DJ Mag ES #123 by DJ Mag España

#DIAMUNDIALDELARTE Bebe con moderación. WWW-DISFRUTA-DE-UN-CONSUMO-RESPONSABLE.COM

DEJA QUE TU ARTE FLUYA

C O N T E N I D O S D J MAG 123 / MAYO 2021

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BREVES 60 SEGUNDOS – GAZZI MIS FAVORITOS – AMEME OFF THE RECORD – ELIAS BENDIX FOCUS ON – PURIFIED 5 TRACKS – DEGIHEUGI

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ELECTRÓNICA & ROLL – TESTIMONIO COCINAMOS CON – JOE TURNER LUCKY 7 – LANDIKHAN MI CIUDAD – RASHID AJAMI TENDENCIAS – CHARLOTTE ARCHER CÓMO PRODUZCO – MARC C. GRISO EL RINCÓN DE KALI

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Artículos 030 038 044 050 054 058

DE LA SWING VELMONDO MUTEK ES: LAS 10 ARTISTAS QUE NO PUEDES PERDERTE DAAR EL RESURGIR DE DJ INTERNATIONAL ¿QUÉ SON LOS NFTS?

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Críticas 0 67 068 070

LA SELECCIÓN DEL DIRECTOR ÁLBUMES

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SINGLES

Te ch 078 082

REPORTAJE PLASTIC

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E D I T O R I A L

Mayo ha llegado por fin. Con él la esperanza, de empezar a ver cómo la situación sanitaria mejora y se empieza a abrir las puertas al sector cultural, en especial al mundo del clubbing. Ya empezamos a ver algunos brotes verdes, como sesiones más puramente de club reconvertidas en momentos de escucha o incluso sesiones de teatro híbridas. También como algunos experimentos de eventos seguros empiezan a dar sus frutos, trayendo esperanza a un sector que necesita reactivarse como nunca.

DIRECTOR GENERAL Y DE CONTENIDOS Eduardo Pérez Waasdorp | eduardo@djmag.es

Mientras esperamos que las cosas sigan este camino positivo, este mes os traemos a un protagonista de portada especial y de la tierra. Este 2021 estamos viendo su mejor año a nivel artístico y discográfico: hablamos de De La Swing. Habiendo salido de la escena d&b y habiendo evolucionado tremendamente, actualmente De La Swing se encuentra en un momento de madurez y plenitud sonora, como así lo demuestra su catálogo de publicaciones más reciente. Sellos vinyl only, mucho house, más profundo y sesudo, además de seguir siendo uno de los estandartes de elrow… Domi ha tenido tiempo de sentarse y transformar su sonido en algo mucho más fino, maduro y elegante. Todo ello y más nos lo cuenta en una extensa y amena charla para celebrar su portada en esta casa.

En otro tercio, hablamos con Velmondo, alias de Arnau Obiols, uno de los artistas más en forma de la escena underground en Barcelona, ante la salida de su último trabajo junto a Iro Aka, en Hivern.

GENERAL INFORMACIÓN: Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es

Mayo es un mes que, como os daréis cuenta, hemos querido quedarnos en casa. Por ello os traemos lo más destacado de uno de esos festivales que adoramos: MUTEK ES. Este año, hacemos un especial sobre ellas, las artistas más interesantes que ver este año en su edición híbrida y en conjunto con MUTEK Argentina.

ADMINISTRACIÓN: Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es MARKETING MARKETING Y BUSINESS MANAGER: Sara González | sara@djmag.es

Nos movemos un poco dentro de nuestra geografía para hablar con Daar, alias de Alvaro Aragonés, ante la reciente publicación de su ‘Entire’, en la etiqueta canadiense Silent Season. Y a en clave de reportaje, viajamos hasta la mismísima Chicago, ciudad del viento, para hablar con una leyenda: Rocky Jones. Rocky es el fundador de uno de los sellos más importantes del género, DJ International, que ahora vuelve a la vida con una renovada energía. Y para cerrar, os traemos un monográfico muy detallado sobre una de las últimas modas digitales: los NFTs. ¿Qué son? ¿Para qué sirven? ¿Tienen futuro para la música electrónica? Os animamos a descubrirlo.

MARKETING INTERNACIONAL: Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es DIRECCION COMERCIAL: Jassi González | jassi@djmag.es COLABORADORES Ángel Manrique, Borja Manzano, Bruno Garca, Cristina León, Charlie Braun, Eduardo Carbonell, Ekai, Esteban Martínez, Fernando Blanco, Gerardo Cartón, Guillermo Delmas, Gustavo Navedo, Helena Bricio, Julia Lozano, Jonathan Prada, Carlos Flavio Bustos, Mugni, Oliver Florez, Rohan G. Finger, Sandra Vian, Sergio Bifeis, Sergio Parrado, Willy Alcocer, Manuel Sánchez-Cid, Miguel Ángel Alvira, Víctor Fernández, Luis Vallespín y Marc Montes.

Así cerramos esta edición 123 de DJ Mag ES. En circunstancias normales estaríamos en Ibiza, celebrando la apertura de la temporada en IMS. Este año tampoco ha podido ser, pero esperamos que todos estos sacrificios nos permitan volver el año que viene, más fuertes y como una escena más unida. Mientras tanto, nos despedimos hasta el mes que viene. Gracias por leernos y por apoyarnos durante estos

EDICIÓN REVISTA DJ MAG SL Avenida 8 de agosto, 11 – 10 bajo 07800 – Ibiza (España) B 16523805

meses. ¡Se ve la luz! ¡Hasta dentro de un mes, amigos!

EDUARDO PÉREZ WAASDORP Director

DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

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B R E V E S Autor: REDACCIÓN

MUTEK CONNECT PRESENTA SU PROGRAMACIÓN DE MAYO MUTEK Connect presenta un amplio programa virtual de espectáculos grabados en vivo -en un formato híbrido- y una galería de obras de arte digital. El programa se une del 3 al 9 de mayo a la edición hibrida de MUTEK ES+AR, sumando un total de 15 actuaciones grabadas en 4 ciudades y, además, también se retransmitirá a través de la plataforma virtual.mutek.org. Se presentará el segundo episodio del proyecto JUMP CUT, una serie web de seis

colaboraciones en streaming entre artistas internacionales multidisciplinares. Además, MUTEK ES+AR conecta con el Festival Internacional de Arte, Ciencia y Tecnología VOlumens presentando un set de Oscar Mulero. Debido a las actuales restricciones sanitarias en Barcelona, finalmente durante el mes de mayo la Sala Apolo no podrá abrir sus puertas en horario de concierto como tenía previsto. www.mutek.org

MANS O ESTRENA SU SELLO DISCOGRÁFICO SO URGENT El músico, productor y compositor barcelonés MANS O estrena su sello So Urgent, un nuevo proyecto que pretende tender puentes artísticos entre la efervescente escena barcelonesa y la escena internacional. El sello tiene la intención de unir a artistas de diferentes contextos y sensibilidades para crear nuevos sonidos, crudos y armónicos, salvajes y delicados a la vez. Además, también tiene como objetivo ofrecer un espacio de creación artística con

un estudio de grabación propio ubicado en La Vall d’Hebrón. So Urgent se presenta así como un punto de encuentro donde se invita a los artistas a crear en comunidad. El sello producirá música, pero también producirá contenidos -a modo de conversaciones- sobre temáticas urgentes, y contará con una sección dedicada al baile para poner movimiento a los beats producidos por MANS O, www.instagram.com/so.urgent

LA AOI SOLICITA LA APERTURA DE LAS DISCOTECAS AL GOVERN La Asociación Ocio de Ibiza (AOI) ha solicitado al Govern balear la reapertura de las discotecas a partir del mes de junio. Confían en el objetivo fijado por el Gobierno central y la Unión Europea (UE) de llegar al verano con el 70% de la población española vacunada y con ello la posibilidad de reactivar el ocio de la isla. Para ello, el sector está comprometido con las medidas de seguridad sanitar-

ias y pretende aplicar un protocolo de actuación específico en función del tipo de acceso a los locales y el número de asistentes. También se especifica en el protocolo que todos los locales dispondrán de personal de seguridad suficiente y testado como mínimo cada 72h con el fin de velar por el cumplimiento del aforo máximo y evitar la formación de grupos numerosos y aglomeraciones.

250 PERSONAS CELEBRARON LA MERCÈ ELECTRÒNICA EL 1 DE MAYO EN GIRONA Girona vivió una nueva edición de la Mercè Electrònica enmarcada dentro de la prueba piloto de Obrir Girona, donde se pretende probar la eficacia de un pase digital ‘COVIDfree‘, una propuesta para reactivar el sector hostelero y de ocio que arrancó el fin de semana pasado con la apertura de restaurantes para ir a cenar. El presidente del Centro Blockchain de Cataluña, Quirze Salomón explicó en una entrevista en RAC1 que la Mercè

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Electrònica se celebró en el Centre Cultural La Mercè el pasado sábado 1 de mayo con un aforo para 250 personas. El evento se realizó después de que Sanidad diese el visto bueno definitivo y contó con las actuaciones de Andrés Campo y Viviana Casanova, entre otros cinco DJs, que estuvieron desde las 18:00 hasta las 22:00 amenizando la jornada. www.instagram.com/lamerceelectronica

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S E G U N D O S

Gazzi ( @ A S O C I E L )

¡Hola, Pablo! ¡Un placer saludarte! Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías? ¡Hola! En pocas palabras diría que soy un chaval de pueblo con muchas inquietudes que hace música a modo de autocuidados ya que es lo que más me gusta hacer en la vida y puedo permitirme hacerlo.

que aporta un servicio genial a la comunidad con su podcast semanal @individualactivities y Lelüsh que bueno, sencillamente quien lo haya visto pinchar habrá comprobado el tremendo estilazo que tiene, haz Shazam que no vas a encontrar nada por ahí. Por supuesto otra influencia muy grande es mi pareja que me inspira y me anima siempre y es la que me aguanta al escuchar el Estás afincado en Granada. ¿Cómo ves la esce- mismo tema mil veces xdd na de electrónica de Andalucía en particular? Tú música se desarrolla de forma bastante ¿Y de España en general? (pre-covid) In crescendo, veo cómo hace unos años la elec- única, entre el breakbeat, vocales cortados, el trónica estaba más limitada a ciertos espacios ambient, las atmosferas… ¿Cómo definiríais y hasta que empezó la pandemia se podían ir a tu proceso creativo? fiestas de electrónica en la mayoría de clubes de Mi proceso creativo depende de lo que esté escula ciudad. En España, como siempre, como todo, chando en ese momento. Tiendo a hacer música se concentra casi todo en las grandes urbes, y a como la que escucho, me sale así, y me enorgulleveces, a mi parecer, se olvida que hay gente que ce, de hecho. En cuanto a la producción; trabajo hace cosas más allá de Madrid o BCN casi siempre con samples, haciendo collages con diferentes pistas de audio, combinándolo con un Entiendo que empezaste en la electrónica gra- roli lightpad block que me sirve de midi para hacias a tu gusto por el ambient y los ritmos rotos, cer las diferentes líneas de ambient, graves, etc en el colectivo Asociel. ¿Cuáles son tus principaCuando hago música pienso en si le gustaría a les influencias? ¿Cómo llegaste a ellas? Mis principales influencias son Burial, Traum- Burial o a Traumprinz... me recreo imaginando prinz, Four Tet, Ouri, Kllo, Jacques Greene... ar- en si disfrutarían conmigo como yo con ellos tistas que combinan ritmos rotos y ambient con y eso me hace intentar mejorar. En el neoclavocales de rnb, siempre con un toque luminoso sicismo decían aquello de que somos enanos a pero nostálgico. Siempre fui un digger pero real- hombros de gigantes y yo me siento un poco así. mente he de decir que tengo unos amigos genia- Tengo un abanico muy grande artistas en los que les de los cuales aprendo mucho ya que siempre fijarme y aprender, y eso intento cada día, pornos recomendamos música, nutriéndonos mu- que me tiro muchas horas invirtiendo mi tiempo tuamente. El formar parte de un colectivo es eso, en mi pasión. tener un grupo de amigos afines a ti capaces de sorprenderte todas y cada una de las veces que Recientemente sacabas ‘Dizzy’ en el recopilalos ves pinchar. Gente como Pharma, mi herma- torio Puro Mareo Vol. 1, curado por Chico Blanno del alma Adrián, del sello MASA, Daniel Kelsan co y 8kitoo en su sello, Mareo. ¿Cómo ha sido

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trabajar en este lanzamiento para ellos? Pues muy fácil, somos colegas y nos entendemos, hemos vivido la misma cultura y creamos escena en Granada. Es a esto a lo que me refiero cuando digo que tengo buenos lazos con gente que me aporta tanto personalmente como musicalmente. Haremos más cosas juntos seguro <3 Entre trabajos anteriores, te has autoeditado, sacado remixes para Chico Blanco, el Colectivo Da Silva o ERNESTO, además de sacar en el sello peruano Terror Negro… ¿Qué otros proyectos tenéis entre manos este 2021? Un disco con Breaking Bass que debe salir en torno a verano y varios remixes pendientes, así como trabajos de producción con La Plazuela o Niños Luchando, gente de aquí, de la tierra. Aunque estoy abierto a propuestas, me encanta remixear y tengo muchas ganas de colaborar con otras artistas :) Finalmente, Pablo, pedimos al invitado de 60 Segundos que plantee una pregunta al siguiente. El último fue Amoroux: “Si pudieses revivir la vida de un conocido o no tan conocido artista, ¿de quién lo harías?”. Y a cambio, nos tenéis que dejar una pregunta para el siguiente… Me encantaría vivir la vida de Quincy Jones, porque ya hay que ser buena gente y tener muchísimo talento para tener una vida de tantos éxitos y reconocimiento, y sobre todo, llegar a esa edad siendo tan disfrutón, el Alfredo Di Stéfano de la música sin duda. La pregunta que lanzo es: ¿Con qué tema iniciarás la próxima vez que pinches en un evento como los de antes? ¿Por qué?

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F AV O R I T O S

*‘Your Love’ de AMÉMÉ ya está disponible en ABRACADABRA. Consíguelo escaneando el código.

AMÉMÉ Albums “Hyenah’s Watergate Berlin”27” - Esta es una de las primeras compilaciones de Afro House en Watergate de Hyenah y, creedme, ¡merece la pena! Desde pioneros como Henrik Schwarz hasta productores estelares como Pablo Fierro, encontrarás una gran variedad de tracks electrónicos de percusión en todo el espectro, unidas a la perfección. También me enorgullece decir que se incluyó mi track “Bangala”. ¡Échale un vistazo!

Pablo Fierro - Reincarnation &ME, Rampa, Adam Port & Sofie - Discoteca Force - Laolu BLOND:ISH - Roxanne (Blondish Sunrise Rework) Trinidad Dreams- Analog Sol (Djumasoundsystem Remix)

African Giant by Burna Boy - African Giant de Burna Boy - ¡Directo de Nigeria, esto es Afrobeat en su máxima expresión! La voz de Burna Boy es única y representa mucho más que música, ya que ha superado los límites del afrobeat, que es un género que ya se estaba expandiendo a un ritmo muy rápido.

Películas Solo tengo tiempo para ver películas cuando estoy en el avión, pero estas me llamaron mucho la atención: Déjalo ir - Kevin Costner y Diane Lane Avatar - Sam Worthington Training Day - ¡Denzel Washington es increíble! Malcom y Marie - Kevin Costner y Diane Lane Judas y el Mesías Negro - Daniel Kaluuya y Lakeith Stanfield

Tracks Este fue difícil, ya que recibo promociones nuevas e increíbles todos los días y tengo un par de clásicos de todos los tiempos de los que nunca me canso... Pero últimamente, esto es lo que se repite en mi Spotify:

Series Juego de Tronos Espartaco Prison Break Narcos Lupin

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Libros El arte de la guerra por sun Tzu Steve Jobs de Walter Isaacson Las leyes de la naturaleza humana por Robert Greene Las verdaderas aventuras de los Rolling Stones de Stanley Booth Outliers de Malcolm Gladwell Deporte Football (Soccer) - PSG “Ici C’est Paris” Videojuego Street Fighter (on PS3-4) Hobby Grabación de video - Edición y producción. Este es un hobby reciente que desarrollé durante el primer confinamiento en 2020. Entré en YouTube y aprendí todo sobre cámaras, lentes, grabación y edición. Ahora, cada vez que tengo la oportunidad de crear buen contenido para mí o para mis amigos, ¡lo hago!

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Hacemos 5 preguntas a Elias Bendix que poco nada tienen que ver con la electrónica…

*Escucha ‘revolution’, de Elias Bendix, escaneando el código.

Elias Bendix ¿Cuándo fue tu última mentira y por qué? Algunas cosas son mejor no contarlas. Pero la verdad es que me encanta fumar marihuana, supongo que la última vez que mentí fue cuando dije que estaba sobrio o que no había fumado. Intento ser honesto al respecto, pero puede ser difícil al menos con los parientes más cercanos. ¿Eso que siempre quisiste te preguntaran pero nadie te lo ha preguntado nunca? Realmente no quiero ‘alardear’ demasiado, pero recuerdo el extraño encuentro que tuve con Donald Trump. Tanto yo como mi novia fuimos invitados por unos conocidos a West Palm Beach, un resort ¡y le invitaron para la cena de Navidad! Había un montón de gente e incluso

hablamos con él. Más bien Donald hablaba con mi novia y le hacía preguntas sobre el sistema educativo danés… ¡esto fue dos años antes de ser presidente! Si pudieras resucitar a alguien, ¿quién sería? Jimi Hendrix. Tuvo una vida y una carrera musical demasiado corta. Creo que habría seguido haciendo tan buena música que hubiera influido (para bien) en las fronteras musicales de nuestros días. Si tuvieras que elegir entre no volver a tener relaciones sexuales y no volver a actuar en directo, ¿qué elegirías?

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(Risas) ¡Eso es difícil! No he actuado en mucho tiempo y aun así sobreviví, pero ahora mismo creo que preferiría ser soltero para volver a tocar mi música en directo. Solía vivir bien sin sexo cuando comencé a tocar la guitarra… y tocaba mucho, ¡así que no debería ser imposible! ¿Cerveza o vino? Me decanto por la cerveza, el vino me suele decepcionar. Mi padre es enólogo y comercia con vinos, supongo que heredé ser un sibarita del vino. En cambio, no me canso de la cerveza, especialmente viviendo en Dinamarca. El vino favorito en este momento que puedo recomendar es el Goyo García Viadero. Es español, ¡probadlo!

BARCELONA BUENOS AIRES

+ 50 artistas + 15 nacionalidades + 25 performances

HÍBRIDA

festival internacional de creatividad digital

MUTEK Connect: Montréal, México, Tokio, València

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Encuentros Profesionales / Experiencias Inmersivas / Instalaciones Digitales / Shows Audiovisuales

Festival Presencial + Online Plataforma Virtual: virtual.mutek.org 10€ programa ‘On Demand’ durante todo mayo

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Tickets e info: barcelona.mutek.org

F O C U S

O N

Autor: SERGIO PARRADO

Purified Records De madre sudafricana y padre suizo, Nora en Pure nació en la bulliciosa ciudad de Johannesburgo, emigrando a Suiza siendo una niña. Crece en el seno de una familia en donde la música está siempre presente, esto la hace aprender a tocar diferentes instrumentos desde muy temprana edad. En sus producciones podemos escuchar sus raíces sudafricanas, la ambientación tropical y un claro gusto por lo sonidos mas tribales y percusivos así como melodías compuestas por instrumentación clásica como el piano o instrumentos de viento sin dejar nunca de lado los sintetizadores. Ha conseguido ganarse un nombre

dentro del mercado internacional impulsado por su éxito “Come With Me”. Después llegarían otros hits como “Saltwater” y remezclas para artistas de gran calibre, como Oliver Heldens o Dirty Vegas por nombrar algunos. Más recientemente nace Purified, primero como programa de radio, después como eventos para, finalmente, en noviembre de 2019 culminar como sello discográfico. Con una definida línea melódica que navega entre el house y el techno más contemporáneo, Purified Records representa fielmente lo que podemos escuchar en un set de nuestra protagonista de este mes en Focus On.

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F O C U S

¿Cuál es el concepto del sello? ¿Cómo surgió el nombre de Purified Records? Era la última pieza que faltaba para completar la marca Purified. Llevaba tiempo con el programa de radio Purified marcando la dirección del sonido, y luego empecé con los eventos de Purified, así que el sello discográfico era sólo cuestión de tiempo y el nombre era básicamente un hecho. La industria musical se ha visto muy afectada por la pandemia, ¿la situación actual le ha hecho cambiar la estrategia de su sello? Un poco. Hemos sacado música más relajada que también se puede disfrutar en casa y que no necesita ser pinchada en los clubes. También hemos recibido más música de este tipo durante el último año, así que ha sido un cambio bastante orgánico.

O N

¿Es importante para los artistas desarrollar su propia marca o sello en estos momentos? La marca puede ser importante ahora, sí. Sobre todo para tener un sonido característico y hacer que la gente sepa cuál es tu onda y tu visión. El sello puede verse como una herramienta más de este tipo o también como un proyecto independiente. En mi caso, realmente cierra el círculo, así que en mis programas de radio puedo tocar el sonido que me gusta y que estoy publicando en el sello, y en los eventos puedo hacer que toquen “mis propios” artistas, que publican en mi sello, y darles una plataforma para crecer. A estas alturas, el sello me consume bastante tiempo, ya que estoy muy involucrada en él. Si pudieras viajar a otra época (musicalmente hablando), ¿a dónde irías y por qué?

Creo que iría 20 años atrás, cuando la música electrónica y la energía de la gente eran completamente crudas. A veces veo o escucho historias de aquella época (ya que no había muchos dispositivos de filmación, o la necesidad de filmar algo) y suena taaaan bien haber pinchando en aquella época. Se trataba música y energía… no importaba nada más. ¿Qué te gustaría destacar de la escena actual? Artistas o sellos que crees que debemos seguir de cerca... Tengo un par de artistas muy prometedores en mi sello. Su música es de primera categoría, así que creo que llegarán lejos. Algunos de ellos son Paradoks, Heard Right, Chris Luno y Alex Breitling. Todos ellos son talentos muy prometedores, ¡vale la pena verlos!

MINI TEST ¿Un club? Amnesia (Floripa, Brasil)

Un Club? Brooklyn Mirage

Una Ciudad? New York Una comida? Thai

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Purified Records? ¡Si!

T R A C K S

Preguntamos al francés Degiheugi por los 5 tracks que más le han influenciado

Degiheugi 2.

Madvillain

De La Soul

Curls [Stones Throw Records]

Ring Ring Ring (Ha Ha Hey) [Tommy Boy Entertainment]

Cuando el álbum fue publicado en 2004, fue como vivir un sueño. ¡Uno de mis beatmakers favoritos (Madlib) junto a mi MC predilecto (MF Doom)! Ha sido mi disco de cabecera durante mucho tiempo. Contiene canciones no muy largas pero muy efectivas. “Curls” representa, según mi punto de vista, la fabulosa simbiosis entre beatmakers y raperos.

Fue este tema, y este álbum, lo que me hizo descubrir y amar el hip hop. Yo tendría unos doce años cuando mi padre me compró el primer equipo de alta fidelidad. El vendedor puso varios CD: uno de The Police, otro de Bob Marley y finalmente una casete de De La Soul. Aquello fue una revelación. Me enamoré de esta música al instante de escucharla. Me acababa de enamorar del hip hop.

*Hazte y escucha el último trabajo de Degiheugi, ‘Foreglow’, escaneando el código!

Amon Tobin

Tony Allen

NightLife [Ninja Tune]

Cosmosis [Decca Records]

Descubrí a Amon Tobin nada más comenzar mi proyecto en solitario (Degiheugi). Hasta entonces escuchaba principalmente solo a productores de “hip-hop” pero caí cautivado por ese período de en el que desde Ninja Tune se rompían todo tipo de fronteras. Desbarataron desde jazz como rap o música de baile electrónica. “Nightlife” me convenció para no ponerle límites a mis propias producciones. A explorar.

Gran flechazo de ahora mismo, el disco póstumo de Tony Allen y en concreto hablo del tema “Cosmosis” (con Skepta y Ben Okri). Co-producido por Allen, pero también Damon Albarn y Remi Kabaka. La canción que os traigo es todo lo que amo de la música. Espontaneidad, una rima enfermiza, a tope. En resumen, es un jodido tributo a este gran maestro del groove que fue Tony Allen.

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El Michels Affair Yeti Season Big Crown Records Un álbum para cerrar. Así, porque me ha sido imposible extraeros un único track de este disco. Tengo la sensación de que El Michels Affair se vuelve más impresionante con cada nuevo trabajo y en este último lo demuestra. Su ritmo, su sonido granular, las melodías se acercan a la perfección. Lo tenéis que descubrir, de verdad. Lo que no sabría explicaros es esta extraña portada (risas).

N U E VA WEB 2017

E L E C T R O N I C A

R O L L

Autor: SERGIO BIFEIS

Tes timonio Mayo, un mes donde estaríamos haciendo cábalas sobre qué nos depararía la temporada estival con Ibiza en el horizonte y toda la retahíla de festivales patrios y europeos. Por segundo año consecutivo nos quedaremos sin ninguna de ambas cosas por los motivos que todos conocemos. Mientras tanto esperamos a la ansiada inmunidad de rebaño en función de un proceso de vacunación en nuestro país que, según el ritmo que lleva, dan unas estimaciones para que el principal público objetivo de estos eventos (treintañeros y veinteañeros) les tocará el pinchazo en el brazo en algún momento entre noviembre de este año y febrero del que viene. Quizá sea en la primavera de 2022 cuando veamos la luz y retomemos algo de la antigua normalidad pero lo que queda claro fin de semana tras fin de semana es que ni una pandemia mundial puede con las ganas de ocio, y de fiesta, de la gente joven. Y como todo, hay lugares y personas que respetan escrupulosamente las medidas sanitarias del mismo modo que existen otras alternativas donde estas brillan por su ausencia. Estas últimas son las que suelen abrir los telediarios cada lunes.

es reconocerlo. Tras cumplir algo más de un año sin pisar ninguno, finalmente la cabra tira hacia el monte y en los últimos meses he accedido a acudir a diversos eventos tanto como cliente y como Dj en los meses marzo y abril. Unas sensaciones encontradas que me gustaría exponer desde estas líneas a modo de testimonio personal. Como cliente, es darte de bruces con una realidad llena de límites. Estar en un lugar donde se respete al máximo las normas sanitarias, que básicamente se reducen a no poder levantarte de la silla salvo para ir al baño y llevar la mascarilla siempre puesta salvo para beber compartiendo mesa con otras tres personas como máximo, con una música de baile atronadora me resultó todo un sinsentido. No puedes disfrutar de la música como te gustaría, ni tampoco de una charla distendida con tus acompañantes. El único que baila es el DJ y todo se convierte en una pesadillesca distopía en la que mover la cabeza como asintiendo, levantar las manos y algún que otro grito o palmas son las pocas reacciones que puedes tener y que sirvan como signo de que te gusta lo que estás escuchando.

