DJ Mag ES #121

NUEVO ÁLBUM DISPONIBLE EL 30 DE ABRIL

C O N T E N I D O S DJ MAG 121 / MARZO 2021

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BREVES MIS FAVORITOS – ELIF 60 SEGS CON - DANIEL RIFATERRA OFF THE RECORD - SERGIO PARRADO FOCUS ON - LOOT RECORDINGS

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5 TRACKS - AHL IVER ELECTRONICA & ROLL - ESTRELLA COCINAMOS CON - BELLAIRE LUCKY 7 – FERRY CORSTEN MI CIUDAD – SIMON DOTY TENDENCIAS – SUPREME X AKAI CÓMO PRODUZCO – MONTOYA EL RINCÓN DE KALI

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Artículos 026 034 040 044 050 054

ASH JULIET FOX DEXTRO PABLO NOUVELLE

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J DILLA Y EL TECHNO EN ‘B.B.E’ COCHES Y ELECTRÓNICA

Críticas 0 61 062 064

LA SELECCIÓN DEL DIRECTOR

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ÁLBUMES SINGLES

Te ch 074

PLASTIC

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E D I T O R I A L

Febrero nos deja y entramos en el tercer mes del año 2021, con las miras (y las esperanzas) puestas ya en la temporada veraniega.

Para este mes de marzo que empieza hemos querido poner la mirada en el futuro. En un futuro que nos va a traer nuevas estrellas en la electrónica. Nuevos artistas que dominarán el panorama a golpe de innovación, saber hacer y beats. Como el caso de nuestro protagonista de portada: ASH. Un artista revelación como pocos que llega de nuevo a nuestras páginas, esta vez a nuestra portada, para que todos podamos conocer a este jovencísimo multi-instrumentista más de cerca. Su historia es la misma de muchos artistas independientes jóvenes, que buscan hacerse hueco en la industria. Ash ha sabido domar y manejar él mismo los complicados algoritmos e ingeniería necesaria en la actualidad para triunfar y acumular cientos de millones de streams en las plataformas, además de ser visto por varios millones más en formato video. Hablamos con él para conocer su secreto.

DIRECTOR GENERAL Y DE CONTENIDOS Eduardo Pérez Waasdorp | eduardo@djmag.es REDACCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es Helena Bricio | redaccion@djmag.es DIRECTORA DE ARTE Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es DISEÑO Y MAQUETACIÓN Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es Miguel Ángel Alvira | miguel@djmag.es

Además, este mes traemos a una artista de lo más interesante a nuestras páginas. Se trata de Juliet Fox, australiana afincada en Berlín, que presenta su recién estrenado sello, TREGAMBE. También en clave techno, hablamos con el portugués Dextro, que celebra sus 30 años de carrera este año. Hablamos con él sobre sus novedades y su perspectiva después de un viaje tan extenso por nuestra industria.

DISEÑO DE PORTADA Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es GENERAL INFORMACIÓN: Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es

Cambiamos de tercio y nos metemos en el mundo del trance para hablar con una de sus estrellas más prometedoras, Pablo Nouvelle, que presenta disco. Y en clave reportajes, analizamos a una de las figuras más interesantes de la producción, el desaparecido J Dilla, y cómo el techno infundió uno de sus trabajos más reverenciados. Y cerramos con un interesante monográfico sobre el impacto de la cultura automovilística en diferentes países en la música electrónica.

ADMINISTRACIÓN: Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es MARKETING MARKETING Y BUSINESS MANAGER: Sara González | sara@djmag.es

Todo esto mientras seguimos esperando un avance en la situación global y a nivel nacional para la industria. La vacunación continúa sin pausa (aunque también sin prisa en algunas regiones…) y esperemos que pronto el grueso de la población pueda inmunizarse, para que este año se pueda empezar a reactivar nuestro sector. Pero para ello también es importante dar prioridad a las cosas que la tienen. Quizá no es lo más sensato, tras los sacrificios y restricciones que hemos tenido que sufrir en esta tercera ola, juntar multitudes para conmemorar nada. Quizá haya que pensar en no celebrar una Semana Santa, para poder reactivarnos más y mejor durante el verano. Quizá estas reuniones se puedan posponer a momentos en los que no haya una emergencia sanitaria.

Digo quizá, porque al final está en mano de cada uno ejercer esa responsabilidad. Por el bien de todos.

MARKETING INTERNACIONAL: Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es DIRECCION COMERCIAL: Jassi González | jassi@djmag.es COLABORADORES Ángel Manrique, Borja Manzano, Bruno Garca, Cristina León, Charlie Braun, Eduardo Carbonell, Ekai, Esteban Martínez, Fernando Blanco, Gerardo Cartón, Guillermo Delmas, Gustavo Navedo, Helena Bricio, Julia Lozano, Jonathan Prada, Carlos Flavio Bustos, Mugni, Oliver Florez, Rohan G. Finger, Sandra Vian, Sergio Bifeis, Sergio Parrado, Willy Alcocer, Manuel Sánchez-Cid, Miguel Ángel Alvira, Víctor Fernández, Luis Vallespín y Marc Montes.

EDICIÓN REVISTA DJ MAG SL Avenida 8 de agosto, 11 – 10 bajo 07800 – Ibiza (España) B 16523805

Mientras tanto, podéis seguir confiando en nosotros para informaros de lo más destacado y prometedor de este año. Los próximos meses se vienen fuertes. Acompañadnos para descubrirlo. Y, como siempre, gracias por estar ahí. ¡Hasta dentro de un mes, amigos!

EDUARDO PÉREZ WAASDORP

DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

Director

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B R E V E S Autor: REDACCIÓN

DJ MAG SE ASOCIA CON FORZA MOTORSPORT 7 PARA EL EVENTO EXCLUSIVO BOUNTY HUNTER DJ Mag colaborará con algunos de los mejores DJs del mundo para organizar carreras en el videojuego Forza Motorsport 7 de Xbox Game Studios. Estos eventos son gratuitos para cualquiera que tenga el Forza Motorsport 7 (disponible en Xbox Game Pass), una Xbox One, Series X o Series S o un PC con Windows 10. Una vez que los DJs hayan conseguido su mejor tiempo, los jugadores de todo el mundo tendrán in-

tentos ilimitados para superarlo, mientras compiten con el avatar del DJ. La primera semana fue Andy C (alias: Andy174C), la segunda semana está siendo el turno de Timmy Trumpet (alias: tiimyyyyyy, hasta el 2 de marzo de 18h a 23h), y la tercera semana del 4 al 9 de marzo, de 18h a 23h será el turno de Quintino (alias: QUINTINOO). www.djmag.com/djmagracing

ARRANCAN LOS MOTORES PARA LA EDICIÓN MUTEK ES+AR 2021 Comienza a despegar uno de los años de mayor coyuntura desde que MUTEK aterrizara por primera vez en Barcelona, hace ya 12 años. Esta 12ª edición del festival en la Ciudad Condal mueve de manera excepcional sus fechas al próximo mes de mayo conjuntamente con su homólogo en Buenos Aires. MUTEK está preparado para la mutación y la hibridación mediante el desarrollo y puesta en escena de la

plataforma online virtual.mutek.org. Esta plataforma seguirá disponible durante el festival MUTEK ES+AR que se llevará a cabo del 3 al 8 de mayo de manera presencial y virtual. Los anfitriones serán las sedes de Argentina y España, a las que se unirán el resto de ciudades MUTEK, nuevamente en el marco del programa MUTEK Connect. www.mutek.org

THE PRODIGY PREPARA UN DOCUMENTAL SOBRE SU HISTORIA Los seguidores de The Prodigy están de suerte, ya que la mítica banda inglesa ha anunciado en su cuenta de Instagram un film que repasará toda su trayectoria.

Según ha desvelado Billboard, el documental está en fase de producción y aunque aún no tiene fecha de estreno, sí se han dado a conocer algunos detalles del mismo. El cineasta Paul Dugdale será el encargado de dirigir la producción, co-

laborando de nuevo con la banda desde los cortos que realizó para la formación en «The Prodigy: World’s On Fire» (2011), la productora será Pulse Films y los dos miembros actuales de la banda, Maxim y Liam Howlett, estarán también en el equipo de producción. “La película será tan salvaje como la banda”, dice Dugdale sobre el nuevo proyecto. ¡Seguiremos informando!

LAS VENTAS DE VINILOS HAN AUMENTADO UN 40% EN 2020 EN DISCOGS Como parte de su informe anual, The State of Discogs, la plataforma y tienda online de vinilos ha hecho público que en los últimos 12 meses se vendieron 11.961.998 vinilos en ella, un 40,75% más que en 2019. En el primer puesto de los lanzamientos electrónicos más vendidos de 2020 se encuentra el EP ‘Moments‘ de Peggy Gou, publicado en 2019 a través de Gudu Records, y también Daft Punk, Portishead y Gorillaz aparecen en

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el top cinco. Además, éstos últimos también aparecen junto a Massive Attack en el top cinco de los lanzamientos electrónicos más vendidos. Como dato anecdótico, el disco de vinilo más caro vendido en 2020 fue ‘Choose Your Weapon’ de Scaramanga Silk, que es ahora el disco más caro jamás vendido en Discogs, ascendiendo a 41.000 USD. Lee el informe completo: www.bit.ly/37GgRl4

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S E G U N D O S

Daniel Rif aterra ( W E

A R E

T H E

B R A V E

¡Hola, Daniel! ¡Un placer saludarte! Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías?

Pues nací, me crié y vivo en una aldea de 10 personas en el noreste de Huesca pero supongo que no soy lo que se suele esperar de un chaval de pueblo.

La creatividad es lo que más me mueve en la vida y, entre otras cosas, esta se ha visto materializada sobretodo en forma de techno.

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T R U N C A T E )

ba. Esto despertó mi curiosidad y cultura musical y, al fin y al cabo la soledad de los inviernos en los pueblos pequeños te empuja a refugiarte en ello casi de forma obsesiva. Podría resumir mis influencias a casi cualquier música que sea triste, oscura, contundente o elegante, independientemente del género. El techno no llegó para mí hasta que me mudé a Barcelona, donde viví seis años. Allí pude palparlo de cerca y sentí que mi identidad se refleEres de Aragón. ¿Cómo ves la escena de electró- jaba en ese sonido que ahora intento personalizar nica de Aragón en particular? ¿Y de España en aún más como productor. general? (pre-covid) Mentiría si digo que conozco algo de la escena Tú música se desarrolla en lides techno, sin emde Zaragoza o Teruel, y en Huesca somos poquita bargo se sale de la norma, especialmente con sus gente pero tenemos la gran suerte de contar con progresiones percusivas… ¿Cómo definiríais tu Florida 135 como algo de lo que sacar pecho. Dicho proceso creativo? esto, aquí estoy para ayudar a la escena de mi tierra Bien sencillo. Tomo una referencia de algo que me en toda la medida que me sea posible. guste y creo una base en torno a ello. A partir de ahí pierdo toda la noción de voluntad sobre el proyecEn cuanto a la escena nacional. Creo que la indus- to. De alguna forma el tema me pide lo que necesita tria tiene demasiados rincones oscuros al igual que y yo se lo intento dar. Sé que suena a paranoia pero sucede en otros sectores y países, pero no por ello no sé explicarlo de otra manera. ¿Producción por dejan de ser desagradables. Por otro lado creo que intuición quizás? El resultado final suele ser una tenemos el privilegio de ser el país con la identidad sorpresa hasta para mí. electrónica más ecléctica del mundo, lo cual es genial para poder desarrollarte de una forma más Tus tracks han sido apoyados por pesos pesados libre individualmente, y crear una cultura y un valor de la industria, como Truncate, Alan Fitzpatrick, Richie Hawtin (que te ha incluido en su playlist nacional más rico a nivel colectivo. de Spotify) o Sama. ¿Cuál es tu objetivo como Entiendo que vienes de un pueblo bastante pe- artista? queño. Sin embargo tus influencias son amplias. Había una frase de Stan Getz un poco pastelosa ¿Cuáles son tus principales influencias? ¿Cómo pero con la que me siento bastante identificado.

Venía a decir algo como “me gusta contrarrestar las llegaste a ellas?

Desde bien pequeño mi tío me traía CDs de música cosas malas intentando dar a la gente algún tipo alternativa que nadie más de mi entorno escucha- de paz, y dándomela a mí también”. Suena presun-

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tuoso pero me gustaría aspirar a algo parecido. Por supuesto que mi principal necesidad es expresarme, pero es doble recompensa si consigues aportar algo a alguien al otro lado.

Además de productor y DJ, eres diseñador industrial. Sabemos que tienes un proyecto de auriculares modulares muy interesante entre manos… ¿Qué nos puedes contar?

Se trata de unos auriculares/altavoces que, además de esta doble funcionalidad, están diseñados para ser fácilmente reparados o actualizados sin necesidad de tirar todo el dispositivo y comprar uno nuevo. Al poder intercambiar los componentes deseados, se contribuye a un sistema más sostenible económica y ambientalmente. Invito a todo el mundo a seguir el proyecto en coyosy.com. ¿Qué proyectos tenéis entre manos este 2021?

Producir mucho, lanzar mucho, y si las circunstancias lo permiten, espabilar mi agenda como DJ para poder compartir en primera persona el trabajo de estos últimos años.

Finalmente, Daniel, pedimos al invitado de 60 Segundos que plantee una pregunta al siguiente. Los últimos fueron Yugen Kala: “¿Qué elemento(s) consideras esencial(es) en la visión de tu proyecto?”. Y a cambio, nos tenéis que dejar una pregunta para el siguiente…

Para mí es fundamental arriesgar e intentar hacer cosas diferentes.

Mi pregunta es: Filosóficamente hablando, ¿la electrónica se parece más al jazz o al rock?

M I S

F AV O R I T O S

*El remix de Elif de Zoe Reijue ‘Freedom is Within Us’ (AKASHA) ya está disponible.

Harabe Nightmares II [Compilado por Elif] sale el 19 de marzo en Harabe.

Elif 1. Albumes • Jacob Groening - Brace feat. Joy Tyson Tuve la oportunidad de escuchar previa• Squire - Hundred Falls (Luke Alessi Remix) mente el próximo álbum de Brigado Crew • Jamie Stevens - Filigrana (Original mix) en Stil Vor Talent, que saldrá en mayo y ¡es • Bantwanas - In Silence (Tim Engelhardt increíble!. El álbum está inspirado en soniRemix) dos de los 80 y tiene 16 tracks. Además, soy una gran fan del Artwork.

3. Libros Leo muchos libros. Últimamente he estado Yo misma compilé un VA para el sello tur- leyendo y emprendiendo el viaje experimenco Harabe llamado Harabe Nightmares II, tal de “El Proceso de Presencia” de Michael Compilado por Elif. Tiene 11 tracks, inclui- Brown. Es un libro que recomiendo a todos. da una colaboración mía con el próximo No estaba segura de si debería recomendar productor español Marat Mode. Me encan- 5 libros si ese es el caso, aquí está mi top 5 tan todos los tracks de la compilación y últimamente: estoy muy orgullosa de todos mis amigos • “El Proceso de Presencia” de Michael productores que participaron.

Brown 2. Tracks Me obsesiono con muchos tracks, este fue difícil de elegir para mí, pero aquí hay algunos con los que estoy obsesionada últimamente.

• Hidden Empire & Bebetta - All Of Us (Original Mix)

para productores de música electrónica” de Dennis DeSantis

4. Programas de TV Estos son los 5 mejores programas de Netflix de todos los tiempos: • • • • •

Rick y Morty Big Mouth Midnight Gospel Avatar The Good Place

5. Hobbies Me encanta el snowboard y el senderismo.

Practico yoga y últimamente también empecé a practicar yoga aéreo, que trabaja • “Nada Brahma - el mundo es sonido: la algunos músculos diferentes y proporciona música y el paisaje de la conciencia” de un estiramiento más profundo. Leo mucho y también soy una orgullosa mamá de planJoachim-Ernst Berendt • “La guía del autoestopista galáctico” de tas <3 Douglas Adams • “La escuela de la vida: una educación emocional” de Alain de Botton • “Hacer música: 74 estrategias creativas

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O F F

T H E

R E C O R D

Hacemos 5 preguntas a Sergio Parrado que poco nada tienen que ver con la electrónica…

*Back Too Late de Sergio Parrado, lanzamiento que celebra sus 25 años de carrera, está ya disponible escaneando el codigo QR

Sergio Parrado ¿Cuál fue tu última mentira y por qué?

Siempre intento ser lo más honesto posible, sobre todo a medida que pasan los años ya que de esta manera evitas muchos problemas, pero el otro día en el banco a las 12:30h, le dije a la chica que atendía que me era imposible ir de 9:30h a 11:30h a hacer un ingreso en ventanilla (a ver si colaba), pero no dio resultado. Y sí, me tocó volver en el horario que el banco nos estipula…

Eso que siempre has querido que te preguntaran y jamás te han preguntado…

No sabría decirte, lo que si sé, es que me gustaría hablar de la capacidad que tenemos los humanos de cambiar el mundo con pequeños gestos del día a día.

El momento más embarazoso de tu vida fue…

A todos nos pasan muchas cosas durante nuestra vida. Hace unos cuantos años viví un momento embarazoso a nivel personal que me hizo cambiar. Dejé el club que llevaba en mi ciudad, pensando que todo marcharía bien (¡iluso de mi!), y pasó todo lo contrario, entré en un bucle en el que todo me salía del revés y llegué a estar muy mal emocional y económicamente.

Recuerdo que hubo un mes en el que pagué el alquiler y ya no me quedaba más dinero con el que afrontar el resto de gastos. Me encontré 1 debajo del sofá y tuve que decidir entre si compraba comida o una caja de cigarros de 10 unidades. Naturalmente me decanté por la comida. Fue un bote de tomate y pasta. Ese momento tan embarazoso a nivel personal fue lo que me hizo cambiar el chip. De algún modo me puso las pilas de nuevo. “La vida glamurosa de lo artistas” tiene estas cosas.

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¿Qué no has robado, pero hubieras querido?

De niño hice gamberradas y robé algunas cosas (como la gran mayoría), a día de hoy es algo que no haría. Pero no te voy a engañar, sí me gustaría ser alguien como Robin Hood y dejar sin blanca a ciertos personajes de nuestra cultura popular que se hicieron ricos a base de corrupción y de robar a los demás. Que pudiesen vivir y sentir en sus propias carnes lo que es no tener dinero para llegar a fin de mes. Naturalmente, lo que se les robaría iría destinado a la gente que más lo necesita de verdad. ¿Si pudieras resucitar a alguien, a quién sería?

Esto lo tengo claro: a mi abuelo, a mis amigos del alma David Panero y Shito y a la mamá de mi mujer, que no la llegué a conocer.

F O C U S

O N

Autor: SERGIO PARRADO

Loot Recordings Kered es la mente detrás de Loot Recordings, el sello que os traemos este mes en FOCUS ON. Desde que arrancó en 2014 viene apostando por un sonido profundo, hipnótico y viajero que por momentos se aleja de las pistas de baile para ofrecernos un vuelo hacía

la estrellas. Loot es uno de esos sellos que cuando lo escuchas te sorprende por su frescura y su evolución. Este marzo nos subimos a la nave espacial, para dar un paseo musical por el cosmos.

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F O C U S

¿Cuál es el concepto y por qué Loot Recordings?

El concepto de Loot Recordings es muy sencillo y consiste en descubrir y publicar buena música de nuevos artistas y de nombres establecidos. ¿Por qué llamarlo Loot?

La inspiración para el nombre vino de un amigo mío que iba a crear una empresa de librerías de audio llamada Loot, que en realidad es tool al revés.

Me llamó la atención porque me atrajo inmediatamente el sonido crudo y duro de la calle. El no llegó a fundar la empresa, así que le pregunté si podía usar el nombre y me dijo que sí.

Loot, para nosotros, significa “la mercancía”. Y en este caso, la mercancía es toda la música que publicamos.

La industria musical se ha visto muy afectada por la pandemia, ¿la situación actual les ha hecho cambiar en algo la estrategia de lanzamiento de su sello?

No, nuestro calendario de lanzamientos no ha cambiado en absoluto durante la pandemia. Lo hemos pensado mucho y nos hemos preguntado si deberíamos hacer un stop, pero al final hemos decidido no hacerlo. El sonido de Loot Recordings puede disfrutarse en cualquier lugar: en largos viajes en coche, haciendo running o un paseo en bicicleta, siempre todo volumen en el equipo de música de tu casa o donde quiera que te guste perderte. ¿Es importante que los artistas desarrollen su propia marca o label en estos momentos?

Lo más importante para cualquier artista es trabajar duro y desarrollar su propio estilo y sonido. La marca, la imagen, las contrataciones y el glamour vendrán después. Si haces

O N

buena música, la gente adecuada se dará cuenta y las cosas empezarán a suceder. Demasiada gente intenta centrarse en la marca o en algún tipo de imagen para que las cosas sucedan rápidamente. Por supuesto que quieres parecer profesional, pero lo más importante es hacer buena música.

Apoyo a cualquier artista que esté interesado en crear su propio sello, pero siempre les aconsejo que estén preparados para trabajar duro. Dirigir un sello es un negocio y requiere paciencia y persistencia. Antes de poner en marcha Loot Recordings, había publicado música en otros sellos y me frustró la forma en que algunos de ellos gestionaban las cosas. Cosas como no recibir nunca ningún tipo de derechos de autor, la falta de promoción del lanzamiento o la falta de comunicación eran algunas de las cosas que me decepcionaban. Cuando fundé Loot Recordings me comprometí a hacer las cosas de forma profesional y diferente. ¿Cuáles son los planes de futuro cercanos para Loot? ¿Y cuáles son tus planes personales?

El futuro es seguir lanzando música de nuestra familia: Yoni Yarchi, Silence Path, Daniel van der Zwaag y otros.

También hemos empezado a trabajar con algunos nuevos artistas uy estamos deseando publicar sus trabajos este año. Estamos especialmente emocionados por trabajar con Lucefora y Ebrahimi, por nombrar algunos.

Hemos empezado un nuevo podcast mensual en 2021 y vamos a hacer algunas transmisiones en directo desde el sello. Una vez que la vida vuelva a la normalidad, nuestros planes son volver a los clubes y hacer algunos “showcases” de Loot Recordings.

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A nivel personales para este año es seguir pasando más tiempo al aire libre y en la naturaleza, así como pasar todo el tiempo que pueda con mis amigos, familia y mis seres queridos.

También estoy pasando más tiempo en el estudio haciendo música, lo cual es genial. A pesar de lo difícil que es la pandemia, también me ha permitido restablecer, reducir la velocidad y volver a conectar conmigo mismo y con las cosas importantes de la vida.

Creo que una vez que las cosas vuelvan a la normalidad tendremos una perspectiva diferente y apreciaremos las cosas de otra manera.

Si pudieras viajar a otra época (musicalmente hablando), ¿dónde irías y por qué?

El apogeo de la era de la música disco en Nueva York durante los años 70 y principios de los 80 debió ser una época mágica. Clubes como The Gallery con Nicky Siano y el Paradise Garage con Larry Levan. Y, por supuesto, el Warehouse con Frankie Knuckles y Ron Hardy en The Music Box de Chicago. ¡Debió de ser increíble! ¿Qué te gustaría destacar de la escena actual? Artistas o sellos que crees que debemos seguir de cerca...

Por supuesto. He mencionado a amigos como Yoni Yarchi, Daniel van der Zwaag y Silence Path, pero también hay que seguir de cerca nombres como Jesse Trinidad, Krissky, Lucefora y Ebrahimi. Viktop. También está haciendo grandes cosas Joe Miller, Nodo y Mule (Arg). Admiro mucho al sello Innervisions por su empeño en ir más allá de los límites y descubrir también nuevos nombres. Everything Will Be OK es un sello más reciente que también está haciendo cosas buenas.

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T R A C K S

Preguntamos a Ahl Iver por los 5 Tracks que más le han influenciado

1.

2.

Builder

Tr u s s

Her Voice (Headhunterz remix) (Dance Pollution)

Beacon (Our Circula Sound)

Antes de meterme en el techno era un gran fan del hardstyle, y este continúa siendo uno de mis temas favoritos de hardstyle. El género todavía tiene gran influencia en mí como artista y a menudo podéis escuchar algunos elementos en mis tracks. De vez en cuando incluso pongo un estilo duro de la vieja escuela en mis sets.

Este es uno de los tracks que puse en mi primera lista de reproducción cuando descubrí el techno.

Recuerdo escucharlo por primera vez y quedarme muy intrigado porque era algo que nunca había escuchado antes. Ese fue también el momento exacto en el que supe que quería profundizar en el género. Sigo pensando que es una auténtica obra maestra.

3.

Ahl Iver 4.

5.

DVS1

I Hate Models

Goose

Black Russian (Klockworks)

Daydream (Arts)

Synrise (Studio !K7)

Recuerdo cuando compré mi primer DJ controller con mi amigo.

Siempre estábamos practicando juntos y este era uno de los tracks que pinchábamos siempre. Cuando salimos juntos por primera vez, este también estaba en la lista de reproducción. No hay nada más techno para mí que este track, y todavía me gusta pincharlo de vez en cuando en sets de warm up.

Este es el track más reciente de los cinco y, probablemente, el que más me influencia todavía. Cuando salió y lo escuché por primera vez me sorprendió mucho. Fue rápido, duro y profundo y ese fue el momento en el que me di cuenta de que quería ir en esa dirección. A partir de entonces comencé a producir y a pinchar más duro.

Este track de Goose fue un gran éxito en Bélgica cuando tenía unos 11 años. Es por esta melodía que cogí interés por la música electrónica y especialmente por la música influenciada por el trance. Creo que continúa siendo un track perfecto para cerrar cualquier noche.

