La Freccia Sans Frontières - marzo/aprile 2023

TRAVEL

La Bourse de Commerce di Parigi

Primavera in Occitania

Tradizioni di Pasqua

VOYAGE

La Bourse de Commerce à Paris

Printemps en Occitanie

Traditions de Pâques

JR, VITE NELL’OBIETTIVO JR, VIES DANS L’OBJECTIF

LA DOLCE VITA À GRANDE VITESSE

VITE IN ATTESA

Questa rivista parla di viaggi e accompagna chi viaggia. Ci auguriamo con piacere e nel massimo comfort. Viaggiare è un’attività connaturata all’uomo. All’inizio per vivere e poi (ma per molti, troppi ancora oggi) per trovare l’habitat migliore dove mettere eventuali radici. E, ancora, per scoprire, conoscere, conquistare, arricchirsi, nelle sue varie accezioni. La letteratura mondiale è piena di viaggiatori, reali o fantastici. Dall’Ulisse di Omero al Gulliver di Jonathan Swift al Candido di Voltaire, dal capitano Achab al nostro Dante Alighieri, che con la sua Divina Commedia supera persino i confini terreni. E c’è anche chi il mondo lo ha girato in lungo e in largo, come André Antoine Brugiroux, fino ad arrivare a scrivere La terre n’est qu'un seul pays . Ed è così, ma fino a un certo punto. Perché i confini esistono, non tutte le regioni sono allo stesso modo ospitali e viaggiare può diventare estremamente pericoloso. Ci sono viaggi della disperazione che finiscono in tragedia, come è accaduto lungo le coste della Calabria pochi giorni prima di andare in stampa con questo numero della Freccia Sans Frontières E ci sono viaggi che impongono lunghe soste in spazi di attesa, non luoghi e non tempo dove la vita confina con una sopravvivenza intrisa di ricordi e di speranze. Ce lo racconta l’artista ritratto in copertina, JR, con le sue opere: fotografie, video, installazioni, sculture, in mostra a Torino fino a luglio e realizzate in zone di crisi e in vasti campi profughi. Queste le sue parole: «I volti delle persone che ho incontrato hanno tutti in comune l’attesa. Potrebbero stare ovunque. Le immagini dei bambini che ho fotografato, oltre a Valeriia in Ucraina, sono di Thierry in Ruanda, Andiara in Colombia, Jamal in Mauritania, Mozhda in Grecia […] e costringono a porsi delle domande sulla loro sorte. Qual è il loro posto e quali sono i loro diritti?»

VIES EN ATTENTE

Cette revue parle de voyage et accompagne les voyageurs. Nous espérons que c’est avec plaisir et dans le plus grand confort. Voyager est une activité inhérente à l'homme. Au départ pour vivre et ensuite (pour beaucoup, trop encore aujourd'hui) afin de trouver le meilleur habitat pour s'enraciner. Et, encore, pour découvrir, apprendre, conquérir, s'enrichir, dans ses différentes acceptions. La littérature mondiale regorge de voyageurs, réels ou imaginaires. De l'Ulysse d'Homère au Gulliver de Jonathan Swift en passant par le Candide de Voltaire, du capitaine Achab à Dante Alighieri qui, avec sa Divine Comédie, transcende même les frontières terrestres. Et il y a aussi ceux qui ont parcouru le monde de long en large, comme André Antoine Brugiroux, au point d'écrire La terre n’est qu'un seul pays. Et c'est vrai, mais jusqu'à un certain point. Parce qu'il existe des frontières, toutes les régions ne sont pas pareillement hospitalières et les voyages peuvent devenir extrêmement dangereux. Il y a des voyages de désespoir qui se terminent en tragédie, comme cela s'est produit sur la côte calabraise, en Italie, quelques jours avant la mise sous presse de ce numéro de La Freccia Sans Frontières. Et il y a les voyages qui imposent de longues pauses dans des espaces d'attente, des non-lieux et des non-temps où la vie se limite à une survie imprégnée de souvenirs et d'espoirs. L'artiste en couverture, JR, nous le raconte avec ses œuvres : photographies, vidéos, installations, sculptures, exposées à Turin jusqu'en juillet et réalisées dans des zones de crise et de vastes camps de réfugiés. Voici ses mots : « Les visages des gens que j’ai rencontrés. Ils ont tous une attente en commun. Ils pourraient être n’importe où. Les images des enfants que j’ai photographiés, outre Valeriia en Ukraine, sont celles de Thierry au Rwanda, Andiara en Colombie, Jamal en Mauritanie, Mozhda en Grèce […] et obligent à s’interroger sur leur sort. Quelle est leur place et quels sont leurs droits ? »

© freshidea/AobeStock

BERNARD BEDARIDA

Giornalista francese che vive in Italia. Lavora principalmente per il telegiornale di Tf1, la prima rete tv della Francia. Ha appena realizzato per Rai documentari un film dedicato all’attrice italiana Laura Antonelli

Journaliste français vivant en Italie. Il travaille principalement pour le JT de TF1, la première chaine de télévision française. Il vient d'achever, pour RAI documentari, un film sur l'actrice italienne Laura Antonelli

2.877

i metri di altitudine del Pic du Midi de Bigorre [pag. 34]

L’altitude du Pic du Midi de Bigorre [page 33]

500

gli anni trascorsi dalla morte del pittore Perugino [pag. 36]

Les années passées depuis la mort du peintre Pérugin [page 37]

150 gli artisti della mostra Chronorama a Venezia [pag. 78]

EDITORE/ÉDITEUR

Communication Piazza della Croce Rossa, 1 | 00161 Roma fsitaliane.it Contatti di redazione Coordonnées rédaction

Tél. +39 06 44105298

Direttore Responsabile

Directeur responsable

Marco Mancini

Responsabile prodotti editoriali

Responsable produits éditoriaux

Davide Falcetelli

Caporedattrice Rédactrice en chef

Michela Gentili

Coordinamento editoriale

Coordination éditoriale

Sandra Gesualdi, Cecilia Morrico, Francesca Ventre In redazione En rédaction

Gaspare Baglio, Angela Alexandra D’Orso, Irene Marrapodi

Segreteria di redazione

Secrétaire de rédaction

Francesca Ventre

Coordinamento creativo

Coordination artistique

Giovanna Di Napoli

Ricerca immagini e photo editing

Recherche images et photos édition

Claudio Romussi

Hanno collaborato a questo numero

Collaborateurs de ce numéro

Bernard Bédarida, Francesco Bovio, Luigi Cantamessa, Giuliano Compagno, Fondazione FS Italiane, Silvia Lanzano, Enrico Procentese, Andrea Radic, Flavio Scheggi

Traduzioni

Traductions

GIULIANO COMPAGNO

Ha pubblicato 24 volumi tra saggistica, narrativa, aforismi e comica, oltre ad aver scritto quattro libretti di opera contemporanea per il maestro Vittorio Montalti. Vive a Roma, da dove in genere parte e ritorna

Il a publié 24 volumes dont des essais, des fictions, des aphorismes et des écrits comiques, et a composé quatre livrets d'opéra contemporain pour le Maestro Vittorio Montalti. Il vit à Rome, d'où il part et revient régulièrement

Les artistes de l’exposition Chronorama à Venise [page 79]

Verto Group Srl - Perugia

REALIZZAZIONE STAMPA RÉALISATION ET IMPRESSION

Via A. Gramsci, 19 | 81031 Aversa (CE)

Tél. + 39 081 8906734 info@graficanappa.com Coordinamento tecnico

Coordination technique

Antonio Nappa

SILVIA LANZANO

Giornalista e archeologa medievista. Attiva nel terzo settore con progetti di accoglienza per donne rifugiate e migranti. È impegnata nella comunicazione sul tema delle allergie alimentari in età pediatrica

Journaliste et archéologue médiéviste. Active dans le troisième secteur avec des projets d'accueil pour les femmes réfugiées et migrantes. Elle participe à la communication sur le thème des allergies alimentaires en âge pédiatrique

BIMESTRALE GRATUITO PER I VIAGGIATORI DI BIMENSUEL GRATUIT POUR LES PASSAGERS DE FERROVIE DELLO STATO ITALIANE ANNO/ANNÉE II - NUMERO/NUMÉRO 2

MARZO-APRILE/MARS-AVRIL 2023

REGISTRAZIONE TRIBUNALE DI ROMA ENREGISTREMENT TRIBUNAL DE ROME N° 28/2022 DEL/DU 23/02/2022

CHIUSO IN REDAZIONE IL /CLÔTURE DE LA RÉDACTION LE 01/03/2023

Foto e illustrazioni

Photos et illustrations

Archivio fotografico/Archives photographiques FS Italiane AdobeStock Copertina/Couverture : Copyright JR

Tutti i diritti riservati

Se non diversamente indicato, nessuna parte della rivista può essere riprodotta, rielaborata o diffusa senza il consenso espresso dell’editore

Tous droits réservés

Sauf indication contraire, aucune partie de la revue ne peut être reproduite, modifiée ou diffusée sans l'autorisation expresse de l'éditeur

ALCUNI CONTENUTI DELLA RIVISTA SONO RESI DISPONIBILI MEDIANTE LICENZA CREATIVE COMMONS CERTAINS CONTENUS DE LA REVUE SONT MIS À DISPOSITION SOUS UNE LICENCE CREATIVE COMMONS

SANS FRONTIÈRES Info su/Infos sur creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/3.0/it/deed.it

PROGETTO CREATIVO PROJET CRÉATIF

Team creativo Équipe de projet Antonio Russo, Annarita Lecce, Giovanni Aiello, Manfredi Paterniti, Massimiliano Santoli

PER LA PUBBLICITÀ SU QUESTA RIVISTA POUR LA PUBLICITÉ SUR CETTE REVUE advertisinglafreccia@fsitaliane.it

La carta di questa rivista proviene da foreste ben gestite certificate FSC® e da materiali riciclati

Le papier de cette revue provient de forêts certifiées FSC® et de matériaux recyclés.

On web/En ligne

La Freccia Sans Frontières si può sfogliare su Vous pouvez également lire

La Freccia Sans Frontières sur fsitaliane.it

I numeri di questo numero/Les chiffres de ce numéro

Tra le firme del mese/Parmi les signatures du mois

LA STORIA DIVENTA FUTURO

UNA MOSTRA AL MUSEO NAZIONALE

FERROVIARIO DI PIETRARSA RACCONTA

I PRIMI DIECI ANNI DELLA FONDAZIONE

FS ITALIANE. TRA IMMAGINI DI IERI E

PROGETTI DI DOMANI

di/par Luigi Cantamessa [Direttore generale di Fondazione FS Italiane/Directeur général de la Fondation FS Italiane]

Una bella storia italiana iniziata dieci anni fa: il 6 marzo 2013 la Fondazione FS Italiane diventava a tutti gli effetti operativa. Una mostra fotografica al Museo nazionale ferroviario di Pietrarsa (Napoli), dall’8 marzo, racconta per immagini quest’avventura, il dipanarsi di un sogno divenuto una realtà tangibile.

E soprattutto una dichiarazione d’amore per il treno, che la Fondazione vive in maniera poliedrica: dalle foto ai video, dalla manutenzione all’esercizio dei treni, dalle ferrovie storiche riaperte ai progetti originali d’archivio.

La storia diventa futuro nella galleria di circa 200 scatti che costituisce il percorso espositivo, suddiviso in cinque sezioni. Si parte dalle fonti documentali della biblioteca e degli archivi, indispensabili per tracciare il percorso delle ferrovie italiane, l’evoluzione tecnica e ingegneristica di cui i rotabili d’epoca restaurati sono testimonianza e il mutamento negli usi e nei consumi della società.

Senza le foto, i cinegiornali, i disegni, le istruzioni ferroviarie e i tanti, preziosi volumi non sarebbe stato possibile il recupero di una memoria collettiva, elevata al rango di protagonista, in un processo di reinterpretazione contemporanea e di una cultura solida del viaggiare e del vivere degli italiani. Perché la storia delle ferrovie è la storia del Paese, disgiungerne i rispettivi corsi sarebbe addirittura impossibile.

Il tradizionale fascino del treno è oggi diventato molto di più. È un’esperienza da gustare a bordo degli oltre 400 mezzi d’epoca che corrono sui circa mille chilometri di linee storiche riaperte, spina dorsale di una nuova forma di turismo sostenibile che è stata chiamata Binari senza tempo. Ma anche un viaggio immersivo nei musei e nei Depositi officine rotabili storici della Fondazione FS, testimoni di una tradizione centenaria che si rinnova di pari passo con l’evoluzione ingegneristica.

Se il Museo nazionale ferroviario di Pietrarsa è ormai una realtà culturale consolidata in Italia e in Europa, il futuro riserva ulteriori primati con quello di Trieste Campo Marzio: il primo esempio di museo‐-stazione in Italia in cui l’architettura stessa – uno scalo in stile liberty del 1906 – diventa parte integrante dell’esposizione.

Una storia iniziata dieci anni fa e resa possibile grazie al Gruppo Ferrovie dello Stato che ha trovato nella Fondazione FS Italiane uno strumento operativo per conservare i tesori della memoria, rigenerare idee e preparare il futuro. Un futuro di passione e lavoro ancora tutto da scrivere. fondazionefs.it

fondazionefsitaliane

Il fiume Serio visto dalla locomotiva a vapore in transito sul ponte di Seriate (Bergamo), lungo la Ferrovia del Sebino/La rivière Serio vue depuis une locomotive à vapeur en transit sur le pont de Seriate (Bergame), le long du chemin de fer du Sebino

L’HISTOIRE DEVIENT L’AVENIR

UNE EXPOSITION AU MUSÉE NATIONAL DU CHEMIN DE FER DE PIETRARSA

RETRACE LES DIX PREMIÈRES ANNÉES

DE LA FONDATION FS ITALIANE. ENTRE PHOTOS D'HIER ET PROJETS DE DEMAIN

Une belle histoire italienne qui a commencé il y a dix ans : le 6 mars 2013, la Fondation FS Italiane devenait pleinement opérationnelle. Une exposition photographique au Musée national du chemin de fer de Pietrarsa (Naples), à partir du 8 mars, raconte cette aventure en photos, le déroulement d'un rêve devenu une réalité tangible. Et surtout, c'est une déclaration d'amour au train, que la Fondation vit de manière multiforme : des photos aux vidéos, de l'entretien à l'exploitation des trains, des chemins de fer historiques rouverts aux projets d'archives originaux. L'histoire devient l'avenir dans la galerie d'environ 200 clichés qui composent l'exposition, divisée en cinq sections. On commence par les sources documentaires de la bibliothèque et des archives, indispensables pour retracer le parcours des chemins de fer italiens, l'évolution technique et technologique dont témoigne le matériel roulant d'époque restauré, ainsi que les changements dans les usages et la consommation de la société. Sans les photos, les films d'actualités, les dessins, les instructions ferroviaires et les nombreux volumes précieux, il n'aurait pas été possible de récupérer une mémoire collective, élevée au rang de protagoniste, dans un processus de réinterprétation contemporaine et d'une solide culture du voyage et de la vie des Italiens. Car l'histoire des chemins de fer est l'histoire du pays, il serait même impossible de démêler leurs parcours respectifs.

Aujourd'hui, la fascination traditionnelle du train est devenue bien plus que cela. C'est une expérience à vivre à bord des plus de 400 véhicules d'époque qui circulent sur les quelque mille kilomètres de lignes historiques rouvertes, épine dorsale d'une nouvelle forme de tourisme durable baptisée Binari senza tempo (« Rails intemporels », ndt). Mais c'est aussi un voyage immersif à travers les musées et les dépôts de matériel roulant historique de la Fondation FS, témoins d'une tradition séculaire qui se renouvelle au rythme de l'évolution de l'ingénierie.

Si le Musée national du chemin de fer de Pietrarsa est désormais une réalité culturelle consolidée en Italie et en Europe, l'avenir nous réserve d'autres records avec celui de Trieste Campo Marzio : le premier exemple de garemusée en Italie où l'architecture elle-même – une gare Art nouveau datant de 1906 – devient partie intégrante de l'exposition.

Une histoire qui a commencé il y a dix ans et qui a été rendue possible grâce au Groupe Ferrovie dello Stato, qui a trouvé dans la Fondation FS Italiane un outil opérationnel pour préserver les trésors de la mémoire, régénérer les idées et préparer l'avenir.

Un avenir de passion et de travail qui reste à écrire. fondazionefs.it

fondazionefsitaliane

© Francesco Valerio

In un’immagine del 1966, una locomotiva a vapore 743.150 al traino di un treno merci nell’importante nodo ferroviario di Castagnole delle Lanze, tra le colline di Langhe e Monferrato. La linea è stata chiusa al traffico regolare nel 2012 e riattivata dieci anni dopo grazie al progetto Binari senza tempo della Fondazione FS/Sur une photo de 1966, la locomotive à vapeur 743.150 tire un train de marchandises à l'important nœud ferroviaire de Castagnole delle Lanze, entre les collines des Langhe et du Monferrato. La ligne a été fermée au trafic régulier en 2012 et réactivée dix ans plus tard grâce au projet Binari senza tempo de la Fondation FS

Nell’immediato dopoguerra, il declino delle locomotive a vapore segnò anche quello delle officine di Pietrarsa. Le attrezzature non vennero più rinnovate e lo stabilimento rimase adibito solo alla grande riparazione dei pochi mezzi rimasti in circolazione. Nel reparto caldererie, invece, proseguì fino agli anni ’50 la manutenzione dei tender (1953 )/Dans l'immédiat aprèsguerre, le déclin des locomotives à vapeur a également marqué le déclin des ateliers de Pietrarsa. Les outils n'étaient plus renouvelés et les installations ne servaient plus qu'à effectuer de grosses réparations sur les quelques véhicules encore en circulation. Dans la chaudière, en revanche, l'entretien des tenders se poursuivit jusque dans les années 1950 (1953)

Aperto all’esercizio nel 1864 con l’attivazione della linea Porrettana, il Deposito locomotive di Pistoia è uno dei più antichi in Italia. Il binario in fossa nel reparto montaggio, con gru a ponte da 20 tonnellate, era indispensabile per la manutenzione ordinaria dei treni (foto degli anni ‘30)/Ouvert à l'exploitation en 1864 avec l'activation de la ligne de Porrettana, le dépôt de locomotives de Pistoia est l'un des plus anciens d'Italie. Le rail en fosse du département de montage, avec son pont roulant de 20 tonnes, était indispensable pour l'entretien courant des trains (photo des années 1930)

© Archivio Fondazione

FS Italiane

© Archivio Fondazione FS Italiane

© Archivio Fondazione FS ItalianeFondo Renato Cesa De Marchi

Un treno storico percorre la ferrovia del Basso Monferrato, che congiunge Asti con Chivasso, attraversando il viadotto a 17 arcate sul fiume Po (2022)/Un train historique circule sur le chemin de fer Basso Monferrato, reliant Asti à Chivasso, en traversant le viaduc à 17 arches sur le fleuve Po (2022)

Dal 1989, negli spazi delle officine sorge il Museo nazionale ferroviario di Pietrarsa. Sono state numerose le attività di valorizzazione del complesso architettonico, parallelamente al recupero dei treni storici. Nella foto del 2019 si può ammirare la cabina di guida di una locomotiva a vapore del Gruppo 800 esposta nel padiglione delle vaporiere Depuis 1989, le Musée national du chemin de fer de Pietrarsa est installé dans les locaux des ateliers. De nombreuses activités de mise en valeur de l'ensemble architectural ont eu lieu, parallèlement à la récupération des trains historiques. La photo de 2019 montre la cabine de conduite d'une locomotive à vapeur du Groupe 800, exposée dans le pavillon des trains à vapeur

Oggi il Deposito di Pistoia, oltre a occuparsi della manutenzione delle locomotive a vapore, possiede una grande sala convegni e un archivio documentale. L’iniziativa Porte aperte consente ad appassionati e turisti di visitare lo storico hub e la “giratura” della locomotiva a vapore è sempre un momento molto apprezzato (2018) Aujourd'hui, le dépôt de Pistoia n'assure pas seulement l'entretien des locomotives à vapeur, mais dispose également d'une grande salle de conférence et d'archives documentaires. L'initiative « Portes ouvertes » permet aux passionnés et aux touristes de visiter le centre historique et la « rotation » de la locomotive à vapeur est toujours un moment très apprécié (2018)

© Francesco Valerio

© Archivio Fondazione FS Italiane

© Archivio Fondazione FS Italiane

PHOTO STORIES

a cura di/sous la direction de Enrico Procentese enry_pro

Luci e architetture nella stazione di Milano Centrale Lumières et architectures dans la gare Centrale de Milan ciskie1977

Utilizza l’hashtag #railwayheart oppure invia il tuo scatto a railwayheart@fsitaliane.it. L’immagine inviata deve essere di proprietà del mittente e priva di watermark. Le foto più emozionanti tra quelle ricevute saranno selezionate per la pubblicazione nei numeri futuri della rubrica.

Utilisez l’hashtag #railwayheart ou envoyez votre photo à railwayheart@fsitaliane.it. La photo envoyée doit être la propriété de l'expéditeur et ne pas comporter de filigrane. Les photos les plus intéressantes seront sélectionnées pour être publiées dans les prochains numéros de la rubrique.

