DJ Mag ES #130

VINYL

OUT ON 21st DECEMBER 2021 WWW.BANDIDOSMUSIC.COM

DIGITA

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VINYL

L+

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C O N T E N I D O S DJ MAG 130 / DICIEMBRE 2021

Secciones 006 010 0 12 0 14 016 018 020 022 024 026 028 030 032

BREVES 60 SEGUNDOS – RENDHER MIS FAVORITOS – LAU OFF THE RECORD – RAKOON FOCUS ON – CACAO RECORDS 5 TRACKS – MODEL MAN

036

ELECTRÓNICA & ROLL – INSPIRACIÓN COCINAMOS CON – TIBASKO LUCKY 7 – TELMO TRENOR MI CIUDAD – JULIA BONDAR TENDENCIAS – UN LEGADO IRREPETIBLE CÓMO PRODUZCO – COLD SMACK ATTACK EL RINCÓN DE KALI

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Artículos 036 044 050 054 060 066

GIORGIA ANGIULI E-DANCER JOACHIM PASTOR COLLEN ‘COSMO’ MURPHY ALL DAY I DREAM 10 AÑOS PAULA TAPE

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AAA 074

BRUNCH -IN THE CITY @ PARC DEL FÓRUM, BARCELONA

Críticas 076 078

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ÁLBUMES SINGLES

Te ch 090

PLASTIC

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E D I T O R I A L

En un visto y no visto hemos llegado a diciembre. Este año 2021 será recordado como un año raro, de transición en muchos aspectos, en el que lamentablemente gran parte de la escena se ha quedado por el camino.

Sin embargo también es un año de grandes novedades, en el que muchos artistas emergentes han dado un paso al frente postulándose para ser las nuevas estrellas y genios del mañana.

Aunque nuestra protagonista de portada no es que sea emergente…

Siendo una de las artistas más queridas de la escena de techno más melódico y elegante, os traemos a Giorgia Angiuli para cerrar este año de la mejor forma. La italiana convierte en oro todo lo que toca con su música y ahora viene con un nuevo largo, ‘Quantum Love’, en su propio sello, United. Hablamos del disco, de neurociencia, física cuántica, del presente y el futuro… y zanjamos el debate más importante de todos: ¿Quién mola más? ¿Squirtle o Pikachu? Pasad y leed esta más que amena e instructiva charla con la genial Giorgia.

Continuando con otros contenidos, este mes os traemos varios platos fuertes. Para empezar, nos vamos hasta Michigan para hablar con uno de los pioneros del techno, que revive uno de sus alias más queridos.

Hablamos de Kevin Saunderson e E-Dancer, el escaparate que usó en los 90 para su música más contundente.

Después, de la mano de nuestro querido amigo Mick Wilson, nos vamos hasta el Beats Hotel de Ibiza para hablar con una de las artistas más eruditas lo que a house se refiere. Hablamos de Collen ‘Cosmo’ Murphy, que habló con Wilson largo y tendido sobre su historia, en especial de su relación con el legendario David Mancuso. ¡Una historia digna de ser contada!

En clave de descubrimientos musicales, convocamos a uno de los fichajes más flamantes de Armada Music, que estrenó álbum este año. Hablamos de Joachim Pastor, que poco a poco se está colando en las conversaciones de todos los amantes de la electrónica más etérea.

También es un mes de homenajes, como el que hemos hecho en forma de retrospectiva para nuestros amigos de All Day I Dream. Nos sentamos con Lee Burridge, su mentor y creador, para que nos cuente cómo fueron los inicios de la sesión más soñadora del panorama electrónico.

En esas mismas lides, nos hemos sentado con una de las DJs y productoras más elegantes de la nueva hornada de artistas que nos está dando Sudamérica. No podría ser otra que Paula Tape. La chilena ha cautivado con su sonido a plataformas como Rhythm Section International, del reverenciado Bradley Zero y aquí nos cuenta su historia.

Despedimos el año haciéndolo también de un gran prohombre de nuestro tiempo, que nos ha dejado demasiado pronto. Encontrad unas humildes palabras en nuestra sección de Tendencias, como tributo al gran Virgil Abloh. 2022 viene con fuerza amigos y esperemos que también cargado de positividad y buenas noticias, especialmente para todos aquellos que hemos estado luchando por mantener nuestra escena y nuestra cultura a flote durante esta pandemia. Como siempre, gracias por estar allí… ¡Hasta dentro de un mes, amigos!

DIRECTOR GENERAL Y DE CONTENIDOS Eduardo Pérez Waasdorp | eduardo@djmag.es REDACCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es Helena Bricio | redaccion@djmag.es DIRECTORA DE ARTE Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es DISEÑO Y MAQUETACIÓN Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es Miguel Ángel Alvira | miguel@djmag.es DISEÑO DE PORTADA Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA Y VIDEO Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es Pierre Navy | pierre@allinpress.com GENERAL INFORMACIÓN: Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es ADMINISTRACIÓN: Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es MARKETING MARKETING Y BUSINESS MANAGER: Sara González | sara@djmag.es MARKETING INTERNACIONAL: Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es DIRECCION COMERCIAL: Jassi González | jassi@djmag.es COLABORADORES Ángel Manrique, Borja Manzano, Bruno Garca, Cristina León, Charlie Braun, Eduardo Carbonell, Ekai, Esteban Martínez, Fernando Blanco, Gerardo Cartón, Guillermo Delmas, Gustavo Navedo, Helena Bricio, Julia Lozano, Jonathan Prada, Carlos Flavio Bustos, Mugni, Oliver Florez, Rohan G. Finger, Sandra Vian, Sergio Bifeis, Sergio Parrado, Willy Alcocer, Manuel Sánchez-Cid, Miguel Ángel Alvira, Víctor Fernández, Luis Vallespín, Marc Montes y Leire Zuloaga.

EDICIÓN REVISTA DJ MAG SL Passatge Carsi, #16 (Local) 08025 - Barcelona (España)

EDUARDO PÉREZ WAASDORP Director

DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

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B R E V E S Autor: REDACCIÓN

MONEGROS DESERT FESTIVAL CONVOCA A MÁS DE 100 ARTISTAS PARA 2022 ¡Después de dos años de larga espera, la llamada del desierto ha dejado de ser una ilusión! El próximo sábado 30 de Julio, coincidiendo con su 29 aniversario, Monegros Desert Festival despliega su producción más extraordinaria hasta el momento. Más de 10 escenarios, 100 artistas de diferentes géneros, colectivos musicales, compañías de teatro de calle y arte se darán cita en el emblemático desierto. Entre los confirma-

dos, Giorgia Angiuli, Folamur, Fjaak, Rødhåd, Reinier Zonneveld, Shdw & Obscure Shape, Onyvva, Sama’ Abdulhadi, Crystal Distorsion (SP23), Greenlight Soundsystem ft Belen Natali & Pupa Congo, Kierewiet Soundsystem, Niskerone, Pushmann o Wilkinson… ¡y todavía quedan 40! ¡Nos vemos en el desierto! +info y entradas: www.monegrosfestival.com

UNTOLD CONFIRMA EDICIÓN PARA EL 2022 El festival UNTOLD hn comenzado los preparativos para su 7º capítulo, que trae nuevas historias y personajes a este universo mágico. Guiarán a los fans del festival a través de nuevos mundos, con diferentes géneros musicales: EDM, pop house, techno, tech-house, deep house, drum&bass, dubstep, grime, hip-hop, trip-hop, trance, ritmos tribales, reggae; y ¡muchos más espectáculos en directo!

En 2021, UNTOLD fue el único macrofestival

que tuvo lugar en la Unión Europea y llevó a Rumanía a más de 200 artistas y DJs. Más de 265.000 asistentes de más de 100 países volvieron a sentir la libertad, las emociones y la alegría de estar juntos de nuevo en un gran evento. +info y entradas: www.untold.com

NEVERSEA TRAERÁ LA TEMÁTICA THE ISLAND OF DREAMS A SU CITA DE 2022 La cuarta edición de Neversea abrirá las puertas del 7 al 10 de julio de 2022. Después de 2 años de descanso, decenas de miles de ravers de todo el mundo se reunirán en The Island Of Dreams, con los ritmos musicales traídos a la playa de Constan a, Rumanía, por los mejores artistas del mundo. Todo adornado por los inolvidables atardeceres y amaneceres en la Costa del Mar Negro, que acompañarán a los aficionados en su viaje

musical. Durante 4 días y 4 noches, los organizadores del festival prometen una 4ta edición memorable, para que los asistentes vuelvan a sentir la libertad y la alegría de estar junto a sus artistas favoritos, que se anunciarán próximamente. +info: www.neversea.com/tickets

ANIMAL SOUND XS DESCUBRE SU SEGUNDA EDICIÓN INVERNAL Animal Sound presenta un ciclo de seis eventos que servirán como aperitivo para la macro-cita del año que viene y donde se anunciarán sus detalles. Los seis eventos tendrán lugar en la Plaza de Toros de la capital murciana, espacio perfectamente adaptado con un recinto renovado. El viernes 10 de diciembre están confirmados los artistas urbanos Hens, Luna Ki, Soge Culebra, Daniel Sabater y María Blaya. El sábado 11 de di-

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ciembre la fiesta Hemisphere traerá a Paco Osuna, Derek Muller, Suri Kato, Alex Morgan y Don Flúor. Finalmente, el viernes 17 de diciembre Natos y Waor llevan a murcia su explosivo rap & hip-hop para cerrar el festival.

Para acceder necesitarás tu DNI, certificado COVID-19 (vacunación, recuperación o prueba negativa) y entrada. +info y entradas: www.animalsoundfestival.com/animal-sound-xs

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B R E V E S Autor: REDACCIÓN

Puedes encontrar la versión impresa de DJ Mag ES gratuitamente en:

MADRID

•

TVINYL Carrer de Valldonzella, 25 08001

•

CURTIS AUDIOPHILE CAFÉ Carrer de Mallorca, 196. 08036

•

PALMA 39 C/ de la Palma, 39. 28004

•

EL ALMACEN C/Minas 13, 28004

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GUETTO SHOP C/ Embajadores 13. 28012

•

SAE INSTITUTE C/ de Álcalá Nº 265, PISO 2, Edif 4.

28027

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ATER COSMO C/ de la Puebla, 9. 28004

•

RADIAL STORE C. del Conde Duque, 7. 28015

•

MUSIC BUSINESS ACADEMY C/Maria de Molina 39, planta 3. 28033

•

SALA SILIKONA Plaza del Encuentro, 1. 28030

•

POWER RECORDS C/Villarías 5, Bajo. 48001

•

TRADE DJ Entrada por la Lonja, Avenida Moratalaz 149posterior. 28030

•

ESCUELA BAFFLE DJS Travesia Tivoli 3, 48007

•

TRADE FORMACIÓN Calle El Electrodo 5, posterior. 28522, Rivas-Vaciamadrid

•

33I45 BAR & GALLERY Carrer de Joaquín Costa, 4. 08001 •

ASTURIAS •

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PLASTIC C/Calabria 95. 08015

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PACHA BARCELONA C/Ramón Trias Fargas. 08005

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THE BASS VALLEY Passatge Can Polític, 13, 08907 L’Hospitalet de Llobregat

•

BRIDGE_48 C/ de Llull, 48, 08005

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MICROFUSA Ronda Guinardó, 65. 08024

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DISCOS REVOLVER Carrer dels Tallers, 13. 08001

CASTELLÓN •

ENIGMA RECORD C/Prim 10, Bajo. 12003

DONOSTI •

BARCELONA DISCOS PARADISO C/Ferlandina 39. 08001

THE BASS VALLEY & STUDIO DJ CENTER C/ Jil de Jaz nº3, C.C Galerías Pidal, local 14.

33004. Oviedo

BILBAO

FLUGE AV Calle Sierra de Albarracín, 61. 28500, Arganda del Rey

•

LA VEINTINUEVE Banys Nous, 14. 08002

DABADABA Camino de Mundai, 8, 20012

GIRONA •

EUMES C/ de Baix, 2, Espai Marfà, 17006

GRANADA •

DISCOS BORA BORA Plaza de la universidad 11. 18001

•

ACADEMIA FONICA C/ Azorín, 10, 18004

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PROYECTO ESPUMA C/ Albahaca nº4 Edificio Danubio, Local 6, 18006

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IBIZA Y FORMENTERA

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LE CLUB BEACH Club Londres, 7, Playa Fañabé. 38660

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USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL Playa d’En Bossa 10, 07817

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CAFÉ MAMBO C/ Vara de Rey, 40

LA FLACA Av. Ernesto Sarti, 147. 38660

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METRICA STUDIO C/ de la Murtra, 5, 07817

TERRAZZA DEL MAR Av. Rafael Puig Lluvina, 41. 38660

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HOSTAL LA SAVINA Av. Mediterrània, 22. 07870 La Savina (Formentera)

WAKANDA LOUNGE Avenida Ernesto Sarti, Av. de España, esquina.

38660

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FRIEND OF THE OCEAN SURF CLUB P.º Guadalajara. 38660

•

METROPOLIS SURF CAFÉ C. Arenas Blancas, n°1. 38650

•

LA OLA SURF BAR Calle Mexico America Shopping Center, Local 3. 38660

•

HAIR ROCK PELUQUERIA Av. Antonio Dominguez, 20, local 14. 38640

•

ISLAND VIBES COCTELERIA C. Noelia Afonso Cabrera, 4. 38650

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BUENA ONDA FOOD & DRINK Av. la Habana, 14. 38650

•

MONKEY BEACH Avenida Rafael Puig Lluvinas 3. 38660

•

EKO TRACK Av. Antonio Dominguez, 25, Bajo. 38650

•

UNIQUE BAR Av. Ernesto Sarti, 8. 38660

•

COCORIBA NORTE C. Manuel Yanes Barreto. 38400

•

ANDANA BEACH CLUB Av. Francisco Afonso Carrillo, s/n. 38400

•

VINYL FACTORY Calle José Murphy nº 6, primer piso ofi 5.

38002

•

NIDO DEL TUCAN Pl. de la Concepción, 20. 38201

•

VEINTE04 SURF Cafe Calle Hno Pedro, 2. 38612

PONTEVEDRA •

PLAYGROUND STORE C/San Roman 10, Bajo. 36002

SEVILLA •

TOTEMTANZ C/Amor de Dios 66. 41002

VALENC IA •

FOR THE LADIES C/ Gasco Oliag 6 , bajo izq 46010

•

STRAP V. Blasco Ibañez, 33. 46010

ZARAGOZA •

XPRÉSATE/LAS ARMAS Plaza Mariano de Cavia, 2

TENERIFE •

CASABLANCA DISCO BAR C.C. San Telmo, Av. la Habana. 38650

•

ROCA NEGRA SUNSET CLUB Centro Comercial El Marqués, Av. Adeje 300.

38678

•

KALUNA BEACH CLUB CC Centro Costa Local, 79. 38670

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RUBEN MUSIC Calle Tágara 16. 38660

•

HARD ROCK HOTEL Avenida Adeje 300, Av. Playa Paraíso, s/n.

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Si quieres formar parte de nuestros puntos de distr ibución, escríbenos a: info@djmag.es, con el asunto distribución

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S E G U N D O S

RENDHER ( E L R O W

¡Hola, Saúl! ¡Un placer saludarte! Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías? ¡Hola, igualmente! Tengo 26 años y me definiría como un amante de la música, la moda y el arte en general.

Eres de Barcelona y llevas creciendo en la escena durante los últimos 10 años. ¿Cómo ves la escena de electrónica de la ciudad? ¿Y de España en general?

Creo que necesita evolucionar. Ahora mismo no estamos en el top5 de Europa en cuanto a cultura musical. En Barcelona sí que hay clubes que apuestan más por la cultura, por DJs de todos los estilos. Falta un poco de cultura en España.

Es duro decirlo, pero también hay que resaltar que noto como que hay un germen de algo que se está creando. Espero que después de la pandemia ese algo, termine de funcionar.

M U S I C / S O L I D

G R O O V E S )

gusta mucho samplear, de todos los estilos. De electrónica también, pero me gusta especialmente hacer cosas que se salgan de la norma.

Por ejemplo, tengo un tema que tiene un sample de un snare de Guns & Roses. Si me tuviera que definir como productor, lo haría como amante del sampling. También me encanta improvisar con aparatos. Tengo varias máquinas vintage y todo lo demás que utilizo es nativo de Ableton.

Primero siempre suelo desarrollar la parte más potente del tema y luego ya me pongo a construir elementos en torno a ello, especialmente en torno al drop.

¿Fue difícil llegar a poder sacar en estas plataformas?

Tuve que probar cuatro o cinco vías diferentes: la normal, luego vinieron algunas recomendaciones y al final fue a través de Dennis, que le dio la promo a Pawsa y a Bibi, que empezaron a Hablemos de tu música. ¿Cuáles son tus prin- tocarla durante cuatro meses. Al final, decidieron que querían sacarla, pero fue un camino de cipales influencias? ¿Cómo llegaste a ellas?

Mi adolescencia giró en torno al hip-hop y r&b, casi seis meses hasta que se firmó. especialmente artistas como Outkast, Run DMC, The Fugees o Eminem. Con 15 años empecé a me- ¿Cómo ves el futuro de la escena? terme en el mundo de la electrónica mainstream El futuro de la gente como yo, que está empey años más tarde, después de trabajar en la no- zando a despuntar, lo veo bien. Después de la che de Barcelona, decidí crear Rendher cuando pandemia, creo que se valora mucho más a la encontré el sonido que más encajaba conmigo. gente que hace música. Creo que toda la gente que pertenecía a otra generación y se ha relaHas tenido lanzamientos destacados en se- jado, acabará desapareciendo. Las agencias y llos como Solid Grooves, Deeperfect o elrow promotoras se terminarán fijando en gente de nuestra generación, que llevamos nuestras reMusic. ¿Cómo es tu proceso creativo?

Suelo coger varios referentes, que pueden ser des sociales, hacemos música y no nos vamos incluso temas míos que han funcionado, y tiro por las ramas. millas a partir de esa idea inicial. Además, me

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¿Qué proyectos tienes para finales de 2021 y 2022?

Tengo varios eventos confirmados antes de fin de año, como elrow en el Avant Gardner de Nueva York (11 de diciembre) y elrow en Barcelona (25 de diciembre). Luego, ya en 2022, hemos confirmado el Soul Tech Festival, en México (6 de enero); y el BPM en Costa Rica (18 de enero). En diciembre tengo dos releases confirmados, uno en Moan y otro en Kaluki, que es una colaboración con De La Swing. Y para 2022 estoy trabajando en un par de remixes, uno para Kreech (elrow limited); y otro para Late Replies (Wyld Records).

Finalmente, Sergio, pedimos al invitado de 60 Segundos que plantee una pregunta al siguiente. Los último fueron el artista malagueño Moshem: “¿Qué prefieres, pinchar en tu festival favorito o sacar música en el sello con el que sueñas?”. Y a cambio, nos tenéis que dejar una pregunta para el siguiente…

Sacar música en el sello con el que sueño. Sin duda. Porque pinchar es una hora y luego el bajón es tremendo. Pero cuando sacas por tu sello favorito es una de esas cosas que quitas de tu lista vital y es algo que siempre quedará allí. Siempre le puedes sacar partido a ambas cosas, pero creo que puedes aprovechar mejor un lanzamiento.

Mi pregunta: Si el mundo se acabase mañana y pudieras elegir dónde tocar, ¿qué sitio elegirías?

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S E G U N D O S

NEW ALBUM OUT NOW

PRINCIPLEASURE.COM

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M I S

F AV O R I T O S

* Poco a poco se van desvelando los temas incluidos en el próximo álbum en solitario de LAU, previsto para principios del 2022. ‘Undecided’ y ‘Give Her Your Love’ son algunos de ellos. ¡Sígueles la pista escaneando el QR!

L AU Libro Ahora mismo estoy leyendo un libro que me regalaron llamado “Extremas”, editado por la periodista argentina Leila Guerrero. El libro habla de diferentes mujeres de Latinoamérica que lo dieron todo por su profesión, con una entrega total y más allá de todas las consecuencias. Ya sean escritoras, músicas, poetas, artistas o deportistas, todas ellas pelearon con pasión y no se dieron nunca por vencidas. Es un conjunto de historias muy interesantes que inspiraron e inspirarán a varias generaciones. Álbum Hace poquito salió el nuevo álbum de Coldplay, “Music Of The Spheres”, y la verdad es que me gustó mucho. Se siente una influencia muy Retrowave en su tema “Higher Power”, lo cual me encanta.

Si bien el disco tiene varios instrumentales, los chica. Yo jugaba al tenis y al pádel de adolescente, temas vocales son hits súper pegadizos, como así que combinar ambos deportes en uno, sumado a tener el Mediterráneo de fondo, es un auténtico siempre. placer. De vez en cuando me apunto a algún torneo (que, por cierto, nunca gano).

Canción “Black Hole”, de Griff, es una canción que me parece espectacular y la tuve ‘on repeat’ bastan- Serie de TV te tiempo. También me encanta la nueva versión Recientemente terminé de ver la serie surcoreade “Save Your Tears”, de The Weeknd con Aria- na ‘El Juego del Calamar’, en Netflix. Si bien es na Grande. El video de ellos cantando ese tema una serie muy fuerte y violenta, me pareció muy en vivo, en el iHeart Radio Music Awards, es bue- interesante la temática acerca del valor de una nísimo. Recomiendo que lo vean si aún no lo han vida. ¿Qué precio tiene una vida entonces? ¿Hasta qué extremos puede llegar la gente para ganar hecho. dinero, incluso destruyéndose a sí misma? Me recordó bastante a la serie británica “Black Mirror” Hobby Desde que me mudé a Barcelona hace un año, em- (también en Netflix), que te hace reflexionar, inpecé a practicar Beach Tennis (o tenis de playa). cluso durante mucho tiempo después de verla.

Siempre me gustaron los deportes cuando era

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M I S

F AV O R I T O S

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O F F

T H E

R E C O R D

Hacemos 5 preguntas a RAKOON que poco nada tienen que ver con la electrónica…

*Descubre más a fondo el espíritu libre y el desacomplejado universo sonoro de Rakoon, escaneando el QR.

RAKOON ¿Cuándo fue tu última mentira y por qué?

Decirle a unos autostopistas, que iban de camino a casa de un concierto, que tendría muy presente la posibilidad de colaborar en una canción con su banda de música amateur.

La verdad es que habían estado esperando durante dos horas a que alguien se parara a recogerlos, la vida ya les estaba puteando lo suyo como para decirles encima lo contrario. ¿Eso que siempre quisiste que te preguntaran pero nadie te lo ha preguntado nunca?

Creo que serían cuestiones precisas y técnicas relacionadas con la producción y la composición. Generalmente las entrevistas no las

hacen productores de música electrónica, por lo que nunca tengo la oportunidad de hablar de asuntos como el diseño de sonido, arreglos, mezcla o masterización... El aspecto técnico es una verdadera pasión para mí ¡y una gran parte de la investigación artística de mi proyecto que me encantaría compartir un poco más!

Si fueran a hacer una estatua tuya en tu ciudad ¿en qué pose te gustaría que la hicieran?

Sería la pose que tengo al final de cada concierto: de pie, con la cabeza ligeramente gacha, con la guitarra alrededor del cuello y las manos unidas por encima de la cabeza.

Todo esto simboliza algo intermedio entre una oración y el sentimiento de agradecimiento.

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¿Qué es lo último que haces antes de irte a la cama?

Paso siempre unos minutos mirando alrededor de la habitación. Estoy ahora mismo renovando mi casa, desde cero. Justo acabo de terminar el dormitorio, ¡así que todavía tengo este ritual de apreciar el trabajo realizado antes de irme a dormir! ¿Cuál ha sido el momento más embarazoso de tu vida?

Creo que si responder o no algo en esta pregunta. Os diría algo un millón de veces menos vergonzoso que el verdadero momento más vergonzoso de mi vida, por lo que simplemente terminaría siendo la respuesta a la primera pregunta de esta mini-entrevista (risas).

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BOOKING: danikoala@dskonnect.com / marc@dskonnect.com

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F O C U S

O N

Autor: SERGIO PARRADO

Cacao Records Lo hermanos Lloyd y Kevin forman uno de los dúos de referencia en la escena latinoamericana. Naturales de Panamá y residentes en Berlín, K.E.E.N.E, que es como se les conoce, decidieron en 2016 lanzar su propio sello llamado Cacao.

Este navega entre varios géneros, pero tiene como bandera el deep y tribal house (conocido ahora como afro house). Su pasión por los sonidos más orgánicos y la música tradicional afro-panameña queda latente en

muchos de los lanzamientos del sello, sin dejar de lado otros estilos, como el disco.

Son numerosos los artistas que han dejado su música en Cacao, nombres como Tigerskin, Mathias Kaden, Phonique, Zombies in Miami, Marco Resmann, Anja Schneider, Steve Bug o los españoles El_Txef_A o Sosa & Low, solo por nombrar algunos. Este mes te descubrimos en FOCUS ON uno de esos sellos que merece la pena seguir…

016

F O C U S

¿Cuál es el concepto y porque nace CACAO? Cacao Records nace aproximadamente hace 5 años aquí en Berlín, de la necesidad que en su momento tuvimos junto a Gonzo-Gonzo, de Guatemala, de poder lanzar música de pista desde una narrativa personal y centroamericana. Que la estética y la forma de presentar la música llamase la atención, pero que también tuviera un alto nivel de producción y profesionalismo. Con la partida de Gonzo, hemos mantenido esa idea: que el foco esté en encontrar música que funcione en la pista, pero rescatando un poco de nuestra identidad panameña, que tiene como característica principal la diversidad de culturas, en especial la afro-caribeña.

acogida. Estamos muy entusiasmados y preparándonos para darle continuidad durante la primavera y verano de 2022.

