BeatHey Mag #10

La Unión de Músicos Independientes es una organización de músicos autogestionados de diversos géneros y de todo el país. Se creó en el año 2001 y es una Asociación Civil sin fines de lucro. Nace para fortalecer la alternativa de la autogestión en la música y mejorar las condiciones en las que se desarrolla la actividad musical en la Argentina.

www.umiargentina.com

Julián Sorsaburu CEO BeatHey

¿ En qué creés Qué soñás mientras vivís en los sueños de otrxs Qué te hace sonreír, comprometerte Qué le da sentido a tu vida ?

SENTIDO Nunca le dijeron puedes volar

Nunca supo que podía

No acompañaron su vuelo de paloma rota

Rebotando en atmósferas tóxicas eternidad tras eternidad

¿ Cuánta soledad puede soportar tu alma de papel ?

¿ Cuánto brillo soportan tus ojos

Cuánto calor tu piel ?

Sólo quiero quemarme de una vez en ti en tus sueños destrozados reflejar mi pecho abierto en tu sangre de rubí

Sumate a la revolución del arte. #joinus

DIRECCIÓN

Julián Sorsaburu

EDITOR

Y PRODUCTOR DE CONTENIDOS

DIRECCIÓN EDITORIAL

DIRECCIÓN DE ARTE

Saint Design

Yumber Vera Rojas, Bobby Flores, Hernan Panessi, Damian Levensohn, Gonzalo Arzúa, Juli Urtica, Mauricio Figueroa, Nicolas Beldi, Miguel Warlies, Santiago Kaiyer, Julián Sorsaburu, Javier Sverdoloff, Fede Viola, Henan Bustamante (Nango)

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Número 10. Edición física y digital. Las notas de la revista corren bajo exclusiva responsabilidad de sus autores y las publicidades bajo exclusiva responsabilidad de los respectivos anunciantes.

Darío Rosemblat

Gabriel Santana

Antonio Macadam - Edmundo Hiriart - Matías Rebecca - Florencia Vilar - A TODA LA COMUNIDAD BEATHEY

Nicolás Beldi

Carla Tintoré

Por Damian Levensohn Agradecimiento especial a Diego Ro-k

Un martes 13 nos despertamos con una triste noticia que conmovió a la escena en su totalidad: Carla Tintoré había fallecido. La gran pionera y referente argentina del underground dejó una huella imborrable, por su talento, pero también por su persona.

Desde principios de los 90s, el nombre de Carla Tintoré fue sinónimo de música y arte. Responsable desde la organización o la residencia como DJ, fue protagonista de espacios fundamentales, como Ave Porco, Morocco, El Dorado, The Age of Communication, Underground Park y Cocoliche. Además, siempre estuvo ligada a otros tipos de performances artísticas.

La partida de Carla no pasó desapercibida, tuvo gran repercusión por parte de sus colegas y amigos en redes sociales, así como también la noticia tuvo su espacio en los principales medios de comunicación nacionales. La mejor manera de recordarla, nos pareció que es a través del sentido recuerdo de uno de sus grandes amigos y compañeros de cabina, Diego Ro-k.

“Conocí a Carla por el 89, en un club de la calle Florida. Después me venía a ver D´Light y nos hicimos muy amigos. En el 91 me llamó para que la acompañe en la musicalización de La Age of Communication, junto con Cristian Trincado, estuvimos casi tres años y nos fuimos al Morocco -ya siendo la Dj Union-. Veníamos haciendo historia y no nos dábamos cuenta.

Siempre frágil, sensible, jamás una discusión, una diferencia de nada. La música nos unió y ella ocupó el lugar que debía en la escena. Después su espíritu tornó al techno y al lado más oscuro de la electrónica, aunque nunca se dejó de notar su parte sensible. El Coco, las fiestas, sus desfiles, sus poesías.

Ella estaba ahí y ocupó ese lugar porque era buena en lo que hacía. Me queda el mejor recuerdo de una amiga de esas que uno casi no tiene.”

E C H

TEn esta edición queremos comentarles sobre las novedades que se vienen en louderband: A partir de mediados de noviembre vamos a tener una nueva versión web totalmente renovada y con especial foco a las necesidades de nuestros usuarios para que puedan conectar con lo que necesiten de la industria, más algunas novedades relacionadas a los cursos on demand ¡así que los invitamos a prestar atención!

LOUDERBAND

UN ESPACIO QUE UNE A LA INDUSTRIA MUSICAL DE LATINOAMÉRICA

Por lo pronto queremos compartir el curso más reciente que sumamos a nuestra plataforma: se trata de “MasterClass de percusión” de nuestra amiga Vivi Pozebbón, que es la primera de muchas que se van a sumar en lo que va a ser el canal oficial de Escuela Internacional de Tamboreras, que su versión online estará en louderband y contará con percusionistas de varios países.

Queremos que conozcan más sobre su carrera y de las muchas actividades que lidera, que son muy importantes y necesarias para generar cambios: Vivi es cantante y percusionista argentina con 30 años de trayectoria. Impulsa y produce su música y proyectos desde Córdoba.

Integró el grupo DE BOCA EN BOCA, cuarteto vocal vanguardia en los ’90, con ellas editaron tres discos y compartieron escenario con grandes artistas como Hermeto Pascoal, Cecilia Todd y Rubén Blades (Panamá), con quien también colaboraron en su disco Mundo, ganador del Grammy como Mejor Álbum de Música del Mundo (2003).

En el año 2008 comienza su carrera solista, con tres discos en su haber. En su música está presente lo afrocaribeño y el folclore, lo regional y la música del mundo en una

propuesta fresca e innovadora, con tradición y a la vez actual.

Compartió escenario con artistas como Lila Downs, Susana Baca, Mercedes Sosa, Bomba Estéreo, La Bomba de Tiempo, Minino Garay, Pájaro Canzani, Yusa, Liliana Herrero, Raly Barrionuevo y Los Caligaris, entre otros.

En el 2007 obtuvo el título de Licenciatura en Composición Musical otorgado por la Universidad Nacional de Córdoba/ Argentina, en cuya tesis planteó mixturas entre la música popular de raíz afro y la música académica. Desde el 2008 se desempeña también como docente en la Escuela Superior de Música Colonia Caroya (provincia de Córdoba) en las Cátedras de Canto I y II, Ensamble Vocal I, Improvisación Vocal I y Percusión Complementaria. Lleva adelante varios proyectos feministas:

La Escuela Internacional de Tamboreras (Mujeres y Disidencias al Tambor), nace del proyecto Tamborerascreado en el 2010- y por el que ya pasaron más de 7000 personas -entre las actividades de talleres, retiros y charlas-; El proyecto obtuvo el reconocimiento de la KONSTNÄRSNÄNMDEN (Comité de las Artes de Suecia), IBERMÚSICAS, INAMU, FNA, GESTIONAR FUTURO. En 2020, desde el espacio se realizaron más de 30

entrevistas a tamboreras alrededor del mundo, streamings, ensayos de artistas y bandas.

En el 2020 estrena la película MADRE BAILE, a partir de su canción homenaje a Leonor Marzano, pianista del Cuarteto Leo, visibilizándola como la creadora del tunga-tunga.

La Escuela Internacional de Tamboreras cuenta con el apoyo de People Around Music Market (Personas Alrededor del Mercado de la Música - PAMM) es la primera plataforma de intercambio profesional y vinculación de Córdoba, Argentina, enfocada en todas las personas que aportan valor en la industria de la música.

PAMM es una plataforma que viene desarrollando propuestas artísticas para poner en valor el cuarteto como expresión artística popular, con el giro de la perspectiva de género, llevando al público general propuestas de cuarteto queer y feminista, reescribiendo la historia del género. Su primera edición presencial será durante el 2023 en Córdoba.

¡Con toda esta info lo único que queda es conocer su MasterClass en louderband y prestar atención al próximo lanzamiento del canal de la Escuela!

LABELS

Ninefont, sello argentino con excelentes artistas de todo el mundo, fundado por el artista Javier Ferreira en el 2011 con base en Argentina y España, desde sus comienzos hasta la fecha siguen con su estilo y calidad.

Estilos: Techno / Minimal / House

https://www.facebook.com/Ninefontmusic https://soundcloud.com/ninefont https://ninefont.bandcamp.com/ https://www.instagram.com/ninefont_music/ ninefont@gmail.com

Pueblo Nuevo es un netlabel creado por Mika Martini y Daniel Jeffs en Julio del 2005. Hasta la fecha, todos los discos publicados en su catálogo en mp3, pueden ser bajados directamente por los visitantes en forma gratuita. Con más de 10 años de vida, también ha publicado muchos lanzamientos con ediciones digitales y físicas en CD y un DVD.

Estilos: Electrónica

https://www.facebook.com/PuebloNuevoNetlabel

https://soundcloud.com/pueblonuevo

https://pueblonuevo.cl/

https://www.instagram.com/pueblonuevonetlabel/ comunicaciones@pueblonuevo.cl

POR MAURICIO FIGUEROA

Jack Said What, Label muy reciente. Fundado por Irvine Welsh, escritor de Trainspotting, cuenta con excelentes artistas y estilo, ya con más de 10 lanzamientos con buena combinación de sonidos y ritmos con mucha energía. Se destaca el lanzamiento de Cousn.

Estilos: House / Electro / Indie Dance / Techno

https://www.facebook.com/JackSaidWhat1/about https://www.instagram.com/jack_said_what/ jacksaidwhat1@gmail.com

Tropical Twista, Label fundado en 2015, cuenta con un amplio catálogo de lanzamiento con artistas de primer nivel, sello de Brasil multi cultural y experimental con mucho sonidos vivos y excelentes armonías. Fundado por Felipe Delgado y Raphael Palmer.

Estilos: Organic House / Downtempo / Experimental / Chill Out

https://soundcloud.com/tropicaltwistarecords https://tropicaltwistarecords.bandcamp.com/ https://www.instagram.com/tropicaltwistarecords/ tropicaltwistarecords@gmail.com

NACE UNA NUEVA ALIANZA

NUEVOS BENEFICIOS Y DESCUENTOS

PARA LA COMUNIDAD BEATHEY,

PARA POTENCIAR EL ARTE INDEPENDIENTE

CIRCUITO BEAT

Festival Desorden es uno de los festivales producidos por BeatHey con más repercusión en la escena independiente.

Su hogar Otra Historia Club Cultural recibió más de 30 artistas en escena. Djs, bandas, live sets, acústicos, feria, expo, pintura en vivo, stands y más en 4 escenarios, 10 horas de cultura emergente en cada una de sus ediciones.

Durante este año también tuvo la particularidad de realizar Festival Desorden Oeste, en Rojo Bar Moreno, que tuvo la participación especial de Los Brujos y Fulgura junto a destacados artistas del oeste como La Casa De Otro Elefante, Entre Aliens Amor y Muerte, Fede Cogo, Choice Noise y más. Nació como un ciclo semanal los miércoles de 2017. Pasaron artistas destacadxs como El Principe Idiota, Folie, Valentina Cooke, Paula Maffía, Rudie Martinez, El Desastre, Gori, Boconas, Mejor Actor de Reparto, Baridi Baridi, Leandro Lacerna, Caos Luz, musicalizadores como Camilo García, Monkey Porn, Gusti (Niño Elefante, El Mató a un policia motorizado), Ale Schuster (Viva Elástico), Manuel Santos (Golf), entre otrxs. En 2019 se convirtió

en Festival Desorden abrazando su nuevo concepto de producción. En 2020 durante la pandemia realizaron 2 ediciones virtuales. La primera en vivo desde Otra Historia CC con la participación de Richter, Adicta, Chipichipi, Zikiel Levinton entre otrxs. La segunda un especial de navidad desde 5 provincias diferentes: Willy Crook & Leo Portela (Bs As), BELDI (Bs As), Fl3chv y Madre Música (Mendoza), Prima Jessy (Chaco), Gogo Clap (Santa Fe), Gallega (Jujuy). Volvió de manera presencial en abril de 2022, y si tenemos en cuenta solamente las ediciones de 2022, ¡estamos hablando de 50 horas de Cultura Emergente! Seguramente sean muchas horas más.

Este 2022 Funksta Club!, el ciclo artístico producido por BeatHey trajo una propuesta más abarcativa sumando el criterio “Música De Los Mundos” a su programación donde participaron más de doscientos proyectos/artistas de todos los géneros para ampliar y fortalecer el espacio.

CIRCUITO BEAT

También se les brindó espacio a Artistas emergentes de provincias como Neuquén, Córdoba y Mendoza.

Este 2022 Funksta Club! sorprendió con cuatro ediciones especiales, en Niceto Club, protagonizadas por “Los Aspirantes”, “Vlod”, “Gualicho Turbio”, “1915”, “Secuaces” y “David Tagger”.

FUNKSTA FUNKSTA FUNKSTA FUNKSTA FUNKSTA CLUB! CLUB! CLUB! CLUB! CLUB!

MÚSICA DE LOS MUNDOS MÚSICA DE LOS MUNDOS MÚSICA DE LOS MUNDOS MÚSICA DE LOS MUNDOS MÚSICA DE LOS MUNDOS

Siempre con la misma impronta; brindar espacios REALES, soporte, contención, oportunidades de monetización exposición para l@s emergentes.

En la sala HUMBOLDT; por “Sant Da Man”, “Jagger 8”, “Yasar”, “Relay!” y “Maria Florencia Silva & Animales de Poder”.

