MEW Magazine - Abril 2022 - Belén Écija

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Magazine MADRID · BARCELONA (ESPAÑA) mewmagazine@mewmagazine.es www.mewmagazine.es P. GUERGUÉ DIRECTORA mewmagazine@mewmagazine.es DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA & DISEÑO Ana Márkez amarkez@mewmagazine.es MODA Y CREATIVIDAD Yurena Guerra

COMUNICACIÓN & MARKETING Itziar Monge imonge@mewmagazine.es PUBLICIDAD & SPONSOR Javier Amaro jamaro@mewmagazine.es

Redacción: Rosa Suria / Judith Torquemada / Paloma Escudero / Álex Delgado / María Rodríguez / María P. Pinto / Mikel Montero / Marta Valverde / María Fernández

AGRADECIMIENTOS Cristina Chaparro Management / Aleteia Intérpretes / Mesala Films / Bedelka Talent Maydel Manager / Alter Ego Talent House / Atocha Tapestry by Hilton / Prime Video Marco de Comunicación / Movistar + / Netflix / AtresMedia / MediaPRO / Starplayz / Gucci Adidas / Burberry / Ermenegildo Zegna / Balmain / H&M / Koahari / Bershka / Zara Dr. Martens / &Other Stories / Polo Club / Ralph Lauren / Mango / Calvin Klein / Jimmy Lion Victoria / Joys / COS / Area Comunicación / TTarragó / Fabra Comunicación

DEPÓSITO LEGAL MEW Magazine pone en su conocimiento que los artículos que se publican en la revista, así como la imagen, sea de índole personal y/o mercantil, que se reproduce en la misma, queda protegida jurídicamente frente a terceros en aplicación de la normativa sobre propiedad industrial e intelectual. En este sentido, se informa específicamente acerca de la prohibición de reproducción parcial o total del contenido, para su posterior difusión pública y/o explotación propia. mewmagazine.es 5

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Carta de la directora

En este pasado mes de marzo nos quedamos con una de esas grandes lecciones que Merlí ofreció a su alumno Joan (‘Merlí’, una serie producida y traducida por la productora Veranda TV (Grupo Godó y Boomerang TV), y emitida por la cadena catalana TV3 entre 2015 y 2018).

- ¿Qué es esto?

- Un billete - ¿Cuánto vale?

- 50€ Merlí lo arruga: - ¿Y ahora cuánto vale?

- 50 euros.

Merlí golpea el billete en reiteradas ocasiones: - ¿Y ahora cuánto vale?

- Lo mismo, 50.

- Pues tú eres como este billete, por mucho que te pisen o te machaquen, tú vales lo mismo.

Es importante aprender que en cualquier oficio o que en cualquier momento de tu vida, a nivel personal, puede llegar una situación o una persona que intente hacerte ver que eres menos, que vales menos, que te lo mereces menos (por tener algún que otro menos seguidor en redes)... En ti estará el mantenerte firme. Así nos mantendremos nosotros, siempre.

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92 · Belén Écija

Conexión honestidad.

16 · Opinión

¿El genio de nuestro tiempo?

22 · Moda

El ‘color block’.

34 · Víctor Elías

Un lugar privilegiado.

60 · Premios

El cine que ha triunfado

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124 · Daniel Elbittar Sumando retos.

50 · Ser o no ser

Las emociones bien narradas.

106 · Peter Vives

Confiar en uno mismo.

120 · Caballero Luna

Un nuevo y prometedor héroe.

132 · Andrea Stewart La hija de los huesos.

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Columna de opinión

‘SER O NO SER’ Y LAS COSAS BIEN CONTADAS por P. GUERGUÉ

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isfrutando de una nueva serie, ‘Ser o no ser’ (ya están todos los capítulos disponibles desde el pasado 30 de marzo en Playz y RTVE Play), una comedia dramática juvenil protagonizada por un adolescente trans y ambientada en una clase de bachillerato escénico, me he dado cuenta que eso de tener más tiempo para poder desarrollar mejor las tramas o los personajes es una mentira que se han creído los creadores, guionistas e incluso hasta actores y que nos lo han hecho creer al público. Porque en ‘Ser o no ser’, ocho capítulos de 25 minutos de duración, no hace falta nada más para entenderlo todo. Para que los personajes se apoyen los unos en los otros, para que comprendas que la madre lleva su mochila y que el hijo lleva la propia, para ver lo sencillo que todo sería si los adultos se comportaran siempre como los adultos que un adolescente necesita en momentos y cambios fundamentales.

No hace falta nada más para comprender que los amigos, los buenos, los de verdad, están. Aunque la cagues de formas infinitas, están. Porque son la mejor red de apoyo.

‘Ser o no ser’ deja en evidencia a quienes se escudan en los minutos que nunca se pudieron grabar para explicar mejor a una persona o una situación. Honestamente, las cosas, aunque sea en un segundo de pantalla, pueden cuadrar si

así se quiere. No hacen faltan 45 minutos para conocer a Joel (Ander Puig) y entender qué es lo que le duele y a qué le tiene miedo. Ni para abrazar a Ona (Júlia Gibert) y querer tenerla cerca siempre.

La sensibilidad al contar es mucho más productiva que el tiempo. El tiempo solo nos da eso, tiempo, margen, espacio, pero corazón, nunca. Y sin corazón da igual cuántos segundos tengamos por delante porque la historia siempre, de alguna u otra forma, cojeara. Se trata de entender lo que quieres contar y lanzarlo tal y cómo se siente. Desgranar las vidas de los personajes como si fuese nuestra propia vida, comprendiendo qué necesita de esa exposición en pantalla y que se puede sobre entender con una sola mirada, una caricia…

‘Ser o no ser’ se planta ante el espectador como una serie transformadora, que da visibilidad y naturaliza con frescura y humor la cada vez mayor gama de identidades y expresiones de género de los jóvenes de hoy en día. La vida de un grupo de jóvenes que no son perfectos y que día a día van aprendiendo a gestionar cómo se dicen, y a quién, las cosas que van pasando y aquellas que vamos necesitando. Porque si somos capaces de identificar las aristas de nuestro mundo, será mucho mas fácil caminar.

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Columna de opinión

¿EL GENIO DE NUESTRO TIEMPO? por ROSA SURIA / fotografía ©Disney+

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o se ha llevado el Oscar por ‘Dos oruguitas’ (enamoradas, pasan sus noches y madrugadas...), pero todos hemos cantado de manera febril ‘No se habla de Bruno’ (no, no, no) durante los últimos meses. Hemos convertido en algo común que cada canción suya que llega a nosotros se convierta en una obsesión, en un hilo musical que no podemos sacar de nuestras mentes. Pero es, desde luego, una de las situaciones más extraordinarias que hayamos vivido y viviremos.

Lo de Lin-Manuel Miranda es de todo menos común. Un neoyorkino de primera generación, con sus raíces puertorriqueñas muy presentes, que ha conseguido que cantemos a todo pulmón sobre el 10 dollar founding father without a father o sobre la Batalla de Yorktown. Que se ha metido en nuestras mentes y ha instalado allí un tocadiscos que va variando entre la familia Madrigal, las hermanas Schuyler, los boho days, Moana o el Carnaval del Barrio. Que ha hecho magia y ha sabido contagiarla a todo tipo de personas, de cualquier procedencia, religión, sexo y condición política.

Parece una broma, pero he conocido a personas con ciertas tendencias explotadoras y con una inclinación política claramente hacia la derecha que también se obsesionaron

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con Hamilton. Y cantaron sus canciones con orgullo. Me pregunto si simplemente no entendieron en ningún momento el mensaje o si el talento de Lin-Manuel todo lo puede. A juzgar por el hecho de que hay días en los que me despierto y lo primero que pienso es “congrats again, Alexander, smile more.

I see you on the other side of the war”, creo que la respuesta correcta es la segunda.

Por ahora, Lin-Manuel Miranda no se ha colado en la lista de los EGOT y es normal que aquellos que nos hemos sumergido en su mundo (y no podemos ni queremos salir de él) estemos tristes. Pero si hay algo que me ha quedado claro es que entrará, tarde o temprano entrará. No será gracias a dos oruguitas enamoradas, pero un genio como él alberga tantas ideas, tantas historias que contar y tanto arte que compartir, que llegará en una forma inesperada, en el momento adecuado.

Y nosotros seguiremos cantándole a Theodosia y a Philip sin entender muy bien por qué lo hacemos, pero celebrando ese mundo diverso en el que todos tenemos un hueco, creado por la magia de un genio que sabe escuchar y transmitir. La magia de un genio de nuestro tiempo, del que se hablará cuando nosotros ya no cantemos ni bailemos al ritmo de sus canciones.

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MODA

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LOOKS PARA AFRONTAR ABRIL

18 ABRIL ABRIL2022 2022· ·MW MW

por YURENA GUERRA / fotografías IG

por fin ha llegado la primavera, aunque no podemos decir que con ella haya llegado

el buen tiempo, de hecho, va a ser verdad

lo que dice el refrán y que “en abril, aguas

mil”, porque la realidad es que desde principios de mes no paró de llover y aunque

ahora no llueve, tampoco hace la temperatura propia de la primavera. aun así, como

dicen algunos, el frío es psicológico, así que

vamos a intentar llevar con estilo los oufits que están más en tendencia y a defenderlos

como se merece. aquí os dejamos con unos

cuentos de inspiración y avisamos, el verde viene pegando fuerte, muy fuerte.

LOOK 1

Vamos a comenzar con un look algo más abrigado porque, como ya hemos dicho, que la primavera haya llegado no significa que también lo haya hecho el buen tiempo, aunque ahora por lo menos aparezcan algunos rayos de sol furtivos que nos hagan creer lo contrario. Como sabemos desde hace un par de años las sobrecamisas están en tendencia y no dejan de llevarse, por lo que no nos sorprende que Aretha Fusté (@arethalagalleta) la convierta en la pieza principal para crear este outfit. Lo combina con unos pantalones wide leg con una ligera apertura en el bajo, Converse de color granate, gorrito tipo beanie de color verde menta y bolso negro. Tanto la sobrecamisa como el gorrito y los vaqueros podéis encontrarlos en Zara o Bershka sin dificultad.

LOOK 2

Como hemos podido observar en el look anterior, los tonos tierra y pastel son un must esta temporada, y es que no va a haber punto medio, o vamos a utilizar tonos flúor entremezclados, o vamos a optar por total looks monocromáticos o de colores suaves como el verde menta, el azul cielo o el arena. El segundo outfit viene de la mano de una de las reinas de las Redes Sociales María Pombo (@mariapombo). Combina un conjunto de crochet de pantalón flare con top de Zara de tonos beige, tierra, arena y azules, con una camisa de lino de la misma marca. A nosotras nos parece ideal.

LOOK 3

A partir de aquí todos los looks tienen algo de color verde, y es que este viene pegando fuerte en todas sus modalidades, ya sea en tonos pastel, militar o flúor. Vamos a verlo por todas partes y en todo tipo de prendas

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así que acostúmbrate a ello. Este look es uno de nuestros preferidos de la cantante Aitana (@aitanax) porque es elegante pero a la vez cómodo y rompedor. Aitana es imagen de la marca deportiva Puma, que va a sacar en nada un nuevo modelo que a nosotras nos flipa. El modelo es el Kosmo Rider con detalles en verde menta, que combinan a la perfección con unos pantalones de traje wide leg en negro, que podéis encontrar en Bershka, y con una americana de polipiel que podéis conseguir en Zara o Bershka en incluso Primark.

LOOK 4

Pocas veces hemos tenido la oportunidad de mencionar el estilo de Gala González (@galagonzalez) y la verdad que tenemos que empezar a hacerlo más ya que es algo totalmente inconfundible y que da muchísimo juego. Una de las primeras influencias de España y del mundo que sabe manejarse perfectamente en el mundo de la moda y que tiene un don innato para ls tendencias y para mezclar prendas de alta costura con algunas low cost. En este caso hemos seleccionado un traje de americana y pantalón de color verde botella que ha combinado con una camisa satinada de color malva, y bolso acolchado mediano de esa tonalidad y una botas marrones. Todo ellos es de la Maison Valentino, pero lo hemos seleccionado porque tenéis clones exactos tanto del traje como de la camisa satinada en Zara. Los bolsos acolchados son tendencia por lo que también podréis encontrarlos en esta tienda, en Stradivarius o Parfois.

LOOK 5

Y seguimos con el verde y, como bien hemos dicho, van a venir en absolutamente todos los tonos. Hemos visto deportivas en tono verde menta, un traje en tono verde botella y ahora vamos con una americana en tono verde flúor, verde lima limón, un color muy favorecedor para las morenas y que Beatriz Espejel (@beatrizespejel) ha sabido llevar como nadie. Simulando un traje al combinarlo con un pantalón negro, ella ha escogido esta blazer de Zara del mismo tono que su ‘Le Chiquito’ de Jacquemus y la ha ajustado a la cintura con un cinturón de color negro a conjunto con el pantalón. ¡Ideal!

LOOK 6

Para terminar vamos a hacerlo con dos looks que os van a enamorar como a nosotras y que ya si son más “veraniegos”, por si vienen días de mucho calor durante este mes que tengamos opciones para combinar las prendas que tenemos en nuestro armario. El primer look viene de la mano de la modelo Kendall Jenner (@kendalljenner) , y es que ella es la reina del effortless y del ‘menos es mas’. La californiana ha combinado un pantalón de traje wide leg de color verde, otra vez, que podemos encontrar igual en Bershka en el mismo tono, con una camiseta de color blanco y unas sandalias negras de plataforma que también podemos conseguir en esta misma marca. ¿Los complementos? Negros también y muy sencillos, bolso baguette, cinturón y gafas de sol. Estupenda.

LOOK 7

Y para acabar, no podía faltar en esta selección la reina de esta sección, Mery Turiel (@ meryturiel), la valenciana es un must para nosotras igual que lo es el vestido de tirantes verde, qué sorpresa, de flores y tirante fino que lleva en la foto. Este favorecedor traje mini de sedalina podemos encontrarlo en Zara de temporada. Con unas deportivas blancas y una cazadora vaquera para las noches frías, podemos tener un conjunto cómodo y también elegante.

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MODA

¿QUÉ ES EL ‘COLOR BLOCK’ Y CÓMO USARLO? una de las tendencias que vienen pegando muy fuerte esta primavera/verano es la tendencia del ‘color block’, pero

¿qué significa eso? ¿qué estilo es en el que predomina? ¿cómo sabemos si realmente

llevamos esta tendencia o solamente estamos mezclando colores al azar? aquí te explicamos las peculiaridades de ello.

por YURENA GUERRA / fotografías ©Instagram

Por norma general, la moda se basa en combinar prendas y colores que combinen entre sí para de esta forma llegar a crear un look que visualmente sea “armónico”.

El ‘Color Block’ pretende hacer justamente lo contrario, es decir, mezclar colores opuestos en la tabla cro-mática. ¿Cuándo comenzó a utilizarse esta técnica? Muchos expertos aseguran que fue con Piet Mondrian, un pintor holandés del finales del siglo XIX. El artista creaba obras que consistían en realizar cuadrados con las líneas externas en negro para dentro mezclar co-lores tales como el azul y el negro.

Gracias a estos cuadros de Mondrian, Yves Saint Lau-rent creó lo que se conoce cómo los vestidos Mondrian en los años 50, y unida a la ten-dencia del pop art, dieron paso a lo que hoy conocemos como la tendencia del ‘Color Block’.

Esta tendencia estuvo muy presente en el mundo de la moda entre los años 40 y los años 60 del siglo XX, aunque de una manera más discreta que ahora. Tras estos locos años, la moda se transformó en algo más armónico, elegante y sin tanta mezcla de colores, si no que se empezaron a utilizar las paletas de la misma gama cromática para crear otro tipo de looks.

Durante los 80 hubo un amago de volver al ‘Color Block’ pero se transformó en la libertad absoluta en cuanto a los colores y la vestimenta y sobrepasó con creces el movi-miento de los colores opuestos.

No ha sido realmente hasta este momen-

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to cuando nos hemos atrevido a usar esta tenden-cia y a llevarla por todo lo alto. Y es que visualmente, el contraste de colores es extrema-damente llamativo. Para utilizar esta técnica de manera correcta debemos tener en cuenta varios puntos. El primero de todos es tener cuidado con las prendas en sí. La parte princi-pal en un look basado en esta tendencia es el color, por lo que debemos evitar cualquier tipo de estampado, cualquier tipo de bordado e incluso formas imposibles, porque le res-tará protagonismo al color, así que si, para esta tendencia necesitamos prendas lisas, de cualquier tipo pero lisas. La segunda cosa que tienes que tener en cuenta es que esta téc-nica se basa en mezclar colores, sobretodo un par o tres como mucho, que sean opuestos. Para esto podemos coger un círculo cromático, elegir un color y fijarnos en cual sería su opuesto, por ejemplo, algunos tonos naranjas son opuestos a algunos tonos azules e in-cluso morados, con el amarillo pasa igual, incluso podemos llegar a mezclarlo con fucsia o rosa vibrante. Si aún así no te atreves a llevar esta tendencia del todo porque te resulta al-go extravagante, no te alarmes porque los tonos neutros como el negro, blanco, marrón o gris serán tus aliados. Este es el tercer truco o consejo, deja para la parte principal del look los colores neutros y accesorizalo con zapatos, bolsos o joyas que sí que jueguen con es-ta tendencia.

por ejemplo vestidos o monos enterizos. Para este tipo de conjuntos, si solo llevan dos colo-res, podemos meter accesorios de un tercero también opuesto o podemos optar por los accesorios neutros, para no restar así protagonismo al look.

Hoy en día hay muchas prendas que ya llevan el ‘Color Block’ incorporado, como

Y tu, ¿te atreves a probar las combinaciones imposibles?

Aún así, lo más importante es siempre sentirse cómodo con lo que llevas y es verdad que esta tendencia de moda no está hecha para todo el mundo. Muchas veces nos es compli-cado ver cómo algo tan opuesto puede quedar bien, pero es cuestión de ir probando. Los trajes de pantalón azules con blusa amarilla, una falda de color naranja con un cross top de color rosa fucsia o morado, un bolso de color verde dando esa chispa de color a un to-tal look de color rosa pastel…

Muchas veces no tenemos que utilizar la tendencia llevada al extremo, si no que la pode-mos hacer nuestra llevando simplemente accesorios o intentando hacer algunas mezclas que, aunque a priori parezcan imposibles, seguro que son las ganadoras.

