DJ Mag ES #115

C O N T E N I D O S D J M AG 115 / Ag o s t o 2 0 2 0

Secciones 006 008 010 0 12 0 14 016 018 020 021 022 024 026 028

BREVES 60 SEGS CON - GERARD SERRA MIS FAVORITOS – REGAL FOCUS ON - MOON LAKE

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OFF THE RECORD - VAN CZAR 5 TRACKS - GLASS CRISTINA COCINAMOS CON - RAMIRO LOPEZ ELECTRONICA & ROLL - NOMBRES LUCKY 7 – ZAIDBREAK OPONION – ELECTRÓNICA MADE IN SPAIN TENDENCIAS – HOSTAL LA SAVINA MI CIUDAD – PEPPE NASTRI CÓMO PRODUZCO – RONY SEIKALI

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Artículos 030 038 042 048 054 058 062

STEFANO NOFERINI GROOVE ARMADA FRA ACID COCO OSCAR L

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HIDDN ¿CÓMO PAGAN LOS SERVICIOS DE STREAMING?

Críticas 070 072

ÁLBUMES

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SINGLES

Te ch 080 082

REPORTAJE PLASTIC

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E D I T O R I A L

Dejando atrás el calor abrasador de julio y metiéndonos en el de agosto, la vida continúa en este extraño verano de COVID-19. La actividad es variable, los rebrotes se ven y el ocio nocturno se está llevando muchos palos inmerecidos por la mala praxis de unos pocos. Lo que se sigue echando de menos es un protocolo de acción conjunto, por parte de las autoridades nacionales, que de a los promotores y espacios unas directrices claras para poder proteger y hacer seguimiento, para mantener la actividad aunque sea de forma reducida.

Porque otro parón del sector debido al confinamiento puede ser letal para la economía del ya débil entramado medio de artistas, promotores y clubes. E incluso para los grandes.

Pero siempre hay un lado positivo en toda situación adversa. En nuestro caso, estamos viendo una intensísima e interesantísima actividad discográfica. Y en medio de esa explosión, hemos querido llamar a una auténtica eminencia a protagonizar nuestra portada de este mes. Hablamos de Stefano Noferini, uno de los artistas más reverenciados y queridos de nuestra escena electrónica.

Con una relación más que especial con nuestro país, nos sentamos con Stefano

DIRECTOR GENERAL Y DE CONTENIDOS Eduardo Pérez Waasdorp | eduardo@djmag.es REDACCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es Helena Bricio | redaccion@djmag.es DIRECTORA DE ARTE Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es DISEÑO Y MAQUETACIÓN Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es Miguel Ángel Alvira | miguel@djmag.es

(como Deeperfect, Club Edition, etc.) y de toda la escena.

DISEÑO DE PORTADA Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es

Seguidamente, hablamos con el gran dúo Groove Armada, que vuelve con

FOTO DE PORTADA 114 Marie Staggat

para hacer una retrospectiva y mirar al futuro, de su carrera, de sus proyectos

‘Edge Of The Horizon’, su primer LP en 10 años. Metiéndonos en clave nacional, hemos convocado a una auténtica institución de la electrónica de nuestro país. Un verdadero pilar de la escena barcelonesa que ha presenciado y vivido el crecimiento de la Ciudad Condal como meca de la electrónica. Fra, residente de Nitsa y jefe de contratación de Nitsa y Primavera Sound, debuta en estas páginas con una interesante entrevista en profundidad.

GENERAL INFORMACIÓN: Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es ADMINISTRACIÓN: Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es

En clave tropical, hablamos con una de las formaciones que más promete dar que hablar en los años venideros. Desde Colombia, pasando por Berlín y Ginebra, hablamos con el dúo Acid Coco ante su inminente y genial debut de largo en El Palmas Music, sello afincado en Barcelona.

De vuelta a España, hablamos con Oscar L, uno de los nombres más prometedores de nuestra escena, tras su debut en el todopoderoso Drumcode de Adam Beyer. Para cerrar la ronda de entrevistas, hablamos con el neerlandés HIDDN para que nos cuente sus últimas novedades. Y cerrando los contenidos de este mes, os traemos un reportaje en profundidad, curado por DJ Mag Reino Unido, sobre cómo funciona el sistema de pago de los servicios de streaming como Spotify o TIDAL. Una guía obligatoria para cualquiera que se quiera adentrar en esta forma de monetizar su música.

Con esto llegamos al fin, amigos. En medio de la incertidumbre máxima que vive nuestro sector, seguimos reclamando medidas directas que ya se ven en otros países. Nosotros seguiremos al pie del cañón, intentando mantener la motivación necesaria para traeros las ultimas novedades musicales. Porque al final de eso se trata. De que la música no deje de sonar. ¡Gracias por seguir leyéndonos!

EDUARDO PÉREZ WAASDORP

MARKETING MARKETING Y BUSINESS MANAGER: Sara González | sara@djmag.es MARKETING INTERNACIONAL: Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es DIRECCION COMERCIAL: Jassi González | jassi@djmag.es COLABORADORES Ángel Manrique, Borja Manzano, Bruno Garca, Cristina León, Charlie Braun, Eduardo Carbonell, Ekai, Esteban Martínez, Fernando Blanco, Gerardo Cartón, Guillermo Delmas, Gustavo Navedo, Helena Bricio, Julia Lozano, Jonathan Prada, Carlos Flavio Bustos, Mugni, Oliver Florez, Rohan G. Finger, Sandra Vian, Sergio Bifeis, Sergio Parrado, Willy Alcocer, Manuel Sánchez-Cid y Miguel Ángel Alvira.

EDICIÓN REVISTA DJ MAG SL Avenida 8 de agosto, 11 – 10 bajo 07800 – Ibiza (España) B 16523805

DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

Director

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PRESENTS

THE NEW ALBUM BY

J O S E P H C A P R I AT I O U T O N S E P T E M B E R 4 th

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B R E V E S Autor: REDACCIÓN

EL TOP 100 DJS DE DJMAG SERÁ VIRTUAL ESTE AÑO Como los clubs y festivales de todo el planeta están cerrados debido a la pandemia por el coronavirus, las actuaciones de los DJs y la música electrónica en general se ha visto trasladada a la red. Para reflejar este cambio, DJ Mag ha anunciado un ciclo de TOP 100 para los mejores Festivales Virtuales para dar los votantes la oportunidad de experimentar a sus

DJs y artistas favoritos de una forma totalmente nueva antes de elegir sus votos.

Por cuarto año consecutivo, la encuesta líder de la industria será en ayuda de UNICEF. Las votaciones ya están abiertas en www.top100djs.com

IBIZA SE VUELCA CON LOS SANITARIOS Together for Healthcare Heroes es una iniciativa de beneficencia establecida en la isla de Ibiza cuya firme misión es la de retribuir a los trabajadores del sistema sanitario en toda Europa que nos han ayudado desinteresadamente, incluso si esto ha representado un riesgo para ellos mismos y sus seres queridos. Esta campaña cuenta con el respaldo del Consell d’Eivissa, quienes hasta la fecha han convencido a

más de 60 propietarios de viviendas y hoteles, con algunas agencias privadas participantes; quienes están ofreciendo con mucho gusto sus propiedades privadas. La expectativa es que alcanzarán el objetivo en diciembre 2020. www.togetherforhealthcareheroes. com/ibiza

ETERNAL MIDNIGHT MASTERING IMPULSA UNA GRAN INICIATIVA Eternal Midnight Mastering impulsa la iniciativa “Save the Underground” (STU), un programa de ayuda a la cultura musical orientado a los sellos y productores interesados en acogerse a la iniciativa de este estudio madrileño. El programa está concebido con un descuento del 35% en sus tarifas, por periodos de tiempo revisables a la conclusión de los mismos. El primer periodo estará comprendido desde el 17 de agosto

hasta el 30 de Septiembre. El requisito para participar en STU es la inscripción previa en el programa escribiendo al mail info@ eternal-midnight.com. Este programa está sujeto a posibles limitaciones de agenda y no es compatible con otras ofertas o planes de precio. www.eternal-midnight.net

JEFF MILLS, EDDIE ‘FLASHIN’ FOWLKES Y JESSICA CARE MOORE SON THE BENEFICIARIES Los pioneros de Detroit, Jeff Mills y Eddie ‘Flashin’ Fowlkes, se unen a la poeta, editora, líder de banda, empresaria de eventos multimedia y artista de grabación internacionalmente reconocida Jessica Care Moore en este nuevo proyecto colaborativo llamado The Beneficiaries. Siendo receptores del legado multidimensionales de autosuficiencia y futurismo sónico del

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Detroit negro, The Beneficiaries representan un triunvirato de diversidad que proviene del universo omnipresente y creativo de Detroit. Juntos por primera vez en ‘The Crystal City Is Alive’, el álbum está disponible desde el 24 de julio en Axis Records. www.axisrecords.com

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S E G U N D O S

Gerard Serra ( P A C H A

¡Hola, Gerard! ¡Un placer saludarte! Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías? ¡Hola! Muchas gracias por recibirme. Soy Gerard Serra y soy DJ en Barcelona. Soy alguien que ama la música, sea el estilo que sea. Nunca me desvío del objetivo. Me esfuerzo para ofrecer un trabajo de calidad a tiempo, todo el tiempo.

Tu propuesta artística gira en torno a diversos géneros, como el EDM, house, hip-hop, urbano, etc. ¿Cuáles han sido tus principales influencias? ¿Cómo entraste en esto de la electrónica?

Pues desde pequeño, siempre he sido fanático de la música electrónica. Escuchaba música de todos los géneros, desde el dubstep hasta el techno. Desde que me fue posible, fui a diferentes conciertos y festivales por toda España y el extranjero. Eso fue lo que me motivó a empezar a pinchar y producir esta música, lo que me llevó a ser un DJ “open format”.

Has sido residente de varios clubes importantes de la ciudad de Barcelona (Pacha, Opium, BlingBling, que luego te han abierto las cabinas de clubes de todo nuestro país y parte del extranjero. ¿Qué tan importante ha sido poder tener esa perspectiva en tu carrera?

Claro está que tener el renombre de una buena sala nunca será malo y siempre te permitirá tener las puertas de otros clubes abiertas. Aunque no es esencial. El trabajo duro y el esfuerzo es lo más importante de todo y lo que a la larga mas resultados te pueda dar.

B A R C E L O N A )

¿Cómo es tu proceso creativo cuando produces? ¿Cómo es tu estudio?

Las ideas surgen cuando menos te lo esperas.

Mi estudio no es nada del otro mundo, lo simple siempre es lo mejor. Es un hecho que, en los tiempos actuales, no solo es posible empezar a hacer música montando un estudio simple… si no que es posiblemente la mejor opción.

y el mundo se encuentra paralizado. Tenía muchos proyectos en mente que no se si voy a poder completar. Sin duda alguna, este año es de muchos cambios en el comportamiento y visión de la sociedad y humanidad. Se tendrá que ver de qué manera saldremos adelante las empresas más afectadas. De todas maneras, no hay que bajar la cabeza, y hay que reinventarse. Éste, desafortunadamente, será mi mayor proyecto También has tenido experiencia en la indus- de este 2020. tria de la moda. ¿Cómo ves la fusión entre música electrónica y fashion/lifestyle, que tanto Finalmente, Gerard, pedimos al invitado de 60 Segundos que plantee una pregunta al siestamos viendo ahora?

La música y la moda siempre han ido juntos de guiente. El último fue ETHR, también de Barla mano, como en los anuncios, pasarelas, even- celona, que preguntaba: “¿Crees que en plena tos de moda,… He trabajado en el mundo de la era digital, el envoltorio de un artista a veces acaba sobrepasando en importancia al propio moda y es un tanto especial.

Pero estos últimos años se ha estado reinven- contenido?”. Y a cambio, nos tienes que dejar tando mucho, sobretodo por poder influenciar una pregunta para el siguiente… a la sociedad por las redes sociales de todos los Si que es verdad que mayoritariamente todo cambios de atuendos y estilos. De igual forma el empieza con un talento, con algo destacable. ser DJ también ha incrementado notablemente Cuando una persona desconocida empieza en la en los últimos años. De aquí surge el “DJ-in- música lo primero que debes hacer es llamar la fluencer”, que normalmente no es un profesio- atención del público con buen contenido. nal de las mesas de mezclas y hace que la música Es cierto que hay artistas que tienen un equipo pase a segundo plano. Es un nuevo caso de in- detrás, encargado de “crear” su imagen. Es entrusismo profesional en un área donde cualquier tonces cuando se corre el riesgo de que tu imainfluencer puede entrar dentro de una cabina. gen tire más que tu contenido. No digo que sea Por suerte, hay todo tipo de público y cada uno mala herramienta, al contrario, es bueno para puede elegir lo que quiere ver y escuchar. darse a conocer, pero creo que nunca debería sobrepasar a lo que un artista ofrece. ¿Qué otros proyectos tienes entre manos este 2020?

Mi pregunta: ¿qué sucederá cuando termine la Todos sabemos que este 2020 no esta siendo un crisis del COVID-19? ¿Qué pasará con la indusaño bueno. Cientos de empresas están cerrando tria de la música cuando todo esto acabe?

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OUT NOW | OUT NOW OUT NOW | OUT NOW

OUT NOW | OUT NOW OUT NOW009| OUT NOW

M I S

F AV O R I T O S

Regal Libro: El sutil arte de que (casi todo) te importe una mierda.

“Encontré este libro de casualidad en un Relay del aeropuerto antes de viajar a Sudamérica. Lo compré porque me llamó la atención el titulo y quería tener algo que leer en el avión y al final resultó ser de gran ayuda e interés”

de lleno en un mundo que por fantástico que nos parezca, es la realidad de mucha gente en Scampia.”

volvería a pelear con su eterno rival Holyfield en una pelea benéfica, sin embargo al final no se ha podido hacer. Tantos meses de espera para nada.”

Película: L’Immortale Álbum: Eminem - Kamikaze “Es la película sobre uno de los personajes principales de la serie de Gomorra. Es una película y secuela a la vez. Si os gusta la serie, esta película es obligatoria.”

Serie: Gomorra Deporte: Boxeo “Empecé a ver la serie hace tiempo pero la dejé a medias, esta cuarentena ha sido el “Siempre me ha gustado el boxeo aunque momento ideal para retomarla y sumergirme no soy un fanático. Hace meses vi que Tyson

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“Hacía mucho tiempo que no escuchaba a Eminem aunque siempre he sido y soy fan del Rap. En un arrebato de nostalgia comencé a escuchar su último disco y a analizar todos los mensajes que contienen sus letras”.

Puedes encontrar la versión impresa de DJ Mag ES gratuitamente en:

MADRID •

PALMA 39 C/ de la Palma, 39. 28004

•

EL ALMACEN C/Minas 13, 28004

GIRONA •

EUMES C/ de Baix, 2, Espai Marfà, 17006

GRANADA

BARCELONA

•

DISCOS BORA BORA Plaza de la universidad 11. 18001

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DISCOS PARADISO C/Ferlandina 39. 08001

•

ACADEMIA FONICA C/ Azorín, 10, 18004

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PLASTIC C/Calabria 95. 08015

•

•

PACHA BARCELONA C/Ramón Trias Fargas. 08005

PROYECTO ESPUMA C/ Albahaca nº4 Edificio Danubio, Local 6, 18006

•

THE BASS VALLEY Passatge Can Polític, 13, 08907 L’Hospitalet de Llobregat

•

BRIDGE_48 C/ de Llull, 48, 08005

•

DISCOS SUBWAX C/ de la Riera Baixa, 10, 08001

IBIZA

THE BASS VALLEY & STUDIO DJ CENTER C/ Jil de Jaz nº3, C.C Galerías Pidal, local 14. 33004. Oviedo

BILBAO •

POWER RECORDS C/Villarías 5, Bajo. 48001

•

ESCUELA BAFFLE DJS Travesia Tivoli 3, 48007

CASTELLÓN •

ENIGMA RECORD C/Prim 10, Bajo. 12003

DONOSTI •

USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL Playa d’En Bossa 10, 07817

•

CAFÉ MAMBO C/ Vara de Rey, 40

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METRICA STUDIO C/ de la Murtra, 5, 07817

e ent alm o por Tem cerrad

PONTEVEDRA

ASTURIAS •

•

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PLAYGROUND STORE C/San Roman 10, Bajo. 36002

SEVILLA •

TOTEMTANZ C/Amor de Dios 66. 41002

VALENC IA •

FOR THE LADIES C/ Gasco Oliag 6 , bajo izq 46010

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STRAP V. Blasco Ibañez, 33. 46010

ZARAGOZA •

DABADABA Camino de Mundai, 8, 20012

XPRÉSATE/LAS ARMAS Plaza Mariano de Cavia, 2

Si quieres formar parte de nuestros puntos de distr ibución, escríbenos a: info@djmag.es, con el asunto distribución

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F O C U S

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Autor: SERGIO PARRADO

Moon Lake Records Es dificil hacer periodismo en mitad de una pandemia, con el calor apretando como nunca y el bombardeo constante de noticias poco alentadoras para la escena. Pero en DJ Mag España no desistimos y sabemos que esto finalmente pasará.

Todos nosotros tenemos esa necesidad acercaros cada mes la actualidad dentro de nuestra pasión y en esta sección llamada FOCUS ON, hacer que cada més conozcáis un sello diferente.

Hace poco hice un llamado en redes sociales para que las personas me dejaran la información de sus sellos. Quede maravillado con muchos, finalmente y por espacio seleccioné cinco, que irán saliendo durante este año. La primera parada es en Chile.

Hablamos con Felipe Galleguillos, dueño de Moon Lake Records, para que nos cuente más de cerca la historia de su sello y como están viviendo estos momentos.

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F O C U S

¿Cuál es el concepto y por qué decides crear el sello?

Luego de llevar varios años en el circuito tanto como DJ y como productor, ya había recorrido un camino importante sacando música en buenos sellos y esto me permitió bastante experiencia, para posterior poder incorporarlo en la creación de mi propio sello. Además en mi años como DJ y ya con el sello en marcha he conocido artistas muy talentosos que finalmente han encajan con el sonido que quiero plasmar en el sello. Creo que dentro de todo se ha creado un sello muy completo con un enfoque minimalista, se ha logrado una sintonía entre las gráficas de los EPs y el sonido de los tracks, creando una estética uniforme, generando una labor colectiva entre todos lo que finalmente conformamos Moon Lake, por lo que se ha conseguido un buen trabajo del que me siento muy orgulloso. Lo principal en Moon Lake es exponer música underground más orientada al concepto club, y al mismo tiempo para la selección de los artistas se hace con mucha calma ya que se prioriza la calidad antes que la cantidad. ¿Por qué llamarlo Moon Lake records?

Un día estaba en mi casa, viendo un documental sobre la luna y hablaba sobre unos eventos, que se denominan como “Moon Lake”. Desde ahí me quedó dando vueltas en la cabeza. En el momento que decidí crear el sello,

O N

lo primero que pensé fue en ‘Moon Lake’ (risas) y ahí quedó el nombre. ¿Cómo se está adaptando la marca a los nuevos cambios?

En estos momentos vamos a incorporar el uso de Bandcamp, la verdad es que conocía la plataforma pero no me había percatado bien de su funcionamiento. Durante estos últimos meses he observado que está funcionando de una muy buena manera logrando ser una excelente herramienta, además de todo el apoyo que le ha dado a todos los artistas y sellos independientes.

Creo que se ha generado un sentido de comunidad mucho más fuerte en este último tiempo, luego de ver que toda la escena mundial se verá sumamente afectada producto del coronavirus. ¿Cuáles son los planes para el futuro cercano? ¿Y qué hay de tus planes personales?

Ahora, junto a Rodrigo Gutiérrez, estamos preparándonos para lanzar Moon Lake Ltd, donde publicaremos solo lanzamientos en formato vinilo, enfocado igualmente en un sonido minimal y al mismo tiempo siempre buscando música con groove, apuntando a que se pueda utilizar en la pista de baile.

En estos momentos me encuentro trabajando en el estudio. Siento que la cuarentena me ha servido para redireccionar mi manera de producir. He tenido mucho tiempo para investigar nueva música y en pocas palabra me ha servido para reinventarme.

Si pudieras viajar a otra época (musicalmente hablando), ¿a dónde irías y por qué?

Creo que no me movería de Chile, solo que retrocedería unos 20 o 30 años, cuando se empezó a formar la escena electrónica acá en Chile. En esos momentos, DJs como Dandy Jack, Ricardo Villalobos, Dani Casarano, Luciano, Alejandro Vivanco, entre otros, fueron esenciales para la cultura electrónica en el país y para generar ese puente entre Chile y Europa. Para qué hablar del estilo de música, siento que fuimos unos privilegiados al recibir estos talentos, que tienen un excelente gusto y que han servido para influenciar a las nuevas generaciones.

Por último y para acabar. ¿Qué mensaje positivo quieres dejar a toda la gente que está leyendo esta entrevista?

Le diría a la gente que aproveche este tiempo de compartir con sus familias, creo que para todo el mundo estos últimos meses han sido difíciles. Acá en Chile aún seguimos en confinamiento, por lo que hay que saber aprovechar tiempo, reflexionar sobre cómo interactuamos con el mundo. Ahora es momento de aprender a valorar las cosas y a ser más conscientes con todo en general.

Por otro lado, es una muy buena instancia para investigar y aprender nuevas cosas. Y nada, espero que todos estén bien y que ojalá todos se estén cuidando y sean responsables, para salir de esta crisis lo antes posible.

MINI TEST ¿Un club?

¿Un libro?

¿Moon Lake Records?

Club der Visionaere

El poder del Ahora, de Eckhart Tolle

Concepto

¿Una ciudad?

¿Una comida?

Barcelona

Mariscos Chilenos

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O F F

T H E

R E C O R D

Hacemos 5 preguntas a Van Czar que poco nada tienen que ver con la electrónica…

* Van Czar acaba de publicar con Samuel L Session. ‘Halls’, en su sello Ibiza Boys. Disponible en todas las plataformas desde este 20 de julio.

A lo largo del confinamiento han estado saliendo una serie de remixes de su single ‘Virus’, de artistas como Santonio Echols o Rondell Adams.

Por último, se espera con impaciencia su colaboración con Alexander Kowalski, que los artistas están terminando en estos momentos.

Van Czar ( K M S

R E C O R D S

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I B I Z A

B O Y S

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V A N

C Z A R

¿Cuándo fue tu última mentira y por qué? “Ave Van Czar, los que van a bailar te saludan” Hace unos días retrasé la entrega de un traba- (risas) jo porque estaba muy a gusto en la piscina… y ¿Qué es lo último que haces antes irte a les dije que estaba súper liado. la cama?

No duermo mucho pero cuando lo hago me Si se fuese a hacer una estatua en tu gusta escuchar demos y propuestas musicales honor, en tu ciudad, ¿en qué pose te que me envían artistas para mis sellos. A veces gustaría que fuera? sigo escuchando estando metido en la cama Si fuera una estatua por mi carrera musical, ... Justo antes de tumbarme, me echo un buen me gustaría que fuera con los auriculares perfume francés puestos y actitud concentrada en los botones de una mesa de mezclas. ¿Cuál ha sido el momento más embarazoSi mi estatua fuera por un hecho histórico... so de tu vida? me encantaría aparecer como emperador Romano o Ruso, como un Zar ... Debajo pondría Esto me ha pasado en varias ocasiones. Estan-

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S E R I E S )

do en un baño de discoteca en plena tarea... el portero insiste en entrar y abre la puerta con fuerza. La sorpresa es que me encuentra en pleno esfuerzo con la taza cubierta de papel higiénico. Claro, ¡luego cierra la puerta tan rápido como la han abierto! No sé quien de los dos sintió más vergüenza. ¿Qué has querido robar pero nunca has robado? ¡No está en mi naturaleza! Lo que quiero lo gano con trabajo y esfuerzo. Aunque hace años, por necesidad tuve que robar comida.

Un día, con el estómago vacío... me llevé unos raviolis de marca blanca. Eran otros tiempos.

015

5

T R A C K S

Preguntamos a Lorenzo, Bernardo y Enzo por los 5 Tracks que más le han influenciado

1.

2.

Ta m e I mp a l a

Bon Iver

‘Apocalypse Dreams’ Modular Recordings (Lorenzo)

‘10 d E A T h b R E a s T Jagjaguwar (Lorenzo)

Kevin Parker ha sido un gran referente y una fuerte influencia desde que comencé a hacer música, Y Apocalypse Dreams fue mi introducción a su mundo.

