Mondo Sonoro mayo 2023

TUS ARTISTAS FAVORITXS SIN SALIR DE MADRID

5/Mondo freako

Caroline Polachek El pop es experimental

Con tan solo dos discos lanzados en solitario, la carrera de Caroline Polachek ya es una de las más prometedoras de la industria actual. El magnífico “Desire, I Want To

Into You” (Perpetual Novice, 23) llega en el mejor momento de su vida artística, con una proyección que la sitúa dentro de las figuras clave del pop más experimental. Hablamos con ella sobre el significado detrás del álbum, sus vínculos con España durante la composición del mismo y su esperado paso por Primavera Sound.

ANTES DE METERNOS en materia, le preguntamos cómo se encuentra ahora que todo el mundo puede escuchar su nuevo disco.

“Me siento muy agradecida. Y muy liberada. Porque el proceso de crear este álbum ha sido muy entrecortado. La pandemia llegó al principio del proceso compositivo, pero luego tuve que dejarlo a un lado cuando los shows volvieron. Después lo retomé… Pero no paré de hacer shows, así que tuve que aprender a hacer un álbum mientras giraba. Fue muy, muy difícil”, cuenta. “Incluso mientras lo hacía tuve muchos momentos de crisis. En plan: ‘¿Qué es todo esto? No tiene ningún sentido’”. Al final, Caroline supo unir las piezas.

“Luego me di cuenta y dije: ‘¡Ah! No tiene ningún sentido. Esa es precisamente la intención’”, afirma riéndose. “Desire, I Want To Turn Into You” es un álbum personal y

Turn

directo, pero muy sutil. Lleno de infinitas metáforas y conceptos visuales que se materializan mejor cuando escuchas la obra completa. “Es un álbum muy personal, sí. Pero, a su vez, es una nueva forma de acercarme a la escritura subjetiva. No tiene el estilo de un diario, ni es narrativo. Es más bien una serie de imágenes que aparecen como un flash de manera muy rápida. Luego dejo que el oyente construya su propios puentes entre ellas”. La obsesión de Caroline era hacer un disco físico, que se pudiera palpar y que perdurara en el tiempo. “Son cosas que me reconfortan dentro de un mundo que es muy efímero y muy digital”.

POLACHEK ES DE ESAS ARTISTAS que están cien por cien involucradas en su trabajo, desde la composición hasta el arreglo o la producción en el estudio. Habilidades que se llevarían mejor a solas, pero que no tuvo más remedio que aprender a hacer

en compañía. “He estado de gira durante casi todo el proceso de este álbum, así que nunca estaba sola. Eso es algo que la gente no sabe acerca de estar de gira: la única vez que estás sola es cuando vas al baño. No tenía el espacio para estar por ahí soñando, así que el estudio se convirtió en mi santuario”.

EL IMAGINARIO QUE RODEA al álbum es muy potente, con gran presencia de símbolos relacionados con la naturaleza, como los volcanes. “Pueden ser muy destructivos de repente sin avisar. Por su forma, también me parecen muy femeninos y muy sexuales. Sus colores y texturas encajaban muy bien con el moodboard que yo tenía en mente: el rojo, el negro, el marrón… Pero, por encima de todo, actuar encima del escenario al lado de un volcán me parece que simboliza a la perfección la precariedad en la que vivimos. Expresamos amor, pasión y humor en este lugar tan precario en el que cualquier cosa puede pasar. Hay mucho en juego”. También tie-

POP / La expectación por el esperado segundo álbum de Caroline Polachek era enorme, y motivos no faltaban. Han pasado cuatro años del aclamado “Pang” y la recepción de singles como “Bunny Is A Rider” o “Welcome To My Island” ha sido magnífica. Ahora llegan nuevas canciones que han sido cocinadas a fuego lento en su casa y en el estudio, junto a su colaborador habitual, Danny L Harle. En este álbum se exploran los contradictorios sentimientos que afloran cuando uno se enamora, Todo ello envuelto en letras metafóricas, una voz privilegiada y angelical y una producción bizarra que conversa entre el pop mainstream (“Smoke”) y la experimentación más celta (“Blood And Butter”), industrial (“Billions”) o PC Music (“Fly To You”, con Grimes & Dido). Solo ella podría ser telonera de Dua Lipa mientras colabora junto a Sega Bodega, Charli XCX u Oneohtrix Point Never. Los dos lados del pop, el mainstream y el underground.

nen su mensaje las hormigas que aparecen en la portada, al más puro estilo Dalí. “Me parece que las hormigas son increíbles. Son una especie de fuerza de la naturaleza. Nosotros, como especie, generamos muchísimos residuos en abundancia y los dejamos por la calle, muchas veces en forma de azúcar, de helado, de café… Entonces las hormigas salen de noche, se organizan en filas en silencio, y al día siguiente todo esa basura ya no está. Para mí simbolizan esa fuerza milagrosa de la regeneración”. En cuanto a la producción, la artista confiesa que el proceso es distinto con cada canción, si bien tiene claro con quién aliarse siempre: su fiel compañero Danny L Harle, del colectivo PC Music. “Tenemos una forma de producir muy fluida y casual, de idas y venidas. En el caso por ejemplo de la canción ‘Billions’, todo empezó con un beat de batería que me envió. Y luego yo lo pasé al ordenador para darle la estructura que tiene ahora. Después grabé algunas voces por encima, se las pasé a él… Y así entramos en un proceso que puede durar o bien dos días o bien un año y medio. Me encanta trabajar con Danny porque nunca nos frustramos”.

CAROLINE POLACHEK se ha hecho su hueco indiscutible dentro de la industria generando un pop alternativo muy interesante y lleno de sorpresas poco habituales en el género. Como por ejemplo, las gaitas que escuchamos en “Blood And Butter”, las cuales compara con el autotune. “Son unos instrumentos que me emocionan

mucho. Cuando las escuchas siempre es un contexto de procesión o algo así. De alguna manera, me llevan al origen de la civilización y de esos valores humanos que buscamos proteger a lo largo de los milenios”, afirma. Otra joya inusual dentro del disco es “Sunset”, su propia rumba catalana con esa guitarra española tan predominante. Cuenta la historia de amor entre nuestro país y la autora de “Pang” (19), quien se vio obligada a dejar Londres y aterrizar en Barcelona un verano tras caducar su visado. “Era el verano de 2021 y Barcelona acababa de abrir. Aterricé allí justo el día que se volvía a abrir todo: los bares, los restaurantes… Nadie dormía, todo el mundo estaba de fiesta, luciendo súper glamuroso… El feeling fue muy fuerte, yo estaba volando. Llevaba mucho tiempo trabajando, y ese momento en España me devolvió la vida. La sensación de vitalidad y de ‘rojez’, ese rojo que tanto caracteriza al país”, expresa emocionada. Como anécdota loca, nos cuenta que “Como Ronea” de Las Chuches fue una clara inspiración para esta canción.

ADEMÁS DE LOS GRANDES HITS que más se están escuchando, como “Welcome To My Island” o “Bunny Is A Rider”, el disco esconde otras canciones preciosas como la emotiva y a la vez festiva “I Believe”, en homenaje a su amiga SOPHIE. “La escribí justo cuando empecé a sentir lo que había supuesto perder a SOPHIE. No solo fui yo, fue a nivel colectivo que nos empezamos a dar cuenta de todo lo que nos había dado

como artista. Y de cómo todos estamos presentes incluso más allá de la vida gracias a la energía que creamos”. Entre sus influencias actuales, Caroline destaca a sus amigos A. G. Cook, Danny L Harle, Hyd, Sega Bodega; a su novio, el artista visual Matt Copson… Al preguntarle por artistas españoles, lo tiene claro: Rosalía (“la reina del universo”) y, atención a esta referencia, Ralphie Choo. “Tengo curiosidad por saber qué va a hacer”, nos cuenta la neoyorquina sobre el joven artista madrileño. Es indudable la conexión entre Polachek y nuestro territorio. Tanto que este año repite por cuarta vez en la doble fecha del Primavera Sound, actuando en Barcelona y Madrid. “Primavera Sound es mi festival favorito de todo el mundo. El concierto del año pasado fue muy loco, creo que había unas 20.000 personas. Así que va a ser muy especial volver. Me siento muy apoyada y muy comprendida por parte de mis fans españoles. Estoy emocionada”. ÁLVARO TEJADA

El poder del ocho

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EN CONCIERTO

l Barcelona 03 junio. Primavera Sound l Madrid 10 junio. Primavera Sound

HACE UNOS DÍAS recibíamos, a través de nuestras redes sociales, una queja relativa a las puntuaciones de los discos en la revista, que no es ni la primera ni tampoco será la última vez que nos hacen. En concreto se nos acusaba de puntuar demasiado alto nuestras reseñas, siendo el ocho una nota demasiado habitual en estas páginas. Y lo cierto es que posiblemente el internauta que dedicó su tiempo en formular dicha afirmación, tenga algo de razón y somos conscientes de ello. Pero es que hay un par de importantes motivos que provocan esta situación y voy a intentar explicarlos. En primer lugar a nadie se le escapa que todos los meses se publican varios miles de discos en todo el mundo, mientras que nosotros solo alcanzamos a reseñar unas decenas de ellos. No hay que ser muy avispado para entender que aquí ya se produce un primer corte muy bestia, que hace que nos quedemos solo con esas obras que, por diferentes motivos, merecen ser reseñadas. Selección que acostumbra a centrarse en los artistas importantes, los más cercanos o los que han hecho un disco de peso, elevando el listón de la calidad de los discos que aparece en estas páginas y por tanto su nota. De todas formas no voy a negar que tenemos cierta tendencia a encargar la reseña de un disco al colaborador que está más especializado en el estilo o el artista que critica, y eso produce en ocasiones cierta distorsión a la hora de valorar una obra, al dirigirse el plumilla en su reseña tan solo a otros iniciados en el estilo o el artista analizado, provocando de paso cierta tendencia inconsciente a puntuar al alza. Es verdad. Por eso siempre invitamos a nuestro lectores a no quedarse solo con el mensaje que un número inofensivo les va a transmitir, y que lo mejor es leer siempre la reseña para extraer conclusiones. Al fin y al cabo ya se sabe eso tan manido de que las opiniones son como los culos… Pero ya que estamos en el berenjenal de las calificaciones, voy al menos a dar una pauta con la que creo que todos podemos llegar a un acuerdo. Y es que debe ser algo muy meditado el otorgar un rotundo diez a un disco. Esa es una puntuación que la obra debe ganarse con el transcurso del tiempo, pues debería ser una nota destinada tan solo a esas obras que trascienden, se convierten en inmortales y que dan paso a un nuevo estilo/escena o provocan cierta ruptura/sacudida a lo que venía haciéndose hasta la fecha. Discos como “Nevermind”, “OK Computer” o “Pet Sounds” lo merecen por las razones esgrimidas y por formar parte de ese Olimpo reservado a unos pocos. A partir de aquí solo me resta añadir que cada cual reparta suerte, pero teniendo presente siempre el poder del ocho, ese que no debe ser tomado a la ligera.

SERGI ‘DON DISTURBIOS’ MARQUÉS

“

“Primavera Sound es mi festival favorito de todo el mundo”

FOTO: AIDAN ZAMIRI

Como

Sleaford Mods

JC Peña

FOTO Ewen Spencer

EL TÍTULO NO DEJA lugar a dudas: “UK Grim” es una nueva incursión en la sórdida Inglaterra del post-Brexit y de una época de estupidez y cruda avaricia ubicuas. Pero el dúo no se deja vencer por el derrotismo y las diatribas contra los tories, y ahonda en esos vitalistas arranques de luz melódica y toques de humor que vienen explorando. Se conectan por Zoom con puntualidad exquisita: ética de trabajo que se sobrepone incluso al cansancio acumulado de la promoción. En fin, unos cracks. El nivel que siguen mostrando obedece en palabras de Jason a que “si algo no es bueno, lo sabemos. Hacer un disco te lleva un año y si llega un punto en que no es bueno, quizá la próxima vez tengas que dedicarle dos años. ¿Quién sabe? Lo que pasa es que somos buenos entre los dos. No nos dormimos en los laureles. Estamos probando cosas constantemente. Y ha ayudado mucho que llegáramos a esto a una edad tardía. Todavía tenemos mucho que ofrecer”. Andrew añade que “no estamos tan subyugados por la industria como gente mayor que lleva treinta años en esto. Quizá tenga que ver con eso, no lo sé; es una pregunta difícil de responder cuando estás ahí en el meollo. Creo que todo el que hace un álbum trata de que sea bueno. Y al final, si te gusta y crees que lo has hecho bien, entonces lo único que puedes hacer es sacarlo a ver qué piensan los demás sobre él. No hay ninguna fórmula ni garantía”.

SLEAFORD MODS SON OBSERVADORES implacables del estado de su país (que podría extenderse bastante al resto del mundo), dividido entre una clase dirigente híper privilegiada y el resto. La canción que da título al disco, explica el vocalista, “es un comentario sobre el estado del Reino Unido. Y también sobre los atractivos del lujo, del dinero, del otro modo

de vivir: el confort absoluto y el acceso ilimitado a cosas [risas], ya se trate de coches, sexo, ropas, o lo que sea”. Andrew se apresura a decir que no hacen discos conceptuales, ni nada que se les parezca. “Lo que hay es un poco de fe en que vaya tomando forma y al final haya suficientes elementos musicales y líricos. Trabajamos más duro tratando de sacar mucho material para que cuando lo juntemos sea un poco más fácil, quizá”.

AMBOS AFIRMAN que su propuesta musical ha ido renovándose disco a disco. “Yo creo que hemos ido progresando constantemente. Si echas la vista atrás a otros discos, hay también canciones bastante sofisticadas: cosas como “Cuddly”, con melodías muy guays. Pero quizá haya más canciones de este disco con esa cualidad”, dice quien firma la música. La combinación de minimalismo feroz y melodías más abiertas se remonta muy atrás, en su opinión. “Supongo que es algo que he intentado hacer en cada álbum. Lo suelo describir remitiéndome a “Austerity Dogs” (Harbinger Sounds, 13). Ahí tienes temas más duros y propulsivos y otros más hip-hop. Los discos que son así son más interesantes, apetece más oírlos. A estas alturas tenemos un montón de cosas de las que tirar. Si lo piensas, es lo que hace que sea divertido”. En esta línea, Jason dice que sus diatribas están ahora “un pelín más ordenadas”, aunque también han ganado en complejidad.

“Ahí es donde tenemos una dualidad –interviene Andrew–. Puedes explorar nuevos territorios. Dices cosas incisivas, pero al mismo tiempo metes otras que le hacen reír a alguien. Fuera de eso, puedes hacer una canción de cualquier cosa de la que quieras escribir”.

LA VOZ DE FLORENCE SHAW, de Dry Cleaning, sorprende en “Force 10 From Navarone” como otra colaboración insospechada. A Jason le pareció “una

siempre, pero un poco distinto. Andrew Fearn y Jason Williamson siguen a lo suyo en su ya duodécimo álbum, “UK Grim” (Rough Trade/ Popstock!, 23), tratado de su personal manera de entender el rap punk electrónico con hallazgos melódicos y rítmicos sorprendentes.

TEXTO

Sleaford Mods

Progresando

propuesta interesante”. Y su compañero añade que “no hay ninguna fórmula con nada. Creo que por algún motivo hay gente que piensa que estamos más consolidados y somos mucho más grandes [Jason se parte de risa]… Seguimos progresando, ¿no? Supongo que eso es bueno. Hay grupos que no lo hacen. No estamos atrapados en un contrato discográfico como otros. Tenemos mucha libertad con Rough Trade. Eso te quita mucha presión y te libera para aprovecharte de las cosas cuando llegan”. Por cierto, que Jason sigue jugueteando con melodías vocales en temas como “Right Wing Beast”. “La música de esa canción me recordaba a la banda sonora de algún programa de televisión de los ochenta, algo así, de manera que lo enfoqué por ahí. Y funciona. ¿Por qué no? Me gusta que sea tan inglesa. Y la grabamos muy rápido”. “En canciones como ésa –explica Andrew– hay un montón de música modular. Luego metimos las melodías de la estrofa y el estribillo y la letra de Jason. A veces lo llevo todo muy hecho, y otras todo es más minimalista, puede ser sólo un ritmo y una línea bajo. Estoy haciendo cosas todo el rato, pero hay material que no es aprovechable para Sleaford Mods. Pero incluso así, aunque no sean perfectas, van saliendo cosas. Es lo que hacemos”. J.C.P.

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“

“No estamos subyugados por la industria”

The Blaze regresan con “Jungle” (Animal63, 23), un segundo álbum de consolidación que se balancea entre generar un positivo mensaje sobre la idea de que un mundo mejor es posible y a la vez refleja esa sensación de lucha por la supervivencia en una sociedad que no pone las cosas nada fáciles.

The Blaze Libertad para soñar

LA MÚSICA DE THE BLAZE habla de conexiones, de conexiones artísticas y conexiones humanas. De una vida mejor en un mundo en el que cada vez somos más egoístas y nos cuesta escuchar y mirar más allá de nuestro pequeño universo. El dúo francés vuelve a la batalla para lanzar una potente flecha que nos haga abrir los ojos por fin e intentar romper ciertas desigualdades a través de su visión artística. Por esta razón, hablamos con Guillaume y Jonathan Alric sobre esta nueva propuesta creativa en la que se han dejado la piel. Un segundo disco de consolidación absoluta en el que han apostado por la experimentación por encima del fervor y la tentación del éxito. “Somos bastante libres, hacemos siempre lo que queremos tanto cuando componemos música como cuando desarrollamos nuevas piezas de vídeo. No hay ninguna discográfica detrás nuestro que nos diga que tenemos que

CASA DE DISCOS

hacer cosas más comerciales. Somos muy libres y no queremos crear solo para encajar. Nosotros tenemos nuestro pequeño sello, Animal63, y una mentalidad completamente independiente. No sentimos la enorme presión de la industria sobre nuestras espaldas”.

EL CRECIMIENTO DE THE BLAZE ha sido abismal. En los cuatro años que han estado girando, desde la salida de “Dancehall” (18), se ha demostrado que el primer largo del dúo francés tenía potencial para convertirse en todo un clásico y, sin lugar a duda, ha terminado siendo un disco atemporal y de gran impacto para una determinada generación. Una generación que vive la música electrónica desde las emociones y que ha hecho suyo ese enorme viaje que plantea The Blaze con cada lanzamiento. Por esa razón, las redes sociales se siguen llenando en la actualidad constantemente de capturas de la belleza de aquel potente vínculo real de la música con la naturaleza

que supuso el videoclip de “Heaven” o de nuevos fans que descubren este disco por primera vez para enamorarse de sus valores y no paran de compartirlo en sus perfiles emocionados. “Sí, nosotros también lo sentimos así y estamos muy orgullosos de ese disco. Estamos felices de que haya tenido un buen impacto y cuando lo tocamos en directo nos trae muy buenos recuerdos. Ya sabes, el hecho de ver a la gente cantando las letras de los temas durante el directo, que nos hablen de sus canciones y nos digan que les conmueven o que un vídeo les encanta. La verdad es que no teníamos ni idea de que iba a funcionar así de bien, fue inesperado y una sorpresa maravillosa. Así que sí, solo tenemos buenos recuerdos de ese disco”.

AHORA EL MAYOR RETO para ellos en esta segunda entrega ha sido mantener la originalidad e intentar evitar presiones innecesarias que bloquearan todo lo que querían expresar al dar vida a “Jungle”.