Y es que son muchas las que se han subido a la tendencia del ‘Color Block’, como por ejemplo Chiara Ferragni, Alexandra Pereira, Gala Gonzalez (como hemos podido ver en el artículo de los looks) o Paula Echevarría.

IG ©Paula Echevarría

IG ©Leonie Hanne

IG ©Verónica Ferraro

IG ©Alexandra Pereira

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MÚSICA

DISCOS QUE DESTACAN SU FIDELIDAD

No Merc 1995

DADDY YANKEE

Se trata del primer disco de estudio con el que el artista puertorriqueño decidió darse a conocer al mundo.

DADDY YANKEE, EL REY DEL REGGAETÓN, SE DESPIDE DE LA MÚSICA. por PALOMA ESCUDERO

Daddy Yankee ha decidido retirarse del mundo de la música y lo ha hecho como solo él podría, por la puerta grande. Y es que acaba de lanzar un último disco de estudio a la altura de toda su impecable carrera musical.

Se trata de un disco que mantiene su estilo fiel y la esencia que ha ido creándose a lo largo de todos estos años. Además, cuenta también con interesantes colaboraciones que hacen de ‘Legendaddy’ un álbum de lo más completo.

Si bien se encuadra sobre todo en el género del reggaetón, sus canciones siempre han traspasado fronteras yendo un paso más y gustando a casi todos por igual. Daddy Yankee es de esos artistas que cuando empezó vio cuál podía ser su lugar en el mundo de la música y con trabajo duro y esfuerzo y está claro que lo ha conseguido. Su sonido ha llegado a todas partes del mundo y cuenta con millones de fans en todos los países.

Con el tiempo ha tocado todos los palos posibles combinando estilos hasta encontrar su hueco y nombre propio en la industria musical. Y es que quién no ha bailado y cantado alguna vez alguna de sus cientos de canciones que ya se han convertido en himnos de varias generaciones. Daddy Yankee comenzó su carrera en el año 1991, siendo uno de los primeros en llegar con este género musical a lo más alto. Y es por eso por lo que

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se le considera uno de los propulsores, con ritmos únicos y siempre diferentes, sin seguir la corriente del resto.

Durante su carrera ha colaborado con todo tipo de artistas de los que siempre ha recibido un sí como respuesta: Nicky Jam, Snoop Dog, Luis Fonsi, Paul Wall o Bad Bunny son algunos ejemplos de ello. Independientemente de lo mucho o poco que te guste su música y su estilo, todos han oído hablar de su nombre por todo lo que ha aportado a este género durante estos años. Además, él mismo ha estado totalmente involucrado en sus diferentes proyectos musicales. Ya sea vendiendo sus discos, como produciéndose las canciones y materiales que después ha ido ofreciendo a grandes discográficas.

Este disco marcó un antes y un después en su carrera porque aquí se incluyó la mítica canción ‘Gasolina’.

Desde que empezó su gira Barrio Fino World Tour en 2004 con motivo de la publicación del disco homónimo, ha ofrecido miles de conciertos en diferentes países por todo el mundo. La última vez que se subió al escenario con su propia gira fue en el año 2019, antes del parón de la industria musical.

Ahora todos sus fans van a poder disfrutar de su música en directo por última vez con su gira final de despedida bajo el nombre La última vuelta. Uso últimos conciertos a la altura de toda una carrera casi sin pausa durante tantísimos años.

Legendaddy 2022

Barrio fino 2004

La leyenda del reggaetón ha decidido poner fin a su carrera musical con un último regalo para todos sus fans.

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MÚSICA

Leo Rizzi revoluciona todas las plataformas con ‘La puerta’ Leo Rizzi nos sorprende con su nuevo single donde podremos sumergirnos en el universo imaginado por el propio artista, un mundo de realidad virtual que nos acerca al metaversoabraza. La continuidad de lo que siempre supimos que era capaz de dar.

por MIKEL MONTERO / fotografías ANA MÁRKEZ 28 ABRIL 2022 · MW

Las composiciones de Leo no dejan indiferente a nadie y sabe plasmar su característica sensibilidad en todas sus creaciones. Con “La Puerta” da un nuevo paso y se acompaña de un videoclip ÚNICO. Leo Rizzi se convierte en el primer artista en España en grabar un videoclip con una tecnología que nos invita a visitar un mundo paralelo.

El clip integra a tiempo real al artista en un mundo de ensueño, en un espacio imaginario casi de cuento.

Esta especial ambientación ha sido recreada gracias a la utilización de un innovador sistema de producción que además permite disfrutar de una experiencia inmersiva.

Un sistema de realidad virtual que abre las puertas de ese mundo infinito del metaverso.

El video ha sido rodado y producido en Madrid en los estudios MR Factory, productora líder y referente en España de Producción Virtual y Metaverso. En el clip vemos a Leo en un mundo fantástico junto a su banda que recorreremos de la mano de las dos protagonistas. Su historia se desarrolla por los distintos escenarios, todos creados a partir de la creatividad del artista. “Todo lo agotamos. Las personas ya no tenemos tantas diferencias con un producto de consumo. Y difícil es parar y escuchar entre tanto ruido. Elegir quedarse, atravesar lo incómodo.

A mí me cuesta quedarme, pero esta vez quiero encontrarte: al otro lado de la puerta”.

El sonido de la canción continúa la estela de Amapolas, un tema suave con unos pequeños toques de electrónica y esos giros de voz tan especiales de Leo que hacen su estilo singular.

Leo Rizzi, artista cosmopolita, nacido en Ibiza (España) criado entre Uruguay y Valencia, con tan solo 23 años ha creado todo un fenómeno fan convirtiéndose en un referente musical en España, México y cada vez en más países de Latinoamérica.

Leo Rizzi cuenta con millones de reproducciones en las principales plataformas digitales y mueve cientos de miles de seguidores en tik tok e Instagram. Su anterior single, Amapolas, es uno de sus mayores éxitos hasta el momento. Esta canción cuenta más de 65 millones de reproducciones en Spotify logrando posicionarse en top 5 global y mantenerse durante semanas en los primero puestos el top 200 de paises como Mexico, Uruguay , Ecuador Colombia, Peru entre otros... En YouTube detenta más de 50.456.797 visualizaciones; y en tik tok sigue incrementando cada día su base de fans con la que ya mueve mas de 1.7 M de seguidores.

Muy pronto Leo Rizzi anunciará su gira por España para el próximo otoño donde podremos encontralo en ciudades como: Barcelona, Valencia, Madrid, Sevilla y Bilbao.

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MÚSICA

· UN SUEÑO DE POP INDIE Y ACÚSTICO MIKI RATSULA

· El/La cantante, compositor/a y productor/a no binarix comparte nuevo vídeo magníficamente decadente. “‘sugarcane’ trata del tipo de amor que es tan agradable y sin esfuerzo como comer tu postre favorito”. por MARTA VALVERDE / fotografías ASHLEY OSBORN

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ecién llegadx del SXSW, donde actuaron en el showcase de Nettwerk en colaboración con Ones To Watch, The Ally Coalition y otros, Miki Ratsula ha compartido el nuevo video de su álbum de debut, i owe it to myself, que salió a la venta el pasado 25 de marzo a través de Nettwerk. El vídeo de su último single, ‘sugarcane’, con Dana Williams, ha sido dirigido por su colaborador habitual Evers Pund y en él se ve a Miki y a su amiga WIlliams, cantante y compositora afincada en Los Ángeles, dándose un capricho azucarado, similar a la decadente sensación de encontrar un amor alegre y sin esfuerzo. “‘sugarcane’ trata del tipo de amor que es tan agradable y sin esfuerzo como comer tu postre favorito. No puedes creer que pueda existir algo tan bueno, y no te cansas de él”, señala Ratsula.

‘S ugarcane’ sigue al lanzamiento de varios singles del álbum, incluyendo el crudo y personal single ‘second’, que trata de sus miedos y ansiedad en torno a la obtención de una cirugía superior el año pasado; ‘reeboks’, que trata de sentirse tan ansiosxs sobre el futuro que termi-nan corriendo hacia el suelo; ‘i walked a mile in my room’, que discute sus luchas de salud mental y su impacto en las personas cercanas a ellxs; y ‘suffocate’, su poderosa canción que grabo con Sanderson y lanzaron en el otoño de 2021. ‘i owe it to myself ’ es un testamento de amor propio y un regalo para cualquiera que busque lo mismo, y presenta a Miki en su momento más vulnerable y plenamente realizadx. Utiliza su plataforma para documentar con

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franqueza su vida: desde la salida del armario hasta la cirugía de la parte superior y su viaje de salud mental.

Es el tipo de narración que los oyentes, espe-cialmente lxs jóvenes queer, anhelan y merecen. “Sólo quiero ser el/la artista que necesitaba cuando crecía”, dice Miki, y eso es exactamente en lo que se han convertido en este sincero e impresionante disco de debut.

A lo largo del disco, Miki flota sin esfuerzo entre las canciones lentas de R&B y los números acústicos con un groove sensual, y algunos de los momentos más potentes del álbum se encuentran en los espacios suaves y nostálgicos entre medias, que a menudo tratan sobre el dolor que se vive a puerta cerrada.

Ratsula se ha ganado un público considerable acogiendo a la gente en su mundo de forma abierta y honesta.

Ratsula se ha ganado un público considerable acogiendo a la gente en su mundo de forma abierta y honesta. Su disco, profundamente íntimo, aborda la salud mental, la pérdida, el amor y todo lo demás. El álbum de el/la cantante, compositor/a y productor/a no binarix afincadx en el sur de California es un sueño de pop acústico guiado por la exuberante producción de Mi-ki, de inspiración lo-fi, que captura todo el vaivén emocional que se mueve entre la juventud y la edad adulta. Además, está listx para salir en su primera gira nacional extensa donde será telonerx de su amiga y colaboradora Lauren Sanderson. Consulta todas las fechas a continua-ción.

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MÚSICA

dee holt, calienta el ambiente con su nuevo y soleado single “Es desenfadada, veraniega y divertida de escuchar, con un significado más profundo escondido detrás”, explica dee. “Trata de abrirse a alguien y bajar por fin la guardia”. El vídeo que acompaña a la canción abre el mundo de dee al público, ya que nos permite echar un vistazo a un día en su vida. Nos muestra sus tiendas de segunda mano favoritas, hace el tonto en su habitación y galopa por su ciudad natal. Su EP de debut, When I Close My Eyes, saldrá a la venta el 5 de mayo en Nettwerk. por MARTA VALVERDE / fotografías GAËLLE LEROYER

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La artista de bedroom-pop de Montreal, dee holt, calienta el ambiente con su nuevo y soleado single, ‘Picture’, en el que colabora el compositor y productor germano-americano Chris James. La artista, de 18 años, ha causado sensación con sus cálidas melodías y su voz de mantequilla, y ha sido comparada con Billie Eilish y BENEE. Junto con su colaborador, James, crea el perfecto “momento Kodak”, con una letra divertida que explora la emoción

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de una nueva relación. Escucha ‘Picture’ en todas las plataformas digitales de streaming (aquí). “Es desenfadada, veraniega y divertida de escuchar, con un significado más profundo escondido detrás”, explica dee. “Trata de abrirse a alguien y bajar por fin la guardia”.

Around’ y ‘Nobody Like You’ de su próximo EP, When I Close My Eyes, que saldrá el 5 de mayo a través de Nettwerk.

El vídeo que acompaña a la canción abre el mundo de dee al público, ya que nos permite echar un vistazo a un día en su vida.

Nos muestra sus tiendas de segunda mano favoritas, hace el tonto en su habitación y galopa por su ciudad natal.

Desde cantar con la guitarra de su padre en vídeos caseros VHS y actuar en reuniones familiares, hasta estudiar música y arte en el instituto, la vida de dee holt ha estado saturada de creatividad desde el principio.

Pero a pesar de toda la afirmación externa de su talento musical, nunca pensó en hacer una carrera de ello. Como dice dee: “Por supuesto que tu madre te va a decir que sabes cantar, ¿no?”.

‘Picture’ sigue a los singles ‘Olivia’, ‘Drive

Por eso es lógico que la actuación que dio

“CON EL ARTE DE LA PORTADA Y LOS ELEMENTOS VISUALES, ME GUSTA DECIR QUE SOY TOTALMENTE YO”

comienzo a su carrera no fuera una audición ni ante una discográfica, sino en una reunión íntima para que se conocieran los padres de ella y de su novio. Cuando, en el momento oportuno, la madre de dee le sugirió que cantara, ésta se puso de cara a la pared para poder tocar la guitarra sin reírse. Cuando terminó, se volvió para ver las lágrimas en los ojos de su novio, en los de sus padres y en los de su hermano pequeño. Era imposible ignorarlo por más tiempo. dee no sólo tiene una buena voz; tiene un don.

Apoyándose en la incertidumbre y en la idea de la música como algo más que un pasatiempo, dee conectó con el productor

local Benjamin Nadeau. Ambos formaron rápidamente una asociación creativa que ha hecho evolucionar su estilo musical y la ha empujado a salir de su zona de confort personal. Con Benjamin dee lanzó sus dos primeros singles, ‘Hardest Part’ y ‘Olivia’. dee, que estudia animación en la universidad, dirigió y animó ella misma el vídeo musical de ‘Olivia’. Con un padre músico y una madre pintora, el proyecto es un encuentro perfecto de sus dos influencias artísticas: la música y el arte. Como corresponde, y casi como un guiño a esa educación artística doble, es la canción que la lanzó al ojo público. ‘Olivia’ la llevó a la lista de reproducción LOREM de Spotify, entre otras muchas, y el impulso

no se detuvo.

“Un mes más tarde, la gente seguía contactando con ella”, explica dee, “Tenía tanta gente comentando el vídeo de ‘Olivia’. Te conmueve. Todos y cada uno de los comentarios los tomo a pecho. Me hace saber: “Oye, esto podría funcionar””.

Con la aportación creativa tanto en la música como en los elementos visuales, el proyecto traduce mucho más la singular y magnética sensibilidad de dee. “Con el arte de la portada y los elementos visuales, me gusta decir que soy totalmente yo. Es más auténtico. Me empuja a aprender cosas nuevas y a esforzarme”.

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MÚSICA

Víctor Elías, vivir la música en un lugar privilegiado 34 ABRIL 2022 · MW

De la pequeña pantalla a los escenarios de toda España sin pestañear. Víctor Elías ha pasado de ser ese niño travieso que nos enamoró en “Los Serrano” a ser ese joven virtuoso y canalla en los teclados de los artistas nacionales e internacionales, consiguiendo composiciones increíbles que no temen a nada. En un piano, dándole a las teclas y proyectando un mundo interior apoteósico que arropa tu lado más íntimo, así está ahora un artista que ha sabido reinventarse y vivir su propio sueño. por ÁLEX DELGADO / fotografías UNO MODELS

La pequeña pantalla atrapa y en muchas ocasiones se suele considerar que todos esos personajes famosos o actores que pasaron por ella durante su juventud y que ahora no están en ella son juguetes rotos. Esto no es así, hay miles de condicionantes que pueden interceder en este tipo de sucesos y en algunos casos es la propia pericia de los actores la que hace que se las ingenien para triunfar en otro sector. Este es el caso de Víctor Elías, que le conocimos como el niño risueño y travieso que nos encandiló en el papel de Guille en “Los Serrano”.

Su papel en la mítica serie de Telecinco que duró más de ocho temporadas y 147 capítulos hizo que más allá de conocer al personaje que interpretaba, pudiéramos ver la inquietud de un adolescente que demostraba que tenía un mundo interior muy especial que necesitaba ser descubierto. Y no era para menos, su esencia estaba en la ficción, pero también en una sociedad que le necesitaba por su honestidad y talento.

En muchas ocasiones se suele concebir que los actores o interpretes “solo sirven para ponerse delante de la cámara” y no es así. La vocación interpretativa de Víctor Elías va más allá de actuar e interpretar un papel. La pasión por el mundo de la música hizo que se formase en piano desde pequeño, cursando grado medio en el Centro de Música Creativa de música moderna en Malasaña, una profesión que terminó de matizar y dedicarse como técnico de sonido. En un lugar privilegiado, creando y guiando, ahora el artista se dedica a un mundo único y que realmente permite dejar libre la imaginación, tanto suya como la de los que están a su alrededor.

Víctor Elías sigue en los escenarios, haciendo todo eso que más le gusta y es hacer feliz a cualquier persona que le acompaña. Eso me pasó en el #3Tour

donde el madrileño se encargó de las teclas de la gira de Nerea Rodríguez, Ricky Merino y Raoul Vázquez.

Es difícil que un piano transmita tanta verdad y emoción en un concierto, pero sus solos, junto a la pasión y el amor que le dedicaba hizo que fuese una de las veladas más bonitas en mucho tiempo.

Desde que tiene uso de razón la música ha estado en su vida y lejos de la posible fama que le podía traer su participación en “Los Serrano”, al joven artista no le ha preocupado para quien trabajaba. Es de esas personas que no tiene grandes expectativas, que no se queda de brazos cruzados esperando la llamada. Es más, él hace la llamada y es de los que llama hasta conseguirlo, algo que no le preocupa. La música puede venir de los más conocidos pasando por los más pequeños que están comenzando. Por ello, Víctor Elías ha estado trabajando con Sofía Ellar, Pablo López, Ana Guerra, Ruth Lorenzo, Lucia Gil, Angy o Dani Fernández, pasando por Taburete, Nora Norman, Calum, Cirilo, Manolo García o Münik entre muchos otros.

El virtuosismo de Víctor Elías se ha visto en “La Llamada” y recientemente en el concierto benéfico que se celebró en el WiZink Center el pasado 8 de marzo “Mujeres cantan a Rocío Jurado” donde fue el director musical. Quienes lo han visto y disfrutado saben que su método de trabajo es infalible, y junto a su profesionalidad ha logrado hacerse un hueco en una industria musical que pedía a gritos tener a alguien con la pasión y visión del madrileño. Las jóvenes promesas vienen pisando fuerte, no les importa cómo conseguirlo, se arremangan y hacen magia con sus manos. Eso sucede con Víctor Elías, que ha confirmado que su vocación está encima de los escenarios creando un universo único que te transporta a lugares inimaginables.

