DJ Mag ES #132

DJMAG.ES | FEBRERO 2022 | #132

VINTAGE CULTURE A LY & F I L A | A R O D E S | S A N F R A N - D I S C O BLACK OWNERSHIP IN ELECTRONIC MUSIC

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Nos adentramos en el segundo mes del año, un año que, si bien empieza con sabor amargo tras las últimas novedades en el ámbito sanitario y la consecuente cancelación de varios de los festivales más grandes programados al otro lado del Atlántico, continúa con la reciente, optimista -y, por qué no decirlo, también sorprendente- noticia del inicio de la temporada ibicenca el próximo mes de abril, un mes antes de lo habitual. Solo nos queda esperar, expectantes y preparados para cualquier giro de 180º, a ver cómo avanzan las cosas hacia la ansiada normalidad.

Mientras confiamos en el positivo avance de la situación, este mes os traemos en portada a una nueva estrella en el firmamento de la música electrónica: Vintage Culture. Nacido en Brasil, Lukas Ruiz (aka Vintage Culture), dio sus primeros pasos en la escena al más puro estilo EDM, y la evolución de su sonido a lo largo de los años sumado a su gran conocimiento musical, le ha llevado a convertirse en uno de los referentes musicales de la escena electrónica deep y house hoy en día. Defected Records, Armada o Repopulate Mars son solo algunos de los sellos en los que ha firmado su música y, además, también cuenta con su propio radio show en One World de Tomorrowland. Todo ello y más nos lo cuenta en la interesante charla que tuvimos con él para celebrar su portada en nuestra revista.

Sumidos todavía en el sonido deep, aunque más melódico, profundo y atmosférico, charlamos con Arodes. A pesar de sus raíces españolas, fue en Los Ángeles donde Adrián se abrió paso en la escena y donde inició su viaje artístico.

Desde entonces, el DJ y productor es habitual en lugares como Ibiza, Ámsterdam, Tulum, Nueva York o Miami.

Seguidamente, hablamos con el dúo egipcio de DJ’s y productores de música trance: Aly & Fila. Tras su debut en Egipto años atrás, el dúo decidió abrirse camino en la escena dance internacional y recientemente han presentado “For All Time” su nuevo track junto a Armin Van Buuren. No os perdáis la amena charla que tuvimos con estas gemas del trance.

En cuanto a reportajes, este mes os traemos dos de gran interés. Por una parte, viajamos hasta San Francisco para descubrir los inicios y evolución del disco, esta última de la mano con la evolución de la comunidad LGTBIQ+ en la ciudad. Por la otra, nos interesamos por la injusta desigualdad con la que ha tenido que lidiar la población negra a lo largo de los años a la hora de gestionar empresas de música, estaciones de radio y sellos discográficos.

Para cerrar, en la sección tech os presentamos uno de los modelos de la nueva serie de controladores REV, en tendencias hablamos de la nueva exhibición de música electrónica en el museo Kunstpalast (Dusseldorf) y como siempre, os traemos las mejores críticas musicales.

Con cantidades inmensurables de cariño, ilusión y nervios a partes iguales, desde este mes cojo las riendas de esta revista para la que llevo trabajando ya un lustro. Quienes me conocen saben que la música electrónica es la banda sonora de mi día a día y que admiro todo cuanto gira entorno a ella y todo lo que es capaz de generar. “Trabaja de aquello que amas y nunca trabajarás”, dicen…

Esta nueva etapa en mi vida personal y laboral es todo un reto, pero más allá de eso, es todo un honor. DJ Mag España, allá vamos.

PATRICIA PAREJA Directora

DIRECCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es REDACCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es Helena Bricio | redaccion@djmag.es DIRECCIÓN DE ARTE Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es DISEÑO Y MAQUETACIÓN Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es FOTOGRAFÍA Y VIDEO Pierre Navy | pierre@allinpress.com MARKETING Y PUBLICIDAD Bela Correa | bela@allinpress.com MARKETING INTERNACIONAL Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es DIRECCION COMERCIAL Jassi González | jassi@djmag.es

Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es

COLABORADORES Ángel Manrique, Borja Manzano, Bruno Garca, Cristina León, Charlie Braun, Eduardo Carbonell, Ekai, Esteban Martínez, Fernando Blanco, Gerardo Cartón, Guillermo Delmas, Gustavo Navedo, Helena Bricio, Julia Lozano, Jonathan Prada, Carlos Flavio Bustos, Mugni, Oliver Florez, Rohan G. Finger, Sandra Vian, Sergio Bifeis, Sergio Parrado, Willy Alcocer, Manuel Sánchez-Cid, Miguel Ángel Alvira, Víctor Fernández, Luis Vallespín, Marc Montes y Leire Zuloaga.

EDICIÓN Revista DJ Mag España SL Passatge Carsi, 16 08025 - Barcelona (España)

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CONTENID O DJ MAG 132 / FEBRERO 2022

Secciones 6 10 12 13 14 16 18

BREVES 60 SEGUNDOS – KOKE MUSIK MIS FAVORITOS – GOLDEN BUG OFF THE RECORD – SPACE 92 FOCUS ON – ADESSO MUSIC 5 TRACKS – DUKE BOARA

20 22 24 26 28 30

COCINAMOS CON – FRANZ MATTHEWS LUCKY 7 – ALVVA MI CIUDAD – DEAS TENDENCIAS – ELECTRO. LA EXHIBICIÓN CÓMO PRODUZCO – LAWRENCE HEART EL RINCÓN DE KALI

ELECTRÓNICA & ROLL – PLOMO

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Artículos

Críticas

34 44 48 54 64

70 72 73 74 75 76 77 78

VINTAGE CULTURE ALY & FILA ARODES SAN FRAN-DISCO BLACK OWNERSHIP

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ALBUMES – BRUNO GARCÍA TRANCE – LEIRE ZULOAGA TECHNO – VICTOR SANTANA ELECTRÓNICA – CARLOS FLAVIO HOUSE – LA IND0 DRUM & BASS – ROHAN G. FINGER BREAKS – EDUARDO CARBONELL DANCE - EDM – WILLY ALCOCER

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Breves Autor: REDACCIÓN

IBIZA ABRIRÁ EN ABRIL ¡Ibiza podrá abrir en abril! Así lo aseguró José Luis Benítez, gerente de la asociación Ocio de Ibiza, en FITUR, la Feria Internacional De Turismo De Madrid, que se celebró el pasado mes en IFEMA. “La idea es que la apertura sea a finales de abril, dos semanas antes de lo que se hace normalmente”, afirmó Benitez, reiterando que todas las grandes empresas de ocio nocturno de la isla están trabajando activamente este invierno para preparar la temporada. Sin poder abrir desde 2019, el futuro de muchos locales icónicos de la isla ha estado en entredicho, ante la imposibilidad de poder abrir con normalidad. ¡Nos vemos en la isla!

MOSTRA BARCELONA DESVELA SU CARTEL Un nuevo festival tendrá lugar este mes de abril en Barcelona. Se trata de Mostra.

Seleccionado como uno de los proyectos finalistas del programa CREAmedia de Barcelona Activa de 2021. Sus organizadores afirman que vienen para sumar y para ser referentes de un nuevo tipo de festivales con una identidad propia, que apuestan por lo local, la inclusividad y la sostenibilidad. El festival tendrá lugar la semana del 11 al 17 de abril y entre las primeras confirmaciones encontramos electrónica de vanguardia y experimental de la mano de Aleja Sanchez, Alicia Carrera, Cobahn, Laura BCR, Reggy Van Oers, Ylia, ABSIS, al productor catalán Massa y desde Detroit, Patrick Russell. +info: www.mostra.barcelona

LEE FOSS VUELVE A IBIZA DESPUÉS DE 10 AÑOS Lee Foss llevará su legendario sello Repopulate Mars a Ibiza este verano, en una residencia en el icónico superclub Eden de la Isla Blanca. Bajo el título ‘The Arrival’, la nueva serie de eventos de Repopulate Mars tendrá lugar todos los martes del 21 de junio al 20 de septiembre. Es la primera serie de eventos conducidos por Foss en Ibiza en más de una década. Además, serán precedidos de distintas actuaciones en el Dream Valley Festival de Reino Unido el 28 de mayo, y en el Saga Festival de Rumanía el 3 de junio. Lee Foss se ha catapultado rápidamente como figura clave del dance en los últimos 10 años. Tanto individualmente como junto a su compañero de Hot Natured, Jamie Jones. +info y entradas: www.tixr.com/groups/repopulatemars

SVEN VÄTH ANUNCIA SU PRÓXIMO ÁLBUM EN SOLITARIO ‘Catharsis‘ es el primer álbum en solitario de Sven Väth en casi 20 años, y el 50º álbum que publica su sello, Cocoon Recordings. Producido junto a Gregor Tresher, el álbum llega el 25 de febrero de 2022 como una autobiografía musical que traza su vida en el techno. Es un disco inspirado en el interés de Sven Väth por los procesos físicos y espirituales que tienen lugar cuando bailamos. “Son reinos en los que nos sumergimos para experimentar nuestro propio misticismo y éxtasis. Bailar es una conversación entre el cuerpo y el alma y nos conecta espiritualmente con los demás“, reflexiona.

‘Catharsis‘ es un álbum aventurero que capta los buenos tiempos, los tristes y, sobre todo, los tiempos de esperanza. El pre-order ya está disponible. +info: www.cocoon.net/merch/p/pre-order-sven-vath-catharsis-album-vinyl

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Puedes encontrar la versión impresa de DJ Mag ES gratuitamente en:

MADRID

•

TVINYL Carrer de Valldonzella, 25 08001

•

CURTIS AUDIOPHILE CAFÉ Carrer de Mallorca, 196. 08036

•

PALMA 39 C/ de la Palma, 39. 28004

•

EL ALMACEN C/Minas 13, 28004

•

GUETTO SHOP C/ Embajadores 13. 28012

•

SAE INSTITUTE C/ de Álcalá Nº 265, PISO 2, Edif 4.

28027

•

ATER COSMO C/ de la Puebla, 9. 28004

•

RADIAL STORE C. del Conde Duque, 7. 28015

•

MUSIC BUSINESS ACADEMY C/Maria de Molina 39, planta 3. 28033

•

SALA SILIKONA Plaza del Encuentro, 1. 28030

•

POWER RECORDS C/Villarías 5, Bajo. 48001

•

TRADE DJ Entrada por la Lonja, Avenida Moratalaz 149posterior. 28030

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ESCUELA BAFFLE DJS Travesia Tivoli 3, 48007

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TRADE FORMACIÓN Calle El Electrodo 5, posterior. 28522, Rivas-Vaciamadrid

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33I45 BAR & GALLERY Carrer de Joaquín Costa, 4. 08001 •

ASTURIAS •

CASTELLÓN •

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PLASTIC C/Calabria 95. 08015

•

PACHA BARCELONA C/Ramón Trias Fargas. 08005

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THE BASS VALLEY Passatge Can Polític, 13, 08907 L’Hospitalet de Llobregat

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BRIDGE_48 C/ de Llull, 48, 08005

•

MICROFUSA Ronda Guinardó, 65. 08024

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DISCOS REVOLVER Carrer dels Tallers, 13. 08001

ENIGMA RECORD C/Prim 10, Bajo. 12003

DONOSTI •

BARCELONA DISCOS PARADISO C/Ferlandina 39. 08001

THE BASS VALLEY & STUDIO DJ CENTER C/ Jil de Jaz nº3, C.C Galerías Pidal, local 14.

33004. Oviedo

BILBAO

FLUGE AV Calle Sierra de Albarracín, 61. 28500, Arganda del Rey

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LA VEINTINUEVE Banys Nous, 14. 08002

DABADABA Camino de Mundai, 8, 20012

GIRONA •

EUMES C/ de Baix, 2, Espai Marfà, 17006

GRANADA •

DISCOS BORA BORA Plaza de la universidad 11. 18001

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ACADEMIA FONICA C/ Azorín, 10, 18004

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PROYECTO ESPUMA C/ Albahaca nº4 Edificio Danubio, Local 6, 18006

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IBIZA Y FORMENTERA

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LE CLUB BEACH Club Londres, 7, Playa Fañabé. 38660

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USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL Playa d’En Bossa 10, 07817

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CAFÉ MAMBO C/ Vara de Rey, 40

LA FLACA Av. Ernesto Sarti, 147. 38660

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METRICA STUDIO C/ de la Murtra, 5, 07817

TERRAZZA DEL MAR Av. Rafael Puig Lluvina, 41. 38660

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HOSTAL LA SAVINA Av. Mediterrània, 22. 07870 La Savina (Formentera)

WAKANDA LOUNGE Avenida Ernesto Sarti, Av. de España, esquina.

38660

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FRIEND OF THE OCEAN SURF CLUB P.º Guadalajara. 38660

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METROPOLIS SURF CAFÉ C. Arenas Blancas, n°1. 38650

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LA OLA SURF BAR Calle Mexico America Shopping Center, Local 3. 38660

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HAIR ROCK PELUQUERIA Av. Antonio Dominguez, 20, local 14. 38640

•

ISLAND VIBES COCTELERIA C. Noelia Afonso Cabrera, 4. 38650

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BUENA ONDA FOOD & DRINK Av. la Habana, 14. 38650

•

MONKEY BEACH Avenida Rafael Puig Lluvinas 3. 38660

•

EKO TRACK Av. Antonio Dominguez, 25, Bajo. 38650

•

UNIQUE BAR Av. Ernesto Sarti, 8. 38660

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COCORIBA NORTE C. Manuel Yanes Barreto. 38400

•

ANDANA BEACH CLUB Av. Francisco Afonso Carrillo, s/n. 38400

•

VINYL FACTORY Calle José Murphy nº 6, primer piso ofi 5.

38002

•

NIDO DEL TUCAN Pl. de la Concepción, 20. 38201

•

VEINTE04 SURF Cafe Calle Hno Pedro, 2. 38612

PONTEVEDRA •

PLAYGROUND STORE C/San Roman 10, Bajo. 36002

SEVILLA •

TOTEMTANZ C/Amor de Dios 66. 41002

VALENC IA •

FOR THE LADIES C/ Gasco Oliag 6 , bajo izq 46010

•

STRAP V. Blasco Ibañez, 33. 46010

ZARAGOZA •

XPRÉSATE/LAS ARMAS Plaza Mariano de Cavia, 2

TENERIFE •

CASABLANCA DISCO BAR C.C. San Telmo, Av. la Habana. 38650

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ROCA NEGRA SUNSET CLUB Centro Comercial El Marqués, Av. Adeje 300.

38678

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KALUNA BEACH CLUB CC Centro Costa Local, 79. 38670

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RUBEN MUSIC Calle Tágara 16. 38660

•

HARD ROCK HOTEL Avenida Adeje 300, Av. Playa Paraíso, s/n.

38678

Si quieres formar parte de nuestros puntos de distr ibución, escríbenos a: info@djmag.es, con el asunto distribución

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KOKE MUSIK ¿Cómo fue el proceso de firmar el disco por el sello de Viviana?

En abril de 2021, Viviana hizo un directo en Twitch dando feedback a las personas que le enviaran sus canciones. Yo decidí enviar mi track ‘Eminence’ y le gustó mucho. Esto me motivó a crear nuevas canciones. Decidí contactar con Viviana porque el tema encajaba muy bien con la música que hace y pincha. Un track enérgico, potente, bailable y con ese toque de buen rollo que siempre me gusta añadir en mis producciones. Contacté con Viviana por correo, le gustó el track y lo puso varias veces en directo, en Manchester, Barcelona, Madrid… Estaré eternamente agradecido tanto a Viviana como a todo su equipo. Están realizando un trabajo increíble.

Te formaste en la academia de música avanzada Xprésate, en Zaragoza. ¿Qué tan importante ha sido esa formación en este inicio de tu carrera musical?

Aprendí muchísimo y aprendí de todo. Toqué muchos DAWs, tanto de producción como de edición: Cubase, Ableton, Logic y Pro Tools.

Aprendí síntesis, mezcla, mastering, lenguaje musical, aprendí a tocar el piano, inglés, sonido en directo, DJ, marketing… Hoy puedo decir que me ha servido de todo un poco.

¡Hola, Koke! ¡Un placer saludarte! Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías? ¡Hola a todos! ¡El placer es mío! Me describiría como una persona humilde, soy bastante creativo, siempre intento coger ideas de cualquier situación, noticia, película, juego… Me gusta experimentar y combinar diferentes géneros musicales.

Después, ¿Qué otros proyectos tienes este 2022?

Tengo varios objetivos a lo largo de este 2022. En cuanto a producción, mi objetivo es firmar con sellos españoles como La Pera Records, elrow, Happy Techno, Be One, Too Many Rules, And Dance o sellos internacionales como Sola, Black Book, Deeperfect, ToolRoom, Defected y Trick. Sé que es muy complicado, porque son artistas y sellos mundialmente conocidos, pero iré trabajando hasta lograr mis objetivos. Sólo queda sacar toda la creatividad, trabajar y disfrutar de la música.

Eres de Zaragoza y tu carrera apenas está empezando, con muy buenos pasos. ¿Cómo ves la escena de electrónica de tu ciudad? ¿Y de España en general?

Sinceramente, la escena de electrónica en Zaragoza la veo bastante mejorable. Hay clubs establecidos como Reset, con una programación fija, o lugares como Oasis Club Teatro y otros espacios, donde de vez en cuando hacen fiestas de electrónica. En cuanto a España, creo que la electrónica cada día va a mejor. Tenemos clubs, discotecas, fiestas, festivales y artistas que son referentes mundiales y se han ganado el respeto de todo el mundo.

Finalmente, Koke, pedimos al invitado de 60 Segundos que plantee una pregunta al siguiente. Los último fue el artista Aday Chinea: “Todos tenemos un momento en el que algo hizo click y nos enganchó a la electrónica para siempre. ¿Cuál fue ese momento para ti?”. Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente…

Tal y como dije antes, me adentré en la música electrónica con el boom del EDM. Las melodías del EDM, con esas vocales y esos bombos y bajos súper grandes me apasionaron.

Acabas de publicar tu EP, ‘You Don’t Need To Know’ en el sello de Viviana Casanova, Vassnova. ¿Cómo ha sido el proceso creativo detrás de este disco?

Todo comenzó una tarde en el estudio. No tenía muchas ganas de hacer mucho, así que encendí mi teclado MIDI, abrí Ableton y añadí un par de sonidos. Fui probando diferentes escalas, diferentes sonidos, diferentes notas… Hasta que hice una melodía que me gustaba. La melodía por sí sola suena inmensa. Así que poco a poco fui creando la estructura. Añadí el kick, las percusiones y el bajo. Me encargué de que sonara lo mas limpia y potente posible. Y una vez acabada, la envié al ingeniero de mastering, Veko Swan.

Mi pregunta es la siguiente: Si pudieras hacer un B2B con un artista… ¿Con quién sería?

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M I S F AV O R I T O S Mis Favoritos

*Golden Bug acaba de sacar un nuevo LP, ‘Piscobalis’, que publica en el sello La Belle. ¡Escanea el QR, escúchalo y hazte con él!

Golden Bug Libro ESTUPOR Y TEMBLORES Lei varios libros de Nathalie Nothomb: Estupor y temblores, El crimen del conde Neville, Matar al padre y Barba Azul. Me gusta su estilo, su gran sentido del humor y su forma de retratar las relaciones humanas. También estuve leyendo The Disposable Skateboard Bible, que compila la evolución de las tablas de skate, técnica y gráficamente, desde 1960 al 2000.

Album RARE DANCE Descubrí hace pocas semanas los dos volúmenes de Rare Dance publicados por el sello alemán Public Possession. Son dos discos compuestos de temas de varios artistas que se alejan de la música de club con una selección de temas dub, psyché-folk y balearic perfectos para escuchar en casa, caminar, cocinar o conducir. También he escuchado mucho el LP de Brian Eno y David Byrne, ‘My Life In The Bush Of Ghosts’, que me sorprende siempre por su

composición tan actual y su coherencia sonora. Me gusta también mucho al nuevo disco de Joakim, ‘Second Nature’, un disco súper elegante, un viaje en un bosque digital lleno de ambientes raros, sonidos de cyber-pájaros y ritmos futuristas.

Cancion FIRE Volví a descubrir los temas de Lizzy Mercier Descloux y especialmente su version de ‘Fire’, una bomba disco con un groove imparable.

Salió en 1978 y sigue muy actual a nivel de sonido y producción.

Hobby CAMINAR Me gusta caminar y aprovechar para grabar sonidos de lo que me rodea, para utilizarlos (o no) luego en temas míos. También me gusta el submarinismo (bucear), ir a buscar erizos de mar y comérmelos en la playa, viajar, ir al cine, cocinar, etc...

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Serie IKE & TINA TURNER La verdad es que no veo muchas series, pero hace poco vi un documental sobre Ike & Tina Turner, y su relación destructiva. Me sorprendió ver como ella consiguió abstraerse de una relación tóxica y seguir actuando con tanta fuerza en el escenario. También volví a ver la película francesa Le Prénom, con Patrick Bruel, Charles Berling, etc… una gran película a nivel de actuación, de diálogos y que subraya a la perfección el humor francés.

En un estilo radicalmente opuesto, la serie The Mandalorian en Disney+ es fantástica y me gustó que hayan conseguido volver a la estética y al ambiente inicial de los primeros capítulos de Star Wars, que no llevaban tanto 3D.

I S F AV O R I T O S Off MThe Record

Space 92 ¿Cuándo fue tu última mentira y por qué?

Hace poco estuve de visita en casa de mis padres y fui a una fiesta con unos amigos. Les dije que no llegaría muy tarde y que estaría de vuelta sobre las 23h, después de un par de copas. Al final, llegué a casa a las 8 de la mañana. ¡Lo siento, mamá y papá! ¿Eso que siempre quisiste que te preguntaran pero nadie te ha preguntado? ¿Qué pasaba por tu cabeza para crear un estilo musical tan personal y característico?

Si se hiciera una estatua de ti mismo en tu ciudad natal, ¿en qué pose te gustaría que fuera?

Posaría como si estuviera corriendo, porque he practicado tanto running en mi ciudad… ¡que creo que esta sería mi pose más representativa! ¿Qué es lo último que haces antes de acostarte?

Escuchar de nuevo las producciones en las que estoy trabajando.

El momento más vergonzoso de tu vida...

Fue hace poco en una fiesta en Francia, diría que en octubre. Empecé a pinchar y tras cinco minutos, literalmente, se fue la luz por un líquido que fue a parar a un alargador con varios enchufes. Al club le llevó un rato encontrar la causa del problema, por lo que me quedé esperando, impotente, a que se resolviera la situación. Afortunadamente, fue la primera vez que me sucedía. Creo que tuve mucha mala suerte.

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Adesso Music Autor: SERGIO PARRADO

Cuando escucho el nombre de Junior Jack, es inevitable acordarme del clásico ‘E samba’, amen de infinidad de producciones desde los 90 a nuestros días.