TEXTO Álex Jerez

FOTO Sarah Makharine

3Guillaume y Jonathan explican que les gusta dejarse llevar por la inspiración, que todo el proceso de creación sea natural, sentirse conectados con la música. “Como siempre decimos, a veces, los temas llevan a la creación de los vídeos y otras veces es al contrario. No hemos querido pensar mucho en si íbamos a ser más aceptados o no con este disco, lo que queríamos en realidad era experimentar. Creemos que la diferencia entre ‘Dancehall’ y ‘Jungle’ es que, aunque queríamos mantener la esencia que habíamos construido en el pasado, también buscábamos que los temas de este disco tuvieran una vida mucho más potente en el directo y que las pistas desprendieran un punch especial para bailar”. Un baile que plantean claramente como una forma de protesta social, como una celebración de la vida, como forma de expresión. Solo hace falta ver el enorme trabajo que hace Birane Ba, el actor francés protagonista del videoclip de “Dreamer”, cuyo emocionante casting enseñaron en YouTube en el documental que visibilizaba el largo y virtuoso proceso de creación del videoclip que lideró la presentación de una nueva era para el dúo. Una pieza audiovisual que de nuevo consiguió generar ese sentimiento de comunidad y lucha por la libertad que The Blaze ya han reflejado en el resto de sus proyectos. “El casting es siempre una etapa interesante de la creación porque tienes una figura muy concreta desarrollada en tu mente, ya sabes, dibujas un personaje en tu cabeza y luego tienes que elegir entre los asistentes al casting para ver quién encaja más con lo que habías pensado. Al final es una mezcla entre el que defienda el personaje de una manera más segura y a la vez sea capaz de aportar algo especial. Y la verdad es que cuando aparece lo vemos siempre muy claro y vamos a por él”.

THE BLAZE HAN LOGRADO llenar la electrónica de una humanidad muy especial. Todas sus canciones son auténticas piezas de arte únicas con posibilidades infinitas más allá de la música. Ellos han luchado para colar en nuestras cabezas que cualquier tema de su trayectoria puede acabar floreciendo de una manera espectacular más allá de lo que vemos y han logrado desbloquear esa idea de analizar cada una de sus canciones solo como una pista más en un álbum. Moldean cada beat para que tenga sentido dentro de un todo, piensan en cada fotograma como algo imprescindible, pero ahora además se han puesto el enorme reto de que esta

nueva etapa levante a la gente de sus sillas y les llene de vida. Y es que, pese a que pueda parecer que a nivel conceptual van a seguir la misma línea audiovisual que en sus predecesores, el dúo afirma que con “Jungle” todo es posible y que no hay nada firmado. “Creemos que no tenemos una visión muy definida para la parte visual de este disco. Con los anteriores lanzamientos conseguimos que se generara un poco una conexión especial entre ellos. Casi parecían diferentes partes de un todo, pero no lo hicimos a propósito. Con ‘Jungle’ queremos seguir experimentando y las imágenes que le den vida serán, creemos, cada una de ellas muy diferentes de las otras”.

SIEMPRE APUESTAN POR LA CRÍTICA social, por dar visibilidad a los que más lo necesitan y que estos se sientan identificados con la visión artística que construyen. Aunque en realidad no les guste hablar demasiado sobre ello y prefieran que se manifieste de forma directa a través de sus creaciones. Lo que empezó con aquella joya que supone “Territory”, ese abrazo que da el videoclip del tema con el mismo nombre a muchas comunidades, no ha hecho más que expandirse con el paso del tiempo. Una vez más uno de los principales intereses de The Blaze es generar pequeños lugares seguros en los que dejar volar la imaginación, en los que llenar el arte de un significado tan grande que nadie pueda tachar e invitar al público a soñar, demostrar que no perder la esperanza es posible. “A todos los seres humanos se nos hace muy difícil soñar con el futuro que nos espera y que queremos. Bueno, a veces es fácil soñar con ello, pero no es más que un sueño. ¿Me entiendes? Así que bueno, puede que la mejor forma de conectar con tu vida es teniendo grandes sueños, pero a la vez es muy importante vivir el presente y aprovecharlo. Porque tanto los sueños como

“

“El ser humano siempre encuentra el camino correcto en un a ruta llena de obstáculos”

la realidad son parte de nuestras vidas. A nosotros, la poesía, por ejemplo, nos hace soñar y disfrutar de la vida. No sé, somos muy positivos. El ser humano siempre encuentra el camino correcto en una ruta llena de obstáculos, como esa sensación de que en vez de sueños no paras de tener pesadillas y necesitas encontrar la salida”.

POR TODO ESTO, “Jungle” es un trabajo que quiere dejar huella, un proyecto en el que la madurez en la industria del dúo ha aparecido casi de forma involuntaria a través del propio crecimiento artístico. Eso sí, ambos no se cortan al explicar que les cuesta mucho ponerse a escuchar cualquiera de sus discos para tratar de comprender, e intentar descubrir, cómo el público va a sentir cada lanzamiento. “Es una pregunta muy buena, siendo sinceros no nos ha dado tiempo a sentarnos a escuchar el disco para intentar percibir lo que transmite. Bueno, lo hicimos de una manera profesional, pero no como un oyente normal. Siempre nos ha parecido muy difícil y extraño ponernos a escuchar nuestro propio disco, es un poco pretencioso. Pero bueno, lo que sí sentimos es que es un disco más adulto y más duro”. Con su segundo largo, se acabaron las fronteras para The Blaze ya que este año levantarán a las masas en abril en su espectáculo del Coachella para también pasar luego por el Bilbao BBK Live (7 de julio) o el Cala Mijas Festival (2 de septiembre) en España. Siendo un disco con un espíritu tan poderoso, y de pista de baile, no podemos tener más ganas de disfrutarlo, de quemarlo juntos en alguno de sus directos. “Haremos nuevas versiones de las canciones porque queremos que la gente viva una enorme experiencia a través de nuestra música. Tocaremos temas nuevos y también algunos antiguos. Será un mix entre pasado y presente”. A.J.

EN CONCIERTO

l Bilbao 07 julio. Bilbao BBK Live

l Málaga 02 septiembre. Cala Mijas

Neuman Transmitir emociones

Se les ha echado de menos, pero Paco Román y el resto de Neuman están al fin de vuelta con el que es su nuevo álbum, “Waterhole” (Subterfuge, 23). Los murcianos regresan a la actualidad con otro conjunto de canciones sentidas, emocionantes e impregnadas a conciencia con la que es su inconfundible marca de agua.

PACO ROMÁN, alma mater de Neuman, ha vivido una época complicada que, de algún modo, ha terminado por influenciar la propia gestación de “Waterhole”, el esperado nuevo larga duración del grupo. “Han sido momentos difíciles, ya que fue lanzar el primer single de adelanto, ‘The City Of Love’, y al día siguiente vino la noticia del confinamiento. Tuvimos que paralizar la grabación del disco. No esperaba que esa situación se alargara tanto y después vino la apatía y el cansancio. Se fue difuminando el ansia por escribir nuevas canciones y tocar mis instrumentos. Luego todo empezó a recobrar sentido: se retomó la grabación del disco, empezamos a ensayar y salieron nuevas canciones junto a mis queridos José Sánchez [batería] y Dani Molina [pianista]. Esto hizo cambiar un poco el rumbo inicial de lo que iba a ser el

TEXTO Raúl Julián FOTOS Eloy Molina

nuevo álbum y nos arriesgamos a la hora de incluir canciones más jóvenes, esas que en la primera etapa de la grabación ni si quiera existían”. El músico ha afirmado que este es el disco en el que mejor ha sabido transmitir sentimientos, todo un hito para alguien que, de manera natural, siempre se ha vaciado emocionalmente a través de sus composiciones. “Dedicar una vida a componer canciones y dedicar tu tiempo a ellas por la necesidad de expresar tus emociones o sentimientos ha hecho que sepa cómo transmitir, sin lugar a dudas, mis pensamientos. Neuman se basa en eso. Somos un grupo transmisor de emociones, más que uno narrador. Cuando compartes la música con tanto amor es algo fantástico y maravilloso”. Él mismo se ha ocupado de muchas de las facetas necesarias para que “Waterhole” sea una realidad, al ejercer como cantante, compositor, multinstrumentista y productor, en lo que parece una apuesta

evidente por controlar el proceso en (casi) su totalidad. “Es cierto que en este álbum toco el piano en alguna ocasión y me dedico a componer, cantar, tocar la guitarra o el bajo. Para mí es vital que se grabe en mi estudio en Granada, lo produzca yo y lo mezclé con la ayuda de Marcos Muñiz. Nos hemos acostumbrado y no contemplo otra manera. La grabación de un disco es algo muy personal y especial, y dejarlo todo en manos de terceros es algo que nunca ocurrirá con Neuman. Intentar tener el control de todo y, en gran parte, hacerlo todo tú, es

EL APUNTE

La esencia de Neuman

SUCEDE QUE “WATERHOLE” es un disco dotado con la más pura esencia de Neuman, esa que tanto se ha echado de menos y que implica una brutal capacidad emotiva ejerciendo, al mismo tiempo, como argumento y como esencia primigenia del proyecto. (Paco Román) “Una infancia con el centro familiar desestructurado; el ir y venir de un lado para otro de giras y sin tener localizado tu centro de vida; sentirte solitario; llevar en los genes ese sufrimiento que intentas apaciguar y que solo lo consigues expresando tus sentimientos... esas pueden ser las semillas de Neuman. La esencia reside en la sensibilidad, la honestidad y el no tener miedo escénico a desnudarte al mundo sea cual sea tu forma de ser. Lo primero es saber aceptarse a uno mismo. Quizá no lo haya hecho todavía y quizá no lo haga nunca. Quizás no sepa hacerlo nunca, pero la vida se ha portado bien conmigo y me ha dado una herramienta fundamental: poder exteriorizar lo que siento y pienso, por muy duro que sea”. R J

algo que desgasta mucho, pero así empecé en la música y así lo haré toda mi vida. Es raro, pero tras la grabación de ‘Waterhole’ tengo el ansia de hacer otro disco pronto”. También nos adentramos, junto con nuestro interlocutor, en el propio proceso compositivo de “Waterhole”, con la intención de conocer especificidades acerca de cómo se trabajó el elepé. “Ha sido un disco fácil desde el punto de vista artístico porque lo tenía todo muy claro, pero quizás haya sido el disco en el que más me costó levantarme en un inicio; dar ese primer paso me costó mucho sufrimiento. Ocurrió como con los conciertos, que paso todo el día preocupado antes de darlo, pero luego me subo al escenario y a los cinco segundos se me ha pasado. Nosotros trabajamos canción por canción, por romanticismo, porque creo que es la manera más honesta y artesanal de hacer un disco, y porque, aunque sea mucho más trabajoso, el resultado también resulta mucho más acorde a cada tema”.

ESTE RETORNO TAMBIÉN SIRVE como excusa para comentar la trayectoria de Román hasta convertirse en el músico que es hoy en día. “He ido evolucionando de manera natural y solo cojo una guitarra o el piano cuando me lo pide el corazón. Si la canción me transmite lo que quiero que transmita la dejo. Me considero un transmisor de emociones, nunca un obrero musical, y eso hace que esté tranquilo por la fuente de imaginación. Confío y pienso que nunca se agotará. Si la idea de dejar la música rondara por mi cabeza, sería mi fin vital y como persona. Dependo de expresarme con la música, sin pedirle nada a cambio, tan solo por lo que me aporta como persona y el desahogo que compartir mis sentimientos supone para mi alma”.

R.J.

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EN CONCIERTO

l Madrid 05 mayo. LuLa Club

l Valencia 06 mayo. Sala Moon

l Granada 12 mayo. Aliatar

l Malaga 19 mayo. La Trinchera

l Toledo 20 mayo. Círculo Del Arte

l Seville 09 junio. Sala X

“

“Si la idea de dejar la música rondara por mi cabeza, ese serí a mi fin como persona”

Bersuit vs La Pegatina

La banda argentina Bersuit Vergarabat vuelve a España para compartir con sus seguidores una gran celebración, la de los veinticinco años de su cuarto álbum, “Libertinaje”, que produjo Gustavo Santaolalla. Podremos verles en diversas ciudades españolas. Pero antes, hemos pedido a La Pegatina que mantuvieran un cara a cara con ellos.

PARA DARLE UN AROMA especial a esta conmemoración, Bersuit Vergarabat han publicado nuevas versiones de algunos de sus temas, contando con invitados españoles para redondearlas. Así, hemos podido escuchar “Yo tomo” –con La Pegatina–, “Se viene” –con Ilegales– y “Vuelos” –con Shinova–. Aprovechando la gira y su amistad con los catalanes La Pegatina, les propusimos a ambos que se entrevistasen mutuamente y aquí tenéis el resultado.

(Adrià Salas) Ante todo, decir que nos veremos en persona el 3 de mayo, que actuáis en Barcelona y tenemos el día libre para tocar y lo que necesitéis.

(Germán “Cóndor” Sbarbati) Encantados de compartir escenario, obvio.

(Juan Subirá) Están invitados, muchachos. Tenemos mucha alegría, va a ser un gran momento.

(Adrià) De hecho, hay mucha comunidad Argentina. Nosotros ahora venimos de tocar en Alemania. Llenas las salas y hay muchos españoles. No sé si os pasa que cuando estáis fuera de Argentina, a parte de que en España está plagado de argentinos últimamente por la crisis económica, encontráis a mucha gente de vuestro país entre el público. ¿Os gusta que haya argentinos en los conciertos o preferís que haya gente de los lugares en los que tocáis?

(Juan) La verdad es que es muy lindo que sean argentinos, porque es un público muy afectuoso, seguidor y bochinchero. De hecho, a nosotros nos facilitó mucho el comienzo y el desembarco en España en el 99 porque cuando llegamos allí no conocíamos a nadie. Tuvimos la suerte de poder tocar en festivales, pero también tocamos

en lugares muy chiquitos a los que venía muy poca gente porque no se nos conocía. Por suerte estaban los argentinos que nos hicieron el aguante y nos acompañaron en aquel momento.

(Adrià) Nosotros os escuchábamos con dieciocho o veinte años en la discoteca del pueblo al lado del nuestro, de Montcada i Reixac. Es un pueblecito de treinta mil habitantes al lado de Barcelona. Es un pueblo sin bares, una ciudad dormitorio circundante a la urbe. Íbamos a bailar a Mundo Caníbal, discoteca que ya no existe, y ponían mucha música latinoamericana del rollo que nos gustaba a nosotros. Nuestro sueño al montar el grupo era tocar en aquella sala y decíamos “Cuando toquemos allí ya no nos podremos separar”. Fue entonces cuando empezamos a introducirnos más a fondo en la música de latinoamérica. Además, Rubén estaba metido en un servidor…

(Rubén Sierra) Sí, a mí me interesaba el tema de la tecnología. He sido siempre buscador de música nueva. Desde que descubrí Molotov, Los Fabulosos Cadillacs, Maldita Vecindad, La Bersuit, Mano Negra... todo ese movimiento mestizo, me aficioné a andar por foros y lugares en los que encontrar música que aquí no llegaba a no ser que lo pidieras en la FNAC. Había un servidor, un disco duro en la nube, donde la gente subía los discos que tenía en formato mp3. Yo me podía bajar temas de King Changó, de Sargento García, de Fermín Muguruza. Manu Chao nos pasó mini discos para que los digitalizáramos y pudiéramos subirlos. De ahí yo me hacía mis recopilatorios. Muchas veces se los pasaba a Adrià para que descubriera también nueva música. Era una nueva forma de descubrir grupos.

(Cóndor) Nosotros venimos del vinilo y del casete. De esperar a que pasasen los temas por la radio para apretar “REC”.

(Adrià) Eso también lo habíamos hecho [risas].

(Rubén) ¿Habéis llegado a grabar algún disco o tema en España? No solo de colaboración, sino estar una semana, por ejemplo, y grabar.

(Cóndor) Compusimos varias canciones ahí de gira. Por ejemplo “La del toro”.

(Juan) La de “Convalescencia en Valencia”, también.

(Rubén) La canción que grabásteis con El Puchero, la de “Hay días”, ¿se hizo aquí toda en España o fue a distancia?

(Cóndor) La grabamos a distancia y enviamos todo para allá. No pudimos grabar todavía nada en un estudio por allá en Es-

paña, porque las giras por ahí no te dan el tiempo.

(Rubén) ¿Cuál es el país más recóndito en el que habéis encontrado seguidores?

(Juan) El más raro en ese sentido fue Alemania. Fuimos tres veces. La primera vez fue con esa incógnita de “¿Quién puede escucharnos aquí?”. La primera vez fuimos a un festival de colectividades en Berlín, eso nos ayudó mucho porque la gente que recorría esos lugares estaba predispuesta a escuchar y a encontrarse con culturas diferentes. Había escenarios africanos, bandas de muchos lugares del mundo diferentes y entre esas estábamos nosotros. Así fue nuestra experiencia alemana, pero realmente costaba imaginarse un público allí y luego fuimos tres veces más.

(Cóndor) Yo creo que Moscú, ¿no? Veníamos de una gira por España y estábamos en el marco del mundial, así que inventamos una fecha y nos fuimos por allá para Rusia. Más allá de la excusa del fútbol, lo pasamos muy bien y tocamos en un teatro hermoso con un montón de gente. De hecho, había personas con la camiseta de otros países mirando nuestro show.

(Juan) Es maravilloso que la música nos haya llevado por tantos lugares. La verdad es que es un regalo de la vida. Uno empieza a componer para que otros le escuchen y para poder comunicarse, pero de repente la música te empieza a llevar por lugares inesperados y ahora con las posibilidades tecnológicas todavía más, porque sale una canción y en pocos días la escucha la gente en cualquier lugar. Eso hace veinte o treinta años era imposible.

(Rubén) ¿Cómo surgió la idea de colaborar con La Pegatina? [risas]

(Cóndor) Primero por habernos ya cruzado en algunos escenarios y conocer su música. También por esa onda del estilo, pero más que nada por las ganas de contar con ustedes y la amistad.

(Juan) También por el hecho de que ustedes hicieron una versión muy linda y le dio una lavada de cara a la canción. Después de veinticinco años es un verdadero logro. Nosotros hace muchos años que la tocamos y estamos muy apegados a la versión y el sonido que encontramos cuando la compusimos, pero la verdad es que hicieron una versión hermosa ustedes.

(Cóndor) De hecho, en los shows alguna vez he imitado la voz de Adrià para cantarla en vivo [risas].

(Adrià) Estáis de celebración del “Libertinaje” (98) y claro, son veinticinco años. Nosotros éramos muy pequeños. ¿Por qué es tan importante este disco? No celebráis todos los discos que tenéis.

(Juan) La verdad es que este es el primer disco que nos dio acceso a la popularidad porque es el cuarto álbum de la banda y el primero que tuvo realmente una proyección en Argentina a nivel nacional. También porque nos dio la posibilidad de viajar al exterior. Ir a Latinoamérica, México, Estados Unidos y España por primera vez. Es importante porque es un disco bisagra en nuestra historia y con canciones que llegaron muy lejos.

(Rubén) En este disco de revisitar otra vez los temas, ¿hay alguna banda que se haya quedado por el camino porque no podía, no quería o no ha contestado?

(Cóndor) No, por ahora las propuestas son siempre bienvenidas, aunque hay que ver que no estemos de gira o con los tiempos

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“El público argentino es muy afectuoso, seguidor y bochinchero”

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justos para poder hacerlo. Es siempre lindo participar y hoy en día está de moda hacerlo así y me parace bueno para poder conocernos entre nosotros, sentarnos, hablar, preguntarnos cosas como ahora. Esto nos acerca más con artistas y hace que, cuando uno recibe invitaciones, las acepte con gusto

(Juan) Hay otros artistas que se me ocurren, por ejemplo, me gustaría hacer un feat con Manu Chao. En el año 99 en nuestra primera gira española lo encontramos en Barcelona, nos pusimos a conversar y lo invitamos al show. Vino al día siguiente a la Sala Mestizo con Gambit. Lo nombro porque sería muy lindo compartir con un artista como él.