Esta experiencia previa como cliente influye, Sí, se echa de menos bailar y volver a un y mucho, a la hora de subir a una cabina en club. Un servidor, el primero. El primer paso la situación inversa. No podemos tener una

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actitud individualista y arrogante poniendo la música que nosotros queramos para quitarnos el mono porque el único que va a disfrutar de la sesión al 100% es el que está pinchando. Y es algo que puede estar muy bien, pero creo que no procede. En mi caso ese pensamiento egocéntrico y privilegiado desaparece. Lo justo es adaptarse a la situación para pasar un rato agradable tanto para el artista como para el público que está prácticamente atado a una silla. Puede que sea el momento de sacar a relucir toda esa música que no sueles mostrar públicamente fomentando más la escucha. Un bonito reto donde hay que aplicar más psicología que nunca. Algo delicioso para los que nos hemos curtido haciendo warm-ups. Velocidades lentas, ritmos cálidos y no perder cierta animosidad que se puede incrementar poco a poco pero sin llegar a una zapatilla que no lleva a ningún lado y que pueda descontrolar a la gente (aunque algún baile furtivo es inevitable y más si hay ingesta de bebidas espirituosas), pueden ser clave para transmitir y contentar a los presentes y poder sentirse orgulloso del trabajo realizado. Bailar sentados no es bailar pero siempre se puede crear una energía positiva que nos haga más amena el retorno a la pista de baile.

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C O C I N A M O S

C O N

Joe Turner

INGREDIENTES (PARA 2 PERSONAS): 1 pimiento rojo cortado en cuadritos 100 g de tomates cherry cortados por la mitad 150g de chorizo picado en trozos pequeños 1 guindilla roja picada en trozos pequeños 2 dientes de ajo en rodajas al gusto 250g de Passata 250g de Orzo 300 ml de agua Perejil fresco picado Sal Pimienta Aceite de oliva

‘Noir’ de Joe Turner saldrá en LG105 el 4 de mayo. Puedes escuchar también ‘Too Much’ escaneando el código.

ORZO DE CHORIZO, TOMATE Y PIMIENTO ASADO Esta es una receta que comencé a cocinar hace unas semanas, ¡pero ME ENCANTA! Tiene una mezcla de dulzura gracias a los pimientos y los tomates, además de un sutil picante del chorizo y el chile. ¡Una combinación ganadora para mí! Es una comida perfecta para cocinar bastante y comerla durante toda la semana. Si no te gusta el chorizo, ¡quizás puedes sustituirlo por otra verdura u otra carne que te guste más! Calienta el horno a 180 °C y pica los pimientos y los tomates mientras se calienta. Una vez el horno esté listo, coloca los pimientos y los tomates en una

bandeja para asar y sazónalos con sal y se cocina. No tengas miedo en añadir pimienta, cúbrelos con aceite de oliva y más agua si crees que el Orzo está abcolócalos en el horno para asar durante sorbiendo demasiado. 25 minutos. Una vez que el Orzo esté cocido, debes Mientras se cuecen las verduras, sofríe añadir las verduras asadas a la sartén el chorizo en una sartén hasta que em- junto con un poco de perejil picado. piece a dorarse. Añade el chile y el ajo ¡Mézclalo todo y estará listo para comer! y, una vez que el ajo se haya ablandado, añade la passata y el agua. Remuévelo *OPCIONAL: si quieres añadir algún todo y luego añade el Orzo a la sartén. acompañamiento adicional a la comida, te recomiendo añadir un poco de Llévalo a ebullición, luego bájalo a mozzarella y / o pan de ajo a este plato. fuego medio. Asegúrate de estar removiéndolo continuamente para que el Espero que disfrutes cocinando esta reOrzo no se pegue a la sartén mientras ceta, ¡es una de mis favoritas!

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L U C K Y

Autor: REDACCIÓN

*Landikhan acaba de sacar ‘Ultravioleta’ junto a Dat García, con remixes de DJ Raff, MoM y Barbarella. Escúchalo escaneando el código en tu plataforma favorita.

Landikhan ( L N D K H N )

¿Qué canción te recuerda a tu infancia? ‘Plush’, de Stone Temple Pilots. ¿El primer disco que te compraste? Nirvana - Unplugged in New York ¿El disco más cursi de tu colección? No se si lo consideraría cursi, pero le di muchas vueltas al disco de Craig David, ‘Born to Do It’

¿Qué canción garantiza hacerte llorar? No se si me garantiza llorar, pero una canción que me emociona cada vez que la escucho es ‘Lucha de gigantes’, de Antonio Vega. ¿Algún disco que estés escuchando? ‘Global Sickness’, de Ed Is Dead; ‘Solpor’, de Baiuca; ‘Evil Empire’, de Rage Against The Machine; ‘Puzzle’, de Biffy Clyro; o ‘Caravana’ de WOS.

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¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio? ‘Incesticide’ de Nirvana. ¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos? Totalmente imposible decirte una, pero la primera que se me ha venido a la mente es ‘Everlong’, de Foo Fighters.

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C I U D A D

Le preguntamos a Rashid Ajami por lo que hace a su ciudad especial…

Rashid Ajami

LONDRES GALERÍA SAATCHI Soy un gran admirador de la Galería Saatchi. Se encuentra en una bonita plaza verde llamada El Duque de York y siempre tiene exhibiciones increíbles tanto de artistas emergentes como de artistas más reconocidos. Algunos de mis programas favoritos los he visto allí, incluidas algunas instalaciones inmersivas de vanguardia.

alberga un mercado de agricultores con un grupo ecléctico de vendedores de todo el país. Sirven comida deliciosa de muchos tipos de cocinas y los productos son orgánicos, caseros y siempre frescos. Hay un muy buen ambiente e intento de ir todos los sábados a probar algo nuevo en una de las gradas. ¡Échale un vistazo a las albóndigas asesinas en Dumpling Van!

También me encanta su alrededor con sus restaurantes, tiendas y cafeterías repletas de gente. Mi dosis semanal de inspiración consiste en dar un paseo por la galería y después tomar una taza de café de Manicomo. Todos los sábados, la plaza también

HYDE PARK Hyde Park es mi oasis en la ciudad. Ubicado en el corazón de Londres, es un lugar especial que me permite sentirme inmerso en la naturaleza, y se ha convertido en mi lugar al que ir cuando necesito salir del estudio.

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Mi parte favorita del parque es el lago Serpentine, es el telón de fondo perfecto para la meditación, charlar con amigos o escuchar algunos tracks. El parque también tiene dos galerías de arte llamadas galerías serpentinas y, a menudo, celebran exposiciones de vanguardia. También tienen una bonita librería con todo tipo de libros y revistas relacionadas con el arte. PHONICA RECORDS Phonica Records es una de las tiendas de discos más geniales y reconocidas de Londres para la música electrónica. Es

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* Rashid Ajami ‘Music is My Medicine’ sale en TOR el 7 de mayo. No te pierdas su EP “You Don’t Know Me” en Tale & Tone, el 21 de mayo.

propiedad de la fábrica de vinilos, conocida por su legendaria planta de prensado, sello discográfico y exposiciones inmersivas. Está justo en el corazón del Soho, donde la energía siempre es asombrosa. La selección de vinilos en Phonica es realmente impresionante y puedo pasarme horas y horas navegando por ellos. El vinilo es algo que me encanta, ya que te hace apreciar cada canción y te ralentiza como oyente. Siendo lo digital el camino del mundo hoy en día, disfruto mucho esta experiencia auditiva más táctil. ¡Es refrescante para el alma!

CALLE DINAMARCA A pocos pasos de la calle Soho Denmark se encuentra una famosa calle de Londres cerca de Shaftesbury Avenue. Es conocida por la amplia variedad de tiendas de música y es un gran lugar perfecto para ver sintetizadores e instrumentos. Si te gustan los sintetizadores o las guitarras, este es un lugar perfecto para visitar. La mayoría de las tiendas te permiten probar los instrumentos, lo que significa que puedes comprobar el sonido antes de comprar cualquier cosa. Parece que últimamente la gente siempre compra sus sintetizadores online, por lo que es genial poder probarlos en

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persona y tener una idea real del tipo de instrumento en el que quieres invertir. Si quieres tomar un espresso italiano épico, ¡no busques más! Bar Italia es una institución y también está justo en el corazón del Soho. Me encanta sentarme al aire libre, disfrutar de un expreso y ver pasar a la gente. Las calles siempre están llenas de gente y hay un ambiente súper urbano. Soho tiene un estilo especial y una energía única que siempre ha sido una gran fuente de inspiración para mi música.

T E N D E N C I A S Autor: REDACCIÓN

Explora el universo artístico de Charlotte Archer escaneando el QR

El universo color ist a de Charlotte Archer El mundo del arte y la música siempre han estado estrechamente ligados. Uno y otro se han servido mutuamente como fuente de inspiración desde los primeros días, bien sea con músicos y DJs inspirándose en obras de arte, así como artistas inspirándose en la música para hacer sus creaciones. Así se han creado auténticas sinergias entre ambos mundos a lo largo del tiempo. Es el caso de la artista británica Charlotte Archer. Afincada en Barcelona, recientemente ha llevado a cabo una exhibición de sus últimos

trabajos inspirados en la música electrónica y otros estilos en el barrio de El Born. Ante la dificultad que tenemos en la actualidad con la situación sanitaria, esto ha sido todo un hito, por el que hemos querido hablar con la propia Charlotte para conocer cómo fue la experiencia y para acercarnos más a su universo colorista. ¿Cómo fue la exhibición? ¡La exposición fue un éxito y se hizo más popular de lo que jamás hubiéramos imaginado! Decidí hacer la exposición en una nueva

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galería en El Born llamada ‘UNIT3’, es una ubicación perfecta ya que es una plaza muy concurrida y conocida en Barcelona y conseguimos atraer a muchos transeúntes. Exhibí dos colecciones de mis pinturas en dos salas diferentes, también hubo un DJ pinchando en el espacio principal de la exhibición, ya que todos mis retratos son músicos inspirados de mis géneros musicales favoritos, como biggie smalls, Erykah Badu, Prince, Roy Ayers, Marshall Jefferson, Lauryn Hill y más.

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¿Qué tan difícil ha sido organizarlo durante la pandemia? ¿Cómo reaccionó la gente? Organizar un evento ahora es más que un desafío, ya que tuvimos que restringir el número de personas que podían entrar a la galería y seguir el protocolo de la COVID-19 dentro de la exhibición. Para mi sorpresa, la exposición atrajo mucho más interés de lo que jamás imaginé, el sábado vinieron cientos de personas y, aunque seguimos las pautas, se formó una gran cola y hubo más de 200 personas afuera en la calle esperando para entrar, lo que provocó que la policía viniera y cerrara el evento.

Desafortunadamente, tuvimos que posponer el evento del domingo, espero reprogramarlo tan pronto como termine el estado de alarma (¡con suerte el mes que viene!) Estoy muy contenta y agradecida por el éxito del primer día, ¡hubo muchas personas que compraron impresiones de mis obras de arte y mostraron interés en asistir a eventos futuros! También teníamos una pared de dibujo interactiva donde la gente podía dibujar sus propias obras de arte para pegarlas en la pared. El domingo hubiéramos llenado toda la pared como una obra de arte colaborativa, ¡pero tendremos que esperar hasta la próxima fecha!

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¿Qué destacarías? Lo mejor para mí fue que muchas personas se interesaron en mi arte y me dieron un muy buen feedback, hubo un ambiente genial, el sol brillaba y la zona exterior parecía una especie de mini sonar. Todos estaban muy contentos de socializar y estar en un lugar nuevo después de meses de invierno y confinamiento. ¿Qué planes tenéis para las próximas exposiciones este año? Aparte de mi evento reprogramado en Barcelona, tengo planeado hacer exposiciones en Londres e Ibiza a finales de año.

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Le preguntamos a Marc C. Griso sobre su proceso creativo a la hora de producir…

Fotos de Albert Calzada (by UrbanCulture)

Marc C. Griso Hola lectores de DJ Mag ES, ¿qué tal vais? ¡Encantado de estar de nuevo con vosotros! Principalmente tengo dos maneras de trabajar en función de si hago una producción chill/ lounge o si estoy en algo más deep. En casos lounge, tiendo a empezar siempre por buscar los pads, texturas y sonidos de percusión que me den la sensación de profundidad, vacío, silencio, pausa y relax que toda producción de este estilo pide. Una vez he conseguido esto, empiezo a buscar el hook principal del instrumento solista, ya sea saxo, guitarra española o duduk, como en el caso de ‘Satori’. A partir de ahí, sigo con la estructura, desarrollo de toda la producción de manera que el groove y el beat sean solo lo que de dinámica y ritmo, y sobre lo

que se asienta el conjunto de la producción. Lo que conocemos como parada – sobre el minuto 1.45 o 2 (aprox) – para mi es siempre lo más especial de todo el track ya que ahí doy rienda suelta a lo musical en su máxima expresión y en encontrar ese pequeño clímax ya sea con voces, FX o transiciones antes que el track vuelva a arrancar para repetir leitmotiv, alguna variación y hacia el break final. En la parada o justo cuando arranca de nuevo el track, considero que es importante que entre algún elemento nuevo para dar un aire fresco a la producción aunque sin perder la continuidad de la misma. Otra de mis manías y me ayuda mucho a tener la sensación que la producción avanza y transmite aquello que necesito es mix/master in the box y a medida que estoy produciendo. Normalmente son unos siete u ocho grupos y los que envío al master general de la

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Fotos de Dani Valdés

* Escucha lo último de Marc C. Griso, ‘2083’, en Spotify, escaneando el código QR.

producción. ¿Un secreto? Crear un grupo con una reverb general muy suave y larga al que estén ruteados los otros grupos y así consigo que la producción tenga un aire de ligereza y profundidad propia del lounge, soulful o chill. Aunque en el canal master tengo la cadena de plug-ins con la que trabajo (Sumador de NLS. EQ, Compresión Multibanda, Saturación e Imager...), la activo y desactivo de forma constante para ver cómo funciona el tema y si todos los elementos están encajando. Una vez el mix está terminado en un solo wav, creo un proyecto nuevo para revisar algún detalle más y entramos de nuevo con el master del track o en enviarlo a otro estudio de Reino Unido para terminar el proyecto pero enviando siempre también mi propia referencia de mastering y playlists de artistas o sellos, para terminar de elegir el sonido final de forma conjunta con el ingeniero de sonido.

Con las producciones más deep y house, el proceso es muy parecido pero empiezo por el groove y el beat para después asentar el resto de sonidos sobre este esqueleto. El bajo en estas producciones coge una relevancia destacada por lo que una vez ya tengo todos estos parámetros empiezo a acotar hacia donde llevo el track si algo más vocal o instrumental con sintetizadores y algún adlib. A partir de ese momento, empezaría a trabajar la letra e ir encajando la tonalidad de la canción y haciendo los ajustes propios en función de si canta un chico o una chica. Una vez tengo el mix final, ídem proceso al anterior. Crear un nuevo proyecto y hacer mi propio mastering aunque suela enviarlo a otro ingeniero de sonido para tener una referencia diferente y conseguir el máximo resultado posible. Un abrazo desde UrbanCulture. ¡Nos vemos en los clubes! ¡Love!

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KALI (COMO L AS GREC AS, GAMEBOYZ, LUIS V PR)

Prólogo LU IS V Me encanta descubrir todas las herramientas que aparecen cada día para que tod@s y cada un@ de nosotr@s pueda trabajar en su difusión, en su estrategia de reportes, en las diferentes monetizaciones a las que puede acceder, a la explotación de su música para aumentar

estas monetizaciones o simplemente al acceso, a veces “gratuito”, del uso de estas “estrategias”. Algunas más, otras menos legítimas, pero en perfecto funcionamiento y bajo el “consentimiento y conocimiento” de las plataformas donde se llevan a cabo todas estas “acciones”

que imagino irán aumentando en los próximos años. De hecho, creo que ahora mismo poseer conocimientos es igual de importante que saber manejar un DAW o producir un hit. Tienen un peso muy similar….

I NF LUE NCE RS , YO UT UB E RS , T W IT CH ER S, B L O G G ER S, C U R A D O R ES Después de hablar en el anterior número sobre los PRs, en esta nueva entrega me gustaría ir introduciendo una nueva categoría que a su vez guarda una estrecha relación con perfiles más conocidos como los Bloggers o los Curadores, que muchas veces también son influencers. Sobre todo los más relacionados con el pop urbano, aunque existen para todos los géneros. Los influencers son personalidades que desarrollan su trabajo en las redes sociales. No son profesionales específicos, sino que, al igual que los youtubers (o ahora los también llamados Twitch influencers) son personas que, desde diferentes países y con sus propios fans,

ejercen una clara influencia sobre los consumidores (sus suscriptores), a los que ofrecen pequeños resúmenes, exposiciones, unboxings y tests de productos a través de sus canales (Twitch, YouTube, etc). O, en lo que a nosotros nos concierne, llevan a cabo análisis de nuestras canciones o promos (como lleva a cabo desde hace un tiempo Moscoman). Estos divulgadores, suponiendo que valoren positivamente nuestra canción o álbum, le confieren una clara y demostrable autoridad, poder o valor musical. Esto puede llevar a un aumento sus ventas, de su popularidad y, por ende, una posible subida de la demanda del autor de la canción.

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De hecho, existen redes sociales específicas para acercar a los artistas a todos estos perfiles de los que os estoy hablando. Os doy un regalo para este número: probad Submithub. Seguidme en el número de junio, para más información interesante.

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Al tanto de... PA B L O BO LIVA R HABL AMOS CON EL ARTIS TA BARCELONÉS CON MOTIVO DE SU NUEVO TRABAJO EN SEVEN VILLAS MUSIC

Pablo Bolivar acaba de terminar su nuevo álbum, que ha decidido editar bajo su propia etiqueta Seven Villas. Tras escucharlo, solo puedo decir que me alegra mucho ver a los artistas evolucionar, metamorfosear o simplemente experimentar en nuevos estilos y géneros que forman parte de la cultura general de cualquier consumidor de música electrónica mínimamente ilustrado en el género que consume… Desde aquí os animo sin más dilación a que vayáis al QR y disfrutéis de Framework of a Dream, mientras leen esta escueta pero interesante entrevista. Hola Pablo, es un verdadero honor tenerte en el Rincón de Kali con motivo de tu nuevo LP Framework of a Dream. Un placer Kali y un saludo a todo el equipo de DJ Mag ES.

Primero nos gustaría saber, en una rápida evaluación, cómo valorarías tu trayectoria desde tus inicios con Regular hasta el día de hoy, con Seven Villas y este último trabajo digamos más “slow” o “downtempo”. ¿Cómo crees que ha evolucionado tu sonido y tu música a lo largo de todos estos años y a qué se debe? Siento que ha sido una evolución natural, nunca he dejado de producir música, ya sea en solitario o con amigos, deep techno o house, ambient, downtempo. Son los estilos en los que me encuentro más cómodo. Inevitablemente el tiempo avanza y continúo madurando, lo mismo pasa con mi música. Hay mucha diferencia entre mi primer álbum ‘Anjanas’ a este nuevo ‘Framework Of A Dream’, los dos tienen una base deep techno, sí, pero este último tiene un sonido más adulto y no está tan orientado al sonido de club.

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¿A qué proceso, dentro del proyecto “álbum”, le dedicas más tiempo que al resto? ¿A la pre-producción, producción, mezcla, mastering? Por cierto, ¿quién ha hecho estos diferentes procesos dentro de Framework Of A Dream? Siempre dedico más tiempo a la producción y creación de concepto en los álbumes, me gusta contar una historia, y que todo tenga sentido. Que la escucha del álbum completo haga desconectar al oyente durante ese momento es un punto importante para mi. Para el mastering esta vez he contado con mi amigo Rubén Gracia, que acaba de crear Human Mastering, y me encanta el resultado final. Cuéntame cual es tu favorita del disco.... Hay varias, pero creo que Fuse y Hoopoo son las que más sensaciones me transmi-

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ten. Hoopoo en especial es una nana electrónica que he dedicado a mi hija Telma. ¿Cómo es que no has optado por sacar Framework Of A Dream bajo el nuevo formato NFT? Qué piensas sobre las nuevas formas de monetizar, la venta o streaming de tu álbum o la finalidad de sacar un nuevo álbum... No público en formatos que no consumo. El álbum será editado en doble vinilo + download code y estará disponible en las plataformas digitales. Uso Spotify a diario, me costó aceptarlo, pero ahora pienso que es una plataforma excelente, sobre

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todo para descubrir nuevos artistas y estar al día de las novedades. Cuando reviso las estadísticas digitales de mi música, el streaming ya genera más royalties que las descargas, era cuestión de tiempo… Y para acabar, qué proyectos futuros tienes para 2021, ¿has empezado a cerrar fechas interesantes que debamos saber? ¡Van saliendo fechas, espero que se puedan celebrar! Para 2021 me centro en la publicación de Framework Of A Dream y construir el álbum de remixes. En Avantroots estamos preparando el próximo vinilo de Braulio Lam, y para finales de año un se-

KLUBBER ´S ES TILO “RAVETERO” SOLO APTO PARA FES TIVALEROS VETERANOS…

Klubber´s es una nueva marca de ropa creada en Inglaterra que tras experimentar con sus productos durante más de un año por festivales y mercadillos de manera exclusiva (en 2019, antes del comienzo de la pandemia), decidió lanzarse al mercado online. Sus productos se centran en las camisetas, con un original y exclusivo diseño enfocado a la época rave que se vivió en los años 80 y 90. Mezcla elementos gráficos en forma de ilustraciones limitadas que, para todos los que hayamos nacido en los 70, 80 y 90, nos serán muy familia-

res. Disponen de unas 6 colecciones llamadas Breakfast Klub, Happy Klubber, Flypost, Klub Corporation, Klub Classix, KlubInk que representan, según su CEO Jacob Titterton, un simpático homenaje a través de la moda a la escena Old Skool ravetera. Puedes descubrir estas camisetas nada más que acercando la cámara de tu móvil al QR que te dejo aquí www.klubbers.co.uk

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gundo LP recopilatorio de Pulshar. Gracias!

TRACKLIST 1. Bruma 2. Dusk Light Feat. Ben Preisinger 3. Fuse 4. Elevator Feat. Ben Preisinger 5. Invisible Dance Feat. Ravenshop 6. Those Memories Feat. Sencual Physics 7. Uncut Feat. Ben Preisinger 8. Hoopoo 9. Imagine Feat. Mind Groove

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ROS WELL BRO T H E RS NEIN RECORDS Nuevo Mexico 2021 – Descubrimos el caso Roswell Roswell Brothers es un nuevo trio de México y chile, proveniente de las esferas más underground del rock y del trance. Una fusión de electrónica rockera con altas dosis de disco progresivo, que se fusiona con el espíritu de las bandas de rock con influencias latinas. Roswell Brothers alude a la historia de unos pilotos extraterrestres, que no son de este mundo… Hace unos años fueron derribados por un rayo, cayendo en medio del desierto y, tras un par de años de adaptación a este nuevo género, ahora están viviendo entre nosotros una nueva vida como productores de música electrónica y DJs. La música que hacen es amigable, viene directa de las pléyades y en son de paz. Canciones para todos los públicos y fabricadas desde el corazón de Nacho, Francisco y Santiago.

Tras lanzar sus primeras dos referencias profesionales bajo los títulos The Old Empire y We are The Domain, en Emerald & Doreen y Nein Records respectivamente, ahora tienen varios trabajos preparados (incluyendo un futuro álbum) para interesantes disqueras como SXDNS o Symphonic. El trio viene representando una parte del sonido disco rock latino, con una interesante propuesta musical basada en la mezcla de Live act y DJ, añadiendo instrumentos musicales como guitarras eléctricas.

TRACKLIST 1. Roswell Brothers & Monkeys On Speed We Are The Domain 2. Roswell Brothers - U.A.P. 3. Roswell Brothers - Take a Friend

CRI S T IN A B U C A R D O A K A CO N J U RO NUEVO EP TITULADO FLORAL Controlla Pvlomo, Ximena y Ali X, forman un trio que destaca por su continua actividad en la variedad creativa de los lanzamientos de Controlla, el sello que administran. También por la continua apuesta por productos locales/nacionales, lanzandos a través de Controlla Records. Es el caso del nuevo trabajo de Conjuro, alias de Cristina Bucardo.

la textura de la voz de la artista. El sonido en constante evolución de Cristina, lleva expandiéndose durante ya un tiempo en ciudades como Toronto y Tulum, y ahora en Berlín. Desde su base en Tulum, se revela así como una auténtica exploradora multicultural. ART FLORAL EP

Conjuro es el alter ego de la antes mencionada productora y compositora mexicana. Con Floral EP, se sumerge en paisajes sonoros oscuros y melancólicos. Inspirados por el misticismo y las fases del inconsciente, el proyecto hace alusión a la magia de crear hechizos blancos y experimenta con

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TRACKLIST 1. Floral (Original Mix) 2. Floral (Badwolf Remix) 3. Floral (Chinosynth Remix) 4. Floral (Raw Mix) 5. Floral (Vleks Remix)

Autor: EDUARDO P. WAASDORP Foto: @NELGPHOTOGRAPHY

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EL ÉXITO, CON LOS PIES EN LA TIERRA

Autor: EDUARDO P. WAASDORP Foto: @NELGPHOTOGRAPHY

El mundo artístico es un mundo complicado. Especialmente porque se demanda una evolución constante, bien sea en sonido, en actitud o en forma de hacer las cosas. Nuestro protagonista de portada este mes de mayo lo sabe muy bien. De La Swing – alias de Domingo Bellot – lleva más de una década en las cotas más altas del circuito, tanto a nivel nacional como internacional. Su perfil no ha hecho más que crecer todos estos años. Pero no solo como residente de la marca de clubbing por antonomasia de nuestro país – elrow –. De La Swing ha sabido forjar su propio camino en paralelo, convirtiéndose en una autentica fuerza de la escena

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por derecho propio, gracias a su trabajo constante y su talento. Bien sea haciéndonos bailar en la pista de baile de festivales de todo el mundo como Dreambeach, Parklife, Glastonbury Festival, Street Parade, Tomorrowland o Mysteryland, un sinfín de clubes del más alto nivel; o produciendo éxitos para sellos de la talla de Sanity, Rawthentic, Circus Recordings, Kaluki, Glasgow Underground, Airtimes Records, Key Rec, Deeperfect o las etiquetas que administra – elrow Music y elrow Limited –, De La Swing es sinónimo de baile, de groove y de buen rollo en clave house. Este 2021 está siendo especial para él, ya que se abre una nueva etapa en su sonido. Un sonido más profundo, viajero, madurado y cocinado a fuego lento, en el que se empieza a escuchar los frutos de años de trabajo y de la genialidad que lleva dentro. No en vano está a punto de sacar en el reverenciado Cécille de Nick Curly y Mark Scholl. Un auténtico hito en medio de una carrera de éxitos. Nos sentamos con él para conocer a la persona que hay detrás de De La Swing. Nos sentamos con Domi para que nos cuente su historia, su perspectiva. Para que todos entendamos que el éxito es una carrera de fondo en la que él lleva la delantera. ¡Música, maestro!