Sois de Panamá, pero hace tiempo que residís en Berlín. Para ponernos en situación, ¿que le podéis contar a nuestros lectores de la escena electrónica panameña?

La escena panameña es muy interesante.

Panamá es un país muy pequeño, donde la mayoría de su población joven nace escuchando música latina y urbana. Sin embargo, hay un público que vive la música electrónica con mucha pasión y sabe mucho de temas y artistas. También hay un número interesante de DJs, productores y sellos que en algunas ciudades más grandes de la región no se ven todavía. Ahora existe el desafío de rehacerse después de la pandemia, ya que mató a la mayoría de los sitios que se dedicaban a los eventos de música electrónica. Estamos seguros de que a medida que la economía del país vaya mejorando, se va a ir dando un resurgimiento de espacios nuevos para disfrutar de la música electrónica. En Panamá se dice que domina el house, pero hay colectivos y movimientos de minimal, techno, dubstep y bass, organic house y más. La escena panameña es muy diversa.

¿Cómo ha vivido el sello la pandemia? ¿Algo a destacar? Contadnos un poco…

Es muy interesante porque aunque es verdad que bajaron muchísimo las ventas, subieron mucho los streams. A nivel de estructura, aprovechamos para reorganizar un poco las cosas. Sin embargo, lo más importante fue que a través de ese proceso de conectarnos con nuestra identidad y ese legado de diversidad panameño, acabamos organizando fiestas aquí en Berlín. Se llaman Cacao City y han tenido muy buena

MINI ¿Un club?

L: Watergate K: Depende de la noche, hay varios favoritos

¿Una Ciudad?

L y K: Berlín

O N

Recientemente estrenasteis vuestras propias noches en Berlín. ¿Cómo afrontáis este reto? ¿Qué nos podemos esperar?

Este año estrenamos nuestras fiestas en Berlín, la primera fue en un open air increíble llamado gART.n, en donde nos acompañó Floyd Lavine, Mono.Abe y Anja Schneider. Luego celebramos nuestra segunda y tercera edición en Christa Kupfer, un club pequeño en Kreuzberg con una vibra y estilo único, en donde nos acompañó Black Loops, Joyce Muniz, MINCO y David Mayer, entre otros.

Para todas estas ediciones podríamos resaltar que la energía y diversidad en el público fueron características muy marcadas, creo que podemos esperar un poco más de todo esto para el próximo año. ¿Qué nos encontraremos próximamente en Cacao?

Para 2022 tenemos muchas cosas buenas.

Estamos preparando música y colaboraciones junto a artistas como Sparrow & Barbossa, Sifa, Philou Louzolo, Enoo Napa, Gledd, Musumeci, Aquarius Heaven, Carlos Barbero y algunos más.

También estamos trabajando en la nueva temporada de Cacao City que esperamos siga teniendo esa acogida especial a nivel global.

TEST

¿Un libro?

L: Ego is The Enemy K: No Name In The Street

¿Una película?

L: Dune K: The French Dispatch

¿Una serie?

L: Dark Tourist K: Midnight Gospel

¿Cacao?

L y K: Is Dope!

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5

T R A C K S

Preguntamos a Model Man por los 5 tracks que más le han influenciado

Model Man 1.

2.

Aphex Twin

Frankie Knuckles, Robert Owens

Selected Ambient Works 85-92 Apollo Records

Tears FFRR

Sé que ya se ha dicho lo suficiente sobre Aphex, pero me estaría engañando a mí mismo si no reconociera la gran influencia que ha tenido. Este track de Ambient Works es mi favorito del álbum. El bajo rebota como una criatura curiosa, y las almohadillas son tranquilas y recogidas. La genialidad de esto es que podría tener muchas más cosas, pero se mantiene en todo momento, permitiendo que tu imaginación divague.

Este fue el primer track que me introdujo al house de Chicago. Al principio pensé que sonaba cursi, pero había algo convincente en él. Seguí escuchándolo una y otra vez, tenía matices. Muchas canciones de esta época tienen letras desechables, pero esta no. Robert Owens tiene una de las voces más brillantes de cualquier track dance. *El álbum homónimo de Model Man acaba de salir. Hazte con él o escúchalo escaneando el QR.

3.

4.

5.

Can – Mushroom

Andy Stott

Tago Mago United Artists

Hatch The Plan, Luxury Problems Modern Love

Creo que escuché esto por primera vez cuando era un niño en MTV2. Estaba bastante asustado por eso. Siempre quise volver a encontrar el track, pero me llevó varios años redescubrir la banda. Me obsesioné bastante con Can y este álbum en particular. La batería y el bajo son metronómicos, pero las voces son libres y conmovedoras. Se siente como uno de esos extraños momentos en la música cuando las estrellas se alinean perfectamente y la energía de 5 personas crea algo que es más grande que la suma de sus partes.

Es muy especial.

Escuché este álbum en la oscuridad a altas horas de la noche cuando salió, y este track me llevó a un lugar profundo. El foley y las texturas te llevan a otro mundo, y las voces son hipnóticas y oscuras. Me encanta cómo usa los samples Andy Stott. El sonido de la batería no se parece a nada que hayas escuchado antes, a veces distorsiona mucho las cosas. Me hace pensar; ¿Tienes permiso para hacer eso? Es liberador pensar que puedes hacer lo que quieras, me hace creer que no hay reglas ni límites.

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Steve Reich w/ Pat Metheny Electric Counterpoint: III. Fast, Different Trains/Electric Counterpoint Nonesuch Records Todo lo que hace Steve Reich es muy completo y deliberado conceptualmente. Creo que Electric Counterpoint es su trabajo más accesible. Atraviesa el ámbito de la buena música sin pertenecer a un género o movimiento específico.

La modulación a lo largo de esta pieza es una de las cosas más emocionantes que he escuchado en la música.

E L E C T R O N I C A

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R O L L

Autor: SERGIO BIFEIS

Inspiración Siempre hemos sido un país en el que parece que nos cuesta reconocer nuestro propio talento y que validarlo necesitamos que alguien fuera de nuestras fronteras confirme que, efectivamente, algo bueno tenemos si llama la atención más allá de los Pirineos. Es muy probable que la dupla Lopezhouse conozca bien esa sensación porque de hecho prácticamente toda su discografía se ha basado en lanzar EPs en sellos internacionales del tirón de Dirtybird, Exploited y Bedrock, con la salvedad de Suara y Sincopat. Pero ha sido John Digweed quien ha apostado por ellos permitiéndoles dar el paso que todo artista electrónico desea y se fija en su carrera: un álbum debut.

Apollo es el disco que David López y Carlos Cruz han producido desde La Mancha para formar parte del proyecto Quattro Artists, una evolución de las dos entregas Quattro que firmó Digweed. El británico continúa esa estela, aunque esta vez centrando su atención es los productores más prometedores de su sello. Nos encontramos con cuatro LP’s

individuales e independientes entre sí que llevan la firma de Quivver, Captain Moustache, Satoshi Fumi y Lopezhouse.

La gran sorpresa llega con el álbum debut de los de Valdepeñas en lo que supone un cambio radical y maduro en su sonido. Lopezhouse siempre se habían movido en aguas entre progressive-house y el tech-house donde las melodías jugaban un papel importantísimo.

Esa esencia melódica también está en Apollo pero desde una perspectiva mucho más profunda, relejada y elegante. El disco se compone de un total de 13 producciones originales donde el nexo temático es el espacio exterior y los elementos sci-fi. Si el título alude al programa espacial estadounidense para explorar la Luna, dentro de su tracklist temas como ‘Soyuz’, ‘Love In The Spacecraft’ o ‘Echoes From Mars’ nos dejan bien claro que su música es como mínimo escapista.

Ritmos lentos, oníricas exploraciones ambient, sedosas aproximaciones al down-

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tempo, punteos de guitarra en una suerte de deconstrucción house relajante y hasta se atreven con sonoridades synthwave y con ramalazos dark disco de estilo retrofuturista. Todo ello sin perder intensidad, emotividad y coherencia porque es un disco que hipnotiza y mantiene la atención envolviendo al oyente en una progresión constante. Una delicatessen de las que intuyes que encandilarán en directo por el sólido discurso sonoro tan bien armado.

Esa mirada más allá de las estrellas le va muy bien como leitmotiv pero recordemos que Apolo en la mitología griega es símbolo de la inspiración artística, además de líder de las musas. Lopezhouse las han tenido todas de su lado desde La Mancha hasta el resto del mundo firmando un trabajo que rezuma calidad y buen gusto. Quizá para tener más importancia sin necesidad de compartir protagonismo con otros en un mismo lanzamiento. Barramos para casa.

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C O C I N A M O S

C O N

Tibasko A principios de este año, fuimos a un pequeño restaurante ubicado en un callejón justo antes de actuar en el icónico Poney Club en Toulouse, Francia. Fue allí donde comimos la mejor pasta de pesto rojo que hemos probado, y desde entonces nos moríamos por replicar el sabor. Como apasionados aspirantes a chefs, hemos jugado con la recreación de esa receta y esto es lo mejor que hemos conseguido.

INGREDIENTES 4 PERSONAS

80-10 gr de pasta por persona 2 dientes de ajo (muy picados) 12 tomates cherry Un gran puñado de espinacas Queso feta griego (pon la cantidad que prefieras) Sal y pimienta al gusto PARA LA SALSA

75 gr de piñones (utiliza semillas de girasol si quieres hacerlo sin frutos secos) 2 dientes de ajo machacados Aceite de oliva 85 gr de tomates disecados en aceite, más 3 cucharadas de aceite del tarro.

Zumo de ½ limón 1 cucharada de vinagre balsámico 8-10 cucharadas de agua (dependiendo de la consistencia que prefieras)

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Descubre lo último de Tibasko, su single ‘Icaro’, escaneando el QR.

TOMATE DISECADO Y PASTA FETA Machaca dos dientes de ajo con el lado plano del cuchillo y colócalos en tu sartén. Saltéalos con un chorrito de aceite de oliva durante 2 minutos. Coloca el ajo salteado, los tomates disecados, ½ zumo de limón, dos tercios de los piñones tostados, 1 cucharada de vinagre balsámico, agua, sal y pimienta y el aceite del tarro en una licuadora. Mézclalo todo hasta que Es hora de hacer la salsa. Coloca todos los pi- se haga una salsa; debe quedar un poco densa, ñones en una sartén grande a fuego medio y pero si te gusta más suave, añade más agua. tuéstalos unos 2-3 minutos. Una vez se vean dorados, retíralos de la sartén y déjalos a un Coloca los dientes de ajo finamente cortados en trocitos en una sartén con una pizca de lado. Vuelve a poner tu sartén al fuego.

Llena una olla con agua y añade una buena cantidad de sal. Este paso es muy importante, ya que sazonar bien el agua ayuda a que la pasta quede más sabrosa. Después de esto, introduce la pasta y cocínala de acuerdo con las instrucciones del paquete. ¡Asegúrate de guardar un poco de agua de la pasta para más tarde!

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aceite de oliva, sal y cocínalos durante aproximadamente un minuto. Mientras tanto, corta los tomates cherry por la mitad y un poco de queso feta. Añade los tomates cherry a la sartén y déjalos hacerse a fuego alto durante 2-3 minutos. Luego, añade la pasta escurrida y las espinacas, con la salsa de pesto rojo. Además, añade un chorrito del agua de la pasta que guardaste anteriormente. Cocínalo unos minutos hasta que la espinaca se poche. Sirve tu plato con mucha pimienta, dados de queso feta y piñones tostados por encima. ¡Buen provecho!

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L U C K Y

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Autor: REDACCIÓN Foto: UNAI PELAYO

*Puedes escuchar y hacerte con el tercer álbum en solitario de Telmo Trenor, ‘Z8rtziko’, en el Bandcamp de Haus Of Beats, escaneando el QR.

Telmo Trenor ¿Qué track que te recuerda a tu infancia?

En mi casa se escuchaba sobre todo música en Euskera, bandas y cantautores folkies de cuando mis padres eran jóvenes. Así que supongo que artistas tipo Mikel Laboa, Amaia Zubiría o Ruper Ordorika me llevan a mi infancia, pero si tuviera que elegir una canción sería “Otsoa” de Xabier Lete.

cutre, orquestillas chungas… Compro muchos discos con el fin de samplearlos. Pero si tuviera que decantarme por uno, sería uno chunguisimo que tengo de Richard Clayderman con su cara en la portada, con las típicas versiones de The Beatles y demás al Piano. Una gozada.

cuando me pongo un poco más pistero, el EP que ha publicado Orion Agassi que se titula Visión Romántica

¿Cuál fue el primer disco que compraste?

Mis tíos me regalaron una cinta grabada de los Vitorianos Potato que escuché durante muchos años, pero no sabría decirte mi primera compra. Lo que es seguro es que lo compré al bueno de Syr en la ya extinta tienda Donostiarra Old School, seguramente algún disco de hip hop.

¿Qué canción garantiza hacerte llorar?

Vuelvo a la tierra. Hay un disco infantil que publicó Jabier Muguruza en 1989, en el cual se incluye una canción llamada “Zu berriz etorri arte”. Trata de una niña que echa de menos a su compañero de clase Ander en el colegio, se pregunta dónde está, qué le ha pasado…

Y al final le dice que no se preocupe, que ella le guardará el sitio en clase y en el autobús… En fin, una preciosidad.

¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio?

Intento no cogerles demasiado cariño a los discos a raíz de diversos accidentes y disgustos que he ido teniendo a lo largo de los años. No soy nada exquisito con el tema del coleccionismo, creo que los discos están para utilizarlos, para rascarlos y para jugar con ellos.

Dicho lo cual, me voy a decantar por un Winter in America que tengo de Gill Scott Heron & Brian Jackson, y del que he sacado muchos samples con los que después he podido construir bastantes canciones.

¿El disco más cursi de tu colección?

Tengo varios, soy muy de cubeta a 1€, y alguna vez me he pillado alguna colección de baratijas con todo tipo de cursiladas. Tengo varios muy horteras de los típicos recopilatorios rollo “Sábado Noche II”. También mucho synth pop

¿Algún disco que estés escuchando?

De los que me he comprado últimamente, me ha gustado mucho uno que ha sacado una banda que se llama The Zenmen (Enter The Zenmen -Music From memory 2021), lo nuevo de BFlecha ( ExNovo - Arkestra 2021) y, para

¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos?

Soy de los que opina que cada momento y cada tiempo tiene su canción. Aquí y ahora te diría que es E=MC² de J Dilla con Common, pero seguramente mañana te diría otra cosa…

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Le preguntamos a Julia Bondar por lo que hace a su ciudad especial…

Julia Bondar

BARCELONA Barcelona se convirtió en mi casa hace unos 5 años, cuando mi marido Andreas y yo decidimos mudarnos de Kiev (Ucrania) para experimentar la vida desde un punto de vista distinto, aprender y conocer nuevas culturas.

De adolescente, España se me presentó a través del cine de Pedro Almodóvar. Sus escenas eran muy diferentes al entorno en el que yo me estaba criando. Así que, cuando al final tomamos la decisión de venir a España, me emocioné, ya que parecía que el destino me quería llevar al lugar donde de pequeña siempre había imaginado a mi “yo mayor”.

Elegimos Barcelona por su naturaleza, su clima templado y, por supuesto, su ví-

vida escena electrónica. En estos 5 años, comprar pescado, carne y verduras. Me Barcelona me ha revelado sus distintos encanta observar a los vecinos y formar rostros. Amo muchos de ellos, pero hay parte de la vida del barrio. otros que prefiero evitar.

Amo mi barrio de Sant Antoni porque, Nunca me encontrarás en lugares como cogiendo cualquier dirección desde mi La Barceloneta, El Raval, El Born y el casa, puedo llegar a todos mis lugares Gótico. El abrumador flujo turístico hace favoritos. Uno de los destinos que más que estos lugares me resulten insopor- suelo frecuentar con mi familia es la tables y sucios. Además, me parece que calle Enrique Granados. Considero que esta es una de las calles más bonitas no reflejan la ciudad real en absoluto. de la ciudad, en especial, por la arquiHablemos de la Barcelona catalana, más tectura, las galerías y restaurantes de auténtica, la que más me gusta. Vivo alto nivel como Robata, Boa Boa, Green cerca del Mercado de Sant Antoni, lo que & Berry, y los tacos de camarones de La me permite vivir una experiencia de ciu- Plancheta, que son muy recomendables. dad completa. Voy de compras al mer- Además, me encanta la elegancia con la cado todos los sábados. Las colas son que se viste y huele la gente en esa zona. largas y se necesita mucho tiempo para

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* Descubre lo último de Julia Bondar escaneando el QR y descurbiendo su página web.

Me fascina lo verde que es Barcelona y lo fácil que resulta poder encontrar un lugar repleto de árboles y respirar un aire más fresco. El Parc del Laberint d’Horta es muy tranquilo en su romanticismo neoclásico. Voy allí durante los días grises de otoño o cuando empieza la primavera para disfrutar de las hermosas estatuas que me esperan en cada esquina al deambular por el laberinto.

Cada rincón de Montjuïc es mágico. Me encanta explorarlo desde el Cementerio de Montjuic hasta El Teatro Griego.

La zona de Collserola vibra de tranquilidad. Disfruto yendo de excursión o simplemente yendo a caminar por la Carretera de les Aigües con sus impresio-

nantes vistas. Los pinos de hoja perenne a lo largo del camino liberan un aroma Nada es comparable con Razzmatazz y la variedad de artistas que presenta, pero mediterráneo muy especial. dado que me encanta la música electróOtro de mis lugares favoritos es Santa nica underground muy especializada, Coloma de Gramenet. Se caracteriza por Meteoro es para mí el lugar perfecto al edificios industriales urbanísticos cons- que ir a dejarte llevar por su entorno truidos para las familias de clase tra- vampírico y su audiencia amigable, disbajadora y tiene una vista increíble de frutando de un ambiente acogedor a la la ciudad, ya que está situado sobre la par que oscuro. Por último, pero no por montaña verde que rodea a Barcelona. ello menos importante, cabe destacar el Moog, un club underground legendario, La cultura musical en la ciudad es muy con una gran selección de DJs y artistas acogedora para los artistas de diferen- invitados, y donde recuerdo, con espetes géneros. Normalmente, trato de cial cariño, uno de mis conciertos más concentrar mi energía en ver actuacio- locos. nes de artistas específicos y, por eso, prefiero los conciertos a los festivales.

T E N D E N C I A S Autor: REDACCIÓN

VIRGIL ABLOH U N

L E G A D O

El pasado 28 de noviembre, el mundo entero se conmocionaba al conocer el trágico fallecimiento de Virgil Abloh.

Para quien no lo sepa, Abloh era el genio creativo detrás de marcas como Louis Vuitton, Off White, además de productor, DJ, ilustrador y filántropo.

La noticia nos llegaba a través de su cuenta oficial de Instagram, donde su familia posteó un comunicado. En él, se hizo público por primera vez que Abloh llevaba dos años luchando contra una rarísima forma de cáncer cardíaco.

Una muestra más del carácter reservado de este polifacético prohombre de nuestro tiempo, en la línea del bajo perfil que ha mantenido durante todos estos años, a pesar de ser uno de los diseñadores y artistas más queridos y demandados del mundo.

Virgil era un todoterreno. Natural de Chicago, la historia de Abloh con la música de la ciudad es de sobras conocida, especialmente en los últimos años, cuando hizo un

I R R E P E T I B L E

esfuerzo más que consciente para tender puentes entre ambos mundos.

Siendo adolescente, Abloh estuvo durante años persiguiendo su camino como DJ, cosa que continuó haciendo una vez dedicado a la moda. Era fácil ver como siempre buscaba DJs afines a sus ideas musicales, creando una fuerte relación con nombres como Honey Dijon, Blessed Madonna, Dixon, DJ Harvey, Peggy Gou, Nastia… Por no mencionar sus amistades de mayor perfil en la música, que incluían a Kanye West, Rihanna, A$AP Rocky o Travis Scott.

Su camino como DJ empezó a finales de los 90, cuando aún estaba en el instituto, pinchando en fiestas de amigos.

Según él mismo decía, le brindaba una paz mental que no encontraba en otras actividades. Y aunque la vida le llevo por el camino del diseño, con el tiempo se reencontró con la música. Una de sus sociedades más fructíferas fue con la casa creativa de DONDA, de Kanye. Con él, de una manera u otra, estuvo involucrado en proyectos como el álbum My

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T E N D E N C I A S Fotos de producto: VICTOR GRANADOS.

Beautiful Dark Twisted Fantasy, Watch the Throne de Kanye y JAY-Z (por el que estuvo nominado a un Grammy), Cruel Summer de G.O.O.D. Music, Yeezus de Kanye, WZRD de Kid Cudi, Finally Famous de Big Sean, Long.Live.ASAP de A$AP Rocky y muchos más. También ha sido el director creative de diferentes eventos, como el Yeezus Tour, de Kanye también.

tracks que experimenta con sonidos muy funk, tribales y bailables, dentro del techno. En cierto modo, recuerda al sonido primigenio que surgió entre Chicago y Detroit, cuando los límites entre el house y el techno todavía no eran tan claros, lo que demuestra el gran bagaje de referencias musicales que Abloh tenía en su maleta.

En la electrónica, además de ser DJ, hace unos años Virgil dejó una espectacular colaboración con Pioneer DJ y su marca, Off White, en la forma de una edición limitada del mixer DJM-900NXS2 y de los CDJ-2000NXS2, en color transparente, que dejaba ver las tripas de circuitos de los aparatos. En su momento, Abloh dijo: “Es una representación transparente y sin etiquetas de los modelos clásicos, que buscan inspirar un sonido diferente mientras se pincha.

Quizás sea una nueva forma para que la tecnología musical y la interacción humana consigan resultados diferentes”.

Hijo de inmigrantes ghaneses, Abloh es considerado un auténtico revolucionario de las artes y su fallecimiento es una pérdida tremenda para el mundo. Ya no podremos seguir disfrutando de las nuevas creaciones de una de las mentes más sensibles y avanzadas de nuestro era. Pero su legado perdura y sus creaciones ya son inmortales.

Personalmente, creo que el tiempo agrandará todavía más su figura, porque nos daremos cuenta de hasta donde ha llegado su influencia y la extensión de su legado. Descansa en paz, Virigil Abloh, genio de nuestro tiempo.

En 2018 publicó su primer EP, en el sello de sus grandes amigos Boys Noize. Titulado ORVNGE, se trata de tres

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Le preguntamos a COLD SMACK ATTACK sobre su proceso creativo a la hora de producir…

COLD SMACK ATTACK Suelo comenzar con tener claro el concepto del tipo de track que voy a hacer.

Eso suele nacer con un loop de algún tema, algún fragmento que tenga ese gancho especial. Ese es casi siempre el comienzo, encontrar la inspiración en otros estilos fuera de la electrónica. Así que mis producciones siempre comienzan escuchando música, ahí siempre nacen las ideas, en ese constante e infinito aprendizaje de todos esos genios que lo

hicieron antes que nosotros, escuchándolos a ellos simple y llanamente intento llegar a su nivel, hacer sentir a los demás lo que ellos me hacen sentir a mi con sus obras maestras, ese es el primer y el paso básico en mi opinión, formar parte de algo mucho mas grande que tu mismo.

El comienzo de la construcción de mi track es construir la sección rítmica con bombos, cajas, palmadas, hi-hats y de-

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más instrumentos de percusión, Suelo utilizar mucho cajas de ritmos clásicas, las Roland TR-909 o TR-808 son las predilectas pero de vez en cuando tiro de la Linn Drum o incluso de algún loop que encuentre en algún disco.

Después de eso suelo meterme con los acordes con algún string, algún lead o lo que sea que vaya a cargar con la parte armónica del track. Utilizo tanto hardware

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*Big Ball Recordings es el sello discográfico del enigmático Cold Smack Attack. Descubre más escaneando el QR.

como software, tengo algunos teclados clásicos y tiro tanto de ellos como de software o de nuevo, sampler algo que tenga gancho.

El siguiente paso es grabar la línea de bajo, que sume bien al groove armónico y rítmico, es muy importante que la línea de bajo cargue el funk, por que hablar de música electrónica es hablar de la evolución del funk. Si el groove de un track de house, ya sea mas minimalista, mas van-

guardista o mas clásico, sea lo que sea, si no suena funky, no tiene gracia. Es así.

El próximo paso sería la vocal, si es que el track lleva una, y el maquillaje, que serian los efectos, white noise, swipes, lasers o lo que lleve. No me gusta pasarme con esto.

Ya para terminar llega el proceso de mezcla y mastering. Yo suelo hacer una mezcla mientras voy haciendo el track, que

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sería la mezcla demo, pero creo fielmente que el artista no debe hacer la mezcla final ni el mastering. Sí puede supervisarlo, pero alguien que escuche el track con la mente clara, sin haberlo escuchado durante semanas cientos de veces siempre lo va a llevar a otro nivel, en mi opinión. Llegados a este punto, finalmente – y nunca antes de intercambiar desde 3 hasta 300 emails entre el ingeniero y yo – llega el esperado resultado final, para poder compartirlo con el mundo.

