LA PRIMERA REVISTA DE CINE
APUESTAS DE OSCAR
‘LA BALLENA (THE WHALE)’ BRENDAN FRASER, UN REGRESO XXL
‘ALMAS EN PENA DE INISHERIN’ COLIN FARRELL, LA LEYENDA DEL IRLANDÉS INDOMABLE
‘TÁR’
CATE BLANCHETT & TODD FIELD: MÚSICA Y LÁGRIMAS
‘EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA’ RUBEN ÖSTLUND: LA SOCIEDAD ERA ESTO
MULTIPANTALLAS
‘REINA ROJA’ LA ADAPTACIÓN DEL BEST SELLER DE GÓMEZ-JURADO,JUAN EN PRIMICIA
EXCLUSIVA: ‘LOS FABELMAN’
“Estaré conectada a la madre de Spielberg para siempre”
ENTREVISTAS
MARION
COTILLARD
CARLOS SAURA
GLEN POWELL
JULIANNE
MOORE
REPORTAJES
‘ELLAS HABLAN’ ‘MOMIAS’
‘ANT-MAN Y LA AVISPA: QUANTUMANÍA’
28 Rubén Ochandiano, por Lobo feroz
34 Carlos Saura, por Las paredes hablan.
46 Michelle Williams, por Los Fabelman.
52 Brendan Fraser, por La ballena (TheWhale).
56 Cate Blanchett y Todd Field, por TÁR.
60 Colin Farrell, por Almas en pena de Inisherin.
66 Marion Cotillard, por Asuntos familiares y Astérix y Obélix: El Reino Medio.
Se acaban de cumplir 25 años del estreno de Titanic, aniversario que se celebra con el reestreno, el 10 de febrero, de la película en salas en 3D y 4K. En FOTOGRAMAS hemos rendido nuestro propio homenaje al film de James Cameron con un espectacular especial publicado en nuestra web, recordando el diario de rodaje del director o las entrevistas con DiCaprio y Winslet que realizamos en su momento. Además de un vídeo propio con divertidos testimonios, como el de Daniel Monzón, crítico de la época en la revista, sobre esta historia inolvidable.
68 Ruben Östlund, por El triángulo de la tristeza.
71 Valentina Maurel, por Tengo sueños eléctricos.
72 Franck Dubosc, por Rumba terapia.
73 Víctor García, por La niña de la comunión.
76 Paul Urkijo, por Irati.
78 Rebecca Zlotowski, por Los hijos de otros.
79 Glen Powell, por Devotion. Una historia de héroes.
80 Juan Jesús García Galocha, por Momias.
89 Koldo Serra, por Reina Roja (TV).
94 Carlos Montero, Mateo Gil y Carlota Pereda, por Todas las veces que nos enamoramos (TV).
100 Julianne Moore, por Embaucadores.
50 Vidas en clave de cine. Spielberg, Truffaut, Fellini, Allen y sus películas memoria.
64 Reacción de lucha o huida. Ellas hablan.
74 Michelle Pfeiffer, la deseada. AntMan y la Avispa: Quantumanía.
84 9+1 Rebeliones a bordo. Project Wolf Hunting.
MULTIPANTALLAS
89 Series.
100 VOD.
104 DVD.
108 Videojuegos.
109 Leer y Escuchar.
LA BALLENA (THE WHALE). PÁG. 52 Drama. Crítica pág. 22.
CAPITÁN CARVER. PÁG. 87 Thriller.
EL CHICO LEÓN. PÁG. 87 Animación.
DEVOTION. UNA HISTORIA DE HÉROES. PÁG. 79 Drama.
KOMPROMAT: EL EXPEDIENTE RUSO. PÁG. 72 Thriller.
LOBO FEROZ. PÁG. 28 Thriller.
MIKADO. PÁG. 87
Drama.
ORO PURO - RHEINGOLD. PÁG. 86
Drama
TÁR. PÁG. 56
Drama. Crítica pág. 14.
THE OFFERING. PÁG. 86 Terror.
LA VIDA SIN TI. PÁG. 82 Drama.
ALMAS EN PENA DE INISHERIN. PÁG. 60 Comedia dramática. Crítica pág. 14.
LA AMIGA DE MI AMIGA. PÁG. 72 Comedia. Crítica pág. 22.
ASTÉRIX Y OBÉLIX: EL REINO MEDIO. PÁG. 66 Comedia. Crítica pág. 20.
LAS PAREDES HABLAN. PÁG. 34 Documental. Crítica pág. 20.
LLAMAN A LA PUERTA. PÁG. 86 Terror.
LOS HIJOS DE OTROS. PÁG. 78 Drama. Crítica pág. 12.
RABIYE KURNAZCONTRA GEORGE W. BUSH. PÁG. 72 Drama.
TENGO SUEÑOS ELÉCTRICOS. PÁG. 71
Drama. Crítica pág. 16
JOYLAND. PÁG. 82
Drama. Crítica pág. 22.
MI QUERIDO MONSTRUO. PÁG.87 Animación.
LA NIÑA DE LA COMUNIÓN. PÁG.73
Terror. Crítica pág. 16.
EL TRÍO EN MI BEMOL. PÁG. 87
Drama.
EL PILOTO. PÁG. 83
Thriller. Crítica pág. 16.
LOS DEMONIOS DE BARRO. PÁG. 87 Animación.
LOS FABELMAN. PÁG. 46 Drama. Crítica pág. 11.
RETORNO A SEÚL. PÁG. 82
Drama. Crítica pág. 12.
TITANIC 25º ANIVERSARIO. PÁG. 87 Drama.
ANT-MAN Y LA AVISPA: QUANTUMANÍA. PÁG. 75 Fantástica.
ELLAS HABLAN. PÁG. 64 Drama. Crítica pág. 12.
LA NOVIA DE AMÉRICA. PÁG. 32 Comedia.
PROJECT WOLF HUNTING. PÁG. 85 Thriller.
LA SANGRE. PÁG. 87 Drama.
EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA. PÁG. 68 Comedia. Crítica pág. 24.
ASUNTOS FAMILIARES. PÁG.66 Drama.
BILL Y JANET Y OTRAS CRÓNICAS… PÁG. 87 Animación.
EL CAFTÁN AZUL. PÁG. 82 Drama.
EL CIELO NO PUEDE ESPERAR. PÁG. 87 Drama.
DISTURBIOS. PÁG. 87 Drama.
IRATI. PÁG. 76 Fantástica.
KING, MI PEQUEÑO REY. PÁG. 87 Familiar.
MISSING. PÁG. 86 Thriller.
MOMIAS. PÁG. 80 Animación. Crítica pág. 20.
RUMBA TERAPIA. PÁG. 72 Comedia.
SHOOTING POR MIRZA. PÁG. 87 Documental.
TERRIFIER 2. PÁG. 87 Terror.
TILL – EL CRIMEN QUE LO CAMBIÓ TODO. PÁG. 87 Drama.
• Las fechas de estreno, facilitadas por las distribuidoras, pueden ser modificadas por las mismas.
• El listado completo de estrenos puede consultarse en www.fotogramas.es.
Guionista, productor y cocreador de series como Reyes de la Noche, DQDOL]DODÀJXUDGHOVKRZUXQQHU\ qué requisitos se deben cumplir para atribuirse tan preciada etiqueta.
Pág. 7
POL MONEN
Estrena La novia de América y, en ¡Qué película la de aquel rodaje!, recuerda Amar,VXSULPHUSURWDJR QLVWDHQHOFLQHTXHOHYDOLyODQRPL nación a Goya Revelación en 2018.
Pág. 32
La escritora de Las herederas nunca olvidará Secretos del corazón, la primera película que vio en el cine. <FRQÀHVDVXDGPLUDFLyQSRU/HRQRU :DWOLQJ$ULDGQD*LO\Alcarràs.
Pág. 33
Como todos los meses, se suman a la redacción personalidades del cine y la cultura.
ANTONIO NADAL RODÓ Fundador
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ASISTENTE DE DIRECCIÓN Y REDACCIÓN: Antonio Rodríguez (Tel. 91 728 93 12).
EDICIÓN: Sara González Vellón.
Han colaborado en este número: Adonías, Beatriz Almansa, Nuria Azorín, Jordi Batlle Caminal, Rosa Belmonte, Mr. Belvedere, Mariona Borrull, Amaya Capote, Conchi Cascajosa, Fausto Fernández, Desirée de Fez, Cristóbal Garrido, Eulàlia Iglesias, Silvia Mariscal, Beatriz Martínez, Pol Monen, Àlex Montoya, Blai Morell, Mireia Mullor, Isabel Navarro, Álvaro Onieva, Jesús Palacios, Juan Pando, Ricardo Rosado, Sergi Sánchez, Ana Santos, Antonio Trashorras, Pere Vall, Isabel Vázquez, Pablo Vázquez, Conrado Xalabarder, Manu Yáñez. Corresponsales: María Bernal (Los Ángeles), Marc Tió (Nueva York). Fotos: Daniel Escalé, David Herranz, Guillermo Jiménez, Dani Medina, Emilio Pereda, Marino Scandurra, A Contracorriente, Amazon Prime Video, Andergraun Films, Apolo Films, Avalon, BTeam, Compacto, DeAPlaneta, Diamond Films, eOne, Festival Films, Filmax, Filmin, Flins & Pinículas, Getty Images, Golem, Karma, HBO Max, La Aventura, Marvel Studios, Movistar Plus+, Netflix, Paramount, Pirámide, Sherlock, Showtime, Sony Pictures España, Splendor Films, Surtsey, The Walt Disney Studios Company Spain, Tripictures, Universal, Vercine, Vértice, Vértigo, Wanda Visión, Warner Bros Pictures.
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La pugna por el crédito de showrunner se ha convertido en un tema candente en nuestro país. Del por qué y de cuál sería el requisito esencial para poder atribuirse ese apelativo nos habla el veterano guionista.
Por Cristóbal Garrido*.
Cuenta la leyenda que en Estados Unidos los productores ejecutivos se acumulaban de tal manera en la tele que hubo que inventarse un nuevo término para que el equipo diferenciara al auténtico responsable creativo del resto de ejecutivos. Apareció el concepto showrunner. Con el boom de las series y la gran demanda de contenidos, este cargo se convirtió en una figura cotizada y de prestigio. ¿Por qué?
Porque el showrunner no solo opina de casting, vestuario o montaje. El showrunner también es el generador de la historia, el arquitecto de los arcos de temporada, el máximo responsable de los guiones. Porque el showrunner escribe y si el showrunner escribe, el showrunner es –redoble de tambores–guionista. No lo digo yo. Lo dicen todos los sindicatos del primer mundo y, si me apuras, lo dice hasta la Wikipedia. Varias décadas después, la fórmula ha llegado a España y como pasa casi siempre lo hace tarde y regular.
Cuenta la leyenda que en España al guionista se le ocultaba en las notas de prensa porque lo único importante empresarialmente era la productora. A los escritores no podían atarlos a la silla y cuando acababan una temporada podían irse a la competencia, pero la marca de la compañía y sus propietarios permanecían. Eso era lo único que interesaba poner en valor. Ahora la cosa ha cambiado. Parece que los guionistas de televisión tienen cierta relevancia. Pues nada, algunos productores-no-guionistas se están colando en esta fiesta y no se han molestado ni en comprar hielos.
Es cierto que ellos podrán preguntar y con razón: ¿Cómo no voy a ser yo showrunner si la idea de esta serie es mía, he opinado del casting, vestuario, montaje… y supervisado todos los guiones? La respuesta es fácil: si ha necesitado un equipo de guion para que desarrolle su idea y no ha escrito nada, usted no es showrunner ni falta que le hace. Porque es productor ejecutivo o incluso productor con mayúscula. Nadie tiene más poder que usted. ¡Enhorabuena! ¡Como David O. Selznick, los Warner Brothers o Kathleen Kennedy! Pero de la misma manera que no firma como director de
casting o montador, aunque opine de esas materias, no debería autoproclamarse showrunner. Porque si todos los productores que no escriben, pero opinan de casting, montaje o guion lo fueran, Paolo Vasile, que hace todo eso y más, sería la Shonda Rhimes española.
Alguien podría pensar que esto no es más que el enésimo lloriqueo por la visibilidad. Si así fuera, sería perfectamente lícito, pero en realidad discutir por la denominación de showrunners es como el meme de las ratas peleando por un churro. Ese crédito, que en realidad no existe como tal, es importante, pero existe otra guerra aún mayor: el crédito de creado por. La creación implica prestigio, pero sobre todo dinero. Pasta que se hurta a los señores y señoras que realmente crean y escriben la serie. Todos conocemos casos de productores que habiendo tenido una idea peregrina se consideran ‘creadores’. Si realmente lo fueran, no necesitarían guionistas. Porque nadie mejor que ellos para desarrollar esos personajes y ese universo que supuestamente han forjado en su mente. Pero no lo hacen porque no saben. No pueden. No son creadores. Así que grabémonos esto a fuego: las ideas no generan derechos. Las obras los generan. Y si usted, productor-no-guionista lo único que ha escrito son notas de guion… De nuevo, aparte de no ser showrunner, tampoco es creador. Está ejerciendo su labor como productor, que no es poco, y ya cobra por ello. Así que cúrese esta titulitis aguda y sobre todo no abuse de su posición de poder. Porque si vamos a jugar al juego de Hollywood… hagámoslo bien. ◆
“EL SHOWRUNNER NO SOLO OPINA DE CASTING, VESTUARIO O MONTAJE. TAMBIÉN ES EL GENERADOR DE LA HISTORIA, EL MÁXIMO RESPONSABLE DE LOS GUIONES”.
*Cristóbal Garrido es guionista, productor ejecutivo y cocreador, junto a Adolfo Valor, de las series ‘Días mejores’, ‘Reyes de la Noche’ y ‘Cuerpo de élite’, entre otras. Ha sido coordinador de guion de las series ‘Fariña’ y ‘Velvet’.
El auge, caída y resurrección de ídolos ha sido y es un tema recurrente en la historia del cine. Un ir y venir de actores y actrices al que alude nuestra columnista con el recuerdo de algunos casos recientes.
Supongo que lo saben, pero ha vuelto Brendan Fraser. Apareció en el Festival de Toronto y en el de Venecia. Lo hizo gordo, pero menos que en La ballena (The Whale), la película de Darren Aronofsky por la que el público lo aclamaba. Como tantos actores, tuvo éxito, se diluyó y ha vuelto arriba. Ha vuelto, además, a ese listado no oficial de actores que pueden ganar el Oscar. Lo que gusta a la Academia alguien que se transforma físicamente para empeorar… También alguien que renace tras haber sido una estrella con La momia y George de la jungla. De superestrella a ‘¿dónde demonios está Brendan Fraser?’. Eso si nos acordábamos de él.
Y no es La ballena (The Whale) su única película de gran regreso. Está en Brothers, con Glenn Close, y también en Killers of the Flower Moon, de Scorsese, con DiCaprio y Robert De Niro. En 2018 contó que pasó por una depresión después de ser acosado sexualmente por Philip Berk, que fue presidente de la Asociación de la Prensa Extranjera (Berk lo niega; él mismo escribió una historia diferente, que le dio un pellizco en el culo, aunque el actor dice que el dedo fue a parar a su interior). También tuvo lesiones por empeñarse en no ser doblado por especialistas y un divorcio complicado.
En La ballena (The Whale) es un profesor de literatura on-line con obesidad mórbida en una casa diminuta y que trata de relacionarse con su hija, interpretada por Sadie Sink (la pelirroja Max en Stranger Things), lo que me lleva a otra de estrella con bache, precisamente hasta Stranger Things. Winona Ryder. La chica de Bitelchús, Eduardo Manostijeras o La edad de la inocencia. En su caso, las razones fueron otras: su arresto el 12 de diciembre de 2001 en el Saks de Beverly Hills por hurto y posterior condena a tres años de libertad condicional. Siguió en el cine, pero su película más destacable fue Cisne negro (2010), también con Aronofsky y ya la gran vuelta con Stranger Things (2016). Su colega de Bitelchús, Michael Keaton, también
ha tenido altibajos. Bitelchús (1988), Batman (1989), De repente, un extraño (1990), Mucho ruido y pocas nueces (1993) y luego, naderías hasta llegar a Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) (2014). Y luego, Spotlight (2015) o Dopesick: Historia de una adicción (2021).
Otro de este club es Mickey Rourke. Después de convertirse en un sex symbol con enjundia, decidió dedicarse al boxeo (en 1994). Antes había hecho La ley de la calle (1983), Manhattan Sur (1985) o El corazón del ángel (1987). Empezó a volver con Sin City: Ciudad del pecado (2005) y lo hizo del todo con El luchador (2008). Más sonoro fue el declive de John Travolta. Alguien que triunfa con Fiebre del sábado noche (1977) o Grease (1978) y sigue haciendo películas del montón, aunque estuviera en Hairspray (2007). Pero llega Pulp Fiction (1994) y es rehabilitado por Tarantino. Y después, Cara a cara, Primary Colors o La delgada línea roja Hay gente que vuelve, pero de aquella manera. Ahí está Kathleen Turner con su mala experiencia en Friends o la buena en El método Kominsky. Pero prefiere el teatro. A Debra Winger le hizo Rosanna Arquette un documental, Buscando a Debra Winger. Uno muy malo para tan gran tema.
“HAY GENTE QUE VUELVE DE AQUELLA MANERA. COMO KATHLEEN TURNER CON SU MALA EXPERIENCIA EN FRIENDS O LA BUENA EN EL MÉTODO KOMINSKY”.
Cuando estaban en Batman, Jack Nicholson dijo a Michael Keaton que si esa película era un éxito podía tener tres o cuatro fracasos sin problema. Parece que se pueden tener más fracasos antes de volver por la puerta grande. ◆
UNA PELÍCULA, DE RUBEN ÖSTLUND DIRECTOR DE “FUERZA MAYOR” Y “THE SQUARE” DE RUBEN ÖSTLUND DIRECTOR DE “FUERZA MAYOR” Y “THE SQUARE”
El secreto está en el horizonte. Bien lo sabía el John Ford (en un memorable cameo de David Lynch) que aconseja a este entusiasmado aprendiz del oficio que, ahora, después de más de medio siglo, sigue acordándose del encuentro, y rectifica su cámara para que el horizonte sea un depósito de futuro para su álter ego. Porque, en Los Fabelman, para Spielberg el horizonte es algo más que una cuestión de puesta en escena. Es esa fina, voluble línea que separa la verdad y la mentira, las dos caras de ese arte que le (nos) salvó la vida. Lo más hermoso de esta magnífica película confesional, en la que no importa tanto la fidelidad a los hechos reales como la versión que se da de ellos, es el modo en que Spielberg explica su visión del mundo a través
del acto de crear imágenes. Repitiendo, a pequeña escala, el accidente de tren de El mayor espectáculo del mundo descubre que el cine de atracciones es el mejor antídoto para acallar miedos y traumas. Dirigiendo actores en una película bélica amateur descubre que la manipulación de las emociones puede llegar al corazón de la verdad. Montando un film doméstico, en la que tal vez sea la secuencia más bella de Los Fabelman, entiende que, en los abismos que se abren entre fotogramas, puede revelarse lo que los ojos se niegan a ver. Proyectando una beach movie de instituto que ha rodado a matacaballo, se da cuenta de que el cine también es una forma perversa de venganza. Ninguna imagen es inocente, nos dice Spielberg, y es precisamente eso lo que hace del cine un reflejo de la condición humana.
PARA LOS AMANTES DE LOS RELATOS DE INICIACIÓN MONTADOS EN MOVIOLA.
Lo mejor: Spielberg explica su relación con el cine como si la vida le fuera en ello. Lo peor: el personaje de Seth Rogen está muy desdibujado.
Spielberg, aunque sería más adecuado calificarla como la más directamente autobiográfica. Como si E.T. El extraterrestre (1982), A.I., Inteligencia Artificial (2001) o Atrápame si puedes (2002) no fueran películas personales; en fin, como si Spielberg nunca se hubiera imaginado como un niño abandonado en la isla de sus sueños, como si la conflictiva relación con las figuras paternas y maternas nunca hubiera ocupado un lugar central en su filmografía. En su cariñoso, pero implacable, retrato de su ecosistema familiar, sale ganando su madre, una inspirada Michelle Williams, un ama de casa cuyo atolondrado, bipolar entusiasmo, encarcelado en la jaula de oro del sueño americano, entiende la práctica artística como un arte de la fuga, necesario para sobrevivir a las decepciones de lo real. Spielberg tuvo una gran maestra. Sergi Sánchez
Horizontes de grandeza. Los Fabelman pasa por ser la película más personal de
Entrevista con Michelle Williams en pág. 46
ESTRENO: 10 FEBRERO
Women
llas hablan podría ser una obra de teatro –con el interior de un granero como escenario y la palabra como motor del relato–, pero sobre las tablas nos perderíamos la emocionante propuesta visual de Sarah Polley, que adapta la novela de Miriam Toews convirtiendo cada primer plano en una cuestión moral. La directora nos enfrenta a una historia de realidades reconocibles y violencia patriarcal
Retour à Séoul (Fra., Ale., Bél., Cor., Rum, Cam., Qat., 2022, 115 min.). Dir.: Davy Chou. Int.: : Ji-min Park, Oh Kwang-rok, Guka Han, Louis-Do de Lencquesaing. DRAMA.
Estamos ante uno de esos escasos largometrajes que, desde sinopsis, imaginaríamos casi de tirón su trama, su tono y su todo, pero que luego resulta de todo menos predecible, justo lo contrario a lo que el cine digamos ‘común’ (si me apuran, occidental), ya sea de gran industria o indie, poco importa, habría concebido y ejecutado a partir de su premisa.
Objeto extraño donde los haya, la segunda película de Davy Chou, tras la hipnóticamente jugosa Diamond Island (2016), nos recuerda una y otra vez, a medida que transcurren sus (a veces desconcertantes) capítulos que su creador rechaza los clichés, sobre todo fabulatorios y expositivos, pero ocasionalmente también de puesta en escena. Y es que, tanto en forma como en fondo,
PARA IMAGINAR REVOLUCIONES Y REPENSAR EL MUNDO EN CLAVE FEMINISTA.
Lo mejor: las excelentes interpretaciones del reparto femenino.
Lo peor: que los colores apagados le quiten fuerza a la propuesta.
que se mueve entre lo íntimo y lo colectivo, entre lo particular y lo universal: las ocho mujeres protagonistas rompen el silencio sobre los abusos sufridos por los hombres de su comunidad religiosa –durante años han sido drogadas y violadas mientras los agresores culpaban a Satán– y se reúnen para decidir si luchar o marcharse.
Quizás Polley pinte este fresco con tonos apagados, pero su puesta en escena es poderosa y épica: no está mostrando una conversación, sino una revolución. No hay nada más importante que mantener el foco en ellas –los hombres aparecen como fantasmas– y retratar su ira, su sentido del humor, su inteligencia y su esperanza en el futuro. Mireia Mullor Más información en pág. 64
ESTRENO: 17 FEBRERO
Les enfants des autres (Francia, 2022, 103 min.). Dir.: Rebecca Zlotowski. Int.: Virginie Efira,
PARA QUIENES VALOREN LO INESPERADO.
Lo mejor: su admirable cohesión pese a contener sucesivas minipelículas dentro.
Lo peor: ¿heterodoxia implica hermetismo?
Retorno a Seúl no solo es uno de los relatos iniciáticos (la identidad, las raíces… blabliblú) más exitosamente anómalos que se recuerdan, sino también un monolito en honor a la sutileza expresiva en pantalla, y a cómo el cine, pese a las rutinas narrativas predominantes, aún puede ofrecer trayectos mentales imprevistos y destellos emocionales no pautados.
Antonio Trashorras
Más información en pág. 82
ESTRENO: 10 FEBRERO
PARA VER LOS CONFLICTOS DE UNA MUJER CON UNA MIRADA INTELIGENTE Y SENSIBLE.
Lo mejor: Virginie Efira creando un personaje complejo por cotidiano. Lo peor: ciertos momentos del guion algo predecibles.
En su quinta película, Rebecca Zlotowski (Grand Central) habla de cómo son las relaciones a cierta edad, cuando se cargan ya mochilas en forma de hijos, dinámicas creadas o roles aprehendidos, y el amor y el deseo son solo una parte de la ecuación. Pero su gran mérito es abordar algo tan manido como la crisis de los treinta y tantos en una mujer, cuando la alarma del reloj biológico está continuamente sonando, con tremenda inteligencia y sensibilidad. Alejada de clichés y de cualquier atisbo del tono cuasi paródico con el que tantas veces se ha retratado este conflicto desde el discurso patriarcal.
Virginie Efira imprime verdad y naturalidad a cada gesto de esta madre ‘acoplada’. El guion la acompaña también con una serie de tramas secundarias, de las que ella sigue siendo protagonista, que crean entre todas un retrato completo y preciso de su personaje, al que el espectador solo puede querer. Permanecen en la memoria varias escenas, por encima de todas la que coloca cara a cara a Chiara Mastroianni y Efira, la pareja y la ex, y una pide perdón a la otra. Y ella responde como se haría en un mundo post-Shakira: Es él quien me ha hecho daño, no tú. Laura Pérez Ent. con Rebecca Zlotowski en pág. 78
ESTRENO: 3 FEBRERO
The Banshees of Inisherin (EE. UU., Irl., R. U., 2022, 114 min.). Dir.: Martin McDonagh. Int.: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Kerry Condon, Barry Keoghan. COMEDIA DRAMÁTICA.
PARA AMIGOS/NO AMIGOS DEL ALMA Y DE LAS PELÍCULAS CON IRLANDESA SOLERA.
Lo mejor: el mayúsculo recital que ofrecen Farrell y Gleeson. Lo peor: que la riqueza oral de la V.O. se pierda en el doblaje.
En otra isla, la hawaiana pero irlandesa en espíritu de Kauai, dos amigos (irlandeses) del alma lo demostraban a base de peleas homéricas e impetuosas. No puede uno dejar de pensar en aquel par de almas simplonas que eran los Michael Patrick Donovan (John Wayne) y Thomas Aloysius Gilhooley (Lee Marvin) de La taberna del irlandés (1963) viendo en su tragicómica lucha con la vida, la rutina y la amistad al inocentón Pádraic (Colin Farrell) y al rudo y cabezón Colm (Brendan Gleeson) de la última obra de Martin McDonagh, Almas
en pena de Inisherin. Más fordiana (San John Ford) que del humor absurdo y cruel de otro compatriota como Samuel Beckett, el film parece diseccionar, con el abrupto chascarrillo de una mutilación reverencial en la hora feliz de cualquier pub, la idílica Innisfree de El hombre tranquilo con sus mismas armas costumbristas y galería de personajes, y con ella la idea de la amistad que sobrevolaba en la obra del autor de esta. Tan entrañable como bobalicona, fiera y calmada como una tonada regada con ingentes pintas, Almas en pena de Inisherin propone una cruzada de andar por casa (la de recuperar al amigo que, sin razón alguna, ha dejado de serlo) que no deja de ser la eterna de comprender el sentido mismo de nuestras existencias. McDonagh lo hace recurriendo a la comedia, con un dúo de oro a quienes ya tuvo midiéndose contra el tedio en Escondidos en Brujas (2008) y un uso del paisaje que ofrece las réplicas que esta pareja no saben lanzarse, aunque sean como la munición de algo que se empieza a adivinar en la historia.
problemas contemporáneos incómodos y por cómo se aproximaba a sus criaturas, que en la mayor parte de los casos constituían un enigma. Así es también la protagonista de su nueva película después de un largo periodo de silencio. Sylvia Tár es una directora de orquesta que se encuentra en su momento de máximo esplendor cuando comienzan a verterse insinuaciones sobre posibles conductas sexuales ilícitas con sus becarias. Lydia Tár ha llegado a lo más alto dentro de un mundo de hombres, es lesbiana y defensora de su identidad sexual, pero poco más sabremos sobre ella, sobre su pasado, sobre cómo se convirtió en un referente musical, cómo consiguió llegar a ese estatus ni si son ciertas o no las acusaciones que se vierten sobre ella.
Almas en pena de Inisherin termina hablando de la guerra, y de Irlanda, con la calmada gravedad de la novela de Sean O’Casey que diera lugar a El arado y las estrellas (1936), o con la cotidianidad surrealista de los relatos de Frank O’Connor, Martin J. McHugh y Lady Gregory que configuran La salida de la luna (1957), las dos, claro, de ese John Ford que tal vez perdiera su ojo por algún amigo en alguna isla irlandesa. Fausto Fernández Entrevista con Colin Farrell en pág. 60 ESTRENO: 3 FEBRERO
ATodd Field siempre le han gustado las historias cocinadas a fuego lento en las que late un profundo desasosiego. Tanto en su ópera prima, En la habitación, como en su última película hasta el momento, Juegos secretos, encontrábamos presente un constante malestar que las convertía en obras muy escurridizas, por la forma en la que se acercaba a
Sobre ese ejercicio de funambulismo narrativo Todd Field reflexiona sobre el abuso de poder subvirtiendo el tradicional male gaze y situando a la mujer en el centro de un #MeToo. Se habla de forma explícita de la cultura de la cancelación y también de los peligros que supone erigir ídolos que puedan ejercer con impunidad su voluntad. Pero quizás no
PARA AQUELLOS QUE QUIERAN DELEITARSE CON EL PRODIGIO DE INTERPRETACIÓN DE CATE BLANCHETT.
Lo mejor: la conjunción de una actriz y un director en estado de gracia.
Lo peor: necesitamos un Universo Expandido de ‘TÁR’.
es eso lo más importante, sino la forma absolutamente hipnótica y abstracta con la que consigue introducirnos en la típica historia de auge y caída que en sus manos resulta nueva y reveladora, sumergiéndonos en pozos de ambigüedad realmente desconcertantes. Seguramente nada de esto habría sido posible sin tener al frente de la función a una Cate Blanchett. Su presencia es arrolladora, consigue que con cada movimiento fluctúe nuestra simpatía o nuestro rechazo, generando todo un cúmulo de sentimientos contrapuestos que nos llevan del desprecio a la admiración. TÁR se erige así como una obra casi inabarcable, monumental, repleta de abismos y contradicciones, una sinfonía oscura y atonal modulada por una intérprete totémica y apabullante.
Beatriz MartínezMás información en pág. 56
ESTRENO: 27 ENERO
Plane
La nueva película del artesano JeanFrançois Richet tras la estilizada El emperador de París (2018) resulta ser un artefacto para nostálgicos irredentos que prueba que el libro de estilo de Golan y Globus no se ha quedado obsoleto tras los efectos de la COVID. Cine de acción sin zarandajas ni prurito de corrección política, El piloto no tiene tiempo para analizar la situación de un país dividi-
Tengo sueños eléctricos (Costa Rica, Francia, Bélgica, 2022, 102 min.). Dir.: Valentina Maurel. Int.: Reinaldo Amien Gutiérrez, Daniela Marín Navarro, Vivian Rodríguez, Adriana Castro García. DRAMA.
Ya desde su contundente prólogo y a la manera de otras realizadoras latinoamericanas como Dominga Sotomayor o María Alché, la costarricense Valentina Maurel nos sumerge, a través del despertar sexual de una adolescente en medio del turbulento divorcio de sus padres, en un universo familiar rebosante de tensiones pero atravesado por una sensualidad palpable. Tengo sueños eléctricos se suma a otras películas recientes en las que el tránsito a la madurez pasa por la reconsideración de la imagen del padre. Aquí, Eva detectará en ese adorado progenitor una violencia inesperada.
Maurel mantiene el punto de vista en la mirada de esta joven que se introdu-
PARA ‘GOURMETS’ DE LAS ENSALADAS DE TIROS.
Lo mejor: Butler, una bomba de masculinidad tóxica.
Lo peor: el poco caso que se le hace a los pasajeros secundarios.
do ni para desarrollar los perfiles psicológicos de unos personajes enfrentados a una situación límite: lo suyo es el cóctel de testosterona y adrenalina a la manera de viejos chefs como Joseph Zito o Michael Winner. En esas Filipinas donde maestros como Eddie Romero o Jack Hill rodaron sus mejores películas, Richet rememora Fugitivos (S. Kramer, 1958), El vuelo del Fénix (R. Aldrich, 1965) o Fugitivos del desierto (J. L. Thompson, 1958) con un Gerard Butler que se convierte en un digno heredero de la tradición del macho hero, el mismo tipejo que no querríamos como padre o amigo, pero que nos viene de perlas como ‘empotrador’ casual o negociador de rehenes. Pablo Vázquez Más información en pág. 83
ESTRENO: 10 FEBRERO
La niña de la comunión (España, 2022, 120 min.). Dir.: Víctor García. Int.: Carla Campra, Aina Quiñones, Marc Soler, Carlos Oviedo ‘Titus’, Anna Alarcón, Manel Barceló. TERROR.
Hay películas que tienen su mejor virtud en su aparente falta de ambición. Tal es el caso de esta recreación del terror juvenil ochentero con una ambientación, incluidos los temas musicales, excelente. La paradoja es que corre a cargo de alguien como Víctor García, fogueado en Hollywood, en el más puro cine mainstream. Quizá por eso ha aprendido que no pocas veces menos es más.
PARA FANS DEL TERROR OCHENTERO Y DE QUIENES PREFIEREN ESTE GÉNERO EN SU MEDIDA JUSTA.
Lo mejor: unos personajes que resultan auténticos.
Lo peor: que los jóvenes no conecten con la propuesta.
PARA DESCUBRIR UNA JOYA DEL CINE LATINOAMERICANO.
Lo mejor: Amien Gutiérrez y Marín Navarro, premiados en el Festival de Locarno.
Lo peor: esa madre un tanto desdibujada.
ce en un mundo de adultos, el grupo de bohemios amigos del padre, que tienden a confundir libertad con irresponsabilidad. La directora consigue generar una atmósfera que combina un erotismo incipiente con una incomodidad innegable, un escenario de una bienvenida complejidad en el que brilla en todo momento la desenvoltura de Daniela Marín Navarro, cuyo magnetismo electrifica la pantalla. Eulàlia Iglesias
Ent. con Valentina Maurel en pág. 71
ESTRENO: 3 FEBRERO
El director enraíza su trama, una leyenda rural, en un genuino pueblo español. Otro acierto. ¿Cómo no identificarse con las chicas que van haciendo dedo a la discoteca o quedan en una soleada mañana festiva de primera comunión frente a la iglesia? Destaca también la elección de su reparto y la dirección de actores hasta en los menores papeles, como el de Claudia Riera en la escalofriante secuencia que inicia la acción. Lo mejor es que se ofrece la dosis justa de miedo para que sea una opción ideal hasta para quienes le tienen prevención al género de terror. Su final abierto sugiere una posible secuela, con esa enigmática muñeca perdida que se convierte en el hilo conductor de la trama. Juan Pando Fotomatón de Carla Campra en pág. 44 y entrevista con Víctor García en pág. 73 ESTRENO: 10 FEBRERO
GUILLAUME CANET
JONATHAN COHEN JULIE CHEN LEANNA CHEA Y MARION COTILLARD
UNA PELÍCULA DE GUILLAUME CANET
BASADA EN LA OBRA DE RENÉ GOSCINNY Y ALBERT UDERZO
GUION ORIGINAL PHILIPPE MECHELEN Y JULIEN HERVÉ ADAPTACIÓN Y DIÁLOGOS GUILLAUME CANET PHILIPPE MECHELEN Y JULIEN HERVÉ PRODUCIDO POR JÉRÔME SEYDOUX YOHAN BAÏADA ALAIN ATTAL MÚSICA DE -M- CON JOSÉ GARCIA MANU PAYET RAMZY BEDIA BUN-HAY MEAN LINH-DAN PHAM
DERECHOS DE ADAPTACIÓN: LES ÉDITIONS ALBERT RENÉ © 2023 LES ÉDITIONS ALBERT RENÉ / GOSCINNY-UDERZO ASTERIX® OBELIX® IDEFIX®
VINCENT CASSEL GILLES LELLOUCHE ARTEMIS
Más de una hora de contenido adicional, incluyendo dos featurettes exclusivos:
• Regreso a los Siete Reinos: El cast y el equipo reflexionan sobre el legado de Juego de Tronos y su conexión con La Casa del Dragón • Bienvenidos a Poniente con Ryan Condal, Miguel Sapochnik y George R.R. Martin.
Desde el 14 de febrero en dvd, blu-ray™, 4k ultra hd + blu-ray y steelbook 4k ultra hd
Astérix & Obélix: L’Empire du Milieu (Francia, 2023, 111 min.). Dir.: Guillaume Canet. Int.: Guillaume Canet, Gilles Lellouche, Vincent Cassel, Marion Cotillard, Julie Chen, José Garcia. COMEDIA.