¡Muy buenas, Domi! ¡Es un placer y un orgullo poder tenerte finalmente en nuestra portada! Este 2021 está siendo un punto de inflexión para ti. Tu carrera, tu sonido y tú estáis dando un giro con lo que venía siendo De La Swing, tu alter ego, hasta ahora… ¡Muy buenas! ¡Y gracias a vosotros, por darme el espacio! La verdad es que mi problema siempre ha sido la falta de tiempo. Nunca he tenido tiempo para parar y centrarme un poco en lo que es definir mi sonido. Una de las cosas que he aprovechado de esta pandemia es poder tener ese tiempo, emplearlo, sentarme y preguntarme a mí mismo: ¿a dónde quieres ir realmente? Este tiempo me

ha permitido experimentar y poder definir lo que me gustaba de verdad. Es por todos conocida tu trayectoria profesional, pasando desde estilos más rotos, como el drum & bass, a ser uno de los residentes estandarte de elrow, creciendo junto a la marca, a la vez que has ido construyendo un perfil paralelo muy potente, especialmente en Reino Unido y Latinoamérica. ¿Cómo describirías este viaje de los últimos años? ¿Cómo ha sido para ti? Yo tengo que agradecer mucho que ir de la mano de una marca como elrow, ser apoyado por ellos, me ha permitido ser conocido y hacer crecer mi nombre. Pero también

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es cierto que formar parte de un ente tan grande te condiciona. Todos estos años me han servido para poder darme cuenta de cómo es la escena, conocerla, ver dónde estoy y crecer a nivel profesional para poder llegar al punto en el que estoy ahora, encontrándome a mí mismo. Metiéndonos de lleno en tu actualidad, tu siguiente release es en Surge records, que revisamos en el numero de abril, aunque va a salir este mes de mayo… Surge es un sello muy fino, vinyl only… ¿cómo ves ese renovado amor por el plástico que vive la industria? ¿Es importante mantener el vinilo? Parece que el vinilo está en auge, parece que está volviendo, que los sellos están interesados en lanzar al menos parte de su catálogo (lo más atractivo o purista), con un sonido un poco más undergroud. El rollo del vinyl only es que le das a la música un valor añadido, especialmente hoy que todo es fast food: un track se toca una o dos veces y ya es mucho. También, para el sello, abre la oportunidad de poder conseguir a artistas que normalmente no estén tan in-

Ser libre no es hacer lo que te de la gana, sino no hacer lo que te digan los demás que tienes que hacer.

teresados en sacar en digital. Creo que este último año estamos en un buen momento para la música electrónica. No para la música de club, sino a nivel de tener buena música y buenos catálogos. Creo que el vinilo no se debería de perder nunca, yo tengo una colección de 3000 discos de drum & bass todavía, y casi 1500 o 2000 de minimal y house. Compro vinilos prácticamente todas las semanas… Eres un enamorado del formato, ¿no? Soy fanático del vinilo, me encanta su sonido. Es diferente. Sobre todo, me gusta la idea de que el disco se pueda acabar (risas). Me parece divertido, porque hoy en día la gente con un CDJ hace un loop y ya puedes hacer lo que quieras. Me gusta la idea de mirar el vinilo, de poder tocarlo, ponerlo, su sonido y que se pueda acabar… te obliga a estar más concentrado, te genera una adrenalina, una sensación en el estómago que es inexplicable (risas).

Records, uno de los sellos de house más reverenciados y finos de la escena, propiedad de Nick Curly y Mark Scholl… ¡Así es! Dos originales y un remix de DeMarzo. Es un orgullo poder sacar en esta nueva etapa del sello, después del parón. Cécille es uno de mis sellos favoritos de todos los tiempos, sin duda. Cuando empecé y tocaba la música del sello siempre sabía que era algo especial. Además, Nick Curly es un tremendo DJ, súper fuerte en todos los territorios y alguien a quien siempre he seguido…

Aunque la fecha se ha movido varias veces, en julio serás uno de los tres o cuatro españoles en sacar en Cécille

¿Como se gestó este release? Un día estaba haciendo un track en el estudio y vi un video en Instagram de Nastia,

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bailando. Lo descargué, le quité el audio y puse el audio del track que estaba haciendo y lo subí a Instagram de nuevo (risas). Fue entonces cuando me escribió el propio Nick y me dijo: “Oye, Domi… ¿Este tema? ¿Qué?” (risas). Le dije que era un track en el que estaba trabajando y que el video lo hice porque me aburría (risas). Fue entonces que me dijo que cuando acabase el track, que se lo enviase. Esto fue en julio del año pasado y luego me fui a Ibiza durante el verano. Lo seguí trabajando con el portátil, un poco por encima, sin profundizar demasiado porque quería descansar después de tanto tiempo encerrado. Lo terminé a la vuelta y después de cómo 10 cambios me dijo que se quedaba

rio, es un regalo. Luego trabajé un poco la mezcla en el estudio de Leix (Aleix Gimeno), ingeniero de sonido y tremendo productor, aunque él me dijo que tampoco tocaría mucho – cosa que me alegró (risas) –, fue algo muy rápido y mandamos a masterizar. Estoy muy contento con el resultado y muy impaciente con que salga ya (risas). Se va a llamar ‘A Summer Story’… Sí. Cuando hice el tema me recordaba mucho a una historia de verano: una tema, el amor de verano que luego desaparece (risas), ese viaje con amigos tomando una cerveza en una playa. Es lo que me venía a la cabeza al escucharlo. Por eso Cécille también quiso esperar un poco para lanzarlo, porque Nick y Mark les gustó ese relato. Otra cosa que me gusta mucho de su criterio es que buscan siempre lanzar música atemporal, que puedas pinchar este año, el que viene o dentro de 10.

con él y que quería otro. Mientras DeMarzo hacía el remix, yo trabajaba en la cara B del disco, que finalmente le gustó muchísimo a Mark (Scholl), y en el propio SoundCloud él me iba poniendo marcas de qué cambios quería que hiciese. Eso está genial. Es algo que, como productor, también te ayuda a ti, ¿no? Totalmente. Cuando llevas tantas horas en un proyecto al final te bloqueas. Que haya un oído fresco, de fuera, y además que sea gente como Mark y Nick, que son auténticos referentes y te puedes fiar 100% de su crite-

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Este release, que ya hemos podido escuchar, es el colofón, el broche, a un giro en tu sonido que ya has ido desarrollando en el último año y pico. Un giro hacia ambientes más profundos, melódicos, aunque siempre manteniendo el groove, ese ritmo que te caracteriza. ¿De dónde sale este giro? Como te decía al principio, de tener más tiempo para meditar sobre mi propia música. El groove es algo que siempre he tenido claro, es lo que hace que la gente baile. Lo que no tenía tan claro era cómo trabajar las melodías, ese carácter profundo, poder hacer un viaje musical… eso se consigue con las melodías. Durante este tiempo estuve estudiando eso de forma más profunda. Yo no soy músico, por lo que tuve que empezar a trabajar eso más: empezar los temas con un acorde o una nota y desarrollar el tema a partir de ahí. Llevar a cabo una progresión para poder transmitir ese viaje sonoro, cosa que antes no sabía ni por donde empezar. Tuve que aprender a poner todos los elementos en nota, lo que consigue que todo se agrande: con menos pistas consigues que el sonido sea mucho más amplio. Tu estudio ha cambiado mucho en el ultimo año y poco… ¿cuánto de esto ha tenido que ver en tu cambio de sonido? ¿Ha sido algo consciente? ¿O ha sido más orgánico? Sinceramente, fui comprando máquinas poco a poco porque quería investigar ciertos sonidos. Pero tengo que ser honesto y

decir que lo que más he utilizado durante la pandemia han sido plugins. Como no estaba en el estudio, sino en casa, no tenía todas las máquinas y me he dado cuenta de que aunque está muy bien el analógico – es muy bonito, suena muy bien – pero la tecnología ha avanzado muchísimo. Igual alguien me dice que estoy muy equivocado (risas), pero desde mi punto de vista lo que se puede conseguir con los plugins actuales. Es increíble. Quitando los bajos que he sacado del Moog o del SH-101 o algún ácido que he sacado de la Roland TB-03, el resto ha sido todo con plugins o VSTs. Especialmente del Diva o el DX07 de Yamaha clásico, que he exprimido mucho. También he trabajado mucho con samples de batería. Que menciones los samples me lleva a mi siguiente pregunta: tu música ya no suena tan sampleada como antes… Pero has usado samples. ¿Cómo trabajas esto? Es que he aprendido a modularlos, los llevo por donde yo quiero. También tengo un previo que les da un poco de carácter y tengo varios procesadores de sonido nuevos, que me ayudan a modificar los sonidos. Ya no suenan genéricos, suenan a lo que yo quiero que suenen. Soy un amante del sample, Muchas veces cojo vinilos y si me gusta un bombo o una caja los cojo directamente de allí, aunque tienes que tratarlos y moldearlos para hacerlos tuyos. Esto también me permite hilar con otra pregunta: El tech-house es un estilo que se ha alimentado mucho de los samples… Por no decir que ha abusado de ellos o incluso de robarlos. Se ha robado mucho estos últimos años. Aún así, el sample es algo que yo defiendo. Es un recurso que viene del hip-hop de toda la vida y todo el mundo ha sampleado, y se va a seguir haciendo. Por eso también he querido aprender a hacer melodías propias, porque tienen un carácter más personal, eso no se puede robar… El tech-house, a pesar de sus orígenes en Detroit y Chicago, y de fusionar lo mejor de los dos géneros, ha tenido un desarrollo lineal en los últimos años, que lo ha llevado a ser uno de los géneros más criticados, especialmente por la dominancia de la vertiente UK… Ahora parece estar cambiando. ¿Cómo ves su futuro? A mí realmente lo que me gustaba era el tech-house flat, que era un minimal con más pistas, con bajos más sencillos, pero con mucho groove. Cuando llegó el tech house

británico lo que pasó fue que se quemó muy rápidamente. En cosa de dos años todos el mundo quería hacer ese sonido. Ahora eso ha evolucionado hasta el punto que lo que se escuchaba hace dos años ha desaparecido. Te metes en Beatport, en el top100 de tech-house, y prácticamente ya nada suena a eso. Ahora se ha transformado en una especie de EDM y todos los que hacíamos tech-house ahora entramos en otras categorías, como minimal y deep tech. Es un sonido más evolucionado, pulido, más funky, más housero. La percusión ya no está tan arriba, el sonido es más mate, hay melodías más cuidadas, las voces son más profundas. El tech-house 2017-2019 ha desaparecido y ¡gracias a Dios! Porque entre todos lo hemos fundido. Gracias a eso yo también me he encontrado a mí mismo. Estoy muy contento con esa evolución. Lo bueno que tiene esto ahora es la inclusión del garage. Si algo tenemos que agradecer a Reino Unido son este tipo de sonidos rotos, que no se hacen en el resto del mundo.

Ser libre tambien es poder ir de viaje, descubrir mundo... poder entretenerte porque, al final, el entretenimiento te da salud mental.

Hay algo que no podemos dejar de preguntarte en esta entrevista… el sello que comandas: elrow Music y su satélite, elrow Limited. ¿De qué salud gozan actualmente? Cuando empezó la pandemia, sabía que teníamos que añadir algo y evolucionar. elrow Music tiene una identidad muy marcada como para darle un giro tan grande. Por eso necesitábamos un sub-sello con el que poder estar a la orden del día en todo el espectro del house. Me puse al 100% con esto, cerrando los lanzamientos de 2021, música de calidad, con artistas jóvenes y talentosos, además de algún guiño al old-school, manteniendo ese sonido fresco de ahora. ¿Y cómo vive elrow Music ese cambio de tendencia en el sonido? Hemos tenido que evolucionar, porque esa música ya no está tan presente. Estamos acercándonos al deep tech, con artistas más underground que siguen haciendo música para la pista de baile. Al final, la propia escena y el público te lleva a seleccionar más las cosas que salen y eso se traduce en sacar menos publicaciones, pero más cuidadas. El equipo que formamos Agus Árbol (Baum) y yo sigue en forma, concentrado cada uno en darle vida a los sellos, quizá yo metiéndome más en los suburbios y él trabajando más en la línea que llevábamos. Estamos los dos al pie del cañón.

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¿Cómo es la labor de A&R? ¿Te gusta descubrir nuevos talentos? No soy una persona de las que abra el mail y me ponga a escuchar música. Trabajo de otra manera. Básicamente, a mí personalmente no me gusta mandar mi propia música a los sellos (risas), creo que es algo que odiamos todos. Para muchos ha llegado al punto de desesperación, de mandar un track a un sello y que no te contesten, ver a un artista tocando tu música y que nadie te diga nada… He aprendido que yo, como productor, prefiero trabajar con sellos que me pidan un EP

y yo ya me organizo con ellos. Yo, como A&R, sigo esta filosofía. Me gusta contactar con el artista, ver cómo tiene el calendario y establecer una agenda. ¿Qué releases o eventos destacados debemos tener en cuenta de elrow Music y elrow Limited este año? Lo más importante es que tengo ya en mis manos el primer test pressing de la primera referencia en vinilo de elrow Limited. Contará con tres cortes originales del canario Juliche Hernández y un remix de Sidney Charles. En unos días tendremos fecha de pre-order. Mi idea es lanzar tres o cuatro referencias exclusivas en vinilo al año. También tendréis que estar atentos a lo que se viene de Chapsenza y a finales de año, publicaremos a Rich NxT con remix de Cuartero. ¿Algún artista con el que te gustaría contar en un futuro, grande o pequeño? Con el tiempo nos encantaría poder tener a alguien como Kerri Chandler o Ricardo Villalobos como máximo exponente. Ahora mismo estamos detrás de gente de la talla de Traumer, iO (Mulen): nombres que nos gustan, son accesibles y que igual entran en los próximos meses. Como ya ha pasado con Rich NxT o Cuartero, que para mí Cuartero es un artista respetado, con mucho talento y que personalmente me encanta. Vais a sacar la primera referencia en vinilo este año… ¿es un paso hacia la madurez del sello? En efecto. Serán tres originales de Juliche Hernández con remix de Sidney Charles en formato exclusivo en vinilo, en el que uno de los tracks del EP va a estar solo en vinilo. Intentaremos hacer cuatro impresiones al año, de doce lanzamientos en total. Otro de tus últimos proyectos es el de Los Muchachos… Inicialmente iba a ser un sello vinyl only, pero hemos querido empezar a hacer un poquito de ruido con algunas fiestas. De hecho, ya hicimos una en la última Off Week en el City Hall de Barcelona. También hicimos cosas en Valencia, pero se quedó ahí la cosa. Este año, si las circunstancias lo permiten queremos hacer más cosas este verano en la Costa del Sol, en Opium Marbella, una al mes, en julio, agosto y septiembre. Haremos un line-up interesante y veremos a ver qué tal. ¿Cuál es el concepto detrás de esto? Siempre que he pensado en Los Muchachos he pensado en un concepto casual, de gente

que viene por amor a la fiesta, a estar entre amigos y a pasárselo bien. Una idea de fiesta de los 90, de buen rollo y pista de baile. Por eso el line-up va a estar hecho entre amigos, vamos a ser Los Muchachos, porque siempre he odiado eso de llegar a una cabina y que haya frialdad en la situación. Quería algo más libre, más casual, más entre amigos. Cuando la gente ve ese buen rollo, todo cambia. Queda claro que están los muchachos, que han venido a liarla parda (risas). O Las Muchachas… Line-ups cortos, con sets más largos y que los que estén esa noche

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transmitan ese buen ambiente, dando su ración de groove a la gente que ha pagado la entrada. Por otro lado, sabemos que estas haciendo una librería de sonidos… ¿De donde sale esta necesidad creativa? ¿Tienes algún detalle más? Hace tiempo Loopmasters contactó conmigo para hacer una librería y nos pusimos a hacerla, pero el problema fue no poner fechas. Ese fue el fallo. Cuando no hay una fecha de entrega, te relajas… Yo en esa época también estaba investigando, explorando y sinceramente creo que no estaba preparado para hacer eso. En ese momento tenía muchas ideas que poco a poco he ido arreglando y ahora tengo una librería con más de 300 MB de sonidos, que he ido yo haciendo, con cosas muy originales. Espero que para finales de año pueda ponerla en el mercado. ¿Es difícil hacer un proyecto así? No sé si difícil, lo que te puedo decir es que es algo que te enseña un montón. Al final es todo tuyo, lo que te hace investigar más, retorcer más todo. Yo recomiendo a la gente que quiera dar un paso más allá que se ponga a hacer una, porque va a aprender. ¿No te da miedo que al sacar una librería, tu sonido acabe en manos de todo el mundo? ¿No te da celos? ¡Bingo! Ese es el problema al que te enfrentas. A veces he hecho secuencias que me decía a mí mismo: esto es la ostia, ¿cómo voy a darle esto a nadie? Si con eso me podía hacer un tema. De hecho, las tres primeras secuencias que hice acabaron siendo tres tracks (risas). Al final tienes que decirte a ti mismo: esto es lo que hay. Hay que dárselo a la gente. Me costó hasta que me di cuenta. Hay de todo. Este año ya has tocado en algún club, haciendo un mini tour por Latinoamérica… ¿cómo fue la experiencia? En efecto. El pasado diciembre estuve en México, toqué en algún club con distancia social en Ciudad de México, con un promotor nuevo y todo salió bien. De ahí salió el streaming en el icónico barrio de Xochimilco, producido por Jorge Ponce y gracias a Aarón Sevilla. Fue una experiencia increíble. También estuve del 27 al 29 de marzo en Lost Beach Club, en Montañita (Ecuador), uno de mis clubs favoritos, regentado por Kami, y respaldado por un gran equipo que hacen sentir a los artistas como en casa.

¿Cómo ves la vuelta a las cabinas? ¿Crees que va a cambiar algo en la escena? Yo creo que después de un desastre así vendrán años de desenfreno. Cuando todo esto pase y volvamos a la normalidad, va a haber gente que va a querer salir y no volver a entrar (risas). A la gente a la que le gusta esta escena de verdad, creo que todo esto le ha servido para reflexionar y valorar más lo que teníamos antes: ir a un concierto, al teatro, a un club o viajar. Muchas veces nos quejábamos de tener que coger un avión… ¡Estábamos haciendo el trabajo soñado para muchas personas! Viajar por el mundo, poniendo música para la gente. Ser libre… ¿Qué es para ti ser libre? Ser libre no es hacer lo que te de la gana, sino no hacer lo que te digan los demás que tienes que hacer. Es el poder ir de viaje, descubrir mundo, no estar encerrado en casa y que me digan que a las 21h tengo que estar en casa. El poder entretenerte porque, al final, el entretenimiento te da salud mental. Se vienen unos años muy divertidos. Todo este tiempo que hemos estado parados, era para aprovechar el tiempo y hacer los deberes: cuidar tu perfil, para gastar en el estudio, hacer música, promocionarte y mantenerte. El que no lo haya hecho, se va a resentir. Fuiste padre hace no mucho… ¿te ha cambiado tus perspectivas? Una de las cosas que me ha regalado esta pandemia es que he podido disfrutar de mi hijo durante 24h. Ha sido un regalo caído del cielo, el poder haber disfrutado de esto. Ahora mismo pienso en todo lo que me hubiera perdido y en lo que me podría perder… Eso me ha hecho reflexionar en que si antes hacía 12 o 13 fechas al mes – era bastante activo – quizá en el futuro no voy a coger tantas. Haré menos bolos, más selectos, para poder seguir aprovechando el tiempo con mi hijo. Haber estado trabajando todo este tiempo espero que me permita hacer cosas más seleccionadas, para poder tener más tiempo con mi familia. Tener un hijo te enseña lo que es la responsabilidad de verdad, lo importante que es organizarte y, sobre todo, la disciplina. Si algo he aprendido gracias a mi hijo es a marcarme horarios, a organizarme el día desde que me levanto hasta que me acuesto. Y eso se refleja en toda mi vida. ¿Qué otros proyectos tienes este 2021 que quieras mencionar?

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A parte del Cécille en julio, tengo un remix en elrow Limited con Starving Yet, BLENT y Juany Bravo que me gusta muchísimo. Saldrá en digital, con un original, mi remix y un pequeño a capela. También quiero transformar cada vinilo en un proyecto audiovisual narrativo, que partirá en una terraza, con un DJ, unos edificios de fondo, dos personas, en modo animación. En la segunda referencia, esa historia te llevará a otra parte del edificio, con otra acción y así en cada una de las cuatro referencias. En junio sacaré dos remixes para Astre en Pitch Records; en agosto tengo lanzamiento en Rendr Records, tres originales con remezcla de Sidney Charles; en septiembre haré un remix para Daniel Sánchez, en Moan; en octubre, seguramente, saque en el sello de Yaya, Tamango Records; también un EP para Key Records, de Uruguay; y en diciembre sacaré otro EP vinyl only en Surge. Un auténtico placer, Domi… ¡Gracias a vosotros por todo! *Escucha el impresionante cover mix que De La Swing ha preparado para DJ Mag ES escaneando el código QR.

Velmondo Una forma única de ver la música Autor: BLACK FLAMINGO DISCO DRIVER Fotografia: NACHO ALEGRE

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En nuestra escena hay artistas que van un paso más allá en cada cosa que se proponen hacer. Este mes, os presentamos a Arnau Obiols, el artista detrás del proyecto Velmondo. Arnau es un multi-instrumentista y diseñador musical que ha tocado en innumerables bandas de rock y que se mueve como pez en el agua abarcando, en su espectro musical, estilos como la electrónica de los años 70, dub, krautrock, industrial, ambient o post-punk. ha conseguido crear un sonido muy maduro y contemporáneo, comandada por el boss John Talabot, con el que mantiene una electrónica. DJ Mag ES ha tenido el placer de charlar con Arnau sobre su carrera artística y estos tiempos tan inquietantes.

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¡Hola, Arnau! ¡Es un placer entrevistarte en DJ Mag España! ¿Qué tal ha empezado tu 2021? Hola Carlos, el placer es todo mío. Empieza bastante bien, a pesar de la situación evidente que nos afecta a todos y en especial a la industria de la música. A finales de diciembre fui padre por primera vez así que estoy maravillado con la experiencia. ¿Cómo fue tu primer contacto con la música? ¿Cuáles son tus principales influencias musicales? Mis padres son muy melómanos, en casa y en el coche siempre había música y desde pequeño me llevaban a conciertos con ellos asiduamente. A los 3 años de edad me apuntaron a clases de violín y poco después a clases de piano. También estudié guitarra, flauta y saxo pero la verdad es que no adquirí pasión por un instrumento hasta que no empecé con la batería a los 8 años. Mi padre y mis hermanos mayores tocaban la batería y yo lo veía como algo extraordinario. Es curioso pero todos los recuerdos más antiguos de mi infancia están relacionados con la música. Recuerdo perfectamente cuando mi regalaron mi primer Walkman o mi primer CD, que fue el ‘Bookends’ de Simon & Garfunkel. En 2009 entraste a formar parte de la banda “Television Personalities”. Háblanos de toda esta época que tuvo que ser súper emocionante para ti… Yo tenía veintipocos años así que para mi fue alucinante entrar en una banda de culto como TVP’s, Dan Treacy es posiblemente una de los mejores letristas de la historia del pop. Estuvimos de gira por medio mundo, recuerdo con especial nostalgia nuestros conciertos en Japón, nuestra actuación en el festival All Tomorrow’s Parties -ahora tristemente desaparecido- o telonear a MGMT en el mítico superclub Heaven de Londres. También te diré que era todo extremadamente caótico, nunca sabías si el guitarra o el cantante perderían el avión y como dato curioso te puedo decir que durante los años que estuve con ellos nunca hicimos un solo ensayo. Nos encanta tu faceta camaleónica con tantos proyectos a tus espaldas. ¿Como ha sido formar parte de la banda Cat's Eyes o

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colaborar con artistas legendarios como Damo Suzuki de Can, Stephen Lawrie de The Telescopes o Sterling Roswell de Spacemen 3 y productores como Gordon Raphael (The Strokes) o Steve Osborne (New Order, Happy Mondays, U2, Suede)? A raíz de vivir en Londres conocí a mucha gente del sector. Con Faris Badwan por ejemplo, estuvimos pasándonos demos y recomendando discos mutuamente y al cabo de un tiempo me pidió de grabar las baterías para su segundo disco con Cat’s Eyes. Después, cuando salió el álbum, hicimos algunos bolos de presentación en festivales como el Primavera Sound o Glastonbury. En esa formación también estaba Simone Butler de Primal Scream justamente. En otros casos, como con Damo Suzuki o Stephen Lawrie, en aquél entonces yo organizaba conciertos como promotor y ellos no tenían banda fija así que me ofrecí para la ocasión. Con Damo, de hecho, repetimos varias veces y siempre fue increíble, es un personaje con una energía muy especial y para mí fue un honor ya que Can es una de mis bandas favoritas.

¿De qué modo ha influido tanto pasado con el mundo del rock, en tu presente como artista? Todo suma. Quizás una de las cosas que persisten comparándolo con mi pasado en grupos es la voluntad de colaborar con otros músicos. Grabo mucho con otros artistas, me inspira y me divierte el proceso creativo de componer, arreglar y producir de forma conjunta, me parece muy enriquecedor. ¿En qué momento llega el giro electrónico? Supongo que fue algo paulatino. Yo ya pinchaba desde hacía años pero estaba más metido en otras escenas, ponía soul, garage, R&B, luego indie, etc hasta que me di cuenta que era mucho más divertido mezclar electronica por el simple hecho que la música está cuantizada y te permite reproducir distintas canciones a la vez o hacer transiciones con más precisión. Por otra parte cargar la batería, montarla y desmontarla en cada concierto es algo que desgasta bastante al final (risas). El factor más importante fue que yo quería empezar a hacer mis propios temas por

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mi cuenta, sin tener que depender necesariamente de otros músicos. Esta pregunta me encanta hacerla siempre, ya que cada artista suele tener una visión muy personal de ella... ¿Qué es para ti la música electrónica? Creo que parecerá muy poco romántica mi respuesta. Para mí la música electrónica es simplemente aquella que se hace utilizando instrumentos electrónicos y yo con esto soy muy poco ortodoxo. Como decía Duke Ellington: “Sólo hay dos tipos de música, la buena y la del otro tipo”. Lo de los géneros es lo de menos. Con esto lo que quiero decir es que claro que me encanta el techno y el house, y los sintetizadores y las cajas de ritmo pero mi música no es exclusivamente electrónica y mis influencias beben de muchos estilos. Utilizo DAWs para grabar y secuenciadores pero también grabo instrumentos convencionales como la guitarra eléctrica u otros instrumentos acústicos, ya sean de cuerda, viento o percusión. En este sentido creo que para mí es algo muy pragmático más que nada.

En los últimos 10 años te has convertido una figura muy destacada de la ciudad Condal y de la escena underground internacional. ¿Qué experiencias sacas de ser residente en templos electrónicos como Razzmatazz o Nitsa? Es una auténtica suerte y es algo a lo que les estoy enormemente agradecido a los dos clubs. En casa nunca he tenido CDJ’s, realmente donde aprendí a pinchar es en las salas. El hecho de ser residente implica que tienes que saber adaptarte en contextos muy diversos. Es muy distinto el set que hago si abro para Honey Dijon, que si lo hago para Lindstrom o Red Axes o Sadar Bahar. Te obliga a estar al día de muchos estilos y poder ser versátil, lo cual es muy estimulante. Firmas trabajos como Arnau Obiols y como Velmondo. ¿Qué diferencias hay tras estos dos artistas? Depende de como surge el tema, es algo bastante orgánico y espontáneo. En principio quizás la música de Velmondo tiene una naturaleza más experimental y oscura. ¿Cómo conociste a John Talabot? Conocía a su hermana Pia y teníamos varios amigos en común. Hace unos años le pasé mi primera demo de Velmondo a Franc Sayol (Mistakes Are Ok) y él se la pasó a Uri, y a partir de entonces empezamos a hablar. Poco después decidimos encerrarnos unos días en el estudio y grabar unas improvisaciones de modular con percusión. Desde entonces se ha convertido en una especie de tradición anual que se repite alrededor de las fechas de Navidad y a posteriori hacemos quedadas más esporádicas para desarrollar los temas. Parece que vuestra alianza va para largo, tras proyectos conjuntos como Mioclono y editar trabajos en su sello Hivern. ¿Cómo es vuestra sinergia como artistas? Yo creo que nos entendemos muy bien y comparto su filosofía tanto a nivel artístico como a nivel profesional. Siempre me he sentido muy cómodo en Hivern Discs y su modus operandi con cada lanzamiento. En el estudio, Uri es un tío con muy buenas ideas y mucho talento, he aprendido mucho de él. Además tiene bastante sentido del humor, así que es francamente divertido trabajar con él.

