DJ Mag ES #120 by DJ Mag España

C O N T E N I D O S DJ MAG 120 / FEBRERO 2021

Secciones 006 008 009 010 0 12 0 14 0 15 016 0 17 018 020 022 024

BREVES 60 SEGS CON - YUGEN KALA OFF THE RECORD - AM.I MIS FAVORITOS – CODY CURRIE FOCUS ON - FANTASTIC FRIENDS

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5 TRACKS - VICTOR FERNÁNDEZ ELECTRONICA & ROLL - CÍRCULO PERFECTO COCINAMOS CON - KEVIN KNAPP LUCKY 7 – GELA MI CIUDAD – GHEIST TENDENCIAS – A BETTER FEELING CÓMO PRODUZCO – YAMIL EL RINCÓN DE KALI

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Artículos 0 2 8 BICEP 0 3 6 MOSCOMAN 0 4 0 ERRORTICA 0 4 6 MOM 0 5 0 BREXIT 0 5 6 LOS VIDEOJUEGOS Y LA ELECTRÓNICA

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Críticas 0 6 2 LA SELECCIÓN DEL DIRECTOR 0 6 4 ÁLBUMES 0 6 6 SINGLES

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Te ch 0 7 4 PLASTIC

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E D I T O R I A L

Empieza el mes de febrero y desde DJ Mag España hemos querido tirar la casa por la ventana, trayendo a nuestra portada a uno de los dúos más reverenciados de la música electrónica. Nos referimos, como habréis visto ya, a Matt McBriar y Andy Ferguson, mejor conocidos como Bicep. Los británicos son sin duda artistas que se han ganado que el adjetivo “de culto” vaya tallado al lado de todo lo que hacen por derecho propio. Bien sea con su labor como diggers en su blog, Feel My Bicep; como productores de un sonido único o edits codiciados como el oro; como prescriptores de talento en su propio sello; o como DJs y artistas de directo en cada una de sus actuaciones… Todo lo que está hecho por Bicep tiene sabor a épico. Y en esta ocasión vienen a nuestra portada para hablar de su último disco, ‘Isles’, además de muchas otros secretos de producción y su opinión sobre la actualidad. Un auténtico honor volver a traerlos para vosotros, queridos lectores.

DIRECTOR GENERAL Y DE CONTENIDOS Eduardo Pérez Waasdorp | eduardo@djmag.es REDACCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es Helena Bricio | redaccion@djmag.es DIRECTORA DE ARTE Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es

Y dejando a nuestros protagonistas, nos vamos a Alemania para hablar con Chen Moscovici, el nombre que se esconde detrás de uno de los artistas más reverenciados de la electrónica deep: Moscoman, que además nos regala mix exclusivo que podréis oír en nuestro SoundCloud. Y de Alemania nos vamos a Rusia, para descubrir a una de las artistas más prometedoras y talentosas del panorama electrónico actual: Errortica, llega para presentarse ante el gran público, regalándonos también un mix exclusivo que pondrá banda sonora a vuestra semana. Y para cerrar la ronda de entrevistas, volvemos a casa, a España, a la ciudad de Córdoba, para conocer mejor a un artista total que acaba de reventar la escena deep con varios lanzamientos, en sellos como Crosstown Rebels, LNDKHN o trndmsk.

Dentro de los reportajes, os traemos un extenso análisis de lo que supondrá el Brexit para la industria musical, analizando las diferentes consecuencias que tendrá para los diferentes roles existentes dentro de la industria. Y para finalizar, nos metemos de lleno en el mundo de los videojuegos para analizar su asociación cada vez más estrecha con el mundo de la electrónica y las distintas posibilidades que esta hermandad puede traer, para ambas industrias.

MARKETING MARKETING Y BUSINESS MANAGER: Sara González | sara@djmag.es MARKETING INTERNACIONAL: Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es DIRECCION COMERCIAL: Jassi González | jassi@djmag.es

Cerramos así este mes de febrero, en el que seguimos intentando ver la luz al final del túnel para esta situación, traída por la pandemia. A pesar de que las vacunas han sido una bendición, seguimos viendo como nuestra escena va a seguir languideciendo ante la inoperancia de las autoridades para con el sector cultural. Esperemos que no sea demasiado tarde cuando decidan echar una más que necesaria mano a todos los profesionales que la componen.

COLABORADORES Ángel Manrique, Borja Manzano, Bruno Garca, Cristina León, Charlie Braun, Eduardo Carbonell, Ekai, Esteban Martínez, Fernando Blanco, Gerardo Cartón, Guillermo Delmas, Gustavo Navedo, Helena Bricio, Julia Lozano, Jonathan Prada, Carlos Flavio Bustos, Mugni, Oliver Florez, Rohan G. Finger, Sandra Vian, Sergio Bifeis, Sergio Parrado, Willy Alcocer, Manuel Sánchez-Cid, Miguel Ángel Alvira, Víctor Fernández, Luis Vallespín y Marc Montes.

Mientras tanto, nosotros seguiremos aquí, informando y trayendo buenas noticias en forma de música, alentando nuestros lectores a continuar siendo responsables y a que se cuiden mucho. Porque esta pandemia es muy real y también está en nuestras manos paliar sus efectos. Gracias por continuar ahí, al pie del cañón, junto

EDICIÓN REVISTA DJ MAG SL Avenida 8 de agosto, 11 – 10 bajo 07800 – Ibiza (España) B 16523805

con nosotros. ¡Hasta dentro de un mes, amigos!

EDUARDO PÉREZ WAASDORP

DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

Director

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ASH white desert OUT NOW ON CERCLE RECORDS @ashmusic

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B R E V E S Autor: REDACCIÓN

EL FESTIVAL SIN ÁNIMO DE LUCRO RAVE THE PLANET ANUNCIA FECHA PARA EL 2022 Hace exactamente un año que se lanzó Rave The Planet, un festival que recibió más de 390.000€ en donaciones de personas de todo el mundo. Y entre sus objetivos se encontraba el de realizar un nuevo festival en Berlín, con el espíritu de la mítica Love Parade. La organización, que incluye a leyendas del techno como Dr. Motte, pone de manifiesto tres objetivos principales: Proteger, promover y desarr-

ollar la cultura de la música electrónica; Clasificar la cultura de la música electrónica de baile como Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO; y establecer una celebración oficial de la cultura de la música electrónica de baile, con un evento anual, con el espíritu del Loveparade original de Berlín. ¡Pronto más noticias! www.ravetheplanet.com/en

DANIEL SÁNCHEZ PUBLICA ‘ITSELF FOR EVERYTHING EP’, EN ELROW MUSIC El productor y DJ Daniel Sánchez ha sido el elegido para sacar la primera referencia de 2021 del sello más canalla de la escena: elrow Music. El título del EP es ‘Itself For Everything EP’ y viene con dos originales y un remix estratosférico de Fer BR. Por una parte, ‘Distro Hopping’ es el track que lidera el trabajo, siendo una bomba de puro tech-house, bailable y con tintes un tanto oscuros. Por la otra,

‘Dutch Sniper’ presenta un beat pesado y sin contemplaciones, que mezcla lo mejor del house y el techno dando un gran resultado. El remix de ‘Dutch Sniper’ a cargo de Fer BR sigue esa línea, con una percusión más seca y un sonido totalmente único. A la venta en las principales plataformas.

DESDE EL DESIERTO BLANCO DE EGIPTO LLEGA ‘WHITE DESERT’, DE ASH Ash es una inusual combinación de éxito y alma. Con apenas 20 años, este artista/ productor franco-egipcio toca el piano, la guitarra, el saxo, la batería y los pads, el teclado electrónico e instrumentos de viento, y ya ha grabado en directo en las Pirámides de Giza. Así que era inevitable que la venerada marca y sello Cercle lo reclutase para la unión perfecta de música y puesta en escena, para lan-

zar el tema y el vídeo ‘White Desert’ en su nuevo sello homónimo. ‘White Desert’ se suma a la ilustre serie de streamings en directo que ha realizado este año, además de las actuaciones en azoteas secretas de París. Hazte con el EP en Cercle Music aquí: www.beatport.com/release/ white-desert/3185609

BANDCAMP AMPLÍA SU PRENSADO DE VINILOS PARA ARTISTAS Bandcamp ha a aumentado significativamente su servicio de prensado de vinilo para artistas. El sistema, puesto en marcha en 2019, permite a las bandas, compositores, productores y sellos discográficos hacer un fondo colectivo y pagar a la plataforma para que prense el material digital en vinilo, que posteriormente se envía a los clientes individualmente. En un principio el servicio

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se limitaba a pequeños «ensayos», pero esta semana Bandcamp se ha puesto en contacto con otros 10.000 artistas para ofrecerles el servicio, y se espera que estas cifras vayan aumentando a lo largo de 2021. www.daily.bandcamp.com/features/ bandcamp-vinyl-pressing-service

Puedes encontrar la versión impresa de DJ Mag ES gratuitamente en:

MADRID •

PALMA 39 C/ de la Palma, 39. 28004

•

EL ALMACEN C/Minas 13, 28004

GIRONA •

EUMES C/ de Baix, 2, Espai Marfà, 17006

GRANADA

BARCELONA

•

DISCOS BORA BORA Plaza de la universidad 11. 18001

•

DISCOS PARADISO C/Ferlandina 39. 08001

•

ACADEMIA FONICA C/ Azorín, 10, 18004

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PLASTIC C/Calabria 95. 08015

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PACHA BARCELONA C/Ramón Trias Fargas. 08005

PROYECTO ESPUMA C/ Albahaca nº4 Edificio Danubio, Local 6, 18006

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THE BASS VALLEY Passatge Can Polític, 13, 08907 L’Hospitalet de Llobregat

•

BRIDGE_48 C/ de Llull, 48, 08005

•

DISCOS SUBWAX C/ de la Riera Baixa, 10, 08001

IBIZA

THE BASS VALLEY & STUDIO DJ CENTER C/ Jil de Jaz nº3, C.C Galerías Pidal, local 14. 33004. Oviedo

BILBAO •

POWER RECORDS C/Villarías 5, Bajo. 48001

•

ESCUELA BAFFLE DJS Travesia Tivoli 3, 48007

CASTELLÓN •

ENIGMA RECORD C/Prim 10, Bajo. 12003

DONOSTI •

USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL Playa d’En Bossa 10, 07817

•

CAFÉ MAMBO C/ Vara de Rey, 40

•

METRICA STUDIO C/ de la Murtra, 5, 07817

e ent alm o por Tem cerrad

PONTEVEDRA

ASTURIAS •

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PLAYGROUND STORE C/San Roman 10, Bajo. 36002

SEVILLA •

TOTEMTANZ C/Amor de Dios 66. 41002

VALENC IA •

FOR THE LADIES C/ Gasco Oliag 6 , bajo izq 46010

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STRAP V. Blasco Ibañez, 33. 46010

ZARAGOZA •

DABADABA Camino de Mundai, 8, 20012

XPRÉSATE/LAS ARMAS Plaza Mariano de Cavia, 2

Si quieres formar parte de nuestros puntos de distr ibución, escríbenos a: info@djmag.es, con el asunto distribución

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S E G U N D O S

YUGEN KAL A ¡Hola, Nico y Héctor! ¡Un placer saludaros! Para quien no os conozca, ¿cómo os describirías? ¡Hola! Somos un dúo de hermanos vigueses cuya música podría encajar dentro de la electrónica más vanguardista o experimental. Sois de Vigo. ¿Cómo ves la escena de electrónica de Galicia en particular? ¿Y de España en general? Creemos que hay una escena muy interesante tanto de música electrónica en particular como de otros estilos. Muchos de los artistas gallegos que escuchamos son gente como Clara!, Huma, Xosé Lois Romero... Fuera del territorio gallego están surgiendo otras propuestas, también muy interesantes como Otro, Loyalty Xix, Mans o... Os habéis criado, casi literalmente, entre estudios y vuestra propuesta está muy adelantada, tanto estética como sonoramente hablando. ¿Cuáles son vuestras principales influencias?

Habéis publicado un álbum espectacular (Nothing Is Original), singles en formato audiovisual (Silver) y mixtapes que nos han dejado anonadados ¿Qué proyectos tenéis entre manos este 2021? Para este 2021 tenemos muchas sorpresas Sois tremendamente jóvenes. A pesar de preparadas... ello ya habéis sacado un álbum y dejado boquiabierta a toda la industria. ¿Cómo Finalmente, Nico y Héctor, pedimos al definiríais vuestro proceso creativo? invitado de 60 Segundos que plantee El proceso creativo con el que trabajamos una pregunta al siguiente. El último fue es muy intuitivo, no sabemos qué va a pa- MAAE, profesor de diseño sonoro y síntesar hasta que comenzamos a crear. Cree- sis en EUMES, que preguntaba: “¿Cómo mos que eso es lo que mantiene frescas definirías tu sonido en dos palabras?”. Y muchas de nuestras ideas, la experimen- a cambio, nos tenéis que dejar una pretación es la base de nuestro proyecto. gunta para el siguiente… En dos palabras podría definirse como Habéis llamado la atención de institu- Exorcismo espiritual. ciones como Red Light Radio, Operator, Nuestra pregunta para el siguiente artisRed Bull e incluso sido finalistas en los ta es: ¿Qué elemento(s) consideras esenPremios Martín Códax. ¿Cuál es vuestro cial(es) en la visión de tu proyecto? objetivo como artistas? Nuestro objetivo como artistas principalmente es hacer un arte honesto.

Nuestras influencias son muy diversas y creemos que en nuestro trabajo se puede observar la fijación por la interdisciplinariedad. De hecho, en un futuro nos gustaría abrir aún más nuestra propuesta.

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O F F

T H E

R E C O R D

Hacemos 5 preguntas a AM.I que poco nada tienen que ver con la electrónica…

*La belga AM.I acaba de publicar “Fugitive Bliss” en Set About. Disponible ya en las diferentes plataformas.

AM.I ¿Cuándo fue tu última mentira y por qué? Mi última mentira fue que le dije a mi pareja que solo pedí comida para llevar dos veces la semana pasada. En realidad fueron cuatro... Me digo todos los años: no hay ningún problema en ganar un par kilos desde diciembre hasta mi cumpleaños en enero. Después de eso, empiezan los remordimientos y la culpa. ¿Eso que siempre quisiste que te preguntaran pero nadie te lo ha preguntado nunca? ¿Qué canción tienes completamente memorizada en caso de que surja un karaoke repentino? Respuesta: Crazy Town - Butterfly (empezaré a cantarla cuando alguien me lo pregunte). El momento más embarazoso de tu vida... Tengo que admitir que, desafortunadamente, tengo muchos. Un día vino el cartero a entregar un paque-

te, pero todavía era temprano y yo seguía durmiendo. Tocó el timbre, así que me vestí a medias, me puse unos calcetines y bajé a recibirlo. El cartero ya se estaba yendo del edificio, así que corrí para atraparlo antes de que se fuera. Cuando volví, la puerta principal se había cerrado detrás de mí. Tuve que tocar el timbre de mis vecinos, trepar un piso de altura por la ventana a través del desagüe, hasta la parte trasera de mi terraza. Intenté abrir mi ventana medio abierta con un palo, pero se cayó detrás de la ventana del dormitorio. Volví a bajar, cogí unos zapatos de mi vecino, fui a la tienda a comprar otro palo, tuve que volver a trepar por la ventana, subir por el desagüe y meterme en calcetines. Mi gato estaba viendo toda la escena desde mi cama. Deberías haber visto su cara. ¿Con qué DJ irías de fiesta? Probablemente Enrico Sangiuliano. He estado siguiéndole en redes sociales y me parece

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un tipo que sabe mantener viva la fiesta. Si no, se queda hasta el final. Probablemente comenzando con chupitos, pinchando un gran set y pasando el rato hasta el día siguiente. Lo conocí cuando pinchó aquí en Bélgica y yo era directora de stage en un evento local llamado Aftersun Festival. ¡El chico se divirtió mucho! Si pudieras resucitar a alguien, ¿quién sería? Chester Bennington de Linkin Park. Sin duda. Soy fan desde que tenía 14 años y la noticia de su suicidio me impactó mucho. Era un artista increíble y tenía una voz como ninguna otra. Habría hecho mucha buena música. Si tienes problemas mentales, habla con alguien, con quien sea. Es importante que pasemos acompañados esos días oscuros, pase lo que pase.

M I S

F AV O R I T O S

*Cody Currie acaba de sacar ‘Moves EP’ en Toy Tonics. ¡Escanéa el código QR y para comprarlo y saber más!

Cody Curr ie 1. Albumes Actualmente, mis 5 álbumes favoritos son: • • • • •

ZFEX Vol.II Ten City - My Peace of Heaven Lonnie Liston Smith - Expantions Gate Ah - the shelter Byron The Aquarius - ambrosia

zar acordes. Me encanta hojearlo por las mañanas acompañado de una buena taza de té. Se trata de “Jazz Chords You’ll Ever Need”, ¡lo podéis encontrar fácilmente en plataformas como Amazon!.

3. Deporte He estado haciendo ejercicios de fuerza, core y dominadas, me ayuda a mantener la men2. Libro He estado leyendo el manual de piano que te despejada y las ideas frescas en el estudio. siempre llevo conmigo, me ayuda a memori- Pero no todo es ejercicio, también es necesa-

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rio tomar algunas cervezas por la noche para mantener las ideas frescas :) (risas). 4. Hobbies Cogí la guitarra de nuevo y he estado trabajando en mis licks disco, normalmente pongo algo de Change y trato de tocarla. También empecé a editar videos musicales y algunas fotografías con mi compañero de piso, es genial entretenerse un poco y crear clips extraños. Todo muy DIY.

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F O C U S

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Autor: SERGIO PARRADO

Fantastic Friends Desde la increíble ciudad de Laussane en Suiza nuestro protagonista de este mes Nicolas Duvoisin lleva con dedicación su sello Fantastic Friends, un collage de sonidos minimal, house, deep y tech en donde el vinilo es el gran protagonista sin dejar atrás el mercado digital. Recientemente acaba de sacar su álbum debut ‘Mon

Premiere’ que viene apoyado con remixes sorprendentes de nombres como Luciano, Sascha Dive o Mihai Popoviciu. Hemos aprovechado la ocasión para que nos cuenta un poco más sobre esto, su proyecto, y cómo ve la escena en un futuro no muy lejano.

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F O C U S

¿Cuál es el concepto y por qué Fantastic Friends? Fantastic Friends Recordings es un sello discográfico electrónico que publica tanto en formato digital como en vinilo. También estamos muy presentes en la vida nocturna con numerosas residencias en clubes, así como organizando nuestros propios eventos de Fantastic Friends. También gestionamos nuestro canal de Youtube y Podcast llamado “Made With Love”, que nos da una buena visibilidad para nuestros diferentes artistas. El sonido de Fantastic Friends varía entre el minimal, el deep house y el tech. ¿Por qué lo llaman Amigos Fantásticos? Después de cerrar mi tienda de discos ‘Plastic Fantastic’ decidí crear un nuevo sello musical. Para lograr este objetivo le pedí a mis amigos y productores que me apoyaran lanzando sus tracks . El “Fantástic” es en memoria de mi tienda y “Friends” es para todos aquellos que me ayudaron en este proyecto. ¿Crees que es complicado hoy en día apostar por el sonido underground? No lo creo. En primer lugar, es muy importante sacar, compartir y tocar en tu

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sello la música que más te inspira y con la que te puedes identificar. Además, con todos los festivales y clubes en los que tenemos la oportunidad de actuar en todo el mundo creo que los artistas están mucho más en el punto de mira. (además de la era Covid). La música electrónica under goza cada vez de más notoriedad y diversidad. ¿Qué puedes decirnos de tu álbum ‘Mon Premiere’? ‘Mon Premier’, como el título dice, es mi primer álbum. Al principio, no me di cuenta del largo camino que tenía por delante para hacer este álbum (más de 4 meses). Tuve que ir a mi estudio de grabación, dejar que la inspiración viniese a mí y crear este sonido no sólo diseñado para la pista de baile, sino también para escuchar. Así que fue una forma muy diferente de producir y crear música, ¡ojos y oídos bien abiertos todo el tiempo! Elegí el nombre de mi álbum en honor al nacimiento de mi hijo en diciembre de 2019, la portada también está inspirada en su llegada. ¿Cuáles son tus planes de futuro cercano para Fantastic Friends? ¿Y qué hay de tus planes personales? En primer lugar, esperamos superar esta crisis de la COVID-19 muy

pronto. Tenemos varios lanzamientos que son sólo en vinilo en camino para el 2021. Habrá un pack de remezclas de mi álbum de Luciano, Christian Burkhardt, Mihai Popoviciu y Sascha Dive. ¡Estoy muy emocionado de compartir todo esto con ustedes muy pronto! En cuanto a mi proyecto personal estoy cambiando la configuración de mi estudio de grabación para preparar la producción de mi segundo álbum, que probablemente estará más orientado a las vibraciones de la pista de baile electrónica/clubbing. Si pudieras viajar a otra época (musicalmente hablando) ¿a dónde irías y por qué? Sin duda volvería a una época en la que la música digital no existía. La época en la que íbamos a las tiendas de discos, pudiendo intercambiar con profesionales, con contacto real, porque desgraciadamente hoy en día nos falta esta parte. ¿Un mensaje positivo en este momento difícil para la escena? Manténganse unidos y permanezcan fuertes juntos, ¡superaremos esta crisis muy pronto!

MINI TEST ¿Un club? Sisyphos

¿Una ciudad? Lausana

¿Un libro?

¿Fantastic Friends?

Electroshock, de Laurent Garnier

Mi segunda familia con Mandarín, Robin, Luca, Anouck y Romain

¿Comida? Sopa ramen

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T R A C K S

Preguntamos a Víctor Fernández por los 5 Tracks que más le han influenciado

Moby

The Clash

We Are All Made of Stars [MUTE Records]

London Calling [CBS Records]

Moby es uno de mis productores favoritos y me acompaña casi desde que tengo uso de razón. La verdad, cuesta encontrar un tema suyo que no mole, pero este, “We Are All Made of Stars”, forma parte de la banda sonora de mi vida. Un track que me hace sentir y que siempre que lo escucho me transmite mucha alegría.

Este, sin duda -como otros tantos de The Clash-, ha marcado el sonido de mi niñez. Me recuerda a los tiempos en los que iba sentado en el coche al lado de mi padre de camino a alguna aventura, o cuando empezaba a dar mis primeros pinitos en la música, aprendiendo a tocar la guitarra.

Víctor Fernández 4.

The Cure

Moderat

Green Velvet

Lovesong [Fiction Records]

Bad Kingdom [Monkeytown Records]

Flash [Relief Records]

The Cure es otra de las formaciones que he mamado desde pequeño y que continúan acompañando en todo momento. A estos tuve el placer de verlos en directo. Si no me equivoco, fueron los primeros en poner el uso de los sintetizadores en mi oído. “Lovesong” en concreto, mi tema favorito de la banda, refleja lo que más me gusta de ellos, la melancolía en las letras con un acompañamiento oscuro e intrigante.

Es imposible que no ponga un tema de Moderat en una selección como esta. Podría elegir muchísimos de su discografía. En general, son los artistas que más me han influenciado a lo largo de mi vida pero, si tengo que decantarme por uno, no puede ser otro que “Bad Kingdom”. Mi obsesión por este tema es algo incluso enfermizo. Su vocal, junto al mensaje que transmite y la instrumental que le acompaña, me parece una auténtica obra de arte.

Todo un clásico. He vivido mil momentos con este tema, pero nunca olvidaré el que más me marcó: fue la primera vez que bajé las escaleras de Tresor y crucé su oscuro túnel… Sí, “Flash” fue el primer track que escuché en uno de los clubs más famosos del mundo: Tresor Berlín… ¡Muy Top! Las vocales de Green Velvet y la energía que desprenden las cajas, componen el que para mí es uno de los mejores tracks de techno de la historia.

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E L E C T R O N I C A

R O L L

Autor: SERGIO BIFEIS

Círculo Perfecto Es muy probable que por estos lares el nombre de Kasper Marott suene a chino. Bueno, más concretamente a danés porque desde el país escandinavo viene este productor y dj que participó en 2015 en la edición parísina de Red Bull Music Academy. Un artista con una discografía escasa con un total de seis EP’s publicados hasta la fecha desde 2014 en sellos como Oscillat Music, Seilscheibenpfeiler, Kulør y su propia disquera Axces inaugurada hace dos años junto a su socio Alfredo 92. Sin embargo la reputación del danés en los circuitos undergrounds europeos es bastante respetada por su capacidad de adaptación continúa tanto en sesiones como en sus trabajos. Su principal virtud es que es muy difícil catalogarle en un estilo en concreto porque constantemente muta en sus sensibilidades musicales. Un signo de nuestro tiempo. Marott da un paso más en su carrera con la publicación de su primer álbum llamado Full Circle que se ha editado en un doble vinilo en Axces como no podía ser de otro modo.