Il sole sta per sorgere nella Gare de Lyon a Parigi/ Le soleil se lève à la gare de Lyon, à Paris malenfexm

Prima di partire per Parigi Avant de partir pour Paris   robertodipatrizi

a cura di/sous la direction de Angela Alexandra D’Orso, Irene

Marrapodi e Francesca Ventre

save the date

PARIGI 17>23 APRILE

Giunto all’ottava edizione, il festival parigino presenta al pubblico francese e francofono il meglio del panorama editoriale italiano attraverso una serie di incontri, letture, laboratori e performance a cui partecipano circa 50 tra autori e autrici della scena letteraria contemporanea. Da Mario Desiati a Giulia Caminito, che hanno trionfato nelle ultime edizioni dei Premi Strega e Campiello, ai più noti Alessandro Baricco, Antonio Scurati e Paolo Cognetti. La manifestazione, organizzata nell’ambito del Festival del libro di Parigi, di cui l’Italia è ospite d’onore, anima diversi luoghi della città, dalla Casa della poesia all’Istituto italiano di cultura fino all’Università La Sorbona. E, a cento anni dalla nascita, celebra l’opera di Italo Calvino e il suo legame con la capitale francese. italissimofestival.com | festivaldulivredeparis.fr

PARIS 17>23 AVRIL

Le festival parisien, qui en est à sa huitième édition, présente au public français et francophone le meilleur de la scène éditoriale italienne à travers une série de rencontres, de lectures, d'ateliers et de performances auxquels participent une cinquantaine d'auteurs de la scène littéraire contemporaine. De Mario Desiati à Giulia Caminito, qui ont triomphé lors des dernières éditions des prix Strega et Campiello, en passant par Alessandro Baricco, Antonio Scurati et Paolo Cognetti. L'événement, organisé dans le cadre du Festival du livre de Paris, dont l'Italie est l'invitée d'honneur, anime différents lieux de la ville, de l'Institut italien de culture à l'université de la Sorbonne. Et, à cent ans de sa naissance, on y célèbre Italo Calvino et son lien avec la capitale française.  italissimofestival.com | festivaldulivredeparis.fr

NOI, I FIUMI

LIONE FINO AL 27 AGOSTO

Il Musée des Confluences, che si trova proprio dove si incontrano il Rodano e la Saona, accoglie una mostra che ha come protagonisti i fiumi. Scorrendo lungo un flusso immaginario, i visitatori si immergono nelle civiltà che hanno potuto svilupparsi grazie a questi corsi d’acqua. Il pubblico scopre così il loro fascino segreto, dalle sorgenti ai colori delle confluenze fino alla forza delle correnti. La scenografia è composta da piroghe, animali acquatici e personaggi mitologici. E, in un’epoca di cambiamenti climatici, la mostra vuole riflettere anche sulla conservazione di aree fertili, come estuari e delta, che sono soggette a pericolosi conflitti geopolitici. museedesconfluences.fr

NOUS, LES FLEUVES  LYON JUSQU'AU 27 AOÛT

Le Musée des Confluences, situé au confluent du Rhône et de la Saône, accueille une exposition sur les fleuves. Au fil d'un cours d'eau imaginaire, le visiteur s'immerge dans les civilisations qui ont pu se développer grâce à ces cours d'eau. Le public découvre ainsi leur fascination secrète, des sources aux couleurs des confluences en passant par la force des courants. La scénographie se compose de pirogues, d'animaux aquatiques et de personnages mythologiques. Et, à l'heure du changement climatique, l'exposition se veut aussi une réflexion sur la préservation des zones fertiles, comme les estuaires et les deltas, qui font l'objet de dangereux conflits géopolitiques.  museedesconfluences.fr

Il manifesto dell’edizione 2023 illustrato da Emiliano Ponzi/Le manifeste de l'édition 2023 illustré par Emiliano Ponzi

© Drôle de trame Vista aerea della confluenza tra il Rodano e la Saona a Lione/Vue aérienne de la confluence du Rhône et de la Saône à Lyon

ITALISSIMO. FESTIVAL DI LETTERATURA E CULTURA ITALIANA/FESTIVAL DE LITTÉRATURE & CULTURE ITALIENNES

PIERRE-MAN’S. PASSERELLES

LA MOTTE-SERVOLEX 5 MAGGIO > 24 GIUGNO

Gli spazi della Conciergerie accolgono le opere di Pierre-Manau Ngoula, giovane artista congolese classe 1993, detta Pierre-Man’s. Talento pluridisciplinare, sperimenta e usa più mezzi, tra cui immagini fotografiche, video, performance e ricami. Nel suo mondo domina il rosso che simboleggia la violenza, soprattutto quella usata contro le donne e passata per troppo tempo sotto silenzio. Attraverso l’arte, infatti, denuncia i pregiudizi e il sessismo ancora molto diffusi. I suoi lavori sui corpi, dalle tinte forti, raccolgono ricordi e memorie per descrivere le realtà contemporanee esistenti. conciergerie-art.com

Les espaces de la Conciergerie accueillent les oeuvres de Pierre-Manau Ngoula, jeune artiste congolaise né en 1993, connue sous le nom de Pierre-Man's. Talent pluridisciplinaire, elle expérimente et utilise plusieurs médias, dont la photographie, la vidéo, la performance et la broderie. Le rouge domine son univers, symbolisant la violence, notamment celle exercée sur les femmes et trop longtemps passée sous silence. À travers l'art, en effet, elle dénonce les préjugés et le sexisme encore très répandus. Ses oeuvres sur le corps, aux couleurs fortes, rassemblent des souvenirs et des réminiscences pour décrire des réalités contemporaines existantes.  conciergerie-art.com

DALÍ: L'ENIGMA SENZA FINE

BORDEAUX FINO AL 7 GENNAIO 2024

La mostra immersiva allestita nei Bassins des Lumières espone più di 60 anni di creatività dell’eccentrico artista catalano, vissuto in pieno ‘900. Dalí, attratto da cubismo, surrealismo e futurismo, è diventato maestro del realismo applicato alla tela mescolando, però, la realtà con i misteri della coscienza, fantasmi e ricordi. L’esposizione offre l’opportunità di passeggiare tra i suoi iconici paesaggi immaginari e onirici, riprodotti in opere custodite nei musei di tutto il mondo, dalla Spagna alla Florida. Accompagnati dalle musiche dei Pink Floyd, si entra in un mondo dove visioni e virtuosità tecniche si fondono, in un viaggio fuori dal tempo che risveglia l’inconscio. bassins-lumieres.com

DALÍ : L’ÉNIGME SANS FIN

BORDEAUX JUSQU’AU 7 JANVIER 2024

Cette exposition immersive aux Bassins des Lumières présente plus de 60 ans de créativité de l'excentrique artiste catalan, qui a vécu au cœur du XXe siècle. Dalí, attiré par le cubisme, le surréalisme et le futurisme, est devenu un maître du réalisme appliqué à la toile tout en mêlant la réalité aux mystères de la conscience, des fantômes et des souvenirs. L'exposition offre la possibilité de se promener dans ses paysages imaginaires et oniriques emblématiques, reproduits dans des œuvres conservées dans des musées du monde entier, de l'Espagne à la Floride. Accompagnés par la musique de Pink Floyd, on entre dans un monde où se mêlent visions et virtuosité technique, dans un voyage hors du temps qui réveille l'inconscient.  bassins-lumieres.com

PIERRE-MAN’S. PASSERELLES  LA MOTTE-SERVOLEX 5 MAI>24 JUIN

Pierre-Man’s, Sous les jupes (2022)

La mostra Dalí: l'enigma senza fine/L’exposition Dalí : l’énigme sans fin © Culturespaces/Eric Spiller © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Adagp 2023

AGENDA /RENDEZ-VOUS

DA MONET A PICASSO. CAPOLAVORI

DELLA JOHANNESBURG ART GALLERY

TORINO FINO AL 7 MAGGIO

Dalla galleria più grande del continente africano, fondata nel primo ‘900 per volere della nobile collezionista Florence Phillips, arrivano in Italia 63 opere dei più celebrati artisti di tutti i tempi. Allestita tra le stanze di Palazzo Barolo, la mostra dedica le prime sale alla pittura inglese e francese dell’800, per poi proseguire con la scena novecentesca europea e una panoramica sull’arte sudafricana. Incantando i visitatori con la Primavera di Claude Monet, i ritratti di Amedeo Modigliani, i disegni di Vincent van Gogh e un capolavoro di Dante Gabriel Rossetti, tra i massimi esponenti dei preraffaelliti, che rappresenta la perla della collezione. mostrajag.it

DE MONET A PICASSO. CHEFS-D'OEUVRE DE LA JOHANNESBURG ART GALLERY

TURIN JUSQU'AU 7 MAI

De la plus grande galerie du continent africain, fondée au début du XXe siècle à l'initiative de la noble collectionneuse Florence Phillips, 63 œuvres des artistes les plus célèbres de tous les temps arrivent en Italie. Installée dans les salles du Palazzo Barolo, l'exposition consacre ses premières salles à la peinture anglaise et française du XIXe siècle, puis à la scène européenne du XXe siècle et à un aperçu de l'art sud-africain. Les visiteurs seront enchantés par le Printemps de Claude Monet, les portraits d'Amedeo Modigliani, les dessins de Vincent Van Gogh et un chef-d'œuvre de Dante Gabriel Rossetti, l'un des plus grands représentants des préraphaélites, qui constitue la perle de la collection.  mostrajag.it

DALÍ, MAGRITTE, MAN RAY E IL SURREALISMO.

DAL MUSEO BOIJMANS VAN BEUNINGEN

MILANO 22 MARZO>30 LUGLIO

CAPOLAVORI

Il surrealismo non fu solo una corrente artistica ma un modo alternativo di concepire se stessi e il mondo. Da qui parte la mostra al Museo delle culture curata da Els Hoek e Alessandro Nigro. Sono 180 le opere esposte tra dipinti, sculture e manufatti, tutte provenienti dal Museo Boijmans Van Beuningen di Rotterdam. Oltre a indagare le tematiche fondamentali della ricerca surrealista –il sogno, la psiche, il desiderio – l’esposizione propone un focus sull’interesse che gli artisti nutrirono per le culture native non occidentali. Una fascinazione non solo di stampo estetico e collezionistico ma concettuale. Proprio per questo il percorso espositivo promuove un dialogo tra le opere in prestito e quelle della collezione permanente del Mudec. mudec.it

DALÍ, MAGRITTE, MAN RAY ET LE SURRÉALISME. CHEFS-D'ŒUVRE DU MUSÉE BOIJMANS VAN BEUNINGEN

MILAN 22 MARS>30 JUILLET

Le surréalisme n'était pas seulement un courant artistique, mais une manière alternative de se concevoir et de concevoir le monde. C'est le point de départ de l'exposition organisée par Els Hoek et Alessandro Nigro au Musée des Cultures. L'exposition présente 180 œuvres, dont des peintures, des sculptures et des artefacts, provenant toutes du musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam. Outre l'examen des thèmes fondamentaux de la recherche surréaliste – le rêve, la psyché, le désir – l'exposition met l'accent sur l'intérêt des artistes pour les cultures autochtones non occidentales. Une fascination qui n'est pas seulement de nature esthétique et de collection, mais aussi conceptuelle. C'est précisément pour cette raison que l'exposition favorise un dialogue entre les œuvres prêtées et celles de la collection permanente du Mudec.   mudec.it

Dante Gabriel Rossetti, Regina Cordium (1860) © Johannesburg Art Gallery

René Magritte, La maison de verre (1939) Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam © René Magritte by Siae 2023

REACHING FOR THE STARS. DA MAURIZIO CATTELAN A LYNETTE YIADOM-BOAKYE FIRENZE 4 MARZO>18 GIUGNO

Una costellazione di 70 opere illumina in primavera gli spazi di Palazzo Strozzi. Selezionate dalla collezione Sandretto Re Rebaudengo in occasione del suo trentennale, le installazioni sono parte di un’iniziativa culturale che comprende anche workshop e incontri con gli autori, tra i più famosi talenti del panorama internazionale contemporaneo. Lo scopo è coinvolgere il pubblico nella scoperta delle diverse pratiche che hanno cambiato il mondo dell’arte: dallo stile dissacrante dei lavori di Maurizio Cattelan alle tavolozze cupe che regalano ai ritratti da Lynette Yiadom-Boakye un’aura di mistero, passando per il materiale organico delle sculture di Pawel Althamer e le riflessioni politiche e sociali delle fotografie di Cindy Sherman. palazzostrozzi.org

fsrr.org

REACHING FOR THE STARS. DE MAURIZIO CATTELAN À LYNETTE YIADOM-BOAKYE

FLORENCE 4 MARS>18 JUIN

Une constellation de 70 œuvres illumine les espaces du Palazzo Strozzi ce printemps. Sélectionnées dans la collection Sandretto Re Rebaudengo à l'occasion de son 30e anniversaire, les installations font partie d'une initiative culturelle qui comprend également des ateliers et des rencontres avec les auteurs, parmi les talents les plus célèbres de la scène contemporaine internationale. L'objectif est d'impliquer le public dans la découverte des différentes pratiques qui ont changé le monde de l'art : du style profanateur des œuvres de Maurizio Cattelan aux palettes sombres qui donnent aux portraits de Lynette Yiadom-Boakye une aura de mystère, en passant par la matière organique des sculptures de Pawel Althamer et les réflexions politiques et sociales des photographies de Cindy Sherman.  palazzostrozzi.org

fsrr.org

ORIENT-EXPRESS & CIE. ITINERARIO DI UN MITO MODERNO ROMA 17 MARZO>21 MAGGIO

Fotografie, mappe e manifesti pubblicitari d’epoca. Sono oltre 200 i pezzi che compongono la mostra, a cura di Eva Gravayat e Arthur Mettetal, allestita a Villa Medici. Al centro della rassegna il mito dell’Orient-Express: icona culturale ma, soprattutto, oggetto tecnico. Primo di una serie di treni di lusso, il convoglio della Compagnie Internationale des Wagons-Lits è stato operativo dal 1883 al 1977 garantendo un collegamento tra Parigi e Istanbul. Protagonista dell’esposizione anche il Rome-Express, che percorreva la tratta da Parigi a Roma costeggiando la riviera francese e il litorale italiano di Ponente e di Levante. Arricchisce il percorso un lavoro inedito della fotografa francese Sarah Moon, artista che ha viaggiato sulle orme dell’Orient-Express ripercorrendone itinerari reali e immaginari. villamedici.it

ORIENT-EXPRESS & CIE. ITINÉRAIRE D’UN MYTHE MODERNE ROME 17 MARS>21 MAI

Photographies, cartes et affiches publicitaires d'époque. Plus de 200 pièces composent l'exposition, dont les commissaires sont Eva Gravayat et Arthur Mettetal, mise en scène à la Villa Médicis. Au centre de l'exposition, le mythe de l'Orient-Express : une icône culturelle, mais surtout un objet technique. Premier d'une série de trains de luxe, le convoi de la Compagnie Internationale des Wagons-Lits a fonctionné de 1883 à 1977, assurant la liaison entre Paris et Istanbul. L'exposition présente également le Rome-Express, qui a parcouru la route de Paris à Rome en longeant la Côte d'Azur et les côtes ouest et est de l'Italie. Pour enrichir le parcours, une nouvelle œuvre de la photographe française Sarah Moon, une artiste qui a voyagé sur les traces de l'Orient-Express, retraçant ses itinéraires réels et imaginaires. villamedici.it

Maurizio Cattelan, La rivoluzione siamo noi/La révolution, c'est nous (2000) Courtesy Fondazione/Fondation Sandretto Re Rebaudengo

Etichetta per i bagagli del treno Rome-Express (1920-1930) Étiquette à bagages du train Rome-Express (1920-1930) © Fonds de dotation Orient-Express

APPLAUSI PER IL BELLAVISTA BRUT

MILLESIMATO TEATRO

ALLA SCALA

Per la 18esima stagione Bellavista, la celebre cantina della Franciacorta, dedica uno spumante al Teatro alla Scala di Milano. La cuvée 2017 è una bollicina di grande stile che nasce in alta collina, da viti di età superiore ai 25 anni. La lunga permanenza sui lieviti dona, con il tempo, intensità e profondo carattere. Al naso regala profumi raffinati e piacevoli note balsamiche. Al palato scende autorevole e cremoso, profondo nei sentori e dal finale affascinante. Anche l’etichetta celebra il Teatro con fregi e decori e sul cofanetto c’è la riproduzione dell’incisione autografa dell’architetto del teatro Giuseppe Piermarini. bellavistawine.it

A PARIGI LA CUCINA

IMBROISI: CONCRETA

E MODERNA

Nato in provincia di Cosenza e mantovano d’adozione, Denny Imbroisi ha conquistato Parigi e la Francia con sei ristoranti (il settimo aprirà presto in Corsica, a Bastia). Una cucina di concretezza e sapori, dove la semplicità è la vera eleganza. Nel XV arrondissement della Ville Lumière si trova il locale Ida: piatti italiani, tecniche francesi e materie prime stagionali. La sua carbonara vale la visita. Da provare anche i Ravioli fatti in casa con tartufo nero e le Tagliatelle con bisque di crostacei e vermouth. Ottimi il Polpo grigliato con ‘nduja calabrese. Carta dei vini in perfetto equilibrio italo-francese e atmosfera da bistrot gourmand. restaurant-ida.com

di/par Andrea Radic Andrea_Radic andrearadic2019

OVATION POUR LE BELLAVISTA BRUT

MILLESIMATO TEATRO

ALLA SCALA

Pour la 18e saison, Bellavista, la célèbre cave de Franciacorta, dédie un vin pétillant au Teatro alla Scala. La cuvée 2017 est une bulle de grand style qui provient des hautes collines, de vignes de plus de 25 ans. Le long repos sur lies donne, avec le temps, de l’intensité et un caractère profond. Le nez offre des arômes raffinés et d’agréables notes balsamiques, d’agrumes et de pâtisserie. En bouche, il est autoritaire et crémeux, profond en saveur et avec une finale fascinante. La bouteille aussi célèbre La Scala : frises et décorations se détachent sur l’étiquette et, sur le coffret, on trouve une reproduction de la gravure autographe de l’architecte du théâtre, Giuseppe Piermarini. bellavistawine.it

À PARIS, LA CUISINE

ITALIENNE DE DENNY

IMBROISI : CONCRÈTE ET MODERNE

Né dans la province de Cosenza et Mantouan d’adoption, Denny Imbroisi a conquis Paris et la France avec six restaurants (le septième ouvrira bientôt en Corse, à Bastia). Avec le caractère concret et les saveurs de sa cuisine, où la simplicité est la véritable élégance. Dans le 15e arrondissement de la Ville Lumière, se trouve le restaurant Ida : des plats italiens, des méthodes françaises, des ingrédients seulement de saison. Sa carbonara vaut le détour. Les raviolis maison à la truffe noire et les tagliatelles à la bisque de crustacés et au vermouth sont un régal. Le Poulpe grillé avec de la 'nduja calabraise est excellent. Carte des vins dans un parfait équilibre italo-français et atmosphère de joyeux bistrot gourmand. restaurant-ida.com

Bellavista Franciacorta Cuvée Teatro alla Scala

Lo chef Denny Imbroisi/Le chef Denny Imbroisi

AALTO PART OF IYO: ESEGESI DELL’EQUILIBRIO CON LO CHEF

TAKESHI IWAI

Claudio Liu e la sua famiglia hanno regalato a Milano la prima stella Michelin per una cucina giapponese con Iyo Experience, hanno declinato la bellezza dell’Oriente in versione italiana con Gong e, infine, hanno sublimato il tutto con Aalto Part of Iyo, un altro ristorante stellato. Luogo iconico, con una cucina di estrema ricercatezza, precisione maniacale e gusti che affascinano per consistenze, equilibri e composizioni. Ogni portata dello chef

Takeshi Iwai è una storia di gusto: Ricci di mare, latte di mandorla e fichi, Risotto aspro, gelato di alga kombu e ostrica, Funghi shitake e topinambur sono uno meglio dell’altro. A seguire, Spiedino di piccione o Astice blu e sedano rapa. Buon divertimento con una delle cucine di matrice asiatica più buone d’Europa. iyo-experience.com aalto-restaurant.com

MICHEL LITTIÈRE: CHAMPAGNE DI FAMIGLIA DA TRE GENERAZIONI

La tenuta familiare dello champagne Michel Littière si trova a Œuilly, piccolo villaggio nella Valle della Marna. La famiglia produce bollicine dal 1970, prima con Raymond e il figlio Michel, oggi con Marie-Hélène e il marito François Chaumont, enologo. Alta qualità, costante selezione delle uve e lavorazione manuale caratterizzano vini eleganti e dal sorso affascinante. Piacevole e perfetto come aperitivo l’Extra Brut. Sentori fruttati e sorso intrigante per il Pur Meunier, da un singolo vigneto. Il Rosé Brut unisce i sentori dei frutti del bosco alla freschezza del territorio. Gli champagne Michel Littière sono distribuiti in Italia da Luxury Food, fondata dal sommelier Simone Pellicani. champagne-michel-littiere.fr

AALTO PART OF IYO : EXÉGÈSE DE L’ÉQUILIBRE AVEC LE CHEF TAKESHI IWAI

Claudio Liu et sa famille avaient donné à Milan sa première étoile Michelin pour une cuisine japonaise avec Iyo Experience, avaient mis en scène la beauté de l’Orient dans une version italienne avec Gong. Aujourd’hui, ils subliment le tout avec Aalto Part of Iyo, un autre restaurant étoilé. Un lieu emblématique, avec une cuisine d’un raffinement extrême, d’une précision maniaque et des saveurs qui fascinent par leurs textures, leurs équilibres et leurs compositions. Chaque plat du chef Takeshi Iwai est une histoire de goût : Oursins, lait d’amande et figues, risotto aigre, glace aux algues kombu et huître, champignons shiitakes et topinambour, nous allons de délice en délice. À suivre, brochette de pigeon ou homard bleu et céleri rave. Savourez l’une des meilleures cuisines asiatiques d’Europe.

iyo-experience.com

aalto-restaurant.com

MICHEL LITTIÈRE : CHAMPAGNE DE FAMILLE DEPUIS TROIS GÉNÉRATIONS

Le domaine familial du champagne Michel Littière est situé à Œuilly, un petit village de la vallée de la Marne. La famille produit des bulles depuis 1970, d’abord avec Raymond et son fils Michel, et aujourd’hui avec MarieHélène et son mari François Chaumont, œnologue. Une qualité élevée, une sélection constante des raisins et un traitement manuel caractérisent des vins élégants au goût fascinant. L’Extra Brut est agréable et parfait en apéritif Des notes fruitées et une gorgée intrigante pour le Pur Meunier, issu d’un seul vignoble. Le Rosé Brut associe des notes de fruits des bois à la fraîcheur du terroir. Les champagnes Michel Littière sont distribués en Italie par Luxury Food, fondé par le sommelier Simone Pellicani. champagne-michel-littiere.fr

Claudio Liu, fondatore di Aalto of Iyo, e lo chef Takeshi Iwai/Claudio Liu, fondateur de Aalto of Iyo, et le chef Takeshi Iwai

Lo champagne Pur Meunier di Michel Littière/Le champagne Pur Meunier de Michel Littière

A OCCHI APERTI

ALLE GALLERIE D’ITALIA DI TORINO LA PRIMA PERSONALE

DI JR, L’ARTISTA FRANCESE CHE RIFLETTE SULLA

CONDIZIONE DEI MIGRANTI E DEI RIFUGIATI

Copyright JR

Un progetto ambizioso: mostrare gli invisibili. Con un fine ancora più coraggioso, quello di non banalizzarli e non cadere nella retorica. Utilizzando uno strumento che fa da megafono e palco universale, l’arte. JR la “usa” per tenere gli occhi aperti sul mondo che osserva in profondità, spingendosi in luoghi lontani, marginali, flagellati da miseria e conflitti. Per carpire e svelarci la più piccola delle lacrime, una smorfia di dolore o il sorriso di una bambina. Classe 1983, l’artista francese, famoso in tutto il mondo per i la-

vori che uniscono fotografia, arte pubblica e impegno sociale, torna in Italia con la sua prima personale portando alle Gallerie d’Italia di Torino il progetto Déplacé∙e∙s che riflette sulla condizione dei migranti e dei rifugiati. La mostra, a cura di Arturo Galansino, organizzata da Intesa Sanpaolo e aperta fino al 16 luglio, raccoglie per la prima volta alcuni scatti realizzati in zone di crisi: dall’Ucraina fino ai vasti campi profughi di Mugombwa, in Rwanda, di Mbera, in Mauritania, o di Cùcuta, in Colombia, e di Lesbo, in Grecia. Fotografie, video, installazioni, sculture e

di/par Sandra Gesualdi sandragesu

Déplacé·e·s, Picnic, Ajara, Mauritania (2022)/Déplacé·e·s, Pique-nique, Ajara, Mauritanie (2022)

LES YEUX OUVERTS

AUX GALLERIE D’ITALIA DE TURIN, LA PREMIÈRE EXPOSITION

PERSONNELLE DE JR, L’ARTISTE FRANÇAIS QUI RÉFLÉCHIT À

LA CONDITION DES MIGRANTS ET DES RÉFUGIÉS

Un projet ambitieux : montrer les invisibles. Avec un objectif encore plus courageux, celui de ne pas les banaliser et de ne pas tomber dans la rhétorique. En utilisant un outil qui fait office de mégaphone et de scène universelle, l’art. JR l’utilise pour garder les yeux ouverts sur le monde qu’il observe en profondeur, en se rendant dans des endroits éloignés, marginaux, en proie à la misère et aux conflits. Pour capturer et nous révéler la plus petite des larmes, une grimace de la douleur ou le sourire d’un enfant.

