DOS RUEDAS

Colnago, E64 Performance, la primera eléctrica de la marca, ligera, con cuadro de carbono monoscasco (c.p.v.)..

G-LIBROS

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Texto: Domingo Castillo

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LA POLÍTICA QUE SE LEE Ficción y ensayo que nos ayuda a comprender mejor nuestra vida en común.

Campañas electorales ficcionadas, mundos distópicos, fútbol que traspasa el terreno de juego y dos lecturas adaptadas a la televisión llamadas a marcar a generaciones enteras.

1. QUERIDOS NIÑOS

David Trueba + Anagrama +

456 páginas + 19,90 €

Basilio, un hombre de 119 kilos apodado El Hipopótamo, acepta el encargo de acompañar a una candidata de gira electoral. Con ella intentará recorrer el único camino posible: el de la victoria.

Así lo ve, al menos, el hombre que acepta con una sonrisa un mote que no solo apunta a su volumen, sino también a su agresividad y a la necesidad de ganar cueste lo que cueste.

2. SUMISIÓN

Michel Houellebecq + Anagrama + 288 páginas + 19,90 €

Año 2022. Un partido islamista gana las elecciones en Francia y toma las riendas

política y la religión un cóctel explosivo que ha marcado a una generación.

del país. ¿Qué consecuencias inmediatas acarreará para sus ciudadanos? Esta novela, polémica por haber sido publicada el mismo día del atentado de Charlie Hebdo en París, construye un escenario inquietante y distópico que deja huella en el lector.

4. TRILOGÍA DE LA CASA DE LOS CONEJOS Laura Alcoba + Alfaguara + 312

páginas + 19,90 €

Laura Alcoba nos trae en esta trilogía que aspira a convertirse en clásico la historia de la época más convulsa de Argentina. Memoria viva que arranca en 1975 y recoge la trayectoria de su protagonista exiliada en Francia. Literatura autobiográfica de alto voltaje.

3. EL CUENTO DE LA CRIADA Margaret Atwood +

Salamandra + 416 páginas + 10,95 €

Unos políticos teócratas se hacen con el poder en EE. UU., fundan la República de Gilead y cambian las reglas de una sociedad que convierte a la mujer en presa del hombre.

Adaptada por HBO como serie de televisión, crea a partir de la

5. TRILOGÍA DE LA FUNDACIÓN Isaac Asimov + Debolsillo + 904

páginas + 14,20 €

En septiembre se lanzó en

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España la adaptación a serie de este clásico de Isaac Asimov, donde las dinámicas políticas adquieren una naturaleza diacrónica y las intervenciones históricas responden a un plan que, a veces, dan la espalda a comunidades enteras en aras de un futuro global mejor.

Espeluznante lógica matemática no por ello menos adictiva que resulta en la construcción de un mundo espacial vasto, complejo y fascinante.

6. LIMÓNOV Emmanuel Carrère + Anagrama

+ 400 páginas + 19,90 €

“Limónov no es un personaje de ficción. Existe y yo lo conozco”, afirma Carrère

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sobre el escritor Eduard Veniamínovich Savenko, conocido como Limónov; fascista, sublimador de la violencia y siempre del lado de los débiles, este personaje da vida a una de las historias más estremecedoras jamás escritas sobre la historia de la URSS. 7. FUTBOLÍTICA Ramon Usall + Altamarea + 232

páginas + 18,90 €

Ramon Usall nos propone un exótico recorrido para presentarnos los clubes de fútbol políticamente singulares de todos los rincones del mundo. No hay evento importante de la historia reciente, afirma Usall, que no pueda conocerse a través de algún episodio ligado a un equipo de fútbol. Dividido por continentes, el libro introduce al lector la relevancia histórica de clubes europeos, asiáticos, africanos y americanos. Muchos de ellos suponen verdaderos descubrimientos.

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ideológicas y culturales, en su expresión institucional, amenazan con romper los lazos que mantenían unido el país.

8. NO DIGAS NADA

Patrick Radden Keefe +

Reservoir Books + 544 páginas + 22,90 €

Todo comenzó con la investigación de la muerte de Jean McConville, con diez hijos a su cargo, secuestrada por el IRA en 1972 y cuyo cuerpo se encontró en una playa en 2003.

Radden Keefe reconstruye este asesinato, entrevista a muchos de los implicados y termina por retratar el conflicto norirlandés en toda su complejidad.

10. MUJERES Y PODER: UN

MANIFIESTO

Mary Beard + Crítica + 112 páginas + 11,95 €

Mary Beard, la clasicista más famosa a nivel internacional, se pregunta: “Si no se percibe que las mujeres están dentro de las estructuras del poder, ¿no es necesario redefinir el poder?” A través de ese prisma la autora analiza figuras tan distantes en el tiempo como Penélope y Hillary Clinton, Medusa, Atenea y Theresa May, para reconstruir los fundamentos de la misoginia.

9. POR QUÉ ESTAMOS

POLARIZADOS Ezra Klein + Capitán Swing +

250 páginas + 21 €

“Somos una colección de partes funcionales cuyos esfuerzos se combinan en un todo disfuncional”. Así se expresa Klein para explicar la polarización de la sociedad estadounidense y el motor principal que la causa y la sostiene: la identidad.

Identidades partidistas, raciales, religiosas, geográficas,

11. CREMATORIO

Rafael Chirbes + Planeta + 424 páginas + 20,90 €

Crematorio es una novela moral que se quisiera más distópica que realista en la que Chirbes explora los cimientos más oscuros de nuestra vida política

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y familiar. Panorama terrible y deslumbrante sobre los valores de la propiedad, el dinero negro, la especulación inmobiliaria, la droga, el sexo y el tráfico de capitales; un estudio de la sangre que corre por las venas de nuestra sociedad corrupta donde el arte y la literatura se han convertido en juguetes inanes, en envoltorios carentes de referencialidad e incapaces de ensalzar ninguno de los valores positivos que deberían caracterizar a nuestra especie.

12. LOS VENCEJOS

Fernando Aramburu + Tusquets Editores + 698 páginas + 22,90 €

Un profesor de instituto enfadado con el mundo decide poner fin a su vida... dentro de un año. Hasta entonces, se dedica a redactar a diario una crónica personal por la que transcurre su pasado y asoman asuntos cotidianos de una España políticamente convulsa.

Madrid es esta vez el escenario de esta esperada obra del aclamado autor de Patria.

ENTREVISTA

EL HOMBRE QUE SE ABURRÍA EN LA EMBAJADA EXDIPLOMÁTICO, PRESENTADOR DE TELEVISIÓN Y, SOBRE TODO, ESCRITOR. FERNANDO SCHWARTZ PUBLICA MENESES EN SKÓPELOS MIENTRAS ULTIMA SUS MEMORIAS Y DISFRUTA, CON EL MEDITERRÁNEO COMO ALIADO, DE UNA VIDA PLENA. TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA LUANA FISCHER

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Fernando Schwartz, que colabora habitualmente en las páginas de este revista, en diversos momentos de la entrevista.

FIGURA IRREPETIBLE LA DE FERNANDO SCHWARTZ (Ginebra, Suiza, 1937). Diplomático; cargo medio en el Ministerio de Asuntos Exteriores que negoció la entrada de España en la Comunidad Europea; embajador en Kuwait y los Países Bajos; y un buen día lo deja todo para aceptar la oferta de escribir en El País. Lo haría durante seis años, antes de copresentar, durante otros diez, un rompedor y pionero magazine televisivo, Lo+Plus, culpable de que su rostro y su voz sean tan reconocidos. Mientras hacía todo eso, además, escribía, y ahora lo hace más que nunca –cada mes, por ejemplo, en esta revista–, mientras disfruta junto a su mujer de una idílica jubilación en Mallorca, con la navegación como hobby irrenunciable.

Meneses en Skópelos es su última novela, la segunda de lo que promete convertirse en trilogía, con un controvertido personaje como protagonista, Patricio Meneses, tan cultivado como pícaro, tan sinvergüenza como leal, de esos que todo Gobierno necesita tener a mano para deshacer entuertos.

A Schwartz, que más de uno deshizo en sus días, no el importaría ser como él.

y arrojado…, pero me gustaría. Por eso, hay un cierto grado de licencia. Lo que hay en el trasfondo es mi desconfianza, mi poca afición al poder, y aún más al poder político. ¿A estas alturas escribe usted con completa libertad?

Con completa libertad. No tengo cortapisas.

Me da igual si gusta, y si no gusta que no me publiquen. A estas alturas de mi vida, con la cantidad de años que tengo, por qué me voy a parar. Como dice Meneses en algún momento, “¿me van a castigar sin postre?”

Meneses es el encargado de resolver entuertos llevados un poco chapuceramente. ¿Sigue siendo la chapuza una propiedad propia de España o es un tópico superado?

Hay mucha chapuza: en el Gobierno, en la oposición, en los muchachos de VOX, en Unidas Podemos... hay mucha chapuza. A Meneses le llaman para que resuelva problemas, para que haga lo que no puede hacer un ministro, en subsecretario, un embajador, porque requiere no solo de habilidad diplomática, sino también de una dosis grande de sinvergonzonería. Eso es Meneses, un hombre culto, amante de la ópera, de la literatura, de los pintores tipo Rothko, y amante a veces también de lo ajeno. ¿Tuvo usted que resolver muchas chapuzas en sus 25 años como diplomático?

Sí (piensa unos segundos), sí (se reafirma).

No muchas, pero el suficiente cúmulo de tonterías de mi Gobierno y de los niveles intermedios de mi Gobierno. Normal.

Desde el inicio abundan los zascas a los despachos, a los recién llegados al poder, al lenguaje inclusivo… ¿Licencias de Patricio Meneses o desahogos del autor?

Las dos cosas. A mí me gustaría ser Meneses, lo que pasa es que no lo soy. No soy lo suficientemente sinvergüenza, descarado

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ENTREVISTA

Era un momento muy complicado para ese Gobierno que nacía de la Transición y había que hacer frente a muchos miedos, prudencia estúpida, titubeo, y eso había que empujarlo… ¿Cuánto de usted hay en Meneses?

Todo. Soy yo más Meneses. Quienes me leen y me oyen, ven que Meneses habla como yo, es tan poco respetuoso como yo y dice blasfemias como yo. Luego presencia bestialidades y promueve soluciones muy poco legales. ¿Están justificadas esas irregularidades de Meneses o simplemente son ficción?

Son ficción, pero las justifico. Eso de ‘el fin no justifica los medios’..., pues yo creo que sí, hasta cierto punto, y es así como Meneses opera.

Frente a las burradas de la gente, creando más burradas. ¿Por qué dejó la diplomacia?

Porque me aburrí. Juan Luis Cebrián, del que

Cuando uno se pasea por el zoco de El Cairo, por ejemplo, comprende lo que es la vida, la humanidad, los dolores de la gente...

Desde el Ministerio de Asuntos Exteriores negoció la entrada de España en la Unión Europea. ¿Le ha decepcionado Europa?

No, no, no. Europa no me ha desilusionado en absoluto. Soy un europeo convencido, me gustaría tener no un pasaporte español, sino uno europeo. Nuestra esperanza como civilización es Europa. Y estamos haciendo poco, se necesita un revulsivo, dejarse de tanta oficina y de tanta indecisión; a veces la rutina para intentar poner de acuerdo a 27, quizás son demasiados, acaba estropeando el esfuerzo.

Vivir en Mallorca, escribir y navegar. ¿Se ha currado esta jubilación o gran parte le vino dada de cuna?

No, me la he currado, nos la hemos currado mi

“HAY UNA FORMA DE ENFRENTARSE A LA VIDA QUE ES MIRÁNDOLA DE FRENTE Y DICIENDO ‘PERO SI PRODUCES RISA’.

YO ME RÍO MUCHO, ES FUNDAMENTAL EN MI VIDA”

era y soy buen amigo, me dijo “oye, ¿tú no te aburres?” Y le dije “muchísimo”. Y me dijo “pues mira, no te voy a poder pagar lo mismo, pero si quieres venir a escribir al periódico, cuando quieras”. Y lo decidí sobre la marcha, venga, va. Me parecía que la vida tenía mucho más de lo que me ofrecía la vida de embajador, para gran escándalo de mis compañeros diplomáticos, a quienes parecía un insulto a la divinidad diplomática que yo me marchara.

Usted que lo ha hecho tanto: ¿viajar es el mejor remedio para curar qué?

Caray… Es el modo de curar la soledad. Si uno viaja mucho, la soledad deja de tener importancia, incluso diría que cobra importancia.

Está bien estar solo en Roma, en El Cairo o en Vietnam. Porque todo ese input de cosas te hace reflexionar en silencio, te hace comprender el sentido de la vida y del mundo. Cura eso, y cura también la ignorancia, y la intolerancia.

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mujer y yo. No fue fácil decir un día, como dije, “se acabó, me voy”. No fue fácil porque no sabíamos cuánta agua había en la piscina.

Pero estaba acostumbrado a tirarme a la piscina sin saber lo que había; he cambiado sustancialmente de vida tres o cuatro veces y no me ha ido mal. Yo quería lo que estoy haciendo ahora, y lo he conseguido. Me ha costado trabajo, eh, pero lo he conseguido. Y estoy muy satisfecho de ello. ¿Navegar es algo más que un hobby para usted? ¿Qué le aporta?

No es un hobby, navegar es una cosa seria. El mar es muy complicado, y muy amezante, al mar hay que tenerle respeto, porque esa masa de agua puede con un cascarón como si nada.

El placer inmenso de estar encima de una ola, bajo el sol y las estrellas, es impagable, es lo mejor. Hemos hecho, mi mujer y yo y algún amigo, todo el Mediterráneo. A veces, en los

Meneses en Skópelos, editado por Galobart, es la segunda parte de una trilogía que comenzó con Que vaya Meneses y que continuará con el protagonista en Venezuela, según los planes de Fernando Schwartz, que ya trabaja en esa tercera entrega.

artículos que escribo para GENTLEMAN recuerdo nuestras excursiones marinas, que eran parte de nuestra vida. El mar me parece maravilloso… y peligroso.

En GENTLEMAN creemos que usted representa como pocos al auténtico gentleman, por elegancia, por cultura, por prestancia. ¿Nos equivocamos mucho?

No (risas). Tampoco exageremos. Ser un gentleman es una actitud de vida. Supongo que hay mucho de educación en ello, pero es una actitud, y es respeto a los demás y buen gusto. Yo me enorgullezco de ser así.

Una frase suya: “La elegancia es una cuestión que expresa el orden en el alma y la serenidad ante la vida”. ¿Lleva mal el creciente auge del casual o sport?

Está bien esa frase (risas). Convivo bien con el sport. El modo de vestir, que es otra de las cosas por las que se expresa la gentlemanía,

me puede parecer más o menos bonito, de mejor o peor gusto, pero lo respeto. Yo sé que tengo que vestirme como lo hago, no puedo hacerlo de otra forma... Qué quieres que diga.

El humor y la sonrisa parecen acompañarle siempre. ¿Tiene razones para ello o es una actitud ante la vida?

Siempre, es fundamental en mi vida. Es una actitud ante la vida. Tampoco es tan serio todo, hay una forma de enfrentarse a la vida que es mirándola de frente y diciendo, ‘pero si produces risa’, yo me río mucho. Hay una anécdota que cuento en las memorias que estoy empezando a escribir. Una vez, cuando negociábamos el ingreso en las comunidades europeas, volvíamos en avión desde Bruselas y Manolo Marín, que era secretario de Estado, después de una jornada agotadora de negociaciones, caímos sentados el uno frente al otro, y me dijo “¿sabes qué, Fernando?, tú te ríes

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demasiado, y te acabará pasando factura”. Yo me quedé... “¿Sí?, ¿debo reír menos?”. “Sí, te conviene”. Y no le hice ni caso, me he seguido riendo toda mi vida.

Hablando de escribir, ¿a quién lee usted?

A Philip Kerr, que ha muerto hace poco, que escribe unas novelas espectaculares sobre un antiguo policía de Berlín en tiempos de Hitler, ya me gustaría escribir como él. Leo como entretenimiento las novelas de Jack Reacher; también novela histórica; cada vez que sale una novela de Ian McEwan, que es mi líder espiritual; un par de novelas sobre Enrique VIII de una mujer, Hilary Mantel, que ha ganado dos veces el Booker Prize; Los vencejos (de Fernando Aramburu); una biografía de Somerset Maugham, y el Goncourt de hace un par de años de Hervé le Tellier, L’Anomalie. Leo ensayo, leo todo el rato, lo que me cae en las manos.

MANUFACTURA

IDEAS CON MUCHA PERSONALIDAD HACE 25 AÑOS, LA FAMILIA SCHEUFELE DECIDIÓ DAR UN NUEVO SENTIDO A LA MARCA CHOPARD. LLEGABA EL PRIMER MOVIMIENTO MANUFACTURA Y CON ÉL COMENZABA UNA NUEVA ERA. TEXTO RICARDO BALBONTÍN

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Chopard ha ido creando durante estos 25 años todo un repertorio de movimientos que no solo han aportado legitimidad a su trabajo relojero sino que se han convertido en alternativas de valor dentro del universos de las complicaciones relojeras. Con soluciones propias.

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DECO MANUFACTURA

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En la otra pagina, L.U.C Perpetual Chrono opta por el itanio Grado 5 para rememorar el reloj presentado hace cinco años. En la parte mecánica, el movimiento L.U.C 03.10-L con cronógrafo y calendario perpetuo. De esta propuesta se lanzarán un total de 20 unidades.

Junto a estas líneas, distintas imágenes del montaje del calibre 98.06-L del L.U.C Quattro Spirit 25, primer horas saltantes en la historia de la manufactura Chopard.

LA PASIÓN DE UNA FAMILIA, LOS SCHEUFELE, y la perseverancia de KarlFriedrich, hoy co-presidente ejecutivo de la compañía, llevó a plantear para la compañía Chopard un concepto de manufactura relojera que, un cuarto de siglo después, ha demostrado que era tan acertado como lo es su fantástica producción de movimientos.

Fue en 1996 cuando quedaron sentados los principios de Chopard Manufacture; desde entonces, ha establecido registros mecánicos marcados por la innovación y reconocidos por el mercado, como cuando conquistó la Aguja de Oro del Gran Premio de la Relojería de Ginebra (GPHG) de 2017 con su L.U.C Full Strike, un repetición de minutos que incorporaba los primeros gongs de cristal de zafiro creados en el universo relojero.

Porque Chopard ha querido, desde sus inicios, darle un contenido diferencial a sus calibres. Así hay que entender que sus movimientos están certificados por el COSC, o que la mayoría de sus creaciones luzcan el Punzón de Ginebra. O que hayan entrado en territorios que en aquel momento parecían reservados a unos pocos. Karl-Friedrich Scheufele lo tenía claro: era necesario dotar a Chopard de la legitimidad que ofrece una

verdadera manufactura. Una misión tan loable como compleja y arriesgada y más en los años 90, cuando se gesta el L.U.C 1.96, su primer calibre.

Denominado así por el año de su nacimiento, para empezar fue el primer calibre automático con microrrotor creado desde 1977. Karl-Friedrich Scheufele deseaba una pieza muy ligera pero al mismo tiempo con buena autonomía. Por eso, combinó esa masa oscilante bidireccional con otra novedad, los barriletes gemelos, que además le ofrecían un par más consistente y 65 horas de reserva de la marcha. A pesar de que los barriletes estaban colocados uno sobre otro, solo tenía 3,3 mm de grosor, y para rematar su ‘osadía’ mecánica contaba con un volante patentado y un regulador de cuello de cisne.