Porque sabemos que todos los artistas emergentes lo necesitan y lo merecen cada vez más.

Funksta Club proyecta un 2023; con nuevos colores, temáticas, proyectos. Siempre manteniendo la esencia que lo hace seguir adelante cada semana.

Con una impronta pop perversa marcada, Melisa Toro, Belén Rojas, Pablo Mura conforman Malicia. Un proyecto que nace desde el deseo, donde se mezclan la música, lo audiovisual y la herencia de las culturas. La búsqueda de la autenticidad, la alquimia de los traumas, cortar patrones y romper maleficios por medio del arte. Desde Valdivia, Chile charlamos con uno de los proyectos de vanguardia más interesantes de Latinoamérica.

¿Cómo definirían Malicia?

Nació desde el deseo, una intensión oculta fue su génesis. En malicia somos nuestra versión más auténtica, transitamos el limbo, la delgada línea entre el bien y el mal, que quizás muchos compartimos, herencias del mestizaje y muchas culturas, donde creo que nuestra identidad esta más relacionada con la energía femenina y sus ciclicidades. Es un alter ego, es una manifestación artística, una sofisticada invitación al lado oscuro. También a través de este personaje se procesan traumas de toda una generación, sin pretensiones de superioridad, ni crítica “vanguardista” sino más bien desde lo oscuro y lo perverso con brillos de la noche e invocaciones a la luna.

¿Por qué el nombre?

A raíz de un apodo que se fue repitiendo en distintas etapas de la vida, una adolescencia rebelde, cara angelical, la coquetería como herramienta para conseguir algunas cosas. Sembrar deseo encontraba mucho más poder que consumarlo. Si bien el proyecto evoca sensualidad y coquetería, las canciones también fueron parte de un proceso de autoconocimiento y alquimia de traumas de la infancia, cortar patrones, ser la oveja negra de la familia, una suerte de venganza y maleficios.

¿Cómo fue la experiencia de girar durante 2022 por Argentina y Uruguay?

Fue una gira intensa con amplio trabajo de redes e integración, pero además significó para nosotros poner en escena el mejor nivel que tenemos con un show de visuales, luces y sonido impecable. Pudimos lucirlo en el festival Bandas en Red en Uruguay y en clubes como el Lucille y Cheka en Argentina. Anduvimos con Nico Radiata en visuales y tenemos un show bien afinado con nuestro staff de sonido Moise y Claudio. Además, en Uruguay tocamos con Flavio Galmarini en batería. Nuestro espectáculo

POR NICOLÁS BELDI

realmente brilló y la gente nos lo hizo sentir. En Argentina fue más ruda la cosa, ahí nos reencontramos con Catalina que era nuestra baterista en Chile y que se fue a vivir a Buenos Aires. Pudimos sembrar muchos proyectos como los que estamos comenzando a tejer con BeatHey.

Tocaron en importantes festivales que pregonan la red de artistas, ¿qué opinan del trabajo en comunidad? Sin comunidad nada funciona, es difícil pensarse sin ella. En el caso de Bandas en Red (Uruguay) pudimos conocer cómo trabajan, los modelos de gestión que tienen son muy interesantes, las usinas culturales (en Chile no existen a ese nivel) y los teatros y salas de concierto impecables. Pura nutrición. En el caso de Fluvial, es un festival de industria dentro de un circuito internacional. Es genial poder compartir y ver proyectos de todo el mundo en nuestra ciudad, que no es Santiago donde suelen ocurrir todos los eventos importantes. En Valdivia existe otro Chile, muy distinto al de Santiago donde son más cerrados a propuestas nuevas. Siento que la belleza y naturaleza es la que impregna esa energía, en Fluvial se tejen redes con territorios muy lejanos, y es maravilloso poder enlazarnos y seguir proyectos que no habríamos podido conocer de otro modo.

¿Qué mensaje darían a otros artistas para seguir tejiendo esa red?

Que se involucren en las convocatorias, seguir, postular, difundir, compartir los proyectos, seguir tejiendo y mantener el contacto al seguirnos mutuamente. El mejor caso es nuestro vínculo con Flavio Galmarini. Lo conocimos

cuando tocamos en Rockódromo 2018, ese “apañe” o empatía entre músicos hizo que pudiéramos tocar con él en Uruguay. Nosotros tocamos en Rockódromo por una invitación luego de un Showcase de Fluvial, y mantuvimos el contacto con Flavio por Instagram todos estos años. Fue hermoso conocerlo, generar un vínculo de amistad y tocar con él, fue increíble.

¿Qué planes siguen con Malicia?

Estamos lanzando Mirror Wild single y videoclip avance del disco de 8 canciones que esperamos publicar en marzo 2023. Amamos hacer videoclips y desarrollar la visualidad de nuestro contenido musical para que se entienda desde donde viene el mensaje, pero siempre abiertos a que cada cual interprete a su gusto las canciones. Siempre hemos tenido buena capacidad de autogestión como para generar iniciativas que potencien el perfil multidisciplinario, el disco será también así. Pretendemos girar y estar de vuelta en el Río de la Plata para promoción del disco. Es el momento de consolidar esta integración.

Tenemos muchas ganas de proyectar un feat ya sea musical o colaboración audiovisual, algunas canciones del disco que se viene son muy activadoras del movimiento, así que serían increíble poder vincularnos y crear promiscuidad transdiciplinaria.

“Sin comunidad nada funciona, es difícil pensarse sin ella.”

malIcia

“Malicia es un alter ego, una manifestación artística, una sofisticada invitación al lado oscuro.”

LOS BRUJOS “somos una banda tracción a sangre”

Luego de su paso por Festival

Desorden, producido por BeatHey, conversamos con Gabriel Guerrisi, guitarrista de Los Brujos, con quien hicimos un repaso del pasado presente y futuro de una banda de otro planeta.

POR GONZALO ARZÚA

Cuentan las malas lenguas que cuando Nirvana visitó la Argentina, casi 30 años atrás, no solo dió el peor recital de su historia, además se fueron con un plagio debajo del brazo. Aparentemente luego de escuchar Kanishka de Los Brujos -quienes esa noche fueron teloneros- los liderados por Kurt Cobain tomaron nota

de aquel icónico riff y lo utilizaron para luego componer Very Ape, que saldría ese mismo año en su disco In Utero. ¿Cómo puede ser que una banda del sur del Conurbano bonaerense inspirara a semejantes monstruos? La respuesta es simple, la energia que transmitían Los Brujos tanto arriba como abajo del escenario era arrolladora. Por

aquellas épocas la banda conformada por Alejandro Alaci, Ricky Rua, Gabriel Guerrisi, Fabio Rey, Quique Llid, y Gabo Manelli encabezaron una revolución dentro del rock nacional, dándole una nueva vuelta de rosca a los sonidos más tradicionales que se venían escuchando hasta entonces en la música local y que acompañaban grupos como Ba-

“Siempre estuvimos en nuestro propio planeta.”

basónicos, Juana la Loca, Fun People, Massacre, muchos de ellos influenciados por el hardcore, que reclamaba su lugar en los escenarios de la escena under. Los años pasaron, y con el éxito de Guerra de Nervios (1998) y su hit Aguaviva, la banda decidió tomarse un descanso y entró en un letargo que duró casi 16 años, hasta el 2014 cuando se reunieron para lanzar su cuarto disco, PONG!.

Estuvieron más de una década y media flotando en el éter. ¿Qué cambios sienten que hubo entre Los Brujos de antes y los de ahora?

Dejamos de tocar en 1999 y en el 2014 nos volvimos a juntar a darle forma a Pong!, con algunos temas que habíamos dejado ya listos en ese entonces. Lo primero que notamos fue que el contexto había cambiado un montón y eso creo que fue algo que nos motivó a la hora de volver, porque esos temas que habíamos hecho quince o dieciséis años atrás ahora tenían mucho más poder. En particular, la vuelta en 2014 nos agarró más maduros. Ahora planificamos las cosas de otra forma. Antes, planeábamos algo y no siempre salía todo de la manera que queríamos. Nos gustaba un poco eso. Porque de golpe nos cambiaba el rumbo, o nos encontrábamos con alguna sorpresa. En el caso del regreso, nos pasó que, por primera vez, nos comenzó a salir todo como lo íbamos ideando. Eso nos entusiasmó mucho, y quedamos muy conformes cuando volvimos a la cancha.

¿Creen que si hubiesen seguido tocando esos dieciséis años hubieran mantenido ese sonido que los caracteriza?

Nosotros siempre respetamos ciertos lineamientos que tiene el grupo que son muy personales. Te repito, Pong! es un disco que está grabado la mitad de 1998 y la otra mitad en 2014 y si lo escuchas de corrido no te das cuenta qué tema es de una época y cual es de otra. Es muy

homogéneo en su sonido y su producción. En ese sentido creo que, si hubiéramos seguido, nos habríamos mantenido siempre de la misma forma por fuera del contexto que nos tocara.

En una época se los vinculaba más con el rock alternativo, pero esas etiquetas quedaron un poco demodé. ¿Dónde se ven situados Los Brujos dentro del mapa del rock?

Nosotros siempre fuimos una banda de rock. Lo nuestro es tracción a sangre. Nuestros instrumentos suenan como suenan nuestros cuerpos. Nosotros siempre estuvimos en nuestro propio planeta. La verdad es que nunca nos vimos identificados con ninguna corriente puntual. Quizás si vamos adquiriendo data de cosas puntuales. Pero somos muy cabezones con respecto a ese tipo de cosas.

Contame un poco sobre la importancia que tuvieron tanto Melero como Cerati en la música de Los Brujos. Desde chicos fuimos público de ellos. Íbamos a los primeros recitales, cuando los iban a ver 50 personas. Teníamos 13 años y nos volaban la cabeza. Daniel manejaba, ya en ese entonces, conceptos musicales y culturales como ningún otro. En ese sentido fue muy estimulante. Fue ahí donde comenzamos a formarnos, durante el renacer de la democracia. Después nos conocimos, y fueron ellos los que nos guiaron dentro de la industria, aconsejándonos por donde ir. Nosotros no sabíamos cómo era grabar un disco. Era mucho más difícil. En esa época te tenían que tocar con una varita mágica para que eso pase. Y con el éxito del primer disco, los consejos de Daniel y principalmente de Gustavo fueron súper importantes. Ellos nos apoyaron un montón y nos aportaron mucho con su chispa y su talento.

Hay algo que los acompaña desde el minuto cero, que son la estética y la puesta en escena. ¿Qué porcenta-

je cumplen esos ítems en el ideario que han creado a lo largo de este tiempo?

Es parte del todo. Un elemento modifica al otro. Desde la forma en las que estamos vestidos por Vero Ivaldi, el planteo inicial y como después vamos modificándolo hasta que decimos “va por ahí” es una primera parte. Pero después, cuando lo llevás a la práctica, lo experimentas en carne propia. Una vez que te vestís, te internás en ese personaje, con un cono de un metro en la cabeza y que está tocando la guitarra arriba del escenario. Ahí cambia todo.

Hay algo con sus canciones. Y es que trascienden generaciones. Al punto que han hecho versiones de Kanishka en vivo con chicos cantando ¿Cómo interactúan con ese concepto siendo una banda de rock hardcore?

Es un poco parte de nuestra locura. Nuestra música es fuerte y loca, y la interacción con el público siempre fue importante en ese sentido. Es un desafío. Y en todo eso pasan cosas, como por ejemplo un chico chiquito que iba con el padre y llevaba una guitarra. Nosotros lo hacíamos subir al escenario y “tocaba” con nosotros. Siempre tuvimos ese lado un tanto infantil más que nada en los primeros discos. Kanishka puede ser el gran ejemplo. No por nada la canción “un pececito” tiene una versión para niños y hasta salió un libro ilustrado.

En la película 24 Hour Party People el personaje Tony Wilson explica que hay muy pocas bandas que suelen superar la partida física de su cantante -el ejemplo de ese relato es Joy Division y New Order- pero en el caso de ustedes la partida de Ricky Rua pareciera hasta haberles dado fortaleza, más allá del dolor. ¿Es así? No sé si fortaleza es la palabra. Todavía sentimos los ecos de su ausencia. Aunque a veces lo sentimos cerca. Más que nada en los shows. De hecho, a varios de nosotros nos sucede que solemos sentir su voz cantando y no sa-

bemos cómo sucede. No me preguntes si será la química que se arma al cantar entre todos. Quizás sea que parte de él vive en nosotros o realmente sea una aparición. Hay un costado particular, más allá del dolor de no tenerlo físicamente, es que tener dos cantantes durante tantos años, y ahora quedarnos con uno nos obligó a releer el escenario. La dinámica, los movimientos. Eso fue algo interesante de tratar más allá del dolor. Era un tema que teníamos que resolver. ¿quién iba a cantar las partes que le tocaba a él? ¿podemos cambiar una parte del tema? nos preguntábamos esas cosas y se formaba una nueva dinámica arriba del escenario. Esas cosas nos nutren mucho a nosotros.

Hablando de seguir adelante. ¿Están trabajando en material nuevo? ¿Qué podemos esperar de lo que se viene de Los Brujos?

Actualmente estamos mezclando las pistas de lo que fueron los shows en el Broadway que se grabaron enteros en audio y video y estamos mezclando el audio para sacar un disco en vivo donde hacemos un barrido de toda nuestra carrera. También veníamos mezclando un disco nuevo desde antes de la pandemia. Pero cómo duró tanto el parate nos obligó un poco a releer ese laburo. Tenemos material, pero estamos buscando la forma de que nos estimule. Por eso estamos haciendo ajustes para llegar a lograr el concepto que nosotros buscamos para además poder desarrollarlo bien en nuestros shows.