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E L E C T R O N I C A

&

R O L L

Autor: SERGIO BIFEIS

Estrella La noche del 29 al 30 de enero nos dejó una inesperada noticia que conmocionó a prácticamente la totalidad de la escena electrónica por el fallecimiento de la DJ y productora escocesa Sophie Xeon, conocida popularmente como SOPHIE. El fatal y repentino desenlace ocurrió en su casa en Atenas, debido a un accidente doméstico que involucró una caída al vacío, desde el balcón, tras resbalarse al intentar ver la luna llena que lucía esa noche en el cielo; según confirmó el sello Transgressive.

XCX, Madonna, Let’s Eat Grandma, Vincent Staples, Flume o Vampire Weekend.

La creatividad y el ingenio de sus producciones a su vez se acompañaba de un mensaje que abogaba por la visibilidad trans y la liberación, aunque al comienzo de su carrera su figura fuera más como un ente abstracto que no mostraba su cara.

Y lo hacía mediante una sensibilidad llena de color a través de las diversas capas que siempre ha utilizado en su música.

La figura de SOPHIE y su sonido la convirtieron en una de las productoras más destacadas de la pasada década por la originalidad de su sonido, su aura de icono, sus performances y su forma de activismo viendo lo trans como algo espiritual que influenciaba su vida personal, estética y creativa. Algo que reflejaba en sus trabajos desde sus primeros lanzamientos en Numbers como su single ‘Bipp’, que este mismo año fue remezclado por unas leyendas del IDM como son Autechre.

fue con el lanzamiento de su álbum debut ‘Oil Of Every Pearl’s Un-Insides’ en 2018 a través de MSMSMSM. Un disco de marcada identidad transgénero en el que la artista se abría en canal en un torrente creativo tan destacado que le valió una nominación a los Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Dance/Electrónica de aquél año. Su balada ‘It’s Okay to Cry’ tiene una fuerza y emotividad a flor de piel y su pelotazo ‘Ponyboy’ atestiguan el poderío que estilaba.

Los últimos trabajos que nos deja fueron el track que firmó junto a Juliana Huxtable como la formación Analemma en la compilación Locus Error de , el sello de Nina Kraviz, el año pasado; y su último single ‘Unisil’ editado en enero en Numbers. A falta de que vea la luz material a título póstumo, la sensación general es que esta productora y cantante nos deja demasiado pronto con una carrera que estaba en plena expansión. Una estrella no tan fugaz que brilló con fuerza en el Pero la gran eclosión de la de Glasgow firmamento musical.

Algo que le llevó a producir a artistas mu- como icono genuino, con un reconocicho más mainstream de la talla de Charli miento unánime entre crítica y público, Si a algo se le reconoce a SOPHIE es ser una pionera de un nuevo sonido que apareció con la denominada generación y colectivo PC Music, siendo una de sus representantes más reconocibles y el puntal más destacado que evolucionó más allá de ese estilo, creando su propio discurso con un avant pop cargado de carisma.

Un aura especial que conquistaba gracias a su energía y una música honesta en la que desnudaba su alma.

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C O C I N A M O S

C O N

Bellaire

INGREDIENTES PARA 30 CREPES 750 ml de leche 250 de harina 6 huevos 70 g de azúcar 75 g de mantequilla

CREPES FRANCESES ¡Los crepes son muy especiales para los franceses! Celebramos esta receta durante lo que llamamos la época del «chandeleur», en febrero de cada año.

Tenía muchas ganas de enseñaros esta receta, ya que es muy fácil de hacer y genial para disfrutar con amigos en una tarde soleada.

Pon los 250 g de harina en un recipiente Añade 750 ml de leche y mézclalo todo grande, luego añade 70 g de azúcar junto hasta conseguir la mezcla suave y homogénea propia de crepes. con una pizca de sal.

Mézclalo todo hasta hacer un pequeño Déjalo reposar unos 30 minutos, o ponte volcán en el medio de la mezcla, añade a cocinar los crepes de inmediato en una todos los huevos y remueve firmemente. sartén plana caliente previamente engrasada con un poco de aceite. ¡Y a disfrutar!

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L U C K Y

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Autor: REDACCIÓN

*Ferry Corsten acaba de publicar ‘High On You’ junto a Maria Marcus. Escanea el QR para escucharlo.

Ferr y Corsten ¿Cuál es el track que te recuerda a tu infancia?

Paul Hardcastle ‘Nineteen’

¿Cuál es el track que garantiza que te hará llorar?

Jon Hopkins “Feel First Life”

¡Estoy orgulloso de haber conservado todos los lanzamientos en vinilo de este sello!

¿Cuál fue el primer disco que compraste?

Full Force “¡Alice, I want you just for me!”

¿Qué álbum te gusta más actualmente?

Olafur Arnalds ‘Some kind of Peace’

¿Cuál es el disco más cursi de tu colección?

No puedo creer que vaya a decir esto, pero el año pasado cambié mi estudio y borré más de 2000 discos que recibí o compré por capricho... solo quedan los mejores... ¡así que no puedo recordar cual es el disco más cursi!

¿Cuál es el disco que más atesoras de tu colección?

Mi sello Tsunami LP series. Antes de Flashover Recordings tenía un sello discográfico llamado Tsunami. Aquí es donde hice grandes avances y en los clubes la música se pinchaba en vinilo en aquellos tiempos.

¿Cuál es tu track favorito de todos los tiempos? ¿En serio? Es muy difícil para mí responder esto. Por ejemplo, ahora que mi single “Rock Your Body Rock” se relanza, lo estoy escuchando de nuevo y me encanta el track... y será la misma historia con el próximo single.

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C I U D A D

Le preguntamos a Simon Doty por lo que hace a su ciudad especial…

Simon Doty

Fotografía: CHANÉ NEVELING

* Simon Doty ‘The Beacon’ ya está disponible en Knee Deep In Sound. Consíguelo aquí.

CALGARY ALBERTA, CANADÁ

DÓNDE PINCHO Habitat Living Sound nightclub

mación de mi sonido y estilo como DJ y productor, y me siento como si estuviera en “la cancha de casa” cuando pincho allí Habitat Living Sound ha estado abierto entre amigos dos veces al año durante mi en Calgary durante 12 años y desde su residencia. Si vienes a Calgary, ¡definitiapertura ha sido un elemento básico en vamente deberías echarle un vistazo! la escena dance del oeste de Canadá.

Pinché aquí en 2010 por primera vez y he QUÉ LUGAR EN LA CIUDAD pasado innumerables noches pinchando 17th Ave tras los platos, pasando el rato y escuchando a DJs de todo el mundo pinchar Tradicionalmente, 17th Ave ha sido uno en este pequeño e íntimo lugar. DJs como de los lugares más modernos y concurriNick Warren, Jody Wisternoff, Eelke Klei- dos de Calgary. Es una calle larga y recta jn, Jeremy Olander y muchos más vienen cerca del centro que tiene docenas de de vez en cuando solo para pinchar aquí. bares, restaurantes y tiendas a ambos Habitat ha sido fundamental en la for- lados. 17th Ave se hizo famosa cuando

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nuestro equipo de hockey (The Calgary Flames) llegó a las finales de la Copa Stanley en 2004. Antes, durante y después de los juegos de Flames, 17th Ave estaba completamente llena de fans vestidos de rojo, cosa que hizo que se ganara el apodo de “The Red Mile ” para los fans.

Una de mis cosas favoritas para hacer en un fin de semana es caminar arriba y abajo de la 17th Ave y hacer una parada en algunos de los bares para tomar una o dos copas. Hay un montón de bares y restaurantes geniales, así que si estás en la ciudad y buscas estar entre el mogollón, ¡este es un gran lugar para comenzar!

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DÓNDE ME RELAJO En las montañas Vivir en Calgary significa vivir junto a las Montañas Rocosas. En un viaje corto de 30 minutos puedes plantarte en las montañas para hacer una caminata o una amplia gama de actividades de invierno como esquiar o hacer snowboard, conducir motos de nieve, cazar o simplemente relajarte en uno de los diversos complejos turísticos. Ser DJ significa que vives un estilo de vida agitado y, naturalmente, necesitas equilibrar eso con algo más relajante. He descubierto que el senderismo en las montañas es una

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chas locales hasta animar al único equipo de la NBA de Canadá, los Raptors. Calgary tiene algunas canchas de baloncesto geniales al aire libre, pero mi favorita es The Bounce en East Village. La cancha se ha decorado con arte y grafitis increíbles, y en verano puedes encontrarte con algunos de los mejores jugadores de la ciudad.

Todavía me encanta competir, así que para DÓNDE SUDO mí no hay nada mejor que pasar un caluroThe Bounce - East Village so día de verano en las canchas. ¿Alguien Crecí jugando al baloncesto durante casi quiere desafiarme a un 1 contra 1? toda mi vida; recibí una beca para jugar al baloncesto en la Universidad y continúa siendo una parte muy importante de mi vida, desde mantenerme activo en las canmanera increíble de relajarse y liberarse de todas las presiones del negocio de la música. Banff también está muy cerca y es mundialmente conocido como un destino turístico para las personas que vienen a experimentar las Montañas Rocosas.

T E N D E N C I A S Autor: REDACCIÓN

Supreme x Akai EL MPC LIVE II SE RE-IMAGINA

Supreme anunció el pasado mes de febrero una colaboración inédita con la tecnológica AKAI, para lanzar una nueva versión de su sampler MPC Live II. Se trata de una acción que forma parte de la colección SS21 de Supreme, que salió a la venta el pasado 18 de febrero. La icónica firma de moda ha rediseñado esta mítica pieza de hardware, que cuenta con 16 pads RGB sensibles a la velocidad, pantalla multitáctil de 7”, altavoces incorporados y monitores de estudio estéreo.

El sampler AKAI MPC Live II es uno de los dispositivos más importantes de la historia de la música electrónica, además de ser inherente a la historia del hip hop y del sampling en general, con cientos de miles de productores tomando “prestadas” viejas melodías para crear nuevos tracks.

Y es que este nuevo lanzamiento de Supreme gira alrededor del hip hop, ya que también ha presentado una

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camiseta con la imagen del legendario Notorious B.I.G, además de una camiseta con el arte de “H.N.I.C”, álbum de Prodigy, uno de los miembros de la agrupación Mobb Deep.

ppo, una nevera, un paraguas y otros objetos como mochilas, bandoleras, bandanas, sprays, bates de béisbol, termos, cadenas, pulseras, zapatillas y tablas, ruedas y ejes de skate.

Esta no es la primera vez que la marca se mete con el mundo de la música electrónica, el hip hop y la cultura urbana. En 2020, ya colaboraron con Numark para presentar un giradiscos conmemorativo. En 2018 también publicaron algunos modelos de ropa inspirados en el británico Aphex Twin.

Consulta la colección completa de Supreme escaneando este código QR:

En esta nueva colección, además, hay una gran variedad de artículos diferentes que incluyen un mechero Zi-

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Le preguntamos a Montoya sobre su proceso creativo a la hora de producir…

Montoya El proceso creativo es algo que está en continuo cambio. A raíz de mi experiencia, me he dado cuenta de que cada canción tiene su propio destino, si puedo decirlo así. Hay varias cosas que hacen que cada track sea diferente -como, por ejemplo, el ambiente que te rodea-, me he dado cuenta (sobre todo este último año) de que el ambiente es fundamental, ya que es capaz de inspirarte o bloquearte a partes iguales. Un claro ejemplo; cuando empezó esta pandemia mundial, yo quería componer, hacer algo, sentirme útil en un momento tan especial, pero lo que producía no tenía sentido musicalmente, no lograba concentrarme ni aislarme de lo que pasaba, así que tuve que esperar a que llegara la primavera para poder empezar a construir algo con lo que mi sentido del gusto me dijera: “por aquí es”… De esta manera empiezas a entender cómo funciona tu creatividad, que para mí es ese momen-

to de conexión en el que te alimentas de lo que pasa alrededor y logras conectarte contigo mismo, cosa que, desgraciadamente, no siempre es fácil de vivir y por eso es tan especial, porque es extraño.

Cada canción tiene su historia, están esas que se producen en 2 horas y otras que tardan meses en estar listas. “Otun”, la canción homónima de mi último álbum, es un mix de esos dos momentos de creación. Cuando la empecé, el factor inspirador fue un sample de una tribu de Namibia que escuché y me dejó diciendo “what?!”. Empecé a construir la parte armónica y rítmica alrededor de este sample y el track prácticamente se convirtió en el tema que marcó la pauta para los demás.

El tema ya estaba mezclado y masterizado cuando me pregunté: “y este sample… ¿lo puedo usar?”, y

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*OTUN (Remixes) de Montoya, con versiones de DJ Raff o Clap Clap!, está ya disponible en ZZK Records, de Nicola Cruz. Escanéa el QR para más.

en ese momento decidí contactar con Nidia Góngora, la reencarnación de lo que esa voz me había trasmitido. Le escribí y lo primero que me dijo Nidia es que tenía que encontrar la conexión con el tema, que esa era la cosa más importante, la manera que ella tenía de relacionarse con las colaboraciones,… y en ese momento empecé a encender velas y a rezarle a Santos que no existen para que le gustara el tema. Al cabo de tres días me respondió y me dijo: “Jhon, ¿de qué quieres que hable en la canción?”, yo feliz le dije: “de la naturaleza, de los espíritus que viven en esa maravillosa zona de la Colombia que es el pacífico”, y así ella me respondió que le gustaría hablar de los alabaos, de los rituales que acompañan las fiestas fúnebres en esa determinada zona del país, y yo no dudé dos veces en decirle “¡claro! me encanta”.

Varios días después me llegaron las voces con los coros, empecé a editar todo el material y ahí empecé a sentir la fuerza del tema que estaba naciendo.

Recuerdo que fue una mañana de agosto del 2018, le dediqué dos horas y el tema estaba listo. Cuando trabajas con material así de precioso, todo fluye y se vuelve “fácil”. “Otun” se convirtió en lo que yo quería que el álbum fuera: un mix de folclore, misticismo, contemporaneidad y sonido. El proceso creativo suele ser impredecible y trabajo siempre para que así sea, inesperado, de manera que siempre me parezca difícil encontrar esa estructura o receta que haría mi música predecible o repetitiva.

De esta misma manera -impredecible- es el remix que mi amigo Baiuca ha hecho a “Otun”, track que forma parte del álbum de remixes de mi álbum “Otun”, y que saldrá en los próximos días en el sello ZZK Records.

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KALI (COMO L AS GREC AS, GAMEBOYZ, LUIS V PR)

Prólogo H E RRAM I EN TA S PA R A A R T IS TA S Me apetece mucho escribir sobre las diferentes herramientas que uso para promocionar o publicitar desde los diferentes perfiles profesionales y artísticos que manejo. Es por eso que durante los próximos meses enfocaré la primera página para reflexionar y opinar sobre

las diferentes maneras en las que actualmente nuestra industria musical electrónica se desenvuelve dentro del mundo de la promoción y la publicidad. Un mundo verdaderamente underground, fascinante, tecnológico y creativo. Intentaré mostrar algunos de los últimos

entresijos de los que disponemos tod@s para que toda esta información sirva tanto de guía, conocimientos técnicos o simplemente, conocimientos prácticos y muchas veces creativos.

M U SIC C U R AT O R S

Este término, que ha sido principalmente introducido por las plataformas de streaming como Spotify o TIDAL, implica una nueva destreza, algo “compleja”, por parte del profesional; y por otro lado, también le abre las puertas a cualquier consumidor de música, como es el caso de los influencers, a que personas de cualquier lugar del mundo (a través de la curación musical) se les ofrezca el privilegio de seleccionar las canciones que pueden estar en las mejores listas de reproducción de cualquier plataforma: Spotify, Bandcamp, Soundcloud, TIDAL, Deezer… pero no solo para estas plataformas, que sirven para las masas con-

sumidoras de música. También están las plataformas especializadas, desde Beatport a Wax Rexords, pasando por Phonica, Decks, whypeopledance… ¿De qué manera pensáis que estas plataformas ponen en portada un disco u otro? ¿Por qué ese y no otro? ¿Cómo contactar con esa persona?

Para que me entiendan, una lista curada de Bestsellers, es simple, se eligen las canciones que más se venden y se ponen en una lista en el orden de los más vendidos a los que menos. Pero, ¿porqué se elige una canción para que forme parte, entre las millones de canciones que se

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lanzan al día, para estar en una de las portadas de una webstore como Juno? ¿O para que whypeopledance incluya tu lanzamiento en su newlsetter semanal?... Este entramado es gracias a los Curadores Musicales, así que la clave es conocerlos.

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Al tanto de...

F RI EN D S O F H A N N ES EMERALD & DOREEN

Emerald & Doreen es un sello discográfico con sede en Alemania dirigido por The Robots Scientists, un veterano dúo de electrónica formado por los productores Markus Scheneider y Stefan Maurer, dueños de los famosos podcast Something Spaecial además de los A&R de Emerald. En su continua apuesta por la diversidad musical, siempre en un mercado underground y sobretodo dirigido a los DJs, el sello goza de más de cuatrocientas referencias lanzadas al mercado desde sus comienzos en el 2011. Ahora anuncian el lanzamiento de una nueva formación alemana llamada Friends of Hannes.

Friends of Hannes son una pareja de nóveles productores alemanes cuya mayor influencia es el universo cósmico que comprenden algunos productores del folklore alemán como Bahnwärter Thiel. Con apenas dos referencias en otros sellos, como Neele Records o Sound from Earth, los chicos Peter Nagy y Max Kraus debutaron apenas hace unos días con su nuevo EP titulado Reaktor. Un EP compuesto por seis tracks de corte disco con toques synthwave retrofuturista y muy sintéticos. De los seis tracks están los originales mas un remix a cada uno de los productores Ludviq, Rad.Lez y The Robots Scientists.

Reaktor EP te demostrará que existen muchos artistas que comienzan una carrera que, independientemente de si será fructífera o no, se diferencia del resto en la parte musical. De los remixes destacar la bomba realizada por The Robots Scientists, en la que el muro de sonido realizados a base sintes electro y techno consiguen darle al EP el toque de baile necesario.

TRACKLIST 1. Friends of Hannes – Eternity 2. Friends of Hannes – Bolzing Through 3. Friends of Hannes – Reaktor 4. Friends of Hannes – Reaktor (The Robot Scientists Remix) 5. Friends of Hannes – Bolzing Through (Ludviq remix) 6. Friends of Hannes – Eternity (Rad.Lez Remix)

J O E LEWA NDOW S K I ORDINARY THINGS & OTHER PROBLEMS Amsem Records El sello parisino Amsem Records se enorgullece en presentar su último lanzamiento titulado Ordinary Things & Other Problems. Viene de la mano del productor también francés, concretamente de París, Joe Lewandowski.

A Joe ya le teníamos fichado por sus edits, colaboraciones u otras referencias en sellos como Skylax Records, Chikyu-u Records o Deep & Roll, y ahora vuelve de nuevo a Amsem.

Y lo consigue dándole un vuelco mas sintético al EP compuesto de cuatro originales. Ya en el original Storm Eyes escuchamos un sonido

rigido al público que quiere bailar en un club a altas horas de la madrugada… Os dejo para que lo escuchéis en el código QR que veréis a continuación…. mucho mas electro, canalla y oscuro, nada que ver con sus anterior lanzamiento en Amsem.

Rozando el ácido y el techno slow en otros de los originales como Regazzi, aquí notamos una claro enfoque siniestro y transgresor di-

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TRACKLIST 1. Joe Lewandowski – Storm Eyes 2. Joe Lewandowski – Regazzi 3. Joe Lewandowski – Bitter Sweet 4. Joe Lewandowski – Kingdom of God

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VARIOUS AR T I S T THE BEST REMIXES OF GOLDEN SOUL Golden Soul

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El vinilo saldrá la venta el 12 de marzo a través de las webstores generales y de la Bandcamp del sello. Lo puedes ir catando en el código QR que te dejamos aquí mismo. Solo 200 Copias.

TRACKLIST El sello dirigido por el extremeño James Rod tiene preparada su primera referencia en vinilo para este mes de marzo. Será un VVAA que recopilará los mejores remixes de la etiqueta durante estos últimos años, dándole prioridad en esta ocasión a los remixes que hicieron los productores nacionales Azaria, Aleito, el noruego Jarle B y el mismo extremeño James Rod.

1. Javier Busto - Robot in Mars (James Rod cosmic vocal darkness remix) 2. From Beyond - Body Resonance (Aleito remix) 3. Tiempo de Maldad - Disco Gold (Azaria remix) 4. Aleito - Always Here (Jarle Brathen remix)

Me cautivan...

A LVA RO C ABAN A NO S H AB L A D E SU P RÓ X IM A R EM EZ C L A PA R A FLX X X SIDE UP WORK

Alvaro Cabana es uno de los productores y DJs nacionales mas experimentados y en plena forma. Label owner de Rotten City Files, junto a Azaria, se acaban de cascar el próximo remix para los mexicanos FLXXX al original Landing Slowly que editarán el próximo 11 de marzo. Nos acercamos para preguntarle acerca de este remix y de algunas cosas interesantes… Os recuerdo que en el código QR podéis escuchar el disco entero.

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Cuéntanos Álvaro ¿Qué has estado haciendo el último 2020 con toda la que nos ha caído? Proyectos, streamings, noticias sobre tu sello… ¡Hola! Este 2020 ha sido un año extraño para todos sin duda. Los que nos dedicábamos en gran parte a poner música hemos visto como debíamos reinventarnos de alguna manera. En mi caso, he aprovechado para focalizarme más en la producción y por supuesto, en seguir cerrando lanzamientos de diferentes artistas en Rotten City, sello

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que dirijo desde 2015. También ha realizado alguna sesión en streaming, aunque como anteriormente he dicho, en mi caso ha sido un año más de encerrarme en mi estudio a solas o en el de compañeros con los que colaboro como Azaria o Silicodisco.

En breve saldrá un EP mío en Pets, un tema original junto con Silicodiso en Ombra y otro remix junto a él en Playground. ¿Qué nos puedes contar acerca de tu remix? Cuéntanos un poco como lo hiciste…

La verdad que fue divertido y bastante fluido, aunque tuvo varios giros antes de que tanto Carlos (Azaria) como yo, nos quedáramos contentos con el resultado.

El original es bastante bajo de velocidad y profundo, así que decidimos darle un enfoque más para la pista de baile (aunque por el momento no se pueda disfrutar en ese tipo de lugares). Elegimos las pistas del original que nos gustaban, subimos los

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BPMs, añadimos un golpe un poco “New Beat”, arpegios y sonidos chiflados de alma techno para darle un toque más “psicodélico” y de club. ¿Como se conseguís poneros de acuerdo? ¿Os juntáis? ¿Lo haces de manera online?

Con Azaria siempre nos juntamos en Rec Division, su estudio de la Plaza de los Mostenses nº 1 en Madrid. Algunas veces llevo proyectos con ideas empezadas, aunque en este caso lo comenzamos allí desde cero.

Como un sello como This Side Up se pone en contacto contigo, ¿es la primera que editas en el sello?

Diego Montiel, al que conozco desde hace un tiempo y con el que he tenido el placer de poner música en This Side UP, hace un par años (junto con Curses, Damon Jee y Zombies In Miami en una noche del sello

Critical Monday) se puso en contacto conmigo ofreciéndome colaborar como remixer por primera vez para su sello. Como justo en ese momento estaba haciendo varias cosas con Azaria y me resulta muy fácil trabajar con él, le comenté la idea de hacerlo juntos y le gustó, así que aquí está el resultado.

Para finalizar, dinos cuáles son los lanzamientos que más te gustan de This Side Up, haznos unas recomendaciones para los lectores…

Recomendaría sin duda los siguientes (sin orden de preferencia) • • •

Moderna y Theus Mago - Pesos Not Besos Fiberroot - Hongo Funk Moderna y Theus Mago - Pesos Not Besos (Remixes)

KOLDA R IT´S NOT OVER Electric Ray Its Not Over es el título del nuevo trabajo de este joven productor. Koldar es un artista de la enorme escena londinense, que rápidamente ha sido apoyado por una importante selección de profesionales de la industria y en muy poco tiempo. Nombres como Annie Nightingale, James Zabiela o Danny Howard son solo algunos de ellos, así nos lo expresaba… Además es dueño del sello discográfico Foreign Language Records, desde el que lanza otras interesantes referencias…

En esta ocasión Koldar ha producido un EP de dos originales de tintes breaks noventeros y electrosos para otra de sus etiquetas, Elec-

tric Ray. Funk en los beats que nos recuerdan a la época dorada del Nu Skool… It´s Not Over se completa con un segundo original titulado In Love, en el que los sonidos cambian al sonido guetto house, ravetero e inglés hasta la médula…

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TRACKLIST 1. Electric Ray - Koldar - It’s Not Over (Original) 2. Electric Ray - Koldar - In Love (Original)

U N A N U E VA ESTRELLA EN LA ELECTRÓNICA

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Autor: EDUARDO P. WAASDORP Foto de portada: @villedepluie Foto Amanecer en Montreal: PHILIP ROULEAU Fotos en el Desierto Blanco de Egipto: CERCLE Resto de fotos: @lensflaresmith

El pasado mes de diciembre le conocimos. Este mes de marzo, tuvimos que traerle a nuestra portada. Hablamos de Ash, uno de los artistas más interesantes que ha pasado por nuestra portada en los últimos años. interesante por muchos motivos. No solo su música está compuesta por un genio, sino que Ash representa lo mejor de la nueva generación de artistas que se guisan y se comen, ellos solos, su propia carrera, auto gestionando y aprendiendo todos los entresijos necesarios para tener éxito en la complicada industria musical.

