DJ Mag ES #122

#DIAMUNDIALDELARTE Bebe con moderación. WWW-DISFRUTA-DE-UN-CONSUMO-RESPONSABLE.COM

DEJA QUE TU ARTE FLUYA

C O N T E N I D O S DJ MAG 122 / ABRIL 2021

Secciones 0 0 6 BREVES 0 0 7 60 SEGUNDOS – AMOROUX 0 0 8 MIS FAVORITOS – DOWNLOW 0 0 9 OFF THE RECORD – SCOOM LEGACY 0 1 0 FOCUS ON – HEDZUP RECORDS 0 1 2 5 TRACKS – JUNIOR JACK 0 1 4 ELECTRÓNICA & ROLL – ROBOTS 0 1 6 COCINAMOS CON – JONAS BLUE 0 1 7 LUCKY 7 – DAAR 0 1 8 MI CIUDAD – LONG ISLAND SOUND 0 2 0 TENDENCIAS – FRESH CUT BY MARIKA ROSSA 0 2 2 CÓMO PRODUZCO – DAVE SINNER 0 2 4 EL RINCÓN DE KALI

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Artículos 028 034 046 046 050 056 062

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FAKEBA CALIFATO 3/4 COSMIC GATE LOUISAHHH GUEDRA GUEDRA MARC C. GRISO LA OLA INTERIOR: EXOTISMO AMBIENT EN ESPAÑA

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AAA 068

COLLAGE BY ANDRES CAMPO @ TEATRE COLISEUM

Críticas

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0 7 0 LA SELECCIÓN DEL DIRECTOR 0 7 2 ÁLBUMES 0 7 4 SINGLES

Te ch 0 8 2 PLASTIC

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E D I T O R I A L

Marzo ha pasado como un suspiro en este vertiginoso 2021. Para este mes de abril nuestra portada echa la mirada al sur, hacia África, para traer a una artista sin igual, con una fuerza y una voz como pocas en nuestra escena. Fakeba. Por primera vez en la historia de DJ Mag España, hemos decidido poner a una vocalista en nuestro escaparate principal por varios motivos: La inmensa calidad de todos sus trabajos; por ser un proyecto único, que destaca entre el mar de propuestas; por su fuerza e identidad. Podríamos seguir enumerando motivos, pero lo cierto es que Fakeba es una auténtica fuerza de la música que va a dejar una impronta muy potente. Os la presentamos para que podáis conocerla mejor, justo antes de que publique su siguiente trabajo discográfico este 2021.

DIRECTOR GENERAL Y DE CONTENIDOS Eduardo Pérez Waasdorp | eduardo@djmag.es REDACCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es Helena Bricio | redaccion@djmag.es

Cambiando de tercio, nos metemos en una de las entrevistas que más ilusión le ha hecho al que suscribe estas palabras. Hablamos con uno de los grupos que más está dando que hablar en nuestro país en este momento: Califato 3/4, con su fusión de electrónica rota con identidad folklórica es realmente irrepetible y por eso les hemos llamado.

DIRECTORA DE ARTE Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es DISEÑO Y MAQUETACIÓN Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es Miguel Ángel Alvira | miguel@djmag.es DISEÑO DE PORTADA Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es

Saltando a claves ya totalmente electrónicas, hablamos con uno de los dúos más representativos del trance: Cosmic Gate, en esta rara entrevista antes de sacar su disco. En clave techno, hemos querido hablar con una de las artistas más irreverentes de la escena, que ha combinado lo mejor del bombo a negras con la identidad del punk: Louisahhh que publica álbum debut y nos regala un mix en exclusiva. Luego, bajamos al sur de nuevo, a nuestro vecino Marruecos, para conocer la fusión cultural y musical de Guedra Guedra, que presenta su álbum, ‘Vexillology’.

GENERAL INFORMACIÓN: Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es ADMINISTRACIÓN: Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es

Y para cerrar la ronda de entrevistas, nos sentamos con un auténtico prodigio de la electrónica en clave deep y orgánica en nuestro país: Marc C. Griso. Griso es un verdadero todoterreno de nuestra electrónica, que presenta su trabajo al completo ‘2083’ este próximo mes de mayo, con colaboraciones de mucha altura.

MARKETING MARKETING Y BUSINESS MANAGER: Sara González | sara@djmag.es MARKETING INTERNACIONAL: Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es

La reflexión final de este mes nos servirá para presentar el reportaje especial que hemos confeccionado en torno a uno de los trabajos más interesantes que hemos oído este año: ‘La Ola Interior’, curada por el polifacético Loïc Díaz Ronda en la disquera Bongo Joe. Un trabajo que nos ha hecho reflexionar sobre el lado desconocido de los orígenes de la electrónica en nuestro país. De pioneros del sonido como Mecánica Popular, Esplendor Geométrico, Suso Saiz, Eli Gras o Javier Segura. Pioneros que son desconocidos para la gran mayoría y que deberían estudiarse en cualquier academia de música, dado el altísimo nivel de sus experimentos sonoros, muchos de los cuales pasaron desapercibidos en su día. Y que ahora ha tenido que ser un sello suizo y un curador franco-español quienes pongan luz sobre esta prolífica época. Que esto sirva para que todos aprendamos a cuidar nuestras raíces. Nosotros los primeros.

DIRECCION COMERCIAL: Jassi González | jassi@djmag.es COLABORADORES Ángel Manrique, Borja Manzano, Bruno Garca, Cristina León, Charlie Braun, Eduardo Carbonell, Ekai, Esteban Martínez, Fernando Blanco, Gerardo Cartón, Guillermo Delmas, Gustavo Navedo, Helena Bricio, Julia Lozano, Jonathan Prada, Carlos Flavio Bustos, Mugni, Oliver Florez, Rohan G. Finger, Sandra Vian, Sergio Bifeis, Sergio Parrado, Willy Alcocer, Manuel Sánchez-Cid, Miguel Ángel Alvira, Víctor Fernández, Luis Vallespín y Marc Montes.

EDICIÓN REVISTA DJ MAG SL Avenida 8 de agosto, 11 – 10 bajo 07800 – Ibiza (España) B 16523805

Con esto nos despedimos hasta el mes que viene, cuando esperamos traeros mejores noticias sobre una apertura de eventos que la industria necesita como nunca. Seguimos aquí, para vosotros, como siempre. ¡Hasta dentro de un mes, amigos!

DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

EDUARDO PÉREZ WAASDORP Director

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REMIXES FROM KOLOMBO AND JOESKI

ALSO AVAILABLE ON ADEESO MUSIC

REMIX FROM HARRY ROMERO

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REMIXES FROM

AUDIOJACK

MAX CHAPMAN PATRICE BÄUMEL

DARIUS SYROSSIAN BUTCH

KOLOMBO JOESKI

COMING SOON : TIM CULLEN  TAKE THIS WWW.ADESSOMUSICLTD.COM

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B R E V E S Autor: REDACCIÓN

MUTEK ES+AR DESVELAN LOS PRIMEROS ARTISTAS DE SU EDICIÓN CONJUNTA Del 3 al 9 de mayo, la 12ª edición del Festival MUTEK Barcelona se presentará en un formato híbrido con eventos presenciales en diferentes espacios de Barcelona, transmitidos después en la plataforma virtual. mutek.org. Como ya te adelantamos en esta noticia, este año la edición se realizará en conjunto con Buenos Aires, (MUTEKAR ) a los que se unirán actuaciones del resto de sedes de la Red Internacional MUTEK con

sus diferentes programas Connect desde Canadá, México y Japón. Como en cada edición de MUTEK priman los estrenos, debuts y premieres y, por primera vez desde Barcelona y Buenos Aires, el público tendrá la oportunidad de vivir la experiencia virtual y paralela al programa físico a través de la plataforma virtual.mutek.org www.barcelona.mutek.org

JOSEPH CAPRIATI PUBLICA EL PRIMER VOLUMEN DE ‘METAMORFOSI REMIXES’ Joseph Capriati recluta a DJ Stingray, Dave Clarke, Masters At Work o Mathew Jonson entre otros para ‘Metamorfosi Remixes’, un lanzamiento de varios volúmenes de remezclas del LP de 2020 del napolitano.

El proyecto, que se publicará a lo largo de 2021 y culminará en un paquete de vinilo triple de edición limitada, comienza con DJ Stingray, Frank Wiedemann & Toto Chiavetta, Gaetano Parisio, Oxia y Steve Rachmad, que participarán en «Metamor-

fosi Remixes Vol. 1», el primero de cuatro volúmenes y una recopilación de remezclas del aclamado LP de 2020 del productor y DJ, «Metamorfosi». Las siguientes iteraciones contarán con la participación de Anna, Carl Cox, Dave Clarke, Francois Kevorkian, Masters At Work, Mathew Jonson y Sterac Electronics interpretan las obras de Capriati. www.lnk.to/REDIMENSION013

SÓNAR PRESENTA DOS NUEVOS FESTIVALES PRESENCIALES EN BARCELONA PARA ESTE OTOÑO Sónar celebrará dos nuevos festivales en Barcelona con actividades presenciales en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) del 27 al 30 de octubre de 2021. Por primera vez en Barcelona podremos disfrutar del festival AI and Music, centrado en las aplicaciones y retos de la inteligencia artificial en la creación musical, impulsado por el programa S+T+ARTS de la Comisión Euro-

pea y en asociación con la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC) y betevé.

El AI and Music Festival convivirá con SónarCCCB, en una versión ampliada, presencial y más musical, en el CCCB. En él podremos asistir a diferentes escenarios dedicados a la música en vivo así como a las conferencias, workshops, debates y presentaciones de Sónar+D. www.sonar.es

SOUNDIT ANUNCIA UNA EDICIÓN ESPECIAL EL 11 DE ABRIL EN HORARIO DIURNO SOUNDIT vuelve esta primavera a La Monumental con nuevo formato: SOUNDIT ENTRE PLATOS. Será el próximo domingo 11 de abril en horario diurno de 12:00 a 19:00 y, para la ocasión, el evento acompañará sus habituales sesiones gourmet de generosas raciones de barbacoa cocinadas por el irreverente Albert Ventura, chef del reconocido Coure y Grill Room Bar Thonet. Lucient b2b T.Modet, dos de los mejores selectores de la

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ciudad, se encargarán de otros platos, los que acompañarán el banquete. Lo harán a través de un set de 7 horas en formato b2b diseñado especialmente para la ocasión, en el que géneros como el balearic, ambient, dowtempo e incluso jazz o psicodelia se entremezclarán para acompañar de forma relajada el festín de los asistentes. www.soundit.es

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S E G U N D O S

Amoroux ( Y 4 )

¡Hola, Odin! ¡Un placer saludarte! Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías? ¡Un placer hablar con vosotros! Personalmente me describo como alguien exigente consigo mismo y con su sonido. Siempre intento mejorar la calidad de mi música y sobre todo lo que transmito al publico. Musicalmente le dejo al oyente que me describa a su manera.

ppelin, Jimmy Hendrix, Triana y un grupo que me influyó mucho: Enigma. Gracias a eso he podido convertirme en alguien sin miedo a descubrir nuevos estilos o géneros Tú música se desarrolla de forma bastante única, entre el house, toques break y el groove atmosférico, con el sampling como hilo conductor… ¿Cómo definiríais tu proceso creativo?

Mi proceso creativo lo podría comparar con un laboratorio. Estoy durante horas probando y experimentando con sonidos sacados de el lugar menos pensado hasta acabar creando algo que me transmita lo que el cuerpo me pide en ese momento. Si un día llego al estudio enfadado con la vida, necesito un sonido más duro y frenético; si otro día llego con la bajona emocional... buscaré un sonido más atmosférico y trascendental para poder evadirme de todo un poco. Al final la música acentúa tu estado de ánimo y emociones; eso acaba siendo mi mayor motor a la hora de trabajar.

Eres de Granada. ¿Cómo ves la escena de electrónica de Andalucía en particular? ¿Y de España en general?

En Granada parece ser que siempre ha habido muy buena escena underground pero estaba más centrada en el DJing antes que en la producción.

Pero poco a poco están emergiendo nuevos talentos a los que les veo mucho futuro. En España ya hay unos cuantos sellos que están pisando muy fuerte y se están ganando el respeto de la escena internacional, como Esuoh o TheBasement. La verdad, aun no he tenido mucha oportunidad de conocer la escena en otras ciudades.

He oído hablar muy bien de la escena en Barcelona o Valencia. ¡Espero poder conocerlas pronto! Acabas de sacar ‘B-One’ en el recopilatorio Puro Mareo Vol. 1, curado por Chico Blanco y Entiendo que empezaste inmerso en la escena 8kitoo en su sello, Mareo. ¿Cómo ha sido trahip-hop/rap, antes de sumergirte en la elec- bajar en este lanzamiento para ellos? trónica. ¿Cuáles son tus principales influen- Siempre me encantó tanto su música como la escias? ¿Cómo llegaste a ellas? tética que le aportaban a sus fiestas en los clubs Antes de la electrónica, mi “sueño” era ser un de la ciudad. Cuando los conocí en persona y me beatmaker. Uno de mis referentes por aquel en- dijeron de trabajar con ellos… ni me lo pensé. tonces era Havoc de Mobb Deep o Q-Tip. Empecé Poder aportar algo a mi gente de Mareo siempre a escucharlos un poco por la curiosidad de los es un placer. orígenes del hip-hop y acabé enamorándome aun más. De todos modos, mis influencias han Tienes el colectivo/sello Y4 con otros intereido variando con el tiempo. Por ejemplo cuando santes artistas emergentes como Yesca, Dan era pequeño mi padre me ponía discos de Led Ze- Be y Technisje Loef… ¿Qué nos puedes contar?

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Nos conocemos desde hace varios años y este 2020 decidimos formar el colectivo.

Cada uno con un estilo propio y muy marcado.

Comenzamos con Radyostation. Una sección de “turbosets” con un máximo de 15 min de duración, añadiéndole visuales creados por Yesca y por mi, que subimos a nuestro canal de Instagram. Queríamos hacer sets con un formato diferente y más ligero. Esto llegó a algunos artistas internacionales y nos han propuesto hacer guest mixes para Y4, incluso ya hicimos el primero con Kronol, productor y DJ de Roma.

Y ahora acabamos de lanzar nuestro primer VA, en el que cada uno aporta su estilo de la manera más pura. ¿Qué proyectos tenéis entre manos este 2021?

Seguiremos por ahora en la línea de los “turbomixes” y lanzando mas guest mixes con nuevos artistas. También lanzaremos más VVAA y puede que en algún momento comencemos a hacer premieres a artistas nuevos.

Finalmente, Odin, pedimos al invitado de 60 Segundos que plantee una pregunta al siguiente. El último fue Daniel Rifaterra: “¿La electrónica se parece más al jazz o al rock?”. Y a cambio, nos tenéis que dejar una pregunta para el siguiente…

Creo que al jazz... Pero no solo por lo experimental que pueden ser ambos, si no por esa escena underground que origina en cada ciudad, como provocó el jazz en la Calle 52. Mi pregunta es... Si pudieses revivir la vida de un conocido o no tan conocido artista... ¿de quién lo harías?

M I S

F AV O R I T O S

*downLOW acaban de sacar ’The Tribe’ en el sello Adesso Music de Junior Jack. ¡Escanea el QR y descúbrelos!

downLOW 1. Libro “El lobo de Wall Street” [Jordan Belfort] “El mundo de las acciones me ha interesado desde que estaba en secundaria. Este libro fue muy interesante, ya que sigue la idea de negocio de Wall Street y sus lagunas. Es una locura cuánto puedes ganar en un día y gastarlo todo la misma noche” (Timmy Vice).

2. Película “Parásitos” “Hace mucho tiempo que una película no me sobrecoge así. La trama está llena de escenas impactantes, pero no me gustaría hacer

demasiado spoiler. Definitivamente es años. ¡Había una energía increíble!” muy buena. La recomiendo al 100%”. (Timmy Vice) (Dex).

5. Álbum “Graduation” [Kanye West] - “Uno 3. Serie “Ozark” “¡Si no has visto Ozark, te la de los clásicos, sin duda. Kanye West recomendamos encarecidamente! Al lanzó algunos de los mejores tracks principio es bastante lenta, pero es atemporales en este álbum. ¡Escúchauna serie increíble. ¡Disponible en Ne- lo!” (Dex) tflix si tienes cuenta!” (Dex y Timmy) “Take Care” [Drake] - “La vida era genial cuando salió este álbum. ¡Hay 4. Deporte Fútbol “Crecí jugando al fútbol. ¡Siem- unos 3 o 4 tracks que escucho de vez pre me gustará! Uno de mis favoritos en cuando! ¡”The Motto” es el mejor!” de todos los tiempos es Messi. Le vi (Timmy) jugar en Soldier Field hace un par de

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O F F

T H E

R E C O R D

Hacemos 5 preguntas a Scoom Legacy que poco nada tienen que ver con la electrónica…

*Scoom Legacy acaba de publicar su EP ‘Flow’ en Knee Deep In Sound, de Hot Since 82. ¡Escanea el QR y descúbrelo!

Scoom Legacy ¿Cuál fue tu última mentira y por qué?

Intentar colarle frankfurts veganos a mis hijastras envueltos en queso fundido, convencido de que colaría. No os la juguéis con el paladar de un niño, ¡os pillarán!

Aquello que jamás te han preguntado, pero te encantaría que te preguntaran…

Siempre que me curraba los deberes en clase -que era muy de vez en cuando-,

nunca me los pedían, y si no los hacía, obviamente era el primero en salir.

Si fuera a hacerse una estatua tuya en tu ciudad natal, ¿en qué pose sería?

Haciendo twerking encima de un pastel de manzana. ¿Cuál ha sido el momento más embarazoso de tu vida?

Cuando me presenté a la decana de una prestigiosa universidad inglesa, pronun-

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ciando mi nombre con acento británico delante de todos mis colegas españoles; Hello, I’m “Jouseph Corowmainas”. La explosión de risas fue imparable. ¿Qué no has robado que hubieras querido?

La idea de Youtube en su día, recuerdo haber tenido exactamente el mismo proyecto en mente y al final no lo ejecutamos, ¡por poco!

F O C U S

O N

Autor: SERGIO PARRADO

hedZup Records Corría el año 2015 en la ajetreada ciudad de París, cuando Wlad y Mancini daban el pistoletazo de salida a su proyecto hedZup. Ellos son el claro ejemplo de que con pasión, trabajo y mucha dedicación se pueden lograr grandes cosas. Muestra de ello es que

ahora mismo hedZup es uno de los sellos mas cotizados dentro del house más electrónico. Este mes en FOCUS ON hacemos un repaso junto a uno de sus creadores y aprovechamos para hablar de su último álbum llamado ‘Call Lab’.

010

F O C U S

¿Cuál es el concepto y por qué hedZup Records? hedZup Records es un sello de vinilo, marca y showcases fundado en 2016 por Mancini y por mí (Wlad). ¿Por qué llamarlo hedZup Records?

En realidad, estaba buscando un nombre junto a mi familia mientras nos tomábamos algo en casa, ¡y mi padre lo encontró! El significado es como “heads up” (cabeza arriba). Queríamos encontrar una forma de escribirlo de manera que pudiera encajar gráficamente con el logotipo y la encontramos La industria musical se ha visto muy afectada por la pandemia. ¿La situación actual le ha hecho cambiar en algo su estrategia de lanzamiento de la marca?

La verdad es que no. Mancini y yo hemos tenido más tiempo para centrarnos en nuestras propias producciones, pero no hemos cambiado la estrategia de ningún lanzamiento. De todos modos, teníamos mucho trabajo por el álbum del aniversario del sello. Todos los lanzamientos estaban ya programados, así que no cambiamos nada. Excepto por los showcases, que tuvimos que posponer. La estrategia que realmente cambia es la de tener paciencia.

Más bien, tenemos cada vez más demos de calidad ya que los artistas tienen más tiempo para producir y mejorar sus habilidades.

Así que cuando todo vuelva a la normalidad, tendremos mucha música estupenda

y gente feliz. ¡Volveremos a ser libres! Va a ser bueno… realmente bueno. ¿Es importante que los artistas desarrollen su propia marca o sello en estos momentos?

Para ser honesto, eso depende de lo que realmente quieras. En mi opinión sí, pero para lanzar un sello tienes que estar seguro de que vas a dedicarle todo tu tiempo, las 24 horas del día. Mancini, el equipo y yo, estamos trabajando todos los días, incluso los fines de semana. Tenemos horas y horas de llamadas, reuniones, etc. Es bastante fácil lanzar un sello, pero es un trabajo muy duro hacer que tu marca sea especial. Hay un montón de sellos en todo el mundo, y si sólo lanzas un sello para hacer lo mismo que todos o sin pasión, entonces vas a perder tu tiempo y tu dinero.

Recientemente has lanzado tu álbum de debut ‘Call Lab’ con grandes colaboraciones, ¿qué puedes contarnos sobre él?

Sí, un proyecto súper grande de un año.

Empecé el LP el 18 de marzo de 2020 y salió a la venta el 18 de marzo de 2021. Después de que comenzaran las cuarentenas sabía que esta situación sería por un tiempo.

Estaba trabajando en “Superformer” con DJOKO para el 5 aniversario de hedZup en ese momento. Al mismo tiempo, estaba haciendo música con mi hermano y el tema era tan bueno que empecé a pensar en hacer este álbum, como un trabajo de colaboraciones. Entonces me puse en contacto con un amigo, con otro y con otro...

MINI ¿Un club?

Amnesia (Floripa, Brasil)

¿Una ciudad?

Coron (Filipinas)

O N

Fue entonces cuando empezó el álbum ‘Call Lab’. Todos los temas están hechos con diferentes artistas, enfoque musical, DAWs, etc. Para ser honesto no fue fácil, pero finalmente con cada uno de los artistas pudimos hacerlo y disfrutarlo. Realmente quería diferentes estilos en este proyecto, y tengo que decir que estoy muy contento.

Todos los temas son música de muy buena calidad. Gracias a todos mis amigos por formar parte de este proyecto Si pudieras viajar a otra época (musicalmente hablando), ¿a dónde irías y por qué?

Definitivamente a la era del bebop de 1920/1940. Me encanta el electro Swing, el black bottom, el lindy hop y el jazz. Me encanta bailar. Fui bailarín de breakdance (B-Boy) durante unos 10 años cuando era más joven, así que las técnicas de baile de esos géneros musicales son simplemente brillantes. ¿Qué te gustaría destacar de la escena actual? Artistas o sellos que crees que debemos seguir de cerca...

Vaya, no es fácil responder, ya que hay un montón de grandes artistas, así que es difícil elegir. De todos modos, puedo mencionar algunos como, por supuesto, mis amigos parisinos Dj Steaw, Oden & Fatzo, Vitess y mi compañero de sello y amigo íntimo desde hace mucho tiempo, Mancini. También está Sidney Charles, con quien acabamos de hacer un tema en colaboración.

TEST

¿Un libro?

¿hedZup Records?

Happiness, de Mattieu Ricard

Pasión

¿Una comida?

Couscous bèrbère, de mi madre

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5

T R A C K S

Preguntamos a Junior Jack por los 5 Tracks que más le han influenciado

Junior Jack (ADESSO MUSIC/DEFECTED)

2.

1.

Kings Of Tomor row

The Cure Boys Don’t Cry Polydor

Finally Defected Records

Creo que este fue el primer disco que me hizo fan de la voz de Robert Smith y, sorprendentemente, 25 años después de eso, me encontré en el estudio con él grabando mi single “Da Hype”.

Esta canción es un auténtico icono de la música house.

*Junior Jack continua imparable con su sello, Adesso Music, en el que acaba de publicar un rework del track ‘Sugar’, del artista emergente Virak. ¡Escanea el QR para descubrir lo último de esta leyenda del house y su plataforma!

3.

4.

5.

Harr y Romero

Junior Jack

Erykah Badu

Night @ The Black Bambossa Records

My Feeling PIAS

Baduizm Universal

Se estrenó en 2001 y siempre la llevo conmigo cuando voy a pinchar.

Crea un ambiente especial en la pista de baile.

Lamento poner uno de mis propios discos en la lista. Este disco se hizo en un momento muy difícil para mí y cambió mi vida por completo.

Aquí es donde todo comenzó para mí como artista internacional, y por ello siempre será especial.

Desde 1997 ningún otro álbum / artista de soul-jazz me ha atrapado así. Siempre estará en mi lista de reproducción.

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E L E C T R O N I C A

&

R O L L

Autor: SERGIO BIFEIS

Robots Posiblemente Daft Punk sea la formación de música electrónica más conocida en el mundo por el público más generalista posible. La dupla parisina formada por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo anunció con un emotivo vídeo llamado Epilogue, el punto final a esta aventura iniciada en 1993 y que se cierra en 2021. Irónicamente para sorpresa de casi nadie. Un vídeo en el que mezclan imágenes de su película Electroma de 2006 con la parte más emotiva del tema ‘Touch’ que se incluyó en el que ya es su último álbum de estudio, Random Access Memory, publicado en 2013. Una despedida con sabor a refrito de la que además no se han dado muchas más explicaciones como suele ser habitual en el halo de misterio que siempre ha rodeado a esta formación icónica.

Daft Punk tiró la puerta abajo desde los comienzos de su carrera. Tras un par de referencias de marcado carácter techno en el sello Soma de los escoceses Slam, la irrupción de Bangalter y Homem-Christo con su álbum debut Homework puede que sea una de las cartas de presentación más poderosas en la historia de la música electrónica. Con el apoyo de una multinacional como Virgin detrás de ellos, el bombazo de Homework fue tanto en un sentido comercial dentro de corrientes poperas con sus hits ‘Da Funk’ o ‘Around The World’ (donde en su videoclip encontramos el génesis de la que sería su imagen robótica posterior) como para toda rata de club que se subía por las paredes cuando sonaban pelotazos como ‘Revolution 909’, ‘Rollin & Scratchin’ o ‘Burnin’ por ejemplo.

Un inmaculado, refrescante y potente disco de consenso a pesar de su más que aparente sim-

pleza. ¿A quién no le gusta Homework? ¿Y quién no ha estado esperando durante estos 28 años una continuación de un sonido para animalarse donde ya desarrollaban una elegante sofisticación incluso en sus tramos más brutos y descerebrados?

po que ha tenido. Porque, sí, llevamos 13 años sin que hayan vuelto a actuar en concierto y eso que en 2017 la gente estaba deseosa que volvieran a subirse a un escenario. Lo que en cierta medida ya mataba un poco las esperanzas de un hipotético regreso de la dupla.

Sin embargo, sería con Discovery cuando su sonido característico y robótico acabó por definirse. Un álbum que cambio ese concepto gamberro y jovial anterior poniendo sus miras en su amada música disco buscando una dignificación de la misma en una época donde estaba denostada y olvidada, todo ello abrazando la esencia más puramente francesa.

Daft Punk se convirtió en uno de los máximos exponentes del French Touch a comienzos del milenio con un disco en el que destacan sus ya famosos sampleos, que algunos directamente lo han llegado a denominar como plagio puesto que la gran mayoría nunca se acreditaron.

Su visión fue la de un house más comercial que caló en todo el mundo y ya comenzaron a huir de su imagen real para empezar a construir su personalidad robótica que finalmente explotó en Human After All, su tercer y quizás menos inspirado álbum a pesar de querer introducir sonidos más guitarreros, en el que daban signos de agotamiento de una fórmula que parecía que ya no tenía demasiado recorrido; al menos a nivel creativo.

Un regreso que se produjo a nivel editorial primero en 2010 firmando la banda sonora de Tron: Legacy, que dividió a sus fans, y en 2013 con el que posiblemente sea su disco más incomprendido y el que a la vez es el que siempre quisieron hacer. Random Access Memory es su homenaje particular y original a la música disco y en el que los sintes conviven con los instrumentos tradicionales. Un trabajo que no llegó a cuajar del todo por un revisionismo que a fin de cuentas no aportaba mucho, salvo una empalagosa nostalgia que sonaba de cine. Al César lo que es del César. A la postre RAM ha sido el cierre del círculo de un proyecto del que después de ocho años de silencio se veía venir que su recorrido estaba acabado más allá de alguno colaboración esporádica como la que hicieron con The Weeknd en las canciones ‘Starboy’ y ‘I Feel It Coming’. Una separación de facto en diferido, y por lo tanto esperada en cualquier momento.

En 2007 se repitió la jugada de 1997 con una nueva entrega de Alive (un disco en directo), en la que hasta la fecha ha sido la última gira del dúo francés. Su famosa pirámide es algo ya histórico por la repercusión y el eco en el tiem-

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Será interesante si en el futuro sus miembros realizarán trabajos por separado o con nuevas formaciones y que retomen esa creatividad que les hizo ser tan reconocibles y populares. O quizá ya no tengan nada que demostrar y vivan de las rentas y de los generosos royalties que genera su música. Bien merecido lo tienen estos robots que tantas alegrías y sinsabores nos han dejado.