El artista italiano residente en Bruselas une fuerzas con Pat BDS y nos presentan Adesso Music, en donde dan rienda suelta a su imaginación facturando house, deep

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house, tech-house y techno de gran nivel.

Y es que el sello que han montado no le hace ascos a la buena música (como tiene que ser). Entre sus filas, a parte del propio Junior Jack y Pat BDS, podemos encontrar nombres como Gorge, Patrice Bäumel, Yousef, Matt Sassari, Harry Romero, Max Chapman o Kolombo… ¡casi nada!

¿Cuál es el concepto y por qué Adesso Music?

Cuando Vito Lucente (Junior Jack) y Pat BDS se reunieron por primera vez para hablar de una aventura empresarial juntos, el amor de Pat por la escena house y techno pronto resonó con la historia de Vito como productor de clásicos house, bajo sus diferentes alias (Junior Jack, Room 5, Mr Jack, Glory). Organizaron sesiones de estudio e hicieron nueva música. Como necesitaban un sello para publicar la música resultante, decidieron crear el suyo propio. Así nació el sello Adesso Music. ¿Por qué llamarlo Adesso Music?

Es un guiño a las raíces italianas de Vito, Adesso se traduce como “AHORA”.

¿Qué criterios seguís para seleccionar la música de vuestro sello?

El sello continuará lanzando nueva música de sus propietarios, artistas establecidos y continuará apoyando a los recién llegados a la escena. Si es bueno, Adesso Muisc buscará ser una plataforma de apoyo.

¿Cuáles son los planes para el futuro próximo de Adesso Music? ¿Y qué hay de tus planes personales?

Junior Jack y Pat BDS están trabajando en material nuevo, lo que llevará a un álbum hacia finales de 2022. Hasta la fecha hemos lanzado tres singles de VIRAK, por lo que también podría convertirse en un proyecto de álbum. Nos gustaría publicar más música de todos los ar-

tistas del sello, para ser sinceros. Estamos muy entusiasmados con nuestro roster. Y siempre hay espacio para que nuevos artistas llamen a nuestra puerta...

Junior Jack tiene varios proyectos en marcha, incluyendo nueva música en New State y Tinted/Central Station y, por supuesto, volver a las giras regulares.

Si pudieras viajar a otra época (musicalmente hablando), ¿dónde irías y por qué?

Chicago, a principios de los 80. Sería divertido. ¿Un mensaje positivo en estos tiempos difíciles para la escena?

Sigue tus sueños. No te rindas. La vida no es una prueba.

MINI TEST ¿Un club?

¿Un libro?

Paradise Garage

Perfume, de P. Suskind

¿Una Ciudad?

¿Adesso Music?

Es cosa de amor

Tokio

¿Comida?

Sushi

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5 TRACKS Duke Boara

Floating Points ‘Sparkling Controversy’ [Eglo Records] Recuerdo haber escuchado mucho este track cuando comencé a producir y me inspiró mucho.

Me encanta toda la discografía de Floating Points, pero esta canción me llama mucho la atención. Tiene un mood que me encantaría poder recrear, y funciona en contextos distintos. En mi opinión, todo el sonido es atemporal y siempre será uno de mis destacados.

Bonobo ‘Recurring’ [Ninja Tune] Cuando escuché esta canción por primera vez, me impactó mucho. La he escuchado cientos de veces y nunca me cansaré de ella, es una de mis favoritas si no sé qué me apetece escuchar. Bonobo es uno de mis artistas favoritos y este track me inspiró a comenzar a usar más samples en mi música, y también a ser un poco más ambicioso en lo que estaba tratando de hacer.

Squarepusher ‘Freeman, Hardy & Willis Acid’ [Warp Records] Escuché esta canción por primera vez escuchando Desert Island Discs de Thom Yorke, un programa de radio en BBC Radio 4 y ha sido una de mis favoritas desde entonces. Es la banda sonora que quedaría perfecta en un aterrizaje a un planeta extraño, o algo así. Siempre me ha parecido un poco espeluznante a la par que interesante. A veces, este tipo de música me parece bastante difícil de escuchar, pero creo que esta es fascinante.

Photay ‘Ilusion of Seclusion’ [Astro Nautico] Este track es increíble. La primera vez que lo escuché pensé que nunca había escuchado nada igual, y lo mismo me pasa ahora cuando la escucho de nuevo. Es un track tan único y tan increíblemente creativo que es difícil de olvidar. Pasan muchas cosas en este track, y siempre termino escuchándolo al completo. Si algún día pudiera crear algo similar a esto, sería muy feliz.

Radiohead ‘Bloom’ [XL Recordings] En mi opinión, todo acerca de este track es bastante sorprendente. Es otro que he escuchado cientos de veces y nunca me aburre. Radiohead es una banda increíble, y ‘Bloom’ es mi canción favorita de ellos, así que pensé que, sin duda, debía incluirla en esta lista. Siempre escuchas algo nuevo cada vez que pones esta canción, es una de las razones por las que creo que es tan increíble.

Duke Boara ‘Bring the Gold’ ya está disponible, consíguelo aquí:

ELECTRÓNICA & ROLL Autor: SERGIO BIFEIS

Tenemos que hablar de Burial. El esquivo productor londinense volvió a “aparecer” como lo suele hacer él: por sorpresa con un nuevo EP llamado Antidawn. Se editó a principios de enero en Hyperdub, el sello en el que prácticamente ha publicado todo su material previo, incluyendo sus dos excelsos álbumes: Burial (2006) y el icónico Untrue (2007). Este último es su obra maestra en la que deconstruyó de forma brillante el concepto de música de rave y de club llevándola por unos derroteros imprevisiblemente lánguidos, oscuros, tristes y muy melancólicos donde cualquier elemento que pudiera incitar a la euforia brillaba por su ausencia. Un trabajo que 15 años después continúa levantando pasiones y admiración en base a un sonido original que es marca de la casa y que ya es historia de la música electrónica.

Desde entonces Burial se ha dedicado a publicar EP’s y alguna que otra colaboración con Four Tet o Zomby. Porque sí, William Bevan no actúa en directo; solo edita música cuando le apetece.

Está alejado de los focos y jamás ha trascendido a qué se dedica realmente. Un anonimato que le hace una figura misteriosa y, por ende, tremendamente interesante con seguidores y medios siempre esperando su nuevo trabajo por la inquietud que despierta.

Con Antidawn ha ocurrido lo habitual. Todo el mundo ha querido hacerse eco de lo nuevo de Burial. Pero en esta ocasión el runrún que lleva acompañándole durante varios años, donde no acaba de romper en algo que vuelva a maravillar a propios y extraños, ha sido más unánime al tener una recepción muy fría. Incluso entre algunos de sus fans más acérrimos.

PLOMO Desde Hyperdub ya se explicaba que es un EP que reduce la música de Burial a vapores. En ese sentido parece que es una obra en la que el británico explora su lado más ambient y minimalista llevándolo más al extremo. Y aún despojado de todo beat (o reduciéndolo a un aspecto secundario o terciario) sigues encontrando el sonido puramente Burial con voces y samples de videojuegos con un tratamiento lacónico, grabaciones de campo, un omnipresente ruido que emula la aguja en el surco de un vinilo. Si a eso le sumas nuevos elementos como órganos o aportes tan litúrgicos y celestiales que casan a la perfección con un estilo tan melancólico y

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triste, te percatas de que el espíritu apocado de Bevan continúa ahí. Lo que no se aprecia tan bien es si quiere evolucionar o está en un punto creativo en claro descenso, aunque le dé lo mismo, porque en realidad nunca ha rendido cuentas a nadie y su música va a seguir en el disparadero por su aura tan especial.

El problema de los cinco cortes que componen Antidawn es el de una sensación de que todo está dispuesto de forma totalmente aleatoria, sin patrón, orden ni concierto. Esto, que al principio puede resultar estimulante, hace que se quede en tierra de nadie con unos tracks que se alargan hasta la extenuación y no dejan ningún tipo de poso. Hay que puntualizar que es un EP muy denso que dura un total de 45 minutos, más que muchos discos. Si Burial pretende crear desconcierto a través de este tétrico y depresivo cuento sonoro, desde luego que lo ha conseguido. A pesar de querer dotar a un trabajo de una supuesta narrativa, la concentración puede perderse con facilidad haciendo que la experiencia de escucharlo resulte verdaderamente plomiza. A unos pocos les volará la cabeza, pero a la inmensa mayoría le pondrá a prueba su paciencia. Tanto si logras disfrutarlo como si no, lo que es digno de alabar es una portada a lo Hayao Miyazaki que gana a cualquiera.

TRUFAS TECNO INGREDIENTES 6 BOLAS

› 3 cucharadas de harina de almendras › 6 higos tiernos › 1 cucharadita de extracto de vainilla › 50 gr de mazapán con miel › 1 ½ cucharada de mantequilla de cacahuete › Té matcha en polvo

Trufas Tecno (también conocidas como bolas energéticas) con higo y harina de almendras, recubiertas con polvo de té matcha. No hay nada como preparar unas power balls a base de frutos secos en lugar de atiborrarme de dulces industriales en mis largas sesiones de producción, Son muy fáciles y rápidas de hacer, además de saludables, nutritivas y llenas de vitaminas, ¡y tu cuerpo te lo agradecerá!. Aquí tienes una receta personal de «Trufas tecno», pero siéntete libre y añade tus propios ingredientes mágicos (me refiero a los saludables, que te veo venir ;)).

Tiempo 5 Min Nivel de dificultad Más fácil que afinar un sonido Precio Barato

• Corta los higos en trozos pequeños y apílalos en un bol grande junto con la harina de almendras, el extracto de vainilla, el mazapán y la mantequilla de cacahuete.

• Mézclalo todo hasta formar una gran bola grande pegajosa que se mantenga bien unida.

• Haz 6 bolitas más pequeñas y pásalas por el polvo de té matcha unas cuantas veces hasta que queden completamente impregnadas.

*Pre-reserva el último álbum de Franz Matthews ‘The Question’ aquí:

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• Coloca las bolas en la nevera hasta que se endurezcan.

• Y… ¡Disfruta!

CONSEJO PRO: ¡Cubre las trufas con coco rallado en lugar de polvo de té matcha para conseguir más puntos!

TINI GESSLER

MARZO - ABRIL

Antiguo faro abandonado

TONI VARGA

Disfruta el 02 DE FE BRERO el segu ndo live se

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RAMIRO @ZOUN LÓPEZ #LVS

ASTÚN ESTACIÓN DE ESQU Í

DANCE TV

Autor: REDACCIÓN

Alvva ¿Qué canción te recuerda a tu infancia?

Probablemente uno de los discos que más me recuerda a mi infancia es ‘Diamond Life’, de Sade. Es uno de los discos que he heredado de mis padres y a los que más cariño tengo. ¿El primer disco que te compraste? ¡Puff! Como tal, no me acuerdo… pero que yo recuerde, de entre mi colección puede que sea Smoking’ EP de Randomer, o ‘House Crime’, Vol 1 y 2… ¿El disco más cursi de tu colección?

Sin duda, el maxi single de Mary Clark ‘Take Me Im Yours’ (risas). Es una reedición que pillé. A mí me sigue gustando aunque sea muy “cheesy”.

¿Qué canción garantiza hacerte llorar?

‘Just Like Heaven’, de The Cure. 100%. ¿Algún disco que estés escuchando?

El álbum de Joy Orbison, ‘SZll Slipping’ y un álbum de soul brasileño, ‘Tim Maia’, de Tim Maia, que compró mi chico en navidades en la tienda de discos de Dabadaba de Donosti. ¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio?

Tengo aprecio a muchos discos de mi colección, pero los discos de house son los que mejor guardo: ‘Pirates of The Caribbean Vol. III’, de Armand Van Helden; el ‘DJ Beat That Shhh/Move It Work It’, de Mike Dunn; el EP ‘Soul Sounds’, de Kenny Dixon JR.; el ‘Crazy

Tunes’, de Waxmaster Maurice, en Dance Mania… ¡No sé porqué los discos de house y Ghetto house son a los que más cariño tengo! ¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos?

‘Spanish Joint’, de D’angelo.

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Mi Ciudad

Kraków por DEAS Le preguntamos a Deas que hace a su ciudad especial…

Fotografía: ‘MeWantPhoto’

CLUB PROZAK 2.0 Como amante de la música, valoro mucho la calidad del sonido. Prozak 2.0 es un club subterráneo ubicado en una casa adosada cerca de la plaza principal del casco antiguo. No solo llevo pinchando allí una vez al mes desde hace varios años, sino que también es el lugar que utilizo como referencia para escuchar mis proyectos y probar mis temas nuevos. Si te gusta salir de noche, definitivamente tienes que visitarlo, ¡pero no dejes de visitar el resto de lugares de la ciudad!

BULWARY WIŚLANE / BOULEVARES Bulwary Wiślane es un lugar estupendo para una caminata a la tarde/ noche, o para dar un rodeo en bicicleta. Acostumbro a ir a los bulevares de Cracovia cuando salgo en bicicleta con mis amigos, y normalmente hacemos un viaje de ida y vuelta a Tyniec. Los bulevares también son perfectos para dar un agradable paseo y tomar un café a lo largo del río Vístula hacia los distritos de Kazimierz y Zabłocie. Disfruto mucho cuando voy allí, especialmente durante las calurosas tardes de verano.

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MUSEO RYNEK UNDERGROUND

CRICOTECA

Al visitar el casco antiguo, no olvides visitar este increíble museo Rynek Underground, ubicado justo debajo de la plaza del mercado principal del casco antiguo, que forma parte del Museo de Cracovia y tiene un área de más de 6.000 m². Es una exposición multimedia de la historia medieval de Cracovia. En mi opinión, es una experiencia fantástica.

Cricoteca el “Centro de Documentación del Arte de Tadeusz Kantor’’ está ubicado camino a Zablocie. Kantor era un hombre de gran talento conocido principalmente como director de teatro. Fue uno de los exploradores más importantes de Awangarda en el teatro, trabajando con varias formas de expresión como la luz, el sonido y los efectos, que transformaron el arte teatral en un espectáculo multimedia.

Puedes reconocer el lugar por las características modernistas del edificio. El lugar y el vecindario es uno de mis lugares favoritos aquí en la ciudad, donde puedes encontrar varios lugares para tomar un café o cenar con una bonita vista de Kazimierz. Kazimierz es una parte histórica de Cracovia y, concretamente, del casco antiguo de Cracovia, donde las culturas judía y local se mezclaron durante años. Es un lugar increíble de la ciudad donde perderse, apreciar la arquitectura antigua y disfrutar de una noche informal e innumerables cafeterías y pubs.

Nowa Huta también es un distrito importante de la ciudad. Uno de mis EPs lanzados en Planet Rhythm lleva el nombre “HUTA”. “Huta” es una abreviación del nombre del distrito de Karkow en el lejano oriente, Nowa Huta, y este EP está dedicado a esa área en concreto.

El distrito fue creado después de la Segunda Guerra Mundial para albergar a los trabajadores de las grandes plantas de producción ubicadas en esa parte de la ciudad, siendo la planta de Krakow Ironwork la más famosa. Hoy en día, es una zona genial de la ciudad, popular entre los jóvenes de Cracovia. Al caminar, aún puedes vislumbrar cómo eran las ciudades en la era del comunismo.

NOWA HUTA

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TENDE

ELECTRO. Von Kraftwerk Bis Techno Abierta en Düsseldorf, esta exhibición celebra el legado del género. El electro es uno de los géneros más enigmáticos y queridos del espectro musical electrónico original. Grandes artistas se han rendido a sus encantos y ahora, una exhibición lo celebra en Alemania.

Se trata de la muestra organizada por el Kunstpalast en Düsseldorf “Electro. Von Kraftwerk bis Techno” (Electro. De Kraftwerk al techno), la primera exhibición que busca celebrar el legado de la música electrónica a nivel mundial.

Desde los instrumentos pioneros que se crearon a principios del Siglo XX y que han ido evolucionado durante todos estos años, los experimentos fallidos que ayudaron a dar forma a la electrónica…

hasta el uso de la inteligencia artificial en la producción sonora electrónica contemporánea. La exhibición cubre todo lo que ha ocurrido desde Kraftwerk al Detroit techno, pasando por el house de Chicago, el hip-hop o la cultura rave de los 90. Con más de 500 instalaciones interactivas de visuales y audio, la exhibición incluirá instrumentos, artistas y generadores de sonido hechos a medida.

Entre los artistas que se destacan en la exhibición, encontramos a leyendas de la talla de 1024 Architecture, Daft Punk, Agnes Dahan, Laurent Garnier, Andreas Gursky, Haqq, Jean-Michel Jarre, Jacob Khrist, Kraftwerk, Christian Marclay, Mouse on Mars, Tina Paul, Bruno Peinado, Marie Staggat-Bazille, Karlheinz Stockhausen, Gisèle Vienne y Sasha Waltz, entre muchos otros.

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N CI AS Autor: REDACCIÓN

También han recreado las actuaciones multimedia de Kraftwerk y más.

Además, el museo Kunstpalast emite vía streaming, en directo y de forma gratuita las charlas Free Digital Electro en su web todas las semanas. Dichas charlas, exploran la historia de la producción musical, los primeros públicos, artistas influyentes y la evolución, a lo largo de los años, de la música de baile.

“Electro. De Kraftwerk al techno” fue una exhibición concebida originalmente por el Musée de la Musique - Philharmonie de Paris.

La adaptación llevada a cabo en Düsseldorf ha sido creada en colaboración con el mismísimo Ralf Hütter, miembro de Kraftwerk y los curadores del show original, Alain Bieber, director artístico de NRW-Forum, y Jean-Yves Leloup, del Musée de la Musique - Philharmonie de Paris.

Si estáis en Düsseldorf, no perdáis la oportunidad de visitar Electro. Von Kraftwerk bis Techno hasta el 15 de mayo. Descubrid más sobre esta interesantísima y genial exhibición escaneando el código QR.

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Lawrence Hart Le preguntamos a Lawrence Hart sobre su proceso creativo a la hora de producir

‘LDN VBZ’ es mi colaboración con Ryan Winters de mi próximo EP ‘Small-Scale Experimental Machine’, el primer lanzamiento en mi sello ‘SSEM Records’.

del tono y del tempo de un sampler de Akai). Así era como se manipulaban los breaks del Jungle de los 90 (aunque se hacían con samplers de hardware en aquel entonces).

Ryan y yo conectamos por nuestro amor por la música electrónica, especialmente por todo lo que ha originado Londres desde los años 90.

Con este track queríamos hacer algo que personificara ese sonido, algo que pudiera ser la banda sonora de esas largas noches en los clubes de Londres. Ryan vino a mi estudio con un disco duro de breaks de batería y samples de algunas entrevistas.

Seguidamente, introdujimos el bajo.

Esto se hizo usando un plugin gratuito ‘PG8X’, una emulación del Roland JX-8P. Este sintetizador se usó en el Garage de los 90 para hacer ese sonido ‘Hollow Bass’. Configuramos ambos osciladores en onda cuadrada y desafinamos el segundo oscilador.

Lo filtramos, añadimos algo de resonancia y encendimos el chorus, luego jugamos con el LFO y los envolventes.

Con este proceso, conseguimos un bajo amplio, que casaba muy bien con el chorus, pero tuve que subir el bajo usando un ecualizador mid/side para que el track no resultara demasiado turbio.

Comenzamos cortando ese break de batería en Ableton y luego lo enviamos a través del Overstayer Modular Channel 8755DS para conseguir algo de grano y saturación. Para los rellenos de batería, aceleramos el break para que fuera el doble de rápido y luego lo alargamos de nuevo al tempo original usando Akaizer (un emulador

Después de eso, grabamos la lead principal. Esto se hizo en el Roland SH-101. Solo usamos la onda de dien-

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te de sierra, pero modulamos el tono con una onda de ruido, lo que le da un sonido menos puro y más roto.

Teníamos la señal del SH-101 en el centro de la mezcla y la enviamos a través de algunos pedales de guitarra (reverberación, delay y distorsión) y pusimos un amplificador estéreo en el canal de retorno del pedal para tener un sonido 3D real.

Para las voces, programamos algunos cortes vocales. Luego comenzamos a experimentar con loops de 1 compás, pero enviando los cortes de las vocales a un side-chain, que le dieron un ritmo más interesante a los loops.

Después de eso, solo añadimos un modulador de fase y algunos otros complementos de modulación para que la voz tuviera movimiento.

La mayor parte se hizo en esa primera sesión, pero hicimos algunas sesiones más para afinar, añadir detalles y conseguir la mezcla correcta.

¡Arranca el mes de febrero de este 2022! Parece que se relajan las restricciones en algunas comunidades autónomas mientras que otras permanecen un poco más duras. Un descontrol si nos comparamos con otros países…pero bueno, ya sabéis el dicho: “las comparaciones son odiosas…”.

En el capítulo de febrero os traigo propuestas algo más house y tech house, con la entrevista al dúo Deorbiting con motivo de su estreno en Stil Vor Talent; la review del nuevo EP de Haums; y a la talentosa productora mexicana Vongold… ¡Espero que os guste!

HAUMS

El DJ y productor americano se estrena en el sello Sommersville con ‘In You’ EP Sommersville

El artista estadounidense se estrena con su primer single en el sello Sommersville. Un EP que incluye el original homónimo y el remix del holandés Deeparture, quien le otorga al single un subidón de energía…

El sonido etéreo y bien situado de este productor es el que suele ofrecerse en sus EPs. Una calidad musical muy particular y con una forma de techno melódico serio y de calidad, con vibraciones minimalistas en sus beats, que evolucionan durante todo el single. ¡Muy buen trabajo, Haums!

Tracklist Haums – In You (Original Mix) Haums – In You (Deeparture Remix)

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al tanto de VONGOLD

La joven productora mexicana Nora Cam nos contesta a algunas preguntas sobre su carrera artística aprovechando su último lanzamiento en Jane Musica Jane Musica Vongold es la joven artista que está posicionándose sólidamente en la escena disco/slow más vanguardista, que se despacha por algunos de los sellos más interesantes que editan estos géneros musicales. Algunas etiquetas como Rotten City, Correspondant o este último lanzamiento de colaboraciones en Jane Musica, ‘Vongold & Friends’, son solo algunas de las referencias de la artista que os animamos a descubrir a través del QR que os dejo más abajo… ¡Hola, Vongold! Un placer tenerte en El Rincón de Kali de DJ Mag España…

Primero, cuéntanos un poco sobre ti. ¿Qué significa Vongold? ¿Cómo te inmiscuiste en la producción y en el arte de pinchar?

Vongold empezó primero como un blog donde compartía cosas sobre moda, música, arte, etc. Cosas que me gustaban… Mi primer nombre como DJ fue “Von Pony” (risas), ya después dije: “¿Qué otro nombre me pongo?”. Y recordé ese nombre: Vongold. En todo lo relacionado con la producción y la mezcla, quien me guió y me “convenció” de que tenía el potencial y el “buen gusto” fue mi mejor amigo, Eduardo Dakota, ahora mejor conocido como Fargo Devianti. Él me insistió mucho en que el siguiente paso que debía dar era comenzar a producir.