Acabas de lanzar tu último trabajo en Hivern junto con nuestros otros preferidos, Iro Aka. ¿Cómo ha sido el proceso creativo de ‘Les Illes del Cel’? Con Iro Aka nos conocimos en la fiesta del décimo aniversario de Hivern Discs y dijimos de quedar algún día para hacer música sin ningún tipo de pretensión más allá de pasarlo bien un rato. Básicamente nos estuvimos reuniendo en mi estudio y la verdad es que la cosa fluyó bien desde el principio. A la hora de hacer los tracks vamos probando ideas directamente en Ableton y grabando distintos instrumentos ya sean VST, sintes analógicos, modulares o semi-modulares y lo combinamos con instrumentos de percusión. De hecho ‘Les Illes del Cel’ es una selección de temas, hay varios más todavía que nos gustaría sacar y ya estamos trabajando en material nuevo. ¿De dónde viene toda la potente carga psicodélica de tu música? De adolescente estuve obsesionado con el rock psicodélico del los 60, el freakbeat y todas esas bandas tipo The Seeds, July, Red Krayola, Syd Barrett, etc y también de revivalistas de ese sonidos como podrían ser Spacemen 3 o Spiritualized en los 90. De hecho mi interés por la música electrónica surgió a raíz de descubrir el kraurock y artistas como Cluster, Conrad Schnitzler, Ashra o Popol Vuh. A partir de ahí empecé a indagar y descubrí el minimalismo de Terry Ryley o La Monte Young, que a su vez está inspirado por músicas más ancestrales como el canto dhrupad de la tradición clásica hindustani o la música devocional sufí. Por otra parte, como percusionista que soy y estudiante de Musicología que un día fui, siempre me ha interesado el nexo antropológico entre los estados de trance y los tambores. Las propiedades extatogénicas de la música me parecen algo fascinante. Existe un vínculo inherente entre la música y los estados alterados de consciencia, yo sencillamente intento enfatizarlo mediante el uso del drone, la repetición, o la percusión, y procesando la señal con efectos. Si te fijas, todos mis temas están en un marco modal, hay una sola línea melódica y raramente hay una progresión de acordes. Has tenido unos dos últimos años muy meteóricos, editando trabajos impresionantes en sellos como Compost Records,

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Internasjonal , Foehn Records, Nista Traxx o Hivern. ¿Con una visión global desde arriba, cómo analizas todo este trabajo? Si te soy sincero no me paro a analizarlo, simplemente me limito a ir haciendo. Es decir, no quiero seguir una estrategia o elaborar un plan con mi trayectoria. Estoy contento de tener el respaldo de estos sellos, que me permitan compartir mi música. Lo único que lamento es no poder pinchar debidamente o poder hacer actuaciones en directo durante este período por culpa de la pandemia. Esperemos que sea factible en un futuro muy próximo. Con una mirada puesta al futuro, ¿hacia dónde quieres dirigir tu sonido? En realidad no me gustaría ceñirme a un solo sonido en particular. Seguramente puede parecer que mi obra es un poco heterogénea pero creo que hay música buenísima de distintos ámbitos como para centrarse solamente en algo. Tampoco quiero pensar demasiado en el futuro, prefiero concentrarme en el presente. Lo que sí espero es poder sorprender al oyente, o al menos a mí. ¿Qué te inspira en la vida? Parecerá un cliché pero imagino que un poco lo que a todo el mundo. Me inspiran mi familia, mis amigos, la música, el cine, las artes plásticas, un buen libro, o una buena conversación.

El año pasado, la mayor parte del mundo ha vivido graves bloqueos debido a la pandemia de COVID-19. ¿Cómo has gestionado tu tiempo durante el encierro? ¿Has encontrado nuevas vías creativas para explorar? Desde que empezó la pandemia he estado la mayor parte del tiempo en Suíza. Ahí me habilité un pequeño home studio y he estado grabando de forma compulsiva, he acabado mucha música. A mi personalmente me motivó para aprovechar este tiempo. Ya que no podía pinchar, al menos quería hacer algo útil, lo vi como una oportunidad única. Además, también lo he aprovechado para hacer música para encargos de publicidad que es algo con lo que disfruto. Ahora vuelvo a estar instalado en Barcelona y estoy encantado de poder volver a mi estudio.

Gracias por haber grabado este mix en exclusiva para DJ Mag ES, ¿qué nos puedes contar acerca de su selección y ejecución? He intentado mantener un equilibrio entre lanzamientos recientes, temas antiguos de los 80 o 90 y tracks inéditos míos o de amigos. Desde aquí agradecerle a Sergi Deckard que me dejara grabar este mix en ese fantástico microclub que es el Switch.

¿Tenemos que estas atentos a algo importante en este 2021? Ahora de forma inminente salen en Ibadan Records un par de tracks con MLiR, otro con KAYYAK en Compost Records, un EP conjunto con el cantante de Chicken Lips y Priorat con remix de Marc Piñol, otro EP de Velmondo en Calypso Records que viene con un remix de MR TC y si todo va bien, antes que acabe el año también tendría que salir el primer álbum de Mioclono, que ya está mezclado y masterizado.

Escucha y pon banda sonora a esta entrevista con el mix exclusivo de Velmondo para DJ Mag ES, escaneando el código QR

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¡Muchas gracias por tu tiempo para responder esta entrevista! ¡te deseamos lo mejor y esperamos que sigas editando música sin parar! ¡Muchísimas gracias a vosotros y un saludo a todos los lectores de DJ Mag ES!

MUTEK

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Las 10 artistas que no puedes perderte en virtual.Mutek.Org

Autor: REDACCIÓN Fotos: MUTEK ES

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DJ Mag ES y MUTEK ES llevan muchos años trabajando juntos para traeros, cada año, lo más destacado de la celebración del encuentro de música avanzada celebrado en Barcelona. El año pasado coincidió que MUTEK ES fue la última cita que tuvo lugar antes de que no pudiéramos juntarnos más. Este año 2021, resulta que es el primer encuentro en el que vamos a poder juntarnos en formato físico desde hace mucho tiempo. Con todas las garantías, distancias y medidas de seguridad claro está, además de poder disfrutarlo en formato digital. Este año en conjunto con la amalgama MUTEK AR, el encuentro entre Barcelona y Buenos Aires nos traerá experiencias inmersivas, instalaciones digitales y shows audiovisuales de la mano de más de 50 artistas de 15 nacionalidades, que del 3 al 9 de mayo celebra la primera edición híbrida del festival. Desde que el festival naciera en Montreal hace más de dos décadas, se ha consolidado una Red Internacional única con sedes en Barcelona, Buenos Aires, Tokio, San Francisco y México D.F unida en su misión de tender puentes entre ellas y generar sinergias con el sector, para fomentar el desarrollo y profesionalización de comunidades creativas que trabajan en torno al sonido, la música y arte audiovisual a nivel mundial. Frente al inusual panorama que supuso el 2020, la Red MUTEK, ha sabido hacer de las circunstancias derivadas por la pandemia, una oportunidad, aceleran-

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do el desarrollo de su nuevo modelo de interconectividad a través de virtual. mutek.org, considerada ya como una de las plataformas online referente por su capacidad de adaptar la experiencia “en directo” al escenario virtual, como se pudo experimentar en sus anteriores ediciones virtuales: MUTEK Montreal en septiembre de 2020 y MUTEK MX+JP en diciembre 2020. Este año, desde DJ Mag ES y en colaboración directa con MUTEK, hemos querido resaltar la presencia de artistas femeninas en la edición de este año. Artistas completísimas cuya propuesta se sale de la norma y que son parte del futuro de nuestra escena, tanto a nivel nacional como internacional. Son Clothilde, D. Tiffany, JUMP CUT #2 (Marie Davidson, Sabrina Rattè, Dana Gingras), Kaleema, Line Katcho, Manami Sakamoto, Marta de Pascalis, Ouri, Sol Rezza y Tarta Relena. No son todas las que van a actuar, pero sí una pequeña muestra del enorme talento que la amalgama MUTEK es capaz de descubrirnos.

Clothilde

Sofia Mestre aka Clothilde utiliza maquinaria casera y modulares construidos desde cero por su compañero Zé Diogo, aka hobo & the birds, para crear paisajes emocionales y estéticos llenándonos de texturas, melodías y secciones de cero puntos finales visibles siempre en una sola toma irrepetible de profundo brutalismo auditivo. Un vértigo de control y modulación de frecuencias eléctricas impulsa su trabajo con ecos de Annea Lockwood, Jessica Rylan, Oliveros, Maryanne Amacher y Radigue en una malla de experimentación y onda primigenia. Su álbum debut, Twitcher, fue publicado por Labareda en 2018. En 2020 su trabajo se centró en la exploración de la banda sonora, específicamente en la creación de la banda sonora original para la obra de teatro "Os Princípios do Novo Homem" de Pedro Saveedra y la cocreación con Miguel Bonneville, y la banda sonora original para "A importância de ser Alan Turing".

D. Tiffany

Al crecer en los suburbios de White Rock BC, Sophie Sweetland, aka D. Tiffany, se mudó al Barrio Chino de Vancouver casi al mismo tiempo que lanzó su primer cassette en 1080p, lleno de variaciones de house granulado. Poco después, completaría las primeras pistas de guitarras relajadas con su proyecto Ambien Baby en su habitación, que se volvería decididamente más cinética a lo largo de los años después de emparejarse con el colaborador NAP. Intentando sobrevivir como artista que vive en el segundo mercado de viviendas menos asequible del mundo, Sweetland convirtió su hogar en Sweet Pup Studios, un espacio de bricolaje que ganó notoriedad por su sólida programación “after hour”, hasta que la policía local lo cerró. Las colaboraciones continuaron junto a la fantasía regular de Vancouver como Plush Throw, un nombre que evoca una lujosa opulencia que puede degradarse rápidamente en desechos sintéticos. JUMP CUT #2 (Marie Davidson, Sabrina Rattè, Dana Gingras) Jump Cut es una serie web de seis partes con colaboraciones en streaming entre artistas internacionales multidisciplinares. Concebido por Dana Gingras / Animals of Distinction como una forma de sobrevivir y prosperar en estos tiempos. Jump Cut es una oportunidad para comisariar un encuentro imprevisible entre artistas que actualmente trabajan de forma aislada. Cada episodio contará con una combinación única de artistas para crear una colaboración multidisciplinar que sólo será accesible como una experiencia única en línea.El segundo episodio de la serie contará con la artista de Montreal Marie Davidson, la artista de Quebec Sabrina Ratté y la coreógrafa y bailarina de Montreal Dana Gingras. Tratando el cuerpo como una escultura viviente, se hará hincapié en capturar las minucias del movimiento y transformar el cuerpo humano en un cuerpo virtual mediante técnicas de realidad aumentada. Este proceso de transformación digital dialogará después con el sonido para crear un espectáculo audiovisual experimental.

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Kaleema

Multinstrumentista, compositora, productora y cantante con base en Buenos Aires. Con su álbum debut Nomada (2017), logró posicionarse en la escena latinoamericana, llevándola a presentarse en importantes espacios, como Mutek Montreal y Lollapalooza Chile. En el año 2020 editó Útera -en el que se basa su show para Mutek-, su segundo álbum de estudio, con salida Wonderwheel Recordings. El disco se reproduce como un catálogo de diferentes estilos, entrelazando varios instrumentos y ritmos. Desde el dub hasta las flautas andinas y las clásicas melodías de cuerda. En comparación con su predecesor, ofrece un espacio más hipnótico e introspectivo de fuego creativo y ritmos electrónicos, que a veces se mueven en downtempo y ambiente electrónico.

Line Katcho

Line Katcho es una compositora y artista audiovisual de Montreal que se interesa principalmente por el sonido y la imagen como manifestaciones de la materia cinética: gestos, fuerzas o movimiento. Se distingue por su enfoque experimental y su afinidad por el juego perceptivo, así como por su profundo talento con el afecto. Tiene un máster en Composición Electroacústica por el Conservatorio de Música de Montreal, y se inclina por una mezcla de estilos, géneros y métodos aplicados. Fue co-fundadora de la serie de conciertos Soundwich por la que se ha asegurado la dirección artística entre 2013 y 2015. Su trabajo ha sido presentado en conciertos y festivales internacionales como Sonorities (GB), Elektramusic (FR), Ai-maako Noche Blanca ( CL), DME (PT) y Akousma (CA). Ella recibió el primer premio en el JTTP (Jeux de Temps / Times Play) 2014.

Manami Sakamoto + INOYAMALAND

Manami comenzó su carrera como VJ en 2010. Mientras actuaba en los principales clubes nocturnos de Tokio, como WOMB, ageHa y VENT, también mostró su trabajo en festivales de música a gran escala, como MUTEK.JP, ULTRA Japan, Summer Sonic y Rock in Japan. Basándose en los gráficos en movimiento y los efectos visuales, Manami se encarga de los efectos visuales para diversos escenarios, como los desfiles de moda o los conciertos. Es muy reputada por sus contenidos visuales bien diseñados como VJ. Manami sigue ampliando su carrera en el extranjero, y ha recibido ofertas de Nueva York, Berlín, Londres, Singapur, China y Corea. En esta ocasión se presenta junto a INOYAMALAND, Makoto Inoue y Yasushi Yamashita) es un dúo de sintetizadores de Japón, cuyas formas musicales se han clasificado como ambient, electrónica, ambiental, etc. Se formó en los años 80 como un proyecto paralelo de los miembros de Makoto Inoue y Yasushi Yamashita. Comenzaron a realizar sesiones y producir piezas teatrales en paralelo a las actividades de la banda Hikashu.

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Marta De Pascalis

Marta De Pascalis es una música y diseñadora de sonido italiana afincada en Berlín. Sus trabajos en solitario emplean la síntesis analógica y un sistema de bucle de cinta, con el que crea patrones de repetición que dan forma a una sensación de distancia densa, dinámica y catártica. Ha presentado su trabajo en diferentes festivales y salas, especialmente en CTM, Berghain, Funkhaus, Biennale di Venezia, Cafè Oto, Alice, Istituto Italiano di Cultura. Sus trabajos también incluyen instalaciones sonoras, como la reciente Glaring Sounds, un proyecto de colaboración con el artista visual Filippo Vogliazzo, presentado en 2020 en el contexto de Una Boccata d'Arte, un esfuerzo de colaboración conjunto entre la Galleria Continua y el Festival Terraforma.

Ouri

Oscilando entre las alturas vibrantes y los valles melancólicos en una dimensión electrónica híbrida, Ouri fusiona su fuerza y su verdad con el caos exuberante, tejiendo una producción ambiental y de bajo en su propio estilo abstracto apasionado y rítmico. Ouri fue seleccionada para el Red Bull Music Academy's 2017 Montréal Bass Camp, lo que dio lugar a sus últimas grabaciones; una actuación en Boiler Room y ha disfrutado de un número creciente de actividades en grandes escenarios en los últimos meses. Ouri da rienda suelta a sus más recientes creaciones conmovedoras en un set en vivo en MUTEK. Un gesto en constante expansión. Un entorno de ritmo lento para que se restablezca. Enajenadas y luego readoptadas, nuevas ideas musicales y sonidos se manipulan en este set en vivo "Minus Drums", acompañado por los visuales de Jason Voltaire.

Sol Rezza

Residente en Córdoba, crea espacios sonoros inmersivos donde la especialización de audio juega un papel fundamental en la narración. Compositora, diseñadora de sonido e ingeniera de audio, trabaja en varios campos relacionados con el sonido; desde actuaciones en directo, composiciones experimentales para radio y creaciones para medios digitales, videojuegos, películas e instalaciones. Su práctica se desarrolla entre el arte, la psicoacústica y la tecnología. Explora cómo percibimos el tiempo y el espacio a través de nuestros sentidos y cómo los sonidos influyen en esa percepción. Su trabajo ha formado parte de AMPLIFY D.A.I. en la Somerset House, MUTEK Montreal, Festival Tsonami, Radiophonic Places Bauhaus-UniversitätWeimar y CTM Festival, entre muchos otros.

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Tarta Relena

Folk gregoriano atronador y progresivo interpretado por Marta Torrella y Helena Ros. Tarta Relena nació en 2016 como un proyecto de dos cantantes que exploran sonidos de diferentes estilos de música vocal. Lejos de caer en lo tradicional y definitorio del Mediterráneo, Tarta Relena busca constituir un repertorio que abarque desde la música de tradición oral hasta canciones de autor relacionadas de alguna manera con la zona geográfica del Mediterráneo. En los arreglos de Tarta Relena, los diferentes timbres de sus voces están enlazados o anudados, fluyendo como agua, o rascando como estepa; se alejan en agudas disonancias y luego se reencuentran. Buscando siempre la complejidad dentro de la sencillez y la máxima expresión con el mínimo de elementos.

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Estrevista: EDUARDO P. WAASDORP

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DAAR Los músicos siempre suelen expresar su yo interior a través de su arte. Lo bueno, lo malo; lo vivido y lo anhelado. Los sentimientos de los artistas se ven plasmados en forma de beats y melodías, que acaban convirtiéndose en testamento de su universo personal y creativo. Este es el caso particular del artista que presentamos a continuación y de su último trabajo. Daar, alias de Álvaro Aragonés,

nos presenta un álbum personal y exuberante, con un sonido envolvente, rico en capas y texturas. Se trata de ‘Entire’, que presenta a través de la etiqueta canadiense Silent Season y que viene con una combinación única de técnicas de producción, con hardware y software, además de la inclusión de recursos como las grabaciones de campo y diferentes sampleos. Conceptos, realidades y lugares se entremezclan en los paisajes sonoros de Daar, que nos trae una electrónica que mezcla lo terrestre con la ciencia ficción o el silencio con la percusión.

‘Entire’ es una obra compuesta por un total de ocho producciones que fueron compuestas por Daar en pleno confinamiento domiciliario durante la primera ola de la pandemia del año pasado. Un trabajo plagado de sonidos escapistas que invitan a la relajación y a la evasión de nuestra mente en paisajes sonoros más agradables; totalmente alejados de lo que significa estar encerrado en una habitación mientras que lo único que pasa es el tiempo. Hablamos con Daar para que nos cuente los entresijos de este nuevo trabajo suyo y cómo ha sido el proceso para crear este nuevo imaginario sonoro. ¡Música, maestro!

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DAAR introspectiva de lo acostumbrado… Fue muy productivo, no siempre tenía tiempo de pasar muchas horas en el estudio y dada la situación aproveché al máximo. Creo que es algo que no solo me ha pasado a mí y que ha ayudado a muchos artistas a desnudarse en este sentido, sacar cosas que llevaban dentro y generar un sonido mas personal.

De hecho, comentabas que no te encontrabas bien con tu vida en general y usaste la música para expresar lo que en ese momento sentías… ¿Qué tan importante es haber tenido la música como vía de escape? ¿Dirías que fue terapéutico? Increíblemente terapéutico, pasaba horas escuchando música cada día, leyendo libros y en general reflexionando mucho. Estoy seguro que sin música se hubiese hecho mucho más duro.

¡Hola, Álvaro! Un placer tenerte de nuevo en nuestras páginas. ¿Cómo ha empezado tu año? ¡Hola chicos! Pues la verdad es que ha empezado de la mejor manera, aunque bajo las circunstancias actuales, me considero un privilegiado y estoy viviendo un momento dulce Acabas de publicar ‘Entire’, tu último álbum en Silent Season, el reverenciado sello canadiense. ¿Cómo surge tu relación con ellos? ¿Cómo se planteó sacar un nuevo álbum con ellos? Surgió de la forma más natural, yo tenía terminado este álbum y les envié la demo, siempre había escuchado referencias y artistas de este sello, y tenía mucha ilusión en poder trabajar con ellos.

Consta de ocho cortes, que según entiendo compusiste durante el confinamiento. ¿Cómo fue ese tiempo para ti a nivel personal? ¿Cómo te pilló la situación? Llegué a Madrid dos días antes de que nos confinaran con un cacao mental importante ya que a nivel personal no estaba atravesando mi mejor momento y para colmo, nos tememos que encerrar en casa. Mi única vía de escape era meterme en el estudio sin mirar el reloj y tratar de expresar lo que estaba sintiendo. Aprendí mucho de mi mismo y acabe terminando este LP en tiempo record. Y, ¿a nivel creativo y sonoro? Mucha de la música que hemos oído proveniente del confinamiento – sin importar género o artista – ha sido más reflexiva, oscura e

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¿Cómo es tu proceso creativo actualmente y cómo ha cambiado con respecto a trabajos como tu debut de largo, ‘A Place To Be’, o ‘Quetzal’? Realmente no tengo un proceso definido, intervienen muchos factores, para crear “Entire” había una situación detrás que no existía en trabajos anteriores y que obviamente afectó, en este caso, positivamente. Siempre busco un late-motiv que me haga tomar enfoque de lo que quiero, “Quetzal” por ejemplo, sale a raíz de ver una película inspirada en la civilización Maya. “A Place To Be” de mi afición por viajar. Creo que lo que todos mis trabajos tienen en común es que nacen de una especie de señal estimulante, algo que me inspira por pequeño que sea y es ahí donde comienza ese proceso de creación. ¿Cómo es tu estudio? ¡Mas pequeño de lo que me gustaría! Lo tengo ubicado en casa, en una habitación independiente y con las herramientas de trabajo que utilizo a diario. Una cosa en la que trabajé el año pasado fue en desprenderme de máquinas que no utilizaba con frecuencia, quedándome con lo realmente necesario. Una lucha eterna contra el denominado GAS… (risas)

DAAR El sonido que desarrollas en este trabajo es menos pistero que ‘A Place To Be’… de hecho, tenemos entendido que parte de los sonidos son grabaciones de campo desde tu balcón… ¿Qué te atrajo de esos sonidos para querer incluirlos? Una de las cosas que más me llamó la atención durante el confinamiento era la capacidad de apreciar el silencio en una ciudad como Madrid. De ahí, que cuando dos personas se encontraban debajo de mi balcón era casi un acontecimiento único, no pude evitar tomar grabaciones que luego acabe utilizando en alguno de los temas de “Entire”.

¿Cómo procesas las grabaciones de campo hasta convertirlas en sonidos aprovechables en una producción? Lo que me gusta de usar grabaciones de campo es la autenticidad de las mismas, no las proceso demasiado para que no pierdan su carácter. En algunos casos reduzco o filtro ruidos que se han colado, pero poco más. ¿Y tu directo? ¿Cómo configuras tus lives en la actualidad? Ahora estoy en un momento muy freak de las máquinas, voy con hardware y en función del evento me adapto. Como decía anteriormente aprendí a desprenderme de lo que no utilizaba y eso me ha facilitado tener claro que usar en según que actuación.

cambiado mucho, aunque ahora si cabe estoy en un mood muy ambient.

¿Cómo percibes el estado actual de la escena nacional? (pre-covid) Considero que estaba en un momento buenísimo, con muchísimo talento y artistazos que a veces no sabemos valorar en nuestro país. Lo que no me gusta es la eterna persecución y demonización a la escena de la música electrónica, ¡un DJ también es cultura! El COVID ha golpeado duramente a la escena musical, en todos los niveles. ¿Crees que cuando se pueda volver a abrir clubes y haya festivales, cambiará algo? Seguramente si, todo esto está siendo un trauma que va a marcar los siguientes años y no creo que solo en eventos masivos, en nuestra cotidianeidad, en nuestras relaciones sociales.. tiene pinta de que hay ciertas medidas que han llegado para quedarse. Se hablaba mucho de mirar hacia casa, de que probablemente los promotores se vean obligados a contar con talentos locales, de una reconfiguración de la escena… ¿lo ves una posibilidad? Lo veo y lo espero con ganas, es el momento perfecto y hay que ayudarse en este sector tan maltratado.

Suelo llevar 3-4 sintes como mucho que secuencio desde la Octatrack. Lo acompaño con un par de pedales para efectos y todo se procesa a través de una mesa analógica antes de salir al sistema de sonido. La última vez que DJ Mag ES habló contigo vivías en Berlín. Ahora, y aunque eres de Ciudad Real, has vuelto a Madrid… ¿Cómo ha sido este cambio? ¿Ha afectado a tu sonido? Ha sido duro porque me encantaba vivir en Berlín, pero después de cuatro años un tren pasó y me subí. Me ha costado mucho adaptarme a Madrid la verdad, es una ciudad que va constantemente en sexta velocidad o así lo percibo yo. En relación a mi sonido creo que no ha

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Antes se te conocía mucho por el alias Funkvarosound… ¿algún plan de resucitarlo en el futuro? ¿O es una etapa ya quemada en tu vida? Es una página muy bonita de mi vida pero que ya se escribió, ahora estoy en otro momento con el proyecto actual y quiero crecer con él. ¿Qué otros planes tienes para este 2021? Estoy trabajando en un proyecto audiovisual para un fotógrafo, escribiendo un nuevo EP con tintes más rítmicos y retomando una plataforma llamada Worst Seat Ever con mi compañero de batallas Santy Le Funke.

¿Algo que te gustaría añadir? ¡Viva la sanidad pública! ¡Muchas gracias por tu tiempo, Álvaro! ¡Gracias a vosotros! Un abrazo.

ROCKY JONES

La vuelta de la leyenda Antes de que existiera el house -de hecho, incluso antes de que existiera el disco-, estaba Rocky Jones. El fundador del icónico sello de house de Chicago, DJ International, fue posiblemente más importante que nadie en el sector: fue el responsable de llevar la música house a una audiencia internacional, gracias a su acuerdo con FFRR / London en el Reino Unido. DJ International tuvo dos grandes éxitos en el Reino Unido: Farley Jackmaster Funk con 'Love Can't Turn Around' de Darryl Pandy, que fue el primer track de house que se cruzó en las listas de éxitos del pop; y, unos meses después, 'Jack Your Body' de Steve ‘Silk’ Hurley, que fue número uno en enero de 1987, 18 meses antes del segundo Summer of Love y la explosión del acid house británico. La música house fue una gran noticia mucho antes de que los adolescen-

tes se volvieran locos en las fiestas de Orbital. Rocky ha estado involucrado en la industria de los clubes nocturnos más tiempo del que la mayoría de nosotros hemos estado vivos. No solo ha estado involucrado, sino que también ha participado en su construcción. Antes de inaugurar DJ International dirigió Audio Talent, el record pool (servicio de suscripción para recibir las últimas novidades de música, creado em los 80) más exitoso de Chicago e, incluso antes de eso, fue DJ en un juice bar llamado The Machine, en la creciente escena de clubes de principios de los 70. Pinchaba disco incluso antes de que tuviera un nombre con melodías como "Sultana" de Titanic y "Aie A Mwana" de Black Blood. "Cuando pinchaba

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DJ International Autor: EDUARDO P. WAASDORP Traducción: PATRICIA PAREJA CASALÍ Foto: CORTESÍA DE DJ INTERNATIONAL / ARCHITECTOFHOUSE

allí, los DJs venían y me preguntaban qué discos estaba tocando, porque siempre intentaba conseguir los discos que no se podían conseguir". Al ver la oportunidad, la capacidad de Rocky para superar a los grandes llevó a la creación de uno de los primeros record pools en los EEUU, proporcionando una salida perfecta para que los promotores llegaran al público, a través de la comunidad DJ. Fue a través de Audio Talent que Rocky pudo aprovechar la atmósfera febril del Chicago de los 80 que nos trajo la música house. La mayoría de los DJ que posteriormente se convertirían en leyenda a través de sus producciones crudas, remixes o club sets ya eran miembros de los record pools, consiguiendo suscriptores como Hot Mix 5 hasta Frankie Knuckles. El sello se lanzó con el proyecto de Steve ‘Silk’ Hurley, JM Silk (con Keith Nunnally) y un track llamado ‘Music Is The Key’. "Steve me trajo un casete y tenía cuatro tracks", dice Rocky. “Quería que hiciéramos algo con eso, así que le dije: 'Bueno, hagámoslo; vamos a hacerlo lo más compatible con la radio que podamos, pero manteniéndolo lo más crudo posible”. El primer lote se agotó el primer fin de semana, por lo que Rocky tuvo que volver a la planta de prensado, propiedad del famoso Larry Sherman (quien más tarde fundó Trax Records), donde negoció un acuerdo que involucraba el convertible Corvette 1975 de Rocky: "El trato era que le cambiaría mi coche por discos en lugar de dinero", recuerda. “Él saltó. Todo el mundo pensaba que estaba loco por deshacerme de un coche a cambio de discos". Se dice que este fue el primer disco de house que se exportó a Europa, y la primera exposición en prensa de este nuevo sonido llegó a través de la influyente columna británica de James Hamilton en octubre de 1985. El disco fue un éxito de Billboard. En un año, JM Silk había firmado un acuerdo con RCA.

