En un momento de inestabilidad económica, laboral y emocional, resulta casi imposible encontrar algo genuinamente vitalista y esperanzador. Por suerte, aún queda quien lo hace fácil, como Ginebras. Y “¿Quién es Billie Max?” (Vanana, 23) es buena prueba de ello.
DEBUTANTES en plena pandemia, regresan con todas las tablas que da girar con un primer disco, pero con la emoción, los nervios, y el entusiasmo de una primera vez. Después de meses de trabajo y ensayos generales, el cuarteto con base en Madrid, presenta su segundo larga duración, “¿Quién es Billie Max?”. Tranqui, no hace falta que busques el nombre en Google. No te estás perdiendo una referencia pop, simplemente no existe. Billie Max son Magüi, Sandra, Raquel y Juls. O más bien, sus pensamientos, experiencias compartidas, idas, venidas, bajonas y vueltas a celebrar. (Magüi) “Nuestra vida ha dado un giro y estos últimos años han sido una locura. Han sido canciones que hemos ido componiendo de chill, y reflejan muy bien lo que nos ha pasado”. (Juls) “Decidimos crear un personaje que definiera bien a las cuatro, de género neutro, en el que cualquier persona pudiese verse reflejada. Muchas veces nos preguntamos qué es todo esto que nos está pasando, y se lo preguntamos también a la gente. Por si ellos lo entienden”. (Sandra) “De alguna manera, la conjunción de lo que componemos las cuatro, lo compone Billie Max”.
EL DISCO ES UNA FIESTA en sí misma. No hay espacio para la bajona, o por lo menos no para la bajona tal y como la entendemos. Con algo de envidia, pero con mucha necesidad de saber su secreto, para aplicármelo, les pregunto cómo pueden hacer música tan positiva en un contexto como el actual. (Magüi) “Nosotras consumimos mucha música deprimente. Mucha, porque eso es muy necesario. Pero al juntarnos conectamos muy bien, encontramos una harmonía muy del buen rollo. Estábamos de acuerdo en que queríamos hacer eso, música festiva para pasarlo bien. Luego tenemos más mierda encima que otra cosa, pero en ese
momento queremos intentar que la gente se lo pase superbien”. Y justo en la comodidad que encuentran entre ellas es cuando pueden abrirse. (Raquel) “Hablamos de todo tipo de temas, pero siempre de buen rollo. No nos imagino hablando de algo triste en canciones tristes. Nuestra conexión es lo alegre. Quizás es porque es más difícil compartir la tristeza que la alegría”.
ESCUCHAR SU DISCO se siente como un abrazo de un viejo amigo que te encuentras por casualidad en un festi. Esas guitarras indie-pop de 2012 cuando todo era un poco más fácil. Confían en este sonido y van a por ello. (Sandra) “Sí, hemos metido más sintes, vientos, y marcado más las guitarras. Son cambios sutiles, pero hemos trabajado en ellos”. (Raquel) “Este sonido, el de festival, es lo que nos une. Llevamos super poco, y queremos evolucionar, pero tampoco un cambio radical”. Es accesible y sin prejuicios, aquí se trata de que todos podamos pasarlo bien. (Raquel) “Nos mola sonar a algo un poco atemporal. De alguna manera nos hace ser intergeneracionales. A nuestros padres también les mola, y está bien que tengan otras cosas que escuchar además de Serrat”.
POR ESTA PISTA DE BAILE desfilan desde el detalle más cotidiano, como bailar en bragas en tu cocina y sentir que nada va a ser mejor que eso, como aquello que hace a un artista serlo. Incluso hay espacio para momentos complicados. Se abren en mitad de una enérgica y luminosa canción pop para hablar de ansiedad. (Magüi) “Compusimos ‘Ansiedad’ porque teníamos una amiga que estaba fatal. Bueno, pero es que ¿quién está bien ahora? Empezamos Sandra y yo, y luego se sumaron el resto. Pero incluso antes de sacarla, se convirtió en una canción que nos ayudaba a nosotras a calmar la ansiedad”. (Raquel) “Cuando pusieron el tema sobre la mesa sabíamos que le queríamos dar mucha importancia, porque es algo que sufrimos todas. Por eso lo sacamos de single, la queríamos cuidar”.
l Tudela 29 abril. Fiestas de la Verdura
l Fuengirola 13 mayo. Fulanita Fest
l Mallorca 18 mayo. Mallorca Live Festival
l Alicante 26 mayo. Spring Festival
l Palencia 08-11 junio. Palencia Sonora
l Valencia 10 junio. Festival de les Arts
l Madrid 22-24 junio. Tomavistas
l Albacete 22-24 junio, Antorchas Festival
l Barbastro 01 julio. Polifonik Sound
l Ponferrada 07-09 julio. Planeta Sound
l Benicàssim 13-15 julio. FIB
l Castro-Urdiales 14 julio. Festival Sónica
l Aranda de Duero 09-13 agosto. Sonorama
l Madrid 12 octubre. WiZink Center
(Magüi) “La respuesta fue brutal. Un montón de gente nos ha escrito para contarnos su situación. Es muy fuerte. Creo que ha ayudado”. Y del mismo modo, también desfogan ese malestar de su reciente vida en “Lunes Negro”. (Magüi) “Lo que hacemos es algo precioso. Pero a veces es muy difícil, sobre todo para nosotras que vamos con este discurso de felicidad. Subirte al escenario cuando todo lo que quieres es echarte a la cama a llorar. Sonará un poco tópico, pero es subir al escenario y en ese momento se te pasa”. (Raquel) “Si nos vieras antes de un concierto hay veces que dirías ‘Claramente hoy no tocan’, y luego arriba se nos va”. (Sandra) “Hemos tenido que aprender a no juzgarnos cuando tenemos un día malo. Darnos nuestro espacio, o acercarnos cuando lo necesitas. Y por eso al final tenemos un coach, para nuestras taritas”.
Y ES QUE AL MAL TIEMPO buena cara. Pueden con eso y mucho más. Por eso cuando les comento que, aparte de gestionar todas sus movidas, cómo llevan a los tíos plastas a los que retratan constantemente, se ríen. ¿Realmente merecen tanta canciones los machirulos? Pues seguramente no. (Raquel) “Pero al final somos nosotras las que nos llevamos el dinero. Y no nos callamos nada”. (Sandra) “Lo hacemos por nosotras, para sacar la rabia. Sirve para que igual, gente que no sabe, o no puede, como me pasa a mí, pueda echar mierda por la boca sobre las cosas que le cabrean y quedarse a gusto. Exteriorizar toda esa rabia que llevamos dentro”. Pero tan rápido exteriorizan lo malo como lo que adoran. (Magüi) “Somos tan frikis, tan cotillas, tan… FANS, que tiene que quedar ahí”. Sus canciones están repletas de referencias a la música que les gusta y les rodea. A Crystal Fighters se les suman ahora Elvis o Alex Turner. Y por si fuera poco, en el álbum aparece Dani Martín. (Raquel) “Trabajar con él fue heavy. Es fuerte. Estábamos grabando y le mirábamos y nos decíamos ‘¡Es el cantante de El Canto Del Loco!”. (Magüi) “A día de hoy no lo hemos normalizado. Un día subió un story diciendo que le encontrábamos y luego no sé que pasó”. (Juls) “Cuando le vimos sacar su actitud de El Canto del Loco, fue de vellos de punta”. (Raquel) “Nos ha dado un montón, y quizás nosotras le recordamos sus días con El Canto”. Pero el tema venía de lejos. Nació antes del primer disco, pero ahora sabiendo que él era fan suyo, pudieron traerlo a “Desastre de persona”. (Sandra) “Nos preguntó si podía escuchar el resto, y le dijimos que no. ‘¡Te quedas con esta!’ [risas]. Y él decidió cantar su parte en primera persona, en femenino”. Finalmente, Ginebras logró que el niñato que nos enamoró de adolescentes, ahora sea uno más dentro de un grupos de pibas.
ASÍ QUE, DESPUÉS DE LOGRAR el sueño de toda fan emergente, y conquistar los festivales, deciden cerrar esta montaña rusa de emociones con “Gracias por venir”. (Magüi) “Este disco tiene tanto de nosotras, de todo lo que nos ha pasado estos años, que acabar con este tema es el resumen de todo. Es puro agradecimiento”. (Juls) “Nos empeñamos con que el disco debía tener una balada. Hicimos ochocientos mil intentos y nada. Pero un día Magüi decide enseñarnos por primera vez una canción que había compuesto. Y de repente la teníamos”. (Sandra) “Además es la canción que grabamos en Abbey Road. Es el final
perfecto. Te puedes ir tranquila”. Seguramente esta calma no sea el final de sus conciertos, ni mucho menos. Están listas para salir a comerse el mundo. Delante de ellas, un montón de festivales y conciertos por todo el país. Bromean incluso de que sea su táctica de reclutamiento de fans para finalmente darle color por todo lo alto al WiZink Center el próximo 12 de octubre. Paso a paso, disfrutándolo, con la calma y alegría de quien sabe que va por el buen camino. EVA SEBASTIÁN
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ODIO LAS GENERALIZACIONES. Las encuentro una de las cosas más absurdas de todas cuanta tienen que ver con las opiniones. Las he usado, claro está, como todo el mundo alguna vez en su vida, pero me he acabado arrepintiendo cuando lo he hecho. Por eso le he dedicado columnas a todos aquellos que pontificaban que el cine español no valía la pena o que se cerraban en redondo frente a géneros musicales sin permitirles siquiera el beneficio de la duda. Culpables por mis santos cojones, y a otra cosa. Así que podría decirles lo mucho que aborrezco a todos aquellos que, en un ejercicio que sin duda dice mucho más de ellos que del objetivo de sus iras, meten a toda la crítica en un saco. Los críticos no se enteran de nada, los críticos son unos cretinos, los críticos tal y tal y más tal. Si se sienten amables esa mañana y han desayunado bien, quizás incluyan un “musical”, “cinematográfica”, “literaria” o “cultural” a continuación. Más que nada para que tengamos algún detalle más que nos ayude a fijar mejor hacia dónde va el comentario despectivo. Y ya sabemos que ese tipo de comentarios funcionan realmente bien en redes sociales y barras de bar, si es que a veces no son lo mismo. Siento la puntualización –por lo obvia que me parece–, pero cada crítico es de su padre y de su madre. Cada uno –o cada una– tiene sus referentes. Cada uno se fija en unos u otros aspectos a la hora de dar su opinión. Cada persona es responsable de que lo firma y no existe un “la crítica” así a lo universal. Porque es bien cierto que son muchas las opiniones que comparten infinidad de críticos alrededor del mundo, pero no lo es menos que hay millares que nada tienen en común. Ejemplos los hay a montones. Léanse las reseñas de “UGLY” de slowthai –por poner un ejemplo– aparecidas en medios como NME, Pitchfork o incluso en el nuestro y encontrarán las diferencias. Y eso hablando de música, porque si nos vamos a otros ámbitos culturales no tienen más que echarle un repaso a todo lo que se ha ido publicando en estos últimos días sobre los ganadores de los Oscar de Hollywood. Échenle un vistazo a las diversas opiniones que se han vertido en los medios sobre “Todo a la vez en todas partes”, y díganme dónde encaja esa “opinión generalizada de los medios”. Pero como tampoco voy a hacer yo un acto de generalización al hablar de la gente que generaliza con la crítica, les diré que se fijen bien, porque muchas veces tras esos comentarios suele haber gritos de atención, ajustes de cuentas y muchas otras de esas mierdas que se supone que nos hacen a todos tan humanos. En el peor de los sentidos. JOAN S LUNA
“ Estábamos de acuerdo en que queríamos hacer eso, música festiva para pasarlo bien”
NO ES FÁCIL LLEGAR al decimosexto largo con la frescura y lucidez con la que reaparecen Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew: la santísima trinidad del pop alternativo en su versión más emocional. En “This Stupid World” recuperan la vertiente más eléctrica y por momentos experimental, combinada con una mirada nada complaciente sobre el paso del tiempo y sus estragos. James sigue siendo el tipo tranquilo con el que todas las piezas del preciso engranaje encajaron hace ya tres décadas (en “Painful”), e insiste en la idea de “espontaneidad” como marca indeleble del trío. “A mí no me parece que este disco tenga más carga emocional que cualquiera de los que hemos hecho”, afirma tajante. “Creo que esa carga siempre está ahí, lo que pasa es que sale de maneras distintas. Supongo que depende de la persona que lo escucha. Pero no ha habido un catalizador como tal. Nos limitamos a sacar canciones. Tristemente, te tengo que dar una respuesta así de aburrida”. Y se ríe. Canciones como el maravilloso single “Fallout” les devuelven, cierto, a su lado más guitarrero, melódico e inmediato, pero “no ha habido ningún plan, más allá de que muchas de las canciones se grabaron en directo. Hemos tratado de capturar esa energía”.
JAMES NO CREE que sea trabajo del grupo explicar su música. Pero está claro que el Tiempo, así en mayúsculas, tiene un peso importante tanto en las letras como en el tono crepuscular de algunos cortes. Para confrontarlo, escapar de él, o aceptarlo. ¿Es el gran tema del álbum? De nuevo, “depende un poco del oyente. Nosotros no le queremos decir nada a nadie sobre lo que tiene que pensar. Pero… podría ser. Lo que está claro es que ‘el Tiempo’ es el tema de virtualmente todo. En ese sentido, sí lo es. Totalmente”.
JAMES SE MUESTRA TAMBIÉN esquivo en cuanto a posibles interpretaciones del ambiguo título. En cambio, se entusiasma hablando de la grabación, completada por ellos mismos en directo, sin productor externo y probando técnicas poco ortodoxas. El proceso le apasionó porque abría nuevos horizontes creativos. “En el lugar en el que ensayamos tenemos un pequeño tinglado que hemos venido usando un montón a lo largo de los años para las bandas sonoras. Con el tiempo supongo que hemos graba-
do más cosas del grupo y menos bandas sonoras. En realidad no es un estudio, es una sala repleta con todos nuestros cacharros. Casi toda la grabación de “There’s A Riot Going On” (Matador, 18) se hizo allí. Disfrutamos mucho de la libertad de trabajar juntos en casa”. Y es que “en el estudio estás todo el rato mirando el reloj. Cuando trabajas en casa tienes más libertad. Según grabábamos las canciones de aquel disco, se nos ocurrió grabarlo entero allí y mezclarlo en algún otro sitio. Esta vez pensábamos hacer lo mismo, pero nos pusimos a mezclarlo según avanzábamos, y nos dimos cuenta de que nos lo íbamos a llevar ya [risas]. Hasta que se lo llevamos al ingeniero de mastering no hubo nadie más involucrado”.
GRABARSE A SÍ MISMOS sin ayuda externa y en directo fue “un reto extremo”, pero muy gratificante. “Tecnológicamente era como volver a empezar. Yo siempre me ponía en la piel de los que se pusieron en su momento a grabar música rock: no sabían cómo hacerlo, se lo iban inventando e iban encontrando soluciones por el camino. Me parece muy inspirador que cuando surgen
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que trasciende los confines de ese indie de guitarras en el que despuntaron hace ya tres décadas. Por méritos propios: una colección de canciones maravillosas y discos memorables (bastantes de los diecisiete que tienen) les respaldan. Por no hablar de sus conciertos. Pocos grupos de su generación mantienen el prestigio intacto como Yo La Tengo. Incapaces aparentemente de errar el tiro con su enciclopédica cultura musical, su buen gusto y una química a prueba de bombas, los de Hoboken se descuelgan ahora con uno de los trabajos más sugerentes de su larga discografía, en el que nada falta y nada sobra. Las nueve canciones que completan el álbum son un compendio de lo que ha hecho grande al trío. También en su vocación de fundir en un todo indivisible accesibilidad pop y aventuras experimentales. J C P
nuevas formas de música no se sepa qué hacer con ello. Es como cuando se hicieron los primeros discos de hip-hop: los técnicos no sabían ni lo que era. Así que tuvieron que inventarse cómo enfocar las grabaciones. Ahí hay muchísima creatividad e inspiración. Hacer cosas mal pero que suenen bien, ir contra lo que todo el mundo hace, me ha parecido extremadamente inspirador. Me emocionaba trabajar en ello cada día”. Esta filosofía se plasma en canciones como “Miles Away”, fascinante cierre con guitarras atmosféricas deconstruidas a base de efectos, sobre las que navega la voz solemne y desnuda de Georgia. “La interpretación vocal es muy poderosa y llevó el sentimiento a otro nivel: hizo la canción un millón de veces mejor de lo que era”. Porque al final se trata de eso, de emocionar. James no tiene ni idea de cuál es la clave para mantener el esplendoroso y aparentemente inagotable nivel creativo del trío después de tantos discos memorables. “Supongo que se trata de no pensar en ello, o al menos fingir que no es importante. De divertirnos. Y que la música que hacemos ahora nos parezca la adecuada. Quizá sea eso. Ojalá lo supiera”, admite con sincera humildad. Y parece abrumado cuando le hablamos del respeto que sigue generando su propuesta, no sólo en España. “Es alucinante. E inesperado. Lo apreciamos profundamente. Nunca lo hemos dado por sentado, y valoramos en cada momento poder seguir haciendo lo que hacemos. Que a la gente le guste lo que hacemos es un regalo. Es genial, significa mucho”. J.C.P. Más
Hace mucho tiempo que el trío de Hoboken es una de las bandas más respetadas y queridas del mundo independiente. Y ellos nos lo agradecen con discos majestuosos como “This Stupid World” (Matador/PopStock!, 23).