Ahí conté con el apoyo de varios conocidos, tanto Fargo, como Mufti y William Pyramyth han sido excelentes senseis.

Sabemos que has editado en otras etiquetas nacionales como Rotten City o internacionales como esta, con Jane Musica. Explícanos un poco tu manera de trabajar. ¿Grabas sintetizadores? ¿Haces música y luego se la mandas a los sellos? Cuéntanos cómo fue el proceso con ‘Vongold & Friends’ en Jane Musica…

En esta ocasión únicamente colaboré con las vocales y las letras. Hice un pack de vocales y junto con Jane Musica, invitamos a Alex Aguayo, Badknife, Heidenreich & She Teiks para que jugaran con ellas. Estoy encantada con el resultado. Todos son unos excelentes productores y amigos a los que admiro mucho. ¿Cuál es la canción o EP del que te sientes más orgullosa?

Todos los tracks me tienen asombrada, los he puesto en las presentaciones que he tenido y todas son fuego en la pista. Amo que en cada track pueda decir “¡oh!, esto suena tan Badknife o tan Heidenreich”. Me encantan los diferentes tintes de todos los tracks… ¿Un/a artista favorito/a? ¡Uno! Está cañón decidir (risas), pero estos últimos meses estoy anonadada con el trabajo de Ackerman.

Y para finalizar, cuéntanos sobre tus futuros proyectos para este 2022... ¡Queremos estar atentos para este año!

Este año viene un gran EP en vinilo con Fargo Devianti, release que me tiene muy emocionada, además de que con Fargo he estado trabajando en un set híbrido (vocales en vivo, guitarras, sintetizadores…). Ya hemos dado algunas presentaciones en Guadalajara bajo este formato y ¡han resultado geniales! Sin embargo, queremos que sea Top. Este año queremos darle mucha onda a ese proyecto. Y, además, vienen otros lanzamientos en colaboración con Alex Aguayo, con Kate Stein, Montessori o Eliezer, por mencionar algunos…

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al tanto de

Foto por Daniel Heitmüller

DEORBITING

Celebramos con el dúo alemán su debut en la etiqueta de Oliver Koletzki Stil Vor Talent Es un auténtico placer para mí recibir propuestas que actualizan el mercado y la escena electrónica musical. Os presento a Christian y Christoph, ellos son Deorbiting y vienen con un interesante álbum bajo el brazo. Acerca tu móvil al QR para disfrutarlo mientras lees esta bonita entrevista… ¡Hola, chicos! Contadnos primero, ¿cómo surgió el proyecto Deorbiting y cuál es vuestra experiencia musical desde que comenzasteis?

El proyecto se formó espontáneamente durante unas copas, en la fiesta de cumpleaños de un amigo común en el Kater Blau (2015).

Los dos miembros originales somos Christian y Christoph. Veníamos de tocar en bandas con las que tuvimos muchas actuaciones.

Cuando nos conocimos mejor en persona, bastante tiempo después, surgió el amor a primera vista. Desde el principio nos dimos cuenta de que nos complementábamos muy bien musicalmente y las habilidades de uno ayudaban a mejorar al otro. Como vivíamos en diferentes ciudades por aquel entonces fue una especie de relación a distancia, en la que nos reuníamos para producir música cada pocas semanas. Pero las cosas se pusieron serias cuando nuestro primer EP fue editado en la etiqueta de Oliver Koletzki, Stil Vor Talent y fue cuando Christian decidió mudarse a Berlín, en el 2018, para continuar trabajando juntos.

¿Cuál fue vuestra visión al producir ‘Serenity’, para Stil Vor Talent?

‘Serenity’ en realidad fue el último tema que terminamos cuando estábamos componiendo ‘Space House’, nuestro álbum debut. Pero rápidamente quedó claro que sería el primer adelanto para anunciar nuestro lanzamiento en el sello de Koletzki. La instrumental estaba en fase final desde hacía algunos meses, pero nos daba la sensación de que faltaba algo. Lo sentíamos vacío, así que nos pusimos en contacto con el vocalista alemán HRRSN (Ulrich Harrinson).

Era el primer tema en el que colaboramos con un cantante y desde nuestro punto de vista, ha sido una buena elección. Además, su interpretación vocal es sencillamente excepcional, elevó el impacto emocional de ‘Serenity’ a un nivel superior. ¿Cómo os influye el lugar donde vivís en Berlín musicalmente?

Sin Berlín y su escena de clubes no existiríamos, literalmente. Como ya hemos dicho antes, Deorbiting se creó en una pista de baile de Berlín… Nosotros comenzamos a componer ‘Space House’ cuando llegó el coronavirus, por lo que producirlo fue un verdadero reto.

Ya no visitábamos los clubes donde nos inspirábamos, éramos solo nosotros y nuestro estudio en Berlín-Marzahn…

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al tanto de

Foto por Daniel Heitmüller

Nuestra zona no es una parte de Berlín que mostrarías a tus amigos. Es una zona gris, decorada en su mayoría por la fea arquitectura de la RDA. Aunque de alguna manera, nos las hemos arreglado para convertirlo en nuestro lienzo vacío. Como resultado, le dimos algo de color a esta zona tan melancólica…

Vamos al grano… ¡Contadnos algo sobre vuestro próximo álbum ‘Space House’, en la etiqueta SVT! Si hay algo positivo que decir sobre esta pandemia interminable es que nos dio el tiempo y la oportunidad de acabar este álbum durante los confinamientos… Al final acabamos con 14 temas, aunque creamos muchos más por el camino.

Nuestro objetivo era conducir al oyente por un viaje que tuviera su principio y su final. No sólo que fuera una recopilación de canciones nuevas. ‘Space House’ debe disfrutarse en el orden correcto. Es una mezcla de electrónica ambiental, downtempo, con sintetizadores ochenteros y algunas canciones más aceleradas para reventar las pistas de baile. Además, y como primicia, hay algunos invitados como el gran Ira Atari y algunas remezclas realmente potentes, como la del propio Oliver Koletzki.

¿Qué o quién os fascina de la escena electrónica musical?

Desde el punto de vista de un productor musical, este género te ofrece mucha más libertad y espacio para la experimentación. Hay algunos límites, pero eres más libre de hacer lo que quieras. Lo que nos lleva al siguiente punto: creemos que la escena electrónica es una comunidad muy inclusiva y positiva.

Claro que hay manzanas podridas, pero el ambiente en general consiste en apoyarse mutuamente y en unir a las mentes inspiradoras.

Por lo menos es lo que vivimos en torno a nuestra familia de Stil Vor Talent. Y por último, pero no menos importante: la internacionalidad. Puedes conseguir que tu arte se escuche en todo el mundo sin preocuparte por la traducción o interpretación. Puede parecer un cliché, pero la música electrónica es realmente un lenguaje global.

Por último, ¿qué podéis decirnos sobre vuestros futuros proyectos?

En estos momentos estamos grabando algunos videos de nuestra puesta en escena de los próximos singles, donde la gente pueda hacerse una idea de lo que puede esperar en el directo. Esa es nuestra próxima gran prioridad, llevar “Space House” a los clubes.

Nos uniremos a la agencia de booking de Stil vor Talent en la primavera de 2022 y veremos qué ocurre a partir de ese momento. Lo ideal sería que pudiéramos visitar vuestro hermoso país, España… ¡Esperamos que pronto!

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VINTAGE CULTURE

NUEVOS TIEMPOS, NUEVAS ESTRELLAS

Autor: EDUARDO P. WAASDORP Fotografías: FABRIZIO PEPE - @FABPEPE_

La música electrónica está en constante cambio. Es una de las cosas más bonitas de esta cultura: es un ente que evoluciona en diferentes direcciones cada nuevo ciclo, no solo en el sonido, sino también en sus protagonistas. Cada tanto tiempo, surgen nuevas estrellas en el firmamento y la globalización ha hecho posible que estas vengan de todos los rincones del planeta.

Brasil siempre ha sido una potencia electrónica, dando artistas que han marcado épocas en la música electrónica, gracias a la enorme cultura musical y de baile de todo el país. Justamente, Brasil es la cuna de nuestro protagonista de portada: Vintage Culture.

Nacido como Lukas Ruiz Hespahnol en 1993, Vintage Culture se encumbra ahora como uno de los referentes musicales de la escena electrónica deep y house, tras unos años realmente vertiginosos para el de Mato Grosso. En la actualidad, la música de Lukas es sinónimo de seriedad y profundidad sonora, a pesar de haber empezado sus pasos en la electrónica del lado más comercial del EDM. Pero la evolución paulatina y orgánica de su perspectiva le ha llevado ahora a engrosar los catálogos de marcas icónicas de la electrónica, como Defected Records, Rose Avenue Records, Armada, Astralwerks, Children of the Future, Ultra, Repopulate Mars o Domino, por mencionar unos pocos. También tiene su propio show de radio en One World de Tomorrowland, donde muestra sus descubrimientos musicales de todo el mundo a los miles de oyentes que le sintonizan cada semana.

Vintage Culture se ha convertido en uno de los artistas más queridos de la escena house por su carisma y por su tremendo conocimiento musical. Por ese motivo hemos querido sentarnos con el brasileño, para que nos cuente más sobre sus orígenes, su presente y cómo ve su futuro y el de la escena. Llamado a ser uno de los grandes referentes de la nueva electrónica, dejemos que sea el propio Lukas quien nos descubra lo que hay detrás de Vintage Culture. ¡Música, maestro!

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¡Hola, Lukas! Es un honor tenerte finalmente en la portada de DJ Mag España. Eres de Mato Grosso, Brasil, una ciudad pequeña del centro del país. ¿Cómo fue tu primer contacto con la música? ¡Hola y muchas gracias! Es un honor para mí aparecer en la portada de DJ Mag España.

DJ Mag es una revista que llevo leyendo desde que empecé mi carrera en la música…

Te cuento: mis padres siempre ponían música en casa. Era una versión brasileña de lo que es la música country, que sigue siendo muy popular a día de hoy. En la electrónica, me introdujo un amigo. Recuerdo oír el track ‘Blue Monday’ de New Order por primera vez en su portátil y me enganchó de inmediato. Después de eso, pasaba horas cada día navegando para buscar y descubrir música electrónica que ni siquiera sabía que existía.

Fue un renacer.

¿Tenías algún artista referente cuando crecías?

¿Cómo fue criarte en Mato Grosso? Tanto musical, como personalmente…

Como te decía, mi primera introducción a la electrónica fue a través de bandas británicas, como Depeche Mode o los antes mencionados, New Order. Estos artistas se centraban en canciones reales que contaban historias mediante sus letras. Podías bailar con esos tracks y también cantar los estribillos y ganchos vocales.

Cuando yo aún era niño, la población de la ciudad rondaba los 19.000 habitantes. La vida era simple y cuando era joven, mis objetivos eran muy sencillos. Los fines de semana pasaba mi tiempo haciendo barbacoas con amigos y pasábamos el tiempo haciendo lo que podíamos.

A día de hoy, la canción en sí misma es lo más importante para mí. Leo y analizo las letras, escucho la voz del cantante y pienso sobre el mensaje que quiere transmitir. Son grandes factores a la hora de elegir qué canciones voy a grabar y producir.

Tuve una infancia feliz, pero no era consciente del mundo que había fuera de mi propia ciudad. Al poco tiempo, con la ayuda de internet, me di cuenta de que había un mundo gigante ahí fuera, con posibilidades ilimitadas.

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¿Cómo describirías la escena electrónica de Brasil, para quien no haya estado?

Nunca encontrarás a un público tan apasionado como los fans de la música electrónica en Brasil.

Recuerdo leer una encuesta, no hace mucho, que decía que para más de 25 millones de personas en Brasil, la música electrónica estaba entre sus géneros favoritos. Eso es más del 10% de la población total de Brasil.

Allá, el público va a un show a compartir la energía positiva. Quieren conocer nuevas personas, intercambiar nuevas ideas y bailar desde que anochece hasta el amanecer. He estado viajando por el mundo y no hay ningún público como el brasileño. La alegría y el amor que me demuestran siempre se queda conmigo cuando estoy a miles de kilómetros de mi casa.

“Socialmente, sigo siendo la misma persona que cuando empecé” Has tenido un ascenso realmente vertiginoso en los últimos años. Al principio, se te asociaba más al EDM, incluso creando auténticos hits, con remixes de New Order o Pink Floyd. Pero, ¿Cómo fue antes de eso? ¿Qué recuerdas del tiempo en que empezaste y eras Lukas Ruiz, antes de crear Vintage Culture?

Hablando de mi ascenso rápido, 2022 es mi 9no año como productor y DJ. Estoy muy agradecido por cada logro, sea grande o pequeño, aunque no estoy seguro de que mi éxito se pueda describir como repentino.

Siempre he disfrutado el proceso de crecer musicalmente, incluso al principio, tocando delante de 100 personas. Estaba tan metido en la música que me daba igual todo, estaba encantado con solo poder actuar delante de la gente. Los remixes que hice para New Order o Pink Floyd fueron bootlegs, y se difundieron por el boca a oreja de los propios fans. Ese éxito fue totalmente orgánico y muy satisfactorio.

Un gran recuerdo que tengo es de cuando actué en mi primer festival, en Sao Paulo. El DJ que iba después de mi, alguien muy conocido, canceló su show, por lo que tuve que tocar en su horario. De pronto, estaba tocando delante de 10 mil personas. Esto me introdujo a un público totalmente nuevo en Sao Paulo y gracias a eso pude ganar miles de fans que no tenía antes en la ciudad.

Por mucho que hayan cambiado las cosas, la mayor parte de mi vida personal sigue siendo igual. Incluso hoy disfruto de una vida simple. Cuando no estoy de tour o en el estudio, sigo quedando con los mismos amigos que he tenido durante muchos años. Llevo con el mismo equipo desde hace años, son tremendamente leales a mí, como yo lo soy a ellos. Siempre he preferido invitar a mis amigos a mi casa, en lugar de salir por ahí. Socialmente, sigo siendo la misma persona que cuando empecé.

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Como decíamos antes, cambiaste tu sonido hacia avenidas más maduras y underground… ¿Qué te hizo querer cambiar?

No fue una decisión consciente, la de cambiar el sonido. Llevo viajando desde primavera de 2021, cuando me mudé a Miami durante un tiempo porque casi todos mis shows eran en EEUU o en Europa. Por ese viaje constante, estuve expuesto a todos los estilos nuevos de música, que me inspiraron mucho. He conocido a nuevos productores, músicos, cantantes, a muchos de los que he admirado durante años. Creo que cualquier cambio en mi sonido ha sido más una evolución musical orgánica, que una decisión consciente.

Ahora tu sonido está más cuidado y cercano a la escena underground. Hemos oído cómo te gusta mezclar deep house y techno, música sintetizada, retro e incluso synth pop. Todo con tu toque personal. ¿Cómo fue ese proceso?

Mi sonido ha evolucionado tan gradualmente, que mis fans tuvieron una transición bastante suave.

Tengo grandes seguidores que llevan conmigo muchos años. A medida que mi sonido evolucionó, el público lo hizo a la vez.

Hablando de eso… acabas de publicar un bombazo: ‘Nightjar’, el pasado 28 de enero. Es una colaboración con Sonny Fodera y SHELLS y sale en el legendario sello de house, Defected Records. ¿Qué se siente poder volver a publicar en un sello de esta talla?

‘Nightjar’ es un track especial para mí. Trabajé en ella con mi amigo y colaborador Sonny Fodera, una vez más. También con la genial vocalista SHELLS, que compuso una letra provocativa y una melodía poderosa. Creo que ‘Nightjar’ con Sonny Fodera y SHELLS es uno de mis mejores tracks hasta la fecha.

Me siento honrado y agradecido de que un sello tan influyente, a miles de kilómetros de donde yo nací, aprecie y admire mi trabajo. ‘Nightjar’ será mi segundo release original con Defected Records. ‘It Is What It Is’ fue el primero, que salió en diciembre de 2020, alcanzó el nº1 del main chart de Beatport y sigue formando parte de mi set list a día de hoy.

¿Y para tus seguidores? Ahora que internet está lleno de trolls… ¿Cómo fue la reacción cuando decidiste redefinir tu sonido?

El feedback que he recibido ha sido abrumadoramente positivo. Creo que los fans de la música quieren ser sorprendidos y puestos a prueba.

Ha habido un crecimiento musical en mis producciones, pero las canciones siempre han sido lo más importante de todo lo que hago. Así que quizá haya ajustes en los arreglos de diferentes estilos, pero siempre intento que sean canciones bien compuestas, llenas de emoción y sorpresas melódicas. ¿Cómo te sientes ahora? ¿Cuál es la dirección que quieres dar a Vintage Culture?

Me siento muy positivo últimamente. Como siempre, la dirección musical puede cambiar o ser influenciada por nueva música de todo el mundo a la que me expongo. Pero en medio de todo eso, siempre habrá un sonido distintivo de Vintage Culture.

También has colaborado recientemente con Leftwing & Kody, Anabel Engelund, James Hype…

En general, se ve que eres un artista que realmente disfruta colaborando con compañeros. ¿Qué es lo que más te gusta de juntarte con otros artistas? ¿Qué has aprendido de tus experiencias previas?

Esto me devuelve a tu anterior pregunta, de cómo mi sonido ha evolucionado. Poniéndome a prueba, como productor y músico, he crecido y aprendido muchísimo. Trabajar con otros artistas con talento trae sorpresas, retos y crecimiento. De estas colaboraciones surgen nuevas ideas que empujan nuestros límites. También amplía nuestras habilidades y nos lleva al siguiente nivel en nuestro arte.

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“Me siento honrado y agradecido de que un sello tan influyente (...), aprecie y admire mi trabajo” 39

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¿Con qué artista, vivo o muerto, te gustaría colaborar si pudieras?

Me voy a poner un poco sentimental y volver al comienzo: trabajar y colaborar con Depeche Mode o New Order me daría un sentimiento de cerrar el círculo. Cuando era un niño, su música me cambió la vida. Trabajar con estos increíbles compositores sería un honor demasiado grande para poder describir con palabras.

Nos encantan tus remixes, especialmente uno que hiciste recientemente para BURNS y Chris Lorenzo. ¿Cómo es tu perspectiva cuando haces un remix, en comparación a cuando produces un track propio?

Cuando voy a hacer un remix, quiero ser respetuoso con el ambiente musical creado por el artista original y su arreglo. Es importante ampliar las partes más fuertes de la canción y, al mismo tiempo, dar una perspectiva única. Por ejemplo, si el track tiene un vocal fuerte, lo cojo en el remix y le doy a la parte vocal el espacio que se merece.

Hago lo mejor que puedo por acentuar y poner el foco en las mejores secciones del track original, con mi propia interpretación. ¿Y cómo es tu estudio?

Tienes una agenda increíblemente ocupada, con tours ya planificados por todo el mundo. Pero, ¿recuerdas tu primera actuación fuera de Brasil?

Recuerdo que tocar fuera de Brasil por primera vez fue una experiencia que me llenó de humildad.

Después de construir una carrera en mi país, me sentí como si empezase de nuevo, desde cero. Y en verdad estaba empezando desde cero… Los clubes eran pequeños, y las audiencias también.

Pero ciudad a ciudad, pasando por cada pueblo pequeño, empezamos a ver el crecimiento. Eso ha sido muy satisfactorio. ¿Y te acuerdas de tu primera actuación en España?

Mi primera vez tocando en España fue inolvidable.

Martin Garrix lleva siendo buen amigo mío desde hace años. Fue él quien me invitó a tocar en el line-up de su fiesta en Ibiza. El público fue espectacular, muy cariñosos conmigo y estaban listos para bailar. Fue una noche realmente impresionante, ¡y gracias a esto mi primera vez en España no se me va a olvidar jamás!

Ahora mismo, es un caos (risas). En primavera de 2021 me mudé de Sao Paulo a Miami y ahora, en enero, me he vuelto a Brasil para un nuevo tour.

Además, he cambiado de casa en Brasil hace poco. Porfa, hacedme esta pregunta en un mes, ¡después de que haya vuelto a montar mi estudio en casa!

Aparte de todos los releases y los viajes, tienes tu propio show de radio en la emisora de Tomorrowland, One World. ¿Crees que la radio, en cualquiera de sus formatos, sigue siendo relevante para la cultura de la música de baile? ¿En qué sentido? ¿Cómo enfocas tus programas de radio?

Creo que la radio sigue siendo relevante. Todo depende de quién cure/presente el programa.

Yo, personalmente, hago mi show de radio, Culture Shock, todas las semanas. Esto me da una oportunidad para introducir a diferentes públicos los tracks que he ido descubriendo por el mundo.

El programa de Pete Tong en la BBC Radio 1 es otro gran ejemplo de cómo la radio todavía puede alcanzar a los fans y descubrirles nueva música.

También soy un gran fan del programa de Austin Kramer en la radio de Tomorrowland. Trabaja duro cada semana para encontrar música nueva y hacer debutar esos tracks en su programa.

¿Qué opinas de nuestra escena?

España tiene una escena electrónica impresionante y, siendo sinceros, una historia mucho más larga para el género que la que tenemos en Brasil. Barcelona es famosa en todo el mundo por la tremenda influencia que ha tenido en la música electrónica. En 2022 estaré pasando mucho más tiempo en España, el anuncio de lo que se viene será en las próximas semanas. ¡No puedo esperar a estar de vuelta en vuestro país esta primavera!

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Los últimos dos años han sido muy duros para la industria por culpa de la COVID-19. ¿Cuál ha sido la lección más grande que has aprendido durante este tiempo?

Una de las lecciones más grandes que he aprendido es que debemos empujarnos a nosotros mismos a innovar y adaptarnos a las circunstancias que nos rodean. La pandemia nos ha retado a encontrar otras formas de llegar a nuestros fans y a buscar nuevas oportunidades que antes jamás se nos hubieran ocurrido. En Brasil, todos los clubes han estado cerrados. Cada viernes noche, hacía un directo en YouTube para mantener a mis fans. He publicado aproximadamente 40 nuevos tracks durante la pandemia, ya que estaba gran parte del tiempo metido en el estudio, produciendo y grabando todos los días. Fue un momento realmente desafiante, pero creo que he salido de todo esto siendo mejor músico y artista. ¿Cómo ves el futuro de la escena?

A medida que los productores de música electrónica se centran más y más en hacer canciones bien compuestas, con melodías fuertes, letras con mensaje y tracks instrumentales innovadores, ciertamente veo espacio para seguir creciendo. Algunos géneros de la música de baile van y vienen, pero el house, por ejemplo, siempre tendrá una fuerte presencia en la escena.

Hemos visto cómo surgían nuevos conceptos: la realidad virtual, los streamings, la batalla del copyright, los NFTs, el crypto… ¿Crees que alguno de ellos puede ayudar a la escena, especialmente a artistas medianos y pequeños?