Astérix el galo de Goscinny y Uderzo, clásico inmortal de la bande dessinée, juega a reinventarse con gracia y lujosa producción en esta nueva entrega que afina el trazo grueso de las rescatables películas anteriores sin renegar de sus logros. Guillaume Canet la lleva con sabiduría a su terreno y se divierte convirtiendo las aventuras del galo en un festival de amistades truncadas y masculinidades heridas, con un armazón oriental lindante con las comedias a mayor gloria de Jackie Chan o Sammo Hung.
Más allá de su elenco de actorazos que se lo pasan pipa haciendo el indio, la película es pura comedia
PARA NECESITADOS DE PÓCIMA DE LA RISA
PARA DESENTUMECER MEJILLAS.
PARA SEGUIR SUBRAYANDO LO NECESARIO DE LA SUPUESTA INUTILIDAD DEL ARTE.
Lo mejor: Saura investiga, aprende y disfruta frente a la cámara. Lo peor: tenemos que alejarnos para entender el dibujo.
Es fácil entender a Carlos Saura como un cineasta que, después de haber hecho historia en el cine español (y universal), se ha ganado el derecho a dedicarse a indagar en aquello que realmente llame su atención. Por suerte para todos, el aragonés está convirtiendo en documentales estas clases magistrales privadas que, aunque aparentemente específicas de una en una, van formando una inesperada imagen en conjunto. Así, tras analizar como nadie la unión de la música popular con el movimiento y el color en títulos como Flamenco, Flamenco (2010) y Jota, de Saura (2016), ahora toca fijarse en la vertiente más primigenia del arte en Las paredes hablan, una búsqueda de hilos de unión entre las primeras representaciones plásticas artísticas halladas en cuevas y los más refinados grafitis contemporáneos. De algo tan determinado como la historia de la pintura en la pared, nos terminamos preguntando hasta qué punto es imprescindible todo lo que por definición entendemos como prescindible. Ver al maestro Saura hablando con Juan Luis Arsuaga y con artistas como Suso33 y Musa71, desde luego, lo es.
Ricardo Rosado
Entrevista con Carlos Saura en pág. 34
ESTRENO: 3 FEBRERO
Momias (España, 2023, 88 min.). Dir.: Juan Jesús García Galocha. Int. (voces): Ana Esther Alborg, Óscar Barberán, Jaume
Aunque se habla menos de ello, nuestras producciones de animación forman parte también de esa cosecha magnífica y variada de cine español que, en formato de largo y cortometraje, gana premios y reconocimientos internacionales. Momias, cuya acción te atrapa desde sus primeros minutos como cualquier película de acción real, es una buena muestra de ello. Personajes con carne, que apelan a
francesa clásica y el hecho de no basarse en ningún cómic original da libertad a sus autores para mostrar su travieso imaginario como metáfora de una Francia dividida por la raza, la clase y el género, no tan alejada de La fractura (Corsini, 2021) o del cine de Philippe de Chauveron, aunque se revele, finalmente, más cercana a la amabilidad festiva de este último.
Lo mejor: Vincent Cassel como César y el gag de ‘Dirty Dancing’. Lo peor: desaprovecha un tanto a la Cleopatra de Marion Cotillard.
Pablo VázquezEntrevista con Marion Cotillard en pág. 66
ESTRENO: 3 FEBRERO
las emociones de los espectadores según sus edades, encuadres, movimientos de cámara y dirección artística dignos de cualquier film de aventuras, y algo esencial, un guion muy ingenioso (memorable la escapada de compras de las momias a los grandes almacenes inspirados en los Harrods londinenses), con guiños para grandes y peques, de Jordi Gasull y Javier López Barreira, vinculados a las dos primeras entregas de la saga
Lo mejor: un ritmo trepidante que no decae hasta el final.
Lo peor: el hábito nefasto de la escena poscréditos.
Tadeo Jones Pesa un poco que la fórmula elegida sea demasiado mimética del modelo musical con sello Hollywood. Un acierto es, por otra parte, que se haya utilizado a dobladores profesionales para los personajes y no a estrellas con voces en ocasiones tan reconocibles que tienden a sacarte de la ficción. Juan Pando Ent. con Juan Jesús García Galocha en pág. 80
ESTRENO: 24 FEBRERO
FlixOlé reivindica la carrera de Antonio Resines repasando los mejores títulos de su filmografía, en la que no puede faltar ‘La buena estrella’, de Ricardo Franco.
En sus inicios, allá por 1980, Antonio Resines nos hizo reír como nadie. Su arte (y su bigote) le llevaron a ser un actor fetiche de la denominada ‘comedia madrileña’, un subgéneroapadrinado por directores como Fernando Trueba y Fernando Colomo, entre otros. A contratiempo, Pares y nones, Dos mejor que uno,Sé infiel y no mires con quién, La línea del cielo y La vida alegre fueron algunos de los títulos que el actor cántabro rodó en esa época.
Su inconfundible vis cómica le abrió las puertas a películas hoy de culto, como Amanece que no es poco, de José Luis Cuerda, al universo de Berlanga en Todos a la cárcel o a encabezar la revolución de los feos en Acción mutante, de Álex de la Iglesia. El cariño del espectador ya se lo había ganado pero, quizá, faltaba el reconocimiento de la crítica: y llegó La buena estrella , de Ricardo Franco. Era 1998 cuando Resines subió a recoger el Goya a la Mejor Interpretación Masculina Protagonista por este drama. Y no solo eso, también obtuvo la medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos y otras tantas nominaciones; entre ellas a los premios Fotogramas de Plata.
Con su papel de Rafael, un carnicero impotente que vive solo hasta que auxilia a Marina (Maribel Verdú), una joven sin techo acosada por su amante, Daniel (Jordi Mollà). Embarazada, la acoge en su casa simulando que son una familia. Cuando su ex reaparece, forman un inquietante trío. La mirada de Resines en esta cinta no se olvida y supuso un antes y un después en su carrera. A partir de ese momento intercaló comedia, drama y thriller
Merece la pena repasar la filmografía de Resines y FlixOlé, la plataforma especializada en cine español, lo hace emitiendo una colección de sus mejores películas. A través de ellas, disfrutaremos de su lado cómico hasta el más serio en La caja 507, de Enrique Urbizu. Sin olvidar La buena estrella.
The Whale (EE. UU., 2022, 117 min.). Dir.: Darren Aronofsky. Int.: Brendan Fraser, Sadie Sink, Samantha Morton, Hong Chau. DRAMA.
Necesito saber que hice algo bien con mi vida, dice Charlie, el protagonista de este angustioso y a la vez grotesco ejercicio de pornografía emocional. Un hombre roto, desnortado y frágil en el centro de un caldo concentrado en el que Darren Aronofsky vuelca sus obsesiones –la autodestrucción, el dolor, la culpa o la redención–, y que se debate entre nuestro deseo de
La amiga de mi amiga (España, 2022, 89 min.).
Dir.: Zaida Carmona. Int.: Zaida Carmona, Rocío Saiz, Alba Cros, Thaïs Cuadreny, Aroa Elvira, Marc Ferrer. COMEDIA.
El eco rohmeriano del título se hace explícito en la propia película: Zaida, la protagonista, admira a Éric Rohmer, cuyas películas degusta en el ciclo que el Zumzeig, la sala de cine alternativo de Barcelona, dedica al cineasta francés. Zaida, recién abandonada por su novia, tiene una amiga íntima que un buen día le presenta a su amante, una directora de cine de la que se enamora locamente. Tenemos pues, en un círculo amplio y agitado de mujeres lesbianas todavía jóvenes, un tejido sentimental y un enredo trufado de relaciones inestables y vacíos emocionales muy próximos a los del autor de El amigo de mi amiga (1987) y El rayo verde (1986).
Es una película de innegable aspecto amateur, ingenua en algunos momentos, pero el aire que respiran
PARA DEVOTOS DE LAS RESURRECCIONES ARTÍSTICAS.
Lo mejor: la escena entre Fraser y Samantha Morton: ojalá toda la película hubiera sido así. Lo peor: que vaya tan escasa de sutileza.
empatizar con él y el empeño de su director y su guionista para impedirlo, boicoteando el gran film que podría haber sido y que por desgracia no es. Con una puesta en escena más espartana que de costumbre en el director de El luchador, la cinta se beneficia de un Fraser muy por encima de la historia, y que no necesita probar que es un excelente actor dramático porque siempre lo ha sido. Ahí están Dioses y monstruos o El americano impasible para recordarlo. Un intérprete que transmite compasión, ternura y calidez, pero también dolor y tristeza, dejando atrás el ostracismo de los últimos años y apuntándose un retorno triunfal con sabor agridulce.
Blai Morell
Entrevista con Brendan Fraser en pág. 52 ESTRENO: 27 ENERO
PARA LOS QUE QUIERAN SUBLEVARSE ANTE CUALQUIER TIPO DE REPRESIÓN SOCIAL.
Lo mejor: el equilibrio entre las tramas y la presencia de Alina Khan. Lo peor: estira en demasía un final en exceso dramático.
PARA INTERESADOS EN UN CINE GENUINAMENTE INDEPENDIENTE Y AUTÓCTONO.
Lo mejor: la sinceridad y el entusiasmo que transpiran sus personajes. Lo peor: está lejos de la pureza formal de su modelo francés.
sus imágenes es agradable y fresco, en la onda de la ya lejana Costa Brava (1995), de Marta BalletbòColl. En su conjunto, ofrece un retrato valioso de nuestro tiempo viajando por una Barcelona real, auténtica (calles, barrios, bares, librerías o el propio Zumzeig), pero más bien ignorada en los mapas oficiales.
Jordi Batlle Caminal
Más información en pág. 72
ESTRENO: 3 FEBRERO
Primera cinta pakistaní proyectada en Cannes –donde se llevó el Premio del Jurado en la sección Una Cierta Mirada, además de la Queer Palm–, Joyland arranca como lo que parece ser un costumbrista retrato familiar centrado en el descubrimiento LGTBIQA+ de Haider, el hermano pequeño del clan Rana: casado pero sin hijos, sin otro trabajo más que el cuidado de los sobrinos, menospreciado por su padre y hermano por vivir del sueldo de su esposa… Pero a medida que la trama avanza, y los desengaños se suceden, se convierte en una dramática radiografía de las frustraciones, la opresión y la asfixia –social e íntima– que sufren todos los personajes, cada uno de ellos bajo un yugo propio: ya sea la transfobia, la homosexualidad oculta o la represión patriarcal. Todo eso se articula mediante un guion en el que prima el detalle sobre lo obvio pero, especialmente, gracias a la puesta en escena que impone Saim Sadiq en la que es su ópera prima: vibrante y tensa, con un inteligente uso del formato 4:3 y la composición y sentido del tiempo o una cambiante paleta de colores que dota al film de una luminosidad singular. Una cinta valiente en la que tienen más peso las texturas y los matices que la trama en sí. Roger Salvans Más información en pág. 82
ESTRENO: 10 FEBRERO
En sintonía con la obra previa de Ruben Öslund (The Square), El triángulo de la tristeza es la mejor manifestación reciente de una tendencia en boga (aunque él la haya practicado siempre): la sátira, afilada y saturada de humor negro, del mundo de los ricos. Esta comedia es infinitamente más inspirada, original y radical que la serie de HBO The White Lotus. Sería esa una razón suficiente para abrazarla, pero hay otras: un primer acto brillante (la escena del ascensor es alta comedia); el descaro con el que Östlund desacraliza el cine de autor (no olvidemos que ha ganado dos Palmas de Oro) con un crescendo escatológico, y una última parte magnífica como estudio/parodia de los realities. Por Desirée de Fez Woody Harrelson.
Triangle of Sadness (Sue., Fra., R. U., Ale., Tur., Gre., EE. UU., Din., Sui., Méx., 2022, 147 min.). Dir.: Ruben Östlund. Int.: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Woody Harrelson, Dolly DeLeon. COMEDIA.
Lo peor: está dividida en tres partes y no todas son igual de buenas.
Aftersun
Decision to Leave
Los Fabelman
Armageddon Time
Mantícora
TÁR
Increíble pero cierto
Almas en pena de Inisherin
Living
As bestas
Holy Spider
Close
Tengo sueños eléctricos
R.M.N.
Babylon
M3gan
La novelista y su película
Suro
Los hijos de otros
Operación Fortune: El gran engaño
El menú Al
El
El
El
Ruben Östlund fortifica la crueldad simplona de El triángulo de la tristeza detrás de boutades que ponen en duda nuestra capacidad misma de juicio. Su protagonista, un modelo woke y burro, seguro que tiene un sentido del humor nulo, ¿verdad? Cuando lo saquen de sus casillas, será el primero en caer de cabeza en las contradicciones. Igual que Östlund, quien se cree de lo más lúcido al ‘descubrir’ la falibilidad humana en un enésimo Señor de las moscas, clamando saber reírse de sí mismo mientras nos interpela como cualquier asno en una discusión de Facebook: ¡Tú también lo harías! Perro ladrador. Por Mariona Borrull Ent. con Ruben Östlund en pág. 68
Lo mejor: bailar al son de ‘Marea (We’ve Lost Dancing)’.
ESTRENO: 17 FEBRERO
Aragón no es solo cuna de grandes genios del cine como Segundo de Chomón, Luis Buñuel o Florián Rey. Sus icónicos paisajes han inspirado a maestros del séptimo arte como el oscense Carlos Saura o Bigas Luna y siguen siendo inspiración para nuevos directores como la más que prometedora Pilar Palomero.
Cultura, gastronomía, ocio... Aragón es una fuente interminable de descubrimientos. Esta tierra poliédrica, cuyo histórico pasado impregna cada centímetro de su territorio, tiene también un futuro brillante, entre otros motivos, gracias al cine. Hablar de esta región es hacerlo de mitos
de la pantalla como Segundo de Chomón, Luis Buñuel, José Luis Borau o Carlos Saura. Aragón celebra y vive el cine, y no porque se cumplan 20 años del estreno de Jamón Jamón, de Bigas Luna; ni porque la ópera prima de Paula Ortiz, De tu ventana a la mía, retratara parte de la imponente región Pirenaica; o porque las ruinas de Belchite fueran retratadas por Terry Gilliam y Guillermo del Toro en Las aventuras del barón Munchausen (1988) o El laberinto del fauno (2006), respectivamente.
EL IMPULSO NECESARIO
Por suerte, además de lo que ya hemos visto en la gran –y pequeña– pantalla, nos queda aún mucho por descubrir. El éxito y el auge no vienen nunca solos y en gran medida pertenecen al Departamento de Vertebración del Territorio, Movilidad y Vivienda, que gestiona, rehabilita y adapta a las necesidades de los rodajes ciertos puntos o vías excepcionales de Aragón. Algunos ejemplos son La Estación Internacional de Canfranc, el túnel de BielsaAragnouet, el Aeropuerto de Teruel
o la extensa red de carreteras... Todos dan buena cuenta de este ambicioso proyecto. En palabras del consejero José Luis Soro: “El objetivo es facilitar las labores de producción, que sea más dinámico y rápido conceder los permisos, trasladar necesidades...”. Esta iniciativa, que facilita los rodajes en la zona, se lleva a cabo de la mano de la Aragón Film Commission. Esta entidad busca que las productoras tengan a la región como una ventana a la que asomarse para contar historias auténticas en paisajes únicos. Para ello, más allá de la enorme labor de rehabilitación de infraestructuras, se han preparado dos convenios de colaboración para así gestionar y tener más actividad a la hora de atender las múltiples peticiones de rodajes y grabaciones. Uno de ellos, con el Aeropuerto de Teruel; el otro, con la AECT Pirineos Pyrénées, una agrupación que potencia y gestiona los recursos del Pirineo Central. Ambos acuerdos garantizarán la optimización de tiempo y recursos de las producciones en la zona.
Como todos los años, convocamos a más de 60 críticos para seleccionar los dos mejores films de 2022: ‘Alcarràs’, el segundo largo de Carla Simón, Oso de Oro en Berlín, y ‘Licorice Pizza’, la vitalista mirada de Paul Thomas Anderson al Los Ángeles de su juventud, han sido las escogidas. Las dos recibirán su correspondiente premio en la próxima gala de los Fotogramas de Plata.
MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA
Con Alcarràs, Carla Simón, como ya hizo en Estiu 1993, volvió a los lugares y vidas que marcaron su infancia para retratar un momento y un lugar que, siendo íntimamente local, se ha revelado universal: el sacrificio –y recompensas– de la tierra, los lazos familiares, la mirada de quien busca su sitio en el mundo… Un título que, desde el
VOTOS
136 Alcarràs, de Carla Simón.
130 As bestas, de Rodrigo Sorogoyen.
109 Pacifiction, de Albert Serra.
100 Mantícora, de Carlos Vermut.
82 Cinco lobitos, de Alauda Ruiz de Azúa.
58 Un año, una noche, de Isaki Lacuesta.
40 Tenéis que venir a verla, de Jonás Trueba; El agua, de Elena López Riera.
31 La consagración de la primavera, de Fernando Franco.
25 La maternal, de Pilar Palomero.
21 Cerdita, de Carlota Pereda.
20 Unicorn Wars, de Alberto Vázquez.
Oso de Oro en Berlín, ha seducido a todos y que, como ocurrió con su ópera prima, ha sido escogida Mejor Película Española según la Crítica. Tras ella, films como la desasosegante As bestas, de Rodrigo Sorogoyen; la fascinante Pacifiction, de Albert Serra, o la inquietante Mantícora, de Carlos Vermut. Frutos de una enorme cosecha de cine.
16 Suro, de Mikel Gurrea.
12 Girasoles silvestres, de Jaime Rosales.
11 Modelo 77, de Alberto Rodríguez.
7 La abuela, de Paco Plaza; Las gentiles, de Santi Amodeo.
6 Eles transportan a morte, de Samuel M. Delgado y Helena
Girón; Voy a pasármelo bien, de David Serrano.
5 El planeta, de Amalia Ulman; Veneciafrenia, de Álex de la Iglesia .
4 Malnazidos, de Alberto de Toro y Javier Ruiz Caldera; Nosotros no nos mataremos con pistolas, de María Ripoll.
Paul Thomas Anderson nos brindó su obra más libre y redonda: Licorice Pizza, una zambullida nostálgica en el valle de San Fernando de los 70. La crítica ha caído rendida ante esta aventura juvenil, fresca y divertida, en la que nos enamoramos de dos personajes –Gary (Cooper Hoffman, hijo de Philip Seymour Hoffman, actor fetiche del cineasta) y Alana (interpretada por Alana Haim, un debut arrollador)– cautivados por el deseo, que no andan por la vida, sino que corren a por ella. Un homenaje a una California que ya no está, un film-memoria y a la vez un coming of age que mezcla realidad y ficción al tiempo que recuerda un cine perdido.
Este 2022 ha sido un gran año. Para el cine español sobre todo, que ha visto cómo se acumulaban en la cartelera poderosas propuestas capaces de combinar riesgo narrativo y atractivo comercial, de hacerse un hueco en festivales de prestigio y acumular parabienes de la crítica, pero también del público. Es el caso de As bestas, un western gallego que curiosamente comparte con Alcarràs esa mirada sobre el campo amenazado por las compañías energéticas. O Pacifiction, que nos demuestra que Albert Serra sigue siendo nuestro enfant terrible favorito, pero que eso no oculta que es un cineasta con un universo propio apasionante. Un año en el que hemos podido disfrutar del mejor cine de autor –Ryûsuke Hamaguchi, Hong Sang-soo por partida doble, Terence Davies, David Cronenberg, James Gray y el rutilante descubrimiento de Charlotte Wells– y también de propuestas con vocación comercial –¡Nop!, Elvis, Belfast, Todo a la vez en todas partes, The Batman…– que los críticos han recogido en los puestos de honor de una lista diversa y para todos los gustos.
VOTOS
106 Licorice Pizza, de Paul Thomas Anderson.
74 Aftersun, de Charlotte Wells.
71 Drive My Car, de Ryûsuke Hamaguchi.
36 La peor persona del mundo, de Joachim Trier; Benediction, de Terence Davies; La novelista y su película, de Hong Sang-soo.
34 Armageddon Time, de James Gray.
33 Argentina, 1985, de Santiago Mitre; Crímenes del futuro, de David Cronenberg.
32 Memoria, de Apichatpong Weerasethakul.
23 ¡Nop!, de Jordan Peele.
21 ¿Qué vemos cuando miramos al cielo?, de Alexandre Koberidze.
19 Vórtex, de Gaspar Noé.
18 Close, de Lukas Dhont.
17 Elvis, de Baz Luhrmann.
16 Belfast, de Kenneth Branagh.
15 El acontecimiento, de Audrey Diwan; Todo a la vez en todas partes, de Daniel Kwan y Daniel Scheinert.
14 Pinocho, de Guillermo del Toro.
11 La isla de Bergman, de Mia Hansen-Løve; Top Gun: Maverick, de Joseph Kosinski.
9 La hija oscura, de Maggie Gyllenhaal; París, Distrito 13, de Jacques Audiard.
8 Diarios de Otsoga, de Maureen Fazendeiro y Miguel Gomes; Red Rocket, de Sean Baker.
7 A tiempo completo, de Eric Gravel; Las ilusiones perdidas, de Xavier Giannoli; Un pequeño mundo, de Laura Wandel; Utama, de Alejandro Loayza Grisi.
6 Black Phone, de Scott Derrickson; Delante de ti, de Hong Sang-soo.
5 Ámsterdam, de David O. Russell; Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades, de Alejandro G. Iñárritu; Diabolik, de Antonio y Marco Manetti; EO, de Jerzy Skolimowski; Moonage Daydream, de Brett Morgen; The Batman, de Matt Reeves; El prodigio, de Sebastián Lelio; Tori y Lokita, de Luc y Jean-Pierre Dardenne.
*Los 61 críticos han votado sus cinco películas, nacionales y extranjeras, en orden de preferencia (de 5 a 1 puntos). En los listados de estas páginas solo aparecen las que han obtenido, como mínimo, 4 puntos.
Debutó a los 17 años y ya era un poco ‘outsider’. Desde entonces, ha interpretado como pocos a personajes oscuros, otro de los cuales defiende en ‘Lobo feroz’. También ha dirigido teatro, se ha reconciliado con el mundo y ha trabajado con los grandes. Por Laura Pérez.
Soy muy friqui, lo veo absolutamente todo, confiesa Rubén Ochandiano (Madrid, 1980). Así que una noche viendo en el cine la película israelí Big Bad Wolves (2013) pensó: ‘Ese personaje podría haberlo hecho yo’. Años después se enteró a través de FOTOGRAMAS de que la productora de Santiago Segura planeaba un remake, y le escribió para contarle aquello. ‘No se me ocurre nadie mejor para hacerlo’, le respondió. Una pandemia después, lo llamaron para ofrecerle este papel de un –presunto– asesino de niñas. Lleva ya unos cuantos roles de psicópata en su currículo. ¿A qué cree que se debe?
Me parecen más interesantes los personajes con estados mentales heridos, al límite o torturados. No he buscado esos papeles, pero han debido de ver algo en mí y es natural. Durante un tiempo, siendo adolescente, estaba muy conflictuado con mi ser, mi sexualidad, con la vida, y al final eso se rezuma. No tiene que ver solo con quien uno es, sino con quien parece ser, con mi cara, mi voz y mi energía. Dice que es el papel más difícil que ha interpretado. Para mí era esencial que el espectador dudara hasta el final de sus propias convicciones. Que en una secuencia creyese firmemente que yo era culpable y en la siguiente, lo contrario. Pero sin hacer trampa, y que en un posible segundo o tercer visionado todas las piezas encajaran, que estuviera todo ahí. Para eso debía tener muy clara la partitura de en qué secuencias jugaba a hacer creer una cosa y en cuáles otra.
Ha trabajado con directores como Almodóvar, Iñárritu, Soderbergh, Campanella, Armendariz, Calparsoro… ¿Quién le ha hecho crecer más como actor? Los que, pese a pedirme un resultado concreto y darme un margen de creación acotado, me han hecho sentir que confiaban en mí y me daban libertad para proponer e inventar. Así que diría que Iñárritu, con quien hice Biutiful; Brad Furman, director de Infiltrado, y David Maler, con quien acabo de rodar la que creo que es la película más bonita que he hecho, Zumeca Comenzó en series como Al salir de clase y Periodistas. ¿Qué ve cuando mira a aquella etapa? Yo no cambiaría mi carrera por la de ningún otro. Llevo 25 años currando sin haber estado nunca instalado en una serie, enfrentándome cada día al examen de un casting, a que te digan ‘sí’ o ‘no’ y sin tener el perfil más fácil del mundo, porque no soy precisamente el más guapo. Estoy muy contento y agradecido de mi camino, porque aun con todo eso he tenido la suerte de trabajar con gente fascinante. ¿Habría podido quedarse instalado en una serie? La única vez que tuve la oportunidad fue en Al salir de clase. Me ofrecían mucha pasta para que me quedara. Pero con 19 años tenía tal seguridad y tal certeza de que iba a trabajar… Luego, a veces, a uno la vida le pasa por encima y tropieza y le da miedo. ¿Cómo ha manejado esas fases de miedo? Con mucha paciencia. He aprovechado para escribir, hacer deporte, estudiar idiomas, viajar si tenía dinero. Y confiando y sobreviviendo. ◆
‘LOBO FEROZ’
Gustavo Hernández
Ibáñez (La casa muda, No dormirás) dirige esta versión del thriller israelí Big Bad Wolves (2013), del que Quentin Tarantino dijo que era lo mejor que había visto aquel año. En él una madre y un policía se toman la justicia por su mano tras el asesinato de una niña. Junto a Rubén Ochandiano están Adriana Ugarte y Javier Gutiérrez. Pasé dos semanas de rodaje en un sótano siendo torturado. Había confinamiento y ni siquiera podíamos salir a cenar después. Decidí que la única manera de soportarlo era no quejarme nunca. Al terminar, María Luisa Gutiérrez y Álvaro Ariza, los productores, me regalaron una sesión de spa. Debes de estar agotado, dijeron. Y lo estaba.
ESTRENO: 27 ENERO
Lobo feroz (España, 2023, 106 min.). THRILLER.
“No cambiaría mi carrera por la de ningún otro. Llevo 25 años currando sin haber estado nunca instalado en una serie, enfrentándome cada día al examen de un casting, a que te digan sí o no”.Rubén Ochandiano en ‘Lobo feroz’.
El (progresivo) incremento en 2022 de un 45 por ciento de asistencia a los cines, respecto a 2021, y un 49 por ciento de la taquilla. Aunque las cifras están aún un 39 por ciento por debajo de la media previa a la pandemia.
La (posible) secuela de La pasión de Cristo que podría estar ya preparando Mel Gibson.
STEVEN SPIELBERG
Con los Globos de Oro a Mejor Director y Mejor Película para Los Fabelman, Steven Spielberg parte como favorito en la carrera por el Oscar. Desde Salvar al Soldado Ryan (1999) no lo ha conseguido como Mejor Director… Y todo apunta a que le toca.
La (gratificante) proeza de que cuatro, más de un 25 por ciento, de los 15 cortometrajes de todos los países que fueron preseleccionados en la shortlist de los Oscar fueran españoles.
El (solidario) estreno el próximo mes de mayo de No Bears, la última película del cineasta iraní Jafar Panahi, en prisión desde julio pasado por manifestarse contra el Gobierno de su país.
El (mediático) revuelo levantado por el nepotismo que impera en Hollywood con los hijos de las estrellas, bautizado en la prensa norteamericana como nepobaby boom.
El (inútil) documental que James Cameron ha hecho para demostrar que Jack (Leonardo DiCaprio) no habría sobrevivido en Titanic aunque hubiera subido a la tabla flotante con Rose (Kate Winslet).
EDURNE AZKARATE
Toda una revelación con su primer papel en el cine junto a Eneko Sagardoy en Irati.
JONATHAN MAJORS
Hace doblete con Devotion. Una historia de héroes y AntMan y la Avispa: Quantumanía.
Los (falsos) rumores, desmentidos por James Gray, de que se estaba filmando un nuevo final para Indiana Jones y el Dial del Destino
GILLES LELLOUCHE
Dramático en Kompromat: El expediente ruso y desatado en Astérix y Obélix: El Reino Medio.
DANIELA MARÍN NAVARRO
La costarricense brilla en su arriesgado debut, Tengo sueños eléctricos.
Las (cinéfilas) charlas de Tarantino y Roger Avary en su pódcast Video Archives, en homenaje a sus tiempos de empleados del videoclub.
La (lamentable) situación de la actriz Valérie Perrin, que subasta el inolvidable vestido rojo que lució en Superman (1978) para poder sufragar el tratamiento del párkinson que padece.
El (esperpéntico) embrollo judicial en el que está el director Michael Bay, acusado de la muerte de una paloma, especie protegida en Italia, durante el rodaje en Roma de 6 en la sombra.
CHARLBI DEAN
El triángulo de la tristeza es el legado póstumo de la actriz y modelo, fallecida a los 32 años.
DANIELLE DEADWYLER
Impresiona en el drama sobre los derechos afroamericanos Till – El crimen que lo cambió todo.
La (curiosa) coincidencia de los proyectos de Juan Antonio Bayona y Rodrigo Sorogoyen para adaptar A sangre y fuego, la obra del periodista Chaves Nogales sobre la Guerra Civil española.
La (triste) revelación realizada por José Manuel Parada de que tenían vetado programar cine en blanco y negro cuando él presentaba el programa de TVE Cine de barrio.
¿Por qué cineastas independientes como Albert Serra, Oliver Laxe o Jonás Trueba tienen más reconocimiento en Francia que en España?
¿Por qué el arrollador paso por las salas de Avatar: El sentido del agua provoca tantas dudas sobre si beneficia o perjudica al futuro de todo tipo de cine en las salas?
¿Por qué hay esas disparidades tan chocantes entre las listas de mejores películas de la historia que publican diferentes revistas de prestigio?
¿Por qué Soria es la provincia española que acumula el mayor porcentaje de entradas vendidas por persona al año (11,3) y el mayor número de salas de cine por cada 100.000 habitantes?
¿Por qué la actriz Jennifer Coolidge desveló el final de su personaje en The White Lotus en su discurso tras ganar el Globo de Oro como Mejor Actriz en miniserie de televisión?
1. ‘Instituto McKinley’ (serie de TV, creador Paul Feig, 1999-2000). 2. ‘Supersalidos’ (Greg Mottola, 2007). 3. ‘Paul’ (Greg Mottola, 2011). 4. ‘Steve Jobs’ (Danny Boyle, 2015). 5. ‘Hija de su padre’ (Lauren Miller Rogen, 2018). 6. ‘Drunk History’ (serie de TV, T6. E1: ‘Are You Afraid of the Drunk?’, Derek Waters, 2019). 7. ‘Zeroville’ (James Franco, 2019). 8. ‘Pam & Tommy’ (miniserie de TV, creador Robert Siegel, 2022).
¿Por qué ha tardado tanto tiempo en llegar la adaptación de la prestación por desempleo para trabajadores de la cultura que se ha aprobado recientemente?
¿Por qué el rodaje de Megalópolis, el ambicioso proyecto de Francis Ford Coppola, se está convirtiendo en un caos de tal calibre que hace peligrar la película?
El barcelonés estrena ‘La novia de América’ y recuerda el intenso rodaje junto a María Pedraza en ‘Amar’, que le valió una nominación al Goya Revelación.
Yo era la tercera opción y por delante de mí estaba Miguel Herrán, que ya tenía un Goya, así que estaba seguro de que no me iban a llamar para el papel y… de repente, a las ocho de la mañana de un lunes me despierta mi representante con la noticia. Con María Pedraza ya había hecho una de las pruebas, pero no nos conocíamos y cuando nos hicimos amigos realmente fue durante la promoción. Al director, Esteban Crespo, lo que más le importaba es que cogiésemos confianza, y la verdad es que hicimos unos ensayos bastante largos y atípicos donde, más que seguir el guion, bailábamos o nos hacíamos reír.
En la primera escena del film, que fue también la primera que rodamos, María le regala un dildo a mi personaje: ¡Toda una desvirgación! Ahora se estila mucho lo del coach de las escenas de intimidad, pero en 2017 nadie había oído hablar de algo así. En la película parece que hay mucho sexo, pero en realidad solo hay cinco escenas (recuerdo que las conté) y no se ve gran cosa. No es Amor de Gaspar Noé. De todos modos, en esos
momentos siempre hay algo de tensión, por eso para hacer sentir segura a la otra persona yo siempre intento poner los límites claritos y explicar muy bien hasta dónde voy a tocar y lo que voy a hacer. A veces me veo algo torpe, pero creo que tanto en María como en mí hay una energía poco domesticada, algo salvaje, de quien no sabe muy bien lo que está haciendo, pero lo hace. María además era lo primero que hacía y estaba un poco verde en cuestiones técnicas, pero me quedé abrumado con su ángel y su presencia. Todo lo que es capaz de hacer estaba ahí en bruto. El rodaje duró seis semanas, en Valencia, y como friki de Harry Potter que soy, me impactó trabajar con Natalia Tena, que hacía de madre de María y fue muy generosa conmigo. Luego estuve en su barco, en Londres, donde vive.La primera vez que vimos la película fue muy raro y muy intenso. Esteban nos invitó a María y a mí a su casa y nos cogimos de la mano y lloramos. Fue un trabajo que nos marcó a los dos. ◆
‘LA NOVIA DE AMÉRICA’ SE ESTRENA EL 17 DE FEBRERO
FRANZ ROGOWSKI (Great Freedom) Y RAÚL ARÉVALO
Envío de: Tomasito Pons (Rupit, Barcelona)
JAVIER GUTIÉRREZ (en Modelo 77) Y SERGIO LEONE
Envío de: Anthony Simon (Bellaterra, Barcelona).
JOHN KRASINSKI Y SEARCHER CLADE (de Mundo Extraño) Envío de: Keanu del Valle (Barcelona).
CARLOS ÁLVAREZ-NÓVOA (Solas) Y GEPPETTO (del Pinocho de Guillermo del Toro ) Envío de: Peter Garfunkel (Hostalric, Girona).
KAREN GRASSLE (La casa de la pradera) Y NAOMI WATTS Envío de: Mike London (Tarragona).
Su primera vez con el cine español. Secretos del corazón (1997).
Tenía nueve años y fui al cine con un amigo y con nuestras madres. Nunca olvidaré la escena en la que dos perros ‘chingan’, como dicen en la cinta, ni la pregunta insistente de mi amigo a su madre: ¿qué es eso de chingar?
¿En qué film español se quedaría a vivir? En Belle Époque (1992), en esa casa mágica y siempre de la mano de Ariadna Gil.
¿Con qué actor o actriz, director/a se iría de cañas? Con Elena Anaya, para contarle que fuimos vecinas y, desde que lo supe, no fui capaz de salir de casa sin pensar que podía encontrármela. Dejé de bajar a hacer la compra sin maquillaje y en pijama.
¿Y con quién querría quedarse encerrada en un ascensor? Con Ester Expósito. A pasar el rato bailando un poco de reguetón, hasta que nos rescaten.
No querría tener sentado al lado en un avión a… Un viaje con Toni Cantó podría acarrear severas turbulencias.
¿En qué película le habría gustado hacer un cameo? En Arrebato (1979), de Iván Zulueta, mi preferida de todos los tiempos.
¿Un amor adolescente mitómano? Leonor Watling, amor que perdura y resiste y que mejora con los años.
¿A qué estrella internacional le gustaría ver trabajando en el cine español? A Kristen Stewart, por su talento y su aura. Las herederas arranca con el suicidio de una anciana, que provoca la reunión de sus cuatro nietas. Imagine que se adapta al cine, ¿a qué actrices ve en esos papeles?
Lo tengo clarísimo. Úrsula Corberó sería Nora; Vicky Luengo, su hermana Olivia; Ivana Baquero, Lis, y Anna Castillo, con peluca pelirroja, Erica.
¿Qué película española cuyo tema sea la familia es su favorita y por qué? Alcarràs, por lo bien que representa las dinámicas familiares y sus claroscuros: cómo se puede hacer daño desde el amor, cómo las tensiones de uno de los miembros se contagian al resto… Y, al mismo tiempo, cómo es un bálsamo y un espacio politizable, la unidad colectiva mínima desde la que enfrentarnos a las violencias del sistema.
¿Qué guion le habría gustado escribir? Loreak (2014), porque lo más difícil es trabajar con la tensión de los silencios. ◆
El estreno de ‘Asuntos familiares’, de Arnaud Desplechin, nos recuerda otros casos en los que cine reflejó la rivalidad entre hermanos.