Esa audacia quedaba ratificada con otra decisión singular: todos los movimientos L.U.C debían ser certificados externamente.

Así, cada calibre 1.96 recibiría un certificado de cronometría del COSC, pero no contentos con ello, también se presentó el movimiento al Punzón de Ginebra. Aquel primer calibre debutó en un reloj un año después, en el L.U.C 1860. Desde entonces, lo que ha ocurrido se resume a través

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MANUFACTURA

En estas imágenes se puede contemplar el trabajo que se realiza en el L.U.C XP Esprit de Fleurier Peony. La peonía es fuente de inspiración de la casa, especialmente desde que en 2014 se transforma en serie imitada (L.U.C XP Esprit de Fleurier Peony), donde se rinde homenaje a los oficios artísticos. Para esta edición de oro ético rosa se han realizado solo ocho piezas. Destaca, cómo no, el calibre, el L.U.C 96.23-L de carga automática.

de una serie de hitos firmados por Chopard.

Como el del año 2000, con el L.U.C Quattro, primer reloj del mundo con cuatro barriletes (configurados dos a dos) y que ofrecía nueve días de reserva de marcha. En 2004 llegaba el primer tourbillon de Chopard Manufacture.

Además de lucir la tecnología Quattro, mostraba un volante-espiral de oscilación libre Variner y un resorte regulador. Un detalle importante es que tenía certificado COSC y hay que recordar que hasta 2016 Chopard fue una de las pocas manufacturas que certificaban sus tourbillones como cronómetros.

El L.U.C Lunar One, un calendario perpetuo con fases de luna, llega en 2005; un año después era el L.U.C Strike One quien marcaba la ruta en la excelencia de Chopard como manufactura. Era su primer paso dentro de la complicación de repetición de minutos.

Además, se habían cumplido diez años de movimientos propios y se celebró con la inauguración del L.U.CEUM, el espacio dedicado a contar la historia de la conquista del tiempo por el hombre, pero también para lanzar el L.U.C Chrono One con el calibre

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L.U.C 03.03-L, un movimiento con rueda de columnas, embrague vertical, función flyback, puesta a cero del segundero pequeño y contador de minutos saltantes.

El año 2009 ve la luz el L.U.C Tech Twist, primer reloj de Chopard con escape de silicio. Tambien era presentado un movimiento que latía a 10Hz y creado por Chopard Technologies. Pero si hay que hablar de productividad y creatividad, debemos esperar a 2010, cuando para celebrar el 150 aniversario llegan cuatro nuevos calibres, entre los que se incluía el L.U.C Engine One, dispuesto horizontalmente e inspirado en la pasión de Karl-Friedrich Scheufele por los automóviles. Si los calibres L.U.C tenían como distintivo el certificado de precisión y el Punzón de Ginebra, en 2011 el L.U.C Triple Certification Tourbillon añadía la certificación de la Fundación Calidad Fleurier, una serie de test propios que destacan por su rigurosidad. Un año después era el turno del primer reloj certificado cronómetro que oscila a una velocidad de 8Hz: el L.U.C 8HF; en 2013, llegaba el calendario perpetuo, el L.U.C Per-

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petual T, para en 2014 introducir el oro ético en el L.U.C Tourbillon QF Fairmined. En 2016, vigésimo aniversario de la Manufacture, llegaban un GMT y el L.U.C Full Strike.

Además, hay una serie de hechos diferenciales en Chopard, como es su compromiso en 2018 para emplear oro ético en todos sus relojes y joyas de oro, como demostró con el lanzamiento en 2019 del L.U.C Flying T Twin, primer tourbillon volante de carga automática. Ese mismo año fue presentado el Alpine Eagle, basado en el primer reloj creado por Karl-Friedrich Scheufele 40 años antes, el St. Moritz.

En 2020 Chopard se asoció con la Casa Kiton para crear el L.U.C XP II Sarto Kiton y también el Alpine Eagle XL Chrono, en el que se introducía un movimiento heredero del calibre 03.03-L del L.U.C Chrono One. Este muestrario de excelencia se ve refrendado este año con una serie de piezas que inciden en la esencia de estos 25 años de Chopard Manufactura: estilo propio y un discurso relojero diferente.

TESTIMONIOS ACTUALIZADOS 1. L.U.C Time Traveler One Black

Es el primer reloj con la complicación de hora universal que se realiza en la relojería empleando el titanio grado 5 ceramizado. Esta impulsado por el calibre L.U.C 01.05-L, presentado por primera vez en 2016. De carga automática, solo se producirán 250 piezas.

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2. L.U.C GMT One Black

Este doble huso horario apuesta también por el titanio grado 5 ceramizado. La caja de 42 mm aloja el calibre L.U.C 01.10-L automático de fácil uso: la corona a las 2h permite el ajuste de la fecha y de la hora, mientras la de las 4h lo hace con el segundo huso. 250 unidades.

3. L.U.C XPS Uno de los clásicos en la colección de manufactura se declina para este aniversario en dos modelos con caja extraplana de oro ético y un diámetro de 40mm, además de lucir un bisel engastado de diamantes.

En el interior, el movimiento automático extraplano certificado cronómetro L.U.C 96.12-L, con 65 horas de autonomía.

4. L.U.C XP Skeletec

El primer esqueleto fue lanzado en 2012; ahora se reinventa con una una nueva estética. Realizado en oro ético blanco, la esfera se muestra todavía más abierta para contemplar el movimiento de carga automática L.U.C 96.17-S, con 65 horas de autonomía. Limitado a 50 unidades.

5. L.U.C QF Jubilee Homenaje a la Fundación Calidad Fleurier, las 25 piezas lucen el movimiento L.U.C 96.09-L, con 65 horas de autonomía gracias a la tecnología Chopard Twin. Todo el conjunto está certificado por el Control Oficial Suizo de Cronometría y por la Fundación Calidad Fleurier.

6. L.U.C Quattro Spirit 25 Coincidendo con este aniversario llega el primer horas saltantes de la casa. Calibre L.U.C 98.06-L equipado con cuatro barriletes según la tecnología Quattro patentada por Chopard y ocho días de reserva de marcha. En caja de oro ético y 40 mm, está limitado a 100 piezas.

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CON FIRMA

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EL MAR, EL MAR INSPIRA PAZ, TEMOR Y, A VECES, HASTA NOVELAS. EL AUTOR HOMENAJEA A UN PAISAJE INFINITO QUE FORMA PARTE INSEPARABLE DE SU VIDA. TEXTO FERNANDO SCHWARTZ ILUSTRACIÓN JACOBO PÉREZ ENCISO

HAY UNA MARAVILLOSA NOVELA DE IRIS MURDOCH (con la que, por cierto, ganó en 1978 el Booker, que yo preferiría al Nobel) llamada The Sea, the sea (El mar, el mar). Puede que el título tuviera poco que ver con la trama de la confusión obsesiva y egocéntrica del protagonista, un exitoso dramaturgo que huye de Londres y se refugia en un pueblecito de la costa.

Pero en lo que me concierne, la novela abrió las puertas de mi pasión por el mar que en todos estos años no ha menguado ni un ápice. Incluso, ya al final de los tiempos, en un ejercicio mimético, he huido de la capital para refugiarme en una bahía. “¡El mar, el mar!” es la exclamación de alivio de los que se sienten salvados al contemplarlo en la distancia. En el caso de la novelista irlandesa, y dios me libre de ponerme pedante, el título, afirma su biógrafo, le proviene a Murdoch de un poema de Paul Valéry, Le Cimetière Marin, inspirado en el relato de Jenofonte, Anábasis, el final del periplo de los 10.000 hombres del rey Ciro, cuando por fin divisan el mar Negro.

Thalassa, thalassa!, exclaman alborozados.

Pues, desde entonces, que fue cuando me fijé en él con detenimiento, la contemplación del mar tiene sobre mí un efecto absoluto: me calma, me angustia, me parece tenebroso o alegre, bello o envolvente.

Sus aguas inspiran respeto, terror o paz.

Creo que ninguna otra cosa. He de aclarar, sin embargo, que la vez en que a punto estuvimos de irnos a pique en una tormenta a lo largo de la costa de Cerdeña, no sentí

miedo: no me dio tiempo. Solo rogaba al cielo que no se pararan los motores.

En los momentos más bonancibles el mar calla. Su silencio está hecho de murmullos. Aguzando el oído, apenas se percibe el rumor de una mínima ola que nunca llega a romper contra las rocas… Hay pocas cosas más relajantes, más felices, que estar fondeado en una cala solitaria con las aguas en calma y el sol brillando amablemente allá arriba. Sentado a popa en la bañera con un vodka tónic en la mano, las cosas de la vida pasan con descuido y, como ya he dicho en alguna ocasión, hasta me viene la inspiración para cerrar la trama de cualquier cosa que esté escribiendo. Luego me dejo caer al agua si me lo permiten las medusas, ese enemigo trasparente, y nado hasta la orilla viendo debajo de mí retazos de arena, rocas grandes hechas verdosas por efecto de la luz, guijarros luminosos y algas que se balancean como las melenas de una diosa.

Es en estos días de principio de otoño, en el veranillo de San Miguel, en horas de inesperada bonanza, cuando el mar permite que disfrutemos de él; lo mismo ocurre con las calmas de enero. Son regalos últimos de Neptuno antes de cerrar el tiempo de navegación relajada. Después, los que lo amamos, salimos a navegar vigilados por nubarrones y rachas de viento. Y nos refugiamos en entrantes de costa, a redoso de la tramontana o el lebeig, a esperar que escampe, cocinando un marmitako que quitará el frío de los huesos.

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Tengo unos amigos que se hacen a la mar y pescan grandes atunes con la excitación de los que ganan una partida. Yo prefiero dejar en paz a los peces o, todo lo más, alimentar a las obladas desde la borda, lanzándoles migas de pan para ver la rapidez con que se abalanzan y se disputan el manjar. Somos hipócritas: el atún para el marmitako lo compramos en la lonja antes de partir. En Skópelos, en Itaca, en Pantelleria, en las Eolias, en Tabarka o en Fornells basta con amarrarse al pantalán, bajar a tierra y sentarse en cualquiera de las decenas de chiringuitos iluminados por bombillas desnudas. Vino local, tomates de cualquier huerta, aceitunas y pescado de allí mismo. Ninguno de aquellos restorancillos se llevará una estrella michelín; ni falta que les hace.

Así es el mar que amamos: cruel, dulce y violento, lleno de microplásticos, pero lleno sobre todo de una vida que bulle por debajo de la superficie inmensa. Hace muchos años, detuve un día el barco a cien millas de cualquier costa; miramos hacia abajo intentando ver a través de esa superficie de intenso azul oscuro, preguntándonos qué habría allá, qué misterios implacables, qué criaturas. Para desafiarlos, nos lanzamos al agua; estuvimos en ella no más de diez segundos. Reemprendimos el viaje. Algunas decenas de millas más adelante nos esperaba una manada de delfines haciendo cabriolas, mirándonos con curiosidad y dándonos la bienvenida a tierra firme. Allí es donde vivo.

NÁUTICA

NI UN MINUTO QUE PERDER LAS CIFRAS DE FERRETTI GROUP Y SU CAPACIDAD PARA CREAR NUEVOS YATES DE LUJO ILUSTRAN LA PUJANZA DE UN SECTOR QUE NO ENTIENDE DE CRISIS. TEXTO JUAN LUIS GALLEGO

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Ferretti Group aprovechó el pasado The Cannes Yachting Festival para presentar cinco nuevos modelos: Riva 68’ Diable; Riva 76’ Perseo Super (detalle del casco en esta fotografía); Pershing 6X; Wally Why200 y Ferretti Yachts 1000.

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NÁUTICA

WALLY WHY200 Presentado como el primer yate híbrido de Wally, a medio camino entre los más grandes pero más lentos y los modelos de navegación rápida. De aspecto futurista, la integración de todo el espacio posible con amplios paneles de cristal maximiza el espacio habitable a bordo.

Eslora 27 m + Velocidad máxima 21 nudos (versión estándar) + Motores 4 x Volvo Penta D13 IPS1050 (versión estándar) + Camarotes sin tripulación 4 (opción de 5).

ALBERTO GALASSI ES CEO DE FERRETTI GROUP, probablemente el principal constructor y vendedor de yates de lujo del mundo. Hace apenas un mes, durante la celebración de The Cannes Yachting Festival, en plena Costa Azul y a pocos metros de un mar repleto de suntuosos barcos como si del parking de un supermercado se tratara, mostraba triunfante las cifras de la compañía. Con 457 millones de euros de ingresos solo en los primeros seis meses de 2021, los beneficios netos, de 23 millones de euros, superaron los obtenidos durante todo el año anterior, que cerró con la cifra de 22 millones. A la feria, el evento más importante

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del sector, Ferretti Group acudió con una flota de 23 magníficos barcos; la presentación de cinco nuevos modelos, entre ellos un yate de superlujo de 30 metros de eslora, y el anuncio de nuevos lanzamientos en los próximos años.

Definitivamente, la pandemia no ha llegado al sector de la náutica. La crisis que ha tambaleado los cimientos de sectores como el motor, la aeronáutica, la restauración, la hostelería y el turismo ni siquiera ha rozado al mundo de los yates de lujo. Todo lo contrario: en algunos casos, de los que Ferretti Group es un claro exponente, sus cifras se han disparado. Y Galassi cree saber por qué.

RIVA 76’ PERSEO SUPER Más de 40 m2 de superficies de vidrio caracterizan un perfil elegante, con marcado look deportivo. Con detalles, funciones ténicas y de diseño característicos de Riva, destaca entre ellas el techo corredizo de vidrio.

Eslora 23,25 m + Velocidad máxima 32 nudos (versión estándar) + Motores MAN V12-1550 + Potencia 2 x 1.550 CV (versión estándar) + Camarotes sin tripulación 3

“Es una combinación de dos factores –explica en conversación con GENTLEMAN–. Por un lado, nosotros vendemos libertad, que es algo que ha desaparecido de nuestras vidas en 2020 y parte de este año, en los que hay todo tipo de limitaciones para viajar, para ir a cenar o para ir al cine.

Y nosotros vendemos una pequeña isla privada, de 10, 20, 30 o 40 metros, en la que haces lo que quieres, en la que tú eres el rey, y decides con quién viajar, estar de fiesta hasta la madrugada sin que nadie llame a tu puerta o incluso crear un restaurante de tres estrellas Michelin llevando un chef a bordo.

El segundo factor –continúa el CEO de Ferretti Group– es un aspecto psicológico: nos hemos dado cuenta de los frágil que es la vida, de que la puedes perder en un minuto, también, por supuesto, si eres un millonario. Ha habido un clic en nuestras mentes: si te puedes permitir alcanzar uno de tus sueños, como una villa con un jardín

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en España, en Baleares, un coche, una pieza de arte o un yate, por qué esperar si lo puedes tener mañana. Esa combinación de libertad y fragilidad de nuestra existencia hace que mucha gente toma la decisión emocional de disfrutar la vida. Y navegar es una de las mejores formas de hacerlo”.

Especializado en lujosos yates de motor, Ferretti Group es en realidad un conglomerado que engloba a algunas de las más prestigiosas y exclusivas firmas del sector: Ferretti Yachts, Riva, Pershing, Itama, CRN, Custom Line y Wally. Cuenta con seis astilleros en Italia que envían barcos a clientes de más de 70 países en todo el mundo. España no ocupa un lugar destacado entre ellos, aunque una gran parte de los barcos que se compran en otros países, como Alemania, Gran Bretaña, Países Bajos, Francia –Europa es el cliente líder indiscutible–, también Oriente Medio, América o Asia Pacífico, acaban

NÁUTICA

en nuestras costas, principalmente en las islas Baleares. No hay precio medio, no solo por la diversidad de modelos, sino también por la posibilidad de personalizarlo hasta el extremo: desde los materiales utilizados hasta el número de camarotes incorporados, el cliente puiede elegir entre modificar un modelo de serie o, prácticamente, diseñarlo desde cero.

Una flota que sigue creciendo

Resulta difícil imaginar cuántos yates de Ferretti Group hay en el mundo. Un año normal se salda con unas ventas de 150-160 barcos, y la compañía lleva operando desde 1968. Que su revista, Protagonist –que llegó a la pasada edición del festival de Cannes con Sofía Loren en la portada del último número–, la reciban unas 50.000 personas en todo el mundo puede dar una idea de hasta dónde llega el universo Ferretti que, además, no para de aumentar. La capacidad de este constructor para crear nuevos modelos no es común en el sector: en los últimos tres años, ha lanzado más de 20 novedades –incluyendo versiones–; y para los próximos tres anuncia una cifra similar. No en vano, el grupo invirtió –y Alberto Galassi saca pecho por ello– entre 2018 y 2020 más de 200 millones en desarrollo de producto y capacidad industrial.

La flota de Ferretti Group forma parte de las más de 600 embarcaciones –desde tres a 50 metros de eslora– que fueron expuestas durante la feria en este privilegiado rincón de la Costa de Azul, bendecido esos días por un sol que parece aliado con el sector. Entre los 575 expositores, no solo yates; también todo tipo de equipamiento y servicios náuticos, mobiliario e iluminación, tejidos, obras de arte y decoración o incluso productos de belleza, bienestar, perfumes, joyas, diamantes y ropa de baño. No en vano, esto es Cannes.

FERRETTI YACHTS 1000 El barco más grande construido por la firma, con materiales como el carbono que realzan su alta tecnología. Nuevas soluciones de diseño para un habitáculo disponible en ambiente clásico o contemporáneo. Máximo confort y bienestar en espacios exteriores e interiores.

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1. Partagás Lusitanias (cepo 49 x 194 mm).

Esta vitola de galera Prominentes ejemplifica la buenísima ligada de la marca. Con carácter y fortaleza desde sus comienzos, notas amaderadas y picantes, evoluciona de manera espectacular con una espléndida pujanza de sabores tabaqueros y matices dulzones.

Tiempo de fumada: 75/80 minutos.

2. Partagás Serie D No.5 (cepo 50 x 110

mm). Desde sus inicios se perciben toques especiados con notas claramente terrosas, rastros de cacao amargo y melazas, todo ello en medio de una estupenda densidad de humo. Tiempo de fumada: 30/35 minutos.

3. Partagás Serie D No.6 (cepo 50 x 90 mm).

La ligada característica de la marca se encierra en este pequeño habano, ideal para fumadas breves (25/30 minutos) y de fácil tiro.

4. Partagás Capitols (cepo 42 x 129 mm). Esta vitola de galera Mareva, presentada en la Línea Retro, ofrece sabores terrosos, algo especiados, con mezcla de tostados y cacao. Comienza más suave para llegar hasta la típica fortaleza de la marca. Tiempo de fumada: 35/40 minutos.

5. Partagás Culebras (cepo 39 x 146 mm).

Curioso formato en el que tres cigarros se hallan entrelazados y ofrecen una fortaleza algo menor que en la ligada habitual de la marca, pero también magníficos rastros tabaqueros.

Tiempo de fumada: 40/45 minutos.