Tengo ganas de ver esas innovaciones en el futuro. Seguir aprendiendo es una parte importante del crecimiento artístico y personal. Doy la bienvenida a esas innovaciones y retos. Si no fuera por internet, yo quizá no estaría donde estoy hoy – no olvidemos que internet, hasta no hace mucho, era un concepto considerado nuevo. No todas estas novedades van a tener éxito, pero definitivamente vale la pena explorarlas. Especialmente para cualquier artista emergente.

El año pasado lanzaste tu propia línea de ropa, Vintage Culture Apparel, que presenta chándales, camisetas, gorras, sudaderas, sandalias… ¿Qué te hizo querer meterte en la moda?

Veo Vintage Culture Apparel como otro escaparate creativo. Yo lo considero otra forma de arte.

Mi tiempo y energía fuera de la música la dedico a desarrollar y crear esta nueva aventura. Sigue siendo algo nuevo para mí, pero estoy inspirado y me entusiasma mucho esta aventura en la moda. ¿Qué más te espera este 2022?

En 2022 seguiré empujando mis límites musicales y artísticos. A pesar de que no puedo hacer ningún anuncio todavía, me siento honrado de poder trabajar con otros artistas vanguardistas en tracks que saldrán más adelante y van a romper los límites de la música electrónica de baile. Mi calendario de lanzamientos de música nueva está lleno para los próximos seis meses y mi calendario de actuaciones está casi completo hasta final de año. Trabajaré duro para hacer de 2022 un buen año… ¿Algo que quieras añadir?t Quiero decirle a mis seguidores en España y a todos los amantes de la música que todavía no he conocido que estaré bastante en vuestro país para actuar en 2022. No puedo esperar a bailar con vosotros, tocar mi nueva música, aprender de vuestro país y conoceros a todos los que pueda. ¡Muchísimas gracias por tu tiempo, Lukas! ¡Ha sido un placer! ¡El placer ha sido mío!

*Escucha el cover mix exclusivo que ha preparado Vintage Culture para los lectores de DJ Mag ES. ¡Escanea el QR y disfruta!

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VNTG

VINTAGE CULTURE APPAREL

ALY & FILA ‘FOR ALL TIME’ ES LA NUEVA Y PRIMERA COLABORACIÓN DE LOS EGIPCIOS CON ARMIN VAN BUUREN

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ALY & FILA SON NOMINADOS UNA VEZ MÁS EN A STATE OF TRANCE TUNE OF THE YEAR 2021 Autora: Leire Zuloaga

Ante la opresión y la ruptura florecen las mutaciones artísticas más revolucionarias, cosa que parece haber cogido fuerza durante el último siglo musical. Si ponemos los ojos más allá de nuestras fronteras, en países como Egipto, observamos que la aparición de nuevas culturas juveniles se unen a la necesidad de franquear ciertas barreras sociales, políticas o religiosas.

El primer compositor de música electrónica de la historia fue el egipcio Halim El-Dabh y, sin embargo, la escena electrónica contemporánea egipcia -tan ecléctica como su población misma- no inició su esplendor hasta la aparición de dj’s como Aly & Fila, dúo que convirtió su alto poder identitario en un criterio integrador.

Los artistas formaron un mundo atemporal diferente al ordinario dentro de la marca FSOE (Future Sound of Egypt), siglas globalmente conocidas por crear un punto de encuentro entre la historia y la ficción, entre lo vivido y lo utópico, y donde Aly El Sayed Amr Fathalah (Aly) y Fadi Wassef Naguib (Fila) entrelazan una rica herencia cultural con una constante renovación del sentimiento de pertenencia a la comunidad.

La extravagancia electrónica de Egipto comienza cuando el sol se pone de la mano de Future Sound Of Egypt y sus faraones, Aly & Fila.

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Como artistas egipcios, ¿cómo ha sido el viaje de Aly & Fila visto desde vuestra perspectiva?

Comenzamos Future Sound of Egypt en 2006 y desde entonces hemos evolucionado desde el programa de radio hasta el sello discográfico, con seis sellos discográficos en total bajo nuestro paraguas a día de hoy: FSOE, UV, Fables, Clandestine, Parallels y Chill. Ya hay muchos artistas egipcios que han lanzado en el sello, así como otros artistas del Medio Oriente. Hemos organizado eventos de FSOE en todo el mundo durante los últimos 10 años y uno de los eventos de Future Sound of Egypt más famosos que organizamos fue en las Pirámides de Giza, en Egipto.

Future Sound of Egypt unió fuerzas con la compañía discográfica holandesa Armada Music a finales de 2010. ¿Por qué ha pasado tanto tiempo hasta la primera colaboración musical con Armin van Buuren, que ha tenido como resultado el track “For All Time”?

Es algo que hemos discutido durante años con Armin, pero estamos muy contentos de haber podido trabajar finalmente en este track y el feedback ha sido increíble. ¡Gracias a todos por el apoyo!

Hablando de este single, es fácil reconocer la influencia egipcia pero, ¿qué destacaríais vosotros sobre este track?

Future Sound of Egypt se ha convertido en una de las marcas más respetadas dentro de la industria musical. Habladnos un poco de los últimos movimientos musicales de FSOE alrededor del mundo.

Es muy difícil decir que cierta parte de la canción destaca más que otra, ya que aparecen diferentes elementos a lo largo de todo el track; desde la melodía hasta la increíble voz de Kazi Jay, que creemos que funcionan muy bien juntas.

Como marca siempre buscamos evolucionar, creemos que es evidente a raíz de la cantidad de sellos que tenemos y la variedad de artistas que lanzan en ellos. También esperamos organizar tantos eventos de la FSOE como sea posible en el futuro, así como otros eventos de marca.

“Somebody Loves You”, junto a Plumb, supuso otro galardón como canción del año en ASOT, ¿cuál es el mensaje del single y cual creéis vosotros que fue el secreto de su éxito?

El sonido de Future Sound Of Egypt ha crecido hasta llegar a stages de algunos de los festivales más grandes del mundo, así como dar inicio a una serie continua de eventos FSOE a lo largo del globo, pero… ¿Cuál fue el punto de partida y cómo fueron los inicios de la marca

Estamos extremadamente orgullosos de que con ‘For All Time’ sea la cuarta vez que hemos sido nominados como melodía del año en A State of Trance después de ‘We Control the Sunlight’, ‘Unbreakable’ y ‘Somebody Loves You’. Esta última tuvo un mensaje universal en un momento realmente difícil en el mundo que, por desgracia, todavía estamos atravesando. “For All Time” es una historia sobre un sentimiento universal: el amor.

Los inicios de la marca se remontan a 2006, cuando presentamos el primer programa de radio de Future Sound of Egypt, aquel fue el verdadero punto de partida. Estamos orgullosos de la evolución de la marca desde ese día, muy agradecidos con el apoyo masivo que hemos recibido de personas de todo el mundo, artistas, sellos discográficos, promotores,… ¡Nos ha ayudado mucho a crecer y a seguir adelante!

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Y, ¿cómo se construye una compañía tan grande?

rámides y la Esfinge fue un espectáculo para la vista. Después del evento, recordamos sentarnos y guardar silencio mientras asimilábamos todo lo que acabábamos de presenciar y lo que habíamos creado.

Somos muy afortunados de tener un gran equipo de personas a nuestro alrededor cuyo compromiso, impulso y dedicación por la causa ayudó a que la marca creciera.

Tampoco queremos perder la ocasión de preguntar a Aly por su lesión auditiva, ya que en este momento es un problema entre productores, pero también entre el público y las nuevas formas de consumo musical (por la utilización de los cascos, por ejemplo). ¿Podrías hablarnos un poco de cómo surge este problema y dar algunas recomendaciones sabias a todos nuestros lectores?

Hablemos de vuestros próximos lanzamientos, chicos. ¿Qué tenéis preparado para este primer semestre del año?

Tendremos mucha música este año, revelaremos más cosas pronto…

Uno de los momentos más llamativos de vuestra carrera musical fue el primer show en las pirámides de Giza, algo nunca visto hasta esa fecha en la música electrónica. ¿Qué recordáis de este primer evento en Giza?

Desafortunadamente, fue un problema que ocurrió muy temprano en nuestra carrera. ¡El único consejo de los médicos fue proteger el oído!

Estáis muy orgullosos de ser de Egipto y también de promover a otros artistas de allí en la marca. Entonces, ¿qué nombres egipcios debemos tener en cuenta para este primer trimestre del año?

Fue uno de los momentos de mayor orgullo de nuestra carrera: crear historia junto a otros artistas que han actuado anteriormente en las Grandes Pirámides de Giza, como Madonna o Sting. Somos egipcios extremadamente orgullosos de nuestras raíces, y nos sorprendió tener la oportunidad de actuar en un lugar como este. Hubo algo que vivirá en nuestros corazones para siempre: el ambiente en el evento fue mágico, el telón de fondo de las Pi-

Estamos muy atentos a nuestros artistas egipcios Omar Sherif y Philippe El Sisi, que actualmente están lanzando en nuestros sellos.

Esperamos poder añadir nuevos talentos de nuestro país este año.

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Arodes

RECONECTANDO CON LA MÚSICA Autor: Eduardo P. Waasdorp

Es innegable que las melodías y ritmos deep están tomando la escena electrónica mundial como un torbellino. En el número pasado ya analizábamos el origen de este fenómeno, teniendo como germen el icónico track ‘Rej’, de Âme. A partir de entonces, y especialmente en los últimos años, hemos visto cómo los sonidos más melódicos, profundos, atmosféricos (e incluso paisajísticos y cinemáticos) han ido haciéndose cada vez más presentes en las producciones de todo tipo de artistas, cruzando géneros y desdibujando los límites que siempre han existido entre tótems como el house, el techno y el trance.

En este contexto, descubrimos a nuestro protagonista de hoy: ARODES. Nacido en España bajo el nombre de Adrián Rodríguez, este artista todoterreno siempre ha estado rodeado de música. Desde muy pequeño, sus bohemios padres le introdujeron a una enorme cantidad de estilos, desde reggae hasta rock clásico.

Con 18 años, Adrián fue a su primer festival y pudo experimentar en primera persona el poder que tiene la música para conectar a la gente. Quedó prendado por todo aquello y se propuso desde ese momento hacer todo lo posible por meterse de lleno en el mundo de la música electrónica.

Primero como DJ y luego como productor, compaginando también su faceta como promotor de eventos, nació ARODES. En ese momento, Adrián ya vivía en su segundo hogar: Los Ángeles, donde se ha hecho todo un nombre en su escena de clubbing y que le ha servido como punto de partida para empezar su viaje artístico. A partir de ahí, ARODES ha ido creciendo y tocando en cada vez más lugares: Ibiza, Barcelona, Londres, Ámsterdam, Tulum, Sao Paulo, Nueva York o Miami son solo unos pocos de sus destinos habituales.

Ante este 2022 que se presenta lleno de oportunidades y retos para la escena electrónica a nivel mundial, hemos querido presentaros a ARODES, para que sea él mismo quien nos cuente su historia y cómo se ha embarcado en la misión de hacernos reconectar y sentir más con la música.

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¿Cómo fue tu 2021 y cómo se presenta este nuevo año? ¡Hola! es un verdadero placer estar aquí con vosotros. La verdad que el 2021 ha sido un año muy intenso, con mucha incertidumbre y mucho cambio.

No he parado de viajar, he estado casi cada fin de semana en un país distinto y he cambiado de residencia habitual de Los Ángeles a Miami. Principalmente, agradecido por todo lo que he podido vivir y experimentar. Estoy preparado y con muchas ganas de empezar todos los proyectos y afrontar los desafíos que puedan venir para este nuevo año.

Te convocamos porque lideras uno de los proyectos de música deep más en alza de nuestro país: Arodes. Cuéntanos, ¿Cómo fue tu primer contacto con la música en general y la electrónica en particular?

Cuando era pequeño hice mis pinitos tocando el piano. Para ser sincero, mi madre me insistía mucho en ello. Sin embargo, a mí lo único que me interesaba eran los deportes. Jugaba al futbol y mi objetivo e ilusión era ser futbolista profesional. Más tarde, en mi adolescencia, empecé a ir a festivales y a las discotecas de Ibiza con mis amigos. Allí es donde entré en contacto con la música electrónica, me encantó.

Por aquel entonces, nunca imaginé que llegaría a ser yo quien estaría detrás de los platos. A medida que fui creciendo, empecé a interesarme en la materia más en profundidad y con el paso del tiempo descubrí que ser DJ y producir es mi pasión. ¿Qué artistas o movimientos son tus principales influencias a nivel artístico?

Solomun, a mi parecer, es el mejor DJ y el que mejor sabe leer al público. Se nota que lo hace con pasión y se entrega totalmente a ello. Black Coffee me gusta mucho también. A parte de que, incuestionablemente, es un grandísimo artista, ha sabido ser pionero en un movimiento y en un estilo musical, logrando establecer su marca y distinguirse de los demás por todo el mundo, con una estrategia de marketing excelente.

Como productores, los chicos de Keinemusik (&me, Adam Port y Rampa) son mi referencia e inspiración.

Todo lo que producen tiene una calidad extraordinaria y su estilo encaja perfectamente con mi visión.

Sabemos que estudiaste marketing y, como nos contabas antes, tu sueño era ser futbolista. ¿Cómo cambia uno los números y el balón por ser DJ y productor?

A nivel profesional el fútbol no pudo ser, pero me sigue encantando y lo practico muy a menudo. Soy una persona muy ambiciosa y cuando acepté que ser futbolista no era una opción viable, me decanté por los negocios en busca de independencia económica.

Quería ser mi propio jefe y crear empresas rentables y sostenibles, por eso estudié economía y marketing. En realidad no he cambiado los números por ser DJ… dedico mucha mas energía a la música actualmente, pero al mismo tiempo sigo cuidando de mis finanzas e inversiones.

De hecho, entiendo que empiezas a involucrarte en el sector cuando te mudas a EEUU, a Los Ángeles, con 24 años. ¿Qué te hizo cruzar el charco? ¿Cómo fue esta experiencia lejos de tu casa?

Mi vida en España era sólida y cómoda. Tenía un buen trabajo y estaba rodeado de mi familia y amigos. Sin embargo había algo dentro de mí que me pedía más, y debido al sistema económico americano pensé que podría crecer mucho más a nivel profesional en Estados Unidos. Al principio fue complicado, no hablaba inglés, no tenía papeles y estaba lejos de mi familia… En muchas ocasiones me replanteé todo, pero decidí seguir adelante y a día de hoy no me arrepiento para nada. Es más, es la mejor decisión que he tomado en mi vida y gracias a ella me convertí en la persona que soy a día de hoy. Fue el mejor aprendizaje que he tenido, y también el más duro.

Más tarde, nace Arodes, un alias conectado a tus raíces, ya que el nombre lo forman las primeras letras de tu nombre y apellidos. ¿Cómo fueron tus comienzos como DJ? Nervios y tremenda ilusión. Creo que esto podría describir a la perfección cómo me sentía. La primera vez que toqué frente al público fue en un club de Los Ángeles, en el que anteriormente había colaborado como promotor. En ese momento supe que algo había cambiado en mí para siempre y que quería poner mi tiempo y energía en la música de ahí en adelante.

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Arodes

¿Cómo creas tu selección musical? ¿En qué aguas se mueve Arodes?

Me muevo por sentimientos y eso se refleja en mi música, que se caracteriza por ser bastante melódica. Me gusta transmitir una historia y unas sensaciones en cada set, al mismo tiempo que bailar y disfrutar con el público. Selecciono música que me inspira y que considero que va a conectar con la gente. Dedico varias horas al día a escuchar temas y sonidos nuevos. Estoy constantemente en busca de algo nuevo, me gusta sorprender en cada actuación y no ser muy repetitivo. Dependiendo del lugar donde voy a tocar, tipo de público y número de asistentes, selecciono la música que a mi parecer va en consonancia con el ambiente de cada ocasión, pero siendo fiel a mi estilo y marca. Eso sí, siempre hay que dejar margen para la improvisación. ¿Y a nivel de producción, cómo es tu estudio y tu proceso creativo? ¿Cómo surgió en ti la inquietud de querer crear música?

La producción es muy importante ya que es lo que establece la marca o esencia de un artista. A través de ella quiero llegar al mayor número de gente posible y transmitir lo que tengo en mi mente. Me gusta compartir mi música y ayudar a otros artistas con ella. No hay mejor sensación que ver a la gente bailar y disfrutar con algo que has creado tú mismo y en lo que has dedicado tanto tiempo y esfuerzo. En los últimos meses, he publicado varios EPs por los sellos MoBlack, Radiant, Redolent, Sudam y Days Like Nigths. También, próximamente, publicaré nuevos proyectos que ya tengo terminados y que estoy probando en mis sets. He montado un pequeño estudio en mi casa de Miami.

Tulum también ha formado parte integral de tu desarrollo. ¿Cómo es tu historia con la región mexicana y por qué crees que atrae a tantos artistas y público?

He estado viajando a Tulum durante mucho tiempo.

Es un lugar mágico. La calle principal alberga restaurantes y hoteles en los que cada día hay algún motivo de celebración. La gente viste de forma diferente, los horarios que entendemos por normales, cambian… y la energía que se respira en el ambiente no es comparable a ningún otro lado. Atrae a tan-

ta gente porque, sumado a las playas paradisíacas y a la selva, la buena vibra y las ganas de divertirse de toda la gente es innegable. Los artistas sabemos que en Tulum vamos a encontrarnos con un público entregado, al mismo tiempo que muy entendido.

Estos dos años de pandemia han supuesto un duro golpe para el sector. Más allá de no tener bolos, ¿cómo te ha afectado toda la situación provocada por la COVID-19?

Han sido tiempos muy difíciles para todos, las medidas de confinamiento y las restricciones en cuanto al distanciamiento social han limitado los eventos y aunque he seguido tocando en algunos, la interacción con el público no ha sido la misma. La COVID-19 me ha obligado a reinventarme e intentar llegar a la gente a través de otros medios, como las redes sociales. Al no tener tantos bolos, he podido dedicar más tiempo a la producción musical y a establecer mejor mi marca.

Finalmente, Adrián, ¿qué planes tienes para 2022?

Afronto el 2022 con muchas ganas y entusiasmo, después de todo lo vivido el último año uno se da cuenta de que hay que aprovechar las oportunidades al máximo y dar lo mejor en cada momento, “don’t take anything for granted” (“no des nada por sentado”).

Tengo varios proyectos y colaboraciones programadas para este nuevo año, va a haber bastante música de Arodes circulando durante los próximos meses. También tengo programadas bastantes giras por diferentes partes del mundo, por ejemplo Brasil en febrero; Europa, en Abril; y también descubriré nuevos sitios, como Dubái o la India. ¡Muchas gracias por tu tiempo, Adrián! ¡A vosotros!

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*Arodes publicaba el pasado 14 de enero, Healing EP, en MoBlack Records. Además, el 4 de febrero, publicó ‘Where Do We Go’, en el sello Redolent Music.

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Salvando el

Disco

en San Francisco El extravagante sonido electrónico de las pistas de baile de San Francisco fue la banda sonora de la liberación gay y los inicios de la era del SIDA. Ahora, la comunidad que conforma la vida nocturna de la ciudad está trabajando para preservarlo.

Por: Marke Bieschke Traducción: Patricia Pareja

Foto: ROBERT PRUZAN

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n las entrañas de los Archivos del Museo y la Sociedad Histórica LGBT de San Francisco, hay una modesta caja de madera que brilla como si de una reliquia sagrada se tratara. Contiene los objetos personales de Sylvester, el artista negro que desafió el género y se inició en la música como una estrella contracultural a principios de la década de 1970, convirtiéndose así en un icono disco global, antes de fallecer de SIDA en 1988.

Los objetos de la caja, recientemente transferidos de su patrimonio a manos de profesionales, incluyen sus discos de oro, premios de la industria, entradas de conciertos, fotografías y recortes de periódicos. También están sus horquillas, broches, pendientes, trajes de actuación con lentejuelas y, conmovedoramente, una colección de exquisitos guantes de satén, que por supuesto, la diva enmarcó.

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Los objetos de Sylvester son parte de una creciente colección disco en los archivos. Los conservacionistas dedicados han catalogado y almacenado artefactos de la comunidad LGBTQ desde 1985, cuando se formó la Sociedad Histórica para salvar las pertenencias de las personas muertas por el SIDA. La historia musical de Sylvester enmarca un período salvaje, liberador, eventualmente trágico pero definitivamente inspirador en la historia gay; uno que se desarrolló en las pistas de baile de San Francisco, en medio del eufórico tintineo de las panderetas y el silbido y repiqueteo de los abanicos pintados a mano. Cambió el curso de la música dance electrónica, para después ser aniquilada por un diluvio de muertes. ¿Se pueden capturar los sonidos y el espíritu de esta escena -tan esencial- antes de que se desvanezcan para siempre? Uniéndose a los archivos en el esfuerzo de preservarlo, se encuentra un nuevo libro que documenta la historia de la música disco de San Francisco llamado Menergy, un archivo online de DJ sets de la San Francisco Disco Preservation Society, un stream constante de música que antes no estaba disponible publicada por el sello Dark Entries y un presentador fielmente retro. Para salvar la escena disco en San Francisco, se necesita un pueblo, gente. Se necesita “village, people”.

DO YOU WANNA FUNK? En los últimos años, a medida que los DJ y bailarines celebran más visiblemente las raíces negras y queer de la música dance, Sylvester, declarado gay abiertamente y sin tapujos, se ha elevado al nivel de una deidad: la Reina de la música disco con voz de falsete cuyos éxitos ‘You Make Me Feel (Mighty Real)’, ‘Dance (Disco Heat)’ y ‘Do You Wanna Funk?’ han impulsado a la comunidad LGBTQ a través del triunfo y la angustia, y han testificado la conexión entre el hedonismo entusiasta de la música disco y la música gospel negra de la juventud de Sylvester.

Para muchos otros oyentes, la música disco se ha convertido en un algoritmo reluciente de producción elegante y hooks fácilmente reconocibles: sampleados, retocados, remezclados y editados sin fin para proyectar un rayo de calidez dorada en cualquier fiesta, boda o tarea doméstica. Resumiendo la decadencia de la pista de baile, reenvadasada cordialmente como nostalgia, la música disco ha logrado deshacerse de gran parte de su reputación cursi. Pero sigue siendo un monolito sónico, una breve racha de alegría con bolas de espejos disco, antes de que se pongan de nuevo las corbatas, o en el paro. Sin embargo, la historia real de la música disco es más compleja y comienza con la fascinante microdiversidad de sus sonidos y escenas regionales. (Los antros ítalo-estadounidenses de Saturday Night Fever de Brooklyn y el enfoque experimental de Montreal eran solo dos variantes). Esa historia también incluye la forma en que la discoteca popularizó inventos como el mix y la combinación de ritmos, la iluminación tecnológicamente compleja y el diseño de sonido espacial, los discos de 12 pulgadas y los remixes; podría decirse que la música disco popularizó la música electrónica. Junto con Sylvester se encontraban; el productor pionero Patrick Cowley, los fundadores de la compañía discográfica Marty Blecman y Johnny “Disco” Hedges y una gran cantidad de DJ gays que fueron los arquitectos del sonido disco más enérgico de San Francisco, una combinación delirante que avivó el libertinaje las 24 horas en los palacios dance,

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Foto: ROBERT PRUZAN

bares, termas y la bulliciosa escena callejera de la ciudad de finales de los ‘70 y principios de los ’80. A pesar de la reacción homofóbica y racista estadounidense de la infame Disco Demolition Night de 1979 - en la que una pila de discos de artistas -en su mayoría negros- fueron detonados en el Comiskey Park de Chicago mientras una multitud de personas blancas coreaba “¡El disco apesta!”