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CINE

das producciones como Capadocia, serie de HBO nominada a tres premios Emmy, Presunto culpable, galardonada en el Festival Internacional de Shanghai, o Sequía, reciente coproducción hispanoportuguesa emitida en TVE.

LALI ESPÓSITO & MIGUEL ÁNGEL MÚÑOZ Nueva gala de los Premios PLATINO del Cine y el Audiovisual Iberoamericano.

por MIKEL MONTERO / fotografías cedidas por Zenit Comunicación

L

os intérpretes Miguel Ángel Muñoz y Lali Espósito serán los encargados de conducir la gala de los Premios PLATINO del Cine y el Audiovisual Iberoamericano. Así, los galardones comienzan su puesta de largo de cara a su celebración en Madrid, ciudad que de nuevo acogerá la IX Edición de los reconocimientos a la mejor producción audiovisual de la industria de habla hispana y portuguesa, cuyas nominaciones se anunciarán próximamente.

La dupla recogerá el testigo de la actriz colombo-española Juana Acosta y el intérprete mexicano Luis Gerardo Méndez, los maestros de ceremonias de la VIII Edición de los Premios PLATINO. Acosta y Méndez condujeron una gala que celebró la vuelta a la presencialidad, retomando el espíritu de unión de las regiones iberoamericanas en una noche que coronó a la cinta colombiana El olvido que seremos como mejor película iberoamericana y a la serie española Patria como mejor miniserie o teleserie de ficción o documental, además de homenajear al mexicano Diego

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Luna con el Premio PLATINO de Honor por su apuesta por el audiovisual iberoamericano.

De esta manera, Muñoz y Espósito se unen a la nómina de grandes estrellas del audiovisual que han conducido la gran celebración del audiovisual de habla hispana y portuguesa. Los dos actores toman el relevo a los ya citados Acosta y Méndez en una labor que han desempeñado en anteriores ediciones destacadas personalidades de la cultura iberoamericana como Adal Ramones, Alessandra Rosaldo, Carlos Latre, Cecilia Suárez, Eugenio Derbez, Imanol Arias, Juan Carlos Arciniegas, Májida Issa, Natalia Oreiro, Omar Chaparro o Santiago Segura.

Miguel Ángel Muñoz cuenta con una trayectoria de más de 27 años en cine, teatro y televisión. Debutó con tan solo diez años en la gran pantalla con El palomo cojo, de Jaime de Armiñan, junto a actores de la talla de Francisco Rabal y Carmen Maura. En televisión, el intérprete se ha convertido en una apuesta segura de éxito con títulos como Compañeros, Un paso adelante, El síndrome de Ulises o Sin identidad, además de trabajar en destaca-

Muñoz ha colaborado con directores de la talla de José Luis Garci, que contó con él para El crack cero, Borja Cobeaga, siendo parte del reparto de No controles, Isabel Coixet, reputada cineasta con la que participó en Proyecto tiempo, o Javier Fesser, realizador con el que trabajó en la película episódica Al final todos mueren.

El actor también ha cruzado el charco para actuar en Hollywood junto a estrellas como Sharon Stone o Andy García, sus compañeros de reparto en What about love, o bajo las órdenes del actor y director Rob Schneider en Daddy Daughter Trip.

En 100 días con la Tata, su debut como director (que le valió el reconocimiento como director revelación y la medalla Platino Educa de la Solidaridad (No ficción) en las Medallas CEC), realizó un emotivo acercamiento a su “Tata”, la mujer que le cuidó de niño con quien pasó el confinamiento, consiguiendo numerosos reconocimientos como el Premio Forqué a la Mejor Película Documental por su retrato de la vejez. Esta película narra la historia de amor entre Miguel Ángel Muñoz y su Tata.

Tiene pendiente el estreno de la película En otro lugar, dirigida por Jesús del Cerro, y de la obra El síndrome del copiloto, de Vanessa Montfort, que se interpretará en abril en los madrileños Teatros del Canal.

Por su parte, Lali Espósito comenzó su carrera artística en 2003 con diferentes telenovelas como Rincón de Luz, Floricienta o Esperanza mía. En Casi Ángeles, la actriz comenzó a despuntar, iniciando también su carrera como cantante como integrante del grupo musical Teen Angels con algunos de sus compañeros de reparto y luego continuando con su carrera solista con la que ha lanzado 4 álbumes en estudio y nuevas canciones en estos meses. Fue protagonista en la telenovela Cuando me sonríes, y ha participado en otros títulos televisivos como El Host, Sandro de América, Chiquititas sin fin o Solamente vos.

Entre sus últimas interpretaciones destaca su papel como Wendy en Sky Rojo, exitosa serie hispanohablante de Álex Pina para

Netflix que ya rueda su tercera temporada.

En la gran pantalla, ha seguido creciendo como intérprete con papeles muy diferentes en películas como Acusada, estrenada en 2018, protagonizada por la argentina junto a Leonardo Sbaraglia, dirigida por Gonzalo Tobal, que fue nominada para competir por el León de Oro del Festival de Cine de Venecia. También ha trabajado en otros proyectos como Permitidos, Me casé con un boludo, A los 40 o La pelea de mi vida. Además, la artista argentina se ha destacado como cantante solista, dando buena muestra en la gala de los VI Premios PLATINO celebrada en 2019 subiéndose al escenario de Riviera Maya para interpretar algunos de sus temas más populares, como Cien grados, Sin querer queriendo o Caliente.

Los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano, promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales), con FIPCA (Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales) y la intensa colaboración de la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid, dos instituciones cuya apuesta por la atracción de rodajes al territorio madrileño, espacio ideal para todo tipo de producciones de cine y televisión, se refleja en una intensa actividad especialmente beneficiosa para el sector audiovisual.

Los PLATINO también cuentan con el apoyo de la Organización Mundial del Turismo y las Academias e Institutos de Cine iberoamericanos, y aúnan a los grandes talentos de las industrias de los 23 países iberoamericanos para ensalzar a las producciones y a los creadores más destacados de cada año con veintidós galardones y un Premio PLATINO de Honor.

Trabajan desde su primera edición en 2014 en la difusión del cine iberoamericano, para que los éxitos que se consiguen en los festivales más prestigiosos se traduzcan también en excelentes resultados en las salas comerciales y que nuestro cine tenga la distribución que se merece.

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REPORTAJE

Katrin vankova fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo YURENA GUERRA / muah VANESSA LÓPEZ

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RESACAS EMOCIONALES

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atrin Vankova es una joven actriz que llegó a Catalunya a la edad de 5 años. Ya ha despuntado tanto en el teatro como en el cine o en destacadas series de televisión. “ Creo que a nivel personal me ha dado la posibilidad de experimentar experiencias y situaciones que quizá si no fuera actriz no las hubiera vivido”. De hecho, el pasado verano rodó en Londres para la serie ‘Alex Rider’ (de ocho capítulos), de Sony Pictures Television. Y hace un par de sema-

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REPORTAJE

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Abrigo, de Calvin Klein. Body, de &Other Stories. Peto y calzado, de Bershka.

ser libre nas estrenó fuera de nuestras fronteras ‘The Unbearable Weight of Massive Talent’, una producción de Hollywood dirigida por Tom Gormican, protagonizada por Nicolas Cage y Pedro Pascal, y donde interpreta a ‘María’.

Hablamos con Katrin del oficio, de lo que le ha dado, de lo que le divierte, de la parte más glamurosa y de la parte más indie. De dónde se encuentra más conectada con ella misma y hacia dónde no quiere ir.

a través de pasar mucho tiempo con el personaje. Me gusta salir a la calle e imaginarme cómo este personaje se movería, cómo reaccionaría... También analizo a nivel energético del personaje cuáles son sus puntos más débiles o fuertes. Y eso ya te ayuda a crear el movimiento corporal, por ejemplo, a través de la música.

Es fácil, lo que pasa es que cuando nos llega un personaje tendemos mucho a banalizarlo. Ponerlo en un cliché aunque haya muchos matices y detalles que están ahí, pero cuesta buscarlos.

MW: ¿Es más fácil iniciar la construcción de un personaje o soltarlo?

Katrin Vankova: A mí me cuesta más despedirme, lo paso fatal. Me entran unas resacas emocionales...no sé quién soy, no sé dónde estoy... Sobre todo en los rodajes más largos o más intensos.

Es más rara la sensación de dejar el personaje.

MEW Magazine (MW): ¿Qué te ha dado, a nivel personal, tu oficio?

Katrin Vankova: Creo que a nivel personal me ha dado la posibilidad de experimentar experiencias y situaciones que quizá si no fuera actriz no las hubiera vivido, como conocer gente, viajar, ponerme en situaciones muy ‘random’ que de por sí, sola, no lo haría.

MW: Siempre me dicen compis tuyos de profesión que nunca hay que juzgar a un personaje, pero, ¿es tan sencillo como decirlo?

Katrin Vankova: Creo que a mí me cuesta mucho juzgar, pero sí que me he encontrado con personajes que me ha costado más defenderlos. Hay algunos que no te sale defender porque no haría eso pero tienes que sobreponerte a tu pensamiento.

MW: ¿Ha habido algún personaje que hayas arrastrado en días posteriores a dejar el proyecto?

Katrin Vankova: Sí, me acuerdo de la película ‘This is the win’. Es una película que hicimos junto a mi amiga y compañera Laia Manzanares que es la historia real de dos adolescentes que tienen trastornos alimenticios y fue muy heavy. Fue una historia muy profunda y cuando finalizamos estuve como dos semanas que sentía aun ese personaje. Era raro... Había una parte de mí que no quería dejarlo porque había aprendido mucho de la historia.

MW: Cuando llega un nuevo personaje, ¿es más sencillo o más complejo de lo que creemos encontrar un movimiento corporal específico?

Katrin Vankova: Yo lo busco mucho

De todos los personajes se aprende y lo guay es poder empatizar con todos ellos.

No hay blancos y negros, hay muchas maneras de conectar.

MW: Laia Manzanares me comentó un día que hagan lo que hagan sus personajes ella siempre los defiende a muerte...

Katrin Vankova: Total... Al final es lo

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REPORTAJE que hacemos todos en la vida real, ¿no? Si tienes hambre, vas a comer. Si estás triste, estás triste. Es actuar sin pensar más allá de lo que es, así es más sencillo. Nos lo complicamos demasiado, creo.

MW: ¿Ha habido algún personaje en el que te haya costado entrar más de la cuenta?

Katrin Vankova: Sí, pero fue por muchos factores. No me gustaba como vestía ese personaje y los diálogos eran horribles... Era una serie, no voy a decir más (Risas).

Me gusta ir más allá con un personaje, pero con este era imposible. Era todo muy cuadrado y yo soy cero cuadrara.

Me hizo reflexionar mucho. Al final de cada personaje aprendes algo... Los personajes que me llegan, normalmente, tienen que ver con el momento de vida en el que estoy. Es curioso.

MW: En las semanas de rodaje, ¿cómo se consigue equilibrar la energía del personaje con la energía que tiene una misma?

Katrin Vankova: Con silencio. A mí me pasa que en las semanas de rodaje estoy como loca. Suelo avisar a mis amigos, familia, pareja... Me gusta mucho tener ese espacio para tener al personaje y al llegar a casa tener mucho silencio para conectarme conmigo.

MW: Estrenas nuevo largometraje y me gustaría saber si ese

EMOCIONAR MW: ¿Te ha ocurrido alguna vez eso de estar en casa, preparar con el guión el personaje de alguna forma, llegar ante el director y que te desmonte toda tu idea?

Katrin Vankova: Siempre (Risas). Normalmente me pasa eso con directores/as que dejan mucho el proyecto a la magia del momento. Porque primero piensan una cosa y luego lo cambian... Aunque luego el resultado sea guay.

MW: A veces, quizá, todo sea cuestión de dejar que en una escena sean los actores quienes fluyan...

Katrin Vankova: Creo que el factor es la confianza y el saber pillar la esencia de cada departamento porque todos suman y hacen que la historia crezca y florezca. Los proyectos que más me gustan son con directores de los que sé qué esperan de mí y qué les puedo ofrecer yo.

Se crea un lenguaje invisible.

MW: Cuando el personaje está lo más alejado de ti, ¿es cuando más te diviertes?

Katrin Vankova: Sí. Y donde más libre me siento porque no me juzgo a mí misma. Y cuanto más mayor te haces es horrible porque tiendes a juzgarte más.

MW: ¿Qué defecto y qué virtud has descubierto, gracias a un personaje, sobre ti?

Katrin Vankova: Virtud creo que bailar... Donde puedo usar más mi cuerpo con un personaje, ahí, me crezco. Siento como un chute. Y defecto...aprendí mucho con la peli que he comentado antes porque creo que es un problema que nos toca mucho y lo he visto mucho a mi alrededor, el tema del físico y más en esta profesión que estás expuesto todo el tiempo.

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vértigo es importante mantenerlas pase el tiempo que pase...

Katrin Vankova: No sé si vértigo, creo que son más como costillas y me encanta sentirlas. Ha sido una experiencia muy chula y con gente muy guay. Y me gusta ver el resultado, compartirlo con mi gente. Al final, para eso se hace, ¿no?

Me lo tomo de forma muy profesional, intento no vincularme de forma personal.

MW: ¿Qué ha tenido este proyecto de especial para ti?

Katrin Vankova: Me acuerdo que me hizo reflexionar mucho sobre dónde estoy y dónde quiero estar. Es un proyecto grande, con gente de una dimensión grande y que ves que todo lo que rodea a eso es muy grande también. Está muy guay un ratito.

Me lo tomo como un juego. Está muy guay saber dónde están tus raíces y dónde está tu gente. Todo es muy efímero.

MW: ¿Dónde quieres estar?

Katrin Vankova: Tengo muchas ganas de ir a Nueva York. Me gustaría tener un piso ahí e ir haciendo viajes y pasar tres meses allí y el resto del año aquí.

Me gusta estar cerca del mar y de aquí a unos años me gustaría poder estar en proyectos que hagan sentir cosas e inspirar a la gente. Proyectos de gran dimensión o proyectos chiquititos que a veces estos últimos son los más gustosos. Ser libre.

··· “Ser libre”, quizá todo se resuma en eso. En poder ser quienes queramos ser sin tener que dar un exceso de explicaciones.

Chaqueta, de Calvin Klein. Pantalón, de Polo Club. Calzado, de Dr. Martens. Collar, de Joys.

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Camiseta, de COS. Chaleco, de &Other Stories.

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CINE

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por REDACCIÓN fotografías ©Featurent/ Jaiime Olmedo

LAS

MECÁNICAS DEL PODER, EN LA

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¿Quiénes mueven los hilos?

Código Emperador, que se estrenó en cines el pasado 18 de marzo, nos intro-duce en “una unidad especial del Centro Nacional de Inteligencia, conformada por varios agentes. Uno de ellos es Juan, un agente que está en proceso de cri-sis personal, ideológica y profesional”, explica su intérprete y protagonista de la película, Luis Tosar. “En principio están encargados de investigar las redes de contrabandistas de materiales peligrosos.

Es decir, velar por la seguridad nacio-nal.

Y en medio de toda esta investigación se ven inmersos en una serie de acontecimientos que no tiene tanto que ver con la seguridad nacional como con salvaguardar la imagen de la patria”, añade el actor.

Con Código Emperador, Jorge Coira se adentra en las mecánicas del poder en la sombra: “Lo que supone estar entre el bien y el mal, lo ético y no ético, lo le-gal y lo ilegal. Juan lleva varios casos en paralelo. Por un lado, tiene que inves-tigar a unos traficantes para intentar evitar un atentado en Europa y, por otro, está investigando a un joven político en busca de asuntos turbios. Y la cuestión es que no sabe por qué”, señala el director de la multipremiada serie Hierro.

Para Luis Tosar, ganador del Goya en tres ocasiones, su personaje (Juan) “es un tipo que está básicamente consagrado a su trabajo y que se está empezando a cuestionar ciertas cosas que están ocurriendo con sus deberes y obligaciones.

En cuanto a salvaguardar la seguridad nacional, el sentido de lo patriótico em-pieza a mezclarse con otros asuntos, con encargos que están muy lejos de ser una investigación sobre temas de seguridad internacionales y que están más cercanos a la manipulación en el entorno político y en el entorno social. Y esto empieza a provocarle serias dudas sobre la ética de lo que está haciendo”.

Con su vida dedicada exclusiva-

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mente a sus responsabilidades laborales, “por-que cualquier elemento de vida más personal, de una vida más luminosa, puede ser un estorbo y un problema en su trabajo”, comenta Jorge Coira, el destino de Juan se cruzará con el de Wendy (Alexandra Masangkay), una asistenta filipina que trabaja en una exclusiva urbanización de lujo. A este respecto, el director apunta que: “Juan necesita engañar a Wendy.

Por muy buenas razones, pero tiene que engañarla. Sin embargo, según la va conociendo, ese engaño empieza a ser algo difícil de llevar. De alguna manera, en esa relación, Juan es la oscuri-dad y Wendy es la luz. Un contraste en el que una vez que el negro y el blanco se mezclan, empiezan

a aparecer los grises”.

Según su coprotagonista Alexandra Masangkay, a la que hemos podido ver en películas como El Hoyo o 1898. Los últimos de Filipinas: “Realmente lo mágico de los dos personajes es que vienen de contextos completamente distintos, pero luego tienen algo en común que es la soledad. Son como dos animales heridos que se lamen juntos las heridas y acaban conectando”.

Código Emperador revela a través de la ficción una reconocible realidad de la España reciente: “En los últimos años han empezado a salir con cierta frecuen-cia noticias sobre esos mundos oscuros, las

denominadas ‘cloacas del Estado’. En la película queríamos adentrarnos en ese terreno para poder hablar sobre eso que está ocurriendo y que es opaco y está escondido… Solo emerge la punta del iceberg a través de ciertas noticias que vemos en los medios de vez en cuando”, profundiza Jorge Coira.