11 cortes es muy difícil catalogarlo. Una riqueza sonora que se basa en la exploración de diferentes géneros, estilos y estados de ánimo. No existe un patrón porque todo es intuición e inspiración como el propio enfoque de Marott. Esa diversidad hace que Full Circle cuente con una riqueza y frescura tremenda pero por otro lado sin un nexo claro se puede ver como una compilación de tracks sin ninguna relación entre ellos salvo su autor, todos ellos excelsos eso sí. En Full Circle nunca te aburres ni te cansas porque en palabras del artista “ya sea que la herramienta musical sea la trascendencia, una melodía pegadiza o un experimento tonto; el objetivo es colocar al oyente en una posición que permita una experiencia enriquecedora y significativa”. Y a buena fe que lo consigue.

El disco se abre a lo grande con todo un chute eufórico y ácido con ‘Mr Smiley’, prácticamente nueve minutos que nos hacen añorar los clubs y raves. No espera Un disco debut que es fiel a la carrera del mucho para su primer interludio experide Copenhague porque a lo largo de sus mental para luego relajar los ánimos con

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un hipnótico y colorido track de house escandinavo en ‘Top Soap’. Un registro que continúa con la interesante ‘Mere’ en la cara B de este primer vinilo con una rítmica más urbana. Después todo estalla por los aires cuando en ‘Missing Link’ abraza los ritmos rotos para imprimir energía y comprobar que es un auténtico camaleón. El segundo vinilo se abre con trance puro y duro con ‘Mini-Trance’ para luego navegar en ambient, downtempo y experimentación en los siguientes cortes de duración más reducida en esta cara. Al dar la vuelta al plástico retoma esa visión más trancera con la resplandeciente ‘Sol’ que fue el primer single y que se publicó en formato extended mix en Seilscheibenpfeiler previamente y cierra y completa su círculo perfecto con ‘Kun For Mig’, un track que si bien sigue bebiendo de fuentes melódicas pero con un poso oscuro del progressive-house de antaño que lo hace arrebatador. Para un servidor la producción más destacada del álbum en el que expone toda esa emoción que te hace justificar un texto como este para que Marott llegue a más oídos.

C O C I N A M O S

C O N

Kevin Knapp INGREDIENTES 1 filete del costado (preferiblemente) o filete bavette. Una pieza que sea de 1kg más o menos. 1 cucharada de pasta de frijoles negros chinos fermentados. 1/2 taza de salsa Hoisin 1/3 taza de salsa de soja 1/3 taza de Jerez seco 4 dientes de ajo grandes muy picados 1 cucharada de azúcar 1 cucharadita de cinco especias chinas (dulce, agrio, amargo, salado y umami) 2 cucharadas de frijoles negros fermentados muy picados

El EP ‘Plump Sound’ de Kevin Knapp y Hutchtastic ya está a la venta, a través del sello de Knapp, Plump Records. Disponible también en vinilo. Escanea el código para escucharlo.

RECETA CHINA DE CARNE BBQ Pon todos los ingredientes -excepto el Dóralo en una parrilla muy, muy caliente o bajo el asador entre 4 y 5 minutos por cada bistec- en un bol y mézclalos. lado para conseguir que quede al punto. Coloca el bistec en un plato grande o en una bolsa con cierre, cúbrelo con la ma- Deja reposar el bistec de 5 a 10 minutos. rinada y déjalo enfriar en la nevera toda Mientras reposa el bistec, calienta el la noche. adobo restante en una cacerola pequeSaca el bistec de la nevera 2 horas antes ña a fuego medio-alto hasta que hierva, luego reserva. de cocinarlo.

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Una vez haya reposado, corta el bistec en rodajas de 2 cm para conseguir una estética similar al emplatarlo. Rocía el bistec con el adobo -al gusto- y finalmente esparce una pequeña cantidad de sal sobre el bistec. ¡¡¡Disfrútalo!!!

L U C K Y

Autor: REDACCIÓN

Foto: BOGDAN STAKIC

* Escucha el último mix de GELA para UEMA Colectivo escaneando este código.

Gela ¿Qué canción te recuerda a tu infancia? Cuando era muy pequeña (2 o 3 años) era bastante fan de La Bola de Cristal y de La Edad de Oro y ese tipo de programas musicales en general, ya que la estética y la música de los 80 me tenían completamente obnubilada. Te puedo decir que Eloise de Tino Casal me produjo un cortocircuito sensorial con absoluta certeza. ¿El primer disco que te compraste? Es posible que fuese el álbum homónimo de B-52’s, un disco de 1979 que a día de hoy sigo escuchando a menudo y que me sigue pareciendo una obra maestra. A veces compro discos y me guío por las portadas, aunque en este caso, eso solamente era un plus. Rock Lobster, Planet Claire o Dance This Mess Around son canciones que he bailado y cantado a pleno pulmón desde que me acuerde. Y Los B-52’s son un espectáculo de vanguardia, y estética futurista que aún en la actualidad estoy segura de que sorprenden a quien los escuche y vea por primera vez. Imagino el shock que tuvieron que suponer en los 70. Me considero gran admiradora suya, y del new wave, post punk y el sonido de Nueva York.

¿El disco más cursi de tu colección? Un recopilatorio de baladas de Elvis Presley edición española. ¿Qué canción garantiza hacerte llorar? Duke Ellington_Fleurette Africaine, de 1962. Ese disco, Money Jungle, de Ellington, Charles Mingus y Max Roach es de otro mundo, se dice que Ellington nunca había sonado tan desgarrador, y que Mingus tuvo mucho que ver. La primera vez que la escuché, iba en bicicleta y me tuve que parar porque literalmente, me fallaron las piernas. ¿Algún disco que estés escuchando? Estoy escuchando bastante música de no baile (siempre lo he hecho, aunque ahora con la pausa forzada de la actividad frenética más aún), mucho ambient, shoegaze, y pop rock psicodélico. Lo que han recopilado Vladimir Ivkovic & Ivan Smagghe en IDMEMO: A Future Of Nostalgia lo tengo en loop. ¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio? Mora Na Filosofia, de Caetano Veloso. Lo compré en uno de los viajes que hice a Bra-

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sil después de vivir allí, en Baratos Afins, una tienda verdaderamente alucinante en el centro de São Paulo. Es una tienda de las de toda la vida que se encuentra en la Galeria do Rock. La abrió Luiz Calanca como tienda en 1978, y se asoció con el ex-vocalista y bajista de Os Mutantes, Arnaldo Baptista, para convertir la seña identitaria de la casa también en sello discográfico. Es realmente una mina con todas las joyas inimaginables de conseguir a este lado del charco de la música brasileña: MPB, tropicalia, bossa, samba… Un paraíso en la tierra. ¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos? Tener tan solo una canción favorita, sería acotar demasiado para una melómana. Siempre se pueden añadir canciones a esta lista. Según el momento vital hay canciones que se convierten en imprescindibles. Te puedo decir dos canciones que significan muchísimo para mí, This Is How We Walk on The Moon the Arthur Russell y Aladdin Sane de David Bowie.

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C I U D A D

Le preguntamos a Gheist por lo que hace a su ciudad especial…

GHEIST

* Escucha el último EP de GHEIST, ‘Acoustic-Unusual’ escaneando el código.

BERLÍN NUESTRO ESTUDIO & WATERGATE CLUB

Y como está tan cerca de Watergate, solemos terminar la noche allí. Un lugar en el que tenemos una larga y continua historia, y también un segundo hogar para nuestra música, ya que pinchamos nuestro primer show como GHEIST allí.

Uno de nuestros lugares más significativos y, por lo tanto, uno de nuestros favoritos en Berlín es nuestro estudio. Se encuentra en Kreuzberg, cerca de Oberbaumbrücke, que dividía Berlín Este y Oeste y también es el lugar donde se encuentra Watergate, nuestro club favorito. WEEKEND ROOFTOP El Weekend Rooftop es un lugar único en La mayor parte del tiempo lo pasamos Berlín. Se encuentra cerca de Alexanderallí, creando música o pasando el rato con platz y tiene unas vistas increíbles de la nuestros amigos y colegas. Es un lugar en- ciudad, incluido su famoso monumento, la cantador con un gran ambiente, ha me- TV tower. La azotea también forma parte jorado mucho los últimos años. Estamos del Weekend Club y hay buenas fiestas los muy agradecidos de haber encontrado un fines de semana con DJs en la azotea, es hogar como este para nuestra música. un lugar perfecto para pasar largas noches de verano.

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Durante el primer confinamiento nos invitaron a hacer un set en streaming para Beatport Reconnect. Tuvimos la gran oportunidad de hacer el streaming en directo desde esta azotea tan particular con la TV tower de fondo. Llevábamos pinchando unos 20 minutos cuando apareció la policía diciéndonos que bajáramos del stage porque los tres estábamos demasiado cerca el uno del otro. Gracias a nuestros amigos y a sus grandes dotes de negociación, a dos de nosotros se nos permitió terminar el espectáculo con un helicóptero de la policía rodeándonos.

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donde se puede fumar o simplemente paBerlín cuenta con diversas opciones fan- sar el rato. Tuvimos la mayoría de nuestras tásticas y exóticas para hacer o comer, cenas de artistas allí, ¡y no olvides probar pero es posible que a veces simplemente el aguardiente de avellana! te apetezca un buen Schnitzel. RESTAURANTE SCHNEEWEISS

FUNKHAUS Y HAFENKÜCHE

En nuestra opinión, en este caso solo hay un lugar al que ir y se trata de un bonito restaurante en Friedrichshain llamado Schneeweiß. La calidad de la comida en general es muy buena, pero el Schnitzel en particular es increíble. Además, los chicos que dirigen el restaurante son muy agradables y te tratarán con mucha amabilidad. Además de eso, tienen buenas bebidas y un salón encantador con chimenea,

El Funkhaus de Berlín es un lugar lleno de historia. Está justo al lado del “Spree” en Köpenick-Treptow y, sin duda alguna, el viaje merece la pena. Antiguamente era un estudio komplex para la transmisión de la radio en la DDR, pero también para crear efectos de sonido para películas o para grabar música en general. Todavía hay salas grandes y bonitas con gran acústica que, hoy en día, se utilizan para actuacio-

nes de artistas extraordinarios o incluso grandes eventos de fiesta como el ‘HYTE NYE’, del que formamos parte hace unos años. Incluso bandas como U2 o Phoenix grabaron sus álbumes en este lugar tan excepcional. Si quieres hacer una excursión de un día, también podemos recomendarte que pases por Hafenküche para tomar un aperitivo o una cerveza, ya que se encuentra a poca distancia. Se trata de un lugar increíble con vistas preciosas para relajarse, y también puedes alquilar un bote, cosa que hacemos mucho en el verano.

T E N D E N C I A S Autor: REDACCIÓN

A BETTER FEELING Este mes, desde Dj Mag España, hemos querido destacar la marca de gafas de Xander Ghost: A Better Feeling. Con sede en Londres, este artista y diseñador, crea gafas futuristas destinadas y pensadas para músicos. Nos remontamos a 2018, cuando el Dj, productor y creativo Xander Ghost quiso organizar cuatro fiestas anuales en todo el mundo, en ubicaciones únicas. Todo ello bajo el nombre de A Better Feeling. Tres años después, ese nombre tan enérgico

y positivo es el alias de su firma. Con sede en Londres, esta marca de gafas se destaca por poseer un estilo cyber-retro. Diseñadas específicamente para músicos, se remontan a la línea seguida en los eventos organizados por Xander de 2018, donde en una actuación en El Cairo, el Dj se dio cuenta de que le dolían los ojos a causa de las luces. Así fue como su primer diseño, 1EIGHTY, es un par de gafas de sol, formado por cuatro lentes que envuelven completamente la visión periférica de quien las use.

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Desde el inicio de su primer diseño, su línea de gafas se ha convertido en un accesorio ultrarresistente, único, práctico y asequible. Así lo afirman multitud de estilistas y celebridades. ABF ha sido destacado en la lista Forbes de diseñadores internacionales y además su producto ya se ha visto en caras tan conocidas como: Burna Boy, Billie Eilish, Kaytranada, Megan Thee Stallion e incluso Stevie Wonder.

Al vislumbrar el éxito que ha tenido en este primer tiempo, Xander comparte que la marca se encuentra en las primeras etapas de desarrollo de nuevos productos. Desde una línea de vajillas hasta fragancias, será lo nuevo que podremos disfrutar en ABF en este 2021. ¡Para más info escánea el código QR!

Cabe destacar la implicación de la firma en la lucha contra la COVID-19. Apoyó al NHS en las primeras etapas de la pandemia del coronavirus, produciendo y donando 500 pares de gafas protectoras sanitarias.

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Le preguntamos a Yamil sobre su proceso creativo a la hora de producir…

Yamil (PIECES OF LIFE)

Por norma general y desde hace años, trabajo de manera constante y a diario en mi home studio, tengo mis horarios y los suelo cumplir a raja tabla. Cuando me siento a crear intento no escuchar nada de música previamente, me gusta sentarme, plasmar ideas nuevas y no dejar que el cerebro me engañe con melodías o ritmos ya escuchados y que se quedan inconscientemente en la cabeza. He de reconocer que mi proceso creativo ha variado mucho con el paso de los años, en mis comienzos era diferente, pero a día de hoy mi forma de crear música es la siguiente:

En primer lugar, busco un sonido estático (pad o arpegio sencillo) que me marque el tono hacia donde quiero llevar la canción, después empiezo a crear capas de melodías hasta que siento que la idea es sólida, el siguiente paso es añadir un bombo/kick y acto seguido creo una línea de bajo. Continúo con la parte rítmica ‘grave’ (sub bass, toms y percusiones graves) y seguidamente empiezo a añadir sonidos más agudos de forma sutil hasta que la pista coja fuerza en frecuencias altas (percusiones agudas, rimshots, hi hat, shakers o rides), personalmente no me gusta saturar demasiado los agudos, por lo que la mayor parte de mis últimos tracks solo contienen 2 o 3 pistas de hi-hats, shakers o similares.

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*Yamil acaba de publicar su remix a ‘De Todo Se Aprende’ de artista G.Zamora, incluido en el recopilatorio ‘Masterpieces 1’ bajo su propio sello Pieces Of Life ¡Escanea el código QR para más!

En el momento que siento que he conseguido un bucle o loop compacto que transmite lo que quiero, paso a estructurar la canción -otra de las partes que considero súper importantes dentro del proceso de creación. Por último, acabaríamos con efectos y arreglos antes de pasar por mezcla y master. No sé si es el mejor o el peor método, pero personalmente sí es el más efectivo para mí y para que mi creatividad fluya de forma constante, y me ayuda a no atascarme en ninguna de las partes del proceso. Los ingredientes principales de todas mis producciones más recientes (básicamente todo lo que tengo en mi home studio) son los siguientes: En cuanto a Hardware, lo que más utilizo es: Moog Sub37, Novation Bass Station 2 y Roland Juno 106

y en lo referente a software, me encanta Komplete de Native Instruments y el Arturia Collection. Además, tengo que reconocer que soy un friki de los instrumentos orgánicos y tengo un montón de rarezas traídas de mis viajes alrededor del mundo como, por ejemplo; shakers, bongos, kalimbas, xylophonos, steel drums, flautas o algún instrumento de cuerda que estoy empezando a aprender a tocar como la kora o guitarra. ¡Y esto es todo amigos! Entiendo que cada maestrillo tiene su librillo, pero espero que mi forma de trabajar ayude a mejorar el work flow de otros productores :) Gracias DJ Mag España por la invitación.

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KALI (COMO L AS GREC AS, GAMEBOYZ, LUIS V PR)

Prólogo E L F RI O DE L I NVI E RNO Y L A PA N D EM IA NO S O B LIG A N A S EG U IR EN C A S A ¡Qué ganas, por favor, de que llegue ya el verano! Y podamos asistir a algunos de los festivales, que a pesar de los aforos limitados, de las restricciones horarias y de las medidas de seguridad, nos sigan manteniendo vivos y con ganas. Ganas de seguir

disfrutando de este formato y de otros muchos. Yo creo que ya estamos un poco aburridos de los streamings que, a pesar de que nos ayudan y son esenciales en la difusión de la cultura electrónica, nunca ofrecerán las experiencias ‘in situ’ que

poseen los clubs, los festivales, las salas de conciertos o el pub de tu ciudad. Por eso seguimos esperando ansiosos la aplicación de la vacuna y los posibles anuncios de alguno de los festivales nacionales mas preciados… ¿Cuál es el tuyo?

L A I NT E L I GE NCIA A R T IFIC IA L VAT IC IN A U N A NUE VA CRE AT IV IDA D CO M P U TAC IO N A L Desde hace ya unos, aproximadamente desde el 2012, algunas Majors como Sony CSL o Techstar, en colaboración con Warner Music, anunciaban que se estaban gestando diferentes producciones musicales creadas a través de Inteligencia Artificial. Primero lo consiguió Sony con FlowMachines; luego llegó por el 2018 el primer álbum con Hello Word; Endel con Warner (firmando contratos discográficos) en el 2019; y luego le sucedieron otros artistas, un poco mas enfocados a la electrónica general, como nuestra querida Björk con su Proyecto Kórsafn, en colaboración con la impresionante Microsoft.

La creatividad computacional en resumidas cuentas, es la ciencia que estudia la manera en cómo se pueden desarrollar o crear las diferentes artes a partir de inteligencias artificiales. Esta intenta explicar los fenómenos que suceden en los diferentes softwares creativos ya existentes, que se comportan de la misma manera que los comportamientos creativos de las personas, profundizando en las diferentes ramas artísticas y con mayor éxito en algunas específicas como la música, y otras con menor grado de éxito, como en las artes visuales. Para más información al respecto solo tienes que

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poner tu móvil en el código QR que tienes aquí al lado.

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Al tanto de... Os pongo bajo radar a varios artistas interesantes que para este 2021 tienen proyectos seductores preparados. Y así manteneros al tanto de nuevas e interesantes propuestas musicales…

P R ET T Y P IN K (FULL OF ENERGY) Para este año la artista alemana tiene planeado algo muy especial. Dueña de Wanderlust y Deep Woods la entrevistamos en DJ Mag ES para que nos cuente un poco más sobre ella… Dejamos atrás un año totalmente loco. ¿Qué has hecho y como has percibido este 2020? Sin lugar a dudas este 2020 hará historia. A comienzos de año estaba planeando mi viaje a Estados Unidos. Por supuesto al inicio de la pandemia este viaje se canceló, al igual que el festival de Tomorrowland en Bélgica, que esperaba con ganas. ¿En que grado te ha cambiado este año como artista? Creo que ahora soy mas consciente de todo lo que me rodea, no solo como artista, sino como persona. Ahora soy mas consciente que nunca de que tenemos que ayudarnos los unos a los otros en el ámbito artístico. Al final del día es el sentimiento comunitario el que

hace que esté mas unida que nunca al mundo de la electrónica. En los últimos meses has sido muy productiva en tu estudio. ¿Cuales han sido tus lanzamientos mas recientes? A comienzos de año me propuse lanzar un tema por mes. Fui capaz de lograr mi objetivo e hice 12 temas con diferentes artistas, algo de lo que estoy muy orgullosa. He hecho lanzamientos para mi propio sello como para otros. He colaborado con los sellos de Anjuna y Found Frequencies y he de decir que he estado muy cómoda trabajando junto a ellos. Ahora, en 2021, estos sellos van a colaborar con el mío. ¿Que planes de futuro tienes marcados en tu agenda? Ahora mismo estoy trabajando en el primer disco que será lanzado bajo mi propia etiqueta. Es cuando trabajas en tu propio sello cuando mas puedes experimentar.

En términos de crisis hay una luz al final del túnel y se han organizado algunos festivales para este 2021. ¿Puedes contarnos algo mas sobre ello? ¡Por supuesto! A pesar de que los organizadores van con pies de plomo y están atentos a cada noticia, festivales como Tomorrowland, así como otros alemanes tienen planeado tener ediciones este año.

M O LL O NO . BA SS (3000GRAD) Desde 1995 Mollono.Bass está inmerso en un viaje sin fin que le ha llevado por diferentes caminos, géneros y sonidos a la hora de realizar sus producciones. “Me gusta estar en el estudio a primera hora de la mañana. Es cuando menos cansado estoy y de mejor humor. Las noches en el estudio son periodos en los que experimento con diferentes sonidos y técnicas. Por supuesto ambos horarios tienen su beneficios. También trato de coger ideas cuando viajo a diferentes partes para disfrutar de un concierto u otras sesiones, o mejor aún, cuando estoy en mi casa-barco…”

Sin duda su colaboración mas famosa ha sido Kombinat100, una colaboración de cuatro personas que ha perdurado en el tiempo gracias al conocido Fusion Festival en el que participaron en el 2001. También otras colaboraciones, como la que tuvo con Ava Asante, y otros proyectos como Eulenhaupt & Mollenhauer o Rundfunk3000 han tenido gran acogida en diferentes clubs o festivales. En 2006 la firma estilística de Mollono.Bass conocida como ‘Acker Sound’ comenzó a estar de actualidad. Su sello ‘Acker Sound’ es una plataforma independiente especializada en sonidos experimentales. Mollono. Bass no solo es parte de del colectivo

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3000Grad, sino que también es productor en el mismo. En estos momentos estás trabajando en varios remixes que podremos encontrar en el próximo álbum… Me encantan los remixes y me encanta lo que otros productores pueden hacer con mis producciones. Estoy colaborando por primera vez con Super Flu, que es un sueño hecho realidad. También he hecho un remix para Einmusik del mismo modo que él lo hizo

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para mí. Paul Ursin y Matan Caspi son dos productores a los que también admiro. Y por último pero no menos importante Stephan Zovsky, viejo amigo y compañero de estudio. Mollono.Bass tiene grandes planes para este año y en febrero sale el sexto album de su colección de remixes… Entre muchas otras cosas se encuentran un par de remixes que hice para jPatterson y Bummelzug:acht y que por diferentes razones nunca salieron. En la

primavera, 3000Grad lanzará su producción número cien. Para este acontecimiento estoy terminando de pulir una antigua pista de Kombinat100 que nunca salió, pero que se convirtió en nuestro himno. Hablando de los viejos tiempos tengo que decir que Green Lake Project esta trabajando en un remix de Der Dritte Raum, de su disco Raumgleiter y por último también estamos inmersos en nuestro proyecto subground.org, un lugar de recreo y trabajo para estos tiempos extraños.

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COMPOSICIÓN ARTÍSTICA A BASE DE MELODÍAS…

Muchos son los artistas nacionales de primera calidad de los que disponemos en la península y aquí os traigo a uno de los que más me gusta. Él es extremeño, en concreto de un pueblecito de las vegas bajas de la región, Guadiana. Desde bien pronto y con su primera formación tuvo un éxito rotundo bajo el nombre de Bread & Butter, ¿os suena?, ya ha pasado más de una década desde aquella formación y su éxito en los festivales de breaks mas importantes del país. Actualmente Nacho Vicente, o como todos lo conocemos bajo su actual aka Integral Bread, ha cosechado decenas de lanzamientos a lo largo de toda su carrera desde finales de los 90 hasta ahora en el 2021. Entre ellos, destacar algunas firmas en sellos como Bonzai, Mango Alley, Movement o por supuesto Univack. Univack, su casa y a la vez su más apreciada etiqueta, es una referencia en las listas de

techno y house (progresivo y melódico) de Beatport, ha estado numerosas veces en los puestos más top dentro del género y ahora no va a ser menos. Univack anuncia para el 5 de febrero el próximo lanzamiento de Integral Bread, titulado ‘Collage’. Un EP de electrónica de primera clase, ¿Por qué? Por la calidez en sus armonías, la simpleza fusionada con la complejidad de cada arpegio o melodía que introduce a lo largo de cada original, beats profundos conformados por un buen balance de los elementos rítmicos, hit hats, bombos, fills y demás pistas de la batería todas bien ajustadas dándole esa finura. ¿De remixes? Pues si, Collage EP está conformado por 3 originales y 2 remixes, firmados por los grandes productores Morttagua, de Brasil y el veterano Nick Muir, de Londres…. Pon el móvil delante del código QR para disfrutarlo…

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TRACKLIST 1. Integral Bread - Tahiche (Original Mix) 2. Integral Bread – Tahiche (Morttagua Remix) 3. Integral Bread – Collage 4. Integral Bread – Collage (Nick Muir Remix) 5. Integral Bread – The Blacksmith (Original Mix)

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Me cautivan... NUE VO ÁL B U M D E H A N ISII, K L O N D IK E LANZAMIENTOS BAJO RADAR

‘Klondike’ es el nuevo álbum del productor Hanisii. Este novel productor debuta en el sello Time In The Special Practice Of Relativity, que está distribuido por Kompakt, una de las mas importantes distribuidoras europeas. Hanisii ha estado media década trabajando bajo rádar y ahora debuta con este interesante trabajo en forma de largo... La calidad del álbum es excepcional. Once cortes orig-

NO H U M A N ID MADE IN IRUÑA…

La marca de ropa No Human ID inspirada en las artes electrónicas y con sede en Pamplona está compuesto de un equipo de profesionales con más de 25 años de experiencia en los diferentes sectores de la música electrónica. Es por eso que presumen de una gran facilidad para mezclar el arte con el diseño y la moda urbana, haciéndolo a través de este

proyecto innovador que ofrece un servicio integral de Licensing y productos oficiales de Merchandising (L&M). Encontrarás mucha mas ropa exclusiva, artículos y complementos, merchandising oficial de DJs, bandas, clubs, festivales y otros organismos en el código QR.