Cuando Jones asistió al “Seminario de Música Nueva” en 1986 con Frankie Knuckles, la música house era tendencia y todos querían saber más acerca de ella y conocerles. Los sellos discográficos europeos se apresuraron a aprovechar el potencial de la música house. Entre ellos se encontraban representantes de London/FFRR, Roger Ames y Pete Tong, que estaban encantados. “Dije, ‘haremos el trato, pero tenéis que llevar gente a Chicago para ayudar a promocionarlo’”, recuerda Rocky. La rueda de prensa posterior trajo una serie de periodistas británicos, incluidos Stuart Cosgrove y Sheryl Garratt, respectivamente de NME y The Face; estos escritores le dieron al público británico su primera muestra del movimiento trascendental de Chicago. Pero si bien Europa adoptó la música house desde muy temprano, las grandes empresas estadounidenses la descartaron como una moda sin valor. “Cuando todo esto sucedió, ser DJ no era nada de lo que poder presumir, comercialmente hablando. Nadie sabía lo que era un DJ. No podías conseguir un trabajo o un préstamo. Ahora es una carrera. La gente quiere ser DJ y los bancos lo tratan como una profesión. Pero en ese entonces, no lo era. Así que todas mis reuniones tuvieron lugar en Europa. Las majors no entendían en absoluto la música house”. El house era básicamente, crudo y sin precedentes, y eso es lo que le otorgó gran atractivo entre los oyentes más jóvenes. DJ International, dirigido por Rocky Jones y ayudado por gente como Benji Espinoza y un adolescente Chip E, estuvo a la vanguardia de un movimiento que se extendió por el mundo y cambió la cultura juvenil. Su calendario de lanzamientos era frenético, y ahora parece una colección de los grandes: The It, Fingers Inc, Frankie Knuckles, Tyree, Liz Torres,

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ESP, Marshall Jefferson, Fast Eddie y, por supuesto, 'Promised Land' de Joe Smooth, uno de los discos más grandes del género.

FRANKIE KNUCKLES

Ahora, DJ International está de vuelta. Se ha relanzado una recopilación, ‘Jackmaster 7’, que recuerda tanto sus días felices como uno de los líderes del sonido Chicago-town, además de mirar al futuro, con una serie de productores jóvenes. Entre los incondicionales se encuentran Chip E, Sterling Void, el fallecido Frankie Knuckles, K. Alexi Shelby, así como una reinterpretación del himno ‘Promised Land’. Si bien DJ International no necesariamente tuvo repercusión en las listas de éxitos mucho después de la primera oleada de éxitos con Farley ‘Jackmaster’ Funk y Steve ‘Silk’ Hurley, sus producciones siguen siendo uno de los catálogos de house más destacados de la historia. “Nunca estuvo destinado a estar por encima de otros”, reflexiona Jones. Simplemente estaba destinado a ser lo que era: solo para el club, solo para DJs. Ante la vuelta de la leyenda, quisimos hablar con el mismísimo Rocky Jones para que nos contase más sobre esta anticipada vuelta a la palestra y qué podemos esperar de esta nueva etapa de uno de los sellos más grandes de la historia de la música electrónica.

ANTHONY THOMAS

MARSHALL JEFFERSON

más elaborado por los artistas y DJs, es algo más madurado y creo que es mejor. Y por otra parte, quizás ahora no hay muchos sellos longevos porque ahora mismo, básicamente, los artistas son los que están creando sus propios sellos. La mayor diferencia es la creatividad de cada sello, donde cada artista se expresa a sí mismo. Sí, hace un tiempo todo era nuevo, no quiero decir que ahora todo sea reciclado de lo que ocurría hace un tiempo, pero todas las ideas ya están asentadas y debes fijarte en la creatividad del artista, ¿no? Exactamente. Hace 30 o 40 años atrás, todo se hacía casi en los maleteros de los coches (risas) y en el horizonte no había demasiado dinero. Ahora la gente lo ve diferente, ve los millones de dólares que hay detrás de la industria y eso cambia las perspectivas de las personas, sus motivaciones y su inspiración. No es que la mía haya cambiado, o de la gente que me rodea, pero ahora sabemos que hay un precio y un resultado final que puede conseguirse y que vale la pena. Más allá del amor y la pasión por hacer música.

¡Hola Rocky! Es un verdadero honor tenerte en la revista este mes. Imaginamos que tu 2021 comenzó muy loco, debido al relanzamiento del icónico y legendario sello, DJ International. ¿Cómo ha sido el inicio de este nuevo período para el sello? ¡Hola! Sí, la verdad es que en medio de la pandemia está significando más que un reto, pero estoy muy emocionado de todos modos. He recibido mucho apoyo de mucha gente, artistas, DJs pioneros… así que estoy contento.

Hoy en día está todo más profesionalizado y todo el mundo espera obtener algo a cambio de firmar un disco. Antes era, como tú decías, más por el amor a la música… Sí. Pero creo que hay que dejar algo claro, para que nadie intente reescribir la historia. Hay algo que no mucha gente entiende y eso es la diferencia entre licenciar un disco y publicarlo. Son cosas diferentes. Ahora ya no se licencian discos, nosotros lo hacíamos a modo de promoción. Mucha gente pensaba que solo por sacar un disco, ya estaban al mismo nivel que un Michel Jackson o Prince y no se daban cuenta de que había toda una promoción detrás que costaba dinero y hacía las cosas crecer. En esa época lo hacíamos casi todo por el amor a la música, ahora creo ha cambiado para mejor y hay muchas cosas positivas.

¿Cómo fueron los primeros días del sello? ¿Cuáles son las diferencias clave para los sellos discográficos en 2021, en comparación a cuando lanzaste DJ International por primera vez? ¡Es una buena pregunta! Lo que hicimos por aquel entonces fue, básicamente, sentar las bases de los estándares de la industria. El objetivo era centrarnos en la música, aunque empezamos a hacer los “planos” de lo que iba a ocurrir en el house. Ahora hay muchos cambios, por una parte ahora está

Además, algunos de ellos han declarado que parte del legado del sonido house de Chicago se perdió a lo largo de los años, en comparación con el techno de Detroit. Básicamente, los pioneros de Detroit encontraron herederos de su sonido y pasaron la antorcha, mientras que los pioneros de Chicago nunca compartieron demasiado de sus conocimientos con nuevos artistas, y no han habido muchas generaciones de artistas de Chicago defendiendo la música house hasta hace poco. ¿Estás de acuerdo con eso?

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¿Qué recuerdas? Creo que la música house pertenece al mundo. No es que haya algo exclusivo del sonido, más allá de cómo se expresa la gente. Creo que hay ciertas cosas que se hicieron en Chicago que no se hicieron en otras partes del mundo. En Detroit quizá intentaron apelar más a que el resto del mundo pusiese la mirada allí, cosa que entiendo y respeto. En Chicago fue diferente. ¿Cuándo se tomó la decisión de volver a dar vida al sello? Adelantasteis el regreso del sello en el verano de 2020, con el lanzamiento del track póstumo de Frankie Knuckles, ‘Carefree (I Am A Star)’… Muchos DJs de todo el mundo empezaron a pedir la vuelta del sello. Y no me refiero a los grandes o famosos. Me refiero a DJs de África, gente de Italia, Francia o Reino Unido, que querían volver a oír el sonido original de Chicago, que nosotros ayudamos a establecer y que fue creado por los DJs de aquí. En todo este tiempo ha habido cierto malentendido y, hasta cierto punto, ganas de reescribir la historia por parte de ciertas personas que ya son nombres establecidos. Por eso quisimos volver con el recopilatorio ‘Jackmaster 7’, porque la verdad ha estado ausente durante mucho tiempo. Hay algunas personas que han reclamado ser los creadores del house, con los que yo no estoy de acuerdo, y no quiero decir nombres, pero creo que hay dos elementos a tener en cuenta: por un lado, tienes ese sentimiento que tienen los hijos, cuando sienten vergüenza de sus padres. Y está el otro lado, que es cuando estos hijos no quieren contar la verdad sobre lo que son sus padres. Esto ha pasado en el house y creo que ha pasado mucho en Reino Unido y otros lugares. La gente tiene que entender la verdad, no solo lo que han leído o creen que saben. Muy pocas personas saben lo que de verdad pasó y eso tiene que decirse. El sello fue uno de los campeones de la música house en sus inicios. El primer lanzamiento nuevo del sello salió el pasado 15 de enero, con ‘Promise Land’ de Anthony Thomas, un gran clásico del house. ¿Cómo se perfila la nueva perspectiva del sello? ¿Cuál será el enfoque principal, relanzamientos, firma de nuevos artistas? ¿O ambos? Ambos. Antes de seguir, es importante que la gente entienda que ‘Promise Land’ es un original de Joe Smooth, aunque fue una interpretación de Anthony Thomas. Más allá de

eso, va a haber, como te decía, muchos artistas nuevos. No sé si sabes quién es Jackie Wilson… pero vamos a tener a su hijo haciendo un disco. Y es una locura, porque es el hijo de quien probablemente sea uno de los cantantes más grandes de la historia de la música rock o R&B – aunque mucha gente no sepa quién es –. Gente como Michael Jackson, Elvis Presley o James Brown admiraban a Jackie y ha sido un honor que su hijo se dedicase al house. Además tiene muchísimo talento y estoy súper contento de haber firmado su disco, porque hay un remix tremendo de Loleatta Halloway, Robert Bond o Nicky Rollins. Ya ha habido tres nuevos lanzamientos incluido el nuevo recopilatorio ‘Jackmaster’, que será la séptima entrega después de seis álbumes que se lanzaron entre el 87 y 1991… ¿Cómo ha sido la respuesta de la gente y de los medios de comunicación? ¿Qué puede esperar la gente de este nuevo disco? Es un disco diverso. Los más puristas quizá no entiendan muchos de los tracks que están en él, pero otros van a verse identificados porque es un disco muy inclusivo. Lo que hicimos con el house en su día fue convertirla en una música muy inclusiva, al contrario que mucha gente que quería hacerla exclusiva. Yo soy el tipo de persona que no se toma a sí misma o a la música demasiado en serio, aunque entiendo qué es lo que pasa mejor que muchos. Para mí no es una forma desechable de hacer dinero. Los artistas que tenemos ahora en este disco significan mucho para mí y creo que eso se nota. ¿Cómo describirías el nuevo sonido de DJ International? Muchos de los feedbacks que estamos teniendo es que el sonido suena moderno y eso es algo bueno. Entre otras cosas, porque sabemos que nuestras producciones tienen el sonido original de Chicago, que es lo que muchos quieren y buscan. Pero la gente quiere también que suene a algo nuevo y diferente. También te diré que el estado actual de la música está definido por el hardware: tienes diferentes elementos de hardware que te dan el sonido que quieres. Lo que cambia es el aspecto creativo, que es lo que lo hace sonar más personal según el artista. ¿Cómo estáis buscando y descubriendo nuevos talentos?

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CHIP-E

Hay mucha gente que nos contacta por Facebook. No suelo ir a SoundCloud, aunque tengo decenas de emails de ellos. Creo que tengo la suerte de conocer a mucha gente y nuevos talentos. Eso nos permite tener una mezcla de gente establecida y gente nueva, además de entender que no existe una exclusividad para la creatividad o inspiración. Puede venir de cualquier lugar. ¿Cuál es el plan de DJ International para 2021 y más allá? Antes de nada, queremos asegurarnos de que la gente entienda la verdad de lo que pasó realmente en Chicago. Aparte de eso, ya que la verdad ha sido ocultada o tergiversada por tanta gente, es importante conseguir ayudar a nuestros artistas a monetizar su trabajo y aprovechar las oportunidades para darse a conocer por todo el mundo. Es lo que vamos a intentar hacer con la serie ‘Jackmaster’ y todo lo que vamos a hacer.

LARRY HEARD

NFTs

¿QUÉ SON LOS NFTs… …Y PORQUÉ DEBERÍA IMPORTARNOS? Uno de los acrónimos más comentados de internet en los últimos meses – cuyo significado es token no fungible – está redefiniendo la propiedad digital. Pero, ¿de verdad los NFTs van a revolucionar la industria musical, devolver el poder a los artistas, brindar nuevas fuentes de ingreso y asegurar que los artistas van a ser pagados justa y automáticamente por su trabajo? ¿O es otro ejercicio de ego para los inversores de cripto, con un impacto medioambiental importante? Nuestro compañero y editor de tecnología digital en DJ Mag Reino Unido, Declan McGlynn lo investiga… Words: DECLAN MCGLYNN Imágenes: MATHIEU FORTIN Traducción: EDUARDO P. WAASDORP

a mayor parte de las primeras experiencias de la gente con los NFTs han ocurrido, probablemente, en los últimos meses. También es probable que haya habido una buena dosis de confusión. Viendo como GIFs de gatos y de esqueletos haciendo twerking se vendían por cantidades de seis cifras, las preguntas empezaron a emerger en torno a los motivos, validez y propósito detrás de las subastas de NFTs. En marzo, el DJ y productor estadounidense 3Lau vendió su primera colección de NFTs (33 en total) por 11,7 millones de

dólares, Rihcie Hawtin celebró el día 303 con una serie de subastas de fotos originales de su TB-303 personal, Grimes vendió su arte de fantasía digital por 6 millones y Steve Aoki su colección ‘Dream Catcher’ por 4,25 millones. Más tarde, ese mismo mes, Aphex Twin vendió un único clip audiovisual que hizo con su colaborador de toda la vida, Weirdcore, por un poco más de 128 mil dólares. Dadas las ingentes cantidades de dinero involucradas en estas transacciones, sin mencionar la confusión y desinformación inicial en torno a los NFTs en general, la opinión pública quedó

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dividida entre los que pesaban que son el comienzo legítimo de una nueva revolución en la propiedad digital; los que creen que es otro juego para los ricos; y los que opinan que es una jugarreta efímera del mercado cripto. Así que, ¿cuál es la verdad? Investiguemos… ¿QUÉ SON LOS NFTs? Un NFT es un token (en informática: una referencia, un identificador), un archivo tipo, que guarda información sobre la propiedad digital y vive en el blockchain de Ethereum (un “libro de registro” online que guarda datos de forma segura). NFT son las siglas de non-fungible token (token no fungible). Un ítem fungible es algo que puede intercambiarse por algo equivalente en valor, porque vale lo mismo, como una moneda de un euro vale lo mismo que otra moneda de un euro. “No fungible” se refiere a algo único, que no puede intercambiarse por algo equivalente, como una pintura única o un cromo de fútbol o de Pokemon muy raro. Pero el nombre no es lo importante. La existencia de un NFT y cualquier cambio, como la venta e intercambio, queda permanentemente registrado en el blockchain. Cada “bloque” está conectado, lo que los hace ultra-seguros: cada cambio se comprueba con otros bloques para asegurar su consistencia. También está descentralizado, por lo que no hay un solo servidor mundial que guarde toda la información, así que es más difícil de manipular. Los NFTs son los tokens que definen la propiedad y los metadatos de un activo digital, no son el activo en si mismo. Un artista podría ofrecer los derechos exclusivos de un archivo como parte de la subasta – como el sample pack NFT que subastó Illmind – pero no es algo que sea estándar en todos los NFTs. En el caso de la música, sea un track completo o un clip, podría haber una URL asociada al archivo en cuestión (wav, mp3, etc) como parte de la venta del NFT. Solo estáis comprando el NFT en sí mismo y mientras que puedes tener acceso al archivo, eso no impide al artista poder subirlo al típico DSP (demand side platform) y a servicios como Bandcamp, YouTube o Spotify, o imprimirlo en vinilo.

derechos para hacer lo que quiera con ella. Si Instagram quiebra o es eliminado para siempre, todas vuestras imágenes también. Para productores y DJs, si SoundCloud o Mixcloud desaparecen mañana, vuestros mixes y tracks se van con ellos, junto a vuestros seguidores. De la misma forma que si una nueva plataforma aparece, tendréis que empezar de cero, subiendo vuestros tracks y fotos (y no podréis llevaros a vuestros seguidores). SoundCloud es dueño de ellos también. Mientras que esto no beneficia al usuario, tiene tremendos beneficios (valga la redundancia) para las plataformas que usan vuestro contenido gratuito para entrenar su Inteligencia Artificial (IA), construir sets de datos y registrar la interacción entre usuarios para añadir valor a sus inversores o sus IPOs (Initial Public Offerings). De hecho, el 43% del tráfico de internet se canaliza a través de solo seis empresas. Las discusiones en torno a una alternativa “descentralizada” – conocido como Web 3.0 – no son nada nuevo, pero la conversación se ha acelerado por la explosión de la popularidad de las subastas de NFTs. La teoría es que cada archivo está almacenado en una red p2p (peer-to-peer), como en un torrent, y la falta de datos y tráfico centralizado se traduce en que el usuario no está atado a ninguna plataforma y puede controlar su propia huella digital. Esta nueva utopía también permitiría a los artistas controlar todos los aspectos de su música, incluyendo establecer sus propias tarifas de streaming por track, crear contratos inteligentes que automáticamente dividan y paguen royalties globales en tiempo real e incluso asignar una tasa de royalties por “segundas ventas” para que cualquier venta futura de un NFT, vaya a su creador original. “Los NFTs pueden permitir al artista reclamar el valor que ha ido a las plataformas en los últimos 20 años”, dice McFedries.

La siguiente pregunta lógica es: ¿porqué pagarías miles de euros por un archivo al que todo el mundo tiene acceso? ¿Además de que cualquier archivo digital puede ser copiado, compartido, descargado y re-subido gratuitamente? Aquí está el que probablemente sea el concepto más difícil de entender y el que le da valor a los NFTs y tiene que ver con el concepto de escasez digital. BLOCKCHAIN “Lo bueno de publicar medios en el blockchain es que el blockchain puede hacer que ese medio sea escaso y valioso, en el sentido de escaso y valioso que existía antes de que internet permitiese a todo el mundo piratear las cosas”, dice Trevor McFedris, DJ y productor que trabajó con Ke$ha, Katie Perry, BANKS y Steve Aoki durante el final de los 2000 y a principios de los 2010. También ha co-creado a la influencer virtual Lil Miquela, que tiene más de 3 millones de seguidores en Instagram y que ha vendido su propia colección de NFTs en noviembre de 2020 por 82 mil dóares (que en su momento fue la venta de mayor valor en la web de subastas de NFTs, SuperRare). El dinero se donó a la ONG Black Girls Code. “Lo realmente bueno de verdad es que el blockchain puede hacer que un sea medio escaso, pero también universalmente accesible”, continúa. “Cualquiera puede disfrutar de un medio en concreto, pero alguien también puede ser dueño de ese medio”. Hasta hace poco, era casi imposible asignar un valor a un archivo digital. Los contenidos de ese archivo podían tener un valor emocional para el oyente, lector o espectador, pero el archivo en sí mismo no valía nada. Cuando subís una imagen a Instagram, por ejemplo, Instagram pasa a ser técnicamente el dueño de esa imagen y de los

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Trevor McFedries

NFTs

“La música es el producto más valioso de internet y los artistas se están dando cuenta de ello, ya que los NFTs les devuelven ese valor a ellos, en lugar de a Facebook, Spotify, etc”. REMUNERACIÓN INADECUADA No hay duda de que la Web 2.0 ha fallado a los artistas. Una encuesta del Sindicato de Músicos de Reino Unido hecha en diciembre de 2020 reveló las “sorprendentes e insuficientes ganancias que la mayoría de los creadores de música reciben del streaming”. Mostró que el 82% de los artistas encuestados ganaron menos de 200£, el 50% dijo que sus ingresos de música garbada habían bajado en los últimos 10 años y el 43% dijo que el insuficiente pago por streaming había provocado que tuvieran que buscarse un trabajo fuera de la música. Los datos también han sido oscurecidos por la Web 2.0. Un informe sobre los datos musicales realizado por el gobierno de Reino Unido encontró que “el crecimiento de nuevos servicios de streaming y plataformas, cada uno con sus propios métodos de gestión de datos, ha supuesto que haya un alto potencial de errores y conflicto, además de una amenaza creciente para la capacidad de los artistas de ganar atribuciones y remuneración por su trabajo”. Dicho de forma más simple: cada vez es más difícil saber quién debe qué a quién. Al mismo tiempo, las ventas de vinilos incrementaron un 40% en 2020 y, como ejemplo, el Bandcamp Friday consiguió que muchísimos artistas y sellos independientes pudiesen cobrar millones. En un podcast reciente para fabric Londres,

Jacques Greene

“Hay que jugar con los nuevos modelos e incentivos por vuestro trabajo. Hay formas de competir en el mercado, pero no puedes hacer lo mismo que Drake va a hacer y esperar destacar”. - TREVOR MCFEDRIES

la representante de sellos de Bandcamp UK, Aly Gilani, dijo que el 40% de los compradores pagaron más del precio sugerido cuando se les dio la opción de pagar lo que quisieran. Estas tendencias muestran que los fans quieren apoyar a sus artista favoritos, más allá de una suscripción a un servicio de streaming. Y mientras los directos y DJ sets llenaban ese vacío de ingresos antes de 2020, la ausencia de pagos por actuaciones de este año ha puesto el foco con fuerza en las pobres condiciones que muchos artistas enfrentan en la economía del streaming. En teoría, la Web 3.0 es un prospecto emocionante que seguramente gustará a la gran mayoría de artistas independientes que estén leyendo este artículo. Los NFTs son uno de los primeros derivados de la Web 3.0 que ha trascendido los chats de Discord e hilos de Reddit de aquellos involucrados en la tecnología, y ha conseguido llegar a las masas. De forma rápida – y quizá prematura – se han convertido en el estandarte del potencial de la Web 3.0, pero como muchos otros conceptos de este tipo, sigue en desarrollo y no está listo para un mercado de masas. Además, hay muchas preguntas que siguen sin responderse. COMPARTIR LA RIQUEZA Una de las más comunes gira en torno a compartir la riqueza: Claro, Disclosure pueden crear un track en directo en Twitch, acuñarlo como un NFT y venderlo por 40 mil, pero ¿cómo beneficia eso a la siguiente generación de artistas? Ver como grandes nombres se embolsan cantidades de seis cifras en sus subastas puede cabrear un poco a artistas que han pasado los últimos 12 meses sin poder hacer ni una actuación, luchando por llegar a fin de mes. “Si no tienes una audiencia lo bastante grande, la probabilidad de ver un retorno considerable por postear un video en loop en una web de subastas es bastante bajo”, explica Mat Dryhurst, músico, investigador y ponente del Instituto Clive Davies de Música Grabada, centro adscrito a la Universidad de Nueva York. Él y su mujer, la artista Holly Herndon, tienen un podcast llamado Interdependence, auto-descrito como “una conversación con cifras que busca dar forma a la cultura del siglo 21”. Durante el último año, ha cubierto temas como la nueva economía del clubbing, con Richie Hawtin; la campaña #BrokenRecord de Tom Gray, que llevó a Spotify al Parlamento de Reino Unido; o ha invitado al artista visual David Rudnick, cuyo NFT ‘Stem’ se vendió por 20 mil dólares en febrero. Su episodio ‘NFTs for N00bs’ (NFTs para novatos) vale mucho la pena. “La forma en la que los artistas que están al margen han trascendido sus limitaciones ha sido creando escenas”, dice Dryhurst. “Y las herramientas de la Web 3.0 son las más potentes que he visto en mi vida que pueden hacer eso posible. Investigar el espacio y tener ideas para lo que se viene es la mejor apuesta”.

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NFTs

Jacques Greene, Promise

Aphex Twin, Weirdcore

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“¡Hay que innovar!”, asiente McFedries. “Hay que jugar con los nuevos modelos e incentivos por vuestro trabajo. Hay formas de competir en el mercado, pero no puedes hacer lo mismo que Drake va a hacer y esperar destacar”.

canción e intentar crear sincronizaciones y otras oportunidades de valor añadido, que pudieran incrementar el valor del NFT a largo plazo. Esperemos que eso incentive a otros artistas a explorar experimentos similares”.

INNOVACIÓN Jacques Greene es un productor y DJ canadiense que recientemente ha creado un clip de seis segundos con visuales como NFT y lo ha vendido en el popular mercado Foundation por 13 Ethereums (criptomoneda), que equivalen aproximadamente a 19 mil euros. Mientras que el perfil de Jacques no es pequeño – tiene una longeva relación con el reverenciado sello escocés LuckyMe y ha viajado mucho por el mundo durante la última década – está más cerca de lo que muchos considerarían un artista underground, que de los antes mencionados “grandes nombres”. Irónicamente, la innovación de Greene llegó en la forma del publishing tradicional.

Hay otros ejemplos de artistas que han acuñado NFTs relacionados con la música a un precio más modesto, incluido el productor británico Mr. Mitch, cuyo primer NFT tiene una reserva de 171 dólares. La artista, productora, cantante y prolífica creadora de NFTs, Latashá, de Brooklyn, vendió un visualizador asociado con uno de sus nuevos tracks por 1923 dólares y ha ganado cerca de 7 mil dólares en ventas de NFTs hasta ahora. “Esto me está permitiendo vivir bien”, le contó a Vice. “Siendo una mujer, negra, creativa, que no tiene mucho dinero o privilegios para crear cosas, esto me da cierto aire”. Otro ejemplo es el productor francés Maelstrom, que incluyó los stems de su track, además de los presets de hardware de un Elektron Analog Four como parte de la subasta de su NFT, que en estos momentos está en 0,15 Ethereum, unos 223€.