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KALI (COMO L AS GREC AS, GAMEBOYZ, LUIS V PR)

PRÓL OG O La autopromoción es una ciencia creativa que no deberíamos pasar por alto, pero en mi opinión, creo que hay que saber hacerlo de una manera correcta, inteligente y eficaz. Muchas veces pecamos de insistentes (por no decir otra cosa), adelantamos o avanzamos noticias que muchas veces nos podríamos ahorrar, ya que la expectación que generamos es insuficiente e incluso

ITAI

El virtuoso saxofonista, productor y DJ, nos sorprende con un interesante y sorprendente álbum, ‘A Trip To Idyllwild’ Camel Riders Itai Isenberg resultaba para mi un músico completamente desconocido hasta

muchas veces engañosa. Véase el claro ejemplo de confundir las noticias que compartimos en nuestros perfiles personales y/o nuestros perfiles profesionales. Dentro de la promoción encontramos un sinfín de posibilidades y para este número de cierre del 2021 quería resaltar el uso que se está haciendo de los llamados Bots para los artistas que quieran mejorar sus resultados

de manera artificial, pero con resultados reales a la hora de mejorar el alcance o el ‘reach’ orgánico que se produce al “mejorar” dichos resultados. Una herramienta para experimentar con ello es Somiibo, con la que a través de proxies puedes generar dicha ‘actividad’ de la misma manera que lo haría un humano… Muy interesante.

que lanzó este nuevo ‘A Trip To Idyllwild’.

Nada mas empezar a escucharlo me embaucó, debido a la inesperada originalidad en cada uno de los 8 originales que conforman este LP, publicado a través de la disquera israelita Camel Riders. Una perfecta mezcla de estilos que se desarrollan ‘lentamente’ en cada una de las

canciones y en las que su interpretación melódica a través del saxofón es sin duda una de las principales cualidades de su música. Algo que lo diferencia del resto.

Nada mas que tienes que poner tu móvil delante del código QR que te facilito mas abajo.

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A L TA N T O D E…

MÏ US

Mïus regresa con un nuevo álbum titulado ‘How To’ Théque El húngaro Gergely Álmos aka Mïus acaba de lanzar a través de su propia disquera, Théque, una colección de 10 originales y en colaboración con el cantante Raf Skowro ski, conformando este álbum al cual el productor ha titulado bajo el nombre de How To. Hablamos con él para conocerle un poco mejor. ¡Buenas, Mïus! Por favor, cuéntanos un poco sobre tu vida y como terminaste en la música electrónica…

En primer lugar, explicar que yo era un arquitecto que se estableció en Budapest, pero también fui uno de los fundadores de Théque Records. Hace mucho tiempo, antes de que mostrara interés por la arquitectura, mostraba interés por algunos instrumentos y a los 7 años comencé a tocar algunos. A lo largo de los años he tocado la flauta, el oboe, la guitarra, la batería y el piano, aunque nunca me he especializado en ninguno de ellos. Pronto me di cuenta de que estaba mas interesado en la obtención de sonidos nuevos.

Cuando aparecieron los DAWs, la corriente

me llevo hacia la electrónica pero sin abandonar los sonidos acústicos. Compaginar la arquitectura y la electrónica puede ser un auténtico reto en ocasiones, pero es interesante ver como influyen la una en la otra.

Como Goethe dijo: “La arquitectura no es mas que música congelada” ¿Qué puedes contarnos acerca de la producción de tu álbum ‘How To’?

Este álbum es una colaboración con el cantante polaco Raf Skowronski. Durante un año invitamos a varios músicos a grabar con nosotros en Katowice, Budapest y Szeged. Tras el álbum lanzado el año pasado, “Études de Battements”, el cual se basaba en sonidos experimentales, Raf y yo decidimos centrarnos en algo más bailable. No queríamos crear otro álbum aburrido para estados de cuarentena, queríamos recrear lo que se hacía antes de la pandemia y algo que bailar en nuestros salones. Este álbum es un 90% de puro sintetizador creado para usar no mas de 5 sintetizadores. ¿Cuál es tu sintetizador y DAW preferido?

Ahora mismo para los live sets uso un Vermona Performer con sus 4 osciladores y el Vermona DRM1 analogue drum machine, además podréis disfrutar de sus sonidos

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en el nuevo álbum. También creo que el Sequential Take 5 es una máquina bastante potente en este momento. Mi sueño inalcanzable es poder tener mi propio Oberheim o un Yamaha CP70, una auténtica joya vintage.

Nos gustaría saber algo sobre tu banda. ¿Dónde podremos ir a escucharos?

Haremos un mini-tour con Raf por Polonia, ya que Budapest ha sido el primer lugar donde el LP ha visto la luz. En enero haremos un espectáculo audiovisual en el Klub Toldi, donde a través de las pantallas llegaremos a todo el mundo. ¿Tienes algo más planeado para el año que viene? De ser así, por favor, cuéntanos.

El año que viene estaré mas centrado en el rediseño de espectáculos audiovisuales. Ya hemos comenzado a diseñar lámparas LED y elementos escénicos.

También haremos más instalaciones audiovisuales (AV) en galerías de arte, en lugar de escenarios convencionales.

Por último mencionar que nuestro sello, Thequé Records, también disfrutará de lanzamientos muy interesantes a los que deberíais estar atentos.

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20º ANIVE R S A R I O D E MOON HA R BO UR

Celebramos junto a Matthias Tanzmann el veinte aniversario de Moon Harbour y hablamos con él de primera mano para ponernos al día de sus últimas novedades Es un auténtico placer acabar el año con uno de los nombres más respetados e influyentes de nuestra escena electrónica musical europea. El alemán Matthias Tanzmann es de los que puede presumir de una carrera de más de 20 años gestionando y estableciendo su firma y su legado a través de sus diferentes proyectos. No solo como label owner de Moon Harbour, etiqueta que ha sido para muchos DJs de house y techno un auténtico referente discográfico, si no también con

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sus otros proyectos musicales como el que posee junto a Martin Buttrich y David Squillace, bajo el aka de Better Lost Than Stupid. ¡Hola, Matthias! Es un gustazo entrevistarte con motivo del veinte aniversario de Moon Harbour contigo a la cabeza de la etiqueta… Antes de nada, ¿por qué Moon Harbour?

El nombre surgió de forma espontánea y sin ninguna intención. Simplemente me gustaba como esas dos palabras sonaban juntas y también encajaban muy bien con los sonidos del deep house tan propios en los comienzos del sello. ¿Cómo ha sido la evolución del sello desde sus comienzos por el 2000 hasta el 2021? ¿Cómo os afectó la pandemia?

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Comenzamos usando sonidos oscuros que usaba a comienzos de los 2000. Por aquel entonces producíamos bajo el nombre de Gamat 3000 y lanzábamos en sellos como Dessours o Freude Am Tanzen.

Con el tiempo nos fuimos aproximando al house y de ahí pasamos a un tech house más orgánico. El sonido del sello siempre ha ido de la mano de mi desarrollo como DJ. Con la situación del coronavirus decidimos centrarnos otra vez mucho más en el sello, y es que era la única opción que teníamos. De este modo contratamos a más artistas y lanzamos más música.

Me imagino que esta pregunta es complicada de responder, pero… ¿Tienes alguna referencia preferida?

He producido demasiadas canciones y he escuchado demasiada buena música. Im-

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posible poder decantarme por alguien.

Vemos una interesante selección de productores en cada uno de los lanzamientos del aniversario, incluida la última VA con la compilación de los tracks de Steve Bug, Andrea Oliva, Luna City Express, Back Circle, Anek, Butch, tu mismo… ¿Cómo ha sido el proceso?

Pregunté a mis colegas mas cercanos y a todos aquellos con los que tenía una relación de años. Todos se mostraron entusiasmados de poder participar en este proyecto y por ello me mandaron más música de la normal. Estoy muy contento de la respuesta que he recibido por parte de ellos.

Eres un experimentado label owner y como tal… ¿Qué consejo puedes dar-

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les a l@s artistas que quieran introducirse en el mundo discográfico?

Ahora mismo recibo tal cantidad de temas que es muy difícil poder escucharlos todos. Tratamos de hacerlo, pero es imposible. Mi consejo es que traten de establecer un contacto directo con los productores, de este modo tenemos una referencia directa del artista y es mas fácil establecer una conexión con la música.

Sabemos que algunos de tus últimos trabajos como Bindford fueron lanzados a través de Moon Harbour, pero ¿puedes adelantarnos algunas otras referencias para otros sellos?

He estado trabajando mucho y componiendo varios temas. Tanto originales como remixes. Pronto los podréis escuchar en Moon Harbor y otros sellos. Un

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remix que pronto vera la luz será una colaboración de Rony Seikaly feat. Diddy, y este mix verá la luz en Stride, el sello de Rony.

Y para finalizar Matthias ¿Próximas actuaciones por España? El público nacional quiere saber dónde vamos a poder verte próximamente por aquí…

Sí, acabo de tocar tanto en Ibiza como en Fabrik Madrid. Y vuelvo a Málaga el 4 de diciembre para la fiesta Rebels. ¡Muchas gracias, Kali, y a DJ Mag España por la entrevista!

La música de una

mente maravillosa

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Giorgia Angiuli La música de una mente maravillosa

Tocando a su fin, 2021 ha sido un año especial para Giorgia, que ha vivido una gran transformación, por la cantidad de meses que hemos pasado inactivos. El principio de la situación le pilló en Italia, donde las restricciones fueron severas. Pasó mucho tiempo en el estudio y leyendo muchos libros. Es por eso que lo considera un año de transformación, porque aprendió muchas cosas nuevas, además de cambiar la visión que tenía de su música y de si misma.

“Diría que mi visión en la música se ha convertido en un lenguaje de esperanza, en una forma de compartir ese anhelo con la gente que me rodea, porque entendí lo importante que es estar conectada con la gente”, nos contaba en esta amena charla. También vivió una transformación espiritual, que le llevó a aumentar su interés por temas como la espiritualidad, el mindfulness y también la física cuántica, la neurociencia y la neuroacústica. Todo esto y mucho más lo podréis descubrir en esta genial conversación en la que Giorgia se muestra como su música: natural y contundente. ¡Música, maestra! ¡Hola, Giorgia! Es un placer tenerte en nuestra última portada del año. La música siempre ha formado parte de tu vida. Tus padres y tu hermano son músicos, tú eres música profesional… ¿Cómo fue crecer en la casa de los Angiuli? ¡Gracias a vosotros! (Risas) Yo crecí en el sur de Italia.

Aunque ahora vivo en Florencia, crecí en una ciudad pequeña de Bari llamada Monopoli, cerca del mar. En mi familia somos todos músicos, así que en casa siempre había instrumentos musicales. Por eso digo que eran mis juguetes (risas): guitarras, piano, chelo… Fue algo muy natural para mí, empezar a tocar música. Mi madre solía escuchar mucha música clásica, de hecho yo sigo siendo gran fan de la música clásica. Empecé a estudiar guitarra con nue-

Después de que su álbum debut de 2018, ‘In A Pink Bubble’, ahora nos trae su segundo largo, esta vez en su propio sello, United. Con el título ‘Quantum Love’, en el se busca transmitir un mensaje positivo y alegre a una escena que ha sufrido tremendamente durante los dos últimos años, mediante conceptos realmente interesantes y complejos.

ve años y compuse mi primera canción con 10 años. Por eso sentí desde el principio que estaba más interesada en componer, porque yo era muy tímida e introvertida, por lo que la música para mí fue un lenguaje muy útil para expresar mis emociones. Como si fuera un diario escrito.

Recuerdo que, siendo adolescente, me quejaba de tener que estudiar lo clásico, porque en esa época me encantaba el metal…

Con 14-15 tuve mis primeras peleas en casa por querer comprarme una guitarra eléctrica (risas). Pero ahora me siento agradecida por la educación que me dieron, porque estudiar música clásica me ha ayudado en mi carrera, especialmente en cuanto a los arreglos. Ahora solo me siento agradecida por mi educación.

Siempre es así, ¿no? Cuando somos adolescentes nos quejamos por todo, especialmente en los estudios… También decías que te gustaban géneros como el nu metal, rock y folk. Pero, ¿cuándo fue tu primer contacto con la música electrónica?

Para mí, todo comenzó cuando escuché ‘Kid A’ de Radiohead. Ellos solían tocar siempre rock, pero luego introdujeron elementos electrónicos en su música. También tuve mis contactos con Björk. Al principio, digamos, me metí en ese híbrido que hay entre el pop y la electrónica y luego descubrí Autechre, Kraftwerk y todos estos genios.

También fue cuando me compré mi primer ordenador, con mi primera tarjeta de sonido y algunos sintetizadores. ¡Empecé a explorar la música electrónica y me encantó!

Me di cuenta del potencial que tenía con los software, que te permiten hacer muchísimas cosas. Empecé tocando indie-trónica y luego fue cuando empecé a trabajar con BPitch Control, de Ellen Allien. Hay un álbum de Ellen y Appart, ‘Orchestra Of Bubbles’, que fue una tremenda inspiración para mí y poco a poco he ido desarrollando mi ca-

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A u t o r : E D U A R D O P. WA A S D O R P

Giorgia Angiuli es un nombre que, a estas alturas, no necesita presentación. La multi-instrumentista, vocalista y compositora italiana es una de las artistas más queridas de la escena, nacional e internacional. También una de las más reconocibles, no solo por su colorista estética, sino por su auténtica genialidad a la hora de crear música electrónica.

mino. Tampoco me gusta encorsetarme, porque me gusta mucho explorar cosas nuevas. Ayer, por ejemplo, me llegaron varios instrumentos tradicionales de Irán. Siempre me gusta investigar y añadir elementos que influyan en mi música siempre.

Como decías, tu primera incursión en la electrónica fue con el proyecto de electro-pop, We Love, que te llevó a firmar tu primer álbum en BPitch de Ellen Allien. ¿Cómo fue ese proceso? ¿Cómo fue esa trayectoria hasta ese primer disco?

Puedo decir que simplemente tuve muchísima suerte. Siempre fui un gran fan del trabajo que se publicaba en BPitch, especialmente todo lo de Apparat. Y luego, un amigo oyó varios de mis demos y se los mandó a Ellen.

En ese momento no tenía ninguna ex-

pectativa de que ni siquiera se lo fuese a escuchar, pero todo pasó porque le encantó el disco. Siempre me gusta decir que la vida fue la que eligió mi camino por mí, porque al principio estaba súper insegura de que la música pudiera ser mi sustento… Especialmente en Italia, donde ser artista o músico es considerado más un hobby que una profesión seria.

Ocurre lo mismo en Hispanoamérica. Se tiene muy poca consideración por el arte…

Mi hermano, por ejemplo, desarrolló su carrera en torno a la música clásica.

En mi familia la única salida laboral que se contemplaba era ser profesor de conservatorio o músico de orquesta. Para mí solo era un sueño, pero luego la vida me llevó por otro camino y con este proyecto empecé a entender que era posible transformar esta pasión en un trabajo real.

Ahora presentas un nuevo álbum, tras tu debut ‘In A Pink Bubble’ en Stil Vor Talent, en United, tu propio sello, bajo el título ‘Quantum Love’. Es una mezcla de ese mensaje positivo que te has propuesto transmitir en el techno, con conceptos científicos y personales, interesantísimos. ¿Cómo ha sido el proceso de creación?

Ha sido producido enteramente entre 2020 y 2021 y, de hecho, todo empezó a cocerse después de que me leyese la biografía de Albert Einstein. Cuando descubrí que él también era músico, cosa que desconocía, me fascinó su personalidad y especialmente su cita: “Todo en la vida es vibración”.

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"Tengo que decir que paso gran parte de mi día escuchando mú sica clásica. Es mi música favo rita para escu char."

Luego empecé a leer muchísimos libros, me volví bastante friki de la neurociencia, la espiritualidad, y al final todo simplemente encajó. Me gusta pensar en mi álbum como un abrazo entre Oriente y Occidente, porque hay mucha influencia de culturas orientales en el mensaje del álbum. Me gusta llamarlo un “mantra techno”, de hecho en algún track canto un par de frases, que espero que resuenen en la gente. Luego, la música está hecha con tecnología moderna, no usé instrumentos antiguos. Y el mensaje de ‘Love’, que está relacionado con nuestros ancestros; y la parte ‘Quantum’, está relacionada con la física cuántica, ya que entendí lo importante que es el lenguaje de la energía, bajo un punto de vista científico. Es un lenguaje sutil que no puedes ver, pero puedes sentir. Lo importante es la música y el compartir energía. Creo que es un disco ecléctico, no pensé en ninguna dirección específica… hay tracks indy, con solo piano y cuerdas; y tracks más cercanas al techno melódico.

Me llaman la atención tracks como ‘Hanuman’, ‘Renew’ o ‘Do Not Disturb’, en la que oímos un sonido roto, con notables influencias sonoras como Aphex Twin o Burial.

En ese sentido es un trabajo más abierto a nivel sonoro que tu anterior disco. Para ti, ¿cómo ha sido la progresión entre In ‘A Pink Bubble’ y ‘Quantum Love? ¡Me encanta Burial y Aphex! Siendo sincera, yo nunca pienso en un sonido o en esa parte más técnica. Para mí son todo

emociones, así que traduzco mis emociones en notas musicales. ‘A Pink Bubble’ fue publicado después del fallecimiento de mi madre, en un momento en que estaba viajando demasiado, así que al principio estaba bastante confundida y un poco perdida. Hice ese álbum en un estado de confusión, pero fue una gran ayuda. Podría decir que la música me salvó de mis pensamientos más negativos. Me centré mucho en la composición y en la mejor forma de poder expresar mis sentimientos.

En cuanto a ‘Quantum Love’, es algo que está relacionado más con los sentimientos que quiero compartir con la gente.

No es un álbum “autobiográfico”, sino que es más para la gente. Porque la gente me suele mandar mensajes increíbles, es algo que me hace sentir muy afortunada, el tener una legión de fans tan dedicada. Muchos me escriben que mi música les ha ayudado a sobrellevar su depresión.

Por ejemplo, y ya que hablabas de ella, en ‘Hanuman’ utilizo una sitar, un instrumento hindú que descubrí en mi viaje a India, que tiene sonidos muy particulares. Ha sido un trabajo más consciente, porque he estado más presente en cada momento y más relajada en el estudio. Incluso, hacía un ritual especial antes de cada sesión: quemaba un poco de palosanto antes de ponerme a grabar, oía música a 174Hz (la frecuencia de la sanación), que te ayuda a liberarte del estrés y la ansiedad. Solía entrar muy relajada. Ya te puedes imaginar cómo es la vida de tour por todo el mundo, es genial, pero también muy cansada. En este álbum no sentí ninguna presión. Creo que esa es la principal diferencia. En eso la COVID tuvo su parte positiva.

Los títulos de las canciones también dicen mucho. ‘Hidden Miracles’, ‘Breaking Down The Walls’, ‘My Heart Takes Me’… Pero la que me ha llamado especialmente es ‘Dirac Equation’. La Ecuación de Dirac es la formula matemática creada por Paul Dirac en 1928, que popularmente se conoce como la ecuación del amor, y que descri-

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be el entrelazamiento cuántico… ¿Porqué ese título en particular?

Tengo que decir que ‘Dirac Equation’ es uno de mis títulos favoritos del disco. Al estudiar la Ecuación de Dirac, entendí que la física y las matemáticas pueden ser románticas también. De los libros que estuve leyendo esos meses, hubo una frase que me gustó mucho: “Cuando tengas que tomar una decisión, elige el amor y eso cambiará la dirección de todo”. Quizá pueda sonar demasiado cursi o romántico, pero es la única cuestión que nos mantiene vivos: cuidar nuestra energía y de nuestros sentimientos. Y al final todo se reduce al amor. Sé que suena cursi, pero es el buen karma.

En general, los títulos tienen que ver con ese concepto de armonía que quiero transmitir y los sentimientos conectados al universo y entre sí.

En muchas entrevistas has dicho que tu formación clásica no tiene incidencia directa en tu música actual, pero tus procesos de creación van más allá, especialmente en las estructuras, progresiones y complejidad de tu música.¿Cómo es tu proceso creativo? ¡Gracias por tus comentarios! Tengo que decir que paso gran parte de mi día escuchando música clásica. Es mi música favorita para escuchar. Por eso este disco lo he querido publicar en mi propio sello, porque la música para mí tiene que ver con la intimidad y la libertad. Yo no busco seguir ninguna dirección, no sé ni quiero saber lo que pasa en el mercado.

Soy libre, pura y no me gusta ceder ante presiones externas, necesito sentir la libertad de expresarme como yo quiera, al 100%.

Con respecto al tema de las frecuencias, estoy estudiando mucho sobre ellas por mi próximo gran proyecto, pero en este álbum no usé ningún truco especial. Es una mezcla entre mis sintetizadores analógicos y software digital. No pasé mucho tiempo pensando en la tecnología y esos detalles, me centré más en las emociones. Esa siempre ha sido mi perspectiva a la hora de producir, a

diferencia de otros productores, que se obsesionan con la mezcla perfecta o la claridad del sonido. Para mí, la emoción que transmite mi música es lo más importante. Necesito poder comunicarme con la gente. Quizá no haga el álbum mejor producido de la historia, pero para mí lo importante es tener un lienzo en blanco para poner mis colores. He pasado mucho tiempo hablando con gente durante el último mes y siento mucha tristeza y ansiedad. Por eso siento que la música, ahora mismo, tiene que embarcarse en una misión: mirar menos por los egos y tener más en cuenta los sentimientos de la gente. Ahora me siento afortunada y agradecida porque mi vida está bien, no he tenido problemas grandes y sé que hay gente que ha perdido su trabajo, familiares y amigos… experiencias tristes.

¿Tú en qué te has apoyado para conseguir esta serenidad?

En el mindfulness y la meditación. Me han ayudado a entender la importancia de quererte, cuidarte… a ti mismo y a la gente de tu alrededor.

Metámonos de lleno en tu set up, porque es algo que siempre me ha fascinado. Tu experimentación sonora te ha llevado no solo a usar instrumentos de forma inusual, sino a crear tus propios aparatos usando todo tipo de objetos, especialmente juguetes. Pero Uno de los instrumentos más curiosos que usas es el Sylphyo, desarrollado por Aodyo. El año pasado creaste tu propia versión, que se vende en rosa o azul claro. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Qué nos puedes contar sobre el Sylphyo? ¡Sí! ¡Y ahora voy a sacar un nuevo sintetizador de Pokémon! (Risas). En cuanto al Sylphyo, los desarrolladores son franceses y la experiencia estuvo genial, porque también creé sonidos dedicados a 432Hz, que es una frecuencia muy especial que usa mucha gente para la sanación. Durante estos meses he estado haciendo un curso sobre terapia sonora y he aprendido muchas cosas sobre cómo cura el sonido. Y empecé a usar estos instrumentos en mis shows y me encantó, porque es sin cables en el escenario y parece una flauta. Luego empecé a usarlo también en mis sesiones de meditación, porque puedes respirar con el instrumento como si fuera un viento normal, y trabajé mi técnica de respiración para tocarlo a la vez que meditaba con mis amigos. Alguno de ellos toca la flauta india bansuri y me solían decir que meditaban a la vez que tocaban. Así se despertó mi curiosidad. Lo sigo llevando al escenario, pero

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también lo disfruto en el estudio. Llevo apoyando a la marca desde sus inicios y me mandaron los primeros prototipos.

Por eso decidimos colaborar con mis colores favoritos, mis sonidos y les di feedback sobre el instrumento en general.

En tus proyectos siempre combinas temas que son tu pasión, como la espiritualidad, la meditación, la neurociencia y la terapia sonora. Todo esto se combina con uno de los proyectos tecnológico que tienes entre manos, ya que estás trabajando con el grupo Angel Holding para crear un aparato para la estimulación de ondas cerebrales con sonido. ¿Qué nos puedes contar sobre este proyecto?

Ahora ya te puedo decir hasta el nombre, porque el producto ya está terminado. Se llamará Kalya (en colaboración con Matteo Pertosa, CEO de Angel Company), que es una palabra en sánscrito que se traduce como “bienestar”. El aparato en sí consta de una banda para la cabeza que viene con sensores que se conectan a una app en tu teléfono, que te permitirá escanear tu cerebro y emociones, para analizar tu nivel de rabia o intranquilidad, serenidad, etc y ponerte música acorde a esas emociones. Estudié frecuencias especiales, enfocadas al sonido binaural, también el sonido de instrumentos orientales… así que es una mezcla de sonidos que tienen un efecto en el cerebro, hasta el punto de que puedes ver la diferencia de lo que pasa en tu cerebro antes y después de estas sesiones de sonido. La música cambia en tiempo real, siguiendo el mapa de tus ondas cerebrales.

Vivo la música con mucha devoción.

Incluso en el pasado, la música era un puente entre los seres humanos y lo divino, y durante la COVID empecé a explorar estos temas – porque también sentía mucha ansiedad y no me gusta tomar drogas – y me di cuenta de que funciona. Antes de la COVID, nunca había escuchado esta música, que es como una mezcla de ambient con frecuencias especiales, y me di cuenta lo bien funcionaban en mi cuerpo. En ese momento estaba sufriendo ataques de pánico y

probar esos sonidos fue muy revelador.

Me di cuenta de que quería ayudar a la gente también y profundizar en este tema. La gente lo ha pasado mal, lo he visto en mis amigos, por eso les mandaba música y la reacción siempre era buena. Un día, un amigo me llamó y me dijo que había llorado mucho después de escucharla. Por eso tengo tan claro lo que quiero hacer en el futuro: quiero hacer algo para ayudar a la gente. También quiero meter una meditación basada en el techno en la app de Kalya (en colaboración con Matteo Pertosa, CEO de Angel Company) , porque el techno es muy repetitivo y los sonidos que se asocian al género tienen la capacidad de liberar dopamina, que es la hormona de la felicidad. Si estudias la música desde un punto de vista científico, te das cuenta de que cualquier género puede afectar nuestra salud mental. De hecho, en el pasado, la música era considerada como una medicina y hay muchos estudios sobre medicina cuántica, que se basa en la vibración (“todo es vibración”).