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inales que repasan de manera progresiva estilos como el techno, el house o el acid… pero de una manera renovada o actualizada. A veces incluso me vienen ramalazos indio-orientales en este ‘Klondike’, pero lo que más me sorprende sobretodo es la estructuración/secuenciación de sus temas, predispuestos a ser pinchados por una gran cantidad de DJs que busquen la electrónica mas ecléctica y especial… A la venta a partir del 12 de febrero.

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Autor: EDUARDO P. WAASDORP

Fotos: DAN MEDHURST

CUANDO LA GENIALIDAD SE HACE NORMA ESCRIBIR ESTAS PALABRAS ME TRAE UNA INMENSA SATISFACCIÓN. NO SOLO PORQUE BICEP LO HA VUELTO A REVENTAR CON SU NUEVO DISCO, ‘ISLES’ (NINJA TUNE). SINO PORQUE SOY UN GRAN FAN DE TODO SU TRABAJO, DE ELLOS PERSONALMENTE, Y TRAERLES DIRECTAMENTE A NUESTRA PORTADA EN ESTE SEGUNDO MES DEL AÑO ES, SIN DUDA, UNA ALEGRÍA. UNA ALEGRÍA QUE SEGURO CELEBRARÁ TODO AMANTE DE LA MÚSICA QUE SE PRECIE. MATT MCBRIAR Y ANDY FERGUSON VUELVEN ESTE 2021 CON DISCAZO DEBAJO DEL BRAZO. LOS COMPONENTES DEL DÚO BICEP HAN CONSEGUIDO A TRAVÉS DE 10 CANCIONES LLEVARNOS EN UN NUEVO VIAJE SONORO, EN EL QUE CONFIRMAN LO QUE

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PUDIMOS ESCUCHAR EN SU DISCO DEBUT HOMÓNIMO DE 2017: QUE HAN CONSEGUIDO DAR CON LA TECLA DE UN SONIDO ÚNICO E IRREPETIBLE. YA NO SON UN DÚO QUE ENCAJE EN UN ESTILO CONCRETO. AHORA, ELLOS SON LOS QUE MARCAN SU PROPIO CAMINO HACIA EL FUTURO CON UNA PALETA SONORA PROPIA, QUE LES VA A LLEVAR TODAVÍA MÁS ALLÁ. MELÓMANOS, AMANTES DEL VINILO Y LAS RAREZAS – QUE SIGUEN DESCUBRIENDO EN SU BLOG, FEEL MY BICEP, Y SU SELLO HOMÓNIMO –, NOS SENTAMOS AL OTRO LADO DE LA PANTALLA CON ANDY Y MATT PARA HABLAR DE MÚSICA, DE SU DISCO, DE NINJA TUNE, DEL TERRORÍFICO BREXIT Y DEL FUTURO DE LA INDUSTRIA. ¡MÚSICA, MAESTROS!

¡Hola, Matt! ¡Hola Andy! ¡Tres años después nos volvemos a ver las caras! Aunque esta vez es para nuestra portada de febrero de 2021… ¡Es todo un placer para mí hacer esta entrevista! ¿Cómo estáis? ¿Cómo está empezando vuestro año? ANDY: ¡Muchísimas gracias! Estamos bien, ha sido un año más ocupado de lo que hubiéramos esperado en un primer momento. Hemos pasado encerrados en el estudio casi cada día, trabajando sin parar, en el directo, haciendo entrevistas, el lanzamiento del álbum. Ha sido realmente loco… Nos ha dado un propósito, el poder hacer algo. Si nos hubiéramos quedado viendo las noticias, nos hubiera deprimido ya del todo. Yo ya me he leído 20 libros (risas) que tenía pendientes para leerme cuando viajamos… He completado varias series de podcasts. He llegado al punto en que todas las películas que tenía pendientes también las he visto. MATT: Yo ni siquiera recuerdo cuándo fue nuestra última actuación (risas). Aunque como te decía Matt, estamos ocupados planificando todo para nuestro próximo streaming. Estaremos todo este mes dejándolo listo. Ha sido bueno mantenernos ocupados… Los fines de semana son duros, porque no podemos ver a familia ni amigos. Un fin de semana en Londres, a día de hoy, es deprimente. Así que está bien poder venir al estudio y pasarlo aquí. ¡He completado YouTube! (Risas) Os convocamos porque, tres años después, vais a sacar otro bestial álbum: ‘Isles’. Vuestro anterior álbum, ‘Bicep’, aún sigue dando que hablar… ¿Sabíais que ‘Glue’ es usada como sintonía en uno de los programas más vistos de España, El Hormiguero de A3? Lo usan como banda sonora para cerrar sus experimentos científicos… A y M: ¡¿En serio?! (Risas) ¿Nos puedes mandar un video? ¡Claro! Aquí lo tenéis… A Y M: (Carcajadas viendo un video de experimentos de El Hormiguero) A: ¡Nadie nunca nos había dicho esto! ¡Es una locura! ¿Sabéis de otras sincros famosas de vuestra música? A: Sabemos que nuestros temas han salido en pelis como Dogman (2018), también en algún anuncio de marcas en Reino Unido. Generalmente nos contactan y nosotros aprobamos su uso, pero algunas veces en TV nacional e internacional tienen una licencia para usar tracks. Como en Ski Sunday, que es un show enorme que hay aquí que ven los niños, en BBC Sport. Para nosotros, que crecimos en Irlanda y solo veíamos 5 canales, era una locura ver un show de esquí, porque aquí no hay montañas ni nada. Y hace unos fines de semana pusieron un corte de ‘Apricots’. Fue una locura para nosotros oír nuestra música allí, porque nadie nos preguntó, ni nada. Es genial que otras personas puedan experimentar nuestra música contextualizada y que, de hecho, funciona con cosas que nosotros no habíamos pensado. Pero es muy

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loco que nuestro track lo usen en un show de televisión en España. ¡No teníamos ni idea! (Risas) Volviendo a vuestro último álbum – del que me acaba de llegar la copia limitada que me pedí por Bleep –, conseguí mantenerme libre de spoilers y no escuchar ni un solo single de los que sacasteis antes del álbum. Así, pude hacer una escucha completa del álbum que me envió Ninja Tune y PIAS Iberia antes de esta entrevista. Antes de nada, ¡felicidades! ¿Por qué el título? ¿‘Isles’ (Islas en castellano)? M: Lo titulamos ‘Isles’ porque hemos pasado la mitad de nuestra vida en Irlanda y la otra en Inglaterra, en Londres. Hasta hace poco, no habíamos considerado la influencia de ambos lugares. Pero cuando terminamos de hacer el disco no teníamos título, nos pusimos a pensar y casi pudimos oír esa influencia de Irlanda, pero también en cierta forma había partes de Londres. Creo que el título resume nuestra vida, en la que hemos vivido en ambas islas. Cuando vives en una isla pequeña, ves el mundo como más grande. Crecimos queriendo viajar, inspirándonos por la música de todas partes del mundo, cosa que pudimos hacer por primera vez cuando nos mudamos a Londres, donde hay influencia de tantísimas culturas diferentes. Creo que eso hace que nuestro sonido sea lo que es hoy. Comparándolo con ‘Bicep’, suena más experimental, personal… ¿Cómo fue componerlo? A: Creo que en las primeras fases fue mucho más experimental. Hicimos muchos experimentos y acabamos con 150 demos, especialmente comparándolo con nuestro primer disco y su paleta sonora. Con este hemos intentado que sea más introspectivo, más una experiencia de escucha en casa y hemos basado muchas de las canciones en torno a pianos. En el proceso de composición hubo más musicalidad como núcleo de lo que hacíamos, cómo queríamos que cada track sonase, que tuvieran una fuerza interna, también pensando en cómo íbamos a tocarla en directo. El concepto siempre giró en torno a hacer un álbum que pudiésemos tocar en vivo y que cada track tuviese su propia forma, y que cada una pudiese desgranarse a un solo elemento principal, un sentimiento que pudiésemos interpretar en cada directo de forma diferente. Cuando empezamos a armarlo todo y a finalizar el álbum, nos pusimos como objetivo no limitarnos a la pista de baile, sino hacerlo más una experimentación de sonidos. M: Nuestro plan es, cuando vayamos a interpretarlo en directo, rehacer toda la música que ya tenemos para la pista de baile, por lo que tendrá un carácter más techno. De tal forma que el directo sea más festivalero y el disco sea más para escuchar en casa. A: Exacto. El álbum es casi como el primer paso de este proceso. Nos llevó terminarlo como dos años, por lo que queríamos estar contentos con cada canción y que pudiéramos re-contextualizarlas a nuestro antojo,

para que fueran interesantes para nosotros tocarlas o improvisar sobre ellas, a la vez que fueran lo suficientemente diferentes del disco para no estar supeditadas a él. ¿Entonces os llevó terminarlo unos dos años? M: Sí, quizá año y medio. La cuestión que más tiempo nos llevó fue la mezcla, ya que estamos acostumbrados a hacer mixings con tracks más para club, y este disco no está orientado a la pista de baile. El proceso de un disco que está pensado para la escucha en casa fue más largo, conseguir que todo estuviera equilibrado. Fue un aprendizaje interesante, porque normalmente, con música de club, puedes esconder ciertas cosas detrás de la fuerza del track. Pero cuando no tienes esa potencia, tienes que pasar mucho más tiempo puliendo ese delicado equilibrio y el fluir de la música. A: Como nos pasó con ‘Apricots’, pasamos mucho tiempo en ella. Al principio era casi un track de ambient, pero cuando le añadimos la percusión fue como si perdiese esa finura de las melodías de cuerda. Al final fue cuestión de intentar equilibrar todo, porque cuando no piensas en el club puedes bajar el tono de la percusión un poco y darle más espacio a los pads, haciendo que los reverbs y los delays tengan más chispa.

Sacasteis varios singles antes, ‘Atlas’, ‘Apricots’, ‘Saku’ y ‘Sundial’; también un filtro de Instagram con un concurso… ¿Cómo ha cambiado el proceso de promoción para el álbum desde 2017? M: Ha cambiado mucho, pero no por la pandemia. Para el artwork, tuvimos la idea antes. Queríamos que fuera algo vivo, no una imagen estática. Queríamos que fuera un proceso, que todo se sintiese como un desarrollo, que estuviera vivo. A: Queríamos capturar momentos específicos. En el último disco tuvimos cinco portadas diferentes porque no pudimos decidirnos, así que con este queríamos no tener que decidir. Por eso las texturas son así. Está genial tener algo así, que no sea igual de un día a otro. M: Lo del filtro fue genial, porque estábamos intentando pensar ideas para que la gente pudiera hacer algo online. Hubiera sido genial hacer algo en la vida real, como proyecciones en diferentes ciudades, pero no pudo ser. Por eso creo que el filtro es genial, porque encaja perfectamente con el artwork del disco. Totalmente, es super triposo. Por otra parte, para ‘Apricots’ presentasteis un video dirigido por el ganador de un BAFTA, Mark Jenkins. Para ‘Saku’, con Clara La San, que salió hace unas semanas, el

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concepto era realmente interesante. ¿Cómo fue el proceso de crear estos videos en pandemia? M: Para el de Mark Jenkins, de quien nos encanta su trabajo, fue una casualidad afortunada. Le contactamos porque nos gusta, pero no pensábamos que fuera a decir que sí. Y resulta que dijo que sí a la primera (risas). Él vive en Cornualles y por su cuenta salió a rodar y fotografiar lo que veis en el video. Pasó un mes haciendo miles de fotos para componer el video final. A: Es genial que él escuche la música y la interprete a su manera. Con los videos solemos dejar que los directores desarrollen su idea del track, sin condicionarles demasiado, porque cuando alguien tiene una visión clara en su cabeza saca lo mejor de sí. M: Para ‘Saku’, lo hicimos antes de navidades, en noviembre. David Bertrand fue el director e hizo un gran trabajo. En ese momento las cosas con la pandemia se habían calmado un poco – antes de volver a agravarse – y tuvimos la suerte de conseguir a todo a tiempo. Estamos súper contentos. A: Se filmó en París y como dice Matt, tuvimos mucha suerte de poder hacerlo, especialmente porque nos dimos cuenta de lo difícil que iba a ser movilizar todo el equipo necesario para hacerlo posible. Por eso lo hicimos con la mayor antelación que pudimos y redujimos al máximo posible toda la idea, para evitar que nadie del equipo corriera riesgos o el proceso se cancelase porque alguien de la crew hubiese tenido algún positivo en su circulo cercano, o hubiera dado positivo. Nosotros no pudimos estar presentes, pero la logística fue una locura, teniendo en cuenta cosas que jamás pensamos que tendríamos que tener en cuenta.

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M: Pero en general, la vida se ha parado. Incluso la idea de subirse a un avión parece loca. Yo no me acuerdo ni siquiera lo que es estar en un aeropuerto (risas). O estar delante de un público… A: Incluso viendo películas, me sorprende hasta ver que un actor abraza a otro (risas). O, joder, acaba de ir al baño y ni siquiera tiene la mascarilla puesta (risas). Volviendo a la música, mi favorito absoluto es ‘X’, sin duda alguna. Todos los sonidos parecen venir del año 3000… A: (Risas) ¡Muchísima gente nos lo dice! ¡Qué gracia! M: Creo que eso pasa porque viene después de ‘Lido’, que es mucho más calmada. Y luego cuando esa calma se detiene, viene ‘X’, que es quizá la más agresiva del disco. Y también es la que mejor capta esa energía que solíamos poner en hacer el blog, al principio. ¿Cómo fue el proceso creativo? Porque puedes casi sentir como si todo el álbum fuera un viaje, y a partir del sexto track en adelante todo se vuelve más fuerte, que termina a la perfección con ‘Hawk’… A: Siéndote sincero, la idea de secuenciar el álbum de esa forma no estaba en nuestra cabeza, pero acabó siendo así de forma muy natural. El tracklist que hicimos al principio era casi en ese orden, aunque no estaba pensado para que fluyese así. En nuestra cabeza cada track tenía que tener su propia historia, cada una tenía que tener su principio, nudo y final, con ese flujo de energía. M: Es una de esas cosas que ocurre naturalmente. Al final,

hacer un tracklist para un disco es casi como hacer un mix o incluso componer música. Hay que ser críticos, hay que ir moviendo las cosas, hasta que encajen perfectamente. A: Es difícil concebir una idea en la que directamente dices: este track tiene que ir aquí y este allá. Algunas veces no funciona así. Como por ejemplo, hemos estado trabajando en mixes para Apple Music, en los que mezclamos diferentes bpms y tempos, y al final se trata de hacer fluir la energía en la música, ¿si es que eso tiene sentido? M: La energía de cada track es la que dicta el resultado final, no el tempo, o la percusión, o el estilo. Hay que capturar la energía correcta, tiene que ver más con las emociones que con la música en sí. Justamente, el álbum realmente nos lleva en un viaje profundo, emocional, que termina con ‘Hawk’ y unas melodías y atmosferas que nos invitan a mirar al horizonte, como en una peli de ciencia ficción… A: (Risas) ¡Cómo mola! M: (Risas) ¡Es justamente lo que intentábamos hacer! Queríamos que el disco acabase como una banda sonora de John Carpenter, o como en una peli de ciencia ficción. ¿Cómo manejáis los estados de animo en vuestra música? ¿Cómo conseguís crear esa narrativa? ¿Es espontánea o lo planificáis? M: Son años de componer música y tocarla. Intentamos pasar mucho tiempo pensando en las emociones que genera nuestra música, el piano, los acordes… La historia que contamos. Especialmente cuando no piensas en un club y puedes componer de una forma diferente. Es algo que disfrutamos. A: Somos muy fans del cine y tomamos ideas de las películas que vemos. Cuando compones música para cine se hace de una forma totalmente diferente, pero nos gusta la forma en la que los compositores cuentan la historia a través de la música, ya que al final hace que todo suene mejor, sea más cohesivo. En el estudio siempre intentamos encajar la parte visual de nuestra música, como el desarrollo de un track, que colores evoca. Y al final todo encaja en la visión que Matt y yo queremos darle a nuestro trabajo. Lo volvéis a sacar en Ninja Tune. ¿Cómo fue el proceso esta vez? ¿Les llamasteis y dijisteis: “Oye, tengo un disco nuevo”? M: Para nada (risas). Fue un proceso de más de un año mandando y recibiendo demos con sus comentarios. Ellos y nuestro management han sido partes esenciales del proceso, porque ha habido días en los que nosotros estábamos pensando en una dirección y ellos han sido fundamentales a la hora de decir: “No, esto tiene que ir por allá”. Nos han puesto muchos retos y creo que ha sido muy positivo, porque nos gusta oír buen feedback y criticas constructivas. Todos nos complementamos para

ser mejores. A: Nos hicieron preguntas muy importantes al principio del proceso, como: ¿Qué estáis intentando decir con esta canción? ¿Por qué esto suena así? Algunas veces nosotros no nos hemos parado a pensar en eso, simplemente mandamos el demo. Muchas de estas preguntas incluso nos pillaron fuera de base y eso nos hizo enfatizar mucho en la parte de la historia que queríamos contar con el disco. Además, nos han dado mucha libertad creativa, sin presionarnos, de forma positiva. Al final, nosotros somos los que queremos sacar música en su sello, es su familia, y ellos saben qué es lo que quieren sacar en un perfil como el de Ninja Tune. ¿Cómo ha cambiado vuestro estudio desde 2017? ¿Y vuestro proceso creativo? M: Mucho. A: Todo el proceso ha cambiado. En el último disco grabamos muchos sintetizadores y añadimos los efectos después. Ahora hemos grabado un sinte pasándolo por cuatro o cinco pedales de guitarra. M: Así jamás podemos recrear el sonido exacto que conseguimos. Siempre jugamos con los parámetros. A: También metemos sintetizadores de los 70 en nuestro modular nuevo, con efectos que salieron la semana pasada. Así mezclamos lo mejor del pasado con lo nuevo, obteniendo algo que se basa en la tradición sonora pero con una tecnología moderna. Es algo que nos gusta mucho, por eso modificamos gran parte de nuestros aparatos, haciéndolos totalmente únicos y personales. Como un piano de juguete que tenemos, al que le pusimos MIDI, un modificador de pitch y usamos para grabar voces (risas). Nos encanta la nueva tecnología y experimentar. Es un proceso de nunca acabar. Estáis preparando una actuación especial en streaming desde la Saatchi Galery para este mes de febrero. ¿Qué podemos esperar? ¿Cómo es hacer algo en una ubicación tan especial? M: Es impresionante. También tiene el valor de que la mayoría de galerías del mundo están cerradas, por eso será genial poder disponer del espacio para nosotros y grabar. Nunca hubiéramos podido hacer algo así en circunstancias normales. A: Quizá lo único positivo de la pandemia ha sido que este tipo de espacios han quedado vacíos y que nosotros podemos usarlos de una forma personal y creativa, que es para lo que fueron creados en un primer momento. La Saatchi además tiene una lista de espera de más de dos años por sala. Y nosotros vamos a poder tomar casi la galería al completo, porque todas sus exhibiciones están guardadas, y vamos a poder ir por todas sus salas haciendo lo que queramos. Va a ser una experiencia única. M: Podéis esperar versiones mucho más enfocadas al club de todos los tracks del álbum, más pesadas y orientadas al techno. Los visuales también van a ser increíbles.

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Los streamings en video se han vuelto parte de nuestro lenguaje habitual en la industria. Es muy loco, pero os pregunté por esto en nuestra primera entrevista, cuando todavía no era un fenómeno como hoy. Vosotros habéis revolucionado un poco el concepto, especialmente con el streaming de pago que hicisteis hace unos meses con DICE, donde creasteis una comunidad interesante, incluso con un grupo de WhatsApp. ¿Es esto el futuro? M: Creo que la música electrónica siempre ha sido y será futurista. Tiene que serlo, porque es en lo que se basa. Y aunque la mejor forma de escuchar la música es estar en un sitio sin nadie grabando con sus móviles de última generación, y la mayor parte de nuestros aparatos vienen de décadas pasadas, la tecnología es increíble. Nos lo ha demostrado el filtro que acabamos de presentar, por ejemplo, y la forma en la que la gente entra en contacto con nuestra música, que les hace conectar más con nosotros. Creo que lo mismo pasa con el streaming. Muchas personas ni siquiera viven cerca de un club o de una gran ciudad, y gracias a esas retransmisiones pueden experimentar actuaciones en su casa. Como todo,

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tiene su parte buena y su parte mala. A: Yo no creo que vaya a sustituir la experiencia de clubbing real. Definitivamente tiene un propósito, pero en términos de longevidad, es como lo que pasa con la carrera de un músico. Para cualquiera que haya crecido con la experiencia real, o incluso para nosotros que hemos crecido con internet y bajándonos cosas gratis, es difícil de entender, sobre todo cuando existen cosas como Spotify, donde casi ni siquiera pagas por escuchar la música. Cambiar esa forma de pensar es difícil, incluso con la pandemia, que ha provocado que el flujo de dinero baje. Nosotros todavía estamos aprendiendo, sobre todo cuando te toca hacerlo a ti… ¿En qué sentido? A: En el que te das cuenta de todo lo que le cuesta a gente como Boiler Room hacer el trabajo: grabación, edición, iluminación, visuales… Cuando empiezas a sumar todos estos costes te das cuenta de que los de Boiler Room han tenido que trabajar muy duro, y es algo que en la mayoría de los casos ofrecen gratis.

En mi opinión personal, creo que la gente se va a tener que acostumbrar a pagar por este tipo de acciones, como pagamos ahora por Netflix o HBO. ¿Cómo lo veis? M: La cosa es que, a pesar de que nosotros hicimos un streaming de pago con DICE, como bien decías, a penas hay ganancia monetaria de una acción de este tipo. Por eso no nos imaginamos cómo algo así se puede hacer de forma regular. Nosotros, por ejemplo, pasamos tres meses montando nuestro directo. Una vez ha salido en un streaming, la gente lo ve una vez y ya está. Se fue. Porque normalmente cuando nosotros preparamos un directo, estamos de tour durante un año, tocamos en Madrid, Barcelona, Paris, Berlín, para que la gente lo vea y experimente en diferentes sitios… A: Es como si te compras el DVD de un monólogo de un cómico. Luego, ¿qué sentido tiene ir a verle en directo contar los mismos chistes? M: No creo que algo así funcione, porque te pegas el trabajo de componer un nuevo directo para cada actuación, con el coste operativo de cada actuación… No sé si funcione a no ser que haya alguna gran marca detrás y eso al final corrompería un poco el arte. Es un buen extra, no podemos negarlo, pero no es una solución. Estamos en un periodo de constante evolución, así que veremos en qué acaba todo esto. Cambiando de tema, vuestro sello, Feel My Bicep, sigue sacando a artistas interesantes y descubriendo talento, como Brassica, BDB, Hammer o James Shinra. ¿Cómo está yendo? A: Ahora mismo estamos trabajando con muchos artistas emergentes, jóvenes, ayudándoles y sirviendo de mentores en sus primeros pasos, intentando promoverlos. Nos enfocamos en la parte creativa y ayudándoles a planificar sus carreras, no solo a sacar en el sello. Estamos en el proceso de firmar más cosas y ahora que hemos sacado el disco nos pondremos más encima del sello. También, con vuestras mixtapes, habéis conseguido ser prescriptores en lo que a nuevos talentos se refiere. Nosotros hemos tenido a REES en la revista, pero otros grandes nombres incluyen a Kassian, Hammer, 808 State, Demuja o Bawrut. ¿Cómo es el proceso de curar esta serie? ¿Qué tiene que tener un artista para salir en vuestras mixtapes? M: En ese sentido, nos buscamos enfocar más en el mundo underground, no buscamos que sea una serie de mixes de grandes éxitos, sino que llamamos a artistas que nos parecen interesantes o que nos encontramos por el camino. También es cierto que ya no tenemos tiempo para estar encima del blog de la misma forma que antes… A: Los artistas que elegimos también sirven como curadores en cada uno de sus mixes, por lo que cada uno siempre es especial. Yo, por ejemplo, los tengo todos en mi teléfono y los voy escuchando asiduamente. Es

genial hacer una curaduría propia, pero también es cierto que cada uno hace el mix con nuestro blog en mente, por lo que siempre acaba siendo una mezcla de rarezas que nos encanta. Las autoridades británicas salieron diciendo que los profesionales de la industria tendrían que buscarse otro trabajo. ¿Habéis pensando en volver al diseño gráfico y a la ingeniería química, respectivamente? A Y M: ¡Ni locos! M: Vamos a dejar que se hunda el barco con nosotros dentro (risas). Otra cosa que os va a afectar a vosotros y a artistas británicos (y europeos que quiera actuar en Reino Unido) es el Brexit. Todos esperábamos que ocurriera un milagro y no se diese, pero ahora que es una realidad… ¿Qué pensáis? M: Es la peor noticia que nos podían haber dado. Es un infierno, aunque nosotros somos afortunados de tener también el pasaporte irlandés, que es europeo. Pero para vivir en Londres va a ser terrible. Nuestro gobierno nos ha jodido a lo grande. El mero hecho de que hayan negado la posibilidad de tener el visado especial de artistas que ofreció la UE es terrible. No entiendo su antipatía por el mundo de las artes. A: La narrativa en contra de la inmigración ha pesado demasiado y al final va a ser contraproducente para una economía avanzada, como se supone es la británica. Creo que se han dado un tiro en el pie y tampoco les parece importar. M: Además, Europa ha sido nuestro pan, ha sido quien nos ha dado de comer. Bicep ha sido posible porque hemos podido hacer tours por Europa, de hecho la primera vez que tocamos fue en Barcelona. ¡Tocamos más en Europa que en Reino Unido! Ver que eso pueda ponerse en peligro es simplemente terrible y es algo que va a afectar mucho más a los artistas más jóvenes. Es algo que va a acabar destruyendo la economía de Reino Unido. Ya lo veremos con el tiempo. Finalmente, chicos, ¿algún plan más para este 2021? M: Seguiremos componiendo música. ¡Mucha música! A: Estamos emocionados de poder empezar a enredar con los nuevos aparatos que nos hemos comprado y esperemos poder volver a tocar en directo lo antes posible. ¡Muchísimas gracias por vuestro tiempo, chicos! ¡Esperamos, de todo corazón, veros pronto viajando, y especialmente por España! ANDY Y MATT: ¡Gracias a vosotros! ¡Ha sido un placer! ¡Esperamos veros en Primavera o algún otro festival más pronto que tarde!