A. Fredo, el mayor de los Corleone, le confiesa a su hermano Michael, en El Padrino II, que lo odia porque…
1. Se casó con quien fue su novia.
2. No le paga lo suficiente.
3. Quiere que cuide a sus sobrinos.
4. Le tocaba a él ser el padrino.
5. No le deja llevar armas.
B. ¿Qué recuerdo de infancia rememora Richie Cusack cuando se reencuentra con Joey en Una historia de violencia?
1. Trató de asfixiarlo en la cuna.
2. Le copiaba los deberes.
3. Lo acusó en falso de robar.
4. Metía arañas en su cama.
5. Le contagió el sarampión.
C. Entre otras perrerías que le hace Jane Hudson a su hermana Blanche en ¿Qué fue de Baby Jane?, le…
1. Da a comer una rata.
2. Ata a la cama.
3. Roba falsificando su firma.
4. Cocina a su mascota.
5. Esconde las cartas que recibe.
D. ¿Qué secreto oculta la tiránica Ignacia a sus hermanos en El extraño viaje?
1. Ellos fueron niños adoptados.
2. Es una experta bailarina.
3. Tiene un amante joven.
4. Le apasiona el fútbol.
5. Envenenó a su padre.
E. ¿Cómo dirimen sus rivalidades los Duke en Entre pillos anda el juego?
1. En el campo de golf.
2. Preguntando al mayordomo.
3. Con una moneda, a cara y cruz.
4. Frente al tablero de ajedrez.
5. Apuestan un dólar entre ellos.
E. Apuestan un dólar entre ellos.
de xiarloasfi en la cuna. C. Le hace las cinco cosas. D. Tiene un amante joven.
a él ser el padrino.
La escritora, que ha publicado la novela ‘Las herederas’, reconoce su admiración por Leonor Watling, Ariadna Gil, Ester Expósito y… ‘Alcarràs’.
He tenido la suerte de hacer siempre el cine que he querido, incluso durante el franquismo, confiesa a FOTOGRAMAS Carlos Saura (Huesca, 1932). El cine es mi vida, y mi vida la he dedicado al cine. Llevo más de 50 películas y tenía menos de 30 años cuando rodé la primera. Ya no sabría pararme. Con 32 rodó la valiente La caza (1966), que le valió el premio a Mejor Dirección en el Festival de Berlín. En ella planteaba ya los asuntos que poblarían su cine después: la huella de la Guerra Civil en la sociedad española y los efectos de la represión franquista en los individuos. Comenzó entonces una asociación inquebrantable con el productor Elías Querejeta de la que germinaron algunas de las películas más audaces del cine español: Stresses tres-tres (1968), El jardín de las delicias (1970), Ana y los lobos (1973),
La prima Angélica (1974) o Cría cuervos… (1976), entre ellas. Su ambición intelectual lo llevó desde el principio a ensanchar los márgenes del lenguaje audiovisual y a experimentar en el fondo y en la forma. La fusión de presente y pasado y el tratamiento psicoanalítico de deseos y miedos de los personajes han sido una constante. Su juego con lo
abstracto y lo enigmático respondía a un deseo de originalidad creativa, pero también a una necesidad de esquivar la censura. Soy un privilegiado porque trabajo en mi pasión y eso, no es trabajo. Soy fotógrafo, escribo novelas, dibujo, me mantengo muy activo y cuando tengo un proyecto me dedico plenamente a él,
de manera casi obsesiva. Siempre he intentado ser honesto conmigo mismo, y ser muy exigente con la calidad de mis proyectos, cuenta. Saura siente una curiosidad innata por todas las artes pero, entre todas ellas, eligió el cine como vía de expresión. Es el arte total ya que aúna todas las disciplinas que me apasionan y por eso, de manera natural, acabé dedicándome al cine aunque empecé siendo fotógrafo. A los 91 años tiene numerosos proyectos en mente. Trabajo continuamente, no duermo mucho, y cuando no estoy haciendo una cosa hago otra. Lo difícil sería no hacer lo que hago. El problema que tiene la vejez es que a veces el cuerpo te pone impedimentos, y contra eso lucho, porque yo lo que quiero es seguir haciendo esto, que tanto me gusta, todo lo que me quede de vida.
“Hay un grabado de Goya en el que aparece un anciano con un bastón donde pone ‘aún aprendo’. Ese soy yo”.Carlos Saura en Madrid, en 2017.
A punto de recibir el Goya de Honor que reconoce el trabajo de una vida, el cineasta estrena el documental ‘Las paredes hablan’. Un nuevo trabajo que refleja su curiosidad sin límites y una audacia que le ha permitido hacer lo que ha querido en una carrera que ahora repasamos con él. Por L. Pérez.
Su nuevo documental, ‘Las paredes hablan’, aborda el origen de la pintura rupestre y lo conecta con el trabajo de los grafiteros actuales, con voces de primera línea.
Miquel Barceló, Juan Luis Arsuaga y Suso33, entre otros, convergen en esta larga charla sobre el papel del artista en la sociedad y la necesidad de dejar huella. Al principio queríamos mostrar cómo fue el origen del arte, y pronto nos dimos cuenta de que los elementos que llevaban a ese origen estaban también en el arte moderno de los grafiteros, que había muchos elementos en común, y muchas diferencias. El por qué los artistas creamos me ha acompañado a lo largo de toda mi carrera y profundizar en ese tema ha sido un enorme aprendizaje, explica sobre este documental. Saura se ha volcado en los últimos años en este género con Fados
(2007), Zonda: Folclore argentino (2015), Flamenco, Flamenco (2010), continuación de Flamenco (1995) o Renzo Piano: Un arquitecto para Santander (2018). También ha experimentado con el corto de animación en Rosa Rosae. La Guerra Civil (2021) y con el artístico en Goya 3 de mayo (2021), una reinterpretación del famoso cuadro del pintor aragonés. Hay que tener curiosidad por el mundo que nos rodea. Hay un grabado de Goya en el que aparece un anciano con un bastón y pone ‘aún aprendo’. Ese soy yo.
ESTRENO: 3 FEBRERO
Las paredes hablan (Esp., 2022, 75 min.). DOCUMENTAL.
De la mano del productor Emiliano Piedra realizó tres películas de danza protagonizadas por el bailarín Antonio Gades: Bodas de sangre (1981), Carmen (1983) y El amor brujo (1986). Con ellas reinventó los códigos del musical y contribuyó a la divulgación del baile español (nominación al Oscar para Carmen incluida). El cine pone de manifiesto gestos y detalles que a la vista del público de teatro pasan inadvertidos por la distancia, explicaría Gades. Más adelante Saura continuaría experimentando con el híbrido entre baile y cine en Salomé (2002) e Iberia (2005), protagonizadas por Aída Gómez y Sara Baras.
DE LA MANO DE ELÍAS QUEREJETA, Y MÁS TARDE SIN ÉL, HA RETRATADO
José
‘LA PRIMA ANGÉLICA’ (1974)
‘CRÍA CUERVOS…’ (1976)
Un surrealista relato sobre relaciones generacionales, que no era otra cosa que una crítica al tardofranquismo.
‘ELISA, VIDA MÍA’ (1977)
Ambiciosa y compleja narración sobre un padre y una hija (Fernando Rey y Geraldine Chaplin). Tal vez, su obra maestra.
‘DEPRISA, DEPRISA’ (1981)
Su amargo retrato de la generación de la heroína y la vida quinqui le valió el Oso de Oro en Berlín.
√ Lo que más me ha gustado de este último divertimento dirigido por Guy Ritchie es que, como en The Gentlemen: Los señores de la mafia, esté en el fondo hablando de cine y de la industria de cine que tan bien conoce, sea en su Gran Bretaña natal o en Hollywood. Vuelve a satirizar la figura de Harvey Weinstein y su final es un homenaje a La noche americana.
Xosean Lemos (vía e-mail). √ Operación Fortune: El gran engaño bien podría ser el Misión: Imposible de un Guy Ritchie que sigue manejan-
do a la perfección y con creatividad (ese uso del flashback inmediato, casi como un inserto) el tiempo y los mecanismos del cine de acción. Una propuesta muy entretenida dotada de un gran sentido del humor.
Belén Puig (vía Facebook).
√ Más allá de su trama de espionaje en localizaciones exóticas y de su juego de disfraces con el cine como excusa (¿no recuerda a Colegas a la fuerza, de John Badham?), el film de Guy Ritchie es un festival de actuaciones memorables de su equipo habitual, más incorporaciones de lujo como Aubrey Plaza. Paula Albuixech (vía Facebook).
CONTESTA MR. BELVEDERE
Sí a todo lo que los lectores han escrito al consultorio. Déjenme añadir que vuelvo a estar a los pies de Hugh Grant, quien desde Paddington 2 está cada vez más soberbio y desbordante de sentido del humor. Sobre el, eso, divertimento de espías de Guy Ritchie solo añadir mi lagrimita nostálgica al ver lo mucho que se parece a Estambul 65, hit internacional de nuestro Antonio Isasi que lideró Horst Buchholz.
√ Holy Spider (Araña sagrada) es un descenso a los infiernos con forma de thriller de investigación periodística alrededor de un asesino de prostitutas. La dureza de sus imágenes es extrema, pero en ellas vemos un horror que muchas veces no sale en los informativos.
Alba G. Vives (vía e-mail).
√ Ha provocado críticas desde el Gobierno de Irán, lo cual dice mucho de la verdad dura que nunca se esconde, aunque tome las formas de un thriller con asesino en serie, en el mensaje de Holy Spider (Araña sagrada): el desprecio terrorífico hacia la vida de las mujeres, hacia las mujeres mismas en ese país.
Teresa Tarragona (vía e-mail).
√ Utilizando un esquema de cine policíaco, de serie negra, tan apasionante como en títulos tipo Memories of Murder, la película de Ali Abbasi criti-
# Pocos cineastas son capaces en la actualidad de decir tanto con tan poco, con secuencias en apariencia estáticas en las que pasa de todo, sobre todo en aquello que creemos ver, adivinar o sospechar en ellas. En R.M.N. Cristian Mungiu ha vuelto a mirarnos como un entomólogo a unos insectos atrapados en un pequeño terrario, y nos ha descubierto lo que somos.
Tristán Molina (vía Facebook).
# No había visto nada hasta ahora, hasta El suplente, con la firma de Diego Lerman, pero tras haber degustado con interés esta historia de un profesor universitario volviendo a sus modestas y contradictorias raíces sociales y personales para dar clase a un grupo de chicas y chicos de extrarradio, voy a situarlo entre los directores argentinos de los que no voy a perderme otro trabajo.
Juan Carlos Orellana (vía e-mail).
ca ferozmente el integrismo islámico y cualquier fanatismo religioso a la vez que pone el dedo en la llaga sobre la situación de la mujer en Irán.
Koldo Lago (vía e-mail).
CONTESTA MR. BELVEDERE
No sé si hay cierta complacencia en el morbo a la hora de retratar los asesinatos en el film (a ratos me recuerda a los exploits de Ulli Lommel), pero sí que es verdad que su mezcla entre denuncia y thriller con psicópata iluminado funciona igual que en Que Dios nos perdone, de Rodrigo Sorogoyen.
# Tarde o temprano Russell Crowe se tomará con calma sus deseos de ser director y no solo tendrá más cuidado en los guiones que escoge, sino que también logrará un equilibrio entre lo que una película pide a nivel de narración visual y dramática y el mero filmar cada escena sin ningún sentido. Espero que esa vez llegue después de esta aburrida terapia titulada Poker face.
Germán Iriarte (vía e-mail).
# Emily representa todo lo engolado e insustancial de cierto tipo de cine de qualité británico, encorsetado en sus trajes de época y en su estética. En ella es incluso más decepcionante porque su (falseado) biopic de Emily Brontë no solamente ningunea a sus otras hermanas, sino que su en teoría visión feminista ‘moderna’ no es más que una serie de ridículos tics.
Fermín Expósito (vía Facebook).
# Todos los tics, para bien (los sustos están donde tocan y funcionan) y para mal (su guion apunta demasiadas cosas para al final quedarse en casi nada) de las producciones terroríficas de la especialista en el género Blumhouse buscan revalidar éxito comercial con M3GAN. Una muñeca (tamaño real) diabólica que carece de la suficiente malicia y ambigüedad sexual para resultar memorable y que hacen pensar en una especie de remake de La huérfana y Frankenstein
Gemma Robles (vía Facebook).
e-mails a Mr. Belvedere: fotogramas@hearst.es
√ Gratuitamente provocadora, La Piedad es tan vacía como recargada es su puesta en escena. Su supuesta transgresión resulta en realidad tan inofensiva como cualquier instalación artística presuntamente rompedora. Una pompa de jabón. Rosa.
Araceli Ayuso (vía e-mail ).
√ Eduardo Casanova no es que se desnude en su segundo y ambicioso largometraje, es que se arranca la piel ante nuestros ojos para mostrarnos un torturado mundo donde el melodrama operístico de toda la vida se reinventa desde un nuevo cine epidérmico y mutante.
Oswaldo Altuna (vía Facebook).
√ La Piedad es un auto sacramental que abraza lo agnóstico con fe. Fe en una puesta en escena personal y experimental, y en un tipo de narración al margen de lo convencional y abierta a golpearnos con cada
una de sus imágenes.
Eulàlia Xiprès (vía e-mail ).
CONTESTA MR. BELVEDERE
Llevo, desde que vi La Piedad el pasado Sitges, decidiendo si me gusta la película o si la aborrezco. Sentir algo así me parece tan enriquecedor en estos tiempos acomodaticios que eso ya me posiciona a favor de algo, una experiencia, con mucho de aquel Carmelo Bene que los más veteranos recordarán.
14 de febrero, San Valentín. Recuerdo cariñoso para el actor Valentín Tornos y su único protagonista en cine tras una larga carrera: Las correrías del vizconde Arnau (1974).
Una piadosa Ana Polvorosa.
√ Si John Sturges y Sergio Leone pudieron trasladar la esencia minimalista del cine de Akira Kurosawa a los mecanismos del western occidental, Oliver Hermanus lo logra con éxito convirtiendo el vitalista drama trágico que era la japonesa Vivir(Ikiru) en un excelente drama británico digno del primer David Lean.
Suso Aira (vía Facebook).
√ Living sabe ser el Vivir(Ikiru) de Akira Kurosawa con la misma pausada y reflexiva fuerza que el original. Su ambientación en el Londres de
los primeros años 50 acentúa esa gris existencia que el personaje central va a dejar atrás con su muerte y que en el fondo añora y ha desperdiciado.
Nadia de Senillosa (vía e-mail ).
√ La tragedia de un hombre anodino, Living mira al mundo asimismo rutinario de un funcionario a quien diagnostican una enfermedad terminal con una tristeza que acaba siendo sinónimo de dignidad, la del personaje y la del grandioso actor, Bill Nighy, que lo interpreta.
Fátima Irhan (vía e-mail ).
CONTESTA MR. BELVEDERE Igual que en su, lejano, día saludamos la capacidad de Akira Kurosawa de adaptar a clásicos de la literatura rusa –en Vivir (Ikiru), León Tolstói– y hacerlos genuinamente japoneses, hemos de hacer lo mismo con Living, traslación de la obra maestra nipona a una Inglaterra de film de Carol Reed. En cuanto a Bill Nighy nada que no sea aplaudir su gran trabajo como actor. Desde aquí pido un remake de Umberto D con él de protagonista.
14 de febrero, San Valentín. Ganas de ver de nuevo en una película a Valentín Paredes, inolvidable por ejemplo en El pico 2 (1984), de Eloy de la Iglesia.
14 de febrero, San Valentín. Nadie rompió más corazones que él, Rodolfo Valentino, hoy quizás olvidado. Recuperemos, no sé, su mítica y ya más que centenaria Sangre y arena (1922).
14 de febrero, San Valentín. Siempre en il cuore belvederiano la actriz italiana Valentina Cortese y su memorable rol en la truffautiana La noche americana (1973).
Con una de las mejores cosechas del cine español, esta 37ª edición de los premios Goya, la de las directoras y el cambio generacional, será una de las más reñidas. Concurren 165 títulos, 5 más que el año pasado, con ‘As bestas’ (17 nominaciones), ‘Modelo 77’ (16), ‘Alcarràs’ y ‘Cinco lobitos’ (11) como favoritas a los galardones, que se entregan el 11 de febrero en Sevilla. Por Juan Pando.
✓ Por primera vez, hay más mujeres nominadas a Mejor
Película y Mejor Dirección
Novel que hombres
✓ Javier Gutiérrez y Miguel Herrán compiten como Actor Protagonista por la misma película, Modelo 77.
✓ Se ha elevado en esta edición a cinco el número de nominados en todas las categorías, pero en Diseño de Vestuario serán seis, por un empate en las votaciones
✓ Fernando León de Aranoa e Isabel Coixet compiten en la categoría de Documental, con Sintiéndolo mucho y El techo amarillo, respectivamente.
✓ Tres intérpretes no profesionales, Albert Bosch,
Jordi Pujol Dolcet y Anna Otín, todos de Alcarràs, aspiran a ser la Revelación del año.
✓ El ganador cuyas palabras de agradecimiento no sobrepasen un minuto ganará también una invitación para disfrutar un fin de semana en la ciudad de Sevilla.
✓ Es clamoroso el caso de Carla Quílez, una de las grandes interpretaciones de la temporada en La maternal. No puede competir porque la Academia exige ser mayor de 16 años para poder ser nominado.
✓ Álex de la Iglesia es el gran ausente de los premios, a los que optaba como director y guionista de Veneciafrenia y El cuarto pasajero, y como
productor de ambas y de La Piedad, Venus y Jaula.
✓ Se echa en falta también a cineastas independientes como Albert Serra, con Pacifiction (incomprensible que el film no haya logrado ni siquiera la nominación a la Fotografía por secuencias como la de las olas),y Jonás Trueba, con Tenéis que venir a verla.
✓ Los excelentes trabajos de Adelfa Calvo, en el drama En los márgenes, y de Magüi Mira en Venus, merecían nominaciones como Actriz de Reparto,yPaco León, como Protagonista, por No mires a los ojos.
✓ Bunbury y su canción Esperando una señal, de El universo de Óliver, se ha quedado fuera.
GUION ORIGINAL
Alcarràs. As bestas. Cinco lobitos. Mantícora. Modelo 77.
GUION ADAPTADO Cerdita.
Irati. Los renglones torcidos de Dios. No mires a los ojos.
Un año, una noche.
FOTOGRAFÍA Alcarràs.
As bestas. Cinco lobitos. Competencia oficial. Modelo 77.
MONTAJE Alcarràs.
As bestas. Cinco lobitos. Modelo 77.
Un año, una noche.
DIRECCIÓN DE ARTE
Alcarràs. As bestas. La Piedad. Los renglones torcidos de Dios. Modelo 77.
MÚSICA ORIGINAL As bestas. Irati. Las niñas de cristal. Los renglones torcidos de Dios. Modelo 77.
CANCIÓN ORIGINAL En los márgenes. Irati. La vida chipén. Sintiéndolo mucho. Unicorn Wars.
DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
Alcarràs. As bestas. Cerdita. Cinco lobitos. Modelo 77.
DISEÑO DE VESTUARIO
As bestas. Irati. La Piedad. Los renglones torcidos de Dios. Malnazidos. Modelo 77.
MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
As bestas. Cerdita. La Piedad. Los renglones torcidos de Dios. Modelo 77.
SONIDO Alcarràs. As bestas. Cinco lobitos. Modelo 77. Un año, una noche.
EFECTOS ESPECIALES
13 exorcismos. As bestas. Irati. Malnazidos. Modelo 77.
PELÍCULA DOCUMENTAL
✓ Primera nominación de su carrera, por Cinco lobitos, como Actor de Reparto, de Ramón Barea, que protagoniza también el corto nominado La entrega.
✓ El cortometraje Sorda es el primer film en lenguaje de signos y protagonizado por una actriz sorda, Miriam Garlo, que ha sido nominado al Goya.
✓ Hay 259 nominados en total, distribuidos en 28 categorías.
✓ Antonio de la Torre, que presentará la gala con Clara Lago, es el actor que suma más nominaciones, catorce. Ha conseguido el galardón dos veces: por Azuloscurocasinegro, por su papel como Actor de Reparto, y otra por El Reino, como Protagonista.
A las mujeres de España. María Lejárraga. El techo amarillo. Labordeta, un hombre sin más. Oswald. El falsificador. Sintiéndolo mucho.
PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Black is Beltza II: Ainhoa.
Inspector Sun y la maldición de la viuda negra. Los demonios de barro. Tadeo Jones 3. La tabla esmeralda. Unicorn Wars.
CORTO DOCUMENTAL
Dancing with Rosa. La gàbia.
Maldita. A Love Song To Sarajevo. Memoria.
Trazos del alma.
CORTO DE ANIMACIÓN
Amanece la noche más larga. Amarradas.
La Prima Cosa. La primavera siempre vuelve. Loop.
CORTO DE FICCIÓN Arquitectura emocional 1959. Chaval. Cuerdas. La entrega. Sorda.
PELÍCULA IBEROAMERICANA
1976.
Argentina, 1985. La jauría. Noche de fuego. Utama.
PELÍCULA EUROPEA
Belfast.
Fue la mano de Dios. La peor persona del mundo. Las ilusiones perdidas. Un pequeño mundo.
GOYA HONORÍFICO
Carlos Saura.
MEJOR PELÍCULA
ALCARRÀS LA MATERNAL
MEJOR DIRECCIÓNMEJOR DIRECCIÓN NOVEL
CARLOS VERMUT MANTÍCORA RODRIGO SOROGOYEN AS BESTAS
CARLOTA PEREDA CERDITA ALAUDA RUIZ DE AZÚA CINCO LOBITOS
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTAMEJOR ACTRIZ DE REPARTOMEJOR
REVELACIÓN
ANNA CASTILLO GIRASOLES SILVESTRES LAIA COSTA CINCO LOBITOS
MARINA FOÏS AS BESTAS
BÁRBARA LENNIE LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIOS
VICKY LUENGO SURO
MARIE COLOMB AS BESTAS
ÁNGELA CERVANTES LA MATERNAL PENÉLOPE CRUZ EN LOS MÁRGENES
ANNA OTÍN ALCARRÀS
CARMEN MACHI CERDITA
SUSI SÁNCHEZ CINCO LOBITOS
MEJOR ACTOR PROTAGONISTAMEJOR ACTOR DE REPARTOMEJOR ACTOR REVELACIÓN
JAVIER GUTIÉRREZ MODELO 77
MIGUEL HERRÁN MODELO 77
DENIS MÉNOCHET AS BESTAS
DIEGO ANIDO AS BESTAS
RAMÓN BAREA CINCO LOBITOS
JESÚS CARROZA MODELO 77
NACHO SÁNCHEZ MANTÍCORA
LUIS TOSAR EN LOS MÁRGENES
FERNANDO TEJERO MODELO 77
LUIS ZAHERA AS BESTAS
TELMO IRURETA LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA
ALCARRÀS
Sin grúas ni combo, travellings, grupos electrógenos, material técnico complejo e incluso prescindiendo de script, con un reparto íntegro de intérpretes sin experiencia, rueda Manuel Martín Cuenca (Almería, 1964) su séptimo largometraje de ficción, El amor de Andrea Siempre he tratado de hacer un cine lo más desnudo posible, muy poco elaborado. En esta película decidí desprenderme de todo, filmarla como los pioneros, con un trípode, una cámara y luz natural; si hay que seguir a un personaje, que sea con una panorámica en lugar de con un travelling. El director de La hija, El autor, Caníbal y La flaqueza del bolchevique se muestra muy satisfecho con la experiencia cuando charla con FOTOGRAMAS. La guinda la pone la circunstancia de que rueda de modo cronológico y no agrupando las secuencias por localizaciones, como es lo habitual. La cronología ha estado siempre muy presente en todos mis rodajes, pero nunca de un modo tan extremo como en este. Si pudiera trabajaría siempre así porque es lo orgánico, lo que se hacía al inicio del cine, como Chaplin. Procedo del documental y tiendo a utilizar herramientas de ese campo en la ficción. Inconformista y luchadora. El proyecto surgió durante la pandemia, cuando el cineasta recuperó una vieja idea, sobre una niña que busca reconciliarse con su progenitor, que había compartido
con Lola Mayo (El muerto y ser feliz), coguionista habitual de Javier Rebollo, cuando coincidió con ella en el documental Últimos testigos. Se reencontraron en el verano de 2020 para escribir el guion. Andrea (Lupe Mateo Barredo) tiene 15 años, y es, como suele ocurrir con los personajes del director, inconformista, obsesiva, luchadora, y se enfrenta a lo que parece un imposible. Quiere recuperar el amor que añora de su padre (Jesús Ortiz), ausente tras divorciarse de su madre (Irka Lugo), para lo que se embarcará en una aventura con sus hermanos, Fidel (Fidel Sierra) y Tomás (Cayetano Rodríguez Anglada).
La luz de Cádiz. El escenario físico y el clima son elementos de peso en el cine de Martín Cuenca. Esta es una película otoñal, de entretiempo, con mucho exterior, describe. Cádiz, aunque es una ciudad, tiene una naturaleza muy cambiante. En un mismo día puede hacer un sol tremendo, llover y salir de nuevo el sol. Esto forma parte de la sustancia dramática del film. El sol coincide con los momentos más luminosos de la búsqueda del personaje El reparto incluye a un amigo de la protagonista, Abel (Agustín Domínguez); la abogada de la madre (Inés Amueva), y el tutor del instituto (José Manuel Verdulla). Producen La Loma Blanca, La Zona y El amor de Andrea AIE, en coproducción con la mexicana Alebrije Cine y Video. ◆
“EL AMOR DE ANDREA SE RUEDA EN ORDEN CRONOLÓGICO; SOLO CON UNA CÁMARA, UN TRÍPODE Y LUZ NATURAL, COMO LOS PIONEROS, COMO CHAPLIN”.
Martín Cuenca rechaza utilizar la expresión ‘actores naturales’, que se emplea en la industria para los intérpretes no profesionales. Hablo de debutantes porque, para mí, cualquiera que se pone delante de una cámara es un actor, explica. El descubridor de María Valverde, en La flaqueza del bolchevique, había recurrido antes a principiantes, pero nunca a un reparto completo, como en El amor de Andrea. Al ser los protagonistas chicos muy jóvenes, si hubiera contado con un Javier Gutiérrez, Antonio de la Torre o Luis Tosar como padre, la película se convertiría en ellos a partir de que apareciesen en pantalla.
Tras sus recientes incursiones en la comedia, Belén Rueda vuelve con La ermita al terror, el género que tantas satisfacciones le ha deparado, con sendas nominaciones al Goya por El orfanato y Los ojos de Julia. Lo hace de la mano de Carlota Pereda, la directora nominada al Goya a la Dirección Novel por Cerdita. La protagonista de El orfanato interpreta a Carol, una falsa médium atormentada por su pasado. A ella recurre Emma (a cargo de la debutante Maia Zaitegi, de ocho años), que quiere aprender a comunicarse con el espíritu de una niña que lleva siglos atrapada en una ermita. Su intención es probar el contacto para hacer lo mismo con su madre, enferma, cuando esta muera. Lo que Carol no sabe es que la pequeña posee un verdadero don. Hombres pájaro. La trama, con guion de Albert Beltrán Bas, Carmelo Viera y
la propia Pereda, se inspira en los llamados ‘hombres pájaro’, los médicos de la peste del siglo XVII, que se ocultaban bajo inquietantes máscaras y largas túnicas. Esta es una historia de terror, sí, pero sobre todo trata de lo difícil que es ser madre e hija y cómo,
a veces, no llegamos a entendernos hasta que somos adultos, explica su directora. Josean Bengoetxea, Loreto Mauleón, Elena Irureta, Jon Olivares y Nagore Aranburu completan el reparto. Ruedan en el País Vasco y Navarra. Producen Filmax y Bixagu.
Adrián (León Martínez, visto en las series Merlí y Paraíso), es en Llobàs un muchacho mudo que viaja de pueblo en pueblo con su hermano mayor, Ramón (Pol López), y la pareja de este, Tona (María Rodríguez Soto). Allá por donde van se ríen de él y lo insultan. Las noches de luna llena huele la sangre, busca gallineros y se come las gallinas crudas. Llobàs es una recreación contemporánea del mito del hombre lobo, pero no es una película de terror, advierte su director, Pau Calpe (Tros).No pretendemos dar miedo, sino emocionar. Adrián es una metáfora de los diferentes, de los marginados a quienes ignoramos. El cineasta adapta, con guion propio, la novela Lobisón, de Ginés Sánchez. Han rodado en Tarragona y Castellón. Producen Galápagos Media, Dacsa Produccions y TV3.
Jordi Sánchez se sitúa por primera vez tras la cámara, junto a su amigo Pep Antón Gómez, para dirigir la comedia negra Alimañas, con guion escrito por ambos. Los protagonistas son dos hermanos mal avenidos, interpretados por Carlos Areces y él mismo, unidos por la ambición de heredar un edificio propiedad de su anciana madre. Los secundan Loles León, Silvia Abril, Carmina Barrios, Pilar Bergés y Antonio Resines. Sánchez, que es autor en solitario de la obra teatral Krámpack, adaptada al cine por Cesc Gay, lleva más de 25 años escribiendo guiones y obras teatrales, como El eunuco, al alimón con Pep Antón Gómez. Producen Feelgood, Kowalski Films, Sábado Película, Goblin Audiovisual y Alimaliñas Audiovisual en asociación con Sony Pictures Entertainment.
Santiago Segura, que cerró 2022 copando, con Padre no hay más que uno 3 y A todo tren 2, el primer y cuarto puesto, respectivamente, de las películas españolas más taquilleras del año, ha concluido el que se vaticina será su nuevo taquillazo, Vacaciones de verano. De nuevo dirige, tras el descanso que se tomó con el segundo de los films citados, en esta comedia familiar que tiene su estreno previsto para el próximo estío. Trabaja, con guion coescrito con su ya colaboradora habitual, Marta González de Vega, con quien ha creado las populares sagas Padre no hay más que uno y A todo tren, además de Sin rodeos (2018).
Padres divorciados en apuros. En esta comedia lo veremos junto a Leo Harlem como una pareja de padres de nuevo en apuros con sus retoños. Ellos son Óscar y Félix, buenos amigos, que han perdido sus trabajos y se tienen que emplear como animadores infantiles en un hotel de lujo.
Lo malo es que, como están divorciados, les corresponde pasar las vacaciones con sus hijos. No se les ocurre otra solución mejor para compatibilizar sus obligaciones paternas con las laborales que ocultarlos en la zona de empleados del establecimiento hotelero. Ahí comenzarán a surgir los líos. Han rodado siete semanas, en Madrid y en la isla de Tenerife, entre otros lugares. Los chavales, protagonistas. El reparto de los más pequeños lo encabezan Sirena Segura y Javier García, que repiten con él, Hugo Simón, el descubrimiento de A todo tren 2, y la debutante Daniela Pintado. El elenco adulto lo completan Cristina Gallego, Patricia Conde y la propia Marta González de Vega. Produce Bowfinger International Pictures, en coproducción con Chapuzas Audiovisuales AIE, con la participación de Netflix y Atresmedia TV en asociación con Mogambo. Distribuirá Sony Pictures Entertainment Iberia S.L.U.
Javier Gutiérrez se pone en la cinta de terror Estación Rocafort en la piel de Román, un curtido expolicía dispuesto a desentrañar el misterio tras la tenebrosa leyenda urbana que relaciona muertes y fantasmas con la parada barcelonesa de metro de Rocafort. Lo hace porque le ha pedido ayuda Laura (Natalia Azahara), empleada de la compañía que trabaja en esa estación y está asustada ante los fenómenos que empieza a sufrir. A Román lo mueve también otro motivo, alberga sus propios demonios relacionados con el caso. El reparto incluye a Valèria Sorolla. Dirige Luis Prieto (Pusher), que regresa a España tras su experiencia en Estados Unidos, con guion coescrito con Iván Ledesma y Ángel Agudo. Producen Showrunner Films y Nostromo Pictures.
Tras coincidir en la comedia En fuera de juego, el director David Marqués (El club del paro) repite con Rafa Calatayud, como coguionista, y Diego Peretti en Puntos suspensivos, film que suma suspense y humor negro. Peretti es un autor de misterio que recibe la inesperada visita de Jota (Jose Coronado), supuesto periodista, en el aislado chalé en el que escribe su próximo libro. Lo extraño es que nadie conoce su verdadera identidad, publica con pseudónimo, y solo su representante, Victoria (Cecilia Suárez), sabía dónde estaba. Hay un cuarto personaje en el enigma, Adriana (Georgina Amorós), su joven amante. Produce Morena Films. Ruedan en Cáceres.
Esta barcelonesa que graba la segunda temporada de ‘Sagrada Familia’ y a la que veremos en ‘La manzana de oro’, lo último de Jaime Chávarri, protagoniza la cinta de terror ‘La niña de la comunión’, de Víctor García. Por Coral Chamorro.
¿Cuándo fue la primera vez que pensó en ser actriz? Mi hermano, Guillermo, quería ser actor, y yo quería siempre lo mismo que él, así que con tres años ya daba la vara a mis padres con eso. Y ahí estamos los dos. De hecho, lo primero que hicimos fue juntos, una publicidad.
¿Cuándo vio que lo había conseguido? Creo que eso nunca se debe dar por sentado, pero cuando grabé Feria: La luz más oscura volví a enamorarme de la profesión.
¿A quién admiraba de niña? A Tim Burton. Todas sus películas son maravillosas.
¿Y ahora? A Zendaya y a Anya Taylor-Joy.
¿Qué necesita? A mis amigos, los adoro, los considero mi familia. Estaría vacía sin ellos. Tengo los de toda la vida, y de la profesión, a Jorge Motos y Ana Tomeno.
¿Qué le sobra? Indecisión, debería dar menos vueltas a las cosas.
Aprendí mucho de… Mi hermano y de mis amigos. Con Ana Tomeno siento que he crecido mucho.
No me enseñó nada… Una profesora que ni recuerdo la asignatura que nos daba.
Le estresa… Las prisas, la ciudad, el bullicio.
Punto fuerte: Optimismo, he tenido que enfrentarme a momentos duros, encaro bien los conflictos.
Talón de Aquiles: Inseguridad, llevo años trabajándolo en terapia para conocerme más.
Una manía: Muchísimas, los guiones me gusta que estén a una hoja y subrayados en rosa. Y tengo que andar siempre al lado izquierdo de la gente con la que voy.
Lo mejor que me enseñó una pareja: A valorarme y cuidarme, y cuando me dejó, supe que puedo estar sola.
Un horror: La falta de respeto y los comentarios retrógrados. La gente prepotente. Querría haber conocido a: Dos escritores, Hermann Hesse, me fascinó El lobo estepario y del que he leído casi todo, y a Edgar Allan Poe. Hacer escenas eróticas es… Complicado porque estás muy vulnerable, son las que más me cuestan.
Recuerdo imborrable: El rodaje de El sueño de Iván con 11 años. Doce niños durante dos meses en un hotel al lado de la playa. Impresionante. Asignatura pendiente: Vivir en el campo con animales. Mito erótico confesable: Brad Pitt. ◆
‘LA NIÑA DE LA COMUNIÓN’ SE ESTRENA EL 10 DE FEBRERO
LA HEMOS VISTO EN:
Series como ‘El secreto de Puente Viejo’, ‘Acacias 38’, ‘La templanza’, ‘30 Monedas’, ‘El Continental’, ‘Sagrada Familia’, ‘Señoras del (h)AMPA’, y en las películas ‘Atlas de geografía humana’, ‘El sueño de Iván’, ‘Marsella’, ‘Verónica’ y ‘Todos lo saben’.
De miss Italia a competir en el estrellato de las maggiorate, las Sophia Loren y Silvana Mangano de la época. Precisamente tuvo su gran oportunidad en cine sustituyendo a la Loren en la serie de populares comedias con Vittorio De Sica en Pan, amor y fantasía y Pan, amor y celos. Fue La romana, Venus imperial y tuvo su primer contacto con Hollywood al lado de Errol Flynn en Espadas cruzadas. Fue, con toda la razón, La mujer más guapa del mundo, tanto que Humphrey Bogart y John Huston contaron con ella en La burla del diablo y que King Vidor la coronó reina de las
superproducciones bíblicas (Salomón y la reina de Saba). Triunfó en Estados Unidos (y en Gran Bretaña: La mujer de paja, junto a Sean Connery) y en películas que fueron todo un éxito: Trapecio; Buona sera, Sra. Campbell; Desnuda frente al mundo; Cuando llegue septiembre… Su fulgor fue disminuyendo en los años 60 y 70, tiempo en que coqueteó con el giallo (Dos menos uno, igual a tres), sedujo a Cervantes y pasó por el cine español de la mano de Rovira Beleta en No encontré rosas para madre. Tras retirarse se dedicó a sus dos grandes pasiones: la pintura y la fotografía.