Uno puede alterar la vibración si existe un estimulo sonoro externo y puedes ralentizar el movimiento de las células de tu cuerpo al escuchar sonidos concretos, a ciertos bpms, con frecuencias especificas, que incluso pueden reducir la presión sanguínea. Hay muchísimas cosas que pueden hacerse con la música, la respiración y la consciencia. Estoy muy contenta de poder desarrollar este proyecto con una empresa tan grande, que también trabajan con la NASA, y ahora no puedo esperar para que llegue al mercado. Estoy muy emocionada, porque incluso es algo que puedo integrar en mis shows en el futuro, para que la gente pueda ver lo que pasa en sus cerebros después de escuchar mi música.

Como artista de directo, que solo usa su música para sus actuaciones, ¿qué tanta libertad a improvisar te permites en cada uno de tus conciertos?

Yo nunca he sido DJ, siempre he hecho directos por la libertad que me dan.

Por esto también cambio mi set-up y mis tracks muy a menudo. Al principio de mi carrera en la música electrónica, solía hacer directos 100% improvisados

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"Vivo la música con mucha devo ción. Incluso en el pasado, la músi ca era un puente entre los seres hu manos y lo divino, y durante la COVID empecé a explorar estos temas" y luego cambié, porque cuando tienes tantos shows y tocas delante de tanta gente, es un poco arriesgado. Pero siempre intento que haya el máximo componente humano. Por ejemplo, mis sintetizadores sobre el escenario nunca están conectados por MIDI, va directamente al mixer. Es gracioso, porque los ingenieros de sonido siempre me preguntan porqué no quiero el MIDI (risas). Pero es lo que te decía, me gusta el toque humano incluso si hay errores.

No me importa que los haya. Si toco el sinte mediante MIDI, significa que la máquina, el ordenador, lo hará por mi.

Toqué muchos años con bandas, por eso me gusta tener esas sensaciones sobre el escenario. Además, me gusta cambiar mi configuración para mantener la frescura y divertirme sobre el escenario. Si me aburro, no soy yo (risas).

Tienes tu propio sello, United. ¿Cómo está funcionando? ¿Cuál es el plan de futuro?

Decidí abrir el sello durante la pandemia porque quería hacer un track y donar lo recaudado a Cruz Roja Italia. Tuve la idea de crear una canción pidiendo a mis fans que me mandaran partes de tracks, muchos me mandaron líneas de bajo, kicks, etc. Finalmente, hicimos el track entre 75 productores de todo el mundo, terminé hasta llorando porque me di cuenta del poder de la música para unir a la gente, sin ego, compartiendo el amor. Luego decidí hacer pocos lanzamientos, pero abriendo las puertas a todos. A veces, pongo un concepto online y le pido a la gente que me mande

"Cuando volví a tocar, sentí que la gente realmente quería volver a poder bailar y divertirse" Hazte ya o escucha el álbum de Giorgia Angiuli, 'Quantum Love', en su sello United, escaneando el QR.

sus ideas. De verdad, no me importa si eres un artista famoso o no. Quiero abrirle la puerta a otras personas, porque creo que siempre se puede aprender de otros. Incluso si no eres un artista famoso. Si sientes la música y entiendes el concepto, es lo más importante. Ahora lanzaré mi álbum y seguramente le pida al público que haga remixes y exploraremos otros temas. El año pasado, exploramos la sinestesia: la relación entre colores y sonidos. Porque, ¿sabes que la tengo, no? ¿¡En serio!? ¡No sabía que experimentases la sinestesia!

Es por eso que he querido meterme también un poco en la neurociencia, para entender mejor mi loco cerebro (risas). A mi me pasa que oigo sonidos cuando veo pinturas, es por eso que me obsesionan un poco los cuadros. Mi ritual antes de irme a dormir solía ser analizar pinturas todas las noches. Y cuando estudiaba música clásica, me rodeaba siempre de cuadros. En esa época me gustaba especialmente el impresionismo.

La pregunta más importante de esta entrevista: ¿Pikachu o Squirtle?

(Risas) ¡Pikachu 100%! Lo gracioso es que nunca jugué a los juegos. Simplemente me enamoré de la estética que tenía la serie. No soy muy gamer, la verdad. Y aunque me gusta Pikachu, tengo una mochila de Squirtle y una gorra. Es gracioso, porque hace unas semanas estaba en Sudamérica y me regalaron muchísimas cosas, entre ellas varios peluches. Incluso ¡decoraron el club con cosas de Pokémon! Cuando llegué, me encontré un peluche gigante en la cabina que me querían regalar, pero era imposible de poder subir al avión (risas). Me encantan los juguetes, pero ahora estoy en un momento de mi vida más de leer. Será que me hago mayor (risas).

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¿Cómo ves el futuro de la escena electrónica?

Cuando volví a tocar, sentí que la gente realmente quería volver a poder bailar y divertirse. Pero también que necesitan cariño y emociones, por eso creo que las melodías son muy importantes en la música. Creo que no es un momento para sonidos oscuros o minimalistas y espero que para el futuro la música se pueda convertir en un lenguaje todavía más universal para compartir buenos sentimientos y mensajes con la gente. Quizá antes de esta loca situación mundial, los artistas se centraban más en si mismos o en su sonido. Creo que es más importante estar presente no solo por uno mismo, sino para darnos cariño y cuidarnos los unos a los otros. Veo el futuro con más live sets, veo más artistas desarrollándolos quizá porque han tenido tiempo en el estudio y esto también me gusta. Creo que eso desarrollará un lenguaje musical híbrido en el futuro. ¿Qué otros proyectos tienes para 2022?

Espero poder hacer muchos shows, porque echo de menos viajar y estaré muy centrada en Kalya (en colaboración con Matteo Pertosa, CEO de Angel Company), el nuevo proyecto. Me gustaría, como te he dicho, poder hacer conciertos con esta tecnología y hacer que la gente se de cuenta de cómo la música puede influenciar a sus sentimientos y emociones. Me gustaría poder hacer un evento donde todos pudiésemos explorar este tema juntos, centrándonos en la neurociencia y en la neuroacústica. ¡Ha sido un auténtico placer, Giorgia! ¡El placer ha sido mío! ¡Muchísimas gracias!

Escucha el cover mix exclusivo que ha hecho Giorgia Angiuli para DJ Mag ES escaneando el QR.

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RE GRE SO DE E-DAN CER 044

KEVIN SAUNDERSON El regreso de E-Dancer A u t o r : E D U A R D O P. W A A S D O R P FOTO: TAFARI K. S TEVENSON-HOWARD

El techno no existiría hoy de no ser por Kevin Saunderson.

Reconocido como uno de los arquitectos del techno de Detroit, no mucha gente sabe que parte del trabajo más revolucionario de Saunderson lo hizo bajo el alias de E-Dancer.

Desde 1991 hasta principios de los 2000, E-Dancer sirvió a Kevin como escaparate para sus producciones más duras, caracterizadas por ritmos de techno tribal y líneas de bajo estridentes. Incluso podría decirse que fue él quien pavimentó el camino para ese estilo propulsivo, desnudo e introspectivo que define a una gran parte del techno que se hace ahora: profundo e inquietante, a la vez que boyante y muy funky.

Ahora, E-Dancer vuelve tras décadas de silencio con un recopilatorio de remixes, titulado ‘Re:Generate’, que presenta reinterpretaciones de los tracks más representativos del catálogo de Kevin bajo ese pseudónimo. Estas reinterpretaciones corren a cargo de algunos de los artistas más interesantes y populares de la escena techno y se publica en el que probablemente sea el sello más grande de techno de la actualidad: Drumcode, de Adam Beyer. El elenco de estrellas, que encabezan los propios Saunderson y Beyer, continúa con Len Faki, Special Request, Amelie Lens, Layton Giordani, Bart Skils, Tygapaw, Dantiez & Andre Salmon, Rebuke, Wehbba, DJ Bone y rRoxymore. Ahí es nada.

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Por otro lado, 2021 ha sido un año mucho mejor que el anterior para Kevin. Este curso, ha estado trabajando en cosas para volver a plena capacidad, mantenerse sano haciendo ejercicio y cuidándose más, ya que como él mismo nos dice: “Hemos perdido a demasiadas personas en los últimos dos años por la pandemia.

Ahora hay que apreciar todo más y no dar nada por sentado”. También ha podido pasar más tiempo con la familia, a la vez que terminaba los preparativos para este especial retorno a la pista de baile, de su alter-ego de E-Dancer. Hablamos con Kevin de esto y del presente y futuro de la escena en esta amena charla. ¡Música, maestro!

¡Hola, Kevin! Es un verdadero honor tenerte de vuelta en la revista después de tanto tiempo. Te convocamos por el retorno de uno de tus alias más queridos: E-Dancer. Para aquellos que igual no están familiarizados, E-Dancer fue el nombre que usaste para los sonidos más duros del principio de tu carrera. En esa época, tenías muchos aliases, pero este dejó una profunda huella en la gente. ¿Qué recuerdas de ese tiempo?

E-Dancer fue una parte de mí, musicalmente, que tenía la necesidad de sacar y expresarme. En esa época, sin embargo, había un montón de cosas pasando en mi entorno. Fue el comienzo de Inner City también, donde nos volvimos famosos en los círculos pop y todo empezó a irse en otra dirección.

En esa época tuve muchos aliases, porque en esa época estaba trabajando en diferentes movidas que no encajaba en otros royos que estaba haciendo. Con

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E-Dancer pude hacer lo que quise en ese momento, fue un gran momento porque era un lado de mi que quería transmitir a la gente.

Ahora nos presentas un gran paquete de remixes de los temas de E-Dancer, de artistas como Len Faki, Special Request, Amelie Lens, Layton Giordani, Bart Skils, Tygapaw, Dantiez & Andre Salmon, Rebuke, Wehbba, DJ Bone, rRoxymore, tú mismo

"E-Dancer fue una parte de mí, musicalmente, que tenía la necesidad de sacar y expresarme".

como E-Dancer and Adam Beyer, que lo firma en su sello Drumcode. Háblanos más del proceso de firmar y juntar este disco…

Fue una colaboración entre el equipo de Adam y yo. Ellos eligieron unos, nosotros a otros… nosotros hemos tenido a diferentes artistas en el sello, ellos también, así que tenía sentido conectarnos y compartir visiones. Todo comenzó porque Adam y yo queríamos hacer un track juntos. A mí me encan-

ta colaborar, pero pensé que quizá debíamos revisitar el proyecto E-Dancer y presentar al público algo único. Así fue como empezó la conversación y él ya tenía un track de Wehbba, que había remezclado ‘Velocity Funk’, ¡y a mi me encantó! Todo empezó por ahí. Luego, durante el proceso, me quise asegurar de que había músicos de Detroit y que no acabase siendo la típica recopilación de remixes de artistas europeos.

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¿Tienes algún favorito en particular?

Uno de mis favoritos es el remix de ‘Warp’, que hizo Len Faki. No le conocía mucho antes, pero consiguió realmente bordar el trabajo, con un remix oscuro, underground y profundo.

Hay muchos nombres, pero los que más nos llaman la atención son los de nuevos artistas emergentes como Tygapaw o Wehbba… ¿Qué opinas de los nuevos artistas que vienen?

Todos entran a su manera en la escena techno, no necesariamente inspirados por mi. Se nota que la gente nueva viene con otras ideas y eso hace que la escena siga moviéndose, que haya cambio y renovación. No siempre habrá gente que siga esa pureza del principio, pero eso tampoco es malo. Es la evolución natural de las cosas, de la tecnología y el tiempo. El hecho de que sigamos estando aquí, más de 35 de años después del nacimiento de esta música, dice mucho de la visión que tuvimos. Una de las cosas que me imaginaba es que gente de todo el mundo iba a unirse a bailar nuestra música… y mira dónde estamos. Siempre es bueno tener gente joven que traiga ideas nuevas, especialmente si quieren mantener la honestidad de la música y su filosofía inicial. No me da miedo el cambio, siempre que venga del corazón y sea lo que sientas, y no sea parte de un plan frío…

También tienes a tu hijo, Dantiez, junto a Andre Salmon, haciendo un remix. ¿Qué piensas de la progresión de tu hijo en la industria? ¿Qué sientes cuando le ves trabajar? ¿Dantiez? Él es un luchador, siempre está trabajando en su estudio, en su ordenador, es real, su música es pura… ¡Me recuerda a mí mismo, de joven!

Porque es versátil y puede trabajar en muchas direcciones: con vocales, con estilos más underground, techno, tech-house, deep house o house. Tiene buen instinto y va en la dirección que él cree que es la mejor. Es una persona que vive el momento, tiene un sonido único y está haciendo un montón de colaboraciones. Realmente me siento orgulloso de ver que ha encontrado su camino en la música, que es algo que le gusta.

No lo hace por dinero, sino por el amor que siente por la música. Lo lleva en la sangre. Además es lo opuesto a mi… yo tenía un montón de aliases para sacar cada tema diferente que tenía. Él solo

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"La música es una de las herramientas más poderosas a la hora de llegar a los sentimientos de la gente". usa su nombre, pero ha sacado cientos de tracks de estilos diferentes y diferentes artistas. No para de mostrar que es tan versátil que puede trabajar casi con cualquiera. ¡Eso es un plus! Yo no podría hacerlo, ya me cuesta trabajar conmigo mismo a veces (risas). Supongo que así es la nueva forma de hacer las cosa de los productores/DJs… ¿Y, qué piensas de la escena en general hoy en día? ¿Qué piensas del techno en 2021, en este siglo?

Creo que está en un momento bueno, sano… estamos viendo públicos muy jóvenes. Hace poco hice un show con Adam Beyer en Printworks, en Londres, y eso fue lo que más me sorprendió: que el público era realmente joven. Es interesante, porque me di cuenta cómo absorbían los sonidos de E-Dancer, un alias que no conocían, que es nuevo para ellos. He visto que realmente disfrutan del momento y que entienden la propuesta. También hice un after-party recientemente y fue igual: buen rollo, público joven que igual no sabe qué disco estoy poniendo, pero baila como si lo supiera. ¿Sabes? Hubo un momento en que todos los discos que ponía, la gente sabía qué canción era… Eso ya no pasa. Y me gusta más así. La nueva generación se encuentra en un proceso de aprendizaje, especialmente cuando oyen a DJs como yo. Lo puedes ver en EEUU, en ciudades como San Diego, Los Ángeles, Nueva York… ¡He tenido actuaciones increíbles durante el ultimo año! Porque se está mezclando el público que no pudo irse de fiesta en dos años de pandemia y que ya salía de fiesta, con el público que está empezando ahora a salir por edad y los que siguieron yéndose de fiesta durante la pandemia, a pesar de las restricciones.

Ahora se juntan esos tres grupos y eso

le está dando un ambiente nuevo y diferente a la escena.

Es interesante, porque una de las conversaciones que se ha tenido durante la pandemia era cuál iba a ser el estado del público con la vuelta… incluso si la gente iba a tener miedo o ansiedad a la hora de salir de nuevo en grandes grupos. Parece que ha sido al contrario, ¿no?

La gente necesitaba salir. La música es una de las herramientas más poderosas a la hora de llegar a los sentimientos de la gente. No importa si tiene melodía, letra… la gente necesita de esa emoción para ayudarles a pasar sus momentos más duros en la vida. Si lo piensas, hasta cierto punto es una forma de terapia. Es por eso que ahora, cuando la gente sale, está abrazando la música de una forma totalmente nueva.

Estos dos años que han pasado han sido tremendamente duros con la escena musical mundial por la pandemia. Tu, incluso, sufriste los síntomas de la COVID en tus carnes. ¿Cómo te encuentras ahora?

Ahora siento que estoy de vuelta a la normalidad. Ya me he vacunado, incluso con la tercera dosis hace poco. En cierto momento sí que estuve luchando un poco con las secuelas, algún pequeño problema respiratorio… Pero ahora estoy perfectamente, intento comer sano, hacer deporte y descansar. No soy súper religioso, pero rezo y creo en una entidad superior, que nos ha puesto aquí y que nos ayudará a recuperarnos de esto. ¿Ha llegado, en algún momento, a verse afectada tu salud mental?

Bueno, yo siempre he sido una persona con una voluntad y carácter fuertes.

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Creo que eso es una de mis fortalezas, intentar ser siempre positivo incluso cuando las cosas se complican, como cuando me contagié de COVID. Tuve a mi familia y a mis hijos apoyándome y por eso mantuve la fortaleza mental.

Diría incluso que no me afectó en ese sentido. Ha sido una fase la vida que ha pasado, como otras. ¿Cómo ves el futuro de la escena, ahora que todo parece volver a la normalidad?

Es un momento extraño. En todas partes. Incluso aquí, en Michigan, donde vivo, parece que todavía estamos a la cabeza de EEUU en contagios y muertes por COVID. Está claro que la cosa está mejorando, sobre todo a medida que la gente se vacuna. La situación es mejor de lo que era, pero no debemos dar nada por sentado. Debemos seguir siendo cautos, usando las mascarillas y siendo más limpios de lo que jamás hemos sido (risas). Si seguimos así, venceremos al virus y seguiremos adelante con nuestras vidas, aprendiendo una lección valiosa, como sociedad, por el camino. Soy optimista, puedo tocar de nuevo, algunos clubes piden que la gente muestre su certificado COVID y ese tipo de cosas es necesario si no quieres poner en peligro a otras personas, porque puedes evitarlo. Cuando uno piensa en eso, lo único que podemos seguir haciendo es mantenernos lo más seguros posible para luchar contra este virus. ¿Qué tienes preparado en 2022?

KMS lleva callado un tiempo, pero en 2022 vamos a sacar varios releases interesantes. Ya tengo uno con Kenny Larkin, del que he hecho un edit y Carl Craig un remix. Luego tenemos un track de E-Dancer vs Dantiez, que está bien interesante. Y habrá más, pero con KMS eso es lo más inmediato. Luego, yo estaré pinchando en Brasil en enero y haremos un tour de Inner City/Kevin Saunderson/E-Dancer cuando vaya a Australia, durante tres semanas, en marzo. ¡Y a Europa volveré en primavera y verano! ¡Muchas gracias por tu tiempo, Kevin! ¡Gracias a vosotros, como siempre!

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JOACHIM PASTOR Para Joachim Pastor, la música no va de modas pasajeras o lo que peta ese fin de semanåa. El DJ y productor francés lleva apostando por un sonido atemporal desde que entrase en la escena por primera vez y su recién salido álbum debut en Armada Music es el premio a años de esfuerzo y sacrificio.

Joachim es un auténtico perfeccionista.

Habiendo estudiando nada menos que en el conservatorio de Versalles siendo niño, hacia el final de sus estudios con 15 años, fue cuando empezó a probar las mieles de la producción basada en software. Una cosa llevó a la otra y ahora Joachim se codea con la vanguardia de la escena electrónica, a la que ha embelesado con su brutal opera prima en Armada.

Y es que ‘Greater Message’ es un álbum cargado de esa esencia donde Joachim Pastor sigue intentando mantener su música simple, a la par que conmovedora, dentro de la exploración de texturas orgánicas y sintetizadores de tendencia pop, que siempre le han caracterizado. Ahora, se sienta con nosotros para desvelarnos los secretos que se esconden tras este, su primer álbum y nuevo capítulo en su vida… ¡Hola, Joachim! Un placer tenerte para cerrar el año en la revista. ¿Cómo ha sido tu 2021?

Ha sido bastante emocionante, ahora que termina el álbum. También terminé mi nuevo estudio, ahora ya con todo el sistema acústico ya listo, he hecho mis propios oradores y así sucesivamente.

Es casi imposible no preguntar por tu partida de Hungry Music. ¿Cómo ha sido el cierre de este capítulo de tu vida y, sobre todo, qué ha supuesto para ti musicalmente?

Obviamente ha sido bastante difícil. No solo por las circunstancias de cómo sucedieron las cosas. Hungry Music

era una parte muy importante de mí vida y también de mí mismo. Trabajé muy duro en ese proyecto y estuve dedicado a él durante unos años muy importantes dentro de mi carrera. Ahora, se siente diferente porque no trabajo con mi propia marca, pero también es bastante agradable vivir cambios que me aporten diferentes perspectivas. Doy gracias por trabajar con un equipo tan eficiente porque todo ha estado yendo magníficamente desde el principio de esta colaboración con Armada Music.

Y ahora, reapareces en el súper sello neerlandés, Armada Music, con tu primer álbum, 'Greater Message'… un título bastante revelador pero, ¿cuál es el concepto detrás de este álbum?

En realidad, quiero mostrar un espectro bastante más amplio de lo que mi música es y supone. Cuando lo escuchas por primera vez, te das cuenta de que las pistas son una mezcla de una gran variedad de estilos. Siempre intento hacer lo que me gusta en cada momento, sin tener que centrarme en un solo género en particular. ‘Greater Message’ viene a simplificar la idea de que todos somos parte de algo que nunca llegamos a comprender del todo y, siguiendo esta premisa, que siempre hay algo que se escapa a nuestra comprensión en todos los aspectos de la vida.

A modo de introducción, el primer tema que encontramos en este álbum es la pieza junto a la cantante Florence Bird. ¿Qué nos puedes contar sobre este single?

Este es un vocal que grabamos hace años. Realmente, ¡amo la voz de Florence! Para mí, es una de las más conmovedoras que he escuchado y cuando hice esa pista, pensé que sería una gran introducción porque me encanta la forma en que su voz se expande a través de la música…

Como una sorpresa la primera vez que la escuchas. ¡Es fascinante!

Y del single que da nombre al álbum, también junto a Florence Bird... ¿Por qué elegiste esta para titular tu primer álbum?

En realidad, esta es la última pista que terminé y una de las primeras que hice para este álbum. Simplemente me tomé mi tiempo para encontrar una estructura que me gustara y, al final; decidí nombrarla ‘Greater Message’, – como el álbum – también como una buena manera de marcar el final de la elaboración del mismo.

Otra pista cargada de ese positivismo inherente que siempre te ha caracterizado es el single junto Nathan

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Autor: LEIRE ZULOAGA | Foto: ROMAIN GARCIN

M

Side'. ¿Qué nos puedes contar sobre el concurso? Y especialmente, ¿qué fue lo más interesante de esta colaboración?

Cualquiera puede ir y descargar los stems y el ganador, obtiene como premio un lanzamiento en Armada Music. Es bastante interesante, porque esta pista es más lenta y tiene un beat original de 808, por lo que esperamos cosas realmente diferentes para este remix. Además, creo que fue una buena opción elegir esta pista, porque el original está bastante lejos de lo que suelo hacer habitualmente. He hecho varios videos de estilo masterclass/trucos y consejos con Armada University y ya podemos asegurar, ¡que me gusta compartir mi conocimiento! (risas) No soy ese tipo de persona que intenta mantener las cosas en secreto o que no quiere compartir ciertas técnicas. Así es como yo aprendí y espero poder hacer lo mismo para la próxima generación.

El single ‘Wardenclyffe’, al igual que el track ‘Grand Canal’, muestran una tendencia más profunda en sus capas. ¿Qué fue lo más interesante del trabajo en estas piezas?

De ‘Wardenclyffe’, me encanta la profundidad de su kick y también la del bajo.

Además, es una pista bastante lenta, por lo que la sensación de esta profundidad aumenta. ¿Os acordáis de la icónica bobina de Tesla que nunca fue terminada? ‘Wardenclyff’ y su sonido plomizo me hacen pensar en el sonido de esta bobina Tesla.

De ‘Grand Canal’, me gusta mucho como la primera parte de la pista suena más oscura y enfocada, y se abre totalmente en su segunda parte para volverse bastante más luminosa y algo más llena de esperanza.

Nicholson, ‘Saint Louis’ pero, ¿qué fue lo más relevante de esta colaboración?

Para mí, lo más destacado de esta colaboración llegó en el inicio, cuando Nathan me envió su primer sample vocal. Al instante me encantó, porque el tono de su voz era excelente y simplemente… ¡no pude sacarlo de mi cabeza! Era un tono que encajaba perfectamente en lo que yo había estado buscando. Considero que Nathan tiene mucho talento, además de tener una voz de esas que dejan huella.

También vemos en la pista 'Kenger', un claro testimonio de tu capacidad para reinventarte. Pero, ¿qué resaltarías tú de esta pista en particular?

Siempre sentí que el bassline era muy especial, porque se dobla al final del compás y creo que eso es algo que le da bastante carácter a toda la pista. No lo sé, creo que ese pequeño momento que ocurre cada 10 segundos es muy, muy especial.

Hemos visto que se ha organizado un concurso alrededor del single 'By Your

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Luego llega, 'Godspeed' que es más introspectiva, como un llamada a la calma, y posiblemente uno de nuestros favoritos del álbum. ¿Cómo fue el proceso creativo de esta pista?

Intenté hacer algo borroso, con melodías que fuesen difíciles de diferenciar. Es por eso que hay mucho instrumento con mucha reverberación, que hace que todo suene casi caótico en algunos puntos, aunque conservando la armonía detrás de todo el caos. Debo decir que también es una mis favoritas del álbum.

Una completa yuxtaposición a 'Hopium', single cargado con esa esencia pop que siempre ha sido parte de su

trabajo. ¿Cómo definirías la pieza? ¿Qué es lo que más te gusta de ella?

Me gusta la impresión que deja la melodía, ya que se siente como una energía cargada de felicidad que no se puede detener.

Cuando la pinché, siempre sentí que trabajaba genial en pista y siempre tuve grandes reacciones con ella. También me gusta mucho su mezcla, ya que va muy apretada y se ajusta muy bien al sonido.

‘Right Now’ Es un hermoso recordatorio para aprovechar el momento. ¿Cómo fue plasmar esta idea en el track?