Né en 1983, l’artiste français, célèbre dans le monde entier pour ses œuvres qui allient photographie, art public et engagement social, revient en Italie avec sa première exposition personnelle, apportant aux Gallerie d’Italia de Turin son projet Déplacé∙e∙s qui réfléchit à la condition des migrants et des réfugiés. L’exposition, dont le commissaire est Arturo Galansino, organisée par Intesa Sanpaolo et ouverte jusqu’au 16 juillet, rassemble pour la première fois un certain nombre de clichés pris dans des zones de crise : de l’Ukraine aux vastes

grandi teli con i ritratti dei bambini rifugiati per rendere concreti quei volti e palesare le condizioni in cui, oggi, versano migliaia di persone.

Torni in Italia con un progetto importante, per il tema e il percorso con cui lo hai realizzato.

È un lavoro intimamente legato all’infanzia. Ciascun intervento si concentra su un bambino che incarna lo slancio verso il futuro, una nota di speranza resa in modo semplice. Ho cominciato questo progetto in Ucraina subito dopo lo scoppio della guerra, nel marzo del ‘22. Sono andato là con un’immagine che mi aveva colpito, il ritratto di Valeriia, una bambina di cinque anni dal viso radioso, che ho riprodotto su un telo di 45 metri. L’abbiamo installato nel centro di Leopoli, volevamo che fosse ben visibile dall’alto, soprattutto dagli aerei russi che ogni giorno volano sulla popolazione sganciando le bombe. Mi hanno chiesto di far viaggiare questa figura affinché il mondo non li dimenticasse e sapesse che la guerra continua. Ho raggiunto anche altre destinazioni molto diverse tra loro. Sono stato nel campo profughi

di Mugombwa, in Ruanda, martoriato dai conflitti armati, e in Sahel, nell’Africa subsahariana, dove dal 2012 hanno vissuto quasi 78mila rifugiati impossibilitati a riattraversare il confine. In Colombia, invece, la comunità di accoglienza di Cucuta riunisce esuli venezuelani e colombiani. Sull’isola greca di Lesbo sorge un centro di accoglienza e identificazione. Déplacé∙e∙s racconta questi luoghi e chi li vive, rendendo visibile l’esodo di intere popolazioni, da un capo all’altro del mondo, a causa di guerre, carestie, cambiamenti climatici.

Qual è il legame tra ciò che hai trovato in questi luoghi e quello che scopriamo nelle tue opere?

Le mie pulsioni artistiche sono connesse al desiderio di conoscere e capire meglio ciò che mi circonda. Per comprendere le realtà designate da parole come migranti, rifugiati, profughi, ho bisogno di farne esperienza diretta. Il mio ruolo di artista non è quantificare e analizzare numeri, ma quello di fare luce sugli esseri umani che si celano dietro quei dati. Abbiamo convertito le crisi migratorie in una faccenda meramente tecnica, di-

scutiamo di statistiche, definiamo categorie. Ma sorvoliamo sul fatto che sono in gioco vite umane.

Durante questi viaggi che cosa ti ha colpito di più?

I volti delle persone che ho incontrato: tutti hanno in comune l’attesa. Potrebbero stare ovunque. Le immagini dei bambini che ho fotografato, oltre a Valeriia in Ucraina, sono di Thierry in Ruanda, Andiara in Colombia, Jamal in Mauritania, Mozhda in Grecia. Il loro sguardo sulle gigantografie costringono a porsi delle domande sulla loro sorte: qual è il loro posto e quali sono i loro diritti?

L’arte può scalfire le coscienze collettive?

Sembra una missione impossibile, invece accade. Le mie macrofotografie in movimento mettono insieme centinaia di migliaia di persone e quest’azione resta. La performance realizzata in piazza San Carlo con oltre 1.500 persone è stata un’opera collettiva. I teli si possono deteriorare, la memoria dell’atto rimane: tanti sconosciuti si sono ritrovati insieme per realizzare un’idea. Se questa è una cosa che si può ripetere e diffondere,

La performance in piazza San Carlo a Torino con le grandi opere di JR raffiguranti bambini e bambine profughi (2023)/La performance sur la Piazza San Carlo de Turin avec les grandes œuvres de JR représentant des enfants réfugiés (2023)

Copyright JR

camps de réfugiés de Mugombwa, au Rwanda, de Mbera, en Mauritanie, ou de Cùcuta, en Colombie, en passant par Lesbos, en Grèce. Des photographies, des vidéos, des installations, des sculptures et de grandes toiles avec des portraits d’enfants réfugiés pour rendre ces visages concrets et révéler les conditions dans lesquelles des milliers de personnes se trouvent aujourd’hui. Vous revenez en Italie avec un projet important, pour le thème qu’il aborde et le parcours qu’il a demandé. Il s’agit d’un travail intimement lié à l’enfance. Chaque intervention se concentre sur un enfant qui incarne l’élan vers l’avenir, une note d’espoir rendue de manière simple. J’ai commencé ce projet en Ukraine juste après le début de la guerre, en mars 2022. J’y suis allé avec une image qui m’avait frappé, un portrait de Valeriia, une petite fille de cinq ans au visage rayonnant, que j’ai reproduit sur une toile de 45 mètres. Nous l’avons installée dans le centre de Lviv, nous voulions qu’elle soit bien visible d’en haut, notamment des avions russes qui survolent chaque jour la population en lâchant des bombes. Ils m’ont demandé de faire voyager cette figure pour que le monde ne les oublie pas et sache que la guerre continue.

J’ai également voyagé vers d’autres destinations très différentes. Je me suis rendu dans le camp de réfugiés de Mugombwa, au Rwanda, tourmenté par les conflits armés, et au Sahel, en Afrique subsaharienne, où vivent depuis 2012 près de 78 000 réfugiés, incapables de repasser la frontière. En Colombie, en revanche, la communauté d’accueil de Cucuta rassemble des exilés vénézuéliens et colombiens. Sur l’île grecque de Lesbos, il existe un centre d’accueil et d’identification. Déplacé∙e∙s raconte ces lieux et ceux qui y vivent, rendant visible l’exode de populations entières, d’un bout à l’autre du monde, à cause des guerres, de la famine, du changement climatique.

Quel est le lien entre ce que vous avez trouvé dans ces lieux et ce que nous découvrons dans vos œuvres ?

Mes impulsions artistiques sont liées au désir de mieux connaître et comprendre mon environnement. Pour comprendre les réalités désignées par des mots comme migrants, réfugiés, personnes

JR

déplacées, j’ai besoin de les vivre directement. Mon rôle en tant qu’artiste n’est pas de quantifier et d’analyser des chiffres, mais de mettre en lumière les êtres humains qui se cachent derrière ces chiffres. Nous avons fait des crises migratoires une question purement technique, nous discutons de statistiques, nous définissons des catégories. Mais nous occultons le fait que des vies humaines sont en jeu. Au cours de ces voyages, qu’est-ce qui vous a le plus frappé ?

Les visages des gens que j’ai rencontrés : ils ont tous une attente en commun. Ils

pourraient être n’importe où. Les images des enfants que j’ai photographiés, outre Valeriia en Ukraine, sont celles de Thierry au Rwanda, Andiara en Colombie, Jamal en Mauritanie, Mozhda en Grèce. Leur regard sur les photographies géantes oblige à s’interroger sur leur sort : quelle est leur place et quels sont leurs droits ?

L’art peut-il ébranler les consciences collectives ?

Cela semble être une mission impossible, mais cela arrive. Mes macrophotographies en mouvement rassemblent des centaines de milliers de personnes et cette action demeure.

Déplacé·e·s, Thierry, Mugombwa (2022) Copyright

facendo prendere coscienza alle persone, allora sono convinto che qualcosa possa succedere, senza proclami. L’arte schiaccia il pessimismo.

Chi è JR?

Sono un immigrato di seconda generazione, mio padre e mia madre hanno origini tunisine. In Francia tutti vengono da un luogo diverso, si sentono profondamente francesi ma vengono considerati stranieri. Questo genera aggregazione in comunità. Penso anche di essere un artista che impegna gli altri, anche se c’è differenza tra attivismo e arte. Il mio ruolo è sollevare domande senza dare risposte. Chi sono io per andare in Ucraina o Mauritania e dire quello che c’è da fare o cambiare? Vado là per lavorare con la gente e trovare un’immagine che funzioni per loro, che li rappresenti. Cerco di trovare un modo per creare qualcosa che abbia senso per le persone: l’opera dipende sempre dalla loro volontà. Hai scattato le tue prime foto nelle periferie di Parigi. Cosa significa per te questa città?

È stata la partenza di un grande percorso che continua ogni giorno. Sono cresciuto nei quartieri suburbani, dove mi sentivo perso tra la grandezza degli

edifici. Scrivevo il mio nome sui muri per mostrare che ero lì, che esistevo. Quando ho trovato una macchina fotografica nella metropolitana non sapevo cosa farne. Ho iniziato a documentare i miei amici mentre realizzavano graffiti e poi ho lasciato le fotocopie degli scatti tra le strade. Il mio lavoro è nato così, ma in quel momento non sapevo cosa fosse una fotografia o un artista. Sentivo solo il bisogno di condividere queste immagini.

Da autodidatta a nome internazionale. Quando hai capito di essere diventato un artista famoso?

La rivoluzione nel mio lavoro è avvenuta con le proteste del 2005 nelle banlieue parigine a cui ho assistito dalla mia finestra. Credo di esserlo diventato in quel momento, di aver trovato un senso quando ho cominciato a fare foto a queste proteste, alle persone. Mi sono ritrovato sulla copertina del New York Times per aver documentato questi episodi, così in molti mi hanno scoperto e io ho iniziato a prendere coscienza del potere dell’immagine.

Cosa troviamo in mostra a Torino?

La fotografia è la materia prima del mio approccio artistico, mi interessa

soprattutto la sua capacità di mettere in contatto la gente, di farla interagire e partecipare. Le Gallerie d’Italia offrono possibilità espositive articolate: gli schermi dinamici e l’ampia sala dotata di videoproiettori favoriscono le esperienze immersive e risucchiano il visitatore all’interno delle immagini.

La domanda delle domande: a cosa serve l’arte?

Prima pensavo che fosse impossibile, poi ho notato che ognuno di noi può compiere un’azione dalla quale se ne può innescare un’altra e questo, sì, potrebbe anche modificare qualcosa. La mia installazione nelle favelas di Rio de Janeiro, per esempio, rappresentava una luna posta a 40 metri di altezza, visibile da ogni parte. Ha attirato e incuriosito tanti visitatori e chi entrava nella favela per l’opera doveva insegnare qualcosa ai bambini. Dopo questo progetto, il sindaco della città ha avviato nuove politiche sociali. Si può modificare la percezione che noi abbiamo del mondo. E cambiando quella si può cambiare il mondo.

Una delle sale della mostra Déplacé∙e∙s alle Gallerie d’Italia /Une des salles de l'exposition Déplacé∙e∙s aux Gallerie d'Italia

La performance sur la Piazza San Carlo avec plus de 1 500 personnes était une œuvre collective. Les toiles peuvent se détériorer, le souvenir de l’acte reste : tant d’inconnus se sont réunis pour réaliser une idée. Si c’est quelque chose qui peut être répété et diffusé, en sensibilisant les gens, alors je suis convaincu que quelque chose peut se produire, sans proclamations. L’art est un antidote au pessimisme. Qui est JR ?

Je suis un immigré de deuxième génération, mon père et ma mère sont d’origine tunisienne. En France, tout le monde vient d’un endroit différent, ils se sentent profondément français mais sont considérés comme des étrangers. Cela génère une agrégation dans la communauté. Je pense aussi être un artiste qui engage les autres, bien qu’il y ait une différence entre le militantisme et l’art. Mon rôle est de soulever des questions sans donner de réponses. Qui suis-je pour aller en Ukraine ou en Mauritanie et dire ce qu’il faut faire ou changer ? Je vais là-bas pour travailler avec les gens et trouver une image qui fonctionne pour eux, qui les représente. J’essaie de trouver un moyen de créer quelque chose qui ait un sens pour les gens : le travail dépend toujours de leur volonté.

Vous avez pris vos premières photos dans la banlieue de Paris. Que

représente cette ville pour vous ?

C’était le début d’un grand voyage qui se poursuit chaque jour. J’ai grandi en banlieue, où je me sentais perdu parmi la grandeur des immeubles. J’écrivais mon nom sur les murs pour montrer que j’étais là, que j’existais. Quand j’ai trouvé un appareil photo dans le métro, je ne savais pas quoi en faire. J’ai commencé à documenter mes amis pendant qu’ils faisaient des graffitis, puis j’ai laissé des photocopies des clichés dans les rues.

Mon travail est né de cette façon, mais à cette époque, je ne savais pas ce qu’était une photographie ou un artiste. J’ai juste ressenti le besoin de partager ces images.

De l’autodidacte à un nom international. Quand avez-vous réalisé que vous étiez devenu un artiste célèbre ?

La révolution dans mon travail s’est produite avec les manifestations de 2005 dans les banlieues parisiennes, auxquelles j’ai assisté de ma fenêtre. Je pense que je le suis devenu à ce moment-là, que j’ai trouvé un sens lorsque j’ai commencé à prendre des photos de ces manifestations, des gens. Je me suis retrouvé en couverture du New York Times pour avoir documenté ces épisodes, tant de gens m’ont découvert et j’ai commencé à prendre conscience du pouvoir de l’image. Qu’est-ce que nous trouverons à l’expo de Turin ?

La photographie est la matière première de ma démarche artistique, je suis particulièrement intéressé par sa capacité à connecter les gens, à les faire interagir et participer. Les Gallerie d’Italia offre des possibilités d’exposition articulées : les écrans dynamiques et la grande salle équipée de vidéoprojecteurs favorisent les expériences immersives et aspirent le visiteur dans les images. La question des questions : à quoi sert l’art ?

Au début, je pensais que c’était impossible, puis j’ai remarqué que chacun de nous peut effectuer une action à partir de laquelle une autre peut être déclenchée et cela, oui, pourrait aussi changer quelque chose. Mon installation dans les favelas de Rio de Janeiro, par exemple, représentait une lune placée à 40 mètres de haut, visible de toutes parts. Elle attirait et intriguait de nombreux visiteurs et ceux qui entraient dans la favela pour l’œuvre devaient enseigner quelque chose aux enfants. Après ce projet, le maire de la ville a lancé de nouvelles politiques sociales. Vous pouvez changer la perception que nous avons du monde. Et en changeant cela, vous pouvez changer le monde.

gallerieditalia.com

gallerieditalia

gallerieditalia

JR nel suo atelier (2022)/JR dans son atelier (2022) Copyright JR

IL TEMPIO

DELL’ARTE

RESTAURATA DA TADAO ANDO, LA BOURSE DE COMMERCE DI PARIGI È LA NUOVA SEDE PERMANENTE

DELLA COLLEZIONE DI FRANÇOIS PINAULT

Testo e traduzione/Texte et traduction de Bernard Bédarida

LE TEMPLE

DE L’ART

RÉNOVÉE PAR TADAO ANDO, LA BOURSE DE COMMERCE DE PARIS EST LE NOUVEAU SIÈGE PERMANENT DE LA COLLECTION FRANÇOIS PINAULT

In queste pagine e nella successiva, la Bourse de Commerce di Parigi ristrutturata da Tadao Sur ces pages et les suivantes, la Bourse de Commerce de Paris rénovée par Tadao Ando Architecte & Associates, Niney et Marca Architectes, Agence Pierre-Antoine Gatier

Èl'ultimo nato tra i grandi spazi culturali parigini. Dopo la Fondazione Louis Vuitton e l’Hôtel de la Marine, è toccato alla Bourse de Commerce diventare meta irrinunciabile per gli amanti dell'arte. Con la sua sorprendente pianta circolare, questo maestoso edificio nel cuore della capitale francese racconta cinque secoli di prodezze architettoniche e tecniche.

Qui nel XVI secolo sorgeva la residenza di Caterina de’ Medici, di cui l'unica traccia sopravvissuta a oggi è una colonna dorica alta 31 metri, incorporata nella struttura. Dopo la demolizione del palazzo, nella seconda metà del ‘700 su questo sito fu costruito un Mercato del grano di

forma circolare, che nel 1812 venne completato da una cupola in metallo e vetro paragonata dagli studiosi dell’epoca a quella della Basilica di San Pietro a Roma.

Affidata nel 2016 a François Pinault, proprietario del Gruppo Kering che comprende, tra gli altri, i marchi del lusso Gucci e Yves Saint-Laurent, la Bourse de Commerce è diventata un luogo privilegiato per presentare ai visitatori del mondo intero parte delle collezioni personali di arte contemporanea dell’imprenditore bretone. Ristrutturata dall’architetto giapponese Tadao Ando e inaugurata in pieno Covid-19 il 22 maggio 2021, opera in coordinamento con Punta della Dogana e Palazzo Grassi a Venezia, le altre due sedi per-

manenti della Pinault Collection, e presenta mostre ed eventi durante tutto l'anno.

Adiacente al quartiere Les Halles appena riqualificato, con il Louvre a sud-ovest e il Centre Pompidou a est, il museo in Rue de Viarmes ha ridato vita a questa zona della capitale francese. Il compito di Ando è stato quello di trasformare l'edificio in un museo di arte contemporanea, senza intervenire sulla struttura, classificata come monumento storico. Si trattava quindi di rigenerare il luogo, pur onorando la memoria della città rappresentata sul fregio interno della cupola, e inserire un’altra struttura, totalmente nuova. «La vocazione di questa architettura è stata quella di collega -

C’est le dernier né des grands espaces culturels parisiens. Après la Fondation Louis Vuitton et l'Hôtel de la Marine, c'est au tour de la Bourse de Commerce de devenir une destination incontournable pour les amateurs d'art. Avec son étonnant plan circulaire, cet édifice majestueux,

au cœur de la capitale française, raconte cinq siècles de prouesses architecturales et techniques. La résidence de Catherine de Médicis s'élevait ici au XVIe siècle, et dont la seule trace qui subsiste à ce jour est une colonne dorique de 31 mètres de haut, intégrée à la structure. Après la démolition de l'édifice, dans la

seconde moitié du XVIIIe siècle, une halle aux grains circulaire fut construite à cet emplacement ; elle fut ensuite complétée en 1812 par une coupole en métal et en verre, que les érudits de l'époque n’hésitaient pas à comparer au dôme de la basilique Saint-Pierre de Rome.

Confiée en 2016 à François Pinault, propriétaire du groupe Kering qui comprend, entre autres, les marques de luxe Gucci et Yves Saint-Laurent, la Bourse de Commerce est devenue un lieu privilégié pour présenter une partie des collections personnelles d'art contemporain de l’entrepreneur breton. Rénové par l'architecte japonais Tadao Ando et inauguré en pleine Covid-19 le 22 mai 2021, le musée fonctionne en coordination avec la Punta della Dogana et le Palais Grassi de Venise, les deux autres sièges permanents de la Collection Pinault, et présente des expositions et des événements tout au long de l’année.

Côtoyant le quartier récemment réaménagé des Halles, avec le Louvre au sud-ouest et le Centre Pompidou à l'est, le musée de la Rue de Viarmes a redonné vie à ce quartier de la capitale française. La tâche de l’architecte était de transformer le bâtiment en un musée d'art contemporain, sans intervenir sur la structure, classée monument historique. Il s'agissait donc de régénérer le lieu, tout en honorant la mémoire de la ville représentée sur la frise intérieure du dôme, et d'y insérer une autre structure totalement contemporaine. « La vocation de cette architecture était de relier les fils du temps, passé, présent et futur, comme pour les projets de Venise », précise l'architecte japonais. « Le plan circulaire, fidèle à la symétrie urbaine, comprend en son centre une Rotonde, qui contient un cylindre en béton de 30 mètres de diamètre et de neuf mètres de hauteur. La Bourse de Commerce, faites de cercles concentriques, est donc conçue pour établir un dialogue, tendu et subtil entre le nouveau et l'ancien ». Et c'est ainsi que le cylindre en béton armé devient, par le projet de son concepteur, le principal espace d'exposition, à l'intérieur duquel sont présentées des œuvres

Danh Vo Tropaeolum (2023) all'interno della mostra /à l’intérieur de l'exposition Avant l'orage © Danh Vo - Pinault Collection © Aurélien Mole

re i fili del tempo, passato, presente e futuro, come per i progetti di Venezia», afferma l’archistar. «La pianta circolare, elemento di simmetria urbana, è costituita da una rotonda che contiene all’interno un cilindro di cemento di 30 metri di diametro e

nove di altezza. La Bourse de Commerce, fatta di cerchi concentrici, è quindi pensata per instaurare un dialogo, teso e sottile, tra il nuovo e il vecchio». Ed è così che il cilindro in cemento armato diventa, attraverso l’idea del suo progettista, lo spazio

espositivo principale, al cui interno vengono presentate sorprendenti opere d’arte. La struttura, di un materiale estremamente moderno rispetto all’ambiente nel quale è collocata, fu oggetto di mille polemiche al momento della costruzione ma si è poi rivelata provvidenziale per potenziare l’area espositiva e risolvere un grave problema di acustica.

L’ultima mostra inaugurata, che prosegue fino a settembre 2023, è Avant l’orage ( Prima della tempesta) e invita a un viaggio attraverso installazioni e opere di artisti della collezione Pinault che trasformano tutti gli spazi del museo. Sullo sfondo del cambiamento climatico, nell’urgenza del nostro presente come nell’occhio di un ciclone, luce e buio, primavera e inverno, sole e pioggia, umano e non umano coesistono in questo spettacolo unico.

Tra i 15 artisti in mostra, il vietnamita Danh Vo occupa lo spazio emblematico del cilindro moderno con un’installazione unica. La sua opera, Tropaeolum, è radicata in una serra di cemento, metallo e pietra e crea un territorio mutante, dove le sensazioni si intrecciano. È un paesaggio instabile, colto in un tempo desincronizzato, in cui il visitatore è invitato a immergersi. Per quanto riguarda le opere permanenti della Collezione, si segnala Others, l’inquietante stormo di piccioni imbalsamati, più grandi del reale, che l’artista italiano Maurizio Cattelan, sempre presente nel cuore di François Pinault, ha voluto rappresentare adagiati sulla balaustra della rotonda. Mentre l'opera più fotografata è I... I... I… , il topolino parlante di Ryan Gander, che immerge il visitatore in un mondo di sorpresa e meraviglia coronando il sorprendente percorso del museo. Per concludere la visita, infine, niente di meglio che una sosta gourmet nel ristorante La Halle aux Grains, al terzo piano della Bourse de Commerce. Con la sua vista mozzafiato sui tetti di Parigi, il Restaurant-Café di Michel e Sébastien Bras è un locale dalla forte identità che consente di gustare una cucina contemporanea ispirata alla storia del luogo.

pinaultcollection.com

Ryan Gander, I... I... I… (2019) © Ryan Gander. Adagp, Paris 2021

© Andrea Rossetti

d'art contemporain surprenantes. Alors qu’il avait été l’objet de mille polémiques lors de sa construction, ce cylindre, réalisé dans un matériau extrêmement moderne par rapport à l'environnement dans lequel il était placé, s’est révélé par la suite providentiel pour valoriser l'espace d'exposition et résoudre un grave problème acoustique. L’exposition qui vient de s’ouvrir et qui se poursuivra jusqu'en septembre 2023, inaugure la nouvelle saison de la Bourse de Commerce. Intitulée Avant l'orage, elle invite à un cheminement à travers des installations et des œuvres d'artistes de la collection Pinault – emblématiques pour certaines, inédites pour d’autres –qui transforment tous les espaces du musée. Sur fond de dérèglement climatique, dans l'urgence de notre

présent comme dans l'œil d'un cyclone, cohabitent, au sein de cet accrochage, la lumière et l'obscurité, le printemps et l'hiver, le soleil et la pluie, l'humain et le non humain. Parmi les 15 artistes exposés, le Vietnamien Danh Vo occupe l'espace emblématique du cylindre moderne avec une installation inédite. Son œuvre, Tropaeolum, s’enracine dans une serre de béton, de métal et de pierre et crée un territoire mutant, où s'entremêlent les sensations. C'est un paysage instable, saisi dans une ronde désynchronisée du temps, dans lequel le visiteur est invité à s'immerger. Quant aux œuvres permanentes de la Collection, on notera Others, l'inquiétante escadrille de pigeons empaillés, plus vrais que nature, que l'artiste italien Maurizio Cattelan, toujours

présent parmi les coups de cœur de François Pinault, a voulu représenter, nichés sur la balustrade de la rotonde. Et que dire enfin de I... I... I… , la souris parlante de Ryan Gander ?