-, la fiesta en San Francisco nunca paró. De hecho, solo se volvió más gay.

Menergy: San Francisco’s Gay Disco Sound, publicado por Oxford University Press el pasado febrero, está escrito por el musicólogo Louis Niebur. El libro detalla el auge de la música disco en la ciudad, comenzando con la influencia del DJ Johnny “Disco” Hedges; primero en 1973 en el club Mind Shaft, luego en el lujoso City Disco, que se mezcló con una actuación en vivo para crear una atmósfera de cabaret. Seguido por la progresión del sonido a través de clubes dance más grandes como Oil Can Harry’s, Alfie’s, Dreamland, EndUp, Rendezvous, el cavernoso I-Beam y Galleria Design Center, y el after por excelencia Trocadero Transfer, lleno de callejones, dormitorios e intriga tras la cabina.

Tracks de cosecha propia como ‘Menergy’, ‘Megatron Man’, ‘Cruisin’ The Streets’, ‘Disco Kicks’, ‘Lucky Tonight’, ‘Sex Dance’, ‘Backstreet Romance’, ‘Shot In The Night’, ‘Right On Target’ ‘, ‘Homosexuality’ y ‘I Wanna Take You Home’ avivaron una fiesta casi interminable. Decenas

de miles de hombres vivían siguiendo las “cuatro D”: discoteca, drogas, plato y polla (disco, drugs, dish and dick). El libro también rastrea cómo el sello local de rock clásico Fantasy poco a poco dirigió su atención hacia la música disco a principios de los años 70, convirtiéndose en un líder del sonido y generando sellos propiedad de homosexuales como Moby Dick, Fusion y Megatone. Escuchamos a los DJ clásicos Lester Temple, Steve Fabus, Jon Randazzo, Bill Motley y al esencial de Miami Bobby Viteritti, y a artistas como el entusiasta de la música disco Frank Loverde, los coristas de Sylvester ‘Two Tons O’ Fun’ Martha Wash e Izora Rhodesof con el famoso ‘It’s Raining Men’ y la increíble Lisa, cuyo ‘Jump Shout’ se convirtió en una sensación de club internacional.

En el camino, se desarrollan momentos trascendentales de la historia: el asesinato del líder de los derechos de los homosexuales Harvey Milk y del alcalde de San Francisco, George Moscone, a manos de un político conservador descontento; protestas y primeros triunfos del movimiento de liberación gay que llevó a miles de personas a las calles; la conmoción del SIDA que destruyó a la comunidad, junto con el aumento del activismo contra el SIDA. Incluso hubo un poco de infraestructura cívica: ¿qué otra ciudad abriría una nueva estación de metro con una gran fiesta Metro Madness, encabezada por el mismo Sylvester con una chaqueta de lentejuelas rojo y vagones con poca luz para “actividades íntimas”?

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GO WEST, YOUNG MEN “El disco es muy importante para el movimiento gay porque fue la primera vez que pudimos bailar juntos sin que nos metieran en la cárcel”, dijo Niebur, señalando uno de los efectos importantes del Stonewall Uprising de 1969.

Esa rebelión y disturbios contra las redadas policiales discriminatorias en el Greenwich Village de la ciudad de Nueva York, centradas alrededor del bar Stonewall Inn, ayudaron a impulsar el movimiento contemporáneo por los derechos de los homosexuales.

También dio un empujón de energía a las batallas legales, acompañadas de protestas de la comunidad queer en bares inhóspitos, que terminaron con la prohibición de bailar entre personas del mismo sexo en los EE. UU. “Hubo momentos en aquel entonces en los que si bailabas un poco con la música, el camarero te gritaba porque no quería que lo arrestaran”.

Ahora que la gente podía bailar abiertamente en los bares, la música cambió, dando la bienvenida a sonidos alegres como el soul de Filadelfia y más tarde Motown, el funk raw de Sly Stone y el soul de Bill Withers y Barry White. Las máquinas de discos mohosas fueron reemplazadas por humanos que pinchaban los últimos singles de siete pulgadas y cortes de álbumes más profundos. Stonewall también ayudó a miles de personas queer a salir del clóset y a las calles, bares y discotecas de las principales ciudades, creando una cultura gay pública por primera vez.

Una nueva cultura necesita una nueva banda sonora, y la música disco se desarrolló junto con esta salida del armario masiva.

San Francisco, en medio de la agonía (y parte de la resaca) de su revolución hippie, se convirtió rápidamente en un imán para los hombres homosexuales ansiosos por escapar de los ambientes opresivos de las pequeñas ciudades y unirse al baile, con porciones adicionales de sexo. Fue una migración masiva lujuriosa, instigada por la permisividad contracultural y las rentas baratas, ya que los habitantes más antiguos de San Francisco se mudaron a los suburbios. Los barrios de Castro, Polk Gulch y South of Market brillaban con los pechos desnudos y las luces de las marquesinas. Para cuando las superestrellas disco The Village People lanzaron sus grandes himnos ‘Go West’ y ‘San Francisco’, la villa que una vez fue provincial ahora era la Ciudad Esmeralda en la Yellow Brick Road hacia el gay Oz. El movimiento llegó con un look famoso: una estética de clase trabajadora masculina, vestido con vaqueros, que gradualmente abandonó su desaliñado nerviosismo contracultural por la apariencia elegante y bigotuda de innumerables Freddie Mercury.

“El disco es muy importante para el movimiento gay porque fue la primera vez que pudimos bailar juntos sin que nos metieran en la cárcel” - LOUIS NEBUR

Fotos: THE GLBT HISTORICAL SOCIETY ARCHIVES IN SAN FRANCISCO

Este fue el “clon”, que apareció simultáneamente en Nueva York y San Francisco, hogar del “clon de Castro”.

Como lo describió el historiador Randy Schilts en aquel momento: “La indumentaria era decididamente masculina, como si Dios hubiera dejado a estos hombres desnudos y les hubiera ordenado usar solo Levi’s de piernas rectas, camisas Pendleton a cuadros y chaquetas de cuero sobre sudaderas con capucha”.

Como ocurre con todas las grandes excavaciones culturales, Menergy pone algunos de los mitos utópicos bajo el microscopio. El aspecto de clon pudo haber comenzado como una reacción de empoderamiento contra los estereotipos de los hombres homosexuales como hombres decadentes y encabritados. Sin embargo, también era abrumadoramente conformista y marginaba las expresiones alternativas de género. Sylvester se rebeló fabulosamente, declarando: “Que le jodan. Debo gastar $60,000 al año en ropa, y no me voy a reducir a 501s”.

La escena también era increíblemente blanca y masculina -personas que podrían llevar sus vidas económica y socialmente más fácilmente- y Menergy destaca a mujeres y personas de color, como DJ Chrysler “Frieda Peoples” Sheldon, a quien se le excluyó de puestos importantes y a menudo se le pidió varias formas de identificación porque era negro.

La fiesta sin fin también tiene un ojo que no descansa: Niebur cita a un clon describiendo el MDA, también conocido como éxtasis. “Solíamos decir que significaba ‘Must Dance All-night’. Y al día siguiente significaba ‘Mustn’t Do it Again’. Porque estabas totalmente destrozado”.

HOT TALES ON THE ’FLOOR Niebur, profesor de la Universidad de Nevada en Reno, llegó a este tema a través de su trabajo sobre música para cine y televisión. Su primer libro detalla la historia del Taller Radiofónico de la BBC, que desarrolló gran parte de los primeros pasos de la música electrónica. También le encanta la música pop de finales de los 80, generada en gran parte por la escena gay Hi-NRG de clubes londinenses como Heaven, que hizo eco y fomentó el sonido disco de San Francisco tras desaparecer en los EE. UU. “Me cabrea que el Reino Unido se lleve todo el crédito por esta música, pero el poder de una buena producción de Ian Levine o Stock Aiken Waterman es innegable”, dice.

El hilo conductor de todo esto fue la invención de la música dance electrónica, que le llevó directamente a Sylvester, a Patrick Cowley y al disco de San Francisco. Una noche de fiesta en la discoteca retro de San Francisco Go Bang! fue determinante en su intención de documentar cómo la música y la cultura se desarrollaron codo con codo. “La historia queer siempre debe ser reconstruida a partir de lo efímero, porque hasta hace poco nadie valoraba nuestra historia ni pensaba que merecía la pena preservarla”, dice. “No hay un Museo Smithsonian de Cultura Queer. Tienes que buscar entre la promoción de los bares y los calendarios de eventos en las revistas gay, las críticas musicales repletas de chismes de la escena, los diarios de la gente, las fotos raras y las esquelas, porque ahí se contaban muchas historias sobre los DJ y músicos que se estaban muriendo de SIDA. Y luego entrevistar a gente de entonces, que es una carrera contrarreloj.

Un par de las personas que conocía murieron mientras escribía el libro”. Niebur revisó décadas de periódicos comunitarios recientemente digitalizados (incluida una base de datos de más de 10.000 esquelas del Bay Area Reporter) en busca de pistas sobre el pasado.

The Bay Area Disco association (with Two Tons Of Fun) - Foto: JOHN HEDGES

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“Pero los documentos principales son las grabaciones.

Los sonidos y las letras que la gente quería escuchar en ese momento, lo que querían bailar, cuenta gran parte de la historia. Hay mucha evolución y muy sorprendente. A veces la música suena como, ‘Guau, en realidad no tenían dinero cuando hicieron esto’; o escuchar a Patrick Cowley, a medida que avanzaba a lo largo de los años.

Están los grandes éxitos, las bandas sonoras porno... puedes escuchar la historia allí”. Cowley, un amante de los equipos que comenzó en la escena trabajando en la increíble mesa de control de luces de 16.000 bombillas de City Disco, básicamente inventó el sonido más enérgico del disco de San Francisco cuando fusionó su amor por la energía sexual gay y los ideales contraculturales con la tecnología emergente.

Fue uno de los primeros en inscribirse en las innovadoras clases del Laboratorio de Música Electrónica de San Francisco City College a principios de los años 70. Combinando su gran ambición con confianza técnica, en 1977 dio el gran paso de crear un remix futurista de 16 minutos de ‘I Feel Love’ de Donna Summer en el equipo de su casa, en su habitación, y se lo envió sin que nadie lo hubiera solicitado a su compañía discográfica en 1977, que finalmente lo lanzó. La música de Cowley abrazó el arpegio del octavo disco del bajista pionero Larry Graham y se escuchó en grandes éxitos como ‘Disco Inferno’. Cuando Sylvester escuchó lo que estaba haciendo Cowley, inmediatamente lo aprovechó para darle un toque electrónico a sus tracks de blues, convirtiéndolos en algunos de los mayores éxitos de la era. A pesar de su gran productividad, Cowley tenía un humor diabólico. Uno de sus mayores éxitos en solitario, ‘Menergy’ (publicado a través de su compañía Masculine Music) fue creado con su amigo Marty Blecman cuando ambos estaban drogados; su título, tan ridículo, se puso con la única intención de burlarse de una escena a veces demasiado seria.

El propio Cowley fue uno de los primeros en morir en 1982, a la edad de 32 años, por lo que al principio de la pandemia no había un nombre oficial para la enfermedad. El SIDA aumentó la urgencia de la música incluso cuando se empezaron a vaciar los pisos.

“Los DJ gay de San Francisco estaban llevando el arte a miles de lugares con esta música. Había alguien como Steve Fabus, que se especializaba en ‘sleaze’, la música matutina de las termas o la pista de baile cuando amanecía, y que se trataba más de ralentizar el ritmo a un sonido más conmovedor. Y luego está Bobby Viteritti, del Trocadero Transfer, con sets de hora punta que eran prácticamente todos electrónicos y con el mismo ritmo, muy parecido a lo que escucharías en un club de techno hoy en día”. Para escuchar cientos de sets como esos, Niebur recurrió a un archivo digital, casi milagroso, con sets de pistas de baile.

“Hay una necesidad de escuchar esta música y de celebrar. Jóvenes y bailarines con mayor experiencia piden ese sonido exhuberante de la música producida en un estudio mezclando orquestas con la excitante electrónica” - STEVE FABUS

DJ Steve Fabus

Mientras que Cowley dominó los inicios del sonido, el productor Barry Beam, un alma punk fascinado por los sintetizadores (y un hombre heterosexual extrañamente metido en la escena), lo llevó a un nuevo nivel -más cursi- a mediados de los años 80, con coproducciones utilizadas con dobles sentidos, como ‘Show Me Yours’ de Corruption y ‘Castro Boy’ de 1983 de Danny Boy y The Serious Party Gods, una gran parodia del novedoso hit ‘Valley Girl’, con letras como: “No es bonito ser fácil. Hazme callar con una polla. ¡Faaaaabulous!”. La brillante tontería de Beam y los sonidos espaciales de la nueva ola proporcionaron un poco de frivolidad cuando los bailarines se dieron cuenta de que el SIDA estaba a la vuelta de la esquina y que no recibirían ayuda de un gobierno que preferiría verlos muertos.

“Es importante recordar que pinchar, tal como lo conocemos hoy en día, todavía era algo bastante nuevo en aquel momento”, dijo Niebur. Los contínuos mixes, la combinación de ritmos, los extended mixes y el sencillo dance de 12 pulgadas habían sido inventados por los DJ en los bares de Greenwich Village y los resorts gay de Fire Island de Nueva York de principios de los 70, y rápidamente se creó un circuito de DJs y bailarines gay para seguir y difundir las nuevas técnicas en todo el país.

Es alarmante descubrir que lo único que se interpone entre muchos de los preciados DJ mixes de esa época y el vacío silencioso de la aniquilación es un deshidratador de alimentos. Esa es una de las herramientas que usa el DJ Jim Hopkins para rescatar viejas cintas de casete y carretes grabados en las clásicas cabinas de DJs disco.

Como fundador de la Sociedad de Preservación del Disco de San Francisco, Hopkins ha digitalizado y publicado online cientos de sets de carrete, casetes y cintas VHS, rescatándolos de sótanos, garajes y depósitos de almacenamiento en todo EE. UU. Hopkins comenzó a aprender a pinchar en 1978 cuando tenía 13 años, después de asistir a una discoteca en Roseland, California, y convencer a su padre de que le comprara dos tocadiscos y una mesa de mezclas en el barrio Radio Shack. El padre de Hopkins también le regaló una máquina de carrete de su propio padre, creando así el inicio de una obsesión que duraría toda la vida. En los años 80, Hopkins vivía en Sacramento y tocaba en bares gay, hasta que tras varias solicitudes a Madonna, llegó a un San Francisco más underground y más influenciado por el house.

En 2009, nostálgico, compró una máquina de carrete y buscó cintas vírgenes en Craigslist. Allí encontró a la hija del DJ Michael Lee, que buscaba digitalizar su colección: tenía más de 60 de sus sets en vivo grabados, heredados cuando él murió de SIDA en los años 90. Atisbando una nueva línea de negocios, Hopkins llegó a un acuerdo en el que podía conservar las cintas tras convertirlas y publicar los mixes; el primero, un set de Lee de 1975 de Bones bar. De ahí nació la Disco Preservation Society: primero como una página de Facebook, donde despegó como un cohete en llamas, y luego como un sitio web. Inmediatamente, el promotor y diseñador de sistemas de sonido de Trocadero Transfer, Rod Roderick -cuyas fiestas privadas y salvajes en su “mansión” y varios warehouses habían ayudado a marcar el comienzo de la mayor fiesta nocturna de la ciudad-, le regaló más de 480 cintas. “A partir de ahí, simplemente se disparó”, dice con una sonrisa. “Las cintas comenzaron a apoderarse de mi apartamento”.

Hopkins tuvo que inventar su propio sistema de preservación, digitalización y remasterización, un proceso complejo para el que utilizó una camiseta empapada en alcohol, un viejo software rescue de audio RX7 y, sí, varias horas en un deshidratador de alimentos, para eliminar el moho y remediar los efectos de deterioro, como el “síndrome de cinta pegajosa”. Otros desafíos incluían la duración (los DJ sets solían ser de seis a nueve horas), la variación de volumen de los tracks y la gran cantidad de presentaciones de los DJ, ya que se mudaban a Palm Springs o Florida y querían limpiar la casa de cosas que ya no usaban. “A veces simplemente llegan a mi buzón postal como misteriosos regalos de Navidad”, dice, evocando imágenes disco de St. Nicks con barba blanca, bebiendo piñas coladas junto a una piscina cristalina y despidiendo sus legados.

FEELING MIGHTY REELS Es alarmante descubrir que lo único que se interpone entre muchos de los preciados DJ mixes de esa época y el vacío silencioso de la aniquilación es un deshidratador de alimentos. Esa es una de las herramientas que usa el DJ Jim Hopkins para rescatar viejas cintas de casete y carretes grabados en las clásicas cabinas de DJs disco.

Como fundador de la Sociedad de Preservación del Disco de San Francisco, Hopkins ha digitalizado y publicado online cientos de sets de carrete, casetes y cintas VHS, rescatándolos de sótanos, garajes y depósitos de almacenamiento en todo EE. UU. Hopkins comenzó a aprender a pinchar en 1978 cuando tenía 13 años, después de asistir a una discoteca en Roseland, California, y convencer a su padre de que le comprara dos tocadiscos y una mesa de mezclas en el barrio Radio Shack. El padre de Hopkins también le regaló una máquina de carrete de su propio padre, creando así el inicio de una obsesión que duraría toda la vida. En los años 80, Hopkins vivía en Sacramento y tocaba en bares gay, hasta que tras varias solicitudes a Madonna, llegó a un San Francisco más underground y más influenciado por el house.

En 2009, nostálgico, compró una máquina de carrete y buscó cintas vírgenes en Craigslist. Allí encontró a la hija del DJ Michael Lee, que buscaba digitalizar su colección: tenía más de 60 de sus sets en vivo grabados, heredados cuando él murió de SIDA en los años 90. Atisbando una nueva línea de negocios, Hopkins llegó a un acuerdo en el que podía conservar las cintas tras convertirlas y publicar los mixes; el primero, un set de Lee de 1975 de Bones bar.

De ahí nació la Disco Preservation Society: primero como una página de Facebook, donde despegó como un cohete en llamas, y luego como un sitio web. Inmediatamente, el promotor y diseñador de sistemas de sonido de Trocadero Transfer, Rod Roderick -cuyas fiestas privadas y salvajes en su “mansión” y varios warehouses habían ayudado a marcar el comienzo de la mayor fiesta nocturna de la ciudad-, le regaló más de 480 cintas. “A partir de ahí, simplemente se disparó”, dice con una sonrisa. “Las cintas comenzaron a apoderarse de mi apartamento”.

Hopkins tuvo que inventar su propio sistema de preservación, digitalización y remasterización, un proceso complejo para el que utilizó una camiseta empapada en alcohol, un viejo software rescue de audio RX7 y, sí, varias horas en un deshidratador de alimentos, para eliminar el moho y remediar los efectos de deterioro, como el “síndrome de cinta pegajosa”. Otros desafíos incluían la duración (los DJ sets solían ser de seis a nueve horas), la variación de volumen de los tracks y la gran cantidad de presentaciones de los DJ, ya que se mudaban a Palm Springs o Florida y querían limpiar la casa de cosas que ya no usaban.

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“A veces simplemente llegan a mi buzón postal como misteriosos regalos de Navidad”, dice, evocando imágenes disco de St. Nicks con barba blanca, bebiendo piñas coladas junto a una piscina cristalina y despidiendo sus legados.

BACKWARDS GLANCES IN THE NIGHT Otro espeleólogo disco, Josh Cheon, del sello discográfico de San Francisco, Dark Entries Records, trepó por las profundidades del ático y se adentró en sótanos húmedos para descubrir la prolífica producción de Patrick Crowley: las bandas sonoras porno inusualmente malhumoradas, los experimentos electrónicos psicodélicos y los diarios sexuales explícitos, muchos de los cuales se han lanzado a través de su sello. Su obsesión con Cowley comenzó cuando Johnny “Disco” Hedges anunció que se jubilaba en Palm Springs y regalaba todos sus discos, un tesoro especialmente rico, ya que había fundado el fondo de intercambio de discos de la Asociación Disco Deejay del Área de la Bahía. “Había dos cajas de cintas sin marcar que eran un misterio”, nos dice Cheon. “Incluso Johnny estaba como, ‘No te molestes con eso’. Pero resultaron ser estas increíbles grabaciones inéditas de Patrick”.

“Sabía que el mundo necesitaba escucharlos, como parte de nuestra historia”. Cheon también ha estado luchando contrarreloj: George Horn, el ingeniero de Fantasy Studios que dominó miles de discos, incluidos los de Patrick Cowley y Dark Entries, murió recientemente de Covid-19.

Con gran energía por su nuevo caché de discos de Hedges, Cheon y su entonces equipo Honey Soundsystem requisaron un antiguo espacio de termas y organizaron una fiesta retro-disco llamada Dancer From The Dance, después de una novela gay clásica de la época. (El set

de Cheon de la fiesta contenía todos los discos mencionados en el libro). La entusiasta respuesta hizo que Cheon lanzara el material de Cowley durante la próxima década, mientras Honey continuaba organizando fiestas temáticas que evocaban el pasado.

Honey no fue la única fiesta que reactivó la menergía.

El personal de Trocadero Transfer llevó a cabo eventos anuales de Remember The Party durante la década del 2000, mientras que el evento mensual al aire libre Flagging In The Park celebraba el arte de la pista de baile de las banderas, con sus participantes dando vueltas por el AIDS Memorial Grove como mariposas de neón. La fiesta mensual Go Bang! combina el amor juvenil por el género del creador, DJ Sergio Fedasz, con las cuatro décadas de experiencia disco del veterano DJ Steve Fabus.

Fuera de la ciudad, fiestas como Horse Meat Disco de Londres, Honcho de Pittsburgh, Macho de Detroit y más se unieron en la última década para redescubrir una estética gay alegre que fue eclipsada por el trauma del SIDA. “Hay hambre de esta música y de ese momento de celebración”, dice Fabus. “Los bailarines jóvenes y, bueno, los más experimentados quieren ese sonido exuberante producido en un estudio con orquestas completas combinado con la emoción de la electrónica. Simplemente se siente humano”.