Básicamente, lo que esta canción marcó en mí, fue la idea de que no hay reglas, pero más importante: fue la canción que me hizo sentir por primera vez un fuerte sentimiento de sorpresa, sin palabras, intentando asimilar lo que acababa de pasar.

Bon Iver irrumpió en mi vida, pasando de ser alguien que me gustaba a ser mi referente, artísticamente hablando, número uno. Con su álbum “22, a Million” despertó en mi un hambre insaciable por la experimentación. “10 d E A T h b R E a s T ” fue el primer single de este álbum. El primer día que salió lo escuché 25 veces, se lo quería enseñar a todo el mundo, no podía creer el crecimiento y el cambio musical que había desarrollado.

3.

Glass Cr istina (BLANCO & NEGRO)

4.

Arctic Monkeys ‘Arabella’ Domino Records (Bernardo) Las letras de Alex Turner son, indudablemente, algo a qué aspirar como compositor moderno.

Pincelazos poéticos bañados en humor e ingenio británico, los cuales, si has prestado atención, nos han mostrado la evolución del cantautor como letrista hasta alcanzar una cúspide poética en “Suck It And See” donde sus letras se vuelven estúpidamente buenas.

’

5.

Gustavo Santaolalla

Washed Out

‘Apertura’ Edge Music (Bernardo)

‘You and I (Within and Without, 2011)’ POD (Enzo)

Escoger ‘Apertura’, de los tantos temas de Santaolalla, es como tirar una moneda con más de cien caras y ser indiferente al resultado. Todas son como parte de una colección.

Gustavo le ha dado tanto al mundo de la música como al mundo del cine y, a veces, en el mundo de Glass Cristina, ambos convergen. Existe esta relación porque nos encanta contar historias.

Nos gusta arrancar de una idea, y a veces, de una narrativa concreta.

Normalmente, las canciones que más me gustan son sobre el amor en un tono melancólico. Con esta canción, “Washed Out” logra transportarme a lugares pasados cada vez que la escucho. Desde el 2011 que salió, siempre tuve curiosidad por cómo lograban esos efectos en las voces y esos sonidos de sintetizadores tan profundos.

Una canción que sin duda me obligó a dar un paso más.

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C O C I N A M O S

C O N

Ramiro López

INGREDIENTES 1L de Caldo de cocido (aproximadamente) 400 gr fideos finos 2 piezas de secreto ibérico

150 gr de Foie fresco 250 gr Setas Shiitake (u otra variedad) Aceite de Oliva Virgen Extra 1 vaso de brandy

FIDEUÁ DE SECRETO IBÉRICO, SETAS Y FOIE Primera fase • Lo primero que vamos a usar es el caldo. Yo utilizo un caldo de cocido casero y potente (¡de ese que lleva hasta chorizo!). Hago de sobra y lo congelo para luego utilizarlo. Si no tienes, puedes comprarlo envasado, pero que sea de buena calidad (gástate los cuartos, que es importante). Debe estar caliente cuando lo añadamos a la paella.

• A continuación preparamos la Salmorreta picante. Es una especie de salsa que le dará “rock & roll” al plato.

• Rallamos el tomate.

• Echamos aceite en la sartén y añadimos los ajos pelados y cortados en tres trozos.

• Una vez empiecen a dorar añadimos las ñoras previamente despepitadas y partidas en varios trozos con la mano.

• Añadimos el tomate y la cayena / chile. Punto de sal y que reduzca.

llarlo. Lo sacamos de la sartén y reservamos.

• Ponemos todo en el vaso de la batidora y trituramos hasta que quede una salsa homogénea. • Añadimos las setas y echamos un chorro de grande mientras se van dorando. Utilizo Shi• Por otro lado, cortamos el secreto en dados, itake porque tienen un sabor más intenso y el foie en trozos medianos y las setas en 2 – 3 me encantan pero vale cualquier otra de las trozos, y reservamos. del super.

• Calentamos el caldo.

• Una vez doradas añadimos los fideos. A mi m gusta dorarlos un poco para que tengan un Segunda fase toque crunchy.

• Preparamos la mise en place, o lo que es lo mismo, nos ponemos todo lo que vamos a ne- • Añadimos la salmorreta y el foie- Mezclamos.

• Añadimos el caldo y dejamos cocinar unos 9 cesitar cerca de la paellera .

10 min a fuego medio.

• Ponemos la paellera al fuego con unas 2 - 3 cucharadas de aceite. Yo lo suelo hacer en fuego • A mitad de cocción añadimos el secreto ibérico. De esta forma, quedará mas jugoso. de leña (le da un toque especial) pero podéis hacerlo en un fuego de butano o en vitrocerá- • Quitamos del fuego, dejamos reposar 5 minutos… ¡y a gozar! mica. Si optáis por la leña, os aconsejo contar con un buen ayudante leñero que controle Posdata: Si tienes horno, te entra la paellera y para tener un fuego uniforme.

• Cuando esté bien caliente, añadimos el secre- puedes darle un toque de grill 5 min a máxima to ibérico y lo doramos a fuego fuerte para se- potencia,… ¡ya flipas!

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OUT IN AUGUST OUT IN AUGUST OUT IN AUGUST

Renaissance 019

E L E C T R O N I C A

&

R O L L

Autor: SERGIO BIFEIS

Nombres Bajo el pseudónimo de The Black Madonna, la DJ y productora Marea Stamper ha desarrollado su carrera hasta ahora. En pleno 2020 con las sensibilidades a flor de piel (nunca mejor dicho) una petición online en Change. org iniciada por el también DJ y productor Monty Luke alcanzó 1.000 firmas para que la artista se cambiara su alias por tratarse de una apropiación cultural de un icono católico de creyentes afroamericanos, caribeños y latino-americanos. Stamper, una DJ con un perfil muy activista en sus redes sociales con todas las minorías y muy comprometida con la causa LGTBI+, no ha esperado mucho para cambiarse el nombre transformándolo en The Blessed Madonna.

La propia artista emitió un comunicado en su donde explica el cambio y se muestra comprensiva con la situación. “Siempre he sido transparente sobre mi fe porque sentí la responsabilidad de ser clara acerca de quién era y quién no.

El nombre era un reflejo de la larga y profunda devoción católica de mi familia al tipo específico de ícono europeo de la Virgen María que tiene un tono oscuro”, explica la norteamericana, mientras es inevitable no pensar en La Moreneta como posible influencia.

“A la gente que comparte esa devoción les encantó el nombre, pero mirando hacia atrás, debería haber escuchado con más atención otras perspectivas”, en referencia a toda la campaña de Change.org que inició Monty

Luke, cuando el propio dueño de Black Catalog le escribió sobre este asunto y nunca tuvo respuesta. Hay que entender que en Detroit existe el denominado santuario de Black Madonna, que es una figura cultural importante para muchos interesados en la idea de un feminismo negro y la lucha racial de los últimos 50 años. Que una mujer blanca, residente en Chicago (ciudad rival), adopte ese nombre artístico puede crear, como poco, confusión y recelo.

La propia Stamper lo zanjó y cortó por lo sano: “Pero ahora escucho fuerte y claro. Mi alias ha sido un punto de controversia, confusión, dolor y frustración que distrae de las cosas que son mil veces más importantes que cualquier palabra en ese nombre. Vivimos en tiempos extraordinarios y esta es una parte muy pequeña de una conversación mucho más grande, pero todos tenemos la responsabilidad de tratar de promover un cambio positivo de cualquier manera que podamos. Quiero que os sintáis seguros de la persona que soy y de lo que defiendo”. Todo para rematar con un mensaje reivindicativo contra la policía de su ciudad natal, Louisville, para pedir la detención de los tres policías que asesinaron a Breonna Taylor, visibilizando su compromiso contra la injusticia.

apropiación cultural es generalizado, matizado y complejo. Espero que el diálogo que esto ha provocado continúe para que podamos obtener una comprensión más profundas de todos los rincones de la comunidad de música de baile en un esfuerzo por avanzar juntos”, sostiene el productor como conclusión de esta polémica, que nos ha dejado un buen reguero de memes, alguna cuenta parodia de TBM y una serie de interesantes reflexiones.

Una de ellas es la de Bradley Zero, que nos puede ayudar a comprender ese sentimiento de apropiación que puede levantar cierto escozor en la población negra y que también pone en liza las contradicciones del uso de un nombre como The Black Madonna, de una supuesta activista como ella. El británico se preguntaba cómo era posible que le haya alcanzado aesta cuestión tan tarde con un pseudónimo, a priori, tan proclive a la controversia, sobre todo en los tiempos de corrección política que vivimos… siendo la propia Stamper un buen ejemplo de ello, cuando acusó a Marquis Hawkes de algo que ella misma estaba haciendo.

Pero quizá la más realista y certera es la reflexión de Honey Dijon – DJ y productora negra y transgénero – al afirmar que, en medio de una pandemia, la gente tiene más tiempo El propio Monty Luke elogió a Marea Stamper de preocuparse por el nombre de una DJ que por tomar la decisión final de dejar de utilizar por los verdaderos problemas que tenemos en el nombre The Black Madonna. “El tema de la esta situación. Y razón no le falta…

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L U C K Y

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Autor: REDACCIÓN

Zaidbreak ( B L A N C O

&

N E G R O )

¿Qué canción te recuerda a tu infancia?

Gigi D’agostino - The Riddle

¿Qué canción garantiza hacerte llorar?

Band Of Horses - The Funeral

¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio?

Travis Scott - Astroworld

¿El primer disco que te compraste?

Madonna - CONFESSIONS ON A DANCE FLOOR

¿Algún disco que estés escuchando?

Moha La Squale - Bendero

¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos?

Mike Oldfield - In Dulci Jubilo

¿El disco más cursi de tu colección?

No lo catalogo cómo cursi pero si más “sensible”: La oreja de van gogh - Guapa

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O P I N I Ó N Autor: ADRIÁN GÁZQUEZ, AKA OMEGA DB

Electrónica made in Spain Probablemente estamos ante la mayor crisis de nuestra época. Una crisis no solo sanitaria, sino también económica y social. Todo es muy incierto, vamos actuando sobre la marcha. Un enemigo invisible ha puesto en jaque a toda la humanidad. Si hablamos de nuestro sector, el cultural; se está viendo afectado de manera severa. Un 2020 sin apenas festivales, sin salas, (solo el primer trimestre sobrevivió). Y con el streaming como única alternativa. Llegó la famosa “nueva normalidad” y con ella la tímida y precavida reapertura de salas y conciertos; obviamente, tomando medidas de seguridad para evitar la propagación del virus.

Barcelona y su periferia sufren a día de hoy un repunte importante, y se decide echar el cierre al ocio cultural. En otras zonas, como Aragón, las medidas empiezan a ser más restrictivas. ¿Hablamos de escena? ¿Hablamos de talento nacional? ¿Hablamos de salvar real-

mente todo el tejido que nos envuelve? En mi humilde opinión, creo que hay que liderar pequeñas iniciativas, pensando globalmente y actuando localmente. Así creo que, entre todos, podremos salir a flote.

¿Te gusta la música? Sigue la playlist y compártela. ¿Eres artista? Aporta tu música y haz lo mismo con uno de tus colegas. ¿Nos ayudamos?

Se ha habilitado una dirección de correo Es así como surge la idea de “Electrónica electrónico para enviar vuestros aportes y Made in Spain”, con la intención de agru- sugerencias. electronicamadeinspain@ par y dar a conocer el sonido electrónico gmail.com que se cocina en territorio español; independientemente de nacionalidades, condiciones o factores mediáticos.

Si eres productor y resides aquí es suficiente. Es una playlist hecha por los propios artistas y por otras figuras que conforman la escena, como pueden ser periodistas, managers... Surgió como una iniciativa en cadena. Un artista aportaba su música, y recomendaba a otro para que hiciera lo mismo. La intención es que vaya creciendo y se consolide como referencia para poder agrupar la mayor música posible.

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NEW ALBUM OUT NOW 023

T E N D E N C I A S Autor: REDACCIÓN

Hostal La Savina, Formentera UN PARAÍSO EN L A TIERRA

Hace más de setenta años, la bisabuela inició una tradición familiar que llega hoy a la cuarta generación: El Hostal La Savina.

Para tal empresa, ella escogió un lugar privilegiado de Formentera: El Estany des Peix, cercano a las playas de Illetes y de Llevant, que desde entonces han cambiado muy poco.

Es diferente el caso del Hostal la Savina, que hoy cuenta con todas las comodidades propias del nuevo siglo, combinadas armó-

nicamente con la tranquilidad ancestral de su bisabuela y con el ambiente cosmopolita que le han dado miles de visitantes, provenientes de todos los rincones del mundo.

En el mismo emplazamiento, podemos encontrar el interesantísimo y riquísimo QUIMERA RESTAURANT. La cocina es un lenguaje con el que poder expresar armonía, creatividad, felicidad o belleza. Un lenguaje universal, que a pesar de ser de vanguardia está estrechamente ligado a la tradición.

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T E N D E N C I A S

Estos son precisamente los principios que hacen de QUIMERA Restaurant uno de los mejores lugares de Formentera. Un lugar privilegiado para contemplar la puesta de sol y para degustar una cocina auténtica mediterranea.

Aquí podemos encontrar SUNSET EMOTIONS, eventos musicales para el sunset, y muchas otras actividades. Y aunque este año la música no ha podido sonar igual, La Savina ha contado con sesiones con distancia social segura con artistas de la

talla de John Acquaviva, Miguel Garji, Alex Kentucky o Camilo Franco.

No perdáis la oportunidad de conocer este enclave privilegiado, en uno de los lugares más bellos del mundo: Hostal La Savina, en Formentera. +info y reservas: www.hostal-lasavina.com

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M I

C I U D A D

Le preguntamos a Peppe Nastri por lo que hace a su ciudad especial…

Peppe Nastr i ( S Y NCO PAT E )

PAG A N I SALERNO, ITALIA

Peppe Nastri es un DJ y productor, natural de la ciudad de Pagani, en la provincia de Sarleno, en Italia.

transmitido lo que es la pasión por la música, siendo él mismo un apasionado.

Recientemente, publicaba el set ‘Live In Pompeii’, un video-set de una hora de música electrónica que intentaba narrar, mediante imágenes evocadores, el encanto y la memoria de la mítica Pompeya.

Mi ciudad es especial porque es rica en tradiciones, la mas importante es la fiesta de Madonna delle Galline , que está unida a la cultura musical, a los sonidos antiguos y a los bailes populares”.

“Desde que era pequeño me ha influido la música que me escuchaba con mi abuelo paterno, aunque también mi padre me ha

*Peppe Nastri publica su próximo trabajo, ‘Renaissance EP’, este mes de agosto en el sello Syncopate. Disponible en las diferentes plataformas.

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C Ó M O

P R O D U Z C O

Le preguntamos a Rony Seikaly sobre su proceso creativo a la hora de producir…

Rony Seikaly (S TRIDE)

Para mí, la inspiración puede venir de muchas fuentes; algunas veces puede ser a partir de una percusión, de una melodía, a veces a partir de una linea de bajo o de un “riff”; cualquier elemento que pueda estimular algo en la parte creativa de mi mente y a partir de la cual pueda construir una historia.

Me aseguro de separar mi lado creativo de mi lado técnico, así es como me gusta hacer las cosas. Pienso que mucha gente se queda atrapada en la parte técnica, y tardan tanto o invierten tanto tiempo en formar los kicks y la linea de bajo, en refinar o hacer esos buenos sonidos, que se pierden la parte más creativa o artística de lo que están tratando de producir.

Yo encuentro más fácil separar ambos. Trabajo por un lado en los sonidos, en los kicks y todos los elementos que necesito, y los tengo organizados en carpetas para los próximos tracks. Así puedo liberar la creatividad y enfocarme en la historia musical que estoy tratando de conseguir, puedo centrarme en el eje central del track a partir del cual se construirá toda la canción. Una vez lo tengo listo puedo añadir, o diseñar de cero, aquellos elementos técnicos y dedicar todo el tiempo a ajustarlos y perfeccionarlos.

Me gusta trabajar en mi propio estudio, no necesito un estudio de cientos de miles de euros, porque para mí lo importante es la idea musical a partir de la cual creas el alma de la canción, una idea que después podrás desarrollar digitalmente. Para producir

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C Ó M O

P R O D U Z C O

uso Ableton, aunque el primer software que aprendí a usar fue Logic hace 10 años antes de pasarme a Ableton. Algunos de los plugins que uso son Atmosphere, KICK, Diva, entre otros. Con respecto a hardware synth me gusta el Prophet, algunas veces uso drum machines, tengo varios en mi estudio, pero la mayoría de los instrumentos que uso son plugins.

Esa es la forma en la que yo produzco, sé que cada cual lo hace de forma diferente. He hablado con productores que piensan que yo produzco al revés, pero a la vez yo pienso que ellos lo hacen al revés ;) Pienso que no hay una forma correcta o incorrecta, lo correcto es producir de la forma en la que te sientas más cómodo, de alguna manera que haga el desarrollo del trabajo más fácil y

mejor. Por ejemplo, en el track que saldrá en Stride en agosto, MILA, empecé con las vocales y, como consideraba que eran excelentes y sabía que tenía que hacer algo con ellas, empecé mi proceso creativo a partir de ellas.

*Rony Seikaly publicó el 24 de julio el EP ‘What For The Remixes’ en su sello, STRIDE, con remixes de Luciano, Gianluca Caldarelli y el propio Seikaly. Disponible en todas las plataformas.

Durante el mes de agosto publicará ‘Mila EP’, también en STRIDE.

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STEFANO NOFERINI Autor: EDUARDO P. WAASDORP Foto: DAMIANO ALESSANDRI Agradecimiento especial a: MANIFATTURA TABACCHI FIRENZE Y GIULIA MANCINELLI Estilismo y coordinación: MIZAR LILITH MECHI

En los últimos años, es innegable que Italia se ha posicionado como una de las grandes potencias de Europa y el mundo en la escena electrónica.

Muestra de ello son sus clubes, festivales y cantera artística, que viven realidades bastante parecidas a las de nuestro país.

En ese contexto, a lo largo de mis años de carrera, he tenido la oportunidad de hablar con multitud de artistas transalpinos y ha habido un nombre que prácticamente no ha parado de repetirse, citado como gran referencia y modelo a seguir de muchos de estos DJs y productores.

Hablamos de Stefano Noferini, uno de los selectores más reverenciados y queridos de la escena electrónica.

Stefano es uno de esos DJs que ha marcado un antes y después. Como nos contará en esta amena entrevista, su pasión por la música – y por la radio – le ha llevado a ser la inspiración de tantos artistas a lo largo de los años, además del descubridor de muchos de ellos, a través de su plataforma Deeperfect, una de las más importantes del género.

Este mes hablamos con Stefano para conocerle mejor, en su primera entrevista en nuestra revista, y para que nos cuente cómo se lleva una plataforma como Deeperfect; cuál es el estado de su programa de radio, el icónico Club Edition; cuáles son sus últimos proyectos; y nos centramos en dos favoritos del público: los vinilos y el futuro de la escena.

Sin más dilación… ¡Música, maestro!

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MIRANDO SIEMPRE AL FUTURO

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EL MAESTRO

¡Ciao, Stefano! ¡Es un verdadero placer tenerte en nuestra portada! ¿Cómo estás? ¡Muchas gracias! Con muchas ganas de volver a trabajar, poco a poco, bien sea en Italia – donde ya estamos hablando de hacer cosas, en pequeño formato, menos de 1000 personas – o fuera. ¿Dónde te encuentras ahora?

Estoy en Florencia, donde siempre he vivido. Aquí el problema más grande es que la ciudad vive del turismo, todos los turistas chinos, japoneses, norteamericanos y sudamericanos, ahora no están. Eso ha provocado una crisis en hoteles, restaurantes, que están sufriendo mucho…

Es muy parecido a lo que ocurre también en España…

Es raro, porque normalmente preguntaría sobre qué tal tus ultimas actuaciones… Ahora te tengo que preguntar, ¿tienes alguna actuación en próximamente?(risas)…

(Risas) Es muy rara la situación. Es algo que jamás en mi vida había experimentado, y creo que nadie de esta industria tampoco. Pero bueno, es la vida…

Empecemos por el principio de 2020… Tocaste en BPM Costa Rica en enero, ¿no es así?

Sí, hubo muchas cosas. Aparte de BPM, durante esos días hice mi primer tour por Sudamérica… y la segunda parte íbamos a hacerla en marzo, pero tuvimos que parar antes de poder terminarla, por el tema de COVID. El verano también estaba lleno de buenos festivales y fiestas…

Luego, ya el mundo se paró y aunque todo ha empezado a reactivarse, la incertidumbre es grande debido a la crisis del COVID-19. ¿Dónde estabas cuando empezó a declararse la cuarentena?

Yo estaba, como te comentaba, de gira. Aquí en Italia la cuarentena empezó en febrero y yo regresé a Florencia el 21 de marzo. Nos pilló de tour en Colombia, y mi última fiesta la pudimos hacer porque en Colombia todavía no se hablaba de confinamiento. Dos días después empezaron a cambiar las cosas y la última parte del tour, que iba a ser en Chile, no la pudimos hacer porque el gobierno chileno cerró sus fronteras. Empezamos a buscar un vuelo para regresar, que fue complicado porque algunos países empezaban a vetar a ciudadanos italianos – porque en ese momento éramos el centro de la pandemia –…

Es casi como una película, ¿no?

De terror… (risas).

Metiéndonos de lleno en la música, quería preguntarte por tus inicios, ya que eres un verdadero titán de la escena. La electrónica italiana tiene un interesante pasado, como hemos repasado con otros entrevistados… Especialmente, la escena de Italia se vio influenciada por las escenas de jazz, disco y funk de los 70, y el trabajo de grandes artistas, sobre todo napolitanos, como Pino Daniele, Tony Esposito o Tullio de Piscopo y muchos otros… ¿Qué recuerdas de esos días, incluso antes de que la electrónica existiese?

En esa época – finales de los 70, principios de los 80 – yo empezaba a ser DJ en la radio y ponía la música que más me gustaba. Yo nací con el disco, el funk y toda la música que en ese periodo se llamó música Afro, en Italia. DJs como Daniele Baldelli eran pioneros de esto y para mi él fue una inspiración, porque al género se llamaba Afro, pero englobaba muchos estilos diferentes funk, disco, la primera electrónica de Kraftwerk, todo mezclado, también con cosas de artistas como (Tullio de) Piscopo, que era música muy percusiva. A mi me encantaba y eso fue lo que empecé a poner en el programa de radio, que empecé a hacer en una radio local. El primer disco que puse en la radio, que recuerdo como si fuera ayer, fue un track de funk que se llama ‘I Gotcha’, de Joe Tex, en un 7”.

Tu tienes uno de los programas de radio más longevos y seguidos de la electrónica: Club Edition, que en la actualidad es un titán que se escucha en todo el mundo y cuenta con más de 400 programas emitidos. ¿Qué te hizo meterte en la radio?

Yo pasaba mis días siendo joven en una tienda de discos, de vinilos. El dueño era amigo mío y pasaba el rato escuchando todos los discos que podía, a la vez que le ayudaba cuando llegaban paquetes y esas cosas de la tienda. Y uno de los clientes habituales tenía un programa en esta radio y hablando un día me preguntó si me gustaría hacer algo en radio. A mi me encantó la idea y empezó así. Fue casualidad al principio, pero me enganchó y fue cuando me di cuenta que me iba a dedicar a la música, porque fue algo que me enamoró.

Eso queda claro porque, de los muchos artistas italianos que han pasado por nuestra revista, casi todos te han citado como una de sus grandes influencias…

Hay muchas personas que me lo dicen. El otro día hablaba con Joseph (Capriati) de esto, me decía que me escuchaba mucho cuando él estaba empezando, cuando era niño.

Yo ya estaba tocando en todos los clubes de Italia, en los más importantes, en Cocorico en Riccione, Peter Pan, o en el norte, en Venecia. Eran sitios muy influyentes para la gente que empezaba a ser DJ o quería escuchar música diferente, alternativa. Muchísimos DJs italianos, que ahora tienen un perfil grande, venían a esos lugares y a algunos los recuerdo ver en las cabinas, intentando ver lo que hacías para aprender. Es un orgullo para mí, porque muchos de ellos son grandes artistas y mi trabajo ayudó a subir su cultura…

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Tu eres abanderado del espectro más house de la electrónica. ¿Cómo ha sido eso en un país que ha exportado a grandes nombres del techno?