L’œuvre la plus photographiée du musée plonge le visiteur dans un univers de surprise et d'émerveillement, et couronne l’étonnant parcours qu’il vient d’entreprendre. Enfin, pour conclure la visite, rien de mieux qu'une halte gourmande au restaurant La Halle aux Grains, au troisième étage de la Bourse de Commerce. Avec sa vue imprenable sur les toits de Paris, le RestaurantCafé de Michel et Sébastien Bras est une table à l’identité forte où l’on peut déguster une cuisine contemporaine inspirée par l'histoire du lieu.

pinaultcollection.com

Maurizio Cattelan, Others (2011) © Maurizio Cattelan - Pinault Collection

VILLAGGI SENZA TEMPO, CAVITÀ SOTTERRANEE, RISERVE NATURALI. I GIOIELLI INEDITI INCASTONATI IN UN ANGOLO DI FRANCIA TRA IL MEDITERRANEO E I PIRENEI

di/par Silvia Lanzano e/et Francesco Bovio

Un viaggio nella natura e per i borghi dove risuona la lingua d’oc, antico idioma letterario della Francia meridionale. È l’Occitania, terra incantata della lirica d’amore, dove ancora oggi «nella dolcezza della primavera i boschi rinverdiscono e gli uccelli cantano», come scriveva in una celebre poesia Guglielmo IX, duca d’Aquitania e conte di Tolosa nel Medioevo.

ROCAMADOUR, TRA TERRA E CIELO

Immerso nel verde e arroccato sul massiccio di falesia calcarea che domina con un salto di 150 metri lo spettacolare canyon di Alzou: si presenta così il villaggio medievale di Rocamadour, centro di devozione situato nel bel mezzo del

cammino di Santiago e tappa intermedia per i pellegrini diretti a Lourdes. La porta fortificata di du Figuier apre su Rue de la Couronnerie, dove si possono ammirare antiche case e tetti scavati nella roccia e fermarsi ad assaggiare le specialità del posto, come il piccolo formaggio Dop prodotto con latte di capra fresco. Attraverso i 216 gradini di una scala monumentale si accede al piazzale della città sacra con le sue otto chiese e cappelle. La più celebre è il santuario dedicato a Nostra Signora di Rocamadour, meta di pellegrinaggi fin dal XII secolo, dove si venera la statua in legno della Madonna Nera.

PRINTEMPS

IN OCCITANIA EN OCCITANIE

VILLAGES HORS DU TEMPS, GROTTES SOUTERRAINES, RÉSERVES NATURELLES. DES JOYAUX MÉCONNUS DANS UN COIN DE FRANCE ENTRE LA MÉDITERRANÉE ET LES PYRÉNÉES

Un voyage dans la nature et dans des villages où résonne la langue languedocienne, ancien idiome littéraire du sud de la France. Bienvenue en Occitanie, le pays enchanté de la poésie amoureuse, où, aujourd’hui encore, « À la douceur du temps nouveau les bois feuillissent les oiseaux chantent », comme l’a écrit Guillaume IX, duc d’Aquitaine et comte de Toulouse, dans un célèbre poème du Moyen Âge. ROCAMADOUR, ENTRE TERRE ET CIEL Immergé dans la verdure et perché sur le massif de falaises calcaires qui domine le spectaculaire canyon

de l’Alzou avec un dénivelé de 150 mètres : voilà à quoi ressemble le village médiéval de Rocamadour, un centre de dévotion situé au milieu du chemin de Saint-Jacquesde-Compostelle et une étape intermédiaire pour les pèlerins sur le chemin de Lourdes. La porte fortifiée du Figuier s’ouvre sur la rue de la Couronnerie, où l’on peut admirer les vieilles maisons et les toits taillés dans la roche et s’arrêter pour déguster des spécialités locales, comme le petit fromage AOP au lait de chèvre frais. Les 216 marches d’un escalier monumental mènent à la place de la ville sacrée avec ses huit églises et chapelles.

La plus célèbre est le sanctuaire dédié à Notre-Dame de Rocamadour, lieu de pèlerinage depuis le XIIe siècle, où est vénérée la statue en bois de la Vierge noire.

AU CENTRE DE LA TERRE

« Nous allons nous enfoncer véritablement dans les entrailles du globe. Voici donc le moment précis auquel notre voyage commence », écrivait Jules Verne en 1864 dans son roman Voyage au centre de la Terre Et à partir du 31 mars, après les vacances d’hiver, il est possible d’organiser une excursion dans l’un des milieux souterrains les plus impressionnants du monde,

le Gouffre de Padirac. Depuis Rocamadour, l’idéal est de faire du vélo (environ 15 kilomètres) pour atteindre le site, où une cavité de 35 mètres de large s’ouvre soudainement dans le sol. De là, on descend de 103 mètres, le long de galeries qui suivent un cours d’eau souterrain, la rivière Plane, que l’on peut parcourir en bateau jusqu’au lac de la Pluie, un lac alimenté par des gouttes d’eau filtrant à travers la roche. Le voyage se poursuit ensuite à pied, non sans avoir admiré la Grande Pendeloque, une stalactite colossale de 60 mètres de long.

Rocamadour ©kevin_guillois/AdobeStock

AL CENTRO DELLA TERRA

«Andremo davvero nelle profondità della Terra. Questo è il momento esatto in cui inizia il nostro viaggio», scriveva nel 1864 Jules Verne nel romanzo Viaggio al centro della Terra. E dal 31 marzo, dopo la pausa invernale, è possibile organizzare un’escur-

sione in uno degli ambienti sotterranei più suggestivi al mondo, Gouffre de Padirac. Da Rocamadour l’ideale è spostarsi in bicicletta (circa 15 chilometri) per raggiungere il sito, dove si apre improvvisa nel terreno una cavità ampia 35 metri. Da qui si scende in basso per 103 metri, lungo galle -

rie che inseguono un corso d’acqua sotterraneo, il fiume Plane, percorribile in barca fino al Lac de la Pluie, un lago alimentato da gocce d’acqua che filtrano attraverso la roccia sovrastante. Il viaggio da lì prosegue a piedi, non prima di aver ammirato la Grande Pendeloque, colossale stalattite lunga 60 metri.

NATURA, GOTICO E FALESIE

A poco meno di mezz’ora di strada da Gouffre de Padirac si arriva nella valle del fiume Dordogna, tutelato come riserva della biosfera dall’Unesco. Dalle cittadine di Sousceyrac-en-Quercy a est e Souillac a ovest ci si può avventurare lungo i meandri del corso d’acqua in un paesaggio naturale intatto dove si alternano fitte cortine di giunchi, isolotti di sabbia, spiagge di sassi. Per gli amanti delle escursioni è possibile fare passeggiate a piedi o in bicicletta ma anche uscite in canoa. Passando per la fiorita Baladou si arriva a Martel, la città delle sette torri, nota al mondo per il suo patrimonio architettonico religioso e civile – case, torri, antichi palazzi – di stile romanico e gotico meridionale. Dal 1990 è di nuovo attiva la ferrovia turistica di Haut-Quercy: il treno a vapore di Truffadou, chiamato così perché un tempo trasportava il pregiato tartufo locale, consente di scoprire le meraviglie della valle della Dordogna lungo un tragitto a strapiombo sulla falesia, la costa rocciosa a picco su una distesa di alberi.

LE BASTIDE DELL’OCCITANIA

Più a sud si incontra Cordes-sur-Ciel, una delle più antiche bastide, le cittadine medievali dalla tipica pianta a scacchiera costruite in Francia a partire dalla prima metà del XIII secolo. Qui una rete di vicoli puntellati di case e botteghe artigiane si snoda lungo la collina fino alla piazza principale del borgo. Attorno a Cordes si può spaziare in un ideale viaggio attraverso l’Occitania medievale tra i borghi arroccati di Puycelsi, la bastide di Castelnau-de-Montmiral, i castelli di Bruniquel, Caylus o ancora il centro di Mirepoix dalla suggestiva piazza porticata Les couverts.

LA CITTÀ DI TOULOUSE-LAUTREC

A 25 chilometri da Cordes si raggiunge Albi, città che ha dato i natali

Gouffre de Padirac

© Gerald Fauvelle/Wikipedia

NATURE, GOTHIQUE ET FALAISES

À un peu moins d’une demi-heure de route du Gouffre de Padirac, on accède à la vallée de la Dordogne, protégée comme réserve de biosphère par l’UNESCO. Depuis la commune nouvelle de Sousceyrac-en-Quercy à l’est, et de Souillac à l’ouest vous pourrez vous aventurer le long des méandres du cours d’eau dans un paysage naturel préservé fait de ceintures de roseaux denses, d’îlots de sable et de plages de galets. Les amateurs d’excursions peuvent faire des promenades à pied ou à vélo, ainsi que des sorties en canoë. En passant par la Baladou fleurie, on arrive à Martel, la ville aux sept tours, connue dans le monde entier pour son patrimoine architectural religieux et civil – maisons, tours, anciens palais – de style roman et gothique méridional. Depuis 1990, le chemin de fer touristique du HautQuercy a repris du service : le train à vapeur du Truffadou, appelé ainsi parce qu’il transportait autrefois la précieuse truffe locale, permet de découvrir les merveilles de la vallée de la

Dordogne le long d’un parcours surplombant la falaise, la côte rocheuse à pic sur une étendue d'arbres.

LES BASTIDES D’OCCITANIE

Plus au sud, on arrive à Cordes-sur-Ciel, l’une des plus anciennes bastides, ces villes médiévales au plan en damier typique construites en France à partir de la première moitié du XIIIe siècle. Ici, un réseau de ruelles parsemées de maisons et d’ateliers artisanaux serpente le long de la colline jusqu’à la place principale du village. Autour de Cordes, on peut faire un voyage idéal dans l’Occitanie médiévale entre les villages perchés de Puycelsi, la bastide de Castelnau-de-Montmiral, les châteaux de Bruniquel, de Caylus ou encore le centre de Mirepoix avec sa charmante place à arcades des Couverts.

LA VILLE DE TOULOUSE-LAUTREC

À 25 kilomètres de Cordes, vous atteignez Albi, la ville natale d’Henri de Toulouse-Lautrec, l’un des plus grands peintres postimpressionnistes. Le musée qui lui est consacré abrite une collection de 214 tableaux et des centaines de lithographies et de dessins qui racontent l’histoire du grand artiste de l’Art nouveau, inventeur des légendaires affiches du Moulin Rouge. Non loin de là, on découvre une forteresse dont le clocher de 78 mètres de haut domine la place et le vieux pont sur le Tarn : c’est la cathédrale Sainte-Cécile.

CARCASSONNE INTEMPORELLE

Une atmosphère médiévale intacte au fil des siècles accueille ceux qui arrivent à Carcassonne, l’un des joyaux de l’Occitanie, non loin de l’Espagne, dans la plaine de l’Aude. Une série de bastions, quatre portes et deux puissantes murailles constellées de 52 tours, ainsi que le majestueux PontVieux sur l’Aude, enchantent le visiteur par leur grandeur et leur parfait état de conservation. Une fois franchie la Porte Narbonnaise, on se retrouve dans une dimension suspendue, véritable condensé d’architecture médiévale, décor idéal pour les tournages de films. LE BALCON DES PYRÉNÉES

Enfin, à 2 877 mètres d’altitude, se dresse le Pic du Midi de Bigorre, qui abrite le plus ancien observatoire astronomique de haute altitude du monde. De là, vous pourrez admirer le panorama infini des sommets pyrénéens, ou croiser l’isard, le chamois typique de cette région, qui joue à cache-cache entre les sentiers du Mont Canigou, l’un des sommets les plus connus de tout le massif. Une fois descendu à Gavarnie-Gèdre, vous atteignez le cirque naturel d’origine glaciaire avec la Grande Cascade qui, avec ses 422 mètres de dénivelé, est la plus haute et impressionnante d’Europe. Vous pouvez choisir une randonnée à pied ou à cheval, à dos d’âne ou de poney, dans un paysage préservé qui raconte, dans sa rudesse luxuriante, la vie et l’histoire des Pyrénées, terre de frontières.

Il treno a vapore di Truffadou attraversa la valle della Dordogna

Le train à vapeur du Truffadou traverse la vallée de la Dordogne

a Henri de Toulouse-Lautrec, uno dei maggiori pittori post-impressionisti. Il museo a lui dedicato ospita una collezione di 214 dipinti e centinaia di litografie e disegni che raccontano il percorso del grande artista dell’Art Nouveau, inventore delle leggendarie locandine del Moulin Rouge. Poco distante, ci si imbatte in una fortezza con un torrione-campanile alto 78 metri che sovrasta la piazza e domina il ponte vecchio sul fiume Tarn: è la cattedrale di Sainte-Cécile.

CARCASSONNE SENZA TEMPO

Un’atmosfera medievale intatta nei secoli accoglie chi arriva a Carcassone, uno dei gioielli dell’Occitania

a poca distanza dalla Spagna, nella pianura dell’Aude. Una serie di bastioni, quattro porte di accesso e due possenti cinte murarie costellate da 52 torri, insieme al maestoso Pont Vieux sul fiume Aude, incantano lo spettatore per l’imponenza e il perfetto stato di conservazione. Una volta varcata la Porte Narbonnaise ci si ritrova in una dimensione sospesa, un vero compendio dell’architettura medievale, ambientazione ideale per set cinematografici.

IL BALCONE DEI PIRENEI Infine, a 2.877 metri di altitudine, svetta il Pic du Midi de Bigorre, sede del più antico osservatorio astronomico di alta montagna del mondo.

Da qui si può ammirare il panorama sconfinato delle vette dei Pirenei, o imbattersi nell’isard, il camoscio tipico di questi luoghi, che gioca a nascondersi tra i sentieri del Mont Canigou, una delle vette più conosciute dell’intero massiccio. Una volta scesi a Gavarnie-Gèdre si raggiunge il circo naturale di origine glaciale con la Grande Cascade, che con i suoi 422 metri di salto è la più alta e impressionante d'Europa. Si può scegliere un’escursione a piedi oppure passeggiare a cavallo, a dorso d’asino o di pony, in un paesaggio incontaminato che racconta, nelle sue rigogliose asperità, la vita e la storia dei Pirenei, terra di confine.

Carcassone

Il circo di Gavarnie/Le cirque de Gavarnie

© by-studio/AdobeStock

L’ESSENZA DI PERUGIA

PROFUMA DI CIOCCOLATO. MA HA IL SAPORE DELL’ARTE, CON I

500 ANNI DALLA MORTE DEL PERUGINO, E DELLA MUSICA, CON IL

MEZZO SECOLO DI UMBRIA JAZZ. ECCO PERCHÉ LA CITTÀ UMBRA È

LA META DEL 2023 (E LO DICE LONELY PLANET)

L’ESSENCE DE PÉROUSE

ELLE SENT LE CHOCOLAT. MAIS ELLE A LA SAVEUR DE L'ART, AVEC LE 500E ANNIVERSAIRE DE LA MORT DU PÉRUGIN, ET DE LA MUSIQUE, AVEC LE DEMI-SIÈCLE DE UMBRIA JAZZ. VOILÀ POURQUOI LA VILLE

OMBRIENNE EST LA DESTINATION DE 2023 (SELON LE LONELY PLANET)

Si lascia inseguire nell’aria come un profumo che pizzica il naso. Sfiora per un istante le papille e subito scivola via senza lasciarsi afferrare. Poi emerge all’improvviso, avvolgendo il palato come il cioccolato che fonde. Perugia ha un gusto tutto da indovinare, che miscela la giusta dose di bellezza con una gran quantità di storia e qualche ingrediente a sorpresa. Non basta una vita, forse, per catturarne l’essenza. Ma di sicuro il 2023 è l’anno migliore per provarci. La città umbra è stata infatti selezionata da Lonely Planet tra le mete mondiali imperdibili nella categoria Sapori. Che non sono solo quelli tipici del tartufo o del cioccolato, ma abbracciano anche i piaceri dell’arte, con le celebrazioni per i 500 anni dalla morte del pittore Perugino, e della musica, in vista dei concerti estivi per il mezzo secolo di Umbria jazz. La degustazione al buio di Perugia comincia dal sottosuolo, prendendo le scale mobili che da piazza Partigiani salgono verso il centro storico. Un passaggio in cui la luce si guadagna dal basso, piano piano, attraverso

un labirinto sotterraneo di muri in pietra squarciati da volte a sesto acuto e tenuti insieme da pilastri fortificati. Sono i resti di un quartiere medievale, sepolto alla metà del XVI secolo sotto la Rocca Paolina, fortezza simbolo del potere papale che fu a sua volta demolita pezzo a pezzo dai cittadini dopo l'annessione di Perugia al Regno d'Italia. Sulle sue macerie, nell’800 furono costruiti gli edifici che ora si affacciano sulla piazza e sui Giardini Carducci: dal neoclassico Palazzo Cesaroni, sede del Consiglio regionale, al Brufani, hotel di lusso e quartier generale del Festival del giornalismo, dal Palazzo della Provincia, con il suo porticato di transito, alla Banca d’Italia, che spicca sul lato occidentale. Lo spazio urbano seminterrato, che sorregge ancora il mondo dei vivi con i suoi pilastri e il bastione inferiore, è una zona di transito ma anche un centro espositivo. Che dal 1984, tra mostre temporanee e negozi di souvenir, ospita anche il Grande nero di Alberto Burri, una scultura cinetica di oltre sette metri che ben si inserisce nell’angolo acuto di una volta. Uscendo da

questo luogo senza tempo, le lancette ricominciano a correre lungo le vetrine di corso Vannucci – il vero cognome del Perugino – che da piazza Italia porta al cuore antico della città. Tra boutique hotel aperti di recente e osterie locali che propongono torta al testo e parmigiana di gobbi, spiccano il negozio della Perugina e lo store di Luisa Spagnoli. L’imprenditrice di moda è stata anche l’ideatrice del Bacio, il fondente simbolo degli innamorati che ha un posto d’onore a Eurochocolate, festival cittadino di richiamo internazionale ormai dagli anni ‘90. Dopo una sosta nella pasticceria Sandri – è d’obbligo provare il torciglione, dolce secco a base di pasta di mandorle – si arriva in piazza IV Novembre, dominata dalla duecentesca Fontana maggiore, monumento simbolo della città. Sullo sfondo, la Cattedrale di San Lorenzo mostra la sua fiancata austera, ingentilita nella fascia bassa da una trama geometrica in marmo rosa e bianco mai portata a termine. Mentre la facciata, assai meno maestosa tranne che per il portale barocco, si apre lateralmente su piazza Danti.

Via dell’Acquedotto

Il flotte dans l'air comme un parfum qui chatouille le nez. Qui titille les papilles l'espace d'un instant et se dérobe aussitôt sans se laisser saisir. Puis il émerge soudainement, enveloppant le palais comme du chocolat noir. Pérouse a une saveur à découvrir, mélangeant juste ce qu'il faut de beauté avec une richesse d'histoire et quelques ingrédients surprises. Une vie, peut-être, n'est pas suffisante pour en saisir l'essence. Mais 2023 est sûrement la meilleure année pour s’y essayer. Car la ville ombrienne a été sélectionnée par Lonely Planet comme l'une des destinations mondiales incontournables dans la catégorie Saveurs. Qui ne sont pas seulement celles typiques des truffes ou du chocolat, mais embrassent aussi les plaisirs de l'art, avec les célébrations du 500e anniversaire de la mort du peintre Le Pérugin, et de la musique, avec les concerts d'été pour le demi-siècle d'existence de l'Umbria jazz. La dégustation dans l'obscurité de Pérouse commence sous terre, en empruntant les escalators de la Piazza Partigiani vers le centre historique. Un passage où l'on gagne la lumière par le bas, lentement, à travers un labyrinthe souterrain de murs de pierre percés de voûtes en ogive et maintenus par des

piliers fortifiés.

Il s'agit des vestiges d'un quartier médiéval, enterré au milieu du XVIe siècle sous la Rocca Paolina, une forteresse symbolisant le pouvoir papal qui fut à son tour démolie pièce par pièce par les citoyens après l'annexion de Pérouse au Royaume d'Italie. C'est sur ses ruines qu'ont été construits, au XIXe siècle, les bâtiments qui donnent aujourd'hui sur la place et les jardins Carducci : du palais néoclassique Cesaroni, siège du conseil régional, au Brufani, hôtel de luxe et siège du festival du journalisme, du palais de la province, avec son portique de transit, à la Banque d'Italie, qui se détache sur le côté ouest. L'espace urbain en soussol, qui soutient encore le monde des vivants avec ses piliers et son bastion inférieur, est un lieu de passage mais aussi un centre d'exposition. Depuis 1984, entre expositions temporaires et boutiques de souvenirs, il abrite également le Grande nero d'Alberto Burri, une sculpture cinétique de plus de sept mètres intégré dans l'angle aigu d'une voûte.