HABANOS DE OTOÑO En homenaje a Partagás, que el pasado 25 de septiembre fue la protagonista del evento anual del Club Pasión Habanos, Live Night Partagás, presentamos cinco representativas vitolas de la marca cubana de Habanos.

EN 1845 EL EMPRESARIO ESPAÑOL JAIME PARTAGÁS dio su apellido a una nueva marca de Habanos abriendo su nueva fábrica en el número 520 de la calle Industria de La Habana, en pleno centro de la ciudad. La Real Fábrica de Tabacos Partagás, en un suntuoso edificio de estilo colonial, comenzó su andadura ofreciendo una línea de productos especialmente pensados para el gusto de los fumadores españoles, con una ligada más fuerte de lo habitual, características especiales que continúa ofreciendo 175 años después. Rehabilitada en 1987, todavía sigue allí actualmente, siendo la fábrica de cigarros más antigua del mundo y uno de los grandes atractivos turísticos de la ciudad.

Con una fortaleza elevada, catalogada de cinco sobre cinco dentro del vitolario de Habanos, los cigarros cubanos de esta marca alumbraron a lo largo de su existencia frases que se hicieron populares como “Partagás… y nada más”, que testimonian su magnífica aceptación por parte de los fumadores de todo el mundo. Para celebrar esta gran marca de Habanos, repasamos cinco de sus vitolas más emblemáticas: desde los Lusitanias y los Serie D No.5 y 6 hasta el más reciente Capitols, pasando por las originales Culebras. Ángel García Muñoz

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EL LARGO ADIÓS DANIEL CRAIG SE DESPIDE DEL PERSONAJE QUE CAMBIÓ SU VIDA PARA SIEMPRE. SE VA CON LA CABEZA ALTA: ÉL TAMBIÉN HA CAMBIADO PARA SIEMPRE EL LEGADO DE JAMES BOND. TEXTO IRENE CRESPO

En la página siguiente, Daniel Craig en un momento del rodaje de Sin tiempo para morir. La nueva película de la saga Bond se estrena el 1 de octubre.

DANIEL CRAIG (CHESTER, INGLATERRA, 1968) NO PUDO NI TERMINAR su discurso de despedida antes de rodar la última escena de Sin tiempo para morir. La última, ultimísima escena de su última película como James Bond. Después de 15 años encarnando al personaje y cinco filmes, no podía abandonar aquel set sin decir unas palabras. Y las soltó, lo intentó, se lo agradeció eternamente a un equipo que, en muchos casos, le ha acompañado desde el principio, desde Casino Royale (2006), aquel título que no solo le dio la vuelta a su vida y su carrera, también abrió un nuevo camino para el personaje, para ese Agente 007 que es una joya más en la orgullosa corona inglesa.

El cierre a su etapa Bond ha sido un poco interruptus. Sin duda, accidentado. El director Danny Boyle abandonó el proyecto a semanas de empezar por desacuerdos creativos; Cary Fukunaga (conocido por la serie True Detective) tomó el relevo poco antes de arrancar; un doble salió herido en un incen-

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dio; Craig se rompió la rodilla… y luego la pandemia, claro, que ha retrasado el estreno hasta en tres ocasiones, desde abril de 2020 a ahora. Un largo adiós. Así, la prensa anglosajona habló hasta de película maldita. La pausa entre Spectre (2015) y Sin tiempo para morir (estreno, 1 de octubre) es la segunda más larga en la historia de la saga. Ese impasse tuvo que ver con muchas cosas, pero, sobre todo, con cierto hartazgo del propio Daniel Craig hacia el personaje. Al acabar el rodaje de Spectre, con el ligamento cruzado de la rodilla roto y el cuerpo dolorido, en la primera entrevista en que le preguntaron si volvería a ser Bond, le salió del alma: “Antes rompería este vaso y me cortaría las venas”. Su habitual franqueza se abrió paso, aunque hoy dice que hablaban sus músculos destrozados, no su cabeza. Cuando se le enfrió se dio cuenta de que su interpretación del personaje, su giro sombrío, anclado a la realidad del siglo XXI, necesitaba un final a su altura. Y, por primera vez, en Sin tiempo para morir se involucró

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UNA FRUCTÍFERA RELACIÓN La relación de James Bond y Omega es tan intensa como la vida del espía, y ha dejado piezas muy especiales.

En Sin tiempo para morir, la elección ha sido un Seamaster Diver 300M 007 Edition que, además, ha contado con el asesoramiento en el diseño del propio Daniel Craig. Resultado: un reloj de 42 mm de diámetro producido en titanio de grado 2, tanto la caja como el brazalete de malla. En el interior, incorpora el movimiento Co-Axial Master Chronometer calibre 8806, y en el fondo de la caja, entre otras referencias, aparece el número 62, que corresponde al año de la primera película de James Bond.

En esta página y en la siguiente, dos momentos del rodaje de la película, la quinta, y en principio última, en la que Craig da vida al agente 007.

a fondo en el guion: “Esta es mi última película.

Mantuve la boca cerrada antes, me quedé al margen y me arrepentí después de haberlo hecho”, confesaba el año pasado, asumiendo que todo lo que sea vea y diga, para bien y para mal, en su quinta película como el espía británico ha sido aprobado por él, incluso sugerido.

Suya fue la idea de contratar a Phoebe Waller-Bridge, la nueva mujer de moda en la industria británica y Hollywood (por su serie Fleabag y la primera temporada de Killing Eve).

A ella recurrieron para añadirle al guion humor y una voz femenina actual en este mundo post #MeToo que tanto choca con la concepción del personaje introducida en el imaginario popular

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por Sean Connery o Roger Moore y recogida por Pierce Brosnan.

Y Craig también habrá tenido mucho que ver en la introducción de una agente en la historia, a la que interpreta la actriz Lashana Lynch, que ha avivado el rumor sobre si el próximo 007 será una mujer. Un debate del que Craig ya está fuera. “Ni me preguntes. Ya no es mi problema”, dijo tras una reflexión con mucho sentido. “La respuesta es muy sencilla.

Debería haber mejores papeles para mujeres y actores de color. ¿Por qué una mujer debería interpretar a James Bond cuando lo que tendría que pasar es que hubiera tan buenos papeles como James Bond pero para mujeres?”.

Craig sufrió en su propio ego e inseguridad de actor la presión de ser el nuevo Bond.

Una cuestión de estado casi. “¿Estamos preparados para un James Bond rubio?”, se preguntó la BBC cuando se anunció su nombre allá por 2005. El color de su pelo lo usaban como el principal ataque contra él, también su altura (es el más bajo de todos los agentes) y para los que lo conocían, también era una afrenta su pasado de actor serio en teatro y cine de autor. Aquellos comienzos que para Barbara Broccoli, la productora y dueña de la saga, heredada de su padre, Albert R. Broccoli, fueron precisamente la razón para contratarle, al público le creaban serias dudas: haber sido el amante de Kevin Bacon en El amor es el demonio (1998); un asesino psicópata en Elizabeth (1998); un traficante en Crimen organizado (2004). Pero los casi 600 millones de dólares de taquilla (que luego superaron los 1.000 millones de Skyfall) y las excelentes críticas de Casino Royale callaron todas las críticas y desconfianzas. Había nacido un nuevo Bond que interpretaba sus propias escenas de acción y sufría en ellas, casi no sonreía, seguía vistiendo bien, conduciendo buenos coches, pero también se podía enamorar. El tiempo pasaba por él. Como ha pasado por Daniel Craig, cuyo pelo ya no es tan rubio, la oscuridad de los tiempos se ha transformado en canas y se ha colado en esos ojos azul cielo. El MeToo, el Brexit, Trump… La realidad se ha ido filtrando de manera más o menos directa en el legado que Craig deja al personaje.

Y Bond también se ha colado en el legado personal y artístico de Craig. Cuando aceptó el reto, ya le iba bien como actor, cada vez mejor. La interpretación es algo que compara muchas veces con una droga, por lo adictivo y adrenalínico que tiene para él, y podía ejercerla aún con casi total anonimato, seguir yendo a sus pubs, un entorno familiar porque sus padres regentaban uno y allí empezó a actuar de niño, a hacer imitaciones para pasar el rato por

las que recibía una propinilla. “Supongo que eso sería mi primer trabajo pagado como actor”, bromea ahora. Si aceptaba ser James Bond, perdería todo. “Sabía que mi vida se iba a ir a la mierda”, dice llanamente. ¿Pero cómo iba a decir que no? Hoy ha hecho las paces con la fama que acompañó al personaje. Después de pasar unos años casi como un ermitaño –“me sentía física y mentalmente asediado”–, vive en Nueva York con su mujer, la también actriz Rachel Weisz, y su hija pequeña (tiene otra ya adulta de su primer matrimonio). Además, es, oficialmente, el actor mejor pagado del mundo y no solo por 007, sino por su trabajo como productor y protagonista en Puñales por la espalda, la comedia millonaria con la que ha arrancado una nueva saga en la piel de un detective inspirado abiertamente en el Hércules Poirot de Agatha Christie. Ya tiene anunciadas dos secuelas. Más otra película y una serie. Quince años y cinco películas después, las lágrimas ganarán a las palabras, pero Daniel Craig ya puede decir con tranquilidad que “hay vida después de Bond”.

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CLAVES DEL ESTILO BOND

UN CLAVEL EN LA SOLAPA Y UN ASTON MARTIN EN EL GARAJE. SABER QUÉ PONERSE EN CADA OCASIÓN Y NO TENER MIEDO AL RIDÍCULO. TOMARSE LA MODA CON UN POCO DE HUMOR. ASÍ HAN SIDO LOS AGENTES 007.

TEXTO IRENE CRESPO

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Elegancia aprendida. Conseguir que parezca que llevas cada día esmoquin. Incluso con un clavel rojo en la solapa. Vestir tanto en tonos pastel, en looks monocromáticos, como de traje negro.

Un estilo para cada lugar. Para cada país.

Escocés rudo, Sean Connery poco sabía de estilo y buenas maneras cuando consiguió el papel de James Bond. El director Terence Young le llevó enseguida a su peluquero y a su sastre y tras el lavado de imagen, lo pasearon por clubs y casinos londinenses para que se fijara en los modales y gestos de esa clase de británico refinado, miembro de la jet set internacional que parece haber nacido con el nudo de la corbata bien hecho.

Connery, el primer Bond, aprendió su elegancia y la combinó con su socarronería innata, ese agente 007 de media sonrisa y trajes cosidos por Anthony Sinclaire que empezó en Agente 007 contra el Dr. No (1962) y se despidió en Diamantes para la eternidad (1971).

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Un buen traje es un arma. Es un escudo. Da poder. El esmoquin perfecto para la noche perfecta. Saber qué ponerse en cada situación y utilizarlo como cualquiera de los gadgets que Q, el maestro inventor del MI6, fabrica para él.

Nadie pone en duda la masculinidad y la fuerza del personaje aunque se preocupe también, y mucho, por su aspecto.

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La clase. Doble abotonadura. Se dice que los productores de James Bond pensaron en Roger Moore para interpretar al personaje creado por Ian Fleming antes incluso de que lo interpretara Sean Connery. A este londinense de ojos azules no había que enseñarle a lucir un traje ni a empuñar un arma. La elegancia venía de serie, solo que se topó con los

años 70, lo que se tradujo en chaquetas de grandes solapas y doble abotonadura, corbatas coloristas, pantalones ajustados y algo acampanados. Un estilo que aún hoy no se ha repetido o al menos no lo hemos visto en otros 007, aunque a Moore sí se le debe la predilección por una prenda que él lanzó y se quedó en los actores posteriores y también en la calle: el jersey de cuello vuelto que llevó al final de Vive y deja morir

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Sobre estas líneas, el actor Roger Moore, fotografiado en 1968, con un cigarro y un martini en la mano.

Elegancia innata pasada por el tamiz de los complicados años 70.

En la página anterior, Sean Connery, apoyado en un Aston Martin, en una escena de Goldfinger.

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colores (naranjas y marrones), en las camisas con chorreras, los cortes de sus trajes y en las ganas de ponerle humor. Y hasta ironía. Tuvo que ser él, un australiano, el que se vistiera de gala como un escocés: camisa con babero y falda incluidos. Un look que ya hizo memorable su corto paso por la saga.

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Los detalles marcan la diferencia.

El clavel rojo en la solapa del esmoquin blanco de Sean Connery, el gesto casi inadvertido con el que Daniel Craig tiende a abrocharse el botón de en medio en sus americanas de tres (ni el de arriba ni el de abajo), la camisa siempre un poco abierta de Pierce Brosnan… No son descuidos, no son inconscientes, James Bond piensa hasta el último detalle.

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El actor australiano George Lazenby, ataviado con las mejores galas escocesas, para su única película como 007, Al servicio secreto de su majestad.

(1973), la primera de las siete veces que encarno al agente. Un outfit que ya había llevado Steve McQueen en Bullitt (1968) y que volvería a enfundarse Daniel Craig como Bond en Spectre (2015).

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La importancia de los accesorios. ¿Podríamos incluir los coches como accesorios del personaje? Debemos. Han definido a cada uno de las encarnaciones del agente. El Sunbeam, los Aston Martin, el Ford Mustang, los BMW… También y, sobre todo, los relojes, que se han transformado en arma y le han permitido moverse por todo el mundo en hora y con mucha clase: los Omega de Pierce Brosnan y Daniel Craig, los Rolex de Sean Connery y Roger Moore, los Seiko también de Moore; el TAG Heuer de Timothy Dalton…

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Permítanse deslices horteras.

Hay entornos y momentos que invitan, e incluso obligan, a relajarse con la etiqueta o la imagen esperada. Todos los agentes James Bond han tenido

los suyos. Por ejemplo, el look playero de Sean Connery en Operación trueno (Thunderball) (1965): shorts (muy shorts) y camisa en rosa chicle como inicio de esos ‘deslices’ horteras. El propio escocés repetiría e incluso superaría ese conjunto con el jumpsuit o mono corto de felpa azul celeste que supo defender en James Bond contra Goldfinger (1964). Sin olvidar, el traje de esquí amarillo canario con botas rojas que escogió Roger Moore en La espía que me amó (1977).

Y, por supuesto, George Lazenby, cuyo vestuario merece una reflexión y recordatorio exclusivos.

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George Lazenby y su propio armario. El australiano solo tuvo oportunidad de dejar su huella en el vestidor de 007 en una película: Al servicio secreto de su majestad (1969), entre dos Sean Connery. Pero le bastó para presumir de un giro de estilo fundamental en el personaje, más aún si de moda hablamos. Era finales de los años 60, pero el actor ya tenía puesta la mirada en los hippies 70. Se notó en esa elección de

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Adiós a la corbata. El toque relajado de Timothy Dalton. Eran los años 80, bien entrados. Roger Moore ya tenía 59 años y decidió jubilarse de James Bond. Encontrar al siguiente agente 007 fue una odisea que acabó con un Timothy Dalton no muy convencido.

Por eso quizá solo rodó dos películas (007: Alta tensión y Licencia para matar), aunque a él le debemos el regreso a un espía intenso, consciente de sus riesgos.

Y por eso la etiqueta se relajó: se quitó la corbata, los trajes y sus solapas se ensancharon como mandaba la moda del momento. Aunque para él no había modas.

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Perfeccionar el look de verano. Pierce Brosnan le devolvió al agente 007 las ganas de risas y fiestas. Él era un icono de los 90 y contagió a su Bond de esa efervescencia, con el de Sean Connery como referencia más directa. Eligió a Brioni para que firmara todos sus trajes en las cuatro películas que protagonizó, desde GoldenEye (1995) a Muere otro día (2002). También el que quizá más ha calado, de lino en color crudo con camisa azul abierta, para veranear en Italia en El mundo nunca es suficiente (1999).

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El triunfo de los grises. El británico Daniel Craig, el (pen) último James Bond, recuperó la seriedad del personaje de Fleming, su pesadumbre psicológica y la idea del traje como un escudo, como un arma de poder. Se alió con Tom Ford en las cinco películas (Casino Royale, 2006, la primera) que ha protagonizado para esos trajes y abrigos a medida en los que ni una arruga se atreve a colarse en plano. Juntos le dieron una vuelta intemporal al armario, apostando por toda la gama de grises y el azul marino. Así nunca falla.

A la izquierda, el actor Roger Moore en el papel de James Bond y la actriz Lois Chiles, junto a una botella de champagne Bollinger en una escena de la película Moonraker (1979).

EL CHAMPAGNE DE 007 Bollinger forma parte reconocible del legado de la saga Bond, a la que acompaña desde hace 40 años. Ahora, celebra con una edición limitada de su Millésimé 2011 el estreno de Sin tiempo para morir, la película número 25 del espía más famoso.

MÁS DE 40 AÑOS LLEVA EL CHAMPAGNE BOLLINGER al lado de James Bond, fruto de la amistad nacida en 1979 entre el CEO de la maison, Christian Bizot, y el productor de la saga, Cubby Broccoli. “Una relación que se basa, sobre todo, en valores compartidos, como la excelencia y la elegancia”, en palabras de Étienne Bizot, consejero delegado de la Société Jacques Bollinger.

Por eso, para celebrar el estreno de la 25º película de la saga 007, Sin tiempo para morir, Bollinger lanza un edición limitada de la última añada de uno de sus champagnes más especiales, Bollinger Millésimé 2011. Elaborado exclusivamente

con pinot noir del Grand Cru de Aÿ, es la primera vez que la maison elabora un cuvée basado al 100% en este viñedo histórico. La cosecha de 2011 aportó unas uvas complejas, potentes y armoniosas que han dado como resultado un vino con carácter. Sus iniciales aromas tostados y torrefactos evolucionan con cada sorbo hacia notas de miel, caramelo y frutas amarillas.

Para tan destacada ocasión, la botella de Bollinger Millésimé se presenta con el número 25 en su parte frontal, mientras que en la caja figuran impresionados los títulos de todas las películas anteriores. champagne-bollinger.com J. Parra

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La edición limitada de Bollinger Millésimé 2011 se presenta en un sofisticado estuche, con apertura hidráulica y con los títulos de las 24 películas anteriores de la saga Bond. Su precio es de 180 €.

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¿QUÉ ES UN SASTRE? ESTA REFLEXIÓN DEL AUTOR SOBRE OFICIO TAN ARTESANO, SIRVE PARA INTRODUCIR LAS VOCES EXPERTAS DE SEIS MAESTROS DE LA COSTURA. TEXTO JOSÉ MARÍA LÓPEZ-GALIACHO ILUSTRACIÓN FERNANDO VICENTE ENTREVISTAS MARIO SUÁREZ

AL IGUAL QUE EN EL PERIODISMO, en el mundo de la sastrería existe mucho intrusismo. Hoy por colgar en la puerta de una tienda el cartel de ‘Sastrería’ se da por hecho que dentro hay un sastre.

Y en ocasiones, demasiadas, esto no es así.

Toca entonces separar el polvo de la paja.

Pero ¿qué es un sastre?

Un sastre es alguien que sabe coger medidas, pero medidas que van mucho más allá de un largo de pantalón o de una manga. Es capaz de identificar con su ojo esa variación de cadera, ese hombro caído, esa pierna algo arqueada y todas esas pequeñas imperfecciones que todos, sin excepción, tenemos. Y, además, sabe reflejarlas en el patrón. Porque sin patrón no hay sastrería.