Seguiríamos hablando, presentándolo y diciendo que es un multi-instrumentista rabiosamente joven (24 años), que tiene más de 500 millones de escuchas en Spotify, 10 millones de visionados en alguno de sus videos en YouTube, que acaba de hacer un Cercle Stories en un sitio súper emblemático de Egipto (su país natal)…

Pero mejor os dejamos que lo conozcáis vosotros mismos. Estamos, sin duda, ante una de las próximas grandes estrellas de nuestra escena. Juzgad vosotros… ¡Música, maestro!

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¡Muy buenas Ash! ¡Un placer tenerte de nuevo en la revista! ¡Y más todavía que seas nuestra portada! Cuéntanos, ¿cómo estás? ¿Cómo va tu 2021?

La cosa ha empezado bien, aunque seguimos sin salir mucho de casa en Montreal. Las cosas no van demasiado bien aquí, aunque la incidencia ha bajado mucho desde hace dos semanas, que estábamos casi en 1500 casos diarios. Esperemos que siga bajando, a niveles de verano, cuando apenas hubo contagios.

Entonces abrieron los restaurantes y la vida volvió a parecer medio normal. ¿Cómo lo has pasado tú, emocional y anímicamente?

Ha sido muy agotador para todo el mundo. Llevamos un año en esto y ya es demasiado. Imagino que para vosotros como publicación también lo ha sido, como para nosotros, los artistas… Sin actuaciones, sin nada que poder hacer. Sin duda eso ha sido lo más duro – a nivel profesional y mental –. No es fácil hacer música y ser creativo en estas circunstancias, porque para eso uno tiene que vivir. Además, necesitas el feedback humano. Incluso a la hora de publicar un track, yo en mis bolos probaba muchas cosas que luego acababa publicando. Ahora no puedes hacer eso.

Metiéndonos de lleno en materia, ya te tuvimos en diciembre con una breve entrevista en la revista, y ahora queremos presentarte con mayor profundidad a nuestros lectores. Eres multi-instrumentista, tus raíces son muy interesantes… Naciste en El Cairo, Egipto, ¿no es así?

Sí, es así. Nací y crecí allí. Estuve viviendo allí casi toda mi infancia y adolescencia, estudié en el Colegio Francés de El Cairo

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– mis padres son egipcios, pero vivieron muchos años en París, antes de que yo naciera, en 1996 –, por lo que mi conexión con la cultura francesa es muy fuerte…

O sea que, a nivel musical, tuviste una influencia de la música francesa también…

Sí, mientras crecía en mi casa se escuchaba mucha música en francés, pero también música tradicional y local egipcia. Fue una mezcla muy interesante, a pesar de que ninguno de mis padres se ha dedicado a la música, siempre fue algo que estuvo muy presente en nuestras vidas. De hecho, mi hermano tocaba el piano. Así fue como yo también empecé a tocarlo… ¿Estudiaste piano?

No exactamente. Mi hermano es 10 años mayor que yo y cuando yo tenía como 5 años, lo veía tocar y quise hacer lo mismo. Su profesor de piano empezó a darme clases a mí también. Lo gracioso de todo esto es que cuando mi hermano se fue de Egipto a estudiar en Francia, yo ya tenía un profesor de piano diferente, y este le dijo a mis padres que no quería seguir dándome clases, porque yo era muy malo y no tenía futuro en la música (risas).

Que mi mente no era musical (risas). Que era alguien que jamás podría aprender a tocar bien (risas). Así que cuando él dejó de darme clases, yo empecé a aprender de forma autodidacta, especialmente viendo videos de YouTube y con las clases de música en el Colegio Francés. También hice un examen para pianistas, el Trinity, durante unos años, aunque lo dejé porque quería irme por avenidas más creativas y este examen era demasiado clásico. ¿Y cómo vino ese contacto con la electrónica? Al ser del 96 casi naciste en la era en la que la electrónica ya había llegado a los grandes formatos…

Exacto. Yo crecí escuchando mucho trance, principalmente por las melodías y porque era lo más comercial que había en esa época. Siempre me fijaba en Armin Van Buuren, ATB o Dash Berlin, ya que todos ellos tenían mucha presencia de melodías de piano en sus composiciones. Todos ellos me inspiraron para empezar a crear música electrónica. Aunque lo primero que aprendí fue a pinchar, con unos 13 años… ¿Cómo aprendiste?

(Risas) Me bajé el Virtual DJ a mi ordenador. Creo que muchos hemos empezado haciendo eso. Las mezclas eran malísimas (risas), pero así fue como empecé a entender lo que son los bpm, el pitch y toda la teoría y la técnica. Luego me di cuenta que pinchar no era suficiente, porque ante todo yo era pianista. Así fue como empecé a descubrir lo que era FL Studio, Ableton, Reason y todos los software de producción. Un día me compré Ableton, descubriendo cómo funcionaba y viendo tutoriales de YouTube.

Mucha gente subía sus proyectos de remixes no oficiales de canciones famosas de Avicii o Calvin Harris, y yo me los bajaba y me fijaba en sus estructuras, en cómo están dispuestos los sonidos, tracks, etc. Así fue como aprendí, a base de YouTube.

Pero de ahí a convertirte en multi-instrumentista hay un gran paso…

En efecto. Eso fue algo que fue creciendo. Al principio solo tocaba el piano y sabía producir lo básico. A raíz de eso me compré una teclado MIDI para controlar Ableton y poder tocar las cosas allí. Pero cada vez que quería añadir un sonido de guitarra,

saxofón o un sonido real, orgánico, de un instrumento real, nunca encontraba un plugin bueno, que sonase a algo real. Por eso decidí que en vez de buscarme un plugin, iba a aprender a tocar el instrumento (risas). Me compré una guitarra, empecé a verme…

Déjame adivinar: ¡Tutoriales de YouTube!

Exacto (risas). Así aprendí a tocar la guitarra y cuando supe lo suficiente, empecé a grabar los sonidos de guitarra de mis tracks yo mismo. Y cuando quise añadir un sonido de viento – de saxofón en este caso – a mis tracks, me compré un saxo y aprendí a tocarlo viendo más tutoriales. Al final se convirtió casi en una obsesión: cada vez que quiero poner un sonido de algo en mis tracks, aprendo a tocar el instrumento y acabo haciéndolo yo todo (risas).

En verdad sabiendo tocar el piano, que es sumamente difícil, el resto de instrumentos van más rodados, ¿no?…

Sí. El piano ha sido como la base para poder aprender a tocar todos los otros instrumentos. Cuando conoces el piano, las escalas, el solfeo y cómo funciona la teoría musical, el resto es solo dominar la técnica particular de cada instrumento. Por ejemplo, me encantaría aprender a tocar el violín, pero es cierto que ese en particular sí que hay que llevarlo tocando desde la infancia, para tener la fuerza y los reflejos necesarios en los dedos para poder dominarlo. Parece un poco intimidante, la verdad. Pero creo que la mayor parte de los instrumentos son fáciles de aprender, una vez sabes tocar el piano. ¡Lo dices como si fuera coser y cantar! (Risas). Viendo tus videos, realmente lo haces parecer muy fácil, el cambiar

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de instrumento como quien toca botones en una controladora… Y lo más paradójico es que casi dejas la música de lado por otra profesión más de traje y corbata… De hecho, ¡fuiste becario del Primer Ministro de Canadá, Justin Trudeau! ¡Cuéntanos esa historia! ¡Sí! (Risas). En verdad la música siempre ha sido mi pasión, mi sueño… pero fue siempre un hobby. Pero cuando acabé el bachillerato en el Colegio Francés, en El Cairo, empecé a solicitar plaza en diferentes universidades, la mayoría en Francia, pero también en Montreal. Al final me decidí por Montreal porque mis mejores amigos se iban a mudar aquí (risas) y quería estar con ellos. Creo que fue una decisión acertada, porque más allá de que me permitió estudiar Ciencias Políticas y Económicas, también me permitió tener mucho tiempo libre para hacer música, porque tenía pocas horas de clase al día. ¿Cómo fue a partir de ahí?

Los años siguientes fueron más para pulir esas ideas y empecé a publicar mi música en SoundCloud. En ese momento todavía no ganaba dinero y en 2015 empecé a tener más reproducciones y llegarme más reconocimiento de artistas más grandes. Ya tenía varios miles de seguidores y eso me hizo tener cierta esperanza de que podía tener una futura carrera en la música, pero todavía no era una realidad. Creo que tenía miedo de dejar mis estudios y dedicarme completamente a la música, a pesar de que era mi idea durante mi primer año en la universidad. Al final no me arriesgué y seguí estudiando, también porque era buen estudiante y me gustaba lo que hacía. Sacaba buenas notas y todo.

Era muy joven, recién tengo 24 años, y quería mantener todas mis opciones abiertas. Tener un plan B.

¿Y cómo acabaste trabajando para Trudeau?

Continué con mis estudios y al final me tocó hacer prácticas.

Como tenía muy buenas notas, tuve la oportunidad de hacerlas en el despacho del Primer Ministro. En ese momento, mi visión era acabar las prácticas y conseguir un trabajo de oficina, en política, iba a hacer mi curriculum e iba a aplicar a diferentes trabajos. Pero durante estas prácticas, por mucho que me gustase lo que estaba haciendo, no me veía viviendo esa vida.

Yendo a trabajar de traje y corbata, en una oficina, con un estilo de vida tan rígido. Justo en ese momento fue cuando mi track, ‘Mosaïque’, empezó a conseguir muchos streamings…

Ahora tiene, solo en YouTube, 94 millones de reproducciones… ¡Es una locura! ¿Verdad? La publiqué en 2016 y las prácticas las empecé en 2017. En ese momento ya tenía 100 mil visionados en YouTube. Y un día, recuerdo estando en el trabajo, le mostraba a mis compañeros el track y de pronto vi que tenía 200 mil reproducciones. Me quedé un poco en shock, porque el día anterior tenía 100 mil. No sabía qué estaba pasando. Al día siguiente me volví a meter y ya iba por el medio millón de visionados. Dos días después ya tenía un millón. Dos millones.

Empezó a crecer de forma descontrolada y a los dos meses, cuando terminé mis prácticas, ya tenía 30 millones de reproducciones. ¡Una locura! Esa fue la señal que necesitaba para saber que me iba a dedicar a la música. Terminé las prácticas, terminé mi carrera y aunque todavía no ganaba dinero de los streamings, decidí centrarme los siguientes seis meses en crear más música, para asegurarme de que no solo había sido un golpe de suerte. Si a 30 millones de personas les gustó lo que hice, quizá tenía alguna oportunidad (risas). ¡Estoy muy agradecido por todo! ¡Qué locura! Es una historia que refleja perfectamente cómo funcionan las cosas en este momento. Gente como tú, que sale de sus estudios caseros con millones de reproducciones en todas las plataformas. Antes de meternos en eso, quería preguntarte por el trasfondo de tu música.

En ella, puedes oír claramente que eres egipcio; pero también puedes oír perfectamente la influencia occidental, en especial del trance…

Totalmente. Creo que la influencia del trance está ahí presente y también de toda la música que escucho en la actualidad.

Especialmente, diría que está en los sonidos de sintetizadores. Algunas veces, sigo abriendo Sylenth, Serum (soft-synth) u otros plugins para diseñar las líneas melódicas, como hacía cuando producía trance, aunque dándole un carácter más actual. Dicho esto, el trance es un estilo de música que ya no escucho, en estos momentos estoy más metido en el deep house o en el techno melódico. También me gusta mucho el rock, la música alternativa, y otros géneros electrónicos.

Ese sonido que estás desarrollando ahora está muy cerca del deep. No quiero decir house, porque hay más influencias. Especialmente influencias de Egipto. ¿Cómo consigues mezclar tus influencias para no sonar como un cliché?

Tu música no suena a cliché. Porque hay muchos artistas que intentan incorporar sonidos exóticos en sus producciones y al final todo acaba sonando a más de lo mismo…

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(Risas) ¡Gracias por el comentario! Creo que es porque no me centro en ellos para ser el centro de mis producciones. Es una influencia más, no el foco de mi sonido. No busco que mis tracks tengan una melodía de Oriente Medio. Simplemente hago música que me sale de forma natural. Mi sonido es simplemente una mezcla de mis influencias, un reflejo de mi paleta sonora, de la música que escucho. Es entonces cuando se crea esa sana mezcla de culturas en la música. En cambio, cuando intentas que suene demasiado exótico, es fácil caer en el cliché. Si estuviera escuchando solo música árabe o egipcia e intentase replicarla en clave occidental, entonces sería cuando la parte árabe sería más prominente y caería en el cliché del que hablas. Siempre intento no quedarme atascado en la misma paleta sonora, porque entonces suenas repetitivo. Es algo que me ocurrió cuando ‘Mosaïque’ alcanzó tantos millones de reproducciones. Sentí que igual tenía que reproducir ese sonido una y otra vez. Y no es así. Creo que es un dilema por lo que pasa todo productor cuando tiene un track muy exitoso. Pero al final te das cuenta de que el éxito viene de tomar riesgos, de sonar diferente y de dejarte llevar.

Porque, ¿cómo era tu música antes de ‘Mosaïque’?

Yo diría que estaba demasiado orientada hacia el deep house.

Típico track a 120bpm. No era demasiado experimental ni nada.

Creo que por eso ‘Mosaïque’ tuvo tanto éxito, porque no estaba intentando copiar a otro artista, sino que me salió del corazón.

Cambiemos de tema. Hablemos de ese maravilloso Cercle Stories y tu lanzamiento con su sello, titulado ‘White

Desert’. Está funcionando genial en todas las plataformas.

Primero, para quien no lo sepa, ¿qué es un Cercle Stories, comparado con su streaming habitual? ¡Muchas gracias! Cercle Stories es básicamente un nuevo formato de un solo track que han ideado los chicos de Cercle, entre otras cosas, para promocionar sus releases en el sello. Ya lo han hecho NTO, Christian Löffler, Joris Delacroix, aparte del mío. Entiendo tu pregunta, porque mucha gente que comenta piensa que es una especie de teaser o tráiler de un streaming más largo. Es un formato más cinemático, una versión diferente de sus videos normales de una hora. En mi caso, por el hecho de que es más corto, quise tocar un track que tuviera muchos cambios de instrumento y que lo hiciera más dinámico que en un directo de una hora u hora y media.

Entiendo que para grabarlo estuvisteis acampados durante varias noches en el Desierto Blanco de Egipto… !Así es! Tuvimos que hacerlo porque, como sabes, no hay ningún hotel en varios cientos de kilómetros. ¡Está, literalmente, en el medio de la nada (risas)! Fue una experiencia increíble, porque entre otras cosas fue mi primera acampada (risas). Nunca lo había hecho, soy más de ciudad. Nos estuvieron asistiendo tres beduinos, nómadas del desierto, haciéndonos la comida todos los días. Comida egipcia, que como puedes imaginar me encanta (risas). Los beduinos son gente muy hospitalaria. Nos divertimos mucho, más allá del estrés de poder grabar las cosas a tiempo, porque nos pilló una tormenta de arena enorme, el viento era fortísimo, y había que cuidar que no se me llenasen los instrumentos, el ordenador y las cámaras de arena.

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U N A N U E VA ESTRELLA EN LA ELECTRÓNICA

¿Qué tan difícil es conseguir permisos para grabar en sitios así de emblemáticos?

Esta vez no tuve que pedir nada, porque lo gestionaron todo los chicos de Cercle. Pero por mi experiencia siendo egipcio y habiendo hecho streamings como el de las Pirámides de la Necrópolis de Gizeh en 2018, sé que es realmente complicado conseguir un permiso para filmar cualquier cosa en Egipto. A mí me llevó varios meses completar todo lo que me pidieron.

Especialmente en ubicaciones tan emblemáticas, históricas o protegidas.

Aunque es cierto que cuando es para un gran proyecto, como Cercle, el gobierno es más receptivo a este tipo de peticiones.

Ahora mismo ese video tiene más de 10 millones de visitas. Una cifra que es absolutamente impresionante. Eres uno de esos artistas de la nueva generación que ha sabido presentarse y ganarse la vida muy bien con las nuevas herramientas de streaming. De hecho, entre todas las plataformas llevas más de 500 millones de reproducciones. ¿Qué tan difícil ha sido navegar a través de la ingeniería de las nuevas formas de monetizar y visibilizar tu trabajo en la industria musical?

Creo que lo bueno de las herramientas actuales en internet es que permiten a artistas como yo vivir de su música, monetizándola y publicando de forma independiente. La mayor parte de mis tracks han sido publicadas por mí mismo, sin un sello grande detrás, a excepción de esta última, ‘White Desert’, con Cercle. Esto lo he hecho así porque cuando empecé y le escribía a los sellos, no había intentado hacerlo a los grandes. Siempre confiaba en publicar los tracks por mi cuenta en SoundCloud, ver como reaccionaba la gente y ya mover ficha. Y luego ya empecé a publicar directamente en Spotify.

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¿Qué marcó la diferencia?

Que el algoritmo empezó a hacer su magia. Empecé a aparecer en las listas Discover Weekly y la gente empezó a oír mi música de forma natural. Así creció mi perfil, empecé a entrar en playlists y mi música a llegar a más gente. Es increíble como el algoritmo puede jugar a tu favor en algunos casos.

También he de decir que no todo es perfecto y maravilloso.

Cuando tienes un sello y un equipo de marketing fuerte detrás es definitivamente algo que ayuda y que cambia mucho la dirección de la carrera de los artistas. Pero creo que con las herramientas que te da internet a día de hoy permiten que artistas que igual no tienen todas las conexiones del mundo, la infraestructura o que – como yo al principio – no contacten con sellos al inicio de su carrera, también puedan tener una oportunidad de ganarse la vida con su música.

favor. Al final la fórmula es ensayo-error y mucha educación.

Además de recordar que la música siempre es la que habla por ti. Da igual la marca, la imagen o lo que sea si la música no es la que te representa.

¿Cuál ha sido el proceso, en tu caso? ¿Cómo lo has conseguido?

Algunas veces no es fácil, porque cuando no tienes un sello detrás, te tienes que encargar de todo tu mismo. Tienes que aprender, paso a paso, todo el proceso. Yo tuve que aprender cómo funcionaba el negocio de la música, tomé cursos de negocio musical, aprendí lo que era la distribución, el publishing y todos los aspectos que rodean la publicación de un trabajo. Todo esto lo tienes que aprender tu mismo para poder entender lo que es esto. Por ejemplo, no tenía ni idea de lo que era el publishing. Creo que muchos artistas independientes no conocen este concepto y piensan que el único que te puede dar dinero son las reproducciones. También hay dinero en esto, en las licencias de sincronización en TV y cine, y muchos otros conceptos. Hoy en día, el hecho de que cualquiera pueda distribuir su música por 10€ o incluso gratis, bajo comisión, con distribuidoras, ha abierto las puertas a mucha gente.

Cambiando de tema… ¿Cómo ves el futuro, en cuanto a la pandemia se refiere? Especialmente con la vacunación abriendo un hilo de esperanza para la industria…

Es complicado. En Canadá esperan haber vacunado a toda la población para septiembre. Yo espero que sea antes para tener algo que aprovechar durante el verano, pero soy optimista en que aunque no sea como un verano normal, si nos permita hacer algo más que el año pasado.

¿O sea que no hay fórmula mágica?

Aunque lo parezca, no la hay. Hay que aprender mucho y saber manejarse. Especialmente porque que las herramientas estén al alcance de todos también ha abierto la puerta a muchos timadores. Por eso creo que es necesario que los artistas nuevos y establecidos tengan una educación fuerte en torno a cómo funciona la propia industria. Especialmente para que artistas independientes puedan monetizar su trabajo y promocionarlo, sin riesgo de caer en las garras de alguien que le prometa que por 1000€ va a poner su track en la playlist X y va a tener 1 millón de escuchas, siendo que no es así. ¿Y qué tan importantes son las plataformas de video para un artista en esta coyuntura?

Una de las razones por las que he puesto tanto cuidado en hacer crecer mi YouTube y hacer streamings es porque a pesar de que la gente conocía mi música, no conocía al artista, mi historia. Quizá escuchaba mi track en un café, en un restaurante o en algún sitio parecido, pero la cosa se quedaba ahí. Aquí es donde está el secreto quizá, en saber hacer funcionar la música, hacer crecer tu perfil, tu marca y tu yo artístico. Muchos artistas independientes tienen este mismo reto, de aprender todas estas cosas y hacerlas trabajar en su

¿Cómo has visto la evolución del streaming?

Creo plataformas como Twitch han crecido mucho y se están convirtiendo en algo súper importante para la industria musical. Hace poco hice tres streamings con ABRACADABRA, la plataforma de Blond:ish, que ha hecho un trabajo espectacular creando una comunidad y están trasladando el ambiente de los clubes, con sus residentes e invitados, a shows semanales con mucho seguimiento. Es una nueva forma de hacer las cosas, hay que aceptarla y adoptarla durante esta situación que esperemos pase cuanto antes.

¿Qué planes tienes para ti y tu sello, ASH Music?

De momento estoy centrándome en mis próximos releases, pero como te decía, me encantaría poder ayudar a otros artistas independientes que quizá no tengan la oportunidad de publicar sus tracks en un sello tradicional. Además de educarlos en el funcionamiento de la industria, para que puedan ejercer sus derechos también. Esto ya lo hago con mis amigos, pero mi objetivo este 2021 es ayudar a más artistas independientes mediante ASH Music, a que entiendan la industria y que los streamings no son lo único que les puede ayudar en su carrera. ¿Nuevos releases?

Todavía no, aunque tengo mucha música para sacar. Lo que todavía no sé si lo haré por mi cuenta, en forma de EP o de álbum… Quizá sea algo en formato largo, pero todavía no lo puedo confirmar. Es el objetivo para este 2021. También haré más directos online seguro (al menos por ahora), seguir creciendo en YouTube y con suerte podamos volver a actuar de cara al final de año.

Ha sido un auténtico placer, Ash, poder hablar contigo y concerte mejor. ¡De todo corazón, te deseamos lo mejor y te estaremos siguiendo de cerca! ¡Gracias a vosotros por esta oportunidad! ¡Un abrazo y salud!

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Autor: EDUARDO P. WAASDORP

Juliet Fox Techno en positivo

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Juliet Fox es un nombre que lleva muchos años ligado al mundo de la música electrónica. Siendo una DJ, productora y presentadora de lo más dinámica y polifacética, Juliet empezó su contacto con la música aprendiendo a tocar el piano y la guitarra a una edad muy temprana.

Después, su actitud energética y versátil la llevaron a los clubes de su Adelaide natal, cuando tuvo su primer contacto con la música electrónica.

Desde entonces, y establecida ya en Berlín, su perfil ha crecido como la espuma, lanzando en sellos de primerísimo nivel, como Filth On Acid, el todopoderoso Drumcode, Toolroom Records u Octopus Recordings.

Ahora, Juliet ha decidido montar su propia plataforma, TREGAMBE, motivada a crear su propio escaparate y unirlo a su pasión por la pintura, explorando la relación existente entre el arte visual y el sonido. Inspirada por el amor y la conexión entre las almas, el artwork de su primer lanzamiento es una pintura abstracta de acrílico sobre lienzo, que presenta a avatares ficticios entrelanzando su conexión física más allá del tiempo y del espacio.

Hablamos con Juliet Fox para que nos cuente más sobre este interesante proyecto, además de qué le depara este 2021. ¡Música, maestra!

¡Hola, Juliet! ¡Es un placer tenerte en DJ Mag ES! ¿Cómo empieza tu año? ¡Gracias por invitarme! ¡Es genial poder aparecer en vuestras páginas! Mi año ha empezado a tope, lo que está bien, fuera de líos y concentrada. Me mudé a un piso nuevo en Berlín y he estado trabajando en el segundo release de mi nuevo sello.

Vienes de Adelaide, Australia, aunque vives en Berlín. ¿Cómo describirías la escena en la ciudad? Al menos antes de la pandemia…

Había una gran actividad en Berlín, fiestas sin parar y muchos clubes a los que ir siempre que quisieras, a cualquier hora del día, todos los días de la semana. Me mudé a Berlín por la inspiración musical y por esa sensación de libertad que no consigues del todo en ningún otro sitio del mundo. ¿Cómo ha cambiado la ciudad durante la pandemia?

Ha cambiado tremendamente. Ahora mismo estamos totalmente confinados, incluso con restricciones en casa. El verano pasado había algo de actividad, energía y esperanza, con pequeños eventos al aire libre y algunas fiestas íntimas

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en casas de amigos. Pero todo eso ha parado ahora mismo y durante los últimos cuatro meses la ciudad parece vacía. Hay un sentimiento de tristeza que la envuelve (como me imagino ocurrirá en el resto del mundo).

Cambiemos de tema, ¿cómo fue tu primer contacto con la electrónica? ¿Cuáles son tus influencias?

Fui a mi primer club con 14 años, en Adelaide. Se llamaba Planet Nightclub y le pedí a una de mis hermanas mayores que me dejase ir con ella. Me enganché al sonido del bajo en seguida, a cómo te subía por el cuerpo y a la sensación de estar en la pista de baile, con las luces y los flashes por todas partes.

En esa época, no venían muchos artistas internacionales a la ciudad, pero mis principales influencias fueron Carl Cox, Judge Jules, Lisa Lashes, Sven Väth y Richie Hawtin.

Empezaste tu carrera en la escena en Australia antes de venir a Berlín. ¿Cómo describirías la escena allí?

En efecto, empecé a pinchar en fiestas en Adelaide y luego en Melbourne, donde también viví un tiempo. Tienen una gran

escena musical en la ciudad, con una mente muy abierta y avanzada y grandes festivales. A veces digo que Melbourne es como un mini-Berlín. Va a mejor cada año, cuando vuelvo a visitar la ciudad en tour, y están trayendo a cada vez más artistas internacionales de renombre.