(Adrià) A nosotros Gambit nos hizo de productor musical de tres giras seguidas. Nos gritaba para que hiciéramos las cosas como teníamos que hacerlas. Y Manu me acuerdo que tenía que venir a colaborar en la presentación de nuestro primer disco, en el que hizo unas guitarritas y unos coros para echarnos un cable. Le dijimos “Ven a colaborar a una sala de doscientas personas” y apareció con la bicicleta dos horas antes y nos dijo que no podía. Pero vino a avisarnos [risas].

(Cóndor) Qué bueno que los estudios de grabación y escenarios nos encuentren con gente que admiramos. Yo me di el gusto de tocar con mucha gente a la que admiro, con Charlie [García], Fito [Paez] o El Flaco [Luis Alberto Spinetta].

(Rubén) ¿Tardáis mucho entre un disco y otro o sois de ir sacando avances?

(Juan) Eso fue cambiando. Ahora estamos haciendo un disco de estudio después de muchos años porque el ultimo había sido en 2016. Entre medio habíamos hecho un disco doble, mitad en vivo y mitad en studio, pero lo habíamos grabado como si estuviésemos tocando en vivo. No eran canciones inéditas sino nuestras, pero en las versiones más actuales, como las tocábamos en ese momento. Necesitábamos un periodo de dos años para sacar un disco. Esto cambió, teníamos ganas de hacer un disco de estudio con canciones inéditas porque pasaron siete años del último y está muy bien tener nuevo material para mostrar.

(Adrià) Recuerdo haber visto un vídeo de un reportero argentino que le preguntaba a la gente si prefería que Argentina ganara el mundial o bajara la inflación. Podéis adivinar cuáles fueron las respuestas. Viéndolo desde el punto de vista cultural, ¿cuál es el estado actual de la cultura en Argentina? ¿Es viable, por ejemplo, montar un grupo? ¿Hay lugares para tocar o está todo tan caro que se considera algo secundario?

(Juan) Sobre lo del mundial, para nosotros es una alegría que no se puede explicar casi con palabras. Estamos acostumbrados a vivir en una crisis casi permanente. La in-

flación en Argentina es bestial, en el último año de un cien por cien, cosa inimaginable para ustedes. Por supuesto que es difícil llegar a fin de mes y emprender algo, pero no es imposible. De hecho, por ejemplo, nuestro proyecto nació en una época muy crítica en el 88 y 89 donde hubo hiperinflación, que es peor que lo de ahora. Fue el final del gobierno de Alfonsín y también vivimos el estallido social del año 2001, que también fue muy doloroso. Como te digo, nosotros vamos atravesando etapas críticas con regularidad y la vida sigue. Es cierto que la gente va a buscar oportunidades a otros lugares del mundo y creo que son experiencias, pero yo no me iría a ningún lado. Solo de gira. Me encanta vivir en medio de esta locura. Además, Argentina es un país culturalmente muy rico. Aquí la creatividad está a flor de piel, en música, en cine, en teatro… Quizás esa misma crisis y esas angustias de la vida cotidiana te llevan a buscar salidas. MS

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Entrevista completa >>

l Barcelona 03 mayo. Sala Apolo

l Palma de Mallorca 05 mayo. Es Gremi

l Valencia 06 mayo. Sala Madison

l Sevilla 07 mayo. Malandar Music Club

l Málaga 09 mayo. La Cochera Cabaret

l Madrid 10 mayo. Teatro Barceló

l Ibiza 11 mayo. Las Dalias

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“Me gustaría hacer un feat con Manu Chao”

Luz, cuéntanos sobre tu nuevo proyecto Vesart

Como algunos ya sabéis, cuento con una trayectoria de 25 años en el mundo del evento por cuenta ajena y tenía muchas ganas de iniciar un proyecto propio, centrándome, por fin, en mi gran pasión: la música. Desde pequeña, soy una melómana empedernida y fan de la música en directo, y siempre he estado involucrada en ella de una manera u otra. Ahora, con mi nuevo proyecto, he dado forma a esta pasión, desde el lado de la creatividad y producción.

¿Pero, siempre always with cariño?

Sí, siempre ha sido así con todos los trabajos que he hecho y con todos mis clientes y colaboradores, y uno de los motivos que dio vida a Vesart, fue centrarme en desarrollar dichos trabajos aún con más mimo y cariño, poniendo ilusión en cada proyecto. Me emociona cada trabajo desde el inicio hasta el fin, y eso se nota en el resultado final.

¿Por qué viste la necesidad de especializarte en festivales?

En el mundo del festival se requiere contratar muchos servicios y productos de diversas áreas.

Paseo de la Castellana, 95 Planta 28 Edificio Torre Europa 28046 Madrid T. 91 1114830 / hola@vesart.es / vesart.es

Luz Sanabria

Prefab Sprout Steve McQueen (1985)

Lo más cerca de un disco pop perfecto. Sobra y le arrancarías a mordiscos ese primer tema, “Faron Young”, pero el resto no es sino una demostración y otra y otra del talento y el buen gusto de Paddy McAloon como compositor e intérprete. La producción de Thomas Dolby siempre sacó lo mejor de McAloon. Emocionantes e inspirados, siempre a un metro justo de la cursilería o lo ya escuchado.

.LOS DISCOS.DE MI VIDA.

Lou Reed Berlin (1972)

Este disco me cambió la vida. Literalmente. Me lo compré de segunda mano en Las Ramblas después de escuchar a Marc Almond decir en “La Edad de Oro” que ése sí que era un disco triste y no lo que hacía él. Un adolescente asomado a esa ópera destructiva y depresiva. Le he copiado tantos versos que me da hasta apuro.

Carlos Zanón

Cada vez hacen falta menos palabras para presentar a Carlos Zanón. Por sus libros le conocemos. Ahora Salamandra reedita “Yo fui Johnny Thunders” y recopila crónicas suyas en “Cien formas de romper un glaciar”, momento que aprovechamos para preguntarle por algunos de sus discos favoritos.

Otra colección de temas absolutamente impecables, originales, honestos y de espaldas a lo que se suponía que debía encerrar una grabación en un multipistas por parte de un tipo que había perdido a la novia y a su banda de toda la vida, y se había refugiado en una cabaña en el bosque para pasar el mal trago.

Hasta hace unos pocos años, Chris Isaak era un valor seguro. Nunca había nada barato en sus lotes. Pero el primero fue enorme. Lo tenía absolutamente todo. Talento compositivo, voz, clase, una banda fija soberbia, elegancia, melancolía y, terciándose, ganas de fiesta. Entres por donde entres en “Silvertone” siempre aciertas.

Este disco de la época más oscura de los hermanos Gibb fue la banda sonora de parte de mi adolescencia. No hay apenas grandes canciones –“How Can You Mend A Broken Heart” y “Walking Back To Waterloo”– en una banda que las hacía casi sin querer, pero consiguen un mundo y un sonido devastado de tardes de invierno, amores rotos y esperas insoportables.

No es un recopilatorio, sino EL recopilatorio. De la maestría interpretativa del tipo, de cómo nunca abusa ni exagera, como si siempre se quedase un paso debajo de lo que podría conseguir para no abusar, para no perder esa elegancia en el fraseo y en el punto medio entre el gospel y el pop, lo blanco y lo negro, lo popular y la delicatessen, se ha escrito ya todo. MS

Bon Iver For Emma, Forever Ago (2008)

Sam Cooke A Man And His Music (1986)

Bee Gees Trafalgar (1972)

Chris Isaak Silvertone (1985)

SHOOK” ES EL CUARTO álbum de estudio de Algiers, y luce como una obra con ardorosa intensidad que el grupo consigue mantener constante a lo largo de diecisiete canciones. El bajista (y multinstrumentista) Ryan Mahan explica qué efecto trataban de conseguir en el oyente. “Queríamos llevarlo de paseo, en una experiencia o un viaje. ‘SHOOK’ es una expresión acerca de lo patas arriba que ha estado nuestro mundo durante varios años y acerca de cómo lo está a estas alturas. Y me refiero también a la época pre-pandémica. Queríamos compartir esa experiencia con esos amigos que son los colaboradores del disco y con el propio oyente”. “SHOOK” cabe entenderse, al mismo tiempo, como un disco hermético y algo caótico, en lo que, de hecho, es parte indisoluble de su magnético atractivo. “No es caos. Hay un orden dentro del desorden. Para nosotros hay una lógica interna y creamos esas tensiones entre ruido y texturas desde la misma esencia de la banda. Así es cómo permitimos que ambos elementos coexistan, particularmente en directo. Tenemos que encontrar formas más interesantes y relevantes de usar esas energías y eso es lo que hacemos”. En cualquier caso, y definitivamente, este es un álbum inquietante para un mundo inquietante, quizás particularmente contemporáneo. “Creo que es un disco contemporáneo porque tuvimos unos colaboradores a los que, en su mayor parte, permitimos que escribieran sus propias letras y hablaran de sus propias verdades sobre el mundo en los últimos años. Creo que cualquier cosa que hayas hecho es deliberadamente escapista y va a reflejar, hasta cierto punto, el mundo que te rodea. Pero no hubo intención de hacer declaraciones grandilocuentes sobre geopolítica ni nada por el estilo”. “SHOOK” es un trabajo plagado de colaboraciones, algo que termina siendo definitorio en el perfil mutante del lanzamiento y que, tal y como confirma el entrevistado, fue del todo pretendido. “Cuando grabamos nuestro disco anterior, ‘There Is No Year’ (Matador, 20), ya queríamos haber contado con muchas otras voces. No pudimos hacerlo, pero en esta ocasión insistimos mucho... y pudimos hacerlo. Había cierta ironía en

Algiers Agitando almas

Los cada vez más difícilmente encasillables

Algiers regresan a escena embravecidos y presumiendo del que bien podría ser el disco más ambicioso y arriesgado de su carrera. En “SHOOK” (Matador/Popstock!, 23), el combo parece afrontar el paso definitivo hacia un magnético precipicio sonoro que comentamos con el bajista Ryan Mahan.

EL APUNTE

Disco salvavidas

“SHOOK” PARECE HABER SALVADO al propio grupo de su separación, definiendo así el renacimiento de una banda que estuvo a punto de desaparecer. “Hicimos muchas giras, teníamos muy poco tiempo libre, y estábamos exhaustos. Entonces pasó lo de la cuarentena y el mundo se apagó. Tuvimos la oportunidad de tomarnos un descanso, recomponernos y restablecer nuestra amistad. Y, como además no había nada más que hacer, finalmente pudimos volver a escribir música. Por lo general no solemos tener mucho tiempo para escribir música. Irónicamente, cuando estás de gira no tienes tiempo para escribir. Ese descanso fue justo lo que necesitábamos para seguir. Estábamos en Atlanta cuando escribimos estas canciones. Somos de Atlanta, pero hacía mucho tiempo que no vivíamos en la ciudad. Estar de regreso allí durante ese período de tiempo más largo, durante la cuarentena, sencillamente nos hizo ser conscientes de que estábamos en casa de nuevo. Ahora está presente y de nuevo con nosotros”. R J

el hecho de poder establecer una comunidad reflexiva en un momento en que las personas parecían estar aisladas y atomizadas”.

EN CUALQUIER CASO y aunque el elepé acoja un sinfín de nombres invitados, parece poco discutible que el titulo de artista más “popular” recaería sin duda sobre Zack De La Rocha (Rage Against The Machine), que aparece en el tema “Irreversible Damage”. “Lo conocimos a través de nuestro amigo Sohail Daulatzai. Creo que tenerlo a bordo en una canción siempre fue la idea. Con la cuarentena, los horarios de todo el mundo se relajaron y la gente pasó a tener más disponibilidad. Le preguntamos si quería involucrarse y nos dijo que le mandáramos algunas pistas. Le enviamos un par de ellas e ‘Irreversible Damage’ fue la que le encajó. Además, escribió un verso y era perfecto, como si estuviera allí desde el principio. Ya sabes... por eso Zack De La Rocha es Zack De La Rocha”. En todo caso, “SHOOK” supone un importante paso adelante en la carrera del grupo, por el nivel de todas esas colaboraciones,

pero también por lo ambicioso y variado de su contenido. “Espero que tengas razón. Creemos que es una buena colección de composiciones sólidas que funcionan bien individualmente, pero muy particularmente como disco secuenciado. Esperamos que dé paso a nuevas oportunidades para colaborar con otras personas en el futuro. Nos ha proporcionado una base para un colectivo de personas en constante evolución. Esa es la idea y algo que está integrado en la arquitectura de las canciones”. Algiers han anunciado una gira europea que, al menos de momento, no incluye fechas en España. “No sé por qué. Nos solían invitar a muchos más sitios. Solíamos tocar en el Primavera Sound. Nos invitaban a España, nos invitaban a Francia... Habla con tu gente para que nos inviten a volver. No podemos, simplemente, aparecer por allí”. R.J.

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“

“Cuando todo se apagó por la cuarentena, tuvimos la oportunidad de tomarnos un descanso, recomponernos y restablecer nuestra amistad”

Cala Vento

La casa grande

TEXTO Yeray S. Iborra

FOTOS Anna Mendiola

SABEMOS, Y LO VIVIMOS con cinismo o resignación, que no todo el mundo tiene casa. Lo que es peor, los hay que tienen casa pero no hogar, un sitio donde sentirse cuidado. Donde caer muerto. Donde, simplemente, ser uno mismo. Esto está todavía más claro desde el encierro por el Covid. Así lo corroboraba también hace unos días el diario El País. “Una misma casa puede asfixiar a una persona y liberar a otra”. El artículo en concreto hablaba del ilustrador Pep Carrió y de la escritora María José Ferrada que compartiendo ideas y dibujos crearon, cada uno en su propia vivienda en pandemia, el libro “Casas” (Nórdica, 23). Fue un intercambio de dibujos y palabras que ilustraba espacios de personajes “tanto reales como imaginarios”. “La mente también es una casa”, apostillaba el texto. Y si lo es la mente, ¿cómo no van a serlo las canciones? El dúo Cala Vento, formado por Joan Delgado y Aleix Turon, lleva prácticamente una década sirviendo de refugio generacional. Las historias como cobijo. Una labor gratamente reconocida, sobre todo a partir de su último álbum, “Balanceo” (19), portada en su día de esta publicación. Su tarea cobra sentido definitivo con “Casa linda”, una propuesta de espacio idílico, pero con alegrías y penas, y muchas, muchas contradicciones. Con –y, por primera vez, sin– guitarras. Con mala leche.

Suena caduco hablar de la pandemia. Pero a vosotros os pilló en plena expansión del proyecto.

(Joan) Sí, afortunadamente, la gira gorda la hicimos antes del Covid. (Aleix) Perdimos el 2020, pero ya habíamos hecho la apuesta por el grupo. No nos íbamos a echar atrás ahora.

¿Qué dejasteis atrás por el grupo? Tú Aleix eras arquitecto, ¿no? ¿Y tú, Joan? (Joan) Yo estudié audiovisuales [risas]. Acabé la carrera, me fui al Empordà, donde tengo una casita de mi abuelo. No pago alquiler y eso me ayuda a vivir de la música.

Si no tienes la vivienda garantizada… O haces una triple voltereta, o vivir de la música parece cada vez más difícil. (Aleix) Es muy precario.

¿Hemos visto ya las consecuencias del Covid en el sector de la música?

(Aleix) Ha habido un éxodo importante de personas que se dedicaban a la industria. Hay clara falta de técnicos de sonido. Hay equipos, pero no hay quien los manipule.

Ha habido éxodo en tantos sectores… ¿Se han hecho profes, como yo, todos los técnicos?

(Joan) Eso es [risas].

Con todo esto que hablamos, tras “Balanceo”, ¿se agudizó la presión? “Balanceo” funcionó muy, pero que muy bien. (Joan) Hemos sentido presión, claro. Pero intentamos desviar la conversación rápido. (Aleix) En cierto sentido, creo que tenemos la cabeza preparada. ¿Por qué? Por nuestras familias? Nunca vieron la música como algo serio, por lo que siempre hemos tenido que hablar de planes A, B, C… (Joan) “Esto no durará para siempre…”. Lo hemos escuchado tantas veces… (Aleix) Nosotros trabajamos cada día para que dure. Pero a mi también me motiva ser profe. No sé. No pasa nada. Pero de momento, dura. Cuando perdimos nuestros conciertos, nos gastamos el dinero haciendo un estudio, para hacerlo nosotros. Somos cuidadosos. Y con la pandemia sacamos merchandising y nos apoyaron mucho. En cuanto pudimos hacer conciertos, los hicimos. Ahora, después de grabar “Casa Linda”… Mucha inversión… Ahora es el punto más crítico…

Pago yo, tranquis. [Risas] (Aleix) Es un llamamiento. Es broma. En breve, empezamos a tocar de nuevo. (Joan) ¡Además vivimos con lo mínimo! Pero en ningún momento hemos pensado en dejar el grupo y ponernos a trabajar en otra cosa. Al contrario. ¿No hay bolos? Pues nos construímos un estudio y nos ponemos con el disco nuevo.

(Aleix) Una de las claves del éxito de este grupo es que esto ha sido una prioridad para los dos. A la que salió el primer disco… Cuando tuvimos una pequeña comunidad, el resto lo adaptamos para que esto funcionase.

La vuestra es una historia un poco de hadas. Sacáis unos temas, creáis comuni-

dad, ganáis un concurso, esta revista de papel apuesta por las canciones y, ¡arriba! Lastimosamente, tengo la sensación de que trayectorias como la vuestra son cada vez más una excepción desde hace una década en Catalunya. En bandas de guitarras…

(Joan) Éramos los únicos de aquí, sí. Notamos ese silencio nosotros también.

(Aleix) Da para un libro.

(Joan) No éramos tan conscientes hasta que el otro día nos entrevistaron para un libro precisamente, sobre la escena de guitarras en España, y aquí éramos… Nosotros… ¡Y hablaban de El Petit de Cal Eril! Y sí, de Mujeres, pero son de una generación anterior. Como Diamante Negro, Pantocrator… En Catalunya la cosa ha ido hacia algo mucho más soft. Echo de menos que aquí haya bandas con más mala uva. Un poco más de ruido…

Menos grupos perfil TV3… ¿Hay grupos perfil TV3?

(Joan) Nada en contra. Pero un poco más de cuerpo…

(Aleix) La cúpula mediática, la corpo [Corporació Catalana de Mitjans], ha tirado de cosas más suaves, menos críticas, menos agresivas.

(Joan) Menos molestas.

(Aleix) Un grupo como Crim, que ha hecho un faenón, tiene poca cobertura. Que nosotros tampoco tengamos casi porque cantamos en castellano, me ha molestado a veces… Pero bueno. El año que viene hará diez años que tocamos. Y nadie nos había dicho nunca nada por el idioma. Pero este año están empezando a salir cosas del tipo: “Eh, es que podríais cantar un poco en catalán…”.

Los catalanes Cala Vento son hogar para mucha gente. Lo son sus canciones, desde hace casi una década ya. Lo reafirman de nuevo en “Casa linda” (Montgrí, 23), un disco de letras agridulces, guitarras potentísimas, mala baba en el sonido y algunas novedades (como los sintes preciosos en “Conmigo”). Rock –y choza– para todos.

“

“Queríamos sonar violentos, transmitir, pero para todos los públicos”

(Aleix) Hay que decir que con los singles nos han hecho caso en la corpo, eh… Que otras veces, ni eso.

(Joan) Pero Aleix, con el tiempo que llevamos, ¿cuántas cosas hemos hecho en TV3? No quiero parecer Alizzz, pero…

¡Igual con “Casa Linda”! A ver, tiene números, es un disco que suena muy directo, muy a vuestros orígenes.

(Joan) Sí que es más como los primeros discos que como “Balanceo”. Es más directo, estamos de acuerdo.

Hasta “Conmigo”, no teniendo guitarras, es tan vosotros… ¡Puro pop!