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Autor: PATRICIA PAREJA CASALÍ

La mirada en el futuro

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Nacido en Tel Aviv y afincado en Berlín, Chen aka Moscoman ha sabido abrirse paso y conseguir reconocimiento en todo el mundo a raíz de su excelente trabajo como DJ y productor. El sonido distintivo de Moscoman coge elementos del techno, la New Wave, el house y los sonidos de su nativo y bien conocido Oriente Medio. Su propia producción, su trabajo en las remezclas y su estilo tan único le han conducido a pinchar en las cabinas de los mejores clubes del mundo. Bajo el nombre Moscoman, fue de los primeros artistas en publicar en sellos extranjeros -ESP Institute, Correspondant o Eskimo Records entre muchos otros. Hoy en día es el propietario del bien conocido sello Disco Halal. En Dj Mag España hemos tenido el placer de volver a sentarnos a charlar con este gran y querido artista. Le hemos preguntado cómo fue su 2020 nos hemos interesado por su podcast series “All My Tomorrows”, iniciados durante el confinamiento. También le hemos preguntado acerca de sus retransmisiones en Twitch -plataforma que utiliza para mantener el contacto con sus seguidores en estos tiempos tan extraños-, le hemos preguntado por su segundo álbum “Time Slips Away” en Moshi Moshi, nos ha hablado acerca de sus A&R Sessions… ¡y más!. Echadle un vistazo a esta pequeña pero interesante entrevista que hemos mantenido con el artista, ¡esperamos que disfrutéis leyéndola tanto o más que nosotros haciéndola!

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¡H

ola Chen! Es un placer para Dj Mag España volver a tener una pequeña charla contigo. ¿Cómo empieza tu año?

¡Gracias a vosotros por invitarme! Lo más importante es que 2020 por fin acabó, y enero y febrero serán increíbles sin duda, ojalá podamos volver pronto a la normalidad, 2021 será difícil al principio pero acabará mejor, estoy seguro. Este último año ha sido una locura. ¿Qué tan afectados se han visto tus planes a consecuencia de la pandemia? Como al resto del mundo, la pandemia puso fin a todo lo que había planeado, lancé un álbum y se suponía que saldría con un nuevo programa de A / V en vivo, ¡pero todo continúa pospuesto y/o cancelado! Veamos lo que trae el mañana. Naciste en Tel Aviv, pero te has mudado a Berlín. ¡Dos culturas increíbles! ¿Cómo ha influido esto en tus estilos musicales? Cada uno tiene un color diferente y el mayor choque es el sonido de Moscoman y Disco Halal, la onda cálida y punk y los orígenes del Medio Oriente puestos en la perspectiva de la pista de baile.

¿Cómo dirías que han cambiado tus gustos musicales desde que empezaste en la producción y la música electrónica? Cambiaron para mejor, antes solía escuchar mucha más música electrónica y hoy me encanta el Jazz, BGM y la música de formato libre. Durante el confinamiento disfrutamos mucho de tu podcasts series "All my Tomorrows". ¿Cómo surgió la idea? Solo quería mantenerme en contacto con la gente y mis amigos, y transmitir buena energía al mundo, actualmente estoy haciendo A&R Sessions en vivo en Twitch. Además de eso, has utilizado Twitch como canal principal para realizar tus retransmisiones... ¿cómo valorarías esta plataforma desde la perspectiva de la música electrónica? Aún lo utilizo, creo que Twitch es el futuro de este medio, especialmente porque aún falta tiempo para que vuelvan a abrir los clubes, esta es mi manera de conectarme con la gente directamente y en vivo. Este año ha sido duro pero has trabajado mucho: editaste tu segundo álbum “Time Slips Away” en Moshi Moshi. ¿Qué nos puedes contar al respecto? Gran álbum, mal momento (risas). ¡Nah! Este álbum ha sido mi sueño durante mucho tiempo, estoy muy feliz de haber podido lanzarlo ahí y crear nuevos sonidos, diferentes a lo que hacía antes sonoramente. De Time Slips Away, dinos: 1. ¿Cuál es tu track favorito? ¿Por qué? Golden Hours, porque fue muy especial grabarlo con mi amor. 2. ¿Cómo es tu proceso creativo a la hora de componer? ¿Ha cambiado con el tiempo o la tecnología? Creo que me mantengo en la misma línea que siempre, depende de mi estado de ánimo y energía, pero con las mismas vibraciones. Abro un nuevo proyecto y sea lo que sea que salga, soy feliz. ¿Qué nos puedes contar de tu sello, Disco Halal? ¿Cómo te va actualmente? DH es genial, todavía estoy tratando de producir con nuevas ideas de vanguardia y nuevos artistas y, en general, ¡buena música para mi gusto! 2021-2022 tendrá otra ola de grandes melodías y energías divertidas. Cuéntanos más sobre tus últimas sesiones de A&R… A&R Sessions probablemente está en la cima de las cosas que siempre quise, para mí es una gran oportunidad de hablar con artistas y personas líderes de la industria mientras escuchamos a nuevos artistas y demos, así que es un pack completo. Además de eso, has creado el Fondo de Ayuda Disco Halal por la COVID-19... ¿en qué consiste? ¿A qué está destinado? ¿Quién puede beneficiarse de él? Destinado a artistas jóvenes necesitados, básicamente no teníamos ni tenemos mucho en el bote, pero lo que sea que tengamos lo daremos en los próximos meses.

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¿Y el Singles Club? Singles Club ha terminado por ahora, y ha progresado a otra serie de singles con remixes, creo que hizo el daño que quería que hiciera, y ahora es el momento de llevarlo a un nivel superior. ¿Qué importancia tiene para ti ayudar a los aspirantes a DJ y productores que se están iniciando en la escena musical? Esta es probablemente mi razón clave para continuar formando parte de la escena: el futuro de la escena. ¿Te ves a ti mismo como un mentor a largo plazo? No me veo como nada, solo hago lo que me gusta y confío en mí mismo para ayudar a los demás. Recientemente has lanzado el nuevo EP de Polocorp a través de Disco Halal, con una colaboración del colectivo The Atlas. Fue increíble. ¿Cómo es trabajar con talentos como Polo? ¿Cómo los viste? Polocorp y Polo & Pan son increíbles, estoy muy orgulloso de poder lanzar música de ellos y espero hacerlo más veces. ¿Alguna nueva colaboración en proceso? Estoy trabajando en una colaboración con un nuevo artista, su nombre es Komilev, ¡no le quites el ojo de encima! ¿Cómo encuentras nuevos talentos para tu sello? ¿Cómo es tu proceso de exploración? Actualmente recibo mucha música, por lo que es más fácil para mí detectar a gente nueva. En cuanto al proceso de exploración, simplemente lo sabes, es una especie de sexto sentido, ¡no puedo explicarlo con palabras! ¿Qué es lo que más te inspira actualmente? Como siempre, todo puede inspirar y a la vez matar las vibraciones, necesito encontrar un equilibrio en la vida. ¿Cómo describirías tu manera actual de hacer música en 3 palabras? Diversión, tiempo, perspectiva ¿Qué esperas del 2021? Me olvido de los números (risas), lo que tenga que ser, será. Y... ¿qué podemos esperar de Moscoman? ¡Dinos! ¡Estoy aquí para quedarme, sea lo que sea! Más de lo mismo, más cosas nuevas, más de todo. Inicia sesión en twitch.tv/discohalal ¡Gracias por tu tiempo! ¡Gracias a vosotros! *Escucha el mix exclusivo que ha preparado Moscoman para DJ Mag ES escaneando el código QR.

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ERRORTICA

CALOR Y ALMA ANAL Ã&#x201C; GICA

Autor: EDUARDO P. WAASDORP Y CARLOS FLAVIO BUSTOS

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EN DJ MAG ES LLEVAMOS CON ESTE NOMBRE ZUMBANDO EN NUESTROS OÍDOS DESDE HACE UN TIEMPO. SIENDO ELEGIDA POR NUESTRO GURÚ DEL DIGGIN’ (BLACK FLAMINGO DISCO DRIVER) COMO UNA DE LAS ARTISTAS REVELACIÓN DE 2020, ERRORTICA (ALIAS DE SASHA BALYKOVA) CERRÓ EL PASADO CURSO CON UNO DE LOS EPS MÁS ESTRATOSFÉRICOS DEL AÑO: “SAFELY STOWED EP”. ESTE TRABAJO, QUE CONSTA DE TRES ORIGINALES CON SABOR A ÍTALO, ACID O NEW WAVE Y QUE IBA CON UNA INCREÍBLE REMEZCLA DE OTRA DE LAS FIGURAS DE 2020 (ANATOLIAN WEAPONS), PUBLICADO EN EL SELLO DE CULTO LES YEUX ORANGE, PUSO EN ALERTA A LA REDACCIÓN YA QUE PARA NOSOTROS, SIN DUDA ERA UN PASAPORTE METEÓRICO PARA SER UNA DE LAS FIGURAS ESENCIALES A SEGUIR DE CERCA EN 2021. Y ASÍ HEMOS HECHO. PARA ESTE MES DE FEBRERO, HEMOS QUERIDO CONVOCAR A SASHA PARA CONOCER MEJOR SU PASADO Y SU PRESENTE, PARA PONER UNA MIRADA EN SU FUTURO. ASÍ ENTENDERÉIS TODOS, QUERIDOS LECTORES, PORQUÉ ELLA ES UNA DE LAS CARAS MÁS BRILLANTES DEL FUTURO DE LA ELECTRÓNICA MÁS EXPLOSIVA DE LA ESCENA EUROPEA. DESDE RUSIA, CON AMOR… ¡PASEN Y LEAN!

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¡Hola, Sasha! ¡Es un placer tenerte en la revista! Eres una de las grandes revelaciones de 2020 en el plano electrónico más curado y underground. Eres de San Petersburgo, una de las grandes urbes de Rusia. ¿Cómo fue crecer allí? ¡Gracias a vosotros! Crecer en San Petersburgo fue normal. Mi madre me mandó a una escuela musical desde los 5 años. Tampoco es que fuera una estudiante ejemplar y realmente no disfrutaba de las clases de piano demasiado, pero supongo que en algún lugar de mi subconsciente, se formó un punto de partida para mi entendimiento de la música como instrumento de auto expresión. Desde entonces, toda mi vida he sido privilegiada, porque como fan de la música, he podido asistir a los conciertos de las bandas más grandes de la historia, como The Rolling Stones, Depeche Mode, etc. porque siempre han incluido a San Petersburgo en sus tours mundiales. Con un poco de suerte, el confinamiento se acabará algún día y podremos volver a disfrutar de conciertos en estadios, fiestas en clubes… (con doble disfrute)(risas). Recuerdas la primera vez que oíste un track de electrónica? ¿Cómo te metiste en el mundo de la producción? Creo que fue hace mucho, cuando me obsesioné con la música disco. Al explorar el estilo y hacer diggin’, eso me llevó a descubrir el house y luego al techno, breakbeats y otros géneros clásicos. Y luego entendí que esta música la hacía, en general, solo una persona con un ordenador y unos cuantos sintetizadores, y no una banda enorme con mucha gente, con opiniones diferentes. Así que ese momento fue en el que me di cuenta de que haciendo música electrónica me puedo expresar como quiera y nadie me podrá decir

si estaba bien o mal. Digo esto porque antes, cuando tocaba la guitarra en un par de grupos, para mí era un auténtico reto encontrar una visión en común con los otros miembros sobre algunas cuestiones. ¡Así que dejé esos grupos y empecé a aprender a producir! ¿Cuáles fueron tus influencias musicales? Desde mi infancia siempre me influyó The Rolling Stones, David Bowie y ahora estoy metida en mucha música independiente de muchos géneros. Puede ser lo que sea, especialmente otra gente o pensamientos fugaces que tengo. Así que cuando lo siento, me pongo delante de Ableton a enredar con algo, y desarrollo una pequeña palabra o sonido hasta convertirlo en un track. En otros casos, tan solo empiezo a trabajar, aunque no esté trabajando (risas). ¿Cómo definirías tu sonido? Es difícil de decir, pero el reto que me pongo siempre es crear cada EP o single nuevo de una forma totalmente diferente, con un sonido y ambientes nuevos. Eres uno de los pilares de Test FM, ¿Cómo empezaste allí? ¿qué te aporta la radio? ¡Es mi todo en Rusia! Todo empezó cuando empecé a pinchar y me contactó Stas Kalivas. Él es una de las mejores personas que he conocido, con una mente realmente abierta, además de que me ha apoyado mucho. Así que tuve la idea de hacer un show que se llamase Melomantica y él me dejó hacer lo que yo quisiera. Ahora llevamos dos años geniales juntos. Y sin importar lo que pase en estos locos momentos, sé que tenemos una comunidad fuerte, que seguirá creciendo con nosotros. Todo empezó gracias al entusiasmo de Stas, que es creador de Test FM, que hacía streamings desde sitios aleatorios, como bares, apartamentos, etc. Luego, eso creció y se hizo su propio estudio, ubicado en San Petersburgo, además de showcases en otroas ciudades y colaboraciones con algunos grandes proyectos como Red Light Radio. Para mí es como mi casa, ahí me relajo y soy libre, desde el minuto uno que entro en el estudio. Gracias a Stas, todo el mundo tiene la mente abierta, es súper amigable, apasionado sobre la música. Ha creado algo nuevo. ¿Qué momento dirías que te cambió la vida? Sin duda, cuando mandé mis demos, sin esperar nada, a Les Yeux Orange y les gustó. Al final sacaron el vinilo, que salió el pasado otoño. Siempre he sido fan de lo que hacían, pero pensé que era más como una corporación, y nunca tuve el valor de escribirles. Pero me salí de mi zona de confort, escribí el mensaje más largo de mi vida y ¡les mandé el email! Y, afortunadamente, ahora LYO es mi casa, de lo que estoy muy orgullosa…

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Justamente, este pasado año publicaste tu disco, ‘Safety Stowed’, en Les Yeux Orange. ¿Cómo te sientes, como artista, tras haber publicado este maravilloso trabajo musical? Para nosotros, sin duda, uno de los destacados de 2020… ¡Gracias por vuestras palabras! ¡Raphael y Stan me hicieron la persona más feliz del mundo! Publicaron este EP, hicieron una portada súper bonita y la mejor de las promos. ¡No podía ser mejor! (Bueno, sin contar si hubiera podido viajar e irme de fiesta, todos juntos). Ahora tengo mucha más confianza en mí misma, porque gente a la que respeto mucho apreció mi trabajo, algo que yo había hecho. Es realmente importante para alguien que acaba de empezar su carrera en las artes conseguir un apoyo así, en el momento justo. Nos imaginamos tu estudio lleno de sintetizadores y cacharros. ¿Qué podemos encontrar en tu fábrica de baile?

De hecho, no tengo muchos sintes. Tengo un Roland SH101 y un SQ1 para controlar el CV/gate. Puedes oírlo perfectamente en el EP y también tengo un Prophet 8, para los pads y algunas secuencias. Todo el resto está en mi ordenador. También, solía tener un montón de sintetizadores y efectos diferentes, como el Moog Minitaur, la TB-303, el Korg MS200b, el Analog4, etc. Pero después de probar muchos equipos, encontré el sonido que estaba buscando en lo que tengo ahora. Descríbenos la escena musical en tu ciudad, San Petersburgo… ¡Es genial! Tenemos grandes clubes como Blank y Yzeech!, además de grandes festivales, como el Present Perfect. Para los amantes del disco, tenemos un gran sitio que se llama Tancploshadka y un montón de espacios más pequeños y creativos. ¡También tenemos Test FM! Un montón de grandes DJs, selectores y músicos con talento

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han pasado por ahí. Así que, si el clima fuera diferente en San Petersburgo, seguro sería la mejor ciudad del mundo (risas). También estoy enamorada de Moscú y todos los creadores que vienen de allí, a muchos de los que ya he podido conocer, a pesar de tener una carrera tan corta… ¿Qué tan difícil es desarrollar tu carrera en la escena de Rusia en la actualidad? No he tenido la oportunidad de desarrollarla en otros lugares, así que en verdad no tengo respuesta para esta pregunta. En mi experiencia, hay mucho nivel, muchos grandes clubes, promotores y festivales. Es solo cuestión de tus ganas de intentar formar parte de ello, mejorando como profesional y no auto-engañarte creyendo que vas a mantener el interés del público para siempre sin desarrollarte tú mismo. Pero supongo que es así en todas partes, ¿no? Sabemos que es una escena creciente, pero también está llena de retos debido al corte conservador de la sociedad. ¿Cuáles son vuestros principales retos? ¿Y qué es lo mejor? Deberías hacerle esta pregunta a los promotores, que abren clubes o hacen eventos. Estoy segura de que ellos tendrán más problemas. Pero la audiencia que tenemos es extremadamente curiosa, lista para bailar toda la noche y súper leal a todo lo nuevo. La pandemia de la COVID-19 ha traído uno de los años más raros que se recuerda para los artistas. ¿Cómo y donde pasaste esos meses de confinamiento más riguroso? Yo estaba trabajando en un sitio “normal”. ¡Ahora he empezado un curso de diseño en 3D! Realmente me encantaría crear arte audiovisual, a la vez que música. Durante primavera y verano no tuvimos cuarentena aquí, así que he estado pinchando mucho, pasando el tiempo con amigos (sentí como que volvía al instituto, ¡con vacaciones de verano en la ciudad!). Fue raro, un año un poco inusual e importante. Nos mostró que tenemos que luchar por nuestros sueños y el futuro. ¡Espero que la gente despierte, persiga sus sueños y se de cuenta de que hay que trabajar para mantener su pasión! ¿Cómo valoras el estado actual de la escena musical? ¿Ves algo claro en el futuro? ¡Claro! ¡Que tenemos mucho futuro! Tampoco quiero decir mucho, hay muchos grandes músicos desconocidos que solo necesitan una oportunidad de ser escuchados por los influencers. La industria cambiará, porque esta cuarentena ha mostrado que las cosas ya no funcionan como antes ni lo volverán a hacer. Dices que hay muchos grandes músicos desconocidos, que tienen que ser apoyados por influencers.

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¿A qué te refieres? ¿Sientes que se te ha apoyado lo suficiente? Sí, yo he tenido esa suerte. ¡La mejor prueba es que estamos hablando ahora! ¡No me imaginaba jamás que esto me iba a pasar a mí! Con “influencers” me refiero a las revistas, a los recursos de redes sociales, emisoras de radio, DJs, selectores que han encontrado a su público y que no les importa obtener y compartir nueva información sobre lo que está pasando en la escena musical: nuevos nombres, publicaciones, releases, etc. Algunas veces, un poco de investigación y atención (y reconocimiento) a los talentos desconocidos ¡puede darles un

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billete premiado para tener la carrera que siempre soñó tener! Como me ha pasado a mí… A todo esto, ¿cuál era tu trabajo “normal”? He estado trabajando sin parar desde que dejé la universidad, pero mi último trabajo fue en una agencia de publicidad. ¡No me gustaba nada! (Risas). Finalmente, Sasha, ¿qué nos puedes contar de tus proyectos musicales futuros? ¿Tenemos que estar atentos a algo importante? Tengo dos EPs en camino y algunos singles, incluyendo uno que va a salir en System108. ¡Suena muy diferente!

También, a partir de ahora, estaré incluyendo muchos más vocales en mi trabajo, aunque todavía me avergüenza mi forma de cantar (risas). Pero es realmente importante para mí ponerle mi voz a mi música. ¡Le da un poco de alma humana! ¡Muchas gracias por tu tiempo, Sasha! ¡Te deseamos mucha suerte! ¡Gracias a vosotros por el interés! ¡Nos vemos pronto!

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MoM (aka Madre Tierra)

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Autor: PATRICIA PAREJA CASALÍ

Nativo de nuestro país, concretamente de Córdoba, Luis Couñago aka MoM -que a la vez hace referencia a la Madre Tierra- es un DJ y productor español afincado en México desde hace algunos meses. El artista se ha hecho hueco en el mundo de la música electrónica a paso de gigante. Sin ir más lejos, a principios del pasado 2020 su trabajo “Viva La Vida” se coronó como el álbum más vendido de la plataforma Beatport en menos de una semana, y hoy en día ya ha pisado las cabinas de algunos de los clubes más conocidos del mundo. Su vinculación con la electrónica se remonta a finales de los años 80, pero MoM apareció en 2015, momento en el que el artista empezó a construir sus primeros pinitos en la industria y a confeccionar su propio estilo, un estilo que se ha etiquetado de étnico, latino, africano y con toques árabes, pero que en palabras del artista “al tener influencias tan variopintas, ni yo mismo sé la línia de mis propios tracks”. Recientemente, MoM ha publicado un gran remix de “Smek”, del dúo Yüma, en el bien conocido sello Crosstown Rebels, y ha compartido el release con artistas de la talla de Villalobos. Nos hemos sentado a charlar con MoM para saber más acerca de sus recientes lanzamientos, de cómo fue su 2020, de sus futuros proyectos,… ¡y más! Os invitamos a que conozcáis más en profundidad a este artistazo que, estamos seguros, no va a dejar de sorprendernos. ¡No le perdáis de vista!

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Como te decía antes, a finales de los 80 empecé a escuchar artistas como Francesco Napoli, pero no tenía filtros, lo mismo me apasionaba con los maxi singles de Contraseña, música de guitarra, que con el sonido New Beat y Acid House. Piensa que en esa época era todo muy distinto. En mi ciudad natal, Córdoba, había un par de tiendas de discos, la principal, Sonido Público, era como ir al Parque de Atracciones. Tengo anécdotas increíbles de esa época. Los vinilos de importación venían con la galleta en blanco. Llegó uno de Simply Red y, por un tiempo, creíamos que cantaba una chica. ¿Cómo describirías tu proceso creativo? Indudablemente, para crear tengo que estar en mi estudio, en Conill de la Frontera. Me viene muy bien salir a pinchar durante unos meses porque me empapo de sonidos e ideas, pero me cuesta abrir Ableton fuera de mi estudio.