En definitiva, es su experiencia y pericia con la aguja la que conoce cómo ocultar los defectos de su cliente y resaltar sus virtudes. El sastre, al menos el de verdad, hace un patrón a cada uno de sus clientes y no le adapta patrones estandarizados. El sastre pasa en su taller, no a kilómetros de este, ese patrón a la tela y posteriormente corta a tijera la tela. Y todo ello sobre la mesa de trabajo que, por supuesto, preside toda sastrería de prestigio. Con todas las partes de la prenda ya cortadas (mangas, delantero, espalda etc.), sus oficiales y costureras hilvanan la prenda. He aquí dos términos que terminan de separar el polvo de la paja: ‘hilvanes’ y ‘taller’. Si en la primera prueba de su traje, abrigo, esmoquin, etc. la prenda no

le es probada llena de hilos y con las partes apenas sujetas, es decir, hilvanada, dude de la autenticidad de su ‘sastre’. Igualmente, si en el interior de su sastrería no hay un taller donde se afanen con la aguja unos cuantos profesionales desconfíe, si cabe, más. Porque una sastrería sin taller no es sastrería. Cierto que hoy partes como los pantalones se externalizan a profesionales que trabajan desde casa. Pero esto no quita que haya un taller donde se piquen solapas, se hilvanen las prendas, se preparen las pruebas o se adapten los cambios. Dicho de otra forma, si su traje no se encuentra durante todo el tiempo de confección en su sastrería es más que probable que este esté siendo confeccionado en una cadena de montaje o a gran distancia de donde le tomaron medidas.

Un sastre es un artesano y el concepto de artesano va mucho más allá de saber entallar una chaqueta. Un sastre no vende trajes, los trae a la vida de la nada y, además, solo ayudado de su tiza, su tijera, sus hilos, sus manos y el buen hacer de sus costureras.

Un sastre sabe confeccionar un traje, pero también un capote de caza, un uniforme de gala, un chesterfield o un traje de corto.

A un sastre no le valen solo unas nociones de costura para colgar el cartel de ‘Sastrería’. Un sastre debe formarse como en cualquier otra profesión. Pero al contrario que en la mayoría de ellas, en la de sastre además de la teoría se requiere de mu-

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chas horas, años, antes de poderse poner delante de un cliente, tomarle medidas o picarle unas solapas. Y lo que no es menos importante: esos años deben transcurrir bajo la mirada y la batuta de un sastre experimentado y sobre una incómoda silla baja aprendiendo a coser.

La confección de un traje artesanal, esto es cortado a medida y cosido a mano, conlleva una media de cincuenta horas además de al menos dos pruebas intermedias. En estas pruebas, mucho más allá de establecer un largo de pantalón, el sastre se asegura de haber salvado las posibles imperfecciones de nuestro cuerpo y, ayudado por los años de experiencia, disimularlas. El cliente experimentado sabrá diferenciar un traje artesanal de otro de sastrería industrial, sastrería esta última donde es la máquina, y no la mano del sastre, la principal responsable del resultado final del traje. El bonito vuelo de unas solapas, vuelo que solo el picado artesanal puede conseguir, el cosido manual de los hombros y, sobre todo, el aire elegante y estiloso que solo la mejor sastrería artesanal puede conseguir serán los que terminen fijando la frontera entre el sastre de verdad y el aspirante a serlo. Y no es tema baladí, cuando se lo entreguen pregunte cuánto vale su traje y no cuánto cuesta. Sencillamente un traje de sastre vale, uno industrial solo cuesta. Y recuerde: ni el practicante es médico, ni el monaguillo sacerdote.

SASTRES

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LANDER URQUIJO

Fotografía: Jacobo Medrano

EL CLÁSICO BESPOKE QUE TRIUNFA ES UN FIEL DEFENSOR DE UNO DE LOS CLÁSICOS DE LA SASTRERÍA: los tejidos de pata de gallo.

Lander Urquijo está dispuesto a recuperar esta temporada el estampado bicolor que tanto popularizó Christian Dior junto a otro de los atemporales de la moda masculina, los cuadros Vichy, “que van a estar de plena actualidad en americana y en traje este año”, asegura en declaraciones a GENTLEMAN. Y es que, desde hace algo más de una década, lo que marca este sastre en sus colecciones es, en gran parte, lo que se ve luego en la calle: desde que abriera su firma en 2009, se ha convertido en una referencia de la nueva sastrería en España, con tres tiendas en Madrid, Valencia y Bilbao.

Ganador del Premio Nacional de Moda en 2015, Lander Urquijo llegó al sector para cubrir ese a veces delicado hueco que separaba al hombre contemporáneo de la sastrería clásica. “Durante unos años ha habido un vacío generacional derivado de la falta de interés de enseñar el oficio –explica–. Pero de un tiempo a esta parte, debido al auge de los oficios tradicionales, los nuevos sastres nos hemos preocupado en formarnos y hay una buena remesa bastante interesante”, añade.

Podría decirse que Lander Urquijo

comenzó en esto por casualidad: su carrera profesional se dirigía a la Arquitectura, pero a los 16 años entró de mozo en una tienda de Bilbao y de ahí hasta hoy: “No concebiría la vida sin tener contacto con la sastrería, es parte de mí”.

Con más de 15.000 seguidores en Instagram, sabe de la importancia que las redes sociales han tenido para su carrera: “Han ayudado a que la gente sepa más aún cómo es de laborioso el trabajo de sastre”.

Y en su perfil ya se pueden ver algunas de las apuestas de su firma para el 2022: “Hay una vuelta a los inicios, una apuesta por reinterpretar los clásicos y actualizarlos –adelanta–. Hoy, los iconos de la moda están muy presentes en las tendencias, como por ejemplo los pantalones gurkha, –de inspiración militar, recibe el nombre de los soldados de élite de Nepal– de pura actualidad”. Los cuellos más británicos o franceses son los que más se verán este año, frente a los italianos que llevan varias temporadas triunfando. Seguirán vistiéndose los trajes príncipe de Gales, los de granito en gris y azul y los de ojo de perdiz, siempre con la convicción de que una prenda exclusiva cortada y cosida a mano, como solo la sastrería puede garantizar, resulta más duradera y atemporal en nuestros armarios.

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El auge del teletrabajo ha cambiado el presente del sector. Se viven tiempos más relajados en el vestir pero, según Urquijo, esto no significa que los cortes clásicos no hayan dejado de verse en las calles y en las ceremonias: “Por ejemplo, el tres piezas –que incluye chaleco– está cada año en nuestra colección; siempre hay tres o cuatro trajes de este estilo”.

Consejos al margen, sí se atreve con una recomendación a la hora de hacernos un traje: prestar especial atención a los largos: “es fundamental que estén en su sitio.

Me gusta que un traje esté encajado”. Por lo que a él respecta, tiene claro cuál será su próxima prenda: “Tengo en la cabeza, para esta temporada, hacerme un traje gris de franela en tres piezas con solapa de pico”.

Si lo viste Lander Urquijo, lo vestiremos el resto.

Arriba, Lander Urquijo cuenta con tres tiendas en Bilbao (Estraunza, 1. Tfno.: +34 944 77 26 26); Madrid (Claudio Coello, 65. Tfno.: +34 917 37 44 30) y Valencia (Jorge Juan, 32. Tfno.: +34 963 92 51 30). landerurquijo.com

En la imagen, posa con un traje de chaqueta de doble botonadura en la tienda de Madrid.

SASTRES

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GARCÍA MADRID

Fotografía: Jacobo Medrano

LA PUERTA DE ENTRADA AL COLOR DESDE EL AÑO 2006, LAS ALFOMBRAS ROJAS DE LOS EVENTOS de la capital son distintas. Al menos para actores, músicos, artistas y otras celebridades que dejaron de enfrentarse a los flashes de los fotógrafos enfundados en clásicos y repetitivos esmóquines de color negro o azul. Muchos de ellos encontraron (por fin) una firma que no solo era capaz de vestirles elegantes, también les hacía los trajes a medida, jugaba con el color, favorecía el tallaje y, además, era española, lo que en muchos sectores comienza a cotizar como un valor añadido.

La firma García Madrid lleva 15 años realzando la sastrería, haciéndola más divertida, sofisticada y contemporánea. Manuel García es su director creativo, amante de las prendas hechas a mano e impulsor de una moda masculina distinta en España, que le ha llevado a ser Premio Nacional en 2017 y a desfilar en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. “La sastrería es un lenguaje propio, donde el oficio, la tradición, la creatividad, la calidad y un toque de fantasía van unidos de la mano; y es lo que me ha dado una forma de vivir”, explica el diseñador.

García Madrid, con una producción localizada exclusivamente en España, Italia y Portugal, ha impulsado una sastrería fue-

ra de los cánones tradicionales desde sus dos tiendas de la ciudad que dan apellido a la firma. Vestir al hombre con más color será su legado para la próxima temporada, con varios modelos de tres piezas en todo tipo de tonos: “Proponemos una amplia gama cromática, que incluye desde los negros y azules más clásicos hasta rojos, verdes, tierras y malvas –adelanta al hablar de las tendencias que saldrán de su taller–.

Las siluetas son más dinámicas, realzando la figura, y hemos mezclado prendas más formales con elementos deportivos”.

La firma apuesta por tejidos con mucho más textura, donde la trama está muy presente, pero que, a su vez, aporta elasticidad natural y un tacto más agradable.

“Además, le damos mucha importancia a conocer su origen y trazabilidad”, explica Manuel; y es que la sastrería del siglo XXI también es sostenible, y en esto la calidad del tejido es indiscutible para garantizar la durabilidad de una prenda y que permanezca atemporal en nuestro armario. No en vano, García Madrid trabaja con casas europeas como Loro Piana, Vitale, Dormeuil o Cerruti.

El diseñador, al que le gustan que los trajes le queden “entallados, pero sin sentirse aprisionado”, apuesta para su propio armario en 2022 por tejidos de franela en

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cashmere, más ligeros y cálidos. “Quiero un traje con solapas no muy anchas, con los bolsillos de la chaqueta pegados y en algún tono tierra que me permita llevarlo desde por la mañana hasta por la noche”.

En cuanto a las camisas, Manuel García insiste en los detalles que hacen que una prenda de este tipo sea única: “Reconoces una buena camisa en cuanto la ves: botones de nácar, iniciales bordadas a mano, hilatura fina de un algodón de excelente calidad; todo junto, funciona a la perfección, sin llamar la atención; preferimos cuellos equilibrados, que no sobresalgan del conjunto”. La elegancia es discreta, el “menos es más” llevado al bello oficio de un sastre.

García Madrid cuenta con dos tiendas en Madrid (Corredera Baja de San Pablo, 26. Tfno.: +34 91 522 05 21 / Conde de Aranda, 6. Tfno.: +34 91 431 46 16). garciamadrid.com

En la fotografía, Manuel García director creativo de la firma, viste un traje de tres piezas. uno de los modelos que marcarán la tendencia de la firma esta temporada.

SASTRES

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JOAQUÍN FERNÁNDEZ PRATS

Fotografía: Jacobo Medrano

LA FLUIDEZ DE UNA COSTURA A MANO A LOS 13 AÑOS YA SABÍA LO QUE QUERÍA: SER SASTRE. Hoy, con 45, Joaquín Fernández Prats está en una posición destacada entre los nuevos popes de la sastrería en España, lo que le lleva a analizar con perspectiva las tendencias que el sector traerá este otoñoinvierno. Una de las nuevas corrientes es la ya confirmada relajación de los cortes y los tejidos: “Es algo que se lleva haciendo los últimos 15 años, pero no en España, sino en todo el mundo. Yo siempre he buscado ofrecer algo más moderno. Hay sastres en España que no trabajarán nunca con tejidos por debajo de cierto peso; a mí, en cambio, no me importa –confiesa–. Es más difícil de trabajar, pero es el camino por el que vamos. Tejidos más ligeros, chaquetas con menos estructura, prendas que se sienten más como una segunda piel que la tradicional armadura que se hacía antes.

Sobre todo en americanas de sport”.

Tras comenzar en el taller familiar y pasar por otras sastrerías de la capital, Fernández Prats abrió su propia firma en 2019.

Trabajo artesanal, clásico, con esmerada construcción y cortes contemporáneos para una vida cosmopolita, y sobre todo, buena mano: “Soy uno de los pocos sastres que no solo saben cortar, sino hacer un traje al completo, lo que me permite tener

una comprensión total no solo de lo que consigo con el corte, sino de cómo trabajar la construcción de cada prenda para cada cliente y poder explicárselo al taller de forma clara”.

De su sastrería salen muchos de los trajes que después se ven en los despachos de los jóvenes líderes que pueblan las oficinas de Azca o de las Cuatro Torres de Madrid.

Prendas atemporales, “hechas para durar décadas. Las tendencias cambian de una temporada para otra, en la sastrería no nos podemos permitir eso”, explica Fernández Pratas. Aunque su buen ojo también identifica que en 2022 volveremos a vestir pantalones más anchos: “Parece que dejamos atrás esos pantalones muy estrechos sin pinzas; los pantalones que vamos haciendo son más altos y cómodos. Los tejidos son, en cambio, los de siempre”.

Confirma que el uso del tres piezas está cada vez más en desuso, desde los años 50, aunque es un clásico que nunca morirá del todo. En sus camisas combina la costura a máquina, más firme, limpia y precisa, con otras costuras a mano que acompañan los movimientos del cliente, aportan más fluidez y libertad en el día a día, “sobre todo en cuello y mangas”, asegura. Y, precisamente, es en los cuellos de camisa donde la tendencia puede verse más reflejada: “Te-

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nemos más de 40 cuellos para elegir: nos gusta mucho el cutaway (recortado), pero de un tiempo a esta parte, igual que con los pantalones, se va cerrando el cielo y vemos cosas más clásicas. De todos modos, teniendo un camisero en la casa, podemos permitirnos diseñar y crear cuellos para cada cliente si hiciese falta”.

Fernández Prats siempre quiere ir un paso más allá, y confiesa que para este otoño se está confeccionando para sí mismo un traje en denim tostado, en un tono caramelo: “Es el material menos habitual para un traje, pero con las nuevas innovaciones de muchas casas, hay mezclas con seda de gran ligereza y flexibilidad que hacen que sea una prenda de sport estupenda”. ¿Veremos trajes de tela vaquera en los próximos meses? Al tiempo.

El taller principal de la Sastrería Prats se denomina Prats Bernabéu y cuenta con 300 m2 que incluyen salón privado y bar (Hermanos Pinzón, 4. Madrid.

Tfno.: +34 91 240 18 45). Además, dispone de un rincón en el hotel Wellington, también en la capital.

(Velázquez, 8. Mismo teléfono). sastreriaprats.com

En la otra página, Joaquín Fernández Prats, en su taller.

SASTRES

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ÓSCAR H. GRAND

Fotografía: Jordi Bardajil

IMPROVISAR EN LA PUNTADA Y EL CORTE EN LA SASTRERÍA, LA IMPROVISACIÓN TAMBIÉN VALE. Al menos Oscar H. Grand se permite ciertas licencias a la hora de confeccionar alguno de sus trajes. “Mi propuesta está basada en el deseo de experimentar con nuevos detalles, no realizar colecciones fijas; el cambio, la novedad, la improvisación… basada en mi inspiración, es la base para mis nuevos diseños”, cuenta.

Comenzó a trabajar en una fábrica textil en 2001 para, poco tiempo después, arrancar ya con sus primeras colecciones, que distribuía en unas pocas tiendas ajenas hasta que se decidió, por fin, a abrir la suya propia en 2006, en el barrio del Born de Barcelona. En ella, el cliente puede apreciar en directo la elaboración artesana de sus piezas. “La sastrería está viva, sigue habiendo muchísimas personas que buscan ropa a medida, ya sea por un evento, por trabajo, por placer, por querer comunicar a través de la ropa lo que sienten o lo que son, eligiendo tejidos, detalles...”, explica el sastre.

El trabajo de Oscar no sigue los cánones del sastre al uso, al menos en apariencia, pero la minuciosidad y el mimo de lo hecho a mano es algo intocable. Sus trajes son atemporales, de un marcado estilo británico, pero es en los tejidos donde

este creador marca su diferencia y el sello inequívoco. “Utilizo tejidos mayoritariamente italianos e ingleses, Vitale Barberis, Cacciopoli , Ringhart, Albini, British Millerain, Edwin Woodhouse, Moon…

Muchísimos diferentes cada temporada, y me dejo llevar semanalmente por colores y formas que me atraen continuamente; mi intención es sorprender al cliente”, explica.

Son confecciones más relajadas que aquellas que los prejuicios podrían esperar de una sastrería, acorde con los nuevos tiempos que corren, no solo para el día a día de una oficina, también para cualquier tipo de ceremonia. Y, aunque manifiesta que no sigue las tendencias, es precisamente este tipo de traje más informal la línea que sugiere para la próxima temporada.

“Mi apuesta es por cortes relajados, y por incluir elementos externos a la sastrería clásica”. Sin embargo, reconoce que el traje tres piezas también está presente: “El 70% de mis clientes lo quiere, viste más, yo lo recomiendo para una boda, pero no siempre es necesario”.

Oscar H. Grand, además, juega con los colores en muchas de sus confecciones, del verde botella a la gama de azules, con rayas sutiles, e incluso añade pespuntes marcados en las costuras, botones de otros tonos y pantalones bastante holgados en

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la pierna de talle alto. Para este año, el tipo de corte ranglan, que incorpora un tipo de manga que se extiende en una sola pieza desde el cuello, cubriendo hombro y con una costura en diagonal, será la gran apuesta del creador.

El diseñador, por otro lado, está abierto a que el cliente escoja el tipo de cuello que quiera –“yo me adapto y aprendo de ellos, me piden todo tipo de cuellos diferentes”–, pero insiste en la importancia de los detalles: “La camisa tiene que quedar ajustada.

También hay que ver cómo va montada la manga; su largo es muy importante y debe ser el correcto: si se lleva traje, la manga solamente debería sobresalir uno o dos centímetros”. Hay detalles que, por muy informal que sea el traje, siempre se deben cumplir.

Oscar H. Grand cuenta con una tienda en Barcelona (Carrer de la Barra de Ferro, 7.

Tfno.: +34 93 319 76 62). oscarhgrand.com

En la página anterior, el sastre, en la tienda, junto a algunas prendas de su creación.

SASTRES

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ARNAU AGUILAR

Fotografía: Jordi Bardajil

LA APUESTA POR EL PANTALÓN ANCHO SE PODRÍA RECURRIR AL TÓPICO DE QUE ARNAU AGUILAR ha desarrollado su carrera como sastre “puntada a puntada”, si por eso se entiende que ha ido aprendiendo el oficio poco a poco, con paciencia y de la mano de grandes maestros. Y lo cierto es que ha sido así, porque los clichés a veces también dicen verdades. El artesano estudió y trabajó como diseñador industrial, hasta que decidió aprender patronaje como afición.

Un día conoció a un sastre de 70 años que le hizo de cicerone en el oficio: “Un día, pasando por delante de su taller, sin conocerle de nada, me propuso que entrara para contarme todo lo que hacía”. Y a los cuatro años ya estaba dejando su trabajo para dedicarse a la sastrería artesana de manera profesional; primero en Blasi, después en la prestigiosa Santa Eulalia, ambas en Barcelona. “La sastrería para mí es arte, es una manera de interpretar lo que necesita una persona para transmitir carácter y personalidad”, apunta.