Una de las claves de la película, reconoce su productora Emma Lustres, de Vaca Films, “es bucear y meternos a fondo en los entresijos del poder: en los del po-der económico, en el empresarial, político, del show business y del mundo de-porte… Código Emperador pone un espejo a la sociedad española”. Para ello, continúa, “hemos hecho un trabajo de documentación e investigación exhaus-tivo.

Entrevistas con periodistas, abogados, jueces, policías, el CNI… De esta manera, nos hemos sumergido en una realidad sociopolítica de este país, que ha sido muy poco tratada en la ficción española”.

Se trata de un revelador thriller que nos introduce en el mundo de los podero-sos y de los que mueven los hilos. La información y la desinformación, la ver-dad y el engaño, el bien y el mal… términos que, en ocasiones, se tocan, se cru-zan y conviven hasta confundir sus límites. El guionista Jorge Guerricaecheva-rría considera que “la realidad en que vivimos es el fruto de un delicado equili-brio.

Un universo en constante peligro de zozobrar en el que la información es controlada y manipulada por poderes que, pretendiendo protegernos, buscan en realidad mantenerse a flote y perpetuarse”.

Para Georgina Amorós, Marta en Código Emperador, “el espectador va a poder ver unos temas que normalmente no tiene tan cercanos. En la película suceden muchísimas cosas…

Trata de la corrupción, de la manipulación de las élites, del poder… De eso que sabemos que está ahí pero que, sin embargo, no lo tene-mos cerca o no lo hemos visto ni vivido”. Según su intérprete, “Marta tiene mu-chas caras. Es valiente, independiente y trabajadora, tiene las cosas claras. Pero también tiene secretos y una vulnerabilidad que intenta tapar con un carácter explosi-

vo. Marta es una rosa delicada que se ha cubierto de espinas para sobre-vivir al mundo. Aunque huye de su pasado, con la aparición de Juan se volverá a encontrar cara a cara otra vez con este oscuro pasado que comparte con Juan y que ella creía haber superado… Pero Juan ha venido a recordárselo”. La actriz, vista en las series Élite y Vis a vis, o en películas como Rifkin’s Festival, destaca “el ritmo, las tramas, la intriga, la calidad de producción…” de Código Empera-dor.

ralmente complejos, creo que tienen mucho que ver con las razones por las que quise dedicarme a esto. Poder aprender un poco sobre los demás, sobre la complejidad de la realidad”.

Para Jorge Coira, “las fronteras entre el bien y el mal, entre lo ético y lo no ético, no son tan claras. Y en muchos casos, gente que hace cosas terribles tiene muy buenas razones o cree tener muy buenas razones para hacerlas. Es un mundo difuso y precisa-mente por eso, más interesante”.

Luis Tosar confiesa que “me gusta mucho el cine de espías y el policíaco, pero en este caso, además, creo que tiene muchos elementos de un cine que ya no se hace tanto, un cine que era muy abundante en los años 70, como las pelícu-las de Sidney Lumet…”. Y, además, asegura que “nos va a descubrir a un grupo de personas que desempeñan trabajos que no son normalmente muy conoci-dos por el grueso de la sociedad, pero que inevitablemente están ahí para que las cosas funcionen”.

En definitiva, Código Emperador es un thriller de intriga, pero también un inten-so y catártico viaje interior que “espero que remueva emocionalmente. Una pelí-cula que atrapa, que te lleva de un lugar a otro, que te hace viajar, te engancha con esos personajes en situaciones muy extremas y muy fuera de lo común y, sobre todo, que te conecta emocionalmente con una realidad desconocida y apasionante”, concluye Jorge Coira.

Además de Tosar, Masangkay y Amorós, el nuevo thriller de Jorge Coira cuenta con un amplio universo que incluye, entre otros, a Miguel Rellán, Denís Gómez, María Botto, Laura Domínguez, Arón Piper, Fran Lareu y Santi Prego.

Con licencia para sorprender y hacernos reflexionar e inspirada en la cara más oculta de la realidad social y política española, Código Emperador “se adentra, desde la potencia del thriller, en la realidad de los agentes de información: un mundo en el que la frontera entre el bien y el mal se diluye y donde las cosas no siempre son lo que parecen. Poder entrar en ese mundo y explorar esos terre-nos difusos, estorninos mo-

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REPORTAJE

LOCURA DE LO

‘Veneciafrenia’, la nueva película de Álex de la Iglesia, llegará a las salas de cine el próximo 22 de abril, es el primer largometraje de The Fear Collection, el sello cinematográfico creado por Pokeepsie Films y Sony Pictures International Productions, en asociación con Prime Video.

Con guión del propio de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría, ‘Veneciafrenia’ está protagonizada por Ingrid García Jonsson, Silvia Alonso, Goize Blanco, Nicolás Illoro y Alberto Bang, quiénes dan vida a un grupo de turistas que viajan al carnaval de Venecia para divertirse, ajenos al gran problema que supone para los venecianos el turismo de masas.

En la naturaleza existe un vínculo indisoluble entre la belleza y la muerte. El ser humano, deudor de su entorno, imita lo que observa. Como mosquitos atraídos por el faro más brillante, los turistas están apagando la luz de una ciudad prodigiosa, eterna candidata a Octava Maravilla del Mundo. La agonía de las últimas décadas ha desatado la ira entre los venecianos. Para frenar la invasión, algunos se han organizado, dando rienda suelta a su instinto de supervivencia. Nuestros protagonistas, un sencillo grupo de turistas españoles, viajan a Venecia con la intención de divertirse, ajenos a los problemas que les rodean. Allí

EXTRE

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fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo YURENA GUERRA / muah VANESSA LÓPEZ

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REPORTAJE

se verán obligados a luchar por salvar sus propias vidas.

Hablamos con Alberto Bang de Jose, un personaje que destila litros y litros de inocencia, sin tener idea alguna de hasta donde puede llegar la maldad, ni si existe. Analizamos el oficio y esta gran y única oportunidad para hacer cine disfrutando desde el primer segundo.

MEW Magazine (MW): En este oficio el equilibrio perfecto está entre la paciencia y la incertidumbre...

Alberto Bang: Sí...

MW: ¿Y cómo se lleva eso?

Alberto Bang: Pasan tantas cosas en un rodaje que no sabes por donde te va a venir nada. De pronto te ves rodando una cosa súper extrema y luego sigues con algo completamente diferente y a lo mejor tienes una espera de cuatro horas. Los actores tienen que esperar y estar siempre al cien por cien.

MW: ¿El audiovisual desgasta mucho más que el teatro?

Alberto Bang: hay una diferencia abismal entre el teatro y el cine. Ninguna es mejor que la otra, pero son muy diferentes. En el teatro viajas con ese personaje, disfrutas de su arco durante toda la obra, frente al cine donde no ocurre eso. Por ejemplo, en ‘Veneciafrenia’ la primera secuencia que rodamos fue el inicio y la segunda secuencia que rodamos fue el final.

MW: ¿Cómo se lleva una profesión en la que uno va encadenando más ‘no’ que ‘sí’?

Alberto Bang: Tienes que tener una mentalidad muy fuerte para aceptar el ‘no’. No estamos acostumbrados en la vida a que nos digan que no. Porque siempre tratamos de conseguir el sí en todo. El que te digan que no, que no, que no, mentalmente te puede destruir y que te hagas muchas preguntas sobre ti mismo, si eres feo, si estás gordo, si no eres buen actor...

Hay que aguantar y particularmente, casting que hago, casting que me olvido.

MW: ¿ha habido algún casting que hayas sentido que te ha salido horrible y justo te han llamado de ese?

Alberto Bang: Es que normalmente suele pasar eso, que te llaman del que tú piensas que lo has hecho mal. Y la prueba que piensas que te ha salido genial, no recibes nada.

MW: ¿Qué es más fácil? ¿Los días en los que uno comienza a conocer al nuevo personaje o cuando llega el momento de soltarlo y terminar el proyecto?

Alberto Bang: Despedirse de un personaje siempre es

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“Tienes que tener una mentalidad muy fuerte para aceptar el 'no'” difícil porque es terminar el trabajo y si el personaje es grande pues al final hay mucho trabajo ahí, mucho cariño con el director, con el equipo técnico y siempre es complicado despedirse. Empezar siempre me parece divertido. Ver tu visión con la visión del director, por ejemplo.

MW: Te vamos a ver próximamente en ‘Veneciafrenia’ y me gustaría saber, sobre la construcción de tu personaje, si comenzaste por su movimiento corporal o fuiste antes a lo emocional.

Alberto Bang: Jose es verdad que a cuanto al movimiento es un poco torpón. Donde obviamente he sacado cosas de mí.

MW: ¿Fue fácil la convivencia con Jose?

Alberto Bang: Sí, sí, fue maravilloso hacer ese personaje.

MW: ¿Es más fácil un personaje que se aleja mucho de uno mismo?

Alberto Bang: Bueno...es verdad que cuando es un personaje más cercano te es bastante más fácil incorporarlo obviamente, pero a mí me gusta ir un poco a los extremos. Sino, al final, es todo como demasiado cotidiano. Y acaba siendo todo como muy normal, muy tú. Por eso me gusta trabajar con Álex porque él es muy extremo.

MW: En ‘Veneciafrenia’ el espectador va por delante de los personajes y eso es tan divertido como desesperante...

Alberto Bang: Sí, hay momentos en los que odias a los personajes (Risas), porque no se puede ser más idiota, ¿por qué entras ahí? Callejón, oscuro, ¡no vayas! (Risas). En Sitges la gente nos los decía.

MW: Jose es que tiene una inocencia...no ve maldad Alberto Bang: Sí, está ahí como la inocencia, sin una maldad objetiva.

MW: ¿Serías amigo de Jose?

Alberto Bang: Yo creo que sí, aunque le daría un par de collejas en algún momento (Risas).

MW: Y siendo ese buen colega de Jose...¿qué consejo le darías al inicio de la historia y qué consejo al final?

Alberto Bang: Jose tienes que aprender a saber dónde está tu pasaporte y a guardar mejor los condones (Risas) porque empiezas mal sino. Y al final...que no te fíes de la gente, que pasan cositas...

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CINE

EL CINE QUE HA TRIUNFADO por JUDITH TORQUEMADA 60 ABRIL 2022 · MW

Con la entrega de los Premios Oscar, ha concluido una temporada de galardones que no ha brillado como en otras ocasiones y que deja, además, una sensación agridulce. Sobre todo porque en este tramo final no se ha hablado tanto de cine como debería. Bien: estas líneas van a hacerlo. Repasamos aquí las películas que han sonado en estos últimos meses en todo el mundo.

©Netflix

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ue en nuestra madrugada del 28 de marzo cuando se celebró la última ceremonia de los Premios Oscar, que suele dar por concluida la temporada de premios, esa que reconoce lo mejor de los últimos meses del panorama cinematográfico. De esta gran noche de Hollywood puede concluirse que estos galardones, y también todos los anteriores, han dejado una sensación agridulce. Una sensación de que aquello que se ha alzado con el título de “lo mejor del año” no ha brillado tanto como en otras ocasiones. Ha sido una cosecha, más bien, descafeinada, sin grandes estrellas. Pese a este sentimiento generalizado, hay claras vencedoras.

También ciertos títulos que no han pasado de ser las promesas de la temporada.

Hay que empezar por hablar de ‘CODA: Los sonidos del silencio’, porque no solo ha sido la película que se alzó con el Oscar en la categoría de mejor película, sino que ha sido también el ejemplo de cómo determinadas historias van calando en el público. Hace unos meses, parecía incuestionable que ‘El poder del perro’, dirigida y guionizada por Jane Campion, iba a ser la gran película de 2021. Poco a poco, sin embargo, ‘CODA: Los sonidos del silencio’, que no es sino un remake de la francesa ‘La familia Bélier’, se fue haciendo un hueco. Y así llegó a los Oscar: con todo a su favor. Emocional, sencilla en sus formas, fácil de ver, la película escrita y dirigida por Siân Heder se sintió de alguna manera la gran triunfadora de la noche. Troy Kotsur, además, se llevó el galardón a mejor actor de reparto, y también el cariño de toda esta gente.

Con permiso de ‘CODA: Los sonidos del silencio’, que se llevó sobre todo esa victoria emocional, ‘Dune’ fue la gran protagonista de las categorías técnicas: mejor fotografía, mejores efectos visuales, mejor montaje, mejor sonido, mejor banda sonora y mejor diseño de producción. La película de Denis Villeneuve

“ DE LA GRAN NOCHE DE HOLLYWOOD PUEDE CONCLUIRSE QUE LOS GALARDONES HAN DEJADO UNA SENSACIÓN AGRIDULCE ” mewmagazine.es 61

CINE

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terminó la noche como la más premiada. Curiosamente, Villeneuve no estaba siquiera nominado en la categoría de mejor dirección.

Fue en esta categoría donde ‘El poder del perro’ tuvo algo que decir. Jane Campion, que adaptó la novela homónima de Thomas Savage, levantó a sus 67 años y tras su segunda nominación, el Oscar a mejor dirección. No se llevó, sin embargo, el de mejor guion adaptado, que recayó en ‘CODA’, para sorpresa de muchos, pues no deja de ser una adaptación de otro guion pensado para la gran pantalla, mientras que el valor de Campion fue adaptar una novela al lenguaje cinematográfico. Con respecto a mejor guion original, ‘Belfast’, la cinta de Kenneth Branagh, fue la vencedora. Con 7 nominaciones, este Oscar fue el único que el cineasta, natural de Irlanda del Norte, se llevó a casa.

Otros nombres protagonistas. Will Smith, que tras una temporada arrasando en la categoría de mejor actor no dio la sorpresa (al menos en este aspecto). Venció a sus contrincantes y obtuvo el primer Oscar de su carrera por su papel en ‘El método Williams’. Premio discutido: tanto Benedict Cumberbatch, por ‘El poder del perro’, como Andrew Garfield, por ‘Tick Tick...

Boom!’, no se quedaron lejos de arrebatárselo.

Jessica Chastain se hizo con el galardón en la categoría de mejor actriz protagonista por ‘Los ojos de Tammy Faye’, una película que no ha gustado pero que sí ha ofrecido un papel que encanta a la Academia. Drama biográfico en el que la actriz queda mimetizada con la persona a la que representa. Dicen por ahí que a punto estuvo Penélope Cruz, por ‘Madres paralelas’, de llevárselo.

No pudo ser.

No hubo sorpresas en la categoría de mejor película de animación: ‘Encanto’ ha monopolizado premios y conversaciones desde ene-

ro. También los tarareos de la gente, pues esta película es lo que es en buena medida gracias a las canciones de un Lin-Manuel Miranda que, sin embargo, no se llevó a casa el Oscar a mejor canción original. ‘Dos Oruguitas’ perdió su particular batalla contra ‘No Time To Die’, la canción que Billie Eilish desarrolló para la vigesimoquinta película de James Bond. Lo cierto es que las canciones del agente 007 son las que suelen llevarse los premios.

Por lo demás, ‘Drive my car’ fue escogida como la mejor película extranjera, ‘Summer of Soul’ como el mejor documental, ‘The Long Goodbye’ como el mejor cortometraje y una alegría: ‘El limpiaparabrisas’, del español Alberto Mielgo, fue elegido como mejor cortometraje de animación. Este fue el año, además, en que los Oscar estrenaban categoría: la favorita del público. Los seguidores de Zack Snyder llevaron ‘Army of the Dead’ a la victoria en esta categoría extraña en la que competían ‘Cenicienta’, ‘Minamata’, ‘Spider-Man: No Way Home’ y ‘Tick, Tick... Boom!’.

Así fueron los Oscar y estas son las películas de las que se han hablado en los últimos meses. Y ahora... ¿qué? Ahora a por la próxima temporada de premios. Ya hay nombres sonando, ya hay expectativas, ya hay, incluso, favoritos.

Queda mucho por delante, desde luego, pero el cine no descansa, así que nosotros tampoco podemos hacerlo.

EL CINE QUE CALA EN EL PÚBLICO Ruby es la única persona oyente de una familia de sordos. Es una CODA, Child of Deaf Adult, hija de adultos sordos. A sus 17 años, Ruby trabaja por la mañana con su familia antes de ir a clase, pero necesita algo más.

Así que con el deseo de encontrar nuevas aficiones, decide unirse al coro de su instituto, donde además de descubrir su pasión y su talento por el canto, empieza a sentirse atraída por uno de sus compañeros. Ruby tiene que enfrentarse, entonces, a una complicada decisión: sus estudios o su familia.

Este, el de ‘CODA: Los sonidos del silencio’, es el cine que hoy cala en el público.

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SERIES

11 M, cuando la lucha por el poder oculta la realidad LO SUCEDIDO EL JUEVES 11 DE MARZO DE 2004 EN MADRID SERÁ SIEMPRE RECORDADO por ÁLEX DELGADO / fotografías ©Netflix

No hay miedo ni temores cuando pensamos que el poder y los intereses de los alto cargos pueden influir negativamente en el transcurso de los sucesos. Los atentados terroristas de Atocha del 11 de marzo, hicieron que la gran mayoría de la población se replantease el discurso que estaban recibiendo desde las instituciones públicas y sin pensar en las posibles consecuencias.

Desde ese momento, se ha trabajado en muchos aspectos a la vez para pueda garantizar una mínima estabilidad. La lucha antiterrorista es uno de los principales objetivos en los que ha estado trabajando la sociedad occidental.

Poco a poco las plataformas se van adentrándose en un mundo desconocido que es el de los documentales. Cada persona y suceso tiene su historia y la historia jamás contada. Y esto es lo que se suele conseguir en los documentales de Netflix o Amazon. Este es el caso de “11M” un proyecto de la plataforma americana que ha logrado mostrarnos una realidad desconocida o que nos intentaron tapar donde la lucha por el poder y el ego jugó con los sentimientos de las personas y las víctimas. No han tenido miedo a darle voz a los que supuestamente deberían tenerla y que a la vez fue tapada por muchas personas que no les interesaba

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escucharles por sus intereses personales y profesionales en un momento donde las elecciones generales podían perjudicarles gravemente.