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C O C I N A M O S

C O N

Jonas Blue

INGREDIENTES PARA LA MASA: 1 kg de Harina Caputo (especial para pizzas) 620-630g de agua 30 g de sal marina 1-2 g de levadura fresca

TOPPINGS DE LA PIZZA NAPOLITANA: Mozzarella de búfala fresca Tomates San Marzano para hacer la salsa 1 cucharadita de aceite de oliva Albahaca fresca Jamón Champiñones

*

Jonas Blue acaba de publicar su último singe, ‘Something Stupid’ junto a AWA. ¡Escúchalo escaneando el código QR!

PIZZA NAPOLITANA Con los ingredientes para la masa conse- haz 6 bolas de masa separadas y déjalas Añade el resto de toppings. reposar otras 6 horas. guirás 6 bolas.

Hornea a 220º alrededor de 10 minutos.

Dale forma de pizza a las bolas de masa Mezcla todos los ingredientes hasta conseguir una masa espesa. Haz una bola ayudándote de un rodillo. ¡Ya estarán ¡DISFRUTA! listas para añadir los toppings! grande y amásala.

Deja fermentar la masa durante 18 ho- Esparce el tomate por toda la base de la ras. Cuando haya doblado su volumen, pizza uniformemente.

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L U C K Y

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Autor: REDACCIÓN

*Daar acaba de publicar su último largo, ‘Entire’, en el sello canadiense Silent Season. Disponible escaneando el código QR:

DAAR ¿Qué canción te recuerda a tu infancia?

Posiblemente “Campeones” de Oliver y Benji (risas). ¿El primer disco que te compraste?

No lo recuerdo exactamente, pero seguramente alguno de Dj Tiësto en aquella época dorada de la música trance.

¿El disco más cursi de tu colección?

Kedaco Sounds – “Little Tempo”

¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio?

Deru – “1979”

¿Qué canción garantiza hacerte llorar?

Deru - “Let The Silence Float”

¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos? ¡Que difícil! Por mencionar alguna, Apparat – “Ash/Black Veil”

¿Algún disco que estés escuchando?

Owl – “Infinite Horizon”

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C I U D A D

Le preguntamos a Long Island Sound por lo que hace a su ciudad especial…

Long Island Sound

(Rob a la izquierda, Tim a la derecha)

DUBLÍN puesto, All City Records. Es el mejor lugar de Dublín para intercambiar discos, pero también el mejor lugar para intercambiar algún insulto amistoso con los miembros de la tienda. En la foto aparecen Nevan y Olan, tienen un conocimiento enciclopédico de todos los discos almacenados y siempre están dispuestos a recomendarte algún disco que sea de tu agrado. Nevan también co-dirige el sello de la tienda y las ALL CITY RECORDS All City es nuestra tienda de discos favori- fiestas “Pear”, junto con Fio Fa. ta en Dublín. Hay un gran equipo trabajando allí, y es un lugar genial para pasar el EL CANAL DE PORTOBELLO rato y escuchar algunos discos. Hay varios En un día soleado, hay pocos lugares en sellos que dirige la misma tienda, como los que preferiríamos estar antes que en Pear, First Second, Jheri Tracks y, por su- Portobello Canal, y si podemos añadirle Hola, somos Rob y Tim (también conocidos como Long Island Sound). Hemos dado un paseo en bicicleta por Dublín y hemos elegido algunos de nuestros lugares favoritos para pasar el rato. ¡Os recomendamos visitarlo tan pronto como podáis! Estamos seguros de que lo pasaréis en grande.

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una cerveza en la mano… ¡es simplemente genial! Situado justo a las afueras del centro de la ciudad, Portobello es un lugar increíble para reunirse con amigos. Si hace buen tiempo, por lo general, encontrarás a alguien tocando música cerca del agua. En los días de verano puede volverse bastante salvaje: muchos de nuestros amigos se han caído al agua después de tomarse demasiadas cervezas. La policía siempre tiene que estar presente los días que está más abarrotado, y se han hecho varios arrestos, ya que el consumo de alcohol en público continúa siendo ilegal en Irlanda. Desafortunadamente, se han acordado planes para eliminar la plaza y

M I

C I U D A D

* Long Island Sound publicará nuevo trabajo el próximo 14 de abril, un track incluido en la compilación del aniversario de Gestalt Records. Su álbum debut, ‘Lost Connection’, se lanzará en el verano de 2021 en su sello Signs Of Space.

reemplazarla con otro hotel innecesa- BUSHY PARK rio, un ejemplo más de los efectos nega- (el parque espeso) tivos de la gentrificación en la zona.

Bushy Park alberga el primer skatepark de hormigón de Irlanda. Aunque se han FIA construido muchos skateparks, Bushy es Fia es uno de nuestros cafés favoritos en el mejor y es un buen lugar para pasar el Dublín. Se encuentra a unos 5 minutos rato en un día soleado con un par de cerde nuestro estudio, por lo que es un lu- vezas y un altavoz portátil. Con las resgar útil al que acudir si necesitamos dar- tricciones de movilidad en vigor actualle un pequeño respiro a nuestros oídos. mente en Irlanda, el skatepark es uno de En la foto aparece nuestro buen amigo los únicos lugares que ha conservado el Boyler, ¡que es incluso más amable de sentido de la “normalidad”. lo que parece! Boyler también hace el mejor sándwich de costillas de barbacoa J O’CONNELLS del mundo. Si vas, compra dos de esos ¿Qué viaje por Dublín sería completo sin sandwiches… ¡porque uno nunca es su- una visita a uno de nuestros pubs favorificiente! tos? O’Connells es parte de un pequeño grupo de pubs de Dublín que ha conser-

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vado su encanto y autenticidad a pesar de los efectos de la modernización y el aburguesamiento que rodea la zona. Si estamos pinchando en algún evento en Dublín, acostumbramos a pasarnos por O’Connells a por unas cervezas y reunimos a algunos amigos para que vengan a la fiesta. Los padres de Tim se conocieron por primera vez en este pub hace muchas lunas. No podemos asegurarte que vayas a encontrar a tu futuro marido o mujer aquí, pero puedes estar seguro de que disfrutarás de una buena cerveza Guinness.

T E N D E N C I A S Autor: REDACCIÓN

Escanea este QR para ver y comprar en la tienda de Fresh Cut, de Marika Rossa.

Fresh Cut by Mar ika Rossa COLOR Y TECHNO SE DAN LA MANO

El techno siempre ha sido un género caracterizado por ser monocromático y oscuro. Sin embargo, hay personajes y marcas dentro del universo del bombo a negras que han querido darle una vuelta total a esa imagen monolítica y tan estereotipada. Y si hay alguien que ha destacado en ello, ha sido nuestra querida protagonista de portada de diciembre, la ucraniana Marika Rossa.

Ella fundó hace unos años Fresh Cut, que además de sello discográfico, le ha servido como plataforma para dar rienda suelta a su crea-

tividad, imaginación y colorido en clave de moda y diseño de prendas y complementos.

“Siempre he querido que la gente vaya vestida como en las películas de ciencia ficción sobre el futuro, con estilismos realmente locos y futuristas. Sin embargo, ¡la gente prefiere vestirse con camisetas negras!”, nos contaba Marika en su entrevista de portada de diciembre.

Así que Fresh Cut es la marca de ropa que ha creado para aquellos a los que les gusta

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experimentar con su look y sean lo suficientemente valientes para destacar entre el público. La marca la fundo Marika en 2016, haciendo varios diseños de camisetas y, gradualmente, lo ha hecho crecer hasta convertirlo en una pequeña empresa. “Todas las prendas están hechas en Ucrania, a mano, desde cero”, nos decía.

Lo curioso de Fresh Cut es que, a pesar de ser una marca ucraniana, no tiene una gran presencia en el mercado ucraniano… todavía. “Creo que se debe a que la gente de

T E N D E N C I A S

aquí todavía prefiere comprar su ropa en tiendas físicas. Aparte, he estado viajando constantemente y había ideado una estrategia determinada para promoción local, así que mi línea de ropa solo se ha presentado en un par de showrooms de Kiev”. Pero, por el contrario, Fresh Cut entró en el mercado internacional de forma fácil y orgánica. Así que la mayoría de la gente que lleva ropa de Fresh Cut es de Europa, Canadá, EEUU, Sudamérica, Australia y Japón.

Y, ¿de dónde sacas su inspiración para hacer ropa? “John Galliano es mi predilecto. Me dejaba anonadada con todas sus creaciones cuando todavía iba al colegio. Él fue la razón por la que quise apuntarme a la escuela de artes. Ahora, a la hora de crear nuevos diseños, me inspiran muchas cosas”.

¿Cuáles son los planes para el futuro de la marca? “El año pasado estuve negociando la idea de integrar shows de moda de club en las fiestas, con varios promotores alemanes. Pero con la situación actual esta idea ha quedado pospuesta. Ahora estoy pensando en abrir un showroom oficial de Fresh Cut en Ucrania y hacer una aparición en la Fashion Week de Ucrania en el futuro cercano”.

Ahora mismo, Marika acaba de terminar su última línea de complementos en Fresh Cut, centrada en los bolsos y algunas piezas nuevas de ropa. Además de eso, acaba de presentar su último trabajo discográfico, ‘Zodiac’, que publica en el sello de otra de las reinas del techno mundial, Solamente, la plataforma de Deborah de Luca, en el que Marika ya

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había publicado anteriormente. Saldrá a la venta esta primavera.

Escanea este QR para escuchar ‘Zodiac EP’, el último trabajo de Marika Rossa en Solamente Records, de Deborah de Luca.

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Le preguntamos a Dave Sinner sobre su proceso creativo a la hora de producir…

Dave Sinner Hola, DJ Mag España, ¡muchísimas gracias por invitarme!

Aunque mi manera de producir no siempre es la misma, voy a resumiros qué proceso utilizo cuando quiero hacer un tema de techno enfocado a la pista de baile y no tengo una idea en concreto.

Lo primero que hago es analizarme un poco, ver cómo me siento y sentir qué me pide el cuerpo para enfocar la producción en esa dirección. El primer objetivo es conseguir un buen “low-end” sobre el que construir el tema. Acostumbro a hacer sesiones de diseño de sonido separadas de la creación de temas, así que empiezo buscando un Kick que haya guardado en una de ellas -aunque si no encuentro nada que me motive, empiezo uno nuevo con capas de sonidos que ya he sampleado, o a través de síntesis. Para hacer el

“rumble” característico de este género, no utilizo el método más común de enviar el bombo a una reverb o delay, sino que prefiero usar muestras de cualquier sonido (desde un bajo que haya sintetizado, hasta percusiones como congas, toms o incluso otro kick diferente al del tema). Sea cual sea la elección, me la llevo a frecuencias subgraves bajando el tono, filtrando sus frecuencias medias y agudas, para después aplicar bastante saturación. Llegados a este punto, es cuestión de secuenciar un ritmo que me dé la energía y el movimiento que me gusta. Si quiero darle un extra de groove o hacerlo más interesante, también añado capas de otros sonidos con ritmos diferentes por encima del sub.

Cuando tengo los elementos que van a formar los cimientos del tema en frecuencias graves, los agrupo y los proceso juntos. Una vez satisfecho con el “low-end”, empiezo a

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*Dave Sinner acaba de publicar el EP ‘Never Enough’ en EI8TH Records, de Andres Campo y Eats Everything. ¡Descubre lo último de Dave escaneando el código QR!

crear elementos que me aporten textura, atmósfera y movimiento y que establezcan un poco el mood del tema. Para esto, me encanta usar sintes como Granulator II de Max For Live -con muestras de cualquier tipo- y experimentar.

También acostumbro a aplicarle reverbs largas para crear profundidad y espacialidad.

Es entonces cuando empiezo a trastear con sintetizadores, samplers y demás hasta que encuentro algún riff, secuencia o combinación de sonidos que sea el “hook” alrededor del cual pueda construir la idea principal del tema. Esto acostumbra a ser lo más importante. Si tengo suerte y consigo hacer algo que me guste de verdad, intento añadir elementos rítmicos como platillos, percusiones y elementos secundarios que potencien la idea principal. Todo esto siempre lo hago en la vista Session de Ableton live.

do combinaciones que me gusten en escenas para imaginarme las diferentes secciones del tema y las transiciones entre ellas. Llegados a este punto, me voy a la vista arrangement, empiezo a desarrollar la estructura general y, una vez creada, me centro en las diferentes secciones una por una, haciendo arreglos y añadiendo efectos que partan de sonidos del propio tema (normalmente a través de buses de envío y retorno).

En cuanto a la mezcla, acostumbro a trabajar bastante cada sonido durante el proceso de creación, sencillamente se trata de equilibrar los diferentes elementos y hacer pequeños ajustes. Esto no siempre es recomendable ya que, si te quedas atascado en un sonido, puedes perder el flow creativo, pero me cuesta mucho avanzar en la composición si las cosas no suenan mínimamente como tengo pensado, así que en mi caso… ¡así es como suelo trabajar!

Cuando ya creo que tengo suficientes elementos y una buena idea, empiezo a jugar con los diferentes clips, guardan-

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KALI (COMO L AS GREC AS, GAMEBOYZ, LUIS V PR)

Prólogo ¡ VE M O S UN A L A LU Z A L FIN A L D EL T Ú N EL! ¡Aquí seguimos! Un mes más, informando de forma general y con mucho amor. Hay que ser positivos y por ello me parece que algo estamos mejorando.

Parece que, aunque nos vayan vacunando muy lentamente, se va viendo una luz

al final del túnel. Ya se anuncian algunos festivales, aunque es verdad que otros ya se han pospuesto para el 2022. También se confirman algunas fiestas, sobre todo fuera de nuestras fronteras… pero lo más importante: ya se van viendo al-

gunas contrataciones, sobre todo a nivel local y con lo mejorcito de cada casa y de cada comunidad autónoma. Un año en el que las contrataciones locales podrían evitar durante algo más de tiempo la ruina total del sector. ¡Estamos a tiempo!

PRs (PUBLIC RELATIONS) Os traigo a otros protagonistas de esta interesante industria, con un papel que es importante de entender, ya que podría satisfacer importantes necesidades de los artistas que trabajan de manera independiente. También en cuanto a sus lanzamientos y/o sellos discográficos, especialmente los que funcionan de manera independiente o autárquica.

El concepto general que se tiene de un PR, para que nos entendamos, es el de un profesional de las relaciones públicas, que se maneje en el entorno del entretenimiento. Principalmente, lo asociamos a personas que trabajan para una sala o un club y cuya función principal es representar a la empresa comercialmente para conseguir, entre

otras cosas, aforos de primera hora, la venta de entradas, etc.

Por otro lado, cuando los artistas necesitan representación y promoción para sus próximos lanzamientos musicales (singles, EPs, LPs) o los sellos discográficos (sobre todo independientes) necesitan representación ‘promocional’ de los próximos trabajos que van a lanzar al mercado, los PRs ofrecen una labor comercial similar a la mencionada al principio. Sin entrar en detalle, los artistas y los sellos más experimentados usan los servicios de estos especialistas o, en los casos más profesionales, mediante agencias de comunicación, cuyos PRs en plantilla trabajan para sus clientes (artistas y

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sellos) ofreciendo su contenido musical para ser tenido en cuenta, a nivel periodístico, por los medios adecuados. Un gigante mercado de música en promoción, predispuesta a ser curada por los diferentes PRs y ser promocionada por la prensa, de diferentes formas (artículos, críticas, etc). ¿Vas a lanzar un disco? Busca un PR. ¡Podrá hacer grandes cosas por ti y por tu producto musical!

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Al tanto de...

H E I DE T O N RE CO RDS C ELEB R A SU Q U IN T O A N IV ER S A R IO MARC TRZEZIAK Y JOE METZENMACHER NOS INTRODUCEN A HEIDETON RECORDS

Heideton está de aniversario y no quería dejar pasar esta oportunidad para entrevistar a Marc Trzeziak y Joe Metzenmacher, los propietarios de esta madurada etiqueta alemana. Heideton cuenta con una veintena de lanzamientos que recogen a un amplio abanico de productores entre los que se encuentran Alex Hoevelm, Marius Drescher, Borka & The Gang o el mismo Joe Metzenmacher. Y también algunos interesantes remixes de grandes nombres, como S.A.M o Tuff City Kids… ¡Hola chicos! Gracias por ponernos al día con vuestras últimas noticias, ¿qué podéis contarnos sobre vuestro quinto aniversario con la etiqueta Heideton?

MARC: Gracias a ti por habernos invitado.

Tenemos un pack de tres lanzamientos para nuestro quinto aniversario. Estamos muy orgullosos de tener artistas como Luciano, Emanuel Satie, Claudio Ricci y Florian Hollerith trabajando con nosotros. Sobretodo ahora, en estos tiempos locos en los que mucha gente esta comenzando a redefinir sus carreras. Por ello en Heideton queremos contribuir ayudando a estos artistas ofreciéndoles un espacio donde dar rienda suelta a su creatividad y promoviendo la cultura musical.

Joe, Marc y Borka & The Gang parecéis ser una parte importante del núcleo de este sello. La otra parte sería Timo Mass. ¿Cómo comenzó vuestra colaboración?

JOE: Es una larga historia. En 2015 comencé a lanzar fiestas con Borka, quien ya causaba

furor en las pistas de Hannover. Estos eventos al principio tenían lugar en pequeños locales de Walsrode, que está perdido de la mano de Dios. No había ni escena de house ni de techno. Hacíamos fiestas improvisadas en cualquier lugar de la zona. Todo comenzó a crecer muy rápido y de pronto habíamos creado una comunidad y hacíamos fiestas tanto en lagos y bosques como en locales o clubs…

Los Artworks de los últimos lanzamientos del sello son sorprendentemente gráficos. ¿Quién esta detrás del diseño? ¿Qué representa para Heideton?

MARC: El diseño fue el concepto de Schultzschultz (Frankfurt) quien tiene siempre unas ideas geniales y además es amigo de trabajo. Las inspiraciones están tomadas de la región de Lüneburger Heide y sus paisajes rurales en yuxtaposición a la jungla de cristal de las grandes ciudades.

Estáis establecidos en el norte de Alemania. ¿Cómo es la escena musical allí en comparación con Berlín o Frankfurt?

JOE: Es una pregunta difícil de responder.

Esta claro que la escena musical aquí esta redefiniéndose. Aquí estamos rodeados de naturaleza y contamos con espacios culturales en Bremen, Hannover y Hamburgo.

El hecho de que nuestra música sea internacional es gracias a Luciano, Väth o Digweed, y es un gran honor porque crean una gran infraestructura cultural en la que dan rienda suelta a la creatividad.

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MARC: Hemos creado con Heideton algo nunca visto en una región como esta. Estamos creando una escena musical increíble, aunque obviamente es muy pequeña en comparación a Berlín o Frankfurt. Nuestros colegas de la ciudad están encantados con la familia que hemos formado aquí. Es un triángulo amoroso: Música-Ciudad-Naturaleza.

2020 ha sido un año difícil para todos. ¿Cómo lo habéis afrontado desde el sello?

MARC: A principios de marzo Joe me dijo que teníamos dos opciones. O terminar lo ya comenzado o expandirnos. Así que optamos por lo segundo. Por suerte no teníamos ningún evento cerrado en el calendario cuando todo esto nos golpeó. Tenemos una serie de colaboraciones con Emmanuel Satie, que lanzara varios remixes, y varios lanzamientos de la mano de Mark Flash y Tuff City Kids.

JOE: 2020 ha afinado nuestros sentidos. A pesar del futuro incierto hemos trabajado mas que nunca durante este último año. Nos hemos preguntado varias veces que es lo que queríamos y a dónde queríamos llegar.

Esto nos ha unido más. ¿Sobre el futuro?

Pues siempre tendremos planes lanzamiento que la gente no se esperará.

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D USI CYON ATMOSPHERIC SAGA MÉTIER Dusicyon es un experimentado productor uruguayo tras el que se esconde el experimentado sonido de William Arist. MÉTIER, el sello dirigido por el inglés Jack! Who? (DEAD CERT Records/ Deathtechno.com) arranca una nueva senda de lanzamientos interesantes arrancando con este Atmospheric Saga de Dusicyon…

progresivos que te mantendrán durante los seis minutos que dura cada uno, atento en un interesante universo. Una oda a lo atmosférico por sus secuencias sintéticas y sus beats ligeros, jazzeros y orgánicos…

TRACKLIST Dusicyon nos muestra su parte más minimalista y personal con este EP en forma de tres capítulos atmosféricos titulados Atmospheric Saga I, Atmospheric Saga II, Atmospheric Saga III. Tres pasajes sonoros y musicalmente

1. Dusicyon – Atmospheric Saga I 2. Dusicyon – Atmospheric Saga II 3. Dusicyon – Atmospheric Saga III

JACK WA SFA S T ER CARRETERA DE EL SALER Melómana records Siguiendo muy en concordancia con la línea gamberra de la etiqueta, se puede decir que tenemos ante nosotros la interesante próxima referencia del productor madrileño para Melómana Records…

Manuel Cachero es la persona que se esconde tras la firma Jackwasfaster. Tiene preparado para este mes de abril una nueva referencia en la etiqueta pacense Melómana Records, con el título ‘Carretera de El Saler’.

TRACKLIST

‘Carretera de El Saler’ está conformado por cuatro originales de corte slow disco, con elementos electroclash sintéticos…

1. Jackwasfaster – 606 2. Jackwasfaster – Keto Diet 3. Jackwasfaster – Carretera de El Saler 4. Jackwasfaster – Palacio

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TULI OXI I´M USED TO MUSIC Mélopée

La elegante etiqueta francesa Mélopée, dirigida por Philippe Divet también conocido artísticamente como Myrddin anuncia para el 28 de abril un próximo lanzamiento firmado por el gran Tulioxi, ‘I´m Used To Music’. Al italiano, para quien no lo conozca todavía, es uno de esos productores de la establecida escena disco del que siempre se espera material musical de primera calidad. ‘I’m Used to Music’ es un EP conformado por el original homónimo y los remixes de Daniel Monaco (como Disco Mortale) y

VA R I OS A R T I S TAS LIMA – CALLAO 1586 Temblor Records Como muchos ya sabemos, la escena electrónica de México nos ofrece cada año una generosa cantidad de futuros productores de música electrónica cuyos primeros lanzamientos profesionales ya nos deparan una calidad musical original y diferente. Lo mismo pasa con decenas de sellos discográficos independientes que cada año se crean con el fin de seguir una carrera discográfica totalmente ‘indie’. Y así nace Temblor Records con

el estreno de este VA titulado ‘Lima – Callao 1586’. En donde se continua sacando a la palestra a futuros productores, algunos de los cuales, empiezan ya a gozar de interesantes carreras discográficas…

TRACKLIST 1. Club Rave & Enjanzea2 - Dist 2. Disconnected - Perdidos 3. Enjanzea2 - Poseido 4. Fausto - Salvajismo 5. Goats - Code Of Chaos 6. Prince Terrible & Roliva - Fantasma 7. Ruary &Tatook - Raiz Cuadrada

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el dúo francés Kimshies. Durante el mes de abril se irán estrenado los diferentes tracks de este interesante EP, mientras os dejo en el código QR un pequeño adelanto…

TRACKLIST 1. Tulioxi – I´m Used to Music 2. Tulioxi – I´m Used to Music (Disco Mortale Remix) 3. Tulioxi – I´m Used to Music (Kimshies Remix)

Autor: EDUARDO P. WAASDORP Foto: ALFREDO ARIAS

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África es un continente lleno de contrastes y que cada vez llama tiene una presencia mayor como nuevo centro creativo mundial. Cada vez vemos a figuras más interesantes salir de los diferentes países, dando pasos al frente y colocándose en la primera línea de la industria musical, como referentes de la nueva música electrónica. África nos fascina y, a su vez, somos grandes desconocedores de lo que pasa en sus fronteras. Por ello, este mes hemos querido traer a uno de los grandes nuevos valores de África, a nuestro escaparate principal. Una artista que rompe moldes y que tiene un ingenio creativo fuera de lo común, lo que la ha llevado a triunfar en cada una de sus incursiones artísticas en los últimos años.

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Hablamos de Fakeba, La Reina de África. Siendo una artista multidisciplinar venida de Senegal, su perspectiva vanguardista es una de las que tiene mayor proyección de la fascinante escena electrónica africana contemporánea. Siendo la primera vocalista que ponemos en nuestra portada, Fakeba tiene una voz intensa de texturas preciosas, con la que transmite sus letras llenas de mensajes e historia. Y las cuenta en wolof, la lengua de Senegal, la lengua de su Dakar natal. Su música está llena de referencias culturales; beats electrónicos y bases electro-tech-pop con toques darkys de new-wave, y con influencias industriales que nos recuerdan a bandas como Depeche Mode o Underworld.

Fakeba es madre, compositora, cantante, promotora, fundadora del ElectriKa Festival y embajadora de Roland Instruments para todo el continente africano. Su último trabajo, ‘JOTNA’, (“es ahora, es el momento, es ya” en español) fue un álbum colaborativo junto al músico, DJ y galardonado productor británico afincado en California, John Fryer.

‘JOTNA’ presentaba música de alto nivel, compuesta, mezclada y producida por Fryer en Los Ángeles, en armonía con la vibrante voz de Fakeba, grabada entre Dakar y Madrid.

Un álbum que incluía siete temas, cuyas letras escritas por ella son un verdadero llamado a toda la sociedad africana, a la que le dice alto y claro “¡levántate y avanza!”. A principios de este año presentaba los remixes, contando con artistas de la talla de David Kano, Christian Wünsch, Big Toxic, Paula Cazenave, Helena Gallardo, The Dirty Playerz, Joaqui o J. Siemens, quienes firmaron tremendas reinterpretaciones de extraordinarios pasajes como ‘Dakar’, ‘Ndanane’ y ‘Mother Africa’. Un disco que pone en tela de juicio las reglas del género, construyendo un conjunto atemporal, al que acudiremos con el tiempo intentando descifrar ese mágico y complejo mecanismo que consigue trascender todas todas las expectativas de la música de baile.

Ahora, Fakeba está a punto de estrenar nueva colaboración con Fryer, y ante ello, hemos querido convocarla para que nos cuente más sobre su historia, su presente y el proceso de este nuevo trabajo. Un auténtico placer poder tenerla en nuestra portada. Os dejamos con Fakeba y su universo. ¡Música, maestra!

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¡Hola, Fakeba! Es un verdadero placer tenerte en la portada de nuestro mes de abril. ¿Cómo empezó tu 2021?

Creo que, como para todos, con la ilusión y la esperanza de poder activar todos esos proyectos musicales, giras, lanzamientos, etc. que, lamentablemente, quedaron en suspenso, por razones sufridas por todos, en 2020.

Vienes de Senegal, una de las naciones africanas más interesantes a nivel musical en la actualidad. ¿Cómo fue criarte musicalmente allí?

Como bien dices la escena musical senegalesa es bastante rica y diversa. Es cierto que está muy monopolizada estos últimos años por un estilo musical que es el MBALAX, pero cada día son más las bandas que se orientan hacia otro tipo de música como puede ser el hip hop, la música electrónica, etc. Para mí, como para otras mujeres, no fue fácil ya que el mero hecho de ser mujer en una sociedad patriarcal no estaba muy bien visto, pero gracias al apoyo tuve de mi familia y amigos conseguí consolidarme y poder vivir de ellos. Pero sí, nada fácil.

Eres la primera vocalista que va a salir en nuestra portada en toda nuestra historia. ¿Cuáles fueron tus primeras influencias musicales?

Antes de nada, me gustaría agradeceros la oportunidad de poder ser portada de este mes de abril, es para mí un gran honor como mujer y vocalista. Con relación a mis influencias musicales, yo vengo de un mundo autodidacta, mis influencias no fueron muchas por no decir ninguna. ¿Y cómo fue tu primer contacto con la música electrónica?

A través de mi gente, de mis amigos. Muchos de ellos están en contacto con toda la cultura de música electrónica occidental, me mostraban cosas que me sorprendían por los sonidos por los ritmos tan de tierra que transmite la electrónica etc. me abrió a un mundo totalmente atractivo para mí.

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Tienes una relación muy fuerte con la legendaria marca de instrumentos Roland, siendo embajadora para el continente africano. ¿Cómo surge esta colaboración?

Nace a través de una colaboración que realizo con la banda inglesa Black Needle Noise y a raíz de ese lanzamiento conocí a Brian Alli, Vice President of Global Artist Relations, a partir de ese momento se me nombró embajadora de la marca para el continente africano, que, a día de hoy, sigo ostentando con gran honor.

El año pasado publicaste tu álbum ‘JOTNA’, que recibió una gran acogida del público y la crítica, justo antes de que la pandemia nos golpease de lleno. Este vino junto al legendario músico, DJ y productor John Fryer. ¿Cómo surge tu relación con John? ¿Cómo os conocisteis? ¿Cómo es trabajar con él?

Mi relación con John empezó a través de una colaboración musical con su proyecto personal “Black Needle Noise”, hicimos un tema juntos “System Bi” que tuvo una gran acogida en USA y escena independiente internacional y a partir de ahí nos planteamos el trabajar juntos e intentar sacar algo nuevo, un sonido nuevo, algo diferente y el resultado ha sido un fantástico álbum llamado “JOTNA”, lleno de energía y de sorpresas musicales. El primer contacto fue a traves de las redes

musical y producido por alguien único como él. Son temas también de larga duración, música más enfocada a sonidos modernos, emergentes, para un target joven, etc. Creo que será sorprendente, entre los dos creamos un cóctel de sonido del futuro.