“Cuando estuvimos considerando subir algo, hubo una serie de preguntas: si subíamos toda una canción, solo como una canción, era como que no estábamos pensando lo suficiente sobre las posibilidades; hacer solo una pieza de arte parecía poco sincero, porque todo lo que tenía eran piezas colaborativas o totalmente comisionadas a artistas digitales. Así que mi manager preguntó: “¿Por qué no lo respaldamos con algo que implique al mundo real?”. Se preparó un documento legal para transferir los derechos editoriales del track al ganador de la subasta, guardando el derecho de Greene a aprobar cualquier acuerdo de licencia. “LuckyMe (el sello) iba a retener los derechos del master, yo me quedaba con los derechos de interpretación y el ganador de la subasta ahora es dueño de los derechos editoriales. Queda en manos del ganador registrar esa información y entonces le pondremos en los papeles legales del track. Por escrito quedó reflejado que yo tendría que aprobar su uso. Por ejemplo, el ganador de la subasta no podía llegar un día y decir: ‘¡¿Adivina?! ¡Tu track ahora va a aparecer en el anuncio del ejército de EEUU! (risas)”. Como coincidencia, fue McFedries quien ganó la subasta. “Lo vi como un trozo de historia”, nos cuenta. “Una oportunidad de darle más valor que un editor tradicional. Quería tomar esta

Greene ve estas subastas como algo más cercano a una nueva fuente de ingresos para artistas más pequeños. “Quizá sea interesante si tu canción se sube a Spotify y Bandcamp y se prensa en vinilo”, dice Greene. “Pero también hay una copia que existe en esta web y alguien que sea súper fan o un Patreon o lo que sea, podría apoyarla con 2000 dólares. Quizá es otra fuente de ingresos que puedes usar para compensar cualquier coste”. El experimento de Greene dio sus frutos, pero tampoco está forzándose a acuñar NFTs con cada nuevo release que va a sacar. “Creo que parte del cerebro piensa: ‘¡Wow, tuvimos tan buen resultado en la subasta! ¡Deberíamos dedicarnos al cripto y hacer de todo un token’. Pero, sinceramente, darme cuenta del poder que tiene esto me ha hecho tomarlo muy en serio”. IMPACTO MEDIOAMBIENTAL El debate se cierne sobre los NFTs o, más concretamente sobre el cripto y el impacto medioambiental del blockchain. Los matices y detalles son sumamente importantes y discutir todos los aspectos sería demasiado denso para este ya denso artículo. Pero es suficiente con decir que el blockchain de Ethereum usa una serie

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avanzada de criptografías para poder decidir si una transacción es válida. Las personas conocidas como “mineros” intentan solucionar estos rompecabezas con ordenadores súper potentes y con muchísimos recursos – un proceso llamado Proof Of Work (Prueba de Trabajo) – y aquellos que lo hacen son premiados con criptomonedas. Para aquellos que fallan, ha sido todo para nada, con una gran cantidad de potencia computacional desperdiciada en el proceso. Ha habido varias soluciones propuestas para tratar con la amenaza medioambiental que supone Ethereum, incluyendo el cambio a un tipo diferente de verificación llamado ‘Proof of Stake’ (Prueba de Participación), pero lleva “en proceso” desde 2018. El marketplace de NFTs, Zora, hizo aportes en compensación por haber generado 50 toneladas de carbón a una granja eólica en Honduras y a un proyecto que protege la selva amazónica para intentar paliar parte del problema. En un intento para reafirmarse y disipar mitos, SuperRare posteó una larga explicación en Medium, que incluía la frase: “Acuñar y comerciar con NFTs no incrementa las emisiones de carbono de Ethereum”. Otros no han estado de acuerdo, diciendo que contribuyendo al hype creado en torno a los NFTs, los artistas están incrementando la demanda de ETH, lo que significa que se necesitan más mineros y, como consecuencia, se aumentan las emisiones de carbono. SuperRare también se ha comprometido a compensar sus emisiones. Dada la novedad de las subastas de NFTs, muy pocos datos han sido revisados por pares por expertos independientes, así que tal y como está todo, la problemática sigue sin resolverse y con toda su controversia. Las soluciones potenciales siguen en desarrollo y vale la pena añadir que tanto el streaming como la fabricación de vinilos están sujetos a sus propias críticas por ser dañinos con el medio ambiente. CAMBIO Hasta el momento, hemos revisado el concepto de subasta de NFTs, incluyendo estudios de casos de alto perfil, así como ejemplos más innovadores de artistas más pequeños. Pero juzgar los NFTs solo por las subastas sería subestimar muchísimo su potencial a la hora de resolver problemas del mundo real en la industria musical y más

“Creo que parte del cerebro piensa: ‘!Wow, tuvimos tan buen resultado en la subasta! ¡Deberíamos dedicarnos al cripto y hacer de todo un token’. Pero, sinceramente, darme cuenta del poder que tiene esto me ha hecho tomarlo muy en serio”. - JACQUES GREENE

allá. Así que, ¿cómo podría un NFT cambiar algo en la situación de DJs y productores? “Primero, es importante entender que un NFT es solo un archivo tipo, como un elemento mp3 o un HTML; será usado de millones de formas”, dice Dryhurst. “Lo que pasa es que muchos artistas están encontrando este espacio por primera vez con las noticias de subastas de GIFs por millones de dólares y eso puede ser muy confuso. Los NFTs, como tipos de archivo, seguramente jueguen un papel en la construcción de nuevos sistemas económicos para que grupos de artistas experimenten con diferentes formas de recaudar fondos y compartir cosas con la gente”. Un ejemplo de ello son los royalties por actuación. DJ Mag ha hecho artículos extensos sobre los millones de euros que se pierden al año en royalties sin reclamar y sin asignar. Muchos DJs no presentan bien o directamente no entregan sus set lists a las organizaciones de derechos de autor después de los bolos, y el dinero que pagan clubes y festivales por las licencias no son pagados a los artistas cuya música fue reproducida en el evento. Es un problema mundial, ya que las asociaciones de derechos de diferentes países operan con diferentes bases de datos y prioridades. Si un DJ actúa en cuatro países en un fin de semana, los retos son todavía mayores, especialmente a la hora de registrar los datos y pagar a los artistas de forma adecuada. En teoría, un NFT podría guardar la información

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sobre los créditos de producción, composición, ingenieros de mezcla o cualquiera que tenga royalties asociados a un track y cuál debería ser el porcentaje repartido a cada uno. La descentralización significa que estaría en manos de la sociedad de derechos de autor de cada país presentar los datos, solventando el problema tremendo que existe con la administración y las bases de datos. Lo mejor de todo sería que, una vez los datos sean entregados a través de la Tecnología de Reconocimiento Musical (Music Recognition Technology, una especie de caja estilo Shazam, que está instalada en los clubes) o mediante servicios para DJs en la nube como Beatport LINK, los pagos podrían hacerse instantáneamente y automáticamente, en lugar de tener que esperar que las sociedades de derechos paguen cada cuatrimestre. Esto se conoce como Contrato Inteligente (la artista Imogen Heap escribió sobre sus usos prácticos en profundidad en 2018). Es un buen ejemplo de cómo los NFTs y la Web 3.0 en general podría beneficiar el mundo de la música electrónica. Y, a medida que la profesión de DJ va cada vez más de camino hacia la nube, no pasará mucho tiempo antes de que los miles de tracks reproducidos en los miles de bares y clubes del mundo puedan registrarse al instante, en tiempo real. Fuera del mundo de los DJs, la startup Bluebox, propiedad de Ditto Music, busca reclamar los “2 mil millones de dólares perdidos en royalties cada año” con una serie de herramientas basadas en el blockchain para los creadores. Una subasta reciente de Chance The Rapper vendió el 75% de los royalties de un release que todavía está por publicar – los fans pueden pujar sobre el copyright y el ganador podrá cobrar los royalties digitales automáticamente mediante Bluebox –. Es otra jugada experimental en un espacio que de desarrolla con rapidez. Los pagos de mercados secundarios también son un gran bonus para productores musicales. Como antiguo director general de Boiler Room – y ahora Director de Cultura de Zora – Michail Stangl declaró en Cadence: “Uno de los grandes problemas que tienen los amantes de la música electrónica es que un LP salga a la venta y vaya directo a Discogs por diez veces su precio. He visto el experimento de tokenizar elementos físicos como forma de que un artista pueda reclamar parte del valor de los mercados secundarios”. Al usar NFTs, los artistas podrían cobrar el 10% (o cualquier porcentaje que establezcan) de cualquier venta de su trabajo, de forma indefinida. ¿QUÉ ES LO SIGUIENTE? Es fácil ver tanto a la Web 3.0, como al blockchain o los NFTs como soluciones y preguntarse cómo estas nuevas tecnologías podrán traducirse a plataformas ya reconocidas por los fans de la música, que estén menos interesados en la tecnología y solo quieran un acceso rápido, fácil y justo a la música. ¿Cómo podemos cambiar de los conceptos teóricos de propiedad a un uso en masa entre los oyentes de todo el mundo? Especialmente, si las plataformas que actualmente facilitan la escucha actualmente son las que van a acabar perdiendo. ¿Van a permitir que eso pase? Spotify ya ha empezado su viaje hacia el blockchain, con la adquisición de Mediachain Labs en 2017, un startup que “estaba trabajando para aprovechar la tecnología blockchain para ayudar a solventar los problemas con las atribuciones”. En marzo, el fondo Square INC., del co-fundador de Twitter, Jack Dorsey, adquirió el servicio de streaming TIDAL. Después, escribió varios tweets, alabando la visión original de TIDAL de ser “propiedad de artistas y dirigido por artistas” y que iban a continuar concentrados en proporcionar “herramientas más potentes para artistas, incluyendo nuevas formas de pago”. Square ha devuelto el control financiero a los individuos y siendo Dorsey un

confeso amante del cripto, habiendo vendido su primer tweet como NFT por 2,9 millones de dólares, ¿podría llevar los conceptos detrás de Square y aplicarlos a TIDAL, dando a los artistas un escaparate para merchandising, NFTs, contratos inteligentes, tickets, música y más? Solo el tiempo lo dirá. Los servicios de streaming basados en blockchain ya existen y uno de los más prometedores es Audius, cuyos asesores incluyen a artistas como Deadmau5, Rezz y RAC, el CEO de Beatport Robb McDanierls, el co-fundador de Twitch Justin Kan, y el antiguo manager de Avicii, Ash Pournouri. Dada su naturaleza descentralizada, la teoría es que eventualmente se convertirá en un ente autosuficiente, con control total de artistas, estableciendo sus propios precios por todo, desde la escucha de tracks individuales a experiencias de tú a tú en la vida real con artistas. Según el CEO de Audius, Roneil Rumburg, más de 100 mil artistas han subido sus tracks y más de cuatro millones de personas lo usan para escuchar música cada mes. Otros servicios de streaming y música independientes incluyen la berlinesa Resonate; la plataforma gratuita de streaming y basada en blockchain, MusicCoin; y la recientemente fundada plataforma de trading basada en los NFTs musicales, Catalog, que hace poco declaró en un tweet haber recaudado más de 70 mil dólares para artistas en su primeras dos semanas de operaciones, con un precio de venta medio de 1700 dólares. Que Spotify, TIDAL y otras aventuras en el blockchain acaben haciendo pagos más ajustados y justos para los artistas, o terminen como otra forma de posicionarse ellos mismos al frente de la cadena alimenticia en la siguiente evolución de internet, está por verse. EL FUTURO En un momento en el que muchos artistas, productores y DJs han pasado un año entero sin ingresos, las muestras obscenas

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“El arte desinteresado se vende por cifras astronómicas todo el tiempo. Solo que no lo vemos. La Web 3.0 no ha inventado las muestras vulgares de riqueza, pero quizá nos da un atisbo para entender cómo funcionan las cosas actualmente, con más transparencia. Personalmente, pienso que es un medio bastante útil para poder construir algo mejor”. - MAT DRYHURST

repercusiones legales. Sospecho que no muchos lo harán, pero podrían hacerlo”.

asociadas con algunas subastas de arte NFT han despertado una preocupación justificable sobre lo que parece ser otra fiebre del oro para los inversores de cripto. Todo, falsamente adornado como un “nuevo horizonte” para los artistas. “El arte desinteresado se vende por cifras astronómicas todo el tiempo. Solo que no lo vemos”, dice Dryhurst. “La Web 3.0 no ha inventado las muestras vulgares de riqueza, pero quizá nos da un atisbo para entender cómo funcionan las cosas actualmente, con más transparencia. Personalmente, pienso que es un medio bastante útil para poder construir algo mejor”. Todavía queda un largo camino por recorrer para que los NFTs sean un futuro legítimo para devolverle la propiedad a los artistas; registren y paguen royalties a nivel mundial de forma precisa; se creen elementos coleccionables para los fans, a la vez que se permite que la música siga estando al alcance de todos; o se vendan experiencias únicas en el blockchain; y se acabe con la especulación de las entradas para eventos. El elefante en la habitación del que no hemos hablado es que, de hecho, los NFTs no tienen un respaldo legal, todavía. Sí, puedes vender el compartir el 10% de los royalties, lo que se traduce en que el dueño original ganará un 10% de toda venta futura de ese NFT, pero no es algo válido en el “mundo real”. Al menos, no todavía. “Si yo fuera a vender un NFT en una web de subastas, estoy haciendo un acuerdo con el comprador de que solo es algo “real” dentro de la Web 3.0”, aclara Dryhurst. “Hay protecciones contra el abuso de eso, siendo el más grande el riesgo a la reputación. Si un artista rompe ese acuerdo, habrá menos probabilidades de que otros quieran hacer negocios con él. “Pero para aclararlo, sí: el artista sigue reteniendo el copyright de esos trabajos en la ley del ‘mundo real’ y podría ir y licenciar o vender esa obra de arte en el mundo real sin

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Otra es que, mientras que el NFT en sí mismo vive en el blockchain indestructible, el archivo al que se vincula es susceptible de cualquiera de los problemas asociados con el hosting, incluso si está almacenado en una red segura p2p. El equipo detrás de Check My NFT advirtió en la publicación The Verge: “Si un disco duro falla, podría llevar a la pérdida permanente de los activos”. Los acuerdos existentes entre los artistas y los sellos sobre los catálogos legados también son un problema: podría ser el caso de que, a partir de marzo de 2021, los NFTs sean parte de los contratos entre sellos y artistas, pero es difícil que hayan sido considerados hasta ahora. Es por eso que la gran mayoría de la música acuñada como NFT es nueva. Cómo los artistas podrán hacerlo con sus catálogos ya existentes y firmados sigue sin estar claro. Sin embargo, ser demasiado critico de los NFTs y la incapacidad del blockchain para solucionar estos problemas de inmediato podría hacer que nos perdiésemos su potencial. “Estamos viendo cómo se construye el nuevo internet en tiempo real y a un ritmo apabullante”, dice Dryhurst. “Para 2023 espero que la percepción pública del campo habrá madurado hasta el punto de que quede claro que tenemos delante al nuevo internet. La intensidad con la que se ha puesto el foco en los NFTs pasará, pero la tecnología subyacente y los conceptos han llegado para quedarse”. El artista David Rudnick está de acuerdo, tal y como expresó en un tweet: “Respeto totalmente la visión de aquellos que no quieren tener nada que ver con el espacio, pero la existencia de los activos en el blockchain no se va a ir. Hay una pequeña ventana para intentar establecer algunas normas o valores que puedan tener valor real en el futuro. No hacer nada ahora es dejar que los depredadores lo definan”. Si una sola cosa positiva puede salir de la fiebre de las subastas de NFTs actual y la locura mediática, será que más gente será consciente de lo que es el blockchain y de su potencial para crear una existencia digital alternativa y real para los artistas.

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C R Í T I C A S

L A

S E L E C C I Ó N

D E L

D I R E C T O R

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

EDDIE FOWLKES Knuckle Head Series Vol. 7

City Boys Music Eddie ‘Flashin’ Fowlkes no necesita mucha presentación. Siendo uno de los auténticos pioneros de Detroit, el artista llega ahora con un EP cargado de groove, soul, toques house y jazz, en la forma de dos exuberantes tracks. Publicados en su sello, City Boys, los dos cortes son una auténtica delicia: ‘Hold Me Down’ empieza con un groove simple, para meterse en lides jazz con suaves vocales, donde el teclado predomina y da vida a la progresión. El banger viene bajo el título ‘What I Do!’, es una orgía funkarra de house maravillosamente compuesta, con vocales sexys y perfecta para reventar la pista. Fowlkes está en una forma estupenda. Ojito a lo que puede estar por venir.

WHOMADEWHO Mermaids

NORA EN PURE Oblivion/Thermal

Embassy of Music

Enormous Tunes

El trio danés WhoMadeWho está en la boca de todos. Después de su impresionante Cercle en las puertas del milenario templo de Abu Simbel en Egipto, es difícil no rendirse ante la magia de estos artistas. Ahora presentan ‘Mermaids’, el primer single de su próximo álbum que saldrá el año que viene. El single va en la línea musical de WhoMadeWho: electrónica en formato banda, exuberante, cargada de vocales, profunda, épica y preciosista, que te lleva a través de un auténtico viaje sonoro . Un trabajo realmente notable que hipnotiza a quien lo escucha, como el canto de una sirena. ¡Estaremos muy atentos al resto del trabajo!

Después de su EP, ‘Monsoon’ de principios de este año, Nora En Pure nos trajo el pasado 15 de abril su nuevo trabajo ‘Oblivion/Thermal EP’. Moviéndose en paisajes sonoros dinámicos, ‘Oblivion’ nos trae melodías profundas, electrónica preciosista y épica, con un estilo cercano al techno con toques deep, gracias a sus líneas de bajo y y el trato de los sintetizadores. Por otra parte, ‘Thermal’ es una composición más clásica, con unos arreglos de instrumentos muy sutiles y que junta acordes emotivos de piano con un juego de cuerdas que te eleva a otros niveles, dando como resultado un track más relajante. Nora sigue ampliando su paleta sonora, que desborda elegancia. Vamos a estar muy atentos a lo que pueda traernos en el futuro cercano.

DOWNLOW The Tribe (Harry Romero Remix)

BRIGADO CREW Symbiosis

Adesso Music

Stil Vor Talent

OMEGA DB

(HYPERSUNDAY)

Stil Vor Talent es sinónimo de grandes descubrimientos. No en vano su boss, Oliver Koletkzi, ha sido quien nos ha desvelado los primeros trabajos de artistas que ya son de culto, como Giorgia Angiuli, Reinier Zonneveld, HVOB o David Agust. Ahora, nos trae el álbum de un dúo argentino que lleva ya tiempo haciendo bastante ruido en la escena: Brigado Crew. En el extenso trabajo de 16 cortes de Brian Harrison y Martin Kasall es realmente único, mezclando lo mejor de la electrónica: sonidos progressive, casi llegando al trance, toques house y la épica del techno, con vocales realmente bien tratados. Incluso algún corte cercano al Italo. También buenas colaboraciones como Ubbah, Far&High, Crisstiano o 8Kays.

Continuando en clave house, nos vamos de Detroit a Chicago (o más bien Nueva York/Nueva Jersey) para escuchar la reinterpretación el mago Harry Romero del track original ‘The Tribe’, del dúo emergente DOWNLow, de La Ciudad de los Vientos. El track viene firmado en Adesso, el sello de otro titán del house, Junior Jack, y se trata de un corte que juega maravillosamente con los vocales cortados del original, con un ritmo de percusión atenuado que se acerca a las progresiones tech y que juega muy bien con los efectos para darle un nuevo carácter.

01. Bicep ‘Sundial’ [Ninja Tune] 02. Rival Consoles ‘Dreamer’s Wake’ [Erased Tapes] 03. Squarepusher ‘Midi Sans Frontiers’ [Warp] 04. Niet! ‘Innombrable’ [Hypersunday] 05. Fernando Lagreca ‘Dissociation’ [Beautiful Accident] 06. BeatLove ‘Turn The Knob’ [Beautiful Accident] 07. Agnes Obel ‘Familiar’ [PIAS] 08. Innellea ‘Mars’s Moon’ [Dynamic] 09. Khaen ‘Mordecai’ [This Never Happened] 10. KAS:ST ‘Circles’ [Flyance]

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

VVAA Deewee: Foundations Deewee

¿Recuerdas aquel álbum de los belgas Soulwax (aka 2manydjs)? ‘From Deewee’. Pues bien, DEEWEE es precisamente el sello que luego se sacaron de la manga David y Stephen Dewaele, y este álbum que os traemos hoy, el primer recopilatorio del mismo que marca sus pautas. Un total de 27 canciones -entre ellas tres temas inéditos y maravillas como ‘Moon Theme’ de Bolis Pupul o ‘Kifesh’ de Asa Moto- que tanto en lo visual como en lo sonoro conforman un pack de lo más apetecible. En este cepo para melómanos y coleccionistas encontraremos desde kosmische musik a canciones sintéticas que enlazan este siglo con el anterior. Por supuesto no faltan tampoco un buen puñado de piezas firmadas por Soulwax. Hasta cuatro, como ‘Close to Paradise’ o ‘Essential Eleven’.

DANNY GOLIGER Meaningful Pursuits

GALCID galcid´s ambient works 2

Fantastic Voyage

Sofa Tunes

Largo donde debuta Danny Goliger, uno de los fundadores del sello Fantastic Voyage. El productor, multiinstrumentista e ingeniero de sonido se estrena con un 11 pistas donde intenta plasmar su crecimiento personal y musical. De hecho sabemos que vuelca con sonidos algunos de sus traumas y movidas más chungas. Vivencias que musicalmente son heridas -ahora curadas- muy analógicas que reflejan al unísono fuerza y melancolía. ‘Reality Now’, que justo suena de fondo, es la muestra perfecta. Su música suena mecánica, electroide pero a la vez a melodías rotas. Además de su dura experiencia personal, este disco rinde un potente homenaje al hardware y a artistas como Autechre, Proem o Aphex Twin. IDM exhibicionista que da lo mejor de sí en títulos como ‘Meaningful Pursuits’.

Si en vez de la típica caja de cartón con la sonrisa pesetera, lo que te aterriza en casa es una cinta de casete colorá con el ‘galcid’s ambient works 2’ garabateado en su portada ¡estás de enhorabuena! Te acaba de llegar la música de galcid quien como vamos comprobando firma la secuela que ya lanzase en el 2019 por Detroit Underground, ahora en Sofa Tunes. Detrás de esta chulísima inquietud por los sonidos sintetizados y atmosféricos tenemos a la japonesa Lena, quien suele estar producida por Hisashi Saito. Su música es una pura voladura de ciencia ficción. Paseos estelares sin prisas. Cósmica, muy mental y tan cargada de belleza modular como las piezas del maestro Isao Tomita ¡Bien por los navarricos emparentados con Müsex Industries!

IDOIPE CIERZO LENTO

JUPITER & OKWESS Na Kozonga

Orixen Records

Zamora label

Una de esas sorpresonas gratas con las que nos nutre una región como la aragonesa. Idoipe se atreve como nadie con sus querencias electrónicas bien hermanadas y domadas con el folclore de Aragón. El resultado es ciertamente atractivo. ‘Cierzo Lento’ consta de ocho pistas a cual más magnética. Encontraremos –y repito, de una manera manifiestadándose la mano desde sonidos bailables (mayormente houseros y orgánicos), lo-fi, a voces solistas de la jota y por supuesto bandurrias o flautas. Inclusive otra de sus pasiones, la cumbia, y guitarra eléctrica, porque el indie es otro mundo al que el productor no hace feos. Tienes que darle una oportunidad, abrir tu mente, y sin duda dejarte llevar por canciones como ‘Solombra’, ‘El Jilguerillo’ o ‘La Encamisada’.

Hay artistas a los que la vida curte de una manera brutal. Así ocurre con el espigado Jupiter. El congoleño acaba de publicar junto a Okwess el que probablemente sea el álbum más vital de su carrera. ‘Na Kozonga’ (Me vuelvo a casa) contiene todas las señas de identidad de un apasionado tanto de sus cimientos africanos, como el rock y el funk. Raíces y experiencia se concentran en un regreso donde –tras aquel ‘Kin Sonic’ donde colaboró Robert del Naja, aka 3D de Massive Attack- hallaremos una explosión de fuerza que hechiza el cuerpo y alimenta el espíritu. Entre las canciones más notables de un disco producido por Mario Caldato Jr: ‘Bolenge Seben’, ‘Abalegele Gale’ y la propia ‘Na Kozonga’.

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

LORENZO BITW Pantea

PABLO BOLIVAR Framework of a Dream

Future Bounce

Seven Villas

El italiano Lorenzo BITW no sólo vuelve a publicar con Future Bounce, sino que también plantea en su nuevo álbum una especie de carta de amor hacia su país. En ‘Pantea’ nos narra desde su punto de vista la Italia más secreta. De ahí que nos sorprendan títulos como ‘Tuscolana Bounce’, ‘Infinitum’ o ‘Saturnalia’. En todas ellas, y en el resto del tracklist –hasta diez cortes- se exploran cultos religiosos, historias misteriosas y la presencia celestial dentro de la mitología romana. Musicalmente, un crisol de sonidos donde vagan con sumo acierto el house cálido y orgánico bien nutrido de percusiones y retazos muy interesantes de, por ejemplo, jazz fusión o folklore vocal. Es un disco muy rico en matices.

Con Pablo Bolívar deberían sobrar las palabras. Su nuevo LP ‘Framework of a Dream’ es otro húmedo islote donde las nubes y las olas de la costa se balancean sin prisas. A la velocidad que marca el cántabro –un productor curtido que sabe sacar provecho como pocos a su introspección- y en hasta 9 trucos de magia. Hechizos con forma de dub, electrónica narcótica y techno atmosférico. Para esta ocasión (y esto si la memoria no me falla es algo novedoso, muy atractivo también) se escuda en algunas de las pistas en artistas como Ben Preisinger (quien ya publicase en Seven Villas allá por 2018 un magnifico EP), Sensual Physics, Mind Groove o Ravenshope en una reconfortante pieza de ambient-jazz.

ZIÚR Antifate

BRUXAS Muscle Memory

PAN 120

Dekmantel Records

Ziúr es una artista tan peculiar, rica, sombría y esquiva como lo es también su propuesta musical. De esas que aún consiguen un sobresaliente en la saturada escena berlinesa. Inclasificable, y antropomórfico es su sonido. Las texturas y el efectismo con el que trabaja atribuyen cualidades distintas a una batería acústica. Lo mismo, pero al contrario, sucede cuando trastea con sintes, voces y percusiones más electrónicas. Juega a su propia fantasía. Una que en la mayoría de ocasiones conecta. Ocurre por ejemplo con ‘Antifate’, donde los coros y las melodías distantes, luego abrasivas, por raro que parezca, te acaban absorbiendo. Cibernética pero humanizante continúa Ziúr en pistas como ‘Gravity’s Gravity, Clout is Clout’ (oda al dub cósmico), ‘The Carry’ (resulta como un bizarro viaje al pasado) o ‘Alive, Unless?’.

El libre albedrío se convierte en virtud cuando cae en manos de la peña de Dekmantel. Este nuevo álbum titulado ‘Muscle Memory’ es una buena muestra de ello. Se trata de un episodio psicótico altamente adictivo de los neerlandeses Bruxas. En este nuevo trabajo realizan extrañas piruetas de post-disco salpicadas de ritmos y sonidos vintage, cósmicos, así como pinceladas latinas y extrañas muestras sesenteras. Como sucede claramente en ‘Minitrip’. Perfecto para los que gustan de escuchar música kosmiche alemana, que también hacer el payasete al borde de una piscina. Si te convence y te dejas llevar por las canciones, el rato que te marcas es realmente grato. Los beats, aunque analógicos y a veces disparatados, seducen y son cálidos. ‘Bodywarmer’ y ‘People’ son una maravilla.

MISCHA BLANOS City Jungle InFiné

Me fascina este personaje. De hecho los pocos que, como él, logran con sobresaliente armonizar dos universos como son el clubbing y la sala de concierto. Mischa Blanos logra con creces su espacio junto a Hauschka o Francesco Tristano. El solista de origen rumano –aunque tras pasar por varios sitios está asentado desde hace un tiempo en Alemania- se supera en su 2º álbum con un manual donde casan perfectamente los elementos rítmicos de un techno atenuado, la diversidad de las texturas sintéticas y como no, la clase del piano. Uno de los temas que mejor reflejan toda esa sincronía es precisamente el que presta su título al LP. Intenso y palpitante, plasmando muy bien la atmósfera única de una urbe cuando se oculta en la noche.