La abuela de todas las fiestas disco revival de San Francisco es The Tubesteak Connection. Cada semana desde 2004 (aunque actualmente parado debido a la pandemia), DJ Bus Station John ha decorado meticulosamente el pequeño y antiguo antro Aunt Charlie’s con collages hechos a mano de pornografía antigua y flyers de fiestas, prometiendo “solo música de 1975-1983” y recreando el aura de hombre a hombre de antaño.

Foto: THE LGBT HISTORICAL SOCIETY ARCHIVES IN SAN FRANCISCO

Para él y para otros, el renacimiento se trata igualmente de honrar a los antepasados ​​musicales -los discos de Bus Station John son en su mayoría de colecciones de personas que fallecieron, sus nombres y notas originales están inscritas en los sellos y las portadas- y recuperar la conexión física humana, que alguna vez fue omnipresente antes de las conexiones online y las aplicaciones para encontrar pareja. “El hecho es que muchos hombres homosexuales todavía quieren encontrar amantes, amigos y novios, vivirlo en sus propias carnes, a la antigua usanza, en un espacio creado específicamente con ese deseo en mente”, dice. “No estoy seguro de que nosotros o cualquier otro club seamos tan coloridos como solíamos ser, ya que la demografía de San Francisco ha cambiado drásticamente. Lo que alguna vez fue la ‘Meca Gay’ se ha vuelto económicamente inhóspita para las nuevas generaciones de jóvenes reinas. Y, lamentablemente, muchos otros han tenido que irse. La buena noticia es que todavía hay suficiente gente interesante aquí para organizar una fiesta animada”.

DANCING INTO THE STARS

La última vez que lo habíamos visto estaba liderando el desfile del Orgullo Gay en una silla de ruedas, muy afectado. Pero, sin duda, fue fabuloso: ¡era Sylvester!” “El club tenía dos niveles y la cabina DJ estaba en la parte inferior, así que le trajeron encima de la cabina, directamente sobre mí”, recuerda. “Encendí el micrófono y anuncié: ‘¡Chicos!, Sylvester está aquí para saludarlos’.

La respuesta fue como un trueno. La gente empezó a aplaudir y rebotar tanto que la cabina se estremeció. Tenía que pensar rápido. Así que preparé todas mis canciones de Sylvester e hice un popurrí. El club se volvió loco.

Después de unos 45 minutos, Ron dijo: ‘Sylvester se va a ir’. Detuve el set. Sylvester habló y dijo, simplemente, ‘Muchas gracias. Adiós’, y se lo llevaron. La gente sollozaba, pataleaba, gritaba. Todos estaban llorando, yo también estaba llorando. Todo el mundo se dio cuenta de que este era su adiós. Ha dicho adiós. Continuaron durante cinco minutos, seis minutos, siete minutos; gritando: ‘Te queremos’. No podía pasar nada más después de aquello. Cogí el micrófono y dije: ‘Buenas noches, cuidaos todos, os quiero’. Y la gente simplemente abandonó el club lentamente, hasta que quedó vacío”.

Cuando la escena gay de San Francisco estaba en su apogeo, había más de 100 bares, termas, clubes de sexo, cabarets y discotecas; ahora, la ciudad se ha reducido a unos 20. Mientras Niebur rastreaba los establecimientos nocturnos y los DJ disco de San Francisco en los años 70, surgió una especie de mapa fantasma de una escena borrada durante mucho tiempo; primero por el SIDA, luego por la gentrificación y la asimilación. “Ser capaz de seguir los movimientos de todos devolvió la energía sin descanso a la vida”, dice. “También trajo de vuelta todo cuanto se había ido”.

Menergy habla de las personas que intentaron valientemente mantener viva la música cuando los DJ, los dueños de clubes, los ejecutivos discográficos y los promotores de fiestas fueron asesinados. Milagrosamente, la escena de San Francisco siguió viva, ya que la música house se convirtió en la banda sonora del activismo LGBTQ y más personas trans y de color se unieron a la pista de baile.

Si hubo un verdadero “gran final” para la escena disco de San Francisco, tuvo lugar una noche de 1988, cuando el DJ Steve Fabus se puso a los platos en la cabina de Dreamland, la discoteca clásica que había reabierto con una intención brillante y optimista de que la escena reviviría. “Fue una noche maravillosa porque todas estas personas venían a escuchar esa nueva música house, y yo estaba tocando a las 22h en una sala llena hasta los topes”, recordó Fabus. “De repente, el promotor Ron Baer entró en la cabina y dijo: ‘Cariño, Sylvester está aquí’; fue una gran sorpresa, porque todos sabíamos que no se encontraba bien.

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El libro de Louis Neibur, ‘Menergy: San Francisco’s Gay Disco Sound’ ha sido publicado por la Universidad de Priodismo de Oxford el pasado mes de enero.

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Black Ownership in Electronic Music Las empresas de música, las estaciones de radio y los sellos discográficos gestionados por negros están ayudando a la creación de plataformas vitales para los DJ y productores negros que han permanecido en la sombra a consecuencia de una desventaja sistémica. DJ Mag habla con Black Artist Database, Sable Radio, NTS y ​​Touching Bass para saber más sobre ello.

Autor: Christine Ochefu Traducción: Patricia Pareja Casalí

Aunque todos los géneros de la música negra han sido objeto de exclusión, mercantilización y blanqueo, lo que sucede con las empresas de música propiedad de población negra es distinto. Si bien el rap y el hip-hop todavía están liderados en gran medida por artistas negros, y el conocimiento de los orígenes negros de géneros como el rock está volviendo a entrar gradualmente en la conciencia cultural, la música electrónica negra parece quedarse atrás. Desde las raíces del Medio Oeste de los EE. UU. del house de Chicago y el techno de Detroit, hasta géneros del Reino Unido como el garage, el grime, el drum & bass y el jungle (este último quizás incluso sea un juego de palabras sobre los epítetos racializados lanzados contra sus fundadores negros), la música electrónica no existiría sin los músicos negros. Pero la creación no se traduce necesariamente en crédito o propiedad.

Junto con el marketing inadecuado y las tarifas más bajas para el talento negro, las ganancias se concentran en los

sellos y los line ups que más venden, y las organizaciones de la industria están dirigidas por representantes blancos. Puede ser una lucha para las organizaciones lideradas por negros y para los artistas para tener una oportunidad. Y cuando hay dinero por hacer, la propiedad y la compensación se tensan más todavía, llegando al riesgo de explotación. Ahora más que nunca, la música electrónica necesita más propiedad negra. “Las organizaciones negras se han mantenido en la sombra a consecuencia de una desventaja sistémica”, dice Kay Ferdinand. Es uno de los cofundadores de Black Artist Database, una plataforma comunitaria que comenzó como Black Bandcamp a principios de 2021. “Nos faltan las conexiones, los medios y la memoria institucional para lograr avanzar en lo que se ha convertido en una industria no negra”, dice Ferdinand. “El desafío continúa siendo obtener acceso a los recursos, espacios y conexiones que están ocultas y son inalcanzables para los más marginados”.

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Black Artist Database

Foto: THOMAS MURRAY

Durante la “última ola mundial de apoyo a la vida y la condición de los negros”, a medida que crecía el movimiento Black Lives Matter, Database desvió el enfoque de la escena de la música electrónica hacia la mejora de las condiciones materiales de los artistas negros. “Nos enfocamos en construir una organización que pudiera aprovechar y continuar la acción que se está realizando para los negros en la música y, al mismo tiempo, crear espacios seguros, interesantes y de calidad para nuestra comunidad”, dice Ferdinand. El proyecto pretende ser un recurso abierto para encontrar, contratar y pagar directamente a personas negras, y trabajar de manera autónoma a partir de estructuras de la industria musical de décadas de antigüedad. Con más de 3500 perfiles de DJ y productores, Database se expandirá a otras disciplinas creativas en torno a la música, con fotógrafos, diseñadores, escritores y más.

“Todas nuestras decisiones y esfuerzos ponen a los negros al frente y al centro”, continúa Ferdinand. “Todas las voces que mostramos con nuestro contenido son negras e, incluso siendo una organización pequeña, nos esforzamos por compensar a todos los que contribuyen en ella. Los beneficiarios previstos de nuestras asociaciones con otras organizaciones musicales son los negros. Independientemente de cómo actuemos y operemos, tratamos de hacer de la industria y la escena un lugar mejor para los negros”.

Uno de sus proyectos más recientes es su tienda online, que está en desarrollo. A través de esto, los fans pueden comprar directamente a los artistas negros a través de Database.

“Nuestro objetivo es sacar a la superficie la riqueza de talento creativo de la diáspora negra mundial, en busca de equidad salarial, transparencia y empleo estable para nuestras comunidades”.

“Nos faltan las conexiones, los medios y la memoria institucional para lograr avances masivos en lo que se ha convertido en una industria no negra... el desafío continúa siendo obtener acceso a los recursos, espacios y conexiones que están ocultas e inalcanzables para los más marginados” - KAY FERDINAND, BLACK ARTIST DATABASE

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Baile Ali & Orla de Sable Radio

SABLE RADIO

Un área de la música electrónica donde las organizaciones de propiedad negra están prosperando es la radio. A medida que la pandemia de la Covid-19 impulsó aún más el entretenimiento online, la radio se convirtió en un espacio abierto ideal para que crecieran las emisoras gestionadas por negros. Sable es una estación de radio online de propiedad negra, es una productora y una plataforma creativa enfocada en los jóvenes que participa en proyectos multidisciplinarios en Leeds, Reino Unido. También organizan un programa de orientación para jóvenes negros que buscan trabajar en la radiodifusión y en eventos culturales, como el Carnaval Indio Occidental de Leeds. Gran parte de este programa es resistir la expectativa de que el primer trabajo en las industrias creativas no será remunerado. Esto incluye el modelo de radiodifusión tradicional, en el que rara vez se paga a los artistas por su investigación y alojamiento. “Para nosotros, se trata de hacer que la gente entienda lo que estamos haciendo y por qué lo hacemos”, dice el productor creativo y cofundador de Sable, Baile Ali. “El modelo de negocios para la radio online es que no pagas a la gente, así que si vamos a tratar de subvertir ese modelo... tenemos que ser bastante competentes al respecto”.

De cara a 2022, Sable trabajará en algunos clubs nocturnos.

“Con las grandes instituciones artísticas o musicales en Leeds, siento que hay ciertos aros por los que tienes que pasar que son muy diferentes a cuando estás trabajando [directamente] con personas negras”, dice Ali. “Los clubes que han estado trabajando durante mucho tiempo tienen el monopolio de los espacios, por lo que es bastante difícil decir: ‘Queremos montar un club que priorice a las personas que no son blancas’, por ejemplo”. También buscarán expandir Resound Projects, un programa que se enfoca en contratar a personas negras de 18 a 25 años de edad de Leeds para proyectos creativos locales. “La orientación ha sido muy útil para nosotros, para ver las formas en que otras personas hacen las cosas. Creo que hay mucha orientación lateral que puede estar dándose dentro de nuestras comunidades”.

Durante décadas, las estaciones de radio gestionadas por negros en el Reino Unido estuvieron excluidas de las necesidades estructurales, como la concesión de licencias, la financiación y los espacios de grabación. A raíz de esto, florecieron las estaciones de radio piratas. Con estaciones DIY, a menudo instaladas en casas de artistas o espacios urbanos abandonados, y centrándose en géneros negros emergentes como el garage, el jungle y el grime, los artistas negros crearon un escenario incomparable para tocar, grabar y compartir música directamente con los oyentes.

Evidentemente, las operaciones no estuvieron exentas de trampas. Como forma ilegal de transmisión, las estaciones de radio piratas han sido objeto de redadas policiales e incluso de procesos judiciales. A partir de esta tensión histórica entre las estaciones de radio piratas y la policía, las estaciones de propiedad negra actuales, incluso las legales como Sable, se enfrentan a varias dificultades. “OFCOM, las redadas del DTI; solían asaltar estaciones de radio piratas y todavía lo hacen”, dice Ali. “Les quitaron el equipo a Peoples FM en Leeds, la última vez fue en 2019. Estas personas han estado impulsando la cultura sin focos, sin buscar el reconocimiento institucional o general. Simplemente han estado haciendo esto día tras día; empujando a la gente sin mucho apoyo y

con mucha represión”. Aunque los fans de la música dance en Leeds pueden estar al tanto de Peoples FM, una estación enfocada en el reggae con una larga historia, existe una falta de conciencia sobre cómo las estaciones piratas propiedad de negros continúan siendo un objetivo; debido a esto, tienden a enfrentar los desafíos operacionales solos.

Al conectarse en red con estaciones piratas más antiguas como Peoples FM y Fresh FM, Sable ha adaptado su modelo y se ha sentido alentado a ser -en gran medida- autosuficiente. “[Se trata de] reconocer las barreras que existen”, dice Ali. “Cuando vas a puntos de financiación, como Arts Council England, gran parte está orientado a organizaciones que normalmente son o van a ser más antiguas. Por lo que podrían decir: ‘Necesitamos tres años de cuentas’. Así, no vas a conseguir atraer tantas organizaciones dirigidas por negros debido a la larga historia de discriminación contra esas organizaciones, de personas a las que se les niega el acceso a fundar cosas o liderar proyectos. Definitivamente hay mucho trabajo que grupos como Arts Council England pueden hacer para crear un entorno más acogedor para las organizaciones más nuevas dirigidas por negros”.

“El modelo de negocios para la radio online es que no pagas a la gente, así que si vamos a tratar de subvertir ese modelo... tenemos que ser bastante competentes al respecto” - BALI ALE, SABLE RADIO

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RADIO NTS

Para Femi Adeyemi, fundador de NTS Radio, una de las razones por las que falta la propiedad negra en la música electrónica es una especie de trampa: hay una gran falta de inspiración para los jóvenes negros, porque no hay más negros en puestos de influencia de los que aprender.

“Es gracioso cuando otra persona negra descubre que es una persona negra la que inició NTS”, dice Adeyemi. “Hay mucha música y programación que hacemos en NTS que no es muy tradicional; es como, ‘Oh, wow, ¿a otra persona negra le gusta esto?’ Es más para la generación que viene. Creo que probablemente me habría sentido mucho más a gusto comenzando NTS cuando lo hice si hubiera visto más caras como la mía en posiciones de poder”.

Adeyemi es un londinense de ascendencia nigeriana.

Comenzó NTS tanto por su amor por la música como por su frustración con la radio convencional. “Para mí, no había ninguna manera de acceder, así que decidí: ‘Voy a resolver esto por mí mismo’”, recuerda. (Hasta el día de hoy, el eslogan de NTS Radio es: “Commercial Radio Sucks”). Cuando era un niño del centro de la ciudad de Londres, luchó por establecer conexiones con personas de la industria. “Mucha gente como yo de antecedentes, color y gustos similares al mío, simplemente no sabían cómo entrar allí. Incluso cuando lo conseguían, la mierda que tuvieron que aguantar para cruzar y llegar a los lugares que querían hacían que, cuando lograban llegar, ya estaban un poco hartos”.

Desde que NTS comenzó a transmitir en 2011, la estación se ha expandido fuera de su estudio improvisado original en Dalston, al este de Londres; se ha convertido en una Femi Adeyemi, Radio NTS

plataforma musical y cultural mundial para la música underground, y ahora cuenta con estudios permanentes en Los Ángeles, Manchester y Shanghái. A Adeyemi le apasiona la importancia de defender el trabajo de los artistas negros a través de la estación. NTS ha incluido a artistas negros durante mucho tiempo y ha destacado las contribuciones culturales negras en su programación; arrojando luz sobre los pioneros de la música que rara vez se presentan en las estaciones principales, como Larry Heard, A.R. Kane y su serie Black Opera, entre otros.

En junio de 2020, NTS compiló un directorio online de recursos en apoyo del movimiento Black Lives Matter y estuvo off-air durante 24 horas, “en solidaridad con todos los que luchan contra la injusticia racial, en Estados Unidos y más allá”. En lugar de su programación regular, los dos canales principales de la estación transmitieron “los nombres de los asesinados por la brutalidad policial en los últimos años”, centrándose en el Reino Unido y los Estados Unidos.

Algunos presentadores invitados también realizaron sus propias transmisiones específicas de género dedicadas a la música negra y la protesta.

“Debería ser natural para cualquiera que dirija una empresa como NTS”, dice Adeyemi. “Nos aseguramos de que haya un enfoque justo y equilibrado de cómo hacemos las cosas, pero nunca hemos sido una de esas empresas que, cuando hay una ola de popularidad, siente que tiene que hablar o hacer algo.

Hemos estado haciéndolo de todos modos. La cultura popular es cultura negra; estaríamos haciendo un flaco favor si no lo hiciéramos”.

De cara a 2022, la NTS planea trabajar con The Black Curriculum, el proyecto de Lavinya Stennett para incluir la historia negra en el plan de estudios nacional del Reino Unido. También buscan continuar con los programas para apoyar a los jóvenes que se ven a sí mismos como locutores de radio, músicos o trabajando detrás de las cámaras, como lo hizo Adeyemi. “Creo que mucha responsabilidad recae sobre nosotros como propietarios y líderes”, dice. “En una nota personal, si un joven negro se acerca, hago un esfuerzo particular para cuidarlo”.

“Hay mucha música y programación que hacemos en NTS que no es muy tradicional; es como, ‘Oh, wow, ¿a otra persona negra le gusta esto?’

Es más para la generación que viene. Creo que probablemente me habría sentido mucho más a gusto comenzando NTS cuando lo hice si hubiera visto más caras como la mía en posiciones de poder” - FEMI ADEYEMI, RADIO NTS

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Errol Anderson from Touching Bass

TOUCHING BASS

Touching Bass es una creación de Errol Anderson y Alex Rita, “no solo se refiere al eclecticismo de la música, sino también a la sensación de comunidad y calidez del espacio”, dice Anderson. Con sede en el sur de Londres, Touching Bass es un sello discográfico y un estudio curatorial/creativo.

Anderson y Rita también tienen un club nocturno, una serie de conciertos y un programa en NTS Radio, todo parte del universo Touching Bass.

“Siempre hemos hecho un esfuerzo proactivo para defender el trabajo de los artistas negros y, en general, de aquellos que respetan la música negra”, dice Anderson. “Eso va desde el sello, hasta los artistas que contratamos para el club y pinchan en el programa de radio, y trata de educar a las personas sobre la riqueza y amplitud de la música negra como de la banda sonora de sus movimientos de baile, la hora de la comida y el descanso”. Los artistas recientes en el sello incluyen a los londinenses CKtrl y Demae, quienes lanzaron el EP ‘Robyn’ y el álbum ‘Life Works Out... Usually’ respectivamente en 2020, y el trío danés de jazz y hip-hop Athletic Progression, quienes lanzaron su álbum ‘Cloud high in dreams, but heavy in the air’ en 2021.

En cuanto a los desafíos más amplios que impiden que los espacios y organizaciones gestionadas por negros prosperen en el país, Anderson habla sobre el tema de la cooptación por parte de instituciones más grandes y el problema del “negocio de buitres culturales”. “Una de las cosas que comencé a notar es que cada vez que la popularidad de una entidad liderada por negros comenzaba a crecer más allá de su lugar de inicio y se convertía en parte de una conciencia más generalizada, su organización normalmente era adquirida o absorbida por otra más grande; muy a menudo dirigida por Babilonia”.

“Es como si la idea de un espacio independiente manejado por negros operando a gran escala fuera una amenaza demasiado grande para el status quo de la industria tal como está. En lugar de defender abiertamente lo que estamos haciendo y dejarlo así, intentan desviar ideas”, continúa. “Usar lo que estamos haciendo como modelo es una lección de humildad y es conmovedor cuando es sincero, pero nunca olvidaré cuando un miembro de A&R corrió hacia mí en uno de nuestros bailes y me dijo, y estoy parafraseando aquí: ‘He estado revisando tus ‘Me gusta’ de SoundCloud y sugiriendo a los artistas como posibles nuevos artistas en nuestras reuniones de A&R, así que gracias’”.

Desde el principio, Touching Bass ha empleado múltiples estrategias para mantenerse a flote y disminuir la necesidad de que las marcas más grandes se involucren y se apoderen de ellas. Hicieron uso de espacios locales para sus eventos y clubs nocturnos, como panaderías y restaurantes de la ciudad.

Vender mercadería autofinanciada también les ha permitido volver a invertir en otros trabajos, como el sello discográfico.

Es su forma de mantener las cosas de manera sostenible sin tener que comprometerse con la ética. “La misión de Touching Bass sigue siendo la misma; crear espacio para nuestra creciente comunidad”, dice Anderson. “El próximo año, profundizaremos aún más en eso y también lanzaremos más música en el sello. A medida que crecemos, quiero asegurarme de seguir brindando más oportunidades a más jóvenes que entiendan esos mismos principios”.

“Cada vez que la popularidad de una entidad liderada por negros comienza a crecer más allá de su lugar de inicio y se convierte en parte de una conciencia más generalizada, su organización normalmente es adquirida o absorbida por otra más grande; muy a menudo dirigida por Babilonia” - ERROL ANDERSON, TOUCHING BASS

“Somos los creadores y muy a menudo los originadores de la cultura que conocemos y amamos”, continúa. “Me gustaría pensar que tener más personas que se parecen a mí en posiciones poderosas significará más personas [en la industria] con un nivel de empatía y comprensión que solo se puede aprender de verdad siendo negro y moreno. Con suerte, eso significaría menos explotación, solo para empezar”.

En esto, grupos como Touching Bass, junto con Black Artist Database, NTS Radio y Sable, no solo pueden crear cultura negra y ser acreditados por ella, sino poseerla. “El hecho de que una persona joven negra y morena se verá en la industria con más frecuencia tiene un gran poder, aunque inconmensurable”.

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Críticas - ÁLBUMES Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

BONOBO Fragments Ninja Tune

Poco o nada le ha durado a Bonobo el silencio en este recién estrenado 2022. ‘Fragments’, su nuevo disco, lo es. En su docena de canciones nos vuelve a demostrar su destreza a la hora de dirigir la electrónica hacia aspectos emocionales, sin darle la espalda jamás al sentido del baile. Su eclecticismo por el beat y el detalle siempre han sido admirables. La ciencia de rodearse de buenos intérpretes, también. En el nuevo LP destacan Jordan Rakei, Joji, O’Flynn y Jamila Woods. En el recorrido de este apetitoso viaje encontramos, acariciándose, soniquetes de house orgánico con tempo cambiante, soul teñido de contemporaneidad y buenos ramalazos de UK Garage firme y espontáneo. En este sentido ‘Sapien’ y ‘Otomo’ son dos auténticas joyas.

