NUEBO #13 mayo 2023

GUARDIANES DE LA GALAXIA: VOLUMEN 3 | CRIS PESTAÑA | WATER FROM YOUR EYES | THE LEGEND OF ZELDA | LA MALA FAMILIA

ARLO PARKS SU NUEVO ÁLBUM DISPONIBLE DESDE EL 26 DE MAYO

la nueba

BB TRICKZ

En apenas dos semanas, el tiempo que ha pasado desde la publicación de Missionsuicida, se ha producido un terremoto en la música nacional cuyas ondas sísmicas ya se perciben fuera de nuestras fronteras: en la fiesta del 23 cumpleaños de BB Trickz, una combinación de acto social y fiesta de la nueva jet set ultra privada, se dejaron ver los capos de Virgin UK para conocer de primera mano qué estaba pasando con esta joven que acumula millones de reproducciones en TikTok. Poco sabemos de BB Trickz a estas alturas: apenas que se llama Belize Kazi, que su vida se maneja en un puente aéreo entre Barcelona, Mallorca y París, y que fue aspirante a estrella infantil protagonizando campañas para Nesquik y los libros de texto de la ESO. Porque hay un año cero a partir de la publicación de esa canción y de Trickstar EP (Virgin, 2023) para esta joven estrella del pijodrill a la que C. Tangana -siempre rápido con esto de los fenómenos emergentes- le hace ojitos en rrss, de la que Rosalía, Aitana y Bizarrap se han convertido en seguidores, y a la que su compañero de sello Yung Beef ya ha dedicado una canción -por supuesto, y en su estilo, repartiendo estopa-. Si el pop va esencialmente de divertirse, BB Trickz claramente se está pasando el juego.

Sumario

03. BB Trickz la ha liao parda

05. Lisasinson punki-pop

06. Ona Mafalda Mafalda y sus amigos

08. Les Greene el rock'n'roll no estaba muerto, estaba de parranda

10. Clara Galle sex symbol teen

12. Queidem bendito beato

13. Basura Pop aquí seguimos esperando nuestro jamón...

14. Morat Colombia vs. Babel

20. La mala familia docudrama

24. Hens el hombre traquilo

26. The Legend of Zelda la trifuerza

3o. Lucinda Chua exilio perpetuo

32. Carlangas Galicia calidade

34. Water From Your Eyes Neil Young los odia, nosotros los amamos

38. Cris Pestaña talento hiperrealista

48. Chill Chicos Vol. 2

50. Beatrice Salvioni de cómo petarlo con tu primera novela

52. Joe Unknown los nietos del punk

54. Guardianes de la galaxia: Volumen 3 space opera

58. Putochinomaricón el hombre del tiempo

62. Trashi dilatando el primer disco

64. Fred Fordham ¿un mundo feliz?

66. 50 cómics distópicos lo únicos apocalipsis que molan de verdad

74. Arlo Parks ante el siempre difícil segundo álbum

80. Landing Overmono, Fast & Furious 10, Mallorca Live Festival, Primavera Sound...

98. Editorial in memoriam

EL 19 DE MAYO SE PUBLICA 'UN AÑO DE CAMBIOS' (ELEFANT RECORDS), EL DISCO CON EL QUE MÍRIAM Y PAULA -O

LO QUE ES LO MISMO, LISASINSON- SE LANZAN A LA CONQUISTA DEL TRONO PUNKI-POP NACIONAL. NO TE VA

A SER DIFÍCIL VERLAS CERCA DE TU CASA: LLEVAN MÁS

KILÓMETROS

QUE EL CAMPEÓN DEL TOUR DE FRANCIA...

Míriam Ferrer Gramage 31-10- 1993 / Ontinyent (València).

• Uso la misma guitarra desde que empezamos: una Squier Telecaster, color blanco roto con pegatinas de Lisa. De pedales, llevo un Flamma FS02 para la reverb, un JHS Pedals the Bonsain para la distor, un TC para el delay y un afinador. Y de ampli, uso un Vox AC10C1. • Siento ser una joderespuestas, pero ningún disco me ha cambiado la vida. La música en general sí, sobre todo la que puedo hacer yo o la que podemos hacer nosotras. Es increíble ver como va evolucionando una canción.

• ¿Un bolo que me cambió la vida?l El primero de Lisa, un conci que organizamos nosotras mismas y donde invitamos a colegas a tocar. Fue el principio de todo. Estaba lleno. Vinieron todas las colegas, toda València metida en una sala donde hacía un calor que alucinas. Lo acababa de dejar con mi ex y el muy cabrón vino y me jodió la noche. Luego nos reconciliamos. Hoy en día sigue siendo mi ex. Aprovecho para darle un besito a todxs mis exs. Ellxs sí que me han cambiado la vida.

LOS NUEBOS

LISASINSON

Paula Barberán Rodríguez 9 -06- 2000 / Enguera (València)

• Squier Mustang Bass, Amplificador Ampeg BA-108, pedal Rat Bass (Comodoro) y Compresor MXR.

• Meds de Placebo es el disco que lo cambió todo. Recuerdo escucharlo desde que era del grupo. Meds fue el primer disco que me compré, y a día de hoy no me canso de escucharlo, como la mayoría de los álbumes de Placebo.

una cría, mi madre siempre lo ponía en casa con el volumen a tope. Aunque era muy pequeña, me acuerdoperfectamente de salir con mis hermanos a jugar a la calle y escucharlo desde fuera. Siempre me ha llamado la atención tanto su música como la imagen

• Podría decir que el concierto de mi vida fue uno de la gira de La Oreja De Van Gogh y Dover en el 2007, en la Plaza de Toros de València. Mi hermana pequeña y yo siempre hemos sido muy fans, y por aquel entonces solo teníamos 7 y 5 años, pero lo recuerdo como si fuera ayer. Fue uno de los primeros conciertos a los que íbamos, y además fue también uno los primeros en los que vi a mujeres sobre el escenario.

ONA MAFALDA

Sí, Ona Mafalda es hija de Kyril de Bulgaria y Rosario Nadal, creció y se formó en los mejores colegios de Londres, y llegó a Madrid hace unos pocos meses, se enamoró de la ciudad y... se quedó. Hechas las presentaciones, centrémonos en lo que aquí verdaderamente importa. Una carrera musical corta pero intensa, que la ha llevado a ejercer de telonera de Coldplay en dos de los cuatro conciertos en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona -Hinds serán las otras artistas nacionales que tendrán ese honor-. En realidad, la aventura de Ona Mafalda empezó hace apenas un año, en el momento en que recién instalada en la capital conoce a Oddliquor (en su faceta de productor) y a la compositora Vicco. Entre los tres empiezan a trabajar en un proyecto al que desde entonces no han parado de sumarse activos: Khotton Palm, Mayo, Tuiste, Mauro Muñoz y Drummie firman las producciones de un disco de debut, Ona (Autoeditado, 2023) en el que junto a la propia Mafalda figuran como coautores de las canciones Ganges, Yoli Saa, Gomz y el exitoso pianista galo Sofiane Pamart. Y el resultado de todo ello es un vibrante ejercicio de pop contemporáneo que ve la luz el 4 de mayo.

FOTO: @©VIRIDIANA

LES GREENE

Que el rock'n'roll salvaje y vibrante de toda la vida es un género que mira al pasado para fijarse en los clásicos es una obviedad. Que se lo digan si no a Les Greene, que tuvo su primer gran momento de gloria cuando alguien se fijó en él para poner voz ni más ni menos que a Little Richard en Elvis, la película de Baz Luhrmann. Sin embargo, este joven nacido en Rochester es mucho más que un simple clon de las grandes glorias pretéritas. Lo demostró recientemente de la mano de la banda de surf-rock Televisionaries, a los que acompañó a su paso por España. Y ese rato en que Les Greene pisó el escenario (apenas un par de canciones) dejó a más de uno boquiabierto, con la sensación de que un tornado acababa de cruzar por la sala. Porque Greene es un tipo con carisma y actitud, que compone y canta como una bestia parda. Y muestra de ello es el reciente EP de tres temas que acaba de publicar, y en el que precisamente se deja acompañar por Televisionaries.

EL SÓTANO

Con Diego RJ en Radio 3

Lunes a viernes de 20.00 a 21.00 horas

Una institución ya este programa especializado en los sonidos de garage, surf, frat rock y revivals, de ayer, de hoy y de siempre.

el nuebo de

CLARA GALLE

“Hola, me llamo Clara pero no necesito ninguna yema para molar un huevo”, reza la presentación de la joven actriz navarra (21 años) en su Instagram. Y no le falta razón. Clara se convirtió en estrella global por obra y gracia de la capacidad de Netflix para dar con la tecla a la hora de elegir los nuevos rostros protagonistas de sus seriales adolescentes. Lo hizo con Élite y Ester Expósito, y volvió a repetirlo hace un año con A través de mi ventana y su hasta entonces desconocida protagonista, Clara Galle, a la que solo habíamos podido ver antes en un videoclip de Sebastián Yatra. Clara no necesitó mucho más para convertirse en todo un fenómeno internacional, la nueva actriz de moda que acumula ahora mismo más de 3 millones de seguidores en su Instagram. Un fenómeno que aspira a seguir creciendo con la segunda entrega de la serie basada en los libros de Ariana Godoy a propósito de los amores y desamores de Raquel (Clara Galle) y Ares (Julio Peña). Esta continuación ya tiene título, A través del mar, y fecha de estreno en Netflix: el próximo 23 de junio.

QUEIDEM

La nota de prensa de Evitaremos todo mal (Raso, 2023), disco de debut de Queidem, habla de Ovidio, de fe, sepulcros y beatificaciones. Que la trascendencia -por otra parte, cierta, presente en la imaginería y discurso del músico valencianono nos aleje de su música, de una colección de canciones con la sensibilidad a flor de piel. Porque, tras su aparente fragilidad, en el fondo de los requiebros vocales de Raúl Martí Chelet y tras una concepción de canción que podría resultar caprichosa, late el fuego y domina la pasión. A Queidem -que cuenta con la ayuda a la producción de Tórtel y Abel Hernández- se le ha comparado con James Blake y con su emocional manera de entender el pop, moderna en las formas pero clásica por su concepción. Un poco más cerca, un doble cartel junto a Pablopablo se convertiría en sueño húmedo para los amantes de las emociones fuertes al ralentí. Ojalá...

LOS GRUPOS DE RÍO

BABEL 2023

(30 JUNIO, 1 Y 2 DE JULIO)

Morat son una de las grandes atracciones de un festival, Río Babel, que vuelve a tender puentes entre la música nacional y los sonidos latinos de ayer, de hoy y de lo que todavía está por venir. No podíamos perder la oportunidad para plantear a la formación colombiana -responde a las preguntas Simón Vargas, cantante y bajista de Morat- este cuestionario a propósito de sus experiencias en festivales.

¿Cuáles son las peticiones que nunca faltan en vuestro rider?

La verdad es que nosotros somos muy poco extravagantes con nuestro rider. Por lo general pedimos cerveza, a lo mejor algún trago de alguna bebiba que a alguien le guste, dulces, fruta... bastante tranquilo, la verdad. Con los años nuestro equipo también ha aprendido lo que nos gusta y lo que no. Lo que intentamos hacer cuando vamos a sitios nuevos es pedir algo de comida tradicional del sitio. Siento que la gente tiene esta percepción de que los artistas piden extravagancias en sus riders, y a lo mejor es así, pero no en el caso de Morat.

MORAT

¿A qué ídolo/artista habéis conocido en las bambalinas de un festival?

Uno de los artistas que hemos conocido en un backstage y con el que el encuentro ha sido muy emocionante es Leiva. Lo conocimos hace varios años, tal vez en unos premios Dial, o Premios 40, y fue muy divertido poder conversar un rato con él, la verdad. Nosotros, en cualquier caso, tenemos la suerte de que siempre vamos de a cuatro, así que no nos toca la presión de encontrarte solo frente a una serie de artistas que admiras. Por lo general vamos como un grupo de amigos, y siento que eso lo hace más fácil.

¿Cuáles son las manías que tienes antes de salir a tocar?

La verdad es que la de las manías es una pregunta muy común, pero si te soy sincero es que... ninguna. Nosotros no somos supersticiosos, entonces como que preferimos calentar, ensayar, pasarla rico, estar como entre amigos y con nuestro equipo, pasándola bien, tener buena energía. Más allá de eso, todo lo demás que le digan por fuera de calentar, estirar, y pasarla bueno, para nosotros la verdad es que no es necesario.

¿Cuál es la situación más complicada que has tenido que afrontar como artista justo antes de un concierto?

Yo creo que esta pregunta es difícil principalmente porque la situación más complicada casi siempre es estar enfermo. Estar enfermo es una cosa con la que tienes que convivir cuando estás de gira. Y estar enfermo del estómago para mí es, sin duda, la peor. A mí me gusta bailar durante los conciertos, y creo que se puede hacer la suma bastante fácil. Eso es sin duda lo más complicado que uno tiene que afrontar al subirse al escenario, las cosas más banales, porque para el resto de las vainas por lo general uno está más preparado o lo ha contemplado. Pero el día que te levantas mal del estómago o con una gripe salvaje y te toca dar un concierto... ese es el momento más difícil, diría yo.

¿Qué tres cosas son las que no pueden faltar nunca en tu mochila cuándo asistes a un festival como público?

Sin duda una batería de agua, por completo; una pila o una batería para poder cargar el celular y estar pendiente de la gente que está cerquita. Y probablemente unas gafas oscuras,

JAMIROQUAI, MORAT, JULIETA VENEGAS, JUAN LUIS GUERRA

4:40, BOMBA ESTÉREO, GUITARRICADELAFUENTE, SEN SENRA, MACACO, ATERCIOPELADOS, LA M.O.D.A.… ¡Y MUCHOS MÁS!

OYE SIRI

Por: Ángelo Néstore

En la última década, la inteligencia artificial ha avanzado a pasos agigantados y ha demostrado su capacidad para imitar el comportamiento humano en diversas áreas, incluyendo la creatividad. Sin embargo, a pesar de los avances tecnológicos, la pregunta persiste: ¿puede la IA realmente ser creativa?

Sí, es cierto que las redes neuronales generativas y los chatbots pueden producir obras de arte, música y literatura que parecen haber sido creadas por humanos , Ppero, ¿realmente estamos hablando de creatividad?

que creo que no sobran para para estar ahí. Bueno y bloqueador ("crema de sol" en España) siempre. Bloqueador solar es una cosa que hace una grandísima diferencia, porque nada peor que llegar de un festival todo quemado.

¿Cuál es el mejor amigo que has hecho en los camerinos de un festival?

Hace muchos años estábamos tocando en un festival en España, empezando una gira, y la gente de la producción local que nos acompañaba era gente nueva, con la que nunca habíamos trabajado. Y justo uno de los, diría yo, asistentes de producción, en la parte de electricidad de la producción, cuando estaba yo calentando en la prueba de sonido con una canción de metal de un grupo que me gusta mucho, la reconoció y dijo: "¡Ah, que te gusta esto!". Empezamos a hablar, empezamos a janguear, y a hacernos amigos, y hoy en día es de mis mejores amigos de la vida. Lo conocí en el camerino de un festival que estábamos tocando. Afortunadamente siguió girando con nosotros toda España hace cinco años ya. Pero sí, de mis mejores amigos conocido en el camerino de un festival. Saludos a Jorge, por cierto.

En mi opinión, no Probablemente sí. La creatividad es mucho más que la capacidad de imitar un estilo o de seguir patrones preestablecidos. La creatividad implica la exploración de nuevas ideas, la toma de riesgos, el pensamiento crítico y la capacidad de pensar fuera de lo común. Es un proceso complejo que involucra la emoción, la intuición y la experiencia humana. Y, por muy avanzada que sea la tecnología, no Y, por tanto, siendo la tecnología una invención nuestra y que se ha nutrido de documentos escritos por nosotros, creo que la IA puedae replicar todas estas características.

Es cierto que la IA puede seguir avanzando y produciendo obras cada vez más sofisticadas., Pp ero, incluso si llegara a producir algo que parezca verdaderamente creativo, ¿cómo podríamos estar seguros de que no se trata simplemente de una imitación?

¿Cómo podríamos saber que la IA realmente ha sido capaz de crear algo nuevo y original? [¿He escrito yo este texto o podría la IA haberlo hecho, cuestionando la capacidad creativa de sí misma?].

FOTOS: PABLO BARBOZA & MAURO BEDONNI

Dábamos por hecho que la noche en la que íbamos a celebrar el primer año de existencia de NUEBO iba a ser muy especial, pero, sinceramente, nunca creímos que fuéramos a recibir tantísimo cariño por parte de los que os acercasteis a la sala Nazca el pasado 14 de abril a ver los directos de Jimena Amarillo y Nico B, convirtiendo el cumpleaños en un fiestón. Gracias a los artistas y sus equipos, a Sound Isidro por hacerlo posible, a todos los que vinisteis y llenasteis la sala, a los anunciantes que hacen posible que exista esta publicación, y a ti, que estás leyendo esto ahora mismo y que le das sentido a la revista. Gracias, gracias, gracias.

Jimena prácticamente se hizo entero su nuevo disco La pena no es cómoda (Mushroom Pillow, 2023), nos emocionó con canciones ya clásicas como Cafeliko o Cuando ya no me quiera, cantó, rapeó, tocó el violín y se puso a un lado cuando tocaba cederle el protagonismo a su corista (una crack, un descubrimiento). Y se hizo la foto con la banda y su jeto en nuestra portada de abril, claro. Poca broma.

Nuestro colaborador Alfredo Moral fue solo uno de los muchos que pasaron por Nazca y que terminaron (terminamos) alargando la noche en Moby Dick. Lástima no tener foto de todos vosotros con la revista. Se os quiere, lokos. A Pablo, Tomás, Guille, Marta, Diego, Ana, Sara, Mauro, Elena, Martín... ¡Y a los que no pudisteis pasar también!

La mayor parte del público no conocía a Nico B, por lo que la sorpresa y el impacto ante su show, orgánico y a medio camino del urbano y el new pop, fue todavía mayor. Estamos deseando que salgan esos nuevos temas de la mano de algunos de los productores más inspirados del momento, como Drummie, Tuiste...

nobedades

El 1 de mayo, justo cuando se cumple un año de su nacimiento como grupo, Le Sserafim, la (pen)última sensación K-pop, publica su primer álbum UNFORGIVEN. Y, aunque no hemos podido escuchar nada todavía, nos flipa la impactante galería de concept photos que han mostrado a modo de avance. Una fantasía a medio camino del Park Chan-wook más pasado de vueltas y el arte manga de Usamuru Furuya.

JESSE KANDA

Su trabajo artístico, tan hermoso como repulsivo te resultará familiar: sí, Jesse Kanda es ese colaborador necesario implicado en la obra e imagen de Arca y la Björk de los últimos tiempos. Pero, bajo el alias de Doon Kanda, ha firmado también tres discos de electrónica ceremonial, el último de ellos una maravilla titulada Celest (portada sobre estas líneas) que ha pasado injustamente inadvertido desde que vio la luz el 27 de febrero.

BACK TO THE 80'S

Además de una canción de Aqua, es el título que podría haberse dado al conjunto de tres exposiciones que se inauguraron en Serrería Belga (Madrid) en abril: Caleidoscopio (Madrid visto por fotógrafos como García-Alix, Ouka Leele, etc); una retrospectiva de la obra fotográfica de Mariví Ibarrola; y una impactante exhibición de los cuadros que Las Costus pintaron para el bar La Vía Láctea. Histórico y todavía moderno.

desde hace más de una década, el colectivo brbr lleva revolucionando el panorama audiovisual y artístico con un compromiso radical con el estilo, y también manteniendo intacto el sentimiento de pertenencia al grupo y de militancia dentro de la sociedad. Activismo, o creación multidisciplinar son algunos de los rasgos que definen a este grupo que se encuentra en constante expansión, con base en Madrid y Londres, buscando afinidades y explorando nuevos territorios. Tras sus videoclips para artistas como C.Tangana o Territoire -el proyecto ambient del premiado con varios Goya Olivier Arson, que firma aquí la banda sonora- que les situaron como una productora a seguir muy de cerca, vinieron los cortos, las series y las instalaciones para salas y museos. Ahora es el momento de su primer largometraje. Un proyecto de larga gestación, un work in progress colectivo, que se ha consolidado bajo el título de La mala familia. Y que, como todo lo que lleva el sello de BRRB, tiene un fuerte componente autobiográfico. “Sí, nos acordamos del momento en que empieza la película para nosotros. La decisión llegó tiempo después de una pelea que tuvieron los chavales en los bajos de Plaza de España. Tenían 18 años y a tres de ellos les metieron en prisión preventiva, yo creo que por una cuestión de identidad racial, y los soltaron a los pocos meses porque no tenían anteceden-

Compromiso social, sentimiento de comunidad, creatividad y la búsqueda constante de nuevas formas de expresión que siempre han marcado la trayectoria del colectivo BRBR cobran ahora forma en ‘La mala familia’, una de las películas nacionales que no te puedes perder este 2023.

POR: FERNANDO BERNAL

tes. Ahí se quedó el tema hasta seis años después. Yo compartía piso con Andresito, trabajábamos repartiendo publicidad y, de repente, un día llegó a currar con una notificación en la que le pedían una burrada de años de cárcel”, asegura Nacho A. Villar, codirector de la película junto a Luis Rojo, en la que comparten la escritura del guion con Raúl Liarte.

Ese día acabaron teniendo la intuición de que sería positivo documentar el proceso y hacer algo con ese material. A partir de ahí el proyecto comenzó a tomar distintas vertientes. “En un primer momento nos pareció que lo más correcto de cara a ellos era hacer una ficción, en la que de alguna manera pudieran ocultar su identidad, y no se les juzgase como personas sino como personajes ficticios. Pero, durante el proceso de empezar a grabar las primeras escenas, nos dimos cuenta de que la película se alejaba de lo que queríamos compartir y que ellos mismos podían llegar a estereotipar los personajes. El guion estaba vivo y mutaba continuamente, golpeado por los hitos de la historia real. A Andresito le meten preso, y no sabíamos si iba a salir o no. Empezamos a notar lo que implica todo ese proceso judicial seis años después, cuando están todos currando. Son chavales que pertenecen a la working class en el sentido más estricto. Albañiles, pintores, pladuristas, carpinteros, limpiadores… Vimos que ese grupo corría el riesgo de desintegrarse y la película se convierte en lo que tenemos ahora. Dejamos de intentar explicar la violencia, y el proyecto se transforma en una película sobre los cuidados y cómo la amistad se convierte en la última herramienta para sobrevivir frente a un sistema que intenta sacarte del tablero. Cuidados desde un punto de vista masculino. Nadie quiere que le vean llorar delante de la peña del barrio, porque pueden considerarte débil. Pero la película consiguió que al verla todos juntos nos rompiéramos, conscientes del valor que tienen las palabras que se pronuncian”, afirman los directores.

Basada en esa historia real de su propio grupo de amigos, la película se materializa -con una mirada documental- en la jornada que viven estos jóvenes lejos de la gran ciudad, aprovechando el permiso penitenciario de

uno de ellos, Andrés. Hace tiempo que no se ven, pero la necesidad de conseguir el dinero de la fianza para evitar volver a prisión les sigue uniendo. Ha pasado tiempo desde el juicio que cambio su vida, pero sienten la pulsión de mantenerse juntos, como la familia que realmente son. Nacho es de Usera, Luis de Carabanchel, pero la mayoría de los chavales de la película se juntan en Legazpi desde hace más de diez años, en el Metro o en el skatepark. Un punto clásico de encuentro para los barrios del sur de Madrid. Así que en este caso el material real condiciona la película, que se mueve en el terreno de la no ficción, hasta conformar una propuesta híbrida. “Al final en el filme hay un 95% de realidad y un 5% de escenas hechas adhoc. Por ejemplo, el personaje de Jarfaiter es ficción, porque él es una figura pública y, aunque forma parte del grupo, todo el mundo sabe quién es. Quizá hay algún otro detalle. Lo que hacemos nosotros es darle forma a la realidad a nivel narrativo. En la mayoría de documentales la distancia es mayor y el acercamiento es desde otro lugar, y por eso es fácil ver qué género son. En este caso diríamos que es un documental, lo que pasa es que acercamos la cámara y narramos de una manera que puede dar la sensación de ficción. Pero eso parte de que todas estas situaciones están previamente pactadas con los chavales y están hechas de la manera más disfrutona que se nos ocurre. Al final no deja de ser un documento”.