(Joan) “Conmigo” es una canción que nació con guitarra acústica. Pero con “Casa linda”, ya cumplíamos con la acústica. Así que sí. Sea como sea, es cierto que hemos vuelto a unos referentes de cuando… Nuestra postadolescencia. ¡Blink-182! [risas]. Por decir algo más actual, más del rollo, va, Turnstile.

Esas ganas de llevar el sonido muy delante.

(Joan) Siempre hemos buscado un sonido mucho más hi-fi de lo que hemos conseguido. Siempre decimos: “Cala Vento, grupo de rock para todos los públicos”.

Os habéis quitado el complejo Muse: sonar potente siendo pocos.

(Joan) Nos hemos quitado todos los complejos de encima.

(Aleix) Siempre habíamos querido hacer un disco así. Que la gente tuviese dudas de si lo habíamos grabado aquí o en Estados Unidos. Nuestros discos, nuestros referentes, están hechos allí. Y hemos conseguido hacerlo manteniendo nuestra esencia.

(Joan) Y no suena todo igual. Porque los Green Day de los últimos años suenan todo igual. Nosotros queríamos sonar mainstream, pero nuestra forma de tocar hace que la cosa suene a Cala Vento.

¿Vuestro estudio casero nuevo se quedó corto para esa apuesta?

(Joan) Haber hecho este disco con tres productores, pero teniendo nuestro estudio, nos ha dado tranquilidad. Si ibamos a Granada, sabíamos que podíamos volver a casa y luego hacer lo nuestro. Habitualmente estábamos diez días en un estudio y ese era el disco. Ahora nosotros vivimos a dieciocho y a diez minutos del estudio.

(Aleix) El estudio ha actuado como un salvavidas. Estábamos acostumbrados a currar con Santi García y Éric Fuentes, pero queríamos que interviniesen más personas, pero nos daba mucho miedo. Y ahora hemos podido dejar hacer a otros porque si

no nos gustaba podríamos volver a lo que quisiéramos en casa.

¿Por qué con unos u otros productores? (Joan) Las cañeras eran para Santi [García]. Con Youth, que habíamos currado con él en el tema con Amaral, dijimos “Con estas podrá hacer magia”. Y con Emili [Bosch], el productor con el que nunca habíamos trabajado, pero que iba a clase conmigo desde Bachillerato… Estaba acostumbrado a otras cosas y no sabía por dónde ayudarnos, pero enseguida se motivó y se metió: “Casa Linda” es suyo. Después nos pidió más caña y le dimos “No hay manera” y, ya más cerca de su terreno, la electrónica, “Conmigo”. (Aleix) Sacamos lo mejor de cada uno. Tienen un bagaje muy diferente cada uno.

Como decía, en el disco está todo muy delante, pero a la vez se entiende todo.

(Joan) Antes todavía era más exagerado todo. Él decidió tirarlo todo un poco para atrás. Era complicado. Es un disco de cuatro productores, seis estudios, instrumentos diferentes, baterías grabadas diferentes también… Pero lo que hacemos no es tan raro. ¡Los yankees lo hacen así! Y pensamos: si Red Hot Chili Peppers, Blink o Weezer lo hacen así, pues nosotros también. Eso nos emocionaba.

Habéis hecho la típica apuesta de multi, pero con sello Montgrí. Misma idea, menos presupuesto.

(Joan) Eso es [risas].

Las voces son mucho más homogéneas, eso sí.

(Joan) Las voces han salido todas de nuestro estudio. Ahí no ha habido excepción. Hemos avanzado mucho en las voces. En el disco homónimo las grabamos todas en cuatro días. En este hemos estado meses con ellas, al detalle. El mismo tiempo que dedicamos a la música, se lo hemos dedicado a las voces. Éric Fuentes nos lo enseñó: el instrumento que más transmite es la voz. Hay que cuidarlo.

¿Y cómo se hace eso de que quede contundente y a la vez, se entienda?

(Joan) Bueno, esa era nuestra obsesión. Queríamos sonar violentos, transmitir, pero para todos los públicos. Una castaña, pero agradable para todos.

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“Dejadnos en paz, que suficiente tenemos con encontrarle sentido a la vida”

EN PORTADA

¿Es ese nuestro momento vital como generación? Necesitamos decir con intensidad algunas cosas.

(Aleix) Cien por cien. Así como en “Balanceo” intentamos hacer “canción protesta”. Había eslóganes, sin caer en un panfleto, no somos Obrint Pas, aquí sí que hay algo de “no conseguimos nada con ‘Balanceo’, no hace falta seguir por ese camino, pero te queremos seguir diciendo esto, esto y esto que nos molesta. Y ya. Y también hay otras cosas que nos gustan y que necesitamos acogernos a ellas para seguir viviendo”.

Una canción que al final no entró, decía en el estribillo: “Hoy seremos parte de tantos problemas en todas partes, dame una tregua, una victoria por unos instantes”. Se nos lanza constantemente mucha responsabilidad como individuos, tanta que a mí me daba pánico ir al súper… ¿¡Qué elijo!? Tenía la sensación todo el rato de ser un buen o mal ciudadano. Ni merezco ni quiero esa responsabilidad. ¡Basta! Dejadnos estar en casa tranquilos, con nuestras cosas. Dejadnos en paz, que suficiente tenemos con encontrarle sentido a la vida. Nosotros somos muy afortunados, pero nuestra generación, las hemos pasado de todos los colores… Sobre eso gira el disco. Puede sonar egoísta. Lo asumo. Pero todos merecemos un poco de margen.

Parte de ese grito que decía es asumir la contradicción, ¿no? Si fuerais bienquedas, no podríais escucharos en unos años.

(Joan) En cinco años todavía nos sentiremos representados por esto, sí. Parte de nuestra vida está aquí planchada. [Hace la forma de un disco juntando los dedos índice y pulgar] Yo escucho canciones o las toco y me transportan a un momento.

(Aleix) “Casa linda” es un concepto sobre ese momento de paz. De protección, de oasis. De remanso.

(Joan) “Casa linda” es la canción que resume ese sitio: todo está bastante podrido, pero lo que yo quiero o tengo, sin caer en Mr. Wonderful, está bien. Amárrate por unos segundos, que no todo está tan jodido. Y S I

EN CONCIERTO

l Santa Coloma de Queralt 27 mayo. Festival Maig

l Madrid 23 junio. Festival Tomavistas

l Barcelona 07 julio. Festival Cruïlla

l Bilbao 08 julio Festival BBK Live

l Porreres (Mallorca) 28 julio Mobo Fest.

l Málaga 31 agosto. Festival Cala Mijas

Tengo Un Trato S.L

Madrid 915 400 055

Barcelona 933 011 200

info@tengountrato.com

EL DISCO. RECUPERADO.

MIENTRAS LA ESCENA del rap nacional se empezaba a consolidar en los noventa gracias a CPV, 7N7C, Violadores del Verso, SFDK o Sólo Los Solo, por citar algunos, la escena zaragozana nos descubría también a Fuck Tha Posse, un grupo de hip hop que, sin alcanzar el nivel de los antes citados, sí sirvió para darnos a conocer a dos MC’s con mucha carrera por delante, Rapsusklei y Sharif. Mientras que el primero inició enseguida su trayectoria en solitario, Sharif decidió apostar por Tr3s Monos, una formación en la que transitaría hasta 2009. A partir de ahí Sharif se embarcaría ya en su proyecto personal lanzando “A ras de sueño” (Boa, 10), un disco en el que ya se le intuía algo especial, pero que no acabó de afianzarse por la dispersa variedad de sonidos provocada por la multitud de productores con los que contó. Un problema que arregló de forma brillante en su segundo álbum, “Sobre los márgenes”, dándole a Lex Luthorz los mandos de la producción de casi todo el trabajo.

FUE UN ÁLBUM ARRIESGADO, ya que cuenta con quince cortes que se disparan hasta casi la hora de duración, pero que definió a la perfección la impronta de uno de los raperos más especiales de los últimos tiempos. Porque lejos de dedicarse a tirar beef, Sharif se dedica a crear poesía sobre su vida y los problemas más mundanos. “Sobre los

TAN. CERCA.

márgenes” es un disco totalmente distinto a lo que estábamos acostumbrados dentro de la escena nacional y que, como ya hiciera Kase O, estaba más orientado a sonidos cercanos al jazz y el soul. También hay una clara diferencia respecto a su debut y es la importancia que le otorga a su mejor instrumento: esa voz tan rota con la que emociona desde la primera barra.

AL REGRESAR A ESTE ÁLBUM nos encontramos con algunos de los temas más destacados y reclamados de su carrera como “100 frases”, “Sobre los márgenes” o “Triste canción de amor”. Pero, quitando aquellas más mainstream, dentro del disco se esconden auténticas joyas en las que brilla gracias al poco pudor que tiene en desnudarse totalmente frente el boli y el papel y a la valentía de alejarse de un sonido más puro para conseguir algo mucho más exquisito, véase “A mi aire”, “Debería” o “Credo”. Aunque si hay que destacar una pieza esa es “La escuela del viento” junto a Rapsusklei, en la que ambos flotan sobre la base mientras narran su propia historia en el que es uno de los grandes homenajes al género y a su ciudad, Zaragoza. Tras este, llegarían otros siete trabajos más con los que iría ganándose su hueco hasta afianzarse como lo que es ahora: uno de nuestros raperos más reconocidos en España y Latinoamérica.

RR Visor Fest completa su cartel con el fichaje de The Church, Echo & The Bunnymen e Inspiral Carpets. Recuerda que se celebrará los próximos 22 y 23 de septiembre en el recinto La Fica (Murcia).

RR Los andaluces La Trinidad han estrenado el single “6,30”, con la producción de Carlangas, quien también publica disco en solitario. El grupo está ahora mismo en la gira GPS que les llevará a Pontedeume (6 mayo, Guion Clube), Oviedo (13 mayo, La Salvaje), Zaragoza (19 mayo, La Lata de Bombillas), Bilbao (26 mayo, Santana 27) y Gijón (27 mayo, Tizón).

RR El estadounidense Nick Waterhouse nos visitará nuevamente para presentar su nuevo “The Fooler” el mes de noviembre en cinco de nuestras ciudades: Bilbao (22 noviembre, Kafe Antzokia), Santiago de Compostela (23, TBA), Madrid (24, Sala Cool), Valencia (25, 16 Toneladas) y Barcelona (26, La Nau).

RR La banda nazarí Eskorzo celebra diez años de su “Experiencia Afrobeat y sus hipnóticas versiones”. Para ello lanzan una edición especial de su “Afrobeat Experience” y harán una serie de conciertos exclusivos dentro de su “Vitamina Tour”. Las primeras fechas confirmadas son: 8 junio (Ibiza, Suenos de Libertad), 14 junio (Barcelona, Sala Apolo), 15 junio (Madrid, Sala Changó), 16 junio (Granada, Sala El Tren) y 15 julio (Zaragoza, Slap!).

RR Los madrileños La La Love You publican su esperado nuevo trabajo “Blockbuster” el próximo 5 de mayo. Para informarte de la larguísima lista de conciertos españoles –y algunos en México– te recomendamos que sigas las redes sociales del grupo.

RR El CRANC Illa de Menorca Festival, que se celebrará del 21 al 24 de septiembre de 2023 en Mahón, ha anunciado novedades en su cartel: _juno (proyecto conjunto de Zahara y Martí Perarnau de Mucho), los estadounidenses Crocodiles y los mallorquines The Cicely Satellites (anteriormente conocidos como Satellites), Barrera y Black Sea Deluge. MS

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

Sharif Sobre los márgenes (BOA, 13)

FOTO: ARCHIVO

Ron Gallo El poeta del rock’n’roll

El de Philadelphia, habitualmente asociado al art rock, al garaje y al punk es un artista completísimo e inquieto como pocos. Su último disco, “Foreground Music” (Kill Rock Stars, 23) es una prueba irrefutable de ello.

HE LEÍDO QUE LA GENTE te define como un intruso, poeta y disruptor del rock and roll. ¿Qué crees que significa? ¿Te gusta esa definición sobre ti? Lo acepto. Definitivamente me gusta ser desafiante. Me hace sentir mucha emoción y satisfacción, ya sabes, ser como una especie de provocador. Supongo que se trata de confundir e interrumpir ese tipo de cosas que merecen ser interrumpidas.

Ser un poco molesto no está mal. Así que lo acepto, es lo que siempre he hecho con la música y con la interpretación. Desde que era un niño, es parte de mi forma de ser ir en contra de las expectativas.

Se te ha comparado incluso con Iggy Pop & The Stooges. Eso es un honor, claro. Iggy es la quinta esencia de todo esto. Ahora no puedes verlo, pero en el escritorio en el que estoy sentado hablando contigo tengo un póster enorme suyo. Es uno de mis grandes ídolos, sin duda. Encarna todo lo que para mí es la música y, entre comillas, el rock o el punk. Sigue teniendo esa energía innata. Tiene setenta años y todavía sigue ahí sin camisa, y más duro que cualquier artista de veinte años. Es como un milagro.

Pero en tu música no hay solo presencia del punk. De hecho, se caracteriza por

RR Foo Fighters anuncian “But Here We Are”, su primer disco tras la muerte del batería Taylor Hawkins. De momento ya puedes escuchar una de las canciones en plataformas, “Rescued”.

TAN.LEJOS

RR The Spanish Wave vuelve a llevar talento español al festival británico The Great Escape. Así, el próximo 12 de mayo presentará en Brighton las actuaciones de Núria Graham, Marina Herlop, Shangai Baby y Orovega en una nueva edición de “The Spanish Wave Showcase & Fiesta”.

RR Rancid han estrenado el single “Tomorrow Never Comes”, canción que da título al que será el nuevo trabajo de la que continúa siendo la más sólida formación estadounidense de punk rock sin aditivos. El disco aparecerá el 2 de junio a través de Epitaph Records. Podrás verles en concierto el 15 de junio en el Azkena Rock Festival.

RR El próximo 2 de junio verá la luz “Folkocracy”, nuevo trabajo de Rufus Wainwright en el que versiona canciones populares

Charlie Cunningham Inspirado en flamenco

“Frame” (BMG, 23) es el tercer álbum de estudio de Charlie Cunningham. El artista británico regresa tras tres años con una referencia de lo más melancólica. Hablamos con él sobre su especial relación con España.

EN SU NUEVA REFERENCIA Charlie Cunningham vuelve a dejar fluir su sensibilidad para crear música, algo a lo que le suma sus letras más autobiográficas. “En 2020 fue cuando se

escribió la mayor parte del álbum. Fue un momento particularmente introvertido, tanto a nivel personal como colectivo”. De ahí que podamos encontrar muchas temáticas distintas dentro de “Frame”, desde espiritualidad hasta ansiedad climática, aunque en todas se respira tristeza. “Me quedé con mucha melancolía porque fue un momento triste, muy extraño y bastante aterrador. Y creo que este álbum es una conversación entre mis personalidades”. Pero, a pesar de ser un trabajo introspectivo, ha contado con Sam Hudson Scott a la producción, un tipo con el que ya había trabajado y con el que guarda una relación

especial. “Es realmente importante que sientas que estás trabajando con personas que te entienden y él lo hace”.

UNA DE LAS COSAS MÁS SINGULARES de la personalidad musical de Cunningham es su forma de tocar la guitarra. Un modo que, en cierta manera, se inspira en el flamenco. Y es que el músico tiene un vínculo muy especial con nuestro país. “Yo siempre he estado interesado en España y en el flamenco. De hecho, me mudé a Sevilla con veintiséis años y estuve casi tres tratando de entender la música flamenca”. Un proceso que asegura que es muy largo y esforzado,

junto a invitados como Brandi Carlile, Sheryl Crow, Chaka Khan, Andrew Bird, Nicole Scherzinger, Susanna Hoffs, Van Dyke Parks, David Byrne, ANOHNI, John Legend y Madison Cunningham.

RR El 2 de junio se publicará en formato álbum “Shadow Kingdom” de Bob Dylan. Una interpretación con una actuación en directo en un estudio, en formato íntimo, de catorce temas de su repertorio. También podrá verse en formato audiovisual a partir del 6 de junio.

MONDO FREAKO

lo heterogéneo de tu propuesta. Creo que he explorado la mayoría de los rincones de la música en mis cuatro discos. Pop, jazz, hip hop, spoken word… Hay espacio para todo en mi música y quiero evaluar eventualmente si soy bueno en todo. Probablemente no, pero al menos lo intento. Me gusta probar cosas nuevas. Es mi sensación de jugar limpio con el oyente.

Me da la impresión de que para ti la música rock ha de ser divertida, por encima de todo. Estás en lo cierto. Especialmente para mí. Trato de usar las canciones para hablar sobre temas sociopolíticos, algo pesados o duros, o simplemente mi forma de observar la vida real. Creo que, partiendo de esas letras, la música ha de ser divertida o todo es demasiado denso. Si combinas eso con un sonido más divertido, todo es más digerible. Creo que la diversión es un elemento esencial.

¿Crees que nos tomamos el rock demasiado en serio?

Puede. Y cuando el rock and roll se toma demasiado en serio, termina siendo una de las peores cosas de la música. Para mí no hay

RR También anuncia disco de colaboraciones The Legendary Tigerman “Zeitgeist” se publicará en septiembre y contará con invitadas de lujo como Asia Argento, Anna Prior (Metronomy), Jehnny Beth (Savages) o Delila Paz (Last Internationale).

RR Jonny Greenwood (Radiohead, The Smile) ha sido noticia en los últimos días porque ha lanzado su propia marca de aceite de oliva y porque volverá a trabajar en un disco con el artista israelí Dudu Tassa.

tanto que todavía no ha llegado a entenderlo por completo, aunque esté cerca de conseguirlo. Le preguntamos sobre sus mayores referentes en nuestro país, algo que apenas tiene que pensar. “Mi guitarrista favorito era Moraíto Chico y su hijo, Diego del Morao, es increíble. Y obviamente Paco de Lucía. ¡Podría decir tantos músicos increíbles españoles de flamenco!”. Aunque su música diste mucho del flamenco, es posible que todas sus influencias se combinen de un modo que difumine fronteras estilísticas hasta no mostrar un estilo claro. “Es realmente difícil describirlo [risas]. Creo que es una combinación de muchas cosas. Mi estilo es el resultado de una vida de escuchar, pero también de aprender [...] Cuando estaba componiendo ‘Frame’ escuchaba mucho jazz de finales de los cincuenta, algo que nunca había hecho”.

nada peor que una persona egoísta, que cree poder ser una especie de gurú, modernizando el rock y tomándoselo como un dogma. Creo que por eso el rock ha perdido su rumbo y no ha sido parte de los estilos más seguidos por la gente. La forma de hacer avanzar la música rock es conseguir que vuelva a significar algo. Ten sentido del humor y ten conciencia de ti mismo. Piensa en lo que pasa en 2023 y no solo hace cincuenta años.

EDUARDO IZQUIERDO

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EN CONCIERTO

l Murcia 29 abril. Warm Up Festival

l San Sebastián 12 mayo. Dabadaba

l Lugo 13 mayo. Fa Ce La Festival

l Madrid 14 mayo. Wurlitzer Ballroom

l Barcelona 15 mayo. Sala Upload

RR Dexys –anteriormente conocidos como Dexys Midnight Runners– anuncian nuevo disco, “The Feminine Divine”, para el próximo 28 de julio. Ha sido producido por Pete Schwier y Toby Chapman. Además lo estarán presentando el 18 de octubre en el Teatro Barceló de Madrid.

RR La británica Jorja Smith vuelve con un nuevo single titulado “Try Me”, disponible en plataformas y que ve la luz de la mano de su sello independiente FAMM, con producción de DAMEDAME. MS

Cunningham se va a sumergir en una gira europea con un nuevo show y una formación de la que está orgulloso. “La banda con la que estoy es increíble. Son los mismos tipos que tocaron en el disco y son muy especiales”.