OWEN ROIZMAN
Director de fotografía estadounidense. 6 enero. 86 años. Dotó con su mirada realista de un estilo propio y muy imitado al cine norteamericano de los años 70. Cuesta no ver el thriller urbano de esa década sin el grano y la veracidad de Pelham 1, 2, 3, de Joseph Sargent, o de la canónica e influyente Contra el imperio de la droga, de William Friedkin, director que contó con él para darle realismo y terror a El exorcista. Fue colaborador habitual del cine de Sydney Pollack (Los tres días del cóndor, Tootsie, Ausencia de malicia, Habana), de Lawrence Kasdan (Te amaré hasta que te mate, Grand Canyon: El alma de la ciudad, French Kiss, Wyatt Earp…), de Ulu Grosbard (Libertad condicional, Confesiones verdaderas…) y de Harold Becker (Con amor y con humor; Taps, más allá del honor). También trabajó en Network, un mundo implacable, de Sidney Lumet; Sueños de seductor, de Herbert Ross; Las mujeres de Stepford, de Bryan Forbes, y La familia Addams, de Barry Sonnenfeld.
CAROLE COOK
Actriz estadounidense. 11 enero. 98 años.
Estrella de Broadway fue clienta de Richard Gere en American Gigoló y abuela de Molly Ringwald en 16 velas.
TATJANA PATITZ
Modelo y actriz alemana. 11 enero. 56 años.
La vimos en el tecnothriller Sol naciente, la farsesca Pret-a-porter, de Robert Altman, y la ochentera El secreto de mi éxito
MIKE HILL
Montador estadounidense. 5 enero. 73 años. Colaboró en casi todas los films de Ron Howard. Ganó el Oscar por Apolo 13
DIANE McBAIN
Actriz estadounidense. 21 diciembre. 81 años.
Era la esposa de Troy Donahue en Una trompeta lejana (1964), de Raoul Walsh. Antes habían coincidido en Parrish, de Delmer Daves.
EARL BOEN
Actor estadounidense. 5 enero. 81 años.
El doctor del psiquiátrico de la saga Terminator y un secundario de lujo en TV y cine (Alien Nación, Soy o no soy).
JAMES D. BRUBAKER
Productor estadounidense. 3 enero. 85 años. Participó, entre muchas otras, en Elegidos para la gloria; Patty Hearst; Rocky III; Rocky IV; Cobra, el brazo fuerte de la ley, o Yo, el Halcón.
BLASCO GIURATO
Director de fotografía italiano. 26 diciembre. 81 años.
LANDO BUZZANCA
Actor italiano. 18 diciembre. 87 años.
Lo recordamos en Monstruos de hoy, Llegan los marcianos, La chica de Parma o Seducida y abandonada, de Pietro Germi. Representó al italiano medio reprimido (El mirlo macho, A su excelencia le gustan las mujeres, Celos a la italiana, El impotentísimo…), fue el más patoso agente secreto (James Tont: Operación U.N.O. y secuela) y se codeó con Tony Curtis (El rally de Montecarlo) y Peter Sellers (Tras la pista del Zorro).
RUGGERO DEODATO
Director italiano. 29 diciembre. 83 años.
Escandalizó con el falso documental gore Holocausto caníbal (1980), moda terrorífica gráfica que prorrogaría en Infierno en el Amazonas; Mundo caníbal, mundo salvaje; Trampa para un violador; Criatura diabólica, o Bestia asesina. Sin embargo, no era un desconocido para el mejor cine comercial italiano: Concorde Affair, Brigada anticrimen, Los bárbaros o Los invasores del abismo, entre otras.
MIKE HODGES
Director y guionista británico. 17 diciembre. 90 años.
Hizo su aprendizaje en la televisión para dar a principios de los años 70 el salto al cine con un violento thriller, Asesino implacable, protagonizado por Michael Caine. Repitieron en Pulp (Historias peligrosas). Elevó el tebeo de ciencia ficción a cimas de glam gay con Flash Gordon (1980) y regresó al noir con la política Réquiem por los que van a morir y Crupier.
Muy ligado a la obra de Giuseppe Tornatore, con el que rodó El profesor, Cinema Paradiso, Están todos bien y Pura formalidad.
CHRISTOPHER TUCKER Maquillador británico. 22 diciembre. 76 años.
Creó, entre muchos otros, el look prostético de El hombre elefante, de los trogloditas de En busca del fuego, o el de los licántropos de En compañía de lobos.
Ha pasado buena parte de su carrera interpretando a madres llenas de dolor. En ‘Los Fabelman’, da vida a la propia progenitora de Steven Spielberg en la película en la que el director desnuda sus traumas de adolescencia. Tras un rodaje envuelto en lágrimas reconoce que está viviendo un sueño que podría, tras cuatro nominaciones anteriores, brindarle por fin el Oscar. Por Laura Pérez.
El primer trabajo como actriz de Michelle Williams (Montana, 1980) fue en Los vigilantes de la playa, cuando con 12 años invitaba a una fiesta al hijo de Mitch Buchannon (David Hasselhoff). A los 13 interpretó a una de las niñas de Lassie (1994) y tenía 17 cuando Steven Spielberg la veía con sus hijos en la serie juvenil Dawson crece. Para entonces sus padres le habían concedido legalmente la emancipación para que pudiera trabajar tantas horas como un adulto y no tuviera que ir acompañada de uno a los rodajes. Vivía ya sola en Los Ángeles. Su primer papel importante le llegó de la mano de Wim Wenders en Tierra de abundancia (2004), pero la película que cambió su vida fue Brokeback Mountain (2005). Allí conoció a Heath Ledger, con quien tuvo una hija, y de cuya muerte le costó 10 años recuperarse. De alguna manera, su carrera ha estado marcada por esa tragedia y todas sus interpretaciones desde entonces emanan un profundo poso de tristeza. Desde Wendy y Lucy (2008), la primera de sus cuatro colaboraciones con Kelly Reichardt, hasta Shutter Island (2010), Blue Valentine (2010), Mi semana con Marilyn (2011), donde el papel de la Monroe le iba como anillo al dedo, o Manchester frente al mar (2016). Ninguna actriz de su generación ha manejado la melancolía y el drama con la contención y emoción con que lo hace ella.
Fue precisamente su personaje en Blue Valentine el que le hizo pensar a Spielberg que ella podría interpretar a su
madre, Leah Adler, cuando rodara su autobiografía. Porque el director llevaba años dando vueltas a la idea de contar la historia de su infancia. Sus padres, fallecidos en 2017 y 2020, le habían estado empujando a ello. Pero hubo que esperar al confinamiento para que, con West Side Story ya rodada, se pusiera a escribir el guion de la película de su vida. Trabajar con un director como Steven Spielberg es un hito en la carrera de una actriz. Interpretar a su propia madre, con lo que implica, debe de serlo aún más. ¿Cómo ha vivido esta experiencia? Solo escuchar la pregunta me emociona. Me hace darme cuenta, una vez más, de lo que esto significa para él como artista y para mí como actriz. De alguna manera estoy conectada a su adorada madre para siempre, y no habrá un solo día en que no sienta esto como algo extraordinario. Me siento agradecida porque mi vida se haya cruzado con la suya y la de su madre por un tiempo. De que hayamos podido traerla de vuelta y hacer que algo suyo permanezca en la pantalla para siempre. Empecé a actuar a los 12 años, he hecho esto desde que tengo uso de razón. He trabajado mucho, aprendiendo y aprendiendo, haciendo anuncios, repitiendo frases 30 veces al día durante años. Así que estar hablando contigo de esto me parece un cuento de hadas. ¿Cómo fue el trabajo para preparar el papel? ¿Qué información le dio de su propia madre el director?
Me abrió los tesoros de su familia: álbumes de fotos, grabaciones caseras, cintas de audio… Me habló de sus recuerdos, de cómo hablaba y decía algunas frases, compartió con nosotros cuáles eran sus pendientes favoritos, sus perfumes…
“EMPECÉ A ACTUAR A LOS 12 AÑOS, HE HECHO ESTO DESDE QUE TENGO USO DE RAZÓN. HE TRABAJADO MUCHO, HACIENDO ANUNCIOS, REPITIENDO FRASES 30 VECES AL DÍA DURANTE AÑOS. ASÍ QUE ESTO ES UN CUENTO DE HADAS”.
Aunque no creo que nadie pudiera olerlos porque llevábamos mascarilla. Nos abrió su corazón y nos pidió que entráramos en él: a mí, a Paul Dano, a Gabriel LaBelle, a las niñas que interpretan a nuestras hijas… Lo ensanchó tanto que nos metió a todos dentro y allí hemos estado con él, en ese lugar sagrado, recorriendo juntos el camino hacia su infancia. Y ahora que todo ha terminado y ya no mantenemos ese vínculo diario, los echo de menos. Cada vez que nos despedimos después de un evento vuelve a darme pena.
Debió de ser difícil para el director rodar escenas tan íntimas de su familia. ¿Cómo reaccionaba antes sus interpretaciones, las de Paul Dano y Seth Rogen?
Recuerdo el primer día de rodaje con Paul, en la primera escena. No habíamos ensayado juntos, lo habíamos hecho cada uno por nuestro lado, así que en ese preciso momento no sabía si estábamos yendo en la buena dirección, y estaba preocupada. Cuando Steven gritó: ¡Corten! vi que estaba llorando. Me sentí aliviada porque pensé que estaba funcionando, que íbamos por el buen camino.
¿Cuál fue esa primera escena que rodaron?
La que están los padres con sus hijas viendo una película casera que Sammy, el niño protagonista, ha rodado con sus amigos de los Scouts.
El mundo mágico de Spielberg se funde en este caso con su propia vida. ¿De qué manera conviven realidad y ficción? ¿Tenían que preguntarle: ¿Esto realmente pasó? cuando estaban en el set? En la recreación de la casa se ha tenido en cuenta hasta el último detalle de su infancia, así que sentí que aquello era como un templo, como un lugar sagrado reconstruido. Y la
atmósfera estaba impregnada de esa emoción y esa energía. A lo mejor tenía que rodar una escena en la cocina, pero podía prepararla en mi propia habitación, porque la casa era tal cual. Y podía moverme por el espacio como si fuera verdaderamente la madre de la familia, podíamos entrar en los dormitorios de mis hijos, aprendernos nuestras líneas en el comedor… Todos estábamos en casa. En su casa. Estábamos con la persona que había vivido todas esas cosas. Se derramaron muchas lágrimas.
Cuando se interpreta a una persona real existe un margen de creación limitado. Más en este caso. ¿Qué ha aportado a Mitzi?
¿Le costó dar con el tono de una mujer llena de claroscuros?
Pienso mucho en el tono cuando paso de un director a otro porque es lo que caracteriza a cada uno. Tienes que ser capaz de moldearte y de habitar mundos distintos. Creo que para dar con ese tono preciso es importante conocer el trabajo del director y entender lo que trata de imprimir a lo que hace. Al fin y al cabo, ese es su legado. Así que tienes que saber de dónde viene, cuál es su historia personal, qué le inspira, qué le mueve… Estas cosas son realmente útiles. Me ocurre, por ejemplo, cuando trabajo con Kelly Reichardt, a quien siempre pregunto qué ha estado viendo últimamente, porque me ayuda a saber qué se está cocinando en su interior. Así que creo que adquirir el tono requiere mucha preparación. Al mismo tiempo, también es algo que se puede ajustar en el momento en función de lo que el director vea. Estudié
‘‘CUANDO VEO UNA FUNCIÓN O PELÍCULA RECUERDO MI PODER COMO ACTRIZ PARA CONVERTIR EL MOMENTO EN ALGO GRANDE PARA ALGUIEN”.‘BROKEBACK MOUNTAIN’ Aguantaba y mantenía el tipo ante su hija mientras su marido amaba a Jake Gyllenhaal. ‘BLUE VALENTINE’ Hizo un desgarrador retrato de una mujer ante los últimos estertores de su matrimonio. ‘SHUTTER ISLAND’ Enloquecida hasta el extremo tras asesinar a sus hijos (o que los asesinara DiCaprio). ‘MANCHESTER FRENTE AL MAR’ Nunca ha dolido tanto como verla en el funeral de sus hijos.
mucho el tono que debía adoptar basándome en las películas anteriores de Steven y en base a lo que él me había contado de su madre.
Ha trabajado con directores como Martin Scorsese, Ridley Scott, Todd Haynes, Ang Lee… ¿Qué hace a Spielberg diferente al resto? Es el director que está más abiertamente conectado con su infancia. Creo que esa etapa es una fuente inagotable de generar alegría y tristeza. Porque todos recordamos el momento en que nuestra infancia terminó, cuándo se vino abajo porque una conciencia adulta se coló en la cabeza de ese niño. Y esa crisis tiene muchas posibilidades creativas. Yo ahora, que soy madre de tres hijos, estoy muy conectada con mi infancia, tengo ese asunto muy presente. Así que ese terreno por el que él todavía está caminando es algo en lo que últimamente pienso constantemente, porque quiero que ese lugar cálido dure para mis hijos. Muchos adultos tratan de sepultar su infancia y, en su caso, es algo que lleva completamente al descubierto. La película comienza con Sammy/Spielberg yendo al cine por primera vez. ¿Recuerda cuándo lo hizo usted? La verdad es que no, pero sí me vienen muchos momentosviendo películas de Steven. Recuerdo, eso sí, la primera vez que fui al teatro porque fue muy impactante para mí ver los
cuerpos moverse en directo.
Pensé: Quiero estar ahí haciendo lo que ellos hacen. Y recuerdo la sensación de estar casi levitando pensando que había gente que te transportaba a otros lugares. Era una producción muy pequeña, pero tuvo el poder de hablarme de las grandes cosas del espíritu humano. Todos cargamos con muchas cosas en nuestra vida, y cuando veo una función de teatro o una película recuerdomi propio poder como artista, mi capacidad de capturar un momento y convertirlo en algo grande para alguien, y hacerle sentir que puede ser lo que quiera. El cine y el teatro nos ofrecen la posibilidad de ver lo grandes que podemos ser.
¿Cuál de sus trabajos la ha marcado más?
Los que me han traído a mis hijos y me han llevado a mí hacia ellos: Brokeback Mountain y Fosse/Verdon, donde conocí a mi marido (el director Thomas Kail) con quien ahora tengo dos niños. Esos dos proyectos impactaron no solo en mi carrera, sino en mi vida. Siento mucho cariño también por Wendy y Lucy, porque me hizo conocer a Kelly Reichardt, con quien he colaborado mucho (Meek’s Cutoff, Certain Women: Vidas de mujer y Showing Up). Ella es un milagro y ser parte de esas cuatro películas es, probablemente, mi contribución más valiosa a este arte. ◆
“STEVEN SPIELBERG ES EL DIRECTOR QUE ESTÁ MÁS CONECTADO CON SU INFANCIA. ESA ETAPA ES UNA FUENTE INAGOTABLE DE ALEGRÍA Y TRISTEZA”.Fotos: Merie Weismiller Wallace. Michelle Williams como Mitzi Fabelman, álter ego de Leah Adler, la madre de Steven Spielberg. Seth Rogen, Paul Dano y Michelle Williams.
Steven Spielberg con ‘Los Fabelman’ es el último de una larga lista de directores que se han servido de la pantalla para pasar cuentas con su pasado. Una forma de redibujar, reflexionar o incluso redimir la propia vida que, aunque estos últimos años vive su mayor apogeo, viene de lejos. Estos son algunos ejemplos clave de este llamado cine-memoria. Por Roger Salvans.
El debut en el largo de Truffaut fue también el arranque de una manera de ver (y vivir) el cine que cambió el mundo: la Nouvelle Vague. Fue la piedra sobre la que se cimentó un giro narrativo y estético y, al mismo tiempo, más que un ejercicio de memoria, un exorcismo vital.Las tribulaciones de Antoine Doinel son el ajuste de cuentas con su difícil infancia y adolescencia–hijo de padre no conocido, los encontronazos con la ley, su huida de casa–, pero también una declaración apasionada de amor al cine, la verdadera patria de Truffaut, así como su refugio y escenario de sus sueños. Los films del futuro serán más personales que una autobiografía, escribió el cineasta. Serán una confesión, como un diario. Los jóvenes directores hablarán en primera persona para contar lo que les ha pasado: su primer amor, su despertar político… Las películas del mañana serán un acto de amor.
El título ya en sí es felliniano, una contracción de Mi ricordo –‘Me acuerdo’–acuñada por el propio director para después renegar de ella y darle un origen misterioso y mágico, más cercano a la imaginación que a la memoria, explicaría. Ambientada en los 30, la cinta se inspira en los años de formación del cineasta: los eventos, personajes y pasiones que lo fascinaban, en una Italia a punto de caer bajo el fascismo, que, con el paso del tiempo, modelarían su estilo único. Yasaben, se non è vero, è ben trovato.
En una obra repleta de fantasmas del pasado y guiños a su vida, es en esta magna cinta –concebida como serie de TV– en la que Bergman consigue a la vez explicarnos de dónde viene y encontrar el equilibrio entre lo real y lo sobrenatural, documento y sueño. Un trabajo de madurez en el que regresa a su infancia –reconocible en esa familia burguesa de principios de siglo XX–, un álbum de recuerdos en el que religión, teatro, fantasía y obsesiones se ven a la luz de la linterna mágica que fascina a Alexander.
Para su regreso a Francia tras su periplo estadounidense, Malle se fijó en un hecho que, de niño, marcó su vida: la detención, cuando él tenía 11 años y estudiaba en un internado católico, de tres alumnos y un profesor judíos, que fueron deportados a Auschwitz. Cineasta elegante, detallista y de fuertes convicciones morales que se traducían en su obra, el director de Lacombe Lucien dijo del film que, más que lo que sucedió, conté cómo me habría gustado que pasara. Pero todo está ahí, en mi memoria, aunque reformulado.
‘Los cuatrocientos golpes’ (François Truffaut, 1959)Jean-Pierre Léaud como Antoine Doinel, uno de los grandes personajes de la Historia del Cine. Bruno Zanin y Magali Noël, deseo a la luz del proyector. Jean (Raphael Fejtö) y Julien (Gaspard Manesse), compañeros en tiempos difíciles.
Cuando tenía 16 años, Cameron Crowe acompañó durante tres semanas a los Allman Brothers en una gira de conciertos por Estados Unidos. De ese viaje surgió el primero de sus reportajes para Rolling Stone (después llegaron perfiles de Led Zeppelin, Deep Purple, Fleetwood Mac o Eric Clapton) y también la trama de esta cinta, en la que William, un chaval cuya madre no deja que escuche rock, se sube al autobús de la ficticia banda Stillwater. Creo que 1973 fue el año en el que el mundo cambió. Al menos el mío, dice Crowe de una historia que hoy es también un musical en Broadway.
Pocos directores más dados a recurrir a su propia vida para sus películas que Allen, que en esta comedia tira de sus recuerdos de niñez en la Nueva York de los años 40 para retratar a su familia a través del hilo conductor de la radio y la música. Quise rodar una cinta basada en mis recuerdos de las canciones que escuchaba cuando era un chaval, conseguir ese placer indulgente que uno consigue cuando recrea la atmósfera de la infancia, aseguraba. Es una versión exagerada, y mucho mejor, de mi vida.
La idea de Los Fabelman nació en 2005, en la primera noche del rodaje de Múnich, cuando el guionista Tony Kushner le preguntó a Steven Spielberg qué lo empujó a ser director. 15años después, en la primavera de 2020, con la confianza que dan años de amistad surgida del esfuerzo de sacar adelante otros dos proyectos juntos (Lincoln y West Side Story), empezaron a convertir esa respuesta en una
película. Escribimos la primera versión en dos meses, cuenta Kushner. Le pregunté todo lo que se me vino a la cabeza y así surgió una historia que cubría toda su niñez. Fue abrumador para ambos. Así nacieron Sammy Fabelman, el álterego del cineasta; sus padres, Burt y Mitzi, basados en Arnold y Leah, sus progenitores –él falleció en 2020, con 103años, y ella, en 2017, a los 97–, y el resto de la familia, en un ejercicio de ficcionalización que le daba a Steven el margen de objetividad y distancia para narrar algo que, en sus palabras, era muy extraño porque es mi vida y
al mismo tiempo no lo es, cuenta Kushner. Es fácil identificar en Los Fabelman el origen de muchos de los temas que han marcado el cine de Spielberg, pero, sigue el guionista, Steven tenía claro que el film no podía apelar solo a los fans o a los cinéfilos: tenía que emocionar y conmover al público en general. Si no, no valía la pena. Un objetivo que es, a fin de cuentas, el gran legado de su obra.
ESTRENO: 10 FEBRERO
The Fabelmans (EE. UU., India, 2022, 151 min.). DRAMA.
‘LosFabelman’ (Steven Spielberg, 2022) Joe (Seth Green) rodeado de su peculiar familia. El joven Sammy (Mateo Zoryon Francis-DeFord) descubre el cine junto a sus padres (Paul Dano y Michelle Williams). William (Patrick Fugit), tomando nota de todo junto a Penny Lane (Kate Hudson). Foto: Merie Weismiller Wallace.
¿Hay algo mejor que las historias de auge, caída y resurrección? Hollywood las adora, sobre todo si son reales. El protagonista de la última es Brendan Fraser, que 25 años después de dar vida a George de la jungla camina hacia la nominación al Oscar gracias a ‘La ballena (The Whale)’, un rotundo drama sobre un hombre con obesidad severa.
Por Manu Yáñez (Festival de Venecia).
Brendan Fraser (Indianápolis, 1968) está de vuelta…, pero no como lo recordábamos. Para todos aquellos que transitaron entre la infancia y la juventud a finales de la década de 1990, el rostro alelado y el cuerpo musculado de Fraser son sinónimos de puro entretenimiento. Su encarnación de un Tarzán de pacotilla en George de la jungla (1997) se cuenta como uno de los hitos humorísticos de una era en la que triunfaba el cruce de lo naíf y lo cafre, como demuestran otras joyas del panteón fraseriano, de la icónica Al diablo con el diablo (2000) a la infravalorada Looney Tunes: De nuevo en acción (2003). Comedias populares que acabaron catapultando a Fraser hasta la codiciada categoría de la estrella de acción. Los más devotos del actor, vieron en el legionario Rick O’Connell, el intrépido protagonista de la saga de Lamomia (2001-2008), a un heredero de Indiana Jones. Sin embargo, el despiadado mercado de valores de Hollywood empezó a darle la espalda a Fraser tras los fracasos de taquilla de la comedia En pata de guerra (2010) y el drama médico Medidas extraordinarias (2010), con Harrison Ford. A continuación, tras el fallecimiento
“ENCARNAR A CHARLIE EN LA BALLENA (THE WHALE) ES EL MAYOR RETO DE MI CARRERA. ES EL HOMBRE MÁS HEROICO AL QUE HE INTERPRETADO”.
de su madre y su divorcio, el actor se vio envuelto en un sonado litigio con el productor Todd Moyer por el retraso, y futura cancelación, de un proyecto sobre el arquero Guillermo Tell (Moyer llegó a acusar a Fraser de asalto). Lo que siguió fue una década con algún pequeño alto, como su aparición en la tercera temporada de la serie The Affair (2016-2017), y muchos bajos, incluido su desembarco en Bollywood para sustituir a Ray Liotta en el thriller Line of Descent (2019), o su incursión en el cine checo con The Secret of Karma (2020). De por medio, en 2018, Fraser tuvo el coraje de denunciar un episodio de acoso sexual acontecido en 2003 y perpetrado por Philip Berk, el por entonces presidente de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood. Un episodio traumático que, según el actor, dejó secuelas tanto en su vida personal como en su carrera profesional.
FOTOGRAMAS se encuentra con Brendan Fraser en uno de los lujosos salones del Hotel Ausonia Hungaria del Lido de Venecia. Es un momento de felicidad para el actor, tras un auge, caída y resurrección final que recuerda a la del Jake LaMotta de Toro salvaje (1980). El paralelismo se refuerza cuando vemos que el destino ha querido que Martin Scorsese certifique el resurgir de Fraser dirigiéndolo, junto al mismo Robert De Niro y Leonardo DiCaprio, en la esperada Killers of the Flower Moon. La noche anterior a esta entrevista, en la gala de presentación de La ballena (The Whale) en la Mostra de Venecia, a Fraser se le escaparon unas lágrimas mientras el público de la Sala Grande le dedicaba una interminable ovación. Era el reconocimiento a la titánica labor del actor interpretando a Charlie, un profesor de inglés con una obesidad severa que vive recluido en su apartamento. Con una voz aterciopelada y un gesto afable, mucho más próximo a la bonhomía natural de su George de la jungla que a la autoconfianza del aventurero protagonista
de La momia, Fraser describe al personaje de Charlie como el mayor reto de mi carrera, el hombre más heroico al que he interpretado.
El tópico dice que los mejores personajes son los villanos, pero el Charlie de La ballena (The Whale) tiene el don de ver la cara buena de la gente.
1. Con Pauly Shore y Sean Astin en ‘El hombre de California’ (L. Mayfield, 1992), su desembarco en Hollywood. 2. ‘George de la jungla’ (S. Weisman, 1997). 3. En ‘Dioses y monstruos’ (B. Condon, 1998), con Ian McKellen, demostró su potencial dramático. 4. Junto a Rachel Weisz en ‘La momia’ (S. Sommers, 1999), franquicia de la que lideró tres entregas. 5. Con Frances O’Connor en ‘Al diablo con el diablo’ (H. Ramis, 2000). 6. En el set de ‘Crash (Colisión)’ (2004), con el director Paul Haggis. 7. Junto a Harrison Ford en ‘Medidas extraordinarias’ (T. Vaughan, 2010). 8. Desde 2019 interpreta a Cliff Steele, alias Robotman, en la serie de HBO Max ‘Doom Patrol’.
Sam [Samuel D. Hunter, guionista del film a partir de su propia obra de teatro] escribió la película inspirándose en sus propias experiencias, y eso dota al film de un aura muy personal y sentida. Los temas de la película, como la persecución religiosa, la exclusión social o la experiencia de la obesidad, no están tratados desde la lejanía, sino que se presentan con cercanía y emoción. Habría que tener un corazón de acero para no emocionarse con la historia de Charlie, quien tiene el superpoder de ver lo bueno en los demás, pero que no tiene piedad consigo mismo; él es su peor enemigo. Por suerte, el reencuentro con su hija despierta la posibilidad de la redención (a Fraser se le resquebraja la voz hablando de su personaje). Escuchándolo hablar se percibe su conexión con Charlie. ¿Cuánto hay de usted en él? Bueno, estás hablando con Brendan, no con Charlie (sonríe amablemente). Pero la película expresa tal grado de compasión hacia el personaje que no resulta difícil acabar identificándose con este hombre que vive enclaustrado en un apartamento de dos habitaciones en algún lugar de Idaho. Un hombre que, de forma lenta pero determinada, ha decidido embutir en su cuerpo, atracón tras atracón, los remordimientos y el sentimiento de culpa que lo atormentan.
La ballena (The Whale) contiene un canto a la tolerancia y la piedad. Hay pocas cosas más nocivas que los prejuicios basados en la apariencia física, la orientación sexual o la fe. En la era de las redes sociales, creo que comparto con la mayoría una preocupación por la abundancia y virulencia
de los comentarios que buscan hacer daño. Deberíamos cuidarnos y protegernos más los unos a los otros. Recuerdo que, en un viaje por Tailandia, vi una placa frente a un buda gigante que decía: Las palabras vengativas engendran dolor. Esa frase me acompañó durante todo mi viaje junto al personaje de Charlie. También existen las palabras positivas, como el aluvión de elogios que usted está recibiendo. Se habla de la carrera por el Oscar. ¿Cómo lo lleva?
Citaré a Herman Melville: No sé todo lo que vendrá, pero sea lo que sea que venga, me lanzaré a ello riendo (sonríe ampliamente).
¿Y qué le parece que su actuación haya sido leída en clave de ‘gran retorno’?
Puedo entenderlo, pero lo único que siento y que me importa es la felicidad por tener trabajo. Si además tienes la suerte de compartir el set con un puñado de gente talentosa, entonces el trabajo adquiere un valor extra, una dimensión artística.
¿Cómo fue la experiencia de habitar el cuerpo obeso de Charlie?
Lo primero que me impresionó fue el realismo detallista del traje prostético que diseñó Adrien Morot. Es una obra de arte, podría estar expuesto en la Tate Modern de Londres. Luego descubrí que el traje era una obra de ingeniería compleja. La primera vez que me lo pusieron, el proceso duró seis horas. Tenía un sistema de refrigerado como el que llevan los pilotos de carreras y, durante el rodaje, había un equipo de entre cinco y siete personas que me ayudaban a desplazarme de la silla de maquillaje hasta el set. Fue una experiencia difícil, incómoda, pero debía ser así. Puede que no sea muy listo, pero soy un tipo fuerte, así que lo hice. Me inspiró el compromiso que tomamos a lo hora de construir el cuerpo de Charlie de la manera más auténtica posible. Para mi disgusto, este tipo de maquillaje prostético ha sido utilizado en comedias groseras durante años. En nuestro caso, el traje fue creado para dignificar al personaje de Charlie. ¿Y cómo fue meterse en su mente atormentada?
Tuve reuniones con miembros de la OAC, la Obesity Action Coalition, que tiene unos 40.000 integrantes, y pude advertir la extrema vulnerabilidad que experimentan las personas que sufren esta enfermedad. De hecho, hubo
una cierta tensión inicial porque querían asegurarse de que íbamos a tratar con respecto su circunstancia. Una vez superado ese bache, se abrieron por completo y descubrí que, en todas sus historias de vida, se repetía un mismo patrón: en su juventud, algún profesor o familiar, normalmente el padre, les había hecho sentir fatal por su peso, normalmente empleando palabras muy crueles. Esas experiencias traumáticas, combinadas con el tipo de comida procesada disponible en América, que se diseña en laboratorios para generar ansia y dependencia, definieron su dolorosa senda vital.
Siendo un actor de larga trayectoria, ¿cómo ve el panorama fílmico actual?
Ante todo, tengo fe en las próximas generaciones. Veo el talento extraordinario de una actriz como Sadie Sink [la Max Mayfield de Stranger Things, que interpreta a la hija de Charlie] y veo cómo mi hija, que tiene 18 años, aprecia el valor de las buenas obras audiovisuales. Recuerdo el día que le dije que iba a salir en Batgirl. Su respuesta fue: Guay, sin más. Pero cuando le expliqué que iba a trabajar con Darren Aronofsky en una película producida por A24, se emocionó de verdad. Los jóvenes saben dónde está lo bueno, hay que confiar más en ellos. Estoy convencido de que La ballena (The Whale) encontrará a su público, ¡no como con Batgirl! (Fraser acompaña la exclamación con un gesto de enfado).
¿Qué sintió cuando se suspendió el estreno de Batgirl?
Una gran decepción, como todo el mundo. Suelo ir a convenciones de fans y allí veo a seguidores de Batgirl con los ojos húmedos por culpa de esto. Y es normal. Hay que entender que las grandes batallas del bien contra el mal de las películas de superhéroes significan mucho para los fans, y son en gran medida la materia prima con la que se fabrican las grandes producciones cinematográficas. ¿Cree que los fans podrán acabar viendo Batgirl?
Ahí me has pillado. No sé qué decir. Solo soy un mero empleado en este negocio. ◆
ESTRENO: 27 ENERO
The Whale (EE. UU., 2022, 117 min.). DRAMA.
Darren Aronofsky se propone retratar la odisea de un hombre cuya obesidad va camino de matarlo. Para ello, el director de Réquiem por un sueño (2000) y El luchador (2008) ha tenido que romper con 120 años de historia en los que el cine, de Laurel y Hardy al Gordo Cabrón de
Austin Powers, ha tratado la obesidad como una excusa para contar chistes. Mi esperanza es que, a los cinco minutos del film, el espectador empatice con el drama humano del protagonista. En cuanto a la elección de Brendan Fraser, Aronofsky habla de una ‘corazonada’. No había visto
muchas de sus películas. ¡Ni siquiera George de la jungla! Esto no es como lo que hizo Quentin Tarantino con John Travolta en Pulp Fiction (1994). Simplemente vi a Brendan en el tráiler de El lado oscuro de la noche (2006) y pensé que podía funcionar. Luego, su dulzura y humanidad hicieron el resto.
“HAY POCAS COSAS MÁS NOCIVAS QUE LOS PREJUICIOS BASADOS EN LA APARIENCIA FÍSICA, LA ORIENTACIÓN SEXUAL O LA FE. DEBERÍAMOS CUIDARNOS MÁS LOS UNOS A LOS OTROS”.Brendan Fraser.
Hollywood se prepara para celebrar, a bombo y platillo, el más que probable tercer Oscar para la australiana Cate Blanchett, que en ‘TÁR’, el regreso a la dirección de Todd Field 16 años después de ‘Juegos secretos’, compone una feroz radiografía del genio artístico, la lucha por el empoderamiento femenino y la lacra de los abusos de poder.
uando, poco antes de Navidad y meses después de su presentación en el Festival de Venecia, FOTOGRAMAS pregunta a Todd Field por la creación del personaje de Lydia Tár, el papel que puede darle a Cate Blanchett su tercer Oscar, el director de En la habitación (2001) se muestra tajante respecto a la idea de una autoría compartida: No escribí el personaje de Lydia con Cate en mente, escribí el personaje para Cate. Además, el cineasta californiano reconoce que, dado su intuitivo estilo de escritura –Mis guiones surgen del fondo de mi estómago–, el proceso de conceptualización de la protagonista de TÁR aconteció gracias al diálogo permanente con ella. Por su parte, la intérprete australiana define la película como una especie de cuento de hadas, ya que no ha habido ninguna mujer que haya llegado a ocupar el puesto de directora titular de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Un cuento que, como tantas otras fábulas, desembocará en una pesadilla. Situada en lo más alto del Olimpo de su arte, Lydia parece no tener otra salida que precipitarse al vacío, señala Blanchett. Una caída vinculada a la denuncia de unos abusos de poder supuestamente cometidos por la protagonista. Según Field, TÁR se construye en torno a la idea del escándalo, tal como la trabajó Nathaniel Hawthorne en Laletra escarlata.
Continuando con el intercambio de piropos entre la estrella y su director, Blanchett apunta que, si algo tienen los personajes de Toddes
Foto: Florian Hoffmeister.DE QUÉ VA: Lydia Tár (Cate Blanchett) es la primera mujer que dirige la Orquesta Sinfónica de Berlín. Pero una serie de incidentes ponen en peligro la continuidad de este hecho histórico.
que son profundamente humanos. La doble ganadora del Oscar por El aviador (2004) y Blue Jasmine (2013) apunta que, a medida que filmábamos TÁR, sentía que iba descubriendo diferentes caras de la personalidad de Lydia. Sin embargo, hubo un aspecto del personaje que se mantuvo invariable en la mente de la actriz: La sensación de que ella vive desconectada de sí misma. Como vamos descubriendo a medida que avanza la película, Lydia es una persona capaz de borrar su pasado para lograr lo que persigue, que es el pleno desarrollo de su talento musical. Pero su forma de ser la convierte en una mujer perseguida por sombras que proceden de su ayer, de su propio interior y de antiguas relaciones, remata la australiana.
Según Todd Field, TÁR es uno de esos proyectos en los que el talento de una actriz y la psicología de un personaje se hermanan de un modo sublime. En la película, Cate se aproxima a la caótica existencia de Lydia Tár del modo más preciso que uno pueda imaginar, apunta el cineasta. Y esto tiene todo el sentido del mundo porque Lydia se autoimpone un grado extremo de precisión en todo lo que hace, tanto a nivel personal como profesional. De hecho, en la primera secuencia del film, en la que Tár ofrece una clase maestra en forma de entrevista, el personaje confiesa que el timing es la clave de mi trabajo. Sin embargo, a los pocos minutos de película, puedes empezar a sentir cómo el ideal de perfección y autocontrol que persigue Lydia se va resquebrajando, señala Field. Con su actuación, Cate consigue transmitir la sensación de que hay un tren que se dirige hacia su personaje a toda velocidad, y que va a estrellarse contra ella en cualquier momento. Según se extrae de las palabras de Field, durante el rodaje de TÁR, el realizador de Juegos secretos (2006) se convirtió en un espectador más de la virtuosa labor actoral de Blanchett: Mientras filmábamos, no era fácil asimilar la magnitud del trabajo de Cate. En cada escena, ella desplegaba un vendaval de pequeñas decisiones, casi imperceptibles a primera vista, que después se revelaban como claves para la comprensión del personaje.
En términos cinematográficos, TÁR alcanza su cénit expresivo en una larga escena en la que la protagonista es confrontada por un joven (Zethphan D. Smith-Gneist) que se define como una persona BIPOC y pangénero, y que desestima la obra de Bach por la misoginia del músico germano. Es una secuencia clave para comprender a Lydia y por eso trabajamos muchísimo con Cate (Blanchett) para darle forma, aunque ella no cambió ni una coma del texto, declara Field, antes de entregarse con emoción a la descripción del proceso de creación de la escena. Cuando llegó el momento de rodarla, junto a mi director de foto-
grafía (Florian Hoffmeister), vimos que podíamos filmarla de 35 o 40 maneras diferentes, con angulaciones y encuadres diversos. Sin embargo, cuanto más pensaba en la escena, más me daba cuenta de que era Cate la que debía marcar el tempo y guiar a la cámara por el auditorio de la Juilliard, la prestigiosa escuela de arte neoyorquina.