La acción transcurre lejos de Madrid, concretamente en el pantano de San Juan, un lugar típico para pasar un día escapando de la ciudad de forma económica, sustituyendo la ausencia de playa de la que adolece una urbe de interior. Un espacio de ocio muy común y popular donde se produce este reencuentro y donde ellos encuentran su particular y fugaz paraíso. “Esto parte de varias cosas. Por ejemplo, el concepto de 'vacaciones' de la clase trabajadora. Hay películas como Barrio, que categorizan de manera negativa a los chavales de los que hablan. En nuestro barrio la gente se puede escapar a pasar un día al pantano. Y como nosotros íbamos a grabar con el hito real de que Andresito iba a salir de la cárcel, eso no está ficcionado, nos vino bien para esa idea. Acaba la barbacoa y se pira directamente a la cárcel. Queríamos que fuera un lugar de recreo, que no estuvieran en la plaza del barrio asumiendo los roles que conocemos. Sacarles de los bloques para ir a un lugar más permeable, que estuvieran a gusto y hablar de las cosas en otro tono. No desde la violencia que contienen estos barrios y que, por otra parte, ya hemos visto muchas veces en el cine”.

Esta decisión también permitió a los cineastas asumir un tono visual más naturalista y un uso de la cámara libre y con un fuerte componente humano, para centrarse en los personajes y no tanto en el estereotipo de lo que significa vivir en un bloque. “Nosotros siempre decimos que ellos llevan el bloque tatuado en la cara. No hace falta ponerles en el punto de venta, con un chaval haciendo caballitos con una moto robada, porque realmente nuestra película no quiere impresionar, ni generar una fascinación en el espectador. Lo que pretendemos es revisitar el discurso, revisitar la historia y ver quién la escribe. A la vez que les ofrecemos una segunda oportunidad. Hubo una primera, en la que se les condena por un tema judicial. También está el peligro de desaparecer como grupo de amigos. Lo que la película les ofrece ahora es la oportunidad de que el juicio lo haga el espectador, que las preguntas se las hagan entre ellos, no un fiscal. Y que, con calma y cuidados, ellos puedan revelarse como miembros de una sociedad de la que formamos parte todos”. ¿Y hasta qué punto la película es un paso más en el proceso como familia de BRBR? “Nosotros siempre quisimos hacer una película, pero no sabíamos cuándo ni sobre qué iría, pero era una fantasía recurrente. En este caso fue muy orgánico. Ya teníamos ganas de hacer algo. Veníamos de ver pelis en el festival Punto de Vista de Pamplona, y nos dimos cuenta de que no hace falta tener un millón para hacer algo, que se puede hacer con menos… Desde hace doce años que llevábamos haciendo audiovisual todos los proyectos los hemos hecho con estos chavales. Desde los videoclips, donde formaban parte del casting, nos ayudaban a llevar cosas o grabábamos en casa de uno de ellos. Para BRBR lo colectivo con los colegas del barrio ha sido nuestro mayor apoyo y pilar. No recordamos bien si fue idea de Andrés o nuestra hacer la película, pero el origen fue totalmente orgánico, esto fue en 2018, cuatro años después de la pelea. De primeras no sabíamos qué necesitábamos, pero sí teníamos claro que necesitábamos algo”.

LA MALA FAMILIA

España.

“Mira, te diríamos que Madrid en David (2015), de Cálido Lehamo, es el videoclip que crea todo. Curiosamente salió el año después de la pelea que se narra en La mala familia, y de hecho es una referencia a lo que pasó. Cuando sucede todo esto nuestro primer impulso fue sacar el vídeo. Los dos actores aparecen también en la película, y de hecho uno de ellos es de los que juzgaron. Este vídeo nos marcó. Todo el barrio estuvo ayudando, porque era todo ilegal, sin permisos, con cámaras rodando en la Plaza de España. Fue muy guay”. Este fue el videoclip que inició la carrera en este terreno del colectivo, el que puso el foco de atención sobre BRBR, pero solo era el principio de una trayectoria que los ha llevado a ser considerados como directores de culto dentro de la escena. “El segundo en importancia en llegar probablemente fue el de Emelvi, Poems from Ramayana (2016). En este vídeo

lo que hicimos fue utilizar los premios que nos dieron por el anterior y por un corto que hizo Nacho, unos dos mil o tres mil euros, y los reinvertimos. Fue un ejercicio cinematográfico que gracias a toda la peña quedó muy guay. Muchos de los actores de la peli están ahí”. Y el tercer trabajo que ponen en su particular lista es Exile (2018), de Territoire, el proyecto personal de Olivier Arsson, autor de la banda sonora de La mala familia. “A través de eso nos conocimos. Él todavía no había hecho música para cine, pero nos gustaba su forma de trabajar, la abstracción desde la que se enfocaba todo. Además, descubrimos grandes aliados: el propio Olivier, que desde entonces colabora con nosotros, y a Javier Tasio, que es el productor ejecutivo de BRBR y entonces era el percusionista del proyecto”.

También están los trabajos con C. Tangana, que tienen una gran importancia en la trayectoria de BRBR ya que Pucho fue la persona que presentó a Luis y a Nacho, “y de ahí surgió nuestra amistad”. Y comenzó a forjarse la familia.

2023. Blur / Elamedia

Dirección: Nacho A. Villar, Luis Rojo.

Reparto: Andrés David Pizarro, Natanael de Jesús, Jonathan Echeverry, Jamel Stalin Feliz, Olmo Suárez, Byron Alejandro Gaibor.

'No me odio tanto' es, además del título del segundo álbum de Hens, la conclusión a la que llega el artista segoviano de 24 años cuando reflexiona sobre su meteórica carrera hasta el momento, sobre su vida pública, y también sobre todo aquello que apuesta por mantener en privado.

POR: ELENA BLANCO

“pues aquí me pillas, un poco cansado, la verdad, esta semana ha sido bastante larga. Para bien... pero larga”. Antonio Hens responde el zoom desde su piso en Madrid, el lunes después de haber tocado en directo en cuatro ciudades en tan solo cuatro días, precisamente los cuatro días previos al lanzamiento de su segundo álbum No me odio tanto. “Todo listo para tomarme un par de días de vacaciones”.

Lo cierto es que el crecimiento de Hens ha sido exponencial desde 2019, cuando publicó el tema que se convirtió en su primer éxito: Tu historia y la mía. Un tema que, como muchos otros antes, había compartido con los “cuatro gatos” que le escuchaban entonces. Cuando todavía cursaba la carrera de Protocolo y Organización de Eventos y el grupo Go Roneo, del que formaba parte junto a sus amigos Delgao, Sesentay6 y Only, empezaba a llamar la atención. “En mi casa siempre se ha escuchado muchísima música. Somos seis, así que siempre sonaba algo de todos los estilos. Mis padres, además, tienen gustos muy diferentes. Tengo tíos músicos, pero en mi casa la verdad que nunca nos educaron formalmente en música. Cuando empecé con 15 años a escribir canciones con los colegas lo veían como un hobby: 'Al otro le gusta el fútbol y a este le ha dado por la música'”. Pero en unos meses la cantidad de oyentes no paraba de crecer, y en tiempos de pandemia Hens terminó firmando con Sony Music.

La gira de su primer álbum, Hensito (Sony, 2021), fue en muchos sentidos el momento de la verdad. "En ese momento se materializó la locura de los dos últimos años, ir a una sala en Cáceres y encontrarme con que había una cola enorme de gente esperándome era algo que nunca me había imaginado". El éxito de Hens es también el éxito del cambio de paradigma desde la oscuridad del trap que había caracterizado a la generación anterior, hacia un sonido abiertamente pop. En un momento tan atomizado e individualista en el consumo de productos de entretenimiento como fue la pandemia y post-pandemia, muchos echamos de menos la experiencia de disfrutar de la música como acto lúdico, social y comunitario. La música de Hens remite a aquellos años en que formaciones como El Canto del Loco, Despistaos y Pignoise dominaban las listas. Y, aunque al público de Hens todo aquello les pilló siendo unos críos, aquellas canciones siguen siendo para ellos (para nosotros) un referente tanto o más cercano que la negrura que define a la música de nuestra adolescencia y que anticipaba la siniestra experiencia del encierro.

Las letras de Hens ganan fuerza desde lo alto de un escenario, y solo adquieren todo su sentido cuando una multitud las corea de vuelta. "El directo es de las cosas que más han influenciado este disco, y es de lo que más disfruto del punto en el que estoy. No siempre ha sido así. Soy consciente de que vocalmente no soy un virtuoso, y por eso en los primeros bolos frente a grandes audiencias me entraba un poco el pánico. Ahora estoy mucho más a gusto sobre el escenario y la banda ya tiene mucho recorrido".

El disco fue en su mayor parte concebido en la carretera, en el tránsito de una a otra punta de España, y con los altibajos emocionales que esto conlleva. "Venía de un bloqueo después de sacar Hensito, un disco que tenía un montón de colaboraciones. También salió el álbum de Go Roneo ese mismo junio, y me quedé sin cosas que contar. Todo me iba muy bien y estaba a la espera de que algo se desequilibrara. Durante la gira pasé varios meses viviendo de forma pública en festivales, eventos, conciertos, haciendo entrevistas… Parece que lo compartes todo... pero por dentro estás en otro sitio". Sin grandes pretensiones y tratando su música más como un diario que como terapia, poco a poco empezaron a salir de nuevo las canciones. Esa honestidad y transparencia es lo que conecta a Hens con su público. "Nunca voy a dejar de disfrutar hacer música. Pero acepto que puede llegar el momento en que la condición de persona pública ya no me haga tanta gracia. Estoy eternamente agradecido a las redes sociales porque sin ellas habría tardado mucho más en llegar a tanta gente, pero soy consciente del arma de doble filo que son. Puedes llegar a obsesionarte con el algoritmo de Instagram o Spotify. Así que trato de ser consciente de que tener los números tan presentes puede resultar dañino". Porque, aunque Hens trate de normalizar su trabajo, la verdad es que ser una estrella del pop no es para nada normal. "Me agobia tener que estar todo el día al pie del cañón, publicando canciones, interactuando con gente, haciendo tiktoks… Me genera ansiedad porque sé que mi trabajo es hacer música, pero a día de hoy eso tiene unas implicaciones y también conlleva una faceta pública. A veces me gustaría desconectar sin tener el feedback constante del algoritmo, que te dice cómo suben o bajan los números. Pero, bueno, todo esto es por quejarme de algo: lo que estoy viviendo en realidad es un sueño”. Y con un WiZink Center programado para el 23 de febrero de 2024 como guinda a la gira, parece que el sueño no tiene fecha de caducidad cercana.

NO ME ODIO TANTO (SONY, 2023)

Roto (intro) / No me odio tanto / Mami / Me has jodido el ciclo del sueño / Me da igual / Cuenta conmigo / Todo cambió / Tu lado de la cama / Alguien pa ti / Solo me conoces borracho / Ya no me enamoro / Aunque estoy mal

"ME GUSTARÍA DESCONECTAR, SIN EL FEEDBACK CONSTANTE DEL ALGORITMO DICIENDO CÓMO SUBEN Y BAJAN TUS NÚMEROS"

Nintendo, Eiji Aonuma, Hyrule, la Trifuerza. Los planetas se han alineado para originar un nuevo ciclo en la línea temporal infinita de 'The Legend of Zelda'. Las expectativas están altísimas, ¿Será capaz 'Tears of the Kingdom' de superar lo que ya parecía insuperable en 2017 con su precuela?

POR: RAMÓN BAYLOS

'THE LEGEND OF ZELDA: OCARINA OF TIME' + 'THE LEGEND OF ZELDA: MAJORA'S MASK'

El salto a las tres dimensiones supuso la primera gran etapa del realismo en los videojuegos, con el empeño de recrear lo mejor posible lo que nuestros ojos podían veren la vida real. Esto es lo que definió el estilo de Ocarina of Time (1998) y Majora’s Mask (2000) con un remix entre lo sobrio y lo onírico, donde en medio de un contexto fantástico también había lugar para lo decadente. Una dicotomía que se ha convertido en parte de la idiosincrasia de la saga desde entonces.

'THE LEGEND OF ZELDA' + 'THE LEGEND OF ZELDA: A LINK TO THE PAST'

The Legend of Zelda nació como el sueño personal de Shigeru Miyamoto -creador de Super Mario- intentando recrear lo que sentía cuando era un niño y se iba de excursión al campo. El primer juego de la saga aparecía en 1987 con una paleta de colores limitada a los 8 bits, pero el arte de la serie avanzó con la tecnología hacia A Link to the Past (1991) sin que fuéramos conscientes de la gran revolución que iba a tener lugar poco tiempo después.

El enorme parecido a nivel estético que había entre los dos anteriores juegos de la saga provocó que la gente empezase a preguntarse si Nintendo se había quedado sin ideas. Fue entonces cuando el estudio optó por despejar cualquier atisbo de duda al diseñar su siguiente obra bajo un estilo chibi lleno de color. La decisión no convenció a todo el mundo, pero cuando Wind Waker salió en 2002 pasó a ser considerado como uno de los juegos más bonitos de la historia.

'THE LEGEND OF ZELDA: TWILIGHT PRINCESS'

Si el público logró apreciar la belleza que existía detrás de los diseños de Wind Waker fue gracias al juego que llegó después. Su secuela nació a raíz de la preocupación de Nintendo por no ser encasillada como la compañía que solo hace juegos para todos los públicos. Así dieron vida en el año 2006 a Twilight Princess con un estilo que buscaba evocar los orígenes de la saga y mirar hacia Ocarina of Time. ¿Resultado? Un juego extravagante y oscuro que coincidió con la Nintendo más adolescente.

'THE LEGEND OF ZELDA: WIND WAKER'

Nintendo siempre ha mantenido la simpleza del diseño de link, no solo para que fuera reconocible para todo el mundo, sino para poder moldearlo a voluntad de forma sencilla.

'THE LEGEND OF ZELDA: SKYWARD SWORD'

Corría el año 2011 y Nintendo se acercaba hacia su siguiente generación de consolas: no era el momento para experimentos ni arrebatos extremos. Pero fue precisamente ahí, en ese ejercicio de creatividad contenida, donde el estudio encontró el estilo artístico que definiría el futuro de la saga. Skyward Sword salió ese mismo año bajo una estética impresionista en el que todo pasa a través de un filtro de colores con el que parece que el juego está pintado con acuarelas.

'THE LEGEND OF ZELDA: BREATH OF THE WILD' + 'THE LEGEND OF ZELDA: TEARS OF THE KINGDOM'

Breath of the Wild y Tears of the Kingdom son el resultado de decenas de años de experiencia en la práctica del ensayo y el error. Ambos representan a la Nintendo con las ideas más claras en cuanto a lo artístico, y se conforman como un homenaje a las técnicas de animación japonesas con un estilo creíble, pero de corte cartoon. The Legend of Zelda siempre había sido un lienzo en blanco lleno de posibilidades, pero aquí Nintendo comienza a revelar lo que de verdad siempre ha querido pintar sobre él.

Breath of the Wild supuso el primer paso en la nueva etapa artística de Nintendo.

THE

Fecha de lanzamiento: 12 de mayo

Nintendo

Plataformas: Nintendo Swich

LEGEND OF ZELDA: TEARS OF THE KINGDOM

POR: RICKY LAVADO FOTO: NHU XUAN HUA

PIANISTA Y CHELISTA DE FORMACIÓN CLÁSICA, CANTANTE, COMPOSITORA, PRODUCTORA Y FOTÓGRAFA; LA LONDINENSE DE ORIGEN CHINO PASÓ DEL CONSERVATORIO AL CIRCUITO INDIE COMO COMPONENTE DE FELIX, ANTES DE RECORRER MEDIO PLANETA ACOMPAÑANDO A STARS OF THE LID Y FKA TWIGS EN DIRECTO. TODO ESE BAGAJE CRISTALIZA EN 'YIAN', SU BRILLANTE ESTRENO COMO SOLISTA.

“es inusual escribir un álbum debut en solitario a los treinta y tantos. Creo que siempre había querido escribir mi propio disco, pero también creo que me llevó mucho tiempo encontrar una red de apoyo para hacerlo. No sé si ha habido un cambio dentro de la industria. A lo mejor ahora hay una mayor representación de artistas diferentes que reciben el apoyo para escribir y producir discos. A lo mejor simplemente es que ahora me siento lo suficientemente segura conmigo misma como para dar un paso adelante como solista. El entorno ahora es diferente, el ambiente a mi alrededor ha cambiado, y yo he cambiado como artista también”. Ciertamente, YIAN suena a trabajo cocinado lentamente, sin prisas y con una atención al detalle y una madurez compositiva impropias de un debut. Los diez cortes que le dan forma suponen un compendio de todos los terrenos que Lucinda Chua ha ido transitando anteriormente, para construir un disco en el que la londinense nos sumerge en la calma contemplativa, la electrónica glacial, el pop de cámara más intimista y una sensación de recogimiento y quietud que puede hacernos pensar en Portishead, Talk Talk o incluso Sigur Ros.

“Después del segundo disco de Felix -trío de cello, guitarra y batería que publicó dos discos con el sello postrockero Kranky- sabía que mi siguiente trabajo sería un disco en solitario, no un proyecto de banda, pero me costó mucho encontrar un sello que me apoyara e invirtiera en mí. Ya en 2012 tenía claro que quería hacerlo, quería ser capaz de comprometerme realmente y hacer algo que me pareciera significativo, que tuviera tiempo para desarrollar y explorar, tanto conceptual como sonoramente. Durante mucho tiempo estuve enviando mi material a diferentes sellos, pero supongo que no era el momento adecuado todavía". Llegado por fin ese momento, brilla por derecho propio el minucioso y preciosista trabajo de producción por parte de Lucinda Chua. YIAN suena íntimo, frágil, engañosamente simple y envuelto en una atmósfera en la que el tiempo parece detenerse. “Creo que mi música le habla al alma. No tenía una idea previa específica sobre cómo quería que sonara YIAN, o qué temas y motivos aparecerían. Sucedió de manera intuitiva mientras escribía y trabajaba en él. Quería conseguir algo que funcionara como un disco en lugar de una colección de canciones, algo que se

sintiera de una forma similar al acto de ver una película, algo en lo que poder perderte. Escribí todas las canciones durante el confinamiento por la pandemia, encerrada en casa, así que me limité a lo que tenía a mano: un teclado pequeño, mi violonchelo y un micrófono. Cuando se levantaron las restricciones, por fin pude entrar en el estudio. 4AD tiene un estudio en el sótano de su edificio de oficinas en Londres, y todavía estaban trabajando desde casa, así que me dieron las llaves y pude trabajar en el disco sin nadie alrededor. Fue entonces cuando comencé a explorar la producción. Pero ya tenía el esqueleto de las composiciones planeado, y me centré en los elementos básicos de piano, rhodes, violonchelo y voz; qué sonidos podía crear y cómo podía manipular y procesar esos sonidos, y juntarlo todo casi como un collage, para crear un viaje que resultara interesante y dinámico. Supongo que tener algunas limitaciones realmente ayudó al proceso".

Conceptualmente, YIAN propone un relato acerca de la identidad, la tradición y el sentimiento de no pertenencia, articulado sobre la herencia cultural y familiar de Lucinda Chua ('Yian' es su nombre chino, y significa también 'golondrina', como metáfora de las migraciones); una narrativa expandida por un trabajo audiovisual en el que la danza tradicional china y la fotografía detallista complementan el discurso poético e íntimo del disco. “Siempre tuve en mente que exploraría el terreno visual, y tal vez eso se deba a mi formación como fotógrafa. Me encanta construir espacios alternativos, ya sea visualmente o en la música. Cuando terminé de grabar todas las partes para el disco, hice el trabajo creativo y visual. Cuando estoy en el estudio trabajando en una canción puedo trabajar en esa canción para siempre, porque disfruto el proceso; el sonido, crear atmósferas, editar y cambiar y volver a componer una y otra vez. Saber que tenía un nuevo capítulo por recorrer en el campo visual me ayudó a hacer las paces con el hecho de que mi papel como autora y compositora de la música había llegado a su fin. El proceso de hacer los videos y filmar el arte y colaborar con otros artistas realmente me ayudó. Verlo todo a través de los ojos de otras personas es una forma muy útil de trabajar. Ese proceso realmente me ayudó a tener una perspectiva de lo que había hecho y las posibilidades a partir de ahí".

“Milton Keynes es un lugar muy poco corriente en el Reino Unido. Es una ciudad suburbana, provincial, con arquitectura futurista inspirada en Mies van der Rohe. Es un lugar construido para incentivar a las familias de clase media a salir de Londres. Para mí, fue un lugar muy extraño al que mudarme. Viví en el centro de Londres hasta los 10 años; había tantas culturas diferentes a mi alrededor en mi infancia, tantos tipos diferentes de personas... En ese contexto, de repente moverme a Milton Keynes fue enfrentarme a algo muy, muy inglés. Viviendo en Londres no había sido consciente de ser asiática, pero cuando hice ese cambio a un entorno suburbano, pasé a formar parte de una minoría. De repente, me di cuenta de que era diferente, y tengo que decir que mi diferencia no siempre era bienvenida. Cuando tenía 4 ó 5 años, en la escuela tenía que hablar sobre el año nuevo chino y ese tipo de cosas, pero en Milton Keynes hacían que me avergonzara de ese legado. No terminaba de sentirme segura, porque ser diferente de repente me convertía en un objetivo. Mantuve muchas partes de mí misma ocultas, y me esforcé mucho para ser aceptada y no convertirme en una víctima. En los suburbios siempre me sentí un poco perdida. No fue hasta más tarde en la vida que me di cuenta de todo esto, al regresar a Londres y acercarme más a mi herencia cultural y familiar, al encontrar amigos en la comunidad de la diáspora asiática. No lo viví como un descubrimiento, fue más como un regreso. No creo que mi identidad haya cambiado, siempre he sido la misma persona, pero mi confianza y la percepción de mí misma sí que lo han hecho, y tal vez en cierto modo este disco es un regreso a la persona que era hasta los 10 años: aquel momento en que tenía confianza, era valiente y siempre levantaba la mano en clase”.

YIAN (4AD / POPSTOCK!, 2023)

Carlangas

Novedades Carminha pulsaron el botón de autodestrucción en su mejor momento creativo y de popularidad. Don't panic, porque Carlangas, el jeto y también el principal compositor de la banda, ya tiene disco en la calle. Y aunque a la hora de ponerle título ha tira de egotrip, por 'Carlangas' (Ernie, 2023) asoman la patita Manu Chao, Bronquio, Ortiga, Grande Amore... Lo que viene siendo Galicia Calidade.

Hostal Galicia con Grande Amore

“Me encerré con mi amigo Nuno Pico aka Grande Amore a pasar dos días en la España vaciada. En concreto en el Hostal Galicia de Toral de Fondo. En ese alojamiento paraban camioneros que hacían la ruta de Galicia a Madrid. Su dueño tiene más de diez mil vinilos y ahí escribimos O día que volvín nacer mientras nos sentíamos como John Wayne. 50 grados a la sombra”.

Carabanchel  Bronquio “Admiro mucho a Bronquio. Para mí hacer música con él es un aprendizaje constante. Este año estaba de gira con Rocío Márquez y entre bolo y bolo se pasó varias veces por mi casa. Se quedaba a dormir y nos recorrimos casi todos los bares de Carabanchel bebiendo botellines y hablando de música. No sé por qué ahora nos saluda gente que no conocemos por la calle. 10% música, 90% flipar. Un saludo pa mi amigobro de Jerez”.

El turismo de resort le pone tenso “Mi novia me dijo que tenía que descansar, que llevaba un ritmo poco sano. Así que se nos ocurrió la idea de irnos a un resort al sur de Tenerife siete días.

Los dos primeros fueron la hostia, pero me di cuenta de que el turismo de relax generaba en mí el efecto contrario. Suave por fuera y áspero por dentro.

Lo intenté, pero me ponía nervioso la tranquilidad y ahí escribí Cabeza loca. Lo siento, Natalia”.

POR: ANA MIRANDA

Bocatería Torinos

“Es la bocatería favorita de Mundo Prestigio en Vigo. Todo lo que viene de esa peña es bueno, hasta las bocaterías”.

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Los Chunguitos le unen a Manu Chao “Hace dos años escribí una carta a Manu Chao hablándole de Los Chunguitos, de la música que me gustaba y de lo mucho que conectaba con sus discos y su manera de entender la música. Dos años después pudimos encontrarnos en una casa de una aldea a las afueras de Santiago de Compostela. Ahí estaba también Ortiga y Lucky, su guitarrista. Un puto regalito de la vida hacer música con uno de mis referentes. Cae la noche”.

Atraco a La Trinidad

“La Trinidad me pidieron que produjese su disco. Casi todo el rato nos lo pasamos en el bar El Paso de Motril haciéndonos amigos y hablando de punk. Nos quedó guapísimo, y les robé unos samples de batería para mi canción Regalao, en la que Sixto, su cantante, hace unas guitarras guapísimas. No sé si les había comunicado el robo. Desde aquí decirles que lo siento por robar, pero peor es pedir”.

5 6 7 8 9

9 canciones

“Quería hacer un disco de 9 temas como el Blues de la frontera de Pata Negra, uno de los discos que más escuché en el último lustro. También hay una película de follar y conciertos que se llama así y me gusta mucho”.