En quittant ce lieu intemporel, les mains recommencent à courir le long des vitrines du Corso Vannucci – le vrai nom du Pérugin – qui mène de Piazza Italia au cœur antique de la ville. Entre les

hôtels-boutiques récemment ouverts et les tavernes locales proposant torta al testo et parmigiana di gobbi, la boutique Perugina et celle de Luisa Spagnoli se distinguent. L'entrepreneur de mode est également le créateur du Bacio, le symbole en chocolat des amants qui occupe une place d'honneur à Eurochocolate, le festival de renommée internationale de la ville depuis les années 1990. Après un arrêt à la pâtisserie Sandri – il faut absolument goûter le torciglione, un gâteau sec à base de pâte d'amande – on arrive sur la Piazza IV Novembre, dominée par la Fontana Maggiore du XIIIe siècle, le monument emblématique de la ville. À l'arrière-plan, la cathédrale de San Lorenzo montre son flanc austère, adouci dans sa partie inférieure par un motif géométrique en marbre rose et blanc qui ne fut jamais achevé. Tandis que la façade, beaucoup moins majestueuse à l'exception du portail baroque, s'ouvre latéralement sur la Piazza Danti. À l'intérieur de la cathédrale se trouvent la Déposition de Croix de Federico Barocci et un anneau en pierre dure qui, selon la tradition, a été utilisé lors du mariage de Marie et Joseph. À l'extérieur, l'imposant escalier avec la statue en bronze de Jules III est la destination préférée des étudiants et

Alberto Burri, Grande nero, all’interno della Rocca Paolina /à l'intérieur de la Rocca Paolina

© Rita PaltraccaComune di Perugia, assessorato alla

Cultura

All’interno del Duomo sono conservati la Deposizione della croce di Federico Barocci e un anello in pietra dura che, secondo la tradizione, fu usato nelle nozze di Maria e Giuseppe. All’esterno, l’imponente scalinata con la statua bronzea di Giulio III è la meta preferita di studenti e studentesse che, soprattutto il giovedì sera, fanno la spola tra i locali lì accanto scambiandosi confidenze e calici di Sagrantino. Sull’altro lato della piazza, il Palazzo dei Priori sovrasta la fontana con la sua pietra squadrata, decorata con due ordini di trifore gotiche che si ripetono in fuga sul lato più lungo. Qui ha sede fin dal Medioevo il governo cittadino e – unico caso di museo italiano in un palazzo pubblico – la Galleria nazionale dell'Umbria, scrigno di una collezione d’arte prevalentemente sacra che va dal XIII al XIX secolo. Riaperta a luglio 2022, dopo un anno di lavori che ne hanno rivoluzionato l’allestimento, stupisce già dall’ingresso con il Crocifisso del Maestro di San Francesco. Oltre agli affreschi di Benedetto Bonfigli nella cappella dei Priori e le Madonne di Duccio di Buoninsegna e Gentile da Fabriano, si possono ammirare i capolavori rinascimentali di Beato Angelico, Benozzo Gozzoli e Piero della Francesca (imperdibile il suo Polittico di Sant’Antonio). Ma il museo conserva soprattutto la più vasta raccolta al mondo di opere del Perugino, radunate in due sale: una per i lavori della giovinezza e della prima maturità, l’altra con le prove più significative degli ultimi 20 anni di attività. Nella prima stanza colpisce l’Adorazione dei Magi dove, sul margine in alto a sinistra, si scorge l’autoritratto del pittore, all’epoca 25enne, con lo sguardo fiero, i capelli folti e una chiazza rossa sotto l’occhio. Un selfie ante litteram straordinariamente senza filtri che Perugino ripete un quarto di secolo dopo: su una tela nel Collegio del cambio,

L’ANNO DEL PERUGINO

sempre a Palazzo dei priori, si ritrae con le occhiaie, il doppio mento e la stessa macchia sul volto, ormai estesa anche alla fronte. Lasciando la Galleria – dove, dal 7 al 16 luglio, risuoneranno anche le note di Umbria jazz – si può sgranocchiare quel che manca della città perdendosi tra i vicoli che si diramano dal centro. Tra strade etrusche, volte medievali e ringhiere in ferro battuto si arriva alla scalinata dell'Acquedotto, una passerella di circa quattro chilometri che pare scavata tra le case. Nella seconda metà del ‘200 qui l’acqua

scorreva in salita, grazie a un condotto a pressione che riusciva a imprimerle un moto inverso. Ora gli studenti la percorrono in discesa per raggiungere più velocemente Palazzo Murena, sede storica dell'ateneo di Perugia dal 1810. L’edificio, che in origine era un monastero dell'ordine olivetano, conserva un piccolo tesoro: un’antica libreria con le pareti coperte da una boiserie dipinta a tempera che accoglie migliaia di volumi rari. Uno dei tanti ingredienti segreti dentro al sapore di Perugia. Che rimane ancora lì, in punta di labbra.

Nel quinto centenario della sua morte, il “meglio maestro d’Italia” – come lo definì il banchiere Agostino Chigi nel 1500 – viene celebrato con una grande mostra in programma dal 4 marzo all'11 giugno alla Galleria nazionale dell’Umbria, a cura di Marco Pierini e Veruska Picchiarelli. In esposizione oltre 70 opere, tutte antecedenti al 1504, anno in cui il pittore raggiunse il punto più alto della sua carriera. Tra i prestiti d’eccezione le tre tavole già in San Giusto alle Mura, oggi agli Uffizi di Firenze, lo Sposalizio della Vergine dipinta per la cappella del Santo Anello del Duomo a Perugia, confiscato durante le spoliazioni napoleoniche e oggi nel Musée des Beaux-Arts di Caen, in Francia, il Trittico Galitzin, ora alla National Gallery di Washington e il Polittico della Certosa di Pavia, per gran parte alla National Gallery di Londra ed eccezionalmente ricomposto per l’occasione. gallerianazionaledellumbria.it

Pietro Vannucci detto il Perugino, Adorazione dei Magi (1475 circa)

Pietro Vannucci dit Le Pérugin, Adoration des Mages (vers 1475)

des étudiantes qui, surtout le jeudi soir, font la navette entre les bars voisins pour échanger des confidences et des verres de Sagrantino. De l'autre côté de la place, le Palazzo dei Priori domine la fontaine avec son architecture carrée, décorée de deux ordres de fenêtres gothiques à triple lancette qui se reproduisent en fugue sur le côté le plus long. Il abrite le gouvernement de la ville depuis le Moyen Âge et – seul cas de musée italien dans un palais public – la Galerie nationale d'Ombrie, un trésor d'art principalement sacré du XIIIe au XIXe siècle. Réouvert en juillet 2022, après une année de travaux qui ont révolutionné son aménagement, il étonne déjà dès l'entrée avec le Crucifix du Maître de Saint-François. Outre les fresques de Benedetto Bonfigli dans la Cappella dei Priori et les madones de Duccio di Buoninsegna et Gentile da Fabriano, on peut admirer les chefs-d'œuvre de la Renaissance de Beato Angelico, Benozzo Gozzoli et Piero della Francesca (son Polittico di Sant'Antonio est incontournable). Mais surtout, le musée conserve la plus grande collection au monde d'œuvres du Pérugin, réunies dans deux salles : l'une pour les œuvres de sa jeunesse et de sa première maturité, l'autre avec les productions les plus significatives de ses vingt dernières années d'activité. Dans la première salle, l'Adoration des Mages est une pièce maîtresse, où, dans la marge supérieure gauche, on entrevoit l'autoportrait du peintre, alors âgé de 25 ans, au regard fier, aux cheveux épais et à la tache rouge sous l'œil. Un selfie ante litteram extraordinairement dépourvu de filtre que le Pérugin répète un quart de siècle plus tard : sur une toile installée dans le Collegio del cambio, toujours au Palazzo dei priori, il se représente avec des cernes

L’ANNÉE DU PÉRUGIN

sous les yeux, un double menton et la même tache sur le visage, qui s'est alors étendue jusqu’au front. En quittant la Galleria – où, du 7 au 16 juillet, résonneront les notes de Umbria Jazz – on peut parcourir ce qui reste à voir de la ville en se perdant dans les ruelles qui serpentent depuis le centre. Au milieu des rues étrusques, des voûtes médiévales et des balustrades en fer forgé, on arrive à l'escalier de l'Acquedotto, une passerelle d'environ quatre kilomètres de long qui semble avoir été taillée dans les maisons. Dans la seconde moitié du XIIIe siècle, l'eau coulait ici

en montée, grâce à un tuyau sous pression capable de lui donner un mouvement inverse. Désormais, les étudiants le descendent pour rejoindre plus rapidement le Palazzo Murena, siège historique de l'université de Pérouse depuis 1810. Le bâtiment, qui était à l'origine un monastère de l'ordre des Olivétains, conserve un petit trésor : une ancienne bibliothèque dont les murs sont recouverts d'une boiserie peinte à la tempéra abritant des milliers de volumes rares. L'un des nombreux ingrédients secrets de la saveur de Pérouse. Qui demeure toujours là, sur le bout de vos lèvres.

À l'occasion du cinquième centenaire de sa mort, le « meilleur maître d'Italie » – comme le définissait le banquier Agostino Chigi en 1500 – est célébré par une grande exposition programmée à partir du 4 mars jusqu'au 11 juin à la Galerie nationale de l'Ombrie, dont les commissaires sont Marco Pierini et Veruska Picchiarelli. Plus de 70 œuvres y seront exposées, toutes datant d'avant 1504, année où le peintre a atteint le point culminant de sa carrière. Parmi les prêts exceptionnels, citons les trois tableaux de San Giusto alle Mura, aujourd'hui aux Offices de Florence, Le Mariage de la Vierge peint pour la chapelle Santo Anello de la cathédrale de Pérouse, confisqué lors des spoliations napoléoniennes et aujourd'hui au Musée des Beaux-Arts de Caen, le Triptyque Galitzin, aujourd'hui à la National Gallery de Washington, et le Polyptyque de la Chartreuse de Pavie, en grande partie à la National Gallery de Londres et exceptionnellement recomposé pour l'occasion. gallerianazionaledellumbria.it

Giovanni di Bonino Crocifissione e dolenti (1340-1345 circa), Galleria nazionale dell’Umbria

Giovanni di Bonino Crucifixion (vers 1340-1345), Galerie nationale de l’Ombrie

© Marco Giugliarelli

LE MILLE DEL LAGO ANIME

UN TOUR LUNGO LE SPONDE DEL GARDA PER SCOPRIRNE LA

BELLEZZA INEDITA. TRA STORIA, LEGGENDE E PROGETTI CHE

VALORIZZANO ANTICHE TRADIZIONI DEL TERRITORIO

di/par Giuliano Compagno

Sono parecchi i camminatori che hanno girato il lago di Garda, percorrendo uno o più tratti dei suoi oltre 190 chilometri di riva. Anche se non è un sito facile da attraversare in tondo, perché del Garda, sin da bambini, sappiamo una cosa: che è il più grande. Da ragazzi invece il lago sembra tornare utile, soprattutto quando ci si innamora. Allora si chiede aiuto a Sirmione, considerata la perla del lago in provincia di Brescia, e a Gaio Valerio Catullo, che verseggiava per Lesbia non risparmiandosi in lodi e richieste d’attenzione.

In una poesia le domandò 3.300 baci e, non ricevendo risposta, ne pretese ancora proponendole

LES MILLE DU LAC ÂMES

UNE EXCURSION SUR LES RIVES DU LAC DE GARDE POUR DÉCOUVRIR SA BEAUTÉ

INÉDITE. ENTRE HISTOIRE, LÉGENDES ET PROJETS QUI METTENT EN VALEUR LES ANCIENNES TRADITIONS DE LA RÉGION

Nombreux sont les marcheurs qui ont fait le tour du lac de Garde, en parcourant une ou plusieurs portions de ses plus de 190 kilomètres de rivage.

Mais il y a une chose, depuis que nous sommes enfants, que nous savons sur le lac de Garde : c'est le plus grand, difficile donc d’en faire le tour. Jeunes gens, cependant, le lac trouve soudain une certaine utilité, surtout à la période des amours. On demande de l'aide à Sirmione, dans la province de Brescia, considérée comme la perle du lac, et à Catulle, qui faisait des vers pour Lesbie, ne ménageant ni les éloges ni les demandes d'attention.

Dans un poème, il lui demande 3 300 baisers et, ne recevant pas de réponse, en exige davantage, proposant « une nuit perpétuelle sans fin ». Une perspective mortifère qui ne fonctionna pas : au contraire, elle disparut. On saura plus tard que son vrai nom était Clodia et que Catulle, dans

cette somptueuse villa de Sirmione qui lui a été attribuée à tort pendant des siècles, n'y a jamais vécu. Et pourtant, les jeunes gens, forts de leur premier grand amour, sont toujours allés à Sirmione. Il y a peut-être eu moins de baisers, mais marcher dans cette langue de terre en forme de queue – le nom de la ville dérive probablement du mot syrma, qui signifie « queue » en grec – était romantique. L’importance du tourisme est aussi due à une circonstance historique.

En 1954, Sirmione devient une destination VIP : des industriels comme les familles Marzotto, Motta et Alemagna, puis la chanteuse Maria Callas avec l'entrepreneur Giovanni Battista Meneghini commencent à la fréquenter. Ira von Fürstenberg, noble, actrice et designer, passa sa nuit de noces ici. Mina et son compagnon, l'acteur Corrado Pani, s’y réfugièrent pour semer les paparazzis. En

Una vista del lago di Garda /Vue du lac de Garde

“una perpetua notte senza fine”. Una prospettiva mortifera che non funzionò: lei scomparve. Si saprà dopo che il suo vero nome era Clodia e che Catullo, in quella sontuosa villa di Sirmione a lui erroneamente attribuita per secoli, non aveva mai dimorato. E però i ragazzi, con il primo vero amore, a Sirmione ci andavano lo stesso. I baci magari erano molti meno ma a passeggiare in quella coda di terra – il nome della città deriva probabilmente dalla parola syrma che in greco significa “coda” – ci si emozionava. Il fatto che vi fosse molto turismo si doveva anche a una circostanza storica. Nel 1954 Sirmione divenne una meta vip: presero a frequentarla industriali come i Marzotto, la famiglia Motta e gli Alemagna e poi la cantante Maria Callas con l’imprenditore Giovanni

Battista Meneghini. Ira von Fürstenberg, nobile, attrice e designer, trascorse qui la prima notte di nozze. Mina e il suo compagno, l’attore Corrado Pani, vi si rifugiarono per seminare i fotografi. Insomma, i vip di un tempo si ritrovavano a Sirmione. Sulla sponda orientale del lago, già in provincia di Verona, si trova Lazise, ai cui abitanti Ottone II concesse con diploma imperiale, nel 983 d.C., diritti di commercio, l'uso della riva, l'attracco dei natanti e la pesca. Una completa autonomia civica che la rese a tutti gli effetti il primo Comune d’Italia e, insieme a Bingen, in Germania, d’Europa. Il momento migliore per visitarla è a fine inverno o all’inizio della primavera, quando sui suoi vicoli, sul lungolago e sulle stupende pavimentazioni del centro batte una nuova luce.

La coda di terra di Sirmione (Brescia)/La langue de terre de Sirmione (Brescia)

Scendendo di nuovo in provincia di Brescia, ci si sposta verso il comune più popoloso del lago: Desenzano, città dove transitano e si fermano ogni anno milioni di persone. Nel 2022 le cifre sono state impressionanti: quasi 8 milioni di presenze sul Garda, un milione solo a Desenzano. A riferirmelo è Daniela Plodari, assessora al turismo che mira ad allargare gli orizzonti della cittadina e la immagina «aperta al mondo, come merita». Un’idea condivisa con Esterino Caleffi, per 16 anni segretario comunale e saggia memoria storica di Desenzano, convinto del fatto che il futuro porterà con sé molti cambiamenti per gli abitanti del luogo. D’altronde, girare la cittadina riserva già ora molte sorprese. In rada galleggiano due bellissime imbarcazioni d’epoca: un

somme, les VIP d'antan se réunissaient à Sirmione. Sur la rive orientale du lac, autrefois dans la province de Vérone, se trouve Lazise, aux habitants de laquelle Otton II accorda avec un diplôme impérial, en 983 après J.-C., des droits commerciaux, l'utilisation de la rive, l'amarrage des bateaux et la pêche. Cette autonomie civique complète en a fait, à tous les effets, la première municipalité d'Italie et, avec Bingen en Allemagne, d'Europe. La meilleure période pour la visiter est la fin de l'hiver ou le début du printemps, lorsqu'une nouvelle lumière éclaire ses ruelles, le bord du lac et le beau pavage du centre historique. En descendant à nouveau dans la province de Brescia, nous nous dirigeons vers la commune la plus peuplée du lac : Desenzano, une ville où des millions de personnes transitent et séjournent chaque année. En 2022, les chiffres sont impressionnants :

près de 8 millions de présences sur le lac de Garde, un million pour la seule ville de Desenzano. C'est ce qu'a indiqué Daniela Plodari, conseillère municipale pour le tourisme, qui souhaite élargir les horizons de la ville et l'imagine « ouverte sur le monde, comme elle le mérite ».

Une idée partagée par Esterino Caleffi, secrétaire municipal depuis 16 ans et sage mémoire historique de Desenzano, qui est convaincu que l'avenir apportera de nombreux changements pour les habitants.

Au reste, la visite de la ville réserve déjà de nombreuses surprises. Deux magnifiques bateaux d'époque flottent dans le port : un dragueur de mines de 1907 et la vedette Zanardelli

Italia de 1903.

À la bibliothèque municipale Angelo Anelli, située à Villa Brunati, je rencontre le directeur adjoint Roberto Roccuzzo, qui est prêt à m'accueillir

avec gentillesse parmi les livres. J'y découvre que le lac n'a gelé qu'une seule fois, en 1709, lors d'une vague de froid qui a touché toute l'Europe. Je lis des ouvrages sur les fléaux tragiques et les histoires de personnages caractéristiques et romantiques tels que Bianca, un homme du port qui connaissait tout le monde et qui, un matin de février 1970, dit à un ami : « Il m'arrive une chose étrange aujourd'hui, l’air me manque... » Et il mourut peu de temps après. Jusqu'à ce que mon attention soit attirée par une peinture d'Edgar Degas.

Le tableau s'intitule La famille Bellelli On y admire le baron napolitain Gennaro Bellelli, sa femme Laurie Degas et leurs deux petites filles, portraiturés à Florence lors d'un séjour du jeune artiste. Laurie, en vérité, est la tante directe du peintre et je rencontre deux de ses descendants : Armando et Maria Cristina Bellelli. Frère et sœur

Il porto di Lazise (Verona)/Le port de Lazise (Vérone)

dragamine del 1907 e la motonave Zanardelli Italia del 1903.

Alla biblioteca comunale Angelo Anelli, che ha sede in Villa Brunati, incontro il vicedirettore Roberto Roccuzzo, pronto ad accogliermi con gentilezza tra i libri. Qui scopro che il lago gelò una volta sola, nel 1709, durante un’ondata di freddo che colpì tutta l’Europa. Leggo delle tragiche pestilenze e storie di figure caratteristiche e romantiche come il Bianca, uomo di porto che conosceva tutti e che un mattino di febbraio del 1970 disse a un amico: «Oggi mi succede qualcosa di buffo, mi manca il respiro…». E morì poco dopo. Finché la mia attenzione non viene catturata da una tela di Edgar Degas.

S’intitola La famiglia Bellelli. In posa ci sono il barone napoletano Gennaro

Bellelli, sua moglie Laurie Degas e le due figliolette, ritratti a Firenze duran -

te un soggiorno del giovane artista. Laurie, infatti, è la zia diretta del pittore e io incontro due suoi discendenti: Armando e Maria Cristina Bellelli. Fratello e sorella originari di Desenzano, lui è un noto storico del territorio, lei una chef. Ci sediamo sulla Pietra dei falliti, eretta a luogo di pena nel 1555 per i falliti dolosi: Armando mi racconta la storia della statua di Sant’Angela Merici in piazza Malvezzi, patrona della cittadina, e del famoso Reparto alta velocità, istituito per l’addestramento dei piloti velocisti dell’aeronautica, tra cui il maresciallo Francesco Agello che il 23 ottobre 1934 raggiunse i 709 chilometri all'ora su un idrovolante aggiudicandosi un primato mondiale. Nel chiostro di Santa Maria de Senioribus, i due fratelli raccontano dei catari, eretici che invocavano la semplicità spirituale (catharus in latino significava puro) e avversavano

le ricchezze ecclesiastiche. Nel ‘200 giunsero dalla Francia e dimorarono proprio a Desenzano. Maria Cristina è stata intervistata più volte perché ha avuto da poco l’idea di riscoprire e preparare le pietanze catare. Il 16 marzo, in coincidenza con la caduta della Montségur, castello cataro assediato nel 1244, al Caffè città avrà inizio il format Cene eretiche, che prevede un evento al mese. Maria Cristina preparerà il risotto al cavolo rosso e il Sisàm, ricetta a base di minutaglie di pesce lacustre trattate in olio e aceto con un tocco di cipolla. E tanto pane ad accompagnare, come il rito cataro pretende. «Unire la storia alla gastronomia era il mio grande desiderio. Proporre un piatto tanti secoli dopo la sua creazione mi fa sentire ancora di più figlia di Desenzano». Il lago e la sua brezza. Quanti misteri, come le luci ambrate, sulle acque del Garda.

Il Porto vecchio di Desenzano del Garda (Brescia)/Le vieux port de Desenzano del Garda (Brescia)

originaires de Desenzano, le premier est un historien réputé de la région, la seconde est cheffe cuisinière. Nous sommes assis sur la Pietra dei falliti, érigée en 1555 comme lieu de punition pour ceux qui avaient fait faillite : Armando me raconte l'histoire de la statue de Sainte Angèle Merici sur la Piazza Malvezzi, la patronne de la ville, et du célèbre département de la haute vitesse, créé pour former les pilotes de vitesse de l'armée de l'air, dont le maréchal Francesco Agello, qui le 23 octobre 1934 atteignit 709 kilomètres par heure sur un hydravion, établissant ainsi un record du monde. Dans le cloître de Santa Maria de Senioribus, les deux frères racontent l'histoire des Cathares, des hérétiques qui prônent la simplicité spirituelle (catharus en latin signifie « pur ») et s'opposent à la richesse ecclésiastique. Au XIIIe siècle, ils vinrent de France et

vécurent à Desenzano. Maria Cristina a été interviewée à plusieurs reprises, car elle a récemment eu l'idée de redécouvrir et de préparer des plats cathares. Le 16 mars, date de la chute de Montségur, château cathare assiégé en 1244, le format des dîners hérétiques débutera au Caffè città, à raison d'un événement par mois. Maria Cristina préparera un risotto au chou rouge et au Sisàm, une recette à base de petits poissons du lac traités à l'huile et au vinaigre avec une touche d'oignon. Et beaucoup de pain pour l'accompagner, comme le veut le rituel cathare. « Allier l'histoire à la gastronomie était mon grand désir. Proposer un plat des siècles après sa création me fait me sentir encore plus fille de Desenzano. ». Le lac et sa brise. Bien des mystères, comme ces lumières ambrées sur les eaux du lac de Garde.

La chef Maria Cristina Bellelli presenta il Sisàm, piatto tipico a base di pesce di lago/La cheffe Maria Cristina Bellelli présente le Sisàm, un plat typique à base de poissons du lac

DAL PÂTÉ ALLE UOVA SODE, DALLE TORTE SALATE ALL’ABBACCHIO.

LE SPECIALITÀ TRADIZIONALI IN ITALIA E IN FRANCIA PER

FESTEGGIARE LA RESURREZIONE

LA PASQUA IN TAVOLA PÂQUES À TABLE

PÂTÉ AUX ŒUFS DURS, TARTES SALÉES ET ABBACCHIO (AGNEAU DE LAIT). SPÉCIALITÉS TRADITIONNELLES EN ITALIE

ET EN FRANCE POUR CÉLÉBRER LA RÉSURRECTION

di/par Bernard Bédarida

Sia in Italia sia in Francia la tradizione vuole che dal venerdì santo alla domenica di Pasqua le campane delle chiese non suonino più. E se nel Belpaese si racconta che i batacchi venissero legati tra loro in segno di lutto, per rispettare la morte di Cristo, Oltralpe si cerca di spiegare questo silenzio in modo più poetico. Ai bambini si dice infatti che le campane sono volate a Roma per farsi benedire dal Papa e torneranno all’alba di domenica, cariche di uova di cioccolata, per annunciare la Resurrezione del Signore.