ALEJANDRO CABALLERO

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EN CONCIERTO

l Barcelona 12 mayo, Razzmatazz 2

l Valencia 13 mayo, Sala Jerusalem

l Madrid 14 mayo, Teatro Eslava

“Ser un poco molesto no está mal”

“Este álbum es una conversación entre mispersonalidades”

FOTO: DYLAN REYES

MONDO FREAKO

Samantha Hudson Ravera nostálgica

Ironía, sarcasmo, controlar de forma muy inteligente determinados códigos para jugar al borde de la incredulidad y el ingenio. Samantha Hudson regresa con “AOVE” (Subterfuge, 23) con la misión de dejar muy claro que al margen de cualquier etiqueta ella se dedica a hacer música. En mayo, además de conciertos, presentará la gala de los Premios MIN en el marco del Mallorca Live Festival.

y luego te tienes que desetiquetar porque la gente empieza a verte como una parodia de la parodia y es todo tan meta que aburre”. “AOVE” es un EP que sirve como un elogio, un homenaje a la contracultura club y a sus salidas por la noche madrileña más maquinera. “Es un poco un hibridaje de mis mejores amigas, de mis incursiones cada vez más esporádicas en la

noche madrileña y además una presentación que mandamos para el Benidorm Fest. De ahí brotó una preciosa flor, esa primera maqueta que me encantó aunque fuera mega guarrindonga”. En todo este viaje, Samantha siempre ha ido de la mano de creativos, productores y amigos con los que sigue creciendo y apostando. Siempre se rodea de los suyos para sentirse libre y, a la vez, aparecen nuevas figuras que hacen más grande todo su universo artístico. “Por primera vez en toda mi carrera he disfrutado el momento de sacar un EP y crearlo. Cuando me reuní con la Diega, productor también de ‘Perra’, me di cuenta de que este nuevo sonido me queda súper. Luego llegó la Yenesi, que tiene mucho morro y es muy fresca. Siempre viene bien rodearte de algo burbujeante y que te enseña cosas en tendencia. Todas mis amigas no paran de mandarme trends de TikTok todo el rato, canciones en speed-up… Yo estoy cero en TikTok, yo soy ya una mujer divorciada de cuarenta y cinco años y a veces me siento como una madre posteando en Facebook”.

Cool, sexy, raver, máquina, guateque, house del 2010, David Guetta con pronombres, un poco de hardbass, un poco de bumping… Samantha Hudson piensa defender “AOVE” como se merece y por eso se acerca a nuestro estudio para sincerarse y hablar a fondo sobre música.

SAMANTHA DEFINE este “AOVE” como un discurso con un pasado fiestero que no llegó verdaderamente a vivir. “Es un poco una nostalgia de esa década dosmilera, finales de los noventa, polígono parquineo… Que jamás alcancé a vivir porque estaba en mi casa viendo ‘Los Lunnis’. Pero, también tiene tintes de generación Z porque como dijo Bad Bunny ‘Baby, la vida es un ciclo’. Así que ahora estamos electrónicas todas, electrizantes diría yo”. Samantha está cansada de tantos prejuicios que la industria ha colocado en ella por su físico o su forma de expresión. Que solo con pestañear la releguen a un nicho concre-

“ FÍJATE, PRIMERO TE ETIQUETAS

Podcast Samantha Hudson

“A veces me siento como una madre posteando en Facebook”

WALA. WALA.

to. “Soy cantante, compongo las letras, hago melodías… Eso sí, producir no sé porque es que ya no se puede ser tan perfecta [risas]. Pero lo que me da rabia es que si una niña se pinta, es mona y femenina, es una chica. Lo hago yo y ya soy un engendro que está parodiando algo. Pues con la música es igual, yo soy artista LGTBIQ+ y jamás voy a renunciar de mis raíces, estoy muy agradecida al underground, a los clubs, a los shows de transformismos… Pero también vivimos en un encasillamiento absurdo y parece que nuestra identidad define la totalidad de nuestro ser como esos reportajes que se pusieron de moda hace unos años cuando el feminismo lo empezó a reventar de nuevo del estilo ‘chicas que tocan la guitarra’ o ‘artistas racializadas’”.

SIEMPRE HA SIDO muy honesta con sus proyectos, una artista muy inteligente a la hora de usar las pequeñas puertas que le ha abierto la cultura mainstream en nuestro país para visibilizar y expandir su propio discurso. “Todo lo hago desde el alma y con el coño. Son cosas que definen mi vida, mis relaciones particulares, mi entorno cercano, mi contexto de ese momento… Supongo que a todo el mundo le pasa, Alejandro Sanz habla de lo que sabe, que es estar enamorado y desenamorarse; cada uno pues se apaña con lo que tiene. Es cierto que antes mi música estaba muy enfocada al show, con mucho peso teatral. Ahora siento que esta es mi etapa más de artista musical, está más claro y es más evidente que a lo que yo me dedico es a la música. Que es lo que llevo haciendo toda la vida, pero la gente está obsesionada con la literalidad”.

COOL, SEXY, RAVERA, MÁQUINA, guateque, house del 2010, David Guetta con pronombres, un poco de hardbass, un poco de bumping… Samantha tiene muy claros los pasos que quiere dar con “AOVE” y lo que este tiene que marcar en su carrera y lo piensa defender como se merece. La fiesta acaba de comenzar. “Muchas letras que están dentro del electroclash juegan mucho con la ironía, con el sarcasmo, con esa cosa ridícula, pero, a propósito, con esa idea como de decir todo muy literal… Si eso lo hace un grupo de hombres que se dedica al indie pues es un pop relajado, es bedroom pop, es música independiente, de repente te da Mecano ‘nos damos un beso a la luz de un flexo’. Esa categoría de que es un buen letrista porque mira como juega con el sarcasmo. Sin embargo, lo hace una travesti y es una blasfemia musical, es una basura y no te lo tomas en serio. Yo creo que hace falta ser muy lista para hacerse tanto la tonta, ser tan absurda y manejar tanto esos códigos de humor. Esas notas de ridículo para poder jugarlas, eso denota mucha inteligencia y talento musical. Y no hablo de mí, por echarme flores, que bueno, también, porque a mí me gusta mucho lo que hago”. ÁLEX JEREZ

Más en www.mondosonoro.com

EN CONCIERTO

l Mallorca 17 mayo, Premios MIN

l Madrid 19 mayo, Ochoymedio Club

l Mallorca 20 mayo, Mallorca Live Festival

l Tarragona 02 junio, TBA

l Barcelona 17 junio, Sónar Festival

l Pontevedra 01 julio, Vive Nigrán

l Castrourdiales 15 julio, Festival Sónica

“De un tiempo a esta parte estamos notando por primera vez que hay bandas que nos mencionan en sus entrevistas O, que hacen versiones de nuestras canciones”

Adolfo Díaz de Airbag en Rockzone

“La censura en los MTV VMA’s demuestra que sigue habiendo muchísimos prejuicios contra las bandas de rock y contra las mujeres”

Damiano David de Måneskin

Lizzo en Vanity Fair

“SIEMPRE ME HE SENTIDO LA RARA DE LA COMUNIDAD MUSICAL SUECA. CREO QUE SENCILLAMENTE ME VEN COMO ALGUIEN EXTRAÑO”

Cobrah en The Line Of Best Fit

Bearoid en Twitter

“Cuando me ocurre algo bueno, siempre estoy vigilando sobre mis hombros por las cosas malas que acechan”

“La mayoría de canciones que se sacan en España suenan a canciones que ya he escuchado”

en NME

Sala 1:

Sábado 22 de Julio

De 18.00 a 00.00 h

NOV 22 SALA LA PAQUI

MADRID ES

NOV 23 RAZZMATAZZ 2

BARCELONA ES

Entradas en SALARAZZMATAZZ.COM

Amable + Luis le Nuit

PULP, THE STROKES, DAFT PUNK, NEW ORDER, ARCTIC MONKEYS, BLUR, R.E.M., PHOENIX, PRODIGY, DEPECHE MODE, FRANZ FERDINAND, PIXIES, PLACEBO, ARCADE FIRE, BEASTIE BOYS, THE CHEMICAL BROTHERS, THE KILLERS, THE CLASH, NIRVANA, LCD SOUNDSYSTEM, WEEZER, LOS PLANETAS, THE RAPTURE, THE STONE ROSES, UNDERWORLD, INTERPOL, THE SMITHS, FATBOY SLIM, MGMT, TALKING HEADS, OASIS, BLOC PARTY, FOALS, PRIMAL SCREAM, JOY DIVISION, THE JESUS & MARY CHAIN, JAMIROQUAI, KINGS OF LEON, JAMES, RAMONES, RAGE AGAINST THE MACHINE, MUSE, HAPPY MONDAYS, SUEDE, RADIOHEAD, THE WHITE STRIPES, BLONDIE, GARBAGE, YEAH YEAH YEAHS, THE LIBERTINES…

Sala

New Wave:

Albert Code + Viktor Ollé

ECHO & THE BUNNYMEN, THE CURE, SISTERS OF MERCY, PSYCHEDELIC FURS, O.M.D., HEAVEN 17, DURAN DURAN, YELLO, NITZER EBB, FRONT 242...

MONDO FREAKO

Comic Sans Desahogo emocional

El cuarteto donostiarra Comic Sans continúa en su ascenso hacia el olimpo de las divinidades emo nacionales con su segundo larga duración, “Éramos felices y no lo sabíamos” (B-Core, 23). Con un trabajo más limpio y cantado íntegramente en castellano, consiguen de una manera certera transmitir lo que es el día a día de cualquier chaval de su generación.

DESDE SU DESCUBRIMIENTO en un post-pandémico 2021 con aquel

“Jon Lee” (Azkar Zintak), Comic Sans no han cesado en su crecimiento imparable. Quizá el convulso contexto social fue el causante de este repentino brote de bandas emo a nivel estatal. Y es que, sin ninguna duda, estos chicos pueden portar orgullosos la bandera de un género que desde la explosión de bandas como Cala Vento, vemos que abarca más y más titulares y carteles dentro de nuestras fronteras. “Realmente siempre ha estado ahí, pero como las modas, va y viene, y al final lo que tiene que hacer la gente es apoyar a

los grupos emergentes y salir de la monotonía”, reclaman los donostiarras, quienes en su hoja de ruta se marcan como objetivo la misión de implantar su estilo midwest emo a nivel nacional. “Poco a poco, el sonido emo como tal, digamos que está sonando más fuerte, o eso es lo que creemos. La gente lo escucha más y es una suerte poder encontrar bandas como Rococó, Nogato, Meeky, Biela, Boys Kissing Boys…”.

“ÉRAMOS FELICES Y NO LO SABÍAMOS” consta de ocho cortes cuyos títulos y letras emanan tanto melancolía y nostalgia como alegría y celebración. “Cuando tienes un problema, movida o tal, lo suyo es desahogarse, y nosotros lo hacemos componiendo canciones. Al final lo difícil es abrirse y expresar lo que uno siente y nosotros encontramos en la música esa facilidad”. Algo más que un disco para sentarse a escuchar y disfrutar, este trabajo expresa, como un libro abierto, lo que fácilmente podría ser la vida de cualquier chaval o chavala de veintipocos. Amor, desamor, fiesta, viajes y un buen puñado de referencias a la cultura popular contemporánea. “Somos muy frikis, unos viciados a las consolas, anime, etcétera. Inputs importantes del día a día que nos ayudan a la hora de componer”.

COMO TODO BUEN DISCO DEBUT, “Jon Lee” (21) fue un experimento para encon-

trar su rumbo. Sonidos más oscuros, uso indistinto del inglés, euskera y castellano en sus letras y, en general, un disco más difícil de digerir. En cambio, este segundo trabajo, se muestra más técnico y limpio. “Al final lo que buscábamos es que llegara más fácil a todo el mundo y eso también se ve con las letras cien por cien en castellano. Aunque en lo musical, lo único que ha cambiado son las afinaciones y tal vez por eso dé la sensación de menor oscuridad”. Comic Sans buscan su espacio entre el pop-punk y el indie-rock, aunque son sus guitarras arpegiadas y de estructuras poco convencionales las que les fijan en un espacio más cercano al midwest emo, caracterizado, quizá, por cierto virtuosismo sonoro. “Se lleva mucho el tocar en afinación abierta dentro del estilo, y eso ayuda a que lo que parece difícil de tocar en realidad sea muy fácil. Lo difícil es componerlo” aclara el cuarteto. Y ahora viene lo divertido, montarse en una furgoneta, recorrerse la Península de punta a punta y difundir su mensaje haciendo lo que más les gusta hacer, subirse a un escenario y tocar.

BIKENDI CADELO

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“Lo difícil es abrirse y expresar lo que uno siente”

MONDO FREAKO

Acid Arab Libertad, igualdad y

Con el tiempo, Guido Minisky y Hervé Calvalho, es decir Acid Arab, se han convertido en unos visionarios, artistas que se anticiparon a la mezcla de culturas en la música electrónica como nadie. Ahora tenemos aquí “٣ (Trois)” (Crammed, 23).

MULTIPLICAR las sensaciones a la vez que se tienden puentes entre culturas y mundos a priori distintos es algo por lo que debemos elogiar siempre a Acid Arab. “Nos gusta sentir que todo se complementa y va de la misma mano. Lo primero para nosotros va a ser siempre sentirnos en plena libertad de expresar y trabajar con aquello que queramos. La mera sensación de componer música nos otorga una especie de poder. También de disfrute y emoción”. El impacto emocional y cultural también va por zonas. Mientras las familias del norte de África transmiten estrechamente y a pie de calle su música entre generaciones, en la mayoría de ministerios en Europa la preservan bajo control en museos o bibliotecas. “Es crucial que cualquier cultura se manifieste a través de la tradición. Mejor que sea así y no se base únicamente en lo que queda retenido en libros y luego solo te lo enseñan en la escuela. Esto se nota también a la hora de crear música, debe transferirse de una manera mucho más espontánea y cercana”.

SUDOR Y ROMANTICISMO desde el mismo corazón de París, un ejemplo de crisol de culturas, y en su caso de tomar prestada la herencia arábiga con un acertado acercamiento hacia la pista de baile a través de electrónica alimentada a su vez de dark disco, electro e incluso techno. “La música que realizamos es parte de lo que es el pueblo francés actual. Es patrimonio de todos los que conforman nuestra sociedad moderna. Luego, si obviamente nuestra propuesta es recibida con los brazos abiertos en lugares como Marruecos o Túnez, fantástico. Nuestra manera de producir es muy intuitiva. Las

colaboraciones con las que solemos contar, ellos sí árabes, reflejan también todo esto. Y resultan muy positivas siempre”. Justo, el último álbum “٣ (Trois)” es un nuevo soplo de aire fresco en el que se nos enseña a bailar con los pasos y altibajos del beat, y a pensar con participaciones vocales muy celebradas. Las de artistas como Cheb Halim, Ghizlane Melih o por supuesto Sofiane Saidi, con quien nos avanzaron este flamante disco a través de “Leila”. Un sencillo con acento bucólico que narra una

historia de amor imposible y constituye todo un himno a la libertad y a la diversidad. “Una de las cosas más fascinantes de esta canción es su letra. Sofiane escribió sobre su propia infancia. Lo hizo al estilo raï, un género musical argelino. Habla de cuando dejó atrás a sus amigos y se marchó de Argelia”.

diversidad

“٣ (TROIS)” ES EL ÁLBUM más cañero de Acid Arab y en el que incorporan un espectro más amplio de estilos. Hacer muy pequeñitas las fronteras entre géneros es un hecho que se percibe durante las diez pistas que componen el disco. “Al juntarnos todos coincidimos en dar un paso más allá con respecto a los álbumes anteriores. La intención fue desde el principio crear canciones más mecánicas, utilizar más vocoders, tirar de más rítmica, incluso enfocar esos beats más si cabe a la pista de baile. En resumen, que todo resultase ’un poquito más bailable’ de lo habitual.” Momentazo para el desquite. Y es que durante los encierros en la pandemia llevaron a cabo otro proyecto mucho más atmosférico y ambiental junto a Raphaëlle Macaron, Climats.

ME VAIS A PERMITIR que, a pesar de la edad y lo respetuosos que se muestran tanto Guido como Hervé, les llame gamberretes. Algo que no suele estar reñido con el talento. Palabras mayores cuando, para colmo, estos señores hicieron migas con alguien como Rachid Taha, quien –a título póstumo– aparece cantando en la canción-homenaje “Rachid Trip”. “La esencia del tema fue grabada con el móvil una noche de parranda en Belleville. Primero charla, restaurante, fiesta… Acabamos en casa de una amiga escuchando ‘sonido Detroit’. Rachid se metió de lleno en la música y comenzó a cantar por encima, así que cogí el móvil y empecé a grabarlo. Estaba un poco borracho e improvisaba todo el rato. Fue un momento único. En la letra podréis oírle decir cosas como ‘Dame alcohol, cúrame, no me juzgues, tan solo siénteme’”.

ESTAMOS ANTE UN TRABAJO mucho más bailable para el que han absorbido también su entusiasmo por artistas como Underworld, KLF, Dopplereffekt o Plastikman, en especial en el caso de Pierrot, productor de la banda. Pero sobre todo, empapaos de esa canción llamada “Emo”. “A nosotros nos encanta. Es de esas canciones que siempre tenemos en la cabeza. Ese estilo tan puro de electro nos representa bastante, y desde siempre. Pierrot nos empuja mucho hacia este tipo de sonido, al igual que hacia el techno”.

BRUNO GARCA

TOP VÍDEOS.

1Vídeo de extraordinaria factura visual, en el que las obras expuestas en una galería de arte cobran vida a ritmo de trap. Gran tratamiento de la imagen y un montaje de corte impecable.

2“Smoke” es su himno pop y el clip tenía que estar a la altura, por eso la propia Caroline explota en un juego de sombras y colores su esbelta y fina silueta, para erigirse en la absoluta protagonista. ¿Diva pop? Sí, pero rara.

Simpático video colorido a base de croma, que se adapta como un guante en cuanto a vitalidad y ritmo al tema que nos presentan los australianos The Cat Empire. Una “Thunder Rumbles” de lo más salsera, muy capaz de ponerte las pilas.

4

Enrique Bunbury nos invita a realizar un introspectivo viaje a Alaska para que disfrutemos de sus hermosos paisajes. Un tema para acompañar la lectura de un libro de Jack London o James Oliver Curwood.

5

Clip que nos muestra a la cantante en un escenario sobrio y elegante que va variando de iluminación y color al ritmo de la samba-disco del tema. No es demasiado original, pero sí resulta efectivo. MS

QCazzu Brinca (ft.Young Miko)

QCaroline Polacheck Smoke

Q 3The Cat Empire Thunder Rumbles

QBunbury Alaska

QJessie Ware Begin Again

“La mera sensación de componer música nos otorga una especie de poder”

Cuatro baterías y un fatídico

Bala perdida

EL CORAZÓN DEL MÚSICO no habría podido con un cóctel letal de diez fármacos, opiáceos, drogas y antidepresivos. El grupo canceló su periplo mundial, y tras el shock tardó cinco meses en homenajearle en sendos conciertos en Londres y Los Angeles. Dave Grohl confirmaba a principios de año que su banda continúa, con gira incluida. Sólo semanas después del fallecimiento un polémico reportaje en la revista Rolling Stones lanzaba preguntas inquietantes que cayeron como una bomba en un mundillo que tiende al corporativismo blandito. Al parecer, Taylor llevaba tiempo al límite de su capacidad física. Nada nuevo, en realidad. Dos de los ilustres y admirados predecesores de Hawkins –los británicos Keith Moon de The Who y John Bonham de Led Zeppelin– corrieron una suerte similar. Aunque la banda de Dave Grohl proyectaba la imagen de grupo sano,

ciertos patrones se repiten: alcohol y drogas, montañas rusas emocionales, presión enorme, giras agotadoras, inseguridades…

SIEMPRE HAY QUE IR al factor humano. Los músicos no son ni extraterrestres ni dioses del Olimpo. Se suele pasar por alto un hecho objetivo: si hablamos de rock, el puesto de batería suele ser el más exigente. De hecho, Matt Cameron, cuya veterana banda Pearl Jam ha tenido la sabiduría de espaciar sus conciertos, se sinceró a los periodistas en aquel artículo de la discordia: “Es como si tuviéramos que correr un maratón cada vez que subimos a un escenario, simplemente porque la música requiere ese tipo de energía”. Y a fin de cuentas, ¿quién podía sustituir a Taylor? Por cierto, que Cameron acaba de desmentir haberse unido a sus amigos los “Foos” para su nueva gira norteamericana. Habría sido demasiado. ¿O no?