En Italia, yo toqué mucho techno progresivo, especialmente entre 1995 y 1999. Pero siempre he sido muy ecléctico en mis sesiones: aunque el hilo fuera el techno,

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tocaba house, progressive, etc. Luego, me gustó mucho la época del minimal, porque encajaba muy bien con el house que a mí me gustaba. Sin embargo, creo que cada artista tiene períodos de estar más cerca de un género u otro. Además, etiquetarte con el término “techno” ayuda mucho, porque siempre ha sido el género más seguido,

es una palabra muy popular. Ahora todo el mundo toca techno, pero creo se dice por una cuestión de llegar antes al público, especialmente en redes sociales. A mi me gusta una mezcla de estilos, como minimal, deep tech, con vocales house, que ahora se está haciendo con mucha calidad. También el techno, especialmente con melodía y todo ese estilo que han promovido artistas italianos como Tale Of Us y su sello Afterlife. Creo que es el nuevo trance,

solo que con un bpm más bajo, con un sonido menos agresivo. Es algo que engancha a la gente, yo incluido.

Tienes una carrera larga y prolífica. Has vivido los muchos cambios que ha experimentado la industria musical y el negocio a lo largo de los años. ¿Cuál crees que puede ser el futuro de la industria con todos los cambios que estamos viviendo?

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No lo sé. Porque al final, en cuanto pueda empezar a moverse todo un poco, la industria va a seguir con lo mismo.

Grandes nombres, los habituales del circuito. Por ejemplo, en Italia también se habló del potencial del streaming, que podía ser la nueva tendencia, que podía poner el foco sobre artistas emergentes locales… Y cuando todo ha empezado a reactivarse, ¿qué ha pasado? Que hemos vuelto a lo mismo…

Justamente te iba a preguntar por esto…Durante la cuarentena ha habido un fenómeno que ha explotado: los streamings. Tu has participado en varios… ¿Cómo ves esta nueva herramienta?

Ha habido tantos streamings que no te sabría decir (risas). Para mí hacer streamings es bueno, pero nuestra música no es para eso, es para tocar en clubes. En el sentido de que está hecha para un lugar con un buen sonido, potente, con gente junta, bailando, con una atmosfera.

Yo creo que los streamings van a servir como buena herramienta de promoción, porque vas a poder ver el arte de la persona, pero te hará falta ver como se desenvuelve delante de un público…

Mira, yo creo que no va a haber un cambio tan fuerte. En mi experiencia, cuando hay mucho dinero alrededor de algo, a nadie de los involucrados le interesa cambiar nada.

Y la gente se acostumbra a eso. La explicación es muy simple: la generación que creció escuchando EDM – que empezó a escuchar esto con 14 años – es ahora la que tiene 21 años y están influenciados por lo que escucharon.

Hay géneros, como el tech house, especialmente el de Reino Unido, que han comercializado la escena y ahora ha terminado por parecerse mucho al EDM, con esos breaks y la misma construcción. Y la gente que tiene edad de salir ahora consume esos estilos. El futuro, sinceramente, lo veo sin cambios, al menos en el corto plazo, cuando pase toda la crisis.

Justamente, eso ha provocado que muchos artistas que antes se identificaban como “tech-house”, ahora quieran escapar de esa etiqueta. En muchos ámbitos, hasta es algo negativo…

Exacto. Es que ahora en ese género parece que ya no importa ni la producción, casi pesa más la promoción, del management y muchas otras cosas. Y hay cosas buenas, muy interesantes, pero son realidades pequeñas, que hacen música de calidad, con vinilo, y van a seguir porque, afortunadamente, tienen un público muy fiel. Eso se ve en escenas como la de Rumanía, Alemania, algunos italianos – con clubes pequeños, para 200 personas, haciendo sesiones solo con vinilo –. Pero la realidad es que los grandes festivales se lo comen todo…

Por eso también te preguntaba por ese posible cambio, porque ante las restricciones sobre grandes eventos, igual esas pequeñas realidades florecen o que las industrias miren a casa, ¿no?

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AMOR POR EL VINILO

Hablabas de esas plataformas que potencian el vinilo. Tu, que eres todo un coleccionista, ¿recuerdas cuál fue tu primer vinilo? ¡Sí! El primer vinilo que toqué en un club, delante de gente, lo recuerdo como si fuera ayer: ‘From Here To Eternity’ de Giorgio Moroder. ¡Me encantaba! ¿Y el primero que te compraste?

Yo escuchaba mucha música del grupo de rock Procol Harum, también de electrónica, como Kraftwerk. Y también de música electrónica alternativa italiana, como los grupos de rock progresivo Perigeo o Premiata Forneria Marconi. ¡Me encantaban!

La historia del vinilo ha sido de idas y venidas, especialmente con la llegada de los formatos digitales y más portátiles. Aunque hemos visto un auge en los últimos años, ¿qué tan importante es que la gente reconozca la importancia del vinilo en nuestra cultura?

Es un poco lo que hablábamos antes. A la mayoría no le importa nada el vinilo, es algo focalizado en pequeñas comunidades, a excepción de unos pocos casos. A la mayoría no le importa si estás tocando con vinilos… lo que les importa es decir que han estado en la fiesta, postearlo, y no saben ni siquiera quién o qué estaba tocando (risas).

Dicho esto, resaltar la importancia del vinilo es fundamental para poder educar a las nuevas generaciones.

Siempre lo digo cuando me invitan a dar charlas a escuelas o academias de música. Es importante que los jóvenes

reconozcan que ser DJ no es ponerte unos auriculares al cuello y subir una foto. Tienen que entender de dónde sale su trabajo, su cultura y su historia. Tocar el vinilo, manejarlo, entender que es la esencia lo que importa – y eso es muy difícil, porque la esencia no se puede tocar o ver –. El vinilo es el instrumento que dio origen a nuestro trabajo, y es como el instrumento de un músico para nosotros. Es importante que las nuevas generaciones aprendan esto.

verdad se pueden contar con los dedos. Y la cuestión es que muchas plataformas siguen por pura pasión, pero esa pasión es muy difícil de enseñar a las nuevas generaciones, que teniendo Beatport simplemente no entienden lo que rodea a un vinilo. Por eso es importante la educación, aunque las redes sociales no ayuden a ello…

Y, sabiendo que prensar vinilos no es lo más rentable, ¿qué se puede hacer para mantener esto vivo? Más allá de que sacar en vinilo siempre es especial…

Ese es el problema. Que para que los vinilos vuelvan a ser instrumentos importantes en la escena electrónica, es bajar su coste. Pero eso no se puede hacer con las condiciones actuales del mercado, porque producirlos es caro, porque la materia prima es cara. La única forma que veo es que encontremos una forma en que la gente pueda producirlos por su cuenta, para bajarle el precio y poder llegar a más gente. Sin embargo, es algo que veo difícil porque de los artistas importantes, los que tocan con vinilo de

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DEEPERFECT Vamos a hablar un poco de tu proyecto más reconocido, el sello Deeperfect, que es sin duda una de las plataformas más respetadas de la industria. ¿Cómo está funcionando actualmente?

Deeperfect tiene su línea, tiene su recurso histórico – en 3 años cumplimos 20 años – y estamos muy contentos porque nos da muchísimas satisfacciones, brindando un gran resultado. Siempre intentamos hacer cosas nuevas, como la Deeperfect School, con varios productores que desde su estudio van a explicar sus procesos. Esto lo hacemos a través de una marca inglesa, especializada en este tipo de cursos, que esperemos esté operativo para finales de año.

Siempre buscando que todo gire alrededor de la música, con los Deeperfect Events, y vamos a intentar hacer cosas, aunque sea en formato pequeño, seleccionando los DJs en base a su discurso musical, y no en base a cuántas entradas consiguen vender. ¿Qué artistas o releases destacarías?

Hace poco sacamos un EP de Bassel Darwish, que es un artista muy interesante, que nos está funcionando muy bien; también Lubelski. Artistas jóvenes y diferentes, las respuestas que tenemos a sus trabajos son muy buenas, llegando a muy buenas posiciones. Esto significa que mi trabajo y el de Gabrielle, que es la A&R de Deeperfect, está bien hecho y da sus frutos. Los artistas que buscamos y seleccionamos, aunque sean nuevos, tienen una gran acogida por parte del público. ¿Qué tan difícil ha sido adaptarse a las nuevas formas de consumir música? Porque habéis pasado por todo…

Yo creo que la verdadera fortuna de este trabajo está contar con el equipo adecuado. La clave de todo está en el trabajo de equipo. Si tu tienes un equipo de gente con el que tienes buenas sensaciones, que escuche la música y esté muy atento a lo que está pasando. Porque, por un lado, la música cambia todos los días. Y, por el otro, la música que se vende en las plataformas, muchas veces es diferente a lo que tocan los DJs del circuito. Porque, por ejemplo, si te fijas en el Top10 de minimal de Beatport, hay muy pocos DJs que estén tocando esos temas. Al final es una tienda y no solo compran DJs… PRESENTE Y FUTURO Tu sonido es una sana mezcla de techno y house… ¿Cómo haces tu selección musical?

Esto es algo a lo que estoy muy acostumbrado, desde los primeros años de mi carrera. Me gusta mucho escuchar música. Nueva, vieja, de diferentes géneros… Cuando escucho, encuentro cosas que me despiertan sensaciones y cuando preparo mis sets, intento conocer muy bien todos los tracks que voy a tocar. Así sé lo que quiero hacer y así sé si un track lo voy a seguir poniendo dentro de un mes o no. Y me gustaría hacer una aclaración: yo soy antes DJ que productor. Ser DJ y productor son cosas diferentes.

Como productor, uno tiene que seguir su instinto y una línea. El DJ, en cambio, es como un director de orquesta,

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que tiene al público delante. Tienes que hacer cosas para ese público, y aunque la base sea la misma, la cosa cambia de un club a otro, de una ciudad a otra o de un país a otro.

El DJ tiene que saber adaptarse. Con un track, puedes cambiar el ánimo de toda una pista de baile, de tu set, de todo y tienes que ser capaz de ver eso y tener los recursos para poder hacerlo. ¿Y en tus producciones? ¿En qué te inspiras actualmente? ¿Cómo es tu proceso?

Yo trabajo con un ingeniero de sonido, con el que comparto estudio aquí en Florencia. Lo cierto es que yo, como viajo todo el tiempo, no estoy mucho en casa, así que el espacio lo disfruta más él. Cuando estoy de viaje, hago mis cosas en Ableton, una idea, un sample o un groove, y se lo mando a él, que lo va trabajando en nuestro estudio.

Cuando vuelvo, terminamos todo en persona. Es un proceso en el que la idea es lo más importante.

Y, hablando de producciones a nivel discográfico, ¿qué tienes en el horno?

Estoy terminando un EP que va a salir a final de agosto, con un track para el que he pillado un sample bastante viejo, de un tema de hace 15 años, que me gusta mucho y vamos poco a poco. Luego estoy trabajando con un músico que se llama Ruwi, para un proyecto nuevo, distinto, con otro nombre y que espero poder sacar hacia final del año. Me encanta trabajar con músicos, especialmente en todo lo melódico… ¿Qué otros proyectos tienes para este 2020?

Más allá de los Deeperfect Events y Deeperfect School, y mis lanzamientos, lo más importante que tenemos ahora es que DPE, el subsello de Deeperfect para cortes más underground, está yendo realmente bien. Lo sacamos porque los releases de Deeperfect al año son limitados (24), pero hay cosas muy interesantes que nos llegan y se quedan fuera porque no hay sitio o porque el sonido es un poco más underground. Abrimos el subsello para dar salida a todos esos trabajos y crear una especie de cantera de talentos para el sello principal. Llevamos ya un año y la respuesta ha sido súper buena, la gente ya lo reconoce y hay muy buenas sensaciones. ¡Muchas gracias por tu tiempo, Stefano! ¡Un placer poder hablar contigo! ¡Muchas gracias!

Autor: ÁNGEL MANRIQUE

GROOVE ARMADA

Grove Armada han conseguido convertirse en una banda de referencia en la escena electrónica y dance internacional. Éxitos en Reino Unido, nominaciones a los Grammy o éxitos como ‘Superstylin’, ‘Song 4 Mutya (Out of Control)’ o ‘I See You Baby’.

El pasado mayo, tras más de 10 años sin publicar uån álbum, Tom Findlay y Andy Cato sorprendían con la publicación del primer single de este ‘Edge Of The Horizon’, ‘Get Out On The Dancefloor’, con la voz de Nick Littlemore, un viejo conocido de la banda, responsable de varios éxitos en su anterior álbum, ‘Black Light’.

Aunque Grove Armada han permanecido activos en los últimos años con DJ sets, actuaciones especialmente

seleccionadas y el recopilatorio ‘Twenty One Years’, el año pasado, la perspectiva del lanzamiento de un nuevo trabajo parecía improbable. Todo esto cambió cuando el dúo subió al escenario para actuar en el Boomtown Festival, donde fueron totalmente abrumados por la reacción de sus fans de siempre, al igual que el público que los escuchaba por primera vez.

Tras presentar los remixes de Joe Goddard y Krystal Klear, este mes de septiembre publican el álbum completo, que promete estar dando que hablar durante una temporada.

Hablamos con Tom Findlay, una de sus mitades, para que nos cuente en qué han estado metidos y nos destripe este ‘Edge Of The Horizon’.

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Bueno, en España tenemos un calor sofocante, así que estamos en caras opuestas de la misma moneda (risas).

Metiéndonos de lleno en la actualidad musical, vais a presentar próximamente ‘Edge Of The Horizon’, vuestro primer disco en 10 años. ¿Qué habéis estado haciendo durante este tiempo con Groove Armada?

Hemos estado haciendo muchos bolos, pinchando, sacando alguna cosa suelta en diferentes sellos como Hypercolour o Hot Creations… Después de ‘Black Light’, que fue el último disco que hicimos, que fue genial y es un disco que adoramos, pero es un trabajo que nos pasó mucha factura a nivel emocional y el tour que se hizo para ese disco fue todo un reto. Llegamos a un punto en el que nos hizo falta dejar a un lado esa rutina de viajar y producir, viajar, producir, viajar, producir. Y seguimos pinchando, pero también cada uno hizo cosas diferentes en su vida: Andy se metió en un proyecto de granjas sostenibles, que está llevando con mucha pasión; y yo me puse a estudiar para sacarme el título de terapeuta, que es algo que estoy disfrutando mucho. Así que hemos llenado nuestra vida con eso. Yo ahora ya soy terapeuta certificado, eso ha sido mi vida. Luego pensamos que sería un buen momento para regresar a la actividad y lo hicimos el año pasado, hicimos varias fiestas ya que era el 21 aniversario de nosotros como agrupación. Al final, una cosa llevó a la otra, disfrutamos con la banda, de volver a estar juntos y pensamos en dar el paso final y ver si podíamos componer algunos temas juntos. ¡Y así nos encontramos haciendo un nuevo disco! La verdad es que estoy contento con el resultado, a pesar de el momento duro en el que vivimos. Pero al menos tener que sacar esta música nos da algo diferente en lo que pensar…

¿Cuánto os costó componer este disco? Por lo que cuentas, debió de ser como un año, ¿no?

Sí, más o menos. Creo que lo empezamos a componer en otoño del año pasado, cuando nos juntamos a improvisar con la banda y empezara a explorar ideas. También había varios tracks del antiguo proyecto que hicimos en formato banda, que no habíamos usado, y a eso también le dimos una vuelta.

El disco lo terminamos en torno a mayo, pero bueno, ya sabes que hasta que no sale siempre le estás dando vueltas (risas)… Después de esto, tenemos más material, que estamos planteando sacar a modo de mixtape o 12”, enfocados a la pista de baile. Somos realistas, sabemos que la situación que vivimos se puede alargar, y durante ese tiempo crearemos más material para cuando podamos volver a ponernos delante de un público… ¿Qué nos puedes decir del concepto detrás del disco?

Es el disco más soulful que hemos hecho hasta ahora. Quisimos componer música como lo hicimos en ‘Black Light’, que tiene una narrativa de álbum. Hoy en día le tienes que dar a la gente una buena razón para que escuche tu disco, por lo que tienes que presentar un cuerpo de trabajos que sea atractivo en conjunto. Tiene varias influencias interesantes, así como colaboraciones, como la de Paris Brightledge, cantante de un track clásico; hemos vuelto a trabajar con Nick Littlemore…. también con James Alexander Bright. Va por ese camino, más soulful, más como yatch rock, un poco de ese sonido soul de Philadelphia. Es un disco muy luminoso, positivo, que compusimos antes de que toda esta crisis nos afectase…

Me imagino, aunque entiendo que los toques finales si han ocurrido durante la cuarentena, ¿no?

Sí, pero el espíritu y dirección del disco quedó definido antes de que todo estallase. Y obviamente el COVID es una tragedia, y seguramente quede todavía lo peor por ver, en términos de los efectos que tendrá en la sociedad, empleo y economía. Pero nosotros tenemos que ser positivos, ya que la vida sigue su curso. ¿Y del proceso creativo detrás? ¿Quién hace qué en el estudio?

Hoy en día casi todo se hace a distancia. Andy vive en el sureste de Francia, en una zona rural, cerca de los Pirineos. Yo en Londres, en un sótano (risas). Cada uno tiene su estudio, aunque como Andy se ha mudado mucho, por lo que su estudio es básico, pero es brutal. Por eso, cada uno compone por su cuenta – yo a veces invito a mi buen amigo Tim Hutton – y luego nos mandamos el material para que cada uno haga su aporte. El verano pasado estuvimos haciendo muchos festivales, por lo que Andy muchas veces venía a mi casa y estábamos unos días, intentando desarrollar ideas. Yo tengo un montón de sintetizadores clásicos, cosas de Roland, y para esto usamos un Juno 106, Jupiter 8, Oberheim Matrix

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Una vuelta esperada

Hola, Tom. ¡Es un placer teneros de nuevo en la revista después de tanto tiempo! ¿En dónde te pillamos ahora?

Pues justo estoy pasando el verano en Reino Unido, cerca de la costa. Normalmente vivo en Londres, en el norte de la ciudad, pero me he venido a Norfolk, en la costa este de Inglaterra. El tiempo es terrible, pero así es aquí siempre (risas)

1… usamos los mismos sintetizadores en todo el disco. Y eso lo hicimos en tres días muy intensos de trabajo. Luego lo dejamos estar y así fue evolucionado cada track. Lo que está genial de este disco es que tuvimos el tiempo de ejercitar nuestro musculo creativo y lo bueno es que cuando nos juntamos, seguíamos teniendo la misma química en el estudio.

Cuando estamos en mi estudio, hacemos ciertos arreglos, porque él es mucho mejor músico que yo, así que él experimenta un poco más. Pero al final nos complementamos.

Justamente, eso se nota mucho en el producto final, que es más cohesivo…

Exacto. Incluso al final, pudimos ir a mezclarlo a los estudios Miloco, en el sur de Londres, y nos llevamos a nuestro guitarrista y a nuestro batería, para tocar allí cuatro o cinco canciones, para poder tener también los instrumentos en directo. Eso da un toque muy orgánico y hoy en día es realmente fácil poder hacerlo. Al final, el patrón de percusión está programado por una máquina, pero el sonido es el tocado por un ser humano.

El disco tiene una interesante colaboración, con Nick Littlemore, un nombre que ya suena de vuestro pasado. ¿Por qué quisisteis trabajar con él de nuevo?

Fue bastante diferente que la vez anterior. La primera vez, con ‘Black Light’, pasamos más tiempo con él en el estudio, vino durante toda una semana y es que él tiene un espíritu creador tremendo, por eso es tan especial contar con él. Me encantó el proceso. En esta ocasión fue más complicado. Él vive en Australia, así que le mandamos un par de tracks, uno más para la pista de baile, parecida a la colaboración que habíamos hecho con él en ‘Black Light’, como para que rellenara los huecos; y otra totalmente nueva. Fue una experiencia menos colaborativa, pero nos encanta su voz y creo que añade un toque diferente a nuestra música, un poco punky y salvaje. Y eso nos funciona genial.

Habeís sacado algunos singles, como ‘Get Out On The Dancefloor’ y sus remixes, con Joe Goddard y Krystal Klear. ¿Por qué ellos? En particular, a Declan (Krystal Klear), porque su sonido no es tan cercano al vuestro…

Cierto. Aunque creo que también está bien contactar con productores a los que admiras, pero que igual no están en tu misma línea musical. Además, Declan es un artista que puede conectar mejor con una generación diferente a la nuestra, aunque él haga ese sonido ochentero disco tan característico. Su versión es fantástica y seguramente cuando llevemos el disco al directo, tome prestados varios elementos de su remix para nuestro live.

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También está el video del single, en el que aparece Rose McGowan, Sophie Ellis o Davina del Campo. ¿Cómo surgió la idea?

Lo cierto es que ya teníamos programado hacer ese video, y luego llegó el COVID-19. Así que nos encontramos en medio de la pandemia y con un video que rodar (risas). Nadie podía salir de casa, la compra te la traían, etc… No había posibilidad alguna de salir a grabar. Así que a nuestro manager, Nathan, tuvo la idea de usar contenido creado por nuestros fans y usuarios. Y empezamos a contactar con fans que nos siguen en las cuentas de redes sociales y nos dimos cuenta que Rose McGowan era una de ellas. También contactamos con varios TikTokers – no es lo mío, pero por lo visto tienen mucho éxito –, y fans. La verdad es que estamos muy contentos con el resultado.

Hablando de cuarentena, ¿cómo habéis llevado este confinamiento?

Creo que tanto Andy como yo somos conscientes de que somos afortunados. Yo lo puedo decir, porque no trabajamos en primera línea (aunque yo trabaje como terapeuta con la NHS, no es un trabajo de primera línea). Hemos tenido la suerte de poder pasar tiempo con la familia, con mis dos hijos – mi hijo tiene 17 y ya sabes como es esa edad –. Hemos estado bien. Y creo que la inquietud de toda la

industria es cómo vamos a poder seguir adelante mientras esté esta amenaza presente. Como podemos mantener clubes, festivales y todo lo que les rodea. Creo que eso me provoca más ansiedad que estar encerrado. Vamos a tener que adaptarnos a lo que venga. ¿Qué más os espera este año?

Bueno, el álbum sale en septiembre, todavía quedan por salir remixes así que eso es lo siguiente. Además, con este disco hemos creado toda una serie de tracks más downtempo, que no encajaban tanto con este trabajo, así que haremos algo con eso. Y también encontramos 40 minutos de grabaciones nuestras, de los últimos 20 años, nos pusimos un poco nostálgicos y que vamos a sacar junto a un la mixtape del material downtempo, seguramente gratis, para celebrar ese aniversario. También tenemos programados varios 12” enfocados en la pista de baile y esperemos poder volver a Ibiza y España a tocar en eventos, aunque sea solo al aire libre. En cierto modo nos sentimos más libres y creativos que en mucho tiempo. ¡Gracias por tu tiempo, Tom! ¡Gracias a vosotros!

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Autor: EDUARDO P. WAASDORP

FRA Un pilar de la electrรณnica

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Hay artistas que han marcado profundamente a la escena electrónica en nuestro país. Uno de ellos es Fra Soler. Conocido por todos como DJ Fra, es residente de uno de los clubes más respetados y longevos de nuestro país (Nitsa) y miembro de la organización de uno de los festivales más importantes de la escena (Primavera Sound). Fra es una institución en el clubbing de nuestro país.

El polifacético DJ, productor y jefe de contratación ha experimentado en su propia piel la historia de la electrónica.

Desde que empezase su trayectoria profesional con Nitsa en los 90, pasando por ser fundador del colectivo Touché, hasta la actualidad, comandando su propia fiesta, Fraternity, Fra ha sabido evolucionar y mantenerse como una verdadera institución en la escena de la Ciudad Condal.

Recientemente, Fra publicaba de nuevo, bajo uno de sus proyectos más queridos y reverenciados; Ferenc, junto a Maxi Ruiz. Siendo un proyecto fetiche de muchos, Ferenc ha dado auténticos cortes para el recuerdo, como su ‘Fraximal’ en Kompakt, sello propiedad de Michael Mayer, y que ahora vuelve a Nitsa Trax – sello que también administra – con un EP de título ‘Tonight’. Hablamos con Fra para preguntarle por todo esto y para recibir una auténtica lección de historia del clubbing de nuestro país. ¡Música, maestro!