In barba al famoso detto «Pasqua con chi vuoi», la gran parte degli italiani, ma anche dei francesi, trascorre questa giornata in famiglia o con le persone care, attorno alla tavola apparecchiata con i colori della primavera e gli immancabili piatti della tradizione.

Paté e torte salate, ortaggi e verdure di stagione, salumi e formaggi nazionali, uova sode e, naturalmente, l’agnello: sono numerose le specialità che caratterizzano in modo simile il pranzo della festa nei due Paesi. Sulla tavola dei francesi, il giorno di Pasqua non possono mancare l’agnello, il coniglio, gli asparagi, gli spinaci e le uova. Si

comincia solitamente con il pâté bérrichon – dall’antica provincia del Berry, di cui è l’emblema – a base di carne di vitello e maiale, spinaci e carciofi. Gli asparagi sono perfetti per accompagnare una portata di oeufs mimosa, uova sode tagliate a metà e riempite di una salsa composta dal tuorlo amalgamato alla maionese, rigorosamente fatta in casa.

Le uova sode sono protagoniste anche sulle tavole italiane, soprattutto nel Lazio, dove vengono accompagnate dal salame corallina, o in Campania, incastonate nel casatiello napoletano, pane salato lievitato ripieno di ogni ben di Dio. Lungo lo Stivale, infatti, gli antipasti pasquali sono quasi sempre espressione di una regione specifica.

Vanno ricordate anche la torta pasqualina ripiena di erbe primaverili, nata a Genova probabilmente nel XV secolo, e la succulenta torta al formaggio tipica di Umbria e Marche.

Le differenze tra Italia e Francia sono più marcate soprattutto per quel che riguarda le portate principali e il dessert. In Italia, nei giorni di Pasqua, non può mancare un bel piatto di pasta fatta in casa, che sia la classica sfoglia all’uovo o quella a base di acqua e farina, in base alla tradizione locale. Sono tante le varietà di formati e condimenti: sulle tavole piemontesi troneggiano gli agnolotti ripieni di carne, conditi con burro e salvia, su quelle emiliane le lasagne con besciamella e ragù alla bolognese, in Toscana i classici

Uova sode e corallina, antipasto pasquale tipico del Lazio/Œufs durs avec salami corail, hors-d'œuvre typique du Latium

© Frédéric Prochasson/AdobeStock

© fabiomax/AdobeStock

En Italie et en France, la tradition veut que du vendredi saint au dimanche de Pâques, les cloches des églises ne sonnent plus. Et si dans la péninsule italienne on raconte que les cloches restaient muettes en signe de deuil, pour respecter la mort du Christ, en France on tente d’expliquer ce silence de manière plus poétique. Ainsi, on raconte aux enfants que les cloches se sont envolées vers Rome afin d’être bénies par le Pape et qu’elles reviendront à l’aube du dimanche, chargées d’œufs en chocolat, pour annoncer la résurrection du Seigneur. Malgré le célèbre dicton italien « Fête Pâques avec qui tu veux », la plupart des Italiens, mais aussi des Français, passent cette fête en famille ou avec leurs proches, autour de la table dressée aux couleurs du printemps et des incontournables plats traditionnels.

Pâtés et tartes salées, légumes de saison, charcuterie et fromages locaux, œufs durs et, bien sûr, l’immanquable agneau : de nombreuses spécialités caractérisent de manière similaire le repas de fête dans les deux pays.

L’agneau, le lapin, les asperges, les épinards et les œufs sont indispensables sur la table des Français le jour de Pâques. On commence généralement par un pâté berrichon –de l’ancienne province du Berry, dont il est l’emblème – composé de veau et de porc, d’épinards et d’artichauts. Les asperges sont parfaites pour accompagner un plat d’œufs mimosas, des œufs durs coupés en deux et farcis d’une sauce à base de jaune d’œuf mélangé à de la mayonnaise, rigoureusement « maison ». Les œufs durs figurent également en bonne place sur les tables italiennes, notamment dans le Latium, où ils sont dégustés avec un saucisson, ou en Campanie, sertis dans le casatiello napolitain, un pain au levain savoureux farci de toutes les bonnes choses. Dans la Botte, les entrées de Pâques sont presque toujours l’expression d’une région spécifique. On peut citer également la torta pasqualina farcie aux herbes de printemps, née à Gênes probablement au XVe siècle, et la succulente tarte au fromage typique de l’Ombrie et des Marches. Les différences entre l’Italie et la France sont plus évidentes lorsqu’il

s’agit du plat de résistance et du dessert. En Italie, à Pâques, un bon plat de pâtes « maison » est incontournable, qu’il s’agisse de pâtes à l’œuf ou à base d’eau et de farine, selon la tradition locale. Il existe une grande variété de formats et de condiments : les tables piémontaises sont caractérisées par les agnolotti farcis à la viande et servis avec du beurre et de la sauge, l’Émilie-Romagne propose des lasagnes avec sauce béchamel et bolognaise, la Toscane, les raviolis, classiques, avec une sauce à la viande. Et pour finir, les orecchiette des Pouilles, assaisonnées avec des artichauts et des amandes. En France, en revanche, les pâtes n’ont pas droit de cité. Mais dans les deux pays, le met principal du déjeuner pascal est sans aucun doute l’agneau. En Italie, il est préparé de différentes manières selon les régions : cuit au four avec des pommes de terre dans le Piémont, en Frioul-Vénétie Julienne, en Vénétie et en Campanie, avec du romarin et des petits oignons en Sicile, truffé en Ombrie, rôti en Ligurie et en Émilie-Romagne, avec du cacio et des œufs dans le Molise et les Abruzzes, avec des cardoncelli – un légume sauvage qui pousse spontanément au printemps – en Basilicate, et enfin, à la romaine, c’est-à-dire cuit au four avec des anchois salés, du romarin et de l’ail. En France, il n’existe à priori, que deux façons de le cuisiner : au four, saignant,

avec de l’ail, du thym et des herbes, accompagné de flageolets, une sorte de haricots verts au goût très fin. On l’appelle gigot d’agneau. L’autre manière de le préparer consiste à le cuisiner en ragoût, accompagné d’une sauce tomate ; il s’appellera alors Navarin. Outre les pâtes, c’est sur les desserts que la France et l’Italie jouent sur deux tableaux totalement différents. En Italie, la pastiera napolitaine, avec son délicat parfum de fleur d’oranger, est devenue le symbole du dessert italien de Pâques, aux côtés des pâtisseries en forme de colombe. En France, il n’y a pas de dessert typique pour cette période. Le repas se termine toujours par du chocolat, devenu l’emblème international de cette fête. Et voilà que les pâtisseries françaises se transforment en véritables chocolateries : dans les vitrines, les créations d’auteur, à base de chocolat au lait, noir, praliné ou blanc, se multiplient. En effet, la tradition veut que les cloches, de retour de leur bénédiction à Rome, ramènent des œufs en chocolat. Livrés par les lapins, ils sont cachés dans les jardins ou les maisons, prêts pour une chasse au trésor qui passionne les enfants et les adultes. En Italie, en revanche, la surprise n’est pas dans la recherche, mais dans l’œuf lui-même, que les enfants cassent avec hâte à la recherche d’un jouet ou d’un petit bijou.

Gigot d’agneau

© Kristof/AdobeStock

ravioli con ragù di carne, in Puglia le orecchiette con carciofi e mandorle. In Francia, invece, la pasta è inesistente. Il piatto forte del pranzo pasquale, in entrambe le nazioni, è senza dubbio l’agnello. In Italia viene preparato in modi diversi sempre a seconda della regione: al forno con le patate in Piemonte, Friuli-Venezia Giulia, Veneto e Campania, con rosmarino e cipolle in Sicilia, tartufato in Umbria, arrosto in Liguria ed Emilia-Romagna, con cacio e uova in Molise e Abruzzo, con i cardoncelli – una verdura selvatica che cresce spontaneamente in primavera – in Basilicata, e infine, alla romana, cioè cotto al forno, con acciughe salate, rosmarino e aglio.

In Francia, sono solo due i modi per cucinarlo: cotto in forno, rigorosamente al sangue, con aglio, timo ed erbe aromatiche, accompagnato dai flageolets, fagioli verdi dal sapore delicato. In questo caso, la pietanza si chiama gigot d’agneau. L’altra modalità di preparazione è farlo a spezzatino, con una salsa rossa di pomodoro, e viene chiamato Navarin.

Oltre che sulla pasta, è sui dessert che Francia e Italia giocano su due campi totalmente diversi. In Italia, la pastiera napoletana, con il suo deli-

cato aroma di fiori d’arancio, è diventata ormai il dolce italiano di Pasqua per antonomasia, accanto alle colombe di pasticceria. In Francia non esiste un dolce caratteristico tipico di questo periodo. A chiudere il pasto è sempre la cioccolata, emblema ormai internazionale di questa festività. Qui le pasticcerie si trasformano in vere cioccolaterie: nelle vetrine si moltiplicano le creazioni d’autore al latte, fondenti, praliné o di cacao bianco.

In effetti, la tradizione racconta che le campane, di ritorno dalla benedizione a Roma, trasportassero uova di cioccolata. Prese in consegna dai coniglietti, vengono nascoste nei giardini o nelle case, pronte per una caccia al tesoro che appassiona grandi e piccini. In Italia, invece, la sorpresa non è nella ricerca ma è nascosta nell’uovo stesso, che i bambini rompono con trepidazione alla ricerca di un gioco o un piccolo gioiello.

Un piatto di oeufs mimosa /Un plat d’œufs mimosas

Pastiera napoletana /Pastiera napolitaine

© fotoluigi868/AdobeStock

© Jpbrigand2/Wikipedia

ALA36B

VALISE LATÉRALE EN ALUMINIUM PEINT EN NOIR 36 LITRES

ALA36B

VALIGIA LATERALE IN ALLUMINIO VERNICIATO NERO 36 L

ALA56A TOP CASE IN ALLUMINIO NATURALE 56 L

ALA56A

TOP-CASE EN ALUMINIUM NATUREL 56 LITRES

ALA36A

VALIGIA LATERALE IN ALLUMINIO NATURALE 36 L

ALA36A

VALISE LATÉRALE EN ALUMINIUM NATUREL 36 LITRES

EQUIPPED WITH

E206

POIGNÉE TÉLESCOPIQUE POUR CONVERSION EN VALISE À ROULETTES ACHETABLE SÉPARÉMENT

E206

ACQUISTABILE SEPARATAMENTE LA MANIGLIA TELESCOPICA PER TRASFORMAZIONE TROLLEY

La nuova linea di valigie Trekker ALASKA si arricchisce dell’arrivo del top case da 56 lt. che racchiude design e qualità e può contenere fino a due caschi modulari.

In alluminio naturale o verniciato nero, dotata del classico sistema MONOKEY® oltre all’innovativo sistema WIRELEASE®.

La nouvelle gamme de valises Trekker ALASKA s’agrandit grâce au top-case de 56 litres, mariant design et qualité, et pouvant accueillir jusqu’à deux casques modulables. Disponible en aluminium naturel ou peinte en noir, la gamme est équipée du système classique MONOKEY® et de l’innovant WIRELEASE®

PAGINA WEB DEDICATA

PAGE WEB DÉDIÉE

TUTTI A CORRERE

IL 2 APRILE SONO IN PROGRAMMA LE MARATONE DI PARIGI E MILANO: OLTRE 42 CHILOMETRI TRA PIAZZE E STRADE CITTADINE. MA ANCHE PERCORSI PER AMATORI E STAFFETTE SOLIDALI

L’arrivo della primavera, con le giornate che si allungano e le temperature che iniziano a salire, è il momento dell’anno più apprezzato dagli appassionati della corsa. Il 2 aprile si svolgono due grandi eventi internazionali che molti sportivi hanno segnato da mesi in calendario: nello stesso giorno, infatti, sono previste le maratone di Parigi e Milano. Impossibile non rispondere al richiamo della regina delle corse su strada, con i suoi 42 chilometri e 195 metri per entrambe le città. Gli appassionati di podismo scelgono la capitale francese per immergersi in uno scenario unico che consente di ammirare i principali monumenti della città. Mentre all’ombra della Madonnina si va per fare il miglior tempo, grazie a un percorso con lunghi rettilinei. In entrambi i casi, oltre alla gara principale, sono in programma una serie di iniziative parallele come la staffetta charity per raccogliere fondi o gli itinerari con di-

stanze ridotte adatti a bambini e famiglie.

La 46esima edizione della Schneider Electric Paris Marathon, il 2 aprile a Parigi, offre a oltre 60mila partecipanti provenienti da 140 Paesi un percorso nel cuore di una delle città più belle del mondo. Oltre all’evento principale, i corridori e le loro famiglie, compresi i bambini, possono approfittare di numerosi eventi sportivi e sociali. A prescindere dall’obiettivo e dal livello agonistico, è un’esperienza che merita di essere vissuta.

Si parte dagli Champs-Élysées e si attraversa Place de la Concorde, a cui seguono il Louvre, Place Vendôme, l'Opéra Garnier, la Bastiglia e le rive della Senna con vista sulla Conciergerie, palazzo gotico sull’Île de la Cité. Passata la metà del percorso, al 27esimo chilometro si ha il tempo di ammirare la facciata del Mu-

di/par Flavio Scheggi mescoupsdecoeur

TOUS EN COURSE

LE 2 AVRIL SE TIENDRONT LES MARATHONS DE PARIS ET DE MILAN : PLUS DE 42 KILOMÈTRES À TRAVERS PLACES ET RUES DE LA VILLE. MAIS AUSSI DES PARCOURS POUR LES AMATEURS ET DES RELAIS DE SOLIDARITÉ

L’arrivée du printemps, avec les jours qui rallongent et les températures plus douces, est le moment de l’année le plus apprécié des amateurs de course à pied. Le 2 avril prochain se dérouleront deux événements internationaux majeurs que de nombreux sportifs ont inscrits sur leur calendrier depuis des mois : les marathons de Paris et de Milan sont programmés le même jour. Impossible de ne pas répondre à l’appel de la reine des courses sur route, avec ses 42 kilomètres et 195 mètres pour les deux villes. Les amateurs de course à pied choisissent la capitale française pour s’immerger dans un cadre unique qui leur permet d’admirer les principaux monuments de la ville. Tandis qu’à l’ombre de la Madonnina, ils tentent de réaliser le meilleur temps, grâce à un parcours aux longues lignes droites. Dans les deux cas, en plus de la course principale, il existe un certain nombre d’initiatives parallèles telles que le relais de charité pour récolter des fonds ou des parcours avec des distances plus courtes adaptées aux enfants et aux familles.

Le 46e marathon de Paris Schneider Electric, qui aura lieu le 2 avril à Paris, propose à plus de 60 000 participants de 140 pays un parcours au cœur de l’une des plus belles villes du monde. En plus de l’événement

principal, les coureurs et leurs familles, y compris les enfants, peuvent profiter de nombreux événements sportifs et sociaux. Quels que soient l’objectif et le niveau de compétition, c’est une expérience qui vaut la peine d’être vécue. Elle débute sur les Champs-Élysées et traverse la place de la Concorde, puis le Louvre, la place Vendôme, l’Opéra Garnier, la Bastille et les berges de la Seine avec une vue sur la Conciergerie, un palais gothique situé sur l’Île de la Cité. Passé la moitié du parcours, au 27e kilomètre, vous aurez le temps d’admirer la façade du Musée d’Orsay, tandis qu’en arrière-plan vous commencerez à apercevoir la Tour Eiffel dans toute sa grandeur. On arrive à l’espace monumental du Trocadéro vers le 30e kilomètre, où l’on commence à ressentir la fatigue. De là, les marathoniens pénètrent dans le Bois de Boulogne, l'un des parcs les plus vastes et les plus fréquentés de Paris, où l'on admire le bâtiment futuriste de la Fondation Louis Vuitton, puis se dirigent vers le Trocadéro et la Muette, nouvelles étapes de 2023, avant d'arriver à la ligne d'arrivée tant convoitée près de l'Arc de Triomphe. Les coureurs sont soutenus et encouragés tout au long du parcours par des milliers de spectateurs, de groupes et de danseurs. Le

Il passaggio della Schneider Electric Paris Marathon a Place Vendôme (2022)/Le passage du Schneider Electric Paris Marathon à la Place Vendôme (2022)

© Aurelien Villette

sée d'Orsay, mentre sullo sfondo si comincia a intravedere la Torre Eiffel in tutta la sua imponenza. All’area monumentale del Trocadéro si arriva verso il trentesimo chilometro, quando si inizia a sentire la stanchezza. Da questo momento i maratoneti entrano nel Bois de Boulogne, uno dei più vasti e frequentati parchi di Parigi, dove si ammira l’edificio avveniristico della Fondazione Louis Vuitton, ci si dirige poi verso il Trocadero e La Muette, nuove tappe del 2023, prima di arrivare al tanto agognato traguardo nei pressi dell’Arco di Trionfo. I runner vengono sostenuti e incitati durante tutto il percorso da migliaia di spettatori, gruppi musicali e ballerini. Sabato 1° aprile è in programma un evento di solidarietà per sostenere l'associazione Lames de Joie, che avvicina all’attività sportiva bambini e adulti che hanno avuto amputazioni degli arti inferiori. Si tratta di una corsa di quattro chilometri, sempre nel cuore della città, da intraprendere come breve allenamento prima della maratona o da percorrere in leggerezza con colleghi, amici e familiari.

Il 2 aprile è prevista invece la 21esima Milano Marathon, organizzata da RCS Sports & Events, che ha come protagonisti atleti d’élite e amatori provenienti da ogni parte del mondo. La gara, che ha come punto di partenza e arrivo Corso Venezia, in pieno centro, è la più veloce sul suolo italiano e nel 2022 ha saputo coinvolgere oltre 13mila partecipanti, tra maratona e corsa a staffetta. Questa edizione vede il debutto in maratona di Yeman Crippa, mezzofondista italiano campione d’Europa nei 10mila metri e bronzo nei cinquemila a Monaco di Baviera 2022, ambassador della competizione meneghina. Il percorso si snoda su un tracciato ad anello, con quasi 18 chilometri all'interno della cerchia dei Bastioni

(nel cuore della città) tra le zone di Repubblica, Moscova, Parco Sempione, Duomo, Cairoli e Cordusio, e il resto dentro la circonvallazione esterna. Previsto il passaggio dei runner in zona City Life e nell’area nord-ovest che comprende l’Ippodromo, San Siro, il Parco di Trenno e il quartiere Gallaratese. Un tracciato capace di conciliare le esigenze di scorrevolezza dei top runner con quelle degli amatori che non vogliono perdere la possibilità di ammirare una città nella sua combinazione di elementi storici e contemporanei. Oltre che per la parte agonistica, la Milano Marathon si distingue per essere uno degli eventi sportivi italiani più efficaci nel fundraising solidale, con circa quattro milioni di euro raccolti finora. Anche quest’anno la corsa principale viene affiancata dalla Lenovo Relay Marathon, la staffetta a squadre che consente di dividere il percorso in quattro frazioni tra i sette e i 13 chilometri ciascuna. Per partecipare, i runner devono iscriversi a una delle organizzazioni no profit aderenti al Milano Marathon Charity Program, elencate sul sito ufficiale della manifestazione. Tra le iniziative in programma, il giorno prima della corsa c’è la Levissima School Marathon, la corsa dedicata ai più piccoli, aperta anche alle famiglie e agli accompagnatori. L’evento è arricchito da un percorso didattico per sensibilizzare gli alunni delle scuole primarie e secondarie di Milano sui valori dello sport e l’importanza delle attività all’aperto, alla base di uno stile di vita sano. E in più, al pomeriggio del sabato, nella stessa area, la Dog Run Arcaplanet: una corsa-camminata di circa tre chilometri in compagnia del proprio cane. schneiderelectricparismarathon.com milanomarathon.it

Maratoneti della Schneider Electric Paris Marathon 2022 in Place de la Concorde/Marathoniens du Schneider Electric Paris Marathon 2022 sur la Place de la Concorde

© Aurelien Villette

samedi 1er avril, un événement solidaire est prévu pour soutenir l’association Lames de Joie, qui rapproche les enfants et les adultes amputés d’un membre inférieur de l’activité sportive. Il s’agit d’une course de quatre kilomètres, également au cœur de la ville, à entreprendre comme un petit entraînement avant le marathon ou à courir en toute légèreté avec des collègues, des amis et la famille.

Le 2 avril aura lieu le 21e marathon de Milan, organisé par RCS Sports & Events, auquel participeront des athlètes d’élite et des amateurs du monde entier. La course, qui a pour point de départ et d’arrivée Corso Venezia, en plein centre-ville, est la course la plus rapide sur le sol italien et a réuni en 2022 plus de 13 000 participants, marathon et relais compris. Cette édition voit les débuts dans le marathon de Yeman Crippa, le coureur de demi-fond italien champion d’Europe du 10 000 mètres et médaillé de bronze du 5 000 à Munich 2022, ambassadeur de la compétition milanaise. Le parcours sera circulaire, avec près de 18 kilomètres à l’intérieur du cercle des Bastioni (au cœur de la ville) entre les zones Repubblica, Moscova, Parco Sempione, Duomo, Cairoli et Cordusio, et le reste à travers la couronne périphérique. Les coureurs devraient traverser la zone City Life et la zone nord-ouest comprenant l’Hippodrome, San Siro, le parc Trenno et le quartier Gallaratese. Un parcours capable de concilier les besoins de fluidité des coureurs de haut niveau avec

ceux des amateurs qui ne veulent pas manquer la possibilité d’admirer une ville dans sa combinaison d’éléments historiques et contemporains. Outre la partie compétitive, le Marathon de Milan se distingue par le fait d’être l’un des événements sportifs italiens les plus réussis en matière de collecte de fonds pour la solidarité, avec environ quatre millions d’euros récoltés à ce jour. Cette année encore, la course principale est flanquée du Lenovo Relay Marathon, un relais par équipe qui permet aux coureurs de diviser le parcours en quatre fractions de sept à 13 kilomètres chacune. Pour participer, les coureurs doivent s’inscrire auprès de l’une des organisations à but non lucratif participant au Milano Marathon Charity Program, dont la liste figure sur le site officiel de l’événement. Parmi les initiatives prévues, la veille de la course, il y a le Levissima School Marathon, la course dédiée aux plus jeunes, également ouverte aux familles et aux accompagnateurs. L’événement est enrichi d’un parcours éducatif pour sensibiliser les élèves des écoles primaires et secondaires de Milan aux valeurs du sport et à l’importance des activités en plein air, base d’un mode de vie sain. Et en plus, le samedi après-midi, dans la même zone, le Dog Run Arcaplanet : une course-marche d’environ trois kilomètres en compagnie de votre chien. schneiderelectricparismarathon.com milanomarathon.it

Il passaggio della Milano Marathon sotto al Duomo (2022)/Le passage du Marathon de Milan devant la Cathédrale (2022)

© LaPresse

A SOLI 29 ANNI MICHELE SPOTTI DIVENTA

DIRETTORE MUSICALE DEL TEATRO DELL’OPERA

DI MARSIGLIA. E PUNTA AD ABBATTERE OGNI BARRIERA CON IL PUBBLICO, SOPRATTUTTO QUELLO PIÙ GIOVANE

Tra Michele Spotti e Marsiglia è in atto una corrispondenza di armoniosi sensi. C’è molta sintonia, infatti, tra il maestro 29enne e il Teatro dell’Opera della città francese, che l’ha nominato direttore musicale a partire dalla stagione 2023/24.