Entiendo que John Fryer trabajará en su estudio de Los Ángeles y tu grabarás las voces en España, en el estudio de otro colaborador asiduo de tus trabajos: Big Toxic. ¿Cómo cambia para ti el trabajar a distancia? ¿Cómo lo compraras con trabajar de forma presencial?

Hoy día la tecnología borra toda distancia, John puede estar en Los Ángeles, Big Toxic en Madrid y yo viajando regularmente entre Senegal y Europa y nada nos hace sentirnos en la distancia. La comunicación es absolutamente fluida, las ideas corren, las muestras vuelan, todo muy de hoy. ¿Cuál es el concepto detrás de este nuevo disco?

No se me ocurre ningún concepto que te pueda describir, lo resumiría en música de altos vuelos. Algo diferente fuera de lo común. ¿Qué otros colaboradores podremos encontrar en el disco? ¿Cómo eliges quien produce o colabora contigo?

El disco lo estamos haciendo entre John y mi equipo, el nivel es altísimo y la verdad, no echamos en falta extras en colaboraciones en el álbum. Estoy muy contenta porque los temas que está escribiendo John son espectaculares, luego Big Toxic trabaja muchísimo conmigo en la cercanía sobre las voces etc. y bueno, sentimos que, como se suele decir, “lo tenemos·”. Respecto a con quien trabajar, la verdad, en estos últimos cinco años he ido creando mi equipo y puedo buscar colaboraciones externas, pero “mi equipo” es lo principal, luego cuando observamos destellos artísticos atractivos desde cualquier punto de la electrónica, claro que prestamos atención y creamos contactos, redes de trabajo, etc. sociales, le pedí poder trabajar en su proyecto personal y, tal y como cite anteriormente, le gustó mi voz y mi presdisposicion y hasta hoy.

También salieron los remixes el pasado mes de enero, a cargo de David Kano, Christian Wünsch, Big Toxic, Paula Cazenave, The Dirty Playerz, Helena Gallardo, Joaqui y J/ Siemens. Cada uno de los remixes tiene un aire totalmente asociado a sus creadores, haciendo de este un trabajo muy variado. ¿Por qué elegiste a cada uno de ellos?

Quise remarcar mi cariño por España y junto con mi equipo de trabajo elegimos a los artistas y productores que más cercanos en creatividad y visión percibimos. Con algunos de ellos trabajo regularmente, con otros fue un placer descubrirlos.

Ahora, en la primavera de 2021, vas a sacar otro disco junto a John. ¿Va a ser una continuación, a nivel creativo, de ‘JOTNA’? ¿Qué podemos esperar?

Podría ser una continuación del anterior álbum, pero va mucho más allá. John no compone para casi nadie excepto para él mismo y su grupo Black Needle Noise, es una tremenda oportunidad artística volver a poder lanzar un álbum compuesto en la parte

¿Qué más nos puedes contar de este nuevo disco?

Creo que este segundo álbum con John consolidará nuestra unión artística para hacerla llegar a todo el mundo, a que nos abran sus puertas de escucha, él es un grande entre los grandes, un artista espectacular de la producción, un artista del mundo de la música, Él ha participado en muchos discos de éxito mundial y yo me siento junto a él muy cómoda y segura de nuestra proyección con este nuevo álbum.

Lo publicas en tu sello, IBERlive Entertainment. ¿Cómo es la filosofía de este?

Iberlive Records es el sello que se creó específicamente para lanzar mi carrera, también pensaba en sumar otros artistas y esa puerta seguirá siempre abierta. La filosofía primordial del sello es editar música imperecedera, que se pueda medir en calidad ahora y siempre, esto último es la base de todo nuestro proyecto y lo trabajo día a día con mi equipo.

De momento solo has publicado tu material y los remixes. ¿Tienes planes de abrir el sello a nuevos artistas? ¿Qué otros planes de futuro tienes para el sello?

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Con el transcurrir de los años, el sello está dando cabida exclusivamente a mis lanzamientos y por ahora creo que no habrá muchos cambios, pero por supuesto que siempre estoy abierta a descubrir y apoyar nuevos talentos.

Otra de tus facetas es la de promotora. La has desarrollado en el festival ElectriKa Festival, que tiene lugar en tu país, Senegal. ¿Qué tan difícil es desarrollar un festival de estas características en tu país?

Iniciamos esta aventura en 2016 para dar a conocer la escena electrónica en el África subsahariana, realizamos varias ediciones, que salieron bastante bien y contamos con artistas de la talla de Covenant, Spectra, Flash Zero, Kirlian Camera, etc.

Tuvo una gran acogida, pero por circunstancias económicas y falta de recursos tuvimos que hacer una parada, que se ha ido prolongando en el espacio de tiempo.

Te llaman “La Reina de África”, por tu lucha y compromiso con el pueblo de África. Eres una de las artistas más luchadoras, empoderadas y potentes de la escena. De hecho, cantas en wolof, la lengua nativa de Senegal. Está claro que es muy importante para ti dar a conocer la lengua de tu país, con letras que invitan al pueblo africano a unirse, a crecer y a respetar su legado y su presente. ¿Cómo ves la situación actual en tu país y en su entorno? ¿Cómo ves el futuro de África?

Nuestros pueblos estuvieron, están y estarán, si no nos movilizamos, en manos ajenas, seguimos con un modelo de desarrollo impuesto por las grandes potencias mundiales a todos los niveles, económico, cultural e incluso social. Seguimos siendo un pueblo oprimido, sin voz ni voto, cada día vemos como nuestros derechos a la libertad de expresión son completamente allanados, el futuro es incierto no solo para mi país sino para todo el continente en general ya que vamos hacia un modelo único de gobernanza.

Siendo una artista tan consagrada y admirada en África, ¿qué consejos darías a las mujeres que quieran dedicarse a la música?

Ninguno, no creo que esté capacitada como para dar consejos a nadie, simplemente les diría que se dejen llevar por la pasión y el poder de creación y el resto viene solo, es un mundo muy difícil y muy monopolizado por la industria, pero con fuerza y tesón hay hueco para todas.

Cada vez hay más sellos, como Analog Africa, Bongo Joe, Rush Hour o Hot Casa, que buscan rescatar joyas musicales perdidas de los países africanos, que tuvieron una explosión cultural en torno al disco en los 70 y 80. Analog Africa tiene un recopilatorio muy interesante de música senegalesa, con bandas como Fangool, Orchrstre GMI, Le Sorouba de Luga, King N’gom o Le Tropical Jazz, entre otras. ¿Crees que este tipo de trabajos de recopilación pueda inspirar a jóvenes africanos, dentro y fuera del continente, a conocer mejor su pasado musical?

Creo que no. Pienso que las tecnologías han hecho que se reinvente la música y sus sonidos, es cierto que la buena mú-

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sica como todo en general perdura, pero hablar de influencias de los años 70 y 80 en el Siglo XXI sería un gran atraso en la escena musical.

La vida de todos los artistas se ha visto afectada por la pandemia de la COVID-19. ¿Cómo te ha afectado a ti? Con el tiempo extra que has tenido, ¿has descubierto nuevas avenidas creativas?

Creo que no me ha afectado tanto a nivel sanitario ya no ha sido tan devastador como en occidente, a nivel artistico creo que ha sido de manera igual para todos, ya que hemos tenido que cancelar fechas, se nos ha prohibido la movilidad, etc.

Pero bueno, sacando el lado positivo, nos ha permitido centrarnos más en otro tipo de actividades y sobre todo pasar más tiempo con la familia. En fin de todo lo malo que ha sido y sigue siendo el lado positivo es que me ha permitido crear más musica y sobre todo compartir más tiempo con los míos.

Tienes una conexión muy intensa con nuestro país, España. Tengo entendido que vives en Valencia y muchos de tus discos se han grabado en Madrid. ¿Cómo fue tu primer contacto con nuestro país? ¿Por qué decidiste quedarte a vivir aquí?

España es un país fantástico al igual que su gente, cierto que tengo un apartamento en Valencia, pero mi residencia oficial sigue siendo mi Senegal natal. He tenido la oportunidad de conocer bastantes ciudades españolas gracias a mi profesión y en todas y cada una de ellas he tenido una acogida maravillosa, el público español es único y desde aquí aprovecho para darles un besazo a todos aquellos que me siguen y apoyan.

Tu imagen sobre el escenario es poderosa y llena de energía. Eso es en parte gracias a tu estilo y vestimenta… ¿En qué te inspiras para tus estilismos?

Hace ya tiempo, creo que incluso antes de que empezase mi carrera musical, desarrollé mi propia marca de ropa, y de ahí y con la ayuda de estilistas de Dakar, hemos conseguido crear algo diferente y atractivo para la puesta en escena.

Finalmente, Fakeba, ¿qué otros proyectos vas a tener entre manos este 2021?

Paralelamente al nuevo álbum con John Fryer estoy trabajando en otro LP que saldrá a finales de 2021 con un importante equipo de productores de música electrónica muy reconocidos internacionalmente, míticos muchos de ellos. Este 2021 será el año de Fakeba.

SIgue a Fakeba en RRSS: • www.facebook.com/fakebaofficial • www.instagram.com/fakebaofficial • www.youtube.com/c/fakeba • www.fakeba.bandcamp.com • www.fakeba.com

Elêttrónica con raíçê

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Autor: EDUARDO P. WAASDORP Foto: ADRI OFFDELCAMPO Estilismo: LEANDRO CANO

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Califato 3/4 En los últimos años se ha estado gestando un proyecto musical realmente único. Una perspectiva de crear música que aúna la electrónica más vanguardista con las raíces musicales más profundas de una de las zonas culturalmente más ricas y menospreciadas de España: Andalucía.

Hablamos, como no, de Califato 3/4. Este grupo de amigos (músicos, productores y DJs) se juntó hace ya unos años para crear esta amalgama única y genial de música cargada de influencias de la cultura andaluza, uniendo los breaks más vanguardistas con fandangos, bulerías, música de semana santa y una larga lista de interesantes confluencias para crear un imaginario único.

Ante la publicación de su impresionante ‘La Contraçeña’, quisimos llamarles para conocer al Califato un poco mejor. Compuesto en su núcleo por Manuel Chaparro, Esteban Espada, Curro Morales, Sergio Ruiz y Lorenzo Soria, y orbitado por una lista bastante larga de colaboradores y amigos, hablamos con Curro, Esteban y Loren (que hablan como si fueran uno) para que nos cuenten un poco mejor de dónde viene y hacia donde va este brutal proyecto irrepetible e inclasificable. ¡Música, maestros!

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Para empezar quería preguntaros, ¿Como fue el bolo de Jaén? Era vuestra primera actuación en mucho tiempo…

Si, al menos desde noviembre. El último que hicimos fue en Madrid, un poco ya al límite, que fue cuando se dejaron de hacer cosas. La gente tenía muchas ganas, estaba muy entregada. Había mucha expectación, gente que venía de Almería, de Granada, que se cogió el coche porque les apetecía venir. Se pegaron una buena ruta para venir y llenaron el teatro. La gente está que ya no aguanta más, esta situación de pandemia va a pasar ya el año y es complicado…

A nivel logístico, sobre el escenario, ¿cambió algo? ¿Os obligan a estar a distancia o algo?

No, no sobre el escenario. Las medidas se aplican al público, especialmente nos han dicho que no nos podemos juntar con ellos, hay que estar separados. Nosotros además hacemos vida familiar entre todos, pasamos todo el día juntos. Nos vemos más entre nosotros que a nuestras madres (risas).

Incluso desde el año pasado, cuando fuimos a Barcelona, fueron 12 horas de furgoneta… estamos siempre juntos.

Me imagino que de entrevistas estáis hasta arriba… Habéis salido en Vogue, en La Resistencia de Movistar+, portada de MondoSonoro, La Razón, ABC… En prácticamente todos los periódicos de España y ahora en DJ Mag. ¿Cómo ha sido todo este proceso?

Tenemos un buen equipo de prensa, con Alan de Raso y Kuke de Taste THe Floor, que se lo han currado mucho. Aparte de que el grupo ya va teniendo más recorrido y la gente quiere saber más de nosotros, la repercusión también es trabajo de ellos. Nosotros lo de la prensa lo llevamos bien, agradecidos. Y aunque canse un poco lo de hacer cinco entrevistas seguidas algún día, y te preguntan lo mismo (aunque haya alguna más interesante), es bastante mejor que estar cargando sacos de cemento (risas). Estamos muy agradecidos. Aunque a veces también nos gustaría hablar más de música… ¿Qué no os han preguntado todavía?

Nos han preguntado de todo. ¡Preguntad lo que se os venga a la cabeza, sin filtro alguno! De las mesas de mezcla no nos preguntes de faders vs. mesas rotatorias, que nosotros ¡siempre de faders! (risas). ¿Cómo os conocisteis? Porque cada uno viene de un ámbito diferente… Sergio (Serokah, Stay Puft) viene de BSN; que Curro se hacía llamar S Curro, además de cantar en el grupo de rock Narco; y que The Gardener, Chaparro, que es productor…

Nosotros nos conocemos de la escena en Sevilla, de pinchar, de organizar fiestones y de las raves. El Califato es el resultado de la unión de gente de diferentes colectivos. Curro fue el fundador, con Guillermo (Guille Corrosive) y Chaparro (Breaking Bass), Lorenzo Soria (Industrias 94), Esteban Bove (LIE Radio). Curro, por ejemplo, es más conocido por Narco y por S Curro (cantar y rapear), pero en verdad lleva produciendo electrónica y

pinchando por toda España desde hace muchos años, pero era más un hobby. El punto que tenemos todos en común son los ritmos rotos, el royo UK Bass en general, el garage, el dubstep… El rollo de Londres y Bristol, acabando en Barbate.

A nivel producción y directo, cada uno hace cosas diferentes. ¿Quién hace qué?

En efecto, es totalmente diferente lo que hacemos a la hora de crear la música y luego interpretarla. A la hora de hacer la música tenemos una configuración: Curro es el productor que ordena las ideas que todos van aportando, dándole una estructura; Serokah es el que diseña el sonido; Esteban es quien trae casi todos los samples; Loren hace tema de batería, de sonidos.

Cada uno tenemos una parte. Es todo muy libre.

En directo, en cambio, cada uno tiene que coger un instrumento. Curro toca la guitarra desde chico; Esteban toca el bajo; Serokah, el teclado y los sintes; Chaparro es como nuestro Keith Flint; Loren hace las pistas de percusión; a veces llevamos a Rosana Pappalardo que pone voces, que es la que canta bien; y Guille Iniesta, que es quien toca la guitarra flamenca. Esa es la estructura básica del directo, más allá de que podamos llevar algunas voces más, o a Araceli Morales, que es la hermana de Curro, que toca el violín.

Cada uno ha tenido que coger una cosa para poder dividirnos. Sino, hubiéramos tenido que contratar a 30 músicos y ya somos muchos (risas).

Aunque en ‘L’ambôccá’ erais alguno más…

Sí, en ese momento estaba metido también Broken Lip (BSN Posse), pero llegó un momento en que él no podía estar viajando tanto como Serokah para juntarnos, él tiene su vida en Málaga y este ritmo no le cuadraba tanto.

También está Diego Caro (Diego94), que ahora vive en Barcelona y aún sigue haciéndonos las videoproyecciones cuando actuamos, pero que no está en nuestro día a día. El Califato tiene varias esferas: está el núcleo y luego varias personas que van orbitando y se implica a diferentes niveles. También, como conocemos a tanta gente, las colaboraciones son fruto de eso.

Luego está la plataforma desde donde ha salido todo al mundo: Breaking Bass Records. ¿Qué nos podéis contar de la plataforma?

El sello lo creó Curro y cuando no pudo hacerse cargo tan de cerca del proyecto, buscamos a alguien que se hiciera cargo del día a día. Ese alguien es Manuel A. López, que era un DJ del colectivo y que se implicó mucho en todo el trabajo y es hoy en día quien se encarga de todo lo referente al sello y al propio colectivo…

O sea que literalmente os habéis auto editado…

Efectivamente. Es todo auto-gestionado. Breaking Bass es nuestro. La primera referencia fue de Curro, cuando hacía grime, hace unos 4 años.

Metiéndonos a lo que suena Califato 3x4 y vuestro último trabajo, ‘La Contraçeña’, de todas las influencias que habéis mencionado en otras entrevistas tenemos sevillanas, seguiriyas, bulería, soleá, jota aceitunera, pasos de semana santa, flamenco y breakbeat, con algo de punk rock también… Además de la mezcla de influencias de las culturas que han poblado Andalucía: árabes, judíos, cristianos y lo que se vive en la actualidad. ¿Cuántos experimentos habéis tirado a la papelera antes de llegar al sonido que tenéis ahora?

Ninguno (risas). Todos los temas que han salido de Califato son los que hemos hecho. No ha habido ningún descarte. Salió todo de ponernos moraos y lo que hicimos es lo que está ahí. En el primero (‘L’ambôccá’) fueron seis temas; en el segundo (‘Puerta de la Cânne’) fueron 12; y en este (‘La Contraçeña’) las 13 que salieron en esta reunión. Las demos que salen cuando nos juntamos las trabajamos y son las que publicamos.

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Pero, ¿cómo fue el proceso de llegar al sonido que tenéis ahora?

Ya por separado cada uno había hecho un camino previo de experimentación. Todos habíamos hecho cosas antes que tenían que ver con el tema de la fusión. Cuando nos juntamos eso permitió que todo fuera del tirón. El punto de partida puede ser cualquier cosa: un sample, un riff, una percusión, una letrilla, un palo de flamenco o la idea de hacer un fandango o una guajira.

Este sonido, entonces, lleva muchos años gestándose en vuestras cabezas…

Es que aquí en Andalucía hay toda una escuela de ritmos rotos, que viene de muy lejos. Por ejemplo, de sitios como la Fábrica de Colores y de las sesiones de hardcore, que vinieron por la influencia de los primeros discos de The Prodigy, por la cultura de las cintas (ya que ni los más mayores del grupo, como Curro o Chaparro, tenían edad para ir a los eventos, pero se fueron empapando de esas influencias). Luego vino la movida del breakbeat, en la que Curro se compraba cintas del Festival Feria de Sevilla o Lady Packa. Y

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luego yendo a fiestas de artistas como Junkie XL, Electrodrummers o Bockors siendo más mayor.

Lo cierto es que la cultura del breakbeat y los ritmos rotos en Andalucía se ha desarrollado mucho más que en el resto de España. ¿Por qué creeis vosotros que ha habido tanta influencia de ciudades como Bristol o Londres y su movida?

Creemos que tiene que ver con la gente que venía a veranear aquí, de Inglaterra. Pero también por la naturaleza de la música tradicional andaluza, que siempre ha girado en torno a los ritmos sincopados y rotos. Aquí ha entrado mejor ese tipo de música porque aquí estamos todos acostumbrados a oír esos patrones desde chicos, porque la música tradicional de aquí es rota. Por eso, a lo mejor, esa electrónica nosotros la hemos entendido mejor que de Despeñaperros para arriba. Por eso aquí entró mejor y se desarrolló de esa manera. Es muy curioso que mientras en el norte o incluso en Levante tuvo más entrada el 4x4 machacón, aquí lo que ha habido es ritmos rotos a tope.

Que eso no quiere decir que aquí no haya habido techno, pero ha sido más característico lo otro… ha marcado más a la gente.

Ahora que habláis de ritmos sincopados, habéis mencionado al fallecido Sergio Larriñaga como una gran influencia en varias entrevistas. Él fue un compositor de marchas de Semana Santa. ¿Quizá por eso habéis podido integrar tan bien esos elementos de las marchas en vuestra música? ¿Gracias a ese parecido en los patrones percusivos?

Sí. En el caso de Sergio es que fue eso. Él era una figura diferente, que se fue al mundo capillita. Era un chaval al que le encantaba el hip-hop, que le flipaba Afrika Bambaataa y que de pequeño escuchaba eso. Él se formó en el conservatorio y mezcló ese aprendizaje con el hip-hop. Por eso sus bases tienen esa frescura, que consiguió aportar al mundo capillita, revolucionándolo.

Vuestra música en general consigue el mismo efecto revolucionario, rompiendo con las métricas tradicionales y con el 4x4. ¿Vosotros creéis que, a pesar de que os definís como artistas electrónicos, el mundo de la música en general os ha prestado más atención por esos elementos?

Es verdad que la escena electrónica, de DJs, en España en general es de minorías. Y solo por el hecho de formar una banda ya abre un poco el público.

Además, nuestra propuesta musical es mucho más global, porque incorporamos cosas de otras músicas. Es lo curioso, que nuestras canciones llegan a un público muy, muy variado.

Nosotros no hacemos solo electrónica, o flamenco, o rock. No se nos puede meter en un solo saco, porque tenemos cosas de todo. Incluso un punky

o un rapero puede sentirse identificados. Hay mucha gente que, igual que nosotros, picotea de muchos géneros y que no se siente tan encasillada. Antes ese encasillamiento era muy marcado en las escenas. Hemos conectado muy bien con la gente que tiene un gusto más variado, con la mente más abierta. Hoy los tiros van más por ahí, porque en los 80 y los 90 las cosas se encasillaban más. Las cosas se han abierto lo suficiente y el terreno se ha allanado para que llegue gente como nosotros y rompa barreras a la hora de hacer música.

Vuestro primer trabajo fue, como decíamos antes, ‘L’ambôccá’ (leído “La emboscada”); luego vino ‘Puerta de la Cânne’ (leído, “Puerta de la carne”)… Yo os conocí con ‘Crîtto de lâ Nabahâ’, que causó un gran impacto en mí porque literalmente no había oído nada parecido. No estamos acostumbrados a oír fusiones de este tipo en España. Y ahora llega ‘La Contraçeña’, en el que oímos un sonido diferente, más maduro, ¿quizá con menos sampling?

Creemos que hay la misma cantidad de samples, pero lo que pasa es que hay muchas más cosas. Hay arreglos muy orgánicos, hay más instrumentos, pero samples sigue habiendo… ¿Tocáis más instrumentos en ‘La Contraçeña’ que en vuestros anteriores trabajos?

Cuando llevamos al directo ‘Puerta de la Cânne’ compramos instrumentos, tocamos y practicamos más con ellos. Por eso ahora nos resulta más natural hacer los arreglos nosotros, con nuestros instrumentos.

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Porque para cada disco, os habéis juntado en un sitio diferente… Para ‘L’ambôccá’, os fuisteis a Aznalcóllar; en ‘Puerta de la Cânne’, en El Ronquillo; y para este os habéis ido a Ronda, donde alquilasteis un apartamento que ya había sido un conocido estudio de grabación, ¿no? ¿Cómo es el proceso cuando os juntáis todos?

Sí. En cada uno nos hemos ido de escapada a algún sitio para desconectar.

En Ronda fuimos a ‘El Choque Ideal’, un conocido estudio convertido en apartamento. En cada vez, nosotros llevamos los monitores de Chaparro, del Serokah; también las pantallas, el teclado; algunas máquinas de ácido; montamos el sistema y empezamos a poner ingredientes. Como te decía antes, como somos tantos, estamos todo el rato interviniendo, con Curro ordenando un poco toda la vorágine de ideas y de creatividad. Lo que hacemos es muy rápido, sin darle muchas vueltas. Lo terminamos y ya vamos a otro tema.

Hacerlo en una toma le da más naturalidad, ¿no?

Para nosotros es lo normal. Curro, por ejemplo, ha trabajado en muchos proyectos en los que se ensayaba todo en el local, muchas veces, sacarlo, y cuando está réquete-ensayado, se grababa. Nosotros grabamos del tirón, muchas veces incluso las voces las escribimos sobre la marcha, se graban y se quedan así. Luego se aprenden para el directo. El proceso es casi inverso al que se suele hacer. Más como productores o banda de música electrónica que como de estilos tradicionales.

A nivel creativo, ¿ha habido algo positivo que hayáis sacado del confinamiento? ¡Qué va! Estábamos muy bloqueados creativamente. Hicimos un par de colaboraciones, terminamos un par de cosas, pero no nos gusta trabajar por separado. Nos gusta juntarnos. No funcionamos bien con que si llega el correo, el uno lo abre, el otro hace tal… Casi no hicimos música durante el confinamiento. Nos tiramos más bien viendo series (risas). A nosotros nos gusta la calle, estar juntos, ir al local y estar metidos todo el día en casa lo llevamos regular. Igual la gente de Noruega lo lleva mejor que nosotros (risas).

Entre los temas que más me gustaron está ‘Indiô der Cûh’, ‘Çambra der Huebê Çanto’ con Kurt Savoy o ‘Camelamô naquerâh’, con Ebla.

Sin embargo os voy a preguntar por los tracks que más rompen con todo. Entre ellos, ‘Te Quiero Y Lo Çabê’. ¿Cómo surge este track, con ese mensaje tan particular a favor de las personas transgénero en su video?

Este track surge por Curro, que en ese momento estaba dándole mucha caña a la obra de Genesis P-Orridge, de Psychic TV. Y el sample que usamos, que es de ‘I Love You, I Know’, lo llevó él, aunque el 60 o 70% de los samples que usamos los lleva Esteban. El sample en concreto es como la maquinilla de pelar que se oye (risas), además de la línea de bajo. Empezamos a trabajar con él, a ver qué salía, cargamos el sample y a Curro se le vino lo de Los Sobraos – que no tiene nada que ver – y cogimos la estructura de voz de Los Sobraos con la melodía de bajo de Psychic TV, empezamos a investigar y salió eso. Tampoco le dimos más vueltas. Para nosotros tampoco es que desentone o rompa con el disco, porque cada tema es de su padre y de su madre (risas). De hecho, cuando hicimos el tracklist lo pusimos el tercer también para engañar un poco (risas). Empieza todo con ‘Indiô der Cûh’ y parece que te va a llevar todo a un disco más rollo Mogwai y sale esto. ¡No te vayas a confiar!

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Luego, en vuestra forma de hacer las cosas ha habido dos cosas interesantes. Por una parte, la ortografía que habéis usado desde el principio; y por la otra rescatar el andalusí de la mano del lingüista Pablo Sánchez…

Son dos cosas diferentes: Lo primero es lo del EPA (Er Prinçipito Andalûh): una propuesta ortográfica que intenta aglutinar a todas las hablas andaluzas en una grafía y en una escritura ¿sabes? Es como una gramática que intenta aglutinar a todas las hablas andaluzas… ¿Que juega un poco con la fonética, no?

Exacto. Eso viene de Huan Porrah (Juan Porras), que es una persona que lo lleva haciendo e investigando muchos años, además de otras personas. A nosotros nos ha interesado siempre, especialmente a Curro. Luego hay un transcriptor en andaluz (https://andaluh.es/), donde puedes poner el texto en castellano y te lo da en andaluz… ¡como Google Translate! También nos interesa mucho nivel político, con todo lo que conlleva el apropiarse de la gramática, porque la gramática suele establecerse desde los centros de poder. El tema de empoderarnos, utilizando nuestra propia grafía, también es un acto político. A parte de una cuestión estética, que nos caracteriza y nos da un rollo diferente. Nos pareció muy interesante y por eso la mostramos.

Luego está lo del lingüista Pablo Sánchez y el andalusí, que entiendo que fue para la canción ‘Camelamô Naquerâh’, con Ebla…

Exacto.

Con esto y con vuestra fusión musical, ¿creeis que Califato puede estar ayudando a la juventud a reconocer y abrazar sus raíces? Os ha pasado a la inversa que muchos grupos: habéis conseguido ser profetas en vuestra tierra…

Totalmente. Estamos consiguiendo eso: que cosas que podían considerarse un poco rancias, que podían no interesarle a la gente joven, les parezca algo guay, algo “cool” y eso nos parece una labor muy interesante. Es el camino que estamos siguiendo. ¡Muchísimas gracias por vuestro tiempo, chicos! ¡Ha sido un placer! ¡El placer ha sido nuestro! ¡Gracias a vosotros!

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También he leído que en ‘La Contraçeña hay más psicodelia y oscuridad. Esto se deriva de los meses de confinamiento…

Cierto. En ‘Puerta de la Cânne’ nos lo tomamos más tranquilitos (risas), fue otro sistema. Este ha sido más intenso. Fue una fiesta de cuatro días (risas).

Autor: LEIRE ZULOAGA

Cosmic Gate Enraizando en el momento

Puede ser porque la música no se limita a un espacio físico, ni requiere de toda nuestra atención para disfrutarla mientras embalsama nuestro día a día… Quizás porque nos acompaña mientras corremos, trabajamos o escribimos, precisamente por eso. Porque la música es, entre otras cosas, compañía.

Por eso los músicos y su trabajo es algo que sentimos tan cercanos a nosotros.

Y la verdad es que en cada historia individual, en cada banda sonora vital y personal, existe una canción vinculada a una experiencia concreta, a una emoción única o a un recuerdo imborrable, ¡porque ese es el verdadero poder de la música! La capacidad de echar raíces en un momento preciso que siempre escapa a nuestro control...