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¡Hola, Fra! Es un placer tenerte en la revista. Vamos a empezar por el principio… ¿De dónde viene Fra? Fra es un mote que me puso mi grupo de colegas de la infancia… en tercero de párvulos.

Al final hasta los profesores me llamaban Fra, mis padres también. Es como me llamaba todo el mundo cuando me puse a pinchar. Y tampoco me puse un nombre cuando todos se buscaron uno…

El tema de los nombres artísticos es muy curioso…

A mí me encanta esta ola de DJs de lo-fi house que se pusieron nombres ridículos para sus alias artísticos. Gente como DJ Boring, DJ Senfield, DJ Bus Replacemet Service, DJ Central, DJ Sports… Y todos pinchan buena música. Es de genios.

Eres un artista polifacético, que además tiene un trabajo “diario” de mucha envergadura. Eres el jefe de contratación de Primavera Sound y Nitsa, además de Nitsa Trax. Tu relación con la organización viene de muy lejos…

En efecto. Casi desde que el Nitsa abrió en 1994 en la plaza Beethoven. En esa época estaba Sideral y Néstor (Mr. Almax) y la fórmula triunfó mucho. En el verano del 95, Sideral se quiso tomar unas vacaciones y nosotros habíamos ido al colegio juntos. Él sabía que teníamos un gusto musical parecido y me dijo que tanto él como Mr. Almax, ambos residentes, se iban de vacaciones y me pidió que si podía pinchar en Nitsa durante el mes de agosto. Yo, que había pinchado muy poquito hasta entonces, fui y estuve todo ese mes. La cosa funcionó muy bien y el dueño de Nitsa vio que en mí también tenía una persona en la que confiar, para estar en la cabina. Al principio me ofreció los domingos y estuve haciéndolos brevemente, yo y un invitado. Y seguí haciendo otras sesiones, hasta que me ofrecieron una noche al mes y llevar la programación.

Tiempo después eso se convirtió en todas las noches y el resto es historia.

Además, de esa época viene tu estrecha relación con una institución en la música electrónica: Michael Mayer y su sello, Kompakt. ¿Cómo surge todo esto?

A él le conocí en una Off Week, hace muchos años. El primer año que hicimos este Versus, durante la semana de Sónar, cada noche estaba dedicada a un sello. En aquel momento Kompakt no había nacido aún y Michael (Mayer) estaba en LADOMAT, como Forever

Sweet junto a Reinhard Voigt y Tobias Thomas, y nos hicimos muy amigos ese fin de semana.

En torno a ese momento, nació Kompakt, que fue una derivación de lo que se llamaba NTA, que sacó siete u ocho releases… Y en aquellos tiempos empezamos lo de Nitsa Recordings. A Michael le gustaban los discos, los pinchaba, se estrechó nuestra relación y cuando vi que no podía seguir con el sello por mis obligaciones con Primavera, me comentó que sería una pena que dejásemos de publicar como Ferenc y quería que lo que produjésemos, se lo pasásemos. Que si le gustaba, lo sacaba en Kompakt. ¡Y así fue! Además de eso, él ha seguido viniendo todos los años desde entonces, desde el 98, además de yo ir a pinchar a Colonia varias veces. Somos amigos, tenemos mucha afinidad y nos queremos mucho. Me alegro mucho de que fuese así porque es una persona magnífica y porque me dio la oportunidad de vivir muchísimas cosas a nivel profesional.

Metiéndonos de lleno en tu actualidad musical, lanzas nuevo release bajo uno de tus alias más queridos y respetados: Ferenc, junto a Maxi Ruiz, en Nitsa Traxx. ¿Qué nos puedes contar de este trabajo?

El proyecto, como sabes, empezó hace más de 20 años entre Maxi Ruiz y yo. Lo único malo es que no le hemos podido dar una continuidad, como quien se dedica especialmente a ello.

Ambos hemos compaginado producir juntos con nuestros trabajos – en el caso de ambos, Primavera Sound, él como jefe de producción –, además de nuestras vidas personales, por

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lo que no ha sido todo lo continuo que nos hubiera gustado. Pero siempre que lo hemos reactivado, lo hemos retomado con fuerza, producimos durante unos meses y vamos gestionando y puliendo eso.

Ahora vais a sacar ‘Tonight’, que ya se puede escuchar en Bandcamp y estará disponible en 12” a partir de septiembre. ¿Cuánto tiempo os costó producirlo? ¿Cómo es vuestro proceso?

Es un tema antiguo, del que se puede escuchar una versión demo en una de mis Boiler Room, en la segunda que hice a finales de 2015. Cuando lo subimos, mucha gente preguntaba cuál era, todavía estaba sin editar pero gustaba mucho. Después de idas y venidas quedó el tema suelto, con una versión más vocal y otra más dub, y nos pareció que tenía sentido sacarlo en el sello.

Vosotros, como agrupación, también desarrolláis un live muy interesante. ¿Estáis desarrollando alguna novedad en ese aspecto?

Creo que siempre hemos sido un buen grupo en directo. En los mejores momentos del grupo hemos llegado a tocar en Fabric, Rex, Berghain… siempre fueron buenos directos y con muy buena acogida. En general, creo que hay una falta de directos en electrónica y aunque nosotros nunca lo hemos dejado, siempre hemos estado controlados por nuestros proyectos y trabajos paralelos. Normalmente lo que hacemos es componer temas

y, luego, adaptar esas pistas al directo. En general creo que somos sólidos como artistas de directo y lo bueno es que es un proyecto que no tiene un final marcado. Seguiremos haciendo música, cuando podamos. Es un poco nuestro hobby artístico (risas).

También administras Nitsa Traxx. ¿Cómo nace este proyecto?

Nitsa Trax nace de lo que siempre me ha gustado, que es gestionar la música que encuentro de calidad y podérsela ofrecer a la gente. Esto en paralelo a producir. Así es como surgió originalmente Nitsa Recordings, el germen de Nitsa Traxx, que lo fundamos en 1998. Duró un par de años y lo tuve que dejar, básicamente por la exigencia de mis responsabilidades en la organización de Primavera Sound. Con el paso del tiempo, como en la estructura de PS se abrió una división discográfica, nos planteamos recuperar un sello electrónico y lo devolvimos a la vida con la etiqueta Nitsa Traxx. Para hacer un borrón y cuenta nueva. ¿Cuáles son los principales retos a los que os habéis enfrentado como sello independiente?

Sin duda, el descalabro de las ventas de música electrónica, que se ha perpetuado.

Hubo un momento en que la gente empezó a tirar de las promos que le llegaban… y de las que no, sin comprar la música. Y eso ha hecho mucha mella en sellos emergentes, pequeños y medianos, entre los que estamos nosotros.

La lucha es constante, pero hacemos lo que nos gusta y creo que los artistas que hemos sacado, gente como JMII, Daniel Kyo y su alias CØRE, Velmondo, la remezclas de Luigi Tozzi y Svreca son de locos… han hecho todos un trabajo súper variado e interesante. ¿Cuál crees que es el origen de ese descalabro en las ventas?

La crisis de 2008 fue sin duda la que más ha afectado a la industria discográfica. Yo trabajaba en una distribuidora mítica en Barcelona, en la que distribuíamos en España a Underground Resistance, Tresor, F-Communications… En su época, de un release en Axis de Jeff Mills, llegamos a vender 10.000 copias. Solo en España. Esos números ahora son impensables ahora. De ‘The Bells’ ya ni te cuento… En 2008, lo que supuso aquella crisis fue el fin de la clase media en el circuito electrónico, el fin de esos DJs que compraban música para pinchar cada fin de semana, en la que estábamos un montón de DJs. Después de

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2008 solo quedó una clase alta de DJs y una clase baja, que lucha a diario. Esto pasa mucho con los nuevos artistas y para poder pasar de una clase a otra, hay un desequilibrio que creo que está muy alejado de los principios de la cultura electrónica.

Cambiando de tema, una de las cosas que ha vivido más auge durante la crisis sanitaria que vivimos, ha sido el tema de streamings de sesiones en directo. ¿Tu cómo ves este tema?

Bueno, yo hice un streaming y desde Nitsa hicimos una serie de ellos. Es una herramienta que tiene un coste y a la cual es muy difícil sacarle un retorno. Uno no puede sustituir de la noche a la mañana un negocio formado– que es un club donde traes DJs, tienes a gente contratada, etc –, por una plataforma de streaming, que se disfruta como se disfruta.

Ya había proyectos de este tipo anteriormente y uno no puede convertirse en Boiler Room o Cercle de la noche a la mañana. Además, soy de la opinión de que la experiencia de club no se puede sustituir. Dicho esto, no soy contrario a usar la herramienta de los streamings, pero como un complemento, con un aporte diferente.

Como decías, trabajas como encargado de contratación de Primavera Sound y también de Nitsa…

En efecto. Tenemos dos equipos geniales de gente en cada entidad. En Primavera el equipo es un poco más grande, hay más gente implicada, en la estrategia participan más y yo soy el que ejecuta esas directrices, junto con mi equipo. En ambas organizaciones trabajamos con mucho diálogo, mucho análisis. Por ejemplo, en el caso de Nitsa/Astin, al ser la ampliación relativamente reciente, esto ha requerido mucho trabajo y aprendizaje, de cómo hacer funcionar estos dos espacios juntos. Estábamos muy contento de la línea que llevábamos y hacia donde estábamos yendo. Y justo llegó lo del COVID, que aunque nos haya hecho bajar una serie de escalones, esperamos pronto poder volver a subirlos.

Ha sido todo un frenazo…

Es que habíamos encontrado un poco la fórmula, de cómo combinar la programación de Nitsa y Astin, con qué frecuencia y cómo ejecutarla. Lo antes que nos dejen volver, intentaremos seguir consolidando eso.

También te quería preguntar por un detalle de tu trabajo como jefe de contratación

de Primavera Sound que creo que es muy interesante. Hace un año empezasteis con la idea de hacer un cartel totalmente paritario y lo habéis conseguido tanto el anterior, como el pospuesto de este año…

Ya en 2018 estuvimos muy cerca de hacerlo, casi sin querer y en 2019 intentamos que lo fuera de verdad. A nosotros nos encantan artistas tanto femeninas como masculinos, por igual, y esta era una manera de hacer un gesto que enseñe al resto que se puede. ¿Fue realmente difícil hacer esto? Porque vuestro cartel tiene más de 200 artistas…

No fue nada difícil. Si ves los años anteriores, nosotros siempre hemos estado cerca de eso.

Pero no lo habíamos conseguido. Fue simplemente proponérnoslo, lo que teníamos claro fuimos a por ello, pero en lo que teníamos dudas, dentro de lo que nos gustaba, intentamos hacerlo lo más diverso y equilibrado posible. Con naturalidad. También he de decir que la industria, en si misma, no es paritaria.

Y aunque no podamos controlar cosas como los discos que salen o cómo se promueven los artistas, etc., nosotros tenemos un gusto lo suficientemente amplio y variado para plasmar lo que nosotros consideramos que debería ser la nueva normalidad. Creo que si la industria consigue avanzar hacia esa paridad, el resto de festivales verá que no es tan difícil programar así. No es obligatorio, como festival o entidad, tener una responsabilidad social.

Pero creo que si tu posición te permite ayudar, es positivo ejercer esa opción.

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Cambiando de tema, sabemos que no solo programas para Primavera y Nitsa, ya que organizas tu propio evento: Fraternity. ¿Qué nos puedes contar?

Esto fue una idea que se me ocurrió para conciliar mi vida personal con mi vida de DJ. Soy padre de dos niños y es muy difícil que después de tantos años yo pueda seguir pinchando todos los viernes y sábados. Sentí la necesidad de reducir mis sesiones en el club y echaba de menos pinchar al final de la sesión. Al principio de Nitsa podía hacerlo más, porque los horarios eran más flexibles, pero la cosa cambió y los horarios se endurecieron.

Además, empezó la tendencia de los DJs invitados a querer cerrar y eso hizo que los cierres ya no fuesen, casi nunca, tarea del residente.

Estas cosas se unieron y por eso quise hacer una noche un poco más especial, conmigo como anfitrión de la noche, e invitando a un DJ afín a pinchar conmigo, organizándonos bien sea b2b o turnándonos, construyendo la sesión entre los dos. Es la noche en la que yo puedo ser más yo. La verdad es que ha funcionado muy bien, ha crecido muchísimo, incluso ahora nos representa la agencia internacional Sweat Lodge, que cree mucho en el

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proyecto. De momento está todo parado por el COVID-19, pero volveremos con fuerza cuando podamos.

¿Crees que la crisis del COVID-19 puede devolver a los residentes a un rol prominente?

Es difícil. Es complicado para un residente tener un lanzamiento que le propulse, aunque hay veces que ocurre. Hay muy pocos y es algo que depende de muchos factores, porque al final hay que salir más allá del club. ¿Alguna reflexión final?

Mi único deseo es que la pandemia pase pronto y nos permita volver a la vida que teníamos antes. Que aunque a veces nos quejásemos, estaba muy bien. Yo lo único que quiero es poner música y que la gente baile. Da mucha pena que este paréntesis se esté alargando tanto. ¡Muchas gracias por tu tiempo, Fra! ¡A vosotros, todo un placer!

Autor: EDUARDO P. WAASDORP Foto: SANDRA POINTET Artworks: DARIA MECHKAT

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La música latina está en un momento interesante. Las propuestas que llegan desde el continente sudamericano están deslumbrando al mundo de la música occidental, que se encuentra en un momento de búsqueda de nuevos referentes. Esto ocurre en el pop, en la música urbana, en la electrónica… y en definitiva en todos los géneros.

hemos visto como diversos y reverenciados selectores musicales, en todo el mundo, han estado explorando las posibilidades que brindan los sonidos clásicos latinos en sus sets y como esto ha evolucionado en una serie de artistas creando un nuevo sonido, tropical, que en estos momentos inunda las playlists de medio mundo con esas propuestas tan interesante

Esto queda evidenciado en el surgimiento de una nueva amalgama de proyectos, que buscan fusionar la vanguardia musical con esos pedazos de folklore, que conectan a los autores con sus tierras de origen. Ya

Y justamente así es como surge el proyecto que les presentamos a continuación. Acid Coco (Paulo Olarte Toro y Andrea Olarte Toro) es un dueto colombiano que presenta su magnifico debut en El Palmas Music, sello

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afincado en Barcelona que nos ha traído la música de grandes autores, como los venezolanos Ángel Rada o Daniel Grau. Ahora, después del gran release en 7” de El Dragón Criollo, nos trae el debut de Acid Coco, una propuesta variada, colorista, exuberante a nivel sonoro, y que busca traer un pedazo de la música colombiana a los oídos de Europa y el mundo.

nuestro carácter. Gracias a ellos aprendimos a dormir al ritmo de los tambores, ya que las reuniones y fiestas de amigos eran algo común en nuestras casas.

Y, como decíamos, cada uno desarrolló su carrera por separado… Paulo, más en la música electrónica y en la producción; y Andrea más en el canto y el trabajo vocal. ¿En qué momento surge la confluencia y se convierten en Acid Coco?

Eso fue una casualidad que ocurrió en 2016, aunque todo empezó en Todo empezó en 2009, cuando Andrea vivía en Miami. Entonces, Paulo descubrió que cantaba y un tema que ella había escrito le conmovió y quedó el interés por hacer algo juntos. Volviendo a 2016, Andrea fue a Ginebra ese verano y después de paseos, en los lagos, ríos, con cervezas frías (risas), de muchas cervezas frías, tres días antes de que se fuera nos metimos en el estudio y compusimos un tema. En dos días terminamos haciendo 14, que fue el comienzo en el que dijimos “podemos hacer algo y lo hacemos bien”. De esos 14 han sobrevivido dos, ‘La Chancla’ y ‘Me Voy’, que es un son montuno.

Hablamos con Paulo y Andrea sobre los orígenes de la formación, qué vamos a poder oír en su LP debut ‘Mucho Gusto’, su genial proceso creativo, además de recibir una clase magistral sobre historia musical de Colombia y Latinoamérica. ¡Música, maestros!

¡Hola, Andrea! ¡Hola, Paulo! Es un placer tenerles en la revista. ¿Dónde os encontráis ahora?

Andrea: ¡Yo en Berlín!

Paulo: Yo estoy en Ginebra, Suiza. ¿Cómo estáis en medio de esta situación?

Paulo: Aquí en Suiza lo manejaron todo muy bien. Desde que levantaron la cuarentena, todo ha vuelto a ponerse en marcha con normalidad. Hasta el 6 de julio no fueron obligatorias las mascarillas, creo que es algo que hicieron para equipararse con el resto de Europa.

Andrea: En Berlín, incluso cuando cerraron todo, fue todo voluntario. Se abrió todo relativamente rápido, no hubo medidas extraordinarias, los bares ya están abiertos, aunque no discotecas y clubes. El protocolo para el seguimiento está también, aunque al aire libre puedes hacer lo que quieras, y muchas fiestas se están haciendo al aire libre, aunque sea prohibido. Estuvo relativamente suave, Alemania fue de los países que lo ha controlado bastante bien desde el principio.

Suiza ha sido el primero en abrir ocio nocturno sin restricciones, ¿no?

Paulo: Sí, aunque sí hay algunas restricciones de capacidad y con algunas medidas de seguimiento. Cuando vas a un club tienes que dejar tu nombre y tu teléfono, hay un protocolo de protección dado por el estado, aunque yo creo que lo hacen solo por cubrirse las espaldas. Al final, aunque la gente lleva mascarilla, uno no sabe si esa persona ha llevado esa mascarilla desechable 100 veces…

Vamos a cambiar de tema y meternos de lleno en vuestra actualidad musical. Está apunto de salir vuestro álbum debut como Acid Coco, que se publicará en octubre, del que ya hay varios singles y un genial video.

Cada uno, por separado, ha desarrollado su carrera en diferentes aspectos de la música, hasta ahora que os habéis unido…

Hemos empezado a descubrir nuestro origen común, que está muy ligado a la música, porque tenemos unos padres que siempre nos inculcaron la música como algo muy especial. No despreciaban ningún estilo musical y eso formó

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¿En qué parte de Colombia se criaron?

Fue en diferentes ciudades. Nacimos en un sitio, nos criamos en otros… Somos una mezcla de diferentes sitios de Colombia, hemos vivido en muchos lugares. Somos ciudadanos universales. Pero nuestras principales influencias vienen de Cali y Bogotá. ¿Y cuáles fueron esas influencias?

La influencia musical que tenemos es muy vasta, viene de todas partes, no discriminamos ningún genero. Luego está el hecho de que Paulo se fue de Colombia siendo muy pequeño, en una edad en la que no se le pregunta a un hijo si se quiere ir o no del país. Eso provocó que durante los años de la infancia, que estuvieron viviendo fuera,Paulo se aferrase a la música colombiana como una forma de mantener una identidad. Al regresar a Colombia, la música tropical, como en toda Latinoamérica, forma parte de la vida diaria: en el taxi, en el bus, en las tiendas, los mercados… Así no te guste, la conoces toda y la puedes bailar toda, porque has crecido con ella.

Y, ¿cómo describirían esta escena musical en Colombia?

La escena de Colombia está en un excelente momento.

Desde siempre han ocurrido cosas interesantes, es parte de la cultura. Había un intercambio caribeño, con países como Venezuela, Panamá, México, las islas, Ecuador o Perú.

Con la cumbia llega el fenómeno global, que llega desde la Patagonia hasta Alaska. Fue la época de (Discos) Fuentes, de otros sellos que tuvieron su momento, y luego viene un parón, que llegó con la era del rock. Con el rock en español la preminencia se la llevaron países como Argentina, Chile o México y a principios de los 90, con Carlos Vives y Shakira, de repente Colombia se vuelve un foco mundial de la música. Era algo que no había pasado anteriormente. Colombia, hasta ese momento, el intercambio cultural musical más grande lo había tenido directamente con África, a través de los puertos se intercambiaban discos con países como Senegal, Camerún o Congo. Eso hizo surgir géneros como la champeta, por ejemplo. Pero la escena nacional, como tal, quedó un poco enterrada, al no ser algo que tuviese una salida comercial muy grande en ese entonces.

Con Carlos Vives y Shakira la gente empezó a mirar hacia Colombia y llegaron Los Aterciopelados (banda de rock alternativo colombiana, liderada por Andrea Echeverri y Héctor Buitrago). Ellos fueron la primera banda colombiana en conseguir el éxito que ya habían conseguido bandas argentinas, chilenas o mexicanas.

En los 2000, entre ese año y 2010, empezaron a surgir muchas cosas nuevas, muchas mezclas con música electrónica, la gente empezó a mezclar techno, house, drum & bass, entre otros, con música tradicional, pero elaborando aun un camino. Era todavía una búsqueda. Y en 2010 llegó el segundo boom colombiano, que se dio con Bomba Estéreo, por un lado, y con Sistema Solar, por otro. Desde entonces, han surgido muchas propuestas interesantes y en este momento es cuando están saliendo más proyectos de colombianos que viven fuera de Colombia. Gente como Combo Chimbita, en Nueva York; o como algunos proyectos que Paulo ha montado con otros músicos colombianos en Ginebra. Ese tipo de experiencias enriquecen mucho y reconectan con nuestra gente colombiana. Esos momentos de reunirse, tomarse unas chelas, experimentar y hacer música, es algo que no habíamos vivido. Particularmente Paulo – que tiene una exitosa carrera como productor de música electrónica en Europa, pero siempre en solitario – valora mucho esto, porque es como traer un pedazo de Colombia a Europa.

¿Y de ese momento a la grabación del disco? ¿Cómo fue el proceso?

Después de ese primer encuentro con Andrea, Paulo la llamó tiempo después, y le dijo que se montase en un avión para terminar de grabar el resto del disco. Voló a Ginebra y en 10 días, más o menos, sacamos el resto de temas e hicimos la selección para este disco. Las cosas fluyeron bien rápido.

Hablando ya del disco, que se llama ‘Mucho Gusto’, y que va a salir en El Palmas Music, quería preguntaros por los detalles concretos, porque hay toques de todos los estilos: rock, balada electrónica, hip-hop; ‘La Chancla’, que es inclasificable… Está muy presente el folklore colombiano… ¿Teníais alguna referencia en mente a la hora de crear este disco?

La verdad es que no. Este disco tiene un sonido especial porque cuando empezamos a tocar, la guitarra de Paulo no estaba disponible y le prestaron una Gibson Les Paul clásica, que pesaba como 14 kilos, con un sonido rockero, muy gordo, especial y grave. Lo que él llevaba por dentro salió solo, al empezar a tocar, y hubo ratos de cumbia, de champeta, el techno-merengue, baladas hip-hop, salsa, son montuno… Era algo que fluía solo, sin pensar mucho de donde iba.

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El caso de ‘La Chancla’ es una champeta y nunca lo pensamos así. Estábamos en el estudio, hacía mucho calor y se habían acabado las cervezas. Así que fuimos a por más y al cerrar la puerta del apartamento y ponernos las chanclas, a Paulo se le ocurrió la línea de bajo y empezamos a tararear ‘La Chancla’… y así estuvimos cantando ‘La Chancla’, mientras estábamos en la tienda, pagando y todo (risas). Cuando llegamos a la casa, Paulo grabó el bajo, montamos el beat y dos horas después estaba listo. Fueron procesos muy espontáneos, sin una influencia especifica, sino más bien de mucha gente y muchos estilos, de forma inconsciente.

La costa del pacífico colombiano es un centro importante de música y folklore en Colombia. ¿Hay alguna influencia de la música típica de la costa pacífica en el disco?

Hay mucho, por supuesto. Especialmente por nuestro origen caleño. Cali es una ciudad que está a una hora de la costa pacífica, la población en su mayoría es afrodescendiente… Así que muchos de los que somos de Cali también tenemos sangre negra.

Al oír vuestro disco, es inevitable pensar en ciertos matices, que recuerdan a clásicos colombianos como Fruko y sus Tesos o El Combo de los Galleros. ¿Cómo puede un sonido que fue creado a mitad del siglo pasado ser compatible con la música que se hace en 2020?

Es que es música que nunca dejó de existir y evolucionó por su cuenta. Y un factor que es clave: Latinoamérica estuvo demasiados años bajo la influencia directa de la cultura estadounidense, de la que poco a poco nos hemos ido liberando, pero seguimos estando muy adoctrinados. Es una teoría propia, pero el artista blanco estadounidense, durante años, intentó mantener esa primera posición en la música. Y lo logró durante mucho tiempo, de buena o mala manera. De hecho, cuando llegó el género disco, esa prominencia dejó de ser tan fuerte. Pero con la llegada del hip-hop ya no hubo nada que se pudiera hacer para detener el avance de la música negra.