Field revela que, cuando llamó a Blanchett para proponerle la idea de filmar la escena en plano secuencia, ella me dijo que era imposible, porque debíamos ver las interacciones entre Lydia y los estudiantes. Le pedí que confiara en nosotros, aunque el reto era mayúsculo,
Con los años, Field no ha perdido el buen ojo para los proyectos capaces de llamar la atención de la Academia de Hollywood. En la habitación (2001) y Juegos secretos (2006) le valieron sendas nominaciones al Oscar al Mejor Guion Adaptado, y con la primera también estuvo nominado a la Mejor Película.
Ahora, TÁR aparece en todas las quinielas como candidata en múltiples categorías. ¿Cómo lo lleva el cineasta? Con muchos nervios. Hoy en día, todo lo relativo a las campañas de premios (Field evita mencionar la palabra ‘Oscar’) se ha convertido en una parte muy importante del esfuerzo que hacemos para que nuestras películas se vean. Después de la pandemia, resulta muy difícil convencer a la gente para que vaya al cine. Además, un film como TÁR no lo tiene fácil para hacerse un lugar en el panorama fílmico, que es muy diferente del que me encontré cuando estrené mi anterior película
1. La actriz y chelista britanogermana Sophie Kauer debuta en el cine interpretando a Olga. 2. La gala Noémie Merlant es Francesca, la asistente personal de Lydia Tár. 3. Blanchett se vuelca en las escenas musicales. 4. Lydia Tár (Blanchett) abraza a su esposa Sharon (Nina Hoss).
dado que las hileras de sillas y las escaleras del auditorio imposibilitaban utilizar grúas o sistemas de cables para filmar en una toma única. Para resolver el desafío, Field y su equipo inventaron una ‘unidad de filmación’ operada por cuatro técnicos que debían turnarse para mover y estabilizar la cámara. Si la parte técnica era complicada, ni te imaginas lo que supuso para Cate y los demás actores participar en esa coreografía de alta precisión. Era como actuar sin red, asegura Field. Nos reservamos dos días para la filmación de la escena, y la primera toma que hicimos fue casi perfecta, ¡pero en el último momento un problema técnico la arruinó! ¡Y luego no volvimos a conseguir otra toma buena hasta el final del segundo día!
TÁR entrelaza la odisea de Lydia Tár con un buen número de temas candentes, de la cuestión de género (la protagonista tiene una hija junto a su pareja, Sharon, encarnada por Nina Hoss) a los juicios públicos en la era de Internet (Lydia se muestra escéptica respecto a la ‘cultura de la cancelación’). Sin embargo, Blanchett, quien devino un emblema del cine queer gracias a Carol (2015), se muestra reticente a poner el foco en la dimensión política de TÁR. El empleo de la palabra ‘importante’ en relación con el arte me genera muchos recelos. No concibo la práctica
artística como una herramienta educacional, sentencia la actriz de 53 años. Toda obra de arte puede inspirar y puede ofender, pero eso está fuera del control de los creadores. Lo curioso es que, mientras hacía TÁR, nunca tuve muy en cuenta la cuestión de género o la sexualidad de los personajes. Este tema, como muchos otros, está ahí para hacer avanzar la trama, pero lo central es la cuestión existencial. Me gustaría pensar que hemos evolucionado lo suficiente como para que una película como esta pueda ser leída y comprendida sin la necesidad de convertir el tema del género en un titular.
Siendo TÁR una película que aborda el tema del abuso de poder, parece oportuno preguntar a Blanchett acerca de las transformaciones acontecidas en la industria del cine en los últimos años, marcadas por movimientos como el #MeToo. La industria del cine ha cambiado mucho desde que aterricé en ella, hace ya muchos años, reconoce la actriz, madre de cuatro hijos. Recuerdo que, en mis inicios, cuando di el salto del teatro al cine, mi marido (el director teatral Andrew Upton) me dijo lo siguiente, del modo más alentador que puedas imaginar: Aprovecha a tope este momento porque tienes apenas cinco años de carrera por delante. Y así funcionaba el mundillo por aquel entonces. Por suerte, las cosas han cambiado, y no solo gracias al trabajo de grandes actrices que han conquistado nuevos territorios, sino también por el esfuerzo de hombres que se han puesto de nuestro lado, como es el caso de Todd (Field). Pese a todo, Blanchett todavía ve un escollo en la conquista de la igualdad entre actores y actrices: Es difícil encontrar a actores de Hollywood dispuestos a aceptar buenos papeles secundarios en películas protagonizadas por personajes femeninos fuertes.
Para Field, TÁR supone una vuelta al ruedo de la dirección 16 años después de Juegos secretos. ¿Por qué este hiato tan prolongado? Tengo la suerte de no ganarme la vida dirigiendo películas, comenta el cineasta. Mis ingresos provienen del ámbito de la publicidad. Es algo por lo que opté casi desde el comienzo de mi carrera. Nunca he pretendido ser un ‘director profesional’. Esto ha permitido a Field ser muy selectivo con sus proyectos: A lo largo de estos 16 años, he intentado sacar algunos proyectos adelante, pero cuando algún actor me ha fallado o no he encontrado el ángulo adecuado para una historia, no he tenido problema en aparcar lo que estaba haciendo a la espera de una buena oportunidad. ◆
ESTRENO: 27 ENERO
Tár (EE. UU., 2022, 158 min.). DRAMA.
Catorce años después del Globo de Oro logrado por ‘Escondidos en Brujas’, el actor repite galardón con la tragicómica ‘Almas en pena de Inisherin’, que lo reúne de nuevo con el director Martin McDonagh y el actor Brendan Gleeson. Tras la Copa Volpi, lograda en la pasada Mostra de Venecia, solo queda pensar en el Oscar. Por M. Yáñez.
La trayectoria de Colin Farrell (Dublín, Irlanda, 1976) puede leerse como una carrera de fondo para lograr el reconocimiento. Primero se lanzó a la conquista del gran público, con el que conectó pronto gracias a la tutela de Joel Schumacher, quien lo dirigió en el film bélico Tigerland (2000) y en el thriller Última llamada (2002). Hollywood descubrió en el irlandés tanto su sombrío sex appeal que necesitaba para aliñar sus blockbusters más oscuros –como la fallida Daredevil (2003)–, como la polivalencia y su capacidad para desaparecer en sus personajes como vimos en The Batman (2022). En paralelo, con el ojo puesto en la legitimación artística, Farrell se fraguó la complicidad de una impresionante nómina de grandes cineastas, del Steven Spielberg de Minority Report (2002) al Oliver Stone de Alejandro Magno (2004); del Woody Allen de El sueño de Casandra (2007) a la Sofia Coppola de La seducción (2017). Sin embargo, pese a sus esfuerzos, Farrell no ha conseguido liberarse por completo del ruido de su otrora complicada vida privada ni tampoco de la etiqueta de sex symbol, aun cuando en 2009 ganó un Globo de Oro al Mejor Actor de Comedia o Musical por Escondidos en Brujas, en la que el londinense Martin McDonagh lo convirtió en un angustiado asesino a sueldo.
Ahora, gracias a Almas en pena de Inisherin, su tercera colaboración con McDonagh tras Siete psicópatas (2012), parece que Farrell puede alcanzar el ansiado reconocimiento de la crítica y la profesión. Después de que el jurado presidi-
do por Julianne Moore le entregara la Copa Volpi del Festival de Venecia por su papel de un hombre ingenuo súbitamente abandonado por su mejor amigo, Farrell parece bien situado en la carrera por el Oscar, un premio al que nunca ha estado nominado. El propio actor reconoce la singularidad artística del nuevo trabajo de McDonagh: Resulta alentador encontrar una conexión inmediata con mi personaje y la historia. Hablo de una profundidad emocional, de la invitación a la reflexión que he sentido trabajando en Almas en pena de Inisherin o en Escondidos en Brujas, además de en un par de otros proyectos a lo largo de los años. Es una excepción más que la regla, remata el actor.
Según Farrell, Almas en pena de Inisherin es una película muy diferente a Escondidos en Brujas, sin embargo, ambas comparten el sello McDonagh, que el irlandés define como un gusto por lo grotesco y lo macabro, por lo absurdo y lo hilarante, y al mismo tiempo un interés por la belleza de lo humano. ¿Pero cómo se fraguó el reencuentro entre actor y cineasta? Hace siete años, Martin me envió una versión del guion en la que había mucha acción y donde la Guerra Civil irlandesa era algo más que un rumor de fondo, revela Farrell. Martin dice que aquella primera versión era una mierda, aunque yo la habría filmado encantado; pero claro, mis estándares artísticos son menos elevados que los suyos, afirma el actor mientras esboza una media sonrisa. Tres
“LA SENSACIÓN DE AISLAMIENTO QUE SE EXPERIMENTA EN ESAS ISLAS Y LA BELLEZA QUE LO RECUBRE TODO TE ACABA ABSORBIENDO DE UN MODO DIFÍCIL DE EXPLICAR. ESAS SENSACIONES ME AYUDARON A INVOCAR LA ENERGÍA MELANCÓLICA DEL PERSONAJE DE PÁDRAIC”.
años después, McDonagh envió a Farrell una nueva versión del guion en la que la historia se desplegaba de un modo mucho más intimista, centrándose más en los personajes que en la acción, apunta el intérprete.
Almas en pena de Inisherin aborda la repentina ruptura de una amistad. ¿Ha experimentado Farrell algo similar en su vida? Con los años, me he alejado de algunos amigos porque nuestras vidas han tomado caminos divergentes, pero nunca he vivido algo parecido a lo que le ocurre a Pádraic, mi personaje, señala el protagonista de Langosta (2015). Esta película retrata el proceso de disolución de una amistad de la forma más triste y dolorosa. En un momento determinado, y sin razones obvias, el personaje de Colm (un músico folk al que da vida Brendan Gleeson) decide romper con el mío, que comienza la película siendo una persona alegre. Pero eso dura apenas unos 30 segundos, comenta Farrell con ironía. Entonces la película toma una dirección sorprendente.
La Inisherin que acoge a las almas en pena del nuevo film de Farrell es una isla ficcional situada en la costa oeste de Irlanda. Para capturar la esencia irlandesa, McDonagh decidió filmar en las islas de Achill e Inishmore. ¿Cómo fue el rodaje en esos imponentes escenarios naturales? Para Farrell, fue muyinspirador sentir el ritmo de la vida propio de esos lugares y escuchar el viento azotando esos paisajes. Son lugares cargados de historia, en los que pervive un fuerte sentido de comunidad. Al final de un día de rodaje, lo habitual es irte a tu hotel a desconectar un poco del trabajo, señala el actor. Pero en este caso, durante las 10 semanas de rodaje, pasé todo el tiempo metido entre las páginas del
guion de Martin. La sensación de aislamiento que se experimenta en esas islas y la belleza que lo recubre todo te acaba absorbiendo de un modo difícil de explicar. Esas sensaciones me ayudaron a invocar la energía melancólica del personaje de Pádraic.
Al referirse a su Irlanda natal, Farrell parece conectar con el romanticismo y el misticismo propios de la tierra de James Joyce y W. B. Yeats. A medida que me hago mayor, y siento que el camino andado se alarga y el que me queda por andar se va acortando, mi vínculo con Irlanda se vuelve más intenso, confiesa el actor. Antes, solo pensaba en Irlanda, y el amor que siento por ella, cuando estaba en casa, pero en los últimos años he ido experimentando con más fuerza la llamada de mi tierra. Este film ha supuesto una oportunidad maravillosa de responder a esa llamada.
Abocado a una suerte de viacrucis emocional, Pádraic Súilleabháin, el protagonista de Almas en pena de Inisherin, experimenta con dureza la pérdida de la inocencia. ¿Pero queda lugar para la inocencia o la ingenuidad en el mundo contemporáneo? Farrell siente que, en la actualidad, la ingenuidad se percibe como un estadio a superar, como una fase de la que debemos despertar a bofetadas. Sin embargo, el protagonista de la última versión de Dumbo (2019) es crítico con esta perspectiva. Las redes sociales no solo favorecen, sino que premian los juicios encendidos, opiniones surgidas de un calentón. En este contexto, la ingenuidad tiene poco margen de maniobra. Farrell se muestra particularmente preocupado por la exposición de los menores al clima hostil que impera en Internet. Entiendo que la red es una herramienta nueva y poderosa, pero creo que es un mundo
“A MEDIDA QUE ME HAGO MAYOR, Y EL CAMINO ANDADO SE ALARGA Y EL QUE QUEDA POR ANDAR SE VA ACORTANDO, MI VÍNCULO CON IRLANDA SE VUELVE MÁS INTENSO”.Pádraic (Colin Farrell) y Dominic (Barry Keoghan).
que no se ha regulado como se debería. Las implicaciones que tiene todo esto en la vida de la gente son inmensas.
A sus 46 años, Farrell parece alejado de la imagen de galán indomable que cultivó durante sus primeros años de estrellato. Lejos quedan sus affairs con Britney Spears, Angelina Jolie o Demi Moore, así como sus ingresos, en 2005 y 2018, en centros de rehabilitación para recuperarse y prevenir una recaída en la adicción al alcohol y las drogas. En paz consigo mismo, el actor sostiene que la inocencia forma parte del orden natural de la vida, y es algo que deberíamos aprender a conservar. Me gustaría mantener un ápice de ingenuidad hasta el fin de mis días. Con esto no quiero decir que desconozca cómo funciona el mundo, pero sí que conservo un cierto idealismo respecto a la posibilidad de apreciar la bondad y la belleza de las cosas.
Desde la perspectiva del personaje de Colm (Gleeson), la ruptura con Pádraic (Farrell) es un sacrificio en nombre de una causa mayor, vinculada a un anhelo de trascendencia. ¿Cómo se relaciona Farrell con las nociones de sacrificio y trascendencia? La verdad es que no me llegan las palabras para expresar la gratitud que siento por poder ganarme la vida haciendo lo que hago, afirma el protagonista de El sacrificio de un ciervo sagrado (2017). Tras 20 años en este negocio, aún me da por pensar: Joder, Farrell, no digas muy en alto lo suertudo que te sientes, porque aún van a darse cuenta de que pueden prescindir de ti. Es como lo siento. Sin embargo, el actor afirma que hay un precio a pagar por toda esta fortuna, un sacrificio que han tenido que pagar sus seres queridos. Mi trabajo me obliga a pasar bastante tiempo fuera de casa, y eso ha hecho que me perdiera entierros y bodas. Incluso me perdí el nacimiento de mi primer hijo, James Padraig, nacido en Los Ángeles en 2003, fruto de la relación de Farrell con la modelo estadounidense Kim Bordenave (en 2008, se hizo público que el hijo mayor de Farrell sufre una rarísima enfermedad genética llamada el Síndrome de Angelman). Por suerte, sí pude estar en el nacimiento de mi segundo hijo, Henry Tadeusz, que el actor tuvo en 2009 junto a la actriz polaca Alicja Bachleda-Curus, con la que coprotagonizó Ondine: La leyenda del mar ◆
‘Almas en pena de Inisherin’. Tras explorar la cara amarga de la América profunda en ‘Tres anuncios en las afueras’, Martin McDonagh lleva la oscuridad tragicómica de su cine hasta la Irlanda de sus ancestros. Por M. Y.
DE QUÉ VA: Dos amigos, Pádraic y Colm, se abocan a un callejón sin salida cuando el segundo anuncia el fin de su relación.
La isla del desencuentro. Cuando se pregunta a Martin McDonagh por las claves de Almas en pena de Inisherin, el director de Escondidos en Brujas (2008) no duda en definir el film como una historia de ruptura ambientada en una isla. Así, el escenario insular se revela como un componente esencial del relato. Los personajes no tienen escapatoria, señala McDonagh. Aunque su amistad se ha resquebrajado, deben seguir viéndose cada día, quizá por el resto de sus vidas. A este factor narrativo, el autor de Siete psicópatas (2012) añade una razón personal para filmar en la costa oeste de Irlanda: Mis padres son de allí y de niño pasé mucho tiempo en esa tierra. De hecho, la isla de Inishmore, donde filmamos, se puede ver
desde donde viven mis padres hoy en día
Un desamor irlandés. En algunos pasajes de Almas en pena de Inisherin, se escuchan a lo lejos los cañonazos de la Guerra Civil irlandesa (1922-1923). ¿Cómo se relaciona el enfrentamiento entre los protagonistas del film y aquella trágica contienda? McDonagh explica que, mientras escribía el guion, se preguntaba: ¿Es así como comienzan las guerras? ¿Puede una riña aparentemente trivial derivar en una disputa que supone el fin del amor? En sintonía con su director, Brendan Gleeson señala que, pese a toda la angustia y dolor que emana de ella, la película reflexiona sobre la necesidad de amar, o más concretamente sobre las consecuencias del final del amor ◆
ESTRENO: 3 FEBRERO
The Banshees of Inisherin (EE. UU., Irl., R. U., 2022, 114 min.). COMEDIA DRAMÁTICA.
La canadiense Sarah Polley adapta la novela de Miriam Toews y crea una fábula feminista sobre la revolución, el poder y la esperanza: ‘Ellas hablan’ despliega una conversación transformadora y universal en la que brillan Claire Foy y Jessie Buckley. Por Núria Azorín (Festival de Londres).
1INSPIRACIÓN A PRIMERA VISTA. La autora Miriam Toews define su libro, Ellas hablan (Ed. Sexto Piso), como un acto de imaginación femenina. Así se define también en su primera imagen su adaptación cinematográfica, dirigida por Sarah Polley, y lo que sigue es una conversación dolorosa y reveladora entre un grupo de mujeres que, desde diferentes posturas, intentan escapar de la violencia patriarcal. Este libro me atravesó y me hizo plantearme preguntas con las que había estado lidiando conscientemente, y también muchas otras de forma inconsciente, aseguró la directora a su paso por el Festival de Londres. Complicó muchas conversaciones que habían estado ocurriendo a nuestro alrededor, añadió, en referencia a la coincidencia entre la publicación del libro en 2018 y el movimiento #MeToo en Hollywood, y notó también su pertinencia en un momento en el que los derechos de las mujeres vuelven a estar amenazados. Este libro tiende a provocar una con-
DE QUÉ VA: Un grupo de mujeres de una comunidad ultrarreligiosa de Estados Unidos se reúnen en un granero para decidir qué hacer respecto a la violencia que sufren: no hacer nada, quedarse para cambiar las cosas o marcharse.
versación: la gente escucha y habla con la capacidad de cambiar sus ideas, con conversaciones reales en las que las personas no se gritan unas a otras, sino que aceptan los matices ylas dificultades
2 LAS MENONITAS REBELDES. Tras soportar las agresiones sexuales de los hombres de su comunidad durante años, las mujeres de Ellas hablan se enfrentan a tres opciones: seguir como hasta ahora; iniciar una guerra
para mejorar su situación, o irse a otro lugar donde poder empezar desde cero. Labúsqueda de una respuesta está en el centro de la película, que se ambienta en una comunidad menonita, una vertiente pacifista de los cristianos anabaptistas. Pese a la particularidad de su escenario, Polley buscaba la universalidad, y la única manera de hacerlo era creando un mosaico de viajes emocionales para cada personaje y contar con un elenco a la altura. Era estimulante y aterrador al mismo tiempo, reconoció
inmediatamente para el rol de guionista y directora. Cosas del destino, resulta que la canadiense ya llevaba tiempo interesada en la adaptación.
Polley sobre tener a nueve personas metidas en una habitación pasando juntas por el cielo y el infierno durante ocho semanas. Claire Foy, Jessie Buckley y Rooney Mara son solo algunas de las fabulosas mujeres de diferentes generaciones que se reúnen frente a las cámaras, además de Ben Whishaw como único hombre en la sala
3
FRANCES MCDORMAND, LA INSTIGADORA. Más allá de lo evidente, de ser una veterana actriz con tres Oscar
en su haber, Frances McDormand tiene un ojo envidiable como productora e impulsora de proyectos. Con una iniciativa que ya tomó con Nomadland (C. Zhao, 2020), McDormand leyó el libro de Toews y rápidamente empezó a gestar su adaptación junto a la productora Dede Gardner de Plan B. Me interesaba que se convirtiera en un debate con sentido del humor, además de con esperanza y posibilidades para el futuro, aseguró McDormand sobre el proyecto. El nombre de Sarah Polley surgió
ENTRE LA INTIMIDAD Y LA ÉPICA. Polley, a quien algunos recordarán como la protagonista de Mi vida sin mí (2003) y La vida secreta de las palabras (2005), de Isabel Coixet, o el remake de Amanecer de los muertos (Zack Snyder, 2004), debutó como directora con Lejos de ella (2006), pero llevaba una década sin pasar por la gran pantalla. Con Ellas hablan vuelve con un objetivo: no quedarse corta de épica para mostrar los diálogos que son el centro de la historia: Creemos que esta conversación entre mujeres debería sentirse como si fuera a partir el mundo en dos: no es algo sutil, y no debería serlo, dice la directora, que sigue: Si esta fuera una conversación entre hombres sobre cambiar el mundo, no habría dudas de su peso e importancia. Estas mujeres están ante una tarea monumental, y quería darles esa amplitud, ese espacio. Quería que cada fotograma desprendiera el infinito potencial y las posibilidades contenidas en una conversación sobre cómo volver a construir un mundo roto.
HABLAR PARA CAMBIAR EL MUNDO.
El título lo dice todo: ellas hablan para romper el silencio, para que la opresión tome forma mediante palabras y las soluciones se articulen en voz alta. El resultado es poderoso, y un reflejo de todas las cuestiones atemporales que Polley extrajo del material original: Preguntas sobre el perdón, la fe, los sistemas de poder, los traumas, la sanación, la culpabilidad, la comunidad y la autodeterminación…, pero también me dejó con una sensación asombrosamente esperanzadora. La palabra es el motor que mueve a las protagonistas a través de largas charlas y durísimas experiencias personales. Sobre ellas pesa una cuenta atrás y una decisión por tomar. Sea cual sea el resultado final, el viaje no habrá sido en balde ◆
ESTRENO: 17 FEBRERO
Women Talking (EE. UU., 2022, 104 min.). DRAMA.
“CREEMOS QUE ESTA CONVERSACIÓN ENTRE MUJERES DEBERÍA SENTIRSE COMO SI FUERA A PARTIR EL MUNDO EN DOS: NO ES ALGO SUTIL, Y NO DEBERÍA SERLO”.
Sarah Polley, directora.
Desde su condición de estrella global, convertida en la imagen de Chanel nº5, la actriz aviva el cine francés por partida doble con ‘Asuntos familiares’, de Arnaud Desplechin, y con ‘Astérix y Obélix: El Reino Medio’, nueva aventura de los irreductibles galos, dirigida por Guillaume Canet, pareja de la intérprete. Por M. Yáñez (Festival de Cannes).
Me encanta reencontrarme con directores a los que admiro, afirma una Marion Cotillard (París, 1975) que acompaña sus palabras con hechos. En el caso de Arnaud Desplechin, Asuntos familiares supone la tercera colaboración entre la actriz y el director, 26 años después de que Comment je me suis disputé… (ma vie sexuelle) propulsara a Cotillard a la primera línea del cine de autor francés. Cuando repito con un director, hay mayor confianza y conocimiento mutuo, y siento que tengo un papel más activo en la construcción del film, señala la actriz. Aunque, más allá de su complicidad con algunos cineastas, Cotillard aspira a colaborar con gente implicada a nivel personal con la creación artística. Cuando ruedas con Arnaud (Desplechin), puedes sentir que está poniendo luz en su vida a través de su cine. Ese vínculo estrecho entre cine y vida se manifiesta también en las cinco películas que Cotillard ha protagonizado para Guillaume Canet, su pareja desde 2007 y padre de sus dos hijos, Marcel (nacido en 2011) y Louise (2017). Su nuevo trabajo juntos es Astérix y Obélix: El Reino Medio, en la que Canet, actor además de director, hereda el personaje de Astérix tras ser encarnado por Christian Clavier, Clovis Cornillac y Édouard Baer.
En Asuntos familiares, Cotillard interpreta a una actriz cuyos problemas personales interfieren en su trabajo, llegan-
do a incapacitarla para actuar. ¿Cómo gestiona Cotillard la frontera entre su personalidad y la de sus personajes? Nunca utilizo mi propia vida para construir mis personajes y no sigo un método actoral preestablecido, indica la actriz. Sin embargo, en el caso de Asuntos familiares, Cotillard sintió que, durante el rodaje, necesitaba mantener una cierta distancia respecto al actor Melvil Poupaud, con quien mantiene un agrio rifirrafe fraternal en la ficción. Fue una sensación rara, porque estaba feliz de poder trabajar con Melvil. Lo admiro mucho, tiene una energía muy positiva y nos conocemos, a través de amigos mutuos, desde hace 20 años. Pero, en cuanto empezamos a rodar, sentí que necesitaba evitarlo, confiesa la actriz. Tenía miedo de que él pensara que soy una persona fría y antipática, pero al mismo tiempo era interesante explorar ese distanciamiento. No le explicité en ningún momento que se trataba de una estrategia actoral. Simplemente surgió… y creo que él lo comprendió. Tras el rodaje, hemos podido conocernos y tenemos una relación estupenda.
Además de por su faceta como actriz y modelo, Cotillard destaca por ser una de las estrellas globales más implicadas en proyectos filantrópicos, vinculados sobre todo al ecologismo y ambientalismo (es portavoz de Greenpeace desde
La actriz es Cleopatra en ‘Astérix y Obélix: El Reino Medio’.
La nueva película de Arnaud Desplechin ahonda en un universo, el de las rencillas familiares, que ha engendrado algunas de las mejores películas del cineasta, títulos como Reyes y reina (2004) o Un cuento de Navidad (2008). Aquí, los enfrentados son una hermana, Alice (Marion Cotillard), y un hermano, Louis (Melvil Poupaud), que llevan odiándose profundamente durante 20 años y que se ven obligados a reencontrarse por la muerte de sus padres. Para Cotillard, lo interesante de Alice es que, además de ser actriz, vive metida en un papel, una máscara de entereza que le permite esconder sus miedos e inseguridades. Llevar esa máscara todo el tiempo acaba destruyéndola.
ESTRENO: 24 FEBRERO
Frère et soeur (Francia, 2022, 108 min.). DRAMA.
En la nueva aventura cinematográfica de los personajes creados por René Goscinny y Albert Uderzo, la quinta de la saga, Guillaume Canet y Gilles Lellouche son los encargados de dar vida a Astérix y Obélix. En esta ocasión, la acción se sitúa en el año 50 a. C. y los célebres guerreros galos son reclutados por una princesa china (Julie Chen) que ansía salvar a su madre, la emperatriz (Linh-Dan Pham), y liberar a la nación oriental tras un golpe de Estado perpetrado por un príncipe traidor (Bun-hay Mean). Sin embargo, César (Vincent Cassel), Cleopatra (Cotillard) y su poderoso ejército, sedientos de una nueva conquista, también se dirigirán hacia el Reino Medio.
ESTRENO: 3 FEBRERO
Astérix & Obélix: L’Empire du Milieu (Francia, 2023, 111 min.). COMEDIA.
2001 y ha participado en campañas de UNICEF y World Wildlife Fund). Preferiría no tener que ser una activista, eso significaría que vivimos en un mundo perfecto, pero el mundo está lleno de injusticias y hay algo en mí que me empuja a buscar soluciones. Es una parte esencial de mí misma. Creo que si no estuviese metida en esto tan raro que llamamos celebridad estaría igual de implicada en proyectos filantrópicos. Fui criada en el respeto a los demás y me saca de quicio ver cómo no nos respetamos a
nosotros mismos y a los que nos rodean, remata Cotillard. Preguntada por el movimiento #MeToo, la actriz defiende que queda mucho camino por recorrer. Debemos mantener la presión y seguir despertando conciencias. Debemos decirles a las jóvenes de hoy que es posible romper cualquier barrera. ¿Y qué mujeres la han inspirado en su lucha? Cotillard se queda con Wangari Maathai, la política feminista y ecologista keniana, fundadora del Movimiento Cinturón Verde y ganadora del Premio Nobel de la Paz en 2004. ◆
“NUNCA UTILIZO MI PROPIA VIDA PARA CONSTRUIR MIS PERSONAJES NI SIGO UN MÉTODO PREESTABLECIDO”.Cotillard junto a Melvil Poupaud en ‘Asuntos familiares’.
‘El triángulo de la tristeza’. ¿Quién para a Ruben Östlund? Tras triunfar en Cannes 2017 satirizando el mundillo del arte moderno en ‘The Square’, el cineasta sueco levantó su segunda Palma de Oro con una salvaje invocación de la lucha de clases. Por M. Y. (Festival de Cannes).
DE QUÉ VA: Carl (Harris Dickinson) y Yaya (Charlbi Dean), una pareja de influencers, llega a un yate de lujo donde el capitán (Woody Harrelson) se niega a salir de su camarote.
Hundir la flota. El segundo de los tres actos de El triángulo de la tristeza, la nueva sátira sobre el privilegio del sueco Ruben Östlund, fue filmado en el yate ‘Christina O’, antigua propiedad del magnate griego-argentino Aristóteles Onassis. Fue interesantísimo estar en un yate por el que ha pasado toda la élite del mundo occidental, y descubrir, por ejemplo, que en su último servicio, la tripulación había recibido una propina de 250.000 euros, señala el director de The Square (2017).
Aunque lo que más me llamó la atención es que la tripulación de esos yates de lujo tiene prohibido decir ‘no’a los clientes. En el film, cuando un pasajero pide Nutella para desayunar, se contrata un helicóptero para traerla. Y cuando a una mujer se le ocurre que la tripulación debe tomar un baño relajante en el mar, los trabajadores cumplen la orden sin rechistar. Imponer al otro el divertimento me parece el abuso de poder definitivo, sentencia Östlund.
La moda y el capitalismo inverso. Los protagonistas de El triángulo de la tristeza son una pareja de modelos
que se ven atrapados en una versión esperpéntica de la lucha de clases. ¿Por qué decidió Östlund poner el foco en el mundo de la moda? Me interesaba la idea de que los modelos masculinos suelen cobrar un tercio de lo que perciben las modelos por su trabajo. Se produce un reflejo inverso de lo que ocurre en el conjunto de la sociedad. Según el cineasta, entre los modelos, no hay lugar para la vanidad. En las sesiones fotográficas, a los chicos se les suele llamar male models, porque ellas son las verdaderas ‘models’, explica Östlund, que defiende que sus tres últimas películas –Fuerza mayor (2014), The Square (2017) y El triángulo de la tristeza (2022)– forman una trilogía sobre cómo ser hombre en nuestro tiempo. Para el sueco, los tres films están protagonizados por hombres que no saben cómo lidiar con su propia masculinidad. Marxismo sui géneris. Hijo de padres comunistas, Östlund (Styrsö, Suecia, 1974) ha hecho de su cine un arma arrojadiza contra las miserias de las clases privilegiadas, aunque el cineasta, un agitador empedernido, tiene palabras de elogio para los multimillonarios. Son buena gente. Algunos de ellos han financiado El triángulo de
“LOS RICOS PUEDEN SER GENTE MAGNÍFICA, PERO LA IZQUIERDA HA ASUMIDO UNA MANERA REDUCCIONISTA DE EXPLICAR EL MUNDO”.
la tristeza. Cuando les presenté el proyecto, les pareció tronchante el modo en que retrataba su mundo. Según el cineasta, tenemos una concepción errónea de la sociedad, marcada por un relato absurdo que vincula la pobreza con la generosidad y la bondad, y la riqueza con el egoísmo y la superficialidad. Los ricos y los famosos pueden ser gente magnífica, pero la izquierda ha asumido esta manera reduccionista de explicar el mundo. De hecho, han olvidado que Marx no tenía problemas en entablar amistad con los propietarios de las fábricas al mismo tiempo que luchaba por una sociedad más igualitaria. La pantalla como confesionario. Östlund suele inspirarse en episodios íntimos para componer escenas hilarantes, como la que abre El triángulo de la tristeza en la que una pareja de influencers discute por quién paga la cuenta de una lujosa cena. Esto me ocurrió aquí en Cannes, en la primera cita con mi mujer. Quise impresionarla invitándola, pero al mismo tiempo no quería actuar siguiendo un estereotipo masculino tradicional. Gracias a Dios, después de pagar tres o cuatro cuentas, ella me dijo: Vale, mañana invito yo. Al día siguiente, estaba tan angustiado esperando que ella pagara la cuenta que, cuando la trajeron a la mesa, me incliné hacia delante, simulando que iba a cogerla, y ella me dijo: Gracias, cariño, qué detalle por tu parte, explica Östlund mientras esboza una sonrisa irónica. Otro elemento confesional de El triángulo de
la tristeza es la pasajera del yate de lujo que repite una y otra vez las palabras In den wolken (‘en las nubes’, en alemán). Ese personaje está basado en mi suegra, que sufrió un ataque cerebral hace dos años, confiesa el director. Es una mujer increíble, tiene un gran sentido del humor y goza de
Con las Palmas de Oro logradas por The Square y El triángulo de la tristeza, entregadas por los jurados presididos por Pedro Almodóvar y Vincent Lindon, Ruben Östlund ya forma parte del selecto club de 10 cineastas doblemente laureados en Cannes. Un panteón en el que también figuran el sueco Alf Sjöberg, el estadounidense Francis Ford Coppola, el japonés Shôhei Imamura, el serbio Emir Kusturica, el danés Bille August, los belgas Luc y Jean-Pierre Dardenne, el alemán Michael Haneke y el británico Ken Loach.
una vida muy plena, pero solo puede comunicarse mediante esa frase. Tras el ataque, ella y su marido, como muchos alemanes, se fueron a vivir a Mallorca, y después de tener un bebé nosotros también nos mudamos allí. Subversión escatológica. La cima incendiaria de El triángulo de la tristeza llega cuando un vendaval marino convierte el yate de lujo en un festín de vómitos y descomposiciones. ¿Cómo fue filmar ese festín de regurgitaciones? Fue muy complejo a nivel logístico. Utilizamos unos tubos que los actores se metían en la boca para simular los vómitos. Luego, Östlund y su equipo se recrearon en la escatología. Si te fijas, al principio, los vómitos son densos, con tropezones, y al final ya son puro líquido, afirma el cineasta mientras ríe como un niño travieso. En Cannes, la escena despertó comparaciones con la mítica secuencia de los vómitos de El sentido de la vida (1983). Cuando los Monty Python hicieron esa película, habían alcanzado una confianza que les permitía llevar al extremo sus ideas, señala Östlund. Con El triángulo de la tristeza quería hacer lo mismo, una película salvaje y entretenida que no cayese en la gravedad impostada de un cierto cine de autor. Para ello, la escena de los vómitos debía ser mucho peor de lo que el público pudiese esperar. ◆
ESTRENO: 17 FEBRERO
‘Tengo
La costarricense Valentina Maurel (1988) debuta en el largometraje con este drama de iniciación con el que ha triunfado en el Festival de Locarno (premios a la Dirección, Actriz y Actor). Por Juan Pando.
DE QUÉ VA: Tras el divorcio de sus padres, la adolescente Eva (Daniela Marín) quiere mudarse con su progenitor (Reinaldo Amien), un hombre inmaduro y violento.
Sus cortos, primero, y ahora su primer largometraje tratan del núcleo familiar. Vengo de una familia un poco particular [es hija de artistas: madre costarricense y padre francés] y es un aspecto que me interesa. Las preguntas que me hago con respecto a la vida tienen que ver siempre con la relación filial y con lo heredado de los padres. Por eso le he dedicado la película a mis hermanas, Abril y Ardelita. Me daba miedo robar-
les su historia e imponerles la mía. ¿Cuánto hay de autobiográfico en el film? Muchas cosas, pero otras, no. Prefiero no pensar en eso porque lo más ficticio es a veces lo más biográfico. Me gusta que la relación con lo real pase por la ficción. Ahí es donde me desnudo más. ¿Por qué se centra en la adolescencia?
Me interesa porque es un momento de gran lucidez y, a la vez, de extravío, en el que se descubre el mundo. Con esta película me he dado cuenta de que los adultos están también muy extraviados (risas).
Los desorientados parecen los hombres.
El cine ha reflejado desde distintos puntos de vista el vínculo de amor y admiración, no exento de incertidumbres, que une a las hijas con sus padres, desde la más tierna infancia a la edad adulta.