TAYLOR YA HABÍA FLIRTEADO con el lado salvaje. Estuvo a punto de morir de una sobredosis en Londres hace dos décadas. Ejemplos tenía en la aristocracia rockera. Y como buen melómano fan de esta peculiar mitología que hace culto del exceso, era muy consciente de ello.

Keith Moon, de The Who, representa la máxima expresión del gamberro incontrolable. Un bala perdida excéntrico, imprevisible y por momentos irritante, a quien sus compañeros soportaban por su extraordinario talento. El desastre y el escándalo seguían a un músico que además de ser un chalado, era un alcohólico empedernido. Sus payasadas acabaron abruptamente en 1978. Moon había comprado todas las papeletas para acabar mal.

Viendo su estado en el barroco musical de Ken Russell “Tommy” (75), alguna mente despierta podría haber concluido que la catástrofe estaba a la vuelta de la esquina. Ya en las sesiones de “Who Are You” (78) el músico había dado sobradas muestras de no estar bien, pero la inercia del caos se impuso: así que el anunciado desastre se consu-

Con su muerte en Bogotá hace un año, Taylor Hawkins (Foo Fighters) se unió al panteón de baterías insustituibles malogrados prematuramente. Una historia triste con ecos del pasado.

TAYLOR HAWKINS PETE DE FREITAS

destino

maría el 7 de septiembre de 1978, tres semanas después del lanzamiento del álbum. Moon se puso a dormir después de desayunar y nunca se despertó. La noche anterior él y su mujer habían estado en una fiesta en Covent Garden. La autopsia certificó que se había tomado treinta y dos pastillas sedantes de un fármaco con el que trataba su alcoholismo. Qué cosas: había cumplido treinta y dos años pocos días antes.

“Podría haber pasado en cualquier momento”, reconoce Daltrey en sus memorias. Pete Townshend se lo temía igualmente, pero se engañaba pensando “que nunca sucedería”.

Tras su muerte, el guitarrista se empeñó en enrolar a Kenney Jones, batería de The Small Faces. El invento no funcionó, y después de grabar un álbum irrelevante, el cuarteto bajó el telón en 1982. Moon era, en efecto, insustituible.

El talón de Aquiles de Bonzo

EL ESTILO CAÓTICO Y TORRENCIAL de Moon era opuesto al del legendario batería de Led Zeppelin. John Henry “Bonzo” Bonham era un súper dotado que articuló el sonido de la batería de rock llevándolo a una nueva

dimensión con su pegada y clase. Lo tenía todo. Pero como le sucedía a Moon, el talón de Aquiles del hercúleo batería total estaba en la bebida. Murió justo dos años después que su caótico y brillante compatriota, y a su misma edad.

Había formado con sus compañeros Led Zeppelin en 1968. Su tremenda pegada e innato sentido rítmico contribuyeron al ascenso irresistible del cuarteto, convertido en una de las instituciones rockeras más grandes del mundo, con una sucesión de discos y conciertos legendarios, que llevaron al grupo a embarcarse en un estilo de vida peligrosamente excesivo. A punto de emprender una gran gira por Estados Unidos en apoyo de “In Through The Out Door” tras tres años sin casi pisar los escenarios, el 24 de septiembre de 1980 Bonham llegó a los ensayos de los estudios Bray con dieciséis chupitos de vodka en el cuerpo.

Unas semanas antes se había desplomado en medio de la tercera canción durante un concierto en Alemania. El grupo se apresuró a desmentir que la causa hubiera sido la botella. Pero Bonham era un alcohólico de libro, y en aquel fatídico ensayo de septiembre iba a redoblar su ritmo etílico hasta el colapso, quizá como reacción a las exigencias que podía esperar de la carretera. Por la tarde todos fueron a la casa del guitarrista Jimmy Page en Windsor. Bonham se quedó frito, y a medianoche le llevaron a una cama a dormir la mona. En la tarde posterior el tour manager y el bajista John Paul Jones le llamaron, pero se había ahogado en su propio vómito.

En diciembre de ese mismo año la banda emitió un comunicado cerrando la puerta a cualquier posibilidad de continuar sin él. En un concierto de 2012 Jimmy Page y Robert Plant enrolaron al hijo de John, Jason, en un bonito guiño y epílogo a su enorme legado.

El héroe olvidado del post-punk

NO HABÍA CUMPLIDO los veintiocho cuando Pete de Freitas, impecable y atormentado batería del grupo de Liverpool Echo and The Bunnymen, falleció en un accidente de moto en la carretera inglesa A 51. Iba de Londres a Liverpool en su Ducati de 900 cc. Estamos en junio de 1989. Hace un par de años que ha vuelto al redil, después de una temporada en Nueva Orleans, donde sus crisis de ansiedad se agravaron. De Freitas había ingresado en la banda en 1979, reemplazando la caja de ritmos con la que Ian McCulloch, Will Sargeant y Les Pattinson trabajaban. El músico se dirigía en su moto a ensayar con el nuevo vocalista Noel Burke, pero la prueba nunca tuvo lugar. Otro gran músico de las baquetas malogrado por los demonios interiores, las drogas y un destino adverso. Años más tarde, Ian se referiría a la última etapa del batería como “una misión suicida”. JC. PEÑA

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KEITH MOON JOHN BONHAM

41/Mondo VINILOS

Shame

Food For Worms Dead Oceans/ PopStock!

POST-PUNK / La banda londinense es una de las más inspiradas de la penúltima hornada crecida al amparo del Windmill Brixton. Un debut prometedor fue seguido por una secuela tan ambiciosa y brillante como cerebral, y oscura; en su tercer asalto recuperan la espontaneidad añadiendo luz, y la jugada les sale mejor que bien, aunque la segunda cara no llegue al nivel de la magistral primera. Producido por el prestigioso Flood (Depeche Mode, PJ Harvey), el álbum, registrado esencialmente en directo, se plantea como celebración de la vida y uno de sus grandes alicientes, la amistad. No quiere decir esto que se dejen por el camino su lado más arisco ni sus inesperados requiebros. Pero hay una deliberada voluntad expansiva que se traduce en grupo tan pletórico en lo instrumental como abierto a permitirse sus registros más variados: de la complejidad de “Fingers Of Steel” al funk punk frenético de “Six-Pack”, la ferocidad de “Alibis” o la ternura de “Adderall”. JC

PEÑA

Yung Beef Gangster Paradise La Vendición

POP ELECTRÓNICO / Dave Gahan explicaba que con la pandemia, y el duro golpe del fallecimiento de Andy Fletcher, se llegó a plantear que había llegado la hora de cerrar la puerta de Depeche Mode para siempre. Sin embargo, no contaba con un Martin Gore cuya creatividad estaba en su mejor momento y que rescató a Dave de esa oscuridad para llevarle a una luz cómoda y brillante que sigue llenando de vida el grupo. “Memento Mori” es así un álbum de transformación, construido con Andy en vida y que tristemente se ha llenado de un significado muy especial con el fallecimiento de este. Martin sentía que tenía que colocar las piezas en orden, expulsar todos los golpes recientemente vividos en canciones, depurar y que todas esas obras ya creadas no que-

daran sepultadas en un agujero negro para siempre. Ese punto y aparte les quemaba a ambos por dentro y solo lo podían expulsar explicándolo y desarrollándolo a través de la música. Así surge un disco con un claro mensaje de aprovechar la vida hasta el último segundo y no perder el tiempo. Dolor, amor, nuevas direcciones... Un disco de romanticismo y fantasmas, que construye un nuevo sentido para la banda a través de la esencia de siempre. A estas alturas el ahora dúo ha conseguido crecer apostando por una producción más luminosa y directa de la mano de James Ford (Gorillaz, Klaxons, Arctic Monkeys) con el que dieron vida a “Spirit” y la magia analógica de Marta Salogni (Björk, M.I.A.). Dejan de lado la lucha política y logran convertir el desencanto que tienen hacia un mundo agotado en: ilusión, resurrección y positividad. Además, por primera vez, Martin se apoya en alguien externo, Richard Butler (The Psychedelic Furs, Love Spit Love), para reforzar el proceso creativo y realizan un cambio de localizaciones llevando la grabación al propio estudio de Martin como huida de todo aquello que les recordara a Andy. ÁLEX JEREZ

TRAP / Yung Beef publica el que probablemente sea su mejor trabajo desde que hace cinco años viera la luz una de las obras magnas de la música urbana en España y, sin duda, el mejor álbum trap del estallido del género en la península. ¿Se acuerdan de “ADROMICFMS IV”? “Gangster Paradise” funciona como la secuela espiritual de aquellas maquetas que vieron la luz hace ya diez años y que le valieron a Yung Beef la irrupción en la escena de la que todavía sigue siendo pope. Su versión del “Stan” de Eminem –“Jony”– o sus homenajes a Lana del Rey encuentran continuidad en este EP en el que vuelve el Yung Beef más sentío y oscuro; más lírico y melancólico. “Palm Demons” entra directo al top de lo mejor del de Granada; y el resto de temas le llevan a ese punto en el que se muestra como uno de los mejores músicos en lo suyo del país, con un estilo propio que nadie es capaz de replicar.

LUIS M. MAÍNEZ

Depeche Mode

Memento Mori Venusnote/Columbia

Depeche Mode: la muerte no es el fnal

POP / En Boygenius nos encontramos con tres personalidades distintas (Phoebe Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker), pero complementarias. Aquí no hay competitividad alguna entre ellas, sino sororidad y, sobre todo, ganas de crear algo realmente juntas. Lo bueno (o mejor) de “The Record” es que nos ofrece justo lo que esperábamos. Y es que las sorpresas no son necesarias cuando tienes un puñado de canciones estimulantes que ofrecer, las mismas que las confirman como unas estrellas en ciernes. Con aplomo y mucha seguridad, comienzan a modo de introducción y a tres voces con “Without You Without Them”. A partir de ahí, ramalazos alternativos de aquellos de hace treinta años (“$20”, Satanist”) y estribillos pegadizos (“Not Strong Enough”), hasta llegar a una “Letter To An Old Poet” que nos deja muy claro que Boygenius no es para ninguna de ellas un pasatiempo, sino que tenemos grupo para rato. TONI

Liturgy

93696

Thrill Jockey

La trinchera pop de Iván Ferreiro

POP / Empecemos por lo obvio: la nasalidad, la extrema gravedad, los arreglos eternamente repetidos. Hay muchas cosas por lo que los discos de Iván Ferreiro son excesivos y mogollón de veces, directamente, raros. Como combinar azul y negro. Pero el gallego es un incansable –necesidad básicamente– de hacer canciones. No es menos verdad que en cada uno de sus largos hay innegociables. Arranca “Trinchera pop” con una vitaminada “Canciones para no escapar”. Los gorgoritos mágicos del cantautor, la melodía infinita, la épica del teclado. Otra más. Como “En el alambre”. Densísima. Un bocata de tormentas. Misma intensidad que “Casa” (16), pero sin tanta urgencia. Una rueda compositiva en la que hace tiempo que entraron colegas de oficio como Coque Malla. Los vientos, la

parafernalia, pero encima siempre, la canción (“Pinball”). Incluso en ejercicios de estilo tan retorcidos como el cierre, “En las trincheras de la cultura pop” (sinfónica de “Spring 1” de Max Richter). Ferreiro libérrimo junto a su hermano Amaro y Ricky Faulkner. Entremedias, el disco cae en un letargo extraño, con más juegos de palabras de los habituales. También resulta sospechoso el pulso electrónico que adopta el álbum hacia la mitad (“Dejar Madrid”). Pero al final es un tempo que agrada, que invita a mirar por la ventana, a tomar un vino, a hablar por encima de él incluso. Una intensidad sosegada que casa con la apuesta selvática junto a Tanxungueiras de “La humanidad y la tierra”, derroteros parecidos a los de su compatriota Xoel López. No miente Iván Ferreiro cuando asegura que todo está en el espectro del pop. A lo que él ha dedicado, afortunadamente para nosotros, una vida. Y que ha contribuido a ampliar con elegancia y temple. La nasalidad, la extrema gravedad, los arreglos eternamente repetidos de siempre, pero junto a un montón de virtudes sumadas por los años y las canciones. Si existen los pastafaristas, también caben los ferreiristas. YERAY S IBORRA

METAL / Haela Ravenna Hunt-Hendrix va a por todas. En todo momento se nota que Liturgy se fundó mientras estudiaba composición clásica y filosofía en Columbia. Meterse en profundidad en esta obra es un viaje de aprendizaje y experimentación, casi como una visita a un museo musical. La epopeya comienza con “Daily Bread” una intro inquietante que da lugar al despliegue monumental de recursos de “Djennaration”. Aquí lo épico y lo solemne se cruzan con un alma sumida en el vacío, omnipresente en casi todas las canciones y expresada por medio de una voz que no despega de la media deathmetalera, pero logra expresar dolor como pocas. Para el turno de “Haelegen” –ópera grindcore– el disco comienza a ser realmente exigente para el oyente. “93696” podría ser el sumario del disco con sus más de catorce minutos en los que se atraviesan climas tribales, contratiempos épicos y orquestaciones impactantes.

ADRIANO MAZZEO

CASTARNADO

Iván Ferreiro Trinchera pop Warner

POP / U2 se apuntan a la moda de revisar su catálogo, y quizá sea por ese estatus que ostentan y porque los buenos tiempos prevalecen en el subconsciente, pero lo cierto es que el caso de los irlandeses resulta especialmente sangrante. El cuarteto apuesta por presentar versiones ralentizadas, semidesnudas o directamente acústicas, en una tendencia que resalta sin disimulo la parte más hortera de las composiciones, guiada en todo momento por la aquí tremendamente empalagosa y autocomplaciente interpretación de Bono. Sucede una y otra vez, en una inercia que arrastra temas de diferentes épocas, pasados por idéntico tamiz y despojados de toda emoción primigenia. Una técnica devastadora que debería haber dejado a la luz aquellos valiosos mimbres sobre los que se sustentaron las canciones, pero que aquí deriva en recreaciones innecesarias en el mejor de los casos, cuando no desagradablemente artificiosas. RAÚL

CANCIÓN / El debut de Valeria Castro tiene lo justo para caminar, percusión y timple canarios, algunos arreglos a piano, bajos poco intrusivos, coros profundos. Una forma de atender la tradición que funciona como un tiro en el pop en ejemplos de la discografía de Sílvia Pérez Cruz o de la primera Rosalía. Nacho Mur (La M.O.D.A.), Alberto Torres o –entre otros– Çantamarta, unos cuantos productores, además de la misma artista, han hecho empastar las gracias para que “con cariño y con cuidado” sea agua corriente. Ha sabido la canaria acurrucarse en la vanguardia de toques añejos de artistas como Guitarricadelafuente. Manteniendo, por la paleta de temas usados, la forma pura y cristalina de expresarse de contemporáneos como Maria José Llergo. Castro es mucho de lo que necesitamos: canciones aterciopeladas en playlist de “Mediodía acústico”; también trasfondo si se va más allá. Puesta de largo versátil, muchos públicos a los que mimar. YERAY

S. IBORRA

Thomas Bangalter Mythologies Parlophone

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Cala Vento Casa Linda

2 Ginebras ¿Quién es Billie Max?

3 Valeria Castro con cariño y con cuidado

4 Iván Ferreiro Trinchera pop

5 Neuman Waterhole

6 Niños Luchando Territorio

7 Yung Beef Gangster Paradise

8 Nunatak Nunatak y la isla invisible

9 Charnego Regreso al futuro

10 30s40s50s Piloto

100 gecs

10,000 gecs

PUNK ROCK / Periferia es un nombre redondo para este cuarteto de La Roca del Vallés. Tan redondo como sus canciones, que entran solas y se pegan de forma irremediable. Resulta sorprendente la calidad que ha conseguido la banda si tenemos en cuenta su juventud y el hecho de que hayan apostado por la autoproducción. O puede que ésa sea precisamente la clave. Pep Miralles, el guitarrista del grupo, grabó y produjo estos once temas en Wheel Sound Studio. “Fortuna o discordia” supone su primer álbum tras el EP “Ruta al desvelo” (21). La música de Periferia tiene muchos matices: punk rock, hardcore melódico, rock urbano, pop, indie, metal… Su contundencia casa a la perfección con la preciosa voz y las profundas letras de Berta. Recuerdan por momentos a Elektroduendes, Zea Mays o Marea, pero suenan como ellos solos. Consiguen el punto perfecto entre guitarreo y poesía, contagiando a la primera su vitalidad. JESÚS CASAÑAS

CLÁSICA / Tras colgar el casco en 2021 y reconocer su reparo por el mundo moderno, el cincuenta por ciento de Daft Punk nos abre las puertas al lado más insólito de su carrera con su primer trabajo en solitario en veinte años y una colección de veintitrés movimientos en clave barroca pertenecientes al ballet homónimo de Angelin Preljocaj. A pesar de su dudosa accesibilidad, Bangalter nos acerca a un género denostado, demostrando ser capaz de salir de su zona de confort con versatilidad y elegancia. Una invitación poco ortodoxa a que desempolvemos nuestros libros de cultura clásica y nos adentremos en un mundo lleno de criaturas (“Les Minotaures”, “Les Gorgones”) y deidades (“Zeus”, “Aphrodite”) donde se irán componiendo ante nosotros los bosquejos de una historia rica en matices, tanto musicales como narrativos. La capacidad para contar historias a través de la música de Bangalter permanece intacta.

FRAN GONZÁLEZ

1 Boygenius The Record

2 Depeche Mode Memento Mori

3 Caroline Polachek Desire, I Want To Turn Into You

4 100 Gecs 10,000 gecs

5 Caroline Rose The Art Of Forgetting

6 Lankum False Lankum

7 Wednesday Rat Saw God

8 Metallica 72 Seasons

9 Shame Food For Worms

10 Unknown Mortal Orchestra V

Atlantic POP / El segundo álbum del dúo formado por Laura Les y Dylan Brady es una extensión de las idiosincrasias que marcaron sus esfuerzos anteriores: un sonido caótico y pirotécnico que mezcla pop-punk, nu-metal, chiptune, electrónica experimental y ska y una capacidad para explotar lo absurdo que les permite no estar limitados por ninguna regla. Aunque se ha reducido la intensidad del autotune, sigue siendo un disco hiperactivo y estruendoso, que se mueve entre paranoias inducidas por las drogas y delirios insomnes, gritos guturales y melodías deformadas. Sintetizadores abrasivos y percusiones martilleantes. Conceptos surrealistas como una canción de ruptura sobre sacarse las muelas, una oda a la amistad con una rana como protagonista o una duología sobre un asesino psicópata. Si funciona es porque el dúo trabaja siempre desde la más absoluta franqueza: es imposible no pasárselo igual de bien que ellos. SALOMÉ LAGARES

8

POP / Caroline Rose se suma a la lista de elegidos que, escarbándose el lado izquierdo del pecho con sus propias manos, extrae “The Art Of Forgetting”, una de esas obras que marcan un antes y un después, vital y artístico, en su carrera. Catorce descarnadas y emocionantes pistas a corazón abierto, fraguadas tras una ruptura sentimental y masticadas en absoluta soledad durante la pandemia. “El arte de olvidar” es puro duelo, reconstrucción y renacer a partir de la música, con Rose abriéndose en canal a base de sentimientos enquistados y la paleta sonora y vocal más rica y vibrante de su carrera. Atmósferas oníricas y electrónicas, preciosistas arreglos de cuerdas y explosiones pop liberadoras, con extra de melodías fraguadas en esa encrucijada sonora en la que David Lynch se bebe un cóctel para el mal de amores, mezcla de insomnio, veneno y desaliento, con sabor a Björk, Kate Bush, Beach House, Angel Olsen, Sharon Van Etten... DAVID PÉREZ

Caroline Rose The Art Of Forgetting New West

Ginebras: el pop era esto

Ginebras ¿Quién es Billie Max?