Eso también ayudó a que en otros lugares del mundo, y en otros momentos, la gente empezase a darse cuenta de que ese legado es motivo de orgullo y no un motivo de vergüenza. En Latinoamérica la gente siempre ha intentado parecerse a EEUU, porque nos inculcaron que ese era el modelo a seguir. Es una doctrina que ha prosperado por la falta de educación y de medios de

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superación. Nuestros países han sufrido mucho por esa carencia. Se nota que, en la actualidad, las nuevas generaciones están muy orgullosas de quienes son y de sus orígenes.

Como decíamos, el disco sale en El Palmas Music, sello que ya ha dado varias joyas, como los discos de los maestros venezolanos Ángel Rada o Daniel Grau, o el 7” de El Dragón Criollo (uno de los alias de Paulo). Ahora presenta este ‘Mucho Gusto’, vuestro disco debut. ¿Cómo surge vuestra relación con El Palmas?

Sabemos que os une una bonita amistad con su dueño, mi compatriota, el venezolano Maurice Aymard…

A Maurice le conocemos desde hace 15 años, de su época administrando Galaktika. En torno a 2005-06 contacta con Paulo, que ya había sacado cosas de música electrónica en sellos alemanes. Le pidió que le mandase tracks para Galaktika y el contacto se mantuvo con los años, siempre con muy buen rollo. Como sabes, entre latinos nos juntamos y nos entendemos inmediatamente, y hubo muy buena onda. Con Galaktika la relación termina en 2016, cuando Paulo sacó el disco ‘El Escándalo De Tus Ojos’, muy electrónico, pero también muy latino, con vocales en español…

Y lo cierto es que desde los comienzos de Acid Coco, Maurice ha estado detrás de nosotros, con muchas ganas de publicarnos el trabajo. Fue entonces cuando acordamos sacar el 7” de El Dragón Criollo/La Jungla (alias de Paulo), para que hubiera una pequeña transición entre un disco tan electrónico como el de Ángel Rada, y uno tan tropical como el de Acid Coco.

Finalmente, el single para ‘Yo Bailo Sola’ salió recientemente y ya está en algunas de las playlists más importantes en diferentes plataformas, como Spotify o YouTube, con números bastante decentes.

Justamente, os queríamos preguntar por ‘Yo Bailo Sola’, el single que acabáis de sacar, que viene con un mensaje de empoderamiento y feminismo potente…

Lo que ha ocurrido con esta canción es muy curioso. La letra la escribió Paulo, hace un año, en un cuaderno de notas que tiene para apuntar ideas, pensamientos, etc. y esa letra estaba pensada para una cumbia. Está escrita en primera persona, inicialmente desde la perspectiva de un hombre, que cuenta lo que le dice una mujer. Con la cumbia pasa algo interesante, porque la cumbia es un baile de cortejo, en el que no hay un contacto físico – a diferencia de lo que se piensa hoy en día –, que surgió entre los esclavos e indígenas. La inspiración de este track viene de esas viejas cumbias de los años 50, de Pacho Galán o Lucho Bermúdez, de poesía campesina, donde describe donde están, las tradiciones, lo típico del lugar… Y al ser Andrea la que canta, la canción tomó un rumbo totalmente diferente, con ese mensaje de empoderamiento, especialmente con estrofas como “si yo bailo sola/todos vamos a gozar”. Otra parte también habla de “yo te voy a enseñar/que tú no tienes que acosar”. Acosar es una palabra negativa y es algo que pasa realmente en el baile, que hay hombres que piensan que porque una mujer baile con él, ya está dando pie a otras cosas. El baile es el baile, y lo demás es lo demás.

Uno bailando puede tener mayor o menor contacto

físico, pero eso no significa nada más allá, a no ser que exista una atracción por las dos partes. Uno puede tocarse mientras se está bailando, pero no tiene una connotación sexual. Como tú sabes, en Latinoamérica bailamos porque es parte de nuestra cultura. No es un tema feminista, pero si que es una canción de empoderamiento, de la fuerza y el respeto que debe significar ser mujer. Ambos somos padres – Andrea tiene dos hijas y Paulo, tres – por lo que sabemos a lo que se enfrentan las mujeres en este mundo.

Dentro de poco va a salir el video del segundo single, ‘El Amor De Mis Amores’, dirigido por Gabriel Bonnefoy y con la dirección artística de Daria Mechkat. ¿Qué nos pueden contar?

Maurice (Aymard) siempre quiso hacer un video de alguno de los temas del álbum. Desde el principio quería que tuviera la presentación adecuada y quería hacerlo con todo el esmero. Estuvimos viendo la idea y Daria Mechkat (que es la esposa de Paulo), aportó las ideas y se discutió con el director, Gabriel Bonnefoy. Nos juntamos, hicimos el video y el resultado se verá pronto. Creo que es la intención de todos la de posicionar la banda como un referente del sello. El formato video es una forma genial de presentar a una banda y a un álbum que viene muy interesante, que va a tocar a mucha gente.

Finalmente, Andrea, Paulo, ¿tenéis algún otro proyecto planeado para este 2020?

Estamos los dos metidos al 100% en Acid Coco, aunque Paulo sigue con El Dragón Criollo y está metido en un proyecto que se llama Contento, con el artista colombiano afincado en Barcelona, Sano. De esto, saldrá un trabajo de salsa-punk, que se editará también en El Palmas Music. Además, Paulo también está desarrollando una banda que se llama Jaguar, en Ginebra, con otros músicos colombianos, centrado en la música caribeña.

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Ver video

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CONSTANCIA, ENERGÍA Y CALIDAD Oscar L llega a las páginas de nuestra revista este mes de agosto. El DJ español, que cuenta con más de 10 años de experiencia a sus espaldas, es uno de los artistas más interesantes de la escena.

Su particular sonido, su constancia en el estudio y su energía inagotable en cabina le han hecho convertirse en una auténtica referencia del panorama house y tech house, llegando así a pinchar en algunos de los mejores clubs y festivales nacionales.

L

La calidad de sus sets ha llamado la atención de los mejores sellos discográficos; desde Suara a Toolroom o Stereo Productions. Hasta Drumcode, el sello del gran Adam Beyer, donde acaba de publicar ‘Dark Fate’, uno de sus últimos releases y sin olvidar Knee Deep In Sound, de Hot Since 82, sello en el que tiene previsto el lanzamiento de su nuevo EP el próximo mes de septiembre.

Desde DJ Mag España nos hemos sentado a charlar con él y nos ha contado más acerca de ‘Dark Fate’, su reciente release en Drumcode, y de cómo ha sido recibido el release. Además, también le hemos preguntado cómo ha vivido él el confinamiento, cuál es su perspectiva del futuro más inmediato de la escena musical y hemos querido saber más acerca de sus nuevos proyectos. Nos ha dejado caer alguna pista acerca de próximas colaboraciones con grandes productores,… ¡Una interesante charla con un artista de pies a cabeza! Disfrutadla.

Autor: PATRICIA PAREJA CASALÍ

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Hawtin fueron los primeros artistas de los que fui tomando referencias, una mezcla de estilos un poco rara para la época, pero engeneral, porque nunca dije “wow me flipa este artista”. ¡Hablemos de tu reciente lanzamiento en Drumcode, por favor! Cada año artistas de diferentes lugares consiguen captar la atención de Adam y su sello Drumcode gracias a su talento. Esta vez has sido tú y te felicitamos por ello, ¡eres de los pocos españoles que ha lanzado algo suyo en el sello de Beyer! Cuéntanos; ¿qué se siente? ¿Podías imaginar que ese iba a ser el destino de 'Dark Fate'?

Es una gran suerte poder trabajar con Adam y su sello Drumcode, aunque la verdad ya llevo bastante tiempo lanzando trabajos para su sello hermano Truesoul. Son ya 3 EP triples y una remezcla a Andrea Oliva para este sello, y trabajando con todo el equipo que conforma la familia Drumcode.

¡Hola Oscar! Es un placer sentarnos a charlar contigo justo ahora que acabas de debutar en el sello Drumcode del gran Adam Beyer, ¡casi nada! ¡Enhorabuena! Cuéntanos, ¿qué tal te encuentras? ¿Cómo llevas la nueva normalidad tras el confinamiento?

Hola Patricia, ¡muchas gracias! La verdad es que la “nueva normalidad” está siendo demasiado tranquila para mí. Estoy haciendo un poco de ejercicio, trabajando sin presión ni prisas en el estudio, ahora también un poquito de playa,…

La verdad es que no puedo quejarme. Aunque sinceramente espero que todos podamos volver a trabajar en lo que nos gusta cuanto antes.

Llevas ya muchos años en el mundo de la música electrónica, ¡eres todo un referente a nivel nacional e internacional! ¿En qué momento empezaste a sentir curiosidad por este mundo? ¿Cómo te iniciaste en él?

Desde siempre me ha gustado escuchar música en la radio y descubrí la electrónica de la misma manera, escuchaba varios programas de radio por la noche que ponían progressive y techno, me atrajo mucho la energía de esta música y cómo mezclaban las canciones. Después conocí a un chico en unas clases de informática -¡hace ya mucho tiempo! (risas)- que tenía sus platos, mesas de mezclas y vinilos y gracias a él pude ir aprendiendo a mezclar. ¿Cómo ha sido la evolución de tu proceso creativo a lo largo de los años? No nos cabe duda de que desde tus inicios has recibido grandes influencias pero… ¿Qué artista y qué sellos han sido claves en tu desarrollo como DJ? Desde el principio escuchaba bastante progressive, trance, techno y house. Paul Van Dyk, Armin Van Buuren o Richie

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Cuando terminé 'Dark Fate' no estaba pensando en Drumcode ya que este track se separa un poco de la línea que ellos lanzan, es un poco mas melódico de lo que acostumbran a tener en su catálogo, pero decidí mandárselo a Adam junto con otros 3 tracks más y pensó que podría ser una buena manera de presentarme en Drumcode. ¿Qué nos puedes contar acerca del track? ¿En qué te inspiraste? Nos intriga saber si buscabas transmitir algún sentimiento en concreto cuando lo componías…

Me inspiré en la banda sonora de Terminator, tiene un par de giros melódicos similares que siempre me gustaron y nunca fui capaz de integrar en una producción y esta vez me quedaron bastante bien. No buscaba transmitir ningún sentimiento en concreto, o todavía no he averiguado qué es exactamente lo que me despierta a mí, pero lo que sí buscaba era tener un tema de transición para ir desde tracks mas melódicos a otros más techno sin que el salto fuera demasiado brusco.

El próximo mes de septiembre, además, lanzarás un nuevo EP en Knee Deep In Sound. No eres nuevo en el sello de Hot Since 82, ya debutaste con 'Fearless' el pasado año 2019. ¿Qué nos puedes contar acerca de este nuevo EP? Este nuevo release consta de dos tracks, son un poco más progressive de lo que estoy acostumbrado a hacer últimamente pero son tracks que sí uso en mis sets para ir de un ritmo o estado de ánimo a otro, y por eso siempre me gusta hacer cosas diferentes.

Me encantan los releases que tiene Knee Deep, además de la buena relación que tengo con Daley (Hot Since 82), por lo que se me hace muy fácil querer trabajar con ellos. ¿Qué sensaciones tienes acerca del futuro de este nuevo release en Knee Deep In Sound?

Creo que será un buen release, lo tienen un par de personas nada más y ha salido en un podcast de Chus y Ceballos, ya sabes que son grandes amigos y con los que trabajo muy estrechamente desde hace muchos años en Stereo, por lo que siempre tienen mis tracks entre los primeros.

Ya han escrito un par de artistas grandes que no quiero nombrar preguntando por esos tracks (risas).

Por si esto no fuera suficiente, también sabemos que viene en camino un nuevo EP en Kenja, el sello de Ronnie Spiteri, y además incluye un remix del mismísimo Alan Fitzpatrick. A pesar de lo extraño y duro -para algunos- que está resultando este 2020… ¡parece que a ti te está sentando de maravilla! Cuéntanos más acerca de este próximo lanzamiento en Kenja. ¡Si! La verdad es que han salido cosas muy interesantes en el estudio. Es todo un privilegio poder contar con un remix de un artista top como es Alan en este release. Alan y Ronnie son muy amigos y cuando Ronnie me lo comento no lo dudé. Conocí a Fitzpatrick hace un par de años en Ibiza porque estaba pinchando mucho varios temas míos y, desde entonces, hablamos de vez en cuando. Cuando surgió esta oportunidad me alegré mucho.

Nos alegra enormemente saber que este año te va todo rodado y esperamos que así continúe para ti. Ciertamente, la escena musical ha recibido un duro golpe tras la pandemia y el consecuente confinamiento. ¿Cómo ves el futuro más inmediato del mundo de la escena electrónica tras este forzado parón?

Va a ser muy duro y mucha gente se va a quedar en el camino, ya que un parón así hace que te replantees muchas cosas y entre ellas si merece la pena tanto esfuerzo para que luego llegue un virus y seamos los últimos en poder volver a la normalidad. Es totalmente comprensible que seamos los que tenemos que volver a la “normalidad” en última posición porque es donde más interacción humana tenemos -cuando desempeñamos nuestro trabajo en fiestas o festivales-, pero no hemos recibido ninguna ayuda para los que vivimos de esto y me parece muy triste que no se considere este sector como cultura.

Mientras me preparaba esta entrevista he indagado un poco en tus redes sociales y sólo he podido ver que tu próxima actuación está prevista para el 24 de octubre, en The Steel Yard Nightclub en Londres… y algunas publicaciones tuyas anhelando nuevas actuaciones. ¿Cuándo volveremos a verte en cabina? ¿va a ser la fecha en Londres tu primera reaparición tras la pandemia? ¡Pues, sinceramente, espero que sea antes! Hay varias cosas que se están planteando para septiembre pero, honestamente, no me apetece ir a tocar a un lugar donde la gente está en mesas, con un volumen bajo y sin poder bailar. Prefiero esperar un poco más y que todos podamos volver a disfrutar una fiesta y un DJ set como se merecen.

Sabemos que andas tramando grandes colaboraciones con productores reconocidos… ¿Hay algo que nos quieras revelar acerca de esto? ¡Mójate!

(Risas) ¡Sí! Hay un par de colaboraciones en camino bastante interesantes, prefiero no decir todavía los nombres porque una de ellas todavía no está terminada y vamos sin prisa, pero creo que la combinación de ambos estilos va a ser algo destacable.

Eres un DJ joven pero con mucho, mucho recorrido y experiencia. Por ello, me gustaría hacer un pequeño ejercicio contigo.

De entre tus tracks, ¿podrías decirme: • ¿Cuál es tu track favorito?

Oscar L – Unique • ¿Cuál es el track que más carga sentimental contiene?

Oscar L – Fearless (sin duda) • ¿Cuál ha sido el track más difícil de componer? ¡Creo que estoy ahora mismo haciendo ese! (risas) • ¿Cuál es el track que mejor funciona en la pista de baile?

Chus & Ceballos - All I Want (Oscar L Remix) En cuanto a tus preferencias, ¿cuál ha sido tu lugar favorito en el que has tenido oportunidad de pinchar?

Un lugar increíble donde toqué fue en Cloud9, un iglú en lo alto de una montaña en Austria. ¿Hay algún festival o club en el que sueñes pinchar algún día y todavía no lo hayas hecho? ¡Awakenings! ¿En qué sello no has colaborado todavía… pero sueñas con hacerlo algún día?

Me gusta mucho Rekids y tengo en mente mandarles algo.

Sería de locos que, después de saber todo lo que tienes preparado, todavía tuvieras más cosas con las que sorprendernos, pero dinos… ¿Qué podemos esperar de Oscar L en los próximos meses? ¿Hay algo que no nos hayas comentado? ¡Mójate!

Estoy trabajando en un nuevo seudónimo a través del cual quiero lanzar música un poco más especial, no tan enfocada al club sino para escucharla en casa, creo que puede quedar muy bien y estoy dedicándole algo de tiempo. Si todo va bien, antes de que acabe el año podré presentarlo.

¡Gracias por tu tiempo, Oscar!

Ha sido todo un placer, ¡muchas gracias!

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LA CREATIVIDAD COMO FORMA DE VIDA

HIDDN Autor: PATRICIA PAREJA CASALÍ

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HIDDN, DJ y productor musical desde hace ya varios años, ha llegado este mes a las páginas de nuestra revista.

Para quienes todavía no le conozcáis, ¡os lo presentamos! Este artista de pies a cabeza ha sido el Ghost Producer de muchos grandes DJs desde hace varios años, incluyendo artistas que se mueven en la lista del mismísimo Top100DJs. Muy respetado por grandes como Hardwell, Tiësto o el mismo Armin Van Buuren -en cuyo sello ha lanzado ya varios trabajos-, HIDDN se ha abierto paso en este difícil mundo que tanto amamos, el de la música, y aunque tan solo lleve pinchando tres años -desde 2017-, ya ha llegado a tocar en stages de la talla de Ushuaïa Ibiza, Tomorrowland o Medusa Festival entre otros.

HIDDN no es un artista de un solo estilo y es por ello que le hemos pedido que nos defina él mismo su propia dirección musical. El belga, además, nos ha hablado de su último trabajo: el 789ten sample pack, “he trabajado duro y he hecho todo lo posible para dar las mejores herramientas y que este sample pack sea de lo más productivo y eficiente”. Es el pack perfecto para los productores y músicos ya que, según nos cuenta, “solo tendrán que elegir los que más les gusten y añadirlos a sus proyectos” También hemos querido saber cómo ha vivido él el confinamiento, por qué cree que pudo ayudarnos su release “Love & Money” durante aquellos duros días de pandemia, cuál es su previsión del futuro más inmediato de la industria musical, cuándo cree que podrá volver finalmente a los escenarios… ¡y más!

En esta pequeña pero intensa charla que hemos tenido con HIDDN hemos podido conocerle más en profundidad y saber qué nos tiene preparado para los próximos meses. ¡Disfrutad leyéndola tanto o más de lo que hemos disfrutado nosotros haciéndola!

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¡Hola HIDDN Es un placer para nosotros tenerte este mes en nuestro número. Cuéntanos, para aquellos que todavía no han escuchado hablar de ti, ¿quién es HIDDN? Soy productor musical desde hace ya mucho tiempo y DJ desde 2017. Vengo de una familia que se ha dedicado a la música (mi padre ha sido compositor durante más de 40 años) y tuve una educación natural en torno a la música. Comencé a escribir mis propias melodías a una edad muy temprana y eso me ayudó a decidir que quería componer mi propia música y tocarla en un escenario. ¿Cuáles fueron tus principales influencias cuando empezaste a producir?

Podría nombrar a muchos artistas grandes, pero diría que Daft Punk por su sonido y por todo lo que aportaron a la música electrónica.

Y si eligiera a un gran artista reciente diría Avicii porque su música tenía algo único. ¿Cómo es tu proceso creativo?

Siempre comienzo componiendo las melodías y todo fluye a partir de ahí. Una vez que consigo la melodía correcta, construyo mi canción entorno a ella. ¿Qué nos puedes contar acerca del 789ten sample pack?

Este sample pack será increíble y muy útil para todos los productores jóvenes que buscan los sonidos y samples correctos para sus tracks.

He publicado muchas canciones en los últimos 3 años en los sellos más grandes de música electrónica de baile como Universal Music, Spinning Records, Armada Music o Musical Freedom. Todos los samples del pack provienen de mis releases, simplemente he usado los mejores bombos, groove loops, claps, loops y también un montón de preajustes de Serum y Silent increíbles que utilicé en estos releases.

Para mí, la creatividad es lo más importante mientras produzco. He trabajado duro y he hecho todo lo posible para dar las mejores herramientas y que este sample pack sea de lo más productivo y eficiente.

Básicamente, todo lo que encontraréis en este pack proviene de una música lanzada en los mejores sellos del mundo. Ya están procesados de forma mixta, por lo que los productores solo tendrán que elegir los samples que les gusten y ponerlos en su proyecto.

El pasado verano pinchaste tu tema “New School” junto a KURA en Ushuaïa Ibiza por primera vez, ¡y fue un acontecimiento inolvidable! Hemos visto en tus redes sociales el aftermovie de aquel momento… ¿Cómo te sentiste en el stage?

Una de las mejores sensaciones de mi vida.

Estar en este escenario donde han actuado todos los DJ más grandes del mundo me despertó el sentimiento más increíble de la historia.

Estoy agradecido de poder experimentar eso y espero volver algún día a Ushuaïa.

El pasado año 2019 fue muy ajetreado para ti y estuviste presente en varios festivales y eventos como Medusa Festival, Tomorrowland o Dreambeach. ¿Qué actuación o momento destacarías del pasado año?

Sin duda diría que el momento en el que Lost Frequencies me invitó al escenario del MEDUSA FESTIVAL para pinchar con él mi canción 'Illusion'. Lost Frequencies es uno de los chicos de la industria de la música que más respeto por lo que ha logrado. Estos tres minutos juntos frente a la multitud de 40 mil personas fueron locos.

En tus redes sociales hemos visto un post del momento exacto en el que empezaba 2020, agradeciendo lo bien que fue 2019 y anunciando nueva música para este año.

Debido a lo sucedido a consecuencia de la pandemia este año… ¿Cuán afectados se han visto tus planes este año?

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La pandemia ha afectado mucho a la industria de la música, es un hecho. Todos los DJ de todo el mundo se han visto afectados en su agenda y conciertos. Todos mis shows del verano han sido cancelados y este es el peor sentimiento para un artista. Ojalá tenga la oportunidad de trabajar en el estudio pronto y terminar nuevas canciones para los próximos meses.

Durante el confinamiento publicaste en redes sociales un nuevo track bajo el nombre “Love & Money” junto a Mike James.

En el mismo post que publicaste el track explicabas que la música siempre lo hace todo mejor y conecta a la gente en mo-

mentos difíciles, también que esperabas que aquella canción transmitiera buena vibra y una sonrisa a la gente. ¿Por qué esa canción? ¿“Love & Money” tiene alguna carga sentimental en especial capaz de conseguir esto?

La letra de esta canción, aunque escrita antes del COVID significaba una cosa y ahora parece extrañamente oportuna. «Amor y dinero» es una advertencia sobre la valoración del exceso de cualquier cosa. Si bien nuestro mundo moderno puede ser difícil de llevar, debemos recordar que la vida se trata de equilibrio. ¿Tener suficiente amor y dinero en vuestra vida es vital para nuestra supervivencia, lujuria y decadencia? Sin duda, NO. Demasiado de algo bueno sigue siendo demasiado, coge lo que necesites y deja suficiente para tus vecinos.

El mundo de la música se ha visto inevitablemente afectado tras el COVID-19, ¿cómo ves el futuro más inmediato de la industria musical?

Creo que si todos respetan el distanciamiento social y todas las medidas sanitarias, creo que podemos ganar contra este virus y volver a nuestra vida normal en los próximos meses.

Pero para que esto suceda necesitamos una conciencia colectiva e individual de la importancia de estas medidas sanitarias. ¿Cuándo crees que podrás volver definitivamente a los escenarios?

Me mantengo positivo y espero volver al escenario antes de fin de año para poder decir al menos que tuvimos algo un poco positivo en 2020, y que todo el año no fue una pesadilla para todos.

No eres productor de un solo estilo. ¿Cómo definirías tu estilo en 3 palabras?

Emoción, felicidad, piel de gallina Cuando no estás en el estudio produciendo, ¿qué otras aficiones tienes?

Estoy practicando Crossfit en Bruselas 5 días a la semana, así que esta es mi actividad principal además de hacer música. ¿Qué podemos esperar de HIDDN los próximos meses? ¡Sorpréndenos!

Tengo muchas cosas geniales por venir, primero con mi propio sample pack y luego, por supuesto, tendré nuevas canciones de club y radio, ¡así que estad atentos!

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¿CÓMO PAGAN LOS SERVICIOS DE STREAMING? Los servicios de streamings han llegado para dominar la industria de la música. Pero cuando se trata de ganar dinero con ellos, la comunidad de la música electrónica se ha quedado algo atrás. Exploramos los diferentes servicios que se ofrecen para descubrir cómo funciona la remuneración a los artistas…

Autor: SHAWN REYNALDO Traducción: PATRICIA PAREJA CASALÍ

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Los servicios de streamings están en todas partes. A principios de este año, Spotify anunció que tenía 217 millones de usuarios, de los cuales más de 100 millones son suscriptores de pago.