¿Cómo fue la experiencia de Festival Desorden junto a BeatHey?

Fue muy lindo. Nosotros somos como una familia. Así que cuando estamos juntos sea arriba del escenario como abajo nos gusta estar juntos. Y la verdad es que esa noche nos agasajaron de una manera tan cálida que nos sentimos muy cómodos. Fue una linda noche y el show fue uno de los buenos.

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En 2019 la red social argentina Taringa! fue adquirida por IOVLabs, empresa especializada en Blockchain y creadora de Rootstock (RSK). Actualmente están en proceso de construcción de una nueva Taringa! enfocada en la distribución equitativa de ingresos, generación de nuevos modelos de monetización para el creador de contenidos y reducción de intermediarios. Entrevistamos a Cristina Sancho, Managing Director de Taringa! que nos cuenta un poco más sobre lo que viene. Muchas expectativas sobre este nuevo lanzamiento, este renacimiento de un clásico.

POR MIGUEL WARLIES

Para conocerte un poco mejor, contanos un poco quien eres, tu experiencia y tu responsabilidad actual en Taringa!.

¡Claro! Soy Cristina, española, de la generación de música de los 90-00. Amo la música desde que era bien pequeña, de hecho os confieso un secreto: quería ser cantante solo para ser la protagonista de videoclips, siempre tenía una cinta preparada en el VHS para grabarlos de MTV… ¡Alguno me lo llegué a aprender bien!

Mi carrera profesional siempre ha estado muy marcada por mi curiosidad en “¿qué es lo siguiente que va a pegar?”. Empecé en consultoría en Madrid hace más de 15 años, y a partir de ahí siempre me he movido buscando la innovación. Lideré el equipo que lanzó la primera comunidad para el sector publicitario en España cuando apenas se hablaba de redes sociales; me fui a vivir a Seattle en USA trabajando para Amazon, antes de que el e-commerce o Black Friday fuera algo fuera de USA; y justo antes de Taringa! trabajé más de 6 años en Netflix, llevando el equipo que lanzó la plataforma en el sur de Europa, cuando apenas se hablaba de streaming. Y desde octubre del año pasado, soy Managing Director en Taringa!.

Hablemos ahora un poco de Taringa! Muchos de los lectores de BeatHey Mag, y me incluyo, seguramente vivieron la experiencia de Taringa! que en 2014 supo estar en el TOP 3 de redes sociales en latinoamérica. ¿Qué cambió en la comunidad, en el contexto, en el mundo desde ese momento a la actualidad?

Taringa! fue pionera en su lanzamiento en 2004 y se mantuvo durante muchos años así. Fue de las primeras redes que daban voz al usuario, era el sitio donde encontrar conocimiento; un libro para clase, un programa de ordenador, una canción, una película… y sucedieron cosas increíbles, como el usuario que hizo un bajo a Paul McCartney y se lo dio, el padre que le hizo una prótesis 3D a su hijo, o la creación de memes como Scorpion tomando mate.

Nuestro nacimiento no fue el único, entre 2004 y 2010 nacieron parte de las redes sociales más populares hoy

en día, y con ellas, se empezó a hablar de lo que hoy conocemos como economía de creadores. En la etapa 1.0 hablamos de cómo estas plataformas permitieron a todos los usuarios de internet convertirse en creadores. Algunos de esos creadores acumularon una gran base de seguidores y empezamos a oír hablar de “influencers”, dando lugar a la etapa 2.0, la monetización a través de publicidad o acuerdos comerciales. Ahora estamos en la 3a etapa, la monetización directa a través de la comunidad, como por ejemplo, modelos de suscripción.

Y si nos enfocamos en los creadores de contenido, cuáles pensás que son los principales pros y contras que se enfrentan en la actualidad?

Según el último informe en este asunto, en la economía de los creadores hay 50 millones de creadores de contenido, y de ellos, 46.7M se consideran amateurs. Estos creadores intentan monetizar su talento a través de su contenido, publicado en las diferentes redes sociales que existen. Pero hay una realidad, el 88% de los creadores a tiempo completo no pueden vivir de ello, hay una falta de clase media en esta economía. ¿Por qué sucede?

Por un lado, los intereses de la plataforma y los creadores no están alineados. Recordemos que la principal vía de ingresos (en algunas redes suponen el más del 95%) es la publicidad. Mientras los creadores quieren establecer conexiones cercanas con su comunidad, y los usuarios quieren tener una relación más real con sus creadores favoritos, la plataforma quiere servir el mayor número de anuncios posible. Para ello, necesita que el usuario esté consumiendo contenido constantemente, en el scroll infinito. Las plataformas quieren captar la atención de los usuarios, y los algoritmos están pensados para mostrar sin descanso contenido que retenga al usuario. Los creadores son el gancho, los usuarios son las audiencias. Esto hace que la plataforma no esté diseñada pensando en el creador. Con unos algoritmos cambiantes que además no son transparentes, y unos formatos que la plataforma va priorizando, el creador invierte más tiempo en adaptarse a los deseos de la plataforma si quiere tener algo de oportunidad de monetización, que a crear

¿el renacimiento de un grande?

el contenido de la manera que lo sienten. Esto hace imposible para un creador mostrarse como quiere, y aún más, llegar a su audiencia de manera regular. Con esta situación, la monetización es una opción al alcance de muy pocos. Como ejemplo, el acceso al programa de creadores en TikTok es para quienes tienen más de 100.000 seguidores, para ganar $1,000 al mes un creador necesita 2,000,000 de reproducciones en Youtube, 25,000,000 en TikTok o 100.000 seguidores en Instagram.

Monetización, exposición, quitar intermediarios, fidelización, son palabras y frases que en BeatHey analizamos a diario y definen nuestras acciones.

¡Qué acciones, si se pueden contar, tiene Taringa! planificadas para cambiar la realidad actual de los creadores de contenido?

Nuestra nueva propuesta se va a basar en tres pilares: Comunidad: el alma y esencia de Taringa!. Espacios donde tener una relación horizontal entre creadores y su comunidad, y entre los miembros de la comunidad. No se trata de tener las comunidades más grandes, sino de que las que se formen compartan valores, intereses y forma de comunicarse.

Modelo de Negocio: revisaremos el modelo de ganancias para que refleje el valor que aportamos a creadores y usuarios. Haremos una redistribución más equitativa de los recursos entre quienes aportan valor.

Monetización: ofreceremos soluciones para que los apasionados puedan ingresar desde cualquier parte del mundo, de manera inmediata, con mínimas comisiones y en una moneda estable. Esto lo haremos a través de crypto y blockchain.

Mi perfil es técnico y realmente soy un creyente de Blockchain como una tecnología que va a cambiar industrias, pero la realidad es que aún es bastante compleja la interacción para el usuario en general.

¡Qué desafíos encuentran en Taringa! sobre este frente y como tienen pensado mitigarlo?

Totalmente de acuerdo en que la experiencia utilizando

estas tecnologías es demasiado compleja todavía para una adopción masiva. Nosotros lo resumimos en que “tenemos que hablar el mismo idioma” que la gente que queremos que se una a Taringa!. En primer lugar, nosotros no hablamos de tecnología. Hablamos del problema y de la solución. Del valor. Si te digo que abras una wallet para recibir una stablecoin, te pierdo. Si te digo que te registres y podrás ingresar desde cualquier parte del mundo de forma inmediata, te gano.

El gran desafío al que nos estamos enfrentando es desarrollar una experiencia de usuario intuitiva cuando integramos los elementos Web3, y es la gran obsesión de nuestro equipo de producto y tecnología, que están innovando para traer la mejor experiencia.

Por lo que cuentas, ¡viene algo completamente nuevo! Alimenta nuestra ansiedad con algún “lo que viene, lo que viene ...”!

Efectivamente, se viene algo nuevo, ¡de verdad! Nos dimos cuenta que para solucionar el problema para los creadores y sus comunidades, necesitamos una innovación tecnológica. Estamos reconstruyendo Taringa! desde cero. Se viene una app móvil, se viene una web con una experiencia totalmente renovada, se viene una plataforma segura, escalable, rápida; se viene una Taringa! con soporte de diferentes formatos de contenido; se viene una integración con blockchain y criptomonedas. Esto ha sido más de “algún” lo que viene :).

Para cerrar y acepto un “no te puedo contar” ¿cuándo podremos comenzar a disfrutar del relanzamiento de Taringa! ? ¿Se seguirá llamando Taringa!?

Taringa! es una marca querida y reconocida, no nos hemos planteado cambiar el nombre. Lo nuevo… a lo largo de 2023 :)

Muchas gracias Cristina, estaremos expectantes de toda nueva información y nos encargaremos de comunicar a la comunidad BeatHey.

¡Gracias a vosotros! Esperamos ver una Comunidad BeatHey en el nuevo Taringa! :)

Pareciera que estamos en el paraíso musical armado estratégicamente sala por sala. En su diseño notamos enseguida que es un lugar que trabaja en comunidad, la calidez de quienes llevan adelante Estudio Santa Marta va acorde a la perfección en cada detalle sonoro y acústico del lugar, como si vibraran a tempo. Charlamos con uno de los estudios más lindos en Buenos Aires, con quienes estamos armando una nueva alianza junto a BeatHey.

PH: DAVID LESCANO

ESTUDIO

POR NICOLÁS BELDI

¿Quiénes forman el equipo de Santa Marta?

Santa Marta comienza a tomar forma en el 2006, fue el año donde se armó el primer espacio. Comenzó como un home studio para grabar nuestros proyectos y los de amigos un par de años antes, pero podemos decir que ese año comenzamos a pensar que tener un estudio era algo que queríamos y que necesitábamos para nuestra felicidad. Muchos de nosotros venimos del mundo de la música de toda la vida, otros fueron tomando la decisión de no querer dedicarse a otra cosa y se sumaron al equipo.

Hoy en día Santa Marta somos Santiago Napoli, Orestes Di Vruno, Pape Fioravanti, Santiago Rey, Nicolas Pestarino, Carla Martin, Primo Benavidez, Gonzalo Peralta y Cinthia Rodríguez que es nuestra manager estrella y quien se encarga de que todos seamos más felices.

Nuestro concepto no es el de un estudio cerrado con equipo fijo, creemos que la mejor manera es que todos se sientan parte y aporten su granito de arena.

¿Qué artistas destacados pasaron por el estudio?

En estos más de 15 años pasaron por nuestro espacio artistas como Nicki Nicole, David Lebon, Negro García López, Cazzu, Ecko, Cuentos Borgeanos, Pepe Céspedes, Lo Pibitos, Shigant-G, Acru, Marcela Morelo, Replik, Jrei, Ráfaga, Bianca Lif, Vane Butera, Sara Hebe, Valen Madanes, Mavi Díaz, Rocio Cravero, Karen Paz, Santiago Alonso, Argenlive, Juku Ares, Tiempo, Dominga tuvo sus Días, Los Fenómenos, Niño Etc., Mora Navarro, Cuyoman, Chinelaspersas, Enfermera, Toro (MX), O´Connor, La Chancha Muda, Los del Portezuelo, Ignacia, Azcurra, Tomas Amante, MAD, Beatrice Inferno y muchísimos artistas más.

Cuándo reciben una idea en Santa Marta ¿cuáles son los siguientes pasos?

Lo primero que sucede cuando nos llega una idea es decir que SI, somos emprendedores por naturaleza. Luego vendrán reuniones, juntadas y pensamientos para ver de qué manera hacemos que esa idea crezca y sea lo que todos queremos.

¿Qué significa mezclar?

Creo que ¨mezclar¨ podría interpretarse como la manera de lograr que lo que uno escucha en su cabeza salga por los parlantes de cualquier dispositivo. También es común escuchar el dicho de que la primera mezcla es el arreglo y la composición de la canción, si eso está bien, es muy probable que el proceso sea mucho más fácil.

¿Cuál es la manera de trabajar y que cosas hay que tener en consideración a la hora de producir con el artista?

En general lo primero que hacemos es reunirnos con el artista y charlar sobre su búsqueda, lo que está necesitando el proyecto y las diferentes opciones que existen de llegar a un mismo resultado. Una vez que estamos alineados en las ideas y lo que el artista necesita se arma un plan de trabajo a medida.

¿Cómo manejar el ego al tratar con un artista? ¿Cómo ayudarlo a desarrollar su idea?

Creemos que el ego llega hasta donde la confianza lo deja, si uno confía en su equipo de trabajo, sabe que lo eligió justamente porque cuidan el proyecto tanto como el artista. La mejor manera de ayudarlo a desarrollar sus ideas es primero q nada respetándolas, ya que el artista es en definitiva quien tiene en su cabeza lo que quiere para su arte y segundo, potenciándolas, agregando nuevos puntos de vista, nuevas herramientas y acompañándolo en la toma de decisiones para llegar al resultado que todos queremos.

¿Qué nos pueden contar del convenio entre BeatHey y Santa Marta?

Estamos muy contentos de esta posibilidad, creemos que hacen falta nuevas y buenas ideas para darle una vuelta de tuerca a la escena y la industria y que no todo sucede en el MAINSTREAM, de hecho el porcentaje es mucho mayor en el ámbito independiente y es ahí donde una plataforma como BeatHey es fundamental para brindar nuevas ideas y herramientas para que el artista pueda mostrar su proyecto, monetizarlo, y muchas herramientas más que hoy en día son fundamentales para que los proyectos sean sustentables.