¡Hola MoM! ¡Es un placer tenerte en DJ Mag España! Cuéntanos, para quienes todavía no hayan oído hablar de ti, ¿quien es Luis Couñago, aka MoM? Hola, Luis Couñago es una persona que lleva vinculada a la música desde finales de los 80, de una manera u otra. Empecé en una tienda de vinilos y, posteriormente, trabajé en ventas, marketing y management. MoM nació en 2015, significa Madre Tierra. Mis mejores amigos decidieron regalarme lo necesario para empezar a producir. Desde finales de los 80, siempre mantuve contacto con la música electrónica, por lo que conseguir crear la estructura de un track me resultó relativamente fácil. En cuanto a la parte creativa, era otro cantar. Recibí ayuda de Holed Coin y ANüT sobre el entorno de Ableton y conceptos armónicos. Naciste en Córdoba y estuviste afincado en Cádiz bastante tiempo, un artista como tú conoce muy de cerca nuestra escena musical. ¿Cómo describirías la escena actual de nuestro país? La escena en España está en plena efervescencia con artistas súper consolidados internacionalmente como John Talabot, Pional o Hernry Saiz, y habría que destacar artistas como Marino Canal, Holed Coin, Mordisco o M.E.M.O, por nombrar algunos, que empiezan a tener un reconocimiento fuera de nuestras fronteras. Por otro lado, hay artistas como CharlieM y Durand, los dos andaluces, con un talento increíble y, a mi parecer, están a punto de conseguir el reconocimiento internacional. ¿Cómo fue tu primer contacto con la música electrónica? ¿Cuáles fueron tus principales influencias?

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Hace muy poco publicaste un nuevo remix del tema “Smek”, del dúo Yüma, en el prestigioso sello británico Crosstown Rebels. ¡Enhorabuena! ¿Cómo ha sido trabajar en esta remezcla? Remezclar un track como Smek siempre es un regalo. Una parte muy importante para mi es investigar y buscar nuevos sonidos. Si no me falla la memoria, di con el track original en el 2016. Hice un edit y 2 años más tarde hice otro con detalles diferentes. Cuando Damian me encargó el remix tenía una cosa clara: quería ser muy fiel a la versión original, ya que entendía que tanto Ricardo Villalobos como SIS se la iban a llevar a otro punto. Lo primero que hice fue alargarlo, creo que el original no llega a tres minutos, así que jugué con el riff principal de guitarra, y con la repetición de algunas estrofas para conseguir llevármela a los 6:28 que dura mi remix. Una vez tenía la estructura, me puse a trabajar en percusiones y sonidos orgánicos. Y sólo en la parte donde está el cambio armónico de las vocales, introduzco algún elemento electrónico justo antes de que la canción rompa. Además, el lanzamiento se incluye en un pack con otras dos remezclas, una de ellas de la mano del bien conocido Ricardo Villalobos. ¡Esto sí es un gran lanzamiento! ¿Cómo te sientes al respecto? Para mí siempre es un honor poder compartir releases con dos artistas consagrados como Ricardo y Buran. Dicen que tu música se mueve entre ritmos latinos, africanos, elementos étnicos y toques árabes. Pero… ¿cómo la describirías tú con tus propias palabras? No creo que mi música se pueda catalogar en un estilo en concreto ya que, precisamente, al tener influencias tan variopintas, ni yo mismo sé la línea de mis nuevos tracks. He terminado un EP con Landikhan, y uno de los tracks es techno a 116 BPM y el otro es D´N´B. Estoy trabajando en un track de electro, también muy debajo de BPM, y por otro lado estoy trabajando en un álbum conceptual con guitarra española. Hay veces que pienso que debería tener una línea de trabajo, un estilo, pero es que mi estilo es ese: la fusión.

En términos generales, ¿qué es lo que más te inspira en el momento de componer? Me inspira el estar tranquilo, volver a la rutina y a la vida ordenada después de una gira. Mi gato Nicko también me inspira mucho. El año pasado vivimos graves bloqueos a consecuencia a la pandemia de la COVID-19. ¿En qué invertiste el tiempo durante el confinamiento? ¿Qué tan afectados se han visto tus planes a consecuencia de la pandemia? Creo que 2020 será un año marcado en el calendario para todos nosotros. El primer confinamiento lo pasé en casa, y aproveché para adelantar todo el trabajo de estudio que pude. En verano montamos una banda a marcha forzada junto a Álvaro Suarez y Maria y Joseca de Holed Coin, y conseguimos una residencia en Julio y Agosto en Scorpios, Mykonos. A mediados de Octubre decidí dar el paso de venirme a México, y aquí sigo. Para cómo ha estado todo, no me puedo quejar. No hice ni de lejos los 55 gigs del 2019, pero he seguido pinchando en la medida que me ha sido posible. Ha sido un año muy difícil para todos, pero cabe destacar que tú lo empezaste con buen pie. Tu álbum “Viva la Vida” necesitó menos de una semana para convertirse en el EP más vendido en Beatport. ¿Qué nos puedes explicar sobre ese EP? ¿Esperabas ese gran recibimiento entre los oyentes?

Ese EP fue el conjunto de grandes colaboraciones. Siempre he sido un gran amante del arte del sampling y, en este caso, nos sentamos ANüT y yo y decidimos trabajar sobre los acordes y parte de la melodía de un track que tocaba por los 90”, Cappella - U Got 2 Know-, Le mandé la idea a JPatterson, y nos devolvió esa increíble melodía de trompeta. Luego, tuvimos la suerte de que El Mundo quisiese remezclarla. ¿Cómo ves el futuro de la industria de la música, con el fin de la pandemia aún intermitente en todo el mundo? Todo esta cambiando a la velocidad de la luz, y tendremos que adaptarnos a nuevas situaciones en las que no estábamos los años anteriores. Confiemos en que la situación se pueda *normalizar* lo antes posible. Saldremos fortalecidos de esta situación, no tengo la menor duda. ¿Qué nuevos proyectos podemos esperar de MoM en los próximos meses? Volveré a España un par de meses, terminaré algunos proyectos que tengo pendientes, y me volveré a México. Inicié una residencia semanal en Mia Tulum, MoMdays y, cuando sea viable, tengo pendiente un tour por Brasil y Argentina. ¡Muchas gracias por tu tiempo, Luis! De parte de todo el equipo de DJ Mag España, te deseamos lo mejor. ¡Gracias a vosotros, siempre es un placer!

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Autor: WIL CRISP Traducción: EDUARDO P. WAASDORP

EL BREXIT

¿QUÉ SUPONE PARA LA MÚSICA? Después de que Reino Unido haya dejado la Unión Europea oficialmente el 1 de enero, el gobierno británico ha dejado una gran lista de preguntas sin contestar sobre la vida diaria, el trabajo y los viajes. Para los músicos, el Brexit ha golpeado el corazón de lo que mantiene funcionando a la industria: los tours. En este artículo DJ Mag explora las actuales leyes para los artistas que viajan y sus equipos y cómo los gobiernos tendrían que cambiar las reglas para mantener viva a la industria musical.

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as aguas todavía tienen que calmarse, en lo que respecta al acuerdo del Brexit entre Reino Unido y la UE, pero ya ha quedado claro que irse de tour por Europa para los músicos y DJs británicos ya nunca va a ser lo mismo. Y viceversa. Ahora que la libertad de movimientos se ha terminado, a los artistas británicos se les podría llegar a pedir aplicar a diferentes permisos de trabajo para poder tocar en tours por el continente y habrá requisitos adicionales y pesados para los artistas europeos que quieran tocar en Reino Unido. Los detalles exactos de cómo van a funcionar las nuevas regulaciones para trabajar no parece que se vayan a aclarar hasta que tengan que ser puestos en práctica, según los expertos. Lo que si queda claro es que estas leyes van a tener consecuencias importantes para artistas individuales, promotores y equipo, además de los managers. “Ha sido muy difícil conseguir información clara y real del gobierno”, dice Liam Budd, manager senior de asuntos exteriores y políticas de la Incorporated Society Of Musicians (ISM, Sociedad de Músicos británicos). “Es un panorama realmente complicado y uno de los asuntos clave para nosotros es presionar para una mayor transparencia por parte del gobierno con respecto a las negociaciones y lo que estas nuevas reglas van a significar para aquellos profesionales del sector musical”.

bajan, durante un año normal, en más de una actuación única (no parte de un tour más extenso) en países de la Unión Europea. “En el pasado, era fácil hacer eso”, continúa. “Pero las nuevas reglas significan que va a ser mucho más difícil y va a tener un impacto claro en las ganancias monetarias. Va a haber un impacto muy real en los artistas británicos que quieran hacer tours extensos por Europa y puede que muchos intenten viajar a menos territorios para simplificar todos los requisitos burocráticos”. A continuación, DJ Mag desglosa lo que significan las actuales reglas post-Brexit para los artistas y equipos británicos que quieran irse de tour por Europa, así como para artistas y crews europeos que quieran actuar en Reino Unido; el impacto que estas reglas van a tener en otros actores de la industria musical; y cómo el gobierno británico podría cambiar esas reglas para que beneficien a todos.

SOY UN ARTISTA BRITÁNTICO QUE SE VA DE TOUR A EUROPA. ¿CÓMO ME AFECTAN LAS LEYES?

Tal y como están las cosas, el impacto del Brexit va a ser importante no solo para el Reino Unido, sino también para el sector musical de toda Europa según Naomi Pohl, secretaria general delegada del Sindicato de Músicos de Reino Unido. “Estamos realmente preocupados de que vaya a tener un gran impacto en la capacidad de nuestros miembros de poder tener una carrera sostenible”, dice.

El principal problema para los artistas británicos que se vayan de viaje solos por Europa después del Brexit es que no van a poder tocar en un bolo pagado o llevar a cabo ningún trabajo remunerado en algunos países sin un permiso de trabajo. Porque los requisitos de entrada para visas de trabajo varían según el país de la Unión Europea que estemos hablando, los artistas o tour managers tendrán que revisar dichos requisititos para cada uno, de forma individual. “El gobierno de Reino Unido no ha dado ningún tipo de guía sobre cuáles van a ser esos requisitos por países”, dice Budd, “por lo que descubrir lo que necesitas puede significar tener que mirar decenas de páginas web, algunas de las cuales no son muy claras o no han sido traducidas al inglés”.

“Irse de tour supone una gran parte la actividad profesional de nuestros miembros y la idea de que va a ser más caro y más difícil en términos administrativos o burocráticos, va a tener un efecto negativo y en detrimento de irse de tour por Europa. Como con la mayoría de cosas, va a tener un mayor impacto en la gente que gana menos dinero. Muchos de nuestros miembros tra-

En un esfuerzo para dar algo de claridad a aquellos que estén planeando tours, el ISM ha llevado a cabo una investigación (https://www.ism.org/advice/eu-work-permit-requirements-for-musicians) sobre cuáles son los actuales requisitos para cada estado miembro de la UE y ha publicado su guía para artistas. Algunos países, como Dinamarca, requieren que el permiso especial de

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trabajo se entregue antes de la actuación incluso si el artista solo esté planeando quedarse durante un par de días. En otros, como Austria, los artistas no necesitan un permiso si se van a quedar menos de 30 días; y en Francia, no lo necesitan si van a estar menos de 90 días. Algunos estados miembros tienen excepciones especiales. En Bélgica, “artistas de renombre internacional” no necesitan un visado de trabajo para actuar en un bolo, mientras que artistas menos famosos tendrán que conseguir dicho permiso para cualquier actuación que tengan. Si un artista británico no va a hacer ningún trabajo remunerado, puede entrar en la Unión Europea y viajar sin restricciones hasta 90 días con su visado de turista. Esto significa que el artista puede actuar gratis o tener reuniones de trabajo, siempre y cuando no se le pague por ello. Un diagrama reciente compilado por el sindicato de músicos británicos brinda información adicional sobre la documentación y papeleo necesario para los músicos que viajen a la UE (https://musiciansunion. org.uk/all-news-and-features/flowchart-guide-to-working-in-the-eu-from-1-january-2021-published).

SOY UN ARTISTA EUROPEO QUE SE VA DE TOUR A REINO UNIDO. ¿CÓMO ME AFECTAN LAS LEYES? Las leyes también se han complicado para artistas europeos que quieran tocar en Reino Unido. Hay varias formas legales de hacerlo, pero en la mayoría de circunstancias, conseguir una visa de actividad pagada (Permitted Paid Engagement visa, https://www.gov. uk/permitted-paid-engagement-visa) será la forma más simple, barata y efectiva de conseguirlo. Esta visa cuesta 95£ y permite a cada persona quedarse hasta 30 días. Aunque no está claro exactamente cómo funcionarán estas visas en relación a los artistas que viajan, se espera que les pida a las personas que lleven algunos documentos para mostrar quién les está contratando y qué trabajo están haciendo. El sindicato de músicos está preocupado que la tarifa de 95£ y la burocracia extra que se pida para la visa PPE persuada a algunos artistas europeos de ir a actuar a Reino Unido. “Estamos preocupados que artistas emergentes o individuos que están haciendo trabajos más experimentales – refiriéndonos a menos comercia-

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les, quizá – ahora tengan menos ganas de visitar Reino Unido”, dice Pohl. “La tarifa de 95£ es por persona, por lo que si hay una banda con muchos miembros que quiera venir, va a significar mucho más dinero, obviamente”. En este momento, parece que cualquier roadie (pipa) adicional, miembros del equipo o técnicos que viajen a Reino Unido también tendrán que obtener la visa PPE, así como músicos o los propios DJs – añadiendo más costes y papeleo. Si eres un DJ europeo que va a tocar en un festival, quizá no necesites conseguir un visado PPE, porque se ha creado un plan para festivales que evita que se tenga que sacar estos permisos. Bajo este plan, los festivales pueden aplicar para que el gobierno les incluya en la lista de festivales libres de permisos (https://www.gov. uk/government/publications/apply-to-be-on-the-listof-permit-free-festivals/how-to-apply-to-get-on-thelist-of-permit-free-festivals). Hasta el momento, hay 41 festivales en la lista (https://www.gov.uk/guidance/ immigration-rules/-immigration-rules-appendix-visitor-permit-free-festival-list), que incluye a Glastonbury, Boomtown Festival y Camp Bestival. Aparte de la visa PPE, otra opción que un DJ europeo tiene para irse de tour por Reino Unido es conseguir un visado de Trabajador Temporal de Intercambio Autorizado por el Gobierno (Temporary Worker Government Authorised Exchange visa), también conocido como T5. Esta es un poco más complicada y requiere que el trabajador obtenga un certificado de patrocinio de un empleador o contratante en Reino Unido.

que ser revisadas en las fronteras que se crucen, para asegurarse de que el portador vuelve a Reino Unido con el mismo material con el que se fue. Revisar la lista del carnet puede convertirse, en definitiva, en una tarea cara y lenta, dice John Rogers, un operador de luces y diseñador que está en el Comité de la Red De Eventos en Directo (Live Events Network Committee) del sindicato de Emisión, Entretenimiento, Comunicaciones y Teatro. “Normalmente uno puede pasarse unas ocho horas guardando los equipos después de una actuación en Londres, luego te subes al bus, te duermes y te despiertas en el siguiente destino en Europa”, dice. “Pero ahora, bajo las nuevas leyes, cuando llegues a la frontera vas a tener que despertarte y desempaquetar todo para mostrárselo a los oficiales de aduana. Luego habrá que meterlo todo de nuevo en el camión antes de que puedas seguir con el viaje”. “Supone mucho más dinero y trabajadores tener que literalmente descargar el camión en la frontera para que el oficial pueda revisar el carnet y comprobar todo”, continúa. “En algunos casos, simplemente no es algo realista esperar que una crew empaquete todo después de un show y se despierte un par de horas después para descargarlo en la frontera. Lo más lógico es que lo haga otro equipo de trabajadores, que tendrá que ser contratado a mayores por el artista, para que haga el trabajo en el control de aduanas”.

TENEMOS UN BUS PARA EL TOUR. ¿CÓMO NOS AFECTAN LAS LEYES?

SOY UN ARTISTA BRITÁNICO QUE SE VA DE TOUR A EUROPA CON EQUIPAMIENTO. ¿CÓMO ME AFECTAN LAS LEYES? Para un artista británico que viaje a Europa con equipamiento, sea una banda o un artista único de directo, ahora tendrá que obtener un carnet para todo el equipamiento y aparatos con los que viaje. Este documento es como un pasaporte para objetos y puede usarse para pasar las aduanas en países sin pagar impuestos de importación sobre equipos. El coste de obtener este carnet depende del valor del equipo con el que se viaje. Se cree que el precio de salida será 360£, además de un depósito de seguridad adicional. El documento va a tener una lista de todas las piezas relevantes de equipo y probablemente tendrán

Por el momento, las nuevas leyes para el transporte comercial van a causar problemas tremendos para los músicos de Reino Unido que quieran irse de tour por Europa con equipos en un camión o autobús. Bajo la nueva legislación (https://www.gov.uk/guidance/ transporting-goods-between-great-britain-and-theeu-guidance-for-hauliers-and-commercial-drivers), si vas a viajar con un camión grande con equipamiento, un operador británico solo podrá hacer dos movimientos de cabotaje (transporte de mercancías o equipajes entre diversos lugares del territorio de un estado [puertos, aeropuertos, etc.] sin abandonarlo) entre fronteras una vez entre en territorio europeo. Según el sindicato de músicos, esto podría causar que los tours con un camión cargado de equipo desde Reino Unido, por la UE, sean virtualmente imposibles.

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“Hay una posibilidad de que los artistas que viajen tengan que transportar su equipo desde Reino Unido a la UE en un camión, luego alquilen otro camión en la UE y pongan todo el equipo en ese nuevo camión”, dice Pohl. “Por el momento, parece que una vez que hayan transferido su equipo a un camión europeo, podrán viajar libremente por la Unión sin más problemas. Sin embargo, contratar un transporte extra dentro de la UE supone un coste extra significativo y podría causar problemas de presupuesto para algunos tours”.

a terminar siendo más costosas para los tour managers, comparadas con crews contratadas en la Unión Europea”, dice Rogers. “Si un técnico de luces neerlandés puede moverse libremente por Europa sin tener que afrontar restricciones, van a ser más deseables para los tour managers comparados con un candidato similar de Reino Unido. Esto es porque costará menos, en términos de gastos burocráticos y posibles cuotas de permisos de trabajo”.

SOY UN PROMOTOR DE EVENTOS. ¿CÓMO ME AFECTAN LAS LEYES?

SOY UN ROADIE (PIPA) BRITÁNICO QUE SE VA DE TOUR POR EUROPA. ¿CÓMO ME AFECTAN LAS LEYES? Cuando los tour managers estén decidiendo a quién contratar para futuros tours, hay preocupación de que el acuerdo para el Brexit actual pueda poner a los roadies (pipas) y técnicos británicos en desventaja con respecto a sus colegas que viven en la UE. “Parece que, debido a la burocracia adicional y los gastos de permisos de trabajo, las crews británicas van

La serie de nuevas leyes que los artistas deben cumplir durante sus tours no solo van a causar un dolor de cabeza a aquellos que viajen. Gran parte de la burocracia, costes y el papeleo van a acabar recayendo en los promotores. Con los problemas que conlleva. “No tengo duda alguna de que va a generar problemas para aquellos que intenten traer nuevos talentos a Reino Unido”, dice Pohl. “DJs y bandas seguramente tengan reticencias a venir aquí y tener que lidiar con

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los costes adicionales y el papeleo, por lo que los promotores se verán forzados a asumir parte de la carga para hacer que venir a actuar a Reino Unido sea más atractivo para aquellos artistas que estén de tour por la UE”.

¿QUÉ PROBABILIDAD HAY DE QUE LAS LEYES CAMBIEN A MEJOR? Según el ISM, el 44% de los músicos británicos estaban ganando hasta la mitad de su sueldo en la Unión Europea antes de la pandemia de la COVID-19. Se espera que los nuevos problemas logísticos asociados con los tours después del Brexit supongan problemas financieros para aquellos que trabajen en el sector de la música en Reino Unido. Durante la pandemia, el plan de apoyo de ingresos para autónomos (Self-Employment Income Support Scheme, SEISS) no ha llegado a entre el 38 y el 50% de los miembros del sindicato de músicos, según una investigación de la organización y muchos están considerando dejar la industria para siempre. “Todo este tiempo, cuando hemos hablado sobre el problema del Brexit, tanto laboristas como conservadores nos han asegurado que iban a cuidar los intereses de los músicos de tour”, dice Pohl. “El hecho de que estos problemas para los músicos no hayan sido resueltos durante las negociaciones es muy decepcionante”. En diciembre de 2020, el gobierno dijo que había intentado asegurar mejores condiciones para los músicos británicos durante las negociaciones para el Brexit, pero que sus propuestas habían sido rechazadas por la UE. Sin embargo, a principios de mes, esas declaraciones fueron rebatidas. El 10 de enero, el periódico británico The Independent publicó un articulo (https:// www.independent.co.uk/news/uk/politics/uk-visafree-work-musicians-eu-brexit-b1784600.html) donde una fuente anónima de la UE decía que se había propuesto un documento estándar para eximir a artistas de los costes y papeleo que supone obtener permisos y visados individuales, pero que había sido el gobierno de Reino Unido quien lo rechazó porque “querían acabar con la libertad de movimiento”. En respuesta al artículo, el gobierno británico dijo que el artículo era “especulativo, incorrecto y engañoso por parte de las fuentes de la UE”. Dicen que la Unión Europea “negó repetidamente” las propuestas hechas por parte del sector de las artes creativas británico (https://www.bbc.co.uk/news/entertain-

ment-arts-55483105). Decía: “Tenemos claro que nuestras puertas siguen abiertas si la UE cambia de opinión. Seguiremos intentando hacer que todo sea tan directo como sea posible para que los artistas británicos puedan viajar y trabajar en Europa”. Mientras que la perspectiva sigue siendo desoladora para los artistas, hay esperanzas de que pueda mejorar. La ISM está presionando al gobierno (https://www.ism. org/news/ism-launches-new-visa-and-work-permitadvice-service) para que busque acuerdos bilaterales adicionales que permitan a los artistas británicos la oportunidad de trabajar en cualquier lugar de la UE durante 90 días sin permisos de trabajo. “Esto no se trata de renegociar el acuerdo al que ya se ha llegado”, dice Budd. “Lo que queremos es un acuerdo adicional, que se acepte por separado”. Por el momento, una petición que busca que se cree “una visa de trabajo libre para toda Europa, para artistas y profesionales” ha conseguido más de 260 mil firmas. En la sesión de control al Primer Ministro (Prime Minister’s Questions) del 13 de enero, el miembro del parlamento Kevin Brennan le preguntó a Boris Johnson si estaba dispuesto a reunirse con un “pequeño grupo de MPs, incluido el representante del partido conservador del comité de cultura”, para resolver un problema que describe como “claramente remediable”. Johnson respondió: “Voy a asegurar que haya una reunión adecuada con el honorable caballero y sus colegas sobre este tema, que es extremadamente importante. Sé que nuestros amigos en la UE querrán hablar y mejorar las cosas, no solo para los músicos, sino para profesionales de todo tipo que viajen por negocios, porque hay un beneficio común”. El 19 de enero, la ministra de cultura, Caroline Dinenage, rechazó la petición de ampliar las negociaciones con la UE (https://djmag.com/news/uk-ministers-reject-calls-push-visa-free-touring-musicians), diciendo que sus propuestas eran “simplemente no compatibles con nuestro manifiesto por el compromiso de retomar el control de nuestras fronteras”. El ISM cree que el gobierno ha demostrado que está abierto a abrir nuevas negociaciones, con la perspectiva de mejorar la situación para los músicos que viajen, pero queda por ver el hecho de que se pueda llegar a un nuevo acuerdo con la UE.