Le gustan Dire Straits, pero no quiere admitirlo “Un día aparecieron por mi casa el Conde Duque -un clásico de la cultura sevillana del que hablo en mi canción Contigo- y Jaime de Vera Fauna. Una marca de cervezas me había regalado bastantes latas y, mientras Conde Duque preparaba una barbacoa en el patio trasero de mi casa, nos pusimos bastante ciegos y llegamos a la convicción de que había que grabar unas guitarras 'rollo Dire Straits' para la canción Que si quiero o que si tengo. Aunque nadie se acuerda de haberlo hecho. Con esa gente me voy hasta el fin del mundo, aunque no sé si llegaríamos”.

El espíritu de Thelma... o Louise “Empieza la juerga. Como el videoclip protagonizado por Miriam Giovanelli y dirigido por Natalia Ferviú, me siento cogiendo el coche, a los colegas, y acelerando a fondo”.

NUEBO

“He aprendido a relajarme cuando veo faltas de ortografía”.

WATER FROM YOUR EYES NACE COMO UNA BROMA ENTRE DOS COLEGAS, NATE AMOS Y RACHEL BROWN, CON EL FIN DE HACER MÚSICA DIFÍCIL DE CATALOGAR, MEZCLA DE POP EXPERIMENTAL, ART ROCK Y CLUB GRUNGE. SIETE AÑOS DESPUÉS PUBLICAN 'EVERYONE’S CRUSHED', TRAS GIRAR POR EL MUNDO DE LA MANO DE INTERPOL Y SER SEÑALADOS COMO UNA DE LAS NUEVAS BANDAS A SEGUIR EN 2023.

POR: GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA

ater from your eyes (nate amos y Rachel Brown) llevan desde finales del 2022 de gira por Europa y Estados Unidos, sin parar, compartiendo escenario con artistas del calibre de Interpol o Snail Mail. Una agenda de lo más apretada que no impide que saquen huecos para hacer las correspondientes tareas de promoción para su inminente nuevo álbum, el primero lanzado de la mano de Matador Records, Everyone’s Crushed (26 de mayo). Aunque eso conlleve ponerse frente a la cámara recién levantados de la cama de su hotel para responder nuestras preguntas, justo antes de echarse a la carretera dirección Albuquerque, donde tocarán esa misma noche. El tiempo apremia, y sin más preámbulos, sin peinarse ni salir de la cama, el dúo afincado en Brooklyn comienza a contar cómo fue la gestación de su nuevo álbum. “Todo sucedió en mi habitación”, cuenta Nate, “y, al igual que en anteriores trabajos, hubo mucha improvisación. Pero cuando hablo de improvisación no me refiero a hacerlo literalmente con un instrumento, sino más bien a improvisar en términos de probar diferentes ideas y enfoques compositivos”. Esta improvisación y locura estructural en sus canciones ya era una característica en sus trabajos previos. Aun así, la forma de componer ha sido distinta a la hora de afrontar este nuevo disco, siendo su álbum más colaborativo hasta la fecha. “En los discos previos yo escribía todas las canciones, pero en esta ocasión agilizamos el proceso escribiendo en conjunto”, explica Rachel. “En el pasado las letras eran más introspectivas, pero ahora más bien provienen de bromas internas entre nosotros”, completa Nate. Como era de esperar, cuando indagamos en las referencias que manejaban durante la grabación del disco encontramos nombres inesperados, como el compositor Ben Johnston. “Su música microtonal fue una gran inspiración. De hecho, a través de ella llegamos a conocer un proyecto ambiental de black metal microtonal llamado Jute Gyte que estuve escuchando mucho”, cuenta Nate. Por supuesto, entre sus influencias musicales también mencionan artistas y bandas más presentes en el imaginario colectivo, como la banda californiana Cake y el mítico Neil Young, que sirvieron de punto de partida para un tema, True Life, que casi les cuesta un juicio con los abogados del artista canadiense. “Esto tiene su explicación”, explica Nate, “y es que nosotros queríamos usar

parte de la letra de Cinnamon Girl de Young en la canción, pero sus abogados no nos permitieron hacerlo. Así que en ese momento la canción pasó a tratar sobre cómo Neil Young no nos dejaba usar sus palabras. De todas maneras, en directo voy a seguir usando la letra original, no creo que puedan demandarnos por ello. En cuanto a la referencia a Cake, en concreto teníamos en mente su tema Short Skirt / Long Jacket, el cual creo que es un buen ejemplo de canción pop perfecta y que tuvimos muy presente a la hora de componer temas como True Life. No obstante, pese a tener presente estas influencias, siempre intento alejarme de la música que me gusta a la hora de componer mis canciones”.

Pero sus referencias no se quedan el mundo de la música. Si ya su anterior trabajo, Structure (Wharf Cat, 2021), estuvo bajo el influjo de las pinturas abstractas de Mark Rothko, para Everyone’s Crushed también han tenido en mente otro pintor muy acorde con la originalidad y el aparente caos (controlado) que domina la música de Water From Your Eyes. “Si Structure tenía influencia de Mark Rothko, diría que Everyone’s Crushed estaría influenciado por Francis Bacon y

"ESPERO QUE QUIEN ESCUCHE EL DISCO SIENTA COSAS, QUE LA GENTE SE SIENTA ESPERANZADA Y DESPERTAR CIERTA URGENCIA POR DESMANTELAR EL SISTEMA"

sus procesos creativos”. En la misma línea, sus videoclips también se han convertido en un buen reflejo del interesante bagaje cultural del dúo, especialmente en el caso de Rachel, que estudió en una escuela de cine y ha dirigido el videoclip de Barley, uno de los singles del álbum. “Sin duda, la película de Wim Wenders Paris, Texas fue mi referencia principal para el vídeo. También tuve muy presente la serie Severance , por la estética de oficina. Pero también manejé referencias musicales, claro: el videoclip de The Drummer de los Red Hot Chili Peppers, grupo que nos encanta, y Balming Tiger, una banda de Corea del Sur cuyos videoclips son realmente increíbles”. De una manera u otra, todas estas referencias e inquietudes culturales les han llevado a dar forma al universo sonoro y visual de Water From Your Eyes. Un proyecto que nació de risas entre colegas y que, varios años y cinco discos después, les permite firmar con un sello de la talla de Matador Records, hogar de bandas tan míticas como Sonic Youth, Pavement, Yo La Tengo, Interpol o Queens Of The Stone Age, así como de otras tantas protagonistas de la escena de guitarras actual: los Julien Baker, Snail Mail, Horsegirl... “Es la cosa más asombrosa que nos podía haber sucedido, es muy loco. Nos encanta Matador, y no solo por las bandas (amo a Pavement), sino también por las personas que trabajan dentro. Más que una compañía discográfica, es un grupo de amigos que trabajan juntos y aman la música. Aún nos cuesta creerlo”, explica Rachel. Sin duda, su fichaje por el sello les ha supuesto un reconocimiento, prueba de ello es su presencia en los últimos meses en medios como Pitchfork o el New York Times, que han incluido su nuevo álbum entre los más esperados del año. “Hasta ahora éramos algo así como un secreto, a nadie le importaba lo que hacíamos más allá de nuestros amigos y compañeros de escena. En cambio, ahora la gente empieza a saber de nosotros y, aunque esto es un sueño cumplido, también genera más miedo y una sensación de menos libertad a la hora de escribir canciones porque tienes más ojos puestos en ti”, confiesa Nate. Un nuevo paso en su carrera que ha hecho que el dúo neoyorquino tenga más presente lo que esperan transmitir con su nuevo álbum a todos aquellos que se adentren en él. “Como mínimo, espero que la gente sienta cosas al darle al play, que se sientan menos abatidos por el estado del mundo. De alguna manera, llamar a la revolución personal contra el mundo”, reflexiona Rachel. “Por un lado, hacer que la gente se sienta esperanzada y, por otro, despertar un sentido de urgencia por desmantelar el sistema y las instituciones que impiden crear un mundo más empático y sostenible. ¿Realmente el álbum logrará eso? Probablemente no, pero es lo que espero”.

MÍRAME A LOS OJOS (CON LÁGRIMAS)

Lo decíamos antes: Nate y Rachel son unos currantes. Y, además, en la tradición de los grandes grupos del rock alternativo norteamericano, no les cuesta gran cosa hacer la maleta y abandonar New York por una temporada para embarcarse en giras y viajes promocionales por todo el mundo. Es su momento, y en junio, coincidiendo con la publicación de Everyone's Crushed, vienen a contárnoslo en persona. El sábado 3 de junio en colaboración con su sello y con la tienda de discos Marilians, te ofrecemos la oportunidad de ver a Water From Your Eyes en la distancia corta, en la sala Wurlitzer Ballroom de Madrid, en un concierto solo para invitados. Síguenos en @somosnuebo y permanece atento para conseguir tus entradas.

CARTEL: CRIS PESTAÑA

LOS QUE ASISTIERON A LOS CONCIERTOS DE INTERPOL EN FEBRERO YA COMPROBARON CÓMO SE LAS GASTAN WFYE EN DIRECTO. AHORA NUEBO TE DA LA OPORTUNIDAD DE QUE LO COMPRUEBES EN LA DISTANCIA CORTA.

Partiendo de que en en esta revista apostamos abiertamente por el talento joven, pocas veces hemos estado tan cerca de esa premisa como al mostrar el trabajo de esta onubense, con una obra que pide a gritos ser descubierta más allá del mundo de la publicidad, al que principalmente se dedica. Nosotros, por el momento, ya hemos disfrutado de su talentazo al poner en sus manos los carteles de los conciertos de Jimena Amarillo y Water From Your Eyes para NUEBO Club.

POR: LUIS J. MENÉNDEZ

ris, preséntate…

Nací y crecí en un pueblo pequeñito de Huelva, entre la playa y la sierra. Se llama Villanueva de los Castillejos y, además, está cerquísima de Portugal, por lo que he bebido mucho de la cultura andaluza y portuguesa. Descubrí muy pronto mi amor por el dibujo, como a los 4 años, gracias a que imitaba todo lo que hacía mi hermano: cuando tuvo su etapa creativa dibujando los personajes de nuestras series animadas favoritas, básicamente le copié una vez más. Y esa fue la última vez que lo hice: mientras él seguía cambiando de hobbies, yo había descubierto todo un mundo... Aprendí a dibujar de forma autodidacta y pensaba que terminaría estudiando Bellas Artes, pero el destino acabó mandándome al mundo de la Publicidad: primero en Sevilla, donde estudié, y luego en Madrid, que es donde trabajo. Esto me ha permitido hacer cosas muy diversas y chulas para marcas importantes, como Loewe, Coca Cola, Nike, BMW, Oreo, Cruzcampo, etc...

Llama la atención la cantidad de estilos diferentes que manejas...

En mis últimos trabajos se puede ver cómo me ha influido el mundo publicitario y el diseño, ya que se aprecia una intención y un orden en los elementos que no se veían cuando solo dibujaba por dibujar. Aunque me gustan todos los caminos que tiene el arte, así que es posible que lo que haga ahora sea muy diferente de lo que está por venir. Como te decía, soy autodidacta, por lo que pinto más por intuición que por complejos procesos técnicos. Suelo empezar creando un boceto sucio del personaje y poco a poco voy añadiendo detalles. Esto al final es lo que determina si será cartoon o será realista: cuantos más detalles de sombras y luces, más realista se verá y viceversa.

Especialmente impresionante me resulta el “cuadro” que has planteado de Rosalía como el Renacimiento de Venus, un trabajo para Nike. Cuéntame más de cómo planteaste ese trabajo. Bueno, yo creo que Rosalía representa para el flamenco en particular y para nuestra generación en general, un cambio de papeles en lo referente a "estilos".

Lo que antes debía ser genuinamente tradicional para ser apreciado, ahora se ha dado un giro y la nueva "tradición" es lo moderno. Eso puede generar mucha controversia, pero va estrechamente ligado al discurso que tiene como artista: "yo me transformo". No hay que estancarse para siempre en un estilo, sino que es bueno cambiar, probar. Esto se puede ver también en la moda, pues lo más chic y moderno ahora es una prenda antes despreciada como el chándal. Es por eso que decidí reinventar una gran obra de arte como es 'El nacimiento de Venus', usando a Rosalía como musa y diosa, y a Nike como marca aspiracional.

También me llama mucho la atención que algunos de tus mejores trabajos se los has dedicado a mujeres que se encuentran a medio camino del pop y lo folklórico. Rosalía, desde luego, pero también Nathy Peluso, María Jiménez…

En cuanto a las folclóricas, creo que es imposible ignorar la cultura con la que nos hemos criado y que forma parte de nuestro imaginario colectivo. De ellas me atrae la fuerza, el poderío. En un mundo donde el papel de la mujer ha sido silenciado, ellas me generan confianza, la posibilidad de verme yo también disfrutar del éxito. Y me encanta que pertenezcan a generaciones tan diferentes y aun así tengan una forma tan parecida de comunicarse.

Otro elemento muy llamativo en tu trabajo es la influencia del manga y la cultura K-pop. ¿Qué tipo de relación tienes con Oriente?

Es increíble la cantidad de veces que he empezado un dibujo con una idea bastante occidental y ha terminado siendo lo más manga del mundo. Aunque no me extraña en absoluto ya que me encanta lo diferente que es la cultura oriental. Todo empezó con 'Sailor Moon'; me maravillaba poder reproducir con un lápiz las hipnóticas imágenes de la protagonista mientras se transformaba, o simplemente, pintar sus coletas. Ya de adolescente descubrí el maravilloso mundo del K-pop, que básicamente era como ver la transformación de Bunny en 'Sailor Moon' con personas reales. En definitiva, me declaro fan incondicional de ambos universos.

"DE LAS FOLKLÓRICAS ME ATRAE LA FUERZA, EL PODERÍO. EN UN MUNDO EN QUE EL PAPEL DE LA MUJER HA SIDO SILENCIADO, ELLAS ME GENERAN CONFIANZA"

C h i l l C H I C O S

POR: LUCÍA MONSALVE

Puede haber dudas razonables de que, como rezaba su segundo disco, Chill Chicos sean "los más guapos de Madrid". Pero que Javi Aguilar, Pascual García y Salva Cucart son uno de los puntos cardinales que explican la efervescencia de new pop en la capital en el último lustro es una certeza impepinable. Como ya ocurrió con su precedente, la segunda entrega de 'Le chill' se convierte en otro quién es quién de la música alternativa wannabe de nuestro país.

adictos al proceso creativo propio y ajeno, testigos omnipresentes de cuanto sucede en la noche madrileña, amigos de sus amigos, y de los que no lo son también, la trayectoria musical de Chill Chicos es digna de estudio. Desde los no tan lejanos años de Chaminade, el Colegio Mayor en el que pasaron sus años universitarios y donde se formaron como músicos y promotores, llevan un lustro metiéndose en todos los fregados. Allí donde asoma la patita la nueva sensación del pop nacional encontrarás a Pascual, Javi o Salva, produciendo, publicándole un tema en su sello, colaborando o, sencillamente tomándose una cerveza en su concierto. Así las cosas, no es de extrañar que tanto Le Chill (Autoeditado, 2020) como esa continuación natural que es Le Chill 2 (The Music Republic), se hayan convertido en una suerte de álbum de cromos de la escena pop nacional del momento por el que desfilan nombres propios tan relevantes como Natalia Lacunza, Shego, Fresquito y Mango, Rusowsky, Ralphie Choo, Hens, Dani, Trashi, Sebastián Cortés y un largo etcétera. Esas son las circunstancias de un trabajo del que van desgranando singles -el disco completo no llegará hasta después de verano- y que sirve como termómetro del momento en que se encuentra el pop ¿alternativo? de nuestro país.

NUEBO: Inevitablemente las colaboraciones funcionan como termómetro del álbum, un patrón que os viene marcando desde vuestro debut. ¿Hasta qué punto los artistas invitados se involucran en el proceso creativo de la canción?

JAVI: Cada tema es único y sale de una manera. Nos encanta trabajar con otros músicos que admiramos y lo hemos hecho así desde siempre, ya sea desde Chill Chicos o de forma independiente. Poder aprender del proceso creativo de otros siempre es un ejercicio muy interesante y excitante, y desde que empezamos a trabajar así nos hemos hecho un poco adictos, aunque por otro lado requiere mucha energía. Por eso el año pasado nos dedicamos únicamente a trabajar entre los tres e hicimos 'Los más guapos de Madrid' (The Music Republic, 2022), un álbum sin colaboraciones. De hecho, entre nosotros tenemos referencias muy distintas también y esa diversidad se convierte en la magia de nuestra propuesta.

N: ¿Cómo completan las colaboraciones de Sebastián Cortés, Delgao, D3llano Barry B, Pole, Daniel Sabater y otros nombres aún por descubrir, al proyecto de Chill Chicos en general y más concretamente a este nuevo disco?

SALVA: En el momento en que acabamos 'Le Chill' ya teníamos a varios artistas con los que nos gustaría haber trabajado. Así que la idea de un 'Le Chill 2' la tuvimos presente desde hace tiempo. El nuevo álbum es otra "foto" de la escena.

N: ¿Cada disco es reflejo del estado de ánimo?

JAVI: ¡Por supuesto! Nuestra música cambia igual que lo hacemos nosotros y nuestro contexto. Es más, la libertad absoluta a la hora de hacer música que tenemos en Chill Chicos es difícil de conseguir.

N: Con respecto a Los más guapos de Madrid , en Le Chill 2 habéis bajado los decibelios para poneros más sentimentales. Incluso experimentar otros géneros como la música de autor o el club banger...

PASCUAL: Al final nosotros planteamos este proyecto como algo con lo que disfrutar. Hacemos música porque nos gusta, nos divierte y nos realiza como personas. Nuestro objetivo es ese, pasarlo bien con amigos. El estilo de la música en cada álbum refleja nuestro estado emocional de ese momento, pero no es algo que nos limite. En realidad, todo se reduce a que intentamos hacer una música con un toque personal, sin barreras, sin ataduras y sin etiquetas.

N: ¿Qué papel ha jugado la música a lo largo de vuestras vidas? Y, teniendo en cuenta el momento musical en el que nos encontramos, con lo urbano arrasando en todo el mundo, ¿cómo os ha influido ese fenómeno a vosotros?

PASCUAL: Los tres tenemos en común un contacto muy temprano con la música. Yo he cursado estudios del conservatorio, tocaba el violín. La música clásica siempre ha sido fundamental en mi vida, como el flamenco, el rap, el pop y cualquier género que me transmita algo. Recuerdo escuchar de pequeño a Camarón, a Vivaldi y a U2 en la misma tarde, por ejemplo. El urbano, tanto en España como a un nivel más masivo en Argentina, nos parece muy interesante, un género cargado de matices y de libertad musical, que también nos ha marcado profundamente.

N: En una entrevista hace tiempo afirmabais que “la música siempre se dirige hacia lo que la gente siente y necesita, y por eso siempre estará marcada por el contexto histórico-social”. ¿En qué contexto encaja Le Chill 2?

PASCUAL: En la vida de cualquier joven que está explorando su mundo, tanto externo como interno. Planteamos situaciones cargadas de emociones, sentimientos y sensaciones muy comunes a nuestra generación.

N: Me gustaría conocer qué valores vinculados al grupo no queréis cambiar nunca, independientemente de cómo pueda evolucionar el proyecto con el tiempo.

JAVI: Nuestra música es muy flexible, pero creo que tenemos una intención pop en todo lo que hacemos. Queremos que la gente pueda cantar y bailar las canciones. A nivel personal, todo en lo que participemos los tres, esas ideas locas que no hubiéramos sido capaces de hacer por separado, siempre será la marca Chill Chicos.

"PODER APRENDER DEL PROCESO CREATIVO DE OTROS MÚSICOS ES UN EJERCICIO MUY INTERESANTE, Y DESDE QUE EMPEZAMOS A TRABAJAR ASÍ NOS HEMOS HECHO UN POCO ADICTOS A LA FÓRMULA"

POR: ALMENDROSMARCOS

una mañana de madrid en la gran vía, donde los transeúntes, los coches y los autobuses parecen no pararse a pensar, solamente caminan hacia delante. El sol sale con ganas de dar luz al día. Los comercios abren paulatinamente. El viaje de cada jornada laboral ha comenzado. Beatrice Salvioni nos recibe vestida de negro cansado, lleva unos días en Madrid hablando del libro que ha formado un gran revuelo más allá de Europa. Cuando estás escribiendo tu primera novela, sueñas con publicarla y que tenga un espacio digno en las librerías, pero esta joven de 28 años se ha saltado el camino y ha volado vertiginosamente hacia el punto más alto. Beatrice, sin embargo, insiste en que ella solo ha escrito un libro, y que la repercusión de su novela es el éxito de su agente literaria. La malnacida (Lumen, 2023) es una novela que habla de amistad y de descubrir la vida durante el régimen fascista de Mussolini -se sitúa en Monza, Italia, en 1936-. “Podemos decir que es una historia de brujas en un periodo en el que solo se contaba la voz de los hombres fuertes”, resume la autora. Leyéndolo somos capaces de sentir muy de cerca a los personajes. Me lleva a pensar que la autora escribió la novela con cierta obsesión, hasta el punto de sentir que convivía realmente con las protagonistas de la novela. “La relación entre Francesca y Maddalena -los personajes principales- me pertenece, ha evolucionado con

historias que hemos tenido antes y después de escribir La malnacida, por lo tanto, su historia ha ido creciendo. Estas dos chicas no pueden estar la una sin la otra: una es más rebelde, y ayuda a la otra a dar su primer paso hacia la libertad; pero la otra le devuelve el favor al conseguir que la primera se quite de encima el sentimiento de culpa. Son personajes que llevan mucho tiempo conmigo y creo que se quedarán durante una temporada larga”.

Para Beatrice “escribir puede ser una forma de autohipnosis. A menudo no eres consciente del tiempo que llevas escribiendo. Es una sensación maravillosa porque realmente te sientes dentro de los personajes, dentro de la historia. Pero es importante salir al mundo y vivir de forma real”. La malnacida es un libro de texturas, olores y colores. “Cuando escribo tengo muy en cuenta todas las sensaciones posibles porque es la única forma de sumergirse verdaderamente en la historia, que el lector pueda entrar en ella. Para mí es muy importante escribir sin miedo a detallar algo que puede resultar incómodo, como el barro o la sangre”. Salvioni despierta estas sensaciones, que hemos experimentado por nosotros mismos, hace que nos metamos dentro de la historia y comprendamos a unos personajes que, de una forma u otra, nos resultan familiares. La autora nos lleva de la mano y nos invita a recorrer una

La Malnacida

Salvioni

mayor éxito de tu carrera cuando das tus primeros pasos. “Gracias por haberme subrayado la presión de todo el entorno”, dice entre risas mientras sospecho que está pensando que podía haberme ahorrado sacar el tema. Se siente incómoda pero no la pilla por sorpresa, así que responde con un lógico automatismo. “No es mérito mío, solamente estaba escribiendo una historia y esperando, como todo escritor, a que alguien hiciera el resto. Eso ha pasado. Ha sido mérito de otras personas y se me ha caído encima todo esto. Claramente hay mucha presión y responsabilidad”.

El día continúa en Madrid. Salgo a la calle mientras, curiosamente, suena Bella ciao. Me convierto en un viajante más caminando hacia delante. Llevo un poco de Francesca y Maddalena, su rebeldía e irreverencia. El sol ilumina a las voces atrevidas, aquellas personas anónimas a las que Beatrice Salvioni da voz. Todos tenemos algo de ellas revoloteando en nuestro interior. Mucho más después de leer La malnacida, cuyo ejemplar, después de la conversación, pesa un poco más en mi mano. Deseo que Beatrice mantenga el baile y que el funambulismo editorial sea ligero.