Poder, que es bien reconocido por el dúo alemán de magos cósmicos que durante más de veinte años (y como poderosos alquimistas) nos han estado regalando algunos de los himnos trance más poderosos de toda la historia musical. Magos que hoy se sientan unos minutos con todos nosotros para hablarnos de una intensa pero exitosa trayectoria, así como de su nuevo y esperado álbum, MOSAIIK.

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La historia habla de un encuentro casual en un discográfica de Colonia hace más de veinte años como lo que os puso en contacto. Contadnos, quienes eran Nic y Bossi antes de Cosmic Gate?

Bueno, antes de Cosmic Gate, ¡vaya! Creo que los dos trabajábamos ya como DJs y teníamos sendas residencias en dos de los clubes más importantes de la zona donde residíamos por aquel entonces en Duesseldorf y Colonia respectivamente. En aquellos tiempos, los dos teníamos canciones ya a la venta con uno de los labels de la época en Colonia. Y fue, ahí precisamente; en Colonia y a través de algunos amigos que teníamos en común, - gente con la que trabajábamos o estaban relacionados con nuestro trabajo- quienes nos pusieron en contacto pero; si tenemos que ser sinceros… La verdad es que ni siquiera recordamos aquel día exactamente! que fue el día que hablamos por primera vez y, que seguro; sería dentro de algún infame club! (risas) Así que por supuesto estaríamos más a la música que a la gente que iba llegando. Poco después de esto, y tal y como a la historia le gustaba contar, nos encontramos en la recepción de aquel mismo estudio en Colonia donde sacábamos nuestros temas.

Cómo de enraizado en vuestras cabezas está aquel primer track titulado “The Drums” producido aquel celebre día antes conocido como el primer día de Cosmic Gate?

Bien! Esto debió ser al de poco tiempo de aquel primer encuentro, el mismo año que nos conocimos...Como te decíamos, por aquel entonces empezábamos a salir y compartiamos ya bastantes amigos en común con un gusto voraz por la música electrónica y todo el movimiento que se había generado a través de este tipo de sonidos sintetizados.

A todos nos gustaba pinchar y empezábamos también a producir, eso sin duda fue; el punto inicial que nos acercó.

Y un día, uno de esos normales que nos veíamos en el estudio… Se suponía que un grupo de nosotros teníamos que hacer una version de otro tema para este sello de Colonia, y aunque la remzcla en la que todos trabajamos no funcionó, este sí fue un punto de inflexion completamente arbitrario para nosostros, porque cuando nuestros amigos se marcharon, nos quedamos en el estudio los dos, por primera vez; Nic & Bosi estaban realmente solos! Y simplemente improvisamos, tocamos con los nuevos tambores que habíamos estado probado anteriormente. ¡Solo divirtiéndonos! Sin ningún tipo de plan en principio, y después de unas tres horas, habíamos construido y terminado la pista por completo.

Unos meses después de eso, este tema fue lanzado bajo este nuevo proyecto, que, des-

pués de una lluvia de ideas y pensamientos, decidimos llamar; Cosmic Gate.

HablEmos de los cambios más significativos que vuestro sonido ha experimentado en este viaje de más de 20 años…

Estilos, influencias, tecnologías, personalidades…Hay un mundo entero! Realmente ambos nos nutrimos de todo lo que nos rodea y por supuesto cambia como también lo hacemos nosotros y sobre todo, también nuestra música.

En un espectro general, podría ser justo decir que nuestro sonido ha evolucionado hacia un plano, ahora; más lento, seguramente también más progresivo y esperamos -en el buen sentido-; que estos hayan sido dos matices que hayan aumentado lo que Cosmic Gate es a día de hoy… Muchos, dirían crecer; pero nosotros preferimos verlo como una evolución de nuestro propio aprendizaje… Como una avance sonoro al que hemos ido dotando de mejoras y que ha ido progresado hasta convertirse en un sonido de matices más sofisticados y ante todo, mucho más abierto y ecléctico. Porque… No se si lo recordareís, pero cuando echamos la Mirada hacia atrás y recordamos cómo sonábamos en aquellos primeros años… ¿Te refieres a aquellos primeros EPs? …Uff! Cuando Cosmic Gate daba los primeros pasos del camino! Y es que en aquella época teníamos un estilo bastante rudo que, musicalmente; también tuvimos que adaptar al igual que hemos hecho a lo largo de todos estos años pero… al final, estos cambios no son lo más importante, son tan solo un vehículo en el que viaja todo lo demás! Porque en realidad; lo más importante para nosotros, lo que siempre nos ha preocupado de verdad es que nuestra esencia personal dentro de la música y todo lo que hacemos cuando nos subimos a un escenario esté dentro de una linea, que ya marcamos hace muchos años. ¿Qué quieres decir, algo parecido a unas pautas personales dentro de la música?

Es como una especie de “señal invisible” que ambos conocemos y que, todavía hoy; seguimos trazando por supuesto, siempre unido a la firma sintetizada que los sonidos computerizados consiguen y con la sensación especial que ambos compartimos y disfrutamos al trabajar juntos… Da igual que fuera hace 20 años produciendo aquel trance duro y más alocado o ahora! En tiempos en que la tecnólogía -y por qué no decirlo!- también el desarrollo sonoro tanto de artistas como del público, nos han traído tiempos más progresivos con una “estructura musical” más compleja y bastante más sofisticada…

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¡Completamente de acuerdo! …Creo que sería justo, incluso; decir que no lo hemos hecho nada mal!

(Risas) ¡Sí, totalmente cierto! … ¡Ojalá haya más por venir!

Entonces preguntar por los temas que podrían rememorar estos cambios significativos en el duo, ¿tendría algún sentido?

Bueno, antes mencionaste nuestro primer single, "The Drums" que tal vez, si lo comparas con "Fall Into You", nuestro trabajo con la vocalista JES… Podrían ser dos claros ejemplos de dónde estábamos entonces y dónde sentimos que estamos ahora. Podríamos decir, incluso; que más que cambios puntuales que puedan ser anotados en un calendario, lo nuestro; creo ha sido algo más parecido a un proceso de crecimiento tanto creativo y de igual manera, un proceso también personal.

Está claro que siempre hay dias más relevantes o incluso remarcables que otros pero, posiblemente; los significativos son un cúmulo de pequeñas cosas que tienen lugar durante una cadena de sucesos más extensa que todo eso.

Fue en esa cadena de pequeños sucesos donde Cosmic gate vivó su renacimiento musical? Porque vuestros remixes se han vuelto, casi; tan ilustres como vuestras producciones, siendo elevadas a la categoría de himnos… …Ah! pero, ¿Hay claves para el éxito? (risas) Nunca pensamos en esto cuando entramos en el estudio… Vamos a hacer un hinmo musical! …Te maginas? No se puede hablar de ello frivolizándolo como si fuera algo prefabricado, porque no sé si os habréis dado cuenta pero, inventar… No es fácil! (risas) y; yendo un paso más allá, inventar algo bueno y que consiga conectar con la gente a niveles que ni habíamos imaginado antes, para que luego; estas mismas personas conecten con otras a través de nuestra música… Alguien sabe dónde está la clave para esto? (risas) Siento que teneís algo que decir…

(Risas) ¡Hablemos claro! En ciertos momentos siempre puedes aplicar ciertas técnicas de construcción musical que -de una manera ambigua e incosciente- pueden aportar cierto movimiento o “apertura sonora” a una canción o remezcla para imprimir en ella ese toque “cósmico” que llame a “levantar la voz y fundirte con la música … ¡Eso suena muy poético! (Risas) ¡Puede ser! (risas) Pero, ante todo; hay que tener muy claro que no somos nosotros, que son las multitudes, -miles y miles de personas- las que realmente deciden…

¡Explícate! ¿Acaso no son el público y todos nuestros fans alrededor de todo el mundo los verdaderos protagosnistas de esta revolución de nuestros temas en algo considerablemente más grande? Todos ellos son los que convierten esto que nosotros hacemos, en algo muy superior! Y sinceramente, esperamos poder seguir aportando -y de manera muy humilde-, muchas otras canciones que puedan llegar a convertirse, -porqué no!- en los siguientes himnos cósmicos del cielo musical porque, ese ... Ese es el regalo más grande que hacemos a nuestro público! Nuestra música y, de igual manera; también es el regalo más grande que este y cualquier público podría hacer… a nosostros, y a todos los artistas a este lado del universo cuando convierten algo que salió de nosotros! -que, aunque parezca mentira, aún seguimos siendo aquellos dos tipos locos de Alemania- en algo tan grande como para ser considerado un himno!

Ha sido esa misma fuerza la que ha llevado, por ejemplo; a empresarios, promotores y artistas –como es en vuestro caso-, a crear algunas posibilidades como los conciertos virtuales de este pasado 2020 y otras interesantes propuestas para este año que comenzamos? Y sobre todo, cómo fue la experiencia en el Temple House de Miami famoso por su mapeo visual en360 ?

Este es un tiempo que pone de manifiesto lo variables que pueden resultar las cosas, eso está claro! … A partir de aquí es justo decir que cada uno busca su camino!

Nosotros en particular, decidimos hacer este streaming tan especial en “The Temple House” de Miami porque era el escenario digital cási perfecto gracias a sus paredes de formato visual de 360 grados. El espacio en sí, es una locura donde te conviertes en el centro de una explosión visual durante todo el set.

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Esto nos llevo a tomar una decision clara, todo para intentar nivelar la energía musical con las imágenes de la sala …Eran tan locas!

Pensamos que para esa occasion en particular, sería mejor mantener una programación musical un tanto “más lineal” de lo que solemos preparar normalmente y creémos que, el resultado; fue una experiencia única e increíble! ¿Y los conciertos que estáis realizando en este 2021? Hemos vistos cierta cantidad de fechas cerradas en EEUU y una en Reino Unido.

A estas alturas creo ya podemos hablar de la pandemía también como un desafío, sobre todo para los artístas y músicos.

Este último año, por supuesto; también nos trajo un punto de inflexion –absoluto- para todos nosotros, donde hemos visto como eso que hacíamos fin de semana tras fin de semana era postergado mientras cada uno de nosos-

tros tenía que asimilar que una de las cosas que más nos gustaba hacer como es esa busqueda de connexion, -a veces universal, otras más íntima- con el público a través de nuestra música ya no era posible debido a la pandemia… Esto fue un golpe demoledor!

Afortunadamente, las transmisiones online nos ha procurado una salida, y también una forma de seguir teniendo ese vínculo musical tan anhelado con nuestro público y seguidores.

Es por eso que, a lo largo de este 2021 tendremos varios eventos más de transmision online y, seguramente; será algo que incorporaremos, también de manera periódica; al ecosistema musical ya presente de Cosmic Gate siempre, como un intento de ofrecer algo realmente especial y diferente a todos nuestros seguidores. ¿Y cuáles son las prespectivas para este 2021?

Estamos muy satisfechos con el trabajo conseguido con estos primeros eventos de formato

online, felices también de que hayan querido contrar con nuestra presencia en los primeros eventos tras la pandemia y el distanciamiento social en los EE. UU. como han sido, por ejemplo; los eventos realizados en varios autocines del país.

Hemos tenido el placer de colaborar en varias ocasiones en este tipo de eventos y ha sido algo completamente nuevo y otra manera de sentir la intensidad de cada momento. Esperamos que durante el verano, -ya con las vacunas-; volvamos a algo relativamente parecido a un estado pre-Covid que, no se si podríamos catalogar como normal, pero que nos permita, al menos; reunirnos y disfrutar de la música y de los nuestros, también en clubes o festivales.

Somos conscientes de que, a pesar de las vacunas, queda un largo camino por recorrer, pero también estamos muy positivos con los próximos meses y esperamos, entre muchas otras cosas, estar de vuelta en España dentro de poco.

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Literalmente habéis trabajado con todos! Quizás, una de las piezas que más llama nuestra atención sea la remezcla para James Horner del track de la película Avatar 'I See You', el cual ;os valió una nominación a los premios IDMA a la mejor remezcla, sin olvidar tampoco otros premios como una grandiosa nominación a los premios Grammy… Cómo fue el llegar a ese momento de satisfacción profesional tan grande? ¿qué hacíais cuando os dieron la noticia? … os emocionáis todavía con estas cosas?

Absolutamente! Tuvimos centenaries de comentarios, llamadas y mensajes positivos ya no solo de nuestros fans, sino también de un amplio rango de la crítica, que; perdona que te lo digamos, pero ambos gremios somos inseparables!… ¡Completamente cierto! Qué sería de nostros sin los músicos y artistas!...

“Your Mind” ha sido uno de vuestros últimos lanzamientos y con su nombre; hace un guiño al sello WYM, vuestro hogar musical primigenio… Qué recordáis con más cariño de aquella época? ¡Sí! de hecho, este single y el nombre de la discográfica van unidos de la mano. En esta época fue cuando estábamos comenzando con “Wake Your Mind”, aunque; creo que ya en aquellos momentos anteriores sentíamos ya lo importante que era tener una sello discográfico que te avalara, ya no sólo un hogar musical, sino también una plataforma que pueda ofrecerte el ser 100% independiente y sobre todo; que pueda dedicar valor legítimo también sobre la libertad para nuestros pensamientos y de igual manera, también en el peso de nuestras decisiones. ¡Vaya! Realmente hay mucha nostalgia entrelazada en las lineas de vuestras palabras…

Puede ser! Pero es que en muchos aspectos ya no somos unos niños! (risas)… Es así como debe de ser! Porque durante todos aquellos años “Wake Your Mind” fue un hogar perfecto para nuestro sonido y sin ser muy conscientes de todo ello en esa época; fue el lugar perfecto también para nosotros y por encima de todo esto, fue donde dimos nuestros primeros pasos musicales!... Cómo no sentir nostalgia de algo que ha significado tanto! ¿Y a día de hoy?

Afortunadamente a día de hoy, esto; es algo que también disfrutamos con nuestros socios del sello Black Hole Recordings, los cuales siempre nos han ayudado, ya no solo con los discos de WYM gracias a su enorme experiencia, también con la intensa búsqueda de connexion que ambos realizamos en nuestro propio camino dentro la escena y nuestro público… Siempre estaremos agradecidos!

Y sobre la música? Cuales son las sintonías que afloran en vuestras retinas men-

¡Adelantadnos algo más de este undécimo álbum!

Si todo va según lo esperado, esperamos que el album MOSAIIK salga en algún momento de este verano aunque, el primer sencillo; que lleva por título “Blame” y se trata de un canción a la que la sensacional vocalist holandesa Diana Miró pone voz, justo ha sido estrenado hace unos días también en un evento especial que preparamos para este lanzammiento y que solamente se puedo seguir por suscripción en la plataforma de Woov. Un set que se rodó para el festival de skylines de Miami …

Fue alucinante!

Escucha el último single de Cosmic Gate con Diana Miro en Spotify escaneando el código.

tales ahora mismo?

Es fácil, porque ya llevamos algunos meses completamente inmersos en nuestro próximo trabajo de estudio, que; si no me equivoco, será nuestro undécimo álbuma la venta y llevará por nombre “MOSAIIK”

Entonces tenéis pensado hacer los lanzamientos de los singles de este nuevo álbum mediante este “formato online”?

No podemos decir mucho más por el momento. Podría ser a través de Woov pero nunca descartamos otro tipo de plataformas, incluso algunas que ya hemos tenido el placer de usar en el pasado como por ejemplo, YouTube; donde ya obtuvimos más de 1.5 millones de vistas con nuestro video de lo mejor de este pasado 2020, pero también pensamos en otras plataformas… este también es un mundo que parece que nos dará muchas sorpresas! por lo que es demasiado pronto para decidir entre unas forma u otras.

Regresamos a las sintonías de la casa! Qué novedades tendremos en esta primera mitad del 2021 dentro de Wake Your Mind Records y su hermano pequeño Wake Your Mind Deep?

Los singles y el álbum antes mencionados están programados para ser algunos de los próximos lanzamientos dentro de nuestro sello WYM Records y, además de todo esto; debéis saber que nuestro sello siempre está abierto a nuevas demos de todas partes del planeta… Entonces, si tienes música, ya sabes! Esas producciones que piensas, crees que encajarían dentro de los sonidos de WYM Records …contáctanos! ¡Nos encantaría tener algunos talentos españoles en nuestro label!

Solo decir gracias Dj Mag España por este rato tan divertido y a todos los productores y lectores… ¡Esperamos sus demos! WYM@ cosmic-gate.de ¡Gracias! Ha sido un rato fantástico! ¡A vosotros!

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Cosmic Gate

¡Gracias! (risas). Está claro que para un artista, el ser nominado en premios tan importantes como los IDMA o los Grammy resulta un honor con un alcance descomunal, y para nosotros… Por supuesto que también fue así!

Además, fue algo que nos animó bastante a permanecer fieles a nuestro sonido, tambien algo que nos afianzó en nuestra manera de trabajar y de ver las cosas y que de igual manera, estabilizó un punto más hondo todo en lo que creemos y que; por supuesto, nos ayudó a seguir trabajando en nuestras melodías para; con suerte, poder seguir ofreciendo cosas realmente sorprendentes y divertidas a todos nuestros seguidores.

LOUISAHHH Cuando el punk y la electrónica se dan la mano

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Autor: EDUARDO P. WAASDORP Y PATRICIA PAREJA CASALÍ

Louisahhh es inclasificable. Es una artista diferente, rompedora y que representa a la perfección ese maridaje que casa tan bien entre el punk (tanto la música, como la filosofía) y la música electrónica. Su perspectiva es la de un alma atormentada que utiliza la música como remedio curativo para sanar, en cuerpo y mente, y ayudarnos a los que la escuchamos, en el proceso.

Ahora, esta polifacética artista, abanderada del movimiento LGTBI+, disruptora, empoderada y espíritu libre, nos presenta su álbum debut: ‘The Practice Of Freedom’. Este álbum – su trabajo más personal y directo hasta la fecha – es una oda a la pérdida, al amor y a los sentimientos. En este disco, Louisahhh ha volcado sus sentimientos y su saber hacer durante los últimos cuatro años, para presentarnos un disco cargado de influencias punk, electro, techno y rock pesado, que nos hace entender un poco mejor en torno a qué han girado sus influencias desde los inicios de su carrera en la música.

En esta entrevista, podréis encontrar a una Louisahhh auténtica y que ha desnudado su alma en este trabajo tan especial. Digno de ser escuchado. Y no os perdáis el increíble mix que nos ha grabado en exclusiva. Os dejamos con ella… ¡Música, maestra!

¡Hola Louisa! ¿Cómo va tu año hasta ahora? ¿Cómo te está tratando 2021, después de un 2020 más que complejo?

Interesante pregunta. Mi día a día es más de lo mismo en este momento, ya que Francia es increíblemente lenta con el lanzamiento de la vacuna. Este tiempo ha sido muy de aprender a estar presente y tener una práctica de gratitud vívida. Es un poco extraño sacar un disco sin ver a nadie ni ir a ninguna parte, pero nos estamos esforzando y lo estamos haciendo lo mejor posible.

Volviendo al comienzo de tu carrera, empezaste a cantar y tocar instrumentos a una

edad muy temprana. ¿Cuál fue tu primer contacto con la música en general?

Mi padre tiene un amor muy intenso por la música y ha estado en este negocio desde mucho antes de que yo naciera. Mi segundo concierto fue en realidad un ensayo de producción en un hangar de aviones (le envié un mensaje de texto a mi padre y me dijo que era Airforce Base Andrews, la instalación indoor más grande de Norteamérica) para la gira Division Bell de Pink Floyd, creo que tenía ocho años. El primer recuerdo musical que tengo podría ser cantar canciones de B52 con una cuchara (a modo de micrófono) en la cocina. Definitivamente ha sido un auténtico regalo crecer rodeada de

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tanta música increíble, porque es la única vida que he conocido y claramente ha moldeado la forma en que experimento el mundo. ¿Y cuál fue tu primer contacto con la música electrónica? Leí que te colabas en clubes de Nueva York con DNIs falsos cuando tenías 17... ¿Qué artista era tu favorito en ese momento? ¿Cómo es crecer musicalmente en una ciudad como Nueva York?

Las bandas con las que estaba verdaderamente obsesionada al crecer fueron Nine Inch Nails y Garbage, e incluso como 'rock alternativo' usaron mucha electrónica en su producción e hicieron una transición muy fácil entre el rock n 'roll

de mi juventud (Elvis Costello, Iggy Pop, David Bowie, The Pretenders, Siouxsie y The Banshees) y esta novedad tan vital y emocionante; la música de club. También hay que decir que, en ese momento, era como si todos estuvieran tocando todo lo que movería la pista de baile de un bar de mierda bailando con niños sudorosos y pasándolo en grande. Los DJ sets no estaban – en absoluto – dentro de un género, sino que rebotaban entre las producciones de Madonna de Stuart Price y los remixes de DFA de Le Tigre y Missy Elliot y Tiga y Miss Kittin y todo lo demás. Creo que este entorno me permitió tener una mente muy abierta sobre cuál podría ser la narrativa de un DJ set, o incluso las opciones que se me presentan como influencias para mi propio trabajo; no hay nada de purista en mis actitudes musicales fuera del hecho de que quiero que todo lo que toco y hago tenga agallas. La ciudad de Nueva York en ese momento también era muy emocionante porque muchas bandas geniales estaban haciendo música en ese momento. Yeah Yeah Yeahs, The Strokes, Interpol, LCD Soundsystem, Liars, Ratatat - era como si todo lo genial del mundo estuviera saliendo de mi ciudad natal, me sentía como una niña consentida.

Ahora vives en París. Te mudaste allí en 2013 y comenzaste a formar parte de la lista de Bromance Records, después del lanzamiento de ‘Your Everything’ con Danny Daze. ¿Qué tan importante e influyente ha sido París para ti y tu música?

Estar en Europa me permitió comprender de manera diferente lo que significaba ser una artista en activo; la economía de las discotecas y la relación que tiene Europa con la música dance es muy diferente a la de Estados Unidos, y ha sido una bendición poder vivir aquí y ganarme la vida con mi trabajo, algo que no creo que sea posible en Estados Unidos. Cuando llegué a París, había estado viviendo en Los Ángeles durante siete años, donde conseguí centrarme y aprender a ser una adulta semi-funcional, pero creo que la luz del sol y la capacidad de dejar atrás mis sentimientos (estaba haciendo ultra-maratones en ese momento) me impidieron adentrarme en mi oscuridad interior, en la que se basa gran parte de mi trabajo. Estar en París ha permitido que gran parte de mi depresión y ansiedad afloren de manera creativamente constructiva, incluso aunque duela.

Allí conociste a Maëlstrom, con quien fundaste RAAR. En ese momento ya abrazaste una variedad diferente de techno, más crudo, fuerte y punk. ¿Qué importancia ha tenido el punk en tu vida? ¿Qué influencia tiene ahora en tu música y en tu vida?

Como dije, muchas de mis primeras influencias musicales estaban en el espectro del punk, y ha-

cer arte que sea contracultural, políticamente activo y ferozmente extraño, fue algo que nos unió desde el principio a Maëlstrom y a mí, y finalmente nos obligó a comenzar un sello juntos. Creo que el techno en su forma más pura es muy punk, muy disruptivo y emocionante, y que ahora más que nunca es importante traer la energía de una anarquía benévola al trabajo que hacemos, la música que hacemos, la forma en que nos movemos en un mundo dominado por un patriarcado capitalista supremacista blanco.

Para mí es de suma importancia utilizar ideologías punk para romper las fuerzas opresivas. ¿Cuál es la salud actual de RAAR? RAAR es increíble. El segundo álbum de Maëlstrom, ‘Rhizome’, sale a través de RAAR el mismo día que mi álbum, ‘The Practice of Freedom’ (el 12 de marzo de 2021). Estamos trabajando lentamente en lanzar trabajos nuevos de artistas tremendamente talentosos, RAAR sigue siendo un trabajo (y un sello) de amor.

Y adentrándonos directamente en lo que te trae a nuestras páginas, este pasado mes publicaste tu álbum debut ‘The Practice Of Freedom’ en el sello HE.SHE.THEY. Déjanos empezar por preguntarte cómo ha sido el proceso de elaboración del disco. ¿Se ha producido durante la pandemia o es parte de un proceso más largo?

Este disco ha estado casi cuatro años en proceso, fue un esfuerzo ridículo traerlo al mundo, pero siento que está ocurriendo justo en el momento adecuado, que la espera fue por alguna razón. De manera aterradora, en el tiempo entre el inicio y el lanzamiento, el mundo se ha preparado para el torrente de ruido feroz y verdad que está en el centro de ‘The Practice Of Freedom’ (espero).

En el comunicado de prensa, se explica que nace de experiencias de pérdida y amor, además de ser una verdadera declaración de tu ética como feminista activa y paladín del talento femenino y LGBTQ+. ¿Qué tan difícil ha sido traducir estas ideas en música?

Cada vez es más fácil. Al principio, ser tan vocal y directa sobre "temas difíciles" fue difícil, ya que estaba acostumbrada a escribir enfocada en la pista de baile y, por lo tanto, tuve que deslizarme en significados más profundos y soterrados. A medida que ha pasado el tiempo y para cuando se publique este álbum, parece que cuanto más valiente soy al decirle la verdad al poder, más resuena en una audiencia que está hambrienta de ese mensaje.

‘The Practice of Freedom’ es un título muy fuerte. ¿Qué importancia tiene poder ejercer la libertad en el mundo actual? ¿Crees que somos libres en esta sociedad?

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Creo que depende de a quién le preguntes, y creo que ninguno de nosotros será libre hasta que todos seamos libres. En este momento, el tema de la 'libertad personal' es un poco complejo (especialmente siendo estadounidense), pero no dejaré de criticar los sistemas de opresión y la falta de equidad que mantienen la libertad como un privilegio para unos pocos elegidos en lugar de un derecho otorgado a todos.

En cuanto a la música, hay muchas influencias punk, rock y electro en este álbum. El techno está presente, pero lo encuentro mucho más impulsado por el punk en general, especialmente con las voces. ¿Cómo ha sido el proceso creativo?

Este álbum fue producido por Vice Cooler, quien proviene de un fondo de música punk/DIY/ noise. Fue emocionante poder coger sus influencias y habilidades y aplicarlas para hacer música de club de manera innovadora. El objetivo era escribir canciones que pudieran funcionar tanto en un DJ set como en un contexto de banda en directo, y creo que lo conseguimos.

No creo que hubiera podido acceder a la energía que contiene el disco sin la audacia sónica de Vice, estoy muy contenta con el resultado.

Claramente no es solo un álbum electrónico, y definitivamente no es un álbum puramente de pista de baile, aunque preveo que muchos tracks se reproducirán en las pistas de baile en un futuro (tal vez artistas como Héctor Oaks [Corrupter] o Helena Hauff [No Pressure] encuentren combinaciones perfectas en algunos de los tracks). Es un disco conceptual, casi una especie de manifiesto. ¿Cuál es el principal leit motiv detrás del álbum? ¿Qué querías expresar con él?

Creo que el nombre lo dice todo, este disco es una práctica de libertad para mí. Estas canciones son muy genuinas, como el lugar de partida para el próximo capítulo. Me encanta pinchar, pero a veces puede parecer limitado, y este cuerpo de trabajo me ha dado la confianza como escritora, cantante e intérprete para enfocarme en un nuevo conjunto de habilidades como creadora, sumergiéndome en ello, probando cosas nuevas. Realmente no puedo ser responsable ni puedo tratar de controlar cómo se percibe el disco, pero para mí es como si estuviera tratando con el amor, la muerte, el sexo y Dios (como siempre, [risas]) de manera honesta y curativa, y yo espero que ayude a otros a sanar cuando entren en contacto con él.

Personalmente, mis favoritos son ‘Master’ y ‘Feral Rhythm’. ¡Quizás dos de los tracks menos techno del álbum! ¿Qué tan difícil fue lograr un equilibrio entre tracks más duros y más suaves, hasta encontrar la selección final?

Desde luego ha desafiado la fuerza mental de toda la industria. Eres una activista que ha reconocido sus propias luchas con la salud mental y la adicción, y cómo pueden afectar a tu vida. Me identifico totalmente con tu mensaje. ¿Qué consejos le darías a quienes todavía luchan con la situación actual?

Si estás luchando contra la adicción o el alcoholismo, no dudes en comunicarlo. No estás solo y hay muchos de nosotros que nos mantenemos limpios y sobrios ayudándonos unos a otros a salir de esa oscuridad. Los problemas relacionados con la salud mental no hay que atravesarlos solo. Estos son tiempos difíciles para muchos de nosotros y solo sobreviviremos como comunidad. Si tienes dificultades, hay recursos disponibles. Le echaría un vistazo a la recuperación en 12 pasos para la adicción y el alcoholismo y para la salud mental, el Colectivo de Coaches y Terapeutas de la Industria Musical ofrece ayuda específica para la industria y puede orientarte en la dirección correcta para conseguir ayuda en tu área a tu rango de precio.

¡Me encanta que te encanten esos tracks! ‘Feral Rhythm’ es en realidad un corte adicional para la copia física que se imprimió por primera vez (edición limitada) ya que salió en RAAR como single hace un par de años, pero fue escrito y producido casi al mismo tiempo que el resto del disco, por lo que encaja sonoramente.