Vanana Records

POP / Pocas veces se tiene la oportunidad de sacar un disco con las tablas que da haber estado de gira con un debut, pero con la ilusión y la energía de una primera vez. “¿Quién es Billie Max?” es precisamente esa explosión de vida que solo da la experiencia. Con su segundo álbum de estudio, el cuarteto de Madrid se consagra como esas tías que logran hacer de la vida algo fácil, de lo cotidiano, algo extraordinario y de los contratiempos, auténticos himnos festivaleros. Bienvenidos a la montaña rusa que es caminar en los zapatos de Magüi, Sandra, Raquel y Juls. En once cortes logran crear una fiesta que no tiene fin. No hay espacio para la bajona, o por lo menos no para la bajona tal y como la entendemos. Nos transportan al indie-pop nacional de guitarras que quiso conquistar

Karol G Mañana será bonito Universal Music Latina

REGGAETON / Estamos ante el nuevo álbum de Karol G, un disco de reggaeton contemporáneo, con guiños al folklore latino, a las nuevas concepciones de deseo y seducción y con un espíritu pop en cuanto a que todas las canciones tienen una vocación mainstream clarísima. En este contexto, cuesta creerse lo bien armado que está el trabajo. Digamos que es la versión femenina y mejorada de “Un verano sin ti” (22) de Bad Bunny: cálido, honesto y adictivo. Sin embargo es un álbum bastante triste, para llorar bailando y bebiendo, y superar lo que sea que nos hayan hecho en el corazón. Karol G, sin duda, es la artista de reggaeton más importante del último lustro y éste, su mejor trabajo hasta la fecha. No esperen encontrar grandes alardes de estilo, ni revolucionarias formas de entender el lenguaje musical, pero uno lo escucha y puede sentir el sol en la piel. Hoy quizá no, pero “Mañana será bonito”, sin duda.

LUIS M. MAÍNEZ

los festivales de 2012 cuando aún creíamos que todo era posible. Buen rollo intergeneracional y atemporal. Sin grandes riesgos añaden vientos, rollito tropical y dificultad en sus cuerdas, saliendo triunfantes. Pero mientras que su sonido es pura luz, sus letras se comprometen a tratar su realidad en su totalidad, sombras incluidas. Durante los últimos años su vida ha dado un giro de 180°. Así que abrir este álbum es

Los Fusiles A mano armada Family Spree Recordings

ROCK’N’ROLL / Tres discos le han bastado a la formación andaluza para encaramarse hasta la cúspide del rock hecho en castellano. Filtrando el legado proporcionado por sonidos de castiza electricidad, léase Gabinete Caligari, Los Enemigos o 091, su personalidad se ha forjado entre el costumbrismo y un emotivo ímpetu. Agitando riffs “stonianos” en “A tumba abierta”, haciendo de “El Ritual” una furiosa enmienda a la totalidad respecto a la clase política o pertrechados tras el envite juvenil de unos Tequila en “Capitán”, sin embargo su nuevo trabajo discurre –siempre bajo ese identificativo halo melancólico–igualmente majestuoso cuando evoca ritmos funk o alarga su figura hasta empatizar con el folk de Bob Dylan en “La maestra”. Un versátil repertorio que reafirma su excelsa condición de alquimistas capaces de convertir sus historias cotidianas en himnos imperecederos. KEPA ARBIZU

envararse en un viaje loquísimo de estrella del pop emergentes. Es el descubrir la fiesta, los afters y la locura de un cabeza de cartel y estar agradecida por ello, pero también afrontarse a esos momentos de resaca y a la ansiedad que muchos vivimos. Incluso le dan espacio a los pequeños detalles que hacen de la tranquilidad de nuestra casa, cuando nadie mira, algo grande. EVA SEBASTIÁN

Charnego

ROCK / Se ha hecho esperar, pero, después de tres años desde que salió el primer single del disco, por fin tenemos entre nosotros el álbum de debut de esta súper formación, compuesta por nada menos que miembros procedentes de Biznaga, Atención Tsunami y Being Barber, entre otras moradas punk y post-hardcore. El resultado de aunar fuerzas desde tal crisol de frentes es arrebatador: nueve descargas afiliadas a la heterodoxia noise de mentalidad punk. Caligrafía insana de poderío brutal en el face to face. Energía sin filtros donde la rugosidad de la electricidad inflamada queda fabulosamente recogida desde la misma forma de captarla. En este caso, por medio de una grabación realizada en tres sesiones con una Tascam a ocho pistas en el Metropol. Las nueve canciones resultantes de esta operación dan con una mole sónica tallada en base a diferentes vías de expresión hibridadas por la visión multilateral.

MARCOS GENDRE

Furious Monkey House Oneiric Esmerarte

POP ROCK / Un disco para evadirse, como ellos mismos lo definen, pero también para situarse en la escena musical adulta. “Oneiric” se presenta como la entrada de Furious Monkey House en la mayoría de edad. En este disco siguen muy presentes referencias como The Rasmus y Evanescense y emergen ecos a Tatu (ojo al inicio de “Staying In The Sun”) y a artistas más actuales como Billie Eilish. Ellos, por su parte, aseguran que está inspirado en artistas como FKA Twigs, Telefon Tel Aviv, The Cure, Tame Impala, Björk, Sonic Youth y Portishead. De este modo, el rock noventero con el que nació el proyecto de los monos furiosos de Pontevedra suma la impronta del synth pop y profundiza en el sonido garajero. Once pistas en las que la voz de Mariña, ya no es tanto la de una niña. Once canciones con las que soñar sin embargo en que, por qué no, la música sí puede ser siempre un juego de niños.

AIDA L. ROSELL

Regreso al futuro Repetidor Disc

POP ROCK / A diferencia de su anterior trabajo, marcado por la pandemia, el sexto álbum en solitario de Kele Okereke se mimetiza con el desprecintado socio-afectivo vivido en el último año y nos permite atestiguar el lado más colectivo de su artífice a través de una óptica romántica y ácida a partes iguales. A golpe de guitarra, voz y caja de ritmos, el líder y vocalista de Bloc Party nos aproxima a su perspectiva personal de una Nueva Normalidad en la que el corazón nos pide calor (“I’m In Love With An Outline”) y pasión (“True Love Knows No Death”), pero también reflexiona sobre la inevitable melancolía que precede a la euforia (“The Colour Of Dying Flame”). Temas principales con los que nos recordará a su banda madre (“Vandal”), Kele abarca un sonido que aún no termina de encontrar su lugar entre referentes imposibles y colores primarios que se quedan cortos. FRAN GONZÁLEZ

ROCK / Sin llegar a los niveles de brillantez de coetáneos como Dinosaur Jr, el cuarteto de Seattle ha mantenido un nivel más que digno en su etapa más reciente. Así que la única baza del grupo es la inspiración de sus canciones, que aquí mantienen un nivel más que decente… con algún momento desinflado compensado con explosiones eléctricas de ácido rock cavernícola que remite a pasadas glorias juveniles. No es moco de pavo, teniendo en cuenta que estamos ante el duodécimo álbum de una carrera ininterrumpida. Aunque las sorpresas no abundan y el tono es un pelín más reposado, los de Seattle mantienen su gracia, con el sarcasmo familiar sobre las miserias del capitalismo y la sociedad. La banda encadena su mejor lado en una parte final coronada por el estupendo medio tiempo “Little Dogs”, en el que Arms declara su amor incondicional por los perrillos. Viendo el estado general de la Humanidad, no es de extrañar.

JC PEÑA

Metallica: relajarse no es una opción

Metallica

72 Seasons

Blackened /Universal

METAL / Hace más de tres décadas que Metallica no tiene nada que demostrar a nadie, aunque a estas alturas relajarse no es una opción. Partiendo del elevado listón recuperado con su anterior “Hardwired… To Self-Destruct”, su nuevo álbum arranca con una de las tríadas de apertura más contundentes y veloces que les recordamos: “72 Seasons”, “Shadows Follow” y “Screaming Suicide” marcan músculo recreando sus inicios thrash. Pero si algo destaca de entrada es la actitud y ejecución del cantante James Hetfield, quien luce brío y fiereza renovadas, mostrándose más libre y confiado de lo habitual. “Sleepwalk My Life Away” aminora la marcha y aporta armonías con mayor colorido; “You Must Burn!” crece en torno a un riff

pesado a lo “Sad But True”; mientras que las guitarras de “Crown Of Barbed Wire” suenan más que nunca a Black Sabbath. Una relativa heterogeneidad que coincide con una mayor presencia de Kirk Hammet y Robert Trujillo en los créditos, aunque también hallamos cortes más previsibles como “If Darkness Had A Son”. Pero si algunas canciones condensan la vibración de “72 Seasons” son “Lux Aeterna”, un festín de dobles bombos y urgentes punteos de guitarra, “Chasing Light”, “Room Of Mirrors” o “Too Far Gone?”, que recuerda por momentos su cover de “Breadfan”. Una recta final ascendente que rematan con “Inamorata”, medio tiempo de once minutos sustentado por dobles armonías de guitarra y unos riffs atonales que remiten tanto a “...And Justice for All” como a su álbum negro. Quién nos iba a decir que Metallica firmaría un disco como “72 Seasons” cerca de cumplir los sesenta y superados los cuarenta años de carrera. Un álbum imperfecto, sin grandes giros de guión, pero al mismo tiempo sólido y directo al grano que nos devuelve a la banda en forma. Disfrutémosla mientras podamos.

DAVID SABATÉ

MONDOVINILOS

The Zombies Different Game Cooking Vinyl

POP ROCK / El cuarto disco de The Zombies en el siglo XXI, después de reformarse alrededor de Colin Blunstone, su magnífico cantante, y Rod Argent, su compositor principal, autor de gemas como “She’s Not There”, “Tell Her No” o “Time Of The Season”, procedente de “Odessey & Oracle”, un disco que ha ido ganando adeptos desde 1968 y ahora no falta en ninguna lista de los mejores discos de la historia del rock. Es evidente que no han querido hacer una copia de éste sino que han optado por un batiburrillo de todas sus épocas. Hay momentos en que recuerdan más a sus comienzos, otras que parecen sacadas de sus aventuras posteriores, como el primer disco en solitario de Blunstone, o Argent, la banda que lideró el teclista después de The Zombies. Eso sí, siempre con las teclas y la voz como elementos unificadores. Aunque les ha quedado un pelín deslavazado, siempre es de agradecer escuchar una melodía de Argent cantada por Blunstone. SERGIO ARIZA

La enérgica sinceridad de shego

POP / Feminine rage. Ante un mundo así, ¿qué otra cosa nos queda? Una respuesta femenina física, cruda, que brota de las entrañas, y no pide perdón. Y si se hace a ritmo de pogo con las colegas, aún mejor. “Suerte, chica” es esto y mucho más. Después de su primer EP “tantos chicos malos y tan poco tiempo”, las madrileñas Shego regresan con su “mejor y único disco hasta la fecha”. Si breve y bueno, dos veces bueno. En poco más de veinte minutos juegan con el pop, el rock o el post-punk como les apetece. Con guitarras rock, bajos groovies (grabados por Irenegarry antes de irse del grupo), una pizca de psicodelia, arreglos electrónicos, baladas absolutamente pop y un descubrimiento club que ni tú ni yo esperábamos. Todo cargado con una enérgica sinceridad

que viene a reclamar todo lo que es suyo junto al infinito derecho a la irreverencia. Abren seductoras, algo oscuras, hipnóticas, con “siendo mala”. Rebajan el ritmo con “sorry ojitos”, y casi nos convencen, con su colaboración con Natalia Lacunza en “qué voy a hacer”, que el pop de baile de final de curso se ha apoderado de ellas. Pero lejos de las melodías, su angustia, casi furia, pasa por lo físico “arranca de cuajo toda esta maldad”. Toda esta manera de vivir las relaciones sentimentales estalla en el que fue el instant classic “LUCKY”. A partir de aquí, exigen el goce. “Quería vestirlo de seda”, pero “estoy cachonda”, un tema que todo chaval con llaves en un mosquetón querría haber escrito, pero nunca tuvo los ovarios de hacerlo. En “me lloro entera”, piden lo que merecen: estar todo el día en la cama con quien por fin lo hace bien. Y cuando te acostumbras a sus guitarras, se ponen las gafas de sol y te arrastran al club con “steak tar tar”. Su carta de presentación cierra con “Peggy Lee”. Podría haber sido una buena balada para cerrar, pero las tías lo tienen claro y lo culminan en un pogo agitado que reclama un presente tan bueno que ya no se eche de menos la infancia. EVA SEBASTIÁN

POP DE AUTOR / Nico Roig, ironía y ternura intacta, vuela libre y aparca las vaporosas texturas intimistas del pop metafísico de sus primeros pasos, abriendo un colorido abanico de sones y fragancias, con la luz mediterránea bronceando suavemente cada uno de los surcos del disco, explorando, abrazando y filtrando por sus propios poros músicas tradicionales del mundo. Acompañado por lo más florido del panorama jazzístico y folclorista del momento: Silvia Pérez Cruz, Rita Payés, Lucía Fumero, Alessio Arena, Alba Morena, Pol Batlle, Aleix Tobias, Cra Rosa, Dídak Fernández, Martín Meléndez, Juan Pastor, David Soler Pina, Ramón Mirabet, Elisabeth Roma, Horacio Fumero, y Juan Rodríguez Berbín entre otros. Once bandas sonoras para pequeñas-grandes historias con vida propia que te erizan la piel y dibujan una sonrisa poco a poco, como esa inesperada y refrescante brisa que para el tiempo tras un caluroso día de verano.

Nico Roig Esto frío no vale nada Foehn Records

DAVID PÉREZ MARÍN

shego

Suerte, chica Ernie Records

SFDK son inkebrantables

SFDK Inkebrantable

SFDK Records/ Altafonte

8

RAP / Nueve discos. No debe ser fácil después de nueve discos y más de treinta años encontrar nuevos caminos y motivacionales para hacer música sin repetirte ni aburrirte. Pero SFDK parecen hacerlo fácil. Es cierto que han publicado álbumes con mayor o menor inspiración, como todos los grupos con una carrera extensa, pero este “Inkebrantable” demuestra que siguen investigando y adaptándose a los nuevos tiempos. Aunque para ello tenga que perder algo de protagonismo el rap, ya que su sonido ya no es el de aquel con clara influencia americana como “2001 Odisea en el lodo” (03), ese hardcore oscuro de “Desde los chisqueros” (00). Pero todos debemos cerrar etapas para avanzar en la vida. Su música ahora bebe de otras fuentes como

30s40s50s Piloto Calaverita Records

flamenco, el blues, el reggae o el rock entre otras, y valga como ejemplo el variado elenco de colaboraciones que les acompañan: Lia Kali, Kase.O, Natos y Waor, Sara Socas, Bejo, Juanito Makandé o Kaze. Lo que provoca que en el disco hay momentos melancólicos como las canciones que abren y cierran el disco “Defectos y taras” y “La verdad”, momentos salseros como “Mambo” (con Kaze), baladas oscuras como “Sin ceros” (con Natos y Waor), una especie de continuación antisocial de

Puscifer Existential Reckoning: Re-Wired BMG

Refree el espacio entre tak:til-Glitterbeat

GIL ROYO

Tennis Pollen Thirty Tigers

/ 30s40s50s es la banda formada por Bely Basarte, David Otero y Tato Latorre, tres amigos y artistas de largo recorrido que han decidido salir de su zona de confort. Al unirse para componer por el simple placer de crear dieron forma a “Piloto”, su álbum debut. En él encontramos un estilo totalmente alejado de lo que hacen en sus carreras en solitario, con un sonido más cercano al punk-pop de los noventa. Se nota la libertad que han tenido especialmente en las letras, en las que dejan a un lado lo complejo y lo poético para traernos cosas más mundanas como las croquetas o las hipotecas. El disco está repleto de guitarras y BPM altos, aunque se atreven a experimentar más en canciones como “(S.XX)” o “(loquenoestáescrito)” y dejan hueco para emocionarnos en temas como “(tanagrio)” o “(másallá)”. Un punto de luz que muestra las bonitas sinergias que pueden surgir al salirse del patrón.

ROCK

7

ROCK / Puscifer entrega sus composiciones de “Existential Reckoning” a un puñado de prestigiosos colaboradores que deshacen y rehacen estas canciones de formas dispares. Entre otros aportes, Carina Round, vocalista de la banda, se hace cargo de “A Singularity”, destacando el poder hipnótico de la canción, llevándola a climas neblinosos. Su compañero Mat Mitchell toma “Bread And Circus” y la despoja de su interesante crescendo para hacerla sonar incluso más Depeche Mode que la versión original.

Troy Van Leeuwen (QOTSA) y Tony Hajjar (ATDI) deconstruyen genialmente el robotismo primario de “Grey Area” del modo que lo harían unos Talking Book. Por último el bajista de Tool Justin Chancellor y Scott Kirkland se lucen en “UPgrade”. En un contexto rítmico de drum’n’bass lento, Chancellor moldea el carácter etéreo del tema e irónicamente, logra mostrarle un carácter terrenal, digno de agradecer. ADRIANO MAZZEO

8

EXPERIMENTAL / Catorce piezas donde Refree da rienda suelta a su vertiente más experimental, tejiendo vaporosos y envolventes paisajes sonoros, a piano y guitarra, espectrales, sombríos y cegadores por momentos, con Monteverdi y “El lamento della ninfa” sobrevolando fantasmagóricamente a lo largo de los surcos. Del minimalismo más puro y bello, al ruidismo más inquietante, complejo y esquivo. Una paleta infinita de texturas que conviven, renacen, se desestructuran y explotan con la misma naturalidad, ahogándonos placenteramente en luminosos sueños o arañándonos la piel en la oscuridad más profunda y sudorosa de las pesadillas. “el espacio entre”, una evocadora obra elaborada a partir de dos bandas sonoras propias: música para una copia restaurada de “La aldea maldita”, clásico del cine mudo español, y para la premiada “Un año, una noche” (22) de Isaki Lacuesta.

6

DAVID PÉREZ MARÍN

48/Mondo Media

El guitarrista de La Habitación Roja e integrante de otra retahíla de proyectos musicales en las últimas dos décadas (Litoral, Fantasma #3, Lost Tapes) había publicado hace tres años un libro de fotografías, pero lo que no cabía suponer es que fuera a estrenarse en el mundo de la literatura con una novela tan notable como “Un día en la vida” (Aguilar, 23), tan sólida que no parece sustentar un debut.

HABLO CON PAU ROCA (Madrid, 1974) por teléfono sobre su libro: la historia de un hombre de mediana edad con un matrimonio convencional, un trabajo que detesta, una hija adolescente que la ha tomado con él y unos cuantos secretos que van a darle la vuelta a su vida en menos de veinticuatro horas.

—¿Surge este libro de la pandemia?

Pues fue post-pandemia. Se me ocurrió una historia, la semi soñé. Se la conté a Cris [Lomba], mi editora, y me dijo “pues escríbela y lo vemos”. Escribí unas páginas, se las enseñé a un amigo y a David Pascual, el escritor y músico valenciano Mr. Perfumme, que me dio unos consejos muy valiosos, y ya con algo más presentable se lo mandé a Cristina y me dijo que estaba bastante guay. Han sido dos años desde que empecé hasta la edición, bastante rápido.