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E L F U T U R O D E LO S J U EGOS E N LA M Ú S I CA E L ECT R Ó N I CA El mundo de los videojuegos y la música electrónica se está fusionando como nunca antes, con raves virtuales, músicos generados por IA (inteligencia artificial) y conciertos dentro juegos multijugador masivos, como Fortnite o Minecraft, siendo algo que está a la orden del día. DJ Mag investiga lo que esto podría significar para el futuro de las discotecas y la música dance. Texto: CHERIE HU Fotos: NIKKO LAMERE Traducción: PATRICIA PAREJA CASALÍ

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si el próximo concierto de música electrónica al que asistieras fuera... un juego? Imagínalo por un segundo: el concierto se llevaría a cabo virtualmente en un servidor en la nube y, en lugar de comprar un ticket por adelantado, simplemente iniciarías sesión en un sitio web a través de tu ordenador portátil o teléfono móvil para conseguir acceso al concierto de forma gratuita. Al iniciar sesión y elegir tu avatar y nombre de usuario, de repente te verás dentro de un mundo fantástico, similar a un bosque generado por ordenador, con un gran escenario virtual, similar a una montaña, en el centro de tu pantalla. El artista en el escenario se parecería a un DJ, pero en realidad estaría representado por un avatar animado y colorido. No habría forma de saber si hay un humano real detrás del avatar, o si la imagen fue generada por ordenador automáticamente. Pero eso no importaría necesariamente porque, a diferencia de un espectáculo físico, podrías interactuar directamente con el artista en el escenario, así como con los millones de asistentes al concierto que te ven a través del chat en directo de un foro, en el lateral de la pantalla. De vez en cuando, el DJ también lanzaría minijuegos colaborativos que los asistentes tendrían que completar juntos para que el espectáculo continuara, ocasionalmente a cambio de recompensas como productos gratuitos de edición limitada o skins para tu avatar. Y, por supuesto, como guinda del pastel, la música sonaría genial y te mantendría bailando en tu asiento desde la comodidad de tu dormitorio durante horas. Esto puede sonar extraño en el mejor de los casos, distópico en el peor, pero ya ha sucedido muchas veces con algunos de los artistas y juegos más importantes del mundo. De hecho, eso es exactamente lo que sucedió cuando Marshmello pinchó dos DJ sets para más de 10 millones de espectadores en Fortnite, cuando Minecraft organizó no uno, sino dos festivales de música electrónica dentro de su juego, y cuando Lindsey Stirling, luciendo un traje de captura de movimiento de 40,000 $, actuó como avatar dentro de un concierto virtual interactivo para más de 400.000 asistentes. En esencia, estos conciertos de música electrónica eran solo juegos, lo que marcaba una transformación en la cultura musical online, y a los fans les encantó.

video y un juego multijugador subraya cómo, en un mundo siempre activo y sobresaturado gobernado por redes sociales y plataformas publicitarias, las empresas de industrias aparentemente dispares en realidad están compitiendo por las mismas dos monedas: atención al consumidor e influencia cultural. Ciertamente, los músicos están inmersos en una enorme presión para publicar un flujo constante de contenido, en lugar de concentrar su energía en un álbum por año, como era la norma en el apogeo de los formatos físicos como los discos de vinilo y los CD. Una táctica que ha ayudado a algunos artistas es vincular su discografía a otro tipo de formato de entretenimiento narrativo, como el cine o la literatura. Como Simon Reynolds escribió para Pitchfork, vincular un proyecto a una narrativa más amplia y no musical es “una forma para que los artistas compitan en una economía de la atención que está sobreabastecida, al tiempo que refleja su entusiasmo por una amplia gama de ideas”. De ahí la razón por la que estamos viendo un aumento repentino en las películas biográficas

COMPETICIÓN En su informe de ganancias del cuarto trimestre de 2018, Netflix declaró que “compite (y pierde) con Fortnite más que con HBO”. La comparación -quizás inesperada- entre una plataforma de transmisión de

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juegos. Algunos de los ejemplos más interesantes de estos acuerdos de licencia incluyen Grand Theft Auto, que crea radioemisoras en el juego hechas a medida para artistas y sellos selectos; NBA 2K opta por una lista de reproducción actualizada periódicamente como banda sonora, en lugar de una colección estática; y Rocket League trabaja con el sello electrónico indie Monstercat, en compilaciones exclusivas. Pero en todas estas situaciones, los sellos están negociando acuerdos en nombre de los artistas. Hay poco o ningún compromiso directo entre los artistas y los fans dentro del juego en sí, y los desarrolladores del juego finalmente son los dueños de la experiencia del usuario. Sin embargo, a raíz del auge de los e-sports en los últimos años, ha surgido un importante punto de inflexión. Buscando convertirse en personas influyentes de la cultura pop, los principales torneos de deportes electrónicos claman por talento musical para actuar en sus eventos, desde Zedd en las finales de la Overwatch League hasta TheFatRat en ESL One Hamburg. Las principales agencias de booking ahora mantienen “master lists” internas de artistas que son jugadores o están interesados en establecer asociaciones de juegos en el futuro. Y las nuevas subsidiarias de grandes sellos como Enter Records de Universal Music Group y Lost Rings de Sony Music buscan eludir los acuerdos de licencia y cultivar relaciones con la comunidad de jugadores directamente, contratando artistas a los que les encantan los juegos o hacen música que les gusta a los jugadores. y documentales musicales, los podcasts con temas musicales y las asociaciones con juegos impulsadas por la música. Existe un incentivo financiero para que las compañías de música también se asocien con compañías de juegos en particular. Según Newzoo, el mercado de los juegos digitales generó 125.3$ mil millones en ingresos en 2018 – más de 40 $ mil millones más de lo que los analistas de inversiones proyectan que la industria de la música grabada hará en 10 años. Tradicionalmente, la relación entre las industrias de la música y los juegos ha cogido la forma de un catálogo de licencias de sellos discográficos en nombre de los artistas para ser incluidos en las bandas sonoras de los

GAMING-FICACIÓN La próxima década verá otra etapa de una transformación importante en la relación entre la música y los juegos, es decir, la aplicación de la mecánica del juego -comúnmente conocida como “gamificación”- a la forma en que se crea, consume y contextualiza la música. ¿Qué significa exactamente que algo sea "gamificado"? Los expertos de la industria señalan numerosos elementos que distinguen a los juegos, especialmente los multijugador, de otras formas de entretenimiento, incluidos los juegos de rol, la acción coordinada con otros jugadores, la puntuación competitiva y características sociales como texto live y video chat. Este es un tipo de participación de los fans

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fundamentalmente diferente a la que los artistas están acostumbrados a encontrar en servicios de streaming como Spotify y Apple Music. Si bien estos servicios comparten algunas características de nivel superficial con juegos populares (decenas de millones de usuarios activos, alcance geográfico expansivo, funcionalidad de múltiples dispositivos, características multimedia, etc.), el acto de transmitir música es en realidad una experiencia bastante aislada, individualizada y utilitaria desde la perspectiva del oyente, con pocos elementos sociales como live chat o comentarios habilitados en las plataformas dominantes. Tanto los artistas como los fans que buscan una conexión más profunda se ven obligados a cultivarla en otro lugar. Por el contrario, las plataformas de live streaming orientadas a juegos como Twitch hacen que las interacciones de los fans sean tan directas, sin filtros e interactivas como las que se pueden obtener online. "Twitch es tan, tan personal", dice CRAY, una artista electrónica y livestreamer de juegos, que se transmitía a sí misma jugando a juegos entre cuatro y ocho horas al día de media antes de embarcarse en su reciente gira. “No me están poniendo en el pedestal de ser 'demasiado famosa' o inalcanzable. Puedes hacerme preguntas sobre cómo hice una canción, o por qué elegí una letra determinada o un juego determinado. Simplemente estoy en mi ordenador en mi habitación, y tú también. Creo que es por eso que mis primeros fans en los videojuegos, que ahora también son mis fans en la música, son algunos de los más entregados que he tenido". Como era de esperar, la música electrónica en general está a la vanguardia de las experiencias híbridas de juegos musicales, en parte porque las herramientas y los sonidos del género están casi completamente informatizados por definición. Esto le da al género una mayor experimentación de forma natural, con nuevos modos de creación y distribución de música, especialmente aquellos que incorporan el aprendizaje automático para hacer que los tracks respondan mejor a las acciones del usuario y a las historias dentro de un juego determinado.

La creación musical adaptada es un área de creciente interés para algunos de los principales investigadores tecnológicos del mundo. “¿Podemos permitir de manera significativa que una pieza musical determinada se transforme y evolucione con un impacto diferente en cada audiencia? ¿Puede esta mutabilidad involucrar la imaginación de los artistas en nuevas formas?", propusieron Tod Machover y Charles Holbrow, del grupo Opera Of The Future del MIT Media Lab, en un artículo de opinión para NPR Music. "¿Pueden los oyentes, o incluso todo el entorno, desempeñar papeles de colaboración importantes en la construcción de una cultura de 'música en vivo’?". SERES VIRTUALES El artista londinense de electrónica Ash Koosha tenía este tipo de experiencia musical interactiva y adaptativa en mente cuando fundó Auxuman, una autodenominada "nueva generación [de] seres creativos virtuales" llamados Yona, Mony, Gemini, Hexe y Zoya, lanzó un álbum debut en septiembre de este año. Si bien Auxuman no es un juego en sí, Koosha dice que se inspiró directamente en el concepto de "personajes no jugadores" (NPC), es decir, personajes de videojuegos que están controlados por la inteligencia artificial del juego, en lugar de por los propios jugadores humanos – al diseñar los cinco miembros de Auxuman e

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sus "conciertos" en un mundo de juegos que evoluciona constantemente, basado en nuevas entradas de datos y comentarios de los usuarios. “Aún no lo hemos logrado por completo, pero nuestro objetivo es que los animadores vivan en un servidor de juegos que pueda transmitirse a un proyector en una sala de conciertos”, dice Koosha. “La paleta de colores, el diseño del escenario y la narrativa general de las actuaciones se actualizarían en tiempo real. Tan pronto como creamos grupos de servidores, también podemos habilitar interacciones uno a uno, por lo que cada usuario podrá elegir una 'narrativa' diferente en torno al artista y el show en función de lo que quieran". Varios artistas y empresas emergentes ya han aplicado el aprendizaje automático y la inteligencia artificial al proceso creativo musical, desde Holly Herndon haciendo un clon vocal de sí misma en su último álbum 'PROTO', hasta empresas emergentes como Boomy, Popgun y Amper haciendo que la composición musical sea tan fácil para el consumidor diario como hacer clic en un botón. Sin embargo, lo que podría hacer que Auxuman fuera aún más innovador es: si esa misma creatividad generativa también se aplicara a la forma en que estos músicos se ven y se comportan en la pantalla como avatares encarnados, y la forma en que se explican sus narrativas a los fans.

From top to bottom: screenshots from Wave’s concerts with Kill The Noise, Rezz and Lindsey Stirling, demonstrating the application of interactive game mechanics to the live/virtual concert experience imaginar las interacciones futuras de los fans con ellos. “En pocas palabras, estamos brindando talento a los NPC de manera totalmente digital y no controlada por humanos”, dice Koosha. El equipo detrás de Auxuman – que consta de tres empleados a tiempo completo, incluido Koosha, más una red de trabajadores freelance –, aprovechó una técnica conocida como clonación de voz neuronal, que utiliza un conjunto de algoritmos de aprendizaje conocidos como red neuronal para sintetizar la voz de un humano basado en muestras de audio preexistentes, para generar la voz de canto de cada miembro. Las técnicas de procesamiento del lenguaje natural también ayudaron a generar letras de canciones, basadas en la personalidad de cada miembro. “Cada personaje tiene su propio 'archivo de personalidad' que es distinto en términos de identidad, comportamiento y patrones psicológicos”, dice Koosha. "Por ejemplo, imaginamos que Yona preferiría leer cierto tipo de poesía o artículo de revista, y ese tipo de material se convierte en el conjunto de datos detrás de su personalidad”. Auxuman actualmente está buscando integrar oficialmente a sus miembros con juegos como Fortnite y Grand Theft Auto como NPC y "artistas residentes", y está hablando para asociarse con Twitch. De hecho, Koosha imagina un futuro en el que los miembros de Auxuman realizan

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ESPECTÁCULOS INTERACTIVOS Wave, una plataforma de conciertos virtuales con sede en Austin, Texas, ya ha estado organizando este tipo de espectáculos interactivos remotos durante años, a excepción de que no trabaja con personajes artificiales, sino con músicos humanos de la vida real. Anteriormente conocido como TheWaveVR, el primer producto de Wave fue una plataforma para raves sociales generadas por el usuario y basadas en la realidad virtual: los usuarios podían organizar y pinchar en sus propias fiestas en realidad virtual, con la opción de diseñar sus propios elementos visuales utilizando herramientas de diseño 3D como Google Poly. Los usuarios incluso podían tomar "drogas" virtuales entre sí, por lo que la experiencia del usuario de repente se vería extremadamente psicodélica, mostrando imágenes alucinantes que Wave encargó a una amplia red de artistas visuales y diseñadores para que las crearan para la aplicación. TOKiMONSTA, Imogen Heap y Jean-Michel Jarre estuvieron entre los primeros colaboradores notables de Wave en conciertos virtuales exclusivos y experiencias de álbumes inmersivos. Pero al igual que con la mayoría de las otras iniciativas de contenido de realidad virtual, Wave descubrió que el medio de la realidad virtual era limitante en términos de alcance e ingresos del consumidor, por lo que la compañía rápidamente comenzó a buscar oportunidades en otros entornos virtuales, y actualmente está explorando las posibilidades de Twitch. La intersección de la música y el diseño de juegos interactivos fue un área natural de interés para el cofundador/CEO de Wave, Adam Arrigo, quien anteriormente trabajó en la compañía de videojuegos Harmonix como diseñador y manager de producto para Rock Band, Fantasia: Music Evolved y Harmonix Music VR. Los recientes programas de Wave han incluido no solo "tramas" sueltas y evocadoras – que constan de 10 "escenas" diferentes creadas con las mismas herramientas de diseño abierto que la empresa puso a disposición de sus usuarios –, sino también elementos interactivos de juego que de otra manera serían desde difíciles hasta imposibles de implementar sin problemas en el entorno de un concierto real. Durante un concierto virtual que dio en Wave, el artista de dubstep Kill The Noise organizó una "batalla de jefes" al estilo de un juego, en la que se invitaba a los

Yona

asistentes a escribir "ataque" en el chat live de Twitch para ayudar a matar a un demonio que comenzó a disparar láseres con sus ojos desde el fondo. En otro concierto de Wave con el artista electrónico Rezz, los espectadores pudieron ver sus comentarios del chat live transmitidos en una imagen personalizada de "Transmisión de Chat" que fue proyectada y actualizada en tiempo real en el escenario de Rezz. Y durante el programa Wave de Lindsey Stirling, los espectadores que publicaron en la barra de chat aparecerían como estrellas en el cielo en el mundo virtual cósmico. Los modelos de negocio para estos conciertos virtuales probablemente se asemejarán a los de un número creciente de videojuegos, en el sentido de que serán "gratuitos para jugar". No tienes que pagar nada por adelantado para jugar Fortnite o PUBG, pero hay una gran cantidad de oportunidades para pagar skins, armas, efectos u otros elementos adicionales una vez que hayas avanzado en la experiencia de juego. Arrigo prevé que la monetización de conciertos virtuales funcionará de la misma manera, especialmente si viven principalmente en entornos de juego existentes. “Quiero que todos puedan entrar gratis, pero luego podríamos venderles más productos e interacciones virtuales”, dice. “Podrías pagar 100 $ o algo así para que tu nombre de usuario se muestre en el escenario durante unos segundos. O creo que algo como un sombrero virtual de Chance The Rapper se vendería muy bien en un concierto virtual”. En otro artículo, Arrigo le dijo a este escritor que estaba interesado en convertir Wave en "la Live Nation o AEG del mundo virtual", que consiste en "una red de lugares digitales a través de... aplicaciones de streaming interactivo, videojuegos AAA, lugares donde las audiencias ya están socializando virtualmente”. Sin embargo, una diferencia clave con el Live Nation real es que los costes de producción de los conciertos virtuales serían mucho más bajos, lo que ahorraría dinero tanto para los artistas como para los fans.

De hecho, los programas de Wave ya son una operación mucho más ágil que sus competidores. Según los informes, el concierto de Fortnite de Marshmello tardó seis meses y se necesitaron alrededor de 30 a 40 personas para desarrollarse; por el contrario, el espectáculo Wave de Lindsey Stirling, que ofreció una experiencia similar de Stirling actuando ante una multitud virtual como avatar, solo necesitó tres miembros del personal durante tres semanas para construirlo. “Lindsey [Stirling] llena espacios con capacidad para 5.000 personas, y costaría 100,000 $ montar ese espectáculo físico”, dice Arrigo. “Pero somos solo tres de 25 años y conseguimos llegar a 400.000 personas virtualmente. La economía de los espectáculos virtuales tiene márgenes drásticamente mejores". Mantener la economía de los conciertos será un imperativo cada vez mayor en el futuro, especialmente a medida que el número de creadores de música y arte visual continúa aumentando y cada vez más propiedades de eventos enfrentan las consecuencias del cambio climático y otros cambios ambientales. "Se está debatiendo mucho en Europa en este momento: ¿cómo podemos mantener sostenible la economía de la música en vivo dentro de 10 años?" pregunta Koosha. “Una posible solución es dividirlo parcialmente entre conciertos que tienen y no tienen artistas presentes”. ¿LA PARTE REAL? Con los conciertos virtuales, también surge una preocupación natural sobre si las experiencias virtuales entre artistas y fans pueden ser tan “auténticas” como la realidad. Pero la pregunta comienza a sonar innecesaria, incluso tonta, una vez colocas estos conciertos dentro de las tendencias más amplias de la cultura pop. De hecho, cada vez es más normal que los humanos interactúen con las representaciones digitales de los demás, en lugar de con sus seres reales. Los conciertos en los juegos están surgiendo al mismo tiempo que influencers virtuales como Lil Miquela adornan las vallas publicitarias en Times Square, los avatares tipo Bitmoji para personas como Jennifer Lopez y A $ AP Rocky están

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Ash Koosha

consiguiendo sus propios managers para acuerdos de asociación de marca, y las giras de hologramas para celebridades fallecidas como Whitney Houston y Roy Orbison están arrasando en el mundo. “Es extraño cómo la gente usa el término 'autenticidad' en contra de la cultura de los avatares, cuando ya somos avatares en las redes sociales”, dice Arrigo. “Tengo amigos que se pasan el día confeccionando meticulosamente su Instagram y publicando fotos en blanco y negro de ellos mismos fumando puros en Los Ángeles. Y yo pienso, en realidad no eres tú“. La creciente influencia de la inteligencia artificial en la cultura pop también genera temores de que la automatización reemplace las carreras de los creadores de música. Hace más de dos años, la industria de la música estaba asustada por la posibilidad de que "artistas falsos" llenaran listas de reproducción impulsadas por el mood y la actividad en Spotify -robando bienes promocionales potencialmente valiosos (y derechos de autor) de artistas humanos que derramaron sangre, sudor y lágrimas para cultivar una carrera musical sostenible. En un mundo de cultura musical gamificada, fácilmente podría surgir un miedo similar en torno a los "artistas falsos". ¿No es eso lo que Auxuman es al final del día: un conjunto de avatares que no pueden rastrearse hasta personalidades humanas individuales y que, por tanto, son “falsos”? Koosha rechaza esta afirmación, en parte porque Auxuman no podría haber cobrado vida sin un equipo de desarrolladores humanos y artistas detrás del grupo. "Los respetamos por igual como seres humanos, porque están construidos sobre datos de la vida humana online", dice Koosha. “Alguien, en algún lugar, escribió el material para el modelo que preparó las letras de Yona. Aunque las iteraciones actuales son un poco inestables, creemos que hay un cierto nivel de vida detrás de ellas”.

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Los sellos discográficos y otras compañías de música están lejos de quedarse obsoletos en un entorno centrado en los juegos, pero deben adaptarse rápidamente para satisfacer las demandas del formato. Eso significa pensar como estudios de cine y compañías de juegos, y contratar diseñadores visuales y desarrolladores de software, no solo promotores de conciertos o comercializadores digitales. "Una vez que reduces y automatizas más mano de obra, necesitas una curación aún mejor, y eso proviene de humanos con gusto y pensamiento crítico", dice Koosha. "Existe una gran comunidad de curadores y productores humanos que no necesariamente quieren actuar o tener una imagen pública, y que serán fuerzas masivas detrás de estos artistas virtuales". Esta mentalidad señala un nuevo modelo revolucionario de desarrollo de artistas y producción de conciertos, en el que la mecánica del juego interactivo es tan importante como la producción musical real o la presencia en el escenario, lo que requiere un conjunto completamente nuevo de habilidades y comportamientos para que fluya con éxito. Y si bien los juegos son un medio poderoso para desbloquear conexiones sociales más profundas entre artistas y fans, la comunidad de jugadores en general también ha demostrado en el pasado ser una fuerza correctiva despiadada contra aquellos que no están completamente comprometidos, interesados o respetuosos con la cultura, un consejo importante para los músicos que buscan mojar los pies en el campo. "Les digo a todos mis amigos músicos que están interesados en entrar en Twitch que no es algo en lo que puedas simplemente entrar y salir de forma casual", dice CRAY. “Para eso está Instagram Live. Twitch es una cultura mucho más profunda, llena de sus propias palabras, comportamientos y gestos, que debes tomarte el tiempo para comprender y ver como un fan. A cualquier músico que me diga: 'Quiero hacer lo que tú haces', les digo que deben estar preparados para ponerse el cinturón de seguridad de por vida”.

C R Í T I C A S

L A

S E L E C C I Ó N

D E L

D I R E C T O R

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

BICEP Isles

Ninja Tune Agraciando nuestra portada de este mes, Matt y Andy toman también mi sección de críticas como destacado del mes. Sublime. Un trabajo que probará ser atemporal en los años venideros, de igual forma que fue su ‘Bicep’ de 2017. Se trata de un trabajo introspectivo, personal y bien hilado, cuya narrativa nos lleva a través de un viaje de influencias mediante la paleta sonora única creada por los de Belfast. Mi favorito personal, como habréis leído, es ‘X’, un banger de ritmos rotos, con sintentizadores ansiosos, melodías épicas y ominosas, además de una coral de voces etéreas que nos lleva a otras dimensiones. Aunque todos los tracks son especiales, este se lleva la palma. ‘Hawk’, el cierre, también. Como un final de ciencia ficción. Un 20 sobre 10.

DOMBRANCE Make America Dance Again

DE LA SWING Contiene Groove

E47

elrow Limited

Bertrand Iacombe es un genio. Un genio loco que acaba de publicar, bajo el alias de Dombrance, este ‘Make America Dance Again’, con títulos tan sugerentes como ‘Biden ft Adrien Soleiman’, ‘Trump’, ‘Obama’, ‘Kanye West’ o ‘AOC ft Sarah Rebecca’. En cada corte, Dombrance nos muestra pinceladas de su irrepetible paleta sonora – que pudimos disfrutar en su directo del año pasado para esta casa –, hecha a base de cacharraje, instrumentos digitales y mucho desparpajo. Este trabajo, que va a medio camino entre el house, el techno y el electro, destila calidad y genio por todos sus costados. Nuestro favorito está entre ‘Obama’ y ‘Trump’. No me juzguéis, son los títulos…

De La Swing lo va a petar este 2021. Y no lo digo por decir. Su nivel de producción ha ido subiendo enteros año a año, en los que Domi ha ido publicando tracks cada vez más sólidos, en un amplio abanico de registros, gracias a su experiencia, trabajo y dedicación. Ahora abre este 2021 en su elrow Limited con este EP de cuatro cortes en el que cubre todos los estilos dentro del house, apelando a oídos con distintas sensibilidades. Bien sea el deep (‘This Is Timeless’, mi favorito), un house más vocal (‘Break The Mirror’, muy fino), el tech (‘Seento Un Brum’) o el remix de Reda del anterior. Todo con ese groove característico, que lleva su firma, como hilo conductor. Una bestia.

MARC C. GRISO 2083

QOQEQA Axuxa

Contraseña Records

Kebrada

ITALO BRUTALO

Uno de los artistas más interesantes de la nueva electrónica latinoamericana, el peruano QOQEQA (Daniel Valle-Riestra), llega con su debut de largo en el sello Kebrada, de los también peruanos Dengue Dengue Dengue. El disco es una exuberante y exótica muestra de ritmos quebrados, con influencias claras del folklore andino (especialmente en los instrumentos de viento) y percusión tribal. Las atmosferas y progresiones están diseñadas especialmente para romper el esquema occidental, creando un aire realmente único en torno a cada uno de los tracks de este disco, que ponen a prueba nuestra forma de entender la música electrónica. Una obra maestra de principio a fin.

El productor y DJ Marc C. Griso presenta el 1er single de su próximo EP, ‘2083’. Este track alejado de lo típico, cabalga entre la balada electrónica, el pop ambiental y el house profundo, con poca percusión para ser un tema electrónico. Magistralmente, Marc pone el foco en la melodía de piano y en la exquisita voz de la cantante Sara Devine, dando un track positivo, exuberante y bien construido. Mención especial al final de saxo, a cargo de Pep Poblet. Habrá que esperar para oír el devenir del resto de su trabajo, que será publicado en primavera. Marc C. Griso – que cuenta con una dilatada experiencia radiofónica y en otros ámbitos musicales –, además, ha creado toda una imaginería alrededor de ‘2083’, así que estad atentos.

01. Ksky ‘Bad Philly’ [10010 Records] 02. Lucinee ‘Russian Doll’ [VoxNox Records] 03. The Hacker ‘Automation’ [Bass Agenda Recordings] 04. Cyrk ‘Zeigarnik Effect’ [Lone Romantic] 05. Anthony Rother ‘Darker Places’ [Psi49net] 06. Technobeton ‘Ach Du meine Güte’ [Italo Moderni] 07. Cn:Vx ‘All that was precious (A/Fin Remix)’ [Cnvx Music] 08. Maelstrom ‘Three Channels’ [Mechatronica] 09. Elecktroids ‘Kilohertz’ [Aqualung] 10. Jensen Interceptor & Defekt ‘Malfunction’ [International Chrome]

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C R Í T I C A S

E L E C T R Ó N I C A

Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS / carlos@djmag.es

DEUX CONTROL Sex Miami

Höga Nord Rekords Deux Control son Justine (Relish/Her Majesty Ship) y Rodion (Gomma/Slow Motion). Dama francesa y caballero italiano, socios en la música y la vida, actualmente están radicados en Roma. Los dos se conocieron en Londres en 2016. Desde entonces, su camino los llevó por Berlín, Ciudad de México y Roma. Después de una serie de sudorosas presentaciones en vivo en Europa y América Latina, su álbum debut saldrá el 29 de enero de 2021 en el sello sueco Höga Nord Rekords. ‘Sex Miami’ es un delicioso cruce de géneros donde el sonido 808, teclados Yamaha y voces fascinantes se juntan con elementos de sintetizador más hardcore, como los que puedes encontrar en bandas como DAF o Nitzer Ebb.