B/O/M For A Ride

BRECON Fore

Family Piknik Music

With Bells Records

El arranque de este disco nos tiene que pillar con los cordones de las zapas bien apretados. ‘Prodromal’, que así se llama el corte, es un ágil velociraptor de sintes circulares y un bombo difícil de perseguir. No, si estás muy en forma y te gusta bailar a saltitos. Lo más curioso, que no inquietante de la propuesta de Brecon es que no estamos, en absoluto, ante un caballo desbocao. Su sonido está plagado de harmonías que también ayudan a reflexionar. Por esto, y su soltura con desgranar vida a los sintes, gente como Morcheeba o Rob Clouth han contado con su ciencia para remezclarlos. Uno de esos tipos inspirados al que no perder la pista.

Dos años le han bastado al productor francés B/O/M para preparar su álbum debut. Un largo entretenido e ideal para los chalaos de las melodías sintéticas (como en ‘Brothers’) y el bpm que progresa a la vez que sus elementos.

En el sonido propuesto por el parisino, descubriremos desde techno eufórico a electro-funk marciano (‘Arpfunk’, ‘Keep Trying’) o canciones mucho más livianas, cercanas al house sintético de tintes pop (‘Last Night’ con Moon Leap). Incluso sorpresones bárbaros como ‘Hold Back’, donde este hombre se suelta la melena con un exitoso engendro de post-dubstep, arpegios y ritmos rotos del mejor UK hardcore noventero. Ahí no queda la cosa. En este retrato que es la diversidad de la pista de baile, también hay cabida para techno de bamboleo fino (‘Fidget’).

DIVIDE Incastro

EMESH Metamorphosis

Evod Music

Sendero Records

Tan extraño como un paseo por Urano tan solo con chanclas. El sonido propuesto por el español Emesh (Antonio Muñoz) es tan curativo como contagioso. Una posesión equilibrista donde, a través del slow trance, la electrónica psicotrópica o el ambient sumergido nos genera distintos estados de ánimo. Una terapia intensa llena de cambios donde en piezas como ‘Chaka’ se nos rastreará e irritará el subconsciente. Mientras en otras como ‘Me´onah’ el reto será bailar sin tocar el suelo. Hay presencia oriental en su música (especialmente percusiones y ciertas atmósferas: tabla, frame drum, etc.) que perfectamente tiran un lazo entre la isla de Ibiza y la costera Goa. También rituales ancestrales que unen el pasado con el futuro. En este sentido destacaría ‘Vahately’. Cósmica, profunda y raruna.

El sello italiano Evod Music, abre el año publicando el LP ‘Incastro’, obra de Divide (Davide del dúo Syntaxism). Un ejercicio de experimentación. Uno resuelto con techno minimalista e hipnótico apto para aquellos que también disfrutan con un buen bombardeo en el sector rítmico. Dos buenos puentes para entender el imaginario del productor transalpino serían ‘Sequela’ y ‘Corrisposto’. Un LP de doce estructuras construidos con un tono analógico pero con artimañas actuales. Sería complicado sino comprender al insinuante ‘Audere’. Ciencia ficción y esoterismo que son una bendición para una pista de baile oscura y encerrada en cemento. También hay lugar para el mero debate entre máquinas, es por eso que arriesga un poco más en pistas como ‘Tempesta’ o ‘21’.

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Críticas - ÁLBUMES Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

TANGERINE DREAM Raum Kscope / Eastgate Music

Se trata del segundo álbum de estudio que el ahora trío Tangerine Dream lanza después del fallecimiento del mítico fundador Edgar Froese. Con este nuevo lanzamiento se confirma y anuncia también la gira ‘From Virgin to the Quantum Years’ la cual tiene ya un buen puñado de fechas confirmadas. Aún nada en España.

Nos conformaremos –de momento- con degustar las siete pistas de, ya no nos sorprendemos, recorrido largo. Composiciones que son un puro pulso entre la electrónica de matices clásicos promovidos por viejos conocidos como el Roland Jupiter 8 o el Moog Minitaur, y la alternativa que aportan los nuevos recursos.

Melodías luminosas que nunca se cansan de virar y coquetear con ser himnos. Nos ciegan temones como ‘Continuum’, ‘Portico’ o ‘In 256 Zeichen’.

LAU Circumstance

PORTABLE My Sentient Shadow

Aztec Records

Circus Company

Portable, también conocido por Bodycode, es sin duda una de las excelencias de la actual escena sudafricana. Tras publicar en sellos como Perlon o !K7, ha sido finalmente Circus Company quien se ha llevado el gato al agua apostando firmemente por este luminoso ejercicio de música electrónica con cuerpo analógico. Comandan los beats robustos, pero también la conciencia en mini dosis. Bien en leves notas de piano clásico y voces soul (‘Foreign to You’, con NiQ E), o en pinceladas certeras de jazz no exento de atmósferas dub (‘Analogue World’). Curiosamente, este último, uno de los temas más logrados y atemporales. La rareza cohesiona con la serenidad de las máquinas. Esa es la sensación que se le queda a uno tras escuchar este interesante trabajo.

La propuesta de LAU (Laura Fares) es un soplo de aire fresco. Su nuevo largo, ‘Circumstance’, hace de eslabón con el anterior ‘Believer’ –publicado hace tan solo un año- y con un puñado de eventos que han tenido en ascuas (que también ilusionada) a la todoterreno bonaerense. Como conectar y sentir amor en la distancia gracias a la tecnología. Fuertes influencias Synthwave y Retrodisco se dejan ver, y querer, a lo largo y ancho del nuevo trabajo. Diez canciones pegadizas y altamente bailables donde brillan cortes como ‘What To Do’, ‘Instant Sunshine’ (menudo achuchón space funk) o ‘Undecided’. El LP se cierra con un cover de ‘True Colors’, original de Cyndy Lauper.

SVEN VÄTH Catharsis

TRENTEMØLLER Memoria

Cocoon Recordings

In My Room

Sería de puro necio negar mi debilidad por Trentemøller. He seguido su carrera musical muy de cerca y este sexto álbum de estudio no hace sino refrendar su magnífico idilio con la electrónica honesta y excepcional.

‘Memoria’ está lleno de espacios cedidos al sintetizador encabronado, las voces etéreas y el pop frenético, que también hundido. El danés ‘compone para dejarnos descompuestos’. En canciones como ‘In the Gloaming’, ‘Darklands’, ‘Glow’ o ‘All Too Soon’ (con la siempre elegante y penetrante voz de Lisbet Fritze) nos deja con la patata saliéndose del pecho. Pensando estoy cómo puede sonar todo esto en directo… Algo que descubriremos, pues hace meses que se confirmó nuevo tour del artista con banda renovada. En Barcelona justo a mitad de marzo.

Se trata del primer álbum ‘en solitario’ que Sven Väth publica en casi 20 años. El alemán no pega el susto y lo hace en Cocoon. Números redondos que además vienen de la mano de asociaciones no menos categóricas: ‘Catharsis’ está producido junto a Gregor Tresher. Un total de 13 surcos donde se nos dispara con todo tipo de munición. Desde el house sosegado, tribal y de las mil y una noches del corte que presta su título al disco… Al techno de altos vuelos y sonrisa larga de ‘Mystic Voices’ (desde luego donde mejor destacan). La nueva propuesta tampoco está exenta de experimentos que invitan al misticismo (‘Being in Love’) o sinergias con el sonido club más siniestro y underground (‘Nyx’).

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Críticas | TRANCE Autora: LEIRE ZULOAGA | leire@djmag.es

SISKIN Never Alone

Black Hole Recordings Texturas que priman sobre lo robusto y que convierten lo obvio en complejo. Así podríamos definir el poderoso sonido de Siskin. En perfecta sintonía, la pareja musical formada por Sue McLaren y Suzanne Chesterton construye, dentro de su single ‘Never Alone’, un marco progresivo y frío gracias al bajo, que se eleva gracias a la melodía, la armonía y el piano. Es realmente interesante lo genuino del espacio estilístico creado por las productoras, dentro de su extraordinaria sinergia musical. Un trabajo cargado de texturas, que supone el tercer sencillo del primer y próximo álbum de las británicas. Todo ello, por supuesto, en Black Hole Recordings.

DANIEL KANDI & NEW EVEN At Long Last (Whoriskey Remix)

STANDERWICK Phantasia

Big Toys

Armind

El irlandés Whoriskey desata sus habilidades de remezcla reimaginando la última producción del danés Daniel Kandi junto a New Even. Así, nos acerca altas dosis de un poder progresivo elegante, profundo y de esencia futurista, en esta reelaboración para Big Toys. Construida sobre una progresión cautivadora de acordes simples y voces que surgen para aportar el matiz necesario al conjunto, esta versión de ‘At Long Last’ podría llevar cualquier pista de baile con facilidad hasta el punto exacto donde nace la magia… ¡Asegurado!

Damos la bienvenida a Ian Standerwick, quien nos presenta una fenomenal melodía cruzada en el que ya es su sello habitual, Armind Recordings.

El productor de Bristol firma ‘Phantasia’, un caos absoluto con una sinergia perfecta entre las características melodías trance del británico.

El trabajo presenta sonidos que, probablemente, fueron tomados de las profundidades más oscuras de algún club techno y que luchan contra una tenue voz masculina dando como resultado esta obra maestra. Seguramente, ya se pueda catalogar como uno de los trabajos con más suspense musical jamás creados por el DJ y productor.

AMIR FARHOODI Shemroon

VVAA Reactor Vol. 2 mixed by Grum

JOOF Aura

Deep State Recordings

Amir Farhoodi, productor afincado en la ciudad de Moscú nos acercaba bajo la batuta de JOOF Aura el single ‘Shemroon’. Esta hermosa pista de corte hipnótico y base profunda bien podría ser catalogada como un single de momentos exuberantes. La pieza en sí encaja perfectamente en el ya universalmente conocido sonido JOOF, al presentar una evolución centrada en la progresión natural del single, y una texturización donde también es fácil reconocer esa esencia futurista que tan presente tendremos en nuestras pistas de baile este 2022.

Posiblemente, la más fiel representación de todo el talento que envuelve a Deep State Recordings sea Reactor Vol 2. El recopilatorio se alza bajo los pilares progresivos de 13 pistas inéditas que incluyen interesantes piezas, como ‘Candy Crusher, firmada por Grum, director del label. También destacado el regreso del productor Paul Thomas al sello tras su remezcla de ‘Runaway’ para Heartbeats:Ten. Y no olvidamos, por supuesto, a Erik Lucas con ‘Aim At Heaven’, Sebastien Silva con el sencillo ‘Intrinsic’ o el remix que el propio Grum presenta del single de Estiva, ‘Alone’.

T.F.F. [Antima] 01. T.F.F. & FLRK! ‘Macalania’ [Emergent Cities] 02. KOJUN ‘How Will I Know (Airo Remix)’ [Lingering Beats] 03. TOM BRO ‘Homework (Extended Mix)’ [Antima Music] 04. NAY JAY ‘Will Be Alright (Extended Mix)’ [Elliptical Sun Melodies] 05. DB MOKK & FABIO FRANCO ‘Tensor’ [Antima Music] 06. ANDREA MAZZA ‘Alone In Your Eyes (Extended Mix)’ [GO Music] 07. SHANE 54 X ALEX SONATA & THERIO ‘Panic Attack (Extended Mix)’ [Armind] 08. SICKCODE ‘Nothing On You (Extended Mix)’ [Antima Music] 09. TAYLOR TORRENCE & TARA LOUISE ‘Dream Again (Extended Mix)’ [Enhanced Progressive] 10. SHANE 54 X ALEX SONATA & THERIO ‘Panic Attack (Extended Mix)’ [Armind]

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Críticas | TECHNO Autor: VICTOR SANTANA | victorsantana@djmag.es

THE MOMENT KLKTV Be A Bridge

Broque Gran descubrimiento, este increíble LP de la banda The Moment KLKTV. Me sorprendió en todos los sentidos por su sonoridad, por ser súper ecléctico y por su musicalidad. Cuando lo escuchéis vais a flipar, porque es electrónica para estar en casa pero a su vez una herramienta para el DJ diferente. Me recuerda a Moderat o Depeche, y nombrar a estos grupos no son palabras pequeñas. Os recomiendo le dediquéis un poco de tiempo a este proyecto. Un disco precioso por su artwork, pero a su vez con una musicalidad increíble.

Guitarras, cantantes, electrónica y un largo etcétera que demuestra que está increíblemente producido.

De los mejores álbumes diferentes que escuche en esta etapa. Ultra mega fan de este proyecto. Gracias a la música, por descubrirnos cosas así.

1FM Forma Fantasma

THE SILENCE IS OVER Chapter 1

Illegal Alien Records

Newrhythmic

El sello de Ricardo Garduno nos trae otra maravilla en forma de plástico, con un EP del mexicano 1FM y con dos remixes increíbles. Uno de ellos del dueño del sello, Ricardo, y otro de Truncate. Un perfecto combo para tu maleta. En cuanto a la música: techno más intimista y mental, pero también una auténtica bomba para reventar la pista. Destacaría el remix de Truncate, por tener esa potencia de bajo y por cómo orienta esta pieza el propio artista. Son de estos discos en los que cualquier corte es bueno. No dudéis en correr a por vuestra copia en las tiendas especializadas.

Good work, Ricardo!

Desde León nos llega un EP muy peculiar, creado por profesor y alumno.

En un lado tenemos a Joton, veterano productor. Y por otro, tenemos a C20. Entre los dos han desarrollado un concepto muy peculiar: el silencio. El silencio es muy importante en la música. Cuando estudias música y te enseñan a tocar un instrumento, es necesario conocer que el silencio es parte de la armonía principal. Este EP es buena herramienta para el DJ, basado en cinco tracks originales y dos remixes, de Alexander Kowalski y Vsk. Un muy buen disco que toca varios estilos, os recomiendo el remix de Kowalski y atentos a los originales… ¡suenan gordísimos! ¡Buen trabajo, chicos!

FOSSIL ARCHIVE AKA ROBERTO Motionless EP

PHILIPPE PETIT XX.6

Fossil Archive

Molecular Recordings

Roberto es un artista multidisciplinar que suele sorprender siempre. Son múltiples registros los suyos. Puedes verlo haciendo dub, el techno más industrial o incluso Detroit. Esta vez nos presenta un discazo. De esos que, según escuchas el primer track, tus oídos se mueven. Cuatro tracks totalmente magníficos y que lo hacen un disco perfecto para tu colección. Destacaría el primer track, ‘Motionless’, una auténtica maravilla para reventar la pista de baile. ¡Gran trabajo, Roberto!

Philippe Petit nos presenta un EP perfecto para cualquier momento de tu set. Cuatro tracks que van desde el lado más industrial del techno, hasta el lado más mental. Líneas ácidas, apoyadas con bajos que parecen percusiones sintéticas. Un grandísimo trabajo en forma de plástico. Destacaría el track ‘XX 6 A1’ por su lado hipnótico, pero también por las variaciones del arpegio, que te llevan a un mundo perfecto, gracias a esos pads celestiales en medio del track. Buenísimo este disco. Haceos ya con vuestra copia.

ART3ERIA AKA NOTRIN 01. BORIS DIVIDER ‘GenOp2’ [Drivecom] 02. KOMATSSU ‘Los Madre Mías’ [SINHILO Records] 03. MICROLITH & SOUND SYNTHESIS ‘Electronic Matter’ [Fundamental Records] 04. A MARATHON STORY ‘Merinero’ [Biome Laps] 05. FEATHERSTONE ‘The Seeker’ [Nebulae Records] 06. HOAX BELIEVERS ‘Server Farms’ [Distrito 91] 07. TELEPHASYCX! ‘Disturbed State’ [Rator Mute] 08. EMS ‘Get Ghetto’ [Satamile Records] 09. OKAY FINE ‘Callbacks’ [Electro Music Coalition] 10. DJEDJOTRONIC ‘Red Spot’ [International Chrome]

73

Críticas | ELECTRÓNICA Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS | carlos@djmag.es

DONALD´S HOUSE The Final Front Ear

Permanent Vacation El ya legendario sello Permanent Vacation está de enhorabuena y presenta el nuevo EP del dúo australiano Donald´s House. Este demoledor trabajo está formado por cuatro pistas que abarcan influencias house, Italo y auténtica escuela Detroit de esa que nos llega al alma gracias a sus sintetizadores paisajistas y líneas rítmicas con sabor a Roland. Nos quedamos con la pista ‘Journey To Now Here’, toda una declaración de intenciones por parte de estos fabulosos DJs y productores, que nos enseñan una vez más que siempre se puede dar una vuelta más allá a la galaxia electrónica contemporánea. ¡Bravo! Este lanzamiento es épico, se mire por donde se mire.

BOZART Dance & Trance (Phunkadelica Dance & Rave Mix)

ALBERTO MELLONI Comanche E Rotten City Records

Azzur

‘Comanche EP’ es un viaje con algunas vibraciones oscuras, groovy y psicodélicas que revelan una vez más el lado “etno-disco” de Alberto Melloni. Los cantos autóctonos y los instrumentos tradicionales se apoyan en un paisaje de música electrónica que dan vida a dos temas originales enfocados a la pista de baile: ‘Comanche’; y ‘Cortical’, todo un banger con sabor a trance de los 90. El lanzamiento se completa con dos remixes inspirados por el maestro italiano Amarcord y el turco Fat & Bald, ambos mostrando su visión ecléctica y cósmica de la música dance.

Es febrero y ya estamos ante uno de los hits de 2022. El dúo italiano Phunkadelica presenta una versión asesina de ‘Dance & Trance’, originalmente producido por Bozart. No hay duda de que esta mezcla rave ha sido diseñada para destrozar los clubs del planeta allá donde sea pinchada. Dance & Trance es una pista gamberra, ideal para la hora punta de la noche, de esas que te hacen tocar el techo de la discoteca. El éxito ha sido inmediato. Este lanzamiento está siendo apoyado Âme, Lehar, Dixon, Jennifer Cardini, Solomun, Frankey y Sandrino, Adriatique... entre muchos otros. Disponible desde el 28 de enero.

VVAA Bran 002

LONG ISLAND SOUND First Contact

Bran

Hammer

Bran es un nuevo sello que busca resucitar el jazz, el funk y la música pop de Macedonia de los años 60, 70 y 80 del siglo pasado y la quiere utilizar en un contexto actual. Los genios Uabos, Herzel, Flute Power y Metropolitan Soul Museum presentan una experiencia musical extraordinaria con muchos giros hábilmente elaborados. Este EP está formado por 4 deliciosas pistas con texturas de sintetizador llenas de luz y muestras melódicas sobresalientes que hacen de estas pistas auténticas obras maestras. Una compilación indispensable de este 2022, referencia solo en vinilo en Bordello A Parigi.

First Contact es un EP de cinco pistas que logra ser tanto especial como íntimo. Desde la canción principal hasta Wind & Rain, muestra la capacidad del dúo para atravesar géneros y épocas a través de su combinación de breakbeats, líneas ácidas, muestras sutiles y pads ambientales.

El sencillo principal, ‘Memory’, proporciona el corte más centrado en la pista de baile del trabajo, con sintetizadores que lo impulsan y nos brindan un lanzamiento intenso. El dúo irlandés ha sabido encajar muy bien este trabajo, que estamos seguros va a dar mucho que hablar en 2022.

DELLA 01. CROSSOVER ‘Lucida Obscura’ [International Deejay Gigolo Records] 02. KATE STEIN ‘Mystic Saddle Ranch’ [Playground Records] 03. KLANKEN ‘Twee’ [DEEWEE] 04. PANTHER MODERN ‘Body/Reaction’ [Panther Modern] 05. BĘÃTFÓØT ‘Blóodfløw’ [Life And Death] 06. FUNDAMENTAL KNOWLEDGE ‘1994-20 (Sarah Farina Remix)’ [Seilscheibenpfeiler] 07. CATNAPP ‘I Don’t Care’ [Monkeytown Records] 08. DELLA ‘Dinkin Flicka’ [Dancefloor Impact Research] 09. TYGAPAW ‘Run 2 U’ [NAAFI] 10. CHICKS ON SPEED ‘Euro Trash Girl’ [Chicks on Speed Records]

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Críticas | HOUSE Autor: LA IND0 | juanlaindo@djmag.es

LORENZO MORRESI Le Bonheur

Rollover Milano Rollover Milano es una fiesta que tiene lugar en el Apolo Club Milano -je- frecuentada por “juntadiscos” de la talla de John Talabot, Avalon Emerson, Floating Points o Young Marco, entre otros. Tanto invitado ilustre inspiró a Tiberio Carcano y Rocco Fusco a fundar esta disquera en la que el deep house, el disco y el funk italiano mandan. ‘Le Bonheur EP’, de Lorenzo Morresi, ofrece en cuatro cortes un recital irresistible.

‘Le Bonheur’ es un banger disco percutivo de aires psicodélicos (¡con remix de Soul Clap incluido!), ideal para revolucionar pistas perezosas, mientras que ‘Promenado’ y ‘Amour A Trois’ son dos joyas en forma de balearic y jazz-funk que demuestran que en Milán se cuece mucho más que pasta.

ATHLETE WHIPPETST Nogueira Ep

VVAA The Round Up Part 8

Toy Tonics

Heist Recordings

Athlete Whippet vuelve a Toy Tonics con un EP en el que muestran, una vez más, su rechazo a ceñirse a cualquier convención de género o estilo.

Es de recibo decir que lo consiguen, pues es sabido que el dúo es dado tanto a la producción de cortes pensados para quemar suela durante largas noches (y mañanas) de baile como composiciones para paladear tranquilamente en casa. Algo que queda perfectamente reflejado en ‘Nogueira’. Cuatro tracks que llevan el nombre de un lugar paradisíaco en las montañas de Río de Janeiro donde la pareja se retiró en 2021. Un trabajo alegre, juguetón y futurista lleno de sintetizadores funk, loops imposibles y ritmos entrecortados para ponerte en órbita desde la primera escucha.

El sello con base en Amsterdam Heist Recordings continúa colándose cada mes entre lo más granado del house contemporáneo. Para celebrarlo, se han sacado de la manga este ‘Round Up’, el 8vo de la serie en la que sospechosos habituales de la casa y figuras -no tan- emergentes se remezclan entre sí, como si de una gran partida de Twister se tratara.

Así, en este disco de 6 cortes encontramos tracks de los sospechosos habituales Fouk & Makèz, los jefazos del disco neoyorkino JKriv & Peter Matson, el housemaster colombiano Felipe Gordon, la dj y productora parisina (ojo a su ejercicio de deep broken beat porque es de lo mejor del ep) y Lore Of The Samurai. Move your body!

DAMON PALERMO Promise

UNNAYANAA Teresash Woy Ep

Zen 2000

Wind Horse Records

Zen 2000, el sello creado por Nik Mercer (co-dueño de Let’s Play House junto a Jacques Renault) tiene nueva referencia. Y esto, amigos, es motivo para celebrar. Y es que este ‘Promise’ de Damon Palermo aka Magic Touch tiene todas las papeletas para convertirse en uno de los lanzamientos top de febrero. Sonoridades dub, coqueteos con el acid y tiempo medio lo convierten en un caramelo más que disfrutable tanto por sibaritas de la electrónica más vanguardista como por newcomers y oyentes avezados que buscan algo más que house bailable. Si a ello le sumas dos remezclas de Samo Dj (una de ellas, solo en digital), tienes un disco de 10.