TEXTO JC Peña
FOTO Cheryl Dunn
“No me parece que este disco tenga más carga emocional que otros”INDIE ROCK /Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew llevan mucho tiempo consagrados como institución
Havalina llevan dos décadas obcecados en materializar obras de apariencia sólida y fondo inquietante. La veterana banda capitaneada por Manuel Cabezalí afronta una vuelta de tuerca adicional en “Maquinaria” (Havalina S.C., 23).
EL VOCALISTA Y GUITARRISTA
Manuel Cabezalí y el bajista Ignacio Celma son los encargados de desgranar “Maquinaria”, un álbum en el que Havalina han vuelto a grabar como cuarteto tras muchos años funcionando como trío. “Teníamos más ideas y también más manos para tocar cosas. Creo que es el disco de Havalina que contiene más matices y dinámicas, no sólo entre diferentes canciones, sino también dentro de una misma canción.
Obviamente sigue habiendo mucho peso de guitarras y una sección rítmica potente, pero también hemos dejado un espacio único para los pianos, los sintetizadores y sobre todo mi voz”. De hecho, el grupo afronta una vuelta de tuerca adicional que se antoja necesaria para concretar algo que podría entenderse como una “oda industrial” en toda regla. “Es una definición muy apropiada. Queríamos hacer un disco que girase en torno a un mismo concepto, que de algún modo sonase a máquinas, pero también espacioso y oprimente al mismo tiempo. Queríamos que fuese un disco emocional y comprometido, pero con emociones complejas”. Ignacio Celma remata el tema. “En el disco tratamos temáticas muy diferentes que nos parecen relevantes en esta etapa de nuestras vidas y nuestra carrera, pero buscando que tuvieran un hilo conductor a través de esa idea de la ‘Maquinaria’, que abarca también otros aspectos acerca del tipo
”de sociedad que estamos construyendo. Durante todo el proceso de composición y producción nos ha servido de guía no sólo en la parte lírica, sino también a la hora de definir el tipo de sonidos y texturas que queríamos en cada caso”. Havalina no son solo unos veteranos (imprescindibles) de nuestra escena, sino que parecen empeñados en completar discos sólidos y de consecuencias turbadoras, en una obsesión determinante en el devenir de la formación. “Havalina es una larga historia y nos gusta sentir que cada disco es un capítulo de la misma. Creo que nuestra mayor obsesión, a día de hoy, es seguir haciendo música que nos conmueva profundamente, hecha desde un lugar comprometido con nuestra idea de lo que es arte, pero siempre intentando buscar nuevos matices y fórmulas que no hubiéramos hecho antes. También creo que siempre hemos buscado, consciente o inconscientemente, hacer algo que sea inclasificable y que el oyente no pueda etiquetar fácilmente”.
LO CIERTO ES QUE RESULTA complicado pensar en grupos de la escena patria que haya sufrido una mayor disfunción entre calidad y repercusión a nivel de popularidad. “Hace ya años que no tenemos esa sensación de injusticia. La vida coloca a cada uno en su lugar y el mundo ha decidido colocarnos a nosotros aquí, por el motivo que sea. Cuestionarlo constantemente y pensar que no estás donde deberías estar es querer darte de cabeza contra la pared. Nos sentimos queridos, respetados y admirados. El éxito no es sólo tener muchos oyentes mensuales en Spotify”. Ignacio Celma incluso va más allá en la reflexión. “No soy capaz de valorar si tenemos muchos o pocos seguidores, dependerá de con quién nos compares, pero sí hemos podido comprobar cómo hemos impactado emocionalmente en las vidas de algunas personas; y creo que ese es el mayor éxito que se puede tener”. RAÚL
JULIÁN“El éxito no es sólo tener muchos oyentes mensuales en Spotify”
“ FANTASY” ES EL NOVENO DISCO de M83 y un fresco maravilloso de guiños evocadores y estética sci-fi que hará que nos olvidemos, por un segundo, de nuestro presente terrenal y mundano. “De alguna forma, necesito que todo lo que elaboro lleve ese sello fantástico y cinematográfico que me permita soñar”, apunta el artista galo, con respecto a esa tendencia innata por elaborar relatos que le permitan evadirse de su realidad inmediata a través de la música. “En realidad estamos hablando de una enfermedad en potencia, francamente, porque hay ocasiones en las que preferiría mil veces permanecer en ese universo en el que nada es real, antes que vivir en el espacio-tiempo que nos rodea. Y eso es complicado, porque dificulta mucho que las personas de mi entorno logren conectar conmigo”.
SU HERMANO YANN, cineasta profesional e implicado en el cuerpo audiovisual de “Fantasy”, le ayudó a trazar esas líneas directas ente su mundo y el nuestro, según nos cuenta, a través de una colección de títulos musicales y fílmicos que desde bien joven atesora. “Mi hermano y yo tenemos una visión muy similar sobre cómo debe sonar la música hoy día y, por supuesto, nuestra creatividad bebe de fuentes muy similares.
Él es cuatro años mayor que yo y desde que éramos pequeños ya hacía las veces de prescriptor musical y cinéfilo conmigo, lo cual era genial. Siempre que necesito ayuda para mis canciones, recurro a él. Es muy bueno con las palabras y creando imágenes”. De esas influencias inmortales que residen en su psique, brota un disco que él mismo tacha de “ambicioso”, con respecto a lo que la actualidad demanda. “Realmente, si con ‘Fantasy’ tan solo consigo llegar a esas personas que, al igual que yo, conciben la música desde una perspectiva tan old-school, ya habré sentido que he logrado mucho”, apunta desde la humildad. “Es un disco bastante extenso, y cuando uno se embarca en proyectos así siempre siente algo de miedo. Especialmente en los tiempos en los que estamos, en los que la capacidad retentiva del público medio está muy trastocada y se exige que los productos sean más inmediatos y ligeros. Hacer un disco que pase de los sesenta minutos hoy día es un acto suicida”. Sin lugar a dudas, todo un alegato a esa vieja escuela que aboga por recuperar la percepción y la manera de disfrutar de la música, antes de que los servicios de streaming irrumpieran en nuestras vidas. “La forma actual de consumir cultura, tanto musical como audiovisual, me resulta de lo más triste. Hay demasiadas opciones en todos
A medida que las cuerdas de “Water Deep” transicionan en una sobrecogedora y envolvente línea de sintetizador, tenemos claro que hemos dejado atrás nuestro universo y nos hemos adentrado en el de Anthony Gonzalez, el alma máter de M83 y un artesano de sonidos únicos que hace escala en nuestros oídos para rendirle tributo a ese eterno adolescente que cohabita en su interior con “Fantasy” (Virgin, 23).
TEXTO Fran González FOTO Anouck Bertin
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“Hacer un disco que pase de los sesenta minutos hoy día es un acto suicida”
lados. La creación de contenidos se ha democratizado en exceso, haciendo realmente imposible poder consumir todo lo que nos gustaría”. Y es que, aunque sus palabras rocen un discurso ludita, hay sentencias con las que no podemos más que estar de acuerdo. “Vivimos tiempos muy raros y la vida del artista ha cambiado muchísimo. Ahora ya no solo se nos exige crear música como tal, sino también ser representantes de una marca personal y entrar en una dinámica de desnudo mediático que encuentro de lo más tóxica. Si yo fuera un fan, no querría saber lo que mi artista favorito hace un fin de semana ni saber cómo luce su salón en un vídeo de TikTok. Querría escuchar su música, y punto, que es a fin de cuentas lo único por lo que, como artista, quiero ser recordado”.
Como artista, precisamente, Gonzalez ha atravesado muchas etapas; algunas en las que no creía demasiado en sus capacidades tonales y en las que renunció a tener apenas presencia vocal en sus piezas. “Tengo una tendencia irremediable a odiar mi voz, pero con el tiempo he empezado a darme cuenta de que, tanto si me gusta como si no, es mi voz, y como tal debo aceptarla”, afirma el artista francés, con respecto a la re-aparición de su voz en “Fantasy”. “He empezado
a ver mi voz como una herramienta única, con sus escasas cualidades y sus múltiples defectos, pero que es única al fin y al cabo. Es la llave que me permite hacer que mi música sea mía y solo mía, que es al fin y al cabo el gran deseo de todo artista, ¿no? El poder alcanzar un sonido único y personal que nos diferencie del resto. Creo que el hecho de aceptar todo lo bueno y todo lo malo que tienes como artista es también algo precioso”.
DE LA MANO DE JOE BERRY y y Justin Meldal, Anthony nos presenta ahora trece pistas que plantean un viaje inmersivo repleto de tramas y acción, ante el cual lo único que podemos hacer como oyentes es agarrar un bol de palomitas y dejarnos llevar. “Si hay una idea que destaco de este trabajo y que extrapolo a todas las canciones del álbum, es que fueron creadas desde la intención de ser llevadas al directo y buscan ser disfrutadas al máximo por el público en un concierto”, afirma Gonzalez. “Principalmente, porque con Joe y Justin hemos creado ese efecto ‘de banda’ que se puede percibir en el disco y que remite a eso, a querer ver a una banda en directo interpretando estas canciones, lo cual creo que la gente va a agradecer mucho”.
NO NOS RESISTIMOS y también nos seduce la posibilidad de hablar con él sobre su secreto para maridar nostalgia y vigencia, pues contra todo pronóstico, el artista natural de Antibes nos confiesa que su música reside más en el futuro de lo que creeríamos a simple vista. “Desde nuestro estilo, hemos tratado de hacer un disco que también se aproxime a la modernidad y que no solo se apoye en el pasado. Guardando coherencia con lo que nos define, pero también saliendo de nuestro habitual terreno y de nuestros límites creativos. La nostalgia es un arma de doble filo, la cual puede convertirse en algo muy peligroso. Especialmente cuando eres artista, pues te puede llevar a simplemente replicar en bucle aquello que ya hiciste años atrás, y ese es definitivamente un terreno que no quiero transitar. Vivo más en el futuro de lo que parece. A pesar de la nostalgia de mi música, anhelo ser un artista de mi tiempo”. F.G.
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INQUEBRANTABLES no sabemos, pero indestructibles sí parecen. SFDK llevan más de treinta años en el negocio, una cifra de la que sólo un par de raperos más pueden fardar. ¿Y cuál es el secreto para aguantar tanto tiempo juntos?
“En el aspecto personal, que nos llevamos muy bien siendo muy diferentes. Quizá si fuésemos más parecidos no hubiésemos aguantado tanto. Y en lo creativo, que hay una conexión, una energía, una manera de crear canciones en la que nos coordinamos a la perfección. Además seguimos manteniendo inquietudes por seguir avanzando e incorporando cosas nuevas y eso hace que no nos hayamos estancado. Nos gusta ponernos retos nuevos. Lo necesitamos después de tanto tiempo. Además somos muy cabezones y nunca nos rendimos [risas]. Mucha gente de los que empezaron con nosotros lo dejaron y se dedicaron a otra cosa. Nosotros supimos aguantar los malos tiempos pensando que ya cambiaría. Y cambió”. Porque no todo han sido flores en la trayectoria del grupo. Hubo un momento en el que se puso en duda tanto su sonido como
su mensaje, pero afortunadamente supieron resarcirse. Y lo hicieron “sin tirarnos a las nuevas tendencias. A nosotros esas tendencias que desaparecen en dos años no nos interesan. No queremos ser esclavos de esas modas, queremos ser libres creando y que nuestra música perdure”.
AHORA LANZAN UN NUEVO DISCO, el noveno en su carrera. Un “Inkebrantable” que sigue la estela de sus últimos dos largos aunque para éste hayan cambiado el método de trabajo. “Este disco es el primero que no hemos trabajado como un conjunto, como algo planificado, sino que hemos ido reuniendo canciones que hemos grabado durante un tiempo. Las hemos ido recopilando y las que veíamos que encajaban o quedaban bien las hemos metido. De hecho se han quedado fuera más canciones de las que han entrado. Tenemos como otro disco entero grabado”, explica Zatu. Aunque reconoce que hay cosas que no cambian, como es “esa sensación que crees que te vas a quitar con el paso de los años, esa incertidumbre de enfrentarte a un nuevo trabajo, pero que no desaparece. O al menos en nuestro caso. Incluso se incrementa.
Durante el tiempo antes de lanzar el disco vuelve ese nervio y esa incertidumbre. Pero luego ya en el momento en el que sale es como una liberación, como que ya deja de ser tuyo y se lo pasas a los demás. Ya ahí le pasas el disco a la gente y te quitas ese peso de encima”. Misión cumplida.
“INKEBRANTABLE” ya está en la calle y el disco ya puede escucharse en todas las plataformas. Y eso que en la anterior entrevista que les hicimos nos dijeron que podía ocurrir que ya no grabasen más discos, “pero nos referíamos a que el formato de disco cada vez es menos importante. Ahora los músicos vivimos más de los singles y de mantenernos siempre activos. Pero no nos termina de gustar eso de tener que estar a juicio cada mes. Además nos encanta el sacar discos, y mira, se nos juntaron un buen puñado de canciones y ha quedado un disco bien bonito”. Bonito en el contenido y especial a la hora de elegir el nombre, ya que como nos cuentan “el nombre nació en un TikTok en un directo. No encontrábamos un nombre para él y le preguntamos a nuestros seguidores cuál les gustaría. Uno de ellos dijo en un momento dado el de
“Inkebrantable” y nos llamó la atención. Además nos gustó en singular porque así no hacía alusión a nosotros por separado sino a algo más grande, a un concepto que no puede romperse”. Y decíamos bonito en el contenido ya que, como confiesa Zatu, este es el disco en el que hay “más canciones de amor. De amor en general, no sólo de pareja. Siempre solía haber canciones así pero aquí hay canciones que dedicamos a gente que queremos y además al público y los amigos. Esa positividad es una de las cosas que más marca este disco”.
MUSICALMENTE, SFDK ya no suenan como sonaba en sus inicios. De aquel rap purista de “Desde los chisqueros” o “2001 Odisea en el lodo” quedan muchos reflejos en algunas canciones, pero en otras cede espacio para que entren otros estilos como el flamenco, el reggae, el rock o incluso el blues. “Esta canción del ‘Blues del condenado’ con Lia Kali es un ejemplo de cómo trabajamos, metiéndonos en nuevos terrenos y buscando sorprendernos a nosotros y al público. Y las demás colaboraciones también siguen esa idea”. El grupo tiene claro que su estilo es no tener
un estilo definido, y que en este punto de su carrera requieren innovar para no aburrirse. Para ello necesitan un estricto y disciplinado método de trabajo. O quizá no. “Todo empieza por Óscar que se levanta tempranísimo, igual a las seis de la mañana, y a las once cuando llego yo ya tiene tres o cuatro instrumentales hechas. Hay veces que hace dos a la vez y otra con el pie [risas]. Así luego, a la hora de grabar, tenemos mucha más variedad y podemos ir eligiendo caminos de una manera más sencilla. Pero lo importante es que nos seguimos divirtiendo haciendo música y nos sentimos libres sin ataduras”, explica Zatu sobre su compañero y su método de trabajo. Un método que gira en torno a una bonita amistad que nada ha conseguido quebrantar en treinta años.
EN ESTE TIEMPO SFDK han visto hacerse mayor al rap español. Fueron de los primeros en publicar una maqueta y de los pocos que se mantienen realmente activos después de tanto tiempo. Aunque eso no signifique que echen de menos los viejos tiempos. “Ahora hay poco que no nos guste la verdad. Hay tantos chavales haciendo rap que se ha alcanzado un gran nivelazo. Yo lo comparo mucho con la evolución que hay en el deporte, al principio todo es muy básico y en cuanto uno daba una pirueta con la bici ya era tremendo y ahora eso parece nada. Nosotros en su día no teníamos referentes en el rap y todo iba muy lento, sin embargo los chavales de ahora tienen muchos ejemplos de los que aprender y crecen rapidísimo. Cualquier chaval con tres canciones parece que lleve rapeando años. Es una gozada porque eso hace que esta música crezca y evolucione rápido”. Porque, tal como explica Acción Sánchez, ellos no son de esos grupos que dicen que no escuchan a otros grupos o no están al día de la escena. “Nosotros estamos todo el día escuchando y pasándonos música. Siempre diciendo tienes que escuchar a este chaval o a este otro. Ya sea en español o americano.