Esta ha sido la primera vez que he escrito tanto material que tenía que trabajar en conjunto, y la experiencia ha sido un desafío en el buen sentido. Después de cada canción, pensaba que no tenía más música en mí, que no podía sacar otra, y de repente comenzábamos a trabajar en otro track. Todos los comentarios que recibimos sobre el disco cuando la gente comenzó a escucharlo en su totalidad fue una experiencia físicamente brutal, así que me alegro de que los tracks "no techno” destaquen. ‘Master’, ‘Not Dead’ y ‘Hunter/Wolf’ son canciones de amor jodidas que funcionan para equilibrar la ferocidad del resto del álbum, darnos un respiro para que podamos volver con más fuerza.

Como dijimos, sale en HE.SHE.THEY. Los jefes del sello parecen haber mostrado todo su apoyo, afirmando que: "si alguna vez hubo un álbum que personificara el por qué comenzamos el sello, seguramente es este". ¿Cómo ha ido trabajando con ellos?

HE.SHE.THEY es increíble, han sido mis campeones en términos de creer en este álbum, respaldarlo y lograr que BMG se sumara a él. Es una locura el hecho de que no tuve que cambiar ni una

nota de esta música – una música increíblemente desafiante – para poder firmar un contrato discográfico, y todo se debe a HE.SHE.THEY y su integridad. La revelación total, el equipo detrás del sello y las fiestas también es cosa mía. ‘The Weird and the Wonderful’ y ha sido un verdadero alivio que lo entiendan y entiendan el universo que estoy tratando de expresar con esta música, y que estén dispuestos a apoyarlo.

Llegamos ahora a la pregunta difícil de esta entrevista. ¿Cómo te ha afectado la pandemia?

Como todo el mundo, supongo, he tenido altibajos. Si me mantengo muy presente y concentrada en el día en que estoy y practico la gratitud, la entreno como un músculo, se traduce en una buena experiencia en la que estoy aprendiendo mucho. Si viajo al futuro, siento mucho dolor y ansiedad por las cosas de la vida que echo en falta (mi familia, ver a mis amigos, hacer giras, pinchar y conectarme con gente de todo el mundo) y el futuro incierto. En cierta manera pienso que se me ha dado este tiempo de inactividad para hacer el trabajo emocional profundo que no hubiera podido hacer con los viajes constantes, el desafío y la psique que representan las giras en el cuerpo. Espero volver a esa parte de nuestro trabajo con una nueva profundidad de asombro de que "podemos" hacer esto para ganarnos la vida, y también con una manera más sostenible de movernos a través de ella.

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¿Has encontrado nuevos caminos creativos que explorar con el tiempo extra que te da el no tener actuaciones?

He estado haciendo mucha más música, creo que este ha sido un tiempo increíblemente prolífico para descubrir nuevas formas de trabajar de manera más efectiva y eficiente. He estado aprendiendo mucho sobre la Terapia Gestalt y estoy considerando estudiar para ser terapeuta en el futuro, ya que pienso que es un trabajo fascinante y creativamente nutritivo. Por otra parte, hago mucho yoga, running, bicicleta, monto a caballo, canto a todo pulmón en el comedor, cocino curry, leo y hago clases de shibari, hay mucho que hacer cuando no estoy llorando, porque echo mucho en falta los mosh pit.

Finalmente, Louisa, ¿algún proyecto nuevo que quieras comentar para 2021? ¡Estad atentos! ¡Muchas gracias por tu tiempo! ¡A vosotros!

Escucha el mix exclusivo que ha preparado Louisahhh para Dj Mag España escaneándo el código QR.

GUEDRA GUEDRA S ROMPIENDO L A OS ESQUEM

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Autor: EDUARDO P. WAASDORP

Era noviembre de 2019 cuando en el feed de una conocida red social me saltó el video de Guedra Guedra para Boiler Room. Era el Atlas Electrónic Festival, en Marruecos, y esos acordes de viento estridentes que emanaban del sistema de sonido me dieron un bofetón en la silla.. Los ritmos tribales inundaron la pista y la gente se volvió loca al ritmo de su música. Y yo, sentado delante de mi ordenador, no podía más que sentir envidia de semejante demostración sonora.

Así fue como conocí a Guedra Guedra – alias del marroquí Abdellah M. Hassak –, un proyecto sonoro que desde su creación ha estado bajo el paraguas del selecto sello On The Corner Records, con trabajos como ‘When I Run’, ‘Son Of Sun’ o ‘Vexillology’, su álbum debut recién estrenado en la etiqueta británica.

Este ‘Vexillology’ es un ejercicio de fusión folklorista electrónico hermoso, que abre un nuevo mundo de exuberancia a los oídos menos entrenados. Un trabajo que se mueve gracias a una percusión endiablada y a grabaciones de campo, que le dan un carácter orgánico realmente único a todo el disco. Por eso quisimos hablar con Abdellah y preguntarle por su universo sonoro sin igual. Una auténtica clase de música… ¡Que suene, maestro!

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¡Hola, Abdellah! Es un placer tenerte en la revista después de la publicación de tu álbum. ¿Cómo ha empezado 2021? ¡Hola a todos! ¡Estoy muy contento de poder compartir esta conversación y reflexión sobre la música juntos! Desde el momento en que apraron festivales y conciertos, y como soy un híbrido de producción, actuación directo; pero también investigo y hago arte sonoro, intenté darle más espacio y tiempo a estas otras facetas. También he tenido tiempo para estar más concentrado en el lanzamiento de mi nuevo álbum, ‘Vexillology’. Este tiempo sin poder actuar y sin directos me ha empujado a seguir haciendo más música, para estar listo para cuando todo vuelva a empezar y en un futuro podamos volver a “la vida normal”.

Eres de Marruecos, nuestro vecino del sur. ¿Cómo fue crecer allí musicalmente?

Durante varios años, la escena musical en Marruecos ha estado produciendo muchos artistas y propuestas musicales que encuentro interesantes. Pero, desafortunadamente, esta música pocas veces se expone en los medios occidentales, por no decir en los medios regionales. Sin embargo, duran-

te más de 30 años, esta música ha estado experimentando con diferentes olas de fusión electrónica, mediante inspiraciones tradicionales y estilos populares como el raï, el gnawa o el chaabi, mezclándolos con techno, dub o jungle. Proyectos como los de Aisha Kandisha's Jarring Effects con el sello Barraka, El Farnatshi (desde 1988) o marcas como MoMo (Music Of Morrocan Origin), el productor U-Cef (a finales de los 90) o Sapho con su álbum ‘Digital Sheikha’ de 1997. ¿Cómo describirías la escena musical marroquí? Solo conocemos un par de festivales, como el Atlas, El MOGA o el Oasis en Marrakech, pero no conocemos la verdadera escena local. Al final, estos festivales son más para turistas e incluso alguno se hace en hoteles…

En la actualidad encontramos a más y más amantes de la música electrónica y también propuestas de eventos, como los que has mencionado. Son interesantes, pero muy pocos intentan diversificar y democratizar los gustos y géneros musicales. Personalmente, yo apoyo la idea de que la música participa en el proceso de socialización,

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que permite el intercambio y comunicación recíproca entre grupos sociales y gente que se define a sí misma según sus gustos e intereses. La era digital ha ayudado a diversificar la práctica de escuchar música y los festivales de hoy también tienen que contribuir y compartir ese proceso.

Por mi parte, hago lo que puedo para crear nuevas propuestas musicales. Invito a amigos que pasan por Casablanca o Marrakech a que compartan su música. También, a menudo, comparto DJ sets en vinilo y muchos amigos me siguen mandando sonidos y discos para que sean compartidos con aquellos que quieren escucharlos y estén abiertos a nuevas cosas en Casablanca y otras ciudades de Marruecos, como Rabat, Tánger y Marrakech, donde también tengo la posibilidad de ofrecer música y programación artística.

También, trabajo en una asociación como director artístico, en sociedad con otra asociación de Túnez. En particular, estamos trabajando en una red de talentos femeninos en música electrónica en la región de Oriente Medio y el Norte de África, que es

una plataforma que promueve este talento y artistas en la industria musical electrónica de la región. ¿Quiénes fueron tus primeras influencias en la música? ¿Cómo fue tu primer contacto con la electrónica?

Mis primeras influencias son muy diversas.

Empecé a practicar música a través del rock, metal, reggae, dub y luego llegó la electrónica. Creo que escuché un poco de todo. per después de descubrir bandas y productores de finales de los 90 como Aisha Kandisha's Jarring Effects, Muslimgauze o Badawi, cambié mi forma de pensar y producir música, pero también mi práctica como artista y archivista sonoro y mis grabaciones de campo. Esto influyó en mi producción musical hasta el punto de desembocar en mi actual proyecto, Guedra Guedra.

Eres un personaje bastante único en la industria. Yo me encontré por primera vez con tu trabajo gracias a la Boiler Room del Atlas Festival. ¿Cómo nació tu alter ego, Guedra Guedra?

Creo que el proyecto Guedra Guedra fue creado dado el deseo de proponer otra forma de imaginar y producir música, mediante el sujeto de la democratización de la música. Eso empezó con la democratización de los medios de escucha, las herramientas y softwares de producción y los ritmos. Aunque, a día de hoy, este no sea el caso de las herramientas disponibles. Durante mis primeros años como productor, siempre quise hacer algo influido por la cultura de Oriente Medio y el Norte de África. Pero, desafortunadamente, me encontré a mi mismo limitado siempre por la funcionalidad de los softwares y las máquinas. Así que pensé en trabajar de una forma más escultural y orgánica para producir música con el proyecto Guedra Guedra. Reduje el uso de software y empecé a construir sonidos y ritmos “sonido a sonido”. Creo que el estudio puede desnaturalizar la práctica socio-musical de la propia música, es una realidad. Por eso, empecé a estar más interesado en las grabaciones de campo, el archivismo sonoro y grabar en contextos específicos.

Un proverbio marroquí que me inspira mucho en este proyecto dice algo así como: “El recién nacido tiene a su abuela y sus raíces nunca la pierde”. Para mí, cada nueva creación tiene que tener estas etimologías.

Pero la memoria, el conocimiento y las prácticas deben preservarse y protegerse más que nunca.

Tu música sirve de puente entre la creada en el Magreb y el África sub-sahariana, gracias a tu set-up hibrido, que mezcla instrumentos locales orgánicos con electrónicos. ¿Cómo acabaron tus experimentos creando este sonido único? ¿Cuándo y cómo decidiste que querías mezclar la electrónica con la música típica de tu país?

La idea de mezclar electrónica con el folklore de mi país es algo que llevaba pensando durante más de 20 años y con varios proyectos colaborativos y musicales. La música africana en general es híbrida y rica. Esta música lleva considerándose exótica por los medios Occidentales desde hace muchísimos años, a pesar de su potencial rítmico y festivo. La idea en mi proyecto musical, como en muchos grupos antes que yo, es darle una nueva vida a la música, más contemporánea. Para mí, cualquier técnica nueva para crear renovadas posibilidades de identidad es también una forma para crear y relanzar las comunicaciones con otras culturas.

Tu sonido es una mezcla de influencias bereberes, nómadas beduinos y jazz vanguardista con beats quebrados y patrones únicos, que no solemos oír en electrónica occidental. ¿Cómo es tu configuración? ¿Qué instrumentos usas?

Yo empecé como bajista y percusionista en bandas de rock y metal. Pero durante mucho tiempo, he dado más importancia a la escucha, en lugar de al instrumento. En mi música, intento crear de forma orgánica e incluso samplear hasta el instrumento. Yo mismo toco algunos elementos para darle un toque más orgánico, y a menudo estos elementos son readaptados para construir una nueva arquitectura musical, que vaya más allá de lo que pueden ofrecer máquinas computarizadas. Muy pocas veces uso el estudio como espacio para producir. No quiero decir que no ocurra, pero es algo raro. Prefiero usar espacios públicos y ambientes sociales como lugares de trabajo y experimentación para la producción musical. Para mí y en mi cultura, los ritmos son fundamentales y los primeros regalos que recibíamos de niños eran percusiones, antes que pianos o guitarras. ¿Qué tan difícil ha sido para ti poner a prueba los patrones rítmicos occidentales, como el 4x4, que están tan arraigados en la música electrónica? porque tu música tiene vida propia, como has demostrado en trabajos como ‘Son of Sun’ (del que tengo una copia, por si no se había notado que soy gran fan [risas])…

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¡Gracias, ante todo, por apoyar mi música! ¡Es un gran honor! Encuentro que la música en África es un medio de conexión privilegiado entre los seres humanos y el mundo de lo divino. No vas a encontrar ninguna ceremonia o ritual sin que haya ritmos presentes.

Además, en la tradición en África, ninguna sanación ocurre sin la intervención de cantos, percusión o instrumentos. Para serte sincero, mi idea no era hacer algo diferente a los ritmos occidentales, bajo ningún concepto. La idea era más bien crear un sonido con diferentes influencias y recursos personales y locales, dominando el ritmo y entendiendo la ritmología africana. Quizá esté equivocado, pero me imagino que los ritmos africanos y la combinación de ritmos parece demasiado compleja para algunos productores, pero esto ocurre principalmente por una falta de conocimiento y poca familiaridad con los procesos de construcción rítmica.

Ahora presentas ‘Vexillology’, tu álbum debut de 13 increíbles temas. Ha sido muy difícil escoger un favorito (nos encantan ‘The Arc Of Three Colours’, ‘When I Run’, ‘Archetype’ o ‘Bereber Is An Alien’,

Con el LP viene un librete que contiene un texto que escribí como explicación y definición de espacio en las culturas africanas, en relación a la espiritualidad. Este texto también habla de mi proceso creativo, mi interés en trabajar con polirritmos, y contextualiza la política y la poética de la estética de cada canción. Al final del texto, menciono mi interés en el formato sonoro de las grabaciones de campo. Cuatro fotógrafos que han trabajado en las noticiones de espacio, territorio y lugar contribuyeron con su trabajo artístico en el librete. Me hizo muy feliz poder invitarles para que publicasen sus imágenes.

por ejemplo). Todos son temas únicos, coloridos y exuberantes, que cuentan una historia difícil de separar en trozos. ¿Cómo fue el proceso creativo?

El álbum presenta arreglos caóticos e inmersivos, que reflejan los primeros epítetos que comúnmente se aplican de forma errónea al continente africano, como las nociones de salvajismo y barbarismo. Los arreglos hacen referencia al África Sub-Sahariana y, en especifico, a increíbles culturas del Norte de África. Rechazo las imágenes de animalismo humano, en la búsqueda de la re-apropiación cultural, inspirada por una respuesta percusiva a la ignorancia de los estereotipos ampliamente aceptados.

Hablo de la inspiración que tuve en las nociones de tribu como estructura social universal. Me he inspirado para crear ‘Vexillology’ desde la perspectiva histórica de las sociedades y culturas africanas a lo largo de la historia. La creación de mapas en este paisaje musical contemporáneo fue cimentado con el concepto de etnocentrismo, como una expresión de la exaltación de la conciencia tribal en su núcleo.

Entendemos que muchos de los sonidos que aparecen son grabaciones de campo, en tus viajes por el Norte y el Oeste de África. ¿Cómo ha sido proceso de crear este disco? ¿Cuánto tiempo te ha costado?

Exacto. Encuentro que el estudio desvió la naturaleza de los sonidos tradicionales/orgánicos y esta es la razón por la que me he interesado en las grabaciones de campo. La mayor parte del tiempo, grabo los sonidos yo mismo, según mis posibilidades. Pero también me baso en el material de algunos amigos y de archivos sonoros. Aunque, por encima de todo, intento tener una idea sobre el contexto, la técnica y la forma en la que puedo grabar este material.

Aunque no entendemos las letras, el sentimiento que se transmite en los tracks cuenta una historia. ¿Cuál es esa historia, el leit motiv detrás del disco? ¿Qué idiomas se escuchan en el disco?

En ‘Vexillology’ hay algunas canciones e instrumentos que vienen de Marruecos y Argelia. Grandes voces que hablan en árabe, pero también de otros países como Ruanda, Burundi o Camerún. La noción del cuerpo está muy presente en tracks como ‘Purple Ambergris’, ‘Cercococcyx’ o ‘Clapping’… y en todos los demás. En la rica historia de las culturas musicales africanas, el instrumento viene del cuerpo. A medida que las herramientas fueron ganando complejidad con el paso de los siglos, los instrumentos se han convertido en estatuas que hablan mediante un proceso inverso. Empezando desde el punto de la innovación en el que el cuerpo fue extendido hasta ser un instrumento para la comunicación. Como por ejemplo en el acto de aplaudir, donde podemos sentir y oír el rol central que juega el cuerpo. Las manos y los pies son los instrumentos de

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percusión más rudimentarios. Un poderoso recordatorio de que los cuerpos humanos son laboratorios de experimentación muy potentes y que, en este caso, inspiraron la creación de instrumentos musicales. ¿Cuánto del disco ha sido producido durante la pandemia?

Una buena parte. Al principio no fue facil, porque había planeado todo mi año en enero, tanto para actuaciones como para proyectos artísticos. Los primeros días de la pandemia no fueron fáciles, pero luego intenté cambiar mis prioridades para darme más tiempo a acabar las cancones, quitar algunos temas del disco y añadir nuevos que eran más interesantes y más importantes para mí. ¿Cómo ha sido la pandemia en Marruecos? ¿Has podido usar este tiempo de encierro para explorar nuevas avenidas creativas?

Difícil al principio, pero luego cambié mis prioridades, como te decía. Trabajé más en la producción y también en más sonidos y proyectos artísticos.

El nombre ‘Vexillology’ (vexilología) hace referencia a la disciplina que estudia de las banderas y su significado. ¿Por qué el nombre?

La “vexilología” no está especialmente conectada a mi álbum. Pero es una noción cercana a mis perspectivas poéticas y políticas, así como con mi investigación sobre los archivos socio-musicales y las prácticas en África (en especial el Norte de África).

Las fronteras en África son una herencia de las políticas colonialistas del pasado.

Es un concepto nuevo para el continente.

Según las leyes públicas internacionales, “un estado no será considerado como tal si sus fronteras no están definidas”. Pero las intervenciones de la colonización crearon nuevas fronteras, nacidas de una división que tenía que ver con los intereses económicos y políticos, que eran externos a esos países africanos. África es relativamente nueva, en cuanto al concepto de separación territorial. Eso significa que las fronteras no existían en África antes del contacto con fuerzas extranjeras y quizá es por eso que las experiencias socio-musicales sean tan comunes. Para mí, las sociedades que usan técnicas similares de producción social, cultural y musical pertenecen realmente a la misma civilización.

Creo que si intentamos recomponer las fronteras según las prácticas culturales y sociales, tendremos nuevos compuestos territoriales. Esta reflexión que permita la recomposición de las fronteras y de las banderas explica mi interés en el término “vexilología”.

Tu imagen es única, ya que normalmente llevas una máscara bastante interesante y vas vestido con túnicas a tus actuaciones. ¿De dónde viene esto? ¿Son trajes del folklore marroquí? ¿O son creadas por ti?

No llevo máscara por ocultar mi cara, sino para trazar una línea que separe a mi propio yo del proyecto Guedra Guedra. La música de Guedra es una pequeña parte de mí y esta máscara significa que Abdellah M. Hassak no es solo Guedra Guedra. Fue creada por el artista, compositor, cantante y músico marroquí Meryem Aboulouafa. Nos inspiramos en el pueblo Zayane de Marruecos, que vive en la zona del Atlas Medio. Los Zayan son conocidos por su apego a la tierra ancestral, a su organización social rudimentaria y su independencia.

¿Quién está detrás del artwork de tus discos?

Los artworks para ambos discos fueron creados por la artista británica Victoria Topping, que mezcla piezas de arte inspiradas por la música y las culturas contemporáneas.

música será todavía más global, pero espero que esto también ocurra para la música en vivo, para compartir experiencias de forma literal. Espero que haya un puente entre la discusión de la historia y la evolución social de las personas.

Sale en On The Corner Records, el mismo sello que publicó Son of Sun. ¿Cómo es tu relación con el sello? ¿Cómo empezó?

On The Corner es un sello al que tengo mucho cariño. Compartimos una visión musical común, “grabaciones de campo experimentales, electrónicas del futuro”. Quitando el hecho de que publico mi música con ellos, también tenemos una buena relación humana y nos comunicamos muy bien entre nosotros.

¿Qué otros proyectos tienes para 2021?

Ahora mismo, mi principal proyecto es volver a mi vida “normal”, tener la posibilidad de encontrarme con el público de nuevo y experimentar tocar esta música en un espacio físico, para poder sentir esa “fisicalidad” de nuevo.

¿Cómo ves el futuro de la escena?

El internet y el streaming nos ofrecen una oportunidad única, incluso si estos retos dependen de la forma en la que usemos el streaming. Creo que es la forma de compartir escuchas lo que ayuda tanto a la democratización de la música y a la diversidad de los gustos. Imagino que en el futuro, la

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¡Muchas gracias por tu tiempo, Abdellah! ¡A vosotros!

MARC C. GRISO

Marc C. Griso es un artista muy completo. Este tarraconense lleva toda una vida dedicado a la música en sus diferentes variantes. Desde una tempranísima edad, bien sea por la influencia musical de sus padres o por sus estudios en el conservatorio, Marc se ha dedicado en cuerpo y alma a transmitir sentimientos con sus melodías.

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Autor: ÁNGEL MANRIQUE Foto portada entrevista: JESÚS UMBRÍA Fotos espalda con '2083': PAU FORTUNY/WISCONSIN

Involucrado desde la década de los 2000 en la escena electrónica de la Costa Daurada, como residente de algunas de las principales salas de la región, Marc C. Griso hizo su debut en el mundo discográfico en 2005 con 'Sueños en Barcelona' y 'Chicago' y, desde entonces, no ha parado de crear hits, que han girado en torno al house más melódico. Desde hace un tiempo, ha dejado que las influencias de diferentes géneros influyan en su música, creando una amalgama profunda y llena de fusiones que ha cautivado al público. No en vano sus reproducciones en las diferentes plataformas se cuentan por decenas de miles.

MÚSICA CON PROFUNDIDAD Ahora, este 2021, Marc nos trae ‘2083’, un disco de influencias muy interesantes y que sirve como una carta de presentación perfecta para la nueva etapa de su sonido. Un sonido profundo, orgánico y cargado de sentimiento, del que ya hemos podido oír el single homónimo y que esta primavera descubrirá otros tracks, con más influencia electrónica, y que nos ha cautivado por su potencia y sentimiento. Nos sentamos con él para conocerle mejor y que nos cuente cómo ha sido su viaje hasta llegar a este punto sonoro. ¡Música, maestro!

- MARC C. GRISO -

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¡Hola, Marc! ¡Es un placer tenerte en DJ Mag ES! Cuéntanos, ¿cómo empezó tu 2021?

Con muchas ganas que todo vuelva a la normalidad que conocíamos hace poco más de un año. Ganas de trabajar, de compartir sinergias y de sumar… en fin, volver a las pistas de baile aún entendiendo que la salud y el bienestar de todos es lo más importante.

Tu primer contacto con la música fue gracias a tus padres, ¿cuáles fueron esas primeras influencias?

Solíamos ir a visitar a mis abuelos y recuerdo que mi padre en el coche siempre llevaba los Beatles, Phil Collins o música española como Mecano, Victor y Ana, Miguel Bosé, etc…

Entiendo que allí empezó una conexión emocional hasta lo que ha ido pasando años después.

A muy temprana edad ingresaste en el conservatorio de Reus… ¿qué tan importante fueron esos años para ti en lo que haces ahora?

Tenía 7 años. El conservatorio o las escuelas de música son la base para entender de verdad como funcionan las canciones internamente y como conseguir sensaciones de alegría, tristeza o miedo gracias a los acordes y sus progresiones. Estos últimos años la música, que poco tiene que ver con la industria musical, se ha simplificado mucho y oyes pocos juegos de melodías, segundas voces o solos instrumentales como si pasaba unos años atrás etc… para mi, esos años con profes, cuadernos y otros alumnos descubriendo el piano y el saxo fueron la base de todo. ¿Cuál fue tu primer contacto con la electrónica? ¿Qué fue primero, ser DJ o productor?

Ninguna de las dos (risas). Entré como lightjockey en la discoteca Chrisalys, en Valls (Tarragona). De ahí salté a 2º dj y después gracias a Jesse García e Ivan Torrent empecé a entrar en el mundo de la producción, hasta el día de hoy.

A finales de los 2000, de hecho, fuiste residente de varias salas de la Costa Daurada. ¿Qué aspectos de ser residente te han servido más a lo largo de tu carrera?

Mirar siempre la pista, pista, pista y más pista… es la clave para que todo funcione aunque, a veces, tengas que hacer giros en las sesiones que no te terminen de gustar. He tenido la gran suerte de tener enormes DJ como compañeros en cabina, por lo que la confianza en tu equipo y compartir las ideas y la gestión de la sesión han sido clave. Otra idea, para mi súper importante, es dejar el ego en casa y entender que el éxito es gracias a todo el equipo que trabaja para una sala.

La radio también ha formado parte intrínseca de tu vida. ¿Cómo ha sido tu trayectoria en ella? ¿qué tan importante crees que ha sido para la escena electrónica en España la presencia de las radios?

La radio tiene una magia especial y se nota tan solo ponerla. También es cierto que ha dejado de tener esa presencia

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única que tenía hace unos años y que la aparición de todo el mundo podcast, influencers, redes sociales nos permite conocer muchísimos más artistas, estilos y canciones que años atrás pero para mi, siempre será ese espacio mágico para escuchar, compartir y conocer. Hice radio durante cuatro o cinco años y me encantaría repetir experiencia, la verdad.

Tu faceta como productor empieza en 2005 con 'Sueños en Barcelona' y 'Chicago' (nº1 en Flaix FM).

En 2007 publicas 'Sweet Night' (nº1 en World Dance Music de los 40P, con Luís López) y en 2012 produces produces tu primer álbum ‘Mariska, The Electronic Album’. Pero no solamente has trabajado componiendo y produciendo… en 2015 escribiste una novela, Si De Verdad Pudiera, que iba acompañada de su propia banda sonora. ¿Cómo fue este proceso? ¿Cómo se produce una banda sonora para sonorizar una novela escrita?

La conexión con lo que quieres hacer y sentir que hay un camino por descubrir, explorar y aportar creo que es súper importante en la vida de cualquier artista. Adoro la comunicación de todo tipo, por eso escribí una novela y después compuse su propia banda sonora de manera que puedes escuchar las canciones a medida que lees. Creo que es un proyecto de 360º súper interesante, aprendí mucho, mejoré mi técnica de comunicación, creación de personajes y relato pero, sobre todo, se abrieron muchas puertas alrededor del mundo de la cultura.

voces e instrumentos reales en un track, en comparación con usar samples o recursos pre-grabados?

No lo imagino de otra forma… sin voces en el estudio, sin músicos reales que te lleven a su mundo, ni esa combinación entre lo orgánico-real y lo electrónico, mi música no tendría sentido. Por mucha electrónica que hagamos, no podemos olvidar que hacemos música y para ello, necesitamos músicos, interpretación, feeling, hablar, hacer test y reír juntos en el estudio… Tenemos un reto que es el crear de verdad y salirnos del patrón repetitivo y poco musical al que estamos entrando con algunos estilos.

Al oír tracks como ‘Satori’ o el propio ‘2083’, con ese aire balearic y deep tan marcado, uno casi puede palpar los instrumentos. Suena realmente muy orgánico. ¿Cómo es tu estudio? ¿Qué instrumentos has grabado ad-hoc para este disco?

La voz de Sara Devine se grabó en Nueva York, el saxo de Pep Poblet en mi casa (Tarragona) y el duduk en Jerusalén. Los pianos en Barcelona y el master final de todo el proyecto se ha hecho en Londres… Necesito tener ese abanico de registros y de texturas de instrumentos reales, sentir que estoy conectando con otras culturas y formas de hacer. Adoro ese baile por lo étnico que me da el duduk, pero sin perder la conexión con otros instrumentos que me conectan y suman al proyecto electrónico alrededor del deep y el lounge.

El año pasado publicaste ‘Un Camino Junto A Ti’, una interesante propuesta de fusión en clave deep, que salió en el sello inglés afincado en Ibiza, Seamless Recordings. La acogida de este track fue tremenda, con decenas de miles de reproducciones en Spotify y otras plataformas. ¿Cómo ha cambiado tu perspectiva como productor en estos años? ¿O ha sido un cambio más tecnológico que de forma de afrontar una producción?

Está claro que la sensación de retorno – ya sea emocional o económica – es clave cuando llevas muchos años en el estudio, aprendiendo, mirando a los grandes como trabajan y buscando tu oportunidad. Todos soñamos con ver una canción en nuestra en una serie de Netflix o Prime y con ‘Un Camino Junto A Ti' hemos estado en 5 ocasiones en el número 1 de la Playlist de Spotify de ‘flamenco chill’, por lo que la sensación es súper bonita. Saber que gusta y que la gente pueda llegar a sentir la canción como suya , en su mundo, es perfecto. Ahora toca seguir trabajando con mucha humildad, seguir aprendiendo de los grandes de la escena y a volar alto con todo lo que vendrá Y este año llega tu nuevo EP, del que ya has adelantado el single homónimo, ‘2083’, que reseñamos en esta casa como uno de los trabajos destacados de febrero.