FESTIVAL DESCOMUNAL

Capital de la Música Emergente se trasladó a 10 municipios de Canelones y Montevideo, Uruguay en modo festival. BeatHey fue parte de la convocatoria para seguir tejiendo redes dentro la comunidad de la música, y también tuvo su participación mediante artistas representantes de la plataforma, Juku Ares (Buenos Aires), I Griega (Córdoba), Maca Montovi (Neuquén) que dieron shows dentro del primer festival intermunicipal de bandas emergentes en Uruguay.

I Griega Maca Montovi

Fundación Fans de la Música junto a 5 Municipios de Canelones, 5 de Montevideo y la Intendencia de Canelones organizaron el primer festival intermunicipal de bandas emergentes, para unir el territorio y descentralizar la cultura.

Durante 3 días, más de 60 bandas provenientes de Uruguay, Argentina, Chile y Brasil se presentaron en 17 escenarios que cubrieron desde el centro al oeste de la zona metropolitana, en un hito cultural inédito.

El evento representó un aire fresco para la promoción de la cultura territorial y joven con un despliegue de más de 50 personas en producción y más de 250 artistas de Uruguay y la región.

Desde el jueves 17 hasta el sábado 19 de noviembre 2022, 17 escenarios funcionaron en simultáneo en los municipios A, B, C, D y G de Montevideo y los municipios de La Paz, Las Piedras, Los Cerrillos, 18 de Mayo y Progreso de Canelones.

BeatHey participó en el Festival aportando la propuesta artística de proyectos de la comunidad; Juku Ares (Buenos Aires) se presentó en el Centro Cultural Artesano de Peñarol y finalizó su paso por el festival tocando

Juku Ares

en el Antiteatro Canario Luna de Montevideo. Maca Montovi (Neuquén) se presentó en Las Piedras dando su primer show acústico, continuó en Parque Rodo en un escenario extraordinario y participó del cierre del festival en La Paz junto a Andando Descalzo (Buenos Aires) y otras bandas uruguayas. I Griega (Córdoba) se presentaron en Plaza Principal, Cerrillos y finalizaron su visita al Uruguay con un tremendo show en Anfiteatro Capurro.

Durante el festival se llevaron adelante acciones que promueven la igualdad de género, enmarcadas en el 25 de noviembre, Día Internacional para la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres.

“Durante 3 días, más de 60 bandas provenientes de Uruguay, Argentina, Chile y Brasil se presentaron en 17 escenarios.”

Swing Kids

Los discs jockeys se inventaron en la Berlín de preguerra. Casi heroicamente. Estamos en 1936, los nazis empezaban a joder a todo el mundo. Unos años después ocupan la ciudad de Berlín. La vergonzante historia que sobrevino es conocida por todos.

Por Bobby Flores

Cartel de la exposición Entartete Musik («Música degenerada») de Múnich en 1938

Berlín era en esos años la ventana por donde gran parte de la cultura occidental se iniciaría. Una ciudad muy influenciada por el movimiento artístico/arquitectónico Bauhaus liderado por el maestro LeCorbussier, la vida en módulos se hizo doméstica. También se genera el movimiento de la poesía doméstica, en el que los poetas ya dejaban de ocuparse del cielo o la eternidad de la gloria del amor, esas chorradas, y empezaban a dedicarle sonetos a la estufa, o a la silla, que después tomaba fragmentada el fabricante de sillas agregando unas poéticas palabras abajo de la marca en el cartel, dando origen a la publicidad.

De ninguna manera Berlín era rica, tampoco era pobre, no era justa y moralmente se estaba experimentando groso.

Los jóvenes avanzados, la intelligentsia berlinesa eran los Swingjugends, como despectivamente los bautizaron los nazis.

Judgens significa juventud, swing era algo que los nazis desconocían, pero despreciaban.

Los Swingjugends eran amantes del estilo de vida anglo/americano, se vestían como dandys londinenses con impermeables y pañuelos al cuello, también escuchaban jazz americano, Louis Armstrong, Charlie Parker, Thelonious Monk, Dixieland. Eran la vanguardia intelectual en ese desmadre ciudadano.

A los Swingjugends se los popularizó 50 años después como Swing Kids por un film de moderado éxito. Pese a las actuaciones de Christian Bale y Kenneth Branagh, a los premios que ganó su coreografía, la historia estaba contada muy Hollywood, y de Hollywood esta historia no tiene nada.

En Berlín a finales del ´30 los Swingkids empezaron a pasarla pésimo.

Obviamente a los nazis estos desalmados que se visten raro mientras escuchan música de otras culturas raciales eran material de exterminio.

Por lo tanto.

Empezaron a perseguirlos, de variadas maneras como irrumpiendo en los bares que frecuentaban a pedir el carnet nazi o directamente aplicando la violencia en las calles. Ciertamente prohibiéndoles los discos y los libros angloamericanos.

Como siempre pasa en las dictaduras violentas, los chicos comenzaban a procurarse todo lo que les estaba vedado de maneras ilegales, pero no injustas.

Ahí es cuando un grupo de Swing Kids, los que tenían gramófonos (esos tocadiscos de metal con una bocina arriba) corrompen a unos estibadores del puerto, que por poco dinero les desviaban los cajones donde llegaban esos discos.

Digamos que contrabandeaban discos de jazz.

Cuando los soldados abandonaban el puerto, los Swing Kids pasaban a recoger el valioso cargamento y muy canutamente los llevaban a alguna terraza, o algún sótano, y los reproducían a sus amigos avisados del evento, para que bailen, canten o simplemente compartan un gran rato con iguales.

Ellos fueron los primeros disc jockeys de los que se tenga registro.

Obviamente cuando las juventudes hitleristas se avivaron, empezó una brutal cacería.

De allí en adelante, ante las provocaciones y las burlas que los Swing Kids dedicaban a los svasticos, los nazis se calentaron y los empezaron a mandar a campos de concentración, o directamente a acribillarlos en grupo.

Los Swing Kids se la bancaron hasta que pudieron, pero llevaron las de perder siempre, así que no quedó ninguno.

Héroes de la resistencia intelectual al nazismo, deberían ser más recordados. Pero como me enseñaron cuando empecé en esto, en 1977, el mejor disc jockey es el que menos se ve.

Y a pesar de festivales, o redes, sigo pensando lo mismo.

Yo, digo, no es algo que recomiende.

“Héroes de la resistencia intelectual al nazismo, deberían ser más recordados.”

AUDIENCIAS, MARCAS Y CELEBRIDADES: ¿POR QUÉ LOS eSPORTS SE CONVIRTIERON EN EL NEGOCIO DEL FUTURO?

El dato ya no asusta, asombra, ni molesta: el mercado de los videojuegos es ampliamente superior al de la música, el cine y el deporte. Además, por recorte etario, es la industria que sostiene la más sólida de las proyecciones. ¿Por qué? Bueno, básicamente porque las audiencias históricas están envejeciendo y las nuevas aumentan y se concentran cada vez más. Según un reporte del Sports Business Journal, los consumidores de eSports tienen un promedio de 20 años, mientras que los del tenis tienen unos 61, los del fútbol unos 40 y los del básquet, unos 42. Entonces, ¿qué mejor que los videojuegos para catalizar la voracidad de contenido de los jóvenes?

Así las cosas, la investigadora de mercado Newzoo aseguró que, durante 2021, la audiencia de los deportes electrónicos fue de aproximadamente 307 millones. Con este envión, marcas tradicionales como Coca Cola, Nike o MasterCard y clubes como FC Barcelona, Paris Saint Germain o Boca Juniors ya se están acercando a este nuevo y poderoso espacio. Todos quieren ser parte, nadie quiere quedarse sin un trozo de semejante pastel. Audiencias al límite: ¿los Oscar? ¡Puesto menor!

En esa lógica, desde el 2010 hasta el presente, con la avanzada de juegos como Dota 2, Fortnite, Free Fire, FIFA o League of Legends, el mundo de los eSports terminó de profesionalizarse, de agrupar al público y de encontrar, de paso, su punto más álgido en la historia. Y, entre ellos, League of Legends, el videojuego multijugador de arena de batalla en línea más importante del mundo y mascarón de proa de Riot Games, se emplaza como la gran aplanadora. Sin ir más lejos, la final del Campeonato Mundial de League of Legends (Worlds) de 2021, tuvo un pico de unos 73 de millones de espectadores en simultáneo, aumentando un 60% en comparación a su edición anterior.

Y para tomar dimensiones: el Super Bowl, uno de los eventos deportivos más relevantes del universo, que enfrentó a los Cincinnati Bengals con Los Angeles Rams y que tuvo como show principal la presencia de Dr. Dre, Eminem, Snoop Dogg, Mary J. Blige y Kendrick Lamar, manejó unos 112 millones de espectadores en su última edición.

¿Y los Oscar? En su cosecha 2022, que tuvo el revuelo pop de Will Smith y el famoso “cachetazo” a Chris Rock, llegó a alrededor de 15 millones de espectadores. Mientras tanto, su récord ocurrió en el año 1998 cuando el éxito de taquilla de Titanic los acompañó y logró juntar unos 52 millones de espectadores.

“Los Game Awards no se pasan por televisión. El último Game Awards tuvo tres veces más audiencia que los Oscar. Andá a explicarle al mainstream que los Oscar ya casi no tienen importancia. Para los patrocinadores sería más importante que empiecen a ver los Game Awards”, le dijo recientemente el empresario de medios argentino Mario Pergolini al periodista Andy Kusnetzoff. Allí, Pergolini se regodeaba a propósito de los 85 millones de espectadores que agrupó The Game Awards, la gala de videojuegos más importante del planeta. Una foto nítida y contundente.

POR HERNÁN PANESSI

PHOTO BY FLORIAN OLIVO ON UNSPLASH

El caso argentino

Por caso, Argentina se yergue como uno de los países con mayor crecimiento, con más jugadores y más audiencia. De hecho, en la final del Clausura 2017, disputado en el Direct TV Arena, concurrieron unas 7.000 personas. Y, más acá, durante la Gamergy de 2022, el evento de eSports europeo que llegó recientemente a la Argentina, pasaron unas 50.000 almas y la final de la Liga Latinoamericana de League of Legends, que se llevó adelante en Tecnópolis, tuvo una audiencia de 210.000. Es que el ecosistema de los deportes electrónicos se emplaza dentro de un mercado interesante, heterogéneo y muy apasionado con los deportes. Y, por estos días, está trascendiendo a las generaciones de jóvenes y se está convirtiendo en un deporte reconocido mundialmente. De hecho, el Diario Olé, uno de los medios líderes del mundo de los deportes en Sudamérica, incorporó cobertura permanente del universo de los eSports. Según un estudio realizado por la compañía Telecom, el consumo de los videojuegos en Argentina aumentó un 12% entre 2020 y 2021. A su vez, títulos como Fortnite, Free Fire y League of Legends tuvieron un crecimiento doméstico del 110%.

Celebridades en el negocio de los eSports

La tendencia impone que deportistas líderes como

los argentinos Sergio “Kun” Agüero y Fabricio Oberto, los españoles Fernando Alonso y Gerard Piqué, los norteamericanos Shaquille O’Neal y Stephen Curry, entre muchísimos otros, se sumen al mundo de los eSports con sus propios equipos. Y que, en consecuencia, marcas internacionales como Movistar, Puma y MasterCard, entre otras, también pongan un pie con equipos propios. En ese sentido, de acuerdo con la firma de análisis de mercados BlinkFire, la marca alemana Adidas se colocó en el primer lugar de marcas con más engagement durante los primeros meses de 2021, el año del boom de los eSports.

eSports: negocio y pasión

PwC Global Media afirma que la música crece unos 0,7% por año (USD 46 billones) y el cine unos 7,1% (USD 41,4 billones). ¿Y los eSports? Entre 2016 y 2020 crecieron unos 8,5% anuales (USD 100 billones). El dato es que para 2025, los eSports crecerán un 70% alcanzando un valor de USD 3.500 millones de dólares, según un estudio de la firma de investigación Juniper Research. Los números son realmente impresionantes y la oportunidad está anidada –fundamentalmente- en los fanatismos.

En la conformación del público del League of Legends se destacan los jóvenes de entre 15 y 30 años, principalmente

hombres, de todos los sectores económicos. Asimismo, sin contar a los jugadores de Valorant (unos 14 millones y un billón de partidas en su primer año), la firma Riot Games alcanzó los 180 millones de jugadores activos en 2021. Por lo demás, el fenómeno de los eSports trasciende a los videojuegos, convirtiéndose en un estilo de vida y en una verdadera pasión. Algunos datos gravitantes: en la actualidad, más de la mitad de la población europea, el 54% o unos 250 millones de personas, juegan con mayor o menor frecuencia. Mientras tanto, en América Latina, los e-games siguen ganando relevancia y sumando audiencias y jugadores.

La situación pandémica

Según la investigadora de mercado Newzoo, todos los segmentos gaming vieron un aumento en el compromiso y los ingresos como resultado de las medidas tomadas a propósito del COVID-19. Al igual que les sucedió a los youtubers y a los distintos generadores de contenidos, el mundo del gaming encontró en el distanciamiento un socio perfecto: creció el público, explotó el ocio, se ensancharon las audiencias.