Hablar del 11 M es hablar de uno de los atentados terroristas más terroríficos que se recuerdan en Europa. En ellos llegaron a fallecer 192 personas en un día aterrador donde más de 2000 personas resultados fallecidas. Relacionado directamente con el grupo terrorista ETA por parte del gobierno estatal, mientras que por parte de los cuerpos de policía que se encargaban de la investigación lo relacionaban con Al Qaeda, se puso en jaque

todo lo sucedido y un discurso que tenía muchas debilidades ante una población que necesitaba conocer la verdad.

Para hacer este documental, no han

tenido miedo y han apostado por darles voz a todos los miembros que formaron parte de ese terrible suceso, aunque algunos altos cargos políticos por los motivos que sean decidieron no formar parte de este proyecto. Los que si participaron han sido los abogados, periodistas que vivieron el suceso, testimonios de algunos heridos o bien familiares de las víctimas.

De este modo, conseguían el equilibrio perfecto donde el lado humano y el político se juntaban y permitían al espectador poder reflexionar sobre todo aquello que sucedió.

En “11 M” te permite ver como la ciudadanía suele sacar el lado más solidario y bondadoso de la desgracia. Con personas tirando sábanas o mantas para que se puedan tratar a las víctimas o heridos. La población se unió ante la violencia del po-

der político, generando una inseguridad social en la que no había ningún tipo de justificación. Ante esa situación, la población no tuvo miedo y salió a mostrar su lado más cercano, ayudando a bomberos, policías y familias que estaban desoladas ante la atrocidad que se vivió.

El ego, el interés y las intenciones políticas y personales eran necesarios para mantener el cargo político a toda costa. Este es el punto en el que se centran especialmente en el documental, donde desmontan una por una cada una de las mentiras que habían narrado desde el Partido Popular. No les interesaba indicar que era un atentado terrorista de Al Qaeda y era mejor decir que era todo de ETA. En el documental “11M” no dudan en desvelar esos secretos documentales

que han estado encima de la mesa desde el inicio, pero que intentaron taparlos o esconderlos. No fue una caza del culpable, fue una búsqueda del argumentario que mejor se podía adaptar a nuestros intereses. Tanto es así, que no les importaba jugar con el dolor de las víctimas y sus familiares. Era un discurso vacío sin sentido cuando desde organismos internacionales indicaban que iba a ser posible que se sucediera ese tipo de suceso.

Gracias a este tipo de documentales se le rinden homenaje a ese tipo de personas que han formado parte de nuestro día a día y que han estado olvidados por unas instituciones que únicamente se acuerdan de ellas en los actos públicos conmemorativos. No hay que tener miedo en relatar una realidad que ha afectado a tantas personas que han visto sus vidas perecer o cambiar radicalmente ate la impasibilidad de las personas que se encargaban de lo más importante: poderles dejar vivir en paz y con un mínimo de seguridad. Es el fiel reflejo de un conjunto de sucesos que nos pueden afectar a diario y que no podemos luchar para evitarlo teniendo el enemigo en casa y en las instituciones.

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SERIES

SE QUEDÓ EN EL INTENTO

La nueva serie de Netflix, “Érase una vez … pero ya no”, ha llegado con las ganas de marcar una referencia en el mundo audiovisual moderno. Sin embargo, esta ficción se queda en el intento por muchos puntos débiles que hace difícil conseguir sus objetivos. por ÁLEX DELGADO / fotografías ©Netflix/Concha de la Rosa

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y que ha marcado nuevos estereotipos gracias a su inclusión y adaptación a los nuevos tiempos con las rupturas de los estilos o temáticas más explotadas en los últimos años.

A la hora de hablar de “Érase una vez… pero ya no”, nos encontramos con una ficción en la que es imposible definirla sin encasillarla. Se trata de un cuento que rompe con el típico final feliz convertido con un musical que no llega a cabaretero, pero que no se queda en un quiero y no puedo.

Es un divertido cuento propio de Disney españolizado y con unos toques de humor un tanto arcaicos, que intentan adaptarlos a los nuevos tiempos con un lenguaje inclusivo que no pasa desapercibido para la audiencia.

La serie ha sido producida por Noc Noc Cinema y su sinopsis se centra en contar la historia de amor que era prohibido entre dos amantes de la aristocracia que se vieron obligados a separarse hace

vas. Es una ficción que es posible que pretenda que cualquier suceso tenga cabida y no es posible. Comenzando con la historia del cuento, que es extremadamente vacía, como si se contase a un niño pequeño y que no termina de convencer. Por su parte, es cierto que se salva principalmente por grandes actores, como pueden ser Itziar Castro, Mariola Fuentes, Asier Etxeandia o Rossy de Palma, que gracias a sus tablas sorprenden con algunos giros inesperados enganchando a un espectador que piensa continuamente que son 6 episodios de 30 minutos.

Peor suerte corren los dos grandes protagonistas: Nia Correira y Sebastián Yatra. En el caso de la cantante española quizás peca de su inexperiencia en la ficción y delante de la cámara. En ocasiones se le nota demasiado impostada y tensa, pero cuando canta y entra en acción el lado musical puede brillar.

Por su parte, el artista colombiano recurre a los desnudos y a enseñar torso por una exigencia de un guion que no hay por dónde cogerlo. Quizás, el principal problema es que han querido ha-

“Pretende ofrecer una mirada renovada con dosis del mamarrachismo propio, pero se queda en el intento”

Las grandes plataformas de contenido audiovisual cuentan con el factor de poder jugar con los espectadores y generar un tipo de contenido de calidad que toque todas las áreas posibles. Las nuevas tendencias de consumo ha permitido que muchas ficciones rocen límites y terminen sorprendiendo con un contenido variado sin perder la esencial. Esto es lo que sucede con “Érase una vez… pero ya no”, una serie que ha llegado en el último mes a Netflix

siglos y que tenían que reencontrase si quieren liberar al pueblo de un hechizo que ellos mismos crearon. Muy bonito y fantasioso todo, pero no. Pretende ofrecer una mirada renovada con dosis del mamarrachismo propio “La casa de las flores” y es que para ser del mismo director, Manolo Caro, se queda en el intento y a la vez te deja frio. Es un humor españolizado casposo que no te termina de convencer, hay escenas que no tienen sentido, pero por suerte son pocas.

Es posible que esta serie se haya hecho corriendo y con el crono de entrega jugando a su contra. No se entiende que en muchos casos hayan tenido que recurrir al tópico del desnudo cuando se podían salvar con otras alternati-

cer un “Rocky Horror Picture Show” descafeinado y a la española que se queda en un quiero y no puedo. No se entiende que lo vendan como una comedia musical y no tengan canciones propias.

Se supone que iba a ser una serie que rompe con los cánones, pero apuestan por un tipo de personajes que cumplen con unos estereotipos muy marcados y quien diga que no miente. No puedes pretender que una serie sea reivindicativa centrándote únicamente en el mensaje inclusivo. No es todo malo, es una serie que pasa rápido y que en el fondo te ayuda a desconectar del fin de semana. Está claro que no pasará a la historia ni será recordada, pero no es el desastre absoluto.

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REPORTAJE

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MADRES Una nueva

E RA

Desde la pasada temporada hasta esta cuarta que vamos a poder disfrutar a partir del 8 de abril en Prime Video, ha pasado un año. 365 días desde que la doctora Olivia Zavala decidió abandonar la planta de pediatría del Hospital Los Arcos. Y lo hizo convencida de no poder seguir manteniendo ese exceso de emocionalidad que exige el trato con las madres y agotada tras las dificultades de sus últimos casos médicos.

Ahora la veremos preparándose de nuevo el MIR y acceder a la especialidad de cirugía general, un destino muy alejado de pediatría.

Volver a empezar no es fácil. Y mucho menos si te conviertes en una estudiante más que debe dejarse enseñar por Blanca Robledo y a la que se le exige responder ante la autoridad... aunque esta resulte ser un hueso duro de roer. Una nueva era para Olivia y para el resto de residentes… ¡Descubre a alguno de ellos en las siguientes páginas!

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REPORTAJE

Disfrutar

JJORDI creando Jordi Coll dará vida a Luigi en esta cuarta temporada de ‘Madres’. Un proyecto con el cual ha disfrutado muchísimo en todo ese proceso de construcción de personaje, cuando uno va creando y descubriendo...

Luigi está en último año de residencia. O lo que es lo mismo, es un R5. Así que llevar unos cinco años de guardias y cirugías por el Hospital Los Arcos le ha otorgado el privilegio de conocer las entrañas del hospital. Con un carácter extrovertido, ingenioso y, en ocasiones, embaucador y una gran capacidad de liderazgo, cualquiera querría ser como Luigi. Pero no es oro todo lo que reluce y hay ciertas emociones oscuras que irán tomando peso a lo largo de los capítulos para mostrarnos a un personaje que, en ocasiones, no sabe pedir ayuda, pero sí exigir para cubrir unas necesidades que lo encadenarán.

Luigi recibirá a un nuevo grupo de MIR. Un nuevo año marcado por aquello que todos tememos: tocar techo y caer en el abismo. La última oportunidad de levantarse. Una última oportunidad de volver a ser él, de poder seguir vivo.

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo YURENA GUERRA / muah LUCÍA CASTRO / localización HOTEL ATOCHA TAPESTRY BY HILTON 70 ABRIL 2022 · MW

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REPORTAJE

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lo primero que tiene que haber es el trabajo, la preparación, la formación”

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Camisa, de Polo Club.

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REPORTAJE

MEW Magazine (MW): ¿Qué parte de ti que desconocías encontraste gracias a tu oficio?

Jordi Coll: Mogollón. Muchas...no lo sé (Risas). Cosas más frágiles, cosas más divertidas, el payaso que llevo dentro, por ejemplo.

MW: Que haya continuidad dentro del oficio cuánto depende de la suerte y cuánto del trabajo que haga uno.

Jordi Coll: El trabajo que haga uno siempre lo primero. Eso sí que el factor suerte a veces sí que se da, como en todos los gremios. Pero lo primero que tiene que haber es el trabajo, la preparación, la formación y todo esto. Que luego tienes una potra que no te la crees, pues oye bienvenida sea.

MW: ¿Qué te da el teatro que el audiovisual no te da?

Jordi Coll: A nivel personal me lleva a cómo empecé. A las primeras clases, a ese no saber absolutamente nada, a ese vacío de...¿qué estoy haciendo con mi vida? (Risas). Es algo que te atrae irremediablemente y que no puedes dejar de hacer.

Estos días he tenido la suerte de hacer una función que desde hacía un año no hacía y me hacía teatro encima ya (Risas). Ha sido maravilloso y luego te sirve mucho cuando estás delante de la cámara el haber estado delante del público.

MW: Hablando de personajes, ¿qué suele ser lo más sencillo para ti? ¿Dar la bienvenida a un personaje, su construcción? ¿O ese momento de la despedida?

Jordi Coll: La bienvenida porque el proceso de investigación siempre es muy interesante.

Pasas por muchos puntos para ver por dónde llevar al personaje. Lees el guión una y otra vez para analizarlo. Es el más sencillo porque motiva más y siempre que hay motivación las cosas salen bastante solas.

MW: ¿Cómo llega ‘Madres’ a tus manos?

Jordi Coll: por el curioso y fascinante mundo de los ‘self-tapes’ (Risas). Un email en un momento en el que aun estábamos medio encerrados, puse a dormir a mis hijos y me puse a grabar (Risas). Un casting que cuando vi el personaje pensé que podría caerme... Es un personaje que luego, tras el casting, evolucionó mucho. Pero en ese momento ya había algo que me gustaba mucho. Y tuve la suerte de que confiaran en mí para hacer a Luigi.

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Lo que respiras en un hospital, cuando bajas de una planta a otra, son mundos completamente distintos

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MW: ¿De dónde partes tú para construirlo? ¿Lo recuerdas?

Jordi Coll: De no saber absotamente nada y eso, a veces, es maravilloso. Me tuve que poner a buscar todo, porque no tenía experiencias de primera mano. Descubrí muchas cosas que no conocía.

MW: ¿Fue fácil empatizar?

Jordi Coll: Sí porque le pasan cosas... Pobre chaval.

MW: ¿Resultó fácil la convivencia con el personaje?

Jordi Coll: Sí, porque tiene como muchos frentes abiertos y eso es muy divertido. Tiene muchos planos que algunos se entrelazan y otros no y eso es muy divertido porque no sabes cada secuencia desde dónde la vas a hacer.

Es uno de los personas con los que más he disfrutado. He disfrutado haciéndolo, creándolo. Ha sido una maravilla.

MW: Luigi tiene una adicción y no sé si ha llegado a ese punto porque tras una pérdida ha decidido autodestruirse...algo tan metafórico como he perdido mi hogar y ya no tengo a donde volver y prefiero perderme...

Jordi Coll: Habría una parte de esto que sí, pero eso estaba planteado de inicio y al final se deja abierto porque puede ser que cuando nos ocurren cosas nuestros puntos flacos se agudicen y quizá esos puntos flacos ya estaban ahí, simplemente, hay una escalada enorme en un tiempo. Quizá no venía de nuevo...

Cazadora y jersey, de Calvin Klein.

Pantalón, de Polo Club. Calzado, de Mango.

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REPORTAJE

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UNO DE LOS PRIMEROS FILTROS SIEMPRE SON NUESTROS JUICIOS DE VALOR, PERO PARA ESO ESTÁ LA TÉCNICA PARA ANALIZAR EL TEXTO, LAS RELACIONES...

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REPORTAJE

M O T I V A C I Ó N MW: Cuando el personaje de uno toma decisiones un tanto controvertidas, en algún momento, durante su preparación, ¿lo juzga?, aunque sea durante unos segundos...

Jordi Coll: Sí, sí, sí porque para empezar muchas veces te entra algo de vergüenza cuando ves lo que tienes que hacer. Y tienes que ver cómo preparate para que te salga de una forma orgánica y natural.

Sí, suele pasar, sin querer... Uno de los primeros filtros siempre son nuestros juicios de valor, pero para eso está la técnica para analizar el texto, las relaciones...

MW: Dejado a un lado su adicción, ¿cuál es el mayor defecto de Luigi?

Jordi Coll: Le cuesta mucho pedir ayuda de verdad.

MW: ¿Y su mayor virtud?

Jordi Coll: Curiosamente que no tiene ningún tipo de reparo en pedir. En el mismo verbo tiene el blanco y negro. Le cuesta pedir cosas esenciales y exigir no le cuesta nada.

MW: ¿Jordi sería amigo de Luigi?

Jordi Coll: No lo creo (Risas).

MW: Y si Jordi se hubiese tropezado con Luigi al inicio de temporada y al final, ¿qué consejo le hubiese dado en cada momento?

Jordi Coll: Si me hubiese tropezado con él seguro que era porque me iba a operar y entonces al ser mi cirujano (Risas), le hubiera hecho la pelota mogollón (Risas). Ahora en serio...a principio de

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temporada le hubiese dicho que pidiera ayuda, que no escapara.

Al final de temporada...¡venga hombre! ¡Ya te lo dije el primer día colega! (Risas) ¿Lo ves?

Le diría que está siendo muy valiente.

MW: ¿Cómo resumes esta cuarta temporada de ‘Madres’?

Jordi Coll: ¿En general? Una jodida locura (Risas).

Una locura entera. Pasa todo lo que te puedas imaginar y mucho más. Es frenética. Como un hospital que en cada planta es un mundo.

Frenesí, descontrol.

Lo que respiras en un hospital, cuando bajas de una planta a otra, son mundos completamente distintos.

Toda la vida en un mismo edificio. Por eso hacer tramas de hospitales siempre funcionan.

MW: ¿Te gusta el arco que has vivido con Luigi?

Jordi Coll: Sí. Bastante intenso (Risas), pero me ha gustado mucho, ha sido muy divertido de hacer.

··· Luigi camina en la cuerda floja que se genera cuando las decisiones que tomamos van en contra más que a favor. Jordi Coll camina junto a su personaje de forma honesta y directa, para contar la verdad, para mostrar una realidad que nos rodea de forma inconmensurable.

Jersey y pantalón, de Polo Club.

Calzado, de Mango.

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REPORTAJE

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Chándal y jersey, de Calvin Klein.

Calzado, de Mango.

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nu ria REPORTAJE

el mismo instante en el que llegó a Madrid del pueblo.

Porque lo hizo con una mano delante, otra detrás y con el título de técnico de enfermería recién salido del horno. El coronavirus quiso que la destinaran al Hospital Los

Nuria Herrero retoma a Berta tras su paso por ‘Besos al aire’.

Y su personaje vuelve tras haber estado en la primera línea de contención dentro del Hospital Los Arcos. Berta es una luchadora desde

Arcos y ella lo dio todo en los momentos más difíciles de la pandemia.

Dentro de las nuevas tramas de ‘Madres’ la veremos como técnico de enfermería en el área de cirugía general. Y le tocará lidiar

herrero

con los MIR a quien Berta los tiene muy calados. Y este año, además, se enfrentará a un grupo tan diverso como desesperante.

Especialmente por Gabriel, un enigmático aspirante a médico cuya ambición les enfrenta cada dos por tres.

Hablamos con Nuria de este personaje que tantas alegrías le ha dado y del oficio, tan complejo como apasionante.

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo YURENA GUERRA / muah CORAL JUÁREZ

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Chaqueta, de Calvin Klein Jeans.

Blusa, de &Other Stories. Patanlón y calzado, de Bershka.

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“CREO QUE LA MAYOR VIRTUD Y EL MAYOR DEFECTO ES QUE AYUDA MUCHÍSIMO” MEW Magazine (MW): ¿Qué parte de ti que desconocías has descubierto gracias a tu oficio?

Nuria Herrero: Buah…pues creo que lo que más he descubierto es la capacidad de sobreponerte. Es verdad que yo de pequeña no pensaba que iba a ser actriz, mi camino iba por otros lados más tradicionales digamos. Y lo que me daba miedo de la profesión era no tener algo estable, fijo.

y cómo funciona todo.

de doble filo.

MW: ¿Cómo llega ‘Madres’?

Nuria Herrero: Pues fue muy bonita y muy especial. Yo hice una serie ‘Besos al aire’, que el personaje de Berta estaba ahí.

Y al poco tiempo de emitirse me llamaron de la productora para que el personaje de Berta entrara en ‘Madres’ porque era el mismo hospital.