Le sigue Apple Music, que cuenta con 56 millones de suscriptores de pago y viene preinstalada en todos los iPhone del mundo. YouTube los eclipsa a ambos, con más de dos mil millones de usuarios mensuales. Otras adicionales como SoundCloud, Amazon, Pandora, Deezer, TIDAL y Bandcamp están todos en el mix, y eso es solo una lista parcial. El streaming es una empresa global en crecimiento, y su impacto está remodelando el ecosistema musical.

La música electrónica ha tenido ciertas reticencias hacia la cultura de streaming. Históricamente, la electrónica ha sido cosa de DJs, por lo que los tracks a menudo se diseñan teniendo en cuenta sus necesidades, en lugar de lo que es mejor para una lista de reproducción. Para ser DJ necesitas poseer la música y, generalmente, esta se recopila en grandes cantidades, ya que incluso aquellos DJ que también son productores dependen en gran medida de tracks hechos por otras personas. Desafortunadamente, la piratería generalizada ha significado que muchos DJs digitales no están pagando por su música, e incluso cuando lo hacen, no genera muchos ingresos para los artistas y los sellos, especialmente cuando las tiendas de música online generalmente se quedan con al menos el 30% del costo de la compra para ellos mismos.

En realidad, incluso ese pequeño grupo de compradores activos se está reduciendo. A pesar de todas las charlas de la industria sobre el resurgimiento del vinilo, pocos sellos están imprimiendo más de 300 copias de sus nuevos

lanzamientos. Las ventas digitales también se están reduciendo a medida que los fans migran a las plataformas de streaming. Como resultado, los artistas electrónicos, especialmente aquellos que no son DJ, están viendo que su principal fuente de ingresos se está agotando. Irónicamente, hemos llegado a un punto donde los fee de los DJs nunca han sido más altos, sin embargo, las personas que realmente hacen música están luchando para llegar a fin de mes.

Como era de esperar, esto ha llevado a algunos artistas a buscar nuevas fuentes de ingresos, ya sea desarrollando una carrera de DJ, buscando contratos con sellos o persiguiendo patrocinios corporativos. Ampliar su oferta de merchandising suele ser común, -no es casualidad que aparentemente cada artista y sello esté lanzando streetwear de edición limitada en estos días-, y por supuesto hay sincronizaciones (es decir, obtención de licencias de música para su uso en anuncios, programas de televisión, películas y videojuegos).

CAMBIO DE PANORAMA "El panorama de los sellos está cambiando rápidamente", dice Kris Jones, Manager de Licencias y Publicaciones de Hyperdub. “Los sellos del tamaño de Hyperdub deben buscar constantemente nuevas formas de diversificarse en el clima actual, no solo [en términos de] fuentes de ingresos, sino también cómo trabajamos con los artistas, cómo se cura, lanza, promueve la música, todo”. Él continúa: “Cualquier ingreso extra para un pequeño indie es importante para invertir nuevamente en el sello, sus artistas y eventos ... pero no hay nada garantizado en el

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mundo de las licencias. Podemos pasar meses sin nada y luego conseguir tres licencias decentes en un mes. Es muy impredecible ".

También hay ingresos potenciales de los servicios de streaming, especialmente para las grandes empresas como Hyperdub. "Los ingresos por streaming son nuestro mayor [flujo] de ingresos para el sello", dice Jones. Pero en general, la música electrónica se está quedando atrás de otros géneros en lo que respecta al conocimiento y la interacción con las plataformas de streaming. Muchos artistas y sellos desconocen lo básico sobre cómo funciona la economía de streaming, lo que pagan estas plataformas y cómo la música llega a los distintos sitios en primer lugar. El problema del pago tiende a tener prioridad en la mente de la mayoría de las personas, y muchas de las noticias no han sido buenas.

Las plataformas de streaming son notoriamente silenciosas sobre sus modelos de pagos, pero es bien sabido que generalmente pagan fracciones de un centavo por cada escucha. Hay ligeras diferencias; Apple Music paga más que Spotify, que paga significativamente más que YouTube.

Pero independientemente de la plataforma, el sistema actual es uno en el que los artistas con miles, o incluso cientos de miles de obras, reciben solo una miseria, y eso es antes de que sus sellos, gerentes, distribuidores y otras personas de la industria hayan tomado su parte.

TERCEROS Para complicar aún más las cosas, para poder acceder a la monetización, los artistas y los sellos primero tienen que llevar su música a

las plataformas de streaming. Con algunas excepciones, es casi imposible para los artistas subir su música directamente a Spotify, Apple Music, YouTube Music, Amazon Music, Deezer y la mayoría de las principales plataformas de streaming. Spotify hizo una prueba beta de un programa que permitió la carga directa de artistas, pero decidió terminarlo a principios de este año. Incluso Beatport pide que los artistas y sellos recluten a un tercero para meter sus lanzamientos en la tienda.

Esos terceros generalmente vienen en una de estas dos formas: distribuidores digitales y agregadores. Los primeros son a menudo productos de distribuidores físicos, que trabajan directamente con artistas y sellos para vender discos físicos a tiendas en todo el mundo; en el ámbito digital, han expandido su negocio para incluir la colocación de música en tiendas online y plataformas de streaming. Pero independientemente de si estas compañías se ocupan o no de lanzamientos físicos, el modelo de negocio para la distribución digital es generalmente directo: toman un porcentaje fijo de todos los ingresos digitales, ya sea de ventas online o de streaming.

Los agregadores son totalmente diferentes. Hay cierto solapamiento de funciones con los distribuidores digitales: muchos agregadores ven la distribución digital como solo una faceta de un conjunto más amplio de "servicios de sello", que giran en torno a las licencias de marketing, promoción y sincronización, pero la función principal de estas compañías sigue siendo colocar música en plataformas de streaming. Hay docenas, si no cientos, de agregadores, cada uno con sus propias características y especialidades. Algunos, como AWAL, Stem y Symphonic, son selectivos y funcionan como casi-sellos al

trabajar con artistas que perciben que tienen la oportunidad de triunfar.

Sin embargo, pocos de estos agregadores están metidos seriamente con música electrónica underground. Muchas de las compañías más grandes ni siquiera colocan música en Beatport, y mucho menos en más puntos de venta de nicho. (Algunos de los agregadores que trabajan con Beatport incluyen ReverbNation, Symphonic, Ditto, Label Worx, Horus Music, The Orchard, Fuga y Dancephonic, entre otros).

AUTOCONTROL Para aquellos que buscan tener más control sobre la ubicación y distribución de sus lanzamientos, hay dos plataformas principales que interactúan directamente con artistas y sellos: Bandcamp y SoundCloud. La primera no es una plataforma de streamingn en sí, pero ha sido ampliamente elogiada en el mundo de la música DIY. Bandcamp permite a los artistas y sellos establecer sus propias tiendas en línea donde pueden vender discos, casetes, ropa, carteles y prácticamente cualquier otro tipo de mercancía, junto con archivos digitales (en numerosos formatos de audio, incluidos formatos sin pérdida de calidad, una opción no muy común en muchas tiendas).

Aunque las reproducciones no siempre sean ilimitadas (los artistas y los sellos toman esa decisión) y las ofertas no consigan igualar a los catálogos y las campañas repletas de estrellas de otras plataformas, su biblioteca profundiza en los estilos más nicho. Y a diferencia de sus competidores más grandes, algunos de los cuales han acumulado pérdidas operativas en cientos de millones, Bandcamp afirma que llevan siendo rentables desde 2012.

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Y es impresionante que lo hayan hecho mientras otorgaban a los artistas y a los sellos un nivel de control incomparable a cambio de solo el 10-15% de los ingresos obtenidos. (Los consumidores pagan una tarifa adicional de proceso de pagos del 4-6% por cada compra, y Bandcamp ofrece un nivel Pro de $10 USD por mes, para artistas y sellos que desean analíticas adicionales y un conjunto más completo de características de la web).

Aunque los ingresos de Bandcamp están basados al 100% en gente que compra música y productos relacionados con ella (no se pagan derechos de autor por la música que se transmite en el sitio), es difícil pensar en un outlet online mejor en este momento, especialmente para aquellos que buscan apoyar música independiente, underground. Y aunque sus objetivos y servicions hayan cambiado con el tiempo, Soundcliud se originó en el seno de una comunidad similar. Gran parte del éxito inicial de la plataforma surgió de su rol como un lugar donde los aspirantes a artistas, productores y DJ podían publicar y compartir su trabajo. Si bien los esfuerzos más recientes de la compañía para monetizar dicho trabajo y cumplir con las leyes internacionales de derechos de autor han dado lugar a varios problemas, e incluso más escepticismo de los usuarios, SoundCloud continúa siendo un componente importante del panorama de la música electrónica.

Es un lugar donde los artistas todavía pueden publicar su trabajo de forma gratuita, con funciones adicionales disponibles para aquellos que pagan una suscripción Pro o Pro Unlimited.

Para aquellos que buscan monetizar su música, SoundCloud también ha lanzado su servicio Premier. Los solicitantes deben cumplir con ciertos requisitos de edad (18+), derechos de autor

(sin infracciones de la cuenta) y popularidad (al menos 1000 streams por mes), pero aquellos aceptados en el programa pueden monetizar sus contenidos (aunque las tasas de pago son variables y poco claras) y distribuír fácilmente su música directamente a otras plataformas de streaming importantes, lo cual es útil para los artistas que dudan en conectarse con un agregador o distribuidor digital.

Los servicios de SoundCloud tampoco se limitan a los artistas. En 2016, la compañía lanzó SoundCloud Go, un servicio de streaming por suscripción destinado a rivalizar con servicios como Spotify y Apple Music. Aunque, según los informes, SoundCloud Go ha tardado en encontrar un punto de apoyo en el mercado del streaming, el hecho de que la biblioteca de la compañía incluya lanzamientos de renombre y una vasta red de demos y mixes proporcionadas por los usuarios, lo convierte en una alternativa interesante, especialmente para aquellos que buscan algo más allá de lo convencional.

STREAMING EN LA CABINA Más interesante es el reciente aluvión de anuncios de asociaciones entre SoundCloud con Native Instruments, Pioneer DJ, Serato, Virtual DJ, DEX 3 y Mixvibes. Claramente con la mirada puesta en un futuro donde los DJs que usen estos servicios de streaming para pinchar no solo sean posibles, sino comunes, SoundCloud espera adelantarse a la competencia asociándose con los principales fabricantes de hardware y software.

Dejando a un lado las preocupaciones tecnológicas (por ejemplo, ¿qué ocurre cuando se apaga la señal WiFi o del móvil?), la parte económica de este acuerdo aún no se ha resuelto. SoundCloud no ha proporcionado ningún régimen de derechos de autor claro o especializado para los tracks de SoundCloud Go que se reproducen utilizando software o hardware para DJs. Legalmente hablando, es posible que ni

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siquiera se les pida que hagan nada adicional, lo que hace que los ingresos por streaming de una canción que se reproduce en Fabric sean los mismos que para un adolescente que la escucha en su teléfono. (Por supuesto, en Reino Unido, cuando se reproduce un track en un club o en algún local con música, técnicamente al artista se le debe derechos de autor separados, de una organización de derechos de actuación, pero ese es un régimen diferente con su propio conjunto de desafíos).

Beatport también se lanzó al juego de DJ streaming, lanzando un servicio de streaming por suscripción a principios de este año llamado Beatport LINK. Al igual que SoundCloud, se han asociado con Pioneer DJ, y se están preparando asociaciones adicionales con Virtual DJ, Denon y otros. Pasar al streaming puede parecer algo arriesgado para una compañía cuyo modelo de negocio se ha basado en gran medida en la venta de música electrónica, pero Beatport

afirma que LINK no es parte de un plan más amplio para deshacerse por completo de las ventas digitales.

En una reciente entrevista con Create Digital Music, el jefe de relaciones con artistas y sellos en Beatport, Heiko Hoffmann, dijo que "LINK proporcionará una fuente de ingresos adicional para los sellos y artistas. Las personas que están comprando descargas en Beatport lo hacen porque quieren actuar/pinchar con ellos. LINK no está ahí para reemplazar eso”.

LINK (que cuesta $14.99 al mes) se promociona como un servicio para principiantes. Garantiza el acceso a todo el catálogo de Beatport, pero a 128 kbps, teóricamente es de muy baja calidad para DJ profesionales y sistemas de sonido. Para aquellos que vayan más en serio, hay LINK Pro ($ 39.99 USD por mes) o LINK Pro + ($ 59.99 USD por mes), que ofrecen archivos AAC de 256 kbps de mayor calidad - Los formatos sin pérdida no están disponibles - junto con una “consigna", donde los DJ pueden descargar y almacenar tracks online: 50 (Pro) o 100 (Pro+) temporalmente.

Beatport LINK es considerablemente más caro que las suscripciones en otras plataformas de streaming, en particular su nivel Pro. La compañía dice que esto es intencional; aunque son poco específicos, afirman que los fees más altos darán como resultado un grupo de derechos de autor más grande, lo que significaría pagos de streaming más altos para artistas y sellos, y una compensación contra la pérdida potencial de ingresos de las ventas digitales.

En esa misma entrevista, Hoffmann dijo: "Es muy probable que la tasa por streaming de Beatport sea más alta que otros servicios de transmisión: estamos poniendo la mayor parte de los ingresos de LINK en pagos de sellos. A diferencia de otros servicios, el fee no se compartirá con la música de otros géneros más convencionales que constituyen la mayoría de los pagos de la mayoría de los servicios de streaming”.

LA CRUDA REALIDAD Esto suena bien en teoría, pero es difícil evaluarlo sin más detalles de Beatport o informes

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buenos del mundo real de artistas y sellos, que son escasos porque LINK es simplemente un servicio demasiado nuevo. La falta de información fiable - y aplicable - sobre los ingresos es algo que nubla todo el panorama de streamings.

Incluso los informes y análisis de derechos de autor que reciben los artistas y los sellos pueden ser problemáticos. Cuando se hace streaming de una pieza de música en docenas de plataformas diferentes en países de todo el mundo (muchos de los cuales tienen sus propias leyes únicas con respecto al streaming), los datos creados pueden ser abrumadores. Los informes y los análisis varían enormemente de una plataforma a otra, por lo que los artistas y los sellos a menudo se quedan con una serie de hojas de Excel aparentemente interminables.

Enfrentados a filas y filas de números, muchos de ellos con sumas minúsculas de dinero, puede ser un desafío para artistas y sellos descifrar los informes de derechos de autor, y mucho menos verificar su precisión.

“Me gustaría pensar que son bastante precisos", dice Jones de Hyperdub. "Es difícil decir cuán precisos son debido a la cantidad de fuentes involucradas en la obtención de la gran cantidad de datos... [pero] mi gran problema con las ventas digitales y la transmisión de datos es la velocidad en que el sello los recibe de los distribuidores. Puede llevar de tres a seis meses saber cómo de bien se ha hecho un release”.

Si tienes en cuenta el hecho de que los problemas y las deficiencias de metadatos en toda la industria (que cualquiera que haya recibido una descarga promocional ya sabe que son muy frecuentes en la música electrónica) han generado miles de millones en derechos de autor de streamings no reclamados y no pagados, la imagen total de los ingresos se vuelve aún más borrosa.

NUEVO ENFOQUE Los artistas y los sellos que buscan más transparencia podrían ver la luz con lo que ofrece Resonate, una organización que se autodenomina como "la cooperativa ética de streaming".

Organizada como una cooperativa y basada en la tecnología blockchain, sus ganancias anuales (que en este momento aún son teóricas) se dividirán entre artistas (45%), oyentes (35%) y personal (20%). Al utilizar blockchain, Resonate puede priorizar la privacidad del usuario

y realizar un seguimiento más preciso de los streamings, asegurando que los titulares de los derechos sean pagados correctamente.

También han adoptado por un enfoque creativo hacia la fijación de precios, ofreciendo un modelo llamado stream2own. En lugar de cobrar una tarifa de suscripción mensual fija, a los usuarios se les cobra según lo que realmente escuchan. La primera escucha de una canción cuesta $ .002 y se duplica con cada escucha posterior. Resonate mantiene el 30% de los ingresos de cada play, pero después de 9 escuchas (que suman un poco más de $ 1 en total), el usuario "compra" el track, que luego puede descargarse o retransmitirse indefinidamente sin coste adicional. Es un enfoque elegante que los consumidores que todavía valoran poseer música apreciarán, y garantiza que los artistas no solo reciban un pago por cada streaming, sino que reciban un pago más justo.

A primera vista, Resonate parece ser más beneficioso para los artistas y más innovador que muchos de sus competidores, pero merece la pena señalar que la plataforma aún no se ha probado. Aunque los artistas y los sellos son libres de unirse a Resonate y poner su música en el sitio directamente, en mayo de 2019, solo 4700 artistas / bandas y 770 sellos se habían inscrito. Más preocupante fue el hecho de que el número total de oyentes en ese momento

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era solo de 3600. Resonate también hizo un "relanzamiento de marca" a principios de este año, después de serias dificultades operativas y financieras derivadas del hecho de que una significativa parte de su financiación estaba vinculada a una criptomoneda volátil.

El tiempo dirá si Resonate puede superar estos desafíos, pero el deseo de la organización de implementar un enfoque “ético" es realmente alentador en medio de un panorama de streaming nebuloso y a menudo desalentador. Es un mundo en el que abunda la incertidumbre, e incluso los más importantes de la industria tienen problemas para hacer predicciones sobre hacia dónde se dirigen las cosas.

Por ahora, sin embargo, estas plataformas operan en gran medida como empresas de gran volumen, y las necesidades de las escenas musicales underground - a menudo - no están en su lista de prioridades. Frente a este desafío, gran parte de la comunidad musical se queda con una única opción sensata: informarse, organizarse y proceder con precaución. El streaming ha llegado para quedarse. Solo si los artistas y sellos se ponen a trabajar juntos para construir algo mejor, quizá puedan evitar serr arrastrados por la corriente.

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C R Í T I C A S

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L A

S E L E C C I Ó N

D E L

D I R E C T O R

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

ARCA KiCk i

XL Recordings Mi compatriota Arca la sacó de homerun con este disco. Alejandra Ghersi publicó recientemente su ‘KiCk i’, en el icónico XL Recordings, como siempre sembrando la polémica con un trabajo sublime mezcla de pop, noise, electrónica y psicodelia. En esta ocasión, se nota un cambio sustancial en su perspectiva, cada vez más liberada y luminosa, demostrando una vez más que su ingenio musical y visual está a años luz de nuestra generación. Si ya de por si todo lo que hace da que hablar, presentar este trabajo, con la colaboración del también venezolano Cardopusher en la producción, y featurings que deslumbran como Björk (‘Afterwards’), SOPHIE (‘La Chiquí’, la favorita del que escribe), Rosalía (‘KLK’) o Shygirl (‘Watch’), no ha sido para menos.

Un trabajo experimental, intenso, variado pero homogéneo, en el que Alejandra se ha atrevido con proezas, como llevar un instrumento tradicional folklórico venezolano como el furruco a la electrónica…

DAN SHAKE & AMP FIDDLER ‘A Pirate’s Eye’ / SHAKE 008 EP

CARLOS SÁNCHEZ Meu Grande Amor/elrow Limited 007

SHAKE Records

elrow Limited

El británico Dan se une al genio de Detroit, Amp Fiddler, para traer uno de los grandes destacados de este mes. La octava referencia del sello de Shake publica este EP de cuatro tracks, en el que destaca esta colaboración, ‘A Pirate’s Eye’. Con un carácter formado a base de toques jazzy, tintes jackin’, y voces R&B súper finas, algo así era de esperar de una unión de este calibre. El resto del EP es igual de elegante, con mucha influencia jazz, pero también con toques hip-hop (‘Detention (Interlude)’) y soulful. Atentos a este espacio si os queréis hacer con una copia (guiño, guiño).

elrow Limited vuelve con un lavado de cara y de línea. Y acaba de presentar el icónico nº 007 de su catálogo, a cargo de uno de los artistas más interesantes de la escena underground: el canario Carlos Sánchez. Ojito a este nombre. En este EP se encuentra ‘Meu Grande Amor’, un orgasmo de house a bajas revoluciones, bonito, cálido y positivo.

El uso del hermoso vocal femenino, sampleado del clásico brasileño ‘Como Nossos Pais’ de Elis Regina, es simplemente sublime, al igual que la melodía. Confieso que se me arqueó la ceja y se me puso la piel de gallina la primera vez que lo escuché. Como siga en esta línea, elrow Limited nos va a dar más de una sorpresa en los meses que se aproximan.

DE LA SWING Question A Blexi EP

SILICODISCO Angel Of Urano EP

Sanity

Penrose Records

(ELECTRIC SELECTORS)

BLACK FLAMINGO DISCO DRIVER

Un EP bestial. De esos que sabes son especiales desde el primer acorde.

Penrose Records, de David Ponziano, publica su segunda referencia con el ominoso título ‘Angel Of Urano’, que corre a cargo de otro conocido creador de nuestra electrónica: el madrileño Silicodisco. En este viaje sideral de cuatro tracks (tres originales y un remix de otro genio, Theus Mago), Silicodisco se decanta por paisajes sonoros oníricos, creados mediante un tratamiento melódico de altísimo nivel y unas estructuras preciosistas y teclados épicos. En cierto modo, es una mezcla de deep-dark-disco, con toques techno y progressive a bajas revoluciones. Aunque el track que da nombre al trabajo es impresionante, son ‘4 Only’ y su remix de Theus Mago los verdaderos bangers de este trabajo. Una auténtica locura.

De La Swing nos trae su último trabajo, en esta ocasión en Sanity, el sello de Cuartero. Este ‘Question A Blexi EP’ nos trae dos tracks muy serios, con un claro sabor house, groove a raudales y ese toque canalla, marca de las producciones de De La Swing. El tema que da titulo al disco es uno de esos tracks que se queda pegado a tu cabeza, con reminiscencias noventeras, una percusión apretada y un juego vocal digno de balón de oro. Por otro lado, tenemos ‘Guru’, mucho más techy y progresivo, más bailongo, que cierra con broche de oro este EP. De La Swing está en un momento dulce en sus producciones y esto es una muestra clara de ello.

01. Franz Scala ‘From A to B’ [Wrong Era] 02. Daniel Avery ‘Darlinnn’ [Phantasy Sound] 03. Erol Alkan ‘Sub Conscious (Manfredas Remix)’ [Phantasy Sound] 04. Jake The Rapper ‘Lullaby No2. (Freudenthal Remix)’ [Oiuemusic] 05. Obiols & Laming ‘Atma’ [Foehn Records] 06. Driss Bennis pres. OCB ‘Algorhythmic Control’ [Casa Voyager] 07. Middle Sky Boom ‘Don’t Say Negative (Alvaro Cabana & Azaria Remix)’ [Innisfallen Records] 08.Kincaid ‘Pipe Up’ Inside Out Records 09. Kiwi ‘Italian Heat’ [Futureboogie] 10. JEANS ‘13 Keepers Of The Eastern Door’ [Worst Records]

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C R Í T I C A S

/

Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

FRED UND LUNA

9.0

Im Weltenraum Compost Records

Menú fino el que encontramos en el nuevo largo de Fred und Luna. El discurrir de este maravilloso disco es una pura envoltura de calidez y sensaciones. Electrónica sincera y mimada hasta la última nota. El arranque, y a pesar de su trompicado nombre en alemán – ‘Zyklopädie Nummer 28’ – lo deja muy claro. Se trata de una hermosa sinfonía de melodías sintéticas, beats instruidos y mucha seguridad con el resto de elementos. Es un disco ideal para aquellos amantes del krautelektro y la elektrokraut music que se desviven por encontrar propuestas ‘nuevas’. Es uno de los álbumes de lo que llevamos de año. Diría que perfecto para refrescar noches tórridas. Las máquinas también muestran su corazoncito, sobre todo cuando el cerebro que las mueve se llama Rainer Buchmüller.

8.8

8.5

BLAIR FRENCH The Art of Us

A52079 Sciolist Culture

Rocksteady Disco

DMMT

¡Ay mi madre! En menudo embolao nos hemos sumergido ¡Para bien, eh! La pasión por el funky house, el deep jazzero, los ritmos africanos y el cosmic disco nos inundan a cada paso que damos a lo largo y ancho de este ‘The Art of Us’. Blair French, que es además un camaleón detroitiano con no pocas querencias por el Balearic, saca pecho y despedaza prejuicios con una propuesta alocada, plagada de sensaciones singulares y cultura de baile. Cada pista producida por el norteamericano es un molinete imposible pero fiable que en muchos momentos me recordó a dos grandes del sampleo como Coldcut trajinando con house mamado.