BUENOS NUEVOS MOMENTOS PARA LA LÍRICA

serie de lugares que, a pesar de sernos ajenos, somos capaces de reconocer. La malnacida nos lanza a experimentar un periodo de opresión política que reconstruimos a partir de las palabras. “Hay que recordar las partes más oscuras del pasado para garantizar un futuro mejor. Las historias ambientadas en periodos históricos pueden ser la herramienta para hablar del pasado de forma menos aséptica, estas novelas pueden ser la chispa para comenzar un diálogo”. Los libros son una maleta y la historia es el equipaje. Pero La malnacida tiene un trayecto por delante tan fascinante que da vértigo. Beatrice Salvioni ha atravesado todas las fronteras, su novela ha sido publicada en las principales editoriales de más de 30 países del mundo -y también se han vendido los derechos audiovisuales-, algo realmente inusual en una escritora novel de tan solo 28 años. Esto puede tratarse de un éxito envidiado por aquellos escritores que luchan por hacerse un hueco en las estanterías de las librerías, pero es también un arma de doble filo vivir el que (seguramente) sea el

Lahistoriaenlaliteratura-comoenotrasmuchas,demasiadas, áreas-hasidoespecialmentecruelconlasmujeres,relegadas avivirenunsegundoplano.Afortunadamentevivimosun momentoenelquelasgrandeseditorialesprestanuna atenciónmeritoriaajóvenesescritorasy,almismotiempo,se estánrescatandovocesqueensumomentofueronsilenciadas, comolaautorabeatEliseCowen ysuDejadmesalir,dejadme entrar(Torremozas,2023). Sonmuchaslasautorasqueenestosmomentossepueden destacarenelmercadoeditorial:SaraTorres(Loquehay ReservoirBooks,2022),ElisaLevi(Yonosédeotrascosas.Temas dehoy,2021),AlbaCarballal(Bailaréissobremitumba.Seix Barral,2023),ladramaturgiadeMaríaVelasco,lapoesíade LolaNieto…Perohayotrosmuchostítulosquehangozadode unaseriedeoportunidadesimposiblesenotrostiempos. ExistenciertosparalelismosentreLamalnacidayotrosdoslibros delosquesehahabladomucho:RasguñodeRebeccaWatson (Barret,2023.Entrevistaconlaautoraenelpasadonúmero deabrildeNUEBO)yPanzadeburrodeAndreaAbreu(Barret, 2020).Nosolosetratadelosprimeroslibrosescritospor jóvenesescritorasquehansidotraducidosadiferentesidiomas. Además,todasellassonhistoriassituadasenmomentosmuy concretosdesuslugaresdeorigen. Sindudaalguna,laliteraturaescritapormujeresviveun momentobrillantedebidoaundespertarsocialyaunacierto enlaperspectivaliteraria:sehanasumidoriesgosenla estructura,formayfondo.TalycomodiceBeatriceSalvioni, “yaerahoradequealguiendieravozaestasnuevasvoces femeninas.Yesbonitoquetambiénhayainterésporparte delpúblico,aunquetodavíaestáporversiesunmomentode cambio,peroesunbueninicio”.

'SIHICIERALOQUEEL RESTODELMUNDOLO HACIENDOÚNICOQUEESTARÍACONELLOSERÍA CONTRIBUIRALPROBLEMA, NOTRATARDESERPARTE DELASOLUCIÓN',DICE ESTEJOVENBRITÁNICO FOGUEADOENLACULTURA RAVEYENLAESCENA DRUM&BASSQUEESTÁ REVOLUCIONANDOEL UNDERGROUNDDELAS ISLAS.ESTRENADEBUT ENFORMATOMIXTAPE, UNCÓCTELMOLOTOVDE ACTITUD,SONIDOPUNKY BARRASINFLAMABLESQUE PRESENTARÁENDIRECTO ENELFESTIVALPRIMAVERA SOUND.

la inteligencia humana es cada vez menos memorística y más relacional. Es una de las consecuencias de la irrupción del mundo digital como una lente de realidad aumentada para interpretar el mundo. Y, al mismo tiempo, es una de las causas de la cultura del meme, de esa brillante capacidad para relacionar imágenes y conceptos que están en el imaginario popular y que se transforman en humor adaptándose a cada momento, a cada contexto. Esas mezclas, cómo no, también se han traducido al lenguaje de la música, y nos hemos acostumbrado a ver crossovers de todo tipo, con mayor o menor fortuna. Joe Unknown ha crecido en ese caldero efervescente, y en su sonido el punk y el hip-hop conectan en crudeza y actitud, como lo hacen en el grime de Slowthai. “El punk es más que una estética”, afirma con convicción. “Es un sentimiento, una actitud. Y al rap creo que le pasa algo un poco parecido”. Reconoce que se siente más cerca del punk que del rap, aunque en general rechace las etiquetas. Pero siempre estuvo muy cerca de “lo urbano”: empezó a relacionarse con la música a través de la escena drum'n' bass de Hampshire, donde ejercía como MC. Se enamoró de la cultura rave -“una religión en Inglaterra”- a través de las maratonianas jornadas de Elephant & Castle, en Londres, y de movidas de Breaking Silence. Y le cambió la vida: “No te sabría decir exactamente qué fue, pero supe que quería hacer eso, que quería ser parte de ello. Me hizo darme cuenta de que existe un lugar para todo el mundo: esa era mi gente. Hasta entonces estaba un poco perdido, y fue la primera vez que me sentí parte de algo. Nunca olvidaré esa sensación”, confiesa. Acompañando a los DJs, llegando incluso a girar con ellos por las islas y el norte de Europa, aprendió de música, pero sobre todo de sí mismo, en lo personal y también en lo artístico.

“Es una escena a la que no le importa contar con éxitos en las listas”, reflexiona. “Puedes querer forrarte con un tema, lo respeto, pero si al final del día pones tu canción en una sala y la peña no se vuelve loquísima creo que ese ‘éxito’ deja de tener sentido. El feeling y la conexión con la gente es lo único verdaderamente importante”. Y tras el parón de la pandemia se decidió definitivamente a explorar su propia voz. Ya tenía algo de experiencia y nociones musicales, y siempre se había interesado en la parte de pinchar y mezclar música. Además, tocaba algún instrumento, como la trompeta, y eso le ha permitido abrirse su propio camino. “Ir buceando distintos instrumentos y formas de hacer música te lleva a encontrar lo tuyo de verdad. Y cuando di con los sintetizadores supe que aquello era lo mío. Te puede parecer rarito, pero me entiendo con ellos, hablo con los sintes”, dice entre risas. Es lo que más ha usado para llevar a cabo For Better, For Worse, su primera mixtape. Los sintes son la piedra angular del proyecto junto a los breaks de batería y algún riff puntual, y se nota en canciones como Silent o Hennessy Brown

“Básicamente usé sintes analógicos de los setenta y principios de los ochenta. No te diré exactamente cuáles; a lo mejor algún día puedo vender esa información”, y vuelve a reír sonoramente. Cuando se aburría de los sintetizadores empezaba a bucear en busca de samples, como ese riff tomado de Neat Neat Neat, tema de la banda que publicó el primer single del punk británico: The Damned. “Estaba mucho en el hip-hop en ese momento, en clásicos tipo Dr. Dre, probando mucho. Encontrar un buen sample es toda una habilidad hoy en día. Hay artistas que los usan porque piensan que les va a ayudar a medrar en este mundo viral en el que vivimos, pero a mi me la suda, los samples dicen algo de mí”.

Con esa maleta de referencias, su pasión por el hiphop, su vivencia de la cultura rave y su actitud punk, ha armado un conjunto interesante y enérgico que recupera la urgencia de los primeros trabajos de Slowthai al tiempo que conecta con el mítico The Streets. Se ampara en la heterogenia y es hijo de la cultura digital; sabe que está todo inventado y que la forma de crear ahora mismo es la mezcla. “Ahora los artistas nos podemos permitir ser más versátiles, coger un poco de aquí, un poco de allá… En mi música estoy trayendo muchas cosas del rap hacia el mundo del punk, pero lo más importante es que me divierto mucho haciéndolo”. Al final, para él, todo va un poco de eso: encontrar lo que te gusta y disfrutar. Aunque a veces cueste. “Somos perezosos por naturaleza, así que cuando algo simplemente 'pasa' delante de nosotros, como una red social o una plataforma de streaming, tendemos a aceptarlo y ya está, da igual lo que sea. Estás en Netflix y las películas son una mierda, pero sigues viéndolas. Pero creo que no somos idiotas: llega un momento en el que dices: ‘He tenido suficiente’. Y es entonces cuando empiezas a buscar cosas por tu cuenta y todo cambia. Entonces te das cuenta de que hay todo un mundo ahí fuera de cosas hechas de una manera preciosa. Joder, ¡algunas de las mejores canciones de nuestra generación están en Spotify con menos de 100.000 streams esperando a ser descubiertas!”. Es una idea que extiende a muchas facetas de su vida y de su forma de entender la música: de algún modo, todo termina cayendo por su propio peso. “Son las leyes de la física, tío”. Del mismo modo, y aunque cueste a veces creerlo, está firmemente convencido de que hay un público para todo el mundo ahí fuera esperando, como hay un artista para cada oyente. “Una de las cosas más bonitas que tiene la música es que todo se coloca un poco solo: al final siempre la escuchará la gente adecuada. La música siempre llega al lugar al que pertenece. No me gusta la gente que pretende ser lo que no es, hacer o disfrutar cosas que realmente no disfruta solo porque se supone que debe disfrutarlas. Haz lo que quieras, que tarde o temprano encontrarás a la gente adecuada. Están ahí, solo tienes que creértelo”. Si te sientes parte de ello quizá encuentres a alguien como tú este verano en el concierto de Joe Unknown dentro del festival Primavera Sound de Madrid y Barcelona. Solo tienes que creértelo.

FOR BETTER, FOR WORSE (DARCO, 2023)

Gang / Silent / Hell of Mine / Sirens / Ride / Suga Rich / Palate Cleanser / Hennessy Brown / Coconut Tree

"EL PUNK ES UNA ACTITUD MÁS QUE UNA ESTÉTICA. AL RAP LE PASA ALGO PARECIDO"

Un ladronzuelo pegado a un walkman, un mapache mutado biológicamente con malas pulgas, un tipo indestructible privado de ironía, un ser planta con poquísimo vocabulario, una telépata con antenas que es todo empatía y las dos hijas de (y maltratadas por) Thanos. ¡Menuda pandilla! Nadie daba un crédito interestelar por ellos, pero se convirtieron en lo mejor del MCU. Ahora vuelven para salvar una vez más la galaxia y, ya de paso, para rescatar una Casa de las Ideas que en los últimos tiempos ha empezado a quedarse sin ellas.

POR: TALI CARRETO

DE UN DEBUT NADA ESTELAR A JUGAR EN LA LIGA DE LAS ESTRELLAS

Corría enero de 1969 cuando debutaban los Guardianes de la Galaxia, de la mano del guionista Arnold Drake y el dibujante Gene Colan, en el número 18 de Marvel Super-Heroes. La inspiración era de todo menos galáctica: sus creadores pensaban en una versión con naves de Doce del patíbulo, con un grupo de antihéroes embarcados en misiones suicidas. Esos antihéroes diferían, y mucho, de la plantilla actual. Ni rastro de alguno, solo de Yondu, y no como lo conocemos a través de las películas: aquí era un guerrero primitivo de Beta Centauro IV, armado con un carcaj y flechas (¡ay!). Le acompañaban el astronauta estadounidense Mayor Vance Astrovik, el soldado de Júpiter Charlie-27 y el ser de cristal Martinex de Plutón. Las mujeres, además, brillaban por su ausencia.

Hasta 1976 nuestros Guardianes no encontrarían serie propia: sería a partir del número 3 de Marvel Presents y gracias a Steve Gerber y Al Milgrom. Pasearían su palmito también junto a Thor, Los Vengadores, Los Defensores o Ms. Marvel, hasta que en 1989 el éxito en TV de Star Trek: La Nueva Generación les rescató del ostracismo.

EL WALKMAN CON EL QUE SIEMPRE SOÑABAS

El Sony TPS-L2 de Peter Quill alias Star-Lord es un elemento tan reconocible de la saga galáctica como los tatuajes de Drax, el color verde de Gamora o la flecha yaka de Yondu. Esos créditos de la primera peli al ritmo del Come and Get Your Love de Redbones son antológicos. A partir de ahí, ese walkman marca el ritmo…

El mismísimo Gunn, siempre dado a cuidar personalmente cada detalle, y el music supervisor Dave Jordan -habitual del MCU y al que debemos también otros soundtracks como Daredevil o Transformers- están tras esas increíbles mixtapes con querencia por los 70s y, por supuesto, los 80s.

Los créditos iniciales de la segunda peli, con ese Mr. Blue Sky de la ELO sonando a saco, ha hecho tanto por poner de moda entre la chavalería un género viejuno como Stranger Things. No es el único artista embarcado en el yatch rock que suena en la galaxia: ahí están también Fleetwood Mac, 10cc, Looking Glass o Rupert Holmes. Hay ocasiones en las que no estar también marca la diferencia: canciones emblemáticas que se han quedado, al menos hasta el momento, fuera de la saga han sido She’s Gone de Hall & Oates, Teenage Lament ‘74 de Alice Cooper, Never Been to Spain de Three Dog Night, Magic de Pilot o Livin’ Thing de ELO.

EL ALUNIZAJE PERFECTO EN LAS COLINAS DE HOLLYWOOD

'Guardianes de la Galaxia' (2014)

La décima película del MCU fue todo un soplo de aire fresco en una franquicia que avanzaba a pasos agigantados. No solo supuso la llegada de James Gunn y su ojo de halcón con un cast pluscuamperfecto, también presentó en sociedad a Thanos, el Titán Loco, personaje clave en el devenir futuro del celuloide marvelita.

'Guardianes de la Galaxia Vol. 2' (2017) Con una recaudación mundial de más de 700 millones de dólares, la secuela no tardaría en llegar. Aunque Gunn se puso serio con los orígenes de Star-Lord y las relaciones entre los personajes, la comedia interestelar seguía en plena forma. ¡Y ese mini Groot era lo más cuqui del universo hasta la llegada de Grogu!

'Guardianes de la Galaxia: Especial Felices Fiestas' (2022)

La espera hasta la tercera entrega de la saga se nos hizo mucho más llevadera con este one shot ideal para inundar toda la galaxia de espíritu navideño. Kevin Bacon, nuestro héroe terráqueo de Footloose, se lo pasa en grande en una aventura breve, cortita y al pie que es todo lo que el Holiday Special de Star Wars quiso ser y no fue.

'Guardianes de la Galaxia, Vol. 3 ' (2023)

El cierre de la trilogía espacial del MCU promete emociones a raudales, ahondando en el pasado de Rocket y ¿sentando las bases de un nuevo equipo?

Todo podría ser y más aun con la llegada de personajes como Adam Warlock. La película, por cierto, tiene el record mundial de protésis de maquillaje, hasta ahora ostentado por El Grinch.

El casting de Guardianes de la Galaxia ha logrado auténticas hazañas. No solo convirtió en carne de blockbuster a Chris Pratt adelantándose por los pelos a Jurassic World, o hizo de actores como Dave Bautista o Karen Gillan rostros reconocibles. También puso a estrellas como Bradley Cooper y Vin Diesel detrás de personajes por encima de sus egos, solo con sus voces como protagonistas.

UN CASTING DIGNO DE ESTRELLAS

Otra de las virtudes más aplaudidas de la saga es saber rodear a su elenco principal de secundarios de lujo: Kurt Russell, Benicio del Toro, John C. Reilly, Glenn Close, Elizabeth Debicki, Gregg Henry y hasta Sylvester Stallone se han paseado por una galaxia repleta de estrellas. Mención especial para el hermanísimo Sean Gunn, todo un robaplanos.

Los cameos son otra de las señas de identidad de la trilogía. A Michael Rosenbaum, el Lex Luthor de Smallville, le hemos visto como uno de los devastadores junto a la hoy oscarizada Michelle Yeoh o Ving Rhames. Pero el cameo más sorprendente, más allá de Howard El Pato, es el de David Hasselhoff, capaz de marcarse un inesperado morphing con Kurt Russell y también un temazo disco como Guardians Inferno

JAMES GUNN

En el espacio nadie puede oír tus gritos, rezaba aquel tagline de Alien, el 8º pasajero. Pero seguro que sí tus risas, pensó el bueno de James Gunn cuando decidió enrolarse en el MCU para recuperar un puñado de superhéroes de segunda y actualizar la space opera a golpe de buenos chistes y mejores canciones.

Bregado en series B como Tromeo y Julieta o esa gozada convertida en película de culto que es Slither, a Gunn todo parecía vaticinarle que acabaría liado con tíos en mallas: suyo fue el guión del Amanecer de los muertos de Zack Snyder -futuro papá de La Liga de la Justicia-, y coqueteó con el género, a su manera, con Super. Tras revolucionar Marvel con su trilogía galáctica e inocular el espíritu de la editorial Bruguera en El Escuadrón Suicida, por delante le espera el mayor reto de su siempre sorprendente trayectoria como cineasta: reflotar el Universo Extendido de DC, Superman y Batman incluidos, para competir con la que hasta ahora era su casa.

GUARDIANES DE LA GALAXIA: VOLUMEN 3 (4 mayo)

EE UU. 2023. Disney

Dirección: James Gunn. Reparto: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Elizabeth Debicki, Pom Klementieff, Sylvester Stallone, Will Poulter.

POR: MARTA ESPAÑA

FOTOS: NEELAM KHAN VELA

'SMHD (ARTE CONTENIDO)' ES LA CUATRILOGÍA DE PUTOCHINOMARICÓN: CUATRO SIGLAS QUE HACEN REFERENCIA A DISTINTAS UNIDADES DE MEDIDA DEL TIEMPO (SEGUNDOS, MINUTOS, HORAS, DÍAS), CUATRO ÁLBUMES AGRUPADOS BAJO UN MISMO PARAGUAS, CUATRO REFLEXIONES EN TORNO AL CONCEPTO DE IDENTIDAD EN EL CONTEXTO DE LA INMEDIATEZ. EL PASADO 21 DE ABRIL SE PUBLICÓ

'AFONG (MORDIÓ LA MANO DEL AMO)', EL PRIMERO DE ELLOS, REFERENCIA A LOS MINUTOS DE SMHD.

afong moy fue la primera inmigrante china en Estados Unidos, cuyo viaje se atribuye a los hermanos Nathaniel y Frederic Carne. A mediados del siglo XIX fue exhibida en el país americano como “la dama china”: una estrategia de marketing consecuencia de que los Carne empezaban a comercializar productos orientales en el país. Dos siglos más tarde, Chenta Tsai continúa reflexionando sobre los conceptos de identidad, raza y sexualidad, si bien socialmente tienden a agruparse en torno a dos categorías fundamentales: los normativos y los disidentes. Como su propio nombre indica, PUTOCHINOMARICON pertenece al segundo grupo. Así, en su nueva mixtape Chenta establece un paralelismo entre la figura de Afong y la suya propia: “Yo pensaba que sentía síndrome del impostor, porque muchas de las propuestas que aceptaba se habían construido en base de una mirada hegemónica y bastante paternalista, bastante alejada a lo que es mi profesión y a lo que hago. Por ejemplo, que me llamen de un festival no tanto por mi música, sino porque soy una persona asiática del este: no sé hasta qué punto estoy feliz con esta idea. Yo al principio confundía esto con síndrome del impostor, pero realmente es racismo, ¿no? Sí, en ese sentido sí que muerdo la mano del amo, creando una mixtape conceptual en la que estoy tratando temas que son muy nicho, muy minoritarios y de una manera bastante experimental. Y también en mi posicionamiento de cuestionar la representación y la visibilidad como armas de doble filo”.

"EL HYPER PARTE DE UNA IDEA UTÓPICA: DESTROZAR EL CAPITALISMO ACELERANDO EL POP, HACIENDO MÁS POP. ESA IDEA ESTÁ MUY PRESENTE EN MI TRABAJO"

De hecho, Afong (Mordió la mano del amo) se aleja de las directrices estéticas de sus anteriores trabajos: se aprecia una mirada más seria, un diálogo más experimental y, como le artiste afirma, “menos mamarracho”, pues busca subvertir la realidad de los nuevos creadores de contenido: “SMHD responde al conflicto entre lo que entendemos por artista y lo que entendemos por creador de contenido. Y de ahí surge el concepto de arte contenido, que viene de un lugar bastante warholiano: mientras Warhol lo que quería hacer, aparte de ser un misógino de mierda, era llevar el pop al arte, yo intento llevar el contenido al arte. Además, el arte contenido incita también a la reflexión de si se puede hacer arte bajo los parámetros de las plataformas de streaming, las demandas de los algoritmos y las máquinas”. De este modo, PUTOCHINOMARICÓN prosigue con la idea original de la PC Music en cuanto a cuestionar los nuevos paradigmas capitalistas e hipertecnológicos. De hecho elle fue une pionere en introducir la estética hyper dentro del underground español: “El hyper siempre ha tenido una crítica aceleracionista muy potente. Es una idea muy utópica, pero querían destrozar el capitalismo acelerando el pop, haciendo aún más pop. Esa idea no se me quitó de la cabeza y está muy presente en mi trabajo. Yo entiendo perfectamente que hay gente que está en contra, pero a mí me parece bestial esa idea de crear una sonoridad tan pop que destroza el pop. Lo veo como extremadamente distópico o satírico-humorístico, pero al final el pop siempre ha sido un poco así. O sea, esta idea de querer resumir la complejidad de nuestras emociones a canciones de tres minutos de 'uh sha lala' me parece como la cosa más graciosa del mundo”. Sin embargo, y rechazando el gatekeeping, el artista considera que de cinco años a esta parte se ha generado un sentimiento mucho más comunitario que cuando elle comenzó su andadura musical, un momento en el que nunca llegó a sentirse comprendide: “Yo me siento muy reflejada en un montón de artistas que están saliendo ahora, sobre todo a nivel nacional. Estamos viviendo una época alucinante, con Rakky, LVL1, Samantha… una oleada de artistas que están haciendo lo que yo intentaba hacer hace cinco años. Sí que me siento más acompañada en ese sentido, pero siempre estará presente la desigualdad. O sea, a mí se me considera música urbana

en España, porque soy una persona asiática del este. El término música urbana ha sido criticado a lo largo de toda la historia como una forma de segregación, porque su definición es música de personas racializadas”. Como persona racializada, que forma parte del colectivo queer y dentro de una escena musical tan nueva que no es del todo entendida, Chenta también reflexiona sobre la romantización de las comunidades en contraposición a la identidad propia: “Yo siempre lo comparo con nuestro primer amor, y cuando creces te das cuenta de que puedes ser romántica sin tener que recurrir a los tópicos. Al igual que en la forma en la que tejo relaciones afectivas, al principio tenía la concepción errónea de que si yo me metía en un colectivo de personas racializadas, por ejemplo, iba a encontrar una unión en la que íbamos a ser todas amigas, que éramos entidades homogéneas. Y es erróneo: tenemos que empezar a entender que no necesariamente tenemos que ser amigas para hacer activismo, podemos ser compañeras de lucha y normalizar el hecho de que te puede caer mal gente con quienes compartes objetivos. Hay millones de identidades que cohabitan en un mismo cuerpo, y me da miedo romantizar una comunidad y asesinar mi riqueza y mi escala de identidades. Yo tengo múltiples yoes”.

Gracias a su nueva mixtape, Chenta también descubrió otros paradigmas que operan en su identidad compositiva. Compuesto entre España y Taiwán, la artista reflexiona sobre su forma de hacer música en ambos países: “Siempre que estoy en España trato sobre raza o identidad, inconscientemente, porque al final es mi día a día. Cuando yo volví a Taiwán y me quedé ahí casi un año, escribí otro álbum que se llama Pasadas de moda. Lo voy a sacar en septiembre y justamente no trata sobre la identidad per se: hay una fantasía, una utopía. Encarno a una baby que quiere ser una artista conceptual, que expone en ARCO y fracasa estrepitosamente. A mí me parecía muy curioso el reseteo cultural cuando tu cuerpo viaja: lo mucho que te influencia a tu entorno y, de nuevo, cómo se manifiestan tus múltiples yoes y se reordena esa jerarquía de tus identidades según en qué lugares estés”. De este modo, PUTOCHINOMARICÓN nos vuelve a brindar una nueva reflexión en torno a la identidad dentro de la colectividad, a través de la subversión antihegemónica de realizar un trabajo experimental, contemporáneo y anticapitalista.

AFONG (MORDIÓ LA MANO DEL AMO) (ELEFANT, 2023) íntró (éstádó cónstánté dé críngé) - síndrómé dél ímpóstór / nó mérécé lá péná / párá nó dár péná (feat. Berna Wang) - ántífá káwáíí / nárrátívá - ámóré (ábró híló - té ódíó) / chínító dé ámól [feat. Paloma Chen] - mámá hé mátádó á ún sím - pólly dé hácéndádó / lá gállíná cápónátá- dé dóndé víénés / ní dé áqúí ní dé állá

POR: MARTA ESPAÑA | FOTO: JAVIER PEÑALVER

LOS TRASHI ESTÁN DE VUELTA CON 'QUIERO IRME A CASA', UN TRABAJO MUCHO MÁS MADURO TANTO EN FONDO COMO EN FORMA. EN ESTE EP LA BANDA VERSA SOBRE LA DIFICULTAD DE VIVIR EN UNA CIUDAD AJENA, EN LA QUE PREDOMINAN LAS RELACIONES LÍQUIDAS Y EL RITMO FRENÉTICO. UNA NUEVA ETAPA PARA EL CUARTETO MURCIANO.

sergio, luz, luis y maría son cuatro jóvenes originarios de Murcia que publicaron su primera canción bajo el nombre de Trashi en época pandémica: Lo que pasó ese verano se llamó el primer EP de la banda, lanzado en 2021. Dos años más tarde repiten formato. Quiero irme a casa es su nuevo trabajo, en el que, después de tres años viviendo en Madrid, resumen algunas de las emociones generadas por mudarse a una ciudad grande e individualista.