De repente, ves que te lanzas y que te tienes que hacer si o sí. Eso va saliendo y es algo que vas descubriendo.

Yo amo a Berta. A Berta la adoro. Fue un regalo.

MW: ¿Fue fácil encontrar su movimiento corporal? Porque cuando vemos a Berta en escena siempre la vemos como muy echada para adelante, como dejando clara su presencia, su fuerza.

Nuria Herrero: Creo que Berta es como una tía muy ligera, muy fresca, y lo que tiene que transmitir es como casi animar a la gente…que es cierto que va muy en mí. Creo que me lo dices tú y ahora caigo porque no me había dado cuenta de ello.

La vida es improvisar y dejarte llevar.

MW: ¿Se aprende a vivir entre la paciencia y la incertidumbre?

Nuria Herrero: Antes lo llevaba muchísimo peor. Además, soy muy impaciente y muy impulsiva. Y es lo peor para esta profesión.

Poco a poco te vas haciendo a ello.

MW: ¿Cómo se van llevando esos ‘no’?

Nuria Herrero: Pues pasa igual. A los 18 años en un casting te decían que ‘no’ y era un drama, ahora ya entiendes la industria

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MW: Cuando una lleva a Berta hasta ‘Madres’, en cierta medida, ¿se sigue redescubriendo al personaje?

Nuria Herrero: Sí. Porque para empezar en ‘Besos al aire’ el contexto era la pandemia y aquí se tiene que enfrentar a un grupo de residentes. Lo que se descubre con Berta es la jerarquía que existe y el trato.

MW: ¿La mayor virtud y el mayor defecto de Berta?

Nuria Herrero: Creo que es lo mismo.

Creo que la mayor virtud y el mayor defecto es que ayuda muchísimo que es algo fabuloso, pero se le vuelve en contra porque se olvida un poco de ella. Es un arma

MW: ¿Qué le ocurre con esos MIR que llegan?

Nuria Herrero: Llegan los nuevos y sobre todo con uno, con Gabriel, residente de cardiología que entra como avasallando, aunque luego se de cuenta que Berta le puede salvar en muchas ocasiones. Tanto a nivel personal como profesional. Porque al final todo funciona gracias a una cadena.

MW: ¿Crees que, como pacientes, a lo mejor, también erramos en el mismo concepto?

Nuria Herrero: Sí. De hecho, con el personaje de Berta he tenido mucho feedback

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Jersey, de COS. Pantalón y calzado, de Bershka.

REPORTAJE

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Vestido, de Koahari. Calzado, de Dr. Martens.

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REPORTAJE

con el personal de los técnicos auxiliares que me escriben agradeciendo la visibilidad que se da a su trabajo. Porque es una cara que no se muestra mucho.

MW: ¿Qué encuentra en Gabriel?

Nuria Herrero: Sigo sin saberlo (Risas). ¿Por qué te vas a por Gabriel?

Creo que Berta tiene un poco de rayos X y es capaz de ver más allá. Berta tiene esa capacidad de ver que ahí hay algo que Gabriel le quiere intentar colar. Ella quiere investigar qué ocurre, quitarle esa coraza, ablandarlo un poco.

MW: ¿Ha sido fácil convivir con Berta?

Nuria Herrero: Mucho. Berta me encanta.

Me haría todas las temporadas. Me siento muy identificada con ella. Es un personaje al que le tengo tanto cariño…no me ha costado nada. La trama me encantaba y todo fluía.

MW: Si fueses amiga de Berta, ¿qué consejo le daría en el primer capítulo y qué consejo en el último?

Nuria Herrero: En el primer capítulo le diría que se cuidara mucho más. Ponte límites. Y en el último capítulo le daría la enhorabuena por haber sido tan valiente.

MW: Sabiendo que en esta temporada cuatro hay un gran cambio en ‘Madres’, ¿qué impactará más en el público?

Nuria Herrero: Creo que lo bonito de esta temporada es que se va a contar la historia del personal sanitario. Con tramas mucho más jóvenes que va a atraer otro tipo de público.

Tiene mucha frescura.

MW: ¿Te gusta tu viaje profesional? Los personajes que han ido llegando a ti…

Nuria Herrero: La verdad es que sí, mucho.

He tenido personajes maravillosos y a veces pienso en dónde estarían en la actualidad…

Hay algunos que se te quedan más marcados que otros y sé que Berta será uno de ellos.

MW: ¿Cómo es ser amiga de Nuria?

Nuria Herrero: Creo que tengo muy buenas amigas, me gusta cuidarlas. Y me siento muy cuidada y querida por ellas. Yo sería amiga de Nuria, creo (Risas).

··· Como Berta, que es gran amiga hasta de aquellos que no quieren ser sus amigos. Leal y fiel a sus principios, este personaje te enamorará desde que vuelvas a descubrirla en esta cuarta temporada de ‘Madres’.

B E R TA IMPULSIVIDAD

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EN PORTADA

CONEXIÓN

CON HONESTIDAD Almu es la kamikaze, la amiga que siempre está ahí cuando todos los demás desaparecen.

fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo YURENA GUERRA muah LETICIA PERILLÁN localización HOTEL ATOCHA TAPESTRY

B

elén Écija da vida a Almu en la cuarta temporada de ‘Madres’. Almu es un personaje que nunca pierde la sonrisa, amante de la vida, de la gente y una apasionada de unos buenos tacones, aunque no sean los más apropiados para las largas noches de hospital. Aunque podemos caer en el error de pensar que Almu ha tenido una vida fácil, no siempre fue así: creció en una familia de clase media y se pagó los estudios de medicina poniendo copas los fines de semana. Y en verano, más de lo mismo.

Currando a destajo poniendo copas a guiris para permitirse dar rienda suelta a su vocación: ser médico.

MEW Magazine (MW): ¿Qué parte de ti que desconocías descubriste gracias a la interpretación?

Belén Écija: Descubrí que conectaba con mi verdad, con mi parte más vulnerable. La interpretación me ha ayudado como a hacer terapia.

MW: ¿El oficio puede llegar a sanar heridas? Hay compañeros que me comentan que uno puede identificar heridas con un personaje, pero nunca sanar con él…

Belén Écija: Si caes en malas manos o si entiendes la interpretación desde un punto de sufrimiento no tiene ningún tipo de sentido.

En realidad, te dedicas a esto para disfrutar y para hacer lo que te gusta, pero es cierto que hay mucha gente que se queda en la parte esa de sufrir.

A la interpretación hay que buscarle el gusto y el placer.

MW: ¿Lo más complejo del oficio?

Belén Écija: Tengo memoria selectiva (Risas), entonces hay textos que creo que tengo que estudiar el triple, por ciertos vocabularios que no estoy acostumbrada a usar… Si es algo cotidiano no me cuesta.

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DESCUBRÍ QUE CONECTABA CON MI VERDAD, CON MI PARTE MÁS VULNERABLE

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EN PORTADA

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Body, de Zara. Pantalón y calzado, de Bershka. mewmagazine.es 97

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Intenta crear a su alrededor a seres independientes MW: Siempre me comentan que cuando una está en escena y enfrente tiene a una compañera o compañero que está fluyendo en la misma energía, una no suele ser consciente del texto y que va saliendo de forma natural…

Belén Écija: Claro… Ese es nuestro reto, llegar a sentir el texto de verdad. Es más importante la persona que tienes enfrente que tú misma.

Se nota mucho cuando estás en ti y no estás siendo generosa. Lo puedes falsear durante un tiempo, pero, al final, se te ve el plumero.

MW: ¿Lo más difícil de un casting?

Belén Écija: El casting en sí. Sobre todo, el previo. La espera, estar esperando. Porque cuando ya estás haciendo el casting, ya estás con tu personaje.

MW: ¿Qué es lo más sencillo para ti? ¿Esa documentación cuando llega un nuevo personaje o decir adiós al proyecto?

Belén Écija: El principio es más sencillo, luego le has cogido cariño al personaje y es más complicado.

Hay personajes que si no se asemejan a ti cuesta cogerles cariño. A mí con el personaje de ‘Madres’ me costó al principio entenderla, no juzgarla. Pero cuando ya la has hecho tuya es difícil.

MW: Hay quienes dependiendo del personaje aseguran que han llegado a sufrir un duelo tras despedirse de un personaje…

Belén Écija: Sí, totalmente. Y ya no solo por

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tu personaje sino también por todos los compañeros con los que has estado, el ambiente que se ha creado, los pequeños detalles… Creas vínculos que se rompen.

MW: ¿Has notado con algún personaje que tras terminar el rodaje hayas estado arrastrando ciertos dejes, ciertas frases?

Belén Écija: Sí, yo creo que con Almu, por ejemplo, eran más gestos, el movimiento corporal. Mientras que con el personaje de ‘La Valla’ yo arrastré un poco la pena.

MW: ¿Cómo llega ‘Madres’ a tus manos?

Belén Écija: Me acuerdo que estaba justo montándome en un avión. Llevaba dos años sin tener verano por trabajo y me fui en enero a Egipto y estaba justo a punto de entrar en el avión y me llamaron.

Había hecho la prueba previamente pero ya había hecho más pruebas con Rosa Estévez estaba tranquila, pero sin expectativas. Además, cuando creamos una expectativa es cuando no salen las cosas (Risas).

Me hizo muchísima ilusión porque no me lo esperaba.

MW: ¿Recuerdas desde qué punto iniciaste la construcción de Almu? ¿Algún punto de su personalidad? ¿El movimiento corporal?

Belén Écija: Yo creo que soy segura, pero mi seguridad parte desde otro lado. Y Almudena era como que iba pisando fuerte y sin tener ningún

Vestido, de Koahari. Calzado, de Bershka. mewmagazine.es 99

EN PORTADA

Vestido, de Koahari.

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tipo de prejuicio. No se juzgaba a ella misma ante nada.

Yo soy muy exigente conmigo misma y Almu partía desde ese punto de no ser exigente con una misma. Trabajé mucho la mirada.

MW: ¿Fue fácil empatizar con ella?

Belén Écija: No (Risas). Yo soy muy leal y ella tiene muchas faltas de lealtad que ya se verán. Responsabilidad cero con su trabajo, responsabilidad cero con las relaciones…y a mí eso me costaba.

MW: ¿La mayor virtud de Almu?

Belén Écija: La empatía. Ella no es segura aplastando a los demás, lo que quiere es que los demás se contagien de esa seguridad. Intenta crear a su alrededor a seres independientes.

MW: Almu es un personaje que va evolucionando progresivamente, sobre todo en su interacción con el resto de personajes. Es una de esas amigas kamikazes que siempre gusta tener porque cuando ‘Cañizares’ pide ayuda, ella no duda, frente a otros que hacen un exceso de preguntas y cuestionamientos…

Belén Écija: Sí, sí, es verdad que es muy a la práctica. No tiene ningún tipo de razonamiento, ella va.

MW: ¿Qué encuentra ella en Nico?

Belén Écija: Necesidad, ver la oportunidad en alguien. Almu ha estado tanto tiempo jodida que ve a alguien a quien admira y que le puede ayudar y es a lo que se aferra. Es su manera de sobrevivir.

··· Almu conoció a Nico en el penúltimo verano antes de su etapa MIR. Nico es el propietario de un emporio farmacéutico que se colgó por ella. Hasta tal punto de que cuando las meteduras de pata comienzan a asomarse en su etapa profesional, Nico lo tapa todo gracias a sus excelentes contactos con la dirección del hospital. ··· MW: Al final, ¿Almu encuentra un grupo de amigos?

Belén Écija: Sí, de hecho, creo que ella no juzga a nadie y a ella la juzgan mucho por lo que piensan que es.

MW: Si Belén fuera amiga de esa Almu, ¿qué consejo le daría en el primer capítulo y qué consejo en el último?

Belén Écija: En el primero, que se quite los tacones (Risas). Que se baje de la parra. Y, en el último capítulo, que vale mucho como para tener que acercarse a alguien por su valía o nivel económico. Ella lo puede conseguir sola.

MW: ¿Te gusta el arco que has vivido con Almu?

Belén Écija: Sí, mucho. El arco ha sido muy bonito. Ha sido un gusto poder tener un feedback con los guionistas.

··· Almu es de esos personajes que el espectador va abrazando capítulo a capítulo cuando comienzan a desaparecer las corazas de la sociedad impone. Belén Écija se divirtió dando vida a esta alocada Almu y el público podrá divertirse de la misma manera. Un viaje hacia lo que verdaderamente somos, sin intermediarios que nos resten luz.

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EN PORTADA

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Blusa, de &Other Stories. Pantalón, de Polo Club.

Calzado, de Zara. Pendientes, de Joys. mewmagazine.es 103

SERIES

‘SER O NO SER’ O LAS EMOCIONES BIEN NARRADAS UNA GRAN HISTORIA PARA DEGUSTAR LENTAMENTE.

por P. GUERGUE fotografías Playz

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Playz, el canal digital de contenido joven de RTVE, acaba de estrenar ‘Ser o no ser’, una comedia dramática juvenil protagonizada por un adolescente trans y ambientada en una clase de bachillerato escénico. Producida por RTVE en colaboración con Big Bang Media (THE MEDIAPRO STUDIO), sus seis capítulos, de 25 minutos cada uno, ya están disponibles en RTVE Play.

Creada y escrita por Coral Cruz, y dirigida por Marta Pahissa, ‘Ser o no ser’ cuenta la historia de Joel, un chico trans de 16 años, que comienza el bachillerato escénico en un nuevo instituto donde nadie lo conoce. Hace unos meses que está transitando y, con el ‘passing’

que tiene, puede presentarse a sus compañeros tal y como siempre se ha visto. Sin embargo, la ocultación de su proceso de transición entrará en conflicto con la exigencia de su profesora de teatro, quien pide a sus alumnos que se quiten todas las máscaras que llevan puestas para poder meterse en la piel de sus personajes. Transitamos junto a Joel por su miedo a no ser aceptado y también de perder el interés de Ona, una compañera de clase, de la que se ha enamorado a primera vista.

La serie aborda el tema sin ningún tipo de prejuicio, contando con el asesoramiento profesional de dos miembros del colectivo trans: el sociólogo Miquel Missé y el educador Damian

’Ser o no ser’ muestra que no depende del tiempo que se tenga para contar la historia sino de la sensibilidad que se maneje para relatar los hechos y favorecer a los personajes. Capítulos intensos, honestos y directos donde todo tiene sentido. Con un protagonista que nos ayuda a entender que para ser lo primero que hay que hacer es abrazarse a uno mismo.

Díaz. Una historia que decide narrar dicha transición con una red de apoyo que abraza la esperanza, destacando lo importante de tener una familia que se una a ti y a unos amigos que se conviertan en tu raíz cuando has perdido el norte.

‘Ser o no ser’ se presenta como una serie naturalista que aborda sin prejuicios un tema de gran actualidad y arroja luz sobre las vivencias de un colectivo desconocido para muchos o mal entendido por otros. Pretende ser una serie transformadora, que dé visibilidad y naturalice con frescura y humor la cada vez mayor gama de identidades y expresiones de género de los jóvenes de hoy en día.

Coral Cruz y Marta Pahissa nos ofrecen un corazón al que tomamos la decisión de cuidar y llenar de ternura para que pueda realizar su enfrentamiento con el miedo de forma adul-

ta y cargada de aprendizaje. Una historia, la de Joel, que nos enseña que podemos postergar el tiempo todo lo que queramos aunque la decisión final sea ineludible, para, finalmente, entender que solo podemos salvaguardar la parte que no repercute en el otro, por mucho pavor que sintamos, por muchas dudas que nos invadan. Joel es un tipo que lo puede ‘tener todo’ y que, al mismo tiempo, puede perderlo todo por no ser, por eludir el presente dejando un gran protagonismo a un futuro que todavía no conoce. Porque el mañana tiende a encerrarnos en una burbuja que, a pesar de lo que muchas veces creemos, no nos beneficia.

El joven actor trans Ander Puig da vida al personaje en uno de los primeros trabajos de su carrera. Le acompañan un elenco juvenil de nuevos valores en el que despuntan Júlia Gibert, Berta Galo o Lion, a los que se suman Enzo Oliver, Nil Carbonell, Eduard Torres y

Anna Bernal. Junto a ellos, destaca la presencia de la actriz Anna Alarcón, como la madre del protagonista, y de la veterana Emma Vilarasau, que regresa ante la cámara después de casi una década dedicada exclusivamente al teatro, en el papel de Carmen, la profesora de interpretación.

Los tres primeros episodios de la ficción pudieron verse en exclusiva en el marco del Festival de Málaga el pasado viernes 25 de marzo en un emotivo pase para público y prensa que contó con la presencia de Coral Cruz, creadora y guionista, Marta Pahissa, directora, y parte de su elenco principal como Ander Puig, Júlia Gibert, Berta Galo, Lion Armas, Eduard Torres y Enzo Oliver.

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REPORTAJE

PETER VIVES C O N F I A R UNO

E N

MISMO

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo YURENA GUERRA / muah CORAL JUÁREZ

Nos reunimos entorno a Peter Vives porque llega con dos nuevos proyectos a nuestras pantallas.

‘Sentimos las molestias’ (Movistar Plus+.), de los creadores de la exitosa ‘Vergüenza’. Y ‘Madres’ para Prime Video. En dos personajes que no tienen nada que ver el uno con el otro. Algo que para Peter es algo importante y esencial, poder navegar entre diferentes historias y encauzarlas a través de miradas diferentes. “Ambos personajes tienen mucho de mí, inevitablemente”.

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Jersey y pantalón, de Polo Club. Calcetines, de Jimmy Lion. Calzado, de Dr. Martens.

REPORTAJE

Total look, de Polo Club.

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MEW Magazine (MW): ¿Qué has descubierto de ti por tu oficio?

Peter Vives: Pues muchas partes de mí. Entré a esta profesión siendo un chico muy tímido y a los tres años de academia ya podía enfrentarme a una cámara. Tenía mucho miedo escénico y todavía ahora, lo que pasa que ahora tienes muchas herramientas para no pensar en este miedo escénico.

En las escuelas te arman de herramientas para poder ocuparte y no preocuparte.