En este track contabas con la aportación de la reconocida vocalista Sara Devine y el saxofonista Pep Poblet.

También se puede oír las melodías orgánicas de piano a la perfección… ¿qué tan importante es poder grabar

Luego, uno de los tracks más fuertes es ‘Summer Air’, con ese aire veraniego, casi melancólico, y que sigue la estela de los otros dos tracks con esos sonidos orgánicos, ¿Cómo ha sido tu proceso creativo en este caso?

Trabajar con Pep Poblet tiene una magia especial, se nota y palpa en los videos de las grabaciones. Un placer enorme, una locura de groove y ese saxo que a todos nos evoca a Ibiza, Menorca o una playa en Mikonos. Hemos estado juntos de promoción y la verdad es que siempre estamos compartiendo ideas y sensaciones más allá de la música.

Con el videoclip y la estrena que haremos de ‘Summer Air’ conjuntamente con vosotros, DJ Mag España, y espero que la gente se empape de esta sensación y la ponga en su playlist nada más publicarla (risas).

Sale en Contraseña Records, un sello habitual en el resto de tus publicaciones. ¿Cómo es tu historia con esta etiqueta?

La verdad es que Arturo Herranz me trata siempre con mucho cariño y respeto y le estoy súper agradecido por abrirme las puertas de su casa, desde 2016 ya. Aún así, tenemos ganas de estirar las alas y volar alto…. ¿Cómo ha sido para ti este periodo de pandemia? ¿Has podido aprovechar el confinamiento para explorar nuevas avenidas creativas?

A pesar de la tristeza de lo sucedido y hacer todo aquello que estaba en nuestras manos para evitar contagios, he

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dedicado muchas horas a la formación, cambiar maneras de trabajar en el estudio para ser más ágil, profesional y conseguir mejores resultados en el mix y en el master, en menos tiempo. Hay grandes retos por conseguir aún a nivel de distribución y visibilidad de mi marca, pero ese es el camino a hacer este 2021 y generar alianzas nuevos con otros players de la escena, crecer… ¿Cómo ves el futuro de la escena?

Personalmente echo mucho de menos ver a profesionales de verdad en cabina… ¡Debo de ser un nostálgico (risas)!

Echo de menos ese deep house o ese funky house de algunos programas de radio y veo que una parte muy importante de la escena ha cogido un rumbo hacia lo latino y urban. En España tenemos mucho trabajo para hacer, abrir puertas a nuevos talentos, mirar más a Europa y abrir el abanico de opciones en la escena electrónica. Dejar el ego propio en casa, ser facilitador y sumar sería importante para todos. ¿Qué otros proyectos tienes este 2021?

Ahora mismo el foco y las energías están puestas en ‘2083’, que tenga mucha vida y dé mucha vida a las personas que lo escuchen, vean el videoclip o los DJs que lo pinchen este verano. La pandemia nos ha dado muchas horas que antes dedicábamos a desplazamientos por lo que he aprovechado al máximo para mejorar mi modelo de negocio, producción, etc.… después de ‘2083’ vendrán

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dos proyectos más de los que ya estoy ultimando detalles de artwork y legal. Luego será necesario un parón de unos meses para analizar resultados, hacer reformas en Urban (mis estudios) y ver que caminos nuevos ponemos en nuestro día a día a la hora de producir y seguir creciendo en esta montaña rusa llamada música. ¡Gracias por tu tiempo, Marc! ¡A vosotros! ¡Love!

Sigue a Marc C. Griso en Facebook e Instagram: @marccgriso

LA OLA INTERIOR UNA VISITA A LA EXPERIMENTACIÓN SONORA EN ESPAÑA

Autor: EDUARDO P. WAASDORP Y PATRICIA PAREJA CASALÍ Foto: CORTESÍA DE BONGO JOE RECORDS

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* Parte de este reportaje ha sido tomado de la propia investigación llevada a cabo por Loïc Díaz Ronda para Bongo Joe y que podéis leer íntegramente en inglés, francés y español en el material que acompaña al disco. Un verdadero imperdible de la música experimental en España que no debéis dejar pasar.

España es un país lleno de contrastes y con una historia musical realmente rica. Los movimientos culturales que se han desarrollado aquí han dado pie a numerosos estudios e interesantes compendios, tratando algunos de estos movimientos con mayor profundidad que otros. En este contexto, la música electrónica ha estado aislada de la mayoría de estudios en profundidad llevados a cabo por musicólogos y estudiosos por varios motivos.

Uno de los principales ha sido la juventud del propio movimiento. Otro, no hay que negarlo, ha sido la falta de seriedad que se ha puesto por descubrir las raíces de un movimiento cultural siempre denostado y asociado a los malos vicios de la industria del ocio nocturno. Sin embargo, esto no quiere decir que la música electrónica en España no tenga una riquísima historia y unas raíces previas dignas de ser estudiadas, catalogadas y fundamentadas, como sí ha sido las de movimientos como La Movida.

otros. La mayoría, bastante desconocidos en España. ‘La Ola Interior’ incluye dos tracks descubiertos y lanzados por primera vez en este trabajo (‘Horizonte Paseo’, de Suso Saiz; y ‘Malagueñas 2’, de Javier Segura), además de un puñado de exclusivas digitales y en vinilo, proporcionando el telón de fondo musical de una escena que pasó desapercibida.

Ahora presentan ‘La Ola Interior: Ambient Exotism from Spain. 1983-90’ (2021). En este reportaje hablaremos de este trabajo, pero antes de hablar con Loïc, queremos poneros en contexto de qué estamos hablando: Con las grabaciones españolas y la filosofía del movimiento del ambient español, que probablemente se inspiraron en la premisa y el manifiesto derivado del Fourth World de Brian Eno y Jon Hassell, el investigador y curador Loïc Díaz Ronda ha querido darle un espacio merecido a los artistas involucrados en ese momento, como componentes clave dentro de la historia de la música experimental en España.

El cambio socioeconómico, la muerte de Franco y el movimiento contracultural de la Movida impulsaron estos nuevos esfuerzos creativos. Los artistas tenían un nuevo sentido de posibilidad con una mentalidad DIY (do it yourself, autodidacta), y los medios y la voluntad para comprar equipos de estudio analógicos asequibles, que instalarían en sótanos, áticos y estudios improvisados. Surgieron largas grabaciones, muchas de ellas provenientes de la ciudad de Barcelona,​​ vanguardista y rica en cultura (Victor Nubla, Eli Gras, Camino al Desván, etc.), así como de Madrid (Miguel A. Ruiz, Esplendor Geométrico, etc) y más allá. Algunas grabaciones se realizaron en cinta y se vendieron a través de modestos catálogos y un sistema de pedidos por correo, en cantidades muy pequeñas, que llegaron a enclaves tan lejanos como Berlín o París.

Esta selección de música 'post movida' presenta algunos artistas de culto y pioneros como Finis Africae, Mecánica Popular, Esplendor Geométrico, Suso Saiz o Miguel A. Ruiz, entre muchos

Poniéndoos ya en contexto, el protagonista de este reportaje no es otro que el responsable de curar este trabajo: Loïc Díaz Ronda. Loïc es crítico y programador independiente franco-español,

Y aunque si bien es cierto que grandes autores como Luis Costa, Christian Len o Pedro José Mariblanca Corrales han hecho grandes ejercicios de investigación escrita en trabajos como ¡Bacalao!: Historia Oral de la Música De Baile En Valencia 1980-1995 (2016), Balearic: Historia Oral de la Cultura de Club en Ibiza (2020) o El Trueno Que Sigue Al Rayo. Breve Historia de las Músicas de Baile en España desde la Caída de la Ruta (2020), respectivamente; hasta el momento ha habido pocos trabajos sonoros (a excepción de los llevados a cabo por Domestica Records o Munster) dedicados a recopilar, entender y ponerle audio a lo ocurrido antes del surgimiento de la llamada Ruta del Balacao. Tampoco a cómo el movimiento post punk, synth wave y en especial el ambient pudieron dar lugar a algunos de los experimentos sonoros más interesantes de la historia de España y que cimentaron las bases de lo que ocurrió años después.

Todo esto hasta hace dos años, cuando nuestro protagonista de este reportaje, Loïc Díaz Ronda y la plataforma Bongo Joe, compilaron ‘La Contra Ola: Synth Wave & Post Punk From Spain 198086’ (2018).

Suso Saiz

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Finis Africae

do bandas que podían encajar en ese trabajo desde tiempo atrás y, buscando un sello, mandé el proyecto a dos sellos ingleses…

Pero también pensé en Bongo Joe porque conozco a varios de sus responsables, tenemos amigos en común y lo que es interesante de ellos es que es un sello montado por músicos, que directamente surge de la escena musical alternativa de la ciudad de Ginebra. Hubo buena acogida por los tres sellos a los que envié el trabajo, pero finalmente Bongo Joe fue quien tomó el proyecto”.

Bongo Joe y Loïc presentaron el 5 de marzo ‘La Ola Interior’. A quien suscribe estas palabras siempre ha llamado la atención que cada país interpretó de forma diferente los experimentos sonoros ambient (el gran precursor de la electrónica tal y como la conocemos hoy), de iconos como Brian Eno y otros pioneros de la música electrónica. Cada lugar acabó transformando esas influencias a su manera, creando diferentes variantes de electrónica.

Un servidor, para quien no lo sepa, es venezolano afincado en España desde 2003 y llevo involucrado en la electrónica desde 2007 (trabajando en DJ Mag España desde su fundación en 2010). En este tiempo, he ido aprendiendo y absorbiendo conocimientos sobre los distintos movimientos dentro y fuera de España, que han dado forma a nuestra escena actual. Sin embargo, hasta hace unos pocos años, no me había empapado de experimentos sonoros como los llevados a cabo por grupos pioneros como Esplendor Geométrico, Finis Africae o Mecánica Popular (estos últimos, a quienes entrevistamos en esta revista hace dos años, en 2019, de la mano de Víctor Santana).

afincado actualmente en la ciudad de Toulouse.

Tras haber trabajado en Light Cone (París), dirigió – entre 2003 y 2010 – la Bienal de Cine Español de Annecy (Francia). En los últimos años, ha colaborado en ciclos o retrospectivas con instituciones como el Centro Pompidou, el Fresnoy, el MACBA, la Cinémathèque de Toulouse o La Enana Marrón. También ha escrito textos para revistas como Ligeia, Cahiers du Cinéma (Francia) o Blogs & Docs, además de ser programador de Xcentric desde 2010. Su colaboración con Bongo Joe Comenzó en 2018, con su compilación ‘La Contra Ola’. Entonces, Loïc es especialista en cine, ¿no? “He hecho muchas cosas (risas)”, nos cuenta. “He trabajado muchos años en festivales de cine, con instituciones en España: Xcentric, CCCB en Barcelona, también he organizado conciertos en mi ciudad, Toulouse, en el museo de arte moderno durante varios

años. Siempre he estado entre el mundo del cine y la música. Yo vivía y crecí en una ciudad que se llama Annecy, que es una ciudad francesa, pequeña, al lado de Ginebra. Desde adolescente iba a Suiza a ver conciertos más underground”. ¿Y cómo acaba curando material para Bongo Joe? Porque su primer trabajo con ellos fue en 2018, con ‘La Contra Ola: Synth Wave & Post Punk From Spain 1980-86’… “Cuando dejé de organizar conciertos en Toulouse, ya tenía en mente trabajar en una compilación como la Contra Ola, dándome cuenta de que no hay ningún trabajo parecido que me pareciera satisfactorio sobre la escena española de synth wave y post punk de esa época. Casi todas las escenas de Europa ya habían sido revisadas y en España eso faltaba. Yo llevaba escuchan-

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De hecho, he encontrado que en muchos ámbitos se da por sentado que en España la primera forma autóctona de electrónica fue el llamado bacalao… Sin embargo, gracias a la compilación de Loïc y trabajos discográficos como los de Domestica Records, que citará como realmente interesantes y necesarios, se nos ha roto la cabeza al escuchar estos experimentos previos, porque es una faceta casi totalmente desconocida de la música experimental en España.

Más allá de los antes mencionados Mecánica Popular, Esplendor Geométrico, Aviador Dro y sus Obreros Especializados o Finis Africae, un servidor desconocía a los autores que aparecen en estos trabajos… Por eso quisimos preguntarle a Loïc, ¿cómo ha sido el proceso de curación de este trabajo? “Es interesante lo que comentabas cómo se reubican en cada país ciertos experimentos sonoros que se desarrollan a nivel internacional, del área cultural anglosajona,

que ya empieza con la psicodelia. Es muy interesante. En cada país, efectivamente, la música popular va reciclando movimientos internacionales dentro de las coordenadas culturales locales. Y esa plasticidad de la música pop es realmente interesante. En este caso, con la asimilación del trabajo de Brian Eno y Jon Hassell y como se resitúa en España, confrontándolo con la herencia árabe española. Es un proceso que ocurre en varias épocas, en varios movimientos, que es apasionante y que también ocurre con la música electrónica experimental en los 80. Ahí lo que subrayabas no es tan obvio, como lo que ocurrió con la psicodelia, que si que fue evidente. Pero sí creo que ocurre en el mundo entero, al igual que con el post punk y el synth wave”.

En palabras de Loïc: “Con este proyecto, cuando empecé a indagar en los 80, me di cuenta que hay varias corrientes. La gente suele quedarse en La Movida, las bandas pop, un poco punkies pero que terminan siendo pop muy rápidamente. Cuando vas mirando te das cuenta de que en paralelo surgen muchas otras cosas, que no son tan visibles porque igual no ocurren en Madrid, sino en Alicante, Cádiz u otras ciudades. Muchas de ellas tienen como micro-escenas, de gente un poco aislada pero que está llevando a cabo cosas interesantes, sin la atención de los medios, sin contratos discográficos, por lo que en su época no dejaron huella, siendo muy efímeros.

experimental de los 80, en el mundo de los casetes (que fue realmente activo en España), todo eso lo conocí gracias a Esplendor Geométrico, Diseño Corbusier (que salen en el primer disco), por algunos blogs… Cuando voy mirando me doy cuenta de que hay mucho material interesante, que no se ha valorado mucho, pero por regla general es un material que es más llevado al terreno del ruidismo o de sonidos industriales. Ya que el canon de la cultura de casetes española en los 80 – como ocurre en otros países – giraba más en torno a los géneros más duros, sonidos discrepantes, materia sonora, etc. ".

Pero, ¿qué tenían de especial esos temas de Orfeón y Esplendor Geométrico? “Volviendo a eso, los temas tampoco encajaban: el de Orfeón Gagarín, que es como muy ambient, adelantado, casi de los 2000, podría ser de Mouse On Mars perfectamente, o cosas así ya electrónicas; y el de Esplendor Geométrico, que es un tema totalmente ácido, pero oriental, que te lleva a Transglobal Underground o propuestas de ese estilo, rompía totalmente con lo que eran ellos”. Por eso, Loïc pensó en buscar a ver si había algo en ese mundo underground de la electrónica en los 80 que fuese más heterodoxo de alguna forma. “Eso también conecta con artistas que me encantan y que escucho mucho ahora como Black Merlin: gente que hace música muy exótica, pero rara”, nos comenta.

“Esa historia ha sido retomada por sellos españoles en los 2000, que hicieron un trabajo muy interesante, como Domestica Records, Munster… que buscaron a esas bandas y encontraron demos. Grabaciones que rescribieron un poco la historia del pop, haciendo a la gente darse cuenta de que al lado de Alaska y Los Pegamoides, está una banda como Décima Víctima que no tuvo el mismo éxito, pero que era mucho más interesante. Es lo que ocurre un poco con todo, que hay una reevaluación histórica”.

“Por eso pensé que habría una corriente que no se habría revisado mucho: gente del underground, que trabajase durante los albores del ambient y también con una dimensión de música fuera del ámbito occidental. Cosas que también han ocurrido en otros países. Ahí fui escuchando muchas cosas y me di cuenta de que sí, de que hay experiencias minoritarias, incluso dentro de la discografía de determinados proyectos (porque el tema de Esplendor Geométrico es atípico hasta para ellos). Y luego lo que me interesó mucho es que ahí conectan dos mundos, dos generaciones: parte del underground de los casetes (Camino Al Desván, Miguel Ángel Ruiz) y una generación de productores de los 70, que venían del mundo más hippy, que fueron marginalizados por La Movida, pero que vuelven porque son músicos muy competentes y que van siendo contratados por sellos. Concretamente Suso Saiz (por GASA) y Luis Delgado…”.

Justamente, Luis Delgado, miembro de Mecánica Popular junto a Eugenio Muñoz, fue técnico e ingeniero de RCA durante varios años, al igual que su compañero de agrupación. “Justamente.

Ellos experimentaron mucho con las técnicas de grabación. Entonces, veo que hay dos cosas que no se suelen juntar, mundos que están separados, pero que tienen puntos comunes. Que es algo que también hice en ‘La Contra Ola’, que era como poner un tema de Esplendor Geométrico junto a uno de Zombis,

Eli Gras

¿Y cómo surge este recopilatorio, ‘La Ola Interior’? ¿Cómo empieza a tomar forma?

“A mí lo que me pasa después de ‘La Contra Ola’ es que hay un par de temas más experimentales que me interesan mucho, pero no encajan en el synth wave y se salen del formato pop. Concretamente fueron ‘Última Instancia’, de Orfeón Gagarín; y ‘Sheikh’, de Esplendor Geométrico. Ambos temas me parecieron estar muy bien, pero no es que no entrasen en ‘La Contra Ola’, sino que abrían un camino nuevo del que no era consciente.

Incluso cuando indagué más en la escena

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que son bandas que en España nunca mezclarías. Pero como yo soy un guiri (risas) y lo veo desde fuera, a mí me parece que a nivel de sonido sí que conectan. En el sentido de que uno es muy pop, con máquinas y ruidos; y en el otro es música industrial, pero que se puede memorizar casi como un tema pop. Eso me interesa y por eso intento juntarlo, y de ahí viene el nombre “Acid Exoticism” del título.

Una palabra que abandera y engloba las ideas de estos autores”.

Y es que en esa época hubo mucha fascinación por la cultura africana, sonidos de viento sudamericanos, cuerdas asiáticas e hindúes, creando bucles, loops, e incluso polirritmos, casi sin querer. Fascinación que se puede oír en ‘La Ola Interior’. Era la época del destape, apenas unos años después de la muerte de Franco, cuando todo se abría más, cuando entra la mentalidad DIY (do it yourself, autodidacta)… además de la apertura de la disponibilidad de equipos analógicos mas baratos. Se mezclaron muchas cosas. Loïc está de acuerdo, pero también matiza que incluso ese gusto por lo exótico es previo al movimiento aperturista después de la muerte de Franco. “Yo creo que todo esto viene incluso de antes. Por una parte, del tema hippy, que siempre ha mirado hacia India. También que músicos como Luis Delgado se forman en el Ateneo de Madrid, de Paniagua, revisitando música súper antigua, yendo hacia Grecia incluso”.

Eso significa que hubo un interés por las músicas tradicionales antiguas, de tradiciones que no fuesen europeas o pop incluso desde antes. Loïc continúa: “También me imagino que en España, en los 80, ya se podía ser un poco más libre, por lo que podía ser más fácil tener esas inquietudes. Aunque también hay que decir que en esa época no había internet, es decir: podías comprar un instrumento oriental, pero nadie te enseñaba cómo tocarlo. Ahora puedes ver un tutorial en internet, pero en esa época no. De hecho, Luis Delgado cuen-

Lole García y Jordi Cabayol, de Camino Al Desván (1983)

ta cómo después de comprar un instrumento raro de esos, luego iban al estudio a intentar sacar sonidos de ellos como podían, para luego tratarlos electrónicamente porque no sabían tocarlos. Creo que no intentan emular músicas de otros sitios. Quizá el único que lo hace un poco es Jabir, que tiene una formación musical muy sólida, pero eso lo hace luego. Los otros tienen un interés, pero en ningún caso hablaría de imitación. También, la gente que estaba metida en el movimiento de los casetes estaba más interesada en el aspecto rítmico, como la música tribal. Con Esplendor Geométrico es evidente”.

Continuando con la exploración sonora en ‘La Ola Interior’, vemos tracks de bandas míticas como Esplendor Geométrico (el único que repite en ambos trabajos de Loïc), Finnis Africae o Me-

*Escanea el código QR para acceder al Bandcamp de Bongo Joe y hacerte con una copia de esta joya musical sonora de España.

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cánica Popular. Pero también de artistas muy olvidados, como Victor Nubla, Javier Segura o Suso Saiz. ¿Cómo descubrió a estos artistas? Porque además ha habido tracks que han estado inéditos hasta este álbum, con el caso especial de ‘Malagueñas 2’ de Javier Segura, que es especialmente impresionante… “A mí, de Javier Segura, me interesó sobre todo su primer banda, Arte Moderno, que fue reeditada por Los 80 Pasan Factura y Domestica Records. Fue una banda muy extraña y curiosa, que mezclaba dub, electrónica con post-punk, al estilo de Talking Heads, que tuvo una vida muy corta. Él luego tuvo una discografía personal que estuve escuchando bastante. También me interesó mucho la escena en Tenerife y toda la escena de Canarias, ya que son islas muy peculiares, al estar tan cerca de África y teniendo toda la cultura guanche (bereberes, que practican la momificación, conquistados por los españoles e italianos), que siguió viviendo de forma soterrada. Todo eso me interesó mucho para el disco, interiorizando esa idea de exotismo. Por eso el trabajo de Javier me interesó tanto, aunque sus discos son muy difíciles de encontrar, y más allá de que se vayan a republicar varias cosas este año, en un proyecto que lleva él mismo. Su acercamiento al sonido es realmente experimental, haciéndolo todo por capas, a un nivel muy elaborado y mentalmente es muy cercano al ambient, a pesar de ser un tema más de rock. Al final caí casi por casualidad en su canal de YouTube, donde había subido temas suyos. Y en el caso de

En el caso de este trabajo, Loïc nos cuenta que ha sido más fácil de compilar que en el anterior, ya que muchos de los músicos siguen en activo, están vivos y han sido relativamente fáciles de contactar, además de que tienen los archivos de audio incluso digitalizados. “Por ejemplo, Eli Gras vive en Barcelona, tiene un colectivo…

Están ahí, basta con ir a verlos. Aunque por algún motivo me he dado cuenta de que el interés en sus trabajos en general ha venido más por guiris como yo, y no tanto por medios españoles”. Desde aquí, Tomamos nota…

En cuanto al proceso de llegar a este tracklist, Loïc nos cuenta que fue largo, de convivir y vivir con muchos de esos temas durante meses. “Si después de ocho meses me seguían sorprendiendo, estaba claro que tenían que entrar.

Fue una labor más de un fan de la música.

Luego de eso, si hubo que contextualizar todo más, también porque Bongo Joe me lo pedía. Porque la gente quiere saber de dónde viene esta música, de dónde ha salido”. Y aunque los 20 temas son más para dejarse llevar y el propio Loïc hubiera preferido dejarlo incluso sin título, lo cierto es que ha hecho un gran trabajo de documentación para poner en situación cada track. “Ahí es donde empecé a reflexionar sobre esta música, aunque me gustaría que la gente que la escuchase lo haga sin saber nada. Como una experiencia. Para mí este disco es más como narcótico, que te pone en un estado de atención distinto, es un poco la magia del ambient”. Poco a poco fue hilando, buscando paralelos y analogías. Un viaje de descubrimiento con cada uno de los temas, que pertenecen a universos totalmente únicos y personales de sus creadores.

Por otra parte, Loïc también ha querido ubicar estas músicas en paralelo a otros movimientos cercanos al ambient que han discurrido en España, como el Balearic, que es un constructo anglosajón. “Que yo sepa, una de las pocas bandas que José Padilla, por ejemplo, pinchaba es Finis Africae. Lo demás, sinceramente, no tengo constancia, pero creo que no necesariamente se escuchaba en Ibiza. Es un poco lo que cuento en la introducción, que el término Balearic es creado por los ingleses.

Mi idea era ubicar este trabajo en el lado de la música experimental, porque los artistas

mismos evolucionaron y se alinearon en ese tipo de música. Por ejemplo, Suso Saiz estudió en el Real Conservatorio… Su profesor fue Luis de Pablo, o sea que se inicia en el minimalismo americano y a músicas no occidentales. Es, en esencia, un compositor experimental. Luego fue hacia el pop, produciendo a bandas como Duncan Dhu, pero porque tenía que comer (risas). Pero él es un músico y compositor moderno, formado. Lo mismo que Luis Delgado, o la gente que estuvo en la movida de los casetes, que se definen como músicos de vanguardia. Ni siquiera como música de baile”.

En España muy poca gente tiene constancia de que esto ocurrió siquiera y que hubo toda esta serie de experimentos sonoros, porque la gran mayoría se fijaba en otras cosas. Gran parte de estas muestras sonoras, de hecho, llegaron antes a París o Berlín gracias a la venta por catálogo… “El mundo de los casetes era minoritario, pero extenso y con muchas conexiones. Circularon muchas cintas y con mucha frecuencia con otros países.

Bandas como Diseño Corbusier o Esplendor Geométrico fueron más famosos en el circuito internacional que en España. Era un mundo internacionalizado y conectado. Muchos de los artistas que salen en este disco tenían sus

Victor Nubla y Juan Creck, como Macromassa

‘Malagueñas 2’ tenía solo 10 escuchas (risas).

La versión 1 era con voz, y cuando escuché la versión 2, la instrumental que sale en el disco, me pareció un tema súper loco. Él estuvo muy contento, porque es uno de sus temas favoritos, a pesar de no haberse publicado. Fue un verdadero hallazgo”.

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propios sellos, como Miguel Ángel Ruiz. Eso lo permitía la democratización de la tecnología, que permitía grabar en casa con reproductores de casete con bastante calidad. A mano, eso sí, pero se podían hacer tiradas de 50 (risas). Esto ocurrió porque la industria musical estaba menos desarrollada, así que al final la alternativa fue más obvia. Hubo una actividad efervescente muy interesante, que ha sido estudiada en España por entidades como la Fundación Juan March, hace un par de años, con un extenso estudio sobre el arte sonoro en España”.

Queremos cerrar este articulo invitando a nuestros lectores a explorar estos estudios, además de sumergirse totalmente en esta ‘Ola Interior’, además del trabajo anterior de Loïc, ‘La Contra Ola’, ambos en Bongo Joe. Es sumamente necesario que para seguir mirando al futuro, nuestra escena empiece a mirar al pasado y aprenda de sus pioneros. Pioneros que en muchos casos han estado ocultos y olvidados durante muchos años, y que gracias a trabajos como este, hemos podido descubrir y disfrutar. Gracias a Bongo Joe y a Loïc Díaz Ronda, por dejarnos divulgar esta gran pieza de curación sonora. España ha tenido artistas realmente prolíficos, que han sentado las bases de nuestra escena y que se merecen nuestro reconocimiento. Estad atentos a este espacio.

Autor: VÍCTOR FERNÁNDEZ

A c c e s s

A l l

A r e a s

COLLAGE BY ANDRES CAMPO @ TEATRE COLISEUM, BARCELONA UNA EXPERIENCIA AUDIOVISUAL PARA VIVIRLA

Llevamos un año sin eventos. Un año de inactividad que está teniendo un impacto difícil de valorar en nuestras vidas y en la salud de la escena electrónica. Un año en el que nos hemos tenido que acostumbrar a consumir música en nuestras casas, como mucho viendo streamings de nuestros artistas predilectos en nuestros sistemas de sonido caseros, para amenizar una rave de tarde acompañados por nuestro perro… Un año sin publicar esta sección, dedicada a las crónicas de eventos…

Nos sentamos en la parte trasera de platea, se apagaron las luces y apareció el artista oscense sobre el escenario. ¡El público lo esperaba con ganas!

La sesión tuvo un desarrollo muy diferente al que esperábamos inicialmente. Andrés tardó poco en darle al público lo que tanto ansiaba y había echado de menos en el último año: la presión de un buen bombo, que junto a la acústica del teatro y el equipo de sonido que implementaron para la ocasión, los Clair Brothers, hicieron que la experiencia sonora fuera digna Pero, por fín, el pasado lunes asis- de un gran club o festival. timos al espectáculo COLLAGE, de Andres Campo, en el mítico Teatro En lugar de realizar una progresión musical desde el ambient hasta llegar a Coliseum. sonidos más pisteros, Andrés nos ofrePara quien no lo sepa, COLLAGE es ció, desde el inicio del evento, mezclas un show híbrido ideado por el artista de temas de electrónica con bases en oscense, en el que desarrolla su ima- clave techno y utilizando tracks de amginario sonoro más personal, intros- bient para simular parones extendidos pectivo y alejado de la pista de baile, y transiciones que venían genial para todo acompañado de los visuales de relajar el ambiente cada vez que el arHéctor de la Puente. Este aspecto tista veía al público venirse arriba. lo hace ideal para desarrollar en un formato teatro, con distancia social y Entre la minuciosa selección que con todas las medidas sanitarias ne- llevó a cabo Andres para confecciocesarias para garantizar la seguridad nar las distintas partes de Collage, podemos destacar auténticas joyas de público y equipo técnico. como: ‘Far Away’ de Fabrizio LapiaSegún nos acercamos al Coliseum, en na, ‘Epikur’ de David August o ‘Bripleno centro de Barcelona, y vimos tannia’ de Undercatt. el nombre de Andrés en grande, en la fachada, empezamos a vislumbrar Queremos hacer una mención especial a una persona sin la que COLLAGE una jornada épica.