“A nosotros esas tendencias que desaparecen en dos años no nos interesan”
Yo de hecho me escucho todos los días un disco clásico y uno nuevo. Me gusta analizar cosas antiguas y ver cómo eran y cómo han cambiado. Podemos considerarnos unos analistas [risas], porque nos encanta estar oyendo siempre las cosas nuevas que salen y ver cómo cambia la música”. Es el valor de observar y aprender. Ya lo hicieron hace años cuando crearon su propio sello, SFDK Records, en un momento en el que la autogestión era una idea utópica y los grupos dependían de las discográficas para poder lanzar un álbum. “Creemos que fuimos un poco pioneros en ese aspecto, porque cuando todos los grupos dependían de sellos nosotros nos cansamos y decidimos crear el nuestro. Y parecía algo inviable con el esfuerzo que llevaba en aquella época. En una ocasión fuimos una vez a una cena que organizaba la SGAE, que en aquella época se organizaban muchas y nos invitaban pero no solíamos ir, pero a aquella decidimos ir, y claro, nos sentaron con todos los grupos de pop y rock de aquella época que cortaban el bacalao. Fue curioso porque todos flipaban con nosotros y nos preguntaban si éramos esos raperos que estábamos triunfando sin sellos. Ellos flipaban con que pudiésemos distribuir nuestra música sin una discográfica. Y mira, con el paso de los años los sellos fueron perdiendo fuerza hasta desaparecer con el nuevo modelo de la industria y las plataformas”, explica Zatu, quien aprovecha para apuntillar que “aun así las multis, que no son tontas, se han apañado para que ahora dependamos
de las editoriales para subir la música a las plataformas. Siempre buscan la manera de explotar todo lo que puedan a los grupos”. Y es que más sabe el diablo por viejo que por diablo. Y SFDK son diablos de los más viejos de la escena. A lo largo de su carrera han acumulado un amplio grupo de seguidores que han dado vida y sentido a su carrera, tal como demostraron en el concierto de celebración de su veinticinco aniversario, en el que congregaron a veinticinco mil personas en su Sevilla. Un hecho histórico para el hip hop que, como cabía esperar, tienen en mente superar.“Para el año que viene tenemos idea de repetir aquello, pero de un modo un poco distinto. Aún está sin terminar la idea pero ahí está”. No hay duda de que sí se lo proponen lo consiguen. Así ha sido la carrera de SFDK, siempre alcanzando next levels. Pero ¿qué otras metas o sueños les quedarán por cumplir? “Otros treinta años, no estarían mal [risas]”. O visto de otra manera, ¿cómo os gustaría que os recordasen en el futuro? “Como unos can-
sinos históricos. En realidad nosotros fuimos de los primeros pero luego han salido grupos y raperos que han hecho las cosas muy bien y han alcanzado cosas increíbles. Estos chavales son los que están dando vida a la escena ahora, y la mantienen fresca. Para nosotros con que se reconozca nuestro trabajo y se nos respete, es más que suficiente”. A.G.R.
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“Ahora hay tantos chavales haciendo rap que se ha alcanzado un gran nivelazo”
Martí y Zahara siguen adelante con su diario de viajes en formato discográfico. Saber qué viajes les han marcado es un poco más sencillo tras escuchar “_BCN747” (G.O.Z.Z. Records, 23), el segundo largo de su proyecto conjunto.
TEXTO Àlex Martínez FernándezEL MUNDO ES PARADÓJICO por cuanto está detallado por la veleidad del ser humano, su dominio y, en esencia, su psique; contradicciones que se concretan en la sociedad y trocan el entorno. Testimoniar esta transgresión y, ante todo, entenderla en su totalidad, es complejo. De ahí que los viajes importantes transformen al peregrino en sapiente a través del aprendizaje. Eso es lo que, de forma más cercana, nos cuenta “_BCN747”, el nuevo lanzamiento de Martí Perarnau Vives y de María Zahara Gordillo Campos en simbiosis bajo el nombre de _juno.
“_BCN747” ES UN ÁLBUM que va de lo introspectivo en imperativo a las experiencias más humanas. Un disco que huye de lo egocéntrico, pero se mantiene muy ligado a las experiencias de sus protagonistas de forma cruda y realista. “En este disco hay muchos por qué y motivos que nos llevan a hablar de las cosas que hablamos. No hay simplemente contemplación, sino que queríamos contar una historia y por eso también la hemos ilustrado de todas las maneras posibles”, aclara Zahara. A través de fotografías artísticas y poesía musicalizada, “_BCN747” se configura como diario íntimo de los viajes que el dúo hizo superada la reclusión y que les enseñó más que nuevos paisajes. “Había una premeditación en viajar y que esos viajes hicieran las canciones, pero no sabíamos qué nos iba a pasar.
Había una parte muy naif… un impulso muy naif en viajar y contar eso. Lo que nos devolvió el disco fue una visión de la realidad y de nosotros mismos que no nos esperábamos. Así que, mientras viajábamos, descubríamos sobre nosotros como especie, como civilización, como humanos…”.
ESTE SENTIMIENTO MUDÓ en disgusto a resultas de lo aprendido, una nueva visión que condicionó el sentido mismo del disco, superando la prudencia del anterior “_BCN626” (20). “No es un odio real, pero sí que nos llevó a un cabreo y a una visión crítica con todo que al principio era… desde un lugar lejano, como si nosotros no perteneciéramos a lo que estábamos criticando. Y sucedió el giro de manera natural, componiendo y produciendo las canciones, que nos íbamos dando cuenta de que todo lo que criticábamos era lo que nosotros éramos”. En la misma medida, como contraste con su anterior grabación, “_BCN626”, más allá de romper con las paredes de la habitación de hotel y con los rumores que en ellas se amortiguaban a expensas de esta singular odisea, una extraña intimidad sobrecogió a los artistas dejándolos aún más desnudos y teniéndose que amparar más si cabe en el propio arte. “Decía una amiga nuestra que había casi más intimidad en este disco que en el otro. En el otro teníamos la metáfora de mirar por la mirilla de una habitación de hotel, y para ella este nuevo disco se siente ‘como ha-
ber abierto el diario a mi hermana mayor y tenerlo que cerrar por el ‘A ver qué voy a encontrar’. De hecho, las fotos están en el límite de lo que se puede mostrar, de lo que censuraría Instagram (…) Y ser explícitos, mostrar esta intimidad en el disco… el hacerlo con el álbum… el ‘es una obra artística’ me da esa protección”, apunta Zahara.
Y COMO SUELE OCURRIR con el arte y la vida, envidiosos entre ellos, el cariz se enderezó en la producción de las canciones. El minimalismo se impuso como estandarte y meta del álbum, a fin de poner en recalcado el mensaje y fortificar los rizomas que lo hacen florecer. “Esto sí que es totalmente consciente y es algo que queríamos hacer. El hecho de no hacer ca-
“Todo lo que criticábamos era lo que nosotros éramos"
Con motivo de la publicación de “_BCN747” y de la gira en la que se encuentran sumergidos, Zahara y Martí Perarnau se acercaron al estudio de Mondo Sonoro en Madrid para charlar con nuestro colaborador Álex Jerez. Escúchalo aquí.
pas… si el elemento principal de la canción era el piano, intentar que todo viniera de ese piano. Que no hubiera tantos efectos. Es esto, pensar en hacer las canciones con cinco o seis elementos. Eso hace que la música tenga mucho más espacio. Si quieres hacer procesos de efectos, que todos nazcan de un elemento principal, en vez de sumar capas por sumar capas, como hemos hecho en el pasado. Eso era algo que no queríamos volver a hacer”, comenta Martí. Esta es una nueva tendencia en el panorama musical actual que rompe con una generación que Martí describe entre risas como “la generación lasaña”; con la saturación y las típicas “barreras de sonido” para enfatizar el sentimiento y la poesía en las canciones. “Parecía que para producir una canción tenías que llenarla
de todos los instrumentos que tuvieras a mano y que para darle cohesión a un álbum estos instrumentos se tenían que repetir constantemente y estar hasta el final. Además de estar todo doblado. Llega un momento que empiezas a diseccionar los discos que te gustan y piensas que son muy audaces. Como por ejemplo Rosalía que grabó una orquesta, no le cuadra y la quita. No obstante, por mucho que, en ocasiones, la producción se complique, todas las canciones del álbum mantienen los mismos rasgos. Luego hay canciones como ‘_LHR410’ (…) Todo es de tu guitarra [refiriéndose a Zahara]. De un elemento, sale todo”. A.C.S.
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Más o menos todo el mundo ha soñado alguna vez con montar un bar con los colegas, aunque fuera en un delirio etílico. Pero mientras que algunos los sueñan, otros lo logran. Bienvenidos al Bar de los Imbéciles. O lo que sería lo mismo, el retorno de ANTIFAN con su tercer disco, “La Caída” (Sonido Muchacho, 23).
DESPUÉS DE TRES AÑOS de silencio –fue lanzar el single “Estar triste también es bonito” y desaparecer– vuelven con “La Caída”, un álbum de diez canciones a su gusto. La cosa se podría haber quedado ahí, pero con un poco de sorpresa para sus seguidores, este disco también se ha convertido en una sitcom, un bar y todo lo que pueda venir. Para entenderlo, hablamos con Jerva e Isidro para descubrir en que han invertido el tiempo para que esto haya acabado siendo una producción transmedia. (Isidro) “Tampoco te creas que hemos estado haciendo mucho. Ahora que lo pienso, montamos un estudio y no lo decimos nunca”. Pero lo que quieren decir realmente es que le han dado rienda suelta a su perfeccio -
nismo. (Isidro) “Lo que nos ha motivado es buscar una idea que lo englobe todo y que encaje. Y se nos ha ido de las manos. Como nadie nos espera, queríamos hacer un disco que nos molara. ¿Sabes? Y eso es peor. Porque ojalá hubiera alguien detrás diciendo que en un año has de sacar el disco”. (Jerva) “Hay muchos procesos que, al no tener fecha, no se dan en el mismo momento. Las letras, o todo lo que vendría a ser el universo del disco, lo tenía claro hace un año y pico. Y quizás yo lo hubiera sacado antes. Pero Javi e Isidro quieren pulir más la producción. Y ese proceso lleva otros tiempos y cada uno ha de tener su espacio para poder encontrar lo que le gusta. Un disco es algo que se queda para siempre. La movida es hacer algo que puedas escuchar en quince años y no te dé vergüenza”.
EL UNIVERSO DEL QUE HABLAN en este nuevo trabajo es esta realidad absurda en la que nos encontramos, donde muchas cosas pasan sin que las podamos controlar. Todo muy vinculado a “La Caída”, la novela homónima de Albert Camus. (Jerva) “Se dieron muchas casualidades entre el libro y nuestro disco que reforzaban el hecho de que tuviera sentido seguir por ese camino. Iban apareciendo personajes dentro del libro que tenían sentido dentro de nuestras conversaciones. Y siempre volvíamos a él, siempre había un punto
del que tirar”. (Isidro) “Te enmarcaba todo el rato el absurdo y ha sido un palo al que agarrarse. Muchas letras del disco parece que no tengan sentido tangible, como directo, pero en conjunto sí que tienen un sentido. Como pasa en la serie o el libro”.
¿Y A QUÉ SUENA EL ABSURDO? La verdad es que es prácticamente imposible etiquetarlo. Si en su día se habló de ANTIFAN como el paso de Agorazein al post-punk, con este disco deberíamos seguir sumándole géneros: pop, rock, electrónica, música de club, matices industriales, algo de glitch y podríamos seguir. Pero Si su ambición era hacer un disco del que estar orgullosos con el paso del tiempo, la promo no podía ser menos. ¿Imaginar-diseñar-en-3D-y-encontra-unbar que solo existía en sus mentes y hacer una sitcom? ¿Por qué no? (Isidro) “El club de la comierda. Nosotros tenemos ese humor: estupidez absurda. Entonces ¿por qué utilizar las supuestas herramientas que da la industria como el videoclip? No nos gusta del todo eso, tampoco hemos llevado bien hacer videoclips. Un día Javi dijo ‘Hacemos una serie, un capítulo por tema’. Y fue una idea ridícula muy buena. Y lo atas todo: el disco, el libro, la serie; y todo es super redondo”.
EVA SEBASTIÁN
“La movida es hacer algo que puedas escuchar en quince años y no te dé vergüenza”FOTO: RUBÉN ALMONACID
LA ESTRATEGIA de Dave Gahan y Martin Gore para atravesar el duelo que llegó con la pérdida de Andy Fletcher ha sido entregarse por completo a la música y dejar que ésta sane las heridas. Terminar un libro cuyas primeras páginas fueron escritas por el propio Fletcher y llevar el proyecto de sus vidas un paso más allá. Desde aquel 26 de mayo de 2022, una enorme sombra les acompaña en cada nuevo paso que dan, pero a la vez también hay una luz especial que ha hecho que “Memento Mori”, su décimo quinto álbum, se convierta en uno de los mejores discos y más importantes para Depeche Mode de los últimos años.
RETROCEDAMOS AHORA al pasado mes de diciembre, cuando me encontraba atrapado en Londres por la nieve buscando trenes hacia Manchester para poder volar de nuevo a Madrid a tiempo y escuchar así este nuevo disco como primera llave hacia mi posterior charla con Martin Gore. Sin duda, recordándolo con distancia, mereció la pena. En Mondo Sonoro tuvimos el enorme privilegio de ser uno de los primeros medios de toda Europa en poder escuchar este esperado proyecto y las medidas de seguridad establecidas de no compartir el álbum vía email y recurrir a la antigua, y bonita, costumbre de escuchar el disco en las oficinas del sello, me parecieron más que respetables tratándose de un nuevo paso al frente de una banda que es historia de la música. Además, todos los ojos estaban sobre ellos al estar atravesando una etapa verdaderamente sensible de su carrera y con semejante parón previo a sus espaldas. “Centrarnos en la música nos ayudó a sanar y superar el proceso de duelo. ¡Se nos ha hecho eterno! Sentía que necesitábamos empezar a movernos y a trabajar de nuevo después de una pausa tan larga porque nunca habíamos mantenido tanta distancia entre álbumes y giras sin hacer nada”, explica Martin. Aun así, Dave Gahan reconoció en el proceso inicial de promoción de este álbum que le había costado mucho arrancar de nuevo tras tantos golpes recibidos, que se planteó poner un punto y final, y que solo las canciones de Martin lograron que la ilusión reviviera.
MARTIN NOS RECIBIÓ vía Zoom con una enorme sonrisa y una amabilidad excepcional. Andy siempre estaba presente en cada respuesta, aunque no apareciera de forma directa en las preguntas. Había en el aire una sensación constante de querer dejar claro que él también es parte de la historia de este último disco. “Como
“Memento Mori” (Columbia/Sony, 23) es el regreso de Depeche Mode al juego, seis años después, tras aquella dura lanza política que supuso “Spirit” en 2017. Un álbum que se desarrolla a través de una necesidad real por parte del ahora dúo de cerrar etapas y sanar heridas protegiéndose con lo que mejor saben hacer: música.
TEXTO Álex Jerez
3sabes este disco ya estaba planteado y se suponía que íbamos a grabarlo junto a Andy. Así que no teníamos más opción que seguir adelante. Teníamos el estudio preparado, el productor con el que queríamos trabajar, nuestro ingeniero de sonido… Por nuestra salud mental y cordura creo que era importante lanzar este álbum”. “Memento Mori” es un claro mensaje directo a disfrutar de la vida, a ser conscientes de lo rápido que pasa el tiempo y además llega en un presente en el que todos necesitamos más que nunca un respiro y en el que nos hemos dado cuenta de la importancia de exprimir hasta el último segundo con nuestros seres queridos. Ese es el discurso que han querido dejar plasmado Depeche Mode en este punto de su carrera en el que se ve que claramente están menos enfadados con el mundo, menos políticos, pero sí igual de críticos, mucho más nostálgicos y agotados emocionalmente por una sociedad que pocas libertades te deja. “Me gusta mucho cómo el título del álbum aúna todo ese concepto. Aunque teníamos ese título ya pensado antes de la muerte de Andy, creo que su muerte hizo que tuviera un significado y un peso mucho
mayor. Y bueno, espero que todos aquellos que nunca antes hayan oído hablar de esta frase presten atención, se lo tomen en serio y entiendan que la vida es corta y hay que aprovecharla al máximo”.