Sobresalen por su ilusionismo temas como ‘FOA’, ‘Space Time Curvature’, ‘Genes’, ‘Celebration Ritual’… y muchos más. Totalmente recomendable.

En tiempos donde tantísimas veces prima el aluvión de seguidores en redes en detrimento del entusiasmo y las bondades innatas a la hora de trabajar bien el sonido, es todo un placer descubrir propuestas como la de A52079. Se trata del debut de este (o esta) artista en el sello DMMT. Es, de hecho, el dueño del mismo –el veterano musicólogo de Bristol Joe Farr- quien hace los honores de presentarnos a este bicharraco. Ok, o bicharraca. En ‘Sciolist Culture’, su álbum de debut, nos vamos a topar con ritmos profundos pero robustos y dinámicos. Estos, para colmo, y al igual que el Liverpool, no suelen caminan solos. Menudos giros, colchones y demás lindeces electrónicas nos esperan en pistas como ‘Glimmer of Light’, ‘Warped Senses’ o ‘Everyone Knows Everything Redemption’.

8.2

8.0

BALATRON IÐAVÖLLUR

SYSTEM OLYMPIA Delta of Venus

YUKU

Huntleys+Palmers

Pues hacía tiempo que no le metía mano a un álbum con esta variante.

Un multi-género donde lucen pectorales y bíceps el bass más endiablado y un avispero de ritmacos que cualquier vecino con el oído sensible odiaría tener cerca de su muro. El islandés IÐAVÖLLUR se estrena a lo grande con un kit de supervivencia no apto para personas con insuficiencia cardiaca. Catorce balazos que aunque no pasen de los 110 BPM van directos a donde más duele. Un espíritu de celebración y de descarga que brillan en surcos como ‘Shock’ o ‘Straight Thugin’. Llamativo también cuando este señor de Reikiavik reinventa sus segmentos a través de coletazos de hip hop clásico y atmósferas electroides: ‘Runway’, ‘Amelia’s Dream’, verdaderamente inspiradores en el caso de ‘Fading’.

Trasteando con los sueños húmedos y los orgasmos, hemos encontrado la curiosa propuesta de la emergente System Olympia. Ciertamente no sabemos mucho más de la persona tras este invento. Lo único, lo más relevante, que es sin duda una apasionada de lo analógico, los susurros que se escapan en una noche de lujuria y de la obra de Anaïs Nin, la escritora francesa de estilo surrealista. En este disco titulado ‘Delta of Venus’ – que precioso sitio ese, donde he podido estar cuando me han dejado – me he sentido inmerso en un fluir de historias sonoras con un trasfondo nunca mejor dicho bastante placentero. Arpegios espaciales (‘Sirius Desire’), sintes melancólicos (‘You Are Not Talking’) e incluso beats electro-funk (‘Freak For U’) nos guiarán por hasta una decena de pistas. Entra bien.

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C R Í T I C A S

/

Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

8.2

7.7

FUTURE BEAT ALLIANCE Beginner’s Mind

SERGIO VILAS Persistence

Reward System

Dear Deer Music

Han pasado la friolera de diez años desde que Matthew Puffett aka Soul Electrik aka Future Beat Alliance sacase su último álbum en solitario (‘Patience And Distance’). Tal como explica el mismo artista, y concretamente refiriéndose al tema ‘Birth’, en este nuevo trabajo ha querido presentarse profundamente reflexivo. Un disco donde nos invita a reducir la velocidad, a prestar atención y pensar con más claridad. Esto dicho de otro modo, canciones subyugadas por la electrónica y pinceladas que invitan al baile horizontal como serían los casos de ‘Stamp’ y ‘Black Acid’.

Ambos, muy disfrutables si no vamos con prisas. En este trasiego no todo van a ser oasis plácidos como ‘Mind’ o ‘Window to the World’, algún sopapo neuronal también sufriremos, como con ‘Broken Wheels (In 7/8)’.

Si has escuchado alguna vez la propuesta de Sergio Vilas habrás notado su casi total flexibilidad en la pista. Eso sí, habitualmente bien escudado por la fuerza del techno. En tal caso te sorprenderá su LP ‘Persistence’, donde se atreve con un abanico aún más amplio. Tanto que, para bien y para mal, puede llegar a ser demasiado dilatado para un mero álbum de 9 cortes. Para esta ‘compilación’ – no exenta de buen gusto – se ha servido además de la ayuda de Chad Stegall y Lc3. Los tres han colaborado en el estudio para servirnos en bandeja un escape sonoro donde encontraremos desde edificaciones detroitianas (‘Beauty And the Beast’), house melódico y costero (‘Bewitched’), pasando por break beats atmosféricos (‘Babylon’) e incluso ambient galáctico (‘Peace’).

7.5

7.5

JESSY LANZA All the Time

KOMKA Untenable System

Hyperdub

I/U Music

La canadiense regresa en este ‘idílico’ 2020 con su tercer álbum de estudio. A los ya publicados ‘Pull My Hair Black’ (2013) y ‘Oh No’ (2016) sumaremos ‘All the Time’, también en Hyperdub. Es curioso como el cosmos sonoro de esta productora y cantante me recuerda a veces –unas cuantas, la verdad – a algunas de las últimas piezas de Janet Jackson. R&B visionario que si bien, de un modo algo sumiso, coexiste perfectamente con la contemporaneidad y las listas de éxito.

Jessy Lanza suena en esta ocasión más pop que nunca. Eso tampoco es tirarse sacos de tierra encima, porque canciones como ‘Face’ o ‘Over and Over’ suenan realmente refrescantes. Eso sí, cuidado con experimentar con tanda balada.

El brasileño João Komka es de esos productores que han desmigado cada segundo de los últimos meses para construir su álbum de debut.

Todos sabemos cómo de feas y delicadas están las cosas en el país sudamericano. Aprovechar un refugio aliado como es la música, ha sido vital para este artista. Ante la adversidad, ha sacado adelante un disco de 12 cortes donde abunda lo maquinal y robótico. Oscuridad no exenta de intensidad. Sonidos analógicos en vena. Aquí lo futurista retoza junto a la perpetuidad de cacharros made in Roland. House ácido y electro purista que incluso se pervierte con guitarras eléctricas y algún que otro vocal ‘toca-patata’ como el de Fadul en ‘So Blinding’. O el de Nina Mess en un corte cercano al electroclash: ‘Pure Pleasure’.

SKWIRL

8.8

Planned Obsolescence Space Hardware

Entre el secretismo, beats humeantes y cintas de casete tenemos al bueno de Skwirl. Un productor alemán que también ha sacado alguna que otra cosa como Shido. Tampoco mucho y siempre en algún recopilatorio de tono relajado (dub, ambient, downtempo). Es precisamente en este último islote donde le tenemos ahora mismo bien cobijado. Este beatmaker berlinés acaba de publicar un álbum en cinta donde nos retrotrae a la polvorienta magia de los 90. En especial para los que nos ensimismábamos con el trip hop y sus mil caras marcadas por el arte del sampleo. La presentación de este ‘Planned Obsolesence’ es en formato mixtape, una propuesta con hasta 15 variantes donde destacan títulos como ‘Zero Region Player’ o ‘Just A Thing’.

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C R Í T I C A S

/

B R E A K S

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

ELITE FORCE

9.5

The Complete Unreleased

Bandcamp Como comentábamos hace varios meses, la cuenta de Bandcamp del productor Simon Shackleton, alias Elite Force, es una de las más completas y ordenadas, ya que repasa toda su carrera y distribuye sus trabajos por subcuentas según el aka: Simon Shackleton, Elite Force, Zodiac Cartel, Lunatic Calm, pHrack R, Synchromesh o Futurecore. Una de las últimas aportaciones como Elite Force ha sido ‘The Complete Unreleased Revamp Collection’, un mega-recopilatorio de 84 tracks que incluye una serie de tracks producidos para una Boat Party del pasado verano, así como una gran cantidad de clásicos reinterpretados y rarezas que se remontan a los años 2000. Tampoco te puedes perder ‘Midnite Sessions’, un excelente EP de trip-hop influenciado por el jazz bajo el alias Simon Shackleton.

9.5

9.0

SEKRET CHADOW Licking The Sheets

ENY LACOMBE Lere Pi

13 Monkeys Records

Old Skool Records

El sello de los simios ha venido para quedarse, y es que 13 Monkeys Records continúa con una serie de lanzamientos de alta calidad. Por un lado, tenemos la tercera referencia de su línea digital a cargo del propietario del sello Juanmy Rociana, alias Sekret Chadow, con un single titulado ‘Licking The Sheets’. Este incluye el track que da título al trabajo, con un funky breaks de altos vuelos, aderezado con algo de psicodelia, y una cara B titulada ‘Love Sensation (Step Mix)’, con una pista garage muy alegre y pistera. Por otro lado, en su serie en formato vinilo, nos presentan ‘Unity Is Strength, un EP de 4 cortes cargado de breaks y rave music a cargo de Sekret Chadow, Adam Vyt, Mr Fr0g y R.O.P.

Otro sello que repite este número es el nacional Old Skool Records, dirigido por Digital Base aka Andy Vibes. Desde el pasado mes han lanzado varias referencias sin desperdicio. La número 4 y la número 8 llegan a cargo del tinerfeño Luciano Rodríguez, más conocido como Eny Lacombe, con dos singles breakbeat hardcore titulados ‘Lere Pi’ y ‘Bass of Bass’. Este artista tiene en su haber bastantes trabajos publicados de este género, a destacar ‘Dreams’, ‘In The Beat’ y ‘Na Na Nana’. Las referencias 5 y 7 vienen firmadas por Andy, con la segunda parte de su mega-álbum ‘My Life’ y un gran single de glitchy breaks titulado ‘Our Love’. Para terminar, la referencia número 6 la firma Ravers Tactics, Alex Wicked.

9.0

9.0

FRANKY WAH The Revival Vol. 1

RICHIE BLACKER Summer of Rave EP

Ministry Of Sound

Of Unsound Mind

NOSK

(83 LABEL)

Franky Wah ha lanzado su lanzamiento debut de larga duración, titulado simplemente ‘The Revival, Vol. 1’. El lanzamiento, de 14 pistas, no es un álbum, y definitivamente no es un EP. El DJ y productor de Yorkshire, ha elegido este formato sabiamente, ya que puede mostrar sus habilidades amplificando la narración de un álbum con la libertad del flujo de un set de DJ. El trabajo nos lleva a través del ciclo de vida desde el amanecer hasta la puesta del sol, haciendo un viaje a través de ritmos melódicos progresivos inspirados por la música rave y el techno.

Incluye guiños históricos a algunos de los grandes de la electrónica, incluido un remix de la canción ‘In This World’ de Moby.

‘La cultura rave de los años 90 y el espíritu de la escena acid house siempre ha tenido una gran influencia en mí y en mi música desde una temprana edad. Admiraba a mis hermanos cuando era más joven. Solían ir de rave cada fin de semana y yo solía sentarme con ellos en su habitación a escuchar todas las cintas antes de que salieran. Así que la música rave y la cultura acid están en mi sangre y siempre lo estarán’. Esas son las palabras de Richie Blacker sobre su último trabajo, un selector, DJ y productor con sede en Belfast y uno de los talentos emergentes más importantes en la escena house y techno de Irlanda.

01. Oscar ‘Electricity’ [Manzana] 02. Propellerheads ‘Dive!’ [Wall of Sound] 03. NOSK ‘Mind Control’ [83] 04. Raito ‘Serum’ [Boysnoize] 05. Alien Rave ‘Alium’ [Alien Rave Beats] 06. Motion Unit ‘My Mind (Club Mix)’ [Loud & Slow] 07. Überzone & Rennie Pilgrem ‘Black Widow’ [TCR] 08. Jonathan E ‘Departure’ [Freak Plastique] 09. Rob Dougan ‘Clubbed To Death (Hybrid Remix)’ [Warner] 10. Sol Brothers ‘That Elvis Track (Dark Sky Remix)’ [Fresh]

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C R Í T I C A S

/

D R U M

&

B A S S

Autor: ROHAN G. FINGER / finger@djmag.es

CILAND & BROKEN

9.3

Crusher

LowFreq El mexican junglist Isaac Maya vuelve a apostar por sonidos profundos en la nueva referencia de su sello, reafirmando una vez mas, que no solo de jungle y dubwise vive LowFreq. En esta ocasión ha contado nuevamente con nuestro buen amigo chileno Ciland, que ya nos sorprendió muy gratamente a través de la escudería mexicana hace un par de años con ‘Red Eyes’. El día 6 de agosto lanza junto al productor brasileiro Broken, este maxi single en el que, como cara A, encontramos esta sobria maravilla titulada ‘Crusher’. Sonido sólido y gélido directo a petrificar el alma del oyente a través de ritmos hipnóticas y desgarradoras líneas de bajo, en clave de deep neuro. ¡Enhorabuena por esta gran colaboración, camaradas!

9.2

9.0

HARKA Days Thinkin’

MEDOK Mind Games

The Dreamers

Parallel Depth

El sello italiano The Dreamers se complace en presentar el primer trabajo dentro de la escudería de Harka, productor, DJ, y también guitarrista de la banda de reggae Stig of the Dub. Un EP titulado ‘Days Thinkin’, que contiene cuatro pistas de intenso sabor retrofuturista (‘Body Talkin’,’Days Thinkin’, ‘45’ y ‘Haste’), que muestran a la perfección la investigación musical y los dotes a la hora de crear y programar de de este joven artista británico. En el EP que oscila en cuanto a velocidad entre los 160 y los 170 bpms, podemos encontrar una sabrosa mezcla de footwork con oldschool jungle y sonido ravey de influencias 100% noventeras, con una importante presencia de sugerentes melodías, ritmos intensos, toques jazzy, y detalles vocales.

Aquí nos llega calentita la sexta referencia de Parallel Depth, con la que nos muestra otra vertiente sonora, que supone otro golpe de cincel para esculpir su identificativo sonido. En esta ocasión, se adentra – siempre manteniendo su característico enfoque profundo – en tesituras menos tecnológicas y más orgánicas, y en sonidos más cercanos al jungle que al deep drum & bass. El encargado de la producción ha sido el desconocido productor belga Medok, que hace su presentación en sociedad a través de este estupendo EP titulado ‘Mind Games’, y que compila seis temas en los que coexisten el deep jungle con el liquid, el halftime, e incluso el juke. En la redacción estamos muy orgullos de la evolución y el excelente trabajo de este sello sevillano.

8.8

8.8

DUB ELEMENTS Dub Elements + Friends Remixes

SIMPLE SOULS & LINK FT. FLOTATION Set It Off

DEM

Liquid V

MARYELLOW

Liquid V, la rama especializada en liquid funk del legendario V Recordings, pone sin ninguna duda la banda sonora a los cálidos días de este tan extraño verano que estamos viviendo. Un release que huele a Movement a cada beat, y nos traslada a cualquier noche de jueves de hace 18 años, en el mítico Bar Rumba de Londres. Allí, el trío Simple Souls, de Eslovaquia y República Checa, junto al británico Link, nos trae con cuatro tracks, todas las vibraciones positivas de la época dorada del liquid, cuando lo importante era llenar de sonrisas la pista de baile, sin necesidad de ponerse profundo para parecer más auténtico.

Un EP repleto de funk, soul y jazz, con la colaboración en el tema principal del vocalista Flotation.

Para la undécima referencia de su sello, que ve la luz el día 7 de este mes, el dúo sevillano Dub Elements nos trae el primer volumen de remixes de su saga Dub Elements + Friends. Para esta primera entrega ha contado como remixers con cuatro populares nombres del panorama internacional como son el británico Audio, el dúo alemán Neonlight, el productor esloveno Smooth, y como representación nacional, el gaditano Juno que últimamente está que no para. Los temas remezclados respectivamente son ‘Lycaon’ producido junto a Neonlight, ‘Firing Pin’ junto a Gydra, el tema original en solitario de los hispalenses ‘LikeThis’, y el que coproducido junto a Kolt, ‘Flamenco’. Una buena dosis de drum & bass y neurofunk 100% pistero.

01. Spor ‘Haywire’ [Renegade Hardware] 02. High Contrast ’Snare The Blame’ [3Beat] 03. No Human Sound, Mise, Azam ‘Late Night Show’ [Peer Pressure Records] 04. Chu Hi, Calculon & Lil Kevo 303 ‘Lemon Hi’ [Shoot Recordings] 05. DJ Marky & S.P.Y. ‘Yellow Shoes’ [Innerground Records] 06. Optical ‘Kung Foo’ [Virus Recordings] 07. Galvatron ‘System Test’ [Deep In The Jungle Records] 08. Kursiva ‘Spaceship Commander’ (AKOV Remix) [Red Light Records] 09. Whiney ‘The Capital’ [Med School] 10. Father Funk & Hiphoppapotamus ‘Jungaloo’

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C R Í T I C A S

/

T E C H N O

Autor: MUGNI / mugni@djmag.es

YANT

8.7

Hydro

Blackaxon Comenzamos el mes con un trabajo dinámico, fresco y que nos trae esperanzas para este caluroso mes veraniego. Yant aparece con un as bajo la manga, mejor dicho cuatro ases, porque este trabajo es uno de esos que debes tener si te gusta el techno. De hecho, reúne las mejores cualidades que podemos esperar: Sonidos nuevos, un uso bastante imaginativo de los mismos, energía por todos lados que te va ha hacer disfrutar mucho de cada tema… Y lo mejor, una manera muy inteligente de dosificar la energía dentro de cada track. El trabajo en si es muy útil para el uso en pista de baile. Eso si, cuando se pueda disfrutar de ellas. Mientras tanto, el disfrute va a ser mas bien privado.

8.2

7.7

VVAA The Third Room Fundraiser Compilation

TIM XAVIER Schimmer Halle

The Third Room

STRX

Como en muchas otras ocasiones hemos venido comentando, los recopilatorio y los discos de remecías son terreno fangoso, ya que por norma general suelen ser bastante incoherentes y pasan a resumirse como un compendio de temas sin ton ni son. Afortunadamente ni hoy ni este es el caso, y es que la gente de The Third Room ha hecho un excelente trabajo con esta compilación. Dentro de la misma podemos encontrar diferentes estilos y enfoques del Techno, todo ello sin que se aparezca alguna mala sensación. Desde temas pisteros a agresivos, pasando por algo un poquito experimental y como no, visitando el espacio. Un montón de sensaciones distintas, bien ordenadas, con carácter y lógica.

Tim Xavier no es alguien nuevo en todo esto de la música electrónica.

De hecho, lleva ya bastantes añitos elaborando discos, montando sellos y haciendo realidad el trabajo de otros. Todos esos años denotan y demuestran experiencia, que – de una forma u otra – se ve reflejada en sus trabajos. Este disco, como muchos de sus anteriores, suena a las mil maravillas, se nota que este señor sabe lo que hace y aunque en algún tema se perciba un carácter algo extraño, el uso de la técnica difumina esas partes para, de alguna manera, quitarlas de nuestra vista. El disco es bueno, pero necesita de un par de escuchas para que enganche del todo. Sonidos distorsionados y un buen groove es lo que podrás encontrar.

7.0

7.0

IRRATIONAL LANGUAGE Matter and Mind Remixes

HEAD RETURN Social Brutality

Structured Records

Underground Connexion

DEEPAK SHARMA

En esta 2da referencia de Structured Records, el sello nos presenta el anterior trabajo de Irrational Language, pero remezclado por Makaton, Dan Böher, Razbibriga y Paul Birken. Ninguna de las versiones que nos muestran se anda con chiquitas, todas van directas al grano y con muy mala leche… todo sea dicho. Sonidos muy agresivos, desenfreno, latigazos, distorsiones y algo a lo que retuercen el cuello. Si lo que te gusta es la violencia musical en estado puro, no te lo pienses mucho, ya que este disco va a hacer tus deseos realidad. Aún con todo, el trabajo respira coherencia y orden, teniendo en cuenta este estilo entre hardcore, techno y noise. No es para todos los oídos, pero merece al menos que lo escuches.

Y vamos a cerrar el mes, no sin antes hacer todo el ruido posible y destrozarlo todo a nuestro paso. Bueno, es un decir, obviamente no lo vamos a hacer, pero seria una representación gráfica y directa de lo que este disco nos muestra. ‘Social Brutality’, con varios remixes a cada cual más duro y salvaje. Todo suena bien, el mensaje es el correcto y no contiene nada fuera de tono. De hecho es bastante coherente, si te gusta la violencia sonora. Parece que, poco a poco, este nuevo estilo se está abriendo hueco y, en cierto modo, parece una respuesta lógica a los tiempos que nos están tocando vivir. Hard techno sin concesiones, sin rendir pleitesía a nada ni nadie.

01. Deepak Sharma ‘Rise As One’ [Private Techno] 02. Deepak Sharma ‘Mania’ [Hidden Recordings] 03. Seleccion Natural ‘MG0039’ [PoleGroup] 04. Sei A ‘Forget Now (Surgeon Remix)’ [Aus Music] 05. Shifted ‘Warm Currents’ [Avian] 06. Pfirter ‘Tomorrow’ [MindTrip] 07. Blawan ‘Rain’ [TERNESC] 08. Norbak ‘Pledge IV’ [Attic Music] 09. Banke ‘Yellower’ [Token] 10. BLNDR ‘C.Q.J.D.A.A.’ [Nonplus Records]

074

C R Í T I C A S

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E L E C T R Ó N I C A

Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS / carlos@djmag.es

JAKE THE RAPPER

9.5

Lullaby No. 2

Ouïe Circle Jake The Rapper se ha convertido en una leyenda de Berlín. Su residencia en el famoso Bar25 vivirá en la memoria, pero su innovación musical continúa. Aquí, se une a Ouïe Circle, el sello de Nico Stojan y Acid Pauli, establecido como una salida para productores con ideas afines. Este EP proporciona cuatro tomas diferentes de ‘Lullaby No.2’. La versión de radio es un corte house funky y de tempo medio, con la voz inconfundible de Jake. Para rematar este EP, Freudenthal presenta una visión más sintetizada, que de alguna manera hace referencia al mejor pop de los 80, haciendo de este trabajo seguramente su mejor obra hasta la fecha.

9.0

8.7 VVAA Italian Synth Planetarium Sistema 1, 2, 3

EROL ALKAN Sub Conscious Phantasy Sound

Slow Motion

‘Sub Conscious’ de Erol Alkan llega en 12” y a plataformas digitales, acompañado de dos remixes de Manfredas. Brillante y ondulante, el corte original de ‘Sub Conscious’ está diseñado para aprovechar al máximo cualquier sistema de sonido afinado, con un viaje paciente y rítmico. Manfredas aporta dos pistas enormemente creativas y alternativas de ‘Sub Conscious’, cargadas de bajos flexibles y sólidos, aprovechando sonidos de Alkan a los que suma todo un arsenal de oscilaciones vampíricas. Phantasy Sound vuelve a presentar una vez más un trabajo absolutamente esencial en techno contemporáneo.

Slow Motion está de vuelta con ‘Italian Synth Planetarium’. Esta compilación muestra a los mejores artistas electrónicos italianos de todo el mundo. Prácticamente todos los artistas estrella de Slow Motion se presentan en este triple lanzamiento y, aparte, hay 8 nuevos artistas que debutan. Esta VA masiva se distribuirá digitalmente, más un cassette, con un megamix de las pistas proporcionadas, por los maestros Franz Scala y Fabrizio Mammarella. Destacamos obras maestras como ‘Today Tomorrow’ de Italoconecction; o ‘Stick’, de Ron & Stepson. Tracks diseñados para ser himnos nocturnos atemporales.

7.5

7.0

MIDDLE SKY BOOM Don’t Stay Negative

JAVIER FERREIRA Organic Time

Innisfallen Records

Side Up Works

(DOGS & VULTURES)

HABITS OF WASTE

La incursión de Middle Sky Boom con Innisfallen Records confirma que el productor israelí tiene el talento para plasmar producciones eclécticas con beats de disco pegajoso. ‘Don ‘t Stay Negative’ es el track original con el que se suma a las filas del sello independiente mexicano, a cargo de Alfredo Cárdenas a.k.a Montessori , Andrés Mendoza a.k.a. Andrem y Estuardo Flores a.k.a Lusca. A cargo de los remites están Álvaro Cabana & Azaria, que construyen una pieza sólida y dinámica perfecta, para trasladar tus sentidos a la batalla, mientras que Colossio desarrolla un track psicodélico sentimental. Disponible a partir del 13 de Agosto.