El pasado diciembre, lanzaste tu propio sello, TREGAMBE, con el EP ‘Time Doesn’t Exist’. ¿Por qué tomaste la decisión de sacar tu propio sello? ¿Cuál es su filosofía?

Solía llevar varios sellos hace algunos años y siempre dije que lanzaría mi propia plataforma, cuando llegara el momento.

Ahora, con todo lo que ha pasado el ultimo año y la pandemia, sentí que era el momento ideal para hacerlo. También quería lanzar música en mi propio sello, que tuviera más mi firma sonora personal, sin ninguna restricción.

TREGAMBE, además, es mi apellido. Eso le da un aire honorable, porque me representa a mí y a mi música. También los artworks son mis propias pinturas.

Tomando como ejemplo tu último EP, ¿cómo describirías tu proceso creativo?

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En verdad mi proceso se basa en permitirme producir música desde el corazón y con lo que siento en ese momento. Sin restricciones, formatos o tener ningún sello en la cabeza.

puesto, también escuchar música e ir a clubes y festivales me inspira, además de compartir música con mis amigos también juega un papel fundamental en mi proceso.

Estoy especialmente interesado en preguntarte por las grabaciones de campo en ‘Beyond Physicality’, un track con muchos sonidos mentales y atmosfera distópica. Entiendo que los grabaste en tu tour por Argentina. ¿Cómo los procesaste? ¡Así es! Grabé la mayor parte de los sonidos cuando pasé un tiempo e un retiro, a las afueras de Buenos Aires. Realmente me inspiró mucho los cantos nativos y los sonidos naturales, con los que me sentí muy conectada. Por eso quise hacer un track que reflejase cómo me sentía y lo que me aportaban esos sonidos.

¿Cómo es tu estudio?

Realmente me encanta mi espacio de estudio. De hecho, pinté una parte en plateado y negro, lo que le da cierta profundidad, además de que tengo mis cuadros aquí también. Tengo un par de sintetizadores y algunas piezas pequeñas de equipo, luego mis giradiscos y configuración para pinchar; además de un sofá cómodo, en el que me puedo quedar a dormir si hace falta. También tengo muchas plantas, para darle un cierto aire natural, a jungla. También tiene puertas dobles, por lo que está realmente bien aislado. Es un lugar pequeño y genial donde me puedo escapar.

¿Qué te inspira, en general?

Mi entorno, los lugares que visito, los sonidos que escucho a mi alrededor y la gente que conozco. Puedo ser muy sensible a veces, así que todo eso tiene un efecto en mí y en la música que acabo creando o la forma en la que me expreso. Por su-

Entiendo que Tregambe es tu apellido y viene de Italia. ¿Qué tan importante es tu herencia italiana?

Creo que estar orgulloso de tu herencia y pasado es importante, ya que te hace la persona que eres. Mi padre nació en Italia y mi madre en Reino Unido, y se conocieron en Australia, que

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es donde yo nací. Tenemos una gran familia del lado de mi padre y todos somos muy cercanos. El amor y la pasión de ser una familia realmente queda patente y, por eso, quise llevar ese nombre, que representa todo esto, más allá.

Los artworks son creación tuya. ¿En qué te inspiras?

Empecé a pintar de nuevo hace poco, en los últimos años, y encontré que es muy relajante y otra forma de soltar mi creatividad. Es algo que me hace desconectar. Lo normal es que suelo pintar junto a un buen amigo y eso hace que nuestras ideas se retroalimenten y la música que escuchas en ese momento también te inspira a crear. Para pintar, disfruto mucho de los sonidos naturales, de esas frecuencias y de la música downtempo, con toques espirituales.

El primero es una pintura realmente bonita de dos personas besándose. ¿Es una pintura real? ¿Estás planeando realizar algún tipo de acción o merchandisng en torno a esto? ¡Muchas gracias! La idea surgió cuando volví a empezar a pintar. Supongo que de forma parecida a como cuando hago música, tan solo lo dejo fluir y en el ejemplo que mencionas, quería mostrar la conexión entre dos seres. Es el amor y la unidad combinados. Ya estoy planeando lanzar algo de merchandising, que incluya este artwork, seguramente durante el próximo mes.

Antes de esto, ya habías sacado tu música en sellos tan icónicos como Drumcode o Filth On Acid. ¿Qué tan difícil fue para ti alcanzar la atención de esas plataformas?

Nunca he forzado nada con ninguno de los sellos con los que he lanzado. Siempre me he tomado el tiempo de construir una relación con los jefes de los sellos. Esto es muy importante, poder lanzar en un sello con el que realmente tienes una conexión genuina, y no solo por el nombre o el status. Así que, con el paso de los años, creo que es lo que ha pasado y cuando ha llegado el momento y la música adecuada, se terminaron firmando estas colaboraciones. Todo muy orgánico.

Empezamos preguntándote por cómo había cambiado la ciudad en la que vives por la pandemia. El año pasado fue terrible por cómo la COVID-19 nos ha afectado. ¿Cómo manejaste tu tiempo durante los confinamientos? ¿Descubriste nuevas avenidas creativas? Entiendo que tus gustos dentro del techno cambiaron, ¿no? ¿En qué sentido?

Conseguí mantenerme ocupada y concentrada en pequeños proyectos durante este tiempo, volviendo a hacer ejercicio, pintando y produciendo música. Acababa de mudarme a mi nuevo espacio de estudio y a mi nuevo piso a principios del confinamiento, así que me tomó algo más de tiempo poder asentarme de nuevo. También tuve más tiempo de explorar música nueva y diferente, escuchar más mixes y listas de Spotify, ¡eso estuvo genial! Porque me ayudó a descubrir nuevas cosas y, supongo, a encontrar más muestras del sonido techno puro, en vez de tracks big room para reventar la pista.

que algunas veces fue un poco más difícil acertar con la configuración o estar delante de la cámara, me enseñó mucho.

Estoy segura de que hay algún artista que ha podido hacer dinero con los streamings, pero creo que por el momento no hay muchas plataformas que lo premitan.

Y con respecto a HÖR, poder pinchar para ellos fue realmente genial. Fue un logro con el que estoy muy contenta. Tienen unos seguidores realmente geniales, gente que respeta muchísimo el canal. ¡Además, pinchar en ese baño verde mola mucho (Risas)! ¿Cuáles son tus próximos objetivos, tanto para el sello como para tu música?

Estoy muy contenta con mi próximo release, que sale el 19 de marzo (justo después de mi cumpleaños). Será un EP de dos tracks que se llamará ‘And Find Myself’, que de nuevo tendrá un artwork hecho por mi. ¿Cómo ves el futuro de la industria musical? Teniendo en cuenta que el fin de la pandemia sigue sin estar claro…

Me pasa que voy por oleadas de emociones y la mayoría de los días intento mantenerme positiva y esperar que de pronto las cosas vuelvan a algún tipo de normalidad, parecida a lo de antes. Pero realmente no creo que las cosas vuelvan a lo que era durante un tiempo. Por ahora, intento mantenerme concentrada y ser agradecida por lo que tengo y por el tiempo extra que se me ha dado para invertirlo en mi misma como ser humano, por el tiempo para hacer música, crear y estar sana física y mentalmente, además de asegurarme de ser la mejor versión de mí misma que puedo ser. ¡Estoy lista para lo que venga! ¿Qué otros proyectos tienes en estos momentos?

Ahora mismo estoy centrada en el sello y todo lo que lo rodea, además de seguir haciendo música cuando me siento inspirada. También tengo otro proyecto paralelo, con mis dos hermanas, que acaba de lanzarse en febrero. Ha sido genial trabajar en algo con ellas, ya que a pesar de estar en lugares diferentes, hablamos todos los días. Creo que eso es muy importante en estos tiempos: estar lo más cerca posible de la familia y los amigos. ¡Gracias por tu tiempo, Juliet! ¡Te deseamos el mayor de los éxitos! ¡Gracias a vosotros!

Los streamings en video también han crecido mucho. Hiciste uno muy interesante para el colectivo HÖR. ¿Cuál crees que es el futuro de estas acciones?

Creo que si no fuera por los video streamings, mucha gente se hubiera vuelto loca. Me mantuvo de buen humor y a pesar de

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DEXTRO

UNA VIDA DE TECHNO

Autor: PATRICIA PAREJA CASALÍ Y EDUARDO P. WAASDORP

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Dextro – alias de Luis Filipe Godinho – es uno de los artistas portugueses más longevos de la escena del país vecino. Este 2021 celebra sus 30 años de carrera profesional como productor y DJ, habiendo empezado por allá por el 91 y consiguiendo a lo largo de estos años tener uma perspectiva única y diferente de la música.

Habiendo tocado en medio mundo, publicado en sellos como Naked Lunch, Gynoid, BEK Audio, Planet Rhythm, Korpus 9, Sleaze, Odd, Dolma o Suara, y teniendo su propia plataforma – D Classified – donde publica mensualmente su amplia gama de música, Dextro es un artista total que ha conseguido mantenerse firme en la complicada arena que es el techno. Hablamos con él este 2021 para concerle un poco mejor y para que nos cuente sobre este aniversario tan especial y qué le depara 2021.

¡Hola Luis! ¡Es un placer tenerte en DJ Mag España! ¿Cómo ha empezado tu 2021?

Hola, ¡es un placer que me hagáis esta entrevista! Bueno, mi 2021 empezó en el sofá de casa, pero fue necesario no trabajar en Nochevieja, fue reconfortante, a diferencia de muchos otros comienzos de año...

Vienes de Portugal, un destino muy interesante de música electrónica. ¿Cómo describirías la escena en tu ciudad hoy en día (antes de la pandemia)?

Sí, nací en Portugal -muy cerca de Lisboa, concretamente en Alcochete-, antes de la pandemia Portugal era un país genial para muchos artistas internacionales, estábamos pasando por una muy buena etapa de festivales y eventos, hasta que pasó lo que pasó en todo el mundo. ¿Cómo fue tu primer contacto con la música electrónica? ¿Cuáles son tus influencias?

Mi primer contacto con la música electrónica fue en los 90, comencé a escuchar algunos programas de radio nacionales en los que transmitían con radios del Reino Unido, y a los 14 años encontré ese maravilloso sonido. Empecé a comprar mis primeros vinilos y en el 91 comencé a trabajar en un bar como DJ residente,

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donde al final de cada noche se me permitía poner 15 minutos de la música que me gustaba.

No tuve influencias directas, escuché un poco de todo, bandas electrónicas de los 80, rock, pop, disco, funky, soul,… pero si tengo que elegir una banda, indudablemente es Depeche Mode.

¿Cómo describirías tu proceso creativo?

Pues mi proceso creativo es muy sencillo, llevo produciendo desde el 2000 y todo se ha vuelto prácticamente “automático", aunque necesito estar bien con mi entorno para que las cosas fluyan con naturalidad. Algunas veces las cosas salen muy rápido y otras tardan semanas y al final no sale nada especial, pero en general tengo todo en mente :) ¿Cómo es tu estudio?

Mi estudio actual es muy básico, tengo un buen ordenador, una tarjeta de sonido Ultra Lite Mk3, un teclado MIDI y mucho software, la realidad es que no necesitas tener un gran estudio lleno de "juguetes" cuando con muy pocas cosas haces buena música. ¿Cómo describirías el estado actual de la escena techno en Portugal (antes de la pandemia)?

La escena del techno en Portugal era muy buena en los años 90, teníamos y tenemos grandes pioneros como The Advent o A. Paul, incluso teníamos el nombre “Un paraíso llamado Portugal”. En los 2000 las cosas empezaron a cambiar y comenzó a debilitarse, y volvió más o menos en 2019, pienso que habría vuelto a ser increíble en 2020… pero llegó la pandemia.

Acabas de lanzar el ‘Inevitably Disconcerting EP’ y a finales de febrero vas a lanzar ‘Helical Structure EP’ en Korpus 9 Records... ¿En qué te inspiraste para hacer este disco?

Sí, de hecho estos son los EPs que lancé este último mes. La inspiración, como ya dije, viene de mi bienestar y la forma en que me presento en la vida, las cosas fluyen con normalidad. También tuve una gran escuela musical, donde fui residente durante 15 años, y eso me trajo mucho bagaje musical, lo que hace que todo sea un poco más simple.

El anterior, ‘Passing Through Detroit’, era mucho más groovy y funky, al igual que el antiguo sonido de Detroit. Te mueves bastante bien entre los diferentes sabores del techno. ¿Cuál es tu favorito?

Es cierto que dentro del techno me gusta ir a diferentes lados, este EP que hice para mi sello D Classified es un homenaje a los inicios del techno en Detroit y Chicago, sin embargo, no me enfoco exclusivamente en un tipo concreto de techno, lo que más me gusta es el techno clásico a 135 bpm con más influencias del Reino Unido.

Ambos han salido en D Classified Records, pero también has conseguido editar en grandes sellos como Bek Audio, Korpus 9, Planet Rhythm, Odd, Suara o Nervous. ¿Cuáles son tus próximos objetivos para tu música?

Exactamente, mis objetivos están más enfocados en tener cierto control sobre lo que lanzo, y dónde lo lanzo. Cada vez hay más artistas y sellos, y tengo que apoyar a quienes apostaron por mis producciones y me apoyaron durante todos estos años.

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De hecho, D Classified es tu propio sello, que se lanza principalmente a través de Bandcamp. ¿Cómo valorarías su salud actual? ¿Cuáles son tus planes para el sello en un futuro próximo?

D Classified fue una gran elección para tener cierto control en mis producciones, ya que muchos sellos no pagan a los artistas reclamando mil y una cosas. Bandcamp comenzó a crecer y muchos artistas comenzaron a crear sus sellos de manera eficiente y rápida, y yo fui uno más. Sé lo que vendo y lo recibo a los 2 días, todo muy claro, es un proceso que puede llevar un tiempo pero luego empieza a funcionar, y tiene la parte interesante de competir con los grandes portales de música… ¿Cómo valorarías Bandcamp como plataforma alternativa para sacar tu música como artista independiente?

Bandcamp es una plataforma muy simple para trabajar con rapidez y confianza, y a raíz de ella muchos artistas comenzaron a vender su música individualmente, sin depender de editores que muchas veces no son transparentes en lo que hacen.

Este año, 2021, marca tu trigésimo año de carrera en la industria. ¿Cuáles han sido los momentos más importantes para ti durante este tiempo? ¡Wow! Ha sido un viaje de 30 años a través de la música, viajes, culturas y momentos inolvidables. Un viaje de aprendizaje, desarrollo, amistades y nuevas perspectivas. Un viaje dedicado a la música electrónica a través de innumerables proyectos y logros personales. Incluso después de cientos de tracks digitales, ediciones y muchos lanzamientos en vinilo, en mi mente es como si todo hubiera comenzado ayer. Todo a lo largo de mi viaje siempre tendrá un significado especial para mí, ya que sé que ha sido el resultado de mi arduo trabajo y de mi dedicación absoluta al arte de la música. Mi arte ha hablado por sí mismo y ha pasado a vivir su propia vida, sin que yo necesite forzarlo en su camino. Esto me deja realizado como persona y me da paz interior, y lo volví a hacer todo de nuevo, como lo estoy haciendo, porque ha pasado todo esto pero sigo reinventándome para darme a conocer a muchas personas que nunca han escuchado hablar de mí.

PD: Me gustaría extender mi gratitud a todas aquellas personas que han participado y siguen participando en este viaje junto a mí.

¿Cuál ha sido el momento más gratificante?

Tuve muchos, solo el placer de viajar por el mundo haciendo lo que me gusta ya es gratificante. Quizás mis dos viajes a Japón y pinchar en el club Womb de Session Crew fueron los viajes que más me gustaron por las amistades que hice con gente extraordinaria, y porque es una cultura que me gusta mucho. Todo es muy organizado y respetuoso.

El pasado 2020 fue malo para la industria de la música debido a la pandemia. La mayor parte del mundo ha sufrido graves bloqueos debido a la pandemia de la COVID-19. ¿En qué has invertido tu tiempo durante el confinamiento? ¿Has encontrado nuevas vías creativas?

Sin duda, la industria de la música electrónica se ha desplomado y ha originado muchas dificultades en muchos sectores. Quizás muchas personas también se han visto cara a cara con la realidad en otros aspectos, y se han vuelto más realistas sobre algunos temas de la vida. Tuve que reinventarme produciendo aún más, hice mi sello D Classified en Bandcamp y mi amigo A. Paul me invitó a una plataforma virtual llamada Techno Club – Cisco Ferreira es uno de sus fundadores –. En la plataforma tenemos hasta 10 salas virtuales con DJ sets por donde pasan grandes artistas muy respetados cada semana.

Todavía es un poco incierto, creo que el 2020 aún está por olvidar, quizás a mediados de año haya algunas fiestas pequeñas, algunos clubes estén abiertos,… pero todos ellos tendrán grandes restricciones de funcionamiento hasta que la vacuna sea segura al 100% y hasta que toda la población esté prácticamente vacunada. Solo entonces podremos viajar a voluntad sin tener miedo a algo, todos se sentirán seguros y volveremos a la normalidad…

¿Qué otros proyectos tienes en este momento? ¿Y para el resto de 2021?

Muchos. Tengo dos discos para 2021, un single para Naked Lunch y otro con A. Paul para Dolma Records. Todos los meses saco un EP en mi sello D Classified, hasta ahora tengo 4 ediciones más en vinilo, una en Abusive records, otra en Dolma, una edición especial para G-Man (alias Gez Varley de LFO) y otra de la prestigiosa Missile Records con nuevos remixes de un tema clásico, un EP para CODE, otro para Techno Zone, y más por firmar pero no están decididas todavía, y algunas cosas más relacionadas con la música y el arte que aún está en la etapa de embrión. ¡Muchas gracias por tomarte el tiempo para responder esta entrevista! Todo el equipo de Dj Mag España te deseamos lo mejor, ¡mantente al día con la buena música!

Gracias, espero que todo avance rápido para volver a la normalidad, no solo en la música sino en todo lo demás. ¡Salud para todos!

¿Cómo ves el futuro de la industria musical? A pesar de las nuevas vacunas, el fin de la pandemia no está claro alrededor del mundo…

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La narrativa musical como formato de vida

Pablo Nouvelle Autor: LEIRE ZULOAGA

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Inspirado por artistas como Nils Frahm o Martin Kohlstedt y c o n u n e n fo q u e p o c o convencional de lo que supone un instrumento tan antiguo como es el piano, recibimos al suizo Pablo Nouvelle.

Emocionante e íntimo, sus piezas adquieren la escala hipnotizante a través de un amplio sentido del control y contención, así como un impresionante nivel de emoción y personalidad. Ambas son hoy las guías a través de las que discurre su nuevo y esperado álbum, del que también haremos una retrospección, mediante la narrativa musical del propio artista, para comprender lo que aún se esconde bajo las notas mientras desvelamos los secretos de este compositor, escritor, productor y artista multidisciplinar… ¡Comenzamos!

¿Cuándo decidiste empezar a trabajar con formatos orquestales?

Realmente tomé esta decisión a inicios de 2019 aunque no se si sucedió tras el lanzamiento de ‘Piano Pieces’ o como un conjunto de pensamientos inconscientes mientras trabajaba en cada una de las piezas del álbum. A solas, yo y el piano… ¡punto de partida de tantas cosas!

Pero, en realidad, la mayoría de las composiciones de ‘Piano Pieces’ son un conjunto de fragmentos y retazos al piano que fueron grabados y posteriormente cargados en el DAW de mi portátil… Partes sueltas de muchas cosas que al unirse, hacen el todo de una partitura. Pero en los inicios de esta historia, yo ni imaginaba nada de lo que es hoy, hasta que recibí una para nada esperada solicitud del Casino de Berna. Tenían un nuevo concepto artístico ubicado en un precioso y emblemático edificio histórico que alberga bellos espacios neoclásicos, que es donde regularmente acoge conciertos y da vida a la música en el ambiente único. Me preguntaron si me gustaría interpretar alguno de esos temas junto con un cuarteto de cuerdas, solicitud que como imagináis ¡no tuve valor de rechazar! Y Junto con un arreglista re-escribí las nuevas secciones de las piezas y las presenté con el acompañamiento de un baterista y también con un segundo piano para dar vida a una mezcla de piezas clásicas y a temas del álbum ‘Obsolete’, que unido a la catarsis arquitectónica… ¡Una visión de mí que yo ni tan siquiera soñaba!

Teniendo en cuenta que no te catalogas como músico, ¿qué tal fue mostrarse como compositor?

La cuestión es… Yo nunca he estudiado música en el conservatorio, por eso tengo la sensación de no tener el estatus suficiente para catalogarme como músico. Aunque siempre soñé con serlo, ¡así que imaginate lo que ha sido el pensar ello como una seria opción profesional! ¡Y es que yo iba a ser arquitecto! (Risas). Y ese arquitecto terminó por cambiar arquitectura por cine de animación. Ya en esos años tocaba mucho el piano y pasaba la mayor parte del tiempo produciendo, componiendo y además también tocaba en bandas.

Ahora tengo un nuevo reto ante mí, que abre un cruce entre el mundo clásico y el sintetizado que espero se convierta en una mezcla tanto de exploración personal como musical y también de los propios límites.

Tu lenguaje musical fluctúa entre el minimalismo europeo y el expresionismo abstracto americano… ¿Es un homenaje a tus maestros o se trata de un paso más dentro de tu proceso de aprendizaje particular?

Mi gusto musical siempre fue muy ecléctico y de la misma manera, también lo fueron mis inspiraciones al crear. ¿Sabes que mis inicios musicales fueron tocando jazz? Aunque luego me metí de lleno en otro tipo de sonidos como el hip-hop y por un tiempo, incluso toqué en un dúo de R&B/pop; para enamorarme después del soul raro, carismático y con cuerpo (risas). Y ahora creo que la evolución me esta acercando más hacia la música dance. Pero como bien has dicho, todos los géneros mencionados anteriormente forman parte de mi propia interpretación personal de la música electrónica.

En tus piezas has conseguido desarrollos orquestales sobre un contexto ambient y de electrónica experimental pero, ¿cómo fueron los principios de esa evolución?

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Uno de los primeros acercamientos que tuve a la música tal y como hoy la vivo fue mientras estudiaba animación para cine donde básicamente hay dos formas de trabajar: Están los que deciden comenzar por los fotogramas clave (dar vida musical a las escenas principales primero para, más adelante, terminar con los fotogramas secundarios); o los que por el contrario deciden realizar dicha animación dese del minuto uno. Cuando escoges esta segunda opción (empezar por la A para seguir con B y así hasta la Z) siempre realizas un aporte personal más intenso que con la primera, en la que las imágenes ya de por sí principales siempre son el punto central de una historia. Con la segunda opción se produce una mezcla más intensa del tú

música y las imágenes pero también, se produce una fuerte unión con los sentimientos que dicha historia produce en ti… ¡Y este acaba por resultar un viaje que nunca sabes dónde te llevará ni como terminará!

En definitiva, podríamos decir que mis inicios fueron bastante libres… También sencillos. Esta mezcla de libertad y sencillez ha sido el detonante que me ha llevado a lugares realmente increíbles, ¡adoro componer directamente las canciones! Ir paso a paso hacia donde fluye la música porque en la música. Como en todas las buenas historias, ¡los giros inesperados son una de las mejores cosas!

Como amantes de esa rara habilidad que posees para combinar diferentes sonoridades, electrónicas y orgánicas queremos preguntarte ¿cuales son las restricciones que te impones para forzar la creatividad?

Los productores siempre tienden a hablar más de limites técnicos, pero desde mi punto de vista creo que es importante saber también qué tipo de situaciones o sentimientos son inspiradores.

También tomar conciencia

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de la formula matemática que se esconde tras el proceso de la transformación de tus propios sentimientos en algo sensiblemente más tangible, como una pieza musical. Yo, por ejemplo, soy un artista de collage. También soy un oyente que tiende a analizar absolutamente todo lo que escucha. Por eso para mí reinterpretar elementos y ponerlos en un contexto diferente es algo relativamente sencillo. El resultado final surge como una pieza completamente nueva. Por otro lado, esto no sirve de nada si no tienes la constancia para superar tus propios mínimos. Tengo días en los que siento que las musas se olvidaron de mí. Pero es ahí donde hay que forzarse y seguir un nivel más allá. También fue ahí cuando empecé a vislumbrar que, a menudo, las canciones creadas con constancia son mucho más interesantes que las que me emocionaron en su etapa de creación y que ahora, con la perspectiva del tiempo, veo como historias que aún debo mejorar y profundizar.

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Entonces, si la nueva música se construye con ingredientes tradicionales y depende del artista mezclar, superponer y sintetizar un nuevo producto donde puedan confluir dos artistas, en base a la interpretación y con la gran carga personal en su música ¿Cual será el punto discordante y que haga diferente este próximo trabajo de lo anterior?

Lanzar un álbum colaborativo, definitivamente, es algo nuevo para mí y también supone una exploración mental y sonora a un nivel más profundo y probablemente, más íntimo. Algo parecido a comparar una serie y una película porque, tener diez horas en lugar de una te da la posibilidad de acercarte a los personajes y dibujar una historia más compleja. Así es como percibo lo que Kinnship y yo creamos para este próximo álbum.