EL NUEVO ÁLBUM de Depeche Mode abre con “My Cosmos Is Mine” como una pesada masa que se desarrolla en una atmósfera oscura y personal para luego caer sobre nosotros y hacernos conscientes de lo ahogado que está el presente en el que vivimos. Por otro lado, este mismo tema también habla de cómo a veces nos metemos en nuestro propio mundo para protegernos y no escuchamos las voces que gritan a nuestro alrededor. “Esa fue la última canción que escribí para este disco y la escribí justo después de la invasión rusa de Ucrania. Siento que en los últimos años no han parado de suceder cosas que demuestran que no tenemos un verdadero control sobre nuestras vidas y sólo hay un bombardeo constante que no frena nunca. Y sí, es lo que dices, habla de construir una defensa alrededor de tu cerebro y decir ‘Se acabó, vete, déjame en paz,
esto es mío’”. Sin embargo, más allá de la dureza que desprende este arranque, “Memento Mori” es un disco lleno de esperanza y nuevas oportunidades para el dúo. Dave explicó que cuando Martin trajo consigo un compilado de canciones con el tema de la muerte muy presente, decidió darle un empujón de energía y llenarlas de una calidez que Fletcher habría aplaudido. “Por primera vez trabajamos en mi propio estudio, desde casa. La verdad es que creo que fue muy importante, especialmente para mí, porque voy allí todos los días, es algo que forma parte de mi rutina. Y bueno, tras la muerte de Andy se hizo mucho más fácil hacer el disco allí porque era como si estuviera haciendo lo de todos los días, ir caminando hacia mi estudio, seguir mi rutina, pero junto a Dave, James y Marta. La verdad es que nos hubiera resultado mucho más duro y difícil trabajar en los mismos estudios en los que hicimos los últimos discos. En el estudio Santa Barbara hemos creado nuestros últimos cinco o seis discos y habría sido muy doloroso hacerlo esta vez sin ver a Andy allí sentado. Y bueno, por otro lado, volver a trabajar con James Ford [Arctic Monkeys,
Gorillaz, Foals] ha sido un placer ya que cuando grabamos “Spirit” (17) nos llevamos superbien, encajamos y nos dimos cuenta de lo eficaz que es. ¡Es muy rápido! Por otro lado, la verdad es que Marta Salogni [Björk, M.I.A., Animal Collective] ha aportado mucho ya que le encanta trabajar desde un punto de vista más analógico, rodearse de máquinas antiguas y cintas de carrete por todos lados. Le ha dado al álbum una atmósfera y una textura muy particular”.
BALADAS DE CORTE más ochentero, temas de synth pop que suenan a clásicos, suciedad y a la vez pureza, arreglos orquestales que se dejan dirigir por la distorsión, bajos y voces que retumban constantemente en nuestras cabezas tras una primera escucha. “Mucha gente nos ha dicho que, en algunas partes, suena un poco a los ochenta, otros un poco a los noventa, quizá también a sonidos más modernos. Pero, bueno, la verdad es que nunca nos sentamos ni planificamos estas cosas. Todo es mucho más orgánico. Cada elemento va naciendo y simplemente se unen de forma natural, eso es lo que creo. Una vez terminamos el disco sí que nos
podemos sentar a escucharlo y comentar a qué nos recuerda y qué sonido lidera”. La capacidad de Depeche Mode de construir y crear respetando los márgenes de su esencia, y a la vez evolucionar siendo increíblemente personales y brillantes; les ha llevado a que no hayan parado de captar público y sean uno de los grupos más respetados de la industria a lo largo de los años. De hecho, un claro ejemplo de ello es la enorme acogida que recibió “Ghost Again”, primer single de este nuevo álbum, y que el propio Martin también sintió así. “Siempre me ha sorprendido que nuestro público abarque tantos rangos de edad diferentes. Hay mucho público adolescente que viene a nuestros conciertos y que, en esta etapa de nuestra carrera, nos dejan con la boca abierta. No sé si este nuevo álbum llegará a más gente, pero sí te digo que siento que ‘Ghosts Again’, el primer single del disco, es probablemente el tema más catchy y perfecto para la pista que hemos lanzado en mucho tiempo. Y no estoy diciendo que sea pop del que se consume ahora, porque no creo que lo sea, pero tiene esa cosa de que Dave y yo la escuchamos una y otra y otra vez y nunca te aburres de ella. Y la verdad es que si tiene esa fuerza puede que nos lleve a conectar con un nuevo público”. Mención especial a esa partida de ajedrez que celebran ambos miembros en el videoclip oficial del tema como claro símbolo de cómo nuestras vidas forman parte de un completo azar y que nos remite a ese clásico del cine que es “El séptimo sello” (1957) de Ingmar Bergman.
POR PRIMERA VEZ, Martin además decidió firmar temas con alguien externo a la banda y se agarró muy fuerte a la mano de Richard Butler [The Psychedelic Furs, Love Spit Love] para componer cuatro de las canciones más importantes del disco. Como ya habíamos dicho antes, este álbum está lleno de nuevas experiencias creativas para el grupo, casi como un nuevo renacer. “En abril de 2020, Richard contactó conmigo y me dijo que deberíamos componer juntos. Yo le pregunté si tenía alguna idea en la cabeza y me mandó algunas letras como respuesta. Ahí fue donde comenzó todo, compusimos un montón de canciones juntos, pero no teníamos ni idea para qué serían. Creo que en ese momento incluso se nos pasó por la cabeza que fueran temas para un proyecto en paralelo. Sin embargo, al sentarme y escuchar bien las canciones que habíamos creado sentí que encajaban
muy bien con la estética de Depeche Mode y serían perfectas para uno de nuestros álbumes. Así que llamé a Richard y le pregunté qué le parecía”. Además, firmó un cara a cara con Dave en “Wagging Tongue”, algo no muy común para ambos. “Más tarde co-escribí también una de las canciones con Dave y creo que también es la primera vez que hemos escrito la letra de una canción juntos. Aunque pensándolo bien, creo que hemos escrito otras canciones antes, pero han salido como rarezas, caras B o como canciones extra en una edición de lujo o algo así”.
TODAS LAS HISTORIAS románticas, los golpes, celebraciones, aprendizajes y fantasmagóricos amores que arrastra “Memento Mori” desembocan en una pieza de cierre maravillosa, “Speak To Me”, en la que la tensión acumulada crece y crece para nunca llegar a estallar. “Es una canción que tiene una atmósfera genial. Me encanta la forma en la que se construye y se va desarrollando para luego simplemente llegar de una forma tan abrupta al cierre. Creo que es un final perfecto para un álbum”. Superadas las primeras batallas emocionales con la ausencia de Fletcher, Martin dice casi susurrando: “Cada vez que hacemos una sesión de fotos ahora sólo estamos dos de nosotros, cuando trabajamos en un nuevo disco ahora sólo estamos dos de nosotros…”. Ahora les queda posiblemente enfrentarse a la más dura, la de subirse a un escenario a tocar en directo y sentir un enorme vacío imposible de ocultar. Sin embargo, estamos seguros de que, al igual que ocurre con el disco, con este tour viviremos algunos de los espectáculos más especiales y emotivos de la historia de este icónico grupo. “Tocaremos un montón de canciones que forman parte de nuestra historia musical, como siempre hacemos. Y bueno, nos va a resultar complicado ya que obviamente todo lo que estamos haciendo es extraño hacerlo sin pensar en Andy. Siempre pensaremos en él”. A.J.
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“Centrarnos en la música nos ayudó a sanar y superar el proceso de duelo”
Yago, Pol y Arnau son Mujeres, un grupo que hace bandera de rock y amistad. Amigos está claro que lo son y lo seguirán siendo, pero lo de rock se les queda corto en cuestiones de gustos. Les hemos preguntado por sus discos preferidos a día de hoy.
l Murcia 30 abril. Warm Up Festival
l Santa Coloma de Queralt 26-27 mayo.
Festival de Maig
l Madrid 23 junio. Tomavistas
l Cangas del Narcea 5 agosto.
Prestoso Festival
l Málaga 24-27 agosto. Canela Party
l Miranda de Ebro 02 septiembre. Ebrovisión
l Barcelona 29-30 septiembre. Festival B
Blank Dogs Under And Under (2009)
(Yago) El proyecto de Mike Sniper, el fundador de Captured Tracks. En realidad a este señor se le debe una parte importante de la música que se sacó en New York durante más de una década. Este disco nos hizo ver que la misma actitud y estética del “nuevo garaje” que nos flipaba también se podría extender hacía otros sonidos como el twee y la música oscura de los ochenta. Fue increíblemente inspirador.
Silver Apples Silver Apples (1968)
(Yago) Podría ser este, como también el primero de Suicide o “Pagan Day” de Psychic TV. Son discos sencillos e inquietantes. Innovan en los detalles y producen la sensación de que nunca has oído algo igual. A la vez, por su crudeza, te llevan a ideas muy primitivas y, mientras avanzan, te van conectando con otros discos, otros momentos. Este disco de Silver Apples es un viaje en toda regla. Ojalá hacer un disco así una vez en la vida.
Satanic Surfers Fragments And Fractions (2000)
(Arnau) Recuerdo entrar en la desaparecida tienda Outline y pararme en seco mientras escuchaba la canción que en ese momento sonaba. Pregunté el nombre del grupo, cogí el cedé, lo pagué, y me fui a casa a escucharlo. No era ni tan rápido ni sonaba tan bien como otros discos de Satanic Surfers, pero, a cambio, encontré otra cosa. Es un disco súper sensible y melancólico. Fantástico.
Lali Puna Scary World Theory (2001)
(Arnau) Creo que alguien me lo pasó por IRC. La canción era “Bi-pet”. Quedé alucinado con el sonido y con la melodía de voz. Empecé a indagar sobre sellos y grupos. De ahí pasé a Múm, The Notwist y Sigur Rós. Años más tarde, pude ver a Lali Puna en Málaga, y fue increíble.
Lali Puna me abrió la puerta a todos esos sonidos y melodías que me han acompañado tanto en años posteriores. Gracias.
Brian Eno Another Green World (1975)
(Pol) Editado el mismo año que “Discreet Music”, esta dupla maravillosa daba el pistoletazo de salida de la música ambient, al menos se daba a conocer al gran público. Éste es el menos experimental y el más “pop”, y es esta mezcla de canción pop tamizada por la vanguardia y los sintetizadores etéreos lo que hace que sea una maravilla, una pieza única, imposible de entender que apareciera en 1975. Hay que tatuarse el nombre de este disco en la cara.
Guided by Voices Propeller (1992)
(Pol) Los de Dayton siempre han estado ahí en mi discoteca, pero no fue hasta la pandemia que empecé a obsesionarme de forma enfermiza por esta gente, intentando completar su discografía. Es una tarea literalmente imposible, y este disco es una de las razones. Es la piedra angular del sonido lo-fi que tanto me apasiona y ha condicionado mis gustos y mi forma de entender la vida. MS
Tigres Leones se han convertido en un grupo relativamente clásico, encantador y muy querido dentro de la escena patria. Es la sensación que genera su retorno, “Todo va bien” (Sonido Muchacho, 23), nueve canciones balsámicas con las que tintar grises rutinas existenciales.
“
TODO VA BIEN” es el nuevo disco de Tigres Leones tras un considerable periodo de silencio. Un álbum que cuenta con mayoría de singles potenciales muy bien construidos y, al mismo tiempo, cabe entenderse como optimista, pesimista, realista, e incluso irónico. “Buscamos el mismo efecto que componiendo y
grabando las canciones: disfrutar y superar las depresiones. Es optimista porque en el fondo va sobre música y toda la música es optimista. Uno escucha hasta los discos más oscuros de Nick Cave o Nick Drake para sentirse mejor. O los de cualquier Nick guapo y depresivo”. Es la opinión de Luismi Pérez, si bien su compañero de banda, Javi Marzal, va a puntualizar el asunto. “El disco oscurece a partir de ‘Todos los santos’, pero no es premeditado. Hemos pasado por muchos estados de ánimos hasta componerlo. Te puedo decir que, aunque alguna canción parezca luminosa, siempre hay un poco de amargura, una especie de ‘no te flipes’”. “Todo va bien” incluye un sinfín de colaboraciones enriqueciendo el resultado final, de Tulsa a Marcelo Criminal pasando por Estrella Fugaz, Medalla, Marta Movidas, Caliza, María BenPer, Andrea Buenavista y Luis Fernández (bajista de Los Punsetes y capo del sello Sonido Muchacho). “Es un
RR El próximo año verá la luz “After Daft”, un libro que rendirá homenaje a la trayectoria e influencia del dúo electrónico francés Daft Punk. Lo hará con la participación de un centenar de entrevistados entre los que estarán Franz Ferdinand, Skrillex, Soulwax, Air, Dillon Francis, Tiga, Annie Mac y muchísimos más.
RR Rels B se convertirá en el artista español más joven en conseguir agotar ni más ni menos que los 65.000 tickets del mexicano ForoSol en su concierto como
Aunque “Todas son correctas” (Montgrí, 23) sea su primer disco, Los Manises no son unos recién llegados. Llevan tiempo rompiendo esquemas y nosotros alegrándonos de que así sea.
VÍCTOR CLEMENTE y Rubén Soler no necesitaban de un disco al uso para seguir plantándole cara a la industria del etiquetaje ni para romper nuestros esquemas. Me lo dejan claro ya al inicio de nuestro encuentro.
“Bien a gusto habríamos sacado otro epé. O diez epés de una sola canción cada uno, en lugar de un álbum, y así nos ahorrábamos este parto”. Ni a ellos ni a nosotros nos cuadra demasiado estar hablando de este disco en términos de debut. “Leemos ahora eso de ‘el primer LP de Los Manises’, y parece que acabáramos de llegar, cuando en realidad tenemos ya edad de tener una casa en propiedad. En realidad está guapo, ¿no? La gente se debe pensar que tenemos como quince años y lo fliparán cuando nos oigan tocar”. Pero si este primer álbum, “Todas son correctas”, sirve para darle a la carrera de Los Manises el impulso que merecen,
cabeza de cartel. Será el próximo 6 de mayo. Una cifra realmente histórica para un artista de la escena rap urbana estatal.
RR Marzo ha sido un mes de colaboraciones en la escena estatal. Entre ellas podemos destacar las de Travis Birds y Depedro en “Urgente”, Chill Chicos y Sebastián Cortés en “De vuelta en la ciudad”, Colectivo Da Silva y La Plazuela en “Déjame un rato” y Delafé y Las Flores Azules han vuelto a grabar juntos en “Quiromántica”.
bienvenido sea. Con los años, y tras sus primeros pasos, han aprendido a afinar un discurso personal y del todo ajeno a la condición mediática, echando mano de letras crípticas y mensajes heredados, ubicados en un clima sin contexto ni fronteras creativas (“Fantaseábamos con la idea de que la gente corease nuestras letras [...], ahora es todo lo contrario, si podemos, le metemos incluso más reverb a las voces para que se nos entienda aún menos”). Me veo obligado a ahondar en ese proceso compositivo tan marciano que concluye en un magma de catarsis y experimento, que el oyente no logra entender de primeras, pero que te atrapa
RR Este pasado mes falleció Clarence “Fuzzy” Haskins, una de las leyendas de lo que se conoció como P-Funk o funk psicodélico, ex vocalista de Parliament/Funkadelic y con una carrera posterior en solitario. Contaba con ochenta y un años de edad.
RR A lo largo de los últimos días se ha anunciado un aluvión de visitas internacionales para los próximos meses. Entre los nombres anunciado están Paul Weller, Ziggy Alberts, Fletcher, King Gizzard & The Lizard Wizard, Ben
disco en el que está muy marcado el concepto de amistad implícito a tener un grupo. Queríamos sumar gente a la que admiramos y cada colaboración tiene mucha personalidad y su magia”. Aunque sea de manera intermitente, éste bien podría considerarse el disco más pop hasta la fecha de Tigres Leones. Y, de paso, también optaría a ser el mejor de todos ellos. “Sí, aunque por mucho que al principio fuéramos más garajeros, siempre hemos tenido una intención pop en las melodías y estructuras. Es mi favorito porque trabajamos más las canciones y nos ha permitido integrar sintetizadores y samples, lo que para un enamorado de la electrónica como yo ha sido un sueño. Es un disco más reposado pero igual de intenso y hemos explorado otras músicas que hemos aplicado al rock”. Lo cierto es que lo del cuarteto afincado en Madrid apunta más a (modesto) grupo de culto que a superventas, algo que Javi Marzal apostilla con cierta sorna. “¿Nos llamas viejos? No sé, supongo que empezar siendo el primer ladrillo del imperio ‘Sonido Muchacho’ te da algo... Muchas veces pienso que realmente no hacen más falta discos de indie rock, pero luego estoy con estos
Howard, Touché Amoré, Joshua Radin, Gavin DeGraw, Rival Consoles, Kid Francescoli, Rodrigo y Gabriela o Håkan Hellström. Te recomendamos visitar nuestra web para más detalles.