MW: ¿Uno aprende a asimilar que esos ‘no’ que recibe tras un casting no son a nivel personal, sino que el perfil no encaja en ese momento?

Peter Vives: Es que estás frente al 95% de veces del ‘no’. Hay que quitarse presión porque creemos que un casting nos va a cambiar la vida. No hay nada en juego, hay que intentar pasarlo bien.

Hay muchas razones por las que hay un no. Raramente depende de ti.

MW: ¿Hay castings de los cuales uno sale pensando en lo horrible que ha salido?

Peter Vives: El cincuenta por ciento de ellos y además te cogen igual en esos que en los que piensas que lo has hecho bien. El último en el que me cogieron fue en uno que salí pensando en lo horrible que había salido.

MW: ¿Se aprende a vivir entre la paciencia y la incertidumbre?

Peter Vives: Yo todavía no he aprendido. Me he acostumbrado a eso, pero no he encontrado la comodidad de esta inestabilidad.

Es verdad que cada vez piensas menos en eso y vas tirando.

MW: ¿A qué se aferra uno cuando encadena varios ‘no’?

Peter Vives: Creo que no te aferras y que te hundes un poco. Hay etapas en las que vas confiando más en ti. He llegado a un punto de estabilidad donde confío en qué actor soy.

En otros trabajos vas como estabilizándote. Aquí a veces trabajas más a los 25 que a los 35.

MW: A nivel de personajes, ¿lo más complejo? ¿Iniciar su construcción o soltarlo?

Peter Vives: Despedirte puede que ni te des cuenta ya (Risas).

MW: ¿Qué llevas mejor? ¿Empatizar o no juzgar al personaje?

Peter Vives: Encuentro maneras de empatizar con el personaje si está, mínimamente, bien escrito. Me hago mi historia para justificar. Intento encontrar el por qué. Tampoco los juzgo. Entró ahí e intento entenderlo.

MW: ¿Ha habido algún personaje con el que te haya costado convivir?

Peter Vives: No, no he tenido la ocasión de vivir algo así. En mi caso, he tenido momento más complicados al tener un personaje también, en ese momento, en teatro y no porque se mezclen cosas, sino porque es agotador.

MW: ¿La magia del teatro?

Peter Vives: Hacer el proyecto todos los días y la reacción del público. Es muy emocionante. Sales a escena y te olvidas de todo. Te vas a casa agotado y feliz.

MW: ¿Y en el audiovisual?

Peter Vives: Ahí quizá un día te toca una escena en un plano donde casi ni sales tú. Estás de fondo.

Es un trabajo más de cirujano, de estar concentrado y muy específico de lo que quieres contar.

La magia es verlo después. Ver el trabajo de todo ese equipo.

MW: ¿Dónde notas un mayor desgaste de energía? ¿En el teatro o en rodaje?

Peter Vives: Los rodajes son cansados, sobre todo, por las horas. En el teatro está concentrado en dos horas, por ejemplo. Pero el problema del audiovisual es la espera. Es el arte de la repetición también.

Además, siempre tienes la mala suerte de que tu plano viene después de comer (Risas). Normalmente, enfermo cuando termino el rodaje. Es como que, de repente, las defensas ya bajan después del cansancio acumulado.

MW: ¿El teatro sana? Hay quienes me comentan que ellos han subido enfermos, con fiebre y que de pronto la fiebre ha desaparecido y ha llegado, de nuevo, al entrar en casa...

Peter Vives: Sí, total. E incluso cuando tienes fiebre te salen funciones distintas y molan.

MW: ¿Hay que beber del público o mantener la distancia?

Peter Vives: Depende de la obra. En los dramas la historia la tienes normalmente afianzada y tiras y su reacción te llega posteriormente.

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REPORTAJE

He llegado a un punto de estabilidad donde confío en qué actor soy”

MW: ¿Qué te alejaba y te acercaba a Lombardo y a Nico cuando empezaste a trabajar con ellos?

Peter Vives: De Lombardo me acercaba mucho el mundo musical porque a mí también me apasiona y el hecho de trabajar en una serie con una orquesta de verdad era un lujo.

Era una cosa muy común Me encantó dar clase con un director de orquesta.

Y de Nico me acercaba un puntito de caradura que a veces podemos sacar y su pasión por los coches (Risas).

Ambos personajes tienen mucho de mí, inevitablemente.

MW: Si nos centramos un poco en Nico, lo que más me divierte del personaje, es que piensa que la vida es como la puede vivir él, no ve más allá de su realidad, las complejidades que puede haber...

Peter Vives: Sí, sí, es así, además vive con Almu a quien le está dando todo, no le falta de nada y no entiende que se queje. Y es un pensamiento típico de rico que se codean y viven en sus barrios y en sus mundos.

MW: ¿Uno se termina llevando algo de cada proyecto? ¿Se aprende siempre?ç Peter Vives: Sin duda. Y no soy consciente, pero es un crecimiento vital y profesional. En esta profesión vas aprendiendo todo el rato. Y tú vas cambiando, vas evolucionando con tu vida. Llevas paralelo lo profesional y lo vital.

· · ·

Inevitable que el mundo profesional no ayude a crecer a nivel personal. El tiempo, los compañeros, las experiencias van forjando el camino. Ya sea Nico. Ya sea Lombardo. O quien venga a lo largo del tiempo.

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Jersey, de Calvin Klein. Pantalón, de Polo Club. Calzado, de Victoria.

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REPORTAJE

MATTHEWS

fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo YURENA GUERRA muah LETICIA PERILLÁN

MELINA

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‘Sentimos las molestias’, la serie original Movistar+ producida en colaboración con Cuidado con el perro TV, se estrenará completa en Movistar+ este próximo 8 de abril. ‘Sentimos las molestias’ nos habla en tono de comedia dramática sobre lo que supone “hacerse viejo” hoy en día. Rafael Müller (Antonio Resines) es un aclamado director de orquesta que mantiene una amistad de décadas con Rafael Jiménez (Miguel Rellán), una vieja gloria del rock, líder del grupo Cuidado con el perro, que se resiste a colgar la guitarra.

La comedia de seis episodios de media hora cada uno ha sido creada por Juan Cavestany y Álvaro Fernández-Armero (‘Vergüenza’). Antonio Resines es el egocéntrico y volcánico director de orquesta Müller, y Miguel Rellán es Rafa, una vieja gloria del rock, un bisabuelo Peter Pan que se niega a tirar la toalla. Les acompañan, entre otros, Fiorella Faltoyano, como Gloria, la mujer de Müller; Melina Matthews, como Victoria, una virtuosa del violonchelo de la orquesta de Müller, y María Casal, como Elena, la abogada que gestionará el desahucio del edificio en el que vive Jiménez.

Hablamos con Melina Matthews de este nuevo proyecto que ya ve la luz y de Victoria, su personaje. De cómo llegan las oportunidades y de los retos que a veces esconden esos nuevos personajes. Una entrevista para conocerla un poco más y hablar del oficio, con verdad, con honestidad.

Vestido, de Koahari.

Calzado, de Dr. Martens. mewmagazine.es 113

REPORTAJE

MEW Magazine (MW): Para todos los que no trabajamos dentro de la interpretación, ¿cómo es eso de ser actriz?

Melina Matthews: Para mí es el trabajo más maravilloso del mundo cuando te dan trabajo. Cuando no te estás formando. Me llena muchísimo. Un trabajo duro, pero como cualquier otro. Es un trabajo vocacional.

MW: Cuando no hay trabajo es importante no quedarse en casa y seguir moviéndose...

Melina Matthews: Es importante porque si te quedas en casa entras en depresión.

MW: ¿Cómo se asimila ahora que entrar en un casting también pueda depender del número de seguidores que se tenga?

Melina Matthews: Aquí me pongo un poco punky ahora mismo. Te habla alguien que no tiene muchos seguidores, no sé manejar muy bien las redes sociales (Risas). Pero es verdad que soy de la vieja escuela en el sentido que creo que no me hace falta moverme en las redes para conseguir trabajo. Hasta ahora he conseguido trabajar sin tener muchos seguidores.

Confío en que si uno ve el talento de un actor o actriz van a cogerlo por lo que puede dar a ese personaje.

También entiendo que hay productos comerciales de ficción que prefieren a alguien con muchos más seguidores porque les va a asegurar muchísima publicidad.

Eso también lo entiendo.

A mí me llegarán proyectos que seguramente no requieran de esos seguidores. Porque yo no doy eso, no doy ese perfil.

MW: Cuando se entra al oficio queda claro desde el inicio que una debe trabajar para la historia y dejar aparcado el ego Melina Matthews: Si todo el mundo fuera consciente de ello no tendríamos ni actrices ni actores con egos.

Soy de las que piensa que una vez te entregas a la historia, lo que importa es la historia y no tú. Tienes que trabajar con el equipo no tú sola. Es un trabajo de equipo.

Siempre creo en el trabajo de equipo, es como debería ser.

MW: ¿Cómo se maneja la autoestima cuando una encadena varios ‘no’?

Melina Matthews: Vas al psicólogo (Risas). Eso también va con la edad. Al principio si te dicen mucho que no, no tienes las herramientas adecuadas como

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para afrontarlo. Luego vas aprendiendo que no es tu culpa, que no tiene nada que ver contigo.

MW: ¿Cómo llega ‘Sentimos las molestias’ a tus manos?

Melina Matthews: Llega a través de las directos de casting que son lo más. Es el tercer proyecto que hacía con ellas, ya me conocían. Había hecho mi primera película aquí en España gracias a ellas y me llamaron para el casting. Y fui sin saber con quién iba a pasar el casting y cuando llego, veo sentado al fondo a Antonio Resines. Y me dije, no te pongas nerviosa. Y pasé el casting. Antonio es un amor y te ayuda muchísimo tanto en el casting como en la escena. Y me dieron el papel.

MW: ¿Cómo recuerdas la construcción de Victoria?

Melina Matthews: Para mí el reto más grande más que la construcción del personaje era aprender a tocar el violonchelo. Hubo que priorizarlo. Ella es una gran violonchelista. Y yo no toco ningún instrumento...

(Risas). Además, los instrumentos me provocan un gran respeto.

Me dieron clases y aprendí dos piezas. Y sencillas no eran, pero fue el reto más grande para mí.

MW: ¿Son más divertidos los personajes cuando provocan estos retos?

Melina Matthews: Sí, lo que pasa que yo soy muy sufridora (Risas). Son más divertidos porque de repente tienes un profesor particular que te enseña a tocar 40 segundos de una pieza de Bethoven. Y esto es maravilloso.

Eso es lo bonito de nuestra profesión.

Maravilloso, pero sufro porque lo quiero hacer todo bien.

MW: ¿Qué significa Müller para Victoria?

Melina Matthews: Müller es la vieja escuela para Victoria. Se ha quedado muy atrás. Creo que para Victoria es muy entrañable porque entiende que es un grandísimo maestro y lo admira muchísimo, pero es otra generación. Hay momentos como muy patéticos entre el personaje de Peter Vives y Antonio Resines porque este último no entiende lo que es una cámara 360 para ver el concierto desde tu casa.

Mi personaje ama su profesión, pero al ser de otra generación se adapta mucho más rápido a todo.

“Soy de las que piensa que una vez te entregas a la historia, lo que importa es la historia y no tú”

Body, de Calvin Klein. Chaleco, de &Other Stories. Pantalón, de Zara.

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REPORTAJE

Jersey y pantalón, de Zara.

Calzado, de Victoria.

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La serie es tierna y describe la amistad de dos personas intentando adaptarse a lo moderno”

MW: ¿Puede que Müller en Victoria quiera encontrar esa juventud que ya pasó de largo para él?

Melina Matthews: Es que lo que dices es muy triste, me pongo muy sentimentaloide... Es que tienes razón aunque nunca haya tenido setenta años. Quizá intente aferrarse a esa juventud que ya pasó. Imagino. Y es verdad que es no querer envejecer porque se siente joven...el cuerpo envejece, pero internamente se sienten muy joven.

Müller se cree que sigue teniendo cuarenta años (Risas)...

MW: ¿Con qué emoción o adjetivos describes la serie?

Melina Matthews: Cuando vi la serie era una mezcla entre ternura, tristeza, melancolía, humor negro...

La serie es tierna y describe la amistad de dos personas intentando adaptarse a lo moderno. Entre lo patético y lo tierno.

MW: ¿Cuántas oportunidades hay que darle a los sueños?

Melina Matthews: Todas las oportunidades. Sin sueños no somos nada. Soy muy romántica en ese sentido. Necesito soñar.

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REPORTAJE

Peter: Jersey, de Polo Club.

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SERIES

‘CABALLERO LUNA’: UN NUEVO Y PROMETEDOR HÉROE DE MARVEL Doug Moench es el creador de ‘Caballero Luna’, la nueva ficción de Marvel Studios que se estrena en Disney+. De la dirección se han encargado Mohamed Diab, Justin Benson y Aaron Moorhead.

por PALOMA ESCUDERO / fotografías ©Disney+

E

n esta ocasión el buen guion de ‘Caballero Luna’ ha sido escrito por Doug Moench, Don Perlin y Jeremy Slater basándose en los cómics de Stan Lee y Jack Kirby. Oscar Isaac es quien se pone magistralmente bajo la piel del super héroe Caballero Luna. Junto a él, también encontramos como grandes protagonistas de la serie a Ethan Hawke, Gaspard Ulliel, May Calamawy, F. Murray Abraham y Lucy Thackeray.

En ‘Caballero Luna’ por un lado conoceremos a Marc Spector, un ex agente de la CIA que después de una de sus misiones en Egipto su vida cambiará por completo para siempre.

Tras haber encontrado un antiguo templo para Khonsu, el dios de la luna le salva la vida y Caballero Luna se convierte entonces en su alter-ego.

Por otra parte, Steven Grant es un hombre que trabaja en un museo y que aparentemente se presenta como alguien normal y con una bien tranquila. Si no fuera porque le ocurren cosas extrañas por las noches y tiene que atarse a la cama e intentar no dormirse por si acaso. Todo parece ir bien hasta que un día, lo que cree que es un sueño resulta ser real. Ahora ha descubierto que tiene una voz interior que también puede tomar el control de su cuerpo si se lo permiten. Las múltiples identidades que viven dentro de él se ven envueltas en una guerra mortal con los dioses en el contexto del Egipto antiguo y moderno.

Ha llegado un nuevo héroe a Marvel con muchísimo potencial y mucho que aportar al magnífico UCM en forma de serie para Disney+. ‘Caballero Luna’ tiene un comienzo increíblemente adictivo que atrapa al espectador por completo y te deja con ganas de mucho más. De esos primeros capítulos que te dejan totalmente pegado a la pantalla y casi con la boca abierta intentando no perder ni un solo detalle de todo lo que está pasando. ‘Caballero Luna’ tiene un inicio tan prometedor que solo puedo esperar para ver cuál va a ser su desarrollo porque es uno de los mejores hasta ahora de los últimos estrenos.

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Marvel presenta a un nuevo personaje bastante desconocido hasta ahora que tiene muchos ingredientes para convertirse en uno de los más queridos y con mejor proyección.

Una serie de orígenes clásicas con muchas cosas nuevas y muy interesantes. Y es que ‘Caballero Luna’ presenta una historia completamente diferente a lo que habíamos visto hasta ahora y muy alejada de todo lo que conocíamos –o creíamos conocer-.

Además, al no estar relacionada con todo lo que ya conocíamos, esto le otorga un carácter novedoso que ofrece muchas nuevas posibilidades.

Steven Grant es uno de esos personajes que si se explotan bien pueden ser muy buenos. Los dos primeros capítulos sirven de una buenísima introducción para conocer más acerca de este enigmático personaje, sus alter egos y el nuevo héroe que está a punto de romper con todo lo establecido. Un protagonista con mucho carisma, alejado de estereotipos y que se presenta como vulnerable, indeciso e indefenso en muchos momentos;

un personaje muy cercano. Al haber tantas caras en un solo personaje tiene muchas capas que se irán desvelando poco a poco y que hacen de ‘Caballero Luna’ una serie con altas expectativas.

Las escenas de acción que hay en ‘Caballero Luna’ son asombrosas, con momentos trepidantes que te mantienen en tensión y muy pendiente de cada movimiento de los personajes. Una historia clásica de orígenes muy bien llevada a la pantalla con la profundidad y la intensidad necesarias. Los fans de Marvel van a disfrutar como nunca de una nueva ficción de una grandísima calidad tanto visual como estética. Y es que también la ambientación egipcia se convierte en un factor clave a tener en cuenta en ‘Caballero Luna’. Es una escenografía y localización muy diferente y original. Algo único que estamos deseando poder conocer mucho mejor.

Y cabe destacar el brillante trabajo interpretativo de Oscar

Isaac como el gran protagonista de esta nueva ficción. Consigue ponerse bajo la piel de varios personajes en una misma escena de forma natural y cautivadora. No se me ocurre un actor mejor para dar vida a este Caballero Luna, aportando todo lo que el personaje pide en cada momento. Además, hace un buen tándem con Ethan Hawke, quien también está soberbio como nuevo villano. Disfruto viendo cómo se conocen ambos personajes y cómo va a ir evolucionando su relación.

Al igual que el resto del reparto formado por Gaspard Ulliel, May Calamawy, F. Murray Abraham y Lucy Thackeray, del que también espero grandes cosas en la pequeña pantalla respecto a sus personajes.

‘Caballero Luna’ cuenta con algunas dosis del humor típico al que ya nos está acostumbrando Marvel en sus últimas series y películas. Una ficción que combina a la perfección diferentes géneros y estilos de narración para lograr algo nuevo hasta ahora.

Asimismo, ‘Caballero Luna’ llega en un momento perfecto en el que estamos a la espera de la nueva entrega de ‘Doctor Strange’ justo después de la última de ‘Spider-Man: no way home’. De esta manera podremos conocer a alguien nuevo que está totalmente a la altura de todo lo anterior.

Se trata de una adaptación bastante acertada con un guion muy conseguido y con muchas cosas buenas. Por su parte, la dirección conjunta de Mohamed Diab, Justin Benson y Aaron Moorhead es impecable y cuidadosa, manteniendo en todo momento la esencia y la base del Universo Cinematográfico de Marvel pero bajo otro punto de vista. ‘Caballero Luna’ quiere ir un paso más allá y al menos en los dos primeros capítulos podemos decir que lo consigue con creces. Una serie de la que de momento se pueden decir muchas cosas buenas porque tiene claro lo que quiere contar y cómo hacerlo.