Justamente, ‘I Want For Nothing’ junto a Kinnship – antes conocido como Favela – fue vuestra primera colaboración. Voces etéreas, texturas encantadoras, ritmos sublimes y sutiles tonos de guitarra. Una preciosa mezcla de melodía, interpretación y sintetizados. ¿Será esta la base del próximo trabajo conjunto? ¡Sí, totalmente! Hacer ‘I Want For Nothing’ junto a Kinnship ya contenía la promesa velada de futuras colaboraciones. Además, puedes contar cuántas veces nos encontramos cara a cara por la cantidad de canciones que tenemos, porque cada vez que nos veíamos creábamos una tema que siempre terminábamos. Así que podríamos decir que esa facilidad de encuentro y de cola-

boración ha sido piedra angular de nuestro trabajo, también en este nuevo álbum que, como bien has constatado sobre la narrativa de nuestras colaboraciones, será una continuación sonora de la historia que ya contaba ‘I Want For Nothing’, llevando al oyente en un viaje a través del universo que ambos creamos entre texturas, voz y sonidos sintetizados.

Ahora tus obras reflejan más, esa obsesión por la textura donde investigas posibilidades entre sonidos procesados electrónicamente e instrumentalización; mientras que Kinnship aprovecha una estela de aspectos como nostalgia tecnológica y su voz en capas cálidas e impactantes que ahora también, desarrolla de manera más abstracta. ¿Veremos esta evolución más minimalista en este nuevo álbum?

No. No es algo que queramos plasmar en este momento, aunque Kinnship (cantante de voz excepcional y muy peculiar en tono) siempre acaba por tomar un amplio grado de presencia en las piezas. Esto podría suponer un problema para muchos, pero para mí resulta el aporte perfecto de equilibrio que unido a mi instrumentalización, termina por crear interesantes piezas de bellos paisajes sonoros… A veces muy enérgicos, a veces bastante relajados y en ocasiones disfrazados dentro de una estructura tradicional, pero compartiendo ese punto de libertad abstracta…

Creo que es momento de confesar algo: Aunque el álbum consta principalmente de elementos electrónicos, estoy tentado de deciros que parece un disco folk… ¡Ya lo dije! (risas).

En ‘Manor House’ junto al multi-instrumentista Iskra Strings, se muestra una mezcla de elementos electrónicos rudimentarios junto a música orquestal grandiosa y melancólica. Una rareza de gran carga dramática que deja entrever lo que será tu trabajo para cine pero, ¿cómo fue la escritura y locución de este EP? ¡Esto os va a encantar! Y es que todo comenzó un día de manera casual cuando Iskra se acercó a mí en plena calle tras el lanzamiento del mini álbum ‘Piano Pieces’. Entramos en un restaurante de lo más freak cerca de Finsbury Park y allí bebimos uno de los cafés más poco agraciados que he probado en toda la vida!. Uno de esos de recarga gratuita… Fue ahí, en ese preciso instante, sentados con ese horrible café como acompañamiento para ambos, donde tuve una de las más emotivas charlas musicales que recuerdo. ¡Una catarsis sonora en toda regla! A partir de ese momento, comencé a trabajar en los bosquejos de lo que serían las futuras partituras para piano que de manera sistemática enviaba a Iskra. Él, por cuenta propia y sin pensar en ello como “algo que sacaremos a venta”, o ni tan siquiera como algo que sería parte de un conjunto, compuso también algunos pequeños bocetos sonoros. Fue en esta época que, por casualidades del destino, Iskra se trasladó a mi mismo barrio, Manor House, que da nombre al mini álbum. Durante una de aquellas tardes en mi casa decidimos hacer algunas grabaciones de Iskra al violín, como puente entre mis bosquejos y los suyos. Unos meses más tarde, se agregaron también otros pequeños elementos, lo que desencadenó en un proyecto al siguiente nivel, íntimo a la par que vanguardista.

Tiene un total de cuatro temas en castellano, que fluctúan en algún punto entre pop alternativo y electrónica, en el que también aparece el británico Louis III. Este trabajo se lanzará en primavera. Así que el álbum junto a Kinnship verá la luz este verano y se titulará ‘Stones & Geysers’. Diez canciones con una narrativa que se asienta en la metafísica de las cosas y la interrelación con el ser humano, como la disyuntiva entre espiritualidad y tangibilidad como cualidad humana.

Siempre mezclas de manera excepcional electrónica y orquestación pero, sin asentarte en ningún género predefinido. ¿Eres el último de los informalistas dentro de la música? ¡Sublime! (Risas) A veces me gustaría tener la capacidad de centrarme más en un sólo género, creo que esto debe dar cierta sensación de tranquilidad, sobre todo cuando pensamos en una audiencia claramente definida o qué es lo que permite al artista establecerse más fácilmente dentro de un circuito o un estilo. ¡Pienso en esto al menos una vez todos los días! ¡Y la mayoría de días, es el mismo pensamiento el que termina con la agonía mental al darme cuenta siempre de que ese nunca seré yo! (risas). Cuando pienso en lo que quiero que mi música sea siempre dibujo un universo musical donde no hay dos ocasiones en que se tome un mismo camino y que, a la vez, comparto con oyentes dispuestos a sumergirse en sonidos inteligentes, más eclécticos y sobre todo más emocionantes y diversos. Siempre sorpresa.

Especialmente yo.

Tus obras son construidas con una narrativa muy particular y mucha habilidad a la hora de mezclar recursos electrónicos y arreglos orquestales, cualidades que abren las puertas de una industria ya conocida por ti como es la cinematográfica pero ¿Cuales son tus planes e ideas en esta vertiente?

Si todo va según lo planeado, estaré componiendo mi primera partitura de largometraje a principios de 2022, donde intentaré combinar elementos que podrían no estar conectados a primera vista. Lo que sí voy a adelantar es que el guion cuenta una historia de amor muy delicada entre dos personas de culturas muy diferentes que lleva a sus protagonistas a lugares completamente opuestos… ¡No puedo esperar para representar musicalmente estos contrastes! ¡Gracias por tu tiempo, Pablo! ¡A vosotros!

Aunque a veces pueden resultar oblicuos y poco obvios, tus trabajos son narrativos: todos hacen referencia a algo. ¿Cual será la historia del próximo álbum?

Antes de todo esto tengo otro lanzamiento también colaborativo, junto a la artista venezolana Emy Perez, llamado ‘Dime’.

La narrativa musical como formato de vida

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Traducción: PATRICIA PAREJA CASALÍ Foto: PAUL HAMPARTSOUMIAN

J DILLA Y EL TECHNO EN ‘B.B.E’

Cómo influyó el techno de Detroit en J Dilla y el track ‘B.B.E’ de su álbum, 'Welcome 2 Detroit'

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En vísperas del 15º aniversario de la muerte de J Dilla, BBE lanzó una edición especial de su álbum debut, 'Welcome 2 Detroit', impreso en más de 12 discos. Aquí, mostramos un extracto del libro que aterriza con el lanzamiento donde algunos de los colaboradores clave del álbum discuten sobre el track del álbum, ‘B.B.E.’, donde Dilla destiló el sonido de Kraftwerk y el techno de Detroit en un corte de tech noir… * La sección de entrevistas en este reportaje son un extracto del libro escrito por John Vanderpujie, que forma parte de la edicion 20 aniversario del disco ‘Welcome 2 Detroit’ de J Dilla, publicado en BBE Records el 5 de febrero.

El 26 de febrero de 2001, BBE lanzó "Welcome 2 Detroit", el álbum debut en solitario de James Dewitt Yancey, y el primer material bajo su alias de J Dilla.

Breve Nota Biográfica: James Dewitt Yancey (7 de febrero de 1974 - 10 de febrero de 2006), más conocido como J Dilla o Jay Dee, fue un productor musical y rapero estadounidense surgido de la escena del hip-hop underground de Detroit, en los años noventa. Fue descubierto por Amp Fiddler (Parliament/Funkadelic). Su carrera terminó abruptamente con su muerte, el 10 de febrero de 2006, tras las complicaciones derivadas de una rara enfermedad que padecía.

El álbum de 16 tracks incorporó la música del Detroit de Dilla a su sonido característico ya establecido, uno que hasta el lanzamiento del disco se basaba principalmente en patrones fuertes de batería que iban y venían, y melodías que lo compararon con John Coltrane. El disco también tenía características de artistas locales que lo rodeaban, incluidos Derrick Harvey (de Frank n Dank), Jason Powers (más conocido por su nombre artístico, eLZHi), Dwele, Phat Kat y otros.

Hablando de ‘Welcome 2 Detroit’, en la portada del álbum, Dilla dijo: "Peter [Adarkwah, fundador de BBE] me dejó hacer lo que yo quisiera. Quería poner gente allí que representara a Detroit líricamente. Porque no habría podido sacar este álbum si hubiera salido con una discográfica grande, una major. Porque no te van a dejar hacer una canción como quieras o no puedes hacer simplemente un instrumental.

Debes hacer la colaboración que ellos quieran y eres Jay Dee, ¿por qué no ibas a tener a Erykah Badu? ¿Por qué no tienes tal y cual en tu álbum? Hubiera tenido que pasar por todo eso, en lugar de simplemente sacarlo y fuera... ya sabes”.

En el momento de su lanzamiento, Dilla de 27 años ya había producido música para A Tribe Called Quest, Erykah Badu, De La Soul, The Pharcyde, Busta Rhymes, Common y muchos otros. Descrito por Black Thought, de The Roots, como el "beatmaker más talentoso que he conocido", Dilla tuvo un gran impacto en la carrera de un gran número de artistas, así como una influencia irreversible en el sonido del hip hop.

Para celebrar el 20 aniversario del álbum, BBE está lanzando una versión de edición especial de 'Welcome 2 Detroit',

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presentado en una caja de vinilo de lujo de 7”, con instrumentales, dos nuevas interpretaciones de Azymuth y Muro, mezclas alternativas inéditas y tomas de estudio descartadas impresas en 12 discos. El lanzamiento también aterriza con un libro que revela las historias ocultas del álbum contadas por quienes estaban allí. A continuación, tenemos un extracto donde algunos de los colaboradores clave del

Todd Fairall: "Creo que ‘B.B.E’ fue cortado al cien por cien en Studio A. Estoy bastante seguro de que el ritmo fue programado de antemano junto con el resto de cosas.

Creo que en el disco tan solo está tocando el teclado en vivo.

Luego añade todo tipo de efectos vocales en todas sus voces. Diciendo, "Big Booty Express!", y todos los efectos de tipo robot. Pasamos mucho tiempo creando esos efectos y automatizándolos, fue un track increíble“.

“¡Detroit es la cuna del techno! Por lo tanto, cuando Dilla hizo 'B.B.E.' ¡le dio al mundo una muestra de Detroit! " - Phat Kat

Elzhi: “Solo tiene sentido con un título, 'Welcome 2 Detroit', que enseñes diferentes lugares de la ciudad, musicalmente. Entonces, pensé 'B.B.E.' era una droga. Solíamos ir a un lugar llamado St. Andrew's Hall, también llamado 3 Floors Of Fun. La mitad inferior se llamaba Shelter y ponía hip hop los viernes. DJ House Shoes pinchaba junto con DJ Dez y DJ Slim Fast. Justo al lado de St. Andrew's Hall había un lugar llamado Legends, y también íbamos allí, donde tocaban música booty, Detroit tech, ghetto tech, y nos quedábamos allí porque al llegar a esta ciudad, también nos gustaba ese tipo de música. Entonces, cuando puso eso en el disco y lo llamó

álbum discuten el track del álbum, "B.B.E.", donde Dilla destiló el sonido de Kraftwerk y el techno de Detroit en un corte de tech noir.

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'B.B.E.', representaba totalmente el estado mental en el que nos encontrábamos, siendo nativos de Detroit”.

Phat Kat: “'B.B.E.' muestra cuánto inspira Kraftwerk a Detroit. Kraftwerk es muy importante en la ciudad, y ese disco era verdaderamente Kraftwerk-esco. De niño creces con Kraftwerk. Hace un tiempo, en Detroit todo giraba entorno al baile. Kraftwerk fue parte de mi infancia. No tenía ni idea de dónde eran. Si me dijeras que Kraftwerk era de Detroit, ¡lo habría creído! Así de grandes eran aquí en la ciudad. ¡Entonces, Jay le dio cuerpo! Gran parte de la producción de Detroit, house y techno, tiene esa influencia de Kraftwerk. ¡Detroit es la cuna del techno! Entonces, cuando Dilla hizo 'B.B.E.' ¡le dio al mundo una muestra de Detroit!”.

Big Tone: “Detroit es el lugar donde nació el techno, por lo que el techno – obviamente – aquí no es oscuro. El viernes, después del trabajo, encontrarás que una de las estaciones de radio de aquí está tocando instrumental, electrónica, techno o lo que sea, porque gran parte de la programación de radio se basa en sus promociones de los clubes. Por lo tanto, se dedican a preparar a la gente para que estén de humor para ir al club después de trabajar. Ha sido así desde que éramos niños. Por este motivo, 'B.B.E.' es como una oda a todo eso”.

Frank Nitt: "Tenemos un baile llamado Jit – basado en música techno –, en el que bailas muy rápido y se basa en el footwork. Cuando éramos niños, crecimos haciéndolo. Éramos nerviosos y bailarines de breakdance, porque éramos tipos de hip hop, pero estábamos en Detroit. Con esto quiero decir que podrías ser un gangster y hacer el Jit, y aún así ser un gangster (risas) ¿¡¿Sabes a qué me refiero?!? Fue un baile callejero. Las chicas lo hacían. Los chicos lo hacían.

Y si lo hiciste y eras bueno en eso, no importaba quién eras antes, ¡lo hiciste! ¡Ahora estás bien!

'B.B.E.', para mí, es música techno ralentizada, y digo ralentizada porque cogíamos una canción techno de 130-140 bpms y la poníamos a 45. En Chocolate City había un grupo de strippers, eran como un grupo que hacía fiestas y el nombre del grupo era The 45 Girls. ¡Sus rutinas estaban hechas con música techno a 45 bpms! (risas) ¡Sí! ¡Súper rápido!

Venimos de eso. En los clubes, una vez que las cosas se ponen en marcha, se escucha eso y la gente lo baila. Para mí 'B.B.E.' es eso, pero ralentizado! Es música techno, música de club de striptease, música Jit. ¡Pero bajó la velocidad para conseguir ese salto de Dilla!”.

Ta’raach: “Mientras estoy grabando y yendo hacia la casa de Jay, estoy haciendo cosas con Carl Craig al mismo tiempo. El remix que Jay hizo para Carl – 'People Make The World Go' Round (J-88 Remix)') – ¡fui yo quien los presentó!

Yo sabía algo de techno, pero no sabía que Jay iría en esa dirección con este álbum. Para mí, esta canción fue como si estuviera utilizando un metrónomo, la tenía tan alta de cojones y estaba enredando en torno a eso. Sentí que 'B.B.E.' era como una lección sobre cómo minimizar. Como si pudieras tener un metrónomo y un teclado y ser como (canta / tararea 'B.B.E.') esas bandas sonoras de Terminator o Vangelis. Una cosa así. Supongo que es de donde consiguió algunos de los primeros samples. Cuando puedas hacer lo tuyo, te inspirarás y querrás hacer una tú mismo. Sentí que esta canción era valiente”.

Dwele: “'B.B.E.' fue como una oda al Detroit de los 80. ¡Como si la cocaína se juntase con la yerba (sic), con la música, con la media noche y con neones y esas mierdas (risas)! Recuerdo que al principio me sorprendió que esto estuviera en el álbum, pensé: '¿cómo va a recibir la gente esta canción?'. Porque era muy diferente y no era lo que todos estaban haciendo".

Blu: “Cuando comencé a escuchar ['B.B.E.'], el tempo era tan lento que pensé, '¿A dónde vamos con esto?'.

Una vez que comienzas a escuchar música de Detroit, ¡fácilmente podrías terminar escuchando exclusivamente música de Detroit, tío! Muchos músicos vienen de allí. Si estás en el corazón de Detroit y te paras a escuchar qué es lo que suena, escucharás neo-soul, hip hop, gangsta rap y techno. Dilla captó todo eso en este álbum”.

Link noticia original: www.djmag.com/longreads/how-jdilla-distilled-detroit-techno-welcome-2-detroit-track-bbe

Karriem Riggins: “Fue increíble para Dilla hacer ‘B.B.E.'. Jay me animó a escuchar más música electro, aprendí mucho estando cerca de él y escuchando algunos de esos discos. Kraftwerk, Synergy, incluso algunas de las de Vangelis. Fue atrevido por su parte poner 'B.B.E.' en este álbum. Atrevido. Cada canción tenía una vibra diferente en 'Welcome 2 Detroit' y eso es lo que se necesita. Jay era polifacético, tenía un oído diferente y único que los músicos y productores normales no tienen. Esto significaba que podía tocar todos los géneros, y eso es genial. ¡Lo necesitamos, necesitamos colores y vibraciones diferentes!”.

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Autor: BEN MURPHY Traducción: PATRICIA PAREJA CASALÍ

Cómo la cultura del automóvil ha influido en la electrónica’ Los coches y la música han trabajado en conjunto durante mucho tiempo. Con géneros como el Miami bass y el trap, los coches han inspirado el crecimiento de las escenas, mientras que en el hip-hop, el gqom y el synthwave, la conexión es más matizada. Ben Murphy explora las conexiones entre la cultura del automóvil y la producción musical.

"Al estar en el sur de Florida, donde el clima es cálido y el transporte público no es de fiar, era necesario tener un coche para moverse", dijo el autor Dave Tompkins a WLRN Public Radio en 2016, al explicar la conexión entre el amor de Miami por los coches y la escena musical que lo acompaña. "¿Qué mejor manera de presumir de tu coche o sistema que teniendo estos sonidos?".

Desde la ciudad más grande del estado de Florida en la década de 1980, hasta Los Ángeles en la década de 1990, Newark en la década de 2000 y Durban, Sudáfrica, en la década de 2010, los automóviles han impulsado el desarrollo de muchos géneros de música dance y estilos de hip-hop. Piensa en las sub-ondas del Miami bass, o los golpes de bombo de 808 distendidos del trap; los ritmos rotos de los clubes de Baltimore; el rap sucio de la UGK de Houston; o

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los ritmos cortados, lentos y atornillados de DJ Screw. Todas estos estilos están diseñados para reproducirse en sistemas de sonido mejorados de coches – con los graves a la vanguardia – para poner a prueba sus subwoofers.

En una prolongación de la cultura del automóvil customizado, que tiene propietarios que personalizan rejas, spoilers y llantas de neumáticos, invierten en pintura de tonos dulces o añaden sistemas hidráulicos "low rider" a sus coches, la música ha influido en la forma en que los conductores modifican sus vehículos. A su vez, la forma en que se utilizan los coches – no solo para el transporte, sino también para la recreación –, ha inspirado el nacimiento de escenas musicales completas.

Esta simbiosis entre la cultura del automóvil y la producción musical está más representada en Estados Unidos, donde las grandes distancias hacen que tener un coche sea prácticamente imprescindible. “Los coches siempre han sido gran parte de la cultura estadounidense”, dice el pionero de los clubes de Jersey y productor de hip-hop /B-More, DJ Tameil.

"Desde que tengo memoria, desde los años 80 hasta ahora, los sistemas de sonido fuertes con muchos graves han sido imprescindibles para muchos en sus vehículos”.

EE.UU. tiene una famosa industria automotriz (Ford, Chevrolet o Tesla, solo para empezar), y los coches han sido durante mucho tiempo

parte de la cultura popular estadounidense, que se remonta a la iconografía de los autocines o las cafeterías nocturnas de la década de 1950. La modificación del automóvil que cambió la suspensión de los vehículos, permitiéndoles subir o bajar hidráulicamente, y así convertirse en "low riders", se inició en las comunidades latinas de Los Ángeles en los años 40 y 50, y posteriormente también se hizo popular en la cultura afroamericana. Esta personalización se celebró en el single "Low Rider" de la banda de funk War de 1975 y, desde entonces, la música ha tenido un vínculo intrínseco con los coches de Los Ángeles.

El hip-hop hizo especialmente explícito el vínculo en la ciudad. El corte de electro rap de 1984 de Egyptian Lover, 'Egypt, Egypt', tenía un bajo Roland TR-808, diseñado para probar los woofers de los coches y llevarlos al límite, mientras que en los 90, melodías como 'Let Me Ride' del Dr. Dre se jactaban de tener “16 switches” para un low rider y un video musical donde los coches ocupaban el centro del escenario. Las referencias al Chevrolet Impala o llantas Dayton salpicaron las letras de los MC de California, además de que el sonido del gangsta rap de la costa oeste tenía un aspecto más lento y soleado que su progenitor neoyorquino.

Esta variante de Los Ángeles fue impulsada por líneas de teclado onduladas, un ritmo lacónico y un bajo sintetizado diseñado para hacerlo sonar con volumen alto en vehículos lentos.

"El rapero neoyorquino Masta Ace, influenciado por este sonido en el coche, publicó hits como 'Sittin' On Chrome’ y el track de bajo electro sintetizado ‘Born To Roll’, con su letra “I got the woofers in my jeep” y el espectáculo de coches del video musical. La ciudad de Nueva York, para no ser superada por su rival californiano, popularizaría la idea de "jeep beats", es decir, tracks fuertes de hip-hop para escuchar el coche mientras patrullas las calles.

Miami, sin embargo, es la ciudad donde los coches se han entrelazado más con la cultura musical. La metrópolis de Florida dio a luz al Miami bass a mediados de los 80, un género inicialmente concebido como una respuesta a las escenas electro/hip-hop en Nueva York y Los Ángeles. Rápidamente, el Miami bass adquirió sus propias características distintivas.

Artistas como 2 Live Crew (y su productor, Dr ‘Mister Mix’ Hobbs), Maggotron. Dynamix II y MC ADE se centraron en una forma rápida y minimalista de música dance electrónica, con letras sexualmente sugerentes, una plétora de micro samples y, sobre todo, ritmos pesados de batería. Lo más destacado fue el componente del bajo: el inconfundible boom del bombo del Roland TR-808 fue el más apreciado. En el clima tropical hirviente, el Miami bass se podía escuchar bombeando en los coches de la ciudad, mientras los propietarios de automóviles competían por la supremacía de los sistemas de sonido. “Cuando apareció el Miami bass a principios de los 80”, comentaba el productor Bass Mekanik a Electronic Beats, “toda la experiencia del bajo se intensificó con tempos más rápidos y orientados al baile.

De repente tenías una fiesta sobre ruedas”.

Jubilee, miembro del equipo Mixpak y residente de Nueva York, creció en Miami y recuerda vívidamente la conexión entre la música y los coches allí. “Sabía más acerca de altavoces que el niño promedio de 10 años gracias a las letras de las canciones y los niños de mi clase estaban muy interesados en las revistas de coches, tenían hermanos y hermanas mayores”, dice. “Definitivamente hubo una gran cantidad de espectáculos de coches de alto nivel, pero personalmente creo que era más importante que hubiera un montón de Civics, Eclipses y Accords normales con sistemas en ellos, y un spoiler o llantas geniales. Fue algo increíble. Recuerdo que mi novio de secundaria tenía un hermano mayor, Rob Booke, que siempre solía recogerlo en mi casa, y se podía

escuchar su coche a una milla de distancia. Estaba rebajado y tenía luces de neón en la parte inferior. También creo que me introdujo a mucha música y conocimientos del bass, simplemente por estar literalmente sentada, al teléfono con ellos toda la noche, porque eran los años 90. Solían tocar cintas de bass sin letra que eran específicamente para su coche.

Cuando cumplí 18, me compré mi propio pequeño sistema para mi diminuto Toyota Paseo de dos puertas. Era un amplificador y dos altavoces Rockford de 10 pulgadas. Tengo ciertas relaciones con ciertas canciones por la forma en que sonaban en mi coche”.

Duelos de sonido La conexión de la escena con los vehículos fue inmortalizada por el exitoso disco del dúo de rap L’Trimm, ‘Cars With The Boom’ de 1988, una melodía que sonaba a golpe de 808 y que resonó en la ciudad. A medida que algunos propietarios de coches comenzaron a equipar sus maleteros con elaborados sistemas de subwoofer, surgió una cultura de duelos de sonido entre coches en los parkings, resultando vencedores solo los graves más grandes. A partir de esto, surgió una variante más especializada del Miami bass: el bajo de audio para coches. Productores como Bass Mekanik (Neil Case), criado en Jamaica, y el DJ Magic Mike, hicieron sus melodías específicamente pensando en los entusiastas del audio del coche, con bajos tan pesados que podrían romper altavoces inferiores.

"Todas las tiendas que se especializaban en equipos de sonido para automóviles vendían y usaban mis cosas en sus instalaciones", dijo Bass Mekanik a Electronic Beats. De los "duelos de sonido” no oficiales evolucionaron las competencias organizadas por la International Auto Sound Challenge Association, y estas batallas pronto se convirtieron en un deporte para los espectadores en la ciudad. "El hiphop contemporáneo ahora tiene que ver con el bajo, e incluso otros géneros como el rock, el country y el R&B tienen muchos más graves que hace 20 años", dijo también Bass Mekanik a Red Bull Music Academy. "Este deseo por los graves proviene primero del audio del coche”.

La proximidad de Miami al Caribe y la historia de la inmigración de las islas, especialmente Jamaica, con su plétora de estilos de música impulsada por los graves, puede ser una de las razones por las que se haya arraigado una cultura tan fuerte. Antes de mudarse a Miami,

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de los dueños de coches para conducir lentamente en sus “slabs” – a veces intoxicados por el potente jarabe de codeína, también conocido como 'bebida púrpura', y asociado con la escena. Surgieron grandes hits influenciados por este ritmo lento, llevándolo a lo mainstream, como ‘Still Tippin’ de Mike Jones: otra oda a los paseos en coche por Houston.

Bass Mekanik tenía su propio soundsystem de reggae, y todavía hace cosas de reggae, así como también graves de audio para coches.