Por ejemplo, los juegos para computadora, impulsados por sus 1.300 millones de jugadores, crecieron durante 2020 un 4,8% interanual, a razón de unos USD 36.900

millones. Un alza que puede atribuírsele casi por completo a las medidas tomadas a partir del confinamiento social.

Oportunidades para todos y todas Horas de entretenimiento. Sangre, sudor y teclas. La tecnología como gran protagonista de estos tiempos y la máquina de generar views, no para. Hoy, los eSports representan infinitas oportunidades: aparecieron –inhalen- casters, directores técnicos, referís, psicólogos deportivos, equipos profesionales, jugadores amateurs, espectadores avezados, comentaristas, curiosos, medios especializados, analistas, organizadores, jueces, managers –exhalen- y una infinidad de “nuevos oficios, personajes y misceláneos” que se incorporaron al ecosistema fichinero. Así, entonces, la cantidad de dinero que mueve el negocio y el volumen impresionante de audiencias (por ahora, un combo soñado) permite que miles de personas conviertan su pasión en su trabajo. Y la oportunidad, aquí, es tanto para las marcas como para los jugadores. Incluso, con tooodos estos números y bajo esta perspectiva, algunos se atreven a afirmar que el gaming puede convertirse en uno de los empleos del futuro. Como dijo Raúl Fernández, gerente general de Riot Games Latinoamérica, en una entrevista para El Planeta Urbano: “Más que del futuro, diría que es el empleo del presente”.

Photos by Ella Don, Sean Do & Josh Berendes on Unsplash

LA IMAGINACIÓN AL PODER O EL PODER DE UN PUEBLO QUE IMAGINA

Vivimos en una época de vacío de significado. O más bien, en una época de significantes vacíos, de símbolos vacuos que ya no refieren a nada. Este vacío de época, sin embargo, no es ni bueno ni malo. Pues la realidad es lo que es y, en cuanto tal, no puede ser objeto ni de pesimismo ni de optimismo. No se cancela necesariamente toda esperanza. Se trata de una situación que desafía la creatividad de cada uno de nosotros como sociedad.

POR FEDE VIOLA

Este agujero de sentido en nuestra historia contemporánea nos ofrece tanto una oportunidad, así como nos plantea un desafío. Uno negativo, en cuanto la ausencia de sentido implica desorientación, confusión, angustia, etc. Pero tiene también un aspecto positivo ya que abre un espacio despejado para la construcción imaginaria de sentidos nuevos y superadores que puedan servirnos de criterios de orientación frente a la crisis actual.

Por lo tanto, es imperioso que la imaginación vuelva al poder. Como reclamaba la gente en las calles en el mayo del 68, como nos pedía John Lennon a principios de los setenta con Imagine. Es que las épocas difíciles, con sus revoluciones y movimientos sociales, siempre llevan el sello de lo imaginario.

La crisis actual de nuestra sociedad, local y global consiste precisamente en la merma, cuando no, en la absoluta ausencia de creatividad para imaginar formas nuevas, alternativas de vivir con sentido que nos lleven más allá de la precaria situación en la que nos encontramos.

Como consecuencia lo nuevo no puede nacer, los cambios se hacen esperar demasiado. Y nuestra búsqueda de sentido queda insatisfecha. Porque, como afirmaba Hannah Arendt, la razón humana no aspira a la verdad sino al sentido. Y la verdad y el sentido no son en absoluto lo mismo.

Tanto para Cornelius Castoriadis como para Yuval Harari, el historiador israelí mimado en Silicon Valley, el animal humano no está determinado en absoluto, ni por su biología, ni por sus circunstancias. De manera que, ambos coinciden en esto, todo colectivo humano, toda comunidad, todo pueblo, imagina sus instituciones, su propia forma de organización. Al fin de cuentas su forma peculiar de ser. Es decir que la especie humana se imagina y se crea a sí misma. No se trata, insisten ambos pensadores, de una mera característica que distingue a algunos colectivos humanos de otros. Se trata del rasgo distintivo de lo humano en cuanto tal. Pero el humano puede imaginar también su perdición, su destrucción, su ruina. La imaginación es la fuerza que puede salvarlo o destruirlo. Porque la capacidad creativa imaginaria puede ser autónoma y responsable o puede ser alienante, negligente y deshumanizante. En todos los casos, la disminución en la capacidad creativa no es la merma de una mera capacidad mental, sino que constituye la merma de aquello mismo que nos hace humanos. Al disminuir la creatividad y la imaginación no disminuye, por lo tanto, la perspicacia del espécimen humano sino el nivel mismo de humanidad que lo hace ser tal, y el individuo termina alienándose a mitos políticos, científicos, religiosos, o de cualquier índole.

El animal humano es el único espécimen cuyo modo de ser es imaginario. Esto pone en juego no sólo la capacidad creativa del homo sapiens, sino que también se juega a la vez y en última instancia su responsabilidad.

Platón echó a los poetas de la ciudad y los condenó al ostracismo porque la imaginación de sus creaciones eran una duplicación de la realidad de las ideas que no podían ni debían ser distorsionadas. Hoy sabemos que no hay mundo ideal más allá del que tenemos. Y el mundo real en el que vivimos es único. Es nuestra responsabilidad como sociedad, como pueblo, imaginar no en el sentido de reproducir imágenes de una utopía inalcanzable, sino en el sentido de crear una realidad efectivamente mejor, sustentable, que posibilite una buena vida para toda especie animal, empezando por la nuestra. Esa es nuestra tarea genuinamente política como músicos, poetas, artistas, innovadores, empresarios… Nos cabe la tremenda responsabilidad y el hermoso desafío de aportar creatividad imaginaria para construir una forma de convivencia social mucho mejor para que valga la pena ser vivida.

“La imaginación no puede ser objeto ni de pesimismo ni de optimismo. Se trata de una situación que desafía la creatividad de cada uno de nosotros como sociedad.”

Cuando el cine nos habla de música

La simbiosis existente entre el cine y la música es innegable. En algunas producciones un buen score puede cambiar totalmente la experiencia haciéndonos recordar una película para el resto de nuestras vidas. Cuando un gran filme es acompañado de una gran banda de sonido es probable que estemos hablando de un clásico. Sin embargo, en determinadas ocasiones un guion está escrito específicamente para hablar de la música, es el eje principal. Allí deja de ser un complemento para vestirse de gala, es la invitada de honor. Hay innumerables producciones en este sentido, pero en esta oportunidad voy a recomendarles tres documentales y dos películas que aún después de verlas hace tiempo siguen hincando fuerte en mis huesos.

POR HERNÁN BUSTAMANTE (NANGO)

@NANGOCINE

SEARCHING FOR SUGAR MAN

(2012) 87 MIN. SUECIA

Lo considero el mejor documental sobre música jamás realizado, dueño de una mística espectacular. A finales de los 60´, Sixto Rodríguez, un cantautor desconocido pero con mucho talento, es descubierto por un par de productores y saca dos discos los cuales fracasan rotundamente. El éxito nunca llegó y el cantante desaparece de la faz de la tierra con rumores de suicidio. Sin embargo, uno de sus discos llega a Sudáfrica en plena época del Apartheid transformando a Rodríguez en un símbolo de libertad de expresión y lucha contra el sistema. Dos fanáticos sudafricanos comienzan a intentar dar con el paradero de Sixto y lo que sigue es MAGIA PURA.

AMY

(2015) 128 MIN. REINO UNIDO

Este documental sobre Amy Winehouse, que falleció en 2011 a los 27 años por una falla cardíaca consecuencia de sus excesos con las drogas y el alcohol, cuenta con una bocha de entrevistas e imágenes inéditas de archivo. Amy, una monstrua total del jazz (ganadora de 6 Premios Grammys), ya desde muy chica se empezó a ver afectada por el divorcio de sus padres. Con un talento increíble y una voz única e irrepetible, había logrado ser una estrella mundial sacando solo dos discos, pero la fama, un amorío frustrado con Blake Fielder, la prensa amarillista, las presiones de la industria y de su entorno e incluso problemas alimenticios, la condujeron finalmente a su trágico destino.

THE LAST WALTZ

(1978) 117 MIN. ESTADOS UNIDOS

Documental rodado en 1976 por Martin Scorsese. Allí el director filma los conciertos de despedida de “The Band”, por los que pasaron Bob Dylan, Neil Young, Van Morrison, Eric Clapton, Ringo Starr, Ronnie Wood, Dr. John, Joni Mitchell, Neil Diamond, Muddy Waters y otras figuras míticas del rock de la historia. Ya en ese entonces Scorsese venía de filmar Taxi Driver así que tenía cierto renombre y como buen cineasta creó algo distinto que con el tiempo se volvió más y más valorado. Se logra transmitir la diversión y el amor por el rock. Las estrellas no se ven como tal sino como personas comunes y corrientes viviendo un sueño.

AMADEUS

(1984) 158 MIN. ESTADOS UNIDOS

En la corte del Emperador José II de Austria, el que cortaba el bacalao era Antonio Salieri, un músico espléndido con soberbia ganada, respetado por todos. Hasta que una personita llamada Wolfang Amadeus Mozart aparece, un genio sin igual con oído absoluto y Salieri queda relegado a un segundo plano. Ofuscado por la pérdida de protagonismo empieza a cometer algunos actos para arruinar la carrera del joven prodigio. Del otro lado del mostrador, Mozart, un pendejo insolente se muestra totalmente excéntrico e indisciplinado, lo que enfurece aún más a Salieri. Una mirada fascinante acerca de una de las rivalidades mas conocidas en la historia de la música.

WALK THE LINE (2005) 136 MIN. ESTADOS

UNIDOS

Jame Mangold es un director que nunca metió un clásico, pero tiene en su haber una colección de joyitas: Identity, 3:10 to Yuma, Logan, Ford v. Ferrari. Acá entra de lleno en la Biopic de Johnny Cash, un cantante de música country y su mujer June Carter. Phoenix y Witherspoon (ganadora del Oscar por esta interpretación) son los actores que encarnan a los personajes y juntos tienen una química increíble. Cash se había convertido en el artista más popular del momento, llegando a vender más discos que The Beatles.

SAVE LA DATA

Dentro de la amplitud y el colorido de la escena de la música urbana argentina, Save La Data ocupa un lugar insular. A pesar de que sus shows en vivo se transformaron paulatinamente en su mejor tarjeta de presentación, al igual que en una experiencia única, no se trata de un colectivo, ni de una crew. A lo que más se parece es a una banda. Pero ni tanto. O quizá es la síntesis de todo eso. El Auelo, MC de este laboratorio sonoro todavía en

construcción, mide sus palabras al momento de definir la identidad del proyecto. “Es un grupo cuyo espíritu creativo se basa en la colaboración”, explica. “Nosotros cinco somos el núcleo estable, y a partir de ahí sumamos a otros músicos. Proveemos la producción, el manejo del material y la gestión de fechas. A los artistas invitados sólo les pedimos que hagan su parte performática de la manera más lúdica posible”.

POR YUMBER VERA ROJAS

Aunque tampoco es una jam, Save La Data es un compendio de músicos del funk, del R&B y del hip hop argentino: movidas que supieron cobijar y moldear ese formato. “Somos un híbrido”, aclara El Auelo. “Cuando el proyecto surgió, era una especie de jam curada o preproducida. La idea era generar unos beats, y ofrecerlos. Pero nos agarró la pandemia, y todo lo que eran shows en vivo se cortó. Modificamos el eje, y empezamos a hacer esos beats para una situación más cancionera. Le pasamos la instrumentación a los artistas para que compusieran un tema, una letra o lo que sea”. A lo que Sophie Sobral, cantante del grupo, añade: “En esa etapa inicial, nuestra idea nunca fue hacer covers, que es algo característico de las jams. Queríamos que surgieran composiciones arriba de los beats. De hecho, muchas de las canciones fueron compuestas para nuestro primer show”.

Si los grupos que reivindican al groove tienen su sostén en la base rítmica, en Save La Data ese lugar lo ocupa la dialéctica entre el bajista Federico Ulrich y Manquel Lo Presti, devenido en este caso en beatmaker o en algo parecido a un arquitecto sonoro. “Cuando hago el sampling, imagino de qué manera pueden sonar la batería y el bajo, en primera instancia. Después viene el resto de la instrumentación”, describe Manquel. “No tenemos referencias de otros proyectos que hagan lo mismo que nosotros. Los beats provienen de vinilos y casetes heredados de abuelos u otros familiares. Pero nunca usamos cosas tan trilladas. Tratamos de reciclar sonidos vintage con elementos que vamos consiguiendo. Alguien en otra parte del mundo debe estar haciendo algo similar a lo que hacemos que nosotros. No lo sabemos. Aunque tampoco sería motivo de inspiración”.

Entonces El Auelo, también frontman de Militantes del Clímax, ahonda: “La motivación y por qué surgió esto fue porque Manquel estaba experimentando con el sampleo, que es una técnica que a mí me gusta mucho y que es característica del hip hop”, apunta. “A partir de eso, la idea era colaborar con artistas que cada uno de nosotros fue conociendo, y con los que generó vínculo. Tiene una cosa más social dentro de la música. Por ahí no podemos colaborar con esa gente en otro contexto, como en mi caso. Militantes de Clímax es una banda grande, y eso me limita a poder hacer algo con algún cantante o una rapera que me gusta. Save La Data es más manejable, y es lo que nos divierte. Tiene un espíritu más por ese lado que por la búsqueda propiamente musical. Lo sonoro terminó siendo producto de las personas que estábamos involucradas y del deseo de explorar”.