En 2015 se independizó y montó su propia firma: clásica en el oficio, contemporánea en ciertos cortes. “La sastrería no vive de las tendencias, entendiendo que son prendas de larga durabilidad; para mí la tendencia de la sastrería la marca cada cliente. Yo interpreto y realizo una prenda

personalizada en base a las peticiones y necesidades de la persona en cada momento”, explica. Y, de hecho, cuenta con orgullo que ha adaptado y ajustado de un padre para su hijo trajes realizados hace 50 años, y “parecen como nuevos”.

Es un sastre bespoke 100% artesanal, que confecciona desde trajes a gabardinas, tabardos, saharianas..., con tejidos de fabricantes como Loro Piana, Drapers, Caccioppoli o Gorina. Sus camisas están hechas a medida y a mano: “Es mi punto diferencial, hoy en día es muy difícil encontrarlas en ningún lado (...). La sociedad cada vez más valora la calidad y durabilidad de la ropa, y la proximidad en la producción, y ambas características las cumple la sastrería. El público valora cada vez más el trabajo artesano y personalizado de un sastre”.

Para esta temporada, Arnau Aguilar apuesta por una prenda clave en el traje masculino: el chaleco. “Es una prenda que hasta hace poco casi no se utilizaba, solo en ceremonias, pero cada vez se lleva más en el día a día; creo que el tres piezas está de vuelta con más fuerza, el chaleco empieza a ser tendencia de nuevo”. El sastre también hace un alegato a favor del pantalón ancho, que viene con fuerza “después de unos años de haberse llevado modelos

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más slim”. En cuanto a cuellos, apuesta por el collar club, “un cuello de camisa con puntas redondeadas que marca una diferencia importante con el resto, y le da un toque más desenfadado a la clásica camisa a medida”, añade.

Para este otoño-invierno, Arnau se elaborará a sí mismo un traje con un tejido con una mezcla de lana y seda de 450 gramos, de tres piezas, con una americana de tres botones, dos aberturas laterales y algún detalle más especial. “Será elegante pero con estilo sport. Cada vez más personas visten de sastre con un estilo más informal y desenfadado, pero quieren hacerlo con estilo y personalidad propios y que esas prendas tengan una alta calidad; les gusta que les quede perfectamente, lo que ayuda a estilizar cualquier tipo de cuerpo; cada vez tengo más pedidos de ropa a medida con un corte más deportivo”.

Arnau Aguilar se encuentra en Barcelona (Llull, 82.

Tfno.: +34 654 22 92 82). arnauaguilar.com

En la página anterior, el sastre, fotografiado por GENTLEMAN.

SASTRES

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ADRIÁN SELIGRA

Fotografía: Eduardo Manzana

LOS AÑOS 50 NUNCA SE FUERON ADRIÁN SELIGRA, CON 31 AÑOS, LLEVA EL OFICIO DE SASTRE desde la cuna. Ya su tatarabuelo se dedicaba al ilustre trabajo de hacer trajes a medida, pero fue su abuelo el que, en 1965, abrió el negocio en el que hoy despliega su maestría en un bajo comercial a pie de calle en Valencia. “Es mi vida, cada cliente es un diseño y un patrón nuevo. La sastrería como diría mi abuelo es ‘darle vida a un paño”, afirma Seligra.

La sastrería familiar lleva décadas adaptándose a las tendencias que la moda masculina impulsa cada nueva temporada.

Para el próximo año, Seligra asegura que volverán las solapas anchas, hombros más estrechos y coronas más marcadas a modo artesanal: “Como se han hecho siempre: son entalles ajustados en chaquetas, de una sola abertura en la espalda y bolsillos cada vez más inclinados para marcar y estilizar cinturas y caderas”. En cuanto a los pantalones, sugiere que sean estrechos en pernera y gemelos, más cortos, pero sin descubrir del todo el tobillo, y luego “más anchos en cadera, que aportan mucha identidad con los pliegues o las pinzas que, sin son dos, mejor que un solo pliegue”. Nada de trabillas, sin cinturón, pero sí con cinturillas más anchas para marcar la cintura a modo de fajín, en la que los ceñidores laterales

podrán hacer el pantalón más funcional, cómodo y versátil.

Hasta el taller de Adrián Seligra acuden hombres que buscan un traje a medida principalmente de corte clásico. Son clientes que, pese a que la corriente actual impone la relajación de las formas, insisten en líneas más armadas y ajustadas al cuerpo: “Nos piden confecciones cercanas a la moda de los años 50, pero con cambios sustanciales en hombros y entalles –explica Seligra–. Se está buscando modernizar la prenda reflejando las líneas de décadas anteriores que, aunque parezca una contradicción, no lo es; la moda masculina siempre ha sido cíclica y aunque haya una tendencia a la diferenciación y personalización en la sastrería, al final el cliente nos exige más en cuanto a líneas y procesos artesanales”.

Para los cuellos de las camisas, Adrián impulsa este año el italiano, más polivalente y versátil a la hora de elegir el nudo de una corbata: “Te permite llevar el cuello desabrochado y dar un aire más informal y desenfadado, para después abrocharlo, y una buena corbata”. A esto se añadirán iniciales, ojales y pespuntes en canesú y, si se apuesta por algo diferente, el sastre recomienda el puño mosquetero, aquel que en la vuelta no se llega a cerrar del todo.

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En cuanto a tejidos, Adrián Seligra habla de una vuelta a los falsos lisos, como el príncipe de gales, pero sin los cuadros tan marcados y en otros colores; el fil a fil (hilo a hilo), un tejido que suele encajar en todas las estaciones del año y que permite obtener muchas variantes de color; o las esterillas, tanto para verano como para invierno y que, según Adrián, entrarán con mucha fuerza en 2022. También apunta al regreso de un clásico en la sastrería masculina: el tres piezas. “Lo veremos este año sobre todo en invierno (...). Volver a traer tendencias del pasado, que ahora no se llevan, y ponerlas de moda, es símbolo de distinción y de protagonismo”.

Seligra Sastre se encuentra en Valencia (Hernán Cortés, 1. Tfno.: +34 963 51 67 00). seligra.eu En la página anterior, Adrián Seligra posa en la tienda familiar con un traje de corte clásico.

MODA

CLASE BUSINESS

Traje, corbata y accesorios a la altura. La ecuación sobre la que se articula la elegancia más versátil. Estos cuatro total looks son la mejor demostración.

ESTILISMO BERTA FERNÁNDEZ-ABASCAL FOTOGRAFÍA QUIQUE SANTAMARÍA

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En la página anterior: Abrigo principe de gales, de ANTONY MORATO. Traje de lana gris, de MIRTO. Chaleco de cuadros, de SCALPERS. Camisa azul, de HACKETT. Corbata de seda, de E.MARINELLA en YUSTY. Reloj Chronometerwerke, de acero, con correa de piel de aligátor, de WEMPE. Vaso de cerámica con protector de lona Monogram, de LOUIS VUITTON.

Sobre estas líneas: Traje azul marino, de EMIDIO TUCCI. Camisa con cuello y puños a contraste, de MIRTO. Gemelos Meistertück, de acero inoxidable, de MONTBLANC. Tirantes, de SCALPERS. Corbata de lana, de CANALI. Teléfono móvil Magic3 Pro+, de HONOR. Reloj Chronomaster Sport, con caja de acero y armis, de ZENITH.

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MODA

Gabardina, de BARBOUR. Camisa de algodón, de DOCKERS. Corbata de seda, de BULGARI. Pantalón de lana jasepeado, de TOMMY HILFIGER. Cinturón, de BROOKSFIELD. Reloj Hampton con doble huso y correa de piel de aligátor, de BAUME&MERCIER. Agenda, de MONTBLANC. Paraguas, de PASOTTI en YUSTY.

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Traje cruzado, de OTRURA. Camisa de micro raya, de CANALI. Corbata de seda, de E . MARINELLA en YUSTY. Reloj Super Chronomat, con segundo huso horario en el brazalete, de acero inoxidable y esfera negra, de BREITLING.

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ZAPATOS

SOBRE BASES SÓLIDAS PIEDRA DE TOQUE DE LA ELEGANCIA, EN POCOS ACCESORIOS COMO EL CALZADO CONCURREN TANTAS CERTEZAS. LA VARIEDAD ACONSEJA ACLARAR CIERTOS CONCEPTOS. TEXTO MARÍA ROSA

OBJETO DE CULTO, EL ZAPATO ha dado origen a fetichismos y encarnado mitologías, despertando el interés de estetas, historiadores y filósofos. También de científicos, pues no faltan los estudios de prestigiosas universidades que han tratado de estudiar posibles concordancias entre el tipo de zapato que calzamos y nuestra personalidad.

El escritor, actor y prescriptor de la elegancia en el vestir y el vivir, el italiano Giovanni Nuvoletti (1912-2008), enumeró en uno de sus textos algunos de los nombres con los que el zapato ha ido peregrinando por el mundo y la historia: “Zueco, chanclo, sandalia, babucha, chancleta, bota, botín, chapín, alpargata, bailarina, madreña, mocasín, pantufla, zapatilla, plantilla, escarpín, zapatín, zapatón, polaina, borceguí, chinela...”.

Las más autorizadas personalidades de los tribunales de la moda y de la mundanidad coinciden en atribuir al zapato un valor de símbolo social, un estatus propio. Si se quiere juzgar la elegancia de alguien, solo es preciso mirar a sus pies; si se quiere arruinar la elegancia propia, incluso disfrazada con un buen traje, no hay nada como descuidar el calzado que lo acompaña.

Así que para tener un guardarropa elegante hay que invertir en zapatos. Y conocer los modelos y usos adecuados. Aunque dejémoslo claro: nada es una ciencia inamovible al respecto; como en tantos otros aspectos, también en la moda hay criterios subjetivos.

Por ejemplo, el que mantiene que un zapato, para que refleje estatus, debe denotar un cierto uso; si está nuevo, acaba con él. Bueno...

Siempre, y esto sí es una certeza, hay que prestar especial atención a los materiales y a las formas, aspecto este en el que encontramos tal variedad que no siempre facilita la elección adecuada. En los colores, hay más cosas claras: a pesar de las corrientes cromáticas llamativas de hace unos años, todavía vigente en algunos casos, es casi imposible fallar con el negro y los distintos marrones.

Arriesguémonos con algunas precisiones, aunque, como decimos, siempre sujetas a discusión. Ahí va la primera: un guardarropa debe incluir siete pares de zapatos: dos para el invierno, de piel gruesa, fuertes y resistentes; tres para el verano, de piel más fina; otro par de zapatos elegantes para la noche, y un par versátil, entre lo deportivo y lo desenfadado, válido para cualquier estación.

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En la página siguiente, el actor y bailarín Fred Astaire, junto a una parte de su profusa colección de zapatos. La foto es de 1941.

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ZAPATOS

La especialista Irvana Malabarba, autora del libro Unos señores zapatos, mantiene que una vida laboral y social contemporánea requeriría disponer de unos 20 pares para adaptarnos con facilidad y precisión a cualquier circunstancia. Completado tal arsenal con una frecuencia de sustitución de uno o dos pares al año, garantizaría la absoluta eficacia de este aspecto tan fundamental del guardarropa. Y contribuiría, por supuesto, a facilitar la capacidad de elección, que también tiene sus reglas. El esquema clásico al respecto sigue una pauta horaria, adaptada a los momentos del día y a las ocupaciones, que, grosso modo, aconseja zapatos más desenfadados por la mañana, que van ganando en elegancia a medida que transcurre la jornada hasta la noche.

Una última reflexión, esta dirigida a los calcetines. Aunque la estética sport ha flexibilizado muchos dogmas, hay algunos que siguen firmas en lo que a elegancia se refiere.

Por ejemplo, que los calcetines cortos están prohibidos con unos zapatos de cierta envergadura. De hecho, puede servir de orientación para calcular la medida saber que, cuando nos sentamos, no debemos dejar al descubierto la piel, por lo que en verano, más que acortarlos, habrá que optar por tejidos más frescos, como lana fría o seda. Solo los mocasines, indicados para las estaciones más calurosas, permiten su uso sin calcetines.

LOS MODELOS CLÁSICOS Desde el relajo veraniego hasta la ocasión más formal, una breve guía para elegir el calzado adecuado y, de paso, saber su nombre.

1. Derby con hebilla También conocidos como monkstrap, nombre que deriva de las sandalias con un cierre semejante propias de los monjes. Con una o dos hebillas, son apreciados por su comodidad de cierre y ajuste y por adaptarse a una situación formal con la misma garantía que los derby.

2. Brogue Se suele confundir con el tradicional calzado modelo oxford, pero en el caso del brogue el troquelado es mucho más vistoso y profuso. Este modelo puede acompañar perfectamente trajes con un cierto toque sport, pero a medida que la indumentaria gana en formalidad el zapato debe reducir sus adornos; y viceversa: mientras más profuso sea el troquelado, más informalidad aporta.

3. Derby o blúcher Considerados hermanos de los zapatos oxford, una de las características definitorias es su puntada de contorno entre la suela y el cierre. Así, su suela ser de caucho de goma frente a las de cuero del oxford. En el mundo del calzado, el derby se conoce como el zapato elegante para el ocio. Por su versatilidad, es un imprescindible en cualquier fondo de armario masculino. Por su estructura, se ajusta mejor a pies más anchos que el zapato oxford. Pueden ser lisos o con cierta decoración en forma de troquelado (lo que los convierte en semi-brogues).

4. Oxford Uno de los modelos más conocidos, compañero perfecto para el traje formal. Sus únicos adornos son sus pespuntes y los cordones, del mismo color que el cuero con el que se realizan. La versión de zapatos enterizos, en la que el empeine está elaborado con una única pieza de cuero, redunda en su elegancia. De horma más estrecha que los derby, en el oxford el cierre de la cordonera es una prolongación de la pala, de forma que cuando se cierra no queda espacio en medio. Con un traje y una corbata, completa el look perfecto.

5. Mocasín Carece de cordones, hebilla o cualquier forma de sujeción. De cuero y suela de goma, es un zapato apto para ocasiones smart casual, pero difícilmente combina con un traje formal. Sus posteriores versiones en todo tipo de materiales y acabados lo han convertido en el preferido para las situaciones más sport y las estaciones más calurosas.

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Trasera Cartera Pala o Empeine

Puntera

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Tacón Suela Cerco

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EN CUALQUIER OCASIÓN Una pequeña selección de zapatos para el hombre, en negro y marrón, y con diversos acabados para cubrir todas las situaciones.

ESTILISMO BERTA FERNÁNDEZ-ABASCAL FOTOGRAFÍA QUIQUE SANTAMARÍA

Zapatos full brogue, con troquelado en puntera, empeine y tacón, de CROCKETT & JONES.

Zapatos negros, con hebillas en los laterales, modelo Monk Pinstripes, de OTRURA.

Mocasines con tonos de marrón degradado, con costuras a la vista realizadas a mano, de TOD’S.

Zapatos modelo derby, en piel negra y con cordones, de GLENT.

Zapatos blúcher de piel y ante marrones, festoneado en todas las costuras, de CARMINA SHOEMAKER. *Todos los calcetines son de GLENT.

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COSMÉTICA

FIELES COMPAÑEROS La rutina diaria se sustenta en ocasiones sobre pequeños detalles, eternos aliados que aportan seguridad, personalidad y distinción. Como esta selección de productos.

TEXTO STEFANO SPINETTA FOTOGRAFÍA ANGELO BOLLA

A la izquierda, arriba, reloj Oyster Perpetual Datejust, de ROLEX (11.950 €).

Junto a estas líneas, eau de toilette Gentleman, de GIVENCHY (75 €); corbata de seda de FIORIO (105 €), y gafas de vista de TOM FORD (260 €).

En la foto grande, en segundo plano, exfloliante limpiador de piel, de DEPOT (19 €), y suero facial detox, de GROWN ALCHEMIST (49 €).

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Reloj Calatrava de oro rosa, con esfera auxiliar de segundos y movimiento mecánico, de PATEK PHILIPPE (21.760 €).

Abajo (y junto a estas líneas, en detalle), fragancias: Aspley, de TRUEFITT & HILL, de venta en FRAGANS IN FABULA (100,50 €); eau de toilette L’Homme Idéal, de GUERLAIN (98 €); ACQUA DI PARMA (119 €), y eau de parfum Legend, de MONTBLANC (79 €).

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COSMÉTICA

Bajo estas líneas, gemelos de plata con piedas de colores, de GISMONDO 1754 (c.p.v.).

En la foto inferior, en detalle, y a la derecha, champú en tarro de aluminio, de D.R. HARRIS, a la venta en FRAGRANS IN FABULA (c.p.v.); brocha de afeitar con cerdas de tejón (122,50 €), maquinilla de afeitar con cabezal Mach 3 (122,50 €) y soporte cromado (120 €), todo de TRUEFITT & HILL, a la venta en FRAGRANS IN FABULA; aceite para antes y después del afeitado y cepillo para la barba, de BULFROG (c.p.v.); crema de afeitar de PRORASO (c.p.v.), y reloj automático con caja de acero y cristal de zafiro, de NOMOS GLASHÜTTE (3.700 €).

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COMPAÑÍA DIARIA Cuatro productos de ClarinsMen para incorporar a la rutina diaria del hombre: geles y fluidos para evitar las arrugas, hidratar la piel y limpiar el rostro; también para mitigar los efectos agresivos del afeitado. Imprescindibles.

POCAS FIRMAS HAN INCORPORADO LOS CUIDADOS relacionados con el hombre a su porfolio con tanta convicción y especialización como Clarins, hasta el punto de haber creado una marca específica, ClarinsMen, que engloba desde limpiadores y lociones hasta hidratantes, productos antiedad, tratamientos corporales y, como no podía ser de otra forma, también para antes y después del afeitado. De entre ellos, hemos seleccionado cuatro productos ideados para formar parte de la rutina diaria de cuidados del hombre: un gel especial para el entorno de ojos, una hidratante de rápida absorción y sin sensación de grasa, un fluido para después del afeitado y un limpiador cuya aplicación, dos veces al día, se hace imprescindible para liberar el rostro de todas las impurezas acumuladas durante la jornada. Todos ellos han sido formulados tras minuciosas investigaciones en los Laboratorios Clarins, auténticos especialistas en el cuidado de todo tipo de pieles. clarins.es J. Parra

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1. GEL

ENERGISANT YEUX

Gel especial para el contorno de ojos que combate eficazmente las bolsas, ojeras y arrugas (40 €).

2. GEL

SUPERHIDRATANTE

Un básico que mantiene la piel hidratada y protege a diario. Un gel súper hidratante, fresco y ligero, confortable, sin sensación de grasa y de rápida absorción, que mantiene la piel flexible y luminosa. Además, protege de la contaminación ambiental que causa el envejecimiento prematuro (42 €).

3. FLUIDE

APRÈS RASAGE

La aplicación de este fluido en la parte del rostro que se ha afeitado apacigua la piel fragilizada después del paso de la cuchilla (35,50 €).

4. NETTOYANT

VISAGE

Este gel limpiador espumoso permite liberar la piel de todas las impurezas acumuladas durante el día y la noche: el polvo, la suciedad, la contaminación, la sudoración o los brillos provocados por un exceso de sebo en la piel.