La experiencia de crecer entorno a la cultura del automóvil en Miami todavía influye en el enfoque de Jubilee hacia la música. Necesita escuchar cómo suenan sus producciones en el coche antes de lanzarlas.

"Mudarme a Nueva York y no tener coche cambió por completo la forma en que escucho música", dice. “No puedo escuchar música como solía hacerlo en el metro, con los auriculares puestos. Cada cosa que produzco pasa por "la prueba del coche" antes de que esté terminada. He alquilado muchos coches en el pasado solo para escuchar mis propias producciones una y otra y otra vez mientras conduzco con las ventanillas bajadas”.

Lento, Fuerte y Ruidoso En el resto de los Estados Unidos, la cultura del automóvil ayudó a impulsar las escenas locales de hip-hop. En Houston, el fenómeno de los coches “slab” creció a la par que el movimiento del rap en la ciudad. Slab, un acrónimo de "lento, fuerte y ruidoso", denota tanto el estilo de los ritmos que se reproducen en los recorridos como el estilo elaborado del coche “slab”. Hechos a medida a partir de vehículos de lujo estadounidenses, con una suspensión baja, generalmente con llantas que sobresalían de los neumáticos (conocidos como 'swangas') y pintura de caramelo, los coches “slab” eran esenciales para destacar la variante local de hip-hop.

Las melodías de los raperos gangsta, Geto Boys, hechas con ritmos lentos y bajos marinados en la calurosa neblina del sur de Estados Unidos, sentaron las bases, mientras que UGK -otro grupo popular de Texas-, tuvo un gran éxito con 'Ridin' Dirty', su track que hacía referencia a evitar policías demasiado entusiastas mientras conducen con sustancias ilegales.

Pero fue la producción del difunto DJ Screw lo que realmente cambió esta versión del sonido sureño. Reduciendo los ritmos y los raps de las canciones populares de hip-hop a un ritmo apático, sus mixtapes, que comenzaron a ganar adeptos alrededor de 1995, sonaban como atravesar un mar de melaza, y al instante se convirtieron en la banda sonora

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A medida que surgieron estos estilos en Houston – siempre asistidos por la cultura predominante del automóvil –, en EEUU apareció otra variedad de mutaciones (o evoluciones) del hip-hop. En Memphis, el estilo crunk de Three Six Mafia, impulsado por riffs de teclado y 808, se hizo popular en los clubes de striptease, y pronto se escuchó emanando de coches en todo Estados Unidos. Artistas como Magnolia Shorty y Big Freedia, de Nueva Orleans, mezclaron ritmos electrónicos upbeat con gritos y raps, con uno de los mayores éxitos nacionales del género, ‘Choppa Style’ de Choppa, con el MC conduciendo y actuando frente a coches con pintura caramelo.

Sin embargo, es posible que la forma de hiphop más cercana a los coches que ha surgido en los últimos años sea el trap. Nacido en Atlanta y adoptado en el sur rápidamente, esta forma de rap redujo la velocidad de la batería a 70 bpm, con hi-hats duplicando la velocidad, sintetizadores, raps empapados en AutoTune y, lo más importante de todo: bombos de 808 lentos, creando un estilo de música súper bajo en el que la destreza del estilo de rima era menos importante que la presión sonora.

Ahora, en la forma dominante de producción de hip-hop en los EE. UU. (y en el resto del mundo), los beats del trap están calibrados para hacer vibrar coches y calles enteras. El trap es parte del linaje de ritmos programados que suenan muy bien en un coche, pero que están a años luz del sonido hip-hop original de Nueva York. Como señala Simon Reynolds en su artículo sobre el trap para The Face: “Cuando los sonidos del Miami bass y el bounce de Nueva Orleans, orientados a la fiesta, se fusionaron con letras de gangsta rap, nació el trap”.

Los productores de trap, como WondaGurl, JetsonMade y Kenny Beats, han perfeccionado el arte de la producción de bajos, mientras que los videos de artistas de trap a menudo presentan paseos futuristas: el éxito

“Cuando produzco tracks, no solo hago EQ y masterizo el bajo justo para mis monitores, sino que lo saco para probarlo en mi todo terreno y luego también en mi propio sistema de sonido o en un club, cuando pincho antes de lanzarlo” Tameil

de Migos en 2017, 'MotorSport', presentaba no solo coches ridículamente caros como el Ferrari Testarossa y varios tipos de Lamborghini, sino también un prototipo de coche volador, el Lyft.

Newark, también ha hecho tracks de Baltimore club y ha sido DJ y productor activo en la escena durante muchos años. En la ciudad, dice, se suele escuchar retumbando Jersey club en los todo terreno.

Mientras que el hip-hop ha ralentizado su ritmo considerablemente en los últimos 20 años, otros estilos locales de música dance con graves pesados en los EE.UU. han mantenido un ritmo más frenético. El Baltimore club, y su primo musical, el Jersey club, son estilos que surgieron de las pistas de baile de Maryland y Nueva Jersey, mezclando breakbeats recortados, samples de rave, house y rap, y nuevamente un bombo que funciona con la misma eficacia en las pistas de baile y en un set de ruedas. El video musical de UNIIQU3 para el track ‘Trunk' ilustraba la conexión entre los coches y el Jersey club: filmado en una tienda de coches rodeada de llantas, el track presentaba una línea de bajo acortada y una letra que ensalzaba las virtudes de un sonido a lo 'Badonkadonk’, como el de un bajo en un maletero”.

"¡Estoy esperando que las cosas se calmen un poco con la pandemia para poder comprar un nuevo sistema para poner en mi Nissan Pathfinder 2019, y así hacer retumbar las calles!", dice. “Los sistemas ruidosos y retumbantes todavía son valiosos aquí y todos los días se puede ver a la gente paseando con sistemas de sonido mejorados, tocando Jersey club y más. Los coches con sistemas ruidosos llegaron para quedarse“.

Uno de los pioneros del Jersey club, DJ Tameil, parte del equipo de Brick Bandits en

Al igual que Jubilee, Tameil necesita probar sus canciones en coches antes de lanzarlas.

Si no suenan bien en el coche, vuelve a la mesa de dibujo. “Cuando produzco tracks, no solo hago EQ y masterizo el bajo justo para mis monitores, sino que lo saco para probarlo en mi todo terreno y luego también en mi propio sistema de sonido o en un club, cuando pincho antes de lanzarlo”, dice Tameil. “Todo tiene que salir correcto, de lo contrario no me hace sentir bien. Puedo decir

que, para muchos productores de los géneros Jersey y Baltimore club, los kicks, las líneas de bajo, todo tiene que ser fuerte“.

Tanto el B-More como el Jersey club han creado locura en el baile local y los movimientos en Newark en particular sirven para mostrar cuánto influyen los coches en la cultura. “En Jersey, los bailes se remontan mucho más atrás, incluso antes de establecer este particular estilo de música de club y llamarlo 'música de club de Jersey', dice Tameil. “En los años 90 teníamos movimientos de baile populares como 'The Stolen Car Dance' o, como lo llamábamos en Brickz (Newark), 'The Lock It Up'. Ese término proviene de bloquear los frenos de un coche robado para hacer donuts, lo cual, no con orgullo, era algo increíble. Nos etiquetaron como 'la capital mundial del coche robado' por aquel entonces, porque tu coche podía ser robado en cualquier momento”.

Taxis En otras partes del mundo, la cultura del automóvil se encuentra con la música de formas más inesperadas. En Sudáfrica, donde el house y una variante regional, el kwaito, han sido géneros populares durante mucho tiempo, los servicios de taxi locales suelen popularizar las melodías. En Johannesburgo, el kwaito se hizo grande después de ser pinchado por los taxistas. Despreciados por las estaciones de radio, los productores de kwaito recurrieron a los taxis para exponer sus tracks. Dado que los taxis eran la forma principal de transporte para gran parte de la población que no poseía un coche, los pasajeros estaban expuestos a ritmos de 4/4. Eventualmente, el house se convirtió en el estilo de música dominante en Sudáfrica, y los taxis jugaron un papel importante en su auge.

En Durban, el fenómeno del taxi ha contribuido a elevar el perfil de otro género elec-

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trónico más nuevo de Sudáfrica: el gqom.

Caracterizado por su ritmo roto, golpes y bombo, además de las siniestras cuerdas de sintetizador, el gqom es un estilo más minimalista y mecanicista que ha acumulado muchos seguidores en Sudáfrica y en clubes de todo el mundo desde que surgió alrededor de 2012.

Como en Johannesburgo los productores de los municipios de Durban, como Citizen Boy, DJ Lag y DJ Mabheko, no pudieron reproducir su sonido en los clubes, pidieron a los taxistas locales que tocaran sus canciones. Cuando los taxis se dieron cuenta de que podían sacar provecho de tener las mejores canciones de gqom, entró en juego la rivalidad.

“Los taxis solían tener estos grandes subs”, dice el pionero y productor de gqom, Menzi.

“Todos querían demostrar que su coche era más ruidoso que el de los demás. Querían competir entre ellos, pero no tenían el sonido correcto – música que bombea, que tuviera sonidos mínimos, que fuese lo suficientemente fuerte – porque el house es un tipo de música suave. Empezamos a enviar la música a los taxis y empezaron a tocar el gqom. Los taxis empezaron a pedirnos canciones y se convirtió en una plataforma para nosotros.

La gente de otras ciudades sabría sobre ti, que hay un tipo que está haciendo esta música en Durban". El único otro lugar donde se podía escuchar el gqom en público en Durban era en las fiestas en casas, por lo que los taxis locales usaban los tracks más populares para impulsar el negocio, bombeando las melodías a todo volumen desde sus sistemas de sonido mejorados, creando otra simbiosis notable entre los coches y la música.

"Si estás tocando el sonido más popular, la gente querrá ir en tu taxi", dice Menzi. “Están atrayendo a la gente tocando música gqom". Aún así, señala que los taxistas pueden ser poco constantes cuando se trata de géneros, y el amapiano – otro estilo de deep house sudafricano –, se está convirtiendo en el nuevo sonido de los taxis en Johannesburgo y Pretoria. “Algunos géneros se están moviendo. Ahora hay un género llamado amapiano, y dicen que el gqom está muerto.

Queremos tener un sonido que pueda vencer al amapiano y que traiga de vuelta al gqom ”.

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Conducción Si bien estos diferentes estilos de música dance y hip-hop tienen un vínculo físico y real con los coches, hay otro género que los celebra de una manera más abstracta. El synthwave, un tipo de electropop melódico arraigado en la cultura de los 80 que hace referencia a todo, desde las bandas sonoras de John Carpenter y Goblin hasta videojuegos de 8 bits; bandas como The Human League y Visage; y películas de ciencia ficción y terror; también fetichiza ciertos coches y la conducción como un todo. La serie de Netflix, Stranger Things, y su banda sonora de S U R V I V E ayudaron a llevar synthwave al centro de atención, pero el primer momento de synthwave en lo mainstream llegó con la película Drive (2011) de Nicolas Winding Refn.

Centrándose en la redención heroica del conductor a la fuga de una banda criminal, la variedad de canciones de synthpop de moda en su banda sonora dejó en claro el vínculo entre las ruedas y los sonidos. Desde entonces, la iconografía de vehículos de lujo se puede ver en los videos de muchas bandas de synthwave y artistas que incursionan en

el género, como la megaestrella del pop The Weeknd, cuya canción 'Blinding Lights' aprovecha el sonido y tiene al cantante ardiendo en un elegante Mercedes AMG GT en lo visual.

El grupo galés Taurus (1984) presentaba un DeLorean en el video de su canción ‘Dream Warriors’, el coche futurista que se hizo famoso por viajar en el tiempo en las películas de Regreso al Futuro. Para Alastair Jenkins, de la banda, los coches antiguos aprovechan la misma sensación de nostalgia que insinúa el propio synthwave: esa idea de un pasado inalcanzable que quizás nunca existió en realidad en primer lugar. "Creo que los dos elementos de synthwave y coches retro son una combinación perfecta", dice.

“Estéticamente ambos se enfrentan entre sí.

Siento que de verdad se conecta con la idea de una forma de fetichismo retro o la persuasión de un pensador de la edad de oro: la sensación de que en otro momento fue más agradable visual o audiblemente, ciertamente entra en juego. Los vehículos de ese período de tiempo superaban los límites con sus apariencias y estaban muy influenciados por el futurismo. Juega con todo el aspecto de "fantasía" del género de crear este otro mundo, algo más futurista, pero simplista y estéticamente agradable. Neón, bajos arpegiados y coches bonitos. No digas más”.

Jenkins reconoce que el cine y la televisión, y la forma en que usaban la música popular durante los años 80, ha dado lugar al inevi-

table matrimonio de synthwave de imágenes retro y sonido. “Drive hizo grandes cosas por el género y lo hizo estallar en la conciencia general. Realmente fue mi primera experiencia con ese sonido (y sin duda la de muchos otros productores). Algunas de esas escenas son muy icónicas hoy en día. Ayudó a solidificar el matrimonio de los dos elementos; música de sintetizador moderna y la estética del coche en un solo pack. Películas como Risky Business, que cuenta con una maravillosa banda sonora de Tangerine Dream, también juegan un papel importante en esta relación entre sintetizadores y coches magníficos (ese Porsche 928). En Miami Vice (la escena con ‘In The Air Tonight’ de Phil Collins podría ser el primer ejemplo verdadero de la unión de sintetizadores y coches increíbles) puede citarse como otro factor en el desarrollo de la apreciación.

“Si ves muchas películas o programas de televisión de la década de 1980, notarás que los coches juegan un papel importante en muchos clásicos de la época, casi tanto como lo hacen algunos de los personajes principales”, continúa. “Mira ejemplos como Regreso al Futuro, Ferris Bueller's Day Off, Christine, The Wraith y Knight Rider, por nombrar solo algunos. En estas películas habría grandes tomas conduciendo acompañadas de música genial dirigida por sintetizadores para crear esta atmósfera increíble y tentadora, que supongo que muchos de nosotros estamos tratando de hacer referencia y desarrollar“.

Una iteración menos glamurosa – pero igualmente notable – de la conexión entre coches y melodías es cómo los jóvenes conductores consumían vorazmente los packs de cintas rave en el Reino Unido a principios de los 90. Tocar un mixtape de Helter Skelter o Dreamscape o una compilación "Bonkers" en tu propio coche fue una perspectiva seductora para muchos conductores, lo que les dio una ventaja adicional de prestigio a quienes se pusieron al volante por primera vez. Una buena proporción de productores de drum & bass y de garage del Reino Unido también probarían sus nuevas melodías en sus motores. En última instancia, la razón por la que los coches y la música van de la mano es la sensación de libertad que imparte cada uno: hay un sentido de movimiento y escapismo presente al conducir o bailar, o incluso simplemente al escuchar música.

Dado que la COVID-19 no muestra signos de desaparecer, los conciertos en autocine o los eventos de baile apuntan a otra nueva forma en que los coches y las canciones puedan ir juntos, e incluso puedan ayudar a la música a sobrevivir a pesar de la crisis actual.

“En este momento nadie puede ir a ningún lado debido a la pandemia”, dice Jubilee.

“Pero puedes encontrar ciertos lugares en Nueva York los fines de semana, donde puedes ser testigo de los ruidos de coche más salvajes. Coches con altavoces a todo volumen en la parte superior, y hookahs por todas partes, debajo de un puente al azar.

Incluso en este momento tan difícil, la música todavía tiene la capacidad de unir todo”.

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C R Í T I C A S

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L A

S E L E C C I Ó N

D E L

D I R E C T O R

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

SPECIAL REQUEST DJ Kicks

!K7 Records Special Request – alias de Paul Woolford – llega al icónico sello !K7 presentando una bomba de DJ Kicks. Como no puede ser de otra forma, esta bestia de 25 tracks viene curado con el máximo mimo y cariño por parte del artista, mezclando sus favoritos de ayer y hoy, con varios edits exclusivos incluidos. Pudiendo disfrutarse tanto por separado como en el tradicional mix continuo (al que hemos tenido acceso), se trata de un trabajo que puede disfrutarse en cualquier parte y que nos lleva en un viaje único a través de la mente musical de Woolford en su vertiente más variadita. Grandes highlights de Sun Ra, Kristal Klear, Speedy J, Four Horsemen Of The Apocalypse y el propio Special Request. Corred, que vuela

VVAA LA OLA INTERIOR Spanish Ambient & Acid Exoticism 1983-1990

INDIRA PAGANOTTO Yellow Lambo Octopus Recordings

Bongo Joe

Bongo Joe publica el próximo 5 de marzo esta bestialidad de VVAA. Bestialidad porque pone sobre la mesa una faceta de la electrónica española casi totalmente desconocida, producida entre 1983 y 1990.

Son 20 tracks de un periodo realmente fértil de experimentación sonora, que arroja luz sobre la cultura creada en torno a las cintas, inspirada por el exotismo del ambient y la música africana y asiática, catalogado como ‘música discreta’, post movida. Este trabajo de curación a cargo de Loïc Díaz Ronda se centra en esa música ambient inspirada por Brian Eno o John Hassell y presenta destacados como Mecánica Popular, Finis Africae, Javier Segura, Esplendor Geométrico o Mataparda, entre otros. Un tesoro para los melómanos.

Indira Paganotto sube enteros a cada release que saca. La productora y DJ madrileña se está confirmando como una de las nuevas joyas de la electrónica nacional y ahora trae este single, enmarcado dentro de una compilación más grande titulada ‘Invisible Connections’, curada por ella en el sello estadounidense Octopus Recordings. El trabajo presenta 15 exclusivas de Fatima Hajji, Simina Grigoriu, Loco & Jam, Aardy o la propia Indira, como este ‘Yellow Lambo’: un track de techno a altas revoluciones, con atmosferas profundas y distópicas, casi psy-trance y rave, que nos llevan en un viaje un tanto misterioso y sin paradas por la paleta sonora de Indira. Un track perfecto para bailar hasta la extenuación. Mucha atención a Indira este 2021…

HEX Half Cut EP

CATERINA BARBIERI Fantas Variations

Free Love Digi

Editions Mego

TADEO

Para quien no lo conozca, ‘Fantas’ es el track épico de apertura del ‘Ecstatic Computation’ de 2019 de la afamada Caterina Barbieri. El original es pura magia, que adentraba al oyente en un viaje sonoro sin igual. Ahora, Editions Mego publica sus ‘Variations’, que vienen a ser ocho remixes de artistas muy diversas, que reinterpretan este mega éxito de Barbieri en diferentes claves, mezclando estilos y proventientes de puntos geográficos, creando así una nueva amalgama más sostenible e inclusiva en cuanto a géneros y generaciones. Entre los highligts: Baseck, Kali Malone, Kara-Lis Coverdale o Bendik Giske. Un trabajo variado, de introspección y experimentación sonora. El primer single salió el 19 de febrero y el resto del trabajo saldrá a principios de abril.

El artista británico Hex nos trae este Half Cut EP, en el que el drum & bass más puro y duro hace acto de presencia. Para los entendidos, se trata de casi un mini álbum de half time de altos vuelos, habiendo sido compuesto casi enteramente durante el primer confinamiento que vivió Reino Unido el año pasado. Influencias de todos los colores: mucho sonido rave, toques hip-hop, mucho acid… Sin duda el destacado viene a ser ‘Caffeine Shuffle’, con esos maravillosos efectos sonoros alienígenas, que se desarrollan bajo una clara influencia de la fórmula halftime que tan bien ha desarrollado Hex en este EP. Disponible en Free Love a partir del pasado 26 de febrero.

01. Orbe ‘Beyond Our Ability’ [Axis] 02. Tadeo ‘Faces & Mirrors’ [Axis] 03. Truncate ‘DTW 2 LAX’ [Token] 04. Tadeo ‘Curiosity A Human Condition’ [Axis] 05. RPTLS ‘Untitled’ [Another Intelligence Digital] 06. Jon Hester ‘Converge Part 2’ [Rekids] 07. Yant ‘Hydro’ [Blackaxon] 08. Eva Swan ‘Vogel’ [Eva Swan] 09. LSD ‘Second Process’ [LSD] 10. Banke ‘Facelift’ [Token]

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

UNSOUND Intermission Unsound

Si el Barça es ‘Més que un club’, el Unsound es, desde 2003, más que un festival de música.

Dentro de su constante desarrollo ha llegado el momento para una nueva reinvención aprovechando el obligado parón. Cumplen de hecho un sueño: la publicación de un 2x12’ el cual se acompaña de un libro. Una cápsula del tiempo en formato doble donde redescubrir la historia de este enorme proyecto multidisciplinar. Memorias, poemas, voces sobre el racismo, la ecología… todo bien regado por la música de artistas como Ben Frost, Tim Hecker, Slikback, Nicolás Jaar o Jlin & SOPHIE (de hecho el álbum le rinde tributo a ella; la amaban, llegando a actuar en la edición junto al Vístula en 2014 y 2018, y en la de Nueva York en 2020).

WAYWARD Waiting for the World

HUGO MASSIEN Metamorphosis

Silver Bear

E-Beamz

Otro de los grandes ‘favoritos’ de este mes. Suenan pero que muy bien Louis Greenwood y Lawrence Hayes en este formato dúo bautizado como Wayward. Un montón de recuerdos y diversas modalidades en el flamante ‘Waiting for the World’. La vertiente melódica coquetea con géneros electrónicos como el drum’n’bass / jungle, UK-hardcore beats, dub y techno. Uno de esos LP donde se explica perfectamente como lo ideado a lo largo de los 90s casa perfectamente con sonidos sintéticos más actuales. Ese logro queda evidente en ‘Ridge Road’, ‘Canvey Island’, ‘Bright’ o ‘Back To The Old Days’. Cito cuatro que a su vez demuestran muy bien la diversidad a nuestros oídos de este disco.

Que por cierto, también está narrado con un estado anímico muy recomendable.

Hugo Massien se ha tomado muy a pecho lo de aprovechar este primer LP para explorar su vasto abanico. El ahora residente en el Reino Unido se ha labrado durante poco más de un lustro una más que interesante carrera como productor. Siempre se ha llevado a las mil maravillas con las notas graves, retales ‘raveros’, tintes ácidos y mucho wonky beat. En ‘Omnipotent Love Energy’ queda claro. También en la singular y atractiva ‘Outer Space Jam’. Pero este álbum de debut va un pasito más allá. Es por eso que escucharemos sonatas atmosféricas (‘God Knows We Tried’), UK-garage housero de nuevo cuño (‘Fast Lane’), electro visceral y melódico (‘Unpowered Descent’) e incluso IDM como la facturada por Telefon Tel Aviv a principios de siglo (‘Different People’).

IRAKLI MAJOR SIGNALS

JUS KNO’ Looped Circles

Dial Records

Faneca

De cuantísimas cosas me he enterado mientras escuchaba este álbum y me informaba de su autor: Irakli. Un georgiano que manipula drones y es un pillao de las computadoras. ‘Major Signals’ nos propone una historia resumida en 11 canciones donde destapa como dos supuestos informáticos reciben señales en sus pantallas para dejar a un lado la monotonía del día a día y ser hechizados finalmente por la música. En este sentido el LP está repleto de sonidos espaciales, hipnóticos, eléctricos y curiosos. Un repertorio entre el escapismo y el techno minimalista donde destacan piezas como ‘Surface’, ‘Memories’ y la que presta su título al largo. Nada despreciable tampoco cuando aparca el BPM y nos sumerge en el beatless de ‘Forever’ o ‘Black Windows’.

El dúo formado por los asturianos Alex Aller y Pablo Villanueva – Jus Kno’ – y esto desde que descubrí aquel ‘.enough.of.you’, me han tenido siempre atrapado y en estado de alerta. La espera hasta catar este primer LP ha merecido la espera. El binomio audio-visual deslumbra con un trabajo discográfico de 9 cortes, a cual más mágico y trascendental.

‘Hole II’, ‘A Place for Us’ o ‘Winden’ son, por ejemplo, pistas donde el palpito electrónico se abraza con las atmósferas y el sentimiento. Si uno no siente cosquillas con estas piezas, que se lo haga mirar. La caminata del buen gusto continúa con ‘Hole’ o ‘Contact’, donde el techno melódico nos pellizca. Lúcidos también a la hora de encarar texturas más ‘cósmico-urbanitas’ (‘A Place for Us’).

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C R Í T I C A S

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

MAËLSTROM Rhizome

SKATMAN Aromanticism

RAAR

Scatcity Records

Otro inmenso remolino de sensaciones nos acecha en el nuevo largo del galo Maëlstrom. En ‘Rhizome’ arremete de nuevo con su particular manera de domar soniquetes industriales con atmósferas techno muy oscuras y profundas. Construcciones puntillosas, realmente absorbentes. Así se desgrana en cortes como ‘Looking at the Protocol’ o ‘Katydids’. En ellas entrelaza lo ambiental con el minimalismo osado.

Mención aparte para los puñetazos electroides que encontraremos en títulos como ‘Maalish’ o ‘Tsuga’. Realmente sombríos y poderosos, porque en este disco los ritmos marcados, y sus respectivas brechas, tampoco se quedarán atrás. Mucha presión y potencial en el tramo final gracias a la sacudida seca de ‘Latent Learning’. En definitiva, Mael Péneau en su esencia más paisajista, vigorosa y futurista.

Skatman (Aziz Haddad) nos manda un saludo desde Berlín. Es donde se ha currado ‘Aromanticism’, su primer álbum de estudio tras unos cuantos EP incluyendo ‘What is Real’ en Innervisions. Ahora se lo guisa y come él mismo, ya que lanza por su propia discográfica. Musicalmente nos encontramos con un trabajo muy definido. Techno-house masterizado con profundidad, así como mucha chispa sintetizada con melodías más o menos reconocibles. Y digo esto porque a veces gustan de ser caóticas (‘Moonlight Shadows’). Todo lo contrario se percibe en ‘Sophie Maria’, donde son hermosas y muy exigidas. Aquí mismo se oirán percusiones tradicionales de su país de origen, Túnez. Y no será la primera vez a lo largo del LP.