Tendemos a vivir demasiado en el futuro… ¡O demasiado en el pasado! Así que decidí bucear en la parte de "en este momento".

Además pienso que suena un poco inocente e hipnótico, cualidades que plasman bastante bien la simplicidad de la pista.

Cerrando este ‘Greater Message’, Encontramos el rework del icónico ‘What Ya Got 4 Me’, como forma de unir pasado y presente pero, ¿qué fue lo mejor?

Fue realmente interesante volver a visitar una pista tan clásica y antigua como esta.

En realidad, terminé manteniendo solo la voz, que tiene mucha de ese feeling de la vieja escuela, aunque "trasplantada" dentro una producción más moderna. La verdad que no fue fácil, pero al final, solo los resultados son relevantes.

Finalmente, Joachim, ¿qué te va a traer este 2022 a ti, particularmente?

Ya estoy trabajando en nueva música en este momento por lo que se acercan nuevos singles y muchos remixes del álbum que verán la luz próximamente. También estoy en proceso de hacer nuevos controladores MIDI, para mi show en vivo. ¡Muchas gracias por este rato! ¡A vosotros!

*Descubre las técnicas y secretos de producción de Joachim Pastor en su última masterclass para Armada University escaneando el QR.

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C ‘ M 054

Autor: MICK WIL SON

Traducción: PATRICIA PAREJA C ASALÍ

Fotos en el Beats Hotel: DAN MEDHURS T

N E E L L O C ’ O M S O C ‘ Y H P R U M N E E L L CO MO’ S O ‘C PHY R U M nido

en so u b l e d ría

La aleg

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Al final del verano, DJ Mag ES se reunió con la bien conocida DJ y presentadora Colleen ‘Cosmo’ Murphy antes de su DJ set b2b con DJ Alfredo, en el takeover del Beat Hotel en Ibiza. Una oportunidad para que una gran variedad de personas, de todos los ámbitos de la vida, exploraran las maravillas de la mágica isla de Ibiza, con la excusa de reconectar con la música, la vida y el bienestar social y mental. Especialmente ahora, que venimos de perdernos el poder compartir momentos y experiencias juntos, debido a la COVID. Dada la especial ocasión, quisimos conectarnos con Colleen y descubrir más sobre su historia, sobre su educación musical y su amistad con David Mancuso, pionero y creador de las fiestas de The Loft en el Nueva York de los 70, a las que podías asistir "solo con invitación". Estas fiestas clandestinas fueron las precursoras de clubes como el legendario Paradise Garage, de Larry Levan, y se hicieron famosas por sus políticas musicales de mente abierta y, aunque solo eran accesibles con invitación, apelaron a una cultura inclusiva y la naturaleza de la música que se estaba reproduciendo.

Esto fue en los primeros días de la música disco, que se acabaría convirtiendo en la escena house. En aquel entonces, parte del atractivo especial de estos eventos eran los sistemas de sonido de alta fidelidad, que Mancuso empleaba para reproducir la música. Era conocido por superar las expectativas en cuanto a ofrecer un audio y un sonido que mejorasen la experiencia de los asistentes. Este legado pervive hoy, con DJs como Colleen – que continúa con lo que David comenzó – con sus fiestas Lucky Cloud y los eventos de escucha Classic Album Sunday, donde la gente puede escuchar y bailar música con este espíritu. Esta oportunidad única de ser apadrinada por David ha ayudado a Colleen en su camino hacia el descubrimiento de la música y el audio, y a presentar este tipo especial de escucha especial a una nueva audiencia, legando una experiencia en la que realmente se esucha el corazón y el alma de la música.

Hablamos con ella…

Colleen, tienes muchas anécdotas geniales para compartir, en cuanto a tu historia musical y a tu conexión con David (Mancuso) y la época de las fiestas en The Loft, ¿puedes contarnos un poco más al respecto?

Sí, tengo muchas experiencias a mis espaldas, básicamente he sido presenta-

N E E L L CO MO’ S O ‘C PHY R U M dora musical, DJ de radio y curadora la mayor parte de mi vida, casi durante 40 años, ya que comencé cuando era muy joven. Cuando tenía 14 años empecé en la emisora de radio en la escuela secundaria, trabajé en tiendas de discos y luego hice radio universitaria en los años 80, y comencé a ser DJ profesional en los 90. Fui alumna de mi difunto amigo David Mancuso, comencé a ir a sus fiestas The Loft en Nueva York y él me apadrinó, me enseñó muchísimo.

Al mismo tiempo, pinché en diferentes lugares de la ciudad. Estuve en un par de programas de radio bastante conocidos para ser Nueva York, especialmente para el house underground, deep house, deep disco y deep soul, y durante todos los shows estuve trabajando en tiendas de discos y pinchando por todo EEUU. Luego comencé a pinchar internacionalmente y me mudé al Reino Unido en 1999, y desde entonces he hecho muchas cosas diferentes: he tenido un sello discográfico y he producido mucha música/remixes, he presentado varios programas de radio y ahora estoy en Worldwide FM. He estado en eso durante cinco años, desde que comenzaron, y presentaré un programa llamado Balearic Breakfast todos los martes por la mañana. Mi lado más afín a la música dance es Cosmodelica, también el nombre de mis remixes, he hecho bastantes desde que comenzó el confinamiento y también fundé Classic Album Sundays, que es una plataforma para la escucha profunda de álbumes y también sobre las historias detrás de los álbumes que cambiaron nuestras vidas. Lo comencé como un álbum de club mensual en el pub de mi amigo hace once años, por

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allá por 2010, y ha cobrado vida propia.

Ha sido una plataforma muy buena, hemos invitado a muchos artistas diferentes y los hemos entrevistado y realizado sesiones completas de escucha de álbumes en equipos audiófilos de alta gama, para que la gente pueda escuchar los detalles en sus álbumes favoritos de una manera diferente. Pueden percibir cosas que no habían percibido antes y lo experimenten sin interrupciones, con los teléfonos apagados y sin hablar.

Antes comentábamos que fuiste alumna del legendario David Mancuso, ¿cómo te ayudó esto a formarte musicalmente?

Mi trabajo con él comenzó bien, no era realmente profesional, le estaba ayudando como amiga. Cuando lo conocí en el 91/92, acababa de reiniciar sus fiestas The Loft, ya que se había tomado un descanso y acababa de reabrir en la calle East 3rd, aunque tenía un problema con el edificio, estaba en un mal barrio y no había mucha gente que viniera a las fiestas como solían hacerlo antes.

Estaba pasando por un momento difícil y esto también sucedió durante las etapas iniciales de gentrificación en todo East Village. Fue difícil buscar un lugar nuevo, los vecinos se quejaban porque de repente la gente iba a las fiestas los fines de semana y nunca solía ser así.

Aquí es donde comencé a aprender de él en términos de su gran respeto por el músico y la grabación, tratando de transmitir la intención original del artista a través del sonido y su sistema de sonido. Cuanto más aprendí sobre esto, mejor entendí que todo se basaba en no interferir con la intención musical,

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el mensaje y el sonido, repitiendo el evento original y tratando de acercarse lo máximo posible a lo que los artistas hacían en el estudio. No hay que olvidar que cuando comenzó sus fiestas, básicamente consistían en bandas en vivo grabando en el estudio, y trataba de llevar el sentimiento de estar en la pista de baile en medio de esos músicos, usando un sistema de sonido que no tenía ningún FX adicional, que no quita ni añade nada al sonido, solo para ofrecer un reflejo muy honesto de la música.

Todo es para replicar el sonido natural de la manera más verdadera posible, un camino de sonido sincero, sin interferencias, llevándolo desde del punto A hasta el punto B, los oídos del oyente, de la manera más discreta posible. Esto es algo que he aprendido y extraído de él y lo que hizo que sus fiestas The Loft fueran tan especiales. Todo el espíritu es tan especial porque era una forma holística de escuchar (más que hedonista)

para lograr el equilibrio entre los dos.

De hecho, cuando era pequeña, siempre estaba haciendo cintas con el botón de pausa de los programas de radio, todo giraba entorno a la programación, hacia dónde vas, cómo ir de A a B y todo eso.

Cuando no estás mezclando (reproduciendo los discos ininterrumpidamente) o regido por el bpm, puedes tejer historias y no necesariamente de forma lírica, sino de forma sonora. Ciertos discos no van juntos sonoramente cuando no los estás mezclando, podría ser un gran salto que tienes que dar gradualmente a nuevos lugares, llevar a la gente,… así que aprendí sobre la narración sonora, de que no debes dejar que tu ego interfiera con la música. Respeto el turntablism, es muy bueno, pero no es algo que yo haga, esto es algo diferente para mí y consiste en transmitir esa energía vital de la música, el espíritu que el artista tenía pensado para el que baile, sin intervenir.

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Una vez, David me dio un libro que se llamaba The Life Energy in Music, Vol. 1: Notes on Music and Sound (“La Energía Vital En La Música, Vol. 1: Notas Sobre La Música Y El Sonido". John Diamond, 1981) y explicaba algo acerca de transmitir el pulso – el pulso original de la música – al oyente, al que baila, y no interponerse en el camino. El arte está en canalizar la música cuando sabes que estás volando y los discos simplemente se reproducen y se representan a sí mismos, y no tienes que pensar, dejando que la dinámica fluya a través de la vida y la energía se transmita a través de la música.

Escuché mucha música con él, solo escuchábamos música, y él fue quien me enseñó a darme cuenta de qué canción es buena para una fiesta, porque algunas canciones son geniales pero no son buenas para una fiesta. Porque al final estás tratando de animar a la gente cuando están de fiesta. Recuerdo

pinchar a Amy Winehouse por primera vez y decirle a David: "Tienes que escuchar a esta cantante, es fenomenal”.

Pero él dijo que sí, lo era, pero no tenía canciones para pincharlas en una fiesta, ya que son muy deprimentes / trágicas, y no es el tipo de música que quieres escuchar cuando quieres divertirte. Lo entiendo perfectamente.

Para ti, ¿todo se basa en la calidad del sonido que define la experiencia auditiva?

Hay una sanación colectiva a través de la música, la danza y la amistad cuando tienes el sonido correcto. La mayoría de la gente no lo percibe conscientemente, no saben que es un sistema de sonido para audiófilos, pero lo perciben inconscientemente. Así que cuando estoy pinchando un disco en The Loft, en una Lucky Cloud Party o en un Classic Album Sundays, la gente normalmente se me acerca y me dice: “nunca lo había escuchado así antes”. Y si pincho un disco que no está bien fabricado o tal vez no está mezclado correctamente, puedes ver cómo cae el nivel de energía, y cuando el audio vuelve a ser dinámico, la vibra cambia. Puedes ver que la gente en la pista de baile lo siente. Esa es la otra parte de pinchar bien y para ello la materia prima también tiene que ser excelente. Lo que hago es una experiencia musical, en contraposición a mucha cultura de DJ liderada por el ego. No es que sea malo, pero esto es algo diferente.

David nunca se refirió a sí mismo como un DJ, sino más como un presentador de música. Cuando estoy pinchando discos en una de mis fiestas no estoy haciendo un DJ set, sino que soy la presentadora de música de las fiestas, todos los que participamos en ella somos anfitriones y contamos con un equipo de personas que la han organizado, eso es todo.

No es una actuación. Tenemos un gran sistema de sonido, no hay que tocar casi nada, solo hay que dejarle reproducir la música de la manera más honesta posible. La gente puede sentirlo. Estas son las cosas que aprendí.

¿Dirías que la apreciación por el sonido audiófilo, que es una gran parte de lo que haces en tus eventos, ha cambiado la forma en que el oyente aprecia la música, cómo la escucha e interactúa con ella, especialmente en un club?

Sí. Vimos esto con el cine y la televisión, cuando adoptaron una resolución más alta. Sin embargo, con el sonido fuimos en el camino opuesto en los años 80, con CDs que tenían menos espectro sonoro que un buen prensado en vinilo. Luego llegó el mp3, que era peor todavía, por la forma en que aplastaba la música, casi dejándola sin vida. Pero ahora vemos streamings y descargas digitales de muy alta fidelidad, que tienen mucho contenido con un espectro realmente amplio.

Evidentemente, no es lo mismo que la experiencia analógica, pero sigue siendo genial y la gente tiene un gran respeto por la música. La gente se dio cuenta de lo que se estaba perdiendo cuando el mp3 se convirtió en el formato final. Recuerdo que mi padre me decía: “Escucho estas descargas, y hay elementos que echo en falta en la música que recuerdo que solían estar allí”.

Gran parte de eso se debió a la compresión del mp3. Engañaba a tus oídos y enmascaraba muchas cosas para que tus oídos tuvieran que llenar los huecos, pero faltaban elementos y la gente lo notó, y todo el movimiento hacia un mejor sonido, bueno, hacia una mejor reproducción del sonido en realidad, es algo que continuará. ¿Hasta dónde puedes llegar? Es la pregunta cuando sigues persiguiendo la nube de sonido, ¿cuándo es lo suficientemente buena? Eso es lo que debes decidir. Durante la pandemia, cuando la gente no salía, muchos que todavía seguía recibiendo sus ingresos habituales salieron a comprar sistemas de sonido mejores y se interesaron en saber cómo mejorar sus propias configuraciones y cómo trabajar en sonorizara la habitación. No se trata solo de cuánto se pueden gastar, hay muchas cosas que

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la gente puede hacer para mejorar sus configuraciones y no creo que esto sea una moda pasajera, sino una tendencia donde la gente realmente disfruta de la música y tiene los medios para hacerlo.

Es algo importante, porque quieren experimentar la música de la mejor manera posible, y en eso consisten nuestros eventos.

Me viene a la mente algo que mi querido amigo David dijo: “El buen sonido es un derecho humano”. Estamos sujetos a una gran cantidad de contaminación sónica que lo afecta. Un buen sonido puede ayudar a transmitir la energía vital de la música, en lugar de absorber toda la energía, que es lo que hace un mal sistema, si la gente comienza a prestar más atención. Y esto no debería ser elitista, el mundo de los audiófilos debería ser inclusivo y sacar esto a la luz, para ganar un atractivo más amplio y llegar a más gente. Hay que hacer todo lo que puedas para ayudar a la experiencia final de los oyentes, ya que el DJ no es el importante. Lo importante es la gente y su experiencia con la música. Al final, ese es el onjetivo. ¿Y qué hay del legado continuo del que tú y David sois parte con este momento especial de escucha?

Ya sabes, tenemos muchos DJs jóvenes que nunca han pinchado en este tipo de sistema o experimentado estos momentos, y es genial animar a esta próxima generación de DJs, para enseñarles algo sobre lo que se siente al pinchar en un buen sistema. Para mí es genial verles divertirse tanto y poder transmitirles este conocimiento, ayudando así a la próxima generación en su viaje para que puedan continuarlo y llevarlo hacia adelante. Este es un sentimiento increíble.

*Descubre más visitando la web www. colleencosmomurphy.com. Y entérate de la programación del Beat Hotel Ibiza en www.beat-hotel.com

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ALL DAY I

DREAM

by

LEE BURRIDGE

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10 AÑOS SOÑANDO

DESPIERTOS Aut or : PATRICIA PAREJA C ASALÍ

La marca y sello discográf ico All Day I Dream está de aniversario y su fundador, el DJ y productor Lee Burridge, nos ha confesado que se enorgullece de haber logrado lo que se propuso en sus inicios; “mi intención original con esto era hacer sonreír a la gente. A pesar de que ya llevamos diez años, todavía lo siento fresco, lleno de vitalidad y entusiasmo”, nos cuenta.

La música es uno de los elementos que causan más placer en la vida. Y no es que lo digamos nosotros, sino que lo dice la ciencia. El cerebro, capitán de nuestro sistema nervioso, reacciona liberando dopamina ante cualquier estímulo musical, y lo hace con mayor facilidad ante lo nuevo y desconocido, que ante aquello que ya nos es cotidiano… y en una época en la que el minimal se había hecho con el control de la escena musical, escuchar de pronto un nuevo sonido, sin duda, sembró un gran interés y consiguió hacer viajar al público hacia nuevos lugares, guiados por una melodía distinta y estimulados por un sonido extraordinario… El sonido de All Day I Dream.

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Lee nos comenta que “había vivido algunas situaciones que me obligaron a tener que crear un nuevo rincón en la música dance que pensé que era necesario en ese momento” y, con el significante apoyo de otro gran artista como es Matthew Dekay, se atrevieron a introducir este nuevo sonido melódico, y a darle forma a ADID (“All Day I Dream”). Aunque debemos decir que este no fue su nombre original, y Lee nos ha confesado en esta interesante charla el nombre inicial de su plataforma, que acabó cambiando poco después.

Cuando leáis el resto de esta entrevista, entenderéis por qué…

Una de las primeras veces que el sonido ADID vibró ante el público fue en una edición del mundialmente conocido festival Burning Man. “La música del festival era súper intensa y contundente, genial para pisar fuerte, PERO… ¿y si la música fuera algo más parecido a un viaje?”, se preguntó Lee a sí mismo. Y fue entonces cuando comenzó a pinchar un sonido totalmente diferente a medida que se acercaba el autobús del escenario Robot Heart.

ADID marcó un antes y un después en la vida artística y personal de su fundador y, a decir verdad, no solo en la suya, sino también en la de todos y cada uno de los artistas que se han embarcado en este mágico sonido con el paso de los años. Tal y como él nos explica, uno de los mayores regalos y satisfacciones que le ha brindado la plataforma ha sido “ver florecer las carreras de los artistas una vez que se unen a la familia”.

ADID ha logrado dar a luz a un nuevo movimiento guiado por un sonido melódico, diferente, mágico, seductor,… pero, ante todo, auténtico. Este sonido, que Lee define como “sexy” o “feliz” entre otras cosas, es fruto de todos y cada uno de los artistas – o “narradores”, como él mismo dice – que han pasado por el sello y han añadido su esencia particular. Y los que todavía faltan por llegar, que no son pocos…

Este año – bueno, en realidad fue el pasado 2020, pero evidentemente no fue un año que contara en el calendario –, All Day I Dream celebra 10 años de vida y el artista nos ha confesado que no tiene del todo claro hacer una fiesta conmemorativa, y que en su lugar: “simplemente celebro el hecho de que se nos permita reunirnos una vez más como comunidad, y presentaré los

mejores shows que pueda”. Y cuánta razón tiene. Tras un año del todo excepcional, sin duda la mayor de las celebraciones es volver a reunirnos y seguir cumpliendo años.

La salud de ADID es vigorosa, continúa su paso con energía y lo hace con novedades algo rompedoras; “el nuevo lanzamiento de Dim Kelly en el sello tiene algunos de los tracks más difíciles que he lanzado”, nos cuenta Lee, “pero Dim es una gran incorporación a la familia. Hay todo tipo de vibraciones en el universo All Day I Dream y habrán más en 2022. Para mí es importante seguir explorando”, concluye.

Os invitamos a conocer más en profundidad el pasado, presente y “esperanza” para el futuro – como prefiere llamarlo Lee – de All Day I Dream en estas líneas, donde Burridge en persona nos ha transmitido su pasión y dedicación por este encantador proyecto. ¡Feliz aniversario, ADID! Por muchos más años con tu sonido haciéndonos soñar todo el día, todos los días...

LEE BURRIDGE

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¡Hola Lee! Es un verdadero placer tener esta charla contigo con motivo del décimo aniversario de “All Day I Dream”, tu icónica marca, que vio la luz en 2011. ¡Felicidades! ¿Cómo te sientes al celebrar 10 años?

Hola, gracias por contar conmigo chicos. Estoy muy orgulloso de que el concepto y la idea que gira entorno a ‘All Day I Dream’ haya seguido creciendo, evolucionando y haciendo sonreír a la gente durante más de una década (si sumas los años, este es en realidad nuestro undécimo, pero el año pasado -por motivos evidentes- no contó).

Mi intención original con esto era "hacer sonreír a la gente". A pesar de que ya llevamos diez años, todavía lo siento fresco, lleno de vitalidad y entusiasmo y, como dije, me enorgullece haber logrado lo que me propuse. Todavía lo siento como si justo acabáramos de comenzar.

De hecho, estoy celebrando la comunidad que se ha formado en torno a la música y al espíritu. No importa en qué parte del mundo estés, los soñadores son increíbles, así que, a ellos,… gracias a todos.

Me llama especialmente la atención el nombre, tan risueño, de la marca “All Day I Dream”. ¿Por qué motivo decidiste ponerle este nombre? ¡Oh, vaya, no había leído la siguiente pregunta y ya estamos hablando de sonreír!

Qué divertido. Amo y resueno con las nuevas ideas y la creatividad provenientes de ciertos estados mentales. Me he despertado muchas veces con ideas que se han hecho realidad en este proyecto, como las estructuras que construimos. Aunque originalmente la idea y el nombre estaban vinculados a mi novia de entonces. En realidad, a su perro (un perro salchicha llamado Peanut). Hice un mix de los tracks melódicos que había estado buscando y coleccionando y decidí llamar al mix “All Day I Dream Of Her" (“her” [ella] es el perro y / o tal vez mi novia de entonces).

La música era de ensueño, lo que no era nada popular en aquél entonces. El sentimiento en sí era dulce y creativo. Unos años más tarde, mi novia rompió conmigo y me rompió el corazón. Ya tenía la idea de comenzar un evento y un sello que explorara y apoyara este tipo de música (ya que nadie más lo estaba haciendo) y pensé que si llamaba a la fiesta “All Day I Dream Of Her", tal vez lo conseguiría. Parecía un poco espeluznante, como si fuera un acosador (risas). Fue entonces cuando quité la parte de “… Of Her”. Quería hacer los eventos al aire libre y hacer que el ambiente fuera muy soñador, y el nombre encajaba a la perfección. Quería encontrar personas que resonaran en este tipo de ambiente y, para mí, esas personas son soñadoras. Creo que el nombre creó su propia atmósfera y sentimiento de manera instantánea.

“All Day I Dream” nació en una época en la que el minimal se había hecho casi con el control de la escena musical, y tu marca -tan melódica-, fue del todo rompedora. ¿Qué late motiv impulsó la creación de este proyecto?

Creo que respondí a esto en la pregunta anterior, pero para ampliarlo, había estado en algunas situaciones que me obligaron a tener que crear un nuevo rincón de la música dance que pensé que era necesario en ese momento. Tanto para mí como para los artistas. También estaba tratando de atraer a las chicas a la pista de baile en una cantidad más equilibrada. Había empezado a ver eventos en Nueva York donde la gente estaba compuesta en un 95% por hombres, y

eso me parecía mal. También había comenzado a compartir mi mix con amigos (todas chicas inicialmente) y les encantaba ese mix. También pinché algunos sets, uno en un BPM Festival tras una fiesta en México y luego otro (el primero que hice) en el festival Lightning in a Bottle. Realmente iba en contra de lo que todos los demás pinchaban en cuanto a energía y estaba un poco nervioso, pero cuando vi esta bonita combustión de emoción en la gente supe que este era mi camino. La melodía se había vuelto demasiado dramática para mi gusto en otros estilos de música electrónica, pero estaba comenzando a ser explorada por algunos artistas súper talentosos que la usaban de manera más sutil. Quería más, pero no había nada que animara a estos artistas a enfocar su creatividad en esta dirección. De hecho, hace diez años dije algo así como "tal vez con el tiempo esta idea anime a otros artistas, DJs y promotores a empezar a pinchar o a hacer esta música". ¡¡Éxito!! Hay muchas pequeñas cosas que me hicieron concentrar mi energía en este proyecto, solo el hecho de escuchar algún track extraño aquí y allá en un set y que me erizara el vello…, ¡me dejaba con ganas de más!

Quería saber el track, quería que me hiciera recordar momentos en los que los

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Amo y resueno con las nuevas ideas y la creatividad provenientes de ciertos estados mentales.

DJ pinchaban sets más largos y te hacían viajar. Quería sentir eso de nuevo. Quería que la gente que bailaba supiera cuál era el tema. Cuando la música era todo pitidos y algún que otro high, tuve ganas de más. Para mí, eso fue crear un estado de ánimo y una energía que llevaron al oyente a un lugar más feliz. ¿Qué estaba pasando en tu vida en el momento en que decidiste iniciarla?

Parece que sigo respondiendo a tu pregunta antes de que lleguemos aquí (risas). Como dije, pasé por un período emocional bastante difícil después de que mi relación acabara (aparentemente la mejor música proviene de la angustia) y, al mismo tiempo, también estaba explorando la música que tocó mi alma en lugar de subirme al tren del sonido que estaba de moda solo para ganar dinero

como DJ. Quería seguir mi dicha. Ser auténtico con lo que sentía. ¿Este proyecto marcó un antes y un después en tu vida como artista? ¿En qué aspectos?

Definitivamente fue un momento decisivo. Siento que fue la culminación de todo lo que había aprendido en la industria hasta ese momento, y luego lo puse en práctica fuera de mí, simplemente pinchando como DJ. Vi lagunas que sentí que podrían mejorarse con respecto a los eventos para los que estaba siendo bookeado, como desear que el sonido fuera mejor o que la fiesta tuviera una decoración interesante, o que debería haber un equilibrio más uniforme del tipo de personas que asistían a los eventos.

Con esas cosas en mente, decidí intentar hacer algo al respecto y no he mirado hacia atrás desde entonces. Nunca antes había sido promotor y, con la ayuda de al-

gunos amigos, el evento nació en Nueva York. Siempre supe que si podía tener éxito allí, podría llevarlo a otras ciudades y países. El primer año fue mágico y marcó el siguiente capítulo de mi viaje.