Pese a que en el tiempo en medio de ambos trabajos se ha hablado mucho de la posibilidad de que el primer largo de Trashi estuviera a la vuelta de la esquina, parece que a su álbum debut todavía le queda un tiempo. Y las cinco canciones de Quiero irme a casa son la solución inmediata para esa espera: “En el camino, nos dimos cuenta de que había que frenar un poco. Queríamos trabajar el álbum de una forma más tranquila, poner en común las ideas para que salga algo más sólido. Todavía tenemos que encontrar un poco más, vivir más cosas para inspirarnos y poder escribir de algo” (Sergio). En una industria en la que a los artistas se les exige una carta de presentación, prolongar la fecha de salida de un debut puede llegar a resultar frustrante. “Podríamos haber sacado perfectamente un largo, pero no habría tenido ninguna coherencia, ni conexión entre las canciones. No estaríamos tan contentos con el resultado, porque un disco para nosotros es la presentación oficial de nuestro proyecto. Queremos trabajarlo muy, muy bien, ser muy cuidadosos, muy detallistas con el sonido, la imagen y demás. Pero bueno, creo que la espera va a merecer la pena” (Luz).

Quiero irme a casa versa sobre las relaciones líquidas y sobre un falso estado de pertenencia. Tal y como afirma Luis “la idea de hogar es difusa. Por las noches no tenemos la sensación de llegar a nuestra casa. Es un concepto más mental que físico. Volvernos a Murcia sería genial, pero ni nos lo planteamos, al menos hasta dentro de muchos años. El reto es encontrar el hogar fuera de lo que ha sido nuestro hogar”. Forjarse una carrera artística en una ciudad tan grande y con un ritmo de vida tan frenético como Madrid puede parecer a priori una idea brillante que, a la hora de llevar a la práctica puede llegar a resultar frustrante. “Las relaciones que hemos tenido aquí en Madrid, de amistad, sentimentales, laborales… son muy líquidas en su mayor parte. Lo único verdaderamente seguro que teníamos era entre nosotros cuatro” (María).

Musicalmente, el nuevo EP supone un cambio notable con respecto a Lo que pasó ese verano: como su propio nombre indica, en Trashi predomina la espontaneidad y todo aquello que comúnmente se asocia con lo maquetero y la estética bedroom, en la que fueron categorizados cuando daban sus primeros pasos. Quiero irme a casa muestra un mayor interés por la producción, por encontrar un sonido preciso, lo que ha supuesto nuevos quebraderos de cabeza a una banda que en el último año ha comenzado a profesionalizarse. “Tener una banda en la que participamos

todos por igual no es lo mismo que un proyecto en solitario. Tenemos que cuadrarnos con Javier, que es el que nos graba, el que viene con nosotros a todos lados. A la hora de juntarse, puede parecer que va a ir todo más rápido porque somos muchos, pero muchas veces es casi imposible” (Sergio). A todo el proceso creativo, además, se añade la figura de InnerCut, productor de los últimos lanzamientos de Trashi: “En el proceso de composición, primero nosotros por nuestra cuenta hacemos las demos, las producimos con Sergio, y luego tenemos que quedar con otro productor. Tenemos que cuadrar horarios con él, que también tiene mucho trabajo. Eso de por sí ya es un proceso muy largo, y además tenemos que coincidir todos, y suele ser bastante complicado” (Luz).

Trashi llevan tocando juntos desde los 16 años. Previamente a este proyecto, formaron Jump To The Moon, la banda con la que firmaron (en realidad sus padres lo hicieron) su primer contrato discográfico cuando aún eran menores de edad. A medida que fueron creciendo y sus intereses cambiando, deshicieron Jump To The Moon para reinventarse como Trashi. Tras más de ocho años tocando juntos, se han convertido en una rara avis que mantiene su formación inicial desde la adolescencia: “Yo creo que la razón por la que seguimos juntos es porque sabíamos que queríamos hacer algo con nuestra música. De todas formas, para nosotros es sencillo porque ensayamos muy poco, estamos ya súper conectados después de tantos años tocando juntos” (María). A esa conexión musical se añaden otros factores: amistad, la misma ambición e inquietudes profesionales comunes. Tal y como afirma Luz: “si no es con ellos, no sé si podría entenderme con alguien más”. Tanto es así que, al mudarse a Madrid al mismo tiempo para continuar haciendo música, decidieron compartir piso y, dos años más tarde, María, Luz y Luis continúan viviendo juntos: “Pasar tu adolescencia con alguien une mucho, tu primer cigarro… esas cosas. Es algo que ahora nos lleva a un punto en el que hay que poner límite. Compartimos piso, el mismo grupo de amigos, el mismo trabajo y ya no tenemos 15 años. Hemos aprendido a separar: no hablar de trabajo cuando estamos de cervezas, que en los inicios nos la pelaba muchísimo. Y con esa edad no sabes lo que es que te sature una cosa que te gusta tanto” (Luz).

Trashi sienten a Murcia, su tierra, como un oasis en calma al que volver, un refugio en el que todo sigue igual: “Nos gusta mucho estar con nuestras amigas de ahí, al margen del mundillo de la música. No como en Madrid, donde en cualquier terraza estás todo el rato hablando de música o de moda. Nosotros tenemos dos grupos de Whatsapp: uno para hablar de líos y otro para hacerlo del grupo” (María). Pero sería incorrecto percibir Quiero irme a casa como un plan de fuga. “Este EP reivindica un estado mental en el que, estés donde estés, sea posible alcanzar la tranquilidad. Un espacio seguro en el que lo personal supere siempre a lo profesional”. ¿Te suena de algo?

QUIERO IRME A CASA EP (HELSINKIPRO, 2023) Co-Star / Quisiera volver a verte / Playa flamenca / Te duele (igual) / ¿Dónde va?

TRAS ADAPTAR CON ÉXITO CLÁSICOS DE LA LITERATURA COMO

'MATAR A UN RUISEÑOR' Y 'EL GRAN GATSBY', FRED FORDHAM

SE ATREVE CON UNO DE LOS CLÁSICOS DE LA CIENCIA FICCIÓN

DISTÓPICA: 'UN MUNDO FELIZ', DE ALDOUS HUXLEY. CASI CIEN

AÑOS DESPUÉS DE VER LA LUZ, UNA OBRA TAN O MÁS RELEVANTE

QUE EN EL MOMENTO DE SU PUBLICACIÓN.

posiblemente 'un mundo feliz' de aldous huxley junto a 1984 de George Orwell y Fahrenheit 451 de Ray Bradbury sean las novelas de ciencia ficción distópica más relevantes e influyentes de la historia. Trabajos visionarios que abrieron el camino a otros autores del género como Philip K. Dick o William Gibson para continuar profetizando sobre un futuro que ya es presente, a la vez que ejercían de espejo crítico de su realidad contemporánea. La diferencia entre la novela de Huxley y el resto de obras mencionadas es que, si bien todas ellas eran miradas pesimistas y lúgubres, desarrolladas en mundos represivos y totalitarios, Un mundo feliz planteaba otro tipo de perspectiva, al menos en apariencia.

Al contrario que el futuro cyberpunk de Gibson, la tecnoconspiranoia de K. Dick o los relatos cautelares de Orwell y Bradbury en los que el poder del Estado y la represión social son colocados en primer plano, en la novela de Huxley la humanidad parece haber alcanzado la cúspide del progreso y la perfección. Un mundo aparentemente utópico en el que no hay lugar para la enfermedad, la muerte y la miseria, y el ocio y el placer se convierten en el centro de la existencia. Pero no es oro todo lo que reluce en esa sociedad de perversa perfección. La cultura, los sentimientos y la diferencia han desaparecido en pos de un estamento social perfectamente engranado, con un sistema de castas definido al milímetro y fruto de la evolución de la genética.

FRED

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

Una distopía luminosa que confronta la belleza de la imperfección contra el utilitarismo de un totalitarismo que se esconde tras el ocio y el consumo. Una distopía tan lúcida en sus planteamientos como terroríficamente profética en sus pronósticos, casi ya un espejo de la sociedad del siglo XXI. No es casual que su larga sombra se proyectara desde su publicación en infinidad de obras audiovisuales que han usado Un mundo feliz a modo de plantilla. Por ejemplo, la action movie noventera Demolition Man, en la que Sylvester Stallone despierta en un futuro en que lo aséptico ha sustituido lo carnal. O en los entornos arquitectónicos futuristas de líneas rectas y superficies reflectantes de THX 1138 de George Lucas o La isla de Michael Bay. Sin olvidar esa adaptación cinematográfica apócrifa que es Gattaca de Andrew Niccol, en la que los alfas y los epsilon son sustituidos por válidos y no-válidos. Pero, más allá de la terminología, en ambos títulos el destino de los humanos viene marcado por un código genético secuenciado antes de nacer. No solo de versiones apócrifas ha bebido la obra de Huxley, ya que la novela ha sido adaptada a lo largo de casi un siglo de vida a otros lenguajes, ya sea el radiofónico (en 1956 y en 2003), el teatral (2003), el musical (2006), el telefilme (1980 y 1998) o, más recientemente, en formato de serial televisivo (2020). Curiosamente, el mundo del cómic todavía no había apostado por una adaptación gráfica de la obra, aunque también podríamos considerar una adaptación apócrifa el relato que los autores de Watchmen, Alan Moore y Dave Gibbons, realizarían para el Superman Annual 11 en 1985, una historia titulada Para el hombre que lo tiene todo… En ese cómic Superman quedaba

NOVELAS

atrapado en la simulación de un Krypton utópico cuya aparente perfección ocultaba, al igual que en la obra de Huxley, una sociedad podrida. Así las cosas, ha tenido que llegar el ilustrador y dibujante de cómics británico Fred Fordham para enmendar la situación. Fordham es especialista en adaptar novelas clásicas al medio gráfico, en trabajos como El gran Gatsby de F. Scott Fitzgerald -con arte de Aya Morton- o Matar a un ruiseñor de Harper Lee, firmando texto y pinceles, algo que vuelve a hacer en su reinterpretación de Un mundo feliz. Fordham adapta de manera fidedigna una obra que adquiere más relevancia que nunca a partir de sus disquisiciones sobre el totalitarismo y la opresión; su mirada hacia dilemas morales como el de la gestación subrogada y los avances en ingeniería genética; y, sobre todo, el vacío existencial de una sociedad apabullada y anestesiada por el placer hedonista del consumo.

Fordham traslada el relato al medio gráfico a partir de una representación luminosa, que formalmente no esconde sus deudas, en una suerte de hibridación entre el arte de Alejandro Jodorowski en El incal y el de Fiona Staples en Saga. El trazo, de línea fina y colores primarios, beneficia a la estructura narrativa. Hay equilibrio entre la rigidez que aporta una planificación simétrica de nueve viñetas por página -funciona muy bien como metáfora gráfica de la sociedad opresiva- y la espectacularidad de la splash-page y la doble splash-page. Con esos mimbres y todo lujo de detalles la imaginería de ese futuro posible embriaga al lector. Es un sucedáneo de Soma, que sirve para lidiar -por partida doble: a personajes y lector- con los intrusivos estímulos de un universo tan seductor como perverso.

CINCO

Drácula

F. Fernández (1982)

La inmortal novela de Bram Stoker, adaptada en infinidad de ocasiones al lenguaje del cómic, quizá alcanza el paroxismo con la versión de Fernando Fernández.

Una versión publicada por capítulos en 1982 en la legendaria revista Creepy y que ha sido reeditada a todo lujo en un único volumen por la editorial Cartem.

ADAPTADAS

El Hobbit

Charles Dixon y David Wenzel (1989)

Mucho antes de que la obra de Tolkien se volviera mainstream gracias a Peter Jackson, Eclipse Comics se atrevió con esta introducción a la Tierra Media. Un relato juvenil que es reproducido fielmente por el trazo de un David Wenzel entre la narrativa gráfica y las formas del cuento ilustrado.

AL CÓMIC

Parker Darwyn Cooke (2009)

Donald E. Westlake, bajo el seudónimo de Richard Stark, crearía una de las cumbres del noir, el ladrón Parker. 24 novelas que comenzaría a adaptar el añorado artista Darwyn Cooke en una serie de relatos gráficos entre la novela ilustrada y la narrativa secuencial. Solo llegaría a su cuarta entrega, debido a su prematuro fallecimiento.

Matar a un ruiseñor

Fred Fordham (2018)

Con un estilo gráfico diferente al de su adaptación de Un mundo feliz, Fordham se imbuye de la atmósfera de la Alabama de los años 30, sin edulcorar en ningún momento el necesario mensaje antirracista de la obra original, para trasladar al cómic una de las novelas más influyentes del siglo XX, obra de la escritora Harper Lee.

Fahrenheit 451

Víctor Santos (2023)

Uno de los narradores gráficos más interesantes, prolíficos e importantes del panorama patrio, de influencia entre Frank Miller y el manga, se aleja de universos propios como la serie Polar para adentrarse en el profético relato de Bradbury. “Buscaba que no fuera un copia y pega del libro”, afirma el propio Santos.

LA APARICIÓN EN NUESTRAS LIBRERÍAS DE 'UN MUNDO FELIZ', ADAPTACIÓN AL CÓMIC DE LA MANO DE FRED FORDHAM DE LA SIEMPRE VIGENTE NOVELA DE ALDOUS HUXLEY, NOS SIRVE COMO EXCUSA IDEAL PARA ESTE PASEO POR MEDIO CENTENAR DE FUTUROS ALTERNATIVOS EN CUATRICOMÍA. SI QUIERES SABER CÓMO SOBREVIVIR EN ENTORNOS INHÓSPITOS, SOCIEDADES TECNÓCRATAS Y APOCALIPSIS VARIOS, ESTAS LECTURAS COMIQUERAS TE SERÁN DE GRAN AYUDA.

POR: TALI CARRETO

Noventa y una primaveras, ahí es nada, cumplirá Un mundo feliz este 2023. Vale que la de Huxley no fue la primera distopía que conocimos. Ya en pleno siglo XVIII Jonathan Swift nos sorprendió publicando un libro mítico, Los viajes de Gulliver, para muchos la más temprana muestra del género, con sus aires de fábula social y su crítica no exenta de humor de sus contemporáneos. Pero la novela de Huxley, con su estado totalitario, su población dividida en castas y su soma anulando voluntades individuales en pos de la felicidad generalizada, sentaría las bases en los agitados años treinta del atribulado siglo XX, bases que años más tarde continuaron otros clásicos absolutos como 1984 de George Orwell y Farenheit 451 de Ray Bradbury. Una tradición que ha seguido adelante hasta nuestros días y que, por supuesto, lo ha hecho más allá de las letras. Solo en el audiovisual, la distopía parece estar siempre de moda, de THX 1138 a Matrix, de Metropolis a Black Mirror. Y el cómic, por supuesto, lejos de resistirse a los cantos de sirena del relato distópico, se lanzó de

cabeza a imaginar futuros casi siempre poco prometedores y cercanos al apocalipsis. De hecho, el género de ciencia ficción, casi siempre distópico, encontró a lo largo de la década de los setenta y ochenta un interés inusitado en el campo del cómic, con publicaciones periódicas como Metal Hurlant o su versión norteamericana Heavy Metal, en la que autores como Moebius, Alejandro Jodorowsky o Richard Corben resignificaron para siempre este género. Eso fue poco antes de que el manga, de que obras como Akira y Ghost In The Shell, marcaran el paso del audiovisual y terminaran de definir la distopía tal y como hoy la conocemos. Hacemos memoria y, ya sea en decorados cyberpunk o apocalípticos, con protagonistas superheroicos o extra-irreverentes, trufados de aroma europeo o caracterizados con ojos de manga, he aquí cincuenta títulos indispensables para entender eso que nuestra RAE define como “la representación ficticia de una sociedad futura de características negativas causantes de la alienación humana”. Su distopía, gracias.

1V DE VENDETTA

Alan Moore, Dave Gibbons / 1982

“Remember, remember the 5th of November…”. A fuego se grabó en nuestras cabezas esta rima que celebra la noche de 1605 en la que un grupo de rebeldes -incluyendo a ese Guy Fawkes futura inspiración del colectivo Anonymousintentó volar el Parlamento británico. Alan Moore, el genio de Northampton tomaría esa efeméride como base para una historia de venganza ambientada en una Gran Bretaña post-nuclear más gris que nunca, dominada por una suerte de Stasi onmipresente y donde la anarquía parece ser la única respuesta posible.

2

AKIRA

Katsuhiro Otomo / 1982

La Neo-Tokio de 2019 imaginada por Otomo se ha convertido con el paso de los años en el espejo en el que se miran todas las distopías llegadas después.

3 4

EL ETERNAUTA

H. G. Oesterheld, F. Solano López / 1957

Y, EL ÚLTIMO HOMBRE

Brian K. Vaughan, Pia Carrera / 2002

Todo un alegato de la militancia contra la opresión y metáfora disfrazada de invasión alienígena a propósito de las dictaduras sufridas en Argentina.

WATCHMEN

Alan Moore, Dave Gibbons / 1986

La obra magna de Moore nos presentaba una realidad alternativa en la que los superhéroes existían, los americanos ganaban en Vietnam y el mundo avanzaba imparable hacia un holocausto nuclear. Un guión milimétrico que no ha perdido un ápice de vigencia y cuya resonancia aún colea. Vean si no la excepcional serie de HBO.

RANXEROX

Tamburini, Pazienza, Liberatore / 1978

Tamburini representó a una Italia sumida en disturbios estudiantiles, atentados terroristas y mucha droga, con esta fantasía protagonizada por un robot malhumorado.

100%

Paul Pope / 2002

Jack London, H.G. Wells, Philip K. Dick, Will Eisner y hasta Dirty Three sirvieron a Pop como influencias para entregarnos este brillante relato coral ambientado en 2038.

MISTER X

7 8 12

O la odisea por sobrevivir en un mundo donde solo quedan mujeres (y un mono). Con un planteamiento así, normal que a Vaughan lo acabaran fichando en Perdidos 6

D. Motter, P. Revoche, Hnos Hernández / 1984

Más que el personaje que le da título, la auténtica protagonista aquí es esa Radiant City, ejemplo máximo del dark decó e inspiración para filmes como Dark City

5 9

EL INCAL

Alejandro Jodorowsky, Moebius 1980

Clásico entre los clásicos, la saga ci-fi emprendida por esta pareja creativa tan bien avenida comenzó en 1980 en la cabecera no menos mítica

Metal Hurlant y aún hoy su impronta es innegable. Con ese toque metafísico tan propio de Jodorowski -que había hecho el camino inverso y por aquel entonces ya había dirigido para el cine El topo y La montaña sagrada-, muchos babeamos con la posibilidad de que Taika Waititi finalmente lleve a la gran pantalla esta space opera trufada de misticismo pero también de mucho humor.

AAMA

Frederik Peeters / 2012

El suizo meditaba sobre la dependencia del ser humano y la tecnología para terminar poniéndose pelín metafísico y, de paso, ganar en el Festival de Angoulême.

13

GHOST IN THE SHELL

Masamune Shirow / 1989

Culmen del cyberpunk filtrado por el ojo nipón o Blade Runner en clave mangaka, tanto da, la obra de Shirow no pierde vigencia, ni aliento existencialista.

PATRULLA X. DÍAS DEL FUTURO PASADO

Chris Claremont, John Byrne / 1980

También Marvel tiene sus distopías. Y la más conocida, con ecos del Holocausto nazi y la lucha racial, es este arco argumental, el más celebrado de la historia mutie.

GIVE

10 14

ME LIBERTY

Frank Miller, Dave Gibbons / 1990

Para algunos fue el equivalente yanqui a V de Vendetta. Las peripecias de Martha Washington en un futuro de lo más jodido siguen hoy teniendo su miga.

11

METRÓPOLIS

Osamu Tezuka / 1949

Explotación laboral, calentamiento global y hasta la identidad de género son algunos de los temas ya tratados en esta obra de un Dios del Manga con tan solo 21 añitos.

15

SOFT CITY

Pushwagner / 1975

Elogiada por Chris Ware, esta concisa descripción de una vida subyugada a los designios de una corporación de tintes orwellianos estuvo perdida durante años.

LA GUERRA INTERMINABLE

Joe Haldeman, Marvano / 2011

Una contienda sin fin, un enemigo invisible y una militarización desmesurada que tritura hombres en una maquinaria inútil. Haldeman se inspiró en Vietnam, claro.

LA TRILOGÍA NIKOPOL

Enki Bilal / 1980

El yugoslavo, indispensable del cómic europeo, se pone en modo Moebius (más pesimista) en una historia que combina mitología egipcia y políticas neofascistas.

SUPERLÓPEZ. LOS CABECICUBOS

Jan / 1983

Nunca suficientemente reivindicado, Jan revisaba nuestra reciente Transición y ponía en solfa a la extrema derecha en la que para muchos es su mejor obra.

SUICIDAS

Lee Bermejo / 2015

Un péplum noir que pone al día el circo romano en un Los Ángeles arrasado por un terremoto y dividido entre el resort de lujo y la escoria de los suburbios.

RUBBER FLESH

Miguel Ángel Martín / 1993

Casi un trasunto de Ballard, Cronenberg y sus nuevas carnes, el autor leonés convivió con la censura y nos zumbó la cabeza a base de cíbersexo y muy mal rollo.

TRANSMETROPOLITAN

Warren Ellis, Darick W. Robertson / 1997

Con un protagonista diseñado a la (des) medida de Hunter S. Thompson y su periodismo gonzo, esta sátira social, política y religiosa funciona como un tiro.

HOMBRE

Antonio Segura, José Ortiz / 1981

Si Ranxerox fue protagonista en El Víbora, Hombre lo fue en Cimoc. Benditas revistas donde un western post-apocalíptico como este podía convertirse en todo un éxito.

TOKYO GHOST

Remender, Murphy, Hollingsworth / 2015

El autor de Ciencia oscura abandona su lado más aventurero y abraza el neo pulp en un Los Ángeles 2089 donde el ser humano solo piensa en su siguiente chute digital.

SERAPHIM 266613336 WINGS

Satoshi Kon, Mamoru Oshii / 1993

Pese a su condición de obra inacabada, difícilmente un manga a cuatro manos entre dos genios como Oshii y Kon puede calificarse de otra cosa que de obra maestra. Precisamente fueron las diferencias creativas entre ambos las que pusieron punto y final a una historia en la que el mundo colapsa ante la aparición de una extraña enfermedad.

SHANGRI-LA

Mathieu Bablet / 2017

Ciencia ficción de manual, donde no falta un perejil: corporaciones maquiavélicas, entorno post-nuclear, algo de misticismo y sus guiños a Huxley y otros distópicos.

EL PUÑO DE LA ESTRELLA

DEL NORTE

Buronson, Tetsuo Hara / 1983

O la hora de las yoyas. Para poco más da el periplo de Kenshirô, arquetipo del héroe solitario por una Tierra sin agua y abandonada a las peleas entre bandas.

JIMBO EN EL PARAÍSO

Gary Panter / 1988

Colega de Matt Groening y artista todo terreno, en esta obra y sus secuelas -Jimbo in Purgatory, Jimbo’s Inferno- Panter nos ofrecía su particular -y punk- versión de Dante.

PUNK ROCK JESUS

Sean Murphy / 2012

Un punto de partida tan polémico como seductor: en un futuro más o menos cercano, una multinacional llamada Orphis emite un reality show cuyo protagonista es el clon del mismísimo Jesucristo. Los peligros del fundamentalismo religioso y el poder de los mass media en una historia que, aunque narrada hace ya veinte años, bien podría suceder hoy.

BLAME!

Tsutomu Nihei / 1996

Arquitecto antes que mangaka, al de Fukushima se le aprecian sus lecciones bien aprendidas, con sus tropecientos mil niveles y ese diseño tan Escher.

AMERICAN FLAGG

Howard Chaykin / 1983

Precursora narrativa de obras mayúsculas como Watchmen y The Dark Knight Returns, un imprescindible relato distópico con el sexo y la violencia habitual de su autor.

20TH CENTURY BOYS

Naoki Urasawa / 19996

Comparada con Stephen King y su It, el manga de Urasawa no es solo uno de los más aplaudidos por crítica y público, también es reflejo de la historia de su país.

DMZ

Brian Wood, Riccardo Burchielli / 2005

DMZ son las siglas de Zona Desmilitarizada, y hacen referencia a una Manhattan convertida en tierra de nadie tras una Guerra Civil que ha asolado EEUU.

APOCALYPSE GIRL

El Torres, Ramiro Fernández Borrallo / 2019

El autor de El velo y el dibujante de SON, otra distopía en viñetas, se asocian en este relato que combina horror cósmico y encanto teen en un marco apocalíptico.

EL ÚLTIMO RECREO

Carlos Trillo, Horacio Altuna / 1982

Algo así como el reflejo distópico de ¿Quién puede matar a un niño? Aquí una bomba extermina a todos los adultos y el mundo queda en un starting over desolador.

PURE TRANCE

Junko Mizuno / 1996

Entre lo grotesco y lo cuqui, relato ambientado en una Tokyo subterránea y dependiente de unas cápsulas nutricionales tras la III Guerra Mundial.