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EN CONTRAPORTADA

SUMANDO

RETOS

Para el actor venezolano Daniel Elbittar, la televisión vive un momento muy fructífero de diversidad y producción. Muestra de esto es su trabajo más reciente en telenovelas ('La Desalmada’ o 'La Herencia’, entre otras) con las que ha constatado que la televisión abierta ha retomado su fuerza. Quizá por lo fundamental que es que haya competencia, que, quizá, las tan aclamadas plataformas existan para que haya una mayor exigencia por parte de aquellas televisiones que siempre estuvieron ahí. Sobre todo porque tendemos a acomodarnos, a dar por hecho que el espectador se comerá cualquier cosa que le lancemos.

Este impulso lo ve específicamente en los melodramas y es algo que celebra de su propia carrera, pues tras un largo camino en la industria, debutó en el Televisa con “La Desalmada”, una historia en la que compartió créditos con Livia Brito y José Ron que actualmente vive transmisiones fuera del país, como por ejemplo en España. Y acaba de estrenar 'La Herencia’ el pasado 28 de marzo, dando vida a Pedro del Monte, un personaje que se ha convertido en un reto que abraza con pasión.

fotografía ALFONSO ZAPATA / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo ÁLVARO MONTAÑO / muah JORDYS CHARLES 124 ABRIL 2022 · MW

E l l b e i i t n t a ar D

Pantalón, de Adidas.

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EN CONTRAPORTADA

BUSCANDO EL

LADO OSCURO

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La carrera me ha hecho una persona mucho más alerta intuitivamente hablando.

MEW Magazine (MW): Si tuvieras que explicar a alguien qué implica ser actor, ¿cómo le definirías tu profesión?

Daniel Elbittar: Es una de las profesiones que te da la oportunidad de tener múltiples profesiones en la vida por pequeños periodos de tiempo. He tenido la oportunidad de interpretar doctores, policías, agentes de servicios especiales, músico... He tenido la oportunidad de tener múltiples carreras. Y eso es una de las cosas más divertidas y bonitas de esta carrera.

MW: ¿Qué parte de ti has descubierto gracias a la interpretación?

Daniel Elbittar: La intuición. He desarrollado mucho la intuición por los personajes. Por qué rol tomar o qué rol no tomar. La carrera me ha hecho una persona mucho más alerta intuitivamente hablando, sobre todo a la hora de tomar decisiones en mi vida.

MW: Con todos los personajes a los que ya has dado vida, has sido consciente, en algún momento, de si un personaje te ha ayudado a sanar ciertas heridas internas o, al menos, a identificarlas para sanar posteriormente, fuera del proyecto.

Daniel Elbittar: Sí, sí, tuve un personaje una vez que era un villano y estaba pasando por una situación personal de despecho, ya sabes (Risas), con el corazón roto, todo mal y la verdad, honestamente, gracias a este personaje salí adelante. Porque todo lo que hacía en la novela era todo lo opuesto a como yo me sentía en esa época. Creo que esa compensación de energía de lo opuesto, me hizo agarrar fuerzas para superarlo y salir adelante.

MW: ¿Qué resulta más sencillo? ¿Dar la bienvenida a un personaje o cuando hay que despedirse de él?

Daniel Elbittar: Creo que lo más sencillo es finalizar un proyecto porque ya tienes el personaje súper arraigado. Ya lo tienes muy manejado, muy desarrollado. Y lo más sencillo es el final.

Lo más complicado es el proceso de construcción del personaje.

Antes de construir un personaje, siempre, le creo un lado oscuro, le creo un lado humano, trato de buscarle su signo zodiaco, cómo camina, cómo se expresa, cómo se mueve. Y es algo que a mí me llama mucho la atención, todo este proceso.

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EN CONTRAPORTADA

Pedro es un personaje egocéntrico. Él sabe qué es guapo, sexy, encantador.

MW: ¿Ha habido algún personaje que tras su despedida haya permanecido dentro de ti varias semanas después?

Daniel Elbittar: No, fíjate que nunca me ha pasado eso. Nunca me he quedado pegado a un personaje. Lo que sí que me ha pasado es utilizar líneas del personaje en mi vida personal. Pero nunca me he quedado pegado a un personaje aunque tengo compañeros que sí han vivido eso.

MW: Cuando construyes un personaje, ¿por dónde empiezas antes? ¿Por el movimiento corporal? ¿Por su parte emocional?

Daniel Elbittar: Lo primero que hago es crearle una vida pasada. Le creo un pasado, le creo un lado oscuro... Lo primero que hago es crearle lo malo porque creo que todos los seres humanos siempre tenemos algo que ocultar. Siempre tenemos algo que no decimos, que no compartimos. Y eso define la personalidad de cada quien.

A lo mejor al personaje le creo adolescencia con drogas, infancia con abuso de parte de sus familiares, por lo menos cuando me toca un villano.

Como me ha sucedido con este último personaje al que estoy dando vida en ‘La Herencia’. Pedro del Monte es un personaje muy oscuro y le cree una infancia de abusos, no de abusos sexuales sino de abusos de golpes, por ejemplo. Es un personaje que crece con mucho rencor y por eso lo define como es en la historia.

Soy el villano malo, malo, malo de la serie.

MW: Tener un personaje como Pedro, ¿es mucho más divertido como actor?

Daniel Elbittar: Sí, totalmente, porque son personajes que tienen muchos matices. Tienes mucho con qué jugar. Creo que los personajes con un lado oscuro desarrollado es mucho más divertido que interpretar a un personaje que siempre va por la misma línea. Pocas veces ves a los protagonistas tener un lado oscuro en la historia.

MW: ¿La mayor virtud y el mayor defecto de Pedro?

Daniel Elbittar: La mayor virtud es que es un personaje irónico, encantador y se mete a la gente en un bolsillo para hacer lo que el quiere hacer dentro de la historia. Y su mayor defecto es que se enamora de una mujer que se llama Sara y comete muchos errores.

Creo que su mayor defecto es enamorarse. Cuando se enamora comete muchos errores y desenfoca su objetivo.

MW: ¿Qué supone para los hermanos del Monte la llegada de Sara?

Daniel Elbittar: Es un cambio radical. Nosotros somos cinco hermanos dentro de la historia, somos adoptados, no hermanos de sangre, porque nuestra mamá no podía tener hijos. Los únicos hermanos de sangre son el personaje de Matías Novoa y el mío. Cuando muere nuestro papá reparten la herencia en cinco partes iguales y de repente llega la protagonista, Sara, y es la única hija legítima, de sangre, de Severiano.

128 ABRIL 2022 · MW

Chaqueta, de Balmain. Jersey, de H&M.

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EN CONTRAPORTADA

Gabardina, de Burberry. Pantalón, de Ermenegildo Zegna. Calzado, de Gucci.

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Ella llega a desvirtuar la familia de forma completa. Causa el conflicto general de la trama.

MW: Analizando la relación entre Juan y Pedro, ¿qué punto tienen en común? ¿Y qué punto los separa?

Daniel Elbittar: Cuando ellos eran niños vivieron muchos abusos de parte de su mamá porque su mamá era una prostituta. Juan siempre fue el hermano mayor protector, entonces por muy mal que se porte Pedro, Juan quiere a su hermano y lo protege y lo defiende. La relación entre ellos es bien honesta, es de verdad, sobre todo de Juan hacia Pedro, pero de Pedro hacia Juan es diferente.

Porque Pedro siempre siente que Juan es el elegido, el principal. Pedro le tiene envidia.

MW: ¿Cómo se maneja la energía de Pedro durante las horas de rodaje?

Daniel Elbittar: Es una energía muy avasallante. Es una energía empoderada. Pedro es un personaje egocéntrico. Él sabe qué es guapo, sexy, encantador. Trata mal a la gente humilde. Es un cabrón (Risas).

MW: Si Daniel fuese amigo de ese Pedro, ¿qué consejo le daría?

Daniel Elbittar: Creo que no le daría ningún consejo, me alejaría (Risas). Tú no puedes confiar en Padro, nada, cero.

MW: Siempre me hablan mucho de la incertidumbre del oficio pero, en estos momentos, podemos verte en España dentro de ‘La Desalmada’ y estás grabando y acaba de salir al aire en México, ‘La Herencia’...

Cuando uno va encadenando un proyecto tras otro, ¿se olvida de dicha incertidumbre?

Daniel Elbittar: Yo dejo de pensar en esas cosas. Además que los personajes que voy encadenando son completamente opuestos.

Mi personaje en ‘La Desalmada’ no tiene nada que ver con el personaje de ‘La Herencia’. Son muy diferentes y eso me encanta.

Porque como actor me da la oportunidad de interpretar algo que no se parece nada a mí.

El personaje que hice en ‘La Desalmada’ tenía una carga de dolor muy fuerte. Le mataron a su esposa, a su hija y el regresa, básicamente, a buscar venganza, a matar a al persona que le causó ese daño. Era un personaje que tenía un peso muy grande en sus hombros. Yo caminada siempre jorobado, hacia adelante. Un personaje muy determinante. El sí era un personaje con una gran bondad y un gran corazón. No le importa nada hasta que conoce al personaje de Livia Brito, Fernanda y empieza a sentir un poco de ilusión en su vida.

Son personajes muy, muy diferentes. El otro es arrogante, millonario...frente al otro que es humilde y muy sufrido.

MW: ¿Te gusta el viaje profesional que vas dibujando?

Daniel Elbittar: Sí, totalmente, me encanta todo lo que he podido hacer.

MW: ¿Es importante para ti que el personaje te rete?

Daniel Elbittar: Sí, claro, siempre estoy buscando o la vida te va poniendo diferentes personajes y a mí lo que me gusta es que sean diferentes entre ellos. Yo siempre intento marcar las diferencias entre el uno y el otro. No quiero hacerlos ni parecidos.

MW: ¿Qué estás aprendiendo de Pedro?

Daniel Elbittar: Aprendo a manejar el ego.

Manejarlo muy bien. A manejar los pensamientos.

· · · Daniel Elbittar es de esos actores que encadena personajes y en ninguno de ellos descubres al propio Daniel. Y eso debería ser la norma, pero no siempre sucede. Él se queda a un lago y construye la realidad de un personaje de forma clara, con base y con profundidad.

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LITERATURA

ANDREA STEWART CRÍTICA Andrea Stewart se describe a sí misma como hija de inmigrantes. Criada en diferentes lugares de Estados Unidos, pero de ascendencia china, su herencia familiar es perfectamente reconocible en su primer libro: ‘La hija de los huesos’. Las influencias de Asia se evidencian desde la primera página y dicen mucho de un legado cultural que cada vez más autores están transmitiendo en sus escritos. Da la sensación de que la literatura nunca había sido tan diversa.

Cuenta que en su casa siempre se fomentó la ciencia y la educación, por lo que se crió entre libros y ‘Star Trek’, lo que explica la imaginación necesaria para construir este universo propio que presenta en su primera novela. Quería ser cazadora de dragones, pero terminó siendo escritora, un final con el que muchos otros soñadores y buscadores de aventuras podrán sentirse identificados. Cuando no puedes vivir algo a veces basta con escribirlo, y parece que eso se propuso Stewart.

‘La hija de los huesos’, su primera obra, forma parte de la trilogía ‘El imperio hundido’. Con el segundo libro ya presente en el mercado de habla inglesa, parece que el tercero y último sufrirá ciertos retrasos en su publicación. La propia autora explicaba en su página web lo complicado de este último año en el que se vio obligada a descartar por completo un primer borrador que superaba las 165.000 palabras. Actualmente se encuentra trabajando en un tercero, que estará listo para la primavera del año que viene. Nunca está de más recordar que los tiempos de escritura de los autores deben respetarse.

Fue a comienzos de este 2022 cuando la trilogía llegó a nuestro país, de la mano de Gamon Fantasy, que la presentó como una de esas voces de fantasía que hay que tener presentes. Imaginación no le falta, desde luego. Stewart reveló, en Mushens Entertainment, cómo surgió esta idea: “tuve la semilla de la idea al salir a almorzar con algunos escritores amigos míos (…) una amiga compró comida china en una plaza de comidas y casi se atraganta con un trozo de hueso. Eso me hizo pensar... ¿y si los fragmentos de hueso se usaran para la magia? Creé la idea a partir de ahí, combinándola con otras ideas sobre las que quería escribir: un archipiélago de islas flotantes, constructos, un contrabandista y un palacio de puertas cerradas”.

132 ABRIL 2022 · MW

LA HIJA DE LOS HUESOS

por JUTIH TORQUEMADA / fotografía cedida por Gamon (©Lei Gong)

“En todas las islas del Imperio, se extrae detrás de la oreja de cada niño un trozo de hueso, durante un ritual que con demasiada frecuencia es fatal. Desde su palacio, el emperador utiliza estos preciosos fragmentos para crear y controlar formidables quimeras animales, los constructos que mantienen la ley y el orden. Pero su autoridad flaquea y la rebelión ruge por todas partes. Lin ha perdido sus recuerdos y pasa sus días en el enorme palacio lleno de puertas cerradas y oscuros secretos. Cuando su padre se niega a reconocerla como heredera del trono, ella promete demostrar su valía dominando el arte prohibido sobre la magia de los huesos.

Magia que tiene un precio. Cuando la revolución golpee las puertas del palacio, Lin tendrá que decidir hasta dónde está dispuesta a llegar para reclamar su herencia y salvar a su pueblo”.

Andrea Stewart cumplió lo que se prometió a sí misma: escribir sobre un archipiélago de islas flotantes, constructos, un contrabandista y un palacio de puertas cerradas. ‘La hija de los huesos’ es una novela de fantasía de poco más de 400 páginas que intercala la primera con la tercera persona en la narración, diferenciando así la importancia que cada personaje tendrá en el devenir de la historia. Siguiendo como sigue una estructura clásica, y gracias al buen hacer de la escritora, garantiza desde sus primeros capítulos una lectura satisfactoria. Quizá no sorprendente, pues los recursos empleados no se diferencian en exceso de otras obras, pero sí placentera.

También desde el principio se comprende que este mundo de Stewart es un mundo en el que la magia juega un papel fundamental. Hay varios conceptos que uno tiene que ir asumiendo con la lectura.

El principal, el más original de todos ellos: la magia de la esquirlas, un tipo de poder que ha permitido que el emperador construya seres con vida que obedecen sus dictados y cuyo objetivo es mantener el orden (y alejar a enemigos ancestrales).

Los elementos con los que se construyen estos seres experimentales son porciones de otros seres (humanos o animales), así como un pequeño hueso que se extrae a todos los niños cuando todavía no han dejado atrás la niñez, donde se escriben las órdenes a seguir.

De esta práctica surge la enfermedad de las esquirlas, por la que muchos mueren una vez que se emplean sus huesos. Y surge también un grupo rebelde que pretende derrocar al emperador, por llevar a la muerte a la población. En estos puntos se sostiene buena parte de la trama. Es interesante lo que plantea Stewart: un mundo en el que las vidas de sus habitantes dependen literalmente de las decisiones de su gobernador. En el momento en que éste escoge su esquirla para construir o alimentar sus constructos, el destino que le espera al dueño de ese hueso es la muerte. Y ni siquiera puede saberlo.

Dos personajes protagonistas. Lin, la hija del emperador, que vive en ese castillo de puertas cerradas. La joven ha perdido su memoria y trata de recuperarla, pues su mayor deseo es ganarse

el favor de su padre. Pero, al tiempo, empieza a entender que algo oscuro se esconde en esas estancias a las que no tiene acceso, así que el viaje de Lin es un viaje de autodescubrimiento y lucha, en el que tendrá que decidir qué es lo que de verdad importa antes de continuar.

Al otro lado del océano, Jovis es un contrabandista que tiene una única misión: encontrar a su esposa desaparecida. Sin embargo, se ve arrastrado a un destino que no ha elegido, en el que tiene que escoger entre lo que desea (su esposa) y lo que debe hacer por el bien común, por principios. Ambos personajes, los protagonistas, se desarrollan a medida que avanza la acción, mostrando (que no contando) cómo son, qué quieren y por qué están dispuestos a sacrificarse.

Como se ha comentado, no hay demasiadas sorpresas en los acontecimientos que se van sucediendo, aunque la autora trabaja bien la construcción del conflicto. En el caso de la trama que envuelve a Lin, presenta la intriga como una serie de preguntas para las que hay que buscar una respuesta, aunque ni siquiera se terminan de formular del todo. Con respecto a Jovis, es más bien el conflicto interno el que hace avanzar la historia, pero en torno a él también hay dos grandes interrogantes: dónde se encuentra su esposa y quién es realmente este joven buscado en el imperio. Un par de sub-tramas apuntalan todos los conceptos anteriores: la que se mueve en torno a Phalue y Ranami y la que acontece en una isla misteriosa para la que ni siquiera hay nombres propios.

‘La hija de los huesos’ tiene un riesgo: que algunas de las historias interesen más que otras. Que el ritmo frenético de unas páginas sitúen a otras en una posición de menor emoción. Pero, con todo, el conjunto no deja de ser bueno. Y obedece a la intención de la autora de construir un libro coral, compuesto de tramas diferentes que se alimentan de inquietudes diversas.

Quizá la fundamental sea la lucha de clases, que se libra en algunos capítulos de forma evidente y en otros de manera más sutil, pero que siempre está ahí.

Para tratarse de una primera obra, gusta ver la determinación con la que Stewart ha construido ciertos aspectos en absoluto fáciles. Aunque en su inicio puede llegar a ser confuso (¿qué obra de fantasía, realmente, no lo es de primeras?), las características necesarias para avanzar no tardan en asentarse. Así, el lector no tarda tampoco en empezar a disfrutar de una historia fresca que bebe de la cultura asiática y que presenta una magia original que plantea conflictos sugerentes. Personajes fáciles de apreciar, estructura clásica y escritura fácil de seguir. ‘La hija de los huesos’ es una buena lectura. En España, puede encontrarse dentro del catálogo de Gamon Fantasy.

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134 ABRIL 2022 · MW

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