Por otra parte, ya era un habitual en el festival Burning Man en aquel momento, pero seguía sintiendo que la música que era enormemente popular no encajaba -en mi opinión- con el entorno. Estaba teniendo experiencias algo espirituales que me cambiaron la vida, pero la música era súper intensa y contundente (dubstep y electro house). Genial para pisar fuerte, seguro, PERO ¿y si la música fuera algo más parecido a un viaje? Comencé a pinchar un sonido totalmente diferente al mismo tiempo que llegaba el autobús Robot Heart y en los próximos años se encendió una vibra completamente nueva. Comencé a decirle a muchos otros DJs en nuestra escena que se añadieran y,

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simplemente, creció y creció. Este también fue un antes y un después para mí debido al sonido melódico.

Sabemos que Matthew Dekay fue de gran ayuda a la hora de darle forma al proyecto. ¿Cómo de importante fue su aportación?

Matthew fue la clave en términos de producción. Es un talento único e increíble, además de ser un ser humano asombroso. Su visión musical forjó el sonido y puso todo en marcha para que ADID fuera tomado en serio. Sí, hubo una fiesta increíble en Nueva York, pero la música fue una carta de presentación para la visibilidad y el reconocimiento global. No estoy seguro de que ADID fuera lo mismo sin la música de Matthew.

Defíneme, en tres palabras, el sonido de All Day I Dream.

Encantador, feliz, sexy.

Ahora, ¡déjame hacerte 4 preguntas rápidas!

Tu set favorito de la marca: El b2b con Matthew Dekay en el festival BPM El set más sentimental para ti: El primer mix de "All Day I Dream Of Her" El mejor momento que has vivido gracias a “All Day I Dream”: Ver florecer cada una de las carreras de los artistas una vez que se unen a la familia; o estar sentados en el piso del estudio con Matthew tras terminar la demo de ‘Lost in a Moment’, escuchándola una y otra vez. ¿Estás satisfecho con la trayectoria de tu marca hasta la fecha?

Todavía hay mucho que podemos hacer, sí, pero nunca dejaré de esforzarme por mejorar la experiencia, la música y la marca.

Si pudieras darle un consejo a Lee Burridge de hace 10 años, ¿qué le dirías?

Recuerda que es importante ser claro, profesional y oportuno cuando se trata de administrar el lado comercial de la marca.

‘All Day I Dream’ ha cumplido años en una época complicada. Su celebración debería ser por todo lo alto pero, debido a las restricciones, quizás sea algo difícil. ¿Cómo te gustaría o cómo tienes planeado celebrar esta década?

De hecho, estaba considerando no celebrarlo. A veces siento que este tipo de puntos de referencia son simplemente una forma de dar una nueva vida a ideas cansadas. Sin embargo, a medida que avanzamos en el camino, simplemente estoy celebrando el hecho de que se nos permita reunirnos una vez más como comunidad. Prefiero celebrar la comunidad de personas que nos apoyan (tanto artistas como soñadores), presentando los mejores shows que pueda y ya. He hablado con muchas personas que han apoyado la fiesta desde el primer año y es bonito para mí ver cuán perdurable es la pasión por música como esta. (Ah, y bookeamos a Steve Aoki para que me tirara un pastel a la cara) (risas) ¿Qué tienes que sentir al escuchar a un artista para decidir que encaja en este proyecto?

El amor y la singularidad en su música y un ritmo contagioso. Consigo bastantes copias del sonido de otros artistas, pero

de vez en cuando aparece alguien nuevo que tiene sus propias cosas. La música tiene que ser melódica pero también auténtica.

Dime… ¿Qué artista crees que ha conseguido plasmar mejor el concepto de la marca a través de sus sets?

Todos ellos. Elegí con cuidado. Cada uno es un narrador :) ¿En qué ciudad crees que “All Day I Dream” se ha desarrollado de forma más orgánica?

Definitivamente en Nueva York. No hice publicidad durante años y la comunidad se construyó gracias al boca a boca hasta aproximadamente el 5º año, pero todavía no promocionamos demasiado. Es por eso que la gente es tan genial. ¿Hacia qué dirección se dirige All Day I Dream en un futuro no muy lejano?

No quiero dormirme en los laureles, ya que con el tiempo el sonido se copia y se copia y, finalmente, se convierte en una fórmula hasta que no queda nada interesante que decir. Creo que el círculo creativo debe girar hacia afuera en lugar de hacia adentro. Me gusta que los artistas exploren y avancen en sus propias direcciones. En este momento, por ejemplo, el nuevo lanzamiento en el sello de Dim Kelly tiene algunos de los tracks más difíciles que he lanzado, pero aún con-

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servan y tienen un bonito sentimiento hacia ellas. El track "Display", por ejemplo, comienza sonando más como algo que pincharía en Burning Man, pero evoluciona más en la dirección de un track de Underground Resistance. Dim es una gran incorporación a la familia.

Hay todo tipo de vibras en el universo All Day I Dream y habrá más en 2022. Para mí es importante seguir explorando. ¿Qué podemos esperar de Lee en los próximos meses? ¿Algún nuevo proyecto entre manos?

Ahora mismo estoy trabajando en el primer festival de ADID, que será en California el próximo mes de mayo. ¡Todo el fin de semana soñando (risas)! ¿Qué expectativas tienes del futuro? ¿Y de 2022?

Mi esperanza, más que expectativa, es que todos podamos seguir viendo a nuestros amigos y compañeros artistas de forma segura y regular. ¡Muchas gracias por tu tiempo, Lee! Y enhorabuena nuevamente por el décimo aniversario de este increíble proyecto. ¡Los mejores deseos del equipo de Dj Mag España! ¡Gracias a vosotros!

PAULA TAPE UNA JOYA DEL DIGGIN’ 066

Autor: BLACK FLAMINGO DISCO DRIVER FOTO: MARTINA SCORCUCCHI AGRADECIMIENTOS: SAE INSTITUTE MILANO, TILLMAN LAUTERBACH

Paula Tape es uno de los nombres que más está sonando en la escena internacional de house. De ese house fino, refinado, elegante y underground que muta según el artista y el momento, pero que siempre garantiza el disfrute del público y el oyente.

La artista chilena afincada en Milán, Italia, es conocida por sus mixes que muestran sus raíces eclécticas (verdaderamente eclécticas), que se fusionan con Italo disco y sonidos experimentales. También por sus producciones y por su alma digger, que le han llevado a tener su propio programa en la reverenciada Worldwide FM del genial Gilles Peterson.

Recientemente, Rhythm Section International, el sello de culto fundado por Bradley Zero, dio nuevamente la bienvenida a Paula y su nuevo EP titulado ‘Astroturismo’. En él, Tape da rienda suelta a sus sueños y los plasma en forma de cuatro poderosos tracks, que nos invitan a sumergirnos en su fascinante modo de entender la música electrónica.

Este EP en particular está influenciado directamente por las experiencias de Paula Tape en el desierto de Atacama, lugar que expande los sentidos y estados de animo a otro nivel superior, dando como resultado una bonita alquimia de ritmos orgánicos, junglas electrónicas y tracks altamente luminosos. Por ello y por ser una de las artistas más activas y en crecimiento de 2021 llamamos a Paula Tape para que se presente ante todos y nos explique cómo funciona su particular universo sonoro…

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tas musicales que llegaban del extranjero me ayudaba bastante a profundizar y tener más conciencia acerca del género.

Comencé a tocar batería a los 14 años, trataba de hacerme un espacio y desarrollarme como “artista” me moví por muchos proyectos diferentes, sin suceso, sin éxito, hasta que un día decidí de comenzar mi camino sola, y ahí fue cuando decidí de “dedicarme” incursionar como dj y tratar de producir mis propios tracks.

Siempre fui y soy muy curiosa cuando se trata de descubrir, buscar música nueva y tener amigos más grandes que yo, también fue un plus y me ayudó a poder abrir mis horizontes musicales. Inicie a frecuentar fiestas y clubs de música electrónica, desde bien joven adolescente.

Mi primer acercamiento a una cabina de DJ habrá sido a los 18 años, en un after en el que trabajé, donde casi todos los DJs tocaban con vinilos. Pasar por ese lugar digamos que abrió un mundo en la cabeza y género mis ganas de querer aprender. De todas maneras tienes que pensar que en ese momento, en Chile, poder comprar unos Technics, un mixer, tener la posibilidad de comprar muchos discos… era una cosa que no me podía permitir. Había solo dos tiendas de discos en las que podía encontrar música de mi interés: Background y Funtracks. Así que traté de aprovechar el mayor tiempo posible absorbiendo todo en aquel trabajo. Luego de eso, comencé a desarrollarme con medios digitales que eran más accesibles.

¡Hola, Paula! Es un gusto tenerte en DJ Mag ES. Cuéntanos, ¿Qué tal este 2021? ¡Hola! ¡Muy bien y feliz de poder hacer esta entrevista con ustedes, gracias por invitarme! Este 2021 para mí ha sido literalmente un año de mutación, de cambios, de buenas nuevas, de mucho aprendizaje, de evolucionar, de entender ciertas cosas que antes no veía. Siempre he sido muy autocrítica y este año he aprendido a valorar más las cosas que voy logrando, ha sido un año de satisfacciones, a pesar de toda esta mutación pre/ post pandemia que estamos viviendo en el mundo. He crecido interiormente y lo veo reflejado en cada cosa que hago.

Hasta el momento está bueno y me causa

curiosidad ver cómo se desarrollarán las cosas en el futuro, así que mirando con la cabeza en alto, con los pies en la tierra y preparada para lo que pueda ser el 2022.

Estando en Chile, sabía que era muy improbable tomármelo como una carrera, solo podía ser un hobby, una pasión y que podía ser algo para complementar con mi profesión. Haber venido a Europa me ha dado la posibilidad de darme cuenta que la pasión podía convertirse en mi motor principal de vida.

¿En que momento te embarcas como DJ? Cómo fueron tus inicios como artista o incursión en la música electrónica?

Fue como un proceso paulatino. La cosa es que siempre trate de hacer algo relacionado con la música, ya sea tocando en bandas, tratando de hacer mi propia música etc. Mi conciencia musical se desarrolló mientras crecía en los años 90 y 00’s y claramente la música electrónica, dance, house estaba en las radios, no era algo ajeno, el acceso a internet y revis-

Eres chilena, igual que yo. ¿Cuéntanos cómo surge emigrar a Europa y qué cosas te está aportando esto en tu carrera como DJ y productora?

La idea emigrar de Chile hacia Europa siempre estuvo latente en mi vida y siempre me llamó la atención. Era consciente de que necesitaba explorar más allá de mi continente, tener acceso a ciertas cosas solo se obtienen cuando sales de viaje y abres tu horizonte. Así que decidí dejar mi zona de confort, cambiar y comenzar de “cero”.

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Pero claro fue fácil soñarlo, pero un poco más difícil realizarlo. Mi primer viaje a Europa fue a los 27. Me hubiese gustado haber podido tener la posibilidad de venir antes, pero probablemente no era mi momento y tenía que cerrar otras cosas en mi vida. Al mismo tiempo esto me hizo llegar con una madurez y una conciencia de lo que quería realizar. He trabajado mucho y muy duro. A nivel de carrera veo una diferencia, en Chile siempre trate de hacer cosas ligadas con la música, pero era difícil hacerme un espacio y un lugar.

Acá he conocido muchísima gente y es que claro, ¡es tan fácil viajar dentro de la comunidad europea y mantenerse conectado con personas de otras países! Eso es clave y gran parte de lo que es ser DJ y productor surge en base a la comunicación, verse con personas, hablar mucho, explorar, influenciarse, compartir, etc. Y eso, sin dudas, estando acá es mucho más fácil, incluso abrir un poco más los horizontes porque prácticamente no hay barreras. La industria musical en países europeos es muy fuerte, así que estar acá es un privilegio. Encuentras oportunidades que quizás en otros sitios no encontrarás y solo quiero sacar lo mejor de todos estos privilegios que brinda el continente. ¿Qué opinas de la efervescente escena actual de Chile?

Parece muy activa, ¡al parecer se está desarrollando bien! Me da gusto ver que hay buenas ideas, que hay muchísimas y muchísimos productores, que hay una escena alternativa y diferente. Pero la verdad es que desde casi los 6 años que vivo en Europa, por asuntos burocráticos, de visa, etc. solo tuve la posibilidad de regresar una vez a Chile, y fue justo antes de que comenzara la pandemia.

Fue justo también en el periodo del estallido social, habían restricciones, barricadas por las calles, así que fue muy difícil para mí ver con mis propios ojos, experimentar e incursionar en el mundo de la noche. Me faltó vivir la escena actual en su plenitud. A final de año regreso a Chile y espero darte una respuesta más concisa y clara acerca de las diferentes escenas en Chile la próxima vez. ¿Cómo defines tu sonido?

Me parece difícil definir mi sonido por mí misma, por que soy muy ecléctica, pero si tuviera que definir creo que... Electronic Cosmic Body Music con un sabor hou-

se-tropical. Podría encajar o acercarse al concepto (risas).

El lanzamiento de ‘Agua Congas EP’ en SOBO, fue un punto clave en tu carrera. ¿Cómo surge tu relación profesional con Bradley Zero y editar en Rhythm Section?

La conexión con Bradley ha sido en cierta forma futurista en sus inicios. ¡Nos conocimos a través de una pantalla de teléfono! Como muchos colegas, nos hemos contactado gracias a Instagram, hasta el día que nos conocimos en persona, en Milán. Fuimos a comer, le lleve de regalo el vinilo de mi EP, ‘Agua Congas’, y luego de ese encuentro ha crecido esta buena relación. Trabajar con la familia de Rhythm Section ha sido inspirador. Están fuerte-

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mente cohesionados, son un equipo que trabaja muy bien. Tienen esa manera inglesa de trabajar que funciona bien: es claro, efectivo y he aprendido mucho de eso. Saben lo que hacen y tienen una larga experiencia, siempre he sentido un gran apoyo de su parte, son personas muy reales, buenas, que creen fuertemente en los artistas que proponen.

Percibo transparencia de parte de ellos y eso me da confianza. Es un sello bien establecido, es ecléctico y eso me llama la atención, porque no se encasillan solo en la música de baile. Es más trascendental y van más allá, con diversos géneros y propuestas. Les sigo desde sus inicios y trabajar con ellos ha sido muy fácil. Me da satisfacción de que siempre se han

entusiasmado con mis propuestas y que me han acogido como parte de la familia.

Acabas de editar el EP ‘Astroturismo’. ¿Qué puedes contarnos acerca de este fantástico lanzamiento?

Bueno, ‘Astroturismo’ tiene como varias caras: feliz, rítmica, melancólica y soñadora. En el periodo de confinamiento (que fue cuando compuse el EP) miraba a menudo las fotos de mi último viaje a Chile. Fotos de una zona muy magnética, que es uno de mis lugares preferidos en el planeta tierra: el desierto de Atacama.

Siempre escribo pensamientos, sueños, conceptos etc. y me sentí inspirada y nostálgica por las fotos, videos, recuerdos de aquel viaje en mi cabeza, por el desierto… Y en uno de estos recuerdos comencé a imaginar un viaje nocturno a lo largo del desierto. Chile es un paraíso astronómico, especialmente hacia la zona del norte. Así que comencé a profundizar sobre este vínculo astronómico, de la cosmología y el astroturismo en sí, que es el turismo astronómico, que se especializa en el cielo, las estrellas y experiencias especiales, gracias a esa gran ventana al universo que encuentras en esos cielos. Hay todo un imaginario propio y muy auténtico en aquella parte del norte, es muy inspirador.

Utilice algunos synths que tienen el sonido de la flauta, cosa que es muy típico y presente en la música andina, pero con mi visión y mi manera lo he transformado en una llave más “coherente” con el estilo de música que compuse en el EP. Nunca tuve como objetivo hacer temas de club.

Solo traté de hacer temas que personalmente me dieran un buen mood. Creo que mi perspectiva con la música y el de hacer y componer temas, es más cercana a la de hacer tracks que sean híbridos: fáciles de escuchar cuando quieras, pero que puedas también bailar o tocar si se te antoja. Creo que es un EP bien personal, muy simple, pero que refleja una buena parte de mi alma y mi esencia.

Hablemos sobre tu parte activa en el sello Tempo Dischi, en el que este año pasado hemos podido ver joyas reeditadas como ‘Steel Mind - Boss Man’…

Tempo Dischi, en sus inicios, fue una idea creada por mis compañeros Shield y Rug. Ellos me involucraron desde el principio, yo acepté y me junté con ellos con muchas ganas de aprender, de cómo se hace el proceso de producción, repressing,

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etc. Ha sido muy interesante e inspirador, hemos descubierto muchas publicaciones olvidadas y eso no tiene precio.

Tengo que mencionar también a nuestro digger afiliado, Riccardo Corda. En este momento estoy muy contenta de ver que tenemos cinco releases y casi todos se han agotado. La próxima será la sexta y tengo muchas ganas de que llegue el día para poder compartir más detalles con ustedes. Por ahora me mantengo concentrada en el digging y las propuestas que puedo exponer al equipo. También agradezco a Antal y a Rush Hour por el apoyo en la fabricación y distribución en todo el mundo. ¿Que te inspira en la vida?

La regeneración de la naturaleza. Creo que es incontrolable y es una gran fuente de inspiración: el flujo orgánico y natural de las cosas. La música en general me emociona, me inspira, es una alquimia perfecta, es magia. Las artes en general, los fenómenos callejeros, los museos, las películas, los documentales acerca de personajes de la historia, de la música, etc. El Mar, el universo, lo oculto, el poder viajar, una buena botella de vino tinto (chileno). ¿Podrías compartir con nosotros tres discos que te hayan marcado profundamente como artista?

Creo que los discos que influencian a un artista normalmente son muchos durante la vida y es muy muy difícil sintetizar con pocos títulos. Sobre todo por que en cada etapa o periodo de la vida, los discos que te marcan son diferentes. ¿De que se compone tu fábrica de baile? ¿Algún sintetizador preferido?

Mi fábrica de baile es muy esencial y respeta mi proceso creativo. Como mi inclinación es siempre comenzar la producción de un tema nuevo con la rítmica, fabrico los ritmos en situaciones muy íntimas, como en mi home studio, con la TR-8S, mis auriculares, un teclado MIDI y Ableton Live en mi PC. Después, en el estudio donde normalmente trabajo en el mixing, me gusta mucho editar los sonidos, donde utilizo mis favoritos, como los clásicos Yamaha DX7, Roland JV-8010, D-50, Juno, Jupiter o Prophet. ¿Cómo ha influido Italia en tu actual modo de entender la música de baile? ¿Dirías que el Italo disco o el balearic te han hecho tener otra visión más

profunda?

Mi gusto por el Italo disco y balearic es igual de entusiasta que el gusto que tengo por el house, tribal y otra derivaciones de la música electrónica. Estar aquí en Italia me dio inevitablemente un punto de vista más cercano a la música de baile italiana y me ha permitido rellenar algunos espacios vacíos en la conciencia de las escenas históricas de este país.

Me ha dado la oportunidad de compartir y tener conversaciones con personajes claves de ciertas escenas importantes y eso ha sido genial.

Nos encanta tu espacio Astral Jam, en WorldwideFM, ¿Cómo valoras personalmente este proyecto radiofónico?

Estoy muy contenta de poder tener la posibilidad de hacerlo, porque me permite comunicar con una audiencia de todo el mundo a través de selecciones musicales muy diferentes de lo que hago cuando voy a tocar a un club o a un festival. Detrás de toda selección hay mucho trabajo de búsqueda, me gusta escoger tracks que nunca he escuchado antes. Me inspira mucho y es una buena ventana que me permite y me empuja a la exploración.

Estoy encantada de que les guste Astral Jam. ¡Gracias!

La COVID-19 nos ha traído un par de años muy extraños para los artistas. ¿Cómo y dónde pasaste la primera cuarentena?

La pasé en Italia, en Milan, y sí, ha sido todo muy surreal, todo muy raro. Ha sido como un parto, literal, porque en ese período fue cuando escribí y terminé de realizar ‘Astroturismo EP’, entre otros tracks y remixes, así que podría decir que tengo varios tracks hijos de la pandemia (risas). Traté de mantenerme lo más ocupada posible, haciendo cosas que me hicieran sentir bien. La mente te engaña y en periodos como estos, con la familia lejos, sin poder viajar, etc. era muy fácil sentirse en el limbo y caer en el abismo.

Pero parte de ese sentimiento es el que ayudó a florecer mi creatividad y a pesar de todo lo malo y gris, estoy muy motivada con los resultados en mi carrera a nivel de producción. Paradójicamente, gracias al tiempo “libre” que me dio la pandemia… ¿Cómo valoras la actual escena de jóvenes talentos emergentes?

Creo que hay buenas ideas, el tabú de que no se puede vivir de la música o de

que es difícil crearla esta quedando como una cosa vieja. Hay menos límites mentales y técnicos, en el mundo hay un montón de música buena y nueva, proveniente de artistas emergentes y me siento muy afortunada que muchos artistas me envíen sus demos, aunque yo también sea un artista emergente. Yo siempre intento dar una palabra de apoyo, feedbacks, etc. y les deseo a todos que encuentren la mejor manera de publicar su propia música. ¿Qué nos puedes contar de tus futuros proyectos musicales? ¿Tenemos que estar atentos a algo importante?

Los futuros proyectos musicales están aún muy en el futuro. Acaba de salir la release de ‘Astroturismo’, que tuvo mi cabeza muy concentrada en todo el pro-

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ceso de release y de promoción. Al mismo tiempo, en este periodo me he dedicado a finalizar unos cuantos remixes que deberían salir en los próximos meses y no veo la hora de poder tener en mis manos los respectivos vinilos.

Desde DJ Mag España queremos darte las gracias por esta entrevista. Vienen unos próximos años muy buenos para ti como artista y gracias por tu aporte a la escena underground. ¡Necesitamos más mujeres artistas con talento como el tuyo!

Muchas gracias a ustedes por este intercambio de pensamientos e ideas. Gracias por el apoyo a las artistas mujeres, ¡hay muchas de las que hablar, escuchar y dar el respeto que se merecen! ¡Gracias y buena vida para todos!

Autor: PATRICIA PAREJA CASALÍ

A c c e s s

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A r e a s

BRUNCH -IN THE CITY @ PARC DEL FÓRUM, BARCELONA VUELVE LA CITA INELUDIBLE OPEN AIR DE LOS AMANTES DE LA ELECTRÓNICA

El pasado 7 de noviembre, y tras un patrón de 18 meses a consecuencia de la pandemia, Brunch -In The City volvió al Parc del Fórum para su reapertura. Para la ocasión, la organización aseguró un festival por todo lo alto con The Blessed Madonna y KiNK capitaneando la cabina. No cabía duda de que la vuelta al ruedo de Brunch -In iba a ser, como menos, épica.

cunación, entrada y registro del bolso –, finalmente accedimos al festival. Mega festival, quiero decir. ¡Es complicado expresarlo con palabras! Pocas veces volveremos a experimentar un sentimiento parecido… todos los asistentes estábamos emocionados cual niño en navidad. Felices, sin más.

Era un sentimiento tan generalizado que casi se podía palpar.

extático. Y, ¿qué puedo decir del momento en el que una vocal de Michael Jackson en el set dio paso a The Blessed Madonna? Gallina de piel, amigos.

Marea es una todoterreno que sabe llevar a la gente en un viaje como pocos DJs saben, y así lo hizo en un escenario que domina bien. Y es que el público de Brunch nos entregamos totalmente a la Y es que para cualquier bruncher, selección musical de la norteameraver o, simplemente, amante ricana, vibrando al ritmo del houde la electrónica, adentrarse en se durante toda su sesión. el Parc del Fórum de Barcelona a la vez que resuena en tus pies el Una edición más, Brunch -In the bombo del festival que se está co- City no defraudó; volvieron a unir ciendo en sus entrañas, es motivo la fuerza de la música, de la gasmás que suficiente para que se te tronomía, del ocio y el respeto por el medio ambiente y por los demás erice el vello.

KiNK era el protagonista de cabina en un único espacio de manera cuando entramos y el recinto ya magistral, dándole sentido a su estaba hasta arriba, casi parecía bien conocido lema, el que proclaque iban colgar el cartel de “aforo maba el staff a los cuatro vientos completo” en cualquier momento. “alegría i compromís”.

Nos adentramos hacia el festival con paso firme, ansiosos por disfrutar de un evento en relativa normalidad. Al llegar, debo decir que fue la vez que más he tardado en entrar a una edición de Brunch; “¡preparad el certificado de vacunación!”, pedía alguien del staff con un megáfono, “¡id buscando el QR con la entrada en el móvil!”, pedía otro integrante del staff con un nuevo megáfono unos metros más allá, “¡estamos felices de volver a veros! Recordad nuestro lema ‘alegría i compromís’, ¡disfrutad y respetadlo!”, sorprendía Miraras donde miraras, sólo veías otro integrante del staff con un caras alegres, gente bailando, amigos saltando de emoción al tercer megáfono. reencontrarse casualmente en el Tras superar las tres fases para festival… Todos parecíamos arropoder entrar – certificado de va- pados por el mismo sentimiento

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Como siempre, Brunch -In ya solo con su apertura se ha pasado el juego y esto no ha hecho más que emp... ¡Volver a empezar!, quiero decir. ¡Nos volvemos a ver muy pronto!

Fotos: BRUNCH -IN

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

NIGHTMARES ON WAX Shout Out To Freedom Warp

George Evelyn, archiconocido por su nombre de guerra Nightmares On Wax, y por ser el fichaje más longevo del todopoderoso bloque Warp, así lo hace siempre. Su recorrido como músico es prácticamente delicioso e impecable. El caso es que –aprovechando los traspiés del tiempo, de la vida como la conocíamos antes de la dichosa pandemia- se nos ha sumergido en su núcleo más profundo para luego despertar de nuevo. Lo ha hecho plácido, con talante familiar.