Imprescindible limpiar el rostro con este gel dos veces al día (29,25 €).

CUIDADOS

EL NUEVO WELLNESS HIDROMASAJE, DIETAS DÉTOX, PROGRAMAS ANTIEDAD Y MÁQUINAS FUTURISTAS SON ALGUNAS DE LAS PROPUESTAS DE ESTOS CENTROS DE BIENESTAR. ¿REQUISITO? UNA UBICACIÓN PRIVILEGIADA. TEXTO LUCÍA HEREDERO

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CUIDADOS ARTESANOS

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CUIDADOS

ROYAL MANSOUR Escenarios evocadores MARRAKECH

Propiedad del rey Mohamed VI, es el hotel más lujoso de Marruecos, con riads de varias plantas con piscina en la azotea y exóticos jardines.

Destaca su spa de filigrana blanca, su hammam de mármol y sus cabinas de tratamiento. Los retiros de bienestar (3, 5 o 7 días) son una experiencia transformadora, como los de Reequilibrio (reduce el estrés), Control de Peso o Impulso de la Inmunidad (fortalece el sistema inmune). Osteopatía, ayurveda, acupuntura, pilates o watsu (shiatsu en el agua) son algunas de sus propuestas. royalmansour.com

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FOUR SEASONS Spa kilómetro cero MADRID

Un total de 1.400 m en cuatro plantas lo convierten en el spa urbano más grande de nuestro país. Un oasis al que se puede acudir aunque no se encuentre alojado en el hotel para disfrutar de tratamientos corporales, faciales, capilares, manicura y pedicura en sus inmensas cabinas. Apuestan por marcas made in Spain, como SEPAI, Seaskinlife y Miriam Quevedo, que comparten protagonismo con una de las firmas más reconocidas a nivel internacional, 111Skin. Culmina con su imponente piscina y una gran terraza con vistas al Madrid más castizo.. fourseasons.com 2

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HOTELES

LUJO REBELDE El primer hotel de cinco estrellas de Sotogrande se llama SO/ Sotogrande y llega dispuesto a convertirse en referente del estilo de vida de la Costa del Sol con una variada y permanente oferta gastronómica, de ocio y de bienestar.

CONCEBIDO BAJO EL ORIGINAL CONCEPTO DE CORTIJO REVOLUCIONADO, el hotel SO/ Sotogrande, que acaba de abrir sus puertas, es el primer hotel de cinco estrellas situado en la exclusiva urbanización gaditana. Con 152 habitaciones, un elegante toque andaluz y un cierto aire de lujo rebelde, invita a los viajeros y a los locales a disfrutar de su variada oferta gastronómica, su espectacular centro de bienestar y fitness y sus tres piscinas con vistas al Mediterráneo. Además, para promover la desestacionalización, estará permanentemente abierto ofreciendo actividades como golf, polo, tenis, hípica, bici, vela y otros deportes acuáticos. Este hotel, el primero de la marca Soistver en Europa del Sur, se presenta así como un lugar idílico, con un estilo de vida saludable y contemporáneo, donde familias y amigos podrán disfrutar de una experiencia inolvidable. Juan Parra El espectacular spa, en la imagen superior, es solo uno de los muchos reclamos del hotel SO/ Sotogrande, que goza de una ubicación privilegiada frente al Mediterráneo.

Hotel SO/ Sotogrande. Avenida Almenara s/n. Sotogrande (San Roque) - Cádiz.

Tfno.: +34 956 582 000 so-sotogrande.com

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VUELVE LA EMOCIÓN Palcos y Butacas VIP

Disfrute de una experiencia única en el Estadio Santiago Bernabéu

Información y reservas: Télefono: +34 91 398 43 77 E-mail: areavip@realmadrid.es www.realmadrid.com/areavip

MOTOR

SUEÑOS A ALTA VELOCIDAD MCLAREN AUTOMOTIVE HA TRASLADADO EL IDILIO DE LA MARCA CON LA COMPETICIÓN AUTOMOVILÍSTICA A LA CARRETERA, CON SUPERCOCHES CAPACES DE OFRECER PRESTACIONES Y ESTÉTICA MUY PERSONAL. TEXTO RICARDO BALBONTÍN FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

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Imagen del imponente aspecto del McLaren 720S en su parte trasera –el motor está situado justo tras los asientos–, con su salida de aire y la inconfundible silueta, tan aerodinámica e impactante, que caracteriza a los McLaren. En este caso, la inspiracion de su diseño es el gran tiburón blanco.

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MOTOR

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FICHA TÉCNICA McLaren 720S Motorización: M840T 4.0L (3.994 cc) twin-turbo V8 + Potencia: 720 CV + Transmisión: siete velocidades + Aceleración de 0 a 100 km/h: 2,9 segundos + Velocidad máxima: 341 km/h + Capacidad del maletero: 150 litros (delante) y 210 litros (detrás) + Precio: 299.500 €.

LOS SUEÑOS, EN OCASIONES, SE TORNAN EN SUPERSUEÑOS. Del mismo modo, hay deportivos que reúnen méritos suficientes para ocupar un espacio preferente en la liga de los supercoches, el espacio donde surgen los sueños y los deseos superlativos. McLaren ha construido un escenario en su visión de calle, McLaren Automotive, que no solo incide en la historia de la marca desde que Bruce McLaren lanzara su apuesta en el mundo de la competición, sino que va más allá. McLaren ha construido, desde 2010, una división exclusiva basada en la excelencia, en productos que heredan tantas virtudes de la alta competición como protagonizan apuestas que marcan su independencia y que avanzan hacia el futuro.

Así, pueden presumir de haber completado a lo largo de estos años una gama de coches que, como bien dicen en la compañía, son el fruto de asumir riesgos y traspasar fronteras. Por encima de los cánones establecidos, en McLaren se construyen coches con el corazón. Un corazón poderoso en forma de propulsores de alto rendimiento e inconfundible sonido. Un buen ejemplo de todo ello se encuentra en el McLaren

720S, el supercar nacido en 2018 y que es propulsado por un potente motor, M840T biturbo V8 de 720 CV y 4,0 litros, y que no solo muestra su carácter sino que ofrece un rendimiento que se adapta a la perfección a cualquier circunstancia de conducción. McLaren, como bien marca su ideario, tiene en sus motores uno de los signos de distinción, pero no es el único.

Empecemos por su estructura.

La utilización de la fibra de carbono forma parte ya del legado McLaren a la innovación en el mundo del automóvil.

Utilizada por primera vez en 1985, es uno de los detalles diferenciales en los productos McLaren Automotive.

En el 720S se traduce en un chasis monocasco MonoCage II de fibra de carbono; esta innovadora tecnología se introdujo por primera vez en el McLaren P1™. Ahora, además, incluye el techo. Esta cabina es única en la categoría de los supercoches y tiene como virtudes solidez, ligereza y rigidez, lo que redunda en la dinámica de conducción, además de ofrecer una adecuada protección a los ocupantes del vehículo. Esta estructura, exclusiva del 720S, se extiende por encima del motor

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e incluye puertas de tipo mariposa. Es, además, muy liviana, lo que redunda en el comportamiento del coche.

Hablar de McLaren Automotive es pensar también en el diseño, concebido por y para el conductor y, por supuesto, para crear la experiencia de conducción más apasionante del mundo. Por ello, se prescinde de información superflua, y toda ella está al alcance de la mano y de la vista para que nada nos distraiga del objetivo: disfrutar de la conducción.

Pero además de una visión óptima, el habitáculo es tan confortable y cómodo que hace que la experiencia sea todavía más apetecible. Por ejemplo, los colores elegidos por los diseñadores, que se inspiran en lo que nos rodea; para nada están pensados en parámetros automovilísticos, más bien lo hacen inspirados por el arte, la naturaleza...

Hay un último detalle –no menos importante– para entender lo que ofrece un McLaren como experiencia individual; y no es otro que la posibilidad de personalizar el vehículo. De ello se la encarga la división McLaren Special Operations (MSO), donde trasladan los deseos del futuro conductor a un diseño único. Como los sueños, son irrepetibles.

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UNA CARRERA POR Y PARA EL PLANETA La Extreme E es una competición para todoterrenos 100% eléctricos para concienciar sobre el cambio climático. Una marca como CUPRA, con la deportividad y la sostenibilidad en sus genes, no podía faltar.

TEXTO JUAN PARRA

La Extreme E consta de cinco carreras en 2021 que lleva al equipo de CUPRA y al resto de participantes a lugares remotos del planeta, como Arabia Saudí, Senegal o Groenlandia.

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Solo ocho personas, entre ellas dos pilotos –un hombre y una mujer–, forman parte del equipo ABT CUPRA XE. Una reducida tienda de campaña es el paddock en el que preparan el vehículo y analizan estrategias. Tras correr en Arabia Saudí, Senegal y Groenlandia, la Extreme E viaja este octubre a Cerdeña, a falta de un quinto destino aún por decidir.

CUPRA FUE LA PRIMERA FIRMA AUTOMOVILÍSTICA en anunciar su participación en la Extreme E. Es, sin duda, la competición que mejor refleja su filosofía: por su espíritu deportivo, por su carácter innovador y, sobre todo, por su compromiso inquebrantable con la sostenibilidad. Lo explicamos.

Extreme E es una competición nueva, que en 2021 celebra su primera edición.

Reúne a todotorrenos 100% eléctricos y consta de cinco carreras que, a lo largo del año –y cuando la imprevisible pandemia lo permite– se celebran en lugares remotos del mundo, algunos de ellos especialmente afectados por el cambio climático. Porque este es el objetivo principal de la competición: generar conciencia medioambiental y de compromiso con la sostenibilidad. No hay público, por ejemplo, para mitigar los daños al entorno. Los paddoks son pequeñas tiendas de campaña, iguales para todos los equipos participantes, donde solo la organización y la experiencia evitan el caos. Y, en un paso más en el compromiso social, los equipos, de dos pilotos, son mixtos: un hombre y una mujer para apostar por la igualdad de ambos géneros.

El equipo ABT CUPRA XE (la firma automovilística cuenta con ABT Sportsline como socio principal en esta aventura) compite con el e-CUPRA ABT XE1 y con los pilotos Mattias Ekström y Claudia Hürtgen. Junto a CUPRA, otros ocho equipos participan en esta iniciativa que comenzó el 3 de abril en Arabia Saudí, viajó luego a Senegal y Groenlandia y disputará su cuarta carrera los días 23 y 24 de octubre en la isla de Cerdeña (Italia). El escenario de la quinta y última, prevista para mediados de diciembre, está aún por determinar.

“CUPRA es una marca desafiante y poco convencional que quiere contribuir a reinventar el futuro de las carreras a través de nuevas experiencias, mientras dirige al mundo un mensaje de sostenibilidad, igualdad de género y movilidad eléctrica –explica el presidente de CUPRA y SEAT, Wayne Griffiths–.

Extreme E es la mejor plataforma para llevar todo ello a cabo, porque es el primer deporte que se define con un propósito social. Nos da la oportunidad de pensar sobre cómo podemos marcar la diferencia, pero también de observar más de cerca la propulsión eléctrica para poder transferirla al mundo real”.

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De hecho, el vehículo con el que participa, el e-CUPRA ABT XE1 de 544 CV (400 kW), ha inspirado una de las grandes apuestas de futuro de la firma: el Tavascan Extreme E Concept, un prototipo concebido con el ADN de la competición pero que, a la vez, avanza el lenguaje de diseño del futuro Tavascan de producción, el que será el segundo modelo 100% eléctrico de la firma, que se diseñará y desarrollará en Barcelona y llegará a todos los mercados en 2024.

Es, al fin y al cabo, otro decidido paso más en el propósito de la marca de convertirse en una marca 100% eléctrica en 2030; recorrido del que forma también parte la reciente presentación de otra apuesta de futuro, el Urban Rebel Concept, la interpretación más radical del coche eléctrico urbano, que llegará al mercado en 2025.

Mientras tanto, la aventura de la competición Extreme E continúa. Un equipo de solo ocho personas –un ingeniero, un mánager, cuatro mecánicos y dos pilotos– sigue innovando soluciones –neveras para enfriar las baterías y agilizar su recarga por ejemplo– en una competición en la que, esta vez sí, lo importante es participar.

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ENTREVISTA

LA DÉCADA DE LA TRANSFORMACIÓN DIEZ AÑOS DESPUÉS DEL CIERRE DEL RESTAURANTE MÁS INFLUYENTE, EL DOCUMENTAL LAS HUELLAS DE ELBULLI REPASA EL LEGADO DE FERRAN ADRIÁ, CHEF RECONVERTIDO EN GURÚ DE LA INNOVACIÓN. TEXTO FEDERCIO OLDENBURG FOTOGRAFÍA CARLOS LUJÁN

HAN PASADO 10 AÑOS DESDE QUE ELBULLI sirviera su último plato como restaurante. El melocotón melba fue el bocado postrero que dio por cerrada la brillante etapa de la cocina del bucólico establecimiento de la Cala Montjoi, que cambió para siempre el rumbo de la gastronomía contemporánea. Pero bien es sabido que el ímpetu creativo y transformador de elBulli no cesó con aquella clausura, sino que mutó y se prolongó con las actividades emprendidas por elBulli Foundation, que abarcan numerosas iniciativas y tienen por objeto promover la innovación y la creatividad a través del lenguaje de la cocina.

Tras esta inusitada transformación, que ha llevado a elBulli desde los menús más celebrados del mundo, los aires y las esferificaciones, a la Bullipedia –la enciclopedia gas-

tronómica total–, la promoción del Sapiens –el método para difundir el conocimiento– y las auditorías creativas, está Ferran Adrià, un genio intuitivo sin pereza intelectual que se ha adaptado sin problemas a su papel de gurú de la creatividad y el desarrollo conceptual. “La innovación es todo; al final es tener la actitud de querer hacer que las cosas evolucionen”, afirma en el documental Las huellas de elBulli, que se estrena este mes de octubre en Movistar+ y repasa la influencia de su trabajo más allá del universo culinario.

El 30 de julio de 2011 elBulli ofreció su último servicio como restaurante. ¿Recuerda el momento en el que tomó la decisión de dar por concluida esa etapa?

Tomé la decisión un día de noviembre de 2009, viniendo en coche de Barcelona a

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El documental Las huellas de elBulli, creado por José Larraza y dirigido por Íñigo Ruiz, se estrena el 7 de octubre en Movistar+.

En la otra página, retrato de Ferran Adrià realizado en la sede de Telefónica en Madrid, donde tuvo lugar esta entrevista.

En la página anterior, Jasper Morrison, en su estudio de Londres.

Bajo estas líneas: Lámpara de pie Superloon (2015), con un panel de luz LED ajustable. un panel de luz LED ajustable. un panel de luz LED ajustable. un panel de luz LED ajustable.

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ENTREVISTA

Roses. La comenté con mi socio, Juli Soler, y como sucedió otras veces, al principio él me tomó por loco. Pero al final decidió apoyarme también en esta apuesta. Porque al fin y al cabo se trataba de una cuestión de honestidad: elBulli nació para buscar los límites.

Y yo sentía que hasta ahí habíamos llegado.

Veía que cada vez era más difícil hacer autopistas, podía construir si acaso caminitos...

No podía quedarme otros diez años más creando menús como los que habíamos concebido... Seguir con esa presión para superarnos en cada temporada era imposible.

Eso no significa que no hayamos sido felices: lo fuimos, tanto de 1984 a 1998, cuando no ganábamos un duro y no nos conocía nadie; como también cuando ganábamos dinero, entre 1998 y 2011, y además nos permitimos hacer los que nos dio la gana. Y también

reflexión sobre la historia, las técnicas y los conceptos gastronómicos, a las que ahora se dedica, también son magia?

No, eso es conocimiento. El trabajo que desarrollamos en elBulli Foundation con la Bullipedia, por ejemplo, está destinado a ampliar la cultura en materia gastronómica, tanto de la gente que se está formando como de los profesionales que llevamos años en este oficio. Yo mismo aprendo cada día. Cada uno de estos libros lleva dos años de trabajo e investigación y 100.000 euros de inversión.

Y son más de 30 obras, lo que exige mucha gente involucrada y enormes recursos. ¿No echa de menos, como dice en el documental, “levantarte por la mañana y hacer lo que nadie ha hecho nunca en el mundo”, ese impulso que le movía en elBulli?

No, porque hago lo mismo ahora. Lo que

“EN LA ETAPA DE ELBULLI RESTAURANTE HUBO ALGO TAMBIÉN DE PLACER SADOMASOQUISTA EN LA MANERA DE ENTREGARSE A UN TRABAJO TAN INTENSO”

hemos hecho con Sapiens, llevando un método de conocimiento a cualquier ámbito, transmitiendo a la gente una forma de gestionar información, aprender, enseñar, comunicar, analizar el entorno o una organización, mejorar la gestión, crear e incluso innovar, nadie lo ha hecho tampoco. Ahora hemos editado esta metodología en un libro (Conectando conocimiento. Metodología Sapiens). Durante los últimos siete años he viajado por todo el mundo con Telefónica dando más de 500 conferencias sobre innovación, y también cada foro y cada charla son distintas. La motivación es la misma.

De todo lo que le sucedió en elBulli, ¿qué fue lo que jamás había previsto?

Quizás, en perspectiva, y por extraño que parezca, que en 1997 nos dieran la tercera estrella Michelin. Porque entonces la guía era muy clásica y resultaba impensable que un establecimiento como el nuestro alcanzara ese reconocimiento. Luego fuimos el mejor restaurante del mundo durante cinco

seguimos siendo felices desde 2011 hasta hoy, con esta nueva actividad. ¿Se puede ser feliz con la presión de estar en la cumbre de la gastronomía y tener que crear cada temporada los 50 platos más geniales, que superen los del año anterior?

La presión no nos desgastaba, era positiva y funcionaba como un desafío. Fuimos quemando etapas y creciendo... Hubo algo también de placer sadomasoquista en la manera de entregarse a un trabajo tan intenso, y el premio fue la reacción que hubo en el mundo, cuyo momento de inflexión fue la portada de The New York Times, el 10 de agosto de 2003. Eso cambió nuestra historia para siempre. Hoy no sería tan importante, pero en ese momento salir en la portada del dominical de ese periódico, para un restaurante español, era impensable.

En el documental Las huellas de elBulli, usted escribe en la pizarra del restaurante Ninja Akasaka de Tokio un mensaje: “La cocina es magia”. ¿La investigación y la

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años en el ranking de The World’s 50 Best Restaurants (2002, 2006-2009), pero el respaldo de Michelin fue imprevisible y contribuyó más que nada a nuestra consagración.

Entre ‘las huellas’ de elBulli destacan algunos de los cocineros, hoy consagrados, que pasaron por sus fogones. José Andrés, por ejemplo, que dedica esfuerzos y recursos a los sectores sociales desfavorecidos.

Creo que José Andrés, además de ser un gran cocinero, es el chef que ha tenido el papel más relevante por su contribución social en toda la historia de la cocina. Nada menos.

Los recursos que consigue su fundación y los proyectos que está llevando a cabo en los Estados Unidos, en Haití y en otros países merecen el mayor de los respetos.

En otro pasaje del documental discute con su hermano Albert acerca de cuánto ha habido de suerte en el éxito de elBulli. Él parece más convencido que usted de haber sido afortunado… ¿Lo suyo ha sido más talento y esfuerzo?