SKY DOLL

Alessandro Barbucci, Barbara Canepa / 2000

La odisea de una androide, esa sky doll del título, en busca de su identidad, rodeada de una teocracia corrupta y todopoderosa. Una Barbarella del siglo XXI.

GALAXY EXPRESS 999

Leiji Matsumoto / 1977

Trenes espaciales, ciborgs despiadados y una reflexión sobre la existencia del ser humano. Todo un éxito por el héroe de Daft Punk, con anime, películas y un OVA.

THE PRIVATE EYE

Brian K. Vaughan, Marcos Martín / 2015

Estamos en 2076, internet ha reventado y la privacidad, jaja, es un mito. Así que todo hijo de vecino es ahora un enmascarado. Una trama noir inquietantemente realista.

RONIN

Frank Miller / 1984

Miller saltaba del Japón feudal al Nueva York distópico dominado, cómo no, por una corporación biocibernética de lo más oscura en un cóctel de depurado storytelling.

OBLIVION SONG

Robert Kirkman, Lorenzo de Felici / 2018

Otro must distópico: las catástrofes sobrenaturales. Kirkman vuelve a bregar con el apocalipsis y el duelo tras triunfar con Los muertos vivientes

FREAKANGELS

Warren Ellis, Paul Duffield / 2008

Divertido webcomic recopilado en edición impresa por Avatar Press, con un Londres de estética steampunk inundado hasta las trancas como escenario.

JEREMIAH

Hermann / 1979

Otro western post-apocalíptico con dos protagonistas inolvidables en un mundo a lo Mad Max con toques de Sergio Leone y el autor belga en su mejor versión.

EL JUEZ DREDD

John Wagner, Carlos Ezquerra 1977

Ligeramente inspirado en el personaje encarnado por David Carradine en La carrera de la muerte del año 2000, distopía de Paul Bartel vía factoría Corman, este juez es mucho más: también es jurado y ejecutor. De gesto impertérrito y casco eternamente encajado, impone su ley a sangre y a fuego en un 2099 donde las ciudades se han convertido en auténticas megalópolis tras el desastre nuclear. Todo un icono de la cultura popular en un relato de ciencia ficción con ese toque tan punk que solo los británicos saben dar.

LA SUPERVIVIENTE

Paul Guillon / 1985

Con un robot como compañía, nuestra heroína sobrevive en un París desierto. Una de esas historias dadas a combinar ci-fi y erotismo del gusto europeo.

SUPERMAN. HIJO ROJO

Mark Millar, Dave Johnson / 2003

¿Qué habría pasado si la nave del bebé de Krypton hubiera acabado en Ucrania y no en Kansas? En el Universo DC también fantasean con una distopía superheroica.

THE TRUE LIVES OF THE FABULOUS KILLJOYS

G. Way, S. Simon, B. Cloonan / 2013 Más de allá de The Chemical Romance, Gerard Way ha encontrado su camino en el cómic con The Umbrella Academy o esta historia apocalíptica de aroma setentero.

TIERRA MUERTA

Don Rogelio J. / 2020

La gira de una banda de medio pelo por un país sumido en una guerra civil como excusa para retratar en clave futurista el día a día de la serie B (o Z) del rock.

1984

JC Derrien, Rémi Torregrosa / 2022

El clásico de Orwell sobre una sociedad tan autoritaria como asfixiante en una adaptación rigurosamente fiel que compite con la todavía reciente de Fido Nesti.

THE LAST OF US: SUEÑOS

AMERICANOS

Druckmann, Hicks, Rosenberg / 2013

El éxito del videojuego nos dejó, antes que una serie de HBO ya mítica, una serie de cómics. Este en concreto sirvió de inspiración para el episodio 7.

EL HUMANO

Diego Agrimbau, Lucas Varela / 2020

Decimos adiós a nuestra lista con otro lugar común del género distópico: el emprender una nueva civilización desde cero en otro planeta. Poco nos queda para ello.

En solo dos años, Anaïs Oluwatoyin -su nombre real-, ha alcanzado una posición de privilegio que la mayor parte de artistas consagrados tardan décadas en conseguir. Tras meterse a medio mundo en el bolsillo con su álbum de debut, la londinense regresa ahora con un trabajo compuesto desde su “yo” más profundo, en el que la experiencia vital, las inquietudes de su generación o los miedos normales en una joven de 20 años insuflan vida a las canciones. Y todo ello al tiempo que explora con sabiduría diferentes episodios de la ‘back music’ .

POR: DANIEL R. MESA FOTOS: ALEX WAESPI

ocos artistas cuentan entre su nómina de fans con nombres del calibre de Billie Eilish, Massive Attack o la escritora Zadie Smith. De orígenes nigerianos, chadianos y franceses, pero ciudadana londinense desde su nacimiento hace 22 años, desde el mismo instante en que Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho irrumpió con fuerza en la escena musical británica, su folk con tintes r'n'b ha sido capaz de poner de acuerdo a la audiencia más indie con el oyente de radiofórmula, a la intelectualidad más sesuda y a la pop star de turno.

Si en el pasado Parks estaba más ocupada en abordar en sus canciones temas universales como la depresión u otras patologías mentales, parece que todo lo que ha pasado desde su explosiva irrupción en 2021 con la publicación de Collapsed in Sunbeams -premio Mercury al mejor disco británico de 2021-, estar en el foco estos últimos dos años, la ha llevado a buscar su centro de gravedad -como diría Franco Battiato- permanente. Finalmente lo ha conseguido a través de un ejercicio de introspección que ha dado como resultado un segundo largo de una madurez y lucidez sorprendentes. My Soft Machine lleva por título, lo componen doce nuevas canciones, verá la luz el 26 de mayo en medio de una enorme expectación -sobre todo en su país de origen, donde es una absoluta estrella- y nos sirve de excusa perfecta para charlar con ella acerca de sus procesos creativos, Sylvia Plath o su nueva vida alejada del bullicio del West London, el lugar en el que nació y creció, para refugiarse hoy al calor de la soleada California. Al otro lado de la línea la voz de Arlo suena serena y, sin embargo, afectada, cargada de una profundidad que la acerca al poeta que declama en un recital. Un detalle que define la personalidad y también el arte de esta joven de potencial inabarcable.

Empecemos por el principio y por lo más obvio: ¿por qué My Soft Machine?

Elegí este título porque me pareció que representaba la luz y la sombra que engloba el disco. Este álbum desprende mucha ternura y delicadeza, pero también melancolía. Hay momentos en los que las cosas parecen más abrasivas; y otras, mucho más crudas. Quería canciones que captaran ese equilibrio emocional.

¿Cómo es tu proceso creativo? Es difícil explicar cómo escribo, porque mi forma de aproximarme a las canciones y a las letras es muy instintiva. No suelo pensar en ello. Me baso mucho en la poesía y en pequeños fragmentos que recojo en mi diario. Es algo que hago desde que tengo uso de razón. Me encanta contar historias. Tomo nota de conversaciones con la gente que me rodea, e intento mirar hacia dentro de mí pensando en aquellas cosas que me emocionan. Creo que se aprende mucho de uno mismo observando a los demás.

Y ¿cuáles han sido las principales referencias que has manejado a la hora de componer este disco? Diría que hay una mezcla de referencias antiguas y con-

temporáneas. Me siento muy influenciada por artistas nuevos que transmiten una sensación de calidez y calidad experimental, como Jai Paul o John Glacier. Soy muy fan también de leyendas como Missy Elliot, Nick Drake y Deftones. El ethos de la música de King Krule me transmite mucho, porque se muestra como es, sin complejos ni artificios. Es un artista que no teme a arriesgarse, y eso me resulta muy inspirador.

Has hablado a menudo de tu interés por la poesía de Sylvia Plath. ¿Qué es lo que más concretamente te interesa de su obra?

Creo que hay una sensación de auténtica oscuridad, pero también de absoluta verdad en todo lo que Sylvia Plath escribió. Siempre me ha atraído la poesía que parece provenir de un espacio profundo, interior; que se siente como una liberación necesaria o que tiene cualidades terapéuticas. Creo que el gran valor de la obra de Sylvia Plath, de sus poemas, es que consiguió alcanzar la honestidad poética y representar la melancolía como nadie.

Recomiéndanos otros autores que te molen...

No sé si estás de acuerdo, pero tengo la sensación de que Internet y las redes sociales han devuelto otra vez la poesía al primer plano. ¿A qué crees tú que se debe este repentino auge de este género literario?

Creo que mi generación ha creado un espacio para que la definición de poesía se extienda y evolucione, ya setrate de unas pocas líneas o de un torrente de palabras. Puede escribirse en broma o por diversión. Puede estar inacabada. Creo que en los últimos tiempos la poesía se ha convertido en un espacio más inclusivo y abierto.

¿Cuándo empezaste a trabajar en este disco?

En invierno de 2020, antes incluso de que saliera 'Collapsed In Sunbeams'. Fui componiéndolo en pequeños ratos entre gira y gira, así que el estudio se convirtió en el espacio donde volcaba todos esos pensamientos y sentimientos mientras estaba en tour. Fue un proceso terapéutico.

¿Podríamos decir que My Soft Machine es un álbum de colaboraciones? Y, de ser así, ¿qué era lo que buscabas con ellas?

Hay mucha más gente implicada que en el primer disco. Además de mis principales colaboradores, han participado el guitarrista David Longstreth, de Dirty Projectors, y el baterista Garrett Ray, de la banda de gira de Vampire Weekend. Me encantó el carácter colaborativo de esta experiencia y poder disponer de toda esa gente en diferentes etapas de su carrera y provenientes de distintos lugares de la música poniendo en común su sabiduría. Fue increíble.

Aunque quizá el nombre que más llama la atención de entre todos esos colaboradores sea el de Phoebe Bridgers, que canta en uno de los temas, Pegasus...

Suena a tópico, pero contar con Phoebe para mí ha sido un sueño que se ha hecho realidad. Llevo escuchando su música desde los 17 años. Siempre he sido fan de su música, y tuve la oportunidad de conocerla en Londres durante el confinamiento. Habíamos cantado juntas en

“LA CALIDAD Y EL PODER TRANSFORMADOR DE LA MÚSICA NEGRA SIEMPRE HA ESTADO AHÍ Y EN ARTISTAS DE TODOS LOS GÉNEROS”

Annie Ernaux, Ocean Vuong, Anne Cousin, James Boldwin...

Coachella, Glastonbury, y también en algunas sesiones de piano de Radio 1 de la BBC. Nunca antes había incluido otra voz en mis canciones, pero con ella sentía que hacíamos la pareja perfecta. Me encanta colaborar con otros artistas porque soy una eterna estudiante de música. Me gusta ver cómo hacen las cosas los demás, entender sus procesos y otras formas de hacer.

Visto con la perspectiva que da tener el disco terminado, ¿qué es lo que ha cambiado con respecto a Collapsed In Sunbeams?

Creo que 'My Soft Machine' es un disco mucho más valiente a nivel de producción, en lo relativo a los sonidos empleados. Y, por otra parte, con respecto a las letras, creo que en esta ocasión he tenido de verdad el valor de hablar de las cosas desde mi perspectiva, utilizando abiertamente la primera persona, el "yo". Puede sonar muy simple, pero en realidad requiere mucho valor y coraje hacerlo. Aparte de eso, los dos álbumes son bastante diferentes, pero la esencia es la misma.

¿Y qué es lo que significa este disco para Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho?

Este es el proyecto en el que más esfuerzo he invertido. Me he implicado mucho en la producción, me he dedicado en cuerpo y alma, me he obsesionado con los detalles, he sido diligente en la edición y revisión de las canciones para asegurarme de que fueran perfectas. Este disco es como mi bebé.

En estos dos años, desde la pubicación de Collapsed

In Sunbeams, no has parado de girar...

Lo que más me gusta de las giras es la gente. Me gusta mirar al público y ver cómo las canciones adquieren un nuevo significado a medida que se comparten. Ver a la gente sonreír, llorar, que la gente se acerque a mí después de los conciertos y comparta una perspectiva diferente sobre una canción. Me gusta esa sensación de comunidad y de familia.

Tu música siempre ha tenido un componente cosmopolita, de mezcla, que se habrá potenciado al girar, pero que supongo tiene que ver con tus orígenes...

Sí, mi padre es nigeriano y brasileño, y mi madre chadiana y francesa. Crecí en Londres, pero pasé mucho tiempo en Francia y visitando a mi familia en EE UU.

Hay varias artistas británicas que en los últimos años se están dando a conocer internacionalmente con un sonido en el que se aprecia la fusión del pop y la black music. Hablo de mujeres como Lava la Rue, Pip Millett, Joy Crookes, Cleo Sol, Olivia Dean... ¿Podemos hablar de una nueva escena formada por mujeres solistas y mestizas?

MY SOFT MACHINE (TRANSGRESSIVE / [PIAS], 2023) Bruiseless / Impurities / Devotion / Blades / Purple Phase / Weightless / Pegasus (feat. Phoebe Bridgers) / Dog Rose / Puppy / I'm Sorry / Room (Red Wings) / Ghost

Creo que siempre ha habido un intenso sentido de la creatividad y la diversidad en la música negra británica, en el legado de Tricky y Joan Amtrading, en las nuevas texturas electrónicas de Lorraine James y Dean Blunt… Eso no es nuevo: la calidad y el poder transformador de la música negra siempre ha estado ahí, y en artistas de todos los géneros.

¿Cómo ha sido mudarte a Los Ángeles?

Vivir en Los Ángeles es una aventura constante. Como sabes, yo crecí en Londres y pasé toda mi vida allí. Después de todo lo que pasó tras el lanzamiento de 'Collapsed in Sunbeams' yo me encontraba en un momento en el que tenía ansias de aventura y quería mudarme a un lugar que me resultara familiar, pero que supusiera un cambio que me inspirara cosas nuevas. Mudarme a Los Ángeles ha sido una de las mejores decisiones que he tomado, por la gente que he conocido y por lo mucho que me he esforzado por crear cosas nuevas y explorar diferentes ramas creativas. El sol, la naturaleza, las montañas, el mar... Es como un nuevo paisaje en el que me encuentro muy cómoda y que siento mi hogar.

¿Y cómo llevas lo de hacerle guiños al mundo de la moda? A priori podría parecer un universo un poco ajeno a la imagen que proyectas con tus discos. Estuve a la Semana de la Moda de Milán, París y Londres. He ido a todo, desde JW Anderson, Kenzo, Bode y AMI. Para mí, la moda es un patio de recreo, un espacio lúdico. Sí, siendo como soy nueva en este mundo, a veces me siento un poco como una intrusa que observa desde fuera y se maravilla por todo.

Tu anterior álbum te ha llevado a recibir premios, como el Mercury Prize y BRIT, nominaciones a los Grammy, etc. ¿Cómo has llevado todo ese revuelo? Todavía no lo asimilado del todo. Es una sensación de alegría y orgullo, pero son cosas tan grandes que cuesta asimilarlas. Pero me gusta eso, me gusta sentirme feliz y orgullosa, y que la gente me vea, pero sin dejar que me influencie demasiado y afecte a mi forma de hacer las cosas.

Por último, también estás involucrada en el trabajo de varias ONG y asociaciones benéficas ¿no? Acabo de empezar mi andadura colaborando y trabajando con organizaciones benéficas, sí. En los últimos años, he estado trabajando con Calm para concienciar y acabar con la vergüenza que rodea a la salud mental y la terapia, y para animar a más gente a buscar ayuda. También he colaborado con UNICEF y he ido a escuelas para hablar con niños que están cambiando el mundo a su manera. Ha sido muy gratificante, sobre todo hablar con los jóvenes y ver su pasión por lo que hacen y por mejorar las cosas. ¡Creo que he aprendido más de los chicos que ellos de mí!

La voz de la Generación Z

Con poco más de 20 años, Arlo Parks revolucionó la industria publicando Collapsed in Sunbeams, un disco que la llevó a ser reconocida por la BBC como la mayor promesa de 2021. Y ese honor no fue fruto de la casualidad. La calidad pasmosa de sus composiciones es solo el haz más brillante de una propuesta que destaca también por la madurez de sus letras. Unos textos que retratan como pocos la experiencia vital de de tener 20 años en este momento concreto. “La visión que tenemos del mundo está salpicada por nuestros traumas, la crianza, las vulnerabilidades o incluso lo que vemos”. Totalmente liberada de prejuicios y con una frescura que no deja de resultar pasmosa, Parks desgrana en su nuevo trabajo con sutileza y el desgarro propios de una poeta compulsiva y lectora voraz, las inquietudes y sentimientos que, en mayor o menor medida, afectan a muchos jóvenes nacidos entre finales de la década de los noventa y los primeros años de este siglo XXI. Nos referimos a cuestiones como “la ansiedad de los 20, el abuso de sustancias de los amigos que me rodean, estar enamorada por primera vez, vivir con un trastorno de estrés postraumático, el dolor y el autosabotaje, o simplemente la alegría”. Pero lejos de lo que pueda parecer, My Soft Machine ni es un disco melodramático ni pretende serlo. La máquina de Arlo cuenta con engranajes más que suficientes para no caer en los tópicos y levantar castillos sobre las cenizas. Sobre Impurities, una canción que habla sobre esos defectos que tanto nos molestan de nosotros mismos, Parks apostilla: “En esta canción hablo de estar rodeada de esa gente que te hace sentir que tu fealdad interior, tus fracasos y tus errores no importan, que te levantan y te hacen reír, que te hacen sentir limpio y bien”. Más máquinas así, por favor.

Good Lies XL / Popstock!

12 mayo

Hace justo un año, en el número de mayo de 2022 Guillermo Chaparro entrevistaba a los hermanos Russell para NUEBO con motivo de la publicación de su MiniLP Cash Romantic, y ya se aportaban entonces buena parte de las claves que han hecho de Overmono la dupla más excitante de la electrónica británica del momento, último eslabón de una cadena que nos retrotrae a Orbital, Autechre o Chemical Brothers. En realidad, y a pesar de encontrarnos ante su primer largo -generosamente anticipado por una serie de singles y EPs conectados por los ya icónicos dobermans en las portadas-, quien a estas alturas no conozca el trabajo de Overmono es que definitivamente ha permanecido aislado del mundo de las pistas de baile en los últimos años. Los Russell no solo han visitado nuestros escenarios en varias ocasiones, es que su pinchada para Fabric Presents se encuentra entre una de las más destacadas de la referencial serie de mixes, y temas incluidos en este disco como So U Know o Is U llevan meses desgastando zapatillas en las pistas londinenses. No te dejes llevar por su aspecto de hooligans de resaca post partido: Overmono son estrellas.

MURO MARÍA Nuevo para nadie

BMG

10 mayo

Claudia, Rubén, Jorge y Andoni son la nueva sensación de un estilo, el pop de guitarras, mil y una vez defenestrado y otras tantas de vuelta reivindicando su contemporaneidad. Íntimamente conectados con una serie de bandas -Niña Polaca hacen un feat. y Cora Yako firman la producción- que justifican de sobra que estemos hablando (otra vez) de escena, Muro María publican un largo de debut que en realidad recopila sus dos EPs hasta la fecha: Estoy pensando en dejarlo (2022) y Nuevo para nadie (2023).

BAILEN Tired Hearts

Fantasy / Music As Usual

5 mayo

Produce Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) lo que da idea del ensoñador sonido del trío.

ED SHEERAN –

Atlantic

5 mayo

Sheeran en busca del “álbum acústico perfecto”. Produce Aaron Dessner de The National

EMILY KING Special Occasion ATO / [PIAS]

5 mayo

Pop, r'n'b y soul en su primer disco en cuatro años tras rozar el cielo en los Grammy con Scenery

KALIKA

Adieu les monstres

Wagram

5 mayo

Podría pasar por una diva del trap, pero es puro french pop, colabo de Yelle incluida.

LA LA LOVE YOU

Blockbuster Subterfuge

5 mayo

Una fiesta con las colabos de Soleá Morente, Reneé, Samuraï, Dani, Allison o Carlos Sadness.

LA PRIEST Fase Luna

Domino / Music As Usual

5 mayo

Tercer disco del proyecto de Sam Eastgate y el más psicodélico de todos.

SBTRKT

The Rat Road

Awal / Popstock!

5 mayo

Álbum conceptual sobre la ciudad como ratonera de uno de los grandes de la electrónica.

SIMONA

Esfera

Yuukii Music

10 mayo

SURFIN’ BICHOS

Más allá

Sonido Muchacho

5 mayo

Treinta años y varios proyectos (Chucho, Mercromina) más tarde, vuelve el mito de Albacete.

THE LEMON TWIGS

Everything Harmony

Captured Tracks / Popstock!

5 mayo

Cuarto disco de los hermanos D'Addario. Siempre retro, y más pop que nunca.

WESTERMAN

An Inbuilt Fault Partisan / [PIAS]

5 mayo

El debut de este singular crooner pasó desapercibido. No permitas que con éste pase lo mismo.

ARDE BOGOTÁ

Cowboys de la A3

Sony

12 mayo

Segundo disco con el que aspiran a heredar el trono indie-mainstream que dejan Izal.

CECILIA KRULL Now Mushroom Pillow

12 mayo

Disco para la intérprete de My Life Is Going On, hit viral tras aparecer en La casa de papel

Soñar EP

Sonido Muchacho

12 mayo

Nuevas canciones con las que los valencianos terminan por dar un giro a su sonido.

Tras dos años de goteo constante en forma de singles y EPs aquí está el debut largo de Simona, la sensual artista argentina instalada en Barcelona que ha venido a demostrar que no sólo de trap vive el pop albiceleste. Provocación y house-pop de muchos quilates.

LA PLATA

RECYCLED J Casanova Taste The Floor 28 mayo

Jorge Escorial es el hombre de las mil caras. Más allá de puntos de fuga como Hijos de la Ruina, si por algo se ha caracterizado su alias Recycled J es por moverse entre líneas, por su facilidad para filtrar estilos a partir de lo urbano. Una aventura que emprendió junto a Selecta con Oro rosa (2017) y que ahora encuentra una nueva piedra de toque con su álbum más abiertamente pop hasta la fecha, en el que el de Carabanchel se abre a un nuevo tipo de público. Suma y sigue.

JAMES ELLIS FORD

The Hum Warp / Music As Usual 12 mayo

La mitad de Simian Mobile Disco se lo monta en solitario en un disco con ecos a Brian Eno .

RP BOO

Legacy Volume 2

Planet Mu 21 abril

Planet Mu sigue explorando la producción del padre del footwork de Chicago.

HANNAH JADAGU

Aperture

Sub Pop / Popstock!

19 mayo

La discográfica que descubrió a Nirvana continúa empeñada en darle un giro radical a su roster.

Universal 19 mayo

El heredero de Ed Sheeran publica segundo disco. Y en septiembre... ¡a tocar a España!

GHOST Phantomime EP

Loma Vista / Music As Usual 19 mayo

Cinco versiones de Television, Genesis, The Stranglers, Iron Maiden y Tina Turner.

Reflections

Asthmatic Kitty / Popstock!

19 mayo

Sufjan sigue a su pedo ignorando a los que le piden (pedimos) otro gran disco de pop.

TINARIWEN

Amatssou Wedge / Music As Usual

19 mayo

Otro ejercicio de resistencia política y rock del desierto a cargo de la banda tuareg.

BABY ROSE Through and Through Secretly Canadian / Popstock! 26 mayo

Imagina a una Nina Simone millennial que pasara su adolescencia escuchando a J. Dilla.

CLARK Sus Dog Throttle 26 mayo

Nueva etapa para el mimado de Warp, más Radiohead (colabora Thom Yorke) que Aphex.

KASSA OVERALL

Animals

Warp / Music As Usual 26 mayo

Warp amplía los límites de su catálogo con este músico de jazz metido a rapero.

LA TRINIDAD

Sheriff playa Sonido Muchacho 26 mayo

Continúan su evolución desde el punk-rock a sonidos más nuevaoleros y pop.

SHIRLEY COLLINS

Archangel Hill

Domino / Music As Usual 26 mayo

Domino pone su granito de arena para descubrir al mito del folk a las nuevas generaciones.

SPARKS The Girl Is Crying in Her Late Universal 26 mayo

La cosa va de mitos. Si no los controlas ya tardas en ver el docu The Sparks Brothers.

LISASINSON

Un año de cambios

Elefant

19 mayo

Míriam y Paula se estrenan en formato largo con una preciosa colección de canciones que termina de perfilar lo que ya se intuía en los EPs previos: su pop de guitarras resulta tan enérgico en las formas como frágil emocionalmente hablando. Cambios... para bien.

Levantan un poco el pie del acelerador con algún medio tiempo y homenajes a New

SUFJAN STEVENS

FOTO LISASINSON: MIGUEL YUBERO Sed Mushroom Pillow 26 mayo

Order.

BUNBURY Greta Garbo Warner 26 mayo

Un disco que surge de la frustración por verse forzado a abandonar los escenarios.

LEWIS CAPALDI Broken by Desire to Be Heavenly Sent

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO

PRIMAVERA SOUND FESTIVAL

Del lunes 29 de mayo al domingo 4 de junio Parc del Fòrum.