‘Shout Out To Freedom’ cumple por sus cánones de calidez y por su mensaje intrínseco. Quince canciones donde el alma y la pasión por el jazz se arropan perfectamente con los ritmos urbanos, el dub e incluso el funk contemporáneo. Su nuevo LP nos entona.

AVISION In My Mind

DEADBEAT X OM UNIT Root, Stalk, Leaf and Bloom

Ellum Audio

Midnight Shift

Debuta este invierno a lo grande el neoyorquino Avision. ‘In My Mind’ se edita en el sello de un maestro en contemporaneizar techno: Ellum Audio de Maceo Plex. El panorama siempre estará de enhorabuena cuando la pista de baile quede en manos de gente como ellos. Esta ‘nueva ola’ no surge de repente, ambos productores han mamado mucha noche, incluso crecido probando con seudónimos bestiales (Maetrik, ¿os suena?). Este LP de 13 surcos es un camino sin contemplaciones. Techno que apunta directamente a quebrar esqueletos (‘Where I Want To Be’, ‘All Night’, ‘Real Talk’, ‘I’ll Take You’), con alguna concesión al carnaval rock (‘In My Mind’) o a híbridos Hi-NRG disco (‘Cut the Rope’, con Robert Owens). Incluso cierra con un buen tema sinuoso y electroide, ‘In Your World’.

La dupla formada por Deadbeat y Om Unit (¡casi nada!) estiran como chicles cada uno de los tracks incluidos en este ‘Root, Stalk, Leaf and Bloom’. Todos rondan los diez minutos de duración. Y para bien, si los controlas ya te aseguro que no te toparás con experimentos ni sorpresas extrañas. Ambos juntan su arsenal favorito, consiguiendo adentrarnos en un nuevo éxodo sonoro hacia tierras enfangadas de dub y sonidos electrónicos repletos de claroscuros.

Escuchas largas donde se hermanan dos interesantísimas ciudades –en lo musical – como Montreal y Bristol. Un puro balanceo hilado por raíces de una tradición bien entendida de techno-dub y ambientes etéreos no exentos de puyazos ácidos para romper con lo contemplativo. Ahí ‘Leaf’ es todo un campeón.

EMMA DJ GODRIME

FLIGHT FACILITIES FOREVER

UIQ

Glassnote / Future Classic Records

Emma DJ, un espíritu libre que ronda desde hace algún tiempo por la noche underground parisina. Infame, rebelde y bastante prolífico.

Tras salir por Collapsing Market, L.I.E.S o BFDM, así como publicar al menos tres álbumes en cinta de casete, este artista – que por cierto nació en Islandia – da el salto a UIQ con este enfermizo largo de hasta 23 cortes. Su enfoque es impactante y libertino. Electrónica que si bien bebe del dubstep, el trap… y muchas otras tendencias urbanas, va definitivamente a su bola. Se inclina normalmente por lo arenoso e intenso (‘endormi au pef’). Por lo atractivo (‘amor v2’) o complicado de digerir (‘malircone’). Su sitio hay también para experimentar con los elementos, y salir airoso (‘lemaire’). De todo, como en botica.

Hugo Gruzman y James Lyell son como los dueños de ese quiosco a la puerta del colegio. Los australianos llevan una década facturando bajo el seudónimo Flight Facilities un desfile constante de canciones que son caramelos para los amantes de la música bailable. Han pasado siete años desde aquel debut ‘Down to Earth’, y justo regresan ahora sin variar demasiado su discurso. Instrumentales hermanados con el house electrónico y el sonido disco que no dudan un segundo en aliarse con docenas de vocales… a cual más ¿pop? En esta ocasión mucha voz femenina a cargo de artistas como BROODS, Jordy Felix, BRUX o Your Smith. Esta última firma uno de los cortes más logrados del disco: ‘Heavy’. Por lo demás, extra de almíbar y BPM acorde.

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

KOLOAH Millennium Sun

SANSIBAR Sans Musique

Hyperboloid

Kalahari Oyster Cult

Ha sido empezar a reproducir este recién estrenado disco de Koloah y tele-transportarme, que sé yo, a 1994 de golpe. A una de esas fiestas que empezaban un viernes por la noche y que nunca se sabía cuándo acabarían. Aquí encontramos ritmos rotos cortantes donde se cuelan desde jungle a techno-rave, pasando por electrónica oscura y espacial.

Puñetazos certeros de un dios cósmico en pistas como ‘Acid Rivers’ o ‘Angels City’. Sacudidas que a veces se quedan en meros arpegios. Oscilando río abajo por aguas bravas en el caso de ‘Data Diver’. O junglism biónico en un surco como ‘Urban Ninja’. La ciencia del ritmo bajo la dictadura de secuencias sin respiro y atmósferas de neón. Cuchillos sobre algodón.

Una obra de ingeniería para los que disfrutan quemando goma. No hay respiro que valga en este ‘Sans Musique’. El finlandés Sunny Seppa, aquí vestido como Sansibar, se muestra implacable con su vertiginosa propuesta donde congrega desde electro punzante, downtempo espacial… a breaks fantasmagóricos e incluso house de altos vuelos con retales ácidos y de trance noventero. Bien demostrado queda en el corte de título ‘Force Of Equilibrium’. Que también ‘NRJ’ y por supuesto ‘Teal’c’, temazo que igual podrá haber salido en su día por Platipus.

En todos sus desmarques, y vengo a referirme en su flexibilidad como productor –además de dinámico- es rico y expresivo. Intercala géneros y atmósferas con mucho sentido, por lo que el disco te lo zampas de una tacada y sin apenas coscarte.

SASCHA DIVE Back 2 Life

THE BLACK DOG Music For Photographers

Bondage Music

Dust Science Recordings

El productor nacido en Frankfurt Sascha Dive marca el 15º aniversario de Bondage Music con este su nuevo álbum. Los patrones, un calco prácticamente de los que comenzase a descubrirnos en sus primeros trabajos hace más de una década. ‘Restless Nights’ y ‘Dark Shadow’ obtienen descendencia gracias a este flamante LP. Quince pistas donde subraya su apego por el deep house de temática dub. Más bien cálido que absorbente. ‘A Silver Lining On The Horizon’ y ‘My Life’ nos servirán perfectamente de modelos. Es verdad que por momentos –lo cual se agradece- se desmarque con temas más aéreos, incluso cercanos al tech-house electrónico: ‘Moonwalker’ y ‘Lost My Inside’. En su nueva propuesta tira bastante también de colaboraciones vocales. Correctas, pero poco relevantes.

Buena tarde de diciembre se pasa mientras se cata, sin prisas, esta mansa oleada de atmósferas. Y ya no solo por su música puramente ambiental –cero artilugios rítmicos y mecanismos en esta ocasión, en todo caso algo de clicks & cuts y minimalismo – sino también por los libros que completan la obra. Uno perfectamente se puede ensimismar en casa en cualquier tarde de lluvia y frío mientras se calienta los oídos con intrigantes pero hermosos temas como ‘Womersley, Line One’, ‘We Are All Memories’ o ‘Dust Bunnies’. Eso, a la vez que mira detenidamente las fotografías que reflejan la poderosa arquitectura de Sheffield. El disco acaba con ‘Lost in Lines’, ahora si una invitación final a salir, a cambiar de aires y aventurarnos en la noche.

CAPTAIN MUSTACHE Indigo Memories Bedrock

Tras publicar en sellos como Kompakt o My Favorite Robot, el interés por la música de Captain Mustache no ha parado de crecer. Tras aquel ‘Tourbillon Nocturne’ del verano pasado en Science Cult. Su discurso sigue abriéndose paso a través de electro y techno. Siempre en un tono grato y analógico.

O al menos sintético, ya que sus patrones, líneas y melodías exudan sintetizador por los poros. Estamos también ante un amante del Electroclash, algo que queda evidente en pistas como ‘Paola’ o ‘Shapes & Oddity’. Y del mejor electro-beat detroitiano. Nota altísima para títulos como ‘Catch Me’ (con Davina) o ‘Midnight Man’. Un disco redondo.

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E L E C T R Ó N I C A

Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS / carlos@djmag.es

DANIEL MONACO Enter The Island EP Board Game + USB

Frente Bolivarista Enter the Island es el nuevo EP Concept de Daniel Monaco. Las pistas son una mezcla de disco, tropical y dub, en un oscuro viaje psicodélico realizado y grabado en vivo en el estudio de Daniel. Pero la aventura aún no ha terminado, porque Enter The Island es también un juego de mesa. La idea nació durante el primer confinamiento. Sus reglas son únicas, así como su diseño, reflejando perfectamente el espíritu de la música. El juego de mesa es del mismo tamaño que la funda del vinilo, hecha en Forex impreso en blanco sobre negro. Un concepto inédito único en su género, que supone una reacción creativa ante tiempos difíciles.

IKÄVÄ PII Lost/Recovered EP

UTOPYK & EL FULMINADOR “ia”

Flippen Disks

Fulmen Records

Como una cápsula del tiempo, el debut en vinilo de Ikävä Pii es una colección de tres canciones originales, complementadas con dos remixes recientes de Arif y Monty DJ. Las tres obras originales (‘Palau Figment’, ‘Rampage’ y ‘La Conga Di Corto’) son algunas de las primeras producciones de Ikävä Pii, que fueron recuperadas en Londres entre 2020 y 2021, para ser lanzadas en Flippen Disks.

Estas canciones recuperadas presentan una versión ligeramente diferente de la personalidad musical de Ikävä Pii, siendo producciones algo mas lineales pero con el espíritu 100% de esta genial formación. Música electrónica con buenas dosis de psicodelia para la pista de baile.

Este EP es una colaboración entre Utopyk & El Fulminador, con remezclas de Freudenthal y Hard Ton. Estos excepcionales productores combinan oscuros paisajes sonoros de música electrónica basados en el Italo disco, el EBM de nueva generación y el acid mas salvaje. “ia” es un trabajo que destaca por presentar un original y tres remezclas altamente enfocadas a la pista de baile. Completando esta junta de talento desmedido, encontramos el remix de Freudenthal y la remezcla de Hard Ton, una pista con toques acid que hace las delicias de los DJs mas atrevidos. Como bonus track, el mismo Fulminador auto remezcla la pista original.

BALDO/VVAA One Swallow Doesn’t Make A Summer Part 4

J. WILTSHIRE Luv44 Musar Recordings

Running Back

UTOPYK & EL FULMINADOR

El británico J. Wiltshire regresa a Musar para una excursión profunda en ritmos ambient junto con Konx-om-Pax, de Planet Mu, en tareas de remezcla. Con tres pistas originales en el EP, ‘Luv 44’ abre con un ritmo vibrante boom-bap y un sintetizador atmosférico, con licks ácidos del sintetizador SH-101. ‘The Number Counters’ cuenta con un retardo analógico esporádico, con percusiones con toques de white noise y ostinatos inquietantes. Finalmente ‘Trails’ es un track perfecto para calentar una lista de baile. En tareas de remezcla, se convoca al invitado especial Konx-om-Pax para que traiga su propia interpretación de ‘The Number Counters’, con un tratamiento muy breakbeat. Musar suma otra obra épica a su ya selecto catalogo.

Esta nueva VVAA es la parte 4 de la serie de Running Back y como siempre, no se necesita una lectura larga: 5 pistas de 5 productores diferentes con diferentes orígenes y experiencias. De alguna manera, todos encajan y pintan una imagen más amplia entre las técnicas del deep house remodeladas y el techno feroz vanguardista. Extraemos el track de Baldo, que aplica una fórmula probada y comprobada que tampoco falla aquí: 303 códigos morse, break beats y una vocal que hace de este track una pista eléctrica sin igual. Bravo Baldo, por producir otro himno del mañana, para el legendario sello Running Back. ¡Casi nada!

01. Nightmares On Wax & Mara TK ‘Trillion’ [Warp] 02. Backbeat Convention ‘Love And Happiness’ (Quartz Ddub All Over Mix) [BTech] 03. Phreek Plus One feat. Isabelle Antena ‘2013’ [Compost] 04. Shit Face ‘Teleskop’ [Fulmen Records] 05. Francesca ‘Desire’ [Futureboogie] 06. AIMES ‘Say What’ [Wonder Stories Records] 07. Jean-Luc Ponty ‘In the Fast Lane (12’’ Remaster)’ [Vive La Musique] 08. Bored Lord ‘Falling Apart’ [Bored Lord] 09. The Untouchables ‘Dance To The Rhythm’ [Strictly Rhythm] 10. Annette ‘Dream 17’ [Deconstruction]

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H O U S E

Autor: La Ind0 / juanlaindo@djmag.es

VVAA Egocentrum

Ego-Trip Empiezo mi última reseña de esta, mi sección dedicada al house y derivados, hablando del VVAA de Ego-Trip. A modo de inciso, y para quien no lo sepa, Ego-Trip es un colectivo madrileño muy poco amigo de la ortodoxia y los complejos formado por Javi Lier, los chicos de Texture – de quien ya hablé en mi anterior número – y Jorge Calle. Pues bien, su estreno como sello ha caído como una bomba en forma de mini-recopilatorio en las pistas patrias. 7 tracks en forma de cápsulas de artistas como Harut Hov, Phran, los propios Texture o un inspiradisimo Savino – ojo a ese ‘Shiny Flakes’ y sus secciones de cuerda lisérgicas – que harán las veces de digestivo ante tanto empacho navideño.

FELIPE GORDON Clasico EP

JKRIV & PETER MASON Bigtime EP

Reserve/Razor-N-Tape

Para quien no lo sepa, Reserve es un sub-sello de la disquera Razor-N-Tape creado para dar salida a contenido más house. Pero como todo, Reserve ha evolucionado, abrazando nuevos géneros y formas de entender la música de baile, convirtiéndose en el principal canal de R-N-T en lo que a música original se refiere. En la siguiente referencia de la casa de discos neoyorkina, el productor, multiinstrumentista y DJ Felipe Gordon demuestra porqué es una de las figuras más prominentes del house actual: samples de jazz, pianos y líneas de bajo ácidas para un sonido, el de este ‘Clásico EP’, perfecto para hacer saltar por los aires tus aburridas fiestas navideñas. ¿Quieren jarana los peces en el río? Toma dos tazas.

Heist Recordings

JKriv & Peter Matson presentan ‘Bigtime EP’ en Heist. El neoyorkino JKriv es bien conocido por estar al frente de Razor-N-Tape, además de su trabajo como productor y remezclador de todo lo que tiene que ver con el soul y el disco. Este oriundo de Brooklyn es todo un hacha en eso de crear ese sonido orgánico y original que tanto gusta en el sello neerlandés. Peter Matson, por otro lado, es el líder de la banda afro post-punk de Nueva York, Underground System. La mezcla de ambos talentos ha dado sus frutos en la forma de este pepino que es este ‘Bigtime EP’: una fantasía de cuatro tracks que se mueven del afro house al disco sin despeinarse. De 10.

ANDY ASH TIAWO EP

AUNTIE FLO Bells In The DMZ

DELUSIONS OF GRANDEUR

GELA

El británico Andy Ash se zambulle en las turbulentas – pero atractivas – aguas del Chicago house más temprano, recordando en este ‘Tiawo EP’ para Delusions of Grandeur al sonido del legendario sello Trax.

Reduciéndolo todo a un groove de 707 sobre el que reposan distintas capas de sintetizadores, los dos primeros temas de adelanto de este EP son perfectos para poner en vereda a cualquier pista de baile que se ponga perezosa. Sonido 100% Chicago en el que también apreciamos chispitas de sus primos de Detroit que hará las delicias de fans del sonido USA y danzantes empedernidos por igual. A la venta el 10 de diciembre.

Highlife

El sello Highlife es conocido por su amor por la world music. Famosas son sus fiestas con Auntie Flo y Andrew Thompson (Huntley & Palmers) en la que la electrónica se funde sin complejos con músicas de América Latina, Sudáfrica u Oriente Medio. Casi nada. En 2019, Auntie Flo continuó erre que erre con su misión de conectar con músicos de todo el mundo visitando Corea del Sur. ¿El resultado? ‘Bells In The DMZ’. Un maxi que comienza con ‘Peace Bells’ y sus grabaciones de campo de la zona desmilitarizada que divide el Norte y el Sur; y que termina con ‘High Flight’, un pepinazo ethno-trance en forma de remix de un tema de su anfitrión, Akimbo. ¡A volar!

01. Boom Generation ‘Straight out of the cockpit (Hype mix)’ [Proxy Records 02. Orion Agassi ‘El Sonido (Dub)’ [Ritmo Astral] 03. Liquid Earth ‘Scope Zone (Youandewan Remix)’ [Kalahari Oyster Cult] 04. Teknohedfuk ‘THF 4 1 A’ [Delodio] 05. Sedef Adasi ‘Mermaids on Acid’ [Public Possession] 06. Fantastic Man ‘Cloud Management’ [Loveinternational] 07. Sasha Nevolin ‘Gas Station’ [Physical Education] 08. Goiz ‘World Problems’ [Open Space] 09. Moonoton ‘Supersheriff’ [Have No Idea] 10. Teen Marcianas ‘Park Hotel’ [El Baile Condal]

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C R Í T I C A S

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D R U M

&

B A S S

Autor: ROHAN G. FINGER / finger@djmag.es

KHRAMER Believe

Transparent Audio Khramer empezaba 2021 por todo lo alto y en la recta final del año no va a ser menos, y es que uno de los sellos emergentes más intersantes del panorama internacional ha contado con él en su próxima referencia. El joven sello con base en Bristol, Trasparent Audio, da la bienvenida a Khramer con ‘Believe’, un trabajo que contiene a parte del corte principal en solitario, otros tres donde a trabajado mano a mano con los productores sevillanos Mur y Skorp, que recientemente han sacado EP en Parallel Depth, y nuevamente con la vocalista, también insular, Tee Amara. Un EP de puro techfunk quirúrgico y profundo plagado de elegancia, que verá la luz el día 26 de este mes.

FETUS Turquoise

BCEE This Time Next Year (20 Years of Bcee)

Shoot Recordings

Spearhead

Si hay un sello que siempre ha apostado de pleno por los ritmos rotos producidos entre 160 y 170 bpms, ese es Shoot Recordings, que llega ya a al número 20 de su catálogo. En esta ocasión el capo del sello, Calculon, que recientemente anunciaba el cambio de su nombre artístico a Kolya, lanza un EP colectivo que incluye un tema propio junto a Shamanga y Austin Speed, junto a nuevas adiciones al sello como los desconocidos para nosotros Dime Piece y M(a_u) SH & EMA, y al joven y talentoso productor japonés Fetus, que tras lanzar el pasado mes de septiembre ‘Nocturnal EP’ a través de Unchained, nos trae desde Osaka este tremendo y psicótico temazo en clave footwork híbrido.

Hace 20 años Kubiks, incluyó a Steve como ‘Boycie’ en el flyer de una de sus fiestas en Bristol. Cuando llegó el momento de publicar sus primeras producciones, Boycie se redujo a BCee, con la intención de encontrar más de gancho. 20 años después, se ha consolidado como uno de los más grandes del drum & bass. Con motivo de sus 20 años como artista, Bcee nos presenta este titánico álbum que contiene 12 pistas originales, con colaboraciones con productores como S.P.Y o Logistics, y 13 remixes de Bop o Kiril, entre otros. El álbum sale coincidiendo con su 45 cumpleaños, tanto en formato digital como CD, el 12 de noviembre, pero no podrá ver la luz en vinilo hasta principios de 2022. ¡Larga vida a Bcee!

DISSIDENT Bub Moloch

ELLIOT SALOMAN & SEMPRA Rum Runner

Audio Boutique

Choppy Waters

TASTY NASTY

Tras dos años de riguroso silencio por parte del sello con base en Moscú, Audio Boutique, nuestro viejo amigo ruso Art, que engendró su sello en la Ciudad del Turia, vuelve a la carga con la referencia número 137 de su escudería. En esta ocasión ha contado desde San Petersburgo con Dissident, que presenta este tema original de elásticos basslines y drums roleros que combinan muestras de sonido analógico con detalles gitchy, y que viene acompañado de dos tremendos remixes. Uno en clave halftime e intenso sabor dub por parte de BL∆ST∆, y otro por parte de Vortex Involute, donde lleva el sonido hacia esferas más oscuras y profundas a través de kicks marcados a medio tiempo, coronados con redobles junglist.

La nueva ola del jungle y el sonido rave sigue asaltando el planeta como los piratas abordaban los barcos en el Caribe y, sin duda, una de las figuras cada vez más visible es Elliot Saloman, que acaba de lanzar la segunda referencia en su sello, Choppy Waters. En esta ocasión ha unido fuerzas invitando a subir a bordo al bristoleño Sempra, que nos muestra, en estado puro, su faceta de absoluto bucanero de los amen breaks. El trabajo es un maxi single que contiene dos cortes, ‘Rum Runner’ con stabs raveros, pads etéreos, densos 808s y un bassline adictivo; y ‘Kraken’, donde una melodía de video jugo retro desemboca en un tenso drop, plagado de cajas rotas y bajos 808. ¡Al abordaje!

01. Sully & Tim Reaper ‘Windswept’ [Future Retro] 02. Soul Mass Transit System ‘I Jus Can’t Get Over U’ [Warehouse Rave] 03. Coco Bryce ‘Octopus’ [3AM Eternal] 04. Tim Reaper ‘Seeeeeen!’ [Deep Jungle Records] 05. Championn Sound ‘Murdah Di Bwoi’ [Influential Records] 06. Stones Taro ‘Spend The Night’ [Cheeky Music Group] 07. Stay Puft ‘La Maroma’ [Breaking Bass Records] 08. Duburban & Jahganaut ‘Lose My Soul’ [The Game] 09. Sempra ‘Reminiscence’ [Myor] 10. Dev/Null ‘Time 2 Rhyme’ [Evar Records]

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C R Í T I C A S

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B R E A K S

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

LIQUID Lethal

Kniteforce Records Desde el año 2019 no teníamos trabajo de larga duración del célebre dúo Liquid, compuesto por Eamon Downes, alias Amem, y Shane Heneghan, alias Model. Su primer álbum ‘Culture’ llegaba en 1995 por el sello XL Recordings. Tuvieron que pasar 22 años para ver su segundo álbum ‘Energy Flows’, publicado en 2017 por Music Mondays. El tercero, titulado ‘Spacemonkey’, llegaba en 2019 de la mano del mítico sello Kniteforce Records y, esta vez, repiten con Kniteforce para su cuarto álbum. 12 producciones que abarcan diferentes géneros musicales, desde el más calmado downtempo y progressive breaks, al breakbeat hardcore y jungle. Liquid está detrás del clásico ‘Sweet Harmony’, que ayudó a definir la escena rave británica de principios de los noventa.

PAVANE Aura

RASCO A-Test 2022

Distorsion Records

Elektroshok Records

Desde el sello nacional Distorsion Records nos llega el nuevo trabajo del joven productor sevillano José María Castillo, más conocido como Pavane. El sevillano se aleja de los estilos más influenciados por el trap y el dubstep con los que solía trabajar en el sello Dizzines Records, salvo excepciones como el genial pianazo ‘Nothing’ o los sonidos deep de ‘Bad Boys’, ‘Feel’, ‘No More’, ‘Beat’ y ‘Step o No Sleep’, para traernos un single UKG de alta calidad. Recomendar también su neuro garage ‘Time Over’ para el sello 88. Volviendo a Distorsion, recomendamos los raveros singles ‘Ruame’ y ‘Armour’, del productor gaditano Hankook en colaboración con el misterioso Acedias, y los funky breaks ‘The Roof Is On Fire’ y ‘Mc Fly’ de Sekret Chadow.

Vuelve el DJ y productor onubense Rasco a nuestras páginas con este lanzamiento a través del sello nacional Elektroshok Records. Un nuevo single de estilo breakstep muy pistero y contundente, con un bassline de los que mueven hasta al más estático de la sala. También publicaba recientemente ‘Strong & Loud’, una genial colaboración con el productor cordobés Danny Lacroix, más conocido como Majestic Noise. Danny, tiene además en Elektroshok Records ‘Virtual Self’, otra colaboración igual de pistera junto al onubense Perfect Kombo. Por último, destacar de esta misma casa los lanzamientos ‘Inexplikable’ de Sekret Chadow, ‘Summer Feelings’ de Bowser, ‘Back To The Party’ de JGT, ‘Apex Predator’ de Firestorm y ‘Ravers’ de Temgri. Ritmos rotos para todos los gustos.

IESH X SHELLEY NELSON Tell Me Why

GUAU 200

Four40 Records

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FIRESTORM

Recientemente el productor Raúl Bautista, más conocido como Guau, llegaba a la referencia número 200 en su sello 83, y no había mejor manera que celebrarlo con un álbum recopilatorio donde el gaditano, afincado en Gran Canaria, recoge algunos de sus mejores trabajos en torno al sonido breaks y UK garage. El trabajo incluye desde la pista más personal del artista, titulada ‘Take Me Away’, y el genial future garage ‘Dystopia’, a números #1 de Beatport como ‘Dangerous’ o ‘Babylon’.

Recomendar también de esta casa bombazos como ‘Yourself’ de Nosk, ‘1995’ de ÖRAK, ‘Exhale’ de Bowser, ‘Move’, ‘1 2 3’, ‘Feel So Alive’ y ‘Alone’ de Yo Speed, ‘Recess’ de Mutantbreakz, ‘Sedition’ de Broken Boy o Human Behaviour de Eztereo y Guau.