BACCHETTA BAGUETTE

MAGICA MAGIQUE

Una soddisfazione piena per l’artista lombardo, pronto a rinnovare i cartelloni nel tentativo di attrarre ogni tipo di pubblico, seppur nel solco della tradizione italiana ed europea. Bambino prodigio, fucina di idee e viaggiatore da sempre, Spotti ha cominciato a

studiare musica fin da piccolo grazie alla nonna pianista. Ma ha assunto subito con serietà l’impegno: «Nel mio percorso didattico la musica è stata sempre un elemento cardine della vita, non un passatempo. Non l’ho mai considerata come qualcosa di ludico».

À SEULEMENT 29 ANS, MICHELE SPOTTI DEVIENT DIRECTEUR MUSICAL DE L’OPÉRA DE MARSEILLE. ET IL ENTEND BIEN FAIRE TOMBER

TOUTES LES BARRIÈRES, NOTAMMENT AVEC LE PUBLIC LE PLUS JEUNE

Tra Entre Michele Spotti et Marseille, tout est question de sens en harmonie. Et il y a une grande synergie entre le maestro de 29 ans et l’Opéra de la ville française, qui l’a nommé directeur musical à partir de la saison 2023/24.

Une grande satisfaction pour l’artiste lombard, prêt à révolutionner l’affiche pour tenter d’attirer tous les publics, mais toujours dans la tradition italienne et européenne. Enfant prodige, forgeur d’idées et voyageur de toujours, Spotti a commencé à étudier la musique dès

son plus jeune âge grâce à sa grandmère pianiste. Il a immédiatement pris cet engagement avec sérieux : « Dans mon éducation, la musique a toujours été un élément central de la vie, et non un passe-temps. Je ne l’ai jamais considérée comme quelque chose de ludique. »

di/par Francesca Ventre – f.ventre@fsitaliane.it

Per questo sei riuscito a conquistare il prestigioso incarico così giovane?

Di sicuro ha avuto importanza la mia abnegazione continua nel lavoro, ma anche l’entusiasmo e la preparazione. In ultimo, lo ammetto, ha contato essere al posto giusto al momento giusto.

Come è cominciata la collaborazione con il Teatro dell’Opera?

Il mio primo approccio con il teatro di Marsiglia è stato nell’ottobre 2021, nel periodo difficile di convivenza con l’epidemia da Covid-19. Mi sono cimentato nel Guglielmo Tell di Gioachino Rossini. E, nonostante la situazione tristemente inedita, il risultato è stato straordinario, a livello artistico e umano. È stata la scintilla che ci ha fatti innamorare reciprocamente.

A questo è seguito il concerto della Sinfonia n. 3 in Re minore di Anton Bruckner che ha permesso di far concretizzare la scelta.

Era un ruolo ambito da molti?

Sì, perché il teatro di Marsiglia ha una consolidata tradizione, arricchita da un’orchestra filarmonica che si esibisce in un repertorio sinfonico.

La Francia, rispetto all’Italia – e lo affermo senza polemica – dimostra più coraggio nell’affidare ruoli importanti a persone giovani. In Europa, in generale, non si guarda alla carta d’identità ma alla preparazione. Ma, comunque, anche nei teatri francesi raramente un italiano under 30 ha avuto degli incarichi. Questo mi inorgoglisce molto: vuol dire che ho conquistato il cuore dei miei colleghi e delle maestranze.

Per cosa si distingue il palco di Marsiglia?

È un palco abituato a ricevere grandi repertori, proprio come il Guglielmo Tell rossiniano. Il teatro ha un’acustica eccezionale, adatta a tutte le vocalità. Per i repertori sinfonici, poi, c’è l’Auditorium du Pharo e io ho avuto la fortuna di esibirmi anche qui. Gli spazi di esecuzione sono importanti per poter crescere e migliorare. Che impronta vuoi dare con la tua direzione?

La fortuna è che sono stato preceduto da Lawrence Foster, un ottimo direttore. Ma è di un’epoca diversa: io ho un differente background per

motivi anagrafici e provengo anche da un’altra area geografica. Per i programmi, sto scegliendo nuovi titoli e punterò ad attirare più pubblico possibile, anche portando freschezza nella scelta dei solisti. Il mio sarà un lavoro certosino. Immagino un’interazione forte tra direttore, orchestra e pubblico, anche con la proiezione di video che accompagnino all’ascolto. Voglio abbattere ogni barriera che possa creare delle distanze tra esecutori e spettatori.

Cos’hai in progetto per i giovani? Voglio creare una sinergia. Sono loro coetaneo e quindi lo scoglio anagrafico non esiste. Occorre solo invogliarli a venire a teatro. Anche perché ormai assistere a un concerto costa quanto un paio di cocktail, non è economicamente proibitivo. Quando ero bambino, invece, non c’erano le convenzioni e le promozioni di adesso. Quali sono i tuoi maestri e i punti di riferimento nella direzione?

Daniele Gatti ha avuto finora una delle carriere più belle: il massimo a cui si possa aspirare per la completezza. Tra i direttori del passato Leonard

© Christian Dresse

Est-ce la raison pour laquelle vous avez réussi à obtenir ce poste prestigieux si jeune ?

Il est certain que mon abnégation permanente au travail, mais aussi mon enthousiasme et ma préparation ont joué un rôle. Mais, je l’admets, ce qui a aussi compté, c’est d’avoir été au bon endroit au bon moment. Comment a débuté la collaboration avec l’Opéra ?

Ma première approche avec le théâtre de Marseille a eu lieu en octobre 2021, pendant la période difficile à vivre de l’épidémie de Covid-19.

J’ai relevé le défi du Guillaume Tell de Gioachino Rossini. Et malgré la situation tristement inédite, le résultat a été extraordinaire, tant sur le plan artistique qu’humain.

C’est l’étincelle qui nous a fait nous rapprocher. Ensuite, le concert de la Symphonie n° 3 en ré mineur d’Anton Bruckner a concrétisé ce choix.

Était-ce un poste convoité par beaucoup ?

Oui, parce que le théâtre de Marseille a une tradition consolidée, renforcée par un orchestre philharmonique

qui interprète un large répertoire symphonique. La France, par rapport à l’Italie – et je le dis sans polémique – fait preuve de plus de courage en confiant des rôles importants à des jeunes. En Europe, en général, on ne regarde pas les cartes d’identité mais la préparation. Cependant, même dans les théâtres français, il est rare qu’un Italien de moins de 30 ans se voie confier des postes aussi prestigieux. Cela me rend très fier : cela signifie que j’ai gagné le cœur de mes collègues et pairs. En quoi la scène de Marseille se distingue-t-elle ?

C'est une scène habituée à recevoir de grandes représentations, comme le Guillaume Tell de Rossini. L’acoustique du théâtre est exceptionnelle et convient à tous les types de voix. Pour les répertoires symphoniques, il y a l’Auditorium du Pharo, où j’ai d’ailleurs aussi eu la chance de me produire. Les espaces de représentation sont importants pour pouvoir se développer et s’améliorer.

Quelle empreinte voulez-vous

laisser avec votre direction ?

La chance est que j’ai été précédé par Lawrence Foster, un très bon chef d’orchestre. Mais il est d’une autre époque : j’ai un parcours différent et je viens aussi d’une autre zone géographique. Pour les programmes, je choisis de nouveaux titres et je m’efforcerai d’attirer le plus de public possible, notamment en apportant de la fraîcheur dans le choix des solistes. Mon travail sera minutieux. J’imagine une forte interaction entre le chef, l’orchestre et le public, avec la projection de vidéos pour accompagner l’écoute. Je veux faire tomber toutes les barrières qui pourraient créer des distances entre les interprètes et les spectateurs. Qu’avez-vous prévu pour les jeunes? Je veux créer une synergie. Je suis du même âge, donc cette barrièrelà n’existe plus. Il faut juste leur donner envie de venir au théâtre. De plus, comme de nos jours assister à un concert coûte autant que quelques cocktails, ce n’est pas économiquement prohibitif.

© Patrick Donav/GettyImages

Il Teatro dell’Opera di Marsiglia/L'Opéra municipal de Marseille

Bernstein è il mio idolo assoluto, lo considero un genio. E potrei fare tanti altri esempi, viventi e non, ma non voglio scimmiottare nessuno, perché l’arte della direzione è molto personale, cambia nel corso degli anni e va cucita sul proprio corpo. La tecnica, invece, è una compagna di vita, specchio dell’anima.

I tuoi autori preferiti?

Bruckner e Gustav Mahler sono i miei due fari per la sinfonica. Per l’opera, forse scontati, direi Giuseppe Verdi e Richard Wagner. L’orchestra marsigliese ha un suono e una cultura mitteleuropei. Quando dirigo questi repertori, poiché la sonorità è particolare, sento l’amore dei musicisti e del pubblico verso queste opere. La reputo un’altra notevole fortuna che mi è capitata.

Come valorizzerai il patrimonio italiano?

Sarà ben preservato grazie a nomi come Ottorino Respighi, Alfredo Casella e Giuseppe Martucci. E per il belcanto presento autori come Verdi e Rossini, oltre a Vincenzo Bellini e Gaetano Donizetti. Il pubblico francese, che è molto esigente, apprezzerà questo repertorio italiano e sono sicuro che sarà un’occasione di arricchimento reciproco.

Che cosa ti piace di Marsiglia?

Il suo ambiente sano, con aria pura che sa di salsedine, rende l’umore migliore. Io amo il mare, non a caso vivo in Sicilia. Adoro, inoltre, la sua ricchezza multietnica, che consente scambi culturali anche a livello musicale. È la seconda città di Francia e il teatro deve essere alla sua altezza.

Vivi ad Acireale, nel Catanese, con tua moglie Francesca, un’oboista. Dove vi siete conosciuti?

A Portopalo di Capo Passero, la punta più meridionale della Sicilia. Io abitavo a Como e facevo su e giù, ma poi mi sono stabilito sulla sua Isola. Sono un pellegrino costante, la sedentarietà non è neanche prevista nei nostri piani familiari. Abbiamo un figlio, Davide, nato a Bergamo un anno fa, che è stato già in Svizzera, Germania, Austria e Francia. In Italia ha visto Torino, Modena, Bologna e Parma. Anche questa è una conferma della mia indole da viaggiatore.

Marsiglia ti ricorda la Sicilia?

Io dico sempre che è un mix tra Parigi e Palermo. Ha la grandeur della città francese ed è un porto tra i più importanti in Europa. E poi ha grandi spazi che affascinano, proprio come quelli del capoluogo siciliano affacciato sul mare.

Prima che cominci la stagione teatrale, quali altri appuntamenti hai in programma in giro per il mondo?

A fine aprile debutto in Francia con La traviata di Verdi nel Théâtre du Capi-

tole di Tolosa. A giugno dirigo al Palau de les Arts di Valenza una nuova produzione dell’Ernani di Giuseppe Verdi. E il tuo tempo libero? Si sta riducendo drasticamente. La mia vita è un Tetris ma mi godo quello che ho. In questo periodo sto ricevendo straordinarie opportunità e voglio coglierle a pieno.

michelespotti.com

michelespotticonductor

michelespotti_conductor

© Marco Borrelli

Quand j’étais enfant, il n’y avait pas les conventions et les promotions d’aujourd’hui.

Qui sont vos maîtres et vos points de référence dans la mise en scène ?

Daniele Gatti a eu l’une des plus belles carrières à ce jour : la meilleure à laquelle on puisse aspirer de par son exhaustivité. Parmi les chefs d’orchestre du passé, Leonard Bernstein est mon idole absolue, je le considère comme un génie. Et je pourrais en citer bien d’autres, vivants ou non, mais je ne veux être la parodie de personne, car l’art de la direction d’orchestre est très personnel, il change au fil des années et doit être cousu sur mesure. La technique, en revanche, est un compagnon de vie, un miroir de l’âme.

Vos compositeurs préférés ?

Bruckner et Gustav Mahler sont mes deux phares pour la symphonie. Pour l’opéra, sans être trop original, je dirais Giuseppe Verdi et Richard Wagner. L’orchestre de Marseille a une sonorité et une culture d’Europe centrale. Lorsque je dirige ces répertoires, étant donné que la sonorité est particulière, je ressens l’amour des musiciens et du public envers ces œuvres. Je considère que c’est une autre grande chance qui m’est arrivée.

Comment allez-vous mettre en valeur le patrimoine italien ?

Il sera bien représenté grâce à des noms comme Ottorino Respighi, Alfredo Casella et Giuseppe Martucci. Et pour le bel canto, je présenterai des auteurs comme Verdi et Rossini, ainsi que Vincenzo Bellini et Gaetano Donizetti. Le public français, qui est très exigeant, appréciera ce répertoire italien et je suis sûr que ce sera l’occasion d’un enrichissement mutuel. Qu’est-ce qui vous plaît à Marseille ? Son environnement sain, avec un air pur qui sent les embruns et rend l’humeur meilleure. J’aime la mer, ce n’est pas un hasard si je vis en Sicile. J’aime aussi sa richesse multiethnique, qui permet des échanges culturels, y compris musicaux. C’est la deuxième ville de France et le théâtre doit être à sa hauteur.

Vous vivez à Acireale, près de Catane, avec votre épouse Francesca, hautboïste. Où vous êtes-vous rencontrés ?

À Portopalo di Capo Passero, l’extrémité sud de la Sicile. Je vivais à Côme et je faisais des allers-retours, j’ai donc fini par m’installer sur l’île. Je suis un pèlerin invétéré, la sédentarité ne fait même pas partie de nos projets familiaux. Nous avons un fils, Davide, né à Bergame il y a un an, qui est

déjà allé en Suisse, en Allemagne, en Autriche et en France. En Italie, il a vu Turin, Modène, Bologne et Parme. C’est une confirmation de ma nature de voyageur.

Marseille vous rappelle-t-elle la Sicile ?

Je dis toujours que c’est un mélange entre Paris et Palerme. Elle a la grandeur de la ville française et c’est l’un des ports les plus importants d’Europe. Et puis elle a de grands espaces qui sont fascinants, tout comme ceux de la capitale sicilienne qui donnent sur la mer.

Avant le début de la saison théâtrale, quels sont les autres événements que vous avez prévus dans le monde ?

Fin avril, je fais mes débuts en France avec La traviata de Verdi au Théâtre du Capitole de Toulouse. En juin, je dirige une nouvelle production de Ernani de Giuseppe Verdi, au Palau de les Arts, à Valence (Espagne).

Et votre temps libre ?

J’en ai très peu. Ma vie est un Tetris, mais je profite du moment présent. J’ai des opportunités extraordinaires en ce moment et je veux les saisir pleinement.

michelespotti.com

LA COLOMBA

E L’ ELEFANTE

A PADOVA, FINO AL 4 GIUGNO, LA MOSTRA SU FRIDA KAHLO E DIEGO RIVERA. UNA DELLE PIÙ TRAVOLGENTI, CREATIVE E CELEBRI COPPIE DELLA STORIA DELL’ARTE

di/par Sandra Gesualdi sandragesu

Quando si sono conosciuti lei era una giovinetta non ancora ventenne con i capelli vaporosi tagliati sul collo. Lui invece, il doppio dei suoi anni, era già uno dei più affermati artisti messicani nel mondo, attivista ed esponente di spicco del Partito comunista. Lei lo adulava e lo spiava mentre dipingeva corpi di modelle pastose o realizzava i famosi e giganti murales con cui comunicava alle masse di contadini analfabeti.

Frida Kahlo e Diego Rivera, soprannominati la colomba e l’elefante per le loro fattezze fisiche, hanno intrecciato biografie e arte senza risparmiarsi, impastandole a ideali di giustizia, lotte politiche e genio. A far loro da sfondo, come quinta irrinunciabile della loro storia, un Messico attraversato da una delle più grandi rivoluzioni del ‘900. Frida e Diego, insieme, hanno odorato gli stessi cambiamenti sociali, soffiato sul vento delle lotte democratiche accanto ai contadini sfruttati da secoli, viaggiato in lungo e in largo, incontrato intellettuali, dipinto, creato e raccontato il loro tempo con colori accesi e oli brillanti. E si sono amati, consumando una tra le storie d’amore più celebri e intense nel mondo dell’arte, fatta di sentimenti totaliz-

Frida Kahlo con statuetta olmeca fotografata da Nickolas Muray (1939)/Frida Kahlo avec statuette olmèque photographiée par Nickolas Muray (1939) Throckmorton Fine Art, New York © Nickolas Muray Photo Archives

LA COLOMBE

ET L' ÉLÉPHANT

À PADOUE, JUSQU'AU 4 JUIN, L'EXPOSITION SUR FRIDA KAHLO

ET DIEGO RIVERA. L'UN DES COUPLES LES PLUS BOULEVERSANTS, LES PLUS CRÉATIFS ET LES PLUS CÉLÈBRES DE L'HISTOIRE DE L'ART

Lorsqu'ils se sont rencontrés, c'était une jeune fille d'une vingtaine d'années, aux cheveux vaporeux coupés sur la nuque. Lui, en revanche, deux fois plus âgé qu'elle, était déjà l'un des artistes mexicains les plus connus au monde, un militant et un membre éminent du parti communiste. Elle l’adulait et l'espionnait tandis qu’il peignait les corps de mannequins pâteux ou de créer les fameuses peintures murales géantes avec lesquelles il communiquait avec les masses de paysans analphabètes.

«Ho avuto due gravi incidenti nella mia vita. Il primo fu quando un tram mi mise al tappeto, l’altro fu Diego»

Frida Kahlo

« J'ai eu deux accidents graves dans ma vie. Le premier, c'est quand un tram m'a renversée, l'autre, c'est Diego »

Frida Kahlo

Frida Kahlo et Diego Rivera, surnommés la colombe et l'éléphant en raison de leurs caractéristiques physiques, ont entremêlé sans ménagement biographies et art, les pétrissant d'idéaux de justice, de luttes politiques et de génie. En toile de fond de leur histoire, un Mexique traversé par l'une des plus grandes révolutions du XXe siècle. Frida et Diego, ensemble, ont senti les mêmes changements sociaux, ont soufflé le vent des luttes démocratiques aux côtés de paysans exploités pendant des siècles, ont voyagé loin, ont rencontré des intellectuels, ont peint, créé et raconté leur époque avec des couleurs vives et des huiles brillantes. Et ils se sont aimés, consommant l'une des histoires d'amour les plus célèbres et les plus intenses du monde de l'art, faite de sentiments totaux, de trahisons, de ruptures et de retours. À Padoue, dans les espaces du Centre culturel Altinate San Gaetano, se tient jusqu'au 4 juin l'exposition organisée par Daniela

zanti, tradimenti, abbandoni e ritorni. A Padova, negli spazi del Centro culturale Altinate San Gaetano, fa tappa fino al 4 giugno la mostra curata da Daniela Ferretti che racconta i due pittori sudamericani attraverso le tele provenienti dalla collezione statunitense di Jacques e Natasha Gelman, in cui spiccano anche i famosi autoritratti di Frida.

La relazione consumata tra i coniugi Kahlo-Rivera, a tratti dolorosa e dannosa, ha funzionato per entrambi da combustibile creativo, insieme alla politica, alimentando e tenendo viva la loro carriera artistica. Si sono raffigurati a vicenda, aggiungendo ogni volta dettagli intimi o scene di sen-

timenti collettivi. Un fuori e dentro la coppia, il privato e il pubblico fermato con oli e affreschi come se la pittura fosse un diario per immagini. I grandi murales di Rivera sulle facciate dei palazzi raccontano le trasformazioni socioculturali della storia messicana e le antiche tradizioni indios, lanciando messaggi di lotta di classe leggibili da tutto il popolo. All’opposto Frida perlopiù si autorappresenta, scarica nei suoi dipinti tutto il dolore e i lutti reali che il destino le riserva, utilizza spatola e pennelli come strumenti di cura e liberazione dal male, quello fisico in primis. Inizia a pitturare dopo un terribile incidente che la immobilizza a letto per mesi e le procura

fratture gravi in tutto il corpo, lasciandole piaghe nell’anima, ossa rotte e tormenti per il resto dei suoi giorni. Dipinge distesa, mentre è allettata, osservandosi attraverso uno specchio, e così racconta di sé a se stessa, si autoraffigura con quel corpo fracassato che le procura aborti e occhi colmi di lacrime. O si descrive nei famosi primi piani con le folte sopracciglia nere, le acconciature fiorite e gli abiti tradizionali che la presentano come donna libera di scegliere, caparbia e scevra da ogni etichetta, amata da uomini e donne, osannata da artisti come Vasilij Kandinskij, Marcel Duchamp e persino Pablo Picasso, proiettandola fino ai giorni nostri come icona

Diego Rivera Sunflowers (1943)

© Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust Mexico, D.F. / By Siae 2023

Ferretti, qui raconte l'histoire des deux peintres sud-américains à travers des toiles de la collection américaine de Jacques et Natasha Gelman, qui comprend également les célèbres autoportraits de Frida. La relation consommée entre le couple Kahlo-Rivera, parfois douloureuse et nocive, a fonctionné comme un carburant créatif pour tous les deux, au même titre que la politique, alimentant et maintenant en vie leurs carrières artistiques. Ils se sont représentés l’un l’autre, ajoutant chaque fois des détails intimes ou des scènes de sentiments collectifs. Un extérieur et un intérieur du couple, le privé et le public immortalisés par des huiles et des fresques comme si le tableau était un journal intime par les images. Les grandes peintures murales de Rivera sur les façades des bâtiments racontent les transformations socioculturelles de l'histoire du Mexique et les anciennes traditions indiennes, envoyant des messages de lutte des classes lisibles par tout le peuple. En revanche, Frida s'autoreprésente la plupart du temps, déchargeant dans ses tableaux toute la douleur et le chagrin réel que le destin lui a réservé, utilisant la spatule et les pinceaux comme instruments de guérison et de libération du mal, le physique in primis. Elle commence à peindre après un terrible accident qui l'immobilise au lit pendant des mois et lui cause de graves fractures dans tout le corps, lui laissant des plaies à l'âme, des os brisés et des tourments pour le reste de ses jours. Elle peint couchée, alitée, en s'observant à travers un miroir, et c'est ainsi qu'elle se raconte, qu'elle s'autoreprésente avec ce corps fracassé qui lui vaut des avortements et des yeux pleins de larmes. Ou bien elle se décrit dans les célèbres gros plans avec ses épais sourcils noirs, ses coiffures fleuries et ses vêtements traditionnels qui la présentent comme une femme libre de ses choix, têtue et affranchie de toute étiquette, aimée des hommes et des femmes, saluée par des artistes tels que Vassily Kandinsky, Marcel Duchamp et même Pablo Picasso, la projetant jusqu'à nos jours comme

une icône de l'art contemporain et un symbole de l'émancipation féminine. Sont également exposés de nombreux clichés de Frida pris par les maîtres internationaux qui l'ont connue, notamment Héctor Garcia, Manuel Álvarez Bravo, Lucienne Bloch, Edward Weston et Nickolas Muray, et qui ont posé leur regard sur la peintre, une femme à la fois libre et fragile. Frida a séduit et continue de séduire pour cette fidélité à ellemême qu'elle a su insuffler dans

ses tableaux et pour le courage et l'habileté d'avoir exprimé le sang du ventre, la peur de la perte, la fragilité de l'existence, en utilisant la palette de couleurs vives et intenses que seul son Mexique pouvait lui offrir. « J'ai eu deux accidents graves dans ma vie, écrira-t-elle. Le premier, c'est quand un tram m'a renversée, l'autre, c'est Diego. » Les colombes volent, mais pas les éléphants, parfois ils se rencontrent et se heurtent.

mostrafridapadova.it

Frida Kahlo Diego on My Mind (Self-portrait as Tehuana) (1943) © Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust Mexico, D.F. / By Siae 2023

dell’arte contemporanea e simbolo di emancipazione femminile. In mostra anche molti scatti di Frida realizzati dai maestri internazionali che l’hanno conosciuta, tra cui Héctor Garcia, Manuel Álvarez Bravo, Lucienne Bloch, Edward Weston, Nickolas Muray, e che hanno posato lo sguardo sul-

la pittrice, donna libera e fragile allo stesso tempo. Frida ha ammaliato e continua a farlo per quella lealtà verso se stessa che è riuscita a infondere nei suoi quadri e per il coraggio e la mestria di aver espresso il sangue del ventre, la paura della perdita, la gracilità dell’esistenza, utilizzando la palet-

te dei colori vividi e intensi che solo il suo Messico poteva offrirle. «Ho avuto due gravi incidenti nella mia vita», scrisse. «Il primo fu quando un tram mi mise al tappeto, l’altro fu Diego». Le colombe volano, gli elefanti no, ogni tanto si scontrano e incontrano. mostrafridapadova.it

Nickolas Muray

Frida Kahlo on Bench #5 (1939)

The Jacques and Natasha Gelman Collection of 20th Century Mexican Art and the Vergel Foundation © Nickolas Muray Photo Archives

Découvrez les cours de la plus prestigieuse université de la communication d’Italie.