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no hubiera llegado a ser lo mismo: Héctor de la Puente, artista audiovisual que ha acompañado a Andres en este viaje y que nos hizo vivir desde las butacas, una experiencia mucho más inmersiva, poniendo imágenes y texturas encajadas a la perfección en cada momento del show. Héctor de la Puente es una auténtica eminencia en este campo en nuestro país. Su forma única de mezclar las imágenes con la música que Andres tocaba en directo es una parte fundamental del espectáculo, que hace que el sonido cuente una historia en varios actos. Más allá de la alta carga emotiva de las imágenes en algunos momentos, también hubo momentos surrealistas, minimalistas, hipnóticos y hasta barrocos.

El imaginario de Héctor es realmente sublime y fue una auténtica gozada poder ver cómo estos dos artistas se compenetran sobre el escenario.

El evento terminó con una gran ovación de todo el teatro Colisuem, cosa que le hizo volver a vivir a Andres, esa sensación de gratitud, que quizás, antes de la pandemia, tenía algo más normalizada.

Ahora, solamente queda esperar a ver si después del éxito de las 3 ediciones de COLLAGE – tras Huesca, Zaragoza y ahora Barcelona – otras ciudades del país tendrán la oportunidad de disfrutar de este show.

Fotos: TONI VILLEN

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L A

S E L E C C I Ó N

D E L

D I R E C T O R

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

MODESELEKTOR Extended

Monkeytown Records Hay poco que decir de un trabajo de Modeselektor que no se haya dicho ya. La palabra excelente suele quedarse corta, así que pondremos en contexto este sorpresivo y nuevo ‘Extended’ que nos llegó hace unos meses y que por compromiso de confidencialidad nos hemos tenido que guardar. Los berlineses Gernot Bronsert y Sebastian Szary han ido con todo en este trabajo que llega con 27 (sí, 27) tracks en formato mixtape. Un formato que no habían tocado antes y que viene con esa cornucopia de tracks inéditos y nuevos que solo ha sido posible ahora que se han visto parados durante todos estos meses.

Mucho ojo a ‘Hyena Dancehall’, ‘Bilbao’ u ‘Ohm’, solo por destacar tres… Disponible el 9 de abril.

DE LA SWING Andrew Azara | Tokio (De La Swing 6AM Remix)

VVAA Planisferios Sonoros Moray Discs

Surge Recordings

De entre las cientos de promos que llegan a la redaccion cada mes, de vez en cuando surge un trabajo de este tipo que te revienta la cabeza. Moray Discs, una plataforma emergente que surge en Perú, dirigido por Frank Serín y la artista visual Daniela Cuenca, nos trae este mes este VA de presentación del sello que es una auténtica delicia para los oídos. Siendo todos artistas casi desconocidos en nuestra escena, es refrescante poder oír la perspectiva de gente como Qasio (Chile), Mati Mielniczuk (Argentina), Junn (Colombia), Inteligencia Pesimista (Colombia), Trópico Frío y Niño Árbol (México). Progresiones rotas, atmosferas etéreas, efectos extraterrestres, EBM, electro y techno… Una muestra variada y genial de lo que nos puede ofrecer Moray Discs en su prometedor futuro.

De La Swing continúa con su brutal estela de trabajos, en esta ocasión entregando un tremendo remix para el original ‘Tokio’ compuesto por Andrew Azara. El trabajo lo presenta Surge Recordings en formato vinyl only y que saldrá en esta primavera. Y aunque el trabajo ‘Chase The Rabbit EP’ es realmente bueno en su conjunto, con otro original homónimo (acompañado de remix de Jesse Maas), para nosotros el corte que destaca es el firmado por De La Swing. En él, Domi lija la dureza de la percusión del original, le da mucho más groove y aires deep, jugando con los elementos más melódicos del track y haciendo un tratamiento sublime la línea vocal del track. Un remix perfecto para cualquier momento de una sesión profunda y con seso.

FABRIZIO RAT Move EP

MICK WILSON & AUGUST ARTIER Kisetsu Series: FUYU

Involve Records

Rawax

MICK WILSON

(PAPERMACHETIGER)

El autodenominado como “pianista del techno”, Fabrizio Rat, vuelve a la casa de Regal (Involve Records) con un EP de tres tracks más un remix del propio Regal, que nos ha dejado planchados. Un EP de techno vibrante, afilado y muy triposo, que llega para reventarnos los zapatos de bailar.

Vocales cortados, melodías épicas de auténtica rave, rozando el hard techno en todos sus cortes es lo que os vais a encontrar en los diferentes tracks. Para cerrar la cara B, Regal aporta un remix de ‘Rave Runner’ de carácter mucho más oscuro y tenebroso (cosa que nos encanta), creado para no tomar ni un prisionero en la pista de baile. Épico y ominoso, para nosotros el mejor corte del EP, junto a su original.

Nuestro querido Mick Wilson y su compañero de travesuras sonoras, August Artier, llegan de nuevo a Rawax con la última entrega de su reverenciada Kisetsu Series este mes de abril. ‘FUYU’ se titula el trabajo que cierra esta interesante serie exploratoria del house más profundo y con groove. Un EP de cuatro cortes en el que terminan con broche de oro esta genial aventura inspirada en las estaciones.

Sonidos deep, melodías atmosféricas, percusiones líquidas, paisajes ominosos, exóticos y épicos, vocales etéreos… Un trabajo fino y elegante que pone sobre el tapete el gran saber hacer de esta pareja de productores afincados en Ibiza. Disponible a partir del 9 de abril en las plataformas digitales.

01. Mick Wilson & August Artier ‘Kisetsu Series Fuyu 16’ [Rawax] 02. Papermachetiger ‘Mums Love Acid’ [Induction Muzic] 03. James Shinra ‘FlyBy’ [20/20 Vision] 04. Kuhuwara ‘Kustard Cream’ [Son of a Biscuit] 05. Mick Wilson & August Artier ‘Talking Trees’ [White Label Promo] 06. Jocelyn ‘Maox’ [ESHU Records] 07. Bassically ‘Listen Carefully’ [Fossil Sounds] 08. David Scuba & Lubelski ‘Mumbles’ [Superfreq] 09. Gage ‘Back 2 Bellingham’ [E Anthem] 10. Pig & Dan ‘Telegraphy’ [Truesoul]

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E L E C T R Ó N I C A

Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS / carlos@djmag.es

DIVORCE FROM NEW YORK This Ain’t Jazz No More

Forbidden Colours Divorce From New York podría ser el titulo de la nueva película de Woody Allen pero no, es el nuevo alias del productor español Álvaro Granda (Kino Internacional). Conocido por su trabajo como la mitad del dúo con sede en San Sebastián, Reykjavik606, Granda crea una rica red de sabores de ritmos rotos, sonidos edificantes y ritmos sincopados: elementos de fusión del jungle y house con sensibilidad jazzística. ‘This Ain’t Jazz No More’ presenta siete piezas maestras de jazz infundido más un remix de Hector Plimmer, que encienden la magia en la pista de baile con percusionesa de conducción, ritmos polvorientos y conmovedoras florituras de tecla que cautivan al oyente de principio a fin. Entrando directo a mejor disco del año nacional.

NICOLA CRUZ Hybridism Remixes

VELMONDO & IRO AKA Les Illes del Cel

Multi Culti

Hivern

Presentamos ‘Hybridism’, el nuevo EP de remixes De Nicola Cruz reinterpretado por John Talabot, Auntie Flo, Azu Tiwaline y el equipo anfitrión del sello Multi Culti. Este lanzamiento esta compuesto por cinco poderosas pistas, en las cuales podemos sumergirnos en paisajes sonoros como ‘Third Eye Dub’ y su influencia norafricana; o la remezcla a cargo de Auntie Flo, que presenta un track alegre cargado de colores. El disco se complementa con las remezclas de los jefes de Multi Culti y la visión de John Talabot, que nos presenta un trabajo altamente atmosférico con tintes dub. Un EP completamente esencial de 2021.

Desde la ciudad condal nos llega el último lanzamiento del sello Hivern, que nos brinda la nueva alianza de la electrónica psicodélica: Velmondo & Iro Aka. Tras un 2020 muy fructífero para estos productores, editando material de alto octanaje sin parar, llega a nosotros ‘Les Illes del Cel’, un trabajo conformado por cinco pistas con tintes trance, mantras psicodélicos y cargado de capas con todas sus técnicas intrincadas de producción. Pistas como ‘Wavefold’ o ‘Left Channel’ son todo lo que necesitas para llevarte a toda la pista de viaje y dar al clubber algo que no conoce.

SIRS Arrived EP

VVAA La Danse 2

Live At Robert Johnson

Hard Fist

VELMONDO

Live At Robert Johnson añade a SIRS a su lista de artistas, con un EP de disco balear de dos pistas y un bonus track forjado en tempos a baja revolución. Todo un EP cósmico, flotante y bellamente elaborado. ‘Keep Forgetting’ es un relajado track, ideal para calentar una pista de baile. ‘Junee’ se presenta con ritmos uptempo y una línea de sintetizador conmovedora que va directa a tu cerebro.

Disponible solo en digital, ‘Call Me’ completa este magnifica obra de Daniel Klein alias SIRS, que trabajo a trabajo se va coronando como uno de los mayores embajadores contemporáneos del sonido Balearic, que ya ha remixeado a artistas de la talla de DJ Harvey.

Hard Fist lanza ‘La Danse 2’, la segunda compilación digital de una serie de productores internacionales talentosos que apoyamos y amamos. Esta VA es un tributo a la pista de baile que mezcla obras orgánicas para traer una nueva energía a los clubes. 11 son las pistas que componen este fantástico lanzamiento, lleno de junglas electrónicas, misticismo y sonidos étnicos de todo un elenco de productores top como Daniel Monaco, Tushen Raï & Neskeh, Juan MacLean, Roe Deers, Fabio Me Llaman Soltero, Fargo Devianti & Vongold, Mishell, Juan to Tree, Lions Drums, Elfenberg o Los Niños del Parque.

01. Slow Attack Ensemble ‘Rivers Turn to Waterfalls’ [Reliable Effects] 02. Vox Populi ‘Trois Gouttes De Sang’ [Platform 23] 03. Yu Su ‘Little Birds, Moonbath’ [Second Circle] 04. Benjamin Frölich ‘How Much Are They’ [Optimo Music] 05. Mioclono ‘Center of Things’ [Hivern Discs] 06. Sweet Exorcist ‘Psych Jack’ [Warp] 07. Lord Of The Isles ‘Skylark’ [ESP Institute] 08. Cop Envy ‘Cotton’ [Hypercolour Records] 09. Donato Dozzy ‘The Night Rider’ [Tresor] 10. Ed Dix ‘Halusinasi (Velmondo Remix)’ [Playground Records]

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

ANDY STOTT Never the Right Time Modern Love

Tuve siempre una enorme ‘debilidad’ por Andy Stott. Más que Superman a la Kryptonita. Así que ha sido todo un notición poder aparcar durante un tiempo la escucha continuada de ‘Luxury Problems’ (2012) o ‘Faith in Strangers’ (2014) para imbuirme de lleno en este nuevo LP ‘Never the Right Time’. Al mancuniano lo tenemos en su salsa facturando un trabajo donde la electrónica contemplativa y los experimentos sonoros son puro arte. Un disco donde tras meses de abstinencia se muestra renovado y curioso. Con elementos un tanto distintos (instrumentos ensordecidos) y vocales la mar de atmosféricos le tenemos rozando el cielo. Desafiantemente hermosas son canciones como ‘Hard to Tell’ o ‘Don’t Know How’. Esta última con unas hechuras realmente hipnóticas y curiosas.

DEGIHEUGI Foreglow

FLOW & ZEO Spacekraft

X-Ray Production

Katermukke

Este año hay prisas para que nos lleguen pronto los días al fresco.

Jornadas donde sonidos como los que propone el francés Degiheugi son una bendición. Este hombre ha sido toda su vida un devorador de vinilos y ha escarbado bien profundo hasta dar con las entrañas más curiosas de la denominada chanson française, el afrobeat, la bossa, el trip hop, el jazz y hasta el blues. Y por supuesto una edificante lección de beats rotos, turntablism, electrónica y salpicones de hip hop. Con todo esto nos acabaremos encontrando con un octavo álbum de estudio variopinto con cortes realmente sabrosos como ‘Nuday’, ‘Final Round’, ‘Woman’ o ‘Avant’. Artistas como DJ Shadow o Boozoo Bajou deberían estar muy contentos con él.

Muy complicado será que se me quite de la cabeza la línea de bajo incorporada con calzador por Flow & Zeo en el corte titulado ‘Venus’. Un porqué muy sencillo, ahí escucho claramente el ‘Tainted Love’ de Soft Cell. Esta expedición planetaria estará propulsada no por recuerdos, sino por ritmos y trayectos bastante enérgicos donde el techno-house se lleva la palma. En las visitas que uno se puede sentir más halagado por el paisaje bailable están ‘Jupiter’ y ‘Uranus’. En ambas, el dúo brasileiro agujerea el espacio cósmico con buenas puntadas trance.

Curiosamente no tan ahogadas por las típicas muestras de astronautas que deambulan tanto por ‘Mercury’. En definitiva, un LP de altos vuelos de lo más bailable.

FRANCK ROGER 44

MENTE ORGANICA El Espacio

Real Tone

Earthly Measures

Recuerdo cuando pinchaba en mis sesiones más house, y a principios de este siglo, a Franck Roger. Funcionaba de la hostia en tramos tempraneros de la noche. Y es que la música de este galo se ha destacado siempre por ser cálida y abarcar un amplio espectro de sonidos además del house. Queda patente en su nuevo disco al no descuidar para nada todo lo que le ha hecho estar donde ahora. Una culminación que, aunque no margine al baile, ni los sonidos sintéticos suspendidos, está plagada de detalles orgánicos. Funk, disco, soul e incluso beats soleados se dan cita en un LP donde destacan cortes como ‘When Animals Manifest Part 2’ o ‘Everything Now’ (junto a Hatt).

Las nuevas promesas de la escena electrónica latinoamericana continúan apareciendo con paso firme. Con muchas aptitudes, verdad, inteligencia y un exquisito trato de las texturas se estrena con LP Mente Organica. Este productor y multi-instrumentista colombiano nacido en Bogotá nos propone un delicioso disco colmado de sonidos firmes entrelazados con psicodelia y folk. Harmonías, y me repito, unas estructuras que acompañan de fondo que son un auténtico goce. Ahora mismo me tenéis volando en esa nube titulada ‘El Espacio’. Por algo será que presta su título al disco. Pero es que luego me subo a otra –’Huanini’- y así todo el viaje.

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C R Í T I C A S

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

MORGAN WRIGHT Eltham

RONE Rone & Friends

Pelvis Records

InFiné

Tras un par de avances, llegó el momento de publicar ‘Eltham’, el nuevo largo de Morgan Wright cuyo título está sacado por una localidad verde y montañosa del extrarradio de Melbourne. Estamos ante un productor muy escurridizo que tiene claro que su sonido importa mil veces más que aquello de mostrar palmito. De lo poco que nos interesa saber de su ámbito personal es que él pasó en este sitio su infancia.

Por esa razón que el nuevo trabajo esté plagado de breaks placenteros y melodías bastante sentimentaloides. Un caso muy claro es ‘B Alone’.

Corte que personalmente me parece una pasada, al igual que ‘Narrative’. Un tanto más encendido es ‘Conditional Regard’. Viajero, noventero y break-beatero, un menú de lo más apetitoso combinado además con mucho sentido común.

Los últimos meses de Rone están resultando de lo más fructíferos. Está exprimiendo su creatividad a niveles insospechados. Le está viniendo muy bien rodearse y trabajar con multitud de artistas de diversas disciplinas. ‘Room with a View’ es a la vez de un excelente disco, un magnífico ejemplo. En esta nueva ocasión sus instrumentales se alían con varios artistas con los que ha coincidido en camerinos, emisoras de radio… y que ahora, encarando el dichoso momento de pandemia, han dado vida a un brillante álbum que refleja con mucho respeto la teatralidad del mejor pop regado de electrónica siempre ingeniosa. Únicas las canciones paridas junto a Laura Etchegoyhen, Camélia Jordana, Roya Arab o Dominique A.

SEBAS RAMIS Life Goes On

SOUL CLAP WTF (World Transformation Force)

Sub_Urban

Foold Gold

Quiero pensar que ya pilotáis al bueno de Sebas Ramis ¿me equivoco?

El balear lleva dando guerra desde finales de los 90’, fundando los sellos Malo, Puro Music o por supuesto Sub_Urban donde ha decidido publicar su primer álbum. Hemos esperado la tira pero ya está aquí.

Por fin podemos descifrar y degustar en formato largo su devoción por el house de brisa cálida, el funk de los bajos fondos y el soulful elegantón. Remando en este sentido, nos encontramos con un discarral.

Remarcar que la maldición de la covid ha servido en su caso para asentarse unos cuantos meses y, rescatando inclusive varios temas de años atrás, construir un LP cercano y de bailoteo manso. Participan voces como las de Lee Wilson o Life On Planets.

Otro nuevo álbum que sin embargo huele a clásicos allá donde lo escuches. Nadie se asustará pues Soul Clap siempre han demostrado un apego muy descarao por el P-Funk y el soul. Por artistas de la talla de George Clinton o Amp Fiddler. Se agradece que el dúo lo haga con las herramientas actuales y le den su propio carisma. Que también inviten a infinidad de músicos y vocalistas a participar lo hace todo más entretenido. Sí, eso mismo: entretenido. ‘WTF’ es prácticamente una fiesta coral donde a través de ellos, y gente como Nona Hendryx o Harriet Brown, se tocan diversos palos como el electro-funk, el 2step y como no el house.

AUDIOJACK Surface Tension Crosstown Rebels

Ya os lo digo. Hay cortes en este nuevo disco de Audiojack que no me cansó de escuchar una y otra vez. De esas veces que uno piensa ‘mereció la pena esperar más de una década para encontrarme con esto’. Y es que ese es el tiempo que la pareja formada por James Rial y Richard Burkinshaw han empleado hasta traernos un nuevo largo. Nueve canciones donde se han trabajado a conciencia aquello de la exploración electrónica. Una nueva cara, un nuevo desafío donde se entremezclan tierras y tradiciones (‘Binaural Dreaming’), techno escapista (‘Feels Good’) o house hipnótico y robótico (‘925 Shift’). Colaboran Kevin Knapp, Jem Cooke y Silver Reserve.

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B R E A K S

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

ED IS DEAD Global Sickness

Idioteque Records El madrileño Ed is Dead lo ha vuelto a hacer. Con su cuarto álbum de estudio, titulado ‘Global Sickness’, el músico vuela entre la oscuridad y la luz con un concepto como nexo común, en este caso la decadencia de nuestra sociedad. ‘Creo que 2020 fue un año de reflexión global y lo que muchos de nosotros hemos estado pensando se está materializando: el mundo está enfermo, y si no lo arreglamos, la naturaleza se encargará de ello’. Sin dejar atrás la calidad y el eclecticismo que le caracterizan, Ed nos sorprende con un corte breaks titulado ‘Inner Love’. El trabajo sale a la venta bajo su propio sello Idioteque Records, en formato digital y en una preciosa edición limitada de vinilo azul.

BAYMONT BROSS, SEKRET CHADOW The Umami Chef - Recipe 2

COLOMBO Move Move

13Monkeys Records

Distorsion Records

Vuelven los 13 monos con su máquina de fabricar futuros clásicos. Hace un par de meses hablábamos de ‘Monkey Jumps Part.1’, a cargo de Sekret Chadow, y ahora nos llega la parte 2 a manos de Adam Vyt y Case 82, con dos pianazos. Con esta segunda parte se completa la versión digital del vinilo original. También hablábamos de ‘The Umami Chef Recipe 1’, de Sekret Chadow y Baymont Bross, y ahora llega el número dos. Si en la primera parte se decantaban por un sonido funky, en esta nos traen un suculento electro breaks. Tampoco te pierdas el single ‘Karrousel’ de Chadow, un viaje de breakbeat melódico del que no querrás bajar, ni el estreno de Urbano en el sello con su ‘Funkie Town’.

El productor malagueño Alejandro Rojo, más conocido como Alexic Rod, bajo su alias tech, y Colombo, bajo su alias breaks, llega cargado de nuevas producciones este 2021. En lo que a ritmos rotos se refiere hablábamos meses atrás de su single ‘Overcome’, bajo el sello Distorsion Records, y desde entonces nos ha dejado excelentes lanzamientos. Repitiendo con Distorsion nos presentaba ‘Adaggio/Made In’, dos buenas producciones 2step, y más recientemente ‘Move Move’, un auténtico pelotazo de acid breaks con mucho groove y sabor funky. Por otro lado, desde su sello Acida Records, también nos han llegado joyas como ‘Turn The Bass Down’, ‘Disco Craze’, ‘Microphone’, ‘Emotion’ o ‘Train’, donde Colombo navega entre estilos como el electro breaks, el funky breaks, el techfunk y el big beat.

STANTON WARRIORS Time

COOLTASTY Fade Out

Punks Music

Banana Club

FM-3

(RUN THE BREAKS)

El dúo Stanton Warriors, compuesto por Mark Yardley y Dominic Butler, lleva más de dos décadas guerreando con los ritmos rotos. A lo largo de su carrera han firmado con sellos como XL Recordings, Fabric, Cheap Thrills, Central Station y Universal. En 2019 hablábamos en estas páginas de su último álbum ‘Rise’, con su enorme ‘UP2U’. Desde entonces los de Bristol no han parado de realizar remixes y lanzar singles. Los últimos nos llegan bajo su sello Punks Music. ‘Time’, un hermoso y envolvente viaje breaks, y ‘Somali Funk’ un gran banger funk. Destacar también desde esta casa ‘Love Theory’ de Aylen, ‘Números’ de Bombo Rosa’, Escape’ y ‘Hard One’ de los nacionales Yo Speed y UFO Project, y el reciente ‘Tundra’ de Mafia Kiss.

Teniendo al gaditano Fran Marchante, alias FM-3, como DJ invitado de este mes, no podía faltar un repaso por su sello de reciente creación, Banana Club. Aunque aún tienen pocas referencias en el mercado, ya podemos destacar muy buenos trabajos del mismo, como este ‘Fade Out’ del también gaditano José Segundo, alias CoolTasty. El épico canto que incluye en el breakdown y sus melodías minimalistas, crean una atmosfera perfecta para evadirse de la realidad. De este mismo artista hay otro genial single titulado ‘Going Down’, con un breaks progresivo cargado de ácidos. Y si te has quedado con ganas de más ácidos, para su referencia número 6 nos presentaban el single ‘Motion’ del propio FM-3, una producción acid breaks oscura e introspectiva.

01. Bicep ‘Atlas’ Ninja Tune 02. FM-3 x CoolTasty ‘Dirty Sound’ Banana Club 03. Redlight ‘Dreamquest’ Dream Vision Future 04. Guau x Eztereo ‘Human Behaviour’ 83 05. CoolTasty ‘Fade Out’ Banana Club 06. Zodiac Childs ‘Overstep’ Exalt Records 07. My Nu Leng ‘1 More Tune’ Soft Computing 08. Bakey ‘Take It Further’ Shall Not Fade 09. René LaVice x Stanton Warriors feat. Knytro & Deadly ‘Jump’ DeVice 10. Beyond Therapy x EchoFly ‘Higher (Beyond Therapy Rave Mix)’ Champion Records

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D R U M

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B A S S

Autor: ROHAN G. FINGER / finger@djmag.es

FETUS Dark Monkey

Unchained Tras lanzar en febrero tradicional LP colectivo coincidiendo con el año nuevo chino, la familia de Unchained vuelve a agitar el planeta desde tierras orientales. A parte de tener su sede en China, han contado en su próximo release con el joven prodigio del drum & bass nipón, Fetus, uno de los ganadores el año pasado del concurso de remixes que convocaron. ‘Dark Monkey’ es el título de su EP debut, y en él se compilan cuatro temas propios y un remix del ruso Black Barrel, encontrando estilos como el halftime (‘Depth’ y ‘DarkMonkey’), el hybrid jungle (‘Boo’) y por su puesto el drum & bass (‘Tar11mg’). En cuanto al sonido, confluye a la perfección lo atmosférico con lo industrial, y lo conmovedor con lo siniestro.

KOAX Hoodwink

TIKNOLOGY Back to Reallity

Impact Music

Shidzen Music

El sello francés Impact Music lanza nueva referencia en exclusiva través de Beatport el día 9 de este mes y el 23 en el resto de plataformas. Si bien es cierto que no teníamos muy ubicado a su autor, el bristoleño Koax, en 2020 ha editado una buena cantidad de temas sueltos en compilaciones de sellos como Lifestyle, Four Corners o Sine Audio entre otros. Este año ha empezado muy potente en otros trabajos colectivos, a través de Delta9, Cyberfunk y ahora en solitario en Impact Music. ‘Hoodwink’ es un EP de cuatro tracks que son una sólida muestra del enorme talento de este productor centrado en la vertiente más techy y oscura, y al que a partir de ahora no perderemos la pista.

Nuestro buen amigo Tiknology, codirector del sello chileno Shidzen Music, estrena nuevo LP. Han pasado casi tres años entre el lanzamiento de su primer largo (‘Origen’) y el que ve la luz este mes, donde se recogen ocho pistas con un sonido maduro y evolucionado, pero que conserva esa esencia retro-futurista de todos su trabajos anteriores. El LP titulado ‘Back to Reallity’ supone todo un homenaje a los dorados años 90, no solo por su título y sampleo vocal, si no por los múltiples guiños sonoros que encontramos. En cuanto al estilo, hay una importante presencia de medios tiempos con reminiscencias al trip hop clásico, pero también de amen breaks. En el tema que cierra el LP (‘Deeper Love’) ha trabajado junto a su viejo compañero de batallas barcelonés, Jaukem.

BREAK FEAT. MC FACTS & CLEVELAND WATKISS Conversations (Breakage Remix)

TRILO & VEGAS Rush (Kemal Remix) Bad Taste

Symmetry

SHAOLIN DUBZ

El todopoderoso Break cierra la serie de remixes de su LP ‘Another Way’ que vio la luz en noviembre de 2018, con dos nuevas remezclas. Por un lado Calyx & Teebee, que regresan al sello una década después de colaborar con Break en ‘Resistance LP’, reformulando de forma magistralmente incisiva y aportando una dosis extra de adrenalina sobre el hábilmente retenido ritmo original del ‘Keepin it Raw’. Por otro lado, Brekage completa el trabajo, con su muy esperado debut en Symmetry, en el que ha llevado el delicioso ‘Conversations’ a una esfera más candente y pistera, complementando a la perfección las conmovedoras vocales de los maestros MC Fats y Cleveland Watkiss con ambientes junglist.

Desde que el mítico Kemal (50% del dúo Konflict y uno de los artistas más representativos del neurofunk primigenio) reapareciera por arte de magia a finales de 2019 tras quince años desaparecido, tan solo ha lanzado un pequeño goteo de remixes y colaboraciones a modo de singles sin excesiva repercusión y parece que así va a seguir siendo de momento. El día 1 de este mes, vio la luz un nuevo remix, esta vez a través de Bad Taste, donde ha remezclado el ‘Rush’ de Trilo y Vegas lanzado en 2019, dándole un rollo muy sideral y pistero, al más puro estilo de aquello que se conoció décadas atrás entre unos pocos freakies musicales como trancestep. Esperamos ansiosos escuchar pronto algún trabajo más extenso y de producción propia 100%.

01. Pastaman Feat. Demolition Man ‘Lyrical Warrior’ [Satta Sounds] 02. Danny Byrd Feat. GQ ‘Salute (Remarc Remix)’ [Hospital Records] 03. DJ Hybrid ‘Eclipse’ [Boom 93] 04. Fracture ‘Biscotti’ [1985 Music] 05. Brian Brainstorm ‘No Ordinary Sound (Aries Rmx)’ [Original Key Records] 06. Workforce ‘Your Loss (Halogenix Rmx)’ [Must Make Music] 07. Hermano L & Berman ‘Som de Jungle Dubplate’ [Som de Jungle] 08. Bukkha & Nuphlo ‘Look Man’ [Booyaka Sound (Moonshine Recordings)] 09. Boombassbrothers ‘Roll To The Old’ [South Yard] 10. Baodub ft. León Demaría & Jahwind ‘Jah Children’ (Fak Scratch Rmx) [-]

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C R Í T I C A S

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T E C H N O

Autor: MUGNI / mugni@djmag.es

FUNCTION Awakening From The Illusory Self EP

Tresor Este mes comenzamos con una propuesta potente de parte de un artista ya veterano. Dave Summer, también conocido como Function, nos trae cuatro temas para el famoso sello Tresor. Dentro de este trabajo nos podemos encontrar un poco de todo: algo para la pista de baile, algo para la escucha y algo para un punto intermedio, todo ello hilando fino y sin un ápice de mal hacer. Siendo sinceros, este es uno de esos discos que seleccionas para escuchar sí o sí, ya que ambos nombres siempre se asocian a calidad que está por encima de la media. No defrauda en ningún aspecto, ya que no hay nada que desentone. La única pega es que se queda corto… básicamente queremos escuchar más.