Esa es la tragedia de Eva. Ella está muy centrada, pero depende mucho de la validación de la mirada del padre. Qué terrible que el amor propio esté sujeto a la aprobación de alguien que está tan perdido como lo está él. La violencia está muy presente. El padre confunde la vitalidad con la violencia. La adrenalina del dolor es la forma en la que se siente más vivo. Eso es algo que le transmite a Eva. La violencia no es una exclusiva masculina. Aborda el despertar sexual de la joven con escenas muy explícitas. Se suele presentar a los adolescentes como objeto de deseo o con una sexualidad muy delicada. Yo he querido desdramatizar el tema y mostrar el deseo adolescente como creo que es en realidad. Mi suerte fue que Daniela, la actriz, tiene una relación muy serena y muy liberada al respecto. Por eso nos fue fácil filmar esas escenas. Las dos sentíamos que no lo estábamos edulcorando, y que no había tampoco morbo. ◆
ESTRENO: 3 FEBRERO
(Bélgica, Francia, Costa Rica, 2022, 102 min.). DRAMA.
sueños eléctricos’.Daniela Marín Navarro y Reinaldo Amien, hija y padre en la ficción.
La Rabiye Kurnaz del título es la madre alemanoturca de uno de los encarcelados en Guantánamo tras los atentados del 11-S. Dirigida por Andreas Dresen, es un viaje al núcleo de la política internacional. Meltem Kaptan recibió el premio a Mejor Interpretación en Berlín.
ESTRENO: 3 FEBRERO
‘Rumba terapia’. El actor Franck Dubosc se pone por segunda vez detrás de la cámara para protagonizar una historia que se aleja de la clásica comedia francesa para reflexionar sobre las segundas oportunidades. Por Ana Santos (París).
DE QUÉ VA: Tras superar un infarto, Tony, un solitario conductor de autobús de mediana edad, decide acercarse a la hija que nunca conoció apuntándose a sus clases de baile.
La familia primera. La paternidad es el antídoto perfecto contra la vanidad que impera en el mundo del cine. Ser padre es lo más importante que me ha pasado en la vida. Yo tendía a sentirme muy orgulloso de mis logros y a hablar mucho sobre mí y ahora son ellos los que llenan el 95 por ciento de mi tiempo, afirma Franck
Dubosc (Le Petit-Quevilly, 1963), director y protagonista de Rumba terapia
EL DATO
Director accidental. Dubosc es la prueba de que nunca es tarde para hacer los sueños realidad. De niño tenía una cámara y lo filmaba todo, pero eso de ser el jefe me hacía perder amigos y lo dejé, cuenta. Hasta que pasados los 50 empezó a escribir un guion y el productor le animó a dirigirlo.
Quería hacer un film sobre la paternidad y el abandono, porque desde que nacieron mis hijos me siento culpable por desentenderme constantemente de ellos para ir a trabajar. Pensé que en el futuro podrían reprochármelo, pero que quizá me perdonarían si les hacía partícipes del rodaje de una historia como esta. Y creo que la estrategia ha funcionado, continúa con una sonrisa el protagonista de películas como Barbacoa de amigos (2014) y padre de dos chicos preadolescentes
que tienen un pequeño papel en el film. Sonrisas y lágrimas. La idea de incorporar la música y el baile a la trama surgió al comienzo del proceso creativo de forma natural. Sin duda, escribir el guion es la parte más complicada, pero si lo haces bien el resto funciona a la perfección. Y creo que escoger la rumba fue un acierto porque tiene el color y el ritmo perfectos para hablar de amor. Aunque para enfrentarse a ello como actor tuviera que superar el miedo escénico que le provocaban las lecciones de baile. Aunque no di muchas clases porque deseaba que resultara creíble que mi personaje estaba aprendiendo y cometía errores, pero tampoco quería que el espectador viera al Dubosc cómico y se quedara en el gag, explica. Porque en su segunda película como guionista y director tras Sobre ruedas (2018), el cineasta ha cambiado de registro: Este film no es una comedia al uso porque está teñida de melancolía y he priorizado la emociones, afirma.
ESTRENO: 24 FEBRERO
Rumba la vie (Fra., Bél., 2022, 102 min.). COMEDIA.
Thriller inspirado en un caso real de 2017 sobre una serie de acusaciones falsas contra un diplomático francés al considerarse enemigo de la patria rusa (el procedimiento se conoce como kompromat). Dirige Jérôme Salle con Gilles Lellouche como protagonista.
ESTRENO: 27 ENERO
Zaida Carmona debuta en el largo en esta comedia de enredo lésbica rodada en 11 días y financiada a través de Verkami, con la que homenajea a su generación y a las películas y canciones que la han marcado. Con Rocío Saiz, Alba Cros, Thaïs Cuadreny y Aroa Elvira.
ESTRENO: 3 FEBRERO
Está sola, es de noche, tiene frío y busca a alguien, preferiblemente menor de edad, para que juegue con ella. La muñeca de ‘La niña de la comunión’ llega a nuestro fantástico para quedarse. Su director nos la cuenta. Por F. F. (Festival de Sitges).
Sí, resulta curioso y es verdad, pero se ve que estaba escrito que tenía que ser con un proyecto así y con una película, en el fondo muy mía, como esta con la que sucediera. Víctor García (Barcelona, 1974) reflexiona ante el hecho de que, cortometrajes en sus inicios aparte, sea La niña de la comunión el primer largometraje que rueda en casa, no solo en España, sino en su Catalunya natal. Tenía cierta reputación en el ámbito de los efectos especiales, prosigue el director, quien en ese terreno vio su nombre en los títulos de crédito de films (de género) como Dagon: La secta del mar, Hellboy o El laberinto del fauno, estas dos últimas de ese Guillermo del Toro a quien tanto admira. Mi cortometraje, El ciclo, me abrió curiosamente las puertas fuera, en Hollywood, también en el cine de terror y fantástico. Volver aquí era una deuda pendiente Construyendo la muñeca perfecta. Toda la película mantiene una coherencia con la mitología de la muñeca y la leyenda urbana de la cual surge, explica Víctor García. Es una narración y una estructura poliédrica y compleja dentro de su eficacia como film de terror. Aun así todo queda razonablemente abierto a que esta niña pueda tener otras niñitas en un futuro. Promesa de secuela para un cineasta que destacó precisamente firmando unas cuantas : Return to House on Haunted Hill (2007), Reflejos 2 (2010), Hellraiser: Revelations (2011)… Pero antes tiene que estrenarse, tras su paso por el pasado Festival de Sitges, La niña de
la comunión y presentar en sociedad a esa muñeca maldita de porcelana que hemos procurado alejar lo máximo posible, aunque admire su labor, de la Annabelle de las películas de James Wan Costumbrismo de miedo. A partir de esta imagen de la muñeca y de la leyenda o cuento de miedo que la envuelve desarrollamos la historia teniendo en cuenta que nos interesaba la atmósfera costumbrista de pequeña ciudad de provincias como en muchos clásicos del fantaterror nacional, cuenta Víctor García. Queríamos que la trama se situara en los años 80 porque para mí sigue siendo la década en que me enamoré del cine de terror, y porque en el guion nos permitía, tanto a Guillem Clua (coautor del libreto al que acabamos de ver firmando el de Los renglones torcidos de Dios) como a Alberto Marini (todo un especialista del género: Mientras duermes, las Historias para no dormir Freddy y El televisor, entre otras) recuperar una cierta inocencia en el género: no hay móviles y nos permitía hablar de una España entre la tradicional y gótica y la de los primeros años de la democracia el siglo pasado. En el reparto, además de rostros jóvenes como Carlos Oviedo o Marc Soler, dos nuevas reinas del grito nacional: Carla Campra (ver Fotomatón en pág. 29) y Aina Quiñones (la África durante varias temporadas de Cuéntame cómo pasó).
ESTRENO: 10 FEBRERO
La niña de la comunión (España, 2022, 120 min.). TERROR.
NUESTROS MONSTRUOS FAVORITOS EL CINE DE TERROR NACIONAL HA SIDO FÉRTIL ALUMBRANDO MONSTRUOS ICÓNICOS QUE SIGUEN ALIMENTANDO NUESTRAS PESADILLAS.
Los 80 fueron suyos y en los 90 le llovían los premios, pero para las nuevas generaciones era una desconocida hasta que el universo expandido de Marvel la convirtió en Janet Van Dyne. A los 64 años la veremos desplegar de nuevo su talento (y su aguijón) en ‘Ant-Man y la Avispa: Quantumanía’. Por Isabel Navarro. Con Rutger Hauer formó una pareja de leyenda (medieval).
‘THE HOLLYWOOD KNIGHTS’ (1980)
Debutó en el cine con una comedia teen de bromas chuscas, muy de la época (y muy de videoclub), dirigida por Floyd Mutrux: empollones que se tropiezan, gays ridiculizados, pis en el ponche, carreras de coches, tetas a gogó y chistes de pedos. Todo sucedía en una noche de Halloween de mediados de los 60 y ella era Suzie Q, la sexy y rubia camarera de un autocine de Beverly Hills, que soñaba con ser actriz y gustaba a todos los chicos. Desde luego no era Ciudadano Kane, pero por algún sitio siempre hay que empezar.
‘HAIRSPRAY’ (2007)
Denostada por la crítica española y aplaudida por la americana, no le faltaba laca ni gracia a este musical kitsch, donde el papel de la Divine trash de John Waters recae, en este remake de Adam Shankman, en manos de un John Travolta transformado en señora gorda. Pfeiffer brilla con desparpajo como mala malísima y todo tiene un cierto sabor atemporal y vitalista que recuerda a los inicios de su carrera, cuando se convirtió en la Sandy, ironías ‘travoltianas’ del destino, de la petarda Grease 2 (1982).
‘LADY HALCÓN’ (1985)
Con esta fantasía medieval de Richard Donner sobre dos amantes condenados a estar siempre juntos y eternamente separados, alcanzó su estatus de gran belleza de la década. Michelle (sus rasgados y dolientes ojos azules bajo la capucha) se convertía en halcón durante el día y Rutger Hauer, en un lobo por la noche. Con banda sonora de The Alan Parsons Project (cuestionada por su anacronismo), fotografía de Vittorio Storaro y un jovencísimo Matthew Broderick, ¿quién puede olvidar ese amanecer que los une por un instante en su lírico final? De culto.
‘MADRE!’ (2017)
En esta fábula siniestra dirigida por Darren Aronofsky que vivimos desde la subjetividad paranoica de la máter dolorosa que es Jennifer Lawrence, Pfeiffer llega al edén como un vendaval, o una plaga, con su ropa interior verde y su deseo de tocar lo prohibido. Se supone que representa a la Eva bíblica, pero lo que ofrece es una auténtica declaración de principios sobre lo lejos que puede llegar su talento y que los 60 años pueden ser un nuevo comienzo
‘LAS AMISTADES PELIGROSAS’ (1988)
La primera de sus tres nominaciones al Oscar le llegó con un drama de época de Stephen Frears donde la marquesa de Merteuil (Glenn Close) y el conde Valmont (Malkovich) encarnan la decadencia de la aristocracia prerrevolucionaria. Su interpretación de la enamorada Madame de Tourvel es un prodigio lleno de matices sobre los filos de la pasión erótica, el despecho y la culpa con el que demostró que, además de ser abrumadoramente guapa, era una gran actriz.
‘LO QUE LA VERDAD ESCONDE’ (2000)
Tras interpretar algunos de los papeles más importantes de los años 90 (como la Madame Olenska de La edad de la inocencia),este thriller sobrenatural junto a Harrison Ford y dirigido por Robert Zemeckis es el último taquillazo de una carrera que, a partir de su matrimonio con David E. Kelley en 1993 (uno de los grandes popes de la TV USA, responsable de series como Ally McBeal o Big Little Lies) empezó a languidecer. ¿Su razón? Dejó pasar grandes proyectos para pasar más tiempo con sus hijos
Que Garry Marshall escogiera a Pfeiffer para encarnar a Frankie, un papel que había sido de Kathy Bates en Broadway, hizo que más de uno levantara la ceja. Sin embargo, logró hacer suyo el personaje de una camarera agotada y sin blanca, herida por la vida y por los hombres, que poco a poco logra abrirse a la intimidad con Johnny, un cocinero salido de prisión e interpretado por Al Pacino, con el que coincidió años antes en El precio del poder (1983).
Aunque muchos sigan creyendo que Pfeiffer nació para ser Catwoman (la mirada felina ya la traía de fábrica), el universo Marvel (donde las criaturas cinematográficas no hacen más que crecer y multiplicarse) tenía reservado para ella un papel más punzante. Esta tercera entrega de la saga liderada por Paul Rudd y dirigida, como las dos anteriores, por Peyton Reed nos sumerge en el Reino Cuántico e inaugura la Fase 5 fílmica de la Casa de las Ideas. La cinta cuenta con Jonathan Majors como Kang el Conquistador, el nuevo villano, y parece que la Avispa original, o sea, Janet Van Dyne (Pfeiffer) podría ser algo menos secundaria.
ESTRENO: 17 FEBRERO
Ant-Man and the Wasp: Quantumania (EE. UU., 2023, 125 min.). FANTÁSTICA.
‘Irati’. Diosas milenarias, la batalla de Roncesvalles, el tesoro de Carlomagno… Todo está en esta aventura que Paul Urkijo regala a fans del género de ‘espada y brujería’. Con él hablamos de seres mitológicos y películas como las de antes. Por Fausto Fernández.
DE QUÉ VA: Siglo VIII. El joven y cristiano protector de una tribu deberá confiar en una chica pagana para ir a un bosque donde todo lo que tiene nombre existe.
La pasión de un cuentacuentos. Mientras siga teniendo oportunidades voy a serle fiel a la fantasía y a lo fantástico. No entiendo, de momento, otra manera de expresarme como cineasta y como artista, como persona diría incluso. Desde que empecé a dibujar cosas, desde que me lancé a escribir y dirigir cortos, desde que estrené Errementari (El herrero y el diablo) (2017) y ahora que por fin, a finales de febrero, llegará al público Irati, es este el maravilloso mundo de leyendas, de cuentos y de seres que existen porque todo aquello que tiene nombre existe, en el que quiero permanecer. Escuchar a Paul Urkijo (Vitoria, 1984) hablar con tamaña
pasión de su segundo largo –encabezado por Eneko Sagardoy, Edurne Azkarate e Itziar Ituño y que se inspira, libremente, en los personajes de la novela gráfica El ciclo de Irati, de J. L. Landa y J. Muñoz– nos confirma a un director, a un narrador (o un cuentacuentos, definición que él mismo reivindica) realmente apasionado. Quiero seguir siendo el niño a quien su padre le contaba historias extraordinarias cuando íbamos al bosque. Quiero compartirlas con los espectadores. Y quiero también ser el chaval que descubrió, muchas de ellas en vídeo o en TV, películas de aventuras, de espada y brujería, que son las que he querido hacer siempre. Fantasía y realidad. El camino hacia Errementari me llevó unos ocho años, recuerda con una sonrisa (¿irónica?) Urkijo. El de Irati ha sido solo de seis,
vuelve a sonreír. Espero ir acortando las distancias en mi próxima película (la sonrisa es ya completa). Voy siempre a saco, soy de los del doble salto mortal en cada proyecto, pero me curo mucho en salud porque cuando me presento ante un productor tengo ya muy claro qué quiero contar y cómo. Preparo un libro (que nos enseña: una preciosidad que debería editarse comercialmente) con todo el diseño y el arte conceptual del film. Es mi manera de enseñar que podré estar hablando de un argumento mitológico y de fantasía, pero que para mí es todo real, todo es factible de reproducirse en la realidad que es una película.
En la profundidad del bosque. Supongo que para una superproducción actual todo es más sencillo, más controlable, si lo ruedas en un estudio y luego en
posproducción recreas esos mundos donde transcurre la acción. Nunca he trabajado en ninguna, no sé lo que haría, ríe el director con esa suerte de tentación en un futuro. Lo que sí sé, y eso que en términos de producción fue costoso, trabajoso y duro, es que tenía que rodar en los escenarios naturales reales. No únicamente por dotar a los elementos de mitología y fantásticos de una base, una textura real, sino porque Irati habla en el fondo de la tierra, de la madre Tierra. La gran diosa, el origen de la mitología vasca, comparable a todas las Venus primitivas que cono-
1. El film se rodó en escenarios del País Vasco, Navarra o Huesca, como el castillo de Loarre. 2. La cinta, con sangrientas batallas, se llevó el Premio del Público en el último Sitges. 3. Oneka (Nagore Aranburu) y Virila (Ramón Agirre). 4. Edurne Azkarate es Irati.
cemos, nace de ella y la representa. La tierra se humedece con sangre, se nutre de la lluvia, ve pasar a los seres fantásticos y a los humanos, a algunos les proporciona refugio, y busca permanecer eternamente. Si el plan de rodaje exigía descender durante 20 minutos a una cueva y quedarse allí todo un día, sin salir ni para hacer nuestras necesidades, allí nos quedábamos.
Para mí es LA película. Lo tiene todo. Y todo está en mi cine y especialmente en Irati. Paul Urkijo habla de La princesa Mononoke (Hayao Miyazaki, 1997), una de las joyas de la animación y de su director japonés. Hay en ella esos dos mundos, el de fantasía y el moderno que es una amenaza, tratados como trato yo la mitología: como algo real. Es una película abiertamente ecologista, que habla de la tierra. En ella, en realidad, no hay personajes ni buenos ni malos. Y está ella, Mononoke, mi Irati.
En tiempos de brujas. Me estás nombrando los títulos que han sido mis referentes en Irati, asiente Paul Urkijo. Hay mucho, tratado de manera muy inteligente sin perder jamás el sentido de la épica y la espectacularidad (la batalla sangrienta rodada en casi plano secuencia), de obras que hablaron del choque entre lo pagano y el cristianismo, de cómo el segundo absorbió de manera sincrética al primero como El señor de la guerra (Franklin J. Schaffner, 1965), Excalibur (John Boorman, 1981) o El dragón del lago de fuego (Matthew Robbins, 1981). La película, prosigue el director, habla de estos dos mundos que se cruzan. En uno hay criaturas fantásticas, brujas… En el otro, guerreros, clérigos, reyes… Y hay un personaje, el pagano, el que acompaña al héroe masculino, que es mujer. No he buscado un discurso feminista prefabricado, apunta Urkijo, pero es evidente que es el personaje de Edurne Azkarate, que da título al film, el que rompe con el tópico del héroe del ideal apolíneo que se erige como único salvador. Estas cosas las hablamos mucho antes del rodaje con Edurne y Eneko (Sagardoy). Aunque soy un director con fama de perfeccionista y de no cambiar ni una coma del guion, esta vez he estado más abierto a la sinergia con el equipo. ◆
ESTRENO: 24 FEBRERO
Irati (España, Francia, 2022, 114 min.). FANTÁSTICA.
“EL FILM HABLA DE DOS MUNDOS QUE SE CRUZAN. EN UNO HAY CRIATURAS FANTÁSTICAS, BRUJAS… EN EL OTRO, GUERREROS, CLÉRIGOS Y REYES”.
‘Los hijos de otros’. Cargada de sutileza y sensibilidad, la directora Rebecca Zlotowski explora qué significa ser madre en su nueva película, protagonizada por Virginie Efira y con premier en la Mostra de Venecia. Por Mireia Mullor (Festival de Sevilla).
DE QUÉ VA: Rachel (Virginie Efira) es una profesora de 40 años que empieza una relación con Ali (Roschdy Zem), lo que la convierte en la madrastra de su hija Leïla, de 4 años.
Maternidad poliédrica. Los hijos de otros empezó como una adaptación de la novela Au-delà de cette limite votre ticket n’est plus valable de Romain Gary, un relato sobre la impotencia masculina protagonizado por Roschdy Zem, y acabó convirtiéndose en una mirada a una crisis femenina de los 40 atravesada por la maternidad –o la falta de ella– que resonó fuerte en la guionista y directora Rebecca Zlotowski. Cuando la escribí era una mujer sin hijos que experimentaba el final de mi fertilidad, pero mientras la rodaba me quedé embarazada y al terminar la película ya era madre, cuenta sobre su viaje en paralelo
✓ Virginie Efira viene de dar el salto internacional como protagonista de Benedetta, de Paul Verhoeven.
✓ Chiara Mastroianni aceptó interpretar un rol pequeño en el film porque le encantó el guion.
✓ Rebecca Zlotowski se encuentra escribiendo el remake de Emmanuelle con Audrey Diwan (El acontecimiento).
a la creación de la película, donde, a pesar de los estereotipos patriarcales, lo maternal encuentra numerosos significados y espacios. Subvertir la mirada. Zlotowski cuestiona la idea de la madrastra –aquí no es la mala del cuento, sino la protagonista–, y también la perspectiva del deseo. En una escena, la cámara recorre el cuerpo desnudo de Zem mientras se ducha bajo la mirada atenta de su amante. Quería proponer cosas que no se han visto mucho: los desnudos masculinos no tienen más misterio, pero en momentos como este intento extraer toda su sensualidad, explica la directora. Lo que me gusta de la desnudez es que tenga una motivación, que no sea gratuita, añade. Como en Una chica fácil (2019), Zlotowski subvierte los tópicos arraigados en el
cine y busca nuevas formas de escapar de la dominante mirada masculina. Esto pasa, asegura, por no repetir las mismas fórmulas de siempre: He crecido en una época en la que, para ser feminista en el cine, las mujeres tenían que ser astronautas o heroínas rodeadas de objetos fálicos para empoderarlas, pero se trata de reconstruir ese relato y adaptarlo a cada persona. Ahora bien, la contundencia de estas ideas no quiere decir que lo político haya tenido más peso que lo personal en su nuevo trabajo. Feminismo es elegir. Esta película no es un panfleto feminista ni tampoco pretende hacer apología del deseo de tener hijos bajo un enfoque patriarcal, advierte la directora, que muestra en Los hijos de otros un gran abanico de personajes, situaciones y decisiones complejas que reflejan la vida contemporánea con gran naturalidad. En el centro hay una mujer que, como la propia Zlotowski, tuvo que lidiar con su idea de la maternidad. He querido abordar esta situación con un discurso más sutil, sin entrar en la radicalidad política, y justamente apostar por la emoción: por supuesto que estoy completa sin hijos, pero quiero poder elegir si quiero tenerlos. Se trata de demostrar que hoy en día hay muchas maneras de crear familias y ahora nos toca a nosotras replantearnos las estructuras ◆
ESTRENO: 3 FEBRERO
Les enfants des autres (Francia, 2022, 103 min.). DRAMA.
Tras volar junto a Tom Cruise en ‘Top Gun: Maverick’, este texano de 34 años vuelve a surcar los cielos con ‘Devotion. Una historia de héroes’, una cinta basada en una impactante hazaña real bélica que confirma su despegue en Hollywood. Por R. S.
DE QUÉ VA: Uno de los primeros pilotos negros de la Marina, Jesse Brown, y su colega Tom Hudner son destinados a una peligrosa misión en la Guerra de Corea.
Mentores apasionados. Dos consejos han marcado la carrera de Glen Powell (Austin, Texas, 1988). El primero se lo dio Denzel Washington en el set de El gran debate (2007), cuando era un chaval que no sabía si tomarse en serio su pasión, actuar. Hollywood es una maratón, hijo. No un sprint. Debes correr a tu ritmo, le dijo. Palabras que lo convencieron para probar suerte en Los Ángeles. Ahí vería si los pequeños papeles que había conseguido en la escena cinematográfica local, entre ellos un rol en Fast Food Nation (2006), del pope del indie texano, Richard Linklater, otro de los nombres clave en su carrera, podían ser algo más. El segundo consejo llegó mucho más tarde, cuando tenía en su haber un puñado de secundarios de todo tipo –fugaces como su criminal en el blockbuster El caballero oscuro: La leyenda renace (2012); lunares como el astronauta John Glenn en Figuras ocultas (2016), o televisivos, como su paso por dos temporadas de la serie Scream Queens (2015-2016)–, y fue cosa de Tom Cruise. Estábamos rodando Top Gun: Maverick, en el set, cuenta Powell en conversación virtual con FOTOGRAMAS. Y no sé cómo acabamos hablando de cómo escoger proyectos, de en qué tienes que fijarte y valorar. Tom me dijo: Yo escojo grandes películas y busco hacer mejores los personajes. Lo que valoro tanto de uno como de otro consejo es que vienen de gente a la que tengo la inmensa suerte de considerar mentores, gente que han demostrado una tenacidad y un compromiso
inalterables con las historias que quieren contar. Y esa pasión, ese empeño en sacar tus sueños adelante, es lo que me hago mío. Una historia de amistad. Un empeño que prueba con Devotion. Una historia de héroes, una cinta a la que he dedicado seis años de mi vida, explica Powell, desde que di con la historia por casualidad, leyendo el libro de Adam Makos en un viaje de pesca, y descubrí la figura de Jesse Brown, dice de uno de los primeros pilotos negros de la Marina estadounidense, caído en combate en la Guerra de Corea en 1950. Es increíble que no sea mucho más conocido, incluso en el seno del propio ejército. Para mí es una de las historias definitivas de amistad, camaradería y sacrificio. Jonathan Majors –este mes en Ant-Man y
la Avispa: Quantumanía– se encarga de interpretar a Brown, mientras que Powell, productor de un film que dirige J.D. Dillard (Sweetheart), es Tom Hudner, su compañero de misión. Soy consciente de lo curioso que es saltar de un F-18 en Top Gun: Maverick a ponerse a los mandos de un caza de los años 50, de interpretar a dos pilotos seguidos. Pero creo que no corro peligro de encasillarme, bromea. Y también fue una ventaja: pude ayudar a mis compañeros en las escenas de cabina y después, al haberme sacado la licencia de piloto gracias a Tom (Cruise), no paré de tomarle el pelo a Jonathan (Majors), que es una bestia a la hora de preparar sus personajes. Pero aquí le gané, ríe con ganas. Levantar el vuelo. Con el porte y mirada de las estrellas del Hollywood clásico, Powell parece estar en ese punto en el que un actor se convierte en estrella. Algo que puede confirmar su próximo proyecto, Hitman, que lo reúne con Richard Linklater, quien, además también lo dirigió en la festiva Todos queremos algo (2016) y la animada Apolo 10 1/2: Una infancia espacial (2022). Es alucinante estar en las trincheras con Rick, asegura Powell. Hace tiempo leí en el periódico este caso de un policía que ejercía de asesino a sueldo en sus horas libres y me quedé a cuadros, ríe. Durante la pandemia llamé a Rick, se lo conté y nos pusimos a escribir. Había vendido algunos guiones míos antes, pero este es el primero que se convierte en film. La trama es increíble, divertida, sexy… Es el tipo de cintas, como Devotion. Una historia de héroes, a las que me quiero comprometer y dedicar. ◆
ESTRENO: 27 ENERO
“LA DE JESSE BROWN Y TOM HUDNER ES PARA MÍ UNA DE LAS HISTORIAS DEFINITIVAS DE AMISTAD, CAMARADERÍA Y SACRIFICIO”.
Juan Jesús García Galocha, ‘Galo’ para los amigos, director de arte de ‘Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas’ y del corto ganador del Goya ‘Cuerdas’, debuta como director con ‘Momias’, una aventura para padres e hijos en la que nos cruzaremos con arqueólogos, faraones, músicos londinenses, mascotas cocodrilo y, cómo no, momias del antiguo Egipto. Por Silvia Mariscal.
DE QUÉ VA: Thut, Nefer, Sekhem y su mascota cocodrilo Croc viajan al Londres actual para recuperar el anillo de la realeza que ha robado Carnaby, un ambicioso arqueólogo inglés.
l cineasta Juan Jesús García Galocha
lo tiene claro: Si generas empatía en los personajes, te ganas al público.
Y es muy fácil conectar con los personajes de Momias, su debut como director en el largo tras una dilatada trayectoria en la industria animada nacional, porque, aunque representen a los habitantes del antiguo Egipto,son avanzados a su tiempo. Thut y la princesa Nefer, los protagonistas, son independientes y, como ellos dicen, alérgicos al matrimonio. Pero, por temas del destino y ancestrales tradiciones egipcias, acaban comprometidos. Su enemigo Carnaby, un arqueólogo londinense, les roba el anillo de la realeza así que ambos con Sekhem, hermano de Thut, y Croc, la mascota cocodrilo, deberán viajar a Londres para recuperarlo. El contraste de seresdel milenario Egipto en la moderna capital inglesa genera muchos giros y aventuras divertidos. AGalo le interesan los personajes reales y humildes, con los que puedes identificarte y que sean creíbles.
Una historia para todos. Fan de Buscando a Nemo (A. Stanton, L. Unkrich, 2003), Galo coincide con la ley no escrita de Pixar: sacar adelante películas de animación que también puede disfrutar el público adulto. Hay una historia tanto para los niños como para los padres, cuenta. Los valores que queremos transmitir con Momias son el trabajo en equipo, la importancia de la familia y del amor. ◆
ESTRENO: 24 FEBRERO
Momias (España, 2023, 88 min.). ANIMACIÓN.
Un exauriga, con la voz de Óscar Barberán, que, tras sufrir un accidente, decide dejar su profesión. Solterón empedernido, intenta demostrar que es fuerte pero, en el fondo, es muy vulnerable. Tiene sus miedos, como todos, y le cuesta pedir ayuda. Es muy buena persona y abrirá su corazón, cuenta el director.
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Es una princesa astuta, lista, fuerte e independiente. Quiere demostrar a su padre, el faraón, que ella no necesita a nadie para ser feliz. Nefer tiene una personalidad fuerte, dice Galo. No se trata de empoderar a la mujer. Las mujeres son siempre igual de importantes en las historias. Ana Esther Alborg leprestasu voz.
Un ambicioso arqueólogo londinense que hará todo lo posible por conseguir el anillo de la realeza para mostrar en su museo. Es un villano atípico pues lo que busca es el reconocimiento de su exigente madre, explica Galo del personaje al que pone voz Luis Pérez Reina. Sus ayudantes son Danny y Dennis, unos gemelos torpes, despistados y un tanto ingenuos. Su especialidad es meter la pata, cuenta de los roles con las voces de José Javier Serrano Rodríguez y Aleix Estadella.
El hermano pequeño de Thut, interpretado por Jaume Solà. Gracioso y perspicaz, acompaña a Thut y Nefer en todas sus hazañas. La relación entre Sekhem y Thut es de igual a igual. No queríamos mostrar la relación típica entre hermanos: que el pequeño obedezca y el mayor proteja, dice Galo. Ambos se ayudan mutuamente.
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La mascota de Sekhem, un cocodrilo bebé muy tierno, juguetón y listo. Persigue a Sekhem y a Thut sin cesar. ¿Sabías que es una tradición antigua egipcia tener cocodrilos como mascotas? Queríamos una mascota inteligente y empática, capaz de ayudar y comprender a su dueño, apunta el director.
DE QUÉ VA: Freddie vive en Francia, aunque es adoptada y nació en Corea del Sur. Con 25 años viaja a su país de origen, del que no conoce ni el idioma, para conocer sus raíces.
Viaje iniciático. El director Davy Chou (Diamond Island) empezó a pensar en esta película cuando viajó al Festival de Busán acompañado de una amiga nacida en Corea y adoptada por unos padres franceses. Aunque no era el plan previsto, acabó siendo testigo del encuentro
con su padre biológico. Me quedé sin palabras, estaba muy emocionado, cuenta. De ahí nace este film que abarca ocho años en la vida de la protagonista, con una compleja estructura no lineal. A lo largo de cuatro capítulos crea un relato sobre la búsqueda de la identidad que transcurre por caminos imprevistos. Gran parte del mérito se lo debe a la protagonista, interpretada por la debutante Emeline Briffaud, nacida en Corea y emigrada a París a los ocho años. Tenía que acceder a algunos
lugares muy oscuros de ira y autodestrucción, pero también alegres y carismáticos, así como vulnerables. Tiene el talento de los actores no profesionales: no mostrar demasiado su ego. Junto a ella están estrellas del cine coreano como Lim Cheol-hyun (habitual en el cine de Park Chan-wook) y Kim Sunyoung (Broker).
Inspiración autobiográfica. Nacido en Camboya y criado en Francia, Davy Chou entabla relaciones con su propia biografía, marcada por la huida de su familia del régimen de los Jemeres Rojos. Fui criado en una especie de ignorancia en cuanto a mi país de origen, y a los 25 años decidí ir allí y aprender sobre ello. Al igual que mi personaje, Freddie, empecé a explorar un pasado que sabía que tenía, pero que no conocía en detalle. Retorno a Seúl ha sido una de las 15 películas seleccionadas, en representación de Camboya, para optar al Oscar a Mejor Película Internacional.
ESTRENO: 10 FEBRERO
Mirar atrás. A partir del encuentro con un antiguo amor, Joan se refugia en su casa de campo y rememora los últimos 40 años de su vida. Isabelle Huppert da vida a esta mujer que entre lo real y lo imaginado, lo recordado y lo olvidado a medias, realiza un viaje de aceptación de las decisiones tomadas. Se trata del segundo film del director y guionista Laurent Larivière después de Je suis un soldat. Junto a Huppert, Lars Eidinger (visto en la serie Irma Vep y Ruido de fondo) y Swann Arlaud (Un héroe singular).
ESTRENO: 27 ENERO
Familia infeliz. Esta ópera prima de Saim Sadiq recibió el Premio del Jurado Una Cierta Mirada en el pasado Festival de Cannes y es candidata al Oscar a Mejor Film Internacional en representación de Pakistán, donde ha sido censurada. Con un tono de comedia agridulce, realiza una ácida crítica a un sistema anclado en tradiciones patriarcales con un profundo desprecio hacia el colectivo LGTBIQA+.
La Premio Nobel de la Paz, Malala Yousafzai, es su productora y la define como una carta de amor a Pakistán.
ESTRENO: 10 FEBRERO
Esconder el amor. La actriz y directora marroquí Maryam Touzani aborda en este segundo largo el tema tabú de la homosexualidad en las sociedades árabes, como antes había hablado de las madres solteras en Adam (2019). Hay algo bonito en la tradición, pero también hay cosas que deben ser cuestionadas y agitadas, dice. Seleccionada entre las 15 candidatas a Mejor Film Internacional para los Oscar, en representación de Marruecos, la cinta habla de un hombre casado que debe ocultar su condición de gay.
ESTRENO: 24 FEBRERO
Gerard Butler protagoniza ‘El piloto’, un thriller explosivo sobre un avión secuestrado por piratas en una isla remota. Desgranamos los puntos fuertes de esta trama llena de acción con unos personajes al límite. 1
Gerard Butler, actor y productor. Torrance es un piloto experto que debe realizar un aterrizaje de emergencia. Pero la arriesgada maniobra es solo el principio de una odisea que pone en riesgo la vida de todo el pasaje al encontrarse en una peligrosa isla en guerra. Con este guion, Jean-François Richet (El emperador de París) dirige este thriller que Gerard Butler protagoniza y produce. Ha estado al tanto de todo. Es tan increíble como actor como productor. Es muy inteligente y siempre percibe el ritmo que necesita cada escena, explica el realizador. Contando con él para protagonizar la cinta nos quitábamos el lío de tener que pensar en otros actores, porque ya teníamos al intérprete perfecto
2Un héroe inesperado. Richet, responsable entre otras de Asalto al distrito 13, remake de 2005 del clásico de John Carpenter, habla así del protagonista: Es un héroe de a pie. Apuestas por él desde el primer momento y acabas conectado a tope con lo que le pasa. Cuando está en peligro, sufres, y cuando las cosas le salen bien, las celebras. Lo cierto es que el personaje al que da vida Gerard Butler no es un experto en supervivencia ni trabaja para las fuerzas especiales. Sencillamente, es piloto en una aerolínea comercial. El propio Butler dice de él: Es un personaje muy redondo. Tras el aterrizaje hará cuanto esté en su mano para llevar a los pasajeros a casa sanos y salvos.
Un antagonista que se convierte en aliado. El guion, obra del escritor Charles Cumming (conocido por novelas de intriga como Box 88 y Conexión Londres) se enriquece con el secundario al que interpreta Mike Colter (el Luke Cage del universo televisivo Marvel). Se trata de un recluso que ha tomado el vuelo en el último momento esposado y acompañado por un agente del FBI para ser extraditado. Cuando el avión es víctima de un secuestro se convierte en una pieza fundamental para la supervivencia del pasaje y un apoyo imprescindible para el piloto. Ha vivido el conflicto en primera persona y tiene experiencia en tratar con insurgentes. Esta situación le brinda la oportunidad perfecta para resarcirse por su pasado, explica Colter.