RR Aprovechando el lanzamiento de “Songs Of Surrender”, Bono y The Edge han protagonizado su primer Tiny Desk. En él, los dos miembros de U2 interpretan en clave acústica cuatro canciones de su repertorio: “Beautiful Day”, “In A Little While”, “Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of” y “Walk On”.
sin oposición ni resistencia. “Las melodías vocales principales siempre surgen a rebufo de la música. Luego hay mucha composición en paralelo, donde tiramos de frases que tenemos apuntadas de cosas que nos inspiran y que creemos que pueden encajar en según qué partes de cada canción. Nos mola mucho lo de descontextualizar frases que le oímos a alguien o que sacamos de algún libro o de algún documental, y las metemos ahí, totalmente out of context, adquiriendo un significado nuevo”. Sin duda, un manierismo que requiere de escucha activa por nuestra parte para hacer nuestro el mensaje. “Preferimos que cada persona haga suyas las canciones y las interprete como quiera. Una vez haces pública tu obra, favoreces a que la gente le haga su twist personal, y ese significado nuevo es igual de
y se me pasa. Ten en cuenta que cuando empezamos el grupo ya teníamos más de treinta años, así que nunca tuvimos la idea de petarlo”. Efectivamente, todas las referencias de Tigres Leones han visto la luz al amparo de Sonido Muchacho, sello que ha crecido hasta convertirse en principal suministrador de nuevos grupos españoles de cuño independiente. “Que confíen en ti es la mejor relación que puedes tener con nadie, y Luis confió en nosotros desde el principio. Hemos visto crecer al sello y sacar discazos. Y el sello también nos ha visto crecer a nosotros: tener hijos... y menos pelo”. RAÚL JULIÁN
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RR Para poder fabricar con total libertad sin atender a plazos que se demoran, Metallica han comprado su propia planta de prensado de vinilos en Alexandria (Virginia), Furnace Record Pressing, con quienes ya trabajaban desde hace más de quince años.
RR Robert Smith (The Cure) se pone del lado de sus fans a la hora de reclamar a Ticketmaster que devuelvan las tarifas de gastos de gestión por los conciertos de su actual gira. MS
válido que el original”. Aproximándose más que nunca al concepto que la dupla ilicitana buscaba para el proyecto y que ha venido dado por la iluminadora participación del productor I-ACE (responsable del sonido de otros artistas, como ANTIFAN o Agorazein). “Isi ha sido el que ha logrado homogeneizar todas nuestras influencias en un sonido coherente y sólido.Hemos construido algo muy especial entre los tres, tanto a nivel profesional como a título personal. Los tres somos igual de gilipollas y nos llevamos de puta madre”.
FRAN GONZÁLEZ
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“Aunque alguna canción parezca luminosa, siempre hay un poco de amargura, una especie de ‘no te flipes’”l Madrid 20 abril. Sala El Sol l Zaragoza 29 abril. La Lata de Bombillas
“La gente se debe pensar que tenemos como quince años y lo fliparán cuando nos oigan tocar”
EL LANZAMIENTO de “Dookie” en 1994 cambió por completo la vida de unos jovencísimos Green Day, pero la publicación de “Nimrod” solo tres años después fue crucial para entender la carrera de fondo de esta banda californiana: se abrieron estilísticamente por primera vez y mostraron al mundo su potencial como músicos más allá de hits arrolladores como “Basket Case”. Los de Berkeley se reivindicaban como algo más que una simpática y acelerada banda de punk pop. Y es que en este quinto trabajo cargado de singles irresistibles como “Hitchin’ A Ride” y sobre todo “Good Riddance (Time Of Your Life)” se saltaron la barrera autoimpuesta de los tres acordes tocados a toda pastilla, exploraron sin miedo otros derroteros sonoros y anticiparon lo que serían capaces de hacer más adelante. Este quinto trabajo de estudio, pretendidamente experimental, inspirado en el aperturista e icónico “London Calling” (79) de The Clash, según admitió la banda, se puede entender como una respuesta madura a la desigual repercusión que obtuvieron sus dos trabajos anteriores.
“DOOKIE” (94), SU TERCER LARGO, tuvo un éxito masivo. “Longview”, “When I Come Around”, “Basket Case”… Mucho se ha escrito sobre este disco, de los mejores de la estupenda cosecha del 94. Junto a “Smash” (94) de The Offspring, revitalizaron el punk, dos décadas después de su alumbramiento ante la mirada recelosa de los puristas del género, convirtiéndolo en algo popular que sonaba a todas horas en las emisoras comerciales. La banda pasó de ser una banda únicamente conocida y respetada en el subsuelo a convertirse en la sensación de la temporada, con apariciones en programas de televisión y cuatro videoclips en rotación constante, colándose en las primera posiciones Billboard… ¡Incluso fueron candidatos a cuatro premios Grammy! Ese éxito atronador les reportó no pocas críticas, sobre todo en su propia casa, la Bay Area. La vieja guardia no aceptó que ficharan por una multinacional y les pusieron la cruz. Les llamaron “vendidos” aunque Armstrong y compañía mantenían su ideario independiente y “Dookie”, si bien capturaba a la banda en un momento dulce, con un sonido mucho más cuidado, más definido, tampoco se alejaba tanto de lo que habían hecho antes. En otras palabras, no cambiaron nada para agradar,
fueron ellos mismos, pero con un altavoz gigante a su favor. La reacción de Green Day fue contraatacar rápidamente con “Insomniac”, mucho más áspero y oscuro. Demostrarían así que no había multinacional que pudiera domesticarles, que seguían haciendo lo que querían. De hecho, se ha escrito que el título original era “Reactionary Record”, mucho más elocuente. Si “Dookie” fue su “Nevermind” (91), “Insomniac” (95) sería su particular “In Utero” (93), un rabioso puñetazo en la mesa. Funcionó peor a nivel de ventas, pero las cifras seguían siendo millonarias.
ARMSTRONG, DIRNT Y COOL no aceptaban su propio éxito y querían cortar en seco con el ‘mainstream’. Les dolía mucho el veto por parte de la mítica 924 Gilman Street, una sala en la que habían tocado medio centenar de veces y a la que dedicaron la sarcástica canción “86”. Pero este doloroso episodio también les abrió los ojos. Fue una suerte de epifanía, pues decidieron que si querían seguir haciendo música, pasarlo bien, no podían vivir tan pendientes de las opiniones. Eso explicaría en buena medida el espíritu aventurero de “Nimrod”, cuyo título podemos traducir como “Estúpido”. En la portada se muestran dos retratos de
Tras adelantar canciones como “Yo Irritate Me” y su versión de “Alison” de Elvis Costello, finalmente ha visto la luz la edición de veinticinco aniversario de “Nimrod”, que, además de los temas originales, incluye maquetas y un concierto inédito, grabado el 14 de noviembre de 1997 en Electric Factory (Filadelfia), un mes después de la publicación de “Nimrod”.
dos grandes científicos canadienses, descubridores de la insulina, boicoteados, tapados por unos círculos. ¿Autoparodia? En cualquier caso, este largo sienta las bases de los Green Day modernos.
EN LOS CRÉDITOS volvemos a encontrar a Rob Cavallo, lo más parecido a un cuarto miembro de la banda, y juntos pusieron a prueba los límites del punk rock de Green Day, estirando la cuerda pero no demasiado. En total, grabaron durante unos cuatro meses más de treinta canciones en los Conway Studios de Los Angeles, de los cuales dieciocho acabaron en el disco original, si bien ahora en la reedición con motivo de su aniversario podemos escuchar algunos inéditos como la directa “You Irritate Me”, la curiosa “Tre Polka” (sí, una polka) y una versión del “Allison” de Elvis Costello. Un disco generoso como “Nimrod” corría el riesgo de resultar inconsistente. Sin embargo, la jugada les salió muy bien y el tiempo les ha dado la razón. Había mucho y para todos. Los que buscaban temas rápidos y ultramelódicos marca de la casa encontraron aquí un buen puñado de canciones como “Nice Guys Finish Last”, “The Grouch”, “Scattered”, “Platypus (I Hate You)”, “Jinx” y “Reject”. Lo mejor de este disco, o lo más
recordado veinticinco años después, son los temas que más se alejaban del sonido clásico de la banda. “Hitchin’ A Ride”, escogido con mucho acierto primer single, es un buen ejemplo. Un violín cortesía de Petra Haden de That Dog y una línea de bajo machacona nos introducen en un tema con final explosivo cuya letra nos habla de las dificultades de una persona alcohólica para mantenerse sobria. Líricamente “Nimrod” también muestra una evolución natural: de la apatía y descontento juvenil de sus primeros trabajos a la introspección y las reflexiones de un Armstrong de veinticinco años, casado y con hijos. Así, en “Redundant”, el líder de la banda y principal letrista comparte sus dudas, miedos y frustraciones pasadas; pánico a la repetición, a las rutinas de la vida adulta.El sencillo que mejor funcionó fue sin duda “Good Riddance (Time Of Your life)”, una idea de balada que curiosamente rondaba la cabeza de Armstrong desde los tiempos de “Dookie”. Voz, guitarra acústica y unos arreglos de cuerda son los ingredientes de una archiconocida canción de despedida que ya es historia de la música moderna. Como Green Day, con más de 75 millones de discos vendidos en todo el mundo y 10 billones de reproducciones acumuladas. LUIS BENAVIDES
Desde la preciosa, pero dolorida, isla de La Palma llega Valeria Castro con su primer disco “con cariño y con cuidado” (Warner, 23). Bajo un manto musical de arreglos íntimos y con ecos de raíz canaria, emerge una voz quebrada pero firme, delicada pero sin miedo y dulce pero intensa. Y cuidado porque sus directos son de sentimientos a flor de piel.
QUIZÁS YA LA CONOCÍAN por las personales y sentidas versiones que colgó en Youtube de artistas como Vetusta Morla, Leiva, Sabina, Jarabe de Palo, Luz Casal o Alejandro Sanz. O puede que porque este último compartió y viralizó alguna de esas versiones en sus propias redes sociales. O por las seis íntimas canciones de su primer EP “chiquita” (Warner, 21) en las que hablaba de, entre otras cosas, las mujeres importantes en su vida, del amor, del miedo o de la inmigración. O tal vez por su colaboración con Macaco en la emocionante “Un recuerdo”. O incluso por la estremecedora versión de la épica “Il Mondo” que sonó en un anuncio de televisión. Pero si no es así, ahora es el momento
de dejarse llevar por esa voz que llena de verdad estas once nuevas canciones que entrega en “con cariño y con cuidado”. Para ella, dar forma a este trabajo ha significado un verdadero volcado de sentimientos. “El disco ha tenido un desarrollo largo. Todo un proceso de saber bien qué querer contar y cómo hacerlo. Por eso hay un poco de todo, como en la vida, como en mi vida. Hay tristeza, rabia, ansiedad, alegría, dulzura... No hay un hilo conductor temático, y si lo hay, es eso, la vida misma. Me encantaría que la gente se pudiera identificar con las canciones y les sirvieran de abrigo. Acompañar a la gente es lo que más me motiva. En el fondo es por eso por lo que compongo música, para que la gente la disfrute”.
TANTO SU MÚSICA como su forma de cantar parten de una singularidad encomiable. Resulta inevitable hablar de estilos, así que la insto a que autodefina su propuesta. En cierto momento usó las palabras “puro, dulce y folklórica”. “Mantengo esa definición. Me gusta que la pureza de lo que una hace esté presente en esa verdad que quieres contar. La parte folklórica también me gusta tenerla, aunque no sea tan reconocible, pero por lo menos sí el imaginario. Y a pesar de no querer definir mi estilo, sí que incluiría la etiqueta de ‘canción de autor’, porque tengo muy claro que intento contar una historia que merezca ser escuchada y
que capte la atención”. Algo que también consigue que la música de Valeria Castro te atrape indiscutiblemente es la sensibilidad extrema de su personal forma de cantar. “Ese quebranto en la voz es algo que tengo desde pequeña. También es cierto que he escuchado mucha música diferente y me encanta, por ejemplo, el quejío del fado. Todo eso me ha ayudado a crear mi propio estilo”. MIGUEL AMORÓS
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l Valencia 05 mayo. La Rambleta
l Murcia 06 mayo. Teatro Circo Murcia
l Vall d' Uxió 07 mayo Singin in the Cave
l Cáceres 12 mayo
l Granada 13 de mayo
l Torrelavega 20 mayo. Rosa Jubilar
l Gran Canaria 26 mayo. Teatro Víctor Jara
l Fuerteventura 27 mayo. P. Formación y Congresos
l La Palma 02 junio. Teatro Circo de Marte
l Sevilla 09 junio. Cartuja Center
l Madrid, 16 junio. Noches del Botánico
l Barcelona 01 julio. Vida Festival
l Menorca 15 julio. Es Claustre
l Lanuza 23 julio. Pirineos Sur
l Sancti Petri 24 agosto. Royal Hideaway Sessions
l Tenerife 26 agosto. Mujeres World Fest
l Barcelona 19 octubre. Sala Paral·lel 62
l Pamplona 01 noviembre. Teatro Gayarre
“Me encantaría que mis canciones sirvieran de abrigo”
El tiempo es un aliado y donde algunos ven solo nieve en el tejado, este quinteto de Cartagena ha encontrado la valía necesaria para dar con un estilo que les permita arrancar sus embarrados motores. Y “Nunatak y La Isla Invisible” (Autoeditado/ Altafonte, 23) es la prueba.
EL OPTIMISMO SUICIDA de quien sabe que los años pasan, pero no en balde, siempre que haya un objetivo definido en el punto de mira. El de Adrián Gutiérrez, Gonzalo Ruiz, Fernando Besada, Álex Dumdaca y Pedro Hernández queda recogido en “Nunatak y La Isla Invisible”, el quinto trabajo de Nunatak y su particular forma de intentarlo una vez más. “Puede parecer que nos ha quedado un disco muy optimista, pero es más bien ese optimismo de quien apuesta por asumir que, aunque las circunstancias vayan a ser siempre difíciles, no queda otra que hacer un esfuerzo por intentar que las cosas te sigan ilusionando”, afirma Adrián Guitérrez, líder y vocalista de la banda. “Un optimismo realista, ese que nace desde la pérdida de la inocencia”, apunta Álex Dumdaca, batería de Nunatak.
JUNTOS FIRMAN UN NUEVO CAPÍTULO en este particular periplo de aventuras que capturan las distintas etapas en las que la banda se ha visto inmersa a lo largo de su década de existencia, apostando por hacer uso de esa madurez adquirida y reflexionar de forma introspectiva sobre todo aquello que les une. “En esta ocasión, y a diferencia de otras veces en las que sí que hemos sido más observadores de aquello que nos rodeaba, hemos apostado por mirar más hacia nuestro interior y hablar de nuestras vivencias y de ese círculo que hemos creado entre nosotros. Ese espacio virtual que se genera de la mano de nuestras distintas interconexiones, nuestras experiencias comunes y de cómo a fin de cuentas esto termina siendo nuestra particular isla, alejada del ruido externo”, comenta Álex sobre el sentido y razón de “Nunatak y La Isla Invisible”.