Barcelona

ARLO PARKS / BABY KEEM / BAD GYAL / BLUR / CALVIN HARRIS / CAROLINE POLACHEK / CENTRAL CEE / CHRISTINE & THE QUEENS / DEATH GRIPS / DEPECHE MODE / FKA TWIGS / FOUR TET / FRED AGAIN / GEORGIA/ GHOST / GILLA BAND / HUDSON MOHAWKE / JAYDA G / JOCKSTRAP/ KENDRICK LAMAR / LE TIGRE / MÄNESKIN / OVERMONO / PET SHOP BOYS / PINKPANTHERESS/ PUSHA T / REMA / ROSALIA / SKRILLEX / SPARKS / ST. VINCENT / SUDAN ARCHIVES / THE WAR ON DRUGS / TOKISCHA / TRUENO / TSHA / TURNSTILE / TZUSING / YARD ACT / YVES TUMOR

Un año más, los nombres sobre estas líneas son solo una pequeña selección de todo lo que vas a encontrar en un festival que por algo es referencia mundial, y que afronta la primera de sus ambiciosas dos citas en la península -su edición en Madrid arrancará una semana más tarde, el 8 de junio-. Hay ganas de ver a Rosalía tras su impactante paso por Coachella, pero más allá de cabezas de cartel como ella, Kendrick Lamar (en la foto), Blur o nuestra portada de este mes, Arlo Parks, la verdadera estrella del Primavera Sound siempre ha sido su fondo de armario.

PKEW PKEW PKEW + EARLY FLIGHTS lun 01

SUBFOBIAS + ILLUMINASTY+ DAVE BORNSTEIN mar 02

THE ESKARALLAS + LA RABIA jue 04

POISON RUIN `SATELITE + POLVO DE HADAS vie 05

LOS YOLOS+SOFIA +AUTOESCUELA sáb o6

CIA DEBUTANTE + MIT-THE MALE IDIOT THEORY lun 08

HOMENAJE A DIEGO PRIETO -ADAM BOMB mar 09

FESTIVALES

WOMAD

Cáceres

Del jueves 11 al domingo 14

Susana Baca, Gyedu-Blay Ambolley, Justin Adams, Mauro Durante, Omniversal Earkestra, TootArd, Bab L'Bluz, Cecilia Zango, Sanke, Jorge Navarro, Tandemonios, Groovy Celtic Band.

CONCIERTOS

YO LA TENGO

The Music Station (Príncipe Pío). Madrid. Martes 2 Santana 27. Bilbao. Miércoles 3

BARRY B

Clamores (SOUND ISIDRO). Madrid. Jueves 4

Siroco (SOUND ISIDRO). Madrid. Sábado 6

ÇANTAMARTA

Copérnico (SOUND ISIDRO). Madrid. Jueves 4

JEXER + ESPINELI

Vesta (SOUND ISIDRO). Madrid. Jueves 4

FAKEAR

Razzmatazz 3. Barcelona. Jueves 4

Madrid. El Sol. Viernes 5

RIVAL CONSOLES

Changó. Madrid. Jueves 4

La (2) Apolo. Barcelona. Sábado 6

QUEVEDO

WiZink. Madrid. Viernes 5

Sant Jordi Club. Barcelona. Viernes 12

CAMELLOS + EL DIABLO DE SHANGHAI

La Paqui (SOUND ISIDRO). Madrid. Viernes 5

QUEIDEM

Vesta (SOUND ISIDRO). Madrid. Viernes 5

THE HARD-ONS + SERPENT miér 10

FLAMA FLAMA FLAMA + MATEO MORRAL jue 11

ZARPAZO SESSION: MEDICINA + PHONOCAPTORS + PLAYA ESPECTARL vie 12

THE CAPACES sáb 13

RON GALLO dom 14

SCHOOL OF ROCK lun 15

MURO MARIA mar 16

ELVIS PERKINS miér 17

OTTO jue 18

GPS13: FURIOUS MONKEY HOUSE vie 19

PRESENTACION FESTIVAL OBSERVATORIO FIESTA MORRIÑA CON LAS PETUNIAS, LOS CHIVATOS DE ANA FRANK Y KARAOKE sáb 20

THE BLACK GASOLINES dom 21

HOMENAJE A EDUARDO BENAVENTE mar 19

CZARINA+ EDGES+ DANCE MY DARLING miér 24

CUMGIRL8 (FOTO) + DEIJUVHS jue 25

ERROR 97 + LOS VALIENTES vie 26

1 ANIVERSARIO FRESA ACIDA SHOP: ESCOMBROS + DEAR JOANNE+ JAVI JAVIER sáb 27

EXXASENS + WHALE NADO dom 28

M30 STEREOLIKES mar 30

LAS ROBERTAS miér 31

EL GAVIRA

Clamores (SOUND ISIDRO). Madrid. Viernes 5

NEUMAN

Lula Club. Madrid. Viernes 5

NACHO VEGAS

Campus Rock. Cádiz. Viernes 5 Custom. Sevilla. Sábado 6 Teatro López de Ayala. Badajoz. Viernes 19 Gran Teatro. Cáceres. Sábado 20

LOLA ÍNDIGO

WiZink. Madrid. Sábado 6 Palau Sant Jordi. Barcelona. Sábado 13 Plaza de Toros. Alicante. Viernes 19 Parque de las Almadrabillas. Almería. Sábado 20 Plaza de Toros. Murcia. Viernes 26

MOS DEF

La Riviera. Madrid. Miércoles 10 Razzmatazz. Barcelona. Jueves 11

PEPE : VIZIO

Independance (SOUND ISIDRO). Madrid. Jueves 11

AMOR LÍQUIDO + TUS NOVIAS INDIES

Siroco (SOUND ISIDRO). Madrid. Jueves 11

LUCÍA TACCHETTI

El Juglar (SOUND ISIDRO). Madrid. Jueves 11

MEUTE

La Riviera. Madrid. Jueves 11

Razzmatazz. Barcelona. Viernes 12

YELI YELI

Conde Duque. Madrid. Jueves 11

PARKINEOS

Shoko (SOUND ISIDRO). Madrid. Viernes 12

LA PLATA

El Sol (SOUND ISIDRO). Madrid. Viernes 12

SFDK

Razzmatazz 1. Barcelona. Sábado 6 y domingo 7

La Riviera. Madrid. Viernes 12 y domiingo 14

Capitol. Santiago. Viernes 19

Andén 56. Burgos. Sábado 20

NUEVE DESCONOCIDOS

Cadavra (SOUND ISIDRO). Madrid. Sábado 6

C MARÍ

Clamores (SOUND ISIDRO). Madrid. Sábado 13

ELVIS PERKINS

Lula Club. Madrid. Miércoles 17

GUADA

El Sol (SOUND ISIDRO). Madrid. Miércoles 17

BEN HOWARD

La Riviera. Madrid. Jueves 18

Santana 27. Bilbao. Viernes 19

Palacio de Congresos. Santiago Sábado 8

Razzmatazz 1. Barcelona. Jueves 25

TEMPLES

Lula Club. Madrid. Jueves 18

JOHN POLLON

Copérnico (SOUND ISIDRO). Madrid. Jueves 18

XENIA + LUSILLÓN

Maravillas (SOUND ISIDRO). Madrid. Jueves 18

VERA FAUNA + FULLERO

El Sol (SOUND ISIDRO). Madrid. Jueves 18

AINDA

Clamores (SOUND ISIDRO). Madrid. Jueves 18

HOFE x 4:40

La Capsa. Barcelona. Viernes 19

PEDRO LADROGA

Independance (SOUND ISIDRO). Madrid. Viernes 19

NERVE AGENT + KIEVRA

Independance (SOUND ISIDRO). Madrid. Sábado 20

18, 19 & 20 MAYO ANTIGUO AQUAPARK CALVIÀ

ALIEN TANGO - AYAX Y PROK - BAD GYAL - BILO

BLACK EYED PEAS - BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB

BLACK SEA DELUGE - BLANCO PALAMERA - BOMBA ESTÉREO

BRIGITTE LAVERNE - CARLANGAS - CHK CHK CHK - COURTING

DENGUE DENGUE DENGUE - DOLLAR SELMOUNI - EMBUSTEROS

FORASTER - FUNDACIÓN FRANCISCO FRANKENSTEIN

GHOULJABOY - GINEBRAS - HELENA HAUFF - HICKEYS

IRENEGARRY - JANE YO - JIMENA AMARILLO - JUDELINE - L.A.

LA PLAZUELA - LEÓN BENAVENTE - MALL GRAB - MODERAT

MORREO - MUT - NATOS Y WAOR - NITA - OMBRA

PEGGY GOU - QUEEN MARSA - QUEVEDO - RALPHIE CHOO

ROJUU - RUSOWSKY - SAMANTHA HUDSON - SECOND

SEUN KUTI & EGYPT 80 - SVEN VAÄTH - THE KOOKS

THE CHEMICAL BROTHERS - THE DANDY WARHOLS

THE REYTONS - VETUSTA MORLA - VIVA SUECIA - YENDRY

Consolidado ya como una de las grandes citas festivaleras del verano, Mallorca Live Festival alcanza su sexta edición con una personalidad definida, enfrentando a cabezas de cartel del calibre de Black Eyed Peas, The Chemical Brothers, Vetusta Morla, Quevedo, Bad Gyal o The Kooks con la plana mayor de los más interesantes jóvenes artistas del momento: La Plazuela, Ralphie Choo, Rojuu, Ginebras, Judeline... Todo ello en un espacio incomparable, que invita tanto a disfrutar del festival como de las múltiples opciones de ocio que ofrece la isla.

CÓMO LLEGAR:

• Aire: Aeropuerto Internacional de Son Sant Joan, situado a 8 km de Palma de Mallorca.

• Mar: hay enlaces diarios con el puerto de Palma de Mallorca desde los puertos de Barcelona, Valencia, Denia, Ibiza, Ciudadela y Mahón. El Puerto de Alcudia es otro punto importante, con conexiones con Menorca y Barcelona. Situado en el suroeste de Mallorca, a solo 20 minutos del aeropuerto, Calvià ofrece una excelente infraestructura hotelera, y abundantes servicios en todas sus zonas de playa.

RECINTO:

• El festival se celebra en el recinto del Antiguo Aquapark de Calvià, en la intersección del Camí de Cala Figuera con el Camí Porrasa. Calvià ofrece una excelente infraestructura hotelera, y abundantes servicios en todas sus zonas de playa.

• Mallorca merece un festival cada vez más sostenible, y por eso la organización ha preparado un servicio de buses lanzaderas en diferentes puntos de la isla que facilitará la comodidad de todos los asistentes y promoverá la responsabilidad y compromiso, por un festival verde y con menos colas. Este servicio de buses lanzadera cuenta con la profesionalidad y el servicio de Divertis En Vivo, empresa con una amplia experiencia en movilidad de eventos de gran magnitud. La reserva de plaza para estos autobuses (así como la opción de organizar un traslado a medida para grupos) está disponible en https:// mallorcalivefestival.com/autobuses

LA PLAZUELA

LAS NOVEDADES DE ESTA EDICIÓN

• Cuatro nuevas fiestas: esta edición presenta una serie de fiestas enfocadas a la música electrónica que tendrán lugar en el Escenario 4: Stage Balearia. Serán eventos programados por cuatro de los clubs más importantes del mundo: Cocoon, Bresh, Sa Fonda Deià y Flexas

• Mallorca Live Festival OFF : además, durante el día el festival también abandona el recinto para plantear una serie de actividades paralelas que tendrán lugar en la playa y en la piscina del Roof Top del hotel INNSIDE

Calvià Beach

• Premios de la Música Independiente : podría decirse que el festival arranca un día antes, el miércoles 17, con la entrega de los Premios de la Música Independiente y con Samantha Hudson como presentadora. Por primera vez en sus 15 años de historia los premios se celebran en el Auditorium de Palma.

ENTRADAS

• Abono 3 días: 124€ (AGOTADOS)

• Abono 2 días: 124€

• Abonos VIP: desde 200€

• Entradas de día: 59€

• Entradas descuento (para miembros de Carnet Jove, UIB, ISIC): 15%

• Entrada+ alojamiento 2 días (Logitravel): desde 180€

• Entrada+ alojamiento 3 días (Logitravel): desde 235€

1o planes para hacer en Mallorca

1. Comer suele ser un problema cuando vas de festival... pero no en Mallorca. Brutus (Carrer de Robert Graves, 2), Raimundo Burger (Plaça de Raimundo Clar, 14), L'informal tacos (Plaça Nova de la Ferreria, 5) o los desayunos de Rose Velvet Bakery (Carrer de la Missió, 15) harán que te chupes los dedos

la isla: Mais Vinilo, Purple Haze, Got Blues Listen to Jazz, Xocolat o la Viniloteca, donde puedes comprar discos mientras disfrutas de un vino.

6. Es la hora del aperitivo: Flexas (Carrer de la Llotgeta, 12), el bar de la Terremoto de Alcorcón, te pone los vinos y las tapas. La Vermutante (Avinguda de Joan Miró, 73) los vermuts y la buena música.

2. Tópico pero no por ello menos esencial: visita la Catedral, intervención muralística de Miquel Barceló incluida.

3. Lo más parecido a un dios en Mallorca es Rafa Nadal. Pasa por Rafa Nadal Museum Xperience (Ctra. Cales de Mallorca s/n, Km 1,2), todo un homenaje al deporte de élite.

7. Más allá de museos establecidos como el dedicado a Joan Miró o Esbaluard, visita galerías de arte alternativas: L21, BIBI Gallery, Pelaires, Fermay

8. En Mallorca se valoran las cosas bonitas. Como las que puedes comprar en Panorama Bar-Bazar, la concept store Club Palma o Seattle Vintage Store

9. En plena naturaleza, el Museo Sa Bassa Blanca combina lo artístico con lo científico en el campo de la biodiversidad. Tiene una excursión.

4. El Museu Fundación Juan March (Carrer de Sant Miquel, 11) es un referente del arte contemporáneo: Tàpies, Barceló, Equipo Crónica, Genovés, Chillida...

5. Como buen musiquero tal vez quieras conocer las mejores tiendas de discos de

10. Dicen que Deià es el pueblo bohemio por experiencia de la isla. Y Bar Sa Fonda es un buen ejemplo de ello: conciertos y fiestas a diario.

JIMENA AMARILLO

BLACK EYED PEAS

FOTO JIMENA AMARILLO Y LA PLAZUELA: EDU GONZÁLEZ Y DANI VALDE / FOTO THE CHEMICAL BROTHERS: HAMISH BROWN

ELTON JOHN

Palau Sant Jordi. Barcelona. Lunes 22 y martes 23

JAMES HOLDEN

Razzmatazz 2. Barcelona. Lunes 22

Cool. Madrid. Martes 23

Capitol. Santiago. Miércoles 24

COLDPLAY + CHVRCHES + ONA MAFALDA + HINDS

Estadi Olimpic Lluis Companys. Barcelona. miércoles 24, sábado 27, domingo 28

Razzmatazz 1. Barcelona. Martes 18

TOUNDRA + MANU BRABO

Conde Duque. Madrid. Miércoles 24 y jueves 25

LA ZOWI

La Riviera (SOUND ISIDRO). Madrid. Miércoles 24

CARLOS VARELA

Lula Club. Madrid. Jueves 25

THILACINE + IL:LO

Razzmatazz 3. Barcelona. Jueves 25

Café Berlín. Madrid. Viernes 26

CRÁNEO

Shoko (SOUND ISIDRO). Madrid. Jueves 25

RVFV

Sala Zentral. Pamplona. Jueves 25

LOS VOLUBLE

Conde Duque. Madrid. Viernes 26

AIRU

La Lata de Bombillas. Zaragoza. Viernes 26

Taro. Barcleona. Sábado 27

JOSH ROUSE

Lula Club. Madrid. Viernes 26

LOS MANISES

Trash Can (SOUND ISIDRO). Madrid. Sábado 27

LAEL NEALE

Heliogabal. Barcelona. Martes 30

Siroco (SOUND ISIDRO). Madrid. Miércoles 31

AUDIOVISUAL

FANT 29

Varios espacios (BILBAO)

Del 5 al 13 de mayo

El cine fantástico encuentra un año más en Bilbao unos días de celebración y encuentro. En esta edición, la número 29, se ofrecerán 47 sesiones, entre las que destacan tres estrenos europeos y cuatro estrenos estatales. Tras la gala de inauguración en el Teatro Campos Elíseos se proyectará el largometraje El fantástico caso del Gólem, dirigido por la pareja Burnin' Percebes -Nando Martínez y Juan González- y protagonizada por Brays Efe, Bruna Cusí y Javier Botet, una comedia fantástica gamberra que mezcla el humor más oscuro y el más luminoso. Los fans del género esperan con ganas algunos estrenos festivaleros, como la cinta coreana Mount Chiak (Kim Sun-ung), la estonia Melchior The Apothecary (Elmo Nüganen) y la coproducción europea No Dogs or Italians Allowed (Alain Ughetto), las tres en sección oficial. www.fantbilbao.eus

AVILACINE Lienzo Norte (ÁVILA)

Del 22 al 27 de mayo Cortometrajes para todos los gustos en el centro de congresos y exposiciones de la ciudad. Lentejas, Desguace, Amarradas, Ponche de huevo, Pisanka Este año, 29 son los que forman la sección oficial a concurso. Algunos llegan ya con una sarta de premios, otros esperan el primero. El ganador se llevará de Ávila mil euros. https://avilacine.es

DOCS 23 Varios espacios (BARCELONA)

Del 18 al 28 de mayo Más madera. Seguimos con documental en la ciudad condal. La cineasta Isabel Coixet será la presidenta del jurado de la sección Panorama de la 26.ª edición del DocsBarcelona. Además, se rendirá homenaje a la cineasta Helena Třeštíková, una de las documentalistas europeas contemporáneas más relevantes. Su extraordinaria trayectoria de más de cincuenta títulos será reconocida con la entrega del DocsBarcelona de Honor, un premio que celebra “una producción prodigiosa fuertemente vinculada en su tierra natal, la República Checa”. Puedes disfrutar DocsBarcelona de modo presencial en los Cines Aribau y en el CCCB o desde casa, en Filmin. Entradas presenciales ya a la venta. https://docsbarcelona.com

DOCK OF THE BAY

Cines Trueba, Tabakalera y otros espacios (SAN SEBASTIÁN)

Del 1 al 6 de mayo Nueva edición del Festival de Cine Documental musical de San Sebastián, con un programa que combina la proyección de películas como Karen Carpenter: Starving for Perfection oThe Elephant 6 Recording Co., con una serie de conciertos (Magia Bruta, Verde Prato,...) y charlas. www.dockofthebay.es

EXPOSICIONES

RETAZOS DE AMOR FILIAL

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (MADRID)

Hasta el 25 de julio ¿Nunca has estado en este emblemático edificio?

VIBRA MAHOU

Madrid

¡Este mayo lo damos todo por las salas y la música en directo con nada menos que 15 fechas en la programación de Escenarios Vibra Mahou! ¿Quién da más?

THE BUTTSHAKERS Tempo Club

04 may

BUENA PREGUNTA Héroe Café Espectáculo

05 may

CURLY MANE + SOMÁTICA

Olvido

05 may

KIKE JAMBALAYA & ALFONSO MÚJICA

Dakota

07 may

ESTADÍA A CORTO PLAZO Rockville

11 may

GEORGINA Morocco

12 may

MACHITA Clamores

12 may

BARSINË

El perro de atrás

12 may

J. BULEVAR BAND En acústico

Jazzville

13 may

LUIS RAMIRO Contraclub

14 may

LA JUVENTUD

Vesta

19 may

THE NICO WOLO SOUL EXPERIENCE La Coquette 23 may

STAR MAFIA BOY SHOW ACÚSTICO

Cocodrilo 26 may

MAMÁ ROCK + PLATOS Y PIÑONES

Olvido 27 may

CALEQUI Y LAS PANTERAS (FOTO)

El Sol 30 may

SALA BERLANGA

Programación de mayo Madrid

Cine: Cine Latinoamericano

Del 2 al 13 de mayo

18.30 y 21.00 h

Entradas: 3,50 euros

Cine: Programado por Cesc Gay

Del 16 al 20 de mayo

18.30 y 21.00 h

Entradas: 3,50 euros

Cine: SGAE Documental

Del 23 al 27 de mayo

19.00 y 21.00 h

Entradas: 3,50 euros

Aprovecha esta muestra temporal, coorganizada por el Centro Cultural Coreano en España, La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y el Museo Conmemorativo Seok Juseon de la Universidad Dankook, dedicada a la vestimenta infantil tradicional coreana. Retazos de amor filial es un viaje por la cultura coreana a través de una cuidada selección de prendas provenientes del Museo Conmemorativo Seok Juseon de Corea, que recorren el último periodo de la dinastía Joseon (1392-1897) y principios del siglo XX. www.realacademiabellasartessanfernando.com

ME PARALIZA LA ESPERANZA

Centro Botín (SANTANDER)

Hasta el 10 de septiembre Fotografías, esculturas, dibujos y una performance abarcan tres décadas de la carrera de Roni Horn, quien reflexiona sobre los procesos del devenir en relación con la identidad y la ubicación. La muestra incluye, en primicia, una nueva serie de sus icónicas piezas de vidrio, siendo además la primera vez que se expone su serie LOG (REGISTRO) en un centro de arte. Con una obra de extrema sutileza, como si deseara pedir a los espectadores afinar sus sentidos, cada visitante se zambullirá en el silencio para captar las pequeñas diferencias que hacen tambalear las ideas aprendidas. La exposición de la neoyorkina Roni Horn (Sala 2) convivirá con la nueva línea de trabajo del programa expositivo del Centro Botín, que se inaugura el 20 de mayo de la mano de Eva Fábregas. El ciclo expositivo ENREDOS (Sala 1) invita a artistas que han disfrutado de una de las becas de arte de la institución. https://www.centrobotin.org

EVENTOS

GUTTER-FEST

CCCB (BARCELONA)

13, 19 y 20 de mayo

El Gutter Fest es el festival independiente de la autoedición de Barcelona, un evento anual y festivo que tiene lugar desde el 2013. Nació con la voluntad de ser un espacio abierto y participativo para la comunidad que, con total autonomía, investiga, experimenta y celebra los procesos impresos de la autoedición, la microedición y la edición independiente gráfica y sonora. Para celebrar este retorno, y en el marco de la exposición Constelación gráfica, el equipo del Gutter Fest y el CCCB organizan una fiesta previa el sábado 13 de mayo de 11 a 23 h, con mercado, talleres y conciertos de Tarro Con Piedras, Rombo, Corazón, Tronco, El Maletín De Maravillas Del Dr. Ferreiro y Diego Lorenzini www.cccb.org

CON GANCHO

Teatro Alfil (MADRID)

14 de mayo

Jorge Bolaños e Himar Armas presentan juntos Con gancho, una obra en la que el propio público ha elegido hasta el título. Jorge Bolaños es una de las personalidades de comedia más importantes ahora mismo en las distintas redes sociales y llena teatros por toda España con su monólogo. Himar Armas es uno de los mejores cómicos de la escena del stand up español, caracterizado por su velocidad y brillantez en la improvisación. En este show podrás ver al Jorge Bolaños más canalla y adulto junto a la comedia delirante de Himar Armas. ¿Vamos? https://planletsgo.com

DERECHO A PATALETA

Sala Becket (BARCELONA)

Hasta el 14 de mayo Menudo meneo le meten Las Chatis de Montalbán a los dibujos animados. Las Espies de veritat han recibido la misión más importante de su carrera. Las cosas han cambiado: los pajaritos ya no ríen,

los niños ya no cantan y las flores ya no huelen a primavera. Clover, Alex y Sam harán todo lo posible para salvar el mundo, pero esta misión es demasiado grande y ellas están muy cansadas. Mientras tanto, Lola y Berta han decidido que, esta vez, quieren mantenerse al margen, dejar de existir o tumbarse en una piscina, así que han pensado que lo mejor que pueden hacer es que sean las Espies de veritat las que hablen, pero que digan exactamente lo que ellas quieren decir. www.salabeckett.cat

TUELF POINTS

Teatre Gaudí (BARCELONA)

Hasta el 21 de mayo

Tuelf Points, el musical más eurovisivo, es un concierto teatralizado con música y voces en directo (¡y colaboraciones muy especiales!), que repasa los grandes éxitos de Eurovisión de todos los tiempos. Versiones de Europe's Living a Celebration, La La La, Dime, Euphoria, Eres tú, y muchas más. ¡Un espectáculo con versiones originales e inéditas extremadamente mmmmm… ¡eurovisivas!

www.teatrepoliorama.com

L’ALEGRIA QUE PASSA

Teatre Poliorama (BARCELONA)

Hasta el 21 de mayo

Renovando los clásicos con sabia NUEBA. Dagoll Dagom presenta el que será el último espectáculo de creación de su trayectoria. Después de haber trabajado con textos de Àngel Guimerà, Mercè Rodoreda o Pere Calders entre otros, la compañía vuelve a llevar un clásico de la literatura catalana a la contemporaneidad a través de la danza, la música y el teatro. L'alegria que passa de Santiago Rusiñol fue estrenada en el Teatro Romea en 1898 y fue un referente para muchas compañías del territorio, siendo uno de los espectáculos más representados de la época. www.teatrepoliorama.com

FOTO: PARíS TEXAS

DOCUMENTAMADRID

CINETECA MADRID / MATADERO

Del 3 al 7 de mayo

Veinte años cumple el festival madrileño dedicado a la no ficción. Dentro de la sección oficial se encuentran los últimos proyectos de Ana Vaz, Ben Russell y Bill Morrison. El Museo Reina Sofía y Filmoteca Española dedican retrospectivas a Narimane Mari y Grupo Zanzíbar, respectivamente. Clausura el certamen la película encargada ad hoc para el festival, La lengua rota del sueño, de Escuela Dentro Cine con la colaboración especial de Elvira Navarro. Documenta Pro aborda el estado actual del cine documental; se impartirá una clase magistral de la mano de John Smith con la colaboración de la ECAM.