4Una localización exótica. La trama se desarrolla en el archipiélago filipino de Joló, situado entre las islas de Mindanao y Borneo. Es una zona sin ley. No es tan mediática como ISIS, pero allí gobiernan extremistas religiosos y piratas capitalistas. Está compuesto por cientos de islas y el Gobierno filipino no tiene recursos suficientes para controlarlas todas, dice el productor, Marc Butan. Esta película está hecha para la gran pantalla, con el sistema de sonido más innovador y rodeado de gente, asegura Richet sobre la espectacularidad del film.El piloto debe disfrutarse a gran escala
ESTRENO: 10 FEBRERO
En ‘Project Wolf Hunting’, un grupo de criminales coreanos se amotina y toma el control del buque que los lleva desde Manila a Busán. Recordamos otros nueve motines, sobre y bajo el agua, de la gran pantalla. Por R. S.
(S. M. Eisenstein, 1925)
Clásico ineludible de la Historia del Cine y la vanguardia rusa, además de símbolo del montaje de atracciones que acuñó Eisenstein, cuenta el motín de la tripulación del Potemkin, una rebelión que se vio como el detonante de la Revolución de 1905.
EL MEJOR MOMENTO
El cochecito de bebé cayendo por las escaleras en el ataque de los cosacos a los ciudadanos de Odesa. Una escena que revolucionó el lenguaje cinematográfico.
2.
(Victor Fleming, 1934)
Tercera adaptación de la novela de Robert Louis Stevenson, la primera sonora así como la más fiel y afamada. Jackie Cooper y Wallace Berry, la pareja de El campeón (1931), son el grumete Jim y Long John Silver, en esta obra maestra del cine de aventuras.
EL MEJOR MOMENTO
La obra de Fleming reúne lo mejor del Hollywood dorado, ese feeling inconfundible de los rodajes en estudio, pero la presentación de Long John Silver es oro puro.
(Edward Dmytryk, 1954)
Siete nominaciones, pero ninguna estatuilla, fueron el premio de esta versión del best seller de Herman Wouk, más un drama judicial que una cinta naval, con un cast estelar: Humphrey Bogart, José Ferrer, Van Johnson y Fred McMurray.
EL MEJOR MOMENTO
El discurso del capitán Queeg, el rol de Bogart, en el juicio. Una proclama tan emotiva que sus compañeros y todo el equipo técnico rompieron a aplaudir cuando finalizó.
(Lewis Milestone, 1962)
Esta versión del motín de la Bounty vivió su particular insurrección en el set: Marlon Brando, tras hacer que despidieran a Carol Reed, hizo caso omiso a Milestone y se dirigió a sí mismo, con la venia del equipo, que no ignoraba al nuevo director.
La tensa escena en la que Christian (Brando) desobedece las órdenes del capitán Bligh (Trevor Howard). Un duelo entre dos gigantes pese al horrible acento británico de Brando.
(Andrew Davis, 1992)
Como Jungla de cristal, pero en un barco. Este era el eslogan de este actioner en el que Steven Seagal encarna a un ex-Navy Seal reconvertido en cocinero que se enfrenta a la banda terrorista que ha tomado el mando de su acorazado.
Tommy Lee Jones roba el film con su terroristaroquero –gafas de sol y chupa de cuero–, pero ‘la’ frase es la de Erika Eleniak cuando descubre el pastel: ¡Dios mío, vamos a morir todos!
(Tony Scott, 1995)
El primer oficial de un subarino nuclear estadounidense se enfrenta a su capitán para evitar que este lance un ataque antes de recibir la orden. Denzel Washington y Gene Hackman brillan en este thriller de Tony Scott con diálogos de Tarantino.
El emocionante saludo entre el oficial Hunter (Washington) y el capitán Ramsey (Hackman), enfatizado por la música de Hans Zimmer, tras 115 minutos de tensión y sudor bajo el agua.
(Kim
Hongsun, 2022)Lobos sedientos de sangre. En su quinto film como director, el surcoreano Kim Hongsun parte del hard-boiled más negro y pone rumbo al terror salvaje en una mezcla de géneros que combina criminales en busca de venganza, policías expeditivos y una bestia sedienta de sangre surgida del horror de los experimentos japoneses en la Segunda Guerra Mundial. Y los encierra a todos en un buque mercante en alta mar donde, como en Alien, el octavo pasajero (R. Scott, 1979), uno de los claros referentes del film, nadie los oirá gritar. Lo que no hay es dónde escapar, cuenta el director, que asegura que la trama se inspira muy libremente en un motín real de 2017, al que añadimos un elemento fantástico que cambia la lógica narrativa y deja con la boca abierta al espectador, que nunca sabe qué va a ocurrir
ESTRENO: 17 FEBRERO
EL MEJOR MOMENTO
La gore aparición de Alpha, el asesino producto de la experimentación nipona, y el baño de sangre entre los amotinados, que pasan en un instante de cazadores a presas.
Seo In-guk es Jong Du, el cabecilla de los criminales que toman el control del barco.
Keanu Reeves tuvo el buen olfato de bajarse del barco –sustituido por un soso Jason Patric– y librarse de una de las consideradas peores secuelas de siempre: un hacker se hace con el control de un crucero para estrellarlo contra un petrolero.
El choque del transatlántico con el puerto, pirotecnia blockbuster trash, y preludio de la delirante lucha, a bordo de un hidroavión, de Patric con un desquiciado Willem Dafoe.
8. ‘Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra’ (Gore Verbinski, 2003)
Antes de que empezara toda la jarana fantástico-piratil, el capitán Jack Sparrow perdió el control de su amada Perla Negra cuando el traicionero Barbossa se amotinó en su contra.
La primera aparición de Sparrow en escena, un Johnny Depp melenas al viento y el ocaso a su espalda poniendo el pie en el muelle mientras su barcucho hace aguas.
9.
Paul Greengrass relata con nervio y brío Bourne, el asalto de unos piratas somalíes a bordo de un esquife a un mercante estadounidense capitaneado por un valeroso Tom Hanks. El film llevó a la pantalla un caso real de 2009.
Ahora el capitán soy yo, le suelta el pirata Muse (interpretado por Barkhad Abdi, un ex chófer de limusinas que fue nominado al Oscar por este rol) cuando se enfrenta a Phillips.
M. Night Shyamalan vuelve a tensar al respetable con ‘Llaman a la puerta’, un cuento de terror y misterio, basado en una novela de Paul Tremblay, en el que lanza la pregunta definitiva: ¿a quién salvarías? ¿A tus seres queridos o a la Humanidad?
DE QUÉ VA: Una niña y sus padres se convierten en rehenes de cuatro desconocidos armados en una cabaña remota, que les obligan a tomar una decisión imposible para evitar el apocalipsis.
Universo Cinematográfico Shyamalan. Puesto en el compromiso de tener que comparar su último trabajo, Llaman a la puerta, la adaptación que él mismo ha firmado junto a Steve Desmond y Michael Sherman de la novela de Paul Tremblay
La cabaña del fin del mundo (Nocturna Ediciones), con sus anteriores films, M. Night Shyamalan se decide por Señales (2002). Porque las dos suceden en espacios reducidos y las protagonizan dos adorables familias que se ven en el centro del apocalipsis, explica. Es una historia bíblica ambientada en la actualidad, sigue antes de trazar un paralelismo con otro de sus últimos éxitos: Servant, la serie que coordina para Apple TV+. En el fondo es muy parecida, es otra gran trama bíblica en un tiempo y enclave modernos. Es algo que ahora mismo me atrae mucho, asegura. Y aún hay una tercera conexión: con Elincidente (2008), hasta la fecha su única película clasificada R en Estados Unidos. Llaman a la
puerta promete misterios con ecos bíblicos, un escenario claustrofóbico, sustos no aptos para menores… y giros de guion marca de la casa.
Cicerone Irons. Jonathan Groff, Ben Aldrige y la pequeña Kristen Cui son la pareja gay y su hija que son secuestrados por cuatro extraños armados a los que interpretan Dave Bautista, Abby Quinn, Rupert Grint y Nikki Amuka-Bird, estos dos últimos en una nueva colaboración con el cineasta tras sus roles en Servant y Tiempo, respectivamente. La premisa es clara: uno de ellos tiene que sacrificarse para salvar a la Humanidad de su aniquilación. Cada negativa, implica la muerte de millones de personas. El reto, dice Shyamalan, era ver si podía hacer una versión terrorífica de La decisión de Sophie (Alan J. Pakula, 1982). Un cuento macabro que, sin embargo, ve como una señal de su optimista sentido de la vida: Soy capaz de contar estas historias oscuras porque creo en la bondad y la generosidad de la gente.
ESTRENO: 3 FEBRERO
Los cuatro jinetes del apocalipsis de Shyamalan: Sabrina (Abby Quinn), Adriene (Nikki AmukaBird), Leonard (Dave Bautista) y Redmond (Rupert Grint).
‘ORO PURO – RHEINGOLD’
Todo o nada. El cineasta turcoalemán
Fatih Akin (Contra la pared) lleva al cine la vida de Giwar Hajabi, un exrefugiado iraquí que, antes de convertirse bajo el nombre de Xatar en uno de los raperos más famosos de Alemania, vivió una vida criminal que lo llevó a organizar el robo a un furgón cargado de oro.
ESTRENO: 27 ENERO
‘THE
Espíritus entre nosotros. Tras clausurar la 33ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, llega esta cinta, dirigida por Oliver Park y protagonizada por Paul Kaye (Juego de Tronos), en la que una familia judía que regenta una funeraria se ve acosada por un antiguo demonio que se apodera de las almas de los niños.
ESTRENO: 27 ENERO
Sin cobertura. Storm Reid, ahora en el cast de la serie The Last of Us, lidera este thriller tecnológico producido por los responsables de Searching (A. Chaganty, 2018) y dirigido por Nick Johnson y Will Merrick. Cuando su madre desaparece en Colombia, June se servirá de las redes para intentar encontrarla.
ESTRENO: 24 FEBRERO
Slasher coulrofóbico. Que tiemble
Pennywise porque aquí llega el payaso Art, el protagonista de la saga Terrifier, cuya secuela se ha convertido en uno de los éxitos indie del año en Estados Unidos. Dirigida y escrita por Damien Leone, la cinta es un festival de sangre y vísceras a mayor gloria de un villano carismático.
ESTRENO: 24 FEBRERO
Arde Misisipi. Drama que lleva al cine el caso de Emmet Till, un joven de 14 años que fue linchado en Misisipi en 1955, y la posterior lucha de su madre (Danielle Deadwyler, una de las posibles sorpresas en las nominaciones) en busca de justicia. Dirige Chinonye Chukwu.
ESTRENO: 24 FEBRERO
27 ENERO
‘Capitán Carver’.
Dir.: E. Yablokov. THRILLER.
‘El chico león’. Dir.: S. Haipeng. ANIMACIÓN.
‘Mikado’. Dir.: Emanuel Parvu. DRAMA.
10 FEBRERO
‘El trío en mi bemol’.
Dir.: Rita Azevedo Gomes. DRAMA.
‘Mi querido monstruo’.
Dir.: Jianming Huang. ANIMACIÓN.
‘Los demonios de barro’.
Dir.: Nuno Beato. ANIMACIÓN.
‘Titanic 25º Aniversario’.
Dir.: James Cameron. DRAMA.
17 FEBRERO ‘La sangre’. Dir.: P. Costa. DRAMA.
24 FEBRERO
‘Bill y Janet y otras crónicas marcianas’. Dir.: D. Snaddon, S. Cutler. ANIMACIÓN.
‘El cielo no puede esperar’. Dir.: J. M. Zavala. DRAMA. ‘Disturbios’. Dir.: C. Schäubin. DRAMA.
‘King, mi pequeño rey’.
Dir.: A. Sanier, D. Moreau. FAMILIAR. ‘Shooting for Mizra’. Dir.: Juan Gautier. DOCUMENTAL.
INÉDITOS VOD
DVD # BD
Vicky Luengo y Hovik Keuchkerian encarnan a la icónica pareja protagonista del thriller ‘Reina Roja’ en la serie que adapta la novela de Juan Gómez-Jurado. Su director, Koldo Serra, nos cuenta en primicia cómo es el rodaje. Por Juan Pando.
Todo un desafío. Lo primero que sentí cuando me propusieron dirigir Reina Roja fue la responsabilidad que supone trasladar a imágenes una novela que ha leído tanta gente y sobre la que se han creado tantas expectativas Lo comenta, en exclusiva para FOTOGRAMAS, Koldo Serra desde el set en el que rueda el último de los siete capítulos, de unos 50 minutos, que compondrán la serie, producida por Dopamine y Focus para Prime
Video. Cuando leí el libro, algo que confieso que no había hecho hasta entonces, y sin saber aún quiénes encarnarían a la pareja protagonista, ya me imaginé a Jon Gutiérrez con la cara de Hovik Keuchkerian, con quien acababa de rodar La casa de papel.Vicky Luengo, a la que había visto en Antidisturbios, precisamente junto a Hovik, fue una de las dos o tres candidatas ideales que me vinieron a la mente para interpretar a Antonia Scott. Por eso no me
llevé ninguna sorpresa cuando resultaron elegidos.
Personajes que enamoran. El original literario, primera entrega de una trilogía creada por el escritor Juan Gómez-Jurado, que completan Loba Negra y Rey Blanco, gira en torno al encuentro de una investigadora superdotada, la persona más inteligente del planeta, y un corpulento policía bilbaíno, gay y algo torpe, que forman equipo para atrapar a un escurridizo asesino conocido como Ezequiel, a quien da vida Nacho Fresneda. Ella es Antonia Scott, apodada Reina Roja, que forma parte de un programa internacional contra el crimen, pero lleva tiempo retirada, expiando un error del pasado del que no logra perdonarse. Él, Jon Gutiérrez, vive con su madre
(Karmele Larrinaga) y está metido, por culpa de su buen corazón, en un embrollo legal que amenaza su futuro, del que la única salida que le ofrecen es unir fuerzas con Antonia. Son dos personajes que enamoran, el principal atractivo de la serie, opina Serra, director de los thrillers Bosque de sombras (2006)y 70 binladens (2018), y del drama bélico Gernika (2016). Se les coge enseguida un cariño brutal. No dejan de ser un Quijote y Sancho Panza o un Sherlock Holmes y Watson. Una pareja insólita, cuya relación, que evoluciona del rechazo a darse el uno al otro lo que cada cual necesita, convierte el relato en un thriller con personalidad propia.
Estética ‘hitchcockiana’. La serie apuesta por una propuesta visual especial. Hemos procurado que la imagen de los exteriores, filmados en la Plaza de España, la Gran Vía, el Palacio Real, la chocolatería de San Ginés, y otros lugares emblemáticos de Madrid, sea muy luminosa, que tenga color, concreta. Huimos del monocromatismo de los thrillers nórdicos para aproximarnos al cómic, con un tono cercano a las novelas pulp, perosin olvidar la parte más oscura de la trama, la del subsuelo, que hemos rodado en estaciones de Metro como Chamartín o Noviciado, y en túneles que muy poca gente ha visto hasta ahora. Es lo que Amaya Muruzabal, la showrunner y productora ejecutiva de la serie, ha calificado de toque ‘hitchcockiano’. Ella ha escrito los guiones, junto con Salvador Perpiñá. Los estuvimos trabajando desde mi punto de vista, o sea el del director, y se mostraron muy abiertos a realizar cambios.
1. Nacho Fresneda encarna al escurridizo Ezequiel, némesis de Antonia Scott.
2. El director Koldo Serra da instrucciones a Vicky Luengo.
3. Celia Freijeiro es Carla Ortiz, heredera del hombre más rico del mundo.
4. Jon Gutiérrez (Hovik Keuchkerian) siempre impecable, con sus trajes Tom Ford, de imitación.
El cineasta se ha hecho cargo de cinco capítulos y el mexicano Julián de Tavira (Hernán), de dos, el 4º y el 6º. El sello del escritor. Juan Gómez-Jurado ha participado en la creación de la serie. No hay nada en lo que no haya estado de acuerdo Juan. Ha supervisado los guiones e incluso
hay algún diálogo reescrito por él Una sorpresa para los seguidores de Antonia Scott será la aparición del consultor informático Jaume Soler (Eduardo Noriega), que los lectores no tuvieron oportunidad de conocer hasta Rey Blanco, la tercera entrega de la saga. Hemos tenido la suerte de poder
Reina Roja es la primera novela que llegará a la pantalla del periodista y escritor Juan Gómez-Jurado (Madrid, 1977). Fue el autor más vendido en España en 2019, 2020 y 2021, con más de 2,5 millones de ejemplares vendidos de la trilogía que forma ese libro con Loba Negra y Rey Blanco, según datos de su editorial, Ediciones B. Con obras traducidas a 40 idiomas, en 2021 firmó un acuerdo de exclusividad con Amazon Studios para el desarrollo de contenido audiovisual en español. Juan escribe de un modo muy cinematográfico, se nota mucho que le gusta el cine y que lo controla, opina Koldo Serra.
“NOS HEMOS APROXIMADO AL CÓMIC, CON UN TONO CERCANO A LAS NOVELAS PULP, SIN OLVIDAR LAS PARTES MÁS OSCURAS QUE TIENE LA TRAMA”.EL REY DEL THRILLER
trabajar con las tramas de las tres novelas, lo que nos ha permitido la licencia de adelantar algún personaje que interactuará más adelante con los protagonistas. Pero en general están todos los del libro.
Policías y magnates. En su investigación contra reloj, Antonia y Jon contarán entre sus colaboradores con Mentor (Alex Brendemühl), guía y jefe de Antonia, y la perspicaz forense Aguado (Vicenta N’Dongo). Se toparán con colegas no siempre amistosos, como el Inspector Parra (Urko Olazabal), periodistas inoportunos, como Bruno Lejarreta (Pere Brasó), y guardas jurados abiertos a colaborar si hay una compensación adecuada, como Tomás (Fernando Guallar). Conocerán a magnates tan poderosos como el empresario Ramón Ortíz (José Ángel Egido), su hija y heredera Carla (Celia
Freijeiro) y la banquera Laura Trueba (Emma Suárez). Tendrán que lidiar, en fin, con la tatuadora Ladybug (Selam Ortega) y la taxista Sandra (Andrea Trepat), piezas enigmáticas del puzle que tratan de recomponer. Carreras y cloacas. La serie se mantiene fiel a la trama literaria. Hace unos días, a dos semanas de concluir las 24 que nos llevará el rodaje, releí la novela y puedo decir que el espíritu de Juan Gómez-Jurado está en la serie, asegura Serra. No faltarán ni siquiera los dos pasajes que a vista del lector pueden resultar más complicados de llevar a la pantalla: una enloquecida persecución en coches de alta gama y otra, a pie, por oscuros túneles y alcantarillas hediondas. Yo ya vengo bregado de dirigir La casa de papel (risas). La carrera de coches nos ha quedado a la altura de lo descrito en el libro. Va a ser muy espectacular. Los túneles, que corresponden al último capítulo, los estamos filmando ahora, porque he intentado trabajar, en la medida de lo posible, en orden cronológico. Lo más complejo ha sido, sin embargo, contar cómo funciona la mente privilegiada de Antonia, recrear esos monos araña que ve cuando entra en crisis, para lo que hemos tenido que recurrir a monos animatrónicos y a efectos digitales
LAS PAREJAS DE DETECTIVES, POR LO GENERAL CON GUIÑOS AL HUMOR Y LA TENSIÓN
Luz de luna fue la serie de culto que lanzó la carrera de Bruce Willis y revivió la de Cybill Shepherd, como socios de una agencia de detectives. Cinco temporadas, de 1985 a 1989.
Roberto Enríquez e Ingrid Rubio dieron vida, en El alquimista impaciente (2002), a este dúo de guardias civiles creado por Lorenzo Silva, que han ido variando de caras en cine y TV.
Dos policías, el recelo, porque él (David Tennant) ha obtenido el puesto que deseaba ella (Olivia Colman), y un crimen que divide a un pueblo, en la serie Broadchurch (2013-2017).
‘Happy Valley’. El 7 de febrero llega el final de la serie de Sally Wainwright, creadora de mujeres complejas y cotidianas, como la sargento Catherine Cawood.
Lo bueno se hace esperar. Soy Catherine, tengo 47 años, estoy divorciada, vivo con mi hermana, una exadicta a la heroína, tengo dos hijos. Una muerta y el otro no me habla. También tengo un nieto. Es complicado, mejor hablamos de ti. Así se presentaba la sargento Cawood a un joven borracho para intentar impedir que llevara a cabo su amenaza: prenderse fuego. Era el arranque del primer capítulo de Happy Valley, que se coló en los hogares del Reino Unido a través de la BBC el 29 de abril de 2014 y que recibió enseguida el beneplácito de los telespectadores. Dos años después aterrizó en España, donde también se hizo con un público fiel que ahora espera impaciente cada semana para ver en Movistar Plus+ cada capítulo de la tercera y última temporada de la
serie. Detrás de esta producción, que entre otros reconocimientos se ha llevado dos BAFTA a Mejor Serie en 2015 y 2017 por sus dos primeras temporadas, se encuentra Sally Wainwright, creadora, productora y guionista galardonada. Ella se muestra hermética sobre el desenlace, así que habrá que esperar al 7 de febrero para saber cómo se resolverá el conflicto entre Catherine, a quien interpreta Sarah Lancashire (vista recientemente en la serie de HBO Max Julia, con quien Wainwright ya había trabajado en Last Tango in Halifax y para quien escribió a propósito el papel), y Tommy Lee Royce (James Norton), el violador de su hija y padre de su nieto Ryan (Rhys Connah). Sí confirma que no habrá continuación: Esa fue la idea inicial. Hemos esperado seis años para llegar al momento en
que Ryan tuviera la edad suficiente para decidir si quería estar en contacto con su padre o no, y cómo se sentiría su abuela con eso. Me apetecía mucho explorar esa realidad. Ha sido fantástico contar con Rhys de nuevo porque tiene 16 años, la edad de su personaje. Ha evolucionado con él.
Sobre ruedas. Wainwright es considerada una maestra de lo agridulce, con un talento especial para crear protagonistas femeninas corrientes, pero que tienen vidas extraordinarias y con las que es fácil empatizar: Son personas que quiero ser o que quiero como compañeras. Forma parte de la diversión de escribir. Puedes inventar todos estos amigos invisibles, afirma. Nacida en 1964 en el condado de Yorkshire –el ‘valle feliz’, por su intenso tráfico de drogas, donde se desarrolla la serie–, escribe desde joven, pero para ganarse la vida trabajó de conductora de autobús mientras estudiaba en la universidad. Lo dejó cuando se incorporó a la plantilla de guionistas de The Archers, una popular radionovela del Reino Unido. En los 90 escribió guiones para numero-
sas series y en 2000 se estrenó también como creadora con At Home with the Braithwaites, la historia de una familia cuya vida cambia cuando ganan la lotería. Desde entonces ha escrito casi una veintena de proyectos, muchos los ha producido y de algunos también ha sido showrunner, como The Amazing Mrs Pritchard; The Last Witch;Scott & Bailey, sobre dos mujeres detectives, una maternal y la otra emocionalmente inmadura; Last Tango in Halifax, dos viudos que fueron novios en la adoles-
Pocas ocasiones son más esperadas por los analistas de la industria audiovisual que la intervención de John Landgraf, el presidente de FX Networks, en el encuentro de invierno de los críticos de televisión de Estados Unidos. Todos los años, Landgraf difunde los resultados de un estudio anual de la emisión de series en Estados Unidos para alertar sobre el insostenible crecimiento en la producción, el Peak TV. En 2022 se llegó a las 599 series, frente a las 532 de 2019, el año anterior a la pandemia.
cencia y vuelven a enamorarse 60 años después, y Gentleman Jack, drama de época de HBO sobre Anne Lister, empresaria y considerada la primera lesbiana moderna británica. Incluso se ha atrevido con la dirección, con capítulos de To Walk Invisible: The Brontë Sisters,Gentleman Jack y Happy Valley: Escribir es un arte solitario y a mí me encanta estar sola, soy poco sociable. Pero cuando, dirijo cobro vida ◆
LA TERCERA TEMPORADA DE ‘HAPPY VALLEY’ PUEDE VERSE EN MOVISTAR PLUS+
The Ballad of Renegade Nell es la serie de aventuras para Disney+ en la que está trabajando Wainwright ahora mismo. Trata sobre una joven del siglo XVIII que se convierte en salteadora de caminos. Me fascina investigar otras épocas, soy como una historiadora aficionada entusiasta, dice de ella misma. Louisa Harland (Derry Girls) encarna a la protagonista, a la que define como una chica irreverente y fanfarrona. La acompañan Nick Mohammed (Ted Lasso), Joely Richardson (Nip/ Tuck) y Adrian Lester (Trigger Point).
La pregunta ya no es cuándo se ralentizará el ritmo de crecimiento de la producción. Llegará, eventualmente, pero se van a seguir haciendo muchas series durante mucho tiempo, al menos mientras los servicios de vídeo bajo demanda se mantengan expandiendo el mercado. Estos mismos servicios las siguen encargando en todo el mundo, alentadas por el entusiasmo de las industrias locales. Los gobiernos continúan implementando medidas fiscales para favorecer los rodajes e incorporar las series a sus programas de ayudas, como la nueva Ley del Cine en España. Pero en su reciente intervención ante los críticos de televisión, John Landgrafpronosticó su mayor temor cuando llegue la contracción: el fin del impulso a la diversidad que se ha vivido en los últimos años y que le ha permitido dar luz verde a series como Reservation Dogs, una comedia juvenil sobre la vida en una reserva de Oklahoma, o The Bear, una exploración de la adicción y la salud mental en un restaurante italiano de Chicago. Proteger esa diversidad será el principal reto de los próximos años. ◆
‘Todas las veces que nos enamoramos’. Amores de juventud y cinefilia se dan la mano en esta tierna propuesta. Hablamos con sus creadores. Por Álvaro Onieva.
Compañeros. Desde el presente, Irene (Georgina Amorós) escribe su historia de amor y desamor con Julio (Franco Masini). Las líneas de su guion nos llevan hasta el pasado cuando, 18 años atrás, llegaba a Madrid para estudiar Comunicación Audiovisual y soñaba con ser directora de cine. Lo que ha pasado entre un momento y otro, y si es posible una reconciliación, es lo que irán descubriendo los espectadores de Todas las veces que nos enamoramos a lo largo de sus ocho episodios. Es la nueva serie de Carlos Montero, quien deja a un lado momentáneamente las bajas pasiones de Élite para ofrecernos una comedia romántica más realista y cándida. Es una serie muy autobiográfica, quizás a mi pesar, confiesa el guionista. No en vano, los personajes van a la misma facultad
de Ciencias de la Información en la que Montero estudió junto a Alejandro Amenábar y Mateo Gil, con quienes, además, compartía piso. El primero hace un cameo en la serie, mientras que el segundo dirige los dos primeros episodios. Carlos me llamó y me lo propuso. Había algo en la serie que conectaba mucho con nosotros: va de un grupo de estudiantes que quiere hacer cine, aunque la generación de la serie sea posterior a la nuestra. Además, tiene una cosa
nostálgica muy bonita y muy tierna, dice Gil. Carlota Pereda, que dirige otro par de capítulos, también se sintió muy conectada a la historia: Es una serie que trata sobre intentar cumplir un sueño y la nostalgia de ser jóvenes, querer hacer cine y contar tus historias. Es algo que siento muy cercano, especialmente el rol de Irene. Y también por eso de llegar a una ciudad, verte reconocida en un grupo y encontrar tu lugar en el mundo Años felices. La ciudad a la que llega Irene juega un papel esencial: Madrid es la libertad y la alegría. Y me apetecía mucho reivindicarlo ahora que está tan tristona, comenta Montero. Yo llegué en los 90. Imagínate: gay, de mi pueblo de Galicia, y de repente toda esa libertad. Te encuentras con unos amigos que estudian y tienen tus mismos intereses y todo es una fiesta. Mis cinco años de carrera no los cambio por nada. Están también llenos de incertidumbre, del miedo de si triunfaré o podré vivir de esto, pero después está la alegría de las primeras veces y todas esas cosas increíbles.
“LA SERIE TRATA SOBRE INTENTAR CUMPLIR UN SUEÑO, LA NOSTALGIA DE SER JÓVENES Y QUERER HACER CINE”.
Carlota Pereda, directora.Fotos: Carla Oset.
3.
Carlota añade: Me ha recordado a eso de llegar a una casa y estar hablando horas de cine, cuando todo es nuevo y posible y el amor es más grande que la vida. Es una serie en la que quieres vivir. Para Gil, el amor es muy bonito e intenso, pero la vida se tiñe de muchas cosas y, en este caso, en la gente que quiere hacer cine, pesa mucho el éxito y el fracaso. Acaba siendo un tema muy poderoso
Amores compartidos. Más allá del romance de los protagonistas, Todas las veces que nos enamoramos apuesta por la coralidad. Lo malo de hacer una comedia romántica en formato serie es que se acaba agotando con el ir y venir constante de los protas, pero si tienes unos secundarios que pueden pasar a protagonistas, puede convertirse casi en Friends: es la vida
de un grupo y quieres saber todo de ellos. Creo que, incluso, habrá gente a la que les interesen más los amigos que la pareja, dice Montero. Con Élite renovada por una séptima temporada, no se atreve a predecir cuánto podría durar su nueva ficción: En esta, así a bote pronto, pensaría en tres temporadas, pero no lo sé
ESTRENO: 14 FEBRERO EN NETFLIX
En el centro de la historia están Irene y Julio, una pareja cuya química fue difícil de encontrar. Montero no quería a Georgina Amorós por venir de Élite. Quiero repetir con todos ellos, pero no tan pronto. Hizo muchos castings y yo me resistía, pero lo tenía todo: la mirada tierna, la ilusión… Es una actriz que cuenta
mucho con solo un gesto. Se lo ganó. Después, buscaron a su pareja. Yo tenía en la cabeza a otro actor que me dijo que no Entonces, abrí el casting a todo tipo de chicos. Franco me gustó mucho porque es un tipo muy educado y culto. No era la imagen que tenía del personaje, que era un tío más sexual y oscuro, y Franco no da eso. Él da
luz y ternura. Entonces dije: ¿Por qué no? Y llevó la serie a otro sitio. Junto a ellos, un elenco brillante de secundarios entre los que destacan Da (Carlos González, Maricón perdido) y Jimena, la debutante Blanca Martínez. Nada más verla, dije: Eres tú. Es lo primero que hace y es increíble el talentazo y la intuición que tiene.
Aidan Turner toca fondo en ‘Sospechoso’; Milena Smit y Zoe Stein, involucradas en dos misteriosos casos; Ernesto Sevilla, Joaquín Reyes y Miguel Esteban nos hablan de su ficción animada ‘Pobre diablo’, y Christoph Waltz también se pasa al streaming. Por C. Ch.
‘SOSPECHOSO’
Lo que la verdad esconde. El protagonista de Poldark, Aidan Turner, se convierte, en esta miniserie de cinco capítulos de la ITV británica, en un psicólogo de prestigio que colabora con la policía y que triunfa como escritor. La vida también le sonríe a nivel personal, sin embargo, todo se va al traste tras la aparición del cadáver de una joven, cuya muerte investigan el veterano policía Vince Ruiz (Shaun
Parkes) y su compañera Riya Devi (Anjli Mohindra). La historia se apoderó de mí, me atrajo su ambigüedad, cuenta Turner. Respira misterio desde el principio y el espectador nunca está seguro de cuál es el papel de Joe, mi personaje. Pensé, ¿Está él orquestando algo oscuro y siniestro o ha entrado en un mundo de paranoia y necesita descubrir qué pasa antes de que sea tarde? Me resultó emocionante. Basada en el best seller Sospechoso, de Michael
Robotham, el guion lo firma Peter Berry (Gangs of London). Muchos de los personajes viven una mentira que permanece oculta y cuyas verdades se desvelarán poco a poco. No hay nada más convincente, algunas veces hermoso, y otras aterrador, que una persona que revela quién es realmente, asegura. James Strong (Vigil) dirige los tres primeros capítulos, y Camilla Strøm Henriksen (Phoenix), los otros dos.
ESTRENO: 3 FEBRERO EN MOVISTAR PLUS+
Tras la pista. Daniel Grao, que tiene pendiente de estreno la tercera temporada de Hit, protagoniza junto a Zoe Stein, candidata a un Goya por Mantícora, este thriller dirigido por Tito López Amado (Mar de plástico) y Aritz Moreno (Ventajas de viajar en tren), e inspirado en la trilogía homónima escrita por Blue Jeans. Él es un teniente de la Guardia Civil viudo y ella, su hija, que se ven involucrados en la investigación del asesinato de una adolescente durante las fiestas de verano de un pueblo de Andalucía. Zoe es una actriz magnífica, se convertirá en una grande, asegura el actor. Tábata Cerezo, Javier Córdoba, Tamara Arias e Ignacio Mateos completan el reparto.
ESTRENO: 15 FEBRERO EN DISNEY+
Smit interpreta a una periodista en prácticas.
Caso abierto. La novela de Javier Castillo sobre la desaparición de una niña, la más leída durante el confinamiento y que ha superado el millón de ejemplares vendidos, llega en streaming convertida en serie. Encabezan el reparto Milena Smit y Jose Coronado, acompañados por Loreto Mauleón, Raúl Prieto, Aixa y Julián Villagrán, Cecilia Freire y Tristán Ulloa. El hermano de este, David (La caza. Monteperdido), comparte la dirección junto a Laura Alvea (Ánimas). Firman la adaptación Jesús Mesas y Javier Andrés Roig (Estoy vivo).
ESTRENO: 27 ENERO EN NETFLIX
‘STONEHOUSE’
No estaba muerto… La falsa muerte del político británico John Stonehouse en Miami, urdida por él mismo en 1974 para librarse de la ruina financiera y de las acusaciones de espía comunista, dejó impactado al país cuando fue hallado en Australia bajo otra identidad. Lo interpreta Matthew Macfadyen (Succession) en esta serie dirigida por Jon S. Baird en la que Keeley Hawes (Los Durrell) es su esposa y Emer Heatley (Showtrial), la amante.
ESTRENO: 21 FEBRERO EN FILMIN
‘LIAISON’
Cuando saltan chispas. Stephen Hopkins (Californication), como director, y Virginie Brac, como showrunner y escritora, son los responsables de la primera ficción de Apple TV+ en inglés y francés que mezcla espionaje con una intensa historia de amor, protagonizada por Eva Green y Vincent Cassel. El actor también ejerce de productor ejecutivo, al igual que el propio Hopkins, Gub Neal (The Fall) y Sarada McDermott (Bridgerton), entre otros.
ESTRENO: 24 FEBRERO EN APPLE TV+
PONTE EN SERIE
TOP 5 JUAN SILVESTRE
1 ‘THE LAST OF US’ (T. 1). HBO Max
2 ‘HAPPY VALLEY’ (T. 3).
Movistar Plus+
3 ‘THE CROWN’ (T. 5). Netflix
4 ‘CRISTO Y REY’ (T. 1)
ATRESplayer PREMIUM
5 ‘AMERICAN HORROR STORY: NYC’
Disney+
TOP 5 ISABEL VÁZQUEZ
1 ‘HAPPY VALLEY’ (T. 3). Movistar Plus+
2 ‘EL PACIENTE’ (T. 1). Disney+
3 ‘EXTERIOR NOCHE’ (T. 1). Filmin
4 ‘LITVINENKO’ (T. 1). Movistar Plus+
5 ‘MACHOS ALFA’ (T. 1). Netflix
TOP 5 ROGER SALVANS
1 ‘HAPPY VALLEY’ (T. 3). Movistar Plus+
2 ‘COWBOY DE COPENHAGUE’ (T. 1). Netflix
3 ‘EXTERIOR NOCHE’ (T. 1). Filmin
4 ‘BIENVENIDOS A CHIPPENDALES’ (T. 1). Disney+
5 ‘SERVANT’ (T. 4). Apple TV+
SOMETEMOS A LOS PROTAGONISTAS A NUESTRO TEST SERIÉFILO.
Regresa el 12 de febrero con la segunda temporada de Cardo (ATRESplayer PREMIUM), que ha creado junto a Claudia Costafreda y que protagoniza. La serie que más me marcó: Muchas, The Office, The White Lotus… Pero si debo elegir, me quedo con A dos metros bajo tierra, por ser la más antigua.
Mi último enganche: La serie de anime Neon Genesis Evangelion
La serie de culto que abandoné: Los Soprano, tengo que retomarla porque me quedé por la mitad. Aunque confieso que lo intenté hace poco y preferí ver The White Lotus. ¿Cómo y cuándo me gusta verlas? Por la noche, que es, además, cuando tengo tiempo. Eso es lo que manda.
Mi placer culpable: Vi Melrose Place, los rompecorazones (ja, ja). Y ahora, para desconectar, The Real Housewives of Beverly Hills
Mi personaje favorito: Me enamoré del que interpreta Jessica Lange en American Horror Story.
El que no soporto: Tyler Galpin, al que encarna Hunter Doohan en Miércoles
La mayor maratón de mi vida: Dos en realidad: Breaking Bad y The Walking Dead Nunca pensé que podría estar tan enganchada a una serie de zombis.