Ouverture des candidatures aux tests d’admission aa 2023/24

Mon avenir dans le monde de la communication a déjà commencé.

CON LO SGUARDO DI DYLAN

AL MAXXI DI ROMA, FINO AL 30 APRILE, LA PRIMA RETROSPETTIVA EUROPEA SULLE OPERE VISUALI DEL MENESTRELLO DEL ROCK. CAPACE DI CREARE IMMAGINI UNIVERSALI CHE REGALANO INTERMINABILI DÉJÀ-VU

di/par Irene Marrapodi

Bob Dylan Endless Highway 2 (2015-2016)

AVEC LES YEUX DEDYLAN

AU MAXXI DE ROME, JUSQU'AU 30 AVRIL, LA PREMIÈRE RÉTROSPECTIVE EUROPÉENNE DES ŒUVRES VISUELLES DU MÉNESTREL ROCK. CAPABLE DE CRÉER DES IMAGES UNIVERSELLES QUI OFFRENT D’INTERMINABLES DÉJÀ-VU

Il racconto della schietta quotidianità è il suo mestiere da oltre 60 anni, fin dal suo album di debutto nel 1962. Gli sterminati paesaggi nordamericani e le iconiche, interminabili strade, la vita lenta e difficile degli emarginati, l’amore: immagini che il menestrello del rock ha descritto accuratamente nelle sue ballate e dipinto su vere e proprie tele, esposte al MAXXI di Roma fino al 30 aprile. La mostra Bob Dylan: Retrospectrum raccoglie oltre 100 opere di arte visuale create dal cantautore a partire dagli anni ‘70. Dagli acquerelli alle sculture in metallo, dai video ai disegni composti con inchiostro e grafite, Dylan mette in scena – ancora una volta ma in modo nuovo – la sua visione del mondo. L’obiettivo è lo stesso della sua musica: dare voce e volto alle realtà condivise, a metà tra un’allucinazione collettiva e la nuda esistenza. Ma non bisogna tentare di distinguerle. Se infatti il visitatore o la visitatrice osservasse «il luogo in cui quell’immagine è realmente esistita, vedrebbe la stessa cosa», ha sintetizzato il cantautore, «e questo ci unisce tutti». Le opere visuali dell’artista, proprio come i testi che gli sono valsi il premio Nobel per la letteratura nel 2016, hanno un carattere di ambigua universalità, che porta il visitatore a pensare di aver percorso, magari senza averne memoria, proprio la route 61, la via del blues che attraversa i luoghi d’infanzia del musicista, di aver sostato vicino a quel motel ormai abbandonato o di aver condiviso il tempo di una sigaretta con l’uomo vestito di blu del dipinto Marlboro Man. È la capacità di Dylan di creare immagini che dalle canzoni e dalle tele si trasferiscono nella mente del pubblico, regalando malinconici déjà-vu, fumosi spaesamenti. Esce dall’ottica del consumo dell’arte, si allontana dall’estetica delle locandine e dei cartelloni pubblicitari, cerca il dettaglio apparentemente insignificante nella realtà visibile – come la baracca a pochi passi dal curato campo da golf o il piccolo chiosco di hot dog di Coney Island a cui fanno da sfondo i grattacieli di New York – e lo offre al pubblico nella speranza che ne possa apprezzare la bellezza.

La retrospettiva sull’artista, che arriva in Europa dopo una tappa al Museo

d’arte contemporanea di Shanghai e al Patricia & Phillip Frost Art Museum di Miami, è composta da otto sezioni che ne ripercorrono i cambiamenti di stile e soggetti dagli anni ‘70 a oggi, le sperimentazioni e il legame con la musica e le parole. Il risultato è una rassegna

che racconta per immagini oltre mezzo secolo di ricerca artistica. Trascorso nel tentativo di cercare le risposte sussurrate dal vento. maxxi.art museo_maxxi museomaxxi

Bob Dylan, Abandoned Motel, Eureka (2015-2016)

Raconter sans concession le quotidien est son métier depuis plus de 60 ans, depuis son premier album en 1962. Les paysages infinis de l'Amérique du Nord et ses routes iconiques et interminables, la vie lente et difficile des marginaux, l'amour : des images que le ménestrel du rock a décrites avec précision dans ses ballades et peintes sur de véritables toiles, exposées au MAXXI de Rome jusqu'au 30 avril. L’exposition Bob Dylan : Retrospectrum rassemble plus de 100 œuvres d'art visuel créées par l'auteur-compositeur depuis les années 1970.

Des aquarelles aux sculptures en métal, des vidéos aux dessins composés à l'encre et au graphite, Dylan met en scène – une fois de plus mais d'une manière nouvelle – sa vision du monde. L'objectif est le même que celui de sa musique : donner une voix et un visage à des réalités partagées, à cheval entre hallucination collective et le réel nu. Mais il n'est pas nécessaire de les distinguer. Car si le visiteur regarde « l'endroit où cette image a réellement existé, il verrait la même chose, résume le chanteur, et cela nous unit tous ». Les œuvres visuelles de l'artiste, tout comme les textes qui lui ont valu le prix Nobel de littérature en 2016, ont une universalité ambiguë, laissant penser au visiteur qu'il s'est promené, peutêtre sans en avoir le moindre souvenir, sur la Route 61, la route du blues qui passe par les lieux d'enfance du musicien, qu'il s'est arrêté dans ce motel abandonné ou a partagé une cigarette avec l'homme en bleu du tableau Marlboro Man. C'est la capacité de Dylan à créer des images qui se transfèrent des chansons et des toiles dans l'esprit du public, offrant un déjà-vu mélancolique, une désorientation intrigante. Il s'éloigne du consumérisme de l'art, de l'esthétique des affiches et des panneaux publicitaires, recherche le détail apparemment insignifiant de la réalité visible – comme la cabane à quelques pas du terrain de golf entretenu ou le petit stand de hotdogs à Coney Island avec les gratte-

ciel de New York en toile de fond – et l'offre au public dans l'espoir qu'il en apprécie la beauté.

La rétrospective sur l'artiste, qui arrive en Europe après des étapes au Musée d'art contemporain de Shanghai et au Patricia & Phillip Frost Art Museum de Miami, se compose de huit sections qui retracent ses changements de style et de sujets des années 1970 à

nos jours, ses expérimentations et son lien avec la musique et les mots. Le résultat est une exposition qui retrace en images plus d'un demisiècle de recherche artistique. Passé à chercher les réponses murmurées par le vent. maxxi.art museo_maxxi museomaxxi

Bob Dylan

© Ken Regan

BAGLIORI DORATI

UNA MOSTRA A PARIGI RENDE OMAGGIO

ALL’AMORE DELLO STILISTA YVES SAINT LAURENT PER QUESTO METALLO PREZIOSO, SIMBOLO DI VITALITÀ E INDIPENDENZA

di/par Cecilia Morrico MorriCecili morricocecili

Courtesy Yves Saint Laurent

L’uso dell’oro nelle sue diverse forme, da quella più comune del gioiello fino all’intreccio nelle trame di un abito.

Questi giochi luminosi animano la mostra Gold: Les Ors d’Yves Saint Laurent, ospitata fino al 14 maggio al numero

Abito da sera lungo in paillette dorate e pietre preziose multicolori/Robe de soirée longue en paillettes d’or et pierres précieuses multicolores

Collezione haute couture Autunno Inverno 1966/Collection haute couture automne-hiver 1966

© David Bailey/Vogue Paris

LUEURS DORÉES

UNE EXPOSITION À PARIS REND HOMMAGE À L’AMOUR DU COUTURIER YVES SAINT LAURENT POUR CE MÉTAL PRÉCIEUX, SYMBOLE DE VITALITÉ ET D’INDÉPENDANCE

L’utilisation de l’or sous toutes ses formes, de la bijouterie la plus commune à son entrelacement dans la trame d’une robe. Ces jeux lumineux animent l’exposition

Gold : Les Ors d’Yves Saint Laurent,

accueillie jusqu’au 14 mai au numéro cinq de l’avenue Marceau, dans l’hôtel particulier parisien où le créateur a passé près de 30 ans à concevoir ses collections.

L’exposition est organisée par Elsa Janssen, directrice du Musée

Yves Saint Laurent Paris, et Anna Klossowski, rédactrice d’art, fille de Loulou de La Falaise, première muse du couturier et créatrice de ses bijoux de 1972 à 2002. Elle contient une quarantaine d’œuvres comprenant des robes de haute couture et de

Serie di fotografie di notti parigine tra cui diversi scatti al Palace in mostra al Musée Yves Saint Laurent Paris/Série de photographies de nuits parisiennes dont plusieurs clichés au Palace, exposées au Musée Yves Saint Laurent Paris © Thibaut Voisin

cinque di avenue Marceau, nell’hôtel particulier parigino dove lo stilista ha trascorso quasi 30 anni a disegnare le sue collezioni.

L’esposizione è curata da Elsa Janssen, direttrice del Musée Yves Saint Laurent Paris, e dall’editrice d’arte Anna Klossowski, figlia di Loulou de La Falaise, prima musa ispiratrice del couturier e designer dei suoi gioielli dal 1972 al 2002. Racchiude una quarantina d’opere tra abiti d’alta moda e prêt-à-porter, accessori e oggetti preziosi, tutti caratterizzati dal colore oro. Dai primi bottoni che ornano i suoi caban agli outfit che sembrano interamente realizzati con il prezioso materiale, nessuna collezione del couturier è sfuggita al tocco dorato. Un percorso cromo-tematico attraverso capolavori opulenti e dirompenti, concepiti dallo stilista a partire dalla collezione haute couture Primavera Estate del 1962.

Tessuti sontuosi che raccontano la donna di Saint Laurent, femminile e sicura, sempre a proprio agio con se stessa e quindi perfetta con l'oro, simbolo di ricchezza e potere.

Ma non solo: la nuance dorata ricorda allo stilista il sole di Orano, in Algeria, dove è nato, la luce della sua villa a Marrakech, in Marocco, e le serate nei club trendy che, alla fine degli

anni ’60, hanno rivoluzionato la movida parigina. Il couturier, infatti, era un habitué delle feste notturne nella Ville Lumière. Le serate con gli amici ai club Chez Régine, Le Palace o Le Privilège sono per lui momenti di gioia ed effervescenza. Nel 1967, in questi night incontra Betty Catroux, una donna dall’aspetto androgino e dall’incredibile carisma che considera subito la sua gemella e complice. I due diventano inseparabili e sperimentano tutte le possibilità che questi luoghi offrono. L’atmosfera festosa è quindi una delle principali fonti di ispirazione per lo stilista e l'oro, con il suo aspetto lucido e appariscente, si ritrova naturalmente al suo posto e si fa portavoce dell’emancipazione femminile. In mostra anche l’omaggio a poeti solari come Louis Aragon e Jean Cocteau, di cui ricama i nomi con fili dorati su giacche e abiti. O la passione per le star del music-hall come Zizi Jeanmaire e Sylvie Vartan, di cui curò i look per molti spettacoli. Ma, tra tutti i capi, nell’esposizione spicca senza dubbio l’abito gioiello dal taglio a sirena realizzato per l’Autunno Inverno 1966. Immortalato dal fotografo inglese David Bailey per Vogue Paris nel dicembre del ‘66, viene interpretato in modo ricco e vario. Tutto in paillette e pietre preziose, trae ispirazione dalla figura

Loulou de La Falaise, musa ispiratrice di Yves Saint Laurent e designer dei suoi gioielli dal 1972 al 2002, in abito da sera della collezione haute couture 1988/Loulou de La Falaise, muse d’Yves Saint Laurent et créatrice de ses bijoux de 1972 à 2002, dans une robe du soir de la collection haute couture de 1988

© Arthur Elgort Courtesy Vogue Italia (dicembre/décembre 1988)

fiammeggiante di Cleopatra, ultima regina d'Egitto, e dall’omonimo faraonico film con la divina Elizabeth Taylor diretto da Joseph L. Mankiewicz nel 1963. L'oro egiziano brillava come il dio del sole Ra e il potere simbolico di questo vestito sembra attingere a questa energia divina.

museeyslparis.com museeyslparis

Set di abiti da sera, haute couture e prêt-à-porter Rive Gauche nella mostra Gold: Les Ors d’Yves Saint Laurent/Ensemble de robes de soirée, haute couture et prêt-à-porter Rive Gauche de l’exposition Gold : Les Ors d’Yves Saint Laurent

© Thibaut Voisin

prêt-à-porter, des accessoires et des objets précieux, tous caractérisés par la couleur de l’or.

Des premiers boutons qui ornent ses cabans aux tenues qui semblent entièrement faites de la précieuse matière, aucune collection du couturier n’a échappé à la touche de l’or. Un voyage chromo-thématique à travers des chefs-d’œuvre opulents et disruptifs, conçus par le créateur à partir de la collection haute couture printemps-été 1962.

Des tissus somptueux qui évoquent la femme selon Saint Laurent, féminine et sûre d’elle, toujours à l’aise et donc parfaite avec l’or, symbole de richesse et de pouvoir.

Mais ce n’est pas tout : la teinte dorée rappelle au créateur le soleil d’Oran, en Algérie, où il est né, la lumière de sa villa à Marrakech, au Maroc, et les soirées dans les clubs branchés qui ont révolutionné la vie nocturne parisienne à la fin des années 1960. En effet, le couturier était un habitué des fêtes nocturnes de la Ville Lumière. Les soirées entre amis dans les clubs Chez Régine, Le Palace

Gioielli per dita/Bijoux pour doigts Collezione haute couture Autunno-Inverno 1969 in collaborazione con Claude Lalanne/Collection haute couture automne-hiver 1969 en collaboration avec Claude Lalanne Adagp, Paris (2022)

Musée Yves Saint Laurent Paris © Matthieu Lavanchy

Completo Aragon indossato dalla modella Anna de Chambrun durante il fashion show haute couture Autunno Inverno 1980/Complet Aragon porté par le mannequin Anna de Chambrun lors du défilé de mode haute couture automne-hiver 1980 © François-Marie Banier

ou Le Privilège étaient pour lui des moments de joie et d’effervescence. En 1967, il rencontre dans ces boîtes de nuit Betty Catroux, une femme à l’apparence androgyne et au charisme incroyable, qu’il considère immédiatement comme sa jumelle et sa complice. Les deux deviennent inséparables et expérimentent toutes les possibilités qu’offrent ces lieux. L’ambiance festive est donc l’une des principales sources d’inspiration du créateur et l’or, avec son aspect brillant et clinquant, trouve naturellement sa place et devient l’un des symboles de l’émancipation féminine. L’exposition rend également hommage à des poètes solaires tels que Louis Aragon et Jean Cocteau, dont il brode les noms en fil d’or sur des vestes et des robes. Ou encore la passion pour les stars du music-hall telles que Zizi Jeanmaire et Sylvie

Vartan, dont il a créé les looks pour de nombreux spectacles. Mais, de toutes les pièces ici rassemblées, c’est sans doute la robe-bijou à la coupe sirène, réalisée pour la collection automne-hiver 1966, qui se distingue le plus. Immortalisée par le photographe britannique David Bailey pour Vogue Paris en décembre 1966, elle est interprétée de manière riche et variée. Tout en paillettes et pierres précieuses, elle s’inspire de la flamboyante figure de Cléopâtre, dernière reine d’Égypte, et du film pharaonique du même nom avec la divine Elizabeth Taylor réalisé par Joseph L. Mankiewicz, en 1963. L’or égyptien brillait comme le dieu du soleil Râ et le pouvoir symbolique de cette robe semble puiser dans cette énergie divine.

museeyslparis.com

museeyslparis

RITRATTO DI UN SECOLO

IN MOSTRA A VENEZIA I TESORI FOTOGRAFICI DELL’ARCHIVIO CONDÉ NAST

ACQUISITI

DALLA PINAULT COLLECTION. UN VIAGGIO TRA I

PROTAGONISTI E GLI EVENTI EPOCALI DEL ‘900

di/par Cecilia Morrico MorriCecili morricocecili

Una Twiggy appena 18enne, seduta su un televisore dove è riflessa la sua stessa immagine, fissa la camera da presa con i suoi giganteschi occhi da cerbiatto. Il “ramoscello” londinese divenne l’incarnazione di un nuovo modello di bellezza che fece la sua comparsa negli anni ‘60. Oltre a rompere con i canoni estetici della generazione precedente, fu straordinaria interprete degli abiti a trapezio e della minigonna, simbolo di libertà e rivoluzione giovanile. Questo è solo uno degli scatti esposti a Chronorama. Tesori fotografici del 20° secolo, dal 12 marzo al 7 gennaio 2024 a Palazzo Grassi di Venezia. Oltre 400 immagini degli archivi di Condé Nast, recentemente acquisiti dalla Pinault Collection, raccontano un’epoca caratterizzata da cambiamenti epocali, fenomeni sociali, innovazioni straordinarie e personalità illustri e carismatiche. Si percorre il secolo dagli anni ‘10 fino agli albori degli ’80 attraverso le opere di oltre 150 artisti interna -

Bert Stern

Twiggy wearing a mod minidress by Louis Féraud and leather shoes by François Villon (Twiggy indossa un miniabito di Louis Féraud e scarpe in pelle di François Villon)/(Twiggy portant une mini-robe de Louis Féraud et des chaussures en cuir de François Villon) (1967) Vogue © Condé Nast

PORTRAIT D’UN SIÈCLE

LES TRÉSORS PHOTOGRAPHIQUES DES ARCHIVES DE CONDÉ NAST, ACQUIS PAR LA COLLECTION PINAULT, SONT EXPOSÉS

À VENISE. UN VOYAGE À TRAVERS LES PROTAGONISTES ET LES ÉVÉNEMENTS MARQUANTS DU XXE SIÈCLE

Une Twiggy d’à peine 18 ans, assise sur une télévision qui reflète sa propre image, fixe la caméra de ses gigantesques yeux de biche. La "twiggy" londonienne est devenue l’incarnation d’un nouveau modèle de beauté qui a fait son

apparition dans les années 1960. En plus de rompre avec les canons esthétiques de la génération précédente, elle a été une extraordinaire interprète des robes trapèze et de la mini-jupe, symbole de liberté et de révolution de la jeunesse. Ce n’est qu’un des clichés exposés à

Chronorama. Trésors photographiques du XXe siècle, du 12 mars 2023 au 7 janvier 2024 au Palazzo Grassi à Venise. Plus de 400 photos issues des archives de Condé Nast, récemment acquises par la Collection Pinault, retracent une époque caractérisée par des changements radicaux, des phénomènes sociaux, des innovations extraordinaires et des personnalités illustres et charismatiques. On parcourt le siècle des années 1910 à l’aube des années 1980 à travers les œuvres de plus de 150 artistes internationaux tels que Cecil Beaton, Lee Miller, Horst P. Horst, Irving Penn et Helmut Newton, parmi les photographes, Eduardo Garcia Benito, Helen Dryden et George Wolfe Plank, parmi les illustrateurs. Autant de noms qui ont été les témoins d’une époque et qui, grâce à leur sensibilité artistique, ont su faire évoluer l’esthétique photographique au fil du temps à travers la publication de leurs œuvres dans des magazines édités par Condé Nast tels que Vogue, Vanity Fair et GQ

La collection comprend des photos légendaires telles que le cliché de Marlon Brando réalisé par Jean Howard, la photographie emblématique intitulée Rooftop deck-tennis players, against Manhattan skyline de Margaret BourkeWhite et la photo de Suzy Parker représentant le mannequin et sa grande sœur Dorian Leigh dans une voiture. L’exposition est également accompagnée du projet Chronorama Redux, installé dans quatre espaces du Palazzo Grassi, qui offre un regard contemporain sur les œuvres présentées dans l’exposition principale. Les artistes Tarrah Krajnak, Erik N. Mack, Giulia Andreani et Daniel Spivakov interrompent par leurs créations le parcours chronologiquement linéaire de l’exposition, créant une sorte de parenthèse diachronique dans laquelle il est possible de réfléchir à des périodes plus ou moins éloignées de l’histoire récente.

palazzograssi.it

palazzograssi

palazzo_grassi

Jean Howard Marlon Brando (1951) Vogue © Condé Nast

zionali come Cecil Beaton, Lee Miller, Horst P. Horst, Irving Penn, Helmut Newton, tra i fotografi, Eduardo Garcia Benito, Helen Dryden e George Wolfe Plank, tra gli illustratori. Tutti nomi che sono stati testimoni di un’era e, con la propria sensibilità artistica, hanno saputo innovare l’estetica fotografica nel tempo attraverso la pubblicazione del proprio lavoro sulle riviste edite da Condé Nast come Vogue, Vanity Fair e GQ Nella collezione si possono infatti ammirare immagini leggen -

darie, come lo scatto di Marlon Brando realizzato da Jean Howard, la significativa fotografia dal titolo Rooftop deck-tennis players, against Manhattan skyline  (Giocatori di deck-tennis sul tetto con lo skyline di Manhattan) di Margaret Bourke-White e l’immagine di Suzy Parker che ritrae la supermodella e sorella maggiore Dorian Leigh all’interno di un’auto. Insieme alla mostra anche il progetto Chronorama Redux allestito in quattro spazi di Palazzo Grassi, che

propone uno sguardo contemporaneo sulle opere presentate all’interno dell’esposizione principale. Gli artisti Tarrah Krajnak, Erik N. Mack, Giulia Andreani e Daniel Spivakov interrompono il percorso cronologicamente lineare della rassegna con le loro creazioni, realizzando una sorta di parentesi diacronica in cui è possibile riflettere su epoche più o meno lontane della storia recente. palazzograssi.it

palazzograssi

palazzo_grassi

PHOTO

Suzy Parker Snapshot of her famous sister, Dorian Leigh (Istantanea della sua famosa sorella, Dorian Leigh)/(Instantanée de sa célèbre sœur, Dorian Leigh) (1954)

Vogue © Condé Nast