Rep. Vin Diesel, Jason Momoa, Michelle Rodriguez, Nathalie Emmanuel, Charlize Theron.

EEUU / 2022

19 mayo

Siguen los fuegos de artificio en una saga que pasó de simple ejercicio de género de serie B a convertirse en el más rutilante ejemplo de cine de acción contemporáneo. Para la causa se enrola un Jason Momoa al que le toca ejercer de villano hormonado y que conecta la cinta con la quinta entrega de la saga: Momoa interpreta al hijo del capo de la droga Hernán Reyes que busca revancha por los hechos que se contaban entonces. Además, el presupuesto da para reclutar a Brie Larson, hacer repetir a Charlize Theron, y poner a punto unos bólidos que apuntan con volver al garage en no mucho tiempo: esta décima entrega se anuncia como “el inicio de los capítulos finales” de la franquicia.

POR: ADRIANA RAMIRO

Dir. Louis Leterrier

CANTA CON UNA CHISPA DE ARMONÍA

3 mayo

Adolescentes y androides para perfilar un futuro optimista, en el que la tecnología ha venido para salvarnos en vez de para conducirnos al apocalipsis.

DIALOGANDO CON LA VIDA

mayo

Peca de las mismas virtudes y defectos que su postadolescente protagonista: incontenible, excesiva, siempre sitiuándose (situándonos) al límite.

ED SHEERAN: LA SUMA DE TODO EL CABALLERO NEGRO

/ 3 mayo

Ya tardaba en tener este icono del pop blandengue su propia serie documental. Cuatro episodios a mayor gloria del pelirrojo más famoso del mundo.

Estamos en 2071 y la cosa pinta chunga: la contaminación ha hecho que solo el 1% de la población haya sobrevivido. Apocalipsis K-pop.

EVANGELION: 3.0+1.01 THRICE UPON A TIME

Largo / Animación

13 mayo

Cuarta y última entrega de La Reconstrucción de Evangelion, un monumental largo que se va hasta los 154 minutos. Una experiencia sensorial.

Documental

15 mayo

El galardonado documental narra la historia que se oculta detrás de una de las fotografías más icónicas de todos los tiempos: Almuerzo en un rascacielos.

ASEDIO LA HIJA ETERNA EL SILENCIO

Dir. Miguel Ángel Vivas

Rep. Natalia de Molina, B.Agossou Largo / 5 mayo

Vivas pone su experiencia televisiva (La casa de papel, Vis a vis) al servicio de una historia con desahucios, inmigrantes y una improbable antidisturbios.

SILO

Dir. Morten Tyldum

Rep. R.Ferguson, Rashida Jones

Serie / 5 mayo

Diez episodios que adaptan la novela de Hugh Howey y plantean un futuro postapocalíptico en el que los humanos viven en un gigantesco silo subterráneo.

LA LLAMA DE LA ESPERANZA

Dir. Jun-Pyo Hong Largo / Animación 10 mayo

Anime coreano premiado en Annecy 2022 que cuenta la historia de un joven que sueña con convertirse en sastre para mantener a su familia.

LYNCH / OZ

Dir. Alexandre O. Philippe

Rep. Rodney Ascher, Justin Benson

Documental / 11 mayo

David Lynch vive obsesionado por El mago de Oz, la fantasiosa película de Victor Fleming estrenada en 1939. Este documental profundiza en esa relación...

BLANQUITA

Dir. Fernando Guzzoni

Rep. Laura López, Alejandro Goic

Largo / 12 mayo

Guzzoni pasó por Venecia con este drama en el que una joven de 18 años es la principal testigo de un escándalo sexual que implica a hombres poderosos.

Tilda Swinton es lo más grande en una pequeña película de intriga en la que una mujer y su madre aterrizan en una mansión fantasmagórica.

Pareja de lujo para un thriller de 6 episodios en el que Piper interpreta a un joven que sale de la cárcel tras 6 años de condena por haber matado a sus padres.

LA QUIETUD EN

LA TORMENTA

Dir. Alberto Gastesi España / 2022

Vidania

12 mayo

Drama donostiarra pasado por buenos festivales, envuelto en un tenso blanco y negro y sostenido en esa atmósfera cargada de electricidad estática que precede a las tempestades. Gastesi, curtido en cortometrajes, nos empuja desde lo emocional a un Kaurismaki versus Hong Sang-soo. Recomendable.

Dir. David Soutar Rep. Ed Sheeran Serie documental

Dir. Choi Ui-seok Rep. Kim Woo-bin, Esom Serie / 12 mayo

Dir. Seán Ó Cualáin

Dir. Yasuhiro Yoshiura Largo / Animación

Dir. Christophe Honoré Rep. Paul Kircher, Vincent Lacoste Largo / 12

Dir. Hideaki Anno

Dir. Joanna Hogg Rep. Tilda Swinton, Joseph Mydell Largo /12 mayo

Dir. Aitor Gabilondo Rep. Arón Piper, Almudena Amor Serie / 19 mayo

MEN AT LUNCH

ALICE CARIÑO

Dir. Mary Nighy

Rep. Anna Kendrick, K. Horn

Largo / 19 mayo

Ya solo por la banda sonora de Owen Pallett merece la pena acercarse a ver este thriller a propósito de una mujer maltratada psicológicamente por su pareja.

LAS OCHO MONTAÑAS

Dir. Felix Van Groeningen, C. Vandermeersch

Rep. Luca Marinelli, A. Borghi Largo / 24 mayo

La ciudad contra el campo, otra vez. Dos chavales, cada uno procedente de uno de estos dos entornos, desarrollan una relación con el paso de los años.

AMERICAN BORN CHINESE

Dir. Destin Cretton

Rep. Michelle Yeoh, Ke Huy Quan Serie / 26 mayo

Adaptación de la novela gráfica de Gene Luen Yang -publicada en España por La Cúpula- sobre un joven chino-americano que no encuentra su sitio.

ANHELL69

Dir. Theo Montoya

Camilo Najar, Sergio Pérez Largo / 26 mayo

Montoya se inventa un género, la sci-fi queer, con una cinta protagonizada por una serie de personajes entregados a la espectrofilia (sexo con fantasmas).

EXTRAÑA FORMA DE VIDA

Dir. Pedro Almodóvar

Rep. Ethan Hawke, Pedro Pascal Documental / 26 mayo

De largo el título más desconcertante de este mes de mayo: Pedro Almodóvar dirige a Ethan Hawke y Pedro Pascal en un western de 31 minutos de duración. WTF!

LOS CABALLEROS DEL ZODIACO

Dir. Tomasz Bagiński

Rep. Madison Iseman, Famke Largo / 26 mayo

Adaptación a la imagen real de una de las series de manga más icónicas. Coproducción japonesa-estadounidense con un presupuesto de 60 millones.

LOS OSOS NO EXISTEN

Dir. Jafar Panahi

Rep. Jafar Panahi, Mina Kavani Largo / 26 mayo

Dos historias de amor en paralelo para una cinta del director de Taxi Teherán y El espejo, que se llevó el Premio Especial del Jurado en Venecia.

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POR:ADRIANA RAMIRO

LA PIEDAD

Dir. E. Casanova Rep. Ángela Molina, Manel Llunel. España / 2022 / Divisa

5 mayo

Edición sencilla (incluye making of) para la esteticista y controvertida segunda película de Eduardo Casanova, protagonizada por esa suerte de alter ego que es Manel Llunel.

EL FALSIFICADOR DE PASAPORTES

Pues eso: un falsificador de pasaportes. Habilidad que le sirve a un joven judío en pleno Holocausto para salvar su vida. Sin extras.

Gran edición a cargo de A Contracorriente con 140 minutos de contenidos adicionales y audiocomentario a cargo del director

HOLLY SPIDER

Dir. Ali Abbasi

Podría haberse titulado "Epopeya de un burrito". El mítico Skolimowski -director de Deep Endsigue en forma con un proyecto singular. 42 minutos de extras.

SINTIÉNDOLO MUCHO

Rep. Zar Amir-

Ebrahimi, M. Bajestani

Dinamnarca / 2022 / Karma / 9 mayo

Documental que profundiza en la figura de Joaquín Sabina y que busca mostrar aspectos inéditos de la personalidad y el comportamiento del cantautor. Sin extras.

Tras noquearnos con Border, Abbasi vuelve a no dejar a nadie indiferente con este crudo thriller sobre una serie de feminicidios en el Irán de 2001. Sin extras.

Dir. Mikel Gurrea Rep. Vicky Luengo, Pol López España / 2022 / A Contrac. / 9 mayo

Mikel Gurrea.

EO

Dir. Jerzy Skolimowski Rep. Sandra Drzymalska, L. Zurzolo Polonia /2022 / A Contrac. / 9 mayo

Dir. Maggie Peren Rep. Louis Hofmann, J. Berlin Alemania / 2022 / Divisa / 6 mayo

Dir. Fernando León de Aranoa Rep. Joaquín Sabina, Leiva España / 2022 / Avalon / 9 mayo

SURO

POR: RAMÓN BAYLOS

RAMS

Dir. Jeremy Sims

Rep. Sam Neill, Miranda Richardson Australia / 2020 / Alfa / 9 mayo

Remake de la película islandesa del mismo título de 2015 que cuenta la historia de dos granjeros hermanos enfrentados desde hace años. Sin extras.

APOCALYPSE NOW: FINAL CUT

Dir. Francis Ford Coppola

Rep. Marlon Brando, Martin Sheen

EEUU / 1979 / Divisa / 19 mayo

Por primera vez en UHD, esta suerte de "versión definitiva" de la cinta de Coppola se queda a medio camino de la original y la versión Redux.

LA BALLENA

Dir. Darren Aronofsky

Rep. Brendan Fraser, Sadie Sink

EEUU / 2022 / Divisa / 19 mayo

Siempre en el alambre, Aronofsky rehabilita a Brendan Fraser con una cinta sobre un obeso mórbido enfrascado en una profunda depresión. Incluye making of.

EL PEOR VECINO DEL MUNDO

Dir. Marc Forster

Rep. Tom Hanks, Mariana Treviño

EEUU / 2022 / Sony /25 mayo

Adaptación de la novela de Fredrik Backman, un cuento de hadas contemporáneo a mayor gloria de su protagonista Tom Hanks. Incluye 15 min. de extras.

MISSING

Dir. N.D. Johnson, Will Merrick

Rep. Storm Reid, Nia Long

EEUU / 2023 / Sony / 25 mayo

Thriller tecnológico protagonizado por una de las actrices que saltó a la fama con Euphoria Incluye 34 minutos de extras y audiocomentario del director.

REDFALL

Arkane Studios :PC, Xbox Series X/S

2 mayo

El género de los inmersive simulators no sería el mismo sin los juegos de Arkane; aunque en esta ocasión el estudio ha optado por mostrarnos cómo es su particular visión de los mundos abiertos con una historia sobre vampiros.

AGE OF WONDERS 4

Triumph Studios : PC, PS5, Xbox Series X/S 2 mayo

Age of Wonders, la saga clásica de RTS de piratas, vuelve con una cuarta entrega que tiene como objetivo mejorar en todos y cada uno de los apartados a su antecesor

HOGWARTS LEGACY Avalanche : PS4, Xbox One

5 mayo

El juego más importante de la década de Harry Potter da el salto a la que ahora es la antigua generación de consolas, para que todavía más gente pueda disfrutar de la experiencia.

DARKEST DUNGEON II

Red Hook Studios : PC

8 mayo

La mítica saga de rol clásico ultra exigente vuelve con una secuela más profunda en lo jugable, pero igual de oscura y decadente en su ambientación. Es el juego que Lovecraft querría probar.

LEGO 2K DRIVE

Visual Concepts

: PC, PS4, PS5, Nintendo Switch, Xbox One, Xbox Series X/S 15 mayo

LEGO se pasa a los simuladores de karts con un juego de conducción arcade que promete ofrecer una buena alternativa a los fans del género de todas las edades.

AMNESIA: THE BUNKER

Prictional Games

: PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S 23 mayo

No son muchos los Survival Horror que se ambientan en el pasado.

Amnesia: The Bunker rompe esos límites ofreciendo una experiencia de terror en la primera guerra mundial.

THE LORD OF THE RINGS: GOLLUM Daedalic Entertainment

: PC, PS4, PS5, Nintendo Switch, Xbox One, Xbox Series X/Se

25 mayo ¿Era necesario un videojuego centrado en la figura de Gollum? Esa es la pregunta a la que se enfrenta Daedalic con un juego de aventuras y sigilo ambientado en ESDLA.

ASESINAS

Victoria Pascual Cortés

Pinolia

288 p. / Divulgación histórica

Veintitrés historias reales de mujeres asesinas: una crónica negra que abarca, sin ánimo justificativo, sí analítico, motivos de por qué matan las mujeres.

EL LIBRO DE LOS DÍAS

Patti Smith

Lumen

400 p. / Memorias

La madrina del punk sigue deleitando a fans all ages con cada novedad. Esta vez, un foto-libro que reafirma el multitalento de esta mujer.

EL TIGRE Y LA GUITARRA

David López Canales

Pepitas

200 p. / Música, biografía

Sucedió en Madrid: un imprevisto cruce entre la música flamenca y el honor samurái. Lo vivió con pasión Yoichiro Yamada, y este libro le rinde homenaje póstumo.

LAS CHICAS AL

FRENTE

Sara Marcus Contra 408 p./ Música

Ojalá este libro despierte el interés por los fanzines, los encuentros físicos y los gritos de protesta, también por crear música en grupo y la puta revolución callejera. Hoy hacen falta más que en los años noventa del pasado siglo, cuando estalló aquel movimiento contracultural que volvería a encender al feminismo made in USA, con sus virtudes y resbalones. Cualquiera que se acerque a estas páginas disfrutará del chorreo de creatividad, libertad y energía que las Bikini Kill, Huggy Bear y compañía dedicaron, a base de chillidos, al kapital.

LOS QUE VIENEN

Alberto Cascón

Ya lo dijo Casimiro Parker

280 p. / Novela

No es una historia escapista, sino reveladora y, a ratos, lírica. Joven urbano deja atrás su ciudad y se refugia en una isla de ausencias y hallazgos, en plena Calabria.

LIBRO DE SANGRE

Kim de L’Horizon

De Conatus

340 p. / Ficción contemporánea

Grandes obras de esa literatura abierta en canal usan Zurich para ubicarse. La novelista, dramaturga y actriz no binaria suiza libera su escritura desde esa ciudad.

LOS VÍNCULOS ARTIFICIALES

Nathan Devers

AdN 264 p. / Novela

Joven treintañero se siente fracasado cuando descubre el Antimundo, un videojuego que lo sumergirá en el metaverso. En Francia lo petó.

CÓMO NO ESCRIBÍ NUESTRA HISTORIA

Elisabeth Benavent

Suma

544 p. / Novela

Vuelve la escritora superventas. La historia de amor, en esta ocasión, queda bañada en crisis creativa: no de Benavent, sino de la protagonista.

EL ALMA DEL BRUJO

Belén Martínez

Puck

512 p. / Fantástica

Nueba y esperadísima novela de una de las escritoras más aclamadas entre los jóvenes. Historia ambientada en Londres, año 1940. Magia, misterio y bombas.

LOS PROSPECTOS DE MIS MEDICAMENTOS

Guillermo Lasheras

EspasaesPoesía 152 p. / Poesía urbana

No es fácil mirar de frente al amor y la muerte, al tiempo y al arte. El popular actor lo hace con soltura, de forma sostenida y firme.

Pedro Almodóvar

Reservoir Books

84 p. / Relatos

Hubo un tiempo en que el joven Almodóvar ficcionaba la vida como escritor. Estos 12 relatos revelan cómo su firmamento de imágenes se expande al papel.

Joseph Wilson Sloper

80 p. / Poesía

Segundo poemario del corresponsal afincado en Barcelona. Su habilidad con las palabras hace que los loros tartamudeen de emoción.

EL IMPULSO

Won Pyung-sohn

Temas de hoy 256 p. / Novela

Un simple gesto cambia la vida del hundido. La nueva entrega del coreano aborda el afán por recuperarse de quien ha perdido su capacidad de emocionarse.

EL SIGLO DE LOS VIDEOJUEGOS

Borja Vaz y Jorge Morla

Arpa

224 p. / Ensayo

No hay que ser muy lumbreras para darse cuenta de la relevancia que han adquirido los videojuegos en esta parte del planeta. El libro expone los porqués.

MIRABILIA

Alfonso Domingo Árdora 120 p. / Fantasía

Ningún metaverso supera el poder de la palabra, donde realidad y ficción se funden. Este pequeño libro es capaz de hacerte viajar por su bazar.

LOS LOROS

EL ÚLTIMO SUEÑO

ALICE GUY

José-Louis Bocquet y C. Muller

Salamandra Graphic

400 p. / Color / 32 €

Hasta hace bien poco casi nadie sabía el nombre de la primera mujer directora de cine. Catel y Bocquet están dispuestos a que no nos olvidemos de Alice Guy.

DESDE BRITANIA CON AMOR

Varios Autores

Dolmen

216 p. / BN / 29,90 €

Dolmen continúa trayéndonos los clásicos españoles que publicaron en los tebeos ingleses de los 50, 60 y 70. Recopilación de historias románticas.

EXPEDIENTE WARREN: LA AMANTE

Varios Autores

ECC Cómics

24 p. / Color / 2,5 €

Sin noticias de nueva secuela cinematográfica, la saga Expediente Warren sigue en el cómic con una serie de cinco capítulos escrita por David L. Johnson-McGoldrick.

LA FORTALEZA DE PAPEL

Osamu Tezuka

Planeta Cómic

192 p. / Color / 15,95 €

Como Shigeru Mizuki, el Dios del manga Tezuka también contó sus propias vivencias en la Segunda Guerra Mundial como adolescente movilizado en Osaka. Esencial.

CUANDO VEO CABLES

ME ACUERDO DE TI

Arnau Sanz Astiberri

120 p. / Color / 18€

Había muchas ganas de leer lo nuevo de Arnau Sanz tras Línea editorial y Un fantasma En esta nueva novela gráfica nos transporta a un futuro muy colorido donde viviremos las desgracias de los robots que ayudan a los humanos.

HYPERICON

Manuele Fior

Salamandra Graphic

144 p. / Color / 23 €

A Fior, uno de los mejores autores italianos de la actualidad, le gusta picar géneros, como esta historia de amor en la excavación de la tumba de Tutankamón.

LIBRO DE LAS BESTIAS

Pep Brocal

Bang Ediciones

144 p. / Color / 35 €

Había muchas ganas de lo nuevo de Brocal tras su tremendo Inframundo, pero nadie esperaba una versión comiquera del libro medieval de Ramon Llull.

¡PARA TI, QUE ERAS JOVEN!

Monteys y Fontdevila

Astiberri

200 p. / Color / 32 €

Mayo destaca por sus reediciones, como la obra conjunta que Monteys y Fontdevilla realizaron hace 25 años en la revista El Jueves. Todo muy OK Boomer.

PIES DESCALZOS

Keiji Nakazawa Distrito Manga

784 p. / BN / 23,95 €

Otra gran recuperación por parte de una editorial española, la de la obra maestra Hideshi no Gen, la versión más gore de los efectos de la bomba de Hiroshima.

FRANKENSTEIN

George Bess

Norma Editorial

208 p. / BN / 38 €

Tenemos cientos de versiones del mito de Shelley, pero faltaba la del maestro Bess con su barroco estilo para complementar la maravilla que hizo para Drácula

LA GRAN NOVELA DE HULK

Jim Rugg Panini

128 p. / Color / 23,75 €

Tras X-Men y Fantastic Four, le toca su turno al Increíble Hulk para un resumen de sus mejores aventuras en las imprescindibles novelas gráficas Grand Design.

PREMIER MUGUET

Keiko Nagita y Youko Hanabusa

Arechi Manga

352 p. / BN / 15 €

Recuperación de shojo pretérito, nos llega la segunda obra de la guionista de Candy Candy publicada entre 1979 y 1981. Son solo dos tomos, historia del manga.

VOLAGE. CRÓNICA DE LOS INFIERNOS

S. Desberg y T. Sandoval

Nuevo Nueve

144 p. / Color / 25 €

Todos los trabajos ilustrados por el mexicano Tony Sandoval son muy interesantes. Su estilo gótico casa con esta trama sobre unos prisioneros en el infierno.

EDEN: IT'S AN

ENDLESS WORLD!

Hiroki Endo

Hiroki Endo

424 p. / BN / 16,95 €

Tras Ghost in the Shell y BLAME!, la trilogía de los mejores cyberpunk manga se podría cubrir con el debut de Hiroki Endo, quien tardó diez años en completarlo. Panini recupera esta joya noventera en doce grandes volúmenes que mezclan tecnología imposible, un mundo post-apocalíptico y mucha religión, inspirada sobre todo en la tradición gnóstica.

la madrugada del sábado, antes de ir a dormir, llegó el mensaje, a traición, como lo hacen siempre las noticias fatídicas: “Me acabo de enterar de que ha fallecido Nailuj”. Compañeros de profesión, pero sobre todo amigos, como Samuraï o Menend, se despedían del músico alicantino en las redes sociales. Julián -su nombre real más allá de los alias artísticos por los que le conocíamos- había fallecido en un incendio producido la noche del viernes en el restaurante Burro Canaglia Bar&Resto, en la plaza de Manuel Becerra de Madrid. El accidente, que también se llevó la vida de una clienta y que dejó numerosos heridos, había aparecido en todos los medios la mañana del sábado no solo por la gravedad de los hechos, también por lo trágico de sus circunstancias. El restaurante, decorado con abundante vegetación artificial que cubría techos y paredes, estaba especializado en la elaboración de pizzas flameadas. Al preparar uno de los platos las llamas alcanzaron la decoración, altamente inflamable, y en cuestión de segundos el local se convirtió en un inferno. Julián llevaba apenas una semana trabajando allí como camarero. Era el típico trabajo que pagaba el alquiler mientras trataba de despegar su carrera musical.

Pocas enseñanzas deja una muerte tan inesperada e injusta como esta. Tocará depurar responsabilidades legales, claro. Pero, más allá de eso, lo que queda es el vacío brutal que deja una muerte de estas características.

A Julián los responsables de esta revista lo conocimos en 2019, cuando todavía se hacía llamar Jay Robles y acababa

de aterrizar en Madrid para arrancar su carrera musical. Le montamos un concierto en Ídolo, el pequeño club que funcionó como campo de pruebas de NUEBO, por el que iban pasando casi todos los jóvenes músicos de la nueva escena. Allí llegó de la mano de Samuraï, quien precisamente al recordarle estos días reconocía la importancia que Jay tuvo a la hora de dar sus primeros pasos como artista. Luego llegó la pandemia, un periodo que creativamente cortocircuitó a una generación, obligada a reinventarse como consecuencia de aquel paréntesis de casi dos años en que el mundo se paró por completo. Julián lo hizo y se convirtió en Nailuj. Los últimos años en Madrid le habían servido para conectar con muchos de los músicos de referencia en el contexto del urbano -los Tuiste, Oddliquor,...- gente que entendía y apreciaba su sensibilidad pop, rayando en el r’n’b. Gente también como el equipo de [PIAS] Spain, con los que cerró un contrato para lanzar una carrera de nuevo prometedora. Desde el sello nos contactaron para enseñarnos sus nuevas canciones y, consecuencia de ello, hace apenas un mes volvimos a encontrarnos para grabar un tema que hoy resulta clarividente: Lloraloyyasta

Decíamos antes que no hay conclusiones que sacar de una pérdida así. Efectivamente no las hay. Pero al menos algo podemos extraer del dolor que deja su marcha: la sensación de comunidad, de hermanamiento dentro de una escena musical que se ha reconocido en la tragedia. Julián era uno de los suyos, uno de los nuestros, y su fragilidad ante los caprichos del destino es la de todos nosotros.

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