En la película parece que no nos ponemos de acuerdo. Pero, en el fondo, ambos estamos convencidos de que, además de haber trabajado duro y tener vocación para este trabajo, el factor suerte también nos ha ayudado, si nos comparamos con otros cocineros que empezaron en la misma época.

También hemos tenido la fortuna de trabajar juntos en familia, y continuar desarrollando proyectos de restauración que nos han mantenido unidos, después de elBulli.

Si visita el restaurante de un joven chef ¿que valora más, la creatividad, la técnica o el concepto?

Hoy en España tenemos un nivel culinario como el que nunca tuvimos. Hay quizás más de 500 establecimientos con una calidad enorme, cada cual en su estilo y especialidad.

Lo que no se puede es pedir creatividad a todos, claro. Técnica sí, a cada uno la que le toque. El concepto ya es otra cosa, un principio más reflexivo y en consecuencia también más difícil de encontrar. ¿Qué proyectos está desarrollando actualmente elBulli Foundation?

Nuestra primera misión es conservar la memoria de elBulli. Para concretar ese propósito vamos a inaugurar, en abril de 2023, elBu-

lli 1846, en Cala Montjoi. Y seguimos con el proyecto de Sapiens y los volúmenes de Bullipedia, llevamos una veintena publicada de los más de 30 que tenemos proyectados. ¿En qué consistirá elBulli 1846?

No es un museo al uso, más bien un laboratorio expositivo en el que podrán ingresar unas 250 personas al día para ver las vajillas, utensilios, bibliografía y demás objetos relacionados con todo el trabajo que tuvo lugar en elBulli y la proyección que generó.

Por último, ¿tiene algún proyecto personal pendiente?

Me gustaría ayudarle a un joven profesional a abrir su propio restaurante. Que fuera suyo, ¿eh?, nada que ver conmigo.

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UN MARIDAJE EXCLUSIVO Brugal 1888, el ron super premium con doble envejecimiento, impulsa Brugal 1888: El Ron Gastronómico, una iniciativa en la que cien locales de hosteleria ofrecerán menús exclusivos inspirados y maridados con este destilado.

MÁS DE CIEN LOCALES DE HOSTELERÍA participarán en las próximas semanas en Brugal 1888: El Ron Gastronómico, una iniciativa con la que este destilado super premium recorrerá toda España para conectar con todos aquellos consumidores inquietos que disfrutan descubriendo espirituosos de calidad y viviendo nuevas experiencias culinarias.

Los diferentes locales elaborarán sus propios menús degustación en conjunto con una oferta de cócteles a base de Brugal 1888. El primero en hacerlo ha sido el chef tres estrellas Michelin Quique Dacosta, quien el pasado 16 de septiembre dio el pistoletazo de salida a esta iniciativa con una exclusiva cena en el Hotel Mandarin Oriental Ritz, Madrid, del que es director gastronómico. Su propuesta culinaria contó con el maridaje de una selección de cócteles a cargo de Nacho Vázquez, brand ambassador de Brugal. Brugal 1888: El Ron Gastronómico nace también con otro objetivo confeso: recuperar el tiempo perdido para volver a encontrarnos con ‘los de siempre’ en torno a una mesa. Los interesados podrán encontrar información detallada de los locales participantes en las redes sociales de Brugal España. J. Parra

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El menú elaborado por Quique Dacosta para Brugal 1888: El Ron Gastronómico contó entre sus platos con esta flor de almendro con néctar de Brugal 1888, una innovadora receta de ajoblanco que podrá disfrutarse durante octubre y noviembre en Quique Dacosta Restaurante, en Dénia.

Brugal 1888 es un ron doblemente envejecido, primero durante ocho años en barricas de bourbon y luego otros seis en barricas de Jerez.

VIBRANT YUZU TONIC WATER Y ZERO AZÚCAR

BOHEMIAN BERRY SENSATION

IRONIC LEMON

Una tónica clásica reinventada, con notas amargas e intensas y toques exóticos que proporciona una refrescante sensación cítrica. Fresco y cítrico en nariz, en boca refuerza la complejidad del toque ácido y amargo. También en una nueva versión sin azúcar.

Un innovador mixer que combina notas de frutas del bosque con una sugerencia de frutas de hueso. Una bebida no conformista y de espíritu libre. Dulce y refrescante en nariz, se expresa en boca con toques agridulces.

Un mixer de cítricos con un intenso sabor a limón. Tiene toques de pomelo y está lleno de detalles complejos. En nariz ofrece notas amargas y agrias, mientras en boca presenta acidez pero con una dulce presencia.

TAMBIÉN EN EL HOGAR Royal Bliss, el mixer premium creado para mezclar con destilados y ofrecer una experiencia diferente, se presenta ahora en formato lata para llevar más cómodamente a casa. Tres variedades conocidas y una nueva tónica Zero.

LOS ESPÍRITUS INQUIETOS, esos consumidores a los que les gusta experimentar y mezclar con criterio propio, ya saben que el mixer premium Royal Bliss y sus nueve variedades están disponible en vidrio en tiendas de alimentación. Pero ahora, para atender el aumento del consumo de combinados en casa, se lanza en formato lata. En cuatro variedades: tres de ellas conocidas ya, Vibrant Yuzu Tonic Water, Bohemian Berry Sensation e Ironic Lemon, y una nueva, la versión Zero Azúcar de Yuzu, que responde también a una demanda creciente por este tipo de bebidas.

Royal Bliss reafirma así su carácter contemporáneo e innovador, que ha

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hecho de la versatilidad su mejor virtud.

Creada a partir de una combinación única de sabores ricos y complejos con más de 40 matices, Royal Bliss está dirigida a todos aquellos consumidores abiertos, que se atreven a probar cosas nuevas y que quieren mezclar con criterio propio para personalizar sus experiencias. Ahora, también en casa. De entre las cuatro variedades lanzadas en lata, Yuzu es la favorita de los amantes de las tónicas; Yuzu Zuro es su versión sin azúcar, cada vez más demandada por el consumidor; Berry es la variedad que mejor funciona de entre los mixers saborizados, y Lemon, por último, es la propuesta cítrica por excelencia. En definitiva, una invitación a seguir explorando. J. Parra

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Esta nueva versión cronógrafo del Pasha está equipada con un movimiento Manufactura Cartier 1904-CH MC. Disponible en acero u oro, otro detalle está en el brazalete, intercambiable gracias a una adaptación del sistema QuickSwitch desarrollado por Cartier.

Situado bajo la caja, se acciona con una simple presión.

CÓDIGOS DE BUENA CONDUCTA EL PASHA DE CARTIER HA MARCADO SU PROPIO TIEMPO RELOJERO; AHORA INCORPORA NUEVAS PROPUESTAS QUE RATIFICAN UN ESTILO ÚNICO. TEXTO RICARDO BALBONTÍN

CÓDIGOS PODEROSOS QUE REAFIRMAN su carácter y personalidad... que no solo es estética sino la traslación de un sentimiento, de una forma de entender la vida. Pasha de Cartier volvió con fuerza el pasado año y en este ejercicio lo ratifica con nuevas incorporaciones, la de un cronógrafo en 41 mm y la de una nueva propuesta femenina, en esta ocasión declinada en 30 mm.

El nuevo cronógrafo Pasha de Cartier amplia la visibilidad de las funciones relojeras y al mismo tiempo genera detalles llamativos como el que protagoniza su bisel graduado giratorio o los dos pulsadores del cronógrafo. Estos, fieles al original de 1985, año de creación de esta línea, están engastados con un cabujón y conservan su volumen. Por lo que respecta a la creación femenina, tras la versión de 35 mm lanzada en 2020, el Pasha se declina ahora en 30 mm pero conservando los detalles que distinguen a un reloj Pasha: desde el grabado de las iniciales, ocultas bajo la cubierta de la corona, hasta los brazaletes intercambiables.

Hay otros signos distintivos y tangibles en la colección, como que los clientes que registren su Pasha en Cartier Care y cuyos relojes estén todavía en garantía, verán ampliada esta de dos a ocho años.

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RELOJES Junto a estas líneas, versión tres agujas del Pasha en oro rosa y acero –disponible también en 41 mm–, con un diámetro de 35 mm y movimiento de carga automática, calibre 1847 MC. Dispone de una autonomía de 40 horas.

Bajo estas líneas, la propuesta en 30 mm y todo acero, que se completa con una pulsera en color fucsia con sistema intercambiable QuickSwitch. Movimiento de cuarzo.

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Bajo estas líneas, propuesta Pasha 30 mm con diamantes; se declina en oro rosa, con bisel engastado con 42 diamantes talla brillante (0,86 quilates) y corona engastada con un cabujón de zafiro. Movimiento cuarzo.

A la derecha, dos diferentes visiones de reloj joya con la firma Pasha.

En caja de 41 mm, con esfera esqueleto motivo pantera engastada con 341 diamantes talla brillante, dos esmeraldas talla marquesa y hocico de ónix. Con movimiento de cuerda manual 9625 MC. Y en caja de 35 mm engastada con 133 diamantes talla brillante (1,90 quilates), esfera engastada con 318 diamantes vibrantes talla brillante (3,10 quilates) y calibre automático 530 MC.

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RELOJES De las tres versiones creadas por Vacheron Constantin, dos son de oro blanco y otra platino.

Las primeras versiones del American 1921 fueron especialmente apreciadas por los conductores, quienes podían leer la hora de un vistazo sin tener que apartar las manos del volante.

LA FORMA QUE MARCÓ LA HORA Reflejo de la creatividad de los años 20, el Historiques American 1921 de Vacheron Constantin reproduce fielmente la creación de hace un siglo, con su caja descentrada y lectura diagonal de la función horaria.

TRES MODELOS PARA CELEBRAR CIEN AÑOS DEL ORIGINAL. Hasta aquí todo es normal; pero cuando estamos hablando de Vacheron Constantin, lo hacemos de la historia de la relojería... Porque eso es lo que hay detrás de estos nuevos Historiques American 1921. Para empezar, singularidad y originalidad: el American 1921 fue fabricado principalmente para el mercado estadounidense en un número muy limitado de piezas. Además de por su caja en forma de cojín, el American 1921 se distinguía por una escenificación del tiempo propiciada por un calibre descentrado, mediante una rotación de 45 grados en sentido contrario a las agujas del reloj, lo que permite una lectura diagonal del tiempo. El Historiques American 1921 que rinde homenaje a esta creación se presenta en caja de 40 mm o 36,5 mm, ambas en oro blanco, y en 40 mm declinada en platino 950. R. Balbontín

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VUELA ALTO En el acervo creativo de Breguet también ha habido espacio para la aeronáutica; el Type XX sorprendió con su precisión cronográfica. En el Type XXI 3815 se reafirma esa tradición con una pieza realizada en titanio.

EL PATRIMONIO DE BREGUET ES AMPLIO, y como en todas sus propuestas, experimentado. La aeronáutica forma parte de él, pues hay que recordar que Louis Charles Breguet, tataranieto de Abraham-Louis Breguet, fue uno de los grandes pioneros de la aviación, además de que la casa relojera fue famosa por sus cronógrafos de aviación Type XX. Ambos elementos quedan patentes en el cronógrafo Type XXI 3815. Esta versión en edición limitada es la visión contemporánea de la estética vintage del Type XXI 3817 de 2016. En esta ocasión, el protagonista de la caja es el titanio. Con un canto finamente acanalado, luce una esfera negra profunda con un acabado soleil luminiscente. Por lo que respecta al movimiento de carga automática, está equipado con la función flyback y luce escape y espiral de silicio. El Type XXI 3815 será producido en serie limitada de 250 piezas de cada color. R. B.

Uno de los detalles del Type XXI 3817 está en su bisel bidireccional, también realizado en titanio y dotado de una escala de 60 minutos lacada negra que contrasta con el metal.

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UN DÍA DE NIEVE HA HECHO DE LA SENCILLEZ EL VERSO DURO DE SU POÉTICA. ESENCIALISTA, CON SUS OBJETOS BUSCA CAUTIVAR LOS SENTIDOS DESDE LO IMPERCEPTIBLE. TEXTO LUCÍA HEREDERO

BAJO EL PRISMA OFFSHORE Audemars Piguet lanza una nueva apuesta en 43 mm, de su Royal Oak Offshore. Cinco modelos que incluyen el nuevo calibre cronógrafo integrado 4401.

TEXTO R. B.

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Sobre estas líneas y en la otra página, detalles de la esfera Mega Tapisseri del Royal Oak Offshore 43 mm, con la incorporación del último cronógrafo flyback integrado de la manufactura, el calibre 4401. Dotado de rueda de columnas, embrague vertical y función flyback.

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A la derecha, una de las cinco creaciones del nuevo Royal Oak Offshore de 43 mm, en su versión con una llamativa y elegante esfera ahumada. Bajo estas líneas, una de las propuestas en 42 mm.

LA BESTIA; ESTE APELATIVO TAN ROTUNDO, en relojería solo puede referirse al Royal Oak Offshore de Audemars Piguet. Nacido en 1993, es sin duda la visión más deportiva y potente del Royal Oak y de sus códigos estéticos, y también el representante de un estilo de vida diferente, algo habitual en el discurso creativo de la manufactura. Pero además, la llegada del Offshore abría otro territorio propicio para entender una de las claves en la historia de la marca: la innovación.

Ahora, llega al mercado una nueva línea Royal Oak Offshore, esta vez declinada en 43 mm de diámetro. Son cinco nuevos modelos cuya caja se declina en titanio, oro rosa o acero.

Con este lanzamiento, Audemars Piguet replantea por primera vez desde que inauguramos este milenio el Royal

Oak Offshore –hasta ahora en 44 mm–.

Sin perder un ápice de la esencia original del Royal Oak Offshore, el diseño de la caja y la esfera ha evolucionado para ofrecer una estética y una ergonomía mejoradas. Además, llega a la colección el último cronógrafo flyback integrado de la manufactura, el calibre 4401. Dotado de una rueda de columnas y función flyback que permite volver a poner en marcha el cronógrafo sin detenerlo ni ponerlo a cero primero, cuenta con sistema de embrague vertical que evita cualquier salto de las agujas al detener o iniciar el cronógrafo, así como un mecanismo de puesta a cero patentado que garantiza la correcta puesta a cero de las agujas.

Ofrece una reserva de marcha de 70 horas. Un último detalle del nuevo

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Royal Oak Offshore de 43 mm: está provisto del sistema de pulseras intercambiables integrado tanto en la hebilla como en la caja.

Además de estas cinco piezas en 44 mm, Audemars Piguet también ha presentado dos nuevos Royal Oak Offshore Cronógrafo Automático de 42 mm equipados con el último movimiento cronógrafo flyback integrado, el calibre 4404. Con caja en titanio o acero, la estética se completa con una esfera Mega Tapisserie azul claro o caqui, además de una pulsera de caucho texturado intercambiable a juego. El reloj también ofrece cambios sutiles en el diseño de la esfera para aportar una mayor legibilidad. Estas dos referencias solo estarán disponibles en las boutiques Audemars Piguet.

CON LA VISTA EN EL INTERIOR

LA COLECCIÓN HIGHLIFE NO SOLO ES perfectamente reconocible con su esfera tallada con un globo terráqueo, sino que tiene visos de ser una de sus líneas referentes durante los próximos años.

Ya lo fue en una primera etapa y ahora, después de haber lanzado sus primeras creaciones en 2020, toca el turno de nuevas y avanzadas propuestas.

Una de ellas toma la forma de esfera esqueletada, el Highlife Automatic Skeleton, un hábil trabajo que permite descubrir y disfrutar en todos su esplendor el movimiento manufactura FC-310. Este trabajo representa un desafío técnico y estético. Técnico, porque el calibre se actualiza a través de aberturas casi imposibles; estético, porque Frederique Constant ha optado por hacerlo en su parte central, quizás como recordatorio de que hace más de 25 años lanzó los Heart Beat, un trabajo en el que anticipó su futuro.

Estos nuevos Highlife Automatic Skeleton se editan en dos series de 888 piezas cada una. La primera apuesta por el dúo cromático predilecto de los Highlife: caja y brazalete de acero y esfera azul. La pieza viene con una segunda correa de caucho azul marino intercambiable. La segunda variante es totalmente inédita: acero con un recubrimiento de PVD de titanio gris antracita provista también de un brazalete del mismo material, además de una segunda correa en caucho del mismo tono. Por supuesto, ambos en caja de 41 mm y con un movimiento automático. R. B.

El Highlife Automatic Skeleton de Frederique Constant ofrece una nueva visión de una línea que sorprende desde su renovada llegada en 2020. Con dos propuestas y en edición limitada a 888 piezas.

Arriba, a la izquierda, el calibre automático que da vida a este Highlife, el movimiento manufactura FC-310. A su lado, el llamativo e inédito acabado empleado para dar vida a uno de los Skeleton de nueva generación.

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LA SONRISA DE MICKEY Bvlgari pone de nuevo en escena al famoso personaje animado en la caja de un Gérald Genta. Una edición limitada en la que Mickey Mouse es el gran protagonista y que no dejará a nadie indiferente.

GÉRALD GENTA, EL CREADOR, dejó diseños para la posteridad convertidos en iconos. También nos dejó una pieza singular vinculada a otro icono, este de la animación: Mickey Mouse. Gérald Genta, la marca, forma parte de Bvlgari desde el año 2000, y después de haber tenido apariciones en los últimos tiempos, para celebrar por ejemplo el 50 aniversario de la creación de la firma, ahora vuelve el Gérald Genta Mickey Mouse, y ofrece sus brazos para indicar la hora, con total fidelidad al espíritu de la marca. Porque Mickey Mouse parece saltar sobre la esfera, con efecto rayos de sol y bañada en rodio, para mostrar la lectura de los minutos retrógrados con un brazo en un sector de 210 grados mientras la hora saltante se ofrece en ventana a las 5 horas. Nos encontramos ante un modelo que es ya un clásico

de la relojería y que reivindica el factor diferencial en la creación y además lo hace con atrevimiento. Los personajes más famosos de Walt Disney han salpicado la historia de la marca Gérald Genta hasta convertirse en el emblema más característico de unas variaciones relojeras convertidas en artículos de coleccionista de gran demanda.

Además, Bvlgari está en proceso de desarrollo de un nuevo sitio web, que será el punto de encuentro de los aficionados de Gérald Genta en todo el mundo.

En el interior de la característica caja Arena en acero y 41 mm de diámetro, funciona un movimiento automático monoretrógrado con una autonomía de marcha de 42 horas. Este Gérald Genta Mickey Mouse se presentará en edición limitada a un total de 150 piezas.

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Es uno de esos iconos que dio el salto también a la relojería gracias a la creatividad y originalidad de Gérald Genta. Hoy, Mickey Mouse vuelve con toda la fuerza gracias a Bvlgari.

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AGENDA NACIONAL

PROPUESTAS CULTURALES EN TODOS LOS RINCONES DEL PAÍS

Vicente Alexandre, Luis Cernuda, Emilio Prados y Federico García Lorca. centrocentro.org Picasso. Barcelona HORTA DE SAN JUAN

PICASSO EN HORTA Permanente. Centre Picasso.

Pablo Picasso (1881-1973) tuvo dos estadías en la localidad catalana de Horta de San Juan: entre 1898 y 1899 y en la primavera/verano de 1909.