JAMES RUSKIN Shortcut

ROOGUNIT Nu Rebels Club EP

Blueprint

Mote Evolver

James Ruskin es uno de esos viejos conocidos por todos, asociado siempre a su conocido sello, Blueprint. Entre los dos van abriendo puertas allá donde van, y todo ello se lo han ganado a costa de proporcionar un excelente material a lo largo de los años. Justo ahora es el 25 aniversario del sello y para celebrarlo, Ruskin presenta este ‘Shortcut’. Todo está muy bien, pero si es cierto que hubiese estado mejor si lo hubiese madurado un poco más. Pero que no haya malentendidos. El disco desborda calidad, pero el mensaje es un tanto confuso. Quizás es por las expectativas: si uno oye Ruskin, piensa en incendiar la pista y con este disco, no va a pasar.

El señor Ashley Burchett y Luke Slater forman RoogUnit, que desde hace ya unos años ofrecen al mundo sus ideas bajo este alias. Para este segundo EP en Mote Evolver, se desmelenan un poco y suben el numero de bpms, a la vez se dejan de florituras y se comienza a vislumbrar quién lleva la voz cantante en cada tema. Podemos apreciar como todo comienza un poco caótico y, poco a poco, todo comienza a adquirir sentido. Se va perdiendo la euforia inicial y el poso hace su función, para volver al groove controlado y bailongo.

Por el momento la cosa va bien. Quizás no quieren gastar sus mejores cartuchos ahora, pero aún así son mejores que el conjunto de la media.

ORBE Beyond our Ability Axis Shop

PUSHMANN

Nuestro amigo Fernando Sanz, más conocido como Orbe, es el tercer español (primero fue Tadeo, después 30Drop) en llamar la atención de Jeff Mills y publicar su trabajo en The Escape Velocity, la última idea de Mills que recoge el trabajo de artistas que le gustan y aunarlos en un mismo proyecto. Escuchando este largo de Orbe, podemos comprobar de sobra el nivel que este señor está desarrollando. Música de calidad y con un toque Sci-Fi muy sobresaliente. A lo largo de trece temas podemos presenciar cuál es la forma en la que Orbe presenta sus ideas, que continúan lo expuesto en su último álbum.

Ciertamente es un disco que no te puedes perder, pero también es cierto que necesitamos escuchar un nuevo salto y pronto.

01. VIL & Temudo ‘Leading’ [FAUT SECTION] 02. Jeroen Search ‘Oscuros’ [OOM] 03. Pushmann ‘The Evidence (Jeroen Search Remix)’ [MATTERWAVE] 04. Michael Klein & Gene Richards Jr ‘Lockjaw (Pushmann Remix)’ [BLK DRP] 05. Linear System ‘Extensive Research’ [Unreleased] 06. Uncertain ‘System (Pushmann Remix)’ [UNCAGE] 07. Jeff Mills ‘The Clairvoyant LP’ [AXIS] 08. M.R.E.U.X ‘Dark Mind (Ben Sims Remix)’ [BIUMOOG MUSIC] 09. Pushmann ‘The Roots (Head Front Panel Remix)’ [MATTERWAVE] 10. Echelon ‘The Five Eyes LP’ [AXIS]

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C R Í T I C A S

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T E C H

Autor: EKAI / ekai@djmag.es

JAY HAZE & M.A.L.A. CNTXTS1024

Contexterrior Jay Haze, también conocido como Fuckpony, vuelve a su label con un original trabajo junto a su amigo Mauricio Ramirez a.k.a M.A.L.A., artista latino que ha enfocado su trabajo como artista visual. Al escuchar el EP, vemos como el artista, apoyado por grandes nombres como Villalobos o Tale Of Us, está intentando redefinir el sonido house desde que hiciera su aparición a mediados del año 2000. En esta ocasión son 5 cortes a los que ha decidido catalogar como Version, donde el combo formado por Jay Haze & M.A.L.A. exploran diversos patrones rítmicos que van más allá del simple 4x4. Podríamos decir que en este trabajo las percusiones son las autenticas protagonista y apenas hacen falta otro tipo de elementos.

RICH NXT FT. SHYAM P Other Side Remixed (incl. Guti & Rossi. Remixes)

GERMÁN BRIGANTE Sintetic Love Manitox

FUSE

German Brigante nos entrega un potente EP de cuatro pistas donde el malagueño sigue retándose a si mismo. El resultado de esto, para deleite de sus seguidores, es que, además de seguir siendo 100% fiel a su estilo, va cada vez más allá, explorando géneros, técnicas y sonidos que lo colocan como nombre propio entre los artistas nacionales más originales. En este nuevo trabajo titulado ‘Sintetic Love’, Germán nos guía a través de un viaje introspectivo en el que los sonidos electro y las cajas de ritmo sintéticas como la TR-808 son quienes llevan la voz cantante y parte del peso rítmico de los cortes. En el EP podemos encontrar tracks como ‘Take My Hands’, que nos pueden servir como último corte para cerrar una noche mágica.

Siguiendo la estela de lo que fue el álbum de Rich NxT, los chicos de FUSE, el sello londinense gurú de modas y de marcado estilo, nos ofrece un par de revisiones a ‘Other Side’. El track a remezclar fue uno de los singles que conformaron un LP donde el artista inglés contó con buenas colaboraciones, como la de Shyam P a las vocales. De los versos de Shyam P se sirve el primer invitado, el argentino Guti, para conformar su remix. Con la magia que caracterizaba al 14 blanco, este otro Guti logra encontrar un sampleo genial para formar un groove hipnótico. Por otra parte, el remix de Rossi., aunque contiene elementos que le dan un ritmo increíble, poco o nada tiene que ver con la canción original.

THALO SANTANA Home Again 02

DANIEL VAN DER ZWAAG Arwin/Orland/Jupiter

Home Again

Loot

MIROLOJA

Me enviaron la promo de lo que será la segunda referencia de Home Again hace unos cuantos meses. Como el día de salida se va acercando he querido traeros lo que para mí es un trabajo muy completo, de los que me gusta tener en la maleta y al que como DJ puedes recurrir en infinidad de plazas. Para comenzar, el disco firmado por Thalo Santana es atrevido en el uso de ritmos, pero a su vez, es clásico a la hora de elegir paleta sonora. Lo que si que agradezco es que el uso de elementos que pueden ser obvios como el chord tipo rave, es sometido a un tratamiento de filtrado y saturación con el que logra imprimir un nuevo carácter.

Daniel van der Zwaag es un productor que no tenía el placer de conocer (pero del que estoy seguro que Koeman tiene informes positivos), es el encargado de cerrar las reseñas de este mes de abril. Sus tres cortes editados por el sello Loot son, cada uno, un single melódico en sí, que bien podrían haberse editado por separado. Cada pieza nos ofrece un camino diferente que el productor recorre con buen gusto, dejando una agradable sensación cada vez que resuelve los momentos de clímax. Quizás abusa de repetir estructuras ya que viendo el potencial que tiene como productor, no debería abusar de formulas vistas y repetidas.

01. Camelia ‘Shake’ [Vivus Records] 02. Rhadow ‘Beneath’ [Circa Groove] 03. Modebakú ‘Lizard’ [Unic Records] 04. Montei ‘Lontyon’ [Hibit] 05. Silat Beksi & Florian Meffert ‘Secret-Do’ [Third Stream] 06. Constratti ‘Nuante De Rosu (Techu Remix)’ [Storytellers] 07. Mihai Pol ‘Tales At Night’ [Curtea Veche] 08. Barut ‘Cuantiz’ [More Than Music] 09. Dorothy’s Dream ‘The Blue Bus’ [Botanic Minds] 10. Janeret & Miroloja ‘Bridge Of Spirit’ [Joule]

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C R Í T I C A S

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T R A N C E

Autor: LEIRE ZULOAGA / leire@djmag.es

PARAFRAME & LOOLACOMA Dismay Remix

Black Hole Recordings Nuestro maestro noir musical por excelencia vuelca al club con esta remezcla para su tema ‘Dismay’.

Los cortes vocales en bucle y las curvas de tono (ominosamente deformadas) acompañan a bajos intransigentes y ritmos jackin’, que conspiran en esta remezcla para iluminar los rincones más oscuros del club, otorgándole la primera posición de este mes en nuestro chart. Escuchad también la pieza original que, aunque no ha sido creada para club, estamos seguros que endulzara sobremanera los oídos de nuestros lectores.

COSMIC GATE Blame

JOHN 00 FLEMING Chapter I: The Explorer

WYM Records

JOOF Recordings

Ha pasado tiempo desde que escuchamos algo de John 00 Fleming y es que durante estos últimos años, John ha estado ocupado re-escribiendo nuevos sonidos y texturas, tomándose en ellas el tiempo necesario para empujar sus nuevos límites. Como siempre, empujándose a sí mismo musicalmente hacia el futuro. Está claro que a lo largo de este 2021 veremos las recompensas de todo este arduo trabajo que empieza con el magnífico, hipnótico y profundo ‘The Explorer’.

El dúo de estrellas cósmicas está de vuelta con la presentación de su nuevo trabajo, ‘Blame’, junto a la holandesa Diana Miró. Este track, de corte más deep y vanguardista, encabeza su nuevo álbum ‘MOSAIIK’, trayendo bajo el brazo la firme promesa de otro hit que sacudirá el cielo de las estrellas trance… Y no es para menos, dada la alta calidad de este primer sencillo que fue presentado hace pocos días por los alemanes. ¡Muy recomendado!

BINARY FINARY 1998 (Jose De Mara Remix)

CRI Juvenile

Armind

Anjunabeats

JOSE DE MARA

Si bien el track original saltó a la fama tras ser elegido por Armin para su set en vivo de Tomorrowland NYE durante el pasado año, esta remezcla de ‘1998’ de Binary Finary es donde pasado y futuro musical se dan la mano. Un gran golpe sonoro encabezado por la icónica melodía, todo ello sobre un sólido lecho de roca, diseñado por el experto DJ y productor madrileño José De Mara. Todo esto lleva a este remix hacia nuevos límites sonoros, donde estamos seguros que hará las delicias de nuestros lectores.

Atentos a este paquete, ¡porque trae más de una golosina! Y es que nuestros amigos de Anjunabeats han puesto el listón bien alto con esta serie de trece remezclas para temas del nuevo prodigio musical CRI, con remixes que oscilan del orquestal al progresivo de diseño, pasando por otros ritmos de I+D con altas reminiscencias de los denominados sonidos UK. Una pasada, ¡os gustará seguro! Destacamos, entre todas, la versión a piano de Jean Michel Blais de ‘Signal’; o la remezcla del propio CRI de su tema ‘From Me’, junto a Bernache… ¡Chuladas máximas para cerrar este mes!

1. Kryder & Mark Roma Ft. Richard Judge ‘Pleasure Or Pain’ [Black Hole] 2. Marcus Santoro & Isabelle Stern ‘It’s Not About You (Byor Remix)’ [Enhanced] 3. Alesso & Armin Van Buuren Ft. Max Wolfgang ‘Leave A Little Love (Armin Van Buuren Club Mix)’ [Armada] 4. Lushington ‘You Got Me Baby (Cat Dealers Remix)’ [Armada Music] 5. Solr ‘ Erase You’ [Protocol] 6. Dassent Matter Ft. Jinadu ‘The Break Of Day (Jose De Mara Remix)’ [Arcadia] 7. Choujaa ‘Deep Inside You’ [Sosumi] 8. Shouse ‘Love Tonight (Vintage Culture & Kiko Franco Remix)’ [Hell Beach] 9. Cristoph X Franky Wha X Artche ‘The World You See’ [Pryda Presents] 10. Going Deeper & Danny Dearden ‘Weight Of The World’ [Enhanced]

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C R Í T I C A S

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H O U S E

Autor: JOY LAVOE / jonathan@djmag.es

BOSQ FT. PAT KALLA Mouna Power

Bacalao Records No es necesario perder un solo segundo en presentar al menda. Y como es de imaginar tampoco en dudar de la calidad de sus publicaciones. Otra vez, nos propone clase, con sus clásicas influencias afro-latinas. En este caso se decanta claramente por el lado afro, visto el perfil de su colaborador en vocales, proveniente de la diáspora camerunesa. Ya podéis oler el ritmo y sentir el calor que aportan estos dos tracks.

THE OWL Concrete Funk

RETROMIGRATION Metro Blonde

Cardiology

Ravanelli Disco Club

Una mezcla de revisiones suavemente reforzadas y reediciones directas de temas asesinos de funk, soul, disco y boogie. Es cualquier cosa menos aburrida. Un total de 12 cortes esparcidos por dos losas de cera, es una colección que contiene un buen numero de ediciones de calidad.

El artista afincado en Ámsterdam, Retromigration, hace su debut para Ravanelli Disco Club, un sello que es sinónimo inequívoco de bastante buena mierda, con un EP brillante que propone deep house en el menú desde el primer plato hasta el último.

No penséis en linealidad, hay para todos los gustos. Sí, son buenos.

TERRY TESTER Breeze Unlimited

MARCEL VOGEL Hot Chip

Boogie Café

Lumberjacks In Hell

Después de un 2020 fuerte en el que el sello lanzó EP comos los de Piers Kirwan, Cyclonix, Lay-Far y un colectivo de talentosos artistas con sede en la ciudad italiana de Bolonia, han optado, muy acertadamente, por comenzar el 2021 con un primer lanzamiento Terry Tester. Belleza, breaks, house. Cremita.

Aquí el más raro de los lanzamientos de esta pagina. Un track muy cercano a su estilo, house de revoluciones pausadas y con mucho sentimiento. Otro de ritmos más ajetreados, con voces que…paso palabra. Aunque seguro les gustará a los amantes de Ibiza. Un tercero que es para escuchar. Ningún sentido entre los tres tracks, pero alguno salvas.

MARCELO TAVARES

01. Vick Lavender ‘Third Planet From The Sun’ [Ocha] 02. Alton Miller ‘Where Did We Go Wrong’ [Noble Square] 03. D:fferent Place ‘D:fferent Place 004’ [D:fferent Place] 04. Harrison Bdp ‘Invisible In The Dark’ [Lost Palms] 05. Clay ‘Shapes’ [Banana Hill] 06. Bakked ‘Polar’ [Outban] 07. Rare Tone & Astre ‘Don’t Look’ [Relikt] 08. Killabeatmaker ‘Matelia Suto’ [Galletas Calientes] 09. Casey Tucker ‘Deep Soul Calm’ [Fourier Transform] 10. VVAA ‘Etiket 002’ [Etiket]

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C R Í T I C A S

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T R O P I C A N A

Autor: SALVATORE MALDERA Y MAURICE AYMARD / elpalmas@djmag.Es

VVAA Silk Road: Journey of the Armenian Diaspora (1971-1982) Curated by Darone Sassounian

Terrestrial Funk A pesar de las heridas, la generación descendiente de los que sufrieron el Genocidio Armenio, seguía haciendo constar la voluntad imperturbable de negarse al arrasamiento de su pueblo, independientemente de donde se encontrasen ahora, sus músicos, soltaban las riendas de su creatividad, reinventando la música occidental de la década de los 70 desde su propia perspectiva y apabullante calidad. Disco, funk, soul, rock son parte del invaluable legado que Darone Sassounian, curador de esta joya, ha logrado recuperar después de una labor a la que dedicó 3 años, con todos los obstáculos que investigar la música de la diáspora supone.

Un disco urgente, que ha salido en medio de una nueva guerra que vuelve a amenazarlos con la misma retórica de hace casi un siglo. SALVATORE MALDERA

VVAA “Panter” - Montparnasse Musique

VVAA Outer Spacea

Real World X

Rocafort Records

Si tenéis ganas de una sesión de groove intenso de otra galaxia, de exploraciones de color y sonoridad audaces, definitivamente el nuevo trabajo de Outer Space es nuestra recomendación de este mes. La banda barcelonesa presenta dos temas en un single de 7 pulgadas que ponen a vibrar en cuanto la aguja comienza a recorrer el surco. El primer tema “Not Even Light” un hipnótico recorrido reminiscente al ethio-jazz apuntalado con la fuerza de la banda y la energía de Jesús Campos en la percusión. “Dead Planet” continúa el viaje taciturno, nocturno, fantástico montados sobre una desgarrada sección de metales que nos deja sin aliento a ratos y la participación de la calidez y delicadeza de Gemma Humet en la voz. SALVATORE MALDERA

Un debut por todo lo alto el de Montparnasse Musique con “Panter”, desbordante de energía y congotrónica de la mano de los productores Nadjib Ben Bella y la promesa del circuito dance sudafricano Dj Aero Manyelo. Este tema tiene más chicha para que gocéis explorando ya que han colaboran con el colectivo radicado en Congo, los Kasai Allastars y servirá para el lanzamiento del nuevo sello “Real World X” filial del sello de Peter Gabriel, una plataforma de colaboración entre innocadores musicales para respoder sin dilación a nuevos tesoros musicales. “Panter” le toma el latido de alguna manera al presente de Johannesburg para inyectarnos de gqom, kwaito, techno y afrohouse, con samples acústicos propios del sabor tradicional del continente.

SALVATORE MALDERA

VVAA Candeleros

VVAA La Leche - 45

Tierra Candela

LP’s Ccs

CARIBOMBO

Tres venezolanos y tres colombianos conforman Candeleros, banda tropical residenciada en la capital española. Aunque el disco salió ya en 2016, en esta columna me gustaría hablar de cosas del presente tanto como de un pasado cercano. Fiesta, psicodelia y mucho trópico es la insignia de esta agrupación que, como queda demostrado, la tiene muy clara, van a por todas y este año esperan publicar material nuevo. El EP o mini album tiene 7 temas, de los cuales destacaré el “El Boleta” y “Cha Cha Chá” como son mis favoritos; uno te lleva a bailar y a sudar y el otro te transporta a una playa del Caribe. MAURICE AYMARD

Dj Maiz, mítico “hiphopero” de la escena venezolana de los noventa, ha decidido lanzarse a la palestra con LPs Ccs, un nuevo sello disquero donde va a publicar en formato de plástico a todas las bandas de los noventas venezolanos, con lo que mucho punk y rock es lo que nos espera. El primer lanzamiento corresponde a la banda La Leche, su álbum 45, publicado originalmente en formato CD y que finalmente ve la luz en formato doce pulgadas. A los rockeros nostálgicos de la época y amantes del punk-rock latinoamericano y, por supuesto, a todos los amantes del formato, corred, ya que la edición consta solo de 200 copias. MAURICE AYMARD

01. Arrested Development ‘3 years 5 months & 2 days in the life of’ [Universal] 02. Pearl Jam ‘No Code’ [Virgin] 03. Serge Gainsbourg ‘Historie de Melody Nelson’ [Mercury Records] 04. Everything But The Girl ‘Walking Wounded’ [Virgin] 05. Bibio ‘Ambivalence Avenue’ [Warp] 06. Rage Against The Machine ‘Evil Empire’ [Sony] 07. Los Corraleros de Majagual ‘Alegre Majagual’ [Discos Fuente] 08. Cafe Tacvba ‘Avalancha de Éxitos’ [Warner Music México] 09. Master at Work ‘Nuyorican Soul’ [Giant Step Records] 10. Los amigos invisibles ‘The New Sound of the Venezuelan Gozadera’ [Luaka Bop]

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D A N C E - E D M

Autor: WILLY ALCOCER / willy@djmag.es

ANDREW PERET Meeting

Clipper’s Sounds “Muy feliz de volver a formar parte del team A&R de Clipper’s Sounds. Vuelvo a casa (...) muy agradecido y feliz. L@s que me conocéis bien sabéis lo que me gusta el “back-end” de todo esto, la tan complicada pero maravillosa industria de la música”. Lo he “robado” de su perfil – público – de Facebook. Estas palabras dan buena cuenta de hasta qué punto siente la música (y su industria) el productor y DJ barcelonés Andreu Peret. Es normal: lo lleva en su ADN. Pero esa es otra historia, tan bonita y épica que merece ser contada aparte. Pero cuando uno siente así la música, acaba creando algo como ‘Meeting’: contundencia, dinamismo y personalidad. Un híbrido maravilloso entre dance y tech-house de esencia ‘clubbing’ y vocales en español. Calidad suprema.

DANNY VALEN Flashback

KSHMR Armonica Andromeda

Addicting Records

Dharma Worldwide

Daniel Valenzuela nació el 17 de Mayo de 1987 en Madrid. Cuando esta página se publique, faltará un mes para que cumpla 34 años: sirva esto, compañero, como regalo y homenaje. Aprecio mucho en ti: tu energía, tu alegría, tu absoluta pasión por pinchar, tu constancia, tu iniciativa para crear, para abrirTE nuevos caminos. Pero valoro algo por encima de todo. He puesto “TE” en “abrirTE” en mayúscula: todo lo que tienes (tus residencias en Kapital Young y en Groove, tu academia de DJs, tus producciones, tu etapa como Jumper Brother...), absolutamente todo, TE lo has conseguido tú mismo, a fuerza de…trabajo. Y de ser muy bueno. Nadie te ha regalado nunca nada. Lo sé bien.

El disco es maravilloso, Dani, ¡pero tenía que hablar de ti a los lectores!

Atención. Estamos ante el actual nº12 mundial del Top 100 de nuestra revista matriz, DJ Mag UK. No es fácil explicar la dimensión real del personaje, esencialmente, porque lo más importante que el estadounidense de padre indio Niles Hollowell-Dhar (California,1988) ha hecho en su vida profesional, es, curiosamente, lo menos conocido: hablamos del actual productor musical de 50 cent, Snoop Dogg, Enrique Iglesias, Selena Gómez y Pitbull. Sí es de dominio público que el conjunto de las decenas de producciones de KSHMR superan ampliamente los 1000 millones de reproducciones en Spotify, o que acumula varios números 1 en ventas del top global mundial de Beatport. Niles publica esta obra de arte de electro-pop-dance melódico en su sello, Dharma Worldwide.

LES CASTIZOS La Verbena

DJ JOSSI Under The Stars

Arcadia Records

Wikolia Music

DJ CHARLIE

Los malagueños Víctor Roldán y Fali Sotomayor son, ante todo, dos amigos que en 2011 apostaron por teñir de electrónica su querida Málaga nocturna. Y les salió bien. Tan bien, que durante la década siguiente fueron convirtiendo su marca artística como DJs y productores, “Les Castizos”, en una de las más mediáticas de España. Para conseguir algo así, se necesita, primero, trabajo. Y después, trabajo con visibilidad masiva: Arenal Sound, Granada Sound, Dreambeach Villaricos, Privilege... Como resultado de trabajar junto al joven y reconocidísimo productor español MPV, y de contar con la cantante Dragonfly para la parte vocal del tema, Arcadia Records -el gran sello independiente español creado por José de Mara- publica esta auténtica joya latin-house, de marcada esencia dance fiestera. Más bailable, imposible.

Al fin puedo hablar aquí de otro de los pulmones gallegos del dance: José Quintela (Vigo, 1986). “Levantando dolores de cabeza desde los 8 años con un pequeño CASIO PT-10”. Me gusta esta frase, extraída de su biografía. Hablamos de uno de los DJs residentes históricos de la icónica Lesothum (Pontevedra), del eterno colaborador del igual de histórico Italian Style Radio Show de DJ Charlie, y de uno de los artistas con más trayectoria en las cabinas de Galicia: Queen, Palladium, Basic, Chanteclair, Eclipse... Su también prolífica trayectoria discográfica comenzó en 2014. Tras arrasar con ‘One More Time’ vuelve a la carga musical en Wikolia con este progressive-house cantado, de espíritu epic EDM y de impecable factura técnica. Ideal tanto para pistas de baile como para radio.

01. Sash! feat. Shayne Ward ‘Coming home’ [High fashion music] 02. Abel Almena ‘Alive’ [Blanco y Negro music] 03. Purple Disco Machine ‘Hypnotized’ [Defected] 04. VRZ ‘Without you’ [Electronic Future records] 05. Tony Delta y DJ Charlie ‘My Candy girl’ [Enjoy records] 06. Sigala y James Arthur ‘Lasting lover’ [Ministry of Sound] 07. The Weeknd ‘Save your tears’ [Promo] 08. ATB, Topic y A7S ‘Your love – 9pm’ [Virgin] 09. Marsal Ventura ‘Rise’ [Addicting records] 10. Danny Avlia ‘Hometown heroes’ [Hexagon]

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T E C H

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P L A S T I C

Autor: KANEDO

Pioneer DJ DJM-S7 P R E C I S I Ó N

Después de la presentación del mezclador de batalla enfocado a scratch DJM-S11, Pioneer DJ introduce en el mercado el modelo DJM-S7, más económico y con interesantes novedades exclusivas dentro del competitivo sector del Turntablismo.

La unidad es Hardware Unlock device para rekordbox 6 y es totalmente compatible con Serato DJ Pro por lo que puedes actuar con ambos programas sin ningún problema. Además, incluye la licencia Pitch n Time para Serato DJ Pro. CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES •

Conectividad Bluetooth: una de las funciones más llamativas es la entrada de audio via Bluetooth, de manera que es posible reproducir por ejemplo una instrumental sobre la que realizar técnicas de scratch sin ocupar un deck, además de servir también como back-up en caso de

E

I N D I V I D U A L I D A D

que hubiera un problema técnico en los equipos.

•

•

Función Loop MIDI: siendo esta otra característica exclusiva de este mezclador, que permite controlar diferentes funciones del software enviando MIDI. De esta forma podrás disparar Samples, realizar Loops o alterar la tonalidad mediante la palanca de los FX, variando los parámetros con los controles Beat.

Combo Pad: podrás utilizar simultáneamente diferentes modos de Pad en Serato DJ Pro, por ejemplo activando Hot Cues en la fila superior y disparando Samples en la inferior.

De esta manera, se reduce la necesidad de cambiar de modo agilizando mucho más la creatividad en las batallas.

082

•

Scratch Bank: carga más rápido tus muestras de scratch con esta función, directamente reproduciendo en el deck el sample desde el punto que hayas establecido previamente.

•

Hub USB integrado: conecta tus dispositivos externos directamente al mezclador.

En definitiva, este mezclador DJM-S7 presenta una oferta más económica que acerca al usuario medio las características y funciones del modelo superior DJM-S11, renunciando sobre todo a la accesibilidad de la pantalla y a varios Beat FX. Si bien los 500€ de diferencia no supondrán un problema al profesional que decida apostar por la gama alta, será una rebaja más que bienvenida por muchos perfiles de usuario.

Puedes encontrar la versión impresa de DJ Mag ES gratuitamente en:

MADRID •

PALMA 39 C/ de la Palma, 39. 28004

•

EL ALMACEN C/Minas 13, 28004

BARCELONA

GIRONA •

EUMES C/ de Baix, 2, Espai Marfà, 17006

GRANADA •

DISCOS BORA BORA Plaza de la universidad 11. 18001

•

DISCOS PARADISO C/Ferlandina 39. 08001

•

ACADEMIA FONICA C/ Azorín, 10, 18004

•

PLASTIC C/Calabria 95. 08015

•

•

PACHA BARCELONA C/Ramón Trias Fargas. 08005

PROYECTO ESPUMA C/ Albahaca nº4 Edificio Danubio, Local 6, 18006

•

THE BASS VALLEY Passatge Can Polític, 13, 08907 L’Hospitalet de Llobregat

•

BRIDGE_48 C/ de Llull, 48, 08005

•

DISCOS SUBWAX C/ de la Riera Baixa, 10, 08001

ASTURIAS •

THE BASS VALLEY & STUDIO DJ CENTER C/ Jil de Jaz nº3, C.C Galerías Pidal, local 14. 33004. Oviedo

BILBAO •

POWER RECORDS C/Villarías 5, Bajo. 48001

•

ESCUELA BAFFLE DJS Travesia Tivoli 3, 48007

CASTELLÓN •

ENIGMA RECORD C/Prim 10, Bajo. 12003

DONOSTI •

DABADABA Camino de Mundai, 8, 20012

IBIZA •

USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL Playa d’En Bossa 10, 07817

•

CAFÉ MAMBO C/ Vara de Rey, 40

•

METRICA STUDIO C/ de la Murtra, 5, 07817

e ent alm o por Tem cerrad

PONTEVEDRA •

PLAYGROUND STORE C/San Roman 10, Bajo. 36002

SEVILLA •

TOTEMTANZ C/Amor de Dios 66. 41002

VALENC IA •

FOR THE LADIES C/ Gasco Oliag 6 , bajo izq 46010

•

STRAP V. Blasco Ibañez, 33. 46010

ZARAGOZA •

XPRÉSATE/LAS ARMAS Plaza Mariano de Cavia, 2

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