POR OTRA PARTE, LA FORTIFICACIÓN de esta unidad se convierte en elemento indispensable para la supervivencia del proyecto tan pronto como éste se ve sacudido por unas circunstancias históricamente insólitas. “Cuando estás en una banda, la cosa va por ciclos, ¿sabes? Si te pilla que acabas de terminar una gira y salta una pandemia, pues la aceptación de la misma se integra de forma más natural, supongo”, elucubra Álex sobre el poso
nostálgico que el álbum contiene. “El problema es cuando te pilla en un ciclo alto, como nos pasó a nosotros, con una buena cantidad de bolos y planes en mente. Llevábamos muchos años dando conciertos prácticamente todos los fines de semana, y esto fue como un machetazo tremendo a nuestro futuro y un frenazo que nos ha dejado embarrados. Así que ahí estamos, viendo a ver si podemos volver a arrancar la maquinaria”. “Fue un corte en seco a todo lo que teníamos en mente hacer y justo en el que probablemente fuera el pico más alto de nuestra trayectoria”, subraya Adri. Sin embargo, y tal y como alude el propio carácter luminoso y alentador de sus letras, las canciones de “Nunatak y La Isla Invisible” no ven en la pandemia su génesis inspiracional. “Durante aquellos días salieron muchas canciones, inevitablemente inspiradas en la pandemia, pero decidimos dejarlas en el tintero, principalmente porque sabíamos que ya habría cientos de bandas haciendo exactamente lo mismo, y porque buscábamos crear algo más atemporal que la gente no se cansara de escuchar a los dos días. Después de un proceso muy largo de pruebas y descartes, tomamos la decisión de no coger la pandemia como hilo conductor de nuestra nueva música”. Unas palpables ganas de salirse de la tangente que fueron recogidas por nada menos
que Paco Loco, quien acreditado en la producción de este nuevo trabajo, puso a disposición del quinteto de Cartagena ese maravilloso toque personal que tan bien le define. “Su forma de entender la música, desde la experimentación y la libertad, se contraponía mucho al método más concienzudo que otros productores habían desempeñado con nosotros en anteriores trabajos, y creímos acertadamente que el estilo de Paco se adecuaba a la perfección a estas nuevas canciones, que a fin de cuentas, pedían más crudeza y naturalidad”, afirma Álex, del todo emocionado por haber contado en los créditos con el legendario productor. “Trabajar con él también nos sirvió para aproximarnos a un estilo que se asemejara más a aquello que estábamos buscando. Llevábamos mucho tiempo tratando de huir del sonido ‘indie festivalero’ por excelencia, ese de coros y bombo a negras, en el que desgraciadamente se nos ha categorizado durante bastantes años. Tal vez es cierto que en el pasado hayamos compuesto ciertas canciones que hayan pecado de ser próximas a esta premisa, pero estoy convencido de que con Paco Loco hemos logrado nuestro propósito, encontrando la autenticidad y la belleza en esa espontaneidad imperfecta suya”. FRAN GONZÁLEZ
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American Music Club creábamos nuestra
“La música es uno de mis propósitos en la vida, pero es más lo que me ayuda a sentirme conectado con Dios, que a su vez me ayuda a sentirme conectada conmigo misma”
Kali Uchis en Elle USA
“Como Jet Black solía decir, The Stranglers no pensaron que durarían ni un mes cuando empezaron... ¡Imagínate cincuenta años!”
“No escucho mucha música actual, pero me gustan Green Day por su mensaje. ‘Know Your Enemy’ es una canción increíble con un mensaje sobre la guerra de Irak en el momento exacto”
Yusuf/Cat Stevens en NME
“DECIRLE ADIÓS A MI PADRE A TRAVÉS DE FACETIME FUE UNA DE LAS EXPERIENCIAS
MÁS DOLOROSAS QUE HE TENIDO EN MI VIDA”
Caroline Polachek en The Guardian
“Llevábamos mucho tiempo tratando de huir del sonido ‘indie festivalero’ por excelencia”
“En
propia mala suerte... Y éramos muy buenos en eso”Mark Eitzel, ex American Music Club en Uncut
Los argentinos Las Pastillas del Abuelo festejarán a lo grande, también en nuestro país, sus veinte años de carrera. En concreto podremos verles este mismo mes de abril, en una gira de seis fechas que puede deparar alguna sorpresa.
VEINTE AÑOS DE CARRERA y mantener la misma formación de siete miembros en cada uno de los discos de estudio que has grabado no es algo al alcance de cualquiera. El mundo del rock está repleto de historias de desavenencias, luchas de ego y rupturas, dado lo convulso que puede resultar compartir tantas horas en la carretera. Sin duda, esta unión tan sólida es una de las claves que han hecho de Las Pastillas del Abuelo una de la bandas de rock más queridas en su país. El propio Juan Piti, vocalista del gru-
po, nos desvela el secreto. “Al principio de formar la banda no nos conocíamos todos personalmente, pero sí teníamos mucha gente en común que hicieron que, cuando nos juntamos, no nos sintiéramos ajenos los unos de los otros. Con el paso del tiempo nos hemos hecho amigos, nos hemos hermanado, hemos vivido infinidad de cosas, buenas y malas, y lo cierto es que nos queremos mucho. Y eso que somos muy diferentes, pero tenemos la confianza para decirnos lo que pensamos, poder enojarnos y poder hacer las paces al día siguiente… Por otro lado, musicalmente también congeniamos. Entonces es como que todo lo vivido, y el privilegio de poder hacer lo que nos gusta, es un regalo que nos da la vida. Si renegásemos de eso estaríamos tirando por la borda algo espectacular”.
LA UNIÓN HACE LA FUERZA y la suya se ha prolongado a lo largo de dos décadas. Cifra que ha motivado una serie de celebraciones que han tenido momentos de gran
”intensidad. Solo hay que acudir para cerciorarse de ello a su concierto del pasado mes de septiembre en el Luna Park de Buenos Aires; su reciente paso por el Cosquín Rock; la grabación de unos podcasts en los que cuentan toda su carrera y la reciente edición de una serie de singles que formarán parte de un álbum de colaboraciones del que Piti no me quiere desvelar gran cosa, no sea que algo se tuerza. No obstante, el vocalista sí me desvela que uno de los colaboradores será un artista español al que esperan conocer durante esta tercera visita a nuestro país. En estos conciertos nos encontraremos con una banda en un momento dulce. “El público nos va a ver un poco más viejos, pero bastante bien mantenidos. Ahora estamos armando la lista de temas con la que vamos a ir para allá y, como siguen siendo unos conciertos dentro del marco de los veinte años, vamos a tocar canciones de todos los discos. Las últimas que hemos sacado posiblemente también estén”.
PARA EL AFICIONADO RESULTA todo un regalo poderlos disfrutar en distancias más cortas a las que están acostumbrados a tocar en su país. “Volver a tocar en salas más pequeñas de las que tocamos habitualmente es algo que nos gusta y de alguna manera también nos rejuvenece. Recuerdo mucho la primera vez que vinimos a España porque alquilamos la furgoneta y la conducíamos nosotros mismos, como hacíamos al principio de nuestra carrera, y fue algo que me encantó. Me gustó hacer esa gira y depender tan solo de nosotros mismos y no llevarlo todo súper organizado con un chófer que te lleve o no tener habitación en el hotel para ti solo y tener que volver a compartir con tus compañeros de nuevo. Por eso digo que, en cierta medida, nos rejuvenece, porque nos permite volver a vivir experiencias y creo que de alguna manera nos hace bien”.
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CONCIERTO
l Barcelona 12 abril. Sala Apolo
l Valencia 13 abril. Peter Rock
l Mallorca 15 abril. Es Gremi
l Málaga 16 abril. Sala Cochera Cabaret
l Alicante 18 abril. Sala Stereo
l Madrid 19 abril. Sala Copérnico
“El privilegio de poder hacer lo que nos gusta, es un regalo que nos da la vida”FOTO: MARTIN BONETTO
ELECTRÓNICA / “Quest For Fire” supone un proceso de redescubrimiento y reescritura del productor estadounidense. Skrillex se obliga ahora a volver a su prehistoria autoral, a volver a descubrir el fuego. La tiranía de los graves no se limitará a desplegarse en “Leave Me Like This”, sino que supondrá una de las columnas vertebrales de esta homogénea criatura con tendencias al golpe, el drum y la vibración. Y si no que se lo pregunten a “Rumble”, el hijo mimado del disco gracias a Fred Again.., uno de los artífices de este cruce bastardo de la contundencia del grime de Flowdan y violencia sensorial de un beat que añora el dubstep llorando a 140 bpm. Un cambio de paradigma en el que Skrillex firma un proyecto que se siente más comunitario que nunca. Este funeral del brostep es al mismo tiempo una celebración del presente de la escena electrónica, una muestra de que el productor desea (y sabe) vivir en los códigos y sonidos del presente. DANIEL GRANDES
Gorillaz Cracker Island Parlophone/Warner
POP / Damon Albarn comenzó con Gorillaz casi como un juego, un proyecto que le permitía ser mucho más abierto y fluido que Blur, y que con el tiempo se convirtió en su proyecto principal, dando como resultado discos como “Demon Days” (05) y “Plastic Beach” (10), pero, poco a poco, la llama creativa parecía haberse fundido y era más fácil ver algo propio del gran compositor en sus discos en solitario que en los del colectivo animado que comandaba. Con “Cracker Island” esto vuelve a cambiar y encontramos el disco más cohesionado de la banda desde 2010, con Albarn poniendo más de sí mismo, aunque usando los disfraces virtuales de la banda para hablar del aislamiento y la mercantilización de unas vidas que se han vuelto prácticamente virtuales. Musicalmente es
su disco más pop, notándose la mano de Greg Kurstin (Sia, Adele) supervisando la producción, combinándose con un toque Flaming Lips en canciones como “The Tired Influencer” o “Baby Queen”.
Es evidente que ese sentimiento de irrealidad, de vivir nuestras vidas frente a pantallas, sirve para unir un disco en el que Albarn vuelve a mezclar a la perfección con sus múltiples colaboradores, pero esta vez con un tono más de disco cerrado que de colección de sencillos. Aun así, está un paso por debajo de los dos grandes discos de Gorillaz, por culpa de algunas canciones que parecen fuera del concepto general, como “Tarantula”, aunque los aciertos son mucho más frecuentes que los errores, con las magníficas “Oil”, “Silent Running” o la canción que cierra el disco, “Possession Island”, que permite a Albarn sacar al gran maestro de melodías de pop barroco tipo “To The End” o “End Of The Century” y aferrarse a una última, y lúgubre, esperanza “Where things they don’t exist/And we’re all in this together ‘til the end”. Parece el mantra perfecto para estos tiempos post-Covid y para una banda que ha hecho de su no existencia su propia esencia. SERGIO ARIZA
Madee Conundrum
B-Core Disc
ROCK / No hay dos sin tres, y contra todo pronóstico, terceras partes a veces sí pueden ser buenas. Así al menos lo demuestran los de Cabrils, quienes alineados nuevamente bajo la lírica de Mark Swanson, cierran por todo lo alto la trilogía de su regreso, iniciada en 2021. Después de dos álbumes con los que el sexteto ha afianzado su puesta a punto, “Conundrum” se concibe como una reconquista de pleno derecho, sacando a flote su mejor sonido entre escenarios aciagos e introspectivos y guitarrazos melódicos que remiten a lo mejor del pop-rock anglosajón de principios de los 00s. Referentes a parte, Ramón Rodríguez y los suyos se dejan llevar, haciendo gala de la soltura que la experiencia les ofrece y entregando piezas pegadizas, himnos catárticos, huidas experimentales y letras que reafirman esa valentía demostrada por avivar un proyecto que colea más que nunca.
FRAN GONZÁLEZROCK / Este disco debut de Zulu es una colección de canciones que llevan impregnadas las coordenadas clásicas del hardcore, pero afinando la vista con ganas puede uno llegar a pensar que “A New Tomorrow” no es finalmente un disco de hardcore. Porque no se ciñe exclusivamente a gritar un par de verdades en un entorno que respeta a determinado género, sino que usa este género para declarar intenciones en medio de una obra en la que que aparecen otros elementos que más allá de las etiquetas –spoken word, soul, reggae, funk– hacen que lo que estemos escuchando sea más bien un manifiesto filosófico basado en la apertura mental y la reivindicación cultural. Zulu es una banda de chicos afroamericanos de Los Ángeles con necesidad de decir cosas. Con sus voces desgañitándose, con decisiones artístico-sonoras y por supuesto con su discurso. Brisa fresca para el mundo de la música extrema.
Method Records
RAP PUNK / La batalla que Tyron tiene con su instinto se refleja a la perfección en “UGLY”
Una lucha cuerpo a cuerpo con sus demonios que casi siempre termina dejando al artista en el suelo rodeado de un charco de sangre y sin ver la salida. Este nuevo salto en su trayectoria es un agrio loop de dolor, incredulidad, falta de aceptación y angustia por parte de una figura que quiere encajar en la sociedad actual pero no sabe cómo hacerlo. “UGLY” refleja un Tyron que no solo hace música para sanarse a sí mismo, sino que busca que su mensaje se expanda a un público cada vez mayor. Es por eso que esta última entrega está generando división de opiniones entre los oyentes colocando al artista contra las cuerdas todo el
tiempo, como si estuviera en una película de Aranofsky en la que tiene su propio corazón en la mano y no para de estrujarlo. El alma punk con la que se desarrolla “UGLY”, empujada por Dan Carey (Kae Tempest), hace que este mensaje de resistencia sea aún más poderoso con un Slowthai que está cómodo y auténtico dentro de este estilo. “It’s okay to cry, okay to cry” grita en “HAPPY”, la que es sin duda el hit del álbum con permiso de ese gran arranque inicial de “Yum” y “Selfish” en el que concentra todas sus miserias en apenas unos minutos. Ethan P. Flynn (FKA twigs) se cuela como uno de los nombres que más empujan los pequeños detalles que hacen de “UGLY” un gran proyecto. En especial, su participación en la creación de la fantástica “Tourniquet” donde colabora también Taylor Skye de Jockstrap. La llegada de Fontaines D.C. en las guitarras del corte que da nombre al álbum es otro de los grandes momentos del álbum. Y, sin duda, la apuesta de introducir a Sega Bodega en la producción de “Feel Good”, con la participación de Shygirl en los coros del tema, es todo un acierto.
ÁLEX JEREZ
POP / Todo el mundo necesita su particular banda sonora comming of age. Y si no existe, habrá que hacerla. Ésta debió de ser la reflexión de Wesley Joseph antes de ponerse con su segundo largo “Glow”, un álbum en el que se evoca una atmosfera cálida e intimista donde auto-explorarse entre inseguridades y un contexto inestable. A partir de avant-R&B, nos presenta a un rapero que hace pop, melodías funk y arreglos electrónicos. Sus letras giran entorno a saber si uno podrá estar a la altura. Una dualidad constante entre lo que es y lo que anhela ser. Destacan “Cold Summer”, que reúne todo el potencial de convertirse en un trend de TikTok; y la balada-rap experimental “Light Light”, en la que su voz pasada por autotune acaba por ser parte de la instrumentación. Finaliza sin desvelar cuál es esta otra versión de sí mismo que busca incansable, pero logra afinar un formato altamente pop y distintivo dentro del rap-R&B, que ya es mucho. EVA SEBASTIÁN
FLAMENCO / Esta oda a las pequeñas cosas, a, como canta en “Mi barrio”, “la vida son los detalles”, despega rebosante de compás y alegría, con la nave espacial que va “De Jerez a Plutón”, dedicada al gran Miguel Benítez, pasando, con mucha guasa y cachondeo, a la rumba-bacala “La makinita”, para seguir saboreando la verbena de felicidad sin pausa de “Los bares”, donde “la vida se pasa mucho mejor”, donde la vida “se ve de otro color”. El más poliédrico, divertido y mutante de los bailaores-cantaores, único en su especie, con el flamenco, el rock y la inspiración por bandera, puede zapatear con la misma frescura y pellizco en los ritmos reggae y soleados de “La Zalamera”, arrancarse por bulerías con “Mentira es”, o revisitar el himno “El vino y el pescao”, de aquellos superhéroes de barrio con los que hizo equipo en G-5 (Kiko Veneno, Muchachito Bombo Infierno y los Delinqüentes). DAVID PÉREZ MARÍN
Cora Yako Cora Yako Intromúsica/ Altafonte
INDIE POP / El segundo álbum de Cora Yako muestra su bien entendida fijación por los noventa, en una obcecación que resulta determinante a la hora de definir perfil y consecuencias de la referencia. “Cora Yako” viene protagonizado por ese indie-pop de guitarras con sabor (ya) añejo, que tan bien han sabido entender los madrileños en un total de diez canciones con mayoría de singles en potencia que mezclan melodías y distorsiones. Una obra al amparo de la sombra de Los Planetas, Dinosaur Jr, Weezer, Ash, Australian Blonde, Ride, The Smashing Pumpkins, Pixies, Jimmy Eat World o Sugar, retahíla de referentes todos ellos que, en el caso del cuarteto, solo cabe entender como merecido cumplido. Unas preferencias que, trasladadas al castellano, resuenan tan familiares como irresistibles, en una propuesta perpetrada por un grupo que puede que tenga poco de original, pero con una chispa no demasiado frecuente.