Artistas como Cusifai, An Espil y Emcikre están entre las voces invitadas de los exiguos registros musicales de Save La Data que se pueden conseguir en las plataformas digitales de música. También en YouTube. Sin bien el concepto del proyecto está resuelto, aún no le encontraron definición a la manera de presentarlo. Hasta ahora no existen discos del grupo, sino extractos de grabaciones de shows en vivo. “Es lo que más nos cuesta responder cada vez que nos preguntan por lo mismo”, se sincera El Auelo. “Es un proyecto extraño que surgió en un contexto extraño como la pandemia. Fue lo que pudimos hacer en ese momento. Para nosotros era mucho más fácil laburar desde el sampleo y las voces, que juntar a una banda. No podías salir de tu casa, pero sí podías mandar un archivo por Internet. Es algo medio indefinido, ahora estamos produciendo cosas”.

“Los beats provienen de vinilos y casetes heredados. Pero nunca usamos cosas trilladas. Tratamos de reciclar sonidos vintage”

Más allá de la particularidad del proyecto, la propia coyuntura (por la razón o por la fuerza) fortaleció su esencia: reciclar la información. O, como su nombre lo indica, salvar la data. En la medida que van tomando conciencia sobre el hecho creativo, le ponen rótulo al resultado de su producción: track, pieza, canción. “Es un poco de todo”, afirma Sophie. “Quizá hay algo flotando en el aire, un concepto de buscar dejar sentada la data en distintos formatos. Jugamos con eso a propósito. Por eso la estética tiene que ver con el disquete o el videocasete. Hay beats de Save La Data que son grabados desde un casete o sampleadeos desde ahí. Le mete un poco de verdeo”. Y El Auelo completa: “Nos divierte explorar. Nos divierte conseguir un equipo viejo, una máquina de ritmos vieja, y sacar un beat de ahí. Pese a que hoy lo podés hacer de Internet, esa es nuestra parte nerd. Forma parte de las cosas con las que crecimos”.

En 2020, apenas nació este laboratorio sonoro, cada uno de sus integrantes hizo su aporte arqueológico y de archivología. “Fui a buscar los vinilos que dejó mi abuelo, que eran de tango”, rememora Sophie, dueña de una carrera solista que tiene en el single Colores su más reciente lanzamiento. “Se los di a Maquel, quien se puso a buscar una orquesta zarpada, y armó un beat. Nos es que buscamos música de los géneros que nos gusta. Sería más fácil. Pero preferimos rescatar elementos

que son impensados”. Sin embargo, la solidez del acabado final de las pistas contrasta con la metodología de trabajo del quinteto. “Somos desorganizados en ese sentido”, reconoce la cantante. “Los beats surgen más de la curiosidad espontánea. Uno deja un vinilo, y otros se ponen a escucharlo. Y se arma una colaboración. Igual, estamos todo el tiempo conectados en lo cotidiano”.

El Auelo aprovecha esa cotidianidad para diseccionar aún más el proceso de producción de los beats en Save La Data: “Cuando nos juntamos a escuchar los discos, sacamos un par de loops. Un poco empieza por ahí”, revela. “Por ahí quedan cuatro o cinco beats básicos, rudimentarios, que van a parar a una especie de archivo. Y después viene la parte de la colaboración. Dependiendo de si el invitado es un vocalista o un músico, vemos el tipo de música que hace, el tipo de onda. Dentro del archivo de beats disponibles, y que están medio crudos, empezamos a tantear cuál pista le queda mejor. Se trata de hacer un macheo entre las ideas que hay, con lo que uno se imagina para ese artista. A partir de eso, le damos dos o tres opciones para que se sienta cómodo o cómoda al momento de elegir. Cuando eso vuelve con una propuesta, se empieza a construir una composición”.

A la hora del show en vivo, y como resultado de ese trabajo de producción previo, Save La Data puede llegar a tirar

alrededor de 18 pistas. “El vivo nos ordena. Es el espacio para poner a circular esos beats que se cocinan previamente”, especifica Sophie, lo que le da pie a El Auelo para aclarar: “No hay tanta improvisación. A los recitales llegamos con los temas ya listos. Algunos son breves y otros instrumentales, que sirven para las intro”. Aparte de los dos cantantes, del DJ y del bajista, el grupo lo completa Johnatan Vainberg en guitarra (es asimismo sonidista de Save La Data, al igual que de Wos, Nafta y Militantes). Ellos son el núcleo estable, al que se van sumando en sus actuaciones (de manera itinerante) otros cantantes y músicos. “Entre nosotros tenemos un set básico, donde incluimos los temas grabados”, detalla Sophie. “Luego se suman los invitados, que por ahí hacen temas que no están grabados”.

Si bien está latente la posiblidad de que no participen invitados, la misma experiencia de su performance termina invocando el featuring. Y esto evoca el espíritu de fraternidad de las iniciáticas block parties. “No tenemos 20 años”, expedita El Auelo. “El hip hop lo curtimos desde jóvenes. De chico, yo grababa mis casetes de la radio, y para mí ese es un soporte hermoso. Al igual que el vinilo. Poder explorar

eso es algo que nos da mucho gusto. Además, acá es muy difícil tener una samplera o a una máquina de ritmos. Son equipos que están viejos”. A pesar de su devoción por el pasado, Save La Data no deja de mirar al futuro. “Mi sueño de niño era pasar por la puerta de un bar, escuchar hip hop y entrar a ver qué pasaba. Pero lo que terminaba sucediendo era que tenía que tomarme un tren y dos colectivos para ir a un lugar donde eso sucedía. Por eso me encanta que sea hoy un lenguaje comprendido”.

Por más que Save La Data ponga la tilde en su cualidad experimental, apelando incluso a ese groove lo-fi y a esas voces souleras para sostenerla, en sus presentaciones en vivo la respuesta ha sido diferente. Su participación en el festival Hit Hot en el estadio Obras Sanitarias, en septiembre de 2022, fue fiel reflejo de ello. “Fue el primer show que hicimos en un escenario grande”, expresa El Auelo, cuyo proyecto paralelo compartió grilla con Militantes del Clímax, An Espil y Nafta. “Pensamos que el público iba a ir más tarde, como suele pasar. Pero había bastante cuando salimos al escenario. Ese show lo tomamos como el cierre de una primera etapa: desde que surgimos hasta hoy. Y eso fue algo muy lindo para nosotros. La verdad es que no podíamos haber pedido más. Fue una manera de rendirle tributo a la gente que nos apoyó desde el principio”.

“Nos divierte explorar, conseguir un equipo viejo y sacar un beat de ahí. Pese a que hoy lo podés hacer de Internet”

El Gigante nació en 2006 de la mano de una importante marca de fernet cordobés. Lo que se conoció como “El Aguantadero 1882” funcionó donde hoy se erige el Estadio “Eber Ludueña” ¿Sus fundadores? Nunca quedó muy claro. “Un día nos levantamos y ahí estaba, como si hubiese estado siempre. ¡Qué institución!” declaran desde el estadio. Este año gracias a un grupo de entusiastas del fútbol en general, el club logró la personería jurídica con la idea de afiliarse a AFA con su equipo de Fútbol Femenino.

POR NICOLÁS BELDI

¿Cómo es la conexión entre El Gigante y la música? El Gigante y la música, un flirteo permanente. Desde aquellas noches de canilla libre de la bebida made in Córdoba, con bandas como Pampa Yacuza o Fabio Rey (guitarra de Los Brujos, Kanishka Kanishka, entre otros hits!) con su proyecto FANFARRÓN, (sobre aquel escenario, que hace poco el club donó a una iglesia) hasta los cotejos con figuras de la talla de Andrés Gimenez (Animal, D-mente), que se midieron con el representativo local, pelota de por medio. O el folclorista pop Abel Pintos, que pasó a saludar en el cumpleaños del mismo Andrés.

Hoy, con las nuevas generaciones, el bar cercano al campo de entrenamiento es un lugar con parlantes, que escupe bandas y estilos de acuerdo al PF de turno. Pero la escencia del club es rockera muchaches! Que eso quede claro. No hay ni habrá reggeaton, trap, ni trapo que pueda limpiar eso.

¿Por qué estadio “Eber Ludueña”?

Eber es amigo de la casa, incluso el personaje “vivió” en el club (como un guiño a la historia René Housemán en Excurisionistas?), y ya en el ocaso de su incomprobable carrera como futbolista profesional.

Durante más de 10 años, el (4), tuvo su sala de operaciones en una de las oficinas de la PB, con vista al empedrado de la Belaustegui. Como Elvis, que manejaba sus negocios y giras, detrás de la mansión de Memphis. Muy parecido pero bien diferente. Un “Graceland” un poco más lúmpen y con menos presupuesto que el del ícono del rock and roll americano. Al margen, Eber nunca pudo mover las caderas adentro de la cancha como lo hacía el Rey durante sus shows.

En 2017,como ardid de prensa, decidimos encarar el “naming”, para nuestro petitero estadio.

River lo hizo hace poco con un supermercado y otros importantes clubes del mundo también lo llevan adelante como recurso marketinero. Nosotros lo hicimos mucho antes, con el nombre y apellido del ídolo que no fue. El Gigante, siempre a la vanguardia!

¿Cómo se organiza el club?

Entrenamos jugadores, siempre con pelota. Pero además, tenemos gimnasios y un consultorio de kinesiología aplicada al fútbol. Trabajamos los estímulos cognitivos de los jugadores con materiales y dispositivos que uno de nuestros socios, nos acercó de un viaje la China. En pandemia, y después de una durísima puja en CD, se apro-

bó la instalación de un techo transparente que abre en pocos segundos, dependiendo la fuerza del que tire de la soga. Solamente el AJAX de Amsterdam tiene un sistema semejante! Europa en Villa Crespo.

¿Cómo manejan la escuela?

Tenemos horarios para grupos femeninos, masculinos y mixtos amateurs. Los profesionales y chicos/as de inferiores practican durante el día. Solos/as o en grupos reducidos, como requiere la práctica de la técnica individual, que es lo que buscan mejorar los que eligen practicar con nosotros. Florencia Quiñones (ex Barcelona, capitana de Boca, hoy retirada y DT de la Selección Sub 17/20) tuvieron su escuela bajo el tinglado que nos ampara de la lluvia, el granizo, y porqué no, de esas palomas pendencieras que no dejan de bombardearnos con lo suyo.

¿Qué es la educación futbolera?

Tener códigos adentro y afuera de la cancha, ir al frente por el compañero/a y por la casaca.

“Más nosotros y menos yo, más grupo y menos individuos”, citando al ex DT de la Selección, Alejandro Sabella. Y si hablamos de entrenadores, dónde se ubica El Gigante en la grieta más famosa del folcklore de DTs? Menotti o Bilardo? El narigón, sin dudas. Digan lo que digan los que se jactan de ser amantes del buen fútbol. Es un deporte simple. Complejizarlo, llenarlo de palabras que le dan nuevo vocabulario y minutos al “periodismo” “deportivo”, no tiene demasiado sentido. “Basculación”, “Tras pérdida” y otros latiguillos del estilo se repiten incesantemente como para darle importancia, muchas veces, a un mensaje carente de contenido. El fútbol es más simple. Y como le dijo El Carpo a DJ Deró: “Búsquense un trabajo honesto”. Cabe el recuerdo al blusero de Riff, que llegó a tocar en New York invitado por el incomparable ¡B.B.King! Bilardo, la presión de Timoteo, y eso sí, el juego de los equipos de Cruyf, Guardiola y el muñeco Gallardo. A la coctelera. Trabajo, trabajo y más trabajo. Automatizar los movimientos hasta transformarlos en naturales. Cúantas veces ensaya una banda un tema hasta que suena dignamente?

En ese sentido, en el fútbol pasa exactamente lo mismo. Hablemos claro y con un mensaje querible y creíble.

¿Tienen equipos profesionales?

Entrenamos jugadoras/es profesionales y de categorías inferiores. Muchas de las chicas del fútbol de AFA entrenan con nosotros, y fue así, como surgió la relación del club con el fútbol femenino, lo que hoy nos llevó a formar nuestro propio equipo con un nivel realmente competitivo y ganando de a poco, un lugar en la disciplina.

¿Qué jugadores reconocidos pasaron El Gigante?

Por nuestro billar futbolero desfilaron Manu Lanzini, Coco Lamela, Christian Castillo, Sebastián Torrico, Santiago Montiel, Nicolás Navarro, Pablo Trejo, Diego Latorre, muchísimas figuras de antaño y el propio Eber Ludueña, claro. Aunque nunca jugó, porque siempre estuvo lesionado. Y cuando se presentó en condiciones, no lo pusimos porque nos bajaba el nivel de los picados. Si hasta el NBA de los Lakers, Steve Nash pisó nuestra alfombra. Pero esa noche se cortó la loz y terminamos jugando en una canchita vecina, con poca iluminación y paredes amenazantes bien pegadas al físico del que se animaba a sacar un lateral. El misterio de las habilitaciones en la Ciudad de Buenos Aires. Volviendo a Nash, el tipo no puede decir que El Gigante y el Staple Center de Los Angeles difieren mucho, porque prácticamente no vio nada gracias a los amigos de Edenor. Oscuridá Internacional. Del femenino, Camila Gómez Ares, Cecilia Ghigo, Lorena Benitez, Stephanie Melgarejo, Victoria Costa, Rocío Bueno, Adriana Sachs, Dalila Polito, Ludmila Rodriguez, Yamila Rodriguez, Clarisa Huber y un sinfín de chicas de la UAI, River, Boca, Racing, Independiente y muchos clubes más.