Side UP Works presenta con este EP su noveno lanzamiento. Esta vez, el hombre a cargo es el argentino Javier Ferreira, quien entrega un EP con tres tracks originales, más dos remixes “dancefloor killers” de Thomass Jackson y Cardopusher. ‘Organic Time’ ofrece un viaje salvaje lleno de ritmo sonidos y contundentes con voces fantasmales y toques ácidos. Todo un pack bien completo y listo para prender fuego cualquier club.

01. Ess O Ess ‘Voice Inside (French Version)’ [Not An Animal] 02. A Flock Of Seagulls ‘Wish (Ilya Santana Remix)’ [August Day] 03. Halvtrack ‘Glass Movers (Chinaski Remix)’ [Cold Blow] 04. FLXXX ‘The Past Has No Power (Local Suicide Remix)’ [Roam] 05. Sosandlow ‘La Espiral (Darlyn Vlys Remix)’ [Sciene Cult] 06. Sebastien Fauvel ‘Obsession (Stratus Remix)’ [Follentez] 07. Velax Rytm ‘Control (Fedorovski Remix)’ [Emerald & Doreen] 08. Perel ‘Karlsson’ [Uncanny valley] 09. Roliva ‘Slaves N’ Stress’ [Dogs & Vultures Wax] 10. Daniel Gregori & Snem K ‘Breakers Of Souls (MontCosmik Remix)’ [Dogs & Vultures]

075

C R Í T I C A S

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T E C H - D E E P

H O U S E

Autor: EKAI / ekai@djmag.es

DETLEF

8.5

Dub Clap

Issues Detlef, quien probablemente sea el griego más internacional de la escena tech-house, ha lanzado su propia etiqueta a la que ha bautizado como Issues. Para tan magna celebración, es el propio artista quien da el pistoletazo de salida a su sello con ‘Dub Clap’. Este trabajo es un EP compuesto por dos tracks además de una tercera pista que es una versión de ‘Dub Clap’, a modo de tool. Las piezas que componen este trabajo van sin duda alguna directas a la yugular de la pista de baile, formadas por pocos pero sabiamente escogidos elementos. Además cuentan con unas acertadas estructuras, que hacen que sean unos tracks divertidos. También cabe recordar que este trabajo será editado tanto en formato digital como en 12” pulgadas.

8.0

8.0

SHUTTLEWORTH Let Me Holla

MIDNIGHT WORKOUTS City Lights (German Brigante Remix)

Roush Label

Manitox

Procedente de Sudáfrica, concretamente desde la ciudad de Pretoria, nos llega el trabajo de Shuttleworth. El joven es un artista al que llevo siguiendo desde hace tiempo, puesto que sus trabajos me parecen de una originalidad y frescura cada vez es más difícil de encontrar. Este DJ y productor está desarrollando un sonido único y fácilmente reconocible, que se sustenta en mezclar elementos del hip-house con el house actual. Con respecto a su debut en BumpCut, ‘Let Me Holla’ abre el EP con un ritmo roto donde podemos apreciar las influencias de Shuttleworth. A continuación, ‘Since Sliced Bread’ sigue la fórmula anterior de Hip-house con detalles sutiles como el cowbell y la vocal de MC, además de efectivas subidas de LFO.

El jefe de la discográfica Manitox, German Brigante, remezcla una de las pistas más emotivas del álbum debut de Midnight Workouts, donde aporta su tan característico y reconocible sonido. El productor español cuenta con una sólida carrera que le ha llevado a editar en reconocidos sellos como Get Physical, Dirtybird o Exploited, es por eso que ahora está concentrando todas sus energías en posicionar su label en lo más alto. Atendiendo a lo que nos ofrece este remix, vemos como el enfoque de Brigante cuenta con las inconfundibles líneas de bajo que ya son su marca registrada. Este bajo marida perfectamente con el beat proporcionado por la 808 y juntos sientan la base donde se acomoda la emotiva voz de Georgie O.

8.0

7.5

BARTOLOMEO Castellammare

BASTI GRUB & DAVIDE SQUILLACE Fading Memories

BAR Musica

Aprapta Music

MATTIA SCOLARO

Bartolomeo, director del sello BAR Musica, está convirtiendo la etiqueta en uno de esos labels de culto. Lo hace, no solo seleccionando los tracks que edita, sino también eligiendo sabiamente los artistas que lo acompañan. Para esta ocasión, por ejemplo, ha decidido contar con el mago rumano Priku quien se encarga de remezclar el track que titula el EP: ‘Catellammare’. El italiano Bartolomeo ha estudiado música clásica toda su vida, además de jazz y blues. Esta mezcolanza de diferentes géneros le sirven para acercar su música más personal al mundo electrónico.

Mirando esta hoja de reviews, veo como cuatro de las cinco reseñas que he decidido publicar han sido trabajos de artistas que han decidido sacar su mejor material por los labels que ellos mismos dirigen.

Una practica que me parece muy inteligente, y mas en estos tiempos que corren. Además estos productores y DJs son los que en otros momentos seguramente han aupado a otros labels a crecer. Por eso ya va siendo hora de que su mejor material se quede en su casa. Es por ello que Basti Grub, dueño de Aprapta, se une a Davide Squillace fundiéndose en uno para este ‘Fading Memories’, un elegante trabajo que consta de dos piezas originales donde los sintes oscuros de carácter deep-house y las voces emotivas son los claros protagonistas.

01. Mattia Scolaro ‘Don’t Kill My Vibe’ [Hiriko] 02. Mattia Scolaro ‘Inner You’ [Hiriko] 03. Eddy M ‘Show Me’ [Muse] 04. Reelow ‘Give More ft MALV’ [Sanity Records] 05. The Deals ‘Undercover’ [Reecords] 06. Cuartero ‘What Luv’ [Hot Creations] 07. Ruff Stuff, Black Loops ‘Rock ’N’ Roll’ [Shall Not Fade] 08. Aaron Carl ‘Homoerotic’ [Wallshaker Music] 09. Fred H ‘From NYC With Love’ [Brique Rouge] 10. Chicks Luv Us ‘Trip’ [Deeperfect]

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C R Í T I C A S

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D A N C E - E D M

Autor: WILLY ALCOCER / willy@djmag.es

DJ SON1C FEAT. FÁTIMA PEGO

9.0

A Meiga Da Verbena

Son De Festa Records Vuelve a estas páginas la que se ha convertido en la formación dance actual más importante de Galicia.

Hablábamos en abril de la espectacular carrera profesional del DJ/productor Felipe Tarrio (DJ Son1c): desde la creación del himno de la fiesta gallega, ‘A Festa Non Vai Parar’, hasta el reciente alumbramiento, junto al mítico Tss Proyect, de la plataforma musical Redance Music. Todo ello cimentado sobre una incontestable trayectoria en – juraría yo – el 100% de las cabinas gallegas. Fátima Pego – voz de la orquesta más importante de España (Panorama) – vuelve para dotar al tema de una fuerza y calidad vocal tal que, junto a la enorme calidad técnica de la producción, lo convierte en un tiro seguro. Auténtica delicia dance melódico, llena de puro ritmo, tan bailable como radiofónica.

9.0

8.5

SHAKE COCONUT & WIZZLY Hit The Club

KRYDER X NINO LUCARELLI Stay With Me

Fonk Recordings

Spinnin’ Records

Miguel, Kobe, Javier: ¡válgame Dios! Cuando Dannic – ¡Dannic! – decide sacar un tema tuyo por su sello (Fonk Recordinds), puedes acostarte tranquilo, pensando: “vale: mal no va la cosa”. ¿Sabéis lo que pasa, chicos? Que hacéis todo muy bien. De corazón os lo digo. Los Shake, madrileños, residentes de A Summer Story, mil veces compañeros de cabina – insisto, compañeros: ellos cumplen con el significado profundo de esa palabra – vuelven a su esencia sonora: calidad, contundencia, groove & tribal. Y Wizzly (Ávila, 1993), con quien ya co-fundaron ElRoyo Group, se queda donde siempre está: dedicación, elegancia... y acierto. El tema ya tiene el apoyo de Dash Berlin, Thomas Gold, DJs From Mars... y tendrá el de todos los que buscamos uno de esos momentos de explosión máxima en nuestra pista.

Chris Knight (1980) nació en el Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda del Norte (qué queréis que diga, queridos lectores: ése es el nombre oficial completo del país). Nino Lucarelli (1993) nació en Pittsburgh (Pennsylvania, Estados Unidos – de América, ojo –). Por tanto, trece años y un océano separaban a estos dos DJs/productores antes de juntarse, por primera vez, para crear esta maravilla dance que lanza al mercado la grandísima Spinnin’. El sintetizador que usan los autores para presentarnos la melodía principal, ya anticipa lo que va a suceder en el clímax. Pues bien: sucede exactamente lo contrario. Creedme: es mejor escucharlo. Sí que os digo que escucharéis una preciosa melodía de piano, digna del excelente gusto melódico de ambos productores.

Un tema precioso, distinto, eficaz.

8.0

7.5

TIMMY TRUMPET X WOLFPACK FEAT. JAXX & VEGA X R3SPAWN Kalinka

SONNY FODERA & DOM DOLLA Moving Blind Solotoko

Smash The House

JAVI DUOMO

El campo ‘autor’ completo de esta canción se completa añadiendo: “Dimitri Vegas & Like Mike edit”. Si yo quisiera – como suelo querer – presentar los nombres reales, fecha y lugar de nacimiento del autor, tendría que hacerlo para... siete personas. ‘Kalinka’ es la canción más importante de la historia de Rusia. Escrita en 1860 por el compositor Ivan Larionov, se popularizó como parte de la obra de teatro que él mismo había compuesto. A su universalización contribuyó el hecho de que en 1988 la versión de la mítica consola Atari 2600 del videojuego Tetris (creación de la compañía Tengen), la incluyese como tema principal del juego. Lo mismo hizo Nintendo para su legendaria consola de 8 bits. Versión EDM puro de inmejorable factura sonora y enorme potencia de ruptura. Tiro seguro.

Vamos al otro lado de la Tierra. Australia vio nacer a Sonny Fodera (1985) y a Dom Dolla (1992). Fodera se fue a vivir a Londres, pero regresó: tal vez intuía que tenía algo importante que hacer en su tierra.

Y sí, lo tenía. Fodera y Dolla son actualmente una de las formaciones de música electrónica más importantes de Oceanía, y una de las principales emergentes en la escena EDM en EEUU, donde co-focalizan su carrera desde 2019: se acercan a los 15.000 tickets entre sus actuaciones de Los Ángeles, Denver y San Francisco. Solotoko publica esta originalísima pieza, de estructura, acordes y sonido más EDM que tech-house, pero con ese espíritu de los anteriores éxitos techno del dúo. Un trabajo de enorme calidad que cuida cada detalle sonoro.

01.Daniele Frate ‘House Train’ [Wikolia Music] 02. Dynoro, Fumaratto ‘Me Provocas’ [Lithuania HQ] 03. R3HAB, Gattuso ‘Creep’ [CYB3RPVNK] 04. Di Martino Ft. Yan The One ‘Felicidad’ [Wikolia Music] 05. Tiësto, Becky Hill ‘Nothing Really Matters’ [PM:AM Recordings] 06. DJ Jossi ‘No Return’ [Wikolia Music] 07. Joel Corry ‘Lonely’ [Asylum Records UK] 08. Sergi Grau ‘Oliverbenji’ [Wikolia Music] 09. SAINt JHN ‘Roses (Imanbek Remix)’ [Effectiver Records] 10. D.O.D ‘According To Me (La Cumbia Cienaguera)’ [Axtone Records]

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C R Í T I C A S

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T R A N C E

Autor: LEIRE ZULOAGA / leire@djmag.es

INFERNAL GIFT

8.0

Goregeus

Jaira Records ¡Es esa dosis de impresionismo musical la que eleva este track al limbo de los dioses progresivos!

‘Infernal Gift’ nos invita a un viaje mucho más profundo dentro del psychedelic y el progresivo más underground y enérgico. Acompañado de ese piano con esas maravillosas reminiscencias de las piezas clásicas de Erik Satie, hacen de este track, cargado de fuerza y belleza a partes iguales, nuestro top ranking del mes de la mano de Infernal Gift y del joven label Jaira Records.

8.0

7.0

IVÁN G.M VY Canis Majoris

ALEKSEY GUNICHEV Only About You

Ultima Audio

Abora Symphonic

Y seguimos en la re-tentativa del impresionismo musical, para acercaros esta pieza de amplio corte orquestal de la mano del ruso Aleksey Gunichev. Si bien es cierto que no tenemos muchas ocasiones para presentar este tipo de tracks, no aptos para el uso en pista de baile, hemos querido traer esta pieza, que hace del mundo del trance algo especial y precioso. ¡Sí amigos! Hay vida-trance fuera de las pistas de baile y desde aquí, os animamos a todos a salir en su busca.

Entramos en la aportación nacional a este chart y, en esta ocasión, lo hacemos por partida doble de la mano del donostiarra Iván G.M, para el sello nacional Ultima Audio, con el track ‘VY Canis Majoris’. Se trata de una pieza altamente progresiva, con notas del uplifting más puro, pero sin dejar de lado esos toques tan “old school” que siempre están presentes en los trabajos del donostiarra. No es ningún secreto, este track nos gusta y seguiremos muy de cerca las futuras aportaciones de Iván y Ultima Audio. ¡Felicidades chicos!

7.0

5.0

JACK VATH Path to Iluvatar

DENBRAY Ligthing Storm

Subject Matter Expert

TAR Oasis

JACK VATH

‘Path To Iluvatar’ es una pista de trance progresivo a 130bpm con una línea de bajo arenosa y enérgica muy propia del mainstream, aunque acompañada de unos hermosos acordes en la sección principal. Como bien nos explicaba Jack, en ‘Iluvatar’, (de la mitología Tolkien, significa “el Altísimo” o “el Padre de todos”), los contrastes en la canción representan el lado bueno y malo del viaje, el camino complejo hacia Iluvatar. Dejando de lado la poética del track, encontramos un equilibrio muy homogéneo, con cuidados detalles que hacen de esta, una pista muy progresiva con toques masivos pero a la vez cálidos. ‘Path to Iluvatar’ sale bajo el sello independiente Subject Matter Expert y será su segundo “solo track” de este año.

Última entrada en nuestro chart con el mega label Trance All-Stars y el subsello TAR Oasis. Esta pista tiene un corte balearic, encuadrada dentro del estilo progresivo al que el artista ruso DenBray nos tiene acostumbrados pero, con esos toques tropicales que dan a este tema esa sensación de isla. Es una línea muy delgada la que separa a este track del dulzarrón y fácil “sonido del verano”, pero esos sub-graves pesados acompañados por esos sintetizadores tan bien paneados le dan el último puesto de nuestras criticas para este mes. ¡Felicidades!

01. Alexander Popov & Kitone ‘Elements’ [Armada Captivating] 02. Somna ‘Snowstorm’ [AVA] 03. Myon feat. Alissa Feudo ‘The Darkest Light’ [Anjunabeats] 04. Mat Zo feat. GQ ‘The Next Chapter’ [Anjunabeats] 05. Protoculture ‘Titan’ [A State Of Trance] 06. Farius ‘Miami Love’ [Enhanced Progressive] 07. Pavel Khvaleev & Avis Vox ‘Everything’ [Black Hole Recordings] 08. Gardenstate ‘Delta’ [Wake Your Mind Deep] 09. Armin van Buuren & BT feat. Nation Of One ‘Always’ [Armind] 10. Adam Sobiech ‘Roses’ [Euphonic]

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N U E VA WEB 2017

079

T E C H

R E P O R TA J E

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

Auriculares xenon by kygo El mundo de los auriculares es uno de los más amplios y controvertidos dentro del sector tecnológico. Al final, muchas veces la elección de el auricular perfecto puede variar de un usuario a otro, según la experiencia de uso sea para cada uno.

En este número, os traemos esta review detallada de unos auriculares que nos llamaron mucho la atención: los XENON, apadrinados por la estrella de la electrónica, Kygo.

Antes de nada, situemos los XENON en contexto. Se trata de unos auriculares de diadema, over-ear, bluetooth, con capacidad noise cancelling, aprobados y desarrollados por el propio Kygo (las especificaciones técnicas os las dejamos en la ficha).

Aunque en un principio parecen unos auriculares más propios de lifestyle que creados para pinchar, por diferentes motivos que os detallaremos, a su vez tienen funcionalidades que equilibran la balanza y hacen de ellos una opción bastante completa.

Como referencia, un servidor usa habitualmente unos auriculares no inalámbricos, Urban Ears Zinken II, cuyo rendimiento es muy equilibrado, sin colorear frecuencias, además son ligeros y durables.

descargado (rojo); un input de carga USB-C (cuyo cable va incluido); y un input minijack, para usar los auriculares con cable (viene incluido un cable minijack-minijack con micro).

Ya desde que ves la caja, los XENON by Kygo demuestran ser algo especial. Vienen empacados en una caja negra y robusta de buen tamaño, que da una sensación de exclusividad al producto. Al abrirla, los auriculares vienen doblados y almacenados en su propia funda protectora rígida, que añade enteros a la calidad general del producto.

Para el emparejamiento bluetooth, basta con seguir las sencillas instrucciones que vienen incluidas y conectarlo con vuestro dispositivo de elección.

El configuración y disposición de los controles es realmente sencillo. Todos los botones e inputs están en el auricular derecho: subida y bajada de volumen, con un solo botón de encendido/apagado/play/ pause/tomar llamada/finalizar llamada en medio de ambos, y un switch para activar o desactivar el noise-cancelling justo encima. Además de esto, viene con una luz led que indica si está conectado (azul) y si está

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En cuanto al diseño, es elegante, simple y minimalista, con bonitos detalles en forma de X a cada lado, que se iluminan estando encendidos. Además de eso, y a pesar de su peso (320gr, unos 100gr más pesados que la media de auriculares bluetooth de gama alta de muchas marcas), la construcción de las almohadillas en cada auricular y en la diadema es sumamente cómoda (están hechas de una espuma con memoria, lo que las hace extremadamente suaves y adaptables), haciendo casi imperceptible el peso extra. ¿Y de dónde viene ese peso extra? Es justo aquí donde estos auriculares le ganan por

T E C H

goleada al resto. La bestial batería de 250 mAh tiene una autonomía de uso de nada menos que 24 horas (con un tiempo de carga total de 2 horas). Y mientras los tiempos de autonomía ha sido siempre donde se pillan las falsas proclamas publicitarias, en este caso ocurre todo lo contrario. Lo confirmamos: los XENON pueden ser usados durante 24h sin cargar (y sin usar el noisecancelling, en cuyo caso el tiempo de uso se reduce a unas 16h).

Nosotros hemos estado usándolos durante un fin de semana entero, desde el viernes, de forma intermitente, pero con sesiones de escucha de incluso 4 horas seguidas, y no tuvimos que ponerlos a cargar hasta el martes. Y lo mejor de todo es que incluso después de cuatro horas seguidas, seguían sintiéndose cómodos (aunque empiezan a fatigar, por su peso, a partir de la quinta hora… pero esto es una valoración personal, ya que habrá gente que se fatigue antes o después).

Más allá de la comodidad y autonomía, lo cierto es que suenan de maravilla. Al primer uso, y en comparativa con los antes mencionados Urban Ears Zinknen II, los XENON by Kygo tienen una respuesta de graves muy potenciada. Con esto queremos decir que el sonido que sale en esas frecuencias está muy coloreado y no es tan fiel a lo que proyecta, con una ecualización equilibrada, un sistema de escucha 5.2., por ejemplo. Sin embargo, para mitigar ese coloreo de graves, basta con activar la función noise-cancelling y uno nota automáticamente como las frecuencias

TECH

R E P O R TA J E

se equilibran, dando una respuesta más natural. Mientras que no es lo ideal – si se es un DJ o audiófilo que busca una escucha equilibrada, sin matices o colores en las frecuencias –, que incluya esa función para mitigar esa potenciación en los graves viene genial, aún a pesar del coste extra en gasto de batería.

Como comentario extra, debo decir que la construcción sólida y firme de los XENON

by Kygo da mucha confianza, aunque quizá haberle dado algo de flexibilidad o movimiento rotatorio a cada auricular (izquierdo y derecho) por separado, sería el detalle ideal para rematar esta herramienta.

Pero, siendo justos, también es ser un poco tiquismiquis por nuestra parte (risas).

Decimos herramienta, aunque como dijimos al principio, quizá sea un producto más enfocado al lifestyle que al profesional de la cabina. Aunque no somos quién para negar la posibilidad a quien quiera usarlos para pinchar, ya que, como hemos comentado, son tremendamente versátiles, se busque una respuesta de graves gorda (EDM, reggaetón, urban music), o un sonido más equilibrado.

En resumen, los auriculares inalámbricos XENON by Kygo son un producto realmente versátil, cómodo, elegante y con una usabilidad realmente alta, en muchas circunstancias. Su relación calidad/precio es bastante justa, especialmente dado el mimo con el que se trata al usuario con todos los detalles de diseño y embalaje. Pero especialmente es justa por su durabilidad y por su bestial autonomía de batería, más

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8.8/10 FICHA TÉCNICA XENON BY KYGO Bluetooth: 5.0 Active Noise Cancelling: Si Driver: 40mm Impedancia: 32Ω +/-15% Frecuencia: 20Hz-20kHz Presión sonora (@1kHz): 98±3dB Codecs: AAC®, Qualcomm® aptX Autonomía: 24h (16h con ANC) Alcance inalámbrico: 10 metros Jack: 3.5 mm Autonomía en reposo: 200h Capacidad de batería: 250 mAh Micrófono con comandos de voz Compatible con iOS y Android • Peso: 320 gramos • Precio: 199€ • • • • • • • • • • • • •

que ninguna alternativa de esta gama en el mercado. Y aunque su sonido no es el más prístino y equilibrado, sigue siendo más que decente y se puede equilibrar activando el noise-cancelling (que funciona fenomenal, incluso en silencio). ¡Realmente, pulgares arriba para estos auriculares!

T E C H

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P L A S T I C

Autor: KANEDO

Denon Prime Go E N

L A

P A L M A

D E

T U

M A N O

En un mercado donde cada vez parece más complicado innovar, a principios de 2020 Denon presenta el primer equipo all-in-one alimentado con batería, un setup totalmente autónomo sin necesidad de corriente.

este aspecto ya que tiene jog wheels pequeños, un pitch corto o controles limitados, Prime GO presenta una generosa pantalla LCD totalmente táctil e intuitiva que ayudará a agilizar el flujo de trabajo del DJ.

Pudiendo reproducir música desde las fuentes habituales, tales como dispositivo USB o tarjeta SD, también puede conectarse via Wi-fi o Ethernet a plataformas de streaming como Tidal, Beatport, Beatsource o Soundcloud.

Además mediante el software de la marca, Engine PRIME, podrás importar tus playlist con información como Hot Cues o Loops desde Traktor, Serato DJ o Rekordbox para trabajar con tu dispositivo USB.

De esta manera, Denon rellena un hueco en el mercado donde muchos DJ’s demandaban equipos de gama alta con buenos acabados y sonido de calidad capaces de entrar en una maleta o equipaje de mano.

A nivel estético es un equipo de tamaño reducido, con sus pros y sus contras.

Sacrificando parte de su ergonomía en

Características principales • Todo en uno portable de 2 canales • Pantalla táctil HD de 7 pulgadas

Con respecto a la batería, el fabricante asegura un funcionamiento sin interrupción de 4 horas, aunque no facilita información acerca del número de ciclos o proceso de cambio de la misma.

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• Batería recargable de iones de litio para un uso continuado de hasta 4 horas sin necesidad de ser conectado a la corriente • Conexión vía Wi-Fi y mediante cable ethernet para acceder a servicios de streaming • 4 pads para manejar modos como Hot Cue, Loop o Roll • Jog wheels capacitivos • Análisis interno de archivos de música e importación de colecciones de Rekordbox directamente desde el pendrive • Reproducción previa de la pista de forma independiente • Módulo FX asignable, EQ de 3 bandas y FX Filter / Sweep • 2 entradas de micrófono dedicadas en XLR /combo de ¼ “, con EQ / Level / talkover • 1 entrada para dispositivo USB y 1 entrada para tarjeta SD