RAÚL JULIÁN
Inhaler Cuts & Bruises Polydor/ Universal
POP / U.S. Girls ya había coqueteado con la música disco y el funk en discos anteriores pero en “Bless This Mess” se lanza de cabeza a la pista y quita el polvo a su bola de espejos. No es el movimiento más innovador del momento (todavía resonando los últimos trabajos de Jessie Ware, Dua Lipa o Beyoncé), pero lo hace bajo su propio prisma, con ese toque más alternativo y extraño. La de Toronto estrena maternidad y, en vez de regalarnos un disco de nanas y susurros a su bebé, Meg Remy se viste de Kylie Minogue y sale a bailar, aunque cuanto más se aleja de la pista más pierde el disco, siendo un perfecto ejemplo de esto la canción titular, que no termina de encajar, ni de emocionar. A pesar de todo es un buen disco de una artista que sigue hablando de los males de nuestro tiempo, eso sí, esta vez bajo la vieja bola de espejos y con una colección de canciones destinadas tanto a tu cerebro como a tu culo. SERGIO ARIZA
INDIE POP / Inhaler responden a un tipo de grupo que se pasea, no sin riesgo, por esa fina línea que separa un indie-pop de bonito cuño y la canción algo hortera apta para la radiofórmula. Los irlandeses hacen equilibrios una y otra vez a lo largo del que es su segundo elepé y apostillan melodías contagiosas colocadas en canciones de rápida asimilación que, dependiendo del momento, resultan más o menos aprovechables. El cuarteto juega en una liga similar a la de Razorlight, The Kooks, Blossoms, Delays o The Pigeon Detectives y, con temario algo facilón y mensaje intrascendente, pueden llegar a sugerir que se tratan del típico placer culpable. Porque, al mismo tiempo, resultan dotados con cierto atractivo difícil de obviar. El mismo que motiva que “Cuts & Bruises” se disfrute de manera intermitente, mientras el grupo escala niveles de popularidad en Reino Unido con un producto conscientemente suave. RAÚL JULIÁN
1 CRIM Cançons de mort
2 SFDK Inkebrantable
3 Vera Fauna Los años mejores
4 Madee Conundrum
5 Tomasito Agustisísimo
6 Los Mejillones Tigre EL fuego
7 Lildami Dummy
8 Cora Yako Cora Yako
9 Monteperdido Daño Físico
10 Juan Rios Aware
Los Mejillones Tigre
El fuego Boomerang
ROCK / Prepararos para sentir “El fuego” (23) en el cuerpo y bailar en una verbena tropical bajo un nuevo grito de guerra: “¡La cumbia es el nuevo punk!”. Los Mejillones Tigre vuelven a la carga con su segundo largo y, conservando su esencia tropicalista y salvaje, suben la apuesta y aumentan su ecléctica paleta sonora, con un extra de psicodelia garagera de ida y vuelta que te poseerá por mucho que te resistas. Del sabrosón y acelerado “Dale Candela” inicial, a esos sudorosos y pegadizos “40 grados (o más)”, pasando por esa pócima de garage para la alegría con “Agua de fuego”. Pura fantasía selvática a cada surco y por encima de todo: cumbia en vena. A fuego lento y empapada de LSD (“Lamento lisérgico”), o con adictivo ritmo endiablado que te empujará a “bailar pogo tropical” sin pausa (“La cumbia es el nuevo punk”). Un disco perfecto para darle una buena patada al frío.
1 Fever Ray Radical Romantics
2 Yo La Tengo This Stupid World
3 Algiers Shook
4 The Nude Party Rides On
5 Slowthai UGLY
6 Gorillaz Cracker Island
7 Zulu
A New Tomorrow
8 Skrillex Quest For Fire
9 Kali Uchis Red Moon In Venus
10 U.S. Girls Bless This Mess
POP ROCK / Ya nos sembraron en el pecho “Dudas y flores” (20) con su imprescindible debut, y esos son los aromas que germinan y crecen como lisérgicas enredaderas de neón en este segundo largo, más intimista y doméstico aún. Costumbrismo en vena a base de una personalísima poética de lo cotidiano, empapada de sones rumberos y tropicalistas, con un extra de soleado pop etéreo y caleidoscópico, rebosante de matices y atmósferas ensoñadoras. Una envolvente y refrescante brisa que te atrapa pasando por raíces sureñas y olas que funden sones multiculturales de las dos orillas, como en la arabesca “No quiero nada”, junto a Carmen Xía. Del galope ska con regusto a Pony Bravo en “Casa carreras”, o ese reggae “venenoso” de “Mira lo que tengo”, donde late fuerte la influencia del maestro de pelo plateado… un Kiko Veneno con el que hacen equipo a la perfección en la joya de la corona, “Martes”.
DAVID PÉREZ MARÍN
POP ELECTRÓNICO / Nunca he asistido a un aquelarre al uso, pero estoy segura que, si este estuviera oficiado por una estrella del pop alienígena, sonaría exactamente a “Radical Romantics”. Después de más de cinco años, Fever Ray vuelve con su tercer álbum de estudio, desde el que nos mira como quien sabe algo más de lo que nos va a contar. Karin Dreijer ha cocinando diez cortes impecables. Una especie de vodevil pop-electrónico con percusiones tribales, donde ¡hocus pocus! un montón de brujas acaban riéndose de la propia condición humana, y de nuestra exigencia de amar. El disco empieza como cualquiera que está a punto de enredarte: pidiendo perdón. “What They Call Us” es un gancho, te hace partícipe desde el primer momento de una danza de la que no puedes
escapar. Al llegar a “New Utensiles”, de ritmos marcados sin margen para la casualidad, te embriaga una dulce desorientación. Esta secuencia es también el retorno a la producción junto a Olof, su hermano y compañero de The Knife. Kandy, más sensual, rebaja las pulsaciones. Justo a tiempo para contraponerse a la producción industrial de Trent Reznor y Atticus Ross de Nine Inch Nails en “Even It Out”. La danza de fábula tenebrosa llega a su máximo exponente con el rompepistas, para un club o
para las cuevas de Zugarramurdi, de “Carbon Dioxide”. Un tema en el que brilla el mejor atributo del álbum: no relata la emoción, te la hace experimentar. Fever Ray nos tiene. Baja a un medio tiempo en “North” y desciende con tranquilidad hacia el último corte del disco. Cantos de sirena. Siete minutos en los que te dejas llevar por todo lo que puede ser. No hay respuesta, no hay una gran revelación, pero una vez escuchado, ya no puedes salir de “Radical Romantics”. EVA SEBASTIÁN
POP / “Mixtape #1” llega prensado en un precioso vinilo de diez pulgadas de color gris con salpicaduras naranja y, más allá del apetecible formato físico, resulta un pequeño regalo para el oyente en forma de versiones perpetradas con buen gusto por Lucas Bolaño. El alma mater de Estrella Fugaz nos oferta cinco relecturas de artistas diversos, que lleva a terreno propio acercándose a todas ellas desde perspectivas diferentes. Desde “Ya no hay verano” de Depresión Sonora a “Linoleum” de NOFX, pasando por temas de Hidrogenesse, Manu Chao y Sofía Kourtesis. Un EP ecléctico que no sigue lógica alguna en la selección y, de este modo, consigue albergar agradecidos giros y sorpresas. Es obvio que el producto es, ante todo, un capricho de su artífice, pero también resulta una curiosidad interesante y un bonito objeto de coleccionismo que recuerda las ventajas románticas del formato físico con respecto al streaming. RAÚL JULIÁN
RAP POP / El panorama urbano catalán vuelve a sonreír, Lildami se encuentra en la cima como muestra en su nuevo disco. El de Terrassa se ha desprendido de todos los prejuicios que pudiese tener, adentrándose en cualquier sonido que se le pase por delante, mostrando que sus barras pueden adaptarse a cualquiera de ellos. El artista sigue teniendo su espíritu reivindicativo, representado en “4 gats” junto a un excelente Triquell, y es capaz de aceptar sus propios demonios internos en temas como “Talldami” junto a Sr. Chen, aunque sigue teniendo al (des)amor como tema principal. Pero si hay una pieza que marca la diferencia en este trabajo es “Supermercat”. Se ha convertido en uno de los hits comerciales catalanes de los últimos meses, y no es para menos. La última versión de Lildami puede ser comercial, a la vez que reivindicativo y meter un tema de rap más puro, “Que això no acabi”, y seguir sonando a él.
ALEJANDRO CABALLERO SERRANO
ROCK / Tiene sentido encontrarse a The Nude Party publicando con New West, discográfica asociada normalmente al rock americano. De hecho este nuevo trabajo de los norteamericanos tiene mucho de eso, y también de las aventuras de los Stones en “Sticky Fingers” (71) o con su exilio en la calle Main. ¿A qué van a recordarnos si no la inicial “World Gets Around” o “Polly Anne”? Pero también se percibe algo del aroma del Lou Reed menos experimental en temas como “Hard Times (All Around)”. A partir de esos pilares el grupo adquiere volada propia y se marca un trabajo notable, con muy buenos momentos y alguna dispersión. Nada grave. Están en buena línea, y por eso no extraña que Alex Turner de Arctic Monkeys los tenga entre sus bandas favoritas. Además, su música aporta un motivo más para discutir con aquellos que defienden que cierto tipo de rock está muerto porque no llega a la gente joven. Miren, escuchen y callen. EDUARDO IZQUIERDO
POP / Sergi Carbonell, antiguo miembro de Txarango y pianista profesional, se descubre en “Refugi” como un auténtico cantautor. El músico catalán se dejó llevar por los impulsos naturales de la música durante 2022 y poco a poco fue creando cada una de las trece piezas que componen su debut. Un disco en el que aúna el catalán con el castellano y que está repleto de sonidos que nos llevan a otros lugares, desde Brasil con “L’Hidra” o Cuba con “Millor junts” y que, aun así, tienen una clara reminiscencia a su anterior formación, algo que es muy palpable en la joya del disco, “Desaprenent”. Un trabajo donde narra sus vivencias más íntimas y que, al oírlo, se puede sentir como un viaje hacia lo más profundo de su ser. Aunque es un álbum que nos sirve para descubrir esta nueva faceta de Carbonell, también sirve para mostrarnos que las cosas que nos hacen sentir bien están mucho más cerca de lo que creemos. ALEJANDRO
HFMN / BCORE
PUNK ROCK / El punk rock en catalán atraviesa un momento dulce gracias a bandas como Crim. Los de Tarragona llenan salas como la barcelonesa Razzmatazz sin muchas dificultades y eso dice mucho del estado de salud del género y sobre todo del tirón de esta banda. La voz rota de siempre con armonías contagiosas, riffs directos al estómago, solos tatareables y una base rítmica veloz y compacta. “Cançons de mort” es otra ración de punk rock ‘criminesco’ para deleite de su legión de seguidores con alguna sorpresa como el sonido spaghetti western de “Vam riure tant”. Grabado durante el confinamiento más estricto, encerrados en Cal Pau Recordings con el ya habitual Santi García, en este cuarto disco la nostalgia no tiene cabida. El oscuro presente nos enfrenta a
Juan Ríos Aware Guayaba Records
URBANO / El lo-fi es uno de esos géneros musicales que, por más que sean influyentes y apreciados, no llegan a calar en el inconsciente colectivo, más allá de los fans alineados con el mood o la estética representativa del mismo. Guayaba Records, capitaneada por Sr. Guaya, ha estrenado el nuevo álbum de Juan Ríos, uno de los nombres más importantes del lo-fi patrio, y conocido por sus colaboraciones con Cráneo y Lasser, dentro del colectivo Fanso, alumbrando algunos de los temas más brillantes del rap nacional de los últimos años. Este nuevo álbum, titulado “Aware”, destaca por una construcción luminosa y brillante del lo-fi. Juan Ríos continúa una etapa superfértil, con más de un álbum por año en el último lustro, y sigue explorando su faceta como solista después de haber colaborado con varios de los nombres más importantes del panorama urbano nacional y sofistica su sonido para resultar irresistible.
LUIS M. MAÍNEZla versión más existencialista y tremendista de Crim, que cantan a esos “100 segundos para que se acabe el mundo” en el corte que da nombre al disco. Su espíritu radicalmente crítico es innegociable. Ahí está el retrato fatalista de su propia ciudad natal (“Patrimoni mundial”) y sus letras en contra de la superficialidad (“Estiu de merda”), la dictadura de los algoritmos (“Sense tú estic molt bé”) y la clase
Kali Uchis Red Moon In Venus Geffen/EMI
SOUL-R&B / “El amor es el mensaje”, así había presentado la propia Kali Uchis su nuevo disco, “Red Moon In Venus”, y nada más empezar a escuchar este disco uno tiene la sensación de que no nos ha engañado. Claro que más que sobre amor espiritual esto es un disco de soul tórrido sobre los placeres carnales, uno en el que, como canta en la cautivadora “Endlessly”, “es San Valentín como todos los días”. Puede que este sea el disco más suave e hipnótico de Uchis, hay menos vivacidad que en el maravilloso “Isolation” (18), pero, al ralentizar el tempo, su sensual voz destaca todavía más. La cantante ha querido crear un disco atemporal sobre el amor con referencias a la astrología, algo que siempre me ha parecido una tontería, eso sí, habrá que reconocer que las tonterías astrológicas nunca han sonado tan sexis como en “I Wish You Roses”, la seductora “Moonlight”, “Endlessly” o la juguetona “Happy Now”. SERGIO ARIZA
política que solo piensa en mantener su poltrona (“Ultracentre”, con ese solo digno del mejor Brian May, y la solemne “Revolta dels somriures”). El nivel estaba muy alto con “Pare nostre que esteu a l’infern” en 2019, mejor disco en la categoría punk y hardcore en estas mismas páginas; pero Crim han vuelto a darle un buen martillazo al clavo con este “Cançons de mort”. LUIS BENAVIDES
The Reytons What’s Rock And Roll? Autoeditado
INDIE ROCK / El segundo disco de Monteperdido debía tener una duración compacta de apenas treinta minutos. Era la manera de que la obra resultase coherente con esa inmediatez, descaro y urgencia que destilan sus canciones. El combo saca definitivamente pecho con un disco de indie embrutecido a conciencia a base de guitarrazos y ritmos acelerados, que sigue aquellas máximas señaladas por el alma punk latente en su seno. Un trabajo de mensaje realista que presenta una visión tan hastiada como alejada de la rendición definitiva, insinuando un halo de esperanza en el fondo de las escenas. Y es justo en torno a esa capacidad para revolverse contra las adversidades, en donde el quinteto parece encontrar motivación para componer canciones en las que arrojo juvenil y actitud resultan igual de imponentes que la instrumentación, así como la voz honesta e hiriente de su cantante Bego afilando narrativa. RAÚL JULIÁN
INDIE ROCK / Publicar un trabajo como “What’s Rock And Roll?” en pleno 2023 puede suponer un anacronismo innecesario o una meada fuera del tiesto sin más, pero las melodías de Jonny Yerrell y compañía no ahondan tanto en la nostalgia como sí en la naturalidad de quien no concibe la música de otra forma. Una propuesta con portento, que bien hará las delicias de aquellos que añoran los días dorados de Arctic Monkeys, pero que nos transmitirá la constante sensación de estar oyendo a una banda tributo que todavía anda en la búsqueda de su propio y mejor sonido. Hay potencial, tal y como revelan pistas como “15 Minutes In The Algorithm” o “Love In Transaction”. Pero si de lo que se trata es de valorar hasta qué punto puede aportarnos algo un proyecto como The Reytons a día de hoy, nos vemos exigidos a demandarles a los mismos un poco más.
FRAN GONZÁLEZ
Hace cerca de dos décadas un niño asobinado en una cama o una gelatina saltarina hacían gala ya de una de las más distintivas inquietudes del universo chanante: la animación. Veinte años después, Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla y Miguel Esteban elevan a un siguiente nivel su trayectoria con “Pobre Diablo”.
“Nosotros teníamos cierta experiencia ya en piezas cortas, pero claro, mis personajes siempre se movían más bien poco. Acostumbraban a estar sentados o tumbados. Un poco también como el que los hace”, bromea Reyes. “Siempre habíamos hecho animación, pero nunca a este nivel”. “Claro, hasta ahora todos nuestros proyectos los animábamos nosotros como podíamos”, apunta Miguel. “Pero ‘Pobre Diablo’ ha llegado a tener hasta veinte animadores distintos en plantilla y sus buenos resultados llevan el sello de Rokyn, que es un estudio de animación granadino excelente”. Una pista, sin duda, de la envergadura y la intensidad de este proceso de trabajo tan arduo. “Hay que tener en
cuenta que todo partía de las voces y desde ahí se animaba. Los animadores necesitaban de esa referencia para dotar a los personajes de esas características emocionales propias. El actor de la versión original es el que marca el carácter que va a definir a ese personaje. Y luego, por supuesto, eso deriva en un proceso de animación larguísimo”, continúa Joaquín.
SOBRE SUS PERSONAJES, y más concretamente, sus voces, nos es imposible no hacer un alto, principalmente para recordar a la añorada y admirada Verónica Forqué a través de las palabras de quienes fueron sus compañeros en este proyecto. “Éramos unos auténticos admiradores de ella, nivel mitómano”, recalca Miguel. “Era la voz perfecta para el papel de Rose”, añade Reyes. “Nos emociona mucho recordar que, en los últimos momentos que compartimos con ella, siempre se mostró feliz y dispuesta a todo”. Y es que, por unas o por otras, la emoción está bastante presente en todo lo que respecta a “Pobre Diablo”, algo que queda del todo recogido en su séptimo episodio. “Es verdad que es la vez que más hemos sido explícitos con la emoción, pero no es la primera que lo intentamos. De hecho, algunos de los sketches de ‘Muchachada Nui’ que más me
gustaban ya tocaban un poco ese tono”, afirma Miguel.