Wind Horse Records anda de estreno con la incorporación al ilustre y talentoso DJ y productor indio Unnayanaa, que en su primera referencia presenta un brillante EP de dos temas titulado ‘Teresash Woy’. Un auténtico bombazo que combina su genio en la producción con las increíbles voces de Fitsum W Cherkos y las letras de Mahmoud Ahmed. Un EP que brilla con sus dos versiones de Teresash Woy, La primera versión se mantiene en un groove africano y vacilón, perfecta para fiestas de vibe ecléctico y desenfadado; mientras que la segunda es un banger electrónico, 100% material de club. Ambas perfectas para calentar el mes más frío del año.

PARALLAX 01. ROGER VAN LUNTEREN ‘Red (Touchée)’ [Masa Series] 02. TZUZING & HODGE ‘LCD’ [SVBCVLT] 03. OVERMONO ‘So U Know’ [Poly Kicks] 04. HAPPA ‘LS14 Batter’ [PT/5 Records] 05. LUCA LOZANO ‘The Path of Most Resistance’ [Super Rhythm Trax] 06. THEE J JOHANZ ‘Gamadanz’ [Furthur Electronix] 07. WALTON ‘SBWYS’ [Tectonic] 08. MA SHA RU ‘Mechanical Rustle’ [Kindergarten Records] 09. PARTIBOY69 ‘Freaky Dreammz (ft. Liam Conroy)’ [Mutual Pleasure] 10. DJ SWISHA ‘Methods’ [Fool’s Gold Records]

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Críticas | DRUM & BASS Autor: ROHAN G. FINGER | finger@djmag.es

CLIMA Drama

Diffuse Reality La espera se ha hecho larga pero por fin este mes ve la luz, en todas las plataformas, el LP debut del dúo zaragozano, Clima. Tras varias incursiones en el sello con base en Barcelona y Buenos Aires, ha sido Diffuse Reality el que ha apostado por editar este tremendísimo álbum de nueve temas titulado ‘Drama’. Disponible a partir del 26 de febrero, para nosotros es el mejor trabajo de Clima hasta la fecha. Con los medios tiempos como leit motiv, pero con un intenso aroma junglist plagado de reminiscencias noventeras, nos proponen un viaje que abre con un prólogo de aires ambient y cierra por todo lo alto, con el remix de Slider & Expose del tema ‘El Peso De Las Palabras’.

DUB ELEMENTS FT. RAIDER SHAFIQUE Parasites

VVAA Sounds of True Color Vol 2 True Color

DEM

Como ya os comentábamos hace unos meses, a pesar de que 2021 ha sido uno año de poca actividad en el sello de alma latinoamericana con base en Barcelona, True Color, este año la crew vuelve con fuerzas renovadas y de forma muy potente. Estrenando 2022, presentan la segunda entrega de su saga colectiva ‘The Sounds of True Color’, donde nuevamente han contando con un importante elenco de productores de Sudamérica, como Prime Basesound, 7th Sense, Chawer, Defizit y Wave, a los que se suman el newcomer almeriense Pablood, y el holandés Layers. Seis cortes son los que componen este estupendo trabajo de puro sonido deep y techy, que verá la luz el día 10 de este mes.

Tras el masivo primer lanzamiento del año, Dub Elements siguen sin tregua este mes y dispuestos a arrasar con todo lo que se les ponga por delante. El dúo sevillano ha trasladado al ámbito discográfico el concepto de su festival Dub Elements + Friends, con un titánico álbum de ni más ni menos que 19 pistas, en el que han colaborado con algunos de los artistas más top del drum & bass internacional. En esta ocasión, presentan un single en solitario titulado ‘Parasites’, que combina una buena dosis de sintes de tactos muy dispares que se entrelazan, de forma caprichosa y juguetona entre ellos, y las vocales ragga del señor Raider Shafique, para dar como resultado un rompe pistas en toda regla.

LAKEWAY No Scape

YATUZA Sour

Unhained

31 Records

Combina footwork, grime y electrónica progresiva y reconduce todos estos elementos hacia el drum & bass: esa es la fórmula para entender el intrincado y poco convencional universo sonoro de Lakeway. Así es como nos lo vuelve a mostrar en la primera incursión el año de nuestro querido sello Unchained. El trabajo, titulado ‘No Scape’, está compuesto por cuatro tracks, siendo la pista que le da título la más experimental, y en la que ha colaborado PAV4N de Foreing Beggars, poniendo sus voces sobre una base de grime industrial. El resto de pistas (‘All Massive All Crew’, ‘Lighter’ y ‘Unrequited Dub’) están más enfocadas al dance floor y se mueven en torno a los 170 bpms, con una rica fusión de sonidos de resultado retro-futurista.

Llevamos mucho tiempo siguiendo de cerca al prolífico e incobustible Yatuza, que en los últimos dos años no ha parado de sacar bombazos. Por ello, no ha de extrañar que una eminencia como Doc Scott finalmente lo haya fichado para su legendaria escudería. Para su puesta de largo en 31 Records, el argentino presenta desde su Colombia adoptiva, un potentísimo EP de cuatro tracks muy en la línea de deep roller habitual del sello británico. Se trata de su trabajo más serio hasta la fecha. El EP ve la luz el 4 de febrero y abre con este track de elásticos basslines titulado ‘Sour’, al que siguen – con mismo enfoque pero jugando con distintas texturas e intensidades – ‘Out On The Floor’, ‘Sleep Less’ y ‘Disrespect’.

MUGHTE 01. IMANU & THE CARACAL PROJECT (FT. JOSH PAN) ‘La Fournaise’ [Critical Music] 02. NOISIA & PHACE ‘Floating Zero (Skylark Remix)’ [VISION Recordings] 03. ANNIX FT. MADRUSH MC ‘Ignite (Enei Remix)’ [Neksus Sound] 04. MONTY ‘Stylz’ [1985 Music] 05. KHRAMER ‘Believe’ [Transparent Audio] 06. OBJECTIV ‘The Swan’ [Bowlcut Beats] 07. KURSIVA ‘The Marathon’ [South Yard] 08. MUGHTE ‘Break The Sound’ [Low Syndicate Audio] 09. UPGRADE ‘Heavy Rotation’ [RAM Records] 10. THEORETICAL ‘Timeline’ [Delta9 Recordings]

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Críticas | BREAKS Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

VVAA Electro U​.​N​.​I​.​T​.​Y

Art Technik El productor Ernesto Rosa, conocido musicalmente como Vema, en solitario, o como Diodes, bajo la formación que tiene junto a Roid, nos presenta uno de los mejores recopilatorios electro del año. ‘Electro U.N.I.T.Y’ es un proyecto solidario cuyos beneficios irán destinados al colectivo ‘No name kitchen’, una ONG independiente que trabaja junto a los refugiados y migrantes de la Ruta de los Balcanes y Ceuta. El catalán, afincado en Pamplona, ha reunido nada más y nada menos que a 35 artistas de todo el mundo como Amper Clap, Borsek, Brice Kelly, Cosmic Sonic Force, Darxid, Iñaki Kreator, Izar5, Joey FDH, Ken Ishii, Kitbuilders, Korrupted Brothers, N-ter, Negocius Man, Nuklear Prophet, Rise Black, Roid, Carlos Sickrock, Vema, etc.

GHEIST We Are Not Alone

LORAN & DANIEL ORPI Gaia EP

RADAU

Four Thirty Two

Hablando de buenas acciones, la banda berlinesa GHEIST nos trae de nuevo ‘We Are Not Alone’, esta vez acompañado de un videoclip y un acto tan necesario como es concienciar sobre la importancia de la salud mental en estos tiempos. “Al salir de estos últimos 18 meses, parece haber un tema que siempre ha estado a nuestro alrededor, pero que ahora es más grande que nunca. Hemos estado aislados, hemos estado solos y estamos en gran peligro de deprimirnos. Para nosotros es una cuestión de corazón hablar sobre este triste fenómeno y hablar en voz alta. Recientemente perdimos a un amigo cercano que se suicidó y nadie lo vio venir”. Este track, fue la primera de las canciones de su álbum ‘Zukunft’ publicado en noviembre.

El DJ y productor francés LORAN se une al catalán Daniel Orpi en esta colaboración para el sello Four Thirty Two de Richy Ahmed. Ambos, ahora con sede en Londres, unen fuerzas para el EP ‘Gaia’, estrenando dos producciones melódicas de ritmos rotos. LORAN es bien conocido por los oyentes de Rinse France, a través de su mensual programa de radio, así como por su trabajo de producción y remixing para el sello Our House, mientras que Daniel Orpi ha publicado por sellos como elrow Music, Eats Everything’s Edible, Kaluki Music y Whippin. Un breakbeat contundente e hipnótico, con brillantes teclas en ‘Gaia’ y una línea de bajo ácida, con pads atmosféricos en ‘Bloc’. El remix corre a cargo del británico Skream.

MULTIPLY Hardcore Beat

HACKCORE Dislike Me

Soundsystem Bassrock

Criminal Tribe Records

Para los amantes del sonido más oscuro recomendamos el sello Bassrock Records, fundado en 2004 por el inglés Paul Bassrock. A esta casa se le han ido uniendo a lo largo de los años diversos subsellos como Bassrock Audio, Bassrock Hardcore, Drop The Bass y Soundsystem Bassrock, siendo este último el más reciente y por el que nos presentan el nuevo trabajo del también inglés Phil Jones, más conocido como Multiply.

‘Hardcore Beat’ es un potente single de tear out con claras influencias del breakbet hardcore y una auténtica bomba sonora. Mención especial también para otros singles publicados por este subsello como ‘Raving Crew’ de Multiply, ‘Take Me There’ de Lucas, ‘This Way’ de Fresh 9T1 y ‘FKAT’ de Slim Blue.

Para terminar, breakbeat industrial. Para ello os remitimos a nuestra casa preferida especializada en big beat, el sello del este de Europa, Criminal Tribe Records, con support de grandes como The Prodigy, Leeroy Thornhill, iLS, The Crystal Method, Terry Hooligan, Future Funk Squad, Krafty Kuts, Freestylers, Miss Mants, Omar Santana, Linda B, Terminalhead, Dark Globe y, por supuesto, un humilde servidor entre otros. En esta ocasión regalan, desde su cuenta de Bandcamp, el reciente álbum del productor ruso Denis Revnyakov, más conocido como Hackcore, aunque por supuesto se agradecen donaciones. El trabajo se compone de 16 potentes producciones, sin desperdicio alguno, donde también encontramos una de ellas en colaboración con otro peso pesado como es The Tesla`s Method.

DESTROYERS [Elektroshok Records] 01. GUAU & DESTROYERS ‘No Time (Original Mix)’ [Elektroshok Records] 02. JGT ‘Get Down (Original Mix)’ [Elektroshok Records] 03. RASCO ‘The Dark Knight Rider (Original Mix)’ [Elektroshok Records] 04. YO SPEED ‘Psychedelic Xperience (Original Mix)’ [83] 05. JAMES PARADOX ‘El Único’ [Elektroshok Records] 06. FIRESTORM ‘Apex Predator’ [Elektroshok Records] 07. MULTIPLY ‘HackneySeige’ [Distorsion Records] 08. BAYMONT BROSS & SEKRET CHADOW ‘Mystic’ [13 Monkeys Records] 09. FM-3, RHADES ‘Back To The Funky’ [Banana Club] 10. PAVANE ‘Bonhomia’ [Elektroshok Records]

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Críticas | DANCE - EDM Autor: WILLY ALCOCER | willy@djmag.es

MARIAN DACAL B2B EVA MARTÍ Rythm Takes Me High

Clipper’s Sounds En ocasiones, uno quiere contar bien tantas cosas (en poco espacio, como ahora), que no cuenta bien ninguna. Para evitarlo, no contaré en cuántas canciones distintas – la mayoría, himnos internacionales de la música dance – hemos escuchado las voces de estas dos auténticas leyendas vivas de la música. Pero sí quiero expresar que siento que lo más importante de este lanzamiento es que hace justicia: estas dos voces legendarias – verdaderas cantantes de profesión – aparecen con sus nombres y apellidos, cantando y produciendo para sí mismas. Sí, son las cantantes del Pont Aeri. Vol 4: ‘Flying Free’ y del XTM feat. ANNIA: ‘Fly On The Wings Of Love’. Pero, desde ahora, queridos lectores, recordad siempre sus nombres: Marian Dacal y Eva Marti. ¡Habéis vuelto a hacer una verdadera obra de arte!

MAYZE X FARIA El Cuento

ROBINBEAT, SAMUEL FEIJOO Together

Inward Records

Clipper’s Sounds

Segunda y merecida aparición en esta página del dúo portugués formado por John Mayze (1988) y Miguel Faria (1982), ambos naturales de la bella ciudad de Amares. En esta ocasión presentan un lanzamiento brutal en Inward Records. El single forma parte del recopilatorio ‘Rise From Within 002’, que mantiene el ADN del dúo: su característico género melodic house. Recojo sus propias palabras: “Antes del verano nos invitaron a una gira en Colombia y nos propusimos descubrir nuevos sonidos. Queríamos algo con raíces en los pueblos del continente sudamericano. Con las ideas que ya teníamos, combinamos una base melódica compuesta por nosotros, con percusión y voces étnicas de ritmo muy fresco, y sonidos de fusión que nos transportan a Sudamérica”.

Amanecía el 15 de septiembre 1983, al tiempo que amanecía Samuel Feijoo por primera vez en el mundo. Y, desde luego, encontró un bello mundo: la preciosa localidad de A Cañiza, en Galicia. Se comprende que este prolífico DJ, productor musical y locutor de radio no quiso dejar de estar rodeado de belleza cuando se trasladó a vivir a Las Palmas de Gran Canaria. La preciosidad de las Islas Canarias debió deslumbrar también – el mismo mes, pero 12 años después – a Robin Poszwa, cuando fue alumbrado cerca de las incomparables playas de Fuerteventura. Islas distintas, pero cercanas, que han permitido la unión de estos dos artistas para crear esta magnífica pieza, mezcla de dance y future bass. Su calidad técnica sólo es comparable al acierto de Clipper’s al publicarla.

GONAN DREW, BOIX & BREAKLOOP Any Way

LUDVIG VAN BROTHERS & SAUL DËER FEAT. ED TIMMS Reborn

Different Records

Clockbox Records

La histórica Castellón De La Plana ha visto juntarse a estos tres productores, que alumbran un tema con tanta energía como el sol que calienta su costa. El dúo formado por Enrique (Boix) y Tony (Breakloop) ya nos deslumbró con su tema ‘Stars’: 60.000 plays en Spotify. Ese y otros temas en el mercado consiguieron recabar el apoyo de artistas como Nicky Romero, Albert Neve o Don Diablo, entre otros. Se une a ellos el DJ/productor Gonan Drew (Alicante, 2002), quien, a su cortísima edad, puede presumir de haber publicado ya por Blanco y Negro. Different Records (pujante sello español independiente, creado en 2015 por Jared Moreno) publica esta perfecta mezcla de future rave y deep house.

¡”Galicia Calidade”! Pues sí: vuelven a esta página Vicente Pedreira (Vince Stone) y Roberto Vilar, los pontevedreses nacidos en la preciosa localidad de Baiona, donde actualmente residen. Ellos forman el dúo Ludwig Van Brothers, que ya nos deslumbraron con su magnífica “electrificación” de la música clásica en anteriores lanzamientos. Les acompañan en esta ocasión Saúl Dëer y Ed Tims, para, entre los 4 grandes artistas, dar forma a una extraordinaria producción técnica y sonora en forma de single. Nos tienen acostumbrados a fusionar estilos, y así lo han hecho ahora: una acertada mezcla de progressive house y bass house sobrevuela cada nota de esta cuidadísima pieza.

NIA CARO 01. HUGEL ‘Bella Ciao’ [Warner Music] 02. KAAZE ‘United’ [Revealed Recordings] 03. JACK BACK ‘Losing It (Remix)’ [Jack Back Records] 04. SHOUSE ‘All I Need (David Guetta Remix)’ [Warner Music] 05. FARRUKO ‘Pepas (Denvix Remix)’ [Sony] 06. ACRAZE FEAT. CHERISH ‘Do It To It’ [Thrive Music] 07. DJ POLLON ‘Decapitamos Una Gallina’ [Unlicensed] 08. J Balvin & Skrillex ‘In Da Getto (Chris Lorenzo Remix)’ [Owsla] 09. RAUW ALEJANDRO X DJ KHRIZ ‘Todo De Ti (Tech House Mix)’ [Duars Entertainment] 10. HUGEL ‘Morenita feat. Cumbiáfrica’ [Warner Music]

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Críticas | DEEP Autor: CARLOS PEGGO | c.peggo@djmag.es

THE MOMENT KLKTV Be A Bridge

Broque Gran descubrimiento, este increíble LP de la banda The Moment KLKTV. Me sorprendió en todos los sentidos por su sonoridad, por ser súper ecléctico y por su musicalidad. Cuando lo escuchéis vais a flipar, porque es electrónica para estar en casa pero a su vez una herramienta para el DJ diferente. Me recuerda a Moderat o Depeche, y nombrar a estos grupos no son palabras pequeñas. Os recomiendo le dediquéis un poco de tiempo a este proyecto. Un disco precioso por su artwork, pero a su vez con una musicalidad increíble.

Guitarras, cantantes, electrónica y un largo etcétera que demuestra que está increíblemente producido.

De los mejores álbumes diferentes que escuche en esta etapa. Ultra mega fan de este proyecto. Gracias a la música, por descubrirnos cosas así.

1FM Forma Fantasma

THE SILENCE IS OVER Chapter 1

Illegal Alien Records

Newrhythmic

El sello de Ricardo Garduno nos trae otra maravilla en forma de plástico, con un EP del mexicano 1FM y con dos remixes increíbles. Uno de ellos del dueño del sello, Ricardo, y otro de Truncate. Un perfecto combo para tu maleta. En cuanto a la música: techno más intimista y mental, pero también una auténtica bomba para reventar la pista. Destacaría el remix de Truncate, por tener esa potencia de bajo y por cómo orienta esta pieza el propio artista. Son de estos discos en los que cualquier corte es bueno. No dudéis en correr a por vuestra copia en las tiendas especializadas. ¡Good work, Ricardo!

Desde León nos llega un EP muy peculiar, creado por profesor y alumno.

En un lado tenemos a Joton, veterano productor. Y por otro, tenemos a C20. Entre los dos han desarrollado un concepto muy peculiar: el silencio. El silencio es muy importante en la música. Cuando estudias música y te enseñan a tocar un instrumento, es necesario conocer que el silencio es parte de la armonía principal. Este EP es buena herramienta para el DJ, basado en cinco tracks originales y dos remixes, de Alexander Kowalski y Vsk. Un muy buen disco que toca varios estilos, os recomiendo el remix de Kowalski y atentos a los originales… ¡suenan gordísimos! ¡Buen trabajo, chicos!

FOSSIL ARCHIVE AKA ROBERTO Motionless EP

PHILIPPE PETIT XX.6

Fossil Archive

Molecular Recordings

Roberto es un artista multidisciplinar que suele sorprender siempre. Son múltiples registros los suyos. Puedes verlo haciendo dub, el techno más industrial o incluso Detroit. Esta vez nos presenta un discazo. De esos que, según escuchas el primer track, tus oídos se mueven. Cuatro tracks totalmente magníficos y que lo hacer un disco perfecto para tu colección. Destacaría el primer track, ‘Motionless’, una autentica maravilla para reventar la pista de baile. ¡Gran trabajo, Roberto!

Philippe Petit nos presenta un EP perfecto para cualquier momento de tu set. Cuatro tracks que van desde el lado un poco más industrial del techno, hasta el lado más mental. Líneas ácidas, apoyadas con bajos que parecen percusiones sintéticas. Un grandísimo trabajo en forma de plástico.

Destacaría el track ‘XX 6 A1’ por su lado hipnótico, pero también por las variaciones del arpegio, que te llevan a un mundo perfecto, gracias a esos pads celestiales en medio del track. Buenísimo este disco. Haceos ya con vuestra copia.

ART3ERIA AKA NOTRIN 01. BORIS DIVIDER ‘GenOp2’ [Drivecom] 02. KOMATSSU ‘Los Madre Mías’ [SINHILO Records] 03. MICROLITH & SOUND SYNTHESIS ‘Electronic Matter’ [Fundamental Records] 04. A MARATHON STORY ‘Merinero’ [Biome Laps] 05. FEATHERSTONE ‘The Seeker’ [Nebulae Records] 06. HOAX BELIEVERS ‘Server Farms’ [Distrito 91] 07. TELEPHASYCX! ‘Disturbed State’ [Rator Mute] 08. EMS ‘Get Ghetto’ [Satamile Records] 09. OKAY FINE ‘Callbacks’ [Electro Music Coalition] 10. DJEDJOTRONIC ‘Red Spot’ [International Chrome]

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TECH | PLASTIC Autor: KANEDO

Pioneer DJ DDJ-REV7 R E V O L U C I O N A

S E R A T O

D J

P R O

El pasado mes de enero Pioneer DJ anunciaba la nueva serie de controladores REV, encabezada por el modelo DDJ-REV7. Un controlador de dos canales, preparado para sacar el máximo rendimiento a Serato DJ Pro imitando una configuración de batalla para el DJ enfocado al Scratch, similar a dos PLX-1000 en ladeados y un mezclador DJM-S7 / S11.

Características principales • Jog Motorizado de 7”, con la estabilidad de un giradiscos 12” transmitiendo la sensación de estar trabajando con discos reales. La textura del plato superior imita un vinilo auténtico, y puedes elegir entre una potencia de par alto y bajo para encontrar tu punto más cómodo.

• Nuevos Beat FX Integrados en el Hardware, que puedes configurar en 4 bancos diferentes y editarlos a través del software.

Utiliza las palancas para cambiar la dinámica de tu sesión, hacia abajo para variaciones cortas y hacia arriba para dejar el efecto activado.

• On Jog Display, con una pantalla de 3,5 pulgadas en cada Jog que facilita información fundamental en tu sesión o rutina, como el BPM, tempo o incluso la forma de onda. Todo esto es configurable, y tiene un ángulo de visión omnidireccional para que puedas ver perfectamente los detalles desde cualquier posición.

• MAGVEL FADER PRO, un crossfader más que contrastado en la línea de mezcladores DJM-S.

• Scratch Sample, con 4 muestras originales integradas directamente en el Hardware de manera que las puedes disparar encima de cualquier fuente. Si quieres cargar tus propias muestras, puedes utilizar la función de Serato DJ Pro Scratch Bank.

En definitiva, Pioneer DJ presenta un producto destinado a encabezar la gama de controladoras enfocadas al turntablism que permita al DJ de formato abierto contar con un equipo portátil para poder ejecutar sus técnicas en directo y entrenar en casa de cara a las actuaciones con giradiscos y mezcladores independientes.

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