Si hay un sello que no ha perdido ni un ápice de la esencia del UK garage más clásico, ese es Four40 Records. Con su reciente single ‘Tell Me Why’ de IESH y Shelley Nelson, te puedes hacer una idea de la elegancia que mantiene este sello desde hace más de 10 años. 2step con mucha clase, al igual que anteriores lanzamientos como ‘Got This Now’ de Bk2Bassix y Abi, ‘Blame Me’ de BWK Project, ‘Dubplates’ de Royal Flus, ‘Don’t Wanna Give Up’ de WZA, ‘Be My Lady’ de Papirus, ‘Afterparty’, ‘Stay True’ y ‘Your Love’ de Deadly Habitz, ‘Lily’s Answerphone’ de Earthnut, el remix de Royal Flush al track ‘Gettin Your Love’ de George IV o el remix de Soulstate al track ‘Fallin’ de Ollie Weeks & Oggie.

01. Hankook & Destroyers ‘Moog’ [Nipponeer] 02. Guau & Broken Boy ‘Regicide’ [83] 03. Firestorm ‘Apex Predator’ [Elektroshok Records] 04. Firestorm ‘Ruffage’ [83] 05. Gnev ‘M Theory (Firestorm Remixes)’ [Audiogore] 06. Firestorm ‘Hard In The Paint’ [Unsigned] 07. Rasco ‘Dark Knight Rider’ [Elektroshok Records] 08. A:Grade ‘Gambino’ [Uprise Audio] 09. Jody Hellfire ‘Future Beyond The Past’ [Unsigned] 10. Skin Teeth ‘Jay’s Basement’ [Torre]

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C R Í T I C A S

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T R A N C E

Autor: LEIRE ZULOAGA / leire@djmag.es

SISKIN Villaneve

Black Hole Recordings En un punto intermedio entre la canción y el estudio, Sue McLaren y Suzanne Chesterton cimentan su conexión musical a través de Siskin, hermandad que nos sigue brindado gran cantidad de momentos emocionalmente conmovedores con su excepcional y próximo lanzamiento, ‘Dopamine EP’.

Su single – ‘Villaneve’ – es una pista de carácter poco eufórico, aunque lo suficientemente potente como para percibir el impulso que Sue y Suzanne consiguen con sintetizadores sub-edificantes y sonidos orgánicos, que se acompañan de un bajo realmente profundo y armonías cálidas que, sin duda alguna, capturarán la más memorable de las experiencias en la pista… ¡Asegurado!

DAVID FORBES Sail

BLANKA BARBARA Predicting The Future EP

Who’s Afraid Of 138?!

Freegrant Music

Seguimos con el poder femenino dentro de la electrónica. Esta vez con la artista Blanka Barbara dejando claro que su EP titulado ‘Predicting The Future’ es toda una experiencia sonora y emocional.

Cuidadosamente dirigida por la británica, con patrones rítmicos de corte hipnótico que juegan con las ondas de los synts, estas crean un mundo sonoro único, cautivador e irrepetible para cada oyente. El EP se compone de tres singles de inteligente construcción y narrativa, del que sin duda destacamos el track que da nombre al lanzamiento, por mostrar una contundente composición dentro de una fina arquitectura, bien elaborada, muy propia de los músicos de corte cásico. Si todavía no estáis tras su pista, ¡debéis hacerlo sin dudarlo más!

Su último lanzamiento ‘Isolate’ estuvo en el top 10 de la lista Trance Top 100 de Beatport durante casi un mes y todavía la podemos encontrar en esta lista dejando claro que David Forbes es uno de los productores británicos más respetados y versátiles de nuestro tiempo. Con una carrera musical que abarca casi dos décadas, el británico presentaba durante el pasado mes la canción ‘Sail’, single con una enérgica línea de bajo que se acompaña de oleadas cargadas de euforia hasta que la excepcional melodía toma el timón de la pista mientras se embarca hasta el punto de ruptura de la misma haciendo las delicias de todos los que se encuentren en la pista de baile. ¡Prometido!

MAHAPUTRA A Power Deep Within Us / Higher & Higher

DINKIS Ossigeno Wout Records

FSOE Parallels

TRANCE-ATLANTIC

(DIGITAL HITS FM BARCELONA)

Después de su lanzamiento de debut en FSOE Parallels durante el verano de este 2021, el otoño ha traído de nuevo al productor indonesio Mahaputra hasta la puerta de FSOE. Esta vez, viene con un EP donde podemos encontrar dos canciones del productor, claramente enfocados en el groove y completamente configurados para la noche de los clubes.

En ellos, el indonesio nos adentra en un vuelo cargado de fuerza y de matices. ‘Power Deep Within Us’ posee un corte más progresivo energético – muy rompe pistas –, mientas que ‘Higher & Higher’ muestra mucha contundencia en su base, aunque también plasma de manera muy apropiada un toque de uplifting ambiental. Aunque si nos dan a elegir, claramente preferimos el primer corte del EP en su versión extendida.

El artista italiano Dinkis nos propone visitar nuevos mundos armónicos a través de su álbum ‘Ossigeno’. Todo un viaje contextual a lo largo de siete composiciones donde el piano clásico sigue siendo el instrumento central dentro de una fascinante representación de luz y oscuridad. Desde un ambiente sofocante hasta otro con libre respiración Dinkis acompaña el piano con suaves violines y bajos de bombo, también de voces angelicales y lejanas fronteras energéticas. Siempre llena de contrastes y emociones que son plasmadas con incalculable belleza, Ossigeno abre nuevas direcciones musicales para el artista italiano que nos presenta esta joya hecha música a través del label Wout Records.

01. Xijaro & Pitch ‘Party On (Extended Mix)’ [Who’s Afraid Of 138?!]

02. Fawzy & Daniel Kandi ‘Untold Mysteries (Extended Mix)’ [Suanda True] 03. Talla 2xlc & Steve Dekay ‘Spacedust (Extended Mix)’ [Critical Uprising] 04. Nico Zografos ‘Shatter (Extended Mix)’ [M.I.K.E Push Studio] 05. Iberian ‘Preludio (George Crossfield Emotional Remix)’ [Sound Of The Stars Recordings] 06. Arman Bas & Bigtopo ‘Mental Deprogramming’ [Suanda Music] 07. Global Mind ‘Subpolar’ [Tranzone Recordings] 08. Jackob Rocksonn ‘The Path’ [Hqn Recordings] 09. Simon Patterson & Will Atkinson ‘Golden Hour (Extended Mix)’ [Vii] 10. Madwave ‘Escape Line (Tycoos Extended Proflifting Remix)’ [Abora Recordings]

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C R Í T I C A S

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D E E P

Autor: CARLOS PEGGO / c.peggo@djmag.es

KEINEMUSIK Send Return

Keinemusik El tridente Keinemusik formado por Adam Port, &ME y Rampa vuelve a sacar disco tras cuatro largos años desde su álbum debut ‘You Are Safe’. El trío ha mantenido su esencia musical invitando a voces que ya colaboraron en anteriores producciones y otras con las que han conectado a lo largo de estos últimos años. El EP contiene, como es de esperar, una variedad de estilos. Tintes de clubbing con ‘The Day I Met You’ feat Solomun o ‘Discoteca’ feat Sofie y melancólicos sonidos con tracks como ‘Feeling’ con el australiano RY X o ‘Before The Flood’, con Cubicolor.

YEAH BUT NO The Shadow Self II (Terr & Echonomist Remix)

APSTE Universal Language EP Diynamic Music

Distant Echos

El artista multidisciplinar afincado en Buenos Aires, Apste, presenta disco en Diynamic Music bajo el lema Lenguaje Universal, tratando la música como elemento de conexión entre las distintas etnias y culturas. Un EP de cuatro pistas lleno de sintetizadores retro típicos de los 80 y 90. Una combinación de house con oscuras pinceladas más propias del techno. Además de su faceta musical, Apste se exhibe al mundo como artista plástico, llevando a cabo coloridos murales y lienzos de estilo pop-art.

El dúo berlinés Yeah But No regresa a Distant Echos con la segunda entrega de ‘The Shadow Self’, esta vez con la aparición de Terr y Echonomis remezclando los dos tracks de éste álbum. ‘Going Down’ es un track lento con una conmovedora vocal como melodía principal. Terr lo lleva a otro nivel con un remix de 6 minutos de puro ritmo club. El segundo track, ’Vaneer’ está compuesto por sonidos orgánicos como lluvia, punteos de guitarra y un línea de bajo conmovedora. Echonomist revoluciona éste último track añadiéndole líneas melódicas, combos de sintetizadores y un bombo contundente.

VVAA Merin EP Vol. 3 Reinassance Records

TIBI DABO

La serie Merin presenta su tercer y último álbum de 2021 con el objetivo, como siempre, de dar a conocer el talento más excitante del momento. El EP incluye un track del joven productor Israelí Millero, ‘French On Acid’. La colaboración entre Just Her y Nolan otorga al álbum el sonido característico de Reinassance con ‘Blue Sky’. Jim Rivers protagoniza el tercer track ‘Orchidaceae’, acercándose en esta ocasión a un sonido más house que techno. Y el dúo de Rusia, blacktone, culmina la obra con ‘ExMachine’, una pista de techno melódico revolucionada, con sonidos de lo más artificiales que parecen más bien fruto de un robot.

01. Paramida ‘Dream Ritual’ [Love On The Rocks] 02. Killer DJs ‘2.1’ [DustWORLD] 03. Tibi Dabo ‘Evol’ [Fum] 04. Blawan ‘Under Belly’ [XL Recordings] 05. Sansibar ‘Teal’c’ [Kalahari Oyster Cult] 06. Daniel 2000 ‘Amb Els Amics’ [Mainline] 07. Omega Men ‘Fluchtweg’ [Alien Communications] 08. The Mountain People ‘La Colline’ [Giegling] 09. Eversines ‘Disappear’ [Nous’klaer Audio] 10. Biodive ‘Limpets Minds (Priori Remix)’ [p.istol]

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C R Í T I C A S

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D A N C E - E D M

Autor: WILLY ALCOCER / willy@djmag.es

SHAKE COCONUT & PRISCILA DUE Contigo

Uveka Music CREAR. Si tuviera que decir sólo una palabra sobre Shake Coconut, sería ésa. Crearon la formación, después crearon su sonido y su “Royo”, para después crear ElRoyo Group (incluyendo ElRoyo Records), seguido de Madrid EDM TV. Todo ello en paralelo a la creación musical, con discos publicados por los mejores sellos de España (¡y alguno de los mejores de Europa!). Últimamente crearon ‘Shaked’ (no me da el espacio para explicar qué maravilla es ésta, pero animo a los lectores a investigarlo), y, finalmente, acaban de crear... esta auténtica genialidad musical. Válgame Dios... ¡Qué sonido, qué producción más milimétricamente cuidada, qué ritmo, qué voz de la sevillana Priscila Due, qué manera de romper, qué mezclable, qué bailable, qué escuchable! ¡Y cómo sabe DJ Valdi qué publicar en su sello! Enhorabuena, compañeros.

IMARCHIATI FEAT. KU MINERVA & PACO PIL Sirena

FREE!!

This Groove Previous Records

Artist First

El Italodance no falla nunca. Melodías potentes y con sentimiento, letras emotivas, enfoque tanto a la pista como al propio placer de escuchar y calidad en la producción acorde a los legendarios – y pioneros – productores italianos. Bueno: a todo ello – que es exactamente la definición de esta canción – le añadimos que este Italodance es cantado en español, que el estribillo corre a cargo de la legendaria Ku Minerva (sí, la de ‘Estoy Llorando Por Ti’) y que, como sorpresa final, en el momento del “rapeo” aparece – qué ilusión escribir su nombre por primera vez aquí – ni más ni menos que PACO PIL (sí, el de ‘Viva la Fiesta’ y ‘Johnny Techno Ska’). Resultado: número 1 asegurado en el sur de Europa y Latinoamérica. Enorme acierto de la pareja italiana iMarchiati.

Fraktal es la formación icónica y legendaria de Pedro Miras y Alberto Tapia (Albert Neve) bajo la que actúan a día de hoy por toda España.

Pero estas dos leyendas vivas han producido también bajo otros alias a lo largo de sus más de 30 años de carrera como DJs y productores. Y tal vez, la más importante de ellas sea Free!!. Andaba yo en 1997 en casa de la abuela Carmen, cuando salió por la tele el anuncio del CD álbum recopilatorio ‘100% Discotecas’. La melodía del anuncio quedaría en mi mente para siempre: nítida, emotiva y potente, ha sido recuperada – una vez más – por Previous Records para su puesta a punto digital.

Una obra maestra que, en distintas versiones durante los años, nunca ha dejado de sonar.

MARTIN JENSEN Faith

AVAION X WHY SO SAD Fallin’

Disco:Wax

Rca (Sony Music Germany)

DJ H¡KAN

El 12 de Noviembre salió a la venta esta maravilla del polifacético danés Martin Jensen, nacido en 1991. Hablamos de una auténtica eminencia mediática en el norte de Europa: acaba de formar parte, por segunda vez, del jurado de Factor X Dinamarca, y es, además, el único DJ que lo ha hecho hasta el momento. Famosos han sido también, durante la pandemia, sus streamings en directo desde el césped del Estadio Nacional de Fútbol. El artista nos deleita con esta pieza de “guitarra melódica electrónica” acompañada por una afinadísima parte vocal, a la que todavía le seguirá una parte de piano con una melodía realmente deliciosa. Todo ello producido con la habitual calidad del autor. Da gusto escucharlo.

El alemán Avaion es uno de los últimos fichajes de Sony Alemania. No en vano, antes de lanzarse a producir, era uno de los DJs más reconocidos en el país germano. Como productor acumula ya éxitos sobresalientes – como su primer disco de platino con ‘Pieces’ – moviéndose en un estilo de EDM que él mismo califica como “electrónica melancólico-emotiva” (en inglés suena mejor, la verdad). También explica el autor que ese tipo de sentimiento que imprime a sus canciones, nace de sus propias experiencias vitales. Se une en este lanzamiento a Why So Sad (17 milliones de reproducciones para su ‘Out Of Time’) consiguiendo una mezcla perfecta entre emotividad y potencia, entre sentimiento y baile. Ni un detalle sin pulir, ni un segundo sin disfrutar de la canción.

01. Cascada, Timmy Trumpet, Harris & Ford ‘Never Let Me Go’ [SINPHONY] 02. Darren Styles & Breeze ‘You’re My Angel’ [Xploded Music Limited] 03. Will Sparks feat. Kayla Zito ‘Patience’ [Dim Mak Records] 04. Headhunterz & Sound Rush ‘Take It All’ [Art of Creation] 05. Sub Zero Project ‘Trip To Mars (Astronauts)’ [Dirty Workz] 06. Le Shuuk ‘Kunterbunt’ [Kontor Records] 07. Quickdrop ‘Blinding Lights’ [Wuze Records] 08. Da Tweekaz & Bassbrain ‘SHOTJEE’ [Dirty Workz] 09. Atmozfears, Mesto, Mike Williams ‘Wait Another Day’ [SPINNIN’ RECORDS] 10. Rooler & Sickmode ‘Too Cold’ [Aggressive Records]

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C R Í T I C A S

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T R O P I C A N A

Autor: SALVATORE MALDERA / elpalmas@djmag.Es

QUIXOSIS Rocafuerte

Eck Echo Un viaje a lo que podríamos llamar las misteriosas bóvedas sonoras de su familia, nombre que salta después escuchado este trabajo, nos regala el gran poder inspirador de Daniel Lofredo, productor ecuatoriano quien extrae en ‘Rocafuerte’ un cuadro anacrónico y anatópico de viajes entre América Latina y Europa, ambientado en una multitud de ritmos que van desde el trip hop al reggaetón, y que el artista fusiona sin concesiones. Samples que deforma con la mágica grabadora de cinta, tributo personal a la colección de discos de su bisabuelo. ‘Rocafuerte’ es su primer trabajo editado en vinilo y, aprovechamos el espacio para mencionar una aventura por partida doble con una serie de 10 reinterpretaciones de cada uno de los temas este álbum en ‘Rocafuerte Remixes’.

PAPA ORBE Jutía Con Yuca

MARTIN BRUHN PICAFLOR

Favorite Recordings

Shika Shika

El maestro cubano del tres y el veterano de la música latina Papa Orbe lanzará su primer álbum con su propio nombre en 2022, pero aprovechamos para referir aquí su primer sencillo llamado ‘Jutía Con Yuca’, una canción de son cubano clásico sobre los recuerdos de la infancia de Papa Orbe en Santiago de Cuba, donde solía ir a la finca de sus abuelos y reunirse con toda su familia y amigos, para montar guateques. No solo nos quiere llevar al contexto cubano donde la música es omnipresente si no a una cálida reunión familiar: “Supongo que es porque el cerebro busca los recuerdos más agradables del pasado para hacer frente a un exilio de 30 años de mi tierra natal”, añade.

“Existen distinciones, veneraciones o dedicatorias, pónganle el nombre que quiera, pero este disco es una celebración en forma de homenaje. ‘PICAFLOR’ está lejos de buscar semejanzas. Diría que es un juramento de culto a la fuerza popular, a la esencia sonora, a la originalidad orquestal y a la simpleza mayor (...) En pocas palabras: es la búsqueda constante de mi propio carnaval. Me alegra ser pregonero de esta gran fiesta”. El percusionista y compositor argentino Martin Bruhn ofrece en este álbum grabado de modo prácticamente Lo-Fi un profundo tributo a música y cultura huanca, un trabajo repleto de colorido y fiesta tal como se vive en la región de Mantaro, Perú. Bruhn logra conectar casi de forma exacta con los vinilos de huaynos de la región andina.

TEMPURA Y EDGAR VALENTE Macelada

JEMBA GROOVE Bassa Bassa

Frente Bolivarista

Agogo

Influenciado por las tradiciones paganas y moriscas y los rituales electrónicos de Nicolas Jaar y Nicola Cruz, ‘Macelada’ es la reelaboración de Tempuray Edgar Valente de un clásico popular portugués. Este cobra vida como parte del deseo del dúo de explorar nuevas narrativas sónicas en torno a la cultura antigua de Portugal y supone el primer sencillo de su próximo álbum lanzado en el sello Frente Bolivarista. Concebido por el ecléctico productor y “explorador de sonidos” brasileño/ portugués Tempura (también conocido como Tempura The Purple Boy) y el cantante y músico portugués Edgar Valente, ‘Macelada’ constituye la primera vez en que este tema y su respectiva instrumentación folclórica se ha reinterpretado para convertirlos en un disco pop electrónico melancólico en idioma portugués.

Después de buscar compañeros idóneos para el próximo viaje y tropezar con algunos de los mejores músicos de Berlín, el bajista y compositor Yannick Nolting, y el cantante y percusionista Eric Owusu formaron Jembaa Groove, una banda de 7 integrantes que combina sonidos frescos de la escena musical underground de esta ciudad con sonidos tradicionales del África Occidental, de Ghana y Mali, como highlife, adowa y wassoulou. Este trabajo es una interesante y clara evidencia tanto de sus antecedentes musicales como de sus identidades, que ambos gustan de llamar afro-soul. Todo un descubrimiento inspirado en la música soul de los sesenta y setenta, en el que evitan los arreglos comerciales excesivamente producidos, fusionando ritmos de bajo intensos y patrones percusivos insistentes con metales frescos.

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C R Í T I C A S

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T E C H N O

Autor: VICTOR SANTANA / victorsantana@djmag.es

LOUISAHHH The Practice of Freedom

He Shey They Increíble descubrimiento el de Louisahhh. Y es que estos años de pandemia mundial, se ha vuelto difícil decir que tienes un gran descubrimiento. La verdad aluciné cuando escuché su álbum, mientras reposaba los oídos en el estudio. Fue poner el primer track de este pedazo de álbum y mi cerebro alucinó. Louisahhh es punk, electrónica bizarra distorsionada y voces procesadas con ritmos rotos, mezclados con techno.

Es un álbum de los que te apetece ver en concierto, porque sabes que seguro Louisahhh reventará el escenario. Además, es un álbum largo que te cuenta una historia. En esta deluxe edition le acompañan remezclas de primer nivel, como Vitalic y muchos otros. Os recomiendo tener este LP en vinilo. Un grandísimo trabajo de Louisahhh.

VVAA Consortium Vol.3

JOSE RODRIGUEZ Inner Alchemy

Motech

Redlight Music

El sello del artista de Detroit, DJ 3000, vuelve a la carga con otra increíble compilación de auténticas bombas para pista de baile. Detroit techno y techno en todos los sentidos. Conozco bien a Frankie, un trabajador incansable, que ama la música por encima de todo. DJ 3000 fue parte de Underground Resistance y es un artista con una visión musical increíble. Esta vez su plataforma nos presenta una compilación con 15 tracks de muchos artistas que frecuentan su label y otros que nunca lo habían hecho. Es una auténtica bomba para cualquier DJ, ya que cualquier track es bueno. Os lo recomiendo. ¡Larga vida a Motech Records!

Desde Berlín, pero con procedencia valenciana, nos llega el nuevo álbum de Jose Rodriguez. Ingeniero de sonido y un auténtico freak audiovisual, Jose nos cuenta una historia musical que va desde el deep techno hasta la experimentación sonora, pero siempre sin olvidarse de la pista de baile. Un gran trabajo en el que puedes escuchar pianos voladores, líneas sintéticas y arpegios profundos que te llevan a un auténtico viaje. Un buenísimo álbum con pinceladas minimal e influencias de todo tipo. Una muy buena herramienta para la pista de baile con melodías muy profundas, suena increíble os lo aseguro. Se nota mucho cuando alguien sabe utilizar las herramientas en el estudio. ¡Gran trabajo, Jose!

THE ANALOG SESSION AKA ALEXANDER ROBOTNICK Seven Textures of Sound

COLIN BENDERS Rigmarole

Hot Elephant Music

Hiss & Hertz Records

ROI

(FANZINE RECORDS)

The Analog Session es el aka del legendario Alexander Robotnick, en una versión más intimista basada en la improvisación con sus máquinas en el estudio. Alexander es un músico veterano con un gran dominio de los sintetizadores desde los años 90. Si te gusta la electrónica en general, estoy seguro que conoces a Alexander Robotnick. Esta vez nos presenta siete tracks muy distintos, pero a su vez muy unidos por un elemento: la improvisación en el estudio. ‘Tech Obsession’ es mi recomendación, un track increíble donde predomina un arpegio medio ácido del Roland SH-101.

A estas alturas de la partida en nuestra industria musical, la verdad es que Colin Benders no necesita presentación. En mi opinión, Colin es un verdadero genio. Escribo esto no solo porque hace música con modulares (somos muchos artistas los que los utilizamos), si no porque conocer tus herramientas y dominar la armonía para llevarla al mundo del CV Gate no es fácil. Esta vez, Colin nos presenta un EP muy personal, pero a su vez llevado a la pista. Nos encontramos con líneas sintéticas muy profundas, mezcladas con arpegios distorsionados.

Todo muy bien ejecutado y con mucha personalidad. ¡Gracias, Colin!

01. Shurko Love ‘03189’ [Fanzine Records] 02. Moktar ‘Drip’ [Steel City Dance] 03. Hoax Believers ‘Guerrero’ [Distrito 91] 04. Confidential Recipe ‘Generator’ [No Static/Automatic] 05. Plant43 ‘Sublunar Tides’ [Plant43 Recordings] 06. Roi ‘Maianca (Carl Finlow Remix)’ [Fanzine Records] 07. Armec ‘Caged’ [2020 Vision] 08. Terrestrial Access Network ‘Endless Dunes’ [LDI Records] 09. Luxus Varta ‘Next Level’ [Blind Allies] 10. Alfred ‘Core Velocity’ [2020 Vision]

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STREETWEAR SNEAKERS & SKATEBOARDING C/ SAN ROMÁN Nº 10 PONTEVEDRA

Travesía de Tívoli, 3 - Bilbao www.baffledjs.com

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T E C H

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P L A S T I C

Autor: KANEDO

Pioneer DJ XDJ-RX3 U N A

A principios de noviembre Pioneer DJ presentaba en el mercado la actualización de su popular top ventas XDJRX2, el sistema all-in-one por excelencia.

Esta evolución impulsada desde la salida del multi-reproductor CDJ-3000 en 2020, ofrece características heredadas del mismo que agilizan el flujo de trabajo del DJ dando un salto adelante en cuanto a eficiencia y comodidad, además de ampliar las posibilidades creativas en sesión con tecnología del mezclador estándar de club DJM-900NXS2.

Pantalla Táctil de 10.1”, con una renovada interfaz que permite trabajar de un modo similar al CDJ3000 incluso realizando la función Touch Preview para preescuchar

G E N E R A C I Ó N

en pantalla el estado de cada Pad asegurando así que pulsas el valor adecuado.

canciones sin necesidad de cargarlas en el deck simplemente tocando en la pantalla la forma de onda.

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Características Principales •

N U E V A

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FX ampliados, contando con 6 Sound Color FX y 14 Beat FX idénticos a los presentes en la DJM-900NXS2. También es posible marcar como favoritos 4 Beat FX desde la pantalla en el FX Bank facilitando así la transición entre unos y otros con mayor velocidad. A diferencia de su precedesor, también puedes modificar valores a través del X Pad, en este caso situado en la pantalla táctil.

Performance Pads, donde se añade la función Release FX para realizar transiciones al corte más elegantes.

Además, por primera vez en un sistema all-in-one puedes visualizar

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El Jog Dial cuenta con ajuste de resistencia para un confort mayor (Jog Adjust) y con un pequeño display para ver la carátula y el estado de funciones como Slip, Sync o el modo Vinyl.

En definitiva, el sistema all-in-one XDJRX3 es una actualización esperada y en este caso supera expectativas ya que además de añadir la navegación del CDJ-3000 y funciones exclusivas como el Touch Preview, también iguala las prestaciones del modelo superior XDJ-XZ a nivel de FX en sesión.