EL APRECIO POR LAS COSAS bien hechas es, en cierto modo, lo que les ha llevado a no caer en desaceleradas reiteraciones y les ha obligado a sentirse ávidos por evolucionar en su forma de hacer comedia. Un rasgo identitario que además les revela casi como una rara avis dentro de su generación y que es lo que les ha permitido sacar pecho de su humor y de sus proyectos, aún después de tantos años. “Creo que nuestro recorrido siempre ha sido más largo gracias a que el humor que practicábamos nunca se basaba en la actualidad y sí en lo absurdo”, matiza Joaquín. “También está ahí el hecho de que nunca hemos querido pecar de viejunos ni repetir el mismo tipo de comedia, porque detrás de esos ataques de nostalgia lo único que se confirma es que te has hecho mayor y ya no eres una persona inquieta. Nosotros, al menos, tenemos la voluntad de no perder esa inquietud. Siempre hemos apostado por no repetir la misma fórmula, y ahora lo demostramos, no solo en la forma, sino también en el fondo”.
FRAN GONZÁLEZ“Siempre hemos apostado por no repetir la misma fórmula”
TAL Y COMO LA PROPIA película bromea con ello, el año pasado pudimos disfrutar de la recuela –definido como una mezcla entre secuela y reboot– de “Scream” que no fue “Scream V”. Aquella cinta se mantenía fiel a la saga de Wes Craven, pero con el estilo neoslasher de las películas de terror de la actualidad, ironizando fervorosamente sobre lo que se ha dado en llamar terror elevado y, por supuesto, el propio género de los slashers. La película supuso todo un éxito para Paramount que, un año después, lleva a las pantallas la sexta entrega de la saga, esta vez numerada, subrayando que esta cinta es más continuista que la del pasado año. Como era de esperar, la saga sigue en manos de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, quienes más allá de firmar la disfrutable entrega anterior de la saga son también
los autores de “Noche de bodas” (19), película protagonizada por Samara Weaving, encargada de contestar el teléfono al inicio de esta “Scream VI”. Sin Neve Campbell, la cinta cuenta con gran parte del reparto que ya vimos el año pasado como las hermanas Carpenter, Jenna Ortega y Melissa Barrera, y por supuesto, la incansable Courtney Cox en su rol de Gale Weathers. En esta ocasión nos trasladamos a la Gran Manzana con la intención de convertirnos en testigos de cómo se desata el caos en sus diferentes distritos. Y por muchas reticencias que podamos tener al principio, “Scream VI” acaba sorprendiendo para bien tanto como su predecesora. Una película que se disfruta tanto por su valor como homenaje a la franquicia como por su satisfactorio ejercicio de metacine.
ALEJANDRO TEIGA ROBLESHBO MAX HA APOSTADO por la obra maestra del estudio Naughty Dog, “The Last Of Us”. Ha sido complicado separar ambas representaciones para hacer esta crítica. Sin embargo, la serie ha sabido hacer que la historia se sienta suya. No ha habido ninguna necesidad de inundar las escenas de infectados, ni de recurrir a la acción o al miedo. Se ha optado por hacer que cada lugar al que viajan Ellie y Joel (Bella Ramsey y Pedro Pascal) contenga su propia historia haciendo que la serie sea más grande e íntima. Lo que no acaba de cuadrar es que cada vez que la relación entre los dos protagonistas se afianza, la serie se permite un flashback. Hay que reconocer que varios de ellos están bien escritos, pero parece que el foco no termina de estar centrado. Lo que le da al videojuego el título de obra
Craig Mazin y Neil Druckmann
maestra es cómo todo confluye en su final, mientras que en la serie esa evolución se presenta más desdibujada, casi a trompicones. Esto no le quita mérito al mimo por los detalles y la simbología, lo significativos que llegan a ser los diálogos y, sin duda, las actuaciones de Bella Ramsey y Pedro Pascal. De este segundo ya conocíamos sus dotes actorales. El punto de discordia estaba en Ramsey, quien ha demostrado ser una Ellie más dura y graciosa que su contrapartida del videojuego. Hasta ahora nos preguntábamos si era imposible que las adaptaciones de videojuegos funcionaran en película. Y es cierto que nunca funcionan, pero “The Last Of Us” ha demostrado que no todas, que hay gente que está dispuesta a tomárselas en serio para hacer productos de calidad.
SE PODRÍA DECIR que uno de los principales logros de “Creed III” es que nos descubra el talento de Michael B. Jordan como director. Este nuevo spin-off de “Rocky” resulta ser una cinta muy bien rodada, entretenida y que nos da exactamente lo que promete. “Creed III” nos cuenta la historia de un Adonis centrado en su familia tras triunfar en el mundo del boxeo. Como era de esperar toda esa tranquilidad se tambalea cuando vuelve a aparecer en su vida Damian (Jonathan Majors), un amigo de la infancia y antiguo prodigio del boxeo que vuelve a la ciudad tras pasarse dieciocho años en prisión. Aunque precisamente el guion es el punto más débil de la cinta, lo cual no es una sorpresa avisados como estábamos viendo los diferentes trailers o las películas previas de la saga: resentimiento, venganza y finalmente redención,
excesiva en lo melodramático, pero excelente en la composición de los combates. Y ahí llega uno de los puntos más interesantes: esos combates están filmados claramente influenciados por el anime, citando el propio Michael B. Jordan la legendaria “Dragon Ball” como una de sus principales inspiraciones. Con Jordan al frente de todas sus facetas en la producción, destaca el trabajo de Tessa Thompson, Jonathan Majors, Phylicia Rashad y Wood Harris, y de una Mila Davis-Kent que roba el protagonismo encarnando a la carismática hija de Adonis. Y no podemos pasar por alto la importancia que tiene el soundtrack, toda ella a cargo de los artistas de Dreamville, el sello de J. Cole, hitazos que no te puedes sacar de la cabeza y que dotan a esta “Creed III” de un sólido respaldo musical.
ALEJANDRO TEIGA ROBLES
EN SU SEGUNDA PELÍCULA la directora marroquí Maryam Touzani hace un gran ejercicio de depuración del género melodramático. En su premisa argumental “El caftán azul”, candidata por su país a los Oscar, lo tiene todo para desembocar en una tragedia irrespirable propia de un folletín desaforado. Así, la película lidia con dos temas tendentes a la explosión emocional y a lacrimógenos fatalismos inexorables: una enfermedad terminal y la estigmatización del amor y la práctica homosexuales. Sin embargo, y a diferencia de los grandes exprimidores del género como Almodóvar, Fassbinder o incluso Sirk, Touzani, favorecida por el clima social represivo de la historia que relata, prescinde de estridencias, aplica la contención como regla de oro y se fija en lo que realmente cuenta, sus tres protagonistas, personajes que
reciben, por parte de la cineasta, un respeto inmenso. Los comprende, los acompaña, los abraza. Este acompañamiento se traduce en una narración íntima, calma y susurrante, llena de luz cálida, miradas que entienden y silencios que explican. De este modo, la directora consigue la emoción pura. Touzani se olvida, por lo tanto, de cualquier lugar común de un género que ha hecho, de sus vicios, normalidad. No hay más antagonistas en la historia que el propio marco en que se inscribe, al que la directora tampoco se dedica en exceso. Es una película humanista que tiene como principal preocupación hacer de sus personajes verdaderos seres de carne y hueso. Y lo consigue con la ayuda de un trío actoral espléndido: los veteranos Salek Bahri y Lubna Azabal, además del debutante Ayoub Missioui. J. PICATOSTE VERDEJO
Todos los grandes mitos de la música tienen su correspondiente libro referencial. Esa obra definitiva que se cita como indispensable para conocer al artista. La que cualquiera citaría a la hora de recomendar un solo libro a alguien que lo preguntara. Y pocas dudas hay que, en el caso de Elvis Presley, la cosa se reduce a los dos volúmenes escritos por Peter Gurlalnick. “Último tren a Memphis: La construcción del mito”, primero, y “Amores que matan: la destrucción del hombre”, después. De hecho, especialmente el primero de ellos podría estar fácilmente en cualquier lista de las cinco mejores biografías sobre un músico de rock de todos los tiempos. Absolutamente imprescindibles. Adictivas como una novela. Fascinantes. Embriagadores. EDUARDO IZQUIERDO
Adentrarse en el mundo de Nick Cave es una experiencia intensa y fascinante, cuando no directamente escalofriante. “Más extraño que la bondad” supone una invitación adicional (y nada velada) hacia el germen creativo del autor, tras recopilar fotografías, memorabilia, textos, motivadores y, en definitiva, objetos relacionados con el artista. Un tomo imperial que abarca desde sus comienzos en The Boys Next Door hasta obras más recientes, pasando por The Birthday Party y Grinderman. Todo con un hilo conductor anárquico que saltea elementos –incluyendo, así mismo, cartas, bocetos y apuntes, poesías, multitud de letras manuscritas o dibujos– y propone un viaje tan intuitivo como intenso a través de la jugosísima trayectoria del indomable. RAÚL JULIÁN
Una obra con unas visibles influencias: el “Agujero negro” de Charles Burns, en la visión de las transformaciones de la adolescencia como una enfermedad; los slashers ochenteros a los que rinde homenaje; una pequeña ciudad estadounidense por escenario, algo que nos hace pensar en el David Lynch más turbio de “Terciopelo azul” (86) o “Twin Peaks” (90); y, por último, un misterioso asesino armado con un bate de béisbol que nos recuerda el genial anime de Satoshi Kon “Paranoia Agent” (04). Ganadora de la mejor novela gráfica de género negro del Festival de Angoulême, lo que hace funcionar la historia es el dibujo de su autor, que inunda las viñetas de claroscuros y grises, transmitiendo una permanente atmósfera de inquietud y nihilismo.
JOSÉ MARTÍNEZ ROS
¿En serio, a estas alturas, es todavía posible hacer un cómic de vampiros y que aporte algo original? Pues sí. Pero si atendemos a que el tándem creativo lo conforman una vez más Dustin Nguyen y Jeff Lemire resulta más sencillo de entender y un punto más todavía si leemos el primero de los tomos de la serie. ¿Es posible que unos niños vampiros que hayan vivido cientos de años continúen siendo inocentes al no entrar en contacto con el resto del mundo? ¿Dejarán de serlo si descubren lo sabrosa que es la sangre humana? ¿Sucumbirán a la llamada de la sangre o preferirán evitar la tentación? Jeff Lemire ha descrito “Little Monsters” como “‘El señor de las moscas’con niños vampiro”, y, la verdad, no se me ocurre mejor forma de resumirlo.
Más que un elemento estético ligado a la cultura pop, el pelo afro es una metáfora perfecta para entender el racismo. Hija de madre irlandesa y padre nigeriano, la periodista Emma Dabiri ha conseguido despojar el peinado de su romantización estética para dar forma a un ensayo enérgico y fresco con el que trata de desmontar los falsos tópicos que, durante décadas, han relacionado el pelo afro con la fealdad o la pobreza. Con un elocuente subtítulo descriptivo –“Origen e historia del cabello afro”– critica abiertamente el racismo, el clasismo y el apropiacionismo cultural haciéndose valer de numerosas anécdotas e impresiones en primera persona. Un libro que contribuye positivamente a cambiar nuestra forma de ver el mundo. TOMEU CANYELLES
Mataría por tener la visión siempre lúcida y razonada, de Chuck Klosterman. Incluso cuando a primera vista puede darnos la sensación de que no vaya a convencernos con sus teorías, termina por hacerlo. Leer sus ensayos es verse reflejado en sus páginas. Tanto da que hable de heavy metal como, en este volumen, de toda una década, la década por excelencia de la generación X. Y eso ocurre porque nos provoca y nos lleva a ver las cosas siempre desde su óptica. Con ello salimos ganando, quede claro. Siempre lo consigue con sus artes de embaucador intelectual y con su verborrea de tipo que sabe que pocas veces se equivoca. Leerle, es siempre un placer y más cuando –y es el caso– nos ayuda a entender algunas de las claves de por qué somos quienes somos.
JOAN S. LUNA
El protagonista de esta breve pero intensa historia de amor es Denis, un dibujante de mediana edad que llega al Festival de Angulema dispuesto a afrontar un anodino fin de semana. Hasta que aparece Vanessa y las vidas de ambos cambian para siempre. Vivès nos deslumbra de nuevo como el narrador sensible y exquisito que es. Desde su característico trazo, como de boceto imperfecto e inacabado, capta las complejas sutilezas de las relaciones humanas, abordando los personajes femeninos desde su sensualidad y erotismo. Vivès cuenta mucho con muy poco, optando por la sobriedad cromática y por largos silencios, porque su dibujo habla por sí solo. Un bello ejercicio de maestría que demuestra lo bien que le sientan los años a este autor excepcional.
LAURA MADRONAHe visto unos cuantos spaghetti westerns de Sergio Leone, los he disfrutado, los recuerdo con mucho cariño y admiración, pero nunca me había planteado la posibilidad de leer una biografía del director italiano, cuyo legado ha influido a infinidad de directores –con Tarantino a la cabeza–. Hasta que este cómic ha llegado a nuestro país. Leerlo ha sido un placer, sobre todo porque el guion de Noël Simsolo –uno de los mayores expertos en la obra de Leone y otrora amigo personal suyo– es riguroso, sobrado en anécdotas y cargado de referencias cinéfilas que convierten estas páginas en casi un libro enciclopédico. Ante tal logro, quizás el dibujo pueda parecer algo meramente accesorio, pero incluso así el trabajo de Philan merece también nuestros elogios. MARTÍ
VILADOT
Carlos Noroeste, Alberto Graupera
Una de las virtudes del formato podcast es que permite que la hilera de temas interesantes a tratar, así como la forma de tratarlos, pasen de ser conceptos hipotéticos, (¡Buah, cómo molaría un programa que repasase los mejores episodios de “Los Simpson”!) a realidades que podemos disfrutar (¡Buah, he descubierto este programa que repasa los mejores episodios de “Los Simpson”). El juego de relacionar eventos de la vida real con “Los Simpson”, además de servir como lema del podcast (“El podcast que no predijeron Los Simpson”), es parte de su leit motiv. No hay en la cultura pop un universo tan amplio, y tan ligado a la realidad al mismo tiempo, como el de “Los Simpson”, y eso hace que sea perfecto para un podcast on going que quiera jugar con la actualidad a modo de inspiración.
“Aquí hay tema” es un podcast de Fundación SGAE que pone el foco en algunos de los temas más candentes de la industria musical española. Este primer capítulo trata de la exportación: César Andión, responsable del proyecto The Spanish Wave y profesional de amplísima experiencia, nos cuenta detalles del momento actual de la internacionalización del talento español. Complementa su testimonio el de Irenegarry, joven artista emergente.
Otra vez con Rafa Méndez a la cabeza, tras brillar con “F*** Pérez”, que ya defendimos aquí como uno de los mejores podcast del año, y que fue parte de su debut en el universo podcast español, SONORA estrena “Compañeros”, un documental de siete episodios que recoge el inicio, el nudo y el desenlace de Podemos, uno de los actores políticos más importantes desde la vuelta de la democracia a España, y que cambió para al menos una década -la que recoge este podcast- la forma de entender y hacer política en nuestro país. Del mismo modo que ya hizo con “F*** Pérez”, Rafa Méndez firma un producto a la altura de las expectativas. “Compañeros” es un retrato coral y total sobre la fundación, auge y consolidación de Podemos, con un trabajo de documentación y producción brutal.
Con su trágica muerte en Bogotá (Colombia) el pasado 25 de marzo de 2022, Taylor Hawkins se unió al panteón de baterías insustituibles malogrados prematuramente. Los británicos Keith Moon de The Who, John Bonham de Led Zeppelin y Pete de Freitas de Echo and The Bunnymen corrieron una suerte similar.
Hace unas semanas Sofía Comas publicó “A un pájaro rojo”, su segundo LP. Tras su lanzamiento, quisimos que se pasara por nuestra redacción de Madrid para descubrir más sobre este trabajo. Además, aprovechamos para grabar esta versión acústica del tema que da nombre al disco.
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Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Álvaro Tejada, Anaïs López, Andreu Cunill Clares, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Esther Rios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jose Carlos Peña, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Marcos Gendre, Mariona Longarón Ropero, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Víctor Naharro, Yeray S. Iborra
Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Virginia Barbero
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