SMALL TOWN TWIIN The Trees That Held Up the Sky

TIA-MELLOW Memories

Bigger Deer

TIA M Records

El mancuniano Kinrade, quien solía desmembrarse pinchando progressive en los 90 y desafiando a todos con su techno underground de bombo atlético, llega con nuevo alias. Pues bien, olvida todo eso en su nueva propuesta, porque ni lo oleremos a lo largo de los once cortes que componen ‘The Trees That Held Up the Sky’. Un disco de electrónica, pero con la sana intención de evadirnos y hacernos reflexionar.

Small Town Twiin se crece ante la adversidad del momento desafiándose a sí mismo con este nuevo comienzo mucho más sosegado. El disco nos diluye desde ambientes exóticos (hindúes en su mayoría como ‘A Branch Beyond’) o techno lentorro del que te agarras y no sueltas como un mono a una rama (‘Delta Rain’). También viajes espaciales como ‘Roots’.

De momento este disco contiene uno de los temas que más me han gustado en lo que llevamos de 2021. Es ‘Happiness’, una espectacular composición con todo lo que suena muy bien aseadito. Rareza electrónica en su perfil más tentador. La base rítmica, con cuerpo, pero jamás empujando de más. Este napolitano que reside en Londres le añade ligeras melodías y muestras vocales tuneadas que lo terminan haciendo distinto. Esto último es una constante, aunque nunca logrando seducir tanto como en la primera ocasión. Denotamos en su sonido una querencia por la imperfección de lo analógico. También por las texturas granuladas y por hacernos bailar con malabares y patrones electro salidos de cacharros como la Roland Aira TR-8S. ‘Anything’ nos valdría en este sentido.

RAFFAELE ATTANASIO Nuovo Futuro Axis

Menudo debut el del italiano Raffaele Attanasio en el sello de Jeff Mills. Fascinante despliegue de fusión.

Modernidad electrónica bien curtida entre instrumentación clásica (piano, bajo, Rhodes) y certeros detalles de jazz luminoso. Enriquecedora escucha. Hacía mucho tiempo que no disfrutaba tanto con un disco que bien cabría en ese término acuñado hace décadas como es el nu-jazz. En esta ocasión todo vibra y se combina de una manera exquisita. Exigente. En ‘La città gioca d’azzardo’, y bajo la batuta del house orgánico, se respira mucho virtuosismo al teclado. Los colores se enfrían y se visten de techno detroitiano en ‘Equilibrio Dinamico’. Puro ángel. Y bueno, de ese modernismo jazzero con dinamismos rotos, pistas como ‘Indagini Sospette’ o ‘Invito a cena’ se llevan mi más sonora ovación.

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C R Í T I C A S

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B R E A K S

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

SERGEI ORANGE & KELLE Exit

Rune Recordings El sello RUNE Recordings presenta el nuevo álbum conjunto de dos de sus artistas residentes, el productor bielorruso Sergei Orange y el productor húngaro Kelle. Una alianza musical que dará mucho de qué hablar este año. Su álbum, titulado ‘Exit’, incluye una amplia variedad de estilos breakbeat, desde nu skool breaks, techfunk y tearout, hasta psytrance y nerofunk. Recomendamos desde estas páginas sus anteriores álbumes en solitario, también desde RUNE. Por un lado, ‘The Newer World’, de Sergei Orange, del que ya hablamos en 2016, y por el otro, ‘Revolution In You’, de Kelle, publicado el pasado año. Destacando de este último los geniales ‘No Escape Anymore’ y ‘Cocoon’. Tampoco te puedes perder los EPs ‘Streets of Rage’ de Komainu y ‘Double Vision’ de Double Negative.

ODEED Rockin With The Breaks (Remixed)

CALIFATO ¾ La bía en roça

ONE7AUDIO

Breaking Bass Records

ONE7AUDIO publicaba el pasado año ‘Rockin’ With The Breaks’, un EP del productor estadounidense Odeed. Después de una larga temporada sin lanzar material, desde sus publicaciones en los años 2000 por el sello Moonshine Records, el de Bakersfield, California, vuelve con las pilas cargadas. En esta ocasión se trata de la versión remixed de este trabajo, a cargo de The Harem King, EvilSound, D-Fast Beats, KonnFormm, Tone Abstract, Oscure, Pete Wilde y Axion Jaxon. Destacar también algunos lanzamientos potentes de esta misma casa, como son ‘Gangsta’ de Criss Conflict, ‘Too Much Acid’ de Odeed, ‘All I Want (Odeed Remix)’ de DECIBEL, ‘179’ de Sergeant Muller, ‘Sad Sonata’ de SellRude, ‘Lookin’ At You’ de Shade K o ‘Like We Used To’ de GreenFlamez.

Califato ¾ es una formación compuesta por The Gardener, Esteban Bove, S Curro (SKLT SLKT), Stay Puft (BSN Posse), Lorenzo Soria y Digital Diogenes. Estos Avengers de la música electrónica andaluza nos sorprendían en 2019 con su álbum debut ‘Puerta de la Cânne’, donde combinaban electrónica con músicas enraizadas en la tradición popular, creando un folklore propio que mira hacia el pasado y hacia el futuro. El pasado 28 de febrero lanzaban su segundo álbum, titulado ‘La Contraçeña’, poco después de lanzar su penúltimo adelanto ‘La bía en roça’. Este tema, el más pistero y enérgico del álbum, es una oda a la cultura rave de los 90s con una producción muy top.

INFINITI Discography

BEBER Discography

Alterednation Recordings

Bandcamp

MARIBEL

(WOMAN DJS)

Originario del sur de Florida, el DJ y productor Scott Christina, alias Infiniti, es uno de los máximos referentes del breakbeat estadounidense. Lo que comenzó con un teclado Roland W-30 con solo 16 años, evolucionó naturalmente hacia un amor profundamente arraigado por la música electrónica. Aunque sus influencias van desde el funk de los 70 hasta el new wave, su sonido es propio y característico. A través del sello Alterednation Recordings, Scott está trayendo de vuelta todas sus producciones atemporales a la audiencia musical de hoy, brindando la oportunidad de hacernos con clásicos como ‘2001’, ‘Motormouth’, ‘Make The World A Bitter’, ‘You Know Who You Are’, ‘Children of the 80’s’, ‘Running Away’, ‘Africa’, ‘Move Over’, ‘The Red Pill’ o ‘I Do Both Jay and Jane’.

Otro mítico artista que está trayendo de vuelta su discografía a la era digital es el DJ y productor inglés Kevin Beber. En este caso la plataforma utilizada por el artista es su propia cuenta de Bandcamp, donde podemos encontrar una buena selección de su discografía en solitario bajo el alias Beber, su LP ‘Suite Beat Boy’ bajo la formación Beber & Tamra, junto a Tamra Keenan, publicado en 2002 por el sello Mob Records, y otros tantos trabajos bajo otras formaciones como Uptown Connection, junto a Danny McMillan, 9 Nickel, junto a Mike James, Amphibianz, junto a Tayo, o Street Technique y Tsunami One, junto a Adam Freeland, con joyas como ‘Hip Hop Phenomenon’ o el remix al track ‘Nothing Left’ de Orbital.

01. A-Zone, Aphrodite ‘Calling The People (Freestylers Remix)’ [Aphrodite Recordings] 02. Beyond Therapy, EchoFly, Angie Brown ‘Higher (Beyond Therapy Mix)’ [Champion Records] 03. Bonobo, Totally Enormous Extinct Dinosaurs ‘Heartbreak (Original Mix)’ [Outlier] 04. Alien Rave ‘Crazy (Original Mix)’ [Alien Rave Beats] 05. Hankook ‘Distorsion (Original Mix)’ [Distorsion Records] 06. Prospa ‘Control The Party (Denham Audio’s After Party Mix)’ [Polydor Records] 07. SevenG ‘Super Dark (Original Mix)’ [FunkTasty Crew Records] 08. Solardo & Rowetta ‘Enough (Original Mix)’ [Ultra] 09. Aphradan ‘Strut (Rasco Remix)’ [Aphrodite Recordings] 10. Mutantbreakz ‘The Soul Noise (Original Mix)’ [Guachinche Records]

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D R U M

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B A S S

Autor: ROHAN G. FINGER / finger@djmag.es

CILAND & B-SCIENCE So Good

DNBB Desde tierras chilenas llega el día 8 de este mes la próxima referencia del más que prolífico label brasileiro DNBB. Un EP coproducido por nuestro buen amigo Ciland, junto a B-Science y el veterano Bristol, donde encontramos cuatro grandísimos y fresquísimos temas repletos de funk, soul y buenas vibraciones. ‘How do you Do’ y ‘Be round’ representan fielmente un sonido liquid más clásico repleto de instrumentaciones y calidez, mientras ‘Baby Im Lonely’ da, aunque con atmósferas deep, un toque más rolling, y subiendo el voltaje. ‘So Good’, tema que da título al trabajo, nos pone totalmente en órbita con un drop de puro tech funk rolero, sobre el que navegan voces souleras dando como resultado un elegantísimo rompepistas.

ELIOTT SALOMAN Jungle Minimalist

QUADRANT & IRIS Libation EP

In:Deep

Guidance Music

Primera referencia del año para el sello británico In:Deep, con el EP debut del que hasta la fecha era un completo desconocido para esta redacción, Eliott Saloman. Potentísima puesta de largo como productor para este experimentado DJ del suroeste de Inglaterra, que nos trae un EP muy serio, que bajo el título de ‘Jungle Minimalist’ recoge cuatro fastuosos cortes. En el tema que da nombre al trabajo y que también lo abre, encontramos como bien advierte el título, jungle profundo y minimalista de tintes oscuros; de igual manera en los titulados ‘Necropolis’ y ‘Rebellion’, siendo ‘Think You Love’ el contrapunto, con un enfoque más hedonista, por las gentiles frases piano y las vocales femeninas subidas de pitch al mas puro estilo hardcore de los 90s.

El sello fundado por el dúo Ulterior Motive, Guidance Music, da la bienvenida a otro inquietante par, los norteamericanos Quadrant & Iris, que desembarcan armados hasta los dientes con ese funk de la costa oeste que tanto les caracteriza. Aunque quizá en este ‘Libation EP’ se adentran en territorios inexplorados mostrando una faceta menos tecnológica y contundente, el dúo de Seattle mantiene esa potencia innata dirigida a la pista de baile que hace que sean unos de los capos a nivel mundial del techy dnb. El trabajo lo integran cuatro tracks, ‘Cold brew’ y ‘Aperol’, quizá los que más resaltan a priori por su presencia y sólida energía, ‘Aeropress’ y nuestro preferido ‘Fernet’, por aportar profundidad aunque con enfoques muy distintos.

VVAA Soul & Bass II (Boombassbrothers Remix)

DUNK Bad Trip Trust Audio

Deeper Vision Recordings

SILLY TANG

En julio de 2019 vio la luz la primera entrega de Soul & Bass, trabajo colectivo de larga duración del sello neoyorkino Deeper Vision Recorings. Pues bien, el día 19 de este mes ve la luz su segundo episodio, donde a través de quince temas, los cofundadores de Deeper Vision (Ted Ganung y Anthony Granata) han trabajado junto a otros productores como E-lisa, Furney, Mayfroms o, nuevamente, nuestro querido mexican liquid master Mukiyare, y la vocalista catalana Lady EMZ (aunque la gran mayoría de temas del LP son suyos). Desde que el sello empezara su andadura allá por 2012, siempre han sido fieles al drum & bass más líquido y soulful, así que si este es tu rollo, no debes dejar pasar este release.

La escudería británica propiedad de Trex y Qu3st, Trust Audio, lanza su primer trabajo del año engrosando su catálogo con la que será su decimoséptima referencia en el mercado. En esta ocasión han contando con el productor brasileño Dunk, 50% del poderoso dúo Jam Thieves, que ha estado bastante activo el año pasado lanzado música en sellos como Program, Dispatch o Audio Addict, y al que le espera un agitadísimo 2021. ‘Bad trip’ da título a un maxisingle de dos cortes, donde en el tema principal encontramos baterías glitch, bajos exuberantes y sintes procesados con un resultado en conjunto realmente psicótico. En consonancia sonora pero con un ritmo más rolero, ‘Supreme Dream’, completa este desayuno lisérgico a base de bajas frecuencias.

01. Mikal ‘Journey into Reverb’ [Metalheadz] 02. Dub Phizix ‘Game Over’ [Senka] 03. The Many Hands Of God ‘Gallery S’ 04. Kid Drama ‘Eveready ‘ [31 Records] 05. P-Tay: Fall down on me [Relick Records] 06. Audiomission Subcriminal ft Lutan Fyah & Da Fuchaman ‘Pressure Dem’ [Run Tingz Recordings] 07. Philth & Wreckless ‘Persistense’ [Dispatch Recordings] 08. Bladerunner Feat D.Mind ‘Zion’ 09. Serum ‘Riifs’ [Souped UP Records] 10. Fak Scratch ‘Bamba’ [Melting Pot]

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C R Í T I C A S

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T E C H N O

Autor: MUGNI / mugni@djmag.es

TEMUDO Klockworks 31

Klockworks Joäo Rodrigues más conocido como Temudo debuta en el release numero 31 de Klockworks, el ya conocido sello de Ben Klock. Para ello presenta cuatro temas orientados a la pista de baile, donde se puede apreciar la precisión y el equilibrio de una producción muy cuidada. Es cierto que añade tintes modernos en cuanto al enfoque de los sonidos, pero mantiene una sensación bastante clásica y con ello consigue como ya he dicho, un equilibrio muy cuidado. Si necesitas, por la razón que sea unos temas enérgicos que hagan moverse a todo bicho viviente, este es tu disco. Si esperas descubrir solidez también. Si tienes una colección de tools también te vendrá bien.

Ø [PHASE] Before This

VVAA Sixth Contact EP

Modwerks

Close Encounters

El señor Ashley Burchett se despega del sello Token, para presentar su propio sello Modwerks. No solo se despeja del dicho sello, sino que también de alguna manera pretende dar un cambio a la música que ha venido presentando. En realidad es una jugada que no gustará del todo a muchos, ya que comienza a atisbarse un gusto por las melodías y riff de bajos fáciles, acercándoselo peligrosamente al trance. Si su idea es romper con lo anterior, lo consigue; pero quizás haya perdido algo por el camino. En cualquier caso te recomendamos su escucha y que juzgues por ti mismo, ya que es un álbum y los álbumes necesitan de su tiempo de reposo para ser valorados justamente.

Este mes se presenta la nueva propuesta del Subsello de 30Drop.

Dicho sello, Close Encounters, está destinado a presentarnos música de diferentes artistas dentro del género del sci-fi techno y abriendo un poco el abanico del mismo a enfoques un poquito más agresivos. De hecho esto es lo que nos encontramos en esta propuesta. Cuatro temas por parte de Hekum, Jiman, Omnoa Vox y Téo Dréan , que nos traen composiciones que quizás pueden funcionar en la pista de baile. Todo dentro de una presentación medida y justa para tiempos injustos. Esperemos que este sello siga presentando propuestas, porque parece que puede labrar algo bueno, ya que esto quizás es el aperitivo.

PFIRTER & OLIVER ROSEMANN Beta Stockholm LTD

ROLANDO

Hace tiempo que no teníamos constancia de que Stockholm LTD (el sello de Par Grindvik) estuviese presentando nuevos trabajos.

A este le cuesta arrancar, quedándonos solo con la mitad del disco.

Muchos loops y todo sonando muy old skool. Dicen los artistas que el proceso ha sido como un live act, y quizás allí reside el problema.

Cuando un artista graba un live y lo publica, se denota demasiado la falta de control del tiempo y la demasía en cuanto a la sensación engañosa del “todo vale”. Si este disco hubiese sido madurado un poquito más, estaríamos hablando de un gran trabajo.

01. Subradeon ‘We Are Resilient’ [Subradeon Germany] 02. Orlando Voorn ‘Internal Destination’ [Kompakt Germany] 03. Temudo ‘Klockworks 31’ [Klockworks Germany] 04. Truncate ‘DTW 2 LAX’ [Token Belgium] 05. Shlomi Aber ‘Tilim At Night’ [Be As One] 06. Subradeon ‘Breaking Down Borders EP’ [Sous Germany] 07. VVAA ‘AEX 014’ [AEX Holland] 08. VVAA ‘KL 20IN20B’ [Klakson Holland] 09. Radio Slave ‘Variations’ [Rekids] 10. Robert Hood ‘Nothing Stops Detroit’ [Rekids]

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C R Í T I C A S

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E L E C T R Ó N I C A

Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS / carlos@djmag.es

VVAA Compilation Vol.1

ODD Pleasures Various Artists Compilation es el primer lanzamiento del nuevo sello berlinés ODD Pleasures, que incluye música de Alvee, Random Atlas, Persona RS, Marzian, Ludviq, Javier Martinez, Fat & Bald, Ducati Flux, Alex Aguayo y Aural Trace. ODD Pleasures se conjura en una carta de presentación sin igual, orquestando su primer lanzamiento a bombo y platillo con un elenco de artistas de primer nivel. Los dogmas utilizados para esta junta cósmica son el amor por los ritmos a baja revolución, tintes Kraut o un sentimiento común por la música electrónica con influencias post punk y new wave.

Preparaos con este sello, porque viene con el acelerador a fondo para los siguientes lanzamientos.

AMARCORD Age Of Intimacy (incl. Alan Dixon Remix)

SPENCER PARKER The Theme EP

Me Me Me

Rekids

Amarcord debuta para Me Me Me con ‘Age Of Intimacy’. Después de lanzamientos bien recibidos en sellos como Ombra International, Correspondant, ROAM y AEON, el italiano Amacord comienza 2021 con un nuevo EP en el sello de Man Power que incluye un remix del jefe de Love Attack, Alan Dixon. Una vez más, tiene preparado un trabajo electrizante y nos muestra su habilidad para producir pistas dinámicas impulsadas por sintetizadores e influenciadas por las peculiaridades cósmicas de los 80. La guinda a este pastel de 4 originales la pone Alan Dixon, con un remix diseñado con tanto mimo que va directo a convertirse en un esencial del año.

Compuesto por tres originales y un remix de Pink Concrete, el EP ‘The Theme’ ve al británico afincado en Berlín (conocido por mezclar house, disco y techno) ahondar más en sus influencias new wave de los 80. La primera pista, ‘Theme’, es 100% Parker en su versión más salvaje y musical. Con simples toques de piano, cuerdas digitales y una melodía infecciosa, estamos sin duda ante un himno clubber en toda regla. El trabajo lo completa ‘Radio Waves (After Dark)’, ‘The Work Out’ y la remezcla de Pink Concrete con una interpretación techno impulsiva y frenética.

DJ WEDDING MELODIA EP

DAN WAINWRIGHT House Of The Sun

Italo Moderni

Melomana Records

FAUSTO

DJ Wedding debuta en Italo Moderni con 6 potentes pistas originales con unas líneas de bajo y melodías hipnóticas, que te invitan continuamente a entrar en el oscuro y sudoroso mundo underground del sello de Adrian Marth. El uso de cuerdas y arpegios es magnético y atractivo, al tiempo que recuerda al primer álbum de John Maus y Adrian Marth, ‘Miracolo’. Dj Wedding con sede en Moscú, Rusia, trae ferocidad, desparpajo y una clase sin igual para hacer de este EP algo hedonista, con vibraciones electro melódicas y una poderosa carga emocional que solo empuja hacia el baile.

Entrando a lo mejor del año.

Parece que el mundo se cae a pedazos, pero la música sigue brillando en el universo sonoro del productor inglés Dan Wainwright.

El disco que os presentamos, House Of The Sun, un disco con altas dosis de psicodelia electrónica en forma de beats contemporáneos, nos evoca influencias de gente como Beatles o Pink Floid. El EP viene acompañado de otro original, ‘Wachuma’ y la remezcla a cargo de A-Tweed, en la que el italiano saca sus mejores armas como productor y nos presenta un track altamente experimental y creativo.

01. Bomfunk MC’s ‘Freestyler’ [Sony Music] 02. Cream ‘Crossroads’ [UMG Recordings] 03. Superpitcher ‘More Heroin’ [Kompakt] 04. Faust ‘Krautrock’ [Virgin Records] 05. Juan Soto ‘Mágica Música Mística’ [Nang Records] 06. Francisco Martínez ‘Una Muchacha A Lo Lejos’ [Rock Juvenil] 07. Dadras ‘Faust’ [Human Pitch] 08. Fausto ‘Estepario’ [Rock Juvenil] 09. Sixto Agusto ‘Dame Tu Calor’ [Self Release] 10. Moby ‘Natural Blues’ [Warner Music]

067

C R Í T I C A S

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D E E P

Autor: CARLOS PEGGO / c.peggo@djmag.es

WAHM Escape

Diynamic Music ‘Escape’ de WAHM es el primer lanzamiento de Diynamic en 2021, un álbum donde el dúo ha querido transmitir la coalescencia entre reunirse con un amigo después de mucho tiempo, encontrar la paz interior, la espiritualidad y el equilibrio en tiempos revueltos; partiendo de la fusión de elementos tradicionales y modernos, melodías que evocan canciones de amor árabes, sonidos de guitarras eléctricas de los 80 y hasta sintetizadores contemporáneos. El resultado son cuatro tracks genialmente elaborados que parecen una tormenta que atravesó una tienda de porcelana y salió con un hermoso mosaico. WAHM está compuesto por dos amigos de la infancia que dejaron Casablanca tomando caminos diferentes y que se han reencontrado en París gracias a la música.

NICK WARREN Dead Eyes Opened / This Is Love

NINETOES Same Same

Nātiv Records

Hot Creations

Ninetoes debuta en Hot Creations con un vinilo de dos tracks perfectamente creado para las pistas de baile. En la cara A, ‘Same Same’, un himno genuino cargado de buen rollo al que le acompaña un bombo con mucha energía. Özgur cuenta como su tío deejay reproducía el sample original en los 80s y que desde ese momento en el que se enamoró del tema tuvo claro que quería crear su propia versión. En la otra cara, ‘Feel It’, rompe con una línea de bajos muy deep en la que oscilan las vocales que entran y salen entre oscuros teclados melódicos.

El reconocido artista británico Nick Warren regresa a Nātiv Records en marzo con este lanzamiento de tres pistas en el que incluye una colaboración con el argentino Nicolas Rada quien aparece también como remezclador en ‘This Is Love’. Nick describió como sus años en clubes sirvieron de gran inspiración en la producción de este trabajo: “Recuerdo haber bailado ‘Dead Eyes Opened’ de Severed Heads en un club llamado The Coven en Oxford a principios de los 80. Me encantó y siempre quise editar mi propio tema. Finalmente pude copiar las melodías y a Nic Rada le encantó la idea, así que esto es lo que se nos ocurrió”.

HARRY ROMERO FEAT. JESSICA EVE It Hurts (Remixed by Rodriguez Jr.)

EMANUEL SATIE Personal Liberation

Crosstown Rebels

Crosstown Rebels

LANDIKHAN

La leyenda del house de Nueva Jersey, Harry Romero, regresa a Crosstown Rebels con ‘It Hurts’. Un trabajo en equipo junto con la vocalista Jessica Eve, incluyendo además un remix del galardonado productor Rodríguez Jr., quien hace su primera aparición en el sello desde 2017. ‘It Hurts’ comienza con patrones de batería tribales, mientras la voz hipnótica de Jessica Eve se abre entre numerosos sonidos traídos de la jungla. El remix del francés Rodríguez Jr. ofrece seis minutos de emotiva electrónica con una delicada composición en la línea de los graves que se funden con el repicar de las teclas a modo de campanas creando un ambiente conmovedor.

Después de haber lanzado el aclamado ‘Rivers / Tokyo ASMR’ en Crosstown Rebels el año pasado, el berlinés Emanuel Satié regresa al sello este marzo con el EP ‘Personal Liberation’, mostrando la cara más deep y emotiva que Emanuel aporta a sus exitosas producciones. La percusión tribalera lidera la pista principal ‘Personal Liberation’, a la que se van añadiendo inquietantes sintetizadores, teclados dramáticos y una vocal hipnótica. ‘Keys To Jupiter’ es el segundo track en el que podemos disfrutar de una electrónica excelente con un gran piano como aråmonía principal. Por último, ‘Somwhere Else In Time’, resulta de unas melodías más trippy y robóticas, con percusión estilo breakbeat y sintetizadores conmovedores.

1. Landijhan feat Dat Garcia ‘Ultravioleta’ [LNDKHN] 2. Yuma ‘Smek (MoM Remix)’ [Crosstown Rebels] 3. Twerking Class Heroes ‘Mandingueiro’ [Serafin] 4. Iorie ‘Kiss (Canson Remix)’ [Serafin] 5. Genii ‘El Olivio’ [The Other Eye] 6. Hankel Bellido ‘Ayahuasca (A-Tweed Remix)’ [New Latam Beats] 7. Timboletti ‘Gone Fishing’ [LNDKHN] 8. Kyongpaul ‘Joker’ [Underyourskin Records] 9. Omeria ‘Evvela’ [Underyourskin Records] 10. Yasha F. ‘Relampago (Theus Mago Remix)’ [Musica Cavernicola]

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C R Í T I C A S

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T E C H

Autor: EKAI / ekai@djmag.es

ADA KALEH Solace In Repetition EP

Dialogue Records Siempre me gusta traer sellos que comienzan su andadura e intento dar cabida a propuestas a mi parecer interesantes en este mundo dominado por el 4/4 y las melodías en modo menor. Siendo estas dos premisas algo intrínsecas al género en si, es obvio que la innovación es difícil. Es este el motivo por el que a veces me cuesta tanto encontrar música, ya que muchas veces los derroteros que toman las corrientes rápidamente se vuelven monótonas (masivo uso de mismos sonidos, estructuras...) y lo que en un mes parece fresco al siguiente aburre. Espero que esto no le ocurra a Dialogue Records ya que su primera referencia reúne todo lo positivo que se espera de un sello que quiere impactar desde sus primeros pasos.