¿Cómo definirían los valores del fútbol?

El fútbol enseña. En una banda, juegan los egos, el querer ser protagonista, titular, etc. Los grupos se terminan disolviendo y el front man encara su carrera solista. En el fútbol los equipos no se disuelven, pero jugadores y técnicos pasan de largo. Los clubes y el amor por la camiseta, quedan. El que no haya practicado un deporte de grupo seguramente nunca entienda de qué pomo estamos hablando.

NOTA: La persona que respondió a las preguntas de esta entrevista, lo hizo con canilleras puestas y prefirió mantenerse en el anonimato, por temor a las represalias de Eber Ludueña, en caso de haber fallado con un dato sobre su persona o su carrera profesional. La última. ¿Qué suena en el walkman de Eber? Trocha Angosta, Los del Fuego y otros grandes. Mientras tanto, en El Gigante, hay música y fútbol para rato.

Nicolás Chamorro es un incansable trabajador de la escena electrónica Argentina. Llevando adelante 2Robots –su proyecto como DJ por casi dos décadas–, pero también produciendo música y eventos, se mantiene como un actor activo de la escena. Para conocer más sobre su recorrido y actualidad, nos encontramos en una charla.

2ROBOTS

POR DAMIÁN LEVENSOHN PH: MARIEL D’EGLISE

Hace más de una década llevas adelante el ciclo Technoir ¿Cuál es su actualidad? Technoir nació en el año 2010 buscando crear un espacio para los djs nacionales y pequeñas productoras, siempre apostando a los nuevos talentos. El ciclo tiene su residencia en Club Bahrein, expandiéndose a lo largo de los años a todo Argentina y exterior con diferentes showcases. Technoir es uno de los ciclos electrónicos con mayor permanencia ininterrumpida en la noche de Buenos Aires.

Mi idea siempre fue que el ciclo sea ese lugar donde los nuevos artistas puedan desarrollarse, una mezcla de vieja escuela y el nuevo sonido, y no solo con los artistas, que el público que venga a nuestras fiestas se sienta parte de ella también es importante. No me gustan los guetos o tratar al público como un número, quiero que sean parte de nuestra pasión y amor por lo que hacemos.

El ciclo pasó por Techno Takeover (Mar del Plata), D-mentes (Entre Ríos), Grooveros (Uruguay), Aquabarra (San Luis), Pueblo Limite (Villa Gesell), Torreon del Monje (Mar del Plata). Actualmente, seguimos en Bahrein, junto a Carlos Ruiz en la residencia.

¿Qué nos podés contar sobre ADISC? ADISC es una Asociación Civil fundada en 2004 por un grupo de amateurs y profesionales del sonido y la iluminación. Fue fundada por Oscar Calderon, Pont Lezica, Rafael Sarmiento, Carlos Ruiz, Ramón Gallo y Guillermo Guiraldes. Siempre trabajando por la unión de los colegas, organizando actividades para los djs, apoyando a las escuelas de djs buscando el desarrollo intelectual y cultural de los colegas, fomentando el respeto y la jerarquización de nuestras actividades. Desde el año 2006 realizamos el concurso Dj Mix, donde brindamos a los djs un espacio para mostrar su talento, con grandes artistas como jurado. Nuestro fin es colaborar en el desarrollo profesional de los djs, facilitar los medios para su futura inserción laboral y generar entre los participantes el sentido de camaradería, que creo hoy es muy importante.

¿Cuál es tu análisis de la escena nacional electrónica actual?

La escena electrónica luego de la pandemia cambió mucho. Antes había más ciclos y djs generando eventos, la movida nacional necesita de sus artistas siempre, ya que esa es la verdadera base de su desarrollo. Lamentablemente la catarata de djs internacionales hace que sea muy difícil

mantener un ciclo y más aún si hay un sector que limita la movida. Se crean guetos que no dan oportunidades a los artistas, un monopolio que solo genera negocios para ellos, pero no aporta nada al desarrollo de la cultura electrónica. Es triste y viene pasando hace rato. Luego de que muchos djs no lo pasaron nada bien con el parate de la pandemia, pensé que quizás las cosas podían abrirse y generarse más lugar para los artistas nacionales, pero lamentablemente no fue así y el monopolio creció aún más y solo uno puede mantenerse en la movida si es rehén de ellos, ya sea siendo parte, no opinando en contra o teniendo ciclos que contraten solo sus artistas. Los artistas argentinos son muy buenos, en el mundo se tiene un concepto muy alto de nuestros djs y productores. Por esa misma razón es que muchos optan por irse afuera a desarrollar sus carreras.

¿De qué maneras crees que se puede revertir la informalidad que hay alrededor de todos los aspectos laborales del dj en nuestro país?

Es un tema que siempre va ligado con la unión entre colegas, parece algo trillado, pero creo que sin unión no podremos llegar a tener mejores condiciones y derechos laborales.

Sin dudas sería muy importante tener un sindicato con el cual poder ayudar y asesorar a los djs, teniendo derechos laborales fijos y condiciones establecidas para los contratistas. Desde ADISC siempre estuvo el proyecto de crear un sindicato, ya que los djs están desprotegidos, no solo en las condiciones laborales, sino también en su futuro fuera de la actividad o con su salud, pero la desunión y los intereses siempre dejaron trunco este proyecto.

¿Cuál es la actualidad del proyecto 2Robots?

La actualidad es muy positiva. En 2006 cuando creamos el proyecto junto a mi gran amigo Adrián Hour, no paramos de crecer. Durante el 2010 Adrián emprendió su proyecto solista y yo seguí adelante con el seudónimo 2Robots produciendo eventos en todo el país.

Hoy sigo teniendo mi residencia en el Club Bahrein, también estoy produciendo música para diferentes sellos, tanto con mi seudónimo 2Robots como con el aka Evil D. También estoy trabajando en Bailar x Ellos, que es un evento solidario para juntar alimentos para diferentes comedores. Por otro lado, estoy realizando un evento llamado Generación 90, donde rememoramos el sonido electrónico de esa década.

“Los artistas argentinos son muy buenos, en el mundo se tiene un concepto muy alto de nuestros djs y productores.”

Coni Cibils Astrologarte

Con la llegada de los podcasts a BeatHey se abrió un mundo nuevo para lxs oyentes de la plataforma, y Astrologarte lo podés escuchar destacándose entre lo más interesante de nuestro contenido.

La música y compositora Coni Cibils nos cuenta cómo surgió este espacio donde conviven terapias alternativas y el deseo de sanar por medio del arte junto con la música, la astrología y el tarot.

¿Por qué el nombre Astrologarte?

Es un juego de palabras entre el arte y la astrología que son las áreas en las que me desenvuelvo, pero también como una analogía entre las diferentes terapias alternativas y el deseo de sanar utilizando el arte, la música, la astrología y el tarot como medios que te llevan a explorar desde la experiencia sensorial y el mundo del inconsciente y no tanto desde la cabeza. Astrologarte es una manera de conocerte, mirarte, indagar adentro tuyo, y también de jugar. Es como si te dijera: Dale, animate, descubrite, mirate. Así que creo que de algún modo es una definición de algo que no tenía nombre.

¿Cómo surgió la conexión entre arte y tarot?

Desde que tengo memoria fui y sigo siendo una apasionada del arte en todas sus formas. Crecí en una familia de artistas con un costado esotérico bastante presente con lo cual, para mí la música, el dibujo, la pintura tanto como el Tarot o la Astrología me acompañaron desde muy chica. Con el tiempo me fui dedicando a encontrar mi propio modo de expresarme, sobre todo, desde la música y la pintura, pero vivía compartimentada. Pensaba que tenía que ser música o pintora o escritora. Tenía todas mis partes discutiendo entre sí. Esto me trajo un conflicto interno profundo y de muchas dudas. Tiempo después y recién estudiando astrología a fondo fue que comprendí que la clave era integrar. Digamos desde la carta natal a donde como en un mandala podés ver todas tus áreas relacionándose entre si. Fue un descubrimiento fascinante para mí. La clave estaba en integrar y sentir que el proceso creativo es el mismo. Componer una melodía, como la letra de un tema o trazar una línea o un color es lo mismo, es un modo de expresarnos.

¿Qué le recomendarías a alguien que quiere iniciarse en el mundo de la astrología?

Que sea paciente y vaya incorporando conceptos poco a poco, que comience estudiando su propia carta, que comprenda lo que representa cada uno de los arquetipos a fondo, y que eso que vaya incorporando lo ponga en práctica. Que observe, que sienta, que lo internalice y, sobre todo, que tenga paciencia ya que es una ciencia que creo que no se deja de estudiar nunca. Puede ser de una manera autodidacta como asistiendo a una escuela de astrología, creo que más que donde o como estudiar, pasa por el compromiso y el deseo de aprenderla.

¿Cómo saber diferenciar contenidos?

Creo que tiene que ver con el grado de compromiso y entrega que cada uno le ponga a las cosas. Hay tanta info dando vueltas que si yo me pongo a mirar y absorbo lo primero que se me cruza sin cuestionarme nada estoy en problemas, pero si algo me interesa profundamente investigo, quien es la persona que me está brindando información, que corriente de pensamiento tiene, si lo que dice me nutre y siento que aprendo entonces está bien sino afuera.

Editaste un disco recientemente, ¡felicitaciones!

Mi último trabajo musical es un disco que se llama Etérea, lo grabamos en 2019 junto a Claudio Rodriguez y Matías Parisi, recién edité en 2022.

Una vez realizado el trabajo comprendí que ese disco cerraba una trilogía que comenzó con mi primer disco llamado Un lugar y el segundo Bosque de luz. Son los relatos de una historia que se fue transformando a través de los años, que tuvo un principio y un final y la fui contando en forma de canciones.

Pueden seguir a Coni Cibils en sus redes sociales para futuros talleres de Astrología y Arte y escuchar su podcast en nuestra plataforma www.beathey.com

POR NICOLÁS BELDI PH: EVE GRYNBERG

“Astrologarte es una manera de conocerte, mirarte, indagar adentro tuyo y también de jugar.”

Alexis Moyano La búsqueda más allá del resultado

Conocí a Alexis Moyano allá por el 2018. Ya con el primer video sabía que su humor me interpelaba. Según él, en sus trabajos reina el absurdo. Hace dibujos animados para Muy Liebre, UN3TV y Cartoon Network. Además, es el autor del libro “Me aburro rápido”. Así que, sin más preludios, ¡vamos!

¿Cómo te gustaría ser presentado?

Suelo poner que hago dibujos animados, porque si ponés animador se confunde con animador de televisión. Si ponés ilustrador y animador por ahí se entiende un poco mejor. ¡Diseñador, también!

¿Qué te hizo entrar al dibujo?

Tenía muchos referentes. Yo dibujo más que nada por mi viejo que también dibuja. Pero no pensaba en eso como un trabajo. Era un momento más personal que de trabajo. Sí tenía referentes como Quino, Caloi. Los miraba y no podía creer lo que hacían, los admiraba y los admiro.

Alguna vez le preguntaron a Quino: “¿Para qué sirve el humor?”, y él respondió: “Sirve para poner en evidencia las cosas absurdas que hacemos los seres humanos”. A partir de esto, ¿Por qué elegiste el humor? y, ¿Para qué sirve el humor?

¿Cómo aprendes o de dónde aprendes? ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?

Fui a un secundario con orientación artística estatal, donde ahí aprendí un poco lo básico del dibujo, muy intensivo, muy fuerte. Después fui a la FADU, de la Universidad de Buenos Aires, esa es mi formación académica. Lo más puntual de animación, autodidacta en internet por tutoriales. El estilo no es buscarlo o hacer siempre lo mismo, sino armarte un Frankenstein, ser una esponja de un montón de cosas, y en ese absorber también está en ver a la gente que te gusta lo que hace y ser un observador crítico. Ves algo y decís: “uy, ¡cómo resolvió algo esta persona!, a ver qué piensa…” y a partir de esto ver entrevistas y ver qué cosas dice.

¿Cómo te das cuenta cuando alguien o algo es bueno? ¿Qué es lo que tiene que tener ese ilustrador/animador para que te guste?

(Sonríe) Sí, emm… Me resulta medio complicada responder esa pregunta, porque la verdad es que es algo que no pienso mucho. No es que digo, voy a hacer reír o elijo el humor, es lo que me sale, es algo instintivo. Si bien hay cosas que hago que no tienen humor o no tienen chiste, siento que lo que más suelo hacer es el absurdo, que a veces tiene un chiste a veces no. A veces está más claro, a veces no. Me gusta eso, me gusta el desconcierto. Creo que el humor es un vehículo, al menos a mí me divierte mucho, más que el remate en sí.

¿Y creés que sirve para algo el humor?

Sí, sirve para un montón de cosas. Sirve desde un tema social de crítica. Es un vehículo para un montón de cosas, hasta lo psicológico. En mi caso particular, tiene que ver con usarlo como un vehículo en el que pude somatizar ciertas cosas con el humor. Lo aprovecho para decir cosas que de otra manera no se me ocurre cómo.