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B R E A K S

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

EXENCY & MACEO RIVAS Dreams

South Beat Records Una de las grandes sorpresas de este año en cuanto al breakbeat nacional, ha sido la unión de los DJs y productores Exency y Maceo Rivas. Ambos comenzaron muy jóvenes a moverse por las cabinas granadinas y en el mundo de la producción han lanzado algunas referencias junto a cantantes internacionales de la música pop. A comienzos de la pasada década, crearon el sello South Beat Records, que fue galardonado como sello revelación a nivel nacional por los premios HMS Radio (2012). Recientemente, este tándem daba un giro a su carrera y a su sello para orientarlo a los ritmos rotos. Tanto el single ‘Dreams’, como el EP ‘Breaking’ o el más reciente ‘Cosmos’, junto a Oldbeat, son una delicia sonora para los amantes del sonido breakbeat más clásico.

DIGITAL BASE & ANDY VIBES Another Decade

RASCO & JONAY 1999

Old Skool Records

Elektroshok Records

Hacía varios meses que no hablábamos de uno de nuestros productores fetiche, el sevillano Andy Vibes, aka Digital Base. Después de su gran single ‘Como en los viejos tiempos’ y de la quinta entrega de su mega álbum recopilatorio ‘My Life’, Andy nos ha sorprendido con nuevos lanzamientos y grandes trabajos para su propio sello discográfico Old Skool Records, como el pianazo de ‘You May Go’; el techfunk minimalista de ‘Minimalist Guetto’; el breakbeat con sonido deep house de ‘This is My Trick’; el breaks fusionado con maestría con las últimas tendencias del melodic techno de ‘Another Decade’; o el más reciente single, e inclasificable, ‘Good Influences’. Simplemente sonido Andy Vibes, música con buenas vibraciones. Esperamos nuevo material como agua de mayo.

El DJ y productor onubense Rasco no para de sacarle provecho a las horas de estudio. Después de la serie de remixes para el sello Nipponeer Records, con unas magistrales remezclas de uk garage a los tracks ‘Bass Ma Tazz’, ‘Wear A Mask’ y ‘The Fred Soul’ del artista japonés The Darrow Chem Syndicate, aún le queda tiempo para publicar singles propios bajo el sello nacional Elektroshok Records. Para este ‘1999’ se une nada más y nada menos que al mítico Jonay, precursor del sonido breakbeat hardcore en Tenerife. Pura energía y pura rave, que también encontramos en su single ‘Pure Bassline’. ‘My Lovin’ de Arsa Ketoma, ‘Original Flava’ de Baymont Bross y ‘Underground’ de Hankook son otros elektroshoks a tener muy en cuenta.

TONY LIZANA Vanishing Memories (Mutantbreakz Remix)

HACKCORE The Edge of Destruction Criminal Tribe Records

Recientemente volvía un viejo conocido de nuestras páginas a la palestra, tanto frente a la producción como a la dirección de su sello Lizplay Records. Hablamos de Antonio Manuel Lizana, aka Tony Lizana, oriundo de Loja, tierra de buenos eventos y mejor música. Para esta nueva etapa del sello viene pegando fuerte y en este single cuenta con unos remixers de lujo, como son los gaditanos Rubén Bernal y Ángel Tocino, alias Mutantbreakz, que consiguen elevar ‘Vanishing Memories’ al nivel de hit. Otro que no se queda atrás es el DJ y productor sevillano Cristian Borrego, más conocido como Paket, que hace también lo propio para el single ‘The Rock’. Por último, recomendar también el EP ‘Drop This’ de Fresh Polo.

01. The Prodigy ‘Narayan’ [XL Recordings] 02. Koma & Bones ‘Get Down (The Breakfastaz Remix)’ [Lot49] 03. Master & Disaster, Dassier Chams ‘333’ [Space Pizza Records] 04. Vlad & Ardisson ‘Split Screen (Ardisson Mix)’ [London Breakz] 05. Lamb ‘Gabriel (Cut & Run Remix)’ [Crisp Biscuit] 06. Dassier Chams & Galante ‘Magic Trip’ [Mind Rape Corp] 07. 2 Sinners ‘Mr Jingles’ [Thursday Club Recordings] 08. Dassier Chams & Galante ‘Start the Truth’ [Mind Rape Corp] 09. Koma & Bones ‘Morpheus’ [Thursday Club Recordings] 10. Beber & Tamra ‘Travelling On (Koma & Bones Remix)’ [Mob Records]

(333 FRECUENCY)

Hacía mucho tiempo que no hablábamos de nuestro sello favorito de big beat y breakbeat industrial, el incansable Criminal Tribe Records. Uno de los lanzamientos que llamó nuestra atención recientemente fue el álbum ‘The Edge Of Destruction’, del joven productor ruso Denis Revnyakov, aka Hackcore. Breakbeat de la vieja escuela con sonidos ácidos y sucios riffs de guitarra. El sello cuenta con otros grandes trabajos como el álbum ‘Contrast Shades’ de Interra, o su single ‘Phoenix’, que viene acompañado de un potente remix a cargo de Little Orange UA, el remix de Age Of Rampage al track ‘Thunderdome’ de Under Influence, el remix de Secret Sexy Signal al track ‘Madhouse’ de Subface, el genial ‘Faded From Reality’ de Interra y otras tantas joyas que esconde su Bandcamp.

DASSIER CHAMS

Lizplay Records

070

C R Í T I C A S

D R U M

B A S S

Autor: ROHAN G. FINGER / finger@djmag.es

CHANGE OF PACE Jungle Law

South Yard El día 6 de este mes, la familia de South Yard estrena nuevo maxi single de manos de alguien a quien, siendo sinceros, no conocíamos de nada hasta que el sello contó con ellos en diciembre en su segunda entrega del LP ‘South Yard & Friends’, a pesar de tener música editada anteriormente en sellos como Random Concept, Noxious, Gorila Tactics o Shadownet, entre otros. Se trata del duo originario de Befordshire (UK), Change of Pace, que nos trae dos auténticos temones de puro jungle, serio y potente, cargado con una buena dosis de densos reeses. ‘Jungle Law’, con un enfoque más sobrio y agresivo, es el tema principal, mientras que ‘Take it Easy’ le da un toque más afable con sus vocales y detalles armónicos de aire caribeño.

MODERATE HATE Revolution

AIRSTRIKE & LYNDON JARR Rave Circus

Black Monsta

The Dreamers

Desde Sevilla y Miami, el equipo de la escudería de Black Monsta continúa trabajando duro y manteniendo la calidad de sus ediciones referencia tras referencia. En esta ocasión juegan de nuevo en casa, y es que el encargado de su nuevo lanzamiento es Moderate Hate quien, además de ser uno de los coordinadores del sello, también es el encargado de su diseño gráfico. Si la memoria no nos falla, esta es ya la cuarta referencia en solitario del sevillano en su sello, un EP que contiene cuatro cortes, ‘If Someone Gets Killed’, ‘Little Strange’, ‘Skin’, y el que le da título, ‘Revolution’. Deep neuro elegante a la par que macarra de forma muy equilibrada, y perfecto para mezclarlo tanto con sonidos más agresivos como más suaves.

Nuestros queridos The Dreamers, del capo Neve, llegan este mes a su referencia número 40, que se dice pronto. No es ningún secreto la predilección que esta redacción tiene por este sello italiano y por ese sonido retrofuturista que tanto le caracteriza. En esta ocasión, han contado con un sospechoso habitual del sello, el señor Lyndon Jarr -capo de Unchained Asia- quien, junto a su buen amigo Airstrike, ha cocinado mano a mano y a fuego lento esta sobrada de EP titulado ‘Rave Circus’, donde llevan el sonido hardcore noventero al año 3000. Tres verdaderas joyas a 160 bpm componen un trabajo rebosante de mutaciones ácidas, bombos 4x4 y amen breaks. El duo ya prepara el lanzamiento de su sello dedicado exclusivamente a producciones propias, Static & Strange.

YATUZA Timeless EP

Ukroniq Music

Sinful Maze

Tras quince años dándole a las mezclas y a la producción, el francés Salaryman se ha hecho hueco en la escena drum & bass mundial con música editada en sellos como Technique, Fokuz, Ram o Program. El mes pasado estrenó su propio sello, Ukroniq, con dos samplers del tercer LP de su carrera con cuatro temas cada uno, ‘Inciter’, y que ve la luz en exclusiva a través de Beatport el día 7 de este mes. El trabajo compila 14 pistas donde nos muestra su versatilidad sonora, encontrando estilos que van desde los breaks al upfront d&b, pasando por el liquid, el jungle y el rolling. Un LP muy orientado a la pista de baile que da pistoletazo de salida a un proyecto que promete sacar una referencia mensual.

Yatuza, argentino criado en Canadá y actualmente afincado en Colombia, es uno de los productores más inquietos y prolíficos de la escena drum & bass del continente americano en los últimos años. Tras haber lanzado un magnífico LP a través de Liondub International a principios del mes pasado, el 28 de abril veía la luz ‘Timeless’, un EP con el que hemos tenido el gusto de conocer al sello de la República Checa, Sinful Maze. Sin duda, este es uno de los trabajos más técnicos y complejos del argentino hasta la fecha, donde muestra su faceta más techy mediante sonidos crujientes y baterías afiladas. En uno de los cinco cortes, ha colaborado con el trio eslovaco Notequal, y en otro con el canadiense NC-17.

PUNTXA

SALARYMAN Inciter

01. Picota & Kumbh ‘Give Me The Flow’ [Program] 02. Dub Elements ‘Neofunk’ [Viper Recordings] 03. Dossa & Locuzzed ‘Dewey’ [Viper Recordings] 04. Fak Scratch feat Mooncat ‘Ready or not’ [Melting Pot Records] 05. Boombassbrothers ‘Roll To The Old’ [South Yard] 06. Impak ‘Telepathy’ [Cause4Concern] 07. Kursiva & Voltage Voodoo ‘Press 2 Play’ [kinetic Records] 08. Teddy Killerz ‘New Drums’ (Gydra Remix) [Bad Taste Recordings] 09. Phace & Misanthrop ‘Nordwand’ [Neosignal Recordings] 10. Black Sun Empire & Noisia ‘Feed The Machine’ [Blackout]

071

C R Í T I C A S

T E C H N O

Autor: MUGNI / mugni@djmag.es

PLANETARY ASSAULT SYSTEMS Say It Loud

Token Ya echábamos en falta que el señor Luke Slater presentara bajo su pseudónimo más famoso en el sello belga. Justamente para la referencia número 100 y un trabajo que, si bien muestra retazos mínimos de repetición (básicamente el sonido PAS), en general podemos decir que es muy notable. No existe ni un tema que sobre, pero si uno que sobresale: ‘Say It Loud’, que da nombre al trabajo completo y nos proporciona un refresco bastante agradable, incluyendo todo lo necesario para convertirse en toda una referencia. La pena es que con el momento que estamos viviendo, no podremos oírlo en un club. Aún así, es muy interesante que a pesar de las circunstancias, podamos escuchar trabajos como este.

EVOS Sonde Spaziali EP

VVAA Tresor 30

ExoPlanets

Tresor

Llegamos este mes a la referencia numero diez del subsello de 30D Records. Para esta ocasión descubrimos el trabajo de Evod, quien presenta cuatro temas muy en la onda general del sello. Ambientes espaciales y toda una terminología heredera de todo ese mundo creado originalmente por Mills. Un trabajo muy equilibrado y recomendado para los fans del estilo. Debido a esto es algo complicado destacar mucho el release, pero lo cierto es que es un trabajo con bastante concepto intrínseco, lo cual demanda más de una escucha. Buen trabajo el de 30D records y su subsello, ExoPlanets.

El club de techno más mítico y famoso de la historia está de aniversario. 30 años, que se dice pronto. Desde sus inicios como sello, ha publicado trabajos que son referencia y que forman parte de la esencia del género. Para celebrarlo, Tresor nos presenta esta caja con 12 vinilos, 52 temas y un libro. Toda una compilación como mandan los cánones, con trabajos de Mills, Basic Channel, Porter Ricks, Hood, Baxter, Beltram, Surgeon, Ruskin, Dozzy… la lista es interminable. Si eres nuevo en esto y quieres entender que significa techno; o no eres nuevo y quieres tener toda la esencia recogida en un mismo sitio, esta es la compilación definitiva que estabas esperando.

TRUNCATE & RUSKIN Sketch Blueprint

SKUDGE

A veces ves nombres y asocias ideas. De hecho esperas de alguna manera que lo que vayas a escuchar tenga al menos algún tipo de semejanza con la idea que te has formado en la cabeza. Es cierto que a veces sonríes porque se cumplen las expectativas, y en otras surgen dudas. Esto último ocurre con este release. No sabes bien donde comienza Truncate y donde acaba Ruskin, y al revés. Ciertas partes de los temas son sobresalientes, pero en otras cambia el carácter y te deja descolocado. Un disco bueno, pero extraño.

01. Four Legs ‘Sattaoja’ [Sattaoja] 02. Taken ‘Interference’ [Taken] 03. Gesloten Cirkel ‘Bad Manners 7’ [Bad Manners] 04. Relaxant ‘Just Not That Internet’ [Florklang] 05. Frequency ‘Panic Mode EP’ [Repetitive Rhythm Research] 06. Wells ‘Subfriction Ep’ [Artless] 07. Steve O’sullivan ‘Green Trax’ [Trip] 08. Surgeon ‘The Golden Sea’ [Ilian Tape] 09. Stasis ‘Time Is Right EP’ [Fencepiece] 10. Roy Of The Ravers ‘Melchester Acid EP’ [Acid Waxa]

072

C R Í T I C A S

T E C H

Autor: EKAI / ekai@djmag.es

YOUANDEWAN Cola Beach / Dolphin Splash Keyboards

Pure Shores De un tiempo aquí tengo que confesar que no hago mucho caso a los mails de promo que me llegan. Se han convertido en una fórmula irritante que tratan de presentarte al ‘nuevo talento’ X o al ‘consagrado artista’ Y. No sé si en este escenario la culpa la tiene el artista o la agencia de prensa, pero mi opinión es que ‘agencia de prensa’ es un término que le queda grande a la mayoría de estos chiringuitos. De todos modos, gracias a pasar de ellos, busco y encuentro grandes lanzamientos como este re-press del primer lanzamiento de ‘Pure Shoes’ a cargo de Youandewan (Aus music). El disco cuenta con un corte por cara, donde combina sonidos clásicos de house con una mezcla cuidada y agradable.

JULICHE HERNANDEZ Look at Me EP

TRAUMER Diplo EP

Sanity

Adams Bite

A principios del mes pasado, Juliche Hernandez aterrizaba en Sanity con ‘Look at Me’. El EP consta de dos cortes y, como viene siendo habitual en el artista canario, el groove y el house son los protagonistas. Siempre me han gustado los trabajos de Juliche Hernandez, por lo que me han acompañado allá donde he ido. ‘Look at Me’ sigue esa senda presente en el estilo del productor y nos encontramos con dos composiciones que se pueden disfrutar más allá de la pista de baile. Los detalles que nos ofrece son de una calidad exquisita. Desde las voces usadas hasta el bajo, que dota de una personalidad y empuje increíble al track, ‘Look at Me’ es una muesca más en el gran catálogo de este artista.

El francés es uno de los artistas a los que merece la pena seguir ya que su trabajo, además de original, es de los que crea tendencia. Bien sea en su admirado Gettraum (label que estrena octava referencia), o poniéndose al servicio de otros sellos como es el caso del label suizo Adams Bite, Traumer logra confeccionar pistas originales. El EP que nos presenta, titulado Diplo EP, contiene cuatro exclusivos tracks que podríamos catalogar de minimal-house, en el que las percusiones orgánicas se entienden a las mil maravillas con los bajos juguetones, santo y seña del francés. Los cuatro discos han sido de mi agrado y me han hecho añorar fiestas en lugares como Club der Visionaire.

KLIX & BRUNOLD SPACE PROGRAM The aftermath of keeping a secret EP

VLAD ARAPASU SER048

Digital Delight

Serialism

MOSCOW RECORDS

ARCHIE HAMILTON

Vlad Arapasu debuta en Serialism con un 12” que encierra tres cortes en los que se explica por qué el rumano está siendo uno de los nombres propios del momento en el minimal / minimal-house. Con su reciente aparición en Atipic, el label por antonomasia de la escena ‘Rominimal’, Vlad Arapasu, nos da muestras de su enorme talento a la hora de seleccionar los elementos que conforman su puesta en escena. Entre los elementos, me gustaría destacar mucha percusión sintetizada a la que, tras someterla a filtros, logra dotar de una personalidad asombrosa. En contraposición a estos elementos percusivos que imprimen rapidez al groove, encontramos pads tétricos en modo menor con los que balancea la composición hasta llevarla a un terreno muy suyo.

Tremendo EP que editan los amigos de Digital Delight, el label capitaneado por Diego Moreno y Sishi Rosch. Desde Berlín, nos llega esta referencia a modo Split en la que Klix y Brunold Space Program se dividen el pastel a razón de dos porciones por cara para cada artista. Las cajas de ritmo sintetizadas serían el hilo conductor de los cuatro tracks, donde vemos una predilección por ambos artistas en conformar piezas bailables. También encontrarán piezas a las que agarrarse los que, como a mí, nos hace enloquecer un buen break de batería. Creo que es uno de los pocos elementos que podría encajar en cualquier canción, como muestra de ello es ‘Other Spaces’, que junto a ‘Salegui’, conforman las piezas más destacables de este trabajo.

01. Archie Hamilton ‘Journey to Juno’ [Moscow Records] 02. Ocb ‘Dataworld’ [Casa Voyager] 03. Symbiosis ‘Oxygen’ [Alleviated Records] 04. Private One ‘Acid Love’ [Blackboard] 05. Archie Hamilton ‘Midnight Delight’ [Moscow Records] 06. Huerta ‘Drunk Mystic’ [Oscillat Music] 07. Odette ‘Eyes Wide Shut’ [Moss Co.] 08. Jon Sable & Huerta ‘Alishan Forest Railway’ [In Dust We Trust] 09. Manuel de Lorenzi ‘Edoardo’ [Moscow Records] 10. Ambusher, Augie ‘Lepa Lin’ [Red Music Records]

073

C R Í T I C A S

T R A N C E

Autor: LEIRE ZULOAGA / leire@djmag.es

ALEX SONATA & THERIO Time

Anjunabeats Encarnando el perfecto escaparate sonoro, Alex Sonata & TheRio regresan al panorama internacional, ganando atención entre la élite del estilo con un sonido de perfil alto que bien vale un lugar en el recopilatorio Anjunabeats Rising. ‘Time’ revela un trance de alto octanaje ingeniosamente infusionado de matices techno y distópicas voces en bucle, que mantienen una perfecta tensión hipnótica hasta su explosión en caída libre donde, por un minuto, regresamos a aquellos bucólicos finales de los 90. ¡Prometido!

GRUENHEIDE HUFFLEPUFF

DAVID OLEART & VAN DER BERT Trance Lovers

High Contrast Recordings

Flashover Recordings

Como referente histórico de nuestro país con más de 40 años de profesión en la retina, Oleart continua con su apuesta por los sonidos trance y de corte orgánico para dar vida a esta colaboración con Van Der Bert -pseudónimo del reconocido Dj y productor Albert Neve- donde, de manera altamente satisfactoria, reflejan elevadas dosis de emoción con sutiles toques retro que suman energía y elegancia a este soberbio lanzamiento de Flashover. ¡Qué placer bailaros de nuevo!

El desconocido artista tras el alias Gruenheide, inicia esta lucha de elegante fluidez híbrida tras la unión progresiva de hombre y máquina en una base de ritmos computarizados que entrelazan y luchan con el grueso del tema, mientras entrelaza acordes que lo retuercen y arquean a través de atmósferas infinitas. Alcanza así un nivel alternativo de sonidos futuristas que, junto al estilo clásico de escritura musical, consiguen una profundidad estimulante, fresca y con cierto aroma retro. Sonidos de altos vuelos para clubes del planeta y del espacio exterior.

LUKE BOND FEAT. PAUL AIDEN As One

MAX FREEGARNT & SLOW FISH Chapter X

Armind Recordings

Freegrant Music

(FREEGRANT MUSIC)

MAX FREEGRANT

Luke Bond regresa al lado más profundo del universo vocal del gigante holandés, y eleva a su cima su fuego colaborativo junto al artista y compositor Paul Aiden. ‘As One’ presenta una pesada línea de bajo en clave progresiva, creada por Luke, para mecer la voz cálida de Aiden a través de acordes milimétricamente filtrados que llenan de suspense la sección principal, consiguiendo un efecto sónico muy, muy chulo.

Freeegrant Music celebra su X aniversario este 2021 y, dado que una década no se celebra todos los días, el ucraniano afincado en Kiev presenta un muy especial ‘Chapter X’ junto a su proyecto ‘Slow Fish’ como una perfecta simbiosis entre lo orgánico y lo profundo, a través de elementos progresivos y voces etéreas que te atrapan desde el primer beat con oscuras reminiscencias techno, que ahora son rediseñadas para dar fluidez y dinamismo a la pieza. ¡Pura belleza arquitectónica!

01. Guy Mantzur, Khen ‘Where Is Home (Matthias Meyer Rmx)’ [Bedrock Records] 02. Yellowknife Feat. Paul Piper ‘Signs’ (Rauschhaus Rmx) [Forensic Records] 03. Zac, LENN V ‘Seventh Street’ [Warung Recordings] 04. Budakid ‘Silent Summer’ [Lost & Found] 05. Kamilo Sanclemente ‘Ascent’ [Freegrant Music] 06. Sebastian Sellares ‘Nocturne’ [Meanwhile] 07. Suze, Truly ‘Subandrio’ (Reset Rmx) [Mango Alley] 08. Eugene Becker ‘Utopia’ (Extended Mix) [Freegrant Music] 09. Power Circle ‘Garden Of Peace’ (Yotto Renaissance Rmx) [Renaissance Records] 10. Einmusik, Lexer ‘Second Chance’ [Einmusika Recordings]

074

C R Í T I C A S

E L E C T R Ó N I C A

Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS / carlos@djmag.es

SIMPLE SIMMETRY SORRY! WE DID SOMETHING WRONG

New Ears Normalmente, los discos que tardan mucho en hacerse pueden sonar rebeldes, enrevesados y ensimismados. Este no es el caso de ‘SORRY! WE DID SOMETHING WRONG’, el debut en largo de Simple Symmetry que, a pesar de haber tardado tres años en crearse, es pura y auténtica dinamita. Los hermanos Lipsky (Sasha y Sergey) en realidad no han buscado reinventar ninguna rueda, sino que han logrado recopilar una gran cantidad de buenas vibraciones y han añadido unas baterías de otro planeta, dispuestas a poner patas arriba cualquier club que se cruce en su camino en un futuro cercano. Once son las pistas que te van a tener enganchado a esta fabulosa obra lo que queda de año.

VVAA Death Decay Magic Remixes Vol. 1

ETHEREAL LOGIC Intergalactic World Music

Death Decay Magic

Slow Life

Death Decay Magic Remixes Vol. 1 es el nuevo potente EP basado en los tres primeros lanzamientos del sello: Black Light Smoke ‘Lines & Shadows’, Daniel Holt ‘Traveler’ y Man 2.0, Black Light Smoke ‘Holy Hammer’. Esta nueva entrega está compuesta con remixes de The Hacker, Cardopusher, Man 2.0 y el capo del sello Italo Moderni, Adrian Marth, encargado de transformar ‘Bank For God’ y hacer de esta pista una explosión EBM con sus inconfundibles toques ítalo Synthwave

Sergio Moreira e Indi Zone se unen una vez más para su segundo LP, ‘Ethereal Logic’. El duo afincado en Berlín da un paso más allá de donde lo dejaron con su primer álbum ‘Tales from an extraordinary trip’ y, acompañando sus característicos paisajes sonoros exploratorios, presentan un disco formado por 8 coloristas pistas con patrones tribales hipnóticos, cargado de psicodelia electrónica con capas y capas de sintetizadores cálidos con lo mejor del universo evocador de estos fantásticos artistas. Prepárate para pistas como ‘Signals From Elsewherey’, sus 17 minutos de viaje delicioso te van a saber a poco.

ZILLAS ON ACID A Wonderful Time in a Terrible Club

IMMI

Inside Out Records

Musar

Zillas on Acid debuta en Inside Out Records con un EP lleno de esperanzas de un verano mejor. ‘A Wonderful Time in a Terrible Club’ seguramente se convertirá en un himno fríe pistas, junto con ‘Not Really’, gracias a su adictivo gancho ácido y la voz de este último. La genio Fantastic Twins deja de trabajar en sus propios proyectos para transformar ‘Wonderful Time in a Terrible Club’ en un viaje mágico. ‘You You You You’ tiene el ritmo hipnótico más característico de Zillas y, por si fuera poco, Black Merlin se une a esta fiesta y presenta un track muy mental, deformando sus voces en una recreación de 10 minutos más oscura y ambiental.

El sello holandés Musar se prepara para lanzar su próximo disco del artista sonoro griego George Kontogiannidi, conocido artísticamente como (Pera Sta Ori en el alfabeto latino). Tras grandes lanzamientos en sellos como Brokntoys, Pera Sta Ori aterriza en Musar dando rienda suelta a su creatividad y expandiendo un enfoque de amplio alcance hacia la música electrónica, basándose en sus influencias de IDM y breakbeat en todo el EP. Desde Chile, Kamila Govorcin aporta un remix de CIN1 en el que el hilo conductor de todo el track son las exóticas percusiones. Sin duda, un esencial de esta primavera 2021.