Este museo expone de forma permanente las reproducciones facsímil de las obras realizadas en ambas estancias, así como otras realizadas en Barcelona o en París pero que evocan Horta.

También muestra, a través de textos, imágenes y objetos, los lazos que estableció el pintor con este pueblo. centrepicasso.cat

Nombres como Tàpies o Picasso conviven con una oferta ecléctica en la que hay sitio para los videojuegos, la magia o el cómic.

TEXTO LUIS INI

ALCALÁ DE HENARES

BARCELONA

BLICK MIRA!

TÀPIES. LA REALIDAD EN PRIMER PLANO

Hasta el 9 de enero.

Museo Arqueológico Regional.

La muestra propone una reflexión sobre el papel de la fotografía arqueológica y su desarrollo en España como uno de los medios más eficaces de documentación, y recuerda la importancia de las imágenes como testimonio historiográfico.

Al mismo tiempo, sirve como tácito homenaje a los fotógrafos que engrosaron el equipo del Instituto Arqueológico Alemán, institución histórica que ha servido de enlace entre la arqueología hispana y la alemana. La Menorca talayótica, el norte prerrománico, la Mérida imperial o el sur ibérico son algunos de los hitos arqueológicos captados por sus cámaras. madrid.org

Blick Mira! Alcalá de Henares

Hasta el 30 de enero.

Fundació Antoni Tàpies.

Más de 40 obras, un libro bibliófilo, tres audiovisuales, fotografías y distintos documentos forman esta exhibición con obras del catalán Antoni Tàpies (1923-2012) producidas en las décadas de 1960 y 1970. En ellas, se percibe la influencia en su obra de Marcel Duchamp y su nueva percepción de la realidad a partir de la creciente presencia de objetos usados –muebles viejos, utensilios domésticos, ropa sucia– en las pinturas.

Destaca, entre otras piezas, Gran tela blanca atada, de 1969, inédita hasta ahora en la Ciudad Condal. fundaciotapies.org

Cuestión de ambiente. Madrid MADRID

CUESTIÓN DE AMBIENTE

Tàpies. Barcelona

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Videojuegos. Madrid

HOMO LUDENS. VIDEOJUEGOS PARA ENTENDER EL PRESENTE Hasta el 31 de octubre. CaixaForum.

Más de 50 piezas entre obras de arte y videojuegos es la propuesta de esta exposición, cuyo eje es arrimar una mirada antropológica, mostrar un mundo videoludificado, si se permite el neologismo. El entorno interactivo, se afirma, convierte la experiencia en un juego colectivo. Dividida en seis salas, cada una de ellas está dedicada a un ámbito en el que el ser humano puede relacionarse con el videojuego, con obras que destacan por su papel central como fenómeno cultural, estético y artístico.

caixaforum.org

Hasta el 24 de octubre. Centro Centro.

MAGIA EN IFEMA

Madrid también tuvo sus 'años locos' en la década del siglo pasado. Eso es lo que quiere dejar patente esta exposición, subtitulada Diversidad en el Madrid literario y artístico de los años 20, en la que se afirma que varias condiciones generaron un espacio para el surgimiento de una modernidad que no tuvo temor en salir del armario.

El eje es plantear una serie de biografías de personajes, casi todos relacionados entre sí, en donde aparecen nombres como

Del 1 de octubre al 9 de enero. Ifema Hangar 52 Revolution se denomina este espectáculo liderado por el mago Yunke, nome de guerre del valenciano Salvador Vicent (1975), presentado como el actual campeón del mundo de Magia.

La propuesta se desarrolla en un escenario circular en el que Yunke revelará –se asegura– secretos nunca antes desvelados de Leonardo da Vinci, experimentos de ingravidez y teletransportación

ESCENA DE CLÁSICOS Y NO TANTO Texto Natalia Erice

de la NASA, y hasta puertas interestelares hacia el antiguo Egipto, nada menos. ifema.es

1 BARCELONA Y MADRID

LA BATALLA DE LOS AUSENTES MÁLAGA

BIENALSUR Hasta el 1 de noviembre. La Térmica.

Al sur del sur: Cartografías disidentes y Zoo, ese es el título de esta exposición realizada en el marco de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo del Sur, organizada por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), de Argentina, que se presenta como una plataforma que intenta conectar públicos, artistas y espacios de los cinco continentes. En esta ocasión se presentan obras de la chilena Voluspa Jarpa (1971), la uruguaya Paola Monzillo (1986) y las argentinas Graciela Sacco (19562017) y Agustina Woodgate (1981). bienalsur.org

Teatre Romea, del 28 de septiembre. al 3 de octubre Teatro Español, desde el 17 de febrero

Picasso. Santander

El panorama teatral se llena de regocijo con cada nueva entrega de La Zaranda, inventores de una poética que trasciende y dota a sus obras de imágenes inolvidables. Su nueva coproducción con el Teatre Romea es una descarnada metáfora del combate, en la que un trío genial de actores, capitaneados por Paco de La Zaranda, encarna a una tropa que se esfuerza por perpetuar una guerra olvidada. teatroromea.es / teatroespanol.es

Mario Vargas Llosa y Santiago Roncagliolo. latermicamalaga.com

SEVILLA

AMAZONÍA Hasta el 31 de octubre. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo.

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La Amazonia es el bosque tropical más extenso del mundo, repartido entre nueve países sudamericanos, y considerada una de las ecorregiones con mayor biodiversidad del planeta.

Esta exhibición explora, a través del trabajo de 11 artistas latinoamericanos y europeos, algunos de los temas que despierta su preservación.

Destaca entre ellos Sheroanawë Hakihiiwë, proveniente del Amazonas y residente de una comunidad yanomami, cuya obra pone de manifiesto el imaginario, la memoria y las tradiciones de su pueblo. caac.es

MADRID

CANTAR DE MÍO CID Teatro de La Abadía, del 30 de septiembre al 10 de octubre José Luis Gómez vuelve a los orígenes de la lengua castellana en su continua defensa de la palabra oral que enarbola desde su puesto de académico de la RAE. Ya lo hizo organizando el ciclo de lecturas de joyas de nuestra literatura Cómicos de la lengua, que inauguró con el poema anónimo Cantar de Mio Cid y que ahora recupera en un exquisito ejercicio de juglaría. Las hazañas de Rodrigo Díaz de Vivar cobran una vida inusitada en el cuerpo y la voz de Gómez. teatroabadia.com

3 MADRID

LOS ÚLTIMOS GONDRA (MEMORIAS VASCAS)

ZARAGOZA

PRIMER FESTIVAL ESCRIBIDORES

Teatro de La Abadía, del 23 de junio al 11 de julio

I CONCURSO DE CÓMIC 'UNIVERSO GOYA'

Del 25 al 30 de octubre.

La Térmica y La Malagueta.

Hasta el 30 de diciembre de 2021.

Mueso Goya de la Fundación Ibercaja (visita online).

Con la impronta de ser un puente literario entre las literaturas latinoamericana y europea, comienza su andadura este nuevo encuentro literario.

Además de reforzar vínculos, se propone debate en torno a las nuevas formas de narrar, a la influencia de las tecnologías en la literatura y sobre cómo en la creación literaria de hoy participan desde los videojuegos hasta las series televisivas, las redes sociales, los nuevos espacios digitales y más. Entre las figuras invitadas aparecen mencionados Rosa Montero,

Una invitación para disfrutar de la exposición digital que exhibe los trabajos premiados y seleccionados en esta primera edición de un concurso destinado a fomentar, a través del cómic, el conocimiento de la trayectoria y obra del pintor aragonés Francisco de Goya.

Jóvenes de entre 18 y 30 años de toda España presentaron un total de 57 trabajos entre los que resultó ganador De caprichos y disparates, de Roció Morón.

Todos ellos pueden verse ahora en la web del concurso.

Esta es la historia de una saga, la creada por el dramaturgo Borja Ortiz de Gondra a partir de su propia familia y de secretos relacionados con la historia reciente del País Vasco. Heridas abiertas que traspasan varias generaciones y que desembocan en esta última obra de su trilogía, marcada por una casa centenaria, una novela sin terminar y las cenizas del propio autor.

Bajo la dirección de Josep Maria Mestres. dramatico.mcu.es

4 SALAMANCA Y TOLEDO

PERIBÁÑEZ Y EL COMANDADOR DE OCAÑA Teatro Liceo, 2 de octubre / Teatro Rojas, 30 de octubre El director Eduardo Vasco se enfrenta a este drama de honor de Lope de Vega con el bagaje de su compañía, Noviembre Teatro, y el aval que supone haber dirigido durante siete años la Compañía Nacional de Teatro Clásico. El conflicto que plantea la trama de esta obra clásica es el del villano que no cede ante el abuso de poder, representado aquí por el comendador que se obsesiona por conquistar a la esposa de Peribáñez.

ciudaddecultura.org / teatroderojas.es

museogoya.ibercaja.es/exposicion-comic 117

AGENDA INTERNACIONAL

LA CULTURA COMO EXCUSA PARA VIAJAR POR EL MUNDO

Francisc Bacon. Londres LONDRES

FRANCISC BACON: EL HOMBRE Y LA BESTIA

La feria de arte de Sao Paulo o la bienal de Toulouse destacan junto a nombres propios como el de Francisc Bacon o Ai Weiwei.

Hasta el 17 de abril.

Royal Academy of Arts.

Esta exposición del artista irlandés Francis Bacon (1909-1992) presenta obras realizadas a lo largo de los 50 años de su carrera. De hecho se incluyen algunas de sus primeras creaciones y también su última pintura, junto con un trío de cuadros de corridas de toros que se exhibirán juntas por primera vez. El carácter específico de esta muestra es que está centrada en cómo el mundo animal captó su mirada y posiblemente le dio el andiamaje para deconstruir el cuerpo humano, sus ya icónicas figuras que apenas se reconocen como de hombre o de bestia. royalacademy.org.uk

LIVERPOOL

IA: MÁS QUE HUMANA Hasta el 31 de octubre.

World Museum.

Ai Weiwei. Lisboa LISBOA

RAPTURE - AI WEIWEI Hasta el 28 de noviembre.

Cordoaria Nacional.

Primera exposición en Portugal del famosos artista chino Ai Weiwei (1957), presentada como su muestra más grande hasta la fecha, con alrededor de 80 obras. Se destaca que además de incluir algunas de sus piezas más icónicas, estarán en exposición piezas originales producidas en el país lusitano, que conjugan y exploran técnicas artesanales tradicionales portuguesas.

La exposición se abre con uno de sus trabajos más monumentales, la instalación Forever Bicycles (2021), compuesta por más de 900 bicicletas idénticas de acero inoxidable. lisboa.pt

El IA del título se refiere, claro, a la inteligencia artificial, y a ella se dedica esta exhibición en el World Museum de Liverpool, en la que se relaciona su rápido desarrollo con raíces antiguas procedentes del sintoísmo japonés y también en el Golem, esa construcción pseudohumana del judaísmo místico. No faltan tampoco los primeros experimentos informáticos de pioneros

Británica. Entre ellas, obras de Vermeer, Rembrandt, van Dyck, Rubens, Tiziano y Canaletto.

Un punto atrayente es que la curaduría plantea, en su propuesta, una inquietud: ¿qué hace interesantes a las piezas exhibidas? Sea la imitación de la naturaleza, el uso sensual de los materiales, la creación de hermosos diseños, la capacidad de expresar emociones humanas, la respuesta queda abierta al visitante.

.royalcollection.org.uk

Arcimboldo. MetzAires

METZ

DE CARA A ARCIMBOLDO Hasta el 22 de noviembre.

Centre Pompidou.

IA Liverpool

Buckingham. Londres

OBRAS MAESTRAS DEL PALACIO DE BUCKINGHAM

como Ada Lovelace y Charles Babbage, pasando por los principales hitos en esta materia desde la década de 1940 hasta la actualidad. La propuesta se convierte así es una exposición plena de interactividad a través de obras de arte inmersivas y desarrollos científicos.

Hasta el 13 de febrero.

Palacio de Buckingham.

El título es elocuente: son de la partida algunas de las pinturas más famosas de la Colección Real de la Corona

liverpoolmuseums.org.uk 118

El artista italiano Giuseppe Arcimboldo (1526-1593) ha dejado una impronta tan potente y a la vez tan misteriosa que siglos después su trabajo no deja de asombrar. Adorado por los surrealistas, sus obras van más allá de la cuestión de la representación del rostro en la pintura. Esta exhibición tiene la particularidad de presentar obra suya no tan conocida, como las vidrieras que creó en sus inicios o dibujos a pluma, como, también, la mirada de 130 artistas de todas las épocas que lo han homenajeado de algún modo.

centrepompidou-metz.fr

Gladiadores. Nápoles NÁPOLES

piezas de automóviles, modelos arquitectónicos, películas, fotografías, carteles, pinturas y esculturas, que van desde los diseños de Lily Reich de 1930 para un asiento de automóvil de acero tubular hasta el Orange Car Crash Fourteen Times de Andy Warhol. La propuesta es una exploración como objeto que ha inspirado innovación, transformación social y debate crítico. moma.org

demostraciones en vivo de los más grandes cocineros franceses e internacionales, ni talleres culinarios, ni representaciones artísticas; también se anuncian concursos de pastelería. Hay más de 500 participantes del mundo entero y 60 países representados, todo con un remate de película: el famoso Chocolate Fashion Show, el desfile de modelos cuyo vestuario tiene como materia prima el cacao.

salonduchocolat.fr

GLADIADORES Hasta 6 de enero.

Museo Arqueológico Nacional.

No debe dar vergüenza reconocerlo: para la mayoría, la aproximación más cercana a esos desventurados luchadores del circo romano es la que ha traído el cine, el género llamado Peplum, con mayor precisión. Para llenar ese hueco es oportuna esta muestra que presenta al público la evolución del arte de los gladiadores en sus rasgos más destacados, desde sus orígenes hasta las primeras manifestaciones de la época republicana en la Roma Antigua, para llegar a los espectaculares juegos organizados en la época imperial. mannapoli.it

La sirena.

Mónaco

Automanía. Nueva York

NUEVA YORK

AUTOMANÍA

la escultura y la fotografía– presentan obra en distintos lugares de la localidad francesa.

Así, escenarios tan dispares como el Hospital de La Grave, el teatro Garonne, la Chapelle des Cordeliers o el Museo Matou sirven de soporte, al igual que otros espacios al aire libre, para desplegar todo el arte contemporáneo que engloba esta bienal. En la edición de 2019 (la de 2020 tuvo que ser anulada), Le Printemps de septembre, como se conoce este evento, recibió más de 210.000 visitantes.

printempsdeseptembre.com VIENA

Grecia moderna. P`arís

FOTOGRAFÍA ESTADOUNIDENSE

PARÍS

Hasta el 28 de noviembre.

Museo Albertina.

PARÍS-ATENAS: EL NACIMIENTO DE LA GRECIA MODERNA (1675 - 1919)

SAO PAULO

Hasta el 7 de febrero.

Museo del Louvre.

Del 20 al 24 de octubre. ARCA.

SP Arte. Sao Paulo

SP ARTE

Este año se cumple el bicentenario de la guerra de la independencia de Grecia, pero también del ingreso al acervo del museo de la escultura Venus de Milo –una de las más famosas del periodo helenístico–, la cual pasó a formar parte de las colecciones del museo en 1821. Esta exposición analiza los lazos culturales, diplomáticos y artísticos que se establecieron entre Grecia y Francia en el siglo XIX, con especial foco en cómo la visión que los europeos tenían del país heleno cambió con el redescubrimiento de la antigüedad griega. louvre.fr

Considerada la feria más importante de América Latina, y luego de ver retrasada su fecha de apertura tres veces, finalmente –si no aparece un nuevo imprevisto– podrá materializar su 17º edición.

Galerías y expositores locales e internacionales, coleccionistas, curadores, artistas, críticos, investigadores y, por supuesto, público, darán vida a un evento considerado entre los más importantes del mercado del arte. No faltará un programa de debates, presentaciones e incluso cócteles. sp-arte.com

SALÓN DEL CHOCOLATE

TOULOUSE

Hasta el 2 de enero. MoMA.

Del 28 de octubre al 1 de noviembre.

Puerta de Versailles.

Exposición que se centra en el medio de movilidad que ayudó a definir la cultura del siglo XX –con perdón del avión–, y que reúne automóviles y

El que puede considerarse como el evento más famoso del mundo dedicado al chocolate y el cacao finalmente realiza su edición número 26. No faltarán

BIENAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Hasta el 17 de octubre. Varias sedes.

Medio centenar de artistas venidos de diferentes expresiones –desde la pintura al diseño pasando por el vídeo,

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Diane Arbus y Richard Avedon, Cindy Sherman, David LaChapelle, Joel Meyerowitz y Lisette Model, y muchos más fotógrafos de Estados Unidos posteriores a 1945 son presentados en esta muestra.

El objetivo es exponer cómo los paisajes exageradamente idealizados fueron reemplazados por motivos cotidianos que anteriormente se habían considerado indignos de retratar. Con la tensión propia de la mirada documentalista pero también con el afán de atrapar el instante, el resultado es una panoplia visual del país norteamericano. albertina.at

Fotografía estadounidense. Viena

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NOTAS

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ICONOS

Jean-Paul Belmondo falleció el pasado 6 de septiembre a los 88 años de edad.

Durante su carrera como actor, participó en más de 80 películas.

JEAN-PAUL BELMONDO

EL ENCANTO DE SER FRANCÉS UNO DE ESOS ESCASOS PERSONAJES CAPACES DE AUNAR a todo un país en torno a su figura. Lo dejó escrito en las redes sociales, junto a una incondicional loa, el presidente francés Emmanuel Macron: “En él nos encontramos todos”. En su socarronería, en su atractivo canalla, en su ingenio despreocupado. El actor Jean-Paul Belmondo murió el 6 de septiembre a los 88 años de edad, en su casa, como punto final a un cansancio vital que, según sus cercanos, se había apoderado ya inexorablemente de él. Cosas de la vida; nada que reprocharle a un destino al que Belmondo también había coseguido seducir. “A lo largo de mi vida lo he hecho todo y lo he tenido todo –dijo al recibir en 2016 el León de Honor de la Mostra de Venecia, el galardón más importante de su carrera junto a la Palma de Honor en Cannes en 2011–. No tengo remordimientos. He hecho todo lo que quería hacer y hoy amo las cosas que tengo: la vida, el sol y el mar”.

Nacido en París en 1933, hijo de un escultor y de una pintora que le acercaron los encantos de una vida bohemia, Belmondo se convirtió en emblema de la llamada Nouvelle Vague cuando rodó, bajo la dirección de Jean Luc Godard, Al final de la escapada. Pero no fue el cine intelectual de autor el que le convirtió en un icono para el público, que le quería por películas como El profesional, El incorregible, El hombre de Río, Borsalino o Uno de dos; también por El clan de los marselleses, Pierrot, el loco y otros muchos títulos entre los más de 80 que engrosan su filmografía hasta su despedida de las pantallas, en 2008, con Un hombre y un perro. Tras su muerte, toda Francia le rindió homenaje, con grandes titulares en todos los periódicos, con programaciones televisivas especiales, con un acto solemne en el monumento de los Inválidos.

Porque con Belmondo no se ha ido solo un actor, sino un símbolo. María Rosa

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EL VALOR DE LA ELEGANCIA

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