Está re buena la pregunta, entro en discusión con amigos y colegas sobre: “¿Qué es dibujar bien?” Hay ahí una pregunta que me parece muy importante, porque parecería ser que en el común de la gente o de las personas que no están tan en contacto con el dibujo, creen que dibujar bien es dibujar perfecto, dibujar realista, y me parece que no. Por ahí cuando ven algo que no responde a eso piensan que dibuja mal o que está mal dibujado, y a mí me parece que hay otras complejidades y como todo lo artístico está metido el gusto personal. En mi caso particular, creo que lo que me gusta es reconocer algún proceso interno o algo particular de la persona que lo hace, la búsqueda de esa persona, más allá del resultado. Lo que más me gusta supongo que es cuando no termino de entenderlo, pero sé que hay algo, ¿viste? Y cómo eso funciona, bueno me quiere emocionar de determinada manera, cuando lo logra, es: “uhh, qué loco esto.” Supongo que esas son las puntas.

¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Tenés algún modelo a la hora de crear?

La verdad es que no tengo un método que sigo, una rutina, nada. Con la experiencia de ser freelance fui estableciendo y aprendiendo algunas cosas. Lo que aprendí como patrón es a anotar las ideas. Descubrí que al principio confiaba mucho en mi memoria y si se me ocurría algo en la calle decía, cuando llego a casa lo hago y cuando llegaba si no lo había anotado, me lo olvidaba. Entonces empecé a anotar cosas, disparadores, que a veces terminan en una animación, en un trabajo, en un dibujo, o en nada la mayor parte de las veces.

¿Qué pensás que serías vos y tu trabajo si internet no hubiera aparecido?

Hablando en un mundo ideal, supongo que tendría una tira en algún diario o alguna cosa medio de la tele, tipo un show animado. Pero lo más probable es que no hubiese podido hacer nada sin internet. Porque los lugares para desarrollarte eran mucho más reducidos, más difíciles de entrar. Para cosas un poco más alternativas o de experimentación, es muchísimo más difícil.

¿Qué te gusta además de dibujar? Me imagino que la música, ¿no?

Sí, la música me gusta mucho, la retomé hace poco. Se complementa un montón, tiene algo que me gusta. Estuve haciendo un podcast en el cual hago canciones originales y también me convocaron para otro podcast, y por primera vez fue un encargo de trabajo que era solo música, hacer canciones. Fue un recontra desafío y estuvo buenísimo. Es algo que me intriga y que hay algo de la obsesión, de destrabar, de entender cómo funciona.

¿Y cuál es tu relación con la música electrónica?

No soy un gran consumidor de la parte más hard, tipo Techno, pero hay música que me gusta. Todo lo que tiene sintetizadores, el ritmo constante del bombo, siempre me llamó la atención. También lo que me

gusta de la música electrónica es que siempre tuvo esa característica de vanguardia. Toda esa parte es la que más me atrae, más allá de algún artista o estilo puntual.

Vamos con un ping pong final.

¿Qué te hace reir o, quién te hace reír?

Emm… El absurdo, por completo.

Una música. Música brasilera. Un artista.

Quino

Una película.

Social Network

¿Qué aprendiste con el paso de los años?

A no dar por supuesta las cosas.

¿Cuál pensas que es tu error más habitual?

Dar por supuestas las cosas.

Si aparece el mago de la lámpara y te concede un deseo, ¿qué le pedís?

¡Guita! (Risas)

Podés conocer más del trabajo de Alexis Moyano en:

https://alexismoyano.com/ https://www.instagram.com/_alexismoyano/ https://twitter.com/_alexismoyano

https://www.youtube.com/c/AlexisMoyano/videos

Dúo conformado por Corina Lawrence y Tito Losavio. Pacha Beat son referentes de la folktrónica, mezclando lo latino con la electrónica, los deep sounds y la experimentación, que es un elemento participe de sus presentaciones en vivo. Hablamos con Corina del proyecto y los tiempos para trabajar a la distancia.

¿Cómo nace el proyecto?

Pacha Beat nace en 2015 en Buenos Aires, cuando Fede Melioli, bajista de Hilda Lizarazu, nos conecta a Tito y a mí. El buscaba una cantante para un proyecto electrónico-latino de improvisación, y yo justo llegaba a Buenos Aires después de vivir largo tiempo en México, así que las cosas se dieron para que nos conociéramos y en seguida fuimos a jammear a un estudio, “a ver qué pasaba”, y estuvo buenísimo, hubo sintonía, así que comenzamos a vernos

para ensayar en casa de Martín Millán, baterista de árbol, que en ese tiempo estaba en el proyecto con nosotros. Tocamos en formato trío en varios lugares por dos años y grabamos un disco. Luego en 2017 me mudé nuevamente a México, y ahí comenzó otra etapa de Pacha Beat, a distancia y esta vez en formato dúo.

¿Cómo se manejan con la distancia? ¿los tiempos artísticos?

BEAT

Fuimos aprendiendo a fluir, a tener paciencia. Cuando viaja Tito a México (o cuando voy a Argentina) aprovechamos para tocar. La pandemia también significó una larga pausa, así que ahora, cada vez que estamos en el mismo país aprovechamos para tocar, grabar y componer. Por lo demás, cada uno tiene sus proyectos personales, así que vamos equilibrando entre todas esas facetas de la vida. ¡Lo más importante es seguir conectados entre nosotros!

Siendo referentes de folktrónica ¿Que opinan de la masividad del género que año tras año sigue creciendo?

La folktrónica ya es una trade mark argentina, un sello distintivo, y eso nos beneficia a todos los que estamos en esa corriente. Hay muchísimo talento y está bueno que haya tanta apertura para este género, tanto en Europa como en Latinoamérica.

¿Es parte de su identidad o que el proyecto podría

ir mutando hacia otros lugares de experimentación?

El bichito de la mutación siempre está al acecho, pero digamos que mantenemos ciertas bases: lo latino, el deep sound, la electrónica y la experimentación vocal.

¿Cómo es un show de Pacha Beat en vivo?

Sin dudas la parte de improvisación le da un toque distintivo. Nos interesa mostrar PROCESOS en vivo, y no solo resultados. Mostrar cómo se va construyendo el beat, cómo se va construyendo la melodía, ¡y hasta la danza! Porque el performance es parte importante del show. Entonces es muy enérgico, tiene mucha fuerza, las letras y melodías son canalizadas, y uso loops y efectos en la voz, así que tiene una gran cuota “mágica”. Es realmente un ritual.

¿Qué planes siguen a futuro en el proyecto?

¡Seguir tocando en Argentina y México, todo lo que se pueda! Y sacar nueva música también. ¡Siempre en movimiento!

“La folktrónica ya es una trade mark argentina.”

POR NICOLÁS BELDI PH: CELESTE URREAGA

CICI CICI

Cynthia Manzi es una artista con fuerza explosiva y singular estilo estético en tarima, ha venido forjando una gran trayectoria como actriz y performer desde temprana edad, iniciando su formación como artista en su ciudad natal Salta. Se ha desempeñado con gran destreza en las tablas, donde su talento y capacidad vocal sobresalen cada vez más, llegando a ser reconocida con el Premio Hugo como mejor actriz de reparto por su participación en la obra MAMAPUNK “anti opera” que fue un gran éxito y le permitió explorar sus talentos musicales en vivo, recreando la obra de Nina Hagen adaptada especialmente para ese show.

POR JULI URTICA

PH: GABRIEL MACHADO

“Me dejo llevar por la intuición y lo no perfecto, ahí está lo más profundo y bello de la música.”

CICI es el nombre que representa la faceta musical de esta artista performática que desde el año 2020 se abocó a su carrera musical, trabajando en la producción de una forma ecléctica donde se permite mezclar estilos como pop, funk y voces líricas acompañadas generalmente por bases electrónicas que se amalgaman con sus particulares letras.

Hablamos con ella para conocer más sobre su trabajo y proyecto.

¿Cuál dirías que es el elemento que tiene la música que no tienen las demás artes y que logró hipnotizar tu creatividad?

La música para mí reúne todas las artes, a través de un simple sonido uno puede crear un imaginario real, ficticio o algo que está por suceder. Hay un elemento fundamental en la música que cualquier persona conecta con alguna célula del cuerpo y la vida. La música logró penetrar todo lo extraordinario que se puede generar con ella. No hay explicación lógica, simplemente es un viaje emocionante.

¿De dónde viene la influencia de la ópera para CICI?, ¿es una herencia de tu participación en la exitosa Mamapunk basada en el arte de Nina Hagen?

La ópera está en mí desde muy chica, mi mamá me hacía escuchar ópera y música clásica, estudié durante mi infancia canto lírico y después dejé, porque tuve pánico escénico en una presentación para muchas personas y mi voz quedó atrapada, no salió. Desde ese día me dediqué solo a la actuación. Mucho tiempo después volví a reconectarme con el canto.

En 2017 por Karina K, una artista reconocida en la escena del Teatro musical y en la dirección, me dio la posibilidad de encarnar el material de Nina Hagen, artista de vanguardia alemana de los 70’ y 80’, la primera artista mujer en fusionar la ópera con el rock y múltiples estilos. Me fascina el mundo Hagen por su propuesta musical e impronta desde lo vocal, crea muchos mundos y personajes por segundo. Al escuchar la fusión del canto lírico con el punk rock, me voló la peluca. Sin duda hoy tengo influencias, de Nina Hagen, Björk, Bowie, pero busco mi propio sonido y mi identidad musical.

¿Podrías sintetizar brevemente lo que es para ti el universo conceptual de CICI?

Es un universo integral donde se fusionan diversos géneros de la música, entre ellos, electro rock, ópera, synth pop junto a un despliegue visual en escena, con vestuario, movimientos y visuales en vivo.

Háblanos un poco de la inspiración para las letras de tu música. Surgen a través de la música. Sale primero del tempo de una Batería o de un simple sonido que escuche en la calle o en algún sitio. Muchas de las letras son existenciales, por ejemplo, Ovnipresente es dedicado a mi hermano que tiene una fascinación por los objetos voladores y las galaxias. La misión que tienen mis letras va de la mano del sonido que transmito con la voz y la música, ahí está toda la data. No busco la perfección, me dejo llevar por la intuición y lo no perfecto, ahí está lo más profundo y bello de la música.

¿Qué puede esperar el público y los nuevos adeptos de Cici para el futuro?

Mi única misión con el público es la sinceridad. Sin duda llegaré al corazón de las personas. Se viene en todas las plataformas mi primer álbum, con temas nuevos y algunos singles anteriores más renovados, lxs invito a viajar un rato con CICI.

Mila

“Hay muchas cosas que son efímeras, siempre hay que darle bola a lo real de todo eso.”

Belini

Presentamos una artista que fue llamando la atención a fuerza de singles cargados de atmósferas, emociones y videoclips a la altura de la calidad compositiva de las canciones.

Con procedencia desde el teatro y la danza, les presentamos a Mila Belini, oriunda de Mar de Ajó, donde el paisaje inspiró su desarrollo creativo.

¿Cómo nace tu amor por el arte y la música?

Cuando terminé el secundario me metí de lleno en el mundo del teatro, a vivir a Buenos Aires, y tomar clases con Norman Briski, él tuvo mucho que ver en ese proceso, paralelamente estudiaba Filosofía, danza-teatro, teatro físico, piano y composición musical, iba a clases de canto. Ese momento fue terrible para mí, dormía muy poco, trabajaba para sustentarme y me esforzaba mucho por empaparme de toda esa cultura y técnica. Al poco tiempo empecé a ensayar una obra de teatro escrita por Norman, de la cual resulté protagonista. Una obra super compleja en la cual yo tenía que evidenciar mi talento. En los ensayos abiertos las críticas eran muy duras, y en medio de esa frustración empecé a buscar la manera de sacar la voz. Hice de todo, cuando me quise dar cuenta estaba cantando y repitiendo las melodías que se me ocurrían. Cuando sentí que era el momento saqué mi primera canción, “Pídelo”.

¿Qué nos podés contar de tu lanzamiento Rosas y Dagas?

Fue muy especial el momento de crear la canción. Me acuerdo que empecé a cantarle la canción a Wiko que agarró la guitarra y acompañó la melodía de la letra. Conectamos muy rápido para crear, él es muy talentoso, y ama el RnB. Esa canción ya estaba grabada antes de que yo saque mi primer tema, había que esperar el momento de lanzarla. En el fondo siento que habla de las cosas que uno dice por impulso y al otro se le graban como un tatuaje. Tienen que escucharla para entenderla bien.

Tus singles vienen siempre acompañados de material audiovisual, ¿dónde surgen las ideas de los videos?

Siempre que trabajo una canción por encima hay un concepto, una atmósfera podría decirse en mi imaginación. Me gusta mucho escribir, cuando tengo la canción la escucho describiendo esa atmósfera. Suelo viajar mucho, varias ideas se me ocurrieron escuchando, escribiendo y mirando la ruta. De esa primera idea me acostumbré a resumirlo en acciones físicas, lo que se hace en teatro cuando creas una escena. Voy desglosando, armo el guion y lo comparto con el equipo, se construye mucho al momento de grabar también. Mi último video presenté la idea a los chicos de 797, ellos siempre lo dan todo, Ariel Fontana, Tomas Ferrari, Nahue Portrait y mucha más gente.

Hay cierta atemporalidad en los videos, hay escenas que transcurren en la imaginación, y para mí la imaginación es muy potente.

POR NICOLÁS BELDI PH FLOREAL