A STRANGE WEDDING Black Magic Rituals

AKI HIMANEN & ALEKSI KINNUNEN Dawn Drops

Worst Records

Jazz-O-Tech Recods

Black Magic Rituals es el título del séptimo lanzamiento de Worst Records, a cargo de A Strange Wedding. El EP costa de 6 pistas en las que encontramos paisajes sonoros estratosféricos y un no parar de sintetizadores elegantes. A Strange Wedding va más allá de sus propias formas para explorar el dub industrial a baja revolución en BPMs, así como el deep techno mental al estilo de los maestros italianos. El trabajo de síntesis es absolutamente increíble. Black Magic Rituals, como bien dice su título, es un disco altamente evocador, cargado de hechizos que no harán mas que llevar al dancer a un estado superior en pista. Absolutamente esencial este disco.

Este EP es una colaboración entre los artistas finlandeses Aki Himanen (trompeta, electrónica) y Aleksi Kinnunen (batería) con remezclas de PEG y Polygonia. Estos excepcionales músicos de jazz y productores de techno combinan la espontaneidad del jazz y los oscuros paisajes sonoros de la música electrónica, usando técnicas generativas y máquinas interactivas. Han estado trabajando juntos desde 2019 y lanzaron el álbum debut ‘Scapes’ a principios de 2020. Ahora están de vuelta con más de su sonido cinematográfico y ambientes distópicos en este nuevo trabajo para Jazz-O-Tech Recods.

VVAA Unreleased Territory

GIUSEPPE FALIVENE Rarefied Feelings

Electric Shapes

Pyteca

A-TWEED

El sello electric shapes esta de enhorabuena y presenta este VVAA cósmico, repleto de ritmos variados de todo el mundo. Desde Japón a Guatemala, atravesamos veinte pistas que conforman esta recopilación. Podemos encontrar tracks de artistas como: Kolomensky, Anatolian Weapons, Wolfstream, Volta Cab o del Italiano A-Tweed, quien nos presenta una jungla electrónica donde reina un ritmo altamente contagioso y psicodélico. Bajos poderosos y mantras profundos hacen el resto para querer hacerse con el cuanto antes.

Giuseppe Falivene es un músico de origen romano nacido a finales de 1995. Recientemente ha irrumpido muy fuerte en la escena electrónica, gracias a lanzamientos techno con una clarísima visión de futuro en varios sellos como Lowless, Annulled Music, Oslated o Subosc. Su debut en PYTECA records, el sello de Vicenzo Pizzi, es toda una declaración de intenciones con el EP demoledor titulado Rarefied Feelings compuesto por cuatro temas en una onda deep techno con un tono de Detroit potente y elegante. Giuseppe Falivene tiene todo para ser uno de los artistas revelación de 2021.

01. Mala ‘Kotos (Feat. Asociacion Juvenil Puno)’ [Brownswood] 02. River Yarra ‘Toad Charmer’ [Antinote] 03. Cornelius Doctor & Tushen Rai ‘Spell On You’ [Tom Tom Disco] 04. Akio Nagase ‘Mongol 303’ [Chill Mountain] 05. Krokakai ‘Adonis Dub’ [Silver Dollar Dub] 06. Aki Aki ‘Müsli Boys’ [Candomblé] 07. Nuri ‘Drup’ [Shouka] 08. Ponty Mython ‘Coconut Scarface’ [Omena] 09. Round ‘Days (John Talabot’s Skoooldub Rework)’ [Hivern Discs] 10. Dengue Dengue Dengue ‘Banana’ [Enchufada]

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C R Í T I C A S

Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

FINETUNE The Inner Space Slowdance

El artista afincado en Moscú Michael Dop (Finetune), fundador de Slowdance, publica ‘The Inner Space’. Un disco hermosamente extraño que entrelaza electrónica minimalista, techno atmosférico y escurridizos ambientes que parecen venidos de Saturno. Lo que estoy escuchando ahora mismo es el release en vinilo. Y digo esto porque gracias al cuerpo y profundidad de la aguja mis sentidos se disparan con pistas como ‘Passing by the Woods’. El bombeo rítmico de fondo, junto a las texturas y detalles marcianos se multiplican por cuatro en cada rincón de la habitación donde me encuentro. Lo mismo sucede si le doy la vuelta al disco y pincho ‘Oscillation v2’ o ‘Rob+Whale’, donde el techno sumergido y el electro bizarro se dan la mano. Perdón, el codo.

AN ON BAST I Create as I Speak

BECKER & MUKAI Time Very Near / Remixes

Awesome Soundwave

SaS Recordings

Carl Cox y Christopher Coe sienten una debilidad muy especial por los artistas que facturan música electrónica en directo. Y la discográfica Awesome Soundwave es un buen recipiente para acoger y luego lanzarnos esta sana obsesión. La polaca An On Bast es precisamente una de esas productoras que meten chicha a su gente a base de electrificantes live acts. Su entretenido nuevo LP, ‘I Creat as I Speak’, manifiesta claramente las maneras a la hora de grabar de alguien que es puro nervio tras secuenciadores de Elektron y tanto cableado de colores. Anna Suda trastea con su estado de ánimo techno-electroide y sus amplias habilidades tanto compositivas como con los knobs a la velocidad que marcan pistas como ‘Never Bored’, ‘Bending Reality’ o ‘Lost With You’.

Con bastante bombo y buenos resultados de crítica se publicó en abril del 2020 ‘Time Very Near’, el álbum compuesto por el músico parisino Jean-Gabriel Becker y el multiinstrumentista japonés Susumu Mukai. Durante los interminables meses de confinamiento, recibieron multitud de propuestas de colegas quienes estaban ‘on fire’ locos por reversionarlo. Aceptaron de buena gana y el resultado es este no menos fantástico disco de hasta 9 remezclas. En él, y bajo la influencia de la electrónica de baile más etílica que te puedas echar en cara, encontramos a gente como Joe Goddard (Hot Chip), Lux Prima o Zongamin. Se trata desde luego de un relato único y variopinto. Donde, como no, bajo un manto sintético, nos damos un chapuzón de dark-disco, dub, techno y ambient.

BODAISHIN EL VALLE DE KADISHA

DMX KREW Loose Gears

Do Not Sit On the Furniture

Hypercolour

Uno de esos oasis que de vez en cuando se descubren y están perfectos para quedarse ensimismados un buen rato. Y eso que al artífice de este entorno lo tenía residiendo bien cerquita, en Barcelona. Detrás de Bodaishin hay un jovencísimo productor argentino cuya corta carrera no ha sido obstáculo para que ya nos bendiga con un álbum. ‘El Valle de Kadisha’ – para curiosos, este lugar santo existe en Líbano – se compone de nueve excursiones sonoras donde proliferan los sonidos étnicos. Bastante diversidad en cuanto a percusiones. Sin embargo, es cuando entra en acción el alma de otros instrumentos, voces etéreas también, cuando se gana en agilidad y profundidad. Así ocurre con ‘Cosmic Creativity’. ‘Renacer’ o ‘Malandra’. Ahí se palpa el espíritu y la magia.

Siempre me imagino a este señor, Edward Upton, ensimismado en el estudio rodeado de todo un arsenal de cacharraje. En el caso de DMX Krew enfrascado siempre en cambiarnos constantemente la percepción de escuchar electro y disco sintetizado. Su nuevo LP ‘Loose Gears’, que sale ahora a finales de febrero y tras el no muy lejano ‘Ghost Bubbles’ en Terrestrial Funk, así nos lo vuelve a plantear. Es de hecho su cuarto largo para Hypercolour. Como decía su plan se mantiene prácticamente intacto. Su particular futurismo parido a partir de hardware continúa justificando por qué sonidos como el retro-house (analógico y con entidad Chicago) o el funk electrificado parecen ser perennes en sus manos. Brillante formula que no acaba.

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

HIDDEN EMPIRE Lost Spirits

JIMBO JONES The Heat Death of My Hometown

Stil Vor Talent

Autoeditado

Inevitablemente, la cantinela de “por culpa de la pandemia, la cancelación de bolos y el encierro tan extremo en el que nos vimos inmerso… pues nos metimos en el estudio…”, la estaremos oyendo una y otra vez durante meses. Es el caso. Se puede decir abiertamente que el dúo Hidden Empire aprovechó bastante bien este período de enclaustramiento y calamidades para ponernos ahora en bandeja un ecléctico álbum de hasta dieciséis cortes donde no faltarán desde techno melódico, house oscurete a ramalazos de ritmos rotos o downtempo. En este amplio sumario de tempos y cambios de humor destacaría títulos como ‘All of Us’, ‘Hectic Dreams’, ‘Breeding Ground o ‘Single Instance’ en la vertiente más bailable. Y ‘Pina Colada’ cuando bajan las revoluciones.

Aquí traemo el álbum debut del productor dublinés Jimbo Jones, quien es además una de esas personas carcomidas y muy concienciadas con el malestar social. De hecho, todas las ganancias conseguidas con este disco se donarán a CATU, una organización destinada a apoyar a los más afectados por problemas económicos, como subida vertiginosa de alquileres, salarios congelados, incluso para espacios culturales ya de por sí desgastados. Lo hace a partir de ritmos electrónicos secuenciados de una manera un tanto alocada. La narrativa musical es bastante conceptual. Entrópica. El enfado se nota en los beats e infinidad de muestreos urbanitas de temas como ‘From This Position’, ‘Fear of Cranes’ o ‘Frain Bried’. En cuanto a géneros tira y entremezcla de manera bastante curiosa jazz, drum’n’bass y lo-fi.

PIERCE WITH ARROW Shatter

SLURM Rebirth

Dais

Savia Park

El disco, más bien proyecto audio-visual Pierce with Arrow, surge de la simbiosis entre el mítico artista norteamericano de minimal techno Troy Piece y la colombiana Natalia Escobar, más conocida como Poison Arrow. Si hablamos de la decena de canciones que forman este LP debut, ‘Shatter’, nos encontraremos que fueron orquestadas a raíz de una serie de vídeos delirantes e inquietantes. Nos toparemos con cortes que divagan entre lo erótico y lo siniestro (‘She Pined Away’, ‘It’s A Love Story, After All...’ con dBridge). También los lamentos más oscuros de la electrónica atmosférica (‘Obsidian Glass’, nada menos que junto a Konrad Black) y porque no, paisajes penumbrosos pero evocadores y espaciales. Así ocurre con ‘Narcissus’ y ‘The Night Is Ending’.

Estiramos los brazos y oídos hasta tierras ecuatorianas. Es allí donde nació Joshua Gutiérrez, protagonista de firmar en Salvia Park – su propio sello – el LP ‘Rebirth’ como Slurm. La propuesta en este su debut en formato largo es claramente bailable y fresca. Demuestra buenas maneras a la hora de estirar géneros como el house y el techno groovero. Las melodías le pirran (‘Random Being’), pero también los soplos noventeros y alatinados (‘Gone’). Personalmente le he disfrutado mucho más cuando se pone analógico y pendenciero. Es el caso de ‘My Kind’. En esta línea con viento muy favorable en cuanto a dinamismo encontramos también ‘It’s All About’. Tanto en su versión original como en la ‘escondida’ con la que se corona el disco.

M. VAUGHAN True Life Super Tuff Records

De lo más interesante el desarrollo musical de este artista de Virginia, afincado en Nueva York. Llevaba como una década facturando música house de tono melancólico, eso que venía de tocar en bandas de indie-rock. El caso es que fue trastear con la modernidad de los sonidos electrónicos y volverse un tipo vulnerable. En esta telaraña descubrimos ahora, y más concretamente en su ‘True Life’, a un tipo entusiasmado con las texturas jazzísticas, los ritmos entrecortados (electro funk, d’n’b), melodías etéreas y mucha energía pura. M. Vaughan bien podría inspirarse por gente como Nils Frahm, Nuspirit Helsinki, Domu e incluso Shed. Su propuesta es fantástica. Así, tal cual. En este nuevo envite, fascinante en temas como ‘Softly’, ‘Hotboxing’ o ‘Timshel’. Es delicioso escucharlo.

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Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

FUTURE FUNK SQUAD Unified Form

InExtinct Records Ya está aquí el esperado nuevo álbum del productor inglés Glen Nicholls, más conocido como Future Funk Squad. 9 potentes pistas de breakbeat industrial con colaboraciones de primer nivel: Stu Brootal, The Crystal Method, Omega Sparx, Ben Keenan, Our Empire, Unrthd y nuestro paisano GUAU. El trabajo, disponible tanto en formato digital como en formato CD, se puede encargar a través de la cuenta Bandcamp del artista, recibiendo por la precompra algunos remixes extra de regalo. No te puedes perder tampoco los remixes de algunas de sus obras lanzadas recientemente, como ‘Lock Down’ remezclada por Plump DJs, ‘Warpath’ remezclada por Backdraft o ‘3 Dimensions’ remezclada por Bassbin Twin. Por último, destacar el remix que Glen realiza para el single ‘Raver Girl’ del grupo estadounidense Rabbit in the Moon.

BONOBO & TOTALLY ENORMOUS EXTINCT DINOSAURS Heartbreak

DIGITAL BASE & ANDY VIBES Como en los viejos tiempos Old Skool Records

OUTLIER

Una de las genialidades que nos deja este año 2020 ha sido el lanzamiento del single ‘Heartbreak’ de Bonobo & Totally Enormous Extinct Dinosaurs. Simon Green, también conocido como Bonobo, se une para la ocasión a su colega Totally Enormous Extinct Dinosaurs para ofrecernos un trabajo directo para la pista de baile, que se basa en los cimientos de la música electrónica, trazando una línea desde la ciudad de Nueva York de 1980 hasta las warehouse parties de hoy. La portada es una imagen inspirada en las raves del Reino Unido a cargo de Tom Andrew. Todo un acierto la línea vocal extraída del clásico disco hit ‘Weekend’ de Class Action, publicado en 1983. Disponible en formato digital y en formato vinilo.

Andy Vibes, aka Digital Base, vuelve a nuestras páginas con las novedades de su sello Old Skool Records. Con el lanzamiento de ‘Como en los viejos tiempos’ se volvió a coronar como uno de nuestros mejores productores breaks. La experiencia es un grado, y aquí el sevillano lo demuestra con creces. Un single de género breakbeat clásico, con una producción muy elaborada y pulida. En Navidad también nos traía la quinta parte de su mega álbum recopilatorio ‘My life’, compuesta está vez por 11 tracks que abarcan estilos como el techfunk, el breakbeat hardcore y el nu skool. Por último, con su lanzamiento ‘Strictly Deep’, nos trae una delicia de deep breaks, ritmos breakbeat con sonidos house. Un estilo que se le da genial.

BAYMONT BROSS, SEKRET CHADOW The Umami Chef (Recipe 1)

PERFECT KOMBO Brooklyn

13 Monkeys Records

Elektroshok Records

LADY WAKS

(INBEATWETRUST MUSIC)

Los trece monos nunca defraudan, todo lanzamiento que publican lleva el sello de calidad. Hace un par de meses hablábamos de ‘Unity Is Strength Part.1’ y ahora venimos a hablar de su segunda parte, que viene a ser la cara B del vinilo ‘Unity Is Strength’, esta vez en su versión digital, a cargo de Sekret Chadow, con un 2 step muy funky, y Mr. Fr0g, con una masterpiece de acid breaks. También nos llega el genial single funky breaks ‘Kalambre’ y el EP ‘Monkey Jumps Part.1’, ambos del jefazo Sekret Chadow. Por último, si te has quedado con ganas de más Funky breaks, llega ‘The Umami Chef (Recipe 1)’, dos nuevas producciones a cargo del onubense Sekret Chadow y los gaditanos Baymont Bross.

El sello nacional Elektroshok Records nos trae el nuevo trabajo del onubense Claudio Fernández, más conocido como Perfect Kombo. ‘Brooklyn’ contiene el track que da título al trabajo y otro titulado ‘Knight Rider’, ambos de corte breakbeat muy contundente y enérgico. El mismo sello también nos deja delicias como ‘Tribalizmo’ de Sekret Chadow, ‘Back Again’ de Javy Groove, ‘Funky Dj’ y ‘Check It Out Now’ de Hankook, ‘Ethereal’ de Destroyers x FM-3, ‘Hallucinate’ de Destroyers x Hankook, ‘Stay Fresh’ de DJ 33 x Munchini y algunos pelotazos algo más antiguos que se nos había escapado mencionar en su momento, como ‘You Tasty’ y ‘Attention’ de Yankee, ‘No More’ de Austin Digo y ‘Trust Us Baby’ de K- Deejays x Bubble Couple. Big up Elektroshok!

01. Lady Waks, Mutantbreakz, MC Navigator ‘We Keep The Fire Burning’ [InBeatWeTrust Music] 02. Yo Speed ‘Got It Bad (Extended Mix)’ [83] 03. Bubble Couple, Fyahz ‘Experimental (Original Mix)’ [Guachinche Records] 04. The Freestylers ‘Happiness (Original Mix)’ [Mama’s Pie] 05. Sekret Chadow ‘Gimme A Funky (Original Mix)’ [13 Monkeys Records] 06. Zara Kershaw, Monrroe ‘Out Of Time (Original Mix)’ [Shogun Audio] 07. Lady Waks, Mutantbreakz, MC Navigator ‘We Keep The Fire Burning (Deekline Remix)’ [InBeatWeTrust Music] 08. T.r.a.c., L-Side ‘Bad Bonus (Paul T & Edward Oberon Remix)’ [V Recordings] 09. Drumattic Twins ‘U Gotta Step Into (Original Mix)’ [Toast & Jam Recordings] 10. Inspired ‘In Beat We Trust (Original Mix)’ [InBeatWeTrust Music]

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C R Í T I C A S

D R U M

B A S S

Autor: ROHAN G. FINGER / finger@djmag.es

VVAA The Voice of Ekou

Ekou Recordings Tras once lanzamientos y poco más de un año de trayectoria, siendo sin duda uno de nuestros sellos revelación, Ekou Recordings se consolida con su primera referencia de 2021. Un trabajo muy especial que les hubiera gustado lanzar coincidiendo con su primer aniversario, pero que se han visto obligados a retrasar debido a la situación actual. Se trata de la primera entrega del LP colectivo de remixes ‘The Voice of Ekou’, en el que han contado con un tremendo elenco de nueve artistas compuesto, tanto por sospechosos habituales como por nuevas incorporaciones, como son AKA, Creatures, Ill Truth, Molecular, NickBee, Nymfo, Phentix, Rizzle, y Volatile Cycle. Drum & bass sobrio, profundo, elegante, tecnológico y, resumiendo, sublime.

DABAH MAKOUREJAH FEAT. MAHOM Bamba (Fak Scracth Remix)

RUSTY Get a Room

Digipot

Promo Audio

Fak Scratch está de vuelta en Melting Pot protagonizando la referencia 94 de su rama digital, Digipot, que vio la luz el pasado 26 de enero. El trabajo es un maxi de dos cortes en el que como tema principal encontramos este ‘Bamba’, remezcla del original producido por el duo francés de dub, Mahom, junto a la vocalista senegalesa Dabah Makourejah que canta en idioma wólof, dialecto de aquellas latitudes. Una estupenda adaptación en clave jungle con poderosos basslines pero que conserva toda la frescura de las vocales e instrumentación del tema original. Como segundo tema encontramos ‘I Still Alive’, donde junto al vocalista afincado en Barcelona, Pupa Congo, el sevillano se clava uno de sus rompepistas dubwise de costumbre.

Tras celebrar tres lustros el pasado año, el sello Promo Audio, propiedad de nuestro buen amigo DJ Rusty, arranca 2021 con un single que da pistoletazo de salida a una nueva temporada. En esta ocasión es el propio Rusty el encargado de la producción, con este bien traído ‘Get A Room’ de rolling drum & bass en estado puro, donde un ritmo clásico y sencillo se combina con un bassline de woobles profundos, que van mutando con distintas distorsiones, equilibrados con sintes y acordes de piano de sonido añejo. Una vez más el brasileño vuelve a demostrar que con pocos elementos se puede hacer todo un banger. ¡Como se nota cuando alguien, a parte de ser buen productor, también es buen DJ!

SIAJADOWNVALAY Ragnarock

ASKEL & ELERE FEAT. YENIAS Nothing More

Genome

Soulvent Records

UNREST

Hacía ya casi un año que no teníamos noticias de la familia de Genome Records, pero vuelven fuertes a la carga en 2021 con varias referencias en cola. Para su vuelta a las andadas, este sello de origen belga pero con sede en Barcelona, nos presenta un nuevo nombre dentro de la escudería: se trata del productor de Toulouse, Siajadownvalay, con algún tema (tanto drum & bass como techno) autoeditado a través de su propio sello Siaja Records, y que nos trae un maxi de dos cortes, que abre con este ‘Ragnarock’. Con una elaborada intro, muy de película épica o de ciencia ficción, nos lleva hasta un drop de neurofunk, comedido en sensación de velocidad, pero contundente y destructor en sus sonidos.

Los finlandeses Askel & Elere, comienzan el año volviendo a uno de sus sellos fetiche, como es la escudería londinense Soulvent Records. En esta ocasión presentan dos cortes a modo de maxisingle en el que muestran sus dos caras. Por un lado, la que representa ese sonido suave, dulce y cálido que tanto les caracteriza y que les hace cabezas visibles del liquid funk por tierras escandinavas, materializado en este ‘Nothing More’ junto a YENIAS, alias del vocalista Sainey. Por el otro, una faceta más sintética y tecnológica, como encontramos en el tema que abre el trabajo, titulado ‘Get Up’. No obstante ambos cortes tienen un denominador común en sus sonidos, y eso es precisamente lo que hace que suene a ellos.

01. Keeno ft. Kate Wild ‘Behind The Glass’ [Hospital Records] 02. Break ft. Celestine ‘Last Goodbye’ [Symmetry Recordings] 03. BCee, Charlotte Haining & Etherwood ‘Little Bit Lighter (Pola & Bryson Remix)’ [Speahead Records] 04. Degs ft. De:Tune ‘Poveglia’ [Hospital Records] 05. Camo & Krooked ‘Good Times Bad Times’ [RAM Records] 06. Brookes Brothers ft. Liam Bailey ’Make No Sound’ [Drum & Bass Arena] 07. Nu:Tone ‘Do It Right’ [Hospital Records] 08. Unglued ‘Total XTC’ [Hospital Records] 09. Feint ft. Laura Brehm ‘We Won´t Be Alone’ [Monstercat] 10. Unrest ft. Alicia Ge ‘Ready’ [White Label]

067

C R Í T I C A S

T E C H N O

Autor: MUGNI / mugni@djmag.es

DEANO Octagon EP

Symbolism El techno nació en Detroit y se hizo adulto en Europa. Pero de otras partes también llegan esencias que embriagan como las flores en primavera. Y para muestra un botón. Deano viene de Sudáfrica y llega dando golpes como Rocky Balboa, diciendo “aquí estoy yo”; y justamente en ese momento todos los vaqueros del Saloon se giran acongojados. No es para menos, porque aquí nuestro amigo se marca un EP de cinco temas en Symbolism de los que quitan el hipo. Pistolas en mano, este señor viene a reclamar su puesto en la pista de baile, y ya te digo yo que no va a quedar suela sana.

TRUNCATE DTW 2 LAX

CADANS Medicate EP

Token

Hardgroove

David Flores aka Truncate se presenta en bandeja de plata y cubiertos con borde de oro. Este señor esta dispuesto a robarle el funk al mismísimo Robert Hood (al de antes) y va camino de conseguirlo. Bien es sabido también que este navegante se nutre de los ritmos mas bailongos que existen en el panorama techno, y muchas veces arriesga. Tanto, que parece que se vaya a ir a otro estilo. Pero no. El sigue a lo suyo, que es hacer mucho con poco. Sonidos que parece que te estén hablando, movimientos de cadera sin igual y nada de caras de póker. Alegría, pero en su correcta y justa medida, que estamos hablando de techno y de Token. Así que aquí tienes una baza ganadora.