VICEVERSA VIV EP

FIVEP Lockdown EP

MTM

Manitox

MoreThanMusic, el sello comandado por 2vilas, nos trae en su novena referencia la vuelta de Viceversa. Dos cortes originales más un remix firmado por Cosmjn conforman el vinilo de 180 gramos masterizado por Mathias Heinstein, a quien no conocía y al que acabo de añadir a mi libreta. Desgranando VIV EP y deteniéndonos en su A1 observamos que es un track cimentado sobre un hipnótico patrón de bombo y bajo al que Viceversa añade elementos que conforman una pieza que va madurando acorde a la calidad que nos suele ofrecer la factoría MTM. Estos patrones de producción se repiten de manera muy acertada tanto en el B1 como en el remix de Cosmjn quien mantiene la esencia del corte que remezcla.

FiveP, el alias que esconde a Marco Cinquepalmi regresa a Manitox con Lockdown EP. El productor italiano, quien recientemente ganó un concurso remezclando un track a nada más y nada menos que a Hannes Bieger para Poker Flat, es un nombre a tener en cuenta. Lo demuestra a lo largo de las dos composiciones que conforman este EP donde los detalles de producción y los acertados arreglos dan lugar a que todos los elementos tengan cabida además de protagonismo. Siendo este un trabajo destinado a la pista de baile, también se puede disfrutar, haciendo referencia a su título, durante el confinamiento.

TOBIAS SCHMID The Fu EP

MARCUS MEINHARDT El Paso

And Music

Exploited Ghetto

2VILAS

Editada tanto en digital como en vinilo, la nueva referencia de And Music publicada a mediados del mes pasado me ha parecido un trabajo extraordinario. Empezando por ‘Acid 672’ vemos un trabajo muy maduro donde un pad de tintes baleáricos hace de hilo conductor en un track donde otro elemento a resaltar son las cajas que usa para marcar el contundente ritmo. Encontramos una revisión de Tensnake, que lleva este ‘Acid’ a un terreno techno que no me parece el correcto, teniendo en cuenta los derroteros por los que se rigen los demás tracks. En el último corte de título ‘Glimmer Schwarzes Kerosin’ tiene una atmosfera que me ha encantado.

Los ingleses no sé cómo, pero han sido capaces de vendernos durante un tiempo una cantidad ingente de artistas que carecían de gusto para poder desarrollar una carrera a la altura de las expectativas.

Digo esto por que la nota de prensa de ‘El Paso’ nombra a Pete Tong y su programa de la BBC y eso causa cierto escepticismo en mí. Tengo que reconocer que esta vez Pete Tong está en lo cierto y que el single que lanza el alemán Marcus Meinhardt es un trabajo formidable. Si tengo que quedarme con algo es con como resuelve el breakdown final, de manera totalmente imprevisible, ya que partiendo de una nota pitcheada que dota de tensión la subida, logra mantener 8 compases más logrando cautivar al oyente.

01. Viceversa ‘VIV EP’ [MTMLTD009] 02. Janeret & Miroloja ‘Bridge of Spirit’ [JOULE011] 03. John Hut ‘Trees’ [AKU019] 04. Len Lewis ‘Dark Cavern/ Bar-B-Q’s’ [SC004] 05. H-Foundation ‘Hear Dis Sound 20 Year Anniversary Remixes’ [MNLTD001] 06. Unknown Artist ‘BHO002’ [BHO002] 07. Mehdim ‘Break the Juno’ [SAKANAT001] 08. Gianmarco Orsini / Pancratio ‘Presents One Trip To Avyon’ [OTTAHEKO2] 09. Amadeo Savio ‘Highkea EP’ [SMS001] 10. Silat Beksi Florian Meffert ‘Third Stream 004’ [TS04]

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C R Í T I C A S

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T R A N C E

Autor: LEIRE ZULOAGA / leire@djmag.es

IVAN G.M Great Magellanic Cloud

Inspectrum Recordings Asegurad vuestros bpms, porque entramos en la calidad sonora. Atesorada entre capas analógicas bien posicionadas, que se deforman, trasforman, retuercen y bombean perfectamente con la inconfundible fuerza progresiva del donostiarra. Sin duda, Iván es nuestro estandarte dentro de estos sonidos que, añadido a la potencia desgarradora inyectada en sus bases, hace de este productor trance, quizás, el más peculiar de nuestra escena actual.

CHICANE Hello, Goodbye

BEN MCCONNELL Moonwake

Moderna Records

Scorching Progresive

Continuamos en dominios de la alta calidad sonora con esta pista que eleva un poco más cerca del cielo a una de las promesas de Scorching. ¡Y es que el trabajo del británico es realmente bueno!

Moonwake mezcla orgánicas que fluyen desde una base inyectada en dosis de energía perfectamente ornamentada por guitarras de corte balearic y voces angelicales, que ayudan a crear su paisaje sonoro. ¡Todo un despertar en la luna!

Y damos carpetazo a este mes con el cuarto sencillo de lo nuevo de Chicane, un torrente de emociones de toque noventero que impregnan el característico sonido leftfield de Chicane. ‘Hello, Goodbye’ se construye con una hermosa atmósfera balearic, que desde las profundidades se carga de nostalgia musical y conmueve profundamente, evocando esa sensación de felicidad vivida que tanto nos gusta dentro de estos sonidos.

BLUESHIFT Comeback

TIOAN Welcome to The Academy

Big Toys Production

Addictive Sounds

(SCORCHING)

BEN MCCONNELL

Nos sumergimos ahora en las ondas del progresivo más lento y mental, donde seréis invadidos por la energía meteórica que el de San Francisco desarrolla en esta pieza para Big Toys. De manera única, Blueshift superpone atmósferas oscuras y ambientales, de texturas cambiantes, y raudales de potencia progresiva que la hacen magnifica.

El turco Tioan trae un interesante álbum conceptual de catorce pistas que combinan amplios espectros trance y progresivos con electrónica. Aunque añade un toque ochentero tecnológico muy inteligente, para realizar bellas experimentaciones entre potencia sonora, tecnológicos y frenéticas texturas progresivas, que invitan a un viaje sonoro mientras fluye toda su belleza analógica. ‘Famous For Nothing’ o ‘Good Bye America’ son algunas de sus chuladas.

01. Super8 & Tab with Tom Fall ft. London Thor ‘September’ [Armind] 02. Ferry Corsten ‘Rock Your Body (Mat Zo Remix)’ [Flashover Recordings] 03. Francesco Sambero ft. Katrine Stenbekk ‘Someone Needs A Hero’ [Scorchin’ Records] 04. F4T4L3RR0R ‘Nova (Ben McConnell’s Progressive Mix)’ [Addictive Sounds] 05. Will Sparks ‘Next Generation (Gareth Emery Remix)’ [Teamwrk Records] 06. John Grand ‘Talkback’ [Enhanced Progressive] 07. Jorn Van Deynhoven ‘Viva La Vida (Alex M.O.R.P.H. Remix)’ [A State of Trance] 08. Bryan Kearney & Deirdre McLaughlin ‘Open My Mind (Ciaran McAuley Remix)’ [Kearnage Recordings] 09. Bunker Squad aka Ben McConnell ‘Vector’ [Perfecto Black] 10. Dave Neven ‘Acid Impact’ [Coldharbour]

070

C R Í T I C A S

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H O U S E

Autor: JOY LAVOE / jonathan@djmag.es

DIRTYELEMENTS & DRUNKDRIVERS Never Give Up

Samosa Records Samosa Records llegan fuertes a 2021 con el trío de la Toscana, Dirtyelements & Drunkdrivers. Cuatro pistas que rezuman disco. ‘Baby’, retorcida línea de bajo disco, metales filtrados y ritmo fuerte proporcionan respuesta perfecta. Luego la vocal. Hasta llegar a la cima. ‘Disco Ball’, funky y grueso.

Unas etéreas muestras de voz, un bajo que golpea disco, una fanfarria de metales edificante y un riff de guitarra hipnótico. Se agregan unos stabs y toques de electric piano; construyendo un crescendo relleno de metales, bajos y wah-wahs. Una mega-bomba. ‘Never Give Up’, bombo gigante, guitarra subliminal y stabs de piano eléctrico. Luego saxo. El saxo. Fluye.

SCRUSCRU South Wind, Clear Sky (Part 1)

RAHAAN Neighboursoul Edits

Omena Records

Neighboursoul Rhythms

Squarepusher se encuentra con Nu Guinea y ganan estos últimos.

Difumina los límites entre lo serio y lo alegre, y lleva al oyente a un viaje con un sonido verdaderamente único. Su aparición en Omena es una de las mejores hasta ahora. Seis pistas. Hay jazz, disco, cálidos acordes de Rhodes, brillantes y tortuosos sintes. Un viaje salvaje en primera clase para repetir.

El joven sello va destapando su línea. Esta vez cavando en las carpetas de Rahaan. Salen de ahí cuatro tracks, cuatro dancefloor holders excelsos. Ya no se duda de un nombre como el de Rahaan.

Edits arrolladores con toques de todo: vientos, stabs, vocales, bombos y bajos gigantes. Actualmente agotado en la pagina del sello, habrá que esperar la fecha oficial.

CHRISTIAN JAMES Tribute Ep

CRACKAZAT ALFA EP

Nicewon Recordings

Heist Records

Nicewon arranca el 2021 con ‘Tribute EP’ de Christian James. Suntuoso, crudo, oscuro, fresco y house. En cinco cortes, incluyendo un remix de Sweet Fruity Brunch. Samples cálidos de fraseos jazzeros fríos, rítmicas sencillas pero efectivas. Para matarnos con el último track ‘East Franklin’, que nos lleva directos al downtown, de donde salimos desnudos.

Alfa EP comienza lleno de riffs, saltos de hihats, teclas y batería frenéticas son contrarrestados por pads casi etéreos. Es calor en la pista. Cálidos acordes difusos y alrededor del tercer minuto introduce otro bucle con más fuerza y aplomo para acompañar el solo.

Clase. También lo escuchamos sumergirse en armonías jazz. Donde los arpegios y los matices crean un viaje house. Rick Wade en el remix.

RUSTAM OSPANOFF

01. Pellegrino & Zodyaco ‘Morphe’ [Early Sounds] 02. Mad Honey ‘Upward Bound’ [Space Grapes] 03. Str4ta ‘Aspects’ [Brownswood] 04. Admin ‘Step Into Light’ [Unknown] 05. TBMMC ‘Break Free’ [TBMMC] 06. Mr. K ‘I’m Here Again’ [Most Excellent] 07. Josh Milan ‘Shapes & Colors Vol. 1’ [Honeycomb Music] 08. Bugg & Friends ‘Play It’ [Jazzland] 09. VVAA ‘Equilibrium’ [Roche Music] 10. Horatio Luna ‘Boom Boom’ [The Jazz Diaries]

071

C R Í T I C A S

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T R O P I C A N A

Autor: SALVATORE MALDERA Y MAURICE AYMARD / elpalmas@djmag.Es

ALTIN GÜN Yol

Glitterbeat Records El tercer álbum de Altın Gün continúa expandiendo los límites del Anatolian, patentando esa voz propia que ya les ha granjeado una brillante carrera de conciertos agotados y nominaciones. ‘Yol’ exhibe con orgullo su faceta más pop, dreamy, misteriosa, atmosférica, sin dejar de lado la interpretación de sus raíces que los ha traído hasta aquí. Integran con arrojo sonoridades del synth pop euro, disco funk, psicodelia y grandes dosis de elementos más electrónicos pues desde los primeros segundos evolucionan su sonido con sintetizadores, cajas de ritmos, filtros cósmicos, omnichords y un amplio rango de elementos compositivos que van de la música tradicional turca a la invasión folk-rock británica a finales de los 60 para crear por momentos auténtico fuego. SALVATORE MALDERA

4MARS (Djibouti Archives Vol. 1) Super Somali Sounds from the Gulf of Tadjoura

ALOSTMEN Kologo Strut Records

Ostinato Records

Vik Sohonie de Ostinato sigue desvelando los impresionantes hallazgos a los que ha podido tener acceso en ese tesoro sin límites del rincón de África oriental: el archivo de la Radiodiffusion-Télévisión de Djibuti (RTD). Esta vez conocemos al supergrupo 4Mars, presentado maravillosamente, restaurado y remasterizado a partir de los másters que han permanecido intactos y protegidos con celo de las vicisitudes bélicas, políticas y robos. Se trata del primer volumen de una alucinante combinación de culturas y estilos: sintetizadores turcos, reggae jamaicano, secciones de vientos americanas, canto bollywoodense, ritmos egipcios y yemeníes, flautas chinas y mongolas. Sonidos que revelan una parte de la historia del mundo, sintetizada en el que fuera uno de sus enclaves comerciales más dinámico: el Golfo de Tadjoura.

“Traed vuestros zapatos de baile, os quiero ver bailar” así comienza este bombástico disco de libertad y feeling nómada que vive sus raices tanto como el rap o el reggae. Gente que se daba por “perdida” (como reza el nombre del gupo), olvidada, que ahora transmite sus experiencias rezumando en este álbum un sentido irresistible del ritmo. Es callejero, vibrante, directo, igual que sus letras: “teach me how to get cash”. ‘Kologo’ trae una mezcla deslumbrante de música tradicional frafra, representado por instrumentos como la caja gome, el djembe, la conga, violín goje y el kologo, que da nombre al álbum, pero interpretados de una manera totalmente nueva. Compuesto en plena carretera de Uganda y hoteles al noroeste de Ghana, explosivo.

SALVATORE MALDERA

SALVATORE MALDERA

STAR FEMININE BAND Born Bad Records

DANIEL GRAU Legado El Palmas Music

La pérdida del maestro Daniel Grau nos ha dejado un vacío difícil de describir. Así son ‘Legado’ y ‘Soñándote’, recuperando su característico estilo Venezuelan Space Disco, son la clara decisión de mantenerse en pie. Entre el minimalismo y la elegancia, con pinceladas de funk, están llenas de sintetizadores protagonistas con mucho groove, la primera es camino y destino, la esperanza de reencontrar un antiguo amor perdido. La segunda nos visita ya desde el otro lado de la fantasía, una bella declaración cuyas cuerdas por momentos la llevan a un territorio lejano con reminiscencias a Joe Hisaishi, pero sin abandonar su yo propio, demostrándonos una vez más que la paz interior es un derecho que nos protege ante la adversidad.

MAURICE AYMARD

SALVATORE MALDERA

ANDY GREY

Benín siempre ha tenido una escena musical vibrante e innovadora, donde la música tradicional se combina con el soukous, el funk y el highlife. Star Feminine son un grupo de niñas de edades 10 y 17 años de un pueblo remoto llamado Natitingou. Cada una toca un instrumento y ensayan 3 veces a la semana en una escuela donde las reclutan para ofrecerles un mejor futuro, ya que en la gran mayoría de países africanos aún existe mucha desigualdad. ‘Rew Be Me’ y ‘La Musique’ son dos hits tropicales en toda regla pero todo el álbum es magnífico. Sin duda un gran descubrimiento de este sello francés Born Bad Records.

01. The xx ‘XX’ [Young Turks/XL Recordings] 02. Disclosure ‘Energy´ [Island Records] 03. Caribombo ‘Camaleon’ [Galletas Calientes Records] 04. Kaleida ‘Odyssey’ [Lex Records] 05. Yeahman ‘Ostriconi’ [Wonderwheel Recordings] 06. Contento ‘Lo bueno está aquí’ [El Palmas] 07. Gabriel Garzón-Montano ‘Agüita’ [Jagjaquwar/Stones Throw] 08. Pedro ‘Da Linha’ [Enchufada] 09. Empress Of ‘I’m Your Empress Of’ [Terrible Records] 10. Zuaraz ‘Bugambilia’ [Raso Estudio]

072

C R Í T I C A S

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D A N C E - E D M

Autor: WILLY ALCOCER / willy@djmag.es

DJ YEYO You And I

Baby’s Back (Combined Music) Probablemente, la canción hardstyle más bella que he escuchado. Por primera vez desde que tengo el honor de redactar esta página, comento dos singles del mismo autor en meses contiguos. Yeyo ha publicado dos trabajos tan distintos y magníficos a la vez que no he tenido más remedio. Haciéndolo, soy honesto conmigo mismo y con la revista: mi compromiso con este medio de comunicación es procurar traer a esta sección los que, en mi opinión, son los cinco mejores discos de Dance y EDM cada mes. Ambos discos han cumplido esa premisa. “Dedicado a c.g., por cada uno de los momentos que me regalaste”. La historia que esconda la frase del instante final del videoclip, seguramente explique por qué me emociono al escuchar esta obra de arte. Gracias, Yeyo.

DJ KOLYN Without You

NIRON Bounce

Blanco Y Negro

FRQNCY

Mientras escribo estas líneas, faltan exactamente tres días para que David Velasco cumpla 28 años. Le conocí cuando tenía unos 16, calculo yo. Formaba pareja musical con DJ Eros, y acababan de sacar a la venta un vinilo hardance que me encantó. A raíz de ello, le entrevisté en la anterior emisora de radio en la que trabajaba. Desde entonces, y durante la siguiente década, fui descubriendo a uno de los mejores productores de música dance y EDM que tenemos en España. Además, como DJ, es uno los pilares del hardance nacional. En su regreso a Blanco y Negro -el sello independiente más importante del país- Kolyn demuestra su inmenso talento musical con esta producción extraordinariamente tan bailable y pinchable como radiofónica.

Diez días después de que cambiásemos de milenio, nacía en la bella localidad de Pals (Gerona) el músico Joan Mac-Cragh. “Músico”, decía.

Efectivamente: a los seis años, este portento empezaba ya a tocar el piano y a tomar clases de -ojo- lenguaje musical en la Escuela de Música de Palafrugell. A los trece (¡trece!) se adentraba ya, paso firme, en el mundo de la producción musical. Ya en 2016 descubre el sub-género slap-house (una variante del brazilian bass) de la mano de Lithuania HQ, lo que le acabará llevando a lanzar su proyecto artístico musical como productor profesional. El sello FRQNCY (Eslovaquia) publica este sensacional trabajo slap- house: el característico bajo percusivo de Dynoro o Alok, se mezcla maravillosamente con elementos trap y electro-house en un conjunto técnicamente superlativo.

CRUSY & CASTION Take Me Higher

PVSSYCAT & LAHOX Never Be The Same

Bass House Music

Ufo Recordz

JUANDY POWER

Antonio Cabrera nacía en 1999 en la isla de Tenerife. ¡Qué olas en el norte, válgame Dios! Mi mujer y yo todavía seguimos dando volteretas hacia atrás después de la última, que nos pilló a contrapié. Hoy en día vive en Valencia, lo que no le ha impedido unirse a Mikel Ortega, que nacía en 1993 en Barakaldo pero reside en Madrid. Bien han hecho en unirse, visto este resultado en forma de disco. El poderoso sello Bass House Music publica este potente tema future house en el que los autores nos muestran lo que son: dos auténticos líderes nacionales de la producción musical electrónica. Todo en el tema es genial: la progresión, las roturas, los acordes. Todo cuidado hasta el milímetro y con una calidad técnica casi inmejorable.

La bellísima San Sebastián vio nacer a Alejandro Lahoz en 1990. Su formidable trayectoria profesional, con actuaciones en Londres, Nueva York, Miami, Ibiza o Barcelona, le ha llevado hasta el punto actual, en el que sus producciones son apoyadas por los grandes de la industria (Tiësto, Don Diablo o Van Buuren), y publica sin despeinarse con las grandes de la industria (Armada Music, Kontor, Cr2). Pero Lahox vive hoy en Mallorca. No se anda con tonterías ni para elegir residencia, ni compañero de producción: el londinense Pvssycat (Max Jones, 1999), uno de los DJs y productores más importantes de Reino Unido.

UFO RECORDZ (Durban, Sud Africa) saca a la luz este bass-house absolutamente demoledor, técnicamente impecable, con fuerza para hacer bailar al público de cualquier pista o festival del mundo.

01. Headhunterz ‘Subsonic’ [Hard With Style Origins] 02. Yeyo ‘Resurrection’ [IN War Records] 03. Sub Zero Project ‘Enter The Realm’ [Q-Dance Records] 04. Fragma ‘Toca’s Miracle’ (MANU Remix) [Free Release] 05. Frontliner ‘Butterfly’ [Keep It Up Music] 06. Adaro ‘A Deeper Space’ [Roughstate] 07. Vicente One More Time & Juandy Power ‘Music Is Coming’ (Remix 2020) [MHM] 08. Keltek ‘The Alignment’ [Q-Dance Records] 09. Technoboy ‘Reflex’ [Titanic Records] 10. Juandy Power ‘Lost Reality’ [MHM]

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T E C H

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P L A S T I C

Autor: KANEDO

Novation Circuit Tracks U N

Novation Circuit es una groovebox presentada en 2016, concebida para la creación y el desarrollo de ideas de una manera ágil, cómoda e intuitiva.

Durante sus 5 años de vida Novation ha dotado de diversas actualizaciones al dispositivo, superando las expectativas de usuarios y medios llegando incluso a ser un hardware quizás escaso para la inmensa cantidad de funciones que ofrece Circuit. Es por ello que tras un ciclo de vida considerable, llega Circuit Tracks que además de dar cabida en el hardware a todas estas actualizaciones, viene también cargada de diferentes novedades.

Novation Circuit Tracks es un secuenciador de 8 pistas, 2 de las cuales están específicamente dedicadas a sus 2 sintetizadores polifónicos totalmente automatizable y editable en tiempo

É X I T O

A C T U A L I Z A D O

real. A continuación, contamos con 4 pistas enfocadas a sonidos de batería que además de trabajar con muestras propias nos permite añadir las nuestras via tarjeta SD, e incluso crear las nuestras propias a través de su entrada de audio. Por último, Circuit Tracks incluye 2 pistas MIDI para controlar sintetizadores externos, acercando estos instrumentos a la experiencia Circuit convirtiendo este dispositivo en el centro de tu workflow creativo.

cuentan con un acceso directo a través del hardware, que aumenta numerosamente la cantidad de controles.

En cuanto al diseño, esta actualización se traduce en una estética más estilizada mostrando el panel con una ligera inclinación haciendo más cómoda la creación en tiempo real y mejorando el acabado de botones y knobs acercándose más a la gama MK3 vista en otros modelos de Novation. También se amplía el número de funciones que

De esta forma, Novation cierra un ciclo de un producto innovador como Circuit e inicia una nueva etapa de la mano de Circuit Tracks, producto mejorado en aquellos aspectos clave para independizarse cada vez más de la pantalla optando por una creación rápida, ágil e intuitiva en cualquier lugar (¡funciona también con batería!).

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Presente trabajando en la sombra de todo hardware Novation está Components, el software que permite modificar cada uno de los parámetros de los sintetizadores de Circuit Tracks, como las diferentes formas de onda de cada oscilador o los controles que maneja cada Macro.

Puedes encontrar la versión impresa de DJ Mag ES gratuitamente en:

MADRID •

PALMA 39 C/ de la Palma, 39. 28004

•

EL ALMACEN C/Minas 13, 28004

BARCELONA

GIRONA •

EUMES C/ de Baix, 2, Espai Marfà, 17006

GRANADA •

DISCOS BORA BORA Plaza de la universidad 11. 18001

•

DISCOS PARADISO C/Ferlandina 39. 08001

•

ACADEMIA FONICA C/ Azorín, 10, 18004

•

PLASTIC C/Calabria 95. 08015

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PACHA BARCELONA C/Ramón Trias Fargas. 08005

PROYECTO ESPUMA C/ Albahaca nº4 Edificio Danubio, Local 6, 18006

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THE BASS VALLEY Passatge Can Polític, 13, 08907 L’Hospitalet de Llobregat

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BRIDGE_48 C/ de Llull, 48, 08005

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DISCOS SUBWAX C/ de la Riera Baixa, 10, 08001

ASTURIAS •

THE BASS VALLEY & STUDIO DJ CENTER C/ Jil de Jaz nº3, C.C Galerías Pidal, local 14. 33004. Oviedo

BILBAO •

POWER RECORDS C/Villarías 5, Bajo. 48001

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ESCUELA BAFFLE DJS Travesia Tivoli 3, 48007

CASTELLÓN •

ENIGMA RECORD C/Prim 10, Bajo. 12003

DONOSTI •

DABADABA Camino de Mundai, 8, 20012

IBIZA •

USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL Playa d’En Bossa 10, 07817

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CAFÉ MAMBO C/ Vara de Rey, 40

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METRICA STUDIO C/ de la Murtra, 5, 07817

e ent alm o por Tem cerrad

PONTEVEDRA •

PLAYGROUND STORE C/San Roman 10, Bajo. 36002

SEVILLA •

TOTEMTANZ C/Amor de Dios 66. 41002

VALENC IA •

FOR THE LADIES C/ Gasco Oliag 6 , bajo izq 46010

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STRAP V. Blasco Ibañez, 33. 46010

ZARAGOZA •

XPRÉSATE/LAS ARMAS Plaza Mariano de Cavia, 2

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