CADA MES, ELEGIMOS NUESTRAS SERIES EN EMISIÓN FAVORITAS.Foto: Guillermo Jiménez.
‘POBRE DIABLO’
Sálvese quien pueda. Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla y Miguel Esteban llevan años trabajando juntos y se nota. Hablar con ellos de su primera serie animada para adultos, llena de magia, violencia y locura, después de trabajos como los sketches del ingenuo Enjuto Mojamuto, es hacerlo con un trío a quien embarga la ilusión. La animación siempre ha estado presente en nuestros proyectos, a los tres nos gusta mucho, tenemos como referentes Bob’s Burgers, BoJack Horseman, Rick y Morty, y queríamos hacer algo que estuviera a la altura. Estamos muy satisfechos con el resultado, comenta Miguel, el director. La historia de Pobre diablo es la de Stan, el hijo del diablo, el anticristo que debe acabar con la humanidad, pero él solo
desea ser actor y viaja a Nueva York para alcanzar su sueño con su padrino, el gato Mefisto, que compra almas, y su prima Samael, el ángel caído. El casting lo teníamos claro, asegura Joaquín, que pone voz al protagonista y diseñó los personajes principales. De hecho, hay muchos que se basan en actores, como Surt, el demonio de fuego, lo interpreta Litos, que es un artista asturiano con una voz increíble y una forma de hablar muy graciosa. Hay una apuesta por trabajar con cómicos, nos parecía que su aportación podía ser muy valiosa y había tanta gente con la que nos apetecía trabajar. ¡Ojalá esta serie abra una puerta para que se hagan más! Y luego Stan tiene mucho de mí, es cándido, sin malicia y soñador. ¿Y Mefisto? Le gusta jugar, tiene la
voz ronca, es muy atractivo… Ese era para mí, responde entre risas Ernesto, que ha doblado al inglés a su personaje. Porque uno de los alicientes de la serie para sus creadores es que se verá en todo el mundo; otro, trabajar en algo nuevo para nosotros y para este país con un equipo de animación, el de Rockyn, de más de 100 personas. Hasta siempre, Verónica. Ignatius Farray, Gakian, Carlos Areces, Stéphanie Magnin… van pasando por los 8 capítulos de la serie, el primero dedicado a Verónica Forqué, que interpreta a la madre de Stan. Habíamos trabajado con ella en Capítulo 0 y fue maravilloso tenerla. Su muerte nos impactó a todos, cualquier reconocimiento es poco, dice Miguel.
ESTRENO: 17 FEBRERO EN HBO MAX
El peor jefe del mundo. De la mano de Tony Basgallop, creador de series como Servant, llega la adaptación de la novela homónima de Bentley Little, que se mueve entre el thriller psicológico y la comedia negra. Christoph Waltz interpreta al protagonista, Regus Patoff, un consultor contratado por una compañía de juegos para móviles con el objetivo de mejorar las cifras a quien no le importan los métodos que deba utilizar con los empleados para conseguirlo. Un papel que ya se compara con los dos que le han valido un Oscar, el de Malditos bastardos y Django desencadenado. Nat Wolff, Brittany O’Grady, Aimee Carrero, Sloane Avery y Michael Charles Vaccaro componen la plantilla de desafortunados trabajadores.
Estar en la Luna. Billy Crudup protagoniza esta ficción futurista de 10 episodios, ambientada en la década de los años 50, sobre un grupo de comerciales a domicilio que venden casas en la Luna. Además, se encuentra en el equipo ejecutivo de producción junto a Amit Bhalla y Lucas Jansen, los creadores, el también guionista Stephen Falk (Eres lo peor) y Jonathan Entwistle (Esta mierda me supera), que dirige. Esta comedia dramática es la segunda colaboración del actor con Apple TV+; la primera, The Morning Show, fue todo un éxito que le valió un Emmy en 2020. Completan el cast Haneefah Wood (Murderville), Alison Pill (Star Trek: Picard), Nicholas Podany (Blue Bloods), Dewshane Williams (The Umbrella Academy), Hank Azaria (Super Pumped: la batalla por Uber), Matthew Maher (Capitana Marvel) y Jacki Weaver (El lado bueno de las cosas).
ESTRENO: 17 FEBRERO EN APPLE TV+
El poder de la música. Ganadora de tres premios BAFTA, uno de ellos al guion de Nida Manzoor, que también dirige, esta comedia cuenta la historia de una banda punk británica de chicas musulmanas, las Lady Parts, que se rebelan contra los estereotipos. Les dan vida Sarah Kameela Impey, Faith Omole, Lucie Shorthouse y Anjana Vasan.
ESTRENO: 28 FEBRERO EN FILMIN
Los problemas crecen. Jesse Eisenberg es un médico recién divorciado, padre de dos niños y abducido por las apps de contactos, cuya exesposa (Claire Danes, nominada al Globo de Oro por este trabajo) desaparece de repente. Jonathan Dayton y Valerie Faris (Pequeña Miss Sunshine) están al frente de esta miniserie que adapta la novela homónima de Taffy Brodesser-Akner, showrunner del proyecto.
ESTRENO: 22 FEBRERO EN DISNEY+
Por Isabel Vázquez.Un día cualquiera, no sabes qué hora es, te dan un golpe, pierdes el conocimiento y despiertas frente a un pirado que te suelta lo de Tengo 23 años y 50.000 pesetas y estoy solo en el mundo. Intentaré ser un buen marido para ti y un buen padre para tus hijos, o algo por el estilo Ya seas escritor de best sellers, joven universitaria o actriz porno, no te confíes, nadie está a salvo: chiflados ‘esiten’, como los ‘vanpiro’ del meme, habitan tus pesadillas y algunas películas y series magníficas. La última, creada por los responsables de The Americans, es El paciente y está en Disney+.
Cuando Alan Strauss (Steve Carell), un psiquiatra atormentado por el fallecimiento de su esposa, vuelve en sí advierte que está, como Marina Osorio, atado a la pata de la cama. Sam Fortner (Domhnall Gleeson), el psicópata que le ha tocado en suerte, insiste en que Alan es el único capaz de corregir con terapia sus tendencias homicidas: Cúrame, le pide. Los malos sueños que atenazan a Alan han superado la fase de REM. Encerrado en un sótano, este auténtico mensch ya no puede escapar de la idea de la muerte. Durante diez angustiosos capítulos, Carell y Gleeson negocian, intiman, bromean, incluso, y ofrecen, de paso, dos interpretaciones soberbias.
Hablamos con la actriz sobre ‘Embaucadores’, un oscuro thriller a base de giros y engaños donde nadie es quien dice ser. El momento nos sirve para revisar también los papeles y los directores que le han dejado huella: Robert Altman, Paul Thomas Anderson, Spielberg… Y es que su carrera da para mucho. Por Laura Pérez.
Siempre a la altura. El de Julianne Moore (Carolina del Norte, 1960) es uno de esos excepcionales casos en los que una actriz logra poner de acuerdo a los directores, a la crítica, al público, a los diseñadores de moda y a casi todo el mundo que confía en el criterio de alguien que ha hecho una carrera prácticamente impecable. Sin prisas, sin pausas y sin baches, ni siquiera en ese momento en el que los grandes papeles empiezan a escasear para las actrices. Un Zoom nos conecta con ella, recién levantada y sentada en un sofá ante una ventana de Nueva York. Lleva más de 30 años de carrera. ¿Resulta difícil seguir encontrando papeles que resulten nuevos y desafiantes?
La verdad es que siempre piensas: ‘Dios mío, ¿voy a encontrar algo bueno que no haya hecho ya?’. Sí me envían cosas que he hecho mil veces y esperan que vuelva a repetir. Dicho esto, cuando creo que ya no voy a encontrar nada nuevo, va y aparece. Se trata de leer muchas cosas, de estar disponible y de buscar, porque siempre existen cosas nuevas en términos de la experiencia humana. Se podría decir que tiene mucha suerte…
La verdad es que me siento muy afortunada. Poder hacer una carrera en un ámbito creativo, sea el que
sea, es una suerte. Llevar ya tanto tiempo en esto, vivir de ello y haber trabajado con la gente con la que lo he hecho hace que me sienta muy afortunada. Ha trabajado con Robert Altman, Paul Thomas Anderson, James Ivory, Neil Jordan, los Coen, Steven Spielberg… ¿Quién la ha marcado más?
Robert Altman. Viendo las cosas ahora me parece increíble que en algún momento mi vida se cruzara con la suya, alguien cuyo trabajo admiro tanto. Es un visionario, un director excepcional. Cuando me llamó para hacer una película con él me quedé alucinada. Lo pienso ahora y digo: ‘¿Cómo puede ser que me pasara aquello?’. Me encanta su generosidad, cómo quiere a la gente y a sus actores, el
Embaucadores es la historia de unos buscavidas profesionales dispuestos a ponerse todas las máscaras que sean necesarias para hacerse con enormes cantidades de dinero. He leído muchos guiones porque llevo mucho en esto. Y hacía tiempo que no leía algo que me sorprendiera tanto, que me hiciera sentir que el guion iba por delante de mí y no yo por delante de él, cuenta Julianne Moore. Dirige el debutante Benjamin Caron (Andor, The Crown).
amor que pone en el set. Tiene un compromiso enorme con su trabajo, pero también un gran espíritu de diversión. Me influyeron mucho sus películas y el haber coincidido con él. Ha interpretado a mujeres inspiradoras como Gloria Steinem. En Embaucadores, sin embargo, da vida a alguien con principios cuestionables. ¿Hasta qué punto es importante sentir conexión con sus personajes? Como actor tienes que buscar la conexión encontrando en ellos algo que los humanice. Establecer otro tipo de vínculo no siempre es lo más importante. Aunque, obviamente, en el caso de Gloria Steinem supone una oportunidad para sumergirse en sus textos y sus discursos y de observar su comportamiento. Eso fue lo mejor de interpretarla, acercarse a su fortaleza, su paciencia y todo el fruto que dio su trabajo. Cuando dedicas mucho tiempo a algo que te enseña tanto, nutre tu vida de alguna manera. ¿Qué otros papeles recuerda especialmente?
La Cathy Whitaker de Lejos del cielo tuvo un impacto grande, porque Todd Haynes escribió ese papel para mí. Era la primera vez que alguien hacía eso, y significó mucho. Trabajar en Boogie Nights con Paul Thomas Anderson también fue importante. Era entonces un director
emergente y ha acabado siendo uno de los más grandes cineastas de su generación. Hacer Vania en la calle 42 de Louis Malle cuando tenía veintipico años condicionó también la forma en que abordo mi trabajo desde entonces. Ha rodado de nuevo con Todd Haynes. ¿Qué puede decirnos de este proyecto? Comparto pantalla con Natalie Portman y hemos rodado ya en Savannah, Georgia. Es interesante porque ella interpreta a una actriz que me tiene que interpretar a mí, así que viene a conocerme y a estar conmigo y mi
familia. La película tiene que ver con la identidad, el contar historias y acercarse a la verdad. Es mi película preferida de las cinco que he hecho con él. En Embaucadores ejerce de productora, algo que ha hecho poco antes. ¿Por qué? Ha sido un caso especial porque uno de mis representantes trabaja también con los guionistas, Brian Gatewood y Alessandro Tanaka. Me puso en contacto con ellos y, efectivamente, conectamos. El guion es fantástico. Ocurrió durante la pandemia y en ese tiempo pusimos el proyecto en pie, buscamos
al director nosotros, lo hicimos todo los tres juntos y ha sido fantástico. Nueva York, donde usted vive, es casi un personaje más en la película… Creo que es el único lugar en el mundo donde puedes tener la sensación de comunidad al tiempo que la de anonimato. Existe en la gente un gran sentimiento de pertenencia y una excitación constante, porque cualquier cosa puede pasar. Te mantiene en una especie de alerta permanente porque, de algún modo, todo aquí es posible. ◆
ESTRENO: 17 FEBRERO EN APPLE TV+
“Me envían cosas que he hecho mil veces y esperan que repita. Dicho esto, cuando creo que ya no voy a encontrar nada nuevo, va y aparece”.
Yo a Los Ángeles, tú a Nueva York. San Valentín ya está aquí y Netflix lo aprovecha para lucir músculo con la primera romcom que junta por primera vez a dos de las estrellas más taquilleras del género: Reese Witherspoon y Ashton Kutcher. La premisa es sencilla: ¿Qué pasaría si dos amigos, completamente distintos,
se vieran obligados a intercambiar sus casas? Eso deben hacer Debbie y Peter, los roles de Witherspoon y Kutcher. Ella es una contable y madre soltera de Los Ángeles; él, un aspirante a escritor con una ajetreada vida amorosa que ejerce de publicista en Nueva York. El trueque de residencia implica también cambiar el estilo de vida, hijo incluido. Aline Brosh McKenna, guionista de El diablo viste de
Prada,Cruella o la serie de TV Crazy Ex Girlfriend, debuta como directora con esta cinta que, cuenta, nos muestra que se puede encontrar el amor en lugares inesperados, con dos personas que se atreven a buscar lo que quieren. Cierran el cast, Steve Zahn (The White Lotus), Zoë Chao (The Afterparty) y Jesse Williams (Anatomía de Grey).
ESTRENO: 10 FEBRERO EN NETFLIX
Adivina quién viene esta noche. El noviazgo de Fátima (Lauren London) y Ezra (Jonah Hill) va viento en popa hasta que llega el momento de conocer a la familia política y se produce un choque cultural entre los padres de ella, negros musulmanes, y los de él, judíos practicantes. Eddie Murphy y Nia Long encarnan a los primeros, y David Duchovny y Julia Louis-Dreyfus, a los segundos. Jonah Hill, que ya había participado en los guiones de la saga Infiltrados en el instituto, La fiesta de las salchichas o En los 90, su debut como realizador, firma el de este film junto a Kenya Barris, coautor del libreto del último trabajo de Murphy, El rey de Zamunda (2021), y director de esta comedia.
Juntas para siempre. Historia de amor de Nadine Hwang, hija del embajador chino nacida en España, y Nelly Mousset-Vos, cantante de ópera belga, que se conocieron en el campo de concentración de Ravensbrück durante la Segunda Guerra Mundial. Dirigida por Magnus Gertten, la película reconstruye esta relación que tuvo final feliz en Venezuela, donde se refugiaron, gracias a la documentación aportada por Sylvie, nieta de Nelly. Recibió el premio Teddy en el Festival de Berlín 2022.
ESTRENO: 14 FEBRERO EN SUNDANCE TV
Tiempos convulsos. Premio FIPRESCI de la sección Encuentros del pasado Festival de Berlín, Bertrand Bonello firma una de sus propuestas más experimentales, nacida como reacción al confinamiento y del deseo de entender un mundo cada vez más virtual y desconectado. En ella seguimos a una adolescente (interpretada por Louise Labeque, una de las protagonistas de Zombi Child), aislada y atormentada por unas recurrentes pesadillas que se relaciona a través de Internet con sus amigas y sigue obsesivamente a una youtuber, Patricia Coma (Julia Faure). La cinta, que el cineasta dedica a su hija, fue el último trabajo de Gaspard Ulliel, fallecido en accidente de esquí en enero de 2022.
ESTRENO: 27 ENERO EN FILMIN
La boda de mi ex. De vuelta en su ciudad natal, Ally, que vive por y para el trabajo, se reencuentra con su exnovio, a quien no ha olvidado, y comienza a cuestionar todo sobre la persona en la que se ha convertido. La situación se complica cuando conoce a Cassidy, la prometida de su ex, que le recuerda a la mujer que era. Alison Brie protagoniza esta comedia romántica que ha escrito junto su marido, Dave Franco, el director. Completan el triángulo amoroso Jay Ellis y Kiersey Clemons.
ESTRENO: 10 FEBRERO EN PRIME VIDEO
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Todo queda en casa. Tercera película de Lasse Hallström con su hija, Tora, después de Siempre a tu lado y Un lugar donde refugiarse, en la que también participa Lena Olin, esposa del cineasta y con quien ya rodó Chocolat. Ambas dan vida a la artista sueca Hilma af Klint, pionera del arte abstracto, en su juventud y madurez respectivamente en este biopic cuyo guion también firma el cineasta. La música corre a cargo de Jon Ekstrand (Morbius).
ESTRENO: 24 FEBRERO EN FILMIN
27 ENERO
‘1976’. Dir.: Manuela Martelli. THRILLER. FILMIN. ‘Klondike’. Dir.: Maryna Er Gorbach. DRAMA. FILMIN.
31 ENERO
‘Pamela Anderson: Una historia de amor’. Dir.: Ryan White. DOCUMENTAL. NETFLIX.
3 FEBRERO
‘Espíritu libre’. Dir.: Sarah Spillane. DRAMA. NETFLIX. ‘99 Moons’. Dir.: Jan Gassmann. DRAMA. FILMIN. ‘Infiesto’. Dir.: Patxi Amezcua. THRILLER. NETFLIX.
4 FEBRERO
‘Secuestro en directo’. Dir.: Romuald Boulanger. THRILLER. MOVISTAR PLUS+.
10 FEBRERO
‘Una lección criminal’. Dir.: Kazuya Shiraishi. THRILLER. FILMIN.
14 FEBRERO
‘La sentencia’. Dir.: Thomas Roth. DRAMA. MOVISTAR PLUS+.
17 FEBRERO
‘Before, Now & Then’. Dir.: Kamila Andini. DRAMA. FILMIN.
22 FEBRERO
‘Night Raiders’. Dir.: Danis Goulet. CIENCIA FICCIÓN. MOVISTAR PLUS+.
24 FEBRERO
‘Black Panther: Wakanda Forever’. Sin el prematuramente fallecido Chadwick Boseman bajo la máscara del superhéroe, Marvel cierra su Fase 4. Por Àlex Montoya.
La bruma de la pérdida. La inesperada muerte de Chadwick Boseman dejó en el aire la continuación inevitable de uno de los mayores éxitos comerciales de todo el MCU. Hubo que replantear por completo la secuela (proyectada desde el punto de vista del hijo de T’Challa en una aventura en la que padre e hijo debían salvar el mundo codo con codo), incluso algunos elementos de ese constante flujo que interrelaciona todas las producciones de Marvel, convirtiendo Wakanda Forever en un gran homenaje al fallecido Boseman y en un relato sobre la pérdida, el duelo y en estar siempre atentos a que el mundo sigue girando. Así las cosas, la película presenta a la madre del héroe y reina de los wakandianos –el personaje de Angela Bassett, Globo de Oro a Mejor Secundaria por su trabajo en este film, primera vez que se galardo-
na a un intérprete en un film Marvel– y a su otra hija Shuri (Letitia Wright) en pleno proceso por elegir heredero y, sobre todo, por proteger su nación de las injerencias de potencias mundiales. El Aquaman de Marvel. La trama de Wakanda Forever presenta a un nuevo personaje con historia en los cómics Marvel, Namor. La película cambia el origen del que, en los tebeos, era rey de Atlantis, convirtiéndolo en mutante y señor de la ciudad submarina de Talocan, irredenta enemiga de los wakandianos. A Namor, que mantiene sus orejas puntiagudas y pequeñas alas que brotan en sus tobillos, lo interpreta Tenoch Huerta, actor mexicano que amplía la representatividad de una franquicia que ha hecho gala de ella. Extras jugosos. Divisa presenta la edición de la película en varios formatos.
DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD, y con cuidadas ediciones limitadas en 4K UHD Steelbook, con dos visuales distintos, diseñados respectivamente por los artistas Dorothea Taylor y Orlando Arocena. Los fans de Black Panther y los marvelitas en general podrán disfrutar de jugoso material adicional exclusivo (que no está disponible en la edición en DVD). De este modo, se incluyen cuatro escenas eliminadas y tomas falsas. Además, se añaden dos mediometrajes que documentan el proceso de creación de esta secuela: Imaginando dos mundos (con protagonismo para la directora de arte Hannah Beachler y la diseñadora de vestuario Ruth Carter) y Pasando el manto. Y audiocomentarios del director Ryan Coogler, el guionista Joe Robert Cole y la directora de fotografía Autumn Durald Arkapaw. Divisa ofrece también la posibilidad de adquirir las dos películas sobre el personaje en un pack, disponible en DVD y en BD.
LANZAMIENTO: 10 FEBRERO
Entre rejas. Mantiene Alberto Rodríguez que su cine responde a una casi obsesiva voluntad de entretener. Pero se puede concluir también que ese propósito, contextualizado en diversas variantes del thriller (el trepidante de Grupo 7; el más oscuro de La isla mínima; el juguetón de El hombre de las mil caras),se mezcla con una lectura crítica a la historia reciente de España. En Modelo 77, el cineasta se fija en una fuga real de la cárcel Modelo de Barcelona en 1977 para cuestionar las costuras de la Transición y contar el trabajo de COPEL (Coordinadora de Presos en Lucha). Divisa edita el film en DVD y BD, y añade un making of ypiezas sobre COPEL y la banda sonora.
LANZAMIENTO: 10 FEBRERO
DIR.: CARLOTA PEREDA. INT.: LAURA GALÁN, RICHARD HOLMES, CARMEN MACHI. (DIVISA). TERROR.
Slasher costumbrista. Carlota Pereda ganó el Goya y se hizo un nombre en el circuito de cortos con Cerdita, la historia de una joven obesa y acosada por otras chicas de vacaciones en el pueblo, con un sorprendente giro final. Desarrollada como largometraje, y manteniendo a Laura Galán como protagonista, la versión en largo de Cerdita abunda en la mezcla de un problema social como el bullying con el retrato costumbrista y las constantes del terror subgénero slasher. Todo un festín para fans del género. Disponible en DVD y BD, incluye un Así se hizo.
LANZAMIENTO: 16 FEBRERO
En ‘Modelo 77’, el cineasta pone el foco en las grietas de la Transición con la complicidad de unos superlativos Javier Gutiérrez y Miguel Herrán.Manuel (Miguel Herrán) secundado por El demócrata (Alfonso Lara). Laura Galán y Julián Valcárcel.
Peu de foto dellates quiam quide.
Por Jesús Palacios.GIALLO IBÉRICO DE PATA NEGRA
Ediciones 79 sigue ofreciéndonos la filmografía de Jacinto Molina, alias Paul Naschy, en ediciones remasterizadas, íntegras y con material extra. Ahora, son dos títulos atípicos en la carrera del licántropo español, pertenecientes a sus incursiones en el giallo. Giallo con acento ibérico, más basto que la mayoría del italiano. Pero muy capaz de alimentar nuestros bajos instintos con abundancia de sangre, desnudos, crímenes e incorrección política. Todo con un punto de tebeo, de bolsilibro erotómano vergonzante, plagado de truculencia y morbo hispanos.
Una libélula para cada muerto (1974) es la que mejor fagocita el estilo italiano. Klimovsky, si no a Bava o Argento, sí se acerca a Ercoli o Martino. Naschy está insuperable, a su manera, como inspector violento, facha como el más reaccionario poliziotto, haciendo que Mike Hammer parezca simpático. La música robada de films italianos, los exteriores rodados en Milán, hábilmente integrados por Klimovsky en escenarios madrileños (engañando a generaciones de críticos extranjeros), y su galería de burgueses pervertidos –gran frase: La necrofilia es un vicio muy caro, profesor–,que matan y mueren en caldeo, resulta inolvidable.
Pero el plato fuerte es Los ojos azules de la muñeca rota (1973). Como si su falso escenario de la Francia rural lo justificara, está más cerca del thriller psicosexual galo que del giallo: sombras de Las ciervas, Los felinos, Les louves y hasta de Los ojos sin rostro, de Chabrol a Boileau y Narcejac, se mezclan con estilemas italianos y auténtico estro ibérico, rústico y brutal. Y Naschy oficia como ‘irresistible’ imán masculino –violador inocente y desperado, de torso sudoroso, entre el polar y la copa de Osborne: Es cosa de hombres–Un festín de rojo espeso, fetichismo sexual y delirio de bolsilibro nacional.
DIR.: JUAN DIEGO BOTTO. INT.: PENÉLOPE CRUZ, LUIS TOSAR, ADELFA CALVO, CHRISTIAN CHECA (KARMA FILMS). DRAMA. Remover conciencias. Juan Diego Botto debuta como director, y parece inspirarse en el cine de Ken Loach para ofrecer una mirada contundente y comprometida hacia conflictos sociales muy presentes en nuestro entorno: los desahucios, la miseria, los laberintos de la burocracia respecto a asuntos como los permisos de trabajo o la custodia de menores. Con la complicidad de unos estupendos Penélope Cruz y Luis Tosar, En los márgenes dibuja tres conmovedoras historias cruzadas marcadas por una cuenta atrás con un desenlace que se estima fatal, con una firme voluntad de dignificar a aquellos a los que la precariedad ha dejado sin voz. Karma edita la película en DVD.
LANZAMIENTO: 14 FEBRERO
DIR.: JAIME ROSALES. INT.: ANNA CASTILLO, ORIOL PLA, QUIM ÁVILA (A CONTRACORRIENTE). DRAMA. Amores tóxicos. Una Anna Castillo en estado de gracia ofrece un recital interpretativo poniéndose en la piel de Julia, una joven madre monoparental que encadena tres relaciones tóxicas en este retrato construido a partir de elipsis y pinceladas vitales, que, firmado por Jaime Rosales, añade reflexiones sobre las dependencias emocionales, el machismo y, también, sobre la precarización laboral que sufre toda una generación (o dos ya, habida cuenta de la concatenación de crisis). Editada en Blu-ray y DVD, la película añade como extras varias entrevistas a los actores y al equipo técnico y El rodaje en fotos.
LANZAMIENTO: 14 FEBRERO
‘Halloween: El fi nal’
Jamie Lee, Scream Queen. La saga iniciada con la icónica La noche de Halloween llega a su fin en una nueva orgía de sangre con una desatada Jamie Lee Curtis. Universal edita el film en BD, DVD y Ultra 4K, y lanza también packs con la trilogía firmada por David Gordon Green que relanzó la franquicia de John Carpenter.
LANZAMIENTO: 14 FEBRERO
La vida es puro teatro. Un actor en crisis acepta impartir un taller de teatro a presos de un centro penitenciario. Del desastre evolucionarán hasta ser capaces de representar Esperando a Godot, de Beckett, en una minigira fuera de la cárcel. Una historia real inspira esta feel-good movie que protagoniza Kad Merad. En DVD (Caramel).
LANZAMIENTO: 14 FEBRERO
Casi 10 millones de espectadores convirtieron La Casa del Dragón en el estreno más visto de la historia de HBO Max. Tal era la expectación ante el regreso a Poniente que propone el primer spin-off de Juego de Tronos, que su temporada inaugural, que ahora aparece en formato físico, ha mantenido buenas cifras de visionados a lo largo de sus 10 episodios, superiores a las de la primera entrega de la serie original. Situada 172 años antes del nacimiento de Daenerys Targaryen, la Reina de Dragones, la trama de La Casa del Dragón comienza con los problemas de descendencia del monarca Viserys Targaryen, obsesionado con ese hijo varón que no llega, lo que convierte la sucesión al Trono de Hierro en una fuente de conflictos que, en el
universo creado por George R.R. Martin, ya sabemos que solo se solucionan a base de complots y asesinatos. Los primeros capítulos de La Casa del Dragón parecen apostar por una cierta sobriedad, por las intrigas palaciegas y por los duelos verbales, y ahí brilla un reparto estelar, con intérpretes de la talla de Paddy Considine, Matt Smith, Olivia Cooke o Emma D’Arcy. Claro que la serie maneja sus múltiples recursos y añade toneladas de espectáculo, pero sus creadores (Martin y Ryan J. Condal, que ejerce de showrunner junto al director Miguel Sapochnick) parecen disfrutar dando juego a los actores, sin perder las señas de identidad (sangre, fuego y, por supuesto, vuelo de dragones) que convirtieron Juego de Tronos en todo un fenómeno audiovisual.
La reina Alicent (Olivia Cooke) y su padre, Ser Otto Hightower (Rhys Ifans).
La Casa del Dragón estará disponible en DVD, en Blu-ray, en una edición combo con la serie en UHD 4K y Blu-ray, y en una edición Steelbook en UHD 4K, que incluye un juego de postales exclusivo. Los discos comprenden 73 minutos de contenidos adicionales, y dos de las piezas extras son exclusivas: Bienvenido a Westeros (una breve presentación con intervención de George R.R. Martin) y Regreso a los Siete Reinos
(unmaking of que relaciona la serie con la original Juego deTronos).
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Si decimos que la historia que cuenta es lo mejor del mejor título protagonizado por Sonic lanzado en años, no parece que digamos nada bueno del juego. Justo lo contrario: Ian Flynn, su guionista –además de escritor de los últimos fabulosos tebeos lanzados sobre el personaje–, firma un trabajado entramado argumental que trota veloz por infinidad de sucesos acontecidos en la saga, revelando hechos y aclarando situaciones nunca antes explicadas, recolectando Chaos Emeralds y abatiendo tremebundos jefazos a través de un desarrollo en mundo abierto que funciona sorprendentemente bien. Correr con el erizo azul toma pleno sentido cuando sabemos por qué lo hace.
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Ideal para leer, ver una película o relajarse después de una dura jornada de trabajo, la mecedora de la firma belga de muebles de exterior Royal Botania es una elegante invitación al descanso de diseño minimalista. Para que el placer sea absoluto, tiene como complemento un reposapiés que favorece el desentumecimiento de las piernas.
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The Knight Witch es una exitosamente equilibrada experiencia multigénero, según su genial equipo desarrollador –allá va su nombre completo: Super Awesome Hyper Dimensional Mega Team–, nada menos que un narrative-driven deckbuilding twin-stick shoot’em up flying metroidvania. Vaya, un Nicky, la aprendiz de bruja para la generación de la extrema interacción, tan mágicamente animado y sobrecogedoramente musicado como la citada obra del Estudio Ghibli.
Un dos en uno. Eso ofrece para el mes más romántico del año Catànies Cudié con su nuevo formato pensado para disfrutar de una combinación perfecta, el chocolate y los frutos secos. Almendra marcona caramelizada recubierta con praliné de avellana y sal de Himalaya, o con crema catalana, con un toque de yogur griego…
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Desde que Josh Sawyer, también director de Fallout New Vegas, advirtió que Pentiment no es un juego para todos, atrajo toda nuestra atención. Y no es para menos…, pero no es para tanto: su trama avanza como un murder mystery ambientado en el siglo XVI, muy à laEl nombre de la rosa, critica barbaridades sociales antiguas, pero aterradoramente cercanas, y su mensaje es claro: evitemos errores del pasado. Es cosa de todos. No es ningún juego.
La icónica mascota de Karl Lagerfeld, Choupette, ha servido de inspiración para crear la colección de gafas de sol KL341S de la firma. De fina montura metálica y disponible en varios tonos, el nuevo diseño es chic, elegante y lujoso y está pensado para llevar a diario.
El frío y la humedad provocan que la piel se seque y agriete con rapidez. Gracias a la bergamota y el pachuli, la crema N 102 L:A Bruket hidrata y protege las manos. Lleva, además, aceite de coco, manteca de karité y un mix de plantas suecas ricas en Omega 6 y 9 que nutre intensamente, restaura las cutículas y suaviza.
Sony Classical. 31’.
Tras 50 años juntos parece que el camino de John Willliams junto a Steven Spielberg termina en este film de evocaciones y recuerdos con una música para evocaciones y recuerdos, íntima e intimista, con austero tema principal donde el piano es protagonista (la madre de la película es pianista con carrera frustrada) y sirve para expresar afecto y nostalgia. Hay algunos contrapuntos de oscuridad, dramáticos, pero el tono general es positivo, discreto. Es algo que responde a la elegante decisión de no remarcar ni enfatizar sino apoyar y respetar el foco de atención de las
acciones, interpretaciones y diálogos. Hay, así, muy escasa presencia de la música original (la más exigua en toda la carrera juntos) y no se dispone para estructurar narrativa o dramáticamente el film, sino para aparecer en determinados momentos y, también, cerrar la película. La música clásica y diversos temas del Hollywood dorado complementan una banda sonora que supone un adiós con suavidad, discreción y mucha fineza.
Amarcord Ediciones
310 págs. 21 €
Reconocido como una de las máximas autoridades en la cultura, costumbres y también el cine japonés, Donald Richie (1924-2013) escribió una historia detallada del cine del país del Sol Naciente desde sus inicios a finales del siglo XIX hasta el primer tramo del XX, 2005, poco antes de que el autor falleciera. El cinesta Paul Schrader lo prologó, afirmando que todo lo que sabemos en Occidente del cine japonés, y el modo en cómo lo conocemos, se lo debemos en gran medida a Donald Richie. No era un halago gratuito: este libro –y otros de cine que también publicó– son
referencias absolutas para entender desde nuestra perspectiva los films de Kurosawa, Mizoguchi, Ozu y de tantos más. Los textos son claros, concisos y directos. Permite entender el desarrollo y evolución de esa industria y, lo que es muy importante por ser menos usual, reserva espacio para reconocer no solo a los directores, sino también a los guionistas, cámaras, actores, compositores o diseñadores de decorados y vestuario.
Decca Records. 54’.
Thomas Newman firma una bienintencionada pero muy apática creación que intenta sin lograrlo ser sentimental, cálida y servir a la comedia, quedándose en una zona de grises, sin elevar en ningún momento ni al personaje ni la película en su conjunto. Es una obra insípida que no llega a encontrar su lugar en la cinta más allá de algunos contados momentos con matices dramáticos, o de su tema principal, que es lo único destacado de una banda sonora muy por debajo de lo esperado en el autor.
DEL AGUA.
DICCIONARIO VISUAL
DK
176 págs. 29 €
Los que deseen regresar a Pandora con una guía bien completa tienen este ‘libro total’, que ha sido hecho por expertos que han trabajado en la película y que muestra una guía visual con la que conocer al detalle los personajes, criaturas, vehículos, armas y todos los escenarios en los que se desarrolla el film. Con prólogo de Sigourney Weaver, es muy prolijo en explicaciones e ilustraciones y permite conocer muchísimos detalles que se escapan en un único visionado de la extensa cinta de James Cameron.
Hollywood Records. 34’.
En su cuarto film con Martin McDonagh, Carter Burwell mantiene el tono de música austera, intimista, impregnada de un moderado tono de tristeza. Funciona en parte como contraste, resaltando lo sentimental pero también lo irónico, como una mirada externa pero que también cala en lo interno, en la desazón. Gira en derredor de un bello pero deliberadamente apático tema principal y en el protagonismo del arpa, que aporta una sonoridad etérea para lo estático y el vacío existencial.
Marvel. 83’.
Abel Korzeniowski es autor de una hermosa creación de amplio calado dramático que tributa al muchacho salvajemente asesinado y al coraje de su madre. Tras un comienzo apacible, aparecen temas oscuros para avanzar los acontecimientos y enfatizar el peligro que acecha, y deriva en lo lúgubre y amargo. Pero la música renace y cobra entereza con la fuerza de la madre, momento en el que aparece el esplendoroso tema principal, que es el de ella y el de su empeño para que se haga justicia.
Lunwerg Editores
192 págs. 23 €
Alba Cantalapiedra y Antonio Rosa Lobo firman un simpático libro de entretenimiento en el que recorren casi 100 años de Historia del Cine relatando de algunas películas abundantes anécdotas, curiosidades y datos de interés para tener nuevas perspectivas. Entre los títulos incluidos están Psicosis y su origen en un hecho real, o El planeta de los simios y el rechazo de Ingrid Bergman a interpretar a una simia, algo de lo que se arrepentiría… Un libro muy entrentenido.
Notorious Ediciones 358 págs. 38 €
Nacida un 23 de enero, hace ya 100 años, Lola Flores fue una de las más grandes estrellas del folclore español y tuvo una importante presencia en nuestro cine y televisión. Un grupo de 25 autores repasan y analizan sus películas y las constantes en la vida y obra de la temperamental artista que falleció en 1995, dejando un legado de más de una treintena de películas como Embrujo (1948) o Morena Clara (1954) y series como Juncal (1989) o Los ladrones van a la oficina (1993).
Cincuentenario feliz. Los Ángeles, 27 de marzo de 1973. Francis Ford Coppola posa con los Oscar a Mejor Película y Mejor Guion Adaptado que consiguió El Padrino, junto con el de Marlon Brando como Mejor Actor, quien no acudió a la ceremonia. Pero aquella noche también subió al escenario del Dorothy Chandler Pavilion el aragonés Luis Buñuel, que recogió la estatuilla por El discreto encanto de la burguesía como Mejor Película de Habla No Inglesa, que competía bajo bandera francesa. Entre los nominados de aquel año figuraba Mi querida señorita, de Jaime de Armiñán, en representación de España. El próximo 12 de marzo, 50 años después, se celebra la 95.ª edición de los Oscar de la que hablaremos en el siguiente número. ◆