Pero de un sueño no puede salir todo eso: tuvo que haber un enorme trabajo posterior, porque además en los sueños todo es muy borroso.

Tengo sueños muy plausibles, pero sí que es verdad que tuve que estirarlo por delante y por detrás, meter más personajes… pero la idea principal sí la tenía. Vi un documental sobre Gabriel García Márquez –obviamente no me voy a comparar con él– en el que decía que los libros hay que pensarlos antes de escribirlos, y yo pensé mucho las cosas antes de sentarme a escribir. Por eso creo que fue rápido.

Yo la veo muy sólida para ser una primera novela, ¿Tenías referentes literarios?

Antes de editarse, solo leyeron el libro tres o cuatro personas, entre ellos mi amigo Juan Collado, que me dijo que le recordaba

a lo que hace Herman Koch, el autor de “Casa de verano con piscina” (11). Pero bueno, a mí me gusta mucho la literatura americana, aunque creo que no hay un referente claro. Juan me dijo también que veía una voz propia, cosa que me animó mucho. Porque lo demás se puede resolver, como el diseño de cualquier personaje. Pero si no tienes una forma coherente de escribir, que es lo que yo más valoro de los escritores… A David Foster Wallace enseguida lo identificas, igual que a Ian McEwan. Ambos me gustan mucho.

Creo que trazas un retrato fiel de nuestra sociedad ahora mismo, en ocasiones un poco cáustico, con ese sentido del humor un poco cabrón, si me permites, que valoramos quienes te conocemos. Un humor poco complaciente, digamos. Sí, yo quería que fuera un poco hiriente. Incluso auto hiriente [risas]. El otro día un amigo me decía que cuando describo los viajes que ha hecho la pareja protagonista, le recuerdan a los que ha hecho él con su novia. Aunque el personaje protagonista no tenga nada que ver conmigo, su entorno es contemporáneo y sí es el mío. Quería que fuera un libro incómodo, sobre todo al principio. Creo que lo he logrado, porque hay hasta gente que se ha enfadado un poco y luego se ha reconciliado con el protagonista. Que les caía fatal y luego mejor. Se lo han tomado por lo personal, y eso para mí siempre es bueno.

Es cierto que el protagonista acaba cayendo mejor al final que al principio, y que la historia acaba mejor de lo que se podía prever. Es casi una novela de redención. Cuando se quitan todos los factores sociales que le rodean, empieza a ser mejor persona. Eso podría redundar en que sea la sociedad quien es culpable de su maldad, dicho de

forma no rigurosa, porque obviamente hay muchos más matices. En realidad, es una persona que simplemente ha hecho lo que tenía que hacer, y estamos en un mundo en el que hacer eso te convierte en mala persona.

La presencia de la música está bastante atenuada: el libro podría funcionar perfectamente sin ella. No la has utilizado como muletilla. Exactamente. De hecho, estuve a punto de no incluir absolutamente nada, pero David [Mr. Perfumme] me recomendó no renunciar al cien por cien a ella porque los referentes comunes, o no comunes también, ayudan. Son como un camino muy corto para describir a alguien. Cualquier referente artístico. Si dices que una casa es como la de la película “Psicosis” (Alfred Hitchcock, 1960), ya no necesitas decir nada más de la casa. Todo el mundo la tiene en mente. Pero sí, quería huir de la visión del músico.

Algunas presentaciones las haces con Jorge (Martí), tu compañero en La Habitación Roja. Creo que vuestros dos libros son reflejo de vuestros roles en el grupo y de cómo sois: el suyo es mucho más transparente consigo mismo, ya que es autobiográfico, mientras que el tuyo te muestra en un segundo plano, sirviéndote de la ficción.

Somos muy diferentes, y está muy bien. Recuerdo una vez que, con un chico que nos hacía videos, a la segunda ocasión ya se dio cuenta de que cuanto menos saliera en pantalla, por mi parte, mejor [risas]. Siempre le pedía no salir mucho. Queda un poco pomposo, pero me gusta que las obras hablen por mí, y si eres mi amigo ya nos sentaremos y hablaré todo lo que haga falta, pero no me gusta mucho la exposición pública. Y todo lo que tengo que hacer a través de la música lo disfruto, pero hay cosas que no me gustan tanto. Sobre todo, lo que tiene que ver con la imagen. Prefiero hacer fotos a que me las hagan. Así que nuestros libros son como prolongaciones de la forma de ser de los dos. Lo que está bien, porque si fuéramos los dos iguales, en cualquiera de ambos sentidos, la banda no funcionaría.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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Pau Roca Todo en un día

“Quería que este libro fuera hiriente”

CINE Y SERIES

Beef (Bronca)

Lee Sung Jin 8

PARA CONECTAR con el mensaje de “Bronca”, la nueva co-producción de Netflix y A24, hay que estar podrido por dentro. La buena y la mala noticia es que todos lo estamos en mayor o menor medida y no nos será difícil vibrar en la misma dirección que esa colección de miserias humanas incómodamente reconocibles que sus diez capítulos nos plantea. Ya bien seas un ñapas a domicilio, una florista reputada, un nepobaby sin talento o un parásito con cripto-aspiraciones, nadie se libra de ser una víctima más en esta selva posmoderna y capitalizada. Su potente carga narrativa (que no por terrenal y disparatada deja de ser menos significativa) desnuda la punta de un iceberg turbio y sepultado bajo capas de anhelos, frustraciones y vidas idealizadas, y de paso abre melones que se sienten casi como puñaladas

directas en la memoria de los tempranos millennials, quienes arrastran los pesados dejes de una generación anterior descreída y escéptica y la responsabilidad de representar, como conejillos de indias, una revolución social para la que no estaban preparados. Con todo, “Bronca” conforma un thriller existencialista que pone de relieve elementos tales como el suicidio, la virtud de la figura del terapeuta, la urgencia por no repetir patrones tóxicos o la necesidad por evitar terminar sumidos en una vida postiza y sin trascendencia. Un recordatorio de la importancia de prevenir antes que curar, pues de lo contrario nunca sabremos cómo de profundas pueden llegar a ser nuestras heridas emocionales hasta que un día alguien nos pite de mala manera desde su Mercedes SUV blanco.

FRAN GONZÁLEZ

ACOMPAÑAMOS a Ane (espléndida Patricia López Arnaiz), madre inmersa en una crisis profesional y matrimonial, en su vuelta a la casa materna del pueblo durante las vacaciones estivales, juntos a sus tres vástagos: su hija adolescente, el hijo mediano y el pequeño Aitor (una luminosa y espectacular Sofía Otero que nos estruja el corazón una y otra vez), de ocho años, que se hace llamar “Cocó” y que, cada vez más, crece y se desborda en su interior un sentimiento vital que la asfixia y empuja a querer llamarse Lucía. Esta sobresaliente y necesaria ópera prima de Estibaliz Urresola nos sumerge en la metamorfosis liberadora de un verano que lo cambiará todo, con la lucha, exploración de la feminidad y aceptación de la identidad de una niña trans como protagonista. Entre el rechazo y la extrañeza, rodeada de las mujeres de su familia,

20.000 especies de abejas

reflejándose en ellas y haciendo que todas repiensen su propio pasado, presente y futuro vital. Personajes habituados a interactuar según las normas establecidas en sus colmenas familiares, cada uno ocupando el puesto “que le tocó”, bajo el yugo de la fe y tradiciones religiosas, o por el peso cultural de los años, nunca cuestionado… Formas de vivir lastradas por vergüenzas y pudores pretéritos, generaciones acostumbradas a esconder y no compartir sentimientos y, poco a poco, esos deseos frustrados se tornan sufrimientos y terminan por enquistarse, atrofiando y limitando sus vidas y las de sus descendientes que, sin darse cuenta, repetirán patrones. Esa es la presa sentimental que Cocó volará por los aires, provocando una catarsis colectiva, transformando sus miradas y la nuestra.

DAVID PÉREZ

POCO IMPORTARÁ que nunca antes hayamos tirado un dado de múltiples caras, pues John Francis Daley y Jonathan Goldstein pergeñan en “Dungeons & Dragons: Honor Entre Ladrones” una trama absolutamente accesible para todos los públicos –desde los fans más acérrimos de la marca, hasta los que simplemente buscan pasar el rato entre acción trepidante y chascarrillos de humor blanco y ocurrente–. El evidente objetivo de sus responsables por llevar a cabo una nueva franquicia rolera y de corte fantástico delante de nuestras narices es un hecho indiscutible, pero es esa perspectiva divertida y desenfada, donde premia el hecho de no tomarse demasiado en serio a sí mismos, lo que hace que compremos con rotundidad este evidente intento de seguir sacando tajada de la oleada de nostalgia audiovisual

en la que vivimos. Se nos plantean un par de horas de asueto palomitero sin pretensiones a través de un enfoque arquetípico (un grupo de héroes, una misión, un viaje, un villano al que poner en su sitio), con efectos digitales dignos de las más grandes sagas fantásticas de los últimos años. Y a pesar de su innecesariamente extenso metraje, el carisma de sus personajes (con esa dupla cómica y afable formada por Chris Pine y Michelle Rodriguez o un enorme Hugh Grant entregándonos uno de sus mejores y más paródicos papeles), asienta desde el modesto tributo las bases ideales para una saga que busca consolidarse como la hermana distendida y gamberra de la fantasía fílmica, sin perder de vista una épica fundamental que le permite mirar de tú a tú al resto de títulos insignia del género.

FRAN GONZÁLEZ

LA TERCERA SERIE original de Filmin vuelve a reivindicar la autoficción como uno de los géneros imprescindibles para comprender la contemporaneidad. Fijándose en la estética de cineastas como Joana Hogg o Sofia Coppola, “Selftape” explora las consecuencias de la exposición pública desde un encuadre atípico, mucho más interesada en retratar una fama que condena a la soledad y al aislamiento que en repetir un relato sobre la masificación y los excesos. Farré esboza una Barcelona hopperiana, una ciudad impasible que se vacía cuando menos lo necesitamos. Pero sobre todo crea un dispositivo donde la figura de la cineasta se hace a un lado para subordinarse a las necesidades de Mireia y Joana, ambas estelares en este valiente ejercicio terapéutico. “Selftape” permite un relato

ausente de metáforas, explícito en cuanto a su descripción de la envidia, el abuso, la cosificación y la competitividad como valores implícitos a la tarea de la actriz. La serie señala los fantasmas de la industria audiovisual para ponerlos sobre la mesa, para que ya no sean más fantasmas sino figuras existentes que apuntar con el dedo. Sin embargo, es en aquellos episodios en los que la sinceridad se posa sobre las hermanas —y no sobre las actrices— donde “Selftape” despliega una emocionalidad indiscutible. Mireia y Joana nos abren las puertas de una privacidad muchas veces complicada, que habla sin filtros sobre lo impulsivo paradójico de compararse con aquellos que más quieres. “Selftape” consigue encontrar instantes donde el humanismo brota con una sinceridad instintiva.

DANIEL GRANDES

LIBROS

Extremoduro. Talento innato (Biografía no autorizada)

Jesús Casañas Alianza Editorial

Con el golpe frustrado del 23-F todavía demasiado reciente como para ser digerido, el asalto al Banco Central de Barcelona del 23 de mayo de 1981, en el que se tomaron cerca de trescientos rehenes, representa un instante fascinante de nuestra historia reciente por lo turbio de su naturaleza, por las contradicciones en su singular relato y por las intrigas existentes en los albores de la democracia. Mar Padilla ha dado en el pleno al haber identificado una historia de altísimo potencial mediante un ensayo que bebe tanto del periodismo de la vieja escuela como de las corrientes historiográficas de la segunda mitad del siglo XX. Una obra de altísimo nivel de la que es imposible apartar los ojos.

Me ha gustado eso de meterme en la biografía no autorizada de alguien que no me interesa demasiado. Esto, lejos de suponer un problema, ha hecho que me metiera más en este libro que, además, facilita su lectura al andar al galope entre el clásico relato periodístico y la biografía oral, no siempre fácil de hilvanar (y sé de qué les hablo). La estructura es sencilla, cronológica y a capítulo por disco de la banda entre 1989 y 2013. El hecho de no ser autorizada, además, le da ese poso de gamberreo que se aborda, eso sí, de manera bastante elegante y poco hiriente. Además, a Casañas le sale la vena musical – él es guitarrista– y aporta opiniones sobre la estructura o los arreglos de las canciones que son poco habituales en este tipo de obras.

EDUARDO IZQUIERDO

Boomers Bartolomé Seguí Salamandra Graphic 7

No imagino cómo, pero a Bartolomé Seguí todavía le queda tiempo entre adaptación y adaptación de las historias de Carvalho junto a Hernán Migoya. En “Boomers” recupera el espíritu cotidiano de las páginas que años atrás protagonizaron Lola y Ernesto, solo que con algunos años de más. El resultado son cien páginas en las que Seguí nos descubre la visión del mundo de sus personajes recién cumplidos los sesenta –en la línea de “Corredores aéreos” de Davodeau, Hermenier y Joub–. Lo hace a través de ellos, con tal naturalidad que funciona a la perfección como el reflejo de lo que bien podrían ser conversaciones reales entre el autor y sus amistades más cercanas. Y todo ello sin necesidad de plantear grandes conflictos. JOAN S LUNA

Calvin y Hobbes

Segundo volumen de esa impagable retrospectiva sobre los personajes de Calvin y Hobbes creados por Bill Watterson, que aúna aquellas historietas publicadas entre marzo y diciembre de 1995. El lanzamiento es otro producto de obligada adquisición, que incide con la habitual caustica del autor en el atractivo mundo de los personajes. Calvin y Hobbes vuelven a ofertar, en plena complicidad, no pocas lecciones de vida, de esas tan capaces de generar una reflexión como de dibujar una entrañable sonrisa. La especialísima imaginación de Calvin y la ironía de Hobbes confluyen, una vez más, en diálogos inteligentes y un tipo de humor específico que ejerce como bálsamo y deja poso esperanzador. Pocas veces un título estuvo tan bien elegido. RAÚL JULIÁN

En 2020, en plena pandemia, Mark Ribowski se metió en el berenjenal de escribir una biografía del que para muchos, aunque el escritor deja claro en estas páginas que ese mérito debería ser compartido, es el inventor del rock and roll. Y digo esto porque tras la excelencia de “Oooh my soul!!!!”, autobiografía del susodicho, cualquier cosa se hace inferior. Es el caso, vaya por delante, pero no tanto como puede parecer. Ribowski no necesita recurrir a un paginado excesivo –apenas llega a los dos centenares– para acercarnos al mito con las dosis suficientes de información y de opinión. Así que bravo por él. Por la osadía y por el resultado, que situaríamos en el excelente si no tuviéramos el precedente citado. Y, de paso, Dios salve a la reina. EDUARDO IZQUIERDO

El periodista Dan Ozzi –quien colaboró en la autobiografía de Laura Jane Grace– firma un libro imprescindible para cualquiera que haya disfrutado con el emo, el hardcore o el punk melódico de los últimos treinta años. En él, Ozzi relata los distintos periplos de bandas como Green Day, At The Drive-In, Jawbreaker, Jimmy Eat World, blink-182, Thursday y algunas más desde sus inicios hasta su fichaje por una multinacional –de ahí el título–.

Y lo cierto es que se profundiza bastante en cada caso, cada uno con su propio capítulo, tanto a través de los comentarios y la contextualización de Ozzi como a partir de las declaraciones de los propios protagonistas o de otros músicos del género que también adoramos.

A Víctor Santos le gusta tomar riesgos. Y el que se atreva con el clásico atemporal de Ray Bradbury es un nuevo ejemplo. Una adaptación de la que sale más que bien parado. Su trazo continúa siendo tan reconocible como siempre, su paleta de colores encaja a la perfección a la hora de retratar ese mundo que se va al carajo en un futuro distópico que algunos querrían convertir en realidad y su buena mano para espigar lo importante y esencial de la novela de Bradbury vuelve a convertir este volumen en un cómic ideal para acercarse a esa literatura que todavía tiene mucho que enseñarnos. Quizás por ello se muestra muy fiel al texto del escritor estadounidense hasta llegar al final de la obra, momento que aprovecha para aportar su grano de arena. JOAN S. LUNA

Podríamos decir sin miedo a equivocarnos que “Por culpa de una flor” es una barbaridad. Portento de luz y de color, de expresividad, de auténtica experiencia sensorial casi sinestésica. Las páginas de Medem no solo se admiran y se leen y se vuelven a admirar y leer. Ahí encontramos paz, pero una paz no necesitada por el estrés de la vida contemporánea, no. Una paz recobrada, una que ya vivimos antaño, en la niñez, en la vida inocente antes de la falacia presente. Antonia cuida de una flor o quizá es al revés. Vienen los sonidos de la mañana, las fragancias de la primavera y, de repente, la otredad. Una presencia humana inesperada que irrumpe para confirmar que uno existe y tiene cuerpo y alma. ¿El cómic puede ser poético? El cómic debe ser poético.

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TIENE PUNTOSUES

PODCASTS

Detrás, con un revólver

Pablo G. Batista

El asunto de la ruptura Sabina-Varona merecía un bis. Este llega en forma de podcast, de nuevo de la mano de la gente de SONORA, que se están empeñando en hacerse con un lugar de honor en el panorama podcast del momento en España. A través de la voz y la memoria de Pancho Varona, y no solo de Pancho Varona, sino de otros muchos nombres que viven en la leyenda sabinera, “Detrás, con un revolver” descubre y repasa los momentos más importantes de la trayectoria de Sabina narrados desde muy cerca, tan cerca que a veces las emociones superan el relato y lo sitúan en un contexto intimísimo, desnudando los vicios y las virtudes no solo del poeta y cantante, sino de su entorno y de su lugarteniente a lo largo de cuatro décadas. LUIS M MAÍNEZ

PODCASTS MS

Aquí hay tema

“Aquí hay tema” es un podcast de Fundación SGAE que pone el foco en algunos de los temas más candentes de la industria musical española. En este segundo capítulo de tendemos puentes de ida y vuelta entre Latinoamérica y España. Encuentros internacionales como BIME Bogotá, que celebra del 3 al 6 de mayo su segunda edición, estrechan lazos entre las industrias musicales de ambos lados del Atlántico.

Nacho Vegas

Brazalete Negro

Aitor Lagunas

“Brazalete Negro” une dos fenómenos: fútbol y podcast, que, como pasa con la música y el podcast, parecen idóneos para caminar juntos. Lo hace desde una intuición: muchos oyentes de podcast lo hacen para escuchar programas de true crime, ese género que cada día está más de moda no solo en formato podcast. Un crimen puede ser también un escándalo de corrupción; un proceso judicial en una dictadura, falsas acusaciones para dinamitar una carrera… Aitor Lagunas y su equipo han conseguido lo que parecía imposible. Hacer un podcast de fútbol que no es de fútbol y que a los fans del balompié no nos parezca un menosprecio intelectual al deporte que tanto adoramos y, al mismo tiempo, un programa para que los más críticos con él tengan motivos de verdad para serlo. LUIS M. MAÍNEZ

ESPECIALES WEB

Nacho Vegas y su banda han retomado su gira por salas que durante el mes de mayo los llevará por Cádiz, Sevilla, Badajoz y Cáceres. Aprovechando la ocasión hemos invitado al asturiano a participar en nuestro podcast Música + Charla para hacer un repaso a su extensa discografía a través de sus canciones.

Led Zeppelin

Ahora que se cumple medio sigo de la publicación de “Houses Of The Holy” de Led Zeppelin, cabe recordar por qué su escucha invita a hacernos pensar que, ante la dificilísima elección de su obra cumbre, esta quizá sea la que tenga más papeletas para ostentar ese título.

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