TUSHEN RAÏ

1. Organizatsiya ‘Sur la Digue’ [Knekelhuis] 2. Da Iguana ‘Dub E Gotas Na Gruta’ [Tepeme Música] 3. Jac Berrocal ‘Do You Want A Dance ‘(Drama Goddess Edit) [Hard Fist] 4. CV Vision ‘Ritual’ (No.4) [South of North] 5. Jean-Luc ‘Die Blaue Orange Pressen’ [Ear Clips Series] 6. Weird Dust ‘Solid Tribe’ 2.1.2 [Crevette Records] 7. Mogwaa ‘Mi Male Curiosity’ [Redseal Records] 8. Tushen Raï & Neskeh feat Warum ‘Curt Kowbell’ [Hard Fist] 9. Cornelius Doctor & Rita ‘Dogs In The Streets’ [Correspondant] 10. Brigitte Fontaine ‘Ah Que La Vie Est Belle’ [Virgin]

075

C R Í T I C A S

T R O P I C A N A

Autor: SALVATORE MALDERA Y MAURICE AYMARD / elpalmas@djmag.Es

KHALAB & M’BERRA ENSEMBLE M’berra

Real World Records Huyeron de guerra del norte de Mali y ahora viven en M’berra, un campo de desplazados al suroeste de Mauritania, con ellos, viajó la resiliencia y la lucha por la supervivencia representada por un elemento omnipresente: su música. Esta chispa origina el colosal proyecto del artista electrónico Raffaele Constantino, alias DJ Khalab, quien registra en directo el arsenal sonoro de los músicos de M’Berra, entre ellos, Amano Ag Issa y Mohammed Issa Ag Oumar de Tartit, para crear un psicotrópico blues subsahariano afro-futurista, descrito por su autor como “docu-ficción” acompañado de la alucinante fotográfía de Jean-Marc Caimi. Se empuñan guitarras eléctricas e instrumentos tradicionales, tehardent, imzad... en 12 pistas que hablan de resistencia y libertad, tormentas y lunas del desierto. SALVATORE MALDERA

VVAA Alfredito Linares vol. 2: The Colombia Years

ESPERANTO Esperanto

Rocafort Records

Favorite Recordings

Ya que el indiscutible éxito del primer boxset de joyas de Alfredito Linares nos dejó “picados” como pan caliente sale del horno de Rocafort Records un segundo volumen más salsoso, más incendiario fruto de los “Colombia Years” más cercano al “Sonido bestial” de Richie Ray y Bobby Cruz, digno exponente del caldo primigenio de principios de los setenta, pero sin olvidar el altiplano, con títulos como “Tiahuanaco”. Cocina el sonido más originario y agresivo en “Ritmo caliente”, “Mi nuevo ritmo” a la par de lo sofisticado, como en “Boogaloo girl”, “Soul and Feeling”. Este nuevo boxset sigue poniendo el foco en esa intersección de orquesta, escena jazz y barrio, elementos contemporáneos del guaguancó urbano, latin soul y del boogaloo de música puramente “latinos” salpicados de modernidad. SALVATORE MALDERA

De esos momentos mágicos de la Venezuela de los setenta y ochenta en los que elementos del azar y la reunión de maestros tenía lugar, llega este codiciado LP, la obra maestra y homónima de la banda Esperanto, lanzada en 1980, una muestra del más alto nivel de la escena Latin Jazz-Funk Fusión sudamericana. Surgió como improvisaciones entre el baterista Pablo Matarazzo y el multiinstrumentista Jorge Aguilar que no tardaron en convertirse en algo más serio. Esto fue el gancho automático para músicos de la talla de Nené Quintero, Roldan Peña, Gustavo Aranguren, Ezequiel Serrano y Marcus Vinicius. Un hit absoluto, teloneros de Peter Frampton, soldouts, varios toques por noche, llenando de Fusión, Jazz-Rock, sintetizadores y sofisticación a la escena Caraqueña de la época. Absoluta exquisitez. SALVATORE MALDERA

DISCODELIC MEXICO En estos momentos no existe sello discográfico de música tropical en formato 7“ pulgadas que esté publicando música tan sobresaliente como Ruffy TNT de Discodelic México en conjunto con Groovie Records de Portugal. No paran de publicar joyas hiteras, cada lanzamiento es un “Must”; se han centrado en Costa Rica publicando a el Combo Guarajeo o Hermanos Vargas, Bocaraca, Vía Libre,Grupo Amigos y acaban de publicar el holy grail del latin funk Nicaragüense “Poder Del Alma”. Aquí no hay desperdicio, todos los lanzamientos son “Hits”, hay que coleccionarlos todos ya sea en sus ediciones limitadas a color o en el plástico negro. Como si fuera poco, siempre vienen acompañados por unos liner notes exquisitos, un mastering y corte impecable y unas portadas de colección. Latin, soul, salsa y música tropical es lo que tiene Discodelic, si no tienes tu copia, date prisa porque son limitadas y suelen volar y las hienas de Discogs no perdonan.

LUCAS SILVA

MAURICE AYMARD

01. Palenque Palenque ‘Champeta And Afro Roots From Colombia’ [Soundway Records] 02. VVAA ‘Palenque Rockers Vol.1 feat King Kong and Super Black’ [Palenque Records] 03. VVAA ‘La Locura de Machuca 70s Psychedelia from Colombia’ [Analog Africa] 04. Guasa, Cununo y Marimba ‘Music from the Pacific Coast of Colombia’ [Vampisoul] 05. VVAA ‘Colombiafrica The Mystic Orchestra’ [Palenque Records/Riverboat Records] 06. Son Palenque ‘Kamajajes de la Música Palenquera’ [Palenque Records] 07. Abelardo Carbono Feat Quantic ‘Si Si Si’ [Palenque Records] 08. Sexteto Tabala ‘Un Helado de Portugal’ [Palenque Records] 09. Shina Adewale ‘Super Star Verse 1’ [Wel-Kadeb Records] 10. Oliver de Cocque and His Expo 76 [Olumo Records]

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C R Í T I C A S

D A N C E - E D M

Autor: WILLY ALCOCER / willy@djmag.es

FRAKTAL Rainbows

Blanco Y Negro Pedro Miras y Alberto Tapia (Albert Neve), lo habéis hecho. El regreso de Fraktal ahora ya no consiste ‘sólo’ en volver juntos, como pareja artística, a los escenarios. Ni consiste ya ‘sólo’ en reeditar -ahora en formato digital- las obras de arte que marcaron la vida de tantas generaciones y que he tenido el honor de comentar en estas páginas. Ahora, el regreso de Fraktal consiste, además, en volver a crear, como Fraktal. Pedro, Alberto: hay muchísimas personas para las que esto significa mucho. Permitidme que emplee esta tribuna para pediros una cosa como compañero de profesión, sí, pero sobre todo como amante de vuestra música, que esto sea “sólo” el re-inicio. Sublime, épico, precioso, como siempre fue. Gracias.

ILKAY SENCAN X VINTAGE CULTURE FT. YOELLE Super Powers (DIMITRI VEGAS edit)

BENNY BENASSI & BLOOM TWINS DayDream ULTRA RECORDS

HOUSE OF HOUSE

Benny Benassi. Qué leyenda. Su nombre real es Marco, nació en Milán en 1967 y es uno de los DJs y productores más importantes de la historia. Ha llegado a ocupar el puesto 14 en el Top 100 de DJ Mag, nuestra matriz británica. Podríamos dedicar la revista entera a hablar de su discografía, pero sólo diré dos datos representativos: sus ventas de discos se cuentan por millones, y sus reproducciones en stream por centenas de millones. Es el productor del último álbum de estudio de Madonna y el productor habitual de Chris Brown. Las cantantes londinenses Bloom Twins dan su característico toque dark-pop a esta joya. La calidad es muy salvaje, da tanto gusto escucharlo y entran tantas ganas de bailarlo, que parece un tema de… Benny Benassi.

House of House, el sello creado por Dimitri Vegas & Like Mike donde lo que publica no es -nunca- house, lleva los últimos años reuniendo un auténtico “dream team” de mega-estrellas del EDM. El turco (primero del que tengo el placer de hablar aquí) Ilkay Sencan es la última incorporación. Saltó a la fama debido a su concatenación de éxitos con los singles ‘Mary Jane’, ‘Not So Bad’ (junto a Yves V) y ‘Don’t Say Goodbye’ (co-producido por Alok). El toque de Dimitri Vegas en su estudio le da superpoderes al tema: la masculina y cálida voz de Yoelle en el momento “pitch down” del tema, la poderosísima línea de bajos, la icónica campana de Vegas y Mike… Reventará en Tomorrowland. Ojalá pronto.

DUBDOGZ, BHASKAR, CALMANI & GREY WITH SÉB MONT 100 Degrees

CHEMICAL SURF, GHABE Madness R.I.P. GENRES

A finales del año pasado, los hermanos brasileños Lucas y Hugo Sanches -no confundir con el legendario delantero mexicano del Real Madridpresentaron su nuevo sello “R.I.P. Genres Music” (el nombre es toda una declaración de intenciones), acompañado de su primer lanzamiento, “Interestelar”, que se convirtió en un auténtico éxito a nivel mundial: 1 millón en Spotify, 3 en Youtube. Tenemos aquí el segundo lanzamiento del sello, ‘Madness’ (el nombre describe el tema a la perfección), esta vez en colaboración con Ghabe, un joven artista de Manaus que se ha encargado de las originales voces que escuchamos en la parte central de la canción -con efecto pitch down-, junto al bajo pesado, característico del estilo brasileño de Chemical Surf. Acompañan de maravilla elementos, digamos, “deep dance”. Calidad.

Seguimos en Brasil. Con más de 5 millones de oyentes mensuales en Spotify, los hermanos gemelos Dubdogz acumulan varios lanzamientos importantes en los principales sellos mundiales, como ‘Spinnin’. En marzo crearon el suyo propio, Chorou Records, con la canción ‘Everybody Wants to Party’ -en sociedad con JØRD-, acumulando más de 1 millón de escuchas… ¡en un mes!. También natural del gigante sudamericano, la polifacética Bhaskar acaba de debutar en el sello de Armin van Buuren, Armada Music, aunque ya había publicado en STMPD RCRDS, de Martin Garrix. La participación de Calmani & Gray termina de convertir el tema en ‘un crossover entre el bass brasileño y un poco de deep house, siendo una canción que funciona tanto para bailar como en las plataformas de streaming’.

DJ BLAZZ

CONTROVERSIA

01. Nifra & Mia Koo ‘Forever Forever’ [Coldharbour Recordings] 02. 4 Strings feat. Susanne Teutenberg ‘Ocean wave’ [CR Records] 03. HOSH, 1979, Jalja ‘Midnight’ [Fryhide] 04. Beatsole & Dj T.H. ‘Ambivalence’ [Armada Music] 05. Dimension & Dj Nano ‘Retrovision’ [Flashover Recordings] 06. Mark Knight ft. Laura Davie ‘If it´s love’ [Toolroom Records] 07. Blazz feat. Keylanders ‘Selecto’ [Synergy Recordings] 08. Ñete Ridruejo ‘Feel Again’ [Blanco y Negro Music] 09. Kolonie ‘Moments’ [Zerothree Exclusive] 10. Lifelike & Kris Menace ‘Discopolis 2.0’ [Armada Music]

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R E P O R TA J E Autor: LEIRE ZULOAGA

Eternal Midninght Studio EL ESFUERZO SINTETIZADO EN C APAS

¡Poco se puede decir ya de este célebre visionario amante del sonido que no se haya dicho antes! Y es que el madrileño Xergio Córdoba ha trabajado para sellos discográficos como Sony o Universal; también para una lista interminable de celebridades: Panpot, Brainwaltzera, Marc Houle, Zadig, Dave Clark, James Ruskin, Mulero, Lewis Fautzi o Matrixxman y, todo, mientras creaba servicios pioneros dentro de un campo aún casi por el explorar como es el de la psicoacústica. Queda claro que su trabajo es avalado por un sinfín de artistas y marcas pero también por su propio esfuerzo, siempre sintetizado entre perfectas capas de sonido donde descansa toda la genialidad de este mago de los hertzios y devoto pensador de genialidades de la talla del “Live Mastering” o también su sistema “Mas nlive” de gestión psicoacústica del audio, ya presente en 20 países y 4 continentes; sin olvidar sus estudios de I + D para entidades tan importantes como el INTA –Instituto Nacional de Técnica Aeroespacial –. Toda una evolución mental, personal y sonora que han llevado a este loco visionario un paso más allá. Ahora nos presenta otra innovación, que será una de las revelaciones en formato hardware, posiblemente fundamentales, de esta próxima década…

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¡Bienvenido a DJ Mag ES, una vez más, Xergio! ¡Hola! ¡Encantado de poder estar una vez más con todos vosotros! Después de esta introducción , creo que sería justo preguntar, cómo era la vida de Xergio Córdoba 13 años atrás? ¡Era una auténtica locura! Aunque bien mirado, mi vida no ha dejado nunca de ser una casa de locos para el único inquilino (risas). En aquel tiempo trabajaba como técnico de sonido residente en el Ballet Nacional de España, también haciendo eventos para varias empresas de producción, por lo que compaginaba el mundo del “bolo” – y sus horarios – con la preparación tanto técnica como de desarrollo para Eternal Midnigh. Todo lo que ganaba iba destinado a lo que era, todavía, un universo completamente desconocido para mi.

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Reconozco que fue algo duro, pero también muy divertido, porque dedicaba todas las horas libres a estudiar y prepararme. También destinaba mucho – enserio, mucho – tiempo a buscar un sonido propio y característico donde empezar este sueño tan loco que, en realidad, supuso mucho sacrificio, tanto intelectual como económico y puede que un poco personal también. Tanto que, para hacer el sueño de la media noche posible, regresé a vivir a casa de mi madre, así que… ¡Imagínate! ¿Podríamos decir entonces que Eternal Midninght nació como la esencia de “solo necesitas plantear o soñar con una idea para hacerla posible”? ¡Nunca me ha importado mucho la distancia existente entre expectativas y la realidad! Es el sueño y el despertar de todo ser humano, incluso podíamos decir que siempre he sido una persona que persigue los sueños más imposibles (risas). Por supuesto, la dificultad era algo que estaba ahí pero, realmente, creo que hay algo especial, incluso ¡mágico! cuando uno lucha por un sueño. Creo que deberíamos ser más

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conscientes de lo que una persona puede llegar a hacer persiguiendo un sueño. Cosas de las que no serías capaz si no fuera “una locura” y, esta en concreto representaba mucho para mí ya no solo dentro del terreno profesional, sino también en el personal. A día de hoy, y teniendo en cuenta que soy una persona con la mirada en el horizonte y los pies en el aquí y el ahora, te diría que en ocasiones es una experiencia aleccionadora. Valorar qué deseabas y qué obtuviste, ver cuál fue el precio, porque no todo son ganancias o pérdidas materiales. Sobre todo, cuando las búsquedas son muy largas, uno paga también con la vida, sus esencias y relaciones más elementales. Incluso con la propia salud, por estar siempre expuesto a periodos de estrés intenso. Pero me gusta descubrir que, en el caso de Eternal Midnight, con sus mil borrones y tropiezos, obtuve mucho más de lo que esperaba. Muchas veces es bueno recordarnos a nosotros mismos en otras etapas, sobre todo cuando nos quejamos de muchas cosas del ahora…

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2009 fue el comienzo del sueño de la medianoche… ¿Cómo fueron esos primeros años de autodidacta? ¡Vaya (risas)! ¡2009 fue el año en que salte sobre la cuerda floja! El año en el que abandoné los trabajos con los que me sustentaba, el año en el que cogí una fuerte bocanada de aire y cerré los ojos para tirarme a la piscina sonora que tenía ante mí…. Supongo que ahora es guay cuando dices eso de “fui autodidacta”, pero era un autodidacta sin experiencia previa en un estudio de sonido. Y debemos dejar claro que esto: no fue tanto una decisión, como la expresión de una necesidad. Porque en aquella época, me hubiera encantado trabajar en algún estudio. Sobre todo, en esos a los que admiraba fuera de nuestras fronteras pero, aunque hoy parezca algo increíble, después de ver hasta donde se puede llegar, siempre he creído que comencé los estudios de sonido ya siendo algo mayor y el entrar como “aprendiz” – de haber podido hacerlo, claro – no era una opción económica para mí en aquel momento. Así que decidí hacerlo a ciegas, movido únicamente por la confianza de que si lo sueñas con todo tu ser, serás capaz de llevarlo a cabo. Y la verdad es que fue realmente difícil. No sabía dónde conseguir clientes… Ahora vienen a mi mente aquellos días en los que pasaba tardes y tardes repartiendo folletos por las tiendas de música en el centro de Madrid, también por algunos estudios de grabación y fíjate lo que le podría decir yo a aquel chico ingenuo que era yo antes cuando, después de repartir aquellos panfletos pensaba: “¡ya está, ahora solo a esperar!” (risas)… Pero para mí, lo bueno de todo esto fue el no tener ningún camino, esto precipitó el que tuviera que crear el mío propio. Nada de prefabricados ni roles pre-establecidos profesionalmente. Creo que el secreto fue sobrepasar las dificultades iniciales, tanto en el sonido – especifico – que ya buscaba como un punto inicial y que, por cierto, fue algo que nadie me pudo enseñar, así como el tipo de modelo de negocio que perseguía y el que quería conseguir. Y a día de hoy, ¿cómo vas con esta idea? Curiosamente y habiendo transcurrido la friolera de más de diez años, os puedo asegurar que igual que al chico ingenuo que era entonces, todavía sigo en esa lucha – romántica y personal – de lo que tengo y lo que quiero conseguir. “Mas nlive” marco el camino para una serie de nuevas tecnologías de la marca Eternal, iniciando así una carrera meteórica en el mundo de la acústica I+D dedicada a clubs pero, ¿cómo surgieron esas primeras pre-ideas en tu cabeza? Las ideas primigenias partieron precisamente, desde ese punto inicial del des-

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conocimiento previo del ser autodidacta (risas). Y a falta de ideas preconcebidas o pre-establecidas para mí, solo había una pregunta eterna “¿es posible hacerlo?”. Algunos de los primeros trabajos de mastering que realizaba en aquellos años ya eran dedicados al mundo de la electrónica, y esto me llevó a esos primeros contactos con el mundo del DJ y de producción, con personas que ya estaban relacionadas con la música o el sonido de los clubs y, sobre todo, relacionados con las normativas legales de emisiones acústicas y con todos los efectos negativos que estas tenían sobre la expresión musical. Yo, por supuesto, las desconocía por completo todas, porque solo estaba al otro lado de la producción musical, dentro de esa caja aislante que a veces supone el estudio para los artistas. Por aquel entonces se hablaba bastante de esto, ya que fueron años en los que verdaderamente las nuevas leyes acústicas para locales y discotecas cambiaron todo por completo. Yo, simplemente lo acepté como aceptas cualquier imposición legal, aunque debo admitir que no deje nunca de darle vueltas, era algo que no podía quitar de mi cabeza. Vale, hay un límite por el cual no se pueden exceder ciertos parámetros de la señal de audio transmitida pero, ¿acaso no es posible lograr mejores resultados sin exceder estos límites? Entonces una primera y original idea inundó mi cabeza y empecé a pensar en el sonido como lo que es: algo que recibo y adapto, algo que ya hacía en las sesiones de mastering donde, para decirlo de una manera “fácil”, adaptamos un sonido a unos límites de frecuencia y nivel para lograr esa magia sonora que se supone se consigue en el mastering. ¡Y eso fue lo que hice! romperme los sesos día tras día para ver cómo hacer posible lo que hasta el momento no parecía posible. Y, aunque llevaba ya algunos años estudiando sobre el funcionamiento de la mente y la psicoacústica, recuerdo perfectamente la noche de insomnio en la que todas las piezas encajaron. Hubo una chispa inicial al comprender el modo en el que nuestro mecanismo de audición percibe los diferentes niveles de sonoridad y que, por cierto, difieren bastante de cómo lo miden los dispositivos de medición usados en clubs y eventos. Así que me puse a trastear entre el estudio y un club de Madrid donde me podías encontrar noche tras noche, haciendo experimentos y anotaciones. El tema de recuperar la sensación de todas esas frecuencias de graves pérdidas ya no era solo una cuestión de aplicación práctica de psicoacústica, o de

profundizar en el modo en el que la mente humana compensa todas las deficiencias de respuesta en frecuencias en el oído humano. También se convirtió en un arduo trabajo de campo, del que nació el primero de mis prototipos y que supuso un recorrido profesional que solo estaba empezando! L-SEE es tu nuevo desarrollo de I+D del que ya hemos oído algunas cosas muy interesantes… Empecemos por el principio, ¿en qué consiste este nuevo dispositivo y, sobre todo, para qué está destinado? En realidad surgió como una continuación de Mas’nlive. Todo empezó con otra idea sacudiendo mi cabeza, el lograr una mejora de la experiencia musical por parte del público de un evento, el llevar la música más allá de los limites establecidos por un recinto en su acústica, pero está vez usando tecnología dedicada y propia, produciéndolo a una mayor escala. Y de repente, todo se empezó a volver muchísimo más complejo (risas). Pero, por definirlo en unas líneas, diremos que este dispositivo tiene la finalidad de realzar la experiencia sonora de una manera realista, pero también intensa y que además ofrece la posibilidad de crear nuevos ecosistemas envolventes, inexplorados planos sonoros y profundas dimensiones para la exploración acústica, ya no solo por parte de los productores y artistas, sino de cada una de las personas que cada fin de semana y cada noche llenan con su energía cada pista de baile. Sentirnos cada vez más unidos al sonido como experiencia. Así cada estilo musical cobrará mucha más vida, a igual que los ritmos, que toman mayor contundencia y movimiento y sin olvidar que hablamos de un sonido puro y potente, gracias a la recreación a través de catorce diferentes etapas y procesos, en los cuales múltiples algoritmos van trabajando el sonido de diferentes capas y en diferentes niveles, para ajustar milimétricamente su realce. Entonces, ¿qué es lo que hace a este nuevo dispositivo tan especial? A día de hoy este dispositivo se convierte en uno de los hardware – posiblemente – más interesantes del mercado, gracias a su sistema de micro-procesos avanzados que trabajan para la mejora de la percepción acústica, dentro de un espacio reconocido de forma automática y autónoma. Este es el resultado de una compleja combinación algorítmica de procesos en serie y en paralelo, sin olvidar también a los diferentes – y normalmente desconocidos – dominios dentro de campos como de la psicoacústica, y otros como dinámica, tono o también, por ejemplo, el control de bajas frecuencias. Realmente hablamos de toda una compleja suma de micro-procesos y algoritmos de última generación, a través de los cuales se van creando “diferentes capas superpuestas”, para lograr

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que el sonido – y la sonoridad del mismo – consigan un resultado mucho más pleno y, sobre todo, más realista y satisfactorio para cada uno de los oyentes. Una de las novedades de este nuevo dispositivo es denominado “The Timeler”. Háblanos de esto… Haber estado trabajando con Mas’nlive a lo largo de todos estos años me ha ofrecido la visión personal y supongo que, también particular, de los limitadores usados por ley para el control de emisiones acústicas y de cómo deterioran la señal hasta lograr la queja de técnicos, promotores, artistas, así como de los dueños de clubes y festivales (risas). Es por este motivo que decidí crear un nuevo tipo de limitador para música en directo y que muy posiblemente, será el primero de una nueva generación de limitadores psicoacústicos. Nuevas técnicas y tecnología de última generación para preservar la calidad de la música en directo a la vez que asegura cumplir con la normativa legal. Y no sabéis lo caro que puede llegar a resultar el desarrollo físico de lo que suponen apenas unas líneas (risas). En esencia, se trata de un minucioso proceso de tres etapas de control que trabajan para evitar problemas tales como la distorsión del sonido, el degradado de la integridad del audio, así como de la nivelación homogénea del programa musical mientras evitamos que exceda los niveles fijados. Estos procesos son los que aseguran un sonido abierto y natural, libre de distorsiones y degradaciones en la envolvente del audio. Algo de lo que actualmente se quejan la mayoría de clubes y festivales en todas partes del globo y que con los dispositivos actuales – diseñados para evitar exceder el límite de sonido, pero generando fuertes carencias en la integridad sonora – no era posible hasta el momento. PAAS – Platform As A Service – es otra de las interesantes novedades que se presentarán dentro de este nuevo procesador. ¿Qué nos puedes contar de este servicio integrado? Posiblemente podamos catalogarla como la primera guía algorítmica para todas las circunstancias o problemas que se puedan desarrollar cuando hablamos de sonido y que ha sido ideado siempre pensando en adaptarse a este nuevo modelo de trabajo, de negocio y también de vida al ser mucho más dinámico, rápido e interactivo y que llevará por nombre PAAS (Platform As A Service). Hablamos de un dispositivo100% adaptable a cada usuario, a cada lugar del mundo en cada momento de la vida, pero también de un nuevo modelo de negocio cliente-empresa, al poder realizarse de manera remota y autónoma y que asegura la gestión del

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contenido mediante el pago por suscripción. Esto hace que este nuevo dispositivo sea sustancialmente asequible a todos los usuarios, además que también permite la optimización de respuestas y tiempos de acción sobre nuevos requisitos técnicos, así como una inmensa variedad de herramientas y prestaciones desde esta nube. ¿Cómo ha sido el camino desde aquel primer procesador “State of Art” hasta llegar a L-SEE? En dos claras palabras: ¡muy complicado (risas)! Pero también satisfactorio cuando miras las cosas con la perspectiva que el tiempo pone a todo. Como veis, este largo proceso no sólo ha sido la unión de decenas de ideas, sino también de cientos de locuras y de sueños que se han ido implementando, hasta crear algo siempre mejor que todo lo anterior. Sin duda alguna, esto es algo que yo jamás podría haber llevado a cabo solo. Ya no solo por el valor económico del proyecto, sino por el desafío mental, físico y de tiempo que supondría para una sola persona tener que crear algo así de cero. ¡Creo que el sueño hubiera acabado en pesadilla de media noche (risas)! Por este motivo, a este último sueño loco de la media noche eterna se unieron también otras empresas dedicadas al sonido y la acústica. Una de ellas es la plataforma sueca Soundz, con la que también comparto sociedad en el desarrollo I+D vinculado al audio y a un montón de locuras que nos unieron desde el primer momento. ¡Siempre agradecido de encontrar en el camino locos tan locos como yo (risas)!

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Para terminar, nos han hablado de un plugin que has desarrollado para mastering y que algunos artistas, como Ana Torroja, ya llevan impreso en alguno de sus últimos trabajos… !Si! ahora mismo estoy con las pruebas de un nuevo sonido para mis mastering que llamo Convolution Mastering y que hace que la música adquiera una dimensión más en reproducción estéreo. Voy enviando a clientes esta versión junto con el mastering normal y está teniendo una acogida muy buena, des-

Queda claro que todo este proceso de desarrollo I+D ha influenciado también de algún modo la manera de hacer mastering en Eternal, siempre cambiante y en busca de nuevos limites acústicos. En un mercado en el que la mayoría buscan un sonido concreto cuando acuden a un ingeniero, ¿porqué decides hacer esto? !En realidad, creo que fue a la inversa (risas)! Piénsalo fríamente: Mi comportamiento en el estudio determinó estos posteriores desarrollos. Aunque, es cierto que cada faceta se alimenta de la otra. Todo puede ser positivo y negativo porque, como dices, mucha gente busca un sonido especifico o constante y cuando pensamos en Eternal vemos que la única constante ha sido el cambio. Todos estos procesos y años metido en el estudio han resultado en cosas muy interesantes, pero, también implican meteduras de pata increíbles. No hay otra manera de avanzar y, en mi caso, no puedo pasar cuatro días sin hacerme nuevas preguntas de cómo hacer que el oyente sienta más. Esta es la cuestión que ha marcado toda mi carrera.

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de lanzamientos recientes para Axis Records, Be As One u Olympian, a géneros que van desde el trap al flamenco o el techno. Sabeís que mi forma de ser me impide mantenerme mucho tiempo haciendo lo mismo sin hacerme preguntas y buscar respuestas… Esto es Eternal Midnight, desde su día uno y seguro que será así hasta el último: El eterno ciclo humano. Pensar, existir, bailar y siempre, ¡vuelta a empezar!

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Autor: KANEDO

Magma Solid Blaze M O C H I L A S

Tras años dentro de las marcas referentes en cuanto al transporte de equipamiento para DJs y productores se refiere, Magma ha presentado este 2021 su nueva línea ‘Solid Blaze’ basada en el propósito de contribuir a un futuro más sostenible, ya que las mochilas Solid Blaze están construidas usando como base botellas de plástico reciclado, manteniendo el equilibrio perfecto entre el procesamiento de materiales de alta calidad, las características avanzadas y un aspecto limpio y ergonómico. Desarrolladas para adaptarse a una amplia gama de aplicaciones, constituyen

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las bolsas de viaje más novedosas para DJs profesionales, productores musicales, fotógrafos, cineastas y creadores de contenido. Sus compartimentos internos utilizan divisores desmontables, de forma que es posible organizar tu equipo tal y como prefieras, teniendo rápido acceso a lo que más utilices gracias a una ubicación lógica de sus bolsillos y cremalleras YKK Aquaguard de larga duración. En definitiva, la línea ‘Solid Blaze’ es una perfecta combinación de durabilidad, organización inteligente y conciencia sobre el medio ambiente son sus modelos Solid Blaze 120 y Solid Blaze 80.

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CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES •

Solid Blaze 120: fabricada con 120 botellas de plástico reciclado es una mochila de viaje versátil con una disposición modular. El espacio principal cuenta con protección EVA, y está también protegida contra el agua con el repelente RPET 900D.

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Solid Blaze 80: fabricada con 80 botellas de plástico reciclado, es una mochila ligera y minimalista más liviana que el modelo 120.

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