Hay que medicarse. No se si inmediatamente o esperamos un rato. O al menos eso pretende Cadans con este disco para Hardgroove. Si no te medicas no te preocupes, que ya viene el con una dosis supervitaminante de energía con este trabajo. Aunque también hay que advertir al publico que lo que tenemos enfrente no es algo sutil, sino sucio y con mala baba. Mucha agresividad, pero de algún modo muy sexy, con mucho funk y bastante variado en cuanto a muestrario. Su idea es medicar al personal, y lo va a hacer, queramos o no, a base de percusiones distorsionadas y un espíritu fresco. Eso si, se hecha de menos un track más, que tres se quedan cortos.

BALFA Perfecta Analogía de la Decadencia Remixes

CRI DU COEUR Slave In & Out Arkham Audio

BLF Lab

DIMI ANGELIS

Siempre es menester el intentar mostrar los trabajos de artistas patrios. Ya que de alguna forma representan el valor de lo que tenemos cerca. Este mes tenemos la propuesta de Balfa, un entusiasta del sonido que se rodea de varios artistas para presentar un disco de remixes que explora entre varias facetas diferentes de lo que llamamos techno. Un abanico bastante atractivo de texturas, sonidos y composiciones que ofrecen un cachito del pastel a diferentes clases de oyentes. Vamos, que algo de lo que hay te va a gustar, sobre todo si te centras en lo que llaman Digital Bonus, (ósea, lo que no está en el vinilo, pero si en digital). Curiosamente esos dos temas son lo mejor del disco.

Bueno, bueno, bueno. Yo no sé si es por todo esto de los encierros, pero de alguna manera, una gran parte de los artistas o bien plantean un escenario mas rudo o bien se dejan llevar por un posible enfado generalizado. El caso es que la violencia en el sonido es algo que ya está muy presente. Desafortunadamente la belleza de la sutileza y la musicalidad poco a poco está pasando a un segundo plano, y aunque los temas de este en su planteamiento no están mal, puede que no siempre tengas el día para escucharlos. Eso si, desfogarte, te vas a desfogar como le pilles el punto a tanta distorsión y sonido rave.

01. Rivet ‘On Feather and Wire’ [Editions Mego] 02. Oscar Mulero ‘Tormenta EP’ [POLEGROUP] 03. Lussuria ‘Poison Butterfly Came Day After Autumn Day’ [Hospital Productions] 04. Kara-Liss Coverdale ‘Aftertouches’ [Gate] 05. O/H ‘No Contact (Live Archives 2011-2019)’ [Ekstasis] 06. Drop-E ‘Burnable Poison EP’ [Signal Records] 07. PWCCA ‘Massive Evacuation EP’ [Empahtic Records] 08. Reeko ‘Dualidad’ [Mental Disorder] 09. Various ‘Galleria’ [Evod Ltd] 10. Mike Storm ‘Apophis 2068’ [ASD/Axis]

068

C R Í T I C A S

D A N C E - E D M

Autor: WILLY ALCOCER / willy@djmag.es

FRAKTAL 3 Happy Days

Previous Records Probablemente, la canción de música electrónica más bella que he escuchado. ¿Qué es la belleza? Sin entrar a debatir, establezcamos la analogía con cualquier obra de arte y con un observador que, al mirarla, piensa emocionado: “Dios mío”. Eso pensé la primera vez que la escuché… y todas las demás. Querido lector: por favor, escúchala. Este nuevo EP, a la venta por Previous Records, recoge las 13 versiones históricas del tema desde 1996. Incluida, claro, la versión ‘Message of Love’: cómo la grandeza artística de Pedro Miras y Alberto Tapia (Albert Neve), convirtió un tema mákina sinfónica en una inolvidable balada. Pedro, Alberto, GRACIAS por darnos el regalo – probablemente – más importante que el ser humano puede tener: emocionarse. Vosotros lo sabéis.

YEYO FT. GRANKHAN A 150

DI CARLO Physical/Kick The Bass

Wolf Clan

W.A.R. – We Are Remeber Records

“Decían que esta música no triunfaría / y nos costó llegar hasta que llegó el día. Cuanto más alto mejor, buscamos la afonía / pienso “quemar” la noche hasta que sea mía. Retumba en los oídos, ultima los minutos / decían que era ruido, malditos ilusos. Sólo importa esta noche no sé qué pasará / amor por esta música: nunca me dejará. Mi alma estaba vacía / cuando no la conocía. / Y me levanta y sigo en pie. No importa si el mañana nunca llega a tiempo / Sólo importa mi gente, la música es mi aliento. Da igual “to” lo que piensen, jamás se darán cuenta / que “de Madrid al cielo, A 150”. Es la letra de la canción. No hace falta más. Yeyo: así se sustenta un género. Grankhan: así se rapea hardstyle. Enhorabuena.

Carlos Ruiz Rus nació en 1978 en Sevilla. Qué cositas buenas salen siempre de la ciudad del Guadalquivir, oiga. Estamos ante el alma del alma del dance y hardance en España. Me explico: Di Carlo es el alma de la más que mítica discoteca KKO: originalmente en Torrevieja, tras 19 años se trasladó en Agosto de 2011 a Los Alcázares (Murcia). Pues bien: KKO es parte fundamental del alma del Dance en España. Recuerdo a Edu Jumper Brother diciéndome: “Willy, adorarías pinchar en KKO, es tu espíritu”. Ese espíritu es el que Carlos imprime a su sello discográfico, a través del cual sale a la venta este… ¡DISCO DE VINILO! Calidad técnica suprema, fuerza y baile asegurado en esta espectacular versión hardance del éxito de Dua Lipa.

BOIX & BREAKLOOP, FERCHO ENERGY FT. DOM Away (Jake Rello Remix)

DANI MASI, DANI VILLA, RODRI VEGAS La Palenquera

Clipper’s Sounds

Winlike Music

SAMUEL FEIJOO

El DJ y productor valenciano Fercho Energy se unió en 2015 al dúo formado por Enrique (Boix) y Tony (Breakloop), para comenzar una carrera discográfica que les ha llevado a publicar en los dos sellos independientes más importantes de España: Blanco y Negro Music; y Clipper’s Sounds. No son menores los apoyos: DJs From Mars, Don Diablo o Albert Neve. Al toledano afincado en Madrid, Yago Álvarez, le conocemos bien en esta sección: hace ya tiempo que co-lidera la producción EDM nacional. Suya es la remezcla oficial que ocupa estas líneas. El 19 de Enero salió a la venta, vía Clipper’s, este tech-house de espíritu dance, “groovero” en su drop, minimalista y G-house en sus breaks, poderoso en su calidad. Deseando pincharlo... y bailarlo.

La unión en la diversidad de culturas siempre es positiva. En la música, quizá más. Dani Villa es de Bueu (Pontevedra), Rodri Vegas de Redondela (idem) y Dani Masi es de Barcelona… ¡pero residente en Colombia! Con semejantes mimbres, tenía que salir esta fusión sonora. Sobre todo, claro, cuando los tres son tan buenos productores. Tenemos aquí una mezcla perfecta de música electrónica con música popular colombiana. De hecho, las vocales han sido grabadas por una cantante de palenque. Incluye instrumentos de percusión con raíces tribales y africanas, beats creados en secuenciador y sintetizadores que le dan un groove realmente muy único. Resulta de todo ello un tema entre Jackin’ groove y tech-house, pero con ese esa energía “latin-dance” que tanto nos engancha en la pista.

01. David Guetta & Sia ‘Let’s Love’ [Warner Music France] 02. Quintino ‘Switch Back’ [Spinnin’ Records] 03. David Guetta & Morten ‘Dreams’ [PLG France] 04. Seff Da Campo x Brieuc ‘Closer’ [Spinnin Records] 05. Dlmt x Mahalo ‘Destination’ [Armada Music] 06. Danni Ávila ‘My Blood’ [Spinnin Records] 07. Eric Prydz ‘Nopus ‘ [Ministry of Sounds Recording] 08. Samuel Feijoo ‘Dreams’ [Clipper’s Sounds] 09. Timmy Trumpet & Gabry Ponte ‘Mad World ‘ [The Ordchard Music] 10. Dynoro & Fumaratto ‘Me Provocas’ [Sony Music]

069

C R Í T I C A S

D E E P

Autor: CARLOS PEGGO / c.peggo@djmag.es

BLACK COFFEE Subconsciously

Ultra Music Tras una larga espera, el 5 de Febrero sale el nuevo LP del sudafricano Black Coffee. En él encontramos singles que ha ido publicando en los últimos dos años como ‘Drive’ con David Guetta, dos nuevos singles que ha lanzado en los pasados meses: ’Missed Calls’ con Pharrel Williams y Jozzy y ‘Never Gonna Forget’ junto a Diplo y Elderbrook, además de un track junto a RY X, Cassie, entre muchos otros. El álbum ha alcanzado los 100 millones de plays antes incluso de haber sido publicado al completo. Un LP de 12 pistas editado por el sello norteamericano Ultra que sin duda será (ya lo está siendo) un éxito mundial.

VVAA Spirits IV

AUDIOJACK FEAT KEVIN KNAPP Under Your Skin

Crosstown Rebels

Con varias colaboraciones a su espalda, como el aclamado ‘Implications EP’ de 2017, los dueños de Gruuv, Audiojack y el talentoso estadounidense Kevin Knapp vuelven en febrero a Crosstown Rebels con ‘Under Your Skin’, un single del próximo álbum de Audiojack que verá la luz en mayo. El lanzamiento incluye además de una versión del single en versión club, un remix y una versión dub cortesía de Pearson Sound, pilar fundamental de Hessle Audio.

Durante un período de diecisiete años, el sello de Damian Lazarus, Crosstown Rebels, se ha convertido en una institución de renombre mundial gracias a su constante calendario de lanzamientos de calidad. La quintaesencia del éxito del sello es la serie ‘Spirits’, la recopilación musical que muestra el talento de artistas consagrados y emergentes. Tracks que el mismo Damian prueba en clubs por largos períodos de tiempo hasta poder garantizar la calidad y éxito de cada pista del álbum.

BREACH Sun Salutations

VVAA Lost In The Future

These Eyes

Superlux Records

DANI VASA

(PACHA BARCELONA)

El talentoso Ben Westbeech regresa en febrero bajo su aka Breach con el esperado álbum ‘Sun Salutations’ publicado por el sello These Eyes de André Hommen, EP que marcará su primer lanzamiento desde 2018 y en el que colabora Cinnaman. El sonido etéreo de Sun Salutations establece el mood del álbum con los sintetizadores progresivos sobre una estructura de kick-hat. A la que se le añade a mitad de track una base de inspiración tribal y acordes de ensueño, como de una flauta. ‘New Horizons’ feat Cinnamon suaviza los sonidos llevándolos a tonos de rango medio y voces reverberantes perfecto para escuchar en cualquier momento del día.

El sello de Mike Gill, Nick Gynn y Jhonny Hunter, Superlux Records, abre su calendario de lanzamientos para 2021 este febrero con un VA de catorce pistas. ‘Superlux 004; Lost In The Future’ es el primer recopilatorio del sello y ve a una gran cantidad de artistas debutar incluidos Voigtmann, Krywald & Farrer y muchos más. Álbum que podría describirse como una representación musical de la escena musical electrónica actual de Londres. Lanzado en 2019, el sello actúa como un hogar para el lado undeground de la música electrónica, mostrando los extremos crudos y sin refinar del House, Techno, Garaje, Breackbeat y todo lo demás, anteponiendo siempre la calidad a la cantidad.

01. Âme ‘No War (Rampa Remix)’ [Innervisions] 02. Adriatique, Delhia de France, Marino Canal ‘Home’ [Siamese Records] 03. Damian Lazarus & The Ancient Moons ‘Feedback Loop (Bedouin Remix)’ [Crosstown Rebels] 04. David August ‘Epikur’ [Innervisions] 05. &ME, Atelier ‘Starting Again’ [Keinemusik] 06. Adam Ten, Demaor, Amarcord ‘Ocean Depths’ [Beat Boutique] 07. Giza DJs ‘Averau’ [Exploited Ghetto] 08. Adam Port, Rüfüs Du Sol ‘Underwater’ [Rose Avenue/Reprise] 09. Sam Shure, Atish ‘Kasra’ [Stil Vor Talent] 10. Pablo Bolivar, Kora ‘Edanna’ [Seven Villas]

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C R Í T I C A S

T E C H

Autor: EKAI / ekai@djmag.es

JAMES GREENWOOD 002

Semmi-Skimmed Edits Segunda entrega de los edits de sabor disco-house del sello Semmi-Skimmed en formato vinyl-only. Los firma James Greenwood que, siguiendo los derroteros de la primera entrega, apuesta por el “reciclaje” de canciones disco a las que les da una segunda y muy acertada vida. Respetando el disco original, en los tres cortes el productor añade elementos de producción como reverses, filtrados, capas de baterías (que en el segundo track me parece excesiva) con los que logra enganchar al oyente y animar cualquier lugar.

SPENCER PARKER The Theme EP

ARTISTA DESCONOCIDO NANN001

Rekids

No Art No Name (NANN)

Spencer Parker regresa a Rekids, mítica disquera propiedad de Radio Slave con un EP titulado ‘The Theme’. Afinando oídos y siendo fan de Spencer Parker, pongo atención extra a lo que en este EP nos pueda mostrar. No sé si será uno de los mejores trabajos, pero lo que sí que es palpable es que es divertido y muy bailable. Compuesto por tres cortes más un remix, y de un marcado acento house, quizá su track más destacado sea el mismo que titula al EP donde un piano lleva el melancólico peso de la composición. Además el coro que añade le da unos tintes épicos, ideal para los momentos álgidos de la noche. Así que toca guardar este corte. Avisados estáis.

El dúo holandés ANOTR ha decidido poner en marcha No Art No Name, un proyecto un tanto más arriesgado que su label matriz No Art y que viene en formato vinyl-only. Los tres cortes que forman esta primera referencia los firma un tal Artista Desconocido. Si antes mencionaba lo de arriesgado, aparte de por los samples (que se toman la licencia de tomar prestados) es por como están configurados los tracks. El primer corte titulado ‘Cog In The Wheel’, tiene una versión dub, que quizá sea lo mejor del disco. El tercero no logro entenderlo. Es un break “pitcheado” al que le reducen la velocidad, quizá omisible.

YENK Killer Latin Kin

CARLOS SANCHEZ Survivor EP

Kinki Pride

Seven Dials

LAZARE HOCHE

El santanderino Yenk ha logrado un sonido personal en el que aúna hip-hop y house con una calidad sonora increíble. Las saturadas baterías de 909 tienen un swing y una pegada de escándalo que son santo y seña del productor. Además de la batería, he encontrado interesantes elementos, como las cajas acústicas que se responden de manera muy acertada con el sampleo vocal estilo Ghetto-house de finales de 80. El disco está disponible en los principales portales de descarga.

Seguimos sumando talento español a la sección de este mes con el disco de Carlos Sanchez. El productor lleva tiempo concatenando lanzamientos de un gusto y calidad absoluta y prueba de ello es Este Survivor EP, publicado por Seven Dials, la disquera propiedad de Seb Zito. El trabajo está compuesto de dos pistas que además de house se nutren de otros géneros como el garage, donde los redobles y el exceso de swing son signos característicos, que vemos que el productor domina a la perfección. Tanto la cara A “Survivor”, como la B “Timeline”, son muy divertidas teniendo cabida en cualquier sesión de los amantes del género.

01. Lazare Hoche / Malin Genie ‘Deep Again’ [Access France] 02. Lazare Hoche ‘Time Guard (Archie Hamilton, Noha remixes)’ [Lazare Hoche] 03. Malin Genie ‘Vixere II/II’ [Malin Genie] 04. The Vision ‘The Vision’ [Defected] 05. Sons Of The Kingdom ‘Modernization’ [Pressure Makes Diamonds] 06. DJ Deep ‘Deep Moments 004’ [Deep Moments] 07. DJ Deep / Traumer ‘Batu EP’ [Tatum] 08. Barac ‘The First Thing EP’ [Blue Romania] 09. Baby Ford ‘Bford 14’ [Pal SL] 10. Various Artists ‘Yossi Amoyal Presents Fluere IV’ [Sushitech]

071

C R Í T I C A S

T R A N C E

Autor: LEIRE ZULOAGA / leire@djmag.es

TOM EXO Ghostwalker

Digital Society Recordings Encontramos una producción exquisita en el grandioso ‘Ghostwalker’ del alemán Tom Exo, cuyo bajo pulsante acompaña a la melodía de manera emocionante y con unos efectos envolventes de primer nivel… ¡Muy chulo!

JOHN O’CALLAGHAN FEAT. SARHA HAVELLS Find Your Self (Scorz RMX)

ILAN BLUESTONE & MAOR LEVI FEAT. ALEX CLARE HOLD ON

Armada Music

Anjunabeats

Clásico de John O’Callaghan y Sarah Howells donde Scorz muestra exactamente por qué es uno de los nuevos talentos más candentes del momento. Toques melódicos y ritmos profundos complementan las icónicas voces aportando suspense a este track imperecedero.

Tras un encuentro de Alex y Maor con Ilan, nace el esperado track donde Alex gana toda la presencia con su voz fuerte y llena de matices, acompañado de unos hermosos acordes en base. ¡Precioso!

DAN THOMPSON Lose Yourself

D-MINUS Take me higher

Arkham Digital

Molekular Sounds

IVAN G.M

Dan Thompson es un productor que siempre llena sus composiciones de una energía poderosa y que en este track, para Arkham, desarrolla un viaje energético con toda la pureza del uplift. Desde el inicio hasta el final del track… ¡muy bueno!

¡Pura felicidad trance! Destaca la voz etérea que acompaña a toda la base de corte energético, donde sus vibraciones os harán alcanzar la satisfacción musical de una manera épica..

01. Ferry Tayle ‘Smile’ [Pure trance Recordings] 02. Eugenio Tokarev & Fisical Project ‘Epifania’ [Always Alive Recordings] 03. Alan Morris ‘Intergalactic Journey (Extended Mix)’ [Subculture] 04. Kenny Palmer ‘Blade’s Edge (Extended Mix)’ [Interstate Recordings] 05. Flatlex ‘Afterimage’ [Ultima Audio] 06. Sebastian Pawlica ‘Ljubljana (Extended Mix)’ [Butterfly Music] 07. TrancEye ‘Happy Days’[Kinected Recordings] 08. Andreas Tillnert ‘Sunset Remedies (Extended Mix)’ [Regenerate Records] 09. Clay C ‘Missing You (Extended Mix)’ [AVA White] 10. Protoculture ‘Lost In Isolation (Extended Mix)’ (A State of Trance)

072

C R Í T I C A S

T R O P I C A N A

Autor: SALVATORE MALDERA Y MAURICE AYMARD / elpalmas@djmag.Es

ALFREDO LINARES Alfredo Linares y Su Sonora Vol. 1: The MAG Years

Rocafort Records Otro lujazo de Rocafort Records: tres 7’’ con seis auténticas joyas de Alfredo Linares que hacen arder cualquier pista de baile. Se trata de los mejores temas de los primeros dos álbumes de este pianista, compositor y arreglista peruano: ‘El Pito Y Otros Exitos’ y ‘Yo Traigo Boogaloo’ de 1968 y 1969 respectivamente, una época de ebullición del boogaloo, guaracha, guaguancó, salsa en la que Linares adaptó con personalidad los estándares irresistibles que llegaban de Nueva York. Contamos con los homenajes a clásicos de Joe Cuba, El Gran Combo y Eddie Palmieri intercalados con temas propios que no escatiman en dinámica ni pasión. Desde muy joven, Alfredo Linares comprendió el sabor característico afrocubano hasta dominarlo con una electrizante intensidad que aquí queda más que demostrada. SALVATORE MALDERA

SACHÉ Sacbé (Reissue)

BAB L’BLUZ Nayda!

Favorite Recordings

Real World Records

Las primeras notas de esta obra se armonizan como vías sagradas, confluyen como lo hacía el “Sacbé” hacia los principales centros ceremoniales mayas. El destino quiso que el talento arrollador de tres jóvenes hermanos Eugenio (teclados), Enrique (bajo) y Fernando Toussaint (batería) y Alejandro Campos (saxo), confluyeran del mismo modo y crearan, aún siendo veinteañeros, una obra maestra del Jazz fusión mexicano. Favorite Recordings trae una exclusiva reedición del primer disco de 1000 copias que espléndidamente grabaron en 1977, lo suficiente para captar la atención y para abrirles las puertas a una brillante carrera. Sacbé se forjó con la misma tenacidad y perfeccionismo apasionantes que dejaban impronta en colegas, artistas y seguidores, asistentes asiduos de aquel café musical del sur de Ciudad de México donde se presentaban.

Una deuda que teníamos con las reseñas de 2020 y no podemos dejar pasar: el maravilloso ‘Nayda!’ de Bab L’Bluz. Un trabajo de la banda franco-marroquí que crece y crece en cada escucha. Para comenzar, su vocalista es capaz de conjugar influencias tan lejanas como la diva libanesa Fairouz y Janis Joplin en una especie de amalgama espiritual entre la vasta música de poesía ritual gwana y un patente blues. “Somos una banda de rock” afirma Yousra, líder de Bab L’Bluz cubierta de piel de cabra como una guerrera bereber pero álbum es una especie de bálsamo, lleno de melodías ondulantes, bajos incesantes casi ceremoniales, riffs hipnóticos inmersos en esteticismo, por momentos, parece encerrar una inusitada introspección propia de un viaje psicodélico en el corazón del Magreb.

SALVATORE MALDERA

GERRY WEIL The Message

VVAA ‘Chachachá: Un Baile y Una Época’

Música Infinita

Colección Gladys Palmera

El incansable equipo de Gladys Palmera va siempre un paso por delante en el cuidado y atesoramiento de la aportación cultural de la música latina. Recientemente han editado esta joya de libro que evoca la época del chachachá que viene en versión español e inglés, además, incluye más de 800 carátulas de discos que nos explican como entender este ritmo y su baile, hoy muy vigente por su modernidad y que nos recuerdan la época bulliciosa de la Cuba de los 50.

MAURICE AYMARD

JAVI BAYO

Gerry Weil sigue muy activo a sus 81 años. Este venezolano adoptado, nació en Austria pero aterrizó en Venezuela en 1957 cuanto tenía 17. “The Message” fue lanzado originalmente en 1971 y ahora es reeditado por este nuevo sello hermano de Olindo Records llamado Música Infinita. Esta joya de colección del jazz venezolano cuenta con valiosos músicos de la época, Freddy Roldan (Grupo Mango) y Luisito Quintero entre otros. The Message es una mezcla de jazz - rock repleta de mucho funk que hace alusión a la era de Miles y Hendrix.

01. Lone ‘Dragonrush’ [R&S] 02. Alex Martín ‘Can Make It’ [Canela En Surco] 03. Celebrity BBQ Sauce Band ‘Lifeline’ [Mahogani] 04. Coisa Nossa ‘Procurando O Caminho’ [Vampisoul] 05. Roots ‘Roots’ [Frederiksberg Records] 06. Nicola Cruz ‘Zularic Permutations’ [Rhythm Section] 07. Luis Perez ‘Okoot Kay H Ppum’ [Tokonoma] 08. Germán Fernando ‘Socorro, auxilio’ [El Palmas] 09. Garrett ‘Chasing The Clouds Away’ [Music From Memory] 10. Larry Heard ‘Dolphin Dream’ [Alleviated]

073

T E C H

P L A S T I C

Autor: KANEDO

MODEL 1.4 P L A Y D I F F E R E N T L Y

La compañía británica aumenta su catálogo presentando el hermano pequeño de su popular mezclador Model-1, caracterizado por sonido 100% analógico, sus 6 canales y su precisa SCULPT EQ, salida al mercado en 2016. Esta nueva referencia de PLAYdifferently es una adaptación de su mezclador insignia a un entorno “Home DJ” y streaming sin renunciar a su construcción realizada 100% en UK, utilizando exactamente los mismos componentes que Model-1 dotando al artista de la misma calidad y carácter del sonido analógico.

P R E S E N T A

Este buen movimiento por parte de la compañía fundada por Richie Hawtin acerca a un público mayor esta nueva corriente dentro del sector más experimental y creativo, permitiendo a futuros artistas y clubes que reabran en un futuro esperemos que cercano adquirir sin un precio tan prohibitivo un mezclador de estas características, que saldrá al mercado por un precio de 2.199€.

M O D E L

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CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES • Cuatro canales con faders TDK de 60mm • Pre-amplificadores Phono de alta calidad.

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1 . 4

Sculpt EQ de alta precisión, un filtro que aplica un barrido semiparamétrico permitiendo al artista seleccionar la frecuencia y la ganancia de la misma. EQ en la salida Master (tres bandas) y Booth (dos bandas). Preescucha independiente para realizar B2B cómodamente. Protocolo Mixer Link para enlazar varios mezcladores. Filtros HPF y LPF en el Master